Júlia Paes de Arruda

Taylor Swift pode ter cantado as delícias de se completar 22 anos lá em 2013, mas, no cenário atual, Luísa Sonza vira essa chavinha para vomitar todo o azedume que sentiu ao celebrar tal data. Vítima de um casamento inquieto e alvo de diversos ataques de ódio, a gaúcha mergulhou em suas próprias emoções para tentar digerir todos os comentários ofensivos a seu respeito. Por isso, fomos agraciados com as 14 músicas de DOCE 22, álbum lançado no dia 18 de julho de 2021, em seu aniversário de 23 anos, para louvar o novo ciclo de renovação.

Não é coincidência que o seu segundo trabalho de estúdio se inicie com a majestosa INTERE$$EIRA. A cantora não tem pudor em declarar as ofensas que recebeu no primeiro verso da canção. “Puta, vagabunda e interesseira” foram os comentários mais atribuídos à sua imagem, especialmente depois do término de seu conturbado relacionamento, que era colocado em um pedestal pelos que o acompanhavam pela internet – não faltam referências subliminares para tal evento (entendedores entenderão). 

Seguindo nessa mesma linha, nos deparamos com a obra-prima de DOCE 22. Com um lyric video que gerou polêmicas, a artista reforça ainda mais o quanto sua vida pessoal é mais midiática que seu trabalho como cantora. Enquanto seu desfile no tapete vermelho é capturado por poucos fotógrafos, a limousine em que ela está aos beijos com Vitão, seu namorado da época, é acobertada por flashes e pessoas desesperadas por um furo jornalístico – uma nítida alusão às críticas no clipe de Flores. Por mais que o hate tente contrariar, é fato que, em 2021, Luísa Sonza foi definitivamente a MULHER DO ANO XD.

É incontestável dizer que a música mais emocionante do álbum é penhasco. A própria cantora afirmou que destrinchar tudo que estava sentindo para suas amigas Day Limns e Carol Biazin (com as quais também divide os créditos na composição) foi um momento difícil para ela. Essa angústia é nítida em seu lyric video, onde há uma referência à única entrevista televisionada de Clarice Lispector. Luísa se mostra angustiada, atordoada e incomodada com toda a situação, trazendo a melancolia da produção original para os eventos da sua vida pessoal. A belíssima fotografia do clipe se mistura com os versos lamentosos da canção, e somos atingidos no peito como um soco – rápido, mas agonizante: “eu tive que desaprender a gostar tanto de você”. 

o conto dos dois mundos (hipocrisia) e também não sei de nada , parceria com Lulu Santos, também caminham nessa direção, complementando o sentido uma da outra. Entretanto, melhor sozinha :-)-: é a que ganha o destaque, especialmente depois do lançamento de uma versão com a eterna Marília Mendonça. É irônico pensar que o título seja esse sendo que a dupla engrandeceu ainda mais o trabalho de Luísa. A união das duas vozes imponentes constrói uma acústica tão gostosa de ouvir, que é difícil não acompanhar o ritmo dos versos simples e da melodia serena. Não é preciso explicar a mensagem por trás de tudo, você entende de cara.

As pessoas que não sabem amar
Elas te obrigam a ser pequena
Elas te obrigam a se desfazer
Do que você é, das suas peças
A se desencaixar de você mesma pra se encaixar
Em um lugar que você nem pertence

E você tem tanta certeza que um dia
O amor dos seus sonhos
Vai finalmente florescer
Que nem se importa de se quebrar um pouquinho

Se é tudo em nome do amor
Por que mesmo assim você não se sente amada?

Sendo DOCE 22 um álbum extremamente íntimo, a gaúcha intercala as melodias com conversas descontraídas durante as músicas. Essa técnica pode ser ouvida com mais facilidade em fugitivos , faixa que conta com a participação do querido Jão. Esse recurso, além de gerar mais proximidade com a artista, demonstra um lado mais pessoal de Luísa Sonza, longe das câmeras e dos estereótipos. 

Em razão disso, ela não abandona seu lado sensual nesta produção. Nem mesmo opiniões machistas a impossibilitaram de lançar ANACONDA *o* ~~~ e CAFÉ DA MANHÃ ;P, hits nas redes sociais pelas danças chiclete e bem coreografadas. Sem esquecer, também, de MODO TURBO junto de Anitta e Pabllo Vittar, com o clipe mais elaborado e mais caro de toda a carreira de Luísa.

Toda a estética do álbum teve a participação de Luísa, que esteve no processo criativo das músicas (produzindo junto de Douglas Moda e Nave) e da direção de todos os lyrics videos, ao lado de Felipe Gomes. Na composição das faixas, também cita-se Vitão, Carol Biazin e Day Limns, que além de serem músicos em ascensão no pop nacional, são amigos próximos da artista e estavam envolvidos direta e indiretamente nos momentos difíceis da cantora. Assim, seu álbum prova que, quem diz que ela não tem talento, está inteiramente enganado. 

Todo o amargo que Luísa Sonza viveu nos últimos anos foi revertido em DOCE 22, uma das obras nacionais mais reproduzidas e prestigiadas em 2021. Com toda a sua vida pessoal pautada nas redes sociais, ela respondeu à altura todo esse sufoco e, definitivamente, não há palavras para a grandiosidade desse feito. Com a promessa de uma turnê e o lançamento de sentaDONA (remix) s2, os fãs ficam no aguardo de mais amostras do imensurável potencial da cantora, acompanhando sua evolução artística no cenário da Música nacional.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez

Josyara, Anná, Obinrin Trio e Sara Donato – Afetou-me

Precisamos agradecer imensamente ao Sonora Festival São Carlos. Para ser mais específico, devemos gratidão direta ao seu Laboratório Sonora. Com muito afeto, essa iniciativa reuniu uma equipe de responsabilidade e talento para criar Afetou-me: um single e seu respectivo videoclipe. Com música composta e cantada por Josyara, Obinrin Trio, Anná e Sara Donato, esta obra tem produção musical assinada por Luana Flores. E o resultado de “uma criação coletiva” tão diversa não poderia ser mais rico.

Curiosamente, esta não é a primeira vez que Anná e Luana Flores brilham em um mesmo Nota Musical. Em setembro, ambas receberam destaque por aqui, graças a dois lançamentos distintos. Agora, para a felicidade geral, elas estão juntinhas em uma mesma música. E a situação só melhora: se Afetou-me já é um deleite sonoro e poético, o clipe que esse single ganhou, dirigido por Joyce Prado, consegue ser múltiplo e repleto de liberdade criativa, podendo fascinar muita gente. – Eduardo Rota Hilário

ROSALÍA e The Weeknd – LA FAMA

A união de ROSALÍA e The Weeknd não tem erro. Depois do remix da bombada Blinding Lights, a dupla assina LA FAMA, canção que ostenta um luxuoso pop com referências à bachata em um conto sobre as seduções perigosas do sucesso. Segura e repleta de metáforas e mensagens, o maior triunfo da música é a lembrança das habilidades artísticas de ROSALÍA, que sempre se dedica a ricas narrativas sonoras e visuais. E é assim que a artista nos apresenta a primeira faixa oficial de seu tão esperado próximo álbum, responsável por suceder o magistral EL MAL QUERER (2018), que até então atende por MOTOMAMI e tem o lançamento planejado para 2022. – Raquel Dutra

FLETCHER e Hayley Kiyoko – Cherry

Duas artistas de destaque no cenário pop LGBTQIA+, FLETCHER e Hayley Kiyoko uniram seus talentos e vozes em Cherry, uma colaboração mais do que esperada. A estrela em ascensão e a “Lesbian Jesus”, como Kiyoko ficou conhecida, não têm medo de cantar sobre sexualidade e sobre amar mulheres e, depois de superarem o marketing da revelação, entregaram um single que não poderia ser diferente: divertido, sedutor e ousado, as duas brincam e flertam na canção, que teve sua data anunciada dois antes do lançamento. Em apenas dois minutos e meio, Cherry expressa a curiosidade de se tornar íntima de alguém em um ritmo dançante e animado que, como outros trabalhos das artistas, grudam na cabeça e dão vontade de dançar. – Vitória Lopes Gomez

Jade Baraldo – Believe (Acústico) 

Leandro Buenno não é o único ex-The Voice Brasil e membro do novo elenco de Cazas de Cazuza presente nesta edição do Nota Musical. Isso porque, além dele, uma de nossas brasas artísticas contemporâneas nacionais também esteve de single novo em novembro. Regravando, para tanto, o hit Believe, da cantora-deusa estadunidense Cher, Jade Baraldo ressignifica bastante a composição estrangeira, de autoria múltipla, dando identidade própria à música que está na trilha sonora da novela Quanto Mais Vida, Melhor!, recém-lançada pela TV Globo.   

Deixando de lado o Auto-Tune, marca registrada da gravação original, a cantora brasileira agora dá lugar à suavidade orgânica de um projeto acústico muito belo. E os elementos mais bonitos do single não se restringem à sua sonoridade, já que a capa da canção, foto escolhida por meio de uma votação no Instagram, é, no mínimo, maravilhosa. No fim, esse conjunto de sensibilidade e bom gosto faz com que o brilho de uma artista de qualidade, que já cantou ao lado de Chico César, seja irradiado em nível nacional. – Eduardo Rota Hilário

Black Country, New Road – Bread Song

Black Country, New Road, o septeto britânico que despontou no início deste ano com o magistral álbum For the first time, não conseguiu esperar um ano sequer para continuar a nos surpreender. O segundo single para o aguardado álbum Ants From Up There, que só será lançado ano que vem, foge do caos explosivo de Sunglasses, mas com a mesma carga emocional crescente provocadora de arrepios no corpo inteiro. Bread Song é a coisa mais sensível que o grupo já lançou até o momento.

Na primeira metade da música, não há qualquer tipo de tempo determinado por uma marcação de compasso. Movida por uma temporalidade subjetiva, que ainda assim de alguma forma conecta todos os membros da banda, a canção constrói expectativa conforme mais e mais instrumentos se juntam, até que a entrada do ritmo na metade da música é delicada, aliviando a tensão, mas mantendo a elevação crescente que parece nos ascender até o céu. Não parecem haver limites para a criatividade de Black Country, New Road, e não poderíamos estar mais agradecidos por isso. – João Batista Signorelli

Beyoncé – Be Alive (Original Song from the Motion Picture “King Richard”)

Enquanto o novo disco de Beyoncé não vem, a artista pode ser apreciada na trilha de King Richard: Criando Campeãs. No novo filme Reinaldo Marcus Greene, ela assina Be Alive, canção que embala poderosamente a história de Richard Williams, mais conhecido como o pai de Serena e Venus Williams, duas das melhores atletas da história e vetores de transformação profunda no mundo do Tênis. Você já deve saber o que esperar de uma das apostas para o Oscar de Melhor Canção Original de 2022: a junção de uma narrativa tão significativa com a perfeição de Beyoncé não poderia resultar em outra coisa além de uma beleza monumental. – Raquel Dutra

Leandro Buenno – Contra Corrente

Apresentações no Programa Raul Gil, destaque no The Voice Brasil 2014, um percurso como DJ e, mais recentemente, a experiência de ser um dos atores do musical Cazas de Cazuza. Se o histórico artístico de Leandro Buenno já é rico e vasto, tudo indica que ele tende a crescer cada vez mais. Seja pela habilidade vocal, pela liberdade com o público ou, mais provavelmente, pelo conjunto de qualidades que possui, Leandro pode alcançar lugares que ainda nem imaginamos. Mesmo que, para isso, ele tenha que nadar Contra Corrente algumas vezes.

Com composição autoral, o novo single de Buenno tem produção musical assinada pelo próprio artista, ao lado de Dinho Alves, e mostra um lado bastante experimental do cantor paulista. Trata-se de uma sonoridade que até apresenta algumas semelhanças com outras criações nacionais, a exemplo do Café Preto de Davi Sabbag. Mas é, sobretudo, uma obra que introduz algo novo em nosso cenário criativo, diferente daquilo que está no atual mainstream brasileiro. Um “strike a pose!” antropofagicamente reinventado. Ou quase isso. – Eduardo Rota Hilário  

Mitski – The Only Heartbreaker

Mitski é (ou melhor, continua sendo) o fogo e a floresta e a única testemunha do próprio incêndio. Com The Only Heartbreaker, a artista dá sequência a prévia de singles que integrará Laurel Hell, próximo álbum desde o primoroso Be The Cowboy, considerado um dos melhores de 2018. Previsto para fevereiro de 2022, o registro foi produzido pelo parceiro de longa data, Patrick Hyland, além de ser co-composto junto de Dan Wilson, vocalista da banda Semisonic que trabalhou com nomes potentes como Taylor Swift e Adele.

Se afastando da moderação comum de seu indie rock, Mitski conduz The Only Heartbreaker por uma instrumentação oitentista densa. Contudo, apesar do ritmo dançante, a melancolia ainda se faz amargamente presente. Tudo que é tocado por ela imediatamente se queima pelo fogo, num prenúncio infeliz do fim de um amor. E quando já não há mais ninguém ao seu lado, ela processa o sentimento angustiante de ser a única parte apaixonada de um relacionamento, aceitando a catástrofe, nem que isso signifique invocar deliberadamente a dor. Ela rebate, ela canta, ela grita. Ela aceita o título de destruidora de corações, restando nada mais do que dançar, dançar sobre as cinzas através do frenesi das batidas de um sintetizador à moda Take On Me. – Ayra Mori

TIAGO IORC – Masculinidade

Então, é isso: onde Tiago Iorc quer chegar? Após o segundo hiato da carreira, o cantor ressurge das cinzas com a canção Masculinidade, single que veio acompanhado de um clipe controverso, no qual o artista tenta desenvolver uma imersão em autoconhecimento. Ao longo de seus 6 minutos de duração, ouvimos Iorc recitar trechos nos quais levanta paradigmas sociais e problemas de gênero, acompanhado de batidas eletrônicas bastante destoantes da típica fórmula voz e violão de seus hits anteriores.

