Não poderíamos terminar o Melhores do Ano sem falar do setor que retomou os seus dias de glória em 2021: o Cinema. Após a paralisação completa das salas ao redor do mundo em 2020, em decorrência da pandemia de covid-19, o audiovisual precisou se readaptar. Com isso, ano passado foi o momento de observar o efeito da ascensão dos streamings, assim como o retorno da sagrada experiência de subir as escadas para sentar em uma poltrona aconchegante e comer pipoca fresquinha enquanto assiste ao mais novo lançamento cinematográfico na telona. 

As repercussões desse novo cenário podem ser vistas na principal premiação do Cinema. Na aclamada categoria de Melhor Filme do Oscar 2022, dos 10 indicados, 6 tiveram apoio na distribuição pelos serviços de streaming. A Netflix continua dominando o meio com seus originais, e emplacou 9 produções em 15 categorias diferentes. Mas, deixando as premiações de lado, o Persona também se dedicou em realizar sua própria condecoração diante da Sétima Arte. 

Com base em rankings feitos pela Editoria e nossos Colaboradores, 78 produções foram definidas como os Melhores Filmes de 2021. Do faroeste de Jane Campion à turma do bairro do Limoeiro, as produções aqui permeiam pela variedade dos grandes estúdios até os feitos do Cinema Independente. Fato esse que pode ser demonstrado pelos nossos três campeões de menções: Ataque dos Cães, Duna e Titane. 

A pluralidade de escolhas também é representada por uma volta ao globo terrestre. Entre os países de origem dos filmes que foram citados, estão: Brasil, Estados Unidos, França, Itália, México, Nova Zelândia, Irlanda, Japão, Alemanha, Kosovo, Dinamarca, Reino Unido, Islândia, Espanha, Colômbia, Irã, Coreia do Sul e Noruega. Destes, 7 obras citadas são produções nacionais, contando com nomes como o aguardado Marighella de Wagner Moura, o relevante Cabeça de Nêgo e o quase nomeado ao Oscar Deserto Particular. 

E, falando no careca dourado, dos 10 filmes que concorrem ao prêmio máximo da Academia, 9 apareceram na nossa lista. O olhar romântico de Paul Thomas Anderson e a comovente história de uma família de surdos não poderiam passar por 2021 sem marcar presença aqui. No Mês da Mulher, também teve espaço para elas na nossa lista, mas não na dose que deveria. Entre os 78 filmes citados, 19 foram dirigidos ou codirigidos por mulheres, o que representa quase, e apenas, ¼ do ranking total. 

Se vamos encontrar um cenário como esse no próximo ano, só o tempo irá dizer. Fato é que se podemos ter esperança em alguma mudança significativa no mundo cinematográfico, ela deve ser sempre pautada pela diversidade. Com base em 20 olhares diferentes, você confere abaixo a seleção do Persona para os Melhores Filmes de 2021. 

7 Prisioneiros

Um dos finalistas à submissão para representar o Brasil como Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, o longa protagonizado por Rodrigo Santoro e Christian Malheiros serve para denunciar trabalho análogo à escravidão e alcança o mesmo patamar de obras consideradas colossais no Cinema nacional. O filme se passa na capital paulista, escancarando o quão próxima essa realidade está – o pensamento político por trás de quem comanda – e como não fazemos questão de enxergar a barbárie. A direção de fotografia usa do triste cinza da maior metrópole da América Latina para traduzir a realidade apresentada. 

Rodrigo Santora se reafirma como um dos maiores atores de sua geração, enquanto Malheiros ganha um personagem notório que, além de ser um deleite assistir sua atuação, proporciona o raio-x social e econômico do país. A reviravolta do roteiro acentua toda a complexidade do tema, trazendo camadas do sistema que te oprime e te torna opressor. A direção incisiva de Alexandre Moratto se preocupa a todo momento em aproximar a ficção da realidade, tornando 7 Prisioneiros não apenas um dos melhores do ano como um dos melhores nacionais do momento. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a chegada de Mateus a São Paulo; e a última cena.

A Crônica Francesa (The French Dispatch)

O senso comum nos filmes de Wes Anderson é o jogo de câmeras milimetricamente calculado, além dos cenários coloridos que ganham espaço e se expandem em nossa consciência. Mas em A Crônica Francesa, Anderson evoca sentimentos através de uma mistura de cenas coloridas e em preto e branco – jogo utilizado para evidenciar as histórias que não pertencem à trama principal –, atingindo seu auge cinematográfico. Através dos lindos enquadramentos, uma história deslumbrante (e cheia de ramificações) é narrada, contando com um  elenco de peso – de Bill Murray e Benicio del Toro a Tilda Swinton e Adrien Brody – para prestar uma singela homenagem à revista The New Yorker. Invariavelmente, temos o registro de uma verdadeira ode ao jornalismo.

Wes Anderson já havia ensaiado anteriormente seu desejo em homenagear a revista, pois um de seus passatempos favoritos sempre foi a leitura dos contos publicados nela. Foi lá, inclusive, que conheceu as histórias de J.D. Salinger, autor da conturbada família Glass a qual serviu de referência máxima na composição de Os Excêntricos Tenenbaums (2001). Porém, o foco do enredo – como é de se esperar num filme de Anderson – são as pequenas histórias que se interligam, cuja trama é orientada através do cotidiano dos funcionários que dão vida a revista diariamente (no filme, a revista se chama The French Dispatch). No fim, A Crônica Francesa provou que o mundo fantástico do diretor vai muito além do virtuosismo técnico – é humano, demasiado humano. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a história, narrada pela crítica de arte J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), sobre o personagem Moses Rosenthaler (Benicio del Toro), um presidiário com personalidade psicose que começa a pintar quadros fabulosos à medida que se relaciona com a guarda da prisão, Simone (Léa Seydoux). 

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas (The Mitchells vs. the Machines)

A Sony Pictures Animation vem ganhando destaque no cenário de animações, e A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas é mais um acerto que atesta a produtora como uma das melhores da atualidade. Com uma trama ágil e divertida, o roteiro nos leva a conhecer uma família extremamente carismática, a qual possui dramas bem realistas, facilmente identificáveis e que auxiliam tanto as gerações mais velhas quanto as mais jovens a se conectarem com os personagens. Outro ponto fortíssimo desse longa é seu humor, pois todo o enredo é recheado de piadas super divertidas e leves, que, com certeza absoluta, agradam toda a família. 

O estilo da animação é um grande diferencial do filme. Misturando o estilo 3D com o 2D, consegue criar cenas magníficas, além desse elemento ser utilizado até mesmo na comédia presente na história. Há vários momentos que aparecem colagens, montagens, referências e outros aspectos visuais que tornam toda a projeção ainda mais cativante de se assistir. Devido aos seus vários pontos positivos, A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas foi indicada ao Oscar de Melhor Animação, e merece muito esse prêmio, pois esse é um longa-metragem que transborda carisma, criatividade e paixão. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a cena de abertura do filme; a interação da família Mitchell com os robôs com defeito; e a luta contra os Furbies.

A Filha Perdida (The Lost Daughter)

Após ler o romance de Elena Ferrante, veio a curiosidade de assistir a adaptação dele, A Filha Perdida, da Netflix, que foi escrito, produzido e dirigido pela estreante Maggie Gyllenhaal (Batman – O Cavaleiro das Trevas). Surpreendentemente fiel ao livro, o filme arrisca ao mostrar de forma sincera (e assustadora) o universo feminino e suas funções na sociedade. A Filha Perdida conta a história de Leda (Olivia Colman, e, na juventude, Jessie Buckley), uma mulher divorciada que viaja sozinha para a Grécia durante as férias. Enquanto está na praia, ela observa uma mulher jovem, Nina (Dakota Johnson) cuidando de sua pequena filha e começa a recordar momentos de seu passado como mãe. 

Durante esses flashbacks mentais de Leda, fica evidente as dores que essas recordações acarretam, somadas  à conclusão de que ser mãe nunca foi seu real desejo. Ao contrário de muitas mulheres que vêem na maternidade o motivo para se sentirem realizadas, para Leda, não passou de um fardo, ou uma imposição do casamento. Tais assuntos, apesar de delicados, são retratados com sensibilidade e respeito. É um filme que intimida e incomoda, e, sem dúvida, deve ser visto e quem sabe até debatido, por pessoas de qualquer gênero. A Filha Perdida foi indicado a várias premiações, dentre elas: Oscar 2022 de Melhor Atriz para Olivia Colman, e ao BAFTA Awards 2022 de Melhor Roteiro Adaptado para Maggie Gyllenhaal. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: a dança de Leda em uma festa, após se surpreender ao notar que estava tocando a sua música preferida; e a conversa entre Leda e Nina, quando a primeira conta de forma dramática como foi ficar uma temporada bem longa longe de suas filhas.

A Ilha de Bergman (Bergman Island)

É curioso pensar em A Ilha de Bergman como projeto, pois além da cineasta usar como título e pano de fundo o nome de um outro cineasta, considerado por muitos como um dos maiores de todos os tempos, surge também o receio de encontrar tentativas medíocres de reproduzir os embates filosóficos, as hostilidades ou os laços complexos que se desfazem, ao inigualável modo Ingmar Bergman de fazer filmes. No entanto, a obra vale muito a pena, pois, além de ser uma aula de aprendizagem sobre o autor sueco, também discorre sobre o amor, desenvolvimento profissional e dor.

Produzido pelo brasileiro Rodrigo Teixeira (A Vida Invisível) e dirigido por Mia Hansen-Løve (O Que Está Por Vir), A Ilha de Bergman é centrado no casal de cineastas Chris (Vicky Krieps) e Tony (Tim Roth). Em busca de um lugar tranquilo para escrever seus novos filmes, eles decidem passar um verão na Ilha de Fårö, onde Ingmar Bergman viveu os últimos anos de sua vida. No local, o casal passa a ter os mesmos conflitos existentes nas obras intimistas e melancólicas retratadas pelo cineasta sueco. O longa concorreu à Palma de Ouro do Festival de Cannes 2021 para Mia Hansen-Løve e chegou aqui pela 45ª Mostra de SP. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: quando Chris e Tony estão próximos à janela e vemos pelos olhos deles a paisagem do externa da casa; e quando Tony está fazendo um passeio com um grupo de turistas, explorando a Ilha de Fårö, enquanto a guia de turismo dá uma aula sobre a importância de Bergman para a história da ilha, que ganhou destaque principalmente após gravar no local alguns dos seus célebres filmes.

A Lenda de Candyman (Candyman)

Retomar a história de filmes de terror considerados clássicos pode ser uma empreitada arriscada. No caso do Candyman dirigido por Nia DaCosta, a retomada serviu como uma atualização muito bem-vinda de um dos personagens mais assustadores dos anos 1990. Em sua curta duração, elabora um mistério envolvente e traz discussões certeiras sobre temas sociais e raciais, de forma que o horror do mito de Candyman se funde aos horrores vividos pela população negra na vida real. Ao adotar o ponto de vista de um jovem artista negro, Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), abre um leque de possibilidades muito bem exploradas pelo filme. 

Essas possibilidades geraram um dos melhores (e mais assustadores) momentos da obra: os assassinatos dentro da galeria de arte. A cena é linda visualmente e aterroriza por estabelecer uma tensão crescente entre o ambiente e os reflexos dos espelhos. Outra cena assustadora é a do final, onde a violência sangrenta e a música colaboram para deixar a situação apavorante. Aquela aparição, bem nos últimos segundos do filme, e aquela voz marcante são capazes de dar arrepios em qualquer um e mostram, caso ainda não tenha ficado claro, que Candyman vive. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: os assassinatos na galeria de arte fechada, repleta de espelhos e onde a maior fonte de luz é a projeção de um filme na parede, é uma aula de como construir tensão no terror; a cena final, onde a violência sangrenta acontece fora do carro de polícia em que a protagonista está, também merece destaque por fechar o filme de uma forma profundamente desconcertante. 

A Lenda do Cavaleiro Verde (The Green Knight)

A reimaginação da lenda arthuriana escrita e dirigida por David Lowery merece ser relembrada como um dos melhores filmes de 2021, pois o roteiro busca não apenas reproduzir uma história conhecida, mas refazê-la completamente, ao mesmo tempo que propõe reflexões e questionamentos sobre a honra e o destino. A jornada de Gawain é cheia de dúvidas, medo e hesitação, atitudes que nada se assemelha a um cavaleiro, e é o ponto mais forte da trama, discutir a honra e perguntar: o que ser honrado significa? Todo ato honrado é necessariamente bom? Nessas questões, a lenda já conhecida ganha camadas de profundidade e reflexão.

Mas as problemáticas do filme não se prendem apenas à honra, uma vez que ele discute sobre as nossas escolhas e as consequências que delas provém. Gawain se vê atormentado durante todo o longa por causa da decapitação do Cavaleiro Verde, e ele o fez mesmo sabendo que isso iria voltar para si. Tal atitude faz o personagem se questionar sobre o que ele realmente almeja e o que esperam dele, e essa dualidade de pensamentos permeia todo o longa-metragem, além de servir com uma indagação não só para o protagonista, como para a audiência também. A Lenda do Cavaleiro Verde carrega uma história densa, moderna, sombria e que aborda temas muito filosóficos, sendo um dos filmes mais intrigantes do ano. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a primeira aparição do Cavaleiro Verde; a moça que pede ajuda no lago; e o delírio que o protagonista tem sobre seu futuro.  

A Mão de Deus (È stata la mano di Dio)

As cenas iniciais de A Mão de Deus dão o tom de todo o filme. Após ver o mongezinho (uma criança vestida de monge), Patrizia (Luisa Ranieri) acredita poder finalmente engravidar. O quadro seguinte sucede a uma violenta reação do marido, Franco (Massimiliano Gallo), que acredita ter sido traído. É genial enxergar que o mítico e o real, de forma violenta, entram em choque, inserindo no contexto desproporcional de Nápoles Fabietto (Filippo Scotti), que está tentando encontrar sua própria essência enquanto lida com as adversidades da adolescência – perda da virgindade, passagem à idade adulta e seu amor pelo jogador Diego Maradona, figura a quem pertence o gol que dá título ao filme, cujo lado mitológico também será explorado. 

Até pouco mais da metade do filme há um desenvolvimento muito próximo da comédia dramática – tal qual Amarcord (1973), de Federico Fellini. Depois, após um acontecimento trágico, o longa muda bruscamente e entramos ainda mais na cabeça de Fabietto, cujo sonho – ainda incerto – é tornar-se cineasta. Essa quebra de estrutura traduz em imagens os sentimentos de Fabietto, que, enquanto se divide entre o vago destino de se tornar um artista, precisa lidar com a tragédia familiar e amadurecer repentinamente. Não surpreende que a graça de A Mão de Deus esteja na consagração do diretor Paolo Sorrentino como uma voz italiana original e poética, pois, a partir do futebol, conseguiu traçar uma história incomparável e familiar ao mesmo tempo: a sua própria. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena em que a família está vendo o jogo no qual Maradona marca o gol de mão; e o momento em que Fabietto tem uma conversa com o diretor Capuano sobre cinema, definindo seu futuro como cineasta.

A Noite do Fogo (Noche de Fuego)

As produções latino-americanas ficaram pelo caminho da corrida ao Oscar 2022, e talvez a perda mais doída dessa safra seja a seleção do México para a categoria de Melhor Filme Internacional, porque apesar de atribuído ao país indicado, se tem algo que a obra de Tatiana Huezo não é, é individual. Desde sua grandiosa produção em parceria com Brasil, Catar e Alemanha, até os detalhes mais fortes de sua história protagonizada por três jovens mulheres, A Noite do Fogo é a mais pura representação do porquê o Cinema é uma Arte coletiva.

O aspecto em questão é sempre o mais forte no gênero do documentário, linguagem em que a diretora é mestra. Para a sua primeira ficção, então, ela dedicou sua habilidade narrativa para adaptar livremente o livro Reze pelas mulheres roubadas, de Jennifer Clement. O resultado foi apreciado nos 4 cantos do mundo: no Festival de Cannes ou de Pingyao, na Academia ou na cidade de São Paulo, a obra fez de 2021 o ano de entender de uma vez por todas que pelo menos uma das tais veias abertas da América Latina é consequente de noites como a de fogo. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que as três protagonistas estão conversando sobre o que pode acontecer com elas embaixo da árvore; e a tal noite de fogo.

A Tragédia de Macbeth (The Tragedy of Macbeth)

Se há algo ainda mais difícil do que contar uma história inteiramente nova, é achar uma nova maneira de contar uma história que todo mundo já ouviu milhares de vezes. Adaptando uma das peças mais famosas da língua inglesa, o diretor Joel Coen – pela primeira vez separado do irmão – escreve A Tragédia de Macbeth com mão firme, uma estética robusta e um bom olho para o elenco, que conta com Denzel Washington como o protagonista titular e Frances McDormand como sua ardilosa esposa.

Filmado em preto e branco e perspectiva quadrada, a quieta intensidade do filme reflete a junção dos seus aspectos teatrais com algumas das técnicas cinematográficas mais refinadas que o meio é capaz de proporcionar. A fotografia geométrica e precisa de Bruno Delbonnel é instantaneamente hipnotizante, ludicamente traduzindo do palco para tela a sua tragédia de erros que culmina em um final sangrento e potente. Denzel Washington é titânico no papel que lhe rendeu a indicação ao Oscar de Melhor Ator, combinando tanto a violência decisiva quanto o remorso lunático que levam a personagem ao seu triste fim. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: toda e qualquer cena envolvendo as três bruxas; e a caminhada de Macbeth em direção aos aposentos do Rei.

A Vida Depois (The Fallout)

O anúncio de um filme tratando sobre um tiroteio escolar sendo lançado diretamente por streaming não inspira muita confiança. Hollywood sempre teve propensão a explorar tragédias de maneiras que não respeitam as pessoas que viveram por elas, ou de enobrecer seu sofrimento quase ao ponto da paródia. Felizmente, A Vida Depois se esquiva dessa sina ao focar no impacto do trauma na vida de suas personagens e as diferentes maneiras que elas reagem a ele, por meio  de uma excelente caracterização e um roteiro sem medo de se abrir.

Grande vencedor do festival SXSW, o filme ganha vida e profundidade pela atuação sensível e reveladora de Jenna Ortega no papel de Vada, uma adolescente que fica presa em um banheiro com outras duas pessoas quando tiros são disparados dentro de sua escola. Capturando o terror da situação, já teria sido suficiente para a maioria, mas a A Vida Depois deixa claro que isso não é o bastante: a vida dessas personagens não acaba depois que elas passam por esse incidente, e talvez essa seja a parte mais difícil e macabra de se aceitar. Rejeitando a noção de que há uma maneira “correta” de se enfrentar um trauma, o longa de estreia da atriz Megan Park na direção e no roteiro deixa uma marca indelével. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Vada fica chapada na escola e estoura uma caneta na boca; o momento em que ela se reconecta com a irmã; e a notificação que aparece em seu celular no final do filme.

Amor, Sublime Amor (West Side Story)

Quando foi lançado, em 1961, Amor, Sublime Amor arrebatou um público cativo, ainda deslumbrado com a mágica e o fascínio dos musicais. O resultado foi uma performance arrebatadora nos prêmios da Academia do ano seguinte, faturando dois dígitos de troféus dourados. Então, qual a necessidade de recriar um clássico? Um filme repleto de significados e mensagens atemporais? Para Steven Spielberg, a motivação é tão clara quanto as luzes que iluminam o ginásio do colégio onde Tony e Maria se encontram: ele quer melhorar o que já era ótimo.

Apaixonado pelo longa de Jerome Robbins e Robert Wise, o pai do Cinema pipoca e o diretor que desbravou todo e qualquer gênero e formato, Spielberg realiza seu primeiro musical com o brilho nos olhos de uma criança. Na revigorante versão de 2021, Maria (Rachel Zegler) se apaixona por Tony (Ansel Elgort), iniciando um romance proibido, que perpassa suas vivências, rotinas e suas vidas. Anita (Ariana DeBose) interfere no que pode, mas o destino está selado. No topo de suas habilidades como criador, Spielberg alinha os astros para que, de maneira sublime, ele filme e eternize o amor. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o encontro na varanda; a movimentação super humana de Ariana DeBose na performance de America; e o momento em que Anita entende que a infância definitivamente ficou para trás. 

Annette

Leos Carax sempre soube que a Arte deveria ser perigosa, seja na glória de dois amantes dançando sob fogos de artifício, seja na completa podridão de um indivíduo que vagueia silenciosamente entre os limites da vida e performance. Com Annette, felizmente, não foi diferente. Levando vitória de Melhor Direção na premiação de Cannes e do César, o cineasta francês, juntamente do duo pop Sparks, deu vida à uma ópera rock fabulosa que acompanha a vida glamourosa de um casal aparentemente perfeito: Henry (Adam Driver), um comediante provocativo de stand-up, e Ann (Marion Cotillard), uma soprano renomada.

Sem medo de extrapolar os limites cinematográficos do “bom gosto”, o maximalismo artificial do primeiro musical de Carax rebaixa a narrativa convencional de sua filmografia a favor de uma justificativa metafórica, fantasiosa e dolorosamente sincera. O bebê do casal é Annette, uma criatura verdadeiramente de outro mundo. Ela é uma marionete (sim, literalmente uma marionete), até o catártico ato final que ecoa sombriamente o ritmo da inicialmente apaixonada We Love Each Other So Much. E não, não cabe a ninguém defender o absurdo de se usar uma marionete como figura central de um filme, exatamente porque o Cinema tem o direito de ser, sem desculpas, um espetáculo absurdo, ainda bem. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: primeira versão apaixonada de We Love Each Other So Much, interpretada por Adam Driver e Marion Cotillard; versão de ninar de We Love Each Other So Much, interpretada por Simon Helberg; e todo o ato final.

Ataque dos Cães (The Power of the Dog)

Há quem diga que um fenômeno só é especial pelo seu caráter de manifestação única. Mas quando o recorte é o Cinema mundial dos últimos anos, a transformação do extraordinário em ordinário é um pedido cada vez mais forte. E depois do que vivemos no ano passado, que outro nome no mundo poderia ocupar o lugar mais especial da vez se não o auspicioso Ataque dos Cães de Jane Campion? Desde a sua estreia já premiada no Festival de Veneza em setembro de 2021, a obra da diretora neozelandesa almeja e trabalha mês a mês para concretizar o fenômeno cinematográfico do ano. Na conclusão deste ciclo, consagrando-se motivo de recordes, prêmios e indicações incontáveis e exaltando uma trajetória impecável, aqui estamos nós, admirando-o.

Mas o poder do feito é justamente a sua completa despretensão. Na história protagonizada por um Benedict Cumberbatch que tem a irmandade danificada de Jesse Plemons e sofre profundamente com as presenças de Kirsten Dunst e Kodi Smit-McPhee, inexiste a perseguição por um filme metido à sua própria manifestação. A precisão magistral da mente que roteirizou e dirigiu a adaptação do livro homônimo não queria saber de nada além de contar sua história. O mundo o recebeu como era devido e o escreveu uma Bíblia de elogios, porque este é o fenômeno genuíno que buscamos: com todo o clamor que lhe é direito, que Jane Campion seja louvada como a melhor de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a briga de Phil com Rose que surgiu de um improviso de Benedict Cumberbatch, e o momento que se desenrola a partir da rosa de papel feita por Peter.

Bar Doce Lar (The Tender Bar)

Numa sensível produção sobre laços familiares, Bar Doce Lar foi a melhor escolha para que Ben Affleck retornasse às telonas. O longa, que é baseado no livro de memórias homônimo de J. R. Moehringer, foi dirigido por George Clooney e co-estrelado por Tye Sheridan, Lily Rabe e Christopher Lloyd, além de Affleck. Sem dúvida que tais presenças hollywoodianas de peso garantiram a atuação no que marca a história: as relações. No entanto, a sinceridade que o ex-Batman deu para seu personagem de tio Charlie, e sua demonstração de amor na vida real para a criação do sobrinho JR, são as verdadeiras bases do filme, o tornando um dos mais bonitos de 2021.

Ainda que Affleck não seja o protagonista, seu desempenho rendeu a indicação ao SAG Awards de Melhor Ator Coadjuvante – uma mensagem nítida de que somos gratos por estar de volta aos trilhos. Sua presença foi vital para a construção do filme, pois tal qual JR, é fácil se apaixonar pelo tio Charlie. Dentro da narrativa, é justamente o roteiro seguro e a história simples que se destaca entre os outros filmes do ano, pois há familiaridade com a vida comum, de qualquer pessoa. Enquanto o menino cresce, seu desenvolvimento vem com as dúvidas, a raiva de um pai biológico distante, e o medo da monotonia acompanhar seu caminho, mas o que se sobressai é como o amor das pessoas que o cercam e o criam são o que o fazem continuar. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: JR criança sendo levado para o Dia de Pais e Filhos na escola pelo avô; Charlie oferecendo sua estante de livros para o sobrinho; e quando JR dá um soco no pai biológico.

Belfast

Dentre tantos filmes hollywoodianos populares, a comédia dramática Belfast, dirigida e escrita por Kenneth Branagh (Tenet, Assassinato no Expresso do Oriente), de origem britânica e quase biográfica, ganha destaque na simplicidade ao acompanhar a vida de uma família durante um período histórico conturbado. O filme é centrado na infância e visão lúdica de Buddy (Jude Hill), um menino de 9 anos, diante do intenso conflito entre católicos e protestantes na cidade onde ele e sua família vivem, Belfast, na Irlanda do Norte, no final dos anos 60 – período conhecido no país como “The Troubles“. É impossível não se emocionar ao ver a inocência de uma criança que tem sua ilusão de mundo perfeito interrompida por brigas e violência extrema bem em frente a sua casa.

Além da bela fotografia em preto e branco, e marcante trilha sonora composta por canções do também irlandês Van Morrison, o longa ainda tem como um dos seus grandes acertos o elenco, que reúne Caitriona Balfe, como Ma; Jamie Dornan, como Pa; e Judi Dench e Ciarán Hinds como avós do garotinho. Se você busca assistir algo que impacte o seu dia e ainda te ensine, não deixe de ver Belfast. Sucesso de crítica, além de vencer o prêmio Globo de Ouro como Melhor Roteiro em 2021, a obra já coleciona várias indicações ao Oscar 2022, como Melhor Filme e Melhor Roteiro Original; ao BAFTA Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: o conjunto de nuances que torna a cena de abertura incrível; e quando Buddy está no cinema com sua família, onde todos ficam maravilhados com o poder da Sétima Arte, que serve como refúgio e ao mesmo tempo um descanso para todo aquele caos vivenciado por eles.

Belle (Ryû to sobakasu no hime)

Muito mais do que apenas mais uma releitura de A Bela e a Fera, o novo longa de Mamoru Hosoda e do Studio Chizu é a culminação de sua carreira: uma explosão de emoções tão sinceras e intensas que seu clímax te fará cantar junto com os personagens ou te deixará completamente sem palavras. Combinando técnicas de animação 2D e 3D para a criação de seu glorioso mundo virtual, Belle é, ao mesmo tempo, uma íntima exploração de luto e do significado de comunidade em uma sociedade globalizada e uma grande ode ao poder transformativo do ato de amar.

Como seu título ocidental sugere, a nova iteração do conto francês foca especialmente em sua contraparte feminina. A jornada de Suzu (Kaho Nakamura) para lidar com a morte da mãe e o mistério que a leva a procurar pela identidade do Dragão (Takeru Satoh) dentro do ciberespaço convergem em uma performance musical em que todos os elementos do filme entram em sincronia para criar uma das sequências cinematográficas mais inesquecíveis do ano, conquistando cinco indicações no 49º Annie Awards, mas, infelizmente, ficando de fora da corrida pelo Oscar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Belle acha novamente sua voz no mundo de U; e a performance final de Suzu para salvar o Dragão.

Bo Burnham: Inside

“Espero que este especial possa fazer para vocês o que tem feito para mim nos últimos meses, que é me distrair da vontade de colocar uma bala na minha cabeça, com uma arma”, diz Bo Burnham, nos primeiros minutos de Inside, assumindo sem compostura alguma o caráter notavelmente autodepreciativo do seu humor. Porém, dando um tiro no pé, o novo especial da Netflix começa a consumi-lo de tal forma que, no final, se torna seu próprio martírio. Presenciamos intimamente o músico e comediante beirando a insanidade em detrimento da produção: ele para de se cuidar, deixando seu cabelo e barba crescerem; o quarto claustrofóbico, onde ele grava todas as cenas, acumula cada vez mais os equipamentos entulhados; e seu processo criativo fica ainda mais caótico, explorando temas desconexos com uma fotografia e musicalidade alucinadas.

Em meio a todo esse fuzuê, Inside surpreende quando, em vez de tentar reproduzir metodicamente a experiência de um show, usa a limitação da pequena sala ao seu favor para criar sequências estonteantes que jamais seriam possíveis em cima de um palco. Além disso, é tematicamente curioso como Bo transforma, de uma hora para outra, uma sátira cômica sobre o perfil de Instagram de uma garota branca em um monólogo fragilizado sobre o luto. Aqui, esse tipo de quebra ocorre o tempo todo. Claro, Burnham instiga risadas, mas nunca em um lugar de conforto. E, assim, cria um produto direto de 2020, desconcertante, que desafia seu público e termina entregando todo o fardo de um ano de isolamento em seu colo. Como lidar com tamanho peso? É nessa dúvida que nasce Bo Burnham: Inside. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: a sequência musical de White Woman’s Instagram; a virada para os 30 anos; e a esquete de “auto-gameplay”.

Bottled Songs 1-4

Como mensagens escondidas em garrafas encontradas ao acaso em um rio, as quatro Canções Engarrafadas são um belo achado. Resultado das trocas de e-mail entre os criadores Chloé Galibert Leiné e Kevin B. Lee, o filme é um compilado de quatro ensaios investigativos, inteiramente capturados na tela de dois computadores, acerca de como a imagem do Estado Islâmico é perpetuada e ressignificada na internet. Pareceu chato? Engano seu: Bottled Songs é tenso, reflexivo, hipnotizante, e, com seus discretos 77 minutos de duração, é uma das grandes descobertas escondidas de 2021.

O filme completo ou apenas segmentos específicos foram exibidos em diversos festivais ao redor do mundo, além de integrar a programação do 5º Festival Ecrã de Experimentações Audiovisuais. Fugindo de um experimentalismo vazio e mal justificado, Bottled Songs é uma obra bastante acessível, que traz reflexões profundas sobre a geopolítica em tempos de internet, a natureza das imagens, e a nossa complexa relação com elas. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: o primeiro segmento, que investiga a trajetória e as motivações de um vídeo da ISIS propagado pela mídia; e o segundo que disseca um longa-metragem de propaganda jihadista. 

Cabeça de Nêgo

Se já estamos cansados de lidar com a realidade corrupta e mascarada da política brasileira, Cabeça de Nêgo nos faz engoli-la à força. Dirigido por Déo Cardoso, o longa cearense alinha-se no cerne do movimento estudantil no país. A narrativa tem como figura principal o aluno Saulo (Lucas Limeira), que, inspirado pelos Panteras Negras, inicia um protesto no colégio em que estuda. A manifestação começa de forma silenciosa, até que toma as vias das redes sociais e se espalha pelos corredores da escola como uma bomba-relógio. 

