Outubro é o mês mais amado pelo Persona. Cheios do espírito macabro do Halloween, agitamos nossas produções com o Mês do Horror e cobrimos com afinco a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Como comentar sobre tudo isso ainda é pouco, nós também demos vida ao Clube do Livro e as indicações da Estante do Persona. Para fechar nosso mês favorito com chave de ouro, chegamos para comentar as novidades da TV e do Cinema no Cineclube de Outubro.

Foram 31 dias recheados de lançamentos esperados. Começando com sequências do Terror para honrar o mês, Halloween Kills: O Terror Continua tenta dar sentido para as matanças de Michael Myers, mas garante a continuação da franquia graças aos atos horrendos do protagonista. Quem também voltou pela Paramount+ foi Atividade Paranormal 7, com traços da história original e inovando sua narrativa. Já a aposta da Netflix, Tem Alguém Na Sua Casa, degringolou como mais uma trama conhecida de jovens tentando descobrir a identidade do assassino. 

Ainda para os amantes do gênero slasher, o remake de Slumber Party Massacre acabou com os problemas do filme original e expandiu com irreverência a sua trama clássica dos anos 80. Com o mesmo sucesso, American Horror Story: Double Feature gastou tempo dividindo a décima temporada em duas histórias distintas, e foi destaque ao conquistar a aprovação total da crítica na primeira delas.

Enquanto isso, o Amazon Prime Video investiu mais na antologia de terror Welcome to the Blumhouse e trouxe ao mundo O Bingo Macabro e A Mansão, que deixaram os sustos de lado para trabalhar a relação entre a trama e seus personagens. Outro longa entre os lançamentos é Madres, Mães de Ninguém, com sua narrativa dramática e inspirada em fatos reais. O longa de Ryan Zagoga captura os horrores dos imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, por isso merecia um desenvolvimento como drama dedicado.

Sucessos da Netflix, Você e Maid, também partilham dessa pegada dos terrores da realidade com protagonistas femininas arrebatadoras. A terceira temporada de Você amadureceu seus conflitos e mostrou como psicopatas brincam de casinha, enquanto a estreia de Maid causou exaustão emocional pela sua trama complexa que fala de pobreza, trauma e agressão.

Outras queridinhas da plataforma tudum que lançaram novas temporadas foram Sintonia e On My Block. Coproduzida pelo KondZilla, Sintonia segue na sua caminhada em mostrar como o poder funciona dentro das favelas brasileiras. Por outro lado, o quarteto do subúrbio de Los Angeles se despediu com fraqueza, pois a última temporada de On My Block empobreceu os desfechos de seus personagens.

  Para os fãs de Round 6, My Name é a nova produção sul-coreana de grande destaque. Além da performance de Han So-hee como protagonista, a narrativa equilibrou ação e sensibilidade estando entre uma organização criminosa e a polícia. Os Muitos Santos de Newark também trabalhou a temática de organizações poderosas ao contar a vida de Tony Soprano antes de ser chefe da máfia italiana. No entanto, nenhuma das produções acima  fez tanto sucesso quanto a primeira temporada de Only Murders in the Building na mistura perfeita de um elenco brilhante, humor e mistério.

No gênero de Ação, o grandioso 007 – Sem Tempo Para Morrer era o mais esperado. Depois dos 15 anos de Daniel Craig e seu James Bond, a aposentadoria chegou em um filme empolgante, emotivo e explosivo que fez jus à saga. Duna também deu o que falar com Zendaya, Timothée Chalamet e Oscar Isaac no elenco. Baseado no livro homônimo de Frank Herbert, o longa exibiu a disputa de poder no universo intergalático à altura da obra. E como não poderia faltar a parceria Marvel e Sony, Venom: Tempo de Carnificina foi um recorde nas bilheterias brasileiras. Com Tom Hardy protagonizando o segundo filme ao lado de seu amigo alienígena, Venom 2 ficou entre ser engraçado e superficial.

As expectativas foram grandes na TV para a segunda temporada do premiado Ted Lasso. Seus episódios mais longos investiram ainda mais nos seus personagens, conseguindo marcar outros 3 pontos e ter um segundo volume ainda mais fenomenal. Quem também encantou foi a sitcom Pretty Smart e sua vibe Disney Channel em 2010, contando com a protagonização de Emily Osment – a nossa Lily de Hannah Montana. Com a mesma expectativa, The Walking Dead acendeu a chama da saudade no coração dos fãs de zumbis na primeira parte da sua temporada final.

Caminhando na contramão, a animação Injustiça: Deuses Entre Nós não foi digna dos Maiores Heróis da Terra da DC Comics. No Showtime, The L Word: Generation Q retoma The L Word depois de dez anos mas também segue presa ao passado, e mesmo com sua satisfatória repaginada, não retrata a vida da comunidade LGBTQIA+ nos dias de hoje.

E falando de vida real, Diana: O Musical estreou na Netflix mostrando o carisma e inteligência de Lady Di, mas esqueceu do drama necessário para falar de uma das maiores figuras do século XX. Já a coprodução entre Brasil e EUA do HBO Max, O Hóspede Americano, veio com um gosto amargo para contar a Expedição Científica Rondon-Roosevelt. Dando mais ênfase ao lado yankee, a minissérie lembrou a perda dos registros históricos brasileiros no incêndio do Museu Nacional de 2018.

Tentando alegrar nosso espírito, What We Do in the Shadows volta com qualidade para a sua terceira temporada cheia de humor, terror e vampiros malucos. No entanto, se nos confortamos com a comédia da FX, Cenas de um Casamento veio para quebrar de vez nossos corações. Terminando ao som de Chico Buarque, a produção original da HBO é uma obra-prima que mostra um casamento fracassado da forma mais complexa possível. 

Enfim, todos esses lançamentos não aliviam a perda de Gilberto Braga para a TV brasileira no mês de outubro. De Escrava Isaura à Babilônia, o talento do escritor deixou um leque de novelas e memórias nas pessoas de todo o país. Uma dedicatória ao legado do dramaturgo e muito mais sobre o que rolou no Cinema e na TV você confere no Cineclube de Outubro de 2021, sob a curadoria da Editoria do Persona e de seus Colaboradores. E deixamos aqui a pergunta mais importante que permeia a memória de um noveleiro digno: Quem matou Odete Roitman?

Falecimento de Gilberto Braga

“Quem matou Odete Roitman?”. Todo noveleiro já ouviu a pergunta acerca da morte de uma das vilãs mais icônicas da dramaturgia. Roitman é um marco na Televisão brasileira e sua vilania inspirou outras duas grandes personalidades: Nazaré Tedesco e Carminha. O criador da história é nada mais nada menos que Gilberto Braga, autor de 22 telenovelas que marcaram a TV brasileira, e que transformaram o formato de construir personagens e fazer novelas. Braga estava internado em Copacabana desde o dia 22 de outubro, e faleceu no dia 26 devido a um quadro de infecção generalizada.

Gilberto Braga fugiu do comum e parou o país com suas criações. Todo seu brilhantismo e talento era convertido em espaço para que os atores pudessem evidenciar pautas urgentes da sociedade. Foi o escritor que deu a Zezé Motta o primeiro papel de destaque na TV em 1984, na novela Corpo a Corpo, discutindo o racismo em horário nobre. Além das tramas incessantes, outro talento de Braga estava na criação de vilãs, más por natureza que demonstravam reflexos de um Brasil socialmente doente e desigual.

Seu primeiro grande sucesso foi a adaptação de Escrava Isaura, que até hoje é uma das novelas mais mais importadas da Rede Globo. Criador unânime de personagens, Gilberto Braga sempre teve um tato único para acertar o tempo e o tema a entrar em exibição no horário de maior audiência. Em Anos Dourados, o autor não permitiu que o país esquecesse a tirania dos anos de chumbo. Em Vale Tudo, além da figura de Odete Roitman, Braga falou sobre ética e, embalado ao som de Gal Costa gritando Brasil, escancarou a falta de integridade e a corrupção política. Marcando para sempre a memória do público e moldando a Era Disco no Brasil, Dancin’ Days estreou em 1978 com a história da ex-presidiária Júlia Matos (Sônia Braga) e a socialite Yolanda Pratini (Joana Fomm). Sua última novela, Babilônia, foi ao ar em 2015, com o beijo entre as duas gigantes, Fernanda Montenegro e Nathalia Timberg. – Ana Júlia Trevisan

Cinema

O Bingo Macabro (Bingo Hell, Gigi Saul Guerrero)

Após a chegada de um empresário misterioso à vizinhança de Oak Springs e a súbita abertura de um cassino oferecendo prêmios absurdos, os laços entre seus residentes são testados das formas mais cruéis. Parte do selo Welcome to the Blumhouse, O Bingo Macabro não oferece muitos sustos, mas seu roteiro ardiloso consegue construir muito bem o senso de comunidade entre o grupo de idosos que se põe contra a chegada do sinistro Sr. Big (Richard Brake).

Liderados pela feroz Lupita (Adriana Barraza), eles terão de enfrentar suas tentações mais profundas se não quiserem ser consumidos pelas promessas atraentes do novo Bingo. O longa de Gigi Saul Guerrero funciona devido às performances comprometidas de seu elenco principal e secundário, construindo pacientemente as relações entre seus moradores e suas tramas. Contudo, isso significa que o elemento de terror é relegado a aparições esporádicas e pouco marcantes, impedindo que o final da experiência chegue com força total. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Os Muitos Santos de Newark (The Many Saints of Newark, Alan Taylor)

Família Soprano é uma série muito aclamada, criada por David Chase, que conta a história de familiares que trabalham na máfia. Mesmo com seis temporadas, ainda há outros fatos posteriores ao show que ficaram de fora, como os vários motivos que propiciaram a ascensão de Tony Soprano. É justamente esse o ponto central de The Many Saints of Newark, filme de drama policial dirigido por Alan Taylor. O longa exibe os percalços, desde a juventude de Anthony Soprano (Michael Gandolfini) e seus desafios com os gângsters.

A jornada de Tony Soprano, registrada em The Many Saints of Newark, traz uma percepção ampla sobre a vida do mafioso antes de se tornar o chefe da máfia, mas ainda assim o spin-off apresenta muitas falhas. O roteiro, assinado por David Chase e Lawrence Konner, que escreveram alguns episódios da série original, não é muito envolvente. Mas apesar disso, a película conta com boas atuações, como no caso de Vera Farmiga, que deu vida a personagem Livia Soprano. Mesmo com alguns defeitos na construção de sua narrativa, o longa se mostra como uma recordação nostálgica para os fãs de Família Soprano. – Gabriel Gatti

Tem Alguém Na Sua Casa (There’s Someone Inside Your House, Patrick Brice)

Depois de lançar a trilogia Rua do Medo em 3 sextas-feiras seguidas, a Netflix parece ter percebido a legião de fãs devotos do gênero slasher, caracterizado pela presença de um assassino que mata várias pessoas utilizando uma arma específica, como uma faca. Tem Alguém Na Sua Casa, adaptação do livro homônimo de Stephanie Perkins, é o novo filme do streaming nesse estilo sangrento. 

Na trama, Makani Young (Sydney Park) se mudou do Havaí para o Nebraska para morar com a avó e terminar o Ensino Médio. Faltando pouco tempo para a formatura, seus colegas de classe começam a ser perseguidos por um assassino misterioso que expõe seus maiores segredos para a cidade toda. Enquanto todos estão aterrorizados, Makani e seus amigos precisam descobrir a identidade do assassino antes deles mesmos se tornarem vítimas. 

Tem Alguém Na Sua Casa consegue estabelecer bem o ambiente onde acontecerá o terror e apresenta personagens jovens interessantes, mas tudo é desenvolvido de um jeito bem morno. O filme diverte e consegue entregar algumas cenas tensas, mas passa a sensação de que já vimos aquela história antes e contada de um jeito melhor. Não chega a ser ruim, mas também não é nada memorável. – Caio Machado  

Injustiça: Deuses Entre Nós (Injustice, Matt Peters)

Uma das narrativas modernas mais irreverentes da DC Comics, Injustice finalmente ganhou sua adaptação animada. Nascida no videogame e logo esmiuçada em uma aclamada série de histórias em quadrinhos, a revolta ditatorial do Superman segue alastrando seu alcance. Nesse universo, o Homem de Aço, dessa vez animado na voz do querido Justin Hartley de This Is Us, perde o controle depois do Coringa (Kevin Pollak) causar a morte de Lois Lane (Laura Bailey) e do bebê ainda não nascido do casal.

A partir daí, cabe ao Batman (Anson Mount) parar o Super-Homem, custe o que custar. Mais otimista e menos carrancuda que sua história-mãe, Injustiça: Deuses Entre Nós abaixa o nível elevadíssimo do catálogo animado da editora, ao mesmo tempo em que mantém estática uma trama que já fora empolgante. Sob o comando do operante diretor Matt Peters, Harley Quinn (Gillian Jacobs), Arqueiro Verde (Reid Scott) e Mulher Maravilha (Janet Varney) desempenham papéis de destaque, em meio a um elenco não tão digno de dar voz aos Maiores Heróis da Terra. – Vitor Evangelista

Halloween Kills: O Terror Continua (Halloween Kills, David Gordon Green)

Depois de ser adiado em 2020 para outubro deste ano, não tinha como o assassino mascarado favorito do Cinema pular mais um mês do terror. Assim como Halloween 2: O Pesadelo Continua!, Halloween Kills começa imediatamente após o final de seu antecessor, partindo do princípio de que a noite está bem longe de acabar. Segundo filme da trilogia comandada por David Gordon Green, Kills sofre com os típicos problemas de pacing e roteiro de capítulos do meio, lutando para achar propósito nas matanças de Michael Myers.

Protagonizado mais uma vez por Jamie Lee Curtis no papel de uma das final girls mais famosas da Sétima Arte, o longa volta a seguir três gerações diferentes de mulheres Strode enquanto elas tentam descobrir como dar cabo do assassino aparentemente sobrenatural que as persegue. Judy Greer e Andi Matichak contracenam bem com Curtis, reforçando a dinâmica familiar proposta em Halloween (2018), mas sofrendo pela falta de espaço que a trama oferece para que essas relações sejam aprofundadas.

A verdadeira ambição de Halloween Kills está no aprofundamento da figura de Michael Myers e como ela se fortalece após cada sangrenta morte. Para isso, o diretor introduz diversos elementos que parecem promissores, mas que atrapalham no ritmo da obra, que se sai melhor quando foca nos atos horrendos de seu assassino, ao invés de interrogar a razão por trás delas. Apesar disso, seu final engata em uma sequência de puro slasher, nos deixando sedentos por sua conclusão no vindouro Halloween Ends. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Venom: Tempo de Carnificina (Venom: Let There Be Carnage, Andy Serkis)

O sotaque britânico de Tom Hardy vivendo a pele do jornalista meio fracassado Eddie Brock, e o humor cômico do parceiro alienígena que vive dentro de seu personagem nunca foram tão Marvelísticos e bombaram tanto na estreia como no segundo volume da franquia de Venom. Quebrando recordes de bilheteria durante a pandemia, Venom: Tempo de Carnificina surpreendeu dentro e fora dos cinemas brasileiros. O personagem de Venom é irresistível dessa vez: busca ser independente de seu humano, vive experiências de amor próprio em festas com estranhos e seus comentários hilários surgem no tempo certo. As opiniões estão divididas entre o alívio de ver a dupla bobona de Eddie e Venom, e uma história superficial que só consegue arrebatar uma proporção fantástica na cena pós-créditos. 

O segundo filme de Venom conseguiu um desempenho melhor do que o primeiro. Faltou história e carnificina, pois quem esperava matança à beça continuou na espera, mas sobrou humor em um elenco extremamente improvável com Cletus Kasady (Woody Harrelson) e Frances Barrison (Naomie Harris) sendo o casal vilão e serial killer da vez. Junto com Tom Hardy, os três são uma super bomba de atuação, principalmente tendo Woody em um papel tão específico quanto um psicopata dentro de um filme tonto. Mas a coisa desanda muito com o alienígena de Cletus Kasady: Carnage é filho de Venom – sim, você leu isso – e grita como um dinossauro de Jurassic Park. – Nathália Mendes

A Mansão (The Manor, Axelle Carolyn)

Um dos mais divertidos filmes vindos da Blumhouse Television para o Amazon Prime Video, A Mansão é um terror leve e descomplicado, explorando um lar para idosos através de uma recém-chegada que revela os mistérios sinistros da residência titular. Ancorado na relação entre Judith (Barbara Hershey) e seu neto, Josh (Nicholas Alexander), o longa de Axelle Carolyn é, dos lançados sob o selo Welcome to the Blumhouse, aquele que mais consegue equilibrar a atmosfera de terror com a narrativa de filme B.

O filme faz bom uso de seu orçamento limitado, confinando a maioria das personagens em um único espaço e construindo suas sequências ao redor do conhecimento que eles obtêm. Apesar de se indulgir em diversos clichês do gênero, a escolha de centrar a narrativa na dupla de avó e neto revitaliza os conflitos geracionais que estamos acostumados a ver nessas histórias. Com um final surpreendente e a boa vontade de não se levar a sério demais, A Mansão entrega exatamente o que promete. – Gabriel Oliveira F. Arruda

007 – Sem Tempo Para Morrer (No Time To Die, Cary Fukunaga) 

Depois de 15 anos, chegou a hora de nos despedirmos de vez do James Bond romântico de Daniel Craig. O astro já tinha demonstrado sua vontade de abrir mão do papel em diversas entrevistas anteriores e, ao assistir Sem Tempo Para Morrer, ficamos com a sensação de que ele esperou para dar adeus no momento certo. É um fim catártico para a era que começou com o ótimo Cassino Royale.

Na trama, James Bond finalmente se aposentou e agora vive na Jamaica. Sua paz desaparece quando um antigo amigo, Felix (Jeffrey Wright), retorna e pede ajuda para encontrar um cientista desaparecido. Relutante, o agente entra no caso e, rapidamente, a busca se torna uma corrida para salvar o mundo. 

007 – Sem Tempo Para Morrer é um filme tão empolgante que consegue até apagar a grande decepção que foi 007 Contra Spectre. A direção de Cary Fukunaga (True Detective, Beasts of No Nation) traz um novo olhar para as cenas de ação, utilizando da câmera na mão para deixá-las mais tensas e frenéticas. É um filme emotivo e explosivo, com direito a tudo que os fãs do personagem amam: romance, os gadgets, o vilão megalomaníaco, o mundo em perigo e o martini batido, não mexido. – Caio Machado 

Madres, Mães de Ninguém (Madres, Ryan Zaragoza)

Provavelmente o mais ambicioso da segunda leva de filmes chegando sob o selo Welcome to the Blumhouse, Madres é uma narrativa de terror dramática inspirada em casos reais dos anos 70. Graças a um elenco excelente encabeçado por Ariana Guerra e Tenoch Huerta e a uma fotografia expressiva, a obra captura o terror de imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, enquanto a direção de Ryan Zaragoza explora as complexidades da linguagem como conectora e separadora de comunidades.

A impressão que fica é que Madres teria sido melhor desenvolvido como um drama dedicado do que uma história de terror baseada na realidade. Do jeito que está, o longa de apenas 1h20min peca em seu segundo ato, não se aprofundando o suficiente em sua atmosfera para que seus sustos atinjam efeito máximo, sofrendo com o pouco tempo de tela e impedindo que a performance de Guerra como a valente protagonista se aprofunde na personagem. Porém, o filme acha sua mensagem no clímax e consegue impactar com horrores piores do que qualquer fantasia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Duna (Dune, Denis Villeneuve)

Duna exibe uma realidade em que os seres humanos do ano de 10.191 d.C, postos sob o domínio de um império espacial, vivem diante de uma disputa entre três famílias pelo planeta Arrakis. Nele, há a única fonte da cobiçada Especiaria, uma substância preciosa que permite as viagens intergalácticas. Nesse cenário, Paul Atreides (Timothée Chalamet), um jovem da aristocracia, recebe a missão de uma mulher misteriosa para embarcar em uma jornada ao planeta longínquo para manter a soberania do seu povo. A partir dessa trajetória épica, diversos obstáculos se instauram até a redefinição do cosmos.

Essa trama de ficção científica se baseia no livro homônimo de Frank Herbert. A narrativa ganhou uma adaptação no ano de 1984 sob a direção de David Lynch. No entanto, o filme foi produzido sem que o cineasta tivesse liberdade criativa no desenvolvimento da película, resultando em um desastre de crítica e bilheteria. Para esconder a identidade da autoria, algumas das versões foram creditadas a Alan Smithee, um pseudônimo empregado por diretores que renegam suas obras.

Após essa experiência catastrófica nas telonas, Duna retorna agora sob direção de Denis Villeneuve. A produção se iniciou em 2016, após o estúdio Legendary adquirir os direitos autorais do livro. A partir daí, houve um investimento pesado de US$ 165 milhões para o desenvolvimento do filme. Além disso, foi escalado um elenco com nomes como Javier Bardem, Zendaya, Oscar Isaac, incluindo ainda Timothée Chalamet como o protagonista da trama. Todo esse trabalho permitiu uma releitura interessante que faz jus à obra de Frank Herbert. – Gabriel Gatti

The Velvet Underground (Idem, Todd Haynes) 

Ao tratar da história de uma banda, vários documentários seguem o caminho tradicional: usar ordem cronológica, inserindo depoimentos dos membros ou de pessoas próximas e algumas filmagens de arquivo para ilustrar o que está sendo falado. Nesse sentido, The Velvet Underground, filme sobre a icônica banda de rock que dá nome ao título, opta por seguir um caminho fora do comum diante de outros filmes do gênero. 

O que mais chama a atenção no filme dirigido por Todd Haynes (Carol e O Preço da Verdade) é sua abordagem experimental ao se aprofundar na história do grupo e no contexto de grande efervescência cultural onde estavam inseridos: a Nova York do fim da década de 1960. Essa experimentação acontece principalmente na forma como o filme organiza as imagens exibidas, alterando sua posição ou sua velocidade. Passa uma sensação de agilidade que combina muito bem com o período que busca retratar. 

Não é só outro filme sobre a vida de artistas que marcaram época: é uma ode à experimentação. The Velvet Underground mostra como não ter medo de inovar é essencial para o desenvolvimento de qualquer arte. Aqueles que arriscam ficam para a história, e os membros do grupo liderado por Lou Reed com certeza ficaram. Além disso, o documentário também é uma linda homenagem às personalidades famosas que viviam na Nova York daquela época, como o artista Andy Warhol, o poeta Allen Ginsberg e o cineasta experimental Jonas Mekas. É um trabalho sensacional até mesmo para quem não conhece nada da banda. – Caio Machado

Diana: O Musical (Diana: The Musical, Christopher Ashley)

Princesa Diana, uma das figuras mais icônicas da cultura popular, tem sua história contada em formato de musical. A peça passeia por momentos, dos mais grandiosos aos mais íntimos, da vida da Princesa de Gales, explorando as diversas faces que ela precisou explorar ao conviver com a realeza inglesa desde o início de seu envolvimento com o Príncipe Charles. 

