Não poderíamos terminar o Melhores do Ano sem falar do setor que retomou os seus dias de glória em 2021: o Cinema. Após a paralisação completa das salas ao redor do mundo em 2020, em decorrência da pandemia de covid-19, o audiovisual precisou se readaptar. Com isso, ano passado foi o momento de observar o efeito da ascensão dos streamings, assim como o retorno da sagrada experiência de subir as escadas para sentar em uma poltrona aconchegante e comer pipoca fresquinha enquanto assiste ao mais novo lançamento cinematográfico na telona. 

As repercussões desse novo cenário podem ser vistas na principal premiação do Cinema. Na aclamada categoria de Melhor Filme do Oscar 2022, dos 10 indicados, 6 tiveram apoio na distribuição pelos serviços de streaming. A Netflix continua dominando o meio com seus originais, e emplacou 9 produções em 15 categorias diferentes. Mas, deixando as premiações de lado, o Persona também se dedicou em realizar sua própria condecoração diante da Sétima Arte. 

Com base em rankings feitos pela Editoria e nossos Colaboradores, 78 produções foram definidas como os Melhores Filmes de 2021. Do faroeste de Jane Campion à turma do bairro do Limoeiro, as produções aqui permeiam pela variedade dos grandes estúdios até os feitos do Cinema Independente. Fato esse que pode ser demonstrado pelos nossos três campeões de menções: Ataque dos Cães, Duna e Titane. 

A pluralidade de escolhas também é representada por uma volta ao globo terrestre. Entre os países de origem dos filmes que foram citados, estão: Brasil, Estados Unidos, França, Itália, México, Nova Zelândia, Irlanda, Japão, Alemanha, Kosovo, Dinamarca, Reino Unido, Islândia, Espanha, Colômbia, Irã, Coreia do Sul e Noruega. Destes, 7 obras citadas são produções nacionais, contando com nomes como o aguardado Marighella de Wagner Moura, o relevante Cabeça de Nêgo e o quase nomeado ao Oscar Deserto Particular. 

E, falando no careca dourado, dos 10 filmes que concorrem ao prêmio máximo da Academia, 9 apareceram na nossa lista. O olhar romântico de Paul Thomas Anderson e a comovente história de uma família de surdos não poderiam passar por 2021 sem marcar presença aqui. No Mês da Mulher, também teve espaço para elas na nossa lista, mas não na dose que deveria. Entre os 78 filmes citados, 19 foram dirigidos ou codirigidos por mulheres, o que representa quase, e apenas, ¼ do ranking total. 

Se vamos encontrar um cenário como esse no próximo ano, só o tempo irá dizer. Fato é que se podemos ter esperança em alguma mudança significativa no mundo cinematográfico, ela deve ser sempre pautada pela diversidade. Com base em 20 olhares diferentes, você confere abaixo a seleção do Persona para os Melhores Filmes de 2021. 

7 Prisioneiros

Um dos finalistas à submissão para representar o Brasil como Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, o longa protagonizado por Rodrigo Santoro e Christian Malheiros serve para denunciar trabalho análogo à escravidão e alcança o mesmo patamar de obras consideradas colossais no Cinema nacional. O filme se passa na capital paulista, escancarando o quão próxima essa realidade está – o pensamento político por trás de quem comanda – e como não fazemos questão de enxergar a barbárie. A direção de fotografia usa do triste cinza da maior metrópole da América Latina para traduzir a realidade apresentada. 

Rodrigo Santora se reafirma como um dos maiores atores de sua geração, enquanto Malheiros ganha um personagem notório que, além de ser um deleite assistir sua atuação, proporciona o raio-x social e econômico do país. A reviravolta do roteiro acentua toda a complexidade do tema, trazendo camadas do sistema que te oprime e te torna opressor. A direção incisiva de Alexandre Moratto se preocupa a todo momento em aproximar a ficção da realidade, tornando 7 Prisioneiros não apenas um dos melhores do ano como um dos melhores nacionais do momento. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a chegada de Mateus a São Paulo; e a última cena.

A Crônica Francesa (The French Dispatch)

O senso comum nos filmes de Wes Anderson é o jogo de câmeras milimetricamente calculado, além dos cenários coloridos que ganham espaço e se expandem em nossa consciência. Mas em A Crônica Francesa, Anderson evoca sentimentos através de uma mistura de cenas coloridas e em preto e branco – jogo utilizado para evidenciar as histórias que não pertencem à trama principal –, atingindo seu auge cinematográfico. Através dos lindos enquadramentos, uma história deslumbrante (e cheia de ramificações) é narrada, contando com um  elenco de peso – de Bill Murray e Benicio del Toro a Tilda Swinton e Adrien Brody – para prestar uma singela homenagem à revista The New Yorker. Invariavelmente, temos o registro de uma verdadeira ode ao jornalismo.

Wes Anderson já havia ensaiado anteriormente seu desejo em homenagear a revista, pois um de seus passatempos favoritos sempre foi a leitura dos contos publicados nela. Foi lá, inclusive, que conheceu as histórias de J.D. Salinger, autor da conturbada família Glass a qual serviu de referência máxima na composição de Os Excêntricos Tenenbaums (2001). Porém, o foco do enredo – como é de se esperar num filme de Anderson – são as pequenas histórias que se interligam, cuja trama é orientada através do cotidiano dos funcionários que dão vida a revista diariamente (no filme, a revista se chama The French Dispatch). No fim, A Crônica Francesa provou que o mundo fantástico do diretor vai muito além do virtuosismo técnico – é humano, demasiado humano. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a história, narrada pela crítica de arte J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), sobre o personagem Moses Rosenthaler (Benicio del Toro), um presidiário com personalidade psicose que começa a pintar quadros fabulosos à medida que se relaciona com a guarda da prisão, Simone (Léa Seydoux). 

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas (The Mitchells vs. the Machines)

A Sony Pictures Animation vem ganhando destaque no cenário de animações, e A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas é mais um acerto que atesta a produtora como uma das melhores da atualidade. Com uma trama ágil e divertida, o roteiro nos leva a conhecer uma família extremamente carismática, a qual possui dramas bem realistas, facilmente identificáveis e que auxiliam tanto as gerações mais velhas quanto as mais jovens a se conectarem com os personagens. Outro ponto fortíssimo desse longa é seu humor, pois todo o enredo é recheado de piadas super divertidas e leves, que, com certeza absoluta, agradam toda a família. 

O estilo da animação é um grande diferencial do filme. Misturando o estilo 3D com o 2D, consegue criar cenas magníficas, além desse elemento ser utilizado até mesmo na comédia presente na história. Há vários momentos que aparecem colagens, montagens, referências e outros aspectos visuais que tornam toda a projeção ainda mais cativante de se assistir. Devido aos seus vários pontos positivos, A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas foi indicada ao Oscar de Melhor Animação, e merece muito esse prêmio, pois esse é um longa-metragem que transborda carisma, criatividade e paixão. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a cena de abertura do filme; a interação da família Mitchell com os robôs com defeito; e a luta contra os Furbies.

A Filha Perdida (The Lost Daughter)

Após ler o romance de Elena Ferrante, veio a curiosidade de assistir a adaptação dele, A Filha Perdida, da Netflix, que foi escrito, produzido e dirigido pela estreante Maggie Gyllenhaal (Batman – O Cavaleiro das Trevas). Surpreendentemente fiel ao livro, o filme arrisca ao mostrar de forma sincera (e assustadora) o universo feminino e suas funções na sociedade. A Filha Perdida conta a história de Leda (Olivia Colman, e, na juventude, Jessie Buckley), uma mulher divorciada que viaja sozinha para a Grécia durante as férias. Enquanto está na praia, ela observa uma mulher jovem, Nina (Dakota Johnson) cuidando de sua pequena filha e começa a recordar momentos de seu passado como mãe. 

Durante esses flashbacks mentais de Leda, fica evidente as dores que essas recordações acarretam, somadas  à conclusão de que ser mãe nunca foi seu real desejo. Ao contrário de muitas mulheres que vêem na maternidade o motivo para se sentirem realizadas, para Leda, não passou de um fardo, ou uma imposição do casamento. Tais assuntos, apesar de delicados, são retratados com sensibilidade e respeito. É um filme que intimida e incomoda, e, sem dúvida, deve ser visto e quem sabe até debatido, por pessoas de qualquer gênero. A Filha Perdida foi indicado a várias premiações, dentre elas: Oscar 2022 de Melhor Atriz para Olivia Colman, e ao BAFTA Awards 2022 de Melhor Roteiro Adaptado para Maggie Gyllenhaal. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: a dança de Leda em uma festa, após se surpreender ao notar que estava tocando a sua música preferida; e a conversa entre Leda e Nina, quando a primeira conta de forma dramática como foi ficar uma temporada bem longa longe de suas filhas.

A Ilha de Bergman (Bergman Island)

É curioso pensar em A Ilha de Bergman como projeto, pois além da cineasta usar como título e pano de fundo o nome de um outro cineasta, considerado por muitos como um dos maiores de todos os tempos, surge também o receio de encontrar tentativas medíocres de reproduzir os embates filosóficos, as hostilidades ou os laços complexos que se desfazem, ao inigualável modo Ingmar Bergman de fazer filmes. No entanto, a obra vale muito a pena, pois, além de ser uma aula de aprendizagem sobre o autor sueco, também discorre sobre o amor, desenvolvimento profissional e dor.

Produzido pelo brasileiro Rodrigo Teixeira (A Vida Invisível) e dirigido por Mia Hansen-Løve (O Que Está Por Vir), A Ilha de Bergman é centrado no casal de cineastas Chris (Vicky Krieps) e Tony (Tim Roth). Em busca de um lugar tranquilo para escrever seus novos filmes, eles decidem passar um verão na Ilha de Fårö, onde Ingmar Bergman viveu os últimos anos de sua vida. No local, o casal passa a ter os mesmos conflitos existentes nas obras intimistas e melancólicas retratadas pelo cineasta sueco. O longa concorreu à Palma de Ouro do Festival de Cannes 2021 para Mia Hansen-Løve e chegou aqui pela 45ª Mostra de SP. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: quando Chris e Tony estão próximos à janela e vemos pelos olhos deles a paisagem do externa da casa; e quando Tony está fazendo um passeio com um grupo de turistas, explorando a Ilha de Fårö, enquanto a guia de turismo dá uma aula sobre a importância de Bergman para a história da ilha, que ganhou destaque principalmente após gravar no local alguns dos seus célebres filmes.

A Lenda de Candyman (Candyman)

Retomar a história de filmes de terror considerados clássicos pode ser uma empreitada arriscada. No caso do Candyman dirigido por Nia DaCosta, a retomada serviu como uma atualização muito bem-vinda de um dos personagens mais assustadores dos anos 1990. Em sua curta duração, elabora um mistério envolvente e traz discussões certeiras sobre temas sociais e raciais, de forma que o horror do mito de Candyman se funde aos horrores vividos pela população negra na vida real. Ao adotar o ponto de vista de um jovem artista negro, Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), abre um leque de possibilidades muito bem exploradas pelo filme. 

Essas possibilidades geraram um dos melhores (e mais assustadores) momentos da obra: os assassinatos dentro da galeria de arte. A cena é linda visualmente e aterroriza por estabelecer uma tensão crescente entre o ambiente e os reflexos dos espelhos. Outra cena assustadora é a do final, onde a violência sangrenta e a música colaboram para deixar a situação apavorante. Aquela aparição, bem nos últimos segundos do filme, e aquela voz marcante são capazes de dar arrepios em qualquer um e mostram, caso ainda não tenha ficado claro, que Candyman vive. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: os assassinatos na galeria de arte fechada, repleta de espelhos e onde a maior fonte de luz é a projeção de um filme na parede, é uma aula de como construir tensão no terror; a cena final, onde a violência sangrenta acontece fora do carro de polícia em que a protagonista está, também merece destaque por fechar o filme de uma forma profundamente desconcertante. 

A Lenda do Cavaleiro Verde (The Green Knight)

A reimaginação da lenda arthuriana escrita e dirigida por David Lowery merece ser relembrada como um dos melhores filmes de 2021, pois o roteiro busca não apenas reproduzir uma história conhecida, mas refazê-la completamente, ao mesmo tempo que propõe reflexões e questionamentos sobre a honra e o destino. A jornada de Gawain é cheia de dúvidas, medo e hesitação, atitudes que nada se assemelha a um cavaleiro, e é o ponto mais forte da trama, discutir a honra e perguntar: o que ser honrado significa? Todo ato honrado é necessariamente bom? Nessas questões, a lenda já conhecida ganha camadas de profundidade e reflexão.

Mas as problemáticas do filme não se prendem apenas à honra, uma vez que ele discute sobre as nossas escolhas e as consequências que delas provém. Gawain se vê atormentado durante todo o longa por causa da decapitação do Cavaleiro Verde, e ele o fez mesmo sabendo que isso iria voltar para si. Tal atitude faz o personagem se questionar sobre o que ele realmente almeja e o que esperam dele, e essa dualidade de pensamentos permeia todo o longa-metragem, além de servir com uma indagação não só para o protagonista, como para a audiência também. A Lenda do Cavaleiro Verde carrega uma história densa, moderna, sombria e que aborda temas muito filosóficos, sendo um dos filmes mais intrigantes do ano. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a primeira aparição do Cavaleiro Verde; a moça que pede ajuda no lago; e o delírio que o protagonista tem sobre seu futuro.  

A Mão de Deus (È stata la mano di Dio)

As cenas iniciais de A Mão de Deus dão o tom de todo o filme. Após ver o mongezinho (uma criança vestida de monge), Patrizia (Luisa Ranieri) acredita poder finalmente engravidar. O quadro seguinte sucede a uma violenta reação do marido, Franco (Massimiliano Gallo), que acredita ter sido traído. É genial enxergar que o mítico e o real, de forma violenta, entram em choque, inserindo no contexto desproporcional de Nápoles Fabietto (Filippo Scotti), que está tentando encontrar sua própria essência enquanto lida com as adversidades da adolescência – perda da virgindade, passagem à idade adulta e seu amor pelo jogador Diego Maradona, figura a quem pertence o gol que dá título ao filme, cujo lado mitológico também será explorado. 

Até pouco mais da metade do filme há um desenvolvimento muito próximo da comédia dramática – tal qual Amarcord (1973), de Federico Fellini. Depois, após um acontecimento trágico, o longa muda bruscamente e entramos ainda mais na cabeça de Fabietto, cujo sonho – ainda incerto – é tornar-se cineasta. Essa quebra de estrutura traduz em imagens os sentimentos de Fabietto, que, enquanto se divide entre o vago destino de se tornar um artista, precisa lidar com a tragédia familiar e amadurecer repentinamente. Não surpreende que a graça de A Mão de Deus esteja na consagração do diretor Paolo Sorrentino como uma voz italiana original e poética, pois, a partir do futebol, conseguiu traçar uma história incomparável e familiar ao mesmo tempo: a sua própria. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena em que a família está vendo o jogo no qual Maradona marca o gol de mão; e o momento em que Fabietto tem uma conversa com o diretor Capuano sobre cinema, definindo seu futuro como cineasta.

A Noite do Fogo (Noche de Fuego)

As produções latino-americanas ficaram pelo caminho da corrida ao Oscar 2022, e talvez a perda mais doída dessa safra seja a seleção do México para a categoria de Melhor Filme Internacional, porque apesar de atribuído ao país indicado, se tem algo que a obra de Tatiana Huezo não é, é individual. Desde sua grandiosa produção em parceria com Brasil, Catar e Alemanha, até os detalhes mais fortes de sua história protagonizada por três jovens mulheres, A Noite do Fogo é a mais pura representação do porquê o Cinema é uma Arte coletiva.

O aspecto em questão é sempre o mais forte no gênero do documentário, linguagem em que a diretora é mestra. Para a sua primeira ficção, então, ela dedicou sua habilidade narrativa para adaptar livremente o livro Reze pelas mulheres roubadas, de Jennifer Clement. O resultado foi apreciado nos 4 cantos do mundo: no Festival de Cannes ou de Pingyao, na Academia ou na cidade de São Paulo, a obra fez de 2021 o ano de entender de uma vez por todas que pelo menos uma das tais veias abertas da América Latina é consequente de noites como a de fogo. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que as três protagonistas estão conversando sobre o que pode acontecer com elas embaixo da árvore; e a tal noite de fogo.

A Tragédia de Macbeth (The Tragedy of Macbeth)

Se há algo ainda mais difícil do que contar uma história inteiramente nova, é achar uma nova maneira de contar uma história que todo mundo já ouviu milhares de vezes. Adaptando uma das peças mais famosas da língua inglesa, o diretor Joel Coen – pela primeira vez separado do irmão – escreve A Tragédia de Macbeth com mão firme, uma estética robusta e um bom olho para o elenco, que conta com Denzel Washington como o protagonista titular e Frances McDormand como sua ardilosa esposa.