A genialidade de Cardoso na obra se pauta pela simplicidade. Com apenas uma locação e poucos componentes na trama, o roteiro é capaz de escancarar questões como racismo, brutalidade policial e as ardilosas falhas na política e na imprensa brasileira. Sutil, assim como nossa realidade costuma ser. Além de dar força para as revoluções há muito desprezadas. Cabeça de Nêgo figurou na lista de pré-indicados para representar o Brasil no Oscar, e já é um das maiores produções da cinematografia nacional. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: Saulo lendo ao som de Sorrisos e Lágrimas; a reunião de professores; e a cena final do protesto dos alunos. 

Chorão: Marginal Alado

Saudoso e simbólico, os defeitos técnicos de Chorão: Marginal Alado foram acobertados pela sua capacidade de ter, simultaneamente, confortado e quebrado o coração de quem o assistiu. Em meio às lágrimas de saudade, o documentário dirigido por Felipe Novaes fez o incrível trabalho de resgatar a memória de Alexandre Magno Abrão para além da sua persona artística. Feroz nos palcos e carinhoso nos bastidores, o acesso a gravações inéditas trouxe à tona o feio e o belo de uma das figuras mais emblemáticas da história do rock nacional. 

Quem escolheu o filme entre as tantas opções do catálogo da Netflix saiu com os sentimentos à flor da pele. A verdade é que o vocalista do Charlie Brown Jr. ainda visita as mentes dos fãs, e os depoimentos tocantes do documentário causaram efeitos colaterais, como a presença letal do testemunho de Champignon. Vencedor do prêmio do público de Melhor Documentário Brasileiro da 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, Chorão: Marginal Alado é uma montanha-russa de emoções. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a filmagem de uma fã se declarando para Chorão após um show, pois ela não tinha dinheiro para comprar os ingressos e ele a conforta; e o depoimento emocionante de Champignon.

Colmeia (Zgjoi)

Colmeia soma conquistas para provar que mereceu seu lugar no “Melhores de 2021”. O filme saiu com três prêmios do Festival de Cannes 2021, sendo o primeiro a levar tantos troféus em categorias principais, abocanhou mais alguns em Sundance, passou com sucesso pela 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, e, agora, integrou a lista de submissões de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022. Escolha oficial do Kosovo, o longa recria a história real de Fahrije Hoti, uma mulher kosovar, que, após ter seu marido desaparecido na Guerra de Kosovo, enfrenta o patriarcalismo e o machismo local para sustentar a família, sozinha.

O roteiro e a direção de Hive (título em inglês) são assinados por Blerta Basholli. Na figura de Fahrije, interpretada profundamente por Yllka Gashi, a cineasta reivindica a responsabilidade de mostrar o dia a dia das mulheres kosovar e as consequências de um conflito que deixou mortos e desaparecidos, unindo os dois e os apresentando da perspectiva feminina – o que, no país, é justamente o problema. Introspectivo, extremamente sensível e necessário, Colmeia impacta e emociona ao retratar a realidade, mas também ao deixar uma mensagem de esperança. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: quando Fahrije consegue o apoio das mulheres da vila; Fahrije e as mulheres da vila conversando enquanto produzem ajvar; e Fahrije cuidando das abelhas, ao final do filme.

Controlling Britney Spears: Em Busca de Liberdade (Controlling Britney Spears)

“Ultimamente, as pessoas tentam me manter amarrada/Há uma contagem regressiva esperando para que eu entre em erupção”. A letra de I Wanna Go resume a narrativa da luta de Britney Spears e os seus fãs pelo fim da sua tutela. Controlada pelo pai há anos, Controlling Britney Spears trouxe fatos concretos e detalhou o cenário abusivo em que a princesa do pop se encontrou por tanto tempo. Com uma apuração excelente do The New York Times, o caso mais comentado do ano de 2021 foi investigado em profundidade, fato que aumentou ainda mais a adesão do público. 

A sequência de Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela abordou a relação entre tutelar e tutelado a partir de uma visão crítica sobre o sistema judiciário americano. Ao expor a fraqueza da legitimidade da tutela, os relatos assustadores de pessoas que trabalharam para o pai de Britney Spears ganharam credibilidade. Para além, o documentário também expôs como Jamie Spears não agiu sozinho, mas acompanhado de uma rede de suporte, cuja intenção se mostrou questionável. Agora livre, a artista deve lançar um livro contando a sua própria história. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: os primeiros minutos do documentário com a presença dos fãs do lado de fora do tribunal; e as revelações sobre o esquema de segurança contratado pelo pai de Britney Spears.

Cruella 

Com grandes investimentos na produção de live-actions de suas obras icônicas, a Disney, dessa vez, entregou um fantástico filme solo de uma de suas vilãs mais famosas: Cruella. Transbordando estilo, personalidade, atuações certeiras e impecáveis, e uma singular história de origem, o longa conquistou seu espaço entre os melhores filmes de 2021. Emma Stone dá vida a uma representação brilhante da complexa Cruella De Vil, em todas as suas camadas. Além da certeira escolha de Stone para o papel, o elenco também conta com a admirável Emma Thompson, como a antagonista Baronesa.

O filme de Craig Gillespie equilibra perfeitamente o drama pessoal da tímida e solitária Estella, com a ousadia e acidez de Cruella. O resultado são 134 minutos que enlaçam o telespectador e o hipnotizam com um show visual e musical, simultâneos à cativante trajetória da anti-heroína. Vencedor de Melhor Filme de Drama no People’s Choice Awards 2021, o longa concorre ao Oscar 2022 nas categorias de Melhor Figurino e Melhor Cabelo e Maquiagem. Jenny Beavan, designer e duas vezes vencedora do Academy Awards, coloca Cruella sob holofotes – e na passarela – com seu figurino impactante e inventivo. Além disso, apesar de desentendimentos de Emma Stone com a Disney, devido ao lançamento do filme no Disney+, Cruella 2 já é um projeto em andamento, e conta com o retorno da atriz. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: as criativas e divertidas entradas de Cruella nos eventos em que a Baronesa atenderia, roubando a cena para si, das formas mais inusitadas possíveis; outra cena favorita é o monólogo de Cruella, mais próximo do final do filme, que revela muito sobre a personagem, suas revoltas e o que a tornou uma excêntrica vilã.

Deserto Particular

Na difícil função de representar o Brasil no lugar mais importante do Cinema mundial, Deserto Particular desempenha sua função como poucos filmes selecionados para tal conseguem fazê-lo. É uma pena, no entanto, que o encanto da obra de Aly Muritiba não esteja entre os indicados finais ao Oscar de Melhor Filme Internacional. Mas o fato aqui é outro, e a história, iniciada quando Daniel (Antonio Saboia) parte corajosamente em busca do amor e encerrada numa quase conquista plena de objetivos, tem muito a nos ensinar. 

Primeiro, Deserto Particular é mais uma confirmação de que delicadeza nada tem a ver com lassidão. O roteiro, que Muritiba também assina em dupla com Henrique dos Santos, coloca sua força na voz calma de Robson (Pedro Fasanaro), como a forma mais fiel de expressar a existência em meio à dureza que o Brasil reserva para a sua população LGBTQIA+. Já para os ensinamentos que a história deixa para os aspectos mais amplos e complexos da vida, não vale nenhuma tentativa de explicação. O sentir é a ação mais importante que o filme deixou para essa lista de Melhores de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que Sara e Daniel dançam juntos ao som de Total Eclipse of the Heart; e o diálogo de Robson e Daniel à beira do rio.

Drive My Car (Doraibu mai kâ)

Desde a vitória histórica da produção sul-coreana de Bong Joon-Ho, Parasita, na categoria de Melhor Filme no Oscar 2020, a Academia tem-se tornado, ainda que bastante acanhadamente, aberta para a quebra dos paradigmas além-Hollywood: em 2021 vimos a segunda diretora e primeira mulher não-branca, Chloé Zhao, a levar a estatueta de Melhor Direção, e em 2022, parece ser a vez da adaptação nipônica do conto homônimo de Haruki Murakami, Drive My Car – indicado a quatro categorias na premiação deste ano, incluindo Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção para Ryûsuke Hamaguchi.

Um filme profundamente humano, Drive My Car se excede ao testemunhar os relances de beleza no ordinário, ainda que em instantes muito breves seguidos pelos sentimentos mais opressivos do ser. Luto, impassibilidade e culpa delineiam as quase três horas de duração da obra, regida por uma barreira espessa de incomunicabilidade que é ultrapassada somente pelo artifício da Arte. A atuação catalisa o drama dos protagonistas, obrigados a encarar as próprias emoções pelo reflexo de suas personagens a serem interpretadas. Dentro de um Saab 900 vermelho ou sobre o palco de um teatro, os singelos momentos de calor compartilhado emocionam, com palavras ditas ou não. Beep beep beep beep, yeah. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: o transe criativo de Oto pós-sexo; a interpretação silenciosa de Sonia no ato final da peça teatral; e o breve momento de calor entre Misaki e Yûsuke, quando ambos erguem seus cigarros para fora do carro, com as mãos próximas uma das outras.

Duas Tias Loucas de Férias (Barb and Star Go to Vista Del Mar)

Às vezes, tudo o que precisamos é de uma vista para o mar, um dia ensolarado, culottes, um coquetel colorido e Duas Tias Loucas de Férias. Reunindo as estrelas de Saturday Night Live, Annie Mumolo e Kristen Wiig – dupla cuja colaboração anterior resultou no sucesso de Missão Madrinha de Casamento –, o filme dirigido por Josh Greenbaum acompanha as aventuras das melhores amigas, Barb (Mumolo) e Star (Wiig), ao deixar sua pequena cidade natal pela primeira vez com destino para Vista Del Mar, na Flórida. E envolvidas por uma explosão de cores saturadamente pastéis, o roteiro pastiche se rende completamente ao ridículo, no melhor sentido da palavra.

O que inicialmente parecem ser férias tranquilas, logo enreda as parceiras inseparáveis em noitadas intensas, romances de verão e um plano maligno de uma vilã flamboyant à la Dr. Evil do universo cinematográfico de Austin Powers. Mocinhas, vilãs ou nenhuma delas, as protagonistas são assumidamente caricatas, desde o figurino exagerado até o diálogo desconfortável. Mas ainda que com o perigo trapaceiro de cair no pedantismo, é na artificialidade que o humor bizarro de Duas Tias Loucas de Férias encontra a inocência genuína. A amizade, o amor e mesmo a maldade, tudo é inocente, numa zorra total que possui todos os requisitos para se tornar um clássico cult daqui a 10 anos. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: abertura ao som de Guilt; encontro do “clube da fala”; e cena musical na praia com Jamie Dornan dançando balé.

Duna (Dune) 

Não é segredo para ninguém que Duna foi um dos grandes marcos no cinema de 2021. Mesmo sendo um filme essencialmente longo (com 2h35min de duração) e sem cenas de ação extremas, a produção garantiu um sucesso estrondoso e uma bilheteria avassaladora, apesar de ter seu lançamento simultâneo no cinema e na plataforma de streaming HBO Max. Com uma fotografia impressionante (responsabilidade de Greig Fraser), um elenco de peso – especialmente o trio de estrelas: Timothée Chalamet, como o protagonista Paul Atreides; Jason Momoa, interpretando o espadachim da família Atreides, Duncan Idaho; e Zendaya, no papel de Chani – e uma história de tirar o fôlego, Duna faz um ótimo trabalho trazendo vida à obra de Frank Herbert e garantindo uma nova legião de fãs. 

Girando em torno da chegada da família Atreides no planeta Arrakis, produtor da importante mélange (especiaria), e do processo de autodescobrimento do protagonista, o longa introduz o espectador ao universo que conta com muitos conflitos envolvendo a crença, a política e questões de moral e lealdade. Talvez um dos maiores acertos dessa adaptação comandada por Denis Villeneuve tenha sido dividi-la em partes, nessa primeira foi possível contemplar com calma os personagens e componentes desse universo, ideal para aqueles que caíram de paraquedas no cinema ficarem com um gostinho de quero mais. A segunda parte foi confirmada no dia 26 de outubro de 2023, e só resta esperar para que seja tão impressionante quanto a primeira, que já foi indicada a várias premiações, incluindo o Oscar de Melhor Filme. – Gabrielli Natividade da Silva 

Cenas Favoritas: a sequência do ataque à família Atreides; e a fuga de Paul e sua mãe, Jessica (Rebecca Ferguson). 

Encanto

Fazendo jus ao seu título, Encanto é uma animação musical mágica e deslumbrante da Disney, lançada em novembro de 2021. Dirigida por Byron Howard e Jared Bush, com co-direção de Charise Castro Smith, ela apresenta com sensibilidade e leveza os dramas da protagonista Mirabel Madrigal (Stephanie Beatriz), que embarca em uma aventura no meio de sua própria casa – e família. O filme tem um visual estonteante, com muitas cores chamativas e cenários inventivos e agradáveis. Para acompanhar a trama criativa e interessante, a trilha sonora original de Lin-Manuel Miranda é singular e notável, com músicas que permanecem na mente do telespectador por dias. A música We Don’t Talk About Bruno (Não Falamos do Bruno, no Brasil) atingiu o topo da Billboard e superou, até mesmo, Let It Go, grande sucesso de Frozen (2014). 

As cenas musicais são divertidas, dão ritmo ao desenvolvimento da história e tornam toda a experiência ainda mais envolvente, fazendo do filme um dos melhores de 2021. Encanto é emocionante, imersivo, e sabe contrastar a leveza e alegria dos moradores de uma vila encantada na Colômbia, com comoção e sutileza, para passar uma linda mensagem sobre amor e família. O longa ganhou o prêmio de Melhor Animação, no Globo de Ouro, e concorre ao Oscar 2022 em categorias como Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Canção Original, com Dos Oruguitas, e, novamente, em Melhor Animação. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: a icônica cena da música We Don’t Talk About Bruno, toda a apresentação é divertida e a música é incrível; a cena entre as personagens Isabela e Mirabel, acompanhadas da música What Else Can I Do?, também é maravilhosa, com um show de cores e flores; e a conversa entre Mirabel e sua avó Alma na beira do lago.

Eternos (Eternals)

Há tempos que um filme de super-herói era instigante a ponto de gerar discussões que fossem além de teorias. É o caso de Eternos, que, em 2021, teve uma recepção infame pelo público e crítica. Todavia, faltava criatividade no MCU muito antes disso. No Cinema, a fórmula Marvel se provava esgotada, impossibilitada de construir personalidade própria e dependente de legados pretéritos. Ao passo que, as apostas na Televisão, que pareciam inovadoras de início, apenas reiteraram o modus operandi do estúdio, que converte qualquer ideia ousada em um pastiche superficial e genérico. Quando as aventuras de proporções cósmicas daquele multiverso são tão inconcebíveis que se tornam praticamente irrelacionáveis, é na sobriedade que a Marvel Studios reencontra o brilho que fez sua franquia estourar em 2012. Foi o que ocorreu no escopo das séries, e agora também nas telonas, com Eternos. 

E não é que o filme abandone o padrão de seus exauridos antecessores, apresentando a redundância de uma ameaça global que levará a humanidade à extinção. Isso está presente, porém, não passa de um plano de fundo. Ao invés, o foco aponta para o imenso elenco de protagonistas, formado por criaturas divinas, quase deuses, que, pelo incrível toque da direção de Chloé Zhao, são subvertidos à condição mais inerentemente humana, se misturando a nós e lidando com dilemas plenamente tangíveis. O esforço de Zhao em imprimir ao máximo sua identidade em Eternos, evitando o uso excessivo de CGI e gravando a maior parte das cenas em locações, dá vida à narrativa e a transforma na experiência mais bonita, poética e contemplativa de toda a trajetória da Marvel. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Gilgamesh e Sprite acalmando Thena com visões do passado; o primeiro encontro com Phastos; e o flashback de Ikaris com Ajak.

Evangelion: 3.0+1.01 A Esperança (Shin Evangelion Gekijouban:||)

A primeira hora de Evangelion: 3.0+1.01 Thrice Upon a Time é, possivelmente, a mais contida da história da saga. Fiel à essência de seu material original, porém sempre a evocando de maneira revigorante, o quarto e último filme da série Rebuild of Evangelion encontra seus primeiros resquícios de fé em uma vila de sobreviventes do Terceiro Impacto, que continua semeando mesmo depois do mais literal dos apocalipses. Os protagonistas, aprisionados em seus corpos adolescentes e impossibilitados de amadurecer, voltam a experienciar, depois de muito tempo, uma vida normal. Rei Ayanami, em especial, tem um contato virginal com o convívio em comunidade, se conectando com aqueles ao seu redor através das mais simples tarefas e, desse modo, moldando sua individualidade.

No cerne dos conflitos emocionais de Evangelion está o dilema do ouriço: que precisa do calor de outros para sobreviver, mas que se machuca ao se aproximar demais de seus espinhos. Dizer que Thrice Upon a Time resolve esse impasse talvez seja muito ousado, entretanto, ao menos, dá o primeiro passo. Apesar do início comedido, a ação frenética e abstrativa já conhecida pelos fãs alcança seu auge visual na segunda metade. Por meio de uma animação estonteante, que leva as técnicas tradicionais para outro patamar, é traduzido com fascínio o processo de morte e renascimento, literal e figurado, que os personagens vivenciam. Ao término dessa metamorfose visceral, Shinji entra em harmonia com suas feridas, assume suas virtudes, encontra a prometida esperança e, finalmente, se torna capaz de crescer. Evangelion: 3.0+1.01 alcança a utopia depois de 26 anos, e é um privilégio poder presenciá-la. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Rei aprendendo a plantar junto as outras mulheres da vila; o momento em que Asuka tira o seu tapa-olho; e a última conversa entre Gendoh e Shinji.

Flee (Flugt)

Cada vez mais, as possibilidades inventivas dos documentários atraem o grande público. Com Flee não foi diferente. Muito bem fundamentado como uma produção documental, o filme de Jonas Poher Rasmussen ainda se beneficia da beleza narrativa da animação para criar um longa-metragem completamente singular, que dedica seus 120 minutos de história ao desenvolver retratos de migração forçada e reflexões sobre vida e liberdade à margem da sociedade. Combinando a maestria de sua execução com a importância de seus temas, o filme é um ambiente de contrastes, estéticos e narrativos, que oscilam entre uma revelação ora dolorosamente próxima, ora deliciosamente harmônica.

Assim, não é difícil entender porque Flee se garantiu nos principais festivais e premiações de Cinema pelo mundo. O percurso, iniciado em Sundance, com passagens de exibição por Cannes e Toronto e com indicações no BAFTA, Critics Choice Awards e PGA, termina com todo o louvor que merece no Oscar 2022. Lá como a primeira animação na briga pela “tríplice coroa” da Academia, a produção independente da Dinamarca é considerada para as brilhantes categorias de Melhor Documentário, Melhor Filme Internacional e Melhor Animação e nem precisou garantir vitória para fazer história. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: os momentos de Amin quando criança; e o desabafo do personagem no final do filme. 

Friends: The Reunion

Quase 20 anos depois do fim de Friends, não havia presente melhor a ser dado para todas as pessoas que tiveram suas vidas mudadas pela série do que ver Matt LeBlanc, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, Courteney Cox, David Schwimmer e Matthew Perry juntos novamente, dentro da sala do apartamento 20. O especial Aquele com a The Reunion de Friends foi um dos lançamentos mais incríveis de 2021, uma dose saborosa de amor e saudade sobre a amizade sincera que transcende roteiros. Dotada de naturalidade e espontaneidade, a conexão dos atores após duas décadas arrancou lágrimas – inclusive deles mesmos.

Os momentos gloriosos do especial foram justamente aqueles em que o grupo se encontrava sozinho, fazendo piadas uns com os outros, compartilhando memórias especiais da época em que filmavam a sitcom. Afinal de contas, a intimidade entre um grupo de amigos é o que conquistou uma legião ao longo do tempo, e descobrir onde Courteney escondia papéis com suas falas pelo set deixou claro que a sensação nunca irá embora. Se relembrar é viver, a mistura entre os atores lendo cenas antigas e flashbacks dos momentos favoritos da série foi crucial para Friends: The Reunion se tornar inesquecível. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: os atores entrando no set da série que foi recriado; Lisa Kudrow relendo a cena em que descobre o relacionamento de Chandler e Monica; e o quiz entre o elenco.

Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home)

Mesmo não sendo um coming-of-age, o fechamento da maltratada trilogia do Amigão da Vizinhança no solo da Marvel é um ótimo filme de amadurecimento. Aqui, Peter Parker (Tom Holland) finalmente ganha seu arco dramático no MCU, e tanto o Teioso como o diretor Jon Watts se consolidam no universo Marvel. Abusando da nostalgia e da nova fórmula de vários heróis e vilões em tela que deu certo com Guerra Infinita e Ultimato, Homem-Aranha: Sem Volta para Casa é uma festa de personagens do imaginário do Cabeça de Teia e uma celebração da figura mais popular e querida da Casa das Ideias.

O filme é um exercício de retcons e fan-services muito consistente e que respeita toda a história do Aranha nas telonas, de forma a agradar gregos nostálgicos de Sam Raimi e os troianos órfãos de Marc Webb. Sem Volta para Casa foi feito sob medida para todos seus fãs e também para os críticos de Tom Holland ao abandonar a dinâmica falha de Peter Parker ser um protagonista omisso e resumido a pet de um herói mais estabelecido. Ele talvez seja uma das produções mais ousadas da Marvel ao abordar o peso e os sacrifícios que uma habilidade sobre-humana exige, tanto da parte dos heróis como dos vilões (que roubam a cena). O Homem-Aranha não é o herói que queremos, mas o que precisamos. E, esse filme, era o que queríamos e precisávamos. – Guilherme Veiga

Cenas favoritas: a sequência de Peter Parker, Tia May, Electro, Homem-Areia, Dr. Octopus e Duende Verde no apartamento do Happy; aquela cena do Ned tentando achar o Peter abrindo os portais do Dr. Estranho; e o diálogo do “com grandes poderes vem grandes responsabilidades” entre os três personagens no alto da escola.

Identidade (Passing)

Rebecca Hall tem emendado trabalhos exemplares, mas 2021 marcou uma virada para a atriz, que se tornou diretora com Identidade. Adaptando o livro de Nella Larsen, a jovem cineasta escolhe marcar sua carreira contando a história de Irene (Tessa Thompson) e Clare (Ruth Negga), duas amigas negras da época do colégio que cresceram e perderam o contato. Já na vida adulta, uma desavisada Irene se depara com Clare, que se “passa” por branca em um estabelecimento da elite. O conflito nasce do choque pelo absurdo da situação, ao passo que a personagem de Thompson acaba por repensar toda sua conduta.

O resultado dessa epifania é fotografado em caixa menor e sob as lentes do preto e branco, detalhes sutis, mas sagazes, do controle criativo de Hall. Sucesso no Festival de Sundance, Identidade foi comprado pela Netflix e distribuído com esperanças de reconhecimento nas premiações. Por mais que tenha ficado de fora da maior delas, o longa-metragem não apenas impressiona pela maturidade e pelo estilo de tratamento de seus variados e delicados temas, mas também recompensa o público do streaming, que já cansou de consumir a mesma porcaria toda semana. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a dilacerante troca de olhares escondidos em cardápios; e a sequência final, quando Deus poda as asas da liberdade.

King Richard: Criando Campeãs (King Richard)

Frutos de um plano de 78 páginas, o filme biográfico sobre Richard Williams e as carreiras de suas duas filhas, Venus e Serena, foram sucessos de suas próprias épocas. Se, nos anos 90, o Tênis precisava de duas jovens negras dispostas a fazer história, o ano de 2021 precisou de um longa dramático, motivacional e baseado em fatos reais. Muitas vezes configurado como Oscar Bait, King Richard: Criando Campeãs realmente garantiu indicações nas principais categorias do prêmio tão cobiçado por Hollywood, mas também se mostrou digno do apreço crítico e popular.

Protagonizado por Will Smith, o ator contou com um elenco de peso e um roteiro à altura para construir o seu personagem. Ao lado de Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney e Demi Singleton, o relacionamento familiar em cena destacou o melhor da atuação de todos. Enquanto os escritos de Zach Baylin e a direção de Reinaldo Marcus Green trouxeram para a tela o desenvolvimento impecável da história. King Richard: Criando Campeãs se originou de um plano e, assim como o seu protagonista, conseguiu executá-lo com maestria. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: o momento em que Richard Williams tenta defender suas filhas do assédio; e a primeira partida profissional de Venus contra a segunda melhor tenista do mundo na época.

Lamb (Dýrið)

A produção de Valdimar Jóhannsson pode causar estranheza num primeiro momento, mas, aos poucos, dá espaço para uma história peculiarmente aconchegante. Um casal islandês tem sua rotina baseada na criação de ovelhas em sua pacata fazenda. Convivendo com as dores de uma perda recente, eles são gratificados pela dádiva de um bebê-ovelha, nomeada como Ada. E isso é tudo que você precisa saber. 

Se os angustiantes e silenciosos minutos da obra podem sugerir uma narrativa sobre uma monstruosidade ou algo do tipo, Lamb consegue provar o contrário. Coproduzido pela Islândia, Suécia e Polônia, o filme transita entre diferentes gêneros, centrando-se principalmente num drama familiar. Sem a necessidade de grandes metáforas ou reviravoltas, a narrativa fascina pelo seu aspecto fantasioso, mostrando sutilmente as diferentes formas que o ser humano encontra para lidar com as adversidades quando é movido pelo amor. Vencedora do prêmio de originalidade do Festival de Cannes, a produção também havia sido a escolhida da Islândia para representar o país no Oscar 2022. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: o almoço em família; e qualquer outra cena da Ada fazendo alguma coisa. 

Licorice Pizza

É difícil encontrar um filme ruim na carreira cinematográfica de Paul Thomas Anderson (PTA). Ele é um desses diretores que conseguem manter um nível alto de execução e idealização, deixando sua marca em todos os longas. Seja nas adaptações de livro – como Vício Inerente (2014) e Sangue Negro (2007) –, seja nos excelentes roteiros originais – Boogie Nights (1997), Magnólia (1999) e Trama Fantasma (2017). Em Licorice Pizza, Anderson dá segmento a essa última característica, e cria uma história fantástica sobre as dificuldades de amadurecer e amar em tempos de crise (no filme, a Crise do Petróleo de 1973).

A bem da verdade, o diretor subverte o gênero das comédias românticas em Licorice Pizza, e cria uma trama que dá protagonismo a Alana Kane (Alana Haim) ao invés de Gary Valentine (Cooper Hoffman), o jovem rapaz de 15 anos apaixonado pela mulher de 25. É sobre amadurecimento, sim, mas à moda de PTA: os dois personagens se inserem na venda de colchões d’água, entram em campanhas políticas e o garoto chega a ir preso por alguns minutos. É uma história de amor à moda antiga, na qual os personagens movimentam-se junto a História social, completamente perdidos nas ebulições culturais dos anos 1970. Ao manter o relacionamento de Gary e Alana no campo do amor platônico, o diretor reveste Licorice Pizza de uma aura nostálgica, criando um belo tratado sobre os amores possíveis. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena inicial, quando Gary Valentine (Cooper Hoffman) começa a conversar com Alana Kane (Alana Haim); o momento em que eles abrem o negócio de colchões d’água; e a cena final. 

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League)

Injustiçado, Zack Snyder finalmente conseguiu dar vida ao seu espetáculo sobre os super-heróis mais clássicos da DC Comics, no ano de 2021. A Liga da Justiça de Zack Snyder reuniu na tela do streaming HBO Max o melhor dos dois mundos: uma cinematografia madura e um enredo recheado de fan service para os leitores de quadrinhos que amam a nostalgia. Se, na versão de 2017, Joss Whedon falhou miseravelmente ao subtrair a profundidade do universo em busca de replicar uma fórmula fajuta de sucesso comercial, Snyder encarou uma indústria cada vez mais superficial, com uma obra de quatro horas filmada em 4:3.

O rastro de desastre deixado por Whedon incluiu acusações de racismo pelo ator Ray Fisher, responsável por interpretar o Ciborgue, e rumores de assédio com uma dublê da Mulher-Maravilha. Não à toa, a Liga da Justiça de Zack Snyder compilou diversas cenas de Victor Stone que foram descartadas do primeiro filme e também não sexualizou a guerreira amazona como no longa passado. Fazendo justiça dentro e fora da narrativa, a edição estendida prometeu e entregou tudo o que os participantes do movimento Release The Snyder Cut esperavam. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena completa e não-sexualizada do momento em que a Mulher-Maravilha luta contra um ataque terrorista no museu; e a introdução do Flash e os seus poderes em um pet shop.

Luca

Antes de qualquer coisa, é importante ressaltar: sim, Luca, da Pixar, é um filme muito gay. Indícios disso estão nas notáveis referências de A Pequena Sereia – que também é muito gay –, nos paralelos temáticos e estéticos com Call Me by Your Name, e até na própria relação entre os protagonistas Luca e Alberto (Jacob Tremblay e Jack Dylan Grazer), que é claramente codificada como um romance – o que sequer seria uma questão, caso fossem de gêneros opostos. Nesse sentido, o que o diretor, Enrico Casarosa, tem a dizer não faz diferença, porque todos os outros elementos do longa apontam para o lado inverso. Independente de suas intenções, o cineasta se apropria de signos específicos para compor sua narrativa, e esses signos carregam significados, quer queira ou não. O Cinema tem contado as histórias de pessoas queer através de alegorias desde seu princípio, e o mínimo que Casarosa deveria fazer é ter coragem para assumir esse fardo.

Sobre a trama, acompanhamos dois monstros marinhos (Rodrigo Cagiano e Pedro Miranda no Brasil): Luca, que tem o sonho de conhecer a superfície, mas é impedido pelo medo e por seus pais conservadores; e o atrevido Alberto, que balança esse status quo ao cativar Luca e o convencer a fugir de casa, para que vivam aventuras juntos. Porém, ao chegarem até terra firme, se deparam com um ambiente hostil e violento contra sua espécie e, por isso, precisam se passar por humanos. Indo além do realismo mágico ao se inspirar no Studio Ghibli, a animação é repleta de subtexto sobre autodescoberta e preconceito, retratando relações humanas com franqueza, ao mesmo tempo que encontra sua veracidade na pureza da infância. Ao seu fim, Luca prova-se único não porque questiona o sentido divino da vida, mas porque, pelo contrário, entende que são nas histórias mais palpáveis que conseguimos formar os vínculos mais intensos. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: cena em que Luca e Alberto finalmente conseguem descer da ladeira com a Vespa improvisada; a revelação de Alberto para Giulia; e a despedida no trem.

