Ainda vivenciando a pandemia, Abril carregou nas costas a premiação mais falada do ano: o Oscar 2021. Entre as vitórias e perdas do evento estão a consagração justa de Chloé Zhao, primeira mulher asiática a vencer na categoria Melhor Direção, por Nomadland. Outros nomes que brilharam no mês foram os experientes Frances McDormand e Anthony Hopkins, este último venceu pela brilhante performance em Meu Pai. Mas, passada a euforia dos filmes indicados, vencedores ou não, é hora de falar dos lançamentos do cinema, da televisão e dos streamings.

A Netflix, como sempre, lotou o público de novas produções para acompanhar. No quesito terror, os longas Fuja e Vozes e Vultos merecem destaque. Falando em ficção científica, o streaming apostou no filme Passageiro Acidental. Rosamund Pike agora protagoniza o drama histórico Radioactive, vivendo dessa vez a cientista Marie Curie. Na categoria Séries, a plataforma apostou na adaptação literária Sombra e Ossos, e na produção documental O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos. 

No Amazon Prime Video, teve a comédia Breaking News In Yuba Count, composta por um elenco cheio de rostos conhecidos, e a produção animada Invencível, baseada na HQ homônima. Marcando não só o Disney+, Falcão e o Soldado Invernal veio para dar início a nova fase do Universo Marvel, junto também ao longa Mortal Kombat que comemora o icônico jogo de videogame na HBO Max. Entre as produções documentais estão: Chorão: Marginal Alado, que retrata a vida do cantor brasileiro membro da banda Charlie Brown Jr. e Demi Lovato: Dancing With The Devil, produção corajosa que marca a nova fase da cantora pop. 

Ainda fugindo do mundo dos streamings, Shiva Baby marca a estreia da roteirista e diretora Emma Seligman. Na televisão brasileira, mais uma eliminação do Big Brother Brasil deu o que falar, agora do cantor sertanejo Rodolffo, junto também ao documentário sobre a jornada de redenção da eliminada Karol Conká. E, ainda, o final apressado da novela Amor de Mãe, cuja transmissão e gravações acabaram interrompidas por conta da pandemia. A décima terceira temporada de RuPaul’s Drag Race terminou esse mês, e trouxe a comemorada vitória da queen Symone. Na HBO Max, chegou ao fim a primeira parte da temporada 1 da série de comédia dramática Genera+ion. E, enfim, a eterna The Walking Dead marcou presença com a estreia dos episódios finais da 10ª temporada.

Em Abril de 2021, não faltaram produções para acompanhar semanalmente ou assistir de uma vez. O Cineclube deste mês compactou os lançamentos amados e odiados do momento, com opiniões, críticas, amores e ódios selecionados a dedo pela própria Editoria e seus colaboradores.

Cinema

Últimas Notícias de Yuba County (Breaking News In Yuba County, Tate Taylor)

Em Yuba County, o sensacionalismo e a busca pela fama são os pilares da comunidade. Não é à toa que cada personagem de Últimas Notícias de Yuba County, produção do Amazon Prime Video, está disposto a aproveitar cada segundo de seus preciosos 15 minutos de fama. No entanto, apesar do elenco de peso e uma boa trama cheia de problemas entrelaçados, o filme simplesmente não encontra seu ritmo.

No longa, algumas histórias paralelas se encontram por conta de um elemento comum: a mentira. Tudo começa quando Sue Buttons, vivida pela experiente Allison Janney, resolve encobrir a traição e morte do marido alegando seu desaparecimento. A partir daí, esse suposto desaparecimento envolve uma investigação cômica, um esquema de lavagem de dinheiro e um noticiário local sensacionalista com uma apresentadora icônica interpretada por Juliette Lewis.

O elenco possui grandes nomes como Mila Kunis (That ’70s Show), Awkwafina (Crazy Rich Asians) e Jimmi Simpson (Black Mirror), contudo fica difícil se apegar com qualquer um dos personagens e arcos emendados, principalmente por conta do roteiro que peca nas doses de exagero e comédia.  São muitos elementos a toda hora, com personagens excêntricos, cenas de ação, mortes cômicas e frases de efeito bregas. Últimas Notícias de Yuba County até possui boas intenções, mas erra em juntar muitas personalidades numa trama sem equilíbrio. – Isabella Siqueira

Shiva Baby (Idem, Emma Seligman)

Com seus humildes 77 minutos de duração, Shiva Baby chega como um respiro de alívio coletivo em meio a uma indústria movida pelo excesso. O primeiro longa da diretora e roteirista Emma Seligman, baseado em seu próprio curta-metragem de graduação, não perde tempo em estabelecer sua premissa principal e garantir que a audiência fique investida no microcosmo pessoal de sua caótica protagonista. Após Danielle (Rachel Sennott) ir para uma shivá – tradição de luto judaica – com seus pais (Polly Draper e Fred Melamed) e esbarrar com sua ex-namorada (Molly Gordon), ela descobre a presença inesperada de Max (Danny Deferrari), seu sugar daddy, sua esposa (Dianna Agron) e o bebê deles, que antes ela nem sabia que existiam.

Você já pode ter adivinhado, mas alívio não é a emoção predominante do filme. Se o roteirista Robert McKee define uma cena pela inversão no grau de valores positivos e negativos entre seu início e seu fim, Shiva Baby é uma montanha-russa numa descida vertiginosa com poucos respiros. Toda cena que passa deixa a situação de Danielle ainda mais precária, e ver ela tendo que fazer malabarismos com as diversas personagens e suas diferentes expectativas é um dos grandes triunfos do roteiro de Seligman. A performance de Sennott traz muitas nuances à personagem, deixando transparecer tanto suas vulnerabilidades e sensibilidades quanto as paredes que ela construiu para manter as peças de sua vida cuidadosamente separadas… até agora.

Há um elemento de familiaridade nos conflitos geracionais do longa que tornam o desconforto da situação confortável, por incrível que pareça. Mesmo que você nunca tenha se encontrado no mesmo dilema da protagonista (eu sinceramente espero que não), há algo supremamente relacionável sobre ficar preso em um lugar em que você não quer estar tendo que sorrir enquanto um bando de pessoas coloca sua vida no microscópio. Todo o elenco trabalha muito bem se equilibrando no fio da navalha entre comédia e vergonha-alheia, com destaque para as interações entre Sennott e Gordon, que entregam uma dinâmica de rivalidade e ânsia praticamente intoxicante. Shiva Baby é a bagunça bissexual caótica pela qual eu só havia sonhado, e isso é lindo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Vozes e Vultos (Things Heard and Seen, Shari Springer Berman, Robert Pulcini)

A recente adaptação do livro de Elizabeth Brundage, produzida pela Netflix, foge do terror clássico feito de sustos rápidos. Com duas horas completas, o que prevalece no thriller psicológico é a tensão crescente entre o casal formado por Catherine (Amanda Seyfried) e George (James Norton). Assim, mesmo com alguns elementos típicos do gênero (objetos que mexem, fantasmas que surgem do nada), o verdadeiro terror na vida da protagonista feminina vem de uma alma ligeiramente familiar.

Ambientada nos anos 80, a história segue a mudança de uma família para uma casa no interior, após George ser contratado como professor em uma universidade local. Logo ao chegar, Catherine e sua filha Franny (Ana Sophia Heger) começam a sentir e presenciar acontecimentos estranhos na residência. Contudo, quem acaba construindo o ambiente aterrorizante é o marido, que prende a personagem de Seyfried em uma comunidade isolada, faz ataques constantes a seus distúrbios alimentares, mente descaradamente e a priva de qualquer tipo de independência.

Assim, as assombrações não são ameaças, mas sim personagens que viveram situações similares a Catherine, e a tal a aura sobrenatural pode até ser vista com um alerta ao perigo iminente representado por seu companheiro. A intenção do longa não é assustar o público com clichês de uma casa mal-assombrada, mas sim criar aos poucos um ambiente tão hostil que é impossível não temer pela segurança da protagonista. No auge dos minutos finais, os fantasmas parecem ser a única salvação de Catherine a um fim trágico visto tantas vezes antes em relacionamentos abusivos. – Isabella Siqueira

Fuja (Run, Aneesh Chaganty)

Da leva de filmes mensais que a Netflix vomita no seu catálogo, vamos combinar que não são muitos que se sobressaem no meio da produção da plataforma. Dirigido pelo talentoso Aneesh Chaganty, que tem o privilégio de carregar Buscando… no seu currículo, Fuja foi mais uma das obras que se prejudicaram pela pandemia, acabando com os planos da Paris Filmes de lançar o thriller com Sarah Paulson nos cinemas. Com a mudança, o novo longa de Chaganty foi direto para o serviço de streaming e não demorou muito para popularizar e se manter no Top 10 por várias semanas.

E não é que Fuja entrega mesmo toda aquela tensão promovida no seu trailer? Levando em consideração que suspense não é para qualquer um, o diretor indo-americano cria uma narrativa eletrizante ao redor de uma mãe controladora e uma filha adolescente cadeirante, estreando Kiera Allen nas telonas, que passa a desconfiar dos medicamentos que a personagem de Paulson. De forma rápida e desconfortável, a trama vai se desenrolando em cima das duas protagonistas e causa aquele incômodo na boca do estômago, principalmente pela personagem de Allen, que é a segunda pessoa em cadeira de rodas a protagonizar um suspense desde Susan Peters em 1948, por O Signo de Áries.

A familiaridade da história vem da recente The Act, adaptação da história real e bizarra de Gipsy e sua mãe Dee Dee, que fez a garota acreditar que estava severamente doente pela vida toda. As semelhanças são inegáveis, mas ambas as obras apenas se inspiram nos casos de Síndrome de Münchausen por Procuração, o que não é suficiente para uma acusação de plágio descarado. O roteiro, escrito por Aneesh Chaganty e Sev Ohanian, possui suas particularidades na hora de lidar com suas personagens, e Sarah Paulson dispensa apresentações. No fim, a vingança tem um gostinho amargo de medicamento. – Caroline Campos

22 Contra a Terra (22 vs. Earth, Kevin Nolting)

Disponibilizado de surpresa no catálogo do Disney+, o curta animado 22 Contra a Terra parece ser uma homenagem para o público amante de Soul. Esse carinho da Pixar também se alastra para os votantes das premiações, que deram troféus ao longa sobre o músico Joe a temporada toda. Vencendo 2 Oscars, Soul marcou a história do estúdio, e a alma 22 é parte vital desse fenômeno cultural.

 Agora sob a direção de Kevin Nolting, a personagem dublada por Tina Fey reúne algumas jovens mentes para impedir que os residentes do Pré-Vida encontrem seu propósito. Retornam também Alice Braga e Richard Ayoade aos papéis de Jerry, sempre divertidos e dessa vez discutindo o real significado da vida. Seria uma pena se os créditos subissem logo antes dessa incógnita divina ser revelada… – Vitor Evangelista 

Passageiro Acidental (Stowaway, Joe Penna)

O problema de Passageiro Acidental ultrapassa o plágio do qual é acusado, e, mesmo com uma ideia pronta, o longa não engata. Entre as muitas obras de ficção científica que a Netflix lançou nos últimos anos, a nova produção ajuda a compor a lista de fracassos, como suas irmãs, a caríssima Perdidos no Espaço e a cancelada Away. Estrelado por nomes grandes como Toni Collette, Anna Kendrick, Daniel Dae Kim e Shamier Anderson, o elenco infelizmente não é suficiente para aguentar o ritmo lento do longa. A trama (copiada, diga-se de passagem) é absurda – um homem é encontrado ferido após o lançamento de uma missão  espacial para Marte, e cuja duração é de dois anos.

Após o resgate de Michael (Shamier Anderson) e a impossibilidade de voltar para a Terra, a trama se baseia nas consequências de sua presença na nave. Como qualquer produção básica do gênero, problemas de espaço e a falta de oxigênio impedem a permanência de todos na nave. Assim,  o debate que envolve os personagens é ético, e não necessariamente científico. Mas, apesar desse diferencial, é difícil se relacionar com os personagens, que em nenhum momento tem suas vidas ou sentimentos ampliados para o público.

Infelizmente, os ângulos e fotografias agradáveis escolhidos pelo cineasta brasileiro Joe Penna, passam a sensação contrária da questão levantada pelo longa. Visto que a cada cena temos a leve impressão de que a nave é gigante e consegue acomodar mais do que três pessoas. Ao se recusar a aprofundar os sentimentos dos protagonistas, estabelecer um problema estrutural simplório e gerar um debate ético vazio, o longa falha em conquistar o público em tudo que se propõe. Passageiro Acidental apenas tenta trazer de volta aquele velho questionamento: vale a pena sacrificar uma vida em favor de outras? – Isabella Siqueira

Mortal Kombat (Idem, Simon McQuoid)

Mortal Kombat é conhecido pela violência extrema nas lutas e pelos seus personagens caricatos. Sua adaptação cinematográfica, lançada nos cinemas e na HBO Max lá fora, falha em reconhecer isso e entrega um filme mediano, com uma história original sem personalidade e atores que parecem estar ali só para pagar as contas.

A direção de Simon McQuoid parece mais preocupada em construir a mitologia por meio de diálogos expositivos entediantes que preparam terreno para uma eventual continuação, que deve ter o Mortal Kombat de fato. Os únicos momentos interessantes são os que prestam homenagem ao jogo através de referências inesperadas, como quando um personagem diz “fatality” após finalizar uma luta.

O filme consegue entreter com suas boas cenas de ação, mas a sensação que fica é a de estarmos vendo o prólogo de outro filme, que ainda não foi feito. Poderiam ter feito uma HQ introdutória sobre Mortal Kombat que não haveria diferença alguma. – Caio Machado

Por Que Você Me Matou? (Why Did You Kill Me?, Fredrick Munk)

Entrando na lista dos documentários de true crimes da plataforma, Por Que Você Me Matou? é um exagero de drama combinado com uma história absurda de vingança. A produção conta o trágico assassinato de Crystal Theobald, que foi morta por uma gangue dentro do veículo em que estava com o irmão e namorado em 2006. Mesclando breves apresentações e relatos dos familiares da vítima com o desenrolar da investigação, o longa peca em dramatizar em excesso a busca por justiça da mãe, deixando de lado os questionamentos sociais que envolveram o caso.

Chegando na metade, o documentário até faz sentido, com acertos em apresentar de forma direta os detalhes do caso, não utilizando de nenhuma reconstrução fantástica para elucidar os acontecimentos da fatídica noite. Mas, após enfatizar a falta de progresso que a polícia teve em lidar com o crime, a obra optou por tratar da escolha de Belinda Lane, mãe de Crystal, em conseguir uma confissão dos culpados a partir de uma conta fake no MySpace. A partir daí o longa se torna puro entretenimento, contando ainda com a produção simulando como as interações ocorriam num computador Windows XP.

Os relatos da família e amigos da vítima são comoventes, mas os efeitos do documentário dão a sensação da história ser na verdade uma novela. Apesar do elemento instigante do caso ser a atitude levantada em prol de obter justiça para Crystal, os fatores sociais da região e as injustiças que recaíram sobre os parentes da jovem eram pontos que deveriam ter sido mais explorados em Por Que Você Me Matou? – Isabella Siqueira

Radioactive (Idem, Marjane Satrapi)

É difícil mensurar a importância de Marie Curie para a humanidade, e sua cinebiografia também sucumbiu a esse desafio. A produção, que estreou no Festival de Cinema de Toronto em 2019 e foi distribuída só agora em pela Netflix, se propõe a retratar a história da cientista que mudou o mundo através das suas descobertas, e assim como a sua personagem principal, tenta contornar os altos e baixos de sua obra. Sob a direção de Marjane Satrapi, Radioactive conta com um elenco de alto calibre mas não favorece seus personagens. 

O filme peca pelo roteiro quebrado e desatento de Jack Thorne, que muito diferente do que fez com o texto de Enola Holmes, aqui esquece de como se faz um filme com ritmo. Radioactive não nos deixa celebrar as vitórias de Curie nem sentir suas dores, criando um retrato básico e apressado da figura histórica – digna de toda atenção -, ao mesmo tempo que força alguns aspectos insignificantes e deixa muita coisa importante passar em silêncio. 

Mas Radioactive ainda vale a pena pelo protagonismo da magnífica Rosamund Pike e o casal que forma com Sam Riley na pele de Pierre Curie, marido da cientista que apostou e colaborou no potencial de seu trabalho. O drama de época traz também a participação especial da dispensa-apresentações Anya Taylor-Joy como a filha mais velha do casal, que também continuou os estudos da mãe colaborando significativamente para avanços na medicina em plena Primeira Guerra Mundial. – Raquel Dutra

Chorão: Marginal Alado (Felipe Novaes)

“O fato de eu ter tatuado marginal no meu braço não quer dizer que eu sou um marginal que faz várias fitas, que assalta os outros não. Quer dizer que eu tô à margem de muita coisa que eu acho que é hipócrita, que é mentirosa”. O trecho é de um dos depoimentos de Chorão, mostrado no início do documentário, e já deixa todo mundo atento para o que está por vir.

O audiovisual não só aborda a carreira musical do cantor, mas também sua relação de amor com o skate e a formação de sua personalidade questionável. O trabalho do diretor Felipe Novaes mostra diversas nuances do vocalista da banda Charlie Brown Jr., através de imagens cedidas pela família e com depoimentos de pessoas próximas. Além disso, te faz pensar e descobrir os motivos plausíveis pelos quais a banda fez o estrondoso sucesso.

Um letrista de primeira, perfeccionista e totalmente emotivo. É assim que é retratada a imagem de Chorão. Quem intimamente não o conhece, o compra por aquela malandragem em cima dos palcos, porém, a produção chega para quebrar essa visão e deixar fãs e admiradores com os olhos marejados. Marginal Alado te faz entrar na cabeça de Alexandre Magno Abrão e acompanhar sua jornada do início ao fim, ainda mais de perto. – Giovana Guarizo

TV

Cerimônia de premiação do Oscar 2021

Se você acompanha o Persona deve ter lido pelo menos um texto sobre o Oscar, se não, pega a pipoquinha que temos o conteúdo completo aqui. Depois do período de ansiedade, o tapete vermelho finalmente aconteceu no dia 25 de abril em Los Angeles. Um tanto diferente que o de costume, foi uma das primeiras premiações a contar com os concorrentes reunidos desde a caótica e interminável pandemia da covid-19. Ainda sem uma grande plateia enfileirada com direito a selfie, o evento aconteceu em um lugar mais arejado e com mesas distribuídas pelo salão.

Seguindo uma ordem diferente da habitual, o Oscar já chegou tocando o terror, abrindo a noite com as categorias de Melhor Roteiro Original e Melhor Roteiro Adaptado. Felizmente, a estatueta foi pra grandes e merecedoras obras. Florian Zeller, vencedor da segunda categoria, recebeu seu prêmio em Paris, em um dos pontos criados pela Academia para transmitir os convidados que não estavam em solo estadunidense. A troca da ordem original levou Melhor Ator a fechar a noite de gala, e o que poderia ser uma última homenagem se transformou num tiro no pé da produção que encerrou o evento às pressas.

Outra diferença foram as Canções Originais, sempre apresentadas durante a premiação entre uma categoria e outra, foram gravadas anteriormente e exibidas um hora antes de iniciar o red carpet. Um Oscar tão distinto trouxe também mudanças necessárias, pela primeira vez em dez anos – e apenas segunda vez na história – assistimos a uma mulher subir ao palco para receber Melhor Direção. O sorriso no rosto de Chloé Zhao iluminou a noite, que poderia ter terminado brilhante com Nomadland. – Ana Júlia Trevisan

Eliminação de Rodolffo (BBB 21, Rede Globo)

O dia 7 de abril de 2021 entrou para a história da TV brasileira. Não, o paredão do Big Brother Brasil não apresentou nenhum novo recorde de número de votos, não aconteceu mais um alto índice de rejeição de algum participante e também não assistimos nada de extraordinário na casa mais vigiada do país, mas o que marcou a data foi tão relevante quanto: um dos postulados mais importantes do programa foi quebrado pelo seu apresentador. O evento foi a consequência justa e mínima para algo igualmente urgente e sério: uma noite antes daquela terça-feira, o eliminado da vez foi denunciado ao vivo por um ato de racismo praticado três dias antes da eliminação. 

A vítima foi o brother João Luiz que teve que ouvir seu cabelo black power ser comparado a uma peruca de homens neandertais. No momento do ocorrido, João repreendeu levemente com intimidação e se refugiou na dispensa junto de Camilla de Lucas, desabafando para a compreensão da amiga. Dois dias depois, no momento da semana reservado para ‘a reunião de condomínio’ dos participantes, João expôs a situação, e então, instaurou-se aquela exata situação que se concretiza quando a palavra racismo surge no ambiente. “Eu não tenho informação”, “minha criação não é assim”, “não foi a minha intenção”, “eu não sabia”, “você poderia ter me avisado” e muitas outras frases que sempre surgem nesses momentos representam a posição de Rodolffo – que também já tinha sido alertado por falas machistas e homofóbicas – naquela noite, menos reconhecer o erro, ouvir quem foi agredido, se aquietar e simplesmente pedir desculpas. 

A posição devida veio só depois da intervenção de Leifert, que esperou a votação ser encerrada para se manifestar – porque onde já se viu, permitir que racismo influencie a opinião de alguém sobre alguma pessoa? -. Quando o homem branco falou, o outro homem branco abaixou a cabeça e ouviu, já chamando-o para fora da casa. Se encararmos o reality como um reflexo da sociedade, o que deve existir é a insistência para que todo e qualquer preconceito seja cada vez menos aceito até a sua total aniquilação e que as pessoas definitivamente aprendam sobre a carga de suas atitudes. Pelo menos, é isso o que indicam as tendências de pesquisa no Google na noite em que Tiago Leifert interveio para discursar ao vivo em rede nacional sobre a importância do tema e legitimar a dor de João. – Raquel Dutra

Invencível (Invincible, 1ª temporada, Amazon Prime Video)

Robert Kirkman é rato em escrever longas coleções de histórias em quadrinhos. Pai de The Walking Dead, chegou a hora do americano adaptar sua investida no subgênero dos super-heróis: Invincible. Com lar no Amazon Prime Video, a série animada conta a história de Mark Grayson (Steven Yeun), um jovem sem poderes e filho do herói mais forte do mundo, o Omni-Man (J. K. Simmons).

O pontapé é o garoto descobrindo suas habilidades e adentrando o mundo dos super seres. Longe de copiar fórmulas batidas, Invincible choca o público pelo uso exacerbado de sangue, gore e violência extrema. Mas a produção não se esconde atrás das tripas e minhocas de cérebro, buscando discutir temas importantes e que cerceiam a nossa realidade. Imagine a mistura ideal de The Boys, com X-Men Evolution, Ben 10: Força Alienígena e Três Espiãs Demais. 

Controle da raiva, senso de dever, e o papel do herói no mundo moderno são algumas das arestas polidas nas quase 8 horas da temporada inicial. Some a inventividade ao traço simples, mas que abre possibilidades inexistentes no live action, e espere uma aventura imbatível. O creme do creme está no elenco de voz, que reúne um time que invejaria o time dos Vingativos. Aguce os ouvidos para notar as participações de Sandra Oh, Gillian Jacobs, Mark Hamill, Mahershala Ali, e de uma porrada de atores que passaram por The Walking Dead. Abril não nos proporcionou nada melhor que Invicible e a parte boa é que a série já está renovada para mais dois anos. – Vitor Evangelista 

Genera+ion (Parte 1 da 1ª temporada, HBO Max) 

Séries teen se renovam a cada geração, e com a ascendente Gen Z não seria diferente. Genera+ion, dramédia lançada diretamente no serviço de streaming HBO Max acompanha a vida de oito adolescentes no Ensino Médio, e todas as tentações e tribulações da juventude. Aposta acertadíssima, a produção foi idealizada por Daniel Barnz e sua filha, Zelda, ainda quando a menina tinha apenas 17 anos. A proposta de lidar com questões sérias da modernidade através de um humor trash que zoa a própria geração é envelopada em um texto exagerado, mas que funciona com primor. 

A série conta grandes nomes e muita representatividade, como o queridíssimo Justice Smith, interpretando o chato e amável Chester, e Lena Dunham como produtora executiva e roteirista do quinto episódio. Todos os atores principais são LGBTQ+, e se Hollywood pode aprender algo com Genera+ion, é que pessoas trans não precisam interpretar apenas personagens trans, como o talentosíssimo ator Sydney Mae Diaz, que dá vida a J.

Em Abril, se encerrou a Parte 1 da primeira temporada, que focou em construir a amizade dos oito colegas em volta de uma trama central, com catarse perfeita no último capítulo. Por enquanto, a Parte 2 ainda não tem data, e também não se sabe se será uma minissérie ou se teremos uma segunda temporada, mas já estamos com muitas saudades de Arianna, Chester, Naomi, Delilah, Greta, J, Nathan e Riley. – Jho Brunhara

Demi Lovato: Dancing With The Devil (Minissérie, YouTube Originals)

Renascimento é o conceito da nova era de Demi Lovato. Depois de três anos da sua quase-morte, a cantora lançou um álbum e um documentário carregado de sentimentos, mostrando a sensibilidade e a coragem com a qual viveu, além de um novo recomeço que está por vir. Disponível no YouTube, a série-documental é dirigida por Michael D. Rather e já conta com mais de 5 milhões de visualizações.

Cada episódio aborda um tema específico, delicado e grandioso para edificar os tijolos pouco conhecidos da complexa personalidade de Demi. De peito aberto e segura com suas convicções, a artista revela suas emoções, juntamente com as entrevistas de amigos e familiares. A narrativa se torna mais palpável e comovente, uma mistura de sensações que atingem em cheio. Por esse motivo, o debate que o documentário trás pode gerar gatilhos para pessoas mais sensitivas.

Abastecido de ensinamentos, Dancing With The Devil fisga não só seus seguidores, mas também todos aqueles que, de alguma forma, simpatizam com as vivências da cantora. Tudo aquilo aprisionado por tanto tempo saiu de maneira majestosa na música e, mais evidente ainda, no documentário. Finalmente, Demi Lovato deixa pra trás tudo aquilo que foi dito para seguir em frente de cabeça erguida. Afinal, o que há de errado em ser confiante? – Júlia Paes de Arruda

Sombra e Ossos (Shadow and Bone, 1ª temporada, Netflix)

Sombra e Ossos é a fantasia que a Netflix precisava. Adaptada da obra de Leigh Bardugo – não só a trilogia principal do Grishaverso, mas também o spin-off Six of Crows -, a série de oito episódios é sagaz em imergir o espectador no mundo complicado e cheio de nomenclaturas do Reino de Ravka, dividido ao meio por uma muralha de sombras repleta de criaturas mortais. O showrunner Eric Heisserer é feliz em compactar as características principais da história de Alina Starkov, ainda inserindo elementos e personagens que contribuem com uma narrativa mais cativante e envolvente do que a apresentada por Bardugo na sua primeira trilogia. 

A mudança mais substancial foi a introdução dos personagens da duologia subsequente à trajetória de Alina, os Corvos. Kaz, Jesper e Inej dão o carisma necessário que falha em alguns momentos protagonizados por Jessie Mei Li e Ben Barnes, que, depois de integrar quase todos os fancasts do mundo literário, finalmente foi contratado para interpretar Darkling. O universo sólido idealizado por Bardugo e revisitado por Heisserer não abre espaço para construções lentas que não levam a lugar algum e tramas fracas sem apelo. Não há um arco em Sombra e Ossos que seja tedioso, mesmo com a série pulando de personagem para personagem a cada cena.

A diversidade dos personagens é explorada pelo elenco certeiro e competente, que convence pelo entrosamento mesmo nas partes mais remotas da geografia da série. E, como se não bastasse todos esses pontos positivos, a Netflix não poupou o bolso e contemplou Sombra e Ossos com efeitos visuais de primeira, um design de produção singular e figurinos especialmente detalhados para cada classe social apresentada. As facetas do resultado final são construídas para fazer a segunda temporada ser implorada pelo mutirão de comentários no Twitter da plataforma. Se toda vez que uma adaptação é anunciada, um leitor treme na base, Shadow and Bone conseguiu fazer com que os arrepios finalmente fossem de empolgação. – Caroline Campos

A Vida Depois do Tombo (Minissérie Documental, Globoplay)

Quem não concorda que Karol Conká foi a estrela da 21ª edição do Big Brother Brasil, está mentindo para si mesmo. Mesmo que não tenha sido a mocinha querida pelo público, ela fez em pouco tempo de confinamento uma trajetória invejável para alguns que chegaram entre os seis finalistas do reality. Engajou participantes, mas sua energia caótica resultou em uma eliminação histórica – 99,17%, a maior rejeição na história do Big Brother mundial – e o seu cancelamento.