Mas a música, em si, não é boa. É como ouvir um diário cantado, no qual o artista evoca suas próprias memórias e arquétipos para confrontar problemas sociais profundos, como a misoginia e o machismo — basta enxergar o clipe, co-dirigido pelo próprio cantor, em que sua figura performa uma dança solitária, o alçando ao protagonismo de seus questionamentos sociais —, e reduzindo-os a estereótipos. É fato que se trata de uma canção pessoal, e, a bem da verdade, não há nenhuma novidade em apresentar uma visão particular sobre o todo, abarcando rachaduras sociais em sua composição. Esse geralmente é o ponto de partida de diversos artistas, principalmente no rap e no hip-hop.

Entretanto, a presença individual do cantor põe em voga uma representatividade, na qual Iorc fala por todos os outros — ou talvez tente dar voz a uma geração —, o que joga todo o clipe e música (lembre-se: ela se chama Masculinidade) em uma viagem egocêntrica cisheteronormativa. É também interessante destacar que essa é uma canção divergente do restante da carreira do músico, sendo algo totalmente fora do radar de qualquer fã do cantor — é só compará-la aos versos e melodias da ritmada Amei Te Ver, de 2015. Aparentemente, houve a tentativa de transmitir algo aqui, uma mensagem particular que fazia — e talvez fez — muito mais sentido na cabeça de Tiago Iorc, alguma coisa que forçou o musicista a deixar de lado aquilo que o levou às paradas de sucesso; porém, o resultado é um clichê polêmico e raso, insustentável sem qualquer mérito da canção. – Bruno Andrade

Romero Ferro e Lucy Alves – Essa Paixão

Expectativas foram superadas no novo single de Romero Ferro. Nessa parceria com Lucy Alves, a dupla de cantores nordestinos não só interpreta, como também assina a composição super passional de Essa Paixão. Abraçando o tema ligado ao coração, que é bem recorrente na linha do tempo da Música nacional, Romero e Lucy dão vida e brilho a um som brasileiríssimo, que mistura, por exemplo, o pop tropical com forró e piseiro. Nessa combinação genuína de vozes e personalidades, tudo é, então, pura química, e nada soa forçado.        

O clipe da canção, por sua vez, é um deslumbramento à parte. Dirigido pelo próprio Romero Ferro, em conjunto com Marionaldo Júnior, que já trabalhou com o cantor em Pra Te Conquistar, o lado visual de Essa Paixão busca estabelecer diálogos com a obra de Pedro Almodóvar, ao mesmo tempo em que entrega figurinos apaixonantes. Indo além, trata-se de uma criação com combinações visuais radiantes, extremamente prazerosas  do ponto de vista estético – e que podem facilmente atrair os mais diferentes públicos. – Eduardo Rota Hilário

FKA twigs e Central Cee – Measure of a Man

Trajando-se da narrativa de uma Maria de Madalena emancipada, há dois anos FKA twigs atestou sua genialidade pop experimental com MAGDALENE, um dos melhores discos de 2019. A cantora, compositora e produtora britânica é tudo, menos comum. Seus registros são carregados por uma teatralidade autoral excepcionalmente enigmática. São sintetizadores eletrônicos acompanhados pela voz angelical de twigs, que dão luz a um som verdadeiramente divino. Com Measure of a Man, contudo, ela desce dos céus pelo pole, pousando lascivamente sobre a terra.

Composto especialmente para a franquia do filme King’s Man: A Origem (2021), o último single conta com a participação do rapper londrino Central Cee, indo de desencontro com a proposta sonora do álbum passado da cantora – o que não significa que seja algo negativo, apenas diferente. A faixa é construída por batidas trap que pincelam a base de uma orquestra épica digna de um filme de James Bond, agraciados pela sensualidade registrada dos vocais twignianos, que canta como se dançasse armada de sua katana afiada, o que ela faz. – Ayra Mori

Gloria Groove – LEILÃO

É fato que Gloria Groove está no melhor momento de sua carreira. Em outubro, a drag foi parar na parada global da Billboard com A QUEDA, e agora, em novembro, ela ficou em alta nas redes sociais e plataformas musicais com LEILÃO. Seguindo a proposta artística maximalista desta nova era inaugurada com BONEKINHA, a música reside no pop estrondoso de Groove e é acompanhada das narrativas super produzidas, que agora ainda brilha sua habilidade lírica influenciada pelo hip-hop. O lançamento é o terceiro single do vindouro disco Lady Leste, que promete arrematar essa onda de sucessos em breve, criando expectativas cada vez mais altas. – Raquel Dutra

Márcia Tauil – Quem Disse Que Não

Márcia Tauil assume um eu lírico completamente apaixonado em seu novo single, Quem Disse Que Não. Nessa composição de Geraldo Brito e Cliff Villar, até mesmo as imperfeições da pessoa amada são encaradas com fascínio pela figura que narra toda a música. E o trabalho de “uma turma da pesada”, com músicos indicados a ou vencedores de edições passadas do Grammy Latino, dá o suporte perfeito para uma letra que é pura poesia, merecedora das audições mais cautelosas e atentas.   

Não foi por acaso que, em 2013, a cidade de Mococa criou o Troféu Márcia Tauil, em homenagem à cantora. Natural de Guaxupé, município do interior de Minas Gerais, Márcia provoca nos ouvintes um encanto digno de verdadeiras lendas, como uma Marisa Monte, ou uma Gal Costa. E para acompanhar uma voz tão bela, ideal para o deleite poético que é Quem Disse Que Não, nada melhor do que um videoclipe suave, que torna todo esse universo ainda mais belo. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone e The Weeknd – One Right Now

One Right Now é uma junção do mais pop possível que Post Malone e The Weeknd conseguem se atrever a ser. Se esperávamos que a parceria inédita entre esses dois artistas de peso na Música viria com um single sombrio e complexo, a surpresa é que ele parece ter vindo direto de MONTERO. O clipe não largou a pegada badass dos dois – principalmente porque eles dão tiros um no outro enquanto disputam quem sofre mais por amor. E o resultado não é ruim, pelo contrário, é diferente, muito bom, e até cômico por mostrar mais uma de suas facetas artísticas.

Post Malone sempre flertou com gêneros variados, mas os hits Sunflower e Saint-Tropez que mostram o seu pop parecem brincadeira perto de One Right Now. Isso vale também para The Weeknd, que mesmo já fazendo parte do gênero, gosta de resgatar os anos 80 e 90 para intensificar o que produz. A parceria entre ambos foi inesperada, mas é justamente na letra que eles se unem, resgatando o sofrimento melancólico para falar de um amor tóxico. E isso, combinado em uma melodia animada, resultou em ambos cantarolando que suas amadas provavelmente irão transar com todos os seus amigos. – Nathália Mendes

Zezé Motta e César Lacerda – Desprotegidos Pela Sorte

Seria totalmente injusto escrever poucos parágrafos para uma música da dimensão de Desprotegidos Pela Sorte. Pelo peso e responsabilidade que carrega, pelas mensagens que emite e pela complexidade que encarna, não é de se espantar que esse single tenha passado por um processo de gravação no mínimo delicado. É por tudo isso, inclusive, que o melhor caminho para este texto será reportar detalhes comuns, deixando os infinitos desdobramentos provenientes da obra em questão a cargo de quem já diz tudo sozinha: a própria música.

Com certeza, é muita sorte poder ver Zezé Motta além das telas, dividindo uma mistura de hip-hop e pop com César Lacerda. Composta por Ronaldo Bastos, Leo Pereda e o próprio César, Desprotegidos Pela Sorte é uma canção sobretudo política. Humana do início ao fim, porque é altruísta, lúcida em suas denúncias, mas também esperançosa. E, por estar repleta de acertos, talvez passe despercebido seu único descuido: utilizar a cegueira como metáfora para algo a ser combatido, numa espécie de vício que perpetuamos ao longo dos anos. Fora isso, trata-se de uma obra que pode ecoar por muito tempo em nossa História. – Eduardo Rota Hilário

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

“Como posso enxergar a morte somente de maneira negativa quando alguém que eu amo está morto?”, revelou Jenny Hollingworth ao lado de Rosa Walton, amiga de infância e parceira de banda, a respeito de Two Ribbons, faixa-título do terceiro álbum de Let’s Eat Grandma, previsto para abril de 2022. E se no passado a prodigiosa dupla britânica explorou texturas caleidoscópicas de um synth-pop policromático, dessa vez, as cores são ausentes. Caminhamos pelos tons acinzentados que permeiam o preto e o branco do luto e dos desfechos em geral.

Segundo Hollingworth, a faixa é uma carta às duas pessoas mais próximas de sua vida: Walton, a amiga, e Billy Clayton, namorado que faleceu precocemente devido ao agravamento de um câncer raro nos ossos. Assim, o ritmo de Two Ribbons é ameno, reduzido à guitarra acústica melancólica que preenche os versos confessionais de alguém que encara o sentimento de impotência à vista da morte, à vista da dissolução gradual de uma amizade que não faz mais sentido. Sua voz soa cansada. Como se finalmente entendesse que certas coisas devem chegar ao fim, lado a lado, ambas assistem a chuva levar embora as dores, aceitando-as de coração apertado. – Ayra Mori

Pabllo Vittar e Rennan da Penha – Number One

Grande parte da internet tem sido injusta com Pabllo Vittar e Rennan da Penha. Number One pode até não ser a melhor música da carreira de Vittar, mas isso não justifica a nítida falta de bom senso no descontentamento do público. Até mesmo alguns fãs ignoram que o novo single é inovador para a discografia da cantora – descaso que, na verdade, não surpreende muito. É sempre assim: toda vez que Pabllo tenta romper com um modelo musical específico, principalmente com os mais queridos por seus ouvintes, a única conduta que falta é crucificarem a artista e seus parceiros.

Musicalmente, Number One transforma-se o tempo todo – e esse é o grande atrativo da canção assinada por várias mãos. Com traços de K-pop, funk, trap e afro house, o novo single de Vittar e da Penha adquire uma maior relevância em seu videoclipe, dirigido por ninguém menos que João Monteiro, parceiro de longa data da drag queen. Em um aspecto mais amplo, Number One celebra antecipadamente os cinco anos de sucesso de uma carreira alavancada pelo álbum Vai Passar Mal. E não se trata do primeiro contato entre os dois artistas, já que MODO TURBO veio ao mundo em 2020. – Eduardo Rota Hilário

Travis Scott – ESCAPE PLAN / MAFIA

Uma das primeiras vezes que Travis Scott mostrou ESCAPE PLAN ao mundo foi durante o fashion show da sua collab com Kim Jones, a Cactus Jack, para a Dior. Isso aconteceu antes das polêmicas sobre seus shows se intensificarem e implodirem em pura tragédia, por isso, naquele momento o single marcava o momento épico da participação integral do rapper em uma coleção tão importante. No entanto, o lançamento oficial da música junto com MAFIA aconteceu justamente um dia antes da monstruosa aglomeração do público no show ASTROWORLD em 5 de novembro resultar em 10 mortes, e ele nada ter feito para interromper.

A dúvida paira sobre seu histórico de encorajar a violência em shows, e a referência “Estou tentando não voltar no meu caminho, não consigo reverter” em ESCAPE PLAN parece falar do caos que ele mesmo causou. Ela e MAFIA são amostras de sua próxima mixtape, Distopia, e desde já imaginamos se ela será marcada por versos agressivos. Ambas falam sobre até onde o dinheiro nos leva e o que somos capazes de fazer para alcançá-lo. Sexo e a ânsia pelo topo também aparecem, mas perdendo as amarras da influência de Kanye West. Em resumo, o futuro de Travis é incerto, pois entre a sua evolução musical, qualquer lançamento se torna indigesto depois dessa tragédia tão séria. – Nathália Mendes

Christina Aguilera – Somos Nada

Enquanto figura pública, a imagem de Christina Aguilera anda frágil depois de ter se recusado a dizer algumas palavras sobre o fim da tutela de Britney Spears. Decepcionar a Princesa do Pop e reacender desentendimentos de longa data foram, nesse contexto, dois deslizes caros para a carreira de Aguilera. Por outro lado, a cantora continua artisticamente incrível. Isso é explícito na balada Somos Nada, que entrega uma letra de boa qualidade, assinada por Federico Vindver, Mario Domm, Sharlene Taule e a própria Christina Aguilera, além de belos vocais – embora a sonoridade de alguns versos, como “Y ahogándome en silencio”, cause estranhamento.

