Outubro é o mês mais amado pelo Persona. Cheios do espírito macabro do Halloween, agitamos nossas produções com o Mês do Horror e cobrimos com afinco a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Como comentar sobre tudo isso ainda é pouco, nós também demos vida ao Clube do Livro e as indicações da Estante do Persona. Para fechar nosso mês favorito com chave de ouro, chegamos para comentar as novidades da TV e do Cinema no Cineclube de Outubro.

Foram 31 dias recheados de lançamentos esperados. Começando com sequências do Terror para honrar o mês, Halloween Kills: O Terror Continua tenta dar sentido para as matanças de Michael Myers, mas garante a continuação da franquia graças aos atos horrendos do protagonista. Quem também voltou pela Paramount+ foi Atividade Paranormal 7, com traços da história original e inovando sua narrativa. Já a aposta da Netflix, Tem Alguém Na Sua Casa, degringolou como mais uma trama conhecida de jovens tentando descobrir a identidade do assassino. 

Ainda para os amantes do gênero slasher, o remake de Slumber Party Massacre acabou com os problemas do filme original e expandiu com irreverência a sua trama clássica dos anos 80. Com o mesmo sucesso, American Horror Story: Double Feature gastou tempo dividindo a décima temporada em duas histórias distintas, e foi destaque ao conquistar a aprovação total da crítica na primeira delas.

Enquanto isso, o Amazon Prime Video investiu mais na antologia de terror Welcome to the Blumhouse e trouxe ao mundo O Bingo Macabro e A Mansão, que deixaram os sustos de lado para trabalhar a relação entre a trama e seus personagens. Outro longa entre os lançamentos é Madres, Mães de Ninguém, com sua narrativa dramática e inspirada em fatos reais. O longa de Ryan Zagoga captura os horrores dos imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, por isso merecia um desenvolvimento como drama dedicado.

Sucessos da Netflix, Você e Maid, também partilham dessa pegada dos terrores da realidade com protagonistas femininas arrebatadoras. A terceira temporada de Você amadureceu seus conflitos e mostrou como psicopatas brincam de casinha, enquanto a estreia de Maid causou exaustão emocional pela sua trama complexa que fala de pobreza, trauma e agressão.

Outras queridinhas da plataforma tudum que lançaram novas temporadas foram Sintonia e On My Block. Coproduzida pelo KondZilla, Sintonia segue na sua caminhada em mostrar como o poder funciona dentro das favelas brasileiras. Por outro lado, o quarteto do subúrbio de Los Angeles se despediu com fraqueza, pois a última temporada de On My Block empobreceu os desfechos de seus personagens.

  Para os fãs de Round 6, My Name é a nova produção sul-coreana de grande destaque. Além da performance de Han So-hee como protagonista, a narrativa equilibrou ação e sensibilidade estando entre uma organização criminosa e a polícia. Os Muitos Santos de Newark também trabalhou a temática de organizações poderosas ao contar a vida de Tony Soprano antes de ser chefe da máfia italiana. No entanto, nenhuma das produções acima  fez tanto sucesso quanto a primeira temporada de Only Murders in the Building na mistura perfeita de um elenco brilhante, humor e mistério.

No gênero de Ação, o grandioso 007 – Sem Tempo Para Morrer era o mais esperado. Depois dos 15 anos de Daniel Craig e seu James Bond, a aposentadoria chegou em um filme empolgante, emotivo e explosivo que fez jus à saga. Duna também deu o que falar com Zendaya, Timothée Chalamet e Oscar Isaac no elenco. Baseado no livro homônimo de Frank Herbert, o longa exibiu a disputa de poder no universo intergalático à altura da obra. E como não poderia faltar a parceria Marvel e Sony, Venom: Tempo de Carnificina foi um recorde nas bilheterias brasileiras. Com Tom Hardy protagonizando o segundo filme ao lado de seu amigo alienígena, Venom 2 ficou entre ser engraçado e superficial.

As expectativas foram grandes na TV para a segunda temporada do premiado Ted Lasso. Seus episódios mais longos investiram ainda mais nos seus personagens, conseguindo marcar outros 3 pontos e ter um segundo volume ainda mais fenomenal. Quem também encantou foi a sitcom Pretty Smart e sua vibe Disney Channel em 2010, contando com a protagonização de Emily Osment – a nossa Lily de Hannah Montana. Com a mesma expectativa, The Walking Dead acendeu a chama da saudade no coração dos fãs de zumbis na primeira parte da sua temporada final.

Caminhando na contramão, a animação Injustiça: Deuses Entre Nós não foi digna dos Maiores Heróis da Terra da DC Comics. No Showtime, The L Word: Generation Q retoma The L Word depois de dez anos mas também segue presa ao passado, e mesmo com sua satisfatória repaginada, não retrata a vida da comunidade LGBTQIA+ nos dias de hoje.

E falando de vida real, Diana: O Musical estreou na Netflix mostrando o carisma e inteligência de Lady Di, mas esqueceu do drama necessário para falar de uma das maiores figuras do século XX. Já a coprodução entre Brasil e EUA do HBO Max, O Hóspede Americano, veio com um gosto amargo para contar a Expedição Científica Rondon-Roosevelt. Dando mais ênfase ao lado yankee, a minissérie lembrou a perda dos registros históricos brasileiros no incêndio do Museu Nacional de 2018.

Tentando alegrar nosso espírito, What We Do in the Shadows volta com qualidade para a sua terceira temporada cheia de humor, terror e vampiros malucos. No entanto, se nos confortamos com a comédia da FX, Cenas de um Casamento veio para quebrar de vez nossos corações. Terminando ao som de Chico Buarque, a produção original da HBO é uma obra-prima que mostra um casamento fracassado da forma mais complexa possível. 

Enfim, todos esses lançamentos não aliviam a perda de Gilberto Braga para a TV brasileira no mês de outubro. De Escrava Isaura à Babilônia, o talento do escritor deixou um leque de novelas e memórias nas pessoas de todo o país. Uma dedicatória ao legado do dramaturgo e muito mais sobre o que rolou no Cinema e na TV você confere no Cineclube de Outubro de 2021, sob a curadoria da Editoria do Persona e de seus Colaboradores. E deixamos aqui a pergunta mais importante que permeia a memória de um noveleiro digno: Quem matou Odete Roitman?

Falecimento de Gilberto Braga

“Quem matou Odete Roitman?”. Todo noveleiro já ouviu a pergunta acerca da morte de uma das vilãs mais icônicas da dramaturgia. Roitman é um marco na Televisão brasileira e sua vilania inspirou outras duas grandes personalidades: Nazaré Tedesco e Carminha. O criador da história é nada mais nada menos que Gilberto Braga, autor de 22 telenovelas que marcaram a TV brasileira, e que transformaram o formato de construir personagens e fazer novelas. Braga estava internado em Copacabana desde o dia 22 de outubro, e faleceu no dia 26 devido a um quadro de infecção generalizada.

Gilberto Braga fugiu do comum e parou o país com suas criações. Todo seu brilhantismo e talento era convertido em espaço para que os atores pudessem evidenciar pautas urgentes da sociedade. Foi o escritor que deu a Zezé Motta o primeiro papel de destaque na TV em 1984, na novela Corpo a Corpo, discutindo o racismo em horário nobre. Além das tramas incessantes, outro talento de Braga estava na criação de vilãs, más por natureza que demonstravam reflexos de um Brasil socialmente doente e desigual.

Seu primeiro grande sucesso foi a adaptação de Escrava Isaura, que até hoje é uma das novelas mais mais importadas da Rede Globo. Criador unânime de personagens, Gilberto Braga sempre teve um tato único para acertar o tempo e o tema a entrar em exibição no horário de maior audiência. Em Anos Dourados, o autor não permitiu que o país esquecesse a tirania dos anos de chumbo. Em Vale Tudo, além da figura de Odete Roitman, Braga falou sobre ética e, embalado ao som de Gal Costa gritando Brasil, escancarou a falta de integridade e a corrupção política. Marcando para sempre a memória do público e moldando a Era Disco no Brasil, Dancin’ Days estreou em 1978 com a história da ex-presidiária Júlia Matos (Sônia Braga) e a socialite Yolanda Pratini (Joana Fomm). Sua última novela, Babilônia, foi ao ar em 2015, com o beijo entre as duas gigantes, Fernanda Montenegro e Nathalia Timberg. – Ana Júlia Trevisan

Cinema

O Bingo Macabro (Bingo Hell, Gigi Saul Guerrero)

Após a chegada de um empresário misterioso à vizinhança de Oak Springs e a súbita abertura de um cassino oferecendo prêmios absurdos, os laços entre seus residentes são testados das formas mais cruéis. Parte do selo Welcome to the Blumhouse, O Bingo Macabro não oferece muitos sustos, mas seu roteiro ardiloso consegue construir muito bem o senso de comunidade entre o grupo de idosos que se põe contra a chegada do sinistro Sr. Big (Richard Brake).

Liderados pela feroz Lupita (Adriana Barraza), eles terão de enfrentar suas tentações mais profundas se não quiserem ser consumidos pelas promessas atraentes do novo Bingo. O longa de Gigi Saul Guerrero funciona devido às performances comprometidas de seu elenco principal e secundário, construindo pacientemente as relações entre seus moradores e suas tramas. Contudo, isso significa que o elemento de terror é relegado a aparições esporádicas e pouco marcantes, impedindo que o final da experiência chegue com força total. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Os Muitos Santos de Newark (The Many Saints of Newark, Alan Taylor)

Família Soprano é uma série muito aclamada, criada por David Chase, que conta a história de familiares que trabalham na máfia. Mesmo com seis temporadas, ainda há outros fatos posteriores ao show que ficaram de fora, como os vários motivos que propiciaram a ascensão de Tony Soprano. É justamente esse o ponto central de The Many Saints of Newark, filme de drama policial dirigido por Alan Taylor. O longa exibe os percalços, desde a juventude de Anthony Soprano (Michael Gandolfini) e seus desafios com os gângsters.

A jornada de Tony Soprano, registrada em The Many Saints of Newark, traz uma percepção ampla sobre a vida do mafioso antes de se tornar o chefe da máfia, mas ainda assim o spin-off apresenta muitas falhas. O roteiro, assinado por David Chase e Lawrence Konner, que escreveram alguns episódios da série original, não é muito envolvente. Mas apesar disso, a película conta com boas atuações, como no caso de Vera Farmiga, que deu vida a personagem Livia Soprano. Mesmo com alguns defeitos na construção de sua narrativa, o longa se mostra como uma recordação nostálgica para os fãs de Família Soprano. – Gabriel Gatti

Tem Alguém Na Sua Casa (There’s Someone Inside Your House, Patrick Brice)

Depois de lançar a trilogia Rua do Medo em 3 sextas-feiras seguidas, a Netflix parece ter percebido a legião de fãs devotos do gênero slasher, caracterizado pela presença de um assassino que mata várias pessoas utilizando uma arma específica, como uma faca. Tem Alguém Na Sua Casa, adaptação do livro homônimo de Stephanie Perkins, é o novo filme do streaming nesse estilo sangrento. 

Na trama, Makani Young (Sydney Park) se mudou do Havaí para o Nebraska para morar com a avó e terminar o Ensino Médio. Faltando pouco tempo para a formatura, seus colegas de classe começam a ser perseguidos por um assassino misterioso que expõe seus maiores segredos para a cidade toda. Enquanto todos estão aterrorizados, Makani e seus amigos precisam descobrir a identidade do assassino antes deles mesmos se tornarem vítimas. 

Tem Alguém Na Sua Casa consegue estabelecer bem o ambiente onde acontecerá o terror e apresenta personagens jovens interessantes, mas tudo é desenvolvido de um jeito bem morno. O filme diverte e consegue entregar algumas cenas tensas, mas passa a sensação de que já vimos aquela história antes e contada de um jeito melhor. Não chega a ser ruim, mas também não é nada memorável. – Caio Machado  

Injustiça: Deuses Entre Nós (Injustice, Matt Peters)

Uma das narrativas modernas mais irreverentes da DC Comics, Injustice finalmente ganhou sua adaptação animada. Nascida no videogame e logo esmiuçada em uma aclamada série de histórias em quadrinhos, a revolta ditatorial do Superman segue alastrando seu alcance. Nesse universo, o Homem de Aço, dessa vez animado na voz do querido Justin Hartley de This Is Us, perde o controle depois do Coringa (Kevin Pollak) causar a morte de Lois Lane (Laura Bailey) e do bebê ainda não nascido do casal.

A partir daí, cabe ao Batman (Anson Mount) parar o Super-Homem, custe o que custar. Mais otimista e menos carrancuda que sua história-mãe, Injustiça: Deuses Entre Nós abaixa o nível elevadíssimo do catálogo animado da editora, ao mesmo tempo em que mantém estática uma trama que já fora empolgante. Sob o comando do operante diretor Matt Peters, Harley Quinn (Gillian Jacobs), Arqueiro Verde (Reid Scott) e Mulher Maravilha (Janet Varney) desempenham papéis de destaque, em meio a um elenco não tão digno de dar voz aos Maiores Heróis da Terra. – Vitor Evangelista

Halloween Kills: O Terror Continua (Halloween Kills, David Gordon Green)

Depois de ser adiado em 2020 para outubro deste ano, não tinha como o assassino mascarado favorito do Cinema pular mais um mês do terror. Assim como Halloween 2: O Pesadelo Continua!, Halloween Kills começa imediatamente após o final de seu antecessor, partindo do princípio de que a noite está bem longe de acabar. Segundo filme da trilogia comandada por David Gordon Green, Kills sofre com os típicos problemas de pacing e roteiro de capítulos do meio, lutando para achar propósito nas matanças de Michael Myers.

Protagonizado mais uma vez por Jamie Lee Curtis no papel de uma das final girls mais famosas da Sétima Arte, o longa volta a seguir três gerações diferentes de mulheres Strode enquanto elas tentam descobrir como dar cabo do assassino aparentemente sobrenatural que as persegue. Judy Greer e Andi Matichak contracenam bem com Curtis, reforçando a dinâmica familiar proposta em Halloween (2018), mas sofrendo pela falta de espaço que a trama oferece para que essas relações sejam aprofundadas.

A verdadeira ambição de Halloween Kills está no aprofundamento da figura de Michael Myers e como ela se fortalece após cada sangrenta morte. Para isso, o diretor introduz diversos elementos que parecem promissores, mas que atrapalham no ritmo da obra, que se sai melhor quando foca nos atos horrendos de seu assassino, ao invés de interrogar a razão por trás delas. Apesar disso, seu final engata em uma sequência de puro slasher, nos deixando sedentos por sua conclusão no vindouro Halloween Ends. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Venom: Tempo de Carnificina (Venom: Let There Be Carnage, Andy Serkis)

O sotaque britânico de Tom Hardy vivendo a pele do jornalista meio fracassado Eddie Brock, e o humor cômico do parceiro alienígena que vive dentro de seu personagem nunca foram tão Marvelísticos e bombaram tanto na estreia como no segundo volume da franquia de Venom. Quebrando recordes de bilheteria durante a pandemia, Venom: Tempo de Carnificina surpreendeu dentro e fora dos cinemas brasileiros. O personagem de Venom é irresistível dessa vez: busca ser independente de seu humano, vive experiências de amor próprio em festas com estranhos e seus comentários hilários surgem no tempo certo. As opiniões estão divididas entre o alívio de ver a dupla bobona de Eddie e Venom, e uma história superficial que só consegue arrebatar uma proporção fantástica na cena pós-créditos. 

O segundo filme de Venom conseguiu um desempenho melhor do que o primeiro. Faltou história e carnificina, pois quem esperava matança à beça continuou na espera, mas sobrou humor em um elenco extremamente improvável com Cletus Kasady (Woody Harrelson) e Frances Barrison (Naomie Harris) sendo o casal vilão e serial killer da vez. Junto com Tom Hardy, os três são uma super bomba de atuação, principalmente tendo Woody em um papel tão específico quanto um psicopata dentro de um filme tonto. Mas a coisa desanda muito com o alienígena de Cletus Kasady: Carnage é filho de Venom – sim, você leu isso – e grita como um dinossauro de Jurassic Park. – Nathália Mendes

A Mansão (The Manor, Axelle Carolyn)

Um dos mais divertidos filmes vindos da Blumhouse Television para o Amazon Prime Video, A Mansão é um terror leve e descomplicado, explorando um lar para idosos através de uma recém-chegada que revela os mistérios sinistros da residência titular. Ancorado na relação entre Judith (Barbara Hershey) e seu neto, Josh (Nicholas Alexander), o longa de Axelle Carolyn é, dos lançados sob o selo Welcome to the Blumhouse, aquele que mais consegue equilibrar a atmosfera de terror com a narrativa de filme B.

O filme faz bom uso de seu orçamento limitado, confinando a maioria das personagens em um único espaço e construindo suas sequências ao redor do conhecimento que eles obtêm. Apesar de se indulgir em diversos clichês do gênero, a escolha de centrar a narrativa na dupla de avó e neto revitaliza os conflitos geracionais que estamos acostumados a ver nessas histórias. Com um final surpreendente e a boa vontade de não se levar a sério demais, A Mansão entrega exatamente o que promete. – Gabriel Oliveira F. Arruda

007 – Sem Tempo Para Morrer (No Time To Die, Cary Fukunaga) 

Depois de 15 anos, chegou a hora de nos despedirmos de vez do James Bond romântico de Daniel Craig. O astro já tinha demonstrado sua vontade de abrir mão do papel em diversas entrevistas anteriores e, ao assistir Sem Tempo Para Morrer, ficamos com a sensação de que ele esperou para dar adeus no momento certo. É um fim catártico para a era que começou com o ótimo Cassino Royale.

Na trama, James Bond finalmente se aposentou e agora vive na Jamaica. Sua paz desaparece quando um antigo amigo, Felix (Jeffrey Wright), retorna e pede ajuda para encontrar um cientista desaparecido. Relutante, o agente entra no caso e, rapidamente, a busca se torna uma corrida para salvar o mundo. 

007 – Sem Tempo Para Morrer é um filme tão empolgante que consegue até apagar a grande decepção que foi 007 Contra Spectre. A direção de Cary Fukunaga (True Detective, Beasts of No Nation) traz um novo olhar para as cenas de ação, utilizando da câmera na mão para deixá-las mais tensas e frenéticas. É um filme emotivo e explosivo, com direito a tudo que os fãs do personagem amam: romance, os gadgets, o vilão megalomaníaco, o mundo em perigo e o martini batido, não mexido. – Caio Machado 

Madres, Mães de Ninguém (Madres, Ryan Zaragoza)

Provavelmente o mais ambicioso da segunda leva de filmes chegando sob o selo Welcome to the Blumhouse, Madres é uma narrativa de terror dramática inspirada em casos reais dos anos 70. Graças a um elenco excelente encabeçado por Ariana Guerra e Tenoch Huerta e a uma fotografia expressiva, a obra captura o terror de imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, enquanto a direção de Ryan Zaragoza explora as complexidades da linguagem como conectora e separadora de comunidades.

A impressão que fica é que Madres teria sido melhor desenvolvido como um drama dedicado do que uma história de terror baseada na realidade. Do jeito que está, o longa de apenas 1h20min peca em seu segundo ato, não se aprofundando o suficiente em sua atmosfera para que seus sustos atinjam efeito máximo, sofrendo com o pouco tempo de tela e impedindo que a performance de Guerra como a valente protagonista se aprofunde na personagem. Porém, o filme acha sua mensagem no clímax e consegue impactar com horrores piores do que qualquer fantasia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Duna (Dune, Denis Villeneuve)

Duna exibe uma realidade em que os seres humanos do ano de 10.191 d.C, postos sob o domínio de um império espacial, vivem diante de uma disputa entre três famílias pelo planeta Arrakis. Nele, há a única fonte da cobiçada Especiaria, uma substância preciosa que permite as viagens intergalácticas. Nesse cenário, Paul Atreides (Timothée Chalamet), um jovem da aristocracia, recebe a missão de uma mulher misteriosa para embarcar em uma jornada ao planeta longínquo para manter a soberania do seu povo. A partir dessa trajetória épica, diversos obstáculos se instauram até a redefinição do cosmos.

Essa trama de ficção científica se baseia no livro homônimo de Frank Herbert. A narrativa ganhou uma adaptação no ano de 1984 sob a direção de David Lynch. No entanto, o filme foi produzido sem que o cineasta tivesse liberdade criativa no desenvolvimento da película, resultando em um desastre de crítica e bilheteria. Para esconder a identidade da autoria, algumas das versões foram creditadas a Alan Smithee, um pseudônimo empregado por diretores que renegam suas obras.

Após essa experiência catastrófica nas telonas, Duna retorna agora sob direção de Denis Villeneuve. A produção se iniciou em 2016, após o estúdio Legendary adquirir os direitos autorais do livro. A partir daí, houve um investimento pesado de US$ 165 milhões para o desenvolvimento do filme. Além disso, foi escalado um elenco com nomes como Javier Bardem, Zendaya, Oscar Isaac, incluindo ainda Timothée Chalamet como o protagonista da trama. Todo esse trabalho permitiu uma releitura interessante que faz jus à obra de Frank Herbert. – Gabriel Gatti

The Velvet Underground (Idem, Todd Haynes) 

Ao tratar da história de uma banda, vários documentários seguem o caminho tradicional: usar ordem cronológica, inserindo depoimentos dos membros ou de pessoas próximas e algumas filmagens de arquivo para ilustrar o que está sendo falado. Nesse sentido, The Velvet Underground, filme sobre a icônica banda de rock que dá nome ao título, opta por seguir um caminho fora do comum diante de outros filmes do gênero. 

O que mais chama a atenção no filme dirigido por Todd Haynes (Carol e O Preço da Verdade) é sua abordagem experimental ao se aprofundar na história do grupo e no contexto de grande efervescência cultural onde estavam inseridos: a Nova York do fim da década de 1960. Essa experimentação acontece principalmente na forma como o filme organiza as imagens exibidas, alterando sua posição ou sua velocidade. Passa uma sensação de agilidade que combina muito bem com o período que busca retratar. 

Não é só outro filme sobre a vida de artistas que marcaram época: é uma ode à experimentação. The Velvet Underground mostra como não ter medo de inovar é essencial para o desenvolvimento de qualquer arte. Aqueles que arriscam ficam para a história, e os membros do grupo liderado por Lou Reed com certeza ficaram. Além disso, o documentário também é uma linda homenagem às personalidades famosas que viviam na Nova York daquela época, como o artista Andy Warhol, o poeta Allen Ginsberg e o cineasta experimental Jonas Mekas. É um trabalho sensacional até mesmo para quem não conhece nada da banda. – Caio Machado

Diana: O Musical (Diana: The Musical, Christopher Ashley)

Princesa Diana, uma das figuras mais icônicas da cultura popular, tem sua história contada em formato de musical. A peça passeia por momentos, dos mais grandiosos aos mais íntimos, da vida da Princesa de Gales, explorando as diversas faces que ela precisou explorar ao conviver com a realeza inglesa desde o início de seu envolvimento com o Príncipe Charles. 

Com o fechamento da Broadway devido a pandemia de covid-19, a obra foi gravada sem plateia, explorando a apresentação de uma forma diferente de outros musicais que tem suas peças transmitidas para as telas, e teve sua estreia na Netflix antes de entrar nos teatros de Nova Iorque. As câmeras exploram diferentes ângulos e enquadramentos que trazem o espectador quase que para dentro da história.

