Entre fogueiras e bandeirolas de São João, o universo do pop em junho recebeu visitas quentes. Depois de muito tempo distante dos holofotes, foi a vez de Beyoncé hastear suas bandeiras e renascer. No single BREAK MY SOUL, de seu tão esperado futuro álbum, intitulado Renaissance, a texana quer a emancipação pela dança e pela liberdade do movimento que apenas a Música house faz florescer. Ao se debruçar sobre as sonoridades das pistas de dança, a cantora está distante de abandonar o político; ainda mais quando retoma, na canção, as potências negras e queer do Disco, da bounce music, reverenciada na sample de Big Freedia, uma de suas maiores representantes. 

Assim, a Queen B inaugura o sétimo Nota Musical de 2022: ao entoar versos compostos pela raízes gospel que fundam a performatividade do ballroom, a favor da libertação das massacrantes rotinas que assolam os cotidianos depois do isolamento social, o trabalho de Beyoncé é de resgate. O house enfrenta o apagamento vindouro da apropriação por parte de DJs homens, cis, heterossexuais e brancos, trazendo um movimento combativo encabeçado por mulheres pretas que sempre tiveram um papel significativo na composição do que hoje é conhecido como Música pop. Acenando ao clássico Show Me Love, de Robin S., também sampleado anteriormente por Charli XCX neste mesmo ano, a proposta é de que haja espaço para a dança, mas que não fique no esquecimento o quanto esses ritmos vieram de um espaço de resistência à dor e à marginalização. 

Os gritos de afirmação e potência queer coloriram os projetos de outras artistas, e a apresentação de Madonna no Terminal 5 de Nova Iorque durante o evento WoW, Finally Enough Love, em celebração ao Mês do Orgulho LGBTQIA+, ganhou destaque. Como uma verdadeira rainha do pop, ela parece ser de fato incansável e também lançou a coletânea de remixes Finally Enough Love. O disco celebra duas conquistas recentes da cantora: tornar-se a primeira artista a chegar 50 vezes ao topo da parada Dance Club Songs, da Billboard, e ser a única artista a ter 50 hits em primeiro lugar em qualquer parada da revista estadunidense. Os lançamentos não param por aí, e Madonna deve lançar em agosto a versão Finally Enough Love: 50 Number Ones, formada por um total de 50 faixas. Enquanto esse mimo não chega, podemos escutar o single Ray Of Light (Sasha Ultra Violet Mix Edit) [2022 Remaster], disponibilizado nas plataformas de streaming também em junho.

Quando o assunto são rainhas e diversidade, a drag queen Trixie Mattel e seu novo projeto em tons de rosa ganham protagonismo. Em meio a uma turnê ao lado de sua amiga e parceira de negócios Katya, e ao lançamento de sua própria série de renovação de um motel, a artista encontrou espaço para, no Mês do Orgulho, lançar seu disco duplo. O The Pink & Blonde Albums abraça suas diversas facetas, do amor apaixonado vibe dos anos 60 até a sensualidade inebriante de uma artista no auge de sua Arte. 

A paleta de cores do mês chegou até o vermelho, típico de outra loirinha que deu as caras em Junho de 2022. Em mais uma de suas aventuras pelas trilhas sonoras — nas quais encanta desde 2012, com sua original ao lado de The Civil War para Jogos Vorazes —, Taylor Swift continua se deliciando no som soturno de folklore e na identidade alternativa de evermore para embalar Where The Crawdads Sing — estrelado pela querida e maravilhosa Daisy Edgar-Jones. 

Nossas playlists também tiveram a honra de ser agraciadas pelos recomeços. Demi Lovato saiu da reabilitação outra vez e retornou com a sonoridade pop rock dos primeiros anos de sua carreira. Em SKIN OF MY TEETH,  o melhor da potência vocal de Demi é trazido para o pré-refrão extasiante. A faixa é o primeiro single do seu oitavo álbum de estúdio, HOLY FVCK, cujo lançamento está previsto para agosto. 

Como hiatos e períodos complicados sempre fazem parte da rotina, tivemos a volta de figurinhas engavetadas. Halsey, finalmente, passou por cima das burocracias e empecilhos impostos por sua gravadora para o lançamento de novas músicas, trazendo ao público So Good – seu primeiro single desde o álbum If I Can’t Have Love, I Want Power.  Na faixa, que conta com a produção de Max Martin, a artista relembra um amor de desencontros e lamenta o fato do relacionamento não ter tido sucesso. Com um ritmo suave e delicado, a canção vem acompanhada por um clipe – dirigido por Alev Aydin – que passeia por lembranças e possibilidades. Sem ser surpreendente e impactante, a aposta foi substanciada por sentimentos singelos e comedidos.

A previsão do tempo é: simplicidade. Após o lançamento pouco impactante de Solar Power em 2021, e depois da chuva de críticas recebidas, Lorde protagonizou o clipe do single The Path. A produção audiovisual, dirigida pela própria cantora e seu parceiro Joel Kefali, traz a mesma estética ensolarada que vem sendo trabalhada desde o início da era. No vídeo, a kiwi se une a sua comunidade para dançar e exaltar a chegada do verão. Imerso em tons de vermelho e amarelo, o sol ainda parece insuficiente para tirar Lorde do morno.  

Já que o assunto é previsão, os planos para o futuro de Lizzo e Rina Sawayama chegaram. A primeira liberou o já imerso em polêmicas Grrrls, novo single do vindouro álbum Special. Rina Sawayama, por sua vez, trouxe mais uma prévia do seu disco, cujo lançamento está marcado para o dia 2 de setembro. A nova faixa, Catch Me In The Air, não dá conta de acompanhar as expectativas criadas pelo primeiro single do álbum, This Hell. 

As personalidades icônicas também marcaram o novo lançamento de Grace Gaustad. Com uma letra repleta de disco sticks e referências a divas pop, o seu novo single, GAGA, chegou às plataformas de streaming todo trabalhado no brilho e no estrelato. Mas o verdadeiro auge do lançamento está, provavelmente, no clipe que acompanha a canção. Nele, Gaustad se reúne com personalidades do RuPaul’s Drag Race e, juntas, as artistas percorrem momentos icônicos da carreira da Mother Monster, trazendo referências explícitas para os olhos – e ouvidos – super atentos dos little monsters. Ao lado de PILLBX e Everybody’s Friend, singles também disponibilizados no mês de junho, GAGA abre caminho para o álbum PILLBX: whts ur fantasy. 

Para fechar as cortinas do pop internacional, o BTS lançou Proof. A coletânea de sucessos marca o início da pausa das atividades em conjunto dos sete integrantes. Antológico, o álbum conta com várias demos e três músicas novas. Entre elas, o dueto de Agust D e Jimin em Tony Montana e o single Yet To Come (The Most Beautiful Moment). Conan Gray também fechou as contas e liberou todas as faixas do lancinante Superache – que até então nos vinha sendo apresentado em parcelas. 

Contrariando um cosmos de frustrações, a extraordinária, provocativa e até mesmo cômica performance de Trashy Ladies Medley, de 1975, finalmente chegou ao canal oficial de Cher no YouTube. Realizada no The Cher Show, a apresentação traz a reunião da dona do hit Believe com ninguém menos que Bette Midler.

O cenário pop brasileiro também recebeu várias novidades e lançamentos no mês de junho. No disco Em Nome da Estrela, a magia de Xênia França é a variação. Em sua investida de estruturar a negritude nos mais diversos campos imaginativos, a cantora agora tece sua harmônica mistura das musicalidades da MPB, junto a um jazz contemporâneo no território lírico dos sonhos. Indo dos versos de Dádiva, acompanhados por belíssimas cordas, até os meandros rítmicos que vão do blues ao maracatu em Ancestral Infinito, o álbum é um ponto de ruptura ao determinar um universo amplo de sonoridades e influências.

Também se jogando em um projeto musical ambicioso, Johnny Hooker lançou o álbum ØRGIA. Inspirado pelo livro Orgia – Os Diários de Tulio Carella, Recife 1960, o novo disco beira o conceito de álbum visual ao construir uma espécie de filme – repleto de ambientes noturnos, sexo e solidão – com as letras, clipes e visualizers que o compõem. Indo do brega ao electro-rock, Hooker nos presenteia com canções inéditas e outras já conhecidas, como Amante de Aluguel e Nhac!, colaborando ainda com o fenomenal Silva na faixa Maré. 

Cinco anos após o lançamento de Recomeçar, Tim Bernardes está de volta para presentear o cenário da Música nacional com o acolhedor e delicado Mil Coisas Invisíveis. Em instrumentais poéticos e extremamente bem produzidos, o cantor explora os estágios da vida, além de nos mostrar o mundo com a sinceridade de sentimentos invisíveis e tocantes. 

Em Meu Santo É Forte, MC Tha encontra e leva Axé para todos os lugares. Fruto de releitura de músicas da cantora Alcione, lenda da Cultura brasileira, o EP recupera canções de menor alcance popular, e as submete à produção contemporânea. Indo do samba ao funk de atabaques, passando por twists de suingue, MC Tha questiona a grande intolerância religiosa que assola o Brasil. 

Se no EP Clarissa a cantora retratava o amor como um sentimento que andava na corda bamba, Caminhada mostra autossuficiência e companheirismo. Aqui, Clarissa não precisa se apequenar para caber em alguém, mas se mostra inteira o suficiente para trilhar um caminho em um relacionamento saudável. A dona do hit pop punk nada contra (ciúme) também lançou amor desalinhado, em parceria com o cantor português Diogo Piçarra. Em um dueto emocionante e harmonioso, os dois refletem sobre o quão belo e doloroso um término de relacionamento pode ser.

No começo de junho, IZA disponibilizou o single Fé. A canção recebeu um videoclipe estonteante, dirigido por Felipe Sassi, e faz parte do ciclo do seu ainda inédito segundo álbum de estúdio. A cantora também colaborou no single Cangaceira, do grupo Falamansa. A faixa ganhou um clipe, em que IZA interpreta uma divindade cheia de flores, no estilo God is a woman, de Ariana Grande. 

O pop brasileiro recebeu o lançamento de Vestido de Amor, lead single do próximo álbum de Chico César. Além disso, Anitta, junto a LUCK MUZIK, disponibilizou o single TROPA, uma colaboração com o jogo Free Fire. A música ainda ganhou um videoclipe, dirigido por Christian Breslauer, responsável pelo clipe de Boys Don’t Cry.

Pelo terceiro mês seguido, Rody Martinez marcou presença no cenário pop brasileiro; dessa vez, com o lançamento do single Lambada. Quem também retornou foi Priscilla Alcantara, com a faixa-título de seu disco do ano passado, Você Aprendeu A Amar?. O single seria só mais uma vítima das atuais estratégias de lançamento duvidosas da cena, se não fosse a arquitetura sonora completamente desajustada que desperdiça até mesmo a força da participação de Emicida. 

Juliette, a campeã do BBB 21, lançou Solar, que faz parte de uma série de singles que sucedem o criticado EP que leva seu nome. A canção mostra uma persona mais sensível e contemplativa, e ainda pega emprestado os versos de um poema antigo da cantora. O destaque de junho no cenário pop brasileiro, no entanto, é de Ludmilla: a artista marcou presença no BET Awards, sendo a única indicada do país na premiação. 

Antes disso, ela disponibilizou o Medley Lud Session numa parceria estonteante com Luísa Sonza, mesclando as canções Tudo porque você mentiu; penhasco.; CAFÉ DA MANHÃ ;P e Doutora 3. Luísa, por sua vez, também participou do single de Baco Exu do Blues, Hotel Caro. Ao falar sobre os momentos de luz e de escuridão de um relacionamento, os cantores discorrem sobre os antagonismos de um sentimento que chega ao fim, deixando peças demais para trás. 

Alô, alô, Gilberto Gil, aquele abraço! Em junho, o homem que anda com fé completou 80 anos. Além de todas as homenagens e especiais televisivos recebidos, o cantor foi presenteado com um museu virtual no Google Arts & Culture, intitulado O Ritmo de Gil. Dentre as preciosidades reunidas na exposição, o maior tesouro é um disco perdido do cantor e compositor baiano. Gravado em 1982 para o mercado internacional, o álbum sem título não chegou a ser lançado na época – e foi encontrado só em 2020, pelos pesquisadores Chris Fuscaldo e Ricardo Schott. A coletânea está agora disponível para o público, que poderá ouvir oito faixas em inglês, e uma em português, além de contar com uma participação da estadunidense Roberta Flack. Os fãs da lenda da Música brasileira também foram presenteados pelo próprio: o veterano juntou os filhos e netos na série documental Em Casa com os Gil, para a gravação de um álbum homônimo. O encontro de gerações resgatou clássicos do cancioneiro de Gil, como Barato Total, Drão e Sítio do Picapau Amarelo, trabalhos que marcaram a vida de muitas famílias. 

Enquanto isso, Tom Zé, que é sempre uma multidão em suas criações musicais, carregando as mais inesperadas referências histórico-culturais e zelando pelas pesquisas e explorações antes de dar vida a um projeto, concebeu Língua Brasileira, o novo disco do último tropicalista. A coletânea possui Felipe Hirsch como diretor artístico, que também dirige um espetáculo teatral-musical de mesmo nome, sob consultoria geral de Caetano Galindo. O álbum mostra os caminhos da língua, que vão do tupi-guarani à cultura celta, passando por descobertas feitas na Itália e por outros detalhes lindos e minuciosos, como a ligação ao quimbundo. Língua Brasileira, de modo geral, é uma reunião de informações que se encontram na margem do aprendizado oficial, como as origens desse nosso precioso bem sociocultural.

LUI e Bemti se uniram em Preciso Dizer Que Te Amo / Re-Veja [Ao Vivo]. Numa  belíssima releitura da composição de Cazuza, Bebel Gilberto e Dé Palmeira, a faixa recebeu um videoclipe comovente, dirigido por Fred Soares. Já Aquino e a Orquestra Invisível lançaram o single Quando Ela Foi. Em um ritmo animado e dançante, a banda explora novos sons, e mostra sua evolução desde o seu primeiro disco, Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, lançado em 2021. A faixa ainda ganhou um clipe ao vivo, diretamente do primeiro show da banda no Circo Voador. 

Madu também marcou presença na MPB nesse mês de junho. Lançando o quinto single do vindouro disco Querubim, o cantor entrega sua própria versão de Amor Cinza, música composta – e já até gravada – por Mateus Aleluia, mais uma vez acompanhado pelas notas musicais do violão de Jean Charnaux. Para fechar os lançamentos da Música Popular Brasileira, temos a volta de Chico Buarque ao universo musical. 

Com a música Que Tal Um Samba?, o vencedor do Prêmio Camões contempla, em um tom crítico e político, um ar de enfrentamento e superação. A faixa poderia facilmente ser uma atualização de Apesar de Você: no meio de um ritmo gostoso de ouvir e elementos culturais, a esperança de que “amanhã há de ser outro dia” e de que as coisas ruins irão passar continua presente. E, mesmo com mais de 50 anos de carreira, podemos perceber como Chico Buarque ainda continua seu legado de consciência, de resiliência e de resistência ao autoritarismo governamental. 

Continuando no território brasileiro, mas indo para a área do rap, Filipe Ret lançou o álbum LUME, seu sexto trabalho de estúdio. O projeto mostra o encontro do trap e do funk, e possui várias participações, como Anitta, MC Hariel, L7nnon, Caio Luccas e Cabelinho. Sob a energia de ritmos fortes, marcantes e festivos, as músicas falam sobre a vida nas favelas, as conquistas e a sedução. Além disso, o trabalho de Ret explora uma atmosfera dual e mais transparente do que nunca. 

A dupla de gêmeas Tasha & Tracie lançou, em junho, o single WILLY. Produzida por Pizzol, a música faz referência ao livro A Fantástica Fábrica de Chocolate. Usando jogos de palavras que relacionam chocolates e dinheiro, as irmãs trazem rimas melodiosas e a exaltação do poder das mulheres negras. MC Carol lançou Africano, música dedicada a seu noivo, que se tornou ainda mais especial com o videoclipe que acompanha a homenagem. 

Adentrando o espaço do rap internacional, temos o retorno de Post Malone. Quase três anos depois do lançamento do aclamado Hollywood’s Bleeding, o rapper está de volta, com alguns dentes a menos, e com um tom mais sombrio no disco Twelve Carat Toothache. Ao unir forças com artistas como The Weeknd, Doja Cat e Roddy Ricch, Malone reflete sobre corações partidos e sobre o alcoolismo – que o faz feliz na mesma medida que o prejudica. O quarto álbum de Posty alcançou o segundo lugar da parada musical Billboard Hot 200, além de marcar o fim do contrato por obra com a gravadora Republic Records. 

Recebemos também o primeiro disco de Erica Banks, Diary of The Flow Queen. A responsável por Buss It, música viral da plataforma TikTok, mostra como vai com o flow de seus beats: Banks se autointitula “Flow Queen” – Rainha do Flow. Já Lil Nas X fez seu retorno pós-MONTERO junto do rapper NBA YoungBoy com o single Late To Da Party. O lançamento veio logo depois de Lil Nas ser esnobado pelo BET Awards; o cantor usou a faixa para mandar indiretas bem diretas para a premiação, e ainda recebeu um clipe. 

Uma colaboração entre Pharrell Williams, 21 Savage e Tyler, The Creator não poderia seguir um caminho diferente do sucesso. Em Cash In Cash Out, os rappers reafirmam os porquês de serem ganhadores do Grammy. Apostando em uma receita clássica e certeira, a faixa traz uma letra milionária em que os artistas fazem referência a artigos de luxo. A canção ainda recebeu um clipe em stop motion, dirigido por François Rousselet. 

“Eu me sinto como uma deusa, eu me sinto como uma diva”, diz Princess Nokia, em seu single recém-lançado Diva. A rapper, completamente inspirada por divas pop, mostra, durante o clipe da faixa, sua ascendência porto-riquenha. A faixa fica ainda mais completa com a lista de verdadeiras deusas da Música, como Beyoncé, Shakira, Aaliyah e Britney Spears. Para ultimar o mundo do rap, Muni Long lançou a dançante Baby Boo, junto com Saweetie.

Já no mundo do R&B, Muni foi escolhida como parceira por John Legend para o single Honey. Em uma melodia doce e suave como o mel, a dupla reflete sobre o prazer feminino. A faixa se delicia em suas batidas vindas do jazz e dos vocais sensuais e harmoniosos do par. Também recebemos o retorno de Chlöe, com o single Surprise. Na música, a cantora expressa e explora sua sensualidade dentro de seu relacionamento, trazendo instrumentais envolventes, junto com vocais delicados e encantadores.

Após quase dois anos do lançamento de Nectar, seu segundo álbum, Joji está de volta com a canção Glimpse of Us. Em uma melodia emotiva e melancólica, com belas notas de piano, e com versos tocantes e lamentosos, o cantor compara um relacionamento atual a um do passado. Essa comparação se potencializa pela forma que Joji utiliza os pronomes ‘ela’ e ‘você’, para se referir ao seu amor atual e ao seu amor passado, respectivamente. Podemos ver isso nos versos “Porque às vezes eu olho nos olhos dela/E é aí que eu encontro um vislumbre de nós”.

O universo do R&B ainda recebeu de presente a versão deluxe de Ctrl, álbum de SZA que completou cinco anos em junho. O disco contém sete faixas inéditas, que dão uma cara nova para o primeiro grande trabalho de estúdio da artista. A revisitação mostra como SZA faz jus ao sucesso do pioneiro, que recebeu cinco indicações ao Grammy e que, mesmo após meia década, permanece na parada musical Billboard 200.

Para o Rock, o sexto mês do ano foi silencioso, mas imperial. Retomando os clássicos, o icônico grupo Kiss lançou o álbum Off The Soundboard: Live In Donington, com repertório gravado no festival inglês Monsters Of Rock, em 1996. Enquanto isso, Blondie contrariou as tradições e deu uma chance para as primeiras vezes, anunciando o primeiro box set da carreira, Blondie: Against The Odds 1974-1982 — com lançamento previsto para o mês de agosto. Para dar início a esse “projeto de arquivo”, a banda disponibilizou nas plataformas de streaming uma gravação intensa e inédita: um cover de Moonlight Drive, do The Doors.

As novidades e urgências do século também tomaram conta das fases de Yeah Yeah Yeahs. Depois de quase dez anos em hiato, a banda se alimenta da mágica de uma nova geração musical do pop rock com seu novo single Spitting Off the Edge of the World. Numa explosão emotiva de sintetizadores digna do pop ecoante das baladas oníricas de M83, o retorno do trio de rock, sempre formativo de estardalhaços, agora se apoia em um gigantesco sentimentalismo de uma produção muito remanescente às sonoridades transcendentais de Perfume Genius.

Em contraponto, se apoiar na contemporaneidade deu a MUNA um ar de reprodutibilidade técnica. A banda, apadrinhada por Phoebe Bridgers, lançou seu quarto disco de estúdio, batizado com o nome do grupo. Embora o trabalho, modesto em extensão e alcance, edifique as 3 artistas em potenciais ainda não explorados em sua carreira, as canções parecem se esforçar demais, mergulhando em tendências mercadológicas para a justificativa de escolhas estéticas e de estilo. Silk Chiffon, single de barulho que divide os vocais com a madrinha do indie, bota para quebrar, assim como a extravagante What I Want. Feito para ser ouvido e cantado a plenos pulmões num carro em alta velocidade durante o Mês do Orgulho, MUNA oferece menos do que poderia.

Os tons noturnos da vez ficaram por conta de Soccer Mommy. Mais obscuro que seu trabalho em color theory, a cantora retorna com Sometimes, Forever envolvida pelas sombras e por autodescobertas pontiagudas, em especial as que dizem respeito a fatores imutáveis de seu cosmos. Além disso, as estrelas brilharam para Ozzy Osbourne e seu novo trabalho Patient Number 9, faixa-título de seu próximo álbum. A canção conta com a participação do ícone do rock Jeff Beck.

E se até então os lançamentos pareciam um pouco mais calmos, a Música alternativa se definiu em turbilhões. No mais novo álbum de Mike Hadreas como Perfume Genius, Ugly Season, o compositor torna a visceralidade – encoberta pela beleza no abraço ou no abandono à corporeidade em Set My Heart on Fire Immediately e em No Shape, respectivamente – o cerne temático de seu projeto. Nessa crueza, que está refletida claramente em seus vocais distorcidos, nervosos e até mesmo suprimidos por instrumentações alucinantes, Hadreas expõe suas emoções sem meandros, com uma expressividade que dilui seu típico estilo narrativo de storytelling em composições quase impressionistas.

Passeando por pulsões que vão do barroco psicodélico de Scherzo, ao reggae na faixa-título para um maníaco disco mix em Eye on The Wall, Hadreas encontra na feiura e na dissonância dessas canções, pensadas originalmente para a peça de dança contemporânea de Kate Wallich, outras maneiras de lidar com o corpo queer. Sua lírica vai desde a sexualidade em Pop Song até o lapso de beleza ambient no fim do álbum, em Cenote. 

O transtorno musicalizado também foi a aposta de quem não aparecia há um bom tempo. Seis anos após o lançamento de Jet Plane And Oxbow, Shearwater volta aos holofotes com o seu décimo disco, The Great Awakening. As 11 faixas se derramam em águas turbulentas onde a única regra é não ter regras. No álbum, os instrumentais compõem uma musicalidade apocalíptica e incoerente. Em um ideal de combinações estranhas e estridentes, Shearwater nos apresenta críticas sob os contrastes de uma melancolia enérgica.

Chegando para cumprir promessas antigas, a dupla composta por Camae Ayewa (Moor Mother) e Zubeyda Muzeyyen (DJ Haram), finalmente trouxe o lançamento de seu álbum de estreia. Em uma atmosfera definitivamente distante do reconfortante, 700 Bliss traz à tona uma musicalidade anárquica. Imersos em um instrumental indômito, a bateria e o baixo são complementados por sons estrondosos. Aquilo que em um primeiro momento parece incômodo e mal executado, se mostra extremamente bem encaixado às temáticas retratadas nas músicas. Usando letras provocativas e incisivas, a dupla critica o abuso de poder e a marginalização da cultura preta. Em momentos contrastantes usam pontos humorísticos para compor uma narrativa caótica. Para quem não tem nada a declarar, 700 Bliss fala sobre muitas coisas que precisamos ouvir.