Filmado em preto e branco e perspectiva quadrada, a quieta intensidade do filme reflete a junção dos seus aspectos teatrais com algumas das técnicas cinematográficas mais refinadas que o meio é capaz de proporcionar. A fotografia geométrica e precisa de Bruno Delbonnel é instantaneamente hipnotizante, ludicamente traduzindo do palco para tela a sua tragédia de erros que culmina em um final sangrento e potente. Denzel Washington é titânico no papel que lhe rendeu a indicação ao Oscar de Melhor Ator, combinando tanto a violência decisiva quanto o remorso lunático que levam a personagem ao seu triste fim. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: toda e qualquer cena envolvendo as três bruxas; e a caminhada de Macbeth em direção aos aposentos do Rei.

A Vida Depois (The Fallout)

O anúncio de um filme tratando sobre um tiroteio escolar sendo lançado diretamente por streaming não inspira muita confiança. Hollywood sempre teve propensão a explorar tragédias de maneiras que não respeitam as pessoas que viveram por elas, ou de enobrecer seu sofrimento quase ao ponto da paródia. Felizmente, A Vida Depois se esquiva dessa sina ao focar no impacto do trauma na vida de suas personagens e as diferentes maneiras que elas reagem a ele, por meio  de uma excelente caracterização e um roteiro sem medo de se abrir.

Grande vencedor do festival SXSW, o filme ganha vida e profundidade pela atuação sensível e reveladora de Jenna Ortega no papel de Vada, uma adolescente que fica presa em um banheiro com outras duas pessoas quando tiros são disparados dentro de sua escola. Capturando o terror da situação, já teria sido suficiente para a maioria, mas a A Vida Depois deixa claro que isso não é o bastante: a vida dessas personagens não acaba depois que elas passam por esse incidente, e talvez essa seja a parte mais difícil e macabra de se aceitar. Rejeitando a noção de que há uma maneira “correta” de se enfrentar um trauma, o longa de estreia da atriz Megan Park na direção e no roteiro deixa uma marca indelével. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Vada fica chapada na escola e estoura uma caneta na boca; o momento em que ela se reconecta com a irmã; e a notificação que aparece em seu celular no final do filme.

Amor, Sublime Amor (West Side Story)

Quando foi lançado, em 1961, Amor, Sublime Amor arrebatou um público cativo, ainda deslumbrado com a mágica e o fascínio dos musicais. O resultado foi uma performance arrebatadora nos prêmios da Academia do ano seguinte, faturando dois dígitos de troféus dourados. Então, qual a necessidade de recriar um clássico? Um filme repleto de significados e mensagens atemporais? Para Steven Spielberg, a motivação é tão clara quanto as luzes que iluminam o ginásio do colégio onde Tony e Maria se encontram: ele quer melhorar o que já era ótimo.

Apaixonado pelo longa de Jerome Robbins e Robert Wise, o pai do Cinema pipoca e o diretor que desbravou todo e qualquer gênero e formato, Spielberg realiza seu primeiro musical com o brilho nos olhos de uma criança. Na revigorante versão de 2021, Maria (Rachel Zegler) se apaixona por Tony (Ansel Elgort), iniciando um romance proibido, que perpassa suas vivências, rotinas e suas vidas. Anita (Ariana DeBose) interfere no que pode, mas o destino está selado. No topo de suas habilidades como criador, Spielberg alinha os astros para que, de maneira sublime, ele filme e eternize o amor. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o encontro na varanda; a movimentação super humana de Ariana DeBose na performance de America; e o momento em que Anita entende que a infância definitivamente ficou para trás. 

Annette

Leos Carax sempre soube que a Arte deveria ser perigosa, seja na glória de dois amantes dançando sob fogos de artifício, seja na completa podridão de um indivíduo que vagueia silenciosamente entre os limites da vida e performance. Com Annette, felizmente, não foi diferente. Levando vitória de Melhor Direção na premiação de Cannes e do César, o cineasta francês, juntamente do duo pop Sparks, deu vida à uma ópera rock fabulosa que acompanha a vida glamourosa de um casal aparentemente perfeito: Henry (Adam Driver), um comediante provocativo de stand-up, e Ann (Marion Cotillard), uma soprano renomada.

Sem medo de extrapolar os limites cinematográficos do “bom gosto”, o maximalismo artificial do primeiro musical de Carax rebaixa a narrativa convencional de sua filmografia a favor de uma justificativa metafórica, fantasiosa e dolorosamente sincera. O bebê do casal é Annette, uma criatura verdadeiramente de outro mundo. Ela é uma marionete (sim, literalmente uma marionete), até o catártico ato final que ecoa sombriamente o ritmo da inicialmente apaixonada We Love Each Other So Much. E não, não cabe a ninguém defender o absurdo de se usar uma marionete como figura central de um filme, exatamente porque o Cinema tem o direito de ser, sem desculpas, um espetáculo absurdo, ainda bem. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: primeira versão apaixonada de We Love Each Other So Much, interpretada por Adam Driver e Marion Cotillard; versão de ninar de We Love Each Other So Much, interpretada por Simon Helberg; e todo o ato final.

Ataque dos Cães (The Power of the Dog)

Há quem diga que um fenômeno só é especial pelo seu caráter de manifestação única. Mas quando o recorte é o Cinema mundial dos últimos anos, a transformação do extraordinário em ordinário é um pedido cada vez mais forte. E depois do que vivemos no ano passado, que outro nome no mundo poderia ocupar o lugar mais especial da vez se não o auspicioso Ataque dos Cães de Jane Campion? Desde a sua estreia já premiada no Festival de Veneza em setembro de 2021, a obra da diretora neozelandesa almeja e trabalha mês a mês para concretizar o fenômeno cinematográfico do ano. Na conclusão deste ciclo, consagrando-se motivo de recordes, prêmios e indicações incontáveis e exaltando uma trajetória impecável, aqui estamos nós, admirando-o.

Mas o poder do feito é justamente a sua completa despretensão. Na história protagonizada por um Benedict Cumberbatch que tem a irmandade danificada de Jesse Plemons e sofre profundamente com as presenças de Kirsten Dunst e Kodi Smit-McPhee, inexiste a perseguição por um filme metido à sua própria manifestação. A precisão magistral da mente que roteirizou e dirigiu a adaptação do livro homônimo não queria saber de nada além de contar sua história. O mundo o recebeu como era devido e o escreveu uma Bíblia de elogios, porque este é o fenômeno genuíno que buscamos: com todo o clamor que lhe é direito, que Jane Campion seja louvada como a melhor de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a briga de Phil com Rose que surgiu de um improviso de Benedict Cumberbatch, e o momento que se desenrola a partir da rosa de papel feita por Peter.

Bar Doce Lar (The Tender Bar)

Numa sensível produção sobre laços familiares, Bar Doce Lar foi a melhor escolha para que Ben Affleck retornasse às telonas. O longa, que é baseado no livro de memórias homônimo de J. R. Moehringer, foi dirigido por George Clooney e co-estrelado por Tye Sheridan, Lily Rabe e Christopher Lloyd, além de Affleck. Sem dúvida que tais presenças hollywoodianas de peso garantiram a atuação no que marca a história: as relações. No entanto, a sinceridade que o ex-Batman deu para seu personagem de tio Charlie, e sua demonstração de amor na vida real para a criação do sobrinho JR, são as verdadeiras bases do filme, o tornando um dos mais bonitos de 2021.

Ainda que Affleck não seja o protagonista, seu desempenho rendeu a indicação ao SAG Awards de Melhor Ator Coadjuvante – uma mensagem nítida de que somos gratos por estar de volta aos trilhos. Sua presença foi vital para a construção do filme, pois tal qual JR, é fácil se apaixonar pelo tio Charlie. Dentro da narrativa, é justamente o roteiro seguro e a história simples que se destaca entre os outros filmes do ano, pois há familiaridade com a vida comum, de qualquer pessoa. Enquanto o menino cresce, seu desenvolvimento vem com as dúvidas, a raiva de um pai biológico distante, e o medo da monotonia acompanhar seu caminho, mas o que se sobressai é como o amor das pessoas que o cercam e o criam são o que o fazem continuar. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: JR criança sendo levado para o Dia de Pais e Filhos na escola pelo avô; Charlie oferecendo sua estante de livros para o sobrinho; e quando JR dá um soco no pai biológico.

Belfast

Dentre tantos filmes hollywoodianos populares, a comédia dramática Belfast, dirigida e escrita por Kenneth Branagh (Tenet, Assassinato no Expresso do Oriente), de origem britânica e quase biográfica, ganha destaque na simplicidade ao acompanhar a vida de uma família durante um período histórico conturbado. O filme é centrado na infância e visão lúdica de Buddy (Jude Hill), um menino de 9 anos, diante do intenso conflito entre católicos e protestantes na cidade onde ele e sua família vivem, Belfast, na Irlanda do Norte, no final dos anos 60 – período conhecido no país como “The Troubles“. É impossível não se emocionar ao ver a inocência de uma criança que tem sua ilusão de mundo perfeito interrompida por brigas e violência extrema bem em frente a sua casa.

Além da bela fotografia em preto e branco, e marcante trilha sonora composta por canções do também irlandês Van Morrison, o longa ainda tem como um dos seus grandes acertos o elenco, que reúne Caitriona Balfe, como Ma; Jamie Dornan, como Pa; e Judi Dench e Ciarán Hinds como avós do garotinho. Se você busca assistir algo que impacte o seu dia e ainda te ensine, não deixe de ver Belfast. Sucesso de crítica, além de vencer o prêmio Globo de Ouro como Melhor Roteiro em 2021, a obra já coleciona várias indicações ao Oscar 2022, como Melhor Filme e Melhor Roteiro Original; ao BAFTA Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: o conjunto de nuances que torna a cena de abertura incrível; e quando Buddy está no cinema com sua família, onde todos ficam maravilhados com o poder da Sétima Arte, que serve como refúgio e ao mesmo tempo um descanso para todo aquele caos vivenciado por eles.

Belle (Ryû to sobakasu no hime)

Muito mais do que apenas mais uma releitura de A Bela e a Fera, o novo longa de Mamoru Hosoda e do Studio Chizu é a culminação de sua carreira: uma explosão de emoções tão sinceras e intensas que seu clímax te fará cantar junto com os personagens ou te deixará completamente sem palavras. Combinando técnicas de animação 2D e 3D para a criação de seu glorioso mundo virtual, Belle é, ao mesmo tempo, uma íntima exploração de luto e do significado de comunidade em uma sociedade globalizada e uma grande ode ao poder transformativo do ato de amar.

Como seu título ocidental sugere, a nova iteração do conto francês foca especialmente em sua contraparte feminina. A jornada de Suzu (Kaho Nakamura) para lidar com a morte da mãe e o mistério que a leva a procurar pela identidade do Dragão (Takeru Satoh) dentro do ciberespaço convergem em uma performance musical em que todos os elementos do filme entram em sincronia para criar uma das sequências cinematográficas mais inesquecíveis do ano, conquistando cinco indicações no 49º Annie Awards, mas, infelizmente, ficando de fora da corrida pelo Oscar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Belle acha novamente sua voz no mundo de U; e a performance final de Suzu para salvar o Dragão.

Bo Burnham: Inside

“Espero que este especial possa fazer para vocês o que tem feito para mim nos últimos meses, que é me distrair da vontade de colocar uma bala na minha cabeça, com uma arma”, diz Bo Burnham, nos primeiros minutos de Inside, assumindo sem compostura alguma o caráter notavelmente autodepreciativo do seu humor. Porém, dando um tiro no pé, o novo especial da Netflix começa a consumi-lo de tal forma que, no final, se torna seu próprio martírio. Presenciamos intimamente o músico e comediante beirando a insanidade em detrimento da produção: ele para de se cuidar, deixando seu cabelo e barba crescerem; o quarto claustrofóbico, onde ele grava todas as cenas, acumula cada vez mais os equipamentos entulhados; e seu processo criativo fica ainda mais caótico, explorando temas desconexos com uma fotografia e musicalidade alucinadas.

Em meio a todo esse fuzuê, Inside surpreende quando, em vez de tentar reproduzir metodicamente a experiência de um show, usa a limitação da pequena sala ao seu favor para criar sequências estonteantes que jamais seriam possíveis em cima de um palco. Além disso, é tematicamente curioso como Bo transforma, de uma hora para outra, uma sátira cômica sobre o perfil de Instagram de uma garota branca em um monólogo fragilizado sobre o luto. Aqui, esse tipo de quebra ocorre o tempo todo. Claro, Burnham instiga risadas, mas nunca em um lugar de conforto. E, assim, cria um produto direto de 2020, desconcertante, que desafia seu público e termina entregando todo o fardo de um ano de isolamento em seu colo. Como lidar com tamanho peso? É nessa dúvida que nasce Bo Burnham: Inside. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: a sequência musical de White Woman’s Instagram; a virada para os 30 anos; e a esquete de “auto-gameplay”.

Bottled Songs 1-4

Como mensagens escondidas em garrafas encontradas ao acaso em um rio, as quatro Canções Engarrafadas são um belo achado. Resultado das trocas de e-mail entre os criadores Chloé Galibert Leiné e Kevin B. Lee, o filme é um compilado de quatro ensaios investigativos, inteiramente capturados na tela de dois computadores, acerca de como a imagem do Estado Islâmico é perpetuada e ressignificada na internet. Pareceu chato? Engano seu: Bottled Songs é tenso, reflexivo, hipnotizante, e, com seus discretos 77 minutos de duração, é uma das grandes descobertas escondidas de 2021.

O filme completo ou apenas segmentos específicos foram exibidos em diversos festivais ao redor do mundo, além de integrar a programação do 5º Festival Ecrã de Experimentações Audiovisuais. Fugindo de um experimentalismo vazio e mal justificado, Bottled Songs é uma obra bastante acessível, que traz reflexões profundas sobre a geopolítica em tempos de internet, a natureza das imagens, e a nossa complexa relação com elas. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: o primeiro segmento, que investiga a trajetória e as motivações de um vídeo da ISIS propagado pela mídia; e o segundo que disseca um longa-metragem de propaganda jihadista. 

Cabeça de Nêgo

Se já estamos cansados de lidar com a realidade corrupta e mascarada da política brasileira, Cabeça de Nêgo nos faz engoli-la à força. Dirigido por Déo Cardoso, o longa cearense alinha-se no cerne do movimento estudantil no país. A narrativa tem como figura principal o aluno Saulo (Lucas Limeira), que, inspirado pelos Panteras Negras, inicia um protesto no colégio em que estuda. A manifestação começa de forma silenciosa, até que toma as vias das redes sociais e se espalha pelos corredores da escola como uma bomba-relógio. 

A genialidade de Cardoso na obra se pauta pela simplicidade. Com apenas uma locação e poucos componentes na trama, o roteiro é capaz de escancarar questões como racismo, brutalidade policial e as ardilosas falhas na política e na imprensa brasileira. Sutil, assim como nossa realidade costuma ser. Além de dar força para as revoluções há muito desprezadas. Cabeça de Nêgo figurou na lista de pré-indicados para representar o Brasil no Oscar, e já é um das maiores produções da cinematografia nacional. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: Saulo lendo ao som de Sorrisos e Lágrimas; a reunião de professores; e a cena final do protesto dos alunos. 

Chorão: Marginal Alado

Saudoso e simbólico, os defeitos técnicos de Chorão: Marginal Alado foram acobertados pela sua capacidade de ter, simultaneamente, confortado e quebrado o coração de quem o assistiu. Em meio às lágrimas de saudade, o documentário dirigido por Felipe Novaes fez o incrível trabalho de resgatar a memória de Alexandre Magno Abrão para além da sua persona artística. Feroz nos palcos e carinhoso nos bastidores, o acesso a gravações inéditas trouxe à tona o feio e o belo de uma das figuras mais emblemáticas da história do rock nacional. 

Quem escolheu o filme entre as tantas opções do catálogo da Netflix saiu com os sentimentos à flor da pele. A verdade é que o vocalista do Charlie Brown Jr. ainda visita as mentes dos fãs, e os depoimentos tocantes do documentário causaram efeitos colaterais, como a presença letal do testemunho de Champignon. Vencedor do prêmio do público de Melhor Documentário Brasileiro da 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, Chorão: Marginal Alado é uma montanha-russa de emoções. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a filmagem de uma fã se declarando para Chorão após um show, pois ela não tinha dinheiro para comprar os ingressos e ele a conforta; e o depoimento emocionante de Champignon.

