Guilherme Machado Leal

Após o lançamento de Don’t Start Now, faixa que iniciou os trabalhos de seu segundo álbum, Dua Lipa utilizou uma das melhores plataformas de divulgação para uma artista pop: a performance em uma premiação com alcance mundial. Ato de abertura do MTV Europe Music Awards, em novembro de 2019, a artista mostrou que havia feito a lição de casa depois das críticas que recebeu no ano anterior pela sua dança em One Kiss – hit com Calvin Harris – no Lollapalooza de Berlim. Como tudo que dita a era Future Nostalgia, a cantora dividiu com o público o avanço em direção à estrela que gostaria de se tornar. A cada lançamento que antecipava a chegada do projeto, a albanesa preparava o terreno para aquele que se tornaria o seu trabalho mais aclamado.

Prince, Blondie, Jamiroquai e Moloko foram referências para a jovem, que optou por misturar o passado com o futuro ao descrever em sua lírica o momento pelo qual passava enquanto uma mulher de 20 e poucos anos em meio à produção com homenagens a épocas célebres da música. No single de estreia, por exemplo, o disco setentista era o foco; na composição, a performer pedia para que o ex não entrasse em contato, pois ela estava em um novo momento. Pois bem, sua mudança foi perceptível: a popstar trocou as baladas de coração partido pela diversão encabeçada do som fresco e futurista, explicado em entrevista à Variety durante o lançamento do sucessor de seu debut.

Sem lágrimas para derramar, ou melhor: se chorasse, que fosse na pista de dança, a artista construiu o próprio nome em um lugar especial no gênero. Entre os nomes que surgiram na época de New Rules, canção responsável por exportar as ambições musicais de Lipa ao redor do globo, a britânica se destacou com um combo potente e atemporal. Aliada a um time de produtores, formado principalmente por Jeff Bhasker, Ian Kirkpatrick e com uma peça fundamental para auxiliar no sentimento de nostalgia ao escutar o álbum: Stuart Price.

Conhecido como o principal produtor do Confessions on a Dance Floor, de Madonna, o veterano participa de faixas como Cool, Hallucinate e Love Again. No entanto, é em Levitating que o toque especial do britânico: em uma canção cheia de frescor e vida, a intérprete coloca os pulmões para fora, demonstrando o amor de outras dimensões que sente por alguém. Atuando nos teclados, na programação e no baixo, o artista confere à música um sentimento de saudosismo aos momentos mais impactantes do pop, como Teenage Dream de Katy Perry.

O quinto single da era se tornou o maior sucesso da cantora na Billboard Hot 100 ao passar 77 semanas na parada norte-americana. Para impulsionar, a produção ganhou duas versões: uma com Madonna e Missy Elliott para o Club Future Nostalgia (versão remixada do projeto original) e outra com o rapper DaBaby, presente no relançamento do disco, intitulado Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Depois de cinco anos, ao revisitar o trabalho, pode haver o questionamento se a sonoridade parou no tempo. Entretanto, à época, além da britânica, nomes como The Weeknd e Doja Cat estavam retomando o som oitentista. 

De fato, voltar àquilo que já foi feito é um cenário muito confortável para os cantores da atualidade. Embora o público esteja acostumado com letras virais para o TikTok ou dancinhas que irão ‘ajudar’ na longevidade de um trabalho musical, os consumidores do gênero não são tão fáceis de enganar. E é nesse ponto que o segundo álbum da performer a consagra como uma promessa. A autenticidade e o desejo de permanecer aparecem nos versos embalados de sentimentalismo, assim como a homenagem realizada a quem veio antes. Ser da nova geração e ganhar o apoio daqueles que viram de perto a ascensão de Britney Spears, a versatilidade de Beyoncé e a transformação cultural de Lady Gaga não depende apenas de uma gravadora injetando dinheiro. Longe disso, no disco, é perceptível o quanto Dua Lipa precisou correr para mostrar o seu diferencial.

Uma das particularidades da obra e que a coloca como um respiro à música pop enlatada é a alteração – ou expansão – que Lipa realiza nas faixas ao cantar os segundos refrãos. Em Physical, por exemplo, vemos uma extensão das letras e do vocal da artista, com adição de conteúdos líricos que ampliam o gosto do fã pelo momento em que coloca os fones de ouvido. Pretty Please, uma das canções mais espertas da britânica, contém acertos criativos no que se relaciona ao trabalho de produção, a exemplo do som de uma espinha sendo arrepiada, como ela mesma versa no exato segundo em que canta, ou quando pede para o amado ajudá-la a desacelerar e a velocidade rítmica da canção diminui. 

Segundos como esses, sutilmente representados, dão força à história que a compositora conta no Future Nostalgia. Se em 2018, Ariana Grande disse que não havia mais lágrimas para chorar, Dua pega o líquido e o bebe direto da pista de dança. Para ela, não tem tempo ruim! E se for para se lamentar, que seja ao som de uma boa canção pop. Por si só, o segundo álbum de estúdio é suficiente; mas, como uma boa estudiosa dos passos de seus antecessores, a estrela domina ainda mais a conversa trazida com os clipes que marcaram a era.

Nós criamos algo fenomenal

Você não concorda?  — Physical

Em Break My Heart, faixa que contém interpolação do hit Need You Tonight da banda australiana INXS, a performer versa sobre o medo de se “apaixonar por aquele que poderá quebrar seu coração”, como ela mesma diz no refrão. No vídeo, comandado por Henry Scholfield, com quem a popstar já trabalhou em IDGAF e New Rules, a jovem se junta às amigas em uma festa retrô com direito a uma coreografia intimista. No último single do projeto, Love Again, a compositora abandona as madeixas loiras que marcaram e entrega à faixa um conceito introspectivo alinhado à coreografia country no melhor estilo ‘quem faz o palhaço rir?’.

Desde o momento em que foi lançado, o álbum marcaria o gênero na década de 2020. Com o aniversário de cinco anos, fica evidente o cuidado dela em trazer a sua versão do que seria se sentir fresh e vintage; o que pegar de lá e trazer para cá. É uma roupagem interessante, enérgica e, com certeza, um divisor de águas na carreira da britânica. O receio de se tornar um mero cometa avistado por um seleto grupo nem deveria ser conversa de terapia para a cantora: o nome de Dua Lipa entrou para o hall de hitmakers do gênero.

“Você quer uma música atemporal, eu quero mudar o jogo”, frase dita pela cantora na faixa que abre o disco, sintetiza o compromisso da estrela. Aqui, você vai suar e se cansar por um bom motivo: aos veteranos, é um registro muito bem estruturado de quem vive na pele as transformações do cenário pop; para os novatos, o Future Nostalgia é uma boa porta de entrada para descobrir lendas que influenciaram e constituíram não só a pessoa da voz que encabeça o projeto, mas os nomes que a fizeram cimentar o status de star quality – almejado por muitos e conquistados por poucos.

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Davi Marcelgo e Guilherme Machado Leal

Na música pop, artistas femininas são colocadas a prova a cada trabalho que realizam. Criam-se rivalidades entre cantoras, de Madonna à Gaga até Taylor Swift e Katy Perry. Seja pela sonoridade, pelos vocais ou pela composição, as mulheres do gênero musical precisam se esforçar duas vezes mais se comparadas aos cantores masculinos. Com Dua Lipa, a situação não foi diferente: desde a sua estreia, com o álbum homônimo, mesmo com números exorbitantes – a exemplo o clipe de New Rules, que possui mais de três bilhões de visualizações no Youtube –, a cantora não ficou ilesa das críticas devido aos seguintes questionamentos: ‘ela vai aprender a dançar?” e ‘ela irá superar o primeiro trabalho?’. Após o lançamento do Future Nostalgia, em 2020, a britânica provou que, daqui 40 anos, vamos sentir saudades do seu dance-pop.

Agora, iniciando a sua terceira era, Radical Optimism, a artista se afasta da sonoridade que abordou durante os três anos do seu segundo disco. No lançamento de Dance The Night para Barbie (2023) e os três singles, o público quis testar a albanesa ao apontar que o novo projeto seria uma coleção de descartes do FN. Porém, desde Houdini, a influência de Kevin Parker (Tame Impala) com os arranjos de sintetizadores e pianos elétricos, deixaram claro a pegada psicodélica do mais recente trabalho, distanciando-se dos laços com as pistas de danças da década de 1990. Mas será que com as diferenças, o mergulho de Dua Lipa entre tubarões é tão profundo e memorável quanto seu antecessor?

A resposta é um misto de sentimentos. É difícil não compará-lo com Future Nostalgia, que foi a sensação da pandemia e não parou de tocar nas rádios. Sucesso foi tanto, que a cantora lançou duas novas versões, The Moonlight Edition e Club Future Nostalgia. Com tanta energia, a expectativa era de que Radical Optimism fosse melhor. No entanto, ele não precisa. Não no sentido de que Lipa pode lançar faixas medíocres só por ter um álbum essencial na carreira, mas porque este novo tem outras ambições, histórias e ritmos. Ele não quer ser um projeto energético e dançante – mesmo que os três singles apontem para essa direção.

Houdini, Training Season e Illusion soam como uma transição de uma era para outra. Como se fosse um aviso da artista para os fãs não se assustarem com uma mudança brusca. O álbum aposta em coros de fundo, uma balada que altera seu ritmo pela metade e French Exit, faixa que remete a um pop francês, como Fever (2020), com a francesa Angèle. Escolher lançar primeiro as músicas mais animadas é, sem dúvidas, uma decisão de mercado, que vai atrair os ouvintes do FN para uma fase tão enérgica quanto a última. 

Após o primeiro contato com o terceiro disco, a sensação agridoce é a que fica ao término dos 37 minutos de Radical Optimism. Isso porque, diferente do Future Nostalgia, o conceito formulado pela cantora não se faz tão claro nas letras do projeto. No entanto, sonoramente, os instrumentos utilizados por Kevin Parker em faixas como Training Season e Whatcha Doing, podem ser apreciados pelos fãs da artista. Além disso, embora Houdini seja, no mínimo, uma das cinco melhores canções de Dua Lipa, a era otimista e radical da albanesa não possui um hit instantâneo. 

Em uma era marcada por TikTok e músicas rápidas, a cantora segue na contramão. Quando disponibilizou os três singles que antecederam o lançamento do álbum, Lipa deu aos fãs versões estendidas e instrumentais das canções. Assim, ela valorizou não só o trabalho de composição da nova era, mas também o ponto mais alto do novo disco: as produções dele. Além disso, também é notável o amadurecimento da cantora enquanto pessoa para esse novo momento de sua carreira. Em entrevista concedida a Zane Lowe, a artista mostrou um pouco mais do livro de letras que inspiraram o Radical Optimism. A canção Illusion, por exemplo, foi a primeira escrita para o projeto e ditou, visualmente, o que a compositora pretendia passar para o público.

Proporcional a uma aula de natação, em que não é no primeiro mergulho que se aprende a nadar, não é em apenas um play que as intenções de Dua Lipa ficam cristalinas. Se, em seus outros discos, a cantora cantava sobre corpo, prazer e sexo em faixas como Begging, Physical e Lost In Your Light, o terceiro projeto propõe a historia de um eu lírico que está a vontade com um término, mas que, aos poucos, descobre que a situação não é tão otimista assim e que é preciso se esforçar para aceitar as mudanças. 

A primeira faixa End Of An Era anuncia que a artista deixará para trás o estilo de vida boêmio e cairá nos braços de alguém que acredita ser o seu ‘felizes para sempre’, contudo, no fim, acaba sendo um ciclo de desilusões. Já em These Walls, a albanesa personifica as paredes de um quarto que, se pudessem falar, deixariam claro que o relacionamento entre duas pessoas já está na hora de terminar. Com cordas de guitarra e um coro de fundo animado, a cantora transforma a música em um delírio trivial contagiante. Nesta canção, a compositora concorda com os apontamentos das paredes, mas não quer ser “aquela que termina tudo”. 

Por esse lado, na faixa Whatcha Doing, a artista canta sobre um futuro possível relacionamento que desconcerta os seus sentimentos. Com um pré-refrão viciante, a canção, produzida por Kevin Parker, soma-se às outras do Radical Optimism que dão um toque mais dançante ao álbum. Além disso, Falling Forever, por exemplo, contém um dos melhores vocais gravados por Dua Lipa. A letra é simples: a britânica pede ao amado que se apaixone por ela todos os dias de sua vida, sendo um ótimo exemplo de como o eu lírico amoroso vivido pela albanesa se conecta com a sua alma pop e radiofônica. 

A última canção, Happy For You, escancara essa força de querer ser otimista. Após querer se livrar de situações de forma discreta e passar por desilusões, a cantora diz estar feliz que seu amado esteja com outra pessoa. Seu conforto com a situação é tão gritante que ela não sente ira ou sofrimento; “Eu devo ter te amado mais do que um dia imaginei”, canta no refrão. A faixa é acompanhada de acordes agridoces e sons ambientes (vento e pássaros), reforçando essa felicidade acompanhada de uma tristeza. 

Ao final, as músicas apresentam uma coerência, há uma história sendo contada: alguém que faz de tudo para manter o amor durante dez faixas do álbum mas, na sua décima primeira faixa, aceita o fim. A intercalação de canções mais tristes e felizes dão essa sensação de que a cantora leva suas emoções ao extremo para se sentir feliz. Diferente do FN, em que há sequências de músicas animadas e coesas, o terceiro projeto não é tão certeiro nessa unidade sonora. Porém, a clareza do conceito fica transparente depois de mergulhar junto com Lipa e ouvir o disco mais vezes, o que faz as ideias dele fazerem sentido junto com a sua sonoridade.

Em relação aos visuais, a era Radical Optimism reafirma a versatilidade e evolução da musicista. O clipe de Houdini, por exemplo, se assemelha ao de Hung Up da cantora Madonna. Dua Lipa está em um estúdio de dança, ao lado de seus dançarinos e com o cabelo vermelho, que conferiu ao terceiro disco a identidade visual da artista. Mais uma vez, é possível ver o talento da albanesa a partir da forma com que o seu estilo se altera a cada trabalho novo. Já no clipe de Illusion, referências claras aos clipes das faixas Body Language e Aphrodite da australiana Kylie Minogue. As duas veteranas, inclusive, colaboraram com a novata na era Future Nostalgia; Madonna apareceu no remix de Levitating, também com a presença de Missy Elliot, enquanto Kylie Minogue cantou a música Real Groove com Lipa no especial Studio 54, projeto em que a artista entregou versões ao vivo dos hits do segundo disco.

Não foi apenas a identidade visual da musicista que evoluiu ao longo dos anos. No começo de sua carreira, Dua Lipa foi extremamente criticada por uma performance que fez da música One Kiss. Na época, a cantora não se sentia confortável em dançar e o público prontamente percebeu após a apresentação. No entanto, as críticas se tornaram uma meta para a cantora: quando iniciou a era Future Nostalgia, ao se apresentar no MTV Europe Music Awards (EMA), a albanesa arrancou elogios da platéia. Em 2024, na performance de Training Season realizada no BRIT Awards, a voz de Don’t Start Now mostrou mais uma vez o seu empenho em se tornar uma artista pop. Com movimentos ágeis e breakdance no meio do show, a ruiva divulgou o Radical Optimism com sangue nos olhos.

Superar um álbum estrondoso nem sempre é possível, ainda mais se o projeto anterior for o Future Nostalgia. Entretanto, Dua Lipa parece saber bem o caminho que irá seguir na Música pop. Hoje, ela canta sobre a sua vida amorosa e evolução pessoal, não se importando com a ‘caixinha’ que irão colocá-la. O terceiro disco da artista não é fraco, muito pelo contrário, ele a consolida como uma cantora essencialmente popular, que sabe utilizar referências e, a partir delas, cria a sua própria história. Além disso, o Radical Optimism não soa como o trabalho que veio antes, tampouco é inferior. Os dois são diferentes e conversam a respeito de momentos específicos da carreira da britânica, comprovando, mais uma vez, o seu talento em passear por diferentes sentimentos e sonoridades em uma canção.

Uma das críticas que cercam o trabalho de Lipa é a associação de suas músicas a meros sons de fundo de lojas de departamento. No entanto, resumir o trabalho da artista a canções descompromissadas com a realidade é um erro, uma vez que sua voz e as referências que ela utiliza são singulares e incomparáveis com outras divas do pop. O futuro da cantora é incerto, os gêneros que irá trabalhar daqui quatro anos é um mistério, mas uma coisa é certa: o público precisará segurar o fôlego para mergulhar junto com a britânica e, até mesmo, estudar mais estilos musicais que ela esteja disposta a homenagear. Com seu britpop, Dua Lipa nada em direção à sua própria evolução em Radical Optimism. 

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Vitória Vulcano

O ano de 2017 foi marcado pelo início da mais recente reviravolta a atingir o berço de Lady Gaga em cheio. Dialogando com uma crise de identidade, ou surfando na onda de reinvenções prostradas, o gênero que aprendeu a fazer história dominando o topo das paradas vivia uma representação insossa, desmedidamente guiada pelo instantâneo e fragilmente centrada no sucesso de personalidades masculinas. Então, quando o rap assumidamente superou o pop, todos sabiam que não era questão de longevidade; mas, sim, de poder popular.

Manifestada como frescor musical, Dua Lipa foi um dos dezenas de nomes designados para aguar o tal deserto criativo. Os primeiros singles da inglesa já agitavam as rádios europeias um ano antes, investindo em experimentações que uniam metáfora à melodia. Só que mudar – ainda que minimamente – as rédeas da derrocada do ritmo chiclete exigia se colocar para jogo além do compromisso de nivelar sua estreia na indústria sonora. A típica exploração visual e lírica do pertencimento, responsável por estruturar personas novatas nos acordes, dependia da precisão tomada no processo. Curiosamente, entre formas e testemunhas, a caloura Lipa decidiu pela coragem de se autointitular a nova via do pop.

O desenvolvimento artístico surgiu inspirado na instabilidade do contexto, da humanidade e da própria cantora. Independente e multidisciplinar, a filha do rockeiro Dukagjin reverberava Música desde a flor da idade, e não tinha papas na ambição de projetar uma fluidez de arromba, abrangendo de J. Cole a Nelly Furtado. Nesse avançar deslumbrado, o plano custou um repertório relevante e bem ardiloso: ao todo, 160 canções nasceram para o primeiro álbum da artista, Dua Lipa, e seu lançamento sofreu penosos adiamentos no fuzuê de moldar uma tracklist coesa, próspera e original.

Transitando no espaço igualmente desafiado pela pressão interna da Warner Bros. Records, que fincava o pé na urgência de possuir uma estrela feminina global, Lipa revisitou os calos e as delícias de suas composições repetidas vezes. Além da euforia de se fidelizar nos rascunhos e demos, a britânica tentava vingar seu talento frente a um leque de 40 produtores, até então desconhecidos por ela. Escancarada no minidocumentário See In Blue, a ambientação se blinda da hostilidade quando encontramos o empenho caloroso da leonina e passamos a sonhar com ela.

Nesse clima agridoce, restaurando a sede performática que a colocou no radar, a artista transformou os indícios de perdição em sua própria resistência. Pela carne e pelos ossos, a nostálgica futurista permaneceu se desarmando para sentir as incontáveis camadas do cotidiano. Mais do que lidar com o mundano, ela escolheu seus dogmas. Inadmissível seria não chorar por redenção, restituir sua autoconfiança, ter fé no divino, volta e meia dançar com o diabo. Assimilando o perverso – e por que não o angelical? – do além-túmulo, Lipa, enfim, expurgou o fracasso do estúdio se sagrando onipotência de um universo nada maniqueísta e completamente honesto.

“No princípio, Deus criou o céu e a Terra”, e a Genesis inglesa pretende fazer o esforço servir. Longe de se limitar às referências bíblicas, a introdução usa a simbologia intensa para conduzir um aguardado recomeço: a adolescente temporariamente garçonete e modelo morreu; vida se forma para a presente artista. Aquele empurrão para tornar a premonição, profecia. Tanta energia traz dimensões largas de tato e ritmo, constantes na aura do CD e que ajudam no despontar, em sequência, de Lost In Your Light, Hotter Than Hell e Be The One.

A salada emocional da tríade, integrante do compilado de oito singles da era, denuncia, sobretudo, a interessante translação de sonoridade que Dua lutou para construir ao lado de Axident, Digital Farm Animals e Ian Kirkpatrick – contribuintes chaves da produção. O lirismo de Lipa se desenha pela atmosfera astral de um pop cunhado na progressão de melodias, fonte intimamente guiada pelo timbre único da britânica. Inversa às imitações frágeis e caixinhas, até nos tropeços como iniciante a cantora pretende apagar qualquer camuflagem de si mesma.