Para a tristeza momentânea do público – que por dentro ansiavam de curiosidade para acompanhar o seu declínio – a Rede Globo não desistiu da ex-participante e forçou um documentário. O momento era péssimo, o título brega e tudo caminhava para um flop colossal seguido de mais hate para a intérprete de Tombei. Bom, das duas previsões, apenas uma – milagrosamente – não se concretizou. A Globo conhece o público e às vezes sabe do que ele precisa.

Em quatro capítulos curtos, que podem ser consumidos em uma tarde, vemos uma Karol Conká com as defesas abaixadas, falas e revelações de muitas histórias polêmicas de sua carreira e o que já era esperado: os inúmeros pedidos de desculpas. Karol é uma ótima rapper, mas como atriz não convence. Foi interessante mergulhar um pouco mais na sua realidade e vivência, mas  quem acompanhou em quatro semanas uma figura confiante de suas maldades, não enxerga credibilidade nos arrependimentos. O documentário fez sucesso pela curiosidade, mas o público não comprou a redenção. Não deu para compreender o que Karol queria com a obra, ao contrário da Globo, que está lucrando com toda essa exposição desnecessária e alimentando um ódio coletivo. – Giovanne Ramos

Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier, 1ª temporada, Disney+)

Quem não está com saudades de ir ao cinema e assistir algum filme do Universo Marvel que atire a primeira joia do infinito. Nesse ano tivemos um pouquinho do doce anseio de ver os heróis de volta às telas. Essa jornada que começou em WandaVision, vem se mostrando certeira graças ao alto padrão de qualidade mantido pelo Estúdio. Com o hiper sucesso da primogênita, expectativas não faltaram para Falcão e o Soldado Invernal.

A série traz a continuação do legado do Capitão América – até então vivido por Steve Rogers – entregue nas mãos do Falcão, Sam Wilson, que devolveu o escudo ao governo americano. Ao lado dele acompanhamos também a trajetória de Bucky, perdoado por seus crimes enquanto Soldado Invernal, ele precisa trabalhar o psicológico para seguir em frente. Sendo um dos principais, ele consegue desenvolver sua trama seguindo mais de uma via, humanizando-o mais. Personagens são o que não faltam na série, somos apresentados a novos grupos e também revemos velhos conhecidos.

Falcão e o Soldado Invernal coloca os Estados Unidos em seu devido lugar. Governantes são postos na parede em relação às atitudes tomadas após os eventos de Vingadores: Ultimato. Sendo uma continuação bem conduzida e linear ao Universo Marvel, a produção choca com cenas sangrentas protagonizadas por John Walker, que torna o símbolo estadunidense no que ele sempre foi. Além disso, a série também traz um roteiro expositivo, introduzindo o super-soldado Isaiah Bradley que foi vítima de testes. A história do personagem é essencial para dar combustível ao desfecho da série que não mede esforços para entregar o primor Marvel. – Ana Júlia Trevisan

The Walking Dead (Extras da 10ª temporada, AMC)

O primeiro episódio da décima temporada de The Walking Dead estreou em 6 de outubro de 2019. Quase dois anos depois (e com uma pandemia real no meio do caminho da produção), esse ciclo se fechou. Na verdade, oficialmente, a temporada já estava finalizada com a exibição do 10×16, A Certain Doom, que concluía o arco dos Sussurradores e dava as deixas para o ano final do seriado dos zumbis. Entretanto, com a paralisação e os atrasos gerados pela pandemia, a equipe criativa encabeçada por Angela Kang decidiu soltar 6 capítulos extras, ainda parte do ano dez, mas ‘fillers’. 

Isso é, histórias que não influenciariam diretamente a série, que retornará mais tarde em 2021 para iniciar o ano final. Dessas seis investidas soltas, algumas se justificam bem. A abertura com Home Sweet Home coloca Maggie de volta ao protagonismo, dando dicas de como a sobrevivente lidará com a mágoa na 11ª temporada do show. Outro que dá um banho de atuação é Norman Reedus na pele de Daryl, em Find Me, capítulo que vasculha o emocional do caçador. 

Após esse forte começo, The Walking Dead perde a justificativa, focando em aventuras solitárias de personagens poucos interessantes, como Carol e o rato no pior capítulo recente da produção, e a dupla Gabriel e Aaron. A incrível Princess (Paola Lazaro) protagoniza com astúcia, e em cenário único, Splinter. Os Extras fecham com o esperado Here’s Negan, que coloca o maior vilão da série para contracenar com sua esposa na vida real, que dá vida à Lucille, a mulher que deu nome ao maldito taco de baseball. O enérgico episódio 22 é bem-vindo, porém, seria melhor aproveitado na rodagem regular dos capítulos do seriado. Mas não sou eu quem vai reclamar de ver mais de Jeffrey Dean Morgan num papel digno de Emmy. – Vitor Evangelista

Amor de Mãe (Telenovela, Rede Globo)

Quem acompanhou a estreia de Amor de Mãe no dia 25 de abril de 2019 – nem parece que faz tanto tempo – nunca sonharia com os rumos traçados pela decisão de Manuela Dias ou da pessoa que a orientou a tal desfecho. A novela começou com uma premissa totalmente oposta à sua antecessora, A Dona do Pedaço. Se a trama de Walcyr Carrasco apelou pelo roteiro caricato, raso e comercial, Manuela Dias chegou com sangue nos olhos na sua estreia no horário das 21, determinada a criar algo memorável e de qualidade para o público saturado de obras medianas.

O começo não foi fácil. Levou tempo para os telespectadores se adaptarem à narrativa densa e fotografia inteligente, características da criadora de Justiça. Mas não tardou para o Brasil ser rendido por uma das melhores protagonistas da década, Dona Lurdes – interpretada por Regina Casé – e a sua caça pelo filho perdido Domênico. Outros núcleos como de Thelma, Vitória, Álvaro e Camila ajudaram a sustentar a telenovela, até que o pior acontecesse a todos tanto na ficção como na realidade: o surto de covid-19.

Como medida protetiva contra a pandemia, as gravações da novela foram pausadas até que fosse seguro reunir o elenco novamente. No dia 15 de março, Amor de Mãe retomou as telinhas adaptada para terminar às pressas. Com isso, núcleos foram simplesmente jogados no lixo, isso se não tiveram reviravoltas sem pé e nem cabeça. A trama que conquistou um grupo seleto por sua profundidade deu vida a um trabalho previsível, clichê e trágico. A estreia traumática de Manuela – que perto do fim já estava batendo boca nas redes defendendo a sua primogênita – se tornou um enfadonho de secundários beirando a figuração desinteressante, carregados pela ótima atuação de Regina Casé, Adriana Esteves, e pelo único alívio das sucessivas tragédias, as eternas ‘Rainhas do Passeio’. – Giovanne Ramos

Eles (Them, 1ª temporada, Amazon Prime Video)

Them é o tipo de série que já nasceu problemática. Começando pelo título, que altera o pronome de Jordan Peele em Us/Nós, roubando, além da finesse gramatical, muitos maneirismos do diretor, que mescla o terror ao cômico em situações que denunciam racismo e intolerância. A ambientação da produção, os Estados Unidos na década de 50, rima com a desenvoltura da recente Lovecraft Country, e a escalação do elenco, com protagonistas negros, até puxa a jovem Shahadi Wright Joseph que, adivinhem, já tinha no currículo o longa de Peele.

Não bastassem os problemas criativos e de originalidade, o seriado criado por Little Marvin abusa do cinismo e do sadismo para humilhar, destroçar e dilacerar toda e qualquer pessoa negra frente às câmeras. A família Emory chega ao seu novo lar, na região de uma ensolarada Califórnia, só para sofrer nas mãos de vizinhos racistas e supremacistas. São 10 longos capítulos de eventos repetidos, cenas jogadas e desenvolvimento nulo das figuras apresentadas. Os personagens existem para sofrer e por que sofrem. 

O texto não se preocupa em lhes dar vivências, amores, medos ou mesmo características que fujam dos arquétipos de mãe doida, pai estressado, filha triste e caçula espantada. Them é a pior série de 2021 por sua falta de coragem ao abordar o tema do racismo de forma tão gratuita, é a pior série de 2021 por extrapolar o limite do razoável e filmar torturas para alegrar sádicos e é a pior série do Amazon Prime Video por achar que entretenimento adulto é matar crianças e estuprar mulheres, sem mais nem menos. Se possível, passe longe. – Vitor Evangelista

1 Contra Todos (4ª temporada, Globoplay)

A chegada da última temporada de 1 Contra Todos ao catálogo da Globoplay trouxe o alívio necessário para os fãs que ansiavam pelo término da conturbada vida de Cadu. Rica em conflitos, com um desfecho digno à grandiosidade de sua produção, a série conseguiu exibir os paradigmas de alguém que tenta ser ético em meio ao caos. Temáticas como tráfico, traição, corrupção e desilusões amorosas são as linhas condutoras deste enredo magnífico. Além de alçar duas indicações ao Emmy Internacional, o que já seria motivo suficiente para sua contemplação, a obra se mostra ousada e muito autêntica.

Julio Andrade se prova novamente um ator versátil, intenso e fiel ao papel trabalhoso de Cadu, visto que a carga emocional da trama é intensa sobre vários aspectos (tristeza, ódio, preocupação, amor, empolgação, dentre outros). Outro ponto válido de destaque se deve às transações cênicas, estas exigiram versatilidade de toda equipe técnica do seriado, sendo possível acompanhar a trajetória do protagonista percorrer pelas mais diversas ambientações.  De uma residência humilde em Taubaté do Sul, no interior de São Paulo, viajamos até Brasília, passando por Santa Cruz de La Sierra (Bolívia) até a chegada de Cadu em Miami.

Em suma, a originalidade dos criadores (Gustavo Lipsztein, Breno Silveira e Thomas Stravos) na roteirização e direção da narrativa possibilitaram uma maior identificação dos espectadores com o seriado. Talvez porque se trata de um conteúdo nacional. A abordagem da série é instigante porque ela envolve o protagonista de tal forma que, ao longo da narrativa, ele mesmo é narrador de sua desgraça. Ainda que na primeira pessoa, este tipo de condução da trama me parece bastante envolvente e desafiador. Afinal, é raro encontrarmos produções que exploram este recurso com maestria, sobretudo quando se trata do gênero de ação, que por muitas vezes carrega centenas de estereótipos cinematográficos. – Gabriel Gomes Santana

Yasuke (1ª temporada, Netflix)

Não é todo dia que vemos uma história tão única como a do Samurai Negro adaptada para a TV (ou para o que quer que a Netflix seja). Longe de contar a história de origem de Yasuke, em 6 episódios de meia hora, o anime dramatiza as vivências do guerreiro, colocando elementos sobrenaturais na intrincada trama. Quem dubla o protagonista é um experiente LaKeith Stanfield, que imprime em sua voz a sabedoria e o cansaço do homem. Isso pois a maior parte dos acontecimentos do seriado acontecem depois da ascensão do africano, e suas honrarias de guerra no Japão são apenas flashbacks.

A lenda de Yasuke chamou atenção de Hollywood e até escalou Chadwick Boseman como o protagonista de uma cinebiografia mais clássica, que obviamente não irá mais acontecer como planejado. Quem procura um estudo histórico do primeiro estrangeiro com status de samurai vai se decepcionar, mas quem quer entretenimento, porradaria e luta de urso com bruxa, vai adorar Yasuke. A única dúvida pendente é para onde ir daqui, visto que as ameaças do ano 1 são tão grandes que parecem imbatíveis numa eventual segunda temporada. Tem como para lutar com alguém mais forte que Deus? Aguardemos. – Vitor Evangelista

O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos (This Is A Robbery, Minissérie Documental, Netflix)

O maior roubo de arte de todos os tempos pode ser também o mais frustrante para quem aprecia uma boa história de mistério e investigação. O ponto de decepção com a nova obra da Netflix é bem pequeno, já que a minissérie documental dá um show de produção que não se prende apenas à entrevistas e registros documentais mas aproveita também a liberdade criativa do audiovisual para refazer com o espectador todos os passos da investigação do roubo absurdo que aconteceu no museu Isabella Stewart Gardner, um dos principais de Boston, no dia 18 de março de 1990. 

O problema é que a direção de Colin Barnicle arrasta a série por quatro longos episódios numa história que não é capaz de alcançar o ponto mais atraente: a resolução. O caso do Museu segue aberto até hoje sem ser solucionado, e desde que seu espectador saiba lidar com a quebra de expectativa da vida real que quase sempre não é tão empolgante quanto a ficção, o suspense que O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos cria a partir da reconstituição dos fatos, de sua fotografia e trilha sonora é perfeitamente possível de ser apreciado. – Raquel Dutra

Made for Love (1ª temporada, HBO Max)

O piloto de Made for Love não precisa de estender muito para que saibamos que essa é uma história sobre os limites da liberdade, em especial a de uma mulher presa (literalmente) em um relacionamento abusivo. Quem vive a resiliente Hazel Green é Cristin Milioti, conhecida nas maternidades de sitcoms. A atriz contracena com Billy Magnussen, o boy lixo de Aladdin que dessa vez retorna para interpretar, bem, outro babaca.

Seu papel como Byron Gogol atua no limiar do doentio e do prestativo, fazendo-nos querer fugir dele o quanto antes, seguindo os passos da mulher. Nesse futuro nem um pouco distópico, Gogol é um gênio da tecnologia e vive recluso no ‘Hub’, uma realidade à parte, onde mantém em cárcere a esposa, sem que ela saiba, é claro.

A confusão começa quando Hazel descobre que o marido implantou um chip em seu cérebro, tendo acesso a todos seus pensamentos, sentimentos e também à uma câmera que enxerga tudo que a moça vê. Imagine o sadismo e o remelexo de Black Mirror, mas sem a ‘crítica social’. Made for Love acaba se repetindo ao longo dos 8 capítulos de meia hora, mas ver Cristin Milioti à frente de uma produção original e relevante faz a empreitada ficar no saldo positivo. – Vitor Evangelista

RuPaul’s Drag Race (13ª temporada, VH1) 

No ar desde o primeiro dia de 2021, a 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race foi uma das mais longas da franquia. 16 episódios e um especial sobre a pandemia do covid foi mais que o suficiente para nos apaixonarmos pelas queens e também por até enjoarmos de algumas. Os desafios deixaram a desejar, como o horrendo Rusical das redes sociais, o Social Media: The Unverified Rusical. Porém, nas passarelas, as rainhas brilharam como nunca, e assistimos alguns dos looks mais bonitos e autênticos do programa, assim como a pior roupa já usada desde a estreia em 2009, superando até mesmo o horripilante vestido de Serena ChaCha. 

A batalha de lip syncs no primeiro episódio deu uma renovada nos ares, e premieres separadas sem eliminação são sempre bem-vindas, muito interessantes para conhecermos melhor as participantes antes que comecem a ser eliminadas. RuPaul, talvez sob efeito da ruptura do tédio do isolamento social, parecia ter tomado uma injeção de vida. A Mother gargalhava, dançava pelo set, e deixava transparecer momentos espontâneos de loucura, muito mais presentes antes da sétima temporada. Porém, a Super Queen pecou muito ao eliminar Tamisha cedo demais, e principalmente por mandar Denali para a casa em um momento que ela não merecia sair. 

Assim como no Big Brother Brasil 21, Gottmik foi o Gilberto deles, e Symone, Juliette. Ambas protagonistas da temporada, mas apenas uma poderia sair com a Coroa e o cetro. Symone, com sua excelência de Deusa do Ébano, levou a melhor, merecidamente. Com 4 vitórias e 2 bottoms, a queen fez história: na franquia estadunidense ninguém tinha vencido, até então, com duas quase eliminações. Gottmik, infelizmente, amargurou no top 4, mas rezamos por sua volta em um All Stars. Rosé, outra favorita dos fãs para a Coroa, também não conseguiu se dar bem na final no formato Lip Sync Smackdown for the Crown, que deu completamente errado em 2021, rendendo três lips fraquíssimos e reveals mais fracos ainda. Kandy Muse foi quem teve sorte, e chegou ao top 2 por seu anjo da guarda RuPaul Charles, mas não tinha chances nenhuma de obter o título de vencedora. – Jho Brunhara

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Perante à situação de uma celebração do Oscar na pandemia, a equipe de produtores de 2021 prometeu que transformaria a experiência em um filme. Eles não mentiram. Começando pela triunfal entrada de Regina King, brilhante como os deuses e confiante como só ela pode ser, caminhando sem pressa pela Union Station, arejada, aberta, com raios solares implorando invadir essa quebra de padrões em formato de cerimônia.

Mas algo soava estranho. Não tinha orquestra, não tinha o filtro plastificado que abraçava as telas dos televisores sintonizados na TNT (ou no Globoplay, ou onde quer que seja) e as bordas pretas, clássicas das telonas, esgueiravam a imagem de uma King lendo no teleprompter um verdadeiro roteiro na hora de premiar, bem, as categorias de Roteiro. Colocando as tradições no bolso do paletó, o Oscar 2021 não nos agraciou com a presença de um de seus atuais Atores Coadjuvantes para premiar sua contraparte deste ano logo de cara.

Ao invés disso, inaugurando essa leva mais moderninha da Academia, subiu ao palco uma bufante e estonteante Emerald Fennell, feliz que sua dita Bela Vingança foi coroada com o prêmio de Roteiro Original. Ela não preparou um discurso, já adiantou a intérprete de Camilla Parker Bowles, previamente se desculpando com Soderbergh (Steven, diretor responsável pela produção de 2021, aquele que prometeu que essa seria uma experiência de Cinema, e não apenas simples TV).

Regina King continuou fazendo graça e esbanjando talento ao apresentar os nomeados em Roteiro Adaptado, prêmio esse que acabou nas mãos de Christopher Hampton e Florian Zeller, escritores de Meu Pai. Vale a menção de que tanto Fennell quanto Zeller acabaram de estrear no Cinema, e já garantiram a honraria que fez Aaron Sorkin sair de casa apenas para anunciar um relacionamento novo, já que seu Os 7 de Chicago foi o único dos grandes indicados da noite a sair sem Oscar nenhum (e olha que a 93ª edição dividiu muito bem seus 23 prêmios).

E foi sendo assim, dois carecas dourados eram entregues por vez, ocasionalmente misturando uma categoria ‘grande’ com uma ‘nem-tão-grande-assim’. O que, a princípio, é muito bem-vindo, considerando que independente da área de atuação, todo e qualquer Oscar distribuído em 25 de abril de 2021 é importante e merece tal reconhecimento. Mas, quando Chloé Zhao subiu ao palco para receber a estatueta de Direção, precedida pela categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action, o efeito não foi o mesmo.

Zhao se tornou a segunda diretora, a primeira não-branca e a primeira chinesa, a vencer a honraria, 11 anos depois de Kathryn Bigelow quebrar o paradigma masculino, por Guerra ao Terror. Mal posso esperar para o Oscar 2032, quando a terceira mulher diretora subir ao palco. Quem leu o envelope com o nome de Zhao foi um socialmente distante Bong Joon-Ho, campeão do ano passado, diretamente de Seul, falando em coreano num segmento que usou da intimidade dos próprios cineastas nomeados para o anúncio.

Os discursos de agradecimento se alongaram mais que o comum, grande acerto da produção de 2021, evitando a terrível orquestra de subir lentamente o tom dos instrumentos para que a pessoa pare de falar o mais rápido possível. Até mesmo o jogo de câmeras, alocadas em lugares não-convencionais, limpou a lente da premiação. Os discursos variaram entre o tocante (Thomas Vinterberg homenageando a jovem filha que morreu pouco antes de estrelar Druk, vencedor de Filme Internacional) e o cômico (Daniel Kaluuya feliz da vida, agradecendo aos pais por terem concebido-no, enquanto ganhava o prêmio de Ator Coadjuvante). 

Yuh-Jung Youn conseguiu fazer os dois. “Eu sou mais sortuda que vocês”, começou a vovó de Minari e a Melhor Atriz Coadjuvante do ano. A atriz, primeira sul-coreana e segunda asiática a vencer por atuação, agradeceu a Brad Pitt (produtor de Minari) e ficou feliz de finalmente tê-lo conhecido pessoalmente. De longe, a temporada de 2021 vai lembrar com carinho das aparições de Youn, desde a surpresa no SAG, o shade no BAFTA e o riso solto no Oscar.

A Netflix saiu com 7 prêmios entre suas 35 indicações, mas mantém a sombra de nunca ter ganhado Melhor Filme. A Voz Suprema do Blues venceu categorias técnicas, assim como Mank, 2 Oscars para cada. Os curtas Dois Estranhos e Se Algo Acontecer… Te Amo saíram com os louros. Nas categorias de Documentário, Colette surpreendeu, e Professor Polvo triunfou, repetindo uma máxima do ano passado: mais uma vez, o pior dos 5 filmes saiu vencedor.

Lembra da promessa dos produtores de fazer o Oscar 2021 ser um filme? Eles cumpriram-na, para o bem e para o mal. O sorrisão de Riz Ahmed não cabia em seu belo rosto quando leu o envelope de Melhor Som, premiando, adivinhem, O Som do Silêncio, protagonizado pelo próprio. Esse que também triunfou em Montagem, colocando a competição para comer poeira. Soul se enquadrou nas expectativas, recebendo Animação e Trilha Sonora Original. H.E.R., um mês depois de vencer o Grammy de Canção do Ano, ganhou o Oscar de Canção Original. E Tenet, mesmo sem o apoio da Warner, levou a melhor em Efeitos Visuais. 

Durante a cerimônia, 2 prêmios Humanitários Jean Hersholt foram entregues. O primeiro homenageou a Motion Picture & Television Fund. Enquanto o segundo, apresentado por Viola Davis em sua única aparição no palco do Oscar, foi dado à Tyler Perry. Importante apontar as mudanças estruturais da premiação deste ano, que viu seus convidados sem máscara frente às câmeras, dividiu a galera entre os Estados Unidos, Londres e Paris e esbanjou um ar mais descontraído que a habitual sisuda entrega de prêmios no Dolby Theatre. Sem os habituais pares de artistas entregando os Oscars e com as músicas indicadas sendo performadas antes da cerimônia, essa edição ficará marcada na história. Foi uma senhora mudança de ares, que ainda precisa de melhorias no futuro.

Quando foi anunciado que a categoria de Melhor Filme não seria a última da noite, um gosto estranho já nos subiu à boca. Rita Moreno apareceu majestosa, citou Amor, Sublime Amor e relembrou os velhos tempos, onde ela própria venceu um Oscar pelo filme. Assim como a divina aparição de Jane Fonda ano passado para premiar Parasita, Moreno leu o nome de Nomadland no envelope colorido. Chloé Zhao, recebendo o segundo prêmio da noite, agradeceu aos nômades da vida real, acompanhada de Frances McDormand, vencendo o terceiro Oscar da carreira e o primeiro por produção. A veterana uivou no palco, homenageando Michael Wolf Snyder, editor de som de Nomadland falecido em março.

O comercial que sucedeu Melhor Filme pareceu mais anticlimático que o necessário. Começando pela aparição de Zhao em Melhor Direção no meio do nada, Nomadland saiu sem o triunfo que grandes vencedores do passado, como Moonlight e o próprio Parasita, puderam saborear. Melhor Atriz desempatou bolões, premiando Frances McDormand, em seu terceiro Oscar na categoria, quarto na carreira, se aproximando mais do recorde de Katharine Hepburn. 

Então, chegou a hora de Melhor Ator. Depois de um ‘In Memorian’ de qualidade questionável, batida agitada, ausências notáveis e aparição relâmpago dos homenageados, a categoria para honrar Chadwick Boseman acabou sendo entregue para outra pessoa. É claro que a vitória de Anthony Hopkins, por Meu Pai, é mais que merecida e merece ser aplaudida, benzida e santificada. A questão não é mérito, não é cota ou homenagem. 

O Oscar 2021 se rearranjou por completo para que acabasse em nota de sensibilidade e felicidade, para que a esposa de Boseman, Taylor Simone Ledward, agradecesse da maneira que fez no Globo de Ouro, no Critics Choice e no SAG. Era o momento do Oscar, depois de ter capitalizado em cima da morte do jovem talento, finalmente premiar atores negros nas categorias principais, era a hora de marcar na história aquele que já seria eterno de qualquer modo, mas merecia a honraria do troféu.

Joaquin Phoenix leu o nome de Hopkins, a tela cortou para uma foto do ator, que não estava presente e o Oscar acabou. No susto, sem comemoração, sem homenagem, sem ter valido o rearranjo de categorias. Foi dito que Olivia Colman subiria ao palco em caso de vitória do companheiro de tela, mas nada aconteceu. O temido anticlímax do filme. 29 anos depois de sua vitória por O Silêncio dos Inocentes, Anthony Hopkins se tornou o ator mais velho a vencer o Oscar. Chadwick morreu sem nenhum.

Concluindo a extensa cobertura do Oscar 2021, o Persona prepara o texto final da edição. A Editoria se juntou aos colaboradores para discutir, de uma vez por todas, o que rolou na 93ª edição dos prêmios da Academia, os recordes, as loucuras, a Glenn Close rebolando e as esnobadas que ficarão para a história. Seja bem-vindo ao Cineclube Especial dos Vencedores do Oscar 2021.

Melhor Filme: Nomadland

A comemoração pelo maior prêmio da noite nas mãos de Zhao e seu Nomadland só não foi melhor por conta da atrocidade organizacional que o Oscar desse ano, idealizado por Steven Soderbergh, cometeu. Quem diabos não deixa por último a categoria mais esperada de uma premiação? Contando com uma vitória que não veio para Chadwick Boseman, Melhor Filme foi anunciado antes de Melhor Ator e Atriz, fazendo com que a revelação pela boca de Rita Moreno perdesse a força. O que antes finalizava a cerimônia com gritos de alegria e discursos emocionantes, acabou ficando perdido em um agradecimento rápido que nem de longe parecia aquele Oscar.

Apesar das falhas e do anticlímax, não há como medir a alegria de assistir Chloé Zhao e Frances McDormand subindo ao palco ao lado de Swankie e Linda May para receberem a honraria suprema da Academia. Batendo outros sete longas – Mank, Judas e o Messias Negro, Os 7 de Chicago, Bela Vingança, Minari, Meu Pai e O Som do Silêncio -, Nomadland fez história ao se tornar o filme menos lucrativo a ganhar Melhor Filme, arrecadando cerca de US$ 2,5 milhões nos EUA até hoje. A obra já estava consagrada como favorita e saiu para casa com 3 homenzinhos dourados, mas não há Oscar sem o medo de injustiças (imagine só, Mank roubando essa estatueta).

“A todos os corações e mãos que se uniram para fazer esse filme (…) Obrigada por nos ensinar o poder da resiliência e esperança. E sobre o que é a gentileza”. O discurso de Zhao foi breve e cheio de agradecimentos a comunidade nômade e aos seus produtores Peter Spears, Mollye Asher, Dan Janvey e a própria McDormand, que logo assumiu o microfone para pedir que a audiência assistisse no cinema todos os filmes representados na noite. Com uma homenagem a Michael Wolf Snyder, editor de som do filme que faleceu neste ano, Frances terminou sua fala uivando no microfone e angariando uma série de aplausos dos convidados. A noite foi delas. – Caroline Campos

Melhor Direção: Chloé Zhao (Nomadland)

Ninguém acima dela! Chloé Zhao, a maior vencedora da noite do dia 25 de abril, também se consolidou como a primeira mulher não-branca e segunda mulher na história a receber em mãos o prêmio de Melhor Direção. Depois de ter vencido o Globo de Ouro, o BAFTA e o Sindicato dos Diretores por Nomadland, o envelope do Oscar com o nome da chinesa já estava pronto e embalado para ser anunciado por Bong Joon-Ho, vencedor do ano passado pelo imbatível Parasita, primeira produção em língua não-inglesa a levar Melhor Filme. 