Diana é retratada com carisma e inteligência, além de mostrar novos aspectos que são muitas vezes abafados por momentos polêmicos de sua vida, sem deixar de trazer os momentos que todos esperamos quando falamos da princesa. Porém, o filme falha em suas composições e suas performances deixam a desejar, especialmente considerando que é um produto sobre uma das maiores figuras da atualidade adaptada para um dos modelos mais espalhafatosos de produções audiovisuais. Com certeza, era de se esperar mais drama em um musical sobre Lady Di. – Marcela Zogheib

O Culpado (The Guilty, Antoine Fuqua)

Jake Gyllenhaal tem talento para um suspense psicológico, mas O Culpado o desafiou a narrar a história do começo ao fim apenas pela perspectiva de seu próprio personagem. O ator vive o policial Joe Baylor, recentemente afastado das ruas e preso em um trabalho que julga entediante como atendente do serviço de emergência. Ele é um homem agitado, ansioso e rude com um drama próprio misteriosamente relevante, enquanto atende as chamadas de uma Los Angeles caótica e que arde com incêndios destruidores. Até que recebe um pedido de ajuda de uma mulher em perigo, sequestrada pelo ex-marido e fingindo falar com a filha para tentar se salvar. 

A ansiedade de Joe é constante na sua tentativa em achar uma forma de identificar onde a mulher que atendeu está para socorrê-la. Ele vive um labirinto composto unicamente por ligações de voz, por isso o maior destaque do filme de Antoine Fuqua é o ponto de vista restrito ao protagonista. Só conhecemos os personagens que trabalham com ele e toda a trama conflituosa adjacente é narrada auditivamente. Cabe ao espectador imaginar a partir do que ouve nos atendimentos de Joe. O diretor fez um bom trabalho em seus únicos 11 dias de gravações e adotando essa perspectiva, mas nem Gyllenhaal por si só consegue fazer o longa ser de tirar o fôlego. As reviravoltas são meia boca, mesmo que imprevisíveis, e o desempenho do ator é o que carrega O Culpado como um filme interessantemente mediano. – Nathália Mendes

Slumber Party Massacre (Idem, Danishka Esterhazy) 

No remake do clássico cult de 1982, acompanhamos Dana (Hannah Gonera), que embarca numa viagem com as amigas para uma casa alugada, onde pretendem fazer uma festa do pijama. Quando o carro delas dá problema no motor, são obrigadas a ficar em uma casa isolada no meio de uma floresta, e o que era para ser uma noite de diversão, se transforma em terror enquanto elas precisam lutar para não serem mortas por Russ Thorne, serial killer famoso na região por utilizar uma furadeira enorme como arma. 

Slumber Party Massacre é uma ótima reimaginação contemporânea do slasher dos anos 1980. O filme retira tudo considerado problemático no filme original, como a presença exacerbada de nudez feminina, e ainda expande um pouco mais a trama, e faz uma inversão dos papéis de gênero muito divertida de assistir, onde os homens são ingênuos e bobos o suficiente para irem atrás do assassino. É um filme que não se leva a sério, mas parece apressado demais para mostrar os assassinatos e quase não desenvolve suas personagens. – Caio Machado

Exército de Ladrões: Invasão da Europa (Army of Thieves, Matthias Schweighöfer)

Exército de Ladrões conta a história de Ludwig Dieter (Matthias Schweighöfer), um banqueiro de vida pacata que tem sua rotina virada de cabeça para baixo quando Gwendoline (Nathalie Emmanuel) o convida para participar da sua organização de criminosos mais procurados do mundo, em uma missão de arrombar e roubar a famosa série de cofres criada pelo serralheiro Hans Wagner. Ludwig, que até então era apenas um amador na arte de resolver enigmas de cofres, agora embarca em perigos e situações que nunca imaginaria.

O derivado de Army of the Dead veio como uma prequela e deixou os fãs da franquia com a esperança de entender a origem dos acontecimentos do primeiro filme. No entanto, o longa traz mais dúvidas e foca em uma história paralela sobre roubo em um universo que, coincidentemente, está passando pelo início de um vírus zumbi. Mas a animação Army of the Dead: Lost Vegas promete acabar com a curiosidade do público sobre a origem do apocalipse. – Marcela Zogheib

Atividade Paranormal 7 (Paranormal Activity: Next of Kin, William Eubank)

A franquia que reviveu e assassinou o subgênero do found footage está de volta mais metalinguística do que nunca. Dessa vez, sob o comando de William Eubank, e com o roteiro creditado à Christopher Landon (que trabalhou nos filmes originais) e Oren Peli (idealizador do primeiro longa), a história sai de uma casa assombrada e passa para uma comunidade amish.

Lançamento exclusivo do Paramount+, Atividade Paranormal 7 tem inspirações bem dosadas de A Bruxa de Blair, mas peca pela predileção do clichê. As melhores sequências vem da imaginação do diretor, que brinca com a tecnologia câmera lenta das diversas lentes com que trabalha. A trama, centrada no retorno de Margot (Emily Bader) para a comunidade da mãe que a abandonou, tem traços da origem da franquia, mas sabe inovar a narrativa.

Misturando religião e terror, o subtítulo Next of Kin casa com a ideia de família e proteção que o filme prega. Na verdade, desconstruindo a concepção do que significa um lar. Em um outubro recheado de novas versões de clássicos antigos e de lançamentos apimentados, o novo Atividade Paranormal é uma boa pedida. – Vitor Evangelista

TV

The L Word: Generation Q (2ª temporada, Showtime)

Depois de dez anos, The L Word retornou à grade da emissora americana Showtime com a repaginada The L Word: Generation Q. Além das veteranas Bette (Jennifer Beals), Shane (Katherine Moennig) e Alice (Leisha Hailey), o reboot apresenta e acompanha a vida de personagens de uma nova geração – afinal, uma década depois, a série não poderia simplesmente retomar de onde a original parou. Nisso, a atual Generation Q conseguiu corrigir alguns dos erros de sua antecessora, como a falta de representatividade no elenco e a má representação de algumas minorias da própria comunidade LGBTQIA+, e, cheia de dramas, romance e vivências, rapidamente foi renovada para uma segunda leva de episódios.

Com o desesperador final em aberto da temporada anterior, Sophie (Rosanny Zayas), Dani (Arienne Mandi) e Finley (Jacqueline Toboni) rendem ao início da nova leva uma envolvente remexida, mas que rapidamente cai em um vai e volta interminável. Felizmente, o conflito perde força para histórias e personagens secundários, que garantem o fôlego ao longo dos dez episódios: alguns acabaram novamente injustiçados e deixados de lado, como Micah (Leo Sheng), Maribel (Jillian Mercado) e Nath (Stephanie Allynne), já outros finalmente ganharam seu devido e merecido holofote, como Gigi (Sepideh Moafi), Tess (Jamie Clayton) e Angie (Jordan Hull).

Porém, apesar dos rostos inéditos do reboot serem revigorantes, The L Word: Generation Q ainda tem dificuldade em desapegar do passado. Reviver personagens conhecidos é divertido, cenas de sexo são empolgantes (e fazem parte!), as D.R.s são entretenimento puro, mas quando se trata de retratar as vivências da comunidade LGBTQIA+ para além dos relacionamentos românticos, Generation Q ainda não avança. O novo ano até dá palhinhas de discussões importantes e necessárias, como a maternidade entre casais homoafetivos e o mercado de trabalho, mas, nisso, fica ainda mais tímida do que sua antecessora. Que uma terceira temporada continue com todo o dramalhão, porque ele existe, mas que vá além. – Vitória Lopes Gomez

Ted Lasso (2ª temporada, Apple TV+)

Naquela noite de 19 de setembro, não foi surpresa pra ninguém quando anunciaram Ted Lasso como vencedora do Emmy de Melhor Série de Comédia. Entre os inúmeros motivos pela justa vitória, está a jogada de marketing em lançarem a segunda temporada na mesma janela de tempo que os votantes tinham para escolherem seus favoritos à premiação. O segundo ano do bigodudo (não tão) bom de bola iniciou-se em julho, alegrando e emocionando o público até meados de outubro.

Se o primeiro ano de Ted Lasso foi bom, o segundo é fenomenal. O roteiro não economiza linhas quando se trata de gerar debates, o que ocasionou um aumento na duração do episódio e o reflexo de que o “futebol é vida” em cada um de seus personagens. Falando neles, os membros do AFC Richmond têm seu devido espaço na temporada, não precisando mais girar em torno da persona de Lasso. Ele, por sua vez, ganhou mais camadas nessa temporada, mostrando viver na linha tênue entre o infalível e o fragilizado.

Ted Lasso, que nunca foi uma série sobre ganhar ou perder, mas sim sobre acreditar, perde um de seus personagens mais queridos nesse ano. Se em 2020 o desenvolvimento de Nate foi um dos pontos altos da produção, em 2021 a crescente não para, mas, para a infelicidade do público, o arco dele tomou um rumo inesperado – inegavelmente instigante e que traz combustível para o próximo ano, mas ainda assim, infeliz e inesperado. Com treino e jogada ensaiada, Ted Lasso marca mais três pontos nessa temporada. – Ana Júlia Trevisan

Você (You, 3ª temporada, Netflix)

Outra vez Joe Goldberg (Penn Badgley) consegue escapar de seus assassinatos e pular para outra cidade. Uma nova vizinhança para ser um stalker obcecado com um padrão específico de mulheres. Ele tenta se enganar – e nos enganar – arrastando o enredo da segunda temporada ao trazer sua “alma gêmea” Love, grávida de seu filho, e amadurecer suas atitudes, ou viver em prol da família. E surpreendentemente, não é que essa história cola? A terceira temporada de Você é uma demonstração – das boas – de como dois psicopatas brincam de casinha, e Love é a peça mais fabulosa disso tudo, com o desenvolvimento da personagem e uma atuação esplêndida de Victoria Pedretti. 

No novo volume da Netflix, o humor vem mais ácido do que nunca, principalmente dentro da narração de Joe e Love ao guiarem a história por seus pensamentos e conclusões existenciais. Eles vivem o impasse de como criar um filho, sobreviver em um bairro de vizinhos insuportáveis e tentar não matar um ao outro. A princípio, a narrativa parece pintar Love como mais uma mulher impulsiva que mata a vizinha que deu mole para seu marido – logo no primeiro episódio. Mas o enredo, na verdade, é sustentado pela personagem e sua complexidade. Joe é deixado em segundo plano – ainda bem – até certo ponto, só para nos lembrar ao final de que o casal é uma união de psicopatas perfeitos, até demais, um para o outro.

A premissa da série parece não colar mais. Quando Joe aparece fazendo mais do mesmo, ou seja perseguindo mulheres que ele jura amar, o episódio fica insosso e difícil de engolir. Se respira, pisca e o coração bate, Joe tem certeza absoluta de que está flertando com ele. Mas há uma brincadeira não proposital da série nessa chatice. Esse narcisismo – que também aparece na justificativa incansável de Love em salvar seu casamento – demonstra uma característica específica de um bom doido varrido para o público: você regularmente concorda, entende seus impulsos, têm a mesma impressão sobre as coisas. Afinal, como discordar de Love ao apagar um anti-vacina com um rolo de massa? Um psicopata não vem com um rótulo na testa, e, definitivamente, o estilo Ted Bundy não ficou no século passado. – Nathália Mendes

Maid (Minissérie, Netflix)

Todo episódio de Maid parece impossivelmente longo. Mas não de uma maneira maçante ou lenta, diga-se de passagem, mas da maneira como cada um de seus dez capítulos se debruça tão intensamente sobre a vida de suas personagens e as captura com tanta vividez, por vezes tornando-a uma experiência quase difícil demais de se ver. Tanto uma odisseia pessoal quanto o retrato de um mundo frio e indiferente, a minissérie baseada no livro autobiográfico de Stephanie Land não é nada menos do que completa, em cada um de seus aspectos.

Já sendo considerada uma das grandes apostas da Netflix para a próxima temporada de premiações, a performance central de sua protagonista é o que carrega a produção de Molly Smith Meltzer. Margaret Qualley brilha na intimidade sutil de Alex, uma mãe que foge das agressões de seu namorado (Nick Robinson) junto de sua filha, Maddy (Rylea Nevaeh Whittet). Por mais que a interpretação de suas dores seja profunda e intensa, nunca cai no reino da auto-paródia ou do “misery porn”, capturando tão vivamente sua alegria quanto seu sofrimento. Qualley contracena com sua própria mãe, a atriz Andie MacDowell, que interpreta a mãe talvez categoricamente insana de Alex, e a relação problemática entre elas faz ótimo uso da química familiar entre as duas.

A direção e o roteiro de Maid são versáteis o suficiente para dar espaço a seus atores para trabalharem em cima dessas personagens em cenas emocionalmente complexas, maduras e envolventes, construindo um drama sobre pobreza, trauma e agressão em que cada episódio importa e se sobressai. Infelizmente, por conta do modelo de streaming da Netflix, parte desse impacto é perdido pela minissérie ser lançada de uma vez, não oferecendo tempo para respirar entre seus momentos mais dramáticos, incentivando uma maratona exaustiva ao invés da reflexão empática e compassada que sua trama implora para que você cultive. Mas, caso você esteja disposto a encarar essa exaustão, a obra mais do que recompensa o tempo que você coloca nela. – Gabriel Oliveira F. Arruda

American Horror Story: Double Feature (10ª temporada, FX)

Ryan Murphy anunciou a décima temporada de American Horror Story como a primeira a contar duas histórias ao invés de apenas uma. Intitulado de Double Feature, o show separa seis episódios para Red Tide, que se passa em uma cidade litorânea, e outros quatro para Death Valley, situado em um deserto. Junto com o formato novo, o programa contou com atores que nunca haviam participado nos anos anteriores, como Macaulay Culkin e Neal McDonough, além do retorno dos veteranos Sarah Paulson, Frances Conroy e Evan Peters.

Desse modo, American Horror Story inicia Red Tide com a mudança de uma família para Cape Code, uma cidade pacata e mórbida, motivada pelo emprego de Harry (Finn Wittrock). Logo, Doris (Lily Rabe) e a filha Alma (Ryan Kiera Armstrong) se deparam com os monstros que rondam as ruas em busca de sangue. No local, Harry enfrenta problemas com o bloqueio criativo, que o impede de desenvolver seu roteiro. A partir desse impasse, surge Belle (Frances Conroy) e Austin (Evan Peters) que o oferecem uma milagrosa pílula preta capaz de despertar o talento adormecido, porém acaba tornando seu usuário sedento por sangue. Por meio dessa história de terror, Ryan Murphy busca horrorizar seus telespectadores para o medo da mediocridade.

Após a conclusão de Red Tide, Death Valley se inicia com imagens em branco e preto como recurso para delimitar as duas épocas em que a história está situada. Uma delas se passa durante a década de 1950, quando os extraterrestres se apropriam da Terra como forma de perpetuar sua espécie. Após diversos conflitos diplomáticos com os seres interplanetários, os alienígenas acabam se instaurando nos Estados Unidos para desenvolver um ser híbrido entre humano e ET. E, assim, a trama pula para os anos atuais, em que a humanidade passa a ser engravidada pelos invasores. – Gabriel Gatti

The Premise (1ª temporada, FX)

Depois de anos no forno, a série criada, produzida e idealizada por B.J. Novak finalmente viu a luz do dia. A antologia The Premise é direta logo de cara, já que vemos o próprio criador como anfitrião, nos dando uma prévia do que irá acontecer. Em capítulos de meia hora, premissas diferentes são propostas e exploradas a fundo.

Sem quaisquer ligações entre si, as tramas envolvem fitas de sexo, plugs anais e o trauma que um tiroteio pode deixar em alguém. Brindada pelo humor muito característico de Novak (uma das mentes pensantes por trás de The Office), The Premise sabe escalar suas estrelas, com destaque para Ben Platt, Tracee Ellis Ross, Kaitlyn Dever, Lucas Hedges, Jon Bernthal, Lola Kirke e Daniel Dae Kim. A vibe Black Mirror de absurdismo é só a pontinha dessa curta comédia do FX. – Vitor Evangelista

What If…? (1ª temporada, Disney+)

Há historiadores que dizem amar a pergunta “e se?”, por se sentirem desafiados a olhar os mesmos aspectos por outros ângulos. Há outros que vão na contramão, e declaram a História como algo imutável e que é perda de tempo imaginarmos o que poderia ter acontecido. Inspirada nos quadrinhos, o Universo Marvel mostra que não apenas podemos sonhar com destinos diferentes, como nos dá os instrumentos para isso. Após WandaVision, Falcão e o Soldado Invernal e Loki, What If…? é a mais nova série da Marvel para o Disney+.

Em formato de desenho animado, a produção explora as diversas possibilidades dentro do MCU. Somos guiados pelo Vigia (Jeffrey Wright) para imaginarmos cenários desde se o primeiro Super Soldado na verdade fosse a Peggy Carter e até derrapar por um Thor completamente contrário do que conhecemos. Entre capítulos neutros e descontraídos, What If…? encontra espaço para emocionar e discutir o luto com a história do Doutor Estranho. Com o último episódio empolgante do começo ao fim, as expectativas pela segunda temporada permanecem altas. – Ana Júlia Trevisan

My Name (마이 네임, 1ª temporada, Netflix)

Provando que o sucesso meteórico de Round 6 não foi ponto fora da curva, My Name é mais uma produção sul-coreana que merece se destacar não só entre as melhores séries do mês, mas também do ano. Com uma trama de vingança simples que vai se complicando emocionalmente conforme as identidades de suas personagens vão se revelando, a narrativa é ancorada tanto pela excelente performance de sua protagonista quanto pelas coreografias das lutas expressivas e violentas.

Após testemunhar a morte de seu pai, Jiwoo (Han So-hee) se alia à organização criminosa da qual ele fazia parte a fim de encontrar seu assassino. Sob a tutela do carismático Choi Mujin (Park Hee-soon), ela se infiltra na polícia e assume uma identidade falsa, enganando todos ao seu redor, e talvez até ela mesma. Por mais que se inicie com um enredo de vingança básico, o roteiro da série eleva seus personagens e explora temas de identidade e confiança, construindo um ímpeto narrativo forte o suficiente para carregar facilmente seus oito capítulos, e quem sabe até uma segunda temporada.

O produtor e roteirista Javier Grillo-Marxuach (Lost e Cowboy Bebop) disse, em um painel sobre conflitos internos e externos no Austin Film Festival: “Cenas de luta, cenas de sexo, cenas de música, são todas a mesma coisa: elas acontecem quando o diálogo não é mais o suficiente.” Em My Name, esse princípio é utilizado com eficiência total, potencializando suas cenas de ação e combates, assim como seus momentos mais tenros e sensíveis. A interpretação visceral de So-hee como uma mulher dividida entre dois mundos impulsiona todo soco, chute e corte que ela dá, de maneiras que a Televisão americana ainda sonha em conseguir fazer. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sintonia (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Sintonia é uma ilustração da tríplice de poderes dentro das favelas brasileiras. Doni, Nando e Rita estão cada vez mais envolvidos com o funk, o crime organizado e a Igreja, cada um mostrando que a realidade não é dualista, mas que o ser humano precisa de âncoras para conseguir se manter vivo dentro de uma sociedade cruel. Além de escancarar todas as lacunas do Estado, a proposta da série é fazer muito mais do que isso: é representar quem costumeiramente não é visto com cada vez mais afinco. Não só a problemática foi aprofundada no segundo volume, mas também as características de seus personagens se aproximaram cada vez mais com o que é a população da favela em essência. 

O fato de ser coproduzida pela Kondzilla e estar numa plataforma de streaming influente como a Netflix é um marco para a representatividade. Mesmo que isso pareça clichê, a presença da produtora – que já é um fenômeno por si só – na posição de idealizadora de Sintonia ilustra a saída do funk para um amplo mercado, e tudo isso por um gênero que canta puramente o que vive, o que entende e na honestidade de como as coisas acontecem. Seguindo o caminho da segunda temporada, a série precisa – e deve – crescer mais, adentrar os conflitos emocionais de seus personagens, como tem feito com a vida de Nando no crime, mesmo que para isso Sintonia adote um enredo mais forte. – Nathália Mendes

Only Murders in the Building (1ª temporada, Hulu/Star+)

Only Murders in the Building conta a história de três moradores do prédio Arconia, em Nova York: Charles-Haden Savage (Steve Martin), Oliver Putnam (Martin Short) e Mabel Mora (Selena Gomez). A princípio, os três parecem não ter nada em comum, mas se conectam através do amor que têm pelo podcast criminal All is Not OK in Oklahoma, o que os inspira a investigar um homicídio no prédio onde residem e criar um programa autoral sobre o ocorrido. 

Ao decorrer da série, conhecemos um pouco mais sobre a história de cada um dos personagens e entendemos suas motivações por trás do interesse pela investigação. E o que parecia ser um prédio tradicional do Upper West Side se revela muito muito mais intrigante, mostrando que realmente pouco se sabe sobre as pessoas que cruzam caminhos nos corredores todos os dias.

Com um elenco que vai além da atuação brilhante dos protagonistas, trazendo participações  de Amy Ryan, Tina Fey e Sting, o show criado por Steve Martin e John Hoffman mistura perfeitamente o mistério com o humor, deixando todos os espectadores ansiosos para a segunda temporada, que já foi confirmada. Além do público, a crítica também aclamou o sucesso de Only Murders in the Building, que foi extremamente elogiada desde seu lançamento. – Marcela Zogheib

The Walking Dead (Parte 1 da 11ª temporada, AMC)

Comumente agendada para começar a ser transmitida em outubro, The Walking Dead resolveu fazer as coisas diferentes em seu ano final. Com mais episódios encomendados do que os habituais dezesseis, a longeva série de zumbis decidiu por lançar a primeira de três levas começando em agosto e terminando à tempo do Halloween.

Entre os destaques da décima primeira temporada estão o ínicio inspirado em Invasão Zumbi, com direito a trem infestado; a dinâmica avassaladora entre Maggie (Lauren Cohan) e Negan (Jeffrey Dean Morgan); e o retorno de Connie (Lauren Ridloff), depois de gravar Eternos. Além, é claro, da aguardada apresentação de Commonwealth.

A ideia de separar os personagens em uma porção de núcleos não é novidade nem boa notícia, mas considerando o desgaste da produção que lança episódios desde 2010, o saldo até que é positivo. Terminando com um gancho para lá de desnecessário, o começo do fim de The Walking Dead acende a chama da saudade no coração dos fãs e levanta algumas questões: veremos Rick e Michonne ano que vem? Por enquanto, não há resposta. – Vitor Evangelista

Mr. Corman (1ª temporada, Apple TV+) 

“Te deixa maluco envelhecer…” canta Lorde em Ribs, canção do álbum Pure Heroine. Além da música, o tema da passagem do tempo já foi abordado em diversos filmes, livros e séries. Em Mr. Corman, série produzida, roteirizada e estrelada por Joseph Gordon-Levitt (Entre Facas e Segredos e (500) Dias Com Ela), reconhecer o próprio envelhecimento é um dos temas centrais. 

Durante os 10 episódios da comédia dramática do Apple TV+, acompanhamos a vida de Josh Corman (Levitt), um homem frustrado que dá aula para as crianças da 5ª série em uma escola pública de Los Angeles. Ele poderia ter sido um astro do rock, mas acabou deixando a Música de lado e agora vive uma vida normal, dividindo apartamento com seu amigo, Victor (Arturo Castro). 

O início de Mr. Corman é lento e deixa uma dúvida: o que ela tem de tão especial assim para que continuemos assistindo aos próximos episódios? Conforme a trama se desenvolve, descobrimos a resposta: a produção chama a atenção em sua criatividade para representar as angústias de seus personagens, como quando transforma uma conversa entre mãe e filho em um musical. Sua habilidade em trazer cor e imaginação para a frieza da rotina é encantadora. É uma pena que tenha sido cancelada devido à baixa audiência. – Caio Machado

O Hóspede Americano (Minissérie, HBO Max)

Coprodução entre Brasil e EUA, a série dirigida por Bruno Barreto acompanha a Expedição Científica Rondon-Roosevelt, liderada pelo ex-presidente estadunidense Theodore Roosevelt (Aidan Quinn), e o Marechal Cândido Rondon (Chico Díaz). Seguindo o curso inexplorado do então chamado Rio da Dúvida, a narrativa apresenta os perigos da viagem, o choque entre natureza e civilização, e os embates culturais entre duas visões de mundo tão distintas como as de Roosevelt e Rondon. 