Colmeia (Zgjoi)

Colmeia soma conquistas para provar que mereceu seu lugar no “Melhores de 2021”. O filme saiu com três prêmios do Festival de Cannes 2021, sendo o primeiro a levar tantos troféus em categorias principais, abocanhou mais alguns em Sundance, passou com sucesso pela 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, e, agora, integrou a lista de submissões de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022. Escolha oficial do Kosovo, o longa recria a história real de Fahrije Hoti, uma mulher kosovar, que, após ter seu marido desaparecido na Guerra de Kosovo, enfrenta o patriarcalismo e o machismo local para sustentar a família, sozinha.

O roteiro e a direção de Hive (título em inglês) são assinados por Blerta Basholli. Na figura de Fahrije, interpretada profundamente por Yllka Gashi, a cineasta reivindica a responsabilidade de mostrar o dia a dia das mulheres kosovar e as consequências de um conflito que deixou mortos e desaparecidos, unindo os dois e os apresentando da perspectiva feminina – o que, no país, é justamente o problema. Introspectivo, extremamente sensível e necessário, Colmeia impacta e emociona ao retratar a realidade, mas também ao deixar uma mensagem de esperança. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: quando Fahrije consegue o apoio das mulheres da vila; Fahrije e as mulheres da vila conversando enquanto produzem ajvar; e Fahrije cuidando das abelhas, ao final do filme.

Controlling Britney Spears: Em Busca de Liberdade (Controlling Britney Spears)

“Ultimamente, as pessoas tentam me manter amarrada/Há uma contagem regressiva esperando para que eu entre em erupção”. A letra de I Wanna Go resume a narrativa da luta de Britney Spears e os seus fãs pelo fim da sua tutela. Controlada pelo pai há anos, Controlling Britney Spears trouxe fatos concretos e detalhou o cenário abusivo em que a princesa do pop se encontrou por tanto tempo. Com uma apuração excelente do The New York Times, o caso mais comentado do ano de 2021 foi investigado em profundidade, fato que aumentou ainda mais a adesão do público. 

A sequência de Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela abordou a relação entre tutelar e tutelado a partir de uma visão crítica sobre o sistema judiciário americano. Ao expor a fraqueza da legitimidade da tutela, os relatos assustadores de pessoas que trabalharam para o pai de Britney Spears ganharam credibilidade. Para além, o documentário também expôs como Jamie Spears não agiu sozinho, mas acompanhado de uma rede de suporte, cuja intenção se mostrou questionável. Agora livre, a artista deve lançar um livro contando a sua própria história. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: os primeiros minutos do documentário com a presença dos fãs do lado de fora do tribunal; e as revelações sobre o esquema de segurança contratado pelo pai de Britney Spears.

Cruella 

Com grandes investimentos na produção de live-actions de suas obras icônicas, a Disney, dessa vez, entregou um fantástico filme solo de uma de suas vilãs mais famosas: Cruella. Transbordando estilo, personalidade, atuações certeiras e impecáveis, e uma singular história de origem, o longa conquistou seu espaço entre os melhores filmes de 2021. Emma Stone dá vida a uma representação brilhante da complexa Cruella De Vil, em todas as suas camadas. Além da certeira escolha de Stone para o papel, o elenco também conta com a admirável Emma Thompson, como a antagonista Baronesa.

O filme de Craig Gillespie equilibra perfeitamente o drama pessoal da tímida e solitária Estella, com a ousadia e acidez de Cruella. O resultado são 134 minutos que enlaçam o telespectador e o hipnotizam com um show visual e musical, simultâneos à cativante trajetória da anti-heroína. Vencedor de Melhor Filme de Drama no People’s Choice Awards 2021, o longa concorre ao Oscar 2022 nas categorias de Melhor Figurino e Melhor Cabelo e Maquiagem. Jenny Beavan, designer e duas vezes vencedora do Academy Awards, coloca Cruella sob holofotes – e na passarela – com seu figurino impactante e inventivo. Além disso, apesar de desentendimentos de Emma Stone com a Disney, devido ao lançamento do filme no Disney+, Cruella 2 já é um projeto em andamento, e conta com o retorno da atriz. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: as criativas e divertidas entradas de Cruella nos eventos em que a Baronesa atenderia, roubando a cena para si, das formas mais inusitadas possíveis; outra cena favorita é o monólogo de Cruella, mais próximo do final do filme, que revela muito sobre a personagem, suas revoltas e o que a tornou uma excêntrica vilã.

Deserto Particular

Na difícil função de representar o Brasil no lugar mais importante do Cinema mundial, Deserto Particular desempenha sua função como poucos filmes selecionados para tal conseguem fazê-lo. É uma pena, no entanto, que o encanto da obra de Aly Muritiba não esteja entre os indicados finais ao Oscar de Melhor Filme Internacional. Mas o fato aqui é outro, e a história, iniciada quando Daniel (Antonio Saboia) parte corajosamente em busca do amor e encerrada numa quase conquista plena de objetivos, tem muito a nos ensinar. 

Primeiro, Deserto Particular é mais uma confirmação de que delicadeza nada tem a ver com lassidão. O roteiro, que Muritiba também assina em dupla com Henrique dos Santos, coloca sua força na voz calma de Robson (Pedro Fasanaro), como a forma mais fiel de expressar a existência em meio à dureza que o Brasil reserva para a sua população LGBTQIA+. Já para os ensinamentos que a história deixa para os aspectos mais amplos e complexos da vida, não vale nenhuma tentativa de explicação. O sentir é a ação mais importante que o filme deixou para essa lista de Melhores de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que Sara e Daniel dançam juntos ao som de Total Eclipse of the Heart; e o diálogo de Robson e Daniel à beira do rio.

Drive My Car (Doraibu mai kâ)

Desde a vitória histórica da produção sul-coreana de Bong Joon-Ho, Parasita, na categoria de Melhor Filme no Oscar 2020, a Academia tem-se tornado, ainda que bastante acanhadamente, aberta para a quebra dos paradigmas além-Hollywood: em 2021 vimos a segunda diretora e primeira mulher não-branca, Chloé Zhao, a levar a estatueta de Melhor Direção, e em 2022, parece ser a vez da adaptação nipônica do conto homônimo de Haruki Murakami, Drive My Car – indicado a quatro categorias na premiação deste ano, incluindo Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção para Ryûsuke Hamaguchi.

Um filme profundamente humano, Drive My Car se excede ao testemunhar os relances de beleza no ordinário, ainda que em instantes muito breves seguidos pelos sentimentos mais opressivos do ser. Luto, impassibilidade e culpa delineiam as quase três horas de duração da obra, regida por uma barreira espessa de incomunicabilidade que é ultrapassada somente pelo artifício da Arte. A atuação catalisa o drama dos protagonistas, obrigados a encarar as próprias emoções pelo reflexo de suas personagens a serem interpretadas. Dentro de um Saab 900 vermelho ou sobre o palco de um teatro, os singelos momentos de calor compartilhado emocionam, com palavras ditas ou não. Beep beep beep beep, yeah. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: o transe criativo de Oto pós-sexo; a interpretação silenciosa de Sonia no ato final da peça teatral; e o breve momento de calor entre Misaki e Yûsuke, quando ambos erguem seus cigarros para fora do carro, com as mãos próximas uma das outras.

Duas Tias Loucas de Férias (Barb and Star Go to Vista Del Mar)

Às vezes, tudo o que precisamos é de uma vista para o mar, um dia ensolarado, culottes, um coquetel colorido e Duas Tias Loucas de Férias. Reunindo as estrelas de Saturday Night Live, Annie Mumolo e Kristen Wiig – dupla cuja colaboração anterior resultou no sucesso de Missão Madrinha de Casamento –, o filme dirigido por Josh Greenbaum acompanha as aventuras das melhores amigas, Barb (Mumolo) e Star (Wiig), ao deixar sua pequena cidade natal pela primeira vez com destino para Vista Del Mar, na Flórida. E envolvidas por uma explosão de cores saturadamente pastéis, o roteiro pastiche se rende completamente ao ridículo, no melhor sentido da palavra.

O que inicialmente parecem ser férias tranquilas, logo enreda as parceiras inseparáveis em noitadas intensas, romances de verão e um plano maligno de uma vilã flamboyant à la Dr. Evil do universo cinematográfico de Austin Powers. Mocinhas, vilãs ou nenhuma delas, as protagonistas são assumidamente caricatas, desde o figurino exagerado até o diálogo desconfortável. Mas ainda que com o perigo trapaceiro de cair no pedantismo, é na artificialidade que o humor bizarro de Duas Tias Loucas de Férias encontra a inocência genuína. A amizade, o amor e mesmo a maldade, tudo é inocente, numa zorra total que possui todos os requisitos para se tornar um clássico cult daqui a 10 anos. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: abertura ao som de Guilt; encontro do “clube da fala”; e cena musical na praia com Jamie Dornan dançando balé.

Duna (Dune) 

Não é segredo para ninguém que Duna foi um dos grandes marcos no cinema de 2021. Mesmo sendo um filme essencialmente longo (com 2h35min de duração) e sem cenas de ação extremas, a produção garantiu um sucesso estrondoso e uma bilheteria avassaladora, apesar de ter seu lançamento simultâneo no cinema e na plataforma de streaming HBO Max. Com uma fotografia impressionante (responsabilidade de Greig Fraser), um elenco de peso – especialmente o trio de estrelas: Timothée Chalamet, como o protagonista Paul Atreides; Jason Momoa, interpretando o espadachim da família Atreides, Duncan Idaho; e Zendaya, no papel de Chani – e uma história de tirar o fôlego, Duna faz um ótimo trabalho trazendo vida à obra de Frank Herbert e garantindo uma nova legião de fãs. 

Girando em torno da chegada da família Atreides no planeta Arrakis, produtor da importante mélange (especiaria), e do processo de autodescobrimento do protagonista, o longa introduz o espectador ao universo que conta com muitos conflitos envolvendo a crença, a política e questões de moral e lealdade. Talvez um dos maiores acertos dessa adaptação comandada por Denis Villeneuve tenha sido dividi-la em partes, nessa primeira foi possível contemplar com calma os personagens e componentes desse universo, ideal para aqueles que caíram de paraquedas no cinema ficarem com um gostinho de quero mais. A segunda parte foi confirmada no dia 26 de outubro de 2023, e só resta esperar para que seja tão impressionante quanto a primeira, que já foi indicada a várias premiações, incluindo o Oscar de Melhor Filme. – Gabrielli Natividade da Silva 

Cenas Favoritas: a sequência do ataque à família Atreides; e a fuga de Paul e sua mãe, Jessica (Rebecca Ferguson). 

Encanto

Fazendo jus ao seu título, Encanto é uma animação musical mágica e deslumbrante da Disney, lançada em novembro de 2021. Dirigida por Byron Howard e Jared Bush, com co-direção de Charise Castro Smith, ela apresenta com sensibilidade e leveza os dramas da protagonista Mirabel Madrigal (Stephanie Beatriz), que embarca em uma aventura no meio de sua própria casa – e família. O filme tem um visual estonteante, com muitas cores chamativas e cenários inventivos e agradáveis. Para acompanhar a trama criativa e interessante, a trilha sonora original de Lin-Manuel Miranda é singular e notável, com músicas que permanecem na mente do telespectador por dias. A música We Don’t Talk About Bruno (Não Falamos do Bruno, no Brasil) atingiu o topo da Billboard e superou, até mesmo, Let It Go, grande sucesso de Frozen (2014). 

As cenas musicais são divertidas, dão ritmo ao desenvolvimento da história e tornam toda a experiência ainda mais envolvente, fazendo do filme um dos melhores de 2021. Encanto é emocionante, imersivo, e sabe contrastar a leveza e alegria dos moradores de uma vila encantada na Colômbia, com comoção e sutileza, para passar uma linda mensagem sobre amor e família. O longa ganhou o prêmio de Melhor Animação, no Globo de Ouro, e concorre ao Oscar 2022 em categorias como Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Canção Original, com Dos Oruguitas, e, novamente, em Melhor Animação. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: a icônica cena da música We Don’t Talk About Bruno, toda a apresentação é divertida e a música é incrível; a cena entre as personagens Isabela e Mirabel, acompanhadas da música What Else Can I Do?, também é maravilhosa, com um show de cores e flores; e a conversa entre Mirabel e sua avó Alma na beira do lago.

Eternos (Eternals)

Há tempos que um filme de super-herói era instigante a ponto de gerar discussões que fossem além de teorias. É o caso de Eternos, que, em 2021, teve uma recepção infame pelo público e crítica. Todavia, faltava criatividade no MCU muito antes disso. No Cinema, a fórmula Marvel se provava esgotada, impossibilitada de construir personalidade própria e dependente de legados pretéritos. Ao passo que, as apostas na Televisão, que pareciam inovadoras de início, apenas reiteraram o modus operandi do estúdio, que converte qualquer ideia ousada em um pastiche superficial e genérico. Quando as aventuras de proporções cósmicas daquele multiverso são tão inconcebíveis que se tornam praticamente irrelacionáveis, é na sobriedade que a Marvel Studios reencontra o brilho que fez sua franquia estourar em 2012. Foi o que ocorreu no escopo das séries, e agora também nas telonas, com Eternos. 

E não é que o filme abandone o padrão de seus exauridos antecessores, apresentando a redundância de uma ameaça global que levará a humanidade à extinção. Isso está presente, porém, não passa de um plano de fundo. Ao invés, o foco aponta para o imenso elenco de protagonistas, formado por criaturas divinas, quase deuses, que, pelo incrível toque da direção de Chloé Zhao, são subvertidos à condição mais inerentemente humana, se misturando a nós e lidando com dilemas plenamente tangíveis. O esforço de Zhao em imprimir ao máximo sua identidade em Eternos, evitando o uso excessivo de CGI e gravando a maior parte das cenas em locações, dá vida à narrativa e a transforma na experiência mais bonita, poética e contemplativa de toda a trajetória da Marvel. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Gilgamesh e Sprite acalmando Thena com visões do passado; o primeiro encontro com Phastos; e o flashback de Ikaris com Ajak.

Evangelion: 3.0+1.01 A Esperança (Shin Evangelion Gekijouban:||)

A primeira hora de Evangelion: 3.0+1.01 Thrice Upon a Time é, possivelmente, a mais contida da história da saga. Fiel à essência de seu material original, porém sempre a evocando de maneira revigorante, o quarto e último filme da série Rebuild of Evangelion encontra seus primeiros resquícios de fé em uma vila de sobreviventes do Terceiro Impacto, que continua semeando mesmo depois do mais literal dos apocalipses. Os protagonistas, aprisionados em seus corpos adolescentes e impossibilitados de amadurecer, voltam a experienciar, depois de muito tempo, uma vida normal. Rei Ayanami, em especial, tem um contato virginal com o convívio em comunidade, se conectando com aqueles ao seu redor através das mais simples tarefas e, desse modo, moldando sua individualidade.

No cerne dos conflitos emocionais de Evangelion está o dilema do ouriço: que precisa do calor de outros para sobreviver, mas que se machuca ao se aproximar demais de seus espinhos. Dizer que Thrice Upon a Time resolve esse impasse talvez seja muito ousado, entretanto, ao menos, dá o primeiro passo. Apesar do início comedido, a ação frenética e abstrativa já conhecida pelos fãs alcança seu auge visual na segunda metade. Por meio de uma animação estonteante, que leva as técnicas tradicionais para outro patamar, é traduzido com fascínio o processo de morte e renascimento, literal e figurado, que os personagens vivenciam. Ao término dessa metamorfose visceral, Shinji entra em harmonia com suas feridas, assume suas virtudes, encontra a prometida esperança e, finalmente, se torna capaz de crescer. Evangelion: 3.0+1.01 alcança a utopia depois de 26 anos, e é um privilégio poder presenciá-la. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Rei aprendendo a plantar junto as outras mulheres da vila; o momento em que Asuka tira o seu tapa-olho; e a última conversa entre Gendoh e Shinji.

Flee (Flugt)

Cada vez mais, as possibilidades inventivas dos documentários atraem o grande público. Com Flee não foi diferente. Muito bem fundamentado como uma produção documental, o filme de Jonas Poher Rasmussen ainda se beneficia da beleza narrativa da animação para criar um longa-metragem completamente singular, que dedica seus 120 minutos de história ao desenvolver retratos de migração forçada e reflexões sobre vida e liberdade à margem da sociedade. Combinando a maestria de sua execução com a importância de seus temas, o filme é um ambiente de contrastes, estéticos e narrativos, que oscilam entre uma revelação ora dolorosamente próxima, ora deliciosamente harmônica.

Assim, não é difícil entender porque Flee se garantiu nos principais festivais e premiações de Cinema pelo mundo. O percurso, iniciado em Sundance, com passagens de exibição por Cannes e Toronto e com indicações no BAFTA, Critics Choice Awards e PGA, termina com todo o louvor que merece no Oscar 2022. Lá como a primeira animação na briga pela “tríplice coroa” da Academia, a produção independente da Dinamarca é considerada para as brilhantes categorias de Melhor Documentário, Melhor Filme Internacional e Melhor Animação e nem precisou garantir vitória para fazer história. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: os momentos de Amin quando criança; e o desabafo do personagem no final do filme. 