O videoclipe da canção, por sua vez, é bem simples, mas também muito bonito. Dirigido por Alexandre Moore, o lado visual de Somos Nada carrega, principalmente em seu desfecho, uma narrativa consideravelmente dramática. E esta, aliás, não é a primeira vez que Christina Aguilera canta em Espanhol. Em 2000, por exemplo, a cantora lançou Mi Reflejo, álbum construído inteiramente na referida língua. Agora, passados os primeiros lançamentos de uma nova era, que já marcaram presença até mesmo no Grammy Latino 2021, resta aguardar o que Christina ainda tem a nos oferecer – e o que ela fará com suas mais recentes polêmicas. – Eduardo Rota Hilário

Lagum e Emicida – DESCOBRIDOR

“Deixa ir, tudo bem/Não teria graça se soubesse onde ia dar”. Em DESCOBRIDOR, novo single da Lagum, a banda mineira se junta a Emicida para aproveitar as memórias ainda por vir. A música é a quinta faixa do terceiro álbum do grupo a ser disponibilizada e teve o clipe lançado poucas horas depois. Com a calma e relaxada nova canção, que prioriza o violão a guitarra ora ritmada, ora agitada da Lagum, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) ganha mais um single positivo e reforça a diversidade de temas e sonoridades do próximo projeto. E como reforça a Emicida, que se juntou a DESCOBRIDOR depois da canção estar finalizada, esta “é sobre as possibilidades que podem surgir de um encontro, partindo de uma tela em branco e, juntos, poder criar novas paisagens, memórias e histórias”. – Vitória Lopes Gomez

DJ Batata, Tati Quebra Barraco e Bárbara Labres – É Por Isso Que Sofre

Após participar do reality show A Fazenda 13, a cantora Tati Quebra Barraco resolveu dar continuidade à sua carreira musical com o single É Por Isso Que Sofre. Com produção de DJ Batata, e composição assinada pelos três intérpretes da canção, o lançamento da funkeira carioca provavelmente será lembrado pelos versos chicletes “Homem é pra sentar/Vocês Querem Amar”. E, em uma perspectiva temporal, É Por Isso Que Sofre sucede os lançamentos Desce o Tom! e Dançar, além da chegada recente às plataformas digitais do álbum Boladona, de 2004.        

Em relação ao videoclipe da nova música, os grandes destaques são, sem dúvida, o look original da marca Versace, utilizado anteriormente, e mais de uma vez, pela cantora estadunidense Lady Gaga, além de algumas participações especiais, como é o caso de Jojo Todynho. De modo geral, trata-se de um vídeo que, embora tenha uma abertura peculiar, dá alguma dimensão extra à canção relativamente breve, colocando o DJ Batata e Bárbara Labres, as duas parcerias do single, também em evidência. – Eduardo Rota Hilário

MØ – Brad Pitt e Goosebumps

Para MØ, o agora é um novo capítulo. Retornando das aventuras inconsistentes de Forever Neverland (2018), a dinamarquesa lançou mais dois novos singles inéditos que dão sequência às previsões de Motordrome, seu quarto álbum de estúdio, previsto para janeiro de 2022. O título é inspirado no truque de dødstrome – a volta perfeita em 360º dentro de um globo da morte –, uma analogia à luta da artista contra as oscilações da ansiedade: “Representa uma enorme mudança em minha vida. […] Uma era da minha vida chegou ao fim e estou adentrando uma nova. Isso é assustador, mas também é libertador.”

Brad Pitt é um hino romântico anti-Shania Twain. E se a fama não foi o bastante para impressionar a cantora country-pop canadense, para MØ, com ou sem popularidade, o amante é suficiente para ser o Brad Pitt de sua Julieta. “Você não precisa nascer sob o sucesso para fazer o sangue bombear por debaixo do meu vestido de verão”, ela canta de peito aberto, cercada por um rock sintético cintilantemente caloroso. Enquanto isso, Goosebumps recorre à melodia acústica do piano para relembrar as emoções do passado, ansiando-as. A voz rouca de MØ reafirma memórias passadas, mas a artista está sempre olhando para frente. – Ayra Mori

Clipes

Sandra Pêra e Ney Matogrosso – Velha Roupa Colorida

É hora de vasculhar o armário e resgatar aquela nossa Velha Roupa Colorida. Não importa se ficamos frenéticos ou não com a ideia de regravar os clássicos. O que interessa é que Sandra Pêra e Ney Matogrosso, já pelos nomes que carregam, dão relevância a qualquer tipo de lançamento. E neste videoclipe minimalista, com fundo quase sempre branco, a história não é diferente. Focado nos dois intérpretes, Velha Roupa Colorida obviamente destaca figurinos, sem deixar de lado o brilho da interação espontânea entre cantores, ou entre artista e câmera.

Belchior parece estar cada vez mais em alta, e, embora seja difícil superar Elis Regina na interpretação das músicas do artista cearense, é importante dar novos ares ao que já é imortal. Nesse sentido, e com certa leveza arriscada, Sandra Pêra se aventurou deliciosamente ao lado de Ney. Reservando um fragmento de Sandra Pêra Em Belchior para o ex-Secos & Molhados, a atriz e ex-integrante do grupo As Frenéticas garante holofotes para um trabalho que, grandioso ou não, terá espaço no acervo audiovisual da Música brasileira. – Eduardo Rota Hilário

Jão – Santo (Ao Vivo)

Desde o anúncio de seu terceiro álbum, o badalado PIRATA, Jão não tirou um dia de folga. Teve audição exclusiva para os fãs, clipe super produzido, performance ao vivo, turnê anunciada e esgotada em um dia, live no TikTok… e mais uma performance ao vivo. O cantor e compositor escolheu duas das melhores canções de seu mais recente projeto para gravar a apresentação e, depois de Idiota (Ao Vivo), disponibilizou de surpresa Santo (Ao Vivo). Assim como na anterior, o jogo de câmeras dinâmico captura a performance animada de Jão, que, à frente da banda completa, dá uma palhinha do que pode fazer no palco. – Vitória Lopes Gomez

Bemti e Fernanda Takai – Quando o Sol Sumir

A nostalgia do universo infantil e a diversão de um dinossauro com um astronauta são o prelúdio do fim do mundo no novo videoclipe de Bemti. Nesse sentido, o lado audiovisual de Quando o Sol Sumir dialoga muito bem com os versos que o cantor mineiro compôs na companhia de Roberta Campos. Afinal, o término do dia logo se transforma também em cenário apocalíptico, e o aproveitamento da vida – e seus amores – é uma das saídas possíveis, tanto na letra quanto no clipe deste destacado fragmento do sensibilíssimo álbum Logo Ali.     

Com formação em Audiovisual pela USP, Bemti assina roteiro e montagem do vídeo dirigido por Kleber Bassa e Thálita Motta. Já Fernanda Takai, voz que divide a canção com o artista, e também a responsável pela utilização de um dinossauro inflável na obra, é peça fundamental para a concretização de possíveis surpresas. Sem dúvida, mesmo que a ideia original do videoclipe não tenha nascido, a adaptação para o mundo real do que seria antes uma animação mostrou-se, desde o início, um delicado respiro nesta realidade às avessas – e mais um sinal do talento indiscutível de Bemti. – Eduardo Rota Hilário

Lorde – Fallen Fruit

O poder do Sol continua influenciando a Arte de Lorde. Além de presentear as plataformas digitais com as faixas extras do terceiro disco esse mês, a cantora ainda lançou o clipe do mais novo single do projeto: Fallen Fruit. Dessa vez, os lados sagrado e místico da praia, visitados em Solar Power e Mood Ring, dão lugar para um campo de guerra, em chamas, desolado.

Lorde não perde tempo. No vídeo, ela xispa de lá o mais rápido que pode, no que parece ser o mesmo veículo que a transportava pela cidade iluminada de Green Light. A letra, que se inspira no Fruto Proibido e segue na linha enigmática e extraterrestre do álbum, reflete a posição de Lorde frente ao mundo devastado em que vivemos. – Vitor Evangelista

Em homenagem aos cinco anos de lançamento de Starboy, um dos discos fundamentais na carreira do canadense The Weeknd, a canção Die For You — presente também no compilado The Highlights, que contém apenas os grandes sucessos do artista — ganhou um clipe super-produzido, trazendo referências a Stranger Things, que também completou 5 anos em 2021. 

No clipe, vemos um garoto — espécie de The Weeknd jovem — dotado de poderes telecinéticos, fugindo de oficiais do governo e refugiando-se na casa de uma família suburbana, na qual encontra uma jovem garota. Esnobado no Grammy Awards deste ano, em que denunciou o racismo e corrupção dos votantes do prêmio, The Weeknd segue a todo vapor, consolidando seu nome na lista dos titãs da Música Pop. – Bruno Andrade

Marina Sena – Por Supuesto

2021 foi o ano de Marina Sena, não há o que dizer. Revelação do ano, a mineira subiu ao pódio ao conquistar o primeiro lugar no Top Viral Global do Spotify, ultrapassando 20 milhões de cliques com Por Supuesto, single do aclamado álbum De Primeira, que ganhou videoclipe no mês de novembro. E se a estreia triunfal da carreira solo de Sena não foi suficiente para conquistar os corpos mais frígidos, o flerte cinematográfico prova, mais uma vez, a artista completa por trás de um dos maiores álbuns nacionais do ano.

“Hoje eu olhei pra você/E vi à beça/O gozo, a ginga, a luz/O som, a festa”, canta Sena enquanto desfila pelo groove suave de uma guitarra elétrica como noiva abandonada no altar. A cena é um Brasil tropical, um salão vazio, um tempo desconhecido. Vestida de rendas espalhafatosas, destruindo um bolo de aniversário coberto por glacê colorido, típico das festas oitentistas, ou, ainda, cercada por arranjos florais datados, a noção cronológica dos fatos é deturpada: ela cria o próprio universo sensual. 

O videoclipe conta com a direção de Vito Soares, direção criativa responsável por Marcelo Jarosz, figurino por Leandro Porto e maquiagem por Sasa Ferreira. Assim, a cantora reúne acertadamente uma equipe que confere sua identidade autoral como artista singular. Entre gingados sedutores e olhares maliciosos – referenciando o filme dirigido por Sam Mendes, Beleza Americana (1999) –, Sena finaliza excepcionalmente sua performance, caindo esplendidamente sobre um mar de rosas, como num sonho feliz. – Ayra Mori

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Vitória Vulcano

Quando 2021 ainda era uma esperança requisitada, a numerologia já o denominava ano cinco. Representante da versatilidade vinda das novas oportunidades e regido pela deusa Vênus, esse reinício precisava ser marcado pelo amor – e recheado de explorações e metamorfoses. O marketing era de impacto, e um antigo Anti-Herói fez a boa sorte implantada virar refém de suas composições. Entre o alto-mar e solo firme de um outubro ligeiramente retrógrado, Jão se transforma em pirata e embarca nas nuances mais virtuosas de sua carreira.

Composto por 11 faixas, o terceiro álbum de estúdio do jovem entrega emoções familiares sob perspectivas aprimoradas da diversidade do pop brasileiro atual. Contracenando com os típicos sintomas e desdobramentos de um coração partido, a sonoridade do projeto se debruça em ritmos experimentais e letras (bem mais) intimistas, buscando amadurecer a figura de Jão. Se a energia envolvente do primeiro single da era já indicava maior espontaneidade, o trabalho final é um mergulho nas multifaces do artista e no mar de identificação invocado em nós.

Tendo sido construída desde o ano passado, a obra também reflete o sentimento coletivo mais cobiçado da pandemia: liberdade. Mas essa condição é muito mais complexa do que o poder de ir e vir, principalmente para Jão. Nas palavras do mesmo, Pirata “é muito sobre quem eu quero e quem eu almejo ser”. Assim, percorrendo temas como amor, sexo, descobertas e despedidas, o conjunto musical não pretende nada além da honestidade de recomeçar. E narrativas não-lineares, iguais as celebradas pelo cantor, fazem parte do trajeto.

A aventura é introduzida – e até parece naufragar – pela melodia psicodélica de Clarão. Produzida, junto a outras oito músicas do disco, em parceria com o renomado Zebu, a faixa estridente abafa os vocais e a euforia inicial de Jão. Mesmo que condizentes com o ritmo eletrônico, o saudosismo no relato das memórias e a excitação diante do futuro acabam se reduzindo à uma estranha confusão sonora. 

Porém, o electropop não demora a surgir como um acerto, logo na música seguinte. Não Te Amo é repleta de controvérsias melódicas e escritas, retratando o caos e entorpecimento corrosivo de uma paixão mal resolvida. Apesar da audácia em negar a intensidade de seus afetos no título da canção, as reflexões, inteligentemente bagunçadas na melancolia do cantor, impedem sua consciência de seguir em frente: “E se eu te esquecer, quem vai lembrar de nós, amor?”, contempla ele.

A continuidade do projeto investe grande vigor na ambiguidade lírica. Esbaldando-se na agonia festejante de ser Idiota por amor e cantando o vislumbre sedutor de um falso Santo, a ousadia franca de Jão carrega a obra de dimensão plural, se consagrando por exaltar a tão comum e humana dualidade romântica. A conclusão? Machucar e se deixar ferir são premissas da vida. Um dia é da caça, outro do caçador – mas todo é o calendário para o artista corajoso que expõe suas cicatrizes e perversidades na mesma constância.

No entanto, ser livre também exige perder o que deixou de te representar. Colidindo o passado ao presente, Acontece constrói fluxos agridoces de pensamento e sonoridade que, altamente harmonizados, geram compreensões duras e inevitáveis: “O que o amor vira quando chega o fim?/É só que dói um pouco quando eu lembro assim/Mas enfim, acontece”, deduz o cantor. Você Me Perdeu, por outro lado, é uma lavagem de alma. Em resposta mais resignada e autoconstrutiva à Nota de Voz 8, os arranjos suaves ultrapassam as lembranças de Jão e, no compasso de dois minutos e meio, desenlaçam a antiga dor de sua voz.

O adolescente interiorano que começou a desbravar o mundo pelos corredores da Universidade de São Paulo também ganha espaço em Pirata. Compilação de histórias, diversões, imensidões sentimentais e autodescobertas: Meninos e Meninas é um coming-of-age rítmico contagiante, protagonizado por recordações de 2013 e coroado pela carta pessoal e sensível à bissexualidade do artista. 