Mães Paralelas (Madres Paralelas)

Por mais que o título aparente, a nova produção de Almodóvar não é um filme sobre maternidade. Ou, pelo menos, não apenas sobre isso. Centrando-se na espontânea relação originada a partir do encontro de duas mães, Janis (Penélope Cruz) e Ana (Milena Smit), que dão à luz a suas filhas no mesmo dia, o diretor espanhol prova mais uma vez a potência da sua forma de fazer Cinema. No pano de fundo, a protagonista também trava uma batalha para tentar recuperar os restos mortais de seu bisavô, morto pelo Franquismo.

De conflitos e complexidades maternas já temos A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal, logo, é nas miúdas entrelinhas que a força da narrativa de Mães Paralelas se constrói. Com reviravoltas que poderiam superficialmente gerar um conflito entre as personagens principais, Almodóvar consegue facilmente conduzir a produção para a maneira como o fio da vida de Janis e Ana se conecta historicamente, junto ao de outros espanhóis. E é nessa sutileza que entrega uma das maiores obras de 2021. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: Janis contando sobre as mulheres de sua família para Ana; o reencontro entre as duas personagens; e a cena final do filme. 

Maligno (Malignant)

Existem diversos momentos em Maligno, o novo filme de James Wan, em que você se pega pensando que aquilo não pode ser real. Seja num diálogo em que uma informação normal é entregue com toda a gravidade de um plot twist ou quando o plot twist de fato se revela e é diferente de tudo que você pudesse ter imaginado até então. Há um verdadeiro senso de surrealismo no longa que, junto de sua trama doida, nos deixa em estado semidesperto constante, no qual as barreiras entre o factual e o imaginário se diluem e, de repente, tudo é possível.

Mais do que apenas uma homenagem ao gênero de Terror, giallos e slashers, Maligno é uma celebração do Cinema em si, e de sua habilidade de nos transpor para outros espaços com um mero corte e de nos fazer sonhar junto de seus personagens. O longa transborda personalidade e estilo em cada frame, desde seu cover sombrio de Where Is My Mind? até a excelente colorização acentuada de várias cenas. A estética se torna substância na trama demente e divertida de um assassino perturbador e a única mulher capaz de prever psíquicamente seus crimes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: o prólogo no sanatório na colina; a fita VHS que expõe o plot twist; e, basicamente, todo o terceiro ato.

Marighella

Desesperador, angustiante e de arrancar um grito agoniado da garganta, essa é a definição do filme de Wagner Moura, que foi sua estreia na direção. Censurado por longos dois anos pelo governo Bolsonaro, Marighella foi uma das, senão a melhor, estreia de 2021, deixando um gosto misto de terror e esperança, tal qual a mensagem de Carlos Marighella na história. Usando como base o livro de Mário Magalhães, o longa sobrepôs o Guerrilheiro que Incendiou o Mundo para desmentir as invenções da Ditadura Militar que o assassinou a tiros em 1969. Da mesma forma, contrária à vilania criada por um regime sujo, descobrimos um ser humano por completo, dotado de amor pelas pessoas a sua volta, demonstrando coletividade e companheirismo, e, principalmente, o que é ser brasileiro de fato. 

A obra não só resgatou a memória do Guerrilheiro e dos militantes, como também fez o papel de devolver o significado de amar o próprio país – uma identidade que está do lado oposto ao que a galera pró-governo defende quando veste a camisa da Seleção de Futebol do Brasil. Feito um soco no estômago, a violência do filme de Moura fica mais nauseante quando notamos que suas podres figuras estão presentes fora da tela, dando outro nome à tortura, sufocando a democracia, e roubando o significado do fazer parte do povo. Mais do que isso, Marighella aflora a vergonha e culpa pelo esquecimento de quem lutou pelo país, junto de uma poderosa vontade em resgatar o orgulho de ser patriota. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: Marighella banhando o filho Carlinhos no mar; tortura de Jorge nos porões da Ditadura; e o pós-créditos em que o grupo militante canta o hino nacional. 

Mass

Em uma sala nos fundos de uma igreja, quatro pessoas se encontram para conversar. Dois casais atormentados pelo luto sentam-se frente a frente, com lágrimas nos olhos e gargantas arranhando. Acontece que isso se trata de um exercício recorrente na vida deles: desde que um tiroteio tomou parte na escola de seus filhos, levando a vida de ambos, os adultos precisam se ver. Brutal e honesto, Mass se vende pela força do melhor elenco de 2021, aliado ao texto mais candido.

O diretor Fran Kranz (conhecido por atuar como o arquétipo maconheiro em O Segredo da Cabana) tem em sua posse um um cenário arejado, uma mesa de centro e quatro dos melhores atores da atualidade para baterem bola. Se Reeb Birney internaliza e foge de confrontos, Jason Isaacs mantém as íris umedecidas por duas horas. Martha Plimpton vocifera em silêncio, e a majestosa Ann Dowd transforma linhas em um página no mais resplandecente ouro. No fim, o Cinema não precisa de nada além disso. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o momento em que descobrimos quem é pai de quem; e o brutal monólogo de Ann Dowd, rasgando o peito e implorando por uma violência que nunca aconteceu.

Matrix Resurrections (The Matrix Resurrections)

Em 1999, as Irmãs Wachowski revolucionaram o gênero da ficção científica com o primeiro filme da trilogia Matrix. Filtros verdes, kung-fu, looks góticos regados de látex e óculos escuros tornaram-se sinônimos imediatos do universo distópico criado pela dupla. Contudo, após 18 anos do lançamento do terceiro capítulo da franquia, retorna somente Lana Wachowski, negando todo conforto da nostalgia de seus antecessores. Com carinho, Resurrections recorda o que passou, mas cresce, a partir dele, sozinho. Desta vez, não nos é estendida nenhuma pílula, porque a binariedade delas já não é mais suficiente.

Principalmente em tempos de robotização dos blockbusters, Lana Wachowski se recusa a percorrer os passos coreografados pelo sistema da Matrix, de Zion ou, mesmo, de Hollywood. Lutar, agora, não faz mais sentido para Neo e Trinity. Caem-se as armas, caem-se as bombas. O poder é, por mais brega que seja, do amor. O amor fortalece ambos, os liberta e impede que seus corpos caiam do céu. Matrix Resurrections se permite enterrar os nomes que deixou para trás, em paz, com um par de mãos dadas que dá a chance do amor vencer, pelo menos uma vez. No fim, o amor é a gênese de tudo, e isso é lindo demais. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: Trinity enxergando pela primeira vez a codificação do céu; Neo e Trinity dando as mãos; e Trinity metendo o pau no Neil Patrick Harris.

Medusa

Continuando suas investidas no Cinema de horror, a diretora Anita Rocha da Silveira realiza em Medusa um estudo sensível da religião e do cerceamento da liberdade de seus seguidores. Sob os olhos de Mariana (Mari Oliveira), o filme acompanha uma pequena cidade do interior, atravessada por ondas de violência e perseguição a mulheres tidas como “impuras”. Sem se acanhar, o texto enfia a mão em feridas ainda abertas do Brasil extremista de hoje, debatendo desde corrupção até os efeitos nocivos das mídias sociais.

Depois de impressionar no Festival de Cannes, Silveira levou o filme a Toronto e, enfim, chegou aqui pela seleção da 45ª Mostra de SP. Além de conferir com exclusividade o trabalho, o Persona ainda teve a oportunidade de bater um papo com a cineasta carioca, descobrindo suas inspirações por trás da estilosa fotografia e do extravagante design de produção. Nada é por acaso, e quando as mulheres gritam pela liberdade ao fim da jornada, o espectador não tem outra opção senão a de se unir ao coro. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a primeira exploração da clínica; e a dança que acaba em dormência.

Memoria

A sessão de Memoria na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo foi algo um tanto indescritível. Depois de mais de duas horas em silêncio absoluto, a plateia permaneceu quieta, como se ainda não tivesse acordado de um longo transe. Diferente de tudo o que você já viu, o mais recente filme de Apichatpong Weerasethakul é uma estranha experiência imersiva e hipnótica, e que, em uma sala de cinema, te obriga a encarar a lentidão e os mais singelos detalhes de suas imagens e sons.

Não é à toa que a distribuidora estadunidense NEON divulgou que o filme jamais será lançado em streaming ou mídia física, e que permanecerá eternamente sendo exibido nas salas de cinema dos EUA, um local por vez. Se isso afeta o lançamento do filme adquirido pela MUBI no Brasil, não sabemos, mas não é exagero dizer que no caso deste, a experiência em uma tela menor não parece algo nada atraente. Memoria é um longa desafiador, sublime, e que merece ser encarado em uma tela grande e no melhor sistema de som possível. Torçamos para que a MUBI também o leve para as salas de cinema do Brasil. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: a cena do estúdio de som; e o longo encontro da personagem de Tilda Swinton com o segundo Hernández ao final do filme.

Meu Pai (The Father)

Quando o Persona monta a lista de Melhores do Ano – seja no novo formato ou no anterior – existe uma regra básica a ser seguida: só entra para o post filmes lançados no ano e que não estiveram na temporada de premiação anterior. Mas, quando falamos de Meu Pai, sensível produção que rendeu o Oscar de Melhor Ator a Anthony Hopkins, há uma brecha que permite falar sobre ele agora. The Father estreou após o Melhores Filmes de 2020, e não há como deixar de fora o gosto amargo provocado pelo longa que retrata com precisão os efeitos do Mal de Alzheimer.

Adaptado da premiada peça de teatro O Pai, o filme tem a direção brilhante de seu dramaturgo Florian Zeller e atuações de Anthony Hopkins e Olivia Colman. Meu Pai nos coloca dentro da mente confusa de Anthony e se torna grandioso em cada um de seus detalhes. O cenário combinado à atuação e direção, transfere com precisão cada um dos sentimentos passados por quem tem a doença e pela família que dá suporte. O filme reverbera dias a fio na mente de quem assiste, e não foi à toa que saiu vitorioso na categoria de Melhor Roteiro Adaptado no Oscar de 2021. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: cena do relógio; e as cenas de repetição.

Não Olhe para Cima (Don’t Look Up)

Se para bom entendedor meia palavra basta, Não Olhe para Cima fez questão de colocá-la numa sátira de puro escárnio. Metade das pessoas não entenderam a superficialidade do diretor Adam McKay, mas não haveria forma mais condizente e precisa para explicar o momento bizarro que o ser humano se encontra, por isso, o lançamento foi tão importante e barulhento. Em sua piada de mau gosto, a narrativa vomita uma verdade irritante: a vida útil do planeta Terra está chegando ao fim, é irreversível, pois estivemos tempo demais presos no Metaverso fabricando notas de repúdio contra o negacionismo científico. Assim, sem surpreender, sua história sobre quão estamos ferrados foi uma das melhores de 2021, e concorre a quatro estatuetas no Oscar 2022, incluindo Melhor Filme, a principal categoria.

A genialidade do longa está no exagero de cenas e personagens, simulando um enredo forçado mas que de irrealistas, na verdade, não tem nada. O diretor também utilizou de um elenco recheado de estrelas para mostrar que mesmo pessoas premiadas podem ser grandíssimos idiotas. Seu objetivo nunca foi divertir, ou fazer uma crítica social profunda, muito menos que você ache engraçado as similaridades dos governantes do mundo real com a presidenta de Meryl Streep. A única razão de McKay em apontar para cima, é para que você saiba o seu papel de completo imbecil. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: discurso da presidente Orlean ao saber do meteoro; Dr. Randy desabafando ao vivo; e o jantar em família no final do filme.

No Ritmo do Coração (CODA)

Algumas narrativas vivem para sempre. Muito além de clichês ou tendências, algumas histórias sempre terão seu espaço na cultura simplesmente por refletirem os aspectos mais essenciais da experiência humana, sejam elas bem ou mal executadas. Ver uma jovem pessoa tentando achar seu lugar no mundo enquanto lida com as tensões criadas ao entrar em conflito com as expectativas de sua família é, com certeza, uma delas, independente de quantas vezes foi ou será contada. Refilmagem de um longa francês, No Ritmo do Coração captura todas as melhores partes dessas narrativas, costurando uma trama de amadurecimento emocional potente e reverberante.

Ancorado pela performance central de Emilia Jones como Ruby, o filme de Sian Heder encantou o júri e a audiência de Sundance em 2021, levando alguns dos maiores prêmios do festival, e, posteriormente, sendo indicado a três categorias do Oscar 2022, incluindo Melhor Filme e Roteiro Adaptado. Capturando as complexidades de uma família de surdos que dependem da filha ouvinte para se relacionar com o mundo, a obra vai muito além da simples representatividade, ao criar uma família tão convincente em suas qualidades e suas falhas que é impossível não se identificar com os diversos dilemas vividos por suas personagens. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Ruby explica à seu professor o que a Música a faz sentir; Frank tenta entender a paixão de sua filha tentando sentir suas cordas vocais; e a audição para Berklee, na qual Ruby finalmente aprende a conectar seus dois mundos.

Noite Passada em Soho (Last Night in Soho)

Muita gente quis nascer em outra época. É dessa premissa que Edgar Wright conduz o suspense com toques sobrenaturais Noite Passada em Soho. Aguardado desde seu último projeto, Em Ritmo de Fuga (2017), Wright entrega uma obra extremamente inventiva e esteticamente primorosa que tece suas críticas e levanta debates a temas como o showbiz e o machismo de forma muito singular. Mantendo seu DNA, Edgar apresenta uma direção que destoa um pouco de suas obras, cadenciando seu estilo frenético para dar enfoque às duas grandes protagonistas Ellie (Thomasin McKenzie) e Sandie (Anya Taylor-Joy), e centrar-se no embate entre duas personalidades de épocas distintas, além de prestar homenagens a algumas referências cinematográficas, como o terror psicológico britânico dos anos 70 e os giallos.

Design de produção e fotografia são outros pontos altos da trama. A reconstrução do Soho sessentista é impecável e consegue dar o tom do bairro boêmio londrino, aliado a uma fotografia que abusa de um neon que amplifica a perturbação psicológica pela qual a Ellie está passando. As escolhas do diretor também se provam muito acertadas, desde sua trilha sonora e como ela se insere na trama, a ideia de um apartamento de certa forma assombrado e até a concepção de fazer o masculino como um todo seu principal predador. Tudo é colocado de forma muito bem intencionada para criar uma obra crítica e envolvente. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: o primeiro encontro de Ellie e Sandie no Café de Paris; a festa de Halloween que Ellie e John participam; e os plot twists da sequência final.

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad)

Mais uma vez nonsense, personagens secundários e uma baita trilha sonora ditam um trabalho de James Gunn, só que, dessa vez, na vizinha DC. O Esquadrão Suicida chegou em 2021 para espantar o flop da versão de 2016 e, para isso, a Warner apostou na horrivelmente e linda mente de Gunn. O diretor desempenhou seu trabalho mais livre criativamente, onde exagera no humor ácido, depravado e sanguinolento e não tem apego nenhum a qualquer personagem. Mas Gunn, através da sua escrita, sabe tirar o necessário de personas tão desajustadas e construir arcos dramáticos coesos para elas, além de entregar uma típica aventura quadrinhesca, com uma crítica ao imperialismo americano camuflada.

A WWE e o filme de origem do fusquinha amarelo de Transformers se provaram um belo celeiro de personagens de quadrinhos. Nesse rol, se junta à Hailee Steinfeld e Dave Bautista, o hilário Pacificador de John Cena (que lhe rendeu uma série própria). Cena, com seu Pacificador de ideologias muito ortodoxas, rouba a cena e chama a comédia para si, lembrando que estamos falando de um filme com a expansiva Arlequina de Margot Robbie. Mas James Gunn se mostra consciente ao entender um dos problemas do filme anterior, que foi a falta de manejo da grande quantidade de personagens, e, aqui, mesmo com mais nomes, desenvolve seus anti-heróis de forma uniforme, escrachada e instigante. Tais acertos fazem com que esse esquadrão suicida seja realmente O esquadrão suicida. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a missão inicial do primeiro esquadrão na praia; a matança por engano no acampamento da resistência; e todas as piadas com o Milton.

Os Olhos de Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye)

Tammy Faye e seu marido, Jim Bakker, são dois dos maiores nomes do televangelismo estadunidense. Eles fundaram a emissora PTL e construíram um patrimônio milionário com doações dos fiéis. Junto, também, eles ajudaram a construir a reputação de abuso e contravenções do televangelismo maquiadas de Cristianismo. Inspirado no documentário homônimo de 2000, e dirigido por Michael Showalter, à partir de um roteiro assinado por Abe Sylvia, The Eyes of Tammy Faye mostra a ascensão e queda do casal, tendo como principal ponto de referência a ingenuidade de Tammy.

Jessica Chastain e Andrew Garfield são os responsáveis por protagonizar o longa. Chastain é produtora do projeto e vive seu melhor momento na carreira, atuando de maneira perspicaz em seu papel mais importante. Os Olhos de Tammy Faye conquista logo de início por sua impecável estética que trabalha os elementos gráficos dos anos 70 e 80, sendo fiel a toda nostalgia que a época remete. Tammy é extravagante e sua maquiagem, marca registrada da cantora cristã, ganha o espaço necessário para a construção da personagem. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a entrevista com portador de AIDS; e a cena da overdose.

Pegando a Estrada (Jaddeh Khaki)

Lá no distante outubro de 2021, Pegando a Estrada foi um dos primeiros filmes vistos pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, onde, com justiça, figurou na seleção de favoritos do público do festival. O ano foi cheio de grandes filmes, mas nenhum alcançou o mesmo grau de sensibilidade que Pegando a Estrada, um fascinante road movie que, sem avisar, te arremessa do riso às lágrimas de um instante para o outro ao contar a história de uma família que segue em uma estrada isolada rumo a um lugar que desconhecemos, e por motivos que nunca ficam completamente claros. 

Em um artigo de Walter Salles no New York Times, onde o diretor formula uma teoria sobre o subgênero cinematográfico, ele diz que “os road movies mais interessantes são aqueles em que a crise de identidade do protagonista reflete a crise da própria cultura.”  E o filme de estreia de Panah Panahi faz exatamente isso: a incerteza, a incompreensão e a tensão vividos por aquela família, e especialmente pelo filho mais velho, saltam da tela e refletem as angústias das vítimas de perseguições políticas e dos deslocamentos forçados. Engraçado, tenso e sublime, Pegando a Estrada é o melhor filme de 2021 e merece a sua atenção. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: pai e filho contemplando um céu estrelado; e as duas maiores cenas do ano: uma cruel despedida forçada capturada sem cortes por uma câmera distante e fria, e o carpool karaoke mais triste da história do Cinema. 

Pig

Morte, luto, sofrimento, vocação e relações pessoais são apenas alguns dos vários temas que Pig aborda durante sua projeção. O longa-metragem, dirigido por Michael Sarnoski e escrito por ele junto de Vanessa Block, demonstra uma notável sensibilidade ao tratar de assuntos complexos, além disso, seus personagens são profundos e multidimensionais, o que os tornam muito realistas. Embora o ponto de partida da história remeta a filmes genéricos de ação, o roteiro se desenvolve de maneira calma e subverte nossas expectativas de maneira muito positiva, entregando, no final, uma trama carregada de sentimentalismo e reflexões.

Nicolas Cage protagoniza essa obra e prova, mais uma vez, que pode ser um ator excelente dentro de uma história bem construída. Seu personagem carrega uma dor profunda, a qual é demonstrada através de olhares e atitudes, até mesmo o jeito de andar do personagem retrata sua fragilidade emocional. Conforme a trama avança, o protagonista fica cada vez mais deteriorado fisicamente, como se fosse uma externalização de seus sentimentos há muito tempo enterrados. Pig é carregado de sensibilidade e reflexões, seu roteiro calmo e profundo constrói personagens realistas e entrega uma história marcante, que, com certeza, é um dos filmes mais interessantes e impactantes de 2021. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o diálogo entre o protagonista, Robin, e a criança em uma antiga casa; a ida de Robin e Amir a um restaurante; e quando Robin e Amir estão na cozinha, próximo ao final do filme.

Roda do Destino (Gûzen to Sôzô)

O ano de 2021 foi ótimo para Ryûsuke Hamaguchi. O diretor japonês entregou dois excelentes filmes: Roda do Destino e Drive My Car, que foi indicado a quatro Oscars, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. A adaptação do conto de Murakami merece o destaque que está recebendo, mas Wheel of Fortune and Fantasy também merece atenção pela forma como trabalha os relacionamentos humanos e o acaso ao longo de suas três histórias. É um belo mergulho nas vidas, nos desejos e nos arrependimentos de Meiko (Kotone Furukawa), Nao (Katsuki Mori) e Natsuko (Fusako Arabe), protagonistas de cada segmento. 

Pela lente de Hamaguchi, momentos banais se tornam confissões íntimas de suas personagens e as coincidências da vida adquirem um ar quase mágico devido à sua imprevisibilidade. Cenas como a da leitura do trecho do livro no escritório de Segawa (Kiyohiko Shibukawa) e o longo diálogo entre Natsuko e Aya (Aoba Kawai) demonstram a grande habilidade do diretor em construir situações dramaticamente potentes a partir de conversas. Todas as histórias são ótimas, mas merece destaque a terceira, intitulada “Mais Uma Vez”. Nela, o tema do arrependimento amoroso é tratado com uma sensibilidade comovente. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a tensa leitura do livro no escritório de Segawa, onde parece que algo ruim vai acontecer a qualquer momento; e a conversa desconfortável entre Nao e Sasaki no ônibus, carregada de ressentimento.

Romeo & Juliet

Se a necessidade é mesmo a mãe da criatividade, a nova adaptação de Romeu & Julieta para os palcos britânicos é o maior exemplo de como a pandemia afetou o meio artístico. Estrelando Jessie Buckley (A Filha Perdida) e Josh O’Connor (The Crown), como os amantes desafortunados de Shakespeare, a produção do National Theatre teve de mudar completamente seu formato para ser exibida em 2021, incorporando não só os cenários originalmente construídos em suas filmagens, mas o espaço entre eles e os ensaios de seu elenco, transcendendo sua própria tragédia em puro triunfo.

Apesar de modernizar diversos aspectos da peça imortal, Romeo & Juliet preserva aquilo que se faz essencial em qualquer iteração da obra do Bardo de Avon: seu texto. O diretor Simon Godwin cria um espaço amplo e versátil para que seu elenco extraia o máximo de suas falas seculares e habitem seus personagens, com destaque para Benvólio (Shubham Saraf) e Mercúcio (Fisayo Akinade), que aqui exibem tanta química quanto o casal principal, apesar de a cereja do bolo ainda pertencer à Buckley ao sussurrar suave e tragicamente, antes de gritar: “Teus lábios estão quentes”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: a morte de Mercúcio pelas mãos de Teobaldo; e o último beijo dado entre os amantes.

Saint Maud

Não tem como fugir disso: Saint Maud é um filme de sensações. Morfydd Clark desliza na pele de Maud, uma enfermeira desiludida, que encontra na fé seu farol de esperança. Para dissecar os sentimentos e receios da jovem, a diretora Rose Glass filma com a cautela de alguém à beira de uma explosão. Capturando a parcimônia da performance de Clark por ângulos discretos e uma coloração lavada e um tanto apática, o Cinema de Glass se pauta na súplica. 

Maud implora pela atenção de sua nova paciente, por respostas de Deus e acredita piamente que os pensamentos que se camuflam em sua cachola podem e serão resolvidos por um expurgo divino. O que ela não sabe, porém, é que está inserida dentro de um filme de terror e, quando Rose Glass decide por soltar o fio da sutileza, ela não hesita ou poupa sua protagonista sacra. Tudo queima, tudo mesmo. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o susto na cama escura; e a limpeza ardente que conclui a trama.

Salve o Ralph (Save Ralph)

Salve o Ralph leva menos de quatro minutos para passar seu recado: “nenhum animal deveria sofrer e morrer em nome da beleza”. O curta-metragem, dirigido por Spencer Susser e dublado por atores globais, como Taika Waititi, Ricky Gervais e Zac Efron, mostra Ralph, um coelho de laboratório, em um documentário sobre sua rotina sendo submetido a testes em uma empresa farmacêutica. Na animação stop-motion, o personagem tem a aparência similar à do animal, no que o filme opta por deixar de lado a liberdade da fantasia, e sensibiliza com a proximidade do real.

Através da ironia do pseudo-documentário, em que Ralph defende os testes em outros coelhos e as crueldades às quais é submetido, Salve o Ralph critica os procedimentos e provoca quem continua comprando os produtos. O curta faz parte de uma campanha da The Humane Society of The United States, organização estadunidense que luta pelo fim dos testes em animais, ainda permitidos e muito empregados pela indústria farmacêutica e estética. Como o diretor lembra, “é importante que Ralph até se pareça real, porque ele representa a realidade de outros incontáveis animais que sofrem todos os dias”. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: apresentação do Ralph; cena em que o Ralph é testado; e expõe as crueldades da indústria farmacêutica e estética.

Sempre em Frente (C’mon C’mon)

Um filme esnobado nas grandes premiações do ano, mas aclamado pelas da crítica, sem dúvida, merece ser visto. E Sempre em Frente, escrito e dirigido por Mike Mills (Toda Forma de Amor, Mulheres do Século 20), não desaponta nem um pouco. Muito pelo contrário, é um belíssimo longa, que comove e ensina ao falar sobre relacionamentos familiares de maneira honesta e delicada. A história fala de Johnny (Joaquin Phoenix), um jornalista de rádio que, após sua irmã pedir para que ele tomasse conta do filho, embarca em uma viagem pelo país com o sobrinho de oito anos, Jesse (Woody Norman), a fim de mostrar ao garoto a vida fora dos muros da sua cidade natal, Los Angeles.

No fim, a similaridade com os personagens é tanta que temos a sensação de ter assistido às memórias de alguém conhecido. Sempre em Frente tem como ponto forte a forma que retrata essa relação de dois seres humanos em fases e transições completamente diferentes. É um filme humano e, acima de tudo, real, que merece reconhecimento. O mais encantador é a química da dupla Phoenix e Norman, rara de se ver em um elenco. Dentre as premiações, foi indicado ao BAFTA Awards de Melhor Ator Coadjuvante para Woody Norman, ao Film Independent Spirit Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: as entrevistas de Johnny com várias adolescentes sobre como elas se sentem, onde moram e seus principais anseios, esperanças e vivências como americanas; e a cena em que o pequeno Jesse está dando conselhos para Johnny com dicas sobre como ele faz para se sentir calmo em momentos de nervosismo.

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings)

Por que não estamos falando sobre Shang-Chi? No ano de ouro da Marvel, que se vangloriou com o sucesso de suas produções no Disney+, enfrentou as polêmicas da mais nova legião de heróis no Cinema, e faturou com os recordes do multiverso do Amigão da Vizinhança, parece que não sobrou espaço para falar do marco histórico do primeiro filme de um super-herói asiático em seu universo cinematográfico. Tudo bem que a estreia da produção teve que lidar com a volta silenciosa das salas de cinema, mas há de se questionar, e muito, a sua quase ausência na memória dos feitos do estúdio em 2021. 

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis não entrega apenas cenas de luta bem coreografadas, mas também uma história de origem interessante e que sabe mesclar elementos da mitologia chinesa devidamente. Apesar de um pouco condicionada à conhecida fórmula Marvel, a performance de Simu Liu consegue dar vida a um super-herói com um carisma e profundidade que nem alguns dos Vingadores chegaram a atingir. A obra, dirigida por Destin Daniel Cretton, ainda conta com a brilhante dinâmica entre os demais personagens da narrativa, em especial na relação com Katy, que nos deu a oportunidade de ver Awkwafina brilhar nas telonas mais uma vez. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: a luta no ônibus; a chegada em Ta Lo; e a conversa entre Shang-Chi e Katy sobre o passado.

Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal (Shaun The Sheep: The Flight Before Christmas)

A experiência por trás de um filme de animação deve ir muito além da narrativa desenvolvida na obra. A estética apresentada para que os personagens ganhem vida é fundamental para a imersão do telespectador na atmosfera proposta pela trama. Esse é justamente o caso do curta metragem Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal, que utiliza a técnica de stop motion para animar bonecos de massinha. A película, produzida pela Aardman Animations em parceria com a Netflix encanta com um especial de Natal vivido pelo carismático carneiro.

A narrativa desenvolvida ao longo do curta é bem simples, voltado na tarefa árdua das ovelhas em recuperar Timmy, o carneiro bebê que foi entregue por engano a uma criança. No entanto, o seu desenrolar apresenta uma dinâmica coerente dentro do curto limite de tempo do filme. Outro ponto positivo é o apelo nostálgico pelo Shaun e pelos outros animais que vivem na fazenda. O personagem, que surgiu nas animações Wallace & Gromit, ganhou seu espaço na série Shaun, o Carneiro e agora se consagrou com seu especial de Natal. – Gabriel Gatti

Cenas Favoritas: quando o Fazendeiro vai preparar sua soda e acaba errando na medida dos ingredientes depois que a sua internet trava; quando o Fazendeiro abre uma garrafa na feira de Natal e atinge os músicos, que, por sua vez, passam a persegui-lo ao longo do curta; e quando Timmy, o carneiro bebê, aparece fazendo um boneco do Papai Noel com a lã de sua mãe.

Shiva Baby

Marcando a astuta estreia da diretora canadense Emma Seligman, Shiva Baby constrói um tragicômico cenário de transição entre a juventude e a vida adulta. As relações incômodas dentro da narrativa passiva-agressiva vem da própria experiência de Seligman, mulher, judia e bissexual, assim como a protagonista, Danielle (Rachel Sennott). O filme se materializa, principalmente, na calamidade de ver os pais quererem decidir não só o futuro, mas por quem ela se atrai. Além dos pilares que constroem as características da protagonista, a interação que o longa tem com o público reforça a claustrofóbica narrativa, nos aproximando de Shiva Baby.

Poucas produções consegue fazer humor com sexo de maneira tão boa, vide o primor inatingivel de Fleabag. Com traços que lembram a produção britânica, o roteiro é aguçado ao apresentar cada passo de Danielle de maneira orgânica e praticamente em tempo real. A agilidade da narrativa também faz com que o filme funcione como um thriller, tornando a experiência de assistir a produção ainda mais satisfatória. Tudo isso graças ao timing da direção que encontra as brechas do riso na comédia e do susto no horror. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a cena da conversa no quarto; e a cena do choro.

Spencer

O espectro da Princesa Diana em Kristen Stewart não poderia fugir da lista dos Melhores de 2021. Spencer, fruto da imaginação do roteirista Steven Knight, reimagina os dias anteriores à separação dela e do Príncipe Charles, durante o final de semana de Natal. Na direção do filme, o chileno Pablo Larraín conduz um olhar angustiante pelos corredores fantasmagóricos do palácio de férias da Família Real, mas também mostra a tocante relação entre mãe e filhos. A reconstrução dos ambientes, das vestimentas e da caracterização dos personagens intensifica a imersão e o desconforto com as situações, e rendeu reconhecimentos aos departamentos de arte do longa.