Zhao estava acompanhada por Emerald Fennell, de Bela Vingança, na categoria, que, pela primeira vez, possuía duas mulheres na corrida pela estatueta – um histórico infeliz de uma premiação que ignora minorias há quase um século. No fim das contas, não só Fennell, como também David Fincher, de Mank, Lee Isaac Chung, de Minari e Thomas Vinterberg, de Druk – Mais uma Rodada foram deixados para trás pela diretora, que fez sua parte em perpetuar o Oscar de Melhor Direção nas mãos de cineastas não-estadunidenses pelos últimos anos.

“As pessoas, ao nascer, são boas”. Em seu discurso de agradecimento, Chloé relembra que ela e o pai costumavam memorizar poemas clássicos chineses para recitarem juntos e utiliza a frase de Three Character Classic, texto clássico da China. “Esse Oscar é para qualquer pessoa que tem a coragem de se manter boa e ver o que há de bom nos outros”. Apesar do destaque da diretora, a imprensa de sua terra natal se recusou a noticiar a conquista, depois de Zhao ter sido alvo de nacionalistas chineses que encontraram antigas entrevistas em que ela critica o país. Vida longa a Chloé Zhao e sua carreira! Agora, só nos resta esperar mais onze anos para a próxima diretora subir ao palco. – Caroline Campos

Melhor Atriz: Frances McDormand (Nomadland)

O mistério da corrida para a estatueta de Melhor Atriz finalmente foi desvendado. Pela terceira vez, Frances McDormand venceu o Oscar na categoria, sendo a única atriz viva a atingir esse feito. E ainda teve uma conquista dobrada, logo após Nomadland ter sido anunciado como Melhor Filme, do qual ela é produtora. Com isso, a atriz já soma quatro carecas dourados em sua prateleira, fazendo jus ao seu talento e trajetória, de alguém que começou como uma outsider no Cinema e hoje fornece apoio para projetos de várias mulheres, tanto é que a mesma desencadeou o nascimento da obra dirigida por Zhao. 

A disputa entre as atrizes costuma variar no quesito surpresa ao longo das edições. Ano passado, não se hesitava em dizer que Renée Zellweger ganharia a estatueta, após ter levado a melhor sucessivamente durante toda a temporada de premiações. Diferente de 2019, em que Glenn Close estava destinada a ganhar o seu primeiro Oscar, mas foi pega de surpresa pelo furacão Olivia Colman. Neste ano, o embate foi um pouco diferente. A temporada foi variando suas vencedoras desde o início: Andra Day venceu o Globo de Ouro; Carey Mulligan, o Critics Choice; Viola Davis conquistou o SAG, e, por fim, Frances ficou com o BAFTA e, agora, o Oscar. A única que saiu de mãos abanando nessa caminhada foi Vanessa Kirby.

E essa alternância não se deu à toa, tendo em vista o peso e entrega do papel de cada uma das indicadas, a concorrência não poderia ser mais acirrada. Mas superando todo e qualquer bolão que apostou na vitória de Davis ou Mulligan, Frances McDormand foi a vencedora final, lado a lado de sua companheira de estrada Chloé Zhao. A única lamentação que podemos tirar disso tudo é que, mais uma vez, a Academia perdeu a oportunidade de reconhecer o trabalho de uma mulher negra em sua categoria principal de atuação. – Vitória Silva

Melhor Ator: Anthony Hopkins (Meu Pai)

Disputada entre Riz Ahmed, Chadwick Boseman, Anthony Hopkins, Gary Oldman e Steven Yeun, a categoria de Melhor Ator – que pela primeira vez contava com a maioria dos indicados não-brancos – foi escolhida para encerrar a grande noite, e tinha o sabor agridoce de uma homenagem emocionante e mais do que merecida. Após um in memorian que fez com que os os mortos se revirassem no túmulo com a música agitada, parecia certo que o Rei de Wakanda seria premiado encerrando o tapete vermelho com choro coletivo pela precoce partida.

Mas não foi dessa vez que a Academia elegeu seu terceiro ator póstumo. O prêmio ficou nas brilhantes mãos de Anthony Hopkins. É quase cômico se surpreender com a vitória de Anthony, em Meu Pai ele entrega a maior atuação da carreira, interpretando com maestria um personagem homônimo. A atuação de Hopkins é inegável e indiscutível, seu segundo Oscar é esplendoroso e merecido, mas isso não basta para acalmar a revolta do resultado. Esse prêmio tinha dono e seu nome era Chadwick Boseman.

A noite mais aguardada da Sétima Arte foi encerrada sem brilho apesar do merecimento do genial vencedor. Joaquin Phoenix não expressou nenhum sentimento de interesse ao anunciar o ganhador, que por sua vez, não fez o discurso pois o ‘grupo de risco’ não compareceu ao tapete vermelho. A premiação terminou em silêncio e a Academia perdeu a chance de fazer um encerramento memorável, perdeu a chance de agraciar o público com um discurso de Taylor Simone, e o mais grave, perdeu sua última chance de premiar o eterno Chadwick. O que nos resta é aplaudir em pé ambos atores. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Atriz Coadjuvante: Yuh-Jung Youn (Minari)

Na categoria que esbanjava recordes, não havia outra maneira de selar a disputa senão premiando a inigualável joia rara Yuh-Jung Youn. Vencendo sua maior competição, uma Maria Bakalova abatida depois das derrotas no Sindicato e no BAFTA, a vovó mais querida de 2021 subiu ao palco daquele jeitinho. Ela agradeceu (e alfinetou) Brad Pitt, ficou perdida por onde começar seu discurso e então desatou a falar. Agradeceu ao primeiro diretor com quem trabalhou, mandou um recado para os filhos, e perdoou todos os americanos por errarem a pronúncia de seu nome.

Veterana na Coreia do Sul, Youn fez sua estreia estadunidense com Minari, e se tornou a segunda atriz asiática, e primeira sul-coreana, a vencer o troféu de atuação. Suas palavras demarcaram a alegria de ser celebrada e celebrar junto. E ela estava em ótima companhia, além da já citada Bakalova, primeira búlgara nomeada e destaque cômico do ano, ainda figuravam na lista Glenn Close (em sua oitava derrota), Olivia Colman (que venceu em 2019) e Amanda Seyfried (indicada pela primeira vez).

Close foi homenageada pela própria Youn, que disse ser impossível ‘vencer Glenn Close’. A veterana saiu mais uma vez com a mão no bolso, mas continua na esperança de um dia ouvir seu nome chamado ao palco. Yuh-Jung Youn venceu o único Oscar de Minari, mas essa vitória não poderia ser mais sensacional. “Eu só ganhei pois sou um pouco mais sortuda que vocês”, declarou sorrindo. Maravilhoso, maravilhoso minari! – Vitor Evangelista

Melhor Ator Coadjuvante: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

Não tinha para mais ninguém. Judas e o Messias Negro passou por cima de todos indicados como um rolo compressor. A performance Daniel Kaluuya rendeu a ele os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no BAFTA, Globo de Ouro, SAG, Critics Choice, e na noite do dia 25, no Oscar. O filme, que foi o primeiro na história indicado com equipe de produção totalmente negra, conta a história do revolucionário Fred Hampton, interpretado por Kaluuya. Hampton era um dos líderes do movimento Panteras Negras nos EUA, e foi brutalmente assassinado em uma ação da polícia de Chicago em conjunto com o FBI. 

Daniel foi o primeiro ator britânico negro a vencer na categoria. Judas e o Messias Negro também quebrou mais um recorde: pela primeira vez na história, dois atores negros de um mesmo filme foram indicados na categoria de Ator Coadjuvante. O outro nomeado foi Lakeith Stanfield, que também teve uma performance espetacular no longa, mas infelizmente não possuía chance suficiente de vitória. Quem também disputava a categoria era Sacha Baron Cohen, por seu papel em Os 7 de Chicago; Leslie Odom, Jr., por Uma Noite em Miami…; e Paul Raci, por O Som do Silêncio. – Jho Brunhara

Melhor Roteiro Original: Emerald Fennell (Bela Vingança)

A Vingança veio e foi realmente Bela. Na primeira premiação do histórico Oscar 2021, as mãos da única mulher indicada com destaque na categoria receberam a estatueta de Melhor Roteiro Original. Repetindo o feito do Critics Choice Awards, BAFTA e do valiosíssimo prêmio do Sindicato dos Roteiristas, Emerald Fennell foi imbatível com a perfeição de sua estreia no Cinema e se tornou a oitava roteirista a ser premiada na categoria.

Ela deixou para trás até mesmo um dos roteiristas favoritos de Hollywood, que voltou a aparecer entre os indicados ao Oscar. O texto de Aaron Sorkin é a grande qualidade de Os 7 de Chicago e o único que poderia roubar o mérito de Emerald Fennell na premiação da Academia, mas diferente das avaliações instáveis do drama de tribunal da Netflix, a aclamação do trabalho corajoso e pontiagudo da britânica estava concentrada em seu texto.

Na categoria que premiou o texto de Parasita em 2020 através dos nomes de Bong Joon-ho e Han Jin-won, concorriam também a maravilha da escrita íntima que cultiva o Minari de Lee Isaac Chung, a poderosa e igualmente determinada de Shaka King e Will Berson em Judas e o Messias Negro, e a estreia também primorosa de Darius Mader em O Som do Silêncio. Mas Emerald Fennell estava determinada em sua Bela Vingança e é a dona do Melhor Roteiro Original de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Roteiro Adaptado: Florian Zeller e Christopher Hampton (Meu Pai)

O fato mais interessante na categoria de Roteiro Adaptado, à parte da merecida vitória de Meu Pai, é a vasta gama de diferenciações criativas entre os 3 ‘favoritos’. Começando pelo vencedor, a adaptação da peça teatral do próprio Zeller usava das nuances dos palcos para iluminar as melhores qualidades da telona. Ele e seu co-roteirista Hampton se esbaldam naquele apartamento chiquérrimo em que Hopkins dá seus chiliques, transformando o cenário único no coração da narrativa. É louvável, é marcante e merecedor do prêmio que ano passado condecorou a sátira politizada Jojo Rabbit, de Taika Waititi.

Quem disputava com o drama familiar era o campeão Nomadland, mais uma vez representado pela figura mítica, divina e benevolente da artista Chloé Zhao. A diretora adaptou o livro de Jessica Bruder, uma não-ficção jornalística que percorre a América nômade, focando em uma porção de comunidades às escuras, e dando voz para pessoas esquecidas pelo país. Zhao escalou os personagens reais do livro para seu filme, costurando uma narrativa poderosa e íntima, que demonstra a força de seu Cinema.

O vencedor do Sindicato dos Roteiristas, foi Borat: Fita de Cinema Seguinte, onde tanto Meu Pai quanto Nomadland estavam inelegíveis. O filme protagonizado por Sacha Baron Cohen e escrito pelo mesmo e uma equipe de 8 roteiristas, se sustenta pelo improviso para a sedimentação de sua história doida. Sequência de um Roteiro já indicado ao prêmio da Academia, Borat 2 cria esquetes soltas para introduzir uma porção de questões relevantes para os Estados Unidos que, até ano passado, digladiava com o governo Trump e a pandemia do coronavírus em dose máxima. Competiam ainda, Uma Noite em Miami… e O Tigre Branco, mas sem qualquer chance de levar. Depois da vitória de Zeller e Hampton no BAFTA, esse trunfo no Oscar não espanta, ainda mais considerando a qualidade notável do trabalho da dupla. – Vitor Evangelista

Melhor Documentário: Professor Polvo 

É difícil engolir o que a Academia faz com a categoria que abriga muitas das melhores obras das seleções do Oscar. Nos últimos anos, os votantes da premiação tem se comportado de forma duvidosa e até desrespeitosa com seus indicados a Melhor Documentário. Até as indicações, eles sempre apresentam obras interessantes com técnicas inovadoras e temas relevantes, mas quando é hora de escolher quem vai ficar marcado como o vencedor, todas as instâncias que determinam o valor de um documentário parecem ser deixadas de lado.

Essa era a postura esperada para este ano, e infelizmente, não fomos surpreendidos. Sabemos que independentemente da qualidade técnica do filme, debater política do encarceramento em massa e abolicionismo penal e celebrar a beleza do Cinema latino-americano é demais para a Academia. Mas em 2021, o Oscar sequer se dispôs a apreciar uma história otimista de revolução e inclusão documentada junto do casal Obama, que imerecidamente vencedores na categoria no ano passado, encontrariam uma vitória justa com a produção deste ano. Muito menos reconheceu a qualidade cinematográfica do Cinema europeu fora do núcleo de sempre duplamente indicada. 

Mais uma vez, o documentário de menor valor dentre os cinco indicados de altíssimo nível vence o Oscar. Sem passar pelo circuito da crítica e dos festivais, o grande campeão confiou na Netflix e em suas imagens aquáticas belíssimas do habitat natural do polvo-fêmea (sim, ainda fizeram o favor de traduzir uma informação errada no título em português), que não eram páreo para os outros indicados, mas a Academia acreditou que sim. Encorpando a hegemonia da plataforma de streaming na categoria, Professor Polvo (não) é o Melhor Documentário de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Filme Internacional: Druk – Mais uma Rodada [Dinamarca]

Se historicamente os reconhecidos pela categoria mais interessante e heterogênea (e injustiçada) do Oscar estão concentrados na Europa Ocidental – os maiores vencedores são Itália e França, respectivamente -, a tendência de fugir desse eixo repetitivo continua. Mesmo esnobando o íntimo Babenco: Alguém Tem Que Ouvir O Coração e Dizer: Parou, submissão do Brasil, e produções latinas como o guatemalteco La Llorona, reconhecido no Globo de Ouro, o mexicano I’m No Longer Here e o chileno Agente Duplo , que participou em Documentário, os nomeados de 2021 dão visibilidade às mais diversas narrativas, do Leste Europeu, à Ásia e à África.

Dos indicados, a Romênia e a Tunísia aparecem pela primeira vez com Colectiv, documentário duplamente nomeado que expõe as falhas no sistema de saúde romeno, e O Homem que Vendeu Sua Pele, inspirado em uma história impressionantemente real de um homem que vendeu suas costas para serem tatuadas. Com Better Days e seu debate sobre o bullying e suas consequências, Hong Kong garante sua segunda nomeação. A Dinamarca tem em Druk – Mais uma Rodada sua 13ª indicação e a Bósnia e Herzegovina, que já levou o prêmio em 2002, participa com o poderoso Quo Vadis, Aida?. Ainda que todas as produções estejam à altura, acumulando elogios, indicações e vitórias em outras importantes premiações e categorias, o favorito já saia na frente bem antes da noite de entrega do troféu.

E não teve surpresa: o badalado Druk se sobressaiu e garantiu o quarto Oscar da Dinamarca. O longa divertido e reflexivo de Thomas Vinterberg, que já havia sido indicado em 2014 por A Caça, explora os benefícios, os malefícios e as consequências do álcool sem moralismo, como ele mesmo destaca. Reafirmando a proximidade à história, o diretor subiu ao palco para aceitar a estatueta e fez um dos discursos mais emocionantes da noite, em que lembrou da filha falecida que estrelaria no filme: “Se alguém acredita que ela está aqui de alguma forma, vai poder vê-la celebrando e aplaudindo conosco. Acabamos fazendo este filme para ela, como seu monumento. Então, Ida, este é um milagre que aconteceu. E você é parte dele”. Mais um motivo para a vitória do filme, ainda que previsível, ser celebrada. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Cabelo e Maquiagem: A Voz Suprema do Blues

Após muitas reclamações de que a Academia não honrava o trabalho dos maquiadores, foi criada em 1982, a categoria nomeia as melhores maquiagens e cabelos. Até 2019, apenas três filmes, no máximo, concorriam à estatueta, diferentemente da maioria das categorias que nomeiam cinco filmes. Em 2020 isso mudou, com o mesmo número de indicados das outros grupos, O Escândalo levou a melhor. O filme teve a maquiagem assinada por Kazuhiro Tsuji a pedido da própria atriz Charlize Theron.

Em 2021, filmes como Emma. e Pinóquio, que não tiveram fôlego para indicações principais, foram lembrados aqui. Pinóquio aliás, com suas maquiagens em fantoches dirigidas por Mark Coulier, poderia ter sido a zebra do ano e levado essa pra casa. Além deles, Era uma vez um sonho e os super indicados Mank e A Voz Suprema do Blues compunham a seleção de Melhor Cabelo e Maquiagem. Ao total haviam quinze profissionais disputando o prêmio, sendo onze deles mulheres.

O resultado não poderia ser diferente daquele que todos aguardavam. A equipe de A Voz Suprema do Blues venceu o Oscar 2021. Jamika Wilson e Mia Neal subiram ao palco ao lado de Sergio Lopez-Rivera, maquiador pessoal de Viola Davis, para receberem a estatueta. Elas foram as primeiras artistas negras a concorrerem na disputa e Mia Neal utilizou do lugar de fala para reivindicar espaço para mulheres negras, trans e latinas na premiação. “Eu sei que um dia não será incomum ou inovador, será apenas normal.” – Ana Júlia Trevisan

Melhor Design de Produção: Mank 

Um dos prêmios previstos da noite, virtualmente ninguém se surpreendeu quando a voz de Halle Berry anunciou Mank, com sua recriação meticulosa da Velha Hollywood, como vencedor da estatueta de Melhor Design de Produção. O designer de produção Donald Graham Burt (colaborador frequente de David Fincher) e a decoradora de set Jan Pascale subiram ao palco para dividir o prêmio e agradecer suas equipes e seus familiares pela honra.

Esse já é o segundo Oscar da carreira de Burt, que venceu em 2009 pel’O Curioso Caso de Benjamin Button, e o primeiro da de Pascale. Essa vitória ecoa o favoritismo da Academia por filmes de época e especialmente por aqueles que retratam a própria indústria cinematográfica, como Era Uma Vez em… Hollywood, que levou o mesmo prêmio na cerimônia de 2020 

Apesar de Mank ter sido o filme mais indicado da noite, esse era um dos únicos prêmios que todos esperavam que fosse ganhar. Mesmo depois de A Voz Suprema do Blues ter surgido como um possível concorrente após vencer as categorias de Melhor Figurino e Melhor Maquiagem e Penteado, havia pouco espaço para dúvida, principalmente levando em conta a vitória do longa de David Fincher nessas categorias ao longo da temporada de premiação, conquistando anteriormente o BAFTA de Design de Produção. Mank também se tornou o primeiro filme em preto e branco a ganhar a categoria desde A Lista de Schindler, em 1993. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Figurino: A Voz Suprema do Blues 

Cabelo e Maquiagem são grandes influenciadores nesta categoria de Melhor Figurino, por esse motivo os concorrentes quase não diferem. Aqui temos Era uma vez um sonho golpeado pela soldada Mulan. A regra para embolsar essa estatueta é recriar com fidelidade a época histórica retratada, o que foi uma passagem garantida para Emma. e garantiu o Oscar de Adoráveis Mulheres no ano anterior. Antes disso, o imbatível figurino de Pantera Negra saiu vencedor. Dentre os cinco indicados, quatro eram mulheres e a vencedora fez história na premiação.

Surpreendendo um total de zero pessoas, a estatueta foi para a conta de A Voz Suprema do Blues, que já havia levado os termômetros do Oscar. Com suas roupas exuberantes, o figurino faz jus a divindade de Viola Davis. Todo o guarda-roupa de Ma Rainey’s Black Bottom é grandioso, assim como sua estilista Ann Roth. Cinco vezes indicada ao Oscar, ela se tornou a mulher mais velha a ganhar o prêmio, conquistando essa que foi sua segunda estatueta, aos 89 anos. O primeiro Oscar de Ann foi em 1997 por O Paciente Inglês. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Animação: Soul

Não fomos surpreendidos e Soul foi o ganhador da noite como Melhor Animação. O filme que tem o poder de deixar qualquer um reflexivo parece que também mexeu na cabeça dos membros da Academia. Essas reflexões, nas quais a Pixar transforma seus filmes infantis em verdadeiras questões para pessoas adultas, acompanhada de muito jazz, levou a melhor da noite como prevista para muitas pessoas. Soul realmente exalava seu poder e conquistou muito público, transformando o filme em um sucesso absoluto. Porém, a Academia tem essa tradição de premiar os maiores triunfos. 

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica, outro filho da Pixar, é uma daquelas produções emocionantes que conta sobre as relações familiares. Muito mais tocante que Soul, esse filme foi prejudicado nos cinemas com o início da pandemia. Mesmo sem a sua grande divulgação, Dois Irmãos também pode ter cativado. Já a aposta da Netflix, a rainha das indicações, foi o fofo A Caminho da Lua. A forma que o filme aborda o luto é realmente linda e o longa é uma obra espetacular para as crianças. As músicas e as cores são especiais na construção da obra que não superou as outras produções. 

O lindíssimo Wolfwalkers foi certeiro em expressar suas intenções com sua incrível animação 2D. A fantasia abordada na história não foi seu ponto central muitas vezes, assim mostrando que o longa era muito mais de expectativas. As realidades encontradas nessa obra mereciam um pouco mais de atenção. O último concorrente Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca aumentou a conta de filmes em stop motion esnobados pelo Oscar. Essa técnica só foi premiada em 2006 com a animação Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais. Mas a sua história nostálgica não foi nem capaz de chegar ao supremo sucesso do premiado. – Ana Beatriz Rodrigues

Melhor Trilha Sonora Original: Soul

Que Trent Reznor e Atticus Ross subiriam ao palco do Oscar 2021 para receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original não havia a menor dúvida. Mesmo que Soul já estivesse predestinado à vitória depois de o filme ter varrido as principais premiações, com destaque para o BAFTA e o Critics Choice Awards, os dois compositores ainda tinham uma certa concorrência que era ninguém menos do que eles próprios, pela trilha de Mank. A dupla indicação da dupla desbancou a presença de alguns veteranos queridinhos da academia que estavam na shortlist, como Thomas Newman por Os Pequenos Vestígios e Alexandre Desplat por O Céu da Meia-Noite. Trent Reznor, que também é vocalista e cabeça da banda de rock industrial Nine Inch Nails, já trabalha com Atticus Ross em trilhas sonoras há mais de uma década, já tendo vencido o Oscar da categoria pela música de A Rede Social, o que fez com que a dupla continuasse trabalhando com David Fincher em seus trabalhos seguintes, até Mank no último ano. 

Mas seria injusto falar da Trilha Sonora Original de Soul sem exaltar a fonte de sua verdadeira alma, que são as composições de jazz do compositor, cantor, pianista e bandleader triplamente indicado ao Grammy, Jon Batiste. A música para a animação da Pixar foi o primeiro trabalho de trilha sonora para cinema do músico, que assumiu o microfone para a entrega do prêmio agradecendo a Deus pelas 12 notas musicais, sempre as mesmas 12, utilizadas tanto por Bach, quanto por Duke Ellington e Nina Simone. A colaboração entre Jon Batiste, que deu vida ao jazz no mundo real de Soul, servindo inclusive de referência para a animação do protagonista Joe Gardner tocando piano, e Reznor e Ross, que ficaram responsáveis pela trilha eletrônica onírica do pós vida, cria o balanço perfeito entre as duas realidades, e é um trabalho mais do que merecedor de reconhecimento.

Em meio a um histórico com diversas mudanças em nomenclatura e subdivisões da categoria de Trilha Musical no Oscar, que já foi dividida entre drama e comédia ou musical e já teve um prêmio próprio para trilhas adaptadas, Soul é o nono filme de animação a ser reconhecido pela Academia. Todas os vencedores anteriores foram da Disney: Pinocchio (1940), Dumbo (1941), A Bela e a Fera (1991), Aladdin (1992), O Rei Leão (1994), Pocahontas (1995), e por fim o primeiro e até há pouco único da Pixar, Up – Altas Aventuras (2009). Neste ano, além da concorrência da trilha de Mank, muito inspirada nos trabalhos de Bernard Herrmann, competiam a trilha orquestral com instrumentalização antiga de Relatos do Mundo, por James Newton Howard, a delicadíssima e espirituosa música de Minari por Emile Mosseri, e por fim as solenes composições do ignorado Destacamento Blood, por Terence Blanchard. Mesmo que seja um ano forte para as trilhas sonoras, nada mais justo do que o filme mais movido  pela música em sua narrativa levar o prêmio. – João Batista Signorelli

Melhor Som: O Som do Silêncio 

Essa não tinha como fugir ou como errar no bolão, o vencedor estava no título. O Som do Silêncio venceu o Oscar 2021 na categoria de Melhor Som, dã, é claro que venceu. Assim como em anos anteriores, onde filmes riquíssimos e com temas delimitados concorrem em categorias técnicas específicas (Trama Fantasma, um filme sobre vestidos, venceu Figurino; Soul, sobre música, venceu Trilha Sonora), Sound of Metal estava destinado a levar essa.

A categoria, de fato, foi ‘criada’ esse ano, depois da junção de Edição e Mixagem de Som em uma única disputa. Essa distinção entre os dois ramos é datada da era pré-tecnológica, quando era mais simples denotar qual trabalho se sobrepõe a outro. A Edição de Som era responsável pela criação deles, como o toque da bateria, enquanto a Mixagem modelava a Edição com a Trilha, casando diálogos, barulho e música. 

O Som do Silêncio venceu a categoria híbrida, premiando uma equipe muito competente e um filme astuto e merecedor de todo e qualquer louro. Sempre ótimo ressaltar a presença de Michelle Couttolenc, mexicana e única mulher latina concorrendo ao prêmio, numa categoria de predominância masculina. Para melhorar o momento, só mesmo o sorriso de orelha-a-orelha de Riz Ahmed lendo o envelope. – Vitor Evangelista

Melhor Montagem: O Som do Silêncio 

O nome Mikkel E. G. Nielsen pode soar familiar para você por causa de Dark (2017), mas aqui estamos falando de outro Mikkel Nielsen. O montador de O Som do Silêncio, xará do personagem da Netflix, foi responsável pela vitória do filme na categoria Melhor Montagem na noite do dia 25. O longa, que conta a história do processo de perda de audição de um baterista de heavy metal, interpretado por Riz Ahmed, já havia vencido o BAFTA e o Critics Choice, e sua vitória no Oscar era esperada.

Na categoria também estavam indicados: Chloé Zhao, por Nomadland, o grande vencedor da noite; Yorgos Lamprinos, por Meu Pai; Frédéric Thoraval, por Bela Vingança; e Alan Baumgarten, por Os 7 de Chicago. Montagem costuma ser uma das categorias mais importantes para que um filme vença Melhor Filme, e dois terços dos vencedores na categoria de Filme também venceram Melhor Montagem. A relação não ocorreu esse ano, já que Nomadland saiu vitorioso, mas Zhao perdeu por sua edição. – Jho Brunhara

Melhor Fotografia: Mank 

O superestimado filme de David Fincher não chegou nem perto de levar as categorias principais, mas até que acabou surpreendendo nas técnicas. Logo na sequência em que Jen Pascale subiu ao palco para levar a estatueta de Melhor Design de Produção, Mank foi anunciado por Melhor Fotografia, pelo trabalho de Erik Messerschmidt, rendendo uma das infelizes reviravoltas da noite. 

No ano passado, a Academia se recusou a premiar os tons em preto-e-branco de O Farol para somar mais uma conquista na conta de 1917. Mas, nesta edição, foi a tonalidade sem graça de Mank que conseguiu derrubar a possível vitória das lindas paisagens de Nomadland, que vinha levando todas ao longo da temporada. Além de superar os planos abertos e o trabalho com luzes naturais brilhantemente executados por Joshua James Richards, a fotografia marcante de Judas e o Messias Negro também passou batida. E se Relatos do Mundo tinha como única esperança vencer nas técnicas, acabou ficando para trás, ao lado do derrotado Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Melhores Efeitos Visuais: Tenet

Em um ano em que a maioria das superproduções da Marvel teve que ser adiada por conta da pandemia do covid-19, o caminho estava aberto para que o desafortunado blockbuster de Christopher Nolan levasse para casa pelo menos uma das estatuetas douradas. Com o resto da equipe de Tenet fora do país, coube à Scott Fisher aceitar o prêmio de Melhores Efeitos Visuais em nome de seus colegas, em um discurso no qual ele agradeceu ao trabalho e o apoio de toda equipe ao longo do projeto e finalizou citando a importância do diretor no processo.