Após navegar pela descontração sonora e letra chiclete de Coringa, o disco encontra seu último suspiro pop-eletrônico. Em atmosfera alucinógena, Doce mescla constatações a angústias e se afunda em momentos magnéticos de epifania: “Eu sou a soma do que eu não consigo/Algo em mim ainda tá perdido/E eu preciso encontrar”, afirma, extasiado, o cantor.

Materializando-se como um diário de bordo, ao avistar o cais, as faixas restantes adormecem os vinte e seis anos de vida destrinchados para admirar o horizonte inexplorado e a paz iminente, ambos conquistados – por e para Jão – ao longo da viagem. A alegoria nutrida de sentimentos reais, em sintonia aos casuais solos de guitarra, preenche e enobrece Tempos de Glória. Finalmente, interligando composição e produção feitas unicamente pelo jovem, Olhos Vermelhos evoca toda a complexidade necessária para sintetizar o propósito locomotor do álbum: liberdade e solidão fazem as pazes em um convite tentador para nadar além de nosso oceano particular.

Da nostalgia à reinvenção, o projeto reforça uma realidade: ninguém descreve o peso e o gosto de uma desilusão, amorosa ou existencialista, como Jão. Deixando-se influenciar por dezenas de estilos, o cantor habita sua própria aura musical e, mesmo nos equívocos, mostra a pluralidade exigida para se destacar. Firmando um elo valioso entre águas passadas e terras à vista, PIRATA é símbolo de crescimento inquieto e evolução constante. E, quase às vésperas de 2022, não é possível mensurar se alcançamos todo o potencial que o ano vigente teria. Mas, definitivamente, presenciamos uma incrível ascensão artística.

O post PIRATA: o sacrifício e o consolo de estar à deriva da vida apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O mês de outubro foi o mais agitado de 2021 aqui no Persona. Iniciado com o especial para o Mês do Horror e intermediado pela cobertura intensa da 45ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, os últimos 31 dias também viram o nascimento do nosso Clube do Livro, que aqui no site se materializou na Estante do Persona, nosso novo quadro mensal literário. Entre todas essas atividades, não deixamos de acompanhar o mundo da Música, e agora, chegamos para comentar tudo o que rolou no décimo mês do ano no Nota Musical.

Tudo começou com um misterioso número 30 surgindo nas principais cidades do mundo. Como um bat-sinal, Adele criou um momento no início de outubro para a divulgação de seu retorno, que acontece depois de seis silenciosos anos que sucederam seu último disco, 25. Agora, seremos apresentados aos 30 da artista, e o single Easy On Me foi mestre em nos introduzir ao novo estágio da vida de Adele, que encontrará seu lugar no mundo em forma de disco no próximo dia 19 de novembro.

Enquanto Adele ressurgia com os seus números, Ed Sheeran retornava com os seus sinais. Como anunciado pelas variáveis e constantes de Bad Habits e Shivers, o novo disco do cara mais legal do pop chegou para continuar sua concepção musical pautada na matemática. Agora, +, × e ÷ tem a companhia de =, e para o bem ou para o mal, a música de Ed é assumidamente definida pelo símbolo de igual. 

Por outro lado, as sábias operações musicais de Lady Gaga e Tony Bennett decidiram apostar tudo num jazz que coloca o amor à venda. Da mesma forma, Hans Zimmer, por sua vez, concluiu na trilha do novo 007 que não temos tempo para morrer, The War on Drugs percebeu que precisa de um novo lugar no indie rock, e Brandi Carlile criou sua aclamada música country a partir de dias silenciosos.

Há também os que buscam a maior abstração possível. É assim com Coldplay e seu novo disco Music of the Spheres, que inventa de buscar outras formas de vida e de expressão distanciando-se do que nos conecta uns aos outros aqui na Terra. Mas nem tudo está perdido: as viagens atmosféricas de outubro funcionam sob a condução de Felipe de Oliveira, Tirzah e Black Country, New Road. Quem quiser acompanhar as belezas descobertas pelos artistas em ascensão, pode conferir os discos Terra Vista da Lua e Colourgrade e o single Chaos Space Marine.

Se alguns embarcam em direção ao exterior, outros mergulham no interior. Na MPB, essa foi a direção de Caetano Veloso em Meu Coco, e de Ney Matogrosso em Nu Com a Minha Música. No rock, o movimento nos entrega o melhor de Sam Fender em seu segundo disco, Seventeen Goin Under. No pop, foi a tática de importantes estreias: lá, FINNEAS descobriu um otimismo agridoce e PinkPantheress resolveu mandar tudo pro inferno.

É da dimensão íntima que outros grandes nomes trazem grandes coletâneas. Silva comemorou seus dez anos de carreira com De Lá Até Aqui; Megan Thee Stallion presenteia seus fãs com Something for Thee Hotties; Elton John traz sua música de quarentena em The Lockdown Sessions; Nick Cave & The Bad Seeds desenterram alguns tesouros em B-Sides & Rarities (Part II); e Madonna disponibiliza sua experiência ao vivo de Madame X nas plataformas de streaming. 

Assim, outubro também foi um mês de retornos. Primeiro, The Wanted movimentou a internet com seu comeback anunciado através de Rule The World, primeiro lançamento da banda desde sua separação em 2014. Depois, Agnes chega para o revival da era disco em seu quinto álbum, Magic Still Exists, que finaliza um hiato de quase dez anos. Já Tears For Fears viveu um intervalo um pouco maior, mas agora o jejum iniciado em 2004 está encerrado com The Tipping Point, faixa-título do novo álbum da dupla britânica, cujo lançamento está previsto para o início de 2022.

Quando o assunto é novidade, também estamos bem servidos. Em terras brasileiras, o pop viu o encontro de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus, teve mais uma chance de reconhecer Johnny Hooker, finalmente recebeu a estreia de Priscilla Alcantara e o terceiro álbum de Jão. O funk juntou Valesca Popozuda e Rebecca, o rap esteve com Karol Conká e WC no Beat, e a MPB ganhou a companhia de Jorge Drexler na nova canção de Marisa Monte, mas o maior destaque de outubro vai para a Imaculada Alice Caymmi.

Fora do país, o nome segue sendo o de Anitta, que esse mês, apareceu junto de Saweetie em Faking Love. Mas desta vez, a Girl From Rio não representou o Brasil sozinha na música internacional. Nas tabelas, A QUEDA de Gloria Groove significou ascensão, e a drag brasileira estreou na parada global da Billboard. O mesmo sucesso e apreço não pode ser encontrado na colaboração entre Jesy Nelson e Nicki Minaj, já que o lançamento de Boyz veio encharcado de polêmicas da líder Barbz nas redes sociais, e episódios de blackfishing por parte da ex-Little Mix.

Ainda bem que a Música pode contar com a honestidade de Phoebe Bridgers, que usou That Funny Feeling para levantar sua voz em oposição à legislação antiaborto mais restritiva dos Estados Unidos que avança no Texas. O cover da artista esteve no radar mensal do indie, que também tem novidades preciosas no novo disco de Lana Del Rey e nas canções de Mitski e Michael Kiwanuka. 

Por fim, outubro ainda trouxe um belo descarte de Ariana Grande, novos contornos para a Conan Gray, clipes de Troye Sivan, Kacey Musgraves e Olivia Rodrigo, e o encontro gigante de The Weeknd com Swedish House Mafia. Foi um mês e tanto, mas o Persona nunca deixa de se atentar às novidades e decepções que a Arte nos oferece. Na décima edição do Nota Musical, nossa Editoria e nossos colaboradores se reúnem para vasculhar os CDs, EPs, músicas e clipes que ecoaram por aí em Outubro de 2021.

CDs

Lana Del Rey – Blue Banisters

Quando Lana Del Rey anunciou que Blue Banisters sairia ainda em 2021, sobrancelhas arquearam. A mesma cantora que, poucos meses atrás, havia mergulhado sem bote salva-vidas no tênue rio de expectativas que foi Chemtrails Over the Country Club, agora decidira lançar uma nova coletânea de batidas lentas e composições afiadas. Para a surpresa da audiência, Lana se ausentou das redes sociais, teve o disco vazado (aparentemente sob a supervisão da gravadora) e cumpriu o calendário. Em 22 de outubro, pudemos nos apoiar nos corrimões azuis.

Acompanhada de dois belos cachorros serenos, Lana olha ao seu redor. Ela inspira o ar puro, ela observa o farfalhar das folhas. Ela decide cantar não apenas sobre a velha Hollywood e sobre relacionamentos complicados, mas também sobre sua família. Convidando membros do clã Del Rey até para o papel de compositores, tirando sarro da irmã e da vida moderna, Blue Banisters dá certo pois Lana entende o que deve ser feito.

Se Chemtrails frustrou pela exaustão dos temas que fizeram de Norman Fucking Rockwell! o melhor disco de 2019, em sua segunda rodagem de 2021, a artista acerta a mão na refrescância de si mesma. Em Text Book, ela nos convida ao passeio. Em Arcadia, apresenta uma terra mágica (e um pedido inusitado, mas bem-vindo). Em Dealer, grita os pulmões para fora do tórax e em Sweet Carolina reconfigura sua própria ideia de como ser uma cantora de sucesso. Quase como um manual de instruções que resulta no sucesso, Lana Del Rey dá conta do recado. – Vitor Evangelista

Hans Zimmer – No Time To Die (Original Motion Picture Soundtrack)

A trilha de No Time To Die, novo filme da franquia de James Bond, chegou às plataformas de streaming. A despedida de Daniel Craig no papel de agente mais famoso do Cinema vem sob as canções imersivas e expansivas de Hans Zimmer, conceituado músico alemão que dá sequência a seus trabalhos em trilhas sonoras, cujo mais recente, The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack), foi lançado ainda no mês passado. A pedido de Zimmer, Billie Elish canta, de forma brilhante, a faixa-título do filme, e entra para a história como a artista mais jovem a gravar para a franquia. No começo deste ano, a canção rendeu um Grammy. 

Os longas do Agente 007 oferecem ao público um aspecto interessante. Embora sejam filmes de ação, mesclam elementos do Cinema cult, e compõem uma aura de clássico acessível. Por essa razão, suas trilhas sonoras têm a difícil missão de mesclar essas características, e, geralmente, são indicadas nas principais premiações. A franquia possui 15 indicações ao Oscar, das quais 11 são em categorias de som. Da lista, o mais recente foi o de Melhor Canção Original por Writing’s on the Wall, em 2015, cantada por Sam Smith. Para esse filme, inicialmente, a música tema seria Spectre, composta pelo Radiohead. Os britânicos produziram a canção, que foi recusada por ser considerada muito melancólica. 

É possível que se tenha encontrado a mistura perfeita entre o clássico, o melancólico e o acessível em No Time To Die. Mais do que aumentar o clima de tensão nas cenas de ação e suspense, as canções captam a sensação de perda emocional constante, elucidando as complexidades de James Bond. No fim das contas, há uma fórmula que não pode ser alterada, e Zimmer permanece dentro dos limites — mas tudo, claro, sem perder o estilo. – Bruno Andrade

Jão – PIRATA

Finalmente Jão parou de sofrer por amor (mas não muito). Depois dos doídos LOBOS e ANTI-HERÓI, PIRATA, o terceiro álbum do cantor e compositor, superou as persistentes desilusões e lamentos sobre o amor e, para além de seu recorrente tema, cresceu também em sua sonoridade. O novo trabalho inaugura uma nova fase do artista, já começando pelo seu grandioso lançamento: ao invés de uma apresentação intimista do projeto, Jão reuniu os fãs em um teatro para ouvirem o álbum com exclusividade.

Agora mais ousado, otimista e confiante, as composições autorais do artista continuam charmosas e confessionais. Ninguém sabe o que aconteceu em 2013 para Jão, a quem pertence o dragão nas costas da pessoa que vai parar na cama dele ou o porquê o banco do carro o lembra da nuca de sabe se lá quem, mas mesmo assim, as letras pessoais foram feitas para serem cantadas alto por todos. As batidas animadas e os ritmos festeiros de Pirata, que se anima até quando abaixa o tom para sofrer um pouquinho (não pode faltar), também convidam para dançar até enquanto pronunciamos com convicção “é claro que eu não te amo”.

Falando em ânimo, Jão se arrisca com novas sonoridades e até na produção. Se de primeira algumas faixas como Clarão e Doce soam como um esforço para inovar que deu errado demais, as novidades crescem no ouvido depois que as expectativas iniciais se quebram. Chega de violões sofridos e de chororô, agora a desilusão virou uma dançante EDM para comemorar os fins. O sofrimento de PIRATA é quando este, depois de rápidos 34 minutos, chega ao seu. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Dedicar um álbum inteiro a Cole Porter não é novidade no mercado fonográfico norte-americano. Em 1956, por exemplo, o mundo era presenteado com o clássico Ella Fitzgerald Sings The Cole Porter Song Book. De lá para cá, no entanto, os parâmetros musicais mudaram mais de uma vez, e, na atualidade, nenhuma realização similar à de Ella parecia ser capaz de fazer tanto barulho. Nenhuma, até o público finalmente conhecer Love For Sale. Afinal, com o brilhantismo da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, tudo é possível. E ambos foram capazes de transportar os clássicos do jazz para os dias de hoje, sem deixar de lado o brilho original das canções, ou fazer com que o projeto soe pouco inovador.

Incorporando uma roupagem característica do duo super carismático a sucessos imortais, Love For Sale foi aclamado antes mesmo de nascer, recebendo 5 estrelas do jornal Financial Times. Além disso, vale ressaltar que o projeto não surgiu da noite para o dia, pois vinha sendo planejado desde meados da era Cheek To Cheek. Inclusive, para quem desconfiava que o álbum de 2014 era tão somente uma jogada de marketing, ou simplesmente torcia o nariz para a Mother Monster no jazz, o novo disco de Tony e Gaga evidencia de modo inigualável a sinceridade e química que há nessa dupla, o que talvez modifique um pouco a opinião de um grupo sisudo, que gosta de ter controle sobre o que é ou não Arte.      