Combinadas à exploração de variantes musicais, as alegorias feitas para noites, porres e amantes se refugiam em um diário não-linear e revelam o importante caráter do disco homônimo. Agraciada na montanha russa da fama repentina, a co-autora de 21 das 25 faixas do projeto administrava o auge de seus vinte e primeiros anos. Ninguém se prepara para viver no alcance mundial, e ela só queria aprender a crescer (traço notável, principalmente, na evolução de sua filmografia). Na distribuição sazonal de suas mid-tempos, Dua, então, usa o palco para incorporar o destino, se entendendo pessoa pública, jovem e enérgica. Em Dua Lipa, no amor e na tragédia: o que vale, afinal, é extravasar.

A técnica narrativa da cantora se materializa em cada gancho da obra, refletindo uma alma que ora teme, ora escolhe se ancorar na consciência. Dramaticamente dançantes em Begging e destinando batidas amargas à pungente No Goodbyes, os pensamentos recaem na disposição para juntar as tralhas e arruaçar em Bad Together: “Porque, querido, eu tenho sido má, mas os céus me perdoaram”. E é ousando nesse persistente embalo místico que a transparência de Dua se vicia em esbarrar nas alegrias e feridas da realidade, aproximando o conflito entre o contraditório e o vulnerável.

New Rules, Blow Your Mind (Mwah) e IDGAF, hits explosivos da era, investigam justamente o potencial passional do dilema. De carona nas boas e velhas canções de superação romântica, o marketing tramado foi estratégico: enquanto os arrozes de festa pop estendiam a visibilidade e o impacto da inglesa nos charts, versões Deluxe e Complete Edition de seu disco eram criadas. Em sua maioria pontos reluzentes do trabalho, as faixas adicionais de Dua Lipa investem ainda mais no dinamismo como marca da estreia da artista.

Compartilhando da identidade de BLACKPINK, Martin Garrix e Sean Paul, a inglesa balanceou com destreza a sonoridade dark predominante em suas b-sides e os feats promissores alçados nos horizontes eletrônicos. Foi, inclusive, com a sutileza da variação tropical house que a consolidação internacional de Dua continuou forte. One Kiss, produção de Calvin Harris, pegou firme no gosto mundial e anda rendendo, na atualidade, como hino alternativo do Liverpool. No mesmo espectro, o destaque ficou com a irmã mais velha Electricity, que garantiu a vitória da cantora, ao lado de Silk City, em Melhor Gravação Dance do Grammy 2019.

Versando do caos à integridade e desenrolando-se por quatro anos nos holofotes, o nascimento oficial de Dua Lipa na Música não foi revolucionário. Nada na ascensão da britânica era realmente estranho aos olhos e ouvidos de um consumidor ávido, ou ainda casual do pop. E o maior trunfo do processo é não precisar bater nenhuma dessas pretensões. Em uma época recheada de quases, as novas regras da declarada Artista Revelação foram parte do êxito que salvou as boas intenções que norteavam o inferno musical de 2017. A perspicácia de revitalizar o passado com o ritmo de um futuro só seu. Por fim, ela é coroada a cantora mais reproduzida daquele ano.

Meia década depois, o pop voltou a morar nos pódios junto de muitos nomes profissionais e harmônicos, e Dua continua figurando entre eles; agora, com o saudosismo audaz de Future Nostalgia. Seguindo a linha de sonorizar de cabo a rabo múltiplos mundos e sensações, munida de conceitos implícitos e escancarados, a inglesa conserva o dom da inquietude e da reinvenção lúcida que desejamos cada vez mais nos alto-falantes. Simplesmente porque provar de quem sabe a que veio é especial. Passe o tempo que for, do purgatório ao paraíso, sempre é um prazer cantar Dua Lipa.

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Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira

Doja Cat – Planet Her

Doja Cat constrói seu próprio planeta e nos leva para visitá-lo em Planet Her. Lançado no dia 25, o mais novo álbum da cantora já nasceu com grandes expectativas. Depois de abalar a indústria musical com seu extremamente bem sucedido Hot Pink, era grande a espera por suas novas músicas. Seu primeiro single, Kiss Me More, estourou no TikTok e iniciou muito bem a nova era.

Dentre as 14 faixas, grandes nomes como Ariana Grande, The Weeknd e SZA participaram em feats que enriqueceram bastante a obra. Apesar dessas parcerias e algumas outras músicas com potencial de viralizarem, a outra metade do álbum não atingiu o nível que Doja é capaz de fazer com sua habilidade única de criar hits. Bem mais ou menos, Planet Her está dividido em composições completamente viciantes e outras nem mesmo divertidas de escutar. Em suma, um EP poderia ter sido uma escolha mais certeira da cantora, mas pelo menos recebemos canções ótimas para adicionar nas playlists de 2021. – Mariana Chagas

Lady Gaga – Born This Way The Tenth Anniversary

Quem imaginou que Lady Gaga poderia ficar mais gay ainda? Ou melhor, quem imaginou que o Born This Way poderia ficar ainda mais queer? Por incrível que pareça, a Mother Monster conseguiu. Em um relançamento mais que especial, comemorando os 10 anos do disco em pleno Mês do Orgulho LGBTQIA+, Gaga reuniu Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck para presentear o mundo com covers de algumas de suas melhores canções. 

Marry the Night, cantada pela lendária Minogue, e The Edge of Glory nos servem a energia do seriado Glee, no melhor dos sentidos. Highway Unicorn (Road to Love) e Yoü and I reimaginam a força das faixas em uma nova roupagem, sem perder o impacto e envolvimento. Born This Way (The Country Road Version) nos coloca para sentir a fivela gelada do cinto na barriga, dessa vez cantada por Peck. E Big Freedia fica com o melhor rework da compilação, uma insana e elétrica Judas, pulsante com sua fanfarra e a voz maravilhosamente grossa da artista. 

O maior defeito do álbum reimaginado é que tenhamos tão poucas faixas novas. Existem tantos cantores e produtores LGBTQIA+ talentosíssimos por aí que poderíamos receber um cover para cada música do Born This Way original. Infelizmente, só podemos sonhar com uma Scheiße refeita por Kim Petras, por exemplo, ou uma Bad Kids de Isaac Dunbar. Quem sabe no aniversário de 15 anos? – Jho Brunhara

Rostam – Changephobia

Ao contrário do que o nome do disco sugere, Rostam não tem medo das mudanças. Ex-integrante da banda Vampire Weekend e agora atuando como produtor e artista solo, Rostam tem em seu currículo grandes investidas da música indie de agora, desde seu debut de 2017, Half-Light, até a produção do recente e próximo-da perfeição Women in Music Pt. III, das HAIM.

Sua segunda aventura solo é Changephobia, um disco encorpado e difuso, no melhor sentido das palavras. Dessa vez, Rostam Batmanglij não hesita em mergulhar sem proteção em influências do rock e do jazz, filtradas por seu apurado senso estético e pelas ideias originais que imprime em todas as onze faixas. As guitarras sambam e as vozes se esgarçam, ao passo que temas como amor, medo e ilusão viram formas geométricas frente à criatividade do músico, sedimentando, de modo claro e simples, Changephobia como um dos destaques sonoros deste ano de 2021. – Vitor Evangelista

iris – love and other disasters

iris é uma cantora norueguesa que, desde 2019, vem trazendo singles e EPs sensíveis e com um toque pessoal. Agora, ela debuta com o álbum love and other disasters. Suas dezesseis músicas decorrem no tempo certo de 47 minutos, não deixando sua crescente sonoridade ficar maçante, ou até mesmo exaustiva. Mas, como nem tudo são flores, a qualidade do disco cai nos momentos em que a cantora tenta forçar a voz em melodias que poderiam ser simplistas.

push, don’t push, canção que abre love and other disasters, tem toda essência pop e já deixa o spoiler de um trabalho mais livre, sem amarras ou tabus. É em la petite mort que a cantora se entrega, sem medo, a falar de sua sexualidade. voodoo voodoo traz acordes e técnicas vocais complexas porém, sem falhas, e é um ótimo resumo de tudo que você pode esperar do disco. love and other disasters lida com produção extrema, do melhor ao pior. O equilíbrio faz do álbum apenas um trabalho mediano. – Ana Júlia Trevisan

Mallu Magalhães – Esperança

O quinto projeto solo de Mallu Magalhães não poderia carregar um nome mais propício. A esperança de dias melhores ronda o país há anos, por mais que a dura realidade contraste com a ideia de utopia. Mallu, agora com a maturidade da idade e da maternidade à seu favor, canta em Esperança sobre uma porção de temas sensíveis e alegres, refletindo com lentes de otimismo sua jornada e seu alcance.

As 12 faixas foram compostas pela artista, sozinha, mas a produção de Mario Caldato Jr. encorpa a narrativa do LP, cantado e versado em português, inglês e espanhol. A faixa que vale o stream é As Coisas, um louvor agudo que revela o ar de leveza que Magalhães guarda em seu timbre. Deixa Menina, dueto incomum com Preta Gil, coloca a filha de Mallu em foco, misturando samba e bossa nova. Esperança pode não renovar os ares da paulista de 28 anos, mas com certeza envereda sua Arte para ruelas mais floridas. – Vitor Evangelista

¿Téo? – Sol

A mistura de bossa nova com hip-hop de ¿Téo? em Sol vai marcar presença em algumas listas de melhores álbuns de 2021 por aí. O segundo disco do artista colombiano-americano continua os trabalhos do seu álbum de estreia homônimo de 2018, agora elevando a habilidade do artista de mesclar gêneros distintos e desenhando novas faces de sua identidade, que está exatamente nas diferentes influências culturais.

A abertura do disco nos apresenta o resultado exato dessas experimentações, muito bem-sucedido, vale ressaltar. E enquanto Pantera e Buena existem na interseção dos ritmos das diferentes Américas, a continuação de Sol também consegue se separar dentro dos gêneros que combina em suas 12 faixas. Para os ouvintes do raiz hip-hop, ¿Téo? reserva The Most e Americano, modernizando seu estilo com um pouco de reggaeton em Rrrrico e desenvolvendo o ritmo latino de forma mais suave em What’s On Ur Mind, I’ll Wait e Suplicar, esta última que acumulou milhões de streams e foi patrocinada por Justin Bieber.

Compreendendo as nuances da música latina desde seu aspecto global às suas raízes regionais, Sol ainda entrega a beleza do new flamenco em UNI2 e Buena. E a bossa nova? Está presente de forma mais pura em Do U Wanna Leave, mixada às batidas do funk e vocais de Mirella Costa em Assim, mas ela surpreende mesmo é em Buzzeed, resultado da colaboração de ¿Téo? com WILLOW. Eu sei, o conjunto de Sol é difícil de explicar e mais ainda de acreditar. Mas facinho de apreciar. – Raquel Dutra

Wesley Joseph – ULTRAMARINE

Rapper em ascensão, o jovem Wesley Joseph não cansa de inovar. Surgido com um single auto produzido, acompanhado de um videoclipe que esbanjava talento e visão artística, chegou a hora de Joseph lançar seu primeiro trabalho de estúdio completo. 

ULTRAMARINE aterrissa ciente do flow do cantor, que desata a rimar poeticamente, criando versos cinematográficos e que casam com o olho apurado que possui quando o assunto é complemento visual. Ecos de The Weeknd batem à porta enquanto ele convida a cantar sua conterrânea Jorja Smith na melhor canção do curto disco, Patience. – Vitor Evangelista

H.E.R. – Back of My Mind

Depois de ganhar não apenas um Oscar, mas também dois Grammys, H.E.R. consolidou seu nome como uma artista bem sucedida de 2021. Não tem como pensar em música nesse ano sem lembrar da jovem, e ao escutar seu álbum fica claro os motivos de tanto triunfo. 

Back of My Mind é uma viagem para, como o próprio nome diz, dentro da cabeça da artista. A obra é cheia de desabafos emotivos e profundos que, com tanta verdade, tocam nossos próprios sentimentos. Em My Own, Gabriella não tem vergonha em admitir que está carente e com saudade do seu amor. A maneira que fala abertamente da sua necessidade por afeto é a mesma que usa para rimar sobre seus traumas na terceira faixa da obra. 

Além dos solos, sete canções contam com feats que só elevaram ainda mais o potencial do álbum. Ty Dolla Sign, Lil Baby e outros grandes nomes se juntam a H.E.R. para cantar sobre suas emoções. De forma intimista, Back of My Mind vem para mostrar que a queridinha das premiações é apenas gente como a gente. – Mariana Chagas

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

“Você me dá vontade de chorar, mas de um jeito bom”, canta uma jovem de 23 anos em In A Good Way, a voz fina e anasalada se engrandece ao mesmo tempo em que confessa esse sentimento conflituoso. E o quarto disco de Faye Webster é recheado deles. A começar pelo título, sutilmente passivo-agressivo, que rememora as risadelas características do MSN, lol.

I Know I’m Funny haha engana pelo escopo de suas criações, por suas letras aparentemente simples e pelos vocais de Webster, que brincam com tons e com formas. Ela é despreocupada, carente, inteligente e ela está entediada. Qualquer tema escolhido ao longo dos quarenta minutos são tratados com o mesmo grau de seriedade, fazendo da integridade artística e da entrega sincera os pontos mais altos do trabalho. – Vitor Evangelista

Wolf Alice – Blue Weekend

O Fim de Semana Azul da banda Wolf Alice já é um dos álbuns mais prestigiados do ano, e com toda a razão. Em suas onze faixas, ouvimos uma história contada através das letras e da ambientação alcançada através da produção detalhista das músicas. Quase como uma experiência cinematográfica, somos conduzidos a sensações que crescem e culminam numa catarse musical, embalada pela voz de Ellie Rowsell. 

O rock alternativo e o shoegaze/dream pop já são conhecidos por esse poder de colocar o ouvinte quase num transe, e de transportar para uma atmosfera única e etérea, e Blue Weekend confirma a capacidade de Wolf Alice em acentuar essa força do gênero. Delicious Things com certeza tem Bowie nas suas veias, sendo uma das melhores faixas do disco. 

Ao longo do LP, nos deparamos com sintetizadores ecoantes, guitarras calmas, e até mesmo um rock mais convencional, e tudo se encaixa, numa síntese sobre como manter um álbum coeso sem que se torne monótono. Não se assuste quando Blue Weekend aparecer nas listas de melhores do ano por aí, eles merecem isso e muito mais. – Jho Brunhara

Alicia Keys – Songs In A Minor (20th Anniversary Edition)

Em 2001, o mundo admirava a estreia aclamada e promissora de Alicia Keys. Hoje, celebramos junto dela seus maravilhosos 20 anos de carreira. A comemoração acontece através de Songs In A Minor (20th Anniversary Edition), edição especial do primeiro álbum da artista. Na época, o disco foi sucesso absoluto de público e de crítica, vencedor do Grammy de Artista Revelação, Melhor Álbum de R&B e Música do Ano, e o motivo por trás da fama da novata que ficou conhecida como “a próxima rainha do soul”.

O fenômeno partiu de uma jovem de apenas 20 anos que flutuava com completa liberdade criativa pelo soul, R&B, hip-hop, jazz, música clássica e gospel, em canções escritas e idealizadas durante a adolescência e no início da vida adulta, simbolizando, de forma pessoal e histórica, um amadurecimento em meio a um novo mundo e um novo momento da indústria musical. Assim, Songs In A Minor é onde a origem do piano clássico de Alicia se encontra com a sua existência enquanto mulher moderna, suas referências musicais dentro dos gêneros urbanos contemporâneos e sua habilidade enquanto compositora, arranjadora e produtora. 

O trabalho abriga uma parte importantíssima da música dos anos 2000, como Rock wit U, que representa como nenhuma outra o R&B da época, em contraste com as juvenis Butterflyz, Troubles e Caged Bird. A tracklist original vem acompanhada de Foolish Heart, Crazy (Mi Corazon) e I Won’t (Crazy World), três faixas inéditas das sessões de gravação do disco em 2001. Parafraseando a música que é o carro-chefe do álbum, um dos destaques de sua discografia e considerada sua assinatura musical, 20 anos depois, nós continuamos a nos apaixonar por Alicia Keys. – Raquel Dutra

EPs

Cavetown – Man’s Best Friend

Apesar do isolamento, muitos sentimentos causados pela pandemia são, também, globais. Raiva, solidão, tristeza, carência… Tudo o que transformou o último um ano e meio em um dos momentos mais complicados se tornou tema do último lançamento de Cavetown, Man ‘s Best Friend.

Não é a primeira vez que saúde mental é discutida nas faixas de Robbie. Tema bastante comum, ele contou em entrevista que usa a escrita de músicas para aliviar o que está sentindo, e dessa vez não foi diferente. O EP nasceu em um momento bem conturbado de sua vida, o que pode ser refletido nas letras amarguradas e passivo-agressivas. Em Ur Gonna Wish U Believed Me, Let Me Feel Low, Guilty e Sharpener, o ruivo constantemente se refere a alguém, com uma certa hostilidade, como culpado de seus problemas. Já Idea of Her, que ele confessou ser sua favorita entre as faixas, traz mais à tona sua carência e saudades de uma certa pessoa.

A produção continua simples como sempre. Além de escrever, Robin também produziu todas as músicas, seguindo seu estilo mais clean. O objetivo, segundo o cantor, é fazer com que o ouvinte se sinta acolhido, como se ele estivesse cantando ao seu lado. O que funciona muito bem, ainda mais com a voz tão calorosa de Cavetown. E é a junção de todos esses elementos que ajudam na construção de um EP perfeito para servir de companhia em uma tarde solitária de pandemia. – Mariana Chagas

Griff – One Foot In Front Of The Other

Chamada por muitos críticos como a grande revelação do pop de 2021, haja visto seu prêmio na categoria homônima do BRIT Awards 2021, Griff prova merecer o título com o lançamento do seu primeiro EP, One Foot In Front Of The Other. Podendo ser vista como um suspiro de inovação em meio a um gênero musical que muitas vezes se repete, a cantora não faz nada incrivelmente surpreendente, apenas tem a ousadia de não se prender em clichês, assumindo sua identidade sonora de forma confiante mesmo em seu início de carreira.

Com vocais e estilos que lembram muito as composições de Julia Michaels, Griff é um pouco mais ousada ao adicionar pitadas de jazz e R&B em faixas como o single de abertura Black Hole. E uma vez que conseguimos comparar seu estilo com os primeiros singles de Dua Lipa, podemos esperar um futuro tão brilhante quanto para a nova revelação do pop. Outro destaque que precisa ser dado é para Shade of Yellow, canção que poderia muito bem fazer parte do arsenal de Taylor Swift, combinando perfeitamente em sonoridade e letra com a construção do álbum reputation. 

Entretanto, por mais que estejamos falando em comparações, é muito difícil definir Griff de forma tão simples, uma vez que mesmo com apenas 7 faixas, seu registro consegue nos mostrar a versatilidade da cantora, que caminha entre as variáveis de seu gênero, indo desde de um pop eletrônico até uma batida oitentista em Walk. Sabendo como construir sua mistura perfeita, One Foot In Front Of The Other é um disco que não merece apenas ser escutado, mas sim reproduzido repetidas vezes, de forma que sua complexidade, humildemente disfarçada, possa ser um chamado para que apreciemos a abundância de sua construção. – Ana Laura Ferreira

Overcoats – Used To Be Scared Of The Dark

Pouco tempo depois de lançarem o tocante The Fight, disco que debatia o fim de um relacionamento, o duo Overcoats dá uma prévia do futuro com o rápido mas marcante Used To Be Scared Of The Dark, um EP que reúne apenas quatro canções. Entre elas, as artistas convidam vozes proeminentes do cenário folk, pop e rock para falar de cura e renascimento.

Antes escondidas na escuridão dos sentimentos negativos, elas agora se banham na luz que emana da superação. Para isso, Overcoats vai do Céu ao Inferno, da culpa à redenção e da infância à velhice. A abertura, na faixa-título em parceria com Middle Kids, regurgita o medo, e o encerramento, Blame It On Me, ao lado de Lawrence Rothman, saúda a inocência em busca do futuro. E nós mal podemos esperar por ele. – Vitor Evangelista

Olivia O’Brien – Episodes: Season 1

Depois de centenas de buzz singles e mini-mixtapes, Olivia O’Brien finalmente entrega um trabalho completo com seu divertido segundo álbum de estúdio, Episodes: Season 1. Dividido em dois extended plays, a primeira temporada de Episodes traz seis faixas recheadas de versatilidade e irreverência. Marcada por letras melodramáticas e sonoridade up-tempo, Episodes é um dos melhores lançamentos da carreira de Olivia.