O ponto de equilíbrio em meio a tempestade foram as notas agridoces do lirismo, como acontece no segundo álbum da cantora italiana Francesca Burattelli, Battle Fatigue. Depois do sabor amargo tratado em Condition, chegou a vez da artista esmiuçar o amor em suas faces ternas e aflitivas. As 11 músicas do disco apresentam Francesca em completa experimentação. Aqui, sua voz mistura o canto e a fala, além de trazer interpretações em três idiomas diferentes: o inglês, o italiano e o dinamarquês. O ritmo tem um trabalho de cordas muito singular, em que guitarra e outros instrumentos se tornam um complemento ao tom adocicado dos vocais da artista. 

Caminhando pela maturidade do sentir, as emoções foram alvo de transformações. No projeto de remixes de seu último álbum, o florescente e íntimo Colourgrade, Tirzah convida artistas que partilham e entendem as noções de delicadeza e sinceridade que atravessam suas canções, da mesma maneira que constroem novos territórios de experimentalismo acerca do conceito do remix. 

Na reinvenção da faixa-título, Arca trabalha com sintetizadores intergaláticos, enquanto recupera a  bela crueza do trabalho de Tirzah ao não ter medo de trazer momentos de silêncio e de dissonância aos ouvidos, principalmente no ressoar de um teclado que encobre misteriosos vocais distorcidos. Já no enigmático e mágico incremento de instrumentações por Lafawndah em Crepuscular Rays, há um perfeito híbrido dessas visões artísticas tão férteis, encontrando no cenário de remontagem e remixagem uma nova maneira de significação partilhada dos temas colocados originalmente pelo álbum. 

Onde há humanidade, há desabafo, e são em batidas imersas em uma euforia bagunçada, high on helium e cheias de torpor que Grace Ives compõe Janky Star. Álbum esse que, se estivesse em moldes literários, estaria muito mais para um livro de contos do que para um romance narrativo sustentado em uma linearidade. Formando pequenas caixinhas desorganizadas prontas para serem vasculhadas, a cantora conta com o produtor Justin Raisen, que passou pela produção de outras joias pop, como Baby, de Charli XCX. 

Mas diferentemente da superprodução e do complexo de estrela presentes no último projeto de XCX, Ives remonta-se em uma intimidade que, em faixas como Lullaby, conseguem alcançar um suprassumo de sinceridade ao narrar os nadas que preencheram o isolamento social pandêmico. A falta de pretensão nos versos de On The Ground constituem o mais perfeito pop para dançar sozinho, isolado do mundo afora e preso em seus fones de ouvido, já o uso de vocais distorcidos em Back In LA só reforçam a alegria letárgica do álbum. 

Como até as confissões ganham ares mercadológicos, mais um dos recortes sonoros comerciais de twigs, killer, vem com o direito a uma batida produzida pelo seu colaborador em CAPRISONGS, El Guincho. Acessando as sonoridades de um trap que consegue sustentar os sempre poderosos vocais da cantora em belas harmonias, a composição da estreante no Tiny Desk se coloca em direto diálogo com formas mais radiofônicas de se fazer pop, que se mostram até na espertíssima promo da música no TikTok, com um vídeo que se fez digno de tabloides de fofoca. Assim, o single mostra que CAPRISONGS foi apenas um pé dentro do mainstream em que twigs tem pretensão dar um mergulho.

As influências do pop também aterrissaram em ritmos psicodélicos. Em mais uma amostra de seu novo álbum, Shygirl expõe uma desconstrução melódica do pop que, no início, se assemelha a uma versão mais açucarada e revestida de glitter das batidas vocálicas do Medúlla, de Björk. Com a participação de Arca na produção, vozes são remixadas e reorganizadas em uma sinfonia febril e alucinante. Sob os versos imperativos de uma sexualidade que quase beira as exigências de uma dominatrix, completamente contrastadas com a suavidade que os vocais de Shygirl constroem a canção, Come For Me compartilha um luxo sinestésico.

Para quem sentiu falta de leveza e bom humor, temos o sempre satisfatório caminho de Phoenix, traduzido no sentir de uma delicada nostalgia, já eternizada por um vídeo dirigido por Sofia Coppola, ou no transporte às mais divertidas imersões no que seria o perfeito verão italiano regado ao 80’s disco. Ilustrada por um clipe recheado de uma jocosidade do início da era dos memes, com imagens históricas em um contexto meio besteirol, Alpha Zulu, o novo single da banda, representa o conforto na forma de um europop banhado nas influências remanescentes das batidas intermitentes de Jean Michel Jarre. 

Para acolher feridas com delicadeza, Angel Olsen nos trouxe sua sempre constante sutileza para discorrer sobre os mais diversos temas. Em seu novo álbum, seus discursos vão da paixão de ter se assumido lésbica e tornado seu relacionamento público, ao luto, com a morte de seus pais. Big Time abraça todas essas emoções, com a gigante ternura da Música country, mesmo que com uma lágrima no canto do olho. Ecoando esse carinho quase meloso de Big Star e Dolly Parton, a faixa-título é um epítome de uma declaração de amor dedicada a sua parceira, que consegue atravessar, mesmo nos momentos mais áridos e pessimistas do projeto, momentos de conexão, ainda mais na realidade pós-isolamento social.

Se Angel Olsen coloca uma pata no country, a vencedora de oito Grammys, Carrie Underwood, coloca o cavalo inteiro. A artista, que tem uma grande presença no gospel, apresenta pela primeira vez uma versão mais desprendida e ensolarada com o energético Denim & Rhinestones. Passando por temáticas que variam entre paixão e decepção, a cantora e compositora revela faces mais íntimas e compartilha lembranças da própria vida. Os instrumentais remontam um universo festivo com batidas bem marcadas que chegam a pender para influências do rock. Após mais de vinte anos de carreira em destaque no country, Carrie mostra que ainda sabe florescer vestindo seus jeans com strass.  

Falando em grandes carreiras, os 40 anos de Neneh Cherry na Música renderam um disco eletrônico nostálgico. Em clima de renovação, a artista voltou trazendo The Versions como o oitavo disco de sua trajetória. O projeto é um conjunto de regravações de músicas pertencentes aos seus três primeiros álbuns e tem o objetivo de transportá-las diretamente dos anos 90 para a musicalidade de 2022. O compilado junta 11 artistas, entre mulheres e pessoas não-binárias, sendo a abertura, Buddy X, a única faixa que conta com os vocais de Cherry. A musicalidade brinca com uma multiplicidade de ritmos e varia entre jazz, R&B, pop e marcas de mixagem. Em The Versions, tudo que há de inovador e inventivo se articula em um misto de possibilidades.

Os Eletrohits também pousaram em solo nacional e em comemoração aos 20 anos de criação dos Tribalistas, Carlinhos Brown se juntou ao DJ e produtor musical Deeplick para transportar parte do repertório do trio artístico para o universo da Música eletrônica. O resultado é o EP EletroTribalistas, que conta ainda com uma canção inédita: a faixa-título – composição assinada por Arnaldo Antunes, Carlinhos Brown, Marisa Monte e Deeplick

Seja nas multifacetas das emoções humanas ou nos gritos de resistência, o mês da diversidade foi para a Música uma ode aos recomeços. Chegado o fim da temporada de pink money, o Nota Musical de Junho também celebra em despedidas. O que o futuro reserva? Para descobrir mantenha os olhos – ou melhor, os ouvidos – bem atentos, pois em julho a seleção do Persona retorna assim como Kate Bush para mais algumas de suas dicas melódicas.

Texto: Jamily Rigonatto e Laura Hirata-Vale

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Enzo Caramori, Eduardo Rota Hilário, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Nota Musical – Junho de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Seguindo nossas publicações mensais, o quinto mês de 2022 trouxe muitas novidades, selecionadas a dedo pela Redação do Persona. As celebrações no mundo da Música vão da turnê de despedida de Milton Nascimento, passando pelo reconhecimento da obra de Taylor Swift pela New York University (NYU), atravessando o mais recente ressurgimento comercial do clássico de Kate Bush, devido ao sucesso da nova temporada de Stranger Things, acordando o Pedrinho com o novo hit brasileiro e desembocando nos prolixos novos álbuns de The Smile e Kendrick Lamar. Preparem os ouvidos para a nossa playlist, pois o Nota Musical de Maio chegou. 

Aos 79 anos, Milton Nascimento anunciou o encerramento de sua trajetória com uma derradeira sessão de apresentações. Na estrada desde os 13 anos, Bituca declarou que não poderia fechar as cortinas sem executar canções de todas as fases de sua carreira em sua Última Sessão de Música. Vencedor do Grammy e um dos ícones do Clube da Esquina, o cantor carioca alcançou, em poucas horas, a expressiva marca de 65 mil ingressos vendidos para sua turnê.

Maio também foi o mês de consagração de Taylor Swift. Com 32 anos de idade, a cantora recebeu o título de Doutora Honoris Causa em Belas Artes, pela New York University, devido a sua destacada contribuição à História musical. No entanto, esse não foi o primeiro reconhecimento que a instituição manifestou à cantora: em fevereiro, a universidade – que figura na lista das mais respeitadas do mundo – lançou um curso sobre o trabalho e trajetória musical da artista. Antes disso, ela ainda esquentou seu nome na mídia com o lançamento de This Love (Taylor’s Version), mais uma de suas regravações do lendário 1989, o que acabou por confundir ainda mais os fãs sobre o próximo disco que será alvo do seu projeto de retomada de direitos autorais. 

Sobre os clássicos incompreendidos, não é novidade que Kate Bush, mesmo com seus contínuos hiatos e seu afastamento da cena pública, sempre volta. Ela retorna porque consegue, sempre, se fazer clássica no sentido de criar formas únicas do pop que servem enquanto inspiração a artistas como ROSALÍA, que recupera suas perspectivas sobre ser artista, Charli XCX, sempre trazendo o mesmo instinto de experimentação, e Lorde, que consegue, com maestria, reconstruir vocais pra lá de bushianos.

Diferentemente da canção Babooshka, que, no TikTok, ressurgiu com seus característicos maneirismos vocais e pelo sempre distintivo storytelling, o retorno de Running Up That Hill (A Deal With God) às paradas, lugar onde ocupou mais de uma vez desde seu lançamento, vem movido pelo sentimento de nostalgia tão emulado e trabalhado na série Stranger Things, que instrumentaliza tal sentimento como se fosse personagem da narrativa. Agora, só resta à Geração Z interagir de forma mais intensa com os mundos que foram criados por Bush dentro de seus projetos, e que desfrutem do melhor que o seu synthpop extraordinário tem a oferecer.

Se Harry Styles parecia ter atingido o ápice criativo com o disco Fine Line, o terceiro álbum de estúdio do ex-One Direction chegou às plataformas de streaming para mostrar o contrário. Harry’s House é o trabalho mais pessoal e experimental do britânico e, com 13 faixas, transita entre o aconchego de um lar e a inconsistência do ato de sair de sua zona de conforto. Styles, vale ressaltar, assina grande parte do projeto ao lado de Kid Harpoon, produtor e parceiro musical de longa data. As novas composições e o sucesso estrondoso do primeiro single (As It Was), por sua vez, somente reforçam a teoria de que Harry’s House fará ainda mais barulho nos próximos meses.

De qualquer modo, enquanto as previsões não se cumprem, ou caem totalmente por terra, é possível observar que os experimentalismos marcaram vasta presença em mais um mês de numerosos lançamentos. Em solo nacional, por exemplo, Urias explorou um aspecto mais agressivo do improviso na Música eletrônica para elaborar a primeira parte de seu futuro álbum, dando origem ao EP HER MIND, PT.1. Embalando seus vocais rasgados em instrumentais mergulhados nas influências do mais subterrâneo techno, mescladas com referências do pop e do rap, a cantora constituiu canções embarcadas em um experimentalismo que não se importa tanto com o significado de suas composições – caso de Je ne sais quoi e The way I drop -, mas que contribuem para o poder performativo de seu flow, mirando justamente nas fronteiras entre os gêneros musicais explorados.

Já no universo das telinhas, uma das melhores canções do álbum Terra Vista da Lua, de Felipe de Oliveira, foi coroada com um videoclipe bastante curioso. No lado visual de Cara da Esquina, referências ao filme Um Cão Andaluz, dentre outros símbolos chamativos, se misturam com um formato inusitado – um recorte quadrado, ao invés da tela retangular que dá base à maioria dos clipes musicais – para proporcionarem uma imersão única, que dificilmente será decifrada de primeira. 

O espaço sideral, a propósito, também combina com Mitosis, novo single de Eartheater. Nele, a voz de Alexandra Drewchin (Eartheater) transita entre as fronteiras do sacro e da total profanação, principalmente quando sobreposta às produções, oriundas das boates underground londrinas, de Sega Bodega. Com vocais quase gritados, que se diluem em sintetizadores agressivos, a cantora consegue nos surpreender com seus sussurros justapostos a momentos em que a produção também desacelera, nos enlaçando em seu feitiço e em suas harmonias extraterrestres.

Não menos experimental foi 070 Shake, com o lançamento da faixa Body. Afinal, o terceiro single do segundo álbum da protegida de Kanye West – e recente parceira musical de Madonna – conduz seu rap único, juntamente dos vocais sussurrados e minuciosos da brilhante Christine and The Queens, sobre um instrumental montado por batidas e sons com um quê de ficção científica, que ajudam na construção de uma expectativa de um drop que não ocorre, brincando, assim, com a estrutura da canção, semelhante a um fluxo de consciência que discorre sobre sexo e corporeidade.

Indo além dos experimentos, maio foi também um mês de muitas combinações. Nesse contexto, e analisando retrospectivamente seus últimos trabalhos, para, com propriedade, falar de This Hell – canção que é o carro-chefe de seu novo álbum, Hold The Girl -, é óbvio que o melhor que Rina Sawayama faz é debruçar-se sobre fusões. Sempre flertando com os mais diversos gêneros, desde o R&B em seu EP ao nu metal no seu primeiro álbum, Rina brinca agora – com suas entoações somadas a guitarras dignas do pop caubói de Kacey Musgraves – com toques de um country em diálogo com referências dos anos 2000, como menções a Paris Hilton e Shania Twain, mas sempre sem perder o toque queer no surfe que realiza sobre as mais distintas formas de se fazer Música Pop.

Enquanto isso, no Brasil, Cardiopulmonar – o último single avulso antes do início do projeto de lançamento do primeiro álbum solo de Mel – remonta a um entusiasmo que somente uma mistura bem feita de pandeiros da MPB, dos sintetizadores house music e de um bom e já quase clássico pop com gostinho brasileiro poderia trazer; ainda mais em seus vocais, mestres nessa cena com seu passado na sempre eterna Banda Uó. Já a veterana Claudya cumpriu com a promessa de abril e mergulhou no paradoxo de transformar as canções da Jovem Guarda em Bossa Nova: principal intenção do álbum A Nossa Bossa Sempre Jovem. 

Por falar em nomes consolidados da MPB, João Bosco eternizou um dos encontros que teve com a Orquestra Ouro Preto, em 2021, dando origem a um álbum que foi elogiado pelo jornalista Augusto Diniz, da revista Carta Capital. No novo trabalho, Gênesis, a mescla de sonoridades consideradas eruditas com os sons tidos como populares é um dos grandes atrativos de mais de uma hora de show. 

Igualmente destemida, Becky G voltou colocando as origens latinas nos holofotes ao lançar o segundo álbum de estúdio da carreira. Esquemas conta com 14 faixas, trazendo, dentre elas, o sucesso em parceria com Karol G, MAMIII. Todas as músicas da produção são cantadas em espanhol e misturam merengue, jazz, pop e eletrônica. A cantora, aliás, deixa em segundo plano a necessidade de agradar à indústria com hits mecânicos, destacando-se agora com a confiança e maturidade que adquiriu ao longo de sua trajetória musical.

Também ousada foi a jornada de The Chainsmokers. Após um ano distante das redes sociais, a dupla musical resolveu reaparecer para inaugurar uma nova fase artística. No quarto álbum da carreira, So Far so Good, Alex Pall e Drew Taggart rompem laços com a receita pronta que utilizavam em suas produções e passam a explorar a subjetividade. A base do disco foi construída em uma viagem do grupo ao Havaí e surge justamente com a proposta de apresentar ao público uma versão mais íntima dos cantores. Aproveitando a versatilidade das batidas de sintetizadores, as músicas são construídas com beats mais marcados, que complementam as experimentações instrumentais e os vocais lúdicos da proposta.

Um artista, por sinal, esteve muito próximo dos sons de Alex e Drew. Esse é o caso de Flume, que, em seu mais novo álbum, Palaces, se propôs a um projeto mais coeso que sua antecedente mixtape, conduzido por um fio narrativo liderado por novas centralidades no conflito da dualidade humano e natureza, diluindo o antropocentrismo em algo que mais se assemelha a um bizarro modelo capitalista do mundo natural. Nisso, ele tenta criar sobre as possibilidades de encontro entre a natureza e a tecnologia. Mesmo que, em algumas canções, exista uma sonoridade que se assemelhe ao EDM de The Chainsmokers, as participações da produção e dos vocais de Oklou, juntamente do experimentalismo robótico do reggaeton de Virgen María e da grandiosa presença de Caroline Polachek, conseguem trazer o diferencial, tirando um pouco o álbum do produtor de fora da curva.

No fim, comeback foi o que não faltou no mês de maio: dois anos após o lançamento do intimista EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, Bad Bunny retornou aos discos com o melodrama visceral de Un Verano Sin Ti. Apostando no desengano como fio condutor, o cantor porto-riquenho trouxe ao público composições fortes e bem amarradas. Com influências do reggae e do R&B, a sonoridade do novo álbum adquire uma singularidade cercada de boas experimentações e ascensão de ritmos tipicamente latino-americanos, como a Bossa Nova. Un Verano Sin Ti ganhou boas avaliações da crítica especializada e alcançou a marca de 100 milhões de streams no Spotify em apenas um dia. Na obra, o cantor explora o que há de mais profundo na dor, enquanto representa a imensidão dos sentimentos em cores vibrantes.

Além disso, após seis meses do lançamento de One Right Now, Post Malone ressurgiu com o single Cooped Up, em parceria com o rapper Roddy. A canção precedeu o lançamento do álbum Twelve Carat Toothache, que foi disponibilizado no dia três de junho. E, depois de quase um ano do lançamento do single I Like That, Bazzi retornou com uma nova música, Will It Ever Feel The Same?. Nela, o cantor estadunidense reflete sobre o término de um relacionamento utilizando uma melodia tocante, misturada com batidas clássicas de seu estilo.

Alguns artistas, no entanto, resolveram olhar para o passado com a finalidade de renovar trajetórias já consolidadas. Começando por uma divindade brasileira: majestosa como sempre, Elza Soares mergulhou na própria carreira e colheu alguns de seus melhores frutos para compor o repertório preciso – e precioso – do álbum Elza Ao Vivo No Municipal. Gravado nos dias 17 e 18 de janeiro, dois dias antes da morte da cantora, o último registro da Mulher do Fim do Mundo não só leva um de nossos maiores ícones culturais a mais um dos espaços nobres nacionais, como também nasce em um marco extremamente simbólico. Disponibilizado em 13 de maio, Elza Ao Vivo No Municipal veio ao mundo na data que é considerada pelos umbandistas como o Dia de Preto Velho – e, em todo o país, como o Dia Nacional da Denúncia Contra o Racismo. 

Já na cultura estadunidense, outra rainha se manteve mais produtiva do que nunca. Afinal, se não é novidade que Madonna adora um remix, em maio, além de disponibilizar uma pequena amostra do vindouro álbum Finally Enough Love: 50 Number Ones, por meio dos singles Into The Groove (You Can Dance Remix Edit) [2022 Remaster] e Deeper And Deeper (David’s Radio Edit) [2022 Remaster], a Rainha do Pop esteve mais uma vez ao lado de Sickick para divulgar uma terceira roupagem inédita aplicada – somente neste ano (!) – ao hit Frozen. A faixa da vez recebe o título de Frozen On Fire e enriquece o clássico do pop com alguns versos novos.   

Indo do português ao inglês, as imersões retrospectivas não poderiam deixar de lado o espanhol. E foi em Grandes Éxitos en Español que a banda paulista Francisco, el Hombre celebrou sua ligação com o México, fazendo um compilado dos maiores sucessos gravados na língua que dá título ao disco. A setlist da obra conta com 14 faixas e resgata canções de todas as fases da banda, entregando um ar saudosista à produção. 

A música de abertura, Hoy Muero Feliz, é também a última faixa do disco e nos é apresentada em duas versões: a mexicana e a brasileira. A ideia de juntar as letras no idioma espanhol em um álbum específico vem da origem mexicana dos irmãos Sebastianismos e Mateo. Já quando se trata das múltiplas versões de uma só canção, os integrantes dizem que há diferenças entre um público e outro e, por isso, veem como necessário construir gravações bem encaixadas com o perfil dual dos ouvintes.

Ainda no país tropical, Tetê Espíndola resgatou composições da parceria entre Arnaldo Black e Hilton Raw para formar o EP Notas de Tempo Nenhum. Fato curioso é que esse novo trabalho mescla gravações antigas e captações sonoras recentes, formando uma tracklist com pouco menos de 20 minutos. Já Belle and Sebastian chegou com A Bit of Previous, o 11º álbum da carreira. Reinventando clássicos do indie folk, a banda escocesa fez da nostalgia a protagonista do lançamento. 

Apesar da manutenção das marcas registradas do grupo, as 12 faixas do disco expõem uma maturidade na musicalidade dos artistas. A instrumentalidade explora ritmos presentes no universo gospel, brinca com batidas do pop e viaja entre músicas tranquilas e enérgicas. Além da retomada das raízes da Música Alternativa, são resgatadas as origens e a história dos quase 30 anos de atuação da banda. Os clipes contam com fotos antigas dos integrantes, tanto como grupo, quanto em suas vidas pessoais.

Mas as revisitações não pararam por aí. Trazendo, com muita sensibilidade, seu repertório para o universo infantil, Caetano Veloso se uniu mais uma vez ao Mundo Bita, agora para regravar a clássica canção Odara. Zeca Veloso, por sua vez, mostrou-se primoroso ao dar o primeiro passo rumo a um também primeiro álbum autoral. Resgatando O Sopro do Fole, composição gravada por Maria Bethânia no álbum Noturno, o filho de Caê brilha como intérprete de uma versão repaginada e ampliada, que alcança elevada relevância ao apresentar um instrumental renovado, versos inéditos e um videoclipe sublime. 

Por falar no disco da Abelha Rainha, não podemos nos esquecer de quem assinou a direção musical e os arranjos dessa obra encantadora: morto em 2021, Letieres Leite continua vivo por meio de seus trabalhos. Em maio, o artista contribuiu postumamente com a Música brasileira ao lançar, junto da Orkestra Rumpilezz, o álbum Moacir de todos os santos – uma evocação ao “gênio da música brasileira” Moacir Santos. O disco conta ainda com a participação de Caetano Veloso.

Como nem tudo são flores na indústria musical, a nova faixa de Vitão, Declaração, remete aos primeiros singles da carreira do cantor, mas carrega um tom de despedida. A canção relembra a musicalidade de lovesongs como Tá Foda e Café e, apesar de acompanhar um videoclipe romântico, tem como temática das entrelinhas as experiências negativas que o artista vivenciou com o hate na internet. Vitão tem sido alvo de portais de fofoca por falar de suas novas descobertas de si mesmo e contou que Declaração representa uma transição para novos ares. Assim, a música abraça o novo ciclo, despedindo-se do último de maneira singela, mas grandiosa.