Em relação aos destaques do CD, It’s De-Lovely é a abertura perfeita para o álbum: carregada de belos vocais e muita poesia, como já esperado, a faixa é um deleite à primeira ouvida. E indo da contagiante faixa-título à extasiante Do I Love You, uma das performances solo de Gaga, não podemos deixar de mencionar Let’s Do It. Para os brasileiros, talvez seja impossível não associar essa canção à memorável versão Façamos (Vamos Amar), de Elza Soares e Chico Buarque. Para finalizar, não foram inesperadas as reações da internet à música You’re The Top – já que alguns versos dessa faixa ganham outro sentido na comunidade gay, num jogo entre os termos passivo e ativo. Portanto, não restam dúvidas de que, ao lado de Lady Gaga, Tony Bennett se aposentou em grande estilo. – Eduardo Rota Hilário      

Ed Sheeran – Equals

Simples, íntimo e sem erros. É assim que Ed Sheeran orquestra = (Equals), em cada nota e ritmo de seu quinto álbum solo. Sem desapontamentos, o britânico entrega mais do que o esperado nas 14 músicas, harmonizando cada parte de sua era matemática em um único exemplar. Sentimos cada detalhe de suas emoções, transitando entre energias positivas e mais dramáticas. 

Ainda que o cantor permaneça no pop comercial, ele sempre traz seu diferencial com músicas acústicas em meio as mais dançantes. A menção honrosa vai para Tides, deixando explícito que, mesmo com as mudanças significativas em sua vida, o artista permanece o mesmo. Em sua nova fase, Ed Sheeran nos mostra o quanto ainda podemos ser iguais. – Júlia Paes de Arruda

Priscilla Alcantara – Você Aprendeu A Amar?

“Eu começo onde eles dizem ser o meu fim”, era a mensagem de Priscilla Alcantara quando iniciou de vez sua caminhada rumo ao pop num processo de ruptura com as suas raízes no gospel. O momento da mudança de carreira – e de postura diante das cobranças de quem se achava no direito de questionar a forma como seguia sua vida – foi marcado pelo single Correntes, lançado em novembro de 2020, que hoje é peça fundamental no primeiro disco de Alcantara fora da música religiosa. E bem antes do lançamento de Você Aprendeu A Amar?, Priscilla já é um fenômeno pop há muito tempo. 

De ícone da TV infantil dos anos 2000 à perfil influente nas redes sociais, recentemente ela até saiu vencedora da primeira edição do The Masked Singer Brasil. Assim, Alcantara não tem medo de ser cringe logo de cara, e apesar da boa produção, Boyzinho pode não ser a melhor forma de abrir o disco, que guarda coisas muito mais interessantes nas próximas faixas. Vide Primavera na segunda posição da tracklist, apresentando um lirismo que o pop nacional apreciava muito em Sandy & Júnior, agora fresco e repaginado pela expertise de uma artista que conhece bem o público e a música que busca. 

As referências do gênero que foi a primeira formação musical de Priscilla Alcantara estão por toda parte, e ainda que ela tenha dificuldade em coordenar sua individualidade junto do estilo secular e sua voz potente, nada aqui significa uma artista contida. Ela aposta alto e sem retorno em Você É Um Perigo e Beat Triste, enquanto o auge do álbum é quando ela se solta na balada Eu Não Sou Pra Você, brilhando forte a assinatura musical junto da participação de Lucas Silveira (que também assina a produção do álbum). Em seguida, Tem Dias mostra o melhor do pop de Alcantara no trabalho que ainda tem a participação de Projota e uma vindoura colaboração com Emicida (!). Como ela disse, Você Aprendeu A Amar? é só o começo. – Raquel Dutra

Silva – De Lá Até Aqui (2011-2021)

Silva resolveu comemorar seus dez anos de carreira musical do melhor jeito: com mais música. No álbum De Lá Até Aqui, o cantor, compositor e produtor revisita canções e celebra seus trabalhos anteriores em, não por coincidência, dez faixas. Além dos áudios, ele tornou a produção também visual e todas as músicas ganharam clipe, filmados diretamente de sua casa no Espírito Santo. Com novos arranjos e interpretações, Silva se aproveita da habilidade no violão para brincar com os estilos e mudar pegadas, em releituras que não tornam o trabalho somente um ‘Maiores Sucessos’. 

Regravadas no ‘voz e violão’, como as faixas foram primeiramente concebidas, o artista pretendia focar na essência das composições ao invés de produções grandiosas. Amantes, por exemplo, que já tinha sido apresentada ao vivo no Bloco do Silva, mas nunca chegou a ser lançada, foi disponibilizada oficialmente em uma versão completamente diferente. Outras, as animadas Pra Vida Inteira, colaboração com Ivete Sangalo, e Um Pôr do Sol na Praia, com Ludmilla, ganharam uma versão solo, repensadas no formato acústico e ao teclado. Até Não É Fácil, presente no Silva Canta Marisa, teve sua própria releitura da releitura, já que, no álbum de covers, o artista performa sua visão de sucessos de Marisa Monte.

Entre as dez faixas, Silva ainda deixa espaço para uma inédita, Pra Te Dizer Que Tô Feliz Assim, que já abre o trabalho significativa. “Meu caminho não é reto pra lá/ninguém me falou onde é que ia dar”, ele inicia, com a voz calma e melódica que, com certeza, marcou sua carreira. De Lá Até Aqui relembra canções desde o primeiro álbum, Claridão, até o mais recente, Cinco, e homenageia os dez anos de trajetória mostrando que, mesmo depois de uma década, Silva sabe muito bem como se renovar. – Vitória Lopes Gomez

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Para o bem da legião de apaixonados por Música brasileira, Ney Matogrosso adiantou o lançamento do álbum Nu Com a Minha Música, antes previsto para sair somente em novembro deste ano. Composto pelas quatro canções já apresentadas no EP homônimo de agosto, além de outras oito faixas, o novo disco de Ney é, antes de tudo, uma celebração da liberdade. Não à toa, desde a escolha do repertório, o artista satisfez sensivelmente as próprias vontades. E o resultado foi, como sempre, um belo CD, com produção musical divida entre Leandro Braga, Marcello Gonçalves, Ricardo Silveira e Sacha Amback. 

Felizmente, o “medo” de não conseguir cantar aos 80 anos, depois de ficar um ano inteiro sem essa prática, não passava de um temor. Jogando um pouco de luz sobre um país tão dizimado, Ney Matogrosso parece expressar sua relação íntima com a Música ao cantar “eu ouço cada palavra/de cada frase não dita”. Nesses versos de Noturno, canção ampliada por Vitor Ramil, a pedido do próprio intérprete, temos certeza de que Ney enxerga além do lugar-comum de suas escolhas. Prova disso é Sua Estupidez, que, nas mãos do ex-Secos & Molhados, fascina até quem não aprova muito os compositores Roberto e Erasmo Carlos. 

Sem muita surpresa, Mi Unicornio Azul, do cubano Silvio Rodríguez, permanece, de agosto até aqui, como um dos auges das novas gravações. E falando em destaques, o expurgo poético de Estranha Toada nos encanta com os versos de Martins e PC Silva: “Eu tô gastando canção,/minha função principal,/derramando verso a quem não vale uma vogal”. De fato, percorridas oito décadas de vida, é urgente assumir que Ney Matogrosso não precisa mais provar sua expressividade e relevância. As renovações tornam-se, da mesma forma, desnecessárias para quem pode muito bem gravar porque quer gravar. E cantar – até o fim.  – Eduardo Rota Hilário

Brandi Carlile – In These Silent Days

Vencedora do Melhor Álbum Americana com By The Way, I Forgive You, além de conquistar outras 2 vitórias com o hino do country queer, The Joke, Brandi Carlile foi a mulher mais indicada ao Grammy 2019 e para ela, Música e ativismo são inseparáveis. Lésbica assumida desde os 15 anos de idade, a cantora-compositora redefine o gênero através da experiência como pessoa LGBTQIA+, dando plataforma à comunidade. Carlile foi pioneira, enfrentou as tensões de ser diferente dos padrões na indústria country, se tornando expoente de um conjunto de artistas que vêm transfigurando o Americana como forma de protesto.

Dando sequência ao sucesso do último registro, no sétimo e mais recente álbum, In These Silent Days, Carlile mais uma vez reafirma a filosofia pessoal de encontrar beleza nas fraquezas – explorada simultaneamente na produção de seu livro de memórias, Broken Horses. Aqui, a artista revela as influências dos ídolos com quem desenvolveu relações estreitas após By The Way, I Forgive You, permeando entre o intimismo de Joni Mitchell em You and Me On The Rock à teatralidade de Elton John em Sinners, Saints and Fools.

Com a pressão de superar o triunfo do álbum antecessor, a norte-americana aposta na mesma sonoridade passada: a instrumentação acústica, os vocais protuberantes e o destaque dos refrões continuam presentes em In These Silent Days. Ainda, a inspiração do rock setentista se manifesta ao longo das dez faixas, nas quais Carlile aparenta estar segura, satisfeita – mesmo quando versa sobre assuntos obscuros. Carlile não busca metamorfose, mas o refinamento de suas qualidades já existentes, finalmente aceitando as próprias imperfeições. – Ayra Mori

Felipe de Oliveira – Terra Vista da Lua 

É perfeitamente compreensível que Felipe de Oliveira, ao participar do The Voice Brasil 2016, tenha recebido elogios de Ney Matogrosso. Em primeiro lugar, porque o novo álbum de estúdio do intérprete mineiro abre com Descasos, composição de Juliano Antunes que, na voz de Felipe, lembra bastante a forma de cantar do ex-Secos & Molhados – sem deixar de lado uma roupagem única, que o singulariza como cantor. Em segundo lugar, porque as habilidades vocais e interpretativas de Oliveira, assim como seu bom gosto para seleção de repertório, são notáveis.  

Com título inspirado na canção Lunik 9, de Gilberto Gil, Terra Vista da Lua também abraça o tropicalista baiano ao apresentar uma regravação de Balada do Lado Sem Luz: jogo de brilhos e sombras que se encaixa muito bem na voz de Felipe. Mas o auge do disco está mesmo em Cara da Esquina, música composta por Dé de Freitas e Guilherme Borges. “A gente inventa tanta esquina/pra falar que importam/as minúcias dessa vida”, diz uma das passagens mais belas desse momento sensível, reflexivo e maduro, trecho ímpar de um álbum igualmente poético do início ao fim.

Sem perder a qualidade estética, Terra Vista da Lua ainda aborda temas urgentes, como “aqueles homens que se escondem/atrás de tanto ódio” – parte da atualíssima faixa Aqueles Homens, com autoria de Nobat. Já em Encontro Nosso, Felipe consolida o único feat do CD, ao lado da artista baiana Laila Garin. Inquestionável, no entanto, é dizer que, ao fim desta jornada produzida pelo baixista Barral Lima, com direção artística do próprio cantor mineiro, Terra Vista da Lua mostra-se belo e sensível como um todo, desde sua capa até as letras e sonoridades mais diversas. – Eduardo Rota Hilário    

The Driver Era – Girlfriend

O aguardado segundo álbum da The Driver Era, a banda formada pelos famosos irmãos Ross e Rocky Lynch, chegou tímido: das quinze faixas que compõem Girlfriend, somente quatro são inéditas. A escolha da dupla de dividir o trabalho em duas partes (a primeira com sete canções frescas, três delas disponibilizadas antecipadamente como singles, e a segunda com faixas lançadas avulsamente durante 2019 e 2020), destaca o progresso na experimentação musical dos irmãos, mas soa familiar demais. Não que isso seja ruim: apesar de mais da metade do álbum não ser novidade, a identidade autêntica de The Driver Era continua marcante. 

A união das canções atuais e antigas serve para mostrar a evolução de Ross e Rocky, que estão notavelmente mais confiantes e confortáveis agora, tanto nas composições, quanto na produção das faixas. E nas mãos dos irmãos, a sonoridade multi-gêneros de Girlfriend, que coexiste nos rótulos de indie pop, rock e alt, contrapõe os vibrantes solos de baixo e os dançantes teclados, que são os destaques de canções como Heaven Angel, #1 Fan e When You Need a Man, diante dos introspectivos solos e riffs de guitarra de OMG Plz Don´t Come Around, Fade e Take Me Away. Algumas faixas, ainda, conseguem unir o melhor das duas fases da The Driver Era, como acontece nas versáteis Heart Of Mine, Leave Me Feeling Confident e A Kiss. – Vitória Lopes Gomez

Coldplay – Music of the Spheres

Entre altos e baixos, o quarteto britânico encabeçado por Chris Martin conseguiu notavelmente manter-se relevante ao longo dos últimos 21 anos, oscilando do rock alternativo que marcou sua primeira década ao pop chiclete que caracterizou a sua segunda, aprofundando-se em uma sonoridade ou outra a cada projeto. Para a alegria de alguns e o horror de outros, em Music of the Spheres, a banda mergulha de cabeça na música multicolorida blasé que caracterizou seus discos Mylo Xyloto e A Head Full of Dreams. Trazendo uma mensagem de paz e amor, emojis no título de canções, e preparando uma turnê sustentável, a banda vem cheia de boas intenções, mas ainda assim carece de intenções artísticas genuínas. 