Com o fechamento da Broadway devido a pandemia de covid-19, a obra foi gravada sem plateia, explorando a apresentação de uma forma diferente de outros musicais que tem suas peças transmitidas para as telas, e teve sua estreia na Netflix antes de entrar nos teatros de Nova Iorque. As câmeras exploram diferentes ângulos e enquadramentos que trazem o espectador quase que para dentro da história.

Diana é retratada com carisma e inteligência, além de mostrar novos aspectos que são muitas vezes abafados por momentos polêmicos de sua vida, sem deixar de trazer os momentos que todos esperamos quando falamos da princesa. Porém, o filme falha em suas composições e suas performances deixam a desejar, especialmente considerando que é um produto sobre uma das maiores figuras da atualidade adaptada para um dos modelos mais espalhafatosos de produções audiovisuais. Com certeza, era de se esperar mais drama em um musical sobre Lady Di. – Marcela Zogheib

O Culpado (The Guilty, Antoine Fuqua)

Jake Gyllenhaal tem talento para um suspense psicológico, mas O Culpado o desafiou a narrar a história do começo ao fim apenas pela perspectiva de seu próprio personagem. O ator vive o policial Joe Baylor, recentemente afastado das ruas e preso em um trabalho que julga entediante como atendente do serviço de emergência. Ele é um homem agitado, ansioso e rude com um drama próprio misteriosamente relevante, enquanto atende as chamadas de uma Los Angeles caótica e que arde com incêndios destruidores. Até que recebe um pedido de ajuda de uma mulher em perigo, sequestrada pelo ex-marido e fingindo falar com a filha para tentar se salvar. 

A ansiedade de Joe é constante na sua tentativa em achar uma forma de identificar onde a mulher que atendeu está para socorrê-la. Ele vive um labirinto composto unicamente por ligações de voz, por isso o maior destaque do filme de Antoine Fuqua é o ponto de vista restrito ao protagonista. Só conhecemos os personagens que trabalham com ele e toda a trama conflituosa adjacente é narrada auditivamente. Cabe ao espectador imaginar a partir do que ouve nos atendimentos de Joe. O diretor fez um bom trabalho em seus únicos 11 dias de gravações e adotando essa perspectiva, mas nem Gyllenhaal por si só consegue fazer o longa ser de tirar o fôlego. As reviravoltas são meia boca, mesmo que imprevisíveis, e o desempenho do ator é o que carrega O Culpado como um filme interessantemente mediano. – Nathália Mendes

Slumber Party Massacre (Idem, Danishka Esterhazy) 

No remake do clássico cult de 1982, acompanhamos Dana (Hannah Gonera), que embarca numa viagem com as amigas para uma casa alugada, onde pretendem fazer uma festa do pijama. Quando o carro delas dá problema no motor, são obrigadas a ficar em uma casa isolada no meio de uma floresta, e o que era para ser uma noite de diversão, se transforma em terror enquanto elas precisam lutar para não serem mortas por Russ Thorne, serial killer famoso na região por utilizar uma furadeira enorme como arma. 

Slumber Party Massacre é uma ótima reimaginação contemporânea do slasher dos anos 1980. O filme retira tudo considerado problemático no filme original, como a presença exacerbada de nudez feminina, e ainda expande um pouco mais a trama, e faz uma inversão dos papéis de gênero muito divertida de assistir, onde os homens são ingênuos e bobos o suficiente para irem atrás do assassino. É um filme que não se leva a sério, mas parece apressado demais para mostrar os assassinatos e quase não desenvolve suas personagens. – Caio Machado

Exército de Ladrões: Invasão da Europa (Army of Thieves, Matthias Schweighöfer)

Exército de Ladrões conta a história de Ludwig Dieter (Matthias Schweighöfer), um banqueiro de vida pacata que tem sua rotina virada de cabeça para baixo quando Gwendoline (Nathalie Emmanuel) o convida para participar da sua organização de criminosos mais procurados do mundo, em uma missão de arrombar e roubar a famosa série de cofres criada pelo serralheiro Hans Wagner. Ludwig, que até então era apenas um amador na arte de resolver enigmas de cofres, agora embarca em perigos e situações que nunca imaginaria.

O derivado de Army of the Dead veio como uma prequela e deixou os fãs da franquia com a esperança de entender a origem dos acontecimentos do primeiro filme. No entanto, o longa traz mais dúvidas e foca em uma história paralela sobre roubo em um universo que, coincidentemente, está passando pelo início de um vírus zumbi. Mas a animação Army of the Dead: Lost Vegas promete acabar com a curiosidade do público sobre a origem do apocalipse. – Marcela Zogheib

Atividade Paranormal 7 (Paranormal Activity: Next of Kin, William Eubank)

A franquia que reviveu e assassinou o subgênero do found footage está de volta mais metalinguística do que nunca. Dessa vez, sob o comando de William Eubank, e com o roteiro creditado à Christopher Landon (que trabalhou nos filmes originais) e Oren Peli (idealizador do primeiro longa), a história sai de uma casa assombrada e passa para uma comunidade amish.

Lançamento exclusivo do Paramount+, Atividade Paranormal 7 tem inspirações bem dosadas de A Bruxa de Blair, mas peca pela predileção do clichê. As melhores sequências vem da imaginação do diretor, que brinca com a tecnologia câmera lenta das diversas lentes com que trabalha. A trama, centrada no retorno de Margot (Emily Bader) para a comunidade da mãe que a abandonou, tem traços da origem da franquia, mas sabe inovar a narrativa.

Misturando religião e terror, o subtítulo Next of Kin casa com a ideia de família e proteção que o filme prega. Na verdade, desconstruindo a concepção do que significa um lar. Em um outubro recheado de novas versões de clássicos antigos e de lançamentos apimentados, o novo Atividade Paranormal é uma boa pedida. – Vitor Evangelista

TV

The L Word: Generation Q (2ª temporada, Showtime)

Depois de dez anos, The L Word retornou à grade da emissora americana Showtime com a repaginada The L Word: Generation Q. Além das veteranas Bette (Jennifer Beals), Shane (Katherine Moennig) e Alice (Leisha Hailey), o reboot apresenta e acompanha a vida de personagens de uma nova geração – afinal, uma década depois, a série não poderia simplesmente retomar de onde a original parou. Nisso, a atual Generation Q conseguiu corrigir alguns dos erros de sua antecessora, como a falta de representatividade no elenco e a má representação de algumas minorias da própria comunidade LGBTQIA+, e, cheia de dramas, romance e vivências, rapidamente foi renovada para uma segunda leva de episódios.

Com o desesperador final em aberto da temporada anterior, Sophie (Rosanny Zayas), Dani (Arienne Mandi) e Finley (Jacqueline Toboni) rendem ao início da nova leva uma envolvente remexida, mas que rapidamente cai em um vai e volta interminável. Felizmente, o conflito perde força para histórias e personagens secundários, que garantem o fôlego ao longo dos dez episódios: alguns acabaram novamente injustiçados e deixados de lado, como Micah (Leo Sheng), Maribel (Jillian Mercado) e Nath (Stephanie Allynne), já outros finalmente ganharam seu devido e merecido holofote, como Gigi (Sepideh Moafi), Tess (Jamie Clayton) e Angie (Jordan Hull).

Porém, apesar dos rostos inéditos do reboot serem revigorantes, The L Word: Generation Q ainda tem dificuldade em desapegar do passado. Reviver personagens conhecidos é divertido, cenas de sexo são empolgantes (e fazem parte!), as D.R.s são entretenimento puro, mas quando se trata de retratar as vivências da comunidade LGBTQIA+ para além dos relacionamentos românticos, Generation Q ainda não avança. O novo ano até dá palhinhas de discussões importantes e necessárias, como a maternidade entre casais homoafetivos e o mercado de trabalho, mas, nisso, fica ainda mais tímida do que sua antecessora. Que uma terceira temporada continue com todo o dramalhão, porque ele existe, mas que vá além. – Vitória Lopes Gomez

Ted Lasso (2ª temporada, Apple TV+)

Naquela noite de 19 de setembro, não foi surpresa pra ninguém quando anunciaram Ted Lasso como vencedora do Emmy de Melhor Série de Comédia. Entre os inúmeros motivos pela justa vitória, está a jogada de marketing em lançarem a segunda temporada na mesma janela de tempo que os votantes tinham para escolherem seus favoritos à premiação. O segundo ano do bigodudo (não tão) bom de bola iniciou-se em julho, alegrando e emocionando o público até meados de outubro.

Se o primeiro ano de Ted Lasso foi bom, o segundo é fenomenal. O roteiro não economiza linhas quando se trata de gerar debates, o que ocasionou um aumento na duração do episódio e o reflexo de que o “futebol é vida” em cada um de seus personagens. Falando neles, os membros do AFC Richmond têm seu devido espaço na temporada, não precisando mais girar em torno da persona de Lasso. Ele, por sua vez, ganhou mais camadas nessa temporada, mostrando viver na linha tênue entre o infalível e o fragilizado.

Ted Lasso, que nunca foi uma série sobre ganhar ou perder, mas sim sobre acreditar, perde um de seus personagens mais queridos nesse ano. Se em 2020 o desenvolvimento de Nate foi um dos pontos altos da produção, em 2021 a crescente não para, mas, para a infelicidade do público, o arco dele tomou um rumo inesperado – inegavelmente instigante e que traz combustível para o próximo ano, mas ainda assim, infeliz e inesperado. Com treino e jogada ensaiada, Ted Lasso marca mais três pontos nessa temporada. – Ana Júlia Trevisan

Você (You, 3ª temporada, Netflix)

Outra vez Joe Goldberg (Penn Badgley) consegue escapar de seus assassinatos e pular para outra cidade. Uma nova vizinhança para ser um stalker obcecado com um padrão específico de mulheres. Ele tenta se enganar – e nos enganar – arrastando o enredo da segunda temporada ao trazer sua “alma gêmea” Love, grávida de seu filho, e amadurecer suas atitudes, ou viver em prol da família. E surpreendentemente, não é que essa história cola? A terceira temporada de Você é uma demonstração – das boas – de como dois psicopatas brincam de casinha, e Love é a peça mais fabulosa disso tudo, com o desenvolvimento da personagem e uma atuação esplêndida de Victoria Pedretti. 

No novo volume da Netflix, o humor vem mais ácido do que nunca, principalmente dentro da narração de Joe e Love ao guiarem a história por seus pensamentos e conclusões existenciais. Eles vivem o impasse de como criar um filho, sobreviver em um bairro de vizinhos insuportáveis e tentar não matar um ao outro. A princípio, a narrativa parece pintar Love como mais uma mulher impulsiva que mata a vizinha que deu mole para seu marido – logo no primeiro episódio. Mas o enredo, na verdade, é sustentado pela personagem e sua complexidade. Joe é deixado em segundo plano – ainda bem – até certo ponto, só para nos lembrar ao final de que o casal é uma união de psicopatas perfeitos, até demais, um para o outro.

A premissa da série parece não colar mais. Quando Joe aparece fazendo mais do mesmo, ou seja perseguindo mulheres que ele jura amar, o episódio fica insosso e difícil de engolir. Se respira, pisca e o coração bate, Joe tem certeza absoluta de que está flertando com ele. Mas há uma brincadeira não proposital da série nessa chatice. Esse narcisismo – que também aparece na justificativa incansável de Love em salvar seu casamento – demonstra uma característica específica de um bom doido varrido para o público: você regularmente concorda, entende seus impulsos, têm a mesma impressão sobre as coisas. Afinal, como discordar de Love ao apagar um anti-vacina com um rolo de massa? Um psicopata não vem com um rótulo na testa, e, definitivamente, o estilo Ted Bundy não ficou no século passado. – Nathália Mendes

Maid (Minissérie, Netflix)

Todo episódio de Maid parece impossivelmente longo. Mas não de uma maneira maçante ou lenta, diga-se de passagem, mas da maneira como cada um de seus dez capítulos se debruça tão intensamente sobre a vida de suas personagens e as captura com tanta vividez, por vezes tornando-a uma experiência quase difícil demais de se ver. Tanto uma odisseia pessoal quanto o retrato de um mundo frio e indiferente, a minissérie baseada no livro autobiográfico de Stephanie Land não é nada menos do que completa, em cada um de seus aspectos.

Já sendo considerada uma das grandes apostas da Netflix para a próxima temporada de premiações, a performance central de sua protagonista é o que carrega a produção de Molly Smith Meltzer. Margaret Qualley brilha na intimidade sutil de Alex, uma mãe que foge das agressões de seu namorado (Nick Robinson) junto de sua filha, Maddy (Rylea Nevaeh Whittet). Por mais que a interpretação de suas dores seja profunda e intensa, nunca cai no reino da auto-paródia ou do “misery porn”, capturando tão vivamente sua alegria quanto seu sofrimento. Qualley contracena com sua própria mãe, a atriz Andie MacDowell, que interpreta a mãe talvez categoricamente insana de Alex, e a relação problemática entre elas faz ótimo uso da química familiar entre as duas.

A direção e o roteiro de Maid são versáteis o suficiente para dar espaço a seus atores para trabalharem em cima dessas personagens em cenas emocionalmente complexas, maduras e envolventes, construindo um drama sobre pobreza, trauma e agressão em que cada episódio importa e se sobressai. Infelizmente, por conta do modelo de streaming da Netflix, parte desse impacto é perdido pela minissérie ser lançada de uma vez, não oferecendo tempo para respirar entre seus momentos mais dramáticos, incentivando uma maratona exaustiva ao invés da reflexão empática e compassada que sua trama implora para que você cultive. Mas, caso você esteja disposto a encarar essa exaustão, a obra mais do que recompensa o tempo que você coloca nela. – Gabriel Oliveira F. Arruda

American Horror Story: Double Feature (10ª temporada, FX)

Ryan Murphy anunciou a décima temporada de American Horror Story como a primeira a contar duas histórias ao invés de apenas uma. Intitulado de Double Feature, o show separa seis episódios para Red Tide, que se passa em uma cidade litorânea, e outros quatro para Death Valley, situado em um deserto. Junto com o formato novo, o programa contou com atores que nunca haviam participado nos anos anteriores, como Macaulay Culkin e Neal McDonough, além do retorno dos veteranos Sarah Paulson, Frances Conroy e Evan Peters.

Desse modo, American Horror Story inicia Red Tide com a mudança de uma família para Cape Code, uma cidade pacata e mórbida, motivada pelo emprego de Harry (Finn Wittrock). Logo, Doris (Lily Rabe) e a filha Alma (Ryan Kiera Armstrong) se deparam com os monstros que rondam as ruas em busca de sangue. No local, Harry enfrenta problemas com o bloqueio criativo, que o impede de desenvolver seu roteiro. A partir desse impasse, surge Belle (Frances Conroy) e Austin (Evan Peters) que o oferecem uma milagrosa pílula preta capaz de despertar o talento adormecido, porém acaba tornando seu usuário sedento por sangue. Por meio dessa história de terror, Ryan Murphy busca horrorizar seus telespectadores para o medo da mediocridade.

Após a conclusão de Red Tide, Death Valley se inicia com imagens em branco e preto como recurso para delimitar as duas épocas em que a história está situada. Uma delas se passa durante a década de 1950, quando os extraterrestres se apropriam da Terra como forma de perpetuar sua espécie. Após diversos conflitos diplomáticos com os seres interplanetários, os alienígenas acabam se instaurando nos Estados Unidos para desenvolver um ser híbrido entre humano e ET. E, assim, a trama pula para os anos atuais, em que a humanidade passa a ser engravidada pelos invasores. – Gabriel Gatti

The Premise (1ª temporada, FX)

Depois de anos no forno, a série criada, produzida e idealizada por B.J. Novak finalmente viu a luz do dia. A antologia The Premise é direta logo de cara, já que vemos o próprio criador como anfitrião, nos dando uma prévia do que irá acontecer. Em capítulos de meia hora, premissas diferentes são propostas e exploradas a fundo.

Sem quaisquer ligações entre si, as tramas envolvem fitas de sexo, plugs anais e o trauma que um tiroteio pode deixar em alguém. Brindada pelo humor muito característico de Novak (uma das mentes pensantes por trás de The Office), The Premise sabe escalar suas estrelas, com destaque para Ben Platt, Tracee Ellis Ross, Kaitlyn Dever, Lucas Hedges, Jon Bernthal, Lola Kirke e Daniel Dae Kim. A vibe Black Mirror de absurdismo é só a pontinha dessa curta comédia do FX. – Vitor Evangelista

What If…? (1ª temporada, Disney+)

Há historiadores que dizem amar a pergunta “e se?”, por se sentirem desafiados a olhar os mesmos aspectos por outros ângulos. Há outros que vão na contramão, e declaram a História como algo imutável e que é perda de tempo imaginarmos o que poderia ter acontecido. Inspirada nos quadrinhos, o Universo Marvel mostra que não apenas podemos sonhar com destinos diferentes, como nos dá os instrumentos para isso. Após WandaVision, Falcão e o Soldado Invernal e Loki, What If…? é a mais nova série da Marvel para o Disney+.

Em formato de desenho animado, a produção explora as diversas possibilidades dentro do MCU. Somos guiados pelo Vigia (Jeffrey Wright) para imaginarmos cenários desde se o primeiro Super Soldado na verdade fosse a Peggy Carter e até derrapar por um Thor completamente contrário do que conhecemos. Entre capítulos neutros e descontraídos, What If…? encontra espaço para emocionar e discutir o luto com a história do Doutor Estranho. Com o último episódio empolgante do começo ao fim, as expectativas pela segunda temporada permanecem altas. – Ana Júlia Trevisan

My Name (마이 네임, 1ª temporada, Netflix)

Provando que o sucesso meteórico de Round 6 não foi ponto fora da curva, My Name é mais uma produção sul-coreana que merece se destacar não só entre as melhores séries do mês, mas também do ano. Com uma trama de vingança simples que vai se complicando emocionalmente conforme as identidades de suas personagens vão se revelando, a narrativa é ancorada tanto pela excelente performance de sua protagonista quanto pelas coreografias das lutas expressivas e violentas.

Após testemunhar a morte de seu pai, Jiwoo (Han So-hee) se alia à organização criminosa da qual ele fazia parte a fim de encontrar seu assassino. Sob a tutela do carismático Choi Mujin (Park Hee-soon), ela se infiltra na polícia e assume uma identidade falsa, enganando todos ao seu redor, e talvez até ela mesma. Por mais que se inicie com um enredo de vingança básico, o roteiro da série eleva seus personagens e explora temas de identidade e confiança, construindo um ímpeto narrativo forte o suficiente para carregar facilmente seus oito capítulos, e quem sabe até uma segunda temporada.

O produtor e roteirista Javier Grillo-Marxuach (Lost e Cowboy Bebop) disse, em um painel sobre conflitos internos e externos no Austin Film Festival: “Cenas de luta, cenas de sexo, cenas de música, são todas a mesma coisa: elas acontecem quando o diálogo não é mais o suficiente.” Em My Name, esse princípio é utilizado com eficiência total, potencializando suas cenas de ação e combates, assim como seus momentos mais tenros e sensíveis. A interpretação visceral de So-hee como uma mulher dividida entre dois mundos impulsiona todo soco, chute e corte que ela dá, de maneiras que a Televisão americana ainda sonha em conseguir fazer. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sintonia (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Sintonia é uma ilustração da tríplice de poderes dentro das favelas brasileiras. Doni, Nando e Rita estão cada vez mais envolvidos com o funk, o crime organizado e a Igreja, cada um mostrando que a realidade não é dualista, mas que o ser humano precisa de âncoras para conseguir se manter vivo dentro de uma sociedade cruel. Além de escancarar todas as lacunas do Estado, a proposta da série é fazer muito mais do que isso: é representar quem costumeiramente não é visto com cada vez mais afinco. Não só a problemática foi aprofundada no segundo volume, mas também as características de seus personagens se aproximaram cada vez mais com o que é a população da favela em essência. 

O fato de ser coproduzida pela Kondzilla e estar numa plataforma de streaming influente como a Netflix é um marco para a representatividade. Mesmo que isso pareça clichê, a presença da produtora – que já é um fenômeno por si só – na posição de idealizadora de Sintonia ilustra a saída do funk para um amplo mercado, e tudo isso por um gênero que canta puramente o que vive, o que entende e na honestidade de como as coisas acontecem. Seguindo o caminho da segunda temporada, a série precisa – e deve – crescer mais, adentrar os conflitos emocionais de seus personagens, como tem feito com a vida de Nando no crime, mesmo que para isso Sintonia adote um enredo mais forte. – Nathália Mendes

Only Murders in the Building (1ª temporada, Hulu/Star+)

Only Murders in the Building conta a história de três moradores do prédio Arconia, em Nova York: Charles-Haden Savage (Steve Martin), Oliver Putnam (Martin Short) e Mabel Mora (Selena Gomez). A princípio, os três parecem não ter nada em comum, mas se conectam através do amor que têm pelo podcast criminal All is Not OK in Oklahoma, o que os inspira a investigar um homicídio no prédio onde residem e criar um programa autoral sobre o ocorrido. 

Ao decorrer da série, conhecemos um pouco mais sobre a história de cada um dos personagens e entendemos suas motivações por trás do interesse pela investigação. E o que parecia ser um prédio tradicional do Upper West Side se revela muito muito mais intrigante, mostrando que realmente pouco se sabe sobre as pessoas que cruzam caminhos nos corredores todos os dias.

Com um elenco que vai além da atuação brilhante dos protagonistas, trazendo participações  de Amy Ryan, Tina Fey e Sting, o show criado por Steve Martin e John Hoffman mistura perfeitamente o mistério com o humor, deixando todos os espectadores ansiosos para a segunda temporada, que já foi confirmada. Além do público, a crítica também aclamou o sucesso de Only Murders in the Building, que foi extremamente elogiada desde seu lançamento. – Marcela Zogheib

The Walking Dead (Parte 1 da 11ª temporada, AMC)

Comumente agendada para começar a ser transmitida em outubro, The Walking Dead resolveu fazer as coisas diferentes em seu ano final. Com mais episódios encomendados do que os habituais dezesseis, a longeva série de zumbis decidiu por lançar a primeira de três levas começando em agosto e terminando à tempo do Halloween.

Entre os destaques da décima primeira temporada estão o ínicio inspirado em Invasão Zumbi, com direito a trem infestado; a dinâmica avassaladora entre Maggie (Lauren Cohan) e Negan (Jeffrey Dean Morgan); e o retorno de Connie (Lauren Ridloff), depois de gravar Eternos. Além, é claro, da aguardada apresentação de Commonwealth.

A ideia de separar os personagens em uma porção de núcleos não é novidade nem boa notícia, mas considerando o desgaste da produção que lança episódios desde 2010, o saldo até que é positivo. Terminando com um gancho para lá de desnecessário, o começo do fim de The Walking Dead acende a chama da saudade no coração dos fãs e levanta algumas questões: veremos Rick e Michonne ano que vem? Por enquanto, não há resposta. – Vitor Evangelista

Mr. Corman (1ª temporada, Apple TV+) 

“Te deixa maluco envelhecer…” canta Lorde em Ribs, canção do álbum Pure Heroine. Além da música, o tema da passagem do tempo já foi abordado em diversos filmes, livros e séries. Em Mr. Corman, série produzida, roteirizada e estrelada por Joseph Gordon-Levitt (Entre Facas e Segredos e (500) Dias Com Ela), reconhecer o próprio envelhecimento é um dos temas centrais. 