Aliás, de recomeços, Shygirl entende bem. Isso porque Firefly, o lead single do primeiro álbum da cantora londrina – integrante do selo NUXXE, juntamente com Sega Bodega e COUCOU CHLOE -, a aproxima de sensibilidades da música pop das pistas de dança europeias, um terreno já explorado em faixas como TASTY, de seu último EP. Agora, a artista, com outras perspectivas e relações com a Música pop, já reconhecidas pela presença, junto à produção de Mura Masa, nos remixes do Dawn Of Chromatica, de Lady Gaga, distancia-se do agressivo, gutural e meio blasé rap que antes caracterizava suas canções ressoadas nas boates underground para mirar no europop que seria um estouro nos charts dos anos 2000, cantando sobre batidas que os artistas do início desse milênio sonhavam ter feito. Firefly traz o sentimento de uma canção perdida em uma coletânea do mais brilhante eurodance, partilhando do preciosismo de um tesouro (re)descoberto.

Já que mencionamos a Mother Monster, não podemos deixar de comentar mais uma das incansáveis investidas artísticas da “garota italiana de Nova Iorque”. Primeiro, é preciso lembrar que, nos anos 80, a canção original de Top Gun venceu o Oscar, para finalmente dizer que, passados 36 anos, Lady Gaga dá vida a Hold My Hand, música que brinda Top Gun: Maverick e tem potencial para repetir o feito de Take My Breath Away. Vale ressaltar que, além de canetar a faixa dos créditos, Gaga assina a trilha sonora original do longa ao lado do lendário Hans Zimmer, que acabou de vencer o prêmio da Academia por Duna.

Indo além das ligações com a década de 80, a Música contemporânea ainda se conecta com outros períodos memoráveis de um passado não tão distante – e o álbum meet the terrible exemplifica bem essa realidade. De fato, talvez não exista gênero melhor do que o pop rock para cantar sobre inseguranças, e brvnks sabe muito bem disso. A escolha da cantora de trazer seus vocais em composições tanto em português quanto em inglês mais parece orientada por um quê estético e expressivo, vindo, ao entender, por exemplo, que a sinceridade alcançada na canção as coisas mudam necessite de sua língua materna, enquanto, ao tentar reproduzir o mais cru e verdadeiro rock feminino dos anos 90, como na faixa-título, o inglês seja a escolha ideal. 

Com referências que, no audiovisual, vão de Leos Carax até Wong Kar-Wai e, na Música, remontam às delicadas sonoridades de Soccer Mommy, mas ao mesmo tempo recuperando um pouco da espontaneidade e do improviso de Cansei de Ser Sexy, brvnks constrói uma coleção de pequenos sentimentos e confissões em seu mais novo álbum, assumindo uma fragilidade perante às mudanças que a vida adulta a sujeita.

Mantendo a vibe nostálgica de seu último lançamento, Rody Martinez retornou aos anos 1990 com o single House Todo Dia. Menos atraente do que o Flashback de abril, a nova canção ainda assim pode conquistar a atenção do público por ter uma conexão orgânica com a adolescência do artista. Sob uma atmosfera semelhante, a banda italiana Måneskin lançou o single SUPERMODEL. Dedicada a criticar o endeusamento de celebridades, a faixa vem acompanhada de um videoclipe recheado de referências ao universo cinematográfico dos anos 90. 

E o que seria de um mês sem as já aguardadas regravações? Começando pela banda folk rock The Lumineers, que deu uma cara nova ao clássico Just Like Heaven. Durante a Spectrum Session da rádio SiriusXM, os artistas regravaram a canção e trocaram o impacto gritante pelo classicismo moderno. Em uma linha baseada na simplicidade, a banda mostra destreza em uma construção que valoriza vocais mais alongados e instrumentais comedidos. Já Luana Carvalho, filha de Beth Carvalho, celebrou os 76 anos da mãe – morta em 2019, mas imortal na história da Música brasileira – por meio de uma regravação e repaginação da música Andança. 

O grupo Carlos Malta e Pife Muderno, por sua vez, esteve junto de Gilberto Gil em uma regravação da faixa Expresso 2222, composta – e originalmente gravada – pelo veterano baiano. Não parando por aí, a família Gil marcou presença em mais um interessante lançamento: unidos ao Pacto Global da ONU Brasil, Margareth Menezes, MC Soffia e os Gilsons buscaram dignidade para os “trabalhadores do povo” no single Salário Digno.

E como não falar de um dos grandes fenômenos nacionais da atualidade? Depois do sucesso dos EPs Rainha dos Fluxos e Acompanha, Mc Dricka lançou seu primeiro álbum, Rainha. Com oito faixas, a cantora explora o funk permeado por fortes influências do trap. Algumas das músicas contam com a produção do DJ Perera e outras do produtor Ecologyk, por isso há variações perceptíveis de beat. Dricka, aliás, fortalece a representatividade feminina no funk, e seu novo trabalho reafirma o compromisso da artista com a música periférica, renovando também os discursos tradicionais de um gênero musical cada vez mais consolidado.

Já que o assunto é sucesso, é impossível ignorar um dos temas mais explorados nas mais diferentes culturas ao redor do globo: os relacionamentos amorosos. E podemos começar falando de Yours, mais um single do próximo álbum de Conan Gray, Superache. Trazendo a dor e a desilusão de ser um objeto nos relacionamentos, o cantor exprime a tristeza em vocais dramáticos. A música veio acompanhada de um clipe dirigido por Damien Blue; na produção visual, flores e a mudança de tonalidades acompanham os versos dolorosos interpretados pelo artista. Entre rosas e margaridas, Conan Gray desabrocha em baladas românticas apaixonantes e brutais.  

Mais ou menos na mesma vibe temática, o pop taciturno de Noah Cyrus voltou a dar as caras. Em Mr. Percocet, a cantora faz um relato confessional sobre um relacionamento tóxico rodeado de dependências químicas e emocionais. A faixa ganhou um clipe em tons escuros dirigido por Boni Mata. O ritmo, por sua vez, traz referências ao folk e batidas bem marcadas. Como resultado, a artista nos emociona pelos encantos da dramaticidade.

E não podemos nos esquecer do single Ribs. Partindo da mesma sinceridade lírica de seu último álbum, ainda acompanhada pela crueza do instrumental, situado entre a mixagem eletrônica dos vocais, batidas dissonantes e a organicidade da guitarra que flutua pela canção, Tirzah se abre a discorrer sobre o amor mais uma vez e os sentimentos de descoberta que o acompanham. Ainda com a produção de Mica Levi, a harmonia nunca se perde em suas construções experimentais de melodias que se desenvolvem sem pressa alguma, magicamente, pelo curso da canção.

A linha sentimental, vale ressaltar, é longa: mixado para ser ouvido de uma única vez, e agir, nesse processo de escuta, como um loop, o novo álbum de Lykke Li, EYEYE, constrói uma sinceridade visceral acerca do sentimento do coração partido. Seus vocais partilham de um caráter confessional de uma gravação no celular misturados com um surrealismo preenchido pelo estado da vigília e pelo marasmo, que quase a faz parecer entoar uma canção de ninar em certos momentos, sobre os instrumentais, distantes, leves e mais atmosféricos do que realmente estruturais da canção, como em seu último álbum.

Finalizando os lançamentos do pop internacional, o destaque vai para Me Myself & I, que é o terceiro single do quinto álbum da banda 5 Seconds of Summer – previsto para ser lançado no dia 23 de setembro e intitulado 5SOS5. Misturando as sonoridades dos álbuns Sounds Good Feels Good  (2015) e CALM  (2020), a música reflete sobre a autossuficiência, questionando se ser autossuficiente é bom ou ruim, e quais as consequências dessa situação humana.

Em que pesem os questionamentos, de algumas coisas podemos ter certeza. E uma delas é o fato de que as celebrações estarão sempre presentes nas criações artísticas. Por isso, não é de se espantar que, inseridos no clima festivo de grandes eventos culturais, Marcos Valle e Liniker ficaram responsáveis pela música-tema do festival Music Is The Answer (MITA). A faixa, disponibilizada via Deezer e YouTube, carrega um título breve (Vida), mas significativo, já que os versos da canção celebram esse elemento tão precioso para a existência humana. E, se os caminhos são alegres, não podemos deixar de resgatar uma verdadeira diva da MPB: depois de retornar, no ano passado, para os lançamentos inéditos com o disco Portas, Marisa Monte engatou a marcha e seguiu presenteando seus fãs com uma série de novidades. O mimo da vez é o single Feliz, Alegre e Forte, que expressa fidedignamente o alto-astral da artista brasileira.

Dos veteranos consagrados aos talentos mais recentes, acaba se tornando uma prática natural enaltecer cantores tão singulares quanto os nossos. E isso se torna ainda mais justificável quando os lançamentos vêm em dose tripla. Em maio, quem esteve por trás dessa proeza foi Tim Bernardes, com as canções Nascer, Viver, Morrer, BB (Garupa de Moto Amarela) e Mistificar – sendo as três singles do álbum Mil Coisas Invisíveis, lançado no mês de junho. Em uma poética apaixonante, o integrante da banda O Terno discursa sobre os verbos nascer, viver e morrer e suas multiplicidades nos vários períodos da vida. Já em BB, o cantor assume uma personalidade mais romântica em ode à pessoa amada. Com uma melodia tranquila e extremamente leve, a faixa soa como um abraço calmante.

Mas Tim não brilha somente na frente dos microfones. Nos bastidores do álbum O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim, da extraordinária Alaíde Costa, o jovem compositor brasileiro se destaca ao assinar, junto de Erasmo Carlos, a faixa Praga. O novo disco de Alaíde, vale ressaltar, foi destaque nos principais veículos de comunicação do país e reúne, em sua ficha técnica, uma equipe magistral, com destaque para Marcus Preto e Emicida, produtores da obra lançada em maio. De qualquer maneira, em um caminho construído também por nomes como Joyce Moreno, Guilherme Arantes e Nando Reis, não podemos nos esquecer de que a grande estrela da vez é a cantora de 86 anos.        

Encerrando os lançamentos da MPB, no clipe da canção Sem Cais, produzida pelo colaborador de longa data Kiko Dinucci, Juçara Marçal navega, ou melhor, é passageira, como afirma a ficha técnica do vídeo, em mares de concreto. Seus movimentos, potencializados pela corporalidade sugerida pela fotografia estonteante de Aline Belfort, são confrontados pela estaticidade maciça do concreto dos prédios de São Paulo, espaço onde a cantora, juntamente do genial Negro Leo, intervenciona e ocupa, assim como os pixos das paredes da cidade.

Na cena do rock nacional, quem retornou foram os Ratos de Porão. Lançando Necropolítica, primeiro disco inédito desde Século Sinistro (2014), o grupo de hardcore explora um assunto recorrente nas produções culturais dos últimos tempos: a “degradação política e social” que o Brasil vem enfrentando ano após ano, especialmente durante o (des)governo daquele que não merece ser nomeado.

Di Ferrero também voltou aos holofotes com UMA BAD UMA FARRA , seu primeiro álbum de estúdio na carreira solo. Apresentando um mix de rock e de pop, o trabalho conta com participações de nomes novos e antigos do cenário musical. É um disco que apetece vários paladares, e que pode ser ouvido em uma porção de momentos: há algumas músicas que possuem uma batida mais rápida e pesada, com instrumentais de bateria e guitarra; outras, carregam uma batida mais leve, e  instrumentais mais suaves. 

No rock internacional, The Black Keys deu seguimento ao universo explorado em seu álbum anterior, e chegou com Dropout Boogie, seu 11º trabalho de estúdio, ampliando o horizonte blues rock, cujas origens do delta blues seguem mais contundentes. Ao longo de 10 canções rápidas – o disco todo possui pouco mais de trinta minutos de duração –, a dupla estadunidense mantém seu conservadorismo estético, atribuindo grooves e uma guitarra cintilante às canções, contando ainda com participação especial de Billy F. Gibbons. 

Também remetendo ao próprio passado, dois lançamentos ganham destaque: o álbum Cruel Country, de Wilco, cuja característica principal é sua abordagem simples e flutuante, cujo espírito silencioso do disco ganha vida a partir da voz de Jeff Tweedy, e o single The Foundations of Decay, primeira inédita de My Chemical Romance em 8 anos. Nos singles do gênero, Interpol e Built To Spill também marcaram presença. 

Em Fables, o trio estadunidense, liderado por Paul Banks, explora “um vocal alegre com letras otimistas e uma batida evocativa do R&B clássico com um aceno para a era dourada do hip hop; é uma jam de verão e uma música da qual estamos particularmente orgulhosos”, conforme Banks revelou. Na canção Understood, Built To Spill faz referência a um famoso motociclista dos anos 1970, Even Knievel, para refletir sobre os riscos, incertezas e limitações impostas pela vida. A canção integra o disco When the Wind Forgets Your Name, com lançamento previsto para 9 de setembro. É o primeiro disco do grupo a ser lançado pela gravadora Sub Pop Records.

Maio também foi o mês de Ethel Cain estrear com Preacher’s Daughter. Com apenas 24 anos, a cantora norte-americana combina alguns traumas religiosos numa base de pop sombria que a aproxima do rock antes de qualquer coisa – no primeiro dos muitos acertos estéticos de sua futura carreira. Subversiva mas um tanto passiva, a identidade da artista parece ser uma mistura de referências de Lana Del Rey em seus momentos mais traumáticos, Lorde em seus momentos mais revoltosos e – pasme – até de Taylor Swift em seus momentos mais vibrantes. Mas nada disso a impede de criar uma atmosfera única para o disco, que é imersiva em sua densidade instrumental (com uso marcado e muito bem produzido de guitarras, órgãos, sintetizadores) e lírica (repleta de metáforas e analogias melancólicas).

Também bebendo da textura melancólica e da densidade instrumental, Just Mustard ressurgiu com seu segundo álbum. Depois de ser denominado um grupo shoegaze no lançamento de Wednesday (2018), o quinteto traz uma pegada mais industrial em Heart Under, projeto que dá continuidade às suas gravações de estúdio. Contudo, o disco joga luz à condição autossuficiente da banda em não pertencer a nenhuma caixinha. Em sua estreia na gravadora Partisan Records – a mesma de Fontaines D.C. –, o quinteto irlandês procura novas formas de elucidar espécies de paisagens intocadas, através de sons experimentais que nunca se apoiam somente na guitarra – embora usem e abusem de elementos do rock alternativo. 

A bem da verdade, Heart Under parece ser norteado por uma força que não permite ser categorizada, inovando-se em cada faixa mas, ainda assim, mantendo um teor unificante. De acordo com os integrantes do grupo, o álbum tem a ambição de soar como a “experiência de dirigir através de um túnel com as janelas abertas”. Esse efeito quase sempre ganha forma sob a mistura reluzente da voz de Katie Ball e as linhas de baixo de Rob Clarke, dando vida a um ambicioso projeto que foca no tom e nas texturas.

A Light for Attracting Attention, o aguardado álbum de estreia de The Smile, foi finalmente lançado no dia 13 de maio. Composto por treze canções, o disco do super trio britânico formado por Thom Yorke, Jonny Greenwood e Tom Skinner destaca-se pela abordagem sonora e a maneira a qual espelha conversas oníricas, como se Yorke, através de seus murmúrios e expressões a princípio sem sentido, emulasse a condição de um indivíduo que acaba de recuperar o poder de fala, tal como os espectros que rondam nossos sonhos. 

No limite da significação – sendo um projeto paralelo ao Radiohead –, o trabalho faz referência a uma longínqua e distinta fase do quinteto britânico – Hail to the Thief (2003) –, período em que o grupo teceu críticas diretas às ostensivas antidemocráticas do governo Bush no Iraque. Em A Light for Attracting Attention, essas observações seguem astutas e agressivas, cujo foco é ampliado a outras questões midiáticas, como os casos de assédio envolvendo Harvey Weinstein ou a condição alienante propiciada pelas novas redes. 

Mas, apesar dos dois nomes gigantescos que pertencem ao projeto serem possivelmente os membros mais relevantes culturalmente a estética do Radiohead, talvez a possibilidade de uma abordagem sonora distinta tenha surgido pela presença de Skinner, baterista do Sons Of Kemet, cuja forma de tocar – partindo os tempos entre caixa e hi-hat – cria a possibilidade de inovações sonoras expansivas através dos sintetizadores, guitarras e baixo. Em entrevista, Thom Yorke revelou que o nome do grupo reflete “o sorriso daquele que mente para você todos os dias”; portanto, não se engane: The Smile é um sorriso malicioso.

No indie rock, o quarteto britânico Porridge Radio lançou seu segundo álbum: Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky. No disco, há uma mistura de sintetizadores e guitarras que conjuram, em 13 canções, desejos ocultos, pessoas experimentando seus impulsos mais juvenis em corpos adultos e necessidades não notificadas. Sharon Van Etten também lançou um novo projeto, We’ve Been Going About This All Wrong, seu 6º disco e trabalho no qual discute questões de maternidade, solidão e a escuridão propiciada por um mundo individualizante. 

Os canadenses do Arcade Fire se debruçaram sobre inquietações similares, mas com um foco gradual na ansiedade contemporânea. Enquanto projetos anteriores do grupo debruçaram-se diante das questões acerca da alienação, WE dialoga com as causas finais daquilo que pareceu ser diagnosticado logo no início de carreira, em Funeral (2004). Essa insatisfação ganha forma em letras poderosas e clínicas, que absorvem como poucos a condição de estar vivo hoje. De forma ambiciosa, o disco recupera as marcas originais de Arcade Fire, depois do grupo brigar com elas durante anos. O projeto também marca a despedida de Will Butler, irmão do vocalista Win, que deixou o grupo oficialmente depois de ter finalizado WE. 

Florence + the Machine, a neta das bruxas que vocês não queimaram, está de volta e com um novo ritual; dessa vez, utilizando um fenômeno da Idade Média – no qual as pessoas dançavam até a morte – para revisitar seus traumas e ansiedades. Produzido pelo queridinho Jack Antonoff e Dave Bayley (Glass Animals), Dance Fever é um passeio pelas diferentes versões de Florence Welch dos últimos cinco discos, mas revisitando principalmente o registro de estreia Lungs, com direito as guitarras carregadas do debut e as letras impactantes, que neste álbum estão mais simbólicas que nunca, recompensando o ouvinte com fúria e caos lírico e harmoniosamente irretocável.

O quarto álbum da carreira de mxmtoon, rising – seu terceiro de estúdio –, também foi disponibilizado no quinto mês de 2022. Depois de explorar sua multiplicidade, o novo lançamento vem como um desabafo em que a temática principal é crescer. A artista, que completou 21 anos recentemente, fala sobre as inseguranças de transicionar para a vida adulta e faz um paralelo entre as músicas da adolescência e as do atual momento. 

Focada em revelar a ascendência e a estabilidade, mxmtoon traz no novo trabalho uma afirmação de sua maturidade artística. Abusando da musicalidade dos anos 2000, o disco traz, em suas 12 faixas, um aspecto repleto de saudosismo dos clássicos do indie pop e explora uma ritmicidade animada. Em suma, o trabalho abre portas para as novas possibilidades nas composições da cantora, além de celebrar a importância de mudar e estar sempre disposto a abraçar o novo.

Também abraçando o novo – e depois de uma espera dos fãs que perdurava quase três anos –, Sky Ferreira está de volta com seu característico pop confessional, preenchido por synths poderosos que pulsam atrás de seus fortes vocais e refletem, mais uma vez, sobre seu percurso na indústria, conturbado por conflitos com sua gravadora e com o star system. Mesmo que partilhando de uma sonoridade ainda remanescente de seu primeiro álbum, Don’t Forget emula uma transparência que soa quase nostálgica a quem acompanha a cantora por muito tempo, cujo efeito não é exatamente uma má estratégia para quem quer firmar novamente, depois de mais de seis anos, seu lugar no hall de cantoras que experimentam com as fórmulas do pop.

Adentrando o mundo do rap, o gigante Kendrick Lamar lançou, na surdina, seu novo disco: Mr. Morale & The Big Steppers. Brigando de forma contundente com seu próprio passado, marcado pela violência a qual foi submetido e pelas escolhas que precisou fazer, o rapper faz uma ode à verdade e à representação, e parece deixar subentendido que a cena de rap contemporânea não está interessada nos ideais que deram origem ao gênero, pois vislumbram as possíveis reações dos fãs e não permitem ser verdadeiros. Essa potência talvez atinja um de seus ápices em We Cry Together, faixa na qual simula, durante toda a duração, uma discussão em alta voltagem com a atriz Taylour Page.

Na canção Mother I Sober, Lamar canta, em parceria com Beth Gibbons, do Portishead, sobre a dor da história de sua família, e desenrola lentamente os efeitos dos traumas. Diferente do resto das canções de Mr. Morale & The Big Steppers – e, até mesmo, do resto de sua carreira –, a faixa mostra um Lamar vulnerável, cantando lentamente, quase em sussurros, sob um piano e uma batida progressiva lenta, e nos seus momentos de silêncio Gibbons adentra, entoando: “Eu queria ser alguém/Qualquer um menos eu”. 

Ele abre seu coração – as dificuldades de ficar sóbrio, a violência familiar, a incapacidade de escapar da segregação racial –, e encapsula um momento chave de sua vida. Ao final, suas afirmações ficam mais contundentes, encerrando com “Então eu liberto os corações cheios de ódio, mantenham nossos corpos sagrados/Conforme vou libertando todos vocês abusadores, isso é transformação”. Seja qual for o seu problema, Kendrick Lamar quer que você fale sobre isso.

No rap nacional, Sobre Viver, o quinto álbum da carreira do rapper Criolo, chegou para escancarar, de forma poética e irreverente, o luto. Em 10 faixas, o cantor aborda a temática social e faz um resgate a urgência de resistir e trazer à tona as problemáticas de um cenário político e social tão perverso como o atual. De forma inovadora e necessária, Criolo faz uma desassociação com a influência pop, e sustenta o discurso tipicamente bem posicionado do rap. 

As letras passeiam pela gravidade da desigualdade social e trazem uma reflexão sobre a dor das mortes causadas pelo descaso. O luto referido em Sobre Viver tem origem na experiência do cantor com a morte da irmã por covid-19. Por essa razão, abriga um questionamento sobre responsabilidade e culpa. Em um momento marcado pelo desânimo de uma estrutura falha e carregada de injustiça, Sobre Viver é um grito por esperança e retomada de direitos.

Já o R&B viu o retorno das batidas diversas e instrumentais envolventes de Ella Mai com o seu segundo álbum, Heart On My Sleeve. Ao cantar sobre paixões e desilusões, a artista mostra como seus vocais potentes possuem uma delicadeza singular. Dylan Sinclair também está de volta após o lançamento de seu EP, Proverb, que lhe rendeu uma indicação ao prêmio Juno, agora com No Longer In The Suburbs. No extended play, o canadense canta sobre amor e sobre crescer nos subúrbios do Canadá, expressando uma experiência parecida com a de Flores em seu primeiro extended play. Em The Lives They Left, a cantora mexicana traz as suas reflexões e vivências como alguém que cresceu e viveu entre cidades na fronteira dos Estados Unidos com o México. O extended play apresenta músicas de caráter político – como Sangre –, e músicas de caráter nostálgico – como 915.

O tema central do gênero também apareceu: Pain, de Muni Long, é uma música que fala sobre a superação de um término de relacionamento, sendo o segundo single lançado após o álbum Public Displays Of Affection. De forma mais abstrata, UMI aparece em moonlit room falando sobre todo o ato de amar alguém que não é a melhor pessoa a se amar, marcando o terceiro e último single que precedeu o álbum Forest in the City. E por fim, depois de quase um ano do álbum Thru My Window, o trio estadunidense Your Grandparents também retornou, agora em parceria com a cantora Amindi, com a musicalidade cativante e nostálgica de Somebody Told Me.

Mas entre os lançamentos, o destaque foi mesmo de Ravyn Lanae. Numa estreia muito esperada, a artista de 23 anos apresenta uma brilhante ode à história recente do R&B ao longo de pelo menos três décadas. Assim, junto das demais movimentações recentes do gênero, é certo dizer que os anos 90 estão para o R&B assim como os anos 80 estão para o pop. Mas a arquitetura sonora de HYPNOS também sabe apreciar suas referências atuais, então é comum encontrar, entre as 16 canções do disco, alguns toques da vanguarda de FKA twigs, do frescor de SZA e do lustre de Aaliyah. E ela não se restringe ao cenário norte-americando, contemplando a influência do gênero até o neo-soul britânico numa colaboração brilhante com Fousheé, que arremata o valor do disco com as produções de gênios do R&B como KAYTRANADA e parcerias com Smino e Mereba.