Numa época que a Geração Z trouxe o pop rock de volta para as paradas, No More Friends é um dos maiores acertos da tracklist, e Oli Sykes eleva a faixa com seu icônico vocal metalcore. Também fica impossível não se emocionar com a realidade hollywodiana em Call Mom ou mergulhar em nostalgia com What Happens Now?. Episodes: Season One abre novos horizontes para O’Brien e deixa expectativas para a segunda parte do disco. – Laís David 

boy pablo – wachito’s self-care tape

Fazendo jus ao título, as cinco faixas de wachito’s self-care tape são a trilha sonora perfeita para só relaxar. Depois de tuck me in e dancing by myself, também lançados em 2021, o quarto EP da carreira do boy pablo, nome artístico do chileno-norueguês Nicolás Pablo Muñoz, dá sequência e finaliza a proposta de fragmentar trabalhos anteriores e rearranjá-los em extended plays.

Selecionando gravações menos frenéticas e dançantes, diferente das do disco de estreia Soy Pablo e de singles como Dance, Baby! e Losing You, o cantor, compositor e produtor usa a última parte da trilogia para abaixar o tom e focar nas melodias calmas. A guitarra agitada dá lugar ao violão e ao piano, como nas declarações de amor de i <3 u e nowadays, e a solos mais contidos, como na revigorante come home e na encantadora honey. Até a animada hey girl ganha uma versão acústica, que, mesmo sem comparação com a original, encaixa na vibe proposta no EP.

Não só as melodias acolhedoras, mas as letras suaves e delicadas também se distanciam da ansiedade e das desilusões amorosas de anteriormente e tornam o trabalho praticamente uma playlist romântica e reconfortante. Mesmo sem nenhuma canção inédita, wachito´s self-care tape reúne faixas espalhadas em uma mini-coletânea coesa do início ao fim, que, como o próprio boy pablo descreve, é pensada para seus momentos de autocuidado. – Vitória Lopes Gomez

beabadoobee – Our Extended Play EP

beabadoobee se junta a Matty Healy e George Daniel, membros do The 1975, em Our Extended Play EP, uma rápida parceria colaborativa. Unindo o melhor do bedroom pop da cantora com a megalomania que borbulha da banda de Manchester. 

Em apenas quatro faixas, ela ouve sua voz distorcida e abafada por guitarras tagarelas, marca registrada dos donos de hits como Girls e Somebody Else. A finalização do EP, centrada na bobalhona He Gets Me So High, deixa um saboroso gostinho de quero mais. – Vitor Evangelista

Clarissa – Clarissa

Atriz, influencer e agora cantora. O currículo de Clarissa Müller cresce graciosamente com seu primeiro lançamento musical, Clarissa. O EP de estreia da artista aconchega cinco canções num bedroom pop que promete cair no gosto dos amantes do pop nacional. Com O Vento Leva, O Vento Traz e Bem Me Quer, Mal Me Quer, Clarissa embarca pelos caminhos tortuosos, cantando com suavidade os altos e baixos das narrativas românticas.  

Estética que se estende à Pro Nosso Azar e Ela, dando lugar à algo mais marcado em Xodó. Entre as composições íntimas e os sons charmosos, o ouvinte de Clarissa está avisado: não tem como não falar de amor em tempos de carência coletiva e não tem como não se render à leveza da música em tempos universalmente difíceis. E Clarissa Müller sabe muito bem disso. – Raquel Dutra

K.Flay – Inside Voices

Chegando dois anos após o álbum Solutions, o novo trabalho da rapper americana K.Flay é um grito de guerra e agressão que externaliza as vozes internas da artista em cinco faixas potentes que misturam pop-rock, indie e hip-hop. O apropriadamente nomeado Inside Voices representa, como muitos dos discos lançados em 2021, um processo de introspecção inevitavelmente causado pela pandemia e o período de isolamento social, revelando novas faces de sua artista e reinventando outras.

Como já diz o seu título, Inside Voices revela uma voz mais profunda da rapper, mas também é um episódio sobre as frustrações mais tangíveis de K.Flay como artista e pessoa. Seja na visceral Four Letter Words, em que ela confronta o término de um relacionamento ou na vibrante TGIF, uma insana e fantástica colaboração com o guitarrista Tom Morello, do Rage Against The Machine, em que ambos confrontam a glorificação das sextas-feiras e da semana de trabalho

Outras faixas que se sobressaem são Good Girl, um indie pop que parece saído diretamente de uma cena de filme adolescente dos anos 2000 e Dating My Dad, uma inteligente sátira de relacionamentos e famílias que conta com a bateria de Travis Barker, do Blink-182. Infelizmente o EP perde um pouco de força no final, apostando na introspectiva e sombria My Name Isn’t Katherine, mudando subitamente as engrenagens de suas músicas, mas não o suficiente para tirar o brilhantismo de suas letras instigantes e vorazes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Jensen McRae – Who Hurt You?

A biografia de Jensen McRae no Spotify resume com maestria a energia da cantora: ela tem 23 anos, é virginiana, chorou durante Homem-Aranha no Aranhaverso e nunca negou uma sobremesa. Ela canta sobre doenças mentais, sobre ser negra, sobre ter medo da vida adulta e sobre se apaixonar por qualquer cara que é gentil com ela. Ela provavelmente está escrevendo sobre você em seu diário. Who Hurt You?, seu EP de estreia, é uma boa vitrine dessa personalidade. 

Suas influências de R&B se misturam à calmaria do pop melódico, ao passo que uma aveludada voz de clamor invade o espaço sonoro. Seria fácil e simplório comparar suas canções ao repertório de SZA, mas isso seria diminuir McRae à moldes pré-concebidos. 6 músicas e 21 minutos são suficientes para nos apaixonarmos. Wolves modula seu choro dolorido, enquanto canta sobre o animal selvagem e seu derradeiro encontro. Cansou de ouvir o SOUR e está em busca de algo no mesmo espectro de sofrência? Dê play em Who Hurt You? – Vitor Evangelista

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING 

Momentos de hiatus são comuns no mundo do K-pop, mas é impossível deixar de sentir saudades do seu grupo favorito quando param por dois anos. Por isso, o mini-álbum do EXO foi um presente de aquecer os corações dos fãs que não tinham novidades desde OBSESSION, lançado em 2019. Afastados por estarem servindo ao exército, os membros Baekhyun, Chanyeol, D.O., Kai, Sehun e Xiumin se reuniram para trazer à vida o DON’T FIGHT THE FEELING. 

No clipe do single, o grupo embarca em uma excursão animada para o espaço, acompanhados pelo otimismo da letra escrita por Kenzie, compositora já antiga na gravadora SM Entertainment. Liricamente, o álbum também faz uma grande viagem, explorando diversos sentimentos e temas do cotidiano. Bem dividido, há um equilíbrio entre faixas tristes e felizes na obra. Depois de tanto tempo afastados, EXO não poderia ter feito um comeback melhor. – Mariana Chagas

Kali Uchis – sin miedo // acoustic

No apocalíptico ano de 2020, Kali Uchis gravou seu nome no cenário musical sem medo de amores e demônios. A cantora colombiana-americana abraçou suas origens latinas naquele que foi um dos melhores álbuns do ano passado: Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios). Em Março, foi vez de telepatía ganhar um caloroso clipe, transbordando talento. Agora, Sin Miedo continua com sua produção de frutos, entregando um EP acústico com telepatía, fue major, vaya con dios.

O acústico reforça toda a sensualidade da cantora em seu cavalo branco. Com apenas três músicas, Kali consegue facilmente envolver quem escuta seu trabalho. É a fascinante vaya con dios que fecha o EP e merece ser o centro das atenções. Com sua sonoridade latina que nos transporta para o ambiente cinematográfico de cabarés, a música imprime toda energia excêntrica de Kali Uchis e merece um lugar especial em sua playlist. – Ana Júlia Trevisan

TWICE – Taste of Love

Enquanto no Brasil sofremos com as baixas temperaturas e muitas camadas de roupa, TWICE esbanja o verão da Coreia do Sul em nossas caras. Uma mistura de bebidas, flores e praias servem como cenário para Alcohol-Free, e durante os 3 minutos de clipe quase dá para sentir o calor saindo da tela e aquecendo um pouco o friozinho deste inverno.

O mini-álbum conta com 5 faixas liricamente românticas e sensuais. A produção tem uma picada tropical que deixa Taste of Love ainda mais gostoso de se ouvir. Sendo ou não fã de K-pop, a batida de Fist Time consegue te conquistar. E ao escutar Baby Blue Love, o sentimento é de estarmos dançando na noite de verão que as garotas cantam sobre. Sendo essa época do ano uma temporada onde os grupos de K-pop lutam por seu espaço nas paradas, TWICE apostou certo em lançar músicas que casam tão perfeitamente com a estação. – Mariana Chagas

Rebecca Black – Rebecca Black Was Here

Uma década depois de sofrer com Friday, Rebecca Black está de volta. A cantora reúne inspirações eletrônicas no EP que carrega seu nome e sua atual situação. Rebecca Black Was Here dura mais do que sua curta duração se propõe, e a versão 2021 da artista é mais despojada e, também, mais potente.

Better in My Memory é o ápice do trabalho, mas todas as faixas passeiam por características positivas, soando, em sua melhor instância, como sons dignos da produção avantajada de Charli XCX. A PC Music vira tendência aqui, provando que a represália sofrida pela música sobre a sexta-feira não foi nada justa. – Vitor Evangelista

Músicas

Clairo – Blouse

Dois anos depois de seu último lançamento, o unânime álbum de estreia Immunity, a cantora e compositora norte-americana Clairo volta a dar as caras com o single Blouse. Longe do gênero pop (e suas variações) que marcou seu brilhante início de carreira, a artista agora explora o folk, em uma canção acolhedora, ainda que tediosa.

Os vocais suaves de Clairo cantam uma homenagem à sua cachorrinha, Joanie, e são o grande destaque na faixa, enquanto a domesticidade da melodia, que a artista tanto procurava, é mais sonolenta do que emocionante. Blouse, produzido por Jack Antonoff, o requisitado produtor de Taylor Swift e Lorde, é o primeiro single do segundo álbum da artista – e da colaboração entre os dois. Como anunciado pela cantora, seu novo projeto chama-se Sling e será lançado em 16 de julho. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless 

Depois de um hiatus de 3 anos entre o seu EP e o seu debut album, os fãs de Madison Beer não esperavam algo novo tão cedo. Porém, menos de quatro meses depois do lançamento de Life Support, a cantora volta com um single que inicia sua próxima era da forma mais linda possível. Se na capa Madison parece estar entre as páginas de um livro, ouvir Reckless é como um convite para viajar com ela para esse capítulo triste de sua história.

Com a melancolia de ser trocada por outro alguém, tema também do sucesso traitor de Olivia Rodrigo, Reckless é um desabafo honesto da vivência de Madison. Logo no primeiro verso, a cantora confessa que contar tal história pode quebrá-la, mas que escolheu contá-la do mesmo jeito. A produção de Leroy Clampitt e Tim Sommers, seus antigos parceiros, usa sons do cotidiano e tantos detalhes que ouvir de fone de ouvido se transforma em uma experiência quase mágica. 

Com mais de 700 mil de streams no Spotify, a faixa ultrapassou Good in Goodbye e se tornou a maior estreia de Beer. A hashtag RECKLESS IS OUT NOW, organizada pelo Madison Beer Brasil, ficou nos assuntos do momento na noite do dia 3. A cantora está crescendo e promete ir muito bem nessa nova fase. Se os próximos capítulos forem tão bons quanto este, não há dúvidas que Madison irá entregar outro álbum incrível. – Mariana Chagas

Marisa Monte – Calma

Após uma década sem inéditas, Marisa Monte nos pede Calma, como um sopro de esperança para não temer o futuro. O single é o primeiro lançamento do álbum Portas, que vem ao mundo em julho. Composição de Marisa em parceria com Chico Brown, a canção tem letra e melodia fáceis, que entram na mente capazes de se repetirem por horas. A música é um spoiler do que podemos esperar de Portas: o reforço na confirmação que cada dia mais a arte de faz necessária, que o som é um dos melhores escapes do mundo apocalíptico em que estamos vivendo. – Ana Júlia Trevisan

Bimini – God Save This Queen

Grande destaque da segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK, Bimini Bon-Boulash escolheu o Mês do Orgulho para dar partida em sua carreira musical. God Save This Queen, faixa selecionada para o pontapé além das passarelas, aumenta o alcance da drag queen, dando ao público mais nuances de sua multifacetada persona, vegana, não-binária e doida. Os versos permanecem fiéis ao que Bimini já cantou no programa, uma expansão de sua visão artística. Agora que a fera está solta, o mundo é um lugar melhor. – Vitor Evangelista 

Jottapê, Kevinho e ARON – Errada Ela Não Tá 

Arón Piper está arriscando no mundo musical aos trancos e barrancos. Depois do lançamento de seu EP no começo do ano, o astro de Elite se aventurou em terras brasileiras para um feat com MC Jottapê e Kevinho, surgindo então Errada Ela Não Tá. Quem dá o tom é o ator de Sintonia numa batida conhecida pelas festas antes da pandemia, vibrante e enérgica. A voz anasalada de Kevinho vem logo em seguida sem grandes novidades, nos mesmos moldes que suas outras músicas. Até aí, o match perfeito. 

Contudo, Arón aparece e desgasta o funk, abusando do auto-tune. Sua voz modulada além do limite diminui os compassos introduzidos pelos MCs e só volta quando ele canta em espanhol o verso introdutório do refrão. Mesmo assim, há aqueles que aprovaram a parceria já que Errada Ela Não Tá entrou no top 200 do Spotify Brasil. Pessoalmente, ainda fico no aguardo de novas produções de Arón que engrandeçam sua voz marcante. – Júlia Paes de Arruda

Jessie J – I Want Love

Há alguns anos a Claudia Leitte do Reino Unido vem tentando repetir seus feitos do início da carreira, seja através de uma abordagem mais pop ou conceitual. E, bom, quem conhece Jessie J sabe que esse é exatamente o problema da cantora: tentar demais. Abençoada com uma voz poderosa, J já foi até mesmo competir na China em uma programa de talentos na TV, e venceu, provando que anos de carreira e alguns hits não te impedem de fazer o caminho contrário da fama. 

Em I Want Love, J usa de todos os artifícios para fazer uma canção viciante, e consegue. A estrutura convencional cumpre seu papel, o refrão é chiclete, as firulas vocais impressionam, e a letra super identificável (afinal, quem não quer amor?) e as influências disco, que estavam em alta, completam o pacote. A mudança de tom no final é a cereja do bolo, quase como uma paródia do próprio gênero, algo que Ed Sheeran usaria sempre se tivesse a ambição e potência vocal de Jessie. Infelizmente, tudo que é muito doce e emperequetado enjoa fácil. – Jho Brunhara

blackbear e Tate McRae – u love u

A nova era de blackbear começou! Em 23 de março, o cantor anunciou em suas redes sociais seu próximo projeto, o EP misery lake, e três meses depois, o single finalmente foi lançado.  Com a participação de Tate McRae, a produção ficou na mão de Andrew Goldstein, que já trabalha com o cantor há muito tempo.

A música é sobre estar em um relacionamento mas continuar se sentindo sozinho, mas é tão animada que quase dá para esquecer da triste letra. Bear desabafa sobre amar alguém que não parece o amar de volta tanto assim. Já a capa ficou na mão de Harley Wrecks, parceiro antigo do cantor, que escolheu uma animação que combinasse com o conceito da era. “Decidi fazer ele (blackbear) e Tate se afogando no misery lake”, contou o artista em entrevista. – Mariana Chagas

IZA – Gueto

Que IZA é uma potência todo mundo sabe, mas o novo single da artista e primeiro vislumbre de seu segundo disco é para elevar todas as expectativas a respeito de seu trabalho. Em Gueto, um dos maiores nomes do pop nacional faz jus ao espaço de importância que ocupa enquanto artista, exaltando a cultura da periferia e suas raízes do subúrbio do Rio de Janeiro. Usando de um dancehall e afrobeat carismáticos, o conjunto da obra de Gueto ainda conta com a direção criativa de IZA e entrega um dos vídeos mais lindos do ano, onde brilha forte uma artista confiante, que diz “sim, eu sei o que está reservado pra mim”. – Raquel Dutra

CHVRCHES e Robert Smith – How Not To Drown 

O trio escocês CHVRCHES voltou esse mês com mais uma amostra de seu novo álbum, Screen Violence, programado para sair ao final de agosto, marcando assim 10 anos desde a formação da banda em 2011. O novo single, How Not To Drown, conta com a ilustre colaboração de Robert Smith, do The Cure, nos vocais e na letra.

Escrita em um momento em que a vocalista Lauren Mayberry pensava em deixar a banda de synthpop, a música serve como uma reflexão sobre desistência, ansiedade e depressão: “Me diga como/É melhor se eu não fizer som/Eu nunca vou escapar dessas dúvidas/Eu não estava morta quando me encontraram, olhe como me me afundam”. Adicionando seus vocais fantasmagóricos ao refrão sombrio, Robert Smith só agrega ao ar de mistério e violência proposto na nova fase do trio.

Além da música, Junho também trouxe um vídeoclipe psicodélico seguindo as novas estéticas do grupo, assim como um novo remix de 7 minutos criado pelo próprio Robert Smith. Descrita por Martin Doherty como “o momento mais orgulhoso dele como músico”, How Not To Drown marca mais uma forte adição à discografia da banda e aquece os ouvidos dos fãs até o lançamento de Screen Violence em 27 de agosto. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Michaela Jaé – Something to Say

A mãe tá on! Depois de acalentar nossos corações como a chefe da família Evangelista e na pele de uma das personagens mais queridas da TV, MJ Rodriguez estreia na música como Michaela Jaé em Something to Say, seu primeiro single. A artista já mostrava indícios dos seus dons musicais através em alguns episódios de Pose, e agora, com os trabalhos na série devidamente finalizados, ela se joga numa mistura triunfante de pop, R&B, soul e funk para provar um fato: Michaela Jaé tem muito o que dizer. – Raquel Dutra

Megan Thee Stallion – Thot Shit

Megan encerrou a bem-sucedida era Good News e agora é a hora de Tina Snow brilhar. Alter ego da rapper, essa versão loira é quem dá as caras em Thot Shit (em inglês, Thot é sigla para ‘that hoe over there’, uma maneira de menosprezar as mulheres). O clipe abre com um político branco e idoso comentando barbaridades em um dos vídeos de Meg, para logo depois abrir o zíper da calça e “aproveitar” o que assiste.

Saindo do prédio, ele logo é atropelado por um veículo em alta velocidade. No banco do motorista está a cavalona, empoleirada e rebolando. Ela segue essa máxima todo tempo e não há lugar ruim para o remelexo do bumbum: uma lanchonete e até uma sala de cirurgia são palcos para o twerk. A letra também é lugar seguro para Stallion, que rima sobre sexo e seu sucesso e estrelato, sem tabus ou quaquer vergonha do que diz. Thot Shit abre alas para o futuro dessa que é uma das maiores estrelas que temos. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – A Flor Encarnada

“Haste fina que qualquer brisa verga mas nenhuma espada corta”. Essa é a definição completa de Bethânia, pura e irrestrita. A cantora, que pegou todos de surpresa no dia de seu aniversário, lançou em junho a música A Flor Encarnada – composição de Adriana Calcanhotto. A letra forte combina com toda a história da discografia traçada pela inconfundível voz de Maria Bethânia. A forma poética da cantora em interpretar canções traz profundidade para A Flor Encarnada e nos deixa ansiosa para trabalhos futuros que a menina de Oyá, isolada na mata, possa estar preparando. – Ana Júlia Trevisan

Danna Paola – MÍA

Depois da sua era K.O., Danna Paola enaltece uma nova fase da sua vida, abusando de uma maturidade musical admirável em tão pouco tempo. Sem deixar de celebrar sua notoriedade na música latina, MÍA retrata a transição da inocência à independência, deixando despertar uma mulher preparada para enfrentar o mundo somente com a sua companhia. 