Seguindo um formato televisivo padrão sem tomar grandes riscos, a série tem méritos ao resgatar um episódio significativo da história brasileira, mas escorrega ao direcionar toda a ênfase na perspectiva do tal hóspede americano. Por outro lado, a recriação dos eventos históricos vêm com um gosto amargo. Ao longo dos episódios, vemos sempre uma equipe de filmagem registrando a expedição. Tristemente, grande parte do acervo original de registros das expedições de Rondon se perdeu no incêndio do Museu Nacional em 2018. A ficção é importante, mas nunca é o bastante para preservar a História. – João Batista Signorelli

On My Block (4ª temporada, Netflix)

É frustrante perceber que a última temporada de On My Block, uma das peças mais divertidas e carismáticas no catálogo da Netflix, tenha sido dolorosamente fraca. Depois de quatro temporadas, a finalização da trajetória do quarteto residente da periferia multiétnica de Los Angeles não encontrou o tom certo para dar um desfecho decente aos plots anteriores e, para piorar, descaracterizou a parte mais interessante de cada um de seus personagens.

Entre os protagonistas, apenas Cesar (Diego Tinoco), atual líder dos Santos, foi tratado com o mínimo de coerência, ainda preso entre a vida que queria e a vida que foi obrigado a ter. O relacionamento extremamente marcante com Oscar (Julio Macias) e o fato de ter sido colocado cara a cara com criminosos aposentados rechearam a história de Cesar com a carga dramática necessária, ressaltando a vulnerabilidade do personagem e finalizando o arco dos irmãos Díaz com muita tragédia e realismo.

No entanto, Jamal (Brett Gray) foi de bizarro encantador para misógino insuportável e a coitada da Monse (Sierra Capri) não recebeu nada além de um arco reaproveitado da temporada passada. Já Ruby (Jason Genao), de longe o personagem mais bem construído de On My Block, foi reduzido a namorado infantilizado e todos os seus traumas, imprescindíveis para o personagem, foram esquecidos no churrasco. Se o diferencial da série sempre foi equilibrar o sério e o surreal, o final parece ter sido escrito com as mãos amarradas, deixando de lado todo o charme que deu vida às três temporadas passadas. Mesmo assim, o quarteto (e seu elenco!) vai deixar saudades. – Caroline Campos

Pretty Smart (1ª temporada, Netflix)

A nova sitcom da Netflix mostra que a plataforma continua sabendo conduzir suas experimentações. Depois de misturar sua superprodução mais madura com o seu sucesso juvenil mais ousado no campo do drama, a produtora do streaming trouxe a energia dos anos 2010 do Disney Channel para atrair o público jovem adulto ao seu catálogo de comédia.

É essa a sensação que existe depois do primeiro episódio de Pretty Smart. Com o protagonismo de Emily Osment (Hannah Montana), a série está dentro do dia a dia de Chelsea, que foi de garota prodígio à gênia recém-formada na universidade, mas terminou com seus planos todos frustrados. Ela encontra abrigo na casa da irmã mais nova Claire (Olivia Macklin), e de seus amigos Grant (Greg Sulkin, de Os Feiticeiros de Waverly Place), Solana (Cinthya Carmona) e Jayden (Michael Hsu Rosen), todos vivendo de forma bem diferente do que a acadêmica tinha como ideal.

O tempo que Chelsea passa junto de sua nova família improvável a faz refletir sobre a forma como conduziu a sua vida até ali, refletindo em meio às palhaçadas do grupo sobre seus relacionamentos e a sua própria felicidade. Quase abobalhada demais, a criação de Jack Dolgen e Doug Mand conversa diretamente com o público cujo primeiro contato com sitcoms foi através das estrelas da Disney, e que hoje pode conservar algumas decepções para com a realidade que a geração dos 20 e poucos anos vive em 2021. – Raquel Dutra

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage, Minissérie, HBO)

Adaptada da minissérie de 1973 do roteirista sueco Ingmar Bergman, Scenes from a Marriage é a obra-prima mais recente da HBO. Em cinco episódios, a série apresenta um casamento fracassado de maneira profunda, pessoal e complexa. Nada no roteiro é quadrado ou fácil: diálogos, atos e até mesmo o movimento das câmeras constroem a rede de dependência que um tem pelo outro e os machucados que o relacionando deixou em ambos.

Os protagonistas são Jessica Chastain e Oscar Isaac. A química entre os dois é forte a ponto de deixar o roteiro mais condizente com a realidade, e a atuação impecável faz com que o episódio de uma hora passe rápido, mesmo com a trama seguindo a passos lentos. Não há vilões na história, apenas duas pessoas agindo de forma irracional, emocionalmente fragilizadas com o casamento, inseguras e que precisam de ajuda profissional.

Oscilando entre capítulos menos intensos e devastadores, Scenes from a Marriage chega ao se encerra ao som de Chico Buarque. Retrato Em Branco E Preto foi uma escolha irretocável como trilha sonora, que casa em cada ponto apresentado na minissérie de Hagai Levi. Dentre os acertos, o maior para a releitura da obra de Bergman é a inversão de papéis que dá um fôlego mais atual na trama. – Ana Júlia Trevisan

What Do We Do in the Shadows (3ª temporada, FX)

Os maiores vampiros da cultura pop estão de volta! A terceira temporada de What We Do in the Shadows mergulha ainda mais na psique maluca dessas criaturas imortais, oferecendo capítulos ricos em risadas e em fantasia e terror. Enquanto Guillermo (Harvey Guillén) começa sendo julgado pelos assassinatos do ano anterior, Nandor (Kayvan Novak) e Nadja (Natasia Demetriou) se tornam colíderes do clã.

Colin Robinson (Mark Proksch) e Laszlo (Matt Berry) criam um vínculo de amizade nunca antes visto e a Guia (Kristen Schaal) faz o possível para manter todos eles na linha. Com os habituais dez episódios, Shadows aumenta o nível de qualidade e humor, provando que essa série tem espaço para crescer e conquistar mais audiências. Até ano que vem, meus queridos vampiros, e, por Deus, cuidem bem do bebê. – Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O mês de outubro foi o mais agitado de 2021 aqui no Persona. Iniciado com o especial para o Mês do Horror e intermediado pela cobertura intensa da 45ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, os últimos 31 dias também viram o nascimento do nosso Clube do Livro, que aqui no site se materializou na Estante do Persona, nosso novo quadro mensal literário. Entre todas essas atividades, não deixamos de acompanhar o mundo da Música, e agora, chegamos para comentar tudo o que rolou no décimo mês do ano no Nota Musical.

Tudo começou com um misterioso número 30 surgindo nas principais cidades do mundo. Como um bat-sinal, Adele criou um momento no início de outubro para a divulgação de seu retorno, que acontece depois de seis silenciosos anos que sucederam seu último disco, 25. Agora, seremos apresentados aos 30 da artista, e o single Easy On Me foi mestre em nos introduzir ao novo estágio da vida de Adele, que encontrará seu lugar no mundo em forma de disco no próximo dia 19 de novembro.

Enquanto Adele ressurgia com os seus números, Ed Sheeran retornava com os seus sinais. Como anunciado pelas variáveis e constantes de Bad Habits e Shivers, o novo disco do cara mais legal do pop chegou para continuar sua concepção musical pautada na matemática. Agora, +, × e ÷ tem a companhia de =, e para o bem ou para o mal, a música de Ed é assumidamente definida pelo símbolo de igual. 

Por outro lado, as sábias operações musicais de Lady Gaga e Tony Bennett decidiram apostar tudo num jazz que coloca o amor à venda. Da mesma forma, Hans Zimmer, por sua vez, concluiu na trilha do novo 007 que não temos tempo para morrer, The War on Drugs percebeu que precisa de um novo lugar no indie rock, e Brandi Carlile criou sua aclamada música country a partir de dias silenciosos.

Há também os que buscam a maior abstração possível. É assim com Coldplay e seu novo disco Music of the Spheres, que inventa de buscar outras formas de vida e de expressão distanciando-se do que nos conecta uns aos outros aqui na Terra. Mas nem tudo está perdido: as viagens atmosféricas de outubro funcionam sob a condução de Felipe de Oliveira, Tirzah e Black Country, New Road. Quem quiser acompanhar as belezas descobertas pelos artistas em ascensão, pode conferir os discos Terra Vista da Lua e Colourgrade e o single Chaos Space Marine.

Se alguns embarcam em direção ao exterior, outros mergulham no interior. Na MPB, essa foi a direção de Caetano Veloso em Meu Coco, e de Ney Matogrosso em Nu Com a Minha Música. No rock, o movimento nos entrega o melhor de Sam Fender em seu segundo disco, Seventeen Goin Under. No pop, foi a tática de importantes estreias: lá, FINNEAS descobriu um otimismo agridoce e PinkPantheress resolveu mandar tudo pro inferno.

É da dimensão íntima que outros grandes nomes trazem grandes coletâneas. Silva comemorou seus dez anos de carreira com De Lá Até Aqui; Megan Thee Stallion presenteia seus fãs com Something for Thee Hotties; Elton John traz sua música de quarentena em The Lockdown Sessions; Nick Cave & The Bad Seeds desenterram alguns tesouros em B-Sides & Rarities (Part II); e Madonna disponibiliza sua experiência ao vivo de Madame X nas plataformas de streaming. 

Assim, outubro também foi um mês de retornos. Primeiro, The Wanted movimentou a internet com seu comeback anunciado através de Rule The World, primeiro lançamento da banda desde sua separação em 2014. Depois, Agnes chega para o revival da era disco em seu quinto álbum, Magic Still Exists, que finaliza um hiato de quase dez anos. Já Tears For Fears viveu um intervalo um pouco maior, mas agora o jejum iniciado em 2004 está encerrado com The Tipping Point, faixa-título do novo álbum da dupla britânica, cujo lançamento está previsto para o início de 2022.

Quando o assunto é novidade, também estamos bem servidos. Em terras brasileiras, o pop viu o encontro de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus, teve mais uma chance de reconhecer Johnny Hooker, finalmente recebeu a estreia de Priscilla Alcantara e o terceiro álbum de Jão. O funk juntou Valesca Popozuda e Rebecca, o rap esteve com Karol Conká e WC no Beat, e a MPB ganhou a companhia de Jorge Drexler na nova canção de Marisa Monte, mas o maior destaque de outubro vai para a Imaculada Alice Caymmi.

Fora do país, o nome segue sendo o de Anitta, que esse mês, apareceu junto de Saweetie em Faking Love. Mas desta vez, a Girl From Rio não representou o Brasil sozinha na música internacional. Nas tabelas, A QUEDA de Gloria Groove significou ascensão, e a drag brasileira estreou na parada global da Billboard. O mesmo sucesso e apreço não pode ser encontrado na colaboração entre Jesy Nelson e Nicki Minaj, já que o lançamento de Boyz veio encharcado de polêmicas da líder Barbz nas redes sociais, e episódios de blackfishing por parte da ex-Little Mix.

Ainda bem que a Música pode contar com a honestidade de Phoebe Bridgers, que usou That Funny Feeling para levantar sua voz em oposição à legislação antiaborto mais restritiva dos Estados Unidos que avança no Texas. O cover da artista esteve no radar mensal do indie, que também tem novidades preciosas no novo disco de Lana Del Rey e nas canções de Mitski e Michael Kiwanuka. 

Por fim, outubro ainda trouxe um belo descarte de Ariana Grande, novos contornos para a Conan Gray, clipes de Troye Sivan, Kacey Musgraves e Olivia Rodrigo, e o encontro gigante de The Weeknd com Swedish House Mafia. Foi um mês e tanto, mas o Persona nunca deixa de se atentar às novidades e decepções que a Arte nos oferece. Na décima edição do Nota Musical, nossa Editoria e nossos colaboradores se reúnem para vasculhar os CDs, EPs, músicas e clipes que ecoaram por aí em Outubro de 2021.

CDs

Lana Del Rey – Blue Banisters

Quando Lana Del Rey anunciou que Blue Banisters sairia ainda em 2021, sobrancelhas arquearam. A mesma cantora que, poucos meses atrás, havia mergulhado sem bote salva-vidas no tênue rio de expectativas que foi Chemtrails Over the Country Club, agora decidira lançar uma nova coletânea de batidas lentas e composições afiadas. Para a surpresa da audiência, Lana se ausentou das redes sociais, teve o disco vazado (aparentemente sob a supervisão da gravadora) e cumpriu o calendário. Em 22 de outubro, pudemos nos apoiar nos corrimões azuis.

Acompanhada de dois belos cachorros serenos, Lana olha ao seu redor. Ela inspira o ar puro, ela observa o farfalhar das folhas. Ela decide cantar não apenas sobre a velha Hollywood e sobre relacionamentos complicados, mas também sobre sua família. Convidando membros do clã Del Rey até para o papel de compositores, tirando sarro da irmã e da vida moderna, Blue Banisters dá certo pois Lana entende o que deve ser feito.

Se Chemtrails frustrou pela exaustão dos temas que fizeram de Norman Fucking Rockwell! o melhor disco de 2019, em sua segunda rodagem de 2021, a artista acerta a mão na refrescância de si mesma. Em Text Book, ela nos convida ao passeio. Em Arcadia, apresenta uma terra mágica (e um pedido inusitado, mas bem-vindo). Em Dealer, grita os pulmões para fora do tórax e em Sweet Carolina reconfigura sua própria ideia de como ser uma cantora de sucesso. Quase como um manual de instruções que resulta no sucesso, Lana Del Rey dá conta do recado. – Vitor Evangelista

Hans Zimmer – No Time To Die (Original Motion Picture Soundtrack)

A trilha de No Time To Die, novo filme da franquia de James Bond, chegou às plataformas de streaming. A despedida de Daniel Craig no papel de agente mais famoso do Cinema vem sob as canções imersivas e expansivas de Hans Zimmer, conceituado músico alemão que dá sequência a seus trabalhos em trilhas sonoras, cujo mais recente, The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack), foi lançado ainda no mês passado. A pedido de Zimmer, Billie Elish canta, de forma brilhante, a faixa-título do filme, e entra para a história como a artista mais jovem a gravar para a franquia. No começo deste ano, a canção rendeu um Grammy. 

Os longas do Agente 007 oferecem ao público um aspecto interessante. Embora sejam filmes de ação, mesclam elementos do Cinema cult, e compõem uma aura de clássico acessível. Por essa razão, suas trilhas sonoras têm a difícil missão de mesclar essas características, e, geralmente, são indicadas nas principais premiações. A franquia possui 15 indicações ao Oscar, das quais 11 são em categorias de som. Da lista, o mais recente foi o de Melhor Canção Original por Writing’s on the Wall, em 2015, cantada por Sam Smith. Para esse filme, inicialmente, a música tema seria Spectre, composta pelo Radiohead. Os britânicos produziram a canção, que foi recusada por ser considerada muito melancólica. 

É possível que se tenha encontrado a mistura perfeita entre o clássico, o melancólico e o acessível em No Time To Die. Mais do que aumentar o clima de tensão nas cenas de ação e suspense, as canções captam a sensação de perda emocional constante, elucidando as complexidades de James Bond. No fim das contas, há uma fórmula que não pode ser alterada, e Zimmer permanece dentro dos limites — mas tudo, claro, sem perder o estilo. – Bruno Andrade

Jão – PIRATA

Finalmente Jão parou de sofrer por amor (mas não muito). Depois dos doídos LOBOS e ANTI-HERÓI, PIRATA, o terceiro álbum do cantor e compositor, superou as persistentes desilusões e lamentos sobre o amor e, para além de seu recorrente tema, cresceu também em sua sonoridade. O novo trabalho inaugura uma nova fase do artista, já começando pelo seu grandioso lançamento: ao invés de uma apresentação intimista do projeto, Jão reuniu os fãs em um teatro para ouvirem o álbum com exclusividade.

Agora mais ousado, otimista e confiante, as composições autorais do artista continuam charmosas e confessionais. Ninguém sabe o que aconteceu em 2013 para Jão, a quem pertence o dragão nas costas da pessoa que vai parar na cama dele ou o porquê o banco do carro o lembra da nuca de sabe se lá quem, mas mesmo assim, as letras pessoais foram feitas para serem cantadas alto por todos. As batidas animadas e os ritmos festeiros de Pirata, que se anima até quando abaixa o tom para sofrer um pouquinho (não pode faltar), também convidam para dançar até enquanto pronunciamos com convicção “é claro que eu não te amo”.

Falando em ânimo, Jão se arrisca com novas sonoridades e até na produção. Se de primeira algumas faixas como Clarão e Doce soam como um esforço para inovar que deu errado demais, as novidades crescem no ouvido depois que as expectativas iniciais se quebram. Chega de violões sofridos e de chororô, agora a desilusão virou uma dançante EDM para comemorar os fins. O sofrimento de PIRATA é quando este, depois de rápidos 34 minutos, chega ao seu. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Dedicar um álbum inteiro a Cole Porter não é novidade no mercado fonográfico norte-americano. Em 1956, por exemplo, o mundo era presenteado com o clássico Ella Fitzgerald Sings The Cole Porter Song Book. De lá para cá, no entanto, os parâmetros musicais mudaram mais de uma vez, e, na atualidade, nenhuma realização similar à de Ella parecia ser capaz de fazer tanto barulho. Nenhuma, até o público finalmente conhecer Love For Sale. Afinal, com o brilhantismo da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, tudo é possível. E ambos foram capazes de transportar os clássicos do jazz para os dias de hoje, sem deixar de lado o brilho original das canções, ou fazer com que o projeto soe pouco inovador.

Incorporando uma roupagem característica do duo super carismático a sucessos imortais, Love For Sale foi aclamado antes mesmo de nascer, recebendo 5 estrelas do jornal Financial Times. Além disso, vale ressaltar que o projeto não surgiu da noite para o dia, pois vinha sendo planejado desde meados da era Cheek To Cheek. Inclusive, para quem desconfiava que o álbum de 2014 era tão somente uma jogada de marketing, ou simplesmente torcia o nariz para a Mother Monster no jazz, o novo disco de Tony e Gaga evidencia de modo inigualável a sinceridade e química que há nessa dupla, o que talvez modifique um pouco a opinião de um grupo sisudo, que gosta de ter controle sobre o que é ou não Arte.      

Em relação aos destaques do CD, It’s De-Lovely é a abertura perfeita para o álbum: carregada de belos vocais e muita poesia, como já esperado, a faixa é um deleite à primeira ouvida. E indo da contagiante faixa-título à extasiante Do I Love You, uma das performances solo de Gaga, não podemos deixar de mencionar Let’s Do It. Para os brasileiros, talvez seja impossível não associar essa canção à memorável versão Façamos (Vamos Amar), de Elza Soares e Chico Buarque. Para finalizar, não foram inesperadas as reações da internet à música You’re The Top – já que alguns versos dessa faixa ganham outro sentido na comunidade gay, num jogo entre os termos passivo e ativo. Portanto, não restam dúvidas de que, ao lado de Lady Gaga, Tony Bennett se aposentou em grande estilo. – Eduardo Rota Hilário      

Ed Sheeran – Equals

Simples, íntimo e sem erros. É assim que Ed Sheeran orquestra = (Equals), em cada nota e ritmo de seu quinto álbum solo. Sem desapontamentos, o britânico entrega mais do que o esperado nas 14 músicas, harmonizando cada parte de sua era matemática em um único exemplar. Sentimos cada detalhe de suas emoções, transitando entre energias positivas e mais dramáticas. 

Ainda que o cantor permaneça no pop comercial, ele sempre traz seu diferencial com músicas acústicas em meio as mais dançantes. A menção honrosa vai para Tides, deixando explícito que, mesmo com as mudanças significativas em sua vida, o artista permanece o mesmo. Em sua nova fase, Ed Sheeran nos mostra o quanto ainda podemos ser iguais. – Júlia Paes de Arruda

Priscilla Alcantara – Você Aprendeu A Amar?

“Eu começo onde eles dizem ser o meu fim”, era a mensagem de Priscilla Alcantara quando iniciou de vez sua caminhada rumo ao pop num processo de ruptura com as suas raízes no gospel. O momento da mudança de carreira – e de postura diante das cobranças de quem se achava no direito de questionar a forma como seguia sua vida – foi marcado pelo single Correntes, lançado em novembro de 2020, que hoje é peça fundamental no primeiro disco de Alcantara fora da música religiosa. E bem antes do lançamento de Você Aprendeu A Amar?, Priscilla já é um fenômeno pop há muito tempo. 

De ícone da TV infantil dos anos 2000 à perfil influente nas redes sociais, recentemente ela até saiu vencedora da primeira edição do The Masked Singer Brasil. Assim, Alcantara não tem medo de ser cringe logo de cara, e apesar da boa produção, Boyzinho pode não ser a melhor forma de abrir o disco, que guarda coisas muito mais interessantes nas próximas faixas. Vide Primavera na segunda posição da tracklist, apresentando um lirismo que o pop nacional apreciava muito em Sandy & Júnior, agora fresco e repaginado pela expertise de uma artista que conhece bem o público e a música que busca. 

As referências do gênero que foi a primeira formação musical de Priscilla Alcantara estão por toda parte, e ainda que ela tenha dificuldade em coordenar sua individualidade junto do estilo secular e sua voz potente, nada aqui significa uma artista contida. Ela aposta alto e sem retorno em Você É Um Perigo e Beat Triste, enquanto o auge do álbum é quando ela se solta na balada Eu Não Sou Pra Você, brilhando forte a assinatura musical junto da participação de Lucas Silveira (que também assina a produção do álbum). Em seguida, Tem Dias mostra o melhor do pop de Alcantara no trabalho que ainda tem a participação de Projota e uma vindoura colaboração com Emicida (!). Como ela disse, Você Aprendeu A Amar? é só o começo. – Raquel Dutra

Silva – De Lá Até Aqui (2011-2021)

Silva resolveu comemorar seus dez anos de carreira musical do melhor jeito: com mais música. No álbum De Lá Até Aqui, o cantor, compositor e produtor revisita canções e celebra seus trabalhos anteriores em, não por coincidência, dez faixas. Além dos áudios, ele tornou a produção também visual e todas as músicas ganharam clipe, filmados diretamente de sua casa no Espírito Santo. Com novos arranjos e interpretações, Silva se aproveita da habilidade no violão para brincar com os estilos e mudar pegadas, em releituras que não tornam o trabalho somente um ‘Maiores Sucessos’. 

Regravadas no ‘voz e violão’, como as faixas foram primeiramente concebidas, o artista pretendia focar na essência das composições ao invés de produções grandiosas. Amantes, por exemplo, que já tinha sido apresentada ao vivo no Bloco do Silva, mas nunca chegou a ser lançada, foi disponibilizada oficialmente em uma versão completamente diferente. Outras, as animadas Pra Vida Inteira, colaboração com Ivete Sangalo, e Um Pôr do Sol na Praia, com Ludmilla, ganharam uma versão solo, repensadas no formato acústico e ao teclado. Até Não É Fácil, presente no Silva Canta Marisa, teve sua própria releitura da releitura, já que, no álbum de covers, o artista performa sua visão de sucessos de Marisa Monte.

Entre as dez faixas, Silva ainda deixa espaço para uma inédita, Pra Te Dizer Que Tô Feliz Assim, que já abre o trabalho significativa. “Meu caminho não é reto pra lá/ninguém me falou onde é que ia dar”, ele inicia, com a voz calma e melódica que, com certeza, marcou sua carreira. De Lá Até Aqui relembra canções desde o primeiro álbum, Claridão, até o mais recente, Cinco, e homenageia os dez anos de trajetória mostrando que, mesmo depois de uma década, Silva sabe muito bem como se renovar. – Vitória Lopes Gomez

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Para o bem da legião de apaixonados por Música brasileira, Ney Matogrosso adiantou o lançamento do álbum Nu Com a Minha Música, antes previsto para sair somente em novembro deste ano. Composto pelas quatro canções já apresentadas no EP homônimo de agosto, além de outras oito faixas, o novo disco de Ney é, antes de tudo, uma celebração da liberdade. Não à toa, desde a escolha do repertório, o artista satisfez sensivelmente as próprias vontades. E o resultado foi, como sempre, um belo CD, com produção musical divida entre Leandro Braga, Marcello Gonçalves, Ricardo Silveira e Sacha Amback. 