Com Tenet, a preferência de Nolan por efeitos práticos ao invés de computação gráfica prova mais uma vez sua eficácia, produzindo cenas intensas que se tornam ainda mais impressionantes depois que seus bastidores são revelados (eles realmente explodiram um avião comercial em um armazém). E essa preferência parece ter dado certo, pelo menos para os membros da Academia, já que Tenet é o terceiro longa do cineasta a ser premiado nessa categoria, seguido por Interestelar e A Origem. Todos os filmes tiveram seus efeitos produzidos pelo estúdio britânico DNEG, que vem colaborando com o diretor desde a trilogia do Cavaleiro das Trevas.

Os efeitos visuais de Tenet, ora espalhafatosos, ora sutis, formam talvez a parte mais coesa de sua trama desconjuntada, e talvez por isso sejam a parte mais impressionante do longa, que certamente cativou nesse aspecto mais do que as acrobacias de Mulan e o cenário pós-apocalíptico de O Céu da Meia-Noite. Essa vitória marca o fim de uma temporada de premiações decepcionante para a carreira de Nolan, mas que não deixa de ser merecido. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Canção Original: Fight For You (Judas e o Messias Negro) 

Na parte de sonora da premiação, a categoria de Melhor Canção Original premia os compositores de músicas escritas especialmente para algum filme. Diversos nomes que levaram esse prêmio para casa vieram a se tornar grandes clássicos, como Somewhere Over the Rainbow, que ganhou em 1940, Baby, It’s Cold Outside, vencedora uma década depois e Let It Go, de 2014. Esses hinos atemporais conquistaram a Academia e, em 2021, outras 5 canções tentaram conquistar também.

Husavik (My Hometown), de Molly Sandén, é a única da categoria que não foi indicada também para o Globo de Ouro. A vencedora da premiação vizinha foi Io sì, de Laura Pausini e Diane Warren, para Rosa e Momo. Além delas, Speak Now, de Uma Noite em Miami…, escrita por Leslie Odom, Jr. e Hear My Voice, de um dos filmes mais indicados da noite, Os 7 de Chicago, disputaram a estatueta. 

Mas a vencedora da noite foi H.E.R., que coleciona seu segundo prêmio do ano. Depois de levar uma das categorias principais do Grammy, a cantora recebeu o prêmio de Melhor Canção Original com Fight For You, seu trabalho feito para ambientar o drama Judas e o Messias Negro. A música discute questões sociais e raciais, tema que foi apontado algumas vezes durante a cerimônia. – Mariana Chagas

Melhor Curta-Metragem de Animação: Se Algo Acontecer… Te Amo 

O favorito de grande parte do público levou a estatueta dourada para casa. Se Algo Acontecer… Te Amo foi um sucesso após sua história viralizar no TikTok e o Curta-Metragem de Animação ganhar grande reconhecimento na Netflix, que impulsionou mais ainda, com sua influência no Cinema atual, a vitória de seu representante. A trama, que percorre a dor e o luto, também foi muito sensível ao desenhar seus detalhados traços pretos e brancos, que parecem ainda mais abraçar o dolorido enredo. 

O curta-metragem conseguiu por sua vez desbancar a Pixar, sempre uma das favoritas quando a categoria é de Animação, mas que deixou a desejar em seus 6 minutos de tela de Toca (Burrow), já que explorou, de forma rasa o tema do trabalho em equipe, já abordado em outras produções do estúdio. If Anything Happens… I Love You venceu também sobre o favorito da crítica e das premiações internacionais, Genius Loci; a produção francesa era um ápice de animação, com todas suas cores, traços e sua história pela viagem psicodélica da personagem principal Reine, que talvez tenha soado como muito alternativa para a tradicional Academia. 

Seu outro concorrente, Opera, também era um dos favoritos por parte do público, mas o enredo do dinamismo do funcionamento da máquina-sociedade não foi o suficiente para conquistar o Oscar 2021, já que carregava a sensação de que faltava algo a mais para ficar marcada na premiação. O mesmo aconteceu com a islandês Yes-People, que passava uma mensagem interessante sobre o ser humano, mas dentre o sucesso nos traços e detalhes de todas as animações concorrentes ficava para trás na lista de muitos. – Larissa Vieira

Melhor Curta-Metragem em Live Action: Dois Estranhos

A categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action já parecia decidida antes mesmo de começar. Sem maiores surpresas, as grandes chances de Dois Estranhos sair vencedor na competição se concretizaram e, com isso, Travon Free e Martin Desmond Roe, diretores do curta, subiram ao palco para receber a tão sonhada estatueta dourada e discursar com o intuito de conscientizar, agradecer e alertar. 

“Hoje um policial matará 3 pessoas, amanhã um policial matará 3 pessoas, depois de amanhã um policial matará 3 pessoas”. Assim se iniciou o discurso de Free, e de forma sucinta o diretor apenas pediu para que não sejamos indiferentes a uma ferida aberta. A dupla não precisaria nem se preocupar com a finada música-que-interrompe-discursos, já que não foi necessário mais do que 2 minutos para Martin citar nome atrás de nome seguido de um “thank you”.

No geral, a categoria compartilhou de temas que não se distanciaram muito – violência policial, preconceito étnico, problemas sociais -, utilizando de minorias até então sub representadas na história da cerimônia para encarar essas realidades da maneira mais singular possível. O resultado não podia ser diferente. Apesar de 5 ótimas produções indicadas, Two Distant Strangers (título original em inglês) já saiu na disputa com alguns passos a frente dada a urgência da situação que retrata, aliada ao importante movimento Black Lives Matter. – Vitor Tenca

Melhor Documentário em Curta-Metragem: Colette 

Entre as viradas de jogo da noite, a categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem com certeza foi a mais inesperada. Se já estávamos cantando a bola para Uma Canção para Latasha ganhar, que poderia ser no máximo surpreendida por A Concerto Is a Conversation, foi Colette que acabou passando por cima de todos, mesmo vindo com pouca força ao longo da temporada. 

Mas, de fraca, a produção do The Guardian não tem nada. O breve curta atinge pela emoção de sua história, ao apresentar Colette Marin-Catherine, integrante da resistência francesa durante a Segunda Guerra Mundial, em uma visita ao campo de concentração em que seu irmão foi morto. O impacto do resultado final da obra, é claro, não chega nem perto da lembrança da injusta morte da jovem Latasha, ou do retrato dos ardentes protestos em Hong Kong em Do Not Split. No entanto, fica ao lado do apagado Hunger Ward, no quesito de ser um importante capítulo a se rememorar.

Ao receber o prêmio, o discurso do diretor Anthony Giacchino fez questão de celebrar a importância das narrativas de cada um dos indicados, ressaltando o poder de se produzir documentários. A produtora Alice Doyard ainda acrescentou uma dedicatória essencial: “Esse prêmio e esse filme são uma homenagem às mulheres de todos os lugares do mundo, de todas as idades, que estão dando as mãos e lutando por justiça”. A verdadeira força e representatividade de Colette. – Vitória Silva

O post Cineclube Persona – Os Vencedores do Oscar 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

A 93ª edição do Oscar é única por uma série de motivos. Começando pelos atrasos e realocação da data para dois meses depois do comum, a Academia teve de lidar com cinemas fechados, lançamentos adiados e o primeiro ano desde 2009 sem um filme da Marvel dominando o verão americano. Mas se engana quem pensa que, por conta disso, a lista de indicações seja mais fraca que a de anos anteriores.

Na verdade, a safra de 2020, e dos primeiros meses de 2021, ostenta qualidade, irreverência e debate temas que o cinema estadunidense não colocaria em pauta num ano cheio de diretores consolidados e franquias continuadas. 72 mulheres foram nomeadas ao Oscar 2021. Este ano, duas concorrem em Direção, além de dois filmes dirigidos por mulheres disputarem Melhor Filme.

Quando o assunto é diversidade, nove atores não-brancos pipocaram nas categorias principais, quebrando uma porção de recordes. Steven Yeun é o primeiro de origem asiática, Riz Ahmed é o primeiro mulçumano e com origem paquistanesa, Chadwick Boseman é o primeiro não-branco a receber uma indicação póstuma e Yun-Jung Youn é a primeira sul-coreana nomeada na Academia, só pra citar algumas das barreiras quebradas.

No campo dos Curtas, categorias comumente ignoradas, as narrativas fora do eixo norte-americano se entrelaçam com abordagens e pontiagudas. Os Animados colocam em xeque os limites da liberdade e a dor da saudade, enquanto os Documentários escancaram injustiças sociais e o racismo, assuntos que guiaram a Arte em 2020. Os Curtas Live Action se concentram entre os EUA e o conflito Israel e Palestina, mostrando ao mundo suas ricas produções cinematográficas.

Passando para os Filmes de Animação, a família e os imprevistos da vida comandam os cinco concorrentes: Shaun, O Carneiro lida com o objeto estranho, Dois Irmãos seca as lágrimas para seguir em frente e A Caminho da Lua viaja pelas fases do luto. O badalado Wolfwalkers discute amizade e o significado de ‘família escolhida’, enquanto o potencial vencedor, Soul, dá o toque da Pixar à crise de meia-idade, tudo regado a jazz e à Tina Fey.

Os Filmes Internacionais de 2021 desafogam o núcleo batido da Europa que normalmente compõe a categoria, dando destaque a um documentário romeno, um filme de bebedeira dinamarquês e um longa de guerra bósnio. Fora da hegemonia branca, Hong Kong alcançou sua primeira indicação em meio ao conflito que trava com a China, atravessando censuras e boicotes. O mesmo é com a Tunísia, que estreia na seleção através do trabalho incansável de uma cineasta, o que criou outro marco: pela primeira vez desde 2011, duas diretoras disputam o troféu. 

Já em Melhor Documentário, o avanço feminino segue do ano passado para cá, e cada um dos 5 filmes tem pelo menos uma mulher creditada à indicação. A categoria denuncia problemas sociais que fogem do eixo europeu-estadunidense, destacando questões ambientais globais em uma ponta, e reconhecendo a única obra latino-americana indicada em outra. No meio, estão as histórias que tocam em temas da Terra do Tio Sam, que dessa vez, têm o tato de minorias, com narrativas negras e femininas, e o protagonismo de pessoas com deficiência, tanto à frente quanto por trás das câmeras.

Abraçando o Cinema de todo o mundo, ou pelo menos começando a fazer isso, a Academia está fazendo valer as mudanças que vem implementando ao longo dos últimos anos. O curta Feeling Through escalou o primeiro ator surdo-cego da história e a ficção O Som do Silêncio tratou de temas que representam a comunidade surda, com direito à escalação de Paul Raci, filho de pais surdos e que luta pela causa há anos, além de um elenco de apoio formado por pessoas surdas.

A Voz Suprema do Blues, o filme que coloca Viola Davis na pele da mãe do blues, indicou Ann Roth, de 89 anos, em Melhor Figurino, no páreo para vencer sua segunda estatueta. No departamento de Cabelo e Maquiagem, o filme nomeou as duas primeiras mulheres negras na história da categoria, Jamika Wilson e Mia Neal. A parte boa? As três são favoritas nas respectivas disputas.

Além disso, o incomparável Chadwick Boseman é o primeiro negro a receber indicação póstuma (e provavelmente será o primeiro a vencer deste modo). Desempatando com Octavia Spencer, Viola Davis quebrou o recorde de indicações para uma atriz negra, apenas quatro, e expressou sua opinião sobre: “Se eu ter quatro indicações em 2021 faz de mim a atriz negra mais indicada da história, isso mostra quão pouco material esteve disponível para os artistas não-brancos.”

Se o assunto é privilégio, Os 7 de Chicago grita alto, mas diz pouco, e é a figurinha carimbada dos americanos sendo honrados por outros americanos. Mank, na mesma moeda, representa a máxima da Terra das Estrelas: é feito por e para homens caucasianos, e de praxe, conta uma embebida história da elite hollywoodiana. O lado bom é que o drama de época foi ignorado em quase tudo, dando espaço para o prêmio acabar em mãos merecedoras.

A casa dos dois deslocados é a Netflix, que angariando um recorde de 35 indicações, ainda não conseguiu emplacar um vencedor de Melhor Filme. A caminhada começou com o belíssimo Roma em 2019, mas deu tudo errado com a coroação de Green Book. Ano passado, nem História de um Casamento nem O Irlandês tinham fôlego para sequer chegar perto do favoritismo e da qualidade de Parasita. Depois de perder o PGA, o WGA e o DGA, ganhando apenas um controverso SAG de Elenco, Os 7 de Chicago ainda pode surpreender em 25 de abril, mas as chances não são animadoras.

Neste ano, a corrida de Melhor Filme, com apenas oito indicados, fez notar ausências doídas. Apesar da questionável condução diretiva de A Voz Suprema do Blues, o longa merecia ocupar aquela nona vaga. O mesmo vale para o trabalho exacerbado de Spike Lee em Destacamento Blood, ou o cuidado milimétrico que Regina King teve em Uma Noite em Miami…, os dois injustiçados de 2021.

Mas falando de quem devidamente entrou na corrida, vemos três filmes com protagonistas não-brancos (Minari, O Som do Silêncio e Judas e o Messias Negro) e dois comandados e protagonizados por mulheres (Nomadland e Bela Vingança). Completando o alto nível da categoria, Meu Pai lida com a velhice e o cuidado familiar, brindado pela atuação da carreira de Anthony Hopkins, o melhor dos vinte nomeados do ano. 

Em Roteiro Original, Emerald Fennell reina soberana nas chances de vencer por Bela Vingança, marcando a primeira vez que uma cineasta concorre à Direção por sua estreia. Em Adaptado, a protagonista do Oscar 2021 Chloé Zhao divide atenções com Florian Zeller e Christopher Hampton, por Meu Pai, e os nove roteiristas creditados por Borat 2, o vencedor do Sindicato, onde Nomadland estava inelegível.

Falando nas roteiristas favoritas, chegamos ao que há de mais interessante nos indicados a Melhor Direção. Zhao e Fennell são responsáveis por representar uma legião de cineastas que por anos tiveram seus trabalhos ignorados por Hollywood. O sexismo é refletido nas nomeações do Oscar, que em seus 93 anos de existência, se deu ao trabalho de reconhecer um total vergonhoso de sete diretoras e premiar apenas uma.

E se a Academia não tivesse tanto esmero com o ego de seus homens brancos, a categoria de Melhor Direção poderia muito bem ser formada por uma maioria feminina e não-branca. Nomes à altura da companhia de Lee Isaac Chung e da dupla recordista não faltavam, mas pelo menos, a favorita se encontra nessa exata interseção. 

Chloé Zhao é a dona deste ano, desta temporada e deste Oscar. A mulher mais indicada da história da premiação chega na noite do dia 25 de abril invicta e pronta para vencer em tudo o que tem direito, acompanhada de sua corrida impecável, que vai desde os festivais de cinema ao longo de 2020, até às premiações precursoras dos últimos meses.

A diretora, roteirista, montadora e produtora venceu os principais prêmios do Globo de Ouro, Critics Choice Awards, Sindicato dos Produtores e Diretores, BAFTA e nos Festivais de Veneza e Toronto. Só não fez história no SAG porque trabalhou com atores não-treinados, mas no mais, fortaleceu a corrida de Frances McDormand, que também é a primeira atriz indicada por produção e atuação no mesmo ano, pelo mesmo filme.

 Às vésperas de uma data histórica para o Cinema, o Persona se reúne num Cineclube Especial para comentar cada um dos 56 filmes que integram a seleção mais diversa da história do Oscar. Abaixo, estão todos organizados em ordem decrescente pelo número de indicações, e nossa Editoria e colaboradores pontuam seus méritos, as injustiças, chances e nomeações de todas as 23 categorias, condensando nossa cobertura da premiação e alinhando as expectativas para a noite do dia 25 de abril de 2021.

Mank (Idem, David Fincher)

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Fotografia, Design de Produção, Figurino, Cabelo e Maquiagem, Trilha Sonora Original & Som 

As dez indicações de Mank ao Oscar 2021 superestimam e muito o filme de David Fincher. Entretanto, a maldição de mãos vazias que combina ‘diretor renomado’ com ‘campeão de nomeações’ e a Netflix parece não acometer o longa, já que a categoria de Design de Produção está praticamente garantida para Donald Graham Burt e Jan Pascale. Depois de vencer o Critics Choice e o BAFTA, o filme foi premiado no ADG, Art Director Guild Awards, o Sindicato dos Diretores de Arte.

E a dupla nomeação de Trent Reznor e Atticus Ross dará a eles um Oscar de Trilha Sonora Original, mas será pelo prestigiado Soul ao invés das recriações estilísticas da década de 30 que a dupla imprime em Mank. Gary Oldman aparece em Melhor Ator, roubando a vaga de candidatos mais merecedores como Delroy Lindo e Mads Mikkelsen. Amanda Seyfried, que começou como possível favorita em Atriz Coadjuvante, viu o sonho cair por terra com a esnobada no SAG e as vitórias unânimes de Yuh-Jung Youn na categoria.

David Fincher nunca ganhou um Oscar, e sua vez não chegará na cerimônia de 2021. O amplo reconhecimento nas categorias técnicas pode sugerir um favoritismo de Mank com a Academia, mas a ausência dos bastidores da criação de Cidadão Kane foi sentida em duas importantes listas, a de Montagem e Roteiro Original. Vital na corrida para vencer Melhor Filme, Montagem parece estar entre O Som do Silêncio e Os 7 de Chicago, enquanto o falecido Jack Fincher, pai do diretor, não ouviu seu nome chamado nas nomeações de Roteiro. O que vem de boa fé, considerando as mentiras que o texto de Mank dita como verdade absoluta. Espere ver o enfadonho filme preto-e-branco vencer em Design de Produção e nada mais. – Vitor Evangelista

Judas e o Messias Negro (Judas and the Black Messiah, Shaka King)

Concorre em: Filme, 2x Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia & Canção Original

Judas e o Messias Negro narra a história de traição de William (Bill) O´Neal, que trabalha como agente infiltrado do FBI, para a delação das ações dos Panteras Negras e acompanhamento de um de seus líderes, Fred Hampton. O longa faz escolhas narrativas importantes para as atuais discussões sobre as problemáticas raciais, bem como para retrata um acontecimento que culminou na morte de Hampton, interpretado por Daniel Kaluuya.

A proposta da narrativa em contar a história sob a perspectiva do Judas, Lakeith Stanfield, faz muitas vezes com que os Panteras Negras sejam apresentados como radicais. Essa visão vai se modificando ao longo da narrativa, conforme Bill vai se infiltrando mais e mais na organização. Talvez por isso, a indicação dupla em Melhor Ator Coadjuvante, para Lakeith e Kaluuya. A imagem e postura de Hampton no longa o fazem gigante, a atuação de Kaluuya é sem dúvidas digna de um Oscar.

O filme que conta com toda a equipe de produção composta por produtores negros, concorre ao Oscar nas categorias Melhor Filme, Roteiro Original, Fotografia e Ator Coadjuvante, na qual é favorito com Daniel Kaluuya. O longa rendeu ao intérprete de Hampton os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no Globo de Ouro, Critics Choice Awards, no Sindicato dos Atores e no BAFTA. – Ma Ferreira

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Concorre em: Filme, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Adaptado, Montagem & Design de Produção

Florian Zeller é um nome para ficar de olho. O escritor e diretor francês deu origem a diversas peças de teatro, entre elas, Meu Pai. Em sua adaptação para o cinema, uma tarefa por vezes arriscada, ele conseguiu entregar um retrato avassalador e doloroso de uma questão conhecida por atingir a vida de diversas famílias. A obra se centra na relação entre um pai com demência e sua filha que tenta ao máximo se adaptar às suas necessidades, interpretados pelos já vencedores do Oscar, Anthony Hopkins e Olivia Colman. 

Ao invés de criar um drama exagerado e pecaminoso sobre essa síndrome, Zeller nos coloca extremamente próximos do protagonista, também chamado Anthony, ao passo que entramos em sua mente sem perceber. A condução da obra prega diversas peças no espectador, mudando cenários, atores e repetindo diálogos. O resultado disso nos deixa em um estado de confusão mental, sentimento semelhante ao das pessoas que se encontram na mesma condição do personagem, que são constantemente traídos pela sua própria memória. 

Mas o baque de Meu Pai não seria tão forte sem a performance sensível de Anthony Hopkins, que assegurou sua indicação na categoria de Melhor Ator, e é o único forte concorrente a tirar a estatueta das mãos quase garantidas de Chadwick Boseman, de A Voz Suprema do Blues. E, em Melhor Roteiro Adaptado, a produção está no páreo da disputa com Nomadland, após ter levado a melhor no BAFTA. Justa e merecidamente, o longa também garantiu nomeações para Melhor Filme, Montagem, Design de Produção e Melhor Atriz Coadjuvante para Olivia Colman. – Vitória Silva

Minari – Em Busca da Felicidade (Minari, Lee Isaac Chung) 

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Original & Trilha Sonora Original

O semi-autobiográfico Minari está bem perto de fazer história no Oscar. O filme de Lee Isaac Chung conta a história de uma família sul-coreana, que, ao se mudar para o interior dos Estados Unidos para começar uma fazenda de agricultura, se depara com dilemas econômicos e familiares. Além da indicação em Melhor Filme, o longa também foi indicado em Melhor Ator pela performance do incrível Steven Yeun, e em Melhor Atriz Coadjuvante, que pode render uma vitória histórica para Yuh-Jung Youn, se tornando a primeira sul-coreana a vencer na categoria, a segunda asiática em 64 anos, e o primeiro ‘papel de vovó’. 

O filme também está indicado em Melhor Direção, Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora Original. Se vencer Direção ou Roteiro Original, teremos a primeira dobradinha asiática e sul-coreana da história, por Parasita ter vencido no ano passado. Minari é sensível e caloroso na mesma medida que escancara o caos de uma família como qualquer outra, que enfrenta dificuldades nas relações pessoais e busca um caminho para se estabelecer economicamente, e é, sem dúvidas, um dos longas imperdíveis para se assistir dessa temporada. – Jho Brunhara

Nomadland (Idem, Chloé Zhao)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Adaptado, Fotografia & Montagem

É difícil exagerar a importância do caminho que Nomadland trilhou nessa temporada de premiações. O terceiro longa da diretora e roteirista Chloé Zhao vem acumulando prêmios em sua estante desde sua exibição simultânea no Toronto International Film Festival e no Venice Film Festival, onde se tornou o primeiro filme da história a receber os maiores prêmios de ambos os festivais. Desde então, Chloé Zhao se tornou a pessoa mais premiada numa só temporada (ela também é roteirista, produtora e montadora do filme), e a jornada nem tão solitária de Fern (Frances McDormand) pelo Oeste americano segue forte para os principais prêmios do Oscar, indicada em seis categorias.

Após a vitória no Sindicato dos Diretores dos Estados Unidos e no Globo de Ouro, Zhao é a favorita para levar a estatueta de Melhor Direção, competindo apenas com Lee Isaac Chung e o adorável Minari. Ela também segue forte em Roteiro Adaptado, onde concorre com Meu Pai, que recentemente venceu o prêmio da Academia Britânica, o BAFTA. A câmera volúvel de Joshua James Richards também segue fortíssima na categoria de Melhor Fotografia, tanto por sua capacidade de capturar as paisagens áridas quanto pela sensibilidade de registrar as personagens que as habitam.

Após sua recente vitória no BAFTA, Frances McDormand ganha momento na categoria de Melhor Atriz, apesar da forte competição com Carey Mulligan, Vanessa Kirby e Viola Davis. A estatueta de Montagem, que também agregaria aos prêmios de Zhao, permanece concorrida, sem nenhum vencedor claro. No entanto, o grande prêmio da noite está praticamente na mão de sua diretora e produtora: é amplamente esperado que Nomadland leve para sua van o Oscar de Melhor Filme. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O Som do Silêncio (Sound of Metal, Darius Marder)

Concorre em: Filme, Ator, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Montagem & Som

Com os efeitos sonoros contando metade da história, O Som do Silêncio é esplêndido na sua construção e conquistou seu espaço no Oscar 2021. O filme acompanha a trajetória de Ruben, um baterista de heavy metal que descobre que está ficando surdo. O difícil papel é interpretado pelo incrível Riz Ahmed, esse que só errou em participar de Venom. O ator surpreendeu a todos e equilibrou a sua atuação na medida que a produção precisava; ele, inclusive, teve aulas de bateria. A sua performance levou Riz a ser o primeiro homem mulçumano indicado ao Oscar de Melhor Ator e possui muita chance de levar o prêmio.

O filme está indicado em outras 5 categorias, e é possível que leve a estatueta por alguma delas. O design de som te transporta para a mente do protagonista e faz o filme ser o favorito em Melhor Montagem. O montador  Mikkel E.G. Nielsen elevou essa categoria técnica em uma experiência sensorial espetacular. O filme já levou o BAFTA, Critics Choice Awards e o Satellite Award por categorias sonoras e o Gotham Independent Film Awards de Melhor Ator. 

Além de ser um belo filme pela sua produção, a história e o roteiro também são elementos para tirar o chapéu. O roteiro e a estreia da direção de Darius Marder (vencedor do DGA de Primeiro Filme) é algo bem trabalhado e não repete estereótipos de pessoas surdas retratados na Sétima Arte. Paul Raci, filho de pais surdos e defensor da luta por anos, concorre em Ator Coadjuvante. Infelizmente o longa não possui muita sorte em ganhar nas premiações em um ano com candidatos tão fortes em outras categorias como Melhor Filme e Melhor Roteiro que devem ser do incrível Nomadland. Com sua alternância em expressar os sentimentos, O Som do Silêncio é sobre histórias reais de jornadas árduas. – Ana Beatriz Rodrigues

Os 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7, Aaron Sorkin)

Concorre em: Filme, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia, Montagem & Canção Original 

É certo dizer que todo ano existe um filme que se repete no Oscar. Mesmo mudando a sinopse, todo edição somos premiados com algum drama histórico liderado por homens brancos irritados ou indignados com alguma coisa. Esse ano o clichê é representado por Os 7 de Chicago (tradução do original The Trial of the Chicago 7), produção com selo Netflix dirigida por Aaron Sorkin, que inclusive ganhou o prêmio da Academia por Melhor Roteiro Adaptado por A Rede Social em 2011. Mas, apesar de ser uma escolha previsível, a história biográfica de um dos julgamentos mais ácidos dos Estados Unidos acerta e conquista pelo ritmo contagiante.

Além de ter levado Melhor Roteiro no Globo de Ouro, a obra é uma das concorrentes na disputa de Melhor Filme da Academia. A produção indicada também para Melhor Roteiro Original, possui uma trama que se passa conturbado ano de 1968, quando alguns jovens para lá de revolucionários lutavam contra a Guerra do Vietnã, narrando o inflamado julgamento que houve após um violento protesto na Convenção Nacional Democrata. Entre os atores principais estão Eddie Redmayne quase reprisando Marius Pontmercy (Os Miseráveis) e o incrível Sacha Baron Cohen, indicado como Melhor Ator Coadjuvante por sua interpretação de Abbie Hoffman.

As idas e vindas da história, que mescla a injustiça presente na corte com o desenrolar frenético do protesto, são capazes de prender o público até o fim. Mas, apesar do interessante contexto político e personagens carismáticos que compõem a obra, é fato dizer que o filme é mais fraco na categoria, a exemplo de Nomadland e Minari que com certeza merecem o prêmio. Os 7 de Chicago possui um bom histórico e uma trama cheia de intensidade, só erra em não se distanciar daqueles filmes de guerra que a gente vê por aí. – Isabella Siqueira

A Voz Suprema do Blues (Ma Rainey’s Black Bottom, George C. Wolfe)

Concorre em: Ator, Atriz, Design de Produção, Figurino & Cabelo e Maquiagem

Assistir A Voz Suprema do Blues é como ouvir uma melodia constante de luta. Viola Davis mais uma vez é um presente e interpreta Ma Rainey, a mãe do blues, com seu talento incrível. Com sua performance, ela revela as injustiças e o racismo vivido na indústria musical no período em que se passa a obra. Seguindo as outras premiações, a categoria de Melhor Atriz no Oscar está sendo muito mutável e não há uma certeza sobre quem levará, mas depois de vencer o Sindicato dos Atores, Viola merece. 

