Passeamos pelos multiversos de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e The Umbrella Academy, exploramos o brilhantismo obscuro da terceira temporada de Barry e refletimos sobre o final provisório dos malditos Peaky Blinders. Foi assim que o mês popularmente mais calmo no audiovisual, quase uma preparação para o ápice da temporada de Summer Movies, conseguiu deixar sua marca como um dos capítulos mais interessantes do ano até então. Neste Cineclube de Junho, o Persona destrincha o que rolou no Cinema e na TV no Mês do Orgulho.

O período junino começou agitado logo no seu primeiro dia, com o resultado do desnecessariamente midiatizado julgamento entre Johnny Depp e Amber Heard. Depois de quase um mês de análise do processo, o júri decidiu o que o Twitter e o TikTok já haviam julgado há muito tempo: a “inocência” (entre muitas aspas) de Depp. Por mais que os dois tenham saído com condenações, o ator foi quem tirou mais proveito da situação. Apesar de seu caráter ser tão duvidoso quanto o de Heard, ele tomou um banho de imagem e hoje é visto como um injustiçado por uma base de fãs aficionados.

Partindo para notícias mais animadoras, Junho concedeu uma das maiores honras do Teatro para Jennifer Hudson. Graças a sua mais nova estatueta do Tony Awards pela produção do musical A Strange Loop, Hudson atingiu o status de EGOT — destinado aos ganhadores do Emmy, Grammy, Oscar e Tony — e se tornou a segunda mulher negra a receber a honraria, ao lado de Whoopi Goldberg. Falando em representatividade, o Mês do Orgulho separou uma surpresa quase em sua reta final. Nos últimos dias do mês, o lendário Pedro Almodóvar divulgou informações sobre seu próximo projeto, o curta-metragem western Extraña Forma de Vida. Segundo o diretor, a obra será uma resposta ao clássico contemporâneo O Segredo de Brokeback Mountain.

Adentrando as telonas do cinema e do streaming, o destaque vai para Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo. O filme foi vencedor do Festival de Sundance 2022, assim como CODA, seu irmão de plataforma no ano passado. A história gira em torno de um jovem, interpretado por Cooper Raiff – que também dirige o longa — que trabalha como anfitrião em bar mitzvás, onde conhece uma mãe (Dakota Johnson) e sua filha autista, criando um forte laço com elas. Por mais improvável que seja a obra seguir o mesmo premiado caminho de No Ritmo do Coração, o serviço da maçã mordida já provou que sabe nos surpreender.

Ainda nos lançamentos da plataforma dos iPhones, Liam Neeson estreia nas produções do streaming interpretando um velho conhecido: o porradeiro de meia idade do qual já está acostumado retorna em Assassino sem Rastro. A produção conta a história de um assassino de aluguel com Alzheimer que sofre as consequências de se recusar a matar uma criança. Sendo uma refilmagem do filme belga A Memory of a Killer, o longa entrega um plot genérico e não convence, principalmente ao focar na ação e deixar de lado a interessante premissa de um assassino lidando com essa condição médica.

Indo ao infinito e às salas de cinema, acompanhamos a jornada intergalática repleta de ação de Buzz (Chris Evans) e outros astronautas do Comando Estelar em Lightyear. Dentre eles, destacamos Alisha Hawthorne (Uzo Aduba), responsável pelo primeiro beijo homoafetivo da Pixar. Porém, o feito só ocorreu após uma onda de protestos contra a Disney, que, em pleno Mês do Orgulho, resolveu manter sua política do Don’t Say Gay ao originalmente censurar o casal sáfico. A obra tem a assinatura de Angus MacLane (Procurando Dory) e, apesar das críticas mistas, deve encantar os fãs do personagem, mesmo decepcionando nas bilheterias.

E a Disney decidiu investir no marketing do filme do astronauta para além dos cinemas. Isso nos deu Ao Infinito e Além: Buzz e sua Jornada para ser Lightyear, documentário original do Disney+, que desmembra a origem do emblemático personagem desde sua primeira aparição em Toy Story. O longa serve como um aquecimento para Lightyear, mostrando as etapas de produção da nova aventura da Pixar, e das mudanças estéticas para caracterizar o patrulheiro espacial.

Ainda no streaming do rato, temos A Extraordinária Garota Chamada Estrela Em Hollywood, sequência de A Extraordinária Garota Chamada Estrela. O longa, uma típica aventura adolescente dos anos 2000, mas dessa vez repaginada, continua acompanhando Stargirl Caraway (Grace VanderWaal), que sai da cidade de Mica e se muda para Los Angeles com o intuito de começar uma vida nova. A obra é baseada no livro Com Amor, A Garota Chamada Estrela, tem direção de Julia Hart e conta com nomes como Uma Thurman no elenco.

Para se afastar das polêmicas, a Disney decidiu se redimir produzindo alguns conteúdos LGBTQIA+, e um deles é Trevor: O Musical. Seguindo os moldes de Hamilton, o longa é uma versão filmada do musical off-Broadway de mesmo nome. Baseado no curta-metragem ganhador do Oscar em 1995, a trama acompanha a adolescência do jovem Trevor em 1981, e a descoberta de sua identidade enquanto tenta se encaixar em um mundo difícil. 

Ainda na mesma temática, só que dessa vez para o streaming adulto da empresa, o Star+, Fire Island: Orgulho e Sedução nos traz uma comédia romântica LGBTQIA+ inspirada no clássico Orgulho e Preconceito, de Jane Austen. Apesar do longa dirigido por Andrew Ahn e protagonizado por Bowen Yang ter um tom cômico, a obra traz várias alusões sobre camadas sociais, além de uma abordagem de aspectos culturais, raciais, de gênero e sexualidade. Entre piadas e clichês, Fire Island é um grito de resistência e representatividade.

Em função das finais da NBA, uma das apostas dos streamings para esse mês foi o conteúdo voltado para um dos esportes mais amados pelos americanos, o basquete. É isso que Rise, produção do Disney+, buscou. A obra, dirigida por Akin Omotoso, conta a história dos irmãos Antetokounmpo, o primeiro trio de irmãos a se tornarem campeões do campeonato. O elenco conta com Dayo Okeniyi (Fresh), Yetide Badaki (This Is Us), Uche Agada e Ral Agada e teve uma recepção positiva por parte da crítica, com 95% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Porém, o que conseguiu mais holofotes ainda foi a aposta da Netflix, Arremessando Alto, derivado da parceria com Adam Sandler. Depois de Joias Brutas, o longa é mais uma prova que Sandler leva muito mais jeito para a veia dramática do que para a comédia. Porém, aqui, o veterano consegue mesclar suas duas personas em uma dramédia esportiva bem gostosa. 

No filme, o ator interpreta um olheiro do Philadelphia 76ers disposto a mudar de vida, até que descobre, na Espanha, o talento Bo Cruz (Juancho Hernangomez). Com um elenco composto em sua maioria por jogadores e lendas da NBA, a atuação de Sandler é um destaque, pois entrega algo muito acima da maioria de seus trabalhos. Mas os méritos precisam ser dados aos atletas, que desempenham seu papel sem prejudicar o longa. Aqui, um destaque para Juancho, jogador do Utah Jazz, que coestrela a obra.

Outra que deu as caras  também, mas dessa vez em um gênero específico, foi Megan Fox. Até a Morte, longa de Scott Dale, marca a volta da atriz (que já vive o terror de ser casada com Machine Gun Kelly) ao cinema de Horror. A história, uma espécie de Jogo Perigoso, narra a história de uma mulher que tenta sobreviver à investida de dois assassinos enquanto está algemada a seu marido morto. Esse jogo de gato e rato conquistou a crítica, que destaca a atuação convincente de Fox.

As duas maiores surpresas tinham que ficar para o final. Os destaques a seguir rapidamente perderam o status de filme e conquistaram o de experiência, ora pela sua qualidade, ora pelo seu apelo. Essa última opção é justamente o caso de Minions 2: A Origem de Gru. Hoje, a internet tem o poder de mudar o rumo dos filmes, como aconteceu com Sonic, recentemente com Morbius e, num futuro próximo, com Barbie, de Greta Gerwig. No presente, o escolhido da vez é o prelúdio de Gru (Steve Carell), em meio a história dos seres amarelos favoritos do Cinema.

Recebido com uma pompa e circunstância a princípio descabidos, o longa traz uma estética setentista para a história da (tentativa de) ascensão do malvado favorito dos Minions. A direção tem a assinatura de Kyle Balda e a trilha sonora tem como grande nome o de Jack Antonoff, responsável por trazer nomes como St. Vincent, Phoebe Bridgers, Kali Uchis e H.E.R. para a produção de covers, com destaque para uma canção original assinada por Diana Ross e Tame Impala. Leve e divertido, Minions 2: A Origem de Gru tem tudo para ser mais um (se não o maior) acerto da franquia.

Fechando com chave de ouro, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo veio decretar seu lugar na Sétima Arte. Totalmente fora dos radares, o longa já chamava a atenção quando lançava seus trailers, mas nem a pessoa mais empolgada com o material poderia esperar a experiência que o filme é. Dirigido por Daniel Scheinert e Daniel Kwan, que carinhosamente assinam como Os Daniels, a obra é somente a segunda aventura conjunta dos diretores em longas, que tiveram sua estreia com o já intrigante Um Cadáver para Sobreviver.

Aqui, os dois replicam o que deu certo no projeto anterior, e vão muito além. Narrando a história de Evelyn (Michelle Yeoh), uma imigrante chinesa que descobre o acesso ao multiverso enquanto presta contas de sua lavanderia para a Receita Federal, o filme é extremamente despretensioso e sem compromisso. Porém, o roteiro, em sua maioria propositalmente pastelão, guarda um subtexto muito comovente, o que é capaz de te levar às lágrimas com um diálogo entre duas pedras (sim). Em qualquer realidade possível, Everything Everywhere All at Once com certeza é o filme do ano.

Passando para o universo das séries, a Netflix geralmente é ousada em suas produções, mas, em Junho, escolheu apostar no seguro. La Casa de Papel: Coreia entrega exatamente o que promete: um remake de um dos maiores sucessos da plataforma. Levando em conta que a série original espanhola se manteve no topo do streaming por cinco anos, e que as produções coreanas trouxeram um impacto estrondoso recentemente, não foi uma surpresa que os dois universos tenham se unido. 

A série, no entanto, pode ser mais aproveitada por aqueles que não têm familiaridade com o time espanhol, já que não há grandes alterações nos personagens e na trama. Mas, para os fãs que sentem saudade da antiga produção, pode ser interessante ver a história com um contexto novo: um assalto à Casa da Moeda de uma Coreia unificada. Uma segunda temporada deve chegar ainda esse ano.

Seguindo o plot fora da lei, A Escada, obra de ficção baseada no crime que virou documentário em 2004, investiga o assassinato de Kathleen (Toni Collette) pelas mãos de seu marido Michael (Colin Firth). Com um buzz interessante e bem-vindo para as produções do HBO Max, a produção pode surpreender nas vindouras premiações. A plataforma também investiu em Barry, que retorna após uma espera de 3 anos. Mais intensa e sombria, a história sobre o assassino de aluguel que quer mudar de vida chega em seu melhor ano e se consolida como uma das mais originais da atualidade. Bill Hader, protagonista e criador, prova que sua escrita só evoluiu, assim como suas habilidades na direção.

No Hulu e em breve no Star+, Under the Banner of Heaven, série baseada no best seller de mesmo nome, segue a cartilha de um bom American Crime. Estrelada por Andrew Garfield, a obra acompanha um crime real dos anos 80, cometido em nome de Deus por dois irmãos mórmons. Tanto a obra como Garfield, que interpreta um detetive religioso, conseguem conduzir bem o dilema religioso e mesclá-lo em um thriller criminal extremamente envolvente, com lampejos que lembram os melhores anos de True Detective.

Marcando o retorno dos heróis desajustados mais queridos da Netflix, The Umbrella Academy chega ao seu terceiro ano com uma base sólida de fãs, que, infelizmente, se decepcionou. É evidemte que a produção chegou em um nível de conforto: as temporadas anteriores foram tão grandiosas a ponto da mais recente não conseguir dar conta de seu próprio tamanho, e grandes ganchos do segundo ato acabaram se desperdiçando. Mesmo assim, a obra ainda entrega uma boa aventura com muitos pontos positivos, com destaque para as dinâmicas entre Klaus (Robert Sheehan) e Número 5 (Aidan Gallagher), e para a transição de Viktor (Elliot Page), que apesar de singela, foi executada com carinho.

Em relação aos super-heróis do HBO Max, a quarta temporada de Young Justice, intitulada de Phantons, traz de volta os poderosos adolescentes e suas missões desafiadoras. Com a produção ocorrendo durante o auge da pandemia, em 2020, algumas das etapas de desenvolvimento foram diferentes das demais séries de animação, como a dublagem feita individualmente. Dentre as tramas principais da temporada estão a viagem de Miss Marte, Superboy e Mutano para o casamento de M’gann e Conner em Marte, onde os personagens se deparam com um assassinato e com o preconceito racial, que se desenvolvem junto a outros eventos no planeta vermelho.

Indo para os heróis das estrelas, no Disney+, Obi-Wan Kenobi narra os acontecimentos após a queda e corrupção de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) para o lado sombrio da força. O personagem principal interpretado por Ewan McGregor, que deu nome a produção, lida com as consequências da perda de um amigo e do fracasso como Mestre Jedi. A minissérie apela para a nostalgia dos fãs de Star Wars, mas, ao mesmo tempo, se mostra ousada em tentar expandir a trama original e apresentar outras facetas dos personagens já popularmente conhecidos. 

Queer as Folk, reboot da série britânica de mesmo nome, é comandada por Stephen Dunn e acompanha um grupo diverso em Nova Orleans, que encontra apoio na comunidade queer da cidade após uma tragédia. Russell T. Davies, criador da produção original, atua como produtor executivo, e o elenco conta com nomes como Devin Way, Fin Argus, Jesse James Keitel e Kim Cattrall.

A comunidade queer também marcou presença nos reality shows. A segunda temporada de Drag Race España se encerrou com a vitória de Sharonne. A competição para nomear a próxima Super Estrela Drag da Espanha foi acirrada, mas a apresentadora Supremme de Luxe decidiu coroar a rainha de Barcelona por seu desempenho invejável nos desafios. Além da grande vencedora, Estrella Xtravaganza e Venedita Von Däsh chegaram até a final, e Samantha Ballentines conquistou o título de Miss Simpatia. 

Legendary, o reality de voguing do HBO Max, retorna sem o glamour da segunda temporada e sem uma grande estrela no painel de jurados. A saída de Megan Thee Stallion para a entrada de Keke Palmer foi uma troca inicialmente injusta com o público, mas que ao longo dos dez episódios exibidos em quase dois meses, se mostrou eficiente para a competição de 2022 – além da participação especial de Anitta e do retorno da lendária Dominique Jackson, que deram o que falar. No geral, com elencos nada inspirados e desafios repetitivos, Legendary se tornou apenas ordinária.

A plataforma também apostou em A Ponte – The Bridge Brasil, reality original que foi a grande surpresa do mês e reúne um grupo de anônimos e famosos para construir uma ponte e chegar a um prêmio recheado. Sendo tudo que a nova versão de No Limite sonhou em se tornar, a produção escalou nomes como Pepita e Dani Winits, servindo drama, confusão e a diversão mais genuína que o mundo das competições de realidade ofereceu no ano até agora.

Falando sobre o reality da família mais amada e odiada dos Estados Unidos, a 1ª temporada de The Kardashians chegou ao fim, mas logo deve voltar para um segundo ano. O programa que acompanha o clã trouxe menos episódios do que o falecido Keeping Up with the Kardashians, porém, a premissa continou a mesma: dramatizar os eventos que acontecem na intimidade dos ricaços. Nas redes sociais, o programa viralizou com momentos como o relacionamento de Kim com Pete Davidson e a maneira peculiar com que Kendall corta pepino.

Mudando os ares, o Paramount+ trouxe um pouco de política em Junho. Em The First Lady, Viola Davis, Michelle Pfeiffer e Gillian Anderson interpretam as primeiras damas mais memoráveis da História dos Estados Unidos, sob a direção da vencedora do Oscar Susanne Bier. A Primeira-Dama tinha tudo para arrebatar a audiência e a aclamação dos críticos: antes da estreia, somente as imagens promocionais de Davis na pele de Michelle Obama foram o suficiente para causar um frenesi nas redes sociais. No entanto, a produção caricata quebrou a expectativa e fez a 1ª temporada da série se tornar alvo de deboche do público. Até o momento, o futuro da obra é incerto.

A política estadunidense também foi abordada em Gaslit, que deu uma nova perspectiva ao livro escrito por Bob Woodward e Carl Bernstein, Todos os Homens do Presidente. Se na obra original há a visão dos jornalistas sobre o evento polêmico que levou à renúncia de Richard Nixon, na adaptação, dirigida por Matt Ross, a narrativa é tratada pelos olhos do grupo de corruptos que compunham a equipe então presidente. 

Ao acompanhar os bastidores das manipulações cometidas pelos homens do presidente, o resultado são cenas cômicas de um planejamento tão meticuloso que fica difícil acreditar que se trata de uma história real. O destaque fica para as interações do procurador-geral, John Mitchell (Sean Penn), e seu improvável contratempo, a esposa Martha Mitchell (Julia Roberts). A minissérie, criada por Robbie Pickering, difunde um roteiro extremamente original e bem pensado. Abusando de um suspense político misturado a um humor bastante peculiar, Gaslit remonta a história com um descaramento libertino tão fiel que parece piada.

O Poderoso Chefão é, provavelmente, uma das maiores produções cinematográficas da História, posta em um patamar tão alto que qualquer obra que tente retratá-la acaba se tornando alvo de críticas. Dessa vez quem reviveu o longa foi The Offer, minissérie do Paramount+ que propõe mostrar os bastidores da criação do clássico. A série não é excepcional e nem revolucionária, mas a metalinguagem explícita já a torna interessante o suficiente para uma maratona. 

Peaky Blinders também traz a atmosfera derivada do Cinema de Coppola de forma bem perceptível. Mesmo sendo a sexta e última temporada da série, a história da família Shelby tem um desfecho temporário, uma vez que um filme fechando a história está para sair do papel. Porém, o final que a trama entrega condiz muito com o caminho que o próprio show tomou. Girando em torno do legado dos Shelby, a obra não perde tempo tentando redimir seus personagens, e a escrita de Steven Knight é bem mais sútil ao tratar de seus temas. 

Elevar o nível de uma temporada inaugural recheada de méritos não é simples, mas o time criativo de Hacks deu conta do recado. Pouco tempo depois de vencer 3 importantes prêmios da Academia, a comédia de Jean Smart e Hannah Einbinder retorna com a sagacidade que impregna seu DNA rebelde. No novo ano, Deborah entra em turnê ao mesmo tempo em que descobre uma traição de Ava. Entre a viagem de ônibus, um cruzeiro de lésbicas e um show televisivo, Hacks sobe cada vez mais no pódio de grandes comédias sobre o ato de se fazer comédia. Com um final com cara de desfecho de novela, uma terceira temporada já foi anunciada e só nos resta aguardar o que as megeras preparam a seguir.

A comédia também ficou por conta do segundo ano do revival de iCarly, que retomou o clima de amizade entre os personagens principais após a série de desilusões amorosas na 1ª temporada. Com participações especiais como a de Josh Peck, a sitcom continuou a acompanhar a jornada de Carly e seus amigos em aumentar o alcance do seu canal na web. A renovação ainda não foi anunciada, mas, com o clamor dos fãs, tudo indica que a produção deverá ser retomada.

A Mulher do Viajante do Tempo, adaptação do romance homônimo de Audrey Niffenegger, mistura o romance com a ficção científica e acompanha o casal formado por Henry (Theo James) e Claire (Rose Leslie). Apesar de sua relação ser vista como perfeita pelos outros, o casamento dos dois enfrenta um grande problema: Henry tem um distúrbio que o permite viajar no tempo. Criada por Steven Moffat, que é bem familiarizado com o conceito de viagem no tempo, a série conta com Everleigh McDonell, Desmin Borges e Kate Siegel e já foi cancelada pela HBO após péssima recepção do público.  

Também pincelando o romance e em clima de despedida, a 3ª e última temporada de Com Amor, Victor, disponibilizada no Star+, entrega o fim do arco de seus personagens com a maturidade necessária. Desde seu lançamento em 2020, a série spin-off do filme Com Amor, Simon criou uma narrativa sobre evolução e autoconhecimento, principalmente de pessoas da comunidade LGBTQIA+. 

Entre reviravoltas e crises de identidade, a temporada escolhe se distanciar do que é exatamente previsível e deixar os romances com “felizes para sempre” em segundo plano. Com foco no crescimento, Victor (Michael Cimino) e seus amigos passam por problemas nos relacionamentos, nas famílias e, essencialmente, consigo mesmos. Love, Victor mostra a adolescência como um período de transição, em que os sentimentos, mesmo que verdadeiros, não são mais importantes que o desenvolvimento e o cuidado pessoal. 

Em um mês lotado de lançamentos no Cinema e na TV, os concorrentes às premiações começam a aparecer. Abrindo a temporada de competição e se cansando da rivalidade entre streamings, a Academia de Televisão anunciou seus indicados ao Primetime Emmys de 2022 no último dia 12, sem dar de bandeja quais foram as plataformas e canais que mais tiveram seus nomes anunciados. Com 17 nomeações, é improvável Hacks não reaparecer no Cineclube nos próximos meses – dentre as modalidades, a série figura em todas as categorias de atuação feminina em Série de Comédia, algumas com mais de uma atriz concorrendo, além de disputar o troféu principal.

Na publicação mensal do Persona, Barry é outra que tem chances de pipocar de novo por aqui, e The Staircase torce para ser lembrada na edição de Setembro, quando os vencedores do Emmy 2022 serão anunciados. Andrew Garfield, que garantiu a aparição de Under the Banner of Heaven na lista de indicados do Oscar da TV, pode não voltar a representar a série por aqui, mas seu nome com certeza será lembrado de outras produções. Sem apresentador anunciado, a cerimônia do Emmy 2022 será realizada em 12 de Setembro, mas antes disso, o mês 7 reserva espaço para Os Garotos do Prime, a super-heroína da Disney e até o Rei do Rock de Baz Luhrmann. 

Texto: Gabrielli Natividade da Silva e Guilherme Veiga

Pesquisa e Pauta: Caio Machado, Gabriel Gatti, Jamily Rigonatto, Nathalia Tetzner e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Junho de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Da viagem do Doutor Estranho pelo Multiverso da Loucura ao experimentalismo da 3ª temporada de Atlanta, passando pelo faroeste de Outer Range e o épico viking de Robert Eggers em O Homem do Norte, Maio foi um verdadeiro presente para aqueles que procuram um bom entretenimento. No mês que sediou um dos maiores festivais de Cinema do mundo, o Cineclube de Maio veio para, mais uma vez, mostrar o que rolou na Sétima Arte e nas telinhas da TV. 

Entre os aviões de Top Gun: Maverick e a ostentação glamourosa de Elvis, o Festival de Cannes celebrou um retorno aos cinemas premiando Triangle of Sadness com a Palma de Ouro. A vitória máxima é a segunda na carreira do diretor Ruben Ostlund, que já havia faturado com The Square. Melhor Direção ficou com Park Chan-Wook e seu Decision to Leave, enquanto em Roteiro deu Tarik Saleh e Boy From Heaven. O sul-coreano Song Kang-Ho foi o Melhor Ator por Broker e Sahra Amir Ebrahimi, a Melhor Atriz com Holy Spider. O Grand Prix foi dividido por Close e Stars at Noon, e o Prêmio do Júri marcou o empate entre EO e The Eight Mountains.  

Dentre os destaques do mês, temos A Vilã (Aknyeo), um filme sul-coreano disponível no Star+. A trama do longa conta a história de Sook-hee (Kim Ok-bin), uma assassina que foi treinada para matar. Seu ensinamento se iniciou durante a infância, na China, e sua ida à Coreia do Sul ocorreu após a morte de seu mentor. A viagem ao novo país veio com a promessa de uma vida diferente, em que a jovem serviria como agente do governo, vivendo como outra pessoa. No começo tudo ocorre conforme o planejado, até a chegada de Joong-sang (Shin Ha-kyun) e Hyun-soo (Sung Jun) que acabam com a paz da jovem. A película desenvolve uma narrativa repleta de ação e suspense, mas acabou resultado em uma avaliação morna no Rotten Tomatoes.

Navegando por mares gelados, o Persona aterrissou em terras nórdicas, onde se passa O Homem do Norte (The Northman) nas telonas dos cinemas. O filme narra a longa jornada de vingança do príncipe Amleth (Alexander Skarsgård), que durante de duas décadas, assumiu a missão de salvar a mãe e matar o tio, responsável pelo assassinato de seu pai quando o príncipe ainda era uma criança. Robert Eggers (de O Farol) apresentou uma composição grandiosa para retratar o povo viking, mas acabou pegando no tempo de desenvolvimento da trama. A obra ainda se destaca pelas atuações de Skarsgård e Anya Taylor-Joy, além das curtas aparições de Willem Dafoe, Ethan Hawke e Björk, que mesmo com pouco tempo  roubam a cena. 

Outras franquias de filmes deram continuidade a suas narrativas, como é o caso de Os Opostos Sempre se Atraem (Loin du Périph), da Netflix. O longa chega para dar sequência a Os Opostos se Atraem uma década depois, trazendo de volta Ousmane (Omar Sy) e François (Laurent Lafitte) para uma nova aventura policial: um caso de tráfico de drogas com muitas reviravoltas. O filme parecia promissor com a direção de Louis Leterrier (Lupin), porém a obra deixou a desejar em alguns aspectos. Com um plot twist fraco e tardio e um desenvolvimento superficial, Os Opostos Sempre se Atraem tem uma ideia muito boa que passou longe de ser bem aproveitada.

Quebrando a sequência de obras fictícias, Maio chegou com O Soldado que Não Existiu (Operation Mincemeat), baseado em uma história real e no livro de mesmo nome do escritor Ben Macintyre. O filme da Netflix narra a operação secreta, criada pela inteligência britânica, para enganar o exército nazista na Segunda Guerra Mundial, fazendo-o pensar que a Grécia seria o próximo alvo de tomada, quando, na verdade, o interesse real era Sicília. Com o propósito interessante de não se apoiar em cenas de ação repetitivas, a película apresentou uma premissa alarmante, mas acabou não se sustentando, o que tornou a narrativa maçante e sem emoção.

Seguindo por outros ares, Top Gun: Maverick retorna após longas décadas para dar continuidade a trama de Pete “Maverick” Mitchell como o piloto que sempre desafiou os limites. Mas, dessa vez, o seu principal obstáculo é provar que o fator humano ainda é necessário em um mundo dominado pela tecnologia. Enfrentando drones para além dos caças, o longa aproveita as novas funções dos efeitos visuais da atualidade e traz para a tela de Cinema um cenário espetacular e mais vivido em relação a versão de 1986. A direção exitosa de Joseph Kosinski (Oblivion), fez com que a história do piloto recebesse vastas críticas positivas e caminha para se tornar a maior bilheteria de estreia da carreira de Cruise.

Enquanto uns filmes voam, outros sofrem uma queda vertiginosa. Chamas da Vingança (Firestarter) é a segunda adaptação do romance homônimo de Stephen King e acompanha a jovem Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) em uma busca para descobrir como ela adquiriu o poder de incendiar as coisas com sua mente. O longa dirigido por Keith Thomas também conta com Zac Efron (Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal), Sydney Lemmon (Succession) e Kurtwood Smith (That ‘70s Show). Apesar da adaptação ser inspirada em uma obra do Rei do Terror, a obra tem recebido muitas críticas negativas, com 11% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Saindo do clima quente do incêndio e passando para o universo do samba, O Pai da Rita é uma comédia dramática sobre dois compositores da escola de samba Vai-Vai e a curiosidade em descobrir o parentesco da filha da passista que ambos já se apaixonaram. O longa nacional de Joel Zito Araújo (A Negação do Brasil) chega finalmente aos cinemas após participar da última Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e do Festival do Rio. Além disso, a obra conta com grandes nomes no elenco, como Ailton Graça e Paulo Betti, incluindo a participação mais que especial de Chico Buarque, artista que inspirou a obra.

Seguindo pela mesma linha tragicômica, o Amazon Prime Video lançou Emergency. Dirigido por Carey Williams, o longa acompanha três estudantes universitários, sendo dois deles negros e um latino, que voltam para casa e encontram uma mulher branca desconhecida inconsciente no chão de seu apartamento. A partir daí, eles tentam levá-la para um local seguro sem levantar suspeitas. O filme, que teve sua estreia no Festival de Sundance em 2022, conta com RJ Cyler (Eu, Você e a Garota que Vai Morrer), Sabrina Carpenter (Crush À Altura) e Donald Elise Watkins (The Underground Railroad) para dar vida aos personagens da história.

Outro filme divulgado no mês de maio que busca arrancar um sorriso dos telespectadores é De Volta ao Baile (Senior Year), disponível na Netflix. O longa é uma boa comédia sobre Stephanie (Rebel Wilson), que com 17 anos, sofreu um acidente e entrou em um coma de duas décadas, acordando disposta a se tornar a rainha do baile. O longa é divertido e recheado de referências aos anos 2000, desde a trilha sonora e a caracterização de Steph, até a rápida participação da patricinha que marcou uma era, Alicia Silverstone.