Felizmente, o “medo” de não conseguir cantar aos 80 anos, depois de ficar um ano inteiro sem essa prática, não passava de um temor. Jogando um pouco de luz sobre um país tão dizimado, Ney Matogrosso parece expressar sua relação íntima com a Música ao cantar “eu ouço cada palavra/de cada frase não dita”. Nesses versos de Noturno, canção ampliada por Vitor Ramil, a pedido do próprio intérprete, temos certeza de que Ney enxerga além do lugar-comum de suas escolhas. Prova disso é Sua Estupidez, que, nas mãos do ex-Secos & Molhados, fascina até quem não aprova muito os compositores Roberto e Erasmo Carlos. 

Sem muita surpresa, Mi Unicornio Azul, do cubano Silvio Rodríguez, permanece, de agosto até aqui, como um dos auges das novas gravações. E falando em destaques, o expurgo poético de Estranha Toada nos encanta com os versos de Martins e PC Silva: “Eu tô gastando canção,/minha função principal,/derramando verso a quem não vale uma vogal”. De fato, percorridas oito décadas de vida, é urgente assumir que Ney Matogrosso não precisa mais provar sua expressividade e relevância. As renovações tornam-se, da mesma forma, desnecessárias para quem pode muito bem gravar porque quer gravar. E cantar – até o fim.  – Eduardo Rota Hilário

Brandi Carlile – In These Silent Days

Vencedora do Melhor Álbum Americana com By The Way, I Forgive You, além de conquistar outras 2 vitórias com o hino do country queer, The Joke, Brandi Carlile foi a mulher mais indicada ao Grammy 2019 e para ela, Música e ativismo são inseparáveis. Lésbica assumida desde os 15 anos de idade, a cantora-compositora redefine o gênero através da experiência como pessoa LGBTQIA+, dando plataforma à comunidade. Carlile foi pioneira, enfrentou as tensões de ser diferente dos padrões na indústria country, se tornando expoente de um conjunto de artistas que vêm transfigurando o Americana como forma de protesto.

Dando sequência ao sucesso do último registro, no sétimo e mais recente álbum, In These Silent Days, Carlile mais uma vez reafirma a filosofia pessoal de encontrar beleza nas fraquezas – explorada simultaneamente na produção de seu livro de memórias, Broken Horses. Aqui, a artista revela as influências dos ídolos com quem desenvolveu relações estreitas após By The Way, I Forgive You, permeando entre o intimismo de Joni Mitchell em You and Me On The Rock à teatralidade de Elton John em Sinners, Saints and Fools.

Com a pressão de superar o triunfo do álbum antecessor, a norte-americana aposta na mesma sonoridade passada: a instrumentação acústica, os vocais protuberantes e o destaque dos refrões continuam presentes em In These Silent Days. Ainda, a inspiração do rock setentista se manifesta ao longo das dez faixas, nas quais Carlile aparenta estar segura, satisfeita – mesmo quando versa sobre assuntos obscuros. Carlile não busca metamorfose, mas o refinamento de suas qualidades já existentes, finalmente aceitando as próprias imperfeições. – Ayra Mori

Felipe de Oliveira – Terra Vista da Lua 

É perfeitamente compreensível que Felipe de Oliveira, ao participar do The Voice Brasil 2016, tenha recebido elogios de Ney Matogrosso. Em primeiro lugar, porque o novo álbum de estúdio do intérprete mineiro abre com Descasos, composição de Juliano Antunes que, na voz de Felipe, lembra bastante a forma de cantar do ex-Secos & Molhados – sem deixar de lado uma roupagem única, que o singulariza como cantor. Em segundo lugar, porque as habilidades vocais e interpretativas de Oliveira, assim como seu bom gosto para seleção de repertório, são notáveis.  

Com título inspirado na canção Lunik 9, de Gilberto Gil, Terra Vista da Lua também abraça o tropicalista baiano ao apresentar uma regravação de Balada do Lado Sem Luz: jogo de brilhos e sombras que se encaixa muito bem na voz de Felipe. Mas o auge do disco está mesmo em Cara da Esquina, música composta por Dé de Freitas e Guilherme Borges. “A gente inventa tanta esquina/pra falar que importam/as minúcias dessa vida”, diz uma das passagens mais belas desse momento sensível, reflexivo e maduro, trecho ímpar de um álbum igualmente poético do início ao fim.

Sem perder a qualidade estética, Terra Vista da Lua ainda aborda temas urgentes, como “aqueles homens que se escondem/atrás de tanto ódio” – parte da atualíssima faixa Aqueles Homens, com autoria de Nobat. Já em Encontro Nosso, Felipe consolida o único feat do CD, ao lado da artista baiana Laila Garin. Inquestionável, no entanto, é dizer que, ao fim desta jornada produzida pelo baixista Barral Lima, com direção artística do próprio cantor mineiro, Terra Vista da Lua mostra-se belo e sensível como um todo, desde sua capa até as letras e sonoridades mais diversas. – Eduardo Rota Hilário    

The Driver Era – Girlfriend

O aguardado segundo álbum da The Driver Era, a banda formada pelos famosos irmãos Ross e Rocky Lynch, chegou tímido: das quinze faixas que compõem Girlfriend, somente quatro são inéditas. A escolha da dupla de dividir o trabalho em duas partes (a primeira com sete canções frescas, três delas disponibilizadas antecipadamente como singles, e a segunda com faixas lançadas avulsamente durante 2019 e 2020), destaca o progresso na experimentação musical dos irmãos, mas soa familiar demais. Não que isso seja ruim: apesar de mais da metade do álbum não ser novidade, a identidade autêntica de The Driver Era continua marcante. 

A união das canções atuais e antigas serve para mostrar a evolução de Ross e Rocky, que estão notavelmente mais confiantes e confortáveis agora, tanto nas composições, quanto na produção das faixas. E nas mãos dos irmãos, a sonoridade multi-gêneros de Girlfriend, que coexiste nos rótulos de indie pop, rock e alt, contrapõe os vibrantes solos de baixo e os dançantes teclados, que são os destaques de canções como Heaven Angel, #1 Fan e When You Need a Man, diante dos introspectivos solos e riffs de guitarra de OMG Plz Don´t Come Around, Fade e Take Me Away. Algumas faixas, ainda, conseguem unir o melhor das duas fases da The Driver Era, como acontece nas versáteis Heart Of Mine, Leave Me Feeling Confident e A Kiss. – Vitória Lopes Gomez

Coldplay – Music of the Spheres

Entre altos e baixos, o quarteto britânico encabeçado por Chris Martin conseguiu notavelmente manter-se relevante ao longo dos últimos 21 anos, oscilando do rock alternativo que marcou sua primeira década ao pop chiclete que caracterizou a sua segunda, aprofundando-se em uma sonoridade ou outra a cada projeto. Para a alegria de alguns e o horror de outros, em Music of the Spheres, a banda mergulha de cabeça na música multicolorida blasé que caracterizou seus discos Mylo Xyloto e A Head Full of Dreams. Trazendo uma mensagem de paz e amor, emojis no título de canções, e preparando uma turnê sustentável, a banda vem cheia de boas intenções, mas ainda assim carece de intenções artísticas genuínas. 

O conceito principal do disco é apresentar uma viagem espacial por planetas imaginários, proposta que na realidade funciona como fachada para tratar do amor e sentimentos humanos. A viagem parece chamativa e a passagem é barata, mas estejam preparados para gravidade intensa gerando quedas bruscas em várias partes do trajeto, pois nem sempre a espaçonave será capaz de se manter a níveis elevados de voo. Após uma breve introdução instrumental, Higher Power decola melhor do que o esperado, parecendo mais energética e animadora do que quando foi lançada como single. Mas não se animem se a decolagem pareceu estável, pois teremos algumas tremulações nas próximas faixas. 

Depois das genéricas Humankind e Let Somebody Go, com a participação de Selena Gomez, o disco almeja se elevar nas sempre belas harmonias vocais de Jacob Collier com o grupo We Are KING em , mas balança novamente em People of the Pride, que tenta reproduzir a mesma energia pulsante de Arabesque, canção que foi o ápice do disco anterior. Aproveitem enquanto é tempo, pois daqui pra frente enfrentaremos trajetos perigosos. Biutyful apresenta um bizarro dueto de Chris Martin consigo mesmo em uma voz que parece ser de um personagem de Alvin e os Esquilos, My Universe é mais uma canção chiclete que vai dominar as rádios por meses, e parece estar ali só pra estender ainda mais a jornada ao infinito. O pouso será ao som da bela Coloratura, um descanso até que bem-vindo depois de uma viagem tão instável. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Meu Coco

Nove anos após conceder um Abraçaço à Cultura brasileira, Caetano Veloso resgata seu frescor inventivo no recém-lançado álbum Meu Coco. Com produção musical do próprio artista, junto de Lucas Nunes, a nova obra do cantor e compositor baiano adotou, inclusive, atualizados formatos em seu processo de divulgação, como é o caso das esquetes humorísticas. Afastando-se, no entanto, e felizmente, dos automatismos, conteúdos rasos e da instantaneidade do universo contemporâneo, Meu Coco chega ao mundo como um disco que ecoa, ao mesmo tempo, nossa Arte e nossos horrores; nossas vozes mais belas e sórdidas.    

Como em todas as criações de Caê, só é possível desvendar esse novo disco de camada em camada. E talvez nem seja possível esgotar as incontáveis ramificações que brotam a cada imersão ou pesquisa atenta. Assim como em Anjos Tronchos, lead single do projeto, não há aqui detalhe que escape das antenas universais de Caetano. Em Não Vou Deixar, por exemplo, observamos um grito não panfletário, que ressoaria em qualquer boca minimamente consciente das perversidades que habitam o Brasil e o mundo de hoje em dia – o que justifica a predileção do artista por essa faixa política, destacada e esperançosa.

Há, aliás, mais de uma luz no fim do túnel. “Com Naras, Bethânias e Elis/Faremos mundo feliz”, promete a faixa-título. Exaltação musical entremeada em todo o CD, é impossível não notá-la em GilGal, ou, quem sabe, se empolgar com as novas gerações citadas em Sem Samba Não Dá – tão inesperadas eram as menções a nomes como Gloria Groove e DUDA BEAT. No fim, até Portugal se entrega a esse caldeirão cultural múltiplo: ao lado da cantora Carminho, Caê constrói Você-Você, um dos tocantes auges de Meu Coco. Já nós, passo a passo, vamos abrindo nossos cocos para um vislumbre de futuro que nos parecia delírio utópico. – Eduardo Rota Hilário

Tirzah – Colourgrade

É fato que Tirzah não se contenta em encaixar sua Música aos padrões sonoros de qualquer gênero musical. E com Colourgrade não foi diferente. Dando sequência à estreia atmosférica de Devotion, em seu segundo álbum, a cantora, compositora e produtora britânica flerta com o R&B e o pop, jamais se enquadrando plenamente em nenhuma das categorias. O resultado é um som sintético vanguardista que desliza por uma série de experimentações que aguçam os sentidos e ultrapassam a experiência sonora, tornando-se também visual, táctil.

Contando com a colaboração veterana de Coby Sey e Mica Levi (conhecide pela produção de trilhas sonoras audaciosas como a do horror contemporâneo Sob a Pele), o trio com certeza traz à tona as melhores qualidades de cada parte. Rebeldes sem causa, a coprodução confere imprevisibilidade aos temas explorados nas dez faixas, produzidas ao longo de 2019, um ano após o nascimento do primeiro filho de Tirzah. “Passando pela gravidez, parto e maternidade, a anatomia encontrou seu lugar em todas as canções”, ela afirmou a Stereogum.

Contudo, é através dos ruídos, sintetizadores claustrofóbicos e melodias enigmáticas que Tirzah se excede. Por trás das celebrações do parentesco, transformações e pormenores da experiência cotidiana, evocados pelos versos confessionais, ela se despe dos exageros, abraçando o estranho – são sussurros sensuais em Tectonic até guitarras que evocam choros de bebês em Beating. Como uma peça de arte assombrosa, difícil de digerir, Colourgrade hipnotiza. – Ayra Mori

FINNEAS – Optimist

Sejamos honestos: é difícil dissociar a fama de Finneas O’Connel da carreira internacional de Billie Elish. Como produtor de sua irmã, o artista mostrou os pontos altos de alguém que domina o sombrio e converte isso em Música pop, ao mesmo tempo em que trata de assuntos pertinentes como as injustiças sociais. Esses temas são a força motriz de Optimist, álbum de estreia de FINNEAS.

A verdade é que existem poucos pontos otimistas aqui. Logo na primeira canção do disco, A Concert Six Months From Now, recebemos o tom de todo o álbum, ouvindo o artista evocar sentimentos de perda e decepção sob uma aura sombria, colocando-se contra a alienação que parece reinar nos tempos digitais — é dessa faixa que surge o trecho que dá título ao CD, no qual O’Connel entoa: “Acho que sou otimista”. Optimist parece fazer parte da leva de projetos que — talvez erroneamente — são caracterizados como pop, mesmo que neguem todos os valores que consolidaram o gênero, devido a uma reconstrução constante da Música.

Assim como Lorde, FINNEAS aposta ao longo das 13 faixas do álbum em paradas mais suaves e lentas, priorizando voz e piano — as canções mais eletrônicas do disco são Around My Neck e How It Ends, que o encerra dando um suspiro a toda tensão que a precedeu. Embora FINNEAS cite em Optimist sensações de tristeza e dor, provavelmente uma forma irônica de abordar seu título, ainda se vê preso em alguns clichês sobre sociedade e alienação, o que transmite sua enorme ambição, mas evidencia uma prática pouco viável. – Bruno Andrade

Sam Fender – Seventeen Going Under

Há um certo sentimento de euforia que ronda a nova geração do rock, nos confirma o novo disco de Sam Fender. Num contraste direto com a lírica obscura e direta que fez a estreia do britânico em Hypersonic Missiles ser tão marcante, Seventeen Going Under demora a revelar seus lugares mais escuros e também para compreender o que eles significam no álbum da vez. Aos afetados pela perfeita melancolia psicológica de Dead Boys em 2019, Sam Fender oferece músicas mais doces em toda a primeira metade de Seventeen Going Under. 

Referenciando diretamente o rock clássico do ídolo Bruce Springsteen, o disco entrega seu auge logo na faixa-título inaugural, e segue com produções e arranjos musicais que poderiam ter saído das sessões de gravação do novo disco do Bleachers em Getting Started, Long Way Off, Get You Down e em outro destaque do álbum, Aye. As conclusões do processo de reflexão, no entanto, continuam trazendo um gosto amargo às palavras que saem da voz operística de Sam Fender. Entre reflexões sobre a sua vida, Last Train To Make It Home, Spite Of You e The Dying Light mostram que a melhor matéria-prima é sempre o que existe dentro de nós.

Isso porque quando olhando para fora, Seventeen Going Under não consegue criar a mesma beleza artística. O percalço também era identificável no primeiro disco do artista, e aos incomodados pela dimensão rasa de White Privilege, Sam Fender expressa suas tentativas de ir além das análises sociais básicas em Paradigmas. Às vezes bruta, às vezes lapidada, a sensibilidade de Sam Fender é para ser descoberta, e ainda bem que existe uma urgência sentimental pungente em Seventeen Going Under. – Raquel Dutra

Madonna – Madame X – Music From The Theater Experience (Live)

Madonna está de volta com mais um álbum ao vivo. Gravado no Coliseu dos Recreios, em Portugal, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) é composto majoritariamente por canções do 14º disco de estúdio da cantora, o Madame X, embora traga também conhecidas faixas de outros CDs da Rainha do Pop – como American Life, Human Nature e Like A Prayer. Pelos exemplos citados, dá para perceber que, no quesito repertório, estamos diante de um dos shows mais políticos de toda a carreira da Queen Madge. Ultrapassando a Música, isso se confirma igualmente nos discursos que aparecem vez ou outra no meio desta obra.

Nos últimos tempos, não é surpresa que Madonna ama robotizar a própria voz. Seja como ferramenta criativa ou excesso que pode causar estranheza, essa escolha inventiva aparece em vários momentos do novo disco ao vivo. E é, inclusive, muito bom chegar a certos intervalos de respiro, quando Madge canta com voz natural. Afinal, são os momentos mais orgânicos do disco, como o Fado Pechincha – cantado em Português, ao lado do músico Gaspar Varela – e a presença da Orquestra Batukadeiras na faixa Batuka, que se destacam neste universo profundamente influenciado por diferentes culturas ligadas pela Língua Portuguesa.

Fora isso, pela interação calorosa entre artista e público, dá para ter uma noção mínima de como a plateia realmente aproveitou este show super intimista e teatral. Assumindo o cargo de melhor finalização possível para esta era, I Rise brilha como última faixa do espetáculo. No entanto, ao chegarmos ao fim do disco, é inevitável dizer que, sem a parte visual da apresentação, o lado sonoro da obra perde um pouco de seu brilho natural. No fim, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) acaba sendo, mais do que qualquer coisa, um álbum para os fãs mais ferrenhos da eterna Material Girl. – Eduardo Rota Hilário

Elton John – The Lockdown Sessions

2020 não foi um ano fácil, quem dirá 2021. Em dois anos de isolamento lidando com o fim do mundo, na Música, encontramos refúgio. Nela, encaramos a solidão e nos transportamos para tempos mais coloridos, assim como fez o gigante do pop, Elton John, em seu mais recente álbum. Produto de 16 registros remotos, The Lockdown Sessions foi concebido despropositadamente após o cancelamento de sua turnê Farewell Yellow Brick Road, em decorrência do agravamento de casos de covid-19. E descendo do pedestal, o cantor britânico transverte as frustrações em parcerias inesperadas.

O novo projeto reúne um encontro memorável de diferentes gerações que incluem desde artistas emergentes (Rina Sawayama, Lil Nas X e Dua Lipa) até ícones consagrados da Quarta Arte (Stevie Wonder, Stevie Nicks e Eddie Vedder). São mais de vinte colaborações lançadas e produzidas durante o período da pandemia. Atirando-se a novas experiências, sem hesitar, The Lockdown Sessions naturalmente perde o equilíbrio em algumas faixas, como no insosso After All. Porém, apesar dos deslizes, o álbum também integra verdadeiras preciosidades, como o melancólico The Pink Phantom, revelando um Elton John liberto, explorando os mais variados gêneros musicais, despido de qualquer acanhamento. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – B-Sides & Rarities (Part II)

Na carreira do artista que passou seus anos no limiar entre a sarjeta e o estrelato, nada pode ser jogado fora. Em B-Sides & Rarities (Part II), Nick Cave & The Bad Seeds revelam suas preocupações e inseguranças, e avançam por janelas alternativas. Dando sequência à primeira coleção de b-sides lançada em 2005 — nesta que contemplou as duas primeiras décadas de trabalho —, B-Sides & Rarities (Part II) chega com 27 canções inéditas, gravadas entre 2006 e 2019, e apresenta um conjunto mais centrado cujo desenvolvimento parece ficar entre a festa e a melancolia.

Ao longo da história, os b-sides foram utilizados pelos grupos para mostrarem facetas pouco convencionais, ou versões que simplesmente não se encaixavam no grande universo mainstream. Mas o que ouvimos no disco é uma tentativa bastante sólida de entender as questões que regem o mundo, como na canção Push The Sky Away, a qual Cave entoa de forma honesta: “Você precisa apenas/Continuar empurrando/Empurre o céu para longe”. Em Steve McQueen ouvimos, ao longo de seus quatro minutos de duração, Nick Cave tecer considerações sobre depressão, suicídio e assassinato, com sua voz acompanhada apenas por um sintetizador — essa característica dá a canção um tom de discurso, cuja ideia é registrar esses pensamentos.

Também ouvimos em Needle Boy — uma canção que de cara faz lembrar os trabalhos mais recentes de Low — suas afirmações sobre a virada do século, maldade e o que podemos entender como metáforas da globalização. No disco, ainda há um cover de Avalanche, música de Leonard Cohen que Cave e os Bad Seeds já reproduziram no álbum de estreia, From Her to Eternity (1984). B-Sides & Rarities (Part II) é de fato raro, e, invariavelmente, genial. – Bruno Andrade

Agnes – Magic Still Exists

O revivalismo da disco music já deu o que tinha que dar, certo? Errado. Quando as exaltações nostálgicas parecem perder força, Agnes se traja do figurino mais extravagante ao evocar o hedonismo setentista em sua melhor essência com Magic Still Exists. E após quase uma década de um longo hiato, a vencedora do Ídolos Suécia 2005 conjura uma suprema magia nos curtos 35 minutos do seu aguardado quinto álbum de estúdio, fazendo da pista de dança seu confessionário mais íntimo, seu grito libertário.

Encabeçando o álbum com XX – hino enérgico sobre a exaltação da própria existência –, a sueca eleva as expectativas logo de cara, estendo um convite: “Liberte sua mente, liberte seu corpo”. Cada batida pulsante, cada melodia galáctica e cada verso meticuloso parecem estar concisamente onde deveriam estar e, como um truque de mestre, a artista eleva seu pop ao mais alto patamar. As influências óbvias são reverenciadas com primor, acumulando ao longo das sete faixas e quatro interlúdios a discoteca de Donna Summer, ABBA, Diana Ross, Prince, Kylie Minogue, além das contemporâneas Robyn e Dua Lipa.

Magic Still Exists é encerrada em toda a sua excelência pela faixa-título do álbum, uma balada sublime transportada por um piano sóbrio, a voz poderosíssima de Agnes e um coro angelicalmente extraterrestre, fazendo crer que sim, ainda há mágica na existência humana. “Às vezes se ganha, e de repente se perde tudo/A vida pode te enganar, se você assim quiser/Tudo que sei é que isso me leva de volta para você/A magia ainda existe”. Sem sequer uma canção dispensável, todas se amarram apuradamente numa coleção de epifanias do início ao fim, como pura magia. – Ayra Mori

Alice Caymmi – Imaculada 

Imaculada é o quinto álbum de estúdio da potente Alice Caymmi. Neta de Dorival Caymmi, Alice não nega suas raízes com a inconfundível e impactante voz que possui. O diferencial mais chamativo desse disco está na assinatura de sua cantora. Ela é dona da maioria das músicas e também produtora de Imaculada, sendo assim o trabalho tem Alice por completo, com todos os seus anseios e prazeres.

As dez faixas compõem uma linha tênue entre o divino e o visceral, e a voz da cantora conduz os profundos sentimentos gerados por Imaculada. Dentro da Minha Cabeça, canção que abre o disco, dá uma palhinha da singularidade do novo trabalho; Recíproco provoca um reencontro com o eu-lírico ainda machucado que continua em Ninfomaníaca – essa contando com a parceria de Urias e Number Teddie; e a faixa-título amarra todo o conceito previsto para o álbum, sinalizando com sua rítmica renovada que esse é apenas o começo de uma nova era. Imaculada ainda conta com os feats entre Mulú e Vivian Kuczynski. – Ana Júlia Trevisan

James Blake – Friends That Break Your Heart

Em ano de lançamentos concebidos na pandemia, Friends That Break Your Heart, o quinto álbum do londrino James Blake, é mais um deles. No novo projeto, o cantor, compositor e produtor, que já trabalhou com nomes como Frank Ocean, Kendrick Lamar e Beyoncé e foi incluído em indicações do Grammy por suas colaborações, faz o esforço para reencontrar seu lugar e se reajustar aos seus arredores. Seja nas relações familiares, românticas, de amizade ou profissionais, as 12 faixas do álbum refletem os questionamentos e incertezas de James Blake. 