Imersão essa que também é crédito da fotografia de Claire Mathon. As lentes da cinegrafista se mantêm próximas e, ao mesmo tempo, distantes da Lady Di, e acentuam a nebulosidade e o pesar dos dias retratados, a partir de uma livre imaginação. E encarnando a Spencer em pessoa, Kristen Stewart entrega uma das melhores performances de sua vasta carreira. A linguagem corporal, a presença em cena, o sotaque e os maneirismos adotados pela versátil atriz incorporam a Princesa do Povo, no que ela externaliza as aflições e angústias da figura. O longa recebeu indicações e troféus em dezenas de importantes premiações, incluindo reconhecimentos à trilha sonora de Jonny Greenwood, à direção, à direção de arte e ao elenco principal e coadjuvante. Ainda em aberto, Stewart concorre como Melhor Atriz no Oscar 2022. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: Diana chegando na residência pela primeira vez; Diana e Maggie conversando na praia; e a cena do jantar de Natal.

Summer of Soul (…ou, Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada) [Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)]

É o lendário verão de 1969, quando a cultura norte-americana viveu uma de suas revoluções mais significativas. Mas não, não estamos falando de Woodstock. Ao contrário do que a apropriação branca do momento histórico faz parecer, o evento hippie não era o único centro de efervescência cultural da época. Como prova disso, existe Summer of Soul, que se dedica a registrar como elemento principal da história daquele ano o contexto da comunidade negra de Nova York. O filme de Ahmir “Questlove” Thompson se reúne ao redor do Harlem Cultural Festival, que tomou uma região durante seis finais de semana seguidos. 

Na companhia de alguns dos maiores nomes da Música negra, como Stevie Wonder e Nina Simone, e de gêneros essencialmente representativos, como o blues e o jazz, a obra se tornou o documentário mais premiado do ano. Respirando Música e expressando uma intenção determinada do início ao fim, Summer of Soul se destaca não só pela grandiosa narrativa, mas também pela forma como se manifesta. O fenômeno começou em 2021, conquistando a maioria das críticas dos Estados Unidos e a visibilidade do Festival de Sundance, num percurso impecável até chegar em 2022, com o reconhecimento do Sindicato dos Produtores e dos Diretores, grandes chances de vencer o Grammy e finalmente indicado ao Oscar. E dessa vez, a revolução será televisionada. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a série da abertura que introduz o filme com uma sequência de montagem totalmente harmônica com a trilha e as imagens.

Tempo (Old) 

Para algumas pessoas, o processo de envelhecimento é entendido como um verdadeiro horror. Tempo, o trabalho mais recente de M. Night Shyamalan, se aproveita disso para elaborar situações angustiantes e grotescas em um filme que lida com o suspense com maestria. A câmera de Shyamalan explora cada canto da praia e insere o medo naquilo que não vemos, pois sabe que não há nada mais assustador do que a imaginação humana. Porém, o filme impressiona não só pelo terror, mas por também inserir cenas tocantes em meio à correria dos personagens para sair daquele ambiente hostil. Nesse sentido, a conversa melancólica entre Guy (Gael García Bernal) e Prisca (Vicky Krieps) à noite é um dos melhores momentos da obra. 

Outra cena que merece destaque é quando Trent e Maddox decidem construir um castelo de areia, perto do final. Nela, uma atividade banal se torna uma emocionante reflexão sobre a passagem do tempo e a perda da inocência que vem com a chegada da idade adulta. Em um ano onde a pandemia se manteve presente, o filme pode ser entendido como uma alegoria à quarentena, onde ficar em casa altera com a percepção de tempo das pessoas e traz todo um leque de incertezas. No entanto, em um período histórico com tantas perdas, a obra pode ajudar a compreender que envelhecer não é tão ruim assim. Na verdade, é um privilégio. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a da caverna, onde Trent e Maddox só conseguem enxergar o que a luz do fósforo permite enquanto a mulher os persegue é capaz de causar calafrios; a cena onde as crianças constroem um castelo de areia também merece ser mencionada por sua sensibilidade ao discutir sobre o processo de tornar-se adulto.

The Box – No Ritmo do Coração (Deo Bagseu)

A princípio despretensioso, The Box – No Ritmo do Coração até pareceu ser só mais um filme bobo para assistir em uma Sessão da Tarde, mas a narrativa complexa mostrou que a leveza da produção foi exclusividade do tom da abordagem. Assombrado pelos traumas do passado, a composição do personagem principal Jihoon (Park Chanyeol) foi certeira, sendo muito difícil que alguém não tenha se identificado com ele durante algum minuto da sua trajetória na narrativa. Assim como o público, Minsoo (Jo Dalhwan) se encantou pelo jovem músico e se comprometeu a levá-lo ao estrelato.

Acontece que ao lado de um produtor musical falido, Jihoon não iria muito longe, certo? Errado. Entre momentos trágicos e cômicos, a caminhada dos dois amantes da Música prendeu a atenção de quem assistiu o longa e se configurou como uma premissa simples, mas bem executada. Se o protagonista passa boa parte do tempo cantando dentro de uma caixa de papelão por timidez, The Box – No Ritmo do Coração também não foge disso, a direção de Yang Jeong-Woong não foi ‘fora da caixa’, porém não se limitou a ela. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena em que Jihoon se lembra da infância, em um flashback que explica os seus motivos para temer cantar fora da caixa; e o momento em que ele tenta se apresentar em público pela primeira vez, ao lado de uma cantora cega.

The Card Counter: O Jogador (The Card Counter) 

Dizem que, ao longo da carreira, um cineasta faz várias versões de um mesmo filme e, com o tempo, pode se aproximar da perfeição ou do fracasso. Em The Card Counter, Paul Schrader prova que se enquadra no primeiro caso. O filme conduz temas já trabalhados em obras anteriores, como a redenção e o amor como força transformadora, de maneira minuciosa, tão atenta aos detalhes quanto seu protagonista, o taciturno William Tell (Oscar Isaac). Sob as luzes coloridas dos cassinos e acompanhado da tensão das mesas de jogo, é um excelente estudo de personagem que fascina por seu ritmo desacelerado e pela atmosfera sombria que consegue construir.

O filme exerce um grande controle sobre as emoções de seus personagens e os atores, especialmente Oscar Isaac e Tye Sheridan, entregam performances contidas, de uma aparente tranquilidade que esconde uma angústia existencial dolorosa. É essa escolha de segurar as emoções ao máximo que torna as cenas mais intensas tão impactantes. Nos melhores momentos, como no passeio noturno de Tell com La Linda (Tiffany Haddish) e no confronto do protagonista contra Gordo (Willem Dafoe), o filme consegue emocionar graças à maneira sincera como trata seus personagens. No final, mostra que todos merecem amor, independente dos traumas que carreguem. Junto com Matrix Resurrections, é um dos filmes mais românticos de 2021. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: o passeio noturno de William Tell com Linda, enquanto os dois andam por corredores repletos de luzes coloridas, é maravilhoso e surpreende pelo ar romântico em um filme tão sombrio; a cena em que o protagonista vai confrontar o personagem de Willem Dafoe na casa dele, também durante a noite, consegue impactar por sua intensidade e violência, mesmo não sendo explícita. 

The Velvet Underground

Como fazer jus à uma banda tão importante para a história da música quanto The Velvet Underground? Seguir nos moldes de um documentário tradicional sobre Música, contando a história do grupo de maneira linear e com depoimentos aqui e ali não parece justo, então o diretor Todd Haynes optou por fugir desse modelo e experimentar na estrutura documental, assim como os músicos fizeram em sua carreira. É justamente isso o que o torna especial diante de outros filmes do gênero: sua disposição para experimentar com a linguagem cinematográfica e explorar o que é exibido na tela, as imagens de arquivo e os sons, sejam eles músicas ou não. 

Não é só uma biografia da banda. É também um retrato imersivo e carinhoso da cena cultural que habitou a Nova York da década de 1960. Consegue transmitir a sensação eletrizante de viver na cidade naquele período e ainda reflete sobre o contexto histórico com um olhar crítico através dos depoimentos, como na sensacional cena que critica a hipocrisia do movimento hippie. Também é muito emocionante a homenagem que o filme faz a Jonas Mekas, grande nome do Cinema experimental que faleceu em 2019. The Velvet Underground é uma excelente biografia sobre a banda liderada por Lou Reed e uma carta de amor apaixonada à experimentação na arte. Sem experimentar, sem quebrar regras, não há evolução. – Caio Machado

Cenas Favoritas: a cena em que as entrevistadas denunciam a hipocrisia do movimento hippie é fantástica por sua sinceridade; e todo o relato da viagem da banda à Califórnia, em 1966, é vibrante e cômico pelo contraste entre o visual soturno dos integrantes e o ambiente ensolarado.

The Worst Person in the World (Verdens verste menneske)

Dividido por doze capítulos, um prólogo e um epílogo, The Worst Person in the World acompanha quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), uma jovem adulta ótima em não tomar decisão alguma – e estranhamente parecida com a atriz Dakota Johnson. Protagonista, Julie não é estudante de medicina, não é estudante de psicologia, ela é fotógrafa. Julie não tem cabelo loiro, não tem cabelo rosa, ela tem cabelo castanho. Julie não está no começo de seus vinte anos, não está no fim de seus vinte anos, ela está no início de seus trinta. Em síntese, Julie é tudo, mas também não é nada, muito menos a pior pessoa do mundo.

Em constante processo de mudança, Julie permanece, do início ao fim, um verdadeiro mistério. A presença fascinante de Reinsve como musa do filme (performance essa que lhe rendeu uma vitória de Melhor Atriz em Cannes 2021) expande o drama norueguês para adiante da admiração romanticamente superficial do diretor Joachim Trier sobre a protagonista, que a engessa como estátua meramente contemplativa. Reinsve puxa Julie para baixo do pedestal, provando, por trás da beleza, as falhas de sua anti-heroína, e fazendo de The Worst Person in the World um dos melhores filmes do ano. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: prólogo; quando o mundo pausa e Julie corre por Oslo; Aksel tocando bateria no ar.

tick, tick… BOOM!

O estreante diretor Lin-Manuel Miranda (Hamilton) vê o musical Rent como divisor de águas em sua vida e inspiração para a carreira. Então, não tinha pessoa melhor em momento mais ideal para dirigir tick, tick… BOOM!, filme que conta o processo criativo do compositor Jonathan Larson (Andrew Garfield) e é baseado em outro musical homônimo do escritor. Aqui, o cineasta aborda a história de forma muito íntima sobre o trabalho de Larson e é extremamente bem contextualizado com as vivências e dramas do compositor durante os anos 90, graças a um subtexto dosado na medida certa. Mesmo se tratando de uma história difícil e tortuosa, Lin-Manuel Miranda opta por dar um tom otimista para celebrar as pequenas vitórias que Larson infelizmente não aproveitou, esperando seu sucesso artístico, e faz dessa obra, uma carta de amor ao mestre.

tick, tick… BOOM! é um musical sem tirar nem pôr, daqueles em que os personagens começam com a cantoria nos momentos mais improváveis. Isso poderia trazer ao filme o estigma que todo musical injustamente carrega, mas o texto e direção conseguem preencher os intervalos das músicas com uma narrativa envolvente e humana, e uma metalinguagem bem sutil sobre o próprio processo criativo. Andrew Garfield dá vida ao protagonista de forma incrível e apaixonada. Ele consegue captar a complexidade da mente de um gênio por meio de uma dualidade que expressa toda a ansiedade do compositor através do olhar e toda a paixão de Larson através de sua voz, a construção de Garfield aqui é muito coerente. No mais, tick, tick… BOOM! é um musical feito por quem e para quem ama o gênero. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a performance inicial de 30/90; a cena da piscina com o desenho da piscina se transformando em partitura na performance de Swimming; e o primeiro ensaio do sexteto para Superbia.

Titane

Chocar está cada vez mais difícil. Toda bizarrice inesperada, estranheza, nojeira ou absurdo a internet já mostrou. Mesmo assim, Titane atropela até os mais avisados. O longa francês da roteirista e diretora Julia Ducournau conta a história de Alexia (Agathe Rousselle), que, quando criança, teve uma placa de titânio implantada em seu crânio após um acidente de carro. Já adulta, o trauma se converte em prazer: ela transa com um Cadillac e fica grávida dele, com direito a óleo de motor escorrendo de sua vagina. Ah, ela também é uma serial killer, e para fugir da polícia, assume a identidade de Adrien, um menino desaparecido há muitos anos. De cabelo e sobrancelha raspados, nariz quebrado e um semblante perdido, é aceita pelo pai verdadeiro do garoto, Vincent Legrand (Vincent Lindon).

Na estrada em que dirige, Ducournau não respeita uma lei de trânsito sequer. O mórbido aposta racha com o sensual e o cômico, e quando se espera que o filme acelere no brutal, ele abre espaço para uma narrativa com sentimentos. Tudo é sempre muito sensorial e propositalmente apelativo, confundindo o espectador se o que está se vendo na tela é literal ou metafórico. Não há uma única cena em que a criadora de Titane se perde. A segunda mulher vencedora da Palma de Ouro do Festival de Cannes em 74 anos está pouco se fodendo para o que esperam de seu Cinema. Ela não diz ser subversiva, ela é. Seu trabalho é como uma saborosa cebola que também faz chorar, desabrochando em camadas. É despretensiosamente pretensioso, e é isso que o torna genial. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que os bombeiros estão dançando na festa organizada por eles; e a cena em que Alexia, caracterizada de Adrien, dança sensualmente em cima do caminhão para os bombeiros assistirem.

Trilogia Rua do Medo (The Fear Street Trilogy)

2021 foi um ano bastante frutífero para a Netflix. Desde o princípio, o streaming garantiu que não faltaria investimento em lançamentos, e nessa busca por movimentar as sextas-feiras, a aposta foi certeira numa trilogia de filmes de terror dirigida por Leigh Janiak. Rua do Medo: 1994, Rua do Medo: 1978, Rua do Medo: 1666, a cada semana um deles chegou, respectivamente, ao catálogo Tudum, construindo uma storyline que abocanhou os guilty pleasures do horror.

Com o primeiro filme servindo para introduzir os personagens e a trama, os ovos de ouro ficam mesmo para os dois filmes seguintes. Rua do Medo: 1978 traz história de acampamento, sangue e os belos cabelos ruivos de Sadie Sink. Com uma boa progressão, o filme traz um plot twist que faz compensar a espera de uma semana em relação ao anterior e cria uma ansiedade para o próximo. Já Rua do Medo: 1666 volta à caça às bruxas e, inserindo a temática queer, fecha a trinca com todos elementos que dão as características das melhores produções do gênero. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: o plot twist de Rua do Medo: 1978; e a cena da fogueira de Rua do Medo: 1666.

Turma da Mônica: Lições 

Já fazem mais de 50 anos que o universo criado nos quadrinhos por Maurício de Sousa permanece vivo no imaginário cultural brasileiro. Sua mãe leu, você leu, e o seu priminho mais novo também. Em 2019, Daniel Rezende soube, satisfatoriamente, transportar esse universo para o live-action com um elenco infantil adorável em Turma da Mônica: Laços. A ambiciosa sequência, que chegou no finalzinho de 2021, tem a ousadia de fazer o quarteto lidar com algo que poucas ou nenhuma vez vimos com essa carga toda nos quadrinhos: crescer. Não se trata do “estar crescidos” estático da Turma da Mônica Jovem, mas do crescer como um processo, uma transformação.

Ver um arco dramático operando mudanças significativas em personagens que existiram por tantos e tantos anos da mesma forma, dói. E é assim que Turma da Mônica: Lições consegue ser tão bom: transformando figuras tão amadas sem esquecer de quem elas são. Isso sem contar a construção de mundo impecável, na fotografia nostálgica, na chuva de coadjuvantes adoráveis e easter eggs, e no fato de que este talvez seja o filme que melhor consegue representar uma vivência escolar no Brasil. Lições é um longa corajoso, hilário, emocionante e que abre portas para a expansão de um universo cinematográfico promissor. É bom tomar cuidado, Marvel. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: dois encontros hilários: Cascão com do Contra, e Cebolinha com Humberto.

Um Herói (Ghahreman)

Até que ponto uma meia-verdade não é uma mentira? Quais as possíveis consequências catastróficas das “histórias reais” que narramos? Um ato de gentileza pode destruir a vida de alguém? Essas e outras questões são trabalhadas no novo longa de Asghar Farhadi, que desmascara as narrativas de heroísmo, criando um ambiente de incerteza moral onde nenhuma boa ação parece suficiente para amenizar uma inevitável catástrofe pessoal. 

Visto e aclamado pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o vencedor do Grande Prêmio no Festival de Cannes esteve na pré-lista de indicados ao Oscar de Melhor Filme Internacional, mas não conseguiu figurar na lista final, o que não diminui os méritos deste que é, sem dúvida, um dos filmes mais envolventes e emocionantes do ano. Encontrando tensão digna de um suspense nos dramas da vida real, e uma profunda humanidade em meio a conflitos que não parecem ter qualquer tipo de solução razoável, Um Herói transborda de empatia e dor, e mostra que esses dois normalmente andam juntos. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: as lágrimas doloridas do filho de Rahim; e quando a tensão explode entre este e o seu credor. 

Um Lugar Silencioso – Parte II (A Quiet Place – Part II)

A sequência de Um Lugar Silencioso explora de maneira primorosa as consequências do longa original, além disso, ele desenvolve ainda mais os protagonistas, principalmente do núcleo mais jovem, que recebe um maior foco nesse enredo. Juntamente com o retorno do elenco original, tem-se a apresentação de novos personagens, os quais são igualmente interessantes e carismáticos. Essa adição de novos integrantes ao grupo de sobreviventes foi um acerto do roteiro de John Krasinski, pois permitiu explorar outros dramas do pós-apocalipse, além de tratar de eventos relevantes daquele universo, como o dia da invasão.

O terror e o suspense presentes na história permanecem excelentes, há várias situações muito tensas, criativas e angustiantes. Mesmo com as descobertas do filme anterior, as criaturas seguem sendo uma presença ameaçadora. O uso do silêncio continua muito bom, e é interessante observar como os mais diversos personagens presentes na trama lidam com o barulho e quais os métodos eles desenvolveram para sobreviver. Um Lugar Silencioso – Parte II é um excelente retorno para o mundo pós-apocalíptico apresentado no longa de 2018, pois desenvolve, de maneira natural e orgânica, os elementos do original, além de apresentar novos sobreviventes e expandir a visão sobre esse universo assustador. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o primeiro encontro da família Abbott com Emmett; o encontro inesperado que Emmett e Regan têm em sua jornada; e a invasão na vila.

Verão de 85 (Été 85)

É o que dizem: o amor é uma faca de dois gumes. Para Alexis (Félix Lefebvre), ambas as pontas são afiadíssimas. Quando se deu conta do amor que sentia por David (Benjamin Voisin), não imaginava que poderia existir sentimento maior. Até perdê-lo. Antes fosse um término qualquer, seu amante foi perdido para a Morte, para sempre. E o romance que usa uma França litorânea perfeita dos anos 80 como cenário vira suspense por sua tragédia, alastrando o drama de um garoto apaixonado vivendo o melhor e o pior de um momento específico de sua juventude. Aquele Verão de 85 nasceu em 1982, no livro Dance on My Grave, de Aidan Chambers, adaptado por François Ozon para seu filme.

O exímio trabalho de Ozon dá vida à obra-marco da Literatura LGBTQIA+ na sua maneira, capturando os sentimentos inocentes de Alex, encantado pela lábia e charme de David, que sabe muito bem o que está fazendo. No emaranhado de corações derretidos e partidos, acompanhamos uma história mágica, mas, ainda assim, de apertar o peito. A forma singular com que o menino que ficou enxerga sua própria vida e os eventos transpassa para a atmosfera do filme, e somos convidados a ver com esses mesmos olhos. Mesmo na morte, mesmo na perda, há a latência de amar e seguir em frente; e a promessa de dançar no túmulo do amigo-amante mostram que tanto Alexis quanto David se entendiam mais do que qualquer pessoa seria capaz. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que eles estão dançando ao som de Sailing do Rod Stewart na festa; e a cena em que eles se beijam escondido na loja mesmo com a mãe de David muito perto.

Viúva Negra (Black Widow) 

Com o sucesso de Vingadores: Ultimato, veio também a morte de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), uma das personagens mais queridas, porém injustiçadas, da saga. Em dez anos desde a sua primeira aparição na Marvel, a Viúva ainda não tinha um filme solo, e, com a duração tão longa de Ultimato e a morte de Tony Stark, a partida de Natasha passou quase despercebida. Levando tudo isso em conta, Viúva Negra, mesmo não agradando a todos e rendendo um processo entre Scarlett Johansson e Disney (pelo lançamento e bilheteria do projeto), fez muitos fãs felizes, e uma prova disso é o público tê-lo escolhido como Filme Favorito na premiação do People’s Choice Awards. O longa finalmente deu atenção à vida pessoal e ao passado de Nat, que tinham sido apenas pincelados até então. Ainda que não tenha sido como o público esperava (afinal, não foi mostrado com detalhes a esperada infância de Natasha na Sala Vermelha), o arco só de Natasha, longe da sombra trazida pelos outros Vingadores, já foi uma amostra do que ela merecia desde o princípio. Apenas um filme para uma mulher tão interessante e complexa nunca será o suficiente, mas serve para aquecer um pouquinho o coração de quem assiste e se lembra dela com saudade. 

Dirigido por Cate Shortland, roteirizado por Eric Pearson, Jac Schaeffer e Ned Benson, e com um lançamento simultâneo no cinema e no Disney+, a trama se passa após Capitão América: Guerra Civil e circula em torno da história de Natasha, transitando entre seu passado como Viúva e seu presente como Vingadora. O longa se inicia com uma sequência de desesperar qualquer um ao som de de Smells Like Teen Spirit, e vai trazendo aos poucos fatores importantes da vida de Romanoff – em especial sua família, composta pelos agentes Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), sob o disfarce de seus pais, e sua irmã, a queridinha Yelena (Florence Pugh), que já apareceu em outro projeto da Marvel. Com cenas de ação extravagantes e toque de humor, o filme estampa perfeitamente o perfil da Marvel. O longa ter explorado (ainda que superficialmente) o Programa Viúva Negra, a existência de outras viúvas e o papel importante de Natasha Romanoff nesse meio apenas fez todos amarem ainda mais a personalidade forte dessa personagem. – Gabrielli Natividade da Silva    

Cenas Favoritas: o reencontro da família de Natasha; e a cena pós-créditos.          

O post Os Melhores Filmes de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

É um clichê introduzir uma lista de melhores do ano dizendo que o tal período foi “muito rico” ou “memorável” ou “maravilhoso” para a determinada área que a seleção em questão se propõe a registrar. Mas ao fim de 2021, não resta outra conclusão: o ano foi realmente muito especial. É uma série de motivos que sustentam a afirmação para além de uma expressão comum, e o Persona, que acompanhou cada Nota Musical dos referidos 12 meses, não só pode como deve te explicar o porquê o ano que passou ficará marcado na História da Música. Então, para fazer valer o clichê é que estamos aqui com Os Melhores Discos de 2021.

“Deixa eu me apresentar, que eu acabei de chegar” foi o verso que a Música brasileira cantou para se introduzir ao novo ano, quando ANAVITÓRIA inaugurou 2021 logo em seu primeiro dia com COR. Já no mês seguinte, a cura rejuvenescedora da Arte se encontrou com Gal Gosta para que Nenhuma Dor estivesse em nosso meio no primeiro ano pós-apocalipse-pandêmico de 2020, anseio que se estendeu ao maravilhoso retorno de Rico Dalasam, assumindo a identidade do nosso Guardião do Alívio. 

O prenúncio otimista se confirmou, e DUDA BEAT pode declarar o seu Te Amo Lá Fora, enquanto Febem encarou o mundo real sob a perspectiva de JOVEM OG. Aproveitando a liberdade temporária de um país desgovernado, Pabllo Vittar explodiu seu Batidão Tropical, Luísa Sonza celebrou seu DOCE 22 e o PIRATA Jão se lançou em alto mar. No embalo de uma Música que ansiava por novos ares, Juçara Marçal criou uma lenda chamada Delta Estácio Blues, enquanto FBC e VHOOR deram um OUTRO ROLÊ que acabou em BAILE. Já nas estreias, Liniker deu seu primeiro voo solo nas asas de Indigo Borboleta Anil, ao lado das consagradas melhores revelações de 2021: Marina Sena e Tasha & Tracie. 

Além da nova geração, os nomes precursores da Música brasileira também fizeram o ano valer. A abelha-rainha da MPB entregou um dos melhores discos de sua carreira sob o seu som Noturno enquanto Caetano Veloso revirava seu Coco. O movimento de reinvenção foi seguido por Marisa Monte, que nos abriu suas Portas depois de um distanciamento – também distorcido por idas e vindas temporais assim como é desde março de 2020 – de 10 anos. Assim, de encontros e despedidas se fez 2021: pouco tempo antes de descansar, a Deusa Elza Soares compartilhou a companhia serena de João de Aquino, e a Rainha Marília Mendonça cantou pela última vez com suas fiéis escudeiras.

Mas lá fora, tudo começou com o ano arrancando junto da recém-habilitada mais famosa do mundo. No posto de estrela pop de 2021, está Olivia Rodrigo, perfeitamente acompanhada do lilás ácido de SOUR. Ao lado da novata no hall de maiores sucessos de 2021, o nome só pode ser o dele: Lil Nas X para os mortais, MONTERO para os íntimos. O retrato dos maiores hits do ano ainda é composto pelo planeta de Doja Cat, a trigésima volta de Adele ao redor do Sol, a felicidade incomparável de Billie Eilish e o brilho da noite de Silk Sonic.

Já nos cenários independentes, Lingua Ignota chegou preparada para estar dentre as melhores de 2021, assim como Indigo de Souza em qualquer uma de suas formas ou Arca em qualquer um de seus quatro (!) discos lançados no ano passado. Na mesma direção, o álbum de Aly & AJ fez jus à grandiosidade de seu título, enquanto, por outro lado, Little Simz contrariou as sugestões de seu trabalho com uma Música nada introvertida e Black Country, New Road soou aos nossos ouvidos pela primeira vez com uma maestria de anos. A sensação também surge quando estamos admirando o amanhecer de Yebba ou os prismas poéticos de Arlo Parks.

Ali, Bleachers tirou a tristeza do sábado a noite e Jazmine Sullivan nos contou as melhores histórias de 2021. Juntos, Japanese Breakfast e Arooj Aftab passaram pelos estágios mais profundos da dor, enquanto SPELLLING entrava numa espiral fantasiosa e WILLOW sentia todas as emoções possíveis. Ao mesmo tempo, Tyler, The Creator embarcava em uma nova viagem, Demi Lovato recomeçava sua história e Lucy Dacus via sua vida passar diante de seus olhos. 

O ano também foi para conhecer os desfortúnios de Kacey Musgraves, o poder solar de Lorde e o vermelho inédito de Taylor Swift. Lady Gaga e Tony Bennett colocaram o amor à venda, Selena Gomez encontrou uma revelação e EXO recomendou não lutar contra sentimentos. Junto deles e todos os outros que compõem a nossa seleção dos 89 Melhores Discos de 2021, a comunidade do Persona te espera logo abaixo, a fim de mostrar que o ano especialmente difícil trouxe muita beleza para aqueles que estavam dispostos a parar e ouvi-lo.

Adele – 30

Desde o lançamento do novo álbum da cantora, em novembro de 2021, Adele já abalou as estruturas das críticas e da indústria musical. Sob o título de 30, em menos de quatro meses o CD também trouxe algumas gratificações para a britânica.  Na última edição do Brit Awards, a compositora londrina recebeu os prêmios de Música do Ano por seu single Easy On Me, Álbum do Ano e, talvez o mais especial, o de Artista do Ano. Parece que Mo Gilligan estava realmente certo, Adele é a grande “Rainha dos BRITs”. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transformou as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. De acordo com a própria, este seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio, então não é uma surpresa que tenhamos nos sentido acolhidos com algumas faixas, como My Little Love e Hold On, por exemplo. A questão é que, mesmo depois de 6 anos, ela revelou ser ousada e esperamos que não pare por aqui. O futuro ainda tem muito o que escutar pela voz de Adele. – Vinícius Santos

Faixas Favoritas: My Little Love, Easy On Me e Oh My God

Gabeu – AGROPOC

Bem antes de The Weeknd sintonizar a Dawn FM, Gabriel Felizardo nos convidava a ouvir a Rádio AGROPOC, para curtirmos o som que vem do interior. Filho do cantor Solimões, Gabeu estreia suas composições que misturam o melhor da Música caipira com o mais refrescante que o pop atual oferece, sem tirar nem pôr. Através de trocadilhos astutos, duplo sentido e tiradas cômicas, o disco vai sobrepondo influências e muita personalidade, além de diversificar o ambiente sertanejo nacional, comumente infestado de um discurso machista e homofóbico.

Sem medo ou receio de narrar suas aventuras, o cantor brilha quando incorpora entonações quase teatrais, como em Sugar Daddy e Bailão, o grande destaque do registro. Melodias juninas, sons de rodeios e uma vibração que energizou 2021 se transformam consecutivamente, tornando AGROPOC uma porta de entradas irresistível para o ilimitado queernejo. Em 2021, ninguém chegou de perto de oferecer uma linha tão marcante como “’Vamo’ assumir o nosso amor rural/Sai desse armário e vem pro meu curral/Como ‘nóis’ nunca se viu/Duas potrancas no cio/Num cruzamento adoidado”. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: Amor Rural, Bailão e Sugar Daddy

Dead Sara – Ain’t It Tragic

O terceiro álbum da banda Dead Sara chegou depois de uma espera agonizante de seis anos, após o rock alternativo estrondoso de Pleasure to Meet You (2015) e a saída do baixista Chris Null, na qual o grupo de Los Angeles precisou se reorganizar para achar uma nova direção para o seu som. Felizmente, os vocais tipicamente roucos de Emily Armstrong vêm com força total em Ain’t It Tragic, revigorado pelo hiato dos músicos e contando com algumas de suas letras mais intensas e explosivas.

Apesar de manter o tom do último EP, há uma energia distinta e raivosa contagiando a nova produção, que consegue se diferenciar de trabalhos anteriores do grupo através da infusão de pop e indie em algumas das faixas mais elétricas e vibrantes, criando uma nova e viciante sinergia entre seus integrantes que reverbera ao longo de todo o disco. Seja no compasso carregado de Heroes ou na franqueza trágica de Uninspired, uma coisa fica clara: Dead Sara voltou mais destemida e inspirada do que nunca. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Hypnotic, Heroes e Gimme Gimme

Bruno Mars, Anderson .Paak e Silk Sonic – An Evening With Silk Sonic

“Amigos, espero que vocês tenham algo no seu copo. E senhoritas, não tenham medo de chegar ao palco para uma banda que chamo de Silk Sonic”. O rei está de volta e, muito bem acompanhado. Depois de dançar o R&B de 1980 em 24K Magic lançado em 2016, Bruno Mars retoma o passo em um supergrupo espetacular, ao lado de Anderson .Paak. Com uma fidelidade gigantesca ao funk e soul dos anos 70, nasce An Evening With Silk Sonic. O single responsável pela quebra de recordes históricos, Leave The Door Open, traz à tona o som doce e sedutor que logo arrebatou o sentimento de throwback ao ritmo e blues do novo disco do queridíssimo Silk Sonic.