O conceito principal do disco é apresentar uma viagem espacial por planetas imaginários, proposta que na realidade funciona como fachada para tratar do amor e sentimentos humanos. A viagem parece chamativa e a passagem é barata, mas estejam preparados para gravidade intensa gerando quedas bruscas em várias partes do trajeto, pois nem sempre a espaçonave será capaz de se manter a níveis elevados de voo. Após uma breve introdução instrumental, Higher Power decola melhor do que o esperado, parecendo mais energética e animadora do que quando foi lançada como single. Mas não se animem se a decolagem pareceu estável, pois teremos algumas tremulações nas próximas faixas. 

Depois das genéricas Humankind e Let Somebody Go, com a participação de Selena Gomez, o disco almeja se elevar nas sempre belas harmonias vocais de Jacob Collier com o grupo We Are KING em , mas balança novamente em People of the Pride, que tenta reproduzir a mesma energia pulsante de Arabesque, canção que foi o ápice do disco anterior. Aproveitem enquanto é tempo, pois daqui pra frente enfrentaremos trajetos perigosos. Biutyful apresenta um bizarro dueto de Chris Martin consigo mesmo em uma voz que parece ser de um personagem de Alvin e os Esquilos, My Universe é mais uma canção chiclete que vai dominar as rádios por meses, e parece estar ali só pra estender ainda mais a jornada ao infinito. O pouso será ao som da bela Coloratura, um descanso até que bem-vindo depois de uma viagem tão instável. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Meu Coco

Nove anos após conceder um Abraçaço à Cultura brasileira, Caetano Veloso resgata seu frescor inventivo no recém-lançado álbum Meu Coco. Com produção musical do próprio artista, junto de Lucas Nunes, a nova obra do cantor e compositor baiano adotou, inclusive, atualizados formatos em seu processo de divulgação, como é o caso das esquetes humorísticas. Afastando-se, no entanto, e felizmente, dos automatismos, conteúdos rasos e da instantaneidade do universo contemporâneo, Meu Coco chega ao mundo como um disco que ecoa, ao mesmo tempo, nossa Arte e nossos horrores; nossas vozes mais belas e sórdidas.    

Como em todas as criações de Caê, só é possível desvendar esse novo disco de camada em camada. E talvez nem seja possível esgotar as incontáveis ramificações que brotam a cada imersão ou pesquisa atenta. Assim como em Anjos Tronchos, lead single do projeto, não há aqui detalhe que escape das antenas universais de Caetano. Em Não Vou Deixar, por exemplo, observamos um grito não panfletário, que ressoaria em qualquer boca minimamente consciente das perversidades que habitam o Brasil e o mundo de hoje em dia – o que justifica a predileção do artista por essa faixa política, destacada e esperançosa.

Há, aliás, mais de uma luz no fim do túnel. “Com Naras, Bethânias e Elis/Faremos mundo feliz”, promete a faixa-título. Exaltação musical entremeada em todo o CD, é impossível não notá-la em GilGal, ou, quem sabe, se empolgar com as novas gerações citadas em Sem Samba Não Dá – tão inesperadas eram as menções a nomes como Gloria Groove e DUDA BEAT. No fim, até Portugal se entrega a esse caldeirão cultural múltiplo: ao lado da cantora Carminho, Caê constrói Você-Você, um dos tocantes auges de Meu Coco. Já nós, passo a passo, vamos abrindo nossos cocos para um vislumbre de futuro que nos parecia delírio utópico. – Eduardo Rota Hilário

Tirzah – Colourgrade

É fato que Tirzah não se contenta em encaixar sua Música aos padrões sonoros de qualquer gênero musical. E com Colourgrade não foi diferente. Dando sequência à estreia atmosférica de Devotion, em seu segundo álbum, a cantora, compositora e produtora britânica flerta com o R&B e o pop, jamais se enquadrando plenamente em nenhuma das categorias. O resultado é um som sintético vanguardista que desliza por uma série de experimentações que aguçam os sentidos e ultrapassam a experiência sonora, tornando-se também visual, táctil.

Contando com a colaboração veterana de Coby Sey e Mica Levi (conhecide pela produção de trilhas sonoras audaciosas como a do horror contemporâneo Sob a Pele), o trio com certeza traz à tona as melhores qualidades de cada parte. Rebeldes sem causa, a coprodução confere imprevisibilidade aos temas explorados nas dez faixas, produzidas ao longo de 2019, um ano após o nascimento do primeiro filho de Tirzah. “Passando pela gravidez, parto e maternidade, a anatomia encontrou seu lugar em todas as canções”, ela afirmou a Stereogum.

Contudo, é através dos ruídos, sintetizadores claustrofóbicos e melodias enigmáticas que Tirzah se excede. Por trás das celebrações do parentesco, transformações e pormenores da experiência cotidiana, evocados pelos versos confessionais, ela se despe dos exageros, abraçando o estranho – são sussurros sensuais em Tectonic até guitarras que evocam choros de bebês em Beating. Como uma peça de arte assombrosa, difícil de digerir, Colourgrade hipnotiza. – Ayra Mori

FINNEAS – Optimist

Sejamos honestos: é difícil dissociar a fama de Finneas O’Connel da carreira internacional de Billie Elish. Como produtor de sua irmã, o artista mostrou os pontos altos de alguém que domina o sombrio e converte isso em Música pop, ao mesmo tempo em que trata de assuntos pertinentes como as injustiças sociais. Esses temas são a força motriz de Optimist, álbum de estreia de FINNEAS.

A verdade é que existem poucos pontos otimistas aqui. Logo na primeira canção do disco, A Concert Six Months From Now, recebemos o tom de todo o álbum, ouvindo o artista evocar sentimentos de perda e decepção sob uma aura sombria, colocando-se contra a alienação que parece reinar nos tempos digitais — é dessa faixa que surge o trecho que dá título ao CD, no qual O’Connel entoa: “Acho que sou otimista”. Optimist parece fazer parte da leva de projetos que — talvez erroneamente — são caracterizados como pop, mesmo que neguem todos os valores que consolidaram o gênero, devido a uma reconstrução constante da Música.

Assim como Lorde, FINNEAS aposta ao longo das 13 faixas do álbum em paradas mais suaves e lentas, priorizando voz e piano — as canções mais eletrônicas do disco são Around My Neck e How It Ends, que o encerra dando um suspiro a toda tensão que a precedeu. Embora FINNEAS cite em Optimist sensações de tristeza e dor, provavelmente uma forma irônica de abordar seu título, ainda se vê preso em alguns clichês sobre sociedade e alienação, o que transmite sua enorme ambição, mas evidencia uma prática pouco viável. – Bruno Andrade

Sam Fender – Seventeen Going Under

Há um certo sentimento de euforia que ronda a nova geração do rock, nos confirma o novo disco de Sam Fender. Num contraste direto com a lírica obscura e direta que fez a estreia do britânico em Hypersonic Missiles ser tão marcante, Seventeen Going Under demora a revelar seus lugares mais escuros e também para compreender o que eles significam no álbum da vez. Aos afetados pela perfeita melancolia psicológica de Dead Boys em 2019, Sam Fender oferece músicas mais doces em toda a primeira metade de Seventeen Going Under. 

Referenciando diretamente o rock clássico do ídolo Bruce Springsteen, o disco entrega seu auge logo na faixa-título inaugural, e segue com produções e arranjos musicais que poderiam ter saído das sessões de gravação do novo disco do Bleachers em Getting Started, Long Way Off, Get You Down e em outro destaque do álbum, Aye. As conclusões do processo de reflexão, no entanto, continuam trazendo um gosto amargo às palavras que saem da voz operística de Sam Fender. Entre reflexões sobre a sua vida, Last Train To Make It Home, Spite Of You e The Dying Light mostram que a melhor matéria-prima é sempre o que existe dentro de nós.

Isso porque quando olhando para fora, Seventeen Going Under não consegue criar a mesma beleza artística. O percalço também era identificável no primeiro disco do artista, e aos incomodados pela dimensão rasa de White Privilege, Sam Fender expressa suas tentativas de ir além das análises sociais básicas em Paradigmas. Às vezes bruta, às vezes lapidada, a sensibilidade de Sam Fender é para ser descoberta, e ainda bem que existe uma urgência sentimental pungente em Seventeen Going Under. – Raquel Dutra

Madonna – Madame X – Music From The Theater Experience (Live)

Madonna está de volta com mais um álbum ao vivo. Gravado no Coliseu dos Recreios, em Portugal, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) é composto majoritariamente por canções do 14º disco de estúdio da cantora, o Madame X, embora traga também conhecidas faixas de outros CDs da Rainha do Pop – como American Life, Human Nature e Like A Prayer. Pelos exemplos citados, dá para perceber que, no quesito repertório, estamos diante de um dos shows mais políticos de toda a carreira da Queen Madge. Ultrapassando a Música, isso se confirma igualmente nos discursos que aparecem vez ou outra no meio desta obra.

Nos últimos tempos, não é surpresa que Madonna ama robotizar a própria voz. Seja como ferramenta criativa ou excesso que pode causar estranheza, essa escolha inventiva aparece em vários momentos do novo disco ao vivo. E é, inclusive, muito bom chegar a certos intervalos de respiro, quando Madge canta com voz natural. Afinal, são os momentos mais orgânicos do disco, como o Fado Pechincha – cantado em Português, ao lado do músico Gaspar Varela – e a presença da Orquestra Batukadeiras na faixa Batuka, que se destacam neste universo profundamente influenciado por diferentes culturas ligadas pela Língua Portuguesa.

Fora isso, pela interação calorosa entre artista e público, dá para ter uma noção mínima de como a plateia realmente aproveitou este show super intimista e teatral. Assumindo o cargo de melhor finalização possível para esta era, I Rise brilha como última faixa do espetáculo. No entanto, ao chegarmos ao fim do disco, é inevitável dizer que, sem a parte visual da apresentação, o lado sonoro da obra perde um pouco de seu brilho natural. No fim, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) acaba sendo, mais do que qualquer coisa, um álbum para os fãs mais ferrenhos da eterna Material Girl. – Eduardo Rota Hilário

Elton John – The Lockdown Sessions

2020 não foi um ano fácil, quem dirá 2021. Em dois anos de isolamento lidando com o fim do mundo, na Música, encontramos refúgio. Nela, encaramos a solidão e nos transportamos para tempos mais coloridos, assim como fez o gigante do pop, Elton John, em seu mais recente álbum. Produto de 16 registros remotos, The Lockdown Sessions foi concebido despropositadamente após o cancelamento de sua turnê Farewell Yellow Brick Road, em decorrência do agravamento de casos de covid-19. E descendo do pedestal, o cantor britânico transverte as frustrações em parcerias inesperadas.

O novo projeto reúne um encontro memorável de diferentes gerações que incluem desde artistas emergentes (Rina Sawayama, Lil Nas X e Dua Lipa) até ícones consagrados da Quarta Arte (Stevie Wonder, Stevie Nicks e Eddie Vedder). São mais de vinte colaborações lançadas e produzidas durante o período da pandemia. Atirando-se a novas experiências, sem hesitar, The Lockdown Sessions naturalmente perde o equilíbrio em algumas faixas, como no insosso After All. Porém, apesar dos deslizes, o álbum também integra verdadeiras preciosidades, como o melancólico The Pink Phantom, revelando um Elton John liberto, explorando os mais variados gêneros musicais, despido de qualquer acanhamento. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – B-Sides & Rarities (Part II)

Na carreira do artista que passou seus anos no limiar entre a sarjeta e o estrelato, nada pode ser jogado fora. Em B-Sides & Rarities (Part II), Nick Cave & The Bad Seeds revelam suas preocupações e inseguranças, e avançam por janelas alternativas. Dando sequência à primeira coleção de b-sides lançada em 2005 — nesta que contemplou as duas primeiras décadas de trabalho —, B-Sides & Rarities (Part II) chega com 27 canções inéditas, gravadas entre 2006 e 2019, e apresenta um conjunto mais centrado cujo desenvolvimento parece ficar entre a festa e a melancolia.

Ao longo da história, os b-sides foram utilizados pelos grupos para mostrarem facetas pouco convencionais, ou versões que simplesmente não se encaixavam no grande universo mainstream. Mas o que ouvimos no disco é uma tentativa bastante sólida de entender as questões que regem o mundo, como na canção Push The Sky Away, a qual Cave entoa de forma honesta: “Você precisa apenas/Continuar empurrando/Empurre o céu para longe”. Em Steve McQueen ouvimos, ao longo de seus quatro minutos de duração, Nick Cave tecer considerações sobre depressão, suicídio e assassinato, com sua voz acompanhada apenas por um sintetizador — essa característica dá a canção um tom de discurso, cuja ideia é registrar esses pensamentos.

Também ouvimos em Needle Boy — uma canção que de cara faz lembrar os trabalhos mais recentes de Low — suas afirmações sobre a virada do século, maldade e o que podemos entender como metáforas da globalização. No disco, ainda há um cover de Avalanche, música de Leonard Cohen que Cave e os Bad Seeds já reproduziram no álbum de estreia, From Her to Eternity (1984). B-Sides & Rarities (Part II) é de fato raro, e, invariavelmente, genial. – Bruno Andrade

Agnes – Magic Still Exists

O revivalismo da disco music já deu o que tinha que dar, certo? Errado. Quando as exaltações nostálgicas parecem perder força, Agnes se traja do figurino mais extravagante ao evocar o hedonismo setentista em sua melhor essência com Magic Still Exists. E após quase uma década de um longo hiato, a vencedora do Ídolos Suécia 2005 conjura uma suprema magia nos curtos 35 minutos do seu aguardado quinto álbum de estúdio, fazendo da pista de dança seu confessionário mais íntimo, seu grito libertário.