Como ele defende, “o álbum não é marcado por canções de amor, é sobre se ajustar a vários tipos diferentes de relacionamentos (…), e sobre refletir sobre eles, sobre mim e sobre minha posição no mundo”. Porém, ao passo que ele define o trabalho como sua catarse pessoal, para os ouvidos não familiarizados à discografia do artista, Friends That Break Your Heart soa até seguro demais. 

Permeado pelas baladas R&B, que incluem participações de SZA, Monica Martin, slowthai e dos rappers JID e SwaVay, as canções soam similares às do último álbum de Blake, Assume Form, apesar do tema do anterior ser completamente o oposto. Ainda assim, algumas das canções mais pessoais, como a que intitula o projeto, Friends That Break Your Heart, If I’m Insecure e Funeral destacam a voz potente e profunda de James Blake e se sobressaem no bem sucedido, mas comum Friends That Break Your Heart. – Vitória Lopes Gomez

The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Adam Granduciel, líder do grupo intitulado The War On Drugs, possui um ar de trovador solitário, caminhando por vales desconhecidos com seu violão preso às costas enquanto vive um dia de cada vez. Em I Don’t Live Here Anymore, novo álbum do projeto, o que é levado a sério é justamente a jornada, a qual o estrelato inevitável, após angariar prêmios importantes, não subiu à cabeça. Muito semelhante ao que Wilco fez — especialmente no álbum Sky Blue Sky (2007) —, lembrando ainda canções de Bob Dylan com seu folk arredio, o disco é uma afirmação do poder musical de The War On Drugs.

Nesse épico comovente, cada elemento é colocado de forma limpa e sem grandes invenções, porém extremamente bem utilizados. Dos sintetizadores aos solos de guitarra, tudo parece ter sido encaixado peça por peça. Em Living Proof, uma bela porta de entrada, ouvimos um violão ao estilo folk, acompanhado de piano e guitarra levemente inseridos, dando a tônica do álbum. Change é uma das canções que demonstram a tranquilidade com que o disco é levado, trazendo ao longo de seus seis minutos de duração um pouco de britpop e uma voz autoconsciente.

Mesmo que possa soar semelhante ao disco A Deeper Understanding (2017), vencedor do Grammy na categoria Melhor Álbum de Rock, o trabalho possui uma diferença: “Ele é sobre crescer, envelhecer, mas também crescer fora de si mesmo”, conforme Granduciel disse em entrevista. I Don’t Live Here Anymore consolida o indie rock de qualidade composto pelos integrantes de The War On Drugs — ou não, talvez seja mais do que isso, mas vamos encerrar por aqui. – Bruno Andrade

PinkPantheress – to hell with it

Com 15 segundos, PinkPantheress explodiu no TikTok. Inserida na potente rede cultural, sua Música naturalmente é suportada pelos mesmos pilares da plataforma: são imediatistas, atrevidas e não têm medo de abraçar o cringe. Como resultado, a produtora e cantora britânica de 20 anos – registrando milhões de streams –, assinou um selo com uma grande gravadora, explorando no álbum de estreia o “new nostalgic”, termo utilizado pela própria para referenciar a nova onda que exalta o saudado anos 2000, (uma utopia peculiarmente esquisita onde pessoas usavam calças baixas, navegavam por gráficos pixelados e sonhavam com vampiros adolescentes), ainda bem.

Composto por dez faixas que raramente ultrapassam 2 minutos, to hell with it dispõe-se de uma simplicidade furtiva. PinkPantheress não tenta dominar as faixas com seus versos, pelo contrário, ela preenche o vazio com expressões vocais simples que se mesclam com o ritmo lo-fi pulsante característico. O que define a marca autoral da artista é a sua voz, que parece sussurrar diretamente em nosso ouvido. E apesar de referenciar intimamente o período 00’s, PinkPantheress não se limita a mimese, adicionando camadas contemporâneas sobre uma memória idealizada da infância passada. – Ayra Mori

Megan Thee Stallion – Something for Thee Hotties

Ela faz o Halloween dela! No dia 29 de outubro, Megan Thee Stallion nos presenteou com Something for Thee Hotties, coletânea que abriga alguns hits, canções inéditas dos arquivos da artista e alguns dos freestyles favoritos dos seus fãs. Em 21 faixas, a rapper ostenta o talento para rimas e sua identidade musical que elegeu como Melhor Artista Revelação no Grammy 2021 e uma das artistas mais promissoras da atualidade.

O destaque maior de Something for Thee Hotties é relembrar o que fez com que Megan Thee Stallion se transformasse em Megan Thee Stallion, isto é, sua genialidade na essência mais pura do rap. Desde os 14 anos, o que mais chama a atenção na artista que hoje é uma das maiores rappers do planeta é a sua habilidade em freestyles. É ousado fazer qualquer destaque, mas ouça Megan Monday Freestyle, God’s Favorite, Freakend, Bae Goals e Pipe Up se quiser sentir certeiramente a mágica de Megan com seus próprios ouvidos. – Raquel Dutra

EPs

Valley – Last Birthday

Se tem uma palavra que marca Last Birthday, o novo EP da Valley, é enérgico. Lançando single após single, a banda canadense de indie pop já havia disponibilizado quatro das sete faixas que compõem o trabalho, que chega com expectativa depois das prévias e de seu antecessor, o EP sucks to see you doing better. Mas enquanto este último é sobre “o sentimento de se comparar, corações partidos e saúde mental”, o mais recente tenta “entender o amor incondicional e refletir sobre as experiências que nos fazem entender nosso propósito”.

Abrindo o lançamento, Oh shit… are we in love? já começa animada, mas ainda leve o suficiente para construir o clima para o que vem depois, as empolgantes e dançantes Can We Make It? (Jim Carrey) e Cure. Seguindo a explosão de energia, a balada calma de ain’t my girl abaixa o tom demais e chega a ser tediosa, no que EP parece já ter atingido seu pico e decaído. Nisso, Valley mostra que não e que só precisava tomar fôlego para continuar, com as estimulantes e contagiantes Like 1999 e SOCIETY. 

Na reta final de um EP que poderia ser maior, a sétima faixa, Tempo, se distancia da sonoridade que marcou esse e outros trabalhos da banda e se aproxima mais da Eletrônica. Apesar de eufórica e ‘pra cima’ como suas companheiras, a canção soa experimental e acaba deslocada em relação ao restante. Ainda assim, em boa parte dos vinte e poucos minutos de duração, Last Birthday é revigorante como uma injeção de energia e empolgação – mesmo quando Valley canta sobre a sociedade ser uma merda. – Vitória Lopes Gomez

aespa – Savage

Em menos de 1 ano de carreira, o quarteto aespa se mostrou uma grande potência no mercado competitivo que é o k-pop. Seus dois primeiros singles, Black Mamba e Forever, não obtiveram êxitos monstruosos nas paradas musicais, mas certamente serviram como amostras do talento e da versatilidade do grupo. Em Next Level, o nível aumentou. Nadando contra a onda retrô que inundou o gênero no último ano, as novatas mudaram o jogo com uma faixa que mescla hip-hop e upbeat-jazz de uma maneira que suas concorrentes não conseguiriam performar mesmo se quisessem. E em seu trabalho de estreia, Savage, a crescente continua.

O mini-álbum de 6 faixas mergulha em uma sonoridade futurista e energética, seguindo a linearidade musical que o grupo trabalha desde o seu debut. Com uma produção caprichada, vemos um aespa confiante, audacioso e pronto para a aventura em seu universo próprio. Aliás, a parte lírica é um dos principais destaques positivos. Toda a narrativa original que as artistas construíram com a sua linguagem própria e as histórias evocadas em seus vídeos musicais retornam e chegam próximo de um desfecho. Através da faixa-título Savage, por exemplo, é possível interpretar o embate final do grupo com a figura vilanesca que fez sua primeira aparição em Black Mamba.

Aespa teve a proeza de, em seu primeiro EP, conseguir entregar um trabalho coeso e bem construído. A sequência Aenergy, Savage e I’ll Make You Cry é tão poderosa que o repeat é quase que inevitável. Não que as outras faixas não sejam tão interessantes quanto o trio, aliás, Yeppi Yeppi mostra uma faceta diferente do grupo, que consegue fugir do electropop por um minuto para relaxar os ouvidos do ouvinte com uma faixa hyperpop viciante. Iconic talvez seja a única que não se destaca dentro do álbum, mas está longe de ser ruim, diferente de Lucid Dream, um pop mesclado de R&B alternativo que evidencia a originalidade do grupo. O resultado? O sucesso. O EP já é um dos mais bem sucedidos entre girlgroups sul-coreanos. E é bem difícil unir qualidade com o sucesso, mas aqui o aespa conseguiu fazer tudo isso. – Giovanne Ramos

Músicas

Conan Gray – Telepath

Depois de Astronomy e People Watching, o Garoto Corvo libera Telepath, terceiro single da nova era. Co-escrita por ele, Julia Michaels, Ilya e Caroline Ailin, a canção acelera o tom dos trabalhos anteriores, e chegou junto do anúncio da turnê mundial do cantor, marcada para começar logo em 2022. O visual barroco e o conceito mais caloroso do material parece enveredar Conan para um som menos ameno que o apresentado em Kid Krow. Com sorte, ano que vem descobriremos a verdade. – Vitor Evangelista

FLETCHER – girls girls girls

“Eu beijei uma garota e gostei” é de se cantar a plenos pulmões e FLETCHER sabe disso. Com direito a sample do hit I Kissed a Girl, girls girls girls, o mais recente single da cantora e compositora, evoca todo o entusiasmo e a empolgação da descoberta da sexualidade, realmente merecedora de ser entoada alto e repetidamente. Não por coincidência, a canção, que acompanha um clipe nostálgico, foi lançada no International Lesbian Day.

girls girls girls chega animada e ousada depois da pessoal e reflexiva Healing, o single anterior da artista. “Eu beijei uma garota/e ela gostou/é melhor do que eu imaginei” é como a artista renova a canção de Katy Perry que marcou gerações, mas foi cantada por muitos – inclusive por ela – escondida. Agora, ao som da dançante batida pop, a letra divertida e confiante é reconfortante e o refrão grudento, libertador. O coming-of-age da sexualidade de FLETCHER é digno de, finalmente, ser cantado alto. – Vitória Lopes Gomez 

Anitta e Saweetie – Faking Love

A saga da carreira internacional continua! Entre altos e baixos, como o destaque nas rádios estrangeiras, a divulgação na Times Square e a ausência na Billboard Hot 100, o novo single de Anitta mais acerta do que erra em suas não tão ambiciosas propostas. Gravado com a rapper estadunidense Saweetie, e assinado por Andres Torres, Anitta, Kaine, Mauricio Rengifo, Ryan Tedder e a própria Saweetie, Faking Love toma sua melhor decisão ao mesclar o funk melody com os traços característicos do pop.  

Com um videoclipe bem finalizado, mas não muito tranquilo de se gravar, a dupla feminina brilha entre amores falsos, muita coreografia e flechas que voam por toda parte. Anitta, em particular, segue misturando as diversidades da Cultura brasileira com os ares internacionais bastante padronizados. E nesta jornada mais recente, de Me Gusta, Girl From Rio e Faking Love, a curiosidade do público acerca do próximo álbum da cantora carioca só cresce. – Eduardo Rota Hilário

PVRIS – My Way

Em My Way, Lynn Gunn continua o caminho de libertação iniciado em Use Me (2020) e dá voz ao sentimento de seguir em frente, da melhor maneira que conseguir: “Transformar o dia em noite/Ligar o interruptor na minha mente/Eu queimo as fases da vida/Sem resetar ou dar pra trás”, ela canta logo antes do refrão. O novo single mais uma vez é carregado pelos vocais densos e insidiosos de Gunn, que se unem ao sintetizador e ao baixo para formar uma batida elétrica alt-rock tão viciante quanto a anterior. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valesca Popozuda e Rebecca – PayPau 

No começo de outubro, Valesca Popozuda completou mais um ano de vida, mas o presentinho veio direcionado novamente aos popofãs. Lançando PayPau, a tão aguardada parceria com a funkeira Rebecca, a cantora carioca entrega um prato cheio aos fãs de duplo sentido. Isso porque a composição de Umberto Tavares e Jefferson Júnior carrega, desde o título, irreverências ambíguas – recurso amplamente utilizado em criações artísticas, embora seja preconceituosamente menosprezado de acordo com o gênero musical em que está inserido.

Mesclando funk tradicional e bregafunk, um dos elementos que PayPau apresenta é um toque que lembra bastante o hit Tudo OK, de Thiaguinho MT, Mila e JS O Mão de Ouro. Semelhança intencional ou não, isso cria uma atmosfera muito similar à dos sucessos do TikTok. Já em relação aos versos da canção, Umberto revelou ao portal Metrópoles que “a ideia social da música é colocar a mulher nesse lugar de empoderamento e independência”. Encerrando com chave de ouro, PayPau ganhou um clipe recheado de coreografia e figurinos deslumbrantes: obra audiovisual para nenhum fã botar defeito. – Eduardo Rota Hilário

Tears For Fears – The Tipping Point

Tears For Fears, dupla britânica formada por Curt Smith e Roland Orzabal, anunciou um novo álbum para o início de 2022, e divulgou a faixa-título desse novo projeto, The Tipping Point. O single marca o retorno do duo, cujo último trabalho inédito foi o disco Everybody Loves a Happy Ending, lançado em 2004. De forma ambiciosa e carregada de marcas que consolidaram a dupla, a canção é acompanhada por elementos eletrônicos que dão uma aura mística, nos transportando aos hits que brilharam nas trilhas sonoras de filmes, como a canção Head Over Heels, que compõe Donnie Darko (2001). A faixa ainda faz lembrar Everybody Wants To Rule The World, clássico absoluto que possui uma versão da Lorde, e que figura nas listas de melhores músicas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Gloria Groove – A QUEDA

Gloria Groove é um dos maiores nomes do pop brasileiro e gosta de continuar provando isso. Ser uma exímia artista, cantora e pessoa parece pouco para ela. Em A QUEDA, ela compôs uma verdadeira obra dos pés à cabeça: uma letra potente e um ritmo viciante combinados em um conceito circense fenomenal. A Lady Leste surfa pelo seu estilo musical sempre agregando novos ritmos à sua Música, como mostrou no funk BONEKINHA e na parceria com o sambista Thiaguinho em Presente do Céu. 

A drag queen sabe que sobe cada vez mais na carreira musical que vem construindo e entende que estar sob os holofotes em meio à tanta tecnologia é igual andar na corda bamba. Adotando o circo que o mundo do entretenimento é, A QUEDA fala sobre uma sociedade que está de prontidão com seus celulares esperando o erro. Junto com o single, o clipe, de direção de Felipe Sassi, é um show visual que viralizou instantaneamente, e já beira 30 milhões de visualizações no YouTube. – Nathália Mendes

Phoebe Bridgers – That Funny Feeling

Se em maio Bo Burnham, com o pessimismo cômico de Inside, gritou para o mundo sobre as agonias de um mundo caindo aos pedaços, em outubro, Phoebe Bridgers lançou sua versão acústica de uma das canções que integram o especial de comédia vencedor do Emmy, That Funny Feeling, em resposta a aprovação recente de políticas contra o aborto no Texas. O cover, também interpretado ao vivo em sua turnê de 2021 pelos EUA, foi primeiramente disponibilizado exclusivamente na plataforma Bandcamp, no qual toda receita gerada foi direcionada ao Texas Abortion Funds.

“Esta é para Greg Abbott”, disse a cantora indie em comunicado, referindo-se ao governador do estado, responsável por assinar a legislação de aborto mais restritiva do país. A lei proíbe todo aborto após seis semanas de gestação, além de permitir que qualquer cidadão tenha o poder de processar provedores de clínicas de aborto e qualquer pessoa que ofereça apoio a um aborto, incluindo desde familiares e amigos de um paciente até motoristas que forneçam transporte. Contra os retrocessos legislativos, Bridgers acertadamente posiciona sua Música como ato político. – Ayra Mori

Jesy Nelson e Nicki Minaj – Boyz

Quando Jesy Nelson anunciou sua saída da bem-sucedida girlgroup britânica Little Mix, foi desconcertante assistir uma parceria de longa década sendo desfeita. Os motivos de sua saída, no momento, foram válidos: a grande pressão estética de ser uma mulher na indústria da Música e a constante comparação com as suas parceiras no grupo a fizeram desistir.

O seu retorno para a música, no entanto, não replica a mesma qualidade nem a honestidade que o seu trabalho como misturinha transmitia. Entre o uso descarado de blackfishing e as polêmicas declarações de sua parceira na faixa, Nicki Minaj, o single de estreia Boyz amarga ainda no primeiro play. Mesmo com o sample da icônica Bad Boys For Life, do rapper Diddy, a canção não se sustenta, já que ela se baseia em um flow preguiçoso e um lirismo ultrapassado. Se Jesy se tornou uma artista solo para destacar sua identidade, Boyz é um péssimo início. – Laís David 

ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus – Geleira do tempo 

A série feats que eu não sabia que precisava ouvir até ouvir de verdade está de volta, estrelando ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus. A dupla sertaneja e o duo pop começaram o mês com o pé direito, recheado de muita paixão e companheirismo. É estranho descrever, mas a canção escrita por Ana Caetano e Tó Brandileone consegue emplacar, harmonicamente e liricamente, as duas duplas. Dá pra notar o trabalho de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus ao mesmo tempo, ainda que eles façam parte de estilos musicais completamente distintos. Com leveza e mansidão, inclusive um mundo congelado é capaz de derreter e se deleitar junto dos versos envolventes de Geleira do tempo. – Júlia Paes de Arruda

Aly & AJ – Am I Alright

Continuando no aquecimento para a versão Deluxe de a touch of the beat, Aly e AJ Michalka lançaram Am I Alright, mais uma amostra de suas adições ecléticas ao disco. Dessa vez, deixando de lado as energias mais positivas do CD original, aqui elas cantam sobre noites chuvosas em Los Angeles “revendo filmes de Godard”. Puxando alguns dos temas mais sombrios de suas experiências, as irmãs lamentam em uma melodia trágica e apaixonante: “Você pode dizer que estou me apoiando em depressão/Mas estou rejeitando-a/Você pode dizer que estou chorando por atenção/Mas estou prestes a quebrar”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Swedish House Mafia e The Weeknd – Moth To A Flame

Se Swedish House Mafia e The Weeknd parece uma combinação surpreendente, o resultado é, na verdade, um dos melhores singles de 2021. Moth To A Flame é uma mistura perfeita dos estilos musicais de ambos e forma uma balada dos anos 2000 de sensualidade e ritmo extremamente contagiante. A música foi lançada junto com um clipe de pegada apocalíptica bem meia boca que acompanha a letra sobre a busca por um prazer que incendeia. Duas lendas da Música mereciam um vídeo tão estrondoso quanto a obra que compuseram.

A presença da concepção musical de The Weeknd é predominante, mas o backdrop de Moth To A Flame é a essência da Swedish House Mafia, conseguindo até lembrar a fenomenal Don’t You Worry Child quando o beat é mais rápido. Além disso, os DJs conseguiram absorver o estilo único de unir passado com presente de The Weeknd, e formar um ritmo mais future house – provando que tantos anos de parceria só os tornam melhores no que fazem desde o começo. – Nathália Mendes

The Neighbourhood – Fallen Star

Fallen Star, o mais recente lançamento da The Neighbourhood, pode soar familiar. Isso porque trechos da faixa já haviam sido divulgados nas redes sociais da banda antes mesmo da chegada do último álbum, o conceitual Chip Chrome & The Mono-Tones. A canção acabou não integrando nem o projeto, nem sua versão Deluxe e, na época, as prévias pareceram ficar por aquilo mesmo. Agora, mais de um ano depois do nascimento de Chip Chrome, a The Neighbourhood resolveu reviver a persona de Jesse Rutherford e a canção descartada: Fallen Star finalmente foi disponibilizada, como single. 

Na faixa, o vocalista sofre por um amor inevitável, mas que parece não dar certo. “Eu vou te manter longe de mim como uma estrela/Difícil não me apaixonar por você, te dei todo o meu coração”, ele se divide. Não só no personagem principal, mas a sonoridade do single também remete ao último álbum do quinteto: Fallen Star lembra faixas como Pretty Boy e Cherry Flavoured. De fato, a canção facilmente se encaixaria com seus antecessores, mas Chip Chrome ainda não morreu. – Vitória Lopes Gomez

Tom Zé – O Rock Ronca

É de longa data o espírito roqueiro que Tom Zé cultiva em si mesmo. Uma das provas mais famosas dessa afirmação talvez seja a canção Jimmy, Renda-Se, presente no álbum Tom Zé, de 1970. Agora, após completar 85 anos de vida em outubro, o gênio tropicalista comprova que essa alma de liberdade e atrevimento – no bom sentido da palavra – permanece viva. Com a criatividade ousada de sempre, o artista lança, através do selo Circus Produções, a animada música O Rock Ronca. 

Na verdade, não se trata de uma composição inédita. Criada para a apresentação de Tom Zé na edição de 2011 do Rock in Rio, foram necessários dez anos até que essa canção fosse lançada oficialmente como single nas plataformas de streaming. Se é verdade que O Rock Ronca celebra o aniversário de seu criador, também podemos afirmar que essa música abre caminhos para a nova edição do mesmo festival: o Rock in Rio 2022. – Eduardo Rota Hilário 

Mitski – Working for the Knife

“I cry at the start of every movie/I guess ‘cause I wish I was making things too”. Assim, inicia Mitski nos cortando logo de cara após três longos anos. Desde o irretocável Be the Cowboy, a nipo-americana anunciou uma pausa indefinida na carreira, confrontando nesse hiato a própria identidade na Música em que produzia. Esquivando de ser engolida por um sistema em constante frenesi, Mitski ressurge com Working for the Knife numa reflexão dura quanto ao exato conflito entre arte e ofício que a fez se desligar em 2019.

Acompanhada de sintetizadores misteriosos, guitarra intensa ou, ainda, da própria respiração, Mitski discorre sobre os movimentos da vida sob uma “faca”, uma força opressora. O capitalismo, a velhice, o desequilíbrio psicológico, são metáforas evocadas pelos versos que abrem espaço para as particularidades de quem ouve. Até mesmo a estrutura da música revela a abordagem em relação a monotonia capitalista, constituindo-se somente por cinco estrofes que não se distinguem sonoramente entre si e se encerram subitamente, sem alívio algum.

No videoclipe dirigido por Zia Anger, reforçando o desespero angustiante marcado pela canção, Mitski vagueia completamente sozinha pelo espaço, emergindo num vazio sem fim. A escala da arquitetura monumental amplifica os vazios do edifício, dando visibilidade à presença enigmática de Mitski que conduz uma performance desvairada e, no final das contas, retorna ao mesmo lugar. “I start the day lying and end with the truth/That I’m dying for the knife.” – Ayra Mori

DJ Snake, Ozuna, Megan Thee Stallion e LISA – SG

Um espertíssimo DJ Snake uniu Ozuna (novamente), Megan Thee Stallion e LISA do grupo BLACKPINK em um single, e assim, conseguiu um clipe bombadíssimo com 60 milhões de visualizações no YouTube em apenas uma semana. Sem surpresa, SG não é nenhuma composição fenomenal com sua letra sobre uma mulher gostosa dançando para um cara. O DJ mostra que gosta de ser um camaleão farejador de sucessos e explorar os estilos que estão em alta, como em Taki Taki e as participações de Selena Gomez e Cardi B – que até tem o mesmo estilo pop e rap de SG. Mas quem diria que um DJ, uma rapper, uma cantora de k-pop e um espanhol dariam um reggaeton de ritmo gostoso assim? – Nathália Mendes

Ainda mais dançante que o single anterior, Foxes aposta na angústia de relacionamentos complicados e no sabor que uma boa tragédia proporciona em Dance Magic. Apesar de à primeira vista se diferenciar do repertório de costume da britânica, a música logo engata em suas batidas eletrônicas usuais e versos potentes e engajantes. Parte do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora pop, The Kick, a faixa nos deixa ansiosos para o próximo capítulo de sua artista em 2022. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Black Country, New Road – Chaos Space Marine

Parece uma eternidade, mas se passaram somente alguns meses desde que Black Country, New Road debutou com sua mescla surpreendente de post-punk, música tradicional judaica e o que mais lhes desse na telha. E para a sorte dos fãs, o septeto britânico não demorou a lançar material inédito, como podemos ver no novo single da banda, acompanhado do anúncio do futuro álbum que virá apenas em fevereiro de 2022. Cravando 3 minutos e 36 segundos, Chaos Space Marine é a música mais curta já lançada por eles até o momento, mas que ainda assim condensa neste curto espaço de tempo uma dose de energia tão intensa quanto a de seus épicos anteriores de quase dez minutos. 