O ano de 2022 ainda promete muitos lançamentos memoráveis, e o Persona segue a todo vapor selecionando e preparando o que de melhor aconteceu no universo cultural. Nos despedindo do Nota Musical de Maio, deixamos nossa tradicional playlist, mas te aguardamos no Nota Musical de Junho, com as mil coisas invisíveis de Tim Bernardes, um CD surpresa do Champagne Papi e as super dores de Conan Gray. Até lá!

Texto: Bruno Andrade e Eduardo Rota Hilário

Pesquisa e Pauta: Enzo Caramori, Guilherme Veiga, Jamily Rigonatto, Laura Hirata-Vale, Nathália Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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O quarto mês de 2022 nos trouxe muitos motivos para comemorar junto de um carnaval fora de época. Como de costume para o amplo espectro da Redação do Persona, estivemos seguindo os lançamentos, eventos, notícias e celebrações do mundo da Música, dentro e fora do Brasil, durante os últimos 30 dias. Então, acompanhados de uma Rita Lee curada, Anitta internacionalizada e Harry Styles emplacado, sonhamos com uma São Paulo primaveril e apresentamos o Nota Musical de Abril. 

E tem coisa melhor do que começar o balanço do mês com notícia boa? Porque Abril trouxe uma das melhores: Rita Lee está totalmente curada do câncer que tinha em seu pulmão esquerdo. Diagnosticada com a enfermidade em maio de 2021, a Rainha do Rock Brasileiro precisou passar por sessões de imunoterapia, radioterapia e quimioterapia até finalmente receber a confirmação de remissão da doença.  Celebrando a lenda viva da MPB, o Persona canta, com muita alegria e respeito “quero mais saúde!”, e se despede do tumor nomeado de “Jair” como uma profecia para outubro de 2022.

Na avenida de um ano atípico que celebrou o Carnaval depois da Páscoa, algumas das referências musicais não poderiam passar despercebidas. O trono vazio da Mocidade Independente de Padre Miguel foi uma forma de homenagear a eterna Elza Soares no lugar onde a cantora desfilou pela última vez, em 2020. Aquele assento simbólico nos trouxe duas grandes certezas: a Voz do Milênio é insubstituível e estará sempre presente em todos os ramos da Cultura nacional. 

Ao lado de Elza no hall das imortais brasileiras, não podemos deixar de mencionar o centenário de Dona Ivone Lara. Aqui, a comemoração ao legado da primeira mulher a compor um samba-enredo no Brasil conseguiu ser ainda mais especial: por desejo assertivo do destino, a celebração da memória da sambista revolucionária nascida em 13 de abril de 1922 foi, mais uma vez, sucedida pela magnitude do carnaval

Lá, o nome de Dalva de Oliveira brilhou. Homenageando Arlindo Rodrigues, carnavalesco responsável por levar a escola ao primeiro de seus oito campeonatos, a Imperatriz abriu os desfiles do Grupo Especial do Rio sob o samba-enredo Meninos, Eu Vivi… Onde Canta O Sabiá, Onde Cantam Dalva E Lamartine, do compositor Gabriel Mello. Além de estar vivíssima nos versos “sonhei com Dalva e fui morar com Deus”, a artista também marcou presença na interpretação da atriz paranaense Lana Rhodes, honrada em representar a Rainha da Voz em plena comissão de frente. 

Fora do Brasil, também rolou o equivalente ao nosso ‘bolo e guaraná’, com a celebração do trabalho de Laurie Anderson através dos 40 anos de Big Science. De forma a transcender a si mesma, a Música de uma das musas e mães do Alternativo parece situar-se em um tempo e espaço nunca vivido, se não até mesmo extraterrestre às concepções que temos de humanidade e arte como um todo. Em abril de 1982, a proposta da artista, que até então se dedicava à pintura e à performance (junto de sua amiga de longa data Marina Abramovic), abriu-se na música O Superman, atingindo o topo das paradas britânicas com uma maneira própria de fazer música pop. 

Construindo suas canções a partir do ato de contar histórias, suas composições assemelham-se a fusões de contos de fadas com um misticismo quase xamânico. Suas performances, que envolvem a corporalidade e as constantes dicotomias do biológico e tecnológico, reafirmaram o espaço do artista enquanto um generalista da expressão, numa constante contemporaneidade que se mostra até em suas reinvenções atuais, como no remix feito por Arca em janeiro de 2022.

As boas notícias também se colocaram no presente com direção ao futuro. Em 2022, a cidade de São Paulo vai receber a primeira edição do Primavera Sound, que preparou um line up dos sonhos para a sua grandiosa estreia em solo brasileiro. Se quiser conferir os shows de Björk, Arctic Monkeys, Beach House, Gal Gosta, Interpol, Mitski, Lorde, Travis Scott, Arca, Charli XCX, Phoebe Bridgers, Caroline Polachek, MC Dricka e muito – mas muito – mais entre os dias 31 de outubro e 6 de novembro, se prepare para o investimento e corra para garantir os seus ingressos, disponíveis com um preço não tão amigo para o Brasil de Bolsonaro e esgotando desde o dia 26 de abril. 

Nesse cenário complexo para a manifestação e promoção da nossa própria Arte e Cultura, os artistas brasileiros têm almejado e conquistado os palcos internacionais, com destaque para o maior festival de Música do mundo. No Coachella 2022, Anitta brilhou com um dos melhores shows da edição, com direito a palco principal, cenografia da Disneylândia, MPB e convidados como Snoop Dogg e Saweetie. Esse ano, o deserto californiano recebeu como os nomes principais de seus dois finais de semana Harry Styles, Billie Eilish, The Weeknd e Swedish House Mafia. Mas entre 15 e 24 de abril, nossa Pabllo Vittar fez história como a primeira drag queen a se apresentar no festival, consagrando seu lugar dentre as melhores performances do ano ao lado de Rina Sawayama, Wallows, Phoebe Bridgers, Conan Gray, girl in red e Emo Nite, só para citar alguns destaques além dos headliners.

O assunto festival também rendeu para Miley Cyrus, que aproveitou o buzz da sua turnê pela América Latina para anunciar um disco ao vivo logo no fim de seu show no Lollapalooza São Paulo. ATTENTION: MILEY LIVE foi majoritariamente gravado durante o Super Bowl Fest Concert, trazendo uma setlist feita para agradar os fãs da artista, com duas faixas inéditas e uma série de covers e medleys que já se tornaram clássicos em seu timbre rebelde.

Assim como sua colega, Anitta usou a repercussão do festival ao seu favor. Depois de dominar o Autódromo de Interlagos com Cyrus no dia 26 de março e atrair a atenção do Coachella nos dias 15 e 22 de abril, ela emplacou o lançamento de Versions of Me. Como o aguardado oitavo trabalho da carreira da estrela pop brasileira, o disco definitivamente  estabelece seu vínculo com o cenário internacional. 

Em 15 faixas que misturam influências do pop, R&B e funk com letras em português, inglês e espanhol, Anitta traz uma mistura das suas fases já exploradas. Chencho Corleone, Khalid e YG são algumas das participações presentes no disco, que como o esperado, soa mais uma playlist. Mas o triunfo de Versions of Me é outro: com sua ousadia e pioneirismo, Anitta transforma a indústria em um jogo e faz de suas músicas uma grande comemoração de vitória.

Agora, a brasileira se aloca nos lançamentos do pop internacional, onde esse mês esteve acompanhando os discos de Labrinth, Let’s Eat Grandma, Alec Benjamin e Camila Cabello. Começando pelo álbum dedicado à trilha sonora original da segunda temporada de Euphoria, se a condução de Sam Levinson no novo ano da série da HBO tem suas dúvidas, a liderança de Labrinth no âmbito musical segue inerrante. Em 24 faixas que permeiam o pop, o rap, a eletrônica e o gospel, com a presença de Zendaya, Dominic Fike e Angus Cloud, o CD entrega o complemento sensível na atmosfera caótica de Euphoria, sem deixar de acompanhar o desenvolvimento dramático dos personagens.

Ao lado da trilha do drama adolescente que conquistou a nata da TV, Alec Benjamin se coloca também para falar sobre amadurecimento. (Un)Commentary é o terceiro álbum da carreira do artista estadunidense, sendo o segundo gravado em estúdio. Nas composições, são encontradas parcerias com o vencedor do Grammy Dan Wilson, e com Charlie Puth, e nas avaliações, surgem muitos elogios da crítica. Poético entre esperança e desilusão, Alec Benjamin estabelece sua marca em canções suaves e cativantes, cuja coletânea foi definida pelo cantor como: “uma versão mais madura de si mesmo”.

Para as pistas de dança, quem trouxe material foi Let’s Eat Grandma. O duo de synth-pop do Reino Unido retorna com um disco enxuto que brinda o público com a chance de se extravasar, não importam as dores carregadas nas costas. Em Two Ribbons, a dupla retrata as fissuras de sua amizade, pela primeira vez escrevendo e compondo as canções de forma individual.

No meio termo entre a celebração externa e a reflexão interna, está Familia de Camila Cabello. Em seu terceiro álbum de estúdio solo, a cantora arrancou elogios da crítica se entregando às suas origens e apresentando fortes influências de ritmos do pop latino. São 12 canções em que a cubana explora uma mistura de espanhol e inglês com marcas clássicas do pop estadunidense – talvez mérito de suas colaborações com Willow Smith, Ed Sheeran e a cantora argentina Maria Becerra.

O cenário do pop, como de costume, foi mais agitado nos singles, sendo o maior destaque da vez para a dupla Harry Styles e Lizzo. Iniciando sua terceira era, o mais bem-sucedido ex-One Direction lançou o single As It Was no primeiro dia do mês. Para começar a promoção do álbum seguinte a Fine Line, Styles apostou alto em um ritmo viciante e uma letra levemente melancólica, que encontra vazão no clipe dirigido pela ucraniana Tanu Muino e coreografado pelo francês Yoann Bourgeois.  

Como primeiro ato do disco intitulado Harry’s House, o cantor apresentou uma estética mais alternativa, embora ainda pop, e conseguiu novamente conquistar o público: As It Was bateu o recorde de maior número de streams em 24 horas para um artista masculino, e ficou três semanas na lista da Hot 100 (ocupando o primeiro lugar em duas delas). Mas do outro lado, a bff de Harry – com direito até a participação especial no seu segundo show no Coachella – não atingiu as mesmas expectativas comerciais com o lançamento da vez.

Três anos após o devidamente louvado Cuz I Love You, finalmente temos nome e data de nascimento prevista para o novo álbum de Lizzo. Special deve chegar aos nossos ouvidos no dia 15 de julho, agora oficialmente apresentado através de About Damn Time. Enquanto reafirma o discurso de auto aceitação frequentemente explorado pela artista, o single chegou prometendo novos sucessos carregados de influências do soul, desta vez com experimentações mais ousadas – o que não agrada muito as paradas que ela conheceu em 2018.

De maneira similar, Chlöe chegou em seu novo single. Desde que finalizou sua era bem-sucedida ao lado de sua irmã e dupla musical, Halle Bailey, com Ungodly Hour, a cantora vem investindo em sua carreira solo. A bola da vez é Treat Me, que sucede Have Mercy mantendo a estética sensual e poderosa e discursando sobre amor próprio – elementos que constituem sua assinatura oficial e definitiva. A canção é, provavelmente, parte de seu primeiro álbum, anunciando como já foi finalizado mas ainda sem data de lançamento. 

Em outras duas menções de nomes queridinhos do pop, Shawn Mendes usou o hall dos lançamentos musicais de abril para desabafar sobre as dores de um término em When You’re Gone e 5 Seconds Of Summer reflete – dois dias antes de embarcar em turnê – sobre as mudanças da vida e da banda com o eu-lírico de Take My Hand. Já nem tão querida assim, Noah Cyrus apresentou I Burned LA Down, a primeira música de seu álbum de estreia, The Hardest Part, que será lançado em julho. 

De acordo com a cantora, a composição foi escrita durante os incêndios florestais que tomaram a Califórnia em 2021, estabelecendo um vínculo entre as emoções de um término de relacionamento e a força das mudanças climáticas. Precedido pelas polêmicas que envolvem a caçula dos Cyrus, o lançamento cria expectativas de que o álbum traga uma era dramática e explosiva.

A maior novidade do pop, no entanto, é que o gênero recebe uma migração. Do punk para cá, WILLOW prova mais uma vez que sabe trabalhar em equipe como ninguém e aparece em duas parcerias do mês. Primeiro, PURGE aproveita as influências do rock e do metal radicalmente aplicadas em lately I feel EVERYTHING para uma colaboração com Siickbrain, agora apresentando a estética da artista com faces futuristas que compõem uma atmosfera noturna e distopicamente fascinante.

Já ao lado de PinkPantheress, a caçula dos Smith é movida pela ambição de construção de uma nova nostalgia – tá feliz, Dua Lipa? –.  Em Where you are, a dupla extravasa uma emoção coletiva e extratemporal, convergindo os perfis musicais das artistas, baseados na reinvenção de gêneros como o garage, o punk rock e o pop, com a produção mestra de Skrillex e Mura Masa. Os vocais sempre delicados da musa do TikTok são logo cortados pelas entoações quase que guturais da nova diva do rock, estabelecendo um contraste que, surpreendentemente, consegue ser um espaço de conforto e emoção.

Mas foi essa mesma referência ao passado que vitimou mxmtoon. Para preparar o lançamento de seu novo disco, Rising, a artista viajou pelas narrativas de amadurecimento no single victim of nostalgia, onde ela suplica por tempo e sabedoria. As lembranças também perturbaram Conan Gray em Memories, o lead single do próximo álbum do artista, intitulado Superache. Na canção, ele abraça as ruínas de um relacionamento, revelando o seu amadurecimento sem deixar para trás o que há de marcante em sua Música, que promete uma identidade ainda mais visceral do que a apresentada em Kid Krow.

Entre os tantos desejos do pop em abril, também houve espaço para Justin Bieber vislumbrar seu próximo conceito a ser perseguido na era pós-Justice. Pelo visto, a palavra da vez é honestidade, como sugere seu novo single do hitmaker feito em parceria com Don Oliver. Já do lado mais alternativo, Florence + the Machine pediram por liberdade às vésperas do lançamento de seu novo disco, Fever Dream. Dessa vez, o ator Bill Nighy foi convidado para dar vida à personificação da ansiedade da frontwoman em Free, enfim aceitando-a no belo clipe dirigido por Autumn de Wilde.

Por outro lado, o mundinho alt pop esbanja energia. A principal representante disso é Ava Max, que se joga em batidas oitentistas e dá nítidos sinais de amadurecimento artístico em Maybe You’re The Problem. Ela até flerta com o universo gamer no vídeo assinado por Joseph Kahn – nome por trás de clipes clássicos do pop como Toxic, de Britney Spears, e Look What You Made Me Do, de Taylor Swift. A protegida de Charli XCX por sua vez, traz instrumentações construídas na influência do melhor que o synthpop pode trazer para revelar uma declaração de amor. Ela acontece nos moldes de uma paixão típica da música pop que, sem pretensões de sucesso interestelar, é movida apenas pelo sentimento de descontração e liberdade da emoção de ELIO.

Para o bem e para o mal, o amor também sempre está relacionado com o trabalho de Troye Sivan. Agora, o príncipe australiano lançou a versão acústica do single Angel Baby, provável carro-chefe do vindouro terceiro registro de estúdio. Já Trixie Mattel vai por outra direção em C’mon Loretta. Em antecipação para seu novo álbum de estúdio, a drag queen apresenta uma canção que mescla country e pop e se inspira na vida da estrela Loretta Lynn, referência do gênero e uma das musas da vencedora de Drag Race.

Nos clipes do mês, o pop alternativo seguiu dando o seu nome. A começar por Charli XCX, que trouxe mais uma das experimentações da era CRASH para o visual de Used to Know Me. Com inúmeros looks e cenários, a direção de Alex Lill, que já esteve também presente em vídeos de The Weeknd e BTS, é tudo o que a britânica necessita para compor seu universo açucarado de pop star comercial ao mesmo tempo em que confirma: realmente, é impossível prever seus próximos passos. 

A sua conterrânea FKA twigs também segue com a proposta de CAPRISONGS na hora de criar os produtos audiovisuais da era, acompanhando integralmente o sentimento das canções da mixtape. Assim, os chamados ‘caprivids’ não passam de rápidos lapsos da visão de twigs sobre amor, sexo, vida urbana e, principalmente, sobre o estar e sentir-se bem. E assim é papi bones: intercalado por vertigens do ballroom, o clipe mostra twigs e Shygirl transitando em uma Londres presa entre a sensualidade e a espontaneidade que anuncia as referências da dance music presentes na canção.

E não tem como falar de alt pop sem citar a princesa dele, ROSALÍA. O clipe da faixa homônima do mais novo álbum da espanhola consegue ser o produto que mais sintetiza as pretensões de MOTOMAMI – sendo também o vídeo mais esperado pelo público, principalmente por ter sido usado como teaser para o anúncio do disco. Utilizando-se do simbolismo das borboletas, presente em quase todo o projeto, e do contraste dos takes e colorações, o clipe é resultado das inúmeras tensões que cercam o mundo da artista – exatamente como ela disse que MOTOMAMI seria.

Para completar, a mais nova dupla do pop alternativo completou sua colaboração – e não, não estamos falando delas juntinhas no palco do Coachella. No vídeo de Follow Me, Pabllo Vittar e Rina Sawayama assumem a passarela como as divas que são. E para somar ao time dos meninos, The Weeknd lançou o clipe de Out of Time, que dá continuidade à busca de Abel pela sua tão desejada luz no fim do túnel. Apesar de ainda ser fiel a narrativa criada para o álbum Dawn FM, o vídeo que acompanha essa balada é bem menos turbulento do que os outros dessa nova era.

O pop nacional agora divide Anitta com o resto do mundo, mas isso não quer dizer que o gênero esteja menos frequentado. O que não falta, na verdade, são nomes promissores, a exemplo de Jade Baraldo. Depois de passear pelos versos icônicos do hit internacional Believe, da deusa-veterana do pop, Cher, a semifinalista do The Voice Brasil ressurgiu extremamente sincera e intensa na sonoridade viciante de Desapaixonar. Atualizada nas tendências, a faixa ainda veio acompanhada de um lo-fi remix, além de um visualizer sensual e intimista. 

Os veteranos não ficaram para trás. Rody Martinez, recorrente parceiro de Gretchen, embarca em mais uma jornada solo com o single – e quase EP, já que possui duas vinhetas – Flashback. Misturando sons das décadas de 1980 e 1990 com os da atualidade, o artista finalmente disponibilizou o material criado “no auge da pandemia”, que recebe outras dimensões com um videoclipe muito interessante. Já o duo OUTROEU prepara o seu novo álbum com ninguém mais ninguém menos que Lulu Santos através do single Praia. E Chico César, sempre uma parceria requisitada nas produções nacionais, esteve com Felipe Cordeiro para unir os sons das regiões Norte e Nordeste do Brasil na eletrizante De Amor, Amor.

Para o campo dos discos, o destaque foi Canicule Sauvage, sétimo registro de estúdio de Otto que finalmente está entre nós. O novo álbum do pernambucano é influenciado pela obra de Serge Gainsbourg, nome influente da música popular francesa, e aposta na experimentação, reunindo participações de nomes como Tulipa Ruiz, Nina Miranda e Ana Cañas. O toque final do novo disco vem de uma lembrança do início da carreira de Otto, que traz de volta a assinatura de Apollo Nove, seu primeiro produtor.

Sempre entre o passado e o presente, a MPB tem, mais uma vez, a compreensão única de Rodrigo Alarcon. Para lançar um de seus trabalhos mais consistentes até o momento, o artista flerta com as criações mais tradicionais do gênero ao mesmo tempo em que brinca com os sons atualíssimos que vêm surgindo no Brasil. Assim, nasce Rivo III e a Fé, que além de conter os seus singles mais recentes (Rivotril e a Fé e Garota da Linha Azul), pode ser classificado como um álbum visual, já que os clipes de todas as faixas formam, juntos, um filme dividido em 10 capítulos. Elaborado de maneira muito talentosa, Rivo III e a Fé nos deixa com a forte sensação de que Alarcon ainda contribuirá bastante com as novas vertentes da Música brasileira.

Novidade é o que não falta, entretanto, algumas são mais surpreendentes que outras. É o caso de Alexandre Nero, que agora sai das telinhas para se aventurar pelo universo musical com seu primeiro disco, Quarto, Suítes, Alguns Cômodos e Outros Nem Tanto. O trabalho é surpreendente desde o princípio, já que a faixa de abertura, Virulência, tem Aldir Blanc envolvido nos bastidores – e a canção esteve presente no disco Aldir Blanc Inédito, lançado em Setembro de 2021. Assim, a nova obra do ator deve chamar a atenção principalmente por conta das participações nas interpretações. Cantando ao lado de Milton Nascimento e Elza Soares, Nero conquista um privilégio que se destaca logo de cara, antes mesmo de termos contato com essas duas colaborações sonoras.

Dentre os materiais novos, também há de se destacar Grito, de Manuela Rodrigues. Assumindo a função de instrumentista, relembrando o período em que foi vítima da Paralisia de Bell e reunindo cinco composições autorais, a cantora e compositora baiana retorna ao mercado fonográfico com um EP instigante. Fruto, em grande parte, de um “mestrado profissional em música” feito entre 2017 e 2018, o novo trabalho de Rodrigues se distancia de sua persona costumeiramente solar e alegre para revelar o “outro lado” que existe em todos nós. 

A mesma impressão promissora se aplica a Leila Maria – destaque da primeira edição do The Voice+, transmitida nacionalmente em 2021 –, que se evidencia entre os lançamentos de álbuns de MPB do mês de abril. Disponibilizado na última sexta-feira do mês, Ubuntu traz novas nuances para as composições de Djavan, mergulhando também em elementos fascinantes de culturas africanas. Colaborando com artistas desse continente tão diverso e artisticamente rico – como o maestro maliano Ahmed Fofana, que já trabalhou com nomes como Björk -, Leila constrói caminhos encantadores e instantaneamente admiráveis. Além disso, em pleno desfecho do álbum, a cantora ainda firma laços com ninguém menos que Maria Bethânia.  

Para quem se interessa por documentos históricos da MPB – mais especificamente, do Pessoal do Ceará –, o disco Sarau Vox 72, de Ednardo, é uma imersão obrigatória. Compilando raridades da Música brasileira, originalmente registradas em fita cassete, a obra foi gravada em uma sala comercial do Edifício Parente, localizada acima da loja de discos Vox, no centro de Fortaleza (CE). E se o assunto é história, Rico Ayade aparece certeiro com sua versão de Negue, canção imortalizada na voz de Maria Bethânia que ganha dimensões LGBTQIA+ na repaginação do multiartista baiano. Essa nova perspectiva aparece principalmente no videoclipe, que foi elaborado em plano-sequência e exibe cenas de tirar o fôlego, gravadas entre o próprio Ayade e Barroso.

Ainda no retrospecto da Música Popular Brasileira, Fafá de Belém celebrou os 81 anos de Roberto Carlos com um single duplo, formado por duas composições da bem-sucedida dupla Roberto e Erasmo: O Portão e Ilegal, Imortal ou Engorda. Acompanhada pelo piano de Jonas Dantas, Fafá consegue reforçar – mais uma vez – a admiração que nutre pelo amigo e parceiro musical de longa data, que ainda recebe o popular título de Rei no cenário heterogêneo da Música brasileira. 

A veterana Claudya não ficou de fora da onda de regravações de abril. Preparando território para o álbum A Nossa Bossa Sempre Jovem, a mãe de Graziela Medori lançou o single Aquele Beijo Que Te Dei, composição de Edson Ribeiro que ficou conhecida nacionalmente na voz de Roberto Carlos. Acompanhada de um videoclipe simples, em preto e branco, a canção é a primeira amostra do trabalho que pretende “transformar em bossa as canções da Jovem Guarda”. 