Mars e .Paak prometem o groove e não deixam esse compromisso de lado. O disco é mais uma experiência – ou melhor, uma noite – do que um álbum contido. A capacidade que a obra tem de proporcionar um bem estar cheio de gingado demonstra que o CD foi feito para divertir. Isto é, essencialmente, o que difere o grande Bruno Mars de outros artistas: o talento em saber como e porquê produzir Música. De qualquer forma, não há dúvidas sobre a dupla Silk Sonic combinar muito e estar subindo as escadas para o sucesso. E no fim da subida, a porta estará aberta. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: Fly As Me, Skate e Leave The Door Open

Indigo De Souza – Any Shape You Take

Não é nada fácil abraçar todas as formas que possamos tomar de maneira sincera, sem julgamentos. Mais difícil ainda é abordar o obscurantismo dos conflitos existenciais internos por meio de uma lente euforicamente colorida, como faz a artista original de Asheville, na Carolina do Norte, Indigo de Souza, no segundo álbum da carreira, Any Shape You Take. Os sentimentos intensos são os mesmos do disco de estreia da carreira I Love My Mom (2018), porém, desta vez, como uma reinterpretação amadurecida e, de certo modo, completamente metamorfoseada: “Eu não sou nada como era antes/Eu não sou nada como a garota que você já amou”.

Morte, dor e angústia encontram cor, ritmo e frenesi. Uma morbidez colorida descreve a preciosa identidade sonora de Souza. São camadas de guitarras irregulares, percussão exaltada, sobreposição de ritmos e gritos, que ecoam diversos gêneros musicais, sem nunca se enquadrar em nenhuma delas. A co-produção com Brad Cook (produtor com colaborações que incluem Bon Iver, Snail Mail e Waxahatchee) integra imaculadamente a melodia inusitada das dez faixas com o lirismo reconfortante da norte-americana, versado pelo enigmatismo suave de sua voz que navega entre as formas mais bonitas dos sentimentos humanos, até as mais sombrias. Encabeçado pela adorável 17 e finalizado pela dolorosa Kill Me, Any Shape You Take é uma experiência catártica, quase terapêutica. – Ayra Mori

Faixas Favoritas: 17, Real Pain e Kill Me

Aly & AJ – a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun

Quase 14 anos depois de seu último disco e nos calcanhares de dois EPs estelares, o novo trabalho do duo pop Aly & AJ vem carregado de influências country e ritmos lentos vibrando pelo solo californiano. Um álbum de verão em corpo e alma, a touch of the beat… remete, assim como seu título gigantesco sugere, a uma grande caminhada ou road trip pelas planícies ensolaradas que as irmãs habitam. Desde as primeiras notas de Pretty Places até o cadência melancólica de Hold Out, a dupla nos imerge em um sonho há mais de uma década em produção com letras vibrantes e sons sofisticados.

Com uma nova edição Deluxe que expande ainda mais seu escopo com quatro novas faixas, o novo álbum constrói seus temas delicadamente e sem muito alarde, apenas para nos demolir com sua sequência final, entregue com absoluta confiança pelo par de artistas. Das novas músicas, se destaca a brutal Dead on the Beach, que dispensa sintetizadores e encontra sua voz na guitarra enquanto AJ narra uma experiência de quase-morte junto de seu namorado de longa data, o ator Josh Pence. Muito mais do que um comeback, a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun é uma culminação das vidas de suas artistas, com toda a autoria e personalidade que essa descrição evoca. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Pretty Places, Slow Dancing e Stomach

SHINee – Atlantis

Mergulhando no mundo submerso do SHINee, Atlantis foi a escolha perfeita para ser a faixa-título do relançamento do sétimo álbum de estúdio do grupo já veterano na indústria do K-pop. Se a versão original, Don’t Call Me, traçou caminhos não tão coesos com a sonoridade de Onew, Key, Minho e Taemin, a nova edição trouxe a tona o melhor dos integrantes, em faixas mais convenientes com a identidade visual construída durante 13 anos de carreira. Disponível nas plataformas de streaming em abril de 2021, o projeto retomou a essência artística do SHINee.

“Estamos debaixo d’água/Um beijo incompreensível como a profundeza do oceano/Me arrasta para longe”. Quem embarcou na aventura aquática do grupo saiu realizado: o videoclipe da faixa Atlantis foi um colírio para os olhos que, graças ao tributo póstumo para o integrante Jonghyun, se encheram de lágrimas. O álbum contou com músicas que fluem de maneira insana, desde o som mais sério até o mais sentimental. Os fãs puderam até mesmo se surpreender com um hino latino, configurado como uma das favoritas. De 2008 para 2021, o modo como a arte é consumida mudou, mas SHINee provou mais uma vez que sempre irá se destacar em meio às infinitas estreias do mercado musical sul-coreano. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Atlantis, CØDE e Body Rhythm

Baekhyun – Bambi

Em clima de despedida, Baekhyun lançou seu terceiro álbum de estúdio, Bambi, pouco tempo antes de precisar vestir a farda do exército da Coreia do Sul, onde o cumprimento do regime militar é obrigatório. O solista de 29 anos sabia que os anos de inatividade musical como servidor público causariam uma saudade imensa nos fãs, então, as 6 músicas do seu último projeto contavam com o propósito de deixar uma marca nos ouvintes. É fácil afirmar que quem escutou a voz angelical e os falsetes perfeitos na faixa-título Bambi, não os esqueceram. 

Dono de uma discografia impecável como integrante do grupo EXO, Baekhyun também está construindo uma trajetória solo extraordinária. Com o seu lançamento anterior, Delight, ele vendeu 1 milhão de cópias pela primeira vez em 19 anos no cenário da música sul-coreana. Em 2021, o cantor reivindicou o título mais uma vez e provou que tem talento para quebrar recordes. Para o público, ficou o sentimento mágico que Bambi proporcionou e a ânsia pela volta de Baekhyun aos palcos. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Bambi, All I Got e Cry For Love

FBC & VHOOR – BAILE

A sinergia entre FBC e VHOOR parece de mentira. Antes de BAILE, ainda em 2021, a dupla lançou, em parceria com o selo WRM, o EP OUTRO ROLÊ. Mais próximo das sonoridades que VHOOR já brincava em suas mixtapes solo, as 6 faixas do belo registro mesclavam os graves corpulentos do drill britânico com batidas e samples do funk e da música mineira. Sendo assim, é possível que, quem vá conhecer ambos por essa via, tenha a impressão que os artistas belo-horizontinos são colaboradores de longa data. Mas a realidade é que as parcerias entre os dois são extremamente recentes e, mesmo assim, ocorreu entre eles um magnetismo imediato e praticamente transcendental. Então, depois de uma sintonia que deu tão certo, dificilmente ficaria só por isso. E de fato não ficou. OUTRO ROLÊ é um projeto coeso, mas BAILE é, no mais puro sentido da palavra, inacreditável.

Desta vez, a criatividade astuciosa da dupla os leva para os primórdios do miami bass e do funk dos anos 90. Estruturado como uma verdadeira Ópera Miami, o disco conta uma narrativa trágica e calorosa em cima de uma musicalidade divertida e cativante, baseada na repetição de refrões simples e grudentos. Sem medo de ser nostálgico e explorar os clichês do gênero, FBC consegue, com esmero, equilibrar a leveza de faixas como a viral do TikTok Se Tá Solteira, e o peso de retratos viscerais de violência, como Polícia Covarde – que, nesse caso, subverte com genialidade o artifício das repetições para traduzir um clamor de revolta e lamento. Contudo, não se engane: BAILE não quer nada além de fazer todo mundo rebolar a bunda e se jogar na pista. E é exatamente nessa despretensão – elaborando seus conceitos sem se levar tão a sério – que FBC e VHOOR concebem sua obra-prima e convidam: “Esquece isso tudo e vem pro Baile!” – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Não dá pra Explicar, Polícia Covarde e De Kenner

A casa de máquinas Pabllo Vittar é um evento por onde passa, desde seu tumultuado início de carreira. Com Batidão Tropical, ela atesta que o synthpop nada mais é que o tecnobrega internacional, e coloca em evidência o valor do forró enquanto gênero pop brasileiro. Vittar vai na contramão do óbvio, e enquanto assistimos diversos artistas copiarem sonoridades estadunidenses, a drag queen arrisca com um disco de ritmos nordestinos, por meio de três canções inéditas e regravações de clássicos que cresceu ouvindo no Maranhão.

Pabllo sabe muito bem que sua singularidade é o que a destaca, além de seu talento como expoente da arte nacional. Seu timbre de voz, seu nome e, principalmente, suas raízes e referências, constituem a forte construção da identidade de sua carreira, que reflete em seu último álbum. A maior prova está além-Batidão Tropical: o remix forró de Fun Tonight, presente no Dawn of Chromatica de Lady Gaga, mostra que Vittar é sim influenciada pelo pop internacional, mas não abandona seu Brasil por nada nesse mundo. – Jho Brunhara

Faixas Favoritas: Triste com T, Ultra Som e Zap Zum

Jorja Smith – Be Right Back

É insanidade tentar mensurar, mesmo após tantos achados e perdidos, quantos universos Jorja Smith carrega consigo. Nesse sentido, Be Right Back é sintético: nasce para reiterar o domínio da britânica sobre todos, especialmente os que decide contextualizar com música. Alegorizado pelo hipnotismo de narrativas e sentimentos, o EP se constrói em cadências refinadas e experimentais de jazz, R&B e trip-hop, nas quais os vocais de Jorja coordenam da pavimentação ao clímax. O esbanjar de confiança exala já nos instantes iniciais e, perpassando vieses melancólicos, delicados e nostálgicos, sustenta a individualidade do projeto.

E haja individualidade. Em definitivo, a artista prova porque lembra Amy Winehouse e Lauryn Hill sem contradizer suas órbitas próprias. Tangível no coração partido, imprevisível nas mudanças, dilacerante na perda, complacente na autoafirmação – nenhuma caracterização dos desafios cantados é limitante. A bela marca de Smith é saber mergulhar na dualidade emotiva da existência, capturando em suas composições a dedicação que o processo exige. Mas maior do que a busca por ser consumido pela aura do sucesso, só o anseio por mais arte como Be Right Back. Felizmente, sua autora denuncia pelo título que, passado o breve espaço de outras aventuras e conquistas, estará de volta em um segundo álbum. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Gone, Digging e Weekend

Wolf Alice – Blue Weekend

Pintando céus radiantes ou iluminando as agitações noturnas, o azul é definido pela volatilidade e preenche ambientes em um piscar de olhos – principalmente no fuzuê dos finais de semana. Desmentindo quem pensa que tal instabilidade não permite direcionamento, Wolf Alice usa as nuances da cor justamente para comandar a efervescência mundana, ora corriqueira, ora filosófica, de Blue Weekend. Visual e atmosférica, a produção concebe linhas alternativas do punk ao folk, passando por doses vívidas de pop e rock, para dialogar com provocações e experiências tão duradouras e imersivas quanto seus quarenta minutos de formação. E, apesar da aparência calorosa de revival noventista, o enredo é de maturidade atemporal.

Modelando o ar camaleônico do disco à estética tangível que é tirar dores, medos e prazeres para dançar, Wolf Alice se desdobra entre sutileza e agressividade sem desperdiçar ritmo, engrandecendo também o poder versátil da vocalista Ellie Rowsell. Há palco para dissecar o narcisismo de uma humanidade, submergir na tristeza ouvindo Love Is A Losing Game e, de quebra, fechar ciclos com roupagens distintas da mesma alusão. Até a versão Deluxe, com gravações ao vivo de cinco faixas do projeto original, mantém a primazia dos arranjos da banda. Devidamente nomeado ao Mercury Prize 2021, Blue Weekend faz seu legado encontrando compostura na profundidade e inteligência emocional na jornada de ação. – Vitória Vulcano

Faixa Favoritas: Delicious Things e Lipstick On The Glass

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

CALL ME IF YOU GET LOST dá sequência à estética abraçada por completo em Flower Boy e aprofundada em IGOR: um lugar entre o rap e o R&B, que confundiu os críticos e marcou Tyler, The Creator como um dos popstars mais interessantes da história recente. CALL ME é mais rap, da forma ao conteúdo. Começando pela tracklist longa, pontuada pelas tags de DJ Drama (“gangsta grillz!”) e cheia de feats, características que remetem às clássicas mixtapes do gênero. As participações certeiras e os beats versáteis tornam a obra uma jornada, acima de tudo, divertida. 

A extensão dá oportunidade para Tyler mostrar várias facetas, da crítica social aos problemas e prazeres da vida em meio à fama. Ele também produziu todas as 16 músicas, que passeiam pelo trap, R&B, rap old school e dancehall com facilidade. A julgar pelo ecletismo e pelos clipes que marcam essa nova fase, Tyler nunca esteve tão confortável para ser ele mesmo. Isso significa menos da lírica ultra-exagerada dos primeiros álbuns, mas sem perder a irreverência de sempre. Tyler está cada vez mais sólido na posição de rapper com grande apelo popular, seguindo os passos dos ídolos André 3000, Missy Elliott e Pharrell Williams. Assistir a essa ascensão é um grande prazer. – Gabriel Leite Ferreira 

Faixas Favoritas: CORSO, LUMBERJACK e WUSYANAME

black midi – Cavalcade

Como uma metralhadora, guitarra, bateria e baixo disparam as notas que abrem Cavalcade, segundo disco da banda britânica black midi. Em seguida, entram saxofones distorcidos, violinos estridentes e a voz desnorteada de Cameron Picton, disparando os versos de John L, que não abre o disco com o pé na porta, mas como um trator derrubando a parede inteira. Para quem sobreviver à hipnose desse pesadelo frenético e ficar sedento por mais, Cavalcade faz jus à intensidade de sua faixa de abertura, e ainda parte, por vezes, para caminhos mais serenos surpreendentes, mostrando um amadurecimento na sonoridade da banda. 

Desde então, o grupo, que é um nome de destaque dentre as bandas que vêm renovando a experimentação no rock, como Squid e Black Country, New Road, lançou um EP com versões ao vivo das canções, saiu em turnê, e os fãs já especulam informações sobre o futuro terceiro álbum. As expectativas altas não existem à toa, afinal Cavalcade foi um dos melhores discos de 2021 ao conseguir dar uma carga emocional densa a um rock experimental de precisão matemática que poderia facilmente ter se tornado excessivamente cerebral e distante. E que carga: Cavalcade oferece uma porrada, e ainda dá de brinde um curativo. – João Batista Signorelli

Faixas Favoritas: John L, Slow e Ascending Fourth

Tuyo – Chegamos Sozinhos em Casa

Tuyo nos acompanhou por todo o árduo ano de 2021 com Chegamos Sozinhos em Casa. Do Volume 1 e Volume 2 em maio e julho, a série documental Fragmentos de setembro à novembro, e agora as live sessions do disco sendo progressivamente disponibilizadas nos streamings de Música. É verdade que o projeto de maior projeção da carreira da banda retrata, tematicamente, conflitos terminantemente individuais. Porém, há um fator importante nessa questão. Apesar da ênfase no Sozinhos, Tuyo faz questão de nomear seu álbum na 1ª pessoa do plural: nós Chegamos em Casa. Sendo assim, Lio, Lay e Machado se voluntariam a segurar nossa mão e nos guiar por esse tortuoso processo que é olhar para dentro, ao passo que também sugere que, ao fim dele, o encontro é sempre com outro.

E, acredite, o destino os levou para bem longe. Entre Music Video Awards, Prêmio Multishow, e o fatídico Latin Grammy, Tuyo fez longa viagem pela temporada de premiações em 2021. E, mesmo que não tenha sido contemplada – injustamente – em nenhum dos eventos citados, a banda foi reconhecida e glorificada tanto por crítica quanto por público, e, de qualquer forma, alcançaram espaços que nunca poderiam ser acessados anos atrás. É uma conquista por si só, e que deve ser celebrada. No fim, imputar qualquer tipo de adjetivo a Chegamos Sozinhos em Casa seria, fatalmente, reduzir sua riqueza e potência enquanto obra. A cada reprodução do disco, ele ganha novas camadas e sentidos, em níveis que seria impossível descrevê-las satisfatoriamente. A fonte da Tuyo está longe de secar, e Chegamos Sozinhos em Casa só comprova o quanto o trio ainda tem muito a dizer. Enfim, estaremos sempre aqui para ouvir. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Sem Mentir, Turvo e Chegamos Sozinhos em Casa

Arlo Parks – Collapsed in Sunbeams

Em janeiro de 2021, Arlo Parks já abençoava o âmbito musical do ano com Collapsed in Sunbeams. Como estreia da cantora, produtora, compositora e poetisa britânica, o disco se valoriza no frescor do neo-soul, na riqueza de suas composições e na contemporaneidade de seus temas, que são a identidade constante de cada uma das 12 canções. Entre elas, a novata do sul de Londres canta suas melodias traumaticamente solares sobre amor, vida e amizade no contexto urgentemente realista, ansioso e depressivo do jovem adulto no século 21 – premissa que é intensificada pela versão Deluxe do disco, que complementa a tracklist com 8 canções lo-fi. 

Se engana quem pensa que tal identidade artística não encontra mais espaço na Música, principalmente com a ascensão de jovens revestidos de coragem e honestidade para encarar a própria geração, e especialmente sob o olhar de Arlo Parks. A artista encontra as contradições de quem representa e os transfere para uma musicalidade poética e perfeitamente adorável, que não se perde em meio às influências palpáveis do bedroom pop. Nada é à toa: ela está dentre os indicados a Melhor Artista Revelação e Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2021 desabando em raios de Sol. – Raquel Dutra

Faixas Favoritas: Too Good, Black Dog e Bluish

ANAVITÓRIA – COR

2021 começou com o pé direito com COR, quarto álbum do duo ANAVITÓRIA. O projeto foi lançado de surpresa logo no primeiro dia do ano passado, dando um pontapé leve e positivo nos 365 dias do ano. Isso porque, cinco anos depois do primeiro lançamento da dupla, a evolução musical é clara, mas a calmaria e o lirismo continuam sendo marca registrada de Ana Caetano e Vitória Falcão. Estreando o selo musical próprio, o Anavitória Artes, elas aproveitaram a liberdade para testarem elementos e instrumentos novos, que foram inseridos discretamente nas 14 canções produzidas por Caetano e Tó Brandileone e mostram a vontade de experimentação, sem jogar fora a identidade pela qual são conhecidas.

As composições, como sempre, são o ponto alto dos trabalhos de ANAVITÓRIA. Já era perceptível a evolução de O Tempo É Agora, álbum anterior, em relação à estreia da dupla, ANAVITÓRIA. Em COR, as duas avançam nas metáforas presentes nas letras, que tangem elementos da natureza e do cotidiano para se referirem ao amor, à conexão e ao sexo, e na profundidade dos sentimentos trabalhados. Os temas permanecem os mesmos – em sua maioria, relacionamentos, no geral -, mas o lirismo de Ana Caetano assume uma maturidade ainda mais notável ao enxergar mais de um lado da situação, em um só álbum. Não há só coração partido, nem só a euforia de uma relação em seu ápice. A participação de Rita Lee, recitando versos na faixa Amarelo, azul e branco, prova, de novo, a habilidade da dupla de articular seus pensamentos e sentimentos, em canções que não poderiam ser de ninguém, além das duas. – Vitória Lopes Gomez

Faixas favoritas: Cigarra, Abril e Te procuro

Cesar MC – Dai a Cesar o Que É de Cesar

“Disseram que era só mais um n*guin”, mas era, na realidade, um dos principais MCs do rap brasileiro, aquele que não consegue fazer love song. O álbum de estreia de Cesar MC foi um estrondo, abençoado com a participação de Djonga e Emicida, os maiores do cenário, para coroar Dai a Cesar o Que É de Cesar como um dos melhores de 2021. Foi o momento certo para os seus primeiros passos na construção artística, e mesmo só no começo, sua obra esbanja identidade e variações geniais do hip hop. 

Cesar já mostrou a maestria em rimar com exatidão sobre o mundo conforme sua percepção. O maior mérito de seu disco debut, que o coloca entre os principais no ano, é a forma sincera, de linguagem simples, em dar luz à sua relação como preto pobre e a própria fé, demonstrada em Navega. Cheio de referências, Dai a Cesar o Que É de Cesar mostra as pequenas coisas que o fizeram nascer na batalha e chegar até ali: o boombap, a dureza e a dor da luta preta, o gosto por colocar seus pensamentos na folhinha, e marcar sua presença com um álbum inesquecível. – Nathália Mendes

Faixas Favoritas: Neguin, Antes Que a Bala Perdida Me Ache e Navega

Demi Lovato – Dancing With The Devil…The Art Of Starting Over

Depois de tanta porrada, depois de tanta cacetada, Demi Lovato finalmente encontrou um pouco de paz. Mesmo que seja vendendo vibradores e tentando se comunicar com ETs, o que importa é que elu dançou com o Diabo mas se libertou e foi capaz de começar de novo por meio de sua arte. Dancing With The Devil…The Art Of Starting Over, lançado durante a exibição da série documental Demi Lovato: Dancing with the Devil, é extremamente pessoal na mesma medida que foi pensado para ser uma coletânea de suculentas músicas pop, e funciona de forma exemplar.

Há espaço para tudo, do melhor jeito Demi Lovato genuíno de ser, mesmo que beirando o cafona aqui e ali. Seja na gritação de Anyone, na nada sutil The Kind of Lover I Am, na participação de Ariana Grande e até mesmo num cover ótimo de Mad World, que poderia ter tudo para dar errado nas mãos de outra pessoa, mas se encaixa perfeitamente na proposta do disco. DWTDTAOSO não quer reinventar a roda ou ser experimental, e sim retornar a sonoridades do início da carreira de Demi para um renascimento e reencontro com seu eu interior. As polêmicas talvez atrapalhem a percepção das pessoas para com Lovato, mas no fim do dia, um bom trabalho ainda é um bom trabalho. – Jho Brunhara

Faixas Favoritas: The Way You Don’t Look at Me, Melon Cake e Carefully

Yebba – Dawn

É difícil acreditar que Yebba está apenas em seu primeiro disco. A experiência da artista, que já levou até a vencer um Grammy em 2019 na mesma categoria em que concorre em 2021, coloca sua estreia oficial em um outro nível dentre os lançamentos do ano. É que Dawn engloba todas as suas experiências de suas andanças pela indústria nos últimos anos em combinação às suas vivências pessoais nada levianas, muito bem referenciado pelas produções contemporâneas do soul, R&B e folk, e muito bem trabalhado por suas profundas composições. Segue a história: aos 26 anos, a artista que aprendeu a cantar numa igreja pastoreada pelo pai processa o fato de ter vivenciado o início de sua carreira ao mesmo tempo em que viveu o suicídio da mãe.

Desde o título, a memória materna é homenageada e uma metáfora é criada, transformando Dawn em uma experiência que, ao contrário do que pode parecer, não faz do disco algo mais ou menos digerível. Entre momentos de luz e escuridão, a artista se expressa nas referências do jazz que criam a diversão de Boomerang, até o toque de gospel que aparece em Distance, terminando nos gracejos dos anos 70 de Stand que reverberam em Far Away, colaboração com A$AP Rocky, um dos melhores destaques do disco e uma das melhores músicas de 2021. As 12 canções de maestria nada pretensiosa só deixam um apelo: que cada segundo sob o amanhecer de Yebba seja apreciado em sua totalidade. – Raquel Dutra

Faixas Favoritas: All I Ever Wanted, Far Away e October Sky

Marina Sena – De Primeira

Não há nada que não seja De Primeira no disco de estreia de Marina Sena. Classe, categoria, sonoridade, conceito e efervescência, tudo é primoroso na produção que contou com a parceria de Iuri Rio Branco. A pluralidade de ritmos se entrelaça numa linha psicodélica envolvente que transparece os sentimentos e a bagagem cultural da artista, se tornando a melhor revelação do ano.

Com sua estética pessoal incorporando o melhor de Marisa Monte e a sensualidade de Gal Costa nos anos 80, Marina Sena traz uma performance indiscutível. Munida de sua voz única, a cantora se mostra segura em toda sua audácia. De Primeira é um disco libertador, universal e irresistível, que já aparecia na lista de melhores mesmo antes de Por Supuesto hitar no TikTok. Não há como ficar imune às chamas que aumentam em cada canção. O calor do clima brasileiro faz a gente pedir por mais! – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Temporal, Tamborim e Amiúde

Juçara Marçal – Delta Estácio Blues

Entre o lançamento no fim de 2021 e o início desse ano, Juçara Marçal tem colhido os frutos de um álbum (e de uma carreira) irrepreensível. Delta Estácio Blues foi agraciado com o prêmio de Melhor Disco do Ano pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA). O Prêmio Multishow também considerou o segundo trabalho solo da cantora o melhor lançado em 2021 e Crash, a melhor canção. São validações importantes para expandir ainda mais o reconhecimento do trabalho de Juçara, cuja obra é das mais versáteis e impactantes da música brasileira atual.

Em Delta Estácio Blues, ela e o parceiro de longa data Kiko Dinucci mergulham nas batidas eletrônicas para conceber uma obra radicalmente acolhedora. Versos de rap e beats sintetizados dividem espaço com cantos afro-brasileiros e referências do samba. O resultado é um disco que se revela mais rico a cada escuta. Juçara segue na proposta de “desconstrução” da canção, agora se valendo de samples (“cacos”, como ela mesmo chama) para dar forma a faixas que borram as fronteiras entre música eletrônica experimental e MPB.  – Gabriel Leite Ferreira 

Faixas Favoritas: Vi de Relance a Coroa e Crash

Jade Bird – Different Kinds of Light

A cantora britânica Jade Bird volta mais madura e preparada em seu segundo álbum, Different Kinds of Light, com uma voz talvez menos feroz, mas ainda bela e sensível. Com apenas 23 anos, a cantora e compositora exerce um controle surpreendente sobre seu próprio talento, capaz de transitar entre tons e gêneros diversas vezes durante as 15 faixas do disco, que peca apenas no excesso, nunca na falta. De fato, apenas o canto melódico de Bird acompanhado de seu violão característico às vezes parece simplesmente grande demais para ser contido, dada a natureza expansiva de seu country alternativo.

Ela também transita muito bem entre continentes, abraçando os ritmos do Sul americano e aperfeiçoando suas cordas vocais e sintéticas durante a jornada, e criando um estilo inteiramente seu conforme o tempo passa. Different Kinds of Light parece não como uma evolução linear, e sim como uma adição eclética à carreira de sua artista, que audaciosamente configura os sons do disco anterior junto com um novo repertório de rock alternativo para novamente dar vida aos sons de sua vida. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Trick Mirror, Now is the Time e Candidate

Tasha & Tracie – Diretoria

Com qualidade inquestionável, a lírica agressiva das gêmeas Tasha & Tracie dão o tom do seu segundo trabalho de estúdio, o EP Diretoria. Lançado em agosto de 2021, o disco que mistura drill com trap e &B, sem deixar o boombap e o grime de lado, traz fortes referências à clássicos do funk consciente e também do funk proibidão, e mostra que são elas quem estão por cima, principalmente quando se fala da liberdade sexual e empoderamento da mulher preta independente e de favela. Tudo isso de maneira explícita, sem meias palavras – o que, claro, incomodou muita gente. Provando porque desafiam o seu ego quando são elas que comandam, como cantam em Amarrou e justificando as suas mais de 1 milhão de visualizações no YouTube.

Apesar das críticas, o álbum das multiartistas, que recentemente vêm recusando qualquer outra denominação que não “ativistas periféricas”,  foi considerado um dos melhores do ano e da nova geração do rap no país, aparecendo na lista dos 50 melhores de 2021 da APCA (Associação Paulista de Críticos de Artes), e que, além de figurar no Prêmio Nacional Rap TV, também levou o título de melhor EP do ano passado, assim como as autoras, vencedoras na categoria Melhor MC Feminino.  – Andrezza Marques 

Faixas Favoritas: Amarrou, Lui Lui e Diretoria

Luísa Sonza – DOCE 22

“Cê acha que eu tô brincando?/Acho que eu sou a mulher do ano!”. No cenário pop brasileiro de 2021 ninguém deu tanto o que falar quanto Luísa Sonza. Ao tentar se recuperar de um fim de relacionamento controverso que atraiu uma avalanche de haters para a sua carreira, Sonza presenteou o mundo com DOCE 22, o seu segundo álbum de estúdio que soou por todos os cantos do país. A intérprete de penhasco. mostrou toda a sua capacidade artística ao reformular a identidade visual: o cabelo platinado, o delineado marcado e os looks da grife Mugler se tornaram símbolo da era. 

Lançado com três faixas indisponíveis, a divulgação contou com a astúcia de liberá-las como singles de forma esporádica. Se os fãs tiveram que esperar para escutar as parcerias com Jão, Mariah Angeliq e Ludmilla, eles posteriormente puderam se deleitar com os videoclipes impecavelmente produzidos. Alcançando feitos inéditos na carreira, DOCE 22 conquistou o título de álbum nacional mais reproduzido no streaming em 2021. Puta, vagabunda, interesseira ou qualquer outro adjetivo que atribuam a ela, uma coisa é fato: Luísa Sonza foi a mulher do ano do pop nacional. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: 2000 s2, ANACONDA *o* ~~~ e MULHER DO ANO XD

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Diferente de outros projetos mais explosivos de Rico Dalasam, como Balanga Raba – pensado especificamente para as pistas de dança –, Dolores Dala Guardião do Alívio tem um menor escopo. E sem problemas, a narrativa central do LP pede por isso. Porém, após voltar a circular com shows no fim de 2021, Rico presenciou plateias frenéticas e empolgadas projetarem um entusiasmo desproporcional às músicas, gritando os versos íntimos e confidentes do disco, de Expresso Sudamericah a Braille, tal qual os hinos mais enérgicos do pop. Afinal, depois de acumular tantas energias e aflições em quase dois anos de confinamento, a reação não poderia ser outra. Mas, ainda assim, talvez isso não seja tão contraditório quanto se imaginaria.