A canção abre com um divertido diálogo entre os instrumentos da banda, quase como que dando boas vindas ao piano, que aparece aqui em sua primeira vez integrando uma canção do grupo. A adição contribui ainda mais para o clima de energia caótica crescente que explode em um ápice impossível de não acompanhar movendo a cabeça, ou o corpo todo que seja. Nunca saberemos exatamente porque o personagem de Warhammer 40k  do título volta para casa ao “estilo Billie Eilish”, mas com BC,NR o que importa é a energia e a criatividade, o que essa canção tem de sobra. – João Batista Signorelli

Ariana Grande – You

De tempos em tempos, um vazamento na discografia de um artista encanta ainda mais que os seus últimos lançamentos oficiais. Esse é o caso da gloriosa You, de Ariana Grande. Mesmo que originalmente planejada para o seu premiado quarto álbum, Sweetener, e amplamente divulgada por Grande em diversas entrevistas, a faixa acabou sendo descartada do trabalho final. Em outubro de 2021, no entanto, ela foi disponibilizada de forma anônima na internet. Com o sample da percussão icônica de Waterfalls, das TLC, Ariana constrói seus versos com delicadeza e chama atenção com suas elegantes harmonias. Portanto, esqueça o Positions: You é a faixa mais fascinante de Grande no momento. – Laís David

Marisa Monte e Jorge Drexler – Vento Sardo 

As portas de Marisa Monte continuam abertas e agora com vista para o mar. Vento Sardo é uma parceria entre a cantora e o uruguaio Jorge Drexler, lançado quatro meses após a estreia do álbum. Uma das mais belas composições apresentadas pela cantora esse ano, o single entrou como décima quarta faixa de Portas. 

A canção é uma declaração ao vento. Passeando pela letra entre o português e o espanhol, a dupla explora toda leveza, naturalidade e espiritualidade do elemento ar, e sua melodia encanta ao mesmo tempo em que envolve e nos teletransporta a céu aberto por um lugar pacífico. A Vento Sardo foi gravada entre Madri, Barcelona e Rio de Janeiro, chegando como uma adorável surpresa em outubro e deixa a pulga atrás da orelha para saber se  mais singles virão a compor o nono álbum de Marisa. – Ana Júlia Trevisan

Babeheaven – The Hours

Babeheaven, quinteto londrino liderado por Nancy Andersen e Jamie Travis, retorna com The Hours, single que marca a continuidade do grupo após o seu álbum de estreia, Home for Now (2020). Através da aconchegante voz de Andersen, a canção reflete sobre o sentimento de irrelevância quando observamos a vastidão do mundo. Como a cantora britânica afirmou, a faixa joga luz à “sensação de solidão que vem quando você está sentado no trem olhando para pessoas cujos mundos parecem tão distantes”. Apostando desde o projeto anterior em canções imersivas, Babeheaven executa um indie pop cauteloso com The Hours, cujo resultado parece ser uma mistura inusitada entre Cigarettes After Sex e Massive Attack. – Bruno Andrade

Karol Conká e WC no Beat – Louca e Sagaz

Depois de meses de espera, os fãs da Mamacita finalmente podem ouvir a quase mitológica canção Louca e Sagaz. Adiado por conta de polêmicas e cancelamento que marcaram a participação de Karol Conká no Big Brother Brasil 2021, o novo single da rapper curitibana faz parte do ainda inédito álbum Urucum. Com produção de Conká e WC no Beat, Louca e Sagaz mistura reggaeton e trap, seguindo a preferência dos dois artistas. 

“Dei permissão, então, vem sem censura”, canta a artista, lembrando a importância do respeito mútuo em qualquer envolvimento humano. Com uma letra moderada, que não pretende ser muito rebuscada, o que mais se destaca neste novo single é, com certeza, o videoclipe que ele ganhou. Calorosa, sensual e dançante, a parte audiovisual de Louca e Sagaz é mais um dos inúmeros investimentos em vídeo que tem feito o atual mercado fonográfico brasileiro. – Eduardo Rota Hilário

The Wanted – Rule The World

A The Wanted se separou em 2014 depois de 3 álbuns, o hit inesquecível de Glad You Came, e prometendo projetos solos para seus 5 integrantes. 7 anos depois, a boyband se reencontrou lançando tudo de uma vez só: o single Rule The World, um show beneficente promovido pelo vocalista Tom Parker, e o futuro álbum – o Most Wanted – The Greatest Hits – marcado para chegar ao mundo em 12 de novembro. O fato é que não há tempo para Tom, que foi diagnosticado com um tumor cerebral em estágio 4 no ano passado, e o projeto de retorno da banda entendeu muito bem esse propósito, inclusive na letra da primeira música após hiato.

Rule The World tem um ritmo delicioso e consegue fazer de conta que Jay, Tom, Max, Nathan e Siva nunca deixaram de cantar juntos. Na letra e no clipe, há uma retomada do estilo de Battleground, primeiro álbum da The Wanted lançado lá em 2011. Isso se dá porque – finalmente – os meninos parecem sentir de novo a vontade de viver e conhecer o mundo que mostravam em Invincible e Rocket. No entanto, não dá para reproduzir uma obra “antes-da-fama”, por isso Rule The World aquece o coração com a retomada da banda e ânsia pelo seu futuro na mesma proporção que aflige quem os ama desde a adolescência: até quando Tom Parker irá fazer parte disso? – Nathália Mendes

Bastille – No Bad Days

Depois dos elétricos Distorted Light Beam, Give Me The Future e Thelma & Louise, o último single do próximo álbum de Bastille é mais contido. No Bad Days abaixa o tom, mas os instrumentais iniciais e as distorções nos vocais do lead singer Dan Smith ainda remetem à sonoridade futurista escolhida pela banda para seu quarto projeto, que já estampa o conceito no título, Give Me The Future. Além da faixa, o quarteto inglês também disponibilizou um videoclipe: codirigido e protagonizado pelo vocalista do grupo, a narrativa saída diretamente de Black Mirror ou Love, Death & Robots conecta a letra de No Bad Days, com menos referências óbvias do que suas antecessoras, ao universo fictício e distópico criado por Bastille. – Vitória Lopes Gomez

K.Flay – Nothing Can Kill Us

Primeiro single do próximo projeto da artista, Nothing Can Kill Us é uma amostra potente de K.Flay como rapper e liricista, contando com vocais profundos sobre o significado de relacionamentos que terminaram e de como preservar a memória deles, sob a mistura distinta de rap e rock que marca seu trabalho. O single marca uma mudança da vibe introspectiva de Inside Voices, o EP anterior da cantora, reexaminando os momentos anteriores ao término de um romance e encontrando não apenas tristeza, mas euforia. Com o objetivo de verdadeiramente imortalizar as memórias que ali foram feitas, ela canta: “Eu deveria ter segurado aquele beijo/E te dito todas as maneiras que você mudou minha vida/Estou feliz por você existir/Mesmo que durma em uma cama que não é a minha”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Johnny Hooker – Amante de Aluguel

Antes de qualquer coisa, Johnny Hooker é um dos anticamaleões nacionais mais evidentes da atualidade: aqueles artistas imprevisíveis, que mudam o tempo todo, mas longe de abandonar a liberdade criativa para atender aos clamores do público. Mergulhado em uma mistura de brega e pop eletrônico, o cantor pernambucano ressurge agora com Amante de Aluguel, canção produzida por ele mesmo, ao lado de Tiago Abrahão. Fazendo jus à abertura deste texto, o novo single de Hooker atiça a curiosidade para o futuro e ainda misterioso novo álbum do artista, baseado no livro Orgia – Os Diários de Tulio Carella, Recife 1960, do dramaturgo argentino Tulio Carella.    

Além do coro final, no melhor estilo Like a Prayer possível, o que mais se destaca em Amante de Aluguel é o videoclipe dirigido por Johnny Hooker, Arthur Moric e Érica Colaço. Dentro da onda de excelentes obras audiovisuais que a música pop brasileira tem criado, Hooker surge como uma verdadeira diva artística. De jaqueta à la Lady Gaga e cabelão modelo Cher dos anos 1970 – ou Mortícia Addams, se preferir -, somos inseridos em uma narrativa realista, com alguns pontos de tensão e clichê, mas que também conforta, mesmo que minimamente, com um final cinematograficamente belo e apaixonado.  – Eduardo Rota Hilário

Michael Kiwanuka – Beautiful Life

É difícil encontrar beleza em meio à tanta perda, tanta dor. “Nessa música, eu queria me concentrar no sentimento de que há uma força real no espírito humano quando você tenta buscar pela beleza, mesmo em situações difíceis”, diz Michael Kiwanuka sobre o belíssimo Beautiful Life, acertando precisamente onde dói. A música faz parte da trilha sonora do documentário da Netflix, Convergência: Coragem Em Tempos de Crise, onde o diretor Orlando von Einsiedel ensaia sobre as vulnerabilidades de uma população global afetada pelas consequências penosas do covid-19, a partir do relato pessoal de pessoas de oito países diferentes.

Com um quarto álbum previsto para 2022, Kiwanuka certamente encontra na faixa a beleza em que disserta com a voz suave, mas, também, se depara com a melancolia do teclado lânguido, da guitarra chorosa e da percussão pungente. Tudo dói, e na beleza, surge a tristeza. “As cores enganam meu cérebro enquanto a luz do dia enche minha janela/Que tolo fui em me sentar e assistir você se indo/Caindo pelos meus braços como sussurros nas cordas do meu coração/E assim por diante se indo”. – Ayra Mori

Dear Rouge – Life Goes By And I Can’t Keep Up

Após retornarem em setembro com a elétrica Fake Fame, o duo canadense de rock alternativo Dear Rouge voltou no final deste mês com mais um novo single de seu terceiro álbum de estúdio, ainda sem nome ou data. Destoando completamente do resto de sua discografia, Life Goes By And I Can’t Keep Up vê o casal de músicos em seu espírito mais introspectivo e sensível até agora, trocando as batidas rápidas de Black to Gold e PHASES por uma balada lenta e triste sobre as dificuldades de não conseguir acompanhar o mundo ao seu redor.

Começando sem rodeio com o refrão que dá nome à canção, Danielle e Drew McTaggart não perdem tempo em estabelecer seu ritmo delicado e vulnerável, complementando belamente as vozes um do outro. Conforme a melodia progride, a voz de Drew recebe ainda mais destaque, carregando consigo alguns dos versos mais honestos e passando a impressão de ser a expressão mais colaborativa da banda até agora, ecoando sentimentos profundos e dolorosos, mas terminando numa nota de beleza e compaixão, deixando claro que seu par de artistas não temem o futuro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sonny & Cher – I Got You Babe/Where Do You Go/But You’re Mine (Medley/Live On The Ed Sullivan Show, September 26, 1965) 

Preservar registros históricos não basta. É preciso divulgá-los às novas gerações, para que o mundo tenha sempre memória e repertório. E nada melhor do que os serviços de streaming para esse tipo de compartilhamento. Pensando assim, é fabuloso saber que a primeira e única apresentação do casal Sonny & Cher no programa The Ed Sullivan Show esteja agora disponível como single no Spotify. 

Realizada em 1965, a performance marcada por interrupções bruscas e muitos aplausos já sinalizava a excelência artística de uma das maiores duplas musicais dos anos 1960. Ao cantarem Where Do You Go, But You’re Mine e o hit I Got You Babe, Sonny e Cher honravam o histórico de um programa lendário, onde verdadeiros deuses da Música – como Janis Joplin, Tina Turner e Elvis Presley – se apresentavam. – Eduardo Rota Hilário

Hatchie – Crush

Em 1998, a cantora Jennifer Paige lançou seu único hit da carreira, Crush, sucesso pop adolescente que conquistou a terceira posição na Billboard Hot 100 do ano. Passados 23 anos, Hatchie, ou Harriette Pilbeam, evoca a canção em uma nova versão dream pop com toques da era Ray Of Light de Madonna mesclados a um shoegaze hipnótico. A faixa dá continuidade ao primeiro single da australiana sob o selo Secretly Canadian, This Enchanted, compondo o aglomerado de covers do 25º aniversário da gravadora, Secretly Twenty-Five. Colaborando com Jorge Elbrecht – um dos produtores de Sky Ferreira e Japanese Breakfast –, Hatchie é com certeza alguém para se ficar de olho. – Ayra Mori

Adele – Easy On Me

Era o início de outubro quando uma imagem do número 30 dourado sob um fundo oceânico começou a aparecer nos cantos das maiores cidades do globo terrestre. O sinal misterioso logo viralizou nas redes sociais, assim como as interpretações dos seus significados também começaram a borbulhar. Felizmente ou infelizmente, é impossível não reconhecer os vislumbres da música mais exata do mundo. 

Seis anos se passaram desde a última vez que tomamos parte da vida de Adele. Primeiro, a britânica fez seu fenômeno brilhar pela primeira vez ao reportar seus 19 em 2008; logo depois, conhecemos os seus 21 em 2011; então, chegamos aos 25 em 2015. Muitos prêmios, recordes e experiências preencheram cada um desses anos, mas depois do marco que concretizou seu último disco, a artista se recolheu para viver seu casamento e sua família. Aquela que transforma a dor emocional em ondas sonoras físicas teria o seu final feliz? Não exatamente, dizem os 30 de Adele.

A forma que a artista encontrou para nos introduzir a sua vida novamente foi através de Easy On Me, primeiro single de seu novo disco que leva como nome a idade em que ela vivenciou o divórcio e a maternidade. Na canção, somos introduzidos a uma nova Adele que nunca deixaria de soar familiar com sua voz esfumada, que ecoa sob um piano choroso porém firme e se materializa em tons de sépia. A história já é hit, mas os detalhes nós vamos conhecer no dia 19 de novembro, quando 30 também nos conhecerá. Até lá, eu peço a Adele todos os dias para que ela pegue leve comigo. – Raquel Dutra

Clipes

Olivia Rodrigo – traitor

Olivia Rodrigo pula entre as nuvens, ela caminha, corre, escala muros e se joga na piscina. Faz tudo isso na companhia dos amigos, claro, já que no clipe de traitor ela coloca para fora todos os sapos que engoliu no relacionamento que agora chegou ao fim.

Poucos meses antes de subir ao palco para receber o Grammy de Artista Revelação, a jovem cantora continua explorando cada uma das canções de SOUR, um dos maiores sucessos de 2021. Para a melancólica e raivosa traitor, ela escolhe a esperança de um amanhã mais simples. – Vitor Evangelista

WILLOW, Avril Lavigne e Travis Barker – G R O W 

WILLOW já havia reunido a realeza do pop punk atual (os veteranos Avril Lavigne e Travis Barker) em G R O W, décima faixa do excepcional lately i feel EVERYTHING. Seguindo na era do álbum, a artista convocou mais uma vez os dois grandes nomes do gênero (que, agora, incluem o dela) para o videoclipe da canção.

O baterista ficou de fora, mas ao lado de Lavigne, WILLOW leva sua urgência em crescer à sério e literalmente iguala-se aos arranha-céus, enquanto, com sua postura rebelde, caminha pelas ruas, canta para a câmera e performa em um fundo de quintal ao lado da experiente rock princess, que vira só coadjuvante da voz principal e força central de G R O W. – Vitória Lopes Gomez

Kacey Musgraves – camera roll

No novo clipe do disco star-crossed, Kacey Musgraves está despedaçada. Literalmente, já que em camera roll sua personagem sofre um acidente e, na forma de um manequim destruído, se encontra toda quebrada em uma estrada qualquer.

Sendo recolhida por um equipe fashion de enfermeiros, Kacey canta a melancolia da galeria do celular agora que seu casamento acabou. Tentando se prender às boas memórias, a canção ilumina um otimismo e um senso de agradecimento, super a cara do disco novo da artista, adereçando sua separação com maturidade e ciência. – Vitor Evangelista

Karol Conká e RDD – Subida 

Videoclipe brasileiro estilo Rude Boy? Temos! Vestindo belos figurinos e rodeada de colagens admiráveis, Karol Conká começou o mês bastante empenhada com o lançamento da parte audiovisual de Subida. Para essa composição da própria artista, assinada também por RDD (Rafa Dias), foram elaborados uma pequena coreografia e alguns efeitos especiais, com destaque para a multiplicação de Conkás.

Diferente da queda de Gloria Groove, o foco desta obra, como o próprio título diz, é a ascensão. Transitando entre pagodão baiano, reggae e dub, Subida curiosamente se dividiu em dois meses. Com single disponível no dia 30 de setembro, o clipe só chegou ao YouTube em 1º de outubro. E por ser de uma música que está na trilha sonora do jogo Fifa 22, vale a pena dar uma olhada neste vídeo interessante. – Eduardo Rota Hilário

Troye Sivan – Angel Baby 

O romantismo está vivo no novo clipe do anjinho Troye Sivan. Um mês depois de lançar a canção Angel Baby, o australiano disponibilizou nas redes o vídeo que a acompanha. Dirigido por Luke Gilford, que já havia comandado os visuais da brilhante Heaven em 2017, o videoclipe é uma experiência cinematográfica digna dos grandes amores.

Atravessado por uma paixão inabalável, Troye Sivan está à mercê do mundo. Contracenando com uma porção de pares românticos, o jovem só quer saber de dar e receber carinho. Lúdico e terno, Angel Baby mantém as temáticas sentimentais que Troye se acostumou a cantar, mas dessa vez com um extra avantajado de mel. – Vitor Evangelista

O post Nota Musical – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

“Há livros escritos para evitar espaços vazios na estante.”

–  Carlos Drummond de Andrade

Para poder valorizar cada vez mais a Literatura, parte tão importante e fundamental da cultura do nosso e de qualquer outro país, o Persona começa, agora, a preencher sua própria estante. 

O mês de outubro marcou o início do nosso Clube do Livro, formado por membros da Editoria, que tem o intuito de promover a leitura compartilhada e encontros para discussão de alguma obra sugerida. Ao final do mês, o Clube ainda se reúne para montar o Estante do Persona, com um comentário que sintetize as ideias sobre a leitura realizada e uma playlist de músicas que se relacionem com a mesma, além de uma indicação de cada membro sobre algum livro marcante ou que mereça ser compartilhado.

Como primeira leitura, o Clube do Livro teve a honra de poder prestigiar uma das maiores autoras da Literatura brasileira. A Paixão segundo G.H., de Clarice Lispector, é narrado em primeira pessoa pela personagem que tem suas duas iniciais presentes no título da obra. Uma mulher, moradora do Rio de Janeiro, que, ao desempenhar a tarefa de limpar o “quartinho dos fundos” de seu apartamento, mergulha em um fluxo de pensamento contínuo simbolizado por um monólogo de reflexões existencialistas, uma das grandes marcas da escrita da autora. 

E nada mais simbólico do que estrear essa publicação especial num mês com acontecimentos tão marcantes para o meio literário. Além de no dia 29 de outubro ser celebrado o Dia Nacional do Livro, as semanas anteriores também foram marcadas por grandes eventos. No dia 7, ocorreu a cerimônia de entrega do Nobel de Literatura 2021, que foi concedido ao autor Abdulrazak Gurnah. Nascido na ilha de Zanzibar, atual Tanzânia, em 1948, o escritor é especialista em Literatura pós-colonial e na temática de refugiados, colecionando em sua carreira títulos como Paradise e Afterlives. 

Mais ao final do mês, no dia 20, foi realizada a entrega do Prêmio Camões, para a moçambicana Paulina Chiziane. Tão simbólica quanto a vitória de Gurnah, Chiziane é a primeira mulher a publicar um romance em Moçambique, Balada de Amor ao Vento, em que o fez depois da independência. Com a figura da mulher moçambicana e africana no centro de sua escrita, a autora dedica-se a explorar os problemas enfrentados pela mesma no meio social, e tem como uma de suas obras de maior prestígio Niketche: Uma História de Poligamia, em que uma mulher decide conhecer as outras esposas de seu marido.

No clima desse mês repleto de grandes feitos na Literatura, você confere as indicações do Clube do Livro na primeira edição do Estante do Persona.

Livro do Mês

Clarice Lispector – A Paixão segundo G.H. (175 páginas, Rocco)

Publicado em 1964, A Paixão segundo G.H. é um passeio pelo mais profundo íntimo do ser humano. Em seu apartamento no Rio de Janeiro, a protagonista, reconhecida apenas pelas duas iniciais, decide limpar o quarto da empregada, logo após demitir a mesma. O que parece ser uma tarefa banal como tirar pó do armário, desencadeia uma série de reflexões existencialistas e contestações sobre decisões passadas, ao ponto que, ao esmagar uma barata em meio ao processo, G.H. engata em um relato sobre a perda da sua individualidade. 

Conhecida por utilizar recursos como análise psicológica e monólogo interior, o presente livro é o mais puro suco que poderíamos ter da Literatura de Clarice Lispector, que ainda se encontra com o teor de obras de Virginia Woolf e até mesmo A Metamorfose, de Franz Kafka. Os capítulos não possuem marcações definidas, mas funcionam como sequências sistemáticas, em que cada um se inicia com a frase que encerrou o anterior. Esse aspecto cíclico também é notório no início e final do livro, em que a protagonista termina a narrativa chegando ao mesmo ponto que a desencadeou inicialmente, em um retrato perfeito do que é o complexo processo do pensar humano.

Apesar de lançada no século passado, a obra de Clarice também dialoga com produções do presente, como, por exemplo, a série Fleabag, que tem uma protagonista que enfrenta dilemas e conflitos internos na mesma proporção e, coincidentemente, também não tem seu nome revelado para o público. Por mais que, às vezes, seja um pouco repetitiva ou até mesmo de difícil compreensão em certas passagens, é impossível não se encontrar com pelo menos um trecho de A Paixão segundo G.H.. Com grandes sacadas de gênia da autora, pensamentos até então nunca questionados são transpostos em simples palavras ou frases, que encontram-se poeticamente e se tornam tudo que precisávamos ler, mas ainda não sabíamos. “Todo momento de achar é um perder-se a si próprio”.

Dicas do Mês

J.M. Coetzee – Desonra (248 páginas, Companhia das Letras)

Desonra foi publicado em 1999, e é considerado o grande clássico de J.M. Coetzee, escritor sul-africano que recebeu o Nobel de Literatura em 2003. A obra foi tão impactante que fez o autor levar o prêmio Man Booker pela segunda vez — ele já havia recebido em 1983, pelo livro Vida e Época de Michael K —, sendo o único a ter recebido duas vezes a honraria. O título original é Disgrace, porém o tradutor José Rubens Siqueira optou por um caminho mais amplo e, talvez, mais poético. Mas, afinal, do que se trata o livro? No mais puro sentido, trata-se de um homem que cai em desgraça. 