Encabeçando o álbum com XX – hino enérgico sobre a exaltação da própria existência –, a sueca eleva as expectativas logo de cara, estendo um convite: “Liberte sua mente, liberte seu corpo”. Cada batida pulsante, cada melodia galáctica e cada verso meticuloso parecem estar concisamente onde deveriam estar e, como um truque de mestre, a artista eleva seu pop ao mais alto patamar. As influências óbvias são reverenciadas com primor, acumulando ao longo das sete faixas e quatro interlúdios a discoteca de Donna Summer, ABBA, Diana Ross, Prince, Kylie Minogue, além das contemporâneas Robyn e Dua Lipa.

Magic Still Exists é encerrada em toda a sua excelência pela faixa-título do álbum, uma balada sublime transportada por um piano sóbrio, a voz poderosíssima de Agnes e um coro angelicalmente extraterrestre, fazendo crer que sim, ainda há mágica na existência humana. “Às vezes se ganha, e de repente se perde tudo/A vida pode te enganar, se você assim quiser/Tudo que sei é que isso me leva de volta para você/A magia ainda existe”. Sem sequer uma canção dispensável, todas se amarram apuradamente numa coleção de epifanias do início ao fim, como pura magia. – Ayra Mori

Alice Caymmi – Imaculada 

Imaculada é o quinto álbum de estúdio da potente Alice Caymmi. Neta de Dorival Caymmi, Alice não nega suas raízes com a inconfundível e impactante voz que possui. O diferencial mais chamativo desse disco está na assinatura de sua cantora. Ela é dona da maioria das músicas e também produtora de Imaculada, sendo assim o trabalho tem Alice por completo, com todos os seus anseios e prazeres.

As dez faixas compõem uma linha tênue entre o divino e o visceral, e a voz da cantora conduz os profundos sentimentos gerados por Imaculada. Dentro da Minha Cabeça, canção que abre o disco, dá uma palhinha da singularidade do novo trabalho; Recíproco provoca um reencontro com o eu-lírico ainda machucado que continua em Ninfomaníaca – essa contando com a parceria de Urias e Number Teddie; e a faixa-título amarra todo o conceito previsto para o álbum, sinalizando com sua rítmica renovada que esse é apenas o começo de uma nova era. Imaculada ainda conta com os feats entre Mulú e Vivian Kuczynski. – Ana Júlia Trevisan

James Blake – Friends That Break Your Heart

Em ano de lançamentos concebidos na pandemia, Friends That Break Your Heart, o quinto álbum do londrino James Blake, é mais um deles. No novo projeto, o cantor, compositor e produtor, que já trabalhou com nomes como Frank Ocean, Kendrick Lamar e Beyoncé e foi incluído em indicações do Grammy por suas colaborações, faz o esforço para reencontrar seu lugar e se reajustar aos seus arredores. Seja nas relações familiares, românticas, de amizade ou profissionais, as 12 faixas do álbum refletem os questionamentos e incertezas de James Blake. 

Como ele defende, “o álbum não é marcado por canções de amor, é sobre se ajustar a vários tipos diferentes de relacionamentos (…), e sobre refletir sobre eles, sobre mim e sobre minha posição no mundo”. Porém, ao passo que ele define o trabalho como sua catarse pessoal, para os ouvidos não familiarizados à discografia do artista, Friends That Break Your Heart soa até seguro demais. 

Permeado pelas baladas R&B, que incluem participações de SZA, Monica Martin, slowthai e dos rappers JID e SwaVay, as canções soam similares às do último álbum de Blake, Assume Form, apesar do tema do anterior ser completamente o oposto. Ainda assim, algumas das canções mais pessoais, como a que intitula o projeto, Friends That Break Your Heart, If I’m Insecure e Funeral destacam a voz potente e profunda de James Blake e se sobressaem no bem sucedido, mas comum Friends That Break Your Heart. – Vitória Lopes Gomez

The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Adam Granduciel, líder do grupo intitulado The War On Drugs, possui um ar de trovador solitário, caminhando por vales desconhecidos com seu violão preso às costas enquanto vive um dia de cada vez. Em I Don’t Live Here Anymore, novo álbum do projeto, o que é levado a sério é justamente a jornada, a qual o estrelato inevitável, após angariar prêmios importantes, não subiu à cabeça. Muito semelhante ao que Wilco fez — especialmente no álbum Sky Blue Sky (2007) —, lembrando ainda canções de Bob Dylan com seu folk arredio, o disco é uma afirmação do poder musical de The War On Drugs.

Nesse épico comovente, cada elemento é colocado de forma limpa e sem grandes invenções, porém extremamente bem utilizados. Dos sintetizadores aos solos de guitarra, tudo parece ter sido encaixado peça por peça. Em Living Proof, uma bela porta de entrada, ouvimos um violão ao estilo folk, acompanhado de piano e guitarra levemente inseridos, dando a tônica do álbum. Change é uma das canções que demonstram a tranquilidade com que o disco é levado, trazendo ao longo de seus seis minutos de duração um pouco de britpop e uma voz autoconsciente.

Mesmo que possa soar semelhante ao disco A Deeper Understanding (2017), vencedor do Grammy na categoria Melhor Álbum de Rock, o trabalho possui uma diferença: “Ele é sobre crescer, envelhecer, mas também crescer fora de si mesmo”, conforme Granduciel disse em entrevista. I Don’t Live Here Anymore consolida o indie rock de qualidade composto pelos integrantes de The War On Drugs — ou não, talvez seja mais do que isso, mas vamos encerrar por aqui. – Bruno Andrade

PinkPantheress – to hell with it

Com 15 segundos, PinkPantheress explodiu no TikTok. Inserida na potente rede cultural, sua Música naturalmente é suportada pelos mesmos pilares da plataforma: são imediatistas, atrevidas e não têm medo de abraçar o cringe. Como resultado, a produtora e cantora britânica de 20 anos – registrando milhões de streams –, assinou um selo com uma grande gravadora, explorando no álbum de estreia o “new nostalgic”, termo utilizado pela própria para referenciar a nova onda que exalta o saudado anos 2000, (uma utopia peculiarmente esquisita onde pessoas usavam calças baixas, navegavam por gráficos pixelados e sonhavam com vampiros adolescentes), ainda bem.

Composto por dez faixas que raramente ultrapassam 2 minutos, to hell with it dispõe-se de uma simplicidade furtiva. PinkPantheress não tenta dominar as faixas com seus versos, pelo contrário, ela preenche o vazio com expressões vocais simples que se mesclam com o ritmo lo-fi pulsante característico. O que define a marca autoral da artista é a sua voz, que parece sussurrar diretamente em nosso ouvido. E apesar de referenciar intimamente o período 00’s, PinkPantheress não se limita a mimese, adicionando camadas contemporâneas sobre uma memória idealizada da infância passada. – Ayra Mori

Megan Thee Stallion – Something for Thee Hotties

Ela faz o Halloween dela! No dia 29 de outubro, Megan Thee Stallion nos presenteou com Something for Thee Hotties, coletânea que abriga alguns hits, canções inéditas dos arquivos da artista e alguns dos freestyles favoritos dos seus fãs. Em 21 faixas, a rapper ostenta o talento para rimas e sua identidade musical que elegeu como Melhor Artista Revelação no Grammy 2021 e uma das artistas mais promissoras da atualidade.

O destaque maior de Something for Thee Hotties é relembrar o que fez com que Megan Thee Stallion se transformasse em Megan Thee Stallion, isto é, sua genialidade na essência mais pura do rap. Desde os 14 anos, o que mais chama a atenção na artista que hoje é uma das maiores rappers do planeta é a sua habilidade em freestyles. É ousado fazer qualquer destaque, mas ouça Megan Monday Freestyle, God’s Favorite, Freakend, Bae Goals e Pipe Up se quiser sentir certeiramente a mágica de Megan com seus próprios ouvidos. – Raquel Dutra

EPs

Valley – Last Birthday

Se tem uma palavra que marca Last Birthday, o novo EP da Valley, é enérgico. Lançando single após single, a banda canadense de indie pop já havia disponibilizado quatro das sete faixas que compõem o trabalho, que chega com expectativa depois das prévias e de seu antecessor, o EP sucks to see you doing better. Mas enquanto este último é sobre “o sentimento de se comparar, corações partidos e saúde mental”, o mais recente tenta “entender o amor incondicional e refletir sobre as experiências que nos fazem entender nosso propósito”.

Abrindo o lançamento, Oh shit… are we in love? já começa animada, mas ainda leve o suficiente para construir o clima para o que vem depois, as empolgantes e dançantes Can We Make It? (Jim Carrey) e Cure. Seguindo a explosão de energia, a balada calma de ain’t my girl abaixa o tom demais e chega a ser tediosa, no que EP parece já ter atingido seu pico e decaído. Nisso, Valley mostra que não e que só precisava tomar fôlego para continuar, com as estimulantes e contagiantes Like 1999 e SOCIETY. 

Na reta final de um EP que poderia ser maior, a sétima faixa, Tempo, se distancia da sonoridade que marcou esse e outros trabalhos da banda e se aproxima mais da Eletrônica. Apesar de eufórica e ‘pra cima’ como suas companheiras, a canção soa experimental e acaba deslocada em relação ao restante. Ainda assim, em boa parte dos vinte e poucos minutos de duração, Last Birthday é revigorante como uma injeção de energia e empolgação – mesmo quando Valley canta sobre a sociedade ser uma merda. – Vitória Lopes Gomez

aespa – Savage

Em menos de 1 ano de carreira, o quarteto aespa se mostrou uma grande potência no mercado competitivo que é o k-pop. Seus dois primeiros singles, Black Mamba e Forever, não obtiveram êxitos monstruosos nas paradas musicais, mas certamente serviram como amostras do talento e da versatilidade do grupo. Em Next Level, o nível aumentou. Nadando contra a onda retrô que inundou o gênero no último ano, as novatas mudaram o jogo com uma faixa que mescla hip-hop e upbeat-jazz de uma maneira que suas concorrentes não conseguiriam performar mesmo se quisessem. E em seu trabalho de estreia, Savage, a crescente continua.

O mini-álbum de 6 faixas mergulha em uma sonoridade futurista e energética, seguindo a linearidade musical que o grupo trabalha desde o seu debut. Com uma produção caprichada, vemos um aespa confiante, audacioso e pronto para a aventura em seu universo próprio. Aliás, a parte lírica é um dos principais destaques positivos. Toda a narrativa original que as artistas construíram com a sua linguagem própria e as histórias evocadas em seus vídeos musicais retornam e chegam próximo de um desfecho. Através da faixa-título Savage, por exemplo, é possível interpretar o embate final do grupo com a figura vilanesca que fez sua primeira aparição em Black Mamba.

Aespa teve a proeza de, em seu primeiro EP, conseguir entregar um trabalho coeso e bem construído. A sequência Aenergy, Savage e I’ll Make You Cry é tão poderosa que o repeat é quase que inevitável. Não que as outras faixas não sejam tão interessantes quanto o trio, aliás, Yeppi Yeppi mostra uma faceta diferente do grupo, que consegue fugir do electropop por um minuto para relaxar os ouvidos do ouvinte com uma faixa hyperpop viciante. Iconic talvez seja a única que não se destaca dentro do álbum, mas está longe de ser ruim, diferente de Lucid Dream, um pop mesclado de R&B alternativo que evidencia a originalidade do grupo. O resultado? O sucesso. O EP já é um dos mais bem sucedidos entre girlgroups sul-coreanos. E é bem difícil unir qualidade com o sucesso, mas aqui o aespa conseguiu fazer tudo isso. – Giovanne Ramos

Músicas

Conan Gray – Telepath

Depois de Astronomy e People Watching, o Garoto Corvo libera Telepath, terceiro single da nova era. Co-escrita por ele, Julia Michaels, Ilya e Caroline Ailin, a canção acelera o tom dos trabalhos anteriores, e chegou junto do anúncio da turnê mundial do cantor, marcada para começar logo em 2022. O visual barroco e o conceito mais caloroso do material parece enveredar Conan para um som menos ameno que o apresentado em Kid Krow. Com sorte, ano que vem descobriremos a verdade. – Vitor Evangelista

FLETCHER – girls girls girls

“Eu beijei uma garota e gostei” é de se cantar a plenos pulmões e FLETCHER sabe disso. Com direito a sample do hit I Kissed a Girl, girls girls girls, o mais recente single da cantora e compositora, evoca todo o entusiasmo e a empolgação da descoberta da sexualidade, realmente merecedora de ser entoada alto e repetidamente. Não por coincidência, a canção, que acompanha um clipe nostálgico, foi lançada no International Lesbian Day.

girls girls girls chega animada e ousada depois da pessoal e reflexiva Healing, o single anterior da artista. “Eu beijei uma garota/e ela gostou/é melhor do que eu imaginei” é como a artista renova a canção de Katy Perry que marcou gerações, mas foi cantada por muitos – inclusive por ela – escondida. Agora, ao som da dançante batida pop, a letra divertida e confiante é reconfortante e o refrão grudento, libertador. O coming-of-age da sexualidade de FLETCHER é digno de, finalmente, ser cantado alto. – Vitória Lopes Gomez 

Anitta e Saweetie – Faking Love

A saga da carreira internacional continua! Entre altos e baixos, como o destaque nas rádios estrangeiras, a divulgação na Times Square e a ausência na Billboard Hot 100, o novo single de Anitta mais acerta do que erra em suas não tão ambiciosas propostas. Gravado com a rapper estadunidense Saweetie, e assinado por Andres Torres, Anitta, Kaine, Mauricio Rengifo, Ryan Tedder e a própria Saweetie, Faking Love toma sua melhor decisão ao mesclar o funk melody com os traços característicos do pop.  

