Ana Cegatti

Uma parede clara e uma camisa branca são componentes clássicos de vídeos gravados por subcelebridades que tentam se desculpar por algum erro. No entanto, a neozelandesa Ella Marija não usou tais componentes no clipe de Royals para limpar alguma defecação, mas para jogá-la no ventilador. Há uma década, as rádios anunciavam a transformação de Ella em Lorde e ecoavam melodias que fizeram da onda alternativa da época um tsunami. Naquele momento, a indústria musical precisava fazer uma escolha: se afogar ou aprender a surfar. Lançado pela Universal Music e produzido por Joel Little, Pure Heroine é um álbum que nunca precisou pedir desculpas, já que Lorde jamais sentiria remorso por um erro tão ingênuo: amar demais. 

“Você não acha entediante como as pessoas falam?” é a cartada que inaugura o disco. Aliás, é uma pergunta cuja resposta pode ser abrasileirada ao relembrar a famosa letra de Fala Mal de Mim escrita por Ludmilla: “Ô coisa escrota, pode falar à vontade”. Eis o primeiro ensinamento do álbum de estreia da neozelandesa: não bateis palma para maluco dançar. Afinal, não vale a pena passar noites em claro sendo uma plateia agradável para indivíduos medíocres que não deveriam sequer estar no palco. Inspirada pela efervescência mística de Stevie Nicks e pelos trejeitos desvairados revolucionários de Kate Bush, Lorde não só escreveu o próprio espetáculo, como também incentivou outros a fazer o mesmo.

Em vez de aproveitar a moral para se autointitular diferente das outras garotas, a nomeada Mulher do Ano pela MTV em 2013 preferiu convidá-las para se sentarem junto a ela na mesa do novo indie pop. Billie Eilish e Alessia Cara são alguns dos nomes que trocaram um banquete gourmet por um petisco caseiro, saboreando o principal tempero da receita difundida por Lorde: o minimalismo. Este, por si só, variou o cardápio de uma juventude cuja dieta era unicamente pautada em músicas com muitos ingredientes e pouco sabor. Assim, Pure Heroine provocou uma fome que só seria saciada caso outras artistas também colocassem a mão na massa e fizessem uma boa mistura de sensibilidade e intimidade com pitadas de female rage. 

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Apesar de grandes feitos como ganhar dois Grammys, atingir o topo da Billboard e sustentar um batom escuro, o legado de Ella Marija reside, na verdade, em uma luta incessante contra a frieza. Durante uma viagem à Antártida, a neozelandesa deu um passo significativo em sua jornada de autoconhecimento ao descobrir que definitivamente não é um pinguim. Enquanto este choca ovos, Lorde segue chocando a indústria musical ao contrariar a lógica mercadológica, isto é, ao insistir em colocar sua autenticidade, por mais disfuncional que seja, acima de vontades alheias. Diga-se de passagem: a artista só aceitaria se tornar tão fria quanto um iceberg se seu ex-namorado fosse o Titanic. 

Pure Heroine foi a primeira demonstração da voracidade da cantora, que viria a defender com unhas e dentes a descriminalização da existência de indivíduos popularmente conhecidos como emocionados. O segundo filho, Melodrama, nem tenta disfarçar a essência sensível e perturbada de Lorde, a qual transformou o rancor que sentia por um homem mal-apessoado em repertório e lucro, além de ter dado visibilidade às que sempre são taxadas de birutas intensas. Apesar das inúmeras tentativas dos próprios fãs de colocar um contra o outro, os dois discos vivem em harmonia. O primeiro, como um bom irmão mais velho, abriu caminho para o segundo que, embora seja mimado, não foi ingrato e aproveitou bem a deixa para ir além da estética subversiva, aventurando-se nos prazeres banais da juventude, tão temidos por Pure Heroine.

O primogênito de Marija despontou como uma homenagem aos filhos que choram quando a mãe não os vê. A voz açucarada de fumante e as batidas violentas presentes na faixa Glory and Gore, por exemplo, tentaram fazer do disco uma fonte inabalável de rebeldia, mas sem sucesso, já que ganhar uma discussão no grito não era do feitio de Lorde. Na verdade, ela se mostrou defensora dos que sentem nó na garganta quando expõem centímetros de vulnerabilidade, isto é, quando ousam dar uma chance ao imprevisível. Este, por sua vez, acaba coestrelando o álbum junto ao tom agridoce e empático da artista, a qual dedicou algumas músicas para nichos marginalizados, a saber: Buzzcut Season para calvos, 400 Lux para caipiras e Ribs para ex-sonhadores. 

Uma parede coberta de pôsteres e o mau cheiro de pacotes abertos de salgadinhos compõem o cenário do primeiro ato da história de pessoas que, antes de dormir, olham debaixo da cama com medo de encontrar o maior vilão das narrativas infantojuvenis: o tempo. Embora tenha o poder de evocar estéticas sinestésicas, escrever letras memoráveis e manter contato com Taylor Swift, Lorde não consegue voltar atrás e, muito menos, incentivar outros a fazer o mesmo. Assim, a quarta faixa de Pure Heroine, Ribs, é a trilha sonora perfeita para tirar os pés do chão ou começar a pular tão desesperadamente a ponto de levantar voo e ir para bem longe da realidade, a qual insiste em trazer à tona a pequenez e a impotência humana. 

O segundo ensinamento pode ser traduzido na letra de Só Depois do Grupo Revelação: “Que na vida o hoje tem que aproveitar/Porque/Eu não sei se o amanhã há de chegar”, uma vez que remoer o passado asfixia um processo doloroso, mas lindo, de valorizar o presente e aprender a sentir saudade, não falta, do que já passou. Pure Heroine expressa, sobretudo, uma gradual aceitação do fato de que não é possível se agarrar às mesmas ruas e às mesmas casas por muito tempo, ou seja, a familiaridade das cidades pequenas é inevitavelmente substituída pelas luzes brilhantes das noites metropolitanas que iluminam o começo do fim da adolescência. 

Depois de 10 anos, a letra de Buzzcut Season, “Eu sou a única para quem você conta seus medos”, ainda define a índole confiável de Lorde, mesmo que alguns a considerem dissimulada por ter simplesmente feito o que não conseguiram: crescer. De fato, há um abismo entre a garota rebelde de 16 anos que teimou em lutar contra o tempo e a mulher adulta cujo terceiro disco, Solar Power, expressou sua busca, não pela volta, mas pela memória das paredes cheias de pôsteres, do cheiro dos pacotes de salgadinhos e das ruas que testemunharam muitos papos furados, assim como caminhadas sem rumo. No entanto, essa diferença significativa entre as versões de Ella Marija não revela uma hipocrisia, mas uma coragem de, enfim, fazer as pazes com o tempo. 

Lorde talvez seja uma maluca cuja dança é digna de palmas. Dentre tantas denominações possíveis para a artista, a de David Bowie não deu trela para perreco: a neozelandesa é a voz do futuro. Além do mais, seu álbum de estreia é o único amigo que precisamos para nos ajudar a dizer adeus a quem um dia fomos. O coro de Ribs fez muitos se sentirem menos sozinhos e os acordes tímidos da última faixa, A World Alone, fez uma geração inteira perder a vergonha de dançar, mesmo sem um par. No fim, Pure Heroine foi uma das mais belas tentativas da língua inglesa de expressar o conjunto de sentimentos cujo nome é encontrado em pouquíssimos dicionários: saudade.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez

Josyara, Anná, Obinrin Trio e Sara Donato – Afetou-me

Precisamos agradecer imensamente ao Sonora Festival São Carlos. Para ser mais específico, devemos gratidão direta ao seu Laboratório Sonora. Com muito afeto, essa iniciativa reuniu uma equipe de responsabilidade e talento para criar Afetou-me: um single e seu respectivo videoclipe. Com música composta e cantada por Josyara, Obinrin Trio, Anná e Sara Donato, esta obra tem produção musical assinada por Luana Flores. E o resultado de “uma criação coletiva” tão diversa não poderia ser mais rico.

Curiosamente, esta não é a primeira vez que Anná e Luana Flores brilham em um mesmo Nota Musical. Em setembro, ambas receberam destaque por aqui, graças a dois lançamentos distintos. Agora, para a felicidade geral, elas estão juntinhas em uma mesma música. E a situação só melhora: se Afetou-me já é um deleite sonoro e poético, o clipe que esse single ganhou, dirigido por Joyce Prado, consegue ser múltiplo e repleto de liberdade criativa, podendo fascinar muita gente. – Eduardo Rota Hilário

ROSALÍA e The Weeknd – LA FAMA

A união de ROSALÍA e The Weeknd não tem erro. Depois do remix da bombada Blinding Lights, a dupla assina LA FAMA, canção que ostenta um luxuoso pop com referências à bachata em um conto sobre as seduções perigosas do sucesso. Segura e repleta de metáforas e mensagens, o maior triunfo da música é a lembrança das habilidades artísticas de ROSALÍA, que sempre se dedica a ricas narrativas sonoras e visuais. E é assim que a artista nos apresenta a primeira faixa oficial de seu tão esperado próximo álbum, responsável por suceder o magistral EL MAL QUERER (2018), que até então atende por MOTOMAMI e tem o lançamento planejado para 2022. – Raquel Dutra

FLETCHER e Hayley Kiyoko – Cherry

Duas artistas de destaque no cenário pop LGBTQIA+, FLETCHER e Hayley Kiyoko uniram seus talentos e vozes em Cherry, uma colaboração mais do que esperada. A estrela em ascensão e a “Lesbian Jesus”, como Kiyoko ficou conhecida, não têm medo de cantar sobre sexualidade e sobre amar mulheres e, depois de superarem o marketing da revelação, entregaram um single que não poderia ser diferente: divertido, sedutor e ousado, as duas brincam e flertam na canção, que teve sua data anunciada dois antes do lançamento. Em apenas dois minutos e meio, Cherry expressa a curiosidade de se tornar íntima de alguém em um ritmo dançante e animado que, como outros trabalhos das artistas, grudam na cabeça e dão vontade de dançar. – Vitória Lopes Gomez

Jade Baraldo – Believe (Acústico) 

Leandro Buenno não é o único ex-The Voice Brasil e membro do novo elenco de Cazas de Cazuza presente nesta edição do Nota Musical. Isso porque, além dele, uma de nossas brasas artísticas contemporâneas nacionais também esteve de single novo em novembro. Regravando, para tanto, o hit Believe, da cantora-deusa estadunidense Cher, Jade Baraldo ressignifica bastante a composição estrangeira, de autoria múltipla, dando identidade própria à música que está na trilha sonora da novela Quanto Mais Vida, Melhor!, recém-lançada pela TV Globo.   

Deixando de lado o Auto-Tune, marca registrada da gravação original, a cantora brasileira agora dá lugar à suavidade orgânica de um projeto acústico muito belo. E os elementos mais bonitos do single não se restringem à sua sonoridade, já que a capa da canção, foto escolhida por meio de uma votação no Instagram, é, no mínimo, maravilhosa. No fim, esse conjunto de sensibilidade e bom gosto faz com que o brilho de uma artista de qualidade, que já cantou ao lado de Chico César, seja irradiado em nível nacional. – Eduardo Rota Hilário

Black Country, New Road – Bread Song

Black Country, New Road, o septeto britânico que despontou no início deste ano com o magistral álbum For the first time, não conseguiu esperar um ano sequer para continuar a nos surpreender. O segundo single para o aguardado álbum Ants From Up There, que só será lançado ano que vem, foge do caos explosivo de Sunglasses, mas com a mesma carga emocional crescente provocadora de arrepios no corpo inteiro. Bread Song é a coisa mais sensível que o grupo já lançou até o momento.

Na primeira metade da música, não há qualquer tipo de tempo determinado por uma marcação de compasso. Movida por uma temporalidade subjetiva, que ainda assim de alguma forma conecta todos os membros da banda, a canção constrói expectativa conforme mais e mais instrumentos se juntam, até que a entrada do ritmo na metade da música é delicada, aliviando a tensão, mas mantendo a elevação crescente que parece nos ascender até o céu. Não parecem haver limites para a criatividade de Black Country, New Road, e não poderíamos estar mais agradecidos por isso. – João Batista Signorelli

Beyoncé – Be Alive (Original Song from the Motion Picture “King Richard”)

Enquanto o novo disco de Beyoncé não vem, a artista pode ser apreciada na trilha de King Richard: Criando Campeãs. No novo filme Reinaldo Marcus Greene, ela assina Be Alive, canção que embala poderosamente a história de Richard Williams, mais conhecido como o pai de Serena e Venus Williams, duas das melhores atletas da história e vetores de transformação profunda no mundo do Tênis. Você já deve saber o que esperar de uma das apostas para o Oscar de Melhor Canção Original de 2022: a junção de uma narrativa tão significativa com a perfeição de Beyoncé não poderia resultar em outra coisa além de uma beleza monumental. – Raquel Dutra

Leandro Buenno – Contra Corrente

Apresentações no Programa Raul Gil, destaque no The Voice Brasil 2014, um percurso como DJ e, mais recentemente, a experiência de ser um dos atores do musical Cazas de Cazuza. Se o histórico artístico de Leandro Buenno já é rico e vasto, tudo indica que ele tende a crescer cada vez mais. Seja pela habilidade vocal, pela liberdade com o público ou, mais provavelmente, pelo conjunto de qualidades que possui, Leandro pode alcançar lugares que ainda nem imaginamos. Mesmo que, para isso, ele tenha que nadar Contra Corrente algumas vezes.

Com composição autoral, o novo single de Buenno tem produção musical assinada pelo próprio artista, ao lado de Dinho Alves, e mostra um lado bastante experimental do cantor paulista. Trata-se de uma sonoridade que até apresenta algumas semelhanças com outras criações nacionais, a exemplo do Café Preto de Davi Sabbag. Mas é, sobretudo, uma obra que introduz algo novo em nosso cenário criativo, diferente daquilo que está no atual mainstream brasileiro. Um “strike a pose!” antropofagicamente reinventado. Ou quase isso. – Eduardo Rota Hilário  

Mitski – The Only Heartbreaker

Mitski é (ou melhor, continua sendo) o fogo e a floresta e a única testemunha do próprio incêndio. Com The Only Heartbreaker, a artista dá sequência a prévia de singles que integrará Laurel Hell, próximo álbum desde o primoroso Be The Cowboy, considerado um dos melhores de 2018. Previsto para fevereiro de 2022, o registro foi produzido pelo parceiro de longa data, Patrick Hyland, além de ser co-composto junto de Dan Wilson, vocalista da banda Semisonic que trabalhou com nomes potentes como Taylor Swift e Adele.