Mesclando a animação do live-action, Tico e Teco: Defensores da Lei (Chips n’ Dale: Rescue Rangers) foi uma grande surpresa deste mês, até mesmo para a Disney. Jogado na plataforma do Disney+ sem muito alarde, o filme, aos velhos moldes do boca a boca, foi conquistando seu público e crítica, e hoje é o live-action original do streaming de melhor colocação no Rotten Tomatoes, com seus 82%. Trazendo nomes como Andy Samberg, John Mulaney, J.K. Simmons e Seth Rogen, o longa é um poço de referências, inclusive fazendo justiça à primeira (e feia) versão do Sonic dos cinemas.

E Tico e Teco não foi a única animação que se destacou ao longo de maio. Após anos como uma série, Bob’s Burgers finalmente ganha um longa-metragem para chamar de seu. A trama se inicia com o rompimento de um cano que bloqueia a entrada da lanchonete. O incidente fracassou com os planos da família de lucrar durante o verão. Desse modo, Bob (H. Jon Benjamin) e Linda (John Roberts) se encarregam de manter os negócios funcionando enquanto as crianças tentam resolver os problemas do restaurante.

No universo das séries, a Netflix apostou novamente nas produções espanholas e obteve um bom resultado com Bem-Vindos ao Éden. A narrativa sobre cinco jovens que foram convidados para uma grande festa em uma ilha e se tornam prisioneiros no local é pouco surpreendente, mas é uma boa pedida para os amantes de mistério e já foi renovada para a segunda temporada. 

Em maio, o streaming também recebeu a terceira temporada de Love, Death + Robots, a antologia produzida por Tim Miller (Deadpool) e David Fincher (Garota Exemplar). O novo ano deixou de lado a contemplação característica de temporadas anteriores e focou suas forças na violência e na ação para dizer que a humanidade, graças ao seu ego e ambição, tende a ir de mal a pior. Com contos em sua maioria extremamente viscerais, a série é um prato cheio para os fãs de animação, com episódios excelentes como Viagem Ruim (Bad Travelling), a estreia de Fincher na direção da série, e o intrigante Fazendeiro (Jibaro). 

Na comédia, Mike Myers voltou à frente das câmeras em O Pentavirato (The Pentaverate). Mais escrachado e politicamente incorreto do que nunca, Myers faz uma espécie de Borat misturado com Casseta & Planeta, abordando um universo à la Dan Brown e criticando em cheio a sociedade atual – tanto a americana, que é o foco da piada, como até mesmo a brasileira. 

Mantendo a temática polêmica, a minissérie sueca Clark chegou à Netflix protagonizada pelo talentoso Bill Skarsgård, que interpreta o gângster celebridade Clark Olofsson. Com uma narrativa baseada na autobiografia do criminoso, a produção explora, de forma surreal e fantasiosa, a personalidade do homem que inspirou o termo Síndrome de Estocolmo. 

Também envolvendo crimes, O Poder e a Lei (The Lincoln Lawyer) é outro lançamento do gênero na Netflix. Na adaptação do livro The Brass Verdict, de Michael Connelly, o advogado Mickey Haller, famoso por trabalhar no banco de trás de seu carro, volta a desvendar casos de assassinato após se recuperar de um acidente de surfe e de seu vício em remédios para dor. Mesmo sendo um pouco clichê, a produção é cheia de casos e reviravoltas interessantes, o ideal para uma boa maratona. 

E é claro que Stranger Things não podia ficar de fora do Cineclube de maio. Nos 7 episódios do volume 1, os irmãos Duffer não se apressaram ao desenvolver a história para o quarto ano. Mais madura e aterrorizante, a história dos acontecimentos de Hawkins foca bastante na questão sobrenatural na nova temporada, indo para vertentes como a possessão demoníaca e casas mal-assombradas. 

As escolhas de homenagem tão características dos Duffer se provaram como as mais acertadas em todos esses anos de série. Desde a trilha sonora impecável (e que ressuscitou Kate Bush nas paradas musicais) até a inspiração no clássico A Hora do Pesadelo, tudo foi muito bem pensado para entregar a temporada mais memorável da série até aqui. 

No Prime Video, Outer Range misturou faroeste, thriller e ficção científica em uma narrativa que acompanha um fazendeiro, interpretado por Josh Brolin, na luta por sua terra e família quando descobre um mistério no deserto do Wyoming. Com 8 episódios de duração em torno de 1 hora cada, o elenco também conta com Imogen Poots (Vivarium), Lili Taylor (Invocação do Mal) e Will Patton (Yellowstone). 

No HBO Max, Naomi, série da CW inspirada no quadrinho de mesmo nome, trouxe a representatividade, ou melhor, a normalização para as garotas que ainda não se enxergavam no universo da DC na Televisão estadunidense e no streaming. Protagonizada por uma jovem heroína negra com superpoderes extraordinários, vivida por Kaci Walfall, a produção de Ava DuVernay, cineasta conhecida por abordar os direitos civis em obras como Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2014) e Olhos Que Condenam (2019) e indicada ao Oscar por A 13ª Emenda (2016), refrescou a narrativa de super-heróis, mas infelizmente não conquistou o grande público e o final do seriado foi decretado ainda em sua primeira temporada. 

Mas a diretora ascendeu como uma das participações especiais do ano três de A Black Lady Sketch Show, que é tão mágico quanto os anteriores. Ao lado do time de protagonistas, a nova temporada da série da HBO também contou com Raven-Symoné e Michaela Jaé Rodriguez como convidadas. Para os fãs de esportes, Lakers: Hora de Vencer (Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty) chegou ao fim aclamada pela crítica especializada, mas esquecida pela audiência de fora dos EUA. Com produção de Adam McKay, o drama esportivo que narra a ascensão dos Lakers é uma das apostas da emissora para a temporada de premiações e tem promessa confirmada de uma nova temporada vindo aí. 

Maio também foi o mês do retorno do time de The Wire para contar uma nova história na Televisão em A Cidade É Nossa (We Own This City). A trama de corrupção e crime, adaptada do livro de Justin Fenton, tem Jon Bernthal e Wunmi Mosaku como destaques no elenco e conta com direção de Reinaldo Marcus Green (King Richard) em todos os 6 episódios. 

Quem também retornou foi a distopia futurista Made for Love, que se mantém relevante pela interpretação magnética de Cristin Milioti na segunda temporada (mas não conseguiu driblar o cancelamento pela rede), e The Flight Attendant, em um segundo ano não tão bom quanto o esperado. Trazendo de volta uma trama policial, a nova temporada narra a vida de Cassie em Los Angeles, sóbria há um ano e vivendo a vida dupla de comissária de bordo e espiã. A produção clichê e surreal deixa a desejar em vários aspectos, mas Kaley Cuoco ainda entrega uma ótima atuação, se dedicando totalmente a todas as facetas dela mesma. 

O mês também marcou a volta de Atlanta, 4 anos depois da segunda temporada, em uma nova leva de aventuras que chega com gosto e cheiro de antologia. Dessa vez em turnê pela Europa, o grupo de amigos enfrenta poucas e boas, mas não sem o time criativo, comandado pelo criador, roteirista, diretor, produtor e ator Donald Glover, salpicar tramas paralelas, episódios isolados e um surrealismo que soa cada vez mais suburbano. Entre os destaques do penúltimo ano da premiada produção do FX, sobra espaço para o brilhantismo de Brian Tyree Henry, Zazie Beetz e do próprio Glover, além de participações de tirar o fôlego, que vão de Liam Neeson a Alexander Skarsgård. 

No Disney+, Cavaleiro da Lua (Moon Knight) chegou ao fim de forma modesta. Protagonizada por muitas versões de Oscar Isaac, a série do MCU não procurou se integrar à força do restante do Universo Compartilhado. Em uma trama onde um funcionário de museu é atormentado por visões e logo se vê refém de um deus egípcio, uma investigação mortal e uma persona super-heróica que enche as telas, a minissérie teve seu episódio final exibido na mesma semana de estreia do novo Doutor Estranho, resultando em uma repercussão menor que o esperado. Na balança, a investida da Marvel na mitologia egípcia rendeu momentos deleitosos da interpretação de Isaac, que escorregava precisamente entre a rigidez e a leveza, acompanhado pela presença sempre eletrizante de Ethan Hawke e da cativante May Calamawy.

O streaming também foi palco para o reboot de Anos Incríveis (The Wonder Years), que traz uma nova perspectiva brilhante. Ainda no contexto dos Estados Unidos dos anos 1960, a produção recente conta a história de uma família negra de classe média pelos olhos de uma criança de 12 anos, o pequeno Dean, interpretado por Elisha Williams. A série, que começou a ser lançada semanalmente em setembro de 2021, mistura perfeitamente a comédia com críticas e pautas raciais importantíssimas, sem perder a leveza. O sucesso foi tanto que os fãs podem esperar uma segunda temporada.  

Em maio, Ellen DeGeneres colocou um ponto final no seu tradicional bate-papo vespertino, The Ellen DeGeneres Show. Envolvida em inúmeras acusações de assédio moral e racismo, a apresentadora encerrou o programa em sua 19ª temporada e contou com convidados especiais no comando do show, além de trazer de volta Sophia Grace e Rosie, 11 anos depois do cover icônico de Super Bass da Nicki Minaj. 

Seguindo a onda intragável de ficções baseadas em crimes reais, a minissérie The Girl From Plainview chegou inspirada na história do caso de “suicídio por mensagem de texto”. Irreconhecível na maquiagem de Michelle Carter, Elle Fanning brilha ao lado de uma costumeiramente eficaz Chloë Sevigny, mas, fora do âmbito das atrizes, a produção parece não decolar, soterrada por outras opções mais interessantes do gênero. 

No Star+, a 2ª temporada de Dollface finalmente chegou aos fãs brasileiros depois de quase 3 anos de adiamento devido a pandemia de covid-19. Porém, junto com os novos episódios, veio a notícia do encerramento da série estrelada por Kat Dennings e que acompanha a protagonista Jules Wiley e seu desejo em reatar as amizades femininas esquecidas pelo caminho. 

O serviço também recebeu as 15 temporadas de It’s Always Sunny In Philadelphia, sitcom que até então estava no limbo das comédias esquecidas pelos streamings brasileiros. Crua, politicamente incorreta e escrachada, a série acompanha 4 amigos que são as pessoas mais desprezíveis (e, por isso, mais humanas) e que tentam tocar um pub na Filadélfia, antes de receberem a valiosa adição de Danny DeVitto ao elenco. 

Neste mês, depois de 6 anos, as crônicas da família Pearson deixaram de chegar até nós – mas não de existir, conforme a última temporada de This Is Us procurou deixar bem claro. Como de costume, a temporada apresentou uma maioria de episódios carregados emocionalmente, mas a sobriedade do último surpreende os espectadores mais sensíveis com uma escolha muito bem sucedida para finalizar a história. Com o cuidado de sempre para com os seus personagens e a sua história – o que seguiu destacando os preciosos roteiros da série como a parte de maior sucesso da produção até o seu fim -, a temporada final do sucesso da ABC deixou seus fãs com a paz de saber que a nossa família Pearson ficaria em boas mãos, com seus passados, presentes e futuros curados, concluindo o processo que a série iniciou em 2016.

No Hulu, a minissérie Conversas Entre Amigos (Conversations with Friends) assumiu o difícil trabalho de apresentar mais uma história millennial de Sally Rooney para quem tomou o romance de Marianne e Connel em Normal People como uma das melhores coisas de 2020. O resultado, evidentemente, não foi o mesmo da primeira adaptação. Com avaliações baixas em agregadores de críticas, a série ficou mais no boca a boca de quem acompanha o mundinho – e isso não é um defeito, já que uma parte significativa da ala de criação da série é composta pelas mesmas pessoas que realizaram Normal People no audiovisual, incluindo a própria autora no roteiro. 

A produção acabou unindo todo o universo Sally Rooney, com uma canção original de Phoebe Bridgers na trilha sonora e o protagonismo de Joe Alwyn (sim, o possivelmente noivo de Taylor Swift), que contracena com Alison Oliver, Sasha Lane e Jemima Kirke. E para aqueles que gostam de programas musicais, Katy Perry, Lionel Richie e Luke Bryan finalizaram o quinto ano seguido do trio na bancada do American Idol. O tradicional reality estadunidense completou duas décadas no ar e teve Noah Thompson, um jovem cantor de 20 anos, como grande vencedor da 20ª temporada. 

No mês, os noveleiros tiveram que dar adeus à Quanto Mais Vida, Melhor!, que resgatou o espírito despretensioso das novelas da sete na TV Globo e terminou em uma nota alta. Com uma trama simples, onde quatro desconhecidos são presenteados com uma segunda chance da Morte após morrerem em uma queda de avião, o roteiro de Mauro Wilson soube contornar suas lacunas com precisão, como na fase da troca de corpos, responsável direta pela guinada do folhetim nas redes sociais. No elenco, Giovanna Antonelli, Mateus Solano, Valentina Herszage e Vladimir Brichta se entregaram de corpo e alma a seus personagens. 

Na Apple TV+, os fãs de espionagem foram presenteados com a 1ª temporada de Slow Horses. Adaptação do romance homônimo de Mick Herron, o drama acompanha um grupo formado por agentes da inteligência britânica que cometeram erros no passado e atuam no departamento de despejo do MI5, apelidado de Slough House. Entre os destaques do elenco, estão Gary Oldman (O Destino de uma Nação), Olivia Cooke (O Som do Silêncio), Kristin Scott Thomas (Quatro Casamentos e um Funeral) e Jack Lowden (Dunkirk). Apesar da segunda temporada ainda não ter estreado, a série teve sua 3ª e 4ª temporadas confirmadas. 

Para Junho, teremos a estreia de uma Ms. Marvel efervescente em poder e juventude, uma incursão pelo multiverso mágico e nada óbvio em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All at Once), o retorno dos dinossauros mais queridos do mundo em Jurassic World: Domínio e muito, muito mais. No Persona, você acompanha tudo o que rolou no mundo do audiovisual, sempre acompanhado das melhores dicas que esse meio tem a oferecer. Até a próxima! 

Texto: Caio Machado e Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Maio de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Se o mês passado esquentou as telonas com a versão em couro e tesão do Batman de Robert Pattinson, Abril foi marcado pelo verdadeiro estopim de múltiplos lançamentos imperdíveis. Mas, antes de destrinchar o amor perfeito de Heartstopper, as tragédias de Ozark, a potência de Medida Provisória e a resiliência de RuPaul’s Drag Race, é hora de nos despedirmos do Blue Sky Studios, propriedade adquirida pela Disney no ano passado e agora oficialmente extinto. Responsável por sucessos que iam de Rio à Era do Gelo, os animadores da empresa atingiram a jugular do público quando, no tchau, recompensaram o esquilo Scrat com a sonhada noz que movimentou uma saga de filmes jurássicos e gélidos. 

Ainda nos eventos que moldaram o quarto mês de 2022, o Festival de Cannes anunciou a programação de sua 75ª edição, com direito a destaque históricos para as mulheres cineastas, retorno de nomes consagrados da Sétima Arte e até um aceno importantíssimo para o sertão marítimo do Brasil de ontem, com a exibição em qualidade 4K de Deus e o Diabo na Terra do Sol, clássico de Glauber Rocha já exibido em terras francesas mais de 50 anos atrás. 

De fato em terras nacionais, a vigésima segunda edição do Big Brother Brasil chegou ao fim longe do apelo e da relevância de suas antecessoras. Coroando o ator Arthur Aguiar como o campeão do ano, o reality se escorou no apelo dos fãs do artista nas redes sociais, tudo arquitetado por uma esposa expert no marketing digital e em um elenco que não viveu à altura do legado da turma de Thelma e Juliette. Se quem venceu o prêmio de 1 milhão e meio saiu desgostado pelo público, os eliminados prematuramente sorriram alegres no Carnaval de Abril.

 De Jade Picon a Lucas Bissoli, de Gustavo Beats à Dra. Laís Caldas, passando pelas comadres Naiara Azevedo, Jessilane Alves e Natalia Deodato, o nome máximo do BBB 22 é Lina Pereira. A Linn da Quebrada, que não deixa de ser Linda Quebrada e Linda Que Brada, tomou o Brasil de supetão, conquistando pela simpatia, pelo ar da graça e pela presença nunca antes sentida por entre as quatro paredes da casa mais vigiada. Além da cantora, atriz e agitadora cultural, Pedro Scooby, Douglas Silva e Paulo André ganharam status de queridos da audiência, com direito a desfile de modelitos fashion no Baile da Vogue, que esse ano brindou a brasilidade fantástica. 

Na ficção, após uma leva de projetos menores que sucederam Boyhood (2014), Richard Linklater está de volta à ativa na nova aposta da Netflix, Apollo 10 e Meio. E Linklater não só voltou a boa forma mas também aos campos em que domina: as crônicas da vida comum, principalmente da infância e adolescência e a rotoscopia. O filme, que é uma espécie de semi-autobiografia do diretor, conta a história de Stan, um jovem que, após um erro de cálculo da NASA que faz com que a cabine do futuro Apollo 11 fosse pequena demais para um adulto, é recrutado para a agora Apollo 10 e Meio.

O diretor prefere se abster de uma crítica política mais ácida ao período da época para dar foco em como a Guerra do Vietnã e a contracultura interferiram na visão que o jovem Stan tem do mundo durante seu processo de amadurecimento. Vale ressaltar que, além da técnica de rotoscopia, outros méritos de Apollo 10 ½: A Space Age Adventure vão também para as atuações, incluindo a deliciosa narração do Jack Black; e para a trilha sonora psicodélica dos anos sessenta que casa perfeitamente com o estilo de animação.

Longe do sucesso crítico do novo trabalho de Linklater, o diretor Judd Apatow decidiu satirizar um set de filmagens em período de pandemia em A Bolha (The Bubble). Ainda na Netflix, misturando a leveza e a pegada despojada, o cineasta Peter Sollett dirigiu o roteiro de D. B. Weiss (um dos produtores de Game of Thrones) e deu vida a Metal Lords, que narra a jornada de três adolescentes deslocados que têm paixão pela Música, especialmente pelo heavy metal, gênero homenageado com as participações de Kirk Hammett (Metallica), Rob Halford (Judas Priest), Scott Ian (Anthrax) e Tom Morello (Rage Against the Machine, que atua como produtor executivo).

O filme possui protagonistas que estão em seu próprio caminho de autodescobrimento e autoaceitação: Kevin (Jaeden Martell), que inicia a trama sem saber muito sobre o gênero musical e sua relação com ele; Hunter (Adrian Greensmith), que tem problemas para lidar com emoções e interações sociais; e Emily (Isis Hainsworth), tímida, mas propensa a ataques de fúria. Juntos, o trio se torna a banda Skull Fucker (posteriormente Skull Flower) e enfrenta a banda pop Mollycoddle, liderada por Clay (Noah Urrea). 

Asa Butterfield pode até estampar o material promocional de Escolha ou Morra (Choose or Die), mas a estrela de Sex Education fica na sombra de Lola Evans, a verdadeira protagonista do terror dirigido por Toby Meakins. Mais catastrófico que ele foi a estreia de 365 Dias: Hoje. Continuando o fracasso de crítica mas sucesso de público 365 dni, o longa romantiza questões problemáticas e se vende com um pornô estiloso demais para os sites gratuitos. 

Meses depois de hipnotizar o público do Festival de Berlim, Pequena Mamãe (Petite Maman) chegou ao Brasil através do Amazon Prime Video. Munido do realismo fantástico único com o qual Céline Sciamma tem assinado suas últimas obras, o filme mais recente da diretora francesa carrega, desde sua estreia na capital alemã em 2021, a difícil tarefa de suceder o espetáculo de Retrato de Uma Jovem em Chamas – e aqui vai um spoiler amigo: tudo o que a história de Marion (Gabrielle Sanz) e Nelly (Josephine Sanz) deseja e concretiza é existir por si mesma.

Isso é quase uma alegoria para o próprio filme, que trabalha uma narrativa de amadurecimento de forma objetivamente simples e subjetivamente complexa. Ao viver o luto de sua avó, a pequena Marion guarda em seus olhares tímidos e curiosos a necessidade de entender um dos momentos mais delicados da vida de sua família aos oito anos. Na condução gentil e firme de Sciamma, Pequena Mamãe relaciona dimensões emocionais intergeracionais sem qualquer pretensão de extrair uma exaustiva análise psicológica de suas personagens naturalmente encantadoras – definitivamente, a habilidade nata do Cinema de Céline Sciamma.  

Enquanto não chegava ao fim da exibição de Cavaleiro da Lua, o streaming do Mickey presenteou os fãs de musicais. Primeiro com Apresentando, Nate (Better Nate Than Ever), que tem Joshua Bassett no elenco. Depois, com Os Simpsons: Quando Billie Eilish Encontra Lisa (The Simpsons: When Billie Met Lisa). A obra narra a busca da filha do meio da família de seres amarelos por um ambiente tranquilo para tocar saxofone, quando acaba se deparando com a cantora. Apesar da duração de quatro minutos, não faltou tempo para a trama fazer piadas com a Disney, com o produtor musical Finneas O’Connell e, até mesmo, com a própria Eilish.

Em Abril, a MUBI foi palco de duas notórias produções estrangeiras. Com a Itália como cenário do longa, O Conto do Caranguejo Rei (The Tale of King Crab), filme dirigido por Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis, narra uma história de conflitos entre Luciano, um aldeão que vive na Tuscia, e o príncipe da região. Essa intriga resulta no exílio do plebeu, que passa a viver em Tierra del Fuego com escavadores de ouro. 

White Building, o escolhido a representante cambojano na disputa pela vaga de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, também marca a estreia do diretor Neang Kavich em longas. O filme conta a história de Samnang, um aspirante a dançarino de 20 anos que vive com seus dois amigos e familiares em um prédio fadado à demolição na capital Phnom Penh. Para lidar com o estrangulamento que uma cidade em constante mudança causa em um jovem também em mudança, o diretor aposta na contemplação e nos planos longos, fazendo do filme, mais um expoente do slow cinema.

Entre os grandes lançamentos de terror de 2022, X tinha um lugar especial no pódio das expectativas. O slasher distribuído pela A24 é dirigido por Ti West (A Casa do Demônio) e acompanha uma equipe que decide fazer um filme adulto na região rural do Texas, no final da década de 1970. Quando seus anfitriões reclusos os pegam no flagra, o grupo passa a lutar desesperadamente por suas vidas. Aguardado pelos fãs de filmes do gênero, X tem um ritmo lento, utilizado para estabelecer bem a dinâmica entre os personagens e o ambiente rural inóspito. 

No entanto, a demora para que a violência exploda de vez e a repetição excessiva de temas ligados à religião mostram que o filme não aproveita todo o potencial para o terror que estabelece na maior parte de sua duração. É fato que o longa entrega uma dose considerável de sangue nos últimos 20 minutos, mas poderia ter ido mais fundo na luta pela sobrevivência que os personagens estavam experienciando. O grande destaque vai para Mia Goth (Emma.) e Jenna Ortega (Pânico), que se entregam completamente aos seus respectivos papéis e exibem atuações viscerais perfeitas para o gênero no qual estão inseridas. 

Algumas semanas antes de comemorar os 20 anos de Homem-Aranha e mergulhar na loucura de Doutor Estranho 2, o diretor Sam Raimi produziu outro terror de Abril: Umma. Estrelado por Sandra Oh, a obra narra a história de Amanda e sua filha, que vivem uma vida pacata em uma fazenda americana. Quando os restos mortais da mãe ausente da primeira chegam da Coreia do Sul, ela passa a ser assombrada pelas memórias e pelo medo de se transformar na própria mãe. Apesar da premissa promissora, Umma não caiu no gosto da audiência, marcando o quarto mês de 2022 de maneira negativa para Oh, que também deu adeus a uma nada inspirada temporada final de Killing Eve.

Se a ex-médica de Grey’s Anatomy se encontra numa maré de azar, Nicolas Cage deu um cavalo de pau na carreira e agora surfa na aclamação. Após uma série de projetos extremamente duvidosos, surgiu a piada em Hollywood de que Cage aceitava qualquer papel por 1 milhão de dólares, tanto que, ele virou a personificação de ator com boleto para pagar (ou com dívida de jogo, como já diria Isabela Boscov). É justamente a partir dessa premissa que O Peso do Talento se desenvolve. 

Mesmo sendo uma comédia baseada em uma piada, The Unbearable Weight of Massive Talent é uma ode a um dos atores mais excêntricos, carismáticos e adorados do Cinema. Ele aqui abraça a piada e desenvolve uma química fenomenal com Pedro Pascal ao longo da história, que propositalmente é desenvolvida como se fosse um dos filmes mais mirabolantes do qual o ator aceitou participar. O longa é muito consciente ao misturar a comédia encarnada na carreira do vencedor do Oscar ao mesmo tempo que o homenageia com seus momentos de ternura, dando a Cage o que é de Cage.

Mais movimentadas do que nunca, as salas de cinema receberam grandes nomes de Hollywood e do Brasil no mês. A começar por Medida Provisória, primeiro longa dirigido por Lázaro Ramos, que nos apresenta a um futuro distópico em que um governo tirano promove medidas para deportar os cidadãos brasileiros negros para o continente africano. A ideia absurda desencadeia uma série de protestos e movimentos de resistência pelo território nacional. O filme, que apresenta um tom crítico semelhante ao de Bacurau, escalou grandes nomes para compor o elenco, como Taís Araújo, Adriana Esteves, Seu Jorge, Emicida, Renata Sorrah e Alfred Enoch.

Em alta por seu papel na majestosa Pantanal, Dira Paes protagoniza Pureza. O filme estreou no 52º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, fez campanha para o Oscar 2021 e percorreu várias premiações até chegar aos cinemas, após dois anos de pandemia. A história, como esperado, é dolorosa e nada fácil de encarar: no começo da década de 90, uma mãe dava início a busca por seu filho, que havia saído de casa para tentar a vida nos garimpos da Amazônia.

Munida apenas da roupa do corpo e do amor de mãe, Pureza Lopes Loiola descobriu que ele provavelmente estaria trabalhando em condições análogas a escravidão. Até resgatá-lo, ela mergulhou na realidade brasileira que ainda possui raízes no trabalho escravo. Responsável direta pela criação do Grupo Especial de Fiscalização Móvel, Pureza deu o nome e a história para o longa de Renato Barbieri, cineasta de Atlântico Negro – Na Rota dos Orixás (1998) e Cora Coralina – Todas as Vidas (2015), que toma uma certa liberdade criativa para sustentar o drama biográfico. 

Com passagem pela 44ª Mostra de SP, outro título que passou por festivais antes de chegar às salas comerciais foi Mar de Dentro. Daiana Toffoli, a diretora de Manhãs de Setembro (2021) e De Volta Aos 15 (2022) assina um longa-metragem pela primeira vez na carreira, mergulhando Monica Iozzi nas profundezas de uma gravidez não planejada. Na pele de Manuela, uma publicitária bem sucedida, a atriz encara e escancara a complexidade de uma gestação.

Grande título internacional do mês, e após quatro anos de jejum da saga, Animais Fantásticos retorna para o seu terceiro filme, dessa vez com uma história centrada entre a Alemanha e o Butão. Os Segredos de Dumbledore apresenta uma história muito mais política do que mágica, com as eleições para a Confederação Internacional dos Bruxos como holofote da narrativa, o que deixa os segredos do diretor de Hogwarts de lado.

The Secrets of Dumbledore conta com o retorno de David Yates na cadeira de direção, com um roteiro assinado por J. K. Rowling e Steve Kloves (chamado às pressas depois do fracasso colossal do volume anterior). Também reprisam seus papéis Eddie Redmayne, Jude Law e Dan Fogler, com alguns atores novos adicionados à franquia, como William Nadylam e a incrível Maria Fernando Cândido. Importante ressaltar a presença quase nula de Katherine Waterson, atriz que bateu de frente aos comentários transfóbicos de Rowling e, mesmo sendo o par do protagonista, mal aparece no filme.

Não tem jeito, não importa o charme de Jude Law ou os números pífios de bilheteria que podem acabar com a chance da série ganhar mais filmes, todas as manchetes se voltam para o elenco problemático da franquia. Em julgamento por abuso e violência doméstica, Johnny Depp foi demitido e substituído por Mads Mikkelsen no papel do vilão Grindelwald. A escolha, acertada em gênero, número e grau, denota o talento do norueguês, que não tenta imitar o americano, dando ao bruxo suas próprias características e nuances. 

Figurinha carimbada das comédias românticas, Sandra Bullock revisita o seu passado pela direção dos irmãos Aaron e Adam Nee em Cidade Perdida, o novo longa de aventura da Paramount Pictures para o Cinema. Bullock interpreta Loretta Sage, uma autora que é raptada durante a turnê de divulgação do seu mais novo romance. Ao lado de Channing Tatum na pele de Alan, o modelo de capa do livro, a satirização de clichês tenta a todo custo tirar a risada de quem assiste.

Em uma participação especial que faz o público pedir bis, Brad Pitt não tem medo do ridículo e encara a melhor versão do agente desastrado Jack Trainer. O cargo de vilão é trabalho para Daniel Radcliffe, o sequestrador Abigail Fairfax. The Lost City é despretensiosa na mesma medida que genial. Com um elenco de peso, o blockbuster deve arrecadar o suficiente em bilheteria para cobrir o seu custo de 68 milhões de dólares.

Outro sucesso do mês pascoal foi o ouriço azul mais veloz do planeta. Em Sonic 2 – O Filme, as aventuras do personagem titular, dublado por Ben Schwartz, mais uma vez se cruzam com o super vilão Dr Robotnik (Jim Carrey) e recebem a benção de Knuckles (Idris Elba) e Tails (Colleen O’Shaughnessey). Aqui está o escolhido do mês como o filme-para-toda-a-família: inspirando o revival do ícone dos anos 90 no imaginário da geração Z, a sequência entrega o carisma que promete com o seu elenco e faz a saga caminhar em direção à superação dos percalços passados. 