Com um videoclipe bem finalizado, mas não muito tranquilo de se gravar, a dupla feminina brilha entre amores falsos, muita coreografia e flechas que voam por toda parte. Anitta, em particular, segue misturando as diversidades da Cultura brasileira com os ares internacionais bastante padronizados. E nesta jornada mais recente, de Me Gusta, Girl From Rio e Faking Love, a curiosidade do público acerca do próximo álbum da cantora carioca só cresce. – Eduardo Rota Hilário

PVRIS – My Way

Em My Way, Lynn Gunn continua o caminho de libertação iniciado em Use Me (2020) e dá voz ao sentimento de seguir em frente, da melhor maneira que conseguir: “Transformar o dia em noite/Ligar o interruptor na minha mente/Eu queimo as fases da vida/Sem resetar ou dar pra trás”, ela canta logo antes do refrão. O novo single mais uma vez é carregado pelos vocais densos e insidiosos de Gunn, que se unem ao sintetizador e ao baixo para formar uma batida elétrica alt-rock tão viciante quanto a anterior. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valesca Popozuda e Rebecca – PayPau 

No começo de outubro, Valesca Popozuda completou mais um ano de vida, mas o presentinho veio direcionado novamente aos popofãs. Lançando PayPau, a tão aguardada parceria com a funkeira Rebecca, a cantora carioca entrega um prato cheio aos fãs de duplo sentido. Isso porque a composição de Umberto Tavares e Jefferson Júnior carrega, desde o título, irreverências ambíguas – recurso amplamente utilizado em criações artísticas, embora seja preconceituosamente menosprezado de acordo com o gênero musical em que está inserido.

Mesclando funk tradicional e bregafunk, um dos elementos que PayPau apresenta é um toque que lembra bastante o hit Tudo OK, de Thiaguinho MT, Mila e JS O Mão de Ouro. Semelhança intencional ou não, isso cria uma atmosfera muito similar à dos sucessos do TikTok. Já em relação aos versos da canção, Umberto revelou ao portal Metrópoles que “a ideia social da música é colocar a mulher nesse lugar de empoderamento e independência”. Encerrando com chave de ouro, PayPau ganhou um clipe recheado de coreografia e figurinos deslumbrantes: obra audiovisual para nenhum fã botar defeito. – Eduardo Rota Hilário

Tears For Fears – The Tipping Point

Tears For Fears, dupla britânica formada por Curt Smith e Roland Orzabal, anunciou um novo álbum para o início de 2022, e divulgou a faixa-título desse novo projeto, The Tipping Point. O single marca o retorno do duo, cujo último trabalho inédito foi o disco Everybody Loves a Happy Ending, lançado em 2004. De forma ambiciosa e carregada de marcas que consolidaram a dupla, a canção é acompanhada por elementos eletrônicos que dão uma aura mística, nos transportando aos hits que brilharam nas trilhas sonoras de filmes, como a canção Head Over Heels, que compõe Donnie Darko (2001). A faixa ainda faz lembrar Everybody Wants To Rule The World, clássico absoluto que possui uma versão da Lorde, e que figura nas listas de melhores músicas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Gloria Groove – A QUEDA

Gloria Groove é um dos maiores nomes do pop brasileiro e gosta de continuar provando isso. Ser uma exímia artista, cantora e pessoa parece pouco para ela. Em A QUEDA, ela compôs uma verdadeira obra dos pés à cabeça: uma letra potente e um ritmo viciante combinados em um conceito circense fenomenal. A Lady Leste surfa pelo seu estilo musical sempre agregando novos ritmos à sua Música, como mostrou no funk BONEKINHA e na parceria com o sambista Thiaguinho em Presente do Céu. 

A drag queen sabe que sobe cada vez mais na carreira musical que vem construindo e entende que estar sob os holofotes em meio à tanta tecnologia é igual andar na corda bamba. Adotando o circo que o mundo do entretenimento é, A QUEDA fala sobre uma sociedade que está de prontidão com seus celulares esperando o erro. Junto com o single, o clipe, de direção de Felipe Sassi, é um show visual que viralizou instantaneamente, e já beira 30 milhões de visualizações no YouTube. – Nathália Mendes

Phoebe Bridgers – That Funny Feeling

Se em maio Bo Burnham, com o pessimismo cômico de Inside, gritou para o mundo sobre as agonias de um mundo caindo aos pedaços, em outubro, Phoebe Bridgers lançou sua versão acústica de uma das canções que integram o especial de comédia vencedor do Emmy, That Funny Feeling, em resposta a aprovação recente de políticas contra o aborto no Texas. O cover, também interpretado ao vivo em sua turnê de 2021 pelos EUA, foi primeiramente disponibilizado exclusivamente na plataforma Bandcamp, no qual toda receita gerada foi direcionada ao Texas Abortion Funds.

“Esta é para Greg Abbott”, disse a cantora indie em comunicado, referindo-se ao governador do estado, responsável por assinar a legislação de aborto mais restritiva do país. A lei proíbe todo aborto após seis semanas de gestação, além de permitir que qualquer cidadão tenha o poder de processar provedores de clínicas de aborto e qualquer pessoa que ofereça apoio a um aborto, incluindo desde familiares e amigos de um paciente até motoristas que forneçam transporte. Contra os retrocessos legislativos, Bridgers acertadamente posiciona sua Música como ato político. – Ayra Mori

Jesy Nelson e Nicki Minaj – Boyz

Quando Jesy Nelson anunciou sua saída da bem-sucedida girlgroup britânica Little Mix, foi desconcertante assistir uma parceria de longa década sendo desfeita. Os motivos de sua saída, no momento, foram válidos: a grande pressão estética de ser uma mulher na indústria da Música e a constante comparação com as suas parceiras no grupo a fizeram desistir.

O seu retorno para a música, no entanto, não replica a mesma qualidade nem a honestidade que o seu trabalho como misturinha transmitia. Entre o uso descarado de blackfishing e as polêmicas declarações de sua parceira na faixa, Nicki Minaj, o single de estreia Boyz amarga ainda no primeiro play. Mesmo com o sample da icônica Bad Boys For Life, do rapper Diddy, a canção não se sustenta, já que ela se baseia em um flow preguiçoso e um lirismo ultrapassado. Se Jesy se tornou uma artista solo para destacar sua identidade, Boyz é um péssimo início. – Laís David 

ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus – Geleira do tempo 

A série feats que eu não sabia que precisava ouvir até ouvir de verdade está de volta, estrelando ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus. A dupla sertaneja e o duo pop começaram o mês com o pé direito, recheado de muita paixão e companheirismo. É estranho descrever, mas a canção escrita por Ana Caetano e Tó Brandileone consegue emplacar, harmonicamente e liricamente, as duas duplas. Dá pra notar o trabalho de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus ao mesmo tempo, ainda que eles façam parte de estilos musicais completamente distintos. Com leveza e mansidão, inclusive um mundo congelado é capaz de derreter e se deleitar junto dos versos envolventes de Geleira do tempo. – Júlia Paes de Arruda

Aly & AJ – Am I Alright

Continuando no aquecimento para a versão Deluxe de a touch of the beat, Aly e AJ Michalka lançaram Am I Alright, mais uma amostra de suas adições ecléticas ao disco. Dessa vez, deixando de lado as energias mais positivas do CD original, aqui elas cantam sobre noites chuvosas em Los Angeles “revendo filmes de Godard”. Puxando alguns dos temas mais sombrios de suas experiências, as irmãs lamentam em uma melodia trágica e apaixonante: “Você pode dizer que estou me apoiando em depressão/Mas estou rejeitando-a/Você pode dizer que estou chorando por atenção/Mas estou prestes a quebrar”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Swedish House Mafia e The Weeknd – Moth To A Flame

Se Swedish House Mafia e The Weeknd parece uma combinação surpreendente, o resultado é, na verdade, um dos melhores singles de 2021. Moth To A Flame é uma mistura perfeita dos estilos musicais de ambos e forma uma balada dos anos 2000 de sensualidade e ritmo extremamente contagiante. A música foi lançada junto com um clipe de pegada apocalíptica bem meia boca que acompanha a letra sobre a busca por um prazer que incendeia. Duas lendas da Música mereciam um vídeo tão estrondoso quanto a obra que compuseram.

A presença da concepção musical de The Weeknd é predominante, mas o backdrop de Moth To A Flame é a essência da Swedish House Mafia, conseguindo até lembrar a fenomenal Don’t You Worry Child quando o beat é mais rápido. Além disso, os DJs conseguiram absorver o estilo único de unir passado com presente de The Weeknd, e formar um ritmo mais future house – provando que tantos anos de parceria só os tornam melhores no que fazem desde o começo. – Nathália Mendes

The Neighbourhood – Fallen Star

Fallen Star, o mais recente lançamento da The Neighbourhood, pode soar familiar. Isso porque trechos da faixa já haviam sido divulgados nas redes sociais da banda antes mesmo da chegada do último álbum, o conceitual Chip Chrome & The Mono-Tones. A canção acabou não integrando nem o projeto, nem sua versão Deluxe e, na época, as prévias pareceram ficar por aquilo mesmo. Agora, mais de um ano depois do nascimento de Chip Chrome, a The Neighbourhood resolveu reviver a persona de Jesse Rutherford e a canção descartada: Fallen Star finalmente foi disponibilizada, como single. 

Na faixa, o vocalista sofre por um amor inevitável, mas que parece não dar certo. “Eu vou te manter longe de mim como uma estrela/Difícil não me apaixonar por você, te dei todo o meu coração”, ele se divide. Não só no personagem principal, mas a sonoridade do single também remete ao último álbum do quinteto: Fallen Star lembra faixas como Pretty Boy e Cherry Flavoured. De fato, a canção facilmente se encaixaria com seus antecessores, mas Chip Chrome ainda não morreu. – Vitória Lopes Gomez

Tom Zé – O Rock Ronca

É de longa data o espírito roqueiro que Tom Zé cultiva em si mesmo. Uma das provas mais famosas dessa afirmação talvez seja a canção Jimmy, Renda-Se, presente no álbum Tom Zé, de 1970. Agora, após completar 85 anos de vida em outubro, o gênio tropicalista comprova que essa alma de liberdade e atrevimento – no bom sentido da palavra – permanece viva. Com a criatividade ousada de sempre, o artista lança, através do selo Circus Produções, a animada música O Rock Ronca. 

Na verdade, não se trata de uma composição inédita. Criada para a apresentação de Tom Zé na edição de 2011 do Rock in Rio, foram necessários dez anos até que essa canção fosse lançada oficialmente como single nas plataformas de streaming. Se é verdade que O Rock Ronca celebra o aniversário de seu criador, também podemos afirmar que essa música abre caminhos para a nova edição do mesmo festival: o Rock in Rio 2022. – Eduardo Rota Hilário 

Mitski – Working for the Knife

“I cry at the start of every movie/I guess ‘cause I wish I was making things too”. Assim, inicia Mitski nos cortando logo de cara após três longos anos. Desde o irretocável Be the Cowboy, a nipo-americana anunciou uma pausa indefinida na carreira, confrontando nesse hiato a própria identidade na Música em que produzia. Esquivando de ser engolida por um sistema em constante frenesi, Mitski ressurge com Working for the Knife numa reflexão dura quanto ao exato conflito entre arte e ofício que a fez se desligar em 2019.

Acompanhada de sintetizadores misteriosos, guitarra intensa ou, ainda, da própria respiração, Mitski discorre sobre os movimentos da vida sob uma “faca”, uma força opressora. O capitalismo, a velhice, o desequilíbrio psicológico, são metáforas evocadas pelos versos que abrem espaço para as particularidades de quem ouve. Até mesmo a estrutura da música revela a abordagem em relação a monotonia capitalista, constituindo-se somente por cinco estrofes que não se distinguem sonoramente entre si e se encerram subitamente, sem alívio algum.

No videoclipe dirigido por Zia Anger, reforçando o desespero angustiante marcado pela canção, Mitski vagueia completamente sozinha pelo espaço, emergindo num vazio sem fim. A escala da arquitetura monumental amplifica os vazios do edifício, dando visibilidade à presença enigmática de Mitski que conduz uma performance desvairada e, no final das contas, retorna ao mesmo lugar. “I start the day lying and end with the truth/That I’m dying for the knife.” – Ayra Mori

DJ Snake, Ozuna, Megan Thee Stallion e LISA – SG

Um espertíssimo DJ Snake uniu Ozuna (novamente), Megan Thee Stallion e LISA do grupo BLACKPINK em um single, e assim, conseguiu um clipe bombadíssimo com 60 milhões de visualizações no YouTube em apenas uma semana. Sem surpresa, SG não é nenhuma composição fenomenal com sua letra sobre uma mulher gostosa dançando para um cara. O DJ mostra que gosta de ser um camaleão farejador de sucessos e explorar os estilos que estão em alta, como em Taki Taki e as participações de Selena Gomez e Cardi B – que até tem o mesmo estilo pop e rap de SG. Mas quem diria que um DJ, uma rapper, uma cantora de k-pop e um espanhol dariam um reggaeton de ritmo gostoso assim? – Nathália Mendes

Ainda mais dançante que o single anterior, Foxes aposta na angústia de relacionamentos complicados e no sabor que uma boa tragédia proporciona em Dance Magic. Apesar de à primeira vista se diferenciar do repertório de costume da britânica, a música logo engata em suas batidas eletrônicas usuais e versos potentes e engajantes. Parte do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora pop, The Kick, a faixa nos deixa ansiosos para o próximo capítulo de sua artista em 2022. – Gabriel Oliveira F. Arruda