Talita Cardoso

Abusos da mídia, dores físicas e psicológicas de artistas, transtornos desencadeados pelo meio e todos os bastidores podres da indústria musical de forma nunca antes vista. Foi o que The Idol prometeu explorar ao narrar a perspectiva de Jocelyn (Lily-Rose Depp), uma cantora mentalmente instável e fisicamente ferida pela profissão, que tem sua vida e a forma como enxerga a arte alterada ao conhecer um problemático produtor musical, Tedros (The Weeknd).

Apesar de abordar muitos dos temas os quais se propõem, a qualidade na forma como eles são retratados é desprezível, mas o que o público poderia esperar de uma série que antes mesmo de estrear já estava banhada de polêmicas e, após uma exibição prévia no Festival de Cannes, foi massacrada pela crítica especializada. Isso fez com que a obra, dirigida e roteirizada por Sam Levinson, fosse cancelada após a recepção negativa do público, por mais que, previamente, a segunda temporada estivesse sendo cotada pela produtora.

A promessa de problematizar um meio por si só problemático ficou só em sonho e, apesar do elenco e a produção terem dado as caras em Cannes sorridentes e orgulhosos, com Sam Levinson chorando e fazendo declarações ousadas de que The Idol iria hitar, a aceitação do público não foi a das melhores. Já no primeiro episódio, Cara Melada e Contos do Malandro, a audiência ficou atrás de outro sucesso da HBO, também dirigida por Levinson, Euphoria.

O fracasso de público pode ser explicado por uma junção de muitos fatores. O roteiro se assemelha a um soft porn, exatamente o que se espera de algo criado sem a perspectiva feminina: sexualização e degradação feminina disfarçada de crítica e arte, pode ser um dos principais. Logo no piloto, tudo é sobre sexo, desde o enredo principal do até os diálogos mais banais. A monotemática de um texto que não se aprofunda em nada se torna mais sutil ao longo da série, mas a trama nunca evolui para algo a mais. Além de misógina, The Idol é rasa e tudo o que era suposto para problematizar. 

Apesar disso, é perceptível a tentativa de captar a indústria musical. O sofrimento de Jocelyn é palpável para o público, mostrando as dificuldades em controlar suas emoções para parecer perfeita aos olhos dos outros, as dores de ter que fingir que está bem mesmo quando está prestes a desmoronar e de ter que continuar tentando mesmo que seu corpo já não aguente mais e possua demasiadas feridas abertas. Suas dores são físicas e psicológicas, claramente muito inspiradas em divas pop verdadeiras, que tiveram suas angústias sexualizadas e tiradas de contexto ao longo do programa. 

Além de um roteiro preguiçoso, os visuais, os figurinos e as cores não funcionam. Mesmo com a clara tentativa de criar uma it girl que se torne inspiração, nada é memorável e acaba se tornando esquecível. Ainda sobre a estética, o único ponto alto e que merece destaque são as cenas em que Tedros aparece e as imagens se tornam escuras, com alguns tons em vermelho, trazendo a ideia de corrupção da personagem. Além disso, o jogo de câmera, idealizado por Marcell Rév, se torna mais inquieto e ansioso, sendo interessante em uma primeira análise. Entretanto, essa é uma tática visual que enjoa facilmente e se assemelha a uma mera extensão dos videoclipes de The Weeknd.

Já no elenco, Lily-Rose Depp não faz uma atuação terrível e tem seus bons momentos, claramente evoluindo ao longo dos episódios. O cantor é inexpressivo e consegue a proeza de fazer e falar os maiores absurdos sem esboçar nenhuma reação, não se conectando nem ao menos com seus parceiros de cena. Jennie Kim, interpretando Dyanne, rouba a atenção sempre que está na tela. Apesar de aparecer em poucos momentos, a cantora foi dona de uma das únicas, senão única, cena viral da série, a coreografia de World Class Sinner.

Há claras tentativas falidas e ridículas de inserir um suposto empoderamento feminino na protagonista, que evidenciam ainda mais um roteiro em que nenhuma mulher colocou os dedos. O feminismo liberal representado não traz pauta relevante, se limitando à ideia de um movimento aliado ao capitalismo, ambos incentivando Jocelyn a lucrar com seu corpo, mesmo que a própria cantora se mostre descontente em se expor nua visando lucros. Todos a tratam como inocente e a julgam por não querer fazer isso consigo mesma. No fim, isso apenas reforçou o ideal machista do script. 

Além disso, o ‘relacionamento’ representado entre Jocelyn e Tedros é repugnante e desnecessariamente romantizado. De início, o homem a utiliza como bem entende, o que gerou severas críticas à série. Assim, houve uma tentativa de amenizar todo o abuso mostrado ao longo dos episódios, trazendo um plot twist sem noção e mal construído para a personagem de Lily-Rose Depp. Repentinamente, um roteiro que foi todo construído na ideia do abuso de uma mulher claramente quebrada psicologicamente faz com que ela se torne uma vilã e o abusador, um coitado. 

É fácil relacionar o final da série a uma tentativa de uma girl boss, um female rage ou um ‘literalmente eu’ para conquistar o público e viralizar no TikTok. Claramente, não funciona. Personagens assim, atualmente, só conquistam o público feminino quando não são construídas sob o olhar masculino. Ao contrário do que parece ter sido desejado, o final só tornou tudo mais misógino e inconsequente. Além disso, muitos dos abusos cometidos são tidos como ‘método de trabalho’ por Tedros e em nenhum momento há uma reflexão sobre isso. Uma produção que se propõe a fazer análises sobre a toxicidade de uma indústria parece, na verdade, normalizar abusos inaceitáveis e deixar passar claras problemáticas.

O único aspecto genuinamente competente da série é sua trilha sonora. Afinal, The Weeknd como roteirista e ator é um ótimo músico. Quase todas as melodias que compõem o enredo têm seu dedo nas produções e composições, o que não é ruim, já que ele entrega qualidade. Merecem destaque One Of The Girls, uma das mais ouvidas no Spotify, com seus vocais e ritmo marcantes, e Popular, com uma batida notável e a participação especial da lendária Madonna. 

O que poucos sabem é que The Idol se tornou um conjunto de desastres após a demissão da diretora inicial, Amy Seimetz, que saiu repentinamente quando quase todos os episódios da série já estavam finalizados. Burburinhos disseram que The Weeknd, co-criador, acreditava que o show tinha uma perspectiva feminista muito forte e por isso substituiu Seimetz por Levinson, que reescreveu e regravou praticamente tudo.

Com tanta coisa negativa, não tinha um ser humano para avisar que The Idol era uma péssima ideia? Na verdade, tinha sim. Com a clara mudança de perspectiva, vários membros da produção foram contra a produção e, em entrevista para a Rolling Stones, contaram sobre as polêmicas no set. Um deles ressaltou que a série saiu de uma sátira para se tornar exatamente o que eles queriam satirizar; já outro problematizou as cenas romantizadas de abuso, mas mesmo com diversos avisos, o seriado saiu do papel e ganhou vida. 

Com uma enxurrada de controvérsias e uma baixa qualidade, a obra foi encerrada com um episódio a menos do que a ideia inicial da antiga diretora. Com cinco atos de 50 minutos cada, The Idol é uma tortura de 275 minutos legalizada pela HBO e  um drama angustiante de se assistir. Não há história, não é artístico. Por mais que Sam Levinson considere o acúmulo de comentários negativos uma forma de marketing, a série continua podre e não precisava nem ao menos ter passado do primeiro episódio.

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Vitória Vulcano

Dê a Sam Levinson a chance de borrar as linhas entre o drama e o escárnio humanos, e ele voltará escrachando toda e qualquer camada da vida. Da produção de X, passando pela roteirização de Malcolm & Marie e atingindo a direção de País da Violência, essa tática marca seus passos em Hollywood. E foi participando dos três pilares da Sétima Arte, conjuntamente e pela primeira vez, que o cineasta criou a singular Euphoria. Vira e mexe empilhando aclamação e burburinho nas portas dos estúdios HBO, desde sua estreia avassaladora em 2019, a série redefiniu o sucesso televisivo e cultivou expectativas de sobra para sua segunda temporada.

A continuação chegou em Janeiro deste ano, no já conhecido (e nunca exatamente familiar) clima de barbaridade juvenil. Isso porque, após elaborar episódios especiais a partir dos impasses pandêmicos para revelar transcendentalmente as jornadas individuais de Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer), e o embaralho sentimental que se transformaram uma para outra, Euphoria retorna ao macro bem mais carregada de si mesma. Nenhuma ferida exposta anteriormente cicatrizou, ninguém consegue se acostumar com tanta tragédia e esse é o terreno perfeito para banhar de sal a nova versão de uma narrativa essencialmente sentida pelas dores. 

Palco de uma caótica festa de ano novo, o episódio inicial da segunda safra faz a premissa se desenrolar em uma sequência de eventos curtos e, seguindo o pique da primeira temporada, impactantes pelos sete capítulos à frente. Inevitavelmente, Trying to Get to Heaven Before They Close the Door proclama que a provocação segue sendo o coração construtivo da fabricação de Levinson. É a sensação que enviesa as questões-chave da segunda leva de Euphoria e as configura na altura do polêmico – que quase nunca é a mesma vibração do espectador -, aproximando todos os núcleos da história na unha e na vontade de fazê-los mais expansivos do que as telas que os transmitem.

Sinestésica e ressentida com o universo em que respira, Euphoria tem um ano dois ainda mais distante do didático, graças à atividade árdua e recorrente que é viver sem enlouquecer ou se alienar no pós-pandemia. Rue recai no vício e, mesmo que decepcionados e não surpreendidos com a postura, o silêncio é nosso consentimento enquanto audiência. Sobretudo quando a garota lista seus motivos para fugir da realidade e perfura a passividade do público: não necessariamente nos drogamos, mas assistimos adolescentes serem aditivos e repulsivos em um plano paralelo. Queremos alguns minutos fugindo de atentados à democracia, negacionismo científico e outros males absurdos nem que seja acompanhando uma ficcionalização da aflição, sem paz iminente e que nunca prometeu finais felizes. Afinal, “as pessoas só querem encontrar esperança”. 

Essa ironia melancólica não sustenta apenas a dualidade contida na protagonista – que é um show a parte – mas caracteriza os ganchos agridoces da série na temporada atual. Comparada ao pioneirismo de Skins e às controvérsias escalares de 13 Reasons Why, Euphoria equilibrou seu charme, nas origens, encabeçando episódios com o yin-yang existencial de cada personagem e projetando esses arcos particulares na efervescência do coletivo. Contornando a narração onisciente e não mais única da irmã Bennett mais velha, os capítulos, agora, não possuem linha de roteiro traçada ou sugestiva para o futuro destrutivo de alguém. No entanto, a confusão faz três nomes ofuscados até então passarem a infiltrar a história, através da tratativa anterior. 

Falando em sensibilidade aproveitada, a personagem de Apatow é um verdadeiro banquete. Se antigamente a jovem seguia um caminho contrário para chegar ao mesmo fim de seus colegas de cena, blindando-se da hostilidade sem uso de alucinógenos, mas retificando a si própria como coadjuvante, a caçula das Howard vence os panos de fundo da trama pelo cansaço de seu brilhantismo. Corajosa e amistosa, da reconstituição da amizade com Rue à modelação da peça teatral despudorada e frenética – que estatelou os nervos e músculos da narrativa nos episódios finais – ela foi a motherfuckin’ G. 

A tríade que salta aos holofotes é completada pelo temeroso pai de Nate (Eric Dane). Fechando um capítulo inteiro para desmascarar sua existência forjada na tradicional família americana, a série remonta à juventude do homem, arrasada pela paixão homoafetiva não consumada e pela gravidez repentina de sua namorada na época. Por trás do emaranhado de desejos suprimidos que formam o predador sexual retratado, Euphoria tenta dizer que a agressividade compulsória e o sadismo de criar filhos à sombra de seu mais repugnante reflexo são a armadura de Cal. 

Ainda que a produção nunca tenha materializado arcos de redenção, o experimento de humanização do Jacobs mais velho nos faz perguntar quem consegue revelar a revolta por trás de suas contradições, recebendo chances de atenuação pelo júri do público. A manobra da trama traz estereótipos da mais brutal ordem, já que acusações de pedofilia e estupro, como as que rondam a trajetória do genitor, sempre foram relacionadas à comunidade LGBTQIA+. E não é errado dimensionalizar vilões desvendando o que impulsionou aqueles traços de amargura e bestialidade. Entretanto, tratar sua identidade, fruto de uma forma subjetiva e insalubre de lidar com a realidade através de um labirinto que pode se resumir a orientações sexuais é, no mínimo, problemático (especialmente para Euphoria). 

Retomando o modus operandi da história, temos a fórmula de escandalização do moralismo, que apregoa a mente de quem se pega canalizando a barra não só da exposição de Cal, mas de milhares de momentos. Infelizmente, não vivemos em um planeta evoluído o bastante para a ridicularização de nossas mazelas servir como ferramenta de conscientização ou instigar qualquer mudança. E, caramba, como Euphoria brincou incansável e assertivamente com isso em seus primórdios nada ortodoxos. Mas, com o avanço do Ensino Médio e a necessidade de um amadurecimento à altura, a progressão narrativa parece se apossar de uma ânsia de gente grande, incapaz de processar a essência que o básico dá à conjuntura.

Se na primeira leva toda a genialidade da ficção partia de um cadenciamento, em que, apesar das cenas performáticas e fugazes, o raciocínio prevalecia, o presente entrega uma Euphoria refém do ímpeto de chocar a qualquer custo. O tal realismo emocional, que antes era compartilhado não somente pelo criador da obra, mas igualmente por outros nomes vinculados ao propósito artístico, agora passa a se centralizar nas mãos de Sam Levinson em uma demonstração típica de como impérios caem pela ambição. 

Diferentemente de séries que definharam em qualidade sem seus fundadores, a presença excessiva do cineasta pode ser culpabilizada por várias deficiências e armadilhas geradas na produção do HBO. Todos os episódios da segunda temporada são unicamente dirigidos e escritos por Levinson, que obviamente não conseguiria atender às expectativas de escandalização, nem dar ritmo e coesão às múltiplas vertentes da história, sozinho. Às avessas da complexidade outrora construída, a safra se contenta em sonhar raso no desenvolvimento figurativo e psicológico, mirando em erros de principiante ao não saber adicionar rostos novatos à trama – ou mesmo trabalhar os veteranos – sem perdê-los de vista. 

Com exceção da abordagem recebida pelo trio mencionado e pela protagonista de Zendaya, as principais afetadas são as personagens femininas – que sempre corporificaram o primor do universo eufórico. Jules fica restrita a uma trilha de inconveniências alheias à sua notável evolução, dando advertências e tapinhas nas costas de Rue aqui, aleatoriamente tendo um caso com o melhor amigo de ambas ali. Abrilhantadas com a participação da escrita aguçada de Hunter Schafer em F**k Anyone Who’s Not a Sea Blob, as práticas da garota, na atual temporada, se tornam tristemente programadas para reduzirem suas nuances ao egoísmo. 

Em contrapartida, falas e ações são tudo que o plot acaba devendo para Kat (Barbie Ferreira). Ela não se sobressai no namoro, nas amizades e menos ainda na própria história, pintando como alívio cômico nos perrengues gerais do ano e martelando incapacidade em seus dramas pessoais. A desatenção é tão extrema que até os rumores supondo o que ocasionou a situação foram melhor elaborados do que a atuação obtida pela personagem.

Enquanto as suposições de desavenças e descuidos nos bastidores da temporada funcionavam como suporte externo para o apetite que Euphoria não saciava em cena, o trato omisso se consolidava com os novos intérpretes. Os arcos de Elliot (Dominic Fike) e Laurie (Martha Kelly), embora espontaneamente divertidos ou revoltantes na coletividade do drama, quando isolados das trupicadas e levantadas de Rue, não preenchem uma página de significado consistente. Apesar de similarmente limitada ao beabá das drogas, a adesão de Faye (Chloe Cherry, que aqui estreia na TV) se conecta a outros pontos de riso e tensão. Levemente do outro lado da moeda, Ali (Colman Domingo) engrandece sua performance iniciada em Trouble Don’t Last Always e dá merecido fôlego ao conforto ácido da narrativa. 

Seguindo essa eterna brincadeira de espaço e tempo no macro, a segunda leva da produção busca um encaminhamento inusitado se concentrando – aos trancos e barrancos – no eixo dividido por Cassie (Sydney Sweeney), Maddy (Alexa Demie) e Nate. O triângulo amoroso é purgatório de si mesmo em inúmeros sentidos, sobretudo para as melhores amigas que descarrilam suas respectivas individualidades em troca de um romance duvidoso, com um sujeito de caráter mais questionável ainda. Só que, no final do trauma, a verdadeira discussão não reside nos trejeitos voláteis e objetificadores de Jacobs; o que permite as idas e vindas cruéis do atleta na psique das garotas é uma fragilização sentimental predisposta que ele não criou, porém, aprendeu a controlar maliciosamente.

Nessa toada, a história acerta ao duplicar a dor de Maddy em um processo de maturação gradativo. A garota descobre plenamente a toxicidade de estar com Nate quando perde um laço afetivo tido como inabalável e baseado na confiança, sensação que ela pensava dominar tanto no namoro e na amizade quanto em si própria e, na reviravolta, passa a aprender o valor na marra. Já para Cassie, os dias de crescimento permanecem como miragem à medida em que sua combustão emocional e tendência de procura por aprovação masculina ramificam debates pontiagudos que conduzem a série.

Um dos discursos batidos de Euphoria é expor que as escolhas de seus personagens não existem em bolhas e, por isso, podem esvair para todos os núcleos da narrativa constantemente. Aspecto esse que poderia unir dramas soltos ao longo da temporada, mas não encontra respaldo para acompanhar a entrada de Rue no tráfico, a rivalidade eclodida entre Fezco e Nate, e principalmente o espiralar de Cassie no remorso de perder Maddy e na humilhação de amar quem a rejeita (tudo vivido por ela após a realização de um aborto, que não entra em pauta após a primeira season finale). Ao mesmo tempo em que alucinamos com a instabilidade da loira – fruto da dedicação excepcional de Sweeney -, pouco esforço existe para fazê-la transpor sua ruína além de rituais de beleza aflitivos e muitas cenas de nudez. 

Novamente navegando na obsessão em desfilar absurdos, corpos sem roupas são a fagulha da ficção que se volta propositalmente para a desnivelação social entre o nu masculino e feminino. Sem perder o trem, a segunda safra já começa com um pênis escancarado na tela do espectador – só não se engane, não é sexy, é só um pedaço de carne. E por que a nudez deveria ser vista de outra forma? Ninguém te dá a resposta, mas exageram na dose de pele de Cassie à mostra para, surpresa!, provocar a dúvida. Como Emilia Clarke provou no passado, obviamente a escolha pesa quando falamos das mulheres: o nu estraçalha o angelical e as vulnerabiliza na vilania, ainda que devesse passar longe disso. Nesse espectro, a consciência da atriz americana no assunto a coloca acima de todas as limitações narrativas de Euphoria ou do mundo – o que não absolve a série da prepotência de achar que nudez subversiva sobrepõe ausência ou desvirtuamento de conteúdo.

Fato é que a gama de inventividades e rebuliços da segunda leva caminha obrigatoriamente para o inigualável estrelato de Zendaya. Agora produtora executiva da série, a artista desbrava, sem qualquer melindre, profundidades cruas e hipersensíveis para a lapidação de sua personagem. Se Rue era impiedosa com seu modo de vida e os olhares externos destinados a este, ela usa os novos capítulos para assumir o máximo de cada impressão não verbalizada que experienciamos ao vê-la em cena, literalmente do amor ao ódio. As dicotomias mais arrasadoras acontecem na abstinência de Bennett em Stand Still Like the Hummingbird, em que perseguições e confissões solidificam quem protagoniza Euphoria e se projetam para a história cinematográfica. 

Com essa aspiração na ativa, a atriz merecidamente estende seu currículo no Primetime Emmy Awards. Na 74ª edição da premiação, Zendaya foi nomeada como Melhor Atriz em Série de Drama, categoria que sua Rue já venceu em 2020. Esse ano, ela é euforicamente acompanhada por Sydney Sweeney, que aparece tanto na lista de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama, quanto se destaca nas indicações em Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme por sua performance em The White Lotus. 

Em meio às ressalvas estruturais, Euphoria preenche outra vez as nomeações em Melhor Série de Drama, competindo com a ganhadora do Globo de Ouro Succession e outras produções chamativas dos últimos meses, como Better Call Saul, Severance e Squid Game. Aguentando um roteiro débil e ainda sendo excepcionais, as interpretações gerais também foram lembradas e emplacadas em Melhor Elenco em Série de Drama. Por outro lado, Sam Levinson não conquistou nenhuma indicação nas seções especializadas em direção do Oscar da TV. 

As menções honrosas ficam para a contextualização técnica da ficção, que figura em nove categorias do Emmy 2022. Euphoria sempre se ofereceu pelos olhos, e a atmosfera que arquitetou seu princípio foi fatal para torná-la um fenômeno estético pontilhado pelo trauma. Agora, demolindo as sobrecargas de glitter e neon que climatizavam o passado da narrativa, a segunda temporada se faz pela infiltração sóbria de violência e soturnidade. Descamada em jogos de luzes, ora sólidos, ora rápidos, a fotografia engenhosamente expõe os embates e pensamentos pela brutalidade da própria existência, rendendo à série a participação na categoria Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora). 

A crueza é estabelecida pelo enquadramento de câmeras analógicas, que captam os figurinos e as maquiagens – refletores do estado mental de cada personagem. Todos os tons obscurecem com os rumos da história, especialmente nos desdobramentos de Cassie, Jules, Lexi e Maddy. A musicalidade é outro fator dimensionante de Euphoria, atravessando temas underground, sucessos já assimilados pelo público e canções encomendadas para a série. 

Uníssono anteriormente, no ano dois, Labrinth se divide com Dominic Fike, James Blake, Lana Del Rey e Tove Lo no lançamento de catarses exclusivas. Invadindo ouvidos e corações, a visceralidade das notas está no luto de Rue, nas frustrações coreografadas de Cal e Cassie e nas aversões mais memoráveis dos episódios. Nesse ritmo, a segunda temporada da produção concorre a Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Supervisão Musical, esta última pelo trabalho de Jen Malone e Adam Leber.

Prestigiada pela honestidade identitária de seus visuais e dramas iniciais, Euphoria escalou o hall da fama tão rapidamente que superestimou a si mesma. Como seus personagens que são espelhos, a trama também faz tudo o que a transtorna no interior da segunda temporada se sobressair em marcas visíveis. Subjugar suas riquezas ao monopólio criativo de Sam Levinson custou rachaduras intensas, porque barbarizar demais e despreparado tem um preço. A superação positiva de tabus e nuances só existe se entendemos porquê e para onde vamos, e a insuficiência lógica pode até satisfazer ao mostrar onde perdemos nossa humanidade, mas não combina com um universo dedicado a examinar a miscelânea existencial que nos caracteriza como humanos.

Crescer na produção do HBO permanece uma revolução física e emocional, não apenas na ideologia, mas principalmente na ultrapassagem de negligências narrativas. Depois de autoafirmar seu potencial destrutivo, radicalizar sua maior anti-heroína e renovar as esperanças de sua personagem mais emblemática, a série parece ter perdido o dom da alquimia – a habilidade de unir ciência, arte e magia para transformar o comum em ouro. Ainda que pouco da geração Z retratada seja ordinário ou factual, Euphoria sempre soube abrir mão da pretensão, que agora a assola, para fascinar. E, assim como Rue toma o episódio final para ficar sóbria inesperadamente, sua ficção merece uma terceira leva surpreendentemente próspera e multifacetada. 

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Mariana Nicastro

A juventude é a fase da intensidade. De dramas, sensações, desejos e sonhos. Nela, as amizades são eternas, os amores são infinitos num dia, efêmeros no outro, e os problemas são o fim do mundo. É a fase da rebeldia e das descobertas. Há 15 anos, Skins (UK), ou Juventude à Flor da Pele, explorou tudo isso de forma intimista, sob perspectivas de distintos jovens ingleses que tinham uma coisa em comum: a consciência de que crescer não é fácil, mas que amizades, família e empatia tornam o processo menos cruel.

Skins (UK) é uma série britânica de drama adolescente lançada em 2007 no canal inglês E4. No Brasil, ela foi transmitida pela HBO, VH1, MTV e Multishow e, atualmente, se encontra disponível na Netflix. Criada por Bryan Elsley e seu filho Jamie Brittain, suas 7 temporadas apresentam três gerações de grupos de amigos. Cada um deles com características únicas, personalidades, desafios e problemas diários para lidar. O grupo de roteiristas para os episódios também era de jovens, e Elsey dizia que “é tudo sobre a escrita. […] Nosso objetivo é deixar nossa audiência saber que eles não estão sozinhos”.

Meu filho havia acabado de largar a faculdade, então ele se uniu ao time de roteiristas, junto de todos os membros do seu flat estudantil”, diz Elsey sobre o surgimento de Skins. Brittain sugeriu que o pai criasse uma série sobre adolescentes, mas uma que realmente significasse algo. Escrita e atuada, de fato, por jovens, diferentemente de outras produções do gênero. Assim, atendendo a seu pedido, o diretor encaminhou a ideia ao canal E4, que a abraçou e deu andamento ao projeto. 

Por se tratar de uma obra escrita por e para jovens, lançada nos anos 2000, Skins rompia com qualquer conservadorismo ao tratar dos mais diversos assuntos sem pudor ou moderação. Problemas familiares, doenças mentais, sexualidade, questões de gênero, abusos de substâncias, bullying e até mesmo a morte e o luto eram evidenciados pelos personagens em tela, revelando atitudes destrutivas e situações delicadas – muito antes de Elite (2018) ou Euphoria (2019) surgirem. 

Os temas da série nunca foram leves, mas contrastavam com seus personagens verdadeiros, cômicos, divertidos, imaturos e ingênuos. “Não me ocorreu que Skins era sombria, mas é claro que era. Eu assumi que se você está fazendo um drama, tem que incluir coisas obscuras, ainda que também tenha muita luz em Skins”, disse Jamie Brittain para o The Guardian. 

Cada episódio é focado em um indivíduo do grupo principal de amigos, evidenciando seus problemas pessoais, desafios e paixões. Eles podiam ser desajustados, populares, novatos ou veteranos, mas todos tinham demônios próprios e histórias para contar. Essas narrativas e personalidades tão variadas muitas vezes rompiam com estereótipos da adolescência na TV, tornando inevitável a identificação com um ou mais deles, além da sensação de representação na trama.

Tudo começou com Tony (Nicholas Hoult), um garoto manipulador e popular que tenta ajudar seu melhor amigo Sid (Mike Bailey), cujos problemas de autoestima não permitem que ele perca a virgindade. Sid secretamente tem uma queda por Michelle (April Pearson), namorada de Tony, enquanto é o crush de Cassie (Hannah Murray), uma garota excêntrica que enfrenta distúrbios alimentares. 

Completam o grupo: o carismático – e viciado nas mais diversas substâncias – Chris, a musicista Jal (Larissa Wilson), os melhores amigos Maxxie (Mitch Hewer) e Anwar (Dev Patel), e a irmã mais nova de Tony, Effy (Kaya Scodelario). Suas tramas funcionam isoladamente, mas também se entrelaçam e permitem interações agradáveis de acompanhar ao longo das duas primeiras temporadas, as quais são ocupadas pela primeira geração de personagens. 

O grupo introduziu o formato e a essência da série, e seu elenco se tornou icônico e marcante, sendo por vezes lembrado como favorito pelos fãs. Mesmo assim, a série retornou em uma terceira e quarta temporadas, com novos enredos e personagens tão interessantes e envolventes quanto seus antecessores.

Do elenco original, apenas Effy continua presente no segundo grupo. Não mais como a retraída garota da primeira temporada, agora ela é a líder rebelde no meio de um triângulo amoroso – afinal, séries teen adoram um triângulo amoroso. Nas outras pontas estão o desajustado Cook (Jack O’Connell) e Freddie (Luke Pasqualino, muito antes da sua participação em Sombra e Ossos), atormentado por transtornos familiares. Naomi (Lily Loveless) ganha destaque com sua busca por autoconhecimento, personalidade forte, e seu romance com Emily (Kathryn Prescott), que é um dos pontos principais da temporada. 

Além delas, Thomas (Merveille Lukeba), Pandora (Lisa Backwell), Katie (Megan Prescott) e JJ (Ollie Barbieri) fazem parte da nova fase, com temáticas que alternam entre o trágico e o cômico. A instabilidade é uma constante. Todos estão sujeitos a falhas e acertos, e os jovens permeiam entre a busca por diversão e amor, e as infelicidades no meio familiar, escolar ou emocional.