Outro ponto marcante no filme é a atuação de Chadwick Boseman, encerrando sua trajetória com um trabalho marcante. Ele se destaca mesmo ao lado da incrível protagonista. Ninguém pode tirar o seu prêmio de Melhor Ator e os seus diálogos na trama são uma entrega final emocionante. Além disso, o filme concorre em Design de Produção, e é favorito a levar Figurino & Cabelo e Maquiagem, que são os suplementos que fazem A Voz Suprema do Blues. – Ana Beatriz Rodrigues

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Original & Montagem

Bela Vingança é o filme mais corajoso dessa temporada de premiações. Em linhas gerais, a narrativa acompanha a personagem Cassandra Thomas (Carrey Mulligan), que ainda se vê atingida pela morte de sua melhor amiga, Nina, vítima de um caso de estupro quando ambas ainda estavam na faculdade. Com isso, a protagonista passa a adotar uma rotina que consiste em ir para um bar todas as noites, se fingir de bêbada e depois se vingar do primeiro cara que tentar se aproveitar da situação. Após encontrar alguns fantasmas do passado, Cassie direciona seus atos para aqueles responsáveis por acabarem com a vida de sua colega.

A diretora, roteirista, e também atriz, Emerald Fennell, cutucou uma ferida de longa data da sociedade patriarcal em que vivemos: a cultura do estupro. E fez isso criando uma espécie de heroína com atitudes que muitas mulheres gostariam de poder ter, mas sua intenção nunca foi produzir uma ficção, basta observar o destino final de Cassie. Ter um filme como esse, que é tão incisivo e incômodo, lembrado na maior premiação da indústria do cinema, especialmente em sua categoria principal (Melhor Filme), já é uma grande conquista. Emerald ainda fez história ao ser indicada à Melhor Direção que, pela primeira vez, conta com duas mulheres, ao lado da também brilhante Chloé Zhao, de Nomadland. 

A performance instigante de Carey Mulligan não poderia ficar para trás, e concorre à estatueta de Melhor Atriz. Ela já foi premiada no Critics Choice Awards, mas a corrida para o Oscar entre as atrizes permanece um mistério, após Viola Davis levar o SAG; Frances McDormand, o BAFTA; e Andra Day ter conquistado o Globo de Ouro. Bela Vingança ainda foi nomeado em Melhor Montagem e Roteiro Original, essa última vindo com grandes chances de vitória contra o temido Aaron Sorkin, por Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Relatos do Mundo (News of the World, Paul Greengrass)

Concorre em: Fotografia, Design de Produção, Trilha Sonora Original & Som

Saindo dos dramas de ação realistas que ajudou a consolidar em filmes como A Supremacia Bourne e Capitão Phillips, Paul Greengrass decide se aventurar no faroeste em Relatos do Mundo de forma bastante clássica e cativante. O filme que era uma das grandes apostas da Universal para a temporada de premiações, acabou sendo adquirido pela Netflix para sua distribuição internacional, e desbancou 4 indicações para o Oscar, em Melhor Som, Design de Produção, Trilha Sonora Original e Fotografia. Se o filme se destaca pelos seus feitos técnicos, a indicação que realmente faz falta aqui é da pequena Helena Zengel, que mesmo não dizendo muitas palavras, nos captura com seu olhar entristecido, mas corajoso. 

Destaque em categorias técnicas, o filme tem oponentes de peso para bater caso queira levar uma estatueta para casa. A trilha sonora conduzida pelas cordas aconchegantes de James Newton Howard teria que bater a dupla favorita Trent Reznor & Atticus Ross não uma, mas duas vezes, pelas trilhas de Soul e Mank. Ainda no campo sonoro, o trabalho de som naturalista rendeu elogios, mas talvez não tenha grandes chances contra o uso criativo de O Som do Silêncio. A belíssima fotografia de Dariusz Wolski dá espaço às amplas ambientações e cenários, é digna de sua indicação. Com grandes chances de sair de mãos vazias, talvez Relatos do Mundo possa surpreender no prêmio de Design de Produção, que traz uma estética mais real e palpável ao faroeste americano, um pouco menos lustrosa e mais suja do que o idealista americano médio desejaria.  

Estrelado ainda por Tom Hanks, que faz um ótimo dueto com a atriz mirim, o roteiro cai para uma jornada tocante, mas ainda assim bastante convencional e fácil de prever. A maior cartada do filme, porém, talvez não esteja em sua narrativa, mas em sua força temática despertada pelos encontros feitos pela dupla ao longo da história. Se Relatos do Mundo poderia fazer uso de uma narrativa mais impactante ao falar tanto sobre o poder das narrativas, há momentos aqui que não perdem em nada ao explorar a importância e a necessidade humana de ouvir e contar histórias. Só por isso, a transição de Greengrass de um cinema de ação cru, cheio de militarismo estadunidense e câmera tremida, para paisagens naturais e um pouco de calor humano já vale o ingresso. – João Batista Signorelli 

Soul (Idem, Pete Docter e Kemp Powers)

Concorre em: Animação, Trilha Sonora Original & Som

No ano de 2009, Peter Docter nos apresenta a Carl Fredricksen em Up – Altas Aventuras, um homem frustrado e inquieto com a chegada da velhice e o impasse de não ter vivido como sonhava, mas que percebe as maravilhas apreciadas durante o caminho. Em 2015, Docter mostra a Riley de Divertida Mente atravessando a infância e se deparando com a adolescência, a qual a obriga a sentir na pele que os sentimentos ruins são parte das nossas vivências e que aprender com eles é o melhor caminho. Em 2020, o diretor lança Soul contando a história de Joe Gardner na vida adulta, cheio de angústias para ser bem sucedido e conquistar seus objetivos.

A vida de Joe (Jamie Foxx) chega ao fim logo após conseguir o trabalho dos seus sonhos, ser membro da banda de jazz de Dorothea Williams (Angela Bassett). Amargurado e aborrecido por sua grande oportunidade ter escapado dos seus dedos, o músico tenta uma maneira de voltar ao seu corpo. Ao mesmo tempo, ele precisa ajudar a alma 22 (Tina Fey) a completar sua personalidade para ir à Terra. O relacionamento dos dois é muito entrosado e extremamente divertido. 22 é o grande destaque por causa de seu estilo autêntico e extrovertido, o qual contrasta com a timidez e a insegurança de Joe. Não é à toa que mereceu um espaço para os indicados a Melhor Animação do Oscar 2021, já que foi considerado a melhor animação da história da Pixar pelo site Cinema Blend. 

O favoritismo vem da sua dose de humor atrelado à ideias existenciais, as quais fazem o público terminar o filme com a cabeça cheia de questionamentos. A direção de Pete Docter, dono de um currículo cheio de premiações, a co-direção de Kemp Powers fazendo história e a produção de Dana Murray (indicada ao Oscar de Melhor Curta-Metragem por Lou em 2017) nos concede uma conexão com nós mesmos extremamente gratificante. Aliado à sonoridade primordialmente vinda do jazz, a animação também está candidata a receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original, além de ser um nome potente em Melhor Som. Trent Reznor, Atticus Ross (também concorrentes na mesma categoria por Mank) e Jon Batiste criam o ambiente musical dos anos 20 que garante a veracidade dos fatos e alcança a perfeição que Soul entrega. Não mentiria se dissesse que suas percepções sobre a vida, pelo menos por um instante, fossem reconsideradas. – Júlia Paes de Arruda

Uma Noite em Miami… (One Night in Miami…, Regina King)

Concorre em: Ator Coadjuvante, Roteiro Adaptado & Canção Original

Imagina criar um encontro ficcional entre quatro figuras históricas que equilibra reflexões sociais atemporais com uma dinâmica narrativa perfeita para o Cinema. Isso é o que a magnífica Regina King faz em Uma Noite em Miami… a partir da adaptação de Kemp Powers de sua peça homônima. Marcando a estreia de King como diretora, o filme conquistou indicações nas principais categorias de algumas premiações da temporada, mas, infelizmente, não chegou com tanta força no Oscar 2021, longe de ser o favorito das categorias em que concorre.

O filme teatral abriga toda a sua potência em suas performances e diálogos através do trabalho incrível de Eli Goree como Muhammad Ali e de Aldis Hodge na pele de Jim Brown, além do brilhante Kingsley Ben-Adir interpretando Malcolm X, que poderia muito bem ter alcançado uma indicação junto de seu parceiro de cena Leslie Odom, Jr. como Sam Cooke. O que cairia bem também seria um reconhecimento maior do trabalho de Regina, que fecharia com chave de ouro a categoria de Melhor Direção ao invés da vaga desperdiçada com único trabalho questionável vindo de – adivinha?! – um homem branco.

Assim, além da justiça, outro sonho seria realizado, e veríamos três mulheres reconhecidas pelos seus trabalhos enquanto diretoras e uma maioria não-branca em uma das categorias mais importantes do Oscar. Mas a realidade é outra, e se Uma Noite em Miami levar uma estatueta, não será pela escrita magnífica de Kemp Powers indicada a Melhor Roteiro Adaptado, mas pelo talento de Leslie Odom, Jr.. Não pela categoria de Daniel Kaluuya, mas pela sua preciosa veia musical que nos concedeu Speak Now, repetindo seu nome dentre as nomeações do filme na categoria de Melhor Canção Original do Oscar 2021. – Raquel Dutra

Borat: Fita de Cinema Seguinte (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan, Jason Woliner)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Roteiro Adaptado 

Lançado pelo Amazon Prime Video, Borat: Fita de Cinema Seguinte é a continuação do primoroso filme de 2006, Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América. Interpretado por um dos comediantes mais ácidos e geniais dos últimos tempos, Sacha Baron Cohen, o estrelato da continuação ao lado de Borat é de sua filha Tutar, vivida por Maria Bakalova. A atriz brilha tanto quanto o protagonista, entregando de forma irônica e cômica toda ingenuidade da personagem, que por anos acreditou em todas barbaridades ensinadas por seu pai.

Gravado em segredo e por vários momentos colocando a vida da equipe em risco por seguir a linha do limite para atingir seu humor, Fita de Cinema Seguinte vem ganhando espaço nessa temporada de premiações. O filme foi destaque no Globo de Ouro, vencendo Melhor Filme de Comédia e Melhor Ator em Comédia para Sacha, que se tornou o segundo ator na história do prêmio a ganhar duas vezes a mesma categoria pelo mesmo personagem. O texto genial e cirúrgico concorre ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado e tem a assinatura de nove roteiristas na produção.

Chegou também à Academia a fenomenal Maria Bakalova, concorrendo à Melhor Atriz Coadjuvante. Ela já ganhou essa mesma categoria no Critics Choice Awards. Apesar de ser uma das favoritas, o SAG Awards e o BAFTA que são termômetros do Oscar apontaram Yuh-Jung Youn, a vovó de Minari, como ganhadora. Ambas merecem o reconhecimento por seus respectivos papéis, só nos resta torcer para que vença a melhor. – Ana Júlia Trevisan

Collective (Colectiv, Alexander Nanau)

Concorre em: Filme Internacional & Documentário

A dobradinha Filme Internacional-Documentário foi responsável por reconhecer uma das melhores obras da seleção do Oscar 2020. O lugar de honra que o doce Honeyland ocupou no ano passado é igualmente bem representado e diferentemente frequentado desta vez por Collective. A produção romena de Alexander Nanau acompanha uma equipe de jornalistas numa investigação que se inicia em uma tragédia local e deságua numa deflagração de corrupção pública nacional, construindo uma obra fria, difícil e crua ao mesmo tempo em que é rica, envolvente e inflamada.

Nessa estrutura complexa, o valor de Collective está mais em seus registros, acessos e desdobramentos do que em aspectos técnicos e impactos sentimentais, características que costumam dominar as categorias em questão, especialmente neste ano. O histórico do Oscar também não o favorece, mostrando que mesmo com a nomeação dupla, o filme que encontra espaço nas categorias mais interessantes da premiação pode sair sem ser coroado em nenhuma das duas. 

Ao que tudo indica, Collective será a vítima do Oscar 2021. Mesmo agraciado como Melhor Documentário no Prêmio de Cinema Europeu, o filme não venceu na mesma categoria do Critics Choice Awards e nem no BAFTA. Na premiação da Academia, a produção não garante a corrida de Filme Internacional, com Druk disparado na frente, nem de Documentário, dividindo o possível segundo lugar com Crip Camp, atrás do favoritismo de Professor Polvo. – Raquel Dutra

Druk – Mais uma Rodada (Druk, Thomas Vinterberg)

Concorre em: Filme Internacional & Direção 

Álcool. Pode estar presente no dia mais feliz da sua vida, mas também pode te deixar à beira da morte. Mas não se preocupe, o álcool também serve pra superar esse trauma. Explorando a complexidade da nossa relação para com a bebida, o novo longa do dinamarquês ex-expoente do movimento Dogma 95, Thomas Vinterberg, é o absoluto favorito na categoria de Melhor Filme Internacional, e a forte campanha da Samuel Goldwyn Films nos EUA ainda rendeu ao filme uma surpreendente indicação a melhor direção. Sensação na Dinamarca, foi o grande vencedor da principal premiação do país, o Danish Film Awards, além das múltiplas indicações ao BAFTA com uma vitória, sendo destaque em festivais e associações de críticos, além de ter sido o filme de encerramento da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. 

A indicação do filme talvez não seja uma surpresa tão grande para os dinamarqueses, considerando o extenso histórico do país na premiação, especialmente nos últimos anos. É a décima terceira indicação para um filme da Dinamarca, sendo que nos últimos 10 anos acumula impressionantes 6 indicações. A vitória quase certa de Mais uma Rodada garantiria ao país a quarta estatueta, depois de A Festa de Babete, Pelle, o Conquistador e Em um Mundo Melhor. Já Thomas Vinterberg como diretor tem poucas chances de levar a melhor, mas sua indicação certamente já é uma grande vitória para o país. 

No filme, 4 professores de Ensino Médio decidem dar nova vida às suas rotinas pacatas ao colocarem em prática a teoria pouco ortodoxa de um pensador norueguês que diz que a vida seria mais equilibrada e harmoniosa com 0,5% a mais de álcool no sangue. Partindo de uma premissa que poderia facilmente ter saído de uma comédia escrachada de Seth Rogen, Vinterberg transporta o absurdo para um contexto palpável, encontrando o perfeito equilíbrio entre a comédia e o drama. Mads Mikkelsen se entrega de corpo e alma ao papel principal, passando por uma espécie de arco de redenção que desencadeia em um final catártico e inesquecível. Em Another Round (título em inglês), os personagens podem até fazer escolhas estúpidas, mas Vinterberg em conjunto com o elenco nos faz querer apreciar cada segundo delas. – João Batista Signorelli

Emma. (Idem, Autumn de Wilde)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Estreando sua carreira no cinema, o primeiro longa da diretora Autumn de Wilde poderia ser considerado uma aposta segura: uma nova adaptação de Emma, uma das mais célebres obras de Jane Austen, que já havia tido versões para o cinema, televisão e muitas outras mídias. Estrelando Anya Taylor-Joy no papel titular da socialite inglesa intrometida do século XIX, já era esperado que Emma. fosse indicado aos prêmios de figurino e maquiagem, como todo bom filme de época.

De Wilde traz uma direção moderna e sensível ao clássico, que busca atualizar o texto sem perder a identidade tão bem estabelecida por sua autora. A premiada figurinista Alexandra Byrne compõe uma sinfonia colorida de vestidos, cartolas e coletes que adicionam textura e cor à narrativa, externalizando seus principais conflitos, estabelecendo simetrias distintas entre suas principais personagens e acompanhando suas transformações profundas ao longo da trama, seja no amor ou no status social.

Por outro lado, a equipe de maquiagem e penteados também contribui muito para o sucesso da direção de arte do filme, acentuando as particularidades de seus atores e atrizes e impedindo que eles se diluam em meio às paisagens idílicas. Os realizadores de Emma. capturam não só o espírito original do livro de Jane Austen, mas também uma qualidade estilística inteiramente própria à essa versão da história, recheada de estéticas ousadas e sofisticadas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Era uma vez um sonho (Hillbilly Elegy, Ron Howard)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Cabelo e Maquiagem 

Era uma vez um sonho não traduz nada bem as aventuras de Hillbilly Elegy. Não só pelo título genérico, mas a direção de Ron Howard desqualifica qualquer potencial discussão a respeito de pobreza, ascensão social e os traumas do passado na criação de alguém. Diacho, o filme não é bom nem na estrutura fílmica, esbanjando de momentos mortos entre a gritaria incessante de Amy Adams (gratamente esnobada) e Glenn Close (infelizmente nomeada, manchando sua bela filmografia).

Outro dos filmes aguardados da Netflix, Era uma vez um sonho foi massacrado, pela história, pela abordagem terrível da ‘comunidade’ que retrata e pelos posicionamentos políticos do homem que o inspirou. A falta de pulso firme de Ron Howard não era surpresa pra ninguém, mas o papel prestado por Close vai em desencontro à carreira artística da veterana que, quando perder o Oscar em 25 de abril, quebrará mais um recorde.

Sua interpretação da avó tem lampejos de afeto, mas o texto de Vanessa Taylor (que teve amnésia depois de roteirizar A Forma da Água e chegar aqui) não alavanca os méritos da atriz. Mesmo que fosse apenas o conto maternal de uma avó e seu neto e discutisse o papel social das avós e os laços familiares, Hillbilly Elegy aproveitaria melhor seu elenco e equipe de produção. No Oscar, Close foi nomeada para sair de mãos vazias, e o departamento de Cabelo e Maquiagem irá ouvir o discurso de agradecimento dos indicados por A Voz Suprema do Blues. Simples assim. – Vitor Evangelista

Mulan (Idem, Niki Caro)

Concorre em: Figurino & Efeitos Visuais

Depois dos live actions de Aladdin e A Dama e o Vagabundo, muitos fãs aguardavam a estreia de Mulan. Porém, ele chegou na plataforma de streaming da Disney cheio de polêmicas. A principal, e talvez a mais debatida, foi a ausência de personagens icônicos para o filme. É um pouco estranho não ouvir um “desonra pra tu, desonra pra tua vaca” tão marcante de Mushu, mas isso não é motivo para boicotes. 

Apesar da premissa das histórias serem a mesma, os acontecimentos que são desencadeados se diferem. Na obra de 1998, o empoderamento de Mulan torna-se mais palpável já que a guerreira luta e desafia as leis do seu país por mérito próprio. Já na de 2020, a força da personagem deriva do seu Chi, dando-lhe poderes sobrenaturais para elevá-la a um grau superior. A mitologia envolvida, de certa forma, descredibiliza a coragem e o esforço da soldada. Apesar disso, os figurinos escolhidos por Bina Daigeler são deslumbrantes e extremamente detalhados. A cena emblemática da casamenteira é realmente nostálgica com as cores e os tecidos usados por Mulan. Não é a primeira vez que a Disney alcança uma indicação ao Oscar de Melhor Figurino, ganhando com Alice no País das Maravilhas (2010) e Pantera Negra (2018). 

Os efeitos visuais criados pelo trabalho em equipe de Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury e Steve Ingram produzem aquela atmosfera mágica do Chi das personagens, os quais se tornam realmente lindos em tela. Nesse aspecto, a Disney também já trouxe o troféu pra casa na categoria, em 2006, com Piratas do Caribe: O Baú da Morte. Contudo, esperava-se muito da representatividade asiática que Mulan trairia consigo tanto dentro quanto fora das gravações. A consequência disso foi deixar mais evidente os problemas em torno da indústria cinematográfica, tornando-o uma visão utópica da vivência na China. Para aqueles mais aficionados pelo desenho, infelizmente tenho que te dizer que você vai se decepcionar. É preciso ter a mente aberta por ser algo independente do que foi visto na infância. Assim, a apreciação do filme será genuína. – Júlia Paes de Arruda

Pinóquio (Pinocchio, Matteo Garrone)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Roberto Benigni é viciado em Pinóquio, não existe outra explicação. Mas, pensando bem, é melhor explicar: acontece que o ator, premiado por A Vida É Bela, estrela agora sua terceira adaptação da história do menino feito de madeira. Longe do Framboesa de Ouro, a versão de 2020 emplacou duas merecidas indicações nos prêmios da Academia. Produção italiana, Pinocchio coloca Benigni na pele de Geppetto, um homem pobre que ganha o mundo ao modelar uma tora de madeira mágica, que ele batiza de Pinocchio.

As mais de duas horas de duração recontam a versão da Disney, abusando de estranhezas e caracterizações bizarras. Matteo Garrone dirige o jovem Federico Ielapi com a ingenuidade e o bom coração que o protagonista necessita, empatizando com o público logo em sua primeira travessura. As nomeações técnicas ao Oscar denotam o tato desse campo de profissionais, que busca premiar trabalhos merecedores, e não se levam por campanhas publicitárias.

A Voz Suprema do Blues é favorita em ambas disputas? Sim. Mas o poder de Pinocchio não deve ser menosprezado. A criação dos fantoches, dos seres mágicos e a estilização animalesca de personagens secundários, tudo pelo poder do Cabelo e Maquiagem, colocam o filme italiano como a possível zebra a acabar com a festa da Netflix. Vale apontar que a maquiagem do fantoche demorava 3 horas para ficar pronta. Sem contar que Mark Coulier, cabeça do departamento, nunca perdeu um Oscar, saindo vitorioso por A Dama de Ferro e O Grande Hotel Budapeste. E, mesmo que a adaptação saia de mãos abandonando, vivemos em tempos bons para os fãs de Pinóquio. – Vitor Evangelista

Tenet (Idem, Christopher Nolan)

Concorre em: Design de Produção & Efeitos Visuais

Desde 2000 sendo indicado ao Oscar, Christopher Nolan não é novo na premiação. O diretor, roteirista e produtor, que é um dos mais bem sucedidos atualmente, garantiu seu lugar esse ano com com Tenet, estrelado por John David Washington. O longa de ação acompanha o protagonista em uma missão de tentar evitar o fim do mundo do ajuda vindo do futuro. 

Apesar do plot caótico que nos deixa com uma feição quase tão apavorada quanto a de Washington, o filme tem seus pontos positivos que os levaram a duas indicações ao Oscar. Disputando na categoria de Melhores Efeitos Visuais e Melhor Design de Produção, as cenas de ação da obra possuem uma produção muito bem feita, ainda mais por misturar elementos em dois tempos, o normal e o reverso. O trabalho que ficou na mão de Scott Fisher, Andrew Jackson e Andrew Lockey garantiu o prêmio BAFTA de Efeitos para o filme, e segue na temporada de premiações para a estatueta do Oscar junto a outros grandes filmes, como O Céu da Meia-Noite.

A atuação de John David Washington, que deu um show em Malcolm & Marie, continua em alto nível. Robert Pattinson e Elizabeth Debicki deram o suporte necessário nas cenas em conjunto e serviram tão bem quanto o protagonista. Melhor amigo e par romântico de John, a química de ambos nos deixa com o coração quentinho no meio da bagunça. E quando finalmente ele consegue completar a missão, o filme acaba com um gostinho de alívio e nostalgia do futuro, onde tudo começou. – Mariana Chagas

A Caminho da Lua (Over the Moon, Glen Keane) 

Concorre em: Animação

A produção da Netflix vai além de uma história para crianças. A Caminho da Lua traz nuances da cultura chinesa ao mesmo tempo que passeia brilhantemente pelas 5 fases do luto da protagonista, a pré-adolescente Fei Fei. Ademais das particularidades bem construídas do roteiro, o filme é rico em detalhes, desde as cores mais vibrantes da lua até os traços no rosto das personagens sejam elas humanas ou criaturas de outra galáxia, como a Gobi e o coelho Pulinho.

A indicação merece destaque em meio aos escolhidos pela Academia por toda sua representatividade asiática dentro da produção, o que deixa a desejar quando olhado pelos bastidores, em que o diretor Glen Keane é norte-americano. Porém, a lista de dubladores conta com grandes nomes de descendência sul-coreana, como Sandra Oh, e chinesa, como Cathy Ang.

Portanto, A Caminho da Lua é um dos indicados mais promissores para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021 por toda sua representatividade e brilhantismo no esboço, principalmente quando ela embate com o público das grandes produções pop da Disney como Dois Irmãos e Soul. – Larissa Vieira

A Concerto is a Conversation (Idem, Ben Proudfoot e Kris Bowers)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

A Concerto Is a Conversation é um documentário em curta-metragem, distribuído pela The New York Times e produzido por Kris Bowers, um pianista de sucesso que divide o protagonismo do doc com seu avô, Horace Bowers. Em apenas treze minutos, o curta consegue emocionar e inspirar, principalmente com as falas do patriarca da família que relata sua história dentro de uma sociedade racista e busca incentivar o neto a continuar seu trabalho. “Nunca pense que você não deveria estar lá. Porque você não estaria lá se você não deveria estar lá.”

Kris Bowers já vem recebendo os olhares de Hollywood há um tempo. Recentemente compôs a trilha sonora da queridinha série da Netflix, Bridgerton. Ele também assina as canções de Green Book, o problemático e infelizmente vencedor do Oscar de Melhor Filme em 2019. Já tendo sido indicado até ao Grammy, agora em 2021 ele concorre na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem. – Ana Júlia Trevisan

Agente Duplo (El Agente Topo, Maite Alberdi) 

Concorre em: Documentário 

A América Latina está muito bem representada na categoria de Melhor Documentário em 2021 com Agente Duplo. A produção chilena não tem o mesmo hype que o nosso Democracia em Vertigem tinha quando alcançou seu lugar na lista final dos indicados ano passado, mas é tão digno de ser apreciado quanto. Com uma narrativa charmosa, divertida, leve e gentil sobre o processo de envelhecimento na contemporaneidade, o filme cria um ar de ficção ao redor da trajetória de Sergio Chamy, que embarca numa nova ocupação depois de enviuvar aos 80 anos.

Agente Duplo é atraente e amigável, mas a Academia segue imune às qualidades de filmes latino-americanos, que neste ano, foram notados apenas com a nomeação do documentário, mesmo com uma lista extensa de produções dignas de reconhecimento. Queria muito falar sobre as grandes chances da fantástica diretora Maite Alberdi nessa categoria de ouro, mas se nem com a campanha quentíssima de 2020 conseguimos chegar perto do Oscar de Melhor Documentário, infelizmente também não será dessa vez. – Raquel Dutra

Amor e Monstros (Love and Monsters, Michael Matthews)

Concorre em: Efeitos Visuais

Filmes pós-apocalípticos podem ser extremamente pretensiosos. Um protagonista heroico e medíocre, algum desastre natural, e as fórmulas básicas se encaixam. No entanto, em Amor e Monstros, não vemos nada disso. Talvez um pouco de heroísmo, mas Dylan O’Brien dá conta do recado na comédia estilo Zumbilândia com insetos gigantes dirigida por Michael Matthews. As pontinhas de drama e romance completam o longa que surpreende pela diversão e pelo ritmo contagiante, e, bem, os monstrões carismáticos também não ficam para trás – não é à toa que a única indicação no Oscar 2021 foi na categoria de Efeitos Visuais.

O supervisor da área, Matt Sloan, mesclou efeitos práticos, uma equipe de artistas com foco em criaturas e muita criatividade para chegar no resultado final, utilizando os efeitos visuais apenas quando seus bichos já estavam praticamente prontos. Na hora da indicação, Sloan não estava sozinho. Seu nome veio acompanhado de Genevieve Camilleri, Matt Everitt e Brian Cox nos méritos da peça singular que foi comprada pela Netflix. 

O filme foi incrivelmente bem recebido por crítica e público, e a indicação ao Oscar com certeza deu um gás para novos espectadores. Apesar disso, as chances da estatueta ir para as mãos de Tenet ou O Céu da Meia-Noite são infinitamente maiores – o que é uma pena, pois nenhum dos dois possui criaturas tão singulares quanto as de Matt Sloan e sua equipe. – Caroline Campos

Better Days (少年的你, Derek Tsang)

Concorre em: Filme Internacional

O filme que fica de lado na categoria de Melhor Filme Internacional possui uma infeliz característica em comum com o favorito ao Oscar de Melhor Filme: ambos foram censurados no país de origem de seus realizadores. E ao contrário da resolução que Nomadland encontrou em solo americano, Better Days não teve como fortalecer sua corrida ao prêmio da Academia dentro da China.  