Friends: The Reunion

Quase 20 anos depois do fim de Friends, não havia presente melhor a ser dado para todas as pessoas que tiveram suas vidas mudadas pela série do que ver Matt LeBlanc, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, Courteney Cox, David Schwimmer e Matthew Perry juntos novamente, dentro da sala do apartamento 20. O especial Aquele com a The Reunion de Friends foi um dos lançamentos mais incríveis de 2021, uma dose saborosa de amor e saudade sobre a amizade sincera que transcende roteiros. Dotada de naturalidade e espontaneidade, a conexão dos atores após duas décadas arrancou lágrimas – inclusive deles mesmos.

Os momentos gloriosos do especial foram justamente aqueles em que o grupo se encontrava sozinho, fazendo piadas uns com os outros, compartilhando memórias especiais da época em que filmavam a sitcom. Afinal de contas, a intimidade entre um grupo de amigos é o que conquistou uma legião ao longo do tempo, e descobrir onde Courteney escondia papéis com suas falas pelo set deixou claro que a sensação nunca irá embora. Se relembrar é viver, a mistura entre os atores lendo cenas antigas e flashbacks dos momentos favoritos da série foi crucial para Friends: The Reunion se tornar inesquecível. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: os atores entrando no set da série que foi recriado; Lisa Kudrow relendo a cena em que descobre o relacionamento de Chandler e Monica; e o quiz entre o elenco.

Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home)

Mesmo não sendo um coming-of-age, o fechamento da maltratada trilogia do Amigão da Vizinhança no solo da Marvel é um ótimo filme de amadurecimento. Aqui, Peter Parker (Tom Holland) finalmente ganha seu arco dramático no MCU, e tanto o Teioso como o diretor Jon Watts se consolidam no universo Marvel. Abusando da nostalgia e da nova fórmula de vários heróis e vilões em tela que deu certo com Guerra Infinita e Ultimato, Homem-Aranha: Sem Volta para Casa é uma festa de personagens do imaginário do Cabeça de Teia e uma celebração da figura mais popular e querida da Casa das Ideias.

O filme é um exercício de retcons e fan-services muito consistente e que respeita toda a história do Aranha nas telonas, de forma a agradar gregos nostálgicos de Sam Raimi e os troianos órfãos de Marc Webb. Sem Volta para Casa foi feito sob medida para todos seus fãs e também para os críticos de Tom Holland ao abandonar a dinâmica falha de Peter Parker ser um protagonista omisso e resumido a pet de um herói mais estabelecido. Ele talvez seja uma das produções mais ousadas da Marvel ao abordar o peso e os sacrifícios que uma habilidade sobre-humana exige, tanto da parte dos heróis como dos vilões (que roubam a cena). O Homem-Aranha não é o herói que queremos, mas o que precisamos. E, esse filme, era o que queríamos e precisávamos. – Guilherme Veiga

Cenas favoritas: a sequência de Peter Parker, Tia May, Electro, Homem-Areia, Dr. Octopus e Duende Verde no apartamento do Happy; aquela cena do Ned tentando achar o Peter abrindo os portais do Dr. Estranho; e o diálogo do “com grandes poderes vem grandes responsabilidades” entre os três personagens no alto da escola.

Identidade (Passing)

Rebecca Hall tem emendado trabalhos exemplares, mas 2021 marcou uma virada para a atriz, que se tornou diretora com Identidade. Adaptando o livro de Nella Larsen, a jovem cineasta escolhe marcar sua carreira contando a história de Irene (Tessa Thompson) e Clare (Ruth Negga), duas amigas negras da época do colégio que cresceram e perderam o contato. Já na vida adulta, uma desavisada Irene se depara com Clare, que se “passa” por branca em um estabelecimento da elite. O conflito nasce do choque pelo absurdo da situação, ao passo que a personagem de Thompson acaba por repensar toda sua conduta.

O resultado dessa epifania é fotografado em caixa menor e sob as lentes do preto e branco, detalhes sutis, mas sagazes, do controle criativo de Hall. Sucesso no Festival de Sundance, Identidade foi comprado pela Netflix e distribuído com esperanças de reconhecimento nas premiações. Por mais que tenha ficado de fora da maior delas, o longa-metragem não apenas impressiona pela maturidade e pelo estilo de tratamento de seus variados e delicados temas, mas também recompensa o público do streaming, que já cansou de consumir a mesma porcaria toda semana. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a dilacerante troca de olhares escondidos em cardápios; e a sequência final, quando Deus poda as asas da liberdade.

King Richard: Criando Campeãs (King Richard)

Frutos de um plano de 78 páginas, o filme biográfico sobre Richard Williams e as carreiras de suas duas filhas, Venus e Serena, foram sucessos de suas próprias épocas. Se, nos anos 90, o Tênis precisava de duas jovens negras dispostas a fazer história, o ano de 2021 precisou de um longa dramático, motivacional e baseado em fatos reais. Muitas vezes configurado como Oscar Bait, King Richard: Criando Campeãs realmente garantiu indicações nas principais categorias do prêmio tão cobiçado por Hollywood, mas também se mostrou digno do apreço crítico e popular.

Protagonizado por Will Smith, o ator contou com um elenco de peso e um roteiro à altura para construir o seu personagem. Ao lado de Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney e Demi Singleton, o relacionamento familiar em cena destacou o melhor da atuação de todos. Enquanto os escritos de Zach Baylin e a direção de Reinaldo Marcus Green trouxeram para a tela o desenvolvimento impecável da história. King Richard: Criando Campeãs se originou de um plano e, assim como o seu protagonista, conseguiu executá-lo com maestria. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: o momento em que Richard Williams tenta defender suas filhas do assédio; e a primeira partida profissional de Venus contra a segunda melhor tenista do mundo na época.

Lamb (Dýrið)

A produção de Valdimar Jóhannsson pode causar estranheza num primeiro momento, mas, aos poucos, dá espaço para uma história peculiarmente aconchegante. Um casal islandês tem sua rotina baseada na criação de ovelhas em sua pacata fazenda. Convivendo com as dores de uma perda recente, eles são gratificados pela dádiva de um bebê-ovelha, nomeada como Ada. E isso é tudo que você precisa saber. 

Se os angustiantes e silenciosos minutos da obra podem sugerir uma narrativa sobre uma monstruosidade ou algo do tipo, Lamb consegue provar o contrário. Coproduzido pela Islândia, Suécia e Polônia, o filme transita entre diferentes gêneros, centrando-se principalmente num drama familiar. Sem a necessidade de grandes metáforas ou reviravoltas, a narrativa fascina pelo seu aspecto fantasioso, mostrando sutilmente as diferentes formas que o ser humano encontra para lidar com as adversidades quando é movido pelo amor. Vencedora do prêmio de originalidade do Festival de Cannes, a produção também havia sido a escolhida da Islândia para representar o país no Oscar 2022. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: o almoço em família; e qualquer outra cena da Ada fazendo alguma coisa. 

Licorice Pizza

É difícil encontrar um filme ruim na carreira cinematográfica de Paul Thomas Anderson (PTA). Ele é um desses diretores que conseguem manter um nível alto de execução e idealização, deixando sua marca em todos os longas. Seja nas adaptações de livro – como Vício Inerente (2014) e Sangue Negro (2007) –, seja nos excelentes roteiros originais – Boogie Nights (1997), Magnólia (1999) e Trama Fantasma (2017). Em Licorice Pizza, Anderson dá segmento a essa última característica, e cria uma história fantástica sobre as dificuldades de amadurecer e amar em tempos de crise (no filme, a Crise do Petróleo de 1973).

A bem da verdade, o diretor subverte o gênero das comédias românticas em Licorice Pizza, e cria uma trama que dá protagonismo a Alana Kane (Alana Haim) ao invés de Gary Valentine (Cooper Hoffman), o jovem rapaz de 15 anos apaixonado pela mulher de 25. É sobre amadurecimento, sim, mas à moda de PTA: os dois personagens se inserem na venda de colchões d’água, entram em campanhas políticas e o garoto chega a ir preso por alguns minutos. É uma história de amor à moda antiga, na qual os personagens movimentam-se junto a História social, completamente perdidos nas ebulições culturais dos anos 1970. Ao manter o relacionamento de Gary e Alana no campo do amor platônico, o diretor reveste Licorice Pizza de uma aura nostálgica, criando um belo tratado sobre os amores possíveis. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena inicial, quando Gary Valentine (Cooper Hoffman) começa a conversar com Alana Kane (Alana Haim); o momento em que eles abrem o negócio de colchões d’água; e a cena final. 

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League)

Injustiçado, Zack Snyder finalmente conseguiu dar vida ao seu espetáculo sobre os super-heróis mais clássicos da DC Comics, no ano de 2021. A Liga da Justiça de Zack Snyder reuniu na tela do streaming HBO Max o melhor dos dois mundos: uma cinematografia madura e um enredo recheado de fan service para os leitores de quadrinhos que amam a nostalgia. Se, na versão de 2017, Joss Whedon falhou miseravelmente ao subtrair a profundidade do universo em busca de replicar uma fórmula fajuta de sucesso comercial, Snyder encarou uma indústria cada vez mais superficial, com uma obra de quatro horas filmada em 4:3.

O rastro de desastre deixado por Whedon incluiu acusações de racismo pelo ator Ray Fisher, responsável por interpretar o Ciborgue, e rumores de assédio com uma dublê da Mulher-Maravilha. Não à toa, a Liga da Justiça de Zack Snyder compilou diversas cenas de Victor Stone que foram descartadas do primeiro filme e também não sexualizou a guerreira amazona como no longa passado. Fazendo justiça dentro e fora da narrativa, a edição estendida prometeu e entregou tudo o que os participantes do movimento Release The Snyder Cut esperavam. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena completa e não-sexualizada do momento em que a Mulher-Maravilha luta contra um ataque terrorista no museu; e a introdução do Flash e os seus poderes em um pet shop.

Luca

Antes de qualquer coisa, é importante ressaltar: sim, Luca, da Pixar, é um filme muito gay. Indícios disso estão nas notáveis referências de A Pequena Sereia – que também é muito gay –, nos paralelos temáticos e estéticos com Call Me by Your Name, e até na própria relação entre os protagonistas Luca e Alberto (Jacob Tremblay e Jack Dylan Grazer), que é claramente codificada como um romance – o que sequer seria uma questão, caso fossem de gêneros opostos. Nesse sentido, o que o diretor, Enrico Casarosa, tem a dizer não faz diferença, porque todos os outros elementos do longa apontam para o lado inverso. Independente de suas intenções, o cineasta se apropria de signos específicos para compor sua narrativa, e esses signos carregam significados, quer queira ou não. O Cinema tem contado as histórias de pessoas queer através de alegorias desde seu princípio, e o mínimo que Casarosa deveria fazer é ter coragem para assumir esse fardo.

Sobre a trama, acompanhamos dois monstros marinhos (Rodrigo Cagiano e Pedro Miranda no Brasil): Luca, que tem o sonho de conhecer a superfície, mas é impedido pelo medo e por seus pais conservadores; e o atrevido Alberto, que balança esse status quo ao cativar Luca e o convencer a fugir de casa, para que vivam aventuras juntos. Porém, ao chegarem até terra firme, se deparam com um ambiente hostil e violento contra sua espécie e, por isso, precisam se passar por humanos. Indo além do realismo mágico ao se inspirar no Studio Ghibli, a animação é repleta de subtexto sobre autodescoberta e preconceito, retratando relações humanas com franqueza, ao mesmo tempo que encontra sua veracidade na pureza da infância. Ao seu fim, Luca prova-se único não porque questiona o sentido divino da vida, mas porque, pelo contrário, entende que são nas histórias mais palpáveis que conseguimos formar os vínculos mais intensos. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: cena em que Luca e Alberto finalmente conseguem descer da ladeira com a Vespa improvisada; a revelação de Alberto para Giulia; e a despedida no trem.

Mães Paralelas (Madres Paralelas)

Por mais que o título aparente, a nova produção de Almodóvar não é um filme sobre maternidade. Ou, pelo menos, não apenas sobre isso. Centrando-se na espontânea relação originada a partir do encontro de duas mães, Janis (Penélope Cruz) e Ana (Milena Smit), que dão à luz a suas filhas no mesmo dia, o diretor espanhol prova mais uma vez a potência da sua forma de fazer Cinema. No pano de fundo, a protagonista também trava uma batalha para tentar recuperar os restos mortais de seu bisavô, morto pelo Franquismo.

De conflitos e complexidades maternas já temos A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal, logo, é nas miúdas entrelinhas que a força da narrativa de Mães Paralelas se constrói. Com reviravoltas que poderiam superficialmente gerar um conflito entre as personagens principais, Almodóvar consegue facilmente conduzir a produção para a maneira como o fio da vida de Janis e Ana se conecta historicamente, junto ao de outros espanhóis. E é nessa sutileza que entrega uma das maiores obras de 2021. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: Janis contando sobre as mulheres de sua família para Ana; o reencontro entre as duas personagens; e a cena final do filme. 

Maligno (Malignant)

Existem diversos momentos em Maligno, o novo filme de James Wan, em que você se pega pensando que aquilo não pode ser real. Seja num diálogo em que uma informação normal é entregue com toda a gravidade de um plot twist ou quando o plot twist de fato se revela e é diferente de tudo que você pudesse ter imaginado até então. Há um verdadeiro senso de surrealismo no longa que, junto de sua trama doida, nos deixa em estado semidesperto constante, no qual as barreiras entre o factual e o imaginário se diluem e, de repente, tudo é possível.

Mais do que apenas uma homenagem ao gênero de Terror, giallos e slashers, Maligno é uma celebração do Cinema em si, e de sua habilidade de nos transpor para outros espaços com um mero corte e de nos fazer sonhar junto de seus personagens. O longa transborda personalidade e estilo em cada frame, desde seu cover sombrio de Where Is My Mind? até a excelente colorização acentuada de várias cenas. A estética se torna substância na trama demente e divertida de um assassino perturbador e a única mulher capaz de prever psíquicamente seus crimes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: o prólogo no sanatório na colina; a fita VHS que expõe o plot twist; e, basicamente, todo o terceiro ato.

Marighella

Desesperador, angustiante e de arrancar um grito agoniado da garganta, essa é a definição do filme de Wagner Moura, que foi sua estreia na direção. Censurado por longos dois anos pelo governo Bolsonaro, Marighella foi uma das, senão a melhor, estreia de 2021, deixando um gosto misto de terror e esperança, tal qual a mensagem de Carlos Marighella na história. Usando como base o livro de Mário Magalhães, o longa sobrepôs o Guerrilheiro que Incendiou o Mundo para desmentir as invenções da Ditadura Militar que o assassinou a tiros em 1969. Da mesma forma, contrária à vilania criada por um regime sujo, descobrimos um ser humano por completo, dotado de amor pelas pessoas a sua volta, demonstrando coletividade e companheirismo, e, principalmente, o que é ser brasileiro de fato. 

A obra não só resgatou a memória do Guerrilheiro e dos militantes, como também fez o papel de devolver o significado de amar o próprio país – uma identidade que está do lado oposto ao que a galera pró-governo defende quando veste a camisa da Seleção de Futebol do Brasil. Feito um soco no estômago, a violência do filme de Moura fica mais nauseante quando notamos que suas podres figuras estão presentes fora da tela, dando outro nome à tortura, sufocando a democracia, e roubando o significado do fazer parte do povo. Mais do que isso, Marighella aflora a vergonha e culpa pelo esquecimento de quem lutou pelo país, junto de uma poderosa vontade em resgatar o orgulho de ser patriota. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: Marighella banhando o filho Carlinhos no mar; tortura de Jorge nos porões da Ditadura; e o pós-créditos em que o grupo militante canta o hino nacional. 

Mass

Em uma sala nos fundos de uma igreja, quatro pessoas se encontram para conversar. Dois casais atormentados pelo luto sentam-se frente a frente, com lágrimas nos olhos e gargantas arranhando. Acontece que isso se trata de um exercício recorrente na vida deles: desde que um tiroteio tomou parte na escola de seus filhos, levando a vida de ambos, os adultos precisam se ver. Brutal e honesto, Mass se vende pela força do melhor elenco de 2021, aliado ao texto mais candido.

O diretor Fran Kranz (conhecido por atuar como o arquétipo maconheiro em O Segredo da Cabana) tem em sua posse um um cenário arejado, uma mesa de centro e quatro dos melhores atores da atualidade para baterem bola. Se Reeb Birney internaliza e foge de confrontos, Jason Isaacs mantém as íris umedecidas por duas horas. Martha Plimpton vocifera em silêncio, e a majestosa Ann Dowd transforma linhas em um página no mais resplandecente ouro. No fim, o Cinema não precisa de nada além disso. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o momento em que descobrimos quem é pai de quem; e o brutal monólogo de Ann Dowd, rasgando o peito e implorando por uma violência que nunca aconteceu.