Skins aborda muitos distúrbios psicológicos e revela seus densos efeitos, assim como a recorrência às drogas e demais atitudes danosas à saúde. Muitos personagens enfrentam uma jornada semelhante a de Rue Bennet (Zendaya) em Euphoria, pois alguns chegam ao fundo do poço, ascendem, com a ajuda certa, e se encontram novamente. Outros têm destinos caóticos e funestos, partindo o coração do espectador com seus declínios desastrosos ou encontros com um acaso letal.

Definitivamente, seus temas podem ser pesados e desencadear gatilhos, por isso a série não é indicada para pessoas que se encontram vulneráveis. Ainda assim, ela consegue sempre contextualizar essas abordagens. Mesmo os momentos mais obscuros não existem sem motivo ou sem propósito, mantendo Skins firme à mensagem que deseja passar. Ainda que a faça de maneira fúnebre e exorbitante, seus personagens são humanos, lidam com altos e baixos, e buscam desenvolvimento, redenção e crescimento.

Prudente, Skins sabia misturar e equilibrar os arcos dramáticos de cada um dos jovens com suas boas doses de humor ácido e sarcástico. Essa característica também pode ser evidenciada na recente –  e também inglesa – Sex Education, ainda que a produção original da Netflix aborde seus temas sensíveis com maior cautela e leveza, pendendo mais para o humor do que para o drama.

Essa diferença, contudo, não torna a criação de Elsley e Brittain inferior, e sequer diminui a importância de sua abordagem. Muito pelo contrário, Skins é extremamente intensa e reproduz toda a fragilidade, urgência e complexidade dessa fase da vida que é a adolescência. Ela explora as camadas de cada indivíduo, suas qualidades, defeitos, fraquezas e virtudes, permitindo que o telespectador adentre pensamentos e perspectivas de forma sensível. Sua representação é instável, oscilante e profunda, assim como a vivência da juventude, reforçando, assim, a identidade e o espírito da série.

A produção ainda conduz uma imersão em uma Inglaterra dos anos 2000 e, mesmo para quem não era adolescente, de fato, em 2007, a série transmite a sensação de nostalgia. Seja nas relações entre os amigos e suas rotinas – em um período menos dominado pela tecnologia -, nos figurinos, músicas, ou nas enérgicas cenas de festas. Até as naturais e espontâneas interações banais entre os personagens transbordam as telas e permitem identificação e afinidade do público.

Trabalhar com jovens têm seus desafios e exige normas específicas. Uma grande crítica feita, não apenas a esta série, como a outras criações da época, é a falta de cuidado e proteção a adolescentes, assim como ao uso de suas imagens. Afinal, a identificação dos telespectadores também se dá pela representatividade, aceitação, e pelo rompimento de padrões estéticos, tão presentes nas ficções. April Pearson, que interpretou Michelle nas primeiras temporadas, e Laya Lewis, que deu vida a Liv nas últimas, declararam recentemente a pressão para que o elenco feminino se encaixasse em um padrão de beleza – essa que envolvia dietas restritivas e coerção psicológica.

Pearson e Lewis também criticaram a ausência de instruções e acompanhamentos durante cenas de sexo com coreógrafos de intimidade, função essencial para que atores sintam-se seguros e confortáveis nas cenas gravadas. As declarações foram dadas durante o podcast de Pearson (Are you Michelle, from Skins?), em que ela diz que se sentia muito jovem e desprotegida. “O fato de que hoje em dia você tem um coordenador de intimidade, que é uma norma como parte de gravar cenas de nudez e cenas íntimas… Isso simplesmente não existia”, completa a atriz.

Desde 2018 essa profissão se tornou fundamental em cena. É um cargo essencialmente feminino e ganhou força após o movimento #MeToo, em que diversas mulheres do meio artístico relataram casos de abusos, assédios e desconfortos enquanto trabalhavam. Algumas ações tomadas por essas coordenadoras incluem esvaziar o set em cenas íntimas, garantir que atores e atrizes possam se despir com privacidade e receber orientações técnicas.

A terceira e última geração – que domina a quinta e sexta temporadas – é a menos querida pela maioria dos fãs. Ela apresenta forte subjetivismo, angústia e drama amoroso, sem trazer de volta nenhum personagem já existente no universo de Skins, tendo atores completamente novos. Aqui, destacam-se Mini (Freya Mavor), que rompe com o estereótipo da garota popular e mimada, e Alo (Will Merrick) e seu melhor amigo Rich, cujo visual punk contrasta com a doce e graciosa Grace (Jessica Sula), por quem ele se apaixona. 

Há também a novata e controversa Franky (Dakota Blue Richards), o caótico Matty (Sebastian de Souza), Nick (Sean Teale) e a já citada Liv, interpretada por Lewis. A geração ainda apresentou o antagonista Luke, vivido por Joe Cole (Peaky Blinders). Por mais que a quinta temporada tenha um foco maior em discussões sobre sexualidade, conflitos entre amigos e família, e seja conhecida por ser mais tranquila e branda, sua sucessora conseguiu finalizar o legado de Skins com drama intenso. O casal Rich e Grace se consagrou como um dos mais sinceros e queridos da série, e o gosto amargo no fim se dá pelo desejo de um final feliz que não se estendeu a todos os amigos do grupo.

Os episódios especiais que marcam a sétima temporada da série, denominada Skins Redux, mostram o futuro de Effy, Cassie e Cook, e são intitulados “Fire”, “Pure” e “Rise”, respectivamente. De início, eles tiveram aproximadamente duas horas de duração cada um. Agora, adaptados ao formato da série, todos se encontram no catálogo da Netflix, divididos entre parte 1 e 2. Skins ganhou o público e também as críticas, estando entre as favoritas de muitos, até os dias atuais. Contudo, foi durante as primeiras temporadas que ela venceu o BAFTA de Melhor Série Dramática em 2008 e de Audiência, em 2009.

Diversas outras produções com foco no coming-of-age, assim como Skins, desabrocharam a fim de continuar gerando representatividade para jovens no meio audiovisual. São esses, filmes e séries que abordam desafios e vivências de jovens prestes a encararem a vida adulta, como Lady Bird (2017) e As Vantagens de Ser Invisível (2012) nos cinemas e, Atypical (2017), Young Royals (2021), Eu Nunca… (2020), Anne With an E (2017) e as já citadas Euphoria e Sex Education, além de muitas outras, que estão dominando os streamings.

Obras como essas ajudam jovens a crescerem conscientes de que não estão sozinhos e de que mais adolescentes enfrentam problemas similares aos seus. Skins também demonstra como as trajetórias humanas são marcadas por fases passageiras e que, por mais assustador que alguns momentos possam parecer, eles não duram para sempre. No final das contas, a mensagem da série inglesa, após seus 15 anos, mantém-se a mesma: a vida é feita de inconstâncias e montanhas-russas, não só de momentos alegres ou tristes, e sim da mistura entre ambos. É isso que permite as memórias inesquecíveis, mas também o amadurecimento.

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Preparem a pipoca de microondas e gelem as garrafas de coca-cola, pois o Emmy 2021 está batendo à porta. A 73ª edição dos prêmios da Academia de Televisão acontece no dia 19 de setembro, e no ano em que a pandemia judiou das séries consagradas do Oscar da TV, o Persona traz um conteúdo completo e multifacetado, abrangendo, entre séries de comédia e drama, animações, programas de competição, de variedades, documentários, telefilmes, séries limitadas e antologias, 72 produções que concorrem ao Emmy desse ano.

Lendo esse compilado, você fica por dentro de tudo que está rolando na premiação, sabe em quem apostar (pode ir em Ted Lasso, confia em mim) e ainda descobre quais foram os esnobados e injustiçados da vez. Começando pelo gênero da Comédia, muitas vezes erroneamente tido como o menos importante da seleção, a série da Apple TV+ com o técnico bigodudo sai na frente em todas as corridas que disputa.

A benevolência de Lasso, por outro lado, rivaliza de maneira harmoniosa com a acidez de Hacks, seriado do HBO Max que encontra em Jean Smart um veículo de sagacidade, mau humor e um estudo sobre a mudança da Comédia na TV. Simplesmente imperdível, assim como sua colega de emissora, The Flight Attendant, dramédia misteriosa que tira Kaley Cuoco da vida nerd de The Big Bang Theory, e a coloca dentro de aviões em viagens longas, recheadas de alcóol e até um assassinato.

Na lista mais fraca em anos, Melhor Série de Comédia iluminou a brilhante Pen15 e todo seu humor cringe, mas ainda não o bastante para que as soberbas Anna Konkle e Maya Erskine apareçam na lista principal de atuação. Quem também se sobressai da mediocridade é a sétima temporada de black-ish, sitcom que se mantém firme e forte com o casal protagonista figurando em suas respectivas disputas.

Cobra Kai surpreendeu (e o cheque da Netflix caiu) com a menção na categoria principal, e O Método Kominsky conseguiu ser indicado pela terceira vez. A surpresa, no entanto, ficou com a lembrança de Emily em Paris, na briga que poderia ter indicado obras mais pomposas, como Dickinson (completamente esnobada) ou Zoey e sua Fantástica Playlist (que abocanhou algumas menções técnicas). A ausência de comédias de nome, a exemplo de What We Do in the Shadows, Atlanta, Insecure, Barry e The Marvelous Mrs. Maisel, abriu espaço para que a seleção de 2021 se diferenciasse do esperado.

Reconhecidas somente com suas brilhantes atuações estão o final de Mom, o final de Shrill e o final de Shameless. O começo de Kenan foi agraciado com a menção de seu personagem-título Kenan Thompson, que também aparece como um dos favoritos ao prêmio de Ator Coadjuvante, dessa vez por Saturday Night Live. A corrida masculina, de fato, enxergou uma superlotação do elenco de Ted Lasso, que faz companhia a Thompson e ao brilhante Bowen Yang, na disputa da honraria.

Com Insecure fora do período de elegibilidade, a pontinha de Issa Rae em A Black Lady Sketch Show rendeu à atriz uma indicação como Convidada. A série-filha de black-ish, grown-ish, recebeu a primeira nomeação de sua existência, pela Fotografia da terceira temporada, enquanto Girls5eva, esperando ser lembrada na categoria principal, só ouviu o nome de Meredith Scardino como Melhor Roteiro. Fecham a seleção de Comédia as esquecidas B Positive, The Politician e Made for Love.

Na parte das séries animadas, Big Mouth retorna com a quarta temporada na esperança de sua joia rara Maya Rudolph vencer novamente o Emmy de Performance de Voz, enquanto South Park foi reconhecido, pela primeira vez em sua longa jornada pela TV, pelo episódio especial da pandemia. Outra queridinha da Academia é Love, Death + Robots, que voltou com um ano mais curto, mas igualmente satisfatório.

Quando o assunto são os Documentários e os Programas de Não-Ficção, o Emmy definiu uma regra base: se o filme for indicado ao Oscar, não pode fazer dobradinha aqui. Dito isso, nomes esquecidos na cerimônia que logrou Professor Polvo, como O Dilemas das Redes, As Mortes de Dick Johnson, Bem-vindo à Chechênia e Boys State, agora podem ser agraciados com esse outro troféu dourado. 

Na lista de 2021, marcam presença os filmes musicais Tina, Billie Eilish: The World’s A Little Blurry, David Byrne’s American Utopia e The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart, além do histórico Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre. No formato seriado, Allen contra Farrow fez barulho, Faz de Conta que NY é uma Cidade nos agraciou com afeto e Framing Britney Spears ressoou no mundo real. 

No maior prêmio da noite, 8 dramas batalham pelo reconhecimento sem a sombra de Succession. O suprassumo da quarta temporada de The Crown pode, finalmente, colocar um Emmy de Melhor Série na estante da Netflix. Aliás, o amor pela chegada da Lady Di e da Dama de Ferro emplacou a produção à frente em todas as seis categorias de atuação, além de Roteiro e Direção. Ano passado, Schitt’s Creek provou que é muito possível um único nome clamar todos os troféus do gênero. Será que a criação de Peter Morgan repetirá esse legado?

Na cola da família real, a segunda temporada de The Mandalorian continua o fenômeno nerd, envelopado numa trama de faroeste espacial e ainda conta com a fofura de Grogu, o nome do batismo do nosso filhinho Baby Yoda. O ano 2 da série do Disney+ encheu de nomes as categorias de atuação, além de Roteiro e Direção, mas a ausência de Pedro Pascal em Ator Principal é mais uma vez sentida. Outro nome popular da disputa é The Handmaid’s Tale, que depois de um ano fraco, renasce poderosa.

Com 10 nomeações apenas para o elenco, a quarta temporada trouxe novo ar aos pulmões calejados da trama de June, que sai de Gilead e começa, lentamente, é claro, a tocar o terror. This Is Us, única representante da TV aberta na disputa, bateu ponto, mas sem chance alguma de sair coroada. Bridgerton performou aquém do esperado, e além de aparecer em Série e Direção, iluminou o boa pinta Regé-Jean Page na categoria principal. 

The Boys, por outro lado, surpreendeu com a lembrança em Série e Roteiro, mas que falta faz o nominho de Anthony Starr entre os Melhores Atores de 2021. Quem marca presença lá é o lendário Billy Porter, que busca finalizar seu ciclo em Pose repetindo a vitória do ano inicial. Por falar em Pose, o terceiro ano fez história colocando Mj Rodriguez na briga de Atriz, tornando a querida Blanca Evangelista a primeira pessoa trans indicada em uma categoria de atuação principal.

Para fechar a lista das 8 melhores, temos Lovecraft Country. Criada por Misha Green, a original HBO foi cancelada logo antes do Emmy anunciar suas 18 nomeações. Além de aparecer em disputas principais de Série, Ator, Atriz e Atriz Coadjuvante, a série nomeou o eterno Michael K. Williams como Melhor Ator Coadjuvante, pelo visceral papel de Montrose. O ator, que já deu vida a personagens imortais mas nunca venceu um Emmy, foi encontrado morto no começo do mês, poucos dias antes da cerimônia. Antes de seu falecimento, Williams já era considerado favorito na disputa.

Os Especiais de Euphoria, impedidos de concorrer nas categorias grandes, abocanharam menções no Emmy Criativo (que esse ano acontece em 11 e 12 de setembro). Perry Mason conseguiu emplacar Matthew Rhys e John Lightown, ao passo que Ratched foi reconhecida por seu melhor atributo: a interpretação sobrenatural de Sophie Okonedo. The Umbrella Academy figurou em listas técnicas, In Treatment voltou após o hiato de uma década para dar o reconhecimento para Uzo Aduba em seu primeiro papel como protagonista, e a aparição de 90 segundos de Don Cheadle em Falcão e o Soldado Invernal foi o bastante para a Academia nomeá-lo como Convidado.

No campo dos Especiais de Variedades (Pré-Gravados), temos 3 destaques. Friends: The Reunion, aguardado reencontro do elenco da maior Comédia da TV, indicou Courteney Cox ao Emmy pela primeira vez. Dos 6 amigos, Monica era a única deixada ao relento pela Academia, sem qualquer menção nos dez anos de rodagem da sitcom. Bo Burnham: Inside coroou seu criador em todas as áreas imagináveis, desde o roteiro até as criações sonoras e musicais. 

Hamilton, musical gravado do Disney+, apareceu em tudo onde teve direito: foram reconhecidos o trabalho estonteante de Lin-Manuel Miranda e a entrega feroz de Leslie Odom, Jr., além da verdade impressa por Philippa Soo e o fogo dos olhos e da voz de Renée Elise Goldsberry, o jeito canastrão de Jonathan Groff, o ar despojado de Daveed Diggs e a inocência descomunal de Anthony Ramos. Todos eles, aliás, concorrem nas categorias de Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Hamilton, entretanto, é caracterizado como um Especial de Variedades. 

O ponto dos Telefilmes também cai em uma regra de disputa com o Oscar. Aqui, se a obra foi sequer considerada para nomeação em Cinema, ela automaticamente está fora da disputa da TV. 2021 se provou uma safra fraca para a categoria que premiou o volumoso Má Educação ano passado. Agora, o prêmio ficará entre o romântico O Amor de Sylvie, o sincero Tio Frank, o necessário Robin Roberts Presents: Mahalia, o burocrático Oslo e o bem-aventurado Natal com Dolly Parton.

Sem o nome de Minissérie no título, a disputa de Série Limitada ou Antologia é mais acirrada do Emmy 2021. WandaVision é a campeã de nomeações, mas suas chances de vitória podem ser eclipsadas pelo caráter super-heróico da produção, que lida com pontos importantes de saúde mental, como luto e depressão, ao mesmo tempo em que homenageia a TV como gênero e formato. Tudo isso encapsulado na fórmula Marvel e com o confeito da atuação mirabolante de Kathryn Hahn no papel da vizinha enxerida/vilã formidável.

Campeã dos prêmios de inverno, O Gambito da Rainha alcançou a façanha de ser reconhecida em todas as Guildas e Sindicatos da indústria, mas a estreia lá no fim de 2020 parece distante demais para os louros da Academia, seu passo final antes de encerrar as atividades e depois de vencer o Globo de Ouro, o Critics Choice Awards e o SAG. Outro nome importante do ano é I May Destroy You, que rendeu 4 merecidas nomeações para sua estrela máxima, Michaela Coel, além de lembrar, ainda bem, da performance irretocável de Paapa Essiedu, como Ator Coadjuvante.

The Underground Railroad, estreia de Barry Jenkins na TV, performou abaixo do merecido, lembrado apenas em categorias técnicas, em Série e em Direção. A esnobada de Thuso Mbedu nunca será perdoada, Academia! Enquanto a produção do Amazon Prime Video sofre como a única sem indicações de atuação, Mare of Easttown fecha a lista que batalha pelo disputado prêmio de Série Limitada, entregue à incomparável Watchmen em 2020. Protagonizada por uma faminta por aclamação Kate Winslet, a trama investigativa cresce para além de seu molde detetivesco, dando a seu elenco momentos dignos e que ficarão marcados para suas carreiras: Jean Smart, Evan Peters, Guy Pearce, Angourie Rice e, em especial, Julianne Nicholson, todos arrasam nesse time de estrelas.

Fora da lista principal, se destacam a atuação de Ewan McGregor em Halston e a de Cynthia Erivo em Genius: Aretha. O tato inimitável artístico de Steve McQueen em Small Axe foi completamente ignorado, assim como a destreza de Ethan Hawke, que estrelou, escreveu e produziu The Good Lord Bird, tudo para ser deixado de fora da categoria de Melhor Ator, essa que nomeou o trabalho libertino de Hugh Grant em The Undoing. Protagonista de edições passadas, Fargo ficou limitada à disputas técnicas, e A Maldição da Mansão Bly foi nomeada como uma das melhores edições de som do ano.

Ufa! A lista é gigantesca e o nível de qualidade do conteúdo do Persona é maior ainda. Na extensa e complexa cobertura do Emmy 2021, esse compilado dos indicados à premiação coroa um trabalho de pesquisa e informação, mas não para por aqui. A diversidade na lista do prêmio da Academia deve ser celebrada e espalhada, assim como os incríveis nomeados da edição. Para mergulhar de vez, é só rolar a página e ler o que a Editoria e os Colaboradores destacaram nesta temporada de premiações.

Comédia

Ted Lasso (1ª temporada, Apple TV+) 

Ted Lasso sai da Série B para levar o título da Série A. Perdida no fundo do catálogo da Apple TV+, Ted Lasso começou a ganhar os olhos do público após Jason Sudeikis vencer o Globo de Ouro. A produção sobre um treinador de futebol norte americano que é contratado para treinar um time de futebol inglês, mesmo não sabendo bulhufas, é favorita absoluta para erguer a taça, ou melhor, a estatueta de Melhor Série de Comédia. 

E não é pra menos, Ted Lasso é responsável por algo que há tempos as séries de comédia não faziam: tirar risos fáceis. Com a avalanche de coisas ruins que vivemos desde 2020, a série traz leveza com sua produção coesa, bons atores e narrativa sem apelos. Não é à toa que Ted Lasso recebeu 20 nomeações ao Emmy 2021, e levará muitas delas. Além da estrela Sudeikis, os coadjuvantes dão uma base resistente para o time de Ted Lasso, também garantindo suas indicações e submetendo episódios essenciais para o desenvolvimento das respectivas personagens. O atacante está em posição legal, só basta receber o cruzamento. – Ana Júlia Trevisan

Hacks (1ª temporada, HBO Max)

Não fosse um otimista treinador americano de futebol, esse seria o ano de Hacks no Emmy. Protagonizada por uma visceral, amedrontadora e imbatível Jean Smart, a produção do HBO Max narra os percalços tardios na carreira de Deborah Vance (Smart), uma comediante lendária, que após complicações em sua rotina de trabalho em um cassino de Las Vegas, contrata Ava (papel de Hannah Einbinder), uma millennial recém-cancelada, que passa a trabalhar como sua “roteirista”. 

Nenhuma das mulheres quer a presença da outra, mas os dez episódios navegam entre farpas e momentos de reconhecimento e empatia ácida. Hacks vai além do que seu título sugere (alguém que trabalha por razões mercenárias), e nos mostra conflitos geracionais que fogem do comum, até mesmo em um grau de metalinguagem, onde a comédia de punchlines e piadas prontas de Vance bate de frente com a modernidade do humor autodepreciativo e menos “arquitetado” de Ava.

A fanfarra rendeu 14 menções ao Emmy 2021. Smart é a favorita para vencer Atriz, Einbinder concorre em Coadjuvante, assim como Carl Clemons-Hopkins, perfomer não-binário que interpreta o braço direito de Vance, Marcus, e diverte pelo jeito taciturno de se portar em cena. Jane Adams, que vive a melodramática mãe de Ava, apareceu na categoria de Convidada, submetendo o funeral que fecha a temporada. O piloto de Hacks, There Is No Line, ainda disputa em Roteiro (nomeando os criadores Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky) e em Direção, além da série ser o grande obstáculo que pode separar Ted Lasso e o Emmy de Melhor Comédia. – Vitor Evangelista

The Flight Attendant (1ª temporada, HBO Max)

A comédia de Kaley Cuoco decolou ano passado no HBO Max, narrando as desventuras tragicômicas de Cassie Bowden, e rendendo à The Flight Attendant nove indicações no Emmy 2021. A primeira indicação de Cuoco à Melhor Atriz em Comédia vem mais do que merecida, marcando a jornada introspectiva de uma comissária de bordo alcóolatra em meio às intrigas internacionais que se iniciam em In Case of Emergency, episódio submetido pela atriz para a premiação.

Por mais que Rosie Perez agregue à trama com sua comissária de bordo mais centrada e sutil, as promessas de sua personagem ficam com a segunda temporada, e seu papel aqui é coadjuvante no sentido mais bruto da palavra, apesar de sua atuação potente no último episódio, Arrivals and Departures. Embora tanto a direção quanto o roteiro do primeiro episódio estejam indicados em suas respectivas categorias, a vitória da diretora Susanna Fogel no DGA abre caminho para sua conquista, enquanto a narrativa trôpega criada por Steve Yockey não conquista à primeira vista.

Nas categorias técnicas, a indicação que chama mais atenção é a de Heather Persons por Montagem em Comédia de Câmera Única, destacando os eventos simultâneos através de split screens ao longo da narrativa. Por mais que a nova investida de Kaley Cuoco tenha sido bem avaliada ao longo de sua exibição, é improvável que seu voo de estreia passe por cima dos favoritos ao prêmio máximo de Comédia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

A série que narra a experiência das comediantes Maya Erskine e Anna Konkle como pré-adolescentes no início dos anos 2000 retornou para uma segunda temporada. Com mais vergonha alheia, estranheza diante das mudanças da puberdade e uma sensibilidade de partir o coração.

Devido à pandemia do coronavírus, a temporada acabou sendo dividida em 2 partes, com 7 episódios cada e 1 especial em animação. A primeira leva de Pen15, lançada em setembro de 2020, conquistou 3 indicações ao Emmy 2021, concorrendo em Melhor Série de Comédia e Melhor Roteiro em Comédia, para Maya Erskine, com o episódio Play. – Caio Machado

black-ish (7ª temporada, ABC)

Ser indicado ao Emmy uma vez já é bom, mas 24 vezes é melhor ainda. Este foi o caso da sitcom de Kenya Barris que, graças a sua sétima temporada, concorre a Melhor Série de Comédia em 2021. Acompanhado a família Johnson no caótico ano em que ficamos presos em casa, black-ish continua nos fazendo rir da desgraça.

Ambos os protagonistas também estão na luta pelo prêmio. Tracee Ellis Ross e Anthony Anderson, que dão vida ao casal Bow e Dre, foram indicados a Melhor Ator e Melhor Atriz em Série de Comédia. Apesar do seriado ser quase um convidado fixo no evento, vale lembrar que apenas uma vez o Emmy de fato reconheceu o trabalho excepcional da equipe. Sua única vitória foi na categoria de Melhor Penteado Contemporâneo, em 2020, graças a o episódio onde vemos Diane (Marsai Martin) lutando para aceitar seu cabelo Afro. – Mariana Chagas

Cobra Kai (3ª temporada, Netflix)

A terceira temporada de Cobra Kai foi de tirar o fôlego. Com um gancho espantoso da segunda fase, Miguel (Xolo Marieña) continua no hospital e Johnny (William Zabka) está vivendo da mesma forma que nos foi apresentado: bebendo demais e com “coragem” o suficiente para enfrentar novas brigas. Além disso, as cenas originais de Karatê Kid entrelaçam com os fatos do presente de maneira impecável desde o primeiro episódio da série. A novidade aqui é entregar fatos ainda desconhecidos do público da saga primitiva, mostrando a vida de John Kreese (Martin Kove) na Guerra do Vietnã. 

O ápice dessa temporada, de um ponto de vista extremamente saudosista, é a visita de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) à Okinawa, terra natal de seu sensei Miyagi. Revisitando o passado, o carateca reencontra personagens chaves do segundo filme da trilogia, o que apetece o coração de fãs apaixonados pela trama de 1986. Ainda, o relacionamento com um antigo vilão produz cenas divertidas, daquelas que a gente não sabe se o personagem está sendo irônico ou sincero. O roteiro busca trazer dinamismo à narrativa, equilibrando aspectos motivacionais com situações plausíveis de serem acontecidas na realidade. Porém, muitos personagens são introduzidos no drama de disputas de dojos, sendo ora elementares ora desnecessários para a constituição da história.

Apesar desse desconforto entre os Cobra Kai e Miyagi-Do, o investimento da Netflix em um seriado originalmente produzido pelo YouTube gerou grandes resultados. Em 2018 e 2019, a série derivada de Karatê Kid só havia levado indicações por seu desempenho com dublês. Neste ano, além desta nomeação, também concorre na categoria de Melhor Série de Comédia. Com lutas intensamente bem coreografadas e cortes de cena singulares, a terceira temporada de Cobra Kai é a melhor até o momento. – Júlia Paes de Arruda

Emily em Paris (Emily in Paris, 1ª temporada, Netflix) 

O PIX da Netflix caiu na conta da Academia, e não é que nossa viajante Emily foi parar no Emmy. Brincadeira à parte, Emily em Paris é uma das maiores surpresas dessa lista. Concorrendo na categoria de Melhor Série de Comédia, a produção ocupou o espaço que poderia ser de Dickinson ou até mesmo da Zoey e Sua Fantástica Playlist, que só apareceu em nomeações técnicas.

Emily em Paris é uma série ruim? Não! Pelo contrário, é uma série divertida, de rápida maratona e com uma leveza que permite esquecer a rotina. É agradável acompanhar a jovem publicitária Emily trabalhando em Paris e tendo dificuldades com as barreiras idiomáticas e culturais, mas isso não significa que a série tenha os padrões esperados quando pensamos em Emmy. A indicação sendo justa ou não, uma coisa é certa: Emily voltará para Paris de mãos vazias. – Ana Júlia Trevisan

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

Após três temporadas e 12 indicações ao Emmy, O Método Kominsky chega ao fim com mais drama do que comédia. A série sobre o ator e professor de teatro, já na melhor idade, Sandy Kominsky, trouxe seu protagonista menos egoísta em relação aos anos anteriores e encerrou sua vida nas telas abençoando a premiação mais importante da TV.