Dirigido por Derek Tsang, o drama é uma das produções orientais mais esperadas e bem-avaliadas de 2020. Através da adaptação de Lam Wing Sum, Li Yuan, e Xu Yimeng do romance In His Youth, In Her Beauty, de Jiu Yuexi, Better Days conta história de Chen Nian (Zhou Dongyu), uma estudante vítima de bullying que desenvolve um elo forte com Liu Beishan (Jackson Yee) depois que ambos se envolvem em um caso de homicídio. 

Os grandes nomes no elenco e o sucesso que o filme encontrou nas bilheterias e nas premiações locais não foram suficientes para engatar sua visibilidade e reconhecimento. Better Days foi prejudicado pelos conflitos de China e Hong Kong, e os espectadores sequer poderão assistir seus representantes marcando a história do Cinema no Oscar, já que a cerimônia não está autorizada a ser transmitida no país. – Raquel Dutra

Colette (Idem, Anthony Giacchino)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Anos se passam, gerações se transformam, épocas e sociedades se renovam, mas existem temas que são para sempre, e Colette existe nesse sentido. Em seus 25 minutos, o documentário explora a jornada de Colette Marin-Catherine, que quando jovem, lutou contra os nazismo junto da Resistência Francesa. Por toda a sua vida, ela se recusou a pisar na Alemanha, mas isso muda quando a jovem estudante de história Lucie a contata buscando mais informações para uma pesquisa que realiza sobre o Holocausto. Juntas, as duas confrontam o passado visitando locais onde os piores horrores da Segunda Guerra Mundial foram cometidos.

O filme não tem muita voz em meio aos outros indicados a Melhor Documentário em Curta-Metragem, mas constrói seu poder junto do processo individual de Colette. Conforme a militante reabre suas feridas em prol de algo maior enquanto critica veemente a ideia de transformar cenários de horrores como algo turístico, Colette usa seu espaço no Oscar para ressaltar que memorar tragédias a fim de evitar repetições de horrores sempre será uma das funções da arte. – Raquel Dutra

Crip Camp: Revolução pela Inclusão (Crip Camp: A Disability Revolution, Nicole Newnham e James LeBrecht) 

Concorre em: Documentário 

Crip Camp: Revolução pela Inclusão poderia ser piegas, chato ou desrespeitoso. Crip Camp poderia ser enfadonho, repetitivo ou de mau gosto. Mas Crip Camp não é nada disso. Nova produção da Higher Ground, o documentário da Netflix é bem sucedido em todas as suas escolhas estéticas e narrativas.

Começando como um registro histórico que documenta a estadia de uma porção de jovens com deficiência no Acampamento Jened, a direção de Nicole Newnham e James LeBrecht catapulta quem assiste a uma jornada emocional digna da maior premiação do Cinema. LeBrecht é criatura e criador, dirige e estrela, aproxima seus amigos de longa data da câmera e transpassa o vínculo pela telinha da Netflix.

Acompanhar o envelhecimento dos campistas, sua luta social e as mudanças que conseguiram realizar, além de conhecer a fundo suas vidas, amores, paixões, problemas e pensamentos, é um prato cheio para o gênero documental e para o cinema como um todo. É improvável que Crip Camp bata o favoritismo de Professor Polvo, mas sua reles presença na lista de 2021 já tira o amargo da língua pela pesarosa vitória do ano passado. – Vitor Evangelista 

Destacamento Blood (Da 5 Bloods, Spike Lee)

Concorre em: Trilha Sonora Original 

A guerra do Vietnã já foi base para muitos cineasta se aventurarem – de Kubrick a Coppola, passando por Oliver Stone e Brian De Palma. Quando se trata do cinema de Spike Lee, no entanto, o buraco é bem mais embaixo. O épico Destacamento Blood, lançado em junho de 2020 pela Netflix, pode ser uma das mais recentes referências audiovisuais quando se trata do conflito e, principalmente, dos resquícios deixados nos envolvidos. O jogo de fotos e vídeos, a narrativa essencialmente racial e os questionamentos em cima dos direitos civis nos EUA atual compõem a obra de tirar o fôlego do diretor que, infelizmente, só conseguiu a indicação em Melhor Trilha Sonora Original. Mais uma vez, o nome de Lee integra a lista dos esnobados da edição. 

Terence Blanchard foi o responsável por essa única memória do longa no Oscar 2021. Amigo de longa data de Spike Lee e vencedor de diversos prêmios Grammy, Blanchard é parte primordial da alma conturbada de Destacamento Blood. O músico já é familiarizado com o tapete vermelho, pois seu trabalho em Infiltrado na Klan também rendeu uma indicação na mesma categoria em 2019, tornando Terence o único homem negro a concorrer duas vezes em Melhor Trilha Original. Em 2021, pela primeira vez, dois homens negros foram indicados para essa estatueta: Blanchard divide a categoria com Jon Batiste que, ao lado de Atticus Ross e Trent Reznor, são os favoritos ao prêmio pelo trabalho em Soul.

Entre todas as categorias que o longa poderia ter abocanhado – Melhor Filme, Diretor, Montagem -, a ausência mais inacreditável foi a performance impressionante de Delroy Lindo como Paul, um dos quatro veteranos negros que vão atrás de um tesouro perdido e dos restos mortais de seu comandante. Os monólogos, trejeitos e atitudes do personagem produzem uma das atuações mais intensas do ano, podendo facilmente ter entrado no lugar da batida interpretação de Gary Oldman. Os Bloods na selva profunda de Lee mereciam muito mais atenção das grandes premiações. Agora, só nos resta seguir exaltando o cinema de excelência de Spike Lee. – Caroline Campos

Do Not Split (不割席, Anders Hammer) 

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem 

Do Not Split possui uma trajetória memorável. O curta documentário dirigido por Anders Hammer, que acompanha os protestos em Hong Kong marcados pela brutal repressão da polícia e um desmonte organizacional em decorrência da pandemia, recebeu fortíssimas críticas do governo chinês – incluindo um alerta para as emissoras locais não transmitirem a cerimônia do dia 25. Hammer documenta, na linha de frente, todas as bombas de gás, balas de borracha e sprays de pimenta que os protestantes tiveram que enfrentar na luta por democracia. A crueza e força do documentário coloca o espectador no centro dos conflitos, com uma narrativa pessoal e crítica acerca da Lei de Segurança Nacional e as extradições para a China continental.

Ao lado de outros quatro curtas potentes, o favoritismo, no entanto, se inclina em direção ao tocante Uma Canção para Latasha. Mesmo assim, Do Not Split garantiu a terceira indicação para a produtora Field of Vision, que disponibilizou os 35 minutos de seu filme no YouTube. A obra corajosa de Anders Hammer, que também se arriscou no Afeganistão em meio a Guerra ao Terror, já instiga no seu título: não se separem. Independente do resultado da premiação, a visibilidade em cima de um tema ainda tão atual e tão delicado para a população de Hong Kong já vale a indicação. – Caroline Campos

Dois Estranhos (Two Distant Strangers, Travon Free e Martin Desmond Roe)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action 

George Floyd, Breonna Taylor, Tamir Rice, Eric Garner, Freddie Gray… Todas essas pessoas possuem mais do que a cor em comum – compartilham também da farda que lhes tiraram injustamente a vida. Dois Estranhos, curta-metragem distribuído pela Netflix e dirigido por Martin Desmond Roe e Travon Free, também roteirista, nos mostra como esse ciclo de repressão, violência e sangue contra a população negra é impossível de ser quebrado, até mesmo quando tudo parece estar dando certo. Indicado à categoria de Melhor Curta em Live Action no Oscar 2021, Two Distant Strangers é o favorito para levar a estatueta. 

O famoso rapper Joey Bada$$ interpreta Carter James, um jovem negro que possui um único objetivo – chegar em casa e encontrar com seu cachorro. A tarefa extremamente simples se complica quando James se encontra num looping, onde o policial Merk (Andrew Howard), um branco de meia idade e extremamente racista, tenta o matar das mais diversas maneiras, todos os dias. Até mesmo quando parece que veremos um resultado, o sorriso de realização no rosto do personagem é interrompido pelos barulhos de tiro mais uma vez.

Durante os 32 minutos na tela, nunca saímos do lugar enquanto acompanhamos o  personagem acordar na mesma cama e voltar para o ciclo vicioso que representa as falsas promessas de que vidas negras importam. O maior concorrente de Dois Estranhos na premiação desse ano é justamente The Present, também cotado como um dos mais fortes na categoria. A tendência, no entanto, é Travon Free e Martin Desmond Roe levarem o prêmio para casa. Assim como a música que toca em replay nos fones de ouvido de James, “esse é o jeito que é, algumas coisas nunca vão mudar”. – Vitor Tenca

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica (Onward, Dan Scanlon)

Concorre em: Animação 

Que a Pixar é um grande sucesso, ninguém pode negar. Pioneira das animações em computação gráfica, muitos de seus filmes – além da função de entretenimento – oferecem uma visão existencialista sobre a vida para atingir de forma subconsciente às crianças e cirúrgica aos adultos. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica aproxima-se dessa mesma linha de raciocínio, ainda mais por se tratar de um fato particular do diretor Dan Scanlon. 

Ambientado na cidade fictícia de New Mushroomton, somos apresentados à Ian e Barley Lightfoot (Tom Holland e Chris Pratt, respectivamente), dois irmãos elfos que, em luto, buscam uma maneira mágica de trazer o pai de volta à vida. De cara, já é possível ver em tela as feições de seus dubladores, o que garante um afeto aos personagens de trejeitos desengonçados e divertidos. 

Mesmo não sendo o favorito para ganhar a estatueta, o filme de Dan Scanlon e Kori Rae tem suas maravilhas. Os animais fantásticos unidos à sensação de alegria facilmente atrai as crianças, mas os adultos sentem o peso dos tópicos sensíveis que são abordados. O lidar com o luto, o relacionamento entre irmãos e até mesmo a garra de uma mãe solteira em criar seus filhos são pontos-chave que embelezam o enredo. Na verdade, tais fatos o fizeram vencer a categoria de Melhor Filme no Dublin International Film Festival. Dessa forma, a animação disponibiliza o equilíbrio perfeito entre risadas e lágrimas acaloradas, valor digno para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021. – Júlia Paes de Arruda

Estados Unidos Vs Billie Holiday (The United States vs. Billie Holiday, Lee Daniels)

Concorre em: Atriz

No ano da diversidade, e com tantos atores não-brancos brilhando em ótimos trabalhos, é uma pena que a poderosa Andra Day se encontre presa ao opaco Estados Unidos Vs Billie Holiday. A jovem cantora estreia nas telas de Cinema interpretando um ícone e coletando a única indicação do filme ao Oscar 2021, na categoria de Melhor Atriz. Corrida essa aberta, visto que cada uma das nomeadas venceu um precursor. Tudo começou em fevereiro, com a própria Day levando o Globo de Ouro, sucedida por Carey Mulligan e seu Critics Choice, Viola Davis com um SAG e Frances McDormand no BAFTA.

Pela segunda vez na história, duas negras disputam a estatueta principal no mesmo ano. Day e Davis buscam se tornar a segunda atriz a vencer a honraria, depois de Halle Berry, no longínquo 2002. Ademais, outra curiosidade que salta os olhos é a coincidência que assola a figura de Billie Holiday. A primeira vez que duas atrizes negras foram indicadas juntas foi em 1973, que tinha na lista Cicely Tyson e Diana Ross, essa segunda interpretando, é claro, a cantora Billie Holiday. – Vitor Evangelista

Feeling Through (Idem, Doug Roland)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Robert Tarango, que interpreta Artie em Feeling Through, já é parte da história. O ator é o primeiro surdo-cego a ser escalado em um filme, algo totalmente inédito no cinema. A personagem, que também é uma pessoa com deficiência, recebe ajuda de Tereek (Steven Prescod) para pegar um ônibus e voltar para casa. A interação entre os dois rende momentos sensíveis e emocionantes, reflete sobre invisibilização e explora uma forma de comunicação através do tato. 

Apesar de pioneiro na surdo-cegueira, Feeling Through ainda tem problemas ao lidar com uma pessoa com deficiência. O curta de Doug Roland infelizmente não abandona a concepção capacitista de que devemos ter ‘dó’ ou ‘pena’ de PCDs, e a construção do texto dá a impressão de que o personagem de Tereek é transformado em salvador após o simples ato de ajudar Artie, que é quase que colocado como um recurso narrativo para fornecer inspiração. Pessoas com deficiência são muito mais que isso, e não devem ser utilizadas para dar um exemplo de uma vida ‘pior’, e sim apenas uma vivência diferente. – Jho Brunhara

Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, David Dobkin)

Concorre em: Canção Original 

Presente em apenas uma categoria do Oscar 2021, Festival Eurovision da Canção é a joia perdida da cerimônia. Camuflado no catálogo da Netflix entre tantos outros grandes nomeados, o filme de David Dobkin toca as notas certas para emocionar, divertir e se diferenciar da competição. Na história, Sigrit (Rachel McAdams, a cara da Sandy) e Lars (Will Ferrell no único papel bom de sua carreira) sonham em ganhar o Festival Eurovision. 

Representando a Islândia, a dupla luta e consegue chegar à competição, mas no caminho dá de cara com uma porção de obstáculos, desde uma Demi Lovato zumbi até elfos mágicos e americanos burros. A Canção Original nomeada é Husavik, de linda composição creditada à Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson. Cantada no memorável clímax de The Story of Fire Saga, a música pode surpreender na cerimônia pelo fator espetáculo, visto que é a única das 5 Canções propriamente performada no filme. Dedos cruzados para a dupla conquistar mais essa! – Vitor Evangelista

Genius Loci (Idem, Adrien Merigeau)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Sentimentos antagônicos te invadem ao assistir Genius Loci. Ao mesmo tempo que não sabemos direito o que está acontecendo na transformação dos desenhos, sabemos o rumo exato que os traços irão percorrer. As figuras desenhadas com tinta hidrográfica ganham estrutura com os breves diálogos que servem para nortear o telespectador nessa viagem dimensional. Genius Loci é o caos instaurado em figuras geométricas e cores vibrantes, com uma complexidade que vai além de sua curta duração.

Genius Loci é um termo latim que significa espírito local. A tradução nos ajuda a entender um pouco mais da mistura de sensações causadas pela pintura, a transformação de Reine em loba transpõe a incansável busca da protagonista por apoio e compreensão. Produzido pela Kazak Production, o curta é de origem francesa e tem seus loucos e impressionantes traços assinados por Merigeau. Ele concorre ao Oscar de Melhor-Curta Metragem de Animação ao lado do queridinho da Disney e do pavoroso Yes-People. – Ana Júlia Trevisan

Greyhound – Na Mira do Inimigo (Greyhound, Aaron Schneider)

Concorre em: Som

Dirigido por Aaron Schneider e escrito pelo próprio Tom Hanks, Greyhound é um tiro descartado da Apple TV+. A produtora emplacou Wolfwalkers com aclamação da crítica, e sem o apelo de Soul, em Melhor Animação, mas errou a mão com o longa marítimo de Hanks. A história pouco importa, visto que os noventa minutos se encarregam de colocar os marinheiros para lá e para cá numa encruzilhada durante a Segunda Guerra Mundial.

Depois de uma recepção apática no lançamento, a campanha de Greyhound focou nas categorias técnicas, especificamente a de Efeitos Visuais e Som. Aparecendo apenas na segunda, com nomeação creditada à Warren Shaw (vencedor do Emmy por The Night Of), Michael Minkler (vencedor de 3 Oscars, o mais recente por Dreamgirls), Beau Borders e David Wyman. O trabalho sonoro é formidável, e a junção das categorias de Mixagem e Edição em uma ajudou Greyhound a se estabelecer na corrida.

Entretanto, um filme ruim com bom trabalho técnico não se justifica. A história recente da Academia preza por premiar espetáculos musicais e campos de guerra, e 2021 parece se encaminhar para a primeira opção, com a possível vitória de O Som do Silêncio. Ainda sobre Greyhound, podemos perceber que algo está faltando num longa de guerra quando nossa maior preocupação é o estado da jaqueta de couro de Tom Hanks depois de ele tomar tanta chuva. – Vitor Evangelista

Hunger Ward (Idem, Skye Fitzgerald e Michael Scheuerman)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Assistir a Hunger Ward é testemunhar a realidade de uma em cada quatro crianças no Iémen. O curta-metragem indicado ao Oscar 2021 retrata a rotina da médica Aida Alsadeeq e da enfermeira Mekkia Mahdi em duas clínicas de alimentação terapêutica no país, onde lutam para salvar crianças da morte por desnutrição. O diretor dinamarquês Skye Fitzgerald não hesita em filmar a agonia dos pacientes e de suas famílias em seus momentos mais vulneráveis e usa dessa exposição para escancarar as implicações e sequelas da fome, que é usada como arma na guerra que assola o Iémen. 

Mesmo que Hunger Ward não gaste saliva dando aula sobre o conflito e foque em documentar a realidade nas clínicas, não se acovarda e, ao final, lembra que a guerra que causou tudo aquilo é financiada pelo país anfitrião da premiação. O curta não é o único que trata de pautas políticas e sociais: Do Not Split, Uma Canção para Latasha e Colette – quatro dos cinco indicados – também abordam seus diferentes temas sob óticas politizadas e humanizadas, em uma categoria com histórico de vitórias na mesma linha.

O trabalho de Fitzgerald já é familiar à Academia, que nomeou seu antecessor Lifeboat à mesma categoria em 2019, ainda que não o premiou. Quem levou a estatueta foi Absorvendo o Tabu, da Netflix, que esse ano também tem um concorrente na disputa, mas a pequena vantagem não prevê nada quando os outros nomeados da categoria também ostentam indicações. A competição é acirrada pela imprevisibilidade, mas a vitória – ou derrota – não anula o poder do cinema humanitário de Hunger Ward, que, como um sobrevivente pediu, mostra ao mundo o quanto as pessoas do Iémen sofrem. – Vitória Lopes Gomez

O Céu da Meia-Noite (The Midnight Sky, George Clooney) 

Concorre em: Efeitos Visuais

Depois da campanha caótica de Tenet e o abandono parcial da Warner, a categoria de Melhores Efeitos Visuais ganhou mais um competidor com chances reais de vencer. O Céu da Meia-Noite, drama de ficção científica da Netflix dirigido por George Clooney, conta a história de Augustine, um cientista que tenta impedir que seus colegas astronautas retornem à uma Terra pós-apocalíptica do futuro. A equipe responsável pelos efeitos é composta por Matthew Kasmir, Christopher Lawrence, Max Solomon e David Watkins.

O apelo do CGI espacial de O Céu da Meia Noite pode ajudar o longa na categoria, mas mesmo com uma campanha fraca, Tenet ainda tem chances de se dar bem. O que acontece é que os votantes de Efeitos Visuais não costumam ligar tanto assim para campanhas milionárias, e são fiéis aos méritos técnicos de cada indicado. Também é importante lembrar que filmes com temática espacial costumam se dar bem em cima de blockbusters, como por exemplo na vitória de O Primeiro Homem contra Vingadores: Guerra Infinita. Agora é só aguardar para ver se quem sairá vitorioso será Clooney ou Nolan. – Jho Brunhara

O Grande Ivan (The One and Only Ivan, Thea Sharrock) 

Concorre em: Efeitos Visuais

O debate sobre animais circenses é um assunto polêmico e extremamente sensível. Porém, a Disney conseguiu abordar esse tema de uma maneira simples e descontraída em O Grande Ivan. O enredo gira em torno do gorila Ivan (Sam Rockwell), a atração de um circo dentro de um centro comercial. Porém, com a chegada de problemas financeiros, o dono Mack (Bryan Cranston) substitui Ivan pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com a nova integrante no picadeiro, o gorila passa a repensar a vida que leva dentro do estabelecimento. 

Os efeitos visuais presentes no filme foram de responsabilidade de Nick Davis (que já foi indicado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. Esse método promoveu fidelidade aos animais, por imitar as texturas de pelos e penas. A imagem computadorizada, além de evitar maus tratos com os bichos, promovem uma interação mais legítima e menos superficial com os seres humanos. Se você não é fã de filmes com animais falantes, O Grande Ivan não é para você. Contudo, sua trama desenvolta e, em alguns momentos, engraçada não é algo de se jogar fora. – Júlia Paes de Arruda

O Tigre Branco (The White Tiger, Ramin Bahrani) 

Concorre em: Roteiro Adaptado

Quem se depara com a trama de O Tigre Branco espera um filme clichê e sem sal com alguma história de superação ou até uma pitada de romantização da pobreza. Muito disso vem do preconceito contra o cinema indiano e sua variedade de histórias, pesando na valorização de qualquer obra ambientada no país. No entanto, a aposta da Netflix dirigida por Ramin Bahrani foge de qualquer estereótipo injusto do gênero. The White Tiger, no original, foi lembrado no Oscar pela sua maior qualidade: o roteiro. Baseado no livro homônimo de Aravind Adiga, Bahrani também assina a adaptação que garantiu a assertiva indicação em Melhor Roteiro Adaptado.

A luta anticapitalista e a tentativa de sair do galinheiro das castas indianas levam Balram ao limite e além, sempre com diálogos sagazes e um retrato cruel da relação servo-mestre que rendeu ao filme o apelido de Parasita indiano, principalmente pelo destino dos patrões em ambos os longas. Priyanka Chopra Jonas, que não só atuou como também produziu O Tigre Branco, foi a responsável pelo anúncio dos indicados a premiação no dia 15 de março, e, ao lado do marido Nick Jonas, pode espalhar o nome de seu filme em alto e bom som como parte oficial da seleção do Oscar esse ano. Apesar da surpresa boa, a obra não tem chances na categoria, que, se decidir não premiar Nomadland, vai entregar o prêmio a Meu Pai. – Caroline Campos

Opera (Idem, Eric Oh)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Fugindo das breves narrativas mais convencionais de alto apelo emocional que costumam se destacar na categoria de Melhor Curta de Animação, Opera é uma experiência visual que vai para além do cinematográfico. Deixando de lado a tradicional sucessão de planos planejados para contar uma história, o curta é uma maquete, uma estrutura, um sistema complexo em suas centenas de intrincadas camadas que operam até a sua autodestruição e ressurgimento. É uma ilustração animada que resume ao seu modo toda a história da humanidade, e se isso parece ambicioso demais para 8 minutos de imagens programadas em um computador, pode ter certeza que o filme é páreo para suas próprias pretensões. 

O fato de ser um filme ser tão diferente talvez se explique se voltarmos à sua concepção original, tendo sido pensado originalmente pelo artista Erick Oh, ex-animador da Pixar Animation, como uma instalação artística, onde o vídeo poderia ser visto várias vezes pelo observador. Não à toa, o curta suplica para ser reassistido: há uma riqueza infinita de situações representadas em todos os cantos da tela, todas recebendo igual atenção. Uma das grandes inspirações para Oh foram murais renascentistas, como o teto da Capela Sistina por Michelangelo, que impõe grandeza ao mesmo tempo que apresentam uma cadeia riquíssima de informações visuais. A instalação artística virou curta, e dos prêmios em festivais veio a indicação ao Oscar. Agora só nos resta torcer para que a Academia seja páreo para o curta de Erick Oh. – João Batista Signorelli

Pieces of a Woman (Idem, Kornél Mundruczó)

Concorre em: Atriz

Dramático, intenso, envolvente, angustiante, emocionante, essas são algumas das palavras usadas para definir Pieces of a Woman. Contando a história de um luto de uma mãe que perde sua filha durante o parto em casa, a produção se mostra cuidadosa na construção de um ambiente sentimentalmente vazio após toda dor da tragédia. A narrativa se concentra em condenar culpados pela morte da bebê, com a família convencida que o certo a se fazer é julgar a parteira no tribunal, a protagonista – contra essa decisão – se vê sozinha lidando com os sentimentos que a consomem.

Interpretada por Vanessa Kirby, e graças à sua atuação visceral que quase causa dor física no telespectador, por tamanha entrega na personagem, Pieces of a Woman chegou nas premiações de 2021. A atriz que já venceu o British Television Awards por seu papel em The Crown, esteve presente em todas premiações que antecedem o Oscar, inclusive o BAFTA que contou apenas com ela e Frances McDormand (vencedora) da lista do tapete vermelho. Ao lado das gigantes Viola Davis e Carey Mulligan, as chances de Vanessa levar a estatueta de Melhor Atriz por Martha Weiss são baixas, mas a chuva de indicações é merecida. – Ana Júlia Trevisan

Professor Polvo (My Octopus Teacher, Pippa Ehrlich e James Reed)

Concorre em: Documentário

Professor Polvo retrata de maneira incrível a amizade entre o mergulhador Craig Foster e um polvo. O documentário mostra de forma emocionante como a interação do ser humano com o ambiente marinho se torna uma investigação e aprendizado sobre o comportamento animal. De modo sensível, o mergulhador vai desenvolvendo amor, respeito e um sentimento de proteção para com o molusco, o que se amplia para ações coletivas de preservação e proteção do ambiente.

A narrativa documental apresenta uma ousada e elaborada técnica de filmagem, permitindo ao espectador a sensação de mergulhar junto a Craig e de ver o mundo com seus olhos. Foi indicada na categoria de Melhor Direção em Documentário do Directors Guild of America Award, e ganhadora em Melhor Documentário no Sindicato de Produtores da América e no British Academy Film Awards. As premiações recebidas e sua indicação ao Oscar fazem do longa documental o favorito da categoria na referida premiação. 

É um documentário poético e crítico, com um tom ambientalista assertivo. Ele não força a empatia e o entendimento de importância e da manutenção dos recursos ambientais, realiza de modo lento, progressivo (quase que como o andar do polvo) e sensibilizador esse sentimento em quem o assiste. As escolhas de narrativa, captação de imagens e trilha sonora para o que se conta também são o ponto de grande acerto da produção e que o justificam como favorito a levar a estatueta dourada do Oscar. – Ma Ferreira

Quo Vadis, Aida? (Idem, Jasmila Žbanić)

Concorre em: Filme Internacional

Druk – Mais uma Rodada está bem posicionado para vencer a categoria de Melhor Filme Internacional, mas Quo Vadis, Aida? pode surpreender e ser uma das zebras da noite de 25 de abril. O longa bósnio conta a história de um episódio da Guerra da Bósnia, o massacre de Srebrenica, do ponto de vista da tradutora da ONU Jasna Đuričić, que tenta garantir a segurança de seu marido e seus filhos, ameaçada pelos militares sérvios. 

O filme, importantíssimo em suas motivações políticas, é brutal, de forma a escancarar um evento terrível da história humana que não pode ser ignorado. A última vez que o país venceu a categoria no Oscar foi em 2002, com Terra de Ninguém, batendo o francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain. – Jho Brunhara

Rosa e Momo (La vita davanti a sé, Edoardo Ponti) 

Concorre em: Canção Original

Esnobado pelos italianos que preferiram levar o documentário Notturno para representar o país no tapete vermelho, Rosa e Momo chegou à premiação graças à sua canção original Io Sí, ternamente interpretada por Laura Pausini. O filme marca a volta da consagrada Sophia Loren às telinhas, após quase uma década sem protagonismos. Dirigido pelo filho da atriz, Edoardo Ponti, a não-indicação em categorias mais relevantes de atuação deixa o questionamento se futuramente veremos o diretor tentando emplacar uma produção com sua mãe.

Sophia Loren não está sozinha em Rosa e Momo. O ator mirim Ibrahima Gueye se destaca em todas as cenas que aparece, mostrando uma excelente atuação verbal e não-verbal e sendo reconhecido por  seu trabalho com a indicação ao Critics Choice Awards na categoria de Melhor Ator/Atriz Jovem. Mesmo ficando de fora do Oscar, a produção italiana conseguiu espaço no Globo de Ouro e no Critics Choice Awards, ambos em Melhor Filme em Língua Estrangeira.