No clipe, a patricinha de Elite simula um funeral, desprendendo dessa fase monótona de corações partidos e relacionamentos imaturos, para renascer cheia de cores e felicidade. Resumindo em suas próprias palavras, bem-vindo ao novo eu de Danna Paola. A versatilidade de sua voz encanta pela energia e as danças bem coreografadas são vitais para traduzir essa intensidade. Seu renascer estilo Bela Adormecida só reforça seu papel de empoderamento e de amor próprio nas próximas gerações de meninas que a viram no uniforme de Las Encinas. Prometendo uma continuação dessa história, a mexicana nos dará a honra de prestigiar performances incríveis em um novo álbum. – Júlia Paes de Arruda

FLETCHER – Healing

O término público do relacionamento igualmente público de Fletcher rendeu bons sofrimentos à artista – e a seus fãs. Com direito até a videoclipe com a ex, a cantora e compositora recompensou os fãs com o EP The S(ex) Tapes, que reflete sobre o fim e o que vem com ele, do sofrimento à expectativa para o próximo amor. Entre outros lançamentos e versões no meio do caminho, o novo single de Fletcher, Healing, retoma a narrativa da onde a artista parou.

Semelhante a canções anteriores, a faixa combina as letras pessoais e honestas ao ritmo pop animado. Álbum, EP ou single, o próximo lançamento ainda não foi anunciado, mas, com uma turnê pela Europa com datas marcadas, o processo continua: em Healing, Fletcher ainda não se curou, mas está no caminho. – Vitória Lopes Gomez

Bad Bunny – YONAGUNI

A nova fase de Bad Bunny já mostra seus primeiros sinais com YONAGUNI. Depois de se despedir de EL ULTIMO TOUR DEL MUNDO na companhia de ROSALÍA, e vencer um Grammy com YHLQMDLG, a expectativa para os trabalhos do artista em 2021 era alta, e a recepção do lançamento foi à altura: quebrando recordes, o single estreou em 3º lugar na parada global do Spotify, com 7,1 milhões de streams em 24 horas, na maior estreia de uma música em espanhol na história da plataforma de streaming. No reggaeton sensual, versos apaixonados e estética extravagante de sempre, Bad Bunny segue um fenômeno. – Raquel Dutra

Bleachers – How Dare You Want More

Quando uma banda constrói seu estilo baseado em fortes e imponentes influências, como é o caso do Bleachers, é fácil se perder entre as mesmices disfarçadas de homenagens em suas construções, sejam líricas ou sonoras. Mas para a alegria dos nossos ouvidos, a banda de Jack Antonoff sabe equilibrar sua personalidade e sua nostalgia, criando a mistura perfeita para nos entregar um single que combina tanto com eles em pleno século XXI quanto combinaria com The Beatles em plenos anos 1960. Animada do jeito certo para disfarçar o peso de sua letra, How Dare You Want More é o passado e o presente que pavimentam o futuro da banda. – Ana Laura Ferreira

Pó de Café e Maria Rita – Tantas Mães

Sou, de longe, a pessoa mais suspeita do site para falar da dona cantora Maria Rita. A filha de Elis Regina não lança um trabalho solo desde 2018, mas nesse longo período de tempo vem colaborando com outros cantores e grupos, e também se arriscando por aí como compositora. Sua voz inebriante marca presença no single Tantas Mães do grupo de jazz Pó de Café.

A música sobre Iemanjá escancara a religiosidade de Maria Rita. Sua entrega na canção demonstra um respeito que transcende as relações musicais, há uma verdade pessoal impressa em seu vocal. Com um instrumental marcante mas que não se sobrepõe à voz da cantora, Tantas Mães nos lembra a sonoridade do Segundo, entrelaçada com a fé do Amor e Música. O single é a junção do melhor dos dois mundos de Maria Rita. – Ana Júlia Trevisan

Ed Sheeran – Bad Habits 

Depois de mais de um ano de uma pausa incessante, mesmo com aparições para notícias maravilhosas e um lançamento sem compromisso, Ed Sheeran está de volta com sua primeira canção solo desde o álbum Divide. Ansiosamente esperando por esse momento e, como sempre, ele nunca decepciona. 

Conhecido por compor letras maravilhosas, Ed canta sobre as decisões erradas tomadas na madrugada, especialmente depois das duas da manhã (uma referência a How I Met Your Mother, talvez?). O britânico se arrisca em algo não visto em outros trabalhos, uma música dançante estilo The Weeknd com vibes eletrônicas de Alok. Ainda processando o lançamento, o ruivo performou seus maus hábitos numa versão acústica no TikTok UEFA EURO 2020. Depois da sua trilogia matemática +, x e ÷, será que estamos próximos do –? Ed Sheeran dá indícios que sim. – Júlia Paes de Arruda

Marina Sena – VOLTEI PRA MIM

VOLTEI PRA MIM, segundo single da carreira solo de Marina Sena, resgata elementos do som pré-setentista da Tropicália e os insere no que há de mais contemporâneo da música pop alternativa brasileira. O som, com destaque para guitarra ritmada, é dançante e esbanja sensualidade, irreverência e leveza. Sensações com as quais os fãs da cantora mineira estão acostumados desde os trabalhos na A Outra Banda da Lua, onde Marina tocou os vocais por 5 anos, até a empreitada Rosa Neon, que acabou em março deste ano e foi a grande responsável por projetar a artista no cenário nacional: seja acumulando mais de 2 milhões de acessos entre Spotify e YouTube, fazendo feat com Djonga, ou figurando turnê na Europa (tá bom?!).

“Amor eu te deixei/Pra ir atrás do que eu sonhei”, são os primeiros versos a ecoar no single. Enquanto a música narra quem prioriza a própria caminhada com clima atmosférico e visual marcante e minimalista ao mesmo tempo, os tons quentes e abafados no clipe transpiram latinoamérica, e Marina lembra uma sereia folclórica. Tudo isso somado ao seu jeito de cantar agudo, envolvente e anasalado, que remetem a Gal, Marisa Monte e Céu, são detalhes que traduzem de maneira cristalina a fase e escolhas profissionais da cantora. O ano de 2021 marca a estreia solo com ME TOCA, precursor de VOLTEI PRA MIM. Lançados com um intervalo de 5 meses, os singles, além de sinais do álbum previsto para agosto deste ano, são produzidos e arranjados por Iuri Rio Branco e contam com realização do selo A QUADRILHA – comandado pelo parceiro e conterrâneo, Djonga.

Marina compõe, canta, toca e dança. Em cima de uma moto, ou no meio de duas delas em círculos, com cabelos soltos e volumosos, como aparece no clipe, a mineira de voz potente e manhosa consegue voltar para o que já vem dando certo, sem ainda soar cansativa e trilha uma trajetória cada vez mais consistente na MPB. “Eu tenho o dom de ir além”, ela canta na faixa, e é bom ficar de olho. – Andrezza Marques

King Princess – House Burn Down

Qualquer lançamento de King Princess tem a difícil tarefa de fazer jus ao nível altíssimo de seu EP de estreia, Make My Bed. Sem erro, o novo single da cantora e compositora já era unânime entre os fãs até antes de ser gravado: House Burn Down era tocada em shows e só foi parar no estúdio depois de incessantes pedidos por uma versão oficial.

Com o lançamento da gravação, os riffs de guitarra e a pegada rock da faixa provam que incendeiam tudo não só no ao vivo. Seguindo PAIN e Only Time Makes Human, a canção é a terceira que integrará o novo álbum da artista, que, segundo ela, está a caminho e será “muito mais rock and roll”. Com a prévia do que vem aí, é de se esperar que o próximo trabalho de King Princess faça jus, afinal, ao seu insuperável EP. – Vitória Lopes Gomez

Billie Eilish – Lost Cause

Pouco mais de um mês antes do lançamento de seu novo álbum, Happier Than Ever, Billie Eilish revelou mais um single dessa nova era. Quase oposto a Your Power, que traz uma letra profunda sobre um tema de extrema delicadeza, em Lost Cause a jovem canta de forma bem descontraída e debochada sobre um antigo relacionamento que teve, enquanto curte uma festa do pijama com algumas amigas – o que não poderia ser um programa melhor. 

Mesmo sem dar nome aos bois ao longo da letra, a tal causa perdida que é nomeada diversas vezes pode se associar muito ao rapper Brandon Quention Adams, com quem Billie teve um relacionamento conturbado, apresentado no seu documentário The World’s A Little Blurry. Ela menciona a falta de atenção e maturidade do tal ex, e também as decepções que teve ao longo e ao fim do namoro. 

Além da música ser um hit de mão cheia, algo que não é novidade quando se trata de Billie Eilish, também é ótimo poder assistir a cantora exalar autoconfiança enquanto se diverte com suas amigas. Como notado até agora, seu próximo álbum tem tudo para mostrar um lado ainda mais pessoal e sincero de Billie, e não poderíamos estar mais ansiosos para ouvir o resultado disso. – Vitória Silva

Nando Reis e Pitty – Um Tiro no Coração

Essa não é a primeira vez que falamos de Nando Reis num post mensal.  O Infernal não lançou nenhum disco solo esse ano ainda, mas se uniu a outros nomes da MPB para contribuir cada vez mais com a cultura nacional. Primeiro DUDA BEAT, depois seu filho Sebastião e agora a fabulosa baiana Pitty se junta ao ruivo. Diferente dos primeiros, a roqueira faz parceria em apenas um single, o que não diminui a química musical entre os dois astros.

A música escolhida por ambos foi Um Tiro no Coração. Cássia Eller deu voz à essa canção há 20 anos e se tratando dela, é óbvio dizer que foi feito um trabalho inconfundível. Com base nisso, a nova gravação tem força para quebrar barreiras temporais. Os vocais se mesclam com a guitarra de Walter Villaça, revelando muita afinidade entre o duo. Não sabia que precisava de Nando Reis e Pitty juntos até ouvir eles nessa faixa. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – The Devil

Dois anos após o sensível III e um EP de versões acústicas, a californiana Jillian Rose Banks, conhecida mononimamente como BANKS, retorna com um single que revela sua produção intrincada e sua musicalidade sofisticada. No demoníaco The Devil, ela canta sobre renascimento e tentação em meio a gritos agonizantes e sussurros sensuais.

Começando intimamente a faixa com tais sussurros, ela orgulhosamente declara seu novo nome: “Eu sou o diabo, te disseram que eu sou o diabo?/Ponha sua fé em outra vida passada (Ha-ha-ha)”. Os detalhes caprichosos e peculiares do single, co-produzido pela própria cantora, são o que fazem da música uma das mais marcantes do ano. Seja por sua batida sombria e sensual ou por seus versos intrusivos e intimidadores, BANKS chega em 2021 marcando presença.

O vídeoclipe, co-dirigido também por ela e inspirado em clássicos como Drácula de Bram Stoker (1992) e A Morte lhe Cai Bem (1992), expressa deliciosamente esse renascimento e transformação, com a cantora se tornando mais forte que seus demônios e resistindo aos seus charmes. Apesar de curta, BANKS nos enfeitiça com sua voz e seu som na primeira amostra de seu novo álbum ainda não nomeado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Liniker – Baby 95

Declaro que Junho é o mês de Liniker. Além da série original Prime Vídeo – Manhãs de Setembro -, a cantora disponibilizou a canção Baby 95 junto ao clipe. Não é atoa que Liniker é atualmente uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+. A letra da música mistura português e inglês, MPB e R&B, e cria uma expressiva história de amor que nos envolve no íntimo do casal. Lançado na semana dos namorados, as cores e luzes do clipe colaboram para o sentimento de acalanto e nos faz acreditar de novo no amor. É sempre caloroso prestigiar a Liniker. – Ana Júlia Trevisan

Jonas Brothers – Remember This

Depois de novos rumores que os Jonas Brothers se separariam mais uma vez, o trio surpreendeu os fãs da forma mais amorosa possível através de Remember This. O ritmo não é diferente de outros trabalhos que eles já produziram antes, porém conta com uma energia muito mais valiosa.

Esse tom de aconchego vem das fotos de seus fãs que já tiveram o privilégio de ouvi-los ao vivo. A ausência das performances físicas dos três carrega esse sentimentalismo e, ao fechar os olhos, é como se estivéssemos presentes em um de seus shows. O compasso de violão com a percussão acompanha o refrão como se fosse uma prece: “Costumava rezar por um momento assim”. Contudo, não somos afortunados o suficiente para experienciar essa emoção tão cedo, já que a turnê de mesmo nome não passará pelo Brasil. Remember This é tudo que temos por agora e, a princípio, parece ser o suficiente. – Júlia Paes de Arruda

Jeremy Zucker – 18

Depois de um álbum sobre amadurecimento e relacionamentos sérios, Jeremy Zucker embarca em uma viagem no tempo com ponto de chegada no ensino médio. Narrado por um garoto de 16 anos, 18 é a perspectiva encantada e inocente de um adolescente que se apaixona por uma menina mais velha. 

Depois de apagar todas as fotos do seu Instagram para preparar o seu comeback, Jeremy voltou completamente entusiasmado em relação ao início de sua nova era. Escrita junto a Mikael Temrowski, Alexander O’Neill e Thomas Michel, o single escolhido parece contrastar com seus últimos trabalhos, mas sem perder a essência jovial e divertida que o cantor carrega em seus maiores hits all the kids are depressed e comethru. – Mariana Chagas

Linn Da Quebrada – I míssil

Conceito, coesão e aclamação. Tem forma melhor de definir o trabalho de Linn Da Quebrada? Não tem. E quando pensamos que sua habilidade com as palavras chegou ao seu ápice, ela mostra que ainda pode ir além. É o caso de seu novo álbum, Trava línguas, que tem o lançamento planejado para julho e um caminho perfeitamente preparado pelos singles mate & morra e quem soul eu, de 2020, e oficialmente descrito por I míssil, seu lançamento mais recente. Na canção, Linn brinca com os sentidos de sua composição junto de produção e direção musical de BadSista e da percussionista Dominique Vieira. Ela, mestra com as palavras, segue, como sempre, nos deixando sem elas. – Raquel Dutra

Hayley Kiyoko – Chance

Hayley Kiyoko começou Junho com single novo e, sofrendo por mulher de novo, pondera sobre suas chances e riscos em Chance. Sem medo de cantar sobre suas vivências, experiências e inseguranças como mulher lésbica, a letra honesta e identificável é embalada por uma batida calma e contagiante e gruda na cabeça: “Eu sempre fui um “não”, nunca um “talvez”/Eu sei que ela nunca me daria uma chance”. Para melhorar, o lançamento foi em dobro e Chance acompanha um videoclipe, que contraria a letra e dá o final feliz que Kiyoko – e quem se identifica – merece. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Rodrigo – The Rose Song 

Olivia Rodrigo conseguiu entregar a metafórica ‘rosa aprendida pelo vidro da Fera’ de maneira brilhante, mais uma vez. Apesar de ser criada para a trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series, série que garantiu o sucesso a cantora de SOUR, a metáfora trazida para inserir sua personagem Nini na peça teatral do East High que produz A Bela e A Fera nesse ano dois, a música serviu também para a cantora por trás das câmeras. 

A série é conhecida por seu brilhantismo de permitir que os protagonistas escrevam suas próprias letras para a produção do Disney+, o que garante que elas deixem de ser mais do que uma música infanto-juvenil e conseguem, de fato, representar o ator nos bastidores da composição. E esse é o caso de The Rose Song que, de maneira perfeita, se encaixa tanto com a trajetória de SOUR, mas também com o drama do relacionamento da protagonista e Ricky (Joshua Bassett). 

Como sua personagem para a peça, a então Rosa, Olivia Rodrigo conta sobre os aprisionamentos de um relacionamento conturbado, assim como a Fera e a maldição que o mantém dessa forma, no conhecido conto de fadas da Disney. Além disso, sem novidade, a cantora entrega vocais e uma performance impactante, que fecham de maneira brilhante o 6º episódio da série e, possivelmente, o estilo melodramático de SOUR. – Larissa Vieira

Garbo – Presente

Foi aqui que pediram um típico astro teen vindo diretamente do Tumblr para embalar o inverno pandêmico brasileiro? O Presente de Garbo está aqui para servi-los. O primeiro lançamento do ano do artista independente Gabriel Soares sucede seu último single, espaço-tempo, lançado em 2019, e seu último álbum, jovens inseguros vivendo no futuro, de 2018. Agora, Garbo apresenta um melodrama dançante e doído, em batidas oníricas de softpop e levemente eletrônicas. Numa identidade precisa da nossa juventude, é impossível ser mais presente que Garbo. – Raquel Dutra

Morat e Danna Paola – Idiota

Morat é um nome em ascensão no mercado musical latino. Aliado à belíssima voz de Danna Paola, outra personalidade crescendo nesse meio, não podia surgir algo ruim. Idiota é a representação da sensualidade e da calmaria das músicas latinas. A voz da patricinha de Elite traz a potência feminina que Idiota precisava, junto com a suavidade das vozes masculinas. Apesar da letra sofrer por amor, a batida dançante e sedutora nos cativa dançar no mesmo ritmo. Afinal, um amor como esse não aparecerá outra vez. – Júlia Paes de Arruda

Lorde – Solar Power

Quando a Pantone anunciou que as cores de 2021 seriam Cinza e Amarelo, Lorde com certeza riu em sua casa, ou melhor, na beira da praia. Depois de cantar as melhores músicas sobre se sentir triste no imaculado Melodrama, agora, finalmente, chegou a vez de enxergarmos o espectro oposto da cor azul: a cor do sol. Solar Power evoca o reencontro com a natureza e o banho de luz solar, enquanto Lorde guia a geração não queria crescer e que não queria mais amar para um novo estado mental, de restauração e reencontro.

Em 2021, mais do que nunca, a canção parece cair como uma luva para o Hemisfério Norte e os países sortudos do Sul, onde os recursos abastados permitiram uma compra de vacinas em grande quantidade ou não foram impactados de forma tão severa pela pandemia, por uma boa gestão governamental. Lá, a vida de verdade já voltou, e Solar Power faz ainda mais sentido em convocar seus ouvintes para sair de casa e redescobrir a felicidade que reside no mundo. O Brasil, infelizmente, não divide as mesmas alegrias e conquistas.

Lorde é culpada pelo caos e incompetência no território brasileiro? Não. É culpada pela concentração da compra de boas vacinas por países da América do Norte e Europa que prejudicam os Estados emergentes? Também não. Mas é muito difícil ouvir Solar Power e se entregar da forma que a cantora pede. Ainda não conseguimos esquecer as lágrimas que choramos, Lorde. Por aqui, ainda não acabou. Esperamos que num futuro próximo as palavras que você escreveu, finalmente, possam fazer sentido de verdade para nós. Por enquanto, só podemos usar de escape para sonhar com uma realidade melhor. – Jho Brunhara

Jennifer Hudson – Here I Am (Singing My Way Home)

A aguardada cinebiografia de uma das maiores estrelas da história da música ganha seu tom na voz de Jennifer Hudson e Here I Am (Singing My Way Home). A canção tema do filme traz tudo o que pode da vida de Aretha Franklin para o aspecto que é um dos mais preciosos da produção e da vida da artista, pela autoria de Carole King, compositora do clássico (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, de 1967, um sucesso na voz de Aretha. Assim, a música só aumenta as expectativas para o público que aguarda Respect e o dia 12 de agosto, quando finalmente assistiremos surgir em Jennifer Hudson a maior cantora de todos os tempos. – Raquel Dutra 

Clipes

Dua Lipa – Love Again

Mostrando que ainda não está preparada para deixar a era Future Nostalgia, Dua Lipa entrega um clipe para mais uma faixa do seu álbum. Depois de Don’t Start Now, Physical, Levitating, Break My Heart e We’re Good – da versão moonlight do CD, a escolhida da vez foi Love Again. O clipe foi gravado entre os ensaios para o BRIT Awards e teve diversas trocas de looks e uma coreografia que a cantora precisou aprender em menos de uma hora.

O conceito do vídeo pode parecer confuso de primeira, mas tudo se encaixa quando combinado a letra da música. Na letra, Dua Lipa confessa que depois de jurar não se apaixonar outra vez, ela acaba por conhecer alguém que a faz ir contra sua promessa. E isso é retratado visualmente no clipe. O ovo representa a cantora renascida, depois de finalmente se curar das dores do último amor. Os palhaços tentam a todo custo a prender para si e, quando conseguem, ela aparece também com a cara pintada.

Apesar das suas tentativas, Dua acaba por amar novamente, e a ironia é estampada na sua cara de palhaça. O music video ficou nos trends do YouTube em 88 países, e a cantora usou seu Instagram para agradecer o apoio dos fãs. Mesmo com mais de um ano de lançamento, o álbum continua entre os mais escutados no Spotify, e a era de sucesso de Dua não parece que vai acabar tão cedo. – Mariana Chagas

DUDA BEAT – Nem Um Pouquinho

Mais uma vez, DUDA BEAT veio provar que boas produções não são exclusividade de artistas internacionais. Depois de lançar o seu aclamado Te Amo Lá Fora, a cantora presenteia mais uma faixa com um clipe, sendo a vez do seu feat com Trevo. Após excluir suas redes sociais, encheu os fãs de ansiedade para anunciar o lançamento do vídeo de Nem Um Pouquinho.