Se afastando da moderação comum de seu indie rock, Mitski conduz The Only Heartbreaker por uma instrumentação oitentista densa. Contudo, apesar do ritmo dançante, a melancolia ainda se faz amargamente presente. Tudo que é tocado por ela imediatamente se queima pelo fogo, num prenúncio infeliz do fim de um amor. E quando já não há mais ninguém ao seu lado, ela processa o sentimento angustiante de ser a única parte apaixonada de um relacionamento, aceitando a catástrofe, nem que isso signifique invocar deliberadamente a dor. Ela rebate, ela canta, ela grita. Ela aceita o título de destruidora de corações, restando nada mais do que dançar, dançar sobre as cinzas através do frenesi das batidas de um sintetizador à moda Take On Me. – Ayra Mori

TIAGO IORC – Masculinidade

Então, é isso: onde Tiago Iorc quer chegar? Após o segundo hiato da carreira, o cantor ressurge das cinzas com a canção Masculinidade, single que veio acompanhado de um clipe controverso, no qual o artista tenta desenvolver uma imersão em autoconhecimento. Ao longo de seus 6 minutos de duração, ouvimos Iorc recitar trechos nos quais levanta paradigmas sociais e problemas de gênero, acompanhado de batidas eletrônicas bastante destoantes da típica fórmula voz e violão de seus hits anteriores.

Mas a música, em si, não é boa. É como ouvir um diário cantado, no qual o artista evoca suas próprias memórias e arquétipos para confrontar problemas sociais profundos, como a misoginia e o machismo — basta enxergar o clipe, co-dirigido pelo próprio cantor, em que sua figura performa uma dança solitária, o alçando ao protagonismo de seus questionamentos sociais —, e reduzindo-os a estereótipos. É fato que se trata de uma canção pessoal, e, a bem da verdade, não há nenhuma novidade em apresentar uma visão particular sobre o todo, abarcando rachaduras sociais em sua composição. Esse geralmente é o ponto de partida de diversos artistas, principalmente no rap e no hip-hop.

Entretanto, a presença individual do cantor põe em voga uma representatividade, na qual Iorc fala por todos os outros — ou talvez tente dar voz a uma geração —, o que joga todo o clipe e música (lembre-se: ela se chama Masculinidade) em uma viagem egocêntrica cisheteronormativa. É também interessante destacar que essa é uma canção divergente do restante da carreira do músico, sendo algo totalmente fora do radar de qualquer fã do cantor — é só compará-la aos versos e melodias da ritmada Amei Te Ver, de 2015. Aparentemente, houve a tentativa de transmitir algo aqui, uma mensagem particular que fazia — e talvez fez — muito mais sentido na cabeça de Tiago Iorc, alguma coisa que forçou o musicista a deixar de lado aquilo que o levou às paradas de sucesso; porém, o resultado é um clichê polêmico e raso, insustentável sem qualquer mérito da canção. – Bruno Andrade

Romero Ferro e Lucy Alves – Essa Paixão

Expectativas foram superadas no novo single de Romero Ferro. Nessa parceria com Lucy Alves, a dupla de cantores nordestinos não só interpreta, como também assina a composição super passional de Essa Paixão. Abraçando o tema ligado ao coração, que é bem recorrente na linha do tempo da Música nacional, Romero e Lucy dão vida e brilho a um som brasileiríssimo, que mistura, por exemplo, o pop tropical com forró e piseiro. Nessa combinação genuína de vozes e personalidades, tudo é, então, pura química, e nada soa forçado.        

O clipe da canção, por sua vez, é um deslumbramento à parte. Dirigido pelo próprio Romero Ferro, em conjunto com Marionaldo Júnior, que já trabalhou com o cantor em Pra Te Conquistar, o lado visual de Essa Paixão busca estabelecer diálogos com a obra de Pedro Almodóvar, ao mesmo tempo em que entrega figurinos apaixonantes. Indo além, trata-se de uma criação com combinações visuais radiantes, extremamente prazerosas  do ponto de vista estético – e que podem facilmente atrair os mais diferentes públicos. – Eduardo Rota Hilário

FKA twigs e Central Cee – Measure of a Man

Trajando-se da narrativa de uma Maria de Madalena emancipada, há dois anos FKA twigs atestou sua genialidade pop experimental com MAGDALENE, um dos melhores discos de 2019. A cantora, compositora e produtora britânica é tudo, menos comum. Seus registros são carregados por uma teatralidade autoral excepcionalmente enigmática. São sintetizadores eletrônicos acompanhados pela voz angelical de twigs, que dão luz a um som verdadeiramente divino. Com Measure of a Man, contudo, ela desce dos céus pelo pole, pousando lascivamente sobre a terra.

Composto especialmente para a franquia do filme King’s Man: A Origem (2021), o último single conta com a participação do rapper londrino Central Cee, indo de desencontro com a proposta sonora do álbum passado da cantora – o que não significa que seja algo negativo, apenas diferente. A faixa é construída por batidas trap que pincelam a base de uma orquestra épica digna de um filme de James Bond, agraciados pela sensualidade registrada dos vocais twignianos, que canta como se dançasse armada de sua katana afiada, o que ela faz. – Ayra Mori

Gloria Groove – LEILÃO

É fato que Gloria Groove está no melhor momento de sua carreira. Em outubro, a drag foi parar na parada global da Billboard com A QUEDA, e agora, em novembro, ela ficou em alta nas redes sociais e plataformas musicais com LEILÃO. Seguindo a proposta artística maximalista desta nova era inaugurada com BONEKINHA, a música reside no pop estrondoso de Groove e é acompanhada das narrativas super produzidas, que agora ainda brilha sua habilidade lírica influenciada pelo hip-hop. O lançamento é o terceiro single do vindouro disco Lady Leste, que promete arrematar essa onda de sucessos em breve, criando expectativas cada vez mais altas. – Raquel Dutra

Márcia Tauil – Quem Disse Que Não

Márcia Tauil assume um eu lírico completamente apaixonado em seu novo single, Quem Disse Que Não. Nessa composição de Geraldo Brito e Cliff Villar, até mesmo as imperfeições da pessoa amada são encaradas com fascínio pela figura que narra toda a música. E o trabalho de “uma turma da pesada”, com músicos indicados a ou vencedores de edições passadas do Grammy Latino, dá o suporte perfeito para uma letra que é pura poesia, merecedora das audições mais cautelosas e atentas.   

Não foi por acaso que, em 2013, a cidade de Mococa criou o Troféu Márcia Tauil, em homenagem à cantora. Natural de Guaxupé, município do interior de Minas Gerais, Márcia provoca nos ouvintes um encanto digno de verdadeiras lendas, como uma Marisa Monte, ou uma Gal Costa. E para acompanhar uma voz tão bela, ideal para o deleite poético que é Quem Disse Que Não, nada melhor do que um videoclipe suave, que torna todo esse universo ainda mais belo. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone e The Weeknd – One Right Now

One Right Now é uma junção do mais pop possível que Post Malone e The Weeknd conseguem se atrever a ser. Se esperávamos que a parceria inédita entre esses dois artistas de peso na Música viria com um single sombrio e complexo, a surpresa é que ele parece ter vindo direto de MONTERO. O clipe não largou a pegada badass dos dois – principalmente porque eles dão tiros um no outro enquanto disputam quem sofre mais por amor. E o resultado não é ruim, pelo contrário, é diferente, muito bom, e até cômico por mostrar mais uma de suas facetas artísticas.

Post Malone sempre flertou com gêneros variados, mas os hits Sunflower e Saint-Tropez que mostram o seu pop parecem brincadeira perto de One Right Now. Isso vale também para The Weeknd, que mesmo já fazendo parte do gênero, gosta de resgatar os anos 80 e 90 para intensificar o que produz. A parceria entre ambos foi inesperada, mas é justamente na letra que eles se unem, resgatando o sofrimento melancólico para falar de um amor tóxico. E isso, combinado em uma melodia animada, resultou em ambos cantarolando que suas amadas provavelmente irão transar com todos os seus amigos. – Nathália Mendes

Zezé Motta e César Lacerda – Desprotegidos Pela Sorte

Seria totalmente injusto escrever poucos parágrafos para uma música da dimensão de Desprotegidos Pela Sorte. Pelo peso e responsabilidade que carrega, pelas mensagens que emite e pela complexidade que encarna, não é de se espantar que esse single tenha passado por um processo de gravação no mínimo delicado. É por tudo isso, inclusive, que o melhor caminho para este texto será reportar detalhes comuns, deixando os infinitos desdobramentos provenientes da obra em questão a cargo de quem já diz tudo sozinha: a própria música.

Com certeza, é muita sorte poder ver Zezé Motta além das telas, dividindo uma mistura de hip-hop e pop com César Lacerda. Composta por Ronaldo Bastos, Leo Pereda e o próprio César, Desprotegidos Pela Sorte é uma canção sobretudo política. Humana do início ao fim, porque é altruísta, lúcida em suas denúncias, mas também esperançosa. E, por estar repleta de acertos, talvez passe despercebido seu único descuido: utilizar a cegueira como metáfora para algo a ser combatido, numa espécie de vício que perpetuamos ao longo dos anos. Fora isso, trata-se de uma obra que pode ecoar por muito tempo em nossa História. – Eduardo Rota Hilário

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

“Como posso enxergar a morte somente de maneira negativa quando alguém que eu amo está morto?”, revelou Jenny Hollingworth ao lado de Rosa Walton, amiga de infância e parceira de banda, a respeito de Two Ribbons, faixa-título do terceiro álbum de Let’s Eat Grandma, previsto para abril de 2022. E se no passado a prodigiosa dupla britânica explorou texturas caleidoscópicas de um synth-pop policromático, dessa vez, as cores são ausentes. Caminhamos pelos tons acinzentados que permeiam o preto e o branco do luto e dos desfechos em geral.

Segundo Hollingworth, a faixa é uma carta às duas pessoas mais próximas de sua vida: Walton, a amiga, e Billy Clayton, namorado que faleceu precocemente devido ao agravamento de um câncer raro nos ossos. Assim, o ritmo de Two Ribbons é ameno, reduzido à guitarra acústica melancólica que preenche os versos confessionais de alguém que encara o sentimento de impotência à vista da morte, à vista da dissolução gradual de uma amizade que não faz mais sentido. Sua voz soa cansada. Como se finalmente entendesse que certas coisas devem chegar ao fim, lado a lado, ambas assistem a chuva levar embora as dores, aceitando-as de coração apertado. – Ayra Mori

Pabllo Vittar e Rennan da Penha – Number One

Grande parte da internet tem sido injusta com Pabllo Vittar e Rennan da Penha. Number One pode até não ser a melhor música da carreira de Vittar, mas isso não justifica a nítida falta de bom senso no descontentamento do público. Até mesmo alguns fãs ignoram que o novo single é inovador para a discografia da cantora – descaso que, na verdade, não surpreende muito. É sempre assim: toda vez que Pabllo tenta romper com um modelo musical específico, principalmente com os mais queridos por seus ouvintes, a única conduta que falta é crucificarem a artista e seus parceiros.

Musicalmente, Number One transforma-se o tempo todo – e esse é o grande atrativo da canção assinada por várias mãos. Com traços de K-pop, funk, trap e afro house, o novo single de Vittar e da Penha adquire uma maior relevância em seu videoclipe, dirigido por ninguém menos que João Monteiro, parceiro de longa data da drag queen. Em um aspecto mais amplo, Number One celebra antecipadamente os cinco anos de sucesso de uma carreira alavancada pelo álbum Vai Passar Mal. E não se trata do primeiro contato entre os dois artistas, já que MODO TURBO veio ao mundo em 2020. – Eduardo Rota Hilário

Travis Scott – ESCAPE PLAN / MAFIA

Uma das primeiras vezes que Travis Scott mostrou ESCAPE PLAN ao mundo foi durante o fashion show da sua collab com Kim Jones, a Cactus Jack, para a Dior. Isso aconteceu antes das polêmicas sobre seus shows se intensificarem e implodirem em pura tragédia, por isso, naquele momento o single marcava o momento épico da participação integral do rapper em uma coleção tão importante. No entanto, o lançamento oficial da música junto com MAFIA aconteceu justamente um dia antes da monstruosa aglomeração do público no show ASTROWORLD em 5 de novembro resultar em 10 mortes, e ele nada ter feito para interromper.

A dúvida paira sobre seu histórico de encorajar a violência em shows, e a referência “Estou tentando não voltar no meu caminho, não consigo reverter” em ESCAPE PLAN parece falar do caos que ele mesmo causou. Ela e MAFIA são amostras de sua próxima mixtape, Distopia, e desde já imaginamos se ela será marcada por versos agressivos. Ambas falam sobre até onde o dinheiro nos leva e o que somos capazes de fazer para alcançá-lo. Sexo e a ânsia pelo topo também aparecem, mas perdendo as amarras da influência de Kanye West. Em resumo, o futuro de Travis é incerto, pois entre a sua evolução musical, qualquer lançamento se torna indigesto depois dessa tragédia tão séria. – Nathália Mendes

Christina Aguilera – Somos Nada

Enquanto figura pública, a imagem de Christina Aguilera anda frágil depois de ter se recusado a dizer algumas palavras sobre o fim da tutela de Britney Spears. Decepcionar a Princesa do Pop e reacender desentendimentos de longa data foram, nesse contexto, dois deslizes caros para a carreira de Aguilera. Por outro lado, a cantora continua artisticamente incrível. Isso é explícito na balada Somos Nada, que entrega uma letra de boa qualidade, assinada por Federico Vindver, Mario Domm, Sharlene Taule e a própria Christina Aguilera, além de belos vocais – embora a sonoridade de alguns versos, como “Y ahogándome en silencio”, cause estranhamento.