Estamos situados em uma África do Sul pós-apartheid, e enxergamos esse cenário sob a visão de David Lurie, professor de Literatura na Universidade da Cidade do Cabo. A percepção afiada de Coetzee nos faz vislumbrar como ninguém a sociedade fraturada que se desenvolveu no país, na qual qualquer relação afetiva verdadeira está fadada ao fracasso. Após uma sucessão de acontecimentos dramáticos, abalando profundamente a vida do professor Lurie, ele se vê obrigado a retornar à propriedade rural da filha, Lucy, a fim de encontrar um ponto de equilíbrio entre a sua formação humanista e as normas sociais pré-estabelecidas. 

Somente nesse cenário precário, muito distante da pacata vida acadêmica que estava habituado, ele entende o verdadeiro significado de brutalidade e sofrimento. Com uma narrativa envolvente, através de capítulos curtos — que mostram a habilidade do escritor na escolha das palavras —, o livro nos mantém presos e estimulados do começo ao fim. Desonra foi adaptado ao Cinema pelo diretor Steve Jacobs, no filme homônimo de 2008, e traz John Malkovich no papel de David Lurie. No Brasil, a editora Companhia das Letras publica a obra completa de J.M. Coetzee. – Bruno Andrade

Stephen Chbosky – Amigo Imaginário (767 páginas, Record)

Se Christopher não construir uma casa da árvore no bosque da cidade antes do Natal, sua mãe e os moradores de Mill Grove morrerão. Pelo menos é o que diz a voz na cabeça do menino, que começou a acompanhá-lo desde que ele desapareceu na mata e retornou seis dias depois, intacto e sem memória do que havia acontecido. Nas quase 800 páginas de Amigo Imaginário, as histórias de Christopher e sua mãe, Kate, se entrelaçam a dos moradores do local e do caso não resolvido que intriga a cidade há décadas.

Do mesmo autor de As Vantagens de Ser Invisível, as semelhanças entre as obras de Stephen Chbosky acabam por aí. Diferente do sensível best-seller, em Amigo Imaginário, o escritor cria uma narrativa assombrosa, cheia de suspense, terror psicológico e fantasia, com muitas metáforas e um forte simbolismo religioso. O excesso de reviravoltas prolonga o livro mais do que o necessário e faz com que o calhamaço se arraste nas páginas finais, mas a habilidade do autor em enganar o leitor, assim como faz com o protagonista, torna os caminhos de Amigo Imaginário surpreendentes e envolventes do início até (quase) o fim. – Vitória Lopes Gomez

Gabriel García Marquez – Cem Anos de Solidão (448 páginas, Record)

O colombiano Gabriel García Marquez é um dos escritores mais traduzidos no mundo, e, em outubro de 1982, ganhou o Prêmio Nobel de Literatura pelo conjunto de sua obra. Entre seus manuscritos que refletem sobre os rumos políticos e sociais da América Latina, Cem Anos de Solidão é o livro mais monumental, sendo também considerado o mais importante de sua coleção. Cem Anos de Solidão é muito mais que uma simples narrativa, é uma experiência imersiva nas sete gerações da família Buendía. 

Ambientada em Macondo, acompanhamos a formação, ascensão e queda da cidade fundada por José Arcádio e Úrsula Iguarán, os pais da família Buendía. O apego pelo livro acontece exponencialmente, o passar do tempo nos faz reconhecer os fatos vividos pela estirpe condenada a cem anos de solidão. Denso de informações e acontecimentos, a obra mostra seus personagens relegados à solidão construindo um paralelo indireto com a América Latina.

Cem Anos de Solidão tem um início mais realista que se reflete na última metade mais fantástica, tudo construído com o empenho do autor em não perder a essência em que sua avó materna lhe contava histórias, tornando cada objeto ainda mais vivo. Seu final mostra que a solidão, em todos seus dobramentos, é cíclica e intrínseca ao ser humano. Cien Años de Soledad é, com certeza, um dos melhores livros já escritos. – Ana Júlia Trevisan

Victor Hugo – Os Miseráveis (1511 páginas, Martin Claret)

Os Miseráveis é um dos maiores clássicos da Literatura francesa. Publicada em 1862, a narrativa percorre a vida de várias pessoas pobres financeiramente ou de espírito, como forma de Victor Hugo denunciar a injustiça social tão presente na civilização humana. Como protagonista desta trama histórica temos Jean Valjean, um ex-presidiário condenado a 19 anos de reclusão por roubar um pão. Nesse mesmo plano temporal está Cosette, uma menina que vive em um estado deplorável na moradia dos Thénardier, um casal grotesco que extorque as economias da mãe da criança que não pode criá-la.

Após presenciar a morte de Fantine, mãe de Cosette, Jean Valjean parte em busca da residência dos Thénardier para resgatar a menina. A partir daí, o ex-presidiário assume a paternidade da criança. Anos depois, a realidade dos personagens vira de cabeça para baixo. O casal avarento perde todas as suas economias, enquanto que Valjean e Cosette ascendem socialmente. No meio dessa trama de classes, eclodem diversas manifestações sociais.

Inspirado por revoluções como o evento de Junho de 1832 e a Batalha de Waterloo, Victor Hugo relata em seu romance diversos eventos históricos marcantes e simbólicos. Os Miseráveis apresenta como ponta pé inicial personagens em situações de vida deploráveis, que se desdobram em diversas manifestações sociais. Essa teia de narrativas profundas permitiu com que fossem realizadas diversas adaptações da obra, como filmes, peças de teatro e paródias literárias. – Gabriel Gatti

Jessica Bruder – Nomadland – Sobrevivendo na América no século XXI (304 páginas, Rocco)

Pelas palavras de Jessica Bruder, nasce a Terra Nômade. Resultado de um trabalho extenso e vivido na pele pela jornalista, o livro de não-ficção se centra nas pessoas que vivem à margem da sociedade, desamparadas pelo governo e invisíveis para o mundo. Sem apontar soluções ou culpados diretos, Nomadland – Sobrevivendo na América no século XXI ruma pelas estradas norte-americanas, na companhia de Linda May, uma senhora de idade que encontra subsídio em empregos braçais e temporários. Sem casa, mas não sem lar, a nômade moderna é um dos inúmeros objetos de estudo da autora, que chegou a viver em uma van, para ter a experiência completa de sua história.

Publicado originalmente em 2017, o livro-reportagem chegou ao Brasil alguns meses atrás, traduzido por Ryta Vinagre e com a célebre frase “Livro que baseou o vencedor do Oscar de Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Atriz de 2021”. Sensível e carregado visual e tematicamente, Nomadland é leitura obrigatória para quem almeja encontrar o meio-termo entre a Literatura e o Jornalismo, usufruindo de conhecimento dos dois campos e, na jornada, criando uma linguagem muito única e singular que não apenas denuncia a irresponsabilidade do Estado para com seus idosos, mas também celebra o senso de comunidade que as dificuldades podem fazer nascer nos indivíduos. Se Chloé Zhao conseguiu emocionar com a vida real ficcionalizada, Jessica Bruder foi a primeira a encontrar esse tesouro. – Vitor Evangelista

Kurt Vonnegut – Café da Manhã dos Campeões (400 páginas, Intrínseca) 

Kilgore Trout é um escritor de ficção científica que descobre que Dwayne Hoover, um vendedor de carros aparentemente normal, está ficando maluco por causa de um de seus livros. Essa é a premissa inicial de Café da Manhã dos Campeões, a obra-prima de Kurt Vonnegut, que aproveita sua história nada convencional para fazer uma crítica bem-humorada e ácida dos comportamentos da sociedade norte-americana. 

Com a presença dos famosos desenhos do autor, é uma leitura extremamente divertida, fluida e repleta de metalinguagem. Kurt Vonnegut escreve com um senso de humor e uma sagacidade tão apaixonantes que é impossível parar de ler. Café da Manhã dos Campeões insere a ampla criatividade da ficção científica em um contexto familiar, aproveitando para mostrar o quanto algumas ideias que tomamos como “inquestionáveis” na sociedade são, na verdade, bem absurdas. Não é engraçado? – Caio Machado 

G. Willow Wilson – Alif, o invisível (349 páginas, Fantástica Rocco)

Antes de ficar conhecida como uma das co-criadoras da primeira heroína muçulmana da Marvel Comics, G. Willow Wilson já havia se provado uma das autoras de ficção mais indispensáveis da atualidade. Em Alif, o invisível, seu talento para criar mundos complexos e irresistíveis se faz presente na junção entre o moderno e o místico, na caracterização de uma distopia cyberpunk tão palpável que desafia as distinções entre o real e o imaginário, visível e invisível.

Caçado pelo censor de um estado de exceção não-nomeado do Oriente Médio, o jovem hacker Alif guarda consigo as chaves para a criação do aparato de repressão máximo, fruto da mágoa de seu coração partido. Após sua amada, Intisar, revelar que havia sido prometida a outro homem, Alif cria um programa para ocultar sua presença, na esperança de que ela nunca mais possa vê-lo ou contatá-lo pela internet. Intisar, então, envia um livro misterioso que abre seus olhos para o mundo oculto dos djinn, expandindo o escopo da luta de Alif contra sua própria dor.

Graças à perspectiva única de Wilson, a ficção do livro se transforma junto com seu protagonista desafortunado, assumindo as muitas facetas de um mundo destinado a não se conhecer até que esteja preparado para entender suas muitas diferenças. Seu mundo é construído como um castelo de areia no meio de um deserto, na abundância de detalhes em meio ao desconhecido e na fragilidade da vida de suas personagens, capazes de serem apagadas com um sopro do destino. Alif, o invisível é uma ficção madura e envolvente, e o trabalho de uma escritora no pico de sua criatividade e habilidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Virginia Woolf – Mrs. Dalloway (235 páginas, Penguin Companhia)

A Literatura de Clarice Lispector sabe como ninguém apreciar a companhia de Virginia Woolf. Então, farei as honras de aproximá-las na primeira Estante do Persona. A obra escolhida para figurar ao lado da voz marcante do Modernismo no Brasil é precursora do movimento na Literatura, que ostenta as palavras da autora inglesa como uma das suas maiores e mais importantes obras. Primeiro grande sucesso de Woolf, Mrs. Dalloway não poderia ficar de fora da seleção guiada pela genialidade de Lispector em A Paixão segundo G.H. 

A referência de Virginia em Clarice já deve sugerir o que esperar do romance, que, como toda boa obra moderna, não tem medo de seguir seu próprio caminho. Estamos falando de uma Literatura radical, que extrai tudo o que pode das palavras através de técnicas narrativas como o fluxo de consciência, discurso indireto livre e narração onisciente, originando assim precisas análises sociais, perfeitos registros históricos e potentes ensaios filosóficos. Para realizar tudo isso, Virgina Woolf precisou de apenas um dia da vida de Clarissa Dalloway na cidade de Londres em 1925. O resto, é história. – Raquel Dutra

Casey McQuiston – Vermelho, Branco e Sangue Azul (392 páginas, Seguinte)

A vida não deveria ser feita só de leituras sérias, e Vermelho, Branco e Sangue Azul se encaixa perfeitamente nessa categoria. Em suas quase quatrocentas páginas, a narrativa que Casey McQuiston desenvolve é extremamente ágil e dinâmica. A história parte de encontros puramente diplomáticos entre Alex Claremont-Diaz, o filho da presidenta dos Estados Unidos, e Philip, o príncipe britânico, que acabam se transformando em um gato e rato enemies to lovers (de inimigos para amantes).

A relação entre Alex e Philip é igualmente insuportável e viciante, e – entre o emaranhado de romance, sexo, drama e a burocracia desse relacionamento – acompanhamos a campanha de reeleição da mãe de Claremont-Diaz e toda a política envolvida em um movimento dessa magnitude. Ao mesmo tempo, Philip precisa se entender com uma família real extremamente tradicional e conservadora. Apesar de se encaixar como uma leitura LGBTQIA+, Vermelho, Branco e Sangue Azul é muito mais que apenas uma história de amor entre a Casa Branca e o Palácio de Buckingham, é uma trama completa e instigante de sentimentos humanos tentando encontrar espaço no cenário diplomático mundial. – Jho Brunhara

Jenny Lawson – Alucinadamente Feliz: Um Livro Engraçado Sobre Coisas Horríveis (352 páginas, Intrínseca)

Alucinadamente Feliz: Um Livro Engraçado Sobre Coisas Horríveis é o que acontece quando uma pessoa completamente pirada (no melhor sentido da palavra) decide escrever um livro. Jenny Lawson, autora best-seller do The New York Times, teve uma das ideias mais geniais para lidar com seus diversos distúrbios mentais e desgraças do dia a dia: compartilhá-los com o resto do mundo. Pode se esperar que a vida de alguém depressiva altamente funcional com transtorno de ansiedade grave, depressão clínica moderada, distúrbio de automutilação brando, transtorno de personalidade esquiva e um ocasional transtorno de despersonalização, além de tricotilomania (que é a compulsão de arrancar os cabelos), seja um fardo impossível de carregar, mas Jenny consegue como ninguém fazer uso do bom e velho ditado rir para não chorar.

Publicado em 2015, e traduzido para o português por Andrea Gottlieb de Castro Neves, o livro traz em cada capítulo uma história diferente sobre o cotidiano da autora. Abordando desde questões pessoais até o seu casamento, trabalho, família, afeição esquisita por animais empalhados ou qualquer outro puro e simples episódio banal da sua vida, todos carregam uma mesma característica: finais trágicos, ou no mínimo vergonhosos. Isso tudo narrado com um tom irônico e autodepreciativo medido em doses exatas, que transformam qualquer acontecimento horrível em um bom entretenimento. 

O grande prazer de Alucinadamente Feliz é lembrar a cada segundo que se tratam de relatos puramente reais. E, por mais específicos que sejam cada um deles, e por mais particular que seja a mente conturbada de Jenny, é quase natural se encontrar com as maluquices que ela descreve em um mundo em que a cada dia estamos mais malucos. Dessa forma, a moral final da história é apenas uma: você não está sozinho. – Vitória Silva

O post Estante do Persona – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O segundo Emmy em tempos pandêmicos chegou e já foi embora. Com a retomada das atividades presenciais, sem máscaras à vista e com muitas vacinas no braço, o prêmio da Academia de TV adotou um formato mais intimista em 2021, coroando os melhores do ano sob a apresentação do rapper Cedric the Entertainer. A festa começou com um karaokê bem animado, na paródia de Just a Friend, em tributo a Biz Markie, falecido alguns meses atrás. O anfitrião puxou a canção, que foi entoada por uma porção dos nomeados da noite, incluindo os sempre estonteantes Anthony Anderson e Billy Porter.

Longe das reuniões em salas do Zoom e dos troféus entregues por funcionários vestidos como sobreviventes de um apocalipse nuclear, a edição de 2021 recebeu seus nomeados em dois lugares. Nos Estados Unidos estava a concentração de estrelas, enquanto o Reino Unido abrigava as joias da Coroa: boa parte do elenco de The Crown que, alerta de spoiler, quebrou uma porrada de recordes.

No ano em que uma maoria de artistas negros apareceu nas categorias de atuação, a Academia de Artes e Ciências da Televisão premiou 12 pessoas brancas, entre atores principais e coadjuvantes, nos campos de Drama, Comédia e Série Limitada. O retrocesso de diversidade acontece uma edição após a performance gloriosa de Watchmen, e no mesmo ano em que produções como Lovecraft Country, I May Destroy You, black-ish e The Underground Railroad se destacaram pela excelência técnica e artística.

Em Drama, The Crown se junta ao grupo de Angels in America e Schitt’s Creek, que agora são as três únicas séries a vencerem todas as categorias em uma noite. O episódio War, o final da quarta temporada, rendeu um prêmio de Roteiro (para o criador Peter Morgan) e outro de Direção (para Jessica Hobbs, em uma vitória histórica para as mulheres). Gillian Anderson (que foi perguntada, depois de vencer, se havia conversado com Margaret Thatcher sobre o papel na série) saiu como a Melhor Atriz Coadjuvante, enquanto a avalanche da Rainha premiou também o Ator Coadjuvante Tobias Menzies. 

O grande favorito na disputa, entretanto, era Michael K. Williams, que morreu no começo do mês e entregou em Lovecraft Country uma das interpretações mais fortes do ano passado. Antes de anunciar o destino, Kerry Washington honrou o amigo, lembrando de sua luz e presença com amor e saudade. Sua derrota evidencia uma frequente nada positiva: depois do Oscar fazer uso da imagem de Chadwick Boseman para atrair audiência e, na sequência, premiar um ator branco em seu lugar, o Emmy faz igual.

O segmento In Memoriam, apresentado pela ternura de Uzo Aduba e guiado pelas cordas sensíveis de Jon Baptiste e Leon Bridges, finalizava-se com um depoimento em vídeo de Williams, discursando sobre a sustentação que atores negros criam um para o outro. No fim das contas, a diversidade da lista de 2021 foi propaganda enganosa. Tobias Menzies venceu um Emmy pelo papel quase imperceptível do Duque de Edimburgo na 4ª temporada de The Crown. Michael K. Williams viveu Montrose Freeman com a garra de um campeão, e morreu sem prêmio algum da Academia.

A categoria de Ator, que deveria reconhecer Billy Porter pelo ano final de Pose (que só venceu na cerimônia técnica), acabou chamando o nome de Josh O’Connor, que deu vida ao monstruoso Príncipe Charles. Seu par, a Lady Di de Emma Corrin, foi surpreendida pela zebra Olivia Colman, a Toda-Poderosa-Rainha. Assustada, surpresa, emocionada e galante, Colman discursou com o magnetismo que virou sua marca registrada, mas a amargura de não poder assistir Mj Rodriguez fazer história no palco da Academia é grande demais para sorrir do “Michaela Coel, fuck yeah!”, que Colman soltou logo após homenagear o pai, vítima da pandemia.

Na semana anterior, The Crown havia vencido um importante indicativo do apoio da Academia: o Emmy de Atriz Convidada, para Claire Foy, que retornou em um flashback como a jovem Rainha (o episódio em questão, 48:1, também rendeu o prêmio de Olivia Colman). Contrariando especialistas, Charles Dance perdeu a categoria de Ator, que premiou Courtney B. Vance, na única lembrança “grande” de Lovecraft Country.

Melhor Série de Drama, que ano após ano fecha a cerimônia, foi a penúltima das categorias anunciadas em 2021. Na acertada decisão de reconhecer o prestígio das Séries Limitadas, o Emmy finalmente se curvou à Netflix e chamou a equipe de The Crown ao palco britânico, rendendo à pioneira do streaming seu primeiro prêmio de Série. Viu? Só precisou de uma pandemia, de atrasos gigantescos de produção e da HBO quase que de folga, para a Netflix ganhar os prêmios grandes. De fato, a emissora do ‘Tudum’ conseguiu 44 estatuetas e se igualou a um recorde da CBS, que venceu o mesmo número em 1974.

A categoria de Série Limitada dividiu mais suas honras que a de Drama, mas ainda assim houve uma aglomeração na cidadezinha de Easttown. Kate Winslet, Julianne Nicholson e Evan Peters subiram ao palco, agradeceram à HBO e ao elenco formidável de Mare of Easttown, sensação de 2021. Winslet venceu uma década depois de triunfar por Mildred Pierce, outra original da HBO com quem ela faz par romântico com Guy Pearce. Nicholson e Peters, nas categorias de Coadjuvante, venceram os primeiros Emmys da carreira.

A zebra veio em Ator, com o Visão levando rasteira do estilista mais sexy da Netflix: o próprio Halston. Em mês de Met Gala, Ewan McGregor foi recompensado por sua atuação extravagante e deliciosa na minissérie de Ryan Murphy. Com apenas essa nomeação na noite principal, McGregor exibiu seu charme inebriante, e na quarta nomeação, adicionou um Emmy à estante.

O prêmio de Roteiro em Série Limitada nos mostrou que ainda há bem no mundo. Michaela Coel, que sangrou suas dores em toda a concepção de I May Destroy You, confirmou um dos favoritismos mais merecidos do ano, e discursou sua poesia bruta e sincera. A festa parecia estar indo muito bem, até que Scott Frank foi chamado para receber o troféu de Direção, por seu trabalho milimetricamente calculado na desgastada O Gambito da Rainha. 

O discurso do diretor, que também criou e escreveu a série, se estendeu por três minutos e meio, e sua falta de carisma tornou a leitura do papel uma das experiências mais desgastantes de acompanhar na noite. Na mesma semana em que a Netflix é processada por uma enxadrista por difamação, Frank achou de bom tom evidenciar a força feminina da produção. 

Quando um produtor subiu ao palco, no fim da noite, para receber o Emmy de Melhor Série Limitada ou Antologia, ninguém aguentava o homem branco falando de diversidade, além de reduzir a atriz principal, dizendo que “Anya Taylor-Joy trouxe o sexy de volta ao xadrez”. Que sonho seria se Beth Harmon estivesse ali presente, para de uma vez por todas, dar, a mais um de seus adversários machistas, um xeque-mate.

Nos prêmios fora dos gêneros grandes, Last Week Tonight with John Oliver venceu Programa de Entrevistas e Variedades e Roteiro no segmento. O Saturday Night Live ficou, para surpresa de ninguém, com a categoria de Série de Esquetes, enquanto o programa eleitoral de Stephen Colbert triunfou na categoria de Especial de Variedades (Ao Vivo). Na parte de Variedades (Pré-Gravado), não deu outra: Alexander Hamilton! O musical filmado do Disney+ adicionou o Emmy à prateleira que já conta com 11 Tonys, 1 Grammy e 1 Pulitzer. 

Em Programa de Competição, RuPaul’s Drag Race venceu. RuPaul, premiado com seu 11º Emmy, se tornou a pessoa negra com mais estatuetas, e agradeceu à juventude, ao lado de Gottmik e Symone, os grandes destaques da décima terceira temporada do reality. A grandiosa Debbie Allen, atriz, diretora, coreógrafa e lenda da Televisão, foi homenageada com o Governors Award, prêmio que honra a excelência em carreiras. Allen se tornou a segunda pessoa negra a receber tal honraria, depois de Tyler Perry no ano passado, e a primeira mulher negra. No discurso, ela foi enfática: o futuro está na juventude.

Chegando, enfim, na parte de Comédia, o Emmy 2021 dividiu seus prêmios principais entre duas fortes produções. Hacks, original do HBO Max, ficou com Roteiro e Direção (marcando a primeira vez em 73 anos que diretoras vencem juntas em Comédia e Drama), além da vitória de Jean Smart como Melhor Atriz. Ovacionada, aplaudida de pé e feliz da vida com o reconhecimento de sua outra “família” (Mare of Easttown), Smart dedicou o Emmy ao marido, falecido meses atrás, no processo de filmagens da produção.

O resto dos troféus do gênero foi para Ted Lasso. Abrindo a noite, Hannah Waddingham e Brett Goldstein não esconderam o sorrisão ao ouvirem seus nomes chamados como os Melhores Coadjuvantes de 2021. O senso de companheirismo reinou na equipe esportiva da Apple TV+, que ainda foi celebrada em Melhor Ator (para o majestoso Jason Sudeikis) e em Melhor Série de Comédia, com direito a abraços e lágrimas, e claro, muito amor pelo AFC Richmond.

Com a promessa da diversidade, que ia da maioria negra em atuação principal de Drama à ascensão dos heróis, o Emmy 2021 jogou seguro. O conservadorismo dos votantes resultou na ausência de vitórias significativas para The Boys, The Mandalorian e WandaVision, expoentes da fantasia que lotaram a lista de indicados, para saírem com quase nada embaixo do braço. 

A oportunidade de fazer história com vitórias de Billy Porter, Mj Rodriguez, Michael K. Williams e I May Destroy You não foi páreo para a familiaridade da Coroa britânica ou do olhar masculino que hipnotiza uma partida de xadrez. Que o Emmy melhore, que o Emmy evolua e que o Emmy mostre, na prática, que as minorias que eles insistem em chamar para perder, enfim merecem a vitória. Abaixo, você lê tudo que aconteceu na 73ª edição do Oscar da TV pelas palavras da Editoria do Persona, que mergulha no passado, presente e futuro da televisão, comemorando recordes e lamentando injustiças. Até logo, Emmy 2021.