Matrix Resurrections (The Matrix Resurrections)

Em 1999, as Irmãs Wachowski revolucionaram o gênero da ficção científica com o primeiro filme da trilogia Matrix. Filtros verdes, kung-fu, looks góticos regados de látex e óculos escuros tornaram-se sinônimos imediatos do universo distópico criado pela dupla. Contudo, após 18 anos do lançamento do terceiro capítulo da franquia, retorna somente Lana Wachowski, negando todo conforto da nostalgia de seus antecessores. Com carinho, Resurrections recorda o que passou, mas cresce, a partir dele, sozinho. Desta vez, não nos é estendida nenhuma pílula, porque a binariedade delas já não é mais suficiente.

Principalmente em tempos de robotização dos blockbusters, Lana Wachowski se recusa a percorrer os passos coreografados pelo sistema da Matrix, de Zion ou, mesmo, de Hollywood. Lutar, agora, não faz mais sentido para Neo e Trinity. Caem-se as armas, caem-se as bombas. O poder é, por mais brega que seja, do amor. O amor fortalece ambos, os liberta e impede que seus corpos caiam do céu. Matrix Resurrections se permite enterrar os nomes que deixou para trás, em paz, com um par de mãos dadas que dá a chance do amor vencer, pelo menos uma vez. No fim, o amor é a gênese de tudo, e isso é lindo demais. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: Trinity enxergando pela primeira vez a codificação do céu; Neo e Trinity dando as mãos; e Trinity metendo o pau no Neil Patrick Harris.

Medusa

Continuando suas investidas no Cinema de horror, a diretora Anita Rocha da Silveira realiza em Medusa um estudo sensível da religião e do cerceamento da liberdade de seus seguidores. Sob os olhos de Mariana (Mari Oliveira), o filme acompanha uma pequena cidade do interior, atravessada por ondas de violência e perseguição a mulheres tidas como “impuras”. Sem se acanhar, o texto enfia a mão em feridas ainda abertas do Brasil extremista de hoje, debatendo desde corrupção até os efeitos nocivos das mídias sociais.

Depois de impressionar no Festival de Cannes, Silveira levou o filme a Toronto e, enfim, chegou aqui pela seleção da 45ª Mostra de SP. Além de conferir com exclusividade o trabalho, o Persona ainda teve a oportunidade de bater um papo com a cineasta carioca, descobrindo suas inspirações por trás da estilosa fotografia e do extravagante design de produção. Nada é por acaso, e quando as mulheres gritam pela liberdade ao fim da jornada, o espectador não tem outra opção senão a de se unir ao coro. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a primeira exploração da clínica; e a dança que acaba em dormência.

Memoria

A sessão de Memoria na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo foi algo um tanto indescritível. Depois de mais de duas horas em silêncio absoluto, a plateia permaneceu quieta, como se ainda não tivesse acordado de um longo transe. Diferente de tudo o que você já viu, o mais recente filme de Apichatpong Weerasethakul é uma estranha experiência imersiva e hipnótica, e que, em uma sala de cinema, te obriga a encarar a lentidão e os mais singelos detalhes de suas imagens e sons.

Não é à toa que a distribuidora estadunidense NEON divulgou que o filme jamais será lançado em streaming ou mídia física, e que permanecerá eternamente sendo exibido nas salas de cinema dos EUA, um local por vez. Se isso afeta o lançamento do filme adquirido pela MUBI no Brasil, não sabemos, mas não é exagero dizer que no caso deste, a experiência em uma tela menor não parece algo nada atraente. Memoria é um longa desafiador, sublime, e que merece ser encarado em uma tela grande e no melhor sistema de som possível. Torçamos para que a MUBI também o leve para as salas de cinema do Brasil. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: a cena do estúdio de som; e o longo encontro da personagem de Tilda Swinton com o segundo Hernández ao final do filme.

Meu Pai (The Father)

Quando o Persona monta a lista de Melhores do Ano – seja no novo formato ou no anterior – existe uma regra básica a ser seguida: só entra para o post filmes lançados no ano e que não estiveram na temporada de premiação anterior. Mas, quando falamos de Meu Pai, sensível produção que rendeu o Oscar de Melhor Ator a Anthony Hopkins, há uma brecha que permite falar sobre ele agora. The Father estreou após o Melhores Filmes de 2020, e não há como deixar de fora o gosto amargo provocado pelo longa que retrata com precisão os efeitos do Mal de Alzheimer.

Adaptado da premiada peça de teatro O Pai, o filme tem a direção brilhante de seu dramaturgo Florian Zeller e atuações de Anthony Hopkins e Olivia Colman. Meu Pai nos coloca dentro da mente confusa de Anthony e se torna grandioso em cada um de seus detalhes. O cenário combinado à atuação e direção, transfere com precisão cada um dos sentimentos passados por quem tem a doença e pela família que dá suporte. O filme reverbera dias a fio na mente de quem assiste, e não foi à toa que saiu vitorioso na categoria de Melhor Roteiro Adaptado no Oscar de 2021. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: cena do relógio; e as cenas de repetição.

Não Olhe para Cima (Don’t Look Up)

Se para bom entendedor meia palavra basta, Não Olhe para Cima fez questão de colocá-la numa sátira de puro escárnio. Metade das pessoas não entenderam a superficialidade do diretor Adam McKay, mas não haveria forma mais condizente e precisa para explicar o momento bizarro que o ser humano se encontra, por isso, o lançamento foi tão importante e barulhento. Em sua piada de mau gosto, a narrativa vomita uma verdade irritante: a vida útil do planeta Terra está chegando ao fim, é irreversível, pois estivemos tempo demais presos no Metaverso fabricando notas de repúdio contra o negacionismo científico. Assim, sem surpreender, sua história sobre quão estamos ferrados foi uma das melhores de 2021, e concorre a quatro estatuetas no Oscar 2022, incluindo Melhor Filme, a principal categoria.

A genialidade do longa está no exagero de cenas e personagens, simulando um enredo forçado mas que de irrealistas, na verdade, não tem nada. O diretor também utilizou de um elenco recheado de estrelas para mostrar que mesmo pessoas premiadas podem ser grandíssimos idiotas. Seu objetivo nunca foi divertir, ou fazer uma crítica social profunda, muito menos que você ache engraçado as similaridades dos governantes do mundo real com a presidenta de Meryl Streep. A única razão de McKay em apontar para cima, é para que você saiba o seu papel de completo imbecil. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: discurso da presidente Orlean ao saber do meteoro; Dr. Randy desabafando ao vivo; e o jantar em família no final do filme.

No Ritmo do Coração (CODA)

Algumas narrativas vivem para sempre. Muito além de clichês ou tendências, algumas histórias sempre terão seu espaço na cultura simplesmente por refletirem os aspectos mais essenciais da experiência humana, sejam elas bem ou mal executadas. Ver uma jovem pessoa tentando achar seu lugar no mundo enquanto lida com as tensões criadas ao entrar em conflito com as expectativas de sua família é, com certeza, uma delas, independente de quantas vezes foi ou será contada. Refilmagem de um longa francês, No Ritmo do Coração captura todas as melhores partes dessas narrativas, costurando uma trama de amadurecimento emocional potente e reverberante.

Ancorado pela performance central de Emilia Jones como Ruby, o filme de Sian Heder encantou o júri e a audiência de Sundance em 2021, levando alguns dos maiores prêmios do festival, e, posteriormente, sendo indicado a três categorias do Oscar 2022, incluindo Melhor Filme e Roteiro Adaptado. Capturando as complexidades de uma família de surdos que dependem da filha ouvinte para se relacionar com o mundo, a obra vai muito além da simples representatividade, ao criar uma família tão convincente em suas qualidades e suas falhas que é impossível não se identificar com os diversos dilemas vividos por suas personagens. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Ruby explica à seu professor o que a Música a faz sentir; Frank tenta entender a paixão de sua filha tentando sentir suas cordas vocais; e a audição para Berklee, na qual Ruby finalmente aprende a conectar seus dois mundos.

Noite Passada em Soho (Last Night in Soho)

Muita gente quis nascer em outra época. É dessa premissa que Edgar Wright conduz o suspense com toques sobrenaturais Noite Passada em Soho. Aguardado desde seu último projeto, Em Ritmo de Fuga (2017), Wright entrega uma obra extremamente inventiva e esteticamente primorosa que tece suas críticas e levanta debates a temas como o showbiz e o machismo de forma muito singular. Mantendo seu DNA, Edgar apresenta uma direção que destoa um pouco de suas obras, cadenciando seu estilo frenético para dar enfoque às duas grandes protagonistas Ellie (Thomasin McKenzie) e Sandie (Anya Taylor-Joy), e centrar-se no embate entre duas personalidades de épocas distintas, além de prestar homenagens a algumas referências cinematográficas, como o terror psicológico britânico dos anos 70 e os giallos.

Design de produção e fotografia são outros pontos altos da trama. A reconstrução do Soho sessentista é impecável e consegue dar o tom do bairro boêmio londrino, aliado a uma fotografia que abusa de um neon que amplifica a perturbação psicológica pela qual a Ellie está passando. As escolhas do diretor também se provam muito acertadas, desde sua trilha sonora e como ela se insere na trama, a ideia de um apartamento de certa forma assombrado e até a concepção de fazer o masculino como um todo seu principal predador. Tudo é colocado de forma muito bem intencionada para criar uma obra crítica e envolvente. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: o primeiro encontro de Ellie e Sandie no Café de Paris; a festa de Halloween que Ellie e John participam; e os plot twists da sequência final.

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad)

Mais uma vez nonsense, personagens secundários e uma baita trilha sonora ditam um trabalho de James Gunn, só que, dessa vez, na vizinha DC. O Esquadrão Suicida chegou em 2021 para espantar o flop da versão de 2016 e, para isso, a Warner apostou na horrivelmente e linda mente de Gunn. O diretor desempenhou seu trabalho mais livre criativamente, onde exagera no humor ácido, depravado e sanguinolento e não tem apego nenhum a qualquer personagem. Mas Gunn, através da sua escrita, sabe tirar o necessário de personas tão desajustadas e construir arcos dramáticos coesos para elas, além de entregar uma típica aventura quadrinhesca, com uma crítica ao imperialismo americano camuflada.

A WWE e o filme de origem do fusquinha amarelo de Transformers se provaram um belo celeiro de personagens de quadrinhos. Nesse rol, se junta à Hailee Steinfeld e Dave Bautista, o hilário Pacificador de John Cena (que lhe rendeu uma série própria). Cena, com seu Pacificador de ideologias muito ortodoxas, rouba a cena e chama a comédia para si, lembrando que estamos falando de um filme com a expansiva Arlequina de Margot Robbie. Mas James Gunn se mostra consciente ao entender um dos problemas do filme anterior, que foi a falta de manejo da grande quantidade de personagens, e, aqui, mesmo com mais nomes, desenvolve seus anti-heróis de forma uniforme, escrachada e instigante. Tais acertos fazem com que esse esquadrão suicida seja realmente O esquadrão suicida. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a missão inicial do primeiro esquadrão na praia; a matança por engano no acampamento da resistência; e todas as piadas com o Milton.

Os Olhos de Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye)

Tammy Faye e seu marido, Jim Bakker, são dois dos maiores nomes do televangelismo estadunidense. Eles fundaram a emissora PTL e construíram um patrimônio milionário com doações dos fiéis. Junto, também, eles ajudaram a construir a reputação de abuso e contravenções do televangelismo maquiadas de Cristianismo. Inspirado no documentário homônimo de 2000, e dirigido por Michael Showalter, à partir de um roteiro assinado por Abe Sylvia, The Eyes of Tammy Faye mostra a ascensão e queda do casal, tendo como principal ponto de referência a ingenuidade de Tammy.

Jessica Chastain e Andrew Garfield são os responsáveis por protagonizar o longa. Chastain é produtora do projeto e vive seu melhor momento na carreira, atuando de maneira perspicaz em seu papel mais importante. Os Olhos de Tammy Faye conquista logo de início por sua impecável estética que trabalha os elementos gráficos dos anos 70 e 80, sendo fiel a toda nostalgia que a época remete. Tammy é extravagante e sua maquiagem, marca registrada da cantora cristã, ganha o espaço necessário para a construção da personagem. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a entrevista com portador de AIDS; e a cena da overdose.

Pegando a Estrada (Jaddeh Khaki)

Lá no distante outubro de 2021, Pegando a Estrada foi um dos primeiros filmes vistos pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, onde, com justiça, figurou na seleção de favoritos do público do festival. O ano foi cheio de grandes filmes, mas nenhum alcançou o mesmo grau de sensibilidade que Pegando a Estrada, um fascinante road movie que, sem avisar, te arremessa do riso às lágrimas de um instante para o outro ao contar a história de uma família que segue em uma estrada isolada rumo a um lugar que desconhecemos, e por motivos que nunca ficam completamente claros. 

Em um artigo de Walter Salles no New York Times, onde o diretor formula uma teoria sobre o subgênero cinematográfico, ele diz que “os road movies mais interessantes são aqueles em que a crise de identidade do protagonista reflete a crise da própria cultura.”  E o filme de estreia de Panah Panahi faz exatamente isso: a incerteza, a incompreensão e a tensão vividos por aquela família, e especialmente pelo filho mais velho, saltam da tela e refletem as angústias das vítimas de perseguições políticas e dos deslocamentos forçados. Engraçado, tenso e sublime, Pegando a Estrada é o melhor filme de 2021 e merece a sua atenção. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: pai e filho contemplando um céu estrelado; e as duas maiores cenas do ano: uma cruel despedida forçada capturada sem cortes por uma câmera distante e fria, e o carpool karaoke mais triste da história do Cinema. 

Pig

Morte, luto, sofrimento, vocação e relações pessoais são apenas alguns dos vários temas que Pig aborda durante sua projeção. O longa-metragem, dirigido por Michael Sarnoski e escrito por ele junto de Vanessa Block, demonstra uma notável sensibilidade ao tratar de assuntos complexos, além disso, seus personagens são profundos e multidimensionais, o que os tornam muito realistas. Embora o ponto de partida da história remeta a filmes genéricos de ação, o roteiro se desenvolve de maneira calma e subverte nossas expectativas de maneira muito positiva, entregando, no final, uma trama carregada de sentimentalismo e reflexões.

Nicolas Cage protagoniza essa obra e prova, mais uma vez, que pode ser um ator excelente dentro de uma história bem construída. Seu personagem carrega uma dor profunda, a qual é demonstrada através de olhares e atitudes, até mesmo o jeito de andar do personagem retrata sua fragilidade emocional. Conforme a trama avança, o protagonista fica cada vez mais deteriorado fisicamente, como se fosse uma externalização de seus sentimentos há muito tempo enterrados. Pig é carregado de sensibilidade e reflexões, seu roteiro calmo e profundo constrói personagens realistas e entrega uma história marcante, que, com certeza, é um dos filmes mais interessantes e impactantes de 2021. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o diálogo entre o protagonista, Robin, e a criança em uma antiga casa; a ida de Robin e Amir a um restaurante; e quando Robin e Amir estão na cozinha, próximo ao final do filme.

Roda do Destino (Gûzen to Sôzô)

O ano de 2021 foi ótimo para Ryûsuke Hamaguchi. O diretor japonês entregou dois excelentes filmes: Roda do Destino e Drive My Car, que foi indicado a quatro Oscars, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. A adaptação do conto de Murakami merece o destaque que está recebendo, mas Wheel of Fortune and Fantasy também merece atenção pela forma como trabalha os relacionamentos humanos e o acaso ao longo de suas três histórias. É um belo mergulho nas vidas, nos desejos e nos arrependimentos de Meiko (Kotone Furukawa), Nao (Katsuki Mori) e Natsuko (Fusako Arabe), protagonistas de cada segmento. 

Pela lente de Hamaguchi, momentos banais se tornam confissões íntimas de suas personagens e as coincidências da vida adquirem um ar quase mágico devido à sua imprevisibilidade. Cenas como a da leitura do trecho do livro no escritório de Segawa (Kiyohiko Shibukawa) e o longo diálogo entre Natsuko e Aya (Aoba Kawai) demonstram a grande habilidade do diretor em construir situações dramaticamente potentes a partir de conversas. Todas as histórias são ótimas, mas merece destaque a terceira, intitulada “Mais Uma Vez”. Nela, o tema do arrependimento amoroso é tratado com uma sensibilidade comovente. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a tensa leitura do livro no escritório de Segawa, onde parece que algo ruim vai acontecer a qualquer momento; e a conversa desconfortável entre Nao e Sasaki no ônibus, carregada de ressentimento.