Durante os 10 episódios da comédia dramática do Apple TV+, acompanhamos a vida de Josh Corman (Levitt), um homem frustrado que dá aula para as crianças da 5ª série em uma escola pública de Los Angeles. Ele poderia ter sido um astro do rock, mas acabou deixando a Música de lado e agora vive uma vida normal, dividindo apartamento com seu amigo, Victor (Arturo Castro). 

O início de Mr. Corman é lento e deixa uma dúvida: o que ela tem de tão especial assim para que continuemos assistindo aos próximos episódios? Conforme a trama se desenvolve, descobrimos a resposta: a produção chama a atenção em sua criatividade para representar as angústias de seus personagens, como quando transforma uma conversa entre mãe e filho em um musical. Sua habilidade em trazer cor e imaginação para a frieza da rotina é encantadora. É uma pena que tenha sido cancelada devido à baixa audiência. – Caio Machado

O Hóspede Americano (Minissérie, HBO Max)

Coprodução entre Brasil e EUA, a série dirigida por Bruno Barreto acompanha a Expedição Científica Rondon-Roosevelt, liderada pelo ex-presidente estadunidense Theodore Roosevelt (Aidan Quinn), e o Marechal Cândido Rondon (Chico Díaz). Seguindo o curso inexplorado do então chamado Rio da Dúvida, a narrativa apresenta os perigos da viagem, o choque entre natureza e civilização, e os embates culturais entre duas visões de mundo tão distintas como as de Roosevelt e Rondon. 

Seguindo um formato televisivo padrão sem tomar grandes riscos, a série tem méritos ao resgatar um episódio significativo da história brasileira, mas escorrega ao direcionar toda a ênfase na perspectiva do tal hóspede americano. Por outro lado, a recriação dos eventos históricos vêm com um gosto amargo. Ao longo dos episódios, vemos sempre uma equipe de filmagem registrando a expedição. Tristemente, grande parte do acervo original de registros das expedições de Rondon se perdeu no incêndio do Museu Nacional em 2018. A ficção é importante, mas nunca é o bastante para preservar a História. – João Batista Signorelli

On My Block (4ª temporada, Netflix)

É frustrante perceber que a última temporada de On My Block, uma das peças mais divertidas e carismáticas no catálogo da Netflix, tenha sido dolorosamente fraca. Depois de quatro temporadas, a finalização da trajetória do quarteto residente da periferia multiétnica de Los Angeles não encontrou o tom certo para dar um desfecho decente aos plots anteriores e, para piorar, descaracterizou a parte mais interessante de cada um de seus personagens.

Entre os protagonistas, apenas Cesar (Diego Tinoco), atual líder dos Santos, foi tratado com o mínimo de coerência, ainda preso entre a vida que queria e a vida que foi obrigado a ter. O relacionamento extremamente marcante com Oscar (Julio Macias) e o fato de ter sido colocado cara a cara com criminosos aposentados rechearam a história de Cesar com a carga dramática necessária, ressaltando a vulnerabilidade do personagem e finalizando o arco dos irmãos Díaz com muita tragédia e realismo.

No entanto, Jamal (Brett Gray) foi de bizarro encantador para misógino insuportável e a coitada da Monse (Sierra Capri) não recebeu nada além de um arco reaproveitado da temporada passada. Já Ruby (Jason Genao), de longe o personagem mais bem construído de On My Block, foi reduzido a namorado infantilizado e todos os seus traumas, imprescindíveis para o personagem, foram esquecidos no churrasco. Se o diferencial da série sempre foi equilibrar o sério e o surreal, o final parece ter sido escrito com as mãos amarradas, deixando de lado todo o charme que deu vida às três temporadas passadas. Mesmo assim, o quarteto (e seu elenco!) vai deixar saudades. – Caroline Campos

Pretty Smart (1ª temporada, Netflix)

A nova sitcom da Netflix mostra que a plataforma continua sabendo conduzir suas experimentações. Depois de misturar sua superprodução mais madura com o seu sucesso juvenil mais ousado no campo do drama, a produtora do streaming trouxe a energia dos anos 2010 do Disney Channel para atrair o público jovem adulto ao seu catálogo de comédia.

É essa a sensação que existe depois do primeiro episódio de Pretty Smart. Com o protagonismo de Emily Osment (Hannah Montana), a série está dentro do dia a dia de Chelsea, que foi de garota prodígio à gênia recém-formada na universidade, mas terminou com seus planos todos frustrados. Ela encontra abrigo na casa da irmã mais nova Claire (Olivia Macklin), e de seus amigos Grant (Greg Sulkin, de Os Feiticeiros de Waverly Place), Solana (Cinthya Carmona) e Jayden (Michael Hsu Rosen), todos vivendo de forma bem diferente do que a acadêmica tinha como ideal.

O tempo que Chelsea passa junto de sua nova família improvável a faz refletir sobre a forma como conduziu a sua vida até ali, refletindo em meio às palhaçadas do grupo sobre seus relacionamentos e a sua própria felicidade. Quase abobalhada demais, a criação de Jack Dolgen e Doug Mand conversa diretamente com o público cujo primeiro contato com sitcoms foi através das estrelas da Disney, e que hoje pode conservar algumas decepções para com a realidade que a geração dos 20 e poucos anos vive em 2021. – Raquel Dutra

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage, Minissérie, HBO)

Adaptada da minissérie de 1973 do roteirista sueco Ingmar Bergman, Scenes from a Marriage é a obra-prima mais recente da HBO. Em cinco episódios, a série apresenta um casamento fracassado de maneira profunda, pessoal e complexa. Nada no roteiro é quadrado ou fácil: diálogos, atos e até mesmo o movimento das câmeras constroem a rede de dependência que um tem pelo outro e os machucados que o relacionando deixou em ambos.

Os protagonistas são Jessica Chastain e Oscar Isaac. A química entre os dois é forte a ponto de deixar o roteiro mais condizente com a realidade, e a atuação impecável faz com que o episódio de uma hora passe rápido, mesmo com a trama seguindo a passos lentos. Não há vilões na história, apenas duas pessoas agindo de forma irracional, emocionalmente fragilizadas com o casamento, inseguras e que precisam de ajuda profissional.

Oscilando entre capítulos menos intensos e devastadores, Scenes from a Marriage chega ao se encerra ao som de Chico Buarque. Retrato Em Branco E Preto foi uma escolha irretocável como trilha sonora, que casa em cada ponto apresentado na minissérie de Hagai Levi. Dentre os acertos, o maior para a releitura da obra de Bergman é a inversão de papéis que dá um fôlego mais atual na trama. – Ana Júlia Trevisan

What Do We Do in the Shadows (3ª temporada, FX)

Os maiores vampiros da cultura pop estão de volta! A terceira temporada de What We Do in the Shadows mergulha ainda mais na psique maluca dessas criaturas imortais, oferecendo capítulos ricos em risadas e em fantasia e terror. Enquanto Guillermo (Harvey Guillén) começa sendo julgado pelos assassinatos do ano anterior, Nandor (Kayvan Novak) e Nadja (Natasia Demetriou) se tornam colíderes do clã.

Colin Robinson (Mark Proksch) e Laszlo (Matt Berry) criam um vínculo de amizade nunca antes visto e a Guia (Kristen Schaal) faz o possível para manter todos eles na linha. Com os habituais dez episódios, Shadows aumenta o nível de qualidade e humor, provando que essa série tem espaço para crescer e conquistar mais audiências. Até ano que vem, meus queridos vampiros, e, por Deus, cuidem bem do bebê. – Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O mês de outubro foi o mais agitado de 2021 aqui no Persona. Iniciado com o especial para o Mês do Horror e intermediado pela cobertura intensa da 45ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, os últimos 31 dias também viram o nascimento do nosso Clube do Livro, que aqui no site se materializou na Estante do Persona, nosso novo quadro mensal literário. Entre todas essas atividades, não deixamos de acompanhar o mundo da Música, e agora, chegamos para comentar tudo o que rolou no décimo mês do ano no Nota Musical.

Tudo começou com um misterioso número 30 surgindo nas principais cidades do mundo. Como um bat-sinal, Adele criou um momento no início de outubro para a divulgação de seu retorno, que acontece depois de seis silenciosos anos que sucederam seu último disco, 25. Agora, seremos apresentados aos 30 da artista, e o single Easy On Me foi mestre em nos introduzir ao novo estágio da vida de Adele, que encontrará seu lugar no mundo em forma de disco no próximo dia 19 de novembro.

Enquanto Adele ressurgia com os seus números, Ed Sheeran retornava com os seus sinais. Como anunciado pelas variáveis e constantes de Bad Habits e Shivers, o novo disco do cara mais legal do pop chegou para continuar sua concepção musical pautada na matemática. Agora, +, × e ÷ tem a companhia de =, e para o bem ou para o mal, a música de Ed é assumidamente definida pelo símbolo de igual. 

Por outro lado, as sábias operações musicais de Lady Gaga e Tony Bennett decidiram apostar tudo num jazz que coloca o amor à venda. Da mesma forma, Hans Zimmer, por sua vez, concluiu na trilha do novo 007 que não temos tempo para morrer, The War on Drugs percebeu que precisa de um novo lugar no indie rock, e Brandi Carlile criou sua aclamada música country a partir de dias silenciosos.

Há também os que buscam a maior abstração possível. É assim com Coldplay e seu novo disco Music of the Spheres, que inventa de buscar outras formas de vida e de expressão distanciando-se do que nos conecta uns aos outros aqui na Terra. Mas nem tudo está perdido: as viagens atmosféricas de outubro funcionam sob a condução de Felipe de Oliveira, Tirzah e Black Country, New Road. Quem quiser acompanhar as belezas descobertas pelos artistas em ascensão, pode conferir os discos Terra Vista da Lua e Colourgrade e o single Chaos Space Marine.

Se alguns embarcam em direção ao exterior, outros mergulham no interior. Na MPB, essa foi a direção de Caetano Veloso em Meu Coco, e de Ney Matogrosso em Nu Com a Minha Música. No rock, o movimento nos entrega o melhor de Sam Fender em seu segundo disco, Seventeen Goin Under. No pop, foi a tática de importantes estreias: lá, FINNEAS descobriu um otimismo agridoce e PinkPantheress resolveu mandar tudo pro inferno.

É da dimensão íntima que outros grandes nomes trazem grandes coletâneas. Silva comemorou seus dez anos de carreira com De Lá Até Aqui; Megan Thee Stallion presenteia seus fãs com Something for Thee Hotties; Elton John traz sua música de quarentena em The Lockdown Sessions; Nick Cave & The Bad Seeds desenterram alguns tesouros em B-Sides & Rarities (Part II); e Madonna disponibiliza sua experiência ao vivo de Madame X nas plataformas de streaming. 

Assim, outubro também foi um mês de retornos. Primeiro, The Wanted movimentou a internet com seu comeback anunciado através de Rule The World, primeiro lançamento da banda desde sua separação em 2014. Depois, Agnes chega para o revival da era disco em seu quinto álbum, Magic Still Exists, que finaliza um hiato de quase dez anos. Já Tears For Fears viveu um intervalo um pouco maior, mas agora o jejum iniciado em 2004 está encerrado com The Tipping Point, faixa-título do novo álbum da dupla britânica, cujo lançamento está previsto para o início de 2022.

Quando o assunto é novidade, também estamos bem servidos. Em terras brasileiras, o pop viu o encontro de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus, teve mais uma chance de reconhecer Johnny Hooker, finalmente recebeu a estreia de Priscilla Alcantara e o terceiro álbum de Jão. O funk juntou Valesca Popozuda e Rebecca, o rap esteve com Karol Conká e WC no Beat, e a MPB ganhou a companhia de Jorge Drexler na nova canção de Marisa Monte, mas o maior destaque de outubro vai para a Imaculada Alice Caymmi.

Fora do país, o nome segue sendo o de Anitta, que esse mês, apareceu junto de Saweetie em Faking Love. Mas desta vez, a Girl From Rio não representou o Brasil sozinha na música internacional. Nas tabelas, A QUEDA de Gloria Groove significou ascensão, e a drag brasileira estreou na parada global da Billboard. O mesmo sucesso e apreço não pode ser encontrado na colaboração entre Jesy Nelson e Nicki Minaj, já que o lançamento de Boyz veio encharcado de polêmicas da líder Barbz nas redes sociais, e episódios de blackfishing por parte da ex-Little Mix.

Ainda bem que a Música pode contar com a honestidade de Phoebe Bridgers, que usou That Funny Feeling para levantar sua voz em oposição à legislação antiaborto mais restritiva dos Estados Unidos que avança no Texas. O cover da artista esteve no radar mensal do indie, que também tem novidades preciosas no novo disco de Lana Del Rey e nas canções de Mitski e Michael Kiwanuka. 

Por fim, outubro ainda trouxe um belo descarte de Ariana Grande, novos contornos para a Conan Gray, clipes de Troye Sivan, Kacey Musgraves e Olivia Rodrigo, e o encontro gigante de The Weeknd com Swedish House Mafia. Foi um mês e tanto, mas o Persona nunca deixa de se atentar às novidades e decepções que a Arte nos oferece. Na décima edição do Nota Musical, nossa Editoria e nossos colaboradores se reúnem para vasculhar os CDs, EPs, músicas e clipes que ecoaram por aí em Outubro de 2021.

CDs

Lana Del Rey – Blue Banisters

Quando Lana Del Rey anunciou que Blue Banisters sairia ainda em 2021, sobrancelhas arquearam. A mesma cantora que, poucos meses atrás, havia mergulhado sem bote salva-vidas no tênue rio de expectativas que foi Chemtrails Over the Country Club, agora decidira lançar uma nova coletânea de batidas lentas e composições afiadas. Para a surpresa da audiência, Lana se ausentou das redes sociais, teve o disco vazado (aparentemente sob a supervisão da gravadora) e cumpriu o calendário. Em 22 de outubro, pudemos nos apoiar nos corrimões azuis.

Acompanhada de dois belos cachorros serenos, Lana olha ao seu redor. Ela inspira o ar puro, ela observa o farfalhar das folhas. Ela decide cantar não apenas sobre a velha Hollywood e sobre relacionamentos complicados, mas também sobre sua família. Convidando membros do clã Del Rey até para o papel de compositores, tirando sarro da irmã e da vida moderna, Blue Banisters dá certo pois Lana entende o que deve ser feito.

Se Chemtrails frustrou pela exaustão dos temas que fizeram de Norman Fucking Rockwell! o melhor disco de 2019, em sua segunda rodagem de 2021, a artista acerta a mão na refrescância de si mesma. Em Text Book, ela nos convida ao passeio. Em Arcadia, apresenta uma terra mágica (e um pedido inusitado, mas bem-vindo). Em Dealer, grita os pulmões para fora do tórax e em Sweet Carolina reconfigura sua própria ideia de como ser uma cantora de sucesso. Quase como um manual de instruções que resulta no sucesso, Lana Del Rey dá conta do recado. – Vitor Evangelista

Hans Zimmer – No Time To Die (Original Motion Picture Soundtrack)

A trilha de No Time To Die, novo filme da franquia de James Bond, chegou às plataformas de streaming. A despedida de Daniel Craig no papel de agente mais famoso do Cinema vem sob as canções imersivas e expansivas de Hans Zimmer, conceituado músico alemão que dá sequência a seus trabalhos em trilhas sonoras, cujo mais recente, The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack), foi lançado ainda no mês passado. A pedido de Zimmer, Billie Elish canta, de forma brilhante, a faixa-título do filme, e entra para a história como a artista mais jovem a gravar para a franquia. No começo deste ano, a canção rendeu um Grammy. 

Os longas do Agente 007 oferecem ao público um aspecto interessante. Embora sejam filmes de ação, mesclam elementos do Cinema cult, e compõem uma aura de clássico acessível. Por essa razão, suas trilhas sonoras têm a difícil missão de mesclar essas características, e, geralmente, são indicadas nas principais premiações. A franquia possui 15 indicações ao Oscar, das quais 11 são em categorias de som. Da lista, o mais recente foi o de Melhor Canção Original por Writing’s on the Wall, em 2015, cantada por Sam Smith. Para esse filme, inicialmente, a música tema seria Spectre, composta pelo Radiohead. Os britânicos produziram a canção, que foi recusada por ser considerada muito melancólica. 

É possível que se tenha encontrado a mistura perfeita entre o clássico, o melancólico e o acessível em No Time To Die. Mais do que aumentar o clima de tensão nas cenas de ação e suspense, as canções captam a sensação de perda emocional constante, elucidando as complexidades de James Bond. No fim das contas, há uma fórmula que não pode ser alterada, e Zimmer permanece dentro dos limites — mas tudo, claro, sem perder o estilo. – Bruno Andrade

Jão – PIRATA

Finalmente Jão parou de sofrer por amor (mas não muito). Depois dos doídos LOBOS e ANTI-HERÓI, PIRATA, o terceiro álbum do cantor e compositor, superou as persistentes desilusões e lamentos sobre o amor e, para além de seu recorrente tema, cresceu também em sua sonoridade. O novo trabalho inaugura uma nova fase do artista, já começando pelo seu grandioso lançamento: ao invés de uma apresentação intimista do projeto, Jão reuniu os fãs em um teatro para ouvirem o álbum com exclusividade.

Agora mais ousado, otimista e confiante, as composições autorais do artista continuam charmosas e confessionais. Ninguém sabe o que aconteceu em 2013 para Jão, a quem pertence o dragão nas costas da pessoa que vai parar na cama dele ou o porquê o banco do carro o lembra da nuca de sabe se lá quem, mas mesmo assim, as letras pessoais foram feitas para serem cantadas alto por todos. As batidas animadas e os ritmos festeiros de Pirata, que se anima até quando abaixa o tom para sofrer um pouquinho (não pode faltar), também convidam para dançar até enquanto pronunciamos com convicção “é claro que eu não te amo”.

Falando em ânimo, Jão se arrisca com novas sonoridades e até na produção. Se de primeira algumas faixas como Clarão e Doce soam como um esforço para inovar que deu errado demais, as novidades crescem no ouvido depois que as expectativas iniciais se quebram. Chega de violões sofridos e de chororô, agora a desilusão virou uma dançante EDM para comemorar os fins. O sofrimento de PIRATA é quando este, depois de rápidos 34 minutos, chega ao seu. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Dedicar um álbum inteiro a Cole Porter não é novidade no mercado fonográfico norte-americano. Em 1956, por exemplo, o mundo era presenteado com o clássico Ella Fitzgerald Sings The Cole Porter Song Book. De lá para cá, no entanto, os parâmetros musicais mudaram mais de uma vez, e, na atualidade, nenhuma realização similar à de Ella parecia ser capaz de fazer tanto barulho. Nenhuma, até o público finalmente conhecer Love For Sale. Afinal, com o brilhantismo da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, tudo é possível. E ambos foram capazes de transportar os clássicos do jazz para os dias de hoje, sem deixar de lado o brilho original das canções, ou fazer com que o projeto soe pouco inovador.

Incorporando uma roupagem característica do duo super carismático a sucessos imortais, Love For Sale foi aclamado antes mesmo de nascer, recebendo 5 estrelas do jornal Financial Times. Além disso, vale ressaltar que o projeto não surgiu da noite para o dia, pois vinha sendo planejado desde meados da era Cheek To Cheek. Inclusive, para quem desconfiava que o álbum de 2014 era tão somente uma jogada de marketing, ou simplesmente torcia o nariz para a Mother Monster no jazz, o novo disco de Tony e Gaga evidencia de modo inigualável a sinceridade e química que há nessa dupla, o que talvez modifique um pouco a opinião de um grupo sisudo, que gosta de ter controle sobre o que é ou não Arte.      

Em relação aos destaques do CD, It’s De-Lovely é a abertura perfeita para o álbum: carregada de belos vocais e muita poesia, como já esperado, a faixa é um deleite à primeira ouvida. E indo da contagiante faixa-título à extasiante Do I Love You, uma das performances solo de Gaga, não podemos deixar de mencionar Let’s Do It. Para os brasileiros, talvez seja impossível não associar essa canção à memorável versão Façamos (Vamos Amar), de Elza Soares e Chico Buarque. Para finalizar, não foram inesperadas as reações da internet à música You’re The Top – já que alguns versos dessa faixa ganham outro sentido na comunidade gay, num jogo entre os termos passivo e ativo. Portanto, não restam dúvidas de que, ao lado de Lady Gaga, Tony Bennett se aposentou em grande estilo. – Eduardo Rota Hilário      

Ed Sheeran – Equals

Simples, íntimo e sem erros. É assim que Ed Sheeran orquestra = (Equals), em cada nota e ritmo de seu quinto álbum solo. Sem desapontamentos, o britânico entrega mais do que o esperado nas 14 músicas, harmonizando cada parte de sua era matemática em um único exemplar. Sentimos cada detalhe de suas emoções, transitando entre energias positivas e mais dramáticas. 

Ainda que o cantor permaneça no pop comercial, ele sempre traz seu diferencial com músicas acústicas em meio as mais dançantes. A menção honrosa vai para Tides, deixando explícito que, mesmo com as mudanças significativas em sua vida, o artista permanece o mesmo. Em sua nova fase, Ed Sheeran nos mostra o quanto ainda podemos ser iguais. – Júlia Paes de Arruda

Priscilla Alcantara – Você Aprendeu A Amar?

“Eu começo onde eles dizem ser o meu fim”, era a mensagem de Priscilla Alcantara quando iniciou de vez sua caminhada rumo ao pop num processo de ruptura com as suas raízes no gospel. O momento da mudança de carreira – e de postura diante das cobranças de quem se achava no direito de questionar a forma como seguia sua vida – foi marcado pelo single Correntes, lançado em novembro de 2020, que hoje é peça fundamental no primeiro disco de Alcantara fora da música religiosa. E bem antes do lançamento de Você Aprendeu A Amar?, Priscilla já é um fenômeno pop há muito tempo. 

De ícone da TV infantil dos anos 2000 à perfil influente nas redes sociais, recentemente ela até saiu vencedora da primeira edição do The Masked Singer Brasil. Assim, Alcantara não tem medo de ser cringe logo de cara, e apesar da boa produção, Boyzinho pode não ser a melhor forma de abrir o disco, que guarda coisas muito mais interessantes nas próximas faixas. Vide Primavera na segunda posição da tracklist, apresentando um lirismo que o pop nacional apreciava muito em Sandy & Júnior, agora fresco e repaginado pela expertise de uma artista que conhece bem o público e a música que busca. 