O videoclipe da canção, por sua vez, é bem simples, mas também muito bonito. Dirigido por Alexandre Moore, o lado visual de Somos Nada carrega, principalmente em seu desfecho, uma narrativa consideravelmente dramática. E esta, aliás, não é a primeira vez que Christina Aguilera canta em Espanhol. Em 2000, por exemplo, a cantora lançou Mi Reflejo, álbum construído inteiramente na referida língua. Agora, passados os primeiros lançamentos de uma nova era, que já marcaram presença até mesmo no Grammy Latino 2021, resta aguardar o que Christina ainda tem a nos oferecer – e o que ela fará com suas mais recentes polêmicas. – Eduardo Rota Hilário

Lagum e Emicida – DESCOBRIDOR

“Deixa ir, tudo bem/Não teria graça se soubesse onde ia dar”. Em DESCOBRIDOR, novo single da Lagum, a banda mineira se junta a Emicida para aproveitar as memórias ainda por vir. A música é a quinta faixa do terceiro álbum do grupo a ser disponibilizada e teve o clipe lançado poucas horas depois. Com a calma e relaxada nova canção, que prioriza o violão a guitarra ora ritmada, ora agitada da Lagum, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) ganha mais um single positivo e reforça a diversidade de temas e sonoridades do próximo projeto. E como reforça a Emicida, que se juntou a DESCOBRIDOR depois da canção estar finalizada, esta “é sobre as possibilidades que podem surgir de um encontro, partindo de uma tela em branco e, juntos, poder criar novas paisagens, memórias e histórias”. – Vitória Lopes Gomez

DJ Batata, Tati Quebra Barraco e Bárbara Labres – É Por Isso Que Sofre

Após participar do reality show A Fazenda 13, a cantora Tati Quebra Barraco resolveu dar continuidade à sua carreira musical com o single É Por Isso Que Sofre. Com produção de DJ Batata, e composição assinada pelos três intérpretes da canção, o lançamento da funkeira carioca provavelmente será lembrado pelos versos chicletes “Homem é pra sentar/Vocês Querem Amar”. E, em uma perspectiva temporal, É Por Isso Que Sofre sucede os lançamentos Desce o Tom! e Dançar, além da chegada recente às plataformas digitais do álbum Boladona, de 2004.        

Em relação ao videoclipe da nova música, os grandes destaques são, sem dúvida, o look original da marca Versace, utilizado anteriormente, e mais de uma vez, pela cantora estadunidense Lady Gaga, além de algumas participações especiais, como é o caso de Jojo Todynho. De modo geral, trata-se de um vídeo que, embora tenha uma abertura peculiar, dá alguma dimensão extra à canção relativamente breve, colocando o DJ Batata e Bárbara Labres, as duas parcerias do single, também em evidência. – Eduardo Rota Hilário

MØ – Brad Pitt e Goosebumps

Para MØ, o agora é um novo capítulo. Retornando das aventuras inconsistentes de Forever Neverland (2018), a dinamarquesa lançou mais dois novos singles inéditos que dão sequência às previsões de Motordrome, seu quarto álbum de estúdio, previsto para janeiro de 2022. O título é inspirado no truque de dødstrome – a volta perfeita em 360º dentro de um globo da morte –, uma analogia à luta da artista contra as oscilações da ansiedade: “Representa uma enorme mudança em minha vida. […] Uma era da minha vida chegou ao fim e estou adentrando uma nova. Isso é assustador, mas também é libertador.”

Brad Pitt é um hino romântico anti-Shania Twain. E se a fama não foi o bastante para impressionar a cantora country-pop canadense, para MØ, com ou sem popularidade, o amante é suficiente para ser o Brad Pitt de sua Julieta. “Você não precisa nascer sob o sucesso para fazer o sangue bombear por debaixo do meu vestido de verão”, ela canta de peito aberto, cercada por um rock sintético cintilantemente caloroso. Enquanto isso, Goosebumps recorre à melodia acústica do piano para relembrar as emoções do passado, ansiando-as. A voz rouca de MØ reafirma memórias passadas, mas a artista está sempre olhando para frente. – Ayra Mori

Clipes

Sandra Pêra e Ney Matogrosso – Velha Roupa Colorida

É hora de vasculhar o armário e resgatar aquela nossa Velha Roupa Colorida. Não importa se ficamos frenéticos ou não com a ideia de regravar os clássicos. O que interessa é que Sandra Pêra e Ney Matogrosso, já pelos nomes que carregam, dão relevância a qualquer tipo de lançamento. E neste videoclipe minimalista, com fundo quase sempre branco, a história não é diferente. Focado nos dois intérpretes, Velha Roupa Colorida obviamente destaca figurinos, sem deixar de lado o brilho da interação espontânea entre cantores, ou entre artista e câmera.

Belchior parece estar cada vez mais em alta, e, embora seja difícil superar Elis Regina na interpretação das músicas do artista cearense, é importante dar novos ares ao que já é imortal. Nesse sentido, e com certa leveza arriscada, Sandra Pêra se aventurou deliciosamente ao lado de Ney. Reservando um fragmento de Sandra Pêra Em Belchior para o ex-Secos & Molhados, a atriz e ex-integrante do grupo As Frenéticas garante holofotes para um trabalho que, grandioso ou não, terá espaço no acervo audiovisual da Música brasileira. – Eduardo Rota Hilário

Jão – Santo (Ao Vivo)

Desde o anúncio de seu terceiro álbum, o badalado PIRATA, Jão não tirou um dia de folga. Teve audição exclusiva para os fãs, clipe super produzido, performance ao vivo, turnê anunciada e esgotada em um dia, live no TikTok… e mais uma performance ao vivo. O cantor e compositor escolheu duas das melhores canções de seu mais recente projeto para gravar a apresentação e, depois de Idiota (Ao Vivo), disponibilizou de surpresa Santo (Ao Vivo). Assim como na anterior, o jogo de câmeras dinâmico captura a performance animada de Jão, que, à frente da banda completa, dá uma palhinha do que pode fazer no palco. – Vitória Lopes Gomez

Bemti e Fernanda Takai – Quando o Sol Sumir

A nostalgia do universo infantil e a diversão de um dinossauro com um astronauta são o prelúdio do fim do mundo no novo videoclipe de Bemti. Nesse sentido, o lado audiovisual de Quando o Sol Sumir dialoga muito bem com os versos que o cantor mineiro compôs na companhia de Roberta Campos. Afinal, o término do dia logo se transforma também em cenário apocalíptico, e o aproveitamento da vida – e seus amores – é uma das saídas possíveis, tanto na letra quanto no clipe deste destacado fragmento do sensibilíssimo álbum Logo Ali.     

Com formação em Audiovisual pela USP, Bemti assina roteiro e montagem do vídeo dirigido por Kleber Bassa e Thálita Motta. Já Fernanda Takai, voz que divide a canção com o artista, e também a responsável pela utilização de um dinossauro inflável na obra, é peça fundamental para a concretização de possíveis surpresas. Sem dúvida, mesmo que a ideia original do videoclipe não tenha nascido, a adaptação para o mundo real do que seria antes uma animação mostrou-se, desde o início, um delicado respiro nesta realidade às avessas – e mais um sinal do talento indiscutível de Bemti. – Eduardo Rota Hilário

Lorde – Fallen Fruit

O poder do Sol continua influenciando a Arte de Lorde. Além de presentear as plataformas digitais com as faixas extras do terceiro disco esse mês, a cantora ainda lançou o clipe do mais novo single do projeto: Fallen Fruit. Dessa vez, os lados sagrado e místico da praia, visitados em Solar Power e Mood Ring, dão lugar para um campo de guerra, em chamas, desolado.

Lorde não perde tempo. No vídeo, ela xispa de lá o mais rápido que pode, no que parece ser o mesmo veículo que a transportava pela cidade iluminada de Green Light. A letra, que se inspira no Fruto Proibido e segue na linha enigmática e extraterrestre do álbum, reflete a posição de Lorde frente ao mundo devastado em que vivemos. – Vitor Evangelista

Em homenagem aos cinco anos de lançamento de Starboy, um dos discos fundamentais na carreira do canadense The Weeknd, a canção Die For You — presente também no compilado The Highlights, que contém apenas os grandes sucessos do artista — ganhou um clipe super-produzido, trazendo referências a Stranger Things, que também completou 5 anos em 2021. 

No clipe, vemos um garoto — espécie de The Weeknd jovem — dotado de poderes telecinéticos, fugindo de oficiais do governo e refugiando-se na casa de uma família suburbana, na qual encontra uma jovem garota. Esnobado no Grammy Awards deste ano, em que denunciou o racismo e corrupção dos votantes do prêmio, The Weeknd segue a todo vapor, consolidando seu nome na lista dos titãs da Música Pop. – Bruno Andrade

Marina Sena – Por Supuesto

2021 foi o ano de Marina Sena, não há o que dizer. Revelação do ano, a mineira subiu ao pódio ao conquistar o primeiro lugar no Top Viral Global do Spotify, ultrapassando 20 milhões de cliques com Por Supuesto, single do aclamado álbum De Primeira, que ganhou videoclipe no mês de novembro. E se a estreia triunfal da carreira solo de Sena não foi suficiente para conquistar os corpos mais frígidos, o flerte cinematográfico prova, mais uma vez, a artista completa por trás de um dos maiores álbuns nacionais do ano.

“Hoje eu olhei pra você/E vi à beça/O gozo, a ginga, a luz/O som, a festa”, canta Sena enquanto desfila pelo groove suave de uma guitarra elétrica como noiva abandonada no altar. A cena é um Brasil tropical, um salão vazio, um tempo desconhecido. Vestida de rendas espalhafatosas, destruindo um bolo de aniversário coberto por glacê colorido, típico das festas oitentistas, ou, ainda, cercada por arranjos florais datados, a noção cronológica dos fatos é deturpada: ela cria o próprio universo sensual. 

O videoclipe conta com a direção de Vito Soares, direção criativa responsável por Marcelo Jarosz, figurino por Leandro Porto e maquiagem por Sasa Ferreira. Assim, a cantora reúne acertadamente uma equipe que confere sua identidade autoral como artista singular. Entre gingados sedutores e olhares maliciosos – referenciando o filme dirigido por Sam Mendes, Beleza Americana (1999) –, Sena finaliza excepcionalmente sua performance, caindo esplendidamente sobre um mar de rosas, como num sonho feliz. – Ayra Mori

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Tranquilo como um vulcão, setembro chegou com um restinho de inverno que mais parecia uma sauna ao ar livre. Com temperaturas elevadas, o fim da estação tipicamente fria logo deu lugar à elegância da primavera – e nos fez lembrar de que, infelizmente, nem tudo são flores na vida. Entre erupções vulcânicas e medo de tsunamis, talvez nada tenha assustado tanto os brasileiros quanto os atos antidemocráticos que escancararam a fragilidade de nossa recente democracia. Mantendo-se firme ao lado da Cultura, e não permitindo que esses absurdos sejam esquecidos, o Persona respeitosamente introduz a nona edição do Nota Musical.      

Se, no fim de agosto, Kanye West bateu recordes na Apple Music com o álbum Donda, é verdade que ele também viu essa conquista durar pouco. Com Certified Lover Boy, lançado no comecinho de setembro, Drake assumiu a posição de seu rival, garantindo o posto de álbum mais ouvido na plataforma nas primeiras 24h em 2021. Apesar dos números elevados, esse projeto se mostrou ambicioso demais, e embora alcance seus pontos altos, é um disco que peca pelo excesso de ideias. De qualquer forma, nada deslegitima o sucesso do trabalho imersivo – e cheio das dores – de Drake.  

Mergulhando igualmente em si mesma, Liniker lançou o primeiro álbum solo da carreira. Repleto de referências musicais, Indigo Borboleta Anil é um bom primeiro passo para a nova etapa da cantora, que obteve inclusive o reconhecimento de verdadeiras lendas nacionais, como Milton Nascimento. E se estamos falando de trabalhos bem sucedidos ao se assumirem pessoais, não podemos deixar de mencionar o disco Dai a Cesar o que é de Cesar. Abordando do racismo à religião, o primeiro álbum de Cesar Mc é, com certeza, uma estreia muito notável para o rap nacional.

Ainda em solos brasileiros, Gaby Amarantos fica responsável por um dos melhores álbuns nacionais do ano. Com parcerias invejáveis, como Elza Soares, Alcione e Ney Matogrosso, Purakê extrapola o tecnobrega ao reunir novos sons da Região Norte do Brasil. Enquanto isso, no Nordeste, observamos diariamente uma das maiores polarizações da atualidade: com incontáveis fãs e haters na internet, Juliette entrega doçura, leveza e origem paraibana em seu primeiro EP, mostrando que, fora do BBB, ela pode viralizar com uma inusitada relação entre preconceito e farinha. Já Luana Flores, também da Paraíba, funde tradição e inovação em Nordeste Futurista, um excelente Extended Play de estreia.

Misturas sonoras e experimentalismos, aliás, estão por toda parte. Em The Dune Sketchbook, por exemplo, Hans Zimmer aprofunda os trabalhos musicais desenvolvidos para a nova adaptação cinematográfica de Duna, chegando a criar inclusive uma espécie de som de outra galáxia. Ao mesmo tempo, Lady Gaga torna o universo de Chromatica irregular, sem deixar, contudo, de executar, ao lado de BloodPop, uma curadoria diversificada e rica para Dawn of Chromatica. O álbum de remixes tem, por sinal, um de seus auges em Fun Tonight, colaboração com a nossa Pabllo Vittar.

Mas a Mother Monster não foi a única a realizar grandes curadorias no mês. Comemorando os 30 anos de The Black Album, a banda Metallica lançou o disco The Metallica Black List, marcado por números colossais e diversas releituras das faixas do clássico, em uma reunião de artistas e bandas para todos os gostos. Embora seja um pouco inusitado, um desses nomes é J Balvin, que também se destacou em setembro ao lançar José, o sétimo álbum de estúdio da carreira. Com mais de 20 participações especiais, o CD de tom intimista do embaixador global do reggaeton conquistou um bom desempenho no agregador de notas Metacritic, além de razoáveis reproduções no Spotify.   

Falando em rankings, quem também se sobressaiu no mês foi a rapper LISA. Depois de 5 anos em cena com o grupo BLACKPINK, ela finalmente estreou sua carreira solo com o single LALISA. Faixa-título do álbum ainda inédito, a canção alcançou o surpreendente segundo lugar na Billboard Global 200. E entre hits e polêmicas, não podemos esquecer que Lil Nas X deu à luz o tão aguardado MONTERO. Colaborando com grandes nomes da Música, como Elton John, Kanye West e Miley Cyrus, o atual ícone da comunidade LGBTQIA+, e promessa para o futuro do rap, se mostrou bem eclético em seu disco de estreia. 