Com direção da dupla Alaska, que voltou para o Brasil depois de uma temporada nos Estados Unidos, o clipe é cheio de referências  cinematográficas. Uma delas é a inesquecível cena de ET, com as bicicletas passando pela frente da lua, como acontece no minuto 2 e 45. Junto com a estética cyberpunk e sua habilidade de metamorfose, o vídeo é um presente para quem gosta de destrinchar as camadas de uma boa obra do pop. – Mariana Chagas

Performances

Ariana Grande – pov 

Desde o lançamento de positions, pov se tornou uma das favoritas do fandom. Apesar de não ter recebido clipe, foi essa a faixa que Ariana Grande cantou em sua apresentação para a VEVO. Recém-casada, a cantora está tomada pela paixão, e isso transparece na sua voz emocionada e olhar brilhante. Sempre encantadora, dessa vez Ari está ainda mais. 

Em um gramado recheado de flores, a artista passeia pelo palco, iluminada por uma luz roxa e azul suave. O cenário é bem simples, mas ainda assim elegante. A tranquilidade do ambiente acompanha a leveza da letra que Ariana canta. Mesmo lançada a pouco tempo, a performance já se tornou a mais assistida do ano. – Mariana Chagas

Olivia Rodrigo – SOUR prom: the concert film

Continuando a expandir o conceito do amor juvenil, Olivia Rodrigo montou a sua própria festa de formatura (online, é claro!). Depois de ter se formado longe dos amigos e dos corredores do high school, Rodrigo trouxe SOUR para as salas do Ensino Médio, em um show online/experiência de catarse. 

Dirigido por Kimberly Stuckwisch e Toby L, SOUR prom: the concert film bebe em fontes que partem de Carrie e homenageiam até os filmes da Disney. Ela abre a cantoria com um mashup de deja vu e happier de dentro da limusine, seguindo pelo repertório envolvente do álbum de estreia. 

Merecem destaque a versão prolongada da chiclete jealousy, jealousy, o acústico sincero de enough for you e o quebra-pau de good 4 u, acompanhada por uma banda escolar e uma renca de líderes de torcida. Sobrou espaço para Conan Gray e demais amigos de Rodrigo fazerem uma pontinha. A festa de formatura do álbum SOUR parece ticar as caixinhas das músicas ‘juvenis’, limpando o caminho para que o caminho da artista seja de crescimento e exploração de novos ares. – Vitor Evangelista

O post Nota Musical – Junho de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Como todo 2021 até agora, Maio foi um mês difícil. Dentro de casa, é impossível medir o tamanho da perda que foi o falecimento do brilhante Paulo Gustavo e das tantas vítimas da pandemia, ainda descontrolada no país. Partiu também a atriz Eva Wilma, face marcante da arte nacional, em decorrência de um câncer de ovário. Outra presença marcante e histórica do mês foi o centenário de Ruth de Souza, a primeira brasileira indicada a um prêmio internacional de cinema (Melhor Atriz em Veneza, por Sinhá Moça) e primeira atriz negra a atuar no Theatro Municipal. 

Revelando o caráter frágil da manutenção da Arte no Brasil, a Suíça nos incluiu em um fundo para cineastas de países com democracia ameaçada, lado a lado com Sudão, Ucrânia, Irã, Iraque, Síria e Turquia. Enquanto o Governo tenta liquidar qualquer opinião que não concorde com a sua, o Cineclube Persona de Maio de 2021 segue na cruzada de defender a Arte e suas diversas manifestações. No texto abaixo, a Editoria e seus Colaboradores mergulharam no Cinema e na TV deste que é o último mês de elegibilidade para o Emmy, marcado para acontecer no meio de setembro.

Com fome do prêmio máximo das telinhas, a Netflix apostou em algumas frontes distintas. Halston retomou a parceria do streaming com Ryan Murphy, de praxe dando a Ewan McGregor o flamboyant necessário para elevar o drama histórico que entrelaça fama e Moda. Special finalizou sua sorridente trama, O Método Kominsky fechou as portas sem sua dupla dinâmica completa e Master of None deu um cavalo-de-pau e entregou uma trama diferente e ainda mais madura, com direito a subtítulo chique (Moments in Love) e um foco principal na personagem de Lena Waithe. 

No Amazon Prime Video, Barry Jenkins se dedicou à The Underground Railroad, uma minissérie exorbitante, polida e bem cuidada, encabeçada por uma novata de ouro e um elenco de apoio que sustenta a trama violenta e poética. A HBO apostou em Mare of Easttown, seu programa semanal de domingo, que finalizou sua rodagem no fim do mês. Tem Kate Winslet, Jean Smart e a receita para ficar na boca do povo por um bom tempo. O suprassumo da TV ainda investiu em Oslo, telefilme com o charmoso Andrew Scott, também de olho no Emmy.

A parte 2 da temporada cinco de Lucifer finalmente foi disponibilizada, reafirmando o poder da Netflix em explodir em audiência suas franquias mais famosas. O gênero do true crime encontrou novidades em Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração e The Circle US ganhou uma nova leva de capítulos Castlevania continua impressionando no quarto ciclo, e o Volume 2 de Love, Death + Robots foi menor que o esperado, mas sem perder a acidez característica da antologia. 

Na TV aberta dos Estados Unidos, This Is Us chutou a porta com o gancho que encerrou a quinta temporada, fazendo com que a audiência não pare de pensar em quem vai casar até 2022, data marcada para o retorno do sexto e último ano das crônicas da Família Pearson. Zoey e Sua Fantástica Playlist continua crescendo em audiência e falatório, carregada pelo talento de Jane Levy. O elenco de Friends se reuniu por quase duas horas, chorou o que tinha para chorar e deu adeus, ao lado dos mais diversos convidados, indo de Justin Bieber à BTS (vai entender).

Na parte de filmes, o Amazon Prime Video montou seu time de Vingadores do Rock em What Drives Us e reuniu Manu Gavassi e seus amigos em um drama nacional que transforma a quarentena em personagem principal. Dua Lipa levou a Nostalgia do Futuro para o Globoplay, Gia Coppola platinou o cabelo de Andrew Garfield e Michelle Pfeiffer jurou por Deus que o marido morto reencarnou em seu gato. 

O sucesso do mês foi a Cruella de Emma Stone, espevitada e elétrica, um show de qualidades e de looks icônicos. A Netflix acertou com o dramático Monstro, e errou feio com o Frankenstein A Mulher na Janela (Amy Adams, pisque duas vezes se você não estiver bem, por favor). Na correria de Maio, sobrou tempo para Zack Snyder brincar com zumbis e Angelina Jolie fugir de fogo.

No Brasil, teve produção excelente (Onde Está Meu Coração) e teve o fim do infinito Big Brother Brasil 21. O Persona dá um geral em tudo que teve de mais impactante nos últimos trinta e um dias, revelando os destaques e as bombas, com espaço reservado para o enaltecimento da melhor figura que 2021 nos deu: volte sempre, Gil do Vigor. 

Falecimento de Eva Wilma 

Mês de maio, com todas suas notícias e acontecimentos, me pegou de surpresa numa noite tranquila de sábado. Começou com um tweet, uma frase simples que me disparou o coração e me colocou em estado de alerta: “a Vivinha não, por favor!”. Aquilo me gelou a espinha e me fez revirar a internet atrás de mais informações da minha tão amada e querida Eva Wilma, até que em um post de um ator muito próximo à ela, tive a confirmação, através de uma foto lindíssima dela e Carlos Zara, com uma legenda ainda mais bonita: “agora você irá reencontrar seu grande amor”. Foram minutos de silêncio. 

Vivinha, como a chamavam carinhosamente, grande estrela, grande artista e uma inspiração como mulher, se foi. Fez sua viagem e então apagou-se a luz do palco iluminado de beleza e pura arte que foi sua vida. Tão forte em sua voz dócil, preciosa em suas emoções tão bem expressas em cenas memoráveis, dona de personagens inesquecíveis, reais e relevantes em todas as épocas. Se foi Eva Wilma e sua voz ecoou por todos os cantos, recitando o prólogo de Antígona, de surpresa, na plateia de uma peça de teatro, soando como um anjo de boas novas, trazendo esperança em cada palavra. 

Eva foi uma mulher de muita coragem, de luta e resistência. Nunca se calou perante a repressão e deu voz a personagens que jamais poderiam ser silenciadas. Parte de sua obra em novelas pode ser assistida no Globoplay, enquanto outra parte, sonhamos um dia, termos acesso, pois são papéis primorosos e tocantes do início da década de 70. Deixo aqui duas sugestões especiais para relembrar a atriz: A Indomada, de 1997, com sua inesquecível, maldosa e repugnante Maria Altiva, genial em cada cena que dava vida, e em parceria com grandiosos atores como Claudio Marzo e Eliane Giardini; e Roda de Fogo, de 1986, na pele de Maura Garcez, uma guerrilheira destemida, que lutou contra a ditadura militar e não perdeu suas ganas de justiça. Assim como todos os artistas, Eva Wilma será eterna enquanto sua obra não for esquecida pelas novas gerações. Assistir a essas obras, reverberar suas histórias e transmiti-las aos que virão depois é uma forma de manter viva não apenas a atriz, mas também a grandiosa arte brasileira em sua forma mais memorável e acessível. Viva Eva Wilma, e viva a cultura brasileira. – Marina Ferreira

Falecimento de Paulo Gustavo

A arte de criar felicidade é uma verdadeira bênção que nos traz o alívio necessário para seguir em frente na caminhada implacável da vida. Mas o que fazer quando uma das fontes de alegria é cessada para dar lugar a uma dor sufocante que representa o sofrimento de centenas de milhares de brasileiros nos últimos 15 meses? Essa é a pergunta que nós fazemos depois de sentir o número de 450 mil mortos pela pandemia de coronavírus no Brasil, montante que agora, além de roubar a existência dos nossos familiares e amigos, também sugou para si um dos nomes mais importantes da Arte, do Cinema e do Teatro brasileiro contemporâneo. 

Dona Hermínia, Valdo, Aníbal, e muitos outros personagens marcantes da comédia no Brasil foram embora junto de seu criador Paulo Gustavo, que nos deixou no dia 4 de maio de 2021, exatamente 15 anos depois de subir num palco pela primeira vez para encenar o seu maior sucesso. No início da sua carreira em 2006, estreando o espetáculo Minha Mãe É Uma Peça, ele era um jovem de 27 anos que perseguia o sonho incerto de ser artista no Brasil. Quando sua maior realização foi interrompida pelo agravamento da sua situação de saúde em decorrência da covid-19, Paulo Gustavo já tinha levado mais de dois milhões de pessoas aos teatros, 15 milhões aos cinemas, e mantinha a maior bilheteria da história do cinema brasileiro e a maior arrecadação de um filme de comédia transmitido no país.

Além de movimentar multidões em direção aos cinemas para assistirem suas personagens sempre cativantes e identificáveis explodindo seu talento, o artista também usou sua arte, visibilidade, admiração, popularidade e carinho do público em prol da população LGBTQIA+. Depois de bravamente lutar contra a doença – para qual já existe vacina, vale ressaltar -, resistindo pela vida enquanto internado num leito de UTI desde o dia 13 de março, o artista descansou, deixando sua arte, seu legado, seu público, seu esposo, seus dois filhos e tudo o que ainda existia pela frente. Ao contrário da comédia que protagonizou em sua vida toda, em seu último ato, Paulo Gustavo foi mais um personagem de uma enorme tragédia, representando de uma forma radicalmente triste e revoltosa o assalto ao nosso bem mais valioso que foi exponencialmente tomado de nós no último ano pela pandemia e pelo descaso do (des)governo brasileiro: a vida. – Raquel Dutra

Cinema

A Mulher na Janela (The Woman in the Window, Joe Wright)

Anos depois de sua concepção original, o thriller estrelado por Amy Adams (e último fantasma da Fox 2000 Pictures) chegou para apreciação do público. Amarrotado e socado de última hora no catálogo da Netflix, o filme passou por refilmagens, remendos no roteiro e ainda viu o autor da obra original se envolver em uma polêmica digna da ficção.

O resultado, como esperado, é uma desordem descomunal, um entra-e-sai de atores de alto calibre gritando uns com os outros por mais de duas horas. Nas mãos certas, Amy Adams teria suficiente material para a glória eterna da Academia, mas sob a tutela vergonhosa de Joe Wright, a ruiva cai no abismo do esquecimento.

O sucesso na plataforma de streaming apenas atesta como o público da Netflix não se importa com qualidade na hora de consumir qualquer suspense meia-boca com viradas de roteiro que seriam indignas até para a programação das tardes do SBT. – Vitor Evangelista 

Me sinto bem com você (Matheus Souza)

Como diria aquela canção: “Que amor tão grande tem que ser vivido a todo instante”. Mas o que fazer quando um surpreso isolamento social faz com que estejamos distantes do nosso amor? Ou, ainda, nos obriga a permanecer presos dentro de casa com nosso parceiro enquanto o relacionamento passa por crises? O diretor, roteirista e ator Matheus Souza consegue responder essas perguntas e traduzir todas essas emoções perfeitamente com o novo produto nacional do Amazon Prime Video, Me sinto bem com você. 

De maneira quase teatral, somos apresentados a 5 microcosmos diferentes que se ligam pela paixão, cumplicidade e a loucura de mentes que não aguentam mais ficar em casa. Matheus Souza mostra que o amor em tempos de quarentena pode se desdobrar de diversas formas, seja ele romântico ou não. Não mentiria se dissesse que, em algumas dessas histórias, você sentiria um estalo de “ei, eu já me senti assim antes”. Me sinto bem com você consegue destrinchar todo esse sentimento ora melancólico, ora radiante com naturalidade e isso que o torna extremamente instigante. 

Um elenco de nomes bem conhecidos pelo público, incluindo a cantora e ex-BBB Manu Gavassi (que também faz parte da produção), permite uma narrativa dramática e sensível, mais sobre relações humanas do que sobre os efeitos da pandemia no convívio social. Toda a construção do roteiro possui um tom de aconchego, sem minimizar ou escandalizar um lado ou outro da situação. No final das contas, não é o acolhimento o principal fundamento de um relacionamento saudável? Me sinto bem com você nos mostra cirúrgica, mas gentilmente que sim. – Júlia Paes de Arruda

Aqueles Que Me Desejam a Morte (Those Who Wish Me Dead, Taylor Sheridan)

O retorno de Angelina Jolie ao Cinema de Ação merecia muito mais do que Aqueles Que Me Desejam a Morte pode oferecer. Aqui, a atriz disfarça os anos longe dos serviços de espionagem, planejamento de investigações e rotas de fuga na serena-porém-profundamente-traumatizada Hannah, uma bombeira florestal que tenta se recompor após falhar em uma operação e perder 4 jovens para um incêndio. No processo, cai no colo dela um menino com segredos valiosíssimos perseguido por assassinos, e a heroína engole as mágoas ao mesmo tempo em que enfrenta seus traumas cara-a-cara.

A sinopse engana e o filme não entrega nenhuma jornada profunda sobre superação ou reviravoltas grandiosas como se espera e como ele bem poderia. O roteiro de Michael Koryta, Charles Leavitt e do próprio diretor, Taylor Sheridan, é adaptado de um romance homônimo e trabalha muito bem com diferentes linhas narrativas, surpreendendo ao encontrá-las. Mas não consegue entregar material para que seus atores e suas atrizes (Nicholas Hoult, Tyler Perry, Aidan Gillen e a brilhante Mendina Senghore), decolem das cenas muito bem coreografadas de ação para explorar suas outras dimensões. 

O que também prejudica o filme como um todo, já que seu tema inicial e aparentemente o central não tem resolução ou desenvolvimento, tirando as certezas que tínhamos sobre a trama sem colocar outras no lugar. Algo parecido com o que acontece com a própria Angelina. A veterana já não aparece nas nossas telas tanto quanto antes, e Aqueles Que Me Desejam a Morte parece esquecer completamente que um de seus nomes carrega um dos legados mais relevantes da indústria do Cinema. – Raquel Dutra

Army of the Dead: Invasão em Las Vegas (Army of the Dead, Zack Snyder)

Filmes de zumbi tem um espaço especial no coração do fã de terror, seja por bem ou por mal. Zack Snyder, a fonte dos clamores pelo Snyder Cut, guarda uma coleção de louros em casa por seu Madrugada dos Mortos, uma peça singular de 2004 que caminhou pelos tapetes de Cannes e premiações voltadas para o gênero. Reencontrando suas criaturas, o diretor surge na Netflix com Army of the Dead: Invasão em Las Vegas, que, apesar de contar com inovações pontuais para os mortos-vivos, não entrega absolutamente nada de chamativo para os personagens que ainda respiram.

Escalar Dave Bautista para o papel principal é mais que motivo para duvidar da carga dramática da trama, claro. Mesmo assim, o ator consegue surpreender e ser quase um pedaço de papelão com metralhadoras. A relação paterna que Snyder estabelece entre ele e sua filha é caótica e cansativa, não interessando o suficiente para causar algum pingo de sensibilidade. Inclusive, não é só entre os dois personagens que isso acontece – todas as interações entre o elenco são fracas. A única amizade com potencial é entre Dieter e Vanderohe, mas que não ganha a devida atenção e se perde entre os tiros e socos.

Agora, se tem algo que não podemos negar, é que os zumbis de Zack Snyder são maneiros para caramba. Mergulhando de vez na viagem da coisa, vemos uma relação afetiva entre o Alfa e sua Rainha grávida, uma organização tribal e hierárquica entre os errantes e até – pausa para respirar – um incrível tigre zumbi. Somos praticamente carregados para termos mais simpatia ao reino das criaturas do que a qualquer personagem humano da obra, que perdem todo o charme perto dos gritos revolucionários dos vilões. Zack Snyder, dessa vez, ficou devendo coesão, mas serviu diversão o suficiente para suas duas horas e meia de Army of the Dead. – Caroline Campos

Monstro (Monster, Anthony Mandler)

Todos são inocentes até que se prove ao contrário, é o que garante a lei americana. Mas quando o condenado é um garoto negro de 17 anos, essa ordem é mesmo aplicada? Esse é o questionamento abordado em Monster, longa de drama lançado na Netflix. O filme baseado no livro de Walter Dean Myers, escrito em 1999, nos conduz pelo julgamento de Steve Harmon, adolescente que foi acusado de um crime que alega não ter cometido. 

Estrelado por Kelvin Harrison Jr., a obra conta com grandes nomes: John David Washington, protagonista do aclamado Tenet, e Jennifer Hudson, ganhadora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante em 2007, fazem parte do elenco rico e cheio de boa atuação. Já a produção e direção ficou na mão de Anthony Mandler, profissional por trás de videoclipes de estrelas musicais como Taylor Swift, Rihanna e Beyoncé. 

E o que há de melhor e mais interessante no filme é a narrativa, que coloca o telespectador como juiz do crime. É que a história vai sendo contada aos poucos, intercalando os dias antes do ocorrido com o julgamento, e a verdade do que aconteceu naquela tarde de 12 de setembro só vem à tona nos minutos finais. Cabe a quem estiver assistindo decidir se acredita ou não nas palavras de defesa do protagonista. E se perguntar o que te levaria a acreditar que aquele garoto é, como foi chamado, um monstro. – Mariana Chagas

Cruella (Idem, Craig Gillespie)

A investida mais recente da Disney na passagem de animações para live-action não carece de estilo e visuais, mas perde força na construção de sua protagonista vilanesca. Nela, a vida de jovem Estella (Emma Stone) muda radicalmente depois que um terrível acidente a deixa sozinha nas ruas da Londres dos anos 60, podendo contar apenas com seus dois amigos, Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser) em sua busca de vingança na qual ela assume a temível personalidade de Cruella de Vil.

O prequel de 101 Dálmatas não tem medo de se afastar do material original, tanto no estilo quanto na caracterização de sua personagem titular. Emma Stone dá um show no papel da fashionista enlouquecida, dominando todas as cenas em que aparece. A estética punk rock londrina adotada por ela também ecoa na onerosa trilha sonora, que vem recheada dos grandes clássicos do pop e rock da época: The Doors, Blondie, The Clash e até mesmo Nina Simone fazem aparições memoráveis nessa história de origem.