Em DDGA, Rico Dalasam aborda suas vivências pessoais enquanto um “corpo preto sul-americano”, através de suas experiências em um relacionamento interracial, e todos os traumas que lhe provocaram. Dito isso, apesar de um relato individualizado, irrevogavelmente ele evoca uma extensa e complexa tradição colonial em nosso país, que também afeta outros diversos tipos de corpos – corpos aos quais Rico se comunica. A euforia presente nos retratos do álbum surge, portanto, de uma demanda impreterível – nossa e do artista – por expressar incontáveis dores reprimidas, e que encontra, ali, um canal para manifestação. Entretanto, indo além de reproduzir as violências, cada canção nos guia gentilmente por um processo coletivo de cura. No fim das contas, Dolores Dala Guardião do Alívio é a utopia de Rico Dalasam, onde ele reconstrói o mundo ao seu redor para, assim, reconstruir a si mesmo. E é aí que está a potência de nossas utopias. Pois somente imaginando o futuro é que podemos concretizá-lo. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Última Vez, Braille e Supstah

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING

Prestes a celebrar dois anos desde o último lançamento, EXO voltou com uma missão: animar os fãs ansiosos por um projeto em grupo. Direto de uma base militar intergalática, a faixa-título Don’t fight the feeling carregou a estética visual da nova era com maestria. Apesar da falta dos integrantes Suho e Chen que precisavam cumprir o regime militar obrigatório, a presença do membro chinês Lay através de um chroma key ajudou Xiumin, Baekhyun, Chanyeol, D.O, Kai e Sehun a sustentarem a imagem do EXO como um conjunto que se completa de forma perfeita.

Foi através de um minijogo online chamado EXO-SHIP-SAGA que os teasers foram liberados e o público pôde começar a teorizar conspirações sobre o conceito do álbum. Para a felicidade maior dos fãs, o programa de variedades EXO Arcade ganhou a sua segunda temporada e serviu como uma divulgação especial. As 5 faixas do sétimo EP do grupo sul-coreano foram suficientes para estremecer o cenário da música K-pop: DON’T FIGHT THE FEELING garantiu uma das melhores recepções da carreira do EXO e, por isso, vendeu 1 milhão de cópias somente na primeira semana. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Don’t fight the feeling, Paradise e Runaway

Kanye West – Donda

Controvérsias envolvendo uma patética candidatura à presidência, o litígio conturbado com Kim, a errada decisão de rechear a obra com laranjas podres, sua questão com a bipolaridade e os ataques que tem nas redes sociais, incluindo denúncias sérias à gravadora. Esses são os ingredientes que fazem de Donda (para bem e para mal) a consolidação de Ye como performer e personagem fonográfico, além de um impossível exercício de separar obra de artista. Afinal, fica claro que a capa preta do álbum reflete artisticamente Kanye West. O disco, que é uma homenagem póstuma do rapper para sua mãe Donda West, a usa como fio condutor para discussões sobre luto, religião e redenção pessoal. Os constantes adiamentos fizeram com que o artista aflorasse todo seu perfeccionismo característico nesse trabalho. 

Mesmo com tudo indo contra (por culpa exclusiva das intenções de Kanye), isso nos deu um álbum primoroso tecnicamente, fazendo com que, desde suas audições, até escutar a obra em plataformas, sejam experiências únicas. Com participações que vão desde sua desavença JAY-Z, seu mais novo arqui-inimigo Kid Cudi e as execráveis manchas no álbum, Marilyn Manson e DaBaby, Donda é uma síntese de todos os Kanye Wests das eras anteriores, cantadas e produzidas por um Ye cada vez mais megalomaníaco. Se distanciando da persona do álbum antecessor, Kanye ainda quer falar sobre Deus e sobre a influência da fé em sua vida, mas dessa vez sem se dar o aspecto messiânico. Por isso, Donda conseguiu ser o que JESUS IS KING (2019) não foi, um retrato pessoal e humano de Kanye, onde suas fraquezas e dificuldades são expostas, quase que como um grito de socorro para sua mãe. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Jail, Praise God e Jesus Lord

ELIO – ELIO and Friends: The Remixes

Em via de regra, álbuns de remixes servem como complementos aos trabalhos originais, normalmente servindo como materiais de divulgação para novas turnês ou campanhas de premiações. No caso de ELIO, a máxima é oposta. Poucos meses depois de chegar chegando com um trabalho cheio de vitalidade (o EP Can You Hear Me Now?), a promessa do pop que flerta com a PC Music recrutou a dona do pedaço Charli XCX para aumentar o falatório ao redor do que viria a ser um disco paralelo à sua estreia, mas com ainda mais presença. 

XCX empresta vocais para CHARGER, mas são as demais parcerias que elevam o material final. hurts 2 hate somebody tem o apoio de Chase Atlantic e No Rome, e a magnífica e particular @elio.irl é içada aos céus junto de Adam Melchor. O som é de primeira, as batidas envolvem e a ginga é sinônimo de agitação. ELIO and Friends: The Remixes pode não ter tido a mídia que merecia, mas para os aficionados pela mistura ideal de PC Music e um pop arranhado e efervescente na luxúria, essa é a pedida do momento. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: hurts 2 hate somebody, @elio.irl e When You Saw Love

Elza Soares & João de Aquino – Elza Soares & João de Aquino

Antes de qualquer atributo possível, Elza Soares & João de Aquino é o último álbum lançado em vida pela imortal e insubstituível Mulher do Fim do Mundo. É por esse motivo que nem mesmo a excepcionalidade de um disco que honra a responsabilidade e o peso que carrega foi capaz de amenizar a devastação que viria um mês após seu lançamento. A verdade é que o Brasil nunca estaria pronto para perder a Voz do Milênio. Em todo caso, o trabalho em questão não deixa de ser uma dádiva para os seres apaixonados por cultura. Gravado em sessão única, na segunda metade da década de 1990, Elza Soares & João de Aquino é fruto direto da maestria que só cantoras como Elza Soares poderiam alcançar.                 

Já o talento do violonista João de Aquino, como sinaliza a maior parte dos textos que abordam a obra, é outro destaque raro e único, que contribui muito para a qualidade final do disco. Mas o que mais se destaca em Elza Soares & João de Aquino é, de fato, a fascinante atmosfera de liberdade que paira sobre todo o repertório escolhido no calor do momento. Há muita verdade naquilo que se canta, e o formato voz e violão gera uma crueza sonora que realça e engrandece a figura de uma lenda. Não é de se espantar, portanto, que o último lançamento acompanhado da presença de Elza tenha conquistado uma recepção muito boa da crítica brasileira. – Eduardo Rota Hilário        

Faixas Favoritas: Drão, Hoje e Meu Guri

Encanto (Original Motion Picture Soundtrack)

Lin-Manuel Miranda errou: se tem uma coisa sobre a qual estamos falando, é sobre o Bruno. E também sobre a Mirabel, a Luisa, a Isabela, a Abuela, a Dolores e a Tia Pepa. Afinal, nem mesmo a Disney estava pronta para o tamanho do impacto de Encanto na cultura pop. Além de não licenciar produtos sobre todos os integrantes da vila de superseres, a empresa submeteu a sentimental e melancólica Dos Oroguitas para concorrer ao Oscar de Melhor Canção Original.

Acontece que We Don’t Talk About Bruno, graças à mágica do TikTok, tomou conta dos Estados Unidos e tem quebrado recordes históricos, se mantendo no topo das paradas sem sinal de cansaço. O motivo para tanto retorno e falatório, sem pestanejar, é o poder de Miranda na composição, que entrega corpo e alma nas 8 canções que compõem a Trilha Sonora. Da introdução calorosa em The Family Madrigal, ao lamento de Luisa em Surface Pressure e a libertação de Isabela em What Else Can I Do?, as músicas de Encanto vivem à altura de seu título. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: Surface Pressure, What Else Can I Do? e All of You

Black Country, New Road – For the First Time

Faz apenas pouco mais de um ano que um grupo de sete jovens britânicos, todos na casa dos vinte anos de idade, apresentou ao mundo uma coleção de seis peças mirabolantes que fugiam a todo custo da precisão milimetricamente calculada das músicas automatizadas, explorando as possibilidades de uma criação coletiva, espontânea, acústica, elétrica, e carregada de um senso de urgência do aqui-e-agora. E nesse meio tempo, a banda já viveu uma longa saga: da expansão de sua legião de fãs ao lançamento do já aclamadíssimo segundo disco Ants From Up There, passando pela saída do vocalista Isaac Wood, deixando um futuro aberto de possibilidades para a banda. 

É surpreendente observar o desenvolvimento do grupo de For the first time para o mais sensível e menos desesperado Ants From Up There. Mas à luz do segundo, o primeiro parece ainda maior e mais impactante do que era há um ano. As canções conduzem o ouvinte a uma lenta e crescente tensão, prenunciando um desastre iminente, até explodirem em níveis catatônicos, ou ainda levando a versos lamentosos, alternados com energéticos compassos instrumentais ao ritmo de klezmer. A fórmula irresistível unindo um quê de post-punk a uma gama variada de instrumentos rendeu uma obra-prima que já tem lugar marcado na lista de melhores da década. Agora só nos resta torcer para que a primeira vez de BC,NR também não seja a penúltima. – João Batista Signorelli

Faixas Favoritas: Science Fair, Sunglasses e Opus

Don Diablo – FOREVER

Don Diablo está numa escalada genial com seu próprio universo futurista e mostrou um trabalho único em 2021. Depois de inaugurar o mundo dos shows em NFT, vendendo o DESTINATION HEXAGONIA por 1,2 milhões de dólares, o holandês decidiu que o álbum FOREVER merecia mais faixas, e lançou sua Deluxe Edition com 29 músicas. A obra é um projeto diferente de qualquer coisa no gênero eletrônico, sendo um dos principais não só entre os lançamentos de 2021, mas uma verdadeira referência do quão bem um DJ consegue comunicar cada devaneio que faz parte da sua Arte, mesmo que seja sem cantar uma palavra. 

Em INFINITE FUTURE é possível ouvir, imaginar e se sentir dentro do mundo que Diablo criou – um exemplo de como o álbum é uma experiência por si só. Seu future house foi muito bem explorado para variar durante as faixas, conseguindo ser combinado com a euforia de Galantis em Tears For Later, o tom melódico de Ty Dolla $ing em Too Much to Ask e a batida profunda em progressive de Bad. A habilidade de mostrar um universo único, em que todos são induzidos a embarcarem na sua viagem futurista, fez com que FOREVER seja um dos melhores álbuns do ano.  – Nathália Mendes

Faixas Favoritas: Bad, Into the Unknown e Hot Air Balloon

Turnstile – GLOW ON 

Trazendo um som polido mas ainda violento, doce porém maduro, com influências de Refused à Prince, os meninos do Turnstile parecem ter encontrado um ponto único em que todas essas misturas fazem muito sentido, e com isso, celebram. Isso pode ser visto em faixas como MYSTERY, HOLIDAY e ENDLESS, que trazem o peso dos riffs casados com melodias grudentas e refrões triunfantes. Ou em músicas que escancaram ainda mais as experimentações da banda como UNDERWATER BOI e ALIEN LOVE CALL, com guitarras cobertas de reverb e chorus sobre grooves oitentistas. O que se tem aqui é um elogio à música como um ato coletivo, de convergências de influências diversas e sentimentos universais.

Em GLOW ON, o quinteto de Baltimore conseguiu algo que raramente se vê acontecer em gêneros tão nichados como a cena de pós-hardcore da atualidade: mostraram algo efetivamente novo, experimentando sons sem perder a essência do estilo musical e atraindo um público novo, um público maior, sem perder os velhos fãs. Uma vez que o álbum surge de um cenário tão característico e sonoramente bem definido, é emocionante ver a capacidade da banda de expandir os limites do hardcore de forma tão catártica e original. – Henrique Gomes

Faixas Favoritas: WILD WRLD, HOLIDAY e T.L.C. (TURNSTILE LOVE CONNECTION)

The Staves – Good Woman

“Não é justo, por que você não se importa?”, cantam as Staves no que se confirmou uma das canções mais impetuosas e brutais do ano. Em Paralysed, meio do caminho da duração de Good Woman, as irmãs se guiam por uma melodia calma e um acompanhamento soturno que, quando eclipsado por sentimentos ariscos, calorosos, vibrantes, explode. Muitas dessas características podem ser listadas na obra como um todo, um disco que passou seis anos em processo de formação, até que finalmente fosse atingido pela dor do luto desavisado. Emily, Camilla e Jessica, maduras, machucadas, cautelosas, se dão as mãos, reconhecendo a força do presente.

Na resplandecente Next Year, Next Time, o trio sorri em meio a uma letra que abraça o fracasso, ao passo que em Failure elas iluminam outro prisma do mesmo núcleo emocional. Good Woman se forma por um conjunto fortuito de inspirações e entrega, em especial àquelas que não necessitam de palavras para serem transmitidas (as letras foram escritas antes da tragédia que levou a mãe da família). Partindo de uma capa convidativa e contemplativa, aliada a uma história de origem devastadora e emocional, a banda The Staves nem precisava cantar sobre uma boa mulher, mas mesmo assim o fizeram. Ainda bem que o fizeram. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: Paralysed, Nothing’s Gonna Happen e Next Year, Next Time

Manu Gavassi – GRACINHA

Ah, as gracinhas de Manu Gavassi… Desde fidelizar uma fan base dedicada até alimentar suas mais severas críticas, a personalidade da artista paulistana sobressaía qualquer um de seus trabalhos artísticos. Até o dia 12 de novembro de 2021, quando ela definitivamente se cansou da identidade que havia construído até então e deu um passo significativo em direção ao avanço de sua carreira. Ainda um tanto engraçado, o álbum mais recente de Manu Gavassi é justamente a maior GRACINHA do pop nacional dos últimos anos.

E a leitura nem é a que surge das mais diversas críticas positivas que o disco ostenta, mas sim da própria voz da artista em seu trabalho metalinguístico e multimídia, desde o primeiro verso da primeira faixa. Ao lado de nomes como Tim Bernardes e Lucas Silveira, ela compõe, interpreta e produz o projeto, que ainda conta com um complemento visual para enriquecer a sua experiência estética. Entre referências da música brasileira, influências do pop europeu e demais gêneros latino-americanos, a GRACINHA de Manu Gavassi encanta sem esforço algum uma lista de melhores do ano. – Raquel Dutra

Faixas Favoritas: GRACINHA, Reggaeton triste e Bossa Nossa

Billie Eilish – Happier Than Ever

Depois de atingir o topo, o que a vida reserva? Para nossa sorte, Eilish escolheu não enfrentar esse prisma emocional logo de cara. Maturar seu gênio artístico em um novo álbum, alfinetando fantasmas e triunfos, foi a resposta. Respingando sinceridade, vociferando acidez e conquistando libertação, Happier Than Ever surge empoderando as nuances que colocaram a estadunidense em evidência para o mundo – e, agora, em primeiro lugar para si mesma. É o descascar de amor, fama, trauma, poder, mágoa, fúria: toda a miscelânea que impacta Billie no âmago juvenil. Assim, parecendo oráculo, a produção elucida e arrebata minúcias universais que só transbordam singularmente graças ao lirismo magnético da cantora.

Entre o minimalismo e a estridência, a sonoridade do disco rodopia com diversidade e autoria pelas reflexões dispostas. Aqui, o sarcasmo para enterrar um amante patético. Ali, um xeque-mate no body shaming excruciante. Adiante, morte, abuso e feminilidade destrinchados em dores e denúncias virtuosas. Afinal, 16 faixas são mesmo suficientes para revelar a perspicácia múltipla e genuína de Happier Than Ever. Não é segredo entender seus recordes de vendas e reproduções, suas sete nomeações ao Grammy 2022, nem a felicidade aparente da jornada. E não há constatação tão idônea quanto exaltar a (re)invenção de Billie Eilish usando seu ponto de partida: “Estou ficando mais velha/Acho que estou envelhecendo bem”. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Everybody Dies, Happier Than Ever e Male Fantasy

Os rappers ELUCID e billy woods retornaram como o duo Armand Hammer novamente, para a alegria de uns e temor de outros. Pela primeira vez contando com a produção inteiramente nas mãos de The Alchemist, é essa riqueza lírica inerente à dupla, somada com a sonoridade única trazida pelo produtor, que torna o disco tão especial. O resultado é a ambientação soturna e onírica construída através do uso torto de samples como pano de fundo para letras moldadas por um uso do fluxo de consciência sujo e franco dos rappers. Um disco sutilmente grandioso, onde o que importa não é exatamente o que as palavras e o som indicam, mas as imagens densas que são formadas pelo estilo único de composição do grupo, repleto de referências e metáforas complexas.

Sonoramente, o lendário beatmaker mostra um trabalho bem diferente das colaborações com Boldy James e Freddie Gibbs, com uma certa loucura vista no beat reverso de Peppertree, o peso visto na densa Wishing Bad e a beleza um tanto irônica em Stonefruit, uma das melhores músicas do ano. Liricamente, são barras duras como “Jurei vingança na sétima série/Não contra um homem, contra toda raça humana” e emocionantes como “Eu não quero perder o controle mas/Não consigo limitar um espaço para crescer” que vão revelando a dor e a ira que envolvem a existência de um homem negro no mundo atual como tema do disco. Capazes de provocar, confundir, emocionar e instigar os ouvintes, a dupla entrega um disco único que os eleva ao pódio dos maiores compositores da Música moderna. – Henrique Gomes

Faixas Favoritas: Black Sunlight, Wishing Bad e Stonefruit

Jazmine Sullivan – Heaux Tales

Em seu lançamento, nos primeiros dias de 2021, Heaux Tales (RCA Records) foi uma surpresa. Mas não pela qualidade, considerando que elegância e bom gosto sempre foram constantes na carreira de Jazmine Sullivan. A verdade é que, de tão complexas e bem contadas, as crônicas de sexo e ambição que habitam este EP não cabem num período fechado de tempo e, treze meses após a estreia, mais e mais camadas do projeto vão se revelando. Aqui, a compositora da Pensilvânia fala diretamente com outras mulheres pretas ao refletir sobre como, para pessoas como ela, solidão, afeto e capitalismo são elementos interligadíssimos. O conflito entre esses pilares é o que dá força à maioria das reflexões que surgem na tracklist.

Em Bodies – Intro, por exemplo, ela repreende a si mesma pelos rumos de sua vida, guiada pelo álcool e baixa autoestima. Enquanto isso, sonha com um marido rico na maravilhosa The Other Side e rende-se a um homem que só quer seu dinheiro em Put It Down. Isso sem nunca julgar as heroínas dessas histórias. Guiadas pelo neo-soul que transformou sua intérprete numa lenda do gênero, essas canções são cartas de amor às vivências de mulheres negras mundo afora, abraçando com força suas falhas, complexidades, vitórias e derrotas. A narrativa vai ainda mais longe com a versão Deluxe do projeto, que mergulha em traumas de infância e busca o olhar masculino para dar continuidade às histórias. – Leonardo Teixeira

Faixas Favoritas: On It, Lost One e The Other Side

Caroline Kingsbury – Heaven’s Just a Flight

Ela não tem seguidores no Instagram, ela não tem muitos ouvintes mensais no Spotify, ela não tem apoio da crítica especializada, mas ela tem o Melhores do Ano do Persona! Heaven’s Just a Flight é uma joia perdida na prateleira de discos de 2021, apenas esperando para ser descoberta por quem ama música boa. Caroline Kingsbury, compositora e co-produtora do álbum, entrega sua alma e suas memórias para construir uma experiência sensorial, embalada pela sensação nostálgica do indie rock fundido ao dream pop. 

Kingsbury transforma seu debut em uma máquina do tempo neon por 54 minutos e viaja por um amor queer incandescente, questões familiares e dúvidas existenciais. O ruído das guitarras e vocais que bebem do shoegaze conduzem as 16 faixas, amarrando a experiência numa atmosfera coesa e inebriante. Sabe aquele artista ou álbum que você ouve e pensa: “como o mundo ainda não encontrou isso aqui, meu Deus do céu”? Essa é a melhor condecoração que Heaven’s Just a Flight pode receber.  – Jho Brunhara

Faixas Favoritas: Kissing Someone Else, Give Me a Sign e In My Brain

Lucy Dacus – Home Video

Quando decide voltar para sua cidade natal, a cantora Lucy Dacus deliberadamente aceita o caráter intimista que seu terceiro álbum de estúdio irá tomar. Todavia, as crônicas presentes em Home Video se encontram ao lado oposto de um rancor gratuito ou de traumas revisitados sem conclusões. Habilmente, Dacus realiza um espetáculo de autodescoberta, de constatações e muitas emoções ressecadas. Na abertura de Hot & Heavy, ela prenuncia um retorno tardio, enquanto vasculha seus corações partidos em busca de vácuos de amor, paixão, desavenças e muita honestidade. Mais do que um disco para caçar seus fantasmas, Lucy Dacus metamorfoseia sua Arte entre o prazer do hoje e a imprevisibilidade do amanhã

Não à toa, os melhores momentos de Home Video vem embalados em composições ultrapessoais: Thumbs alegoriza um assassinato premeditado, VBS nos transporta para um acampamento religioso (e de forma paralela, excrutina o peso da fé na vida de pessoas que não se conformam com a dita “normalidade”). Visceral e mais madura do que em seus trabalhos passados, Lucy Dacus chega ao ápice em Triple Dog Dare, uma faixa que se estende por quase oito minutos, sem refrão, mas com a certeza de que, quando aceitar o inevitável destino de amores fracassados de outrora, se firmará eterna. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: Triple Dog Dare, Brando e Please Stay

The War on Drugs – I Don’t Live Here Anymore

As composições de The War on Drugs costumam girar em torno dos mesmos temas: solidão, paixões não correspondidas, exaustão, morte – a vida fragmentada de ser um humano consciente no século 21. Mas o tratamento dado a esses temas – responsabilidade majoritariamente atribuída a Adam Granduciel, vocalista e letrista do grupo – acabam sempre voltando ao processo falho da memória e ao exercício errático que ela produz ao tentar armazenar o passado. Em I Don’t Live Here Anymore, a jornada do indivíduo solitário é levada a sério, afirmando o poder musical de The War on Drugs.

Concebido em um intervalo de quase três anos, o trabalho gravado em sete estúdios diferentes – que vai de Electric Lady, em Nova York, ao cultuado Sound City, em Los Angeles – nasce como uma combinação dos sentimentos mais profundos e honestos da banda estadunidense. Esses sentimentos ganham vazão nos personagens assombrados de Granduciel, que são apresentados sem grandes invenções, porém com maestria e competência de quem já recebeu um Grammy de Melhor Álbum de Rock. I Don’t Live Here Anymore é sobre envelhecer e amadurecer, mas é também uma experiência gratificante que qualquer fã de folk rock não poderia deixar passar. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Change, I Don’t Live Here Anymore e Living Proof

girl in red – if i could make it go quiet

O primeiro álbum de girl in red, if i could make it go quiet, veio ao mundo três longos anos depois de sua estreia. Nesse tempo, mais do que o suficiente para que a guinada na carreira refletisse em sua vida pessoal, a artista norueguesa amadureceu os temas de suas canções e a forma como gostaria de expô-los, assim como repensou a sonoridade que a fez famosa em primeiro lugar. As simples guitarras indie pop do início de carreira continuam – a artista não cedeu aos glamoures da indústria musical e seguiu no seu cativante bedroom pop -, mas a cantora e compositora soube mirar mais alto. Com pianos, sintetizadores e batidas eletrônicas, Marie Ulven, nome real da girl in red, mostra que o álbum não é mais do mesmo.

As letras provam isso, também. Se antes ela cantava sobre relacionamentos românticos, os que deram certo ou errado, sobre a descoberta da sexualidade e as próprias inseguranças, de uma forma polida, apesar de honesta, agora ela é crua e coloca suas cartas na mesa. Saúde mental, inclusive, vira tema no álbum, assim como a fama e suas consequências. girl in red passeia entre os questionamentos, as desilusões e as auto sabotagens que permeiam a mente dela, e cativa pela identificação: entre faixas mais melancólicas e outras animadas, if i could make it go quiet é musicalmente divertido, mas triunfa ao mostrar que tem mais alguém lidando com a bagunça que é viver e sentir. – Vitória Lopes Gomez

Faixas favoritas: Body And Mind, hornylovesickmess e Apartment 402

Liniker – Indigo Borboleta Anil

Um dos poucos orgulhos do ano foi ver Liniker brilhar e reluzir em seu voo solo. Em junho acompanhamos ela dar vida à Cassandra nas agridoces Manhãs de Setembro, três meses depois fomos atingidos em cheio por um raio afetivo de talento no unânime Indigo Borboleta Anil. Não há conjunções coordenadas adversativas que limitem ou diminuam com a ideia do álbum ser o melhor do ano, ele simplesmente é! A voz hipnotizante de Liniker nos carrega por seu ápice vocal, criativo e emocional. Não há limite que o acalanto da artista não ultrapasse, seu dom único de tocar a alma através da voz se fortalece em meio aos tons de azul.

Indigo Borboleta Anil não é apenas um álbum, é um presente divino. O disco é íntimo em meio sua narrativa sonoro-explosiva, no boníssimo sentido da palavra, que une samba, MPB, groove e blues, marejando poesia em cada sílaba. As faixas, que contam com participações de Milton Nascimento e Tássia Reis, são sinestésicas e com progressão imersiva que fascina pela destreza que a cantora e compositora tem em nos conduzir. A maestria de Liniker para composições não é novidade para quem a acompanhou ao lado dos Caramelows, mas ver sua liberdade em seu primeiro álbum solo é transcendental e entorpecente. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Antes de Tudo, Psiu e Lalange

Bo Burnham – Inside (The Songs)

“Eu deveria estar fazendo piadas em momentos como esse?” Esse é um dos primeiros questionamentos de Bo Burnham em seu mais recente especial de comédia. Bo Burnham: Inside é escrito, produzido e dirigido por Bo, mas sua versatilidade não é novidade. Bo, que é ator, comediante e músico, consegue flutuar entre diversos gêneros sem dificuldade, desde um papel tenso em Bela Vingança, até incorporar um comediante nato em Doentes de Amor. Seus especiais de comédia convidam o espectador a “olhar através da fechadura” e ver os pensamentos mais profundos de Bo. Make Happy e Bo Burnham: Inside estão disponíveis na Netflix. 

Desde junho de 2021, o álbum especial transitou por diversos cenários, ganhou 3 Emmys, foi lançado em salas de cinema, teve música viralizando no TikTok, e ganhou versões em CD, vinil e nas principais plataformas de streaming. O álbum estreou em sétimo lugar nas paradas da Billboard 200 e se tornou rapidamente um clássico na comédia musical. Diferentemente dos especiais de comédia comuns, Inside carrega com si um clima de melancolia devido ao momento social e político em que foi gravado (durante a pandemia da covid-19 e em ano de eleições estadunidenses). Bo Burnham foi, sem dúvidas um dos grandes nomes de 2021. – Lucca Faustino

Faixas Favoritas: How the World Works, White Woman’s Instagram e All Eyes On Me

FEBEM –  JOVEM OG

JOVEM OG é o quarto álbum de estúdio de Felipe Desidério, mais conhecido por FEBEM. Precedendo o aclamado BRIME!, o trabalho mais recente, lançado em abril de 2021, traz em sua narrativa, nuances de intimismo à uma realidade que  segue escancarada todos os dias no Brasil: o genocídio e violação da população negra e periférica. O assassinato brutal do jovem congolês Moïse Kabagambe, que chocou o país em 24 de janeiro de 2022, é só mais uma das inconstetáveis provas de que quase um ano depois, o disco que denuncia e declara “Guerra só com o estado/Que não suporta a vitória de favelado”, na letra da faixa MÉXICO, ainda se mantém indigestamente atual. 

 Pela qualidade técnica, sonora, lírica e artística, e sem deixar as críticas e sátiras do rap protesto de lado, JOVEM OG é considerado um dos melhores trabalhos do rapper, ao que se deve reconhecer também a parceria com o produtor CESRV. Juntos, os dois foram os grandes responsáveis pelo disco ter emplacado tracks nas listas de mais ouvidas no Brasil, como CRIME que ocupou a 29ª posição no Apple Music em março de 2021, mês do seu lançamento como single, e ter concorrido como Melhor Álbum do Ano no Prêmio Nacional RAP TV 2021. – Andrezza Marques 

Faixas Favoritas: CRIME, ÁREA DE RISCO e VAI PENSANDO

Japanese Breakfast – Jubilee

O ano de 2021 representou uma escalada gigante na carreira de Michelle Zauner e seu Japanese Breakfast. A cantora teve um artigo de sucesso na conceituada revista The New Yorker, que se transformou em livro de memórias best-seller e que, por sua vez, teve os direitos vendidos para ser adaptado nas telonas, com trilha sonora assinada pela própria Michelle. Além disso, ainda houve o lançamento de um álbum ao vivo, uma soundtrack de videogame e tudo isso encabeçado pelo lançamento de Jubilee, sua redenção pop e trabalho mais acessível até o momento, que fez muito barulho e figurou nas principais listas de melhores álbuns do ano. 

Todo o sucesso do Jubilee e o ano frutífero de Michelle são méritos da sensibilidade artística e autenticidade da própria artista. A obra de Zauner, seja musicada ou proseada, é um documento sincero de sua própria trajetória de vida. Temas como luto, conflito geracional, choque cultural e relacionamentos no geral, dialogam diretamente com toda uma geração de jovens adultos. A fácil conexão com as temáticas das canções somadas a uma produção açucarada, dançante e inventiva, são a fórmula do sucesso de um álbum que será sempre lembrado como um dos mais marcantes de 2021. – Carlos Botelho

Faixas Favoritas: Paprika, In Hell e Posing In Bondage

Arca – KICK ii

KICK ii, obra que marcou o retorno implacável de Arca, é um destaque que mescla sabores e sensações. A inovação presente no álbum conduz o ouvinte a uma viagem frenética e contagiante em uma inversão desconstruída da sonoridade familiar do reggaeton, que vem dominando o pop mainstream há muito tempo. A artista venezuelana nos mostra seu interior ao criar atmosferas sombrias e abstratas com ruídos distorcidos e batidas irregulares em uma caótica melodia que divide espaço com ritmos atraentes e explosivos, além de uma hipnótica performance de vocais ardentes e ferozes.

Apesar de moldado de forma desordenada, a não-linearidade intencional da obra a transforma em um genial labirinto de melodias sintetizadas guiado através de contrastes. Se desintegrando e reconstruindo seu espaço, KICK ii é uma brilhante experiência da reinvenção do pop atual que não perde o equilíbrio e o sabor agridoce das emoções e mutações do estilo único de Arca, com uma frenética e precisa integração entre tradicional e experimental. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Tiro, Luna Llena e Araña

Arca – KicK iii

No eufórico KicK iii, Arca apresenta sua forma mais extravagante e divertida. Os primeiros segundos explosivos de sua faixa de abertura, Bruja, mostram o que está por vir no restante da obra. Com batidas experimentais dignas de um ball, as faixas energéticas surpreendem ao revelar o lado festivo da artista venezuelana, que inova suas produções com uma atmosfera embaçada e rodopiante, como um alegre caos, através de texturas sonoras e refrões de tirar o fôlego.

As músicas, saídas diretamente de um “clube mutante”, transbordam ousadia e se lambuzam na fonte do IDM com batidas explosivas que soam como tiros e ruídos metálicos agitados e sobrepostos. O destaque absoluto vai para os vocais inquietos e distorcidos de Arca, que criam uma inovadora forma de rap industrial e explícito. O design de som gutural, mecânico, sujo e estridente faz com que o álbum se sobressaia em relação ao conjunto lançado, apresentando uma fórmula coesa e contagiante. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Bruja, Electra Rex e Señorita

Arca – kick iiii

Quebrando totalmente o clima de confiança inesgotável crescente ao longo dos álbuns anteriores, kick iiii sofre uma queda de energia pesada e se esvazia. No entanto, apesar da quebra de ritmo, Arca oferece uma obra mais contemplativa e intensa em relação ao seu interior. Mesmo que apostando alto com a abordagem introvertida e sonoridade espacial, a artista venezuelana propõe com sucesso uma ênfase na melodia sobre o ritmo, apresentando uma ternura na sonoridade mansa de suas composições.