As referências do gênero que foi a primeira formação musical de Priscilla Alcantara estão por toda parte, e ainda que ela tenha dificuldade em coordenar sua individualidade junto do estilo secular e sua voz potente, nada aqui significa uma artista contida. Ela aposta alto e sem retorno em Você É Um Perigo e Beat Triste, enquanto o auge do álbum é quando ela se solta na balada Eu Não Sou Pra Você, brilhando forte a assinatura musical junto da participação de Lucas Silveira (que também assina a produção do álbum). Em seguida, Tem Dias mostra o melhor do pop de Alcantara no trabalho que ainda tem a participação de Projota e uma vindoura colaboração com Emicida (!). Como ela disse, Você Aprendeu A Amar? é só o começo. – Raquel Dutra

Silva – De Lá Até Aqui (2011-2021)

Silva resolveu comemorar seus dez anos de carreira musical do melhor jeito: com mais música. No álbum De Lá Até Aqui, o cantor, compositor e produtor revisita canções e celebra seus trabalhos anteriores em, não por coincidência, dez faixas. Além dos áudios, ele tornou a produção também visual e todas as músicas ganharam clipe, filmados diretamente de sua casa no Espírito Santo. Com novos arranjos e interpretações, Silva se aproveita da habilidade no violão para brincar com os estilos e mudar pegadas, em releituras que não tornam o trabalho somente um ‘Maiores Sucessos’. 

Regravadas no ‘voz e violão’, como as faixas foram primeiramente concebidas, o artista pretendia focar na essência das composições ao invés de produções grandiosas. Amantes, por exemplo, que já tinha sido apresentada ao vivo no Bloco do Silva, mas nunca chegou a ser lançada, foi disponibilizada oficialmente em uma versão completamente diferente. Outras, as animadas Pra Vida Inteira, colaboração com Ivete Sangalo, e Um Pôr do Sol na Praia, com Ludmilla, ganharam uma versão solo, repensadas no formato acústico e ao teclado. Até Não É Fácil, presente no Silva Canta Marisa, teve sua própria releitura da releitura, já que, no álbum de covers, o artista performa sua visão de sucessos de Marisa Monte.

Entre as dez faixas, Silva ainda deixa espaço para uma inédita, Pra Te Dizer Que Tô Feliz Assim, que já abre o trabalho significativa. “Meu caminho não é reto pra lá/ninguém me falou onde é que ia dar”, ele inicia, com a voz calma e melódica que, com certeza, marcou sua carreira. De Lá Até Aqui relembra canções desde o primeiro álbum, Claridão, até o mais recente, Cinco, e homenageia os dez anos de trajetória mostrando que, mesmo depois de uma década, Silva sabe muito bem como se renovar. – Vitória Lopes Gomez

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Para o bem da legião de apaixonados por Música brasileira, Ney Matogrosso adiantou o lançamento do álbum Nu Com a Minha Música, antes previsto para sair somente em novembro deste ano. Composto pelas quatro canções já apresentadas no EP homônimo de agosto, além de outras oito faixas, o novo disco de Ney é, antes de tudo, uma celebração da liberdade. Não à toa, desde a escolha do repertório, o artista satisfez sensivelmente as próprias vontades. E o resultado foi, como sempre, um belo CD, com produção musical divida entre Leandro Braga, Marcello Gonçalves, Ricardo Silveira e Sacha Amback. 

Felizmente, o “medo” de não conseguir cantar aos 80 anos, depois de ficar um ano inteiro sem essa prática, não passava de um temor. Jogando um pouco de luz sobre um país tão dizimado, Ney Matogrosso parece expressar sua relação íntima com a Música ao cantar “eu ouço cada palavra/de cada frase não dita”. Nesses versos de Noturno, canção ampliada por Vitor Ramil, a pedido do próprio intérprete, temos certeza de que Ney enxerga além do lugar-comum de suas escolhas. Prova disso é Sua Estupidez, que, nas mãos do ex-Secos & Molhados, fascina até quem não aprova muito os compositores Roberto e Erasmo Carlos. 

Sem muita surpresa, Mi Unicornio Azul, do cubano Silvio Rodríguez, permanece, de agosto até aqui, como um dos auges das novas gravações. E falando em destaques, o expurgo poético de Estranha Toada nos encanta com os versos de Martins e PC Silva: “Eu tô gastando canção,/minha função principal,/derramando verso a quem não vale uma vogal”. De fato, percorridas oito décadas de vida, é urgente assumir que Ney Matogrosso não precisa mais provar sua expressividade e relevância. As renovações tornam-se, da mesma forma, desnecessárias para quem pode muito bem gravar porque quer gravar. E cantar – até o fim.  – Eduardo Rota Hilário

Brandi Carlile – In These Silent Days

Vencedora do Melhor Álbum Americana com By The Way, I Forgive You, além de conquistar outras 2 vitórias com o hino do country queer, The Joke, Brandi Carlile foi a mulher mais indicada ao Grammy 2019 e para ela, Música e ativismo são inseparáveis. Lésbica assumida desde os 15 anos de idade, a cantora-compositora redefine o gênero através da experiência como pessoa LGBTQIA+, dando plataforma à comunidade. Carlile foi pioneira, enfrentou as tensões de ser diferente dos padrões na indústria country, se tornando expoente de um conjunto de artistas que vêm transfigurando o Americana como forma de protesto.

Dando sequência ao sucesso do último registro, no sétimo e mais recente álbum, In These Silent Days, Carlile mais uma vez reafirma a filosofia pessoal de encontrar beleza nas fraquezas – explorada simultaneamente na produção de seu livro de memórias, Broken Horses. Aqui, a artista revela as influências dos ídolos com quem desenvolveu relações estreitas após By The Way, I Forgive You, permeando entre o intimismo de Joni Mitchell em You and Me On The Rock à teatralidade de Elton John em Sinners, Saints and Fools.

Com a pressão de superar o triunfo do álbum antecessor, a norte-americana aposta na mesma sonoridade passada: a instrumentação acústica, os vocais protuberantes e o destaque dos refrões continuam presentes em In These Silent Days. Ainda, a inspiração do rock setentista se manifesta ao longo das dez faixas, nas quais Carlile aparenta estar segura, satisfeita – mesmo quando versa sobre assuntos obscuros. Carlile não busca metamorfose, mas o refinamento de suas qualidades já existentes, finalmente aceitando as próprias imperfeições. – Ayra Mori

Felipe de Oliveira – Terra Vista da Lua 

É perfeitamente compreensível que Felipe de Oliveira, ao participar do The Voice Brasil 2016, tenha recebido elogios de Ney Matogrosso. Em primeiro lugar, porque o novo álbum de estúdio do intérprete mineiro abre com Descasos, composição de Juliano Antunes que, na voz de Felipe, lembra bastante a forma de cantar do ex-Secos & Molhados – sem deixar de lado uma roupagem única, que o singulariza como cantor. Em segundo lugar, porque as habilidades vocais e interpretativas de Oliveira, assim como seu bom gosto para seleção de repertório, são notáveis.  

Com título inspirado na canção Lunik 9, de Gilberto Gil, Terra Vista da Lua também abraça o tropicalista baiano ao apresentar uma regravação de Balada do Lado Sem Luz: jogo de brilhos e sombras que se encaixa muito bem na voz de Felipe. Mas o auge do disco está mesmo em Cara da Esquina, música composta por Dé de Freitas e Guilherme Borges. “A gente inventa tanta esquina/pra falar que importam/as minúcias dessa vida”, diz uma das passagens mais belas desse momento sensível, reflexivo e maduro, trecho ímpar de um álbum igualmente poético do início ao fim.

Sem perder a qualidade estética, Terra Vista da Lua ainda aborda temas urgentes, como “aqueles homens que se escondem/atrás de tanto ódio” – parte da atualíssima faixa Aqueles Homens, com autoria de Nobat. Já em Encontro Nosso, Felipe consolida o único feat do CD, ao lado da artista baiana Laila Garin. Inquestionável, no entanto, é dizer que, ao fim desta jornada produzida pelo baixista Barral Lima, com direção artística do próprio cantor mineiro, Terra Vista da Lua mostra-se belo e sensível como um todo, desde sua capa até as letras e sonoridades mais diversas. – Eduardo Rota Hilário    

The Driver Era – Girlfriend

O aguardado segundo álbum da The Driver Era, a banda formada pelos famosos irmãos Ross e Rocky Lynch, chegou tímido: das quinze faixas que compõem Girlfriend, somente quatro são inéditas. A escolha da dupla de dividir o trabalho em duas partes (a primeira com sete canções frescas, três delas disponibilizadas antecipadamente como singles, e a segunda com faixas lançadas avulsamente durante 2019 e 2020), destaca o progresso na experimentação musical dos irmãos, mas soa familiar demais. Não que isso seja ruim: apesar de mais da metade do álbum não ser novidade, a identidade autêntica de The Driver Era continua marcante. 

A união das canções atuais e antigas serve para mostrar a evolução de Ross e Rocky, que estão notavelmente mais confiantes e confortáveis agora, tanto nas composições, quanto na produção das faixas. E nas mãos dos irmãos, a sonoridade multi-gêneros de Girlfriend, que coexiste nos rótulos de indie pop, rock e alt, contrapõe os vibrantes solos de baixo e os dançantes teclados, que são os destaques de canções como Heaven Angel, #1 Fan e When You Need a Man, diante dos introspectivos solos e riffs de guitarra de OMG Plz Don´t Come Around, Fade e Take Me Away. Algumas faixas, ainda, conseguem unir o melhor das duas fases da The Driver Era, como acontece nas versáteis Heart Of Mine, Leave Me Feeling Confident e A Kiss. – Vitória Lopes Gomez

Coldplay – Music of the Spheres

Entre altos e baixos, o quarteto britânico encabeçado por Chris Martin conseguiu notavelmente manter-se relevante ao longo dos últimos 21 anos, oscilando do rock alternativo que marcou sua primeira década ao pop chiclete que caracterizou a sua segunda, aprofundando-se em uma sonoridade ou outra a cada projeto. Para a alegria de alguns e o horror de outros, em Music of the Spheres, a banda mergulha de cabeça na música multicolorida blasé que caracterizou seus discos Mylo Xyloto e A Head Full of Dreams. Trazendo uma mensagem de paz e amor, emojis no título de canções, e preparando uma turnê sustentável, a banda vem cheia de boas intenções, mas ainda assim carece de intenções artísticas genuínas. 

O conceito principal do disco é apresentar uma viagem espacial por planetas imaginários, proposta que na realidade funciona como fachada para tratar do amor e sentimentos humanos. A viagem parece chamativa e a passagem é barata, mas estejam preparados para gravidade intensa gerando quedas bruscas em várias partes do trajeto, pois nem sempre a espaçonave será capaz de se manter a níveis elevados de voo. Após uma breve introdução instrumental, Higher Power decola melhor do que o esperado, parecendo mais energética e animadora do que quando foi lançada como single. Mas não se animem se a decolagem pareceu estável, pois teremos algumas tremulações nas próximas faixas. 

Depois das genéricas Humankind e Let Somebody Go, com a participação de Selena Gomez, o disco almeja se elevar nas sempre belas harmonias vocais de Jacob Collier com o grupo We Are KING em , mas balança novamente em People of the Pride, que tenta reproduzir a mesma energia pulsante de Arabesque, canção que foi o ápice do disco anterior. Aproveitem enquanto é tempo, pois daqui pra frente enfrentaremos trajetos perigosos. Biutyful apresenta um bizarro dueto de Chris Martin consigo mesmo em uma voz que parece ser de um personagem de Alvin e os Esquilos, My Universe é mais uma canção chiclete que vai dominar as rádios por meses, e parece estar ali só pra estender ainda mais a jornada ao infinito. O pouso será ao som da bela Coloratura, um descanso até que bem-vindo depois de uma viagem tão instável. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Meu Coco

Nove anos após conceder um Abraçaço à Cultura brasileira, Caetano Veloso resgata seu frescor inventivo no recém-lançado álbum Meu Coco. Com produção musical do próprio artista, junto de Lucas Nunes, a nova obra do cantor e compositor baiano adotou, inclusive, atualizados formatos em seu processo de divulgação, como é o caso das esquetes humorísticas. Afastando-se, no entanto, e felizmente, dos automatismos, conteúdos rasos e da instantaneidade do universo contemporâneo, Meu Coco chega ao mundo como um disco que ecoa, ao mesmo tempo, nossa Arte e nossos horrores; nossas vozes mais belas e sórdidas.    

Como em todas as criações de Caê, só é possível desvendar esse novo disco de camada em camada. E talvez nem seja possível esgotar as incontáveis ramificações que brotam a cada imersão ou pesquisa atenta. Assim como em Anjos Tronchos, lead single do projeto, não há aqui detalhe que escape das antenas universais de Caetano. Em Não Vou Deixar, por exemplo, observamos um grito não panfletário, que ressoaria em qualquer boca minimamente consciente das perversidades que habitam o Brasil e o mundo de hoje em dia – o que justifica a predileção do artista por essa faixa política, destacada e esperançosa.

Há, aliás, mais de uma luz no fim do túnel. “Com Naras, Bethânias e Elis/Faremos mundo feliz”, promete a faixa-título. Exaltação musical entremeada em todo o CD, é impossível não notá-la em GilGal, ou, quem sabe, se empolgar com as novas gerações citadas em Sem Samba Não Dá – tão inesperadas eram as menções a nomes como Gloria Groove e DUDA BEAT. No fim, até Portugal se entrega a esse caldeirão cultural múltiplo: ao lado da cantora Carminho, Caê constrói Você-Você, um dos tocantes auges de Meu Coco. Já nós, passo a passo, vamos abrindo nossos cocos para um vislumbre de futuro que nos parecia delírio utópico. – Eduardo Rota Hilário

Tirzah – Colourgrade

É fato que Tirzah não se contenta em encaixar sua Música aos padrões sonoros de qualquer gênero musical. E com Colourgrade não foi diferente. Dando sequência à estreia atmosférica de Devotion, em seu segundo álbum, a cantora, compositora e produtora britânica flerta com o R&B e o pop, jamais se enquadrando plenamente em nenhuma das categorias. O resultado é um som sintético vanguardista que desliza por uma série de experimentações que aguçam os sentidos e ultrapassam a experiência sonora, tornando-se também visual, táctil.

Contando com a colaboração veterana de Coby Sey e Mica Levi (conhecide pela produção de trilhas sonoras audaciosas como a do horror contemporâneo Sob a Pele), o trio com certeza traz à tona as melhores qualidades de cada parte. Rebeldes sem causa, a coprodução confere imprevisibilidade aos temas explorados nas dez faixas, produzidas ao longo de 2019, um ano após o nascimento do primeiro filho de Tirzah. “Passando pela gravidez, parto e maternidade, a anatomia encontrou seu lugar em todas as canções”, ela afirmou a Stereogum.

Contudo, é através dos ruídos, sintetizadores claustrofóbicos e melodias enigmáticas que Tirzah se excede. Por trás das celebrações do parentesco, transformações e pormenores da experiência cotidiana, evocados pelos versos confessionais, ela se despe dos exageros, abraçando o estranho – são sussurros sensuais em Tectonic até guitarras que evocam choros de bebês em Beating. Como uma peça de arte assombrosa, difícil de digerir, Colourgrade hipnotiza. – Ayra Mori

FINNEAS – Optimist

Sejamos honestos: é difícil dissociar a fama de Finneas O’Connel da carreira internacional de Billie Elish. Como produtor de sua irmã, o artista mostrou os pontos altos de alguém que domina o sombrio e converte isso em Música pop, ao mesmo tempo em que trata de assuntos pertinentes como as injustiças sociais. Esses temas são a força motriz de Optimist, álbum de estreia de FINNEAS.

A verdade é que existem poucos pontos otimistas aqui. Logo na primeira canção do disco, A Concert Six Months From Now, recebemos o tom de todo o álbum, ouvindo o artista evocar sentimentos de perda e decepção sob uma aura sombria, colocando-se contra a alienação que parece reinar nos tempos digitais — é dessa faixa que surge o trecho que dá título ao CD, no qual O’Connel entoa: “Acho que sou otimista”. Optimist parece fazer parte da leva de projetos que — talvez erroneamente — são caracterizados como pop, mesmo que neguem todos os valores que consolidaram o gênero, devido a uma reconstrução constante da Música.

Assim como Lorde, FINNEAS aposta ao longo das 13 faixas do álbum em paradas mais suaves e lentas, priorizando voz e piano — as canções mais eletrônicas do disco são Around My Neck e How It Ends, que o encerra dando um suspiro a toda tensão que a precedeu. Embora FINNEAS cite em Optimist sensações de tristeza e dor, provavelmente uma forma irônica de abordar seu título, ainda se vê preso em alguns clichês sobre sociedade e alienação, o que transmite sua enorme ambição, mas evidencia uma prática pouco viável. – Bruno Andrade

Sam Fender – Seventeen Going Under

Há um certo sentimento de euforia que ronda a nova geração do rock, nos confirma o novo disco de Sam Fender. Num contraste direto com a lírica obscura e direta que fez a estreia do britânico em Hypersonic Missiles ser tão marcante, Seventeen Going Under demora a revelar seus lugares mais escuros e também para compreender o que eles significam no álbum da vez. Aos afetados pela perfeita melancolia psicológica de Dead Boys em 2019, Sam Fender oferece músicas mais doces em toda a primeira metade de Seventeen Going Under. 

Referenciando diretamente o rock clássico do ídolo Bruce Springsteen, o disco entrega seu auge logo na faixa-título inaugural, e segue com produções e arranjos musicais que poderiam ter saído das sessões de gravação do novo disco do Bleachers em Getting Started, Long Way Off, Get You Down e em outro destaque do álbum, Aye. As conclusões do processo de reflexão, no entanto, continuam trazendo um gosto amargo às palavras que saem da voz operística de Sam Fender. Entre reflexões sobre a sua vida, Last Train To Make It Home, Spite Of You e The Dying Light mostram que a melhor matéria-prima é sempre o que existe dentro de nós.

Isso porque quando olhando para fora, Seventeen Going Under não consegue criar a mesma beleza artística. O percalço também era identificável no primeiro disco do artista, e aos incomodados pela dimensão rasa de White Privilege, Sam Fender expressa suas tentativas de ir além das análises sociais básicas em Paradigmas. Às vezes bruta, às vezes lapidada, a sensibilidade de Sam Fender é para ser descoberta, e ainda bem que existe uma urgência sentimental pungente em Seventeen Going Under. – Raquel Dutra

Madonna – Madame X – Music From The Theater Experience (Live)

Madonna está de volta com mais um álbum ao vivo. Gravado no Coliseu dos Recreios, em Portugal, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) é composto majoritariamente por canções do 14º disco de estúdio da cantora, o Madame X, embora traga também conhecidas faixas de outros CDs da Rainha do Pop – como American Life, Human Nature e Like A Prayer. Pelos exemplos citados, dá para perceber que, no quesito repertório, estamos diante de um dos shows mais políticos de toda a carreira da Queen Madge. Ultrapassando a Música, isso se confirma igualmente nos discursos que aparecem vez ou outra no meio desta obra.

Nos últimos tempos, não é surpresa que Madonna ama robotizar a própria voz. Seja como ferramenta criativa ou excesso que pode causar estranheza, essa escolha inventiva aparece em vários momentos do novo disco ao vivo. E é, inclusive, muito bom chegar a certos intervalos de respiro, quando Madge canta com voz natural. Afinal, são os momentos mais orgânicos do disco, como o Fado Pechincha – cantado em Português, ao lado do músico Gaspar Varela – e a presença da Orquestra Batukadeiras na faixa Batuka, que se destacam neste universo profundamente influenciado por diferentes culturas ligadas pela Língua Portuguesa.

Fora isso, pela interação calorosa entre artista e público, dá para ter uma noção mínima de como a plateia realmente aproveitou este show super intimista e teatral. Assumindo o cargo de melhor finalização possível para esta era, I Rise brilha como última faixa do espetáculo. No entanto, ao chegarmos ao fim do disco, é inevitável dizer que, sem a parte visual da apresentação, o lado sonoro da obra perde um pouco de seu brilho natural. No fim, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) acaba sendo, mais do que qualquer coisa, um álbum para os fãs mais ferrenhos da eterna Material Girl. – Eduardo Rota Hilário

Elton John – The Lockdown Sessions

2020 não foi um ano fácil, quem dirá 2021. Em dois anos de isolamento lidando com o fim do mundo, na Música, encontramos refúgio. Nela, encaramos a solidão e nos transportamos para tempos mais coloridos, assim como fez o gigante do pop, Elton John, em seu mais recente álbum. Produto de 16 registros remotos, The Lockdown Sessions foi concebido despropositadamente após o cancelamento de sua turnê Farewell Yellow Brick Road, em decorrência do agravamento de casos de covid-19. E descendo do pedestal, o cantor britânico transverte as frustrações em parcerias inesperadas.

O novo projeto reúne um encontro memorável de diferentes gerações que incluem desde artistas emergentes (Rina Sawayama, Lil Nas X e Dua Lipa) até ícones consagrados da Quarta Arte (Stevie Wonder, Stevie Nicks e Eddie Vedder). São mais de vinte colaborações lançadas e produzidas durante o período da pandemia. Atirando-se a novas experiências, sem hesitar, The Lockdown Sessions naturalmente perde o equilíbrio em algumas faixas, como no insosso After All. Porém, apesar dos deslizes, o álbum também integra verdadeiras preciosidades, como o melancólico The Pink Phantom, revelando um Elton John liberto, explorando os mais variados gêneros musicais, despido de qualquer acanhamento. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – B-Sides & Rarities (Part II)

Na carreira do artista que passou seus anos no limiar entre a sarjeta e o estrelato, nada pode ser jogado fora. Em B-Sides & Rarities (Part II), Nick Cave & The Bad Seeds revelam suas preocupações e inseguranças, e avançam por janelas alternativas. Dando sequência à primeira coleção de b-sides lançada em 2005 — nesta que contemplou as duas primeiras décadas de trabalho —, B-Sides & Rarities (Part II) chega com 27 canções inéditas, gravadas entre 2006 e 2019, e apresenta um conjunto mais centrado cujo desenvolvimento parece ficar entre a festa e a melancolia.

Ao longo da história, os b-sides foram utilizados pelos grupos para mostrarem facetas pouco convencionais, ou versões que simplesmente não se encaixavam no grande universo mainstream. Mas o que ouvimos no disco é uma tentativa bastante sólida de entender as questões que regem o mundo, como na canção Push The Sky Away, a qual Cave entoa de forma honesta: “Você precisa apenas/Continuar empurrando/Empurre o céu para longe”. Em Steve McQueen ouvimos, ao longo de seus quatro minutos de duração, Nick Cave tecer considerações sobre depressão, suicídio e assassinato, com sua voz acompanhada apenas por um sintetizador — essa característica dá a canção um tom de discurso, cuja ideia é registrar esses pensamentos.

Também ouvimos em Needle Boy — uma canção que de cara faz lembrar os trabalhos mais recentes de Low — suas afirmações sobre a virada do século, maldade e o que podemos entender como metáforas da globalização. No disco, ainda há um cover de Avalanche, música de Leonard Cohen que Cave e os Bad Seeds já reproduziram no álbum de estreia, From Her to Eternity (1984). B-Sides & Rarities (Part II) é de fato raro, e, invariavelmente, genial. – Bruno Andrade

Agnes – Magic Still Exists

O revivalismo da disco music já deu o que tinha que dar, certo? Errado. Quando as exaltações nostálgicas parecem perder força, Agnes se traja do figurino mais extravagante ao evocar o hedonismo setentista em sua melhor essência com Magic Still Exists. E após quase uma década de um longo hiato, a vencedora do Ídolos Suécia 2005 conjura uma suprema magia nos curtos 35 minutos do seu aguardado quinto álbum de estúdio, fazendo da pista de dança seu confessionário mais íntimo, seu grito libertário.