No entanto, a estrutura do roteiro é bagunçada e pouco ousada, com uma reviravolta óbvia no segundo ato e outra insignificante no terceiro que complicam desnecessariamente as motivações de sua protagonista. O longa entretém, fazendo bom uso de sua estética e suas performances, certamente jogando seguro, mas por fim entregando uma obra sólida e bastante divertida. Porém, surge o questionamento: é possível que um dos maiores conglomerados de mídia do planeta produza uma obra realmente subversiva e rebelde, de espírito genuinamente punk? O tratamento dado a sua figurinista, Jenny Beavan (a grande estrela desse show), nos diz que não. – Gabriel Oliveira F. Arruda

French Exit (Idem, Azazel Jacobs)

O último feito de Michelle Pfeiffer finalmente chegou ao Brasil nos moldes daquelas dramédias charmosas que nos capturam pela abstração que oferecem. O trabalho de French Exit acontece a partir da socialite viúva Frances Price, que torrou a fortuna que recebeu de herança do marido e não vê motivos para continuar a vida sem o luxo que a cerca. Então, ela carrega o filho Malcolm (o indicado ao Oscar Lucas Hedges) para gastar o dinheiro que lhes resta numa temporada em Paris, onde outros personagens excêntricos passam a fazer parte da sua vida. 

A maior graça de French Exit está em suas figuras e nas situações criadas por elas. O destaque, no entanto, vai de fato para Pfeiffer, que se sente completamente à vontade na pele da caótica Frances, e Hedges, que sendo o personagem mais contido, consegue também ser o mais hilário e compreensível do roteiro pitoresco de Patrick deWitt, nascido do romance escrito pelo mesmo. A direção de Azazel Jacobs trabalha com uma história que está em personagens descolados da nossa realidade, então, o nosso lugar é mais de divertir com suas esquisitices do que tomar parte em seus (poucos, porém profundos) sofrimentos. Mais comédia do que drama, quer construção mais bem-vinda? – Raquel Dutra

Oslo (Idem, Bartlett Sher)

Oslo é uma cidade da Noruega que foi palco de uma série de acordos entre  Israel e a Organização para a Libertação da Palestina (OLP). O novo filme da HBO trata o início e as negociações que levaram à assinatura do Acordo de Paz em setembro de 1993. Andrew Scott, com sua expressão facial de afobação, intermedia o contato entre os líderes nacionais. Ao seu lado temos Ruth Wilson, interpretando Mona. Uma mulher centrada, capaz de ganhar a confiança de ambos os lados. O  casal de diplomatas usa de suas conexões pessoais para criarem uma mesa neutra e resolverem o conflito, de mais de quarenta anos, na base do diálogo.

Como todo filme de acontecimentos históricos, assistimos com a nuvem do spoiler pairando sob nossa cabeça. O conflito entre israelenses e palestinos passa por um de seus momentos mais violentos. Pensar nos ataques em Jerusalém e bombardeios em Gaza, que deixaram mais de 200 mortos, nos deixa aflitos com o caminhar do longa. As negociações avançam com dificuldades, mas com a promessa de um consenso final. Pouco sobre a burocracia da documentação é falado, a direção de Bartlett Sher foca na relação de seus personagens, construindo assim o diferencial de Oslo.

É observando os trâmites que vemos a imponência dos Estados Unidos nas discussões. O longa se encerra em sua glória: pelo telefone, ouvimos o choro dos oficiais da OLP, que não imaginavam viver tempo suficiente para aquele momento, esperamos um aperto de mão, mas a História não permite mentir. Antes de subirem os créditos, vemos a reação de extremistas israelenses que se opuseram, julgando como uma ameaça à segurança do país. Oslo é um drama que tenta humanizar seus agentes, e em momento algum pode ser categorizado como um documentário. – Ana Júlia Trevisan

Mainstream (Idem, Gia Coppola)

Sim, esse nome é mesmo familiar. Gia Coppola é neta de Francis Ford, sobrinha de Sofia e agora continua sua jornada como diretora de Cinema. Depois de trabalhar em Palo Alto quase dez anos e se aventurar por clipes musicais, Gia retorna com Mainstream. Depois de ter estreado em Veneza ano passado, a sátira chegou às locadoras digitais em maio.

A trama é doida, relacionando um maltrapilho e seduzente Andrew Garfield, loiro e esbelto, e a cultura do imediatismo online. Coppola escreve o roteiro ao lado de Tom Stuart, a partir de uma ideia dela própria, e orbita o ecossistema inconsistente de Mainstream com um elenco de jovens talentos.

Maya Hawke estende a vibe que emulou em Stranger Things, enquanto Nat Wolff é subaproveitado. A estrela, não tem jeito, é Garfield e seu influencer anti-tecnologia, embriagado pela fama. Falta foco e coesão em Mainstream, mas sobra virilidade e vivacidade. Que Gia continue atrás das câmeras (e que contrate Andrew Garfield em mais tons de loiro no futuro). – Vitor Evangelista

Studio 2054 (Idem, Liz Clare)

“Bem vindos a boate Future Nostalgia” é algo que todos nós gostaríamos de ter ouvido no ano de Dua Lipa. Infelizmente, a concretização do potencial dançante do segundo álbum da artista foi engolido pelo ano pandêmico, mas ela não deixou seu disco ser esquecido pelos clubes de dança. No auge das lives-espanta-tédio-da-pandemia, a princesa disco criou sua experiência virtual construindo sua própria boate com tudo o que imaginou para Future Nostalgia: muitas batidas, luzes neon e coreografias, entregando o que ela ambiciosamente prometeu no início de 2020 agora em Studio 2054..

O filme é o registo do show que Dua Lipa planejou e transmitiu universalmente em novembro do ano passado. Finalmente disponibilizado no Brasil pelo Globoplay, agora podemos assistir também o documentário Por Trás do Studio 2054, que mostra os bastidores da superprodução da artista, também no mesmo streaming. Dentre as participações de Elton John, Angèle, Kylie Minogue e FKA twigs, a vertiginosa tracklist de Future Nostalgia, os sucessos anteriores de Dua e recordes de vendas, o show faz jus ao sucesso estrondoso da artista – e também demonstra a razão do apelido que surgiu para ela nos últimos meses. – Raquel Dutra

What Drives Us (Idem, Dave Grohl)

Dave Grohl resolveu fuxicar a lista de contatos do celular e selecionou um elenco de peso e muito som para compor seu mais novo documentário, What Drives Us. Pegando, literalmente, carona em Nomadland, o líder do Foo Fighters dedica os 88 minutos de tela no Amazon Prime Video para saudar as rodas que movimentaram as turnês explosivas de grandes bandas da história da Música. Todos os entrevistados confidenciam experiências similares, se unindo em torno do amor pelo rock e sendo guiados em conversas sensíveis com Grohl, que enlaça os relatos com intimidade, simpatia e um entendimento único do assunto.

Assim, podemos sentar em círculo e bater um papo com estrelas como Brian Johnson, Ringo Starr, Slash, Duff McKagan, Flea, The Edge, D.H. Peligro, Kira Roessler, St. Vincent, os meninos do Radkey, Steven Tyler e nomes ainda mais variados que reforçam o ponto de seu diretor: o rock não morreu, ele foi se transmutando. Não há espaço para saudosismo barato – mesmo que Flea ganhe um tempinho em cena para bater nessa tecla -, nem para roqueiros que se acham a última pedra preciosa dos anos 90. Nova e velha geração se unem para discorrer a ligação poderosa com os palcos, as situações inusitadas que dois meses em um carro com um bando de desconhecidos podem gerar e a relação tumultuada com a estrada.

Juntando tantas pessoas, era inevitável que alguns fossem apagados da narrativa e fizessem apenas pequenas pontas, mas o carinho de Dave Grohl por aqueles músicos é o que o firma como o condutor desse ônibus de loucos viajantes. O artista, inclusive, comprou novamente a primeira van em que entrou em turnê com o Foo Fighters, deixando aquele gostinho de nostalgia na boca do espectador – que também é forçado a assistir momentos de shows espetaculares e lembrar que ainda vive no Brasil e tais apresentações estão longe de voltarem a acontecer. What Drives Us é como o próprio Dave descreve: “uma carta de amor a cada músico que já entrou em uma velha van com seus amigos e deixou tudo para trás pela simples recompensa de tocar música”. – Caroline Campos

TV

Big Brother Brasil 21 (Rede Globo)

O Big dos Bigs! Desde seu início, essa foi a promessa da edição de 2021 do reality show mais comentado do Brasil. Aos modos do ano anterior, o Big Brother trouxe seu elenco diverso, misturando camarotes e pipocas na casa mais vigiada. Manu Gavassi – em 2020 – fez o programa parecer fácil ao lado da fama, assim, abrindo portas para que nomes como Karol Conká, Projota e Fiuk topassem os cem dias de desafio. A edição com mais jogadores negros da história eliminou seus participantes escurraçados com recordes de rejeição e consagrou vitoriosa a advogada branca.

De entretenimento a terror psicológico, o BBB 21 foi recheado de polêmicas, surpresas e desgostos. Lumena, que era uma das favoritas do Twitter, se envolveu com o lado errado da Força. Projota, que foi a grande surpresa das chamadas, logo conquistou o público com seu jeitinho fofoqueiro, mas foi questão de tempo para ele se enterrar no próprio jogo. Viih Tube, que já entrou cancelada, foi longe na casa graças a sua manipulação. Gilberto, que era apenas um pipoca, dominou o Brasiiiiil com sua cachorrada. 

Contra a tortura da Mamacita Jaque Patombá, o G3 parecia ser a única solução. Sarah foi nossa espiã favorita, mas entregou o 1,5 milhão ao se declarar Miss Cloroquina e buscar apoio na bancada ruralista. Após o primeiro beijo entre dois homens na história do Big Brother, Lucas Koka desistiu do programa e assim iniciou a nova temporada no reality show. Foi nessa época que Juliette se tornou a namoradinha do Brasil. Conquistando uma avalanche de seguidores e criando uma milícia virtual de cactos, ficou claro que ela sairia milionária. – Ana Júlia Trevisan

A vitória de Juliette Freire (BBB 21, Rede Globo)

A revelação do nome da campeã do Big Brother Brasil 21 não foi uma surpresa para ninguém. Desde que entrou pela porta da casa mais vigiada do Brasil, Juliette Freire não saiu da boca do público, nem dos dedos de quem comentava o reality nas redes sociais. No início, por sua aparente tentativa em engatar um casal com o Fiuk; depois, por ser excluída da casa em função de pessoas arrogantes que se recusavam a entendê-la; mais tarde, por integrar o G4 (formado também por Gil, Sarah e Lucas), e por aí vai. 

A narrativa da paraibana dentro do jogo se assemelhava muito com outras histórias já observadas em edições anteriores. Como, por exemplo, a de Marcela Mc Gowan, do BBB 20, a rainha das fadas sensatas, que iniciou a marcante revolta das mulheres da casa contra os homens, buscando, por muito tempo, que as pessoas da casa ouvissem a sua verdade. Uma das grandes favoritas no início a levar o prêmio, mas que acabou se perdendo (e também se revelando) com suas alianças dentro da casa. No entanto, Juliette ainda conseguiu se diferenciar de tudo isso, por ter sustentado um único aspecto durante toda a sua jornada: a honestidade. Mesmo sendo criticada e tendo seus defeitos apontados por seus colegas a todo momento, a maquiadora nunca deixou de manter sua essência, de honrar suas raízes, ser fiel a seus aliados e de cumprir com aquilo que acreditava. Poderia ter tentado se favorecer no jogo de diversas formas, comprando brigas e afins, mas assumiu sempre a postura de dialogar e mostrar seus posicionamentos, por mais excessivos que fossem às vezes. 

Por esses e outros motivos, a vitória do BBB 21 não poderia ter sido de outra pessoa, sendo justo perder apenas para Gil do Vigor, que fez história no programa e continua escrevendo-a aqui fora. Juliette foi um fenômeno desde o primeiro minuto, fato que se reflete na onda crescente de seguidores em suas redes sociais. Essa conquista também teve grande apoio da equipe de marketing que ela contava (sem nem saber), mas não teria sido suficiente sem a sua honestidade dentro da casa, fosse assim Manu Gavassi teria levado o primeiro lugar do BBB anterior sem nem titubear. Entre seus erros e acertos, a paraibana trouxe uma força necessária em meio a pessoas que precisavam olhar para além do seu próprio umbigo e parar de se escorar em alternativas convenientes. E, dessa forma, construiu um lindo caminho de excluída do jogo para campeã. Agora, ela, de fato, nunca mais vai se sentir sozinha. – Vitória Silva

O 4º lugar de Gilberto Nogueira (BBB 21, Rede Globo)

“Quanto vale entrar para a história? Quanto vale não ser esquecido jamais?” Questionou Tiago Leifert na noite mais triste do BBB 21: a eliminação de Gil. O próprio apresentador adiantou antes de revelar o resultado do último paredão da edição: “quando eu der o resultado, alguém lá fora vai achar muito, muito, muito injusto”, enquanto o eliminado da vez segurava as mãos da libriana nascida sob o Sol da justiça Camilla de Lucas, que por sua vez, entrelaçava os dedos com a advogada-campeã Juliette. Mas para o maior sensitivo e conspirador da edição, o resultado logo ficou claro, e auxiliado pelo discurso elogioso de Leifert, Gil do Vigor soube que, pela primeira vez, seus sonhos premonitórios sobre seus paredões estavam corretos e caiu num choro emocionado. Porque como o apresentador pontuou, pensando em sua história dentro e fora do reality, ele “ganhou seu prêmio”. 

Gilberto Nogueira foi quem viveu e se entregou de corpo e alma aqueles 100 dias junto do Brasil. A maior graça de ligar na Globo todos os dias por volta das 22h30 era assistir o respeito que o maior fã de BBB que já se viu conservava pelo público e pela oportunidade que lhe havia sido concedida. Num momento tão difícil e dolorido para o povo brasileiro, acompanhar Gil através da TV era, como ele mesmo fazia questão de definir, participar da realização de um sonho e a consumação de um processo lindo e dolorido de libertação e aceitação. Para nós, os espectadores, estar junto de Gil foi vislumbrar uma vibração que há tempos não acompanhamos de perto e enxergar a dor e a delícia de alguém corajoso o suficiente para assumir sua própria existência diante de todo o Brasil em toda a sua completude: nos surtos, erros, arrependimentos e celebrações. 

A saída precoce e a impossibilidade de viver a tão merecida final do programa não apagaram seu brilho. Ao fim da noite do dia 2 de maio, Gil do Vigor era o protagonista das redes sociais, da programação da Globo e dos níveis de audiência da emissora. Desde então, segue um sucesso graças ao carinho que o público construiu pela sua autenticidade: de participante homem mais seguido da história do BBB, a aluno de pós-doutorado no exterior e expoente de mudança no tratamento que instituições religiosas reservam às pessoas LGBTQIA+, a existência de Gil do Vigor é muito maior do que a grandiosidade que ele trouxe para o programa que o revelou. – Raquel Dutra

Friends: The Reunion (Episódio Especial, HBO Max)

Friends é a grande série do século XX. Uma reunião, um revival, uma migalha dos astros para os fãs foi adiada por quase duas décadas desde que Monica e Chandler se despediram da moldura da porta e seguiram com suas vidas, longe do Central Perk mas perto dos amigos que tornaram-se família. Após os atrasos causados pela pandemia, o Especial de Friends chegou à plataforma da HBO Max, unindo a nostalgia, a homenagem e a publicidade massiva em quase duas horas de rodagem. 

De fato, Friends: The Reunion tem um pouco de tudo: entre o esperado reencontro frente às câmeras no antigo cenário, passando por uma entrevista no sofá laranja e uma porrada de esquetes e entrevistas de famosos e anônimos, o diretor Ben Winston não tinha escolha se não condensar o máximo possível naquele momento que, como tudo indica, deve ser o primeiro e último que ressuscite a aura de Friends. Todavia, não há qualquer problematização ou ponto que leve a discussões sobre representatividade ou preconceitos dos anos 90, tornando a experiência de ‘reviver’ Friends por um dia apenas como um fator de extravaso e não de crescimento. 

A sinceridade dos abraços e do choro cria a sensação de familiaridade e de amor, afinal, estamos cara-a-cara com as versões envelhecidas desses ícones da comédia, arquétipos do que significava ser adulto naquela época, que conseguiram traduzir para muita gente os percalços de ser solteiro e desempregado mas acompanhado, nunca abandonado. Se focasse apenas nisso, The Reunion concentraria o que de melhor Friends nos entregou por 10 temporadas: o riso fácil. As diversas intromissões de celebridades, como BTS e até Malala Yousafzai, quebram o clima e o ritmo, sem contar o carisma negativo de James Corden conduzindo a entrevista na fonte. No geral, o quase-filme é um torrencial de lágrimas por uma hora e quarenta e três minutos, mas poderia ser muito mais. Fica a felicidade de ter tido a chance de apreciar esse alinhamento das estrelas, mas, vinte e sete anos e um Reunion depois, já podemos parar de falar sobre Friends. – Vitor Evangelista 

The Circle US (2ª temporada, Netflix)

Em tempos de Big Brother reinando na televisão brasileira, precisamos valorizar o reality show da Netflix. The Circle consegue, diferentemente do famoso programa da Rede Globo desde 2001, representar a sociedade da década de 2020. Não só pelas redes sociais totalmente construtora das nossas vidas atuais, mas também por mostrar como construímos relações no último ano apenas através de uma tela. 

A segunda temporada, então, veio para mostrar um novo cenário da rede social ‘Circle’. Enquanto a estreia do reality show mostrou mais como se escondemos atrás de uma tela e isso nos afeta, River, Emily, Lance Bass (sim, do *NSYNC) e o grande vencedor, ou melhor vencedora, Trevor mostraram como um catfish pode ser seu maior aliado. Não porque você não queira evidenciar quem você realmente é, como anteriormente, mas sim porque é ele quem traz a melhor de suas qualidades. 

River, assim, é o personagem que mais representou isso dentro do reality, se tornando quase como a personificação da mensagem dessa temporada. O escritor gay Lee conseguiu viver através da imagem do jovem amigo, aquilo que a sociedade norte-americana não o deixou viver durante sua juventude devido aos preconceitos. Mas, ainda assim, The Circle mostrou como pessoas verdadeiras, ingênuas e totalmente abertas, como Chloe, Courtney e Mitchell, podem ser o melhor de si mesmas. – Larissa Vieira

Mare of Easttown (Minissérie, HBO)

Que delícia é poder acompanhar um drama investigativo original, bem atuado e com total ciência de onde quer chegar e como fazê-lo. Se em teoria Mare of Easttown cumpre todos os requisitos para ser considerado um baita ‘programa de domingo’, na prática a coisa se eleva. Kate Winslet encarna um sotaque estadunidense da Pensilvânia, protagonizando o melhor papel de sua carreira. Sua detetive Mare é astuta, brutamontes, sensível e adoidada, tudo na mesma faceta, que a inglesa domina com astúcia. Ela viaja entre os humores da personagem com a facilidade que lhe garante elogios desde Titanic até o recente Steve Jobs, que voltou a indicá-la ao Oscar, e Mildred Pierce, quando ganhou seu primeiro Emmy. 

Mas Winslet não está sozinha. Nessa cruzada sentimental e arisca de 7 longos capítulos, Jean Smart faz a contraparte ideal para que a sisuda Mare soe, de fato, real. Interpretando a mãe da protagonista, Smart é um deleite que só, com deixas até para comédia física, veja só. Evan Peters vive um detetive adulto e maduro na superfície, mas com suficiente espaço para desconstrução, longe dos arquétipos preguiçosos em que Ryan Murphy o prende por quase uma década. Ainda brilham Guy Pearce, charmoso e gostosão, Angourie Rice, em uma louvável representatividade queer que foge de qualquer facilitação narrativa e David Denman, ator conhecido pelo papel de noivo da Pam em The Office, e que agora tem a oportunidade de, finalmente, não dar vida a um babaca ficcional.