Arca compõe uma paisagem eletrônica alienígena, característica de um cenário futurístico de uma ficção científica, que oscila de forma melodramática de uma atmosfera calmante para ameaçadora. Os vocais recitados são surpreendentemente imersivos e contribuem para a experiência íntima e direta de suas letras bonitas e enervantes que entram e saem do tom. Apesar de soar quase vazio em comparação a suas contrapartes, o álbum lenta e precisamente recontextualiza o trajeto de Kick para encaminhar a majestosa conclusão do ciclo. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Queer e Lost Woman Found

Arca – kiCK iiiii

Lançado sem aviso prévio, kiCK iiiii traz um fechamento discreto e pensativo para a série de cinco volumes. Apresentando um techno ambiente suave e doce, o álbum não alcança a energia e diversidade do restante do ciclo, apesar do grande nível de refinamento. A artista venezuelana nos dá um espaço para respirar e contemplar de forma lenta a sensação confortável que traz em suas melodias cintilantes e inusitadas que homenageiam Aphex Twin.

O nostálgico desenvolvimento de peças líricas e belos estudos de piano, que lutam suavemente entre si, constroem uma atmosfera inigualável de ternura entorpecente e meditativa. O conjunto se destaca pela sua coesão de sensações, soando como lindas canções de ninar sintetizadas e futurísticas que expressam intimidade e vulnerabilidade. O despejo dessa obra é como uma declaração de domínio e maestria musical de Arca, demonstrando o poder de Kick. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Chiquito, Sanctuary e Músculos

Lagum – MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui)

Depois de tanta espera, finalmente, a Lagum chega com o álbum novo. Assim, fica claro: esse é só o começo e eles não vão parar por aqui. Após a triste notícia do falecimento de Tio Wilson, o baterista, o disco propõe uma homenagem e resulta em uma reflexão abrangente sobre os momentos da vida entre as paranoias, amores e curtições. Em MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui), Lagum nos apresenta novamente a experiência de liberdade encontrada em outros discos. Ao tocar das faixas, não nos resta outro sentimento se não o desejo de aproveitar e sonhar, porque a vida é boa pra caralh*.

Sem censuras e sem padrões a serem seguidos, o disco é uma grande representação do jovem brasileiro e ao mesmo tempo, oferece os mais diversos estilos e letras para quem quer que esteja ouvindo. A Lagum é dona de uma originalidade gigantesca e logo, a faixa NINGUÉM ME ENSINOU ganhou grande repercussão nas redes sociais, como o TikTok. A capacidade que o som produzido tem de encaixar em qualquer momento do dia, nas mais diferentes vivências, faz com que a obra seja usada para registrar aquilo que seu título promete: memórias, de sonhos que ainda não conhecemos. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: VEJA BABY, FESTA JOVEM e NÃO VOU FALAR DE AMOR

Caetano Veloso – Meu Coco

Desvendar as camadas criativas presentes nas obras de Caetano Veloso é um processo que costuma levar muito tempo. Quando estamos diante de seus melhores trabalhos, então, essa jornada torna-se ainda mais longa. Não é de se espantar, portanto, que Meu Coco seja formado por incontáveis elementos e trajetórias. E é justamente o aprofundamento do novo disco de Caê que dá frescor à sonoridade desse artista único, revigorando também sua incontestável excelência enquanto compositor. Por isso, é extremamente justo que, assim como sua irmã Maria Bethânia, Caetano tenha chegado aos importantes cadernos de cultura dos jornais Folha de S.Paulo, O Globo e Estadão – embora não tenha sido capa em todos eles.       

De qualquer forma, é através de Meu Coco que Veloso ilumina o tempo presente, esbanjando sua crença mais eclética na Música brasileira – seja por meio de veteranos, como Naras, Bethânias, Elis e Miltons Nascimentos, ou das Glorias Grooves e DUDAS BEATS da atualidade. Conquistando o público desde Anjos Tronchos, lead single do projeto, Caetano Veloso nos fascina com inestimável intensidade quando chega à queridinha Não Vou Deixar, faixa que também integra a vertente mais política do novo disco. No fim, é mais do que certo que, se um dia Meu Coco concorrer a alguma premiação, as chances de levar algum troféu para casa são altas. – Eduardo Rota Hilário 

Faixas Favoritas: Meu Coco, Anjos Tronchos e Não Vou Deixar         

WILLOW – lately I feel EVERYTHING 

Surfando na onda nostálgica de 2021, WILLOW resgata toda a estética emocore para dar luz ao seu quinto álbum de estúdio. A cantora, que já havia caminhado muito bem pelo R&B, agora decide trilhar seu destino na sonoridade punk rock, e a escolha não poderia ter sido mais precisa. Talento a família Smith tem de sobra, mas parece que a caçula finalmente se encontrou no lugar que desejava estar em lately I feel EVERYTHING. E ela não embarcou sozinha nessa jornada, reunindo parte da realeza do gênero musical com Travis Barker, baterista do blink-182 e que se tornou um fiel escudeiro nesse trabalho, e, ninguém mais, ninguém menos, que a princesa do pop-punk, Avril Lavigne, originando uma das faixas mais espirituosas do disco. 

Em meio à bateria potente de Travis e guitarras estridentes, WILLOW explode em xingamentos, fala sobre relacionamentos frustrados, ansiedade e mostra que está, literalmente, sentindo TUDO. Mesmo em meio a tantas parcerias, ela continua sendo a estrela principal. A fluidez como a jovem passeia por diferentes sonoridades, unida a uma deliciosa rebeldia, é o que torna o álbum um trabalho tão atrativo, e também um dos grandes destaques do ano. Além de que a cantora não poderia estar se divertindo mais ao assumir o posto de novo ícone do pop-punk, tocando guitarra com suas amigas, raspando a cabeça no meio de performances e tudo mais que o estilo permite fazer. – Vitória Silva

Faixas Favoritas: Come Home, XTRA e Gaslight

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Love For Sale foi indicado seis vezes ao Grammy 2022, e isso nada tem a ver com sorte. Basta olhar para as indicações e veremos, dentre elas, algumas das principais categorias da premiação – incluindo Álbum do Ano e Gravação do Ano, essa última por I Get A Kick Out Of You. Antes mesmo de chegar às plataformas de streaming, o novo álbum de Tony Bennett e Lady Gaga recebeu admiráveis cinco estrelas do jornal britânico Financial Times. Gostar ou não de Gaga no jazz é uma particularidade de cada um, mas acreditar que tantos reconhecimentos são injustos beira a incoerência. Ainda mais em relação a Tony, que se despede dos discos com este álbum.        

No entanto, não é só por causa de todo esse agito que Love For Sale merece ser considerado um dos melhores discos de 2021. Dotado de um repertório bastante rico, vocais impecáveis, uma ‘fraternidade’ emocionante e conciliando muito bem presente e passado, o novo trabalho de Tony e Gaga nos surpreende nos mais variados níveis. Alcançando perfeitamente o objetivo de ser um tributo ao compositor norte-americano Cole Porter, Love For Sale, mesmo sem precisar, ainda inova algumas obras clássicas, imprimindo em cada música a roupagem característica da dupla estadunidense. – Eduardo Rota Hilário

Faixas Favoritas: Love For Sale, Do I Love You e I Get A Kick Out Of You

Lil Nas X – MONTERO

Em 2021, Lil Nas X deu à luz (literalmente) ao seu primeiro álbum de estúdio e exorcizou de vez os fantasmas de um one hit wonder. MONTERO é um perfeito retrato do artista que nos ajuda a entender quem foi e o que se tornou Montero Lamar Hill, seu nome de batismo. Desde seus problemas na infância, até o choque da fama repentina e a decisão de se assumir em meio a uma indústria tão conservadora, tudo é muito bem colocado em um álbum que passeia pelo pop, rap, trap e R&B. Subvertendo o cenário do hip-hop hétero, Nas se prova o mais rebelde em um gênero de rebeldia.

Abusando de suas referências que permeiam de Outkast a Elton John e lotando a obra de grandes nomes como o feat com Doja Cat e Kanye West na produção do maior hit do disco, MONTERO mostra um Nas maduro que não precisou passar por um processo de amadurecimento ao longo de seus lançamentos, mas sim durante sua própria vida. Nas X soube transformar os infortúnios vividos em um álbum contagiante e instigante, ao mesmo tempo em que ele dosa a extravagância com momentos intimistas. Assim como uma borboleta, o disco quebra os casulos dos quais o artista não cabe para o nascimento de um novo Lil, mais colorido e mais livre. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: INDUSTRY BABY,TALES OF DOMINICA e AM I DREAMING

Gal Costa – Nenhuma Dor

Tropical, plural, fatal, Gal! A cantora, que é uma das maiores vozes da música nacional, hipnotiza e inspira gerações desde a década de 60. Na pandemia, sua influência se fez mais forte e seus discos foram ouvidos como nunca, e cultuados como sempre. Os mais jovens redescobriram na voz de Gal Costa um conforto carregado de inconformismo, e ela, percebendo a importância do movimento, celebrou seus 75 anos lado a lado de quem segue os caminhos abertos pela Mãe de Todas as Vozes.

Rodrigo Amarante, Zeca Veloso, Seu Jorge, Zé Ibarra, Jorge Drexler, Rubel, Tim Bernardes, Criolo, António Zambujo e Silva, esses foram os nomes escolhidos para dividir as canções de Nenhuma Dor. O nome do álbum soa como um presságio faixa após faixa, cumprindo seu objetivo de estancar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. O espaço que a artista cede a cada um é bem aproveitado em cada particularidade, com arranjos pessoais o disco funciona como um apanhado de singles, sem perder a harmonia quando as músicas se juntam. O projeto de Gal realmente acabou com a dor. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Avarandado, Juventude Transviada e Nenhuma Dor

Dry Cleaning – New Long Leg

Através de uma coleção surreal de imagens, o cotidiano se torna poesia pela narração obsessivamente apática de Florence Shaw (vocalista): são braços fracos, Kung Fu, um sanduíche velho, um sapato de cerâmica, uma bola pula-pula de Tóquio, Oslo e até do Rio de Janeiro. Narrada totalmente pela voz inalterada de Shaw, que se recusa a cantar, a irreverência quase dadaísta desse lirismo descritivo revela um intimismo inesperado. Ela fala, sussura, simula instrumentos, mas cantar, ela não canta. E se isso parece não fazer sentido nenhum, bom, realmente não faz. Mas é exatamente por meio de uma experimentação tortuosa que Dry Cleaning produziu um dos melhores registros de 2021, logo no álbum de estreia.

Em comparação com os EPs anteriores da banda inglesa de noisy rock – Sweet Princess e Boundary Road Snacks and Drinks, ambos de 2019 –, a produção encabeçada por John Parish (produtor com colaborações que incluem desde PJ Harvey até Aldous Harding) elevou New Long Leg ao seu máximo. Há um contraste tenso entre o tom meditativo da vocalista com a sonoridade industrial conduzida por Lewis Maynard (baixo), Nick Buxton (bateria) e Tom Dowse (guitarra), que carregam uma soma de reminiscências do post-punk da década de 80, sem nunca deixar de se ser, em primeiro lugar, um ponto de vista de Shaw – ou qualquer outro enigmático protagonista criado por sua narrativa lírica rara. – Ayra Mori

Faixas Favoritas: Scratchcard Lanyard, Her Hippo e John Wick

Maria Bethânia – Noturno

“Eu quero vacina, respeito, verdade e misericórdia”. Pouco tempo depois de emocionar o Brasil com um verdadeiro sucesso de live, a primeira da carreira, Maria Bethânia entregou ao mundo um dos discos mais primorosos de 2021. Elaborado do início ao fim com um inteligente jogo de luzes e sombras, Noturno atravessa, por necessidade e convicção, as dores e as delícias de se estar vivo em tempos tão conturbados, abrindo, com essa viagem, os caminhos mais ricos e fartos até uma rara esperança. De mãos dadas com a transmissão do Globoplay, o álbum de Bethânia foi com certeza “uma pequenina luz bruxuleante” para todos aqueles que habitaram o medo.

Precisamente dramático, Noturno não surpreendeu ao obter um reconhecimento considerável logo nos primeiros dias de existência. Ao estampar as capas dos principais cadernos de cultura do país, em jornais como Folha de S.Paulo, O Globo e Estadão, a nova obra da eterna Abelha Rainha nada mais fazia do que ser devidamente prestigiada. Foi com o mesmo merecimento, aliás, que Noturno recebeu excelentes notas de importantes críticos, como o experiente jornalista Mauro Ferreira. Com tamanha qualidade, não restam dúvidas de que o lirismo, a entrega performática e até mesmo o lado mais político de Maria Bethânia foram revigorados por meio desse lançamento. – Eduardo Rota Hilário   

Faixas Favoritas: Bar da Noite, Lapa Santa e Prudência

Djonga – NU

Entre os 5 excelentes álbuns de estúdio de Djonga, nenhum é tão intimista quanto NU – dá para entender pelo nome o objetivo de se despir por completo, olhar para si. Assim como a capa que o ilustra, com sua cabeça em uma bandeja, as 8 faixas o deixam servido de corpo e alma pelas suas verdades dolorosas. Esse é um ápice artístico de introspecção tão profunda que as músicas tomaram ritmos variados – algo incomum para ele. Mais do que isso, as rimas que escancaram a dúvida, a culpa, o medo e o julgamento consigo mesmo, tornam NU o melhor disco de rap de 2021. 

Djonga entende que sua vida depende de ter coragem, e Me Dá a Mão ilustra brilhantemente o que é encarar a própria vulnerabilidade. Diante de tudo o que construiu, ele se sente caindo do topo de um precipício, 1% a menos humano por dia, tão só, tão ele. Do grito assíduo da cultura preta em Nós, até o conflito daquele que faz o dinheiro girar, em Ricô, o álbum é uma conversa extraordinária entre Djonga e Gustavo. NU é exatamente sobre o atrevimento de assumir ser frágil no meio da pressão e dos estereótipos, deixando claro que não existe nenhum disco no cenário como esse. Muito menos um rapper no Brasil como ele. – Nathália Mendes

Faixas Favoritas: Nós, Xapralá e Eu

FBC & VHOOR – OUTRO ROLÊ

O hit viral Se Tá Solteira consagrou FBC como um dos maiores rappers em atividade no Brasil. Ele já vinha lançando trabalhos notáveis antes, como S.C.A (2018), mas a união de forças com o produtor VHOOR permitiu que alçasse voos ainda mais altos. OUTRO ROLÊ, o primeiro dos dois álbuns que a dupla gravou em 2021, é uma aula de destreza lírica e versatilidade. A curta tracklist é mais do que suficiente para o duo demonstrar uma sinergia absoluta, seja em faixas mais dançantes (Champs-Élysées e Baile de Ladrão) ou em canções reflexivas (Gameleira e Sincero Foda-se).

Embalado pelas batidas de drill habilmente construídas por VHOOR, FBC elabora cenários caóticos que misturam passado, presente e futuro para dar conta de sentimentos contraditórios. Um aperitivo: “A vida tem seus mistérios/me pôs de frente os estéreos/fiz música, ministérios/levando esperança até quando não tinha um centavo no bolso pro Minister“. A consagração total veio com BAILE, mas em OUTRO ROLÊ a dupla de Minas Gerais já mostra a que veio como poucas vezes se viu no rap brasileiro contemporâneo. Pra ouvir alto e aguardar ansiosamente pelos próximos passos de FBC e VHOOR. – Gabriel Leite Ferreira 

Faixas Favoritas: Champs-Élysées, Gameleira e Sincero Foda-se

Maiara & Maraisa e Marília Mendonça – Patroas 35%

2021 ficará para sempre marcado no universo do sertanejo. Isso porque, sua maior expoente feminina, Marília Mendonça, faleceu num trágico acidente de avião. Mas Marilinha não deixou o gênero órfão: em parceria com as gêmeas Maiara & Maraísa, ela lançou o álbum Patroas 35% menos de um mês antes de morrer. O projeto marcava o início de um sonho das líderes do feminejo, que mais uma vez revolucionariam o universo onde antes apenas homens tinham voz e poder de composição.

O trabalho já chegou gigante nas plataformas digitais. Um de seus singles, Esqueça-Me Se For Capaz, ganhou um clipe cinematográfico – com referência ao Prenda-Me se For Capaz do Spielberg – para marcar o próspero início das Patroas. Não demorou muito para Motel Afrodite e Fã Clube caírem nas graças do povo e nos botecos da cidade, entrar num Uber sem estar tocando uma das faixas do disco era, e ainda é, quase impossível. O Brasil canta as Patroas e sente falta da imensidão de Marília. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Motel Afrodite, Presepada e Fã Clube

Jão – PIRATA

PIRATA, terceiro álbum de Jão, já começa com surpresas: a primeira faixa, Clarão, é algo completamente diferente de tudo que o cantor paulista já fez. Se antes o boato era que ele só lançava música igual, o artista aposta em uma batida eletrônica e letras positivas logo de cara, o que pode soar estranho, à princípio, mas cai no gosto em pouco tempo. Na sonoridade e nos instrumentais, características de trabalhos anteriores de Jão reaparecem aqui, mas com um ar novo – com exceção de Você Me Perdeu, todas as canções soam frescas. A inovação dá as caras ao longo dos 30 e poucos minutos de duração do álbum, que passam até rápido demais. 

Jão se mostra mais confiante, experiente, aberto e mais otimista. Não só a musicalidade do cantor comprova a vontade de explorar novos cantos, mas as letras também seguem essa ânsia. Apesar da temática abordada continuar a mesma, majoritariamente, vem mais amadurecida. Em LOBOS, ele misturou o sofrimento com a insegurança com si próprio e seus sonhos; em ANTI-HERÓI, o coração partido foi o foco; em PIRATA, o cantor continua nos contando sobre seus relacionamentos de todos os tipos. Agora, porém, compõe e canta sobre suas descobertas e decepções despreocupadamente, comemora o término, em vez de lamentá-lo, e afirma com convicção que já não ama mais. Com as letras e melodias, o artista nos dá sua visão dos eventos de uma maneira mais sensual e divertida – e bem mais convidativa para quem já ouviu os chororôs de Jão. – Vitória Lopes Gomez

Faixas favoritas: Idiota, Santo & Meninos e Meninas

Doja Cat – Planet Her

Ousada… Versátil… Talentosa… Doja Cat consegue ser tudo e muito mais. A prova disso, é claro, está no seu terceiro álbum de estúdio, Planet Her.  Lançado no dia 24 de junho de 2021, a obra veio como uma estratégia da cantora em consolidar os recordes que ela já havia estabelecido com o sucesso do seu antecessor, Hot Pink. Com direito a uma nova versão Deluxe, o disco mostrou ainda mais sua capacidade de se adaptar aos gêneros com fluidez e leveza. Inclusive, é muito interessante observar a aptidão dela de se transformar, desde as apresentações do do seu último lançamento, que sempre traziam uma nova versão de suas músicas, aqui ela só prova que consegue fazer de tudo um pouco, sem perder a qualidade.

Desde sua estreia, o álbum trouxe grandes frutos para nossa alienígena preferida. Além do prêmio de Melhor Álbum de Soul/R&B no American Music Awards 2021, a artista conquistou a categoria de Rapper Feminina do Ano no XXL Awards 2022. Agora, surpreendendo ainda mais seus fãs, a cantora já pode comemorar mais um marco que nenhuma rapper do mesmo gênero conseguiu algum dia. Ela é, oficialmente, a primeira rapper feminina a permanecer no top 10 da Billboard 200 por 25 semanas por conta de seu novo álbum. Agora é esperar para saber em qual novo planeta Doja Cat vai decidir se aventurar e quais recordes ela ainda vai quebrar. – Vinícius Santos

Faixas Favoritas: Ain’t Shit, Kiss Me More e You Right

Marisa Monte – Portas

Independente do que Marisa Monte lançasse esse ano, era fato que ela apareceria nas listas de Melhores de 2021. Em mais de 30 anos de carreira, sendo uma das vozes mais ímpares da Música Popular Brasileira, ela sempre entregou projetos completos dentro de suas singularidades. Portas vem para quebrar as barreiras de um ambiente claustrofóbico causado pela pandemia, e, aqui, Marisa se permite andar descalça pelos campos e pelas praias, conversar com animais e ter experiências táteis com elementos abstratos.

Pelas portas que a cantora abriu, novas e antigas parcerias entraram. Arnaldo Antunes, presente em toda discografia de MM, assina três faixas do álbum; Nando Reis, que lapidou Gerânio – do disco Infinito Particular -, retoma a colaboração com Praia Vermelha. Os novos ventos trazem Marcelo Camelo, presente em três canções; e Chico Brown que assume o lugar do pai, Carlinhos Brown, e se torna o nome que mais aparece na lista de compositores. Todos os detalhes se unem para formar um disco coeso e com a implacável singularidade da cantora. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Fazendo Cena, A Língua dos Animais e Medo do Perigo

Floating Points, Pharoah Sanders e London Symphony Orchestra – Promises

Em meio ao silêncio, um agrupamento de notas ressoa. Com os acordes em grupos espaçados, uma sequência harmônica se desenrola. Em seguida, um saxofone sereno desponta, seguida de cordas surgindo à distância. Não demora muito até que se perceba a natureza cíclica da base harmônica de Promises, que acompanhará a composição do início ao fim, e sobre esse alicerce se constrói um estado de contemplação crescente, que vai aos poucos elevando a música para outros patamares. Atingindo o sublime, Promises é um álbum composto por uma única peça musical contínua, dividida em 9 movimentos.

Composta pelo produtor de música eletrônica Sam Shepard a.k.a. Floating Points, a obra conta ainda com a colaboração do saxofonista veterano Pharoah Sanders, e da London Symphony Orchestra. O casamento entre o contemporâneo, o erudito e o jazz solidifica uma criação única, que começa minimalista, e que a cada movimento adquire mais graus de complexidade e elaboração, conciliando emoção intensa a um estado de meditação profunda. Promises é envolvente, imersivo, memorável, e uma das criações musicais mais fascinantes de 2021. – João Batista Signorelli

Faixas Favoritas: Movement 1, Movement 5 e Movement 6

CHVRCHES – Screen Violence

Três anos depois de presenciarmos a morte do amor, retornamos à igreja do synthpop de Lauren Mayberry, Martin Doherty e Iain Cook com o sinistro Screen Violence, quarto álbum de estúdio do grupo escocês CHVRCHES. Com uma estética renovada, a banda se afunda de vez em seus piores sentimentos e produz alguns de seus sons mais concisos e bem sincopados, com seus membros em perfeita sincronia uns com os outros, extraindo uma harmonia gritante e afiada dos versos incisivos de Lauren.

“No corte final/Na cena final/Há uma final girl/E você sabe que agora ela deveria estar gritando” ela grita a plenos pulmões, nos desafiando à encaixá-la no papel de vítima e, ao mesmo tempo, abraçando suas próprias vulnerabilidades em faixas mais suaves, mas não menos poderosas. Muito além da participação icônica de Robert Smith na faixa How Not To Drown, Screen Violence é um director’s cut do início ao fim, exibindo um grupo artistas em no auge de sua síntese e criando um novo patamar para o synthpop expressivo da banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Violent Delights, How Not To Drown e Lullabies

Erika de Casier – Sensational 

A Geração Z ama uma referência à cultura pop em 2022, certo? Mas o que acontece, muitas vezes, é o uso da referência pop como muletas, no qual o artista se aproveita do efeito que uma obra, que já existe, tem sobre o público. E usurpa essa experiência, sem trazer nada de novo. Esse não é, definitivamente, o caso de Sensational. Logo de cara, o trabalho da musicista portuguesa-dinamarquesa Erika de Casier impressiona pelas fontes de que bebe: os sons metálicos e quase futuristas do R&B do final dos anos 90, as paisagens sonoras do lendário grupo Sade e a riqueza vocal sussurrada de nomes como Janet Jackson, Brandy e T-Boz (do TLC). Mas nada de referências jogadas a esmo. 

Foi por meio da MTV que De Casier teve os primeiros contatos com esse time de vozes da Música negra. Mas ela não recupera essas influências por pura nostalgia. All You Talk About exemplifica essa qualidade, sendo na mesma medida emocional e blasé, ingênua e irônica, tátil e afiada, tanto no instrumental quanto nos versos cantados por Erika, que não precisa levantar a voz para entregar sua mensagem. Outros momentos, como a dançante Busy – banhada em camadas de UK garage, gênero de música eletrônica que bombou na década de 90 –  mostram a versatilidade da artista, que é coesa em tudo que faz, sem nunca aprisionar seu som, à exemplo dos gênios que a inspiraram. – Leonardo Teixeira

Faixas Favoritas: Polite, Busy e Call Me Anytime

Lingua Ignota – SINNER GET READY

Sonoramente menos pujante que o registro anterior (Caligula, 2019), SINNER GET READY trocou o já consolidado noise/metal por experimentações ambiciosas com o cancionário primitivo estadunidense. A multi-instrumentista subverte elementos musicais religiosos da Pensilvânia, como os arranjos tradicionais cheios de banjos e sinos e o canto em coro, para encapsular seus sentimentos mais sufocantes. Desde o lançamento em agosto de 2021, o álbum por si só já tem material suficiente para figurar entre os melhores do ano, porém em dezembro ganhou uma camada extra de importância. Kristen publicou em suas redes sociais o IMPACT STATEMENT, texto no qual detalha todo o abuso físico e mental que sofreu nos últimos dois anos pelo ex-companheiro Alexis Marshall, vocalista da banda Daughters. O disco se revelou um diário das circunstâncias traumáticas que ela viveu nessa época. 

A mesma religiosidade fanática usada como instrumento de opressão em massa se torna alegoria para o trauma pessoal na obra de Kristin Hayter. Combinando samples de discursos de reverendos superstars da Televisão norte-americana com a instrumentação característica do sacro Appalachian Folk, Kristin encarna e reflete o impetuoso Deus do Velho Testamento. Ao longo de nove canções e com pouco menos de uma hora de duração, o ouvinte é confrontado com a onisciência da dor em todos os seus níveis, a onipresença da sensação de abandono e a onipotência do julgamento seguido de punição ferrenha para com tudo aquilo que se aproxima da natureza humana. – Carlos Botelho

Faixas Favoritas: I WHO BEND THE TALL GRASSES, PENNSYLVANIA FURNACE e PERPETUAL FLAME OF CENTRALIA

Clairo – Sling

Chega um ponto em que Sling, o novo disco da cantora Clairo (nome artístico de Claire Cottrill), nos toca intimamente. Apesar de à primeira vista ele passar despercebido como apenas como continuação natural do trabalho da compositora após seu primeiro álbum, Immunity (2019), há um senso de lugar que recobre a sua voz ao longo das 12 faixas, um aconchego que se esgueira sorrateiramente pelo coração e ali se mantém, por mais que você se distancie dele. As reflexões íntimas da artista sobre maternidade e domesticidade chegam como um bálsamo para a alma em 2021, e marcam o ano como a companhia de uma amiga distante, mas sempre disponível

Através de mais de uma dezena de canções, Clairo viaja de sentimento em sentimento com clareza incomum a alguém de sua idade, tratando cada música como um palco para suas emoções e nos guiando para a conclusão inevitável de cada uma delas. Por mais reconfortantes que suas palavras sejam, elas são só palavras, e é no reconhecimento de suas próprias fraquezas que ela se sobressai: “Na maior parte do tempo, os sinto em mim/Os olhos do estranho na janela/É frio e solitário, mas não é nada para mim/Pelo menos há alguém em casa”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Wade e Management

John Mayer – Sob Rock

Sob Rock é um tributo para todas as eras musicais de John Mayer. Unindo todos os humores e estilos diferentes do cantor, o disco tange a obra de um homem que conhece o seu lugar no mundo e, ao mesmo tempo, devaneia sobre estar sozinho vagando pelo próprio sucesso. Todas as faixas tocam em suas marcas artísticas: guitarra no blues, rock suave, vocais ofegantes e letras sentimentais que procuram o amor, ou a ferida de um coração partido. John Mayer afirma que gravar o álbum na pandemia lhe trouxe o redescobrimento de seu tempo e, talvez seja isso que tenha feito o CD ser tão cauteloso – é uma reflexão sobre o que já passou e o que ainda vem pela frente. 

O disco soa familiar e ainda assim, se torna transformador. O trabalho inspirado no pop rock dos anos 80 consegue provocar uma sensação de nostalgia e simultaneamente, nos faz questionar o que de fato está envolvido nessa familiaridade? O álbum cria a possibilidade de aprofundar-se em sentimentos ponderados mesmo com faixas já tocadas anteriormente. Em todo caso, Mayer mantém o seu lugar espetacular na guitarra e composição, e ainda nos abre a oportunidade de viajar sobre lembranças desconhecidas, porém, extremamente acolhedoras. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: New Light, Carry Me Away e All I Want Is to Be With You

Lorde – Solar Power

Após quatro anos de hiato, a imprevisível Lorde ressurgiu de forma radiante com o lançamento de Solar Power, que estreou de forma marcante alcançando o Top 10 da Billboard 200. Não contente, em 9 de setembro de 2021, a artista neozelandesa lançou Te Ao Mārama, um EP que complementa o psicodélico Solar Power, onde ela canta 5 das músicas em Te Reo Māori, uma língua indígena da Nova Zelândia. Em seu comeback, Lorde surpreende ao revelar um novo lado de sua arte, uma forma sincera de apreciação do efêmero.

Concretizando o sucesso de sua obra jubilosa, o disco foi indicado ao iHeart Music Award 2022 na categoria Best Comeback Album. Macio e leve, Solar Power é um álbum que, assim como Lorde, segue seu próprio ritmo. O disco surpreende em sua simplicidade ao ignorar a possibilidade de continuar o melancólico legado da genial artista neozelandesa, que após se reconectar com suas origens,  trouxe distintos dilemas pessoais à tona. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: The Path, Solar Power e Mood Ring

Little Simz – Sometimes I Might Be Introvert

Sometimes I Might Be Introvert já é um marco no hip-hop. Isso porque o disco se desenrola como a jornada de uma heroína, na qual a oponente final de Little Simz é ela mesma. No disco, a rapper desenvolve suas tensões internas – a introversão, o racismo, o machismo e a violência –, e tenta encontrar sua própria essência em uma viagem conceitual, evidenciada no próprio título da obra (um acrônimo de Simbi – apelido de Simbiatu, nome de batismo de Little Simz). Nesse álbum, é como se acompanhássemos duas Simz diferentes, que são alteradas após a faixa The Rapper That Came To Tea (Interlude) – interlúdio narrado por Emma Corrin, atriz que interpreta Lady Di em The Crown.