Por falar em bossa, Diogo Nogueira e Hamilton de Holanda resgataram o projeto Bossa Negra (2014) por meio do single Fim do Horizonte, cuja composição é dos próprios intérpretes junto de Marcos Portinari e Seu Jorge. Enquanto isso, Carlinhos Brown registra em sua voz pela primeira vez a canção Na Estrada, composição que divide com Marisa Monte e Nando Reis, popularizada pela cantora em 1994. Apresentada em versão inédita, agora em espanhol, a faixa é dividida com a cantora, compositora e atriz colombiana Juliana.

Seguindo o movimento atual da MPB, Hyldon também olhou para trás a fim de vislumbrar o que existe na sua frente. Celebrando colaborações importantes feitas ao longo da carreira, principalmente no ramo da composição, o cantor e compositor baiano pode até não trazer muitas gravações e regravações inéditas em Parceiros, tendo em vista que quase todo o repertório do disco foi disponibilizado por meio de singles nos últimos tempos. No entanto, a reunião de nomes como Tim Maia, Mano Brown, Caetano Veloso, Arnaldo Antunes e Céu em uma mesma tracklist certamente comprova a relevância desse novo trabalho. Seja como for, a parceria firmada com Nando Reis, Chuva e Saliva, é o grande material inédito do álbum, para a alegria de quem é ávido por novidades.

Esses também serão satisfeitos por Alceu Valença. Dando sequência aos trabalhos gerados durante a pandemia, o veterano da Música Popular Brasileira lançou o disco Alceu Valença e Paulo Rafael, que sucede a trilogia Sem Pensar No Amanhã, Saudade e Senhora Estrada, lançada inteiramente em 2021. Além de trazer na capa uma xilogravura até então inédita do artista pernambucano J. Borges, o novo álbum de Valença reúne regravações de músicas já conhecidas – tais como Girassol e o hino Anunciação -, dando também espaço para uma canção inédita, a encantadora Fada Lusitana. Mas o maior destaque do disco se encontra, com toda certeza, na presença eterna de Paulo Rafael, parceiro musical de longa data do cantor pernambucano que faleceu no ano passado.

Os baús de Tom Zé também foram remexidos. De lá, surgiu Os Clarins da Coragem, canção finalizada há cerca de quatro anos que seria lançada em outro disco, mas mudou de percurso e chega finalmente ao mercado fonográfico como primeira amostra do álbum Língua Brasileira. Misturando português com expressões do tupi-guarani e termos relacionados à Inconfidência Mineira, o single foi disponibilizado nas plataformas de streaming exatamente na data que marca a chegada das embarcações portuguesas ao Brasil. Assim, a faixa ainda provoca a curiosidade acerca do novo disco, previsto para o primeiro semestre de 2022 com a promessa de discutir o conceito de brasilidade e a formação das identidades nacionais.

Inventiva que só, Iara Rennó começou a apresentação de um projeto fonográfico que está em preparação há 13 anos, cujo lançamento será dividido entre 2022 e 2023, por meio de dois discos. O marco inicial é a canção Babá Ori, que para oficializar a primeira amostra do álbum Oriki, ultrapassa seis minutos de duração e traz a colaboração com a cantora e atriz Thalma de Freitas. Para encerrar o mês, a multiartista ainda saudou o orixá Oxóssi ao lado do seu grande parceiro musical, Curumin. Sendo o segundo single do álbum em questão, Uma Flecha (Òkè Aró) também opta por uma longa duração – tendo pouco mais de cinco minutos – e apresenta uma composição igualmente baseada em textos preexistentes.

Também em dose dupla, o abril de Chico Lobo primeiro deu sequência aos lançamentos do álbum ainda inédito O Tempo é Seu Irmão. Primeiro, homenageando o povo nordestino, ela afirma Indagorinha é uma letra que o artista compartilha com o compositor e poeta Carlos Di Jaguarão. A interpretação, por sua vez, é dividida com Sérgio Andrade, membro da Banda de Pau e Corda – veterana criada em 1972. Não deixando o público sem material inédito, Lobo ainda dividiu o single Lua e Sol com a cantora Tetê Espíndola, de quem é fã confesso. Transitando entre as nuances do dia e da noite, a dupla dá vida a um trabalho que é pura poesia. 

Uma das maiores responsabilidades do mês ficou aos cuidados do talentoso Nobat. Ao lado do carioca BNegão, o cantor e compositor mineiro foi quem resgatou o canto imortal de Elza Soares ao lançar o single Me Deixa Sambar, parceria inédita entre os três artistas. Preparando território para o vindouro álbum MESTIÇO, Nobat assina letra e música do lançamento, e também presenteia o mundo com os versos “A vida aconteceu/e a gente nem se conheceu” – trecho que, na voz da Mulher do Fim do Mundo, chega a ser até mesmo doloroso, devido à recente morte da cantora.

A sua presença, no entanto, ainda é sentida em meio a música nacional – exatamente como deve ser pelo tempo em que nossas canções ecoarem pelo nosso país. Em sua terceira aparição dentre os lançamentos de abril, o nome da Rainha aparece aqui pela última vez com Meu Guri. Canção já apresentada nos álbuns Trajetória, Beba-Me Ao Vivo e Elza Soares & João de Aquino, agora retorna à discografia da Voz do Milênio em gravação feita no Salão Nobre do Theatro Municipal de São Paulo, apenas dois dias antes da sua morte. Com toda a sua habilidade em adaptar-se à realidade artística de cada momento, Elza consegue atribuir novas nuances à composição de Chico Buarque ao lado do pianista Fábio Leandro, utilizando os sentimentos para desviar magistralmente de possíveis limitações técnicas da idade numa interpretação que é, sobretudo, revestida de emoção.

Para animar um pouco os ares, Gigante César e Maria Alcina se encontram com os foliões apaixonados por Carnaval em Língua Lôka. A canção é extremamente calorosa e atenta aos sons da atualidade: basta perceber – e aproveitar – a animada mistura de instrumentos tradicionais com uma sonoridade explicitamente eletrônica em pouco mais de quatro minutos de faixa. “Ela chupa fruta, lambe picolé/É trans, bicha, homem e mulher”, canta Maria Alcina, reafirmando a deliciosa irreverência que permeia sua carreira acompanhada do imperdível videoclipe da canção.

Falando em folia, Emílio Dantas se uniu a Helton Alves para comemorar os 40 anos de Barão Vermelho com uma uma regravação de Bete Balanço, sucesso da banda brasileira. Transportando a música de 1984 para o atual universo carnavalesco, e acrescentando nela alguns toques de funk, o single de 2022 dá continuidade a uma recente tradição do grupo festivo: transformar as canções de Cazuza em obras com abordagens foliãs.

O nome da estrela do rock nacional foi lembrado em mais um lançamento de abril. Afinal, mais de 30 anos se passaram desde o lançamento do álbum O Tempo Não Para – Cazuza Ao Vivo, e agora, finalmente podemos ouvir na íntegra o show gravado por Caju no Canecão, Rio de Janeiro, em 1988. Disponibilizado nas plataformas de streaming no dia 4 de abril, data em que Cazuza completaria 64 anos, O Tempo Não Para – O Show Completo (Ao Vivo) resgata as sete faixas que, por critério artístico e falta de espaço no LP, ficaram de fora da primeira versão do disco. 

Além das canções extra, a nova edição do trabalho ao vivo de Agenor traz takes alternativos de músicas já apresentadas no lançamento original, acompanhados de pequenos discursos do cantor e compositor brasileiro – fora a nova mixagem dos áudios, feita por Walter Costa, e uma remasterização assinada por Ricardo Garcia. Na ordem exata do repertório apresentado no show, o destaque é a faixa Blues Da Piedade, que recebeu um videoclipe oficial construído principalmente com fotografias de Cazuza se apresentando ao vivo. 

Então, é hora de amplificar as guitarras: o Red Hot Chili Peppers ressurgiu com Unlimited Love, álbum que marca o retorno triunfal de John Frusciante. Com 17 músicas distribuídas em 73 minutos de duração, o disco deixa claro, através dos solos de guitarra, que este álbum pertence a Frusciante, misturando elementos eletrônicos com sons orgânicos. Um dia antes do lançamento do disco, a banda recebeu uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. 

E falando em veteranos do gênero, lendas do grunge se juntaram para dar vida ao projeto 3rd Secret, cujo disco homônimo marca a estreia do grupo, composto por Krist Novoselic, ex-baixista do Nirvana, Matt Cameron (baterista do Pearl Jam e do Soundgarden), Kim Thayil (guitarrista do Soundgarden), Jon “Bubba” Dupree, Jennifer Johnson e Jillian Raye (vocalista do Giants In The Trees, projeto que compõe junto a Novoselic). 

Todavia, diferente do que se possa imaginar, o disco não é uma tentativa dos veteranos de alcançar o topo novamente – isso se reflete na ausência de qualquer publicidade acerca do disco, reivindicando os ideais que nortearam as origens do grunge como movimento –, mas sim um reflexo de uma roda de conversa entre amigos, relembrando os velhos tempos de estrada. As canções refletem sobre o amor, perdas e vingança, e o resultado é um disco moderado, bem longe daquilo que o grunge sempre foi: barulhento, em todos os sentidos.

Sob o aspecto de sons moderados e explosivos na medida certa, os irlandeses da Fontaines D.C. chegaram com Skinty Fia, terceiro álbum da carreira. No novo trabalho do grupo pós-punk, há o detalhamento da sensação de viver em uma terra semelhante à de origem, mas cujas dificuldades residem nos detalhes, prevalecendo divagações sobre a condição de expatriados irlandeses, falando a mesma língua da cultura dominante da Inglaterra – os integrantes da banda se mudaram para Londres em 2019 –, porém sendo instantaneamente identificados e subjugados a categoria de “estrangeiros” no momento em que seus sotaques são revelados.

O título da obra deriva de um insulto irlandês arcano, que se traduz como “condenação do cervo” – que, para os propósitos de Fontaines, funciona como uma metáfora vívida de mutação e degradação cultural. Skinty Fia é um disco sobre ambientar um lugar que se transveste de lar, mas que no fundo reafirma sua distância. Esse sentimento de indefinição perpassa o álbum, e permite que o quinteto explore diferentes formatos nas canções, se reinventando faixa a faixa.

Como reflexo, os paralelos entre Dublin – cidade em que a banda se formou em 2017 – e Londres transcorrem todo o CD, refletindo em uma cidade de origem idealizada e num destino assombrado. A canção Bloomsday, por exemplo, faz referência ao homônimo feriado irlandês no qual se comemora o livro Ulysses, de James Joyce, cujo nome faz referência ao personagem Leopold Bloom. Na canção final do disco, Nabokov, as referências são menos claras, mas ainda assim presentes: o escritor Vladimir Nabokov foi um russo que fez carreira nos Estados Unidos, escrevendo magistralmente em inglês. É, portanto, dono de uma obra composta por um expatriado, tal qual Fontaines D.C. faz em Skinty Fia.

Abrindo a porta do “gizzverso”, os hiper-prolíficos King Gizzard & The Lizard Wizard divulgaram Omnium Gatherum, seu 20º disco de estúdio e o primeiro álbum duplo. Ao longo de 80 minutos, o disco expansivo mistura as influências do grupo, como o garage rock, o rock psicodélico e o rock progressivo. O trabalho funciona como a trilha sonora de um sonho, e por essa razão há diversas extrapolações dentro do Rock, pois um único gênero não poderia abarcar toda a complexidade e fragmentação onírica, dando origem a diversas experimentações musicais, do heavy metal ao indie mais melódico.

Já com Wet Leg, grupo britânico de indie rock liderado por Rhian Teasdale e Hester Chambers – que estreiam com seu álbum autointitulado –, não há limitação em referenciar todo pedaço de Arte da terra da Rainha de maneira arbitrária e pontiaguda. Na verdade, as cantoras buscam subterfúgio em suas inspirações, mas triunfam na confecção de um microverso muito autoral e muito próprio. 

O deboche vira regra na composição, ao passo que o escrutínio e o ar despojado dominam os vocais. Elas cantam sobre sexo, sobre amor, sobre namorados ruins e pais caretas, sem espaço para frear entre temas cabeludos e bem-humorados. Em tempos de reconstrução de ambientes sonoros e de criação de mundos diversos, as novatas do Wet Leg manipulam sua realidade, dando luz e espaço para o caos arquitetado e carismático do fim do mundo na idade dos vinte e poucos anos.

Thom Yorke, incapaz de parar de trabalhar – como ele próprio revelou em entrevista –, chegou em dose dupla (ou tripla) em abril: assinou três canções autorais, sendo duas com seu novo projeto The Smile, o qual compõe com Jonny Greenwood e Tom Skinner. That’s How Horses Are, canção de 2 minutos e 23 segundos, que faz parte da trilha sonora composta pelo britânico para a nova temporada de Peaky Blinders, é uma faixa instrumental, cujo piano e os sintetizadores se cruzam para criar uma atmosfera melancólica, trazendo referências de Sigur Rós e Brian Eno. Já Free In The Knowledge e Pana-vision – que também deve entrar na trilha do seriado inglês – foram as duas novas canções divulgadas para promover A Light For Attracting Attention, disco novo do trio o qual Yorke faz parte, lançado no dia 13 de Maio.

Na energia emanada pelo Primavera Sound, Interpol lançou duas novas canções, Toni e Something Changed, que possuem clipes complementares (parte 1 e parte 2), dirigidos por Van Alpert. Os estadunidenses anunciaram um novo álbum para o dia 15 de julho, The Other Side of Make-Believe, e acompanharão os Arctic Monkeys nos shows avulsos no Brasil, inclusive integrando o line up do Festival que ocorre no Brasil entre o fim de Outubro e começo de Novembro.

Por fim, outro nome que apareceu no anúncio do festival espanhol em solo brasileiro e no meio dos lançamentos de abril foi Father John Misty, de carona em seu quinto disco – o primeiro projeto completo do artista desde God’s Favorite Customer (2018). Com Chloë and the Next 20th Century, o título artístico que existe para apresentar a música de Josh Tillman se aloca confortavelmente no seu rock suave e clássico que traz um toque de folk, criando contos referenciados pela sua cinematografia de sempre.

As paisagens aconchegantes formadas por uma musicalidade imaginativa e sentimental são as mesmas qualidades de Lizzy McAlpine, destaque indie desde 2020 pelo seu disco de estreia, Give Me A Minute. Agora, ela vislumbra um acesso mais amplo com five seconds flat, seu segundo disco que traz participações dos indicados ao Grammy Jacob Collier e FINNEAS para vislumbrar diferentes aspectos de um coração quebrado – e não estamos falando apenas de um término de relacionamento. 

Quando o assunto é a sinestesia visual, não tem como não citar a roteirista musical Phoebe Bridgers. Incansável em seus lançamentos mês a mês em 2021, ela descansou até o abril de 2022 para começar seus trabalhos inéditos com Sidelines. A canção é parte da trilha original composta para Conversas entre Amigos, minissérie do Hulu baseada no livro homônimo de Sally Rooney, e parece ser o único material inédito que ouviremos da artista esse ano. 

A linguagem cinematográfica também é a forma de expressão do novo trabalho de Faye Webster. Em sessões acompanhadas de uma orquestra liderada por Trey Pollard, ela produziu um EP de regravações – com exceção da faixa título e de músicas dos outros dois álbuns da artista, que no passado enveredou-se justamente pelo country e pelo folk. Quando une sua típica expressividade ao meio orquestral mágico, a artista fala de suas inseguranças e fragilidades num som que quase parece o tema de um conto de fadas.

Mas nem tudo foi um mar de rosas para o indie de abril de 2022. Mais próximo do fervor do rock, a banda estadunidense Built To Spill trouxe Gonna Lose para anunciar seu novo álbum, When the Wind Forgets Your Name, a ser lançado no dia 9 de setembro. O disco será o primeiro álbum de músicas autorais desde 2015, quando o grupo lançou Untethered Moon. 

Soccer Mommy também rompe com a sua atmosfera delicada para trazer algo como um nightmare pop no segundo single de seu futuro segundo álbum, Sometimes, Forever. Contando com a produção de Oneohtrix Point Never, que produziu, esse ano, músicas para The Weeknd e Charli XCX, ela não abandona completamente seus toques oníricos, mas investe em um instrumental agressivo para acompanhar sua composição sombria.

O movimento mais recente de MUNA foi na mesma direção, embora um pouco menos surpreendente visto a estética comum da banda. Investindo numa narrativa de empoderamento e amor próprio, o trio indie rock de Los Angeles adiciona Kind Of Girl à seleção de seu futuro terceiro disco autointitulado, que recentemente apresentou Silk Chiffon (uma colaboração eletrizante com a madrinha Phoebe Bridgers).

Agora para os lançamentos mais barulhentos, o principal destaque foi a rotineira ousadia de 10000 gecs em Doritos & Fritos, o segundo single do seu futuro álbum autointitulado. Ainda construindo uma identidade sonora acerca de um instinto maníaco e questionador das convenções de bom gosto e estética, o duo aventura-se em uma sonoridade muito mais puxada ao nonsense, com riffs de guitarras pós-produzidos eletronicamente. Nessa mesma ambição de superar os padrões do hyperpop, gênero em que 100 gecs fora tão encaixado, reside a escolha de Laura Les de não distorcer seus vocais. Antes fortemente baseados na aguda entonação do autotune, agora a artista reinventa a si mesma ao aceitar sua própria voz, ainda mais sendo uma pessoa trans.

E o que seria da música alternativa sem a voz de Arca? Com o som mágico que é ecoado pelas suas cordas vocais remanescentes de self titled, a multiartista apresenta uma estreante das inúmeras sessões de livestreaming pandêmicas: Cayó. Aproveitando da colaboração de Tim Hecker para a construção de uma sonoridade ambient, a canção partilha de um quê cinematográfico, vinda direto de um filme de mistério ou terror. Finalmente integrada dentro do universo dos kicks, série de álbuns lançada anteriormente pela cantora, a canção também é acompanhada de um vídeo, formado por resquícios de gravações de clipes não lançados e do anúncio do set de vinis do projeto.

Agora, se o assunto é polêmica, o Brasil, mais uma vez, pode se destacar. Abril foi o mês de Valéria Almeida, a impersonator de Selena Gomez viral da internet brasileira, expandir seu público. É que a partir de peças de spoken word sobrepostas a instrumentais que promovem desencontros harmônicos com os vocais, os seguidores da personalidade produziram um disco intitulado Secrets. Sabe-se lá como, a gringa se interessou pelo trabalho e o disco debutou no top 5 da rede social Rate Your Music. O final da história não foi tão promissor quanto o esperado, mas é fato que o projeto de Valéria Almeida conseguiu colocá-la além do estatuto de meme para firmá-la no território do som alternativo brasileiro.

Nas lembranças da instrumentação agressiva de SOPHIE, Vince Staples retorna para seu quinto álbum.Em RAMONA PARK BROKE MY HEART, o rapper se debruça sobre as experiências contrastantes de violência e amor, sob óticas do futuro e passado, criando um mosaico de emoções acerca da sua vida e criação. Na mesma abordagem de self titled, lançado ano passado, ele envolve-se em trajetórias mais íntimas e, musicalmente, minimalistas. As faixas exploram instrumentais muito mais delicados e surreais, próximos a uma atmosfera quase que onírica que é o voltar-se ao passado, mesmo nas canções que se identificam pela sua curta duração, como AYE! (FREE THE HOMIES).

Já no mainstream, o nome segue sendo o de Megan Thee Stallion. Depois de performar Plan B de maneira inédita no Coachella, a rapper lançou oficialmente essa que é uma de suas canções mais ousadas, explícitas e robustas. A faixa é uma diss track que descasca um antigo amante – boatos de que seria o cara que atirou no pé dela e rendeu a poderosa Shots Fired, abertura do disco Good News. 

Um tanto mais romântico, Jack Harlow dominou as paradas do gênero com seu novo single, First Class, que traz samples de Glamorous, hit de Fergie em 2006 e a participação de Anitta no clipe. No topo da Billboard pela primeira vez como artista solo – já que anteriormente havia alcançado o posto ao lado de Lil Nas X por INDUSTRY BABY, o rapper emplacou o lançamento de seu segundo disco, Come Home the Kids Miss You, previsto para maio de 2022, como ele mesmo cantou: “E eu posso colocar você na primeira classe, lá no céu…”.

No Brasil, a cena do rap também foi movimentada no último mês. O principal destaque é o trabalho de Rap Plus Size, que aparece com muito vigor nos quase 20 minutos de Revoada. Depois de participar do reality Sobe Junto e marcar presença no Lollapalooza 2022, o duo transita entre rap, trap, brega funk e mandelão para brilhar a presença de nomes como BADSISTA, Mc Xuxú e Doralyce. Liricamente, o EP também vai bem, ecoando mensagens essenciais à diversidade humana, tais como o direito que todo corpo dissidente tem de existir e viver a vida livremente.

O veterano Emicida usou o mês para revisitar seis canções de sua trajetória, formando uma espécie de linha do tempo da carreira no EP autointitulado cujas faixas foram repaginadas pelo produtor Damien Seth. Já caminhando em territórios inéditos, Negra Li misturou rap e pop no cativante single Era Uma Vez Liliane, que encaminha a artista para o seu novo álbum. Inspirada na história de vida da própria artista, a canção vem acompanhada de um clipe para lá de especial. Isso porque os filhos de Liliane de Carvalho, Noah Malik e Sofia Kymani, participam da obra audiovisual.

E antes que você pergunte, Baco Exu do Blues também segue na atividade. Em ação  para comemorar a chegada de The Batman ao canal de streaming HBO Max, a canção Gotham É Aqui introduz uma letra crítica que relaciona a cidade do crime fictícia ao Brasil. Os versos falam de corrupção, criminalidade e injustiça social, trazendo questionamentos sobre os heróis e vilões nacionais que reconstroem com destreza a imagem real de um país em ruínas.

Os ares do R&B, sempre dominados pela dona do gênero mundo afora, ecoou o lançamento de City of Gods (Part II) desta vez junto de alguns rostinhos novos. O principal deles talvez seja Omar Apollo, que aos seus 24 anos, emplaca suas raízes latinas em seu primeiro disco recém-lançado, Ivory. Na companhia dos gigantes Daniel Caesar e Kali Uchis, o novato firma seu nome no estilo que é conhecido por conservar alguns dos melhores músicos do século.

O novo trabalho de Syd busca justamente essas referências. Cinco anos depois de sua estreia solo com Fin, a artista segue sua entrega completa aos seus sentimentos expressos em música nas 13 faixas de Broken Hearts Club, agora explorando a influência da música oitentista de ídolos como Prince e Michael Jackson. Dentre as colaborações, aparecem os nomes de peso de Lucky Daye, Smino e Kehlani – que também teve um disco para chamar de seu entre os lançamentos do mês, nos últimos suspiros de abril.

Para a galera de caubói, as novidades vieram da rainha Miranda Lambert, que finalizou o mês com o lançamento de Palomino. Precedido pelo single If I Was a Cowboy, o nono álbum da lenda country é marcado pela sua produção, realizada ao lado de Luke Dick e Jon Randall, e pela sua composição, que assina 14 das 15 faixas. E ali é que está a maior preciosidade do trabalho que reflete (e às vezes se perde) numa viagem conceitual pela vida norte-americana.

Mas para a galera do Persona, a melhor aquisição do mês foi Bronco. Lançado a conta-gotas, o novo trabalho de Orville Peck chega na íntegra provando que o cantor, ícone gay da música country, fez com clareza e precisão sua passagem do nicho para o popular. O CD marca sua contratação com a Sony Records e é recheado por 15 faixas que somam quase uma hora de rodagem, narrando contos cinematográficos do Velho Oeste.

Assim como fez com Pony, disco anterior que o sacramentou na cena três anos atrás, o artista segue enigmático (sempre com a máscara franjuda ocultando o alter ego humano do ex-cantor de punk), mantendo a máxima de esconder o rosto enquanto canta sobre perdição, amor e um faroeste espaguete digno do primoroso século passado. Vindo de um artista queer inserido em um gênero conhecido pelo machismo e pelo preconceito, o Bronco de Orville Peck se prostra como uma figura de admiração e, mais do que tudo, de mudança e progresso.

