A verdade, como a luz, cega.

Albert Camus, A queda (1956)

Bruno Andrade

Ao parafrasear Luis Buñuel, a renomada crítica Pauline Kael faz uma reflexão interessante: “Um elaborado conjunto de teorias trata o Cinema como ‘a viagem noturna ao inconsciente’ […]. O Cinema parece ter sido inventado com a finalidade de expressar a vida do subconsciente”. As narrativas nunca se limitam apenas à superfície – mergulham nas entranhas do pensamento. Anatomia de uma Queda, longa que integra a seção Perspectiva Internacional da 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, tem domínio dessa sensação, e trabalha em sintonia às verdades ocultas e dilemas da interpretação.

Em Anatomie d’une Chute (no título original em francês), cuja direção é assinada por Justine Triet, com roteiro original de Arthur Harari, Clémentine Schaeffer e da própria diretora, somos convidados a uma experiência cinematográfica que desafia as expectativas convencionais do gênero que se propôs a trabalhar. Logo no início, numa manhã de inverno nos Alpes franceses, Samuel é encontrado morto no chão em frente à sua casa, com um ferimento profundo na cabeça.

Durante suas duas horas e meia de duração, o drama evita o terreno seguro dos clichês sobre a vida, caminhos trilhados ou da relação entre o casamento e dois contadores de histórias (neste caso, uma escritora em alta e um escritor que não consegue escrever) – possibilidades quase irresistíveis nos dramas de tribunal e nas histórias de casamento. Ainda assim, Triet encontra uma forma mais cerebral e original de insistir nessa última ideia, buscando a realidade através das histórias de Sandra (Sandra Hüller) e Samuel (Samuel Theis), mas, principalmente, da relação complexa entre a representação da verdade e aquilo que realmente aconteceu.

Um salto temporal intrigante acontece na metade do longa, arremessando a história para um ano depois. A princípio, essa intervenção parece desconectada do clímax, deixando uma sensação estranha conforme as cenas avançam – nada muda, e o salto temporal parece completamente descartável. No entanto, uma análise mais aproximada pode indicar essa mudança – para além do avanço das investigações no tribunal – como uma espécie de ‘lupa’ para o desenvolvimento de Daniel (Milo Machado Graner), o filho de 11 anos do casal e parcialmente cego, no piano. Trata-se da primeira cena imediatamente depois da passagem: o menino frente às teclas, repetindo as melodias de cenas anteriores.

A busca pela verdade parece novamente uma metáfora poética possível para a condição de Daniel. Ele possui a capacidade de ouvir e falar, mas não pode enxergar. Em contraste, Snoop, o cão da família (interpretado pelo simpático border collie Messi, que ganhou o prêmio Palm Dog em Cannes), consegue ver, mas não pode falar. Sandra vê, ouve e fala, mas afirma não ter presenciado o momento da morte de Samuel, tornando seus sentidos inúteis. O mistério central permanece sem resposta: o pai caiu da janela, pulou intencionalmente ou foi empurrado? A intensidade com que Daniel se dedica ao piano, a ponto de transpirar intensamente tocando sempre a mesma melodia, revela seu desconforto diante dessa questão.

Sem a capacidade de ler partituras, ele se apoia no som e na experimentação, demonstrando que os ruídos podem revelar verdades profundas. Durante as investigações sobre a morte de Samuel, quando o primeiro juiz (Pierre-François Garel) realiza a reconstituição do ocorrido, Daniel – que sente todo o processo como um divórcio tardio dos pais – revela ter se enganado quanto ao local onde sentiu o couro preso à parede (uma maneira que seu pai desenvolveu de dar autonomia ao filho com deficiência visual, espalhando pedaços de couro por toda a região da casa para que pudesse se guiar com o cachorro).

Para a impaciência do juiz, Daniel não estava onde disse, dias antes, que estava – o tato, um de seus principais sentidos, foi incapaz de trazer a verdade. Essa mesma metáfora indica a importância que Anatomia de uma Queda dá a outros elementos cinematográficos: o som, a fotografia interessante de Simon Beaufils, o roteiro complexo e inteligente e as atuações brilhantes, que são coroadas numa direção precisa. Esses elementos, em conjunto, fizeram do longa o vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes e de Justine Triet apenas a terceira mulher a levar o prêmio, após ter sido indicada em 2019 por Sibyl, mas perder para Parasita, de Bong Joon-ho.

Na atuação, é Sandra Hüller que se destaca, dando a força emocional do filme – “Sandra Hüller”, guarde este nome. A substância dramática do longa parece ser encapsulada na sua atuação em harmonia com a fotografia de Beaufils, que acrescenta nuances de documentário por meio de um jogo de câmeras revelador. Hüller compreende a necessidade de manter a ambiguidade, particularmente em relação a sua personagem, acusada de matar o marido – o mesmo homem que, de maneira trágica e desintencional, causou a cegueira do filho. Essa ambiguidade paira sobre a narrativa, e ela e Triet trabalham em conjunto dentro desse limiar.

Anos atrás, a atriz surgiu como uma estrela em ascensão em Toni Erdmann (2016), drama de Maren Ade que, para muitos, deveria ter levado a Palma de Ouro quando concorreu. Hüller, agora, desempenha papéis de destaque em dois dos principais filmes do ano: o próprio Anatomia de uma Queda e a adaptação do romance de Martin Amis, Zona de Interesse, dirigida por Jonathan Glazer e que também integra a 47ª Mostra Internacional de São Paulo.

Um elemento intrigante no filme é a recorrência da versão instrumental de P.I.M.P., de 50 Cent, cuja letra é notória por sua profundidade misógina. Essa música se repete ao longo de Anatomia de uma Queda, tornando-se uma trilha sonora não oficial que, de maneira cômica e sinistra, parece projetada para perturbar Sandra. O som está presente desde a cena inicial, na qual acompanhamos a entrevista entre ela e Zoe (Camille Rutherford), uma estudante de pós-graduação interessada na sua escrita, trabalhos de tradução e literatura em geral. Essa entrevista, contudo, se converte em um encontro sedutor.

Como uma renomada autora alemã que, a exemplo de boa parte dos escritores contemporâneos, utiliza a autoficção para conceber seus trabalhos, Sandra faz carreira em Londres e se muda para uma casa nos Alpes franceses para realizar um desejo do marido, um homem francês de origem. Ela tem o alemão como língua materna, mas utiliza o inglês para se comunicar – embora às vezes, num esforço, fale o francês – e vive num país de língua francesa. Sandra não parece estar definitivamente em lugar algum.

Ela e Zoe, então, tomam taças de vinho e a conversa sorrateiramente muda de foco – não se trata mais dela, mas sim delas. P.I.M.P. começa a tocar do alto das escadas, e a entrevista precisa ser encerrada – nenhuma das duas consegue mais se ouvir, atrapalhadas pela melodia de uma canção que, na sua versão original, repete “she feed them foolish fantasies” (ela alimenta o sonho dos tolos). O marido sabia que Sandra estava flertando lá embaixo?

A confusão inicial, na mistura entre biografia e ficção, é o motivo que leva a estudante de pós-graduação a entrevistar Sandra inicialmente, a fim de recolher informações para a tese que vem escrevendo. “Nos faz querer descobrir qual é qual”, insiste. A protagonista, ao sorrir, revela que sua liberdade dependerá da forma como o júri, logo menos, analisará suas afirmações – sempre interpretativas, num jogo de verdade-mentira e dos limites da interpretação. Antes do julgamento, é isso que o advogado e melhor amigo, Vincent  (Swann Arlaud), diz: não importa se ela matou Samuel ou não, “esse não é o ponto”.

Na metade do filme, o promotor (Antoine Reinartz) questiona se Zoe sabia da bissexualidade de Sandra, mesmo sem a necessidade de afirmar nada além do que vimos. A revelação – que mais parece uma constatação – traz outras informações: existia um acordo tácito entre Sandra e Samuel, ou pelo menos parecia existir, no qual se relacionar com outras pessoas não seria um problema – uma tentativa de aliviar as tensões conjugais após o acidente que acabou parcialmente com a visão do filho, quando ele tinha 4 anos. Mas fica evidente que esse acordo tácito tornou-se uma fonte de conflito para o marido.

Ao evocar diretamente Anatomia de um Crime (1959), de Otto Preminger, e A queda (1956), de Albert Camus, a obra de Triet parece dar ênfase à exploração de elementos do comportamento humano e da moral, utilizando a ‘queda’ como metáfora ou ponto de partida. Em Anatomia de uma Queda, não é apenas o corpo do marido que cai da janela: o casamento de Sandra e Samuel tomba de maneira constante, cujos motivos da queda são esmiuçados nas sessões do tribunal.

Em essência, Anatomia de uma Queda é um drama de tribunal, embora apresente uma abordagem fresca e original dentro desse sub-gênero. Sendo possível dividir o filme em partes iguais sob o idioma inglês e o francês, o núcleo da narrativa gira em torno das revelações feitas perante o júri, e os momentos de vulnerabilidade de Sandra são compartilhados com Vincent, seu melhor amigo, mas também seu advogado, que revela ter se apaixonado por ela no passado. Esses aspectos da vida pessoal da protagonista ganham destaque nos dilemas do julgamento, revelando que as expectativas sociais, personificadas pelo júri, têm mais influência em sua condenação e redenção do que os detalhes específicos que cercam a morte do marido.

Essa narrativa complexa e emocional nos lembra como a verdade, muitas vezes, é subjetiva e multifacetada, e que o Cinema, como expressão artística, tem o poder de revelar as profundezas do subconsciente humano. O filme se encerra com as situações aparentemente resolvidas, mas longe de serem definitivas. Sob um estado de incerteza, talvez o filho de Sandra, Daniel, saiba mais do que foi expressamente revelado. Não há forma mais clara de se alienar do que alimentar a sensação de que se sabe de tudo. Assim, a verdade permanece elusiva, e aceitar a versão apresentada parece ser a única opção.

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A edição do Clube do Livro de Abril marca o vigésimo encontro do grupo de leitores do Persona. Depois de caminharem por autores e, principalmente, autoras, que expandiram todos os limites das perspectivas, foi a vez de dar de cara com a marcante figura do rock brasileiro, Rita Lee, em Rita Lee: uma autobiografia. Falecida no dia 8 de Maio de 2023, a contemplação da obra da artista se formata em tons de saudosismo e admiração. 

Em pequenos relatos que caminham desde a infância até a vida adulta agitada, o texto encara a distinção das fases em períodos curtos, palavras estrangeiras e gírias paulistanas. Através da óptica completamente única, a autoria de cada termo quase grita Rita Lee. Direta e reta como sempre, seus afetos, vivências, tristezas e o que mais houver cantam em notas vibrantes e extremamente características. 

Além da voz da “padroeira da liberdade” – apelido pelo qual gostava de ser chamada –, o escrito conta com os pitacos do jornalista Guilherme Samora, representado pela aparição de um fantasma chamado Phantom. A figura aparece em determinados trechos para indicar algum detalhe ou data esquecidos pela artista, e contribui para aumentar a sensação de autenticidade dos capítulos. 

Publicada em 2016, a obra foi consagrada no mesmo ano com o título de Melhor Biografia do Prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Artes), a artista também foi lembrada por suas contribuições no universo musical durante a cerimônia. Em 2017, o livro apareceu entre os indicados da categoria de Melhor Biografia da estatueta oferecida pela Academia Brasileira de Letras (ABL), o Prêmio Jabuti. 

O relato é o primogênito da segunda autobiografia de Rita, intitulada Rita Lee: outra autobiografia. A caçula chegou ao mundo em Maio, pouco tempo depois da morte da autora, e carrega em 192 páginas memórias que contemplam os momentos da cantora com a descoberta do câncer de pulmão durante o período pandêmico. 

Mesmo se seu RG não estampasse a capa do livro, o escolhido do mês não poderia ter sua assinatura confundida com a de nenhuma outra literata. Marcado por originalidade e cheio de personalidade, o ato de ler e viver Rita Lee foi e sempre será um presente. Para homenagear as múltiplas sensações provocadas pela eterna Rainha, ficam nossas dicas literárias especialmente para os que têm cor de Tutti Frutti no Estante do Persona de Abril de 2023.

Livro do Mês

Rita Lee – Rita Lee: uma autobiografia (296 páginas, Globo Livros)

No dia 8 de maio de 2023, noites alienígenas ganharam, para a eternidade, um disco voador meio biruta – com um quê de estrela do rock – para sua imensidão de UFOs e objetos luminosos estranhos. A escolha do Clube do Livro do Persona convergiu, numa coincidência que só poderia acontecer a essa figura, com a partida intergalática de Rita Lee, depois de uma luta vencida contra o câncer, relatada em outra autobiografia. O primeiro relato que a artista compõe de si mesma, afastando de si um tanto da personagem ‘‘ritalee’’ dos grandes palcos e telas para expor a intimidade de sua infância e dos bastidores de sua carreira musical, é um enquadramento mais explícito e retrospectivo de si mesma. Da infância na Vila Mariana – tecendo ao leitor uma experiência imersiva de uma São Paulo nos anos 1960 – à caminhada ao estrelato, Lee Jones é modesta com sua própria história, um espaço garantido no cânone de revolucionários e agitadores dos costumes. 

Pisando no terreno das escritas de si, Rita Lee, como sempre, deixa os panos caírem e inverte o jogo. Em Rita Lee: uma autobiografia, a centralidade de tudo é a sua própria história, onde o si tem mais importância e mais corpo que o valor literário de tudo, que também é imenso. O ímpeto cômico e ultrajado que atravessa sua música é, também, um registro de sua escrita. Em seu característico humor ácido, cheio de sacadas inteligentíssimas, a artista se estabelece como canhota por escolha, alienígena de nascença e ovelha negra tingida. Gauche na vida, a artista relata sua experiência andando contra os sentidos pré-estabelecidos; seja do mundo da música – hibridizando o rock estadunidense à bossa nova e ao psicodélico da tropicália – ou no papel instituído às mulheres nesse cenário, que, por sinal, toma o centro da narrativa em seu relato dos bastidores do término de sua trajetória com Os Mutantes. Uma Maria Mole de uma revolução feita aos berros e aos acordes de guitarra, Lee Jones foi transeunte entre estilos, ideias e gerações: entre Pagu e Gil, nunca houve uma revolução como a de Rita.

Dicas do Mês 

C. J. Tudor – O Homem de Giz (334 páginas, Intrínseca)

Guiadas por desenhos de giz, quatro crianças encontram um corpo mutilado no bosque e suas vidas mudam para sempre. C. J. Tudor é um grande nome da literatura do gênero de mistério e O Homem de Giz é, com razão, um de seus títulos mais famosos. O primeiro livro da autora narra as dúvidas e as consequências que envolvem um assassinato que chocou a cidade de Anderbury. Ao longo da história, fica claro que qualquer pessoa guarda os seus segredos, alguns maiores e mais nocivos do que outros.

A trama é contada por Eddie Adams, um dos responsáveis por encontrar o corpo. Na sua narrativa, os fatos são contados em duas linhas temporais: uma em 1986 e outra em 2016. Esse é um recurso interessante capaz de prender a atenção do leitor até o final, além de explicitar como escolhas e acontecimentos do passado podem afetar o presente. Para quem é fã dos mistérios de Stephen King ou de Stranger Things, O Homem de Giz é uma ótima pedida. – Gabrielli Natividade

David Grann – Assassinos da Lua das Flores: Petróleo, morte e a criação do FBI (392 páginas, Companhia das Letras)

O jornalista e redator da The New Yorker, David Grann, já tem uma certa lista de obras que são aclamadas e migraram para a Sétima Arte. Porém, uma de suas maiores joias estava intocada até 2023: Assassino da Lua das Flores. A obra é uma incursão sobre a primeira grande investigação do que seria o FBI: uma série de assassinatos em 1920 no condado de Osage, Oklahoma. Dois pontos deixam o mistério ainda mais interessante: Osage, na época, abrigava as pessoas com maior renda per capita do mundo, devido à descoberta de petróleo na região; e essas pessoas eram nativos americanos, pois o nome da região remete ao nome da etnia.

Grann consegue atribuir uma linguagem western para o livro, ao mesmo tempo que o desmistifica e 0 mescla com um livro-reportagem – fruto de muita pesquisa. Aqui, o big-bang não é frenético e aventuresco, mas sim friamente calculado e vil. Abusando do grafismo, o autor retira o filtro que a América colocou em seu processo de formação e escancara como o dinheiro e o capitalismo estadunidense corromperam seu próprio território. – Guilherme Veiga

Ruy Castro – Estrela Solitária: Um Brasileiro Chamado Garrincha (536 páginas, Companhia das Letras)

Responsável por grandes contribuições ao jornalismo biográfico e literário, Ruy Castro reúne a mitologia e o drama particular que cercam o jogador de futebol Garrincha, uma das figuras mais idolatradas pelo Brasil durante a década de 60. Para realizar esse feito, o imortal da Academia Brasileira de Letras (ABL) cruzou informações de centenas de entrevistas que proporcionam uma imersão extremamente realista, capaz de unificar todos os cinco sentidos do leitor em uma única experiência.

Das vielas estreitas do município de Magé até os grandes palcos do esporte mundial, Castro segue os rastros deixados por um talento nato que, por ser fruto de um país historicamente quebrado, teve a sua própria tragédia pessoal. Através de sentenças que ecoam, Estrela Solitária: Um Brasileiro Chamado Garrincha expõe o fato de que “anjo das pernas tortas” é um apelido digno apenas dentro das quatro linhas, uma vez que, fora delas, nada impediu o seu tormento e de quem esteve a sua volta. – Nathalia Tetzner

Marguerite Duras – Moderato Cantabile (136 páginas, Relicário)

O arrebatamento. Talvez este seja um dos maiores temas que atravessam Moderato Cantabile, um dos primeiros romances da escritora e cineasta Marguerite Duras antes do roteiro de Hiroshima, Meu Amor e — seu ponto de virada ao cânone da literatura mundial — O Amante, publicado em 1980. Uma história de paixão, incomunicabilidade e pulsão, onde o ato máximo do amor é levado ao máximo das sensibilidades, liderando um texto que beira um thriller verborrágico. As tensões comumentes descritas por Duras, reflexiva sobre as relações de exterioridade e interioridade que compõe a complexidade do sentimento humano — numa seara mais radical que inspira, por exemplo, o método autobiográfico de Annie Ernaux —, anunciam, no romance até então esgotado no Brasil, a maior densidade psicológica que estruturam obras como A Dor. 

Por seus diálogos incessantes, construídos por personagens que parecem, em suas falas, mais falarem sozinhos que com si mesmos, desenvolve-se uma narrativa estranha. Em Moderato Cantabile, paira uma aura do erótico que precipita a sucumbir para a auto-destruição, personalizada pela paixão da personagem Anne Desbaresdes a um homem da classe trabalhadora, incitada por uma imagem específica: um assassinato em um café, do lado da sala de um prédio onde seu filho faz aulas de piano, ao som de navios em um porto. O que, inicialmente, é extremamente individual e psicológico efervesce enquanto um drama social, que alcança seu desenlace em um estridente final, como o de uma sinfonia nunca tocada certo; mas ainda sim, potencial em sua expressão. – Enzo Caramori

Kalynn Bayron – Cinderela está morta (294 páginas, Galera) 

Todos nós já ouvimos os clássicos dos contos de fadas e conhecemos as histórias de ponta-cabeça, são eles que ditam os famosos clichês e nada de novo pode surgir disso. Determinada a fazer essa afirmação se quebrar, Kalynn Bayron trouxe ao mundo Cinderela está morta. Criando um universo em que a Cinderela não só foi real, como é um parâmetro de comportamento para todas as mulheres, a autora nos apresenta à Sophia, uma protagonista cheia de representatividade e vontade de virar o jogo. 

Preparada para brigar pelas coisas nas quais acredita, a personagem levanta bandeiras e mostra que muitas vezes o tradicional é ultrapassado. De um jeito leve e encantador, o texto – traduzido por Karine Ribeiro e Érica Imenes – encara as faces do machismo em uma narrativa mais brilhante que um sapatinho de cristal. Estabelecendo a juventude como uma arma engatilhada contra a opressão, Cinderela está morta borda a subversão nos detalhes de um vestido azul. – Jamily Rigonatto 

Emmanuel Carrère – Ioga (272 páginas, Alfaguara)

Em vários trechos de Ioga, a mais recente obra publicada por Emmanuel Carrère, há a explanação, principalmente no primeiro capítulo, de seu desejo antigo de fazer “um livrinho simpático e perspicaz” sobre o ioga. Embora a primeira parte pareça realmente seguir essa receita, mesmo que alguns trechos viagem pelo interior do escritor-narrador, não demora para percebermos que o projeto precisou ser abortado. Isso porque, entre o final de 2014 e início de 2015, quando o escritor francês partiu para um retiro de meditação vipassana, um de seus amigos foi assassinado no trabalho – no escritório da revista Charlie Hebdo, em Paris –, interrompendo seu percurso espiritual. Soma-se a isso seu processo de divórcio e a morte de seu, até então, único editor literário, que ajudam Carrère a transformar o ioga em uma grande metáfora de suas próprias mudanças.

Ainda assim, a obra híbrida de ficção e não ficção – como outros trabalhos do autor – não deixa de ser uma descida ao inferno. Principalmente na parte dois, denominada 1825 dias, Carrère fala abertamente sobre sua depressão melancólica, quando precisou ser internado por quatro meses em um hospital psiquiátrico. De forma pessoal e reflexiva, Ioga não deixa de ser um trabalho de contemplação sobre o corpo e a mente, confrontados pelos medos e inseguranças de Emmanuel Carrère. Nas entrelinhas, trata-se de um livro que investiga o possível equilíbrio em um mundo agitado, frenético e francamente caótico. Longe de ser seu melhor trabalho, Ioga compartilha o modus operandi típico do escritor: mistura de reportagem, texto autobiográfico, pesquisa histórica e prospecções filosóficas, ligados pela linha condutora de uma escrita brilhante. – Bruno Andrade

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Entre os dias 13 e 23 de abril, o Festival Internacional de Documentários É Tudo Verdade voltou totalmente às salas presenciais dos cinemas espalhados em São Paulo e Rio de Janeiro. Com exibições gratuitas no Centro Cultural São Paulo, Cine Marquise, Cinemateca Brasileira, Sesc 24 de Maio e IMS Paulista, o festival teve também Sessões Especiais virtuais, exibindo nas plataformas de streaming Itaú Cultural Play e Sesc Digital sete dos nove filmes da Competição Brasileira de Curtas-Metragens e dois longas da Mostra Foco Latino-Americano (Beleza Silenciosa, de Jasmín Mara Lópeza, e Hot Club de Montevideo, de Maximiliano Contenti).

Com 72 títulos de 34 países, o festival – fundado em 1996 por Amir Labaki – homenageou dois grandes cineastas na sua 28ª edição: Humberto Mauro (1897–1983), “um dos inventores do Brasil cinematográfico”, que “impõe-se quando o próprio país e logo seu Cinema enfrentam nova reconstrução”, exibindo dez de seus filmes e dois documentários; e Jean-Luc Godard (1930–2022), com a apresentação dos oito episódios da sua série documental História(s) do Cinema (1987-1998), considerada a obra-prima da última parte de sua carreira, cujo conteúdo foi constantemente retrabalhado pelo autor e cuja produção durou cerca de dez anos.

O alcance do É Tudo Verdade, o maior festival de Documentários do mundo, é reconhecido pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, que classifica diretamente os filmes vencedores dos prêmios dos júris nas Competições Brasileiras e Internacionais de Longas/Médias e de Curtas-Metragens para apreciação ao Oscar do próximo ano. Longe das sessões presenciais, o Persona assistiu à distância os curtas-metragens brasileiros disponíveis no streaming. Dos sete filmes da Competição Brasileira de Curtas exibidos remotamente, quatro tiveram sua estreia mundial no É Tudo Verdade, que também expôs, apenas presencialmente, Ferro’s Bar (Menção Honrosa na categoria), dirigido por Aline A. Assis, Fernanda Elias, Nayla Guerra e Rita Quadros, e O Materialismo Histórico da Flecha Contra o Relógio, de Carlos Adriano.

Mãri hi – A Árvore do Sonho, de Morzaniel Ɨramari, além de ter sua estreia mundial no É Tudo Verdade, foi o grande vencedor da Competição Brasileira de Curtas-Metragens, recebendo também o Prêmio Mistika. Produzido em parceria da ARUAC Filmes com a Hutukara Associação Yanomami, o curta do cineasta yanomami aborda o conhecimento de seu povo sobre os sonhos, com a participação e narração da liderança indígena e xamã, Davi Kopenawa. “A luta yanomami vai continuar até o fim”, disse Ɨramari.

Abaixo, você fica com a curadoria do Persona feita por Bruno Andrade, Enzo Caramori, Guilherme Veiga, Jamily Rigonatto, Nathalia Tetzner e Vitória Gomez, que deixam suas impressões sobre Os curtas brasileiros do 28º Festival É Tudo Verdade.

Curtas-metragens

Mãri hi – A Árvore do Sonho (Morzaniel Ɨramari, 17’, 2023)

Morzaniel Ɨramari enfrenta na pele os efeitos nocivos da exploração do garimpo desde os seus primeiros anos de vida. No Cinema, ele encontrou uma forma de registrar a história de seu povo, atravessada pela constante luta por direitos. Com o curta-documentário Mãri hi – A Árvore do Sonho,  o primeiro yanomami a se tornar diretor foi selecionado para o Festival É Tudo Verdade, em que venceu a categoria de Melhor Documentário da Competição Brasileira de Curtas-Metragens. A obra trata da relação mística entre os moradores da “terra-floresta” e a semente de árvore que concede os sonhos ao mundo de todos.

Carregado de um olhar intimista e da narração precisa de Davi Kopenawa, Ɨramari não pretende explicar o linguajar característico ou as tradições cultivadas pela sua cultura, mas sim fazer o público experienciar algo único. Em meio ao clima monótono, é a composição sensível de alguém que vivencia tal realidade que transforma a atmosfera do filme em algo brutalmente mágico. Ao passo em que Kopenawa escreve em seu caderno e os desenhos das crianças yanomami colorem a tela, a conclusão caminha para um tema um tanto quanto universal, afinal, “com árvore do sonho nós sonhamos longe”. – Nathalia Tetzner

Cama Vazia (Fábio Rogério e Jean-Claude Bernardet, 5’, 2023)

“Pior que eu tenho pavor da velhice” – Cama Vazia se inicia com um áudio em fundo preto; trata-se da voz de Sônia Silk, a personagem interpretada por Helena Ignez em Copacabana Mon Amour (1970), de Rogério Sganzerla. O Cinema marginal de Sganzerla, marcado principalmente pela ironia, emerge como referência no curta de 5 minutos dirigido por Fábio Rogério e Jean-Claude Bernardet. Acompanhando um homem idoso – o próprio Bernardet – em tratamento de uma doença que nunca é explicitada, enxergamos o que poderia ser sua aparente decomposição social, visto que, no pequeno filme, essa desintegração não é apenas corporal.

Montado como uma sequência de fotografias, não demora para percebermos que Cama Vazia é a documentação do tratamento contra o câncer de Jean-Claude Bernardet, também exposto por ele no livro O Corpo Crítico (2021), em que aborda a “faceta robótica” dos médicos e enfermeiros durante a terapia. É essa característica desoladora que mais fica em evidência no curta-metragem, pois sua narração compreende que seu “corpo octogenário, aidético e canceroso”, como ele mesmo descreve, é apenas um mecanismo, uma possibilidade de lucro e uma máquina que carrega o câncer, que preocupa mais os médicos do “que o portador do tumor”. No curta, o desencanto da obra é, também, um desencanto do próprio autor – negando-se a dar seguimento ao processo terapêutico –, que liga sua condição ao capitalismo e constrói, junto a Fábio Rogério, um ensaio sobre a morte na pós-modernidade. – Bruno Andrade

BAMBAMBÃ (Andréa França, 12’, 2022)

É tradicional do exercício da prática do Cinema de Arquivo a segmentação de imagens de found footage em seus míseros detalhes para descobrir, assim, algo que transpareça a realidade de um coletivo. Em No Intenso Agora (2017), o diretor João Moreira Salles olha a uma babá que fica no último plano de um filme familiar para entender as condições de classe da sociedade carioca; já em BAMBAMBÃ, Andréa França faz uma compilação de uma categoria específica de imagens – as das mudanças urbanas que atravessaram a metrópole no início do século – como uma tentativa de orientar o olhar do espectador ao seu tema de estudo.

Com Patrícia Machado na pesquisa, a diretora do curta, também professora universitária, mistura a teoria histórico-sociológica ao estudo do momento estético das imagens fotográficas e do panorama cultural da época. Assim, os movimentos gentrificadores como o “bota-abaixo” e o início da favelização do Rio de Janeiro são diretamente relacionados ao plano civilizatório de uma modernidade brasileira – que culmina nas tantas contradições que envolvem a Semana de Arte de 22 –, tudo através da análise da natureza das fotografias da época: registros amadores, por homens da elite, de uma sociedade tradicional em desaparecimento. – Enzo Caramori

Vãnh Gõ Tõ Laklãnõ (Barbara Pettres, Flávia Person e Walderes Coctá Priprá, 25’, 2022)

A barragem Norte de José Boiteux é a maior obra de contenção de cheias no Brasil. A inauguração, em 1972, deu oportunidades de trabalho a imigrantes e reduziu as inundações no Vale do Itajaí. Do outro lado, porém, desde então alaga boa parte das terras Laklãnõ/Xokleng. Os povos indígenas do local, em Santa Catarina, são mais antigos que qualquer construção ou processo social de imigração e, ainda assim, vêem sua cultura ser diluída. Do idioma às escolas evacuadas por condições precárias, Vãnh Gõ Tõ Laklãnõ remonta a história dos povos ali situados, com focos sensíveis e atentos a quem fez parte de sua construção.

É através da visão de seus próprios integrantes que o curta-metragem documental reconstrói os Laklãnõ/Xokleng: um pastor indígena que prega a fé evangélica em sua língua nativa para que esta continue viva; uma arqueóloga, Walderes Coctá Priprá (uma das diretoras da obra), discute como o preconceito do povo branco estereotipa os indígenas para minimizá-los de seus direitos: um poeta recita as consequências da instalação da barragem para os moradores locais: “de uma utilidade imensa, mas também prejudicial”. Com um trabalho de som que imerge na natureza e no cotidiano local, e uma escuta sincera a quem expõe sua verdade, Vãnh Gõ Tõ Laklãnõ venceu o Prêmio Canal Brasil de Curtas do festival, e mostra o impacto e importância do Marco Temporal no país. – Vitória Gomez

Retratos de Piratininga (André Manfrim, 17’, 2023)

Em 2021, a queima da estátua de Borba Gato, na Zona Sul de São Paulo, reacendeu o debate sobre a memória colonial amplamente resguardada na História da Arte. Rapidamente rechaçado por líderes conservadores e pela polícia, o ato apontou para apenas uma faceta da memória conservada nos espaços públicos. Fato é que o tipo de história que se quer contar – ou lembrar – também diz respeito ao tipo de sociedade que se quer criar. Borba Gato, líder bandeirante, foi apenas um dos homenageados pelas ruas da capital: no centro velho de São Paulo – região onde se encontra a Praça da Sé –, estão as estátuas do jesuíta José de Anchieta, Apóstolo Paulo (que dá nome a cidade) e Tibiriçá, indígena que se converteu ao cristianismo. O diretor André Manfrim parte desses monumentos para tentar enxergar o que eles nos dizem sobre o passado e, principalmente, sobre o presente.