Encabeçando o álbum com XX – hino enérgico sobre a exaltação da própria existência –, a sueca eleva as expectativas logo de cara, estendo um convite: “Liberte sua mente, liberte seu corpo”. Cada batida pulsante, cada melodia galáctica e cada verso meticuloso parecem estar concisamente onde deveriam estar e, como um truque de mestre, a artista eleva seu pop ao mais alto patamar. As influências óbvias são reverenciadas com primor, acumulando ao longo das sete faixas e quatro interlúdios a discoteca de Donna Summer, ABBA, Diana Ross, Prince, Kylie Minogue, além das contemporâneas Robyn e Dua Lipa.

Magic Still Exists é encerrada em toda a sua excelência pela faixa-título do álbum, uma balada sublime transportada por um piano sóbrio, a voz poderosíssima de Agnes e um coro angelicalmente extraterrestre, fazendo crer que sim, ainda há mágica na existência humana. “Às vezes se ganha, e de repente se perde tudo/A vida pode te enganar, se você assim quiser/Tudo que sei é que isso me leva de volta para você/A magia ainda existe”. Sem sequer uma canção dispensável, todas se amarram apuradamente numa coleção de epifanias do início ao fim, como pura magia. – Ayra Mori

Alice Caymmi – Imaculada 

Imaculada é o quinto álbum de estúdio da potente Alice Caymmi. Neta de Dorival Caymmi, Alice não nega suas raízes com a inconfundível e impactante voz que possui. O diferencial mais chamativo desse disco está na assinatura de sua cantora. Ela é dona da maioria das músicas e também produtora de Imaculada, sendo assim o trabalho tem Alice por completo, com todos os seus anseios e prazeres.

As dez faixas compõem uma linha tênue entre o divino e o visceral, e a voz da cantora conduz os profundos sentimentos gerados por Imaculada. Dentro da Minha Cabeça, canção que abre o disco, dá uma palhinha da singularidade do novo trabalho; Recíproco provoca um reencontro com o eu-lírico ainda machucado que continua em Ninfomaníaca – essa contando com a parceria de Urias e Number Teddie; e a faixa-título amarra todo o conceito previsto para o álbum, sinalizando com sua rítmica renovada que esse é apenas o começo de uma nova era. Imaculada ainda conta com os feats entre Mulú e Vivian Kuczynski. – Ana Júlia Trevisan

James Blake – Friends That Break Your Heart

Em ano de lançamentos concebidos na pandemia, Friends That Break Your Heart, o quinto álbum do londrino James Blake, é mais um deles. No novo projeto, o cantor, compositor e produtor, que já trabalhou com nomes como Frank Ocean, Kendrick Lamar e Beyoncé e foi incluído em indicações do Grammy por suas colaborações, faz o esforço para reencontrar seu lugar e se reajustar aos seus arredores. Seja nas relações familiares, românticas, de amizade ou profissionais, as 12 faixas do álbum refletem os questionamentos e incertezas de James Blake. 

Como ele defende, “o álbum não é marcado por canções de amor, é sobre se ajustar a vários tipos diferentes de relacionamentos (…), e sobre refletir sobre eles, sobre mim e sobre minha posição no mundo”. Porém, ao passo que ele define o trabalho como sua catarse pessoal, para os ouvidos não familiarizados à discografia do artista, Friends That Break Your Heart soa até seguro demais. 

Permeado pelas baladas R&B, que incluem participações de SZA, Monica Martin, slowthai e dos rappers JID e SwaVay, as canções soam similares às do último álbum de Blake, Assume Form, apesar do tema do anterior ser completamente o oposto. Ainda assim, algumas das canções mais pessoais, como a que intitula o projeto, Friends That Break Your Heart, If I’m Insecure e Funeral destacam a voz potente e profunda de James Blake e se sobressaem no bem sucedido, mas comum Friends That Break Your Heart. – Vitória Lopes Gomez

The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Adam Granduciel, líder do grupo intitulado The War On Drugs, possui um ar de trovador solitário, caminhando por vales desconhecidos com seu violão preso às costas enquanto vive um dia de cada vez. Em I Don’t Live Here Anymore, novo álbum do projeto, o que é levado a sério é justamente a jornada, a qual o estrelato inevitável, após angariar prêmios importantes, não subiu à cabeça. Muito semelhante ao que Wilco fez — especialmente no álbum Sky Blue Sky (2007) —, lembrando ainda canções de Bob Dylan com seu folk arredio, o disco é uma afirmação do poder musical de The War On Drugs.

Nesse épico comovente, cada elemento é colocado de forma limpa e sem grandes invenções, porém extremamente bem utilizados. Dos sintetizadores aos solos de guitarra, tudo parece ter sido encaixado peça por peça. Em Living Proof, uma bela porta de entrada, ouvimos um violão ao estilo folk, acompanhado de piano e guitarra levemente inseridos, dando a tônica do álbum. Change é uma das canções que demonstram a tranquilidade com que o disco é levado, trazendo ao longo de seus seis minutos de duração um pouco de britpop e uma voz autoconsciente.

Mesmo que possa soar semelhante ao disco A Deeper Understanding (2017), vencedor do Grammy na categoria Melhor Álbum de Rock, o trabalho possui uma diferença: “Ele é sobre crescer, envelhecer, mas também crescer fora de si mesmo”, conforme Granduciel disse em entrevista. I Don’t Live Here Anymore consolida o indie rock de qualidade composto pelos integrantes de The War On Drugs — ou não, talvez seja mais do que isso, mas vamos encerrar por aqui. – Bruno Andrade

PinkPantheress – to hell with it

Com 15 segundos, PinkPantheress explodiu no TikTok. Inserida na potente rede cultural, sua Música naturalmente é suportada pelos mesmos pilares da plataforma: são imediatistas, atrevidas e não têm medo de abraçar o cringe. Como resultado, a produtora e cantora britânica de 20 anos – registrando milhões de streams –, assinou um selo com uma grande gravadora, explorando no álbum de estreia o “new nostalgic”, termo utilizado pela própria para referenciar a nova onda que exalta o saudado anos 2000, (uma utopia peculiarmente esquisita onde pessoas usavam calças baixas, navegavam por gráficos pixelados e sonhavam com vampiros adolescentes), ainda bem.

Composto por dez faixas que raramente ultrapassam 2 minutos, to hell with it dispõe-se de uma simplicidade furtiva. PinkPantheress não tenta dominar as faixas com seus versos, pelo contrário, ela preenche o vazio com expressões vocais simples que se mesclam com o ritmo lo-fi pulsante característico. O que define a marca autoral da artista é a sua voz, que parece sussurrar diretamente em nosso ouvido. E apesar de referenciar intimamente o período 00’s, PinkPantheress não se limita a mimese, adicionando camadas contemporâneas sobre uma memória idealizada da infância passada. – Ayra Mori

Megan Thee Stallion – Something for Thee Hotties

Ela faz o Halloween dela! No dia 29 de outubro, Megan Thee Stallion nos presenteou com Something for Thee Hotties, coletânea que abriga alguns hits, canções inéditas dos arquivos da artista e alguns dos freestyles favoritos dos seus fãs. Em 21 faixas, a rapper ostenta o talento para rimas e sua identidade musical que elegeu como Melhor Artista Revelação no Grammy 2021 e uma das artistas mais promissoras da atualidade.

O destaque maior de Something for Thee Hotties é relembrar o que fez com que Megan Thee Stallion se transformasse em Megan Thee Stallion, isto é, sua genialidade na essência mais pura do rap. Desde os 14 anos, o que mais chama a atenção na artista que hoje é uma das maiores rappers do planeta é a sua habilidade em freestyles. É ousado fazer qualquer destaque, mas ouça Megan Monday Freestyle, God’s Favorite, Freakend, Bae Goals e Pipe Up se quiser sentir certeiramente a mágica de Megan com seus próprios ouvidos. – Raquel Dutra

EPs

Valley – Last Birthday

Se tem uma palavra que marca Last Birthday, o novo EP da Valley, é enérgico. Lançando single após single, a banda canadense de indie pop já havia disponibilizado quatro das sete faixas que compõem o trabalho, que chega com expectativa depois das prévias e de seu antecessor, o EP sucks to see you doing better. Mas enquanto este último é sobre “o sentimento de se comparar, corações partidos e saúde mental”, o mais recente tenta “entender o amor incondicional e refletir sobre as experiências que nos fazem entender nosso propósito”.

Abrindo o lançamento, Oh shit… are we in love? já começa animada, mas ainda leve o suficiente para construir o clima para o que vem depois, as empolgantes e dançantes Can We Make It? (Jim Carrey) e Cure. Seguindo a explosão de energia, a balada calma de ain’t my girl abaixa o tom demais e chega a ser tediosa, no que EP parece já ter atingido seu pico e decaído. Nisso, Valley mostra que não e que só precisava tomar fôlego para continuar, com as estimulantes e contagiantes Like 1999 e SOCIETY. 

Na reta final de um EP que poderia ser maior, a sétima faixa, Tempo, se distancia da sonoridade que marcou esse e outros trabalhos da banda e se aproxima mais da Eletrônica. Apesar de eufórica e ‘pra cima’ como suas companheiras, a canção soa experimental e acaba deslocada em relação ao restante. Ainda assim, em boa parte dos vinte e poucos minutos de duração, Last Birthday é revigorante como uma injeção de energia e empolgação – mesmo quando Valley canta sobre a sociedade ser uma merda. – Vitória Lopes Gomez

aespa – Savage

Em menos de 1 ano de carreira, o quarteto aespa se mostrou uma grande potência no mercado competitivo que é o k-pop. Seus dois primeiros singles, Black Mamba e Forever, não obtiveram êxitos monstruosos nas paradas musicais, mas certamente serviram como amostras do talento e da versatilidade do grupo. Em Next Level, o nível aumentou. Nadando contra a onda retrô que inundou o gênero no último ano, as novatas mudaram o jogo com uma faixa que mescla hip-hop e upbeat-jazz de uma maneira que suas concorrentes não conseguiriam performar mesmo se quisessem. E em seu trabalho de estreia, Savage, a crescente continua.

O mini-álbum de 6 faixas mergulha em uma sonoridade futurista e energética, seguindo a linearidade musical que o grupo trabalha desde o seu debut. Com uma produção caprichada, vemos um aespa confiante, audacioso e pronto para a aventura em seu universo próprio. Aliás, a parte lírica é um dos principais destaques positivos. Toda a narrativa original que as artistas construíram com a sua linguagem própria e as histórias evocadas em seus vídeos musicais retornam e chegam próximo de um desfecho. Através da faixa-título Savage, por exemplo, é possível interpretar o embate final do grupo com a figura vilanesca que fez sua primeira aparição em Black Mamba.

Aespa teve a proeza de, em seu primeiro EP, conseguir entregar um trabalho coeso e bem construído. A sequência Aenergy, Savage e I’ll Make You Cry é tão poderosa que o repeat é quase que inevitável. Não que as outras faixas não sejam tão interessantes quanto o trio, aliás, Yeppi Yeppi mostra uma faceta diferente do grupo, que consegue fugir do electropop por um minuto para relaxar os ouvidos do ouvinte com uma faixa hyperpop viciante. Iconic talvez seja a única que não se destaca dentro do álbum, mas está longe de ser ruim, diferente de Lucid Dream, um pop mesclado de R&B alternativo que evidencia a originalidade do grupo. O resultado? O sucesso. O EP já é um dos mais bem sucedidos entre girlgroups sul-coreanos. E é bem difícil unir qualidade com o sucesso, mas aqui o aespa conseguiu fazer tudo isso. – Giovanne Ramos

Músicas

Conan Gray – Telepath

Depois de Astronomy e People Watching, o Garoto Corvo libera Telepath, terceiro single da nova era. Co-escrita por ele, Julia Michaels, Ilya e Caroline Ailin, a canção acelera o tom dos trabalhos anteriores, e chegou junto do anúncio da turnê mundial do cantor, marcada para começar logo em 2022. O visual barroco e o conceito mais caloroso do material parece enveredar Conan para um som menos ameno que o apresentado em Kid Krow. Com sorte, ano que vem descobriremos a verdade. – Vitor Evangelista

FLETCHER – girls girls girls

“Eu beijei uma garota e gostei” é de se cantar a plenos pulmões e FLETCHER sabe disso. Com direito a sample do hit I Kissed a Girl, girls girls girls, o mais recente single da cantora e compositora, evoca todo o entusiasmo e a empolgação da descoberta da sexualidade, realmente merecedora de ser entoada alto e repetidamente. Não por coincidência, a canção, que acompanha um clipe nostálgico, foi lançada no International Lesbian Day.

girls girls girls chega animada e ousada depois da pessoal e reflexiva Healing, o single anterior da artista. “Eu beijei uma garota/e ela gostou/é melhor do que eu imaginei” é como a artista renova a canção de Katy Perry que marcou gerações, mas foi cantada por muitos – inclusive por ela – escondida. Agora, ao som da dançante batida pop, a letra divertida e confiante é reconfortante e o refrão grudento, libertador. O coming-of-age da sexualidade de FLETCHER é digno de, finalmente, ser cantado alto. – Vitória Lopes Gomez 

Anitta e Saweetie – Faking Love

A saga da carreira internacional continua! Entre altos e baixos, como o destaque nas rádios estrangeiras, a divulgação na Times Square e a ausência na Billboard Hot 100, o novo single de Anitta mais acerta do que erra em suas não tão ambiciosas propostas. Gravado com a rapper estadunidense Saweetie, e assinado por Andres Torres, Anitta, Kaine, Mauricio Rengifo, Ryan Tedder e a própria Saweetie, Faking Love toma sua melhor decisão ao mesclar o funk melody com os traços característicos do pop.  

Com um videoclipe bem finalizado, mas não muito tranquilo de se gravar, a dupla feminina brilha entre amores falsos, muita coreografia e flechas que voam por toda parte. Anitta, em particular, segue misturando as diversidades da Cultura brasileira com os ares internacionais bastante padronizados. E nesta jornada mais recente, de Me Gusta, Girl From Rio e Faking Love, a curiosidade do público acerca do próximo álbum da cantora carioca só cresce. – Eduardo Rota Hilário

PVRIS – My Way

Em My Way, Lynn Gunn continua o caminho de libertação iniciado em Use Me (2020) e dá voz ao sentimento de seguir em frente, da melhor maneira que conseguir: “Transformar o dia em noite/Ligar o interruptor na minha mente/Eu queimo as fases da vida/Sem resetar ou dar pra trás”, ela canta logo antes do refrão. O novo single mais uma vez é carregado pelos vocais densos e insidiosos de Gunn, que se unem ao sintetizador e ao baixo para formar uma batida elétrica alt-rock tão viciante quanto a anterior. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valesca Popozuda e Rebecca – PayPau 

No começo de outubro, Valesca Popozuda completou mais um ano de vida, mas o presentinho veio direcionado novamente aos popofãs. Lançando PayPau, a tão aguardada parceria com a funkeira Rebecca, a cantora carioca entrega um prato cheio aos fãs de duplo sentido. Isso porque a composição de Umberto Tavares e Jefferson Júnior carrega, desde o título, irreverências ambíguas – recurso amplamente utilizado em criações artísticas, embora seja preconceituosamente menosprezado de acordo com o gênero musical em que está inserido.

Mesclando funk tradicional e bregafunk, um dos elementos que PayPau apresenta é um toque que lembra bastante o hit Tudo OK, de Thiaguinho MT, Mila e JS O Mão de Ouro. Semelhança intencional ou não, isso cria uma atmosfera muito similar à dos sucessos do TikTok. Já em relação aos versos da canção, Umberto revelou ao portal Metrópoles que “a ideia social da música é colocar a mulher nesse lugar de empoderamento e independência”. Encerrando com chave de ouro, PayPau ganhou um clipe recheado de coreografia e figurinos deslumbrantes: obra audiovisual para nenhum fã botar defeito. – Eduardo Rota Hilário

Tears For Fears – The Tipping Point

Tears For Fears, dupla britânica formada por Curt Smith e Roland Orzabal, anunciou um novo álbum para o início de 2022, e divulgou a faixa-título desse novo projeto, The Tipping Point. O single marca o retorno do duo, cujo último trabalho inédito foi o disco Everybody Loves a Happy Ending, lançado em 2004. De forma ambiciosa e carregada de marcas que consolidaram a dupla, a canção é acompanhada por elementos eletrônicos que dão uma aura mística, nos transportando aos hits que brilharam nas trilhas sonoras de filmes, como a canção Head Over Heels, que compõe Donnie Darko (2001). A faixa ainda faz lembrar Everybody Wants To Rule The World, clássico absoluto que possui uma versão da Lorde, e que figura nas listas de melhores músicas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Gloria Groove – A QUEDA

Gloria Groove é um dos maiores nomes do pop brasileiro e gosta de continuar provando isso. Ser uma exímia artista, cantora e pessoa parece pouco para ela. Em A QUEDA, ela compôs uma verdadeira obra dos pés à cabeça: uma letra potente e um ritmo viciante combinados em um conceito circense fenomenal. A Lady Leste surfa pelo seu estilo musical sempre agregando novos ritmos à sua Música, como mostrou no funk BONEKINHA e na parceria com o sambista Thiaguinho em Presente do Céu. 

A drag queen sabe que sobe cada vez mais na carreira musical que vem construindo e entende que estar sob os holofotes em meio à tanta tecnologia é igual andar na corda bamba. Adotando o circo que o mundo do entretenimento é, A QUEDA fala sobre uma sociedade que está de prontidão com seus celulares esperando o erro. Junto com o single, o clipe, de direção de Felipe Sassi, é um show visual que viralizou instantaneamente, e já beira 30 milhões de visualizações no YouTube. – Nathália Mendes

Phoebe Bridgers – That Funny Feeling

Se em maio Bo Burnham, com o pessimismo cômico de Inside, gritou para o mundo sobre as agonias de um mundo caindo aos pedaços, em outubro, Phoebe Bridgers lançou sua versão acústica de uma das canções que integram o especial de comédia vencedor do Emmy, That Funny Feeling, em resposta a aprovação recente de políticas contra o aborto no Texas. O cover, também interpretado ao vivo em sua turnê de 2021 pelos EUA, foi primeiramente disponibilizado exclusivamente na plataforma Bandcamp, no qual toda receita gerada foi direcionada ao Texas Abortion Funds.

“Esta é para Greg Abbott”, disse a cantora indie em comunicado, referindo-se ao governador do estado, responsável por assinar a legislação de aborto mais restritiva do país. A lei proíbe todo aborto após seis semanas de gestação, além de permitir que qualquer cidadão tenha o poder de processar provedores de clínicas de aborto e qualquer pessoa que ofereça apoio a um aborto, incluindo desde familiares e amigos de um paciente até motoristas que forneçam transporte. Contra os retrocessos legislativos, Bridgers acertadamente posiciona sua Música como ato político. – Ayra Mori

Jesy Nelson e Nicki Minaj – Boyz

Quando Jesy Nelson anunciou sua saída da bem-sucedida girlgroup britânica Little Mix, foi desconcertante assistir uma parceria de longa década sendo desfeita. Os motivos de sua saída, no momento, foram válidos: a grande pressão estética de ser uma mulher na indústria da Música e a constante comparação com as suas parceiras no grupo a fizeram desistir.

O seu retorno para a música, no entanto, não replica a mesma qualidade nem a honestidade que o seu trabalho como misturinha transmitia. Entre o uso descarado de blackfishing e as polêmicas declarações de sua parceira na faixa, Nicki Minaj, o single de estreia Boyz amarga ainda no primeiro play. Mesmo com o sample da icônica Bad Boys For Life, do rapper Diddy, a canção não se sustenta, já que ela se baseia em um flow preguiçoso e um lirismo ultrapassado. Se Jesy se tornou uma artista solo para destacar sua identidade, Boyz é um péssimo início. – Laís David 

ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus – Geleira do tempo 

A série feats que eu não sabia que precisava ouvir até ouvir de verdade está de volta, estrelando ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus. A dupla sertaneja e o duo pop começaram o mês com o pé direito, recheado de muita paixão e companheirismo. É estranho descrever, mas a canção escrita por Ana Caetano e Tó Brandileone consegue emplacar, harmonicamente e liricamente, as duas duplas. Dá pra notar o trabalho de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus ao mesmo tempo, ainda que eles façam parte de estilos musicais completamente distintos. Com leveza e mansidão, inclusive um mundo congelado é capaz de derreter e se deleitar junto dos versos envolventes de Geleira do tempo. – Júlia Paes de Arruda

Aly & AJ – Am I Alright

Continuando no aquecimento para a versão Deluxe de a touch of the beat, Aly e AJ Michalka lançaram Am I Alright, mais uma amostra de suas adições ecléticas ao disco. Dessa vez, deixando de lado as energias mais positivas do CD original, aqui elas cantam sobre noites chuvosas em Los Angeles “revendo filmes de Godard”. Puxando alguns dos temas mais sombrios de suas experiências, as irmãs lamentam em uma melodia trágica e apaixonante: “Você pode dizer que estou me apoiando em depressão/Mas estou rejeitando-a/Você pode dizer que estou chorando por atenção/Mas estou prestes a quebrar”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Swedish House Mafia e The Weeknd – Moth To A Flame

Se Swedish House Mafia e The Weeknd parece uma combinação surpreendente, o resultado é, na verdade, um dos melhores singles de 2021. Moth To A Flame é uma mistura perfeita dos estilos musicais de ambos e forma uma balada dos anos 2000 de sensualidade e ritmo extremamente contagiante. A música foi lançada junto com um clipe de pegada apocalíptica bem meia boca que acompanha a letra sobre a busca por um prazer que incendeia. Duas lendas da Música mereciam um vídeo tão estrondoso quanto a obra que compuseram.

A presença da concepção musical de The Weeknd é predominante, mas o backdrop de Moth To A Flame é a essência da Swedish House Mafia, conseguindo até lembrar a fenomenal Don’t You Worry Child quando o beat é mais rápido. Além disso, os DJs conseguiram absorver o estilo único de unir passado com presente de The Weeknd, e formar um ritmo mais future house – provando que tantos anos de parceria só os tornam melhores no que fazem desde o começo. – Nathália Mendes

The Neighbourhood – Fallen Star

Fallen Star, o mais recente lançamento da The Neighbourhood, pode soar familiar. Isso porque trechos da faixa já haviam sido divulgados nas redes sociais da banda antes mesmo da chegada do último álbum, o conceitual Chip Chrome & The Mono-Tones. A canção acabou não integrando nem o projeto, nem sua versão Deluxe e, na época, as prévias pareceram ficar por aquilo mesmo. Agora, mais de um ano depois do nascimento de Chip Chrome, a The Neighbourhood resolveu reviver a persona de Jesse Rutherford e a canção descartada: Fallen Star finalmente foi disponibilizada, como single. 