O Método Kominsky volta sem seu garoto dos olhos, Alan Arkin, o que torna seu ano final ainda mais emocionante. Se despedir de Norman Newlander, antes do oficial adeus a série, endossou o roteiro da terceira temporada, se apoiando ainda mais nos altos, baixos e medos das velhice. Se nos anos anteriores a grande estrela do Emmy, para Kominsky, era Arkin, em 2021, a participação de Morgan Freeman pode garantir que o nome da série apareça entre os vencedores. – Ana Júlia Trevisan

Mom (8ª temporada, CBS)

A notícia de que a oitava temporada de Mom seria a última não foi tão surpreendente assim. Com o avanço e prestígio das comédias menores e a escassez do formato de sitcom fora da TV aberta, a série, criada por Chuck Lorre, Eddie Gorodetsky e Gemma Baker lá em 2013, chegou a sua conclusão depois de perder uma das protagonistas.

Anna Faris não retornou para o ano 8, tampouco fez falta. Com Bonnie (Allison Janney) assumindo o holofote todo para si, os 18 capítulos conclusivos se encarregaram de emocionar, discutir pontos importantes sobre alcoolismo e a vida sóbria e, é claro, nos matar de rir. No Emmy 2021, Janney compete mais uma vez como Atriz, depois de já vencer a categoria de Coadjuvante por esse mesmo papel em 2014 e 2015. Mom ainda garantiu menções na parte de Montagem e de Direção, ambas creditadas à series finale. – Vitor Evangelista

Shrill (3ª temporada, Hulu)

Quem esperava uma menção para Hailee Steinfeld (Dickinson), Jane Levy (Zoey’s Extraordinary Playlist) ou até Cristin Milioti (Made for Love) na categoria de Melhor Atriz em Comédia, se surpreendeu com o reconhecimento de Aidy Bryant. Criadora e protagonista de Shrill, Bryant foi indicada pela terceira e última temporada do show original do Hulu.

Disponível no Brasil no catálogo do HBO Max, a série começou a ser transmitida em 2019 e se centra na personagem Annie Easton (Bryant), que quer mudar sua vida sem precisar mudar seu corpo. Leve e curta, Shrill é uma boa pedida para quem quer se manter atualizado na lista do Emmy 2021, mas sem necessariamente tomar muito tempo no processo. – Vitor Evangelista

Kenan (1ª temporada, NBC)

Kenan Thompson surgiu com um dos personagens titulares de uma das séries que mais gritam “infância e as tardes da Nickelodeon”. Agora um comediante consagrado e muito bem empenhado em expandir a gama de seu trabalho, Thompson completou 18 anos dentro do Saturday Night Live (recebendo sua quinta nomeação ao Emmy pelo programa de esquetes) e ainda estrelou sua comédia autoral, pela qual também foi reconhecido pela Academia.

A primeira temporada de Kenan foi gravada ao mesmo tempo em que a quadragésima sexta do SNL, então o ator precisava viajar a semana toda, voando de L.A. até N.Y. para que os calendários de gravações fossem cumpridos. Na série da NBC, Thompson vive um pai viúvo que é apresentador de um programa matinal e, como em todo trabalho que faz parte, Kenan Thompson se entrega 110%. Com um ano 2 já confirmado, Kenan dificilmente ganhará o Emmy, mas com certeza atesta o talento de seu frontman. – Vitor Evangelista

Shameless (11ª temporada, Showtime) 

William H. Macy, o querido e odiável Frank Gallagher, bateu ponto por mais um ano e levou Shameless à lista de indicados. Já ganhou alguma vez? Não. Vai ganhar? Provavelmente também não. A única certeza? Shameless merecia mais, sempre mereceu mais. Durante suas onze temporadas, a série saiu vitoriosa do Emmy apenas em 2015, com Joan Cusack levando Melhor Atriz Convidada em Série de Comédia, e em 2016 e 2017 por Coordenação de Dublês para um Programa de Variedades ou Série de Comédia. Uma série que ficou por onze temporadas em exibição na Showtime merecia mais!

Shameless é sobre uma família de baixa renda e completamente disfuncional. A mãe é bipolar e abandonou a casa e os filhos, o pai é um alcoólatra dissimulado. Quem mantém a família minimamente nos eixos é Fiona, a irmã mais velha entre os seis filhos. Mas, é aqui que mora em grande porém(!), a atriz Emmy Rossum, intérprete de Fiona Gallagher, deixou o elenco ao fim da nona temporada. Shameless deu de cara com dois obstáculos para sua sobrevivência: a saída de sua protagonista e a pandemia.

A série é uma das mais sinceras da TV estadunidense. Nunca houve um limite, uma linha que a produção não pudesse ultrapassar para mostrar a vida dos Gallaghers entre corridas por empregos e o mundo rodeado de drogas. A décima primeira temporada é marcada por brigas e más notícias, driblando o máximo possível da pandemia, sem deixá-la de fora do roteiro. Shameless em nenhum momento foi uma comédia comum e destaca isso no encerramento de seu ciclo. Ciclo esse que foi finalizado de maneira correta, colocados os pingos nos is mas, ainda, deixando a calorosa sensação de que podíamos assistir aquela família por mais onze temporadas. – Ana Júlia Trevisan

A Black Lady Sketch Show (2ª temporada, HBO) 

“Eu não tenho medo do coronavírus. Veja, pessoas brancas são a única pandemia para qual nunca teremos vacina”. É assim que começa a segunda temporada de A Black Lady Sketch Show. A fala de Dr. Haddassah, que ganha vida pela própria criadora da série, Robin Thede, define bem o caos que segue os próximos episódios.

Com um humor confuso, mas bizarramente engraçado, o programa conquistou 5 indicações no Emmy 2021. As participações de Issa Rae, como Jess, e Yvette Nicole Brown, como juíza Harper, garantiram o lugar das convidadas na categoria de Melhor Atriz Convidada em Comédia. Depois de comandar um júri todo composto por mulheres negras no hilário episódio But The Tilapias Are Fine Though, Right?, se tem alguém que merece o prêmio é a talentosíssima Nicole Brown. 

O seriado também participa nas categorias Montagem em Programa de Variedades, Roteiro em Programa de Variedades e Melhor Série de Esquetes de Variedades. Já tendo concorrido em 2020, esse pode ser o primeiro ano em que A Black Lady Sketch Show de fato leva a estatueta. – Mariana Chagas

grown-ish (3ª temporada, Freeform) 

Após black-ish conseguir mais de 20 indicações ao Emmy com todas as suas sete temporadas, agora é a vez de seu spin-off entrar na corrida. grown-ish, protagonizado por Zoey (Yara Shahidi), concorre na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), graças ao trabalho de Mark Doering-Powell no episódio Know Yourself, da terceira temporada.

A sitcom que acompanha a irmã mais velha da família Johnson se passa durante seus quatro anos na faculdade Cal U. Com um grupo de amigos que estão procurando seu lugar no mundo, a série aborda dos maiores aos mais bestas problemas enfrentados pela Geração Z. – Mariana Chagas

Zoey e sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Na segunda temporada da queridinha Zoey e sua Fantástica Playlist, a radiante protagonista precisa aprender a lidar com o luto e outros dramas das pessoas de seu convívio. Tudo isso enquanto presencia números musicais ainda maiores e mais criativos graças ao poder que adquiriu no primeiro episódio. 

Mesmo optando por não inserir a pandemia na narrativa deste segundo ano movimentado, a série passou por desafios na produção devido às restrições e sofreu com a baixa audiência, o que resultou em seu cancelamento no início deste ano. Em agosto, foi noticiado que o Roku está em negociação para salvar a série com um filme de encerramento.

No Emmy 2021, Zoey conquistou 5 indicações nas categorias Melhor Coreografia em Programa Roteirizado, Melhor Direção Musical, Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Atriz Convidada em Comédia, para Bernadette Peters. Tomara que a premiação a valorize tanto quanto sua legião de fãs apaixonados. – Caio Machado

B Positive (1ª temporada, CBS) 

Vamos imaginar a seguinte situação hipotética: você é um terapeuta recém divorciado que descobre que está com falência renal e precisará de um transplante. Sem ter a quem pedir ajuda, você coloca seu nome na fila de transplante – que levará 10 anos – e vai a um casamento. Chegando no salão você encontra um colega do Ensino Médio que era, e continua, toda estabanada, a mesma te oferece o próprio rim. Doideira? Pois é, essa é B Positive.

Concorrendo à Melhor Direção em Série de Comédia, B Positive é mais uma das produções de Chuck Lorre a ser nomeada pela Academia. Mas, a série não teve fôlego para chegar nas categorias de atuação como suas parceiras Mom e O Método Kominsky. Sem comentar a chatice do protagonista, B Positive é uma agradável surpresa graças a seu elenco coadjuvante que é cheio de energia – mesmo alguns estando já na terceira idade. Com 18 episódios, a série pode ser uma boa escolha para relembrar os velhos tempos das longas comédias semanais. – Ana Júlia Trevisan

Girls5eva (1ª temporada, Peacock) 

A história do fictício grupo Girls5eva é uma que já conhecemos, uma banda dos anos 90 que bombou por algum tempo e sumiu depois de uma série de músicas que fracassaram nas paradas. A série acompanha as integrantes do grupo 20 anos depois da sua separação, quando cada uma já tomou o seu rumo, mas resolvem retornar ao mundo da fama. Ao tentarem ingressar na cena musical, percebem o quanto tudo mudou e são tomadas pela noção de que não são mais meninas de 20 anos cantando sobre questões de jovens adultas e precisam adaptar suas músicas à nova realidade de suas vidas.

Paula Pell, Renee Elise Goldsberry, Busy Philipps e Sara Bareilles formam o grupo Girls5eva, e a escolha de elenco adiciona um toque especial de nostalgia e realidade para esse show que é repleto de referências. E, além disso, conta com participações incríveis de Andrew Rannells, Stephen Colbert e Tina Fey, que além de interpretar Dolly Parton, também assina a produção da série.  Girls5eva apareceu apenas em uma categoria do Emmy 2021: Melhor Roteiro em Comédia, concorrendo pelo Piloto escrito por Meredith Scardino. – Marcela Zogheib

The Politician (2ª temporada, Netflix) 

Apesar de não ganhar devido destaque na plataforma da Netflix, por mais um ano, The Politician garantiu indicação nas categorias técnicas, de Melhor Figurino Contemporâneo, Melhor Penteado Contemporâneo e Melhor Maquiagem Contemporânea (Não-Prostética), no Emmy 2021. A produção satiriza a política estadunidense e, não só isso, ainda destaca os erros e acertos das diferentes camadas de eleitores e candidatos ambiciosos que constroem a população do país que move o mundo. Como destaque para evidenciar todos esses problemas, Payton Hobart (Ben Platt), um adolescente rico, vive por suas aspirações políticas, e cada temporada acompanha então seus erros e acertos, em diferentes fases da vida, até sua corrida para a cadeira presidencial. 

Mas, com a atuação garantindo indicação apenas em 2020 com Bette Midler que perdeu para outra sátira para a política estadunidense, dessa vez do Saturday Night Live, a produção se destaca na categorias por seus figurinos excêntricos, extravagantes e, principalmente, irônicos por todas as cenas. Podemos sobressair então os episódios indicados, Mudança de Estratégia? e A urna (o primeiro e o sexto da segunda temporada, respectivamente). Neles, podemos ver as personagens não só satirizando as diferentes jogadas políticas, mas também podemos ver o uso correto da maquiagem, figurino e penteado que constroem de maneira ainda mais efetiva a mensagem que o criador satírico, Ryan Murphy, pretende criar. – Larissa Vieira

Made for Love (1ª temporada, HBO Max) 

A comédia do HBO Max sobre relacionamentos abusivos e tecnologia conseguiu uma única indicação no Emmy 2021. Made for Love, estrelada por Cristin Milioti, concorre à categoria de Melhor Fotografia em Comédia de Câmera Única (Meia Hora) por seu primeiro episódio, User One, que dá o tom para seu humor ácido e irônico dramatizar a vida de sua protagonista antes e depois do “término”.

Diferenciando as cenas dentro do Hub (uma prisão tecnológica capaz de tomar a forma de qualquer paisagem) e do mundo exterior através do uso inteligente de cor, iluminação e angulação, justificando a indicação de Nathaniel Goodman. Porém, é difícil que a soma dessas qualidades supere a vantagem que O Mandaloriano da Disney+ têm sobre a  categoria, principalmente levando em consideração sua vitória ano passado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Animação

Big Mouth (4ª temporada, Netflix)

Depois de render o primeiro Emmy da carreira de Maya Rudolph, a animação sacana da Netflix retornou para um novo ano. Repleto de traumas e dramas comuns nas rotinas adolescentes, Big Mouth continua expandindo sua impecável narrativa, recheada de personagens consagrados, como os sempre evolutivos protagonistas e os Monstros do Hormônio, e novas caras, em especial Natalie (Josie Totah), menina trans que protagoniza um dos plots mais interessantes do quarto ano. 

No Emmy 2021, Big Mouth concorre em Melhor Programa de Animação, submetendo o episódio The New Me, além de aparecer na lista de Melhor Performance de Voz, onde Maya Rudolph e Connie defendem o cinturão, pelo episódio A Very Special 9/11 Episode. Com a renovação já garantida, só nos resta esperar por mais momentos perfeitos do desenho. – Vitor Evangelista

South Park: The Pandemic Special (Episódio Especial, Comedy Central) 

Em setembro de 2020, foi ao ar o primeiro episódio especial de uma das séries mais irreverentes dos últimos 20 anos. Indicado ao Emmy 2021, na categoria Melhor Programa de Animação, South Park: The Pandemic Special traça o cenário caótico que se instaurou no mundo em decorrência do coronavírus.

Diante da pandemia de covid-19, The Pandemic Special satiriza a enxurrada de desinformação propagada por líderes negacionistas. De forma inédita, o episódio tenta lidar com o tema de maneira honesta, principalmente pela fala dos personagens infantis, como Stan Marsh e Eric Cartman, e tenta evocar o humor através dos típicos desvios de caráter dos personagens, mas sem apontar para a ingenuidade de terceiros — algo explorado exaustivamente em episódios anteriores da série.

A pandemia obrigou a TV a se reinventar, e, até mesmo para uma animação conhecida pela irreverência, tratar do tema sem a sinceridade necessária torna-se impossível. No entanto, South Park: The Pandemic Special é um resumo de eventos que ocorreram ao longo de 2020, e sua indicação se dá pela forma de transpor isso à animação. Uma possível vitória seria resultado do tema, e não necessariamente por alguma genialidade do episódio. – Bruno Andrade

Love, Death & Robots tem tudo para virar figurinha carimbada no Emmy: a primeira temporada da série de animação já havia marcado presença na categoria Melhor Programa Curto de Animação, e agora a continuação repete o feito. A sequência da antologia idealizada pelos diretores David Fincher e Tim Miller teve um número menor de episódios, mas que não faltou amores, mortes e robôs.

Mais uma vez, a temporada serve apenas como uma coletânea para as diferentes histórias: mesmo com o tema comum da ‘relação humanidade-tecnologia’ e da sobrevivência humana, os capítulos, completamente independentes uns dos outros, tornam cada play uma experiência diferente. Da ação à fantasia ao suspense, do stop-motion às animações em computação gráfica, a continuação de LD&R tem visual, narrativa e duração para tudo quanto é gosto e estilo. 

Na noite do Creative Arts Emmy de 2019, a estreante produção da Netflix levou o troféu na principal categoria em que foi nomeada. Novamente indicada pelo seu segundo ano na 73° edição da maior premiação da TV, talvez não seja tão arriscado assim cantar vitória antes da hora para Love, Death & Robots. – Vitória Lopes Gomez

Competição

RuPaul’s Drag Race (13ª temporada, VH1)

Mais um ano de Emmy, e mais uma temporada de RuPaul’s Drag Race indicada em diversas categorias. A 13ª corrida de RuPaul Charles, esse ano, além de algumas técnicas, vai disputar a estatueta por Melhor Direção em Reality, Melhor Apresentador em Reality ou Programa de Competição, Melhor Reality Não-Estruturado, e Melhor Programa de Competição. 

A vez de Symone, Kandy Muse, Gottmik e Rosé foi intensa e colorida. RuPaul decidiu gravar mesmo durante a pandemia, e reformulou diversos aspectos de seu programa para a segurança da equipe e de suas queens. Nada disso afetou a alma de sua competição, e assistimos o apresentador/apresentadora em seu melhor dos últimos anos; já na produção, a qualidade técnica exuberante de sempre. 

O show já coleciona três vitórias consecutivas na categoria Melhor Programa de Competição, e Charles pode levar para casa sua sexta estatueta, também consecutiva, como Melhor Apresentador. A 13ª temporada tem tudo para honrar o nome do reality na premiação, agora só precisamos aguardar quantos prêmios a Mother levará para casa. – Jho Brunhara

Legendary (2ª temporada, HBO Max) 

Em sua segunda temporada, Legendary volta ainda mais lendário. Com mudanças na produção depois da saída do público, devido a protocolos de segurança para evitar o contágio da covid-19, o reality retornou mais organizado e divertido do que já era. Com muito shade, vogue e referências a tantas áreas diferentes da cultura pop, o que se destacou foram os figurinos. O estilista Johnny Wujek e sua equipe são responsáveis pelos looks memoráveis que, se conquistaram o Law, você já sabe que foram um arraso. 

A série do HBO Max ganhou as indicações de Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética) no Emmy 2021. O episódio Pop Tart, quinto da segunda temporada, representa o reality na corrida pelo prêmio. Ao seu lado, programas fortes como RuPaul’s Drag Race e The Voice disputam pela estatueta, que será entregue no segundo fim de semana de setembro. – Mariana Chagas

Queer Eye (5ª temporada, Netflix)

Os 5 fabulosos de Queer Eye (Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France) chegaram na Filadélfia com força para a 5ª temporada do reality. Colecionando 8 estatuetas da Academia, os Fab 5 sobem ao Emmy 2021 indicados para Melhor Elenco, Direção, Apresentadores, Melhor Reality Estruturado, e mais outras 2 categorias. A nova temporada da Netflix veio em uma boa hora – no meio da pandemia de coronavírus – e com mais episódios para aquecer corações aflitos, pois a série sempre consegue lembrar o quão revolucionário, e divertido, é descobrir o amor próprio. 

Logo no primeiro episódio da temporada, A igreja LGBTQ+, Queer Eye conta a história de Noah, um pastor abertamente homossexual, e proporciona um dos momentos mais marcantes da série com a presença de diversos chefes religiosos para apoiá-lo. O episódio concorre nas categorias de Melhor Direção e Edição no Emmy 2021, junto com Tosa e Sonho, segundo da temporada nomeado para Melhor Fotografia. 

A série segue ampliando seu lindo trabalho em contar histórias, agora com 2 episódios a mais, e encontrando protagonistas mais diversos ainda do que de costume – de pastor homossexual à jovem ativista e DJ solteirão. Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan são uma dose refrescante de vida e provam quanta coragem há em amar tão incondicionalmente que são capazes de mostrar aos outros o quão lindo cada um deles é em seu ser. – Nathália Mendes

Documentário/Programa de Não-Ficção

O Dilema das Redes (The Social Dilemma, Jeff Orlowski) 

Esquecido pelo Oscar no início deste ano, o documentário da Netflix que abalou a internet em seu lançamento foi lembrado pelo Emmy 2021, até mais do que o necessário, inclusive. Acumulando nada menos do que 7 indicações, O Dilema das Redes tem pelo menos a indicação ao BAFTA em seu favor, mas não deve sair do Emmy com mais do que um troféu ou outro. A presença marcada nas categorias técnicas de Documentário ou Não-Ficção, incluindo Fotografia, Direção, Montagem, e Edição de Som, é de certo modo facilitada por todo o contexto narrativo construído dentro do filme para ilustrar os problemas que as redes sociais podem proporcionar para a sociedade.

Estranho mesmo é ver a indicação a Roteiro em Programa de Não-Ficção, considerando que o documentário é do início ao fim acompanhado de uma trama fictícia patética. As composições musicais originais, também indicadas à premiação, dão aquele tom de suspense forçado quase a nível de vídeos de teorias da conspiração do YouTube, mas ao final, Jeff Orlowski parece entender que, apesar dos exageros, essa seria a forma mais eficiente de levar a mensagem a mais pessoas. Não por acaso, a empreitada deu certo: o documentário coroou sua presença no Emmy 2021 com as indicações a Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção, e Direção no mesmo formato. – João Batista Signorelli

As Mortes de Dick Johnson (Dick Johnson Is Dead, Kirsten Johnson) 

A morte pode ser considerada um grande tabu para a cultura ocidental e é raro ver esse processo natural da vida sendo tratado com tanta franqueza quanto em As Mortes de Dick Johnson. No documentário, a diretora Kirsten Johnson e seu pai, Richard, encenam a morte dele com criatividade e um humor sombrio como forma de lidar com o inevitável. 

É um filme bem peculiar na forma excêntrica como lida com a morte. O impacto que consegue provocar no espectador é gigante graças aos esforços da diretora em captar os momentos de fragilidade dela, do pai e vários outros à sua volta. No Emmy 2021, recebeu 3 indicações nas categorias Melhor Fotografia em Programa de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção e Mérito Excepcional em Documentário. – Caio Machado

Tina (Idem, Daniel Lindsay e T. J. Martin)

O Grammy não é o suficiente para contemplar o impacto cultural de Tina Turner. No gran finale de seus aclamados mais de 60 anos de carreira, a artista reverencia sua própria trajetória e almeja a maior premiação da TV em Tina, o documentário definitivo sobre carreira que encerra a vida pública de uma das maiores cantoras de todos os tempos. 

Rico em camadas, assim como a Rainha do Rock ‘n’ Roll, o filme da dupla oscarizada Daniel Lindsay e T. J. Martin é o lugar onde os devidos encerramentos de arcos acontecem. Compreendendo a complexidade da artista, Tina toca em feridas, celebra conquistas e marca a memória da lenda viva de sua protagonista, abordando desde aspectos delicados de sua vida até o seu absoluto estrelado.

A magnitude do filme faz jus a obra de vida da artista e alcança em três indicações ao Emmy 2021. Concorrendo a Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção, Tina é mais do que digno para a despedida de uma estrela como Tina Turner. – Raquel Dutra

Boys State (Idem, Amanda McBaine e Jesse Moss)

Coube ao Emmy reconhecer Boys State. Depois de estrear com sucesso no Festival de Sundance de 2020, o filme criou um burburinho digno de Oscar, mas se enfraqueceu ao longo do ano que corou Professor Polvo como o Melhor Documentário. Então, o Oscar da TV, como sempre um pouco mais sensato em suas nomeações, indica o longa de Amanda McBaine e Jesse Moss em duas merecidas categorias: Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção. 

Na companhia de superproduções sobre estrelas da Música e outros filmes esquecidos pelo Oscar, Boys State se desloca do padrão narrativo da categoria para pensar sobre política e juventude. Sua história se dá a partir de um programa de educação cidadã do Texas organizado pela Legião Americana, entidade formada por veteranos de guerra estadunidenses. Todo ano, os membros da instituição escolhem 1.200 jovens para participar do projeto que cria o Estado dos Meninos, onde eles vivem a experiência de construir um governo do zero.

Entre algumas polêmicas sobre as movimentações dos garotos que têm um vislumbre de poder nas mãos, McBaine e Moss resolveram registrar a edição de 2018 do projeto. E o que o documentário encontra é surpreendentemente esperado, numa direção precisa, que não necessita de nada além da observação para tecer sua narrativa. O filme mistura suas chances aos concorrentes do Emmy 2021, mas a sua mensagem é uma das mais alarmantes: ao visitar o Estado dos Meninos, Boys State nos faz perceber que já vivemos nele. – Raquel Dutra

The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart (Idem, Frank Marshall)

“Como você pode remendar um coração partido?” questionavam-se os Bee Gees em um de seus momentos de sucesso em 1971; questionam-se os fãs de Barry, Maurice e Robin Gibb compreendendo o legado que o grupo deixou em 2021, e questiona o documentário que busca compreender a história e obra do fenômeno musical daquele grupo de irmãos. E o processo não é fácil, The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart faz questão de avisar. 

A trajetória da banda que despontou 50 anos atrás numa febre comparável a dos Beatles, inicialmente com explosões românticas harmoniosas e depois com a consolidação da era disco, é repleta de altos e baixos, tanto pela perspectiva de jovens artistas em ascensão, quanto pelo olhar da banda como um negócio de família. Assim, o filme de Frank Marshall tem o difícil trabalho de coordenar o grande volume de informação que constrói aqueles 40 anos de idas e vindas dos Bee Gees, mas encontra seu caminho alcançando seis indicações ao Emmy 2021.

Como um dos maiores vendedores de discos de todos os tempos, que passou por diversas mudanças de gêneros, estilos e dinâmicas, o grupo finalmente tem um documentário que prefere compreendê-los antes de qualquer preferência narrativa. O que significa que The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart tem de realizar alguns sacrifícios, com seu público, mas nada que prejudique aqueles que ainda guardam a banda numa fenda do coração. – Raquel Dutra

Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre (Idem, Stanley Nelson)

Em 1921, na cidade de Tulsa, estado de Oklahoma, Estados Unidos, o distrito de Greenwood, na época uma das comunidades negras mais prósperas do país, foi invadido e destruído por um grupo de supremacistas brancos. O ataque se estendeu por 18 horas, intervalo de tempo que os racistas levaram para saquear e incendiar mais de mil casas e estabelecimentos comerciais, desabrigar cerca de 10 mil pessoas e assassinar 300.

Visto como um dos capítulos mais violentos da longa e terrível história que os Estados Unidos carregam sobre as suas relações raciais, o Massacre de Tulsa é quase inexistente na memória coletiva do país. Em 2019, então, às vésperas do marco de um século daquele banho de sangue racista, Watchmen trouxe a questão à tona ao se transformar em uma das produções mais celebradas da maior premiação da TV. E em 2021, depois dos 100 anos do massacre de Tulsa, Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre documenta horror daquele maio de 1921. 

Como resposta, a indústria cultural norte-americana parece finalmente ter um vislumbre de compreensão da sua responsabilidade em pautar e reverberar discussões relevantes, depois do levante contra o racismo que os Estados Unidos viu no ano passado. Mas ainda não completamente, já que o reconhecimento que a Academia de TV guardou para o documentário do já premiado Stanley Nelson se reservou à três indicações ao Emmy 2021 (Melhor Roteiro, Melhor Edição de Som e Melhor Composição Musical em Programa de Não-Ficção), e nenhuma delas é na categoria principal. – Raquel Dutra

David Byrne’s American Utopia (Idem, Spike Lee) 

Em 1984, David Byrne ainda era vocalista do Talking Heads. Além dos sucessos, como Psycho Killer e Once In a Lifetime, a banda também ficou marcada pelo icônico Stop Making Sense, filme-concerto dirigido por Jonathan Demme. 

Em 2020, o Talking Heads já não está mais na ativa. Mas David Byrne retornou para liderar outro show, American Utopia, com outra banda, um terno adequado para seu tamanho e sob direção de Spike Lee. 

Mesmo depois de quase quarenta anos, David Byrne continua com muita energia e entrega uma apresentação emocionante e cheia de vida. Recebeu 6 indicações ao Emmy 2021, com destaque para Melhor Direção Musical e Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado). – Caio Machado

Billie Eilish: The World’s A Little Blurry (Idem, R. J. Cutler)  

Entre um namoro falho, uma primeira apresentação no Coachella e a criação de um Álbum do Ano, o mundo de Billie Eilish estava um pouco embaçado. A Artista Revelação no Grammy de 2020 nos leva para dentro de sua casa no intimista documentário dirigido por R.J. Cutler, que acompanha a ascensão repentina da jovem. 

Indicado ao Emmy, o filme concorre em quatro categorias: Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, Melhor Direção Musical, Melhor Edição de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção (Única ou Múltiplas Câmeras) e Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção (Única ou Múltiplas Câmeras). Lançado no início de 2021, Billie Eilish: The World’s A Little Blurry é mais um sucesso da cantora. – Mariana Chagas

Bem-vindo a Chechênia (Welcome To Chechnya, David France)

Sempre nos perguntamos como sociedades assistiram genocídios acontecerem ao longo da História do mundo e não fizeram de tudo para impedir que continuassem. A comunidade LGBTQIA+ da Chechênia também não tem a resposta. Quando esse pequeno fragmento de texto foi escrito, e, agora, enquanto está sendo lido, chechenos que não se encaixam na cisheteronormatividade enfrentaram e enfrentam tortura física e psicológica em campos de concentração. Tortura, essa, que, em muitos casos, leva à morte, seja por decorrência da gravidade das agressões, ou em casos de suicídio, a única opção que encontram para fugir da dor. 