Nessa importante valorização da diversidade, Phoebe Bridgers e a banda MUNA vivem um romance queer em Silk Chiffon. O single ganhou um videoclipe baseado no filme Nunca Fui Santa, de 1999, demonstrando que os anos 90 ainda estão em alta. Prova disso é também The 90s, de FINNEAS, canção que fará parte do álbum de estreia Optimist. Nela, o irmão de Billie Eilish canta as saudades de um mundo sem internet e com esperança no futuro, retrato explícito desse tempo passado.

Além disso, quase na mesma atmosfera, Radiohead transporta todo mundo para os anos 2000 com If You Say the Word, primeira música inédita do vindouro CD KID A MNESIA, edição especial que comemora os aniversários de duas obras clássicas da banda. Mas as novidades para os fãs de rock não param por aí. Oasis atacou em dose dupla, dando pistas do futuro álbum ao vivo Oasis Knebworth 1996 ao lançar os registros das canções Live Forever e Champagne Supernova, ambos presentes no disco. No entanto, como todo gênero musical, algumas decepções foram inevitáveis, e a culpa agora é da banda norte-americana Imagine Dragons. Em Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra dividida em dois álbuns, o que encontramos é um trabalho sem coesão, confuso e diferente dos discos anteriores. 

Mas para quem gosta dessas viagens ao passado, ouvir as novidades dos veteranos talvez seja uma boa escolha. Sendo assim, depois da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, com o single Love For Sale, um dos maiores destaques de setembro é com certeza a volta do ABBA. Após 40 anos ausente, o grupo pop sueco retorna com as canções I Still Have Faith In You e Don’t Shut Me Down, anunciando um álbum novo e um show especial. Não bastasse tamanha alegria, aqui no Brasil, Caetano Veloso chega com Anjos Tronchos, primeiro gostinho de um disco de composições inéditas – o ainda aguardado Meu Coco – desde 2012.

Além desses retornos, uma junção inesperada de nomes grandiosos da Música brasileira foi uma das belas surpresas do mês. Edi Rock, Ney Matogrosso e Linn da Quebrada regravaram o clássico Nada Será Como Antes para a trilha sonora da nova temporada de Segunda Chamada, e o resultado desse encontro está bem interessante. Ainda para as telinhas, St. Vincent presenteia o mundo com três canções originais, dentre outras faixas, na trilha sonora de The Nowhere Inn. Cynthia Erivo, por sua vez, lança Ch. 1 Vs. 1, seu primeiro disco completamente autoral, que transita entre pop, soul, R&B e gospel – e reforça o lado cantora da artista indicada a Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme no Emmy 2021. 

Na mesma linha, o astro de Teen Wolf Tyler Posey estreia como artista solo no EP Drugs, trabalho no qual narra o uso exagerado e sua consequente luta contra as drogas. Já Alexa Demie, famosa por seu papel em Euphoria, dá seus primeiros passos no mundo da Música com o single Leopard Limo. E avançando no processo de recuperação de seus direitos autorais, Taylor Swift lança oficialmente a nova versão de Wildest Dreams, hit do álbum 1989, de 2014, que já tinha aparecido na trilha do filme Spirit: O Indomável. Igualmente no universo audiovisual, mas agora nos games, mxmtoon lança true colors, obra que faz parte da trilha sonora do jogo Life is Strange, e é formada por dois covers e duas composições originais.

Sendo a vida estranha ou não, é bom poder aproveitá-la. E Alicia Keys faz isso muito bem em LALA, sua parceria com Swae Lee. Criando um clipe luxuoso para o single, a cantora esbanja alegria em uma festa invejável. Algumas celebrações, no entanto, são um pouco macabras. É o caso de Charli XCX, que dança no funeral do próprio namorado no vídeo de Good Ones, música que narra o processo de acostumar-se com relacionamentos ruins. E falando em dança, é impossível não mencionar a nova canção de Glass Animal. Em I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance), a banda britânica não só aparece nas paradas da Billboard, como também cria uma atmosfera totalmente dançante, psicodélica e elétrica.       

Numa onda de tantos festejos, os detalhes mais sutis da vida também garantem seus espaços especiais. Em Te Ao Mārama, Lorde dá continuidade à fase mais iluminada de sua carreira, regravando algumas faixas de Solar Power em Maori, a língua nativa da Nova Zelândia – país onde a cantora nasceu e cresceu. Já Lana Del Rey se afasta das redes sociais para focar na Música, mas não sem antes deixar um presentinho para os fãs: Arcadia, single presente no ainda tão aguardado álbum Blue Bannisters, ganhou um clipe dirigido pela própria artista. E em Angel Baby, sua mais recente balada, Troye Sivan tem o coração completamente tomado por uma paixão avassaladora.    

Infelizmente, os amores estonteantes nem sempre são eternos ou duradouros. E Kacey Musgraves sabe bem disso. Após o sucesso e aclamação de Golden Hour, a cantora norte-americana vencedora do Grammy retorna com star-crossed, seu quarto álbum de estúdio. Influenciado pelo divórcio entre a artista e o músico Ruston Kelly, o trabalho foi até mesmo descrito como “uma tragédia moderna em três atos”. Aliás, nesse clima de traumas e outros elementos extremamente particulares, a rapper Little Simz se destaca ao lançar o disco Sometimes I Might Be Introvert, trabalho que pode vir a ser classificado como um dos melhores CDs do mês, ou até mesmo do ano.             

Se algumas pessoas têm sorte disco após disco, outras não são tão queridas pelo destino. Ao lançar gg bb xx, o quarto álbum de estúdio da banda, LANY cai numa criação genérica e repetitiva, entregando uma obra um pouco frustrante. Ao mesmo tempo, alguns trabalhos, antes de serem bons ou ruins, são apenas totalmente inesperados. Foi o que aconteceu com o EP YELLOW TAPE, de ZAYN. Lançado sem qualquer aviso, e fora das plataformas oficiais de streaming, as três novas músicas do ex-One Direction mergulham no rap, entregando letras profundas, marcadas por indiretas e algumas questões particulares.

Aliás, lançamento inusitado foi o que não faltou no mês. Entre o EP Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) – homenagem ao linguista norte-americano Noam Chomsky – e a aparição da mãe de Beyoncé no clipe do primeiro single solo oficial de Chlöe, Have Mercy, o maior destaque dentre as surpresas de setembro pode ter sido facilmente Life of the Party, colaboração entre Kanye West e Andre 3000. Se essa faixa foi um dos descartes do álbum Donda, Drake achou uma boa ideia vazá-la em um programa de rádio. Aumentando a rivalidade entre os rappers, Kanye West logo deu sua resposta, compartilhando publicamente o endereço de Drake.   

Mas os ecos do famigerado álbum lançado no fim de agosto não param por aí. Baby Keem, que também fez parte do disco, agora reúne seu primo Kendrick Lamar e Travis Scott no álbum The Melodic Blue. Apesar de novato, os passos de Keem têm se mostrado tão dignos quanto os de muitos veteranos. E por falar em veteranos, aqui no Brasil, Manu Gavassi inova em sub.ver.si.va – segundo single de seu quarto álbum de estúdio, previsto para sair em novembro – ao gravar, para essa música, um clipe somente em filme, sem versões digitais. 

Já Anitta se tornou a primeira artista brasileira a se apresentar no VMA. Com uma performance simples e breve, marcada por uma parceria com o Burger King e muito playback, a nossa girl from Rio teve seus merecidos momentos de brilho. E embora tenha começado há menos tempo, Pabllo Vittar arrasou no clipe de Bang Bang. Homenageando a artista Mylla Karvalho, a drag queen mais popular do mundo entregou muita coreografia no vídeo dirigido por Vinícius Cardoso – e o mais recente foco dentro de seu último álbum, Batidão Tropical.  

Fazendo uma cobertura cautelosa e bastante ampla do que rolou no mundo da Música no nono mês de 2021, o Nota Musical reúne os melhores e piores lançamentos musicais de Setembro. Compromissados com a valorização da Arte e de informações e dados de qualidade, a Editoria e os Colaboradores do Persona tentam trazer um pouco de respiro a quem (sobre)vive no Brasil de 2021, já que falar de Cultura nesta terra devastada é, ao mesmo tempo, luta e resistência.

CDs

Kacey Musgraves – star-crossed

O casamento de Kacey Musgraves com o artista country Ruston Kelly rendeu bons frutos musicais no passado. Afinal, toda a concepção do premiado Golden Hour se presta ao papel de reviver boas memórias e chorar de felicidade frente a esse encontro tão divino quanto o amor. Em canções como Space Cowboy e Happy & Sad, a cantora evoca tons melancólicos, mas extremamente doces, para se debruçar sobre a forma mais pura do romanticismo. Agora, alguns anos e um Grammy de Álbum do Ano depois, Musgraves retorna com star-crossed, seu disco de divórcio.

A capa nada inspirada esconde o potencial melodramático do CD, que embora não alcance os picos de qualidade da hora dourada, ainda se mantém como uma forte e potente adição à discografia da artista, que canta um country pop arrependido e flerta com a ideia de superação e raiva. Acompanhado de um longa-metragem temático, star-crossed despe Kacey Musgraves de uma porção de concepções que a vida de casada e de esposa colocaram sobre ela, que escreve letras carregadas de espontaneidade e amargura.

A divisão em três atos vai de encontro à aura mais cinematográfica da produção, enquanto as canções se destacam pela produção menos harmônica. justified, um dos singles de divulgação, oferece o melhor da cantora: a visão nada bidimensional de um mundo e um coração em constante ebulição, ao passo que good wife, camera roll e if this was a movie.. mergulham no que ela viveu no matrimônio. Menos rebuscado que o esperado depois de um titã como Golden Hour, Kacey Musgraves faz de star-crossed um passo sóbrio e realista em uma carreira recheada de momentos memoráveis. – Vitor Evangelista

Lil Nas X – MONTERO

Acumulam-se as glórias de Lil Nas X em seu enfim lançado – graças a Deus – primeiro álbum de carreira. Para começar, MONTERO debutou em 2º lugar na Billboard Hot 100 e agora conta com 11 de suas 15 músicas na lista. Como se não bastasse, o rapper está com ótimas reviews no The Guardian, The New York Times e com uma nota 7.1 pela Pitchfork. Esse amontoado de conquistas não é nada por acaso: Lil Nas X é uma alma autêntica e desprendida de quaisquer amarras sociais do mundo da Música. 

É difícil formar qualquer opinião sobre MONTERO sem ter uma de suas músicas cantarolando por vontade própria dentro da cabeça. O pop-rap presente é uma união do útil ao agradável, melhorado ainda mais em melodias tão viciantes quanto THATS WHAT I WANT – clipe que inclusive conta com o ganhador do Emmy, Billy Porter. O mais interessante é que as letras de Lil Nas mostram o preço de desbravar o mundo com amor próprio e encontrar monstros por toda parte, por isso suas rimas falam sobre temas como racismo, sua sufocante autocrítica e homossexualidade. 

Além disso tudo, seu álbum é praticamente um presente de liberdade. As faixas transitam nos gêneros musicais – afinal nem há motivo para as limitações da Indústria, e há tanta profundidade em DEAD RIGHT NOW quanto há uniformes rosa pink no clipe de INDUSTRY BABY. As participações ilustram a mesma coisa: de Doja Cat a Elton John, não há restrição para compor a obra de Lil Nas X. Seu trabalho é um começo estrondoso assim como é sua forma de encarar o mundo. MONTERO é um bordado de diferenças, musicais ou não, e ainda bem. – Nathália Mendes

Liniker – Indigo Borboleta Anil

Quando o assunto é Música brasileira, uma das certezas que nos vem à mente é a de que toda espera é válida para os lançamentos da cantora Liniker. Isso se confirma em Indigo Borboleta Anil, primeiro álbum solo da artista depois da separação da banda Liniker e os Caramelows. Como aguardado, o disco que contemplamos é repleto de lirismo – e a canção Vitoriosa é um exemplo perfeito dessa entrega inventiva legítima. Já o encanto da novidade surge justamente na reelaboração e renovação dessa poesia típica. Além do mais, é inegável que a voz de Liniker abraça o coração de quem a escuta, e isso dá ainda mais forças ao novo CD.

Com 11 faixas, que transitam dos costumeiros soul e R&B a diversos outros gêneros, como samba-rock, samba-enredo, pagode, jazz e MPB, Indigo Borboleta Anil é um “álbum de afirmação que soa essencialmente autoral”, como bem afirmou o jornalista Mauro Ferreira. Ou mesmo “um disco de amor próprio, em que precisei entrar em mim e me reconectar com tudo de uma forma muito íntima. Tive que cuidar da minha criança interior e ainda estou cuidando”, conforme revelou Liniker à Folha de S.Paulo. Para um zelo tão delicado, nada melhor do que companhias especiais. A solução? Juntar-se a Milton Nascimento em Lalange, que, além de ser uma das melhores canções do CD, aborda exatamente essa tentativa de reaproximação da infância.  

Fato é que, Antes de Tudo, “eu só não posso mais me ver assim/cada vez mais distante de mim”, canta Liniker. Inegavelmente dotada de excelentes qualidades artísticas, a cantora está cansada de “ser reduzida ao fato de ser uma mulher transgênero”. E com razão, pois o valor estético de suas criações também merece o destaque que sua figura recebe. Afinal, não é qualquer um que transforma o mundo inteiro em poesia, inclusive a relação que mantemos com nossos cães – ato admirável, embora presente em uma faixa não tão grandiosa, como Clau. Em síntese, o que o novo álbum de Liniker nos mostra é que, dela, podemos esperar de tudo, mas nunca o confortável e monótono mais do mesmo. – Eduardo Rota Hilário

Certified Lover Boy chega como um álbum referencial à carreira de Drake. No texto de apresentação do disco no Apple Music, o músico escreve que se trata de “uma combinação de masculinidade tóxica e aceitação da verdade, que é, inevitavelmente, de partir o coração”. Nessa viagem de 1 hora e 26 minutos, passamos por momentos marcantes diante de um indivíduo complexo e indeciso, mas que preza pela honestidade. A capa do álbum, de autoria do artista britânico Damien Hirst, sugere um tipo de ironia que não é encontrada em nenhuma canção, e soa como uma ideia esquisita que foi levada a sério. De modo geral, o CD parece algo frustrante — em mais de um sentido. Tanto por sua estrutura confusa e embaraçada, com diversas ideias jogadas nas 21 faixas cujo motor inicial são os sentimentos de Drake, quanto pela ideia oculta do álbum, que ressoa nesses sentimentos frustrados do próprio artista. 