Na faixa, o vocalista sofre por um amor inevitável, mas que parece não dar certo. “Eu vou te manter longe de mim como uma estrela/Difícil não me apaixonar por você, te dei todo o meu coração”, ele se divide. Não só no personagem principal, mas a sonoridade do single também remete ao último álbum do quinteto: Fallen Star lembra faixas como Pretty Boy e Cherry Flavoured. De fato, a canção facilmente se encaixaria com seus antecessores, mas Chip Chrome ainda não morreu. – Vitória Lopes Gomez

Tom Zé – O Rock Ronca

É de longa data o espírito roqueiro que Tom Zé cultiva em si mesmo. Uma das provas mais famosas dessa afirmação talvez seja a canção Jimmy, Renda-Se, presente no álbum Tom Zé, de 1970. Agora, após completar 85 anos de vida em outubro, o gênio tropicalista comprova que essa alma de liberdade e atrevimento – no bom sentido da palavra – permanece viva. Com a criatividade ousada de sempre, o artista lança, através do selo Circus Produções, a animada música O Rock Ronca. 

Na verdade, não se trata de uma composição inédita. Criada para a apresentação de Tom Zé na edição de 2011 do Rock in Rio, foram necessários dez anos até que essa canção fosse lançada oficialmente como single nas plataformas de streaming. Se é verdade que O Rock Ronca celebra o aniversário de seu criador, também podemos afirmar que essa música abre caminhos para a nova edição do mesmo festival: o Rock in Rio 2022. – Eduardo Rota Hilário 

Mitski – Working for the Knife

“I cry at the start of every movie/I guess ‘cause I wish I was making things too”. Assim, inicia Mitski nos cortando logo de cara após três longos anos. Desde o irretocável Be the Cowboy, a nipo-americana anunciou uma pausa indefinida na carreira, confrontando nesse hiato a própria identidade na Música em que produzia. Esquivando de ser engolida por um sistema em constante frenesi, Mitski ressurge com Working for the Knife numa reflexão dura quanto ao exato conflito entre arte e ofício que a fez se desligar em 2019.

Acompanhada de sintetizadores misteriosos, guitarra intensa ou, ainda, da própria respiração, Mitski discorre sobre os movimentos da vida sob uma “faca”, uma força opressora. O capitalismo, a velhice, o desequilíbrio psicológico, são metáforas evocadas pelos versos que abrem espaço para as particularidades de quem ouve. Até mesmo a estrutura da música revela a abordagem em relação a monotonia capitalista, constituindo-se somente por cinco estrofes que não se distinguem sonoramente entre si e se encerram subitamente, sem alívio algum.

No videoclipe dirigido por Zia Anger, reforçando o desespero angustiante marcado pela canção, Mitski vagueia completamente sozinha pelo espaço, emergindo num vazio sem fim. A escala da arquitetura monumental amplifica os vazios do edifício, dando visibilidade à presença enigmática de Mitski que conduz uma performance desvairada e, no final das contas, retorna ao mesmo lugar. “I start the day lying and end with the truth/That I’m dying for the knife.” – Ayra Mori

DJ Snake, Ozuna, Megan Thee Stallion e LISA – SG

Um espertíssimo DJ Snake uniu Ozuna (novamente), Megan Thee Stallion e LISA do grupo BLACKPINK em um single, e assim, conseguiu um clipe bombadíssimo com 60 milhões de visualizações no YouTube em apenas uma semana. Sem surpresa, SG não é nenhuma composição fenomenal com sua letra sobre uma mulher gostosa dançando para um cara. O DJ mostra que gosta de ser um camaleão farejador de sucessos e explorar os estilos que estão em alta, como em Taki Taki e as participações de Selena Gomez e Cardi B – que até tem o mesmo estilo pop e rap de SG. Mas quem diria que um DJ, uma rapper, uma cantora de k-pop e um espanhol dariam um reggaeton de ritmo gostoso assim? – Nathália Mendes

Ainda mais dançante que o single anterior, Foxes aposta na angústia de relacionamentos complicados e no sabor que uma boa tragédia proporciona em Dance Magic. Apesar de à primeira vista se diferenciar do repertório de costume da britânica, a música logo engata em suas batidas eletrônicas usuais e versos potentes e engajantes. Parte do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora pop, The Kick, a faixa nos deixa ansiosos para o próximo capítulo de sua artista em 2022. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Black Country, New Road – Chaos Space Marine

Parece uma eternidade, mas se passaram somente alguns meses desde que Black Country, New Road debutou com sua mescla surpreendente de post-punk, música tradicional judaica e o que mais lhes desse na telha. E para a sorte dos fãs, o septeto britânico não demorou a lançar material inédito, como podemos ver no novo single da banda, acompanhado do anúncio do futuro álbum que virá apenas em fevereiro de 2022. Cravando 3 minutos e 36 segundos, Chaos Space Marine é a música mais curta já lançada por eles até o momento, mas que ainda assim condensa neste curto espaço de tempo uma dose de energia tão intensa quanto a de seus épicos anteriores de quase dez minutos. 

A canção abre com um divertido diálogo entre os instrumentos da banda, quase como que dando boas vindas ao piano, que aparece aqui em sua primeira vez integrando uma canção do grupo. A adição contribui ainda mais para o clima de energia caótica crescente que explode em um ápice impossível de não acompanhar movendo a cabeça, ou o corpo todo que seja. Nunca saberemos exatamente porque o personagem de Warhammer 40k  do título volta para casa ao “estilo Billie Eilish”, mas com BC,NR o que importa é a energia e a criatividade, o que essa canção tem de sobra. – João Batista Signorelli

Ariana Grande – You

De tempos em tempos, um vazamento na discografia de um artista encanta ainda mais que os seus últimos lançamentos oficiais. Esse é o caso da gloriosa You, de Ariana Grande. Mesmo que originalmente planejada para o seu premiado quarto álbum, Sweetener, e amplamente divulgada por Grande em diversas entrevistas, a faixa acabou sendo descartada do trabalho final. Em outubro de 2021, no entanto, ela foi disponibilizada de forma anônima na internet. Com o sample da percussão icônica de Waterfalls, das TLC, Ariana constrói seus versos com delicadeza e chama atenção com suas elegantes harmonias. Portanto, esqueça o Positions: You é a faixa mais fascinante de Grande no momento. – Laís David

Marisa Monte e Jorge Drexler – Vento Sardo 

As portas de Marisa Monte continuam abertas e agora com vista para o mar. Vento Sardo é uma parceria entre a cantora e o uruguaio Jorge Drexler, lançado quatro meses após a estreia do álbum. Uma das mais belas composições apresentadas pela cantora esse ano, o single entrou como décima quarta faixa de Portas. 

A canção é uma declaração ao vento. Passeando pela letra entre o português e o espanhol, a dupla explora toda leveza, naturalidade e espiritualidade do elemento ar, e sua melodia encanta ao mesmo tempo em que envolve e nos teletransporta a céu aberto por um lugar pacífico. A Vento Sardo foi gravada entre Madri, Barcelona e Rio de Janeiro, chegando como uma adorável surpresa em outubro e deixa a pulga atrás da orelha para saber se  mais singles virão a compor o nono álbum de Marisa. – Ana Júlia Trevisan

Babeheaven – The Hours

Babeheaven, quinteto londrino liderado por Nancy Andersen e Jamie Travis, retorna com The Hours, single que marca a continuidade do grupo após o seu álbum de estreia, Home for Now (2020). Através da aconchegante voz de Andersen, a canção reflete sobre o sentimento de irrelevância quando observamos a vastidão do mundo. Como a cantora britânica afirmou, a faixa joga luz à “sensação de solidão que vem quando você está sentado no trem olhando para pessoas cujos mundos parecem tão distantes”. Apostando desde o projeto anterior em canções imersivas, Babeheaven executa um indie pop cauteloso com The Hours, cujo resultado parece ser uma mistura inusitada entre Cigarettes After Sex e Massive Attack. – Bruno Andrade

Karol Conká e WC no Beat – Louca e Sagaz

Depois de meses de espera, os fãs da Mamacita finalmente podem ouvir a quase mitológica canção Louca e Sagaz. Adiado por conta de polêmicas e cancelamento que marcaram a participação de Karol Conká no Big Brother Brasil 2021, o novo single da rapper curitibana faz parte do ainda inédito álbum Urucum. Com produção de Conká e WC no Beat, Louca e Sagaz mistura reggaeton e trap, seguindo a preferência dos dois artistas. 

“Dei permissão, então, vem sem censura”, canta a artista, lembrando a importância do respeito mútuo em qualquer envolvimento humano. Com uma letra moderada, que não pretende ser muito rebuscada, o que mais se destaca neste novo single é, com certeza, o videoclipe que ele ganhou. Calorosa, sensual e dançante, a parte audiovisual de Louca e Sagaz é mais um dos inúmeros investimentos em vídeo que tem feito o atual mercado fonográfico brasileiro. – Eduardo Rota Hilário

The Wanted – Rule The World

A The Wanted se separou em 2014 depois de 3 álbuns, o hit inesquecível de Glad You Came, e prometendo projetos solos para seus 5 integrantes. 7 anos depois, a boyband se reencontrou lançando tudo de uma vez só: o single Rule The World, um show beneficente promovido pelo vocalista Tom Parker, e o futuro álbum – o Most Wanted – The Greatest Hits – marcado para chegar ao mundo em 12 de novembro. O fato é que não há tempo para Tom, que foi diagnosticado com um tumor cerebral em estágio 4 no ano passado, e o projeto de retorno da banda entendeu muito bem esse propósito, inclusive na letra da primeira música após hiato.

Rule The World tem um ritmo delicioso e consegue fazer de conta que Jay, Tom, Max, Nathan e Siva nunca deixaram de cantar juntos. Na letra e no clipe, há uma retomada do estilo de Battleground, primeiro álbum da The Wanted lançado lá em 2011. Isso se dá porque – finalmente – os meninos parecem sentir de novo a vontade de viver e conhecer o mundo que mostravam em Invincible e Rocket. No entanto, não dá para reproduzir uma obra “antes-da-fama”, por isso Rule The World aquece o coração com a retomada da banda e ânsia pelo seu futuro na mesma proporção que aflige quem os ama desde a adolescência: até quando Tom Parker irá fazer parte disso? – Nathália Mendes

Bastille – No Bad Days

Depois dos elétricos Distorted Light Beam, Give Me The Future e Thelma & Louise, o último single do próximo álbum de Bastille é mais contido. No Bad Days abaixa o tom, mas os instrumentais iniciais e as distorções nos vocais do lead singer Dan Smith ainda remetem à sonoridade futurista escolhida pela banda para seu quarto projeto, que já estampa o conceito no título, Give Me The Future. Além da faixa, o quarteto inglês também disponibilizou um videoclipe: codirigido e protagonizado pelo vocalista do grupo, a narrativa saída diretamente de Black Mirror ou Love, Death & Robots conecta a letra de No Bad Days, com menos referências óbvias do que suas antecessoras, ao universo fictício e distópico criado por Bastille. – Vitória Lopes Gomez

K.Flay – Nothing Can Kill Us

Primeiro single do próximo projeto da artista, Nothing Can Kill Us é uma amostra potente de K.Flay como rapper e liricista, contando com vocais profundos sobre o significado de relacionamentos que terminaram e de como preservar a memória deles, sob a mistura distinta de rap e rock que marca seu trabalho. O single marca uma mudança da vibe introspectiva de Inside Voices, o EP anterior da cantora, reexaminando os momentos anteriores ao término de um romance e encontrando não apenas tristeza, mas euforia. Com o objetivo de verdadeiramente imortalizar as memórias que ali foram feitas, ela canta: “Eu deveria ter segurado aquele beijo/E te dito todas as maneiras que você mudou minha vida/Estou feliz por você existir/Mesmo que durma em uma cama que não é a minha”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Johnny Hooker – Amante de Aluguel

Antes de qualquer coisa, Johnny Hooker é um dos anticamaleões nacionais mais evidentes da atualidade: aqueles artistas imprevisíveis, que mudam o tempo todo, mas longe de abandonar a liberdade criativa para atender aos clamores do público. Mergulhado em uma mistura de brega e pop eletrônico, o cantor pernambucano ressurge agora com Amante de Aluguel, canção produzida por ele mesmo, ao lado de Tiago Abrahão. Fazendo jus à abertura deste texto, o novo single de Hooker atiça a curiosidade para o futuro e ainda misterioso novo álbum do artista, baseado no livro Orgia – Os Diários de Tulio Carella, Recife 1960, do dramaturgo argentino Tulio Carella.    

Além do coro final, no melhor estilo Like a Prayer possível, o que mais se destaca em Amante de Aluguel é o videoclipe dirigido por Johnny Hooker, Arthur Moric e Érica Colaço. Dentro da onda de excelentes obras audiovisuais que a música pop brasileira tem criado, Hooker surge como uma verdadeira diva artística. De jaqueta à la Lady Gaga e cabelão modelo Cher dos anos 1970 – ou Mortícia Addams, se preferir -, somos inseridos em uma narrativa realista, com alguns pontos de tensão e clichê, mas que também conforta, mesmo que minimamente, com um final cinematograficamente belo e apaixonado.  – Eduardo Rota Hilário

Michael Kiwanuka – Beautiful Life

É difícil encontrar beleza em meio à tanta perda, tanta dor. “Nessa música, eu queria me concentrar no sentimento de que há uma força real no espírito humano quando você tenta buscar pela beleza, mesmo em situações difíceis”, diz Michael Kiwanuka sobre o belíssimo Beautiful Life, acertando precisamente onde dói. A música faz parte da trilha sonora do documentário da Netflix, Convergência: Coragem Em Tempos de Crise, onde o diretor Orlando von Einsiedel ensaia sobre as vulnerabilidades de uma população global afetada pelas consequências penosas do covid-19, a partir do relato pessoal de pessoas de oito países diferentes.

Com um quarto álbum previsto para 2022, Kiwanuka certamente encontra na faixa a beleza em que disserta com a voz suave, mas, também, se depara com a melancolia do teclado lânguido, da guitarra chorosa e da percussão pungente. Tudo dói, e na beleza, surge a tristeza. “As cores enganam meu cérebro enquanto a luz do dia enche minha janela/Que tolo fui em me sentar e assistir você se indo/Caindo pelos meus braços como sussurros nas cordas do meu coração/E assim por diante se indo”. – Ayra Mori

Dear Rouge – Life Goes By And I Can’t Keep Up

Após retornarem em setembro com a elétrica Fake Fame, o duo canadense de rock alternativo Dear Rouge voltou no final deste mês com mais um novo single de seu terceiro álbum de estúdio, ainda sem nome ou data. Destoando completamente do resto de sua discografia, Life Goes By And I Can’t Keep Up vê o casal de músicos em seu espírito mais introspectivo e sensível até agora, trocando as batidas rápidas de Black to Gold e PHASES por uma balada lenta e triste sobre as dificuldades de não conseguir acompanhar o mundo ao seu redor.

Começando sem rodeio com o refrão que dá nome à canção, Danielle e Drew McTaggart não perdem tempo em estabelecer seu ritmo delicado e vulnerável, complementando belamente as vozes um do outro. Conforme a melodia progride, a voz de Drew recebe ainda mais destaque, carregando consigo alguns dos versos mais honestos e passando a impressão de ser a expressão mais colaborativa da banda até agora, ecoando sentimentos profundos e dolorosos, mas terminando numa nota de beleza e compaixão, deixando claro que seu par de artistas não temem o futuro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sonny & Cher – I Got You Babe/Where Do You Go/But You’re Mine (Medley/Live On The Ed Sullivan Show, September 26, 1965) 

Preservar registros históricos não basta. É preciso divulgá-los às novas gerações, para que o mundo tenha sempre memória e repertório. E nada melhor do que os serviços de streaming para esse tipo de compartilhamento. Pensando assim, é fabuloso saber que a primeira e única apresentação do casal Sonny & Cher no programa The Ed Sullivan Show esteja agora disponível como single no Spotify. 

Realizada em 1965, a performance marcada por interrupções bruscas e muitos aplausos já sinalizava a excelência artística de uma das maiores duplas musicais dos anos 1960. Ao cantarem Where Do You Go, But You’re Mine e o hit I Got You Babe, Sonny e Cher honravam o histórico de um programa lendário, onde verdadeiros deuses da Música – como Janis Joplin, Tina Turner e Elvis Presley – se apresentavam. – Eduardo Rota Hilário

Hatchie – Crush

Em 1998, a cantora Jennifer Paige lançou seu único hit da carreira, Crush, sucesso pop adolescente que conquistou a terceira posição na Billboard Hot 100 do ano. Passados 23 anos, Hatchie, ou Harriette Pilbeam, evoca a canção em uma nova versão dream pop com toques da era Ray Of Light de Madonna mesclados a um shoegaze hipnótico. A faixa dá continuidade ao primeiro single da australiana sob o selo Secretly Canadian, This Enchanted, compondo o aglomerado de covers do 25º aniversário da gravadora, Secretly Twenty-Five. Colaborando com Jorge Elbrecht – um dos produtores de Sky Ferreira e Japanese Breakfast –, Hatchie é com certeza alguém para se ficar de olho. – Ayra Mori

Adele – Easy On Me

Era o início de outubro quando uma imagem do número 30 dourado sob um fundo oceânico começou a aparecer nos cantos das maiores cidades do globo terrestre. O sinal misterioso logo viralizou nas redes sociais, assim como as interpretações dos seus significados também começaram a borbulhar. Felizmente ou infelizmente, é impossível não reconhecer os vislumbres da música mais exata do mundo. 

Seis anos se passaram desde a última vez que tomamos parte da vida de Adele. Primeiro, a britânica fez seu fenômeno brilhar pela primeira vez ao reportar seus 19 em 2008; logo depois, conhecemos os seus 21 em 2011; então, chegamos aos 25 em 2015. Muitos prêmios, recordes e experiências preencheram cada um desses anos, mas depois do marco que concretizou seu último disco, a artista se recolheu para viver seu casamento e sua família. Aquela que transforma a dor emocional em ondas sonoras físicas teria o seu final feliz? Não exatamente, dizem os 30 de Adele.

A forma que a artista encontrou para nos introduzir a sua vida novamente foi através de Easy On Me, primeiro single de seu novo disco que leva como nome a idade em que ela vivenciou o divórcio e a maternidade. Na canção, somos introduzidos a uma nova Adele que nunca deixaria de soar familiar com sua voz esfumada, que ecoa sob um piano choroso porém firme e se materializa em tons de sépia. A história já é hit, mas os detalhes nós vamos conhecer no dia 19 de novembro, quando 30 também nos conhecerá. Até lá, eu peço a Adele todos os dias para que ela pegue leve comigo. – Raquel Dutra

Clipes

Olivia Rodrigo – traitor

Olivia Rodrigo pula entre as nuvens, ela caminha, corre, escala muros e se joga na piscina. Faz tudo isso na companhia dos amigos, claro, já que no clipe de traitor ela coloca para fora todos os sapos que engoliu no relacionamento que agora chegou ao fim.

Poucos meses antes de subir ao palco para receber o Grammy de Artista Revelação, a jovem cantora continua explorando cada uma das canções de SOUR, um dos maiores sucessos de 2021. Para a melancólica e raivosa traitor, ela escolhe a esperança de um amanhã mais simples. – Vitor Evangelista

WILLOW, Avril Lavigne e Travis Barker – G R O W 

WILLOW já havia reunido a realeza do pop punk atual (os veteranos Avril Lavigne e Travis Barker) em G R O W, décima faixa do excepcional lately i feel EVERYTHING. Seguindo na era do álbum, a artista convocou mais uma vez os dois grandes nomes do gênero (que, agora, incluem o dela) para o videoclipe da canção.

O baterista ficou de fora, mas ao lado de Lavigne, WILLOW leva sua urgência em crescer à sério e literalmente iguala-se aos arranha-céus, enquanto, com sua postura rebelde, caminha pelas ruas, canta para a câmera e performa em um fundo de quintal ao lado da experiente rock princess, que vira só coadjuvante da voz principal e força central de G R O W. – Vitória Lopes Gomez

Kacey Musgraves – camera roll

No novo clipe do disco star-crossed, Kacey Musgraves está despedaçada. Literalmente, já que em camera roll sua personagem sofre um acidente e, na forma de um manequim destruído, se encontra toda quebrada em uma estrada qualquer.

Sendo recolhida por um equipe fashion de enfermeiros, Kacey canta a melancolia da galeria do celular agora que seu casamento acabou. Tentando se prender às boas memórias, a canção ilumina um otimismo e um senso de agradecimento, super a cara do disco novo da artista, adereçando sua separação com maturidade e ciência. – Vitor Evangelista

Karol Conká e RDD – Subida 

Videoclipe brasileiro estilo Rude Boy? Temos! Vestindo belos figurinos e rodeada de colagens admiráveis, Karol Conká começou o mês bastante empenhada com o lançamento da parte audiovisual de Subida. Para essa composição da própria artista, assinada também por RDD (Rafa Dias), foram elaborados uma pequena coreografia e alguns efeitos especiais, com destaque para a multiplicação de Conkás.

Diferente da queda de Gloria Groove, o foco desta obra, como o próprio título diz, é a ascensão. Transitando entre pagodão baiano, reggae e dub, Subida curiosamente se dividiu em dois meses. Com single disponível no dia 30 de setembro, o clipe só chegou ao YouTube em 1º de outubro. E por ser de uma música que está na trilha sonora do jogo Fifa 22, vale a pena dar uma olhada neste vídeo interessante. – Eduardo Rota Hilário

Troye Sivan – Angel Baby 

O romantismo está vivo no novo clipe do anjinho Troye Sivan. Um mês depois de lançar a canção Angel Baby, o australiano disponibilizou nas redes o vídeo que a acompanha. Dirigido por Luke Gilford, que já havia comandado os visuais da brilhante Heaven em 2017, o videoclipe é uma experiência cinematográfica digna dos grandes amores.

Atravessado por uma paixão inabalável, Troye Sivan está à mercê do mundo. Contracenando com uma porção de pares românticos, o jovem só quer saber de dar e receber carinho. Lúdico e terno, Angel Baby mantém as temáticas sentimentais que Troye se acostumou a cantar, mas dessa vez com um extra avantajado de mel. – Vitor Evangelista

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Preparem a pipoca de microondas e gelem as garrafas de coca-cola, pois o Emmy 2021 está batendo à porta. A 73ª edição dos prêmios da Academia de Televisão acontece no dia 19 de setembro, e no ano em que a pandemia judiou das séries consagradas do Oscar da TV, o Persona traz um conteúdo completo e multifacetado, abrangendo, entre séries de comédia e drama, animações, programas de competição, de variedades, documentários, telefilmes, séries limitadas e antologias, 72 produções que concorrem ao Emmy desse ano.

Lendo esse compilado, você fica por dentro de tudo que está rolando na premiação, sabe em quem apostar (pode ir em Ted Lasso, confia em mim) e ainda descobre quais foram os esnobados e injustiçados da vez. Começando pelo gênero da Comédia, muitas vezes erroneamente tido como o menos importante da seleção, a série da Apple TV+ com o técnico bigodudo sai na frente em todas as corridas que disputa.