Romeo & Juliet

Se a necessidade é mesmo a mãe da criatividade, a nova adaptação de Romeu & Julieta para os palcos britânicos é o maior exemplo de como a pandemia afetou o meio artístico. Estrelando Jessie Buckley (A Filha Perdida) e Josh O’Connor (The Crown), como os amantes desafortunados de Shakespeare, a produção do National Theatre teve de mudar completamente seu formato para ser exibida em 2021, incorporando não só os cenários originalmente construídos em suas filmagens, mas o espaço entre eles e os ensaios de seu elenco, transcendendo sua própria tragédia em puro triunfo.

Apesar de modernizar diversos aspectos da peça imortal, Romeo & Juliet preserva aquilo que se faz essencial em qualquer iteração da obra do Bardo de Avon: seu texto. O diretor Simon Godwin cria um espaço amplo e versátil para que seu elenco extraia o máximo de suas falas seculares e habitem seus personagens, com destaque para Benvólio (Shubham Saraf) e Mercúcio (Fisayo Akinade), que aqui exibem tanta química quanto o casal principal, apesar de a cereja do bolo ainda pertencer à Buckley ao sussurrar suave e tragicamente, antes de gritar: “Teus lábios estão quentes”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: a morte de Mercúcio pelas mãos de Teobaldo; e o último beijo dado entre os amantes.

Saint Maud

Não tem como fugir disso: Saint Maud é um filme de sensações. Morfydd Clark desliza na pele de Maud, uma enfermeira desiludida, que encontra na fé seu farol de esperança. Para dissecar os sentimentos e receios da jovem, a diretora Rose Glass filma com a cautela de alguém à beira de uma explosão. Capturando a parcimônia da performance de Clark por ângulos discretos e uma coloração lavada e um tanto apática, o Cinema de Glass se pauta na súplica. 

Maud implora pela atenção de sua nova paciente, por respostas de Deus e acredita piamente que os pensamentos que se camuflam em sua cachola podem e serão resolvidos por um expurgo divino. O que ela não sabe, porém, é que está inserida dentro de um filme de terror e, quando Rose Glass decide por soltar o fio da sutileza, ela não hesita ou poupa sua protagonista sacra. Tudo queima, tudo mesmo. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o susto na cama escura; e a limpeza ardente que conclui a trama.

Salve o Ralph (Save Ralph)

Salve o Ralph leva menos de quatro minutos para passar seu recado: “nenhum animal deveria sofrer e morrer em nome da beleza”. O curta-metragem, dirigido por Spencer Susser e dublado por atores globais, como Taika Waititi, Ricky Gervais e Zac Efron, mostra Ralph, um coelho de laboratório, em um documentário sobre sua rotina sendo submetido a testes em uma empresa farmacêutica. Na animação stop-motion, o personagem tem a aparência similar à do animal, no que o filme opta por deixar de lado a liberdade da fantasia, e sensibiliza com a proximidade do real.

Através da ironia do pseudo-documentário, em que Ralph defende os testes em outros coelhos e as crueldades às quais é submetido, Salve o Ralph critica os procedimentos e provoca quem continua comprando os produtos. O curta faz parte de uma campanha da The Humane Society of The United States, organização estadunidense que luta pelo fim dos testes em animais, ainda permitidos e muito empregados pela indústria farmacêutica e estética. Como o diretor lembra, “é importante que Ralph até se pareça real, porque ele representa a realidade de outros incontáveis animais que sofrem todos os dias”. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: apresentação do Ralph; cena em que o Ralph é testado; e expõe as crueldades da indústria farmacêutica e estética.

Sempre em Frente (C’mon C’mon)

Um filme esnobado nas grandes premiações do ano, mas aclamado pelas da crítica, sem dúvida, merece ser visto. E Sempre em Frente, escrito e dirigido por Mike Mills (Toda Forma de Amor, Mulheres do Século 20), não desaponta nem um pouco. Muito pelo contrário, é um belíssimo longa, que comove e ensina ao falar sobre relacionamentos familiares de maneira honesta e delicada. A história fala de Johnny (Joaquin Phoenix), um jornalista de rádio que, após sua irmã pedir para que ele tomasse conta do filho, embarca em uma viagem pelo país com o sobrinho de oito anos, Jesse (Woody Norman), a fim de mostrar ao garoto a vida fora dos muros da sua cidade natal, Los Angeles.

No fim, a similaridade com os personagens é tanta que temos a sensação de ter assistido às memórias de alguém conhecido. Sempre em Frente tem como ponto forte a forma que retrata essa relação de dois seres humanos em fases e transições completamente diferentes. É um filme humano e, acima de tudo, real, que merece reconhecimento. O mais encantador é a química da dupla Phoenix e Norman, rara de se ver em um elenco. Dentre as premiações, foi indicado ao BAFTA Awards de Melhor Ator Coadjuvante para Woody Norman, ao Film Independent Spirit Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: as entrevistas de Johnny com várias adolescentes sobre como elas se sentem, onde moram e seus principais anseios, esperanças e vivências como americanas; e a cena em que o pequeno Jesse está dando conselhos para Johnny com dicas sobre como ele faz para se sentir calmo em momentos de nervosismo.

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings)

Por que não estamos falando sobre Shang-Chi? No ano de ouro da Marvel, que se vangloriou com o sucesso de suas produções no Disney+, enfrentou as polêmicas da mais nova legião de heróis no Cinema, e faturou com os recordes do multiverso do Amigão da Vizinhança, parece que não sobrou espaço para falar do marco histórico do primeiro filme de um super-herói asiático em seu universo cinematográfico. Tudo bem que a estreia da produção teve que lidar com a volta silenciosa das salas de cinema, mas há de se questionar, e muito, a sua quase ausência na memória dos feitos do estúdio em 2021. 

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis não entrega apenas cenas de luta bem coreografadas, mas também uma história de origem interessante e que sabe mesclar elementos da mitologia chinesa devidamente. Apesar de um pouco condicionada à conhecida fórmula Marvel, a performance de Simu Liu consegue dar vida a um super-herói com um carisma e profundidade que nem alguns dos Vingadores chegaram a atingir. A obra, dirigida por Destin Daniel Cretton, ainda conta com a brilhante dinâmica entre os demais personagens da narrativa, em especial na relação com Katy, que nos deu a oportunidade de ver Awkwafina brilhar nas telonas mais uma vez. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: a luta no ônibus; a chegada em Ta Lo; e a conversa entre Shang-Chi e Katy sobre o passado.

Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal (Shaun The Sheep: The Flight Before Christmas)

A experiência por trás de um filme de animação deve ir muito além da narrativa desenvolvida na obra. A estética apresentada para que os personagens ganhem vida é fundamental para a imersão do telespectador na atmosfera proposta pela trama. Esse é justamente o caso do curta metragem Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal, que utiliza a técnica de stop motion para animar bonecos de massinha. A película, produzida pela Aardman Animations em parceria com a Netflix encanta com um especial de Natal vivido pelo carismático carneiro.

A narrativa desenvolvida ao longo do curta é bem simples, voltado na tarefa árdua das ovelhas em recuperar Timmy, o carneiro bebê que foi entregue por engano a uma criança. No entanto, o seu desenrolar apresenta uma dinâmica coerente dentro do curto limite de tempo do filme. Outro ponto positivo é o apelo nostálgico pelo Shaun e pelos outros animais que vivem na fazenda. O personagem, que surgiu nas animações Wallace & Gromit, ganhou seu espaço na série Shaun, o Carneiro e agora se consagrou com seu especial de Natal. – Gabriel Gatti

Cenas Favoritas: quando o Fazendeiro vai preparar sua soda e acaba errando na medida dos ingredientes depois que a sua internet trava; quando o Fazendeiro abre uma garrafa na feira de Natal e atinge os músicos, que, por sua vez, passam a persegui-lo ao longo do curta; e quando Timmy, o carneiro bebê, aparece fazendo um boneco do Papai Noel com a lã de sua mãe.

Shiva Baby

Marcando a astuta estreia da diretora canadense Emma Seligman, Shiva Baby constrói um tragicômico cenário de transição entre a juventude e a vida adulta. As relações incômodas dentro da narrativa passiva-agressiva vem da própria experiência de Seligman, mulher, judia e bissexual, assim como a protagonista, Danielle (Rachel Sennott). O filme se materializa, principalmente, na calamidade de ver os pais quererem decidir não só o futuro, mas por quem ela se atrai. Além dos pilares que constroem as características da protagonista, a interação que o longa tem com o público reforça a claustrofóbica narrativa, nos aproximando de Shiva Baby.

Poucas produções consegue fazer humor com sexo de maneira tão boa, vide o primor inatingivel de Fleabag. Com traços que lembram a produção britânica, o roteiro é aguçado ao apresentar cada passo de Danielle de maneira orgânica e praticamente em tempo real. A agilidade da narrativa também faz com que o filme funcione como um thriller, tornando a experiência de assistir a produção ainda mais satisfatória. Tudo isso graças ao timing da direção que encontra as brechas do riso na comédia e do susto no horror. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a cena da conversa no quarto; e a cena do choro.

Spencer

O espectro da Princesa Diana em Kristen Stewart não poderia fugir da lista dos Melhores de 2021. Spencer, fruto da imaginação do roteirista Steven Knight, reimagina os dias anteriores à separação dela e do Príncipe Charles, durante o final de semana de Natal. Na direção do filme, o chileno Pablo Larraín conduz um olhar angustiante pelos corredores fantasmagóricos do palácio de férias da Família Real, mas também mostra a tocante relação entre mãe e filhos. A reconstrução dos ambientes, das vestimentas e da caracterização dos personagens intensifica a imersão e o desconforto com as situações, e rendeu reconhecimentos aos departamentos de arte do longa.

Imersão essa que também é crédito da fotografia de Claire Mathon. As lentes da cinegrafista se mantêm próximas e, ao mesmo tempo, distantes da Lady Di, e acentuam a nebulosidade e o pesar dos dias retratados, a partir de uma livre imaginação. E encarnando a Spencer em pessoa, Kristen Stewart entrega uma das melhores performances de sua vasta carreira. A linguagem corporal, a presença em cena, o sotaque e os maneirismos adotados pela versátil atriz incorporam a Princesa do Povo, no que ela externaliza as aflições e angústias da figura. O longa recebeu indicações e troféus em dezenas de importantes premiações, incluindo reconhecimentos à trilha sonora de Jonny Greenwood, à direção, à direção de arte e ao elenco principal e coadjuvante. Ainda em aberto, Stewart concorre como Melhor Atriz no Oscar 2022. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: Diana chegando na residência pela primeira vez; Diana e Maggie conversando na praia; e a cena do jantar de Natal.

Summer of Soul (…ou, Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada) [Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)]

É o lendário verão de 1969, quando a cultura norte-americana viveu uma de suas revoluções mais significativas. Mas não, não estamos falando de Woodstock. Ao contrário do que a apropriação branca do momento histórico faz parecer, o evento hippie não era o único centro de efervescência cultural da época. Como prova disso, existe Summer of Soul, que se dedica a registrar como elemento principal da história daquele ano o contexto da comunidade negra de Nova York. O filme de Ahmir “Questlove” Thompson se reúne ao redor do Harlem Cultural Festival, que tomou uma região durante seis finais de semana seguidos. 

Na companhia de alguns dos maiores nomes da Música negra, como Stevie Wonder e Nina Simone, e de gêneros essencialmente representativos, como o blues e o jazz, a obra se tornou o documentário mais premiado do ano. Respirando Música e expressando uma intenção determinada do início ao fim, Summer of Soul se destaca não só pela grandiosa narrativa, mas também pela forma como se manifesta. O fenômeno começou em 2021, conquistando a maioria das críticas dos Estados Unidos e a visibilidade do Festival de Sundance, num percurso impecável até chegar em 2022, com o reconhecimento do Sindicato dos Produtores e dos Diretores, grandes chances de vencer o Grammy e finalmente indicado ao Oscar. E dessa vez, a revolução será televisionada. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a série da abertura que introduz o filme com uma sequência de montagem totalmente harmônica com a trilha e as imagens.

Tempo (Old) 

Para algumas pessoas, o processo de envelhecimento é entendido como um verdadeiro horror. Tempo, o trabalho mais recente de M. Night Shyamalan, se aproveita disso para elaborar situações angustiantes e grotescas em um filme que lida com o suspense com maestria. A câmera de Shyamalan explora cada canto da praia e insere o medo naquilo que não vemos, pois sabe que não há nada mais assustador do que a imaginação humana. Porém, o filme impressiona não só pelo terror, mas por também inserir cenas tocantes em meio à correria dos personagens para sair daquele ambiente hostil. Nesse sentido, a conversa melancólica entre Guy (Gael García Bernal) e Prisca (Vicky Krieps) à noite é um dos melhores momentos da obra. 

Outra cena que merece destaque é quando Trent e Maddox decidem construir um castelo de areia, perto do final. Nela, uma atividade banal se torna uma emocionante reflexão sobre a passagem do tempo e a perda da inocência que vem com a chegada da idade adulta. Em um ano onde a pandemia se manteve presente, o filme pode ser entendido como uma alegoria à quarentena, onde ficar em casa altera com a percepção de tempo das pessoas e traz todo um leque de incertezas. No entanto, em um período histórico com tantas perdas, a obra pode ajudar a compreender que envelhecer não é tão ruim assim. Na verdade, é um privilégio. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a da caverna, onde Trent e Maddox só conseguem enxergar o que a luz do fósforo permite enquanto a mulher os persegue é capaz de causar calafrios; a cena onde as crianças constroem um castelo de areia também merece ser mencionada por sua sensibilidade ao discutir sobre o processo de tornar-se adulto.

The Box – No Ritmo do Coração (Deo Bagseu)

A princípio despretensioso, The Box – No Ritmo do Coração até pareceu ser só mais um filme bobo para assistir em uma Sessão da Tarde, mas a narrativa complexa mostrou que a leveza da produção foi exclusividade do tom da abordagem. Assombrado pelos traumas do passado, a composição do personagem principal Jihoon (Park Chanyeol) foi certeira, sendo muito difícil que alguém não tenha se identificado com ele durante algum minuto da sua trajetória na narrativa. Assim como o público, Minsoo (Jo Dalhwan) se encantou pelo jovem músico e se comprometeu a levá-lo ao estrelato.

Acontece que ao lado de um produtor musical falido, Jihoon não iria muito longe, certo? Errado. Entre momentos trágicos e cômicos, a caminhada dos dois amantes da Música prendeu a atenção de quem assistiu o longa e se configurou como uma premissa simples, mas bem executada. Se o protagonista passa boa parte do tempo cantando dentro de uma caixa de papelão por timidez, The Box – No Ritmo do Coração também não foge disso, a direção de Yang Jeong-Woong não foi ‘fora da caixa’, porém não se limitou a ela. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena em que Jihoon se lembra da infância, em um flashback que explica os seus motivos para temer cantar fora da caixa; e o momento em que ele tenta se apresentar em público pela primeira vez, ao lado de uma cantora cega.

The Card Counter: O Jogador (The Card Counter) 

Dizem que, ao longo da carreira, um cineasta faz várias versões de um mesmo filme e, com o tempo, pode se aproximar da perfeição ou do fracasso. Em The Card Counter, Paul Schrader prova que se enquadra no primeiro caso. O filme conduz temas já trabalhados em obras anteriores, como a redenção e o amor como força transformadora, de maneira minuciosa, tão atenta aos detalhes quanto seu protagonista, o taciturno William Tell (Oscar Isaac). Sob as luzes coloridas dos cassinos e acompanhado da tensão das mesas de jogo, é um excelente estudo de personagem que fascina por seu ritmo desacelerado e pela atmosfera sombria que consegue construir.

O filme exerce um grande controle sobre as emoções de seus personagens e os atores, especialmente Oscar Isaac e Tye Sheridan, entregam performances contidas, de uma aparente tranquilidade que esconde uma angústia existencial dolorosa. É essa escolha de segurar as emoções ao máximo que torna as cenas mais intensas tão impactantes. Nos melhores momentos, como no passeio noturno de Tell com La Linda (Tiffany Haddish) e no confronto do protagonista contra Gordo (Willem Dafoe), o filme consegue emocionar graças à maneira sincera como trata seus personagens. No final, mostra que todos merecem amor, independente dos traumas que carreguem. Junto com Matrix Resurrections, é um dos filmes mais românticos de 2021. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: o passeio noturno de William Tell com Linda, enquanto os dois andam por corredores repletos de luzes coloridas, é maravilhoso e surpreende pelo ar romântico em um filme tão sombrio; a cena em que o protagonista vai confrontar o personagem de Willem Dafoe na casa dele, também durante a noite, consegue impactar por sua intensidade e violência, mesmo não sendo explícita. 