Em algumas canções, sentimos que estamos diante de algo excelente, ao mesmo tempo que não conseguimos dizer o que falta — esse sentimento que percorre nossos ouvidos talvez seja uma comparação natural entre outros álbuns de Drake. As músicas não são ruins, mas lembram coisas feitas de modo muito mais agradável e interessante em trabalhos anteriores do rapper. Em outros momentos, como nas faixas IMY2 (with Kid Cudi) e N 2 Deep, Certified Lover Boy soa arrastado, cansativo, muito conceitual e até mesmo sem interesse no que tem a dizer. Na primeira — e possivelmente melhor — faixa do álbum, Champagne Poetry, Drake creditou John Lennon e Paul McCartney, pois utilizou fragmentos da canção Michelle. Ao decorrer de todo o CD, o artista tem poucos momentos de brilho, e um deles é em No Friends In The Industry, onde o músico parece falar diretamente com Kanye West.

A canção Way 2 Sexy (with Future & Young Thug) — que ganhou um videoclipe tosco e sexista —, quando lançada como single, enganou muito bem. Com o lançamento da faixa e a divulgação da capa do disco, talvez uma jogada de marketing, esperamos por um disco irreverente, mas o que encontramos é Drake à beira do choro. O álbum se encerra com The Remorse, um círculo perfeito para quem iniciou essa viagem com uma voz ressoando um singelo “I love you”. Com um piano à mostra, a faixa é quase um atestado de arrependimento pela fama, uma espécie de culpa carregada em decorrência do esquecimento de suas origens, na qual o músico entoa “It’s hard when the memories start to fade away”. Em Certified Lover Boy, enxergamos Drake como alguém visivelmente machucado, que te chama para uma noite de bebedeira e conta aos poucos sobre o que incomoda. Mas, sem saber o que quer, é alguém que prefere chorar sozinho. – Bruno Andrade

Yebba – Dawn

É difícil acreditar que Yebba esteja fazendo sua estreia musical apenas agora. A artista que existe em Abbey Smith é um prodígio declarado há pelo menos cinco anos, criando seu nome na Música ao aparecer junto das assinaturas de artistas como PJ Morton (com quem ganhou um Grammy em 2019), Mark Ronson, Sam Smith e Ed Sheeran, figurando tanto na interpretação, com seu timbre muito bem referenciado pelo soul, R&B e folk, quanto nos créditos das composições, com suas letras muito bem trabalhadas pela sua profundidade emocional. 

Agora, ela lança Dawn, seu primeiro disco que engloba todas as suas experiências das andanças pela indústria nos últimos anos em combinação às suas vivências pessoais, nada levianas, diga-se de passagem. Aos 26 anos, a artista que aprendeu a cantar numa igreja pastoreada pelo pai em Memphis processa o fato de ter visto o início de sua carreira acontecer ao mesmo tempo em que viveu o suicídio da mãe, homenageada no título do disco, que além de representar o amanhecer de Yebba, carrega o nome de sua matriarca. Assim, Dawn é uma experiência profunda e perfeitamente referenciada e executada, o que, ao contrário do que pode parecer, não faz do disco algo mais ou menos digerível. 

Yebba tem sua própria essência, expressa nas referências do jazz que criam a diversão de Boomerang; no toque de gospel que aparece em Distance; na beleza do folk que faz October Sky e que se aproxima da Música clássica ao mesmo tempo em que flerta com o pop em All I Ever Wanted; e nos gracejos dos anos 70 de Stand, que reverberam em Far Away, colaboração com A$AP Rocky e um dos melhores destaques do disco. Os (muitos) destaques, no entanto, servem só como apelo para que Dawn seja compreendido e apreciado em sua totalidade – Raquel Dutra

Cesar Mc – Dai a Cesar O Que É de Cesar

“Defenda os direitos dos pobres e dos necessitados. Mas lembrem-se, dai a Cesar o que é de Cesar e dai a Deus o que é de Deus. Amém”.  Essa é a frase intro de Dai a Cesar O Que É de Cesar, música de mesmo nome do primeiro álbum de Cesar Mc. E daqui em diante, rimas inteligentes e versos de muita força compõem uma obra extremamente autêntica e pessoal para falar de racismo, pobreza, luta, religião e conflitos internos.

Cesar não sabe cantar love song– e isso ele mesmo quem diz em Antes Que A Bala Perdida Me Ache, música com Emicida e Jaddy. Mas não cantar como o L7 é justamente o que o fez criar uma obra bem feita. Seu álbum começou a desenhar quem ele é, como rapper e ser humano. Ele aborda desde a sua crença religiosa, como no fato de a quantidade de faixas do disco ser a mesma de dias em que a Bíblia diz que Deus criou a Terra, até o beat calmo e a letra conflituosa de Navega, que o coloca no abismo entre fé e sofrimento.

Apesar do conteúdo das rimas nem sempre ser aprofundado, uma autobiografia assim tende à repetição, ou seja, Cesar apenas colocou o pé no mundo da Música. Assim, complementado por um bom trabalho audiovisual em videoclipes e visualizers, Dai a Cesar O Que É de Cesar evidencia a pessoalidade que começou em Canção Infantil: sua música se ouve chorando. Obrigada pela obra de arte, Cesar Mc, ela é que deveria estar na Billboard Hot 100. – Nathália Mendes

Vários Artistas – The Metallica Blacklist

245 minutos de música. 67 bandas e artistas. 53 faixas. 12 versões de Nothing Else Matters. São alguns dos números surpreendentes da recente compilação organizada pelo Metallica para comemorar os 30 anos de The Black Album, o disco de maior sucesso comercial da banda. Nomes consagrados do metal e do rock, somando se ao pop passando pela música eletrônica e jazz, foram convocados para apresentar as suas próprias versões de suas canções favoritas do álbum, formando uma estratosférica salada musical aleatória de um dos maiores dream teams que a indústria Musical já concebeu. 

Mac DeMarco, Ghost, Rina Sawayama, St. Vincent, J Balvin, Phoebe Bridgers, Miley Cyrus, Elton John e Kamasi Washington são apenas alguns dos nomes a serem destacados, compondo uma lista para agradar a todos os gostos. Não é um trabalho para ser ouvido de uma vez, e até apreciar o disco em ordem parece uma tarefa estranha considerando a enorme quantidade de versões das mesmas canções que se repetem ao longo da compilação. A dica é ir atrás das versões dos artistas de sua preferência para ver qual foi a leitura deles sobre as canções clássicas do Metallica. Muitos acabaram se prendendo demais às versões originais pouco trazendo de novo, mas a longa duração também dá espaço para releituras originais e surpreendentes. Para fãs de Metallica ou não, aqui tem música para todos os gostos. – João Batista Signorelli

The Band CAMINO – The Band CAMINO

Mesmo sem criatividade para o nome, o álbum homônimo da banda The Band CAMINO chega cheio de energia. O som do trio estadunidense formado por Garrison Burgess, Jeffrey Jordan e Spencer Stewart traz um indie rock bem misturado, em que, mesmo quando as 14 faixas ou bagunçam estilos ou ficam iguais demais, as letras confessionais, nuas e cruas, chamam a atenção.

Enquanto EVERYBODYDIES (a melhor do álbum, diga-se de passagem), 1 Last Cigarette Know It All puxam mais para o rock e lembram bandas como All Time Low e a era de ouro da The Maine, outras, como I Think I Like You (também no pódio do disco), Just A Phase e Underneath My Skin exploram os indies à la lovelytheband, COIN e os trabalhos mais recentes da Bad Suns. Dentro do seu próprio nicho, The Band CAMINO diversifica. – Vitória Lopes Gomez

Japanese Breakfast – Sable (Original Video Game Soundtrack)

2021 foi o ano de Michelle Zauner. Nele, a coreano-americana provou sua versatilidade transitando entre as memórias em seu best-seller, Crying in H-Mart, à tentativa de superar a dor sobre a perda da mãe no aclamado Jubilee. No seu mais recente projeto, contudo, Zauner ultrapassa as angústias do passado nas quais estava submersa para adentrar uma nova dimensão fantasiosa. Trata-se da trilha sonora original de Sable, um jogo independente de exploração inspirado pelo universo imaginário de Star Wars e pelas ilustrações do quadrinista francês Moebius, pseudônimo de Jean Giraud.

Composto por 32 canções, a narrativa é guiada pelo processo de amadurecimento da protagonista ao longo de sua jornada no jogo. Logo na primeira faixa, Zauner nos cumprimenta sugerindo que encontremos um caminho, encontremos um Sol, dando sequência ao incrível Glider. Numa crescente instrumentalização dos sons de sintetizadores borbulhantes e utópicos, experienciamos um efeito expurgatório único: Sable anseia por liberdade diante da imensidão do mundo ao seu redor. Assim, somos absorvidos pela realidade do jogo, sendo possível visualizar a areia, sentir o calor do deserto, o frescor do vento tocando o rosto na decolagem de uma nave ou até mesmo o aumento dos batimentos cardíacos da personagem.

No restante da trilha quase não há vocais, predominando a ambiência sonora. São tons suaves mesclados entre o eletrônico dos sintetizadores ao acústico do piano, percussão e violão, que criam loops infinitos que se dissipam intencionalmente no fundo. Sable não é um álbum feito para a escuta ativa, mas sim para a intensificação da experiência virtual no jogo, e nisso, ele se excede. – Ayra Mori

Seis anos após seu último disco, a cantora australiana Natalie Imbruglia voltou este mês com Firebird, um trabalho que reflete a busca para superar o bloqueio criativo que a impediu de prosseguir com sua carreira. Firebird é um álbum plural e upbeat sobre recomeços e independência, fruto de ideias e emoções intensas.

Firebird alça voo com canções como Nothing Missing e On My Way, conquistando imediatamente com sua mistura intoxicante de indie pop e disco. Em faixas mais lentas, tais como Just Like Old Times e Dive to the Deep, o que nos conquista é sua sensibilidade e vulnerabilidade ao cantar sobre as partes de si mesma que mais dificultaram o processo de criação do novo álbum. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Low – HEY WHAT

Afastar os excessos, diminuir os arranjos e contrapor duas vozes, a fim de obter um som equilibrado. A premissa de Low sempre foi essa: o mínimo é mais. Mas conforme os anos passaram, a dupla Mimi Parker e Alan Sparhawk foi percebendo que, talvez, fosse interessante explorar elementos que não estavam ao alcance no início, e distanciar-se um pouco do minimalismo puro. Muito diferente de I Could Live In Hope (1994) — um excelente disco estreante —, a dupla agora caminha pelo rock industrial em seu 13º trabalho, HEY WHAT, álbum que chegou às plataformas em 10 de setembro de 2021, e mostra como eles ainda sabem o que estão fazendo. 

Sejamos honestos: Low nunca fez um álbum ruim, e não seria diferente agora. Flertando há tempos com o gênero popularizado pelo Nine Inch Nails de Trent Reznor, HEY WHAT traz uma continuidade ao antecessor, Double Negative (2018). No novo disco, há momentos de repetição de uma única palavra em espécie de loop, com muitos ruídos em volta, algo que traz lembranças do shoegaze de My Bloody Valentine. De forma geral, Parker e Sparhawk parecem explorar o caos como resultado ao ruído total, emparelhando diversas camadas de instrumentos e sons para mostrar um tipo de isolamento muito comum atualmente, no qual somos submetidos devido à enxurrada de publicidade cotidiana. Como Sparhawk disse em entrevista, eles querem fazer “novos buracos na possibilidade da música”. 

A faixa White Horses, nossa porta de entrada nesse projeto, anuncia em toda sua aura obscura que a dupla pretende reformular a concepção de rock que se tem atualmente, com repetições devastadoras de guitarra. Em Days Like These, que soa no início como uma música gospel, temos um início aconchegante e um fim cósmico, onde ouvimos repetidas vezes a palavra “Again”, talvez um sinal de que Dias Como Estes são sempre iguais, ainda mais considerando os tempos pandêmicos. Já There’s a Comma After Still soa como um sinal de rádio interceptado, algo sombrio e misterioso, praticamente um interlúdio. More, a melhor faixa do disco, está escondida no final, e é composta por Parker entoando que deveria ter pedido mais do que tem, enquanto Sparhawk sustenta o backing vocal. Ao longo de 46 minutos caóticos, Low aponta para HEY WHAT como um desastre premeditado. – Bruno Andrade

Gaby Amarantos – Purakê

O amor nunca sai de moda. Um dos motores de Purakê, segundo álbum da carreira de Gaby Amarantos, é esse sentimento universal que aparece multifacetado ao longo das 13 poderosas faixas que compõem o novo disco da cantora paraense. Variando, no gênero, da sofrência ao tecnobrega e, na temática, da entrega à desilusão, o amor sem dúvidas se eleva com a relevância de uma verdadeira lista de colaborações dos sonhos: Elza Soares, Alcione, Dona Onete, Luedji Luna, Liniker, Ney Matogrosso, Urias e Jaloo são apenas alguns dos nomes que aparecem no CD.

É Jaloo quem assina, inclusive, a direção musical e produção do disco que fortalece Gaby enquanto compositora. Com nome inspirado em um peixe elétrico da Amazônia, Purakê emerge entre sereias e rios, misturando o atual cenário artístico da região Norte do Brasil com um projeto criativo – ambicioso e inovador, diga-se de passagem – de futuro. Indo além da própria musicalidade, a rainha do tecnobrega também preparou, com muito cuidado, a parte visual de suas criações, investindo bastante em videoclipes e em um conjunto de lyric visualizer. No fim, esse combo primoroso é prova inegável de que, além de notória figura pública, Gaby Amarantos é uma excelente artista. – Eduardo Rota Hilário

Hans Zimmer – The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack)

Podem anotar: Hans Zimmer estará entre os cinco indicados a Melhor Trilha Sonora Original no Oscar 2022, e não vai ser pela trilha da sequência de O Poderoso Chefinho nem do próximo filme do Zack Snyder. As peças que levarão o compositor à temporada de premiações a partir do final deste ano ganham em The Dune Sketchbook sua versão estendida, onde o compositor expande as ideias trabalhadas na trilha original, oferecendo um mergulho ainda mais profundo na atmosfera e nas ambientações sonoras de Duna. Saindo de sua zona de conforto, o compositor entrega um trabalho magistral, com uma enorme brecha para experimentar com a Música como nunca tinha feito antes. 