A benevolência de Lasso, por outro lado, rivaliza de maneira harmoniosa com a acidez de Hacks, seriado do HBO Max que encontra em Jean Smart um veículo de sagacidade, mau humor e um estudo sobre a mudança da Comédia na TV. Simplesmente imperdível, assim como sua colega de emissora, The Flight Attendant, dramédia misteriosa que tira Kaley Cuoco da vida nerd de The Big Bang Theory, e a coloca dentro de aviões em viagens longas, recheadas de alcóol e até um assassinato.

Na lista mais fraca em anos, Melhor Série de Comédia iluminou a brilhante Pen15 e todo seu humor cringe, mas ainda não o bastante para que as soberbas Anna Konkle e Maya Erskine apareçam na lista principal de atuação. Quem também se sobressai da mediocridade é a sétima temporada de black-ish, sitcom que se mantém firme e forte com o casal protagonista figurando em suas respectivas disputas.

Cobra Kai surpreendeu (e o cheque da Netflix caiu) com a menção na categoria principal, e O Método Kominsky conseguiu ser indicado pela terceira vez. A surpresa, no entanto, ficou com a lembrança de Emily em Paris, na briga que poderia ter indicado obras mais pomposas, como Dickinson (completamente esnobada) ou Zoey e sua Fantástica Playlist (que abocanhou algumas menções técnicas). A ausência de comédias de nome, a exemplo de What We Do in the Shadows, Atlanta, Insecure, Barry e The Marvelous Mrs. Maisel, abriu espaço para que a seleção de 2021 se diferenciasse do esperado.

Reconhecidas somente com suas brilhantes atuações estão o final de Mom, o final de Shrill e o final de Shameless. O começo de Kenan foi agraciado com a menção de seu personagem-título Kenan Thompson, que também aparece como um dos favoritos ao prêmio de Ator Coadjuvante, dessa vez por Saturday Night Live. A corrida masculina, de fato, enxergou uma superlotação do elenco de Ted Lasso, que faz companhia a Thompson e ao brilhante Bowen Yang, na disputa da honraria.

Com Insecure fora do período de elegibilidade, a pontinha de Issa Rae em A Black Lady Sketch Show rendeu à atriz uma indicação como Convidada. A série-filha de black-ish, grown-ish, recebeu a primeira nomeação de sua existência, pela Fotografia da terceira temporada, enquanto Girls5eva, esperando ser lembrada na categoria principal, só ouviu o nome de Meredith Scardino como Melhor Roteiro. Fecham a seleção de Comédia as esquecidas B Positive, The Politician e Made for Love.

Na parte das séries animadas, Big Mouth retorna com a quarta temporada na esperança de sua joia rara Maya Rudolph vencer novamente o Emmy de Performance de Voz, enquanto South Park foi reconhecido, pela primeira vez em sua longa jornada pela TV, pelo episódio especial da pandemia. Outra queridinha da Academia é Love, Death + Robots, que voltou com um ano mais curto, mas igualmente satisfatório.

Quando o assunto são os Documentários e os Programas de Não-Ficção, o Emmy definiu uma regra base: se o filme for indicado ao Oscar, não pode fazer dobradinha aqui. Dito isso, nomes esquecidos na cerimônia que logrou Professor Polvo, como O Dilemas das Redes, As Mortes de Dick Johnson, Bem-vindo à Chechênia e Boys State, agora podem ser agraciados com esse outro troféu dourado. 

Na lista de 2021, marcam presença os filmes musicais Tina, Billie Eilish: The World’s A Little Blurry, David Byrne’s American Utopia e The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart, além do histórico Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre. No formato seriado, Allen contra Farrow fez barulho, Faz de Conta que NY é uma Cidade nos agraciou com afeto e Framing Britney Spears ressoou no mundo real. 

No maior prêmio da noite, 8 dramas batalham pelo reconhecimento sem a sombra de Succession. O suprassumo da quarta temporada de The Crown pode, finalmente, colocar um Emmy de Melhor Série na estante da Netflix. Aliás, o amor pela chegada da Lady Di e da Dama de Ferro emplacou a produção à frente em todas as seis categorias de atuação, além de Roteiro e Direção. Ano passado, Schitt’s Creek provou que é muito possível um único nome clamar todos os troféus do gênero. Será que a criação de Peter Morgan repetirá esse legado?

Na cola da família real, a segunda temporada de The Mandalorian continua o fenômeno nerd, envelopado numa trama de faroeste espacial e ainda conta com a fofura de Grogu, o nome do batismo do nosso filhinho Baby Yoda. O ano 2 da série do Disney+ encheu de nomes as categorias de atuação, além de Roteiro e Direção, mas a ausência de Pedro Pascal em Ator Principal é mais uma vez sentida. Outro nome popular da disputa é The Handmaid’s Tale, que depois de um ano fraco, renasce poderosa.

Com 10 nomeações apenas para o elenco, a quarta temporada trouxe novo ar aos pulmões calejados da trama de June, que sai de Gilead e começa, lentamente, é claro, a tocar o terror. This Is Us, única representante da TV aberta na disputa, bateu ponto, mas sem chance alguma de sair coroada. Bridgerton performou aquém do esperado, e além de aparecer em Série e Direção, iluminou o boa pinta Regé-Jean Page na categoria principal. 

The Boys, por outro lado, surpreendeu com a lembrança em Série e Roteiro, mas que falta faz o nominho de Anthony Starr entre os Melhores Atores de 2021. Quem marca presença lá é o lendário Billy Porter, que busca finalizar seu ciclo em Pose repetindo a vitória do ano inicial. Por falar em Pose, o terceiro ano fez história colocando Mj Rodriguez na briga de Atriz, tornando a querida Blanca Evangelista a primeira pessoa trans indicada em uma categoria de atuação principal.

Para fechar a lista das 8 melhores, temos Lovecraft Country. Criada por Misha Green, a original HBO foi cancelada logo antes do Emmy anunciar suas 18 nomeações. Além de aparecer em disputas principais de Série, Ator, Atriz e Atriz Coadjuvante, a série nomeou o eterno Michael K. Williams como Melhor Ator Coadjuvante, pelo visceral papel de Montrose. O ator, que já deu vida a personagens imortais mas nunca venceu um Emmy, foi encontrado morto no começo do mês, poucos dias antes da cerimônia. Antes de seu falecimento, Williams já era considerado favorito na disputa.

Os Especiais de Euphoria, impedidos de concorrer nas categorias grandes, abocanharam menções no Emmy Criativo (que esse ano acontece em 11 e 12 de setembro). Perry Mason conseguiu emplacar Matthew Rhys e John Lightown, ao passo que Ratched foi reconhecida por seu melhor atributo: a interpretação sobrenatural de Sophie Okonedo. The Umbrella Academy figurou em listas técnicas, In Treatment voltou após o hiato de uma década para dar o reconhecimento para Uzo Aduba em seu primeiro papel como protagonista, e a aparição de 90 segundos de Don Cheadle em Falcão e o Soldado Invernal foi o bastante para a Academia nomeá-lo como Convidado.

No campo dos Especiais de Variedades (Pré-Gravados), temos 3 destaques. Friends: The Reunion, aguardado reencontro do elenco da maior Comédia da TV, indicou Courteney Cox ao Emmy pela primeira vez. Dos 6 amigos, Monica era a única deixada ao relento pela Academia, sem qualquer menção nos dez anos de rodagem da sitcom. Bo Burnham: Inside coroou seu criador em todas as áreas imagináveis, desde o roteiro até as criações sonoras e musicais. 

Hamilton, musical gravado do Disney+, apareceu em tudo onde teve direito: foram reconhecidos o trabalho estonteante de Lin-Manuel Miranda e a entrega feroz de Leslie Odom, Jr., além da verdade impressa por Philippa Soo e o fogo dos olhos e da voz de Renée Elise Goldsberry, o jeito canastrão de Jonathan Groff, o ar despojado de Daveed Diggs e a inocência descomunal de Anthony Ramos. Todos eles, aliás, concorrem nas categorias de Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Hamilton, entretanto, é caracterizado como um Especial de Variedades. 

O ponto dos Telefilmes também cai em uma regra de disputa com o Oscar. Aqui, se a obra foi sequer considerada para nomeação em Cinema, ela automaticamente está fora da disputa da TV. 2021 se provou uma safra fraca para a categoria que premiou o volumoso Má Educação ano passado. Agora, o prêmio ficará entre o romântico O Amor de Sylvie, o sincero Tio Frank, o necessário Robin Roberts Presents: Mahalia, o burocrático Oslo e o bem-aventurado Natal com Dolly Parton.

Sem o nome de Minissérie no título, a disputa de Série Limitada ou Antologia é mais acirrada do Emmy 2021. WandaVision é a campeã de nomeações, mas suas chances de vitória podem ser eclipsadas pelo caráter super-heróico da produção, que lida com pontos importantes de saúde mental, como luto e depressão, ao mesmo tempo em que homenageia a TV como gênero e formato. Tudo isso encapsulado na fórmula Marvel e com o confeito da atuação mirabolante de Kathryn Hahn no papel da vizinha enxerida/vilã formidável.

Campeã dos prêmios de inverno, O Gambito da Rainha alcançou a façanha de ser reconhecida em todas as Guildas e Sindicatos da indústria, mas a estreia lá no fim de 2020 parece distante demais para os louros da Academia, seu passo final antes de encerrar as atividades e depois de vencer o Globo de Ouro, o Critics Choice Awards e o SAG. Outro nome importante do ano é I May Destroy You, que rendeu 4 merecidas nomeações para sua estrela máxima, Michaela Coel, além de lembrar, ainda bem, da performance irretocável de Paapa Essiedu, como Ator Coadjuvante.

The Underground Railroad, estreia de Barry Jenkins na TV, performou abaixo do merecido, lembrado apenas em categorias técnicas, em Série e em Direção. A esnobada de Thuso Mbedu nunca será perdoada, Academia! Enquanto a produção do Amazon Prime Video sofre como a única sem indicações de atuação, Mare of Easttown fecha a lista que batalha pelo disputado prêmio de Série Limitada, entregue à incomparável Watchmen em 2020. Protagonizada por uma faminta por aclamação Kate Winslet, a trama investigativa cresce para além de seu molde detetivesco, dando a seu elenco momentos dignos e que ficarão marcados para suas carreiras: Jean Smart, Evan Peters, Guy Pearce, Angourie Rice e, em especial, Julianne Nicholson, todos arrasam nesse time de estrelas.

Fora da lista principal, se destacam a atuação de Ewan McGregor em Halston e a de Cynthia Erivo em Genius: Aretha. O tato inimitável artístico de Steve McQueen em Small Axe foi completamente ignorado, assim como a destreza de Ethan Hawke, que estrelou, escreveu e produziu The Good Lord Bird, tudo para ser deixado de fora da categoria de Melhor Ator, essa que nomeou o trabalho libertino de Hugh Grant em The Undoing. Protagonista de edições passadas, Fargo ficou limitada à disputas técnicas, e A Maldição da Mansão Bly foi nomeada como uma das melhores edições de som do ano.

Ufa! A lista é gigantesca e o nível de qualidade do conteúdo do Persona é maior ainda. Na extensa e complexa cobertura do Emmy 2021, esse compilado dos indicados à premiação coroa um trabalho de pesquisa e informação, mas não para por aqui. A diversidade na lista do prêmio da Academia deve ser celebrada e espalhada, assim como os incríveis nomeados da edição. Para mergulhar de vez, é só rolar a página e ler o que a Editoria e os Colaboradores destacaram nesta temporada de premiações.

Comédia

Ted Lasso (1ª temporada, Apple TV+) 

Ted Lasso sai da Série B para levar o título da Série A. Perdida no fundo do catálogo da Apple TV+, Ted Lasso começou a ganhar os olhos do público após Jason Sudeikis vencer o Globo de Ouro. A produção sobre um treinador de futebol norte americano que é contratado para treinar um time de futebol inglês, mesmo não sabendo bulhufas, é favorita absoluta para erguer a taça, ou melhor, a estatueta de Melhor Série de Comédia. 

E não é pra menos, Ted Lasso é responsável por algo que há tempos as séries de comédia não faziam: tirar risos fáceis. Com a avalanche de coisas ruins que vivemos desde 2020, a série traz leveza com sua produção coesa, bons atores e narrativa sem apelos. Não é à toa que Ted Lasso recebeu 20 nomeações ao Emmy 2021, e levará muitas delas. Além da estrela Sudeikis, os coadjuvantes dão uma base resistente para o time de Ted Lasso, também garantindo suas indicações e submetendo episódios essenciais para o desenvolvimento das respectivas personagens. O atacante está em posição legal, só basta receber o cruzamento. – Ana Júlia Trevisan

Hacks (1ª temporada, HBO Max)

Não fosse um otimista treinador americano de futebol, esse seria o ano de Hacks no Emmy. Protagonizada por uma visceral, amedrontadora e imbatível Jean Smart, a produção do HBO Max narra os percalços tardios na carreira de Deborah Vance (Smart), uma comediante lendária, que após complicações em sua rotina de trabalho em um cassino de Las Vegas, contrata Ava (papel de Hannah Einbinder), uma millennial recém-cancelada, que passa a trabalhar como sua “roteirista”. 

Nenhuma das mulheres quer a presença da outra, mas os dez episódios navegam entre farpas e momentos de reconhecimento e empatia ácida. Hacks vai além do que seu título sugere (alguém que trabalha por razões mercenárias), e nos mostra conflitos geracionais que fogem do comum, até mesmo em um grau de metalinguagem, onde a comédia de punchlines e piadas prontas de Vance bate de frente com a modernidade do humor autodepreciativo e menos “arquitetado” de Ava.

A fanfarra rendeu 14 menções ao Emmy 2021. Smart é a favorita para vencer Atriz, Einbinder concorre em Coadjuvante, assim como Carl Clemons-Hopkins, perfomer não-binário que interpreta o braço direito de Vance, Marcus, e diverte pelo jeito taciturno de se portar em cena. Jane Adams, que vive a melodramática mãe de Ava, apareceu na categoria de Convidada, submetendo o funeral que fecha a temporada. O piloto de Hacks, There Is No Line, ainda disputa em Roteiro (nomeando os criadores Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky) e em Direção, além da série ser o grande obstáculo que pode separar Ted Lasso e o Emmy de Melhor Comédia. – Vitor Evangelista

The Flight Attendant (1ª temporada, HBO Max)

A comédia de Kaley Cuoco decolou ano passado no HBO Max, narrando as desventuras tragicômicas de Cassie Bowden, e rendendo à The Flight Attendant nove indicações no Emmy 2021. A primeira indicação de Cuoco à Melhor Atriz em Comédia vem mais do que merecida, marcando a jornada introspectiva de uma comissária de bordo alcóolatra em meio às intrigas internacionais que se iniciam em In Case of Emergency, episódio submetido pela atriz para a premiação.

Por mais que Rosie Perez agregue à trama com sua comissária de bordo mais centrada e sutil, as promessas de sua personagem ficam com a segunda temporada, e seu papel aqui é coadjuvante no sentido mais bruto da palavra, apesar de sua atuação potente no último episódio, Arrivals and Departures. Embora tanto a direção quanto o roteiro do primeiro episódio estejam indicados em suas respectivas categorias, a vitória da diretora Susanna Fogel no DGA abre caminho para sua conquista, enquanto a narrativa trôpega criada por Steve Yockey não conquista à primeira vista.

Nas categorias técnicas, a indicação que chama mais atenção é a de Heather Persons por Montagem em Comédia de Câmera Única, destacando os eventos simultâneos através de split screens ao longo da narrativa. Por mais que a nova investida de Kaley Cuoco tenha sido bem avaliada ao longo de sua exibição, é improvável que seu voo de estreia passe por cima dos favoritos ao prêmio máximo de Comédia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

A série que narra a experiência das comediantes Maya Erskine e Anna Konkle como pré-adolescentes no início dos anos 2000 retornou para uma segunda temporada. Com mais vergonha alheia, estranheza diante das mudanças da puberdade e uma sensibilidade de partir o coração.

Devido à pandemia do coronavírus, a temporada acabou sendo dividida em 2 partes, com 7 episódios cada e 1 especial em animação. A primeira leva de Pen15, lançada em setembro de 2020, conquistou 3 indicações ao Emmy 2021, concorrendo em Melhor Série de Comédia e Melhor Roteiro em Comédia, para Maya Erskine, com o episódio Play. – Caio Machado

black-ish (7ª temporada, ABC)

Ser indicado ao Emmy uma vez já é bom, mas 24 vezes é melhor ainda. Este foi o caso da sitcom de Kenya Barris que, graças a sua sétima temporada, concorre a Melhor Série de Comédia em 2021. Acompanhado a família Johnson no caótico ano em que ficamos presos em casa, black-ish continua nos fazendo rir da desgraça.

Ambos os protagonistas também estão na luta pelo prêmio. Tracee Ellis Ross e Anthony Anderson, que dão vida ao casal Bow e Dre, foram indicados a Melhor Ator e Melhor Atriz em Série de Comédia. Apesar do seriado ser quase um convidado fixo no evento, vale lembrar que apenas uma vez o Emmy de fato reconheceu o trabalho excepcional da equipe. Sua única vitória foi na categoria de Melhor Penteado Contemporâneo, em 2020, graças a o episódio onde vemos Diane (Marsai Martin) lutando para aceitar seu cabelo Afro. – Mariana Chagas

Cobra Kai (3ª temporada, Netflix)

A terceira temporada de Cobra Kai foi de tirar o fôlego. Com um gancho espantoso da segunda fase, Miguel (Xolo Marieña) continua no hospital e Johnny (William Zabka) está vivendo da mesma forma que nos foi apresentado: bebendo demais e com “coragem” o suficiente para enfrentar novas brigas. Além disso, as cenas originais de Karatê Kid entrelaçam com os fatos do presente de maneira impecável desde o primeiro episódio da série. A novidade aqui é entregar fatos ainda desconhecidos do público da saga primitiva, mostrando a vida de John Kreese (Martin Kove) na Guerra do Vietnã. 

O ápice dessa temporada, de um ponto de vista extremamente saudosista, é a visita de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) à Okinawa, terra natal de seu sensei Miyagi. Revisitando o passado, o carateca reencontra personagens chaves do segundo filme da trilogia, o que apetece o coração de fãs apaixonados pela trama de 1986. Ainda, o relacionamento com um antigo vilão produz cenas divertidas, daquelas que a gente não sabe se o personagem está sendo irônico ou sincero. O roteiro busca trazer dinamismo à narrativa, equilibrando aspectos motivacionais com situações plausíveis de serem acontecidas na realidade. Porém, muitos personagens são introduzidos no drama de disputas de dojos, sendo ora elementares ora desnecessários para a constituição da história.

Apesar desse desconforto entre os Cobra Kai e Miyagi-Do, o investimento da Netflix em um seriado originalmente produzido pelo YouTube gerou grandes resultados. Em 2018 e 2019, a série derivada de Karatê Kid só havia levado indicações por seu desempenho com dublês. Neste ano, além desta nomeação, também concorre na categoria de Melhor Série de Comédia. Com lutas intensamente bem coreografadas e cortes de cena singulares, a terceira temporada de Cobra Kai é a melhor até o momento. – Júlia Paes de Arruda

Emily em Paris (Emily in Paris, 1ª temporada, Netflix) 

O PIX da Netflix caiu na conta da Academia, e não é que nossa viajante Emily foi parar no Emmy. Brincadeira à parte, Emily em Paris é uma das maiores surpresas dessa lista. Concorrendo na categoria de Melhor Série de Comédia, a produção ocupou o espaço que poderia ser de Dickinson ou até mesmo da Zoey e Sua Fantástica Playlist, que só apareceu em nomeações técnicas.

Emily em Paris é uma série ruim? Não! Pelo contrário, é uma série divertida, de rápida maratona e com uma leveza que permite esquecer a rotina. É agradável acompanhar a jovem publicitária Emily trabalhando em Paris e tendo dificuldades com as barreiras idiomáticas e culturais, mas isso não significa que a série tenha os padrões esperados quando pensamos em Emmy. A indicação sendo justa ou não, uma coisa é certa: Emily voltará para Paris de mãos vazias. – Ana Júlia Trevisan

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

Após três temporadas e 12 indicações ao Emmy, O Método Kominsky chega ao fim com mais drama do que comédia. A série sobre o ator e professor de teatro, já na melhor idade, Sandy Kominsky, trouxe seu protagonista menos egoísta em relação aos anos anteriores e encerrou sua vida nas telas abençoando a premiação mais importante da TV.

O Método Kominsky volta sem seu garoto dos olhos, Alan Arkin, o que torna seu ano final ainda mais emocionante. Se despedir de Norman Newlander, antes do oficial adeus a série, endossou o roteiro da terceira temporada, se apoiando ainda mais nos altos, baixos e medos das velhice. Se nos anos anteriores a grande estrela do Emmy, para Kominsky, era Arkin, em 2021, a participação de Morgan Freeman pode garantir que o nome da série apareça entre os vencedores. – Ana Júlia Trevisan

Mom (8ª temporada, CBS)

A notícia de que a oitava temporada de Mom seria a última não foi tão surpreendente assim. Com o avanço e prestígio das comédias menores e a escassez do formato de sitcom fora da TV aberta, a série, criada por Chuck Lorre, Eddie Gorodetsky e Gemma Baker lá em 2013, chegou a sua conclusão depois de perder uma das protagonistas.

Anna Faris não retornou para o ano 8, tampouco fez falta. Com Bonnie (Allison Janney) assumindo o holofote todo para si, os 18 capítulos conclusivos se encarregaram de emocionar, discutir pontos importantes sobre alcoolismo e a vida sóbria e, é claro, nos matar de rir. No Emmy 2021, Janney compete mais uma vez como Atriz, depois de já vencer a categoria de Coadjuvante por esse mesmo papel em 2014 e 2015. Mom ainda garantiu menções na parte de Montagem e de Direção, ambas creditadas à series finale. – Vitor Evangelista

Shrill (3ª temporada, Hulu)

Quem esperava uma menção para Hailee Steinfeld (Dickinson), Jane Levy (Zoey’s Extraordinary Playlist) ou até Cristin Milioti (Made for Love) na categoria de Melhor Atriz em Comédia, se surpreendeu com o reconhecimento de Aidy Bryant. Criadora e protagonista de Shrill, Bryant foi indicada pela terceira e última temporada do show original do Hulu.

Disponível no Brasil no catálogo do HBO Max, a série começou a ser transmitida em 2019 e se centra na personagem Annie Easton (Bryant), que quer mudar sua vida sem precisar mudar seu corpo. Leve e curta, Shrill é uma boa pedida para quem quer se manter atualizado na lista do Emmy 2021, mas sem necessariamente tomar muito tempo no processo. – Vitor Evangelista

Kenan (1ª temporada, NBC)

Kenan Thompson surgiu com um dos personagens titulares de uma das séries que mais gritam “infância e as tardes da Nickelodeon”. Agora um comediante consagrado e muito bem empenhado em expandir a gama de seu trabalho, Thompson completou 18 anos dentro do Saturday Night Live (recebendo sua quinta nomeação ao Emmy pelo programa de esquetes) e ainda estrelou sua comédia autoral, pela qual também foi reconhecido pela Academia.