Ao passo que as investigações progridem e a criação de Brad Ingelsby afunila a narrativa escrita pelo próprio, Julianne Nicholson se arrasta em cena, clamando para si a atenção que a resiliente Lori é obrigada a vestir. Mare of Easttown é tudo isso e muito mais pela direção precisa e nada oscilante de Craig Zobel, mestre em criar tensão e moldá-la de acordo com as expectativas de quem sintonizou na HBO pelos últimos sete domingos. Kate Winslet se recusou usar maquiagem, foi contra a edição que queria esconder sua barriga numa cena de sexo e bateu o pé quanto aos retoques no pôster: ela queria verdade e honestidade (e, ao fim do choroso Sacrament, percebemos que ela conseguiu). Unindo drama familiar de cidade pequena, crimes não-resolvidos e um elenco que é sinônimo de aclamação e bom trabalho, Mare of Easttown é a melhor minissérie de 2021. – Vitor Evangelista

Zoey e Sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Pode-se dizer que a segunda temporada de Zoey e Sua Fantástica Playlist era o que estávamos precisando para uma época tão turbulenta: um show que aquece o coração. Uma mistura de comédia, drama, números musicais de alta qualidade, novos personagens, participações especiais, uma história mais desenvolvida do que em sua primeira temporada, muito romance e uma escolha de repertório, como afirma o próprio título, fantástica. Se você está precisando de uma série para mexer com seu psicológico ao som de boas músicas, essa é a sua oportunidade.

Com apenas 13 episódios, a aposta musical da NBC em sua segunda parte possui um enfoque maior na vida pessoal, profissional e amorosa da protagonista. Acompanhamos Zoey em uma nova fase: a luta em continuar a viver depois de uma grande perda e a de entender que relacionamentos amorosos nem sempre são fáceis, mas que no fim, eles sempre valem a pena. Se você leu essas últimas linhas e pensou “será que eles finalmente vão revelar com quem a ruiva termina?”, fico feliz em lhe dizer que a resposta é sim, e sinceramente, não tinha como ser outro final.

Outro ponto positivo de Zoey são os personagens. Apesar de nos despedirmos de alguns, também temos a sorte de conhecer alguns novos, como o lindo vizinho australiano Aiden (Felix Mallard), Rose (Katie Findlay), amiga de infância de Max, o bombeiro e namorado de Mo, Perry (David St. Louis) e os novos funcionários da SPQR POINT: Mckenzie (Morgan Taylor Campbell) e George (Harvey Guillén). Zoey e Sua Fantástica Playlist é uma lição de empatia, respeito e muita qualidade vocal, com destaque a Mo (Alex Newell), que deu show de apresentação musical em todos os episódios. Em resumo, a nova aposta da NBC mais uma vez nos mostrou que veio para ficar. – Milena Pessi

A fórmula parece ser simples: amor + morte + robôs = sucesso! Mas, como todo elemento secreto, ele nunca é revelado – pelo menos não até agora. Uma pitada de animações que nos fazem perguntar “aquilo é uma pessoa de verdade ou apenas CGI?” é o que torna Love, Death + Robots único no vasto catálogo de séries da Netflix. A segunda temporada, lançada no dia 14 de maio, veio para matar a ansiedade dos fãs que esperavam há mais de 2 anos por uma continuação.

Infelizmente, nem mesmo os mais saudosistas podem admitir que esse Volume 2 foi um sucesso. A decepção vem logo de cara quando vemos míseros oito episódios em comparação com os 18 anteriores. Ainda por cima, o telespectador não fica com a sensação de dever cumprido após o término, visto que não existe aquele episódio, marcante o suficiente como a temporada anterior se especializou. O mais próximo que chegamos de um Zima Blue é uma analogia humanizada em O Gigante Acordado.

Independente dos erros, ainda assim Love, Death + Robots merece muitos elogios. Os gráficos e visuais singulares que cada episódio opta por adotar, a história mirabolante, a trama violenta ou sensível, todos esses são fatores que fazem o espectador assistir cada minuto sem pensar duas vezes, nos mantendo fantasiosos no universo ficcional que cada equipe desenvolve com maestria. A naturalidade que cria a humanidade em robôs é o resultado mágico que apenas essa série consegue formular. – Vitor Tenca

Castlevania (4ª temporada, Netflix)

Sangue e ação. Essas com certeza são as duas palavras que definem o desfecho de Castlevania. Não que os dois substantivos não estivessem presentes nas outras temporadas. Eu diria até que são características esperadas de uma animação sobre vampiros, baseada em um jogo de videogame focado em combate. E porque não abusar de algo que o estúdio Powerhouse Animation faz tão bem? De fato, há alguns deslizes quanto ao detalhamento dos personagens em alguns takes mais ativos, mas a alta qualidade de todo o restante, torna isso irrelevante. As cenas de ação dispensam comentários porque te deixam sem palavras, mas ainda assim, aqui vão mais alguns elogios: as trocas de soco, magia e cortes de espada são muito bem coreografadas, os ângulos pelos quais acompanhamos a luta são espetaculares e imersivos, e a movimentação fluida da animação só nos prende mais à tela. 

Entretanto, é preciso dizer que, às vezes, as cenas de luta cansam um pouco. Mesmo que todas funcionem como um caminho para algum desfecho importante, há momentos em que você só se encontra tão ansioso para mais desenrolares da história que a ação parece um empecilho. O que não a desqualifica, apenas contribui como mais um elogio à história. História essa que, por mais que te deixe de boca aberta por vários minutos depois do plot twist ou te faça chorar com as cenas dramáticas, não é perfeita. A gente chega de uma terceira temporada que construiu ansiedade para o que a corte da Carmilla – com suas cinco rainhas inteligentes e astutas – faria com a humanidade. Mas encontra, já nos primeiros episódios, o declínio do arco. E o mesmo acontece com Isaac, destaque em reflexões e cenas da temporada passada, que nem aparece nos capítulos finais.

Castlevania é uma narrativa riquíssima na construção dos seus personagens onde todos têm sua dose de profundidade. E depois da emoção de terminar logo a temporada, o que fica é uma melancolia por perceber que muitos finais poderiam ter sido melhor trabalhados antes de ganhar um ponto que soou rápido e fácil. Isso me faz adicionar outra expressão à dupla inicial: Sangue, ação e quebra de expectativa. Sim, eu esperava desfechos mais grandiosos à simplicidade que foi entregue a alguns. Mas no fim, é um acalanto ver uma história tão embebida em poder e ambição, com personagens intrigantes, cruéis e traidores que te fazem torcer por seus planos terríveis, terminar com calma, perdão, diálogos amorosos e segundas chances merecidas, até mesmo aos vilões. – Lorrana Marino

Halston (Minissérie, Netflix)

Ame-as ou odeie-as, as criações de Ryan Murphy sempre chegam fazendo barulho na televisão. A mais recente é em dose dupla: além da assinatura do produtor, Halston se insere num cenário naturalmente polêmico na história da moda norte-americana ao trazer a história de Roy Halston, um dos estilistas mais influentes dos Estados Unidos da década de 70. Na tela ficcional da Netflix, ele é vivido brilhantemente pelo camaleão Ewan McGregor, que passa pela ascensão de uma infância difícil para se transformar num designer conceituado, antes de assistir a diluição de seu império, a perdição de seu próprio nome e a tragédia de sua morte precoce. 

Baseada no livro Simply Halston, de Steven Gaine, a minissérie flui das mãos de Sharr White (Genera+ion), ganha graça com Rebecca Dayan na pele da top model e designer de joias Elsa Peretti, e com Krysta Rodriguez e sua radiante Liza Minnelli. O drama nasce da personalidade instável e geniosa de Halston, que também encara vícios em drogas e um romance desequilibrado com Victor Hugo, interpretado por Gian Franco Rodriguez. Halston também ganha riqueza com a fotografia, que explora os cenários nova-iorquinos, as cores setentistas e luxuosas do lifestyle dos personagens, e com a trilha, que se joga nas pistas de dança de 1970.

Em cinco episódios estilosos repletos de altos e baixos narrativos e criativos, a produção guarda seu ápice no trabalho admirável de Ewan McGregor, que nos fazer esquecer que o ator um dia viveu a serenidade de Obi-Wan Kenobi em Star Wars antes de trazer vida à personalidade de Roy Halston. Quanto ao desempenho de Ryan Murphy, que ultimamente vem sendo questionado, Halston talvez não seja capaz de agradar completamente a crítica. Mas o carisma de seu elenco e a beleza de suas construções técnicas pode entreter muito bem o público, e de quebra, iluminar a importância do estilista costumeiramente apagada da história da moda estadunidense. – Raquel Dutra

This Is Us (5ª temporada, NBC) 

Caminhando para sua última temporada, This Is Us viveu um ano conturbado; não só dentro da série, mas também na produção, que foi por algumas vezes adiada por conta da pandemia e encurtada, para evitar mais atrasos. Porém, além de se reinventarem por trás das câmeras, os Pearson tiveram que incluir máscaras, vacinas e a falta de contato da família para o enredo. 

A 5ª temporada, então, caminhou, em grande parte, a partir da história do primeiro irmão, Kevin (Justin Hartley). O plot final do ano anterior trouxe um grande sonho do famoso ator de Hollywood, se tornar pai. Mas, o início do relacionamento com Madison (Caitlin Thompson) trouxe a tona umas das maiores características do primogênito: a inconsistência e a impulsividade; o astro deixou seu grande filme para acompanhar o nascimento de seus filhos, além disso, uma pequena ligação de sua namorada de infância fez com que ele reconsiderasse o casamento com a mulher que ele admira a família que construíram.

Além do primogênito, então, This Is Us entregou as respostas que faltavam para Randall entender sua origem. Não só suas raízes genealógicas, mas trouxe o seu entendimento sobre o racismo que viveu dentro da própria adorável família Pearson. Dentro de seu enredo, ainda, Tess (Eris Baker) viveu momentos conturbados em sua adolescência, ao conhecer seu parceiro não-binário Alex (Presley Alexander). Por fim, a temporada trouxe o maior choque para o relacionamento da irmã Pearson, Kate (Chrissy Metz), que nos últimos minutos do último episódio traz uma reviravolta enorme para sua vida consistente e perfeita com Toby (Chris Sullivan), deixando, assim, os fãs ansiosos para o que está por vir no futuro do último ano de This Is Us. – Larissa Vieira 

Special (2ª temporada, Netflix)

A preciosa Special foi lançada em 2019, apostando em episódios curtíssimos e que ficcionalizavam a vida de seu criador, Ryan O’Connell, um homem gay com paralisia cerebral. A produção usava dessa representatividade muito bem-vinda para colocar na mídia pessoas com deficiência, seus amores, temores e suas rotinas, tirando o estigma preconceituoso que ronda essa comunidade no Cinema e na TV.

Para o segundo, e infelizmente último, ano da comédia, O’Connell consegue dobra a duração de seus capítulos, inserindo doses cavalares de humor e drama nas vivências de toda essa galera. Partindo das incertezas e das aventuras do protagonista, que divide o nome com o criador, até a amiga Kim (papel da hilária Punam Patel) e a doce mãe Karen, que encontra na atuação de Jessica Hecht sensibilidade e emoção. É uma pena que esse seja o fim prematuro de uma série, perdão o trocadilho, tão especial. – Vitor Evangelista

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração (The Sons of Sam: A Descent Into Darkness, Minissérie, Netflix)

Entre 1976 e 1977, seis pessoas foram mortas e sete ficaram feridas em atentados a tiros de calibre .44 pelos bairros da cidade de Nova Iorque. A população ficou apavorada enquanto a polícia seguia para múltiplos becos sem saída na busca pelo assassino, que se comunicou com as autoridades e com a imprensa para se batizar de Filho de Sam. Foi através de uma multa de trânsito que, finalmente, chegaram em um nome: David Berkowitz, um jovem carteiro, ex-militar e vizinho amigável. Os gritos exigiam sangue, vingança e justiça para um dos mais notórios serial killers dos Estados Unidos, que, por sua vez, insistia na história de que uma entidade de seis mil anos possuiu o cachorro do seu vizinho e o obrigou a matar. Berkowitz foi preso, sentenciado à prisão perpétua, os agentes da polícia foram condecorados e a cidade dormia em paz. Viva! Bem… isso até ouvirem de Maury Terry.

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração foi a nova aposta de true crime da Netflix para destrinchar não a história de David, mas, justamente, a investigação do jornalista Maury Terry na tentativa de provar que o carteiro não agiu sozinho. De início, os mais céticos não caem no papo de teoria da conspiração envolvendo cultos satânicos que a produção de Joshua Zeman tenta reforçar. No entanto, o trabalho de recuperação de documentos da minissérie e o esforço em reviver a pesquisa de Terry não deixam dúvidas: o Filho era, na verdade, Filhos. Terry se aprofundou no assunto; escreveu o livro The Ultimate Evil, que ligava a cientologia, a igreja O Processo, David Berkowitz e até Charles Manson em uma única rede satânica responsável por todos os assassinatos – e tudo isso é provado em tela, por vídeos, entrevistas, documentos e declarações.

Maury Terry, que ganhou uma narração em off de suas anotações por Paul Giamatti, dedicou a vida para convencer a justiça a reabrir o caso de Berkowitz e procurar pelos outros suspeitos. No caminho, o jornalista contou com a ajuda de policiais, vítimas, testemunhas e entrevistou duas vezes o assassino, que confirmou todas as suas teorias. Surpreendentemente, somos convencidos. As provas estavam lá. Joshua nos mostra todas as conexões, ignoradas na época pelo jogo político. Maury pode ter perdido a mão no processo, mas, no fim das contas, estava certo. E ganhou uma minissérie para reforçar seu legado. – Caroline Campos

Lucifer (Parte 2 da 5ª temporada, Netflix)

Por vezes profunda, outras vezes caricata, Lucifer é um dos maiores sucessos dos últimos anos na Netflix. Em maio, a adaptação televisiva do famoso anjo caído de Neil Gailman retornou para seu quinto ano na plataforma. Entre guerras celestiais, investigações policiais e brigas familiares, Lucifer repete a fórmula corriqueira de dramas procedurais sem deixar de divertir com sua própria irreverência. 

Com a premissa da batalha pelo posto de Deus, que está se aposentando, a temporada se desenrola em conflitos eletrizantes e antagonismos previsíveis. Mesmo que a narrativa de irmão gêmeo do mal esteja extremamente saturada em Hollywood, Tom Ellis impressiona com sua construção de maneirismos e particularidades dos irmãos Lúcifer e Michael. Quem também chama a atenção é o estreante Dennis Haysbert, que se equilibra entre a rigidez e a benevolência em sua caracterização de Deus. Haysbert humaniza o Todo-Poderoso de forma extraordinária, ao mesmo tempo que eleva o personagem a seu próprio patamar. 

A série emociona na dualidade ríspida de Lúcifer e Deus e no romance afeito do diabo com a detetive Decker, enquanto passeia por enredos novelescos e fillers monótonos. Não é perfeita, e nem tenta ser: mais que um guilty pleasure, Lucifer é a prova que nem todo programa precisa de muito para funcionar. Com apenas oito episódios, a segunda parte da 5ª temporada entretém sem exagerar e ainda deixa o gostinho de quero mais. – Laís David

Onde Está Meu Coração (1ª temporada, Globoplay)

Desde o seu lançamento, o Globoplay vem investindo cada vez mais em produções originais. O nome da vez é Onde Está Meu Coração, de George Moura e Sergio Goldenberg. Protagonizada por Letícia Colin, a série retrata a história da médica Amanda, pertencente a uma família de classe média alta, e que se vicia em crack. Com o objetivo de trazer uma narrativa sobre a dependência dessa droga em uma camada da sociedade diferente da que estamos acostumados a observar, a obra acompanha o vício da doutora e todas as complicações que isso traz para a sua vida pessoal e a de seus familiares. 

Além de contar com a direção impecável de Luísa Lima, com supervisão de José Luiz Villamarim, dono de obras como Amor de Mãe, Onde Está Meu Coração carrega um elenco de peso. Fábio Assunção interpreta o pai de Amanda, David, que também é um ex-alcoólatra. A história de seu personagem se encontra com sua vida pessoal em alguns aspectos, em que já passou por tratamento em função da dependência química, e isso se reflete na sua forte atuação, ao ver sua filha da ficção ser levada por um  caminho semelhante. A atriz Mariana Lima, que interpreta sua esposa, também carrega um histórico de uso de drogas na vida real, e entrega tudo no desespero de uma mãe em salvar sua filha a qualquer custo. 

Mesmo com algumas escolhas narrativas que desprezam um pouco o arco de personagens secundários, a série faz jus a história recorrente de diversas famílias que são atingidas e destruídas pela dependência química, sem exagerar na dose dramática. Letícia Colin atravessa todos os estágios da dependência e da árdua recuperação de forma avassaladora e necessária. A potência de Onde Está Meu Coração se fortalece com sua trilha sonora, composta por nomes como Frank Sinatra, Gal Costa e Nick Cave & The Bad Seeds. – Vitória Silva

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

A terceira e última temporada de O Método Kominsky já se inicia em tom de despedida. Alan Arkin, intérprete do velho e sarcástico amigo de Sandy Kominsky, não retornou à série, fazendo com que a personagem tivesse o caminho mais óbvio dentro do roteiro e do encaminhamento da produção. A família que ele deixou foi um apêndice inflamado, terminando sem final. A sitcom que acompanha um preparador de atores já em sua melhor idade, mistura tragédia e comédia para fazer suas abordagens. Em relação aos atores, Emily Osment volta para mais um ano de figuração de luxo. Já Nancy Travis faz falta durante os seis episódios.

Com o protagonista lidando com o luto, temos uma temporada bem menos pautada na comédia. A graça perde espaço para a dor, que se faz mais presente a cada episódio. A linha tênue entre a vida e a morte não leva o telespectador às lágrimas, mas causa um comovente desconforto. Com a participação mais recorrente da ex-esposa de Sandy, as tragédias seguem firmes até os últimos momentos da série.

Vemos ainda um Kominsky menos egoísta e mais centrado em sua filha. A produção repete um dos maiores acertos de sua primeira temporada, que são os episódios contínuos, como um grande filme. É no final que ele realiza seu grande sonho de participar de uma adaptação cinematográfica de sucesso. Dentro das telas, o Emmy veio para o protagonista e uma de suas alunas. Agora, nos resta esperar até setembro para ver se a vida irá imitar a arte, garantindo alguma estátua pelo fim de O Método Kominsky. – Ana Júlia Trevisan

Master of None Presents: Moments in Love (3ª temporada, Netflix)

A jornada de Master of None pela TV não foi simples. Depois da estreia em 2015, e a segunda temporada dois anos mais tarde, os elogios ao brilhante trabalho de Aziz Ansari e Alan Yang não foram poucos, rendendo dois Emmys de Roteiro e uma subida invejável à fama. Tudo mudou quando Ansari foi acusado de abuso, afastado dos holofotes e colocado na geladeira. E as proporções tomadas foram maiores do que em casos onde os denunciados são homens brancos. Tempos depois, novas informações vieram à luz, explicando a natureza do episódio de denúncia. 

Fato é que o nome do comediante manchou qualquer obra e ele vinculada. Em meio aos anúncios de Maio de 2021, a Netflix deixou de fora a terceira temporada de Master of None, então lançada quatro anos após a despedida entre Dev e Francesca na triste Nova Iorque invernal, e inclusive soltando os episódios em um domingo, fora do habitual calendário que reserva grandes obras às sextas-feiras. Sem o personagem de Aziz no posto de protagonista, a nova (e menor) leva de capítulos colocou Denise, a brilhante Lena Waithe, como pivô da trama, reservando ao criador o posto de diretor e roteirista, com a própria Waithe coescrevendo os textos. 

Denise e sua esposa Alicia, papel da expressiva Naomi Ackie, são o foco de Master of None Presents: Moments in Love, uma jornada dramática pela relação do casal, desde os momentos felizes na fazenda afastada do centro da Grande Maçã, até os percalços que mulheres negras e lésbicas enfrentam ao tentarem ter um bebê. A comédia fica no passado, com os episódios se estendendo entre vinte e cinquenta e tantos minutos, sem respiro para as habituais gargalhadas que eram sinônimo do seriado. Para dar cabo ao primoroso produto que nutriu até que lhe fosse tirada a oportunidade, Aziz Ansari inverte expectativas e oxigena o núcleo cômico de Master of None, mantendo a essência da busca pela felicidade e da autorrealização, dessa vez pela ótica dos trintões. – Vitor Evangelista

The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade (Minissérie, Amazon Prime Video)

As palavras que eu conheço se mostram insuficientes para compreender The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade. O novo lançamento do Amazon Prime Video é a primeira produção seriada do brilhante Barry Jenkins (Moonlight e Se a Rua Beale Falasse), que agora leva sua arte audiovisual para as telas do serviço de streaming, fazendo valer, mais uma vez, o clamor de seu trabalho. A obra da vez é adaptada de um premiado livro homônimo, baseado numa história real dos tempos pré-Guerra Civil nos Estados Unidos a partir de um olhar próximo que, como o próprio diretor pontuou, calibra a perspectiva da história da escravidão na América.