O resultado é uma obra com alguns traços característicos da Música de Zimmer, outros remetendo à Música do Oriente Médio, mas com uma predominante sensação de ser uma obra genuinamente alienígena, o que é reforçado pelos coros em idioma fictício, e por instrumentos de timbres misteriosos, provável fruto de uma combinação de sons aos moldes do processo de criação do grunhido do Chewbacca. É onírico, estranho, e impactante. Se Hans Zimmer queria nos tirar deste mundo e nos transportar para outra galáxia com sua Música, pode ter certeza de que ele conseguiu. – João Batista Signorelli

Nala Sinephro – Space 1.8

Flutuar. Flutuar pelo vazio de olhos fechados, num universo sereno onde tudo parece estar em perfeito equilíbrio, em paz. Evocando essas sensações, Nala Sinephro, de fato, cria suas próprias realidades cósmicas no álbum de estreia, Space 1.8, dividido por oito faixas complementares entre si, que vão de Space 1 à Space 8. Prodígio da Música, Sinephro se encantou com a harpa aos 16 anos, quando aprendeu a tocar sozinha o instrumento em meio aos estudos de jazz durante às noites. E mais uma vez evidenciando seu amadurecimento precoce, a musicista belga-caribenha de apenas 22 anos concebe uma obra minuciosa e extremamente elegante que aparenta ser feita por alguém com vasta experiência musical.

Conduzido por uma radiação etérea única, Space 1.8 foi produto da colaboração de um conjunto rotativo de músicos que compõem a dinâmica cena do jazz atual no Reino Unido. Destacam-se, majoritariamente, nomes de pessoas pretas e filhos de imigrantes – tal qual a própria Sinephro –, como Reed Nubya Garcia, James Mollison (Ezra Collective), o saxofonista Ahnansé e a guitarrista Shirley Tetteh, todos com atuação de peso. Contudo, divergindo dos ritmos afro-caribenhos de seus colegas, Sinephro cria uma ambiência quase imaterial através do uso de sintetizadores e dos solos de harpas simultaneamente transcendentais, sutis e misteriosos.

A experiência tecida por Sinephro ao longo dos 44 minutos é totalmente sinestésica. Os sons despertam texturas, que despertam cores, que despertam formas, que despertam sensibilidades. Cada faixa constitui um novo cosmos que não se interligam, mas se encaixam perfeitamente umas com as outras. Mesmo em momentos de silêncio de Space 2, as sensações são afloradas, quando, de repente, uma canção que era calma deixa de ser quieta numa crescente instrumentalização do saxofone com o apoio de percussões cintilantes. Gravado em um momento delicado de recuperação de uma doença grave, Space 1.8 volta-se para o interior, como um mergulho no vácuo do espaço, atingindo, assim, um plano superior. E esse é o brilhantismo de Sinephro. – Ayra Mori

Poppy – Flux

A dificuldade de encaixar a artista e webcelebridade Poppy numa só categoria parece ser exatamente o objetivo de sua apresentação enigmática. Apenas um ano após o incendiário I Disagree, o novo trabalho da cantora apresenta uma personalidade em constante mudança e transformação, que parece se deliciar no movimento mais do que ansiar pela chegada.

Em poucas palavras, Flux simplesmente arrebenta do início ao fim: com influências de nu metal e grunge, Poppy tece nove faixas de pura e absoluta expressão em constante fluxo, abraçando por completo suas novas emoções. Ouça enquanto é tempo, porque se há uma coisa que sabemos, é que não vai demorar para que ela mude de novo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sufjan Stevens e Angelo De Augustine – A Beginner’s Mind

Depois de se aventurar com os eletrônicos densos de The Ascension e se jogar nos sons ambientes de Meditations à Convocations, Sufjan Stevens retorna às raízes folk nas quatorze faixas do mais recente A Beginner’s Mind, junto de Angelo De Augustine. A colaboração foi resultado de um período no qual ambos estavam hospedados em uma cabana no interior de Nova York. E encabeçados pelo conceito zen budista shoshin – ou seja, a aceitação de uma “mente iniciante” –, as sessões musicais foram inspiradas em filmes específicos que os colegas assistiram durante a estadia meditativa, permeando gêneros diversos que vão desde A Malvada à A Noite dos Mortos-Vivos e até Asas do Desejo.

Quase totalmente composto, arranjado e produzido pela dupla – com exceção do coro de fundo de Melissa Mary Ahern em Lacrimae, além do baixo e bateria que acompanham Back to Oz –, o novo álbum parece representar um afrouxamento criativo de Stevens em relação ao perfeccionismo da execução de seus projetos passados. Há quem instintivamente compare A Beginner’s Mind com o inigualável Carrie and Lowell, porém suas qualidades líricas são completamente diferentes. Aqui, ambos se livram dos julgamentos, aceitando o processo colaborativo como aprendizes e entregando ao público um cristal bruto, mas, ainda assim, um cristal (e que cristal).

Todas as faixas se destacam no álbum, principalmente quando as vozes de ambos se colidem angelicalmente, fundindo-se de forma que, em alguns instantes, é impossível dizer quem é quem. Os vocais agudos de Stevens se complementam soberbamente com os mais baixos de De Augustine, tudo acompanhado de uma instrumentação delicada que põe em foco as vozes dos musicistas. Se o paraíso tivesse uma trilha sonora, a pseudo orquestra criada em A Beginner’s Mind certamente entoaria os céus. – Ayra Mori

Imagine Dragons – Mercury – Act 1

As 13 faixas de Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra musical dividida em dois álbuns, não são coesas nem entre si, nem com o estilo dos outros 4 álbuns do Imagine Dragons. As características que marcam o rock moderno da banda são realçadas em algumas excelentes faixas, como Wrecked e Follow You, que partilham da essência de Radioactive em batidas fortes, vocal afiado e uma melodia que segura um pop rock. No entanto, outras músicas de Mercury são completamente diferentes do que a banda normalmente canta – assumindo até uma estranhíssima pegada good vibes em It’s Ok. 

De maneira geral, a primeira parte do novo trabalho do Imagine Dragons é dispersa e incoerente. A letra profunda de Giants, que aborda violentamente a luta pela sobriedade e o uso de drogas, se perde em meio à faixas que arranham a superfície do vocalista Dan Reynolds e sua saúde mental, sexualidade e vida pessoal, assumindo irritantemente uma melodia feliz demais. Em meio ao trabalho do produtor Rick Rubin em forçar a banda a se abrir profundamente, Mercury – Act 1 se tornou uma confusão de emoções que flutua por estilos musicais demais. – Nathália Mendes

LANY – gg bb xx

Se você acha que não conhece LANY, basta voltar para as playlists de 2017 onde ILYSB era presença obrigatória. A banda de Paul Jason Klein, Charles Leslie Priest e Jake Clifford Goss, que está conquistando seu espaço na indústria há anos, acaba de lançar seu quarto álbum de estúdio, gg bb xx. É uma pena, então, que tenham deixado bastante a desejar.

Com 12 faixas, o disco é genérico e repetitivo. As letras fracas sobre relacionamentos e términos se transformam em mais do mesmo, juntamente ao pop monótono da banda, que pode ser encontrado em qualquer canção do Lauv. Mesmo sem uma história que ligue todas as partes do álbum, gg bb xx não é, necessariamente, ruim. É apenas raso, não permitindo seus ouvintes a realmente se afundarem na obra. – Mariana Chagas

Gabriel de Almeida Prado – Não Aceito Ser Um Só

É raro encontrar um artista capaz de ter o mesmo nível de intimidade e engenhosidade com as palavras e com as notas musicais, e Gabriel de Almeida Prado é certamente um deles. Seu novo disco Não Aceito Ser Um Só é carregado de engenhosas canções, que passeiam com enorme naturalidade pelos gêneros musicais e comprova ainda mais a sua pluralidade. Afinal, para que ser só poeta ou músico quando se pode ser os dois?

Desde os anúncios apocalípticos de O fim está próximo à estranha sensualidade de Kama Fruta, o álbum esconde uma surpresa a cada faixa, seja no clímax extasiante de O beijo, ou nas ironias de Papo de morto. Com belos acompanhamentos visuais minimalistas para todas as suas canções, além de diversas colaborações com Siba, Pascoal da Conceição, dentre outros, Não Aceito Ser Um Só é rico em sua estética e sua semântica. É uma realização que deixa claro que Gabriel de Almeida Prado, mesmo que ainda esteja em seu segundo disco, já é um artista plenamente formado. – João Batista Signorelli

Vários Artistas – Aldir Blanc Inédito

Homenagens póstumas são sempre um risco, mas a gravadora Biscoito Fino acertou em cheio ao planejar um tributo a Aldir Blanc. Vítima da covid-19 e uma das perdas inestimáveis de 2020, o inigualável letrista brasileiro vive eternamente nos clássicos e, agora, também em composições inéditas. Aldir Blanc Inédito é, com certeza, um mar de poesia do início ao fim – e um bom exemplo de que composições mais elaboradas podem perfeitamente ser populares. Sem qualquer espanto, a abertura do disco é de João Bosco, parceiro de longa data do compositor magistral. 

Já em relação aos destaques do CD, podemos listar, em primeiro lugar, Palácio de Lágrimas, tendo em vista que a junção de Aldir Blanc e Maria Bethânia é um caminho direto para experiências sublimes e uma total transcendência. Voo Cego, por sua vez, nos arrepia e coloca na boca de Chico Buarque metáforas estonteantes. Ao mesmo tempo, Navio Negreiro, gravada por Leila Pinheiro e Guinga, relembra um passado que muitos brasileiros perversamente tentam ignorar ou amenizar: o período da escravidão. Por fim, Ator de Pantomima e Virulência, cantadas por Sueli Costa e Alexandre Nero, respectivamente, dialogam diretamente com o recente desgoverno presidencial e a atual tragédia pandêmica. Fato é que, desta nova coletânea, ainda extrairemos novidades por muito tempo. – Eduardo Rota Hilário         

Art School Girlfriend – Is It Light Where You Are

Descrever o segundo álbum da cantora Art School Girlfriend, Is It Light Where You Are, como “pessoal” e “intimista” seria redundante com a proposta do trabalho. Como a própria cantora revelou, o projeto foi escrito logo após o fim de um relacionamento de longa data, quando ela mal podia levantar da cama, e serviu como um meio de documentar o período.

O diário de término de Art School Girlfriend, nome artístico de Polly Mackey, tem seus altos e baixos, assim como o momento pelo qual ela passa no disco. As 10 faixas do álbum se alternam entre provocar respiros e sufocos, e a liricidade da cantora, multi-instrumentista e produtora é embalada ora por picos de energia, ora pela monotonicidade. Com sonoridades que vão das mais dispersas e atmosféricas, às mais densas ou claustrofóbicas, Is It Light Where You Are reflete e provoca uma bagunça de sensações. – Vitória Lopes Gomez

Odd Beholder – Sunny Bay

Projeto musical de veias synth-pop encabeçado pela suíça Daniela Weinmann, Odd Beholder volta-se para a natureza em seu segundo álbum. Contrário ao projeto inaugural da carreira, All Reality Is Virtual – que tratava sobre temas globais de digitalização e coleta de dados não confiáveis –, em Sunny Bay, a artista age como mediadora da negociação entre o real e o surreal. Aqui, o foco é o íntimo, seja ele concreto ou seja ele um devaneio, numa revisão das ideias românticas associadas à paisagem natural como espaço de escapismo e alienação.

Segundo Weinmann, a concepção de Sunny Bay foi aflorada pela pandemia. Isto é, forçada ao isolamento, Odd Beholder foi inevitavelmente obrigada a refletir acerca de quem ela é e de quais são seus desejos sobre o mundo. Olhando para si mesma, ela permite que a música adquira forma por conta própria através do uso suave da voz e dos sintetizadores estranhamente polidos e esdrúxulos, sincronicamente. Assim, as texturas sônicas presentes em todas as dez faixas acabam criando uma experiência cinematográfica singular, pavimentando um caminho interessante para o próximo trabalho de Weinmann. – Ayra Mori

Iron Maiden – Senjutsu

Mesmo que adentrando a terceira idade, Bruce Dickinson e companhia não dão sinais de que irão parar tão cedo. Seis anos depois do aclamado The Book of Souls, o Iron Maiden volta com Senjutsu, mantendo-se fiel à sua proposta artística, e sua identidade visual e sonora, trazendo mais uma capa aterrorizante e longas faixas com mais de 10 minutos de duração.

Entre momentos obscuros ou energéticos, os 81 minutos do disco são carregados de um heavy metal clássico, energético, mas por vezes pouco inventivo. Senjutsu entrega exatamente aquilo o que se espera de um lançamento do Iron Maiden, o que, pelo visto, está dando certo para eles: o disco estreou na terceira colocação na Billboard 200, a melhor colocação na história da banda. – João Batista Signorelli

Don Diablo – FOREVER

O trabalho que o DJ holandês Don Diablo tem criado, desde que a pandemia o deixou fora dos palcos, é uma inovação artística. O novo álbum FOREVER segue verdadeiramente seu future house e compõe mais uma peça para uma obra futurista. Entre as suas 21 faixas, o disco apresenta músicas agradáveis e viciantes, como Hot Air Balloon e Stay Awake, enquanto Into The Unknown ilustra sua experiência musical revolucionária na cripto-arte, tudo isso sem que os sintetizadores te dêem dor de ouvido.