The Velvet Underground

Como fazer jus à uma banda tão importante para a história da música quanto The Velvet Underground? Seguir nos moldes de um documentário tradicional sobre Música, contando a história do grupo de maneira linear e com depoimentos aqui e ali não parece justo, então o diretor Todd Haynes optou por fugir desse modelo e experimentar na estrutura documental, assim como os músicos fizeram em sua carreira. É justamente isso o que o torna especial diante de outros filmes do gênero: sua disposição para experimentar com a linguagem cinematográfica e explorar o que é exibido na tela, as imagens de arquivo e os sons, sejam eles músicas ou não. 

Não é só uma biografia da banda. É também um retrato imersivo e carinhoso da cena cultural que habitou a Nova York da década de 1960. Consegue transmitir a sensação eletrizante de viver na cidade naquele período e ainda reflete sobre o contexto histórico com um olhar crítico através dos depoimentos, como na sensacional cena que critica a hipocrisia do movimento hippie. Também é muito emocionante a homenagem que o filme faz a Jonas Mekas, grande nome do Cinema experimental que faleceu em 2019. The Velvet Underground é uma excelente biografia sobre a banda liderada por Lou Reed e uma carta de amor apaixonada à experimentação na arte. Sem experimentar, sem quebrar regras, não há evolução. – Caio Machado

Cenas Favoritas: a cena em que as entrevistadas denunciam a hipocrisia do movimento hippie é fantástica por sua sinceridade; e todo o relato da viagem da banda à Califórnia, em 1966, é vibrante e cômico pelo contraste entre o visual soturno dos integrantes e o ambiente ensolarado.

The Worst Person in the World (Verdens verste menneske)

Dividido por doze capítulos, um prólogo e um epílogo, The Worst Person in the World acompanha quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), uma jovem adulta ótima em não tomar decisão alguma – e estranhamente parecida com a atriz Dakota Johnson. Protagonista, Julie não é estudante de medicina, não é estudante de psicologia, ela é fotógrafa. Julie não tem cabelo loiro, não tem cabelo rosa, ela tem cabelo castanho. Julie não está no começo de seus vinte anos, não está no fim de seus vinte anos, ela está no início de seus trinta. Em síntese, Julie é tudo, mas também não é nada, muito menos a pior pessoa do mundo.

Em constante processo de mudança, Julie permanece, do início ao fim, um verdadeiro mistério. A presença fascinante de Reinsve como musa do filme (performance essa que lhe rendeu uma vitória de Melhor Atriz em Cannes 2021) expande o drama norueguês para adiante da admiração romanticamente superficial do diretor Joachim Trier sobre a protagonista, que a engessa como estátua meramente contemplativa. Reinsve puxa Julie para baixo do pedestal, provando, por trás da beleza, as falhas de sua anti-heroína, e fazendo de The Worst Person in the World um dos melhores filmes do ano. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: prólogo; quando o mundo pausa e Julie corre por Oslo; Aksel tocando bateria no ar.

tick, tick… BOOM!

O estreante diretor Lin-Manuel Miranda (Hamilton) vê o musical Rent como divisor de águas em sua vida e inspiração para a carreira. Então, não tinha pessoa melhor em momento mais ideal para dirigir tick, tick… BOOM!, filme que conta o processo criativo do compositor Jonathan Larson (Andrew Garfield) e é baseado em outro musical homônimo do escritor. Aqui, o cineasta aborda a história de forma muito íntima sobre o trabalho de Larson e é extremamente bem contextualizado com as vivências e dramas do compositor durante os anos 90, graças a um subtexto dosado na medida certa. Mesmo se tratando de uma história difícil e tortuosa, Lin-Manuel Miranda opta por dar um tom otimista para celebrar as pequenas vitórias que Larson infelizmente não aproveitou, esperando seu sucesso artístico, e faz dessa obra, uma carta de amor ao mestre.

tick, tick… BOOM! é um musical sem tirar nem pôr, daqueles em que os personagens começam com a cantoria nos momentos mais improváveis. Isso poderia trazer ao filme o estigma que todo musical injustamente carrega, mas o texto e direção conseguem preencher os intervalos das músicas com uma narrativa envolvente e humana, e uma metalinguagem bem sutil sobre o próprio processo criativo. Andrew Garfield dá vida ao protagonista de forma incrível e apaixonada. Ele consegue captar a complexidade da mente de um gênio por meio de uma dualidade que expressa toda a ansiedade do compositor através do olhar e toda a paixão de Larson através de sua voz, a construção de Garfield aqui é muito coerente. No mais, tick, tick… BOOM! é um musical feito por quem e para quem ama o gênero. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a performance inicial de 30/90; a cena da piscina com o desenho da piscina se transformando em partitura na performance de Swimming; e o primeiro ensaio do sexteto para Superbia.

Titane

Chocar está cada vez mais difícil. Toda bizarrice inesperada, estranheza, nojeira ou absurdo a internet já mostrou. Mesmo assim, Titane atropela até os mais avisados. O longa francês da roteirista e diretora Julia Ducournau conta a história de Alexia (Agathe Rousselle), que, quando criança, teve uma placa de titânio implantada em seu crânio após um acidente de carro. Já adulta, o trauma se converte em prazer: ela transa com um Cadillac e fica grávida dele, com direito a óleo de motor escorrendo de sua vagina. Ah, ela também é uma serial killer, e para fugir da polícia, assume a identidade de Adrien, um menino desaparecido há muitos anos. De cabelo e sobrancelha raspados, nariz quebrado e um semblante perdido, é aceita pelo pai verdadeiro do garoto, Vincent Legrand (Vincent Lindon).

Na estrada em que dirige, Ducournau não respeita uma lei de trânsito sequer. O mórbido aposta racha com o sensual e o cômico, e quando se espera que o filme acelere no brutal, ele abre espaço para uma narrativa com sentimentos. Tudo é sempre muito sensorial e propositalmente apelativo, confundindo o espectador se o que está se vendo na tela é literal ou metafórico. Não há uma única cena em que a criadora de Titane se perde. A segunda mulher vencedora da Palma de Ouro do Festival de Cannes em 74 anos está pouco se fodendo para o que esperam de seu Cinema. Ela não diz ser subversiva, ela é. Seu trabalho é como uma saborosa cebola que também faz chorar, desabrochando em camadas. É despretensiosamente pretensioso, e é isso que o torna genial. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que os bombeiros estão dançando na festa organizada por eles; e a cena em que Alexia, caracterizada de Adrien, dança sensualmente em cima do caminhão para os bombeiros assistirem.

Trilogia Rua do Medo (The Fear Street Trilogy)

2021 foi um ano bastante frutífero para a Netflix. Desde o princípio, o streaming garantiu que não faltaria investimento em lançamentos, e nessa busca por movimentar as sextas-feiras, a aposta foi certeira numa trilogia de filmes de terror dirigida por Leigh Janiak. Rua do Medo: 1994, Rua do Medo: 1978, Rua do Medo: 1666, a cada semana um deles chegou, respectivamente, ao catálogo Tudum, construindo uma storyline que abocanhou os guilty pleasures do horror.

Com o primeiro filme servindo para introduzir os personagens e a trama, os ovos de ouro ficam mesmo para os dois filmes seguintes. Rua do Medo: 1978 traz história de acampamento, sangue e os belos cabelos ruivos de Sadie Sink. Com uma boa progressão, o filme traz um plot twist que faz compensar a espera de uma semana em relação ao anterior e cria uma ansiedade para o próximo. Já Rua do Medo: 1666 volta à caça às bruxas e, inserindo a temática queer, fecha a trinca com todos elementos que dão as características das melhores produções do gênero. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: o plot twist de Rua do Medo: 1978; e a cena da fogueira de Rua do Medo: 1666.

Turma da Mônica: Lições 

Já fazem mais de 50 anos que o universo criado nos quadrinhos por Maurício de Sousa permanece vivo no imaginário cultural brasileiro. Sua mãe leu, você leu, e o seu priminho mais novo também. Em 2019, Daniel Rezende soube, satisfatoriamente, transportar esse universo para o live-action com um elenco infantil adorável em Turma da Mônica: Laços. A ambiciosa sequência, que chegou no finalzinho de 2021, tem a ousadia de fazer o quarteto lidar com algo que poucas ou nenhuma vez vimos com essa carga toda nos quadrinhos: crescer. Não se trata do “estar crescidos” estático da Turma da Mônica Jovem, mas do crescer como um processo, uma transformação.

Ver um arco dramático operando mudanças significativas em personagens que existiram por tantos e tantos anos da mesma forma, dói. E é assim que Turma da Mônica: Lições consegue ser tão bom: transformando figuras tão amadas sem esquecer de quem elas são. Isso sem contar a construção de mundo impecável, na fotografia nostálgica, na chuva de coadjuvantes adoráveis e easter eggs, e no fato de que este talvez seja o filme que melhor consegue representar uma vivência escolar no Brasil. Lições é um longa corajoso, hilário, emocionante e que abre portas para a expansão de um universo cinematográfico promissor. É bom tomar cuidado, Marvel. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: dois encontros hilários: Cascão com do Contra, e Cebolinha com Humberto.

Um Herói (Ghahreman)

Até que ponto uma meia-verdade não é uma mentira? Quais as possíveis consequências catastróficas das “histórias reais” que narramos? Um ato de gentileza pode destruir a vida de alguém? Essas e outras questões são trabalhadas no novo longa de Asghar Farhadi, que desmascara as narrativas de heroísmo, criando um ambiente de incerteza moral onde nenhuma boa ação parece suficiente para amenizar uma inevitável catástrofe pessoal. 

Visto e aclamado pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o vencedor do Grande Prêmio no Festival de Cannes esteve na pré-lista de indicados ao Oscar de Melhor Filme Internacional, mas não conseguiu figurar na lista final, o que não diminui os méritos deste que é, sem dúvida, um dos filmes mais envolventes e emocionantes do ano. Encontrando tensão digna de um suspense nos dramas da vida real, e uma profunda humanidade em meio a conflitos que não parecem ter qualquer tipo de solução razoável, Um Herói transborda de empatia e dor, e mostra que esses dois normalmente andam juntos. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: as lágrimas doloridas do filho de Rahim; e quando a tensão explode entre este e o seu credor. 

Um Lugar Silencioso – Parte II (A Quiet Place – Part II)

A sequência de Um Lugar Silencioso explora de maneira primorosa as consequências do longa original, além disso, ele desenvolve ainda mais os protagonistas, principalmente do núcleo mais jovem, que recebe um maior foco nesse enredo. Juntamente com o retorno do elenco original, tem-se a apresentação de novos personagens, os quais são igualmente interessantes e carismáticos. Essa adição de novos integrantes ao grupo de sobreviventes foi um acerto do roteiro de John Krasinski, pois permitiu explorar outros dramas do pós-apocalipse, além de tratar de eventos relevantes daquele universo, como o dia da invasão.

O terror e o suspense presentes na história permanecem excelentes, há várias situações muito tensas, criativas e angustiantes. Mesmo com as descobertas do filme anterior, as criaturas seguem sendo uma presença ameaçadora. O uso do silêncio continua muito bom, e é interessante observar como os mais diversos personagens presentes na trama lidam com o barulho e quais os métodos eles desenvolveram para sobreviver. Um Lugar Silencioso – Parte II é um excelente retorno para o mundo pós-apocalíptico apresentado no longa de 2018, pois desenvolve, de maneira natural e orgânica, os elementos do original, além de apresentar novos sobreviventes e expandir a visão sobre esse universo assustador. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o primeiro encontro da família Abbott com Emmett; o encontro inesperado que Emmett e Regan têm em sua jornada; e a invasão na vila.

Verão de 85 (Été 85)

É o que dizem: o amor é uma faca de dois gumes. Para Alexis (Félix Lefebvre), ambas as pontas são afiadíssimas. Quando se deu conta do amor que sentia por David (Benjamin Voisin), não imaginava que poderia existir sentimento maior. Até perdê-lo. Antes fosse um término qualquer, seu amante foi perdido para a Morte, para sempre. E o romance que usa uma França litorânea perfeita dos anos 80 como cenário vira suspense por sua tragédia, alastrando o drama de um garoto apaixonado vivendo o melhor e o pior de um momento específico de sua juventude. Aquele Verão de 85 nasceu em 1982, no livro Dance on My Grave, de Aidan Chambers, adaptado por François Ozon para seu filme.

O exímio trabalho de Ozon dá vida à obra-marco da Literatura LGBTQIA+ na sua maneira, capturando os sentimentos inocentes de Alex, encantado pela lábia e charme de David, que sabe muito bem o que está fazendo. No emaranhado de corações derretidos e partidos, acompanhamos uma história mágica, mas, ainda assim, de apertar o peito. A forma singular com que o menino que ficou enxerga sua própria vida e os eventos transpassa para a atmosfera do filme, e somos convidados a ver com esses mesmos olhos. Mesmo na morte, mesmo na perda, há a latência de amar e seguir em frente; e a promessa de dançar no túmulo do amigo-amante mostram que tanto Alexis quanto David se entendiam mais do que qualquer pessoa seria capaz. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que eles estão dançando ao som de Sailing do Rod Stewart na festa; e a cena em que eles se beijam escondido na loja mesmo com a mãe de David muito perto.

Viúva Negra (Black Widow) 

Com o sucesso de Vingadores: Ultimato, veio também a morte de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), uma das personagens mais queridas, porém injustiçadas, da saga. Em dez anos desde a sua primeira aparição na Marvel, a Viúva ainda não tinha um filme solo, e, com a duração tão longa de Ultimato e a morte de Tony Stark, a partida de Natasha passou quase despercebida. Levando tudo isso em conta, Viúva Negra, mesmo não agradando a todos e rendendo um processo entre Scarlett Johansson e Disney (pelo lançamento e bilheteria do projeto), fez muitos fãs felizes, e uma prova disso é o público tê-lo escolhido como Filme Favorito na premiação do People’s Choice Awards. O longa finalmente deu atenção à vida pessoal e ao passado de Nat, que tinham sido apenas pincelados até então. Ainda que não tenha sido como o público esperava (afinal, não foi mostrado com detalhes a esperada infância de Natasha na Sala Vermelha), o arco só de Natasha, longe da sombra trazida pelos outros Vingadores, já foi uma amostra do que ela merecia desde o princípio. Apenas um filme para uma mulher tão interessante e complexa nunca será o suficiente, mas serve para aquecer um pouquinho o coração de quem assiste e se lembra dela com saudade. 

Dirigido por Cate Shortland, roteirizado por Eric Pearson, Jac Schaeffer e Ned Benson, e com um lançamento simultâneo no cinema e no Disney+, a trama se passa após Capitão América: Guerra Civil e circula em torno da história de Natasha, transitando entre seu passado como Viúva e seu presente como Vingadora. O longa se inicia com uma sequência de desesperar qualquer um ao som de de Smells Like Teen Spirit, e vai trazendo aos poucos fatores importantes da vida de Romanoff – em especial sua família, composta pelos agentes Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), sob o disfarce de seus pais, e sua irmã, a queridinha Yelena (Florence Pugh), que já apareceu em outro projeto da Marvel. Com cenas de ação extravagantes e toque de humor, o filme estampa perfeitamente o perfil da Marvel. O longa ter explorado (ainda que superficialmente) o Programa Viúva Negra, a existência de outras viúvas e o papel importante de Natasha Romanoff nesse meio apenas fez todos amarem ainda mais a personalidade forte dessa personagem. – Gabrielli Natividade da Silva    

Cenas Favoritas: o reencontro da família de Natasha; e a cena pós-créditos.          

O post Os Melhores Filmes de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Cada vez mais, o número de jogadores do Persona cresce, e ainda bem. Em 2021, a Editoria se movimentou com ânsia para dar novos passos dentro do mundo dos Games, e aumentar a produção de conteúdo acerca desse universo. É um caminho árduo, mas trabalhamos e estivemos ligados na Gamescom, a maior feira de jogos digitais que existe, acompanhando os lançamentos mais importantes do meio por 3 dias, das grandes distribuidoras até as independentes. 

Depois, assistimos nossos jogos favoritos no The Game Awards, premiação reconhecida mundialmente, a maior e mais aguardada do universo dos games. Entre polêmicas, franquias retomadas, e boas surpresas, o ano foi apenas o começo do Persona nos Jogos. Assim, inspirados pela nova geração de consoles, apresentamos os Melhores Jogos de 2021. 

Desenvolvedoras, distribuidoras e jogadores estavam sedentos para ver as atualizações e os novos consoles. Final Fantasy XIV: Endwalker está no topo dessa lista. No começo, lá em 2010, o gênero de RPG em multijogador (MMORPG) era tido como ultrapassado, mas a saga terminou consagrada, e levando o prêmio de Melhor Jogo Contínuo no TAG 2021. 