Se Abril deu o que falar, Maio promete muito mais. Quando o novo disco de Harry Styles chegar, depois do tão esperado retorno de Kendrick Lamar e do finalmente completo trabalho de Florence + the Machine, te esperamos junto do próximo trabalho aclamado de Bad Bunny nesse mesmo persona-canal, para acompanhar cada nota do cenário musical que vai se colocar para tocar diante de nós. Até lá!

Texto: Raquel Dutra

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário, Enzo Caramori, Gabrielli Natividade da Silva, Jamily Rigonatto, Laura Hirata-Vale, Nathália Tetzner e Vitor Evangelista

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O terceiro mês do ano foi o mais movimentado de 2022 até então. Entre perdas inestimáveis para o mundo da Música, o Brasil voltou a receber artistas nos palcos do Lollapalooza e o Oscar 2022 tomou parte, com destaque especial para as apresentações de Beyoncé, Billie Eilish e as do filme Encanto. Quem tomou as manchetes para si, entretanto, foi a morena misteriosa Anitta, que alcançou o posto de canção mais popular do mundo com Envolver. 

No dia 25 de março, a cantora se tornou a primeira artista latino-americana a alcançar o primeiro lugar da tabela do Spotify Global, que contabiliza os números de reprodução das músicas da plataforma em nível internacional. Desbancando o hit mais recente de Justin Bieber, a música-chiclete de Glass Animals e a nova sensação de Imagine Dragons, Anitta superou o próprio recorde, que anteriormente havia colocado Vai Malandra no top 50 posição da parada musical. Aos poucos, dia após dia, a ambição da conquista virou assunto nacional e juntou tudo quanto era dispositivo para reproduzir a canção da brasileira – e então, ela chegou lá.

Apesar dos motivos a serem celebrados, não há maneira de começar essa edição do Nota Musical sem lamentar a morte de Taylor Hawkins. No dia 25 de março, com apenas 50 anos, Taylor Hawkins partiu. Para muitos, essa é apenas a metade de uma vida, e, no caso dele, tratava-se de uma pequena fração de tempo em relação àquilo que ele, certamente, poderia fazer – por isso chamamos de “morte precoce”. Atrás da bateria, girando as baquetas, ele foi um símbolo de grandeza, e parecia consenso o fato do músico ser predestinado a fazer sucesso. 

A forma habilidosa de tocar, mesclando técnica e estilo, fizeram com que fosse lembrado como o grande baterista do Foo Fighters, mesmo que o vocalista da banda fosse Dave Grohl – o grande baterista do Nirvana; a verdade é que Taylor Hawkins foi o único capaz de nos fazer esquecer que haviam dois grandes bateristas na banda. Nos shows do grupo, era comum os momentos em que se levantava e deixava Grohl assumir o instrumento, enquanto ele dominava o microfone e demonstrava todo seu virtuosismo vocal em meio a total desenvoltura com o público. Foi um genuíno artista, daqueles que nos lembramos como memoráveis.

Por essa razão, tornou-se uma influência clara a todos que desejavam aprender a tocar bateria. Dono de um jeito muito particular – verdadeira definição de personalidade –, mantinha como principal característica o sorriso aberto, sem ressalvas em demonstrar a alegria, de modo que, mesmo enquanto tocava, o sorriso ainda estava presente. É essa imagem que manteremos em mente: o fantástico baterista do Foo Fighters, tocando o instrumento, sorrindo e rodando suas baquetas, enquanto tudo se apaga após um imenso clarão. 

O Foo Fighters teria encerrado os 3 dias do Lollapalooza 2022, que tomou o Anhembi de sexta a domingo, entre 25 e 27 de março. Retornando depois de dois anos de cancelamento por conta da pandemia, o evento trouxe nomes internacionais como Machine Gun Kelly, A$AP Rocky, The Strokes, Alessia Cara, MARINA, Jack Harlow, Kehlani, e nacionais como Jão, Jup do Bairro, Marina Sena, Pabllo Vittar e Gloria Groove. O destaque absoluto, no entanto, repousa nos ombros de Doja Cat e Miley Cyrus. Depois de terem shows cancelados na América Latina, as duas chegaram com bastante energia acumulada para o espetáculo no Brasil.

A rapper encantou com os hits virais e com a melhor peruca da turnê, enquanto a roqueira admitiu o cansaço e o luto frente à morte do baterista do Foo Fighters (que cancelou a apresentação no festival pelo luto de Taylor Hawkins). Cyrus pintou e bordou no palco, explorando todos os sucessos que a consolidam como um camaleão musical. Do pop rock de 7 Things ao country de The Climb e o pop trap de We Can’t Stop, a loira encontrou espaço para cantar Boys Don’t Cry com Anitta, abençoar o matrimônio de um jovem casal smiler e anunciar, de surpresa, um disco ao vivo.

Uma semana depois, a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas realizou a 94ª edição do Oscar. Houve discursos emocionantes, prêmios históricos e muita música. Depois de abandonar as canções ao vivo em 2021, dessa vez os números fizeram parte da cerimônia principal. Beyoncé abriu o show, diretamente do bairro de Compton, em uma das quadras onde as irmãs Venus e Serena Williams treinavam quando crianças. A artista performou Be Alive repleta de conceito para apresentar uma das faixas indicadas da noite, mas a única vitória do filme das tenistas foi na categoria de Melhor Ator para Will Smith.

Reba McEntire apareceu para agraciar o público com sua versão melancólica e esperançosa de Somehow You Do, canção proveniente do filme Four Good Days. Por parte de Encanto, Sebastián Yatra lamentou a dor de Dos Oroguitas cercado por um cenário simplório, e o elenco todo da animação se reuniu para performar o sucesso We Don’t Talk About Bruno, com o toque extra de Megan Thee Stallion, Luis Fonsi e Becky G. Para fechar o combo, Billie Eilish e FINNEAS arrasaram na interpretação de No Time To Die, a eventual vencedora da noite, fechando um ótimo ciclo para as aventuras de Daniel Craig como James Bond.

“Você costumava me conhecer, mas agora não mais”

Agora partindo para os lançamentos do mês, não teve ninguém mais aventureira que a britânica Charli XCX. No 6º álbum da carreira (e o último requerido obrigatoriamente com a gravadora que muito a podou), ela encapsula referências do pop, do hyperpop e da música eletrônica dos anos 1980. O conceito por trás de CRASH é a criação de uma “personagem” sedenta pelo sucesso, que acaba vendendo sua alma para o demônio, com referências ao filme Crash (1996), de David Cronenberg, baseado no livro homônimo de J.G. Ballard. 

Mas indo além do que a diva pop almeja, o CD se lambuza nas entranhas do gênero, com baladas mais lentas, rendições aceleradas e recheadas de composições sinceras e brutais, além de parcerias para tirar o chapéu. Junto de Rina Sawayama, Christine and the Queens, Caroline Polachek e A.G. Cook, Charli melhora a sinceridade de Charli (2019), a violência de Pop 2 (2016) e a vulnerabilidade de how i’m feeling now (2020). Não à toa, ela aparece toda estrupiada na capa, vítima de um acidente que tirou mais do que apenas algumas gotas da água da vida.

Quase que rebatizada, a popstar não encontra limites ou muros concretos demais que a impedem de demolir o cenário. Nas faixas extras, tão boas que mereciam já estar incluídas desde a versão padrão, Charli exorcizou essa relação que a levou do céu ao inferno. Primeiro nomeado como Sorry if I Hurt You, o conceito do disco mudou com a ideia da colisão da faixa inicial, mas o pensamento original ganha vida nas músicas especiais. 

“Ser uma popstar nunca dura”

Companheira de automobilismo, ROSALÍA finalmente concluiu sua corrida em direção ao seu terceiro disco. O veículo é MOTOMAMI, apresentado há alguns meses como a sua obra mais íntima até o momento, numa introdução que havia causado desconfiança do público que até então tinha apenas entrado em contato com os singles SAOKO e CHICKEN TERIYAKI. Mesmo em roupagens mais sombrias do que a sonoridade solar de El Mal Querer (o aclamado disco antecessor, de 2019), as músicas escolhidas para comercializar o disco ainda eram exímios hits da estrela pop espanhola, que em muito se aproximam da lírica do trap para suas composições mais bem-sucedidas. A surpresa, no entanto, veio quando os singles foram posicionados em meio ao resto da tracklist do disco.

Lá, tudo corresponde ao sentido arquitetado pela apurada concepção artística de ROSALÍA. Entre composições dadaístas (Abcdfg), que orientam as referências à sua cultura original (BIZCOCHITO), expressam a estética sonora do disco (CUUUUuuuuuute) e seus desabafos sinceros e doloridos (DIABLO), à mesma medida que exalam sua autoconfiança (COMO UN G), o disco não tem medo do maximalismo para representar a nova era de sua artista. À flor da pele e decepcionada com a fama, ela canaliza suas pulsões numa vontade ambiciosa de ir além. E com a força potencial de MOTOMAMI, ROSALÍA com certeza chegará ao seu destino final.

“Eu não preciso disso pois me machuca”

No lado dos meninos, Rex Orange County ostentou uma das capas mais singelas do ano, unido a um dos discos mais brandos. Vindo de um poderoso Pony (2019), resultando em uma turnê cancelada, encapsulada por Live at Radio City Music Hall (2020), o cantor joga muito mais seguro do que poderia em WHO CARES? e falha em se destacar. A parceria com Tyler, The Creator não ilumina o bastante do trabalho, que soa como um disco de descartes, longe de atingir a jugular da tristeza como Alex se acostumou a fazer no passado. 

Na soma positiva, a banda Wallows lançou Tell Me Tell Me That It’s Over, álbum que honra o legado sentimental do grupo comandando por Dylan Minnette, mas nunca repetindo as exatas batidas que os consolidaram em músicas como Are You Bored Yet? Aqui, as letras recaem nos temas de sempre: desilusão, amores enfraquecidos e a sensação latente de solidão; em Hurts Me, o lamento se transforma em cântico de guerra e a finalização em paralelo com Guitar Romantic Search Adventure teima a chutar o coração partido em direção à Lua. 

“Você nunca esteve no céu. Esteve?”

Antes de presentearem Olivia Rodrigo com um Grammy de Artista Revelação (mas, sobre os gramofones, você só lerá mês que vem!), a dupla Megan Thee Stallion e Dua Lipa serviu ao mundo a mais doce das tortas, entregando muita sensualidade e poder na mistura de pop e rap que guia o single Sweetest Pie. A música, por sinal, se tornou a melhor estreia na Billboard Hot 100 de toda a carreira de Lipa, e veio acompanhada de um clipe divertido, repleto de efeitos especiais.  O outro duo do mês, Camila Cabello e Ed Sheeran, transformou Bam Bam em mais uma  investida genérica da cubana, antecedendo o lançamento de Familia. 

Já GAYLE, uma das candidatas mais fortes à sucessão de Rodrigo no Grammy do ano que vem, também aproveitou o mês para sustentar sua caminhada até lá. A dona do viral abcdfu lançou seu EP de estreia no formato que promete a consolidar como o próximo fenômeno do pop. Em a study of the human experience volume one, a jovem estadunidense de apenas 17 anos segue os passos da voz de drivers license ao empregar influências do rock e punk nos seus desabafos adolescentes. Além do primeiro single e da mais recente música de trabalho ur just horny, o destaque vai para as baladas inéditas luv started e kiddie pool, que denotam o potencial vocal e musical de GAYLE.

O nome promete dar trabalho para Normani, que também vem aspirando seu lugar na premiação da Academia de Gravação e ensaiando o lançamento de seu disco de estreia solo. Quando deixou o Fifth Harmony, a artista investiu em colaborações com Sam Smith (em 2019) e Megan Thee Stallion (em 2020), sendo a mais recente com ninguém mais ninguém menos que Cardi B (de 2021). Sozinha, ela emplacou Motivation com um refrão pop chiclete há três anos, e agora retorna para o R&B sedoso de Fair. O novo single pode não ter o mesmo impacto do que o primeiro ato musical de Normani, mas com certeza amplia as possibilidades da artista para o seu futuro promissor.

“Lembra do que você pensava ser o luto antes de receber a ligação?”

Do desapontamento à meca do gênero, e como de costume quando o assunto é Stefani Germanotta, mais uma faixa unreleased  de Lady Gaga foi vazada na íntegra por meio da internet. O material da vez é Private Audition, música que flerta com a sonoridade do álbum de estreia The Fame e segue as fórmulas do sucesso do pop chiclete impulsionado nos anos 2000. Madonna, por outro lado, conseguiu elaborar o remix do remix de Frozen, hit do álbum Ray of Light e recente sucesso do TikTok, ao lado do rapper nigeriano Fireboy DML. Para a alegria de alguns fãs, Frozen (Fireboy DML Remix) ainda foi contemplado com um clipe bem bonito – embora seja um vídeo bastante simples.  

De surpresa, no último dia do mês, a Rainha do Pop ainda se juntou à rapper estadunidense 070 Shake para lançar um novo remix da faixa. Celebrando 40 anos de carreira, Madonna resolveu dar um protagonismo quase total à jovem cantora. A veterana, vale destacar, acaba investindo ainda mais na parte visual deste lançamento, divulgando um videoclipe em que as duas artistas aparecem deslumbrantes e, em momentos pontuais, dirigindo em alta velocidade.

“Só precisamos da sua conformidade”

O cenário do rock foi sacudido por In/Out/In, do Sonic Youth. Nas cinco canções (quase inteiramente) instrumentais – gravadas entre 2000 e 2010 – que compõem In/Out/In, o grupo estadunidense aprofundou e expôs sua química. Embora o disco possa soar como uma espécie de jam session, é perceptível o entrosamento dos integrantes, elevando o disco a algo maior – principalmente para a própria banda. Em entrevista ao TIDAL Magazine, o guitarrista Lee Ranaldo disse não se tratar de “jams”, mas sim de “extrapolações”. 

De qualquer forma, “jam” poderia realmente simplificar o que Sonic Youth fez nesse (quase) EP, pois, historicamente, a banda sempre extrapolou e investiu em experimentações – é exatamente o que faz pessoas ao redor do mundo amarem o grupo por sua criatividade e abordagem sonora ou afastarem-se, alegando tratar-se de uma barulheira desnecessária. Ou se ama ou se odeia, mas In/Out/In é para aqueles que amam. 

“Tão quieto que posso ouvir que a geladeira está ligada”

Mas os destaques no campo dos discos foram para as regravações e relançamentos. No Brasil, em comemoração aos 50 anos da obra-prima de Caetano Veloso, a cantora paulistana Graziela Medori resolveu revisitar o cultuado disco Transa, de 1972. Dessa imersão, surgiu Transando o Transa, releitura que transforma as canções de Caê em um rock revigorado e nada convencional.  Enquanto no exterior, o clássico álbum The Bed Is In The Ocean (1998), da banda estadunidense de jazz-rock Karate, foi relançado em março de 2022, e ganhou uma edição inédita em vinil; o grupo também anunciou sua primeira turnê desde 2005. 

Karate se consolidou na cena post-hardcore dos anos 1990, e misturou de forma bastante interessante elementos do jazz com o rock alternativo. As canções do álbum são atmosféricas porque mantêm uma certa tensão, como na primeira faixa, There Are Ghosts, que parece estar sendo construída pela primeira vez à medida em que escutamos. Até certo ponto, o trabalho de Karate lembra a Fugazi de Instrument Soundtrack (1999).

“Não seja indelicado” 

Para os singles, Março foi preenchido pelo retorno de vários nomes consolidados nas paradas. Poster Child foi o segundo lançamento do Red Hot Chili Peppers para promover Unlimited Love, álbum que chegou às plataformas em 1º de abril. A canção segue a cartilha Chili Peppers: guitarra que abusa do wah-wah, baixo funkeado e a bateria com notas fantasma na caixa, acompanhada pelo ritmo contínuo do hi-hat fechado. A voz de Anthony Kiedis vem na sequência, embalando todo esse instrumental. É um funk rock muito bem feito, mas nada demais em relação às outras canções do grupo.

O Pixies também deus as caras e lançou Human Crime, canção que veio acompanhada de um videoclipe melancólico, embalado por uma sensação de nostalgia e filmado em uma boate em Los Angeles, com direção da baixista Paz Lenchantin. A própria música tem um efeito hipnótico particular, que consiste na guitarra vibrante de Joey Santiago, do baixo conciso de Paz, dos vocais hipnóticos de Black Francis e das adoráveis ​​execuções de bateria de Dave Lovering. O refrão repete a letra don’t you be unkind (não seja indelicado), cujos trechos são retomados em áreas diversas ao longo da execução, criando uma espécie de transe. 

“Aproxime-se agora, deixe-me contar uma mentira”

Após ter lançado sua declaração de amor ao delta blues e ter feito um verdadeiro tratado sobre suas origens no ano passado, o The Black Keys retornou com o single Wild Child. A faixa antecede o lançamento de seu próximo álbum, Dropout Boogie – previsto para 13 de maio –, que dessa vez promete músicas originais e não com versões de clássicos do blues, como o antecessor. Com os vocais expressivos e dominantes de Dan Auerbach, e a guitarra mais funkeada que o normal, a música oscila entre apenas dois acordes, mas The Black Keys preenche cada momento com bastante energia na canção que remonta aos seus anos de ouro e de auge comercial, com Brothers (2010) e El Camino (2011).

Já com uma pegada mais “eletrônica”e bem menos pesada que o trabalho anterior, Compliance foi o segundo single divulgado pelo Muse para promover o próximo álbum do power trio, Will of the People, com lançamento previsto para 26 de agosto. No comunicado de divulgação, Matt Bellamy (vocalista da banda) escreveu: “Compliance é sobre a promessa de segurança e tranquilidade que as entidades poderosas tentam nos vender durante tempos de vulnerabilidade. Gangues, governos, demagogias, redes sociais, algoritmos e religiões nos seduzem com promessas falsas, mentiras e contos confortáveis. Eles querem que nos juntemos a sua visão fechada de mundo em troca de obediência, e que ignoremos nossas vozes internas da razão e compaixão. Eles só precisam da nossa Submissão.” 

As letras do Bellamy sempre são rodeadas de referências às teorias de conspiração, cenários pós-apocalípticos e pequenos grupos poderosos que dominam o mundo – basta ouvir MK Ultra, do álbum The Resistance (2009). Nesse quesito, a canção não soa inovadora, e na verdade, tudo vem indicando que o novo álbum da banda seguirá os mesmos caminhos do antecessor, Simulation Theory (2018), que continha canções falando sobre algoritmos e propaganda, além de uma estética cyberpunk. 

“As escolhas sempre foram um problema para você”

Para as mídias do visual, mais especificamente a série De Volta Aos 15, da Netflix, estrelada por Maisa Silva e Camila Queiroz, os artistas Pitty, Lúcio Maia e Rica Amabis lançaram Admirável Chip Novo (2022 Remix): uma verdadeira repaginação do hit dos anos 2000. Quem também entrou na TV foi Thom Yorke, com a linda canção que compôs para a sexta temporada do seriado Peaky Blinders. A faixa 5.17, que dura 4 minutos e possui somente 10 versos, é formada somente por voz e piano, algo muito característico das trilhas compostas pelo veterano. Imparável, Yorke continuou a todo vapor com Skrting On The Surface, o terceiro single divulgado por The Smile, seu projeto paralelo ao lado de Jonny Greenwood, do Radiohead, junto a Tom Skinner, baterista do Sons of Kemet. 

A música não é nova: ela já foi tocada ao vivo com Atoms for Peace, projeto de Yorke com Flea, do Chili Peppers; porém, sumiu por mais de uma década e voltou totalmente repaginada. Diferente da versão original, embalada somente por piano e a melancólica voz de Thom Yorke, a releitura vem acompanhada dos arpejos de guitarra de Jonny, junto à bateria limpa de Skinner. Essa poderosa junção faz relembrar o Radiohead de In Rainbows (2007), e a canção ainda ganhou um belo clipe em preto e branco, gravado em filme 16mm e dirigido por Mark Jenkin, vencedor do BAFTA pelo longa Bait (2019). 

E por falar em música antiga, Opiate² é a regravação da canção de 1992, lançada pelo TOOL em homenagem aos 30 anos do EP Opiate. Nessa “versão estendida”, com 9 minutos e 54 segundos de duração, a banda de metal alternativo dá um novo tratamento à canção. A faixa é atmosférica e psicodélica, cuja diferença em relação à primeira versão consiste principalmente na guitarra de Adam Jones, que aqui está muito mais encorpada e expansiva – na versão inicial, havia momentos que beiravam quase o silêncio; nesta, nada fica quieto nunca. Os demais instrumentos também ajudam a preencher o vácuo que se manteve na versão de 1992.

“Eu quero te lembrar dos dias da juventude”

No indie brasileiro, Gêmeos se consolida como o melhor álbum da Terno Rei até agora. É um disco retrô que explora a nostalgia, provavelmente aquela que reflete a adolescência dos seus integrantes, durante os anos 1990 – o que em alguns momentos soa como algo idealizado, mas se garante musicalmente. Ao mesmo tempo, o álbum questiona a pressa e o imediatismo contemporâneo, olhando para esse passado nem tão distante assim. Isso fica evidente nas canções Internet e Trailers. Embora seja um álbum com 12 músicas, ele dá a impressão de ser bastante curto, e dura pouco mais de 35 minutos. 

Gêmeos mantém diversos elementos que a banda trouxe em álbuns anteriores, como os sintetizadores – muito utilizados em Violeta (2019) –, que são quase os protagonistas de Sorte Ainda, abrindo espaço para um tratamento ainda mais indie e deixando um pouco o dream pop de lado (em trabalhos passados, a ordem foi contrária). Os clipes das faixas Dias da Juventude e Difícil recebem um filtro esverdeado, lembrando os clássicos filmes dos anos 1990 de Wong Kar-Wai – em especial Fallen Angels (1995) –, cuja câmera desorientada é uma das marcas registradas. 

“Sempre que tento, descubro que não consigo descrever você”

Econômico como Terno Rei, Zeeba trouxe poucas faixas inéditas para o repertório de seu novo álbum, Tudo ao Contrário. Por outro lado, é animador saber que esse é o primeiro trabalho em que o artista explora bastante suas habilidades com a língua portuguesa. Ao longo de 10 canções, ainda há espaço para colaborações com nomes como OUTROEU, Carol Biazin e Mallu Magalhães. 

E respeitoso como Zebba, o novo trabalho de Oso Oso é um disco de indie rock com pinta de experimental desde o início. Sore Thumb foi lançado exatamente um ano depois da morte do guitarrista, Tavish Maloney, e soa como uma homenagem. Devido à morte de Maloney, o projeto não foi finalizado, o que transforma o disco em um álbum inacabado – embora nunca soe incompleto. A capa do CD aponta essa perda, refletindo uma ausência de pessoas no ambiente. É uma sensação esquisita, mas que ganha vazão através da Arte.

“Mas eu nunca vou recuperar o que perdi”

Navegando a boa vida das premiações e do prestígio no mundo do Cinema, a banda HAIM movimentou Março. Com videoclipe dirigido por Paul Thomas Anderson, Lost Track foi lançada pelas irmãs no primeiro dia do mês. A canção possui um baixo envolvente, mas a estrela – musical e do clipe – é Danielle Haim, que transpassa emoção na sua forma de cantar, sempre verossímil. Antes de seu lançamento oficial, entretanto, o clipe foi transmitido em salas de cinema que exibiam Licorice Pizza, filme de PTA indicado a 3 Oscars e estrelado por Alana Haim. 

Além das roqueiras, o Arcade Fire lançou The Lightning I, II, uma amostra do que será encontrado no álbum WE. Prenunciando o lançamento previsto para 6 de maio, o single resgata o Arcade Fire espirituoso de Neon Bible (2007), em especial das canções Antichrist Television Blues e The Well and the Lighthouse. O piano e os sintetizadores dominam a música, em meio às vozes melódicas de Win Butler e Régine Chassagne, cantadas simultaneamente. The Lightning I, II também marca a saída de Will Butler, irmão do vocalista Win. 

“Então me diga onde depositar o meu amor, devo esperar o tempo fazer o que ele faz?”