Io Sí é composta por Diane Warren, que é a mulher com maior número de indicações ao prêmio da Academia sem nunca ter ganho uma estatueta. A música foi premiada no Globo de Ouro e agora concorre ao maior prêmio do cinema estadunidense ao lado de Fight for You, Hear My Voice, Husavik e Speak Now, lembrando que a última do Leslie Odom, Jr., saiu vencedora do Critics Choice Awards. – Ana Júlia Trevisan

Se Algo Acontecer… Te Amo (If Anything Happens I Love You, Will McCormack e Michael Govier) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Entre as milhares de apostas da Netflix na premiação, Se Algo Acontecer… Te Amo é uma que se destaca. O curta-metragem, dirigido por Will McCormack e Michael Govier, é um retrato de uma luta frequente entre os estadunidenses, que é a perda de seus filhos em tiroteios no ambiente escolar. A partir da perspectiva de um casal, a delicada animação navega por todas as fases do luto, criando uma bela história sobre superação. 

A obra conta com a vencedora do Oscar Laura Dern na produção, e tem os traços de Yougran Nho como elemento importante para a composição do seu significado. Todo esse trabalho só poderia resultar em uma indicação para o prêmio da Academia, em Melhor Curta de Animação. E a narrativa ainda permanece como uma das favoritas na categoria, podendo derrubar outros grandes nomes como Toca e Opera. – Vitória Silva

Shaun, o Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca (A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon, Richard Phelan e Will Becher)

Concorre em: Animação

Em um tempo onde a animação digital monopoliza o mercado, e a cada ano a Pixar se desenvolve a cada filme com texturas e realismo de cair o queixo, a Aardman Animations vai na contramão e insiste em permanecer produzindo suas animações em stop-motion: um processo caro, trabalhoso, mas infinitamente recompensador ao se concretizar na tela, e de certa forma mais atemporal do que qualquer inovação tecnológica do momento. O estúdio já tem um longo histórico na premiação, com um total de 8 indicações e 3 vitórias na categoria de Curta de Animação, além de uma vitória para o longa Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais, e uma indicação para o primeiro filme da franquia do carneiro Shaun. Tendo sido lançado em 2019 na Inglaterra, foi distribuído pela Netflix no mercado internacional, tornando-se apto à premiação de 2021. A indicação foi mais do que merecida, ainda que não tenha chances de vitória por conta de um certo concorrente pouco competitivo. 

Brincando com todos os clichês do sci-fi com homenagens que vão de E.T. – O Extraterrestre a Sinais, o longa de Will Becher e Richard Phelan diverte pelo ritmo ágil, impressiona pelo nível de detalhamento e criatividade de sua animação e cenário, e cativa com a simplicidade de sua história. Shaun, O Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca nos mostra não é necessária uma única palavra para se contar uma boa história, que o humor físico ainda pode ser engraçado, e que uma animação não precisa explicar todo o sentido da existência humana para ser indicada ao Oscar (ouviu, Pixar?). É, por fim, tudo de bom para a minha criança interior. – João Batista Signorelli

The Letter Room (Idem, Elvira Lind) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Repetindo as temáticas que surgem dos problemas do sistema prisional norte-americano, The Letter Room se volta para a questão da privacidade. O curta de Elvira Lind acontece pela perspectiva do segurança Richard (Oscar Isaac), que almeja uma vaga de emprego no setor de RH da penitenciária em que trabalha e acaba como fiscal da correspondência dos presos. Esperando topar com conversas sobre tráfico, terrorismo e demais planos ilícitos, o que o funcionário encontra são escritos sentimentais e que confrontam sua própria forma de levar a vida.

A diretora conhecida pelo documentário Bobbi Jene estreia no Oscar com um filme que pensa sobre um problema grandioso de forma sutil, concordando com boa parte dos demais indicados a Melhor Curta-Metragem em Live Action. O nome e a atuação de Isaac, aqui entregando algo diferente do que estamos acostumados a ver vindo dele, é algo que dá sustância ao filme, assim como Alia Shawkat – presente também no esnobado First Cow – , que toma o filme apenas com sua voz. Mas The Letter Room não é o favorito à estatueta. – Raquel Dutra

The Man Who Sold His Skin (الرجل الذي باع ظهره, Kaouther Ben Hania)

Concorre em: Filme Internacional

A indicação do selecionado da Tunísia é uma das surpresas da seleção do Oscar 2021. Vindo de uma ótima recepção no Festival de Veneza de 2020 (onde concorreu às principais categorias da mostra Orizzonti, vencendo em Melhor Ator), O Homem que Vendeu sua Pele garantiu seu lugar na disputa de Melhor Filme Internacional mesclando reflexões sobre cultura, política, sociedade, ética e arte, numa demonstração grandiosa do potencial da diretora Kaouther Ben Hania. 

O filme acompanha Sam Ali (Yahya Mahayni), um jovem sírio que migrou de seu país para escapar da guerra. Desamparado, ele recebe uma proposta para transformar seu corpo numa obra de arte e enxerga nisso uma oportunidade para finalmente alcançar sua liberdade, mas logo suas escolhas originam algumas de suas principais agonias. 

O Homem que Vendeu Sua Pele é uma das obras mais contemporâneas numa seleção que memora décadas passadas em suas principais categorias. Mesmo que não esteja próximo de arrematar o prêmio, a obra é digna de reconhecimento, especialmente por conta do trabalho de Ben Hania, uma incentivadora assídua do trabalho de mulheres no Cinema fora do eixo Estados Unidos-Europa, notada num ano recorde de mulheres indicadas ao Oscar. – Raquel Dutra

The Present (الهدية, Farah Nabulsi)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

The Present, curta palestino, conta a história de um pai e sua filha que precisam cruzar a fronteira entre a Cisjordânia e Israel para comprar uma geladeira nova e ir ao mercado. Apesar da trama aparentemente simples, aqui Farah Nabulsi desenvolve as questões políticas já conhecidas e a forma abusiva com que as autoridades militares israelenses tratam os cidadãos palestinos.

Saleh Bakri e Maryam Kanj interpretam suas personagens de forma sensível e assertiva, e mostram diretamente ao espectador a agonia diária dos residentes da Palestina que apenas querem sobreviver, e realizar tarefas básicas do dia a dia. The Present é o primeiro curta palestino a ser indicado na categoria, e se vencer, será a primeira produção do país a receber uma estatueta do Oscar. – Jho Brunhara

Time (Idem, Garrett Bradley)

Concorre em: Documentário

História, relevância, repercussão, técnica, simpatia, coesão, sentimento e informação. Time tem tudo o que um favorito ao Oscar de Melhor Documentário precisa, e porque ele não é a produção mais provável de abocanhar a estatueta da categoria eu também não sei. O filme do Amazon Prime Video aborda numa ótica pessoal um dos temas mais urgentes da América que já foi reconhecido pela Academia através de outro documentário indicado em 2017.

Estamos falando de um filme bem distribuído, estamos falando de uma história próxima, sensível e com personagens envolventes, estamos falando da política de encarceramento em massa e estamos falando de A 13ª Emenda, da renomada Ava DuVernay. Com esses elementos, é fácil entender a razão da indicação, e é difícil entender o motivo de tudo isso muito provavelmente passar em branco mais uma vez pelo Oscar.

Outro aspecto favorável é o histórico da jovem diretora Garrett Bradley, que venceu o prêmio de Direção em Documentário e concorreu ao Grande Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Sundance em 2020. Time também marcou presença nas principais categorias do Critics Choice Documentary Awards, uma das premiações mais importantes do gênero, mas sua brilhante caminhada não foi o suficiente para alavancar a corrida ao Oscar, que tem se comportado de forma duvidosa com seus documentários. – Raquel Dutra

Toca (Burrow, Madeline Sharafian)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Animação e Disney são quase sinônimos, tendo seu carro-chefe nos desenhos, as produções sempre deixam o nome na temporada de premiações. Para 2021, além do estrondoso sucesso de Soul que está ganhando todos os doces da festa, os estúdios Pixar trouxeram Toca. Programada pra ser a animação exibida no cinema momentos antes do longa, teve seu lançamento direto no Disney+ por conta da pandemia.

Nos últimos quatro anos, os curtas da Disney levaram a melhor na categoria duas vezes – 2017 com Piper e 2019 com Bao – e estiveram presentes todos os anos. Toca, que representa a Disney esse ano, foi escrito e dirigido por Madeline Sharafian e produzido por Mike Capbarat e faz parte da série de produções SparkShorts: curtas-metragens de animação independentes, criada por funcionários temporários dos estúdios Pixar. 

Com apenas seis minutos, o short film aquece o coração até dos mais amargurados. A história da coelhinha em busca de um lar e o trabalho conjunto feito em torno disso, é um ombro amigo em tempos tão difíceis. Apesar de ainda ser uma dúvida, não será surpresa alguma se além dos prêmios de Soul, a Disney colocar na prateleira a estatueta de Melhor Curta-Metragem Animado. – Ana Júlia Trevisan

Uma Canção para Latasha (A Love Song for Latasha, Sophia Nahali Allison)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

No dia 16 de março de 1991, em Los Angeles, Latasha Harlins, uma garota negra de 15 anos de idade, foi morta segurando dois dólares após ser falsamente acusada de ter roubado uma garrafa de  suco de laranja que custava um dólar e setenta nove centavos, em uma loja de conveniência. No entanto, não houve justiça, já que a autora do crime recebeu liberdade condicional depois do pagamento de uma multa de 500 dólares e cumprido 400 horas de trabalho comunitário.

O curta-documentário A Love Song For Latasha produz uma conversa entre o passado e o presente por meio do testemunho de Ty, a melhor amiga de Latasha, com o intuito de nos apresentar quem era a jovem que teve sua vida perdida por causa de um suco. Além do emocionante depoimento da melhor amiga, o curta também é construído com ajuda de belíssimas cenas que são compostas por imagens com efeitos VHS, que nos ajudam a teletransportar para os anos 90, e a utilização de animações para recriar as cenas do momento do assassinato de Latasha Harlins, sem explorar a morte de forma gratuita.

 O curta-metragem de 19 minutos, que relata sobre caso que ocorreu 30 anos atrás, possui ainda grande significado para nossa sociedade, pois mostra que por trás de toda estatística de jovens negros mortos, existem pessoas que tiveram seus sonhos interrompidos por causa da cor da sua pele ou classe social. Deve-se ressaltar que ele foi selecionada para participar de 13 dos principais festivais de Cinema dos Estados Unidos da América, como o Tribeca Film Festival e o Sundance Film Festival, e que também já conquistou 5 prêmios. Atualmente está concorrendo na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem no Oscar 2021 e pode ser visto no serviço de streaming Netflix. – Maria Antonia Soares Roberto

White Eye (Idem, Tomer Shushan) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

O representante de Israel na categoria, White Eye, é uma experiência visual e social ao longo de seus 20 minutos. Gravado em plano sequência (sem cortes), assistimos um jovem reencontrar sua bicicleta que foi roubada semanas antes. Porém, há um detalhe: ela está presa por uma corrente, e provavelmente está sendo utilizada por outra pessoa. Em primeiro momento, torcemos para que ele possa recuperar o objeto. Mas, ao descobrirmos que ela foi revendida para um trabalhador de baixa renda que a utiliza para levar sua filha à escola todos os dias, o julgamento moral começa a dobrar.

Para o dono da bicicleta roubada, recuperar o objeto que um dia pertenceu a ele parecia mais uma questão pessoal do que econômica, a ponto de insistir até o último segundo que ela fosse devolvida, mesmo que através de intervenção da polícia. Para o comprador, que não temos como saber se tinha conhecimento de que era fruto de um roubo, aquela bicicleta tinha uma importância muito maior: era sua forma de locomoção, que permitia que sua filha recebesse educação, e que faria muita falta se a perdesse. 

White Eye não quer discutir se roubar é certo ou errado, ou quem era o verdadeiro dono da bicicleta. O curta parece ter como principal propósito evidenciar a diferença socioeconômica entre as duas personagens, e mostrar que, às vezes, o que é cegamente justo não é certo, e que precisamos levar em conta as condições de vida de cada um e seus privilégios. – Jho Brunhara 

Wolfwalkers (Idem, Tomm Moore e Ross Stewart)

Concorre em: Animação

Sim, você sabe que o Oscar de Melhor Animação vai para Soul. Eu sei, a Academia sabe, todo mundo sabe. Mas isso significa que o longa da Disney é irrefutavelmente o melhor entre os indicados? Não necessariamente, e, se você ainda não está convencido, dê uma chance para Wolfwalkers. O longa irlandês de Tomm Moore e Ross Stewart custou 1% do que foi gasto na produção da Pixar e sua indicação ao Oscar 2021 foi uma das mais comemoradas no mundo animado. Recriado a partir de desenhos aquarelados feitos a mão com lápis e papel, a história de Mebh e Robyn chama a atenção pela beleza dos traços, os relacionamentos lindamente construídos e uma narrativa fantasiosa com base no folclore irlandês.

Os cenários da floresta, os lobos e suas transformações produzidos pelo estúdio Cartoon Saloon podem não ser tão refinados quanto os mínimos detalhes de seu maior concorrente, mas possuem um charme único em 2D que pode tranquilamente bater de frente com o monopólio Disney-Pixar que já é conhecido no Oscar. A revolução naturalista liderada por duas garotas contra o fanatismo religioso de um colono faz um apelo em prol da defesa do meio ambiente essencial para adultos e crianças. Inclusive, há brasileiros envolvidos na produção. O quadrinista Eduardo Damasceno e a animadora Tatiana Mazzei integram o time de profissionais talentosíssimos por trás de Wolfwalkers.

Desde que o estúdio animado foi criado em 1999 na cidadezinha de Kilkenny, na Irlanda, ele já acumula 5 indicações ao Oscar. Neste ano, a aventura de Mebh e Robyn não deve passar batido, mesmo que saia de mãos vazias no tapete vermelho. A astúcia e coragem de uma amizade improvável em um contexto mais improvável ainda é uma das peças mais belas da atual temporada de premiações. – Caroline Campos

Yes-People (Já-Fólkið, Gísli Darri Halldórsson) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

A animação islandesa indicada na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar 2021, Yes-People, fala mais sobre o ser humano do que podemos imaginar. Com diálogos construídos apenas pela palavra ‘sim’, o filme acompanha a rotina de diferentes personagens ao longo de um único dia. Além de todo brilhantismo no enredo, a produção ainda é muito singular em seus traços ao longo de toda obra. Além disso, a palavra ‘sim’ ainda ganha total importância no momento que as personagens, e consequentemente nós, entendemos como ela pode afetar não só nosso dia, mas também nossa vida.

Já-Fólkið também merece todo reconhecimento da Academia quando mostra a representatividade do advérbio, principalmente quando, no último momento, ele é contraposto com seu antônimo, ‘não’. O filme então, quase como uma comédia reflexiva, passa sua mensagem ainda mais a fundo e deixa registrado seu peso em meio aos concorrentes da categoria. – Larissa Vieira

O post Cineclube Persona – Tudo Sobre os Indicados ao Oscar 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

2020 foi um ano extremamente atípico, mas isso já é de conhecimento geral. Todos sabemos que os cinemas fecharam e o conteúdo passou do presencial para o ambiente virtual. Nessa virada de mesa, quem se beneficiou foi a Netflix, citada à exaustão nas seleções abaixo. Outros gigantes de streaming, como a Amazon, a Apple e a Disney também tiraram uma casquinha do cenário pandêmico.

As indicações ao Oscar 2021 foram anunciadas e, com a Netflix angariando 35 nomeações, o futuro não pode andar para trás. Daqui em diante, o digital terá a força que os grandes estúdios sempre temeram. E, falando em Oscar, as regras para um filme (ou curta, ou documentário, ou o que quer que seja Hamilton) entrar na lista de Melhores do Ano foram um pouco mais puxadas.

De cara, qualquer produção que fez parte da temporada de premiações anterior não entra aqui. Com lançamento nacional em 2020, Joias Brutas, 1917, Retrato de uma Jovem em Chamas e Parasita não puderam passar de menções honrosas, impedidos de integrar qualquer ranking. Isso por conta do péssimo mercado de distribuição nacional, que atrasa o que pode para lucrar com o buzz dos prêmios.

Ainda considerando o careca dourado e seu prazo de elegibilidade maior, a lista do Persona abarca lançamentos entre primeiro de janeiro de 2020 e vinte e oito de fevereiro de 2021, a mesma janela delimitada para algo concorrer ao Oscar desse ano, que acontece no fim de abril, dois meses atrasado pela pandemia. E vale a data de lançamento tanto no país de origem como no Brasil, desde que obedeça à regra anterior de ter ficado de fora dos prêmios passados.

Sempre inclusiva e multifacetada, a lista da Editoria e dos colaboradores do Persona tem de tudo. Lançamentos pré-pandêmicos, filmes da Netflix, obras apresentadas na 44ª Mostra Internacional de São Paulo (que rendeu cobertura com direito a entrevistas) e produções normalmente escanteadas num ano comum e cheio de blockbusters no Cinema. O texto sobre Os Melhores Filmes de 2020 atrasou para abraçar lançamentos da temporada, mas finalmente chegou. Sente-se confortavelmente para embarcar numa viagem cheia de detalhes, nuances e vozes diferenciadas no Cinema do ano mais terrível para todos nós.

Giovanne Ramos

2020 foi um ano trágico em diversos sentidos devido ao vírus que prefiro não nomear aqui. Num momento de incertezas, os adiamentos foram inevitáveis na indústria cinematográfica, mas, com esforços e saídas criativas, fomos alimentados por uma variedade de filmes. E, com certeza, um dos filmes que fez o ano valer a pena foi A Voz Suprema do Blues, não tinha como ser diferente numa obra protagonizada por Viola Davis e o eterno Chadwick Boseman. Com pouquíssimos cenários (uns 3?), o forte da trama são os diálogos significativos e o show de atuação das personagens. O enredo não fica atrás, o drama da Netflix explora uma complexidade de temas como racismo, religião e a indústria musical e apagamento na perspectiva dos olhares negros.

Trazendo muita reflexão e um nível absurdo de profundidade – desde que você se entregue por completo – fomos agraciados por mais uma animação da Pixar – e Disney -, Soul. O filme segue a mesma carga dramática e divertida dos antecessores Viva e Divertida Mente e entrega uma mensagem otimista, tudo o que precisamos. Na mesma linha de positividade, tivemos a sequência da maior heroína da atualidade, Mulher Maravilha 1984. Ao contrário do longa-metragem de introdução às telinhas, temos acesso a uma Diana Prince mais madura e acostumada com o ‘mundo dos homens’. As cenas de lutas constantes diminuíram também comparado ao anterior, mas as sequências de ações da metade para o fim foram suficientes para consagrar a sequência de títulos como os poucos acertos do universo recém construído pela DC Comics no cinema.

E, falando em DC Comics, ao contrário do universo cinematográfico que tenta se estabelecer nos trancos e barrancos, o seu império das animações é reconhecido e a qualidade inegável. Liga da Justiça Sombria: Guerra de Apokolips é tudo o que os diretores Zack Snyder e Joss Whedon sonham para um futuro dos heróis no live-action. A sequência fecha definitivamente com chave de ouro a adaptação da linha editorial Os Novos 52 com um mega evento de heróis, onde todos tiveram espaço para brilhar na história. E, fechando a lista, não poderia deixar de citar Black is King. Inspirado no enredo de O Rei Leão, Beyoncé faz um resgate de ancestralidade africana com muito simbolismo, ostentação e um conjunto de músicas e parcerias incríveis, os pretinhos agradecem.

Filmes Favoritos: 1. Soul / 2. A Voz Suprema do Blues / 3. Black is King / 4. Mulher Maravilha 1984 / 5. Liga da Justiça Sombria: Guerra de Apokolips

Bruno Andrade

Com o tempo fica mais difícil fazer uma lista de favoritos. Talvez porque seja cada vez mais subjetivo escolher o que é melhor comparado a outro. Em 2020 — apesar da pandemia impedir lançamentos em cinema —, filmes muito bons foram lançados, alçando o streaming a um patamar ainda maior. Soul me surpreendeu positivamente. A animação que chegou ao Disney+ consegue ser profunda e delicada — assim como Toy Story — sem perder o compasso.

Em meio aos protestos do Black Lives Matter, o filme Destacamento Blood chegou à Netflix. Como já de costume na carreira do diretor Spike Lee, o filme tem um olhar irônico e também dramático sobre a questão racial. Com cenas de depoimentos de Angela Davis e Malcolm X, o longa levanta um olhar particular sobre a Guerra do Vietnã e traz a ideia de que, junto aos interesses coloniais, estavam presentes ideias racistas já antigas no país. Também em diálogo com a força que movimentos fundamentalistas e racistas retomaram, a sequência que acompanha o irreverente jornalista Borat também chegou em um momento oportuno. Com as críticas ainda mais afiadas e, até certo ponto, um pouco mais polidas e direcionadas, Borat: Fita de Cinema Seguinte trouxe em diversos momentos a sensação de rir de algo dramático, como a situação política dos Estados Unidos sob o governo de Donald Trump.

Com lançamento em meio às eleições presidenciais — e também com Baron Cohen no elenco —, Os 7 de Chicago desenvolve a trama quase fielmente à sequência de fatos que ocorreram nesse que é um dos casos mais emblemáticos de parcialidade judicial nos EUA. Misturado com flashbacks e um enredo bem amarrado, o filme não deixa de emocionar em nenhum momento. Termino a lista com O Homem Invisível, readaptação do filme de 1933, baseado no livro de H.G. Wells, que conseguiu colocar no clássico a discussão de relacionamentos abusivos e a questão de vítimas de violência doméstica. Uma atualização complicada, porém necessária.

Filmes Favoritos: 1. Os 7 de Chicago / 2. Destacamento Blood / 3. O Homem Invisível / 4. Soul / 5. Borat: Fita de Cinema Seguinte 

Raquel Dutra

Ano horrível, filmes fantásticos. Que coisa curiosa o Cinema ter oferecido tanto material incrível nascido em um ano tão, tão, tão ruim. Particularmente, eu coloco esse mérito na conta dos muitos cineastas independentes e narrativas costumeiramente ignoradas pelas grandes produções, quase sempre encabeçadas por mulheres e pessoas não-brancas, que encontraram seu espaço num ano que rasgou todos os planos e adiou boa parte de seus grandes lançamentos. Produções de diretoras estreantes, como o ácido e perfeito Bela Vingança, e a obra-prima indie capturada pela Disney, Nomadland, encontraram visibilidade e todos os elogios mais que merecidamente, e que só ficarão de fora da minha lista para dar lugar a outras produções igualmente louváveis.

Começo meu pódio já consagrando o primeiro lugar com o filme que representa tudo de melhor que eu vi no Cinema de 2020. Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre me revirou em silêncio de uma forma reconfortante. O que o drama faz a partir de uma história sobre direitos reprodutivos é um conto preciso, sensível, respeitoso e representativo, assim como Minari, outra obra fascinante pela sensibilidade e pelo domínio técnico que demonstra ter com uma história delicada nas mãos. Qualidades que também transbordam em AmarElo – É Tudo Pra Ontem. O documentário do grandioso projeto multimídia de Emicida é formação obrigatória para todo brasileiro que conserva respeito pelo povo que construiu o nosso país – concreta e culturalmente. 

No 4º lugar, eu agradeço por existir uma produção tão corajosa quanto Judas e o Messias Negro, que não tem medo de ser radical ao defender a memória de um dos movimentos mais importantes para a história recente da América. Por fim, cito o filme que representa uma das coisas mais legais que fiz em 2020: cobrir uma mostra de Cinema e entrevistar uma cineasta brasileira. Êxtase foi um dos filmes que me tirou o fôlego na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo enquanto participava da cobertura do Persona, e a conversa que eu tive com a diretora do documentário marcou meu 2020. 

Filmes Favoritos: 1. Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre / 2. Minari / 3. AmarElo – É Tudo Pra Ontem / 4. Judas e o Messias Negro / 5. Êxtase

Gabriel Oliveira F. Arruda

Quando eu penso sobre o que mais me marcou em 2020, minha mente inevitavelmente vai para um momento de Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre, escrito e dirigido por Eliza Hittman. Assim como o resto do longa, é um momento simples, parte de uma odisseia silenciosa e extremamente pessoal, mas que traduz uma intimidade tão profunda entre suas duas protagonistas que é difícil até de ser posta em palavras. É uma obra que nunca deixa te esquecer as personagens que a habitam, mesmo nas circunstâncias mais trágicas, e por isso é, sem dúvidas, o meu filme favorito do ano.

Shirley, dirigido por Josephine Decker, é exatamente o meu tipo de experiência: um quebra-cabeça com peças que aparentemente não se encaixam e que te deixa perdido do início ao fim, uma história fictícia sobre pessoas reais, um conto de terror erótico e sinistro centrado numa das melhores performances da carreira de Elisabeth Moss. Por outro lado, o retorno triunfal da direção de Alice Wu em Você Nem Imagina foi uma das melhores surpresas do ano: uma comédia romântica sensível e atenta a seus personagens como poucas são, foi um dos filmes que eu simplesmente desejava que nunca tivesse acabado.

Com a boa sorte de ter podido ver numa tela IMAX, logo percebi que Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa (o melhor título de qualquer filme em 2020) foi a maior diversão que eu tive no cinema desde que saí encantado por Homem-Aranha no Aranhaverso (2019). Cathy Yan comanda um blockbuster esteticamente distinto que reinventa suas personagens em meio às melhores coreografias de luta do gênero, entregando pura diversão cinematográfica. E, por fim, não há como não citar o trabalho mais recente de Spike Lee, Destacamento Blood, marcado tragicamente por uma das últimas performances de Chadwick Boseman, que serve para nos lembrar do incrível talento que perdemos ano passado. Uma obra sobre o presente, passado e a maneira como escolhemos nos lembrar do trauma que sofremos e causamos.

Filmes favoritos: 1. Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre / 2. Shirley / 3. Você Nem Imagina / 4. Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa / 5. Destacamento Blood

Caroline Campos

Mesmo com o déficit de obras e lançamentos devido ao apocalipse insano que o mundo vem experimentando, o Cinema – aquele com C maiúsculo – não se deixa abater. Falar dos melhores filmes de 2020 é um assunto delicado, visto que foi um ano que necessitamos, acima de tudo, de um pouco de conforto que só a arte pode oferecer. A 44ª edição da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, que ganhou uma cobertura deslumbrante pelo Persona, foi online e nos possibilitou o encontro cultural com os países mais remotos e suas mentes criativas. De lá, trouxe dois nomes para minha lista: a obra-prima lesotiana Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição, dono de uma resistência incomparável, e o sérvio Pai, com a peregrinação de Goran Bogdan – dois filmes que abordam a crueza e a complexidade da natureza humana. 

Como uma fã devota de filmes de terror, o ano passado veio recheado. Relic, O Que Ficou Para Trás e O Farol são menções obrigatórias, mas o vencedor da vaga foi o guatemalteco La Llorona, que mescla a lenda da Mulher Que Chora com o genocídio da população indígena sob a justificativa do anticomunismo. Político, assustador e belo. Outro dos favoritos, que até poderia ser chamado de terror por retratar um medo diário e constante das mulheres do mundo, é o amargo Bela Vingança. Com a direção decidida de Emerald Fennell, a satisfação que seu clímax gera é daquelas de gargalhar. Obrigada, Carey Mulligan!

Obviamente, foi quase impossível fechar uma lista com apenas 5 filmes. Burlando as regras na surdina, os que ficaram de fora do pódio, mas foram aplaudidos por essa que vos fala, foram o histórico Hamilton, o sensível Nomadland, Minari e seu elenco magnífico, e o divertido Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa. No entanto, encerrando o top 5, eu coloco o documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem. Leandro Roque de Oliveira é um dos cantores mais geniais em atividade, e a mescla política-musical-histórica que percorre AmarElo é pontual e dolorosa. Fora a apresentação incrível do cantor no Theatro Municipal de São Paulo – Emicida é mesmo um em um milhão.

Filmes Favoritos: 1. Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição / 2. La Llorona / 3. Bela Vingança / 4. Pai / 5. AmarElo – É Tudo Pra Ontem

Letícia Ramalho

A quantidade de filmes lançados em 2020 foi pouca comparada aos anos anteriores, e por isso mesmo foi fácil e difícil ao mesmo tempo escalar os melhores do ano pandêmico. Começando pelo mais recente, Soul foi a animação lançada pela Disney no último Natal. Conta a história do Joe, músico de jazz, que sofre um acidente e passa a lutar pela vida na companhia da enérgica Número 22. Dessa vez, a Pixar se afasta bastante do mundo infantil, com conteúdo e camadas da história bem filosóficas. Nem todos os pais curtiram assistir com os filhos, mas, para quem está atrás de uma animação esteticamente instigante de assistir e uma história reflexiva, Soul é o filme.