No campo das animações, uma das maiores bilheterias na história dos animes e dono de um selo Fresh no Rotten Tomatoes, Jujutsu Kaisen 0 é o filme inspirado no mangá de mesmo nome que antecede o quadrinho de sucesso Jujutsu Kaisen. O Volume 0 narra as aventuras sobrenaturais de Yuta Okkotsu, um jovem assombrado pela sua amiga de infância e paixão platônica Rika Orimoto. Ambientado em Tóquio, o desenvolvimento da trama toma forma quando Okkotsu acaba se matriculando em um Colégio Técnico de Jujutsu repleto de mistérios. 

Para fechar os filmes prestigiados nas salas, a coprodução ítalo-brasileira, O Traidor recebeu aplausos e elogios desde sua estreia no Festival de Cannes em 2019, se tornando um dos mais premiados filmes do Cinema italiano recente. Anos depois, o público geral finalmente poderá assistir Marco Bellocchio em toda a sua glória.

Do mesmo diretor de De Punhos Cerrados (1965) e Vincere (2009), não é de se estranhar o cunho crítico com o qual O Traidor trata a política italiana. O filme é baseado na vida de Tommaso Buscetta, mafioso da Cosa Nostra que posteriormente colaborou com a justiça para delatar o esquema de corrupção. A atriz brasileira Maria Fernanda Cândido, em dose dupla nos cartazes do Cinema em abril, interpreta a esposa de Buscetta, Maria Cristina de Almeida Guimarães.

A Televisão de Abril pode muito bem ser dividida entre estreias empolgantes e conclusões aguardadas. Na Netflix, Ozark se despediu menos emaranhada do que de costume. Depois de respirar à beira do precipício com o sétimo episódio, a parcela final da quarta temporada movimenta os personagens entre o cartel, o FBI e a ascensão política. Marty (Jason Bateman) solta a embreagem e permite pequenas explosões, ao passo que Ruth (Julia Garner) tem material suficiente para marcar a História das telinhas.

Melhor e mais destemida do que antes, Wendy (Laura Linney) usa a loucura como carta magna nos momentos de escrever seu futuro. Depois de 44 episódios recheados de tensão, filtro azul e muitos sotaques caipiras, o veículo mais sóbrio da Netflix desata seus nós versando sobre o legado, o amor familiar e a falta de consequências para os abastados. O mundo é dos privilegiados, mas isso Ozark já havia nos dito desde 2017. Meia década depois, a lembrança é amarga, mas nunca surpreendente. 

Três anos depois de dobrar o tempo com a primeira temporada de Boneca Russa, Natasha Lyonne retorna. O ano dois, que dessa vez se envereda para viagens no tempo e um bocado de trauma familiar, é ainda mais inventivo que a estreia, por mais que a ideia de dar continuidade a algo tão único e singular como Russian Doll possa soar profano. E para quem ainda bate o pé sem vontade de mergulhar em 7 novos capítulos, a participação hiper-especial de Annie Murphy é o bastante para o convencimento. 

Grace and Frankie acabou na 7ª temporada, se tornando a produção original da Netflix com o maior número de episódios lançados. Ainda no tudum, David E. Kelley pulou da HBO para criar e escrever Anatomia de um Escândalo (Anatomy of a Scandal), um mistério que toma de base o livro de Sarah Vaughan. E se os assinantes do streaming esperavam melhorias para a quinta temporada de Elite, eles se decepcionaram mais uma vez. O quinto ano da série continua se apoiando em um plot reciclado, que alterrna entre um caso de assassinato e muitas cenas de sexo apelativas. 

Entre os personagens originais, ficaram apenas Samuel (Itzan Escamilla) e Omar (Omar Ayuoso), que aparecem com personalidades e uma amizade que nada têm a ver com o início da produção. Já entre rostinhos novos estão Isadora (Valentina Zenere), Iván (o brasileiro André Lamoglia), Bilal (Adam Nouru) e Cruz (Carloto Cotta), mas nem mesmo a adição deles conseguiu movimentar a história maçante. Toda a trama se desenvolve de forma superficial e repetitiva, e, apesar de abordar assuntos importantes (como discussões que perpassam os tabus do estupro, pedofilia, abuso psicológico e vício), a maioria é tratada de forma irresponsável e irreal. Uma sexta temporada já foi confirmada, e só o que resta para os fãs é rezar por uma luz no fim do túnel. 

Para os românticos de plantão, Abril findou a espera pela adaptação de Heartstopper. Com o envolvimento da autora Alice Oseman, a saga de Charlie e Nick foi levada às telinhas com a leveza das HQs, incrementada pelas performances deliciosas de Joe Locke, Kit Connor e companhia. Ainda sem confirmação de uma bem-vinda temporada dois, a história do encontro entre dois garotos borbulha nas redes sociais e fumega para além das telas, dando à comunidade queer um amor idealizado, perfeito e impossível de largar.

Na contramão das borboletas no estômago da paixão juvenil, a Apple TV+ chegou com duas pedradas. Depois de desbancar gigantes do streaming no último Oscar, a produtora resolveu iniciar a temporada com os dois pés na porta com a postulante a melhor série do ano, Ruptura (Severance). Com um elenco que tem nomes como Adam Scott, Christopher Walken, John Turturro e a queridinha da Televisão Patricia Arquette, a produção é um deleite de ficção científica. Seu roteiro, que mistura toques de Black Mirror, O Show de Truman e David Lynch, foi milimetricamente escrito e faz com que os mistérios da trama e seus vislumbres de surrealismo se desenvolvam de forma muito engenhosa e cativante. 

A isso junta-se um primor técnico, desde sua direção concisa, cargo dividido entre Ben Stiller e Aoife McArdle, até outros aspectos como uma montagem e design de produção e som agonizantes, que dão o tom daquele ambiente de trabalho nada ortodoxo (mas que faria muito sucesso no LinkedIn). Diferentemente da premissa, onde se é possível separar seu “eu” do trabalho de sua vida pessoal e esquecer esses ambientes num piscar de olhos, é impossível tirar Ruptura da cabeça.

O HBO Max viu a consagração de Queen Stars, reality que envolve drag e cantoria, com a apresentação de Pabllo Vittar e Luisa Sonza. Além disso, Minx: Uma Para Elas fez barulho o suficiente para ter uma segunda temporada anunciada. A comédia criada por Ellen Rapoport acompanha Joyce (Ophelia Lovibond), uma jovem feminista que une forças com o editor Doug Renetti (Jake Johnson) para criar a primeira revista erótica voltada ao público feminino. A série, que possui 10 episódios com duração de aproximadamente meia hora, tem Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento, Caça Fantasmas) como um dos produtores, e um elenco que esbanja os nomes de Michael Angarano (Quase Famosos), Sofia Gonzalez (Grace and Frankie) e Amy Landecker (Transparent). 

Ainda no aplicativo roxinho, e inspirada no livro reportagem Tóquio Proibida, de Jake Adelstein, a série Tokyo Vice se consolida como um envolvente drama policial, nos mostrando o submundo da cidade de Tóquio no final dos anos 1990 e o funcionamento da Yakuza – vista de perto pelo autor do livro . Em 2013, a produção foi concebida como um filme, e Daniel Radcliffe chegou a ser contratado para dar vida ao protagonista Jake. No entanto, seis anos depois, o projeto foi reformulado para uma série em 8 episódios, e o ator Ansel Elgort (Baby Driver, A Culpa é das Estrelas) assumiu o lugar de Radcliffe, dando vida ao primeiro jornalista estrangeiro a ser contratado no prestigioso jornal The Yomiuri Shimbun. 

A Tóquio Proibida de Jake Adelstein é capturada por alguns takes que fazem lembrar Encontros e Desencontros (Lost in Translation) – talvez pelo jogo de luz e pelo próprio cenário de Tóquio –, mas em alguns trechos parecem haver referências à Miami Vice, e isso não é por acaso. Embora a maioria dos episódios tenham sido dirigidos por Josef Kubota Wladyka, é Michael Mann quem dirige o piloto – o diretor do filme de 2006. 

Sua ambientação é tão poderosa que quase podemos sentir o cheiro de nicotina invadir nosso quarto enquanto tentamos desvendar os rostos escuros que perambulam pelas ruas obscurecidas de Tóquio. O desenvolvimento da série é lento, e foca no amadurecimento pessoal dos personagens. Além disso, a produção mostra a força que a máfia japonesa detinha no Japão, mantendo uma censura não declarada nos jornais locais, em que não se podia noticiar nenhum homicídio. “Não existe homicídio no Japão se nenhum policial falar que foi homicídio”, Jake ouve após tentar noticiar um assassinato visto com seus próprios olhos.

Streaming mais adulto do grupo Disney, o Star+ recebeu a megalomania de The Dropout, minissérie com fome de Emmy que coloca Amanda Seyfried numa sinuca de bico. A história, que se baseia em eventos reais, mostra a tentativa da fundadora da Theranos, Elizabeth Holmes, de revolucionar o setor de saúde após abandonar a faculdade e iniciar uma empresa de tecnologia. Entre fraudes, performances memoráveis e reviravoltas de arrepiar os cabelos, a produção do Hulu tem tudo para crescer ao longo dos próximos meses. 

Enquanto alguns emergem, The Walking Dead caminha para o fim. A série de Televisão da AMC voltou a ser exibida no começo de 2022 e, agora, com a segunda parte da última temporada finalizada, o gran finale deverá acontecer em outubro. Prometendo entregar uma despedida digna para os fãs, os episódios da parte 2 da 11ª temporada tiveram como o principal evento a dominação de Alexandria, Hilltop e Oceanside pela Commonwealth, elevando as expectativas para uma guerra liderada por Daryl (Norman Reedus) e Maggie (Lauren Cohan) contra o Império.

Também no bonde da despedida, e após 176 episódios exibidos, chegou o momento de black-ish dar adeus aos fãs. Estrelada por Anthony Anderson e Tracee Ellis Ross, a sitcom do casal de protagonistas, Dre e Bow, tem a felicidade de ser encerrada com o sentimento de dever cumprido: a família Johnson conseguiu manter e fazer presente a sua identidade cultural negra, mesmo vivendo em um bairro branco de classe média alta.

Em 2022, os últimos episódios contaram com muito humor e emoção, além das participações especiais do ex-jogador de basquete Magic Johnson e da ginasta Simone Biles. A série exibida pela ABC possui incontáveis indicações aos principais prêmios da Televisão estadunidense. Entre eles, o BET Awards, o SAG e o Emmy Awards, o último segue devendo duas estatuetas de Melhor Ator e Atriz em Série de Comédia para Anderson e Ross. Com o fim, fica a dúvida: a 8ª temporada irá quebrar esse jejum?

O remake de Um Maluco no Pedaço, batizado apenas de Bel-Air, encerrou sua jornada inicial na TV, levantando elogios pelo tom mais dramático e pela acertada escalação de Jabari Banks no papel que deu o estrelato ao vencedor do Oscar Will Smith. Também amparada pelo apoio crítico e do público, na Itália, a HBO deu fim ao terceiro ano de A Amiga Genial, drama de amadurecimento que se baseia na obra mais famosa de Elena Ferrante. 

Em Abril de 2022, o público queer comeu o pão que o diabo amassou com a temporada final de Killing Eve. Apressada, nada concisa ou mesmo certa da história que gostaria de detalhar antes de encerrar o jogo de gato e rato, a produção demorou a engatar e, quando encontrou a marcha ideal para os sacrifícios de Eve (Sandra Oh) e Villanelle (Jodie Comer), já era tarde demais. Isso, e claro, a conclusão cretina que além de matar o amor menos saudável da atualidade, também assassinou a esperança dos fãs.

E para os que sobreviveram à amargura que o drama impregnou no paladar, foi vez de limpar a garganta com a 14ª temporada de RuPaul’s Drag Race. Ela foi longa, e dos 14 episódios competitivos, 7 deles não encontraram eliminação alguma. O senso de estagnação na Corrida das Loucas foi eclipsado pelo melhor elenco de drags desde os tempos de ouro de Sasha e Shea, além de diversificar suas competidoras. Pela primeira vez na histórias, 5 mulheres trans foram escaladas (e três delas se revelaram ao mundo como parte da comunidade trans durante a exibição do programa).

Entre o primeiro competidor homem cis hétero, o truque das barras de ouro, uma eliminação precoce e o pior Snatch Game em quase quinze anos, a temporada 14 coroou Willow Pill, drag queen que se identifica como pessoa trans feminina, filha/irmã de Yvie Oddly e uma das figuras mais marcantes da mitologia do show. Ao lado dela, que impressionou desde o Show de Talentos dadaísta até se tornar a primeira trans a vencer o programa principal, subiu ao trono Kornbread “The Snack” Jeté, a primeira Miss Simpatia trans de Drag Race. No fim, 16 extensos capítulos foram a quantia certa para a história ser mudada, graças aos deuses drag e ao talento de Pill, Jeté, Bosco, Lady Camden, Daya Betty, Angeria e companhia. 

Foi difícil compilar o melhor e o pior de Abril de 2022 entre as telonas e as telinhas, o que parece se tornar rotina, considerando que, com a volta ao novo normal, o Cinema e a TV se rearranjam, tiram o atraso da pandemia e despejam lançamentos semanalmente. É tanto filme e série que fica difícil para qualquer um acompanhar os movimentos do mundo cultural. Mas, para os que procuram um seriado com garra e audácia cômica, a dica da vez é Abott Elementary. A trama segue um grupo de professores reunidos numa das piores escolas públicas do país, simplesmente porque adoram ensinar, e tem no elenco a criadora do show Quinta Brunson, que se destaca junto de Tyler James Williams, Janelle James e Sheryl Lee Ralph.

Para Maio, resta um Multiverso da Loucura, um Homem do Norte, um Cavaleiro da Lua e muito, mas muito mais. No aquecimento para a tempestuosa e movimentada corrida do Emmy 2022, acontece também o 75º Festival de Cannes. No Persona, você acompanha os pormenores e as engrenagens do audiovisual, sempre banhado pelas dicas mais deliciosas e suculentas do mercado. Até lá! 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Caio Machado, Gabriel Gatti, Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner e Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Abril de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Da ficção da Pixar aos documentários da Netflix, da comédia de Taika Waititi ao drama de Ryûsuke Hamaguchi, fomos presenteados com produções nacionais e internacionais para os amantes da Sétima Arte em Março de 2022. Tudo isso regado com a cobertura do caótico Oscar e muitas outras movimentações nas premiações de Cinema. Teve de tudo, mas não se estresse a ponto do panda vermelho se libertar! Entre a cozinha de Sebastian Stan, a caverna de Robert Pattinson e os aposentos nobres de Jonathan Bailey, o Cineclube de Março esmiuça a TV e o Cinema do Mês da Mulher. 

Março começou agitado com o último dos prêmios do Cinema independente, o Spirit Awards. Lá, A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal fez a festa, como de praxe. Na semana seguinte, foi a vez do BAFTA e do Critics Choice Awards dividirem o mesmo domingo e incendiarem ainda mais a corrida para os prêmios da Academia. Mas nada saiu do planejado, com vitórias para os eventuais campeões do dia 27 de março. O que aconteceu depois que mudou o jogo: depois de triunfar no SAG, No Ritmo do Coração (CODA) acabou por vencer os outros dois Sindicatos, primeiro o dos Produtores, que usa o mesmo método preferencial do Oscar, e depois o dos Roteiristas, onde seu adversário Ataque dos Cães estava inelegível. Para quem computou as informações e leu nas estrelas o caminho até Melhor Filme, a coroação da produção da Apple TV+ não foi surpresa.

Na premiação da Academia, o filme foi o vencedor máximo de 2022. Além do principal troféu da noite, a roteirista – e também diretora – Siân Heder saiu premiada pela sua adaptação audiovisual de A Família Bélier. Ainda na cerimônia do último dia 27, o nome de CODA foi lembrado uma terceira vez, quando Troy Kotsur venceu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, em um dos momentos mais marcantes da edição. Agora, ele figura nas melhores atuações da temporada ao lado de Ariana DeBose, coadjuvante de Amor, Sublime Amor, Jessica Chastain, pelo seu protagonismo em Os Olhos de Tammy Faye, e Will Smith, o centro de King Richard: Criando Campeãs e símbolo do 94º Oscar pelos motivos errados.

O momento mais comentado da premiação precedeu – além de uma demonstração de reações racistas – uma das vitórias mais importantes da noite: Melhor Documentário para Summer of Soul. Para completar a dupla de ouro do Oscar, Drive My Car foi brilhantemente eleito o Melhor Filme Internacional de 2022. E para completar o Encanto da temporada, a produção da Disney confirmou os favoritismos e saiu como a Melhor Animação, assim como Billie Eilish não decepcionou quem apostou em No Time To Die, sua composição para 007 – Sem Tempo Para Morrer, para a estatueta de Melhor Canção Original. Nos curtas, Riz Ahmed se tornou oscarizado, The Queen of Basketball foi coroada, o romance artístico de The Windshield Wiper foi celebrado. 

Mas mesmo com a comemoração do finalmente primeiro Oscar de Kenneth Branagh (pelo Roteiro Original de Belfast) nenhum outro filme festejou a noite como Duna, o mais premiado pela Academia em 2022. Dentre suas 6 estatuetas, o filme de Denis Villeneuve gabaritou as categorias técnicas de Fotografia, Trilha Sonora, Montagem, Design de Produção e Som, fazendo a obra mais indicada da temporada, Ataque dos Cães, comer sua poeira. O longa de Jane Campion só não perdeu seu prêmio garantido e vitória mais importante – Melhor Direção, na terceira vez na história e segunda consecutiva em que uma mulher saiu vitoriosa da categoria, e primeira a ser indicada mais de uma vez. 

O mês, que se encerrou com as confusões do Oscar, nos presenteou com alguns documentários, como Olivia Rodrigo: dirigindo até você (OLIVIA RODRIGO: driving home 2 u (a SOUR film). O filme do Disney+ se apresenta com uma narrativa repleta de depoimentos sobre as faixas em que a artista expõe como se sentiu com um primeiro disco tão bem-sucedido. Além disso, o longa também apresenta novas versões das canções de 2021, que valorizam bastante a influência do rock e devem ser lançadas em formato de álbum em breve. 

Outro documentário de destaque é Lucy e Desi (Lucy and Desi), dirigido por Amy Poehler. A película sobre Lucille Ball, a estrela da série de grande sucesso nos EUA, I Love Lucy, explora sua relação com o marido Desi Arnaz, que dividia o protagonismo do show ao lado da esposa. Sua estreia ocorreu por meio do Festival de Sundance em janeiro de 2022 e chega agora ao Amazon Prime Video, mesma casa do ficcional Apresentando os Ricardos, que também trabalha a relação do power couple. A obra relata por meio de depoimentos e fitas que o casal costumava gravar falando sobre os mais diversos assuntos, o longa apresenta um tom intimista acerca da vida do casal.

Além de documentários, março nos proporcionou diversos filmes de ficção científica, como After Yang, um drama de sci-fi que apresenta a jornada de uma família em busca do concerto de Yang (Justin H. Min), um robô adotado para auxiliar a filha biológica do casal (Colin Farrell e Jodie Turner-Smith) a se adaptar à cultura norte-americana. Com o tempo todos acabam se afeiçoando ao familiar androide e não conseguem mais viver sem ele. O novo longa da A24, que foi lançado no Festival de Cannes de 2021, trouxe o cineasta sul-coreano Kogonada para assumir o papel de roteirista e diretor desse sci-fi, que se assemelha a A.I. – Inteligência Artificial, por sua relação familiar envolvendo seres biônicos. 

Outro destaque de ficção científica do mês de março é O Projeto Adam (The Adam Project). O longa escalou Ryan Reynolds para viver uma viagem do tempo em que  tenta salvar o mundo, voltando para o ano de 2022 e se deparando com o seu eu mais jovem. Apesar do roteiro clichê, o longa apresenta uma narrativa descolada e divertida, com grandes atores, como Jennifer Garner e Mark Ruffalo. Com esse novo sci-fi, o ator de Deadpool é agora o único com 3 filmes no Top 10 da Netflix.

Ainda com o pezinho na ficção científica, mas puxando para o lado do romance, Nossos Sonhos de Marte (Moonshot) entrelaça esses elementos em um clichê adolescente, feel good e coming-of-age, em que dois amigos muito diferentes embarcam em uma aventura e percebem novos sentimentos um pelo outro. O longa, disponível no HBO Max, não se diferencia das demais produções do gênero, apesar de contar com nomes conhecidos do ramo, como Lana Condor (Para Todos os Garotos que Amei) e Cole Sprouse (Riverdale). 

Outro romance lançado em março está disponível no HBO Max. A produção brasileira selecionada para representar o país no Oscar 2022, Deserto Particular narra uma das histórias de amor mais lindas de 2021, sob comando de Aly Muritiba e guiado pelas performances de Antonio Saboia e Pedro Fasanaro. A narrativa acompanha Daniel, um policial dedicado que acaba cometendo um erro gravíssimo e, após o incidente, acaba indo atrás de  Sara, sua namorada virtual que mora no outro lado do país.

Também no gênero do romance, A Pior Pessoa do Mundo (Verdens verste menneske) finalmente chegou ao Brasil. Com direito a indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional e Melhor Roteiro Original, a obra de Joachim Trier, que desconstrói as comédias românticas, apresenta quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), sua turbulenta vida amorosa e sua jornada de autoconhecimento em um mundo que não para por um segundo. O filme norueguês descreve, ao longo de seus frames, a sensação de estar perdido na vida aos 20 e poucos anos e como alguns relacionamentos nos marcam ao longo do caminho. 

Encerrando os lançamentos dos indicados ao Oscar, Drive My Car também aterrissou oficialmente em solo brasileiro. O longa, que foi dirigido por Ryûsuke Hamaguchi e roteirizado por ele ao lado de Takamasa Oe, é uma adaptação do conto homônimo do escritor japonês Haruki Murakami. A adaptação audiovisual também se inspirou em outros dois textos do autor, todos da coletânea Homens sem mulheres, que foi a leitura de março do Clube do Livro Persona. A história acompanha Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), um ator de teatro viúvo de meia idade que contrata Misaki Watari (Toko Miura) como sua motorista particular. A partir do cotidiano, os dois estabelecem uma relação e compartilham seus sentimentos de solidão. Depois de uma breve passagem pelos cinemas, chegou agora, no dia 1º de abril, na plataforma da MUBI.

Além dos filmes conceituais, março trouxe o aguardado lançamento do blockbuster Batman (The Batman) de Matt Reeves (Planeta dos Macacos: A Guerra). Na nova trama, o Cavaleiro das Trevas (Robert Pattinson) está em seu segundo ano de luta contra o crime e investiga o submundo de Gotham, na busca pela verdadeira identidade do Charada (Paul Dano), um serial killer que está matando figuras políticas importantes na cidade. 

A narrativa, apresentada ao longo de três horas de duração, utiliza bem o tempo para dar espaço para todos os seus personagens – com destaque para a Selina Kyle de Zoë Kravitz – e conduzir a investigação do Homem-Morcego de um jeito que prende o espectador. Além do roteiro, a fotografia de Greig Fraser (vencedor do Oscar 2022 por Duna) e a trilha sonora de Michael Giacchino intensificam os elementos da obra.

Nas telonas dos cinemas, também está disponível outra produção de ação, Morbius. Depois do sucesso comercial de Venom, a Sony continua a investida de trabalhar vilões do universo do Homem-Aranha em projetos soltos, que agora traz o protagonismo do Vampiro Vivo, vivido por Jared Leto. Amargando aprovações negativas de crítica e audiência, o filme conta a direção de Daniel Espinosa, e coroa uma semana relativamente péssima do ator principal, reconhecido como o pior ator coadjuvante do ano no Framboesa de Ouro por Casa Gucci e, dias depois, sendo massacrado pela aventura da Marvel. No fim das contas, o filme parece precisar de água benta. Queime e não volte para uma sequência. 

Mudando o gênero das produções, Fresh foi destaque dentre os lançamentos do mês como um suspense cômico. A trama nos apresenta a realidade de Noa (Daisy Edgar-Jones), uma jovem já cansada de se aventurar por aplicativos de namoro que decide dar uma chance a Steve (Sebastian Stan), a quem conheceu em um supermercado. No entanto, logo no primeiro encontro, o amante começa a apresentar apetites peculiares.  Ao longo da narrativa, a cineasta busca pela inovação, mas acaba pecando pela obviedade. Sua estreia ocorreu no Festival de Sundance e logo foi adquirido pelo Hulu, chegando ao Brasil pelo streaming mais adulto da Disney, o Star+.

Ainda falando em suspense, Águas Profundas (Deep Water) chamou atenção no mês. Com direção de Adrian Lyne (Atração Fatal, Flashdance), o longa é uma adaptação do romance homônimo de Patricia Highsmith e conta com Ben Affleck e Ana de Armas no elenco, atuando como o casal protagonista. Filmado na época em que os atores ainda eram namorados na vida real, o filme tem uma primeira hora interessante, onde estabelece um clima de desconfiança intrigante, porém não explora isso tanto quanto poderia e o resultado é decepcionante. 

O filme seria lançado nos cinemas em janeiro de 2022, mas foi removido do calendário de lançamentos da Disney e acabou indo para o Amazon Prime Video. Outro streaming que também lançou um suspense em março foi a Netflix, com Sorte de Quem? (Windfall). Lily Collins, Jason Segel e Jesse Plemons estrelam a narrativa sobre um homem que invade a casa de férias de um casal bilionário mas é surpreendido pela chegada dos dois. O clima de tensão aumenta ao decorrer do filme prendendo o espectador mais a cada cena.

Então, chegamos nas produções para deixar os telespectadores tensos. Master é um terror psicológico dirigido por Mariama Diallo e estrelado por Regina Hall, que acompanha a vida de três mulheres em uma universidade de prestígio no Estado da Nova Inglaterra. Aos poucos, elas percebem que o ambiente elitista e frio esconde algo sombrio. O longa estreou no Festival de Sundance, integrou a programação do Festival South By Southwest em 2022 e, agora, está disponível no Amazon Prime Video.

Outro destaque do mês foi Ambulância – Um Dia de Crime (Ambulance), dirigido e produzido por Michael Bay (Transformers). No thriller, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II) precisa de dinheiro para pagar as contas de hospital de sua mulher. Para isso, ele aceita realizar o maior assalto a banco na história de Los Angeles ao lado de seu irmão adotivo, o carismático Danny (Jake Gyllenhaal). O elenco da nova produção explosiva de Bay conta também com Eiza González (Em Ritmo de Fuga), Moses Ingram (A Tragédia de Macbeth) e Garret Dillahunt (Army of the Dead: Invasão em Las Vegas). 

Já como um lançamento mais inusitado, Terror no Estúdio 666 (Studio 666) mostra a banda de rock Foo Fighters vivendo a sua experiência mais assustadora ao se mudar para uma mansão para gravar seu décimo álbum de estúdio. Com o tempo, os integrantes do grupo musical passam a vivenciar experiências sobrenaturais assustadoras e cômicas. De forma boba e despretensiosa, o longa brinca com clichês do gênero thriller e com a ideia de rock ser “coisa do demônio”. A história foi criada por Dave Grohl, vocalista do Foo Fighters, roteirizada por Jeff Buhler e dirigida por BJ McDonnell, sem nenhuma pretensão em criar algo inovador ou que contemple um público além dos fãs da banda.  

Além de terror, o que não faltou em março foram produções de comédia, começando por Jackass Para Sempre (Jackass Forever). O novo capítulo da franquia estreia 11 anos depois de Jackass 3.5. Dessa vez, o grupo retorna para realizar mais manobras malucas que não devem ser testadas em casa de jeito nenhum. O filme conta, ainda, com as participações de Tyler, The Creator e Machine Gun Kelly. A película seria lançada nos cinemas no Brasil, mas teve sua estreia cancelada e está disponível apenas na internet.

Já nas produções nacionais, o gênero sempre se destaca, e esse mês, através de  Me Tira da Mira. O filme narra a história de Roberta (Cleo), uma funcionária da Polícia Civil do Rio de Janeiro que passa a trabalhar como agente secreta infiltrada na Clínica Bianchini de Realinhamento Energético para investigar a morte da atriz Antuérpia Fox (Vera Fischer). A espiã também conta com a ajuda de sua terapeuta (Bruna Ciocca) para solucionar o caso. O longa tem como diretor Hsu Chien Hsin, um cineasta nascido em Taiwan naturalizado brasileiro e, ainda, conta com um elenco de peso, de nomes Gessica Kayane (Gkay), Fiuk e Fábio Júnior. Mesmo recheado de rostos conhecidos, as piadas pastelão não sustentam a narrativa. 

Outro destaque dos cinemas brasileiros é Vale Night, uma comédia dirigida por Luis Pinheiro e roteirizado por Caco Galhardo. O filme acompanha o casal Daiana, interpretada por Gabriela Dias, e Vini, interpretado por Pedro Ottoni, que saem para se divertir em uma noite e acabam perdendo o seu filho. A película tem, ainda, a participação de Linn da Quebrada e Yuri Marçal no elenco. Entre as risadas, a obra traz um retrato da cultura da favela e traça muito levemente e de forma básica algumas críticas de gênero, visto que é escrito e dirigido por dois homens. 

Pensando em comédias voltadas para o público infantil, o Disney+ lançou Doze é Demais (Cheaper by the Dozen), um remake dos filmes de 1950 e 2003. Nele, os atores Gabrielle Union e Zach Braff estrelam nos papéis dos pais de uma grande família. A produção renovou a trama, atualizando-a com discussões sobre pautas que estão em alta, mas ainda assim sem abrir mão da comédia pastelão.