Bem-vindo a Chechênia, indicado ao Emmy 2021 em Mérito Excepcional em Documentário, denuncia um Estado cruel, comandado pelo ditador genocida Ramzan Kadyrov, apoiado por Vladimir Putin, e nos mostra as forças daqueles que tentam fugir ou salvar os que agonizam em medo e sofrimento. Os meios que o diretor David France utiliza para construir a técnica de seu longa parecem perder a importância aqui, diante de tamanha gravidade e urgência da situação. Pessoas estão morrendo. Em pleno século 21, estão sendo torturadas e morrendo em campos de concentração, desde 2017, apenas por serem quem elas são. Esse é um filme que seus relatos sobressaem a produção, sobressaem festivais e premiações, e marcam diretamente a parte da história infeliz e horrorosa da humanidade. – Jho Brunhara

Allen contra Farrow (Allen v. Farrow, Minissérie Documental, HBO) 

Que Woody Allen é um homem repugnante já não é novidade para muita gente. Mas a minissérie documental Allen contra Farrow faz questão de compilar anos e anos de sofrimento de toda uma família, em consequência do abuso sexual sofrido por Dylan Farrow e causado por ele próprio, que também é seu pai adotivo. Dividida em 4 episódios, a produção da HBO explora os traumas vividos pela escritora, que finalmente teve a chance de usar sua voz para derrubar a máscara do aparente indefeso nova-iorquino.

A obra dirigida por Kirby Dick e Amy Ziering cutuca todas as feridas do aclamado cineasta, culminando em um processo praticamente condenatório pela série de evidências e depoimentos que reúne, deixando apenas de mostrar o lado do acusado (mas não por falta de tentativas). E, passando por cima das críticas de Allen, a série conseguiu 7 indicações no Emmy 2021, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, em que tem grandes chances de sair vitoriosa. Os criadores ainda se garantiram em Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção e Roteiro em Programa de Não-Ficção. Ver Allen contra Farrow ganhar uma estatueta seria não apenas um grande passo para a merecida queda de Woody Allen, como também um respiro de alívio necessário para Dylan. – Vitória Silva

Faz de Conta que NY é uma Cidade (Pretend It’s A City, Minissérie Documental, Netflix) 

Faz de Conta que NY é uma Cidade é um passeio pela Grande Maçã estadunidense, por meio dos comentários da escritora Fran Lebowitz e sob o olhar de seu amigo de longa data Martin Scorsese. A minissérie documental da Netflix se apoia na visão da protagonista, que divide uma relação de anos com a cidade que nunca dorme e compartilha suas opiniões fortes em conversas de bar com o aclamado diretor, que também carrega um histórico de produções ambientadas na cidade. 

A produção garantiu uma indicação no Emmy 2021, em Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, disputando com o peso pesado de Allen contra Farrow e os nomes American Masters, City So Real e Secrets of the Whales. Lebowitz e Scorsese ainda entraram na conta como produtores executivos, além de nos entreterem muito bem em meio ao faladeiro da escritora com a risada simpática do diretor ao fundo. – Vitória Silva

Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela (Framing Britney Spears, Globoplay)

Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela, documentário que ganhou as manchetes ao lado do movimento #FreeBritney, é um grande dossiê da vida da artista, seus acertos, erros, sua relação pública problemática com a família, e, principalmente, a perseguição midiática que a aterrorizou e a afetou para sempre. Indicado ao Emmy 2021 nas categorias Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção e Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção, a produção do The New York Times, além de um grande pedido de desculpas, também ajudou a denunciar para o mundo o que estava se passando na família Spears. 

Em agosto, o pai de Britney Spears cedeu, pela primeira vez, à posição de tutor na conservadoria da cantora. Jamie Spears demonstrou interesse em deixar a função e permitir que outra pessoa assuma seu lugar. Seja por consequência da pressão pública que o documentário gerou ou não, preferimos acreditar que sim. Por enquanto, Framing Britney Spears lidera as chances de vitória na categoria de Melhor Documentário, mas a melhor conquista sempre será a chance de Britney retomar sua liberdade. – Jho Brunhara

Drama

Pose (3ª temporada, FX)

Pose, a lendária série com o maior elenco trans e negro da TV, chegou ao fim em sua terceira temporada. Exibida pelo FX, a produção se despediu com o gracejo costumeiro da trama da família Evangelista, ao mesmo tempo em que pontuou importantes discussões sociais e históricas que a comunidade trans viveu nos anos oitenta e noventa. O estrondo do ano três, menos interessado em expor feridas dolorosas que o passado, rendeu à Pose uma avalanche de indicações ao Emmy 2021.

Além de figurar em categorias técnicas que dizem respeito a Maquiagem, Figurino, e um Especial em Reality que discute a relevância de Pose, a obra apareceu em Série de Drama, em Ator (pela terceira vez para Billy Porter) e em Atriz, para Mj Rodriguez (que se tornou a primeira pessoa trans indicada a um Emmy de atuação principal). Steven Canals apareceu na lista de Direção pela Series Finale, episódio agraciado com uma menção em Roteiro, que abarcou todas as mentes que tiraram Pose do papel e marcaram-na na História.

Se os Evangelista de Nova York vão conseguir desbancar a azeda família real de The Crown, só o dia dezenove de setembro dirá, mas a relevância e a importância de Pose, por si só, já valem mais que qualquer troféu dourado. Mas que bom seria ver alguém em cima do palco, agradecendo a existência e a possibilidade de ter criado algo tão genuíno e tocante quanto essas três temporadas. É uma pena, porém, que Dominique Jackson e Indya Moore tenham sido esnobadas, para no lugar delas o Emmy encher a categoria de Atriz Coadjuvante com performances aquém e que só entraram pelo lobby massivo da série da Rainha e daquele bando de aias. – Vitor Evangelista

The Crown (4ª temporada, Netflix)

A Netflix nunca esteve tão perto de vencer o Emmy de Melhor Série como está em 2021. Sempre antes ofuscada pela glória da HBO ou ficando atrás da simpatia do Amazon Prime Video, os anos pandêmicos foram produtivos para a gigante do streaming, que gravou o quarto ano de sua maior produção entre agosto de 2019 e março de 2020. Assim, The Crown sai na frente de todos os outros serviços cujos cursos de produção foram prejudicados com o seu melhor ano – até o momento -, explorando os mais atraentes aspectos da história da realeza britânica.

Por si só, o encanto da 4ª temporada de The Crown era irresistível, e ela sabia bem disso. Então, ambiciosa que só, a série eleva para além tudo o que já apresentou nos anos anteriores: roteiros repletos de camadas, direção precisa, elenco de excelência, riqueza visual e intertextual…  Cada elemento que colocou a superprodução da Netflix e sua ficcionalizada família real nas telas do mundo todo alcance seu auge. A Rainha inabalável (Olivia Colman) está repleta de hesitações; o Príncipe (Josh O’Connor) se transforma em monstro; o monstro (Tobias Menzies) se transforma em Príncipe; a Princesa (Helena Bonham Carter) se mostra muito maior que seus mais elevados e profanos títulos; a Dama de Ferro (Gillian Anderson) sofre seus derretimentos; e Lady Di (Emma Corrin) abala todo sistema da realeza com apenas um sorriso.

O fenômeno da quarta temporada no Emmy 2021 é gigantesco: todo o elenco principal está indicado em suas respectivas categorias, a equipe de roteiro é reconhecida e a direção uníssona da série é aclamada, cada um em seus devidos episódios. Mesmo os novatos dentre as seis categorias de atuação são os favoritos, junto da pressão da avalanche de Anderson, do efeito do retorno de Claire Foy e Charles Dance e do impacto do Oscar para a personagem de Emerald Fennell. Como a série mais indicada da noite, que aparece em todas as categorias principais de seu gênero, The Crown vai clamar na noite do dia 19 de setembro: Deus salve a Rainha. – Raquel Dutra

Lovecraft Country (1ª temporada, HBO) 

Após a HBO ter criminalmente escolhido não renovar o drama de terror e ficção científica Lovecraft Country para um segundo ano, a obra de Misha Green, adaptada do livro de Matt Ruff, tomou nova vida quando foi nomeada a 18 categorias do Emmy 2021. Mesmo que a ciclo da série termine aqui, seu legado se concretiza na vitória ao ser indicada junto das maiores produções do ano, superando as dificuldades que o gênero de terror enfrenta para ser reconhecido, à começar pelo roteiro de Green, indicada pelo episódio Sundown, que magistralmente insere seus personagens em um mundo estranho e deturpado antes por racismo do que por monstros.

Apesar de ter ficado de fora da categoria de Direção, foi bom ver seus intérpretes sendo reconhecidos de maneira geral: além de Jurnee Smollett e Jonathan Majors (ambos indicados pela primeira vez), que competem nas principais por darem vida ao par de Leti e Tic em sua jornada pelo desconhecido, Aunjanue Ellis compete por Atriz Coadjuvante graças à sua performance altamente introspectiva como Hippolyta no episódio I Am., além de Courtney B. Vance, indicado como Ator Convidado por seu trabalho em Whitey’s on the Moon. Porém, Lovecraft Country infelizmente se despede com uma tragédia: a morte do ator Michael K. Williams, indicado pela quarta vez como Ator Coadjuvante (única das categorias de atuação que nunca foi vencida por um negro) por sua interpretação transformativa de Montrose Freeman e uma vida não só de traumas e arrependimentos, mas também esperança. O ator recebe sua última indicação por sua performance no episódio Rewind 1921, que recria o Massacre de Tulsa em toda a sua monstruosidade e faz com que Montrose encare fantasmas de seu passado.

Mesmo com tantas indicações, tanto nas categorias principais quanto nas técnicas, fica a dúvida: será que a produção pode, de surpresa, abocanhar os maiores prêmios da noite, incluindo a cobiçada estatueta de Melhor Série de Drama? Não parece provável, dada a competição forte da já premiada The Crown na categoria. Porém, se tem uma lição que tiramos de Lovecraft Country, é que as coisas mais estranhas tendem a acontecer quando menos se espera – e quando mais se precisa. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Mandalorian (2ª temporada, Disney+)

Liderando o número de indicações com 24 nomeações tanto nas categorias técnicas quanto nas principais, a segunda temporada de O Mandaloriano certamente voltou às telas do Disney+ com toda a pompa que uma série de Star Wars merece. Porém, assim como em 2020, é improvável que o hype por trás da série de Jon Favreau impulsione a produção a concorrer com os pesos pesados da categoria de Drama.

Por mais que sua trama desajeitada pule de planeta em planeta em busca de sentido, é difícil negar as chances que o seriado têm de passar o rodo nas categorias de Fotografia, Trilha Sonora, Efeitos Especiais, entre outras (que ela mesmo conquistou no ano anterior). Timothy Olyphant e Carl Weathers, indicados como atores convidados por seus papéis nos capítulos 9 (O Xerife) e 12 (O Cerco), respectivamente, talvez encontrem sua chance entre The Crown e Lovecraft Country, e o Moff Gideon de Giancarlo Esposito (indicado pelo último capítulo da temporada, O Resgate) não é um dos nomes mais improváveis na categoria de Ator Coadjuvante.

Dito isso, ainda é difícil ver alguma chance da produção levando as estatuetas de Direção (Capítulo 9: O Xerife) ou Roteiro (Capítulo 13: A Jedi e Capítulo 16: O Resgate) para casa, dada a forte competição e a própria qualidade dos episódios. Mesmo com uma campanha forte por parte de seu streaming, O Mandaloriano simplesmente não é uma concorrente séria ao prêmio de Melhor Drama. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O Conto da Aia (The Handmaid’s Tale, 4ª temporada, Hulu/Paramount+)

The Handmaid’s Tale vive uma jornada de altos e baixos na TV. O ano inicial venceu o Emmy de Drama (até hoje a única produção de streaming a conseguir o feito), o segundo e o terceiro decepcionaram e a quarta temporada retomou o fogaréu que os votantes da Academia aparentemente amam.

Com 10 indicações só para seus atores, a série retorna ao Emmy como uma verdadeira ameaça ao reinado supremo de The Crown. Dessa vez, a trama finalmente tira June de Gilead e prepara as aias e as Tias para o iminente combate que, com fé, acontecerá no quinto e último ano. Elisabeth Moss retorna a corrida de Atriz, enquanto Ann Dowd, Yvonne Strahovski e Samira Wiley aparecem em Atriz Coadjuvante, ao lado da novata Madeline Brewer.

Em Ator Coadjuvante, Bradley Whitford dá as boas-vindas aos fresquinhos O-T Fagbenle e Max Minghella. Na categoria de Atriz Convidada, Alexis Bledel está na companhia da jovem Mckenna Grace, de apenas 15 anos. The Handmaid’s Tale emplacou nomeações em Direção (The Wilderness) e em Roteiro (Home), provando que, com a quantidade certa de faísca e boa vontade, até a mais morte das produções relevantes do momento pode voltar a vida. – Vitor Evangelista

Bridgerton (1ª temporada, Netflix) 

Todo mundo sabia que Bridgerton era extremamente esperada no catálogo da Netflix. Agora, o sucesso estrondoso da série logo nas primeiras semanas, que se tornou a mais assistida da história da plataforma, foi novidade. Pouco menos de um ano depois, a família com um abecedário de filhos protagonizou outra surpresa: foram 12 indicações no Emmy 2021. 

Nas categorias técnicas, Bridgerton emplacou o que se é esperado de uma trama de época, com indicações em Figurino, Design de Produção e Cabelo e Maquiagem. Julie Anne Robinson, por sua vez, agarrou sua vaga em Melhor Direção em Drama pelo piloto da temporada, Diamante raro, que nos introduz à fértil família Bridgerton e às fofocas deliciosas de Lady Whistledown. Por falar nela, a verdadeira rainha da série, Julie Andrews espalhou tanto boato que garantiu um espacinho na categoria de Melhor Performance em Voz. 

Mas foi ler o nome da produção em Melhor Série de Drama e Melhor Ator em Drama que tirou suspiros dos que acompanham a maior premiação da TV. Claro que, no fim das contas, a realeza de The Crown não vai deixar sobrar estatueta nenhuma, mas os amantes da série podem ser felizes por enquanto. Curiosamente, o único indicado em atuação não carrega o sobrenome Bridgerton no nome: responsável pelo sucesso supremo da produção, o Duque de Hastings de Regé-Jean Page esbanjou talento suficiente para marcar seu nome no Emmy. Premiado ou não, o Duque não vai ser apagado tão fácil do imaginário popular. – Caroline Campos

The Boys (2ª temporada, Amazon Prime Video) 

Mais frenética, violenta e política, a segunda temporada de The Boys tascou indicações nas principais categorias do Emmy 2021. Na continuação da série original do Amazon Prime Video, os absurdos gráficos se conciliaram à narrativa central e ao desenvolvimentos dos personagens – Kimiko, Frenchie e Rainha Maeve ganharam alguns minutos a mais, Billy Bruto reencontrou seu cachorro, Capitão Pátria ficou mais sádico a cada episódio. 

Entre tantos heróis vilões e mocinhos anti-heróis, sobrou tempo para trazer a ficção para perto demais, com as críticas sociais mais presentes do que no já magnífico e provocador primeiro ano. Do seu jeitinho satírico e sarcástico, a segunda temporada abordou xenofobia, manipulação midiática, alienação pelas redes sociais, o reaparecimento de grupos neonazistas e, claro, não esqueceu do cerne da premissa, os absurdos e consequências do capitalismo. 

The Boys é de explodir a cabeça e, além de marcar presença nas grandiosas Melhor Série de Drama e Melhor Roteiro em Drama, ainda tascou indicações em Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme e em outras categorias técnicas. Infelizmente, na noite principal do Emmy, a segunda temporada seria zebra. Ou quem sabe? A série bem sabe como fazer um plot twist. – Vitória Lopes Gomez

This Is Us (5ª temporada, NBC)

Se mantendo como a única representante originária da TV aberta na corrida de Drama do Emmy, a quinta temporada de This Is Us continua incrível, mas o prestígio da Academia parece ter se esvaído um pouco. Sterling K. Brown, que venceu pelo ano um, retorna para sua quinta nomeação pelo papel de Randall Pearson. Ele submeteu um dos episódios iniciais da leva, que ressoam na alma do personagem, completamente focado em entender suas raízes e conhecer sua mãe biológica.

Quem também está na lista dos atores nomeados é Chris Sullivan. Na categoria de Coadjuvante em que havia aparecido apenas uma vez antes, ele escolheu o episódio onde espera o nascimento de sua filha, do lado de fora do hospital por conta dos protocolos sanitários de combate à pandemia. A questão do coronavírus, diga-se de passagem, foi muito bem incrementada na narrativa da NBC, se integrando facilmente às tramas cotidianas da família. Phylicia Rashad, a atriz que interpreta a mãe de Beth, foi lembrada como Convidada, e submeteu o capítulo em que se torna um farol de segurança para a neta queer. This Is Us ainda apareceu em listas de Maquiagem e Trilha, além de figurar em Melhor Série de Drama, com chances quase nulas de vencer. – Vitor Evangelista

Euphoria – Parte 1: Rue (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Euphoria terminou sua primeira – e fantástica – temporada com um xeque-mate: a cena da recaída de Rue em que finalmente a música All For Us ganha a voz de Zendaya. Mas antes de retomar a melancólica e autodestrutiva história dos jovens da série, o diretor e roteirista Sam Levinson dá mais uma hora inteira para a dor de Rue na primeira parte do Especial de Euphoria. Se a estatueta de Zendaya já mostrou sua atuação espetacular, o episódio Trouble Don’t Last Always veio para mais e foi indicado à Melhor Fotografia para Série de Câmera Única (Uma Hora), com o retrato minucioso de Marcell Rév para o Emmy 2021.

Numa lanchonete qualquer em plena noite de Natal, Rue e Ali (Colman Domingo) têm uma longa e complexa conversa sobre vício, vida e morte, e família. Depois da protagonista ser abandonada por seu amor Jules, teve uma recaída – mesmo que negue. Mas, como tudo em Euphoria, o episódio transcende a própria trama para perguntar ao mundo se a consciência humana suporta o caos da existência. A arte criada na Parte 1 do Especial deixa qualquer um preso na dimensão de Euphoria. Marcell Rév foi capaz de transmitir o sofrimento profundo apenas pela sua câmera, e isso foi tão incrível quanto insuportável de assistir sem levar grande parte da dor, não é atoa que o Emmy o espera. – Nathália Mendes

Euphoria – Parte 2: Jules (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Toda a genialidade do Especial de Euphoria mora na arte de falar tanto em cenas tão estáticas. Se isso já aconteceu na longa conversa de Rue (Zendaya) e Ali (Colman Domingo) na primeira parte, o segundo episódio veio para desenhar o que é uma obra estética e emocionalmente perfeita. Dessa vez, o protagonismo de Jules (Hunter Schafer) leva duas indicações ao Emmy 2021 com Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, e narra, pela primeira vez, a história sob seus olhos. Como parte da terapia de Jules, o episódio é uma peça solo, quase como se tentasse contar a um estranho quantos sentimentos borbulham no peito de uma adolescente trans que havia deixado uma namorada viciada.

As indicações da Academia vieram nas categorias de Melhor Figurino e Maquiagem Contemporânea, o que é interessante para um episódio que celebra a nudez de Jules e a faz questionar a imagem feminina que possuía. Ela entra vestida apenas com as suas memórias e o peso da culpa, e como uma lagarta entrando em seu casulo, repensa sua própria construção de mulher trans. A Parte 2 do Especial de Euphoria consegue mostrar uma personagem emocionalmente complexa que transcende a série e a própria Hunter, tudo isso visto apenas pelo reflexo dos olhos azuis de Jules. – Nathália Mendes

Perry Mason (1ª temporada, HBO) 

A nova versão de Perry Mason, famoso advogado da literatura americana, puxa para um lado mais sombrio que prévias adaptações televisivas, mas ainda se apoia nos mesmos arquétipos para contar sua história de investigação e luta por justiça. Isso reflete no seu número modesto de indicações, que prestigiam os aspectos mais óbvios de sua produção, em detrimento de alguns que poderiam ser melhor apreciados.

Matthew Rhys, indicado pela quarta vez à estatueta de Melhor Ator em Drama, encarna a pele do advogado titular com toda a amargura que esperamos ver de um detetive noir deprimido se agarrando ao último caso, e sua transformação em defensor dos inocentes no último episódio da temporada (Capítulo Oito) emociona, mas não inspira. Já John Lithgow, indicado a Melhor Ator Coadjuvante em Drama, trabalha bem com o mentor idoso de Mason e, por mais que seu papel termine mais cedo do que o esperado, sua participação no Capítulo Quatro marca a série enormemente.

Foi decepcionante não ver a releitura de Della Street feita por Juliet Rylance sendo reconhecida, já que a importância para a resolução do caso e seu papel na narrativa seja inestimável. Já nas categorias técnicas, a primeira temporada da produção da HBO tem mais chances de ganhar em Melhor Fotografia em Drama de Câmera Única (Uma Hora) e Design de Produção, por seus ângulos contrastantes e sua recriação meticulosa de uma Los Angeles no meio da Grande Depressão. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ratched (1ª temporada, Netflix) 

Ratched nunca se propôs a ser nada além de uma divertida releitura da origem da enfermeira que rendeu um Oscar para Louise Fletcher em 1976. A primeira temporada dessa satírica reinvenção sádica de Mildred Ratched surpreendeu com nomeações importantes no Globo de Ouro, mas o fiasco e a erupção da HFPA pareceu amedrontar qualquer chance das indicações se repetirem com a Academia.

Sem Sarah Paulson ou Cynthia Nixon aparecendo em listas onde não mereciam estar, o Emmy honrou, além de menções aos pomposos figurinos, maquiagem e penteados, a melhor parte de Ratched: a selvagem performance de Sophie Okonedo, que vive Charlotte, uma paciente com múltiplas personalidades. Sua escolha de consideração com o episódio The Dance, onde a mulher explode depois de sua breve recuperação, deveria-lhe render o cobiçado troféu dourado.

Infelizmente, o histórico da categoria de Melhor Atriz Convidada em Drama aponta um favoritismo injusto para com a carreira das artistas indicadas, ao invés da avaliação dos trabalhos atuais. Em um ecossistema habitado por aias e por uma aparição relâmpago da antiga Rainha de The Crown, Okonedo se apequena. Uma pena, considerando que Ratched passa de monótona para insuportável e termina como enfadonha, o mínimo a se fazer seria recompensar a única parcela verdadeiramente positiva dessa bagunça colorida da Netflix, certo? – Vitor Evangelista

In Treatment (4ª temporada, HBO)

A série In Treatment rendeu apenas uma indicação no Emmy 2021, mas ela já é mais do que simbólica. Uzo Aduba concorre por Melhor Atriz em Drama, uma das maiores categorias da premiação, e conseguiu esse feito interpretando a primeira protagonista de sua carreira, Dra. Brooke Taylor, que se encontra com questões da própria atriz ao passar por um estágio de luto ao longo da temporada. Uzo perdeu sua mãe para o câncer no ano passado, 3 meses após discursar em sua vitória no Emmy 2020 por seu papel como Shirley Chisholm em Mrs. America.

Junto a essa conquista, somam-se outras duas por seu icônico papel como Crazy Eyes em Orange is the New Black, que a consagrou como a única atriz a vencer em Drama e Comédia pela mesma personagem. Mesmo precisando superar o batalhão de Emma Corrin, por The Crown, ou a força de Mj Rodriguez, por Pose, a indicação de Uzo em uma categoria de peso como essa é apenas mais um registro da sua potência como atriz. – Vitória Silva

The Umbrella Academy (2ª temporada, Netflix)

Dispersos pelo tempo, os irmãos Hargreeves tascaram logo quatro indicações no Emmy Criativo de 2021. Se os entes queridos, mas distantes dependeram de um conflito em comum para se reconectarem, a ameaça do apocalipse ainda não foi resolvida e é motivo o suficiente para mais uma reunião familiar na segunda temporada de The Umbrella Academy. De novo, cabe a Cinco (Aidan Gallagher) juntar os irmãos. 

O único problema é que, partindo de onde a primeira temporada terminou, cada um dos seis foi parar em um lugar diferente – ou melhor, em um tempo diferente. Agora que os poderes, a dinâmica familiar e a infância conturbada já foram explorados, a continuação foca nos personagens individualmente. As diferentes personalidades, as situações em que se metem e o companheirismo entre os irmãos rendem uma temporada mais leve, dinâmica e ainda mais divertida, que pode levar The Umbrella Academy ao palco quatro vezes na primeira noite do maior evento da TV. – Vitória Lopes Gomez

O Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier, 1ª temporada, Disney+)

Nem Don Cheadle acreditou em sua 11ª indicação ao Emmy. Tomando menos de dois minutos do tempo de tela do primeiro episódio de Falcão e o Soldado Invernal, o ator que vive James Rhodes desde Homem de Ferro 2 fez o suficiente para conquistar a atenção e o respeito da Academia como um dos Melhores Atores Convidados em Drama de 2021.

Uma indicação nessa disputa era esperada, mas do outro lado e com Julia Louis-Dreyfus e sua cretina Val. O status de Dreyfus, uma das maiores vencedoras do Emmy da história, acabou eclipsado pela armadura do Máquina de Combate que, embora aqui faça uma pontinha de luxo, logo ganhará uma série do Disney+ para chamar de sua: Armor Wars.

As aventuras de Sam (Anthony Mackie) e Bucky (Sebastian Stan) ficaram restritas apenas a essa menção principal, enquanto o fuzuê de Wanda e Visão se sagrou uma das produções mais lembradas do ano. Indicada para mais 4 Emmys técnicos, a história de Falcão e o Soldado Invernal segue os eventos cataclísmicos de Vingadores: Ultimato, colocando os dois parceiros do Capitão América em salas de terapia e campos de batalha, tudo para decidir, de uma vez por todas, quem carregará o legado de Steve Rogers. – Vitor Evangelista

Especial de Variedades

Friends: The Reunion (Ben Winston, HBO Max)

É claro que o reencontro do grupo de amigos mais queridos da Televisão não iria ficar de fora do Emmy 2021. A produção do HBO Max gravada já em tempos pandêmicos garantiu 4 indicações na premiação, em Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), Melhor Design de Produção em Especial de Variedades, Melhor Direção em Especial de Variedades e Melhor Design de Iluminação/Direção de Iluminação para Especial de Variedades. E ainda fez justiça por Courteney Cox, que era a única dos Friends que ainda não tinha sido concedida a honraria de concorrer à estatueta. 

Friends: The Reunion contou não só como a primeira reunião televisionada dos intérpretes de Rachel, Joey, Ross, Chandler, Phoebe e Monica após 17 anos, mas também como a realização dos fãs de uma das maiores séries de conforto dos últimos tempos. A recriação dos cenários, retorno de antigos personagens e a releitura das cenas foram a combinação perfeita de aquilo que nem sabíamos que era exatamente o que precisávamos.

Além de concretizar que Ross e Rachel tinham sim dado um tempo, nos deu a certeza de que, a partir de agora, não há mais o que esperar: Friends definitivamente acabou. Mesmo com a emocionante reunião, Friends: The Reunion não tem muitas chances de desbancar a grandiosidade de Hamilton ou do também musical, mas em estilo home office, Bo Burnham: Inside. Ainda sim, ver os 6 amigos serem lembrados na premiação é o toque final de uma longa espera. – Vitória Silva

Bo Burnham: Inside (Bo Burnham, Netflix) 

O indescritível especial de comédia que não se parece em nada com um especial de comédia (talvez porque não seja) lançado pela Netflix mais cedo neste ano, dá outro sentido à expressão one-man show. Todas as seis indicações são atribuídas unicamente a Bo Burnham, com exceção de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), compartilhada com o produtor Josh Senior. A concorrência na categoria é grande: Burnham compete com Dave Chappelle, David Byrne, Friends, e Hamilton. Ainda assim, ele tem grandes chances de sair recordista da cerimônia, caso se equipare ou supere a barreira de 4 prêmios entregues a uma mesma pessoa em um mesmo ano, feito conquistado apenas 3 vezes na história da premiação. 

Gravado ao longo de 2020 por Burnham no quarto de seu quintal, Inside foi reconhecido também nas categorias de Direção, Montagem, e Roteiro em Especial de Variedades, provando o quão grande um projeto aparentemente pequeno pode se tornar. A coroação do Especial vem com suas duas indicações às categorias gerais de Direção Musical e Canção e Letra Originais para Comedy. Com seus múltiplos talentos reconhecidos, Bo Burnham tem todas as razões para brilhar no Emmy 2021. – João Batista Signorelli

Hamilton (Thomas Kail, Disney+) 

A história do órfão nascido no Caribe que se tornou um dos principais pai-fundadores dos Estados Unidos já conquistou a todos desde seu nascimento. No seu ano de estreia na Broadway, o musical escrito por Lin-Manuel Miranda ganhou 11 dos 16 Tonys pelos quais foi indicado, incluindo Melhor Musical e Melhor Trilha Sonora. Além disso, venceu um Grammy de Melhor Álbum de Teatro Musical e foi votado pela audiência no site da Broadway como Melhor Novo Musical do ano de 2016.