A primeira temporada de Kenan foi gravada ao mesmo tempo em que a quadragésima sexta do SNL, então o ator precisava viajar a semana toda, voando de L.A. até N.Y. para que os calendários de gravações fossem cumpridos. Na série da NBC, Thompson vive um pai viúvo que é apresentador de um programa matinal e, como em todo trabalho que faz parte, Kenan Thompson se entrega 110%. Com um ano 2 já confirmado, Kenan dificilmente ganhará o Emmy, mas com certeza atesta o talento de seu frontman. – Vitor Evangelista

Shameless (11ª temporada, Showtime) 

William H. Macy, o querido e odiável Frank Gallagher, bateu ponto por mais um ano e levou Shameless à lista de indicados. Já ganhou alguma vez? Não. Vai ganhar? Provavelmente também não. A única certeza? Shameless merecia mais, sempre mereceu mais. Durante suas onze temporadas, a série saiu vitoriosa do Emmy apenas em 2015, com Joan Cusack levando Melhor Atriz Convidada em Série de Comédia, e em 2016 e 2017 por Coordenação de Dublês para um Programa de Variedades ou Série de Comédia. Uma série que ficou por onze temporadas em exibição na Showtime merecia mais!

Shameless é sobre uma família de baixa renda e completamente disfuncional. A mãe é bipolar e abandonou a casa e os filhos, o pai é um alcoólatra dissimulado. Quem mantém a família minimamente nos eixos é Fiona, a irmã mais velha entre os seis filhos. Mas, é aqui que mora em grande porém(!), a atriz Emmy Rossum, intérprete de Fiona Gallagher, deixou o elenco ao fim da nona temporada. Shameless deu de cara com dois obstáculos para sua sobrevivência: a saída de sua protagonista e a pandemia.

A série é uma das mais sinceras da TV estadunidense. Nunca houve um limite, uma linha que a produção não pudesse ultrapassar para mostrar a vida dos Gallaghers entre corridas por empregos e o mundo rodeado de drogas. A décima primeira temporada é marcada por brigas e más notícias, driblando o máximo possível da pandemia, sem deixá-la de fora do roteiro. Shameless em nenhum momento foi uma comédia comum e destaca isso no encerramento de seu ciclo. Ciclo esse que foi finalizado de maneira correta, colocados os pingos nos is mas, ainda, deixando a calorosa sensação de que podíamos assistir aquela família por mais onze temporadas. – Ana Júlia Trevisan

A Black Lady Sketch Show (2ª temporada, HBO) 

“Eu não tenho medo do coronavírus. Veja, pessoas brancas são a única pandemia para qual nunca teremos vacina”. É assim que começa a segunda temporada de A Black Lady Sketch Show. A fala de Dr. Haddassah, que ganha vida pela própria criadora da série, Robin Thede, define bem o caos que segue os próximos episódios.

Com um humor confuso, mas bizarramente engraçado, o programa conquistou 5 indicações no Emmy 2021. As participações de Issa Rae, como Jess, e Yvette Nicole Brown, como juíza Harper, garantiram o lugar das convidadas na categoria de Melhor Atriz Convidada em Comédia. Depois de comandar um júri todo composto por mulheres negras no hilário episódio But The Tilapias Are Fine Though, Right?, se tem alguém que merece o prêmio é a talentosíssima Nicole Brown. 

O seriado também participa nas categorias Montagem em Programa de Variedades, Roteiro em Programa de Variedades e Melhor Série de Esquetes de Variedades. Já tendo concorrido em 2020, esse pode ser o primeiro ano em que A Black Lady Sketch Show de fato leva a estatueta. – Mariana Chagas

grown-ish (3ª temporada, Freeform) 

Após black-ish conseguir mais de 20 indicações ao Emmy com todas as suas sete temporadas, agora é a vez de seu spin-off entrar na corrida. grown-ish, protagonizado por Zoey (Yara Shahidi), concorre na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), graças ao trabalho de Mark Doering-Powell no episódio Know Yourself, da terceira temporada.

A sitcom que acompanha a irmã mais velha da família Johnson se passa durante seus quatro anos na faculdade Cal U. Com um grupo de amigos que estão procurando seu lugar no mundo, a série aborda dos maiores aos mais bestas problemas enfrentados pela Geração Z. – Mariana Chagas

Zoey e sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Na segunda temporada da queridinha Zoey e sua Fantástica Playlist, a radiante protagonista precisa aprender a lidar com o luto e outros dramas das pessoas de seu convívio. Tudo isso enquanto presencia números musicais ainda maiores e mais criativos graças ao poder que adquiriu no primeiro episódio. 

Mesmo optando por não inserir a pandemia na narrativa deste segundo ano movimentado, a série passou por desafios na produção devido às restrições e sofreu com a baixa audiência, o que resultou em seu cancelamento no início deste ano. Em agosto, foi noticiado que o Roku está em negociação para salvar a série com um filme de encerramento.

No Emmy 2021, Zoey conquistou 5 indicações nas categorias Melhor Coreografia em Programa Roteirizado, Melhor Direção Musical, Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Atriz Convidada em Comédia, para Bernadette Peters. Tomara que a premiação a valorize tanto quanto sua legião de fãs apaixonados. – Caio Machado

B Positive (1ª temporada, CBS) 

Vamos imaginar a seguinte situação hipotética: você é um terapeuta recém divorciado que descobre que está com falência renal e precisará de um transplante. Sem ter a quem pedir ajuda, você coloca seu nome na fila de transplante – que levará 10 anos – e vai a um casamento. Chegando no salão você encontra um colega do Ensino Médio que era, e continua, toda estabanada, a mesma te oferece o próprio rim. Doideira? Pois é, essa é B Positive.

Concorrendo à Melhor Direção em Série de Comédia, B Positive é mais uma das produções de Chuck Lorre a ser nomeada pela Academia. Mas, a série não teve fôlego para chegar nas categorias de atuação como suas parceiras Mom e O Método Kominsky. Sem comentar a chatice do protagonista, B Positive é uma agradável surpresa graças a seu elenco coadjuvante que é cheio de energia – mesmo alguns estando já na terceira idade. Com 18 episódios, a série pode ser uma boa escolha para relembrar os velhos tempos das longas comédias semanais. – Ana Júlia Trevisan

Girls5eva (1ª temporada, Peacock) 

A história do fictício grupo Girls5eva é uma que já conhecemos, uma banda dos anos 90 que bombou por algum tempo e sumiu depois de uma série de músicas que fracassaram nas paradas. A série acompanha as integrantes do grupo 20 anos depois da sua separação, quando cada uma já tomou o seu rumo, mas resolvem retornar ao mundo da fama. Ao tentarem ingressar na cena musical, percebem o quanto tudo mudou e são tomadas pela noção de que não são mais meninas de 20 anos cantando sobre questões de jovens adultas e precisam adaptar suas músicas à nova realidade de suas vidas.

Paula Pell, Renee Elise Goldsberry, Busy Philipps e Sara Bareilles formam o grupo Girls5eva, e a escolha de elenco adiciona um toque especial de nostalgia e realidade para esse show que é repleto de referências. E, além disso, conta com participações incríveis de Andrew Rannells, Stephen Colbert e Tina Fey, que além de interpretar Dolly Parton, também assina a produção da série.  Girls5eva apareceu apenas em uma categoria do Emmy 2021: Melhor Roteiro em Comédia, concorrendo pelo Piloto escrito por Meredith Scardino. – Marcela Zogheib

The Politician (2ª temporada, Netflix) 

Apesar de não ganhar devido destaque na plataforma da Netflix, por mais um ano, The Politician garantiu indicação nas categorias técnicas, de Melhor Figurino Contemporâneo, Melhor Penteado Contemporâneo e Melhor Maquiagem Contemporânea (Não-Prostética), no Emmy 2021. A produção satiriza a política estadunidense e, não só isso, ainda destaca os erros e acertos das diferentes camadas de eleitores e candidatos ambiciosos que constroem a população do país que move o mundo. Como destaque para evidenciar todos esses problemas, Payton Hobart (Ben Platt), um adolescente rico, vive por suas aspirações políticas, e cada temporada acompanha então seus erros e acertos, em diferentes fases da vida, até sua corrida para a cadeira presidencial. 

Mas, com a atuação garantindo indicação apenas em 2020 com Bette Midler que perdeu para outra sátira para a política estadunidense, dessa vez do Saturday Night Live, a produção se destaca na categorias por seus figurinos excêntricos, extravagantes e, principalmente, irônicos por todas as cenas. Podemos sobressair então os episódios indicados, Mudança de Estratégia? e A urna (o primeiro e o sexto da segunda temporada, respectivamente). Neles, podemos ver as personagens não só satirizando as diferentes jogadas políticas, mas também podemos ver o uso correto da maquiagem, figurino e penteado que constroem de maneira ainda mais efetiva a mensagem que o criador satírico, Ryan Murphy, pretende criar. – Larissa Vieira

Made for Love (1ª temporada, HBO Max) 

A comédia do HBO Max sobre relacionamentos abusivos e tecnologia conseguiu uma única indicação no Emmy 2021. Made for Love, estrelada por Cristin Milioti, concorre à categoria de Melhor Fotografia em Comédia de Câmera Única (Meia Hora) por seu primeiro episódio, User One, que dá o tom para seu humor ácido e irônico dramatizar a vida de sua protagonista antes e depois do “término”.

Diferenciando as cenas dentro do Hub (uma prisão tecnológica capaz de tomar a forma de qualquer paisagem) e do mundo exterior através do uso inteligente de cor, iluminação e angulação, justificando a indicação de Nathaniel Goodman. Porém, é difícil que a soma dessas qualidades supere a vantagem que O Mandaloriano da Disney+ têm sobre a  categoria, principalmente levando em consideração sua vitória ano passado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Animação

Big Mouth (4ª temporada, Netflix)

Depois de render o primeiro Emmy da carreira de Maya Rudolph, a animação sacana da Netflix retornou para um novo ano. Repleto de traumas e dramas comuns nas rotinas adolescentes, Big Mouth continua expandindo sua impecável narrativa, recheada de personagens consagrados, como os sempre evolutivos protagonistas e os Monstros do Hormônio, e novas caras, em especial Natalie (Josie Totah), menina trans que protagoniza um dos plots mais interessantes do quarto ano. 

No Emmy 2021, Big Mouth concorre em Melhor Programa de Animação, submetendo o episódio The New Me, além de aparecer na lista de Melhor Performance de Voz, onde Maya Rudolph e Connie defendem o cinturão, pelo episódio A Very Special 9/11 Episode. Com a renovação já garantida, só nos resta esperar por mais momentos perfeitos do desenho. – Vitor Evangelista

South Park: The Pandemic Special (Episódio Especial, Comedy Central) 

Em setembro de 2020, foi ao ar o primeiro episódio especial de uma das séries mais irreverentes dos últimos 20 anos. Indicado ao Emmy 2021, na categoria Melhor Programa de Animação, South Park: The Pandemic Special traça o cenário caótico que se instaurou no mundo em decorrência do coronavírus.

Diante da pandemia de covid-19, The Pandemic Special satiriza a enxurrada de desinformação propagada por líderes negacionistas. De forma inédita, o episódio tenta lidar com o tema de maneira honesta, principalmente pela fala dos personagens infantis, como Stan Marsh e Eric Cartman, e tenta evocar o humor através dos típicos desvios de caráter dos personagens, mas sem apontar para a ingenuidade de terceiros — algo explorado exaustivamente em episódios anteriores da série.

A pandemia obrigou a TV a se reinventar, e, até mesmo para uma animação conhecida pela irreverência, tratar do tema sem a sinceridade necessária torna-se impossível. No entanto, South Park: The Pandemic Special é um resumo de eventos que ocorreram ao longo de 2020, e sua indicação se dá pela forma de transpor isso à animação. Uma possível vitória seria resultado do tema, e não necessariamente por alguma genialidade do episódio. – Bruno Andrade

Love, Death & Robots tem tudo para virar figurinha carimbada no Emmy: a primeira temporada da série de animação já havia marcado presença na categoria Melhor Programa Curto de Animação, e agora a continuação repete o feito. A sequência da antologia idealizada pelos diretores David Fincher e Tim Miller teve um número menor de episódios, mas que não faltou amores, mortes e robôs.

Mais uma vez, a temporada serve apenas como uma coletânea para as diferentes histórias: mesmo com o tema comum da ‘relação humanidade-tecnologia’ e da sobrevivência humana, os capítulos, completamente independentes uns dos outros, tornam cada play uma experiência diferente. Da ação à fantasia ao suspense, do stop-motion às animações em computação gráfica, a continuação de LD&R tem visual, narrativa e duração para tudo quanto é gosto e estilo. 

Na noite do Creative Arts Emmy de 2019, a estreante produção da Netflix levou o troféu na principal categoria em que foi nomeada. Novamente indicada pelo seu segundo ano na 73° edição da maior premiação da TV, talvez não seja tão arriscado assim cantar vitória antes da hora para Love, Death & Robots. – Vitória Lopes Gomez

Competição

RuPaul’s Drag Race (13ª temporada, VH1)

Mais um ano de Emmy, e mais uma temporada de RuPaul’s Drag Race indicada em diversas categorias. A 13ª corrida de RuPaul Charles, esse ano, além de algumas técnicas, vai disputar a estatueta por Melhor Direção em Reality, Melhor Apresentador em Reality ou Programa de Competição, Melhor Reality Não-Estruturado, e Melhor Programa de Competição. 

A vez de Symone, Kandy Muse, Gottmik e Rosé foi intensa e colorida. RuPaul decidiu gravar mesmo durante a pandemia, e reformulou diversos aspectos de seu programa para a segurança da equipe e de suas queens. Nada disso afetou a alma de sua competição, e assistimos o apresentador/apresentadora em seu melhor dos últimos anos; já na produção, a qualidade técnica exuberante de sempre. 

O show já coleciona três vitórias consecutivas na categoria Melhor Programa de Competição, e Charles pode levar para casa sua sexta estatueta, também consecutiva, como Melhor Apresentador. A 13ª temporada tem tudo para honrar o nome do reality na premiação, agora só precisamos aguardar quantos prêmios a Mother levará para casa. – Jho Brunhara

Legendary (2ª temporada, HBO Max) 

Em sua segunda temporada, Legendary volta ainda mais lendário. Com mudanças na produção depois da saída do público, devido a protocolos de segurança para evitar o contágio da covid-19, o reality retornou mais organizado e divertido do que já era. Com muito shade, vogue e referências a tantas áreas diferentes da cultura pop, o que se destacou foram os figurinos. O estilista Johnny Wujek e sua equipe são responsáveis pelos looks memoráveis que, se conquistaram o Law, você já sabe que foram um arraso. 

A série do HBO Max ganhou as indicações de Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética) no Emmy 2021. O episódio Pop Tart, quinto da segunda temporada, representa o reality na corrida pelo prêmio. Ao seu lado, programas fortes como RuPaul’s Drag Race e The Voice disputam pela estatueta, que será entregue no segundo fim de semana de setembro. – Mariana Chagas

Queer Eye (5ª temporada, Netflix)

Os 5 fabulosos de Queer Eye (Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France) chegaram na Filadélfia com força para a 5ª temporada do reality. Colecionando 8 estatuetas da Academia, os Fab 5 sobem ao Emmy 2021 indicados para Melhor Elenco, Direção, Apresentadores, Melhor Reality Estruturado, e mais outras 2 categorias. A nova temporada da Netflix veio em uma boa hora – no meio da pandemia de coronavírus – e com mais episódios para aquecer corações aflitos, pois a série sempre consegue lembrar o quão revolucionário, e divertido, é descobrir o amor próprio. 

Logo no primeiro episódio da temporada, A igreja LGBTQ+, Queer Eye conta a história de Noah, um pastor abertamente homossexual, e proporciona um dos momentos mais marcantes da série com a presença de diversos chefes religiosos para apoiá-lo. O episódio concorre nas categorias de Melhor Direção e Edição no Emmy 2021, junto com Tosa e Sonho, segundo da temporada nomeado para Melhor Fotografia. 

A série segue ampliando seu lindo trabalho em contar histórias, agora com 2 episódios a mais, e encontrando protagonistas mais diversos ainda do que de costume – de pastor homossexual à jovem ativista e DJ solteirão. Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan são uma dose refrescante de vida e provam quanta coragem há em amar tão incondicionalmente que são capazes de mostrar aos outros o quão lindo cada um deles é em seu ser. – Nathália Mendes

Documentário/Programa de Não-Ficção

O Dilema das Redes (The Social Dilemma, Jeff Orlowski) 

Esquecido pelo Oscar no início deste ano, o documentário da Netflix que abalou a internet em seu lançamento foi lembrado pelo Emmy 2021, até mais do que o necessário, inclusive. Acumulando nada menos do que 7 indicações, O Dilema das Redes tem pelo menos a indicação ao BAFTA em seu favor, mas não deve sair do Emmy com mais do que um troféu ou outro. A presença marcada nas categorias técnicas de Documentário ou Não-Ficção, incluindo Fotografia, Direção, Montagem, e Edição de Som, é de certo modo facilitada por todo o contexto narrativo construído dentro do filme para ilustrar os problemas que as redes sociais podem proporcionar para a sociedade.

Estranho mesmo é ver a indicação a Roteiro em Programa de Não-Ficção, considerando que o documentário é do início ao fim acompanhado de uma trama fictícia patética. As composições musicais originais, também indicadas à premiação, dão aquele tom de suspense forçado quase a nível de vídeos de teorias da conspiração do YouTube, mas ao final, Jeff Orlowski parece entender que, apesar dos exageros, essa seria a forma mais eficiente de levar a mensagem a mais pessoas. Não por acaso, a empreitada deu certo: o documentário coroou sua presença no Emmy 2021 com as indicações a Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção, e Direção no mesmo formato. – João Batista Signorelli

As Mortes de Dick Johnson (Dick Johnson Is Dead, Kirsten Johnson) 

A morte pode ser considerada um grande tabu para a cultura ocidental e é raro ver esse processo natural da vida sendo tratado com tanta franqueza quanto em As Mortes de Dick Johnson. No documentário, a diretora Kirsten Johnson e seu pai, Richard, encenam a morte dele com criatividade e um humor sombrio como forma de lidar com o inevitável. 

É um filme bem peculiar na forma excêntrica como lida com a morte. O impacto que consegue provocar no espectador é gigante graças aos esforços da diretora em captar os momentos de fragilidade dela, do pai e vários outros à sua volta. No Emmy 2021, recebeu 3 indicações nas categorias Melhor Fotografia em Programa de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção e Mérito Excepcional em Documentário. – Caio Machado

Tina (Idem, Daniel Lindsay e T. J. Martin)

O Grammy não é o suficiente para contemplar o impacto cultural de Tina Turner. No gran finale de seus aclamados mais de 60 anos de carreira, a artista reverencia sua própria trajetória e almeja a maior premiação da TV em Tina, o documentário definitivo sobre carreira que encerra a vida pública de uma das maiores cantoras de todos os tempos. 

Rico em camadas, assim como a Rainha do Rock ‘n’ Roll, o filme da dupla oscarizada Daniel Lindsay e T. J. Martin é o lugar onde os devidos encerramentos de arcos acontecem. Compreendendo a complexidade da artista, Tina toca em feridas, celebra conquistas e marca a memória da lenda viva de sua protagonista, abordando desde aspectos delicados de sua vida até o seu absoluto estrelado.

A magnitude do filme faz jus a obra de vida da artista e alcança em três indicações ao Emmy 2021. Concorrendo a Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção, Tina é mais do que digno para a despedida de uma estrela como Tina Turner. – Raquel Dutra

Boys State (Idem, Amanda McBaine e Jesse Moss)

Coube ao Emmy reconhecer Boys State. Depois de estrear com sucesso no Festival de Sundance de 2020, o filme criou um burburinho digno de Oscar, mas se enfraqueceu ao longo do ano que corou Professor Polvo como o Melhor Documentário. Então, o Oscar da TV, como sempre um pouco mais sensato em suas nomeações, indica o longa de Amanda McBaine e Jesse Moss em duas merecidas categorias: Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção. 

Na companhia de superproduções sobre estrelas da Música e outros filmes esquecidos pelo Oscar, Boys State se desloca do padrão narrativo da categoria para pensar sobre política e juventude. Sua história se dá a partir de um programa de educação cidadã do Texas organizado pela Legião Americana, entidade formada por veteranos de guerra estadunidenses. Todo ano, os membros da instituição escolhem 1.200 jovens para participar do projeto que cria o Estado dos Meninos, onde eles vivem a experiência de construir um governo do zero.

Entre algumas polêmicas sobre as movimentações dos garotos que têm um vislumbre de poder nas mãos, McBaine e Moss resolveram registrar a edição de 2018 do projeto. E o que o documentário encontra é surpreendentemente esperado, numa direção precisa, que não necessita de nada além da observação para tecer sua narrativa. O filme mistura suas chances aos concorrentes do Emmy 2021, mas a sua mensagem é uma das mais alarmantes: ao visitar o Estado dos Meninos, Boys State nos faz perceber que já vivemos nele. – Raquel Dutra

The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart (Idem, Frank Marshall)

“Como você pode remendar um coração partido?” questionavam-se os Bee Gees em um de seus momentos de sucesso em 1971; questionam-se os fãs de Barry, Maurice e Robin Gibb compreendendo o legado que o grupo deixou em 2021, e questiona o documentário que busca compreender a história e obra do fenômeno musical daquele grupo de irmãos. E o processo não é fácil, The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart faz questão de avisar. 

A trajetória da banda que despontou 50 anos atrás numa febre comparável a dos Beatles, inicialmente com explosões românticas harmoniosas e depois com a consolidação da era disco, é repleta de altos e baixos, tanto pela perspectiva de jovens artistas em ascensão, quanto pelo olhar da banda como um negócio de família. Assim, o filme de Frank Marshall tem o difícil trabalho de coordenar o grande volume de informação que constrói aqueles 40 anos de idas e vindas dos Bee Gees, mas encontra seu caminho alcançando seis indicações ao Emmy 2021.

Como um dos maiores vendedores de discos de todos os tempos, que passou por diversas mudanças de gêneros, estilos e dinâmicas, o grupo finalmente tem um documentário que prefere compreendê-los antes de qualquer preferência narrativa. O que significa que The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart tem de realizar alguns sacrifícios, com seu público, mas nada que prejudique aqueles que ainda guardam a banda numa fenda do coração. – Raquel Dutra

Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre (Idem, Stanley Nelson)

Em 1921, na cidade de Tulsa, estado de Oklahoma, Estados Unidos, o distrito de Greenwood, na época uma das comunidades negras mais prósperas do país, foi invadido e destruído por um grupo de supremacistas brancos. O ataque se estendeu por 18 horas, intervalo de tempo que os racistas levaram para saquear e incendiar mais de mil casas e estabelecimentos comerciais, desabrigar cerca de 10 mil pessoas e assassinar 300.

Visto como um dos capítulos mais violentos da longa e terrível história que os Estados Unidos carregam sobre as suas relações raciais, o Massacre de Tulsa é quase inexistente na memória coletiva do país. Em 2019, então, às vésperas do marco de um século daquele banho de sangue racista, Watchmen trouxe a questão à tona ao se transformar em uma das produções mais celebradas da maior premiação da TV. E em 2021, depois dos 100 anos do massacre de Tulsa, Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre documenta horror daquele maio de 1921.