Mas é um erro tamanho assumir essa narrativa como monotemática. The Underground Railroad acompanha a jornada de Cora Randall (Thuso Mbedu, um talento absoluto encontrado por Jenkins) em busca de sua liberdade e autonomia, tanto em relação à sua condição de escrava, quanto às suas questões pessoais de identidade num tempo de apagamento da humanidade de seu povo. Os longos e vagarosos 10 episódios trabalham para não reduzir seus personagens (com destaque para as interpretações de Joel Edgerton, William Jackson Harper, Aaron Pierre e Sheila Atim), seus arcos, seus assuntos e seus debates. Muito pelo contrário, toda a dimensão das suas existências são abarcadas.

Assim, não é fácil acompanhar a história e a trama não busca simplificar seus caminhos em momento algum. Entre violências sufocantes e belezas ofegantes, a minissérie marca a identidade de seu criador, que bem sabe que existem coisas que alguns de nós jamais iremos compreender. Mas o que é o trabalho de um artista se não manejar as nossas percepções? Diálogos, ações, cenas, olhares, enquadramentos, sons e até canções… Nada está ali à toa. The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade é um trabalho livre, e é um trabalho de Arte. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Maio de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O ano se aproxima da metade e já podemos dizer que ele tem seus nomes. Ninguém vai conseguir lembrar de 2021 sem cantarolar a melodia de drivers license e imaginar o lilás da capa do primeiro disco de Olivia Rodrigo. O primeiro hit do ano colocou a adolescente sob os holofotes de todo o mundo, assinalando o seu nome em diversos recordes nas plataformas de streaming e criando uma expectativa gigantesca em cima de seu álbum de estreia.

Experiências adolescentes universais, muito estilo, atitude, talento, hype e aquela pontinha de nostalgia combinada com o jeitinho único da geração Z foram os artifícios de Rodrigo para construir em SOUR a melhor estreia que poderia ter feito. O recado é simples: com sua carteira de motorista em mãos e desabafos juvenis devidamente finalizados, todos os caminhos estão livres para o futuro da estrela Olivia.

Ao lado da princesa do Detran no hall de condecorados de 2021, possivelmente estará Lil Nas X. O primeiro álbum do nosso pequeno já tem nome, data de nascimento e muita identidade, conforme aponta o novo single. Se antes ele causou o terror de fundamentalistas religiosos ao descer até o Inferno numa barra de pole dance e sensualizar com o diabo, agora ele chega até o Céu através de uma canção íntima e sincera sobre suas vivências enquanto jovem gay negro.

E se o assunto é gente promissora, os trabalhos de chloe moriondo, ELIO, Alfie Templeman, girlhouse, Ashe e dodie também encontram um bom lugar em 2021 e nesta edição do Nota Musical. No núcleo teen, também está a chegada estrondosa do verão amanteigado do BTS, sinais da nova era de Conan Gray, novidade dos Jonas Brothers e de Niall Horan.

As amadas gravidinhas do Little Mix juntaram fôlego para acompanhar David Guetta em Heartbreak Anthem e fazer história no prêmio mais importante da música britânica. Na cerimônia do BRIT Awards 2021, o trio foi a primeira girlband a vencer a estatueta de Melhor Grupo, e não deixou o momento passar em branco no palco da premiação: “Vimos homens dominando, misoginia, sexismo e pouca diversidade. Estamos orgulhosas por termos permanecido juntas, nos cercado de mulheres fortes e agora usando mais do que nunca as nossas vozes”. 

Lá, Olivia Rodrigo também dominou o momento em sua primeira performance em uma premiação e Dua Lipa seguiu acalmada. Elton John aproveitou para mais uma vez demonstrar seu apoio à nova geração da Música, agora ao lado de Olly Alexander com a política It’s a Sin, na véspera do mês reservado para a celebração do Orgulho LGBTQIA+.

Os contemporâneos favoritos da Terra da Rainha, no entanto, não cumpriram as promessas de 2019. Coldplay chegou no BRIT Awards 2021 com um terrível novo single, que definha as tantas possibilidades para o futuro da banda construídas com o último disco no pop enjoativo que o quinteto britânico insiste em praticar. 

Erro esse que não foi cometido por Twenty One Pilots. A migração de sua mistura única e obscura de rock alternativo/hip-hop para os tons doces de um pop/rock vintage foi de início duvidosa, mas muito bem assimilada quando finalmente chegou aos nossos ouvidos. Fato é que os ouvintes mais apegados podem estranhar a sonoridade de Scaled and Icy, mas a nova era de Josh Dun e Tyler Joseph é rica em significados como sempre.

E o rock por si mesmo segue em boas mãos. Maio nos presenteou com o encontro épico de Sharon Van Etten e Angel Olsen e o retorno tão esperado de St. Vincent, que chegou em 2021 através de narrativas autobiográficas profundas e com a estética da década de 70. Mas o destaque do gênero vai mesmo é para o novo trabalho da banda dinamarquesa Iceage e o EP de PRETTY., paradas obrigatórias dentre a vastidão de obras pontuadas aí abaixo.

No folk, fomos embalados pelo novo CD do grupo Lord Huron e pelo quinto e belíssimo disco de Jon Allen. O blues também foi perfeitamente celebrado junto aos 20 anos de The Black Keys no décimo álbum do duo, e os amantes de country devem dar uma chance para a delicada influência do gênero na música de Aly & AJ. Já no R&B, Maio trouxe as preciosidades dos trabalhos de Sinead Harnett, Erika de Casier e Jorja Smith.

O saldo do mês no rap também foi o melhor possível. O retorno de Nicki Minaj com o lançamento de sua mixtape reformulada nas plataformas digitais é um aquecimento para o futuro da rapper, enquanto J. Cole segue um sucesso nas paradas mesmo quando respira entre suas safras. Aqui no Brasil, BK’ estreia o selo de sua produtora e Tasha e Tracie flertam com o funk em seu primeiro single do ano.

Na poética que só a rima permite, o rap do novo álbum de McKinley Dixon flutua em seus pensamentos sobre a vida numa das obras mais lindas de Maio e talvez de 2021, destinado à sua mãe, e a todos que se parecem com ela. As reflexões do jovem estadunidense acontecem de uma forma parecida com o trabalho de Jup do Bairro, que segue em Sinfonia do Corpo como uma das vozes mais relevantes na música nacional. 

Chegando em sons brasileiros, é impossível não gostar de pelo menos uma coisa que nosso pop vem produzindo. Depois de soltar a voz com Emicida na maravilhosa e icônica AmarElo, Majur inaugura sua carreira com louvor com Ojunifé. A promessa de Urias também é grande e a expectativa só cresce com o que ela libera para degustação de seu disco, que ganhou nome este mês. 

O novo trabalho da Tuyo, por sua vez, desenha para quem tinha dúvidas o porquê a beleza do som da banda chamou a atenção do The New York Times. Essa serenidade que permeia nossos artistas desaguou em Karol Conká, que retorna decidida a superar a sua curta porém intensa passagem pelo Big Brother Brasil.

Pabllo Vittar, de fato, não para. O lançamento da vez é uma volta às suas raízes, num forró com o drama de uma novela mexicana, que serve muito, como sempre, em marketing e complementos visuais. Próximo e longe da drag, está Gabeu, que como uma exímia cria do sertanejo e um legítimo orgulhoso de si mesmo, agrega mais um single em sua carreira, fortalecendo sua posição de precursor do queernejo no Brasil. 

Maio também nos permitiu apreciar Tim Maia em espanhol e Nando Reis em família, além de reforçar uma mensagem muito importante através de Martinho da Vila. O assassinato de George Floyd completa um ano, e a Arte não deixa de exercer sua função social e defender que Vidas Negras Importam.

Um mês de ganhos preciosos também foi um mês de perdas irreparáveis. Nelson Sargento, mestre do samba e parceiro de Cartola, MC Kevin, uma das vozes mais bonitas do funk, e Cassiano, rei do soul brasileiro e letrista de Tim Maia, foram alguns dos nomes que deixaram a vida nos últimos trinta dias. O Persona reúne a Editoria e os colaboradores no Nota Musical de Maio, em memória à importância de cada um deles para a música brasileira.

Falecimento de Nelson Sargento

O samba agoniza, mas não morre. Não morre, mas chora rios de lágrimas quando alguém que dedicou a vida para vivê-lo parte desse plano para tocar ao lado das estrelas. Nelson Sargento, a história viva do ritmo negro, forte e destemido, partiu em uma manhã de quinta-feira, no meio desse complicado maio de 2021. Aos 96 anos, Nelson tinha vida de sobra, uma carreira de encher os olhos e o respeito de toda a Estação Primeira, que perdeu uma de suas raízes verde-e-rosa mais brilhantes. O Brasil, mais uma vez, fica órfão. 

Nelson, que era Mattos, só virou Sargento depois dos quatro anos no Exército. Uma função só não bastou – o carioca era cantor, compositor, pesquisador, artista plástico, ator e escritor. Acima de tudo isso, era incomparável. Vascaíno de coração, guiou os rumos da Mangueira como baluarte e presidente de honra, foi parceiro de Cartola, Carlos Cachaça, Paulinho da Viola, Zé Keti, e outras lendas que, assim como ele, cravaram seu nome na história da Música Popular Brasileira. 

Nas suas mãos, samba virou resistência; virou grito de guerra. É impossível relatar quem foi Nelson em um texto de três parágrafos. O buraco de sua perda é gigantesco. Angenor já cantava que, em Mangueira, quando morre um poeta, todos choram – novamente, os lamentos descem até o asfalto e inundam todo o território nacional. Nelson Sargento não existiu, foi um sonho que a gente teve. – Caroline Campos

CDs

MC Kevin – Passado e Presente

É sempre muito triste a morte de um artista tão jovem. Kevin tinha apenas 23 anos e uma carreira consolidada que se iniciou em 2013 e se findou em 16 de maio de 2021 . As escolhas pessoais podem e devem ser questionadas, mas a ascensão de um adolescente que já foi traficante de drogas e se tornou um MC milionário, chegando a abrir sua própria produtora também, são fatos que demonstram o potencial do funkeiro.

Inclusive, o álbum póstumo Passado e Presente foi o primeiro lançamento da Revolução Records, que continuará na ativa. O trabalho conta com 10 faixas que transitam entre o funk e o trap e diversas participações, como Ryan SP, Hariel, Magal, PH e Vulgo FK. Além disso, Kevin cita algumas referências, os MCs Felipe Boladão e Daleste, a banda Charlie Brown Jr. e até o jogador Neymar. 

A mixtape traz muito sentimento nas músicas, como se fosse um desabafo do artista. O sofrimento na infância, entrada para a vida do crime e a reviravolta com o funk, tudo em um curto espaço de tempo. Junto disso, vemos uma grande maturação nas letras, Kevin faz críticas sociais e fala também sobre a mudança de postura de algumas pessoas após seu sucesso. Se tivesse que resumir toda a trajetória em uma frase, seria uma épica do próprio MC: O menino encantou a quebrada. – Elder John

Patrick Paige II – If I Fail Are We Still Cool? 

Atenção passageiros, o piloto Patrick Paige II avisou que vai decolar e se preparem, pois essa será uma viagem para ficar na história. As aeromoças que interrompem a progressão das faixas nunca chegam a dizer exatamente essas palavras, mas o sentimento não é antagônico. Patrick Paige II, membro da badalada The Internet, arrisca um segundo voo solo em If I Fail Are We Still Cool?, LP robusto e exotérico, que rememora parcerias com nomes proeminentes do rap, assim como com seus companheiros de banda Syd e Steve Lacy.

O rapper é modesto no passeio entre as 17 faixas, soando menos interessado em ser incisivo ou repetitivo em seu repertório. A própria decisão de nomear o disco com uma frase tão sincera e genuína já descasca a índole de Paige II, cantando ferozmente no single promocional Whisper (Want My Luv), que puxa referências do funk. Curfew é a melhor experimentação solo do cantor, ao passo que a colaboração com Syd decola o potencial da dupla. Sobra espaço para aclamação de Good Grace e mais espaço ainda para encher a bola do artista, que não importa se está sozinho ou acompanhado, nunca decepciona. – Vitor Evangelista 

J. Cole – The Off-Season

The Off-Season. O nome do disco foi a primeira coisa que me chamou a atenção. Off-Season pode ser traduzido do inglês como entressafra, na agricultura, o período de intermédio entre o fim de uma colheita e o início de outra. Um momento de planejamento, em que organiza-se o rendimento da última safra, e prepara-se o plantio da próxima. No universo dos esportes, off-season define o período entre temporadas esportivas, em que o atleta segue uma rigorosa sequência de treinos, juntamente à uma dieta de grande aporte calórico, com o intuito de alcançar um alto rendimento corporal em curto tempo. Da mesma forma, esse é um álbum de transição, em que Cole decide aperfeiçoar-se como músico, compositor e produtor, enquanto prepara-se para seu grande lançamento, que promete ser o aguardadíssimo The Fall Off. Desse modo, J. Cole, ao mesmo tempo que tenta se aprimorar, mantém-se em uma zona segura.

O rapper agrupou para esse trabalho um elenco absurdo de colaboradores, que vão de Timbaland, T-Minus, Boi-1da e Frank Dukes na produção, até Bas, 6LACK, Morray e Lil Baby emprestando suas vozes. Sua entrega lírica, como sempre, é excepcional, contudo, em alguns momentos, suas ideias tendem a cair no senso comum. Ao mesmo tempo que encontraremos músicas como a p p l y i n g . p r e s s u r e, que expõe comentários mordazes sobre a cena atual do hip-hop e suas tendências nocivas, conforme alguém que sabe que está entre os melhores e não hesita na hora de falar isso, também passaremos por faixas como m y . l i f e, que tenta assiduamente reproduzir a fórmula de a lot, inclusive reprisando o feat de 21 Savage, porém de forma bem menos convincente que o primeiro. 

O que eu sinto é que, apesar de um álbum conciso, está longe do período de auge do Cole. E, talvez, isso seja proposital, visto que esse é um lançamento que já nasce de uma expectativa externa. Essa relação de dependência com o prometido The Fall Off, de que ele seria somente uma prévia ou um prelúdio de algo maior, acaba por podar a sua autonomia como obra isolada, o que pode, mesmo com os números absurdos que o álbum tem conquistado nos charts da Billboard, reduzir consideravelmente sua vida útil a longo prazo. Mas isso, no fim das contas, não passa de achismo meu. De qualquer forma, The Off-Season não deixa de ser um acerto, e desvenda um pouco mais do que a nomeada The Fall Off Era ofereceu e ainda tem a nos oferecer. – Enrico Souto

St. Vincent – Daddy’s Home 

St. Vincent é mestra na metamorfose artística, mas dessa vez ela foi além. Seu sétimo registro de estúdio carrega, no nome e na realização, um conceito familiar muito singular e marcante: a prisão de seu pai. “Eu queria contar isso não como uma grande fofoca, mas como uma história humana, com amor e compaixão”, ela revela, se referindo ao encarceramento que aconteceu em 2010, depois do patriarca dar um golpe financeiro avaliado em 43 milhões de dólares.

Como a arte de Annie Clark, nome por trás da fachada exotérica, não é nada simplória, ela foi além das obviedades que rondam o cenário mainstream, ao não apenas pescar referências históricas e musicais dos anos 70 e 80, mas recriar estilos, formato e abordagem. Daddy’s Home soa como um produto do século passado, em seus inúmeros acertos e poucos deslizes. Depois de cantar sob camadas eletrônicas no Grammyzado MASSEDUCTION, St. Vincent prolonga as sílabas e versos do trabalho atual, demorando mais que o esperado para chegar ao ponto de destino.

Quando cria essa persona da filha perdida em contraponto do pai ausente, Daddy’s Home não se preocupa em situar seu ouvinte ao passado conturbado da cantora, e ela, ao lado do produtor Jack Antonoff, manufaturou o disco para além de suas referências. Mesmo quem nem imagina que o pai da artista foi para o xilindró aproveitará as 14 faixas. É claro que a singularidade do tema obstrui um pouco da relação cantor e fã, sedimentando o disco como um trabalho nada atrativo para ouvintes de primeira viagem. Os destaques sonoros são quase todos, desde a deliciosa e convidativa The Melting Of The Sun, até a prazerosa faixa-título e a despirocada Down. Os repetitivos interlúdios embananam Daddy’s Home, mas a desenvoltura de St. Vincent, assumindo o título de Papai e com as pernas cruzadas à la Sharon Stone, toma as rédeas e não deixa ponto sem nó. – Vitor Evangelista 

Aly & AJ – a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun

Quase 14 anos depois de Insomniatic e o legado duradouro de músicas como Potential Breakup Song e Like Whoa, o duo pop Aly & AJ volta com seu mais novo álbum de estúdio, gravado no famoso estúdio Sunset Sound em Los Angeles e lançado através de sua própria gravadora. a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se apresenta logo de cara como um projeto extremamente pessoal das irmãs Michalka e, mais do que um comeback, uma culminação da jornada delas até aqui.

Abrindo logo de cara com o single Pretty Places, elas introduzem as influências country pop que fundam a base para o resto do disco. É uma mudança bem-vinda que ajuda a diferenciar as novas músicas dos EPs anteriores, apesar de significar a ausência dos excelentes singles Attack of Panic e Joan of Arc on the Dance Floor. A partir daí, a dupla nos guia pelas suas experiências mais pessoais, do desejo de se reinventar em Break Yourself até a valorização do amor na suave Slow Dancing, oferecendo algumas de suas melhores faixas.

Apesar do disco se caracterizar por faixas animadas e confiantes como Paradise, Listen!!! e Don’t Need Nothing, seu momento definitivo vem ao final, composto pelo soco de três partes que é Stomach, Personal Cathedrals e Hold Out. Essas canções diminuem o ritmo elevado do álbum e exploram sentimentos negativos de maneira intimista e impactante, terminando a touch of the beat não como um hino, mas como uma resposta sincera e vulnerável à pergunta: “Você vai me segurar?/Vai estender seu braço e me segurar?/Você se acha forte o suficiente?”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Lord Huron – Long Lost 

O novo disco do grupo de folk Lord Huron continua investigando a tristeza sob a ótica da melancolia americana, mas dessa vez o processo nos afoga junto deles. A imagem da capa metafórica se estende para além do figurativo, quando o som de Long Lost, oscilando entre lamentos e desabafos, recria a experiência de um concerto de verdade. Ou, nesse caso em especial, com o máximo de fidelidade possível.

Um túnel do tempo é cavado pelos donos da poderosíssima The Night We Met e que, em 2021, usam contextos de turnês recentes para dar o toque do trabalho. Interlúdios simplórios climatizam o ambiente norte-americano, ao passo que a banda não economiza nas guitarras, por vezes cobrindo a voz de seus vocalistas sob camadas de sons altos.

I Lied, ao lado da novata Allison Ponthier, recria diálogos de casais exaustos, credibilizando um amor que já passou da validade. Not Dead Yet é uma conversa de espelho, e What Do It Mean abrange a solidão de uma vida de fama. Long Lost finaliza sua jornada com Time’s Blur, um instrumental de mais de 14 minutos. A transição de cantar sobre a tristeza e mostrar a tristeza através de sons é gradual e objetiva, fazendo com que o retorno da banda daqui algum tempo brade mais alto o posto de reis do folk alternativo que carregam com tanto vigor. – Vitor Evangelista 

chloe moriondo – Blood Bunny

Passamos da fase dos ídolos adolescentes fabricados: uma nova geração de artistas toma as rédeas do próprio trabalho, das composições aos conceitos, e exercem sua liberdade para garantir produções criativas e cheias de personalidade. Cria do YouTube, a cantora estadunidense Chloe Moriondo soma à leva dos bedroom pops que usam da plataforma para divulgar suas criações e agora, com mais de 3 milhões de inscritos por lá, lança seu segundo álbum, Blood Bunny – tudo isso com apenas 18 anos.

Na mistura de influências da artista, que ela lista na divertida Favorite Band e incluem Paramore, All Time Low e Simple Plan, Chloe ora se inspira, ora se afasta da sonoridade de seus ídolos. De cara, a abertura traz o pop rock com Rly Don´t Care, uma das melhores do álbum, mas muda o tom nas seguintes, como nos singles pop I Eat Boys e Manta Rays. Ao longo das 13 faixas, canções animadas e puxadas para o rock, como Take Your Time, I Want To Be With You, Bodybag e What If It Doesn´t End Well, são intercaladas de outras com pegadas misturadas, como Samantha e Strawberry Blonde, e outras quase esquecíveis, como as parecidíssimas Slacker e Vapor.