Já Borat: Fita de Cinema Seguinte corre para o lado oposto, é o tipo ácido e provocativo na base do humor que escancara as incoerências do mundo político nos EUA. Cheio de ironias que podem incomodar se não gosta tanto assim. Um filme documentário que registra as relações humanas na atualidade. Outro longa que pode incomodar, mas dessa vez por ser difícil de entender, é Estou Pensando em Acabar com Tudo, o filme mais recente do diretor, produtor e roteirista Charlie Kaufman, reconhecido por suas montagens doidas e pouco convencionais, e ele mantém o estilo nesse de 2020. Interessante na medida em que cada espectador entende algo diferente, as interpretações podem ir de um extremo ao outro, enquanto conversam com as experiências individuais de quem assiste.

Para encerrar minha lista, Sergio, a biografia estadunidense do brasileiro que foi diplomata no Iraque. Estrelado por Wagner Moura, que soube criar um personagem sério e respeitado enquanto responsável por decisões importantes em guerras, sem perder a fragilidade do homem pai e amante. Vale a pena assistir ao filme e conhecer a história do brasileiro que foi muito honrado depois de sua trágica morte. 

Filmes Favoritos: 1. Soul / 2. Estou Pensando em Acabar com Tudo / 3. Sergio / 4. Borat: Fita de Cinema Seguinte

Jamily Rigonatto

Em um ano excepcionalmente conturbado como 2020, o que não me faltou foi tempo para explorar os antigos e novos lançamentos do audiovisual, e digo de antemão que o Cinema soube muito bem como lidar com tudo de caótico e nos proporcionou obras maravilhosas que me fizeram hesitar várias vezes para escrever essa lista. Depois de relembrar tudo que assisti, foi impossível deixar de dar destaque às produções que me foram mais reflexivas e reconfortantes, e sim, meu top 5 não poderia ser menos clichê. 

Logo no início da quarentena esbarrei com Por Lugares Incríveis no catálogo da Netflix, e, sinceramente, foi um roteiro com cenário adolescente surpreendente, a trama soube encantar com a trajetória romântica entre os protagonistas Violet Markey (Elle Fanning) e Theodore Fitch (Justice Smith), e ainda entregar personagens profundos com histórias comoventes. Seguindo a linha dos dramas, Clouds pode ser definido como emocionante. A adaptação do livro High in the Clouds é facilmente associável a títulos como A Culpa é das Estrelas e ao longa também dirigido por Justin Baldoni, A Cinco Passos de Você, mas dessa vez o bônus são mais lágrimas e uma bela reflexão sobre os sonhos e a efemeridade da vida. 

Mais um achado da Netflix foi o extremamente fofo Você Nem Imagina, explorando a evolução e os sentimentos da introvertida e complexa personagem, Ellie Chu (Leah Lewis), o filme traz representatividade LGBT e consegue desenvolver lindos laços sem ser previsível. Não seria justo deixar de consagrar Miss Juneteenth, um drama sobre a falta de oportunidade de mulheres negras e o mundo dos concursos de beleza, com um contexto social e uma história comovente, ele com certeza vale a pena. Por fim, o meu primeiro lugar precisa ficar com Soul, animação da Pixar que merece 5 estrelas. Retratando a frustração de um músico de 40 anos, o filme desbrava a alma, pré e pós-vida, e faz repensar sobre quem somos, quais nossas prioridades e o que realmente importa. Além disso, a produção é acompanhada por uma trilha sonora incrível e um humor mais maduro do que outras animações Pixar. 

Filmes Favoritos: 1. Soul / 2. Miss Juneteenth / 3. Você Nem Imagina / 4. Clouds / 5. Por Lugares Incríveis

Vitor Evangelista

Chega a ser injusto encabeçar uma lista do tipo com Nomadland. O trabalho conjunto de Chloé Zhao e Frances McDormand é diferente de tudo que é feito no mercado americano, e suas maiores virtudes estão exatamente na capacidade de fazer Cinema não como um exercício de ego, e sim como uma demonstração ímpar de amor e dever ao contar histórias que merecem ser alastradas. O mesmo pode ser dito sobre a delicadeza de Minari.

Escrito e dirigido por Lee Isaac Chung, a história de amadurecimento conjunto de uma família de imigrantes nos anos 70 é o filme mais amável de 2020. Sobram momentos recheados de afeto e cuidado, principalmente por parte do pequeno Alan Kim e de Youn Yuh Jung, sua avó na tela. A obra mais descarada da lista é Babyteeth, um sick-lit que toca todas as notas certas e umedece os olhos.

O longa australiano é comandado com a mão de fada de Shannon Murphy, diretora que eleva o grau clichê da história do casal de apaixonados mas acometidos por uma doença fatal, e dá as deixas perfeitas para que Eliza Scanlen e Toby Wallace entreguem atuações críveis e dolorosas de acompanhar. Outro lançamento marcante do meio do ano é The King of Staten Island. De Judd Apatow e com Pete Davidson no papel principal, é um coming-of-age tardio mas sóbrio. Por fim, destaco Sofia Coppola e seu On the Rocks, que revive narrativas familiares ao mesmo tempo em que cristaliza o carisma de Rashida Jones, e apenas por isso deve ser condecorado. 

Filmes Favoritos: 1. Nomadland / 2. Babyteeth / 3. Minari / 4. The King of Staten Island / 5. On the Rocks

Caio Machado

Minha relação com o Cinema se tornou mais próxima e intensa neste ano conturbado que foi 2020. Com o fechamento dos cinemas e o adiamento de vários filmes por causa da pandemia, a internet e os festivais de cinema online desempenharam um papel importantíssimo para que eu conhecesse obras incríveis. 

Meu destaque principal vai para A Metamorfose dos Pássaros, filme-ensaio de Catarina Vasconcelos. Através de um relato sensível das memórias da família da diretora, a obra faz poesia através das imagens e nos faz refletir sobre a vida, a morte, o amor e nossa relação com aqueles que amamos. Em seguida, o estilo e a energia vibrante de Meu Nome É Bagdá também me conquistaram. Filmado de um jeito quase documental, acompanhar o cotidiano da skatista adolescente que dá nome ao título flui de uma maneira tão natural e cativante que nem dá para sentir o tempo passar. 

2020 também foi o ano do novo filme de Christian Petzold, Undine. Ao inserir a figura mitológica europeia no contexto da Berlim atual, o cineasta alemão apresenta um conto de fadas contemporâneo, preocupado em valorizar os gestos mais simples (como o abraço de um casal apaixonado) mas sem um “e viveram felizes para sempre…” no final.  Por fim, não podia deixar de mencionar Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre. A jornada de Autumn, adolescente que precisa lidar com uma gravidez indesejada, expõe quão doloroso pode ser tomar grandes decisões quando se é jovem demais para isso, num mundo tão vasto que parece não se importar contigo. Por outro lado, também demonstra o valor que a amizade tem em situações assim: é ela que torna a vida mais suportável, mais leve.

Filmes Favoritos: 1. A Metamorfose dos Pássaros / 2. Meu Nome É Bagdá / 3. Undine / 4. Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre

Ana Marcílio

Após um ano repleto de surpresas no audiovisual, foi complicado criar um ranking com apenas cinco produções, por isso trouxe algumas menções honrosas. Não tem como sair de 2020 sem falar sobre Soul, uma animação linda e profunda, sem perder o tom divertido, característico da Pixar. Outra menção honrosa é o filme M8 – Quando a morte socorre a vida, uma surpresa incrível anunciada no ano passado e comprada, recentemente, pela Netflix. M8 soube abordar assuntos importantíssimos em meio a um enredo instigante, com a atuação admirável de Mariana Nunes e Juan Paiva, mãe e filho no longa. Jeferson De fez um ótimo trabalho na direção, a fotografia sabe ressaltar bem os sentimentos durante os diálogos, sendo um dos grandes destaques da produção – uma dica: assista o pós-créditos. 

Como amante dos filmes de época, não poderia deixar Emma. de fora, mais uma adaptação dos livros de Jane Austen. Apesar das opiniões contraditórias quanto à personagem principal, a atuação de Anya Taylor-Joy permite que o público veja a profundidade dos sentimentos e conflitos da protagonista. Além disso, o figurino e os cenários dão a ambientação perfeita para a história. Já o terceiro e o quarto lugar tiveram disputas acirradas, mas os escolhidos foram O Homem Invisível, um dos thrillers mais bem produzidos da última década, e O Que Ficou Para Trás, um horror psicológico britânico de tirar o fôlego. Ambos apresentam roteiros impecáveis e uma produção minuciosa, preocupada com a experiência do telespectador. Vale a ênfase para a fotografia muito bem desenvolvida, aproveitando-se da luz e sombra e do foco nas cenas de suspense.

Nas primeiras posições, aqueles que me arrepiaram da cabeça aos pés. Em segundo lugar, Hamilton com toda sua genialidade e exuberância. A saída dos palcos para as telas foi sagaz, garantindo ao filme a posição de mais assistido do Disney+. Lin-Manuel Miranda merece tudo isso, com um espetáculo marcante e inigualável, o musical é o melhor dos dois mundos: real e ficcional. Apesar disso, o pódio é comandado por AmarElo – É Tudo Pra Ontem, um documentário sensível, necessário e brilhante. Emicida é um dos grandes artistas da atualidade e carrega um talento admirável. O roteiro é criativo, consegue amarrar diversos símbolos e torna o filme uma obra-prima. Uma das criações mais emocionantes do último ano, deixando sua marca na cultura brasileira.

Filmes Favoritos: 1. AmarElo – É Tudo Pra Ontem / 2. Hamilton / 3. O Que Ficou Para Trás / 4. O Homem Invisível / 5. Emma.

Larissa Vieira 

2020 foi um ano que nos exigiu muito, e filmes e séries foram um dos únicos reconfortos que encontramos em meio a tantas incertezas. Os filmes Sessão da Tarde foram os que mais me agradavam, já que ver o mundo desabando já não parecia tão ficção assim. Foi assim que produções do Disney+, recém-chegado ao Brasil, agradaram tanto o paladar de uma amante dos universos mágicos e apaixonantes. A animação Soul tem destaque na lista dos favoritos como um dos mais consoladores do ano, ao mesmo tempo que abria nossos olhos a um dos temas mais pertinentes do ano: a morte. Tema que ainda é pertinente em Clouds, um retrato de uma história real, que toca o coração de maneira que você sente a perda como se fosse um parente seu, mas ainda assim termina o filme feliz e sorrindo. 

A Netflix, de outro modo, reconfortou nossos corações com clichês de comédias românticas. Trazendo ex-estrelas do Disney Channel, a plataforma agradou ao criar Feel The Beat e Dançarina Imperfeita (Work It), com enredos clichês parecidos porém super convenientes ao período que vivemos; mas a plataforma surpreendeu ao descobrir uma nova forma de contar essas histórias românticas já conhecidas. Foi o caso de Tudo Bem no Natal que Vem, que traz uma nova representação do Natal: nada de neve, e sim o calor de 30º brasileiro, confusões de família ao invés daquela troca de presentes perfeita! A comédia previsível de Leandro Hassum tem uma reviravolta tão clichê, porém tão inesperada… 

Esse inesperado é o que garante à Enola Holmes o topo da lista. Trazer o clichê de histórias de Sherlock Holmes para uma nova visão é o que torna o filme tão surpreendente. O desenvolvimento brilhante da personagem, em contraponto a história de herói do irmão, é mérito, em grande parte, da atuação de Millie Bobby Brown, que nasceu certa para o papel, mas também da forma como a história foi contada, com o protagonismo das personagens femininas, os “locais” em que as personagens masculinas foram postas e todo o cenário criado para a história.

Filmes Favoritos: 1. Enola Holmes / 2. Tudo Bem no Natal que Vem / 3. Clouds / 4. Soul / 5. Feel The Beat

Marcela Zogheib

Para mim, timing é muito importante quando você decide ver um filme, e não sei dizer como 2020 se encaixa nisso. Foi um ano estranho para o Cinema, a indústria não tinha pra onde ir e a gente não podia ir pra onde queria, as salas de cinema. Nesse ano houveram lançamentos, mas os filmes que eu mais gostei foram aqueles antigos que traziam uma lembrança de vida fora do usual (não é à toa que todo mundo surtou quando Scooby Doo entrou na Netflix). Por isso, acho que já vou começar com o filme que realmente mais amei esse ano, Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica, uma produção que, apesar de ser da Pixar, fiquei com um pouco de receio e acabei me encantando, em mais de um sentido. A história de dois irmãos e um (meio) pai que embarcam em uma aventura mística era tudo que a gente precisava no começo quando tudo que dava para fazer era esperar.

Aproveitando o tópico Pixar, Soul foi o lançamento que eu mais esperei, mostrei o trailer para todo mundo e via sempre que lembrava. O filme toca em questões sobre a vida que chegaram no momento certo, e muito estratégico, sendo lançado no dia do Natal. Outro lançamento muito esperado, quase por cinco anos, foi Hamilton, Lin-Manuel Miranda, o roteirista e protagonista sempre dizia que a espera ia valer a pena, e ele estava certo. O musical traz uma emoção diferente de outras peças filmadas no mesmo formato, dá para sentir a performance dos atores como se cada movimento fosse feito calculadamente para nos emocionar. 

No tópico filmes que eu talvez não teria visto se não tivesse atingido um alto nível de estresse do EAD e tédio de ficar em casa, Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fabulosa me surpreendeu muito, todo mundo já sabe que a Arlequina é incrível e a Margot Robbie mais ainda, mas o filme traz muito mais que isso em uma produção divertida que eu nem lembrava que a DC sabia fazer. Por fim, o meu escolhido como melhor filme do ano é Palm Springs, fui assistir sem saber absolutamente nada e ele entregou tudo que eu queria e precisava. Não quero me estender nele porque acho que a surpresa é a melhor parte, mas não tem como não esperar grandes coisas quando falamos de Andy Samberg. A história é intrigante, divertida e tem só 90 minutos, afinal acho que pouca gente consegue olhar para uma tela por mais tempo que isso a essa altura do campeonato.

Filmes Favoritos: 1. Palm Springs / 2. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica / 3. Hamilton / 4. Soul / 5. Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fabulosa

Júlia Paes de Arruda

Assistir algum filme, especialmente acompanhado de pipoca, sempre foi meu refúgio para não beirar a loucura. Ano passado, cheio de preocupações, anseios e incertezas vindas de todos os lados, não foi diferente. Qualquer entretenimento que eu via, eu corria atrás.

Dentre os meus favoritos do ano, Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa foi o que vi pela última vez dentro de um cinema. O filme solo da anti-heroína é divertido, colorido e, de certa forma, inspirador. Por se falar em inspiração, Por Lugares Incríveis me deixou encantada. É aquela dose de emoção perfeita para ser vista em dias de chuva, especialmente se você está viajando de ônibus de uma cidade pra outra. 

Já dentro da quarentena, Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica caiu de paraquedas e tocou o coração. Animações que falam de sentimentos sempre mexem comigo. Aliás, Soul merece um destaque especial nessa lista. Não só pela temática extremamente importante, mas também por ter apresentado a 22, com sua espontaneidade e energia cativantes. Por fim, não poderia deixar de citar Mulan que, mesmo com as mudanças de roteiro, deixou a história emocionante. 

Filmes Favoritos: 1. Soul / 2. Por Lugares Incríveis / 3. Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa / 4. Mulan / 5. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica

Ana Júlia Trevisan

I believe in Sacha Baron Cohen supremacy. Ator destaque em dois lançamentos – Os 7 de Chicago e Borat: Fita de Cinema Seguinte – apresentou produções antagônicas e vendeu de forma fenomenal os dois papéis. Uma delas não poderia ficar de fora do meu pódio, conquistando o primeiríssimo lugar: Os 7 de Chicago. Ambientada em 1969, o filme traz o julgamento de sete pessoas que lideraram manifestações contrárias a Guerra do Vietnã, que havia se iniciado no ano anterior. Tendo como cenário principal o tribunal, a direção propõe um segmento interessante para um filme de guerra longe dos campos de batalha.

O sucesso de Parasita na anterior temporada de premiações me deixou de olhos abertos para produções sul-coreanas, que ganham dois espaços nessa lista. O primeiro a conquistar meu coração foi o apaixonante Minari. Apesar da produção ser estadunidense, o filme foi escrito e dirigido por Lee Isaac Chung, e estrelado por atores da mesma nacionalidade. Merecidamente, Minari pegou uma vaga em Best Picture no Oscar, e meu sonho é ouvir o discurso de vencedor do representante presente na premiação. Call, da Netflix, foi o outro filme que me agradou. Amante dos filmes de terror que sou, me envolvi na perturbadora história de solidão de duas jovens em épocas distintas.

Personagens femininas arrebatadoras com narrativas atemporais também sempre tiveram minha atenção, mas esse ano conseguiram se superar. Pieces of a Woman vai além desse ranking, entra para a lista de filmes mais sensíveis sobre assunto pesado. Vanessa Kirby interpreta com transparência as brutais dores de Martha Weiss que perdeu sua filha recém nascida, envolvendo o telespectador no luto. Outro filme em que a protagonista é dona do enredo, se fazendo presente em todas as cenas e nos fazendo submergir na história é Bela Vingança. Impactante, deixa gosto amargo na boca e seu final faz reverberar todas as discussões que surgem ao longo da trama. Não é atoa que ambas atrizes estão concorrendo às principais premiações. 

Filmes Favoritos: 1. Os 7 de Chicago / 2. Minari /  3. Pieces of a Woman / 4. Bela Vingança / 5. Call

Elder John 

Apesar das dificuldades apresentadas pelo ano de 2020, tivemos produções importantes nesse período, e minha lista consiste em filmes que, de alguma forma, me fizeram refletir. Soul, mesmo que uma animação, foi um filme que se destacou pela temática apresentada. Assim como O Poço, referência nesse sentido e se tornou marcante.

Em contrapartida, Destacamento Blood e Por Lugares Incríveis me despertaram um sentimento de proximidade muito forte com algumas cenas. São filmes com temáticas totalmente distintas, mas eu enxergo uma identificação com as obras e por isso o lugar especial na lista.

Por fim, Bad Boys Para Sempre, talvez pelo sentimento nostálgico de rever a dupla icônica de policiais, ou até mesmo por ser fã de Will Smith e Martin Lawrence. A expectativa para 2021 é assistir mais filmes que me surpreendam e me façam sentir parte.

Filmes Favoritos: 1. Bad Boys Para Sempre / 2. Destacamento Blood / 3. O Poço /  4. Por Lugares Incríveis / 5. Soul

Ana Beatriz Zanuni

Definir um filme favorito em todos os quesitos é uma missão impossível. Portanto, decidi pontuar um em cada “categoria”, passando pelos tradicionais cotados para o Oscar [Nomadland], divisores de opiniões [Bela Vingança], filmes de herói – ou nem tanto – [Aves de Rapina], documentários [Miss Americana] e as comédias típicas das produções de streaming [Eu Me Importo].

O mais novo filme estrelado por Rosamund Pike – vencedora do Globo de Ouro pelo papel -, Eu Me Importo é surpreendente, desconfortável e fora da caixa, relembrando os primeiros filmes produzidos pela Netflix, e que agora se encaixa no perfil das realizações do Prime Video. Pike carrega o longa-metragem de maneira exemplar, em uma jornada sem vilões ou heróis, que te faz duvidar da sua própria moral. Continuando nas distribuições da Netflix, Miss Americana fecha o arco de redenção de Taylor Swift, após os eventos de 2016, com uma obra íntima e emocionante, sendo essencial para todo e qualquer fã da cantora.

Estreiado há mais de um ano, Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa se coloca como um dos maiores acertos da DC nos cinemas, sempre contando com o carisma de Margot Robbie, e, depois das decepções de Mulher Maravilha 1984, conquista o trono de melhor filme de herói do ano, tranquilamente. Falando de emancipação, Bela Vingança – ou o representante de Kill Bill da década de 2020 – tem uma narrativa engajante, e aborda uma história de traumas, vinganças e cheia de plot twists. Por fim, em Nomadland, Chloé Zhao não deixa dúvidas do porquê merece mais do que ninguém o Oscar por Melhor Direção e Melhor Filme, com uma história reflexiva, contada brilhantemente por meio da atuação de Frances McDormand, que volta a atenção do público às questões econômicas dos Estados Unidos e a vida dos ‘nômades’ do país em um momento extremamente necessário, quando o mundo passa por uma nova crise. 

Filmes Favoritos: 1. Nomadland / 2. Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa / 3. Bela Vingança / 4. Miss Americana / 5. Eu Me Importo

Jho Brunhara

Algumas semanas atrás li um artigo da i-D Magazine sobre como mulheres assassinas do audiovisual e da literatura se tornam ícones para crianças LGBTQ+ durante a infância e adolescência. Resumidamente, em um mundo no qual a masculinidade é hegemônica, assistir o poder emanar de mulheres que, muitas vezes, buscam vingança e justiça, é encorajador e satisfatório. Enquanto assistia Bela Vingança (Promising Young Woman), esse era o único sentimento que explodia dentro de mim. Ao longo das 2 horas de filme, a protagonista Cassie, interpretada pela maravilhosa Carey Mulligan, transborda astúcia e meticulosidade, que, infelizmente, vem de um lugar horrível de seu passado. Enquanto enfrenta o inimigo do longa, o machismo estrutural que causa dores terríveis e arruína vidas para sempre, a personagem vira um espelho de todo espectador que alguma vez já sentiu na pele alguma forma de violência oriunda dele. Emerald Fennell costura um roteiro de tirar o fôlego e deixar na ponta do sofá. 

Sem Ressentimentos (Futur Drei), drama alemão de Faraz Shariat, é outro que luta contra um sistema preconceituoso. Nesse longa de amadurecimento, assistimos o florescer de um romance gay em um centro de refugiados, e também roemos as unhas durante o processo de uma irmã e um irmão iranianos para conseguir cidadania alemã e fugir de um país em que a homossexualidade é crime. O arrebatador Nomadland, de Chloé Zhao, desmantela o capitalismo e prova que a solidão pode ser menos só do que aparenta. Frances McDormand se funde perfeitamente à atmosfera do filme e, em momentos, parece ser a própria Fern em carne e ossos. 

Valentina, drama LGBTQ+ imperdível de Cássio Pereira Dos Santos, é, sem dúvidas, um dos longas mais importantes do ano. Estrelado pelas talentosíssimas Thiessa Woinbackk e Guta Stresser, o coming-of-age brasileiro discute a adaptação de uma menina trans numa cidade do interior de Minas Gerais, juventude, transfobia, amizade e, principalmente, identidade. Por fim, o milagroso Minari, drama familiar de Lee Isaac Chung, é muitas coisas de uma vez só, mas funciona. Exatamente como as relações de uma família de verdade, Chung consegue colocar na tela todas as sensações de tensão e pertencimento, nos fazer passar raiva e também nos emocionar. 

Filmes Favoritos: 1. Bela Vingança / 2. Sem Ressentimentos / 3. Nomadland  / 4. Valentina / 5. Minari

Luize de Paula

2020 foi um dos anos em que eu mais assisti filmes em casa pelos serviços de streaming devido a pandemia, mas antes que isso acontecesse e começassem os longos meses em que chorei (e choro) de saudades de uma pipoca de cinema, a estreia de Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa foi um dos maiores presentes da DC no Universo Cinematográfico até hoje. Desde a estreia de Esquadrão Suicida, os rumores de algo futuro envolvendo as personagens femininas dos quadrinhos me deixaram animada para ver novamente a Arlequina de Margot Robbie. Apesar do medo de ser uma continuação da confusão que o filme de 2016 foi, a diretora Cathy Yan não decepcionou e entregou um dos melhores filmes do ano. Desde a divulgação até a introdução de novas personagens dos quadrinhos para os cinemas, Aves de Rapina é, em poucas palavras, simplesmente fantabuloso.

Muitos filmes e séries de 2020 trouxeram a atenção internacional para o Brasil por causa de seu grande destaque nas plataformas de streaming, como é o caso do filme norte-americano sobre o brasileiro Sergio Vieira de Mello – interpretado pelo brilhante Wagner Moura – ou “O Homem que queria salvar o mundo”, título do livro que inspirou a produção da Netflix. Mostrando parte da vida do Alto Comissário de Direitos Humanos da ONU, Sergio é uma cinebiografia repleta de flashbacks e cenas esteticamente impecáveis e emocionantes, contando a história do diplomata e ainda com uma história de amor em segundo plano. Ana de Armas e Wagner Moura nos entregam cenas cheias de paixão e beleza, não restando dúvidas que a representação do romance de Sergio com a argentina Carolina não seria o mesmo se não fosse pela escolha desses atores. Ainda nas brasilidades, o filme Tudo Bem no Natal que Vem é um prato cheio de comédia, com drama e sutileza ao mesmo tempo. Leandro Hassum consegue nos tirar risadas em duas horas, ao mesmo tempo que nos faz chorar, refletir e aquece os nossos corações com uma história leve. Em uma mistura de um Natal bem brasileiro, com reviravoltas envolventes e um roteiro que lembra nostalgicamente o filme Click (2006), a Netflix acertou novamente.

Não podendo faltar um musical na minha lista, a gravação do musical Hamilton na Disney+ também entra como um dos meus favoritos. Apesar de ser o pior pesadelo para quem não gosta de musicais, por ser pura música e sem diálogos ao longo de toda sua gravação, Hamilton é agradável esteticamente e sonoramente aos que gostam e apreciam. É uma experiência única, como assistir um álbum completo com todos os seus sentidos. Também da Disney+ e com um forte apelo aos que gostam de música, a animação Soul tocou as almas de todos que assistiram. Assim como as outras grandes produções da Pixar, o desenho vem acompanhado de teorias de conexão com outros filmes do estúdio, o que faz a experiência não ser apenas para as poucas horas de filme. Emocionante, faz ponderar sobre seguir seus sonhos e sobre o nosso propósito na vida de maneira impactante.

Filmes Favoritos: 1. Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa / 2. Sergio / 3. Tudo Bem no Natal que Vem / 4. Hamilton  / 5. Soul

Ana Laura Ferreira

Mesmo com cinemas fechados, estreias adiadas e sets de filmagem lacrados, a Sétima Arte deu um jeito de driblar os empecilhos da quarentena. E dessa vontade magistral de mostrar para o mundo as maravilhas cinematográficas que os estúdios tinham guardadas na manga que fomos felizes por meio dos streamings. Ainda em tempos normais, Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica da Pixar trouxe uma história recheada de carinhos familiares e se destacou por pegar o cinema pipoca e recheá-lo de carga dramática, tornando o filme “infantil” ideal para todas as idades – coisa que a produtora sabe bem como fazer.

Mas, já em momentos de lockdown, plataformas como Netflix e Amazon se destacaram pelo nível de qualidade que vinham mostrando há algumas temporadas de premiações, mas que agora se comprovam de forma mais sólida a olhos leigos. Entre os destaques, O Diabo de Cada Dia traz uma atmosfera bruta e melancólica que conflita com doses de thriller psicológico, criando uma narrativa imersiva.  Mas não podemos esquecer de Os 7 de Chicago, que chegou com a carga política potente e abriu caminho entre as premiações, graças ao seu roteiro primoroso e a atuação de Sacha Baron Cohen.

Migrando para o gênero de comédia, Andy Samberg nos presenteou com a cômica ficção científica Palm Springs, que não se deixa perder no gênero, criando personagens profundos e dinâmicos. E é claro que ainda existem inúmeras produções que merecem ser consagradas por sua magnitude, entre elas Nomadland, Uma Noite em Miami… e Judas e o Messias Negro. Porém, destaco como a melhor obra Promising Young Woman, ou Bela Vingança. Pesado, complexo, dramático e poderoso de todas as formas possíveis, Carey Mulligan nos entrega a protagonista mais marcante dos últimos tempos e toca em temas delicados com a quantidade perfeita de acidez necessária para causar o incômodo que precisa.