Diablo criou o primeiro show em NFT – um token único de registro criptografado – da história: Destination Hexagonia, uma obra digital que custou milhares de dólares para ser produzida e comprada. Agora com FOREVER, ele mostra parcerias vocálicas que dão dimensão e fluidez ao disco. Tears For Later, Too Much To Ask e Kill Me Better, colaborações com Galantis, Ty Dolla $ing e Trevor Daniel, respectivamente, mostram que Don Diablo soube se equilibrar entre a estética futurista e a playlist de um rolê. – Nathália Mendes

Dead Sara – Ain’t It Tragic

Três anos depois do EP Temporary Things Taking Up Space e seis anos desde o último álbum, Pleasure to Meet You, a banda de rock alternativo Dead Sara voltou com seu terceiro disco, Ain’t It Tragic. Marcado pela guitarra de Siouxsie Medley e os vocais característicamente roucos de Emily Armstrong, o novo trabalho do grupo de Los Angeles ainda sofre pela falta do baixista Chris Null, mas se estabelece seu novo som melhor do que o EP anterior.

Toda faixa de Ain’t It Tragic parece estar ligada no 220, exibindo o potencial caótico de seus músicos nas letras e nas melodias. Até mesmo Starry Eyed e Losing My Mind, algumas das faixas mais lentas, carregam uma intensidade quase intimidadora. Algumas vezes, esse entusiasmo cansa um pouco, mas o grupo faz o longo tempo entre seus lançamentos valer a pena, dando tudo de si para que o disco supere as expectativas de seus fãs. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mild High Club – Going Going Gone

Talvez o mais engraçado de ter contato com Mac DeMarco é que qualquer coisa vagamente lo-fi nos faz lembrar dele. Não é diferente no novo álbum de Mild High Club, grupo liderado por Alexander Brettin, cujas referências vão do soft rock, passam pelo lo-fi, dão um ‘olá’ à bossa nova e chegam no psicodélico. Em Going Going Gone, o projeto avança por caminhos pouco desvendados nos dois álbuns anteriores, com Brettin explorando novos timbres e dando espaço à nostalgia.

Mild High Club possui uma sonoridade setentista, com influências nítidas do jazz. As canções de Going Going Gone lembram, com frequência, trabalhos de Tame Impala, sob o domínio dos sintetizadores e mantendo as guitarras como coadjuvantes. Na faixa A New High, a artista Samira Winter, nascida no Brasil mas radicada nos Estados Unidos, participa cantando melodicamente em português, e transforma a canção em uma espécie de homenagem à Garota de Ipanema, transbordando em referências à Música brasileira. Há muita coisa acontecendo aqui, mas de forma brilhantemente acessível e coordenada. – Bruno Andrade

J Balvin – José

É hora de conhecer a fundo um dos maiores artistas latino-americanos do momento. Em José, seu sétimo álbum de estúdio autointitulado, J Balvin descasca sua vida, história, sentimentos, família, amizades, trabalho e carreira com fidelidade ao gênero que o levou ao estrelato mundial e sem economizar na produção do disco que descasca sua figura enquanto artista. Mas os objetivos de um álbum de 24 faixas são ambiciosos, e nem o embaixador do reggaeton consegue driblar o caminho fadado à repetição num CD tão longo de um gênero que tem uma identidade tão marcada.

Entretanto, isso não parece incomodar J Balvin, que está confortável como nunca no mais puro reggaeton em Te Acuerdas de Mí, uma faixa antes de dar suas caras como hitmaker em In Da Getto. E ele sabe o momento de minimizar as referências de suas raízes para dar lugar à outros elementos. Lembrando dos que buscam algo diferente, José traz a vibrância rítmica e a poesia falada de Perra, e o toque de synth-pop que ao mesmo tempo traz melodias levemente acústicas em Querido Río. 

A mistura das faixas confirma que o single precursor 7 de Mayo segue como a assinatura do disco, cujo triunfo está em suas experimentações e composições, como o artista entrega desde o início ao abrir o álbum com F40. Em letras que abordam sua intimidade familiar, sentimentos profundos e reflexões sobre o mundo junto de nomes como Skrillex, KAROL G, Myke Towers, Dua Lipa, Khalid, Tokischa e Bad Bunny, José forma um trabalho condizente ao artista que J Balvin é. – Raquel Dutra

Vários Artistas – I’ll Be Your Mirror: A Tribute to the Velvet Underground and Nico

O disco de estreia da banda encabeçada por Lou Reed, The Velvet Underground and Nico, é muito mais do que o “álbum da banana”: é uma das pedras fundamentais do rock, e um dos precursores de tantos gêneros musicais que dele derivariam, do punk ao indie. Regravá-lo faixa a faixa foi o objetivo deste último projeto do falecido produtor e colega de longa data de Lou Reed, Hal Willner. 

Reunindo artistas que vão de Kurt Vile a Iggy Pop, I’ll Be Your Mirror espelha as faixas do material-fonte, ora preservando o espírito das canções originais, como em There She Goes Again, por King Princess, ora o distorcendo completamente, como em All Tomorrow’s Parties, por St. Vincent com Thomas Bartlett, mantendo ao menos, o espírito inovador e experimental tão característico do Velvet Underground. Destaques para a interpretação misteriosa de Venus in Furs por Andrew Bird e Luciuis, e a bela leitura por Sharon Van Etten de Femme Fatale. – João Batista Signorelli

St. Vincent – The Nowhere Inn

A enigmática e magnética St. Vincent existe quando Annie Clark sobe ao palco. Procurando se desnudar da misteriosa persona criada por ela, a cantora, compositora e multi-instrumentista americana se propôs a revelar sua verdadeira identidade no pseudodocumentário The Nowhere Inn, dirigido por Bill Benz e estrelado e escrito por ela e a amiga Carrie Brownstein. Só que quando o real e o puramente artístico destoam, as duas facetas de Annie se confundem em um mocumentário satírico, colorido e cheio de humor.

Menos de seis meses depois de seu último projeto, o pessoal Daddy’s Home, a estreia do longa foi acompanhada do lançamento de sua trilha sonora, disponibilizada em um álbum homônimo. Assim como o seu irmão cinematográfico, The Nowhere Inn é imersivo e envolvente, com as canções de St. Vincent misturadas aos instrumentais extasiantes. E escutar o álbum depois de assistir ao filme torna ambos os produtos ainda mais sensoriais e inebriantes. – Vitória Lopes Gomez

Little Simz – Sometimes I Might Be Introvert

“Simz, a artista, ou Simbi, a pessoa?”. Depois de um tempo na mira dos holofotes, é comum ouvir as queixas dos artistas de que sua própria identidade desaparece. Em tempos de invasão global da privacidade e uma enxurrada diária de informações, há certa dificuldade em não se sentir um intruso no mundo. Elencando a guerra como motor das sociedades atuais — guerras pessoais e contra o sistema —, passando por rachaduras familiares, racismo, machismo e violência policial, Little Simz tenta encontrar sua própria essência no fabuloso e conceitual Sometimes I Might Be Introvert. A ideia de duplo está presente ao longo das 19 faixas do álbum. O título funciona como um acrônimo de Simbi — apelido de Simbiatu, nome da pessoa por trás de Little Simz —, e durante as 10 primeiras canções, ouvimos sua versão melancólica e revoltada, clamando por justiça. 

Porém, depois de The Rapper That Came To Tea – Interlude — interlúdio narrado por Emma Corrin, atriz que interpreta Lady Di em The Crown —, somos apresentados a uma outra Simz, mais extrovertida e que se opõe deliberadamente àquela pessoa mais reflexiva que havíamos conhecido (talvez essa seja Simz, a artista). Nessa nova fase do disco, a cantora inicia Rollin Stone lembrando do momento que esteve em São Paulo — na ocasião, ela se apresentou no Popload Festival — e traz as versões mais alegres do CD, evidenciando que seu lado pessoal não é considerado tão interessante para ser consumido, pois a indústria espera uma oferta ilimitada de alegria e entretenimento. Então, em Little Q, Pt. 2, Simz narra de forma pessoal uma experiência de esfaqueamento, trazendo lembranças da própria infância. Já em Point and Kill, canção que traz a parceria de Obongjayar, ouvimos um afrobeat, marcando novamente as origens da artista, que é filha de pais nigerianos e descendente dos iorubás. 

Em Introvert, a melhor faixa do álbum, somos direcionados para dois problemas antigos que ganham repercussão em quase todas as canções: o racismo e o machismo. Simz entoa que é uma mulher negra e tem orgulho disso, e oscila entre o underground e o erudito, trazendo à melódica e combativa voz da rapper arranjos orquestrais e um clima apocalíptico. Através de um enorme panorama social, no qual somos apresentados a frações sistêmicas no modo de vida contemporâneo, lembramos da literatura combativa de Angela Davis, Bernardine Evaristo, Bell Hooks e Toni Morrison, visto que a letra retrata conflitos psicológicos e sociais, e a busca pela origem desses problemas como algo vazio de significado, considerando as fronteiras entre eles um borrão difícil de entender. No clipe da música, há uma mistura de imagens de guerras em preto e branco e jovens negros fugindo da polícia, elucidando ainda mais a urgência de se entender de onde vem tudo isso. Esqueça o Kanye, esqueça o Drake. Há uma guerra em curso, interior e exterior, e Little Simz parece ter consciência disso. – Bruno Andrade

Cynthia Erivo – Ch. 1 Vs. 1

Atriz, cantora e compositora premiada, Cynthia Erivo é dona de talentos incontáveis. Vencedora de um Daytime Emmy, um Grammy e um Tony, além de indicada duas vezes ao Oscar, é impossível falar da inglesa sem citar suas conquistas. Lançando o álbum de estreia, intitulado Ch. 1 Vs. 1, Erivo mergulha nos dilemas pessoais emergidos durante o isolamento social, declarando: “Esta é provavelmente uma das primeiras vezes que vou conseguir ser apenas eu mesma, e ser eu mesma plenamente.”

Produzido em meio à pandemia, o registro conta com parcerias de veteranos do R&B, incluindo a produção de Harold Lilly (um dos compositores de Beyoncé) e Jack Splash (parceiro de Alicia Keys). No decurso das doze faixas, Erivo se revela ao mundo através da poderosíssima voz que expelem seus sentimentos mais pessoais sobre amor, relacionamentos familiares conturbados, ou ainda quanto às injustiças sociais. Entretanto, devido exatamente à potência dos vocais da Grammy winner, tanto a composição do disco, quanto a sonoridade cheia de nuances do soul, são ofuscadas pelo vozear de Erivo, não atingindo os mesmos níveis.

Integrando os destaques do álbum, está o enérgico The Good, acompanhado de um caloroso videoclipe protagonizado pela própria Erivo. Explorando as facetas do amor sáfico entre duas mulheres pretas, o single traz uma perspectiva positiva e não fetichizada da intimidade e adversidades enfrentadas num relacionamento fadado ao fim. Aqui, o ritmo da percussão e do teclado vibrante cativam. Assim, Ch. 1 Vs. 1 é um álbum agradável, simples. Mais uma vez, o poder de Erivo está em sua voz. – Ayra Mori

Baby Keem – The Melodic Blue

O primeiro álbum de Baby Keem estava cercado por muitos rumores. Segundo eles, qualquer atenção midiática na estreia do rapper ocorreria pelo artista ser primo de Kendrick Lamar. Mas o fato é que The Melodic Blue foi lançado, e Keem entregou um álbum emocionante, porém nada brilhante. Com marcas visíveis de uma estreia inocente, apadrinhada por um dos grandes nomes do gênero, o disco tenta mostrar ao longo das 16 faixas o motivo de tanto hype, construindo canções sem coesão e elencando Keem como um indivíduo que vai além da participação especial em Donda (2021). 

O cantor tem consciência do peso de sua árvore genealógica. Como anunciado na canção range brothers (with Kendrick Lamar), “os sapatos que eu calço são enormes” — e de fato são. Lamar é o primeiro rapper da história a receber um Pulitzer, e é um dos grandes titãs da indústria musical. Mesmo silenciosamente, é difícil negar a influência. Em family ties (with Kendrick Lamar), o artista abraça seus laços familiares e faz uma reverência a Lamar, deixando a música marcada por um apelo íntimo, e traçando uma espécie de limiar entre o rap e o trap. Enquanto isso, nas canções gorgeous — mesmo nome de uma música de Kanye West, mas que parece uma versão estranha de Post Malone — e hooligan, Keem evoca cenários de violência. 

Em issues, talvez a melhor do projeto, há uma faceta melancólica e corajosa, que lembra os problemas mais íntimos do músico e de sua família, mas que não passa de algo isolado em todo o CD. A verdade é que aquilo que sempre saudamos em álbuns de rap não funciona aqui. Baby Keem faz experimentações em todas as faixas, com alusões a outros artistas do gênero — Drake, Kanye, 50 Cent —, mas esse gesto em The Melodic Blue, mesmo sendo um álbum de estreia, mostra somente a confusão de alguém que ainda não decidiu o que fazer. – Bruno Andrade

Alessia Cara – In The Meantime

Em seu terceiro álbum de estúdio, In The Meantime, Alessia entrega o melhor trabalho de sua premiada carreira ao discutir sobre as dualidades que cercam nossa existência. Através de sua composição, ela dá nomes aos fantasmas que assombram sua mente, à procura de se libertar deles ou ao menos fazer com que aqueles que compartilham das mesmas mazelas sintam-se menos sozinhos.

Mas além do seu relacionamento consigo mesma, Alessia também triunfa ao analisar os sentimentos conflitantes de se relacionar com alguém. Desde a angústia de não saber se é melhor ficar sozinha ou se apaixonar até as mentiras convenientes de um término, ela passeia com naturalidade através de ritmos e gêneros musicais. Inclusive, há dois agrados para os fãs brasileiros: Bluebird e Find My Boy possuem forte influência da bossa nova e citam o Rio de Janeiro em suas letras.

Ao deixar de lado o tom professoral e otimista que marcou sucessos anteriores como Scars to Your Beautiful e Wild Things, Alessia termina a transição iniciada em The Pains of Growing. Com tanta honestidade ao narrar as dores da vida, é muito mais fácil acreditar quando ela diz que dias melhores virão. Assim, o fardo de ser um modelo exemplar é substituído por algo muito mais poderoso: a vulnerabilidade. – G. H. Oliveira

José González – Local Valley

Se você já assistiu A Vida Secreta de Walter Mitty (2013), dirigido e protagonizado por Ben Stiller, deve conhecer José González, pois a música tema do filme foi composta por ele. O artista sueco-argentino surge com Local Valley, seu quarto álbum de estúdio — em uma carreira que já soma 18 anos —, e parece ser a síntese do que seria a mistura perfeita entre Elliott Smith e Nick Drake.