Entre a Simz introvertida e a extrovertida, há uma oscilação que fica diante do underground e do erudito, trazendo à melódica e combativa voz da rapper arranjos orquestrais e um clima apocalíptico. No começo de fevereiro, Little Simz fez uma apresentação épica das canções Introvert e Woman no BRIT Awards 2022 (com participação de Corrin); no mesmo dia, Simz levou o prêmio de Melhor Nova Artista. Na guerra contemporânea, na qual os sentimentos interiores misturam-se a brutal realidade cotidiana, Little Simz parece ser um dos grandes nomes que tomaram consciência disso, apontando para a urgência de entender essa situação sem deixar de entregar um álbum sensacional. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Introvert, Rollin Stone e Woman

Olivia Rodrigo – SOUR

Se tem alguém que soube aproveitar bem o ano de 2021, essa pessoa é Olivia Rodrigo. A real é que ninguém sabia o que estava por vir quando a Disney nos apresentou sua mais nova celebridade teen, alçada à nostalgia da conhecida turma do colégio East High. Tudo começou com um melodrama sobre sua carteira de motorista, e evoluiu ao ponto de se tornar um dos relatos mais conhecidos do ano em formato de disco. Ainda assimilando as dores de um término de namoro recente, a adolescente compila o seu turbilhão de emoções para gerar faixas excessivamente sinceras, no melhor jeito que as cantoras da sua idade sabem fazer. A diferença aqui é que Rodrigo não se limita a apenas extravasar a raiva e sentimentos sobre o ex, mas também sobre a forma que se compara às outras garotas e as pressões que sofre na vida pessoal e profissional no melhor dramalhão adolescente possível, conversando com toda uma geração que sente demais e está um pouco de saco cheio de tudo. 

SOUR faz isso e mais um pouco apoiado na estética dos anos 2000, tanto sonora quanto visual, que só sustenta ainda mais o compartilhamento dos sentimentos da artista com o resto do globo terrestre. Olivia vai de baladas a guitarras fortes, grita que seu ex é um sociopata enquanto também deseja que ele esteja bem, numa contradição perfeita da poética adolescente. Os videoclipes que acompanham as faixas nos transportam ainda mais para sua narrativa pessoal, com nomes como Petra Collins e Allie Avital na direção, que nos levam a uma realidade onírica sob o olhar feminino. E essa mistureba sentimental não poderia ser mais bem sucedida, garantindo 7 indicações ao Grammy para a jovem filipino-estadunidense, incluindo a gloriosa Álbum do Ano. Um coração partido nunca foi tão frutífero, só nos resta esperar para ver o que vem depois disso. – Vitória Silva 

Faixas Favoritas: brutal, good 4 u e jealousy, jealousy

Nala Sinephro – Space 1.8

Em Space 1.8, álbum de estreia de Nala Sinephro – multi-instrumentista belga-caribenha que hoje reside em Londres –, o mundo toma consciência de uma artista jovem, mas que deixa em evidência sua enorme maturidade musical, evocando sensações cósmicas ao longo das oito canções que compõem o CD. Gravado entre 2018 e 2019 – quando a musicista tinha apenas 22 anos –, Space 1.8 foi resultado de uma colaboração musical, na qual destacam-se nomes da cena de jazz do Reino Unido, como James Mollison, o saxofonista Ahnansé, Reed Nubya García e a guitarrista Shirley Tetteh. Aqui, a artista crava seu nome no jazz contemporâneo através de uma ambição quase astronômica, e de quebra transparece suas referências a Alice Coltrane.

A agradável transição entre as canções joga luz à genialidade de Sinephro, deixando em evidência uma tracklist que não poderia ter sido inserida a mero acaso, e demonstrando um rigor musical que transcende suas habilidades na harpa, no piano e nos sintetizadores. De forma quase paradoxal, Space 1.8 é calmo e ruidoso, pois seus ruídos baixos funcionam como amplificadores de sensações, e transformam o disco em uma verdadeira experiência. No fim, as referências e trocadilhos com respirações e o espaço – como seu título anuncia – não são por acaso: o álbum é uma experiência pesada, entregue com leveza e serenidade. É uma descoberta inesquecível. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Space 1, Space 4 e Space 8

Kacey Musgraves – star-crossed

O ano de 2021 foi de uma revolução para Kacey Musgraves. Depois do perfeitamente aclamado Golden Hour brilhar o country pop da estadunidense numa temática profunda de romantismo em 2018, os próximos momentos da vencedora do Grammy de Álbum do Ano de 2019 não foram tão doces quanto os que a levaram ao auge de sua carreira. Três anos depois, então, a bagagem emocional não era um ideal delicioso de amor, mas sim a experiência dura do fim dele. Do azul celeste singelo para o vermelho inflamado maximalista, com uma dose de referências artísticas latino-americanas e um imaginário mítico, ela chegava à era desafortunada.

A “tragédia moderna em três atos” se beneficia da capacidade narrativa existente na música de Kacey, que também conta com um olhar analítico preciso. Ela reconhece suas falhas, identifica os erros do amado, e pontua também o impacto das dinâmicas sociais existentes entre homens e mulheres que amor nenhum pode apagar. Tamanha era a magnitude da história que ela também a concretizou no audiovisual, no filme de mesmo nome do álbum que transforma a experiência do disco em algo esteticamente além. Uma pena o que a fez chegar até aqui, mas que sorte ela encontrou pelo austero caminho de star-crossed. – Raquel Dutra

Faixas Favoritas: star-crossed, keep lookin’ up e gracias a la vida

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

É como se fosse um filme. Uma história de coração partido preenche um cenário avermelhado de pleno outono durante as próximas duas horas. A diretora é Taylor Swift e a obra é o álbum de sua carreira. Na melhor das sinestesias, 2021 nos colocou de volta na era Red, às vésperas de sua primeira década, de um jeito especial e com a melhor das intenções: no controle criativo completo da artista, e como a segunda parte de seu projeto de regravações, que visa retomar os diretos de Swift sob a sua própria discografia. E se tem algo que Taylor sabe, é como viver o vermelho.

Para a nova versão do álbum de 2012, ela foi fundo nas interpretações das 20 canções originais e acrescentou mais 10 à família avermelhada. Com direito a quebra de recordes históricos que contradizem qualquer estatística e comportamento da indústria da Música no século 21, Red (Taylor’s Version) colocou o nome de Swift como detentor da música mais longa a ocupar o topo de uma parada musical. Nada mais justo: se há 10 anos o álbum definiu a carreira de uma das maiores artistas musicais da história, hoje ele confirma que todos nós nos lembraremos dela muito bem. – Raquel Dutra

Faixas Favoritas: State Of Grace, Nothing New e All Too Well (10 Minute Version)

Selena Gomez – Revelación

2021 suscitou e entregou lapidações artísticas cruciais para o diamante que Selena Gomez sempre foi. Desenferrujando memórias da rotina vivida outrora no mundinho Disney, a texana transitou entre estúdios musicais e televisivos novamente. Em um turbilhão cravado por sucesso e júbilo, a autoconfiança polvilhada em De Una Vez, primeiro single da nova era, floresceu por percursos de inventividade sagaz até o frutificar de Revelación. Esbanjando a habilidade de storytelling que já lhe rendeu um renascimento e uma raridade, Selena enfim abraça sua ascendência mexicana pelas raízes, colocando-as no coração do EP que transpira visuais e composições sensuais, cativantes e curativos. Organicamente, ela se refaz como nunca.

O charme das letras intimistas comumente assinadas pela artista surge imponente no cerne do trabalho, rasgando promessas dançantes e confirmando quão fértil o reggaeton foi para a dimensão estruturada. Transpondo a pessoalidade das faixas em que Gomez se desdobra por vícios e despedidas fuerte y sola, as participações de Myke Towers, Rauw Alejandro e DJ Snake evocam atmosferas chicletes sem deixar Revelación ao marasmo – e ainda rendendo recordes explosivos na estreia. Elevar o gingado pop que a trouxe até aqui ao sabor de recitar em espanhol sua melhor fase fez o Grammy Awards, nas versões latina e estadunidense, finalmente bater nas portas de Selena. E a revelação está completa: a mulher é imparável. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: De Una Vez e Vicio

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE

Quem já acompanhou fervorosamente a trajetória de alguma boyband sabe que nenhuma dura para sempre. Em certas ocasiões, a formação se torna um impeditivo para que seus integrantes evoluam e avancem em sua carreira, tanto profissional quanto artisticamente, e a separação torna-se uma necessidade. À vista disso, para o espanto de todos que aguardavam a tour de 2022, a maldição do hiato indefinido chegou para BROCKHAMPTON. A banda cancelou todos os shows que estavam marcados para o ano e anunciaram em suas redes que a participação no Coachella será sua última apresentação enquanto grupo. Quando ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE lançou no primeiro semestre de 2021, ninguém poderia prever que aquela seria a última vez que os veríamos fazendo música juntos. Ainda mais pelo projeto indicar novos ares para a banda – o início de uma nova fase, e não seu fim.

Porém, olhando em retrospecto hoje, ROADRUNNER é um ótimo encerramento para a trajetória da BROCKHAMPTON. Uma revisita por todas as eras da banda, descobrindo entre aquelas sonoridades familiares possibilidades. É sobre cavar o solo do passado em busca de novas luzes para o presente. Sobre olhar para trás, reconhecer o trajeto que lhe trouxe até aqui, para que, desse modo, possa seguir seguro e sem remorsos para o futuro. Uma experiência corpórea e etérea, que ressignifica toda uma discografia. Fica aqui, portanto, o tributo à “maior boyband do mundo”, que, enquanto ativa, foi responsável por rupturas, revoluções e transgressões que mudaram o hip-hop para sempre. BROCKHAMPTON nos deixou em seu auge, e agora o que nos resta são só memórias – as melhores. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: BANKROLL, THE LIGHT e WHAT’S THE OCCASION?

Don L – Roteiro pra Aïnouz (Vol. 2)

Roteiro pra Aïnouz (Vol. 2), ou RPA2, surge como o aguardado precessor do RPA3 – fora de ordem cronológica, mantendo a narrativa mais disruptiva do rap nacional e da nova classe artística do país. Após o lançamento do disco, em novembro do ano passado, Don L, que acumula cerca de 411 mil ouvintes mensais no Spotify, levou o título de Artista do Ano pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), e Melhor Álbum de 2021 do Prêmio Arcanjo. Absoluto em lírica, sonoridade e execução, o quarto trabalho de estúdio do rapper favorito do seu favorito, tende a entrar para a história sobretudo pelo caráter transgressor e subversivo das composições, que, amarradas, soam como uma espécie de fábula futurista de uma revolução armada do povo para o povo, escaldada por interlúdios que nos remetem à trechos de discursos de Malcolm X e Martin Luther King. 

A originalidade inquestionável das letras, como é o caso também dos arranjos, que vão desde samples inesperados (como em favela venceu/cit: rap das armas), até sons jazzy love song (contigo pro que for), dão vida e forma ao segundo volume da trilogia quase visual, e autobiográfica do artista “abertamente comunista”, motivo pelo qual acredita que, não foi ovacionado pela imprensa tradicional, mesmo com um dos trabalhos mais relevantes do ano. RPA2, une tesão e levante popular ao passo em que iça sonhos e nos deixa sedentos por justiça.   – Andrezza Marques 

Faixas Favoritas: pela boca, enquanto recomeça e auri sacra fames

Bleachers – Take the Sadness Out of Saturday Night

Jack Antonoff passou quatro anos colaborando com produções musicais para outros artistas (a lista é longa e aclamada, e, inclusive, o rendeu Grammys), só para voltar mais forte em sua própria musicalidade. No terceiro álbum da Bleachers, o projeto musical e banda encabeçada por ele, o cantor, compositor, multi-instrumentista e produtor se aproveita das referências pop e oitentistas presentes em Strange Desire e Gone Now, trabalhos anteriores, e os soma à experiência adquirida no período. O saldo é Take the Sadness Out of Saturday Night.

Abrindo o álbum com violoncelos, alternando guitarras ora animadas, ora melancólicas, e violões folk, e incluindo até solos de saxofone, a mistureba de harmonias triunfa em, mesmo assim, soar orgânica. Como o conceito do projeto, Take the Sadness Out of Saturday Night cria uma viagem ao longo das 10 faixas, em que cada uma provoca um sentimento e uma reação distinta. Se Stop Making This Hurt é colorida e dá vontade de gritar o refrão a plenos pulmões, Don’t Go Dark é introvertida, ainda que calorosa. Já What’d I Do With All This Faith? é contemplativa, mostrando a habilidade de Bleachers em transitar entre temas, assim como entre estilos musicais. – Vitória Lopes Gomez

Faixas favoritas: Chinatown, Don’t Go Dark e 45

DUDA BEAT – Te Amo Lá Fora

O icônico Te Amo Lá Fora, persevera a saga de sofrência e desilusões amorosas da pernambucana DUDA BEAT, e se mantém de maneira bem sucedida na narrativa das paixões frustradas de Sinto Muito. Com o novo trabalho, apenas três anos depois, a artista revelação pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte) em 2018, repete o feito e aparece mais uma vez na premiação, figurando na lista dos 50 melhores álbuns brasileiros de 2021. Para além do autêntico beat brasileiro de DUDA, que faz com que os ouvintes se identifiquem no primeiro play, o disco também transita por arranjos e narrativas íntimas transfiguradas, como na melodia axé-drill e videoclipe de Nem Um Pouquinho – uma das recentes produções audiovisuais mais vistosas do país.

O plot futurista e cyberpunk da realização cinematográfica dirigida pela dupla Alaska e patrocinada pelo TikTok, não fica apenas no clipe, mas se estende para a sonoridade das canções. O pop alternativo que se une ao melô tecnobrega de Duda já conquistaram 1,6 milhões de ouvintes mensais no Spotify, e mais de 3 milhões de views no YouTube em Meu Pisêro, números que coroam a sua habilidade única de trabalhar tão bemcontrastes. Os visuais leves e pastel acompanhados de melodias dançantes, versus as histórias de sofrimento cantadas com voz suave e sotaque marcado que já são marcas registradas da artista, ainda conseguem surpreender com fôlego no Te Amo Lá Fora, que pragueja o lado externo do amor. – Andrezza Marques 

Faixas Favoritas: Nem Um Pouquinho, 50 Meninas e GAME

SPELLLING – The Turning Wheel

Kate Bush, eu ainda vou te dar muito orgulho velha… A faixa-título não nega: SPELLLING, assim como tantos outros artistas da cena alternativa, bebe diretamente de uma das fontes mais geniais do gênero. Mas não se engane: Chrystia Cabral vai muito além, e já é dona de sua própria história. Por meio de pianos devidamente posicionados em suas músicas e outros diversos instrumentos de corda, sopro e sintetizadores que encantariam milhares de ratos medievais, a artista dá o tom para The Turning Wheel: melódico, nostálgico, fantástico, teatral.

Cada canção parece contar uma história cinematográfica, e há uma constante mágica no ar. A sequência dramática de notas e acordes exploram possibilidades da música eletrônica com instrumentos convencionais, e somos revelados a produções tão meticulosas e exímias que parecem costuradas a mão. E saber que SPELLLING concebeu seu disco, em grande parte, sozinha, só mostra o potencial gigantesco de um futuro brilhante. Aprenda a sollletrar o nome dela, você vai precisar. – Jho Brunhara

Faixas Favoritas: Emperor with an Egg, Boys at School e Sweet Talk

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Mais do que filha da internet, Gracie Abrams é também filha do cineasta J.J. Abrams, o que já explica seu olhar afiado para questões e detalhes que poderiam passar batidos por alguém que não cresceu na mesma casa que o homem apaixonado por lapidar suas criações. Por isso, no EP This Is What It Feels Like, a jovem cantora toma parte em um dos processos mais duros, difíceis e árduos da vida adulta. Gracie está disposta a quebrar os moldes, crescer e deixar para trás o que não a traz tanta felicidade quanto antes. O resultado é uma coletânea de composições pungentes e nauseantes de tão sinceras. 

Feels Like areja a casa, e Abrams admite que, estando com a pessoa querida, qualquer coisa já é o bastante. Eles nem precisam deixar o apartamento. Mais para a frente, For Real This Time é a pepita mais brilhante do grupo, no momento em que ela confidencia que arrumou as malas durante a noite, ensaiou dizer adeus mil vezes e acredita piamente que dessa vez é para valer. As letras, simples e diretas, não poderiam ser mais assertivas. Não há nada mais corajoso do que se colocar em primeiro lugar, não há nada mais desconfortável do que renegar um ontem virtuoso e não há nada mais revitalizante do que olhar para frente, e é assim que as coisas são sentidas. – Vitor Evangelista

Faixas Favoritas: For Real This Time, Camden e Alright

Linn da Quebrada – Trava Línguas

A pergunta “quem sou eu?” surge diversas vezes em Trava Línguas (Independente), segundo disco de Linn da Quebrada. Esse questionamento, que é angústia adolescente e reflexão filosófica ao mesmo tempo, soa inusitado vindo de uma artista tão confiante. Mas o que se revela no registro é uma identidade em construção, mergulhada em contradições – e isso é maravilhoso! O grande tesouro da tracklist vem ainda no lado A, com medrosa – ode à Stella do Patrocínio, que versa: “Eu sou muito medrosa/Cínica/Covarde/Sonsa/Injusta/Eu não sei fazer justiça”. Aqui, a cantora e compositora homenageia uma mulher preta que foi encarcerada e psiquiatrizada à força, tida esquizofrênica, mas que teve seus falatórios registrados em áudio e editados em livro de poesia, após sua morte. 

Sem autonomia sobre a própria existência, Stella foi tida como louca e depois poeta, tudo pelas mãos da branquitude. E isso serve de lição para Linn: se ela ainda não sabe quem é, ninguém além dela saberá. É pelo direito de continuar buscando o próprio eu que clamam as músicas. Nem sempre o clima é calmo, à exemplo das fervidíssimas pense & dance e mate & morra (produções de BADSISTA). Além disso, brilham aqui os jogos de palavras, parte tão importante do catálogo da artista. Mais madura e intimista que em Pajubá, sua estreia, Linn da Quebrada, ou Lina, oferece um vislumbre de seu amadurecimento, dialogando com a persona que ela tem evidenciado no BBB 22. Em toda a sua confusão e complexidade, é ela. – Leonardo Teixeira

Faixas Favoritas: I míssil, medrosa – ode à Stella do Patrocínio e pense & dance

Snail Mail – Valentine

O amor é um sentimento lindo, mas na ruína, Lindsey Jordan – nome por trás do projeto solo Snail Mail –, recolhe os pedaços ensanguentados de seu coração partido no segundo disco da carreira, Valentine. Após três anos do lançamento de sua estreia, Lush (2018), a eternidade que Jordan ora prometera, deixou de existir. Aqui, a cantora, compositora e produtora norte-americana explora cada estágio do amor em toda sua contraditoriedade, perpassando pela inocência ardente de uma nova paixão, cruzando obsessões compulsivas, enfrentando desfechos inconclusivos, até a aceitação melancólica, mas tranquila, de que o amor vai para além do desejo.

O universo de Jordan também se expandiu desde o seu primeiro registro. Ela lidou com a fama de “celebridade indie rock” na adolescência, vício e reabilitação, tudo simultâneo ao florescer confuso de sentimentos amorosos na juventude. Como reflexo, sua composição confessional registra um amadurecimento espantoso que expõe sua experiência pessoal através de um lirismo vulnerável, olhando para qualquer possível imperfeição com uma empatia apaixonadamente honesta. Ela se permite assumir o brilho de uma sonoridade mais pop, acompanhando a rouquidão de sua voz com texturas de sintetizadores e arranjos acústicos, sem jamais ofuscar o seu ponto de vista, sinceramente exposto como verdadeira romântica que é. – Ayra Mori

Faixas Favoritas: Ben Franklin, Forever (Sailing) e Madonna

Fresno – Vou Ter Que Me Virar

Nome mais do que conhecido no Brasil, Fresno se tornou referência no emo desde antes de muitos de nós aprendermos a andar ou escrever. Vou Ter Que Me Virar, o nono álbum da banda – agora, um trio – não se desvencilha das raízes musicais do grupo, e sob o comando de Lucas Silveira na composição e na produção, arrisca novos estilos musicais e renova temas. O frontman da Fresno aproveita a liberdade de ser seu próprio produtor para brincar com a sonoridade do disco, o mais diverso até então: as 11 faixas incluem batidas eletrônicas e pop, o clássico rock e pop punk, MPB e até um tímido samba.

Com as experimentações, o álbum revitaliza e reanimaa sonoridade da banda, que está em atividade há 20 anos e ainda consegue se manter fresca no cenário musical atual. Apesar das misturebas de estilos, Vou Ter Que Me Virar soa orgânico, coeso e muito divertido, apesar das letras não muito positivas. Essas, inclusive, são chamativas pela honestidade, sempre presente na longa discografia da banda. As composições são pessoais ao tratarem de medos e inseguranças, receio com o futuro, saúde mental e relacionamentos amorosos e familiares, de uma forma que o álbum não seja só um capricho estético e sonoro para não caírem no esquecimento, mas sim mostrar que a Fresno ainda tem o que dizer. – Vitória Lopes Gomez

Faixas favoritas: Casa Assombrada, ELES ODEIAM GENTE COMO NÓS e Caminho Não Tem Fim

Descrição da Imagem: Capa do álbum “Vulture Prince” de Arooj Aftab. A

Arooj Aftab – Vulture Prince

Vulture Prince pode ser facilmente descrito como uma força não-bruta aqui nesta lista de melhores discos de 2021. O registro escolheu seu próprio destino temático, quando a cantora paquistanesa, radicalizada no Brooklyn, perdeu seu irmão e uma grande amiga durante o período de gravações. O golpe duplo da morte fez com que a artista voltasse seu espírito para a sua infância em Lahore, capital da província do Panjabe, no Paquistão. Sua memória musical sul-asiática, despertada pelo luto, colidiu delicadamente com a sua formação acadêmica ocidental fundamentada em gêneros como o jazz e o folk. O produto final é uma coletânea meditativa de sete canções que refletem e buscam aceitar a finitude da vida, guiadas por poemas cantados na voz marcante de Arooj.

A importância de Arooj Aftab vai muito além de atualizar e apresentar a tradição musical de seu povo para novas audiências. A cantora define herança cultural como tudo aquilo que se vive, toda a bagagem dos lugares que já morou e costumes que absorveu. Arooj sempre se sentiu diferente por ser queer e musicista no Paquistão, ao mesmo tempo que, nos EUA, é marcada pelo seu sotaque carregado. O minimalismo das harpas que conduzem Vulture Prince e o resgate do Gazel combinado a cadência típica do jazz, revelam que o artista sempre tem uma origem, mas encontra em sua arte um passaporte universal, no qual as fronteiras culturais são um convite para desbravar novos territórios criativos. – Carlos Botelho

Faixas Favoritas: Last Night, Mohabbat e Saans Lo

Black Honey – Written & Directed

O segundo álbum da banda britânica Black Honey vem carregado do mesmo entusiasmo juvenil e disruptivo que tornou sua estreia tão especial, aperfeiçoando o estilo pop punk em batidas cada vez mais marcantes e letras agressivamente despudoradas. Os vocais ferozes de Izzy B. Philipps não tem medo de enfrentar qualquer um que se ponha em seu caminho, dilacerando com palavras o patriarcado com seu auto intitulado “vagina rock” e não se preocupando em fazer reféns: “É melhor correr pra se proteger”.

Apesar do som do grupo não fugir muito do que foi estabelecido em seu primeiro disco, ainda é revigorante ver o cuidado que eles colocam em suas composições, bem como o esforço com o qual as executam. Written & Directed é um trabalho que implora para ser ouvido no meio de um palco, baixando e levantando sua cabeça junto com os artistas de Brighton no ritmo massacrante da guitarra de Chris Ostler, se preparando para acender um coquetel molotov junto com seus amigos e botar a casa abaixo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Faixas Favoritas: Run for Cover, Beaches e I Do It to Myself

O post Os Melhores Discos de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Começando 2022 assim como seu irmão Cineclube, o Nota Musical aproveitou a onda das resoluções de Ano Novo para colocar em prática as mudanças dos 365 dias que seguirão. Em 2021, o mensal do Persona reuniu cerca de 600 novidades musicais em suas 12 edições, trazendo textos individuais da Editoria e dos Colaboradores sobre cada uma delas. Esse ano, o propósito seguirá o mesmo:  reunir os melhores – e os piores – lançamentos da Música em um só lugar. Mas em meio à imensidão das listas de lançamentos mensais, o Persona seguiu o exemplo de Ariana Grande e ampliou ainda mais a coletividade em nossas produções. 

Agora, ao invés de cada colaborador dedicar longos parágrafos sobre cada canção disponibilizada, os personers, em conjunto, serão os responsáveis por coletar as novidades mais importantes e interessantes do primeiro ao último dia do mês na indústria musical. Do pop ao R&B à MPB, dos grandes lançamentos de divas pop às descobertas escondidas no Album of The Year, os membros da Editoria desenvolverão as pautas com as quais têm mais afinidade, e uma dupla será a encarregada de colocar a mão na massa e compilar tudo de mais atual e relevante em um post só.

Devidamente apresentados, antes de darmos o play no primeiro mês do ano, finalizamos as nossas despedidas. No dia 20 de janeiro, Elza Soares descansou de sua revolucionária passagem pelo planeta Terra, que durou ricos 91 anos. É difícil imaginar um mundo sem A Mulher do Fim do Mundo, mas é um consolo lembrar que ela pode receber todo o clamor que lhe era digno enquanto existiu nele. À voz do milênio que eternamente ecoará pela vastidão da música brasileira, refletindo em cada revolução que os nossos artistas viverão graças à sua precursora, dedicamos a primeira edição do Nota Musical de 2022.

Em capítulos anteriores, a pandemia foi figurinha repetida por aqui. Ano vai, ano vem e a covid-19 continua dando as suas indesejadas caras. Disso, o Grammy bem sabe: pelo segundo ano seguido, a premiação musical se viu obrigada a adiar a entrega dos troféus, dessa vez por conta da variante Ômicron. O evento acontecerá dois meses após o previsto, mas o show não pode parar. Na campanha pelos sete gramofones aos quais foi indicada, a rapper Doja Cat dá continuidade a era Planet Her, com o clipe de Get Into It (Yuh). O sucesso do TikTok ganhou um vídeo com lutas alienígenas no planeta fictício da artista, e foi dirigido por Mike Diva.

Outro destaque da maior premiação da Música, porém, não apareceu por aqui em Janeiro. Com o memorável feito de ser indicada no Big Four, as quatro categorias principais do Grammy, Olivia Rodrigo aproveitou seu mês de folga, mas serviu de referência para artistas estreantes no Nota Musical. Enquanto a cantora adolescente GAYLE se inspira na sonoridade da recém-habilitada no single ur just horny, a comediante Blogueirinha alude à capa de SOUR, no álbum-paródia Quem Me Conhece Sabe.

Sintonizando longe do Grammy, The Weeknd provou que seu talento vai muito além do reconhecimento da Recording Academy e de um prêmio dourado na estante. Com Dawn FM, o cantor, compositor e produtor alcançou a almejada transitoriedade entre o pop e o R&B, e, com o conceito de uma estação de rádio rondando a concepção do disco, Abel criou uma experiência imersiva em ambos os gêneros. Do outro lado da moeda oitentista e conceitual, a banda Beach House chegou à penúltima parte de seu projeto musical, Once Twice Melody: Chapter 3 (EP), um disco duplo dividido em 4 partes, disponibilizadas mensalmente desde Novembro de 2021.

Aos poucos, também, outros artistas já atiçam para o que 2022 guarda. Começando bem, Lauv, com a canção 26, e Charlie Puth, com Light Switch, dão o pontapé inicial em suas próximas eras, previstas para saírem em algum dos próximos onze meses. Igualmente sem data, e apenas com o título revelado, o EP Fairies Cum First de Grimes vem aí, e a faixa Shinigami Eyes indica um possível retorno da artista ao universo cyberpunk, em um projeto prelúdio do próximo álbum. 

Já outros estão mais avançados nas resoluções de ano novo e não deixam a bola cair, como é o caso de Adele, Conan Gray, Avril Lavigne e King Princess. A inglesa dá continuidade à era 30 com o videoclipe de Oh My God. Com seus novos singles, o Jovem Corvo continua inseguro em Jigsaw, que fará parte de seu segundo disco; a Princesa do Rock esbanja confiança e atitude na ‘quebra-tudo’ Love It When You Hate Me, ao lado de blackbear; e a dona do sucesso 1950 divide o microfone e o bloco de composições com Fousheé, na nebulosa Little Bother.

E Janeiro foi repleto de duplas. Na Europa, a revelação pop inglesa Griff, e a veterana norueguesa Sigrid, combinaram seus timbres graves em Head on Fire. No Brasil, os camaleões musicais CHAMELEO e Johnny Hooker se uniram no vampiresco clipe de NHAC!, e a it girl mineira Marina Sena se juntou à baiana Illy, na faixa e no vídeo da tranquila Quente e Colorido. Já sem calmaria nenhuma, a combinação de Ivete Sangalo e Gloria Groove, em Onda Poderosa, exagera na positividade, apesar de cativar com sua sonoridade e impressionar com os vocais. A faixa faz parte da série documental Onda Boa com Ivete, assim como Tudo Bateu, single com Vanessa da Mata.

No tópico ‘internacional’, não há como deixar de mencionar Anitta. A brasileira estourou de vez lá fora e apresentou Boys Don’t Cry, sua mais recente canção, no The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, um dos talk shows mais prestigiados dos Estados Unidos. O single, em inglês e com uma levada pop rock, caiu nas graças dos gringos, inclusive de Christina Aguilera. A veterana, que também teve um lançamento importante no mês, o EP em espanhol La Fuerza, rasgou elogios à nossa joia nacional. 

Joias nacionais essas que também deram as caras no México. A brasileira Giovanna Grigio, de Chiquititas e Malhação, soltou a voz no reboot de Rebelde, fazendo por merecer o Rebelde la Serie (Official Soundtrack), a trilha sonora da nova sensação da Netflix. Na leva das soundtracks, a de Euphoria ganhou mais duas colaborações: Tove Lo, com How Long, e Lana Del Rey, com Watercolor Eyes, somaram às canções presentes na segunda temporada da série, dominadas pelo fenomenal Labrinth.

O músico promete retornar ao Nota Musical nos próximos meses, assim como Charli XCX e yeule – ambas, porém, apareceram em Janeiro também. A intérprete do hit Boys continua excelente em referenciar gêneros dos anos 2000 e prova isso na nostálgica Beg For You. O single, colaboração com outro grande nome do pop internacional, Rina Sawayama, fará parte de Crash, próximo projeto da cantora, previsto para Março de 2022. Já o próximo de yeule chegou antes, em Fevereiro. Com a canção Too Dead Inside, a artista, natural de Singapura e radicada em Londres, esquenta para Glitch Princess.