Com narração de André Abujamra, Retratos de Piratininga é um filme lento, visivelmente artesanal, com caráter quase didático. Através de pesquisa sobre as obras filmadas, o curta-metragem cria um diálogo entre as imagens gravadas e a voz de Abujamra, que nos confidencia os segredos guardados pelos monumentos. Há, portanto, um filme ensaio, que parte da análise e reflexão sobre a memória preservada após a colonização – memória essa, muitas vezes, romantizada nas Artes. Trata-se de um curta que desmonta as narrativas da formação da cidade de São Paulo, que integram nosso imaginário e que, nos meandros da História, se revelam marcadas pela fé e pela violência. – Bruno Andrade

Todavia Sinto (Evelyn Santos, 9’, 2022)

O que acontece quando o positivo chega? Qual é o peso de uma decisão? Alguém é capaz de verdadeiramente entender? Sob a direção de Evelyn Santos, o concorrente da Competição Brasileira de Curta-Metragem na 28ª edição do Festival É Tudo Verdade, Todavia Sinto, não se compromete a responder, mas fomentar as perguntas que afogam uma pessoa quando a gravidez se torna uma realidade. Debaixo das águas turbulentas de emoções tão singulares, a produção mostra o ar se esvaindo de um corpo que perde sua individualização sem deixar de estar completamente sozinho. 

Com as imagens misturando o movimento agressivo das ondas e os frames detalhistas da construção da imagem da mulher grávida, assistir o curta é uma experiência brilhante e extremamente sufocante. Enquanto escutamos as perguntas e opiniões de quem está fora da anatomia que carrega o feto, as escolhas parecem cada vez mais pessoais e tomadas por uma dor intransferível, inserida no telespectador como a laceração de uma faca afiada. Seja na escolha de abortar ou seguir a gestação, os olhares externos jamais deixariam de expor seus pensamentos próprios e, por mais que tentem, compreender plenamente é uma tarefa impossível. Em um oceano de complexidades, nada é capaz de dividir a verdade vivente na humanidade de quem, todavia, sente. – Jamily Rigonatto 

Aos Mortos, Um Lugar para Habitar (Victor Costa Lopes, 7’, 2023)

“A melhor maneira de garantir que os mortos não causarão desordem é, não apenas enterrá-los, mas enterrar também seus restos, os seus destroços. Arquivos são uma parte desses restos e destroços”. É com a frase do filósofo camaronês Achille Mbembe que Aos Mortos, Um Lugar para Habitar, do diretor cearense Victor Costa Lopes, se ambienta a partir do relatório base da CPI da pandemia, que teve início ainda em 2021, um dos anos de pico da doença.

Muito mais que um minuto de silêncio, o curta é uma invocação de sete minutos à memória de Sandra Maria Costa Barbosa, uma das mais de 700 mil vítimas da covid-19 aqui no Brasil. Por mais que pareça pessoal, a produção é consciente ao florescer um sentimento único a cada um de nós, que, de uma forma ou de outra, fomos afetados não só pela pandemia mas também pelo descaso do governo Bolsonaro, fazendo que a Sandra e suas lembranças se transmutem em diferentes faces.

É fato que a memória é a última coisa de nossos entes que permanece viva em nós, mas Aos Mortos, Um Lugar para Habitar mostra que, devido a uma condução criminosa da pandemia, tudo que a precede nos foi tirado. Desde um diagnóstico preciso, um enterro honroso e até mesmo um tratamento confortável e digno para algo que podia ou não ser iminente. Os mortos? Foram escorraçados, e o único lugar seguro para habitar foi a nossa memória. – Guilherme Veiga

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“Mas tudo passa neste mundo imundo. Por isso não faz sentido se afligir demais por nada nem ninguém. Às vezes penso que somos um sonho ou um pesadelo realizado dia após dia que a qualquer momento não será mais, que não aparecerá mais no telão da alma para nos atormentar.”

– Aurora Venturini

Aprofundando os laços familiares, o Clube do Livro do Persona escolheu os ares argentinos para guiar os ventos no terceiro mês do ano. Sob as linhas de uma protagonista de personalidade forte, as páginas de As Primas, de Aurora Venturini, encaminharam uma leitura curiosa e repulsivamente divertida. Definida como uma espécie de autobiografia, a obra é narrada por Yuna, uma mulher com deficiência vivendo rodeada de um contexto trágico em que a violência e a vulnerabilidade social abraçam mulheres e seus laços sanguíneos. 

Com características únicas, o livro não performa o mais politicamente correto dos textos. Sob os pensamentos, julgamentos e o nojo voraz carregados pela personagem principal, somos afundados em uma narrativa sem filtros na qual o incomum ganha forma em linhas curvas e manchas de tinta. O movimento atípico se reflete na construção de uma escrita que considera a pontuação secundária e dá holofotes à sinceridade liberta. 

Em 160 páginas, Yuna detalha as figuras de sua família e os eventos assombrados que a perseguem enquanto registra tudo em cor e sombra através de suas pinturas. Sob as pinceladas, aborto, prostituição, morte e abuso ganham retratações ácidas. Entre a mãe, a irmã Betina, a tia Nenê e as primas Carina e Petra, o grotesco e o desatino remontam um viés peculiar da vivência de vítimas da opressão oferecida pelo destino. 

O romance é o primeiro e único das mais de 40 publicações de Aurora e marca sua estreia no universo literário da América Latina. Em um deslumbramento brutal, o escrito consagrou a literata aos 85 anos com o prêmio Nueva Novela em 2007. No Brasil, a obra ganhou a primeira versão em setembro de 2022 pela Editora Fósforo e foi traduzida por Mariana Sanchez. 

Em tons insólitos, As Primas causou um rebuliço comicamente miserável. Para não perder o costume, os membros da nossa editoria não falham em dar opções aos que querem adentrar relações similarmente complicadas, mas também contemplam os interessados em conhecer outras das infinitas possibilidades oferecidas pela Literatura. Por isso, o Estante do Persona de Março deixa suas primorosas indicações para estampar o cinza outonal.

Livro do Mês

A autoria de As Primas não é de um rebelde poeta da geração beat nem de um discípulo do cinema camp de John Waters, mesmo que o grotesco – elemento constitutivo de ambas textualidades — seja um de seus maiores potenciais poéticos. Pertence sim, à argentina Aurora Venturini que, aos 85 anos, o submete como seu primeiro romance ao Prêmio Nueva Novela e, apesar de sua prosa degenerada e tomada de desassossego, o vence. No entanto, o choque não vem exatamente de uma descongruência da autora com a sua narrativa, dita autobiográfica; pois não é como se Venturini fosse, exatamente, tomada da docilidade e ordinariedade que muitas vezes é esperada de uma figura senil. As estranhezas de cultivar aranhas como animais de estimação ou de alegar,  após ter sido hospitalizada depois de um acidente, ter visitado o Inferno e, claro, por isso ser próxima de um padre exorcista, não são distantes do mundo insubmisso de suas personagens.

A construção dessa autobiografia ficcional, que engaja todos os jogos literários do gênero — como a dúvida do quanto do que é narrado é a verdade da personagem e da autora –, trabalha a partir da motivação do mau gosto pelo mau gosto. A protagonista Yuna Riglos, que se descreve como ‘‘limitada’’ e ‘‘degenerada’’ por sua dificuldade de fala, que se transcreve em um fluxo de escrita experimental e metalinguístico, ilustra um retrato completamente parcial de sua própria vida e de sua família, composta essencialmente por mulheres precarizadas e animalizadas por sua ótica cretina. Riglos, que relata sua vida desde o início de sua proeminente carreira de pintora, está sempre à beira do vômito e leva o leitor a mesma sensação. 

Entre o tom exagerado do início da filmografia de Pedro Almodóvar e a apatia assustadora de Yorgos Lanthimos, assassinatos, deficiências e abusos são desmoralizados em grunhidos, risadas e xingamentos por suas personagens. Essas imagens brutais e cruéis tecidas por Aurora Venturini, amiga punk de Evita Perón e Simone de Beauvoir, são um convite para conhecer uma escrita de si dissociada de qualquer moralidade e que distorce, geralmente, o papel atribuído de verdade universal e politicamente correta dado à primeira pessoa narrativa. As Primas cria um mundo onde é possível entender, a partir de um humor bizarro e culposo, a precarização da condição humana como um recurso para o desenvolvimento de uma tônica crítica e do arrebatamento necessário à Literatura.

Dicas do Mês

Bettina Bopp – Pra quando você acordar (320 páginas, Planeta)

Pra quando você acordar é sobre dois irmãos e uma história que, depois de um acidente, precisou se reinventar. Itamar, irmão da escritora e professora Bettina Bopp, ficou em coma por quinze anos. Durante esse tempo, entre a dor de uma perda que se tornava mais palpável a cada dia e a expectativa de que aquele ente querido pudesse acordar a qualquer momento, Bettina escreveu crônicas contando tudo aquilo que gostaria de dizer a ele, e todas elas foram reunidas nesta obra.

“Você não vai acreditar”, mas esse livro é um lembrete de que estamos vivos, ainda que foi feito para uma pessoa que estava dormindo e que dormiu por muitos anos. Delicado e sensível, diz respeito ao circuito de afetos de uma família que descobriu que o amor pode continuar pulsando sem que seja sustentado pela reciprocidade a partir do momento em que é amparado pela reinvenção e pela despossessão. – Raquel Freire

Franz Kafka – O veredicto / Na colônia penal (66 páginas, Companhia das Letras)

Em O veredicto / Na colônia penal, livro de contos kafkiano publicado pela Companhia das Letras, os temas centrais são a relação paterna e o falho sistema penal. Na primeira novela, O veredicto, os personagens principais, Georg e seu pai, protagonizam uma série de acontecimentos quase absurdos.

Kafka evidencia que a relação entre pai e filho pode ser baseada em diversos aspectos, um assunto muito recorrente em suas obras. Nesse caso, a inveja e o desprezo paterno presentes na obra soam um pouco pessoal demais para o autor, com exceção do momento em que o pai de Georg ordena que ele se jogue no rio. E o filho o obedece.

Já em Na colônia penal, o senso de justiça é o principal aspecto explorado. Sob o ponto de vista de um observador, narra-se a condenação de um indivíduo que se quer sabe o porquê de estar ali. O espetáculo formado a partir de sua tortura dura meio dia e serve como crítica a um sistema judiciário falho, injusto e criminoso. – Amábile Zioli

Matt Haig – A Biblioteca da Meia-Noite (308 páginas, Bertrand Brasil)

Nas noites solitárias em que estamos mergulhados nas indecisões e incertezas de nosso próprio destino, mora em nós uma curiosidade perturbadora: e se eu vivesse outra vida? Como seria minha realidade se eu tivesse feito outras escolhas? Em A Biblioteca da Meia-Noite, acompanhamos Nora Seed afundar-se nestas interrogações e, rodeada de decepções colecionadas em sua vida, colocar um ponto final em tudo. 

Diferentemente do roteiro que Seed criou em sua mente, a narrativa surpreende ao colocá-la no centro de todas as possibilidades: entre a vida e a morte, a protagonista se depara com prateleiras de livros intermináveis, que são, na verdade, todas as respostas e rumos que ela poderia ter tomado em sua vida. Seu maior desafio é encontrar um motivo para continuar, vivendo cada uma dessas vidas como se, de fato, fosse a sua.  – Clara Sganzerla

Peter Benchley – Tubarão (320 páginas, Darkside)

Na pacífica cidade de Amity, na costa leste dos Estados Unidos, todos aguardam ansiosamente o verão, mas algo vindo das profundezas trás terror e conflito para todos os personagens de Tubarão. Fonte de um dos grandes blockbusters do Cinema, o romance de Peter Benchley continua atual ao tratar de temas como a insensibilidade e negacionismo de políticos quando a ciência atrapalha seus objetivos.

Após um brutal ataque de tubarão-branco a uma turista em uma das praias da cidade, o chefe de polícia, Martin Brody, quer o fechamento do balneário até que as investigações sejam concluídas. Pressionado pelos interesses econômicos de alguns empresários da cidade, o prefeito Larry Vaughan se recusa a seguir o bom senso e acatar as recomendações de seu policial, ordenando o início de uma longa caçada ao animal. Tubarão é um best seller com altas doses de suspense e terror, e um forte senso de aventura. – Guilherme Dias Siqueira

Frederik Peeters – Pílulas azuis (208 páginas, Editora Nemo)

Protagonizada pelo próprio autor, Pílulas azuis é uma história em quadrinhos desenvolvida por Frederik Peeters. Chegando no Brasil 14 anos após sua primeira publicação, a obra explora os desafios de Peeters e Cati, que é seu par romântico e uma mulher soropositiva. Entre tabus e medo, o casal escolhe seguir suas jornadas juntos e procurar um jeito de fazer com que o vírus do HIV não seja capaz de desmontar um relacionamento com tanto amor. Assim, as respostas se desenrolam em consultórios médicos e, enquanto desmistificam estereótipos, os dois se dissolvem em  sensibilidade e bom humor. 

Além de tratar a temática com leveza, o destaque do livro fica para a dualidade de sentimentos dos personagens e como isso é transmitido de forma metafórica, trazendo até mesmo animais que se humanizam para guiar o âmago dos personagens. Com tradução de Fernando Scheibe, a HQ mistura elementos engraçados e dramáticos para mostrar os outros ângulos pelos quais a vida pode ser vista. Atravessando as cores dos impasses, Pílulas azuis prova que positivo é lutar pelos grandes amores. – Jamily Rigonatto

Eric Hobsbawm – Era dos Extremos (632 páginas, Companhia das Letras)

Em Era dos Extremos, lançado no Brasil pela Companhia das Letras, Eric Hobsbawm recorda os principais eventos que marcaram o século XX e traça raciocínios pertinentes os quais não cedem à esfera meramente informativa. Por conseguinte, a obra pode ser tanto um material didático quanto um livro de cabeceira indispensável aos que desejam refrescar a memória e revitalizar o futuro.

Era dos Extremos é, sobretudo, um apanhado dos principais episódios compreendidos entre a 1º Guerra Mundial e o fim da União Soviética. Eric Hobsbawm imprime sua subjetividade ao utilizar uma linguagem envolvente a qual revela a essência política de suas análises. No fim, o livro se consagra como um clássico ao oferecer novas perspectivas sobre o âmbito histórico cuja principal característica é a maleabilidade, ou seja, o desejo insaciável por mudanças que não visam o rigor, mas a honra crítica. – Ana Cegatti

Felipe Castilho – Serpentário (368 páginas, Intrínseca)

“Com traços de H.P. Lovecraft e Robert W. Chambers”, Serpentário é o nosso clássico de ficção e fantasia em solo brasileiro. Na narrativa, todo ano os jovens Hélio, Mariana e Caroline religiosamente deixavam seus lares na capital paulista e desciam a serra para encontrar o caiçara Paulo. No réveillon de 1999, algo mais estranho do que o bug do milênio aconteceu: o grupo foi parar na mística Ilha das Cobras e, anos depois, o que aconteceu lá ainda é um borrão para os que retornaram. Resta revisitar a ilha para desvendar seus mistérios.

Indicado ao Prêmio Jabuti como Romance de Entretenimento em 2019, Felipe Castilho é mestre em mitologias e, depois de A Ordem Vermelha, traz a fantasia para terras caiçaras. Portando-se como um verdadeiro personagem – talvez, o mais importante de Serpentário – a Ilha das Cobras real não é de longe tão obscura quanto o autor a retrata, mas, na obra, é um recanto de misticismo, curiosidade e terror que deixa qualquer um com a cara enfiada nas páginas.

Páginas essas bem pensadas. Como uma metalinguagem, os mistérios ultrapassam a trama para se imporem no papel (literalmente) e dão ao leitor ainda mais o que desvendar. Mesclando referências da cultura pop à bagagem de horror e aventura, até o folclore brasileiro tem espaço, em uma leitura envolvente e tão hipnotizante quando o segredo que ronda a ilha. De cabo a rabo, a fantasia nacional em seu auge. – Vitória Gomez

Dolly Alderton – Oi, sumido (416 páginas, Intrínseca)

Para Nina Dean, os trinta anos não poderiam ter chegado em melhor forma: carreira bem sucedida, amigos e familiares que a amam, entre outras vantagens. Nesse sentido, era de se esperar que a relação com Max também fosse dar bons resultados. Ambos se conhecem em um aplicativo de relacionamento, têm química e gostos em comum. Tudo parece bem, até o dia em que ele para de responder suas mensagens. 

Depois de ver seu trabalho ganhar o mundo na forma do best-seller internacional Tudo que eu sei sobre o amor, Alderton volta ao mercado literário com seu novo livro Oi, sumido. Além de oferecer ao público uma divertida leitura de comédia romântica, a autora também nos traz novas e interessantes perspectivas sobre o amor no século da tecnologia e dos aplicativos de relacionamento, que parecem estar cada vez mais tornando-o insular. – Nathan Nunes

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“Parecia que o mundo tinha se dividido em dois tipos diferentes de pessoas, as que haviam sentido dor e as que ainda iriam sentir” (pág. 192)

Bruno Andrade

Com a morte da mãe, Michelle Zauner passou a enfrentar uma terrível nostalgia ao entrar no H Mart, supermercado especializado em comida asiática. Embora seja amargo lembrar de quando sua matriarca, Chongmi, morreu vitimada por um câncer em 2014, ela pode se lembrar com tranquilidade do gosto que sua mãe tinha para comida: entre o salgado e o “fumegando de quente”, que, por algumas razões, definiam sua forma de exercer a maternidade. “Por mais crítica ou cruel que ela pudesse parecer – sempre me forçando a atender a suas expectativas obstinadas –, eu sempre sentia o afeto dela irradiando das merendas que ela preparava para eu levar à escola e das refeições que ela cozinhava para mim bem do jeito que eu gostava”. As peregrinações repletas de tristeza sustentam o primeiro capítulo de Aos prantos no mercado, livro lançado em 2022 no Brasil pela editora Fósforo, cujo primeiro capítulo é o ensaio homônimo publicado na The New Yorker.

Diferente do que se pode imaginar, Zauner decidiu escrever o livro somente depois de ter publicado o ensaio. A repercussão avassaladora do texto na revista foi reproduzida na obra literária, que ficou 14 semanas seguidas nas listas de mais vendidos do The New York Times. Para a escritora coreana-americana, artista musical e fundadora da banda Japanese Breakfast, a comida é um portal. Na praça de alimentação do H Mart, Zauner chora ao consumir seu almoço, enquanto percebe que todos estão sentados, comendo em silêncio, porque estão “em busca de um pedacinho do nosso lar, de um pedacinho de nós mesmos. Procuramos um gostinho disso nos pedidos de comida que fazemos e nos ingredientes que compramos. Então nos separamos. Levamos as compras para o alojamento da faculdade ou para uma cozinha suburbana e recriamos o prato que não poderia ser preparado sem essa viagem”.

Michelle Zauner se mudou com a família para Eugene, nos Estados Unidos, quando tinha nove meses de idade. Aos 15 anos, após ver uma apresentação de Karen O – a vocalista do Yeah Yeah Yeahs –, ganhou a primeira guitarra da mãe que, pouco depois, se arrependeu do presente. Mas, mesmo que a Música tenha sido um refúgio para a adolescente deprimida, Zauner foi influenciada textualmente por Joan Didion, Philip Roth, Vladimir Nabokov e pela HQ Fun Home (2006), de Alison Bechdel, decidindo, então estudar Escrita Criativa na Bryn Mawr College. Na faculdade, escreveu majoritariamente textos de ficção – foi lá, inclusive, que iniciou os primeiros projetos musicais, consolidados em Japanese Breakfast. Aos 25 anos, após concluir a graduação, Zauner viveu ostensivamente sem roteiro, se “debatendo com a realidade, vivendo a vida de uma artista sem sucesso”. Nesse período, Chongmi ficou doente.

Sua primeira publicação musical foi June (2013), um disco amador resultado da parceria com Rachel Gagliardi, criado a partir das canções disponibilizadas diariamente no mês de Junho de 2013 em uma página do Tumblr. Mas é em Psychopomp (2016), o primeiro disco de estúdio de Japanese Breakfast e a primeira publicação após a morte de Chongmi, que Zauner enfrenta abertamente a perda da mãe, cujo título tem origem na história mitológica dos psicopompos, que tem a missão de guiar as almas dos mortos para o pós-vida.

No fim da vida da mãe, os papéis parecem se inverter. À medida que Zauner se aliena ao preparar as refeições para a mãe, com a garantia de que Chongmi receberá as calorias suficientes para sobreviver, o seu próprio apetite diminui, consequência da “esperança desesperada de que a escuridão não fosse invadir”. Talvez, se ela pudesse carregar a dor da mãe e realizar o “ritual da filha única”, haveria a possibilidade de intermediar uma cura, na expectativa de fazer as pazes com a rebeldia adolescente de uma jovem com anseios desvinculados dos interesses maternos.

A bem da verdade, o que Crying in H Mart (no original) esclarece é que os principais momentos de conexão legítima entre Zauner e Chongmi se davam através da comida; principalmente por isso, a tristeza ressurge ao entrar no mercado. A prosa íntima do livro é, ao mesmo tempo, autodepreciativa e atenta, com descrições texturizadas das qualidades estéticas e sentidas dos momentos vividos pela artista. Trata-se de um livro de memórias muito ancorado no ensaio, cujas ligações entre experiências pessoais de luto e identidade ganham corpo em todo o texto. 

A morte e a melancolia perpassam toda a obra de Michelle Zauner, talvez resultado da vida fragmentada da artista, dividida entre a ancestralidade sul-coreana e a vivência contemporânea nos Estados Unidos. O sentimento de ausência parece presente em toda a obra – seja pela morte da mãe, propriamente, ou seja na morte simbólica de um tipo de cultura. Não por acaso, suas melhores canções representam estados avançados de autoconsciência, mesmo em faixas que compõem Jubilee (2021), álbum descrito por Zauner como seu projeto “mais alegre”.

Em adaptação para o Cinema por Will Sharpe, ator de The White Lotus, com roteiro assinado pela própria Michelle Zauner, Aos prantos no mercado não é necessariamente um livro difícil de ler, mas uma obra melancólica. No final do livro, Zauner nos conta que decidiu fazer um casamento de última hora em seu próprio quintal, sabendo que sua mãe poderia não viver muito tempo. Parece que, ao compartilhar suas experiências, Michelle Zauner constrói uma ode à memória de Chongmi – e nos permite enxergar sob seus olhos e consciência por algumas páginas.

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A Música é o tom indispensável da vida. No amor, na alegria, na tristeza, na solidão, as canções preenchem playlists embalando a vida e refletindo a alma. As composições são o espelho de como artista e ouvinte enxergam a existência, fazendo com as mudanças sejam necessárias e novidades refresquem o imaginário auditivo de quem aguarda ansiosamente por um single, quiçá um disco de seu intérprete favorito. É impossível me conformar com a potência transformadora da Música. Assim como é inevitável usar tanto floreio para introduzir esse que reúne o melhor do que foi feito em 2022.

Com o formato de vendas modificado pelas plataformas digitais, os álbuns se tornam cada vez mais inviáveis para cantores inseridos na indústria, que coage produções única e exclusivamente voltadas a músicas virais para o TikTok. Quebrando aquilo que parece ter virado regra, o Persona emerge os ossos do ofício e abocanha 73 produções que marcaram o ano na Música.

Dominando a tarefa de trazer um novo fôlego para sua arte, The Weeknd lançou a rádio Dawn FM, vislumbrando dias melhores. Coroando o topo dos rankings, ROSALÍA acelerou com muita autenticidade sua MOTOMAMI. Ao lado da catalã, montada em seu cavalo prata, a musa-mor do pop renasceu. Kendrick Lamar ficou entre a cruz e a espada, SZA pediu socorro, Björk celebrou os recomeços, Sabrina Carpenter finalmente enviou seus e-mails, Florence and the Machine renovou seu nome na lista das netas das bruxas e a loirinha mais querida cantou seus terrores noturnos.

A música haitiana foi lembrada em notas do Topical Dancer. Cruzando o oceano, no mundinho do k-pop, enquanto 2022 serviu para SEVENTEEN se consolidar de vez como uma das maiores boybands da Coreia, artistas de outros grupos tão grandes quanto embarcaram em viagem solo, com novas perspectivas, sonoridades exuberantes e trabalhos coesos que entregam turbilhões de sentimentos. No território russo a boa surpresa veio do metal vampiresco da dupla IC3PEAK.

Em solo brasileiro Acorda, Pedrinho caiu na boca do povo, Bala Desejo ganhou o grande público, Ludmilla mais uma vez provou que nasceu para interpretar pagode, Maria Rita cantou para Xangô, e os calos de Alaíde Costa a fizerem – merecidamente – a cantora nacional mais citada nos rankings. Em meio a isso, o amargo das perdas imperaram no território com os álbuns póstumos de Marilia Mendonça e Elza Soares, o adeus a Erasmo Carlos, e aquela que foi a despedida mais cruel do ano, Gal Costa, a Doce Bárbara, se encantou. 

O Melhores Discos de 2022 é dedicado a Gal Costa. Coisas sagradas permanecem!

Tinashe – 333

O álbum 333, produzido e interpretado por Tinashe, sintetiza R&B, eletrônica, pop e bass em uma produção experimental e inovadora. Através de uma trajetória minuciosa e sofisticada, a cantora combina batidas complexas com melodias cativantes e vocais emocionantes, tudo enquanto explora temas criativos e profundos, como amor, liberdade e auto-descoberta.

Sua voz é o principal instrumento do álbum, criando camadas e texturas sonoras que se misturam perfeitamente com os instrumentais. A colaboração com artistas, como Kaytranada, Chanel Tres, Kudzai e Quiet Child, adiciona uma profundidade e variedade únicas à produção. No entanto, algumas faixas podem não cativar tanto quanto outras, principalmente pela sonoridade experimental, 333 se dirige àqueles que buscam músicas que vão além do convencional, mas não deixam o mainstream de fora. 

Com seu lançamento, a artista mostra uma evolução impressionante, demonstrando sua habilidade de misturar gêneros e criar um timbre único e envolvente. Em suma, o álbum evidencia talento e  ousadia, além de seu significado através da numerologia como um símbolo de crescimento pessoal, confiança e inspiração. Para a cantora, o número representa um momento de renascimento e de conexão com sua espiritualidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Small Reminders, The Chase, X (feat. Jeremih)

5 Seconds of Summer – 5SOS5

Marcando a nova fase da banda australiana, 5 Seconds of Summer deixa de lado suas raízes punk rock e abre novas portas para o pop em seu novo disco, 5SOS5. Sendo seu quinto álbum, a obra é, senão, um dos trabalhos mais maduros que compõem a discografia dos meninos. Saindo da zona de conforto e brincando com novas maneiras de produzir arte, 5SOS5 demanda muito dos sintetizadores e das alternâncias instrumentais para abordar a clássica temática da juventude e dos relacionamentos amorosos que constituem suas composições. 

Após saírem da gravadora Interscope, 5SOS5 é o primeiro trabalho independente da banda em parceria com a BMG. Essa oportunidade dos integrantes conseguirem controlar a sua própria musicalidade foi benéfica e relevante para sua evolução musical em vários aspectos. Se libertando das amarras, o álbum explora o melhor de cada um dos membros. Contemplando com 19 faixas, as canções Take My Hand, BLENDER e Bloodhound, exemplificam inteiramente essa nova fase alternativa e fresh dos australianos. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Me Myself and I, BLENDER e Older

The Smile – A Light for Attracting Attention

Muito tempo se passou desde que Thom Yorke e Jonny Greenwood migraram seu som do post-punk para o experimental, mas o trabalho de ambos manteve algo reconhecível ainda sob o efeito do tempo. Juntos no Radiohead, os dois consolidaram os reflexos de uma cultura que tende a glorificar os inconstantes; agora, anos depois, a novidade surge de um projeto paralelo com Tom Skinner, cujo nome foi retirado de um poema de Ted Hughes. Com A Light for Attracting Attention, The Smile debutou de forma fantástica e tornou o ano de 2022 um marco musical.

You Will Never Work in Television Again talvez seja a música de protesto mais forte em todo o disco. Ao estilo de 2 + 2 = 5, ela parece ser uma ofensa direta ao degenerado Harvey Weinstein, desde seu título até sua letra. transcendência através do caos liga as 13 canções do disco, revestidas pelos dedilhados de guitarra, bases de violão e uma bateria limpa em meio aos ecos e sintetizadores. We Don’t Know What Tomorrow Brings – uma das melhores de todo o trabalho – se espelha em Jigsaw Falling Into Place e Bodysnatchers, de In Rainbows (2007), e, assim como todo o álbum, talvez seja melhor compreendida quando enxergamos suas capacidades negativas, cuja capacidade onírica de sintetizar ansiedades é interessante.

Talvez devido a produção de Nigel Godrich – que colabora com o Radiohead desde os anos 1990 e que se juntou a Yorke em Atoms for Peace –, a sonoridade do disco do power trio é familiar às primeiras produções do quinteto inglês. Nas letras, Thom Yorke reflete sobre algo maior, que nunca é de fato explanado, deixando o conteúdo sempre no campo da subjetividade. Os suspiros, sussurros e sintetizadores expansivos – como em A Hairdryer e Speech Bubbles – dão vida a um doppelgänger que parece habitar o trabalho, um tipo de espectro fantasmagórico que vaga por A Light for Attracting Attention. É possível que o prato principal servido por The Smile seja a concepção de uma Música efêmera, que ainda assim evoca sentimentos profundos enquanto escutamos. Se o “novo” Radiohead for Yorke, Skinner e Greenwood, estaremos todos bem. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Open The Floodgates, Thin Thing, Free In The Knowledge

Jovem Dionísio – Acorda, Pedrinho

2022 foi o ano da Jovem Dionísio e quem falar que não, está mentindo. A banda formada em 2019 pelos cinco amigos de infância, finalmente deixou o estreito bar do Dionísio em Curitiba e dominou todas as paradas do Brasil em seu álbum de estreia Acorda, Pedrinho. Os garotos não entregaram apenas um clipe para sua faixa-título, mas sim um curta-metragem, em uma narrativa marcante e original que engloba toda a identidade visual do álbum, compondo inúmeras referências da história dos integrantes. 

A banda indie pop explorou de ritmos especificamente brasileiros para compor em sua primeira discografia, arranjos conduzidos por batidas de funk em Tu Tem Jeito Se Quem Gosta, até os acordes de violão da bossa-nova em Ai De Mim. Marcando esse brasileirismo, o álbum alcançou no ano passado a marca de 6,7 milhões de ouvintes no Spotify e mais de 170 mil vídeos com a canção título no TikTok. Sendo um dos nomes em ascensão do pop atual, Jovem Dionísio deixou sua marca logo em seu primeiro disco, fazendo todos os ouvintes acordarem para os próximos lançamentos da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Belnini, Cê me viu ontem, Não foi por mal

Kilo Kish – AMERICAN GURL

Reflections in Real Time, o primeiro álbum da multiartista Kilo Kish, é uma representação estilística e temática de amadurecimento pessoal e artístico — em um modelo de mixtape que abrange os mais variados gêneros de instrumentais e vocais —  que consegue ser um dos mais subestimados projetos da cena R&B contemporânea. Mesmo que mais conhecida por suas colaborações com Vince Staples, pouco muda em seu novo lançamento, não reverberado na cena crítica quanto deveria. A partir de memórias ressonantes da vida de consumo, da MTV e do eletropop de 2010, AMERICAN GURL também constrói tal marco, expandido para além de suas faixas e dos 40 minutos do álbum, no pop alternativo.

Kish estende um olhar satirizado e exagerado à cultura estadunidense, feito antes por Santigold e CSS, para construir um posicionamento sobre poder, escolha e identidade dentro das normas da indústria da música pop; um raciocínio ainda mais fortuito em sua condição independente, na qual é capturada pelo dilema de possuir controle acerca de sua própria narrativa enquanto artista ou de ter o necessário, dado por uma gravadora, para colocar sua Arte no mundo. Em faixas como AMERICAN GURL, DEATH FANTASY e TV BABY V.2 (LATCH KEY MARCH), a cantora pensa as definições que a revestem enquanto uma artista e um produto na indústria. Revestida por suas expectativas e pressupostos vindos de mulheridade, raça e idade, Kish busca subverter o sonho americano para atestar a validade de seu objetivo: estar completamente livre de si mesma.  — Enzo Caramori

Faixas Favoritas: AMERICAN GURL, NEW TRICKS: ART, AESTHETICS AND MONEY, SUPER KO LOVE

Aquino e a Orquestra Invisível – Aquino e a Orquestra Invisível

Depois do lançamento do disco Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, a Aquino e a Orquestra Invisível faz seu retorno com um EP homônimo. No projeto, o trio carioca trouxe três singles lançados anteriormente, e duas canções inéditas: MTV e Eu e Ela. Indo de músicas cheias de brasilidades, que trazem notas de samba, MPB e bossa-nova, e chegando até sons oitentistas, com sintetizadores e batidas rápidas, os 14 minutos do Aquino e a Orquestra Invisível são como uma salada mista, funcionando muito bem juntas.

Representada pelo Bolo de Rolo, sub-selo do selo Rockambole, a banda entra em uma fase mais madura, mesmo que ainda trate temas joviais, como o amor e a vida na cidade. As composições do extended play, feitas pelos três integrantes, conseguem situar o ouvinte no tempo-espaço, falando sobre praias, varandas e interiores de casas. Com versos bem pensados, como “o tempo passou, mas nem tanto assim, sempre que eu me olho vejo um pouco de você em mim”, os cariocas conseguem descrever o crescer, e as mudanças que ocorrem entre épocas. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: MTV, Eu e Ela, 20 Anos e Meio.

Black Country, New Road – Ants From Up There

Em 31 de Janeiro, Black Country, New Road anunciou que Isaac Wood estava deixando o grupo para tratar questões de sua saúde mental. Apesar de toda a dúvida que se seguiu, Ants From Up There foi lançado em 4 de Fevereiro, e inevitavelmente foi visto como um álbum de despedida. Embora muito da estética da banda seja resumida no estilo vocal de Wood, soando como o Arcade Fire de Funeral (2004), o novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica.

Ainda assim, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, como se fizesse parte de um exercício de jam session no qual se mantém o maximalismo como força motriz. De forma surpreendente, porém, o segundo álbum da banda londrina traz canções explosivas, que conduzem o ouvinte em progressões enérgicas e culmina num disco que já nasceu obra-prima. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Chaos Space Marine, Bread Song, Concorde

Anná – BRASILEIRA

Há discos que fogem de qualquer imediatismo. Assim é BRASILEIRA, último lançamento da multiartista Anná: uma obra que nos conquista de escuta em escuta. Desenvolvido como movimento constante, que se desdobra em diversas camadas, o mais recente álbum da neta tropicalista consegue colocar presente, passado e futuro em único plano, sem soar desconexo, confuso ou inacabado. Anná abre os caminhos de uma viagem espiralada, respeitando e inovando as tradições para sintetizar um século inteiro de música nacional.  

Com a abertura perfeita, BRASILEIRA evidencia desde a primeira faixa que estamos diante de uma proposta bem diferente de Colar, incomparável álbum de estreia da cantora mocoquense. Assumindo coragens e riscos, Anná reitera seu potencial inventivo em um disco sintético, mas nada superficial. Fruto de novos experimentalismos – estes, sim, permanentes na artista -, BRASILEIRA comprova o que já parecia óbvio: Anná sabe se reinventar e dificilmente cairá na mesmice para agradar aos mercados e públicos. – Eduardo Rota Hilário

Faixas Favoritas: Rito de Passá, Valdineia e Somos Resistência   

The 1975 – Being Funny in a Foreign Language

Em Being Funny in a Foreign Language, Matty Healy não está interessado em excessos. O vocalista não quer utilizar metáforas que explicam como é difícil se relacionar na era digital, tampouco falar apenas sobre drogas, sexo ou niilismo, assuntos recorrentes em seus últimos trabalhos. Ele não quer falar sobre sinceridade, mas sim ser sincero da forma mais sucinta e direta possível e, para isso, ele decide falar sobre o amor. Apesar de seguir um caminho diferente do que a banda estava acostumada, o amor está no âmago de um registro honesto e terno que carrega muito da essência artística de The 1975, sintetizando-o em cativantes 44 minutos de duração.

Se fosse roteirizado, o álbum seria aquele momento alguns anos após o fim de filmes coming of age, nos dizendo que envelhecer é bom e simplifica a maioria das coisas pelas quais sofremos hoje. As composições de Healy, co-produzidas pelo onipresente Jack Antonoff, são levadas a novos patamares ao que ocorre uma elevação da intimidade no processo criativo de escrita do vocalista. Ao fazer isso, essa obra que dá ênfase não só na razão, mas principalmente na emoção, passa a ser uma experiência intensamente íntima e visceral para todos que a ouvem. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Oh Caroline, I’m In Love With You e About You

PVA – BLUSH

Tendo conquistado sua fanbase através de insanos sets ao vivo e seu EP de estreia, Toner, existia o grande desafio de aumentar a aposta com o lançamento do primeiro álbum do trio londrino de música eletrônica dance pop PVA, que recentemente produziu um gélido remix gótico industrial do hit ‘Welcome To My Island’, de Caroline Polachek. BLUSH é um impressionante disco de estreia, com uma abordagem emocional muito mais desenvolvida do que os trabalhos anteriores da banda, que consolida uma pulsante energia dançante, bruta e poderosa, além de revelar mais sobre os sentimentos do trio.

As 11 faixas de BLUSH esbanjam ácido, disco, sintetizadores latejantes, post punk, texturas ásperas, transições escorregadias, pistas de dança underground e melodias faladas, acompanhadas por uma identidade visual futurista, ousada e caótica. O álbum gera a visão de um ser humano dividido entre dois estados, preenchido com a sensação de estar preso e no processo de se libertar: “Você me deixou livre ontem/Eu me sinto como um bebê recém-nascido agora/Absorvendo todas as cores e formas e visões e cheiros/Como se fossem todos novos/Eu me sinto novo”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Untethered, Hero Man e Bunker

BLACKPINK – BORN PINK

Bem antes de articularem seu primeiro disco, Jennie, Jisoo, Lisa e Rosé já dominavam a arte de fechar o pop coreano para balanço, revisitando raízes e despejando uma pitada de identidade que impulsionou o sucesso de BLACKPINK além do oceano pacífico. Porém, se THE ALBUM tentava medir a cativação internacional do grupo mergulhando em milhares de ritmos, BORN PINK mostra que, em 2022, as garotas propagandas da YG Entertainment sabem exatamente a autoridade que possuem. Sondando seu passado multifacetado e cortando as colaborações externas, elas aposentam a exploração para mirar na consolidação de seu trabalho inconfundivelmente rico em vertentes do hip hop, trap e EDM.

A execução do LP repete as estratégias marketeiras de Teddy Park, produtor do girlgroup desde sua estreia e fator limitante do escopo criativo das artistas. Com isso, apesar de reter BLACKPINK à fórmula mediana de oito faixas, o conjunto consegue retratar vozes seguras de suas verdades e investidas na reafirmação desse poder transcendental. Recheando a era com trocadilhos e homenagens às fases que percorreram em seu espaçoso currículo, as quatro cantoras reúnem um sentimentalismo apaixonante, valorizando seu frescor consciente e, só para dar uma palhinha na experimentação, entregando primores no rap refinado por rock e música clássica. O veredito? Felizmente, as titãs do k-pop sempre estão pintando e bordando na nossa área. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Shut Down e The Happiest Girl.

Hyd – Clearing

Hayden Dunham ou Hyd, seu nome artístico, é uma estreante no electro pop internacional, mas desde seu primeiro álbum Hyd, em 2021, só vem lançando sucessos eletrizantes. Suas músicas passam a sensação de velocidade e Clearing nos traz muito desta energia, com letras que vão do amor próprio à desilusão romântica. Seu trabalho no álbum também consegue ser delicado e intimista.

Dunham vem trabalhando no disco há um tempo considerável. Desde 2014, ela planejava e tentava reunir artistas amigos como Alex Somers e Caroline Polachek. O resultado não poderia ser melhor, e 2022 trouxe a ela o sucesso merecido com uma turnê de apresentação e sua apresentação no Pitchfork Music Festival em Julho do mesmo ano – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Fallen Angel, Trust e Glass

Charli XCX – Crash

O álbum Crash da Charli XCX é um retorno triunfante à sonoridade pop que catapultou a cantora para o estrelato. Em um momento em que muitos artistas exploram sonoridades alternativas e experimentais, como ela mesma em seus últimos projetos, em Crash se destaca justamente por sua habilidade de criar um som vibrante e acessível que ainda se mantém atual e fresco.

Celebrando verdadeiramente o gênero, a obra é repleta de melodias chicletes e refrões contagiantes. A produção é refinada e polida, dando o espaço necessário para brilhar como vocalista e performer. As letras, apesar de em alguns momentos parecerem superficiais, mostram uma clara autoconsciência por parte da artista, revelando um lado vulnerável e emocional que adiciona profundidade ao álbum.

Embora possa ser criticado por sua falta de experimentação e risco, é inegável que Charli XCX é uma das melhores em criar um som pop que atinge o seu objetivo, when I wanna go pop, I’ll pop/I got them hits. O álbum oferece aos ouvintes uma dose saudável de diversão, energia e entusiasmo que pode ser difícil de encontrar em outros gêneros, e prova o talento e carisma da artista, mostrando que ela é capaz de conquistar os corações dos fãs e de manter-se relevante no mundo pop. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Baby, Used To Know Me, Move Me

Maria Rita – Desse Jeito

Dentro da música nacional, poucos artistas possuem um trabalho tão meticulosamente articulado, intensamente dedicado e iminentemente regenerador como o de Maria Rita. A cantora não faz mea culpa em afirmar o compromisso com seu trabalho e com o perfeccionismo, lançando apenas aquilo . E assim, quatro anos após Amor e Música, Maria Rita voltou às plataformas digitais com o refinado e poderoso Desse Jeito. O EP, que conta com seis faixas, passeia pelos territórios que a intérprete mais domina: amor e religião.

Sempre intima às canções, Maria vozeia paixões, desamores e fé, e de quebra marca sua estreia como compositora, nas faixas Por Vezes e Canção Pra Erê Dela. É a faixa-título, composta por Luiz Antônio Simas em parceria com Fred Camacho que norteia as sensações envolvidas em todo o processo do projeto. Desse Jeito denuncia a intolerância religiosa, traz a ancestralidade, a força e a simplicidade dos orixás, em vigorosos versos que coordenam as emoções do ouvinte, enquanto a cantora toma posse da letra com seu vocal inigualável: “Axé, mojubá, zambi, kolofé/Qual é? Cada um com a sua fé”. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: E Eu?, Desse Jeito, Canção Pra Erê Dela part. Teresa Cristina

The Weeknd – Dawn FM

Depois que The Weeknd foi retratado enfaixado e ensanguentado em After Hours, a capa de seu quinto álbum de estúdio o retrata precocemente envelhecido, como se seus exageros do passado o tivessem alcançado. Há múltiplas interpretações acerca do significado dessa imagem, e uma delas é a de que os temas que marcaram as composições do cantor canadense – dentre eles, autodestruição e relacionamentos tóxicos – passaram a soar tão antigos quanto ele aparenta. Dawn FM marca, talvez pela primeira vez, o vislumbre de “dias melhores” nas canções de Abel, realçando sua evolução dentro da indústria musical.

A rádio fictícia transmitida do além pouco se importa em ter grandes hits que agradam as rádios do mundo atual. É notório como, dessa vez, o álbum possui uma maior expressão da essência do artista, com faixas que aprofundam suas influências oitentistas deslumbrantemente. Passando pelas músicas mais elétricas às mais contemplativas e contando com a participação de grandes nomes como Swedish House Mafia, Tyler, the Creator e as ilustres presenças de Jim Carrey e Quincy Jones como uma espécie de narradores do programa, o mais recente trabalho de The Weeknd oferece o som de um artista que sabe que é um dos melhores de seu jogo. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Gasoline, Sacrifice e Here We Go… Again

Florence + the Machine – Dance Fever

Pode até soar inofensivo, mas nada é mais assustador do que existir, e Florence + the Machine parece entender muito bem sobre essa sensação. Dance Fever, quinto álbum da banda britânica de indie rock, se inspira em filmes de terror como Midsommar e Suspiria para invocar cada nota rebelde e libertária de um dos discos mais intensos e melódicos do ano.

Com uma discografia onde a essência mística de Florence Welch é presente, Dance Fever se destaca pelo profundo intimismo explícito em cada uma das faixas. É como se entrar numa viagem pelo córtex cerebral de Welch e ser recebido em um altar composto por velas, incensos, cristais, sal grosso e uma taça de vinho. Entre o frenético e o singelo, os instrumentos se mesclam entre canções formando uma verdadeira dança febril, que apenas Florence + the Machine poderia proporcionar nesse pós-apocalíptico 2022. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: King, Dream Girl Evil, Heaven Is Here

Sabrina Carpenter – emails i can’t send

“Você usou um garfo uma vez, acontece que eles estão por todos os lugares” talvez soe como a lírica mais banal para alegorizar um coração estraçalhado, mas Sabrina Carpenter não está afim de maximizar nada além das dores do crescimento. how many things é só uma confissão no meio da intensa sessão de terapia que estrutura emails i can’t send, quinto álbum de estúdio da artista e o primeiro da carreira disposto a derrubar sua típica armadura de autoconfiança. Priorizando o urgente processo de sentir colisões, naúseas e mudanças, a coletânea valoriza o conforto da música pop enquanto atravessa pianos, trompetes, batidas eletrônicas e outros ritmos que poderiam tranquilamente sair de Ariana Grande ou Kylie Minogue.

Entretanto, os ares familiares nem chegam perto de influenciar a narrativa que lidera o álbum: a de Carpenter, sozinha com seus próprios pensamentos. O divertido labirinto emotivo de Tornado Warnings logo é substituído pela afiada because i liked a boy, referência totalmente explícita às ameaças de morte que embalaram a vida da loira nos últimos dois anos. Confrontando quem lhe regala os títulos de puta e destruidora de lares, Sabrina se exorciza das amarras colocadas por um suposto triângulo amoroso, inclusive, em seu domínio criativo. Depois da revanche, vem a liberdade para encerrar ciclos e até curtir um sleeperhit inédito no currículo musical. Ela apertou o botão de envio, graças a Deus. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Vicious, Fast Times e decode.

Elza Soares – Elza Ao Vivo No Municipal 

É difícil fugir do clichê: Elza Soares realmente cantou até o fim. Ao gravar o disco Elza Ao Vivo No Municipal dois dias antes de partir para a eternidade, a Mulher do Fim do Mundo encerrou sua carreira de forma brilhante. Como uma verdadeira lenda da música brasileira, Elza da Conceição Soares protagonizou um show extremamente simbólico, capaz de sintetizar e representar décadas ímpares de uma carreira incomparável. Abraçando desde Se Acaso Você Chegasse até Comportamento Geral, o álbum póstumo da Voz do Milênio é feliz ao registrar a trajetória viva de uma artista-fênix.  

Os mínimos detalhes tornam Elza Ao Vivo No Municipal um disco apoteótico. Há coroas e tronos no palco e nas canções do espetáculo. Elza aparece majestosa já na capa do álbum, com um olhar que nos convida a conhecer melhor sua grande despedida. Tudo é muito sublime e bem planejado, e a carreira de Elza Soares é nitidamente projetada diante dos nossos olhos. Encerrando o repertório com Mulher do Fim do Mundo, em uma escolha assustadoramente profética, Elza Ao Vivo No Municipal coroa o imenso legado de uma diva inesquecível. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Meu Guri, Volta por Cima e Mulher do Fim do Mundo

Deize Tigrona – Foi Eu Que Fiz

A ascensão de Deize Tigrona foi um grito estrondoso diante do silêncio que assombrava o território feminino do funk. Em outros termos, a artista carioca ousou desbravar biomas dominados por predadores os quais, acima de tudo, temem a extinção do conservadorismo. Na perspectiva histórica, há muitos mistérios a respeito da origem do universo e do desaparecimento de espécies. Todavia, na perspectiva musical, não há dúvidas: Deize Tigrona foi o Big Bang do universo explícito e feminino do funk e, ao mesmo tempo, o meteoro que aniquilou mentes caducas e quadradas.  

Foi Eu Que Fiz supera a definição limitante de álbum e se apresenta como um ato confessional de uma mulher que colocou a cara a tapa. Ademais, é válido enfatizar que a artista moradora da Cidade de Deus quebra, magistralmente, o contraste das ideias de sensibilidade e explicitude, e as torna quase que sinônimos. Tal fato fica nítido na faixa Monalisa na qual Deize convida o ouvinte a dançar com as incertezas e reviravoltas da vida que, no fim, podem ser boas companhias. A volta de Deize Tigrona é um pequeno passo para o funk carioca, mas um grande salto para a cena feminista sáfica da música brasileira.  – Ana Cegatti

Faixas Favoritas: Monalisa, Bondage, A Mãe Tá On

Marília Mendonça – Decretos Reais, vol. 1 & 2

Definitivamente o Brasil não estava pronto para perder de maneira tão trágica e tão precoce uma de suas maiores vozes. É como se o mundo tivesse ficado um tanto mais calado depois da morte de Marília Mendonça ser anunciada no fatídico 5 de Novembro. Coroada Rainha da Sofrência, a manutenção do legado da cantora, traduzido em Decretos Reais, é a comprovação concreta da imensidão da obra de Marília. 

O projeto póstumo conta com as faixas remasterizadas extraídas da live Serenata, realizada pela artista em maio de 2021. A saudade da cantora, misturada à excelência de seu trabalho, fizeram com que ambos volumes permanecessem por semanas no topo das paradas. Decretos Reais exibe um lado brega-romântico de Marília, que toma para si canções como Te Amo Demais e Morango do Nordeste. A grande notoriedade fica a cargo de Leão, faixa presente no volume 2. A música feita para o álbum Zodíaco do rapper Xamã, foi um dos últimos feats feitos pela cantora. Te Amo Demais, Marília. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Te Amo Demais, Sendo Assim / Muito Estranho (Cuida Bem de Mim), Morango do Nordeste

Björk – Fossora

Björk comentou em entrevistas sobre como Fossora é seu álbum mais festivo, como uma rave pós-distanciamento social. No entanto, a obra se mostra mais densa e nebulosa que uma festa de techno, conforme a islandesa explora temas profundos de seu interior, como a morte de sua mãe, sua existência feminina, relações amorosas e familiares. Foi produzido durante um período de isolamento e luto, uma jornada que exigiu força, inovação e emoções. O 10º disco de Björk é uma união complexa, pesada, intensa e espinhosa de sonoridades, perdas, dores, e ao mesmo tempo, uma celebração da vida e de recomeços sensíveis.

As composições estreitam as relações da artista com diferentes colaboradores, como serpentwithfeet, Kasimyn, os experimentalistas eletrônicos indonésios Gabber Modus Operandi, que ajudaram Björk a criar um biological techno, e a própria filha, Ísadóra Bjarkardóttir Barney. Fossora não é uma obra acessível, ele necessita de tempo e atenção para nos conduzir por caminhos e sonoridades imprevisíveis, num fascinante universo de fungos e acalentadoras paisagens islandesas. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Atopos, Victimhood e Fossora

Terno Rei – Gêmeos

Em 2019, Terno Rei lançava o que seria seu maior sucesso de público até então. Com Violeta, o grupo testou novas sonoridades e flertou com o pop em músicas de versos poéticos e certeiros. Com a sinceridade que também esteve presente nos trabalhos anteriores da banda, Vigília (2014) e Essa Noite Bateu Como Um Sonho (2016), os quatro músicos alcançaram elogios da crítica e uma turnê de sucesso, que se desmanchou em 2020 com o isolamento, necessário em decorrência da pandemia da covid-19. Em um período de isolamento, de medos e inseguranças, refletindo sobre as mudanças sofridas durante os muitos anos de banda e em uma carta aberta sobre a juventude, Alê Sater, Bruno Paschoal, Greg Vinha e Luis Cardoso constroem, juntos, um novo álbum.

Assim como na capa, em Gêmeos o ouvinte é apresentado a um lado mais colorido, ainda mais pop na sonoridade que explora novos ambientes e letras que conversam com o ouvinte de maneira aberta, em canções ainda auto reflexivas. Em 12 músicas que embalam o público em uma nostalgia dos anos 2000, tanto sonora quanto visual, a essência da banda ainda pode ser captada, mas com um toque especial.

Observando tudo que já havia sido produzido e subindo o nível, o grupo aqui se apresenta ainda mais sutil, mais delicado e mais vulnerável. Em uma ambiguidade presente já no título, as composições passeiam entre as dúvidas que surgiram com tanta facilidade em um período onde o tempo hábil era muito e a inquietação, tão naturalizada em uma juventude que não se permite parar e contemplar, realmente ouvir. E que bom é poder ouvir Terno Rei de novo, mesmo que esse não seja exatamente o ano mais triste das nossas vidas – Aryadne Xavier.

Faixa Favorita: Olha Só, Difícil e Esperando Você

Steve Lacy – Gemini Rights

O segundo álbum de estúdio de Steve Lacy, Gemini Rights, segue as propostas de seu antecessor, Apollo XXI, ao dialogar com o inseparável R&B, porém, se diferencia na pluralidade de ritmos e melodias alcançadas em seu lançamento. Lacy mostra que consegue sair da zona de conforto e passear entre diversos gêneros, da bossa-nova perfeitamente encaixado em Mercury, ao neo-soul já conhecido de Static. Foi assim que o cantor conseguiu uma evolução clara de seu álbum de estreia. 

Assim como grande parte do repertório musical, Steve também fez uso de acontecimentos e sentimentos particulares para compor suas letras. E no resultado final, o artista tem a mistura perfeita: um disco com personalidade e com o toque singular do jovem cantor, capaz de deixar até mesmo um pop comum como o de Bad Habit único e cativante. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Mercury, Sunshine e Amber

yeule – Glitch Princess

A música de yeule apresenta uma perspectiva pós-humanista, conforme a artista explora a relação entre identidade e tecnologia através de melodias melancólicas de post-pop que constroem um labirinto no ciberespaço. Em seu segundo álbum, a artista avant-pop de Singapura, Nat Ćmiel, se autointitula Princesa do Glitch e conduz o ouvinte por um caminho sombrio e pixelado, cheio de códigos de computador quebrados e mensagens de erro.

Destacando-se de seus trabalhos antecedentes, Glitch Princess se desafia criativamente e é apresentado de forma marcante e estranhamente acessível, sendo capaz de transmitir sua essência com ambientações oníricas e texturas eletrônicas experimentais. A obra é repleta de vulnerabilidade e pessimismo, onde desastres pessoais são a principal catástrofe. Os versos são construídos de forma sensível e pessoal, e o uso das batidas e sintetizadores é calculado para ecoar e proporcionar a imersão dentro de uma dimensão cibernética que atua como um consolo e um vício: “Em volta do meu pescoço, uma máquina amigável/Finge limpar minha memória/Finge fazer tudo ir embora/Finge me fazer sentir muito bem”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: My Name is Nat Cmiel, Don’t Be So Hard on Your Own Beauty e Bites on My Neck

FLETCHER – Girl Of My Dreams

Pegar um coração partido e transformá-lo em Arte não é tarefa das mais simples, mas o resultado é um dos que mais se aconchega junto a quem o compartilha com o artista. Se a dor é combustível para a criação e o meio artístico, uma via para externalização, FLETCHER transformou um término de relacionamento e o seu processo de superação em glória: fruto da sua jornada até aqui, surge Girl Of My Dreams, álbum de estreia da norte-americana.

Se em THE S(EX) TAPES, o fim era recente e Fletcher lidava como os novos sentimentos através da tristeza, da raiva e da recaída, como quem passa por uma fase de luto, o disco, lançado dois anos depois do EP, aproveita o tempo para deixar a ferida cicatrizar. Agora, o que predomina é a aceitação, a saudade, a nostalgia, o amor próprio e a esperança de seguir em frente. Ressoando com quem se identifica com o momento, Girl Of My Dreams segue o estilo musical da artista em faixas ora dançantes e animadas, ora lentas e melancólicas, provando os altos e baixos de qualquer momento. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Better Version, Becky’s So Hot, Serial Heartbreake

SUHO – Grey Suit – The 2nd Mini Album

Grey Suit continua a pintura impecável da trajetória musical solo de SUHO, integrante do grupo sul-coreano EXO. Valorizando as sensações e emoções como os artistas do movimento pós-impressionista, o cantor simula na sonoridade a mudança visual de tom encontrada nas telas da sua grande inspiração, Van Gogh. Se em Self-Portrait, a estreia de Kim Jun-myeon, um plano de fundo melancólico foi adotado nos instrumentais, o segundo mini álbum traz a tona cores quentes que iluminam e tornam leve a composição. Dos autorretratos confusos, ele surge em meio aos girassóis.

Com uma produção detalhista que, surpreendentemente, mira em riffs de guitarra que soam como as clássicas baladas românticas da banda Scorpions, Grey Suit coloca o k-pop em uma perspectiva inédita. De volta após o afastamento de dois anos dos palcos para servir o exército militar obrigatório, o disco celebra um novo ciclo ao lado dos fãs, para quem SUHO é a personificação do significado de seu nome artístico, guardião: “Bem onde você está/Você foi como um milagre que eu conheci em uma noite de verão/Como uma flor que desabrochou no final do inverno”. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Morning Star, Hurdle e Bear Hug

Bastille – Give Me The Future

Se a Bastille teve uma década para descobrir e redescobrir sua identidade musical, renová-la e depois inová-la novamente, a solução para a próspera carreira dos donos de Pompeii foi apostar no conceito. Logo no início da frutífera safra de discos de 2022, a veterana resolveu abraçar um universo distópico e futurístico, e traduziu a ficção científica no álbum Give Me The Future. O quarto trabalho de estúdio do grupo seguiu à risca o que se propuseram a fazer: com vozes de robôs durante as faixas e seguindo sua linha de videoclipes narrativos e imersivos, o quarteto também estendeu a experiência única do álbum para o âmbito audiovisual, corroborando com o universo conceitual. 

Evocando cores e luzes a partir de uma sonoridade sintética – se diferenciando do indie rock pelo qual a banda ganhou espaço na indústria musical -, a liricidade também é imaginativa, inventando situações e pipocando referências a obras da cultura pop e da ficção, como Thelma & Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos de Aldous Huxley. Com seu futuro ultra tecnológico e solitário, Give Me The Future alcança até o cyberpunk no que aborda sobre o cerceamento da liberdade e a linha divisória entre real e fictício, criando uma das experiências mais divertidas da Bastille desde Doom Days.

Faixas Favoritas: Thelma + Louise, Back To The Future e Future Holds

Harry Styles – Harry’s House

Em Harry ‘s House, o britânico convida o ouvinte para entrar em sua casa, deixando todas as gavetas abertas, molduras coloridas nas paredes e poeiras nos rodapés dos quartos. O disco, composto por treze faixas, traz uma tour completa pela morada do músico e faz questão de mostrar como esse está amadurecendo, por meio de referência aos seus ídolos dos anos oitenta, samples de autorias da década de setenta e uma estética sonora familiar, que remete ao confronto de um lar. Na porta de entrada, Harry recebe quem o visita com ritmos animados, nos singles Music for a Sushi Restaurant e Late Night Talking. Ao adentrar mais na casa, passando pelos corredores com as fotografias de família, são apresentadas as batidas e as letras melancólicas de Little Freak e Matilda, para então conduzir ao seu jardim, no quintal dos fundos, com baladas românticas como em Love of My Life.

Além do amadurecimento, o álbum trata de um Harry apaixonado, que quer transpassar para o mundo os prazeres e as desventuras dessa sua condição. Ainda que não tenha apresentado nada revolucionário para o mundo da música, o disco trouxe algo novo na carreira do artista. As It Was encontrou o equilíbrio dos singles de álbuns anteriores, entre a tristonha Sign of the Times e o verão despreocupado de Watermelon Sugar. Iniciando polêmicas, o disco acabou levando o prêmio de melhor do ano no Grammy 2023, escolha muito contestada pelo público, perante aos outros álbuns indicados na categoria. Contudo, mesmo que não seja “o” melhor, não fica de fora dos Melhores do Ano, afinal o disco diverte e aconchega, chegando em casa com segurança. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: Matilda, Keep Driving, Love of My Life

Urias – HER MIND, PT. 1

Para os fãs que têm acompanhado avidamente cada passo da era HER MIND, é até difícil imaginar que, ainda em 2022, Urias nos entregava a versão final do incrível FÚRIA, seu primeiro álbum de estúdio. Entretanto, pouco mais de quatro meses depois, a cantora enterrou o preto-e-branco para, ao invés, saturar suas cores ao limite. O azul e amarelo vibrantes da arte que estampa a primeira parte de HER MIND ilustram a sonoridade assumidamente psicodélica do EP, que une a música eletrônica e latina no mais próximo de um projeto de hyperpop que o mainstream brasileiro proporcionou até aqui.

No auge de sua criatividade e inventividade, Urias toma o caminho inverso do que propõe Linn da Quebrada em sua obra. Dona de uma identidade constantemente reduzida aos encargos do corpo, HER MIND extrapola a experimentação da artista para mergulhar no âmago de sua própria mente. Os versos que misturam inglês, espanhol e português – em uma progressão que preza pelo caos –, traduzem os processos intrincamente internos de uma mulher trans que, depois de tornar-se visível e adquirir acessos que nunca teve, enfim permite-se à individualidade. E ainda assim, ao invés do que poderia-se antecipar, a proposta íntima intensifica a personalidade combativa de Urias, reafirmando, através das faixas mais pujantes de sua carreira, que ninguém é capaz de copiar seu Je ne sais quoi. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: R.I.P., Je ne sais quoi, The way I drop

Rina Sawayama – Hold The Girl

Com uma estreia grandiosa em 2020, as expectativas para o segundo álbum da cantora e compositora Rina Sawayama eram altas, e através de treze faixas que percorrem do pop ao rock à eletrônica, ela não deixa a desejar. Com Hold The Girl, Sawayama abre feridas e muitas vezes canta para sua ‘eu’ mais nova, refletindo sobre sua inocência passada ao passo que busca se curar e se libertar de tudo aquilo que um dia a prendeu, dando um quê esperançoso à obra.

Na faixa de abertura, Minor Feelings, Rina atinge o limite de tudo que guarda para si e expressa a necessidade de tomar controle da própria vida. A canção é sequenciada pela faixa-título, onde ela se encontra falando com a criança que um dia foi, tentando confortá-la e aprender com seu passado. Os vocais e produções marcantes em cada música fazem de Hold The Girl um álbum espirituoso, que combinados com as canetadas sinceras de Rina Sawayama, a torna uma das artistas mais autênticas na cena pop atual. Por fim, a obra se encerra com To Be Alive, onde tudo aquilo que foi almejado ao longo da jornada é alcançado, e Sawayama finalmente encontra paz em todas as versões de si mesma. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Hold The Girl, Frankenstein e Phantom

King Princess – Hold On Baby

“Meu deus, é muito difícil ser amada, mas é a vida”, entoa King Princess em Too Bad, faixa integrante de Hold On Baby. Já na canção que fecha o álbum, ela admite que “Sabia que isso aconteceria/Você está brava e se sentindo presa/Eu sinto a pressão/Eu não sou sua captora/Eu odeio me sentir sem esperança”. Depois de Cheap Queen, disco de estreia da cantora indie nova iorquina, a êxtase do começo da carreira e do início de um relacionamento dão lugar a uma estabilidade em ambos sentidos, com letras maduras e afiadas acertando em cheio o que a compositora expõe. Estabilidade essa, porém, que é refletida em sua musicalidade só parcialmente: a certeza de alguns aspectos levanta dúvidas sobre outros, e dão espaço para a artista se questionar – e externalizar tais ponderamentos em sua personalidade musical. 

No trabalho, as 12 faixas perpassam os questionamentos que surgem em um relacionamento duradouro, a identidade enquanto musicista (agora) consolidada na indústria musical e as suas próprias inseguranças enquanto jovem adulta ansiosa, triste e sexy. Como um sinal claro de que Mikaela Straus se sente mais confiante musicalmente – no álbum, ela participa da produção de suas canções -, a artista abraça a mistura de estilos e sonoridades durante as faixas: longe da falta de uma única identidade, ela assume o seu caos. Misturando solos de guitarras indie a baladas com pianos melódicos, e ampliando o alcance de sua voz, Hold On Baby demonstra uma liberdade ainda inédita para a promissora carreira de King Princess. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Cursed, Sex Shop, Let Us Die

Cults – Host B-Sides & Remixes

Em Host B Sides & Remixes  a banda de indie rock Cults, traz doçura e paixão a um 2022 de guerras e conflitos. Agrupando os singles My Window, Sleeping Through Sunshine e versões remixadas do álbum Host , a vocalista Madeline Follin e o guitarrista Brian Oblivion se mantêm entre as melhores “novas” bandas de indie, mesmo completando 12 anos de trajetória.

Artistas como Johnny Jewel e Tama Gucci conferem ao álbum uma roupagem eletrônica, mas que preserva a essência da banda que sempre remeteu ao frescor e a suavidade, além de um apego à juventude. Este já é o oitavo álbum de Cults se considerarmos os EPs, mas ainda sim há a preservação da qualidade que foi vista nos primeiros álbuns Cults e Static . – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Sleeping Through Sunshine, My Window e Trials (Johnny Jewel Remix)

Icarus – BK

Preso dentro de labirintos, BK almeja asas para voar. O quarto álbum de estúdio do rapper nos guia por uma jornada até nossa emancipação. Uma busca que esbarra em temas políticos, mas não deixa, é claro, de cantar sobre a droga mais perigosa e saborosa: o amor. Com referências da mitologia grega, o cantor explora em Icarus a crescente até sua libertação – vemos em cada faixa um pouco da esperança, das contradições, dos defeitos e dos sonhos do próprio BK mesclados com a trágica história de Ícaro e Dédalo. 

Para adicionar pluralidade, contraste e profundidade às faixas, o álbum contou com a colaboração de Marina Sena, L7NNON, Julia Mestre, Bebé Salvego e Luccas Carlos. A combinação trouxe lirismo, batidas e um ritmo não tão inovador, mas encantador no jeito BK. Entre passos e tropeços, acertos e erros, Abebe Bikala conseguiu entregar o equilíbrio que faltou para Ícaro, e contou com seu legado de Gigantes e O Líder em Movimento para conquistar ainda mais admiradores no cenário nacional e consolidar-se como um dos álbuns mais notáveis e viciantes de 2022. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Continuação de um sonho, Só me ligar e Músicas de amor nunca mais

Bazzi – Infinite Dream 

Em um passeio sonoro, construído por meio de sonhos, Bazzi lançou seu segundo álbum de estúdio, Infinite Dream. Antecedido por três singles – Will It Ever Feel The Same?, Miss America e Heaven –, o projeto possui uma mistura de sentimentos. O cantor continua seu trabalho com uma temática parecida com a do primeiro disco: viagens estratosféricas e noturnas, que levam ao amor, à dor, à decepção e à reflexão. 

Indo de sons de sintetizadores, vindos direto dos anos 80, para canções com uma pegada country, chegando até a um pop dançante, o álbum é cheio de melodias interessantes. Infinite Dream realmente parece ter saído dos sonhos de Bazzi, como se fosse uma trilha sonora para a imaginação do subconsciente. O disco consegue retratar diversas emoções que fazem parte da vida, como a sensação de estar apaixonado e de ter o coração partido. Além disso, a composição é inteligente, pois o cantor consegue se auto-referenciar durante as canções, por utilizar versos idênticos em diferentes contextos. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: Little Miss Sunshine, Uh Oh, Human (Cocaine)

TAEYEON – INVU – The 3rd Album

Sozinha, de cabelo descolorido e com o ego mais inflado do que nunca, TAEYEON transforma até os defeitos em qualidades com o disco INVU e estende o seu reinado no K-pop. Entre sintetizadores, batidas eletrizantes e vocais esplêndidos, a integrante do grupo Girls’ Generation abre alas para letras agressivas. Ao contrário da delicadeza de My Voice ou da sinceridade sutil de Purpose, o seu terceiro álbum de estúdio vai direto ao ponto: “Dias ruins estão se repetindo/Eu me sinto miserável, os sentimentos estão acabando/Girando como um anel solto”.

Investida em entregar um trabalho coeso, a veterana arremata algo difícil de se alcançar na atual indústria da Música, a união da sonoridade com uma construção visual marcante. Em 2022, INVU demonstrou ser uma verdadeira era do pop, traçando caminhos semelhantes ao de Future Nostalgia de Dua Lipa. Ainda que inserido no contexto sul-coreano em que as produções ocorrem de modo cada vez mais frenético, o disco parece envelhecer como vinho graças a iniciativa de TAEYEON em deixar as 13 faixas levarem o tempo necessário para causar a imersão plena do ouvinte. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: INVU, Heart e No Love Again

IC3PEAK – Kiss Of Death

KISS OF DEATH é o álbum de metal da vampiresca dupla IC3PEAK, formada pelos russos Nastya Kreslina e Nikolay Kostylev, que traz colaborações com vozes inusitadas, como Grimes, Oli Sykes, de Bring Me The Horizon, e Kim Dracula. O duo de ativistas, que sempre criticou o governo de Vladimir Putin de forma ácida e direta em seus visuais e canções, entrega novamente letras sombrias e ousadas com refrões cativantes, juntamente com sua estética ora urbana e militar, ora barroca e gótica. 

Apesar de deslizar em sua consistência, KISS OF DEATH é surpreendentemente mais diversificado e imprevisível que o notável trabalho anterior do grupo, o intenso До Свидания. O destaque é, certamente, a melodia e os vocais de Nastya, que vão de um belo ser angelical, com cantos folclóricos, a uma criação infernal cheia de ódio, com gritos estridentes e sons guturais. As melodias calmas e acústicas são quebradas com a percussão pesada e sintetizadores afiados, que soam como explosivos e abraçam uma produção sonora de witch house e trap metal industrial, familiar a Kostylev. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Kiss Of Death, Bad Night e I’m not evil, I’m sad

Gloria Groove – Lady Leste 

Quando surgiu em O Proceder, com o despontar de Gloriosa em um rap marcante, de batidas dançantes e um refrão que fica na memória, Gloria Groove se tornou uma promessa nas principais plataformas de música. Nos anos seguintes, após cada lançamento, a promessa foi se confirmando, se destacando e o público teve a oportunidade de acompanhar o nascimento de uma estrela. Em uma ode a vida, aos sonhos, aos medos e em um depoimento sincero, suas canções representam a realidade de milhares de brasileiros, que a reconheceram. Em Lady Leste, Gloria Groove se mostra ainda mais potente e versátil, exibindo, em sua voz e em seu corpo, toda a pluralidade que compõe as periferias (vide que Leste vem de Zona Leste) em suas diferentes camadas.

Em 13 grandes faixas, que vão do funk ao rock, passeando por diferentes gêneros de maneira confiante, Gloria Groove se reafirmou, mais uma vez, como um grande nome da cena musical brasileira na atualidade. Em uma carta de amor às mulheres de sua vida e com um gesto singelo e bonito de “Saber para onde está indo, mas sem se esquecer de onde veio”, o segundo álbum da drag queen explora suas principais influências e referências na música. Com a assinatura de Pablo Bispo e Ruxell na produção, a obra, como um todo, soa coesa, mas ainda mantém a disponibilidade de que canções brilhem sozinhas, criando diversos hits que marcaram 2022. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: LEILÃO, SFM E PISANDO FOFO

Tom Zé – Língua Brasileira

As obras de Tom Zé são certamente curiosas. O tempo passa e as nuances contidas na heterogênea discografia do último tropicalista ainda são descobertas com muito entusiasmo. Em Língua Brasileira, a realidade não poderia ser diferente: estamos diante de um disco que pode inquietar os fãs de música nacional por um bom tempo. Extremamente empenhado em suas criações, Tom Zé sabe bem o que faz. Com curiosidade nata, o veterano brasileiro pesquisa a fundo elementos naturalizados do cotidiano para poder dar vida a álbuns que muito têm a ensinar.  

Em relação ao repertório de Língua Brasileira, dez canções inéditas e a já conhecida música-título foram reunidas graças a um espetáculo homônimo de teatro, dirigido por Felipe Hirsch. Com um nascimento poderoso, o mais recente disco do tropicalista foi certeiro desde que tocou Os Clarins da Coragem em alto e bom som. Do primeiro single até aqui, muita coisa mudou – mas as inquietações provocadas pela criatividade de Tom Zé permanecem as mesmas. Contagiante como poucos, eis um veterano que merece nossa celebração. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Hy-Brasil Terra Sem Mal, A Língua Prova Que e Os Clarins da Coragem 

BIBI (비비) – Lowlife Princess: Noir

Uma mulher fina, que veste um longo vestido e saltos chiques, sentada sob um trono de sacos de lixo. É esse contraste absurdo que dita o tom colérico de Lowlife Princess: Noir, álbum de estreia de BIBI, uma das principais expoentes do R&B na Coreia. A cantora assimila-se às contradições da sociedade sul-coreana, não com uma pretensão política, mas para tecer uma série de contos urbanos que só adquirem o choque desejado pois emergem de uma mente que se apresenta no centro daquele cenário. A sujeira, a desigualdade e a luxúria são incorporadas em uma estética inebriante e uma lírica indecorosa, para, então, ratificar a manifestação de humanidade nessas profanações.

A voz leve e hipnotizante da artista contrapõe radicalmente a raiva pungente que traduz a essência da retaliação em BIBI Vengeance, ou a conversão ao lúdico da objetificação da mulher e da obsessão fálica masculina em Animal Farm, apenas para que os mesmos homens vejam-se castrados logo depois. Ainda que intrinsecamente violento, Lowlife Princess: Noir representa o trabalho mais pop de BIBI até então, que, ao beber da inesgotável fonte do k-pop, se apossa de inspirações de todos os cantos – do reggaeton ao rock – para criar uma sonoridade própria e instituir-se como a única e indistinguível rainha do submundo. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: BIBI Vengeance, MotoSpeed 24, Wet Nightmare

Jackson Wang – Magic Man

Vermelho é a cor que preenche a imaginação de quem escuta Magic Man, o segundo álbum de estúdio de Jackson Wang, nunca antes tão intenso, forte, calorento e apaixonado. Repetindo a dose de liberdade criativa encontrada em Mirrors, o selo próprio e independente da gravadora Team Wang Records novamente coloca a cultura chinesa em destaque para o mundo. Dessa vez, o integrante do grupo GOT7 arma um circo extremamente convidativo e, através de uma produção alucinante, constrói o seu próprio espetáculo decorado por performances artísticas surreais.

Wang deixa explícito o amadurecimento pessoal e profissional na composição audiovisual do disco. Se, antes, ele batalhou para encontrar a si mesmo entre instrumentais pesados e versos carregados, hoje, o artista transita sem medo desde o maior número de batidas por minuto até as passagens cadenciadas que valorizam o timbre de voz grave: “As paredes estão desmoronando de novo/Eu ouço você chamando meu nome”. Em Magic Man, Jackson Wang vocaliza emoções conflitantes, fantasmas do passado e, principalmente, a felicidade de se realizar por completo. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Come Alive, Drive It Like You Stole It e Go Ghost

Kendrick Lamar – Mr. Morale & The Big Steppers

Sucessor de um de seus álbuns mais aclamados, Damn , Mr. Morale & The Big Steppers é apresentado ao público como uma das produções mais pessoais de Kendrick Lamar. No disco duplo, o cantor é sincero sobre suas imperfeições e expõe seus traumas e dificuldades em melodias que tiram qualquer dúvida da humanidade do rapper que, pelos fãs, é visto como um deus. Essa pode ter sido a intenção ao vestir uma coroa de espinhos na capa do disco.

O disco conta com diversas colaborações – Summer Walker, Kodak Black e Ghostface Killah são alguns nomes que compõem a obra. Em Mother I Sober, que conta com a voz angelical de Beth Gibbons, fica claro que as parcerias não afetam a personalidade da faixa. Na citada, Kendrick revive abusos em seu relacionamento maternal e admite a repercussão que teve em sua vida, mostrando novamente a capacidade inigualável do artista de transformar suas questões particulares em arte. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Purple Hearts, N95 e United In Grief

ROSALÍA – MOTOMAMI

Para quem nasceu remodelando os horizontes do flamenco e da música pop, se conformar com pouco nunca foi conveniente. Sendo esse fenômeno singular, que coloca o espanhol na boca e nos ouvidos do povo, ROSALÍA não criou MOTOMAMI apenas como um manifesto de suas crescentes intenções artísticas, mas convicta de que pode ser tudo, ao mesmo tempo e onde quiser, em completa contradição e constante metamorfose. Aqui, cantando e produzindo 24 faixas – contabilizando a edição deluxe do LP -, a catalã descasca os turbilhões que acompanharam sua ascensão à fama, confessa seu amor pela família e performa autenticamente numerosas versões de si. 

Com toques de Michael Uzowuru e Pharrell Williams, o estilo experimental que eletriza o álbum marcou presença nos shows da cantora e em tweets virais da era, enfatizando sua construção não-linear e extremamente magnetizante. Da bachata ao dembow, passando por distorções eletrônicas, boleros e até um samba brasileiro, a curadoria sonora é o coração de MOTOMAMI, nome que simboliza a agressividade e vulnerabilidade que, unidas, edificam ROSALÍA. Brincando entre pianos intimistas, evocações sensuais e sons de sintetizadores estratosféricos, em prol de um mosaico de experiências, ela se transforma, sob todas as cores, como a borboleta musical unânime de 2022. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: CANDY, BULERÍAS e COMO UN G.

Taylor Swift – Midnights

Taylor nos mostra, mais uma vez, que sua invejável habilidade de dar brilho ao ordinário nunca irá sair do topo. Após agraciar com a genialidade da dupla folklore e evermore , Midnights chega como aquele abraço depois de um longo dia. O aconchego que encontramos no décimo álbum da cantora é quase que palpável. Em 20 faixas que exploram as falhas e interrogações que muitos de nós gostaríamos de esconder, contamos também com alguns velhos assuntos vistos por outra perspectiva – traição, justiça, amor, vingança e inseguranças adaptados para todo o conceito reflexivo da obra.

Poderíamos estar surpresos por Midnights quebrar recordes, virar assunto em todas as redes sociais e ter melodias que não saem da nossa cabeça, mas Taylor Swift consolidou-se de maneira tão memorável na indústria que seus altos padrões tornaram-se triviais. A cantora consegue, mesmo partindo de níveis elevados, surpreender a todos com a profundidade e reinvenção que alcança. A verdade é que foi um prazer acompanhar Swift em suas madrugadas melancólicas e perceber que, no fundo, não há muito que a distancie de todos nós. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Karma, Lavander Haze e You’re On Your Own, Kid

Tim Bernardes – Mil Coisas Invisíveis

Tim Bernardes aspira à grandeza. Com simplicidade, domínio musical e simplesmente talento, Mil Coisas Invisíveis é um reflexo do que o cantor mostrou anos antes, na sua estreia com O Terno e com seu primeiro trabalho individual, Recomeçar (2017). Nesse projeto, a melancolia e o existencialismo são elementos fundamentais na composição, que olha para o passado em uma jornada filosófica – descrita em Fases e Meus 26. Contudo, não se engane: Mil Coisas Invisíveis é o melhor trabalho solo feito pelo artista.

Aos 31 anos, a visão musical de Tim Bernardes é extremamente sólida. O virtuosismo técnico – na execução das músicas no violão e guitarra – dão base para as suas preocupações atemporais e proféticas, entregues logo na faixa de abertura, Nascer, Viver, Morrer. Com uma aparente influência em Nick Drake, Beatles e Beach Boys, Bernardes conseguiu capturar em Mil Coisas Invisíveis uma tolice quase juvenil da vida, enxergando magia nela. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Fases; Nascer, Viver, Morrer; Meus 26

DPR IAN – Moodswings in To Order

Christian Yu, conhecido artisticamente como DPR IAN, iniciou sua carreira musical no grupo de K-Pop C-Clown em 2012, até o fim do grupo em 2015 Em seguida, o artista assumiu o papel de produtor e diretor criativo de sua própria empresa e gravadora, Dream Perfect Regime, a qual fundou ao lado de seus colegas DPR LIVE, CREAM e REM. Já tendo provado em seus trabalhos visuais a extensão de sua criatividade e a singularidade de sua visão artística, ele não deixou de impressionar quando deu partida em sua carreira solo, iniciando uma jornada espetacular repleta de produções marcantes, que tomaria proporções ainda maiores em 2022 com sua segunda obra de estúdio, Moodswings in To Order. 

MIITO, como o álbum é apelidado pelos fãs e pelo próprio artista, conta o passado de Mito, personagem construído por IAN, baseado em seus episódios maníacos de bipolaridade, tema constante em suas composições. O cantor eleva o nível da obra ao combinar 4 faixas e transformá-las em um curta. No processo, é utilizado todas as ferramentas a seu alcance para contar a história do personagem, da melhor forma possível, transmitindo para o espectador a paixão e genuinidade do trabalho. Christian Yu deixa o ouvinte de Moodswings in To Order comovido após encarar um álbum de forte vulnerabilidade, além de despertar curiosidade e antecipação pelos próximos passos de Mito. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Ballroom Extravaganza, Calico e Merry Go

Stromae – Multitude

Depressão, envelhecimento, masculinidade, colonialismo e violência de gênero são alguns dos temas que perpassam a discografia de Stromae, que podem passar despercebidos por ouvidos que não compreendem o francês de suas batidas eletrônicas, dançantes e contagiantes. Em seu novo projeto de estúdio, depois de nove anos de hiato, o cantor não apenas expande esses tópicos para uma infinidade de perspectivas, como também supera o típico EDM europeu de seus álbuns anteriores para resgatar suas raízes como imigrante e moldar uma Multitude de sons. Folk, funk carioca e afropop são algumas das inspirações que o cantor cita como formativas ao disco – sempre unidas a outros elementos inusitados, como corais búlgaros ou flautas chinesas.

O contido e o explosivo se convergem nas letras de Multitude, que unem com elegância humor e melodrama enquanto uma coleção de personagens antagônicos disputam território entre versos e faixas. Seja em um eu-lírico que enxerga no inferno uma alternativa mais plausível que a vida em L’enfer, ou na tentativa de um homem que trai sua esposa de relativizar sua infidelidade em Mon amour, Stromae coloca-se como agente de todas essas retóricas – não importa o quão contraditórias forem –, ao mesmo tempo que busca sua própria subjetividade no olho do furacão. Uma experiência desafiadora, mas que, em contrapartida, descobre nesta incitação o propósito de um artista singular por natureza. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: La solassitude, L’enfer, Pas vraiment

lalalaura – n sei usar excel

O primeiro EP de lalalaura, n sei usar excel, chegou aos ouvidos do público em Julho de 2022. Durante cinco faixas, a cantora reflete sobre os dramas presentes na vida de uma jovem adulta, como amor, inseguranças e relacionamentos. Com muitas referências espalhadas pelas músicas, como Alice no País das Maravilhas, Wonderwall do Oasis e muitas menções a John Mayer, o extended play é um mix de emoções, indo das mais gostosas e positivas, até as mais tristes e negativas.

A artista se expressa de uma forma em que outras pessoas conseguem se identificar com as canções. Em uma combinação de indie rock com pop rock, lalalaura se mostra como alguém que está tentando entender a vida, o cotidiano e as mudanças causadas pelo crescer. A musicalidade do EP possui guitarras, toques sonoros de WhatsApp, risadas e vocais melódicos, além de trazer letras bem-humoradas. Produzido pela Papaya Music, selo musical de Pe Lu, do Restart, em colaboração com Renato Frei, do Bloco do Caos, e com Fred Vieira, de SUBB, n sei usar excel é um mergulho no mundo jovem, formado pela Geração Z. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: alice (só que sem as maravilhas), vc n é o john mayer (rlx), voltas (áudio de whatsapp)

New Jeans – New Jeans

Vestindo a musicalidade dos anos 90, o novo grupo feminino da ADOR, empresa subsidiária pela HYBE, chegou para alterar o mercado sul-coreano, impactando todo o cenário musical com o seu EP homônimo, New Jeans. Minji, Haerin, Hyein, Hanni e Danielle, presentearam os fãs com o lançamento surpresa de Attention no dia 22 julho, uma canção acompanhada de melodia, dança e identidade visual original e impactante, na qual o k-pop estava necessitando. 

Como um respiro em meio a leva do mais do mesmo que a indústria sul-coreana tem sofrido desde 2020, New Jeans simboliza o começo de uma nova tendência. Além de Attention, o EP também integra os hits Hype Boy, Hurt e Cookie, fora os singles de Ditto e OMG. Em menos de um ano de estreia, New Jeans deixou sua marca no k-pop sendo uma das maiores referências de 2022, ganhando o prêmio de canção do ano por Attention no Golden Disk Awards e a estatueta de Artista Revelação no Seoul Music Awards. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Hype Boy, Attention, Hurt

Bruno Berle – No Reino dos Afetos

‘‘(…) é preciso ter amor / Ter amor e ser amor’’. O imperativo de delicadeza e simplicidade das composições de Bruno Berle constrói, para sua carreira solo, um trabalho de estréia único, onde suas imperfeições — ruídos e dissonâncias — são a marca maior de sua sensibilidade. Tropical, noturno, vasto e quente, No Reino dos Afetos mostra-se também como um novo mergulho sonoro de um artista que, em suas palavras, quer se afastar do violão para aproximar-se ao eletrônico e, nesse desprendimento, dedicar-se ao máximo à sua própria expressão. Mesmo que as cordas do instrumento sejam ainda uma personagem na faixa Até Meu Violão, Berle, um jovem alagoano no olho do furacão emocional da metrópole paulistana, procura os beats lo-fi, com o encontro inesperado do ritmo de bossa nova e da vivacidade do high life — gênero musical oriundo de Gana e da Nigéria —, para traduzir seus sentimentos, sempre a flor da pele. 

O gesto íntimo das canções são, para além de uma marca da produção independente do cantor, que atreveu-se nas mais variadas ferramentas para a arquitetura do seu sentir — do atabaque ao piano! —, está também em sua poesia, permeada por imagens de afeto. O amor, o diálogo como uma torrente, o assimilar e a perda da individualidade de duas pessoas, presas em seu próprio mundo; estas são construções que estão presentes em canções como Quero Dizer, a lufada máxima dessa liricidade única, quase parente das canções mais melancólicas de Frank Ocean, em Blonde.

Já Só Nós Dois, devota ao ato de se estar junto, carrega a luminosidade de um violão tropical e dos sons de uma cidade para estender essa raridade da paixão à vida cotidiana. O que Bruno Berle atinge, em No Reino dos Afetos, não são sentimentos bem definidos com palavras certeiras, mas sim, algo de maior beleza: uma gagueira que entende que certas coisas não podem ser ditas e que, às vezes, o balbucio e a vontade de querer dizer, já basta. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: Até Meu Violão, Quero Dizer, Só Nós Dois

Shygirl – Nymph

O tão aguardado e aclamado álbum de estreia de Shygirl, Nymph, foi desenvolvido com um grupo familiar de amigos e colaboradores, incluindo Mura Masa, Sega Bodega e Arca, junto com produtores como Danny L Harle e BloodPop. Recentemente, Shygirl anunciou edição deluxe do álbum, Nymph_o, que contém remixes das faixas originais feitas por um grupo de artistas multifacetados como Björk, Tinashe e Sevdaliza.

Nymph mostra a jornada e a autorreflexão interior de Shygirl, que simultaneamente afirma seu poder e liberdade enquanto anseia por amor, e nos traz uma jornada de fantasias e desejos sexuais, frustrações românticas, e intimidade de uma mulher que é procurada e negligenciada ao mesmo tempo: “Gostosa demais para lidar”. As melodias suaves e etéreas da artista se entrelaçam e fluem perfeitamente com os sons de hip hop, melodias de dança descontruídas, batidas eletrônicas obscuras, juntamente com aspectos do pop clássico Y2K. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Shlut, Coochie (a bedtime story) e Poison

Ludmilla – Numanice #2

Ninguém poderia prever que Ludmilla, vindo do funk e do pop, faria não apenas um, mas dois álbuns de pagode. Numanice #2 é um compilado de 10 músicas que trouxe este gênero musical para o mainstream com influências do R&B, mostrando a artisticidade e versatilidade da cantora. No entanto, este projeto brilha mesmo em sua versão ao vivo. Disponível nas plataformas com 17 faixas e com participações especiais de outros artistas, além de Brunna Gonçalves, esposa da compositora, no hit Maldivas, ao dizer o desejo de muitos e muitas fãs: “Me bate, Ludmilla!”.

Um dos pilares deste disco, que o torna tão memorável, é a sua autenticidade. Cantores tentam entrar em novos gêneros como uma alternativa de aumentar seu sucesso comercial, o que acaba resultando em trabalhos superficiais. Aqui, não é o caso. Ludmilla cresceu nas ruas do Rio de Janeiro e aos oito anos já cantava para a família inteira ouvir os pagodes do momento. Essa naturalidade, somada a qualidade de suas canetadas, foi o que levou à criação com maestria desta obra, que merecidamente levou o Grammy Latino 2022 de Melhor Álbum de Samba/Pagode. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Meu Homem é Seu Homem, Fora de Si e 212

Alaíde Costa – O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim 

Ao completar 86 anos, uma das vozes mais marcantes que surgiu com o movimento da bossa nova é apresentada a uma geração com um dos álbuns mais elegantes do ano, digno de sua interpretação. Contando com a produção de Emicida e Marcus Preto, O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim é uma história, um relato. Com letras escritas por nomes mais do que reconhecidos da música brasileira, cantando palavra por palavra em um ritmo espaçado e adornada por arranjos caprichados, misturando passado e presente. O novo projeto da compositora e cantora carioca é dotado de ritmo próprio, guardando em orquestrações sublimes que guiam o ouvinte a conhecer a história de vida de Alaíde Costa. 

Em sua beleza melancólica, a cantora ressignifica seus quase 70 anos de trabalho para a música brasileira, que por vezes estiveram à margem do público e não tiveram o reconhecimento merecido. Ao regravar “Aos Meus Pés”, composição de João Bosco e Francisco Bosco, Alaíde dita um novo tom, apropriando a canção em sua trajetória “O meu caminho eu mesma fiz / não foi ninguém que me apontou / eu me virei sozinha / comi o pão todinho / que o Diabo amassou”. A produção é de uma grandeza e delicadeza que reverenciam a cantora, demonstrando um resgate a uma referência da cultura negra de maneira respeitosa e admirável – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Turmalina Negra, Tristonho e Aos Meus Pés

Beach House – Once Twice Melody

Once Twice Melody  é o oitavo álbum da banda americana de dream-pop, Beach House. Com o mesmo vigor e psicodelia do seu álbum anterior, 7 , a vocalista Victoria Legrand mostra seu fôlego neste disco duplo, com 18 músicas e 1 hora e 24 minutos. Com músicas completamente alucinantes, que conseguem fazer qualquer um se sentir levemente embriagado no banco de carona enquanto vê as luzes de uma cidade, Once Twice Melody demonstra uma aproximação do rock.

Beach House tem cada vez mais assumido o papel de farol do dream-pop nas últimas duas décadas em que está em atividade. Entre os grandes trunfos do duo está a ótima química entre Legrand e o instrumentista e compositor Alex Scally, e o disco é a maior prova disso. Sucesso entre a crítica  especializada da música indie, a dupla de Baltimore alcança um público nichado porém espalhado pelo planeta, já que em 2022 eles estiveram em várias edições do Primavera Sound, incluindo o de São Paulo. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Once Twice Melody, Pink Funeral e Masquerade

Beyoncé – RENAISSANCE

Lançado como primeiro ato em uma trilogia, o tão aguardado novo projeto após o aclamado Lemonade (2016) chegou flertando com os fãs, a crítica e tendo uma das recepções mais calorosas possíveis. Com seu novo lançamento, Beyoncé se consagrou como a artista com mais indicações ao Grammy na história. Ao chegar nos 40 anos, tendo passado três décadas dentro da indústria da música, a cantora já havia feito praticamente de tudo: abrangeu diferentes gêneros musicais, falou sobre diferentes pautas e levou suas canções a bilhões de ouvintes. Em seu novo trabalho, ela proporciona um renascimento, se entregando a uma jornada para criar coisas distintas do que já havia feito e comprovando, mais uma vez, sua habilidade de levar até o mais simples a perfeição. 

Em REINASSANCE, a cantora escreve sobre quem ela é, reafirma sua identidade e representa, com orgulho, suas influências. Indo da dance music ao r&b, utilizando diversos samples de cantores que a precederam e criando, com a participação de muitas mãos (aqui vale um enfoque ao time de co-compositores e produtores que tornaram palpável o trabalho), experiências sonoras ligadas por uma maestral sequência, que leva o ouvinte, entre uma música e outra, ditando um ritmo marcante em sua hora de duração. Em seu novo projeto, Beyoncé comprova como é possível criar música pop com densidade que chega convidativa aos ouvidos de quem decide dar play. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: ALIEN SUPERSTAR, VIRGO’S GROOVE E AMERICAN HAS A PROBLEM

Áurea Martins – Senhora das Folhas

Senhora das Folhas é um álbum para se ouvir na íntegra. Coeso, o disco de Áurea Martins desenvolve, no conjunto da obra, uma experiência de imersão e introspecção digna de enaltecimento. Buscando, na sacralidade e nos afetos, os caminhos para conectar suas canções, o lançamento da veterana brasileira alcança uma maturidade artística admirável, firmada em um repertório que não se divide em músicas de maior ou menor relevância. Cada palavra importa e cada som tem seu porquê. Cada escolha leva à cura e cada trajeto traz uma sensibilidade sem fim.

Moldando-se nos detalhes mais sutis, Senhora das Folhas dificilmente brilharia em singles isolados, embora faixas como A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim assinalem um possível ápice do disco. A graciosidade de Áurea Martins, no entanto, está presente desde O Ramo/Incelença da Chuva, faixa que abre o álbum com os traços únicos da voz da artista – além da atmosfera sagrada que percorre delicadamente toda a obra. A verdade é que Senhora das Folhas é uma jornada que toca o coração de quem se entrega por inteiro. – Eduardo Rota Hilário                  

Faixas Favoritas: O Ramo/Incelença da Chuva, A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim

Bala Desejo – SIM SIM SIM

SIM SIM SIM, o debut do coletivo Bala Desejo, é uma experiência sonora de parte da América Latina e da brasilidade carnavalesca de sol e mar. Sim, é possível sentir o calor das ruas e uma briza fresca ao longo das quatorze faixas do disco que misturam, nas letras e nos ritmos, o belo casamento do português com o espanhol. Esse trabalho foi fruto da investida dos quatro integrantes do coletivo, Dora Morelenbaum, Julia Mestre, Lucas Nunes e Zé Ibarra, de produzirem durante seu isolamento da pandemia. As músicas expressam justamente o anseio pelo fim do confinamento: é sobre o primeiro carnaval pós pandêmico, é o proposto ‘Recarnaval’.

A complexidade oferecida nas composições recebem um toque performático, como em um trio elétrico, que ao longo do desfile vai revelando suas diversas atrações. Em Baile de Máscaras (Recarnaval) está a premissa de todo o álbum, em uma pegada à la Rita Lee, seguido por Lua Comanche que remete ao samba dos anos setenta. Na faixa Lambe Lambe está presente o desejo e o carnal, que é equilibrado pelo frescor e independência de Passarinha. Toda essa conexão e câmbio de informações instrumentais e referências do SIM SIM SIM, convergem em um álbum conciso, ainda que experimental. Essa proposta rendeu o prêmio de Melhor Álbum em Língua Portuguesa no Grammy Latino de 2022. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Baile de Máscaras (Recarnaval), Dourado Dourado, Passarinha

Fontaines D.C. – Skinty Fia

Em Abril de 2022, Fontaines D.C. lançou seu disco mais exigente e experimental desde a explosão inicial de Dogrel (2019). Terceiro álbum do quinteto, Skinty Fia é uma aposta arriscada, trazendo referências de Literatura e camadas complexas de guitarra, afinadas às letras vocalizadas por Grian Chatten. Temas como solidão, alienação e conexão humana real podem até passar pelo tracklist de 10 faixas, mas o verdadeiro conceito reside no “não pertencimento”. Isso porque Fontaines D.C. propõe uma narrativa da condição dos imigrantes irlandeses numa Inglaterra que pode não ser tão receptiva quanto parece.

As referências do disco perpassam James Joyce, John Williams e Vladimir Nabokov, cujos singles Roman Holiday e Jackie Down the Line são facilmente destacáveis. As referências ao Joy Division – principalmente pela postura vocal de Chatten, em contraste com Ian Curtis – e ao Gang Of Four não passam despercebidas, mas a junção desses elementos resulta em um projeto original dentro do post-punk. Mergulhado nas referências internas de Fontaines D.C. – como estranhos em uma terra desconhecida –, vislumbramos medos comuns ganharem forma artística (a morte, o tédio, o envelhecimento e a tristeza). Skinty Fia, na verdade, é um álbum corajoso e maduro, que demonstra a evolução meteórica de uma banda que nunca fez menos que um execelente trabalho. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Jackie Down the Line, Roman Holiday, Nabokov

SEVENTEEN – SECTOR 17

Em seu sétimo ano de carreira, o quarto álbum de estúdio do SEVENTEEN os consolida como gigantes do k-pop. O grupo, que em 2015 tinha apenas uma empresa à beira da falência e um sonho, mostra que o trabalho árduo ao longo dos anos, escrevendo e produzindo as próprias músicas, valeram a pena e resultaram em uma forte identidade musical. Em SECTOR 17 é evidente o amadurecimento dos treze integrantes, que levam seus ouvintes em uma jornada pelos altos e baixos da juventude através de sua discografia. 

O SEVENTEEN prova que ainda tem muito a oferecer, e que a química entre os integrantes é um dos ingredientes principais para seu sucesso e qualidade. Na faixa Circles, o membro Woozi, que também atua como produtor principal do grupo, entrega uma mensagem emotiva de união à seus colegas de grupo. A faixa _WORLD resgata as raízes do SEVENTEEN com seu tom alegre e leve, contrapondo a intensa HOT, a qual apresenta uma faceta inédita, e os entrega a chance de mostrar nos palcos que quem sabe faz ao vivo, não deixando dúvidas sobre sobre o lugar do SEVENTEEN na realeza do k-pop. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Circles, HOT, DON QUIXOTE

SZA – SOS

Após uma longa espera de 5 anos, devido a uma série de desentendimentos com a própria gravadora, SZA lançou seu segundo álbum de estúdio, SOS. O projeto foi um dos últimos lançamentos de 2022 e está dominando 2023. Seu tema principal já é revelado em seu nome e em sua capa, inspirada em uma fotografia da Princesa Diana no ano de sua morte. Este disco clama por ajuda em meio a solidão e melancolia, muito bem guiados pelo R&B da artista.

Esses temas não são novos na discografia de SZA. Em Ctrl, de 2017, a cantora já explorava os altos e, principalmente, os baixos de um relacionamento. Mas, em SOS, as composições são mais dramáticas e tudo é intensificado, ao passo que as emoções são exploradas com mais profundidade. Tudo isso pode ser percebido em uma música do álbum, Kill Bill, onde a compositora se sente tão sozinha que cogita cometer um crime: “Talvez eu mate meu ex/Mas, eu ainda o amo/Prefiro estar na cadeia do que sozinha”. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Snooze, Gone Girl e Nobody Gets Me

Arctic Monkeys – The Car

Em The Car fica claro que não há interesse em refazer o que já foi feito. No sétimo álbum de Arctic Monkeys é consolidada uma nova fase, sendo essa contida, lúdica e cinematográfica, ficando cada vez mais distante das memórias de uma banda de indie rock. A sonoridade presente no disco poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de espionagem, que acompanha um detetive na sua crise de meia idade. É apresentada uma grande potência sonora, mas dessa vez acompanha letras mais simples, de Alex Turner. Tudo isso espelha o novo momento que o vocalista vive, e apesar de não parecer se importar com a expectativa dos apegados ao A.M, reflete sobre a incapacidade de ser como um dia já foi, e assim  reconhece que isso não é algo ruim.

Na produção, os meninos de Sheffield transparecem seu crescimento e amadurecimento em arranjos orquestrados e vigorosos. Além dos riffs dos anos 60, há influências do jazz e do blues, que acertam no tom mais triste e melancólico. Do início com There’d Better Be A Mirror Ball, ao fim com Perfect Sense, o LP de dez faixas é perfeito para ser escutado quando restam poucas sombras nas ruas, logo depois que o bar fecha. Como cantando na faixa Big Ideas “De verdade, foi emocionante”, mas agora é hora de seguir em frente. Para muitos o álbum não atingiu as expectativas e portanto divide opiniões. Mas o que pode ter sido um pequeno passo para os fãs de R U Mine, acaba sendo um grande salto para aqueles que estão abertos às novas propostas da banda. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: There’d Better Be A Mirrorball, Body Paint, Perfect Sense

JID – The Forever Story

Depois de despontar no mainstream graças a colaboração com Imagine Dragons na música tema de Arcane, o terceiro álbum de estúdio do rapper JID finca seu nome na nova safra do gênero. Apadrinhado pela gravadora de J Cole e tendo nomes como James Blake, BADBADNOTGOOD e Kaytranada na produção, The Forever Story é um sucessor espiritual de The Never Story, estreia do artista em 2017. Funcionando como uma “parte dois” de seu debut, o álbum é uma análise da vida e amadurecimento de JID pela ótica do próprio intérprete.

Dono de um flow com uma cadência rítmica inconfundível – do qual o rapper alterou incríveis 148 vezes durante a produção – The Forever Story abusa de samples extremamente urbanos para relatar a infância em Atlanta e cria beats nada convencionais, mas ainda sim, extremamente acessíveis ao público. Com uma produção extremamente coesa e um storytelling invejável, JID discorre sobre família, negritude, a violência das metrópoles e a separação que a fama provoca entre o artista e a pessoa. Em um ano rico para o gênero, o rapper coloca para sempre o álbum como um dos melhores registros (senão, o melhor) do ano e do estilo. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Raydar, Surround Sound e Money

Tame Impala – The Slow Rush B-Sides & Remixes

A já reconhecida e estonteante psicodelia de Kevin Parker, mas em versões completamente novas, definitivamente um dos presentes de 2022. Se a versão original, The Slow Rush  nos fez delirar em um vórtex de batidas eletrônicas, como nas músicas Is It True e Borderline, suas versões em remixes de artistas como Blood Orange e Lil Yachty parecem vir de outra dimensão.

The Slow Rush B-Sides & Remixes   traz também novas faixas como No Choice e The Boat I Row que mostram que a banda australiana iniciada em 2007 continua inovando e provavelmente assim deve ser por muito tempo, pois a mente de Parker parece ser uma fonte inesgotável de músicas criativas e eletrizantes e o sucesso já lhe rendeu vários prêmios. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: The Boat I Row, No Choice e Is It True (Four Tet Remix)

Eric Nam – There and Back Again

Dono de uma voz que parece ter sido criada justamente para acompanhar o mais leve toque de cordas em um violão, Eric Nam finalmente encontra o seu som em There and Back Again, o segundo álbum de estúdio da carreira. Cantando de modo que as letras soam como se derramassem exuberantemente os sentimentos de um coração partido, o artista estadunidense de descendência sul-coreana vai e volta no tema sem soar repetitivo.

“E se isso for algo que eu nunca vou superar?/Conversando com meus amigos e todos dizendo: “Eu avisei” “. Brutal na mesma intensidade que permite as emoções transbordarem, o disco tem o sabor refrescante do drama misturado com a realidade nada racional, o colocando em destaque em uma indústria facilmente movida pela superficialidade. A caminho dos 10 anos de trajetória musical, Eric Nam lançou uma versão reimaginada de There and Back Again em 2023. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: I Don’t Know You Anymore, Lost On Me e What If

Charlotte Adigéry, Bolis Pupul – Topical Dancer

Que o performativo sempre pertenceu às pistas não é nenhuma novidade. Mas o mix social, teatral e cômico — vindo de um ímpeto nascido diretamente da proposta de artistas como Grace Jones e Prince — feito pela dupla Charlotte Adigéry e Bolis Pupul é algo definitivamente refrescante no cenário da música pop, que necessita, como nunca, de uma nova linguagem crítica. Envolto pelo gênero da música disco, Topical Dancer apunhala o ouvinte de estranheza. O sentimento prevalece nos graves e sintetizadores dançantes de canções como Esperanto ou Blenda, que ardilosamente mascaram, em uma primeira impressão, os comentários ácidos e irônicos da dupla acerca do racismo, xenofobia e misoginia vividos no cotidiano de qualquer minoria social frente o histórico de países como a Bélgica, que ainda recusam-se a olhar seu passado colonial com os devidos intuitos de reparação. 

Em por seu próprio universo sonoro de referências, do funk dos anos 80 à música eletrônica do ínicio do século, faixas como It Hit Me, que se inicia dando espaço a um relato quase diarístico acerca de um episódio de assédio sexual, são amostras do tom da crítica de Adigéry e Pupul, que nega um didatismo que apenas postula o que é correto ou errado. Para além do conteúdo de suas canções, as percussões produzidas pelo duo também reverberam no contexto diaspórico tão estruturante do trabalho, em seu resgate de um rock que beira a David Byrne mas na carcaça de sons da música haitiana. No humor de HAHA — em que a cantora alcança o máximo de sua experimentação e performance — mora a consciência social dançante em que Topical Dancer, a partir do poder de movimento dos corpos, finca suas mensagens para muito além da epiderme. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: It Hit Me, Making Sense Stop, HAHA

Megan Thee Stallion – Traumazine

Depois de tocar por todos os rodeios de Houston com o viral Savage e ser presenteada com a voz de Beyoncé para o remix, Megan Thee Stallion também ganhou o olhar cuidadoso da gravadora Roc Nation de Jay-Z. Em 2022, a rapper texana entrou na justiça contra a sua distribuidora original, a 1501 Certified Entertainment, para conseguir rescindir um contrato por obra injusto que a manteve refém até o lançamento do disco Traumazine. Infelizmente, Stallion precisou enfrentar o sofrimento de mais um tribunal, refletido nas composições vulneráveis e que impactou a sua trajetória artística e pessoal: o crime cometido por Tory Lanez.

Repleto de versos cortantes rimados com a ajuda de um flow único e nunca tão voraz, o segundo álbum de estúdio da ‘hottie’ traz a Arte do freestyle, a intensidade de letras inspiradas e ainda deixa espaço para um house dançante tomar conta. Segundo o seu perfil para o The Cut, Traumazine seria “a substância química liberada no cérebro quando ele é forçado a lidar com emoções dolorosas causadas por eventos e experiências traumáticas”. Fazendo jus ao conceito, Megan Thee Stallion vem com sangue nos olhos e sede de vingança em uma produção que põe fim aos traumas e a consolida como uma das principais vozes da Música atual. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Plan B, NDA e Her

Baco Exu do Blues – QVVJFA? 

Quantas vezes você já foi amado? Essa é a pergunta que guia o terceiro álbum de estúdio de Baco Exu do Blues. Nesse projeto, o cantor  nos revela suas inseguranças e fracassos por meio de versos tão poéticos que nos fazem voar. Abrindo alas para abordar questões como objetificação do corpo negro, gordofobia, autoaceitação e a solidão do jovem preto, o rapper nos conquista pela coragem de mostrar-se tão frágil. Entre exaltar sua religiosidade e discutir como recebemos e damos afeto, mergulhamos no íntimo do cantor para não querer voltar. 

Formado por 12 faixas que trazem feats de peso como Gal Costa, Gloria Groove e Muse Maya, QVVFJA? consegue encontrar um equilíbrio entre o seu lado sexual explorado em Não tem Bacanal na Quarentena para músicas que mesclam, junto com lado erótico do álbum anterior, amor, medos e dúvidas. Com beats suaves, românticos e carregados no R&B, Baco retorna para o cenário brasileiro apostando em uma fórmula um pouco diferente, mas que, ainda sim, consegue prender nossa atenção. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: 20 ligações, Samba In Paris, Mulheres Grandes e Lágrimas

Karol Conká – Urucum

Karol Conká sempre foi conhecida por suas parcerias de peso com grandes produtores. Entre Nave, Tropkillaz e Boss in Drama, essas colaborações fazem da discografia da rapper um verdadeiro arco-íris sonoro, que sempre carrega, independente de qualquer distinção, sua essência artística. Sendo assim, para Urucum, RDD assina a produção executiva. Cabeça criativa do coletivo ÀTTØØXXÁ, Rafa Dias une seus poderosos graves aos sons típicos de Salvador para fazer desse um dos projetos mais musicalmente diversos e interessantes da cantora curitibana. Um resultado espetacular para um disco que nasce em um contexto extremamente delicado.

Após um BBB 21 com rejeição histórica, Conká usa Urucum como ambiente de terapia e reflexão. O seu penteado alucinante da capa, em referência à lenda da Medusa, petrifica a ela mesma, aludindo que o narcisismo que feriu aqueles ao seu redor – em plena rede nacional – também a consome por dentro. Desse modo, a rapper olha para dentro para que, assim, entregue seu próprio diagnóstico do mundo. Afinal, do que Karol Conká é culpada? Se fosse outra pessoa, com vivências opostas à sua, tomando as mesmas atitudes, ela sofreria o mesmo linchamento virtual? É a partir destes questionamentos que Karol brinca com a contraste e reencontra seu icônico deboche em um movimento deliberadamente televisionado de autocura. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Fuzuê, Cê Não Pode, Vejo o bem

 Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Vencedor do Melhor Álbum de Música Urbana no Grammy Latino, topo nas paradas da Billboard por mais de dez semanas consecutivas e somando mais de oito bilhões de reproduções no Spotify, não seria exagero dizer que Bad Bunny fez história ao lançar seu novo projeto. Utilizando do reggaeton, que tem suas raízes na música caribenha – lugar de onde o cantor veio, e distinguindo o álbum em parte A (alegre e solar) e B (tranquila e reflexiva), o cantor separa ao ouvinte o melhor de sua produção musical. Levando sua cultura e influências a um nível global, com participações de conterrâneos em suas canções, Bad Bunny entrega um trabalho completo. 

Em seu quarto e mais recente trabalho, Un Veterano Sin Ti, o cantor trabalha temas de maior vulnerabilidade, falando sobre sentimentos e a relação entre dor e entrega. Se a proposta de cantar e trabalhar temas como saudade e o encontro de um novo amor desde seu álbum de lançamento, X 100pre (2018), nesse álbum elas estão ainda mais escancaradas e ainda melhores trabalhadas. O ouro está ali, disponível aos que se propõe a adentrar essa jornada – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Tarot, Otro Atardecer e Ojitos Lindos

Arcade Fire – WE

O Arcade Fire que nós queríamos e precisávamos está de volta. Com referência clara a obra distópica de mesmo nome do escritor russo Yevgeny Zamyatin, o sexto álbum de estúdio do grupo canadense retorna as origens da banda. Cinco anos após o divisivo Everything Now, WE é a amarração dos diferentes Arcade Fire que surgiram nesses quase 20 anos de estrada. O disco também marcou a saída de Will Butler (irmão do frontman Win) da banda.

Dessa vez, a crítica do álbum cai sobre uma sociedade totalmente exposta e incerta. Dentre suas faixas com várias partes, a obra é dividida em duas metades: I e We. A primeira trata de ansiedade, medo, distanciamento e solidão. O contexto fica ainda mais evidente ao perceber que o álbum foi maturado durante a pandemia de covid-19, o que faz com que faixas como Age of Anxiety I batam mais forte. Já a segunda metade, fala do desejo de união tratando-o como distópico, como pode ser percebido em Unconditional II (Race and Religion), que, repetindo uma característica do Arcade Fire de trazer grandes nomes para sua produção, conta com a participação do lendário Peter Gabriel.

A banda une o indie rock com o synthpop como ninguém, fazendo da produção uma experiência catártica que é consciente ao guiar as emoções dos ouvintes através de suas faixas. Por essa razão, o disco nos lembra e lembra o próprio grupo o potencial que eles têm como coletivo e banda de arena, sendo extremamente performáticos, experimentais e sensoriais, da mesma forma que os garantiu sucesso. Por isso, WE nos traz de volta o Arcade Fire que não tem medo de ser Arcade Fire. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Age of Anxiety I, Age of Anxiety II (Rabbit Hole) e Unconditional II (Race and Religion)

Red Hot Chili Peppers – Unlimited Love

Mais de uma década depois, o guitarrista John Frusciante retorna às origens californianas e quebra o silêncio de seis anos na fábrica dos Chili Peppers. O calouro Unlimited Love conquistou o primeiro lugar na Billboard 200 e atingiu a segunda estreia no topo desde o aclamado Stadium Arcadium (2006). O sucesso foi responsável por reacender o funk martelante de sua dinâmica original e alcançar o maior desejo dos fãs: trazer de volta o que faltava.

O disco é uma experiência gratificante, responsável por deixar aquele gostinho de quero mais A volta de Frusciante fez com que o quinteto californiano reencontrasse o dinamismo que supera o de bandas com metade de sua idade. Os Chili Peppers fazem as pazes com o passado e redescobrem sua química sonora de maneira intensa. A nostalgia do amor cura toda a saudade e acolhe com imensa familiaridade o som Ilimitado que apenas os californianos sabem produzir. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: She’s a Lover, Black Summer e Here Ever After

Wet Leg – Wet Leg

O (indie) rock não morreu! Em um gênero de dominação masculina, principalmente de sua vertente britânica, é da estreia do duo feminino que ecoa a revitalização do estilo. Naturais da Ilha de Wright, pequeno reduto da contracultura inglesa no século passado, Rhian Tisdale e Hester Chambers confirmam toda a expectativa depositada pela indústria quando Chaise Longue, primeiro single do projeto, despontou ainda em 2021. Não à toa, Wet Leg logo caiu nas graças da crítica e, replicando os expoentes do indie no início do século XXI, vem conquistando o público através do boca a boca.

Fusionando o que de melhor foi criado na cultura fonográfica britânica, o autointitulado Wet Leg cria contrastes interessantíssimos, resultando nas enérgicas e cativantes Chaise Longue, Too Late Now e Wet Dream; que dividem espaço perfeitamente com passagens mais íntimas como Loving You e Piece of Shit. Por mais rico que pareça, o ouro do álbum é justamente não estar preocupado com essa imagem. 

A postura despreocupada do grupo ganha forma em um produto que apresenta ótimas letras ironicamente irreverentes e recheadas de originalidade. Mesmo dentro da fórmula guitarra, baixo e bateria do garage rock, ele consegue passear e experimentar dentro dessa vertente. O resultado é um registro de um duo que não quer rebuscar conceitos ou ousar em questão de complexidade, mas somente fazer Música pela Música. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Wet Dream, Chaise Longue e Oh No

O post Os Melhores Discos de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

No último ano, a editoria de Literatura foi uma das áreas que se consolidou no Persona. A parceria com a Companhia das Letras recebeu uma melhoria, nos tornando Parceiros Fixos. Como resultado, mais de 30 livros foram resenhados em 2022, e a grande maioria foram obras lançadas pela editora. Nós também ficamos de olho em eventos literários, como o Nobel de Literatura, e nosso Clube de Leitura e Estante do Persona se revitalizaram. Como um balanço do que foi o ano passado para o projeto – e para a Literatura no mundo –, chegamos com Os Melhores Livros de 2022.

Dos dias 2 ao 10 de Julho, membros da nossa Editoria cobriram a 26ª Bienal Internacional do Livro de São Paulo, que ocorreu no Expo Center Norte. Dentre os destaques, a Homenagem a José Saramago – que completaria 100 anos em 2022 –, feita por Andréa Del Fuego, José Luís Peixoto e Jeferson Tenório, e a presença de Paulina Chiziane e Valter Hugo Mãe, marcaram a última edição do festival.

O evento, na verdade, teve dupla celebração: além do centenário do único escritor de língua portuguesa a receber o Nobel de Literatura, 2022 também marcou o bicentenário da Independência do Brasil. Dessa forma, a celebração se deu na forma de reconhecimento da identidade linguística, que une continentes através do idioma em comum, e contou também com a presença do presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa.

Em Maio, a Companhia das Letras publicou a tradução O rei pálido, romance póstumo de David Foster Wallace, finalista do Pulitzer em 2012 e que estava em processo de tradução desde 2014. Pela mesma casa editorial, Sátántangó, do húngaro László Krasznahorkai, finalmente chegou ao mercado editorial brasileiro. Eterno favorito ao Nobel de Literatura, esse é o primeiro livro do autor publicado no país. 

E, falando da premiação, 2022 foi o ano de Annie Ernaux. A escritora francesa foi a grande vencedora do Nobel de Literatura, e foi tema do nosso Clube do Livro meses antes de sua consagração. Em Novembro, ela veio ao Brasil para participar da Festa Literária de Paraty (Flip), onde dividiu uma mesa com Geovani Martins, autor de Via Ápia. Além das entrevistas com os escritores Tobias Carvalho e Daniel Galera, o Persona também foi representado no podcast Clube Rádio Companhia, da Companhia das Letras, no papo sobre os 10 anos de lançamento de Barba ensopada de sangue, de Galera.

Abaixo, você confere a lista das obras que marcaram os membros da Editoria e nossos colaboradores no ano de 2022, com gêneros e estilos para todos os gostos. Seja qual for a sua escolha, o Persona segue defendendo a pluralidade, irreverência e emancipação propiciada pelos livros. Boa leitura!

Annie Ernaux – O Acontecimento

“O que vale é a qualidade e não a quantidade”. Essa frase serve para definir a ponta do iceberg da catarse que Annie Ernaux provoca com suas meras 80 páginas na obra O Acontecimento. Ambientado em 1963, o livro possui caráter autobiográfico, trazendo a passagem de quando, aos 23 anos, a autora engravidou, contra seu desejo, de seu namorado à época. Quarenta anos depois, Ernaux usa toda a força para destrinchar o capítulo de vida em que, sozinha, buscou meios para realizar o aborto de maneira clandestina.

Nenhuma mulher faz aborto sorrindo, e Ernaux, uma das principais vozes feministas da contemporaneidade, para esclarecer toda a profundeza de sentimentos envolvidos, se arma de seu bem maior: as palavras. Aqui não existe a intenção de criar um teatro ou trazer subjetividade em relação às escolhas feitas sob o próprio corpo; a autora é direta e honesta em contar publicamente sua história. Acima disso, a imersão criada pela análise de O Acontecimento leva o leitor a refletir sobre como as leis imperam nos corpos femininos. Esse dom e coragem de Annie Ernaux na produção de textos tão crus e carregados de uma verdade ímpar, ao mesmo tempo comum a sociedade, a tornou vencedora do Prêmio Nobel de Literatura de 2022. – Ana Júlia Trevisan

Bernardine Evaristo – Manifesto: Sobre nunca desistir

Consolidada autora de ficção e não-ficção, professora de escrita criativa e presidente da Royal Society of Literature, a principal organização literária da Grã-Bretanha, em 2019 Bernardine Evaristo se consagrou no mercado editorial com o troféu do Booker Prize, o maior prestígio da literatura inglesa, por Garota, Mulher, Outras. Muito antes da fama e dos louros, a escritora britânica era uma iniciante como qualquer autor, o que ela narra no livro de memórias Manifesto: Sobre nunca desistir.

Na obra, publicada pela Companhia das Letras, Evaristo percorre os caminhos que a levaram a sua literatura atual: seu modo de escrita, suas convicções acerca do mercado editorial e suas inspirações mudaram desde que saiu da casa de sua grande família, e a influenciaram a compor sua prosa como é hoje. Atingindo seu ápice ao mergulhar mais profundamente do que o leitor testemunha na leitura, a inglesa perpassa o que, antes de pegar o papel e caneta, a formou como pessoa.

Manifesto é, literalmente, o manifesto de Bernardine Evaristo. De origem nigeriana, a autora repassa seus anos de criança e adolescência, vivendo em uma casa com muitos irmãos e pouca individualidade, e descobrindo sua própria identidade – aqui, tanto como mulher negra, filha de mãe branca, quanto sua orientação sexual, ideologia política e social. Sensível, sincero e direto, Manifesto: Sobre nunca desistir oferece uma janela aberta a vida de uma das mais importantes e relevantes escritoras contemporâneas vivas. – Vitória Gomez

Annie Ernaux – A Vergonha

A criadora da autossociobiografia, Annie Ernaux, já se mostrou uma mestre em contar histórias da própria vida de um jeito cru e subversivo. Em A Vergonha, a autora não abandona esse viés e traduz milimetricamente os eventos que rodearam sua infância. Vivendo na Normandia com 12 anos, o livro começa com um evento traumático ocorrido em uma tarde de domingo na casa dela e, a partir disso, somos expostos a desenrolares absurdos. 

Tudo é contado com ritmo permanente e com uma clássica mistura de reflexão e literalidade, já conhecidas em outros textos de Annie, como O Acontecimento e O Lugar. Sem precisar de recursos dramáticos, a obra – traduzida por Marília Garcia – nos coloca no cerne das coisas que constróem a tal vergonha na forma de um constrangimento acerca do próprio existir. Assim, a leitura das 88 páginas nos dói, mesmo sem tal intenção. A Vergonha é um tiro, rápido e fatal. – Jamily Rigonatto

Daniel Galera – Barba ensopada de sangue (Edição Especial de 10 anos)

Barba Ensopada de Sangue conta a história de um professor de Educação Física sem nome, que viaja para Garopaba em busca de seu avô desaparecido, após o suicídio do pai. Essa história, porém, já possui mais de 10 anos. Em 2022, em comemoração a data, a obra recebeu uma edição especial comemorativa, com apresentação de Carol Bensimon e posfácio de Júlio Pimentel. O interessante é perceber que, uma década depois, continua a ser um livro instigante e potente.

Temas como identidade, família, memória e morte são amplamente abordados na trama, com Daniel Galera utilizando uma linguagem rica e poética para descrever as paisagens costeiras do sul do Brasil e a atmosfera opressiva e enigmática da história – seja com h minúsculo ou maiúsculo. Ao mesmo tempo, o romance também apresenta uma reflexão profunda sobre as relações humanas e as consequências do passado em vidas presentes. Leitura essencial para quem deseja se aprofundar na Literatura brasileira contemporânea. – Bruno Andrade

David Graeber & David Wengrow – O despertar de tudo

Nesse livro fascinante, escrito pelo antropólogo David Graeber e pelo arqueólogo David Wengrow, os autores propõem uma nova visão da história da humanidade. O despertar de tudo apresenta uma crítica às teorias convencionais sobre a evolução humana, que supõem uma trajetória linear e progressiva rumo à civilização. Segundo os autores, a história da humanidade é muito mais complexa e multifacetada do que se imagina. Eles argumentam que a noção de “primitivismo” é equivocada e que as sociedades “primitivas” possuem formas de organização social e conhecimento que são tão complexas quanto as sociedades ocidentais modernas. 

Além disso, Graeber e Wengrow defendem que as sociedades humanas possuem uma capacidade inata de inovação e criatividade, e que a história da humanidade é marcada por momentos de despertar coletivo, nos quais novas ideias e práticas surgem e transformam a sociedade. Por meio de uma análise profunda da história da humanidade, O despertar de tudo nos convida a repensar nossas concepções sobre a natureza humana e a sociedade. Com uma visão mais plural e diversa da história, que valoriza as contribuições de todas as sociedades humanas, o livro nos inspira a buscar novas formas de convivência e desenvolvimento. – Bruno Andrade

Dolly Alderton – Tudo o que eu sei sobre o Amor

Tudo o que eu sei sobre o Amor é a autobiografia de Dolly Alderton, escritora e jornalista britânica, que conta de forma divertida sua jornada de amadurecimento. O livro começa provocando a indagação “que vidas malucas são essas?”, mas, ao longo dos capítulos, desperta a mais profunda identificação com aqueles que já foram, ou ainda são, jovens perdidos e apaixonados. A leitura, que pode começar um pouco intrincada, adquire ritmo paulatinamente, até envolver o leitor numa história tão relacionável sobre as dores e as delícias de ser adulto.

A autora registra todos os seus vacilos, egoísmos e aprendizados ao longo de seus vinte e poucos anos, de maneira sincera e irreverente, tal qual a personagem Carrie Bradshaw, de Sex and the City. A obra também guarda semelhanças com o romance de Helen Fielding, O Diário de Bridget Jones (1996), cuja diferença consiste no diário de Alderton não ter nada fictício. As crônicas da britânica, além de registrarem o que ela sabe sobre o amor, expõe os medos que acompanham a chegada da vida adulta. Em determinado ponto da narrativa, a autora assume o papel de amiga do leitor e o consola com o seu melhor ensinamento: “pare de esperar as coisas acontecerem e preste atenção nas pessoas que já estão na sua vida”. O grande amor pelo qual você procura pode ser uma amizade, um parente, um trabalho e até mesmo o amor próprio. – Costanza Guerriero

Ali Hazelwood – A Hipótese do Amor

Muitas coisas são calculáveis, tem suas respostas numericamente exatas prontas para serem registradas rotineiramente em um bloco de notas. Com os sentimentos não funciona assim, e as reações químicas do cérebro atuam como um segredo só dele. Com isso em mente, Ali Hazelwood retoma o clichê do fake dating diretamente das fanfics e faz isso da maneira mais doce possível em A Hipótese do Amor. Com uma protagonista que não sabe afirmar o próprio potencial e um professor universitário em busca de aprovação, a conta dá resultados cientificamente surpreendentes.

Olive Smith é estudante de doutorado em Biologia em Stanford e vê a Ciência como uma cadeia pronta e totalmente presa às probabilidades. Em uma tentativa inocente de juntar a melhor amiga, Anh, e Jeremy, é feito um combinado com o jovem professor Adam Carlsen. O romance é narrado em terceira pessoa e nos conta as perspectivas da personagem, enquanto todo o seu controle é perdido e ela acaba completamente apaixonada. 

Apesar de soar previsível, Ali consegue impor toda a sua originalidade em uma narrativa escrita de forma leve e muito fluida. Olive é demissexual e isso torna sua trajetória uma experiência intimista e completa. Outro destaque da obra é o jeito de construir os laços entre os personagens, pois a autora escolhe os caminhos que tornam as relações mais firmes. A Hipótese do Amor é uma leitura animadora para os dias nublados, um jeito de reconfortar o imaginário de quem navegava no wattpad em 2015. – Jamily Rigonatto

Casey McQuiston – Última parada

Jovem, cética e recém-chegada a Nova Iorque, August é confrontada com seus colegas de quarto calorosos e espirituosos. Quando se afeiçoa por Jane, com quem diariamente divide o mesmo vagão de metrô, a vida da garota vira – ainda mais – de cabeça para baixo. Isso porque a conhecida está presa no subterrâneo desde os anos 1970, sem escapatória e sem lembranças de suas aventuras passadas. Em Última parada, histórias de amor não são só românticas, tampouco passageiras quanto o ritmo do metrô.

A narrativa de Casey McQuiston, responsável pelo sucesso Vermelho, Branco e Sangue Azul, repete o feito da autora na obra anterior: ainda que por caminhos intensos, conduz os pensamentos de August de forma leve e divertida, identificável com quem, jovem adulto como ela, encara o mundo e as adversidades à frente. Os toques de ficção científica dão um tom ainda mais renovador à trama: cheio de representatividade, a sexualidade e os modos de vida millennial dos personagens são subtextos animadores, que agregam à identificação com a Última parada para uma experiência ainda mais envolvente. – Vitória Gomez

Clara Alves – Romance real

A realeza está batida e já saturou todas as partes do mercado cultural com suas narrativas, mas quando se fala no universo LGBTQIA+ todos os clichês têm passe livre para tomar lugar na mente de um público cujas possibilidades de amar sempre foram restringidas. Assim, Clara Alves chegou às livrarias com Romance real e o chavão merecido pelos amores de contos de fadas. 

Dayana é fã de One Direction e conhecer Londres é um dos seus sonhos, no entanto, as circunstâncias não são as melhores. A jovem acabou de perder a mãe e vai ter que fazer um reencontro com o pai que a abandonou 10 anos antes. Mas como a vida é uma caixa de surpresas, os caminhos ganham novos ares quando uma ruiva um tanto misteriosa chamada Diana cruza seu caminho e as duas passam a se desvendar. 

Longe da futilidade, abandono parental e luto são temáticas trabalhadas por toda a narrativa. Clara também explora em Dayana a representatividade negra, gorda e bissexual, partindo por um rumo que salienta a importância de que personagens de todas as características merecem seu final feliz. Leve e encantador, o livro é um presente para o cenário nacional e mostra que “real” tem mais de um significado. – Jamily Rigonatto

David Foster Wallace – O rei pálido

Quando se ouve que David Foster Wallace foi a voz de uma geração, há um fundo de verdade quase cientificamente provável. A obra de um escritor é, geralmente, resultado da mistura entre o talento individual e a sociedade que o produz. Essa é a forma como a Literatura é feita – talvez seja até mesmo a maneira como toda a Arte é produzida. O rei pálido, porém, romance póstumo do autor, guarda, naturalmente, semelhanças com Oblivion (2004), última coletânea de contos lançada por ele ainda em vida, em que explora a natureza da realidade, sonhos, traumas e a dinâmica da consciência. Dessa maneira, o livro de 2011 (que chegou às prateleiras brasileiras em Maio de 2022) também examina a atividade da mente. 

Finalista do Pulitzer em 2012, quatro anos depois do falecimento do autor, o robusto romance de 608 páginas narra a história de um grupo de pessoas que trabalham em um centro de processamento de declarações do imposto de renda em Illinois. Alguns dos personagens (Claude Sylvanshine, David Cusk, Lane Dean Jr. e Leonard Stecyk) se envolvem uns com os outros de várias maneiras, não obviamente consequentes. Dois deles se chamam David Wallace, e essa é toda a trama. Mas, embora seja previsível pensar que, tendo como ponto de partida uma investigação sobre o tédio, o romance possa oferecer um enredo tão tedioso, O rei pálido não é, propriamente, “sobre” nada, pois Wallace não escreve sobre seus personagens, mas “através” deles. Levando a empatia explorada em suas obras anteriores a outros níveis, o romance é uma das melhores coisas já escritas na Ficção. – Bruno Andrade

Eliana Alves Cruz – Solitária

Mulheres negras que trabalham como empregadas domésticas conquistam seu protagonismo em Solitária, de Eliana Alves Cruz. Eunice, que trabalha e mora em um condomínio de luxo, presenciou uma tragédia: a morte de uma criança. Com testemunho decisivo na solução do crime, ela conta com sua filha Mabel para colocar um ponto final no caso.

Escrita com força e esmero, as vivências das domésticas são o grande foco da trama. Eliana usa seu texto bem construído para debater temas atuais e históricos, como as relações trabalhistas, diferenças de classe e raça, e o papel de gênero. A autora não tem medo de ser direta, mas constrói uma narrativa doce quando necessário. Solitária traz não só uma boa história, como também amplia a reflexão. – Guilherme Dias Siqueira

Jarid Arraes – Corpo Desfeito 

Amanda vive em Juazeiro do Norte no interior do Ceará e faz parte da terceira geração de uma família cercada de abusos. Sua mãe Fabiana, a avó Marlene e o avô Jorge representam uma cadeia de processos violentos, capazes de afetar suas experiências por completo. Em Corpo Desfeito, publicado em 2022 pela editora Alfaguara, esses personagens compõem uma história dolorosa e cheia de eventos absurdos.

Se antes da morte da mãe a convivência já era ruim, depois da partida de Fabiana e Jorge as coisas ficam insustentáveis. Presa a uma ideia fanática da vida, Marlene passa a cultuar a filha morta como se fosse uma santa e, assim, as abstenções se tornam a regra. A matriarca passa a propor comportamentos distantes das características mundanas e obriga Amanda a estar na mesma caixa, tornando a vida da jovem um grande fardo cheio de pressão e medo. 

Jarid escreve a narrativa com destreza e prende o leitor em cada um dos trechos. Apesar de abordar tópicos sensíveis, a curiosidade para entender até onde isso vai se mantém constante. Ainda é possível encontrar a leveza e equilíbrio no texto com a relação entre a protagonista e a amiga Jéssica, um laço transformado em sentimentos amorosos que ensolaram o enredo. Passeando sobre as consequências da violência na infância e adolescência, o fanatismo religioso e os limites das relações familiares, Corpo Desfeito desmonta uma história fictícia que poderia estar estampada em qualquer manchete de jornal. – Jamily Rigonatto

Jennette McCurdy – Estou Feliz que Minha Mãe Morreu

Jennette McCurdy se inseriu no mundo da atuação aos seis anos de idade, na esperança de se tornar uma estrela e, assim, realizar o sonho de sua mãe. Tornando-se conhecida apenas anos mais tarde, por seu papel em iCarly (2007-2012), da Nickelodeon, sua vida atrás das telas era muito mais complicada do que qualquer pessoa que a visse brilhar como a personagem Sam Puckett pudesse imaginar.

Com esse contexto, Estou Feliz que Minha Mãe Morreu é um livro de memórias de uma vulnerabilidade surpreendente, destacando as lutas da autora com sua mãe abusiva, seus distúrbios alimentares, vícios e as dificuldades que acompanham o fato de ser uma estrela infantil. Ela revela sua criação perturbada em detalhes inabaláveis com um humor e tom encantador, fazendo com que a obra tenha uma leitura envolvente, embora difícil de ser digerida em muitos pontos. – Raquel Freire

Jessica Jung – Bright

Apenas 1 ano e meio depois do lançamento de Shine: Uma chance de brilhar; best-seller do New York Times de Jessica Jung, a cantora, escritora e vendedora de jóias nas horas vagas voltou com o sucessor Bright. Em 2022, a publicação foi responsável por dar continuidade ao frenesi causado na indústria da Música sul-coreana pelo seu romance de estreia, recheado de revelações pouco discretas acerca dos bastidores. 

Desta vez, a protagonista Rachel finalmente encara as decepções envolvendo a sua participação no grupo nada amigável Girls Forever, e o seu relacionamento com Jason, o maior babaca do K-pop. Entregando um desenvolvimento digno das melhores fanfics, Jung novamente não exitou em escrever a sua verdade por meio do disfarce da ficção e reviveu no público a empatia pelos momentos cruciais que passou durante a sua estadia nessa indústria tão letal. – Nathalia Tetzner

Juliana Leite – Humanos Exemplares

Para onde vão nossos testemunhos quando o gosto sombrio da morte chega aos nossos lábios? Por mais que não nos pergunte diretamente, essa é a questão por trás de Humanos Exemplares. Escrita por Juliana Leite e publicada pela Companhia das Letras em 2022, a obra nos apresenta Natália, uma mulher de 100 anos com muito a contar, mas sem plateia para ouvir.

A senhora guarda em si grandes relatos sobre o período ditatorial, o medo que a afligiu e os sonhos que construiu, entretanto, quando ela morrer as coisas vão acompanhá-la aos planos intocáveis. Enquanto trata da fragilidade da memória e gera reflexões sobre como isso afeta universos particulares e grandes eventos históricos, a autora também nos leva a um passeio sobre as angústias da terceira idade e o valor da velhice. 

Cheia de personagens bem desenvolvidos e diversas declarações valiosas, a narrativa é um deleite apaixonante, mas devastador. Natália e Vicente, seu marido já falecido, são resultados diretos de um país tomado pelas chamas de um golpe, e a forma como isso se reflete em seus comportamentos e desejos é explosiva. Entre as ruínas das lembranças, os arquivos perseguidos pelo tempo são os mais raros. – Jamily Rigonatto

László Krasznahorkai – Sátántangó

Embora escrito nos anos 1980, Sátántangó não está especificamente ancorado em sistemas ou governos da época. Na verdade, o húngaro László Krasznahorkai dá tratamentos “míticos” à obra, na qual o universo sombrio de uma pequena comunidade dá as formas desse romance monstruoso, que já nasceu clássico. Muito do que se conhece da obra vem de sua adaptação cinematográfica, feita pelo diretor Béla Tarr em 1996, com roteiro adaptado pelo próprio Krasznahorkai e mais de 7 horas de duração. Na história do livro – que está dividido em duas partes, primeiro de 1 a 6 e, depois, de 6 a 1, como no tango –,  há a chegada de um homem misterioso à vila. Chamado Irimias, ele pode ser um profeta, um cético ou o próprio diabo, visto que retorna após ser dado como morto.

A escrita de László – representada, aqui, na tradução de Paulo Schiller –, ao mesmo tempo em que alimenta o mistério, nos põe em um transe vertiginoso no qual somos embalados. Influenciado por Friedrich Nietzsche, Fiódor Dostoiévski e Franz Kafka, a quem pertence a epígrafe da obra, o escritor promove em Sátántangó uma discussão extremamente interessante sobre os falsos profetas e os sentidos da alienação. Em retrospecto, também se percebe um rigoroso cuidado na escolha das palavras – o que pode explicar a demora que o livro teve no processo de tradução –, visto que, para o autor, as palavras são tudo. A parte surpreendente deste livro é a mistura interessante entre o estilo “modernista” e “pós-modernista”. Em determinados trechos, László Krasznahorkai soa como um modernista clássico, mas o estilo fragmentado da obra, em que os capítulos começam com tramas subdesenvolvidas que vão se encorpando ao longo das páginas, dá ainda mais profundidade a Sátántangó. – Bruno Andrade

Guadalupe Nettel – A filha única

Doce e discreto. Não há melhor forma de descrever o texto de Guadalupe Nettel, cuja calma em descrever situações emocionalmente fortes é um dos grandes destaques da sua escrita. A maternidade, sem qualquer clichê, é o grande pilar desse livro: a narradora, Laura, não quer ter filhos, e desde o início contextualiza sua opção em não gerar um novo ser.

Alina e Doris compartilham com Laura o circuito central da trama, e exploram as múltiplas camadas em torno de “ser mãe”, apontando para a condição não como uma experiência, mas sim um mosaico de sensações que não podem ser descritas de modo raso. Para Nettel, não é um presente ou castigo, mas algo que transcende um ser e transborda para todos os lados. A filha única imerge os leitores em uma experiência que nem todos são capazes de viver. – Guilherme Dias Siqueira

Geovani Martins – Via Ápia

Após a forte repercussão nacional e internacional de O sol na cabeça (2018), a coletânea de contos que marcou sua estreia na literatura brasileira, Geovani Martins lançou seu primeiro romance, intitulado Via Ápia. A obra explora os impactos da instalação da UPP (Unidade de Polícia Pacificadora) na vida dos moradores da Rocinha, mais intimamente no cotidiano de cinco jovens negros, em três momentos diferentes: antes, durante e depois da ocupação.

O ponto mais tocante da ficção, sem dúvidas, é o quão real ela é. Martins cria um enredo que perpassa temas como violência, esperança, luto e amor análogo àquilo que é vivido fora das páginas. Com uma linguagem repleta de gírias e vícios de concordância, típicos da oralidade, o autor consegue construir a realidade da favela e desconstruir o imaginário da homogeneização de forma muito fluida. Via Ápia é uma leitura necessária em memória de todos que foram e são vítimas do sistema de segurança brasileiro, além de ser um livro que consagra Geovani Martins como um dos principais nomes da Literatura marginal. – Raquel Freire

Ian Fraser – A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê

Ian Fraser é um romancista nascido e criado em Salvador, na Bahia, e é conhecido por algumas de suas principais obras – Araruama, Noir Carnavalesco e seu mais recente lançamento, A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê. Todos os seus livros, apesar de divergirem no enredo, se assemelham na retratação do cenário nordestino brasileiro; no entanto, Fraser se supera ao representar o sertão das maneiras mais inusitadas.

No caso de A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê, a narrativa acompanha Severino, um humano que trabalha como investigador em uma galáxia distante e que, no lugar do olho esquerdo, possui um artefato tecnológico que permite ver os últimos momentos de uma pessoa antes de morrer. Ao longo de sua jornada investigando um assassinato junto ao fiel companheiro Bonfim, Severino passa por elementos inspirados em Star Wars, Guardiões da Galáxia e Bacurau, unindo perfeitamente o pop com a vivência nordestina. – Amábile Zioli

Ilustralu – Arlindo

Arlindo, livro vencedor do CCXP Awards de 2022, traz a história de um rapaz homossexual que mora no interior do Rio Grande do Norte e que, como a maioria das histórias desse gênero, reflete sobre a descoberta e a aceitação, principalmente em cidades pequenas e religiosas. A obra, escrita por Ilustralu inicialmente como uma webcomic, mostra a vida do personagem homônimo, que é um menino ainda “no armário”, e que está passando pela experiência de primeiros amores. A pessoa mais próxima a ele, também queer, era sua tia, que, depois de criticada por ser uma mulher lésbica, decide se afastar da família e da cidade.

As histórias retratadas em Arlindo não focam apenas no personagem, mesmo que seja o protagonista, mas também comentam sobre outros adolescentes com outros problemas e que passam por dificuldades em casa ou com as tradições locais, muitas vezes inseridos em situações sufocantes. Mesmo que nem todos os personagens tenham ‘finais felizes’, a obra mostra que é necessário coragem e que a solidão queer não dura para sempre. – Dante Zapparoli

Mark Fisher – Fantasmas da minha vida

Em Fantasmas da minha vida, publicado originalmente em 2014 mas que chegou ao território brasileiro em 2022, Mark Fisher explora a relação entre a cultura, a política e a saúde mental. Fisher argumenta que a cultura popular, em particular a Música Eletrônica, é um reflexo dos sentimentos de alienação e desesperança que muitos jovens experimentam em uma sociedade neoliberal cada vez mais individualista e fragmentada. Ele também sugere que as possibilidades de futuro estão sendo dinamitadas por um presente contínuo, sendo a cultura popular um meio de resistência contra essas forças opressivas, mas apenas quando pensada de maneira crítica e consciente.

Ao longo do livro, Fisher utiliza sua própria experiência com a depressão para ilustrar seus argumentos sobre a saúde mental. Fantasmas da minha vida é também um livro de crítica cultural na forma mais ampla do termo: o filósofo britânico utiliza elementos da cultura pop para discutir sobre as condições de vida na contemporaneidade. De Arctic Monkeys e Joy Division a Drake e Christopher Nolan, Mark Fisher constrói um livro desafiador, sombrio e provocativo. – Bruno Andrade

Mariana Salomão Carrara – Não fossem as sílabas do sábado

Para morrer, basta estar vivo. É o que diz o senso comum, e se encaixa no caso de André, marido de Ana: bastou ele sair de casa no exato momento em que um homem (Miguel, marido de Madalena) caía da janela para que o seu fim chegasse. Não fossem as sílabas do sábado conta a história de duas mulheres que, para sempre, estarão unidas pelo trágico acidente que resultou na morte de seus maridos.

Assim, trata-se de um livro sobre o luto – e, portanto, sobre a vida. Mariana Salomão Carrara, nesta obra delicada e dura, aborda a dor ocasionada por uma morte que não deveria ocorrer, e por uma vida que deve ser encarada a partir de então. A luta e o luto, aqui, andam praticamente de mãos dadas, na tentativa de superar o inexplicável e de tentar entender a ausência de quem não deveria estar ausente. – Raquel Freire

Michelle Zauner – Aos prantos no mercado

Nas memórias de Michelle Zauner, ter uma dupla origem é como viver uma fratura. Sendo a comida sua principal ligação com a Coréia do Sul, é também nela que Zauner encontra uma das bases na educação sentimental, superando traumas da infância que dão lugar a uma nova responsabilidade sobre as escolhas da vida adulta. Em Aos prantos no mercado, a autora aborda o amor e a saudade.

Desenvolvido a partir de seu ensaio publicado na revista The New Yorker, o livro conta com uma linguagem poética e envolvente, que põe a vocalista de Japanese Breakfast em momentos marcantes de sua formação intelectual, como o relacionamento com seu pai e o processo de descoberta da Música, ao ganhar sua primeira guitarra da mãe. Aos Prantos no Mercado também traz reflexões importantes sobre a cultura coreana e o impacto da imigração na formação da identidade, mas tudo envolto em capítulos concisos e sentimentalmente potentes. – Bruno Andrade

Miguel Sanches Neto – O último endereço de Eça de Queiroz

Crítico, poeta, cronista, romancista e contista, Miguel Sanches Neto tem longa passagem pelas diferentes formas da Literatura. Em 2022, O último endereço de Eça de Queiroz trouxe o melhor de sua escrita com o uso excepcional da ironia para abordar os conflitos internos de um autor frustrado com a constante busca pelo sucesso comercial. No livro, o narrador é protagonista e assume o pseudônimo de Rodrigo S. M., nome que aparece em A hora da estrela (1977), de Clarice Lispector.

Para ilustrar a jornada peculiar de seu personagem, Miguel Sanches Neto contou com a ajuda dos fantasmas de clássicos da Literatura portuguesa. Fernando Pessoa, José Saramago e, obviamente, Eça de Queiroz, são algumas das personalidades que fazem parte do delírio. “Sobre a nudez forte da verdade, o manto diáfano da fantasia”, assim como o escritor de A Relíquia (1887), a narrativa do livro buscou o real através da ficção. – Nathalia Tetzner

Pagu – Parque Industrial

A seleção literária do ano que marca o centenário do Modernismo no Brasil guarda um lugar especial para as palavras daquela que é uma das principais referências do tema. Parque Industrial é o primeiro livro de Pagu, que escreveu sobre a transformação cultural que montava e desmontava o Brasil desde 1922 quando tinha exatamente 22 anos. Em 2022, então, a Companhia das Letras recuperou o clássico, que, desde o seu lançamento original em 1933, traça um caminho precursor na Literatura brasileira, sendo compreendido hoje como o marco inicial do gênero “Romance proletário”.

É na mecânica industrial de São Paulo na década de 1930 que Patrícia Galvão retrata as transformações que definiram o início do século XX no país, contraditoriamente iniciada na capital paulista, e irregularmente desenvolvida pelos demais centros do Brasil. Ao contrário das perspectivas abstraídas que originam boa parte das reflexões sobre o Modernismo no Brasil, porém, Pagu encarna seu olhar intrínseco à crítica sócio-cultural no ponto de vista singular de quem sempre está, simultaneamente, ao centro e às margens da sociedade: a mulher. 

Assim, o Parque Industrial pintado pelo pseudônimo Mara Lobo é completamente entrelaçado e fragmentado pelas dinâmicas das relações vivenciadas por mulheres nos âmbitos de gênero e classe. Pagu viu de perto o momento em que o tempo se transformou em dinheiro. A reação daquela jovem, sempre tão perto e embora ainda longe de todos os méritos revolucionários que a história recente do país lhe atribuiria, foi criar uma obra urgente e perene, como uma denúncia do capitalismo em avanço que mudou a vida no Brasil para sempre. – Raquel Dutra

Sarah Pearse – O sanatório

A história de O sanatório se passa em um hotel nos alpes suíços que, em um passado sombrio, foi um hospital psiquiátrico. O protagonista Elin Wagner vai ao encontro do irmão, Isaac, que está comemorando um noivado. Desde o início, ele sente a tensão ao se encontrar na hospedagem, e o desaparecimento da noiva de seu irmão serve como um catalisador de seu desespero.

O livro de estreia de Sarah Pearce tem uma escrita instigante que prende até o leitor mais distraído. Já comparado às obras de suas inspirações literárias – Agatha Christie e Stephen King -, o suspense de Pearce é intenso desde a primeira página, refletido na personalidade e nos comportamentos de seus sujeitos. É definitivamente uma experiência eletrizante. – Guilherme Dias Siqueira

Shirley Jackson – Sempre vivemos no castelo

Importante expoente do Horror, as obras de Shirley Jackson influenciaram grandes nomes da Literatura e do Audiovisual, como Stephen King, Neil Gaiman e Mike Flanagan. Suas vastas produções, porém, não são tão conhecidas quanto as de seus pares de gênero: apesar da falta de reconhecimento, o Terror de Jackson inspira o medo através do próprio  cotidiano, tornando o real, sobrenatural. Em Sempre vivemos no castelo, que ganhou uma nova edição pela editora Alfaguara, a dúvida se mistura ao macabro, com um toque de humor tenso e envolvente.

Na história, originalmente publicada em 1962, as irmãs Blackwood vivem isoladas em uma residência com o tio, após a morte de todos os familiares e os rumores de um assassinato dentro da própria família. Pelos olhos de Merricat, a caçula, os eventos do dia a dia ganham um tom místico, ao mesmo tempo que mágico e infantil, e as suspeitas quanto a veracidade da narração são constantes. Com a chegada de um primo da família e o mistério acerca do que realmente aconteceu na propriedade, o Horror desponta justamente a partir da dúvida e da falta de confiança na narradora de Sempre vivemos no castelo. – Vitória Gomez

Simon Stålenhag – Estado elétrico

Indicado ao Prêmio Arthur C. Clarke em 2019, Estado elétrico (ou Passagen, no original da língua sueca) fica no limiar entre o livro ilustrado e o romance gráfico, com grandes painéis que nem sempre vêm acompanhados de textos claros. A bem da verdade, o livro parece ser um artefato quase contemplativo, retirado diretamente da distopia que pretende retratar, embora essa aura distópica das ilustrações de Simon Stålenhag dialogue com os universos de “tecnologia sucateada” do cyberpunk.

As artes de Estado elétrico são cheias de detalhes, e a temática do autor combina suas próprias impressões da infância às inspirações da ficção científica, resultando em um cenário estereotipado da Suécia com itens futuristas agregados. Stålenhag cria suas imagens utilizando uma mesa gráfica, valendo-se de técnicas e configurações específicas para simular pinturas a óleo, que se unem ao seu talento para narrar. – Bruno Andrade

Stephen King – Conto de Fadas 

Escrito na voz do adolescente Charlie Reade, Conto de Fadas é fiel ao título e, literalmente, performa uma narrativa encantada. Aos 75 anos, Stephen King não cansa de inovar e, com suas próprias referências, isso não é diferente. Disposto a se aventurar por novas possibilidades literárias, o autor dos clássicos do terror It: a Coisa e Carrie, a Estranha,  agora escolhe se aprofundar na fantasia. O protagonista é um jovem normal com uma vida irritantemente comum: vive em uma pacata cidade fictícia, cuida de casa, tem uma boa relação em casa e vai para a faculdade. Mas, como o comodismo não é um dos favoritos do autor, tudo isso muda até chegar no inacreditável. 

O ponto de transição é o acidente doméstico do vizinho. Com o misterioso Howard Bowditch machucado, Charlie passa a cuidar dele e da cachorra Radar. Nessa interação, um carinho muito bonito se desenvolve entre os personagens, o sentimento é descrito de uma forma tão bem ritmada que até nos faz esquecer do vindouro lado surrealista. Essas ligações encaixadas também são algo que frequentemente vemos entre o garoto e o pai. Os paralelos começam a aparecer quando o senhor morre e o jovem encontra os motivos dos boatos sobre ele.

Um poço que liga o mundo humano com um universo repleto de seres mitológicos de todas as categorias é encontrado atrás da casa e, a partir disso, o cotidianismo dá lugar ao surreal. Apesar de deixar o horror para segundo plano, King mantém seus característicos elementos nos seres que vivem nesse outro espaço. Entretanto, o que toma conta são os efeitos iluminados e as motivações puras da narrativa. Aos poucos Charlie ganha um tom de herói, e a leitura de Conto de Fadas se torna mágica. – Jamily Rigonatto 

Syundei – Força, Nakamura!!

Ganbare! Nakamura-kun!!, ou, como conhecido no Brasil, Força, Nakamura!!, é um mangá que possui representatividade LGBTQIA+, publicado pela editora NewPOP. Sua fama se consolidou, entre outros fatores, através das paródias que sua capa colorida recebeu, fazendo com que o conhecimento da história logo se tornasse de fácil acesso. A obra retrata, de forma leve e divertida, as descobertas amorosas de Nakamura, um jovem de 16 anos que é tímido e não consegue se expressar muito bem. Essa característica é contrastada com Hirose, o rapaz animado pelo qual se apaixona.

A obra traz consigo um ar gostoso de aceitação e entendimento dos primeiros romances, ampliando a vontade de viver um amor, por mais difícil que seja dar o primeiro passo ou, até mesmo, passar por uma primeira rejeição. Em tempos nos quais discursos de ódio a minorias foram proferidos, a falta de histórias com personagens queer que vivem finais felizes faz falta, e conteúdos como o apresentado por Syundei acabam refrescando e dando esperança para que mais obras com bons finais surjam no futuro, mesmo que retratem um relacionamento queer platônico. – Dante Zapparoli

Paulina Chiziane – Balada de Amor ao Vento 

A prosa poética é a melhor amiga da língua portuguesa – e ao compreender tudo o que significa existir sob uma influência colonialista, Paulina Chiziane sabe contornar os limites da Literatura assim como todos os outros autores que se consagraram por desenvolver a língua para além da concepção europeia. Influenciada pela lírica de Mia Couto, iniciada à autocrítica inventiva de José Saramago e perturbada pela mesma entidade feminina de Lygia Fagundes Telles, a escritora moçambicana alcançou o prêmio mais importante da Literatura de língua portuguesa em 2021, com a mesma audácia espiritual que a fez a primeira mulher a publicar um livro no país em 1990 com Balada de Amor Ao Vento.

“Tudo começa no dia mais bonito do mundo”, quando a história de Sarnau e Mwando se inicia com os suspiros mais apaixonados da protagonista narradora. O desenrolar, no entanto, acontece na sociedade que não só recusa às mulheres o seu direito à autonomia, como também ameaça sua mera sobrevivência. O amor, para Chiziane, é a coisa mais bela e a arma mais violenta. Assim, a autora se mistura às brisas de verão, festividades religiosas, tradições locais e laços de família e amizade para descascar as camadas de violência, desamparo, solidão e privilégios que sustentam os sistemas em que vivemos, cuja complexidade se dá na exata relação existente entre o tradicionalismo e a modernidade. 

Desta forma, Balada de Amor ao Vento é a semente de todo o pioneirismo e revolução que consagra o nome de Paulina Chiziane na língua portuguesa de origem não-europeia. Para além de sua estreia precursora no que diz respeito à história das mulheres na Literatura africana, o livro é também floresce todos os temas que a autora aborda com mais ferocidade em Niketche: uma história de poligamia. Publicada originalmente em 2001, a obra de maior visibilidade de Chiziane foi difundida mundo afora depois de sua vitória no Prêmio Camões, propagando também as discussões mais contemporâneas sobre a condição da mulher no mundo globalizado. – Raquel Dutra

PEYO – Boy meets Maria

Com tons pastéis em sua capa, Boy meets Maria retrata a juventude, a autodescoberta e a tentativa de superação de abusos passados. O mangá, que pertence ao gênero Boys Love, apresenta a visão de Taiga, um rapaz que acaba de se mudar para uma escola nova para começar seus estudos de ensino médio, e que tem uma grande admiração por heróis. O ideal do menino, até certa forma, se enquadra nos padrões de gênero que são esperados de pessoas do sexo masculino.

Em contrapartida, temos Maria, pessoa que ele conhece e se apaixona à primeira vista, após vê-la dançando em um palco. Para a surpresa de Taiga, há a descoberta de que Maria, na verdade, é um homem, o que o deixa confuso sobre seus sentimentos e sobre o uso de nomes e pronomes que pessoas optam por usar. Toda a trama gira ao redor do “ser um homem” ou, de certa forma, do que é não se identificar em um corpo que é seu.

Mesmo com seus traços delicados e cores claras, Boys meets Maria traz assuntos como abuso sexual, infantil e negligência familiar de forma brutal. Trata-se de um mangá coming-of-age que tenta reforçar mensagens de apoio a vítimas de abusos passados, representadas na trama por Maria. Além de trazer uma forte representação não-binária, o mangá problematiza o sentir nos moldes binários que muitas vezes a sociedade nos coloca. – Dante Zapparoli

Taylor Jenkins Reid – Carrie Soto Está de Volta

Taylor Jenkins Reid já provou ser mestre quando o assunto é criar personagens tão reais que chegamos a ser tentados a buscar os nomes na internet e encontrar textos jornalísticos sobre eles. Em Carrie Soto Está de Volta a escritora retorna com toda a excelência e nos leva a mais uma aventura pela complexidade humana, apresentando a atleta Carrie Soto e seu desejo de se mostrar inabalável. 

Depois de 5 anos longe das quadras, a protagonista vê Nicki Chan bater seu recorde de vinte títulos Grand Slam no tênis e se sente prontamente ameaçada. Assim, ela passa a retomar a rotina esportiva com a ajuda do pai, o também ex-tenista Javier. Carrie já havia aparecido em outro escrito da autora, intitulado Malibu Renasce, e se em um primeiro momento a ideia que tivemos dela era negativa, aqui a humanidade reforça sua dualidade. 

Ao longo das páginas o texto, traduzido por Alexandre Boide, caminha pelas complexidades da personalidade e esmiúça seus desejos e vivências. A tenista é uma personagem apaixonante e extremamente forte, ler sua história é um grande prazer. Com diversas facetas plurais, o esforço é uma de suas características mais marcantes. Já que Carrie Soto Está de Volta, vale a pena conhecê-la. – Jamily Rigonatto

Torquemada – A Mandíbula de Caim

Escrito originalmente em 1934 por Edward Powys Mathers, compilador de palavras cruzadas do jornal britânico The Observer, sob o pseudônimo de Torquemada, A Mandíbula de Caim é o suspense policial mais intrigante que você já viu. Ao longo de 100 páginas, são descritos seis assassinatos, todos cometidos por assassinos diferentes, e o objetivo atribuído ao leitor é solucionar o crime. 

No entanto, as possibilidades são quase infinitas, e é por isso que, até o momento de sua edição mais atual, de 2022, apenas quatro pessoas teriam conseguido resolver o enigma. Recentemente o livro viralizou no BookTok e fez com que milhares de leitores assíduos se mobilizassem para resolver o mistério proposto pelo escritor britânico. – Amábile Zioli

Warsan Shire – Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça

Lançada ao sucesso por Beyoncé, Warsan Shire publicou o seu primeiro livro em 2022. Intitulado Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça, o conjunto de poemas trouxe à tona a vivência de Shire como uma mulher negra. O resultado final fez jus a expectativa deixada por ela ao colaborar com escolhas brutais de palavras no aclamado álbum Lemonade (2016), e, através de uma sensibilidade única, colocou o leitor para refletir sobre tudo e todos.

“A manicure empurra minhas cutículas, vira minha mão, estica a pele da palma e diz: eu vejo suas filhas e as filhas delas”. Poeta mais jovem a integrar a Sociedade Real da Literatura, Warsan Shire nasceu no Quênia e foi criada em Londres. Autêntica e dona de um movimento próprio, ela fez de Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça uma obra completa, coesa e que não deixa nenhuma ponta solta para trás. – Nathalia Tetzner

O post Os Melhores Livros de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

A trajetória de retomada dos eventos presenciais consolidou-se em 2022. Na recuperação do pós-pandemia da covid-19 – que não nos deixou, mas, em um alívio, permitiu o relaxamento de algumas medidas de proteção -, o Cinema viu seus ávidos fãs retornarem às salas de forma irrestrita. Desde o Oscar até a 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, os eventos da indústria cinematográfica internacional e brasileira também abraçaram a possibilidade da realização totalmente presencial, e deram alento àqueles que encontram conforto na pipoca quentinha e nas subidas rumo às poltronas aveludadas. 

Apenas no primeiro semestre do ano passado, o número de pessoas que compareceu aos cinemas presencialmente foi maior do que o contabilizado em 2021 inteiro, segundo levantamento da Agência Nacional do Cinema (Ancine). Apesar do retorno seguir lento e gradual, com expectativa de voltar a níveis normais e continuar a crescer em 2023, o restabelecimento do hábito também se refletiu no Melhores Filmes de 2022. Das 84 produções citadas no tradicional ranking anual do Persona, que reúne membros da Editoria e colaboradores, 42 estrearam ou passaram pelos circuitos brasileiros. Após um ano em que os streamings dominaram os grandes lançamentos, o cenário volta a se reequilibrar.

A união das redes de cinema às plataformas, porém, garantiu a diversidade da programação de 2022. A animação Pinóquio de Guillermo del Toro, o whodunnit Glass Onion: Um Mistério Knives Out, e os dramas Nada de Novo no Front, da Alemanha, e Argentina, 1985, da Argentina, foram alguns dos destacados pelos colaboradores, que os assistiram exclusivamente nos formatos digitais. Já os campeões de menções desse ranking, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Marte Um, estrearam nos cinemas e levaram os espectadores às salas.

Diferentemente do que aconteceu com lançamentos anteriores, a presença opressiva de grandes empresas, como Marvel e Disney, foi obrigada a dividir sua programação com produções mais diversas. Apesar de Batman, Pantera Negra: Wakanda Para Sempre e Doutor Estranho no Multiverso da Loucura conseguirem suas menções, foi o independente Aftersun que não saiu de cartaz (até o momento desta publicação), ultrapassando três meses nos cinemas nacionais. O sensível primeiro longa-metragem da diretora irlandesa Charlotte Wells aborda uma relação entre pai e filha, e chegou ao Brasil pela 46ª Mostra de SP.

Os gêneros das produções também refletiram diversidade. Os filmes de super-heróis tiveram sua vez e os de aventura também – Avatar: O Caminho da Água e Gato de Botas 2: O Último Pedido receberam boas indicações -, mas foram as produções de Terror que marcaram 2022. Com alguns ganhando grandes lançamentos no Cinema, como foi o caso de Pânico 5 e O Telefone Preto, e outros não surpreendentemente deixados de lado, como X – A Marca da Morte, Aterrorizante 2, Pearl, Até os ossos e Morte Morte Morte, as obras de gênero mereceram 15 nomeações como Melhores do Ano.

Elevando o número em relação ao ano passado, as produções dirigidas ou co-dirigidas por mulheres alcançaram a marca de 20 indicações – menos de ¼ do total. Já nas obras nacionais, a quantidade foi ainda mais negativa: dos 84 filmes citados, apenas 6 eram brasileiros, com destaques como Carvão, Regra 34, Eduardo e Mônica e A Mãe. Ao todo, foram citadas obras de 17 diferentes idiomas e nacionalidades.

E falando em nomeações, 22 títulos indicados ao Oscar 2023 também apareceram no ranking. Da categoria de Melhor Filme, que inclui apenas uma mulher indicada, apenas Entre Mulheres e Triângulo da Tristeza não foram mencionados aqui. Os Fabelmans, Elvis, Top Gun: Maverick e Os Banshees de Inisherin receberam múltiplas indicações. No Melhores Filmes de 2022 do Persona, você confere todas as obras destacadas pela nossa Editoria e colaboradores.

A Baleia (The Whale)

Somente quem é pai sabe quais são os verdadeiros obstáculos da paternidade e o filme A Baleia, roteirizado pelo escritor Samuel D. Hunter, cumpre bem esse brilhante trabalho. Neste drama psicológico, acompanhamos de perto a fragilidade de um pai que tenta se reconectar com a filha. Enfrentando problemas graves de saúde física e mental, Charlie (Brendan Fraser) é um professor de inglês que enfrenta cada dia como se fosse o último, em uma luta diária entre arrependimentos e manutenção de uma auto-estima completamente abalada. A única forma que ele encontra de mascarar seus problemas é através da compulsão alimentar, tópico bastante ressaltado na narrativa.

O trabalho de Samuel Hunter não é apenas voltado ao clichê ‘pai e filha que buscam uma reconciliação’. Neste drama, a história é centrada na profundidade que atravessa aquilo que é aparente. Os conflitos pessoais do protagonista fazem parte disso. Nas dificuldades que envolvem temáticas super sensíveis, mas nem sempre amplamente discutidas em nossa sociedade, como arrependimento, autodestruição, compulsão alimentar, paternidade e depressão. Como aflorar uma relação íntima e afetuosa que nunca existiu, de uma hora pra outra? Esse é o “x” da questão que permeia The Whale, que contou com a premiada atuação de Fraser e a excelente direção Darren Aronofsky.

Cotado pela crítica como candidato favorito ao Oscar de Melhor Ator, Brendan Fraser se destaca nessa obra para ter um merecido reconhecimento profissional. Ele, que revelou ter enfrentado problemas relacionados à depressão e assédio, avaliou que o papel de Charlie pode ser visto como um grande exemplo de superação para pessoas que passam por grandes traumas. – Gabriel Gomes Santana

A Fera do Mar (The Sea Beast)

A Fera do Mar nos faz perceber como ser sábio independe da idade, e que se pode aprender algo com qualquer situação ou pessoa. O filme é uma narrativa fluida e bastante rápida, ideal para dias em que se quer assistir algo leve, mas não tão banal. A animação carrega uma identidade genérica, mas há uma arte única no design das Feras, o que é um ponto alto no filme. Pode-se perceber o esforço dos artistas. Porém, depois de tantas animações da Disney preenchendo nossas vidas, em especial as em 3D, é difícil não pensar que há a tentativa de se equiparar a estas: não apenas há pontos em comum na estética, mas na narrativa, no desfecho e na complexidade das personagens. 

Ainda que hajam pontos que os distanciam, como a abordagem a certos preconceitos, coisa que a Disney não faz com frequência, há muito em comum. Mas as perguntas certas são: ela consegue nos transportar para aquele universo? E, se tem uma mensagem, ela é acessível à plateia? Nesse caso, sim. A Fera do Mar cria com sucesso seu próprio universo. Suas personagens reforçam os pensamentos de lá e tornam críveis a problemática a ser resolvida. A mensagem também é bem captada, mas o desfecho é genérico e pode entediar alguns espectadores. – Izadora Azevedo Albertini 

A Mãe

A força da figura materna é inspiradora. De histórias que as enaltecem a outras que tomam a maternidade como causalidade dos por quês de uma vida, as mães da ficção e da realidade movem produções. Batizado em homenagem à sua figura central, A Mãe traça o dia a dia de Maria (Marcélia Cartaxo) depois do desaparecimento do filho, Valdo (Dunstin Farias). O desespero e a tormenta da mãe das telas se estende para o espectador: a trama é angustiante no que os principais suspeitos pelo sumiço do jovem são os policiais locais – ainda mais atormentador é saber que a realidade não anda longe da ficção.

Na pele de Maria, Cartaxo entrega uma performance excruciante. Ela bate de porta em porta e roda as secretarias de desaparecidos e delegacias em busca do filho, sem sucesso. Moradora do bairro Jardim Romano, periferia de São Paulo, a presença opressiva da polícia torna os dias de ausência de Valdo um motivo de angústia ainda maior: a quem a Mãe recorre é justamente o responsável pelo sumiço do filho. Não há esperança para A Mãe. – Vitória Gomez

A Menina Silenciosa  (The Quiet Girl)

Sair da casa dos pais nunca é uma tarefa fácil, quem dirá para uma garota introvertida de nove anos de idade. Este é o drama retratado em A Menina Silenciosa, longa irlandês dirigido por Colm Bairéad que aborda a vida de Cait, uma criança extremamente observadora, inteligente e carente psicologicamente. A vida da personagem é intensa sob todos os aspectos, sobretudo, no momento em que é transferida para a casa de familiares que possuem melhores condições de renda. Escolhida para ser a protagonista do filme, a jovem atriz Catherine Clinch, de apenas 12 anos, demonstra um desempenho surpreendente neste que é seu primeiro trabalho no Cinema.

Uma narrativa que explora o início dos anos 1980, costumes conservadores e particularidades um tanto quanto tenebrosas da época são reveladas neste filme, que concorre ao prêmio de Melhor Filme Internacional no Oscar 2023. Essa é a primeira vez que um longa-metragem de língua irlandesa foi prestigiado no Festival de Berlim de 2022, sendo vencedor do Grande Prêmio do Júri Internacional da mostra Geração Kplus. – Gabriel Gomes Santana

A Mulher Rei (The Woman King)

Em A Mulher Rei, um dos mais poderosos reinos africanos, Daomé, possuía um destacamento militar inteiramente feminino – as poderosas Agojie – lideradas pela lendária general Nanisca, interpretada por ninguém menos que a multi-premiada Viola Davis. As guerreiras enfrentam uma guerra com o reino vizinho, o Império de Oyó, motivadas em acabar com o tráfico de pessoas escravizadas, financiado pelos países europeus. Cabe à general treinar as novas recrutas para garantir a independência da nação.

A Mulher Rei é um super épico! Dirigido por Gina Prince-Bythewood e protagonizado quase exclusivamente por mulheres negras, o que infelizmente ainda não é comum nos filmes de ação, o filme entrega combates e lutas eletrizantes e uma carga emocional arrebatadora. O longa não só nos prende como nos faz desejar por muito mais a cada minuto. Tudo isso, com um comentário político discreto, porém importante, que nos leva à reflexão sobre o imperialismo.  – Guilherme Dias Siqueira

A Voz do Empoderamento (Gangubai Kathiawadi)

Gangubai Kathiawadi não é um daqueles filmes que arrecadou milhões em bilheterias ou que ficou conhecido mundialmente, mas essa produção indiana não precisa disso para provar seu valor. Baseada na história da protagonista homônima, a narrativa apresenta Gangubai (Alia Bhatt), uma mulher que, em sua juventude, foi enganada e vendida para ser prostituta. Mas a vida de Gangu não se limita a seu sofrimento. Contrariando todas as expectativas, ela se mostra forte e destemida, garantindo que nenhuma outra injustiça a aflija.

A fotografia de Sudeep Chatterjee é digna do Oscar e as cenas em que Kamli (Indira Tiwari) morre, o casamento e o desfile final chegam próximas da perfeição. Sanjay Leela Bhansali dirige a obra com maestria e fluidez, dando a dose exata de sentimentalismo e realidade nos momentos devidos, além da implementação das canções e cenas de dança, com coreografias elaboradas e figurinos impecáveis. A cereja do bolo é atuação de Alia Bhatt, que faz você se apaixonar por cada respirar de Gangubai. – Thuani Barbosa

Abracadabra 2 (Hocus Pocus 2)

“De um jeito ou de outro, nós vamos te encontrar/Nós vamos te pegar”. Interpretando com muito brilho o hit One Way or Another, da banda norte-americana Blondie, as Irmãs Sanderson mostraram ter mais poder do que nunca no retorno triunfante de Abracadabra às telinhas mundiais. Agora protagonistas de Abracadabra 2, Winifred, Mary e Sarah se aventuram em uma espécie de filme-nostalgia, cujo objetivo principal é alegrar os fãs que sempre sonharam com uma continuação do longa de 1993.       

Sem buscar e – talvez, por isso mesmo – sem conseguir superar a obra original, Abracadabra 2 diverte o público ao reunir inúmeras referências ao filme de Kenny Ortega, mesmo que isso dê origem a uma continuação beirando a superficialidade. A verdade é que assistir a Bette Midler, Kathy Najimy e Sarah Jessica Parker revivendo um dos trios de bruxas mais queridos de todos os tempos faz qualquer um vibrar. E é esse constante movimento de resgate, presente nos mínimos detalhes do longa de 2022, que faz com que Abracadabra 2 seja uma excelente escolha para quem quer um entretenimento leve e nostálgico. – Eduardo Rota Hilário

Aftersun

Não é difícil perceber que, no cenário audiovisual contemporâneo, as composições foram dominadas pela reprodução de um passado nostálgico. Nessa situação, existem méritos e riscos, como tudo que envolve alguma contemplação estética. Aftersun, porém, fica distante o suficiente dos moldes amplamente vendidos pela indústria, podendo ser caracterizado no melhor “Cinema de estilo”, cuja marca é uma característica lentidão. Sem pressa, a diretora Charlotte Wells não se rende às formas básicas que a nostalgia pode oferecer, e cria um trabalho seguro, profundo e emocionalmente fascinante, marcado pelas grandes atuações de Paul Mescal e Frank Corio.

Sem se restringir a trama e expandindo as compreensões do filme aos seus sentidos fora do roteiro, o longa-metragem de estreia da escocesa é um clássico instantâneo. Wells sabe exatamente o que está fazendo e, nesse trabalho com raízes pessoais, mistura contextos de fragmentação das personagens às sequências “tradicionais” das cenas. A relação de Sophie (Corio) com seu pai, Calum (Mescal) – ambos em viagem de férias pela Turquia –, ganha contornos quase investigativos, quando, a certa altura, percebemos que toda a trama é vista por uma Sophie já adulta, que rememora com certa lamentação a morte do pai; a viagem havia sido um dos últimos momentos juntos. O trabalho se reveste ainda mais de metalinguagem quando lembramos que a “verdadeira” Sophie é quem dirige o longa.

À primeira vista, Aftersun parece um coming of age sobre o tradicional perigo do amadurecimento. Contudo, através das lentas transições, percebemos que Calum, tanto quanto Sophie, é protagonista da história. Ele é um pai jovem (a mãe, embora não apareça, faz uma ligação em certa altura do filme, evidenciando sua voz igualmente jovem), que se divide entre transmitir as melhores sensações à filha e lutar contra os seus próprios demônios. Enquanto Sophie encara a chegada da adolescência (ela parece ansiar por um envelhecimento acelerado), Calum lida com a solidão da vida adulta. Em algum lugar, em meio a uma tensão que parece fugir da resolução, Aftersun se consolida na percepção de que, enquanto tentavam dar sentido a uma nova vida sob seus cuidados, pais e mães também estavam, eles próprios, amadurecendo. – Bruno Andrade

Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore (Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore)

A história do mundo bruxo não acabou com o Harry destruindo as Relíquias da Morte e muito menos começou com o bruxinho recebendo sua carta para estudar em Hogwarts. Esses eventos vêm sendo apresentados pouco a pouco em Animais Fantástico, que, após uma longa espera de quatro anos, retornou para revelar Os Segredos de Dumbledore. Na verdade, a homossexualidade do diretor da escola de maágia já não era mistério para senhum fã da série, porém essa foi a primeira vez em que a temática foi abordada abertamente na história.

Dessa vez, Newt Scamander (Eddie Redmayne), autor do livro Animais Fantásticos e Onde Habitam que deu o pontapé inicial no primeiro filme, ocupa o lugar de coadjuvante, para Dumbledore (Jude Law) e Grindelwald (Mads Mikkelsen) desenvolverem sua relação de amor e ódio, centrada na Alemanha e no Butão. Ainda assim, sobrou espaço para a renomada atriz Maria Fernando Cândido fazer papel de figurante como Vicência Souza. – Gabriel Gatti

Argentina, 1985

Nenhum país ousou levar ditadores à justiça. Ou nenhum país ousou processar seus militares por seus crimes? Até que o promotor Julio Strassera (Ricardo Darín) e seu vice Moreno Ocampo (Peter Lanzani) o fazem, mas a justiça é amarga. Argentina, 1985 compartilha friamente como a ditadura militar argentina, vigente de 1976 a 1983, foi uma das mais violentas na história. É pelos relatos das vítimas ou de parentes das que seguem desaparecidas, feitos durante o julgamento do alto escalão militar, que conhecemos a verdade sangrenta. E com um nó na garganta, ouvimos a súplica de Strassera: Quero utilizar uma frase que não me pertence, porque pertence a todo o povo argentino. Senhores juízes, nunca mais. 

A obra do diretor Santiago Mitre, que também escreveu o longa ao lado de Mariano Llinás, é dura, sem inovar em seu formato. Mas isso é essencial: manter Argentina, 1985 nos elementos tradicionais do Cinema e permitir sua flutuação entre drama e fato documentado foi o que assegurou uma ótima condução da narrativa. Com o Globo de Ouro e o Prêmio da Crítica do Festival de Veneza em mãos, resta a torcida para que a dolorosa história de nossos companheiros latinos seja, de fato, enxergada mundo afora e merecidamente agraciada com o Oscar de Melhor Filme Internacional neste ano. – Nathália Mendes

As Linhas Tortas de Deus (Los Renglones Torcidos de Dios)

As Linhas Tortas de Deus é um filme que promete e engana, mas surpreende. O mistério, que se passa na década de 1960, tenta se equiparar a Ilha do Medo – não consegue, apesar de criar uma identidade própria. A narrativa começa muito clara: uma detetive se infiltra numa instituição mental para descobrir o caso de um possível homicídio tido como suicídio. Ela é deixada na instituição pelo homem interessado no desenrolar do caso, o suposto pai da vítima. A personagem parece sã durante boa parte da história, o que nos intriga são as possibilidades: ela estaria louca ou não?

O filme nos engana diversas vezes, sendo um bom divertimento para o raciocínio. A audiência banca o próprio papel de detetive durante o longa. Quais as pontas soltas que a detetive não percebe e deixam espaço para sua possível loucura? O que reafirma que ela não está louca? Foi mesmo um suicídio? Quem realmente é o pai da vítima? São todas indagações pertinentes. Alguns vão adorar, outros vão se decepcionar. – Izadora Azevedo Albertini 

Assassino Sem Rastro (Memory)

Typecasting  é o nome que se dá a atores que se vêem muito relacionados a um tipo específico de papel, para um tipo específico de filme. Para alguns, isso pode soar repetitivo e maçante, mas Liam Neeson (Busca Implacável) cabe como uma luva no papel do assassino Alex Lewis, em Assassino Sem Rastro. Na história, o personagem, prestes a se aposentar, recusa um último trabalho: assassinar uma garota que serviria de testemunha em um caso de exploração infantil.

Martin Campbell (O Estrangeiro) também trabalha muito bem no tipo de trama em que está acostumado a dirigir – mistérios envolventes, conspirações envolvendo milionários, políticos e autoridades policiais. O longa ainda dá espaço a discussões sobre o fim da vida, a moralidade policial e o fato de Alex sofrer de um  Alzheimer progressivo torna tudo mais intrigante. – Guilherme Dias Siqueira

Até os Ossos (Bones and All)

Não é novidade o sucesso de Luca Guadagnino em relatar histórias sobre a juventude e todas as indagações que esse período proporciona. Guadagnino é um exemplo de diretor que dispõe desse olhar poético sobre o amadurecimento, de forma que todas as comoções direcionadas aos personagens também são conduzidas ao público – como apresentado no filme Call Me By Your Name (2017) e no seriado We Are Who We Are (2020). Em Até os Ossos, o cineasta retorna com essa característica marcante de suas obras, e a renova com um toque de terror e visceralidade. 

Após ser abandonada pelo pai, Maren Yearly (Taylor Russell) perpassa por um vagaroso trajeto de encontros e desencontros em busca de pertencimento e de compreensão sobre sua própria identidade. Em meio a essa agitação, conhece Lee (Timothée Chalamet), jovem também deixado à margem pela sociedade e que guarda da mesma condição conflituosa de Maren, o incessante desejo de provar carne humana. A adaptação do romance de Camille DeAngelis é exorbitante e bem aventurada pelo diretor, que opera o longa-metragem através do clássico gênero road movie. Na vertente, o excurso dos personagens em encontrar conforto na normalidade em meio às suas circunstâncias, reverbera-se para uma linda e trágica história de amor. – Ludmila Henrique

Aterrorizante 2 (Terrifier 2)

A sequência do experimental Aterrorizante (2016), tão aguardada pelos fãs de slashers de baixo orçamento, marca o retorno do maníaco Art, o palhaço assassino. O filme de Damien Leone, que custou pouco mais do que 250 mil dólares, rompeu as barreiras do nicho e foi um grande sucesso de bilheteria, majoritariamente graças ao marketing orgânico de relatos de pessoas desavisadas vomitando, abandonando as salas de cinema e até desmaiando durante as sessões.

O espetáculo da atuação de David Howard Thornton, que interpreta Art, o palhaço, junto dos magníficos efeitos práticos são os grandes destaques no turbilhão de longas cenas sádicas, chocantes e apelativas de violência extrema e gratuita. Apesar de marcar um grande avanço em relação ao seu antecessor, o roteiro, novamente idealizado e escrito por Damien Leone, ainda se perde em pontas soltas: a falta de consistência na lore e a misoginia presente na obra deixam um gosto agridoce durante a diversão macabra. A duração exagerada do longa, que possui 138 minutos, também não ajuda na experiência do espectador, visto que o filme se perde em um limbo de cenas repetitivas, maçantes e sem função clara. – Bruno Alvarenga

Avatar: O Caminho da Água (Avatar The Way of Water)

Ao se tornar a maior bilheteria do mundo e revolucionar a história do Cinema, Avatar criou ao redor de si um imaginário exigente e com grande expectativa pela sequência. 13 anos depois, James Cameron retornou a primeira (de quatro) sequências planejadas para as histórias de Pandora. O deslumbre visual que se pode ter com o filme é inenarrável: elevando o nível de perfeição técnica do projeto, após desbravar as florestas e animais do universo criado, Cameron mergulha no universo marítimo com filmagens que utilizavam atores reais que permaneciam nas águas por tempo suficiente para a gravação se tornar fluida.

Nessa nova sequência, muitos anos se passaram desde que Jake Sully (Sam Worthington) e Neytiri (Zoë Saldaña) derrotaram as forças do Povo do Céu (Terra) e expulsaram os colonizadores de Pandora. O casal, vivendo em paz com seus quatro filhos no clã Omatakayas, só não aguardava uma segunda invasão, de poder bélico muito maior que a original, botando em risco a vida dos Na’vi. Com tamanha ameaça, eles decidem ir pedir abrigo aos Metkayina, um clã aquático dos oceanos de Pandora. Com três horas de duração, a história é uma experiência visual, de encher os olhos com tamanho detalhismo e mágica presente no universo. O roteiro (feito por James Cameron em parceria com Rick Jaffa e Amanda Silver), no entanto, fica para trás, raso, não indo muito além do que já fora tratado no primeiro filme da franquia.  – Aryadne Xavier

Babilônia (Babylon)

Aos 76 anos, Steven Spielberg (Amor, Sublime Amor e E.T.: O Extraterrestre) lançou em 2022 uma carta de amor ao Cinema com o seu autobiográfico e belíssimo Os Fabelmans. Aos 38, Damien Chazelle também lançou no mesmo ano a sua carta de amor, só que um pouco mais cínica e pessimista com Babilônia, filme que divide opiniões hoje, mas será redescoberto no futuro pela maneira como faz do Cinema seu motor principal e Hollywood, sua protagonista. Ambos são próximos, mas ao mesmo tempo completamente diferentes um do outro.  

Em Babylon, a Sétima Arte é fruto da colaboração intensa de diferentes pessoas, enquanto Hollywood é um lugar que explora as camadas mais vulneráveis dos colaboradores, como o imigrante mexicano Manny (Diego Calva, de Narcos: México), a dançarina amarela Lady Fai Zhu (Li Jun Li, de Quantico) e o músico negro Sidney Palmer (Jovan Adepo, de Um Limite Entre Nós). As custas dessas pessoas, a indústria cultua a excelência individual, vide o star power do Jack Conrad de Brad Pitt (Era uma Vez em Hollywood) e a Nellie LaRoy de Margot Robbie (Eu, Tonya). 

No fazer cinematográfico, existe a beleza das imagens capturadas pela cinematografia efervescente de Linus Sandgren (007: Sem Tempo para Morrer); mas também o caos, a sujeira e o hedonismo da máquina hollywoodiana, bem representados na intensa e energética festa que abre o longa, ao som da trilha sonora magistral de Justin Hurwitz (O Primeiro Homem). O Cinema avança, enquanto a fábrica de sonhos decai, juntamente com suas principais figuras. Quando chegamos aos minutos finais, nos quais somos confrontados com a justaposição desses dois caminhos, só nos resta levantar e aplaudir Chazelle por nos ter entregue mais um grande trabalho, depois de uma filmografia de futuros clássicos como Whiplash e La La Land. – Nathan Nunes

Batman

“Dois anos na noite o transformaram num animal noturno”. Revelando-se das sombras, um dos heróis mais queridos e famosos já criados ganhou sua mais nova versão para os cinemas logo no começo de 2022. Sob muitas expectativas, o diretor Matt Reeves reinventou o vigilante da DC Comics nos longa-metragens, baseando-se em referências excelentes das HQs, como a clássica Batman: O Longo Dia das Bruxas e Batman: Ano Um. Com um bom e interessante roteiro, também de Reeves, junto de Peter Graig, somado à atuação do talentoso Robert Pattinson, o resultado são quase três horas de uma narrativa investigativa que, sem abandonar a ação, explora uma faceta extremamente sombria de um herói em ascensão.

Todos os aspectos técnicos – desde os cenários chuvosos, apáticos e cinzentos de Lee Sandales, até a impecável fotografia de Greig Fraser – conversam com esta abordagem obscura do Batman e de Gotham. Ao vestir seu traje de morcego, Bruce Wayne revela sua real essência. Ele é temido, fechado, frio e imponente. Mas ainda é extremamente cativante e hipnotizante vê-lo agir como um detetive, enquanto, simultaneamente, descobre como é capaz de atrair e instigar vilões únicos. Um show visual, The Batman foi indicado a categorias como Melhores Efeitos Visuais e Melhor Maquiagem e Penteados no Oscar 2023. Já no British Academy Film Awards (BAFTA), o longa concorre a Melhor Design de Produção, Melhor Cabelo e Maquiagem, Melhor Cinematografia e Melhores Efeitos Visuais. – Mariana Nicastro

Bigbug 

Bigbug começa despretensiosamente, mas seu desfecho surpreende pela atitude das personagens. O chamariz da comédia sombria é a identidade visual da obra, assim como o tom satírico e sombrio que consegue, apesar disso, ser adotado de forma leve e cômica pelo diretor Jean-Pierre Jeunet. A narrativa segue pessoas em uma quarentena forçada, que encontram empecilhos durante seu período em lockdown. O grande diferencial, no entanto, é o cenário, por se passar em um futuro em que nossa dependência sob as máquinas é extrema e nossas casas são inteligentes, ditando a temperatura do ar-condicionado, a abertura de nossas cortinas e portas, e até quem entra e sai. A partir daí, é perceptível o flerte com o autoritarismo.

O maior feito da obra é nos dimensionar naquela realidade. Há um trabalho rico de efeitos visuais que nos transporta para dentro da atmosfera da obra. Contudo, além dos efeitos visuais, outra coisa que nos faz entrar naquela realidade é o comportamento e a cultura das personagens. Podemos traçar muitos paralelos com eles e nos identificar naquele universo, mas além disso, percebemos as diferenças, ou seja, os opostos ao nosso universo, bem como seus extremos. Seria esse extremismo de Bigbug uma possibilidade num futuro remoto? Não há dúvidas de que nossa Era Digital só dá cada vez mais força às máquinas, que, apesar de extremamente inteligentes, podem também ser estúpidas. – Izadora Azevedo Albertini 

Blonde

Não há como mensurar o valor ícone de Marilyn Monroe, ainda mais representá-lo – mas Blonde é uma boa tentativa. Embora a maior crítica ao filme seja o exacerbado sofrimento da loira, este é um de seus pontos altos, se deixarmos de lado seu caráter biográfico e tomarmos como uma ficção que trata dos desprazeres da fama e exposição. Isso fora a estupenda atuação de Ana de Armas, que interpreta com imensa minuciosidade a personalidade de Marilyn e não à toa foi indicada ao Oscar 2023 de Melhor Atriz.

Inspirado no livro de mesmo nome, escrito por Joyce Carol Oates, Blonde teve seu roteiro adaptado e dirigido pelo problemático Andrew Dominik. Seu comprometimento em fazer a loirinha sofrer é tanto que muitas vezes a produção tem tons de terror e suspense pelas longas quase três horas de duração. Porém, se prestarmos atenção na esplêndida fotografia de Chayse Irvin, o tempo passa rápido. – Arthur Caires

Carvão

Entre as faíscas brilhantes da indústria cinematográfica nacional, Carvão é o tipo de narrativa que usa tons disruptivos para figurar a verdade sobre a sociedade brasileira. A produção, dirigida por Carolina Markowicz, nos leva para um núcleo familiar com uma vida atribulada e cheia de falso moralismo. Enquanto nos revela os lados sombrios dos personagens, o roteiro, também escrito pela diretora, desmonta as imagens do tradicionalismo. Sob o olhar dos protagonistas Irene (Maeve Jinkings), Jean (Jean Costa) e Jairo (Rômulo Braga), vemos como tudo tem um preço: a se cobrar ou a se pagar. 

Entre as muitas camadas da produção, conseguimos captar os tons da hipocrisia e os modos como a infância e a velhice são tratadas culturalmente. As atitudes de Irene e Jairo com o pai dela e com o filho deles carregam ao fundo a ideia de enxergar o início e o fim da vida como pedaços sem autonomia. Mesmo abordando temáticas pesadas, a narrativa insere tons de comicidade e consegue equilibrar leveza e intensidade. Esses momentos se mostram principalmente com o traficante argentino Miguel (César Bordon) e com a sinceridade infantil de Jean. 

A co-produção Brasil-Argentina ainda ganha pontos com a caracterização. Os cenários são impecáveis e conseguem transportar qualquer pessoa para as zonas menos urbanizadas do interior do país. Desde as relações entre os personagens, até os grãos de poeira captados pelas filmagens – dirigidas por Pepe Mendes – Carvão é autêntico. Caminhando na corda bamba do caráter humano, o filme coloca a rede de proteção em chamas. – Jamily Rigonatto

Cha Cha Real Smooth

Entre tantas comédias românticas dramáticas já produzidas, Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo pode não se sobressair para a maioria. Contudo, para aqueles que se sentem perdidos nos seus vinte e poucos anos, o longa de Cooper Raiff chega como um ombro amigo. Protagonizado pelo diretor e produtor, o filme conta a busca de Andrew (Raiff) pelo amadurecimento e transmite uma veracidade que não se encontra em muitos dos coming of ages atuais. Isso se deve a proximidade do autor com essa fase da vida. Com apenas 25 anos, Raiff consegue retratar, de forma sutil e ponderada, os dramas do jovem da geração Z, que ainda não sabe ao certo qual o seu lugar no mundo. Sem grandes reviravoltas, a produção da Apple Originals se torna facilmente o confort movie do ano, não apenas pela sua sensibilidade e sutileza na narrativa, mas pelo enorme carisma que todas as personagens esbanjam, sobretudo o próprio protagonista.

Para acompanhar a simpática narrativa, há a presença de uma trilha sonora divertida, que permeia as festas de Bar Mitsvá as quais Andrew é animador. Estão presentes as faixas Funkytown de Lipps Inc. e Cha Cha Slide de DJ Casper, que faz alusão ao título do longa. E é nesse ritmo embalado que corre a relação de Andrew com Domino (Dakota Johnson) e sua filha Lola (Vanessa Burghardt). Por meio dessa ligação com uma mulher mais velha e sua filha, no espectro autista, o jovem vai reconhecendo a necessidade de assumir mais responsabilidades que lhe cabem, e percebe que ser adulto não significa ter todas as respostas – muitas vezes, os mais velhos podem se encontrar mais perdidos do que ele.

Como o filme fez sua estreia no Festival de Sundance, havia uma perspectiva de que o drama percorrese uma trajetória similar com a do vencedor do Oscar de 2021, No Ritmo do Coração. Porém, Cha Cha Real Smooth acabou não saindo da lista de repescagem. Isso não é motivo para ficar de fora dos Melhores do Ano, pois é possível se conectar e se emocionar verdadeiramente com o storytelling da obra. A produção traz uma perspectiva interessante sobre a virada de chave que ocorre na juventude e mostra como o encadeamento de eventos mundanos auxiliam na descoberta do seu propósito. – Costanza Guerriero

Crimes do Futuro (Crimes Of The Future)

O marcante retorno de David Cronenberg ao terror, Crimes do Futuro é uma obra  grotesca e visceral em que o erotismo clássico do diretor é retomado: “Cirurgia é o novo sexo”, ele clama. O terror corporal de ficção científica vai além da intenção de chocar e aposta com sucesso em uma abordagem de utilizar o incômodo e o grotesco como base para discussões atuais.

A ambientação de natureza sintética, estranhamente familiar e sem vida, de um futuro distópico em que a humanidade já não sente dor traz uma reflexão perspicaz sobre a percepção da corporalidade e os limites da arte. Neste universo, Saul Tenser, interpretado por Viggo Mortensen, junto de sua parceira e admiradora Caprice, vivida por Léa Seydoux, realiza performances artísticas clandestinas extremas em que seus órgãos advindos de mutações são prazerosamente removidos em frente ao público extasiado. Outra personagem que merece destaque é a estranha Timlin, interpretada majestosamente por Kristen Stewart, que se vê dividida entre fascínio pela nova arte e seu trabalho burocrático para um misterioso setor secreto do governo. 

Apesar do incrível design visual e ambientação, além da temática provocativa e pertinente, o longa não se aprofunda suficientemente nessa fascinante realidade apresentada e deixa de lado o desenvolvimento de diversos aspectos da narrativa. Assim, após o final abrupto de Crimes do Futuro, o que permanece é a sensação de que a obra poderia ter se beneficiado de um tempo de execução mais longo. –  Bruno Alvarenga

Decisão de Partir (Decision to leave)

Estarrecedor, Decisão de Partir empurrou da ponta de uma montanha os clichês de um mistério policial e arremessou ao mar a satisfação romântica. Acorrentado ao tema da obsessão, o diretor sul-coreano Park Chan-wook repetiu o tipo de construção audiovisual que caracteriza a sua filmografia: a tentativa de solucionar um mistério movido por reviravoltas. Mas, dessa vez, ele se livrou do vermelho da violência e da liberdade da nudez para adotar a crueldade intrínseca do cotidiano que, incoerentemente, resulta em maior dor e sofrimento do que qualquer narrativa mirabolante.

“No momento em que você disse que me ama, o seu amor está acabado. No momento em que o seu amor termina, o meu amor começa”. Opostos que se atraíram, os protagonistas Jang Hae-jun (Park Hae-il) e Song Seo-rae (Tang Wei) reproduziram em cena não somente o clima envolvente entre personagens, como também a tensão histórica entre as suas nações, Coréia e China, fato que atravessou o roteiro de Park e Chung Seo-Kyung. A fotografia de Kim Ji-yong não destoou da composição e é tão genial quanto a escolha de simbolismos que transformaram Decisão de Partir em um dos primores de 2022. – Nathalia Tetzner

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness)

Muitas expectativas foram criadas com o anúncio e os trailers de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Primeiro filme de terror da Marvel, três horas de duração, participações de personagens icônicos e muitas outras referências a filmes da franquia pautaram os rumores sobre a produção. Enquanto algumas se concretizaram, como a aparição dos Illuminati e do Professor Xavier, as outras foram deixadas de lado e decepcionaram o público. Porém, os 126 minutos de Elizabeth Olsen como Feiticeira Escarlate valeram a pena.

A construção do arco da personagem desde Vingadores: Era de Ultron culmina em seu ápice em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Wanda perdeu os pais, o irmão, o marido e os filhos, o que faz com que ela se torne difícil de antagonizar, já que há empatia pela sua dor. Apesar da resolução ao redor do controle dos poderes de América Chavez, interpretada por Xochitl Gomez, ser preguiçosa, ao menos nos leva para a tocante cena final de Wanda e seus filhos. Benedict Cumberbatch, como sempre, também entrega uma ótima performance de Stephen Strange, apesar de ter sido ofuscado pela presença da mãe sem filhos em seu próprio filme.

A direção de Sam Raimi é outro ponto alto da produção e que não a torna mais do mesmo. Suas marcas registradas e as diferentes perspectivas das cenas – como a primeira vez que Wanda assume o corpo de sua própria variante – tornam o longa com um enredo fraco em algo delicioso de assistir. Em um cenário mais amplo, apesar da produção não ter tido um comprometimento total com o gênero do terror, ainda é um sabor diferente para a Marvel. – Arthur Caires

Eduardo e Mônica

Se todas as músicas de Renato Russo pudessem ganhar espaço em telas de cinema, a ideia da vida sob um olhar extremamente singular seria guardada na profundidade da luz dos projetores. Em Eduardo e Mônica, lançado nos cinemas brasileiros no início de 2022, isso se prova com toda a beleza existente nos amores improváveis. No longa, os personagens da música ganham solidez nos atores Alice Braga e Gabriel Leone que, entre opostos, performam em menos de duas horas a grandeza do existir. 

Dirigido por René Sampaio, o filme nos leva para a Brasília da década de 1980 e mostra os caminhos que atravessam a história do casal, enquanto eles tentam equilibrar suas diferenças em nome do amor. O trabalho muito bem feito com os cenários faz os espaços e as cenas – assinadas por Gustavo Hadba – serem extremamente fiéis aos da canção. Da festa estranha ao futebol de botão, os frames parecem ter sido escolhidos pelo próprio Legião Urbana. 

A trilha sonora escolhida pelo diretor é outro primor da produção, entre o rock nacional e o internacional, as melodias nos submergem no âmago dos personagens. Acompanhar os impasses dos dois é tão gostoso que a vontade é assistir até as partes desconhecidas dessa história. Desde as relações familiares, amigos, inseguranças, atitudes impulsivas e tudo mais que couber ser descrito, Eduardo e Mônica são um espelho do ser. Ao fim, realmente é impossível dizer que não existe razão nas coisas feitas pelo coração. – Jamily Rigonatto 

Ela Disse (She Said)

Em 2022, a Universal Studios resolveu cinematografar o jornalismo investigativo e foi o tipo de escolha que deu certo. Ao contrário do esperado em narrativas do gênero, a diretora Maria Schrader secundariza o melodrama para dar protagonismo ao suspense. Ela Disse não é comovente, é tenso. A produção é uma adaptação do livro das jornalistas Megan Twohey e Jodi Kantor, Ela disse: Os bastidores da reportagem que impulsionou o #MeToo, e conta sobre a apuração feita pelas profissionais no boom de denúncias de assédio sexual contra Harvey Weinstein. 

As pouco mais de duas horas do filme são marcadas pelas feições temerárias de Megan (Carey Mulligan) e Jodi (Zoe Kazan), enquanto enfrentam a rede de proteção de Weinstein e encontram vítimas assustadas e silenciadas. É na relação das protagonistas com essas vítimas que Ela Disse encontra o pote de ouro, já que, em cena, as atrizes constroem uma intimidade tão verdadeira com as mulheres que isso transpassa os limites da tela. Apesar de termos relatos escancarados, emoção não é o tipo de reação desencadeada no telespectador – a angústia é quem grita mais alto. 

Tudo é muito acinzentado e a fotografia acompanha esse movimento. Natasha Braier escolhe enquadramentos em perspectiva e brinca com as luzes para pesar os frames e compor a ambientação apreensiva. Para além de termos técnicos ou estéticos, o registro visual do longa tem uma importância ímpar para a visibilidade do assédio sexual. Com imagens bem feitas e um roteiro imponente criado por Rebecca Lenkiewicz, nos conectamos com uma narrativa sobre força feminina, poder da indústria hollywoodiana e resistência. – Jamily Rigonatto

Elvis

Nove anos depois de seu último projeto para os Cinemas (o irregular O Grande Gatsby), Baz Luhrmann (Moulin Rouge, Romeu e Julieta) retornou a cadeira de direção em 2022 com Elvis, sobre a vida e carreira do polêmico, mas icônico Elvis Presley. Desenvolvido na onda do bem sucedido filão recente de cinebiografias musicais, catapultado em 2018 por Bohemian Rhapsody; o projeto poderia facilmente ter caído no lugar comum do subgênero, marcado pela pouca inspiração estética e o roteiro escrito na base do resumo da Wikipédia. Felizmente, não foi esse o caso, pois Luhrmann, no final das contas, mostrou-se o autor perfeito para transpor o espírito extravagante e potente do cantor para as telonas. 

Elvis deixa isso claro em sua feitura cinematográfica, desde a montagem alucinada de Matt Vila e Jonathan Redmond, até a fotografia pomposa de Mandy Walker (ambos os trabalhos foram reconhecidos com indicações ao Oscar 2023, inclusive). Contudo, também o aproveita enquanto narrativa, conforme analisa e desconstrói Presley do ponto de vista de seu empresário, o infame Coronel Tom Parker (Tom Hanks, de Forrest Gump e Toy Story, em desempenho caricato, mas subestimado). Passando pelas raízes do artista na música negra americana e explorando o seu alto status construído por mídia e propaganda, o filme se mostra uma aula de como entender um ícone através da Sétima Arte, principalmente quando canaliza sua força na performance arrebatadora do astro revelação Austin Butler (Era uma Vez em Hollywood), também reconhecido com a nomeação da Academia. – Nathan Nunes

Enola Holmes 2

Normalmente, continuações são decepcionantes, mas não é o caso de Enola Holmes 2, que nos surpreende com cenários e plot-twists inesperados. Não podemos dar muito mais spoilers que isso, então espere ansioso até o fim do filme. O longa nos prepara para o fim pouco a pouco, sem que nos demos conta, não abrindo espaço para uma sugestão tão rápida, o que possibilita a dedução.

Muitos filmes de mistério e aventura pecam nesse sentido, dando de bandeja a trama e fazendo os telespectadores parecerem idiotas. O segundo filme da franquia não nos faz pensar muito além daquele ponto, e ainda permite a dúvida, conservando perfeitamente o mistério. Um outro grande ponto positivo de Enola Holmes 2 é a evolução da personagem. Enola certamente amadureceu da primeira obra  para esta e se tornou preparada e astuta, mas como todo jovem, ainda é extremamente atrapalhada. Os defeitos são bons para nos tirar algumas risadas e proporcionar momentos imprevisíveis. – Izadora Azevedo Albertini 

Entergalactic

Kid Cudi é uma ogiva criativa. Independentemente de obras com resultados controversos, Scott sempre busca, em suas alçadas artísticas, expandir a premissa até as últimas consequências. Ainda assim, para 2022, o desafio foi inusitado: não um filme acompanhado de um disco, ou um disco acompanhado por um filme, mas um projeto multimidiático, em que áudio e visual se costuram mutuamente. Afinal, as viagens psicodélicas de Jabari (Kid Cudi), quando vislumbra sua paixão por Meadow (Jessica Williams) pela primeira vez, não seriam as mesmas sem os sintetizadores divinos de Angel.

E, mesmo isoladamente, Entergalactic entrega a comédia romântica do ano. Para o roteiro, também assinado por Cudi, é importante que esta trama seja figurada como uma típica história de amor. Uma premissa formulaica, que encontra personalidade no retrato honesto e multifacetado de seu vasto universo, dentro de uma narrativa centrada por pessoas negras e que reivindica espaço em um gênero que sempre foi dominado por brancos. Assim que adubado, Entergalatic tem campo aberto para ampliar os conflitos entre os personagens, de tal forma que o instante da colisão se torne, metafórica e literalmente, uma verdadeira supernova. – Enrico Souto

Farha

Dirigido pela jordaniana Darin J. Sallam, Farha não é apenas uma história contada de geração para geração, preservada na oralidade até que fosse registrada em celulóide. É um retrato visceral e dolorosamente vivo do povo palestino, registrando os momentos iniciais da Al-Nakba (“A Catástrofe”) pelo ponto de vista de uma criança. Acompanhamos de perto a jovem Farha (Karam Taher) ter seus sonhos arrancados de si pela violência que eclode no dia 15 de maio de 1948, quando forças militares do recém-criado Estado de Israel forçam seu vilarejo a debandar. Presa em uma sala trancada, ela é obrigada a sobreviver e testemunhar os horrores de um conflito que não irá terminar em sua vida.

É claro que denunciar a limpeza étnica de um Estado de apartheid moderno teria consequências, como visto pela campanha de difamação promovida por oficiais israelenses contra o filme de Sallam, ameaçando remover investimentos estatais dos cinemas de Tel Aviv que ousarem exibir o longa, atualmente disponível ao redor do mundo pela Netflix (mas não, curiosamente, no Brasil). Processando o trauma e a dor através da arte, Farha é de uma compostura monumental, confinando tanta dor em apenas um quarto por cerca de uma hora e confiando em sua performance central a habilidade de expressá-la.

Taher é uma revelação absoluta no papel da protagonista, habitando tanto a inocência e entusiasmo infantil quanto o torpor emocional causado pelo que ela testemunha. A morte de seu sonho é uma das visões mais trágicas do ano, potencializada pela fotografia minimalista e a iluminação natural do cenário, tornando-se gigante em sua completude. Farha não é apenas um relato de guerra da perspectiva de uma garotinha, mas um verdadeiro manifesto de luto contra a opressão sistêmica que vigora até hoje, devastador em seu vocabulário e imparável em seu desejo de que essa história sobreviva. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Fresh 

Fresh tem sabor de novidade – e devorá-lo é prazeroso, intenso e cômico. Delicioso, o longa dirigido por Mimi Cave coloca uma desiludida Daisy Edgar-Jones frente a frente com um encantador Sebastian Stan. Ela, entediada com os aplicativos de relacionamento e dates com babacas, encontra – ironicamente, em um corredor de vegetais no supermercado – uma esperança no doce médico e resolve se abrir para os sentimentos. O relacionamento vai bem, mas só até quando ele a dopa, sequestra e revela seu lado criminoso e canibal.

No roteiro tenso, mas divertido e até cômico de Lauryn Kahn, Edgar-Jones e Stan têm espaço para brilhar. Seja em dupla ou individualmente, a dinâmica dos dois acentua o potencial dramático da protagonista, e dá a liberdade para o ator explorar novas facetas, esboçando caras, bocas e olhares no seu caráter psicopata. Amplificada pela direção envolvente e vivaz de Cave, que potencializa a tensão nos momentos de suspense e acha o humor até em um filme sobre canibalismo e tráfico, Fresh mostra porque 2022 foi um ano de barriga cheia para os fãs de Terror. – Vitória Gomez

Garoto dos Céus (Boy From Heaven)

Nos minutos iniciais de Garoto dos Céus, Adam Tala (Tawfeek Barhom) tenta esconder a emoção ao receber a carta de aceite da Universidade de Al-Azhar do Cairo – instituição anexada à mesquita de mesmo nome –, o epicentro político do islamismo sunita. A contenção de Tala, porém, reside não somente na alegria de ser um jovem filho de pescador que recebeu o acesso a uma instituição habitada pelos filhos de sheiks mais poderosos do Egito, mas no medo do próprio pai, um indivíduo conservador e abusivo. Ele ainda não sabe que estudar em Al-Azhar será seu maior desafio, e, quando enfim notifica o patriarca que irá à universidade, a reação parece mais suave do que o previsto: “não se pode ir contra as vontades de Alláh”, diz o pai, meio a contragosto, após agredir os filhos cenas antes. Embora essa pareça a maior vitória possível, Zizo (Mehdi Dehbi) o notifica, assim que chega a nova moradia: “sua alma ainda é pura. Mas este lugar vai corrompê-lo”. 

Essa máxima se mostrará verdadeira durante todo o filme, visto que o diretor Tarik Saleh constantemente faz um “jogo de grandezas” na trama. Enquanto a Fotografia repete filmagens da universidade de baixo para cima, mostrando sua imensidão e imponência, o Roteiro – vencedor em Cannes – põe Tala como submisso aos indivíduos mais poderosos. À medida que os elementos “conspiratórios” da trama entram em cena, as questões existenciais do protagonista dão espaço a um clima de investigação habitual, com reuniões secretas, infiltração em um círculo pró-jihadista e o sacríficio de um colega. O título que o filme recebeu na América do Norte, Cairo Conspiracy, opta por evidenciar mais esse aspecto da produção, ligando-a ao thriller psicológico e reduzindo toda a sua filosofia política. Mas talvez a grande marca de Garoto dos Céus seja a habilidade de Saleh em jamais ferir o Islã, consolidando Tala como o verdadeiro sábio por simplesmente questionar as origens do poder. “Não existem anjos”, ao que parece. – Bruno Andrade

Gato de Botas 2: O Último Pedido (Puss in Boots: The Last Wish)

Devido ao sucesso de Shrek no início dos anos 2000, que frequentemente fez referências (e também o uso de muita ironia) aos contos de fadas originais, a escolha de fazer um longa-metragem de um personagem vindo diretamente do universo do ogro foi crucial para que a Dreamworks ganhasse espaço no mundo da animação novamente – não apenas por ter um design de um gato “de botas”, mas por simbolizar um anti herói que vive de glória, festas: uma lenda (como ele se autodenomina). A introdução do Gato de Botas no segundo filme da franquia definitivamente marcou as gerações que surgiram na década e relembramos que, em Gato de Botas (2011), acompanhamos um guerreiro valente e sem medo de enfrentar os perigos. Já em Gato de Botas 2: O Último Pedido somos convidados a ver um lado mais medroso, profundo e interior do personagem.

Primeiramente, é necessário agradecermos a Homem-Aranha no Aranhaverso por ter vindo em uma época tão necessária de quebra de liderança da Disney e seus filmes de animação em 3D nas premiações. Com a introdução de técnicas que fazem qualquer um babar olhando para tela – como as mudanças de “fps” ou ‘fotos por segundo’ e a junção do 3D e o 2D, nos fazem perceber o quanto o gênero no Cinema deve ser explorado infindavelmente. Não é à toa que outros estúdios olharam para Aranhaverso e perceberam o que não estavam praticando, e, com Gato de Botas 2: O Último Pedido não foi diferente, sobrepondo a tridimensionalidade com desenhos bidimensionais tradicionais, assemelhando-se a uma pintura.

Por fim, com a inserção do Lobo, ou a Morte, o surgimento de um gênero que nunca havia aparecido na Dreamworks desse modo aconteceu. O assobio, as cores e toda a ambientação que levam o Gato a ter medo da Morte também nos causa medo. Assim, a combinação dos elementos em Gato de Botas 2: O Último Pedido, juntamente com a aparição de mais referências e personagens bem escritos, os quais nos familiarizamos mesmo com o pouco tempo de tela, resultam no acompanhamento de uma jornada de amadurecimento de uma figura que, se já era marcante, agora possui ainda mais camadas. – Júlia Aguiar

Glass Onion: Um Mistério Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mistery) 

O número de camadas de uma cebola provavelmente é menor comparado a quantidade de reviravoltas de Glass Onion: Um Mistério Knives Out. A sequência do mistério de Entre Facas e Segredos aprimora um roteiro tão bem performado por seu antecessor. A segunda obra da nova franquia é  maior e intrigante, e por mais fanático que alguém possa ser por mistérios, com certeza será pego de surpresa.

Com os personagens e enredo novos, Daniel Craig como o detetive Benoit Blanc foi a única e brilhante escolha que decidiram manter. Ao lado de Janelle Monáe, Kate Hudson, Edward Norton e outros, a obra diverte, entretém e acima de tudo, traz a satisfação de quão boas podem ser produções sem pretensão de significarem mais do que realmente querem dizer.  – Henrique Marinhos

Hellraiser: Renascido do inferno (Hellraiser)

David Bruckner possui contribuições notáveis para o gênero de filmes de horror, como os longas A Casa Sombria (2020) e O Ritual (2017), além de seus trabalhos em segmentos das antologias V/H/S (2012) e Southbound (2015), e é o responsável por dirigir o novo e aguardado reboot de Hellraiser (1987). O 11º filme de uma das mais conturbadas franquias do gênero conta com a urgente e necessária participação direta de seu idealizador original, Clive Barker, que contribuiu em sua produção e roteiro.

O filme, lançado diretamente no streaming  da Hulu, inova ao introduzir pela primeira vez em tela uma pinhead feminina. Interpretada por Jamie Clayton, conhecida anteriormente por seu trabalho em Sense8, ela carrega o peso de viver um vilão icônico e atemporal de forma majestosa, roubando a cena e se tornando a estrela do show. 

O longa traz a série de volta à essência do universo dos cenobitas, com muito sexo, perversão, fetiche, violência e horror corporal. No entanto, apesar de ter a melhor das intenções, ainda falta tesão em sua execução, que, além de jogar seguro e sem exageros, possui protagonistas rasos e sem carisma, tornando sufocante a tarefa de se conectar à história. Apesar de economizar na ousadia e no apelo presente no clássico de 1987, Hellraiser: Renascido do Inferno de 2022 é, com certeza, um respiro de alívio aos fãs da saga e transmite esperança de dias melhores para os futuros rumos da franquia. –  Bruno Alvarenga

Justiceiras (Do Revenge)

Meses após incorpar o roteiro de Thor: Amor e Trovão, Jennifer Kaytin Robinson abdicou dos heroísmos intergalácticos para vigiar os impiedosos ciclos da adolescência. Justiceiras, segundo filme da cineasta em parceria com a Netflix, segue um plano de vingança compartilhado entre duas protagonistas abandonadas às próprias tragédias identitárias, e que só poderiam tomar as dores uma da outra absorvendo a humanidade por trás do rancor. O resultado, ancorado na perspectiva da geração Z, é a negação de qualquer análise mística ou complexa sobre o que nos leva a buscar revanche; a gente não vale muito mesmo, e tá tudo bem.

Drea (Camila Mendes, de Riverdale) e Eleanor (Maya Hawke, de Stranger Things) explodem química interpretando as líderes hipnóticas da narrativa, que pega ainda mais fogo quando decide trabalhar seu núcleo secundário recheado de estrelas teens. Fora dessa curva, Sarah Michelle Gellar é uma ótima surpresa no elenco e coroa a série de homenagens requintadas aos filmes noventistas do nicho, infiltrados nos figurinos e ambientações de Do Revenge. Combinando citações de Dante Alighieri com o background sonoro de Olivia Rodrigo e Le Tigre, o conjunto é uma insanidade autocrítica, divertida e com plot twists que cria sua patente na juventude atual. Porque ser cínico e exagerado faz parte de cada um de nós. – Vitória Vulcano 

Lightyear 

Buzz Lightyear foi introduzido pela Pixar em 1995, no filme Toy Story. Diferente de suas primeiras aparições, em Lightyear o personagem não é mais um brinquedo, mas sim um verdadeiro patrulheiro espacial em uma missão considerada impossível para sair de um planeta hostil. A proposta do longa é mostrar a narrativa que fez Andy se apaixonar pelo astronauta. No novo lançamento, a voz de Tim Allen foi substituída pela de Chris Evans, facilitando ainda mais a separação entre o brinquedo e o homem. Apesar de distintos, o jeito teimoso e a vontade de resolver todos os problemas sozinho traz reconhecimento ao espectador.

Mesmo sendo uma animação, o filme carrega uma grande melancolia, pois, em sua missão, Buzz se perde no tempo e o mundo e as pessoas ao seu redor mudam e envelhecem, mas ele não é capaz de fazer isso. O patrulheiro carrega a culpa de não conseguir libertar seu povo do planeta estranho e de ter perdido a chance de acompanhar a vida e a morte de seus companheiros. Lightyear traz diversas pautas interessantes, inclusive o primeiro beijo queer da Pixar, entre Alisha Hawthorn (Uzo Aduba) e sua esposa. Quem cresceu assistindo Toy Story, a produção é agradável para quem quer se aprofundar nesse universo. – Gabrielli Natividade 

Luck