Em 2020, Hamilton finalmente teve seu tão esperado lançamento em filme, conquistando diversas indicações no Emmy desse ano. Ao começar pelos prêmios de atuação, o musical está concorrendo a 5 nas categorias de coadjuvante com Daveed Diggs como Marquis de Lafayette e Thomas Jefferson, Jonathan Groff como Rei George, Anthony Ramos como John Laurens e Phillip Hamilton, Phillipa Soo como Eliza Hamilton e Renée Elise Goldsberry por seu papel como Angelica Schuyler. E a 2 na categoria principal, para Lin-Manuel Miranda (Alexander Hamilton) e Leslie Odom, Jr. (Aaron Burr). Além desses, Thomas Kail também está concorrendo a Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Nas categorias técnicas, Hamilton também está muito presente, com 5 indicações incluindo Edição e Mixagem de Som. – Marcela Zogheib

Telefilme

Oslo (Idem, Bartlett Sher) 

Dirigido por Bartlett Sher e adaptado de uma peça teatral,  Oslo conta sobre a reunião entre líderes de Israel e da Organização para a Libertação da Palestina (OLP), em 1993, na capital da Noruega para negociar os Acordos de Paz de Oslo. Sem grandes discussões, o filme foca mais nas aparências do acontecimento do que no contexto histórico em si.

Correndo a duas categorias no Emmy 2021, a que chama mais atenção, sem dúvidas, é a nomeação em Melhor Telefilme. Competindo ao lado de Sylvie’s Love e Uncle Frank, ambas produções da Amazon Prime Video, as chances da estatueta ir para Oslo não são as mais animadoras, mas o longa não está fora do páreo da disputa no antepenúltimo domingo de setembro. – Ana Júlia Trevisan

Natal com Dolly Parton (Dolly Parton’s Christmas on the Square, Debbie Allen)

Dolly Parton já virou figurinha esperada na lista de indicações do Emmy. Acumulando 4 nomeações (três em apenas quatro anos), o ícone country celebrou o reconhecimento de seu mais novo filme em parceria com a Netflix: Natal com Dolly Parton.

Dirigido e coreografado por Debbie Allen, e protagonizado pela própria Dolly ao lado de uma ranzinza Christine Baranski, o longa concorre nas categorias de Melhor Telefilme e Melhor Coreografia em Programa Roteirizado. É improvável que a rival de Jolene suba ao palco, mas apenas sua presença na lista dos melhores da TV já é um presente e tanto. – Vitor Evangelista

Robin Roberts Presents: Mahalia (Idem, Kenny Leon)

Depois de trazer a vida de Kamiyah Mobley para as telinhas em Stolen By My Mother: The Kamiyah Mobley Story, a apresentadora Robin Roberts prossegue em sua cruzada de contar a história de mulheres negras com Robin Roberts Presents: Mahalia. O longa, original do canal Lifetime, é baseado na vida da lendária cantora gospel Mahalia Jackson, que ainda tomou parte no movimento dos direitos civis.

Protagonizado por uma inspiradíssima (e recém-saída da prisão de Litchfield) Danielle Brooks, a produção concorre como Melhor Telefilme no Emmy 2021, ao lado de nomes como Oslo e Tio Frank. Dirigido por Kenny Leon, que também atua na obra, essa cinebiografia de Mahalia é o azarão da corrida. – Vitor Evangelista

O Amor de Sylvie (Sylvie’s Love, Eugene Ashe) 

Belo e delicado, o romance estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha e segundo longa do diretor Eugene Ashe é um dos favoritos a levar a estatueta de Melhor Telefilme, liderando as apostas da categoria. A provável premiação seria o único reconhecimento que o filme conseguiria receber no Emmy 2021, já que não foi indicado em nenhuma outra categoria. 

A fotografia em 16mm, que atribui ao filme uma atmosfera nostálgica, e a direção de arte, que com muitas cores marca a passagem de tempo entre as décadas de 50 e 60, renderiam facilmente ao longa algumas indicações às categorias técnicas, não fossem essas unificadas a outros formatos como Série Limitada ou programas narrativos em geral. Escondido dentre tantos indicados em tantas categorias, O Amor de Sylvie é uma pequena pérola que merece ser reconhecida. – João Batista Signorelli

Tio Frank (Uncle Frank, Alan Ball)

Em mais de um ano de cinemas fechados e lançamentos pensados para o streaming, a categoria de Melhor Telefilme se viu em um ano próspero. Tio Frank, que estreou no Festival de Sundance de 2020 e logo foi adquirido pela Amazon Studios, foi um dos que marcou presença nos indicados do Emmy 2021, na modalidade dos longas destinados à TV. 

No filme, a história de Frank (Paul Bettany) é contada através das palavras de sua sobrinha, Betty (Sophia Lillis), que se muda de uma cidadezinha interiorana e conservadora para Nova Iorque e, por lá, descobre que o tio preferido é gay. Inspirado na vida real do diretor e roteirista ganhador do Oscar Alan Ball, Tio Frank se aprofunda à medida que o protagonista retorna às suas origens e, em um comovente drama sobre repressão, aceitação e pertencimento, enfatiza como o passado pode afetar o presente. – Vitória Lopes Gomez

Série Limitada ou Antologia

WandaVision (Idem, Disney+)

O clamor do Emmy 2020 por The Mandalorian fez brilhar os olhos da Marvel. Já arquitetando sua chegada à TV, o estúdio investiu pesado numa produção que pudesse alcançar as honrarias máximas do meio, assim como fez no Oscar 2019 ao conquistar a maior premiação do Cinema com a beleza, impacto e relevância de Pantera Negra. Então, o ponto de partida escolhido para tal feito foi justamente o da personagem mais interessante dentre os mais diversos super-heróis existentes no universo. Através de uma história que parte da dimensão psicológica poderosa da Feiticeira Escarlate, a Marvel atingiu todos os seus objetivos com WandaVision.

Para tanto, a série apostou numa concepção especial. A partir da nova, cômica e dramática vida de Wanda (Elizabeth Olsen) e Visão (Paul Bettany) como um casal normal no subúrbio de Nova Jersey, a série encontra o gancho perfeito para homenagear a própria Televisão e ir além de apresentar mais uma história sobre heróis da Marvel. Adotando diferentes formatos em seus episódios, a produção avança de década em década fazendo referência à famosas sitcoms da TV norte-americana, numa construção que se relaciona intimamente com a trama interna de WandaVision. Em um daqueles estalos geniais que devem ter surgido na sala de roteiro, a série cria no plano físico o poder de manipulação da realidade de Wanda, que tentando seguir em frente em meio ao luto, se apega às suas memórias de infância em Sokovia, quando seu passatempo favorito era – adivinha?! – assistir os seriados americanos.

O conjunto da obra, que pede muito da atuação de Olsen e Bettany em todos os nove episódios, que deve muito aos encantos de Kathryn Hahn, e que conta muito com a direção de Matt Shakman e com os roteiros de Chuck Hayward, Jac Schaeffer e Laura Donney, abocanhou indicações em seis categorias principais no Emmy 2021. Entretanto, o trio de indicados a Melhor Roteiro em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme pode prejudicar o favoritismo da série e dividir os votos. Através de todo o resto (Melhor Série Limitada ou Antologia e Melhor Direção, Melhor Ator, Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante do gênero), porém, WandaVision inicia uma era de sucesso certeiro para a Marvel na TV. – Raquel Dutra

O Gambito da Rainha (The Queen’s Gambit, Netflix) 

Quem diria que Anya Taylor-Joy jogando xadrez seria uma das grandes apostas da Netflix no Emmy 2021. Ao lado de WandaVision, O Gambito da Rainha domina as indicações, somando 18 delas. Uma das séries queridinhas de 2020, e que também se tornou uma das mais assistidas da plataforma – pra lá de superestimada, diga-se de passagem – retrata a ascensão e a queda da enxadrista Beth Harmon.

Entre os méritos da produção, além de aumentar o gosto popular pelo xadrez, estão suas indicações em categorias principais no Oscar da Televisão. Anya garantiu sua nomeação em Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, enquanto Thomas Brodie-Sangster e Moses Ingram disputam, respectivamente, em Ator e Atriz Coadjuvante. Apesar do apelo dos nomes, dificilmente eles vão ser páreos para o furacão de Mare of Easttown ou a potência de I May Destroy You, e o mesmo permanece para a categoria principal de Melhor Série Limitada ou Antologia. 

O Gambito da Rainha vale mais pela atuação de Anya Taylor-Joy do que qualquer outra coisa, somada à parceria com Marielle Heller e Bill Camp, que foram tristemente esnobados na premiação. Mas até mesmo as emocionantes partidas de xadrez são apagadas ao lado das concorrentes, que conseguem fazer de gato e sapato a produção que repete a fórmula batida de sempre de que o melhor retrato para uma mulher no fundo do poço é uma cena dela desarrumada e fumando um cigarro. – Vitória Silva

I May Destroy You (Idem, HBO) 

Depois de ter sido agraciada com o título de melhor série do ano pela Revista TIME, I May Destroy tinha tudo para brilhar no Globo de Ouro se não fosse a decisão debochada da Hollywood Foreign Press Association (HFPA) em deixá-la de fora – enquanto a criticada Emily In Paris recebia uma nomeação. Dylan O’Brien, astro de Hollywood, demonstrou sua indignação no Twitter ao chamar a premiação de “risível” e dizer que “nós não merecíamos” Michaela Coel (a gente te entende, Dylan!). 

Apesar do infortúnio, logo os refrescos chegaram e, em abril, a produção britânica levou quatro troféus pelo British Academy Television Awards (BAFTA). Agora, é um dos grandes nomes para o Emmy 2021, no qual foi indicada a 9 categorias – incluindo a surpreendente nomeação de Paapa Essiedu, que interpreta Kwame, em Melhor Ator Coadjuvante.  

Em um cenário justo, I May Destroy You tem altas chances de levar as indicações em direção e roteiro, e também deve ser peso-pesado para a favorita O Gambito da Rainha na categoria de Melhor Série Limitada ou Antologia. Nessa disputa, Anya Taylor-Joy que nos perdoe, mas tudo o que queremos ver é Michaela Coel com estatuetas transbordando até os braços. Leia mais aqui. – Gabriela Reimberg

Mare of Easttown (Idem, HBO) 

Derrubem a torre, o cavalo, o bispo e todos os peões, a toda poderosa Melhor Série Limitada de 2021 chegou. Seu nome? Mare of Easttown. Se me permitem dizer um palavrão, Mare é f*da. Ao mesmo tempo que é difícil encontrar uma palavra para defini-la, todos adjetivos do dicionário parecem fazer sentido para a aposta praticamente certeira da HBO. 

Exibida aos domingos, Kate Winslet, produção original HBO: tudo colaborava à favor de Mare of Easttown ser gigante. E ela foi. Trazendo a trama de uma detetive local que lida com uma série de assassinatos brutais em uma pequena cidade da Pensilvânia, a protagonista vê sua vida pessoal e sua família desmoronar momento após momento. Mare é uma minissérie viciante, impossível de largar antes de terminar os sete episódios. – Ana Júlia Trevisan

The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade (The Underground Railroad, Amazon Prime Video) 

A recepção de The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade na Academia de TV nos prova uma coisa: o Emmy também erra. Na seleção da maior premiação da televisão, sempre elogiada pelo esmero e relevância das produções que se dedica a reconhecer, uma das melhores séries do ano não obteve a atenção que merecia. É fato que no âmbito das Séries Limitadas ou Antologias a disputa é de gente grande, mas se tem algo capaz e digno de ter o seu espaço ao lado de produções gigantes como Mare of Easttown e WandaVision, e de se sobressair diante do favoritismo enjoativo de O Gambito da Rainha, esse algo é The Underground Railroad.

Mencionada nas indicações de 4 pontuais categorias (Melhor Série Limitada e Melhor Direção, Melhor Composição Musical e Melhor Fotografia dentro do gênero), a estreia magnânima de Barry Jenkins na TV se baseia em uma história real dos tempos pré-Guerra Civil nos Estados Unidos, versando sobre identidade e liberdade em plena escravidão através do protagonismo e genial de Cora Randall (Thuso Mbedu). A obra-prima de The Underground Railroad é repleta de beleza e violência, fugindo de uma narrativa monotemática para compreender a vastidão de seus personagens, através das interpretações brilhantes de Joel Edgerton, William Jackson Harper, Aaron Pierre e Sheila Atim.

O esquecimento desse elenco de ouro encabeçado pela estreia inacreditável de tão brilhante da joia encontrada por Barry Jenkins é o que mais dói na seleção do Emmy 2021. Em contrapartida, a única produção indicada a Melhor Série Limitada que não concorre nas categorias de atuação tem a habilidade técnica de seu diretor nomeada em todas as outras esferas da obra. E dos clássicos de James Baldwin à contemporaneidade de Colson Whitebread, o audiovisual de Barry Jenkins faz o importante e belíssimo trabalho de multiplicar o alcance da obra literária de autores negros, colocando-as das telas de Cinema e – agora – de TV pelo mundo. E muito além de indicações e prêmios, esse é o caminho mais significativo e relevante que a Arte pode trilhar. – Raquel Dutra

Halston (Idem, Netflix) 

A produção que retrata a vida do estilista Roy Halston Frowick também marcou presença no Emmy 2021. Mais um dos nomes acumulados pela Netflix, a minissérie de 5 episódios retrata os vícios e extravagâncias da vida dessa personalidade hoje esquecida pelo mundo da moda, e aqui brilhantemente interpretada por Ewan McGregor, que se garantiu em Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Mas ele tem a difícil tarefa de passar pela aclamação de Paul Bettany em WandaVision, ou pela perversidade de Hugh Grant em The Undoing. 

Não fosse o roteiro fraco e que rodopia por diversas vezes, Halston nos daria uma dobradinha de Ryan Murphy na edição deste ano, que já está disputando Melhor Roteiro em Drama pela aclamada Pose. No entanto, as outras nomeações da série foram apenas para categorias técnicas, e que ficam de fora da premiação principal: Melhor Design de Produção em Programa de Narrativa de Época ou Fantasia (Uma Hora ou Mais), Melhor Figurino de Época, Melhor Maquiagem de Época e/ou de Personagem (Não-Prostética) e Melhor Supervisão Musical. – Vitória Silva

The Undoing (Idem, HBO) 

Que Nicole Kidman está à vontade pulando de uma minissérie para outra, não há como negar. Desde sua volta por cima na derradeira e impecável temporada 1 de Big Little Lies, a australiana tem escalado de papel aclamado para papel aclamado. The Undoing, lançada no fim de 2020, pode parecer ter dado um breque na jornada da atriz, mas sua ausência na categoria de Atriz se dá muito mais ao fato do frescor de outras Séries Limitadas.

Não que o ioiô de The Undoing deveria lhe indicar ao lado de titãs como Kate Winslet e Michaela Coel. Seu trabalho na criação de, mais uma vez, David E. Kelley nunca encontra um tom autossuficiente, relegando a vencedora do Oscar apenas a reagir a qualquer careta que seu parceiro Hugh Grant faz em cena. O britânico retorna a categoria de Melhor Ator 2 anos depois de A Very English Scandal, seu Jonathan Fraser parece ter de se preocupar apenas com um andróide da Marvel.

A trama de assassinato e investigação de The Undoing recebe a mão da diretora Susanna Bier, que guia a meia dúzia de capítulos com destreza e parcimônia, nada preocupada em tirar coelhos da cartola. Os esnobes de grandes coadjuvantes, como Donald Sutherland e Noma Dumezweni, apenas reafirmam a necessidade da Academia de criar uma categoria separada para as performances de Telefilme (ou apenas desconsiderar um teatro filmado). Se Grant ganhar, ele segue o legado de Mark Ruffalo, vencedor do ano passado, que carregava a única indicação principal de sua série da HBO. – Vitor Evangelista

Fargo (4ª temporada, FX) 

Chris Rock protagonizando algo fora da comédia pode soar estranho, a menos que estejamos falando de Fargo. Na 4ª temporada do seriado, a briga de duas gangues — os Fadda e os Cannon — se constrói no cenário pitoresco de um Estados Unidos rachado, durante os anos 1950. Mesmo sendo a primeira temporada protagonizada por um ator negro, a série, que já foi indicada 55 vezes ao Emmy, emplacou indicações somente em categorias técnicas, e isso, de certo modo, até faz sentido.

Embora com um elenco impecável — que vai de Jason Schwartzman a Jessie Buckley —, a 4ª temporada de Fargo não alcança as expectativas que as temporadas anteriores criaram. A trama se desenrola bem, mas foca em coisas comuns, algo estranho em uma série que sempre focou nas esquisitices de seus personagens, igualmente esquisitos. Essas estranhezas são evocadas em algumas cenas, como na causa de algumas mortes ou no detetive corrupto que sofre de transtorno obsessivo-compulsivo, mas não englobam toda a temporada. Os vilões parecem caricaturas de gângsteres do cinema, e não soam eloquentes como nas temporadas passadas. 

Outro aspecto do roteiro que parece ter sido deixado de lado foi seu primor pelo mistério. Na adaptação do clássico de 1996, dos Irmãos Coen, o mistério sempre foi imposto como a sombra que evoca o cômico. Porém, na quarta temporada da série, o criador Noah Hawley parece querer guiar os telespectadores, ao invés de deixar aberto a interpretações. Embora menos interessante que as três temporadas anteriores, a 4ª temporada de Fargo ainda é mais interessante que muita coisa, principalmente pelo seu senso estilístico. Talvez por isso, mesmo em uma temporada inferior às demais, a série ainda conseguiu emplacar indicações técnicas no Emmy 2021. – Bruno Andrade

Small Axe (Antologia dirigida por Steve McQueen, BBC)

O ambicioso projeto televisivo de um cineasta vencedor do Oscar já chama atenção por si só. Quando esse projeto atende pelo nome de Small Axe, uma antologia de 5 filmes interligados pela temática racial e a luta pelos direitos civis no Reino Unido no século XX, a coisa aumenta de escala.

Acontece que a obra de Steve McQueen, inflada no começo do ano, venceu Globos de Ouro e prêmios de “Melhor Filme de 2020”, o que acabou enfraquecendo a campanha da BBC em parceria com o Amazon Prime Video para o Emmy. Afinal, se você faz campanha em Cinema, como diabos quer ser reconhecido pela Academia da TV? 

Quem esperava nomeações em Melhor Série Limitada ou Antologia, Direção e Roteiro para McQueen e atuações coadjuvantes (John Boyega, Letitia Wright), teve que se contentar com uma única indicação. Melhor Fotografia em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, pelo filme Mangrove, foi a única lembrança do machadinho no Emmy. – Vitor Evangelista

The Good Lord Bird (Idem, Showtime)

O que fazer quando um lendário ator de Cinema migra para a TV e, além de estrear uma minissérie aclamada, ainda escreve o roteiro e é creditado como produtor? Para o Emmy, a resposta é simples: ignorar completamente seu trabalho. Na manhã das nomeações, talvez a maior surpresa negativa tenha sido a omissão do nome de Ethan Hawke em categorias que já era quase certa a sua vitória.

Em The Good Lord Bird, programa original do Showtime que narra a jornada do abolicionista John Brown, Hawke brilha em todos os campos em que trabalha. É terrível a decisão da Academia de simplesmente deixá-lo de lado, ainda mais depois de suas lembranças no Globo de Ouro e no Sindicato dos Atores. No fim, a Série Limitada foi reconhecida em apenas uma corrida, a de Melhor Design de Título. – Vitor Evangelista

Genius: Aretha (3ª temporada, National Geographic)

Uma das únicas antologias representadas no Emmy 2021, Genius conseguiu emplacar mais um protagonista na lista de atuação principal. Depois de indicar Geoffrey Rush como Albert Einstein e Antonio Banderas como Pablo Picasso, chegou a vez de Cynthia Erivo ser reconhecida por sua Aretha Franklin.

A atriz, que recentemente deu vida à Harriet Tubman em Harriet (conseguindo uma nomeação dupla ao Oscar), dessa vez interpreta a Rainha do Soul na terceira temporada do seriado original do National Geographic. 2021 parece ser o ano de Aretha, visto que a cinebiografia Respect, protagonizada por Jennifer Hudson, chegou aos cinemas no último mês.

Sendo a única Melhor Atriz com o show fora da disputa principal, Erivo é a zebra da categoria, mas como talento dela em jogo, nunca se sabe qual nome será chamado na noite de domingo. Genius: Aretha ainda concorre nas categorias de Coreografia e Mixagem de Som. – Vitor Evangelista

A Maldição da Mansão Bly (The Haunting of Bly Manor, Netflix) 

Quando The Haunting estreou em 2018, sua temporada inicial sobre a Residência Hill conquistou o público com um terror que te faz chorar mais do que levar susto. A espera pela continuação foi grande, mas A Maldição da Mansão Bly, ainda bem, não decepcionou. Com romance e medo nas doses certas, o seriado agora concorre ao Emmy 2021.

Com o sétimo episódio, The Two Faces – Part 2, a produção de Mike Flanagan, infelizmente, apenas compete em uma categoria: Melhor Edição de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme ou Especial. A equipe por trás da trilha sonora conta com Trevor Gates, que trabalhou na edição de som em Nós e Corra!, entre outros profissionais.

Com potencial para muito mais indicações, a minissérie estar na competição já é de grande feito, visando a falta de campanha da sua distribuidora, a Netflix. Agora é sentar e esperar para ver se Bly Manor vai levar a melhor ao enfrentar obras fortes como a queridinha O Gambito da Rainha. – Mariana Chagas

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O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

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Em um ano livre da pandemia, janeiro é considerado o mês dos descartes. A temporada 2020 jogou todas as regras pela janela, entretanto, e lançar filmes no primeiro mês do ano ainda qualifica-os para a glória do Oscar. Dito isso, a Netflix continua sua linha de produção massiva em busca da estatueta dourada, e finalmente disponibilizou sua compra mais importante do Festival de Veneza: o brutal Pieces of a Woman. Na vizinhança ao lado, a Amazon nos agraciou com Uma Noite em Miami…, estreia de Regina King como diretora de longas.

No mundo televisivo, a Netflix reina soberana. O formato de maratona impera no mercado, e novas temporadas de (Des)encanto, o fenômeno Cobra Kai, e as avassaladoras estreias de Lupin e da controversa Fate: A Saga Winx foram pautas de conversas acaloradas nesse início de ciclo. Mas todos os olhos foram vidrados pela aparente esquisitice vintage de WandaVision, primeira investida televisa do Universo da Marvel e que, semanalmente, tem surpreendido pelo delírio.

O Cineclube voltou em 2021 para recapitular o melhor e o pior que passou na TV e no cinema. Para filmes, a regra é simples: entra na Curadoria do Mês o que foi lançado nas salas, no streaming ou o que vazou online. Quando falamos das séries, as que aparecerem aqui devem ser transmitidas por completo no mês (como a Netflix faz), ou finalizar a exibição da temporada (por isso a série da Feiticeira Escarlate só aparecerá em março, quando acabar seu percurso na TV). Por enquanto, vamos descobrir o que Janeiro de 2021 nos proveu em termos audiovisuais.

Cinema

Uma Noite em Miami… (One Night in Miami…, Regina King)

Uma Noite em Miami… é uma cinebiografia feita da maneira certa. Com o recorte temporal da celebração da vitória do boxeador Cassius Clay em 64, o filme da Amazon Prime Video passeia pela excelência de seus protagonistas, discutindo temas viris e cheios de camadas. Os quatro homens batem de frente, e o roteiro de Kemp Powers (que codirigiu Soul) é recheado de toques sensíveis, sem a camada de plasticidade muito comum aos ‘filmes de Oscar’.

Ainda mais quando o assunto são os longas que dramatizam lutas raciais e de direitos sociais, acostumados com a preguiça e o clichê. Regina King, que ano após ano acha um jeito de ser aclamada numa área diferente, dirige com a maestria de alguém confortável com a história que conta. Sua suavidade transitando nos quatro núcleos do elenco é de uma primazia invejável, principalmente considerando que Uma Noite em Miami… marca sua estreia como diretora de cinema.

Os debates político-religiosos de Malcolm X dão à Kingsley Ben-Adir material suficiente para aclamação, assim como a voz acolhedora de Leslie Odom, Jr. no papel de Sam Cooke. Quando ele canta Speak Now, candidata ao careca dourado de Canção Original, é fácil imaginar uma sala de cinema com os olhos marejados e o coração acelerando. Eli Goree tem o charme que Cassius Clay emana, e só de saber que ele saiu do cativeiro de Riverdale já ficamos felizes. O destaque, todavia, fica com Aldis Hodge na pele do jogador da NFL, Jim Brown, sarcástico e com sangue nos olhos. Uma Noite em Miami… é um filmaço imperdível. – Vitor Evangelista

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Jovem Promissora. Não existem palavras que melhor definam Emerald Fennell do que as que batizam seu primeiro filme, talvez uma das obras de estreia mais corajosas e irretocáveis de toda a história do cinema. A diretora e roteirista não se aquietou em encarar machismo, a misoginia e a cultura do estupro corriqueiros da indústria cinematográfica e da vida cotidiana de uma mulher e levou tudo isso numa comédia ácida incômoda paras telas que reproduziram Promising Young Woman.

No enredo do filme, entretanto, o significado que o título toma é um pouco mais sombrio e nada positivo. Cassie (Carey Mulligan) teve cada aspecto de sua vida roubado por traumas decorrentes de um estupro que aconteceu com sua melhor amiga. Depois de deixar seu sonho da faculdade de medicina em apoio à amiga, trabalha numa cafeteria junto de sua única colega, Gail (Laverne Cox), ainda mora com os pais e não se relaciona amorosamente com ninguém. Seu passatempo favorito, no entanto, não é nada pacato, e é para onde Cassie direciona sua energia e inteligência: assombrar todos os homens que cruzam seu caminho até chegar ao seu plano final de vingar a amiga. 

O trabalho que Mulligan faz com cada uma das camadas da personagem de Cassie é dolorosamente impressionante, junto à direção e roteiro destemidos, confiantes e certeiros de Fennell, que já fez história abalando a predominância masculina nas categorias de direção das premiações e em muito lembra a ousadia de Michaela Coel para tratar dos mesmos temas em I May Destroy You. Assim como a série, em meio à aura psicótica-cômica da narrativa, o que nos assombra de verdade é a lembrança da dimensão da cultura do estupro e do potencial destrutivo que ela tem para nós, mulheres, que se converte em algo revoltante de tão ameno e insignificante para eles, os homens. – Raquel Dutra

Pieces of a Woman (Idem, Kornél Mundruczó)

Após a estreia no Festival de Veneza em setembro do ano passado, finalmente foi disponibilizado pela Netflix o sensível Pieces of a Woman. A trama da narrativa é marcada logo no início com uma tragédia durante um parto domiciliar que dá errado, retratado, inclusive, com um plano sequência teatral brilhante. Já Vanessa Kirby interpreta com firmeza uma mulher lidando não apenas com sua perda, mas também com o tratamento hostil e a insensibilidade de seu marido e mãe.

Ao contrário do esperado, pouco se tem do processo criminal contra a parteira (Molly Parker). O foco é justamente o longo processo que Martha, vivida por Kirby, passa nos próximos meses, a dificuldade de voltar ao casamento e o relacionamento conturbado com a mãe marcam esse drama sobre o luto parental, e a dor incomparável que Martha sente enquanto tenta voltar à realidade.

Além da atuação impecável da protagonista, outros nomes surpreendem no longa, Ellen Burstyn e Shia LaBeouf também impressionam com personagens que ora geram raiva, ora nos instigam certa empatia. Pieces of a Woman, dirigido pelo talentoso Kornél Mundruczó, não apresenta grandes reviravoltas ou a busca desenfreada por justiça, mas sim a calma e transparência de uma história sobre dor e arrependimento. – Isabella Siqueira

A Escavação (The Dig, Simon Stone)

Com a temporada de premiações encaminhada, a Netflix lança o drama de época A Escavação quase que atrás dos panos. A história e os conflitos são potentes, asseguro isso, mas o filme parece ter sido ofuscado pelo contexto em que foi inserido. Carey Mulligan, que será indicada ao Oscar por Promising Young Woman, estrela aqui ao lado do ardiloso Ralph Fiennes, no papel principal. É bom ressaltar que o roteiro adaptado do livro de John Preston narrativiza uma história real. 