Outro nome que não deixa a Música Alternativa sossegar, Phoebe Bridgers brindou os fãs com uma versão gravada em Sound City, da canção Chinese Satellite. Mas quando o assunto é mimo para os aficcionados, ninguém entrega recompensa mais proveitosa que a fada mística Florence Welch e suas Máquinas. Em fevereiro, o lançamento do single King levantou suspeitas de um novo álbum da banda, e o anúncio do quinto registro de estúdio, Dance Fever, veio acompanhado da canção Heaven Is Here. Três dias depois, My Love se juntou a tracklist, que contará com 15 faixas. 

Primeira música que Florence escreveu em confinamento, desde seus solenes versos ao seu poderoso instrumental, o single é a catarse mais intensa do interior de Welch. O clipe da canção, que se destaca pelo místico padrão performático, reforça o êxtase causado pela intensidade na qual a cantora se entrega à faixa. My Love, em contrapartida, remete a trabalhos passados da banda e explode num refrão dançante que combinado ao inigualável vocal de Florence deixa a sensação de que a alma sairá do corpo para seguir a canção. 

“Minha realidade não exige perfeição”

Embora seu disco tenha sido lançado no último dia de Março, o rap do mês tem como rainha a inigualável Karol Conká. Em seu novo álbum de estúdio, Urucum, a artista reuniu principalmente músicas escritas após a conturbada participação no BBB 21, mas não se limitou tematicamente às questões vivenciadas no reality show –  Dilúvio e Paredawn, por exemplo, ficaram de fora da tracklist definitiva. Na verdade, o mais recente trabalho da Mamacita, que mescla diferentes sonoridades, indo do soul ao baião, passando pelo afrobeat e o pagodão baiano, constrói uma jornada de autoconhecimento e cura, colocando em evidência as camadas complexas e humanas que atravessam a figura da artista. 

“Coloquei nessas músicas o que o meu coração falava. Muitas pessoas me perguntavam se eu viria com um rap ‘pesadão’, mas eu não sabia como seria a cara desse álbum. Nós produzimos sem planejamento, nome, tema, ritmo. Só fomos musicalizando de uma forma muito natural e improvisada. Nesse processo, eu pensava o quão natural é termos uma personalidade com várias camadas, então decidi que deixaria que elas transparecessem nas músicas”, revelou Karol ao jornal Estado de Minas.

Dando sequência a Zulu, Vol.1: De Onde Eu Possa Alcançar o Céu Sem Deixar o Chão (2019), Zudizilla chega agora com o álbum Zulu: de César a Cristo (Vol.2). No novo trabalho, o rapper narra sua vivência enquanto um homem preto, projetando também sonhos e possibilidades de futuro. As 12 faixas do projeto, vale destacar, são marcadas por um número expressivo de colaborações, trazendo nomes como Emicida, Cronista do Morro e B.art. Além dele, foi a vez de Edgar reunir três músicas inéditas e um remix no EP Ultravioleta. O artista é conhecido, dentre outros fatores, pela colaboração com Elza Soares no álbum Deus É Mulher (2018), e também apareceu dentre as atrações do Lollapalooza 2022, acompanhado de sua coletânea que tem um caráter extremamente político. 

Se o rap foi da Mamacita, o R&B do Mês da Mulher tem incrustado o nome de Nilüfer Yanya. PAINLESS é apenas o segundo álbum da britânica, mas já se consolida como um dos grandes projetos deste 2022 que mal começou. Um ponto forte do disco é a forma como Yanya reduz o caos ao íntimo e particular, de forma a construir melodias singelas, mas acompanhadas por letras avassaladoras. O título soa irônico, e é como se, após uma lista infindável de dores esmiuçadas ao longo das 12 canções, a cantora revelasse que tudo foi “indolor”. Diferente de seu ótimo álbum de estreia – Miss Universe (2019) –, PAINLESS parece ter ideias melhor resolvidas. 

Enquanto as canções oscilam entre o rock e o pop melódico, o projeto conta uma história com começo, meio e fim; é como se ela nos dissesse que para cada situação é necessário uma maneira diferente de narrar. Esses estilos alterados ganham uma unidade através da voz da londrina, que as embala em falsetes – sempre usados com moderação –, enquanto aponta para protagonistas que sucumbem a, talvez, um relacionamento complexo. Não parece ser por acaso que o álbum se encerra com a expansiva – e até “alto astral”, em comparação às demais – anotherlife, canção que lembra a Lorde de Solar Power (2021). Ao término de PAINLESS, paira a sensação de desejar um outro tipo de vida, mas é algo transposto de forma sutil, como todos os palpites que Nilüfer Yanya deixa no ar.

“Mas não era a intenção queimar meu filme na televisão” 

Passeando entre gêneros e estilos, na música Paredawn, Karol Conká narra, de forma totalmente descontraída, sua trajetória pela casa mais vigiada do Brasil – e até brinca com o bordão “qualquer coisa, me bota no paredão”. A princípio, a faixa não seria lançada, mas a rapper mudou de ideia: “Decidi disponibilizar ela pois acho justo e leal dividir com vocês que estão acompanhando a minha história depois do tombo”. E se o sarcasmo da curitibana fez surtir efeito, o mesmo não pode ser dito de algumas outras parcerias do pop nacional de Março. 

A junção de Jerry Smith, Mc Dricka, DG e Batidão Stronda deu origem a Saí Pro Rolê, single que é bastante genérico se levarmos em conta o perceptível potencial dos dois cantores – o que não significa, no entanto, que a música e o clipe sejam descartáveis ou irrelevantes. Preparando os ouvintes para o sétimo álbum de estúdio da carreira, Canicule Sauvage, Otto chegou com o single Peraí Seu Moço. E dando início à nova fase da carreira musical, Larissa Manoela se juntou ao cantor ZAAC – antigo MC Zaac – para lançar a canção Tenho o Poder, o terceiro single do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora.   

“E eu não vou mentir que até chorei, e procurei um pornô com algum ator que se pareça com você”

A aclamação caiu no colo dos artistas LGBTQIA+: Pabllo Vittar e Rina Sawayama estão juntas mais uma vez, agora com o single Follow Me, lançado no último dia do mês. A nova canção estará no repertório da turnê I AM PABLLO TOUR e já tinha sido cantada pela drag queen no Lollapalooza 2022. Já Clarissa se uniu ao veterano Di Ferrero para criar mais uma viral com a sua assinatura, agora na bateria marcada pela belíssima produção que Los Brasileiros dedicaram à faixa DESCANSA. 

Mas o destaque mesmo foi Number Teddie (estrela em ascensão e responsável por várias composições do disco de Urias), que uniu um raro senso de humor autodepreciativo e minúcias muito particulares de vingança e rancor na manufatura de EU DEVERIA TER COMIDO SEUS AMIGOS. Extremamente direta e específica, a faixa tira sarro de um ex que já superou a relação e dos arrependimentos daquele que teve o coração partido. Se concretiza, facilmente, como a melhor tirada de Março quando o assunto é dor de cotovelo e muito bom humor. 

“Por que será que Deus pôs ali o ser pra ser assim, sofredor?” 

Na Música Popular Brasileira, o cenário multifacetado colhe louros. Entre viagens entre o ontem e o hoje, o show realizado por Djavan no Festival de Jazz de Montreux de 1997, na Suíça, foi finalmente disponibilizado em forma de álbum. Graças a um acordo da gravadora Sony Music com o próprio evento, podemos agora nos deliciar com as 15 faixas de Ao Vivo no Montreux Jazz Festival 1997. Já Martinho da Vila resolveu mesclar diferentes estilos musicais, religiões e personalidades culturais no disco Mistura Homogênea. Reunindo de Zeca Pagodinho e Teresa Cristina à escritora Paulina Chiziane e Djonga, este trabalho é, provavelmente, o último álbum da carreira de Martinho.  

Ana Müller, por sua vez, ressurgiu suave e romântica no belo e breve álbum Ternura. Valorizando, no novo trabalho, o recurso voz e violão, que cria um clima muito cativante para a obra como um todo, a cantora capixaba também comemora, em 2022, os cinco anos de seu primeiro lançamento autoral: o EP Ana Muller.  Igualmente mergulhada em atmosferas amorosas, Simone retornou aos discos com o álbum Da Gente, trabalho que tem direção artística de Zélia Duncan e direção musical do pernambucano Juliano Holanda. Destacando principalmente compositores nordestinos – muitos, inclusive, da atualidade -, a nova obra da Cigarra da MPB apenas reitera a relevância dessa artista para a cultura nacional. No fim do mês, Haja Terapia, lead single do projeto, ainda ganhou um clipe dirigido por Pedro Colombo.

Depois de disponibilizarem, em Janeiro, o single Vermelho Esperança, Chico César e Laila Garin retornam, em Março, com todas as 16 faixas de O Canto de Macabéa ou a Hora da Estrela, disco concebido a partir do musical baseado na obra de Clarice Lispector. O álbum passeia por diferentes sonoridades, instigando a curiosidade do público em relação à peça de teatro. Também em Março, Vermelho Esperança ganhou um segundo videoclipe.

“Folha miúda que tem a natureza do amor, soberana no mundo, passeia por cima da dor”  

Lançado no Dia Internacional das Mulheres, o álbum Senhora das Folhas, da veterana Áurea Martins, é cuidadoso e, sobretudo, afetivo ao reunir sonoridades e temas ligados à ancestralidade, às questões ambientais, às culturas indígenas, às mais variadas fés e crenças e, claro, aos costumeiramente heterogêneos universos femininos. Se é verdade que o ano está apenas começando, também é certo que esse disco, idealizado pela produtora cultural Renata Grecco, já tem grandes chances de ser uma das obras musicais mais graciosas de 2022.       

Da mesma maneira, é seguro esperar o destaque de Lô Borges, que, desde 2019, lança um álbum de músicas inéditas por ano. Em 2022, o lançamento da vez é Chama Viva, disco com melodias e harmonias assinadas por Lô, e letras de Patricia Maês. Segundo o próprio cantor, o novo trabalho vai praticamente em direção oposta ao disco anterior, Muito Além do Fim, e os álbuns de 2023, 2024 e 2025 já estão garantidos. Em Chama Viva, Lô ainda canta junto de Milton Nascimento, Beto Guedes, Paulinho Moska e a própria Patricia.  

“Espera, que a noite já tá chegando”  

As peças solteiras da MPB também tiveram destaque. Primeiro, a canção Redescobrir, gravada por Marcos Valle em 2020, para o álbum Cinzento, ganha, agora, uma nova versão. No single de 2022, os dois compositores da faixa – o próprio Marcos, junto de Moreno Veloso (filho de Caetano) – são também intérpretes de uma jornada musical extremamente suave. Já a canção Ninho de Papel, lançada por Ana Lélia em 2021, originalmente em versão solo, também recebeu uma nova versão. 

Com a interpretação de Márcia Tauil e Sabrina Parlatore, a gravação de 2022 reúne performances únicas e deslumbrantes, além de um novo arranjo de Jonathas Pingo. A faixa mescla pop, soft jazz e bossa nova e conecta duas artistas que já colaboraram anteriormente com Tauil. O lançamento oficial foi no dia 31 de Março, mas o Persona ouviu a música com antecedência para incluí-la nas nossas indicações do mês. 

“Meu desejo é rio que corre pro mar e corresponde ao meu coração” 

Num mês produtivo para a MPB, o veterano Chico Lobo ainda se uniu à dupla Kleiton & Kledir para divulgar o single Rio e Mar, faixa que fará parte do vindouro álbum O Tempo é Seu Irmão. Na canção, a mistura da sonoridade popular brasileira com viola caipira constrói um caminho poético, conduzido por metáforas envolvendo o elemento água. Do outro lado, o nascido na Argentina, mas criado na Itália, Nicolás Farruggia se juntou à lenda viva brasileira Chico Buarque para lançar Tutto il Sentimento, quarto single do novo álbum do cantor estrangeiro – o ainda inédito Poema Livre. A música é uma versão em Italiano da faixa Todo o Sentimento, de Cristóvão Bastos e Chico, agora com letra de Stefano LaVia. 

Outra assinatura icônica da Música nacional, a banda Biquíni Cavadão comemorou os 20 anos de sucesso de Quando Eu Te Encontrar, faixa do álbum Escuta Aqui (2000), com uma regravação da canção. Por fim, o projeto Uma Onda Para Tom Zé, que está em construção desde 2021 e tem curadoria da jornalista Patricia Palumbo, teve continuação com Vanguart. O trio mato-grossense trabalhou no single Amar, regravação da música lançada pelo veterano tropicalista no álbum Brazil 5 – The Return of Tom Zé: The Hips of Tradition, de 1992. 

“Os filhos dos filhos dos filhos dos nossos filhos verão” 

Em mais um encontro da tradição da música brasileira com a sua contemporaneidade, Nando Reis se juntou ao fenômeno pop Jão para regravar a música Sim, originalmente disponível no álbum Sim E Não, de 2006. Trazendo novos detalhes para a canção, o dueto da vez não só evidencia o talento dos dois românticos como também dá sequência ao projeto Nando Hits, por meio do qual Nando promove alguns encontros musicais.  

E o remake de Pantanal está aí provando a tendência do encontro das gerações. Para a abertura da novela, Maria Bethânia aplicou sua voz inigualável à já conhecida música-título, composta por Marcus Viana para a versão original – e clássica – do sucesso da TV brasileira. Adentrando, com respeito e glória, o “coração do Brasil”, a Abelha Rainha se destaca na faixa ao lado de Almir Sater, nome responsável pela viola caipira e pelo charango da canção. 

Também no audiovisual, guiada por Iemanjá e preocupada com questões ambientais, Daniela Mercury entregou ao mundo o deslumbrante videoclipe de As Rendas do Mar, com direção assinada por Jana Leite; e Bemti retornou com maestria no clipe de Do Outro Lado (Mantra Tornado Grito), faixa do primoroso álbum Logo Ali, de 2021. Gravado com o cantor português Murais, o vídeo foi dirigido pelo duo Couple of Things. 

“De amizade eu já tô cheia, agora eu quero é sacanagem”

Não tem como encerrar o panorama de março sem pontuar os eventos dedicados ao Dia Internacional das Mulheres. Com o mesmo objetivo do especial do Persona, a Deezer lançou o EP exclusivo Icônicas – Deezer Originals. Reunindo verdadeiros sucessos nacionais e internacionais do mundo da Música, tais como My Favorite Things, A Loba e Pagu, o projeto potencializa mulheres artistas bastante relevantes na atualidade, a exemplo de Luedji Luna, Tulipa Ruiz e Jup do Bairro. Indo além das escolhas maravilhosas de repertório e intérpretes, Icônicas – Deezer Originals ainda foi parar na Times Square. 

No funk, e iniciando as comemorações de 10 anos de carreira, Ludmilla revisitou sua fase MC Beyoncé para criar o EP Back to Be. Formado por seis faixas autorais – sendo algumas criadas com outros compositores e outras exclusivamente pela artista -, o novo trabalho consegue, ao mesmo tempo, resgatar o funk que impulsionou a trajetória artística de Lud e trazer novos ares para a discografia da cantora. Fora isso, ainda merecem destaque as presenças de Akon, DJ 2F e Mc Don Juan no EP. 

“Fala que é sem sentimento, mas quando eu sento apaixona”

Diferente da entrega de Lud, o comeback de Kaya Conky foi uma das melhores surpresas nacionais chiclete de Março. Com bastante irreverência e humor, a música PODE DALE não só evidencia sua qualidade para as pistas de dança, como também vem acompanhada de um clipe maravilhoso, que ilustra a narrativa da letra autoral e foi dirigido por Gabriel Riccieri. 

Porém, foi sentaDONA (Remix) s2 que Luísa Sonza se destacou, mais uma vez, no pop nacional. Seguindo os passos de Anitta nas paradas musicais internacionais, a artista emplacou a música de Davi Kneip, Mc Frog e o Dj Gabriel do Borel protagonizando a coreografia viral desenvolvida por Flávio Verne para o videoclipe do novo single.  

“Eu não quero passar outro dia procurando por alguém que eu sei que não posso substituir”

No sertanejo, o lançamento do single 50 por cento vem fervilhando em polêmicas. Gravado em 2020, a música em parceria com Marília Mendonça fazia parte do projeto Juntas, um DVD feito durante a pandemia e que contava apenas com duetos de Naiara e mulheres do sertanejo. A faixa que sairia em 2021 não foi lançada pois, segundo a família de Marília, ela não aprovou a versão gravada e não queria ter seu nome associado ao de Naiara, após a cantora participar do almoço com o inominável que ocupa o cargo maior do poder executivo.

Sem uma conversa prévia com a família Mendonça, o lançamento foi planejado para acontecer durante a estadia de Azevedo na casa mais vigiada do Brasil, publicidade que gerou revolta em João Gustavo, irmão de Marília. A equipe de Naiara chegou a informar que a música não seria mais lançada, mas, ao fim, Naiara ficou pouquíssimo tempo no BBB e 50 por cento chegou às plataformas digitais, trazendo uma sonoridade comum ao sertanejo e uma letra que é mais do mesmo dentro da discografia de Naiara Azevedo.

O mês de Março ainda foi prestigiado com a performance de Pabllo Vittar e Ivete Sangalo, que arrasaram nos vocais de Lovezinho (I AM PABLLO LIVE), versão ao vivo da faixa apresentada originalmente no álbum 111, de 2020. Machine Gun Kelly arrancou suspiros e elogios nos palcos do Lollapalooza e aproveitou para quebrar tudo ao som de mainstream sellout, seu manifesto pop punk recheado de risadinhas. Do sorriso às lágrimas, The Weather Station estraçalhou o folk ao lado de seu How Is It That I Should Look at the Stars, disco-irmão de Ignorance, um dos destaques de 2021. 

“Você me beijou só para me beijar, não para me fazer chorar”

A festa do Grammy 2022 sacudiu a indústria do entretenimento assim que Março acabou, então é seguro aguardar por grandes nomes retornando do sossego para disputar o próximo posto de Álbum do Ano. Entre as certezas, Abril nos reserva um rock apimentado, um pop familiar e caseiro e, com certeza, mais um punhado de achados e descobertas de brilhar os olhos. Até lá, fique de olho no Persona e na curadoria musical mais afiada e precisa do jornalismo cultural brasileiro. 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário e Raquel Dutra

O post Nota Musical – Março de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Dando sequência ao novo formato do querido Nota Musical, a Editoria do Persona se reúne novamente para trazer suas impressões sobre os mais empolgantes – e outros nem tanto – lançamentos do mês. Despedindo-se do último palíndromo (22/02/2022) da década, Fevereiro foi uma montanha-russa de sentimentos. Em curtos 28 dias suando de calor, chegamos até a assistir de longe uma guerra ser declarada. No dia 23 de fevereiro, o mundo também deu adeus à Paulinha Abelha, vocalista da banda de forró tecnobrega Calcinha Preta. Presente no ambiente da Música nacional desde 1996, o ritmo sônico do grupo ecoa pelos mais diversos sons brasileiros.

Enfim, iniciando, de fato, a apuração dos personers sobre a Música na segunda edição do Nota Musical de 2022, fevereiro foi a vez dos namorados. Com a celebração do Valentine’s Day em boa parte do mundo, o amor foi destaque nos lançamentos do mês. E apesar de, em terras tupiniquins, o dia ser comemorado somente em 12 de julho, nunca é cedo demais para celebrar um sentimento que torna as coisas tão mais lindas, assunto que Andrea Bocelli entende bem. Na data, o tenor italiano reuniu suas canções mais apaixonadas na coletânea Andrea Bocelli: Mis Canciones de Amor, implorando por beijos quentes e se derramando na pieguice conhecida de Can’t Help Falling In Love.

Lucy Dacus, por sua vez, lançou Kissing Lessons, um single nostálgico que contempla a memória das primeiras paixões. Com sua composição confessional característica, a experiência é novamente cinematográfica – por entre os riffs de uma guitarra enérgica, dança uma pré-adolescente dentro de um quarto espalhafatoso cheio de Polaroids, enquanto mata tempo com um Gameboy prateado. Ainda explorando a fragilidade dos estágios iniciais de um relacionamento, Especially You antecipa em clima despretensioso o álbum I Don’t Want To Talk da banda Wallows, previsto para março. Já no fantasioso Beach Boy, BENEE canta sobre estar feliz só, mas ainda assim querer um namorado vampiresco à la Edward Cullen para ela.

Mas nem só de romance se fez fevereiro. Como inimiga dos relacionamentos amorosos, a eterna princesa do pop rock gritou: Love Sux! No sétimo álbum da carreira, Avril Lavigne se diverte, apesar de soar repetitiva entre as faixas. Após 10 anos, para a veterana, o amor continua sendo um tema complicado. Nas efervescências da revival emo, Machine Gun Kelly comprova que se rendeu completamente à sonoridade pop punk. Ao lado de WILLOW e Travis Barker – último, colaborador assíduo no trabalho recente de ambos –, MGK abandona de vez sua raiz rap, entregando-se às meias rasgadas, piercing nos lábios e cintos com rebites em emo girl.

Até Ed Sheeran se deixou influenciar pela nostalgia emo com sua nova versão de Bad Habits. Junto da banda de screamo Bring Me The Horizon – que também lançou Moon Over The Castle –, a canção ganha sal na mistura entre o pop do cantor com o punk de BMTH. Contudo, não o suficiente para apagar o vexame da original, uma cópia genérica de After Hours que, pasmem, mesmo assim foi indicada ao Grammy. 

The Joker And The Queen, por outro lado, revela a essência da Música do britânico. Em parceria com a amiga de longa data, Taylor Swift, a faixa é mais um conto romântico musicado por ele. A produção instrumental se deleita em referências do pop oitentista, como Bee Gees e Elton John, acompanhado de um videoclipe curta-metragem que traz uma espécie de continuação do dueto Everything Has Changed, que integra Red, de Swift.

Seguindo, o mês também reuniu uma série de corações partidos. Dentre os sofridos pedaços trincados, está Joshua Bassett com Doppelgänger. Melhor trabalho de Bassett nos últimos meses, a faixa visita um lugar de incerteza e dúvida na vida amorosa do cantor, que admite não ter superado a pessoa amada, como havia prometido no passado. No videoclipe, ele contracena com Ciara Riley Wilson, jovem que compartilha uma semelhança notável com Olivia Rodrigo, famigerada ex de Bassett.

Completando o triângulo de cima, em Fast Times, Sabrina Carpenter fala sobre a velocidade com que as coisas acontecem na vida de quem tem 20 e poucos anos. A música mostra uma nova identidade de Sabrina, mais urbana e moderna, diferente da aura romântica que dominava suas canções anteriores. Já ROLE MODEL faz um pedido desesperado aos céus com if jesus saves, she’s my type, terceiro single de Rx, estreia que indica ser romântica em toda sua alma.

E vestida de um hábito branco, a galesa Cate Le Bon construiu Pompeii, seu sexto registro de estúdio, em meio à pandemia. Não surpreende, portanto, que o título remeta à cidade que, envolvida em lava e chamas, colapsou e ficou no passado. Entre os devaneios característicos de seu art pop refinado, Le Bon clama por salvação e por paz, e seja em Pompéia, no País de Gales, ou onde quer que você ouça, o chamado é poderoso: “Moderação/eu não posso tê-la/eu não a quero/Eu quero tocá-la”.

Envolvendo polêmicas conservadoras sobre o que pode ou não aparecer na TV, a segunda temporada de Euphoria chegou ao fim. Incomodando uma leva de internautas furiosos num debate esquentando com a parede acerca de furos de roteiro, imoralidade dos protagonistas fictícios ou, inclusive, da glamourização do uso de drogas na juventude, se teve algo que permaneceu, do início ao fim, irretocável, foi a maestria da trilha sonora da série. Revisitando clássicos de The Notorious B.I.G. até INXS, a música amplificou toda a dor na qual fomos testemunhas a cada domingo. Yeh I Fuckin’ Did It e I’m Tired, ambas canções originais de Euphoria, igualmente se elevaram.

Com a assinatura magistral de Labrinth, a primeira expressa a energia caótica da trama prestes a explodir numa composição lírica de rap. A segunda, que conta com os vocais de Zendaya numa estrutura gospel, é como um desabafo da protagonista. Ao lado dos adolescentes da HBO, Kim Petras é outra que entende de polêmica. Em seu Slut Pop, EP promocional da estrela em ascensão, as músicas são curtas e destrincham essa persona dominatrix e sexualmente ativa de Petras, enquanto não finaliza as faixas de seu próximo registro de estúdio.