Entre eles também está Halo Infinite, que retornou após 6 anos de mapa aberto, e caiu nas graças dos gamers de tal forma que Halo foi o ganhador do prêmio do público no TAG. Resident Evil Village compartilha da mesma quantidade de troféus na premiação, com seu Melhor Jogo de Performance. O jogo, que foi lançado no aniversário de 25 anos da série, ofereceu alguns dos melhores vilões de toda a sua trajetória e muito amor para seus fãs. 

 It Takes Two faz parte dos mais amados com sua aventura e o prêmio máximo do TAG de Jogo do Ano. Sua estética singular e narrativa de valor se uniu à jogabilidade, proporcionando vínculos reais aos jogadores. Na mesma onda de surpresas que aquecem nossos corações fica Kena: Bridge of Spirits. Com sua história bonita e sensível, e um visual digno de animações da Pixar, ele arrematou o Melhor Indie do ano. 

Mais um entre os mais esperados, a famosa franquia Life is Strange lançou True Colors. A continuação tem um enredo amadurecido com empatia, luto, e o poder de ver as emoções dos outros através de sua protagonista, ganhando merecidamente como Jogo de Impacto em 2021. O também favorito foi Deathloop, sendo o mais indicado no TAG com sua jogabilidade não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. 

O brasileiro Unsighted, pelo contrário, foi deixado de lado, mesmo sendo um indie de sucesso. Suas desenvolvedoras, Tiana Pixel e Fernanda Dias, criaram de maneira independente algo autêntico, político e vivo, um marco no gênero metroidvania. Longe dos holofotes ficou a continuação de Subnautica, o lançamento cheio de neve, lição de moral, e modo exploração, Below Zero. E quem compartilha com a saga aquática o gosto por outras realidades é Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão. 

Se em time que ganha não se mexe, a franquia dos heróis intergalácticos sabe o que está fazendo ao demonstrar graficamente a capacidade tecnológica de ray tracing no PlayStation 5. Nessa mesma perspectiva, a Editoria do Persona faz parte de quem está cada vez mais empolgado com as evoluções, inquietos por experimentar todos os universos, e contar para os outros até onde é possível chegar jogando. Por isso, aproveite bem, pois, você sairá com os dedinhos coçando, na busca de um controle.

Deathloop

“O Loop é conhecimento”: este é o mantra de Deathloop, a nova produção dos criadores da série Dishonored. Você pode tentar pegar uma arma e tentar atirar em tudo que ver pela frente, mas não é assim que você derrota o loop temporal no qual o protagonista, Colt, se encontra. Com o objetivo de matar oito alvos na pequena ilha de Blackreef antes que o dia acabe, o jogador tem que usar as informações que adquire em cada ciclo para otimizar sua abordagem, em busca de arranjar um jeito de riscar todos os nomes de sua lista antes que Julianna, sua rival rancorosa e responsável pela segurança dos chamados “Visionários”, te ache primeiro.

Deathloop é um quebra-cabeça vivo e pulsante, que fala com o jogador a cada passo de Colt, e um mundo que reage vivamente às suas escolhas e oferece uma liberdade de movimento não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. Com uma trama que se desenvolve através das pistas encontradas e as excelentes performances de Jason E. Kelley e Ozioma Akagha como os assassinos briguentos, contando ainda com uma direção de arte modernista saída diretamente dos anos 60 e um modo multiplayer maquiavélico, Deathloop é uma exploração infinitamente divertida e recompensadora de ansiedades contemporâneas e a própria natureza de videogames como um meio. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a “primeira” vez que Julianna te mata e o caminho para chegar até o loop perfeito.

Final Fantasy XIV: Endwalker

Se há uma coisa que não falta na indústria de videogames são histórias de superação: títulos que começaram com notas terríveis e foram, pouco a pouco, conquistando novamente seus jogadores através de novas expansões e atualizações. Porém, talvez nenhuma dessas histórias brilhe tanto quanto a de Final Fantasy XIV Online, que começou em 2010 como um MMORPG ultrapassado e hoje é reconhecida como uma das melhores tramas da famosa franquia da Square Enix. Com o lançamento da expansão Endwalker, a obra se consagra como tal e fecha uma história contada por anos de maneira satisfatória e subversiva.

Seguindo diretamente os aclamados eventos de Shadowbringers (2019), a nova expansão conta seus acontecimentos com admirável confiança, graças ao retorno da roteirista Natsuko Ishikawa que, junto com o resto da direção criativa, entregam um fim digno para vários dos arcos iniciados anos atrás, se diferenciando de outros títulos do mercado pela profundidade de seus personagens e se posicionando como um verdadeiro marco na história do gênero. Juntando a tudo isso a adição de duas novas e dinâmicas classes, a trilha sonora de Masayoshi Soken e mais de 50 horas de atividades, Final Fantasy XIV: Endwalker mais do que mereceu a estatueta de Melhor Jogo Contínuo no The Game Awards 2021. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o encontro de Emet-Selch, Hythlodaeus e Venat em Elpis e o discurso final de G’raha Tia.

Halo Infinite

O Halo Infinite foi tão bem feito que poderia facilmente ser transformado em um filme. A franquia sempre foi gloriosa na ação e aventura, mas seu último lançamento é, sem dúvidas, o melhor jogo de tiro de 2021, com seus gráficos e ambientação fantásticos do anel Zeta Halo, e a jogabilidade que a última geração de consoles da Microsoft exige. No modo campanha, a história enfatiza o desafio de Master Chief contra os Banidos, após ter sido lançado no espaço em Halo 5. Enquanto isso, o multiplayer é uma porta de entrada para que novos jogadores conheçam a franquia. A combinação de tradição e atualizações foi perfeita para mostrar que Infinite é o começo do futuro para o jogo.

A desenvolvedora 343 Industries cumpriu o desafio de reviver a história depois de 6 anos do último jogo lançado, e dar destaque para Master Chief antes de entregar nos braços dos fãs a grande novidade de poder explorar um mundo aberto na franquia. As missões são desbloqueadas aos poucos, conforme a própria história do jogo avança e novas áreas são conquistadas, o que trouxe uma jogabilidade sensacional no novo modo. Depois de muito atraso na continuação de Halo por sua péssima primeira impressão em 2020, o resultado entregue foi tão exemplar que rendeu ao jogo o prêmio do público, Player’s Voice Award, no The Game Awards de 2021. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: os ecos da Cortana enquanto o Master Chief procura pela sua nova Inteligência Artificial Arma na introdução do jogo; a cutscene da vilã Harbinger iniciando a “Reforma”; e a luta dentro do Auditório Silencioso que revela a morte da Cortana.

It Takes Two

Certamente tivemos muitos momentos intensos nos jogos em 2021, mas uma das experiências mais marcantes foi baseada em nada mais do que amizade e cooperação. It Takes Two, o mais novo título do estimado estúdio Hazelight te coloca na pele de um casal em vias de se separar, mas que são forçados a trabalhar juntos, após um pedido de sua filha os transformar em miniaturas de argila e madeira. A partir daí, os dois são lançados em uma versão alternativa de sua própria casa, recheada por personagens fantásticos enquanto vão, pouco a pouco, reconstruindo seu relacionamento.

Às vezes, sua estética o faz parecer uma mistura louca entre Toy Story e Divertida Mente. Mas apesar do visual singular, há um sabor especial na obra que se diferencia e oferece seu próprio valor sentimental, unindo a narrativa à jogabilidade e criando vínculos reais entre seus jogadores que, em uma época de isolamento social, são mais importantes do que nunca. Ganhando o prêmio máximo do The Game Awards, It Takes Two é um jogo enganosamente simples, mas que se torna maior que a soma de suas partes por meio do amor que seus desenvolvedores projetam em cada um de seus aspectos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o mergulho psicodélico dentro de um lago subterrâneo; o RPG isométrico que nos transformou em cavaleiras e magos; e aquela vez em que nós tivemos que esquartejar um elefante de pelúcia.

Kena: Bridge of Spirits

O melhor jogo de 2021, Kena: Bridge of Spirits parece uma genuína animação da Pixar. Ninguém esperava que os gráficos seriam tão incríveis ou que a história fosse tão emocionante, mesmo que a Ember Lab, sua produtora independente, fizesse animações antes de adentrar no mundo dos games. Para além dos gráficos, o estilo adventure resgatou a gameplay de exploração com o diferencial do gênero indie em um mapa de tamanho ideal. A experiência de Kena pode ser traduzida como uma imersão emocionante e única em meio aos demais lançamentos do ano.

Seu enredo, desenrolado em um vilarejo assombrado por espíritos que não conseguiram descansar após a morte, e a jornada da protagonista em guiá-los para a paz, vai magicamente conquistando o coração, enquanto Kena transforma a paisagem em uma encantadora floresta montanhosa e conhece criaturas incríveis em sua jornada. Não por acaso, ele foi o ganhador da categoria Melhor Jogo Independente no The Game Awards de 2021, sendo mais um estímulo para que a protagonista e seus amigos Rots ganhem uma merecida continuação. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a interação de Kena com os Rots, que é especialmente fofa quando ela os encontra, ou os dá chapéus, pulam em sua cabeça e nadam atrás dela; o momento em que Kena descobre a história das 3 primeiras almas que precisa guiar; e a história do último espírito e sua conexão com cada personagem e característica do jogo.

Life is Strange: True Colors

Produzido pela Deck Nine Games (a mesma por trás do fantástico Before The Storm), Life is Strange: True Colors é o terceiro lançamento principal da famosa franquia episódica da Square Enix. Seguindo o formato antológico de seus antecessores, o novo capítulo da série apresenta uma nova protagonista tendo que lidar com poderes sobrenaturais e o mundo à sua volta. Alex Chen (interpretada excepcionalmente por Erika Mori) se revela logo na narrativa como a melhor personagem que a franquia já nos ofereceu, possuidora de uma maturidade única e de uma profundidade que faltavam nos outros títulos, fruto das dificuldades pelas quais passou antes mesmo de assumirmos controle de seus passos.

O poder de ver as emoções dos outros através de auras coloridas se adequa unicamente à trama de True Colors, que lida com temas de empatia, pertencimento e luto de maneira mais sutil e sensível que os jogos anteriores, mas sem nunca perder o charme que conquistou milhões de jogadores. Com o uso de tecnologia de captura de movimentos para trazer suas atuações para o primeiro plano, a nova adição da Deck Nine estabelece um novo patamar para envolvimento emocional narrativo dentro da série, oferecendo escolhas introspectivas e silenciosas que vão se acumulando mais e mais, explodindo em um final completamente arrebatador. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o LARP de Haven Springs para animar Ethan; o beijo de Alex no Festival de Primavera e a explosão de cores que ele causa; e a última conversa entre Alex e Gabe no telhado.

Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão (Ratchet & Clank: Rift Apart)

Ratchet e Clank, heróis intergalácticos, precisam enfrentar Dr. Nefarious e seu maligno plano de aniquilar o universo. Esse tem sido um roteiro padrão desde o início da franquia Ratchet & Clank, e Rift Apart não parece interessado em propor mudanças, em vários sentidos. À título de exemplo, a inconfundível gameplay em 3ª pessoa da série, que mistura elementos de jogos de tiro com plataforma, mantém-se presente, frenética e estimulante como nunca. E de fato, em time que ganha não se mexe. A novidade do novo título da Insomniac Games está em outro lugar. Se a típica ameaça de Nefarious continua, ela agora vem acompanhada de viagens interdimensionais a contrapartes de outra realidade. Uma premissa curiosa, que entretanto não passa de um pretexto. Na verdade, Ratchet & Clank: Rift Apart, assim como Knack foi para o antecessor PS4, tem como principal finalidade testar os limites de performance do PlayStation 5 e, sobretudo, de seu potente SSD. 

E, nesse âmbito, não há do que reclamar. O loading quase inexistente concedido pelo console proporciona mudanças de cenário praticamente instantâneas e sequências de ação ainda mais vívidas e eletrizantes. Além disso, a aplicação impressionante da tecnologia do ray tracing transforma Rift Apart na melhor demonstração gráfica do PS5 até aqui – durante a jogatina, é difícil não imaginar estar controlando uma animação da Pixar. E mais boas notícias: o brilho de Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão vai muito além de uma amostra tecnológica. O jogo apresenta uma narrativa cativante, com um humor mordaz, acessível, e cheio de personagens carismáticos. A adição da Rivet, que divide o protagonismo com Ratchet, não apenas acrescenta à jogabilidade e à história, como também fortalece as relações e dinâmicas da equipe. E se é esse nível de qualidade que a atual geração tem a nos oferecer, então estaremos muito bem servidos. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a missão na Base Pirata de Ardolis; e o resgate de Ratchet e Kit.

Resident Evil Village

Lançado no aniversário de 25 anos da icônica série de terror da Capcom, o oitavo capítulo de Resident Evil parece simultaneamente abraçar o passado enquanto olha para o futuro. Sequência direta de Resident Evil 7 biohazard, a nova adição à franquia mantém a divisiva perspectiva em primeira pessoa que marcou sua antecessora, mas também retoma alguns dos elementos mais celebrados de sua história, tal como o personagem Mercador, o manejamento de inventário e o famoso modo Mercenários de Resident Evil 4. Mais ainda do que os remakes recentes, Village se lê como uma carta de amor para seus fãs.

Apesar de carecer de uma trama tão marcante quanto as outras, sua direção de arte eclética e sua pseudo família de vilões mutantes têm charme de sobra para cativar os jogadores do início ao fim da aventura: a premiada performance de Maggie Robertson como a gigantesca Lady Dimitrescu dominou a internet antes mesmo de sabermos seu nome, inspirando incontáveis fanarts e cosplays. Com uma mistura única de ação e terror em primeira pessoa, Resident Evil Village faz sua marca na série e, graças ao carisma de seus personagens, marca os jogadores também. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a luta contra Lady Dimitrescu no castelo e a revelação de sua forma final; a fuga do bebê monstruoso na mansão Beneviento; e a investida final contra Mãe Miranda nos pés de Chris Redfield.

Subnautica: Below Zero

Subnautica: Below Zero é um exemplo de como uma continuação consegue expandir o mapa de exploração de um jogo. A habilidade das produtoras Unknown Worlds Entertainment e Shiny Shoe LLC em criar outro mundo, diferente do primeiro e com novos biomas explorados com complexidade, foi exemplar. A segunda parte da franquia de Subnautica também mostrou que explorar um mapa embaixo d’água é tão maneiro quanto se enfiar em montanhas cobertas de neve, sendo um dos melhores lançamentos de 2021. 

O mérito do jogo, mais uma vez, é sua história cada vez mais bonita sobre a sobrevivência e recuperação de planetas alienígenas infectados por um vírus. Seu mundo aberto é fantástico, construído sabiamente para combinar a exploração, sobrevivência e ensinamentos sobre o desconhecido em uma gameplay. A continuação conseguiu manter seu mistério, revelando peças importantes e fantásticas como o Arquiteto, e deixando novamente um final aberto para a continuação, que acontecerá, mas em um futuro desconhecido. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a exploração no gelo onde outros humanos habitavam anteriormente e realizavam pesquisas em criaturas do planeta; e a descoberta do Arquiteto e das construções alienígenas no subterrâneo.

Unsighted

Em uma indústria de games cujo maior blockbuster propõe um exercício vazio e descontextualizado da estética cyberpunk, a custo de uma lógica de produção exploratória que abusa de milhares de trabalhadoras, é um jogo indie, brasileiro, produzido por uma equipe de duas gamedevs trans, que proporciona o mais imaculado dos feitos da ficção científica recente. Tiana Pixel e Fernanda Dias formam o corpo da Studio Pixel Punk, desenvolvedora de Unsighted: um jogo pixel art que segue uma jogabilidade de Metroidvania, em uma perspectiva de câmera top down. Um monte de verborragia gamer, que sozinho jamais definiria a riqueza tanto de sua gameplay desafiadora, mas intuitiva e divertida, quanto da diversidade de seu elenco de personagens, repleto de vivências LGBTQIA+ representadas com a maior honestidade e humanidade possível.

O cenário é Arcadia, um mundo arruinado após uma guerra entre humanos e autômatos. Controlamos Alma, uma dessas androides, que corre contra o tempo para salvar a si e a seu povo de se transformarem em máquinas de matar isentos de consciência: os Unsighted. Porém, apesar do tom de urgência e do limite de tempo, que tornam tudo ainda mais desesperador, somos imersos naturalmente na mitologia do jogo, construindo vínculos sinceros com os habitantes da vila, de modo que realmente sentimos vida naquele universo. Além disso, Unsighted dá total liberdade para que o jogador possa se expressar como quiser, tornando cada experiência com a história única e autêntica. O game apresenta múltiplos caminhos, mas que são ordenados de