Fiennes vive Basil Brown, um escavador experiente e desacreditado pelos colegas, que é contratado para investigar montes de terra no terreno da bem afortunada Senhora Pretty, a personagem de Mulligan. A primeira hora de The Dig parece rumar para o entrelaçar espiritual dos protagonistas, mas assim que o objeto escavado vira de conhecimento da comunidade de arqueólogos, o longa dá um cavalo de pau.

O foco se afasta da díade Fiennes e Mulligan e mergulha em Lily James, o terceiro dos grandes nomes que estampa o pôster diurno do filme. Ela é Peggy, esposa de um dos escavadores, mas que acaba encontrando refúgio, físico e sentimental, no primo de Mulligan, um charmoso loiro (papel de Johnny Flynn) que logo, logo vai servir na Guerra. A Escavação tem tragédia, tem sentimentalismo e mostra que filmes do nicho de época e guerra não precisam se engessar em homens brutos e intrigas alemãs. – Vitor Evangelista

A Assistente (The Assistant, Kitty Green)

A arte imita a vida de diversas formas, e A Assistente mostra a mais perversa de todas elas. A diretora e roteirista Kitty Green buscou abordar sobre as denúncias do movimento Me Too sob uma visão subjetiva, na vivência da fictícia Jane (Julia Garner), assistente de um empresário do ramo cinematográfico. Sem grandes reviravoltas ou discursos de empoderamento, a narrativa vaga pelos mínimos detalhes da rotina da funcionária, que mostram muito sobre a verdade escondida por trás das cortinas de Hollywood. 

O filme é quase uma obra documental, que transpõe acontecimentos da realidade na sua mais pura forma, e é isso que o torna tão cruel. Na ausência de muitos diálogos, os movimentos da trama são quase todos explicados pelo olhar e feições da protagonista, com a atuação majestosa de Julia Garner. A Assistente traz uma abordagem totalmente necessária ao se tratar de um tema tão delicado, o que retrata a importância de se ter mulheres contando histórias sobre outras mulheres. – Vitória Silva

O Tigre Branco (The White Tiger, Ramin Bahrani)

Quando um filme do naipe de Parasita estoura em audiência e crítica, sua transformação em token é inevitável. Então, não foi surpresa alguma ver O Tigre Branco ser referenciado como a versão indiana da trama de Bong Joon-ho. O subgênero de guerra de classes que coloca o termo ‘eat the rich’ na boca do povo é comum ao cinema fora do eixo norte-americano.

Esse lançamento da Netflix, que adapta o livro de Aravind Adiga, brinca com conceitos estereotipados da Índia, mas encontra, especialmente na sagacidade do protagonista Adarsh Gourav, a chave para se sobressair e alcançar o status de filmão. Ele interpreta o pobre motorista Balram, que trabalha para patrões corruptos e que abusam de sua boa vontade e espírito leve, mas não por muito tempo!

O Tigre Branco inverte a lógica da história recorrendo ao recurso de mostrar o coitado do garoto narrando sua história de ascensão. Agora, ele é um homem rico, de terno caro e cabelo penteado, mas como diabos ele chegou ali? A jornada é prazerosa, o trabalho coadjuvante de Rajkummar Rao e Priyanka Chopra Jonas enche os olhos, e The White Tiger merece ser a recomendação do momento no catálogo da Netflix. – Vitor Evangelista

Pai em Dobro (Cris D’Amato)

Não é de hoje que Thalita Rebouças nos presenteia com histórias fofas, conscientes e ainda divertidas. E, por mais que Pai em Dobro, adaptação do livro homônimo da autora pela Netflix, tenha todos esses elementos, é na estereotipização que ele se afunda. Ao acompanharmos a história de Vicenza em busca de seu pai, acabamos nos deparando com a reprodução de preconceitos que se destacam mais do que o roteiro.

Engraçado e leve, o filme é uma ótima pedida ao estilo Sessão da Tarde, trazendo Maísa que, pela terceira vez, interpreta uma das personagens de Rebouças, mas que, agora, está ainda mais confiante e natural em seu papel. E é exclusivamente pelo carisma dos atores que constroem a trama que nos apegamos a ela, permitindo que alguns furos passem como se não tivéssemos nem percebido. Mesmo preso em meio a características pouco originais e repetitivas que reproduzem estereótipos, Pai em Dobro ainda conquista o coração dos espectadores com sua delicadeza ao lidar com a ideia de família. – Ana Laura Ferreira

Locked Down (Idem, Doug Liman)

Se a pandemia inviabilizou algumas produções, outras só existem por conta dela. É o caso de Locked Down, a comédia de assalto ambientada na cidade de Londres nas primeiras semanas do isolamento social, e gravada em moldes pandêmicos. A história gira em torno de Linda (Anne Hathaway) e Paxton (Chiwetel Ejiofor), que, além de seus problemas emocionais pessoais, enfrentam um casamento de mais de dez anos em ruínas e permanecem juntos apenas por conta da quarentena. A atmosfera é a pandemia-da-classe-média mais familiar possível: explorar os cantos da casa, muitas vídeochamadas de trabalho, experimentar todas opções de delivery, matar o tempo fazendo pão caseiro e conhecendo os vizinhos de janela, e surtar vez ou outra. Exceto, claro, pela parte do roubo – assim espero.

Estruturalmente, o filme é tudo o que a gente espera de algo que seja fiel à nossa realidade pandêmica: nada demais e sem dramatizações desse período tão difícil e destrutivo. Justamente por ter consciência disso, Locked Down guarda boas reviravoltas, tensões e emoções para quem está preso no ciclo apático do isolamento social com a vazão que os personagens encontram para seu tédio e seus problemas pessoais e de relacionamento. De quebra, podemos matar um pouco a saudade de alguns atores queridos, com pontinhas de Lucy Boynton e Ben Stiller, e assistir ela, a majestosa Anne Hathaway, pirando com as emoções à flor da pele por estar presa em casa, batendo panela com os vizinhos como forma de agradecimento aos profissionais da saúde e envolvida em roubos de artigos de luxo mais uma vez. – Raquel Dutra

Os Pequenos Vestígios (The Little Things, John Lee Hancock)

Nos tempos em que vivemos, até o anúncio de elenco pode estragar as surpresas de um filme. Então, dando o play em The Little Things, quando percebemos que Denzel Washington é o policial veterano e Rami Malek o jovem detetive, já fica claro que o vilão virá na cadavérica e sebosa cara de Jared Leto, com pele de vampiro, cabelo oleoso e a profundidade artística de um requeijão fora da geladeira.

O filme, um dos primeiros lançamentos híbridos de cinema e HBO Max nos EUA, é um simples jogo de gato e rato investigativo. John Lee Hancock escreve e dirige, mas não fornece ao espectador suficientes elementos para gerar intriga, inquietação e o senso de recompensa quando a dupla da lei liga os pontos e descobre o culpado. O texto corre pelas beiradas, mas o trabalho de direção nunca nivela acima do comum, falta assinatura ou visão de autor.

O trio de, infelizmente, vencedores do Oscar brinca bem com a química e os trejeitos necessários para construir um feijão-com-arroz com ritmo acelerado e devidamente proveitoso. A surpresa de Os Pequenos Vestígios (o filme chega no Brasil em março) veio com o reconhecimento de Leto como Melhor Ator Coadjuvante no Globo de Ouro e no SAG. Quem sabe a quinta vaga da categoria no Oscar esteja reservada ao cantor, que venceu anos atrás pela caricatura de um personagem trans. The Little Things cria frases de efeito e ângulos na tentativa de se tornar icônico, e, quem sabe, no futuro ele consiga. – Vitor Evangelista

TV

High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series, 1ª temporada, Disney+)

Anos após o lançamento da trilogia de High School Musical que, além de uma legião de fãs, ganhou um spin off e até uma versão brasileira, a Disney nos presenteou, no final de 2019, com High School Musical: The Musical: The Series. Mesmo com mais de um ano de seu lançamento original, a obra só recebeu seu devido holofote poucos meses atrás, com a chegada do Disney+ ao Brasil.

Com o título tão grande quanto o talento do novo elenco, a série traz de volta East High, o mesmo local que foi sede das gravações originais. Norteada por um tom que não preza por qualquer semelhança com os filmes, a nova leva de Wildcats não procurou nos dar uma sequência, mas sim relembrar os queridinhos musicais de um modo jovem, atualizado e com todos os traços que nos fizeram nos apaixonar. A chegada de uma nova professora de teatro agita a escola para uma produção de High School Musical, que, ironicamente, ninguém ainda havia pensado. Em meio a toda a atmosfera musical são apresentados os novos personagens, bem como seus dramas adolescentes que nos prendem em frente às telas.

Uma das muitas revelações do elenco foi Olivia Rodrigo. A estadunidense de apenas 17 anos estreou em uma série da Disney no ano de 2016, porém só atingiu o estrelato ao interpretar a protagonista Nini Salazar-Roberts. Sendo peça principal de todo o drama teen, Nini tem seu coração partido e passa por um processo de autoconhecimento enquanto se envolve com as produções do musical, no qual recebe o ilustre papel de Gabriella Montez. Além de uma excelente atriz, Olivia também emplacou seu novo single, drivers license, que lhe rendeu posições de destaque no cenário musical. High School Musical: The Musical: The Series foi uma grande surpresa que fez a Geração HSM reviver os bons momentos, e ter um gostinho de quero mais. – Heloísa Ançanello

As Five (1ª temporada, Globoplay)

Após o sucesso de Malhação: Viva a Diferença, as Five, nome do grupo formado pelas protagonistas da edição, renderam um spin-off homônimo e consagraram a vigésima quinta temporada da novela, que é a única a se prolongar por mais de um ano. Seis anos após os acontecimentos que encerram a temporada, Benê, Tina, Lica, Ellen e Keyla se reencontram no velório da mãe de Tina. Com o fim do Ensino Médio, cada uma tomou um rumo, mantendo sua essência e personalidade. Tina passa pelo término de um longo relacionamento, enquanto Benê está apenas começando a descobrir mais da própria sexualidade. Ao mesmo tempo que Keyla sofre para conciliar a maternidade e o trabalho, Lica, ainda sustentada pela mãe, tenta descobrir o que quer da vida. 

Até Ellen, que está noiva e terminando o mestrado nos Estado Unidos, não tem tudo resolvido como parece. Apesar de estarem em momentos distintos da vida, as cinco procuram se encontrar no mundo e relembram que as diferenças entre elas as unem e torna a amizade tão cativante para o espectador. Usando das situações inusitadas em que cada uma se encontra, o criador Cao Hamburguer traz temas comuns à geração Z, bem ilustrada pelas meninas, que são acompanhadas de personagens secundários já conhecidos e novos, prezando pela diversidade. 

Vício nas redes sociais, sexualidade, as consequências da pornografia, relacionamentos amorosos e com os pais, drogas e problemas da vida adulta em geral são assuntos explorados francamente, sem tabu ou um moralismo desnecessário, ainda que com os limites da emissora. As Five estabelece um diálogo honesto com o jovem espectador: as meninas cresceram e amadureceram, mas continuam perdidas e em busca do seu lugar no mundo – assim como todos nós. – Vitória Lopes Gomez

Part 2: Jules – Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Depois de ressoar em nós que Problemas Não Duram Para Sempre, com a primeira parte do Especial dedicada às indagações de Rue (Zendaya) sobre morte, deus e revolução em pleno Natal pós-recaída, Euphoria não tinha um trabalho fácil pela frente com o próximo episódio – como sempre, graças à profundidade com que escolhe tratar as coisas. O público esperava, a série pedia e a personagem merecia algo que atingisse a mesma profundidade emocional com Jules (Hunter Schafer), que, embora presente e marcante na trama da série, sofria suas dores sozinha de uma forma abstrata e distante desde a primeira temporada.

E então, o showrunner Sam Levinson e a própria Hunter trabalharam juntos no roteiro de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, a Parte 2 do Especial, e o resultado testifica mais uma vez a potência que Euphoria é em cada uma de suas esquinas. Na primeira sessão de terapia de Jules, uma fenda no espaço-tempo se abre para encontrarmos o fantasma que era a personagem e para descascar as camadas de traumas, medos, culpas e incertezas que a sufocavam. Longe dos clichês de episódios aprofundados no psicológico de seus personagens e de debates rasos que podem permear a existência de uma jovem trans na ficção, a performance de Hunter voa sem qualquer amarra para dissecar os sentimentos de sua personagem diante de temas como feminilidade, sexualidade, relações familiares e amorosas, além da própria ideia de amor.

Mas como tudo de Euphoria, as questões trabalhadas, as intenções e os impactos ainda vão além. Muito mais do que dar sustância para a personagem de Jules, a Parte 2 do Especial consegue transformá-la em uma pessoa de carne e osso que reage a todos os incômodos que a atingiram – e a nós também – em toda a sua conturbada história. E eu não sei como explicar isso em palavras. Cada episódio da série que tem a essência da nossa juventude em todo canto (roteiro, produção, atuação, trilha…) consegue ser uma revolução que precisa ser sentida. – Raquel Dutra

Night Stalker: Tortura e Terror (Night Stalker: The Hunt for a Serial Killer, Minissérie, Netflix)

A palavra que melhor define essa minissérie documental é cautela. Primeiro, para não glamourizar o assassino Richard Ramirez, o Night Stalker (ou Perseguidor Noturno). Segundo, para dar voz aos policiais e detetives, sob o ponto de vista técnico, e também para filhos e netos das vítimas, além de entrevistar alguns sobreviventes, focando no lado emocional da história.

Night Stalker: Tortura e Terror navega a partir dos anos 80, catalogando cada crime, visitando cada cena e nos levando no banco do passageiro da longa e entruncada investigação. Misturando imagens de documentos, filmagens da época e uma porção de fotos (censuradas, mas ainda muito gráficas), a direção de James Carroll e Tiller Russell sabe como quer contar essa delicada história.

As pouco mais de três horas, condensadas em quatro capítulos, passam num piscar de olhos, por mais que a série toque em tendões sensíveis, mas sempre tomando pausas para, assim como os que depõem em cena, deixar o espectador sentir uma parcela mínima do horror infligido. Como obra audiovisual, Night Stalker: Terror e Tortura é bem sucedido em todas as categorias, e como produto jornalístico e investigativo, o resultado é melhor ainda. – Vitor Evangelista

A Cor do Poder (Noughts + Crosses, Minissérie, Rede Globo)

Um dos maiores investimentos da Globo durante o ano de 2020 foi em sua plataforma digital de streaming de vídeos sob demanda, a famosa Globoplay. Além de melhorias técnicas, o foco da gigante de comunicação no Brasil foi e segue sendo em ampliar o seu catálogo de séries, filmes, documentários e outros produtos audiovisuais. Nesse cenário, e levando em conta as questões raciais em voga no mundo todo, a emissora decidiu comprar a obra britânica A Cor do Poder (originalmente Noughts + Crosses), produzida pela BBC One. 

A obra, inspirada no romance de mesmo nome da autora Malorie Blackman, em um primeiro instante, chama a atenção ao retratar um mundo inverso da realidade onde as vítimas sociais são os brancos e não os negros. Mas ao longo da trama sofrida entre o casal shakespeariano, muitas coisas problemáticas vão aparecendo até tornarem a série um tanto intragável. Um exemplo é como os brancos da classe baixa reproduzem falas, estereótipos e comportamentos – inclusive estéticos – dos negros na realidade em que vivemos. Tudo isso faz da minissérie uma ilusão de existência de um racismo reverso. Talvez essa tenha sido a ideia, fazer com que os brancos se simpatizem pelas temáticas raciais os representando na situação de minoria. Ideia interessante, execução nem tanto. – Giovanne Ramos

A História do Palavrão (History of Swear Words, 1ª temporada, Netflix)

Essa série de comédia original da Netflix pode parecer uma bobeira fútil, mas é muito mais que isso. O programete, dividido pelos tais palavrões do título em capítulos de 20 minutos, usa de comediantes e especialistas em linguística para dissecar a origem, propagação, significado e impacto dos xingamentos.

Nicolas Cage apresenta com a virilidade que lhe é de direito, e as piadas chulas ganham contornos artísticos vindas de suas expressões faciais e modulações da voz. Uma porrada de comediantes famosos aparece para opinar e se divertir, mesmo os linguistas, cientistas e especialistas se esbaldam de bom humor e não demoram a cair na gargalhada.

A História do Palavrão busca encontrar as raízes e o reflexo na cultura popular dessas palavras proibidas. Afinal, é impossível falar sobre Fuck sem citar Samuel L. Jackson e o cinema negro dos anos 70 e 80, ou conversar sobre Bitch sem reconhecer a maneira como as mulheres e a comunidade LGBT ressiginificaram o termo, e seria ridículo discutir o uso de Pussy sem WAP de trilha sonora. Tudo numa aula de história, línguas e muito bom humor. – Vitor Evangelista

Shippados (1ª temporada, Rede Globo)

Quase dois anos após a sua estreia, Shippados finalmente foi transmitida na TV aberta. A série original do Globoplay trata sobre as relações amorosas na era digital, com foco nos personagens Rita (Tatá Werneck) e Enzo (Eduardo Sterblitch), que ficam frustrados por não encontrarem o seu par ideal em um aplicativo de relacionamento. A partir dessa premissa, surge uma linda história de amor e amizade.

Alexandre Machado e Fernanda Young, dupla da vida e dos roteiros, conseguiram dosar a quantidade ideal de comédia e drama, criando uma narrativa divertida, mas que também nos faz refletir sobre a superficialidade das nossas relações. E não poderiam ter escolhido figuras melhores para interpretar o casal protagonista, Tatá e Sterblitch tem a química e timing perfeitos, consequentes de seus anos de amizade. A sintonia se completa ainda mais com o resto do grupo de amigos: Brita (Clarice Falcão), Valdir (Luis Lobianco), Hélio (Rafael Queiroga) e Suzete (Júlia Rabello). 

Shippados poderia ser colocada perfeitamente como uma adaptação de Os Normais para a atualidade, por relembrar a essência dos diálogos de Young e Machado na vivência de um casal e por servir de conforto em meio ao caos que enfrentamos diariamente. Fernanda, sem dúvidas, deixa muitas saudades. – Vitória Silva

Fate: A Saga Winx (Fate: The Winx Saga, 1ª temporada, Netflix)

Para as crianças dos anos 2000 que não conseguiam decidir entre ser a Flora ou a Stella, a Netflix anunciou que O Clube das Winx seria adaptado em uma série live-action. Quando o primeiro trailer saiu, o choque. Tudo bem que todo mundo esperava glitter e minissaias, mas aquela vibe dark com monstrões queimados não colou muito. No entanto, quando se trata de adaptações, é sempre bom manter a cabeça aberta. Afinal, se você quer assistir o material idêntico ao original, é mais fácil voltar a ver o desenho.

O problema de Fate: A Saga Winx não é necessariamente ser diferente da animação. O problema é ser ruim. Pavoroso. Chato. Mal desenvolvido e sem sustentação. As fadas são sonsas e irritantes e os especialistas são tão cativantes quanto pombos em um terminal de ônibus. A história passa a impressão de que poderia ser facilmente resolvida com um diálogo, já que os antagonistas vão oscilando entre diretoras vivas e mortas, uma fada desequilibrada cujo único traço de personalidade é ser desequilibrada e uma rainha que não sabe lidar com a filha adolescente (ou não, já que a Stella se veste como uma CEO de 40 anos). 

Nem tudo é uma desgraça, a mente que criou aquele triângulo amoroso ridículo e infantil entre Sky, Bloom e Stella também conseguiu misteriosamente criar Musa, que conseguiu o posto de, literalmente, fada sensata. Musa é a única personagem que gera algum tipo de interesse no espectador, inclusive quando engata um relacionamento com Sam, que é o mais fofo da série (tá, não precisa de muito para conseguir o posto). Apesar das polêmicas que envolveram Fate: A Saga Winx desde o anúncio do elenco, a sacada de homens fadas e mulheres especialistas foi satisfatória. E, bem… só. O resto a gente ignora. – Caroline Campos

(Des)encanto (Disenchantment, Parte 3, Netflix)

Após ficar mais de um ano sem lançar episódios novos, a terceira temporada de (Des)encanto finalmente chegou à Netflix para trazer a dose de humor ácido que janeiro precisava. Sem desapegar da particularidade sarcástica de Matt Groening, a animação explorou novas aventuras, reinos e personagens em cenas que revelam mais maturidade na narrativa.

Com a instabilidade tomando conta, não só da Terra dos Sonhos, como do Rei Zog (John DiMaggio), a Princesa Bean (Abbi Jacobson) assume o trono e começa uma jornada de evolução e autoconhecimento que vai de enfrentar conflitos a viver um novo amor, e insere um ponto de vista um pouco mais sóbrio para a produção. A nova fase do universo também é marcada por carregar temáticas e alusões muito bem trabalhadas sobre questões como o trabalho nas indústrias, a desigualdade de gênero e a situação política dos Estados Unidos. 

Os pontos negativos ficam por conta dos muitos fios ainda soltos, e da participação fraca e repetitiva dos também protagonistas Elfo (Nat Faxon) e Luci (Eric André), que apareceram com menos relevância nesses 10 episódios. Ainda sim, (Des)encanto tem potencial para devolver as coisas aos trilhos na próxima temporada, por enquanto, a série se mantém como um ótimo entretenimento com audiovisual maravilhoso e comicidade inteligente que vale a pena assistir. – Jamily Rigonatto

Lupin (Parte 1, Netflix)

Lupin, a nova empreitada francesa da Netflix criada por George Kay e François Uzan, é uma série plural. Digo plural porque ela é capaz tanto de agradar aquele espectador mais despercebido e casual, quanto o mais atento. O primeiro, fisgado pela proposta e pela trama, recebe twists satisfatórios e sequências de assalto divertidas, protagonizados com versatilidade por Omar Sy (de Intocáveis). O segundo, mais exigente, percebe alguns detalhes mais interessantes e sutis, mas que perdem força ao longo dos episódios, dando lugar a uma trama simples e, infelizmente, mais desinteressante e pouco inventiva.

A sensação que fica é que, depois de um primeiro episódio feito com maestria, que contextualiza as motivações do protagonista intercalando passado e presente enquanto nos apresenta um plano de assalto coerente e bem executado, e ainda arranja tempo para inserir um subtexto social marcante, o desenvolvimento da trama não recebeu o mesmo carinho da produção. Os próximos capítulos têm sequências muito menos inspiradas e muito mais convenientes, e a história ganha contornos mais clichês e parece enrolar para chegar onde quer, fugindo da proposta inicial (o gênero de assalto) e embarcando num drama que se sustenta, mas não tem impacto. No fim, a série acabou por construir em mim expectativas que não conseguiu cumprir. – Flora Vieira

Cobra Kai (3ª temporada, Netflix)

Cobra Kai já é um fenômeno do streaming e os espectadores realmente abraçaram a série. Desta vez, Jon Hurwitz, Josh Heald e Hayden Schlossberg optaram por resgatar as personagens essenciais na construção do passado de ambos (Johnny e Daniel). A empolgação da nova temporada acabou, também, sendo enxergada como motivo de descontentamento pelo público.

Fato é que a terceira temporada soube conversar com os problemas mal resolvidos da anterior, começando pela maneira como Daniel Larusso se portou diante de seus conflitos financeiros e familiares. A escolha da filmografia e fotografia foi espetacular. Rapidamente percebemos o espaço/tempo das cenas, sem nos desviarmos necessariamente do contexto onde são narrados os fatos apresentados.

Há também de se elogiar a trilha que, novamente, soube selecionar o melhor do rock old school dos anos 1980. Dee Snider teve uma participação extraordinária, que representa o sentimento de dever cumprido para o fan service. Além disso, podemos transitar por peculiaridades nunca antes esclarecidas, a exemplo do passado sombrio de Kreese. Em suma, os produtores foram ousados, brincaram novamente com a cronologia dos acontecimentos e trouxeram o melhor da fusão entre os millenials e os old school em prol da mesma causa: “cobras never dies”! – Gabriel Gomes Santana

Faz de Conta que NY é uma Cidade (Pretend It’s a City, Minissérie, Netflix)

O título curioso brincando com a metrópole mais cobiçada do mundo e a assinatura de Martin Scorsese tornam Faz de Conta que NY é Uma Cidade uma das produções mais organicamente atraentes de todo o catálogo da Netflix. Sem muitas promessas, a série documental nos apresenta à Nova Iorque de uma das melhores amigas do diretor, a escritora e humorista Fran Lebowitz, através das suas opiniões impopulares sobre questões corriqueiras da cidade, como arte e cultura, mobilidade urbana, dinheiro e economia, que vez ou outra desembocam em lembranças pessoais e devaneios aleatórios sobre uso da tecnologia, vícios e até as impressões da intelectual sobre as Kardashians.

A liga de tudo é a conexão da dupla, que vem da combinação da personalidade disruptiva de Fran e da admiração e confiança que Martin conserva pela amiga, que, mesmo tímidas, são completamente visíveis em todas as vezes em que o diretor gargalha das ideias e histórias malucas de Lebowitz. Nem sempre o espectador pega todas as piadas internas dos dois, que cultivam a amizade há mais de 50 anos e conhecem a cidade como a palma de suas mãos, mas a diversão genuína que os dois emanam quando estão juntos já é mais do que o suficiente para ganhar quem está do outro lado da tela.

Tudo fica ainda mais único quando o caráter documental de Scorsese entra em cena, atingindo o feito majestoso de transpor aquela identidade mais pura do cinema clássico que vem à cabeça quando pensamos no nome do diretor para uma série de TV não-ficcional de 30 minutos. E falando de riqueza cinematográfica, a produção ainda inclui recortes de outras entrevistas divertidíssimas e imperdíveis que Fran forneceu para outros grandes nomes do cinema estadunidense, como Spike Lee, Olivia Wilde e Alec Baldwin. Divertida, inteligente e cheia de personalidade, Faz de Conta que NY é Uma Cidade tem tudo para ser uma das melhores produções originais da Netflix do ano. – Raquel Dutra

Pose (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Pose finalmente chegou ao serviço de streaming mais queridinho do mundo, com atraso de mais de um ano. Transmitida originalmente pela FX em meados de 2019, o segundo ano dessa que é uma das séries mais importantes da atualidade foi lotado de novas emoções e novas narrativas. Diferentemente dos episódios anteriores, que seguiram uma cronologia mais fechada (já que existia a possibilidade de nem existir continuação), na segunda temporada podemos passear de forma mais livre nos eventos do universo da série.

Nos novos rumos, vemos Blanca Evangelista se envolver com o grupo ativista ACT UP, que lutou pela conscientização do HIV e da AIDS na década de 90 em todo o mundo. Também a assistimos enfrentar o mercado imobiliário transfóbico e racista de Nova Iorque ao tentar alugar um imóvel para montar seu salão de manicure. No mundo dos balls, a esperança de reconhecimento nasce ao Madonna lançar sua icônica Vogue.

Novos romances desabrocham e novos medos também. Com o avanço da epidemia do HIV, assistimos apreensivos outros personagens se tornarem soropositivos, e tememos por aqueles que já estão em estados mais avançados da doença. O talentosíssimo elenco mostra, mais uma vez, atuações viscerais, que foram completamente esnobadas nas principais premiações. Com inspiração na morte real de Venus Xtravaganza, nos despedimos de uma personagem extremamente querida, com direito a um emocionante número musical bem à la Ryan Murphy. Pose é um clássico instantâneo, e a cada novo capítulo assistimos a história ser feita na TV. A terceira temporada vem aí para provar isso mais uma vez. – Jho Brunhara

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Vitor Evangelista

Jules é a personagem mais interessante de Euphoria. São muitos os fatores que confirmam essa máxima, e o principal deles recai no carisma de Hunter Schafer, a jovem modelo que debutou atuando na série da HBO. Podendo ser facilmente ofuscada pelo estrelato e pelo nome de Zendaya, ela construiu sua adolescente fragilizada pelas beiradas, sempre mostrada pelos olhos de Rue. Tanto é que, quando Euphoria transmitiu seu final de temporada, Jules saiu como a vilã da coisa toda.

Num mundo ideal sem a pandemia e os atrasos de gravação, o ano dois da narrativa lidaria com o pepino de prosseguir sua estreia fenomenal. Para isso, além da escrita e direção precisas de Sam Levinson, a série precisaria sair do comum e cortar sua trama na carne. Para sentirmos a ausência de Jules como Rue a sente, a produção deveria tirar Hunter de vista. O que não aconteceu, é claro que estamos longe de viver num mundo ideal. 