Segundo González, o nome do disco surge da concepção que ele possui do mundo, conforme disse em entrevista. “Eu vejo o mundo, esta terra, este planeta, como nosso vale local. Eu o vejo como o nosso pequeno ‘Pálido Ponto Azul’, como Carl Sagan disse. Quando você se aproxima do universo, este lugar em que vivemos se torna muito pequeno. Então, essa é uma das maneiras que eu penso sobre o título, especialmente em uma canção como Visions”. 

O disco é o primeiro trabalho do artista que utiliza efeitos computadorizados, algo mais evidente na faixa Swing. Nessa música, o lado folk do artista é praticamente deixado de lado, e há muitas semelhanças com os trabalhos de Jack Johnson. José González não é o tipo de artista que exige atenção. Ele toca e canta por paixão, e se você gosta de folk, ou se apenas é chegado no clássico voz e violão, a porta estará aberta. – Bruno Andrade

X Ambassadors – The Beautiful Liar

No terceiro álbum de estúdio da X Ambassadors, The Beautiful Liar, a banda aderiu aos áudio-dramas. A surpresa com o conceito vem logo na primeira faixa, CHAPTER ONE: Sleeping Giant, em que uma narração apresenta o projeto e indica a divisão das faixas em capítulos. O quarteto não conta uma história nos mínimos detalhes, mas o duplo sentido das letras, que poderiam ser tanto sobre uma personagem ficcional quanto sobre os membros da banda, é imaginativa e subjetiva por se encaixar em mais de um contexto. 

Durante o álbum, porém, a mistura de canções e narrativa se perde. Se CHAPTER TWO: Enter The Shadows quebra a sequência musical, mas serve como um bom interlúdio, a dobradinha de Theater of War e —A BRIEF WORD FROM OUR SPONSORS—, faixas dedicadas à contextualização do áudio-livro, tentam ser imersivas, mas mais interrompem e quebram o ritmo do que acrescentam à proposta. 

Ainda assim, mesmo que ofuscado pelas pausas, o som contagiante da X Ambassadors tem seus momentos de glória: o vocal potente de Sam Harris e as pulsantes linhas de baixo se destacam, e as dançantes My Own Monster e Love Is Death se sobressaem. Ao final, The Beautiful Liar tenta criar uma experiência maior do que a musical, mas talvez se saia melhor como um áudio-livro, mesmo. – Vitória Lopes Gomez

Bemti – Logo Ali

Dizem que não se deve julgar um livro pela capa, e isso se estenderia também aos discos, mas o segundo álbum de estúdio de Bemti é uma exceção à regra. Com uma “reinvenção expandida” maravilhosa da obra O Derrubador Brasileiro, de Almeida Júnior, Logo Ali conquista corações desde sua porta de entrada. E nada aqui é por acaso, já que os dois artistas, apesar de distantes no tempo, partilham de alguns elementos do universo caipira, estabelecendo diálogos pelo menos indiretos entre si.

Liricamente, Logo Ali é uma obra também muito sensível e bela. Com destaque para Canto Cerrado, faixa na qual Bemti canta “não vou respirar sem poesia”, as composições desse disco têm, ao mesmo tempo, traços de inspiração e preocupação estética. Já em relação às colaborações do CD, um dos pontos numericamente mais altos é, com certeza, Catastrópicos!, parceria com Jaloo disponível nas plataformas digitais desde novembro de 2020. Com uma abertura que remete às chegadas da vida, e um encerramento que alude às partidas, Logo Ali simboliza explicitamente a excelência artística de Bemti. – Eduardo Rota Hilário      

The Felice Brothers – From Dreams to Dust

Desde 2007 na estrada, o projeto familiar formado pelos irmãos Felice (Ian e James) é um dos suspiros do folk atualmente, mesclando elementos do country e até mesmo do indie. Em meio às diversas referências citadas nas letras — de Jean Claude Van Damme e Kurt Cobain a Clube da Luta e Dostoiévski —, From Dreams to Dust, oitavo álbum de estúdio de The Felice Brothers, é uma epopeia sobre os humanos, a vida e o fim, seja ele qual for.

Não surpreende que Ian Felice (vocalista e guitarrista) tenha lançado, em 2017, um livro em edição limitada de seus poemas, além de ter outro livro de poemas com lançamento previsto para 2022. Como principal compositor dos The Felice Brothers, Ian traz várias referências literárias, cultivando o discurso falado em contraste com as pausas melódicas — algo muito similar ao que Bob Dylan faz em Hurricane —, em um estilo de fluxo da consciência. Na canção We Shall Live Again, ouvimos referências ao filósofo alemão Hegel e ao escritor francês Marcel Proust, enquanto Inferno trata-se de uma referência à obra de Dante Alighieri. 

Em Jazz on the Autobahn, somos transportados ao sentimento de apocalipse iminente, algo apontado, no fim, como um vazio. A verdade é que o álbum soa como a trilha sonora gótico-sulista de um livro de William Faulkner, cuja sobriedade obscura dá a entonação para um disco transcendente. Porém, mesmo cheio de méritos, o CD ainda soa como uma cópia de Dylan, Neil Young e The Band. – Bruno Andrade

Colleen Green – Cool

É fato que referenciar o passado é uma das tendências mais fortes na Música dos últimos dois anos. Mas surfar nessa onda e soar é original não é pra todo mundo. E Colleen Green não é todo mundo, como prova em seu quarto álbum de estúdio. Em Cool, a artista californiana sabe usar suas influências para criar seu som que existe entre o rock e o pop punk, construindo a trilha perfeita para uma história coming-of-age dos anos 2000 concretizada nos cinemas de 2021. Se isso pudesse existir.

É com essa habilidade que ela nos recebe ao disco através de Someone Else, que volta a aparecer em It’s Nice to Be Nice e How Much Should I Love a Husband?. O ponto fraco de Cool se mostra em refrões fracos e repetitivos como os de You Don’t Exist, mas longe da vontade de criar músicas chiclete, Green mostra muita personalidade em suas melhores e mais ousadas experimentações, vide Highway. E é perceptível através das 10 faixas do disco que Colleen se encontra mesmo é Colleen em meio a conversa que seus solos de guitarra mantêm com a bateria, naquela harmonia entre melodia e ritmo que só o rock tem. – Raquel Dutra

Lady Gaga – Dawn of Chromatica

Gaga, ou pelo menos BloodPop® e seu time, sabem como aproveitar o burburinho da internet e fazer os admiradores do pop e hyperpop surtarem de animação. Dawn of Chromatica é um CD de remixes do disco lançado pela cantora no ano passado, o Chromatica. Assinado por um montão de promissores artistas talentosos, a coletânea quebra a maldição do Club Future Nostalgia e a sonoplastia do Programa do Ratinho de Blessed Madonna, e entrega um projeto de remixes que transborda astúcia e reworks fenomenais. 

Cada canção brilhou de uma forma diferente, algumas tão boas quanto as originais, outras nem tanto. E sim, Pabllo Vittar não só salvou a bomba Fun Tonight como colocou uma sonoridade 100% brasileira no DOC. Gaga pode não ter sido a mente comandante do projeto, mas, sinceramente, ela nem precisa. Praticamente todos os artistas convidados foram, de alguma forma, influenciados pela revolução sonora e estética que a cantora causou no início dos anos 2010. E, agora, somos nós que colhemos os belos e saborosos frutos. – Jho Brunhara

EPs

Ezra Furman – Sex Education: Songs from Season 3

Que Sex Education é a melhor série da Netflix, todo mundo já sabe. O que ainda pode ser um mistério é a existência desse EP, meio folk, meio pop, cantado por Ezra Furman, que apresenta canções da terceira temporada da aventura de Otis e Ruby e cia. Com apenas 5 faixas (algumas novas e outras reaproveitadas pela artista), o trabalho expande a vibe acolhedora e gentil do seriado e conforta quem não reservou a pauta para texto solo e ainda assim quer falar sobre o que rolou em Moordale esse ano.

Don’t Turn Your Back on Love, sucesso de 2011, repete a fórmula de Sex Ed e faz brotar aquela vontade de viver um romance na adolescência e poder se identificar ainda mais com as tramas da telinhas. Mysterious Power dá vontade de socar o travesseiro e depois abraçá-lo forte, enquanto Trans Trauma serve como trilha de Cal (Dua Saleh), personagem não-binárie que entra no ano 3 e enriquece ainda mais o escopo narrativo da criação de Laurie Nunn. 

 Para quem ama de paixão Aimee, Maeve, Adam, Eric, Jean, Ola, Liv, Lily e, é claro, a melhor personagem de 2021, Ruby, ouvir o EP de Furman vai causar um efeito colateral irremediável: ligar na Netflix e dar play na série tudo de novo. Com a quarta temporada confirmada, dedos cruzados para que mais músicas cheguem no mesmo pacote. – Vitor Evangelista

Wilczynski e Ian Urbina – Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) 

Não, Noam Chomsky não resolveu largar a academia e virar produtor musical. O renomado linguista e ativista de 92 anos, é, na verdade, não apenas homenageado por Wilczynski e Ian Urbina, produtores deste EP, como também por mais de 50 artistas do mundo inteiro, reunidos em um ambicioso projeto musical, o The Noam Chomsky Music Project. A partir de trechos extraídos de gravações de palestras e aulas, o projeto tem como objetivo celebrar e ampliar a voz do pensador, com diversos lançamentos que abarcam os mais variados gêneros musicais, da Música clássica à eletrônica. 

Aqui, a voz de Chomsky é integrada a batidas lo-fi hip hop, enquanto ouvimos algumas de suas falas sobre solidariedade e críticas ao governo estadunidense. A tranquilidade da música é uma combinação certeira com o modo de falar calmo do intelectual. Pode ser uma interessante escolha de trilha sonora para estudos, seja dos escritos de Chomsky ou não, enquanto ele nos convida a entender “o que está acontecendo no mundo” e “reconhecer os padrões”. – João Batista Signorelli

Big Freedia – Big Diva Energy

Depois de repaginar a canção atemporal Judas, de Lady Gaga, no álbum Born This Way: Reimagined, a rapper Big Freedia ainda tem muito potencial criativo para compartilhar com o mundo neste ano. Trilhando um caminho aparentemente certeiro, ela lança o EP Big Diva Energy, composto por seis faixas bem atrativas e interessantes. Not Today, a primeira delas, conta com a participação de Jake Shears e Anjelika “Jelly” Joseph, e tem, sem dúvidas, muita chance de arrasar nas pistas de dança.  

Já Platinum, a mais reproduzida no Spotify, não quer saber de “tempo ruim”. Com uma narrativa que convoca todos à ação e ao sucesso, essa faixa está repleta de cintilância: “cegue-os com seu brilho”, canta Big Freedia. De modo geral, todas as canções do EP são agitadas e capazes de levantar pelo menos um pouco o nosso astral. O título do trabalho, por sua vez, não poderia ser outro, já que a energia de uma grande diva invade os poros de quem o ouve – e paira no ar a sensação de que qualquer um pode ser uma estrela. – Eduardo Rota Hilário       

Julien Baker – Little Oblivions (Remixes)

Porta-voz de uma geração que cresceu sendo LGBTQIA+ em um universo cristão fervoroso do sul dos Estados Unidos, Julien Baker exprime como ninguém as consequências da repressão na adolescência. Sobrevivente do vício, a cantora e compositora de 25 anos carrega consigo uma série de registros marcados pela nudez dos versos cortantes, tanto em projetos solos – como no inaugural Sprained Ankle –, quanto no aclamado supergrupo boygenius, formado junto de Lucy Dacus e Phoebe Bridgers. Nelas, a crueza vocal e instrumental de Baker amplifica a composição dolorosa das letras, e ela nos machuca.

Após o terceiro e mais recente álbum, Little Oblivions, Baker aperfeiçoou seus dotes como musicista, amadurecendo a sonoridade simplista para a de uma banda completa, ainda que tocando quase todos os instrumentos sozinha. E na remixagem de Little Oblivions, as faixas destaque ganham novas dimensões por diferentes artistas: Half Waif, Helios, Gordi, Jesu e Thao. Na produção alternativa das versões originais, Baker deu liberdade criativa total aos colaboradores. Desse modo, a integridade da composição foi mantida, porém, com novos arranjos, texturas e profundidade que, de certa forma, antes pareciam faltar. – Ayra Mori

Juliette – Juliette

Juliette saiu da casa mais espiada do Brasil diretamente para dentro dos estúdios. Quando a vencedora do prêmio de 1 milhão e meio de reais soltou a voz no programa, seu talento conquistou muito interesse da indústria musical, que percebeu o potencial da paraibana.

Mas na hora de por em prática, poderia ter sido melhor. As seis músicas que compõem o seu EP de estreia levaram uma equipe grande até demais para escrever letras rasas e repetitivas. Não dá para negar, porém, que a produção carrega uma batida gostosa do forró, que combinado ao tom leve de Juliette, deixa o disco bem agradável de se ouvir. 

A favorita da casa começou sua carreira musical numericamente bem. Batendo o recorde de melhor estreia nacional da história do Spotify Brasil, dá para esperar que este não seja um projeto único. Com um pouco mais de tempo – e esforço – um álbum de estreia da nova cantora tem de tudo para ser muito bom. – Mariana Chagas

ella jane – THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!

ella jane já começou a carreira acertando. Um ano depois de sua estreia na Música, com seis singles e muitos elogios para a conta, a cantora de 19 anos lançou seu primeiro EP, THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!. O trabalho inclui canções escritas em diferentes momentos da vida da artista, desde os 16 anos, passando pela sua adolescência no Ensino Médio até o início da sua trajetória musical.

Composto por ela de cabo a rabo ao longo de três anos, o EP vira um verdadeiro coming-of-age. jane canta sobre a insegurança de crescer e tomar decisões em AUGUST IS A FEVER, desabafa sobre a depressão pelo qual passou no colegial em Thief, e expressa a dor de se afastar de alguém próximo em The City. Em uma faixa iniciada quando a artista tinha 16 anos e finalizada aos 19, bored&blind, ela ainda lembra de um amor platônico e reflete sobre como lidava com isso quando mais jovem, em uma evolução tanto pessoal, quanto musical.