De lá, também veio outro destaque infantil do mês – e do ano. Red: Crescer é uma Fera (Turning Red) narra a história de Mei (Rosalie Chiang), uma menina de 13 anos que se transforma em um panda vermelho toda vez que fica muito animada. O longa revisita a cultura asiática para apresentar uma relação de mãe e filha durante a fase da adolescência, valendo-se dos mesmos clichês de fofura e comoção emocional dos demais filmes da Pixar. Sob a direção da vencedora do Oscar Domee Shi, Red é a primeira produção do estúdio com comando feminino. 

Mas nem só de Cinema foi feito o mês de março. Ao longo dos últimos 31 dias, acompanhamos o spin-off de Big Mouth, Recursos Humanos (Human Resources), uma nova série focada nos monstros do universo e seu ambiente de trabalho. A produção é uma mistura ideal entre a obra original e The Office, e então, você adiciona loucuras, atores de renome dublando personagens asquerosos e hilários e uma trama simples mas competente. Do time original da série da Boca Grande, retornam para a nova produção da Netflix quase todos. Dentre os novos rostinhos, estão Aidy Bryant, Randall Park, Rosie Perez, Harvey Guillén, Ariana DeBose, Helen Mirren e Lupita Nyong’o. 

E esse não foi o único spin-off do mês. A 1ª temporada de Como Eu Conheci Seu Pai (How I Met Your Father) terminou sua exibição no Star+ com uma energia  bem parecida com a de How I Met Your Mother: personagens bastante carismáticos, mas o timing de comédia não muito afiado, com piadas um pouco batidas. Apesar disso, a série, que contou com Hilary Duff e Kim Cattrall no mesmo papel em idades diferentes, já foi renovada para a segunda temporada, que terá uma quantidade maior de episódios.

Mas uma série já conhecida que retornou agora para sua 4ª temporada é The Marvelous Mrs. Maisel. Depois do que pareceu ser uma eternidade, a Maravilhosa Sra. Maisel está de volta (e mais triste do que esperávamos). Após o desastre e a demissão que fecharam o ano anterior, Midge (Rachel Brosnahan) precisa lidar com o fracasso e passa a trabalhar contando piadas em um clube de strip-tease. Lá, a mulher bota ordem no pedaço e acaba revolucionando o local, assim como costuma fazer por onde passa. 

Dessa vez, a nova fase da comédia vencedora do Emmy está menos envolvente em quesito progressão da narrativa, ao apenas posicionar suas peças frente ao vindouro e já anunciado ano final. Em contrapartida, a produção do Amazon Prime Video deu mais espaço para personagens não-brancos e para mulheres trans, Amy Sherman-Palladino e Daniel Palladino reservam piadas certeiras, e a participação mais que especial de alguns rostinhos conhecidos de Stars Hollow. No fim, resta à Lenny Bruce (Luke Kirby) colocar juízo na cabeça de Miriam e, se tudo der certo, sua jogada foi positiva.

Os risos de março não pararam por aí. Depois da Festa (The Afterparty), criada por Phil Lord e Chris Miller, dupla responsável pelos dois Anjos da Lei e por Uma Aventura LEGO,  é uma série que conta a história de um assassinato que ocorreu durante o reencontro de colegas da escola. Tiffany Haddish, Sam Richardson, Zoë Chao, Ben Schwartz e Dave Franco compõem o elenco da 1ª temporada da produção da Apple TV+, que se mostra muito divertida ao fundir investigação com humor, assim como Only Murders in the Building. Cada um dos episódios brinca com um gênero cinematográfico diferente de acordo com o ponto de vista de quem narra, demonstrando a criatividade de Miller na direção. 

Além das risadas, março também nos proporcionou alguns sustos. O lançamento da Netflix, Ninguém Pode Saber (Pieces oh Her), com a ganhadora do Emmy Toni Collette como a protagonista Laura, não atingiu o nível de qualidade esperado. O piloto dá um tom muito bom de suspense, mas rapidamente tudo se transforma em uma trama insossa. A série utiliza flashbacks com lembranças da protagonista para contar a história, formando os “pedaços” dela, mas tudo isso se perde com o desenrolar da história.

Já na Apple TV+, a 3ª e penúltima temporada de Servant, produzida por M. Night Shyamalan (Tempo), acompanha o casal formado por Dorothy (Lauren Ambrose) e Sean Turner (Toby Kebbell) lidando com forças ainda mais sinistras, três meses depois do final do segundo ano da série. Nell Tiger Free e Rupert Grint também retornaram para seus respectivos papéis como Leanne e Julian Pearce, e nova adição ao elenco fica por conta de Sunita Mani (Mr. Robot).

Com uma pegada assustadora e invocando elementos da ficção científica, Expresso do Amanhã (Snowpiercer) retorna para mais 10 episódios. O novo ano do thriller apocalíptico da Netflix é dirigido por Christoph Schrewe, Erica Watson e Leslie Hope, com base no filme homônimo lançado em 2013 sob a direção de Bong Joon-Ho, que por sua vez, se inspirou no romance gráfico Le Transperceneige (1982). Sua trama se passa num futuro distópico, onde os últimos habitantes da Terra tentam sobreviver dentro de um trem que está em constante movimento enquanto o mundo foi totalmente congelado. Com o agrado da série, a 4ª temporada já está confirmada e, dessa vez, terá um novo showrunner. 

Seguindo para outras produções de sci-fi, o segundo ano de Raised by Wolves, produzida por Ridley Scott para o HBO Max, continua a narrativa dos desafios existenciais vividos pelos androides Mãe (Amanda Collin) e Pai (Abubakar Salim) para criar seus filhos humanos longe da Terra.  A temporada possui 8 episódios ao todo e conta com atores, como Travis Fimmel (Vikings), James Harkness (Macbeth: Ambição e Guerra) e Kim Engelbrecht (The Flash) no elenco.

Ainda com esse lado da ficção científica, Upload concluiu seu segundo ano repleto de viagens por realidades alternativas. A série do Amazon Prime Video, criada por Greg Daniels (de The Office e Parks and Recreation), acompanha a jornada de Nathan (Robbie Amell) em um mundo em que as pessoas podem escolher uma realidade para viverem após a morte.

Ainda tivemos algumas produções de super-herói para agradar o público geek. DC’s Legends of Tomorrow finaliza sua sétima temporada com um ano em que Sara Lance (Caity Lotz), Ava Sharpe (Jes Macallan) e os membros da tripulação estiveram presos no passado, em um lugar cada vez mais suspeito. Perseguidos por um inimigo que viaja no tempo e ameaçados pelo espaço temporal, a equipe se une para tentar manter a paz na Terra em um de seus trabalhos mais arriscados. A peça da CW conta com Tala Ashe, Nick Zano, Shayan Sobhian, Lisseth Chavez e Olivia Swann no elenco, e movimentou a equipe para introduzir um personagem querido das HQs no final do ano 7. 

E enquanto o Morcegão se pendura pelo Cinema, sua aliada faz o mesmo na TV – só que com menos orçamento. Na 3ª temporada de Batwoman, a protagonista (Javicia Leslie) trabalha para manter as ruas de Gotham seguras e Batwing (Camrus Johnson) se junta ao combate ao crime. Na produção do HBO Max, além de Leslie, Rachel Skarsten retorna no papel de Alice e as novas adições ao elenco são Bridget Regan e Victoria Cartagena, que interpretam Hera Venenosa e Renee Montoya.

Tem super-herói em desenho também: The Boys Apresenta: Diabólico (The Boys Presents: Diabolical). A 1ª temporada da antologia do Amazon Prime Video é composta por 8 curtas, desenhados em estilos diferentes, que contam histórias soltas dentro do universo da Vought. Ora resgatando traços e construções dos quadrinhos originais, ora emocionando com tramas marcantes e singulares, o experimento criativo faz valer sua investida. O elenco de voz manda muito bem, com destaque para Youn Yuh-Jung, Antony Starr, Ben Schwartz, Michael Cera, Elisabeth Shue, Nasim Pedrad, Awkwafina, Jason Isaacs, Kieran Culkin, Simon Pegg, Andy Samberg, só para citar alguns.

Saindo dessa realidade fictícia e mergulhando em um universo mais sóbrio, março nos proporcionou uma porção de minisséries documentais, a começar por Renascendo das Cinzas (Phoenix Rising). Na produção, realizada para o HBO Max, somos guiados pela história da atriz Evan Rachel Wood e sua trajetória como ativista pelo fim da violência contra mulher, desde que tornou públicas as suas denúncias contra Marilyn Manson. Na direção tivemos Amy Berg, com o papel de comandar essa narrativa tão perversa pela qual a figura feminina enfrenta na sociedade.

Infelizmente compartilhando as vivências da atriz estadunidense,  Elza Soares foi protagonista de Elza e Mané – Amor em Linhas Tortas, que relata várias eras de seu relacionamento com Mané Garrincha. Mas o documentário do Globoplay apresenta foco na história do jogador de futebol, um dos melhores do país que teve um fim trágico por alcoolismo, uso de drogas e assédio midiático. Além disso, o atleta também agredia a cantora, ponto que é tratado na série, de forma meio deslocada diante da adoração à memória do futebolista. A produção é composta por quatro episódios dirigidos por Caroline Zilberman, editora do Globo Esporte, e já se tornou o maior sucesso do streaming deste ano. O roteiro é de Rafael Pirrho, que combina 30 entrevistas, entre Chico Buarque, Caetano Veloso, Sandra de Sá e Lobão, além dos ex-jogadores Gerson, Rivelino, Jairzinho e Pepe. 

Dentre outras produções do grupo Globo, está o encerramento de Um Lugar ao Sol. A novela das 9 não foi bem recebida pelo público, que ficou aguardando por uma reviravolta na trama do personagem Christian (Cauã Reymond), mas deixou os telespectadores apenas no desejo. A narrativa de Lícia Manzo também sofreu muito com a ausência de um horário fixo estipulado pela emissora e, ainda, acabou sendo encurtada de sua duração inicialmente planejada. 

O terceiro mês do ano também proporcionou uma produção sobre o artista por trás da obra das latas de sopas Campbell. Diários de Andy Warhol (The Andy Warhol Diaries) é uma minissérie documental em 6 episódios que utiliza os diários do pintor como base para retratar a vida pública e íntima de Warhol, conhecido como ícone da pop art. Produzida por Ryan Murphy, a série da Netflix conta com relatos de artistas como a cantora Debbie Harry, o ator Rob Lowe e o diretor John Waters.

Um artista polêmico que também teve sua história narrada por meio de uma produção da Netflix é Kanye West, com Jeen-yuhs: Uma Trilogia Kanye. A minissérie sobre o rapper que revolucionou a indústria do rap e do hip-hop se divide em 3 episódios/atos (Visão, Propósito e Despertar), narrados com uma linguagem bem próxima e bastante íntima, sob a direção de Clarence Simmons. O documentário começou a ser exibido semanalmente no dia 16 de fevereiro e não se desvia dos momentos polêmicos e controversos da vida do artista, como o apoio que manifestou a Donald Trump nas eleições para presidência dos EUA e sua candidatura em 2020. 

Entre uma narrativa e outra, assistimos à minissérie Pam & Tommy. Antes mesmo de acompanhar a trama que envolve o vazamento da sex tape do casal titular, a produção já se faz notar pela escolha de Sebastian Stan para encarnar Tommy Lee, o protagonista que vive um relacionamento com a atriz Pamela Anderson, interpretada na série disponível no Star+ por Lily James. Apresentada com uma estética nostálgica para referenciar os anos 90, a história não complementa o trabalho visual desenvolvido. Talvez buscando agradar Anderson, que não autorizou a produção da minissérie, a direção se perde em não conseguir equilibrar as facetas das personagens, ora complexos, ora travados na mesmice. 

Com esse mesmo enquadramento de minissérie, tivemos One Perfect Shot, que apresenta composições visuais de filmes e séries, dando origem a produção narrada em capítulos de meia-hora com o intuito de convidar cineastas famosos para desvendarem suas próprias cenas. Recebida de forma morna pela audiência, a série do HBO Max surgiu como conta nas redes sociais, e tem narração de Ava Duvernay, com a participação dos  diretores Aaron Sorkin, Patty Jenkins, Jon M. Chu, Kasi Lemmons, Malcolm D. Lee e Michael Mann.

E não foi apenas One Perfect Shot que desagradou. A rede Peacock teimou em transformar em ficção as tramas de Tiger King, sucesso de 2020 da Netflix, e lançar Joe vs Carole em forma da sátira. Batizada com o nome mais inventivo e criativo do mês, a série limitada tem como protagonistas John Cameron Mitchell, na pele de Joe Exotic, e Kate McKinnon encarnando Carole Baskin. Ao longo de 8 episódios, os dois se mastigam em cena, mas nada sai do supérfluo e o pedido fica para que, se for para fazer algo do gênero mais uma vez, é melhor McKinnon continuar restrita aos sets do Saturday Night Live.

Guiando para outras direções, somos apresentados a eventos históricos narrados de forma peculiar. A 1ª temporada de Nossa Bandeira é a Morte (Our Flag Means Death) une ação e comédia para narrar a vida de Stede Bonnet, um famoso pirata do século XVIII. Para a produção, foi recrutado o ator Rhys Darby para desempenhar esse papel a bordo do navio Revenge, no qual o navegador cruza com o conhecido Barba Negra (Taika Waititi). Criada por David Jenkins e produzida por Taika Waititi, a série do HBO Max revisita eventos históricos de modo cômico e surpreendente.

Navegando por outros mares, The Last Kingdom chegou ao fim. Iniciada em 2015, a jornada de Uhtred (Alexander Dreymon) concluiu sua narrativa após cinco temporadas, alimentando os fãs apaixonados por tramas nórdicas, muita sujeira e muitas espadas enferrujadas sendo degradadas em campos de batalhas.

Passando dos vikings para um período pré-vitoriano, a 2ª temporada de Bridgerton demorou, mas a continuação dos contos de amor dos irmãos Bridgerton finalmente chegou. Dessa vez sem o Duque Simon (o indicado ao Emmy Regé-Jean Page), mas com relances da Duquesa Daphne (Phoebe Dynevor), a série de Chris Van Dusen e Shonda Rhimes adapta o segundo livro de Julia Quinn, O Visconde Que me Amava. Na história, Anthony (Jonathan Bailey) decide se casar ao mesmo tempo em que duas jovens vindas da Índia retornam à Londres da Rainha e de Lady Whistledown. 

Seguindo a cartilha de emoção e tensão, dessa vez o foco recai na exímia paixão proibida e em performances mais internalizadas. Destaque absoluto, Kate Sharma (Simone Ashley) é o diamante da temporada. Com desenvolvimento nas narrativas particulares dos irmãos mais próximos à idade do matrimônio, a produção da Netflix se distancia um pouco da obra literária, mas mantém com a vibração de humor e fervor, com direito, é claro, às canções modernas reimaginadas para a época, de Robyn e Miley Cyrus à RIhanna e Madonna.

Do outro lado do oceano, vemos os eventos da 1ª temporada de A Idade Dourada (The Gilded Age). Inspirada em eventos reais, a série conta a história da jovem Marian Brook (Louisa Jacobson), que se muda, após a morte de seu pai, da vida rural na Pensilvânia para a cidade de Nova Iorque para viver com suas tias ricas (Christine Baranski e Cynthia Nixon). Em seu novo lar, Marian começa a questionar os valores e princípios da sociedade. Criada por Julian Fellowes, o mesmo de Downton Abbey, a nova série original da HBO, e disponível no HBO Max, já foi renovada para a segunda temporada.

Fincando o pé em terra firme, a 4ª temporada de F1: Dirigir Para Viver (F1: Drive to Survive) veio bem dramatizada, para combinar com a própria temporada da F1 de 2021.  Nela, a Netflix segue focada em equipes específicas, como a Haas e McLaren, mas os chefes da Mercedes e Red Bull renderam muito procurando o drama mesmo. É um universo para quem não vê a Fórmula 1 tecnicamente, mas é isso que torna a série tão empolgante. 

Nesse mesmo ambiente sobre rodas, nós viajamos para a 1ª temporada de O Turista (The Tourist), protagonizada por Jamie Dornan. Nela, um homem que, após se envolver em um acidente de carro, acorda no hospital, com amnésia. Com a ajuda de uma policial australiana (Danielle Macdonald), ele tenta descobrir quem é e o que aconteceu, enquanto é perseguido por pessoas de seu passado que o querem morto. O elenco da produção disponível no HBO Max também conta com Shalom Brune-Franklin e Damon Herriman, de Mindhunter. O thriller de 6 episódios, que conta com os mesmos produtores de Fleabag, Harry e Jack Williams, já foi renovado para a segunda temporada. 

Já com a pegada de La Casa de Papel, temos a minissérie 3 Tonelada$: Assalto ao Banco Central, que tenta recriar o que aconteceu em 2005, quando ladrões cavaram um túnel de 75 metros, com uma estrutura bem profissional, e roubaram quase 170 milhões de reais do Banco Central em Fortaleza. Para a produção nacional, o caminho subterrâneo realizado pelos bandidos foi reproduzido em estúdio. A série também manteve na trama a teoria do “dinheiro maldito” pela corrupção da PF.

Do Brasil para o mundo, finalizamos nossa lista de indicações com a 1ª temporada de RuPaul’s Drag Race UK vs. the World. O tão esperado All Stars Internacional reuniu 9 drags de diversas franquias. Dos Estados Unidos, tivemos Jujubee (em sua quarta disputa pela Coroa) e Mo Heart (a artista anteriormente conhecida como Monique Heart); do Canadá, retornaram Jimbo e Lemon; do Reino Unido, o time de três era formado por Baga Chipz, Cheryl Hole e Blu Hydrangea; da Holanda, veio Janey Jacké e, da Tailândia, a jurada Pangina Heals estreou como competidora. 

A temporada resgatou o formato original do All Stars 2, e contou com apenas 6 episódios exibidos originalmente pela rede BBC Three na TV. Entre eliminações chocantes, passarelas abaixo do esperado e uma confusão narrativa que deixou um gosto amargo na boca, a drag queen irlandesa Blu Hydrangea foi coroada Queen of the Mother-Tucking World. Assim como no Oscar 2022, os naturais de Belfast tiraram a sorte grande (ou, o mais próximo disso, já que o prêmio da temporada é um remix gravado ao lado de RuPaul). 

Com essa lista esmagadora de produções recém-saídas do forno escolhidas a dedo pela equipe do Persona, o que não falta são opções de filmes e séries para agradar os mais diferentes gostos. E esse é só o fim do primeiro trimestre de 2022, que continuará sendo observado por nós em cada movimento do ano. Até abril, onde nos aguardam a chegada dos Animais Fantásticos, a segunda aventura do ouriço azul e a nova Super Estrela Drag da América.

Texto: Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Caio Machado, Marcela Zogheib, Nathália Mendes, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Março de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Fevereiro se despediu de nós em clima de Carnaval e de expectativa pela nova versão do Cavaleiro das Trevas nos cinemas, desta vez estrelada pelo maravilhoso Robert Pattinson. Com a polêmica cerimônia do Oscar no horizonte e a disputa entre os longas cada vez mais acirrada, o entretenimento variou: de filmes de terror de qualidade duvidosa a mais séries adolescentes produzidas pela Netflix, passando pelos dramas intensos da HBO e novas obras dentro de franquias consagradas, mas sem esquecer dos trabalhos inéditos de cineastas conhecidos. No mês mais curto do ano, o segundo Cineclube de 2022 te convida a ficar por dentro do que rolou no mundo do entretenimento ao longo desses 28 dias. 

O mês começou movimentado com a aguardada lista de nomeações do Oscar 2022. Lá, as surpresas vieram com a omissão de Lady Gaga na disputa de Melhor Atriz, que viu o surgimento de Kristen Stewart e Penélope Cruz ao lado das já consolidadas Chastain, Colman e Kidman. Em Direção, Denis Villeneuve ficou de fora (mesmo Duna angariando dois dígitos de menções), e Ryūsuke Hamaguchi apareceu. Seu filme, Drive My Car, foi reconhecido pelo trabalho de direção, roteiro, e ainda figurou entre os Filmes Internacionais e a categoria principal da noite. Ataque dos Cães liderou com 12 indicações, mas o resultado disso tudo só descobriremos em 27 de março.

Um mês antes, em 27 de fevereiro, o Sindicato dos Atores entregou seus belos troféus. Primeira premiação com o retorno da plateia (depois do adiamento do Critics Choice Awards e do Grammy, inicialmente programados para janeiro), a cerimônia foi emocionante. No lado da TV, Round 6 venceu Ator, Atriz e Elenco de Dublês, enquanto Succession levou Elenco em Drama. Ted Lasso ficou com Ator e Elenco de Comédia, e Jean Smart venceu Atriz. Kate Winslet e Michael Keaton foram coroadas em Minissérie.

Em Cinema, 007 – Sem Tempo Para Morrer levou o SAG de Elenco de Dublês, batendo o favorito Duna. Em Atriz Coadjuvante, deu Ariana DeBose, por Amor, Sublime Amor. Ator ficou para Will Smith em King Richard: Criando Campeãs, e Atriz para Jessica Chastain em Os Olhos de Tammy Faye. Troy Kotsur fez história ao se tornar o primeiro ator surdo a vencer uma estatueta individual, e seu filme No Ritmo do Coração (CODA) foi o campeão da noite, vencendo também Melhor Elenco. Com uma distribuição justa dos prêmios e discursos realmente especiais, a 28ª edição do SAG foi bastante proveitosa.

Em um período do Cinema de terror onde várias franquias clássicas estão voltando, chegou a vez de O Massacre da Serra Elétrica com O Retorno de Leatherface. Sequência direta do clássico de 1974, Texas Chainsaw Massacre foi lançado diretamente na Netflix pois não conseguiu um acordo para sua distribuição nas salas. Ao gourmetizar o massacre, desperdiça vários de seus personagens e ignora muito do próprio legado do vilão Leatherface, diminuindo a importância do filme original e quase desrespeitando toda a franquia. 

Saindo do terror e indo para o melodrama, fevereiro foi o mês de Almodóvar na Netflix. O streaming recebeu diversos filmes essenciais do cineasta antes da chegada de seu novo trabalho ao acervo, Mães Paralelas (Madres Paralelas). A oitava colaboração do espanhol com Penélope Cruz rendeu à ela o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Veneza e uma indicação ao Oscar por sua atuação. O filme, que também recebeu uma indicação pela Trilha Sonora Original de Alberto Iglesias, se destaca pela harmonia das cores de sua direção de fotografia e apresenta um melodrama fiel ao Cinema feito por Almodóvar.

A Netflix não foi palco só para filmes aclamados e também recebeu a fanfic adolescente ruim Através da Minha Janela (A través de mi ventana). A adaptação do livro de Ariana Godoy repete clichês de hipersexualização e parece tão superficial quanto uma história inventada por alguém que espreita pela janela, repleta de estereótipos. Nos sucessos da plataforma, O Golpista do Tinder (The Tinder Swindler) foi bastante comentada nas redes sociais e entrou no top 10 de diversos países. O documentário sobre Cecilie Fjellhoy e o match com Simon Leviev, bilionário israelense e herdeiro de um império de diamantes, possui uma estrutura repetitiva, mas sua narrativa da mulher que se endividou por causa de um homem é facilmente comprada, graças à sua trama crescente que funciona como um alerta sobre golpistas da internet. 

Ainda na temática do golpe, outro fenômeno da Netflix foi a série de Shonda Rhimes, Inventando Anna (Inventing Anna). Baseada na história real de Anna Delvey, que fingiu ser uma herdeira alemã enquanto cometia atos fraudulentos contra bancos e hotéis, a série protagonizada por Julia Garner adota um formato que não funciona. O seu maior destaque é a própria Garner, que conseguiu entregar a melhor personagem em uma produção exaustiva. 

Na comédia, Space Force retornou para sua segunda temporada, dois anos depois de sua estreia. A série criada por Greg Daniels e Steve Carell, que também atua como um general que é remanejado para o ramo da NASA, não conseguiu decolar, mesmo tendo um elenco estrelado por John Malkovich, Ben Schwartz, Diana Silvers e Lisa Kudrow. Falando em famosos, houve a estreia de Murderville, sitcom cujo diferencial é ser feita na base do improviso. A comédia com investigação de homicídios, estrelada por Will Arnett, é baseada na série Murder in Successville, da BBC3, e contou com convidados para contracenar a cada episódio, como os atores Ken Jeong e Kumail Nanjiani. 

No ramo das séries voltadas ao público jovem, Um de Nós Está Mentindo (One of Us Is Lying) chegou na Netflix com diversas mudanças na adaptação. Baseada no livro homônimo de Karen M. McManus, o suspense original do Peacock que acompanha um grupo de 5 adolescentes bem diferentes tem uma pegada de Clube dos Cinco bem evidente, o que torna interessante descobrir o assassinato de um deles enquanto toca Don’t You Forget About Me. 

Nas produções nacionais, a série De Volta aos 15 estreou com as atrizes Camila Queiroz e Maísa como a protagonista Anita em idades diferentes. A dramédia que lembra De Repente 30 é baseada no livro homônimo escrito por Bruna Vieira e seu enredo sobre autodescoberta é bastante dinâmico, cheia de referências e músicas dos anos 2000. O auge da produção, no entanto, é se destacar com um elenco representativo e uma narrativa igualmente sensível às mudanças sociais que o país vivenciou de 2006 pra cá, e todo o mérito do novo hit nacional da Netflix é das mulheres que o fizeram. 

Para os que estavam chorando de saudade de Ragnar, Lagertha e Bjorn, a primeira temporada de Vikings: Valhalla veio para acabar com esse problema. A nova trama nórdica do original Netflix se passa 100 anos depois dos acontecimentos de Vikings e acompanha as aventuras de Leif Erikson (Sam Corlett), Freydis (Frida Gustavsson), Harald Hardrada (Leo Suter) e do rei normando Guilherme, o Conquistador (Bradley Freegard). 

Os fãs de animações puderam prestigiar a primeira temporada de Cuphead – A Série (The Cuphead Show!) neste mês. Desenvolvida por Dave Wasson para a Netflix, é baseada no jogo de 2017 do Studio MDHR e acompanha as aventuras da dupla Xicrinho e Caneco, fazendo referência ao estilo de animação clássico da Disney no início do estúdio, mas com uma modernização dos desenhos. Também tivemos a estreia da 4ª temporada de (Des)encanto, na qual a princesa Bean (Abbi Jacobson) deve salvar Dreamland dos planos maquiavélicos de sua mãe, Dagmar (Sharon Hogan). 

Partindo para o Amazon Prime Video, a primeira temporada de A Lenda de Vox Machina (The Legend of Vox Machina) conquistou os apaixonados por animação. A trama envolvente e desafiadora acompanha um bando de desajustados que acaba em uma missão para salvar o reino de Exandria das forças escuras e mágicas. Em 12 episódios de meia hora, mostra que o Prime Video continua florindo seu campo de produções originais. 

Já no HBO Max, Steven Soderbergh lançou seu terceiro filme na plataforma, Kimi: Alguém Está Escutando (Kimi). O suspense protagonizado por Zoë Kravitz teve uma recepção positiva por parte da crítica e tem sido descrito como um “Janela Indiscreta contemporâneo”. Nas séries, o reboot de Sex and The City, And Just Like That, retomou o elenco original com exceção de Kim Cattrall, que se recusou a trabalhar com Sarah Jessica Parker novamente. 

No mundo dos super-heróis da DC, a primeira temporada de Pacificador (Peacemaker) chegou no streaming com muita porrada, sangue, sexualização de John Cena e uma participação especial de cair o queixo no final do sétimo episódio. Criada e escrita por James Gunn, é um spin-off de O Esquadrão Suicida e conta com Cena de volta ao papel do vilão, atuando dentro de uma equipe ótima que tem no elenco Danielle Brooks, Freddie Stroma, Chukwudi Iwuji, Jennifer Holland e Steve Agee. O sucesso foi tanto que a série foi renovada para a segunda temporada e Gunn ainda revelou estar trabalhando em uma nova produção, protagonizada por outro personagem de O Esquadrão Suicida. 

Fevereiro também foi o mês em que a aguardada segunda temporada de Euphoria chegou ao fim. O novo ano da série priorizou o fator externo ao interno, desovando visuais de cair o queixo, mas não se importando com amarrações na história principal. Os episódios herdam um ingrato caráter de transição, sem se firmarem por completo enquanto o futuro não é colhido, e Zendaya continua o destaque, fazendo valer sua vasta gama de emoções para viver uma Rue em constante estado de quebra. 

Cassie (Sydney Sweeney) rouba os holofotes para si, mas o desenvolvimento de sua narrativa própria não leva a garota para qualquer meio. Maddy (Alexa Demie) é mais visual do que composição, Kat (Barbie Ferreira) vira fantasma e Jules (Hunter Schafer) foi negligenciada toda semana. Lexi (Maude Apatow) e Fezco (Angus Cloud) recebem atenção, mas suas cenas são esvaziadas de peso ou relevância para o bem maior. Enquanto todos os comandos de Euphoria forem geridos por um único Sam Levinson, a série tem tudo para continuar patinando.

Outra original HBO, a primeira temporada de Alguém em Algum Lugar (Somebody Somewhere) encantou pela simplicidade de sua trama e pela exploração densa de temas sensíveis enquanto narra a crônica de uma cidade e da figura de uma mulher deslocada (Bridget Everett). Também com protagonismo feminino, a minissérie Quem Era Ela (The Girl Before) acompanha duas mulheres numa situação misteriosa em suas casas, com uma diferença temporal entre elas. Baseada no best-seller homônimo de J.P Delaney, é dividida em 4 capítulos com cerca de 1 hora cada, estrelados por Jessica Plummer (Como Falar com Garotas em Festas), Gugu Mbatha-Raw (Belle) e David Oyelowo (Selma: Uma Luta Pela Igualdade). 