Melhor Série de Comédia: Ted Lasso 

Desde que a Maravilhosa Senhorita Maisel subiu ao palco do Emmy em 2018, a categoria de Melhor Comédia não repete um vencedor. E é esperado que os reconhecidos no prêmio máximo do gênero sejam as produções destaques de cada cerimônia da Academia. Fleabag sucedeu Maisel, e foi sucedida por Schitt’s Creek. Na onda das produções que nos fazem sentir bem, não tinha nome mais forte no Emmy 2021 do que os titãs de Ted Lasso.

Com 20 nomeações (se tornando a série de estreia mais nomeada da história), a original da Apple TV+ venceu em 7 categorias, incluindo 3 técnicas e 3 de atuação. Quem esperava uma surpresa de Hacks na disputa maior, acabou assistindo a um chocolate do time de Lasso, que só perdeu em Roteiro e Direção pela infame divisão de votos.

Sem susto na prorrogação ou falta para cartão vermelho, Ted Lasso se sagrou como a Comédia com C maiúsculo de 2021, condecorando os talentosos nomes de Brendan Hunt, Joe Kelly, Bill Lawrence e, claro, Jason Sudeikis. Visivelmente emocionado, o treinador mais querido desde o Felipão na Copa de 2002, o criador, roteirista e Melhor Ator em Comédia repetiu o que faz toda sexta, por meia-hora: escalou suas estrelas para brilharem. – Vitor Evangelista

Melhor Ator em Comédia: Jason Sudeikis (Ted Lasso) 

Na disputa menos tumultuada da noite, Jason Sudeikis jogou com o time reserva e mesmo assim goleou na categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Astro máximo da sitcom futebolística, Sudeikis recebeu as primeiras nomeações ao Emmy da carreira apenas esse ano, e das 4 menções, acabou premiado em duas. A derrota em Melhor Roteiro, onde concorria em dose dupla, foi causada, além da força descomunal de Hacks, pela divisão de votos.

Em seu discurso, Sudeikis aproveitou para agradecer à equipe por trás de Ted Lasso e também à Apple TV+, que, com menos de três anos de vida, já conseguiu vencer um prêmio de Melhor Série, tudo graças ao otimismo do técnico norte-americano. Cria do Saturday Night Live, Jason Sudeikis tirou sarro do lendário Lorne Michaels, esse que prometeu um futuro promissor para o querido Lasso no programa de esquetes (será que vem uma indicação como Convidado no Emmy 2021?). Sejamos como um peixinho dourado, pois se Ted Lasso deixou uma lição valiosa, é a de que devemos acreditar. – Vitor Evangelista

Melhor Atriz em Comédia: Jean Smart (Hacks) 

Se não fosse dela algo estaria errado. Jean Smart! A atriz que já era favorita na categoria cumpriu a sina de subir ao palco receber a estatueta de Melhor Atriz em Série de Comédia. Smart chegou sorrateiramente ao catálogo do HBO Max em junho, tirando todo e qualquer favoritismo de Kaley Cuoco, que era cotada por The Flight Attendant. A vitória pelo papel de Deborah Vance é a quarta da atriz, que na década passada também foi premiada por suas atuações em séries de comédia.

Jean Smart, que também estava indicada como Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada, foi aplaudida de pé pelos presentes na premiação – e por mim na sala de casa – e iniciou seu discurso aplaudindo os colegas de Mare of Easttown. O prêmio foi emocionalmente dedicado ao marido de Smart, que faleceu durante as gravações do último episódio de Hacks. Jean Smart você mereceu esse prêmio, merecia o do ano passado por Watchmen e merece os que virão. Quebre a perna, Jean Smart. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Comédia: Lucia Aniello – There Is No Line (Hacks) 

A noite do Emmy foi agitada para as produções de Comédia. Quando seu adversário está entre os esperados para marcar todos os gols da noite, como era o caso de Ted Lasso, é difícil ter muita esperança. Mas indo contra as especulações, a série Hacks conquistou seu espaço e levou o troféu por Melhor Direção em Comédia. Quem diria? Nem mesmo o cancelamento de Ava impediu a vitória. 

A responsável por garantir essa estatueta para o HBO Max foi Lucia Aniello. A diretora e roteirista, que criou a série junto com Paul W. Downs e Jen Statsky, vem recebendo indicações na premiação mais famosa da televisão desde 2014, e finalmente pode respirar aliviada sabendo que, dessa vez, ganhou. – Mariana Chagas

Melhor Ator Coadjuvante em Comédia: Brett Goldstein (Ted Lasso) 

Na sequência de golaços de Ted Lasso no Emmy 2021 não poderia faltar ele, que está em todo lugar. Brett Goldstein, o rosto amigável por trás do carrancudo Roy Kent, deu um carrinho já aguardado nos concorrentes do Saturday Night Live e até nos seus colegas de elenco – mas pelo menos garantiu uma estatueta para os Diamond Dogs. 

Na primeira indicação de sua carreira na premiação, o ator e também roteirista honrou a trajetória do seu personagem no primeiro ano da série, que deixa sua marca na narrativa e já é o rabugento que mais amamos no mundo. Ao subir ao palco para receber o prêmio, Goldstein não poupou agradecimentos para Jason Sudeikis e o restante do elenco de Ted Lasso, além de, é claro, não economizar nos palavrões. Afinal, Roy Kent não é Roy Kent sem falar ao menos 2 fuckings por minuto. – Vitória Silva

Dando o pontapé inicial às premiações da noite (e aos muitos YEEEEEEAHs de Ted Lasso), Hannah Waddingham foi reconhecida por seu trabalho como a antagonística dona do AFC Richmond na primeira temporada da série de comédia, recebendo a estatueta de Atriz Coadjuvante das mãos de Seth Rogen. Emocionadíssima com sua primeira vitória, a atriz agradeceu profusamente aos roteiristas da produção e seus colegas de elenco, deixando claro que se pudesse dividir a estatueta com Juno Temple, o faria num piscar de olhos.

A vitória marcou o início da noite glamourosa para o elenco de Ted Lasso, que prosseguiu para vencer todas as categorias de atuação nas quais estavam indicados. Embora Waddingham tivesse ficado de fora do Globo de Ouro, sua vitória na premiação inaugural da Associação de Críticos de Hollywood já dava sinais da vinda do Emmy para as mãos da britânica, que competia junto de Temple com outras cinco atrizes pelo prêmio: além de Aidy Bryant, Kate McKinnon e Cecily Strong, indicadas recorrentes por Saturday Night Live, Hannah Einbinder de Hacks e Rosie Perez de The Flight Attendant formavam uma categoria bem arredondada por novatas e veteranas da modalidade, em que a única certeza era a de que o otimismo contagiante de Ted Lasso vingaria. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Comédia: Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky – There Is No Line (Hacks) 

Mesmo com a queridinha Ted Lasso indicada duas vezes na categoria pelo episódio piloto e por Make Rebecca Great Again, foi Hacks quem levou o troféu por Melhor Roteiro em Comédia pelo episódio There Is No Line. 

Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky subiram ao palco para receber o prêmio diretamente das mãos de Dan Levy, Eugene Levy, Catherine O’Hara e Annie Murphy, atores de Schitt’s Creek, série que surpreendeu a todos ao levar 7 prêmios no Emmy de 2020. – Caio Machado

Melhor Ator Convidado em Comédia: Dave Chappelle (Saturday Night Live) 

Quando o assunto é programa de comédia, Saturday Night Live se garante. O seriado vem recebendo indicações desde 2010, e seus prêmios não são possíveis de contar nas mãos. A produção conseguiu, nesta edição do Emmy, bater 81 prêmios no total. Haja estante para guardar tudo isso. 

Quem garantiu o nome do programa na lista de vitoriosos desse ano foi Dave Chappelle. O comediante e ator já era conhecido por participação em outras obras como seu papel em Nasce Uma Estrela e seu Stand-up Chappelle’s Show. Sua comédia no episódio de SNL, com certeza, é outro marco na carreira do talentoso artista. – Mariana Chagas

Melhor Atriz Convidada em Comédia: Maya Rudolph (Saturday Night Live) 

Ganhar Melhor Ator Convidado em Comédia talvez não fosse o suficiente, então Saturday Night Live resolveu se garantir e levar também o de Melhor Atriz Convidada em Comédia. A comediante e cantora Maya Rudolph ganhou a categoria e se juntou a Dave Chappelle a atores negros que tiveram seu espaço por participações especiais. 

Vale lembrar que esta foi a oitava indicação de Maya, que antes já havia ganhado dois prêmios no Emmy, um por sua dublagem em Big Mouth e outra participação anterior no SNL. Assim como o programa que representou, a artista vem colecionando estatuetas. – Mariana Chagas

Melhor Programa de Competição: RuPaul’s Drag Race

Não teve para mais ninguém! Sem The Masked Singer na categoria – a única ameaça possível ao reinado de RuPaul –, a vitória era certeira. O reality de Mama Ru, fenômeno mundial, venceu pela quarta vez consecutiva o troféu de Melhor Programa de Competição, por sua 13ª temporada. 

Para receber a estatueta no palco, a Queen of Drag convidou sua amiga e fiel escudeira Michelle Visage, e as queens Symone, a vencedora mais recente do formato principal, e Gottmik, o top 2 moral. Concorriam com a corrida das loucas os programas The Amazing Race, Nailed It!, Top Chef, e The Voice. – Jho Brunhara

Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado): Hamilton 

Para a categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), concorriam obras excelentes, como o melancólico Inside, do comediante Bo Burnham, e o magnífico David Byrne’s American Utopia, onde o músico fez um show incrível que refletia sobre o período atribulado no qual estamos inseridos, mas com esperança num futuro melhor.

No fim, o premiado foi Hamilton, a versão filmada do musical criado por Lin-Manuel Miranda e que foi inspirado na vida de um dos Pais Fundadores dos Estados Unidos. Ao subir no palco, o elenco do musical aceitou o troféu em nome de Lin, que não pôde estar presente na ocasião. Mesmo depois de seis anos de sua estreia nos palcos, a obra continua se mostrando relevante, sem nunca desperdiçar suas oportunidades. – Caio Machado

Melhor Série Limitada ou Antologia: O Gambito da Rainha 

Para a tristeza de alguns e felicidade de outros, O Gambito da Rainha deu a jogada final da noite e se consagrou como Melhor Série Limitada ou Antologia no Emmy 2021. A grande favorita da categoria conseguiu derrubar nomes de peso: Mare of Easttown, I May Destroy You, WandaVision e The Underground Railroad. Mas não chegou a surpreender ninguém de fato, por já ter levado a melhor nas categorias técnicas e ganhado a estatueta de Melhor Direção pouco antes.

Em seu discurso de agradecimento, o produtor executivo William Horberg parabenizou a protagonista Anya Taylor-Joy: “Você inspirou toda uma geração de meninas e jovens que perceberam que o patriarcado não tem como se defender das nossas rainhas”. Ironicamente, sua fala evidencia a maior contradição presente na obra, que se apoia em uma narrativa aparentemente feminista mas que em momento algum apresenta as dificuldades que uma mulher enfrentaria em um ambiente majoritariamente dominado por homens. 

Os méritos da série se devem quase por completo à atuação de Anya como Beth Harmon – e quem merece de fato todos os aplausos -, além de voltar os holofotes para um jogo pouco retratado na mídia. Apesar de somar 11 vitórias na premiação, O Gambito da Rainha facilmente se ofusca ao lado das concorrentes, e não carrega nem metade da força necessária para sustentar o legado deixado por Watchmen, sua antecessora na categoria. – Vitória Silva

Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Ewan McGregor (Halston) 

E a maior zebra da noite é toda dele: Ewan McGregor, senhoras e senhores. Se enganou muito quem subestimou a força do eterno Obi-Wan Kenobi, que conseguiu derrotar o favoritismo de Paul Bettany e Hugh Grant. Até quem achou que a aclamação de Hamilton iria reverberar na vitória de Lin-Manuel Miranda ou Leslie Odom, Jr. errou feio. 

Levando o primeiro Emmy da carreira, e também o único da série na premiação, a conquista não poderia ser mais que merecida. McGregor assume não só o protagonismo de Halston, mas também sustenta a produção de Ryan Murphy nas costas, com uma narrativa que não condiz com o brilho de seu talento. E repete o feito semelhante ao de Mark Ruffalo em 2020, por conseguir dar a volta por cima e conquistar a estatueta da única indicação da série na cerimônia principal. – Vitória Silva

Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Kate Winslet (Mare of Easttown) 

Diferente de Drama e Comédia que já tinha seus vencedores previstos, Série Limitada trouxe as categorias mais recheadas, incertas e aguardadas de 2021. As atuações femininas foram um espetáculo à parte. Com o favoritismo dividido entre Kate Winslet e Anya Taylor-Joy; Michaela Coel, Elizabeth Olsen e Cynthia Erivo também tinham motivos de sobra para se consagrarem na noite de 19 de setembro.

Agradando os fãs da HBO e fazendo jus a performance, foi o nome de Kate Winslet que saiu da boca de Sarah Paulson e Beanie Feldstein. A eterna Rose foi uma leoa dentro e fora das telas, defendendo minuciosamente cada traço de sua personagem. A atriz interferiu na construção visual de Mare Sheehan, potencializando ainda mais a força e os dramas da detetive. Aplaudida de pé, Kate também foi agraciada nos discursos de Julianne Nicholson e Evan Peters e em seu discurso falou sobre a importância de as mulheres apoiarem mulheres. De todos da noite, esse prêmio com certeza foi um dos que chegou em melhores mãos. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Scott Frank (O Gambito da Rainha)

Não teve jeito de contornar o xeque-mate da Netflix. Prenunciando que alcançaria também a maior vitória da noite, O Gambito da Rainha garantiu primeiro o Emmy de Melhor Direção, coroando aquele que direcionou uma das séries mais assistidas da história do streaming. Dali em diante, a distribuição dos prêmios de Série Limitada ou Antologia foi equilibrada em sua obviedade, dividindo as honrarias entre o fenômeno protagonizado por Anya Taylor-Joy e a favorita da HBO Mare of Easttown, que venceu a adversária em todas as categorias de atuação.

Então, na segunda metade da premiação, um antipático Scott Frank subiu ao palco para agradecer o prêmio, que num mundo ideal, seria de Barry Jenkins, pelo trabalho magistral entregue em The Underground Railroad. Mas se nem a relevância do diretor de Moonlight foi suficiente para tirar os olhos da Academia de TV do jogo de xadrez de Beth Harmon, não seriam também os feitiços de WandaVision dirigidos por Matt Shakman ou a força de I May Destroy You nascida de Michaela Coel. É uma chatice: nenhuma direção da seleção mais rica do Emmy 2021 foi considerada diante do favoritismo exaustivo que a temporada conserva por O Gambito da Rainha. Todos caíram direitinho na maior jogada da Netflix. – Raquel Dutra

Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Evan Peters (Mare of Easttown)

Quem acredita sempre alcança: desde 2004 nas telinhas e oito temporadas de American Horror Story depois, Evan Peters finalmente abocanhou seu primeiro Emmy. Sair do cativeiro de Ryan Murphy fez bem para Peters, e foi na HBO, por seu papel em Mare of Easttown, que o Detetive Colin Zabel rendeu uma estatueta para ele como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

O ator já é um ícone da cultura pop há muito tempo, e esse é mais um caso de uma estatueta não só para o papel na série indicada, mas também por sua carreira memorável. Também concorriam na categoria Thomas Brodie-Sangster, por seu papel em O Gambito da Rainha; Daveed Diggs, por Hamilton; Paapa Essiedu, por I May Destroy You; Jonathan Groff, por Hamilton; e Anthony Ramos, também por Hamilton. – Jho Brunhara

Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Julianne Nicholson (Mare of Easttown) 

Kathryn Hahn, Renée Elise Goldsberry, Julianne Nicholson, Phillipa Soo, Moses Ingram e Jean Smart: as indicadas a Melhor Atriz Coadjuvante deste ano eram gigantes. Essa foi a categoria que mais dividiu entre razão e emoção. O Gambito da Rainha havia levado muitas categorias técnicas na semana anterior, Jean Smart já imaginava que sairia vitoriosa por Hacks em Comédia, Renée e Phillipa fazem parte do queridíssimo cast de Hamilton que poderia ser a zebra deste ano, mas a torcida estava mesmo entre a adorável e vilanesca Kathryn Hahn e o pilar de estruturação Julianne Nicholson.

A indicada de WandaVision tinha toda a torcida do coração e chances reais de garantir um Emmy para a Marvel. Mas, pensando racionalmente, essa estatueta foi para as mãos certas. Ela é, e tinha que ser de Nicholson, desde o início. Dona de uma das melhores cenas do ano, Lori Ross é uma personagem complexa e cheia de camadas, todas muito bem dominadas pela entrega da atriz. Mare of Easttown venceu a trinca em atuação e Nicholson ganhou o primeiro – espero que seja de muitos – Emmy da carreira. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme: Michaela Coel (I May Destroy You) 

I May Destroy You já dava sinal de pelo menos uma vitória no Emmy 2021, tendo recebido 4 troféus no BAFTA deste ano. Michaela Coel era vista, de longe, como a favorita nessa categoria — tinha que ser dela, e não tem discussão. Baseado no caso de estupro que Coel sofreu em 2015, o seriado levou para casa o troféu de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme. Com o prêmio, Coel tornou-se a primeira mulher negra a receber o Emmy nesta categoria. 

Em 2017, Michaela Coel recusou a oferta de 1 milhão de dólares da Netflix por I May Destroy You, pois a plataforma não permitia que a atriz, roteirista e produtora retivesse qualquer porcentagem dos direitos autorais, mesmo sendo um projeto autobiográfico. A série acabou indo para a HBO, e o Emmy também. O seriado ainda concorreu em outras 8 categorias na premiação, levando a estatueta de Melhor Supervisão Musical no dia das premiações técnicas, e encerrou essa edição com 2 troféus. – Bruno Andrade

Melhor Telefilme: Natal com Dolly Parton

Na categoria de Melhor Telefilme do Emmy 2021, deu zebra. Entre os indicados, Oslo, adaptação da HBO sobre as negociações secretas do Acordo de Paz da capital de Noruega, Uncle Frank, um drama independente sobre aceitação e pertencimento, adquirido pelo Amazon Prime Video, e Sylvie´s Love, o romance sessentista estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha, também comprado pela Amazon, figuravam entre os favoritos. Até o azarão Robin Roberts Presents: Mahalia, biografia da cantora gospel Mahalia Jackson (interpretada pela fenomenal Danielle Brooks), apresentava melhores chances do que o ganhador: Dolly Parton´s Christmas on the Square, o musical natalino da Netflix com a estrela country Dolly Parton.

A modalidade que condecorou Bad Education em 2020 premia os filmes lançados diretamente na TV e ganhou regras que levam em conta o Oscar: se a produção foi considerada na disputa de Cinema, não entra na de TV. Além disso, a categoria já passou por outras mudanças desde sua criação em 1992, como alterações de nomes e quando, em 2011, virou uma só com a junção com a de Minisséries. A decisão foi revertida em 2014. Já a edição de 2021 reflete o ano fraco: enquanto as Séries Limitadas estão em um de seus melhores e mais competitivos anos, a entrega dos troféus para os filmes televisivos foi do evento principal para a segunda noite do Emmy. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Série de Drama: The Crown

Deus salve a Rainha porque The Crown levou a estatueta de Melhor Série de Drama, e deu à Netflix seu primeiro troféu de Melhor Série — O Gambito da Rainha foi a segunda série da plataforma a receber a honraria, ficando com o principal prêmio da noite. Introduzindo Lady Di (Emma Corrin) na trama, a temporada mesclou aspectos históricos com ficção, construindo uma narrativa envolvente e episódios esteticamente ricos. 

Em seu 4º ano, The Crown entregou a melhor temporada até aqui, não deixando dúvidas sobre os méritos dessa vitória. Explorando aspectos interessantes da realeza britânica, com Gillian Anderson interpretando brilhantemente a Dama de Ferro, Margaret Thatcher, a 4ª temporada do seriado emplacou todo o elenco principal em suas respectivas categorias, e a série levou para casa todos os prêmios em Drama, mantendo a hegemonia já antecipada no Globo de Ouro e no SAG Awards deste ano.

A série ainda proporcionou a vitória do brasileiro Adriano Goldman, que já havia sido indicado ao Emmy na 3ª temporada de The Crown, e ficou com a estatueta de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora) pelo episódio Fairytale, no dia das premiações técnicas. Depois das 11 vitórias no Emmy 2021, incluindo Olivia Colman como Melhor Atriz em Drama por interpretar a Rainha Elizabeth II, não é errado afirmar que The Crown, realmente, é a rainha do Drama. – Bruno Andrade

Melhor Ator em Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A categoria de Melhor Ator em Drama contava com atores premiados anteriormente. Sterling K. Brown recebeu a estatueta em 2017, pela primeira temporada de This Is Us, e Billy Porter venceu em 2019 pela primeira temporada de Pose. 

Neste ano, quem subiu ao palco para receber o troféu diretamente das mãos da atriz Catherine Zeta-Jones foi Josh O’Connor, por sua atuação excepcional como Príncipe Charles na quarta temporada de The Crown. Levando em conta que a série já tinha sido coroada com cinco estatuetas em categorias anteriores, era de se esperar. – Caio Machado

Tinha como Olivia Colman sair de The Crown sem ser premiada pela sua Rainha Elizabeth? Não tinha. Em seu segundo ano como o centro da superprodução da Netflix, Colman sai das indicações do Oscar para entrar na corrida do Emmy mais uma vez, e como a mais silenciosa em meio às mais prováveis, venceu a estatueta de Melhor Atriz em Drama de 2021.

A expectativa para a noite do dia 19 de setembro, no entanto, era de que a Princesa vencesse a Rainha, já que o encanto e maestria de Emma Corrin como Lady Di roubaram todas as atenções do quarto ano de The Crown e algumas das premiações precursoras da temporada. Ou então, que o Emmy honrasse todo o significado de Pose ao reconhecer o mérito de Mj Rodriguez na última temporada de uma das produções mais importantes da história da TV. Até Elisabeth Moss poderia surpreender e repetir sua vitória de 2017 por de The Handmaid’s Tale, mas a força do nome e do trabalho de Olivia Colman é imparável, e numa possível divisão de votos entre as duas mais próximas da estatueta, ficou ainda mais forte. 

Assim, a Academia de TV perdeu a chance de coroar sua primeira mulher trans numa categoria principal de atuação, justo no ano em que notou o trabalho de uma maioria de atores e atrizes negros nas categorias de Drama. E por isso, um gosto amargo sempre vai acompanhar a apreciação do trabalho inquestionável de Olivia Colman em 2021. – Raquel Dutra

Melhor Direção em Drama: Jessica Hobbs – War (The Crown)

The Crown varreu o Emmy 2021. Se a Netflix rezava para conseguir a tão sonhada estatueta de Melhor Série de Drama, com certeza Jessica Hobbs acendeu todas as velas de sua casa para atrair o prêmio de Melhor Direção em Drama. E deu certo. A neozelandesa dirigiu os dois últimos episódios da quarta temporada, Avalanche e War, vencendo pelo segundo.

Essa é a quarta vitória da Netflix na categoria desde que começou a concorrer, em 2013, e a segunda vitória de The Crown. O ano atípico causado pelas consequências da pandemia no audiovisual pode ter favorecido a gigante do streaming, mas, agora, mais do que nunca, é melhor sempre ficar de ouvidos bem abertos no tudum. Na categoria também concorriam Julie Anne Robinson, Benjamin Caron, Liz Garbus, Jon Favreau e Steven Canals. – Jho Brunhara