Tendo estreado no meio pro fim de 2019, Euphoria conseguiu se manter na boca do povo. A produção da segunda temporada tinha data marcada para março do ano seguinte, mas o coronavírus estourou uma semana antes, acabando com quaisquer planos de capítulos inéditos no futuro próximo. Meses adentro da pandemia, Zendaya ganhou o Emmy de Melhor Atriz em Drama, dando mais fôlego para o seriado da HBO. Então, Levinson anunciou que lançaria dois episódios especiais de fim de ano, esses que funcionariam como uma ponte entre os anos 1 e 2. 

Assim nasceu a melhor solução para, como dito acima, Euphoria sair do padrão comum e sangrar na carne, como já havia se acostumado na estreia. Solução essa na forma de Part 1: Rue e Part 2: Jules, opostos complementares e irmãos de alma, episódios inventivos, refrescantes, aterradores e bem bolados. Filmados na pandemia, provando que o essencial para uma história ser contada é ela ser realmente boa. Técnicas de escrita e filmagem foram usadas para driblar as limitações do isolamento, e Sam Levinson dirigiu dois domos artísticos que não poderiam ser mais distintos um do outro e, ao mesmo tempo, cruelmente similares.

Trouble Don’t Last Always, focado inteiramente na figura de Rue, surpreendeu pela clausura da dependência e da solidão. Os vícios da personagem foram estudados com lupa e microscópio numa lanchonete em pleno dia de Natal. Zendaya foi fundo na hora de canalizar a depressão de sua protagonista, atestando o talento que fez história no Oscar da TV, se tornando a mulher mais jovem a vencer a estatueta e apenas a segunda atriz negra a bater tal feito.

Mais de um mês depois do balde de água fria sentimental, Euphoria estreou Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob. Mas esse não se trata somente de uma ‘resposta’ à aventura de Rue, ou apenas um cumpre cota enquanto a pandemia continua degradando os Estados Unidos. Coescrito pela própria Hunter Schafer, o capítulo natalino de Jules é um exorcismo da primeira temporada e do julgamento com que a personagem arcava.

Tudo começou com Hunter dirigindo pelo país, exausta mental e fisicamente do isolamento social. Ela cogitou se internar numa clínica psiquiátrica, até que Sam Levinson sugeriu que eles escrevessem um roteiro de Euphoria no lugar. Ela aceitou sorrindo, como contou numa entrevista à Jimmy Fallon, dias antes da HBO exibir Part 2: Jules. Na mesma conversa, Schafer agradeceu à Shonda Rhimes e seu Grey’s Anatomy, que ajudaram-na no processo de escrita.

O título do capítulo vem de um poema que a atriz escreveu na adolescência, e toda a pegada da trama ressoa tons poéticos e latentes de uma alma desacordada e, ao mesmo tempo, enérgica. Jules está na terapia, é sua primeira consulta e ela hesita em se abrir com a mulher do outro lado da sala. Quando perguntada sobre o que a levou àquela posição, a câmera se desloca para filmar o reflexo nos olhos claros de Jules.

Vemos então, finalmente, o seu lado da história, mas com o toque gourmet de Euphoria. A cena bota Lorde pra tocar, e sua sombria Liability é que conduz os eventos do ano de estreia da série. A música é cantada na íntegra, cores nascem e morrem na íris da garota, Jules não abre a boca para falar um ‘a’ e mesmo assim entendemos tudo. Ela se considera um fardo, como a letra da neozelandesa martela, ela se vê quebrada, remendada, atropelada.

E, sem prometer nada, a série desata a nos justificar os comportamentos de Jules. Hunter Schafer se apossa dos close-ups, ela abraça a vulnerabilidade reprimida de todas as deixas que roteirizou junto de Sam Levinson. Se Part 1: Rue certificava o talento digno do Emmy de Zendaya, Part 2: Jules coloca Schafer no mapa, e ela veio para ficar. A personagem chora, grita, assente e consente com os temores que a pressionam cada vez mais para baixo. Ela só gostaria de ser o mar, esse é seu maior sonho, por mais distante que esteja.

Algo que transformou Jules num ícone instantâneo, fora as tendência de guarda-roupa e maquiagem, foi sua posição de personagens trans que não tinha um arco narrativo modelado em volta de sexualidade, aceitação ou incertezas. A questão de seu gênero ou preferência sexual quase não é verbalizada na série, o que chama atenção no aspecto narrativo e também no plano maior, reafirmando que é muito possível retratar minorias na TV sem prendê-las em labirintos limitadores.

E a vibe despojada de Jules se reflete piamente no ritmo de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, bloqueando a monotonia de ambientes únicos e da câmera transitando sem vigor. Assistimos flashbacks da primeira temporada sobre sua perspectiva, conhecemos momentos de seu passado antes de transicionar, suas questões com a mãe viciada e com o pai desesperado em remendar os buracos da família. Mas o melhor de tudo fica à cargo das fantasias de Jules.

Sua imaginação é a responsável por construir as sequências mais ferozes do capítulo, a fantasia do homem da internet, as cenas de intimidade e de prazer. A escalação de Jayden Marcos, ator de filmes pornográficos, apenas evidencia o caráter disruptivo da série de Sam Levinson, sempre interessada em trazer o bruto e o carnal para os holofotes, denunciando temas tabus no percurso. Ao lado das partes românticas e sexuais, as fantasias irreais de um futuro não tão próximo ao lado de Rue colocam Jules em uma posição melindrosa, de cautela e culpa.

A culpa, de fato, é o motor de Part 2: Jules. Fossilizando os medos, traumas, remorsos e atitudes da menina, ela própria se ataca involuntariamente. Algo diagnosticado logo de cara pela Dra. Mandy Weedman, papel de Lauren Weedman, que entrega todas as deixas para Schafer brilhar. O momento em que Jules admite querer parar com os hormônios e com os bloqueadores é equivalente à personagem se despir frente às câmeras. Ela não fica literalmente pelada (como faz alguns minutos depois no capítulo), mas admite que, para seguir em frente, ela precisa deixar parte da bagagem de pesar pelo caminho.

Se tratando do flamboyant de Jules, todos os aspectos construtivos do episódio despejam esse caminho para quem assiste. Os figurinos de cores lavadas são sinônimo de sobriedade e vulnerabilidade, ela não usa maquiagem e tem nos olhos uma tristeza transmissível. A câmera opera em respiros chorosos, vemos o mar de longe, vemos seus cabelos molhados, vemos-na deitada no meio de uma bagunça do quarto, vemos-na sentada com as pernas abertas. Pela primeira vez, entramos em contato com a Jules de verdade, sem camadas falsas, interpretações de mentira ou olhares moldados pelos homens. Apenas a Jules.

A trilha sonora é a vacina para o mal que assola a personagem e, se não a curar de fato, é o momento perfeito para criar seus anticorpos. Abrindo com o mais indefeso que Lorde ousou ser, somos transportados pelo vácuo sentimental de Lo Vas A Olvidar, parceria inédita de Billie Eilish e ROSALÍA, encomendada para o Especial de Euphoria. A composição é mestra em encontrar um intervalo entre pensamentos, com a voz das artistas se abraçando no exílio da felicidade. Perto do clímax, Part 2: Jules ainda dá voz à Arca e sua recém saída do forno Madre Acapella, uma graúda ópera moderna.

Euphoria está subindo pelas paredes, aguardando o momento seguro de voltar à grade de domingo à noite na HBO. Os episódios especiais mostraram ser tira gostos essenciais e muito bem cozinhados, mas ainda recheados de propósito. Se tratando de Sam Levinson, Zendaya e Hunter Schafer, nada é por acaso. Acompanhar o desenrolar de nós narrativos da primeira temporada serem corrigidos e desatados nos capítulos extras apenas atiça a curiosidade para o que está guardado para o futuro. 

Trouble Don’t Last Always e Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, acima de tudo, nos deram saudades do elenco de apoio que faz a série alcançar, semana após semana, seu máximo potencial. O atrevimento de Maddy (Alexa Demie), a fúria moral de Kat (Barbie Ferreira), os olhares complacentes de Lexi (Maude Apatow) e, Deus me perdoe, fez sentir falta até dos dramas, ataques e birras do rato do Nate (Jacob Elordi). Para os próximos meses, nos resta assistir às sessões de terapia que a série escreveu no Especial, enquanto lidamos com nossos próprios demônios, sejam eles palpáveis, como o vício de Rue, ou etéreos, como a resistência de Jules. Qualquer que seja o diagnóstico, com Euphoria estamos bem acompanhados.

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A pandemia de coronavírus, que paralisou gravações e embaralhou a janela de lançamentos no cinema, não foi páreo para o Emmy 2020. A 72ª edição da cerimônia que premia o melhor do ‘horário nobre’ da TV vai acontecer virtualmente. Com apresentação de Jimmy Kimmel, os atores, atrizes, diretores e roteiristas participarão da festa à distância, dando seus discursos e agradecimentos do conforto de casa.

Num ano tão conturbado política e socialmente, com as pessoas presas no isolamento social, a TV foi mais importante que nunca. Além, é claro, de entreter sua audiência, as produções que disputam a estatueta dourada têm muito a dizer. E, enquanto o Oscar estipula regras e diretrizes para a inclusão de diversidade, o Emmy 2020 estabeleceu um recorde de artistas negros indicados. Fator que reafirma a maior receptibilidade da TV para com histórias ímpares e das ditas minorias. Tudo está longe do ideal, nem precisamos dizer, mas o futuro parece promissor.

É interessante de sublinhar que a cerimônia do Emmy que acontece no domingo, 20 de setembro, representa apenas uma parcela dos prêmios entregues. Existe, também, o chamado Emmy Criativo (Creative Arts Emmys), que dá atenção às categorias técnicas, como figurino, direção de arte e direção de elenco. Excepcionalmente, por conta da pandemia, o Creative Arts aconteceu ao longo da semana, e os indicados todos gravaram com antecedência discursos de agradecimento. Num ano comum e livre do coronavírus, a premiação secundária acontece na semana anterior à principal, mas não é televisionada. Além das técnicas, o Creative premia as categorias de Atuação Convidadas.

A Editoria do Persona se reuniu para criar essa postagem especial e inédita, reunindo numa lista o resumo das principais indicadas da noite. Contando com informações suculentas das séries, minisséries e telefilmes, mas com a qualidade clássica do site. Aliás, as obras com textos individuais estão assinaladas com os devidos links.

Agora só nos resta esperar a cerimônia começar e, enquanto isso, relembrar tudo do Emmy 2020 junto com o Persona.

DRAMA

The Handmaid’s Tale

O prestígio de The Handmaid’s Tale foi diluindo com o passar das temporadas. Para a série que foi coroada Melhor Drama na folga de Game of Thrones, em 2017, a produção do Hulu enfrenta um período de vacas magras. É certo que a indicação à categoria principal do Emmy 2020 denota um carinho da Academia pelo Conto da Aia, mas de migalhas que vivam os pombos.

Sem sua protagonista Elisabeth Moss nomeada, a série arrecadou 10 indicações esse ano. Em atuação se destacam as antigas vencedoras Samira Willey (Coadjuvante) e Alexis Bledel (Convidada). O queridinho Bradley Whitford, que ganhou como Guest em 2019, agora passou para a categoria de coadjuvante. A terceira temporada de The Handmaid’s Tale foi um sofrimento que só, principalmente para quem assistiu os tediosos 13 capítulos, aguardando a história finalmente começar. A espera é que o novo ano, previsto para 2021, dê um choque na trama, ou a mate de vez. – Vitor Evangelista

Stranger Things

Muito provavelmente a série mais querida e de maior audiência da Netflix, Stranger Things atrai todos os públicos, sempre movimenta a plataforma de streaming e faz barulho nas redes sociais. Neste terceiro ano, acompanhamos as crianças de Hawkins entrando na adolescência durante as férias de verão, num cenário leve e divertido que rapidamente se transforma quando as ameaças do Mundo Invertido se manifestam. Sem muita força de narrativa, a temporada foi morna e ocupou o lugar de outras de maior qualidade nesta edição do Emmy.

Entretanto, o encerramento deixou pretextos para a série ir além da cidadezinha do interior, graças aos seus problemas que se revelam cada vez maiores e mais complexos. Assim, o futuro de Stranger Things é ambicioso e as expectativas para os próximos anos são altas. Se a produção dos irmãos Duffer vai continuar captando o interesse e o engajamento do público, somente a 4ª temporada (com previsão de lançamento para o ano que vem) dirá. Enquanto isso, podemos relembrar a temporada que, de forma controversa, levou a série a competir pelo título de Melhor Drama no Emmy 2020, aqui. – Raquel Dutra

Ozark

Com o fim de Dark, Ozark é facilmente a melhor série da Netflix. Cheia de manejo e pompa, a terceira temporada foi o ápice de tudo, pelo menos até agora. Empatada com a favorita Succession, alcançando 18 indicações, Ozark germina sua jornada para uma merecida vitória num futuro não tão distante. Em 2020, o lobby da HBO pode anestesiar a série de Jason Bateman, mas a renovação do novelão para uma quarta e última temporada muito favorece Ozark.

Bateman, que ganhou um prêmio de Direção ano passado, comemorou sua terceira indicação seguida por interpretar Marty Byrde. Sua esposa em tela, Laura Linney, é uma das favoritas para levar para casa o Emmy de Atriz. A atual vencedora da categoria coadjuvante, Julia Garner, acumula um momentum perfeito para ganhar novamente. Não perca seu tempo e assista Ozark enquanto ainda não acabou, ou pelo menos, leia o texto completo sobre a brilhante 3ª temporada aqui. – Vitor Evangelista

Pose

Em um ano que completa 30 anos do lançamento de Paris is Burning, icônico documentário que retrata a vivência de gays e mulheres trans nos balls nova-iorquinos dos anos 90, Pose é ainda mais relevante. Mas não para os votantes do Emmy 2020. A série de Ryan Murphy foi esnobada, mesmo entregando uma segunda temporada impecável em todos os sentidos, recebendo uma única indicação principal (mas merecida) para Billy Porter, vencedor do ano passado.

As outras estrelas e grandes nomes do show, como MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson e Angelica Ross, foram completamente ignoradas nas categorias de atuação, e Pose também ficou sem indicação para Melhor Série de Drama. No seu lugar, entraram temporadas mixurucas, como Killing Eve e Stranger Things, mostrando que a trama sempre esteve certa: o mundo continua extremamente injusto para mulheres trans. Você pode ler mais sobre essa série essencial aqui. – Jho Brunhara

Better Call Saul

O spin-off de Breaking Bad sempre foi adorado, mas nunca recebeu um Emmy para chamar de seu. Esse ano, chegando na 5ª e penúltima temporada, a série da AMC se surpreendeu, mas de um jeito ruim.

A ausência de Rhea Seehorn em Atriz Coadjuvante já era esperada, ela ainda espera sua indicação inédita pelo papel. Todavia, a lista de Melhor Ator sem Bob Odenkirk soou quase ofensiva para o mundo da TV. Giancarlo Esposito foi o único sobrevivente do massacre, competindo em Ator Coadjuvante. Fora isso, Better Call Saul conseguiu 2 nomeações para Roteiro e uma vaga na maior categoria da noite, mesmo que a vitória esteja longe de se tornar real. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

Euphoria

A primeira temporada de Euphoria foi como um presente da HBO para seu público. Mas vale lembrar que a série vai além de maquiagens bonitas e luzes coloridas. Comandada por Sam Levinson, o drama trata de assuntos corriqueiros de séries adolescentes, como álcool, drogas e sexo. Só que no caso de Euphoria, tudo ganha mais crédito ao ser demonstrado de uma forma diferente cheia de efeitos e técnica impecáveis.

Com isso, a série foi a mais indicada nas categorias do Creatives e chegou a receber o Emmy de Melhor Música e Letra Original por All For Us, para o cantor Labrinth. Com grande surpresa, Zendaya, que interpreta a protagonista Rue, está concorrendo ao prêmio de Melhor Atriz em Série de Drama junto com Jennifer Aniston e Olivia Colman. Para saber mais sobre a história da série é só clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

The Crown

The Crown parece ajustar cada vez mais suas peças no tabuleiro de xadrez da Realeza Britânica. De caras novas pela troca de elenco, a série da Netflix cria capítulos-ensaios na terceira temporada, evoluindo suas melhores proezas. Olivia Colman abraça as mágoas da Rainha Elizabeth e faz jus ao premiado trabalho de Claire Foy. Mas o foco agora deve ir todo para a hipnotizante Helena Bonham Carter.

Deslizando com facilidade para a pele da rancorosa Princesa Margaret, a atriz pode finalmente ter um Emmy para chamar de seu. A série de Peter Morgan mantém o status de prestígio, mas se viu acuada quando não ouviu o nome de Tobias Menzies (o Duque de Edimburgo) nem o de Josh O’Connor (o Príncipe Charles) no dia do anúncio das indicações. Mas, tudo bem, acontece, e a quarta temporada chega em novembro para um vislumbre final de Colman e compania em palácios reais. Você pode ler mais sobre o ano 3 clicando aqui. – Vitor Evangelista

The Outsider

A primeira temporada de The Outsider balançou as investigações policiais no mundo sobrenatural. O suspense da HBO, baseado na obra de Stephen King, é responsável por momentos de arrepiar até o último fio do cabelo envolvendo roubos de identidade, assassinato de criancinhas e incriminação de inocentes.

Infelizmente, apenas Jason Bateman foi indicado ao Emmy 2020 por seu papel no primeiro episódio da série, mas, lendo aqui, você pode entender como grandes atuações foram injustiçadas na nova e aterrorizante série do Mestre do Terror. – Caroline Campos

Killing Eve

A terceira temporada de Killing Eve mostrou o que todos nós já sabíamos: os showrunners não tem a menor ideia do que fazer com a série. Em seu terceiro ano, a dupla de inimigas-para-amantes continua seu jogo de gato e rato, mas, enquanto Villanelle surta sobre seus objetivos de vida, Eve é jogada para o canto da sala de roteiros e recebe pouco destaque. E coitada de Sandra Oh, que esbanja talento mesmo nas eternas voltas que é forçada a dar.

Aliás, a atuação é o único pilar que ainda sustenta o show (além das belíssimas roupas de Villanelle), e foi responsável por três das quatro principais indicações ao Emmy 2020. Sandra e Jodie Comer (vencedora do ano passado) disputam Melhor Atriz em Drama, e Fiona Shaw concorre em Atriz Coadjuvante. O que é absurdo aqui, é uma temporada meia-boca roubando a vaga de títulos mais importantes em Melhor Série de Drama, como a maravilhosa Pose. Killing Eve está sangrando muito e, se seu quarto ano não for seu fim, tenho más notícias: vamos ver uma morte muito mais lenta e trágica do que os assassinatos cometidos pela vilã. – Jho Brunhara

How To Get Away With Murder

A sexta temporada de How To Get Away With Murder é desastrosa. Com um roteiro completamente mal pensado, a série dá diversas voltas sobre a mesma história, e tenta a todo custo resgatar o tom de suspense que a fez ser tão aclamada em sua origem. De quebra, os personagens do núcleo principal tomam atitudes contraditórias a cada segundo, e conseguem perder todo o seu carisma, se é que eles já tiveram algum.

Em meio a esse show de horrores, Viola Davis continua impecável na pele de Annalise Keating, fazendo jus ao Emmy de Melhor Atriz que conquistou em 2015, pelo primeiro ano da série. Infelizmente, não foi o suficiente para ganhar uma indicação na premiação deste ano. Por outro lado, a incrível Cicely Tyson, mãe de Davis na ficção, foi, mais uma vez, nomeada na categoria de Atriz Convidada em uma Série de Drama, e era uma das grandes apostas a levar a estatueta. – Vitória Silva

Orange is the New Black

A silenciosa sétima e última temporada de Orange is the New Black estreou em 2019 e Laverne Cox angariou a indicação solitária para a produção ao Emmy 2020. Pelo papel da ex-detenta Sophia Burset, Cox foi nomeada quatro vezes ao prêmio máximo da TV, mas nunca ouviu seu nome chamado ao palco.

Esse ano, no anúncio dos indicados, a atriz era uma das apresentadoras e foi surpreendida ao vivo com a notícia de sua indicação na categoria de Atriz Convidada em Drama. Era esperado que Laverne não vencesse, tanto pelo desprestígio que Orange sofre há alguns anos, quanto pelo buzz de séries mais recentes, como Succession. Todavia, sua lembrança por Sophia é um prêmio por si só, mas como seria bom vê-la premiada. Nos resta sonhar e, enquanto isso, ler mais sobre o emocionante desfecho do seriado aqui. – Vitor Evangelista

The Mandalorian

Quase ninguém previu a indicação de The Mandalorian na categoria principal do Emmy 2020. O histórico da premiação escancara o desamor por produções mais ‘sci-fi’, além de ser de uma plataforma nova, o Disney+, e figurar um protagonista que não mostra o rosto. A primeira série live-action de Star Wars transformou as fraquezas em armadura e clamou 15 nomeações.

Além do banho que deu nas categorias do Creative Emmy (os prêmios técnicos), a produção indicou Giancarlo Esposito à Melhor Ator Convidado numa Série de Drama. Acostumado a interpretar vilões, na galáxia muito, muito distante não seria diferente, na pele de Moff Gideon. Esposito chega prestigiado ao Emmy 2020, nomeado também na categoria de Ator Coadjuvante, por Better Call Saul. O texto completo sobre The Mandalorian pode ser lido aqui. – Vitor Evangelista

Succession

Succession venceu em 2019 a importante categoria de Roteiro em Drama. Num momento onde os votantes ainda estavam intoxicados pela fumaça dos dragões de Daenerys, a série de Jessie Armstrong já mostrou que não estava para brincadeira.

Em 2020, competindo pelo ano 2, a série empata com Ozark como Drama mais indicado: foram 18 nomeações. Com quase todo o elenco carimbando as categorias de atuação, além de acenos em Direção e Roteiro, Succession é a franca favorita ao troféu mais importante da noite. Quem sabe agora, com o burburinho do Emmy, o público finalmente dê atenção a essa preciosidade do horário nobre. – Vitor Evangelista

The Morning Show

Acumulando 8 indicações ao Emmy no seu primeiro ano, The Morning Show traz as problematizações de um programa matinal estadunidense após polêmicas envolvendo um dos âncoras. A produção do streaming da Apple consegue mostrar uma Jennifer Aniston diferente da que se conhece em Friends, aqui vemos uma mulher poderosa e ambiciosa, mas também com problemas profundos e uma vida complicada. Essa atuação rendeu a indicação de Aniston ao Emmy de Melhor Atriz em Série Dramática. 

A série também concorre em Melhor Ator com Steve Carell como Mitch Kessler e duas indicações na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com Billy Crudup favorito à estatueta. Mesmo que tenha sido uma temporada bagunçada e com alguns episódio bem tediosos, o final conseguiu chocar qualquer um, prometendo uma segunda temporada do mesmo nível. Se você quer descobrir como abuso de poder e outros assuntos foram retratados nessa série, pode clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

Westworld

Prometendo se livrar da amarras dos parques temáticos, o novo ano de Westworld desapontou semana após semana. Os longos oito capítulos pareceram durar mais e, ao fim da 3ª temporada, a sensação era de potencial desperdiçado e fogo de palha do material promocional e das promessas dos criadores Lisa Joy e Jonathan Nolan.

A Academia de TV fez certo ao desprezar a nova leva de episódios. Apenas Jeffrey Wright e Thandie Newton competem, ambos nas categorias de Coadjuvante. Newton, aliás, venceu em 2018, pelo deslumbrante segundo ano. Em 2020, a megaprodução futurista da HBO foi ofuscada, e deve acordar na segunda-feira sem prêmio nenhum chegando pelo correio. Leia mais detalhes sobre Westworld 3 nesse link. – Vitor Evangelista

Big Little Lies

Big Little Lies é um caso e tanto. A primeira temporada foi o fenômeno de 2017, fazendo a limpa na categoria de Série Limitada em toda premiação que concorreu. Baseada no livro de Liane Moriarty, a produção esgotou o material fonte e, depois do sucesso, resolveu encomendar outra leva de capítulos.

Passando para a categoria de Drama, o ano 2 teve uma recepção mais apática que o esperado. A entrada de Meryl Streep no elenco esquentou o dramalhão já fervoroso de antes, e o arco de Laura Dern fez valer a renovação. No Emmy 2020, apenas as duas marcam presença nas indicações. Uma vitória é improvável, tanto pela divisão de votos, quanto pelo balde de água fria que Big Little Lies despejou na cabeça do público. Você pode ler mais sobre a série aqui. – Vitor Evangelista

This Is Us

Nenhuma série consegue retratar as dores e as delícias da vida com a sensibilidade e beleza de This Is Us. Depois de três anos emocionando, construindo laços com sua audiência através de roteiros deliciosos e muito bem pensados e marcando presença entre as categorias principais do Emmy, a produção da NBC já cansou de provar sua qualidade. E ainda bem, porque, assim os danos provocados pela queda de nível que a série apresentou em sua quarta temporada não são tão graves.

E isso não foi só o público que notou. A Academia Televisiva também não gostou muito do que foi apresentado no último ano e castigou a trama, mantendo-a apenas na categoria de Melhor Ator com o brilhante Sterling K. Brown, que também foi indicado nos últimos três anos e venceu o prêmio em 2017. A genialidade do ator é tamanha que ele muda da água para o vinho e também é indicado, como aconteceu este ano pelo seu trabalho como coadjuvante na comédia The Marvelous Mrs. Maisel. Entretanto, sua parceira no Drama, Susan Kelechi Watson, permanece sendo esnobada e até hoje não foi reconhecida pela sua incrível e amada Beth Pearson na categoria de Melhor Coadjuvante. Ron Cephas Jones venceu em Convidado em Drama, pela segunda vez. Enquanto torcemos pelo nosso Randall e esperamos por dias melhores ao lado da família Pearson, podemos relembrar os anos anteriores de This Is Us e os pontos altos da quarta temporada aqui. – Raquel Dutra

Black Mirror

Black Mirror não vive de padrões. As ótimas primeiras temporadas (originais do Channel 4) foram ofuscadas pela compra da Netflix, que comanda a minissérie a partir dali. Depois de vencer a categoria de Filme para a TV 3 anos seguidos, a criação de Charlie Brooker levou uma rasteira da Academia de Televisão.

As vitórias de San Junipero, USS Callister e Bandersnatch criaram um padrão que os votantes não queriam que continuasse. A regra de submissão de telefilme foi mudada, agora sendo necessário uma duração de ao menos 75 minutos, matando qualquer chance de indicar Smithereens com seus 71. Sem ter lugar pra competir, Andrew Scott se enfiou em Convidado de Drama.  Era a chance do Emmy premiar o ator, depois do assalto à mão armada do ano passado, por Fleabag. – Vitor Evangelista

COMÉDIA

Brooklyn Nine-Nine

E mais um ano Brooklyn Nine-Nine é menosprezada pela Academia de TV. A sitcom recebeu uma indicação técnica na categoria Melhor Coordenação de Acrobacias e, pela quarta vez, o destaque fica com Andre Braugher, indicado a Melhor Ator Coadjuvante de Comédia por sua performance como Raymond Holt. 

Brooklyn Nine-Nine prepara a próxima temporada no momento em que a violência policial é pauta dos protestos antirracistas nos EUA. O próprio intérprete do Capitão Holt (policial negro e gay) acredita que a série deva adotar um tom ainda mais crítico e menos fantasioso acerca dessa instituição polêmica. O personagem de Braugher se destacou nas últimas temporadas pelo seu lado mais cômico e descontraído, mas o ator concorre com outros nomes de destaque como Daniel Levy (Schitt’s Creek) e o vencedor de 2019 Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel). Confira a crítica completa do 7º ano aqui. – Maria Carolina Gonzalez

The Marvelous Mrs. Maisel

Comandada pela incrível Amy Sherman-Palladino (Gilmore Girls), The Marvelous Mrs. Maisel é cativante desde a primeira cena exibida lá em 2017. A terceira temporada, que estreou ano passado, ainda conquista e estabelece a série como uma das melhores comédias atuais. Além dos diálogos, rápidos e impressionantes, e a construção impecável dos anos 60, a terceira temporada contou com participações que roubam a cena em muitos momentos.

Já veterana do Emmy em anos anteriores, The Marvelous Mrs. Maisel continua uma forte candidata na premiação. Como uma das favoritas da premiação, a série está presente em vinte categorias. Entre elas constam: Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz, na qual Rachel Brosnahan, interpretando a carismática Midge, merece ganhar por cada piada contada. As atuações brilhantes e o roteiro ágil ainda são discutidos aqui. – Isabella Siqueira 

Insecure

Insecure é a joia rara do catálogo da HBO. Além de ostentar a melhor trilha sonora da TV, a comédia é genial nas tramas, abordagens e no discurso que passa ao público. Issa Rae é a estrela do momento e todo seu ecossistema da produção tem todo o espaço para crescer e ser aclamado.

Se você gosta de SZA, de Chloe x Halle e de série boa, assista Insecure. Já morri de amores nesse texto e, se depois de ler, você não estiver convencido a dar uma chance à série, eu não sei mais o que fazer. – Vitor Evangelista

O Método Kominsky

Com apenas duas temporadas, O Método Kominsky já é uma figura garantida nas premiações. A célebre dramédia, que tem Michael Douglas e Alan Arkin como protagonistas, se revigora nesse novo ano trazendo arcos dramáticos mais bem construídos e desenvolvidos. Sem a necessidade de apresentar as características que moldam as personagens, o roteiro se dedica cada vez mais às preocupações e vivências da senilidade.

Fugindo do formato comumente adotado pelo criador Chuck Lorre – de The Big Bang Theory – a série, que acumula 3 indicações, se aventura pelos conflitos da paternidade e da velhice de forma mais trágica do que havíamos acompanhando anteriormente. Mantendo o padrão de qualidade e de comédia que nos cativou, o segundo ano de O Método Kominsky se apoia no desenvolvimento de relações mais maduras para entregar quase toda a sua potencialidade. Porém, a série insiste em cometer o erro da temporada passada e não aproveita tudo o que poderia de seus coadjuvantes. Você pode conferir a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Modern Love

O amor tem muitas faces. Em Modern Love, exploramos algumas delas em histórias sensíveis, frustrantes, inesperadas, acolhedoras, e até meio bizarras – tudo o que o amor pode ser. Com grandes nomes da atuação, a série da Amazon foi inspirada em histórias verdadeiras retiradas de uma coluna do jornal The New York Times. A qualidade das histórias varia de episódio para episódio, mas a obra possui um charme inegável. Dev Patel foi indicado ao Emmy 2020 pelo seu papel no segundo relato, uma escolha mais que certa, de um desenvolvedor de um aplicativo de relacionamentos que perdeu o seu próprio.

Entretanto, teríamos ficado ainda mais satisfeitos se Anne Hathaway, com seu papel delicado e emocionante como uma mulher com bipolaridade, tivesse conquistado uma indicação. A atriz está estonteante, mesmo no pouco tempo de tela que o episódio permite. A série é um retrato encantador sobre o amor em suas diferentes formas, com idas e vindas, recomeços e aceitações. Para quem quer esquentar o coração das dores da pandemia, Modern Love é uma boa pedida. – Caroline Campos

Disque Amiga para Matar

Disque Amiga Para Matar foi uma singela tentativa da Netflix que deu certo. Com a tímida indicação de Applegate pelo ano 1, agora em 2020 a produção abocanhou vagas para suas protagonistas e entrou na corrida de Melhor Comédia.

Divertida, incômoda às vezes, mas cheia de garra e paixão, Dead To Me (o título original) já anunciou uma terceira e última temporada para o futuro próximo. Pode ser que passe batida pelo Emmy, mas já ganhou o prestígio que merece em nossos corações. Leia mais sobre a loucura de 20 episódios nesse texto aqui. – Vitor Evangelista

The Good Place

A Netflix é responsável pela distribuição de grandes séries americanas ao redor do mundo, e entre elas está The Good Place. Originalmente exibida pela NBC, a sitcom foi encerrada em sua quarta temporada, fechando um ciclo bem delimitado e pensado em todos os seus detalhes. Tendo como plano de fundo a grande questão filosófica do que acontece quando morremos, a série recria a jornada do herói de maneira astuta e muito divertida.

Em sua quarta temporada, acompanhamos personagens mais maduros e desenvolvidos, entregues a sua verdade e que, consequentemente, dão uma continuidade mais gostosa para a narrativa. Consertando erros dos anos anteriores, o encerramento não perde tempo e usufrui de seus 13 episódios de forma a construir um cuidadoso final para todos os seus arcos, sejam eles primários ou não. Indicada a seis diferentes categorias no Emmy 2020, incluindo Melhor Comédia, você pode ler a crítica completa de The Good Place aqui. – Ana Laura Ferreira

Glow

Glow é uma das séries mais subestimadas do catálogo da Netflix. A falta de divulgação e um certo desprestígio do público auxiliam a solidificar a imagem de uma comédia ‘menor’. O que, em momento algum, é verdadeiro ou justificável.

Betty Gilpin acumula 3 indicações em 3 temporadas e, mesmo que sua vitória em Coadjuvante de Comédia seja improvável, o pequeno amor da Academia pela série pode alavancar sua posição no futuro. Glow está renovada para um quarto e último ano, e você pode ler mais sobre a produção de Jenji Kohan (criadora de OITNB) nesse texto. – Vitor Evangelista

Ramy

Se tem alguém que pode surpreender no Emmy 2020, esse alguém é Ramy Youssef. Criador, roteirista, diretor e estrela de sua semi-autobiografia, Ramy, o astro conseguiu duas nomeações pela segunda temporada. Bom lembrar que Youssef já nos pegou de surpresa quando venceu o Globo de Ouro, no início do ano, pela estreia dessa comédia do Hulu em parceria com a A24.

Na temporada 2, ele contracena com o suprassumo do cinema, Mahershala Ali, que interpreta a figura religiosa que guia o desastrado e desatencioso Ramy pela vida adulta. A série une religião e liberdade e, mesmo que nunca pareça mergulhar à fundo nos temas que apresenta, é uma boa porta de entrada para discussões futuras. Ali escolheu o episódio Little Omar para representá-lo em Ator Coadjuvante e Ramy submeteu na categoria principal a finale, Are You Naked in Front of Your Sheikh, além de ter sido indicado por dirigir Miakhalifa.mov. Não estranhe se o jovem talento vencer um dos troféus que concorre. – Vitor Evangelista

What We Do in the Shadows

A volta dos excêntricos e bizarros vampiros de Staten Island rendeu oito indicações ao Emmy 2020 – batendo de frente com grandes nomes da Netflix, NBC e HBO. Uma das comédias mais bem escritas da televisão atual, What We Do in the Shadows com certeza não merece uma estaca de madeira no coração durante a premiação. O estilo “documentário de ficção” faz o espectador gargalhar ainda mais em sua segunda temporada, com grandes momentos de Nadja, Nandor, Laszlo e Colin Robinson – sem esquecer, claro, de Guillermo, o “serviçal” que todos nós queríamos.

Já renovada para mais um ano, seu humor desaforado e secular conquistou a Academia, rendendo seis indicações a mais do que no ano anterior. Baseada no filme homônimo de 2014, a série também foi escrita por Taika Waititi e Jemaine Clement, provando que seus roteiristas não perderam a mão desde o longa – visto que a obra possui 3 indicações por Roteiro no Emmy 2020. Se nossos imortais vão levar o prêmio, fica o mistério. Mas você pode ler mais sobre essa temporada aqui. – Caroline Campos

Schitt’s Creek

É uma pena que quase ninguém assista e exalte Schitt’s Creek. O hit canadense ganhou atenção da Academia ano passado, logo que a série aterrissou despretensiosamente no catálogo americano da Netflix. De lá pra cá, a comédia exibiu sua sexta e última temporada, e chega na corrida como favorita ao prêmio.

O humor pontiagudo e caloroso é o que mais engrandece a criação de Eugene e Daniel Levy, pai e filho tanto dentro, quanto fora das telas. A chuva que desaba no final de Schitt’s Creek é mais que simples manifestação da natureza, é, acima de tudo, um agradecimento pela existência de uma comédia tão pura e tão sentimental. Você pode matar a curiosidade sobre a futura vencedora do Emmy 2020 aqui. – Vitor Evangelista

The Politician

Do mesmo criador de Glee, The Politician foi uma das séries mais aguardadas de 2019, por prometer trazer todas as divergências e disputas do meio político para uma esfera mais simples. Usando como cenário as eleições para a presidência do corpo estudantil, somos apresentados ao ambicioso Payton Hobart (Ben Platt) que está disposto a tudo para vencer essa corrida. Seus conflitos, que parecem irrelevantes em um primeiro momento, ganham grandes proporções ao contextualizar o cenário político norte-americano em um núcleo pequeno, mas bem desenvolvido.

O dinamismo criado nesse micro campo é sustentado por um elenco capaz de nos prender a tela. Ainda com uma estética bem demarcada, a paleta em tons de laranja e verde – que remetem ao Estado da Califórnia, onde a 1ª temporada se passa – contrasta com as cores azuis acinzentadas do último episódio e da segunda temporada, que já aborda a temática sob um viés mais maduro e geopolítico. Mesmo com a solitária indicação de Bette Midler na categoria de Convidada, The Politician é uma das dramédias de melhor desenvolvimento de 2020. – Ana Laura Ferreira

Modern Family

A última temporada de Modern Family foi exibida no meio da pandemia. Além disso, o catálogo nacional de 3 streamings disponibilizou a comédia da ABC, transformando-a na febre do isolamento social. O público descobre agora a produção que venceu por 5 anos consecutivos Melhor Comédia no Emmy, entre 2010 a 2014.

O melodramático 11º ano recebeu indicações apenas para Direção em Comédia, pelo último capítulo da série, e uma nomeação póstuma de Fred Willard, em Ator Convidado. Para a produção que rendeu 6 Emmys para o elenco principal (Phil, Claire e Cam ganharam duas vezes cada), essa despedida esquecida da Academia é tão triste quanto o desfecho dessa família muito moderna. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

MINISSÉRIE

Watchmen

Watchmen tem tudo para ser a grande vencedora do Emmy 2020. O roteiro de Damon Lindelof conseguiu ressignificar a famosa HQ em uma minissérie de nove episódios, trazendo a narrativa para a forte temática racial dos dias atuais. Unido a uma direção e produção magníficas, se originou a melhor série de super-heróis já feita.

O resultado de todo esse trabalho se observa nas suas 26 indicações ao Oscar da Televisão. Regina King e Jeremy Irons são favoritos a levar os prêmios de Melhor Ator e Atriz em Minissérie, assim como Jean Smart é na categoria de Atriz Coadjuvante. A disputa fica mais séria em Ator Coadjuvante, com Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. concorrendo, o que pode levar a uma divisão de votos. As categorias de Roteiro e Direção, pelo episódio This Extraordinary Being, também já estão no papo. Para desvendar outros significados e questionamentos dessa grandiosa produção, acesse aqui. – Vitória Silva

Nada Ortodoxa

Presente em oito categorias no Emmy 2020, Nada Ortodoxa não foi uma grande estreia da Netflix, contudo, é uma das obras mais encantadoras da plataforma. Baseada numa história real, a jovem Esty Shapiro (Shira Haas) embarca numa jornada de autoconhecimento após fugir de uma prisão em que esteve desde seu nascimento.

Entre flashbacks e cenas atuais, a produção não exagera no drama e trabalha com muito respeito as nuances do extremismo religioso. Com uma narrativa envolvente que toma o cuidado de não demonizar seus personagens, Nada Ortodoxa merece destaque. Mais sobre a minissérie e suas particularidades, você pode ler aqui. – Isabella Siqueira

Normal People

Normal People traz o romance na sua forma mais intrínseca e realista possível. Sem relações idealizadas, o namoro de Connell (Paul Mescal) e Marianne (Daisy Edgar-Jones) esbarra nos mesmo desencontros que enfrentamos na vida real. A narrativa do livro de Sally Rooney foi adaptada para a tela de modo simples e apaixonante. 

A atuação impecável de Paul Mescal rendeu ao irlandês uma indicação ao Emmy 2020, na categoria de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, mas a magnífica Daisy Edgar-Jones foi deixada de lado na premiação. A série também concorre por Melhor Elenco, Direção e Melhor Roteiro. Você pode ler mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

Unbelievable

A primeira das 5 minisséries a ser exibida, Unbelievable pode estar fraca na memória dos votantes do Emmy, mas isso em momento algum diminui sua força narrativa. A produção da Netflix revisita uma vítima desacreditada de estupro, e as negligências da polícia da época.

Entram em cena duas detetives fodonas (essas da foto), que fazem o necessário para resolver o crime. Toni Collette pode ganhar na categoria de Atriz Coadjuvante, mas na corrida principal Unbelievable parece ter ficado para trás. Você pode entender mais sobre a minissérie nesse texto. – Vitor Evangelista

Hollywood

Todo o glamour da boêmia Hollywood dos anos 50 ganha uma nova perspectiva social na minissérie de Ryan Murphy. Emotiva e esperançosa, Hollywood não poupa licenças poéticas para pôr em prática uma justiça histórica que ainda não vimos nas premiações. Trazendo para as telas bem fotografadas da série a discussão do apagamento de importantes artistas por conta de sua raça, o drama não dispensa alfinetadas remetendo à manifestação #OscarsSoWhite.

Acumulando diversas indicações, a produção, que trabalha com o imaginário hollywoodiano, se apoia em um elenco bem escalado e potente, capaz de nos fazer relevar as inúmeras facilitações do roteiro. Tendo em seu ponto mais forte a direção de arte, somos rapidamente ambientados naquela que seria a Era de Ouro do cinema. Jim Parsons e Dylan McDermott concorrem ao prêmio de Ator Coadjuvante. Vale lembrar que a série ainda faz uma justa homenagem à atriz Hattie McDaniel, primeira mulher negra a receber um Oscar. Você pode ler a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Mrs. America

Se não fosse pela grandiosidade e impacto de Watchmen, Mrs. America com certeza seria a favorita para o título de Melhor Minissérie do Emmy 2020. A produção da FX abocanhou 10 indicações com sua reconstituição do cenário político e social dos Estados Unidos na década de 70, marcado pela efervescência do movimento feminista, que se articulava para a aprovação da Emenda dos Direitos Iguais, e pela resposta contundente dos movimentos conservadores da época.

Importantes feministas norte-americanas foram mencionadas pela Academia Televisiva na hora de escolher as indicadas à Melhor Atriz Coadjuvante do Emmy 2020, como a deputada Shirley Chisholm, vivida pela atriz Uzo Aduba; a líder Bella Abzug da veterana Margo Martindale; e a polêmica Betty Friedan, interpretada por Tracey Ullman. Contudo, para Melhor Atriz, quem representa a minissérie é a majestosa Cate Blanchett, na pele da líder conservadora Phyllis Schlafly. Além das atuações e caracterizações excepcionais, dos roteiros robustos e das informações históricas perfeitamente combinadas com o entretenimento que a série proporciona, o que mais surpreende em Mrs. America é sua atemporalidade. E você pode entender mais sobre esse aspecto clicando aqui. – Raquel Dutra

Self Made

Self Made, inspirada na vida e legado de Madame C. J. Walker, é uma bagunça sem tamanho. Não fosse o carisma imensurável da protagonista Octavia Spencer, a minissérie da Netflix cairia no merecido esquecimento.

Recheada de atuações robóticas, viradas imbecis na trama e uma gastura em finalizar a trajetória da primeira mulher negra a ficar milionária por conta própria, Self Made se daria muito melhor como um telefilme de 90 minutos. Você pode ler mais aqui. – Vitor Evangelista

Little Fires Everywhere

Seguindo o caminho de outras aclamadas séries da produtora Hello Sunshine, como Big Little Lies, Pequenos Incêndios por Toda Parte concorre em cinco categorias, incluindo Melhor Minissérie. Ao trazer como tema central a maternidade e as relações raciais no ‘pacífico’ bairro de Shaker Heights, a construção das personagens é o que mais encanta. Profundas e multifacetadas, as protagonistas dividem opiniões ao expor todos os seus lados, sejam eles bons ou ruins.

Sem reduzir suas personagens a meras mães, a narrativa se constrói em meio às rachaduras da maternidade, seus vieses e a sua perspectiva mais obscura. O drama, carregado de simbolismos, utiliza da arte, em especial da fotografia, para criar um ambiente ao mesmo tempo crível e poético. A crítica completa de Little Fires Everywhere pode ser lida aqui. – Ana Laura Ferreira

I Know This Much Is True

Assista I Know This Much is True por sua conta e risco. A produção, dirigida e roteirizada por Derek Cianfrance, é um desafio preciso de ser encarado. O famoso livro de Wally Lamb, que se centra na vida dos irmãos Birdsey, foi revitalizado da melhor forma possível, com uma narrativa devastadora e poética sobre reconstrução.

Apesar da grandiosidade da obra não ter sido reconhecida pela Academia de Televisão, o protagonista Mark Ruffalo recebeu seu devido prestígio. Indicado à Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, esta pode ser a noite que ele irá levar seu segundo Emmy da carreira. Leia mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

FILME PARA A TV

American Son

Como a própria Netflix denomina, American Son é um evento. Lançado no ano passado, o suspense de Kenny Leon, indicado a Melhor Filme Para a TV no Emmy 2020, se desenrola a partir do desaparecimento do filho adolescente de um casal inter-racial. No cenário de uma delegacia, o filme aborda racismo e violência policial, discussões que tardiamente tornaram-se tema principal neste ano, depois de um levante de apoio mundial ao movimento #BlackLivesMatter.

No papel principal, Kerry Washington (mais uma vez!) se entrega a dor e preocupação de sua personagem, protagonizando cenas longas com picos de tensão que sustentam uma atmosfera de profunda aflição durante os 90 minutos do filme. Com pouco movimento, American Son escancara privilégios e nos aprisiona em realidades cotidianas e universais, que são atravessadas por todo terror que as estruturas racistas provocam. – Raquel Dutra

Bad Education

Bad Education tinha, a princípio, um lançamento cinematográfico planejado. Vendido em festivais de cinema, a produção acabou indo parar nas telas da HBO, sendo elegível apenas para o Emmy. Baseado num caso verídico, a trama ronda a persona de Frank Tassone, um diretor envolvido no maior desvio de dinheiro escolar na história dos Estados Unidos.

Hugh Jackman, oxigenando a imagem de Wolverine, assume o papel principal, acompanhado de um elenco que vive à altura da emissora. O telefilme angariou indicações para Jackman em Ator Principal, além de uma na categoria Melhor Filme Para a TV, que venceu, como foi anunciado no sábado, dia 19. Má Educação, o título nacional, discute com propriedade a linha tênue entre culpa e infortúnio, e sua performance principal funciona em perfeita sintonia com a canalhice do filme. – Vitor Evangelista 

El Camino – A Breaking Bad Movie

El Camino, a continuação direta de uma das séries mais celebradas do século XXI, vem contar uma história que na visão de muitos parecia desnecessária ante ao final irretocável de Breaking Bad. Porém, Vince Gilligan conseguiu construir um drama à altura de sua obra-prima. Dessa vez, focado totalmente na psique de Jesse Pinkman, explorando os diversos traumas acumulados pelo personagem durante as cinco temporadas que viveu ao lado do químico Walter White.

O roteiro é bem inventivo, colocando um Pinkman traumatizado tentando por fim encontrar a liberdade de seus demônios, enquanto os mostra de perto. Aaron Paul (infelizmente não indicado ao Emmy) encarna novamente o papel, e sem o peso que o ator traz na performance, certamente o longa sofreria bastante. El Camino consegue somar à nostalgia de Breaking Bad, e mostra que Vince Gilligan ainda tem algumas coisas para dizer sobre Jesse, e faz isso com a mesma maestria de sempre. Leia a crítica completa da obra indicada ao Emmy de Melhor Filme Para a TV aqui. – Gabriel Soldeira

Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend

A ausência de indicações para Ellie Kemper e Jane Krakowski denota um defeito no Emmy: a falta de uma categoria à parte para as atuações em telefilme. O evento interativo da série Unbreakable Kimmy Schmidt só conseguiu se enfiar em dois bolões: o de Melhor Filme para a TV e o de Ator Coadjuvante, em mais uma nomeação de Tituss Burgess.

Num mundo ideal, tanto a protagonista quanto Krakowski estariam no páreo, e poderiam muito bem vencer. Mas, na realidade em que vivemos, o que resta é dar play em Kimmy vs. The Reverend e brincar com todas as possibilidades. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

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Egberto Santana Nunes

O rótulo de drama teen foi só fachada para Euphoria, série da HBO que teve seu último episódio transmitido no domingo (04). O subgênero fez o marketing e chamou atenção de um Conselho de pais dos EUA, que pediram pelo cancelamento da produção, antes mesmo de sua estreia. O motivo? “Conteúdo adulto extremamente gráfico – sexo, violência, profanação e uso de drogas – aos adolescentes e pré-adolescentes” e de acordo com o grupo, o programa estava comercializando “internacionalmente esse conteúdo para crianças”. E de fato, tem muito disso, mas também tem muito mais.

Criada por Sam Levinson, a inspiração vem de uma produção israelita de mesmo nome, adaptada livremente com suas memórias adolescentes sobre ansiedade e dependência. A trama segue um grupo de estudantes de uma escola localizada no subúrbio dos Estados Unidos (a localidade exata nunca é revelada), a East Highland, entre o fundamental e ensino médio, enquanto eles vivenciam problemáticas envolvendo drogas, sexos, relacionamentos e outras obsessões.

O meio das redes sociais também se coloca como personagem nesse mundo, com todas as suas causas e consequências. Com exceção do oitavo, cada um dos episódios anteriores se concentra na origem de um personagem, enquanto todas as outras subtramas se desenvolvem.

Somos guiados o tempo todo pela voz de Rue, a narradora onisciente da série, interpretada brilhantemente pela Zendaya (essa mesma atriz pop da Disney e agora a MJ da Marvel Estúdios). E é nesse ponto onde Euphoria deixa claro desde o começo que sabe que é um show, está contando uma narrativa sobre adolescentes problemáticos pelo ponto de vista de um deles e a liberdade toma conta do cenário. A qualquer momento uma sequência dramática pode ser cortada, Rue questiona algum comportamento ou confessa para o público, e cenas totalmente desconexas, mas não tanto – sejam zoons em cenas de filmes pornô ou uma aula sobre fotos de pintos –  tomam conta daquele espaço e alinham com o diálogo.

E, falando nela, nada mais correto do que pegar a criança mais viciada, recém recuperada da overdose e falsificadora de assinatura no narcóticos anônimos para ser interpretada por um fenômeno teen. Para Zendaya, foi um cargo que encaixou nela enquanto não achava mais nada, queria algo diferente e se sentia desmotivada. Já para Sam Levinson, o criador da série, a atriz sempre esteve em sua mente, desde a primeira amostragem para HBO, Rue tinha nascido para Zendaya. E concordamos com ele.

O núcleo familiar da protagonista se concentra na relação carinhosa e amigável com Gia (a brilhante Storm Reid, da também forte e poderosa When They See Us) e as intensas brigas e discussões com sua mãe, Leslie (Nina King). As três entregam os momentos mais emocionantes e dramáticos, amadurecendo e desenvolvendo cada uma. Longe dos flashes e das festas, nesse ambiente familiar há as primeiras consequências de problemas e destruição causados pelo uso das drogas. E Rue não tem nenhuma intenção de parar o uso após a reabilitação.

Tudo muda quando ela encontra um novo vício, Jules (magnífica estreia de Hunter Schafer), recém chegada na cidade por conta do divórcio de sua mãe. Mesmo sendo amiga de Kat (a brasileira estilosa Barbie Ferreira), ela tem poucos amigos e preenche suas noites saindo com caras de encontros em aplicativos, geralmente casados e com famílias. Jules não tem o privilégio de sair às claras, e aí temos mais um acerto na diversidade dos personagens: ela é trans. E não, seu arco não gira em torno de sua sexualidade, e isso é poucas vezes dito em voz alta. E a comunidade LGBTQ adorou. Sim, representatividade importa.

De fato, o destaque está mesmo em Hunter. A modelo e ativista trans encontrou o trabalho vendo o anúncio no Instagram. Logo na sua apresentação, ela entrega uma excelente performance de conflito e ali, em poucas palavras e muita ação, já conhecemos e nos apaixonamos por sua personagem. Ela é colorida, vívida, intensa, mexe com as cores da série, e mesmo assim complexa e profunda, por conta de seu passado que é pincelado aos poucos. Após essa sequência de conflito do primeiro episódio, as duas rapidamente viram melhores amigas e iniciam um convívio diário bastante dependente e conflituoso. 

É nesse primeiro atrito de Jules que também nasce o vilão ou o antagonista da nossa dupla. Nate Jacobs (Jacob Elordi, o Noah da Barraca do Beijo), é o famoso “hétero topper” e, para usar mais palavras da moda, ele exala “masculinidade tóxica”. Alto, branco, másculo e popular. O quarterback do time de futebol americano da escola. Sua personalidade é clássica, trata mal as mulheres, ama e protege sua namorada, e enche a cara nas festas. Rue logo o detesta pelo seu comportamento de bullying e alto status. Com Jules, ele também não hesita e logo provoca e intimida, porém, a relação entre os dois vai aumentando e apresentando as verdadeiras intenções conforme o decorrer da série.

Talvez aí se encontra o seu único erro. Em cada episódio, conhecemos os personagens, eles vão se desenvolvendo e sua origem é apresentada pela voz e visão da Rue. Assim, podemos compreender suas ações e desejos. Porém, quando os olhos se voltam ao Nate, o texto o vilaniza excessivamente trazendo facetas irreais ou perversas demais até para alguém com comportamentos odiosos normais. Enquanto o compromisso de trazer um pouco da realidade é alcançado em alguns pontos, ela se esquece desse fator ao fantasiar demais em cima de um antagonista, colocando até falas que só poderiam sair de um seriado na boca do mesmo. Podendo até mesmo cair no erro de pensar “ele tem seus motivos”, o quê nunca é o certo.

O acerto de Euphoria está em traçar as problemáticas da juventude atual à sua maneira. São clichês, mas que aqui recebem um tratamento refinado e único. Pornografia, masculinidade tóxica, abuso sexual, identidade, relacionamento abusivo, e vício em drogas são alguns dos temas discutidos, e todos bem gráficos na tela. O quê fez a série se tornar “polêmica”, mostrando algo para alguns chocantes, e para outros, partes de suas vidas. Para Zendaya, não há nada chocante, a não ser que você não conheça essa realidade (aí explica os pais quererem acabar com a produção).

Todos esses elementos são filtrados pelo uso excessivo das mídias sociais, algo tão presente nos dias de hoje, tornando impossível uma produção com as mesmas temáticas ser feita dessa forma no passado. Nossas diferentes relações pessoais com o uso das redes passa pela trama de todos os personagens, como cada um encara isso offline, o olhar de fora da tela, a diferença quando se está desligado e suas consequências.

A divulgação da série foi extremamente consciente em relação aos recentes gatilhos nas produções audiovisuais. Em seu Instagram, antes da estreia, Zendaya alertou aos seguidores sobre o conteúdo forte, e nos episódios há avisos próprios antes do início de cada um, e no encerramento, uma letreiro indica o acesso a um site com ajuda para pessoas que sofram dos vícios representados.

A consciência esteve nos bastidores também. Uma consequência do movimento Me Too, que denunciou diversas personalidades de Hollywood por conta de assédio, as cenas de sexo foram todas acompanhadas por aconselhadores, para certificar que o elenco estava confortável e seguro sobre a cena.

A produção técnica não falha nem um pouco e beira o espetáculo. Há um forte uso de cores frias e fortes, abusando do azul e do verde. Em conexão com a narrativa, somos hipnotizados e tomados por um cenário alucinógeno nos momentos do uso de drogas. É luz e sombra na sua melhor função.

Além disso, a direção evita muitos cortes, e opta por caminhar pelo cenário, quando esse está sempre mudando. A trilha sonora é bem diversificada, atenta aos ouvidos do público, e as canções são delicadamente escolhidas e mescladas perfeitamentes nas performances.

Euphoria foi muito diminuído e comparado durante toda sua exibição. Skins (2007), Kids (1995) e até mesmo Trainspotting (1996), entre outras produções retrataram à juventude da sua época da sua maneira. Porém, em 2019 não temos mais como romantizar os abusos e os vícios, e sem nunca forçar e soar didático, o voice-over da Rue grita os problemas de seguir uma vida como a do elenco.

Para a realização desse show, a HBO esteve em parceria com a A24 (Corra!, Hereditário, Lady Bird). As duas, juntamente com toda a equipe extramamente talentosa, trouxeram algo único para TV. Na primeira temporada, recordes de audiência garantiram uma sequência e assim como as produções mencionadas, entrou para a história. Enquanto você ainda não confere o resultado, vale a conferida na excelente trilha sonora que embala as noites dos estudantes de East Highland:

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