No Disney+, os apaixonados por Star Wars receberam uma nova série no universo da saga: O Livro de Boba Fett (The Book of Boba Fett). Espécie de derivado e continuação de The Mandalorian, a produção acompanha o Caçador de Recompensas tentando se provar como o manda-chuva da região antes comandada por Jabba, The Hutt, e sempre acompanhado da sabedoria de Fennec Shand (Ming-Na Wen). A série criada por Jon Favreau em momento algum justifica sua existência, entregando comodismo e coincidências na galáxia. 

Quando percebe que Fett não tem mais o que render, viaja até a nave de Mando (Pedro Pascal) e se aproveita da nostalgia para acariciar todos os ícones de Star Wars e provar, mais uma vez, como a Disney tem vergonha, preguiça e corpo mole na hora de inovar com Guerra nas Estrelas. De pontos positivos, é possível mencionar a escalação de Temuera Morrison, que sustenta um protagonista sisudo e fora dos padrões de mercado na aparência e na idade, além do trabalho dos diretores Robert Rodriguez (apaixonado por efeitos práticos e sets reais) e Bryce Dallas Howard (que consegue cutucar a nostalgia sem se entregar ao ridículo). 

Também inserida dentro de um universo já consagrado, Blade Runner: Black Lotus encerrou sua primeira temporada em fevereiro. Parceria entre Crunchyroll e Adult Swim, a animação acontece 17 anos antes de Blade Runner 2049 e explora o mundo cyberpunk que Ridley Scott adaptou do livro de Philip K. Dick e depois Denis Villeneuve expandiu. Dividida em 13 episódios, o elenco conta com nomes como Jessica Henwick, Wes Bentley, Samira Wiley e Arisa Shida. 

Nossa! Depois desse passeio pelos lançamentos em todos os streamings, chegou a hora de falar das novidades na Sétima Arte para a alegria dos cinéfilos. Começando pela chegada de Red Rocket, a comédia dramática dirigida por Sean Baker (de Projeto Flórida e Tangerina), que concorreu à Palma de Ouro no Festival de Cannes em 2021 e recebeu elogios pela atuação magnética de Simon Rex no papel principal. 

Falando em diretores conhecidos, o aguardado Licorice Pizza finalmente estreou. O novo trabalho de Paul Thomas Anderson é a estreia de Cooper Hoffman (filho do falecido Philip Seymour Hoffman) e das irmãs Haim (integrantes da banda de pop rock de mesmo nome) na atuação, com Alana Haim protagonizando o filme ao lado de Cooper. Indicado em 3 categorias do Oscar, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção, a obra acompanha pequenos episódios da vida do jovem Gary Valentine (Hoffman) enquanto tenta conquistar Alana Kane (Alana Haim). 

O filme é um retrato apaixonante da Los Angeles da década de 1970, cheio da intensidade da juventude e que se destaca por sua atmosfera calorosa enquanto desenvolve a relação dos dois, excelentes em seus respectivos papéis. No entanto, não é possível ignorar o racismo que a produção propaga nas cenas onde Jerry Frick (John Michael Higgins) faz um sotaque asiático falso enquanto conversa com sua esposa. Tem sido alvo de críticas, e com razão.  

Para os românticos, Case Comigo (Marry Me) chegou aos cinemas e narra a história de Kat (Jennifer Lopez), uma cantora famosa que, após descobrir a traição do namorado, resolve se casar com um estranho (Owen Wilson) que estava em seu show. Depois que ele aceita, os dois recém-casados começam a se conhecer. As músicas originais ficam a cargo de J-Lo e de Maluma, que também faz sua estreia como ator, depois de dublar Mariano em Encanto. 

Outra estreia que aterrissou nos cinemas brasileiros foi Uncharted: Fora do Mapa, protagonizado por Tom Holland. Baseado nos jogos Uncharted da Sony, o sucesso de bilheteria também conta com Antonio Banderas, Mark Wahlberg e Tati Gabrielle no elenco e recebeu elogios da crítica por seus efeitos visuais. No entanto, o enredo deixou a desejar, sendo comparado a um roteiro de viagens pelo LA Times.  

Mais um que foi mal recebido pela crítica especializada, Morte no Nilo (Death on the Nile) fez sua estreia depois de vários atrasos. A adaptação da obra de Agatha Christie acompanha a investigação de Hercule Poirot (Kenneth Branagh), a bordo de um cruzeiro no Egito, para descobrir quem foi o culpado pelo assassinato de Linnet Ridgeway (Gal Gadot), uma herdeira rica. 

O filme dirigido por Branagh (de Belfast) está envolto em polêmicas por causa de seu elenco: o ator Armie Hammer tem diversas acusações de comportamentos abusivos e a atriz Letitia Wright ter se recusado a se vacinar contra a covid-19. Por conta da participação de Gal Gadot, atriz israelense que serviu ao exército do país, o longa também acabou banido no Kuwait e no Líbano. Cruzes!

Outros dois filmes que fizeram parte da Mostra SP e agora tiveram seu lançamento oficial no Brasil foram Cow e o arrebatador Lamb, pela MUBI. Dirigido por Andrea Arnold, Cow é um documentário britânico que narra a vida de uma vaca. Já o denso Lamb é a submissão oficial da Islândia para o Oscar 2022 e narra a história de um casal que é surpreendido pela chegada de uma prole divina. Dirigido por Valdimar Jóhannsson, e com performances calculadamente fascinantes de Noomi Rapace e Hilmir Snær Guðnason, é um filme delicioso de ser descoberto.

Por fim, quem não quer saber de filme cult e só quer ver algo descompromissado nos cinemas pode conferir Moonfall – Ameaça Lunar, dirigido pelo experiente Rolland Emmerich (de Independence Day: O Ressurgimento e 2012). O longa de desastre natural impressiona pelos efeitos visuais, mesmo que abra mão do “realismo” para colapsar o planeta Terra, e conta com um elenco de renome, com destaque para Halle Berry, Patrick Wilson e Michael Peña. A grande premiação do Cinema está chegando e o Persona continua firme trazendo tudo o que rolou no mundo da cultura. Agora que as cortinas do Cineclube de Fevereiro foram baixadas, nossa Curadoria tem um mês para se reunir e selecionar o melhor do audiovisual em um novo mensal de dicas. Até mais! 

Texto: Caio Machado

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Gabriel Gatti, Marcela Zogheib, Nathália Mendes, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Fevereiro de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O Cineclube e seu irmão Nota Musical vieram ao mundo, da maneira que vocês conhecem hoje, em fevereiro de 2021. Isso significa dizer que ambos são aquarianos – o signo mais inventivo e que está sempre ligado a tudo o que acontece. Para quem nos acompanhou durante o segundo ano pandêmico, fica claro que nossos mensais fizeram jus às características, trazendo tudo que aconteceu de melhor e de pior no mundo da cultura. Mas, com sua volta completa em torno do sol, chegou o momento de exercer seus maiores atributos: revolução e coletividade.

Quando nos encontramos pela última vez no mês do bom velhinho, o Persona trazia textos individuais sobre “candidatos ao careca dourado, séries de prestígio e uma porção de dicas imperdíveis.”. Agora, os cinéfilos da Editoria se reúnem para idealizar e desenvolver as pautas do mês, enquanto um único personer fica responsável por colocar a mão na massa e dar forma ao trabalho conjunto. As regras continuam as mesmas: entra na curadoria o que foi lançado nas salas ou nos streamings. Quando o assunto são séries, as que aparecerem aqui devem ser transmitidas por completo no mês, ou finalizar a exibição da temporada. 

Das abobrinhas do Amazon Prime Video as produções cabeça do HBO Max, sem deixar de passar pelos chicletes da Netflix e abocanhando o que chega às telonas do Cinema (e claro, se você optar por consumir dessa forma, não esqueça de usar a máscara e o álcool em gel), vem aí a nova fase ainda mais completa. Então pega a pipoca e o guaraná que o primeiro Cineclube de 2022 já vai começar. 

Se 2021 marcou a derrocada do Globo de Ouro, envolto em investigações de racismo e propina, a Associação de Correspondentes Estrangeiros de Hollywood decidiu por realizar a premiação mesmo com o boicote da rede de televisão NBC. A “entrega” dos troféus ocorreu de modo virtual, no segundo domingo do ano, pelo Twitter. Vale mencionar que a empresa terceirizada para o serviço demonstrou não ter conhecimento das obras mencionadas, visto que definiu Amor, Sublime Amor como uma comédia de fazer a barriga doer de tanto rir.

No quesito das escolhas, a Associação jogou seguro, mas surpreendeu os acostumados com os papelões do Globo de Ouro. Na parte de Cinema, Ataque dos Cães (The Power of the Dog) saiu como Melhor Filme de Drama, Direção (vitória histórica de Jane Campion) e Ator Coadjuvante (para o jovem Kodi Smit-McPhee). Atriz ficou com Nicole Kidman, por Apresentando os Ricardos, fortalecendo sua caminhada até um eventual e sonhado segundo Oscar. Ariana DeBose venceu como Coadjuvante, somando aos louros de Melhor Atriz (Rachel Zegler) e Melhor Filme de Comédia ou Musical para Amor, Sublime Amor (West Side Story).

Andrew Garfield (tick, tick… BOOM!) saiu como o Melhor Ator de Comédia ou Musical, Will Smith (King Richard) como Melhor Ator de Drama, e Belfast levou o prêmio de Roteiro. Sem surpresas, Animação ficou com Encanto e Filme em Língua Não-Inglesa com o japonês Drive My Car. A Trilha Sonora Original de Hans Zimmer em Duna saiu vitoriosa, assim como a Canção Original de Billie Eilish para 007 – Sem Tempo Para Morrer. A surpresa veio pelo reconhecimento de um filme “artístico” como Ataque dos Cães, ao invés de um mais palatável como o de Kenneth Branagh. Afinal, foi o Globo de Ouro quem elegeu Bohemian Rhapsody o vencedor em uma lista que tinha Pantera Negra, Nasce Uma Estrela, Se a Rua Beale Falasse e Infiltrado na Klan.

No campo da TV, o Globo de Ouro abraçou suas queridas Succession e Round 6. A original da HBO levou para casa os prêmios de Série de Drama, Ator para Jeremy Strong e Atriz Coadjuvante para Sarah Snook, enquanto a febre da Netflix condecorou Oh Yeong-su, o 001 de Squid Game, como o Melhor Ator Coadjuvante. Em Comédia, Hacks desbancou Ted Lasso e venceu em Série e Atriz, para Jean Smart, ao passo que o bigodudo boa praça ganhou, sem surpresas também, Melhor Ator.

Mj Rodriguez, que agora atende por Michaela Jaé Rodriguez, fez história na edição virtual da premiação, sendo a primeira mulher trans a receber um Globo de Ouro. Pelo ano final de Pose, a eterna Blanca Evangelista se tornou a Melhor Atriz em uma Série de Drama. Pena que a premiação não teve tapete vermelho ou discurso emocionado, mas a artista não deixou de agradecer pelo apoio nas redes sociais, feliz da vida pela conquista inédita (e tremendamente merecida).

No repeteco do Emmy 2021, é claro que Kate Winslet papou o Globo de Atriz em Série Limitada, Série Antológica ou Telefilme, por sua entrega feroz no papel titular de Mare of Easttown. No lado dos homens, Michael Keaton venceu por Dopesick, minissérie poderosa que lida com a crise dos opioides e da saúde pública nos Estados Unidos. E indo contra a maré, a HFPA decidiu sagrar a Melhor Série Limitada de 2021 The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade, uma das obras mais sensíveis, arrebatadoras e subestimadas do último ciclo. Que bom que foi reconhecida, mas chega a pesar o fato de todas essas importantes vitórias terem ocorrido justamente no ano em que o Globo de Ouro está afundado em polêmicas.

View this post on Instagram

A post shared by Michaela Jaé (@mjrodriguez7)

No Brasil, 2022 começou com a esperança da vacina, das eleições e da Copa do Mundo. Para aguentar a espera até novembro, a Netflix lançou uma série documental sobre o craque da Seleção Brasileira. Neymar: O Caos Perfeito mostra o lado humano e os conflitos do camisa 10. Mas o que fez a produção ferver foi a transmissão do primeiro episódio lá na roxinha, que rendeu a Casimiro o recorde brasileiro de público simultâneo com 538 mil espectadores. Meteu essa, Netflix?

O público que prefere passar longe dos gramados foi contemplado por Rebelde, original do Tudum que veio para repaginar os corredores da Elite Way School e fazer com que Giovanna Grigio, estrela de Chiquititas e As Five, voltasse para as graças da galera. Em uma produção sul-coreana mais macabra, o cenário escolar é invadido por zumbis na primeira temporada de All of Us Are Dead (Jigeum Uri Hakgyoneun), que arrancou na frente em quesito audiência e repercussão on-line.

Mas não foram todos os brasileiros que se deram bem no streaming, e o roteiro de Temporada de Verão não agradou nem mesmo aqueles que entram em êxtase com a belíssima paisagem do litoral catarinense. O clichê como foco principal faz com que histórias secundárias, como a de Miguel (André Frambach) fazendo remédio de óleo de cannabis para o pai com Parkinson, sejam apagadas pelo drama sem desenvolvimento e romances sem química.

Unindo desaparecimentos e seitas, Archive 81 estreou com o dedinho de Rebecca Sonnenshine, roteirista indicada ao Emmy por The Boys. E por falar no famigerado prêmio da TV, Ozark retornou para sua quarta temporada. Dividida em duas partes de 7 episódios cada, o último ano da série reserva suficiente espaço para surpresas, reviravoltas e uma das cenas mais fortes da televisão. Pode marcar no calendário: em setembro, Julia Garner vai subir ao palco do Emmy. Por enquanto, nos resta roer as unhas, aguardando o banquete de encerramento. 

No tópico minissérie, A Vizinha da Mulher na Janela (The Woman in the House Across the Street from the Girl in the Window) leva o título de mais escrachado do mês e satiriza filmes como A Mulher na Janela. Kristen Bell vive a protagonista, que sofre tormentos e lida com chavões do gênero de suspense urbano ao longo dos 8 episódios. Já na aba de filmes, o destaque fica para o britânico The House que, com referências artísticas do surrealismo, conta três histórias diferentes, abrangendo mundos e personagens diferentes, todos ambientados na mesma casa.

Enquanto isso, na vizinha da Netflix, Amazon Prime Video, chegou uma boa nova série de conforto que une comédia e drama: As We See It. Em oito episódios amigáveis e identificáveis, a trama fala sobre independência, relacionamentos, amizades, trabalho e aceitação com o protagonismo de pessoas do espectro autista. Para os amantes da Sétima Arte, Ben Affleck se destaca no papel de Charlie Maguire em Bar, Doce Lar (The Tender Bar). Dirigido por George Clooney, o filme inspirado nas memórias de J.R. Moehringer rendeu ao ex-Batman de Zack Snyder a indicação ao SAG de Ator Coadjuvante.

Ainda no catálogo do Prime Video, o público infantil é contemplado com Hotel Transilvânia: Transformonstrão, quarto filme da franquia. Com Adam Sandler, Andy Samberg, Brian Hull, Selena Gomez e Kathryn Hahn no elenco, a história que transforma os seres humanos em monstros e os monstros em seres humanos têm o agridoce gostinho da despedida. Mas antes o agridoce do que o nauseante, como foi no Disney+ com o lançamento de A Era do Gelo: As Aventuras de Buck. O filme tem um enredo completamente preguiçoso que apaga o brilho do icônico Buck, reduzindo toda a personalidade antes construída do gambá maluco.

O fim de 2021 marcou os 20 anos do lançamento da saga do bruxinho mais querido do mundo cultural. Para celebrar a data, o HBO Max promoveu um emocionante reencontro do elenco. O filme-evento se divide ao longo das adaptações, trazendo os 4 diretores da saga para falar sobre bastidores, criação e impacto. A ausência ensurdecedora de J. K. Rowling foi preenchida com uma entrevista dada em 2019. A decepção em relação a progenitora paira sobre os fãs, já que as duas décadas de Harry Potter foram manchadas pela transfobia de sua própria autora.

Em janeiro, o HBO Max também foi plataforma para A Vida Depois (The Fallout), filme que concretiza Megan Park como diretora, aterrissando após seu lançamento mundial no festival South by Southwest, em março de 2021. Além dele, o livro de Emily St. John Mandel, Station Eleven, ganhou uma adaptação no formato de minissérie, que tem dois dos dez episódios dirigidos por Hiro Murai (de Atlanta e Guava Island). E encerrando os trabalhos, a série Search Party retorna para sua quinta e última temporada. 

No Paramount+, Dexter: New Blood chegou ao fim e só se falou sobre outra coisa. Todavia, a primeira temporada de Yellowjackets cativou com seus episódios semanais, garantindo lugar na lista de queridinhos de muitos. Nada mais justo, já que a série criada por Ashley Lyle e Bart Nickerson consegue construir um mistério tão intrigante, com posse de grande domínio da narrativa, que chega a ser impossível parar de ver. Com o sucesso de audiência e crítica, a segunda temporada está confirmada. 

Na maçã mordida, o clássico A Tragédia de Macbeth ganhou uma nova versão. O longa conste em uma nova produção da A24 junto com a Apple TV+, dirigida por Joel Coen, que faz sua estreia sem a parceria do irmão Ethan. A narrativa apresenta a personalidade do cineasta sem anular a peça de Shakespeare, e acumula algumas indicações ao Oscar, com destaque para Denzel Washington na briga de Melhor Ator.

Ufa! Após renovar a assinatura em todos os streamings, chegou o momento que o mundo não acreditou. Depois de dois anos reféns das plataformas digitais, os filmes voltam a ter sua estreia nas telonas do Cinema. Começando por um dos mais aguardados, o quinto filme da franquia Pânico (Scream) conta com o protagonismo de uma nova geração de personagens, sem perder seu maior requinte que são as referências a outros produtos culturais, filmes de terror e à própria franquia. Outra saga que retorna é King’s Man: A Origem (The King’s Man), que volta ao passado para contar os primórdios da organização.

Falando sobre aguardados, O Beco do Pesadelo (Nightmare Alley) marca o retorno de Guillermo del Toro à direção depois de levar o Oscar por A Forma da Água, em 2018. O cuidado do diretor com visuais dos cenários e maquiagens se mantém presente, fortemente influenciado pelas produções da Era de Ouro do Cinema hollywoodiano. O elenco conta com Bradley Cooper, Rooney Mara e Cate Blanchett (indicada ao SAG de Atriz Coadjuvante). Outro diretor que retorna aos trabalhos é o asqueroso Woody Allen e seu O Festival do Amor, fazendo pouco caso das denúncias contra ele.

Mesmo com um quadro de atores cheio de nomes de peso, O Beco do Pesadelo decepcionou na bilheteria em sua estreia. O mesmo aconteceu com As Agentes 355 (The 355), que apesar de ostentar um dos elencos mais estrelados do ano (Jessica Chastain, Penélope Cruz, Diane Kruger e Lupita Nyong’o) sob a direção de Simon Kinberg (X-Men: Fênix Negra), foi um fracasso de audiência, crítica e bilheteria. 

Relembrando a época de ouro do Persona com suas coberturas da Mostra de Cinema Internacional em São Paulo, Roda do Destino chega às telas. O longa é um dos dois filmes lançados por Ryusuke Hamaguchi (de Drive My Car) em 2021. Seguindo o climinha de cobertura, Um Herói, que era um dos principais candidatos ao Oscar de Melhor Filme Internacional de 2022, estreou no Prime Video dos EUA, mas ficou de fora da lista final da Academia. Quem também chega ao Brasil é a premiada animação oriental Belle. Aqui a menção honrosa vai para o destemido e arrebatador Titane de Julia Ducournau, vencedor da Palma de Ouro em Cannes, que agora integra o catálogo nacional da MUBI.

Se seu plano é curtir um cinema em família, opções não faltam. Para quem gosta de produções em preto e branco, C’mon C’mon é um belo filme. Estrelado por Joaquin Phoenix e Woody Norman, o longa se dedica à importância de saber ouvir o outro, independente da idade, e reflete sobre o quanto o diálogo é fundamental para qualquer relacionamento, seja romântico, familiar ou somente de trabalho. Já para quem prefere filmes com muita música, Sing 2 traz história encantadora com animais e agrada a casa toda, enquanto o musical Cyrano adapta a clássica história com looks magníficos e o vozeirão de Peter Dinklage, guiado pela direção de Joe Wright. 

O primeiro mês do ano serviu para colhermos bons frutos do solo brasileiro. No nicho da comédia pastelão para as férias, teve Rafael Portugal e Cacau Protásio em Juntos e Enrolados. Depois de muitos adiamentos e devido ao sucesso de Faroeste Caboclo, chegou a vez de Eduardo e Mônica encantarem o cinema nacional. O longa é dirigido por René Sampaio (que também fez o Faroeste) e tem Alice Braga e Gabriel Leone como protagonistas. E por último, e mais importante, temos o segundo live-action da HQ mais lida do Brasil, Turma da Mônica: Lições. Depois do lançamento do filme de Daniel Rezende, foi confirmada a produção de uma série da turminha para o Globoplay e um spin-off nos cinemas, protagonizado por Chico Bento.

As premiações estão apenas começando e o Persona segue a todo vapor trazendo os bafafás da cultura. Agora que as velinhas do Cineclube de Janeiro foram apagadas, a Curadoria tem um novo mês para se reunir e transformar as experiências audiovisuais e a ansiedade para o Oscar 2022 em um novo mensal de dicas. Aproveitem o espetáculo! 

Texto: Ana Júlia Trevisan

Pesquisa e Pauta: Caio Machado, Gabriel Gatti, Nathália Mendes, Raquel Dutra, Vitor Evangelista e Vitória Lopes Gomez

O post Cineclube Persona – Janeiro de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Que soem os sinos natalinos, pois dezembro bateu à porta e já se retirou. No saudoso mês que finaliza um conturbado 2021, o Cineclube se reúne pela última vez no formato atual para debater cada um dos lançamentos audiovisuais dos tempos de Papai Noel. Entre a seleção frutificada do Persona, você encontra candidatos ao careca dourado, séries de prestígio e uma porção de dicas imperdíveis.

Mas, antes de dar início aos trabalhos, é hora de lamentar a morte de Betty White, uma das damas da TV, a Garota de Ouro que, aos 99 anos, se despediu do mundo, deixando-o menos feliz. A menos de vinte dias de seu centenário, a vencedora de 5 Emmys partiu em trinta e um de dezembro. Conhecida pelo humor sagaz e por papéis em Golden Girls, The Mary Tyler Moore Show e A Proposta, Betty viverá para sempre no céu das estrelas.

Como virou costume, dezembro é sinônimo de enxurrada de lançamentos da Netflix. Lá, pudemos conferir a força de Ataque dos Cães, o retorno de Jane Campion ao Cinema e um dos queridinhos do ano. Com chance de brilhar no Oscar, o filme coloca Benedict Cumberbatch, Kodi Smit-McPhee, Kirsten Dunst e Jesse Plemons em papéis desafiadores e muito distintos do comum da indústria. 

Ainda no Tudum, quem estourou foi Adam McKay e seu recheado Não Olhe para Cima. Com Leonardo DiCaprio e Jennifer Lawrence liderando um elenco grande demais para esse texto de abertura, a comédia satírica caiu na graça da audiência, alavancando números de exibição e escalando o pódio de mais vistos do catálogo vermelhinho.

Na mesma moeda, A Filha Perdida transformou as palavras de Elena Ferrante em um visual pitoresco e nada convidativo, iluminado pela visão da diretora estreante Maggie Gyllenhaal e pela performance raivosa de Olivia Colman. O italiano Paolo Sorrentino também foi prestigiado com A Mão de Deus, um longa de amadurecimento com toques biográficos que já havia ganhado destaque no Festival de Veneza. 

Larissa Manoela virou médica em Lulli, Sandra Bullock e Viola Davis encararam um drama carregado em Imperdoável e o período de festas finalmente sorriu para a comunidade LGBTQIA+ em Um Crush para o Natal. Na casa do vizinho, Nicole Kidman saiu vitoriosa no papel de Lucille Ball, estrelando Apresentando os Ricardos, o grande candidato do Amazon Prime Video para o Oscar. 

Quando o assunto é a temporada de premiações, dezembro esquentou as disputas. O contido (mas insuperável) Mass chegou às plataformas de aluguel, debatendo temas sensíveis e com um quarteto principal digno de todas as honrarias da Arte. É sério, os protagonistas exprimem emoções dificílimas e merecem mais destaque do que vem recebendo: se Reed Birney, Jason Isaacs, Martha Plimpton ou Ann Dowd estiverem lendo este Cineclube, saibam que aqui no Persona o prêmio é de vocês.

Wes Anderson continua sua saga de simetria e paz com A Crônica Francesa, enquanto o Disney+ oferece o absoluto The Rescue, documentário realizado pelos responsáveis por Free Solo. Resident Evil: Bem-vindo a Raccoon City saciou a sede dos fãs da franquia, mas não foi além do básico, e Zoey’s Extraordinary Christmas deu fim a jornada da ruiva.

Dezembro também mostrou ao mundo Belfast, projeto do coração de Kenneth Branagh que é um dos favoritos da temporada. Entretanto, o visual arrojado e o elenco alinhado não são o bastante para justificar o amor prematuro pelo filme. No fim, o diretor emula emoções da infância, mas não as ordena para que o público sequer se interesse pelas reviravoltas. 

Quem conquistou o carinho do espectador foi Homem-Aranha: Sem Volta para Casa. Com a expectativa de finalizar a primeira trilogia de Tom Holland na Marvel, o longa dirigido por Jon Watts brinca com as chances do destino mas acerta na loteria ao jogar todas suas fichas na nostalgia e no apreço pelo ontem. O saldo é positivo, por mais que a dominação do aracnídeo no mercado sinalize mais uma das mazelas de um monopólio como a Disney.

A situação ficou tão pesada que o lançamento do Cabeça de Teia acabou com a distribuição de Amor, Sublime Amor, o remake de West Side Story que Steven Spielberg aguardou muitos anos para finalmente rodar. A clássica história, vencedora de dez Oscars nos anos sessenta, foi repaginada e se justifica. Podem anotar: Ariana DeBose, a nova Anita, tem tudo para seguir os passos de Rita Moreno e colocar uma estatueta de Atriz Coadjuvante em sua estante no fim de março.

Quando o assunto é repeteco, Matrix Resurrections dribla qualquer sinal de desgaste. O retorno da franquia, 18 anos depois do terceiro capítulo, conta apenas com a direção de Lana Wachowski, mas não deve nada às sequências de 2003. Claro que o filme de 1999 continua insuperável, afinal, depois de revolucionar a linguagem do Cinema, as Irmãs mais talentosas da ficção científica não operam milagres. Dessa vez, Neo e Trinity retornam em um ambiente familiar, mas distorcido. Resta a eles despertar e botar para quebrar. 

Na TV, o mês foi menos turbulento. A segunda temporada de Canada’s Drag Race remendou os buracos de 2020 e brilhou, coroando uma das vencedoras mais completas da franquia. O novato Queen of the Universe inovou ao unir drag e Música, dando o prêmio, o prestígio e um cheque de 250 mil dólares para a brasileira Grag Queen. Na Netflix, os Fab 5 se reuniram na sexta temporada de Queer Eye, curando o mundo de todos seus males.

Hailee Steinfeld trabalhou bastante, encerrando a terceira e última temporada da preciosa Dickinson na Apple TV+. Além de trampar como poetisa, a artista viveu Kate Bishop em Gavião Arqueiro, produção do Disney+ que dá continuidade a Fase 4 da Marvel e finalmente injeta personalidade no carrancudo Vingador vivido por Jeremy Renner. Perdidos no Espaço deu adeus, assim como a longeva e lucrativa La Casa de Papel (agora nos resta um spin-off do Berlim e um remake sul-coreano).

The Witcher trouxe de volta o charme de um Henry Cavill de cabelos prateados, A Roda do Tempo não transformou o carisma de Rosamund Pike em uma história cativante e Gossip Girl deu fecho a um ano inicial promissor. No HBO Max, Landscapers colocou Olivia Colman em pele de assassina, Mindy Kaling criou a envolvente The Sex Lives of College Girls, e Succession acabou com qualquer chance de dormirmos tranquilos depois dos capítulos de domingo à noite.

Dezembro de 2021 ainda nos levou para Paris com a Emily, anunciando que a jornada da estadunidense foi renovada para mais dois ciclos. Doa a quem doer, o mês vermelho, verde e cheio de ho ho ho trouxe conteúdo à beça. Agora, pelo olhar apurado da Editoria, o Persona te convida a navegar pelos comentários individuais do Cineclube pela última vez. 

Cinema

Apresentando os Ricardos (Being the Ricardos, Aaron Sorkin)

Pouco tempo depois de estremecer a Netflix com Os 7 de Chicago, Aaron Sorkin migra para o streaming vizinho com o intuito de dramatizar a rotina dos bastidores de uma grande sitcom do século vinte. Em Apresentando os Ricardos, acompanhamos uma semana da vida de Lucille Ball (Nicole Kidman) e Desi Arnaz (Javier Bardem), as mentes por trás de I Love Lucy.

Com pouca inspiração e uma predileção pelo alegórico em detrimento do mundano, o roteiro de Aaron Sorkin se camufla em uma obra insossa e com pouco a acrescentar. Sem conseguir se decidir entre ser uma trama política, uma história de amor e perda ou um olhar minucioso da indústria do entretenimento, Being the Ricardos chega na metade de cada um de seus objetivos.

Porém, quando o assunto é a recepção da indústria, o original da Amazon parece ter se dado bem. Kidman saiu vitoriosa no Globo de Ouro, enquanto tanto ela quanto Bardem apareceram na lista dos Melhores Atores do SAG Awards. No contexto em que a aparente favorita Kristen Stewart (Spencer) foi passada por cima nas nomeações do Sindicato dos Atores, 2022 pode ser o ano de Kidman colocar mais um Oscar em sua estante. – Vitor Evangelista

Matrix Resurrections (The Matrix Resurrections, Lana Wachowski)

Após quase 20 anos de espera, Matrix lança o quarto filme dessa produção de alcance estratosférico. Durante o regresso para o mundo apocalíptico da saga, Neo (Keanu Reeves) e Trinity (Carrie-Anne Moss) são postos de volta à aventura em um ponto mais fundo na toca do coelho. Essa continuação da saga apresenta aos telespectadores uma realidade já familiar e, a partir daí, a trama tenta se desenrolar explorando elementos subjetivos a respeito do que é realidade ou não. 

A retomada da saga das irmãs Lana e Lilly Wachowski, dessa vez dirigida apenas pela primeira, marca o retorno de diversos atores que ficaram consagrados após o longa de 1999, como Reevese e Moss, porém deixa a desejar com a ausência de Laurence Fishburne, que passou o papel de Morpheus para Yahya Abdul-Mateen II. Além disso, a trama na continuação ainda mantém viva as referências adotadas pelas irmãs na construção do mundo de Matrix, como a influência do mangá e anime Ghost in the Shell e dos livros Neuromancer, de William Gibson, e Simulacros e Simulações, do filósofo Jean Baudrillard, que ainda apareceu como easter egg ao longo do primeiro filme. – Gabriel Gatti

Resident Evil: Bem-vindo a Raccoon City (Resident Evil: Welcome to Raccoon City, Johannes Roberts)

Após o capítulo final dos filmes de Paul W. S. Anderson estrelados por Milla Jovovich, a famosa franquia de terror volta às suas raízes com Resident Evil: Bem-vindo a Raccoon City, escrito e dirigido por Johannes Roberts (Medo Profundo). Dessa vez buscando ser fiel aos clássicos que marcaram época, o novo longa mescla as tramas dos primeiros dois jogos da série, Resident Evil (1996) e Resident Evil 2 (1998), introduzindo vários dos personagens icônicos que fizeram parte de sua gênese e apostando no clima de terror ao invés da ação desenfreada e farofeira de adaptações anteriores.

Visualmente, a produção da Sony Pictures se inspira diretamente no aclamado remake de Resident Evil 2 lançado em 2019, desde seus cenários até sua iluminação sombria e trancando suas personagens dentro da misteriosa Mansão Spencer e a delegacia de polícia de Raccoon. A narrativa trabalha até que bem com a junção das tramas e as reinterpretações de suas personagens: o Leon Kennedy de Avan Jogia é bastante diferente do protagonista hiper competente de Resident Evil 4 (2005), e abraça com força o papel de policial novato e inexperiente tendo que lidar com mortos-vivos mutantes.

Contudo, o apego ao passado faz com que Bem-vindo a Raccoon City às vezes pareça um museu da franquia ao invés de uma adaptação. Vemos Leon no icônico uniforme de polícia e Claire (Kaya Scodelario) em sua jaqueta vermelha, mas a trama não explora ou expande a icônica parceria entre os dois, que dependem unicamente da química entre seus atores para que a audiência se importe com eles. O mesmo vale para o Chris de Robbie Amell e a Jill de Hannah John-Kamen. Ao final das contas, o longa de Roberts é um tímido passo para a frente e uma divertida aventura de terror, apesar de seus relacionamentos rasos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Belfast (Idem, Kenneth Branagh)

Filmes feitos a partir das experiências de vida dos próprios cineastas podem dar origem a experiências cinematográficas maravilhosas, o que não é o caso de Belfast. Na trama, inspirada pelas memórias da infância de Kenneth Branagh, acompanhamos um menino de 9 anos, Buddy (Jude Hill), e sua família enquanto presenciam os eventos tumultuosos que agitaram a capital da Irlanda do Norte no final da década de 1960. 

Vencedor do Festival de Toronto, Belfast é um filme apressado, com coisas demais acontecendo ao mesmo tempo para uma obra tão curta. Não sobra tempo para desenvolver os dramas que estabelece, relegando-os à superficialidade. A câmera caótica de Branagh parece perdida em relação ao estilo que quer adotar e gera alguns planos que parecem aleatórios, sem uma razão para estarem ali. A melhor qualidade do filme está nas atuações: os pais de Buddy, interpretados por Caitriona Balfe e Jamie Dornan, tem uma presença tão magnética em cena que é impossível tirar os olhos deles e as conversas entre os avós de Buddy (vividos por Ciarán Hinds e Judi Dench) carregam uma ironia e leveza deliciosas de acompanhar. As tocantes cenas no cinema emocionam ao mostrarem o quanto os filmes podem ser mágicos para uma criança que tem a imaginação como melhor amiga. – Caio Machado

Ataque dos Cães (The Power of the Dog, Jane Campion)

Nem toda a água doce e cristalina do mundo seria capaz de inundar o faroeste dramático e minucioso de Jane Campion. A diretora criou uma atmosfera tão áspera em seu premiado Ataque dos Cães que dá para sentir a secura na boca. O aspecto de algo seco e ríspido não está só na areia varrida pelo vento, ou no sol que arde no céu desvanecido, mas num corte de câmera de uma mosca pousada no dorso de um cavalo de pelos duros. Tudo é pressuposto para ter um encaixe perfeito, por isso as falas de seu roteiro, adaptado do livro de Thomas Savage, são tão curtas, inclusive aquelas que deixam transparecer as questões profundas que esbarram na sexualidade de seus personagens.

A genialidade de Campion foi enxergar que quando o mundo é convergente, o diferente grita em desespero. Dessa forma, os detalhes de seu filme estão alinhados em perfeição com a sociedade machista que odeia mulheres, e sugere atenção ao simples movimento que descarrilhe o trem da masculinidade. O filme se passa em 1925 e conta a história de Phil (Benedict Cumberbatch) lidando com a “perda” do irmão George (Jesse Plemons) para uma mulher – a nova cunhada Rose (Kirsten Dunst) – e seu enteado Peter (Kodi Smit-McPhee) com seu comportamento que destoa do que é “ser homem”. E é com o mesmo olhar sagaz da diretora que o caubói sabe esconder sua sexualidade: revestido de uma raiva violenta por qualquer coisa que se aproxime do feminino. Um século depois ainda é preciso olhos e ouvidos atentos para enxergar que Phil não é um escroto: Phil odeia mulheres. – Nathália Mendes

The Rescue (Idem, Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi)

Em julho de 2018, o mundo todo acompanhava as tentativas de resgate de um grupo de 12 meninos que ficaram presos numa caverna submersa da Tailândia. Entre as coberturas jornalísticas, diários das pessoas envolvidas na delicada operação de resgate e depoimentos de familiares das crianças, era difícil entender exatamente o que aconteceu naquela zona da província de Chiang Rai para que o grupo fosse resgatado com vida de uma situação tão hostil. Hoje já não é mais assim, graças aos serviços prestados pelo documentário The Rescue, produção do National Geographic que foi a escolha do público para o prêmio do gênero no Festival de Toronto 2021.

Mas qualquer pessoa que se interessar pelos detalhes da operação de resgate trazidos pelo filme precisa saber que ele não entrega o que promete logo de início. Assim como o objeto com o qual trabalha, os caminhos de The Rescue são inconstantes, mesmo valendo-se de uma formulação tradicional do gênero documental. Usando como fio narrativo a contagem dos dias da operação, a direção de Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi demora a encontrar uma forma de combinar os fatos da história de forma acessível para quem o assiste numa perspectiva distante da local. 

O grande acerto do filme é se concentrar nos operadores de resgate, que se revestiram de coragem e solidariedade para se envolver no arriscado salvamento dos meninos, e agora podem detalhar cada aspecto da operação. No entanto, é deste ponto também que surge o maior incômodo do filme: o discurso dos salvadores estadunidenses e ingleses numa terra asiática, que acaba também por ignorar a presença dos tailandeses ali. Obviamente que, no tema de The Rescue, a vida é o elemento mais inegociável e prioridade antes de qualquer outro discurso. Mas o casal vencedor do Oscar de Melhor Documentário em 2019 sabe como agradar sua Academia natal – e tem tudo para fazê-lo novamente em 2022. – Raquel Dutra

A Filha Perdida (The Lost Daughter, Maggie Gyllenhaal)

Disponibilizado na Netflix no último dia do pavoroso 2021, A Filha Perdida é a adaptação do homônimo livro de Elena Ferrante. A escritora italiana vive sob pseudônimo, mas é dona das obras mais populares da atualidade. A mais nova produção é dirigida por Maggie Gyllenhaal e coloca a inebriante Olivia Colman no radar da Academia de Cinema. À primeira vista a história parece simples: acompanhar a viagem de férias de uma professora universitária de 48 anos, Leda.

Já adianto que a experiência de assistir o filme fica mais esclarecedora após a leitura da obra original. Não que as camadas das personagens não sejam bem trabalhadas durante a produção, mas a imersão provocada pela leitura treina o olhar do espectador para os sentimentos nem sempre verbalizados pelas atrizes. É na praia que a protagonista conhece Nina (Dakota Johnson) e sua filha Elena. Aqui, o ponto mais forte da construção narrativa é a observação.

Todo o assunto maternidade que vai de flashbacks bravamente atuados por Jessie Buckley até as situações na qual os personagens são inseridos. Diferente do livro, nada fica subentendido pelo fluxo de pensamento de Leda. Quem está assistindo precisa de uma certa sagacidade para entender as entrelinhas. Nada disso tira o mérito de Colman, que entrega sua adaptação completa num dos filmes mais assistidos na Netflix e vem pelo título na corrida do Oscar. – Ana Júlia Trevisan

Amor, Sublime Amor (West Side Story, Steven Spielberg)

Em 1957, o lado oeste de Nova York era marcado pela rivalidade feroz entre os Jets, de origem anglo-saxonica, e os Sharks, de origem porto-riquenha. No meio dos duelos dos clãs, apresentados artisticamente por meio de coreografias musicais, surge uma paixão entre Maria (Rachel Zegler) e Tony (Ansel Elgort), sendo que cada um fazia parte de um grupo distinto, o que acirra ainda mais a disputa entre os guetos. Essa trama se desenvolve ao longo do remake de Amor, Sublime Amor, inspirado no clássico homônimo de 1961.

A narrativa se destaca por apresentar uma trama similar ao clássico Romeu e Julieta, de William Shakespeare, porém modernizado e contextualizado para uma realidade bem diferente da criada pelo dramaturgo inglês. Além disso, o remake, dirigido por Steven Spielberg, foi bem recebido, chegando a levar os  prêmios de Melhor Filme, Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante (para Ariana DeBose) nas categorias de Comédia ou Musical na 79ª edição do Globo de Ouro. – Gabriel Gatti

Lulli (César Rodrigues)

Depois de terminar o namoro, a estudante de Medicina Lulli (Larissa Manoela) leva um choque e, de uma hora para a outra, consegue ouvir o pensamento das pessoas, basta tocá-las. Navegando entre os amores da juventude, a responsabilidade da faculdade e os recém-adquiridos poderes sobrenaturais, resta à garota balancear cada um dos cantos de sua vida.

Cheio de bom humor e leveza, o novo produto nacional da Netflix surpreende pela simplicidade. Além de Manoela, que está prestes a debutar na Rede Globo, o elenco de apoio brilha sob os olhos atentos do diretor César Rodrigues. Vale o destaque para a representação queer de Sergio Malheiros, um atleta refém das expectativas da sociedade, mas que encontra leveza na aceitação de seus amigos. – Vitor Evangelista

A Mão de Deus (È stata la mano di Dio, Paolo Sorrentino)

Dentre os lançamentos de dezembro da Netflix, estava a escolha da Itália ao Oscar 2022. A Mão de Deus, novo filme de Paolo Sorrentino, saiu premiadíssimo e ovacionado do Festival de Veneza 2021 e já foi definido como o candidato italiano para a estatueta de Melhor Filme Internacional na premiação da Academia. Por enquanto, o filme se mantém na corrida, figurando nas listas prévias dos indicados divulgadas no final do ano. Entretanto, pode ser que o mesmo apreço pelo filme não seja encontrado no público que for conferir as novidades do streaming e/ou nos apreciadores da filmografia do diretor. 

É que a manifestação da história de mais de 2h de A Mão de Deus é complexa, embora parta de uma atraente simplicidade. Estamos na cidade de Nápoles, na década de 80, dentro do núcleo familiar de Fabietto Schisa (um maravilhoso Filippo Scotti). Vivendo o final de sua adolescência e procurando seu lugar no mundo, o centro do filme tem como única certeza sua paixão por futebol e o desejo de ser cineasta, quando uma tragédia o faz repensar seus caminhos – e aprofunda sua adoração pelo “melhor futebolista da história”.

Na trama repleta de traços autobiográficos, Sorrentino cria cada cena com uma profunda paixão, que infelizmente, não floresce plenamente no espectador. O problema não está na ambientação, já que o trabalho de caracterização do lugar e do tempo da narrativa são perfeitamente acolhedores. Também não é no elenco, que conta com a experiência de Toni Servillo, a graciosidade de Teresa Saponangelo e a inteligência de Luisa Ranieri para transformar os momentos familiares nas melhores cenas do filme. A Mão de Deus parece ter dificuldade em coordenar tantos elementos, personagens e eventos em um roteiro que procura acima de tudo a espontaneidade. – Raquel Dutra

Um Crush para o Natal (Single All the Way, Michael Mayer)

Um Chush para o Natal conta a história de dois melhores amigos, Peter (Philemon Chambers) e Nick (Michael Urie) que passam o natal juntos na família do primeiro, com a tentativa de fingir que são um casal. O plano não dá certo, mas os familiares de Peter se encantam com Nick e percebem que o que existe entre eles pode se tornar muito mais do que amizade. 

Com perseguições em aeroportos, neve, festas temáticas decoradas, o filme é lotado de clichês românticos e natalinos, mas usados de uma forma que não cansa, mas encanta. Além disso, é pioneiro no gênero filme de romance LGBTQIA+ natalino, junto de Happiest Season (2020), trazendo a perspectiva alegre e otimista das festas de fim de ano para uma temática que muitas vezes é abordada com muita tristeza e tragédias. – Marcela Zogheib

A Última Noite (Silent Night, Camille Griffin)

Nesta comédia natalina recheada de grandes nomes e um senso de humor sombrio, Nell (Keira Knightley) e seu marido Simon (Matthew Goode) reúnem seus amigos mais próximos para as festividades, mas com um único porém: todos estão prestes a morrer. Dirigida e escrita por Camille Griffin, a sátira social de A Última Noite é apresentada com mais nuance do que o contemporâneo Não Olhe para Cima, de Adam McKay, além de oferecer bem mais risadas em sua humilde uma hora e meia de duração.

Grande parte dessa sátira é sustentada por seu grande elenco, que complementa a dinâmica problemática entre o grupo de amigos, marcada por revelações chocantes, danças descontraídas e um profundo sentimento de que essas pessoas simplesmente não gostam tanto assim umas das outras: uma festa de Natal comum. Apesar de seu roteiro às vezes falhar no balanço sutil entre tragédia e farsa, suas intenções e as boas atuações marcadamente impedem que a experiência se torne enfadonha, entregando um filme compacto e mordaz. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Zoey’s Extraordinary Christmas (Idem, Richard Shepard) 

Depois do cancelamento prematuro de Zoey e sua Fantástica Playlist devido à baixa audiência, a série retornou com um filme natalino lançado pelo The Roku Channel. Na trama de Zoey’s Extraordinary Christmas, em suas primeiras férias depois do falecimento do pai, a protagonista quer celebrar o Natal do mesmo jeito mágico que o homem comemorava, mas diversos imprevistos acontecem enquanto Zoey tenta recriar as memórias afetuosas do passado da família.

O clima natalino, com a neve, Papai Noel e presentes, combinou perfeitamente com o mundo de Zoey. O filme celebra essa data de uma forma calorosa, repleta de emoção e números musicais fantásticos. Rever cada um dos personagens traz uma sensação de acolhimento muito bem-vinda e o final que o filme oferece às tramas de todos é bem satisfatório, ao mesmo tempo em que deixa aberta a possibilidade de uma terceira temporada. É um daqueles filmes que te deixa com um sorriso no rosto quando sobem os créditos finais. – Caio Machado 

Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home, Jon Watts)

Fanservice. Dói assumir que Homem-Aranha: Sem Volta para Casa é do começo ao fim um presentinho para os fãs do super-herói? Nem um pouco. Não é atoa que a bilheteria do longa segue batendo recordes: já é a 8ª maior do mundo com 1 bilhão e meio de dólares no total – e o longa ainda está no cinemas. O filme é uma sequência de cenas enérgicas, nostálgicas e emocionantes, entretenimento puro do começo ao fim com direito a memes. Mas a verdade é que parece um sonho de criança assistir Tobey Maguire, Andrew Garfield e Tom Holland com seus uniformes, cara a cara contracenando nos grandes momentos de ação contra todos os vilões que compõem os 20 anos de história do Homem-Aranha no cinema.

Sem o saudosismo, o filme de Jon Watts se baseia em um falho arco emocional com o Peter Parker de Tom Holland tentando tirar leite de pedra – e conseguindo! Para se conectar com as versões de si próprio em outras dimensões ele precisou se perder, por isso o enredo apelou para a morte da Tia May (Marisa Tomei) sem que o público houvesse se conectado o suficiente com ela para se comover. Ainda assim, a proposta estava bem amarrada, já que ela influencia o sobrinho a ajudar o próximo – mesmo que seja o fabuloso e alucinado Duende Verde de Willem Dafoe – o que mostrou quem havia plantado a sementinha do espírito Amigo da Vizinhança no Peter dessa dimensão.

Em meio a tantos momentos referenciais e de tirar o fôlego, há no filme uma forma espantosa em saber reviver para continuar. A verdadeira perda e lição veio pela escolha do Peter de Tom em terminar sozinho num mundo que ninguém o conheça ou o ame, e isso é indispensável para a formação e continuidade da história. Mesmo que a dramatização do contexto tenha deixado a desejar, os problemas foram sufocados por cenas inesquecíveis com doses marvelísticas de comédia. Num belo equilíbrio em segurar tantas expectativas e pontas vindas de filmes diversos, Sem Volta para Casa é o melhor filme de 2021 e um marco na trajetória das histórias em quadrinhos dentro do Cinema. – Nathália Mendes

Não Olhe para Cima (Don’t Look Up, Adam McKay)

Depois de dirigir Vice, um dos filmes com o maior número de indicações ao Oscar em 2019, Adam McKay retorna com a sátira Não Olhe para Cima. Na trama que parece próxima da realidade até demais, os astrônomos Randall (Leonardo DiCaprio) e Kate (Jennifer Lawrence) descobrem um meteorito que destruirá o planeta Terra em poucos meses. A partir dessa descoberta assustadora, os dois tentam utilizar a mídia para alertar a humanidade sobre o perigo que se aproxima. 

Engana-se quem diz que Não Olhe Para Cima é um filme sutil. Muito pelo contrário: todas as críticas que faz, indo desde o nepotismo na Casa Branca ao estado atual da mídia norte-americana, são feitas da forma mais óbvia possível, para não deixar nenhuma dúvida ao espectador. A direção ansiosa de McKay se aproveita dessa obviedade para gerar situações absurdas e cômicas, sem ignorar todo o drama que há no fim do mundo. É um filme que se estende demais em alguns momentos, mas funciona como um bom comentário sobre a mídia contemporânea, incapaz de tratar com a devida seriedade os assuntos que são mais do que puro entretenimento. – Caio Machado 

Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal (Shaun the Sheep: The Flight Before Christmas, Steve Cox)

O Natal é uma época especial no ano, que fica ainda melhor com o especial Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal. O curta-metragem narra a história das preparações para o evento de fim de ano, até que, por engano, o Fazendeiro (John Sparkes) entrega para uma criança uma caixa de presente em que Timmy (Justin Fletcher), a ovelha bebê, está dentro. O engano toma proporções gigantescas, uma vez que Shaun (Justin Fletcher) e seus amigos entram nessa aventura para resgatar o jovem carneiro.

O curta spin-off da série Shaun, o Carneiro, apresenta aos telespectadores uma narrativa eletrizante movida unicamente por sons de ovelha. Essa ausência de falas faz com que a estética da narrativa, desenvolvida em stop motion, se torne muito mais chamativa. Produzido pela premiada Aardman Animations, o filme se desenvolve bem dentro do curto limite de tempo e ainda mata a saudades dos personagens já conhecidos. Com toda a nostalgia presente na série original, a narrativa eletrizante e a estética impecável, Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal é um presente de Natal. – Gabriel Gatti

Imperdoável (The Unforgivable, Nora Fingscheidt)

Imperdoável conta a história de Ruth Slater (Sandra Bullock), uma ex-presidiária que, após 20 anos de cadeia, é solta e precisa lidar com um mundo que ela não conhece e as consequências de seus crimes. Após sua soltura, ela busca encontrar a irmã (Aisling Franciosi), que não vê desde que foi presa e embarca em uma viagem pelo seu passado e traumas causados pelo ocorrido.

O longa tenta mostrar muitas faces da vida da personagem, mas falha ao não aprofundar em nenhum dos temas que traz. Vemos Ruth buscando emprego, encontrando oportunidades, indo atrás de respostas, procurando sua irmã, tudo ao mesmo tempo sem que nada realmente se desenvolva. Além disso, em alguns momentos, o filme busca trazer uma espécie de alívio cômico totalmente descabido com o tom do restante das cenas. Enfim, com um enredo que promete, mas não entrega e uma atuação mediana de Bullock, a execução da história é sim imperdoável. – Marcela Zogheib

A Crônica Francesa (The French Dispatch, Wes Anderson)

Moonrise Kingdom, O Grande Hotel Budapeste e agora A Crônica Francesa, esses são três filmes básicos para conhecer toda a excentricidade do cineasta Wes Anderson. O último é o mais recente trabalho do diretor e conta com um elenco de milhões. Bill Murray, Timothée Chalamet, Frances McDormand, Tilda Swinton, Benicio del Toro, Jeffrey Wright, essa não é nem metade da lista dos rostos que vemos no elenco. Basta conhecer pelo menos parte dele para calcular o tamanho do trabalho que seria lidar com tantos figurões, logo, fica claro que não há como ter expectativas altas em relação a atuação ou tempo de tela.

A magnitude de A Crônica Francesa está em sua produção artística que oferece um banquete. As quase duas horas de filme são de pura obra prima visual. Outro ponto que alinha a assinatura de Wes Anderson é seu mergulho pela nostalgia. O filme soa quase como uma ode ao antigo formato do Jornalismo. The French Dispatch é simplesmente cativante por conta de seu deslumbre visual. – Ana Júlia Trevisan

Mass (Idem, Fran Kranz)

Segundo levantamento do The Washington Post, o número de tiroteios registrados em escolas nos Estados Unidos em 2021 é o maior em 22 anos. Desde o Massacre de Columbine, que resultou na morte de 12 alunos e 1 professor em abril de 1999, a incidência de tragédias e os problemas sociais oriundos do american way of life é objeto de estudo das mais diversas áreas. Inclusive, no Cinema, em obras reconhecidas pela sua capacidade de estudar o comportamento de quem realiza os disparos da destruição (como o premiado por Cannes Elefante, de 2003), e em filmes documentais que procuram entender as raízes de tamanha violência (como o vencedor do Oscar Tiros em Columbine, de 2002). A esse grupo, Mass se junta para inaugurar um novo formato narrativo, capaz de compreender a fundo o que significa ser atingido por tamanha e violência e tentar continuar a vida assim. 

O pretexto do drama é simples, e quanto menos você souber sobre ele, melhor será. Dois casais de pais (visceralmente interpretados por Jason Isaacs e Martha Plimpton de um lado, e Reed Birney e Ann Dowd de outro) se encontram regularmente, como parte de uma iniciativa para familiares que tiveram seus filhos envolvidos em tiroteios escolares. O roteiro de Fran Kranz testemunha uma das reuniões, que acontece no meio do processo realizado com aquelas duas famílias. Em longos planos carregados de densidade emocional, entendemos a tragédia pelo que restou dela. Isto é, algumas memórias, muita revolta, uma parte de culpa e muita dor.

A força do filme está na combinação do roteiro forte com o elenco afiado e a direção, completamente sintonizada com a força da representação que acontece na frente das câmeras. De tamanha naturalidade, Mass não parece exprimir o esforço que foi necessário para que fosse concretizado, e o resultado do filme é um dos melhores trabalhos conjuntos do ano. Conforme apontado pelos números, é cada vez mais urgente refletir sobre os problemas sociais causados pela vida nos Estados Unidos do século 21. E o filme de Fran Kranz certamente nos ajudará nisso. – Raquel Dutra

TV

Canada’s Drag Race (2ª temporada, Crave)

Corrigindo os erros crassos de seu ano inaugural, a segunda temporada de Canada’s Drag Race estourou a boca do balão, garantindo sucesso entre as inúmeras investidas mundiais da franquia em 2021. Com um painel quase inédito de jurados (apenas Brooke Lynn Hytes manteve o emprego), os novos capítulos escalaram drags competentes e distintas entre si, dando oportunidade de explorar cantos empolgantes da arte canadense. Vale destacar um elenco enorme de estrelas, mas o derradeiro top 3 da temporada, com Kendall Gender, Pythia e Icesis Couture, merece um bocado mais de atenção. 

Gender se apossou de um gás tardio na Corrida, esbanjando carisma e uma beleza monumental. Pythia surpreendeu por apresentar um senso de moda tão aguçado quanto seu humor e por pouco não ficou com a Coroa. O título de segunda Super Estrela Drag Canadense repousou no colo de Icesis Couture, uma das competidoras mais vorazes da franquia e dona de momentos imbatíveis do ano 2, de seu visual na passarela de estreia, passando pelo Makeover e pela Dublagem na semifinal. Vida longa à Rainha do Gelo! – Vitor Evangelista

Gossip Girl (Parte 2 da 1ª temporada, HBO Max)

A segunda parte da primeira temporada do novo Gossip Girl finalmente chegou ao fim em dezembro para o alívio dos fãs. A série continua acompanhando as tramas deixadas em aberto em sua primeira parte, com os dramas familiares de Julien (Jordan Alexander) e Zoya (Whitney Peak), abordando as consequências das ações do pai da primeira. A relação entre Audrey (Emily Alyn Lind), Max (Thomas Doherty) e Akeno (Evan Mock). E os conflitos internos da professora Kate (Tavi Gevinson), que mais uma vez perde o controle do que fazer com a Gossip Girl e acaba revelando mais do que deveria para os seguidores.

Os conflitos se intensificam e novos personagens são apresentados, mas a série começa a se tornar um pouco repetitiva em suas questões abordadas, especialmente quando se trata do triângulo Julien, Zoya e Obie (Eli Brown). Mas o show se mantém interessante e continua trazendo novas faces de seus protagonistas. Dando destaque para algo que já era marcante na versão original, o uso de músicas se encaixam muito bem com o enredo, trazendo canções de artistas em alto para compor a ambientação dos adolescentes descolados do Upper East Side. Outra surpresa deliciosa foi ver rostinhos familiares de personagens icônicos da família Waldorf. E, no fim, a série mantém os fãs ansiosos pelos próximos passos dos estudantes nas temporadas que estão por vir. – Marcela Zogheib

Perdidos no Espaço (Lost in Space, 3ª temporada, Netflix)

Confiar, Will Robinson. Essa foi a última frase que nosso amado Robô disse para seu amigo humano enquanto transferia a si próprio para dentro de Will. A beleza do seu desfecho está, justamente, no pequeno aprofundamento da espécie alienígena – com um enredo muito mais peculiar sobre confiança do que a visão simplista de vilões. E, por muito pouco, Perdidos no Espaço conseguiu concluir sua história na Netflix de forma meia boca: parando antes de que se desgastasse, e cedo demais para que os robôs da galáxia ganhassem o palco que mereciam.

Will é agora um adolescente na 3ª temporada da série, que pulou um ano temporal decorrido desde os últimos episódios para justificar um Maxwell Jenkins mais alto e diferente. Ele e Robô são as grandes estrelas no quesito desenvolvimento do personagem – e morreram na praia, sozinhos, com o potencial desperdiçado no enredo preocupado em mostrar ação demais, ou humanos demais, já que a jornada da perdida família Robinson em encontrar a colônia Alfa Centauri, e a si próprios, sempre derrapou em superficialidade.

Porém, a sensibilidade de seus alienígenas foi jogada na lama ao desperdiçar o arco fantástico do robô SRA: o vilão que os comandava revela uma busca insaciável pela controvérsia liberdade, ou pelo medo de que qualquer um deles voltasse a ser programado por um mestre. Por isso, foi difícil engolir a chocha e simulada confiança dos humanos tanto em Espantalho – o robô que havia sido preso e destroçado para levar os humanos até a colônia – e com o resto da espécie em seu último episódio. Mas, Perdidos no Espaço conseguiu encerrar de forma satisfatória, ainda que pautado no umbigo da humanidade e pelo ápice da exploração espacial – mesmo não chegando aos pés da cinematografia de Fundação. – Nathália Mendes

The Witcher (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada da adaptação dos livros de Andrzej Sapkowski na Netflix voltou em dezembro com fôlego renovado, após o anime Lenda do Lobo ter satisfeito parte da sede que os fãs sentiam de se afundar nas tramas políticas do Continente. Ainda estrelada por Henry Cavill no papel do bruxo Geralt de Rívia, o novo capítulo da narrativa (que adapta o terceiro livro da série, O Sangue dos Elfos) começa com ele tendo que aprender a cuidar da órfã Ciri (Freya Allan), uma princesa exilada de grandes habilidades e destinada a trilhar um caminho perigoso.

Diferente da primeira temporada, essa segue linearmente os passos de Geralt junto com Ciri, ao invés da estrutura atemporal de sua antecessora, que procurava traduzir os livros de contos que deram início ao fenômeno literário polonês. Isso se reflete na melhora do pacing entre os episódios e um ritmo em geral mais compreensível e acessível, movimentando entre suas tramas de maneira sagaz e impedindo que o foco saia do desenvolvimento da relação paternal entre seus protagonistas. Durante seus novos capítulos, somos também apresentados a algumas das mais importantes figuras desse universo em expansão, tais como o espião Dijkstra (Graham McTavish) e a sinistra Perseguição Selvagem, além de um novo teaser para a série prequel estrelada por Michelle Yeoh, The Witcher: A Origem.

No entanto, nem tudo muda para melhor. O foco em sua trama infelizmente acaba por sacrificar caracterizações importantes de suas personagens e reduzindo o impacto emocional que elas têm umas sobre as outras. Diferente da relação maternal que o romance de Sapkowski descreve, Yennefer (Anya Chalotra) e Ciri não tem quase nenhum espaço para se conhecerem fora da trama imediata que às move para frente, dividindo momentos que não vendem a conexão expressada ao final da temporada. The Witcher triunfa em sua fantasia medieval sangrenta, mas peca ao focar mais em seu futuro do que no presente. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Succession (3ª temporada, HBO)

Dois anos depois de Kendall (Jeremy Strong) se virar contra Logan (Brian Cox) e consumar seu papel de Judas Iscariotes, Succession retorna carregada. A trama, obviamente, tem seu pontapé no banho de sangue da coletiva de imprensa e, a partir daí, somos espectadores de uma batalha de tortura psicológica, muitas ameaças vazias e uma porrada de tensão familiar. Como de costume, a série de Jesse Armstrong é mestre na criação de causa e consequência, não poupando ninguém do espetáculo de terror social. Afinal, se os ricos não tem escrúpulos, imagina os bilionários.

Enquanto Kendall se isola, ruindo seu mundo e suas verdades, Shiv (Sarah Snook) permanece batalhando pelo posto de sucessora (ou apenas de filha amada pelo pai), e Roman (Kieran Culkin) vai variando entre pirocudo e pobre coitado. A consumação de seu arco de oscilações acontece no momento mais emblemático da terceira temporada: depois de fechar um acordo de prestígio, o caçula se confunde e, ao invés de mandar uma foto da berinjela para sua amante às avessas Gerri, o arquivo chega no celular do Poderoso Chefão Logan. 

Ademais, a tempestade de merda atinge Connor (Alan Ruck), personagem escanteado pela família e que busca migalhas para se contentar com o prestígio de ser um Roy. Tom (Matthew Macfadyen) parece ser o candidato à salvação, e o primo Greg (Nicholas Braun) vai comendo pelas beiradas. Se não tomarmos cuidado, logo ele estará sentado à ponta, devorando o peru de Natal. O texto de Armstrong dá todas as batidas para que o time de diretores sacie sua fome de grandeza (esse ano, além de Mark Mylod, somam os trabalhos de Lorene Scafaria e Cathy Yan). Passada a carnificina, é hora de esperar o Emmy 2022. – Vitor Evangelista

Dickinson (3ª temporada, Apple TV+)

“Não matem os poetas. Eles precisam estar vivos para contar a história”. A realidade já deu spoiler do final de Emily Dickinson. Mesmo assim, a terceira e última temporada da série inspirada na vida da poetisa teve a difícil e delicada tarefa de concluir sua história à altura de sua musa – e de seus dois anos anteriores. Nessa leva de 10 episódios, Dickinson continua (e se destaca mais ainda) com sua inovadora proposta: ao mesmo tempo que se mantém fiel aos eventos reais, toma a liberdade de retratar os dilemas e desafios da época de uma forma contemporânea e atual. 

Em um dos capítulos mais divertidos da temporada, inclusive, a série da Apple TV+ se supera em conciliar passado e presente. O sétimo episódio, mostra Emily e sua irmã Lavínia (Anna Baryshnikov) avançando no tempo e descobrindo a influência que a escritora teve na Literatura norte-americana. Isso tudo durante a Guerra Civil Americana, o importante pano de fundo do novo ano. Enquanto a segunda temporada dividiu a protagonista entre publicar ou não seus poemas, a terceira a retrata em seu momento mais criativo e produtivo, em que o luto e as divisões internas provocadas pelo combate a fazem refletir sobre a importância de suas obras. Legado esse que inclui sua família: a cisão das tropas estadunidenses é acompanhada de conflitos entre os Dickinson e é Emily quem se vê na posição de conciliá-los. 

Seja discutindo com seu pai e irmão ou se preocupando com seu legado, a intérprete da protagonista continua brilhando. Hailee Steinfeld incorpora a poeta e, mesmo mais introspectiva, transparece sua evolução pessoal, amadurecimento e resiliência. Outros personagens também têm a chance de se sobressairem, como Henry (Chinaza Uche), que se destaca em sua trama de lutar ao lado de outros soldados negros, e Sue (Ella Hunt), lidando com a maternidade e com sua nova formação familiar. Como a produção sabe bem fazer, os acontecimentos históricos se entrelaçam aos personagens e agregam em seu desenvolvimento – isso principalmente com a grande estrela da série. A complexa e intensa Emily Dickinson ganha um retrato respeitoso e devidamente profundo ao longo dos três breves anos de exibição e a conclusão de história cresce à altura: Dickinson se encerra poética, delicada, profunda e sensível como começou. – Vitória Lopes Gomez

Queer Eye (6ª temporada, Netflix)

É impossível se cansar de Queer Eye. Por mais que uma nova temporada signifique uma dose de conforto conhecida, a série não deixa de emocionar, nem de trazer situações e pessoas mais diversas a cada episódio. No seu 6º volume, os 5 Fabulosos vão para Austin, no conservador estado do Texas – e que alívio poder assisti-los distribuírem amor próprio ao mesmo tempo que Karamo faz twerk e Jonathan usa um vestido inteiro de paetês brilhantes, tudo dentro de uma região mais amigável com o preconceito do que com a liberdade, e assolado pela pandemia.

Essa foi, de fato, a temporada mais comovente até agora, pois as gravações foram interrompidas em março de 2020 durante o primeiro episódio. Foi necessário esperar um ano para ver Terri novamente, o furacão sulista que perdeu um pai amável, extremamente texano, e quem havia abraçado os 5 gays que entraram em sua porta. Além das lições de cuidado e empatia de sempre, o Fab5 precisou lidar com o desgaste emocional de uma pandemia, e justamente por isso, as histórias estão mais conectadas conosco do que nunca. Prepare os lencinhos, pois você precisa assistir mais uma coleção de decoração do Bobby para aceitar o cenário difícil do mundo lá fora. – Nathália Mendes

Gavião Arqueiro (Hawkeye, 1ª temporada, Disney+) 

Depois de uma enxurrada de séries da Marvel no Disney+ ao longo de 2021, Gavião Arqueiro chegou sem grandes pretensões, no final de novembro. Afinal, o que teria de interessante numa série de um personagem que atira flechas e quase sempre foi deixado de lado ao longo do universo cinematográfico da Marvel? A resposta está nela: Hailee Steinfeld. 

Na trama, o ex-Vingador Clint Barton (Jeremy Renner) tem uma missão: voltar para casa para celebrar o Natal com a família. Barton precisa adiar sua ida depois que conhece Kate Bishop, uma arqueira de 22 anos que sonha em se tornar uma super-heroína, e ambos são forçados a trabalhar juntos quando alguém do passado de Clint ameaça bagunçar mais do que o espírito natalino. 

Gavião Arqueiro brilha ao não precisar lidar com várias consequências de filmes anteriores, como foi o caso de Wandavision e Falcão e o Soldado Invernal. É uma aventura urbana sucinta e divertida, onde o carisma apaixonante de Hailee Steinfeld é capaz até mesmo de transformar a atuação apática de Jeremy Renner em algo simpático quando interage com ele. A dinâmica de mestre e aprendiz que se estabelece entre eles é maravilhosa de acompanhar, com um humor que é realmente engraçado e cenas de ação boas para o padrão da Marvel. A série mostra que uma trama não precisa ser grandiosa para ser bom entretenimento. Às vezes, a qualidade vive na simplicidade. Tomara que as próximas produções do MCU se lembrem disso. – Caio Machado 

Com talvez o pior/melhor título de qualquer série de 2021, a primeira temporada de A Vida Sexual das Universitárias estreou em novembro no HBO Max, lançando vários episódios semana após semana: uma boa estratégia, já que a nova série de Mindy Kaling é instantaneamente encantadora e viciante. Acompanhando um jovem grupo de universitárias de origens diferentes tendo que partilhar um dormitório, os 10 primeiros episódios se sobressaem tanto em nos fazer rir quanto nos imergir na vida privada e pública de suas caóticas protagonistas.

A todo momento, a produção parece saber exatamente as expectativas de sua audiência sobre os clichês do gênero, e se delicia a todo momento ao subvertê-los da maneira mais engajante possível, sob um viés feminista e empoderador. Com subtramas que passeiam por importantes tópicos, o roteiro mordaz nunca deixa de surpreender, validando a complexidade de cada um deles através de um olhar unicamente feminino. Seja na busca de Bela (Amrit Kaur) para se tornar uma roteirista de comédia ou na jornada de Kimberly (Pauline Chalamet) em se libertar de suas pré-concepções sexuais, A Vida Sexual das Universitárias nunca esquece de colocar as mulheres de seu elenco em primeiro lugar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

La Casa de Papel (Volume 2 de Parte 5, Netflix)

 A era de La Casa de Papel chegou ao fim e o sentimento predominante era de que deveríamos ter dado bella ciao na segunda temporada. Um assalto genial com altas doses anarquistas havia sido o suficiente para saciar o verme revolucionário que mora em nossas barrigas, mas é claro que a Netflix vinha para mais. Mesmo assim, arrastando nossa gangue favorita para um roubo absurdo, o Professor (Álvaro Morte) nos guiou para botar as claras os pedestais ilusórios que seguram a estrutura imbecil da sociedade – e, também, que a economia é baseada em uma riqueza fantasma. 

Ali, dentro do Banco da Espanha, o caos desenhou a realidade por vezes demais, e por outras quis explodir o limite. Parece improvável que militares transtornados assumam um assalto e percam a briga. Mas, por outro lado, esses recursos foram efetivos para mostrar que o Coronel Tamayo (Fernando Cayo) subia a escada infinita da crueldade para saciar o seu ego ferido. Até que consegue, e cabe ao Professor o xeque-mate: entrar no Banco, sabendo que homens como o Coronel funcionavam segundo o poder, para contar a ele que todo o ouro do país não precisava ser verdadeiro, o resto do mundo só precisava acreditar que existia. Genial? Sim.

Também era impossível que a série arruinasse seu fim. Por isso, sustentados em excelentes atores, amados personagens e ao som de revolução, o enredo é emocionante – sem deixar de notar suas falhas. Não ao acaso, o intimismo de cada um da gangue os norteou desde o começo do 2º assalto, e tomou a função principal de terminar desmembrando o que havia de mais profundo no Professor. Ao assumir suas motivações internas, quem ele era brilhou em cena: um ladrão, filho de um ladrão. Então, todo o heroísmo criado por terceiros caiu por terra – inclusive no mundo real, lembrando que a dualidade é a essência que mora em nós para que desejemos arduamente transformar o sistema em pó. – Nathália Mendes

A Roda do Tempo (The Wheel of Time, 1ª temporada, Amazon Prime Video)

A apresentação da mitologia e do cenário é parte fundamental em qualquer obra de Fantasia. A geopolítica de Westeros, as diferentes raças e línguas da Terra Medieval, as guerras de um passado menos solitário para Geralt de Rivia (entre intermináveis outros exemplos) nos inserem em mundos desconhecidos, fascinantes e complexos. Para além do contexto, porém, a quem acompanhamos em cada uma dessas histórias também importa – e muito. Em A Roda do Tempo, produção de fantasia medieval do streaming da Amazon, a interessante premissa e a atenciosa contextualização despertam a curiosidade, mas caem por terra quando toda a ação é vivida por personagens, no mínimo, ‘tanto faz’.

Na trama, Moiraine (Rosamund Pike) é parte das Aes Sedai, uma organização de mulheres que dominam a magia e comandam o poder local. Há anos, ela viaja em busca do Novo Dragão, o homem ou a mulher em que uma entidade antiga reencarnaria para alterar o equilíbrio entre a Luz e as Trevas e provocar a destruição do mundo. Ou, do contrário, salvá-lo de uma vez por todas. Quando ela chega a um vilarejo e encontra os cinco jovens com as idades indicadas pela profecia, ela tem de recrutá-los para descobrir quem é o verdadeiro Dragão profetizado.

Só que tudo isso acontece logo no primeiro episódio e, durante o restante da temporada de 8 capítulos, nem o quinteto, nem Moiraine – os protagonistas de A Roda do Tempo – ganham o aprofundamento necessário para prenderem o interesse. Apesar de abordar os relacionamentos pessoais, sejam românticos, de amizade ou entre as Aes Sedais, e pincelar as contradições de cada um, a série não faz o suficiente para estabelecer uma conexão, o que culmina em personagens tão heroicos e corajosos que chegam a serem insossos. Confirmado antes mesmo da estreia, a torcida é para que o segundo ano de The Wheel of Time assimile que, antes de chegar à grande batalha com o Rei da Noite, primeiro temos que nos interessar por quem mora e luta para sobreviver em Westeros. – Vitória Lopes Gomez

Landscapers (Minissérie, HBO)

Tendo como fonte de inspiração eventos reais, Landscapers conta a história de Susan Edward (Olivia Colman), uma mulher que aparenta ser amigável, e seu marido, Christopher Edwards (David Thewlis). A trama se desenvolve ao narrar um assassinato cometido pelo casal, em que a família de Susan foi massacrada e enterrada no quintal de sua casa. Passado um tempo, a polícia descobre os corpos sob a terra e, durante as investigações, o casal Edwards passa a se desdobrar para explicar como duas pessoas mortas foram enterradas em sua casa sem que ambos desconfiassem.

A premissa da minissérie de quatro episódios da HBO apresenta uma narrativa aparentemente macabra, no entanto, o roteiro expõe diversos momentos cômicos com as ótimas atuações de Olivia Colman e David Thewlis. Além disso, Landscapers teve Ed Sinclair como roteirista e Will Sharpe, como diretor da série, que se inspiraram nos crimes cometidos pelo casal William e Patricia Wycherley, em 1998. – Gabriel Gatti

Queen of the Universe (1ª temporada, Paramount+)

Depois de produzir 9 temporadas de Drag Race em 2021, RuPaul decidiu tirar sua figura de foco e apenas atuar como produtor do novo reality Queen of the Universe. Unindo o mundo drag com a Música, a competição reuniu artistas de diversos cantos do mundo, colocando-as para batalharem cantando. Dessa vez, como anuncia o apresentador Graham Norton, nada de Lip Syncs!

A bancada de juradas, que julgava desde o visual das rainhas até suas técnicas vocais e presença de palco, trouxe Vanessa Williams, Leona Lewis, Michelle Visage e Trixie Mattel, vencedora da terceira edição do All Stars. Entre as talentosas competidoras, haviam representantes da Índia, Reino Unido, Estados Unidos e Austrália, mas a vencedora, claro, veio do Brasil. Surpreendendo o mundo todo, a sensacional Grag Queen levou para casa o título e o cheque de 250 mil dólares. – Vitor Evangelista

Emily em Paris (Emily in Paris, 2ª temporada, Netflix)

Passou uma temporada, veio a segunda e Emily continua em Paris. O novo ano da queridinha da casa começou exatamente de onde sua estreia encontrou um fechamento. Com Emily fingindo dar aulas de marketing e sendo pilar de um triângulo amoroso, a nova season deixa muito a desejar. Sem tempero, Emily em Paris ainda sofre o agravante de ter decaído em relação a sua carismática – sim, apenas carismática – primeira temporada.

Os personagens já conhecidos pouco mudaram e evoluíram, enquanto os que foram introduzidos nesse novo ano tiveram um espaço escasso para conquistar a trama por inteiro. A decisão de continuar do mesmo ponto do ano anterior prejudica o compasso da série ao ponto que os acontecimentos se dão de maneira apressada ou vagarosamente, perdendo o ritmo de episódio para episódio. Mas isso parece não atrapalhar a sequência de produção, afinal, a indicada ao Emmy 2021, foi renovada para mais duas temporadas. Minha dica é: assista Emily em Paris. – Ana Júlia Trevisan

Gente Ansiosa (Folk med ångest, Minissérie, Netflix)

Gente Ansiosa é uma adaptação do livro de mesmo nome do autor Fredrik Backman e conta a história dos habitantes de uma pequena e calma cidade da Suécia que, após um assalto, precisam lidar com seus traumas e se apoiar no processo. O acontecimento surpreende a todos, em especial os policiais Jack (Alfred Svensson) e Jim (Dan Ekborg), que além de tudo são pai e filho e buscam lidar com a situação inusitada da forma que podem. 

A série é deliciosa de acompanhar, os personagens, com todas as suas questões, são muito carismáticos e conquistam o coração dos espectadores. Além de que, apesar de ser uma série de comédia alto astral, ela trabalha muito bem os seus momentos de drama e mistério policial, com reviravoltas e surpresas que deixam o show ainda mais interessante. – Marcela Zogheib

O post Cineclube Persona – Dezembro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Se outubro foi um mês marcado por produções macabras e o clima sombrio e festivo de Halloween, novembro é uma volta à normalidade relativa, com várias obras para apetecer qualquer tipo de gosto. Conforme os grandes lançamentos chegam para começar a campanha para a próxima temporada de premiações, o Persona está aqui para recapitular os destaques mais importantes do mês no Cinema e na TV através do Cineclube de Novembro.

Eternos chegou no início do mês para bagunçar a fórmula da Marvel. Sob a direção íntima e minimalista da vencedora do Oscar Chloé Zhao, o longa introduz no MCU uma família disfuncional de seres imortais, deuses celestiais zangados e até mesmo um certo caçador de vampiros. Outra família superpoderosa que deu as caras foram os Madrigal, de Encanto, a nova animação musical da Disney com canções de Lin-Manuel Miranda, que realmente nos encantou com sua narrativa sensível e emocionante. A mente por trás de Hamilton também explodiu com o musical tick, tick… BOOM!, no qual ele fez sua estreia na direção cinematográfica, contando a história do compositor Jonathan Larson, vivido por um Andrew Garfield estonteante.

Continuando no mundo dos musicais, Querido Evan Hansen entregou uma adaptação decente de seu enredo premiado e controverso, mas não fez nada para revisar sua mensagem problemática e seus números estáticos. Por outro lado, Annette, o musical experimental de Leos Carax (que lhe rendeu o prêmio de Melhor Direção no Festival de Cannes), deu as caras no Brasil por meio da MUBI, entregando um Adam Driver lindo e homicida. 

De Cannes, também veio Benedetta, o longa polêmico de Paul Verhoeven que conta sobre o caso de amor lésbico entre duas freiras italianas. E se teve algo que não faltou em novembro, foi Adam Driver: o ator estrelou duas produções de Ridley Scott: O Último Duelo, um épico medieval sob a perspectiva de uma mulher tentando recuperar sua própria voz, e Casa Gucci, que conta com Lady Gaga claramente à procura de um Oscar por seu sotaque no papel da matriarca da família por trás da luxuosa marca italiana.

Outras atuações notáveis em cinebiografias que tivemos esse mês foram Jessica Chastain, carregada de maquiagem no papel da televangelista titular em Os Olhos de Tammy Faye, e Kristen Stewart, no aclamado Spencer dando sua voz singular à Princesa Diana na fábula do diretor Pablo Larraín. No bem humorado The Electrical Life of Louis Wain, Benedict Cumberbatch interpreta um artista atormentado com seu já característico charme inusitado, enquanto Will Smith dá as caras em King Richard: Criando Campeãs, lançado no HBO Max americano, onde faz o pai e treinador das irmãs Williams.

Entre os maiores lançamentos da Netflix, brilhou Alerta Vermelho, o filme mais caro já produzido pelo streaming, responsável por juntar Dwayne “The Rock” Johnson, Ryan Reynolds e Gal Gadot em uma trama de roubo formulaica. A comédia romântica Um Match Surpresa veio para romantizar o catfishing e faz pouco além disso, mas o aguardado e sangrento western Vingança & Castigo revitaliza o gênero e reúne um elenco de peso marcado por nomes como Regina King, Idris Elba e Lakeith Stanfield.

No Cinema nacional, não podemos deixar de falar de Marighella, primeiro filme dirigido por Wagner Moura que na verdade estreou em 2019 no Festival de Berlim, onde foi ovacionado de pé. Por conta da pandemia e até mesmo censura, ele só foi lançado nas salas de cinema brasileiras e no Globoplay em novembro deste ano, contando a história dos últimos anos do deputado e ex-guerrilheiro Carlos Marighella (interpretado por Seu Jorge). 

Também no âmbito das produções brasileiras, o longa 7 Prisioneiros, antes cotado para representar o Brasil na disputa pelo Oscar, logo se tornou um dos filmes em língua não-inglesa mais vistos da Netflix. Num suspense brutal que escancara as realidades sociais do trabalho escravo no Brasil, a produção de Alexandre Moratto conta com Rodrigo Santoro e Christian Malheiros em seu elenco.

A estreia de Halle Berry na direção com o brutal Bruised só foi efetivamente lançada pelo streaming esse mês, após ter estreado no Festival de Toronto no ano passado. Além dela, Rebecca Hall também faz sua estreia por trás das câmeras com o drama Identidade, estrelado por Tessa Thompson e Ruth Negga, que traz uma das surpresas mais positivas da plataforma este ano. Enquanto isso, Finch cimenta a parceria entre Tom Hanks e Apple TV+ com um longa pós-apocalíptico dirigido por Miguel Sapochnik, conhecido por comandar alguns dos episódios mais badalados de Game of Thrones.

A peça The Humans se faz de base para o novo drama da A24, que comove ao revelar a empatia entre as personagens e a audiência, com um elenco encabeçado por Steven Yeun e Beanie Feldstein. Para aqueles que procuravam diversão para a família toda, a adaptação de Clifford, o Gigante Cão Vermelho veio para comemorar o espírito natalino em grande estilo. Da mesma forma, Ghostbusters: Mais Além ressuscita a franquia clássica do Cinema através da introdução de uma nova geração de caça-fantasmas, dessa vez sob a tutela de Paul Rudd.

Junto com o lançamento de Red (Taylor’s Version), Taylor Swift também fez sua estreia na direção com All Too Well: The Short Film, curta inspirado no seu relacionamento com o ator Jake Gyllenhaal e marcado por mágoas que inspiraram o disco – e sua regravação. Também tratando de relacionamentos nem tão saudáveis regados por música boa, o britânico Edgar Wright retorna para a direção com Noite Passada em Soho, uma viagem psicodélica e intoxicante por uma das partes mais famosas e sinistras de Londres, explorando o fino véu entre o passado e o presente através da dinâmica entre Thomasin McKenzie e Anya Taylor-Joy.

Manu Gavassi fez sua estreia no Disney+ com o álbum visual GRACINHA, uma história fantástica e metalinguística sobre a própria arte. A cantora Adele também deu as caras ao final do mês com Adele One Night Only, um espetáculo exclusivo que precedeu o lançamento de seu novo disco, 30.

Agora passando para a Televisão, se por um lado a Netflix acertou em cheio com Arcane, a prequel animada do jogo League of Legends distribuída em três atos, Cowboy Bebop marca mais uma das tentativas fracassadas de traduzir animes para live-action. Enquanto Arcane exibia todo o potencial de animações com cores e sons vibrantes elevando sua narrativa explosiva, a adaptação da obra seminal de Shinichiro Watanabe peca por seu apego cego à estética do original, entregando uma temporada truncada e não mais regida pelo espírito livre e despreocupado do jazz. A tesuda e bem humorada Big Mouth seguiu impecável por sua quinta temporada, mas já parece aquecer para o possível final da série.

Duas adaptações de quadrinhos da DC Comics terminaram em novembro: ao passo que a estética surrealista de Patrulha do Destino floresceu no HBO Max após o encerramento do streaming exclusivo da DC, Stargirl teve que dar jeito nas mãos da CW, canal responsável pelo Arrowverso. Apesar de plataformas diferentes, ambas as séries conseguiram reforçar suas melhores qualidades em seus novos anos, garantindo renovações para 2022.

Já na Apple TV+, a aguardada adaptação dos célebres livros de ficção científica de Isaac Asimov encerrou sua primeira temporada com resultados mistos: embora Fundação certamente tenha os visuais para construir as bases de seu mundo organicamente, sua narrativa peca ao falhar com a visão de seu autor. A nova versão do Boneco Assassino surpreendeu e deliciou os fãs de longa data da franquia, em uma sequência comandada por seu criador, Don Mancini, e que respeita o legado queer e disruptivo de Chucky. O spin-off britânico de Drag Race terminou sua nova temporada premiando sua participante mais nova até hoje. A premiada antologia American Crime Story também retornou com Impeachment, temporada que focou no escândalo sexual entre o presidente americano Bill Clinton e Monica Lewinsky.

E assim, a Editoria do Persona chega na 11ª edição do Cineclube. Entre os prenúncios de Natal, vislumbres do Oscar 2022 e inspirações musicais no meio audiovisual, te convidamos a pegar o balde de pipoca para voltar ao cinema (seguindo sempre as normas de segurança, claro) e percorrer conosco cada um dos destaques do Cinema e da TV no mês de Novembro de 2021.

Cinema

Casa Gucci (House of Gucci, Ridley Scott)

No fim de novembro, Lady Gaga retornou aos cinemas na pele de Patrizia Reggiani, ex-esposa de Maurizio Gucci e quem ordenou seu assassinato. Entre um bafafá massivo da mídia, entrevistas para lá de desbocadas e um elenco que enche prateleiras de objetos dourados, Ridley Scott inaugura sua Casa Gucci. O resultado é desmotivado, incerto, apressado e extremamente tedioso. Por duas horas e quarenta, uma trupe imita o mais caricato dos sotaques italianos, faz caras e bocas, chora e não consegue decidir entre ser uma obra sobre a marca, sobre a família ou sobre o crime.

Ao passo que Al Pacino tira de letra a cafonice de Aldo, Adam Driver se mantém incongruente como o quadradão Maurizio. Jeremy Irons não se esforça, Jared Leto se esforça demais, dando vida a um palhaço de circo sem nuances. Porém, seu humor mal dosado combina com a pegada espalhafatosa que Casa Gucci deveria esbanjar. Lady Gaga, sem segurança, encontra brechas para humilhar sua Patrizia, e o filme de Ridley Scott, no fim, não tem nada a dizer. Nadinha mesmo. – Vitor Evangelista

7 Prisioneiros (Alexandre Moratto)

7 Prisioneiros acumulou conquistas antes mesmo de chegar à Netflix, onde, pouco tempo depois de ser incluído no catálogo, logo se tornou o segundo filme de língua não-inglesa mais assistido da plataforma. O longa, dirigido por Alexandre Moratto e roteirizado por ele e Thayná Mantesso, estreou no Festival de Veneza, teve exibições na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e foi um dos finalistas à submissão para representar o Brasil como Melhor Filme Internacional no Oscar 2022. Estrelado por Christian Malheiros e Rodrigo Santoro, o ‘Original Netflix’ mistura o suspense ao drama para denunciar o trabalho análogo à escravidão no Brasil.

Mais especificamente em São Paulo, o protagonista Mateus (Malheiros) chega à capital com mais outros três amigos, todos recrutados e saídos do interior com a esperança de ganharem a vida na cidade grande. Eles são encaminhados a um ferro velho, onde, sem carteira de trabalho ou contrato assinado, se veem trancafiados pelo empregador, Luca (Santoro). Forçados a trabalharem em troca de alimento e um alojamento precário, os quatro vivem sem condições de higiene básicas, comunicação e sob constantes ameaças, inclusive às suas famílias.

Com os meninos presos e tentando escapar, a produção adere ao suspense para apresentar o início da condição desumana e inescapável da escravidão moderna no país. O filme, porém, cresce para além dos abusos dentro do ferro velho e escancara as dinâmicas sociais de um Brasil que perpetua e opera nesse mesmo regime criminoso. Sem perspectiva de fuga, Mateus passa a se aproximar de Luca e, despido de seus valores morais por puro instinto de sobrevivência, reforça a condição que o explorou até então. Com atuações profundas e inquietantes de Christian Malheiros e Rodrigo Santoro, 7 Prisioneiros expõe os absurdos do – infelizmente ainda atual – trabalho análogo à escravidão por aqui. – Vitória Lopes Gomez

The Humans (Idem, Stephen Karam)

The Humans é um daqueles filmes em que se é possível sentir o calor humano por meio de sua produção. O novo longa da A24 se desenvolve a partir de Brigid (Beanie Feldstein) e Richard (Steven Yeun), um casal que acabou de se mudar para um duplex em Chinatown. Antes mesmo de se estabelecerem na casa nova, os pais de Brigid, Erik Blake (Richard Jenkins) e Deirdre Blake (Jayne Houdyshell), já chegam demonstrando insatisfação com a mudança da filha. Essa situação serve como ponto de partida para um desenrolar repleto de situações familiares envolvendo mudanças econômicas, doenças e envelhecimento.

O longa, carregado de emoções de uma família em fase de mudanças, foi baseado em uma peça homônima, escrita por Stephen Karam, que teve por meio de The Humans sua estreia como diretor. Apesar de ainda ser iniciante, a película foi bem recebida pela imprensa e teve sua estreia no Festival de Cinema Internacional de Toronto (TIFF). Com todo seu entrelaçamento de situações reais apresentadas ao telespectador, The Humans se constrói com o sentimento de empatia aos problemas dos personagens. – Gabriel Gatti

Querido Evan Hansen (Dear Evan Hansen, Stephen Chbosky)

Anos depois de se tornar um fenômeno na Broadway, o musical Querido Evan Hansen dá as caras no Cinema, cercado de controvérsias por conta de sua premissa questionável e a escalação de Ben Platt no papel que já lhe rendeu um Tony, um Grammy e um Emmy, mas que talvez não combine com um adulto de 28 anos. Na trama, Evan Hansen é um colegial atormentado por uma ansiedade social que o impede de se relacionar com outros estudantes, escrevendo cartas afirmativas para si mesmo como um exercício de confiança. Porém, quando uma dessas cartas é encontrada com Connor (Colton Ryan), um jovem que se suicidou recentemente, a família dele se vira para Evan em busca de respostas, dando início a uma perversa e cruel mentira.

A ideia de elencar adultos em papéis mais novos não é nem nova nem especialmente problemática, mas geralmente acontece algum esforço para fazer com que esses atores se pareçam com a idade do personagem. No longa de Stephen Chbosky, no entanto, a disparidade etária entre Platt e Hansen só é exacerbada pela direção pesada e brega do cineasta. Como musical, o filme faz bom uso da voz de um elenco talentoso, mas a grande maioria de seus números é realizado de maneiras paradas e pouco inventivas, convencidos de que a atuação exagerada de Platt vai ser suficiente para carregá-los para frente.

O grande problema de Querido Evan Hansen é que, por mais que se apresente como uma narrativa sincera e positiva sobre saúde mental, ela fundamentalmente não respeita nem Connor, a vítima da história, nem o luto que sua família sente por ele, por mais complicado que seja. São meros acessórios na trama que Evan conta para si mesmo, embelezamentos de seus próprios defeitos e o caminho que ele encontra para se redimir. Por mais que o filme se anuncie como um canto de solidariedade àqueles que se sentem isolados e perdidos, ele só evidencia o quão sozinhos nós realmente estamos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Os Olhos de Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye, Michael Showalter)

Dando vida à icônica televangelista que se tornou piada nacional, Jessica Chastain faz de Os Olhos de Tammy Faye um desfile de seus variados talentos artísticos. Interpretando a mulher por uma porção considerável de vida, indo da ingenuidade dos vinte e poucos até a ruína da terceira idade e envolta numa batida narrativa de ascensão, queda e redenção, a atriz se joga de cabeça e, também no cargo de produtora do filme, faz tudo que a direção omissa de Michael Showalter pede.

No fundo do palco, brilha Andrew Garfield, expandindo seu estrelado currículo de 2021 (que vai de loiro de farmácia gostoso a homem de teatro desiludido e talvez Cabeça de Teia). Como o companheiro de Tammy, Jim Bakker, Garfield emula a canastrice do religioso, ao mesmo tempo em que não hesita em subverter as expectativas da Igreja, seja no campo de sua sexualidade, seja em sua índole maculada.

Almejando uma merecida indicação ao careca dourado, Jessica Chastain humaniza cada uma das falhas e facetas da mulher que foi motivo de piada para toda a América. Contando com anos de experiência e uma maturidade absurda na hora de lufar vida à personagens “desconfortáveis”, a ruiva vai além do caricato (por mais que os quilos de maquiagem e próteses possam afastar o espectador da veracidade da atuação. – Vitor Evangelista

Spencer (Idem, Pablo Larraín) 

Ter que fingir normalidade quando a saúde mental está em frangalhos é uma tarefa angustiante, dolorosa e capaz de transformar os compromissos do dia a dia em uma verdadeira prisão. Spencer, novo filme de Pablo Larraín, causa grande impacto no espectador ao retratar esse tormento psicológico com tamanha elegância e sensibilidade. 

Na trama, acompanhamos os últimos dias do casamento da princesa Diana (Kristen Stewart) com o príncipe Charles (Jack Farthing). Em meio a rumores de casos e de divórcio, a paz foi imposta para o Natal na casa de campo da Família Real. No evento repleto de comida e bebida, tiro e caça, Diana confronta as regras do rígido jogo de aparências. 

Não é à toa que a atuação de Kristen Stewart em Spencer é apontada como forte candidata ao Oscar. Sua performance retraída e sufocante é a alma do filme e tudo dele está ali para destacá-la ainda mais, desde a direção ao figurino da época. A direção luxuosa de Larraín, com seus travellings que andam pela casa da monarquia britânica como uma assombração, estabelece um clima inquietante, onde os monstros assustadores fazem parte da realeza. É um filme tão elegante e trágico quanto a personalidade histórica que escolheu retratar. – Caio Machado

tick, tick… BOOM! (Idem, Lin-Manuel Miranda)

Em sua posição de destaque dentro do ambiente artístico-cultural atual, Lin-Manuel Miranda nunca deixa de destacar a influência de Jonathan Larson em cada um dos musicais que o colocaram como destaque no gênero do século XXI. O apreço pelo trabalho do compositor nova-iorquino é tamanho que depois de referenciar toda a sua criação no teatro, o levou até sua estreia na direção de Cinema. E dentre todos os filmes nascidos no ano dos musicais, nada será tão especial como o esperado primeiro longa de Lin, que concretiza uma grande homenagem à vida e obra de Jonathan com um testemunho de sua relevância nos teatros na década de 90.

Para isso, destaca-se a própria história de vida de Larson, digna de ser dramatizada como o próprio já havia notado, ao escrever o musical semi-autobiográfico que leva o mesmo nome do filme de Manuel Miranda. Apresentado pela primeira vez em 2001, tick, tick… BOOM! nunca foi apreciado pelo seu criador, que depois de muito perseguir seu sonho artístico, faleceu em decorrência de uma síndrome de Marfan não diagnosticada em janeiro de 1996, no dia de estreia de seu musical considerado a obra-prima de sua carreira, Rent. A história do Van Gogh do teatro tinha tudo para ser trágica, mas nas mãos mágicas que dirigiram a adaptação conservando uma identificação ímpar com a essência que Jonathan criou para sua própria narrativa, é transformada num conto profundamente envolvente sobre a pressa e persistência que alguns de nós temos em viver os nossos sonhos.

O sentimento e a genialidade pulsante de Jonathan Larson são encarnados com primor na entrega de Andrew Garfield, que tomado de uma profunda reverência e simpatia pelo personagem que interpreta, transforma o filme numa experiência e vislumbra uma indicação ao Oscar 2022. Perfeitamente coordenado por Lin-Manuel Miranda e harmonizado com o elenco brilhante (com destaque para a participação de Vanessa Hudgens, Joshua Henry, Mj Rodriguez, Alexandra Shipp e Robin de Jesús), tick, tick… BOOM! vai tirar o seu fôlego e as suas lágrimas. Em troca, a obra te deixa uma certeza de que, ao entrar em contato com ela, você está no lugar certo e na hora certa. – Raquel Dutra

Benedetta (Idem, Paul Verhoeven)

Um dos filmes mais polêmicos de 2021, Benedetta é adaptado do livro Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy, que conta a história real, passada no século XVII, de uma menina que se muda para o convento ainda criança. O filme acompanha um período da juventude de Benedetta, quando uma outra garota, Bartolomea, é acolhida pelas freiras. A produção não mede esforços para colocar o dedo na ferida da Igreja Católica. Por vezes beirando o satírico, o longa confronta os fiéis e denuncia a máquina de fazer dinheiro por trás da instituição.

Cercado de prós, Benedetta tem um dos piores contras possíveis. A produção tem as típicas peças de seu diretor Paul Verhoeven: blasfêmia e conteúdo sexual. E é no forte apelo sexual que Verhoeven se faz intragável. Vendendo seu filme às custas da nudez do corpo feminino, ele faz de Benedetta um prato cheio para a fetichização. A crítica à Igreja é certeira e enclausura o espectador em sua narrativa, mas a que custo? – Ana Júlia Trevisan

Oi, Alberto (Ciao Alberto, McKenna Harris)

Oi, Alberto mostra como anda a vida de Alberto e Massimo em Portorosso depois dos acontecimentos do filme Luca, enquanto Giulia e Luca estão na escola. A dupla passa seus dias pescando e vendendo peixes para a cidade, e com a convivência começam a desenvolver mais a relação que foi iniciada no longa. Alberto é uma criança entusiasmada, falante e energética, diferente de Massimo, que é mais reservado e monossilábico, mas a convivência dos dois os ensina a lidarem com novas experiências e serem exatamente o que o outro precisa.

O novo curta do Disney+, escrito e dirigido por McKenna Harris, é sensível, simples e bonito da mesma forma que seu material base. Tratando de questões importantes de serem abordadas, principalmente sobre relações familiares, de forma leve e sincera, Oi, Alberto segue o padrão de qualidade de tudo que a Pixar produz. – Marcela Zogheib

Identidade (Passing, Rebecca Hall) 

Duas amigas do colegial se reencontram em uma cidade segregada. A protagonista Irene (Tessa Thompson) se surpreende quando percebe que Clare (Ruth Negga), uma mulher negra de pele clara, consegue se “passar” por branca, mantendo até o marido John (Alexander Skarsgard) inconsciente de suas origens e de sua família. Baseando-se na obra Identidade de Nella Larsen e estreando na direção, a atriz Rebecca Hall escolhe a fotografia em preto e branco para engrandecer sua narrativa de sutilezas e desejos.

Recheado até de um subtexto queer, Passing se desenrola no encanto de Irene e seu esposo Brian (Andre Holland) por Clare. Em meio a uma América mais racista que a atual, os personagens que orbitam esse microuniverso optam por omitir suas reais intenções, ao passo que as brilhantes interpretações se saúdam sem pressa. Em um dos melhores originais Netflix de 2021, Thompson é sinônimo de confusão e perdição, Holland exprime êxtase, Skarsgard transborda arrogância e Negga, a estrela do conjunto, está nas nuvens. – Vitor Evangelista

The Electrical Life of Louis Wain (Idem, Will Sharpe)

The Electrical Life of Louis Wain conta a história fantástica de Louis Wain (Benedict Cumberbatch), um homem extremamente criativo, mas com uma vida repleta de infelicidades. Como forma de ajudar a mãe e viúva e suas cinco irmãs, ele começa a vender ilustrações de animais, em especial, de gatos. Suas habilidades com os desenhos são fantásticas, porém a falta de traquejo social o distancia do convívio humano, no entanto, essa situação fria está prestes a mudar com a chegada de Emily Richardson (Claire Foy), a nova governanta de uma de suas irmãs.

A comédia dramática The Electrical Life of Louis Wain, dirigida por Will Sharpe, traz de forma leve e descontraída os infortúnios da vida de um artista que nasceu durante o século XIX. Louis Wain ganhou notoriedade pelas suas características peculiares ao desenhar gatos. As ilustrações dos felinos antropomorfizados levaram alguns psiquiatras a acreditarem que o desenhista sofria de esquizofrenia. Mas apesar dessas adversidades, a trama narrada no longa de Sharpe, apresentada com uma direção de fotografia impecável, permite aos telespectadores rir e se emocionar ao mesmo tempo. – Gabriel Gatti

Eternos (Eternals, Chloé Zhao)

Uma visão minimalista era exatamente o que Eternos precisava, mas nós só nos demos conta disso depois que assistimos o trabalho notório de Chloé Zhao. A chegada da premiadíssima diretora no meio da Marvel Studios foi surpreendente, mas certeiro e à altura de um enredo mais complexo. Além disso, as expectativas foram altíssimas pelo elenco recheado com Angelina Jolie, Salma Hayek, Don Lee, o encontro Stark de Kit Harington e Richard Madden, e é claro, a super aparição de Harry Styles.

O longa fala sobre seres que precedem a nós, aos Vingadores e aos nossos amigos Deuses-loiros-barrigudos. E conversando com a missão emblemática que a humanidade trava desde que o mundo é mundo, Eternos quer te contar quem diabos nos criou, e por qual motivo. Há seres celestiais superiores a nós, comandando a engenhoca que é o universo- literalmente, pois o Ser Supremo que manda em todas as galáxias parece que saiu diretamente do filme Robôs – e baseados em uma única premissa: a vida termina para gerar mais vida. E está tudo bem. 

No meio disso tudo, a comicidade e o jogo de ação realística que é característica da Marvel respirou por aparelhos, mas sobreviveu. Quem também apareceu foi a inclusão, com língua de sinais, beijo gay e tudo mais – ainda bem. O mais importante é que, entre tantos filmes heroicos, é a primeira vez que ser humano está no centro de tudo, e a nossa história ao longo dos séculos foi olhada com os olhos minuciosos de Zhao para perguntar: entre a beleza e a matança que causamos, temos nós algo de diferente para sermos salvos? – Nathália Mendes

Noite Passada em Soho (Last Night in Soho, Edgar Wright)

Depois das corridas eletrizantes de Em Ritmo de Fuga (2017) e o célebre documentário The Sparks Brothers, o diretor britânico Edgar Wright volta a nos deslumbrar com seus visuais meticulosos e sua playlist pessoal em Noite Passada em Soho. Estrelado por Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit) e Anya Taylor-Joy (O Gambito da Rainha), o novo longa explora as ruas e vielas do famoso bairro londrino sob a perspectiva de uma estudante de Moda capaz de misteriosamente transitar entre o presente e o passado, se rendendo aos prazeres e as monstruosidades da década de 60 enquanto tenta resolver um assassinato obscuro.

Embora a princípio a trilha sonora evoque uma exaltação à nostalgia, seduzindo tanto Eloise (McKenzie) quanto a audiência com suas cores e canções, não demora para que a verdade comece a sussurrar por entre os vocais de Sandie (Taylor-Joy) e os pesadelos tomem o lugar dos sonhos. Grande parte da obra se sustenta na dualidade estabelecida entre as duas mulheres, justapondo suas experiências e suas assombrações em uma procissão cíclica e ritmada de proporções alucinantes. Mesmo sem que contracenem diretamente, ambas as atrizes dão performances assombrosas e irresistíveis, elevando o roteiro de Wright e Krysty Wilson-Cairns.

Apesar disso, a estrela de qualquer filme de Edgar Wright é sempre a direção. Embora nem todas das técnicas cômicas do cineasta e suas sensibilidades sejam traduzidas perfeitamente para o gênero de Terror, ainda é revigorante ver ele expandindo seu corpo de trabalho, trazendo seus cortes inventivos e misturando-os com as inspirações do Cinema giallo. Em uma sinfonia psicodélica e infernal entre passado e  futuro, os verdadeiros fantasmas são os que ficam presos entre os dois. – Gabriel Oliveira F. Arruda

King Richard: Criando Campeãs (King Richard, Reinaldo Marcus Green)

Se tudo correr como o planejado, Will Smith receberá uma estatueta do Oscar como Melhor Ator por King Richard. É claro que ainda tem muito chão até o final de março, mas a julgar pelo trabalho do intérprete, fica claro que a cinebiografia do pai e treinador das irmãs Williams foi moldada como veículo de adoração e aclamação para Smith. Na produção, que tem envolvimento criativo de Venus e Serena, além do próprio Will, acompanhamos a juventude das tenistas e todos os obstáculos enfrentados até o início da subida em suas carreiras.

Para tal, o diretor Reinaldo Marcus Green entende que a força motriz de King Richard está no elenco, e coloca tudo nas costas do protagonista e de Aunjanue Ellis, que vive a mãe Oracene Williams e é, fácil, a melhor atriz coadjuvante do ano. Jon Bernthal aparece com um técnico peculiar e adiciona humor a receita de fracasso, trabalho duro e sucesso. Mas, se tratando da biografia de alguém vivo, o filme toma liberdades, faz omissões e já se provou desagradável para indivíduos ligados ao Richard de verdade. Se isso machucará a caminhada de Will Smith até o palco do Oscar, só o tempo dirá. Por enquanto, a eloquência e a emoção de King Richard falam por si só. E ainda tem a Beyoncé. – Vitor Evangelista

Annette (Idem, Leos Carax)

Apaixonante e musical, Annette é primo próximo de La La Land. Dirigido pelo francês Leos Carax, o filme se deleita em cada uma de suas camadas. A obra é protagoniza Adam Driver no papel do comediante Henry McHenry e Marion Cotillard como a renomada cantora de ópera Ann. Juntos, eles vivem o amor enquanto decolam com suas carreiras profissionais. Mas a vida do casal é completamente mudada com a chegada da filha que batiza o filme.

Annette não é um simples musical. Seus elementos visuais em conjunto com as canções criam metáforas que contrastam com toda a história. Quem realmente fica em evidência é o personagem de Adam Driver, que dá fôlego para as mais de duas horas de duração da produção recheada de vicissitudes. Por fim, Annette, responsável por abrir o Festival de Cannes 2021, soa como um grande desabafo de seu diretor. “Podemos começar o espetáculo?” – Ana Júlia Trevisan

All Too Well: The Short Film (Idem, Taylor Swift)

Não, você não está no post errado. Sim, temos Taylor Swift no Cineclube. É que além de abalar mais uma vez as estruturas do mundo da Música com a continuação de seu projeto de regravações, que já é responsável por fuçar os baús da artista e trazer canções que ficaram de fora dos discos na época de seus primeiros lançamentos, Red (Taylor’s Version) também levou a artista para o Cinema. 

O momento para Taylor Swift estrear como diretora e a história para construir o primeiro roteiro que ostenta a sua assinatura não poderiam ser melhores: 12 de novembro de 2021 foi quando o mundo conheceu a versão completa da canção entendida como uma das melhores de toda a sua respeitada carreira como letrista, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault). Para acompanhar, a artista elaborou um curta-metragem, que compreende no visual a narrativa intensa que originou sua música tão celebrada, personificada no protagonismo magnético de Sadie Sink (Stranger Things e Rua do Medo) e Dylan O’Brien (Teen Wolf e Maze Runner).

As referências que existiram no imaginário da canção são todas concretizadas. Entre folhas de outono, viagens de carro, sinais vermelhos, vento no cabelo e demais cenas românticas sob a luz da geladeira da cozinha ou no alto da madrugada, o filme parece encapsular a era Red em 15 minutos. Com direito a estreias nos cinemas de Nova Iorque e premiere no YouTube com centenas de milhares de pessoas, All Too Well: The Short Film só confirma a maior habilidade de Taylor Swift: contar histórias, narrativizar sentimentos e, claro, lembrar de tudo muito bem. – Raquel Dutra

O Último Duelo (The Last Duel, Ridley Scott)

A Idade Média foi um período complexo da história da humanidade. Em um tempo em que as mulheres eram acusadas de bruxaria caso rompessem com os padrões estipulados pela nobreza, Marguerite de Carrouges (Jodie Comer) acusa Jacques LeGris (Adam Driver), o melhor amigo de seu marido, Jean de Carrouges (Matt Damon), de estupro. O caso vira a França de cabeça para baixo, já que as figuras envolvidas com a história são membros da aristocracia. Após um grande embate, o Parlamento determina que a história se resolva com um embate armado entre os homens, em que apenas um deles sairá vivo.

A trama complexa e revoltante de O Último Duelo, dirigida por Ridley Scott, foi inspirada em uma história real tenebrosa. A super produção acompanha por diversos ângulos a narrativa apresentada por Marguerite de Carrouges, que segue em sua luta incansável pela justiça. A direção fotográfica e a trilha sonora contribuem para a angústia que o diretor de Thelma & Louise pretende passar. Ao longo de seu desenrolar, O Último Duelo apresenta diversos altos e baixos, com alguns diálogos longos e exaustivos. No entanto, até mesmo com seus pontos fracos, o longa medieval entrega uma atuação impecável. – Gabriel Gatti

Um Match Surpresa (Love Hard, Hernán Jiménez García)

Um Match Surpresa é um dos primeiros filmes água com açúcar e de qualidade medíocre que já chegaram na Netflix no esquenta para o Natal. A premissa é a mesma de Vestida Para Casar, em que a mulher se sente assombrada pelo fantasma de ficar para titia, mas sem cultivar o romance que nasce naturalmente. Protagonizado por Nina Dobrev, sua personagem Natalie Bauer é uma jornalista que conta sobre seus encontros amorosos fracassados em um site, e fica nesse ciclo vicioso impulsionada por um chefe nada gente fina, que a quer continuamente vendendo histórias de tragédia. 

Natalie acha uma boa ideia viajar até o cara que ela acabou de conhecer por aplicativo de namoro para uma surpresa natalina. Só que ela cai em um catfish – chocando ninguém – e acaba presa com Josh (Jimmy O. Yang) e sua família chinesa-americana. Os alívios cômicos e a crítica para a deturpação de identidade na internet são superficiais. Para piorar, Hernán García passa pano para mentirosos que pescam pessoas on-line, procurando justificativas para romantizar o homem. Mirando em atacar a geração que procura amor na aparência física, ele morre na praia, acerta na reafirmação da perfeição das mulheres e, irritantemente, nos faz acreditar nisso. – Nathália Mendes

Marighella (Wagner Moura)

Abílio Clemente Filho, Ana Maria Nacinovic Corrêa, Aurora Maria Nascimento Furtado, Péricles Gusmão Régis, Edmur Péricles Camargo, Dinalva Oliveira Teixeira, Hamilton Pereira Damasceno, Helenira Resende de Souza Nazareth, Ichiro Nagami, Issami Nakamura Okano, Lyda Monteiro da Silva, Manoel Aleixo da Silva, Maria Augusta Thomaz, Túlio Roberto Cardoso Quintiliano, Uirassú de Assis Batista, Jane Vanini, Felix Escobar, Catarina Helena Abi-Eçab, Edson Luiz Lima Souto, Zuleika Angel Jones, Vladimir Herzog, Carlos Lamarca, Oswaldo Orlando da Costa, Carlos Marighella.

De acordo com o relatório final da Comissão Nacional da Verdade, a ditadura civil-militar brasileira deixou, oficialmente, 434 mortos e desaparecidos. Acima, estão alguns poucos nomes que integram essa lista. Para além de assistir e se emocionar com Marighella, repeti-los é reafirmar e honrar a memória dos combatentes. Para que não aconteça de novo. – Caroline Campos  

Encanto (Idem, Byron Howard e Jared Bush)

Encanto conta a história dos Madrigal, uma família da Colômbia que vive em uma casa mágica. Lá, cada um dos moradores tem um dom que é concedido a eles após um milagre muitos anos atrás, exceto Mirabel (Stephanie Beatriz), a única que ainda não descobriu o seu poder. Mas ao perceber mudanças e rachaduras pela casa, a personagem busca a resolução dos problemas para salvar sua família.

O longa, dirigido por Byron Howard e Jared Bush, tem a trilha sonora assinada por Lin-Manuel Miranda, que faz um trabalho impecável em criar e expor os sentimentos de cada um dos personagens e cenas através de músicas maravilhosas que contam uma história a cada número. Mas a trilha é só uma parte do encanto do filme, que traz com um enredo inovador, personagens diversos e relacionáveis, e uma animação linda e aconchegante. – Marcela Zogheib

Clifford: O Gigante Cão Vermelho (Clifford, the Big Red Dog, Walt Becker)

Nos últimos suspiros de 2021, Clifford: O Gigante Cão Vermelho finalmente foi lançado. A nova versão da história infantil clássica de Norman Bridwell, que já foi para a TV e para os cinemas entre 2000 e 2006, teve sua estreia atrasada por conta da pandemia, mas agora renovou a simpatia do cãozinho num longa live-action para ganhar os corações das crianças da geração alpha.

O filme de Walt Becker traz Darby Camp como Emily Elizabeth, personagem que logo tem o prazer de conhecer Clifford (David Alan Grier) através de um criador de animais, que promete uma relação direta entre o crescimento do animal e o amor dedicado a ele. O complemento da aventura de Clifford: O Gigante Cão Vermelho é o divertido tio Casey (Jack Whitehall), responsável por Emily enquanto sua mãe está fora da cidade, o cenário de uma Nova Iorque, tipicamente caótica para um cachorro nada normal, e o toque delicado em questões importantes de serem introduzidas desde a infância, como bullying e respeito às diferenças. – Raquel Dutra

Alerta Vermelho (Red Notice, Rawson Marshall Thurber)

No final do tenebroso 2020, já era possível escutar os burburinhos sobre Alerta Vermelho. Isso porque o filme da Netflix conta com nada mais nada menos do que Gal Gadot, The Rock e Ryan Reynolds no elenco principal. Produções que dispõem de protagonistas do alto escalão sempre correm o risco de oferecer roteiros rasos e apenas rostos bonitos, e é exatamente isso que Red Notice exibe em suas quase duas horas de duração.

Divertidinho, Alerta Vermelho é cheio de atuações canastronas e um roteiro sem pé nem cabeça que tenta emplacar um novo plot a cada cinco minutos de filme. A história sobre os maiores ladrões de Arte procurados pela Interpol sabe que será sucesso de audiência pelos nomes envolvidos. É por conta disso que o filme não se preocupa em não oferecer detalhes técnicos, muito menos se importa com o fato de entregar apenas clichês. Alerta Vermelho é, sem dúvidas, Sessão da Tarde para toda família. – Ana Júlia Trevisan

Vingança & Castigo (The Harder They Fall, Jeymes Samuel)

O faroeste da Netflix não sai fora da curva no Vingança & Castigo de Jeymes Samuel, muito mais do que isso, o diretor transforma o padrão do gênero em brincadeira de criança. E este não é um simples filme de Velho Oeste, mas sim um marco cinematográfico de que pessoas negras estavam presentes nesse cenário histórico – como a chamada durante os primeiros minutos do longa mesmo diz: ainda que seja ficcional, essas pessoas existiram. O estereótipo branco dos xerifes de The Ballad of Buster Scruggs cai por terra e vira pó, pisoteado por um elenco negro extraordinário.  

A história de vingança entre duas gangues é contada com muito dinamismo e ação, junto de uma comédia ácida que aparece nos momentos essenciais. Nat Love (Jonatan Majors) versus Rufus Buck (Idris Elba) junto de seus companheiros – que também carregam outros nomes de peso na interpretação, como Regina King, Lakeith Stanfield, Edi Gathegi, Zazie Beetz e até Damon Wayans – se enfrentam.

Além disso, a trama é 100% protagonizada por pessoas negras, e radicaliza o irrealismo até entendermos que a realidade é uma imagem construída. The Harder They Fall, em seu nome original, mostra a trilha sonora como a cereja do bolo, um lugar incomum para o gênero. Envolvendo o country com uma pegada mais pop ou batidas mais intensas de hip-hop, as músicas do filme lembram que tudo pode ser revolucionário. – Nathália Mendes

Ferida (Bruised, Halle Berry)

Halle Berry fez sua estreia na direção em Ferida, filme onde interpreta Jackie Justice, uma antiga lutadora de MMA que agora faz faxinas para conseguir pagar as contas. Quando Manny, seu filho de 6 anos de idade que abandonou, reaparece à sua porta, Jackie decide aproveitar uma última chance de voltar aos ringues e retomar a carreira pelo bem da criança. 

A direção agressiva de Ferida parece destacar o sofrimento e a violência no cotidiano da protagonista, mas tem dificuldade em lidar com os temas que surgem ao longo da obra, como a sexualidade de Jackie. O que poderia torná-la mais complexa é introduzido com rapidez e é logo deixado de lado para seguir uma fórmula conhecida dos filmes de luta. 

O filme tenta construir uma história de superação, mas falha ao impedir que conheçamos sua protagonista a fundo. Os únicos momentos em que oferece algo além de dessensibilização são as cenas de Jackie com o filho, onde estabelece uma relação de amor e carinho genuína entre eles. No resto, Bruised prefere seguir um modelo já visto em outros filmes do gênero do que explorar suas particularidades. – Caio Machado

GRACINHA (Manu Gavassi e Gabriel Dietrich)

O nome de Manu Gavassi é sempre acompanhado por uma imagem debochada como pessoa pública e rasa enquanto artista. Bom, isso até novembro de 2021. Isso porque o novo projeto da artista não é só uma significativa ruptura com os caminhos que a mesma traçou para a sua carreira até então, como também é uma demonstração do que ela pode fazer quando está mais preocupada com a sinceridade de sua expressão diante do mundo do que em fazer gracinha.

E isso não é eu que estou dizendo, mas a própria Manu Gavassi em cada canto de seu novo disco, que além de encontrar seu lugar de respeito dentro da Música nacional, destaca-se também no cenário artístico brasileiro como um todo com o seu complemento visual. Seguindo a narrativa do álbum, o filme apresenta, através da história musicada de Gracinha (interpretada talentosamente pela própria Manu), reflexões sobre o ofício da Arte e o exercício da liberdade. 

Ela também assina o roteiro (que traz um quê de Literatura maravilhoso) e a produção de arte (cuja identidade tem um caráter de inédito vindo de uma artista brasileira, e esbanja personalidade dentro da essência de Manu Gavassi e de suas referências), dividindo a direção com Gabriel Dietrich. O álbum visual ainda conta com um elenco brilhante (Paulo Miklos, Ícaro Silva, Fábio Porchat, João Cortês e Titi Gagliasso) que destaca a produção musical de Lucas Silveira. Eu tentei explicar, mas é isso: prometo para você que, dessa vez, a GRACINHA de Manu Gavassi é imperdível. – Raquel Dutra