Nem toda trilha sonora, entretanto, teve a mesma energia purgante de Euphoria. Trouble e Wait de Troye Sivan, por exemplo, são de veia pop calma, conversando com os temas sensíveis e expressivos do filme. As duas músicas, parcerias com Jay Som e Gordi, respectivamente, foram lançadas como promoção do novo longa do australiano, Three Months, integrando a trilha do filme.  Gozando da irreverência da mocidade, Isaac Dunbar quer tocar o terror em Bleach: ele quer queimar pontes, furar o nariz, descolorir o cabelo e irritar seus pais, mas calma, é tudo em nome do amor! ELIO também não está para brincadeiras em Read The Room. A cantora retorna com um som bem pop, mandando um certo alguém ler o ambiente e dar o fora dali, com direito a uma blipada estilo palavrão no horário nobre quando revela o nome do sujeito.

Desafiando os limites dos gêneros musicais, ROSALÍA aumenta as expectativas para a estreia de seu próximo álbum MOTOMAMI, que inclui a colaboração ilustre de Arca. Em SAOKO, a catalã entrega um Reggaeton sombrio refinado, com flertes do jazz e ainda do metal. Já CHICKEN TERIYAKI destaca a influência do rap sobre seu estilo sonoro, incluindo uma coreografia digna para se viralizar no TikTok. Dona da própria trend na rede social, Caroline Polachek não dá sinais de um novo disco, mas continua explorando seu pop atmosférico inigualável. No mais recente single, Billions, a produção veterana de Danny L Harle com Polachek se conduz através de sintetizadores carregados, vocais distorcidos e um coral angelical. O requinte estético também se reflete no clipe da composição, dirigida pela própria em conjunto com Matt Compson.

As colegas de Caroline, Charli XCX e Rina Sawayama, são outras figuras dinâmicas do pop internacional. Lançado alguns dias depois da chegada da música, o clipe de Beg For You evidencia o poder criativo e visual da dupla na direção de Nick Harwood. Abusando de cenários arenosos, dancinhas com coreografias e uma ventania sem tamanho, tudo é observado por um grupo andante e, é claro, uma figura de látex preto com ecos de coelho diabo. Poucos dias depois, chegou o remix assinado por A.G. Cook e VERNOM OF SEVENTEEN. Expandindo a duração da música para mais de 4 minutos, o rearranjo rítmico engrandece a parceria de Charli e Rina, provando que tudo que envolve XCX e A.G. Cook não apenas reluz como ouro, mas tem o mesmo valor dele.

Silk Sonic, ao contrário, peca ao trazer a fórmula monótona de sempre – a mesma bateria quebrada que inicia Love’s Train, os mesmos solos de guitarra oitentistas, os mesmos vocais e a mesma sofrência romântica melosa. Ao seu lado, andam Coldplay e Foxes, que parecem estar presos no tempo com Let Somebody Go e The Kick, respectivamente. Em seu terceiro álbum, Foxes conduz um pop eletrônico e dançante, repleto de referência dos anos 70-80, que simultaneamente remetem a era algodoada de Katy Perry nos anos 2010. Com apenas uma balada, ela está longe de ser um dos melhores momentos do disco.

E se voltar no tempo parece ser cientificamente impossível, Cher realiza o impraticável com o videoclipe de If I Could Turn Back Time, finalmente disponibilizado de forma oficial no YouTube, ganhando uma remasterização recorrente em obras audiovisuais mais antigas da lendária cantora. Mas se voltar no tempo fosse mesmo possível, talvez viveríamos tudo aquilo que um dia adiamos na vida pré-covid-19. No 12º álbum dos veteranos do indie rock Superchunk, Wild Loneliness, como o próprio título anuncia, fala sobre a solidão que nos dominou nos últimos dois anos de pandemia. Forçados a manter o distanciamento social, os integrantes da Superchunk gravaram em partes e, assim que terminaram, decidiram convidar alguns amigos e conhecidos para colaborar, incluindo participações especiais de Sharon Van Etten, Owen Pallett, Teenage Fanclub e Mike Mills, do R.E.M.

Give Me Your Shoulders (Pt. 1) é a primeira parte do segundo álbum da banda californiana de indie pop half•alive. Nele, o grupo afirma que “o tempo é sempre certeiro em consertar o que está errado”. Depois de dois anos de pandemia, nos resta acreditar. Deixando as angústias de lado, o oitavo disco do duo de dream pop Beach House, finalmente chega ao fim. Com 18 faixas e 84 minutos de duração, Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores) têm muito espaço para realizar experimentações. O foco do CD é a expansão e o excesso, flertando com o ambiente dos sonhos que a dupla já visitou em seus álbuns anteriores.

No segundo álbum, a artista de Cingapura yeule (ou Nat Ćmiel) versa sobre identidade e tecnologia, num art pop entendido como vanguardista, que usa muitos elementos de PC Music. Glitch Princess é sombrio, brilhante e caótico, por conta do contraste entre os temas de suas letras profundas, e a sua sonoridade eletrônica e aguda. Além disso, a tracklist conta com uma faixa de mais de 4 horas, mas que não perde o fio em momento nenhum.

Dando continuidade às figuras femininas no meio musical, após disponibilizar My Favorite Ghosts e Harder Than Hell, duas coleções de faixas já conhecidas pelos fãs, Florence + The Machine lança King, adereçando questões de sua feminilidade e seu papel como mulher na Música. A faixa é o retorno da inglesa, que anteriormente lançou o disco High As Hope (2018) e a faixa Call Me Cruella (2020). O clipe, sempre com ares medievais e uma sensação de cerimônia sagrada única de Welch, foi dirigido por Autumn de Wilde (Emma), enquanto a faixa tem dedo de Jack Antonoff na composição e na produção. Nessa semana, Florence anunciou seu novo registro, intitulado Dance Fever, para 13 de maio.

Como Florence, BANKS retorna com Holding Back, dando sequência aos trabalhos de 2021. Com data de lançamento marcada para 8 de abril, o anúncio do novo disco da artista veio junto da faixa, que tem a vibe parecida com as recentes Skinnydipped e The Devil. Sob o nome de Serpentina, o registro segue III, lançado em 2019. Agora, Sharon Van Etten apresenta Porta, primeiro grande lançamento solo da cantora desde o material entregue na colaboração bem-sucedida com Angel Olsen, Like I Used To. Resultado de uma crise de depressão séria da cantora em 2020, a nova canção busca exorcizar seus demônios.

Contudo, é inegável, o maior retorno foi o de Mitski com o esperadíssimo Laurel Hell. Na companhia de sua voz séria, o olhar da nipo-americana é certeiro e o som sempre único. O registro é especialmente amargo, mas não por isso menos atraente ou magistral, e seguindo a identidade meio pop, meio sintético, meio oitentista, Mitski reflete sobre a sua relação com a própria carreira musical, após um hiato de dois anos. Felizmente, ela voltou.

Em contrapartida, dentro de seus quartos, jovens artistas em ascensão cintilaram em fevereiro. Em seu segundo disco, Asha’s Awakening, Raveena incorpora instrumentos do sul da Ásia e canta em inglês e hindi, com influência do soul, jazz, R&B e rap. Conceitual, o álbum da artista estadunidense filha de imigrantes indianos usa a perspectiva de uma princesa punjabi, que reflete sobre amadurecimento e cultura moderna. Tudo é muito suave, atraente e solar, muito bem produzido, escrito e interpretado, incluindo faixas de transição, instrumentais e até meditação guiada.

Indicada na categoria Artista Revelação ao Grammy 2022, Arlo Parks dá sequência à estreia bem-sucedida de Collapsed in Sunbeams com o single Softly. Como os últimos registros da cantora inglesa, a composição confessional da canção explora os sentimentos mais íntimos da artista “sobre anseio, sobre o quão frágil você se sente nos últimos dias de um relacionamento, quando ainda está desesperadamente apaixonada”. A instrumentação segue a mesma linha do material entregue no álbum anterior.

Da mona lisa entediada de mxmtoon ao the lost ep da inconsistente carreira de Paris Jackson, muitos são os nomes que têm um caminho interessante a ser percorrido. No meio deles, porém, se destaca Nilüfer Yanya. A cada novo lançamento, a expectativa sobre PAINLESS, aguardado segundo álbum da artista, cresce. E dessa vez, foi a hora de anotherlife, uma composição conduzida por sintetizadores atmosféricos, percussão pulsante e pelo vocal caloroso da cantora inglesa, que ganha dimensão pelas camadas de vozes sobrepostas entre si.

Revisitando trabalhos passados, a dupla gêmea Tegan and Sara lança Still Jealous, uma coletânea que apresenta reinterpretações das faixas originais do álbum de estreia da carreira, So Jealous (2004). As novas versões foram regravadas acusticamente, deixando a sonoridade sintética das originais de lado. K.Flay com Inside Voices / Outside Voices, Tame Impala com The Slow Rush Remixes & B-Sides e Mdou Moctar com Afrique Victime (Deluxe Edition), são outros registros que rememoram produções passadas dos artistas, com releituras e faixas inéditas pontuais.

Ainda em fevereiro, vimos o retorno de Tears For Fears a partir do primeiro álbum da dupla em 17 anos. Como o título sugere, The Tipping Point reflete o ponto de virada que os dois integrantes – Curt Smith e Roland Orzabal – tiveram nos últimos tempos, e apresenta uma abordagem sonora diferente dos CDs clássicos do duo ao longo de suas 10 faixas. Muito da onda indie contemporânea se deve às canções de Tears For Fears dos anos 1980, cuja música Head Over Heels – do disco Songs From The Big Chair (1985) – integrou, inclusive, a trilha sonora do filme indie Donnie Darko (2001).

A volta do guitarrista John Frusciante foi marcada por Black Summer, single do novo álbum do Red Hot Chili Peppers, Unlimited Love. A faixa remete a fase de ouro dos Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991), Californication (1999), By The Way (2002) e Stadium Arcadium (2006) –, e, invariavelmente, dá protagonismo a Frusciante, que liga a distorção da guitarra no refrão e evoca um certo tipo de nostalgia, com dedilhados marcantes e os típicos backing vocals que o consolidaram como membro histórico do quarteto.

Até Liam Gallagher lançou Everything’s Electric, co-escrita pelo próprio e Dave Grohl – que também toca bateria na gravação –, e é a primeira canção divulgada para o próximo álbum solo do ex-vocalista do Oasis, intitulado C’MON YOU KNOW. O single é uma mistura declarada de Sabotage, do Beastie Boys, e Gimme Shelter, dos Rolling Stones, e remete, também, a She’s Electric, do Oasis.

Entre os experimentos musicais e projetos audiovisuais, Animal Collective atinge o clímax polifônico que há tempos vem ensaiando com o álbum Time Skiffs, no qual aborda a estranha passagem do tempo, e, invariavelmente, deixa em evidência sua dívida com Kid A (2000), do Radiohead. Sendo esse o 11º álbum do quarteto estadunidense – em atividade desde 2000 –, os ecos expansivos e texturas melódicas não soam exatamente inovadores, mas desenvolvem-se com características que tem um melhor acabamento. Evocando a autoconsciência do grupo ao lançar o disco em um momento no qual todos estão cientes das turbulências do mundo contemporâneo, o trabalho é uma mistura perfeita entre o onírico e o real.

Apesar de todo o estrondo que Black Country, New Road vem causado no indie rock, Ants From Up There é apenas o segundo disco do septeto londrino – ou melhor, sexteto: no dia 31 de janeiro, em comunicado oficial nas redes sociais da banda, foi divulgada a saída do vocalista Isaac Wood, devido a questões de saúde mental. Black Country, New Road soa como o Arcade Fire de Funeral (2004), cujo novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica – todavia, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir a canção Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, tocada fora do tempo propositalmente como se fizesse parte de um exercício de jam session.

Encerrando as novidades do indie rock de fevereiro, Bastille cria uma experiência única com o quarto álbum de estúdio da banda, Give Me The Future. Seguindo o conceito de tecnologia e futurismo, a banda aposta na sonoridade sintética, e em letras que abordam o escapismo, uma suposta liberdade de uma nova vida e a linha que separa a realidade da ficção. A graça maior é o compilado de referências a obras da cultura pop e da ficção científica, como Thelma e Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos dos livros de Aldous Huxley. O trio londrino alt-J igualmente dá à luz a um universo cinematográfico no aberto The Dream. Já para os fãs de Rex Orange County, só resta aguardar pelo lançamento do álbum WHO CARES?, previsto para março. Enquanto isso, o single AMAZING serve de consolo para os fãs, seguindo a sonoridade e os temas característicos do artista, como insegurança e amor.

Como nem tudo são flores na indústria da Música, algumas situações delicadas sempre vêm à tona no noticiário cultural. Dessa forma, quem parecia estar na corda bamba, em Fevereiro, era ninguém menos que Snoop Dogg. Recentemente acusado de agressão sexual e apostando com muita convicção no sucesso de NFTs, a lenda do rap pode enfrentar, mais cedo ou mais tarde, um período no mínimo complicado em sua carreira. Mas isso não tem impedido o artista de dar continuidade à sua extensa discografia, levando em consideração que, após adquirir a notória gravadora Death Row Records, Dogg entregou ao mundo o disco Bacc On Death Row (BODR), reunindo um número considerável de colaborações ao longo de 18 faixas. 

O veterano, aliás, também marcou presença em outro momento de destaque do mês. No dia 13, o tão aguardado Super Bowl Halftime Show ficou sob o comando de Dr. Dre, que dividiu o palco com amigos mais do que renomados do R&B e hip-hop norte-americanos. Entre Mary J. Blige, Kendrick Lamar, Eminem e uma participação surpresa de 50 Cent, é claro que não poderia faltar Snoop Dogg. Trazendo uma homenagem ao falecido, porém imortal 2Pac, o espetáculo contou ainda com uma tradução simultânea para a língua de sinais – que ficou a cargo dos rappers surdos Sean Forbes e Warren Snipe (WaWa) – e se encerrou com os 6 artistas no palco, cantando Still D.R.E..

Ainda no contexto de participações e parcerias, Nicki Minaj e Lil Baby chegaram em dose dupla com os singles Do We Have a Problem? e Bussin. Obtendo um destaque maior, a primeira canção foi quem anunciou o retorno de Onika – nome civil da cantora – ao universo musical, já que ela não trabalhava em produções inéditas desde o nascimento de seu filho; no entanto, as duas faixas são igualmente capazes de reaquecer a significativa carreira da diva do rap. Do mesmo modo, mas agora no Brasil, os rappers Emicida, Drik Barbosa e Matuê se juntaram na motivacional Sobe junto, música de divulgação de um reality show homônimo, cujo maior objetivo é descobrir novos talentos do rap nacional.    

A propósito, música-tema foi o que não faltou nos últimos lançamentos. Para a abertura da novela Além da Ilusão, Gaby Amarantos gravou sua versão de Tic Tac do Meu Coração, samba notável principalmente na voz de Carmen Miranda, mas também já registrado por outros nomes importantes da Música brasileira, como Ney Matogrosso e Nara Leão. Da mesma trilha sonora televisiva é Você Vai Ver, regravação de um dos maiores clássicos do sertanejo, que substitui, com muito respeito, as vozes de Zezé Di Camargo & Luciano pela sintonia de Maiara e Maraísa. Já Ivete Sangalo foi pura energia na sonoridade viciante de MISTÉRIO, música feita para o programa The Masked Singer Brasil, que tem Veveta como apresentadora e atualmente está na segunda temporada.

Seguindo uma linha semelhante, Megan Thee Stallion resolveu promover os novos produtos da Cheetos em parceria com a Doritos através do single Flamin’ Hottie, enquanto Doja Cat caía no rock de Celebrity Skin – cover da música originalmente lançada pela banda estadunidense Hole, cuja letra foi levemente reformulada para integrar uma campanha da rede de fast food Taco Bell. Além de aparecerem no Super Bowl, essas duas jogadas de marketing formam o gancho perfeito para falarmos da icônica Valesca Popozuda. Isso porque a funkeira carioca é a nova garota propaganda da cerveja A Outra, o que a levou a fortalecer essa parceria por meio de um single que recebe o mesmo nome da bebida.             

Igualmente em terras brasileiras, Marina Sena uniu-se ao grupo de produtores HITMAKER, assim como ao aplicativo Tinder, para lançar o single Foi Match. Com elementos do pop nacional, a música ainda trabalha com características do forró pizeiro, funk carioca e eletro funk. Já para quem gosta de games, a novidade vem de Nathy Peluso: em parceria com a PlayStation, a artista lançou o single EMERGENCIA, que é inspirado na personagem principal de Horizon Forbidden West – um dos maiores projetos da empresa para 2022 – e faz várias referências ao pop consagrado de Madonna. 

Outras telinhas, aliás, também renderam bons frutos. Encerrando os singles colaborativos derivados da série documental Onda Boa com Ivete, Ivete Sangalo mergulhou no romantismo cativante de Tudo Vai Dar Certo, colaboração com a talentosa e estreante Agnes Nunes, aventurando-se também pelo reggae de Salve Baby – música que resgata o sucesso Vamos Fugir, de Gilberto Gil, e oficializa uma nova parceria com a diva suprema IZA. No fim do mês, as duas faixas integraram o repertório do álbum homônimo, Onda Boa Com Ivete, sendo os mais novos destaques desse projeto musical que, de material inédito, guardava ainda uma canção com o cantor Mestrinho, além de três músicas solo.

Por falar em convidados especiais, Gloria Groove conseguiu agrupar de Marina Sena à dupla Tasha & Tracie em um dos discos mais aguardados da atualidade: o LADY LESTE. Sendo o segundo álbum de estúdio da drag queen brasileira, essa obra pode até pecar na coesão narrativa, mas representa o melhor dos muitos mundos desbravados por Gloria nos últimos anos. Reunindo ritmos, influências, músicas-chiclete e uma poderosa aura de vibração, LADY LESTE ainda combina com a vitalidade de outras divas brasileiras. Nesse contexto, e provando que rainhas também utilizam redes sociais, Valesca Popozuda invadiu de vez o TikTok no envolvente single Calma Calma, uma parceria inteligente firmada com o DJ 2F. 

No mesmo cenário, Lia Clark conseguiu retomar aquele jeito único de fazer funk em LIA (pt.1), primeira parte de seu próximo álbum de estúdio. Formado por sete faixas, o novo EP de Lia parece resgatar Clark Boom, trabalho de estreia da drag queen nacional, ao mesmo tempo em que soa como algo totalmente novo. Já Luísa Sonza e Ludmilla fechavam o DOCE 22 com CAFÉ DA MANHÃ ;P, última faixa inédita do álbum – que poderia obter maiores impactos caso pertencesse ao projeto desde o princípio. Lud, vale lembrar, botou a voz para jogo mais de uma vez no mês: em Fora de Si – Spotify Singles, a cantora elaborou a versão trap de uma faixa originalmente lançada no álbum Numanice #2. 

No entanto, nem todo artista brasileiro acumulou acertos durante os 28 dias de Fevereiro. Claudia Leitte, por exemplo, chegou com De Passagem, single que chama mais atenção por sua capa futurista do que pela música em si. Já PEDRO SAMPAIO buscou não se definir em apenas um gênero musical, reunindo beats de funk, piseiro, forró e até mesmo reggaeton no álbum de estreia CHAMA MEU NOME. Além de copiar descaradamente identidades visuais gringas, PEDRO se manteve preso aos piores modelos possíveis de músicas estilo TikTok, o que o afasta da pluralidade que, de fato, ele acredita promover. 

Aproveitando a menção ao reggaeton, quem também deu as caras nos lançamentos do mês foi J Balvin. Depois de lançar José, seu projeto mais recente e muito bem-sucedido de 2021, o artista colombiano assumiu uma identidade introspectiva e reflexiva em relação à própria história e carreira, dando origem ao single Niño Soñador. Além dele, quem também mergulhou em si mesma foi Mary J. Blige, anteriormente citada neste texto graças ao Super Bowl. Com seu 14º álbum de estúdio, Good Morning Gorgeous, a rainha do R&B aborda o outro lado do divórcio pelo qual passou em 2017 – e que já tinha sido retratado, sob uma perspectiva diferente, no álbum Strength Of A Woman.

Ainda na linha introvertida, Little Simz realizou uma performance emocionante no BRIT Awards 2022. Feita a partir de um medley das canções Introvert e Woman, o show também contou com uma transição surpresa estrelada – e narrada – por Emma Corrin, atriz que interpretou Lady Di em The Crown, cuja voz também foi emprestada para os interlúdios do álbum Sometimes I Might Be Introvert, de 2021. Na premiação, Simz foi agraciada com a estatueta na categoria Best New Artist.  

Falando em premiações, a indicada a Melhor Artista Revelação no Grammy 2020, Maggie Rogers, não desenvolveu nenhum álbum completo desde então, quando foi reconhecida por Heard It In A Past Life. Dessa maneira, a cantora segue remexendo seus baús, agora através da Mixtape 001: Dawn (EP). Dando continuidade ao folk com uma ponta de pop que a colocou sob os holofotes musicais do mundo, Rogers inicia um projeto que pode desembocar em seu novo disco, previsto para ser lançado ainda em 2022.

No country, por sua vez, o ícone queer Orville Peck chegou com o EP Bronco: Chapter 1, a primeira parte do disco Bronco, que deve ser disponibilizado na íntegra durante o mês de Abril. Já no Brasil, as surpresas campestres também garantiam um bom espaço. Dirigido por Sillas H, o mundo de AGROPOC retornou na forma do clipe de Bailão, com Gabeu dançando até cansar em um look vermelho e brilhante. A canção, que já era envolvente antes de receber um aparato visual, aumentou seu remelexo e implora para ser ouvida em uma festa com muita gente ao redor.

Dentro da comunidade LGBTQIA+, ainda podemos destacar Ivy Sole, com o lançamento do álbum Candid. Criade conforme as tradições cristãs do Sul da Filadélfia e identificando-se como pessoa queer e não-binárie, Ivy desenvolveu, nesse disco, uma narrativa que explora a autodescoberta, os estágios iniciais de um relacionamento, os singelos momentos de afeto e uma ânsia que nunca se realiza. Em contrapartida, se estamos falando de paixão, precisamos mencionar o queridinho fenômeno pop brasileiro Jão, que fez várias referências a filmes como Titanic, Homem-Aranha e O Segredo de Brokeback Mountain no clipe de Idiota, terceiro – e bem-sucedido – single do álbum PIRATA.   

Aliás, o Brasil resolveu renovar seu extenso acervo musical por meio de algumas reformulações. Ampliando um disco de remixes lançado originalmente em 2011, o ex-mutante Arnaldo Baptista surgiu com a coletânea To Burn or Not to Burn – Arnaldo Baptista Remixed by Petrified Betools – 2011-2022, enquanto IZA, com Sem Filtro (Remix), inovava o memorável single de 2021, que passa a contar agora com a voz do rapper Luccas Carlos – um dos compositores da canção. Na mesma tendência, Anitta se juntou a Justin Quiles em Envolver Remix, música que, por enquanto, não fez tanto sucesso quanto a versão original. 

De forma semelhante, mas no exterior, o findado duo de Música eletrônica Daft Punk lançou o EP Homework (25th Anniversary Edition), em comemoração aos 25 anos do álbum de estreia da dupla. O relançamento reúne 15 remixes do disco original, incluindo 9 faixas inéditas. Sob o mesmo clima festivo, a lenda do jazz, R&B e soul, Nina Simone, foi homenageada com uma coletânea de sucessos, versões ao vivo e remixes, intitulada Feeling Good: Her Greatest Hits And Remixes. 

Se, de um lado, vários lançamentos vieram de artistas certamente consagrados no mundo da Música, do outro, alguns nomes emergentes esbanjaram criatividade nos primeiros passos de uma discografia. A família de Gilberto Gil, por exemplo, provavelmente esteve em festa. Já no segundo dia do mês, o trio Gilsons – formado por um filho e dois netos da lenda viva da MPB – lançou o álbum de estreia Pra Gente Acordar, marcado por uma suavidade que percorre toda sua – breve, porém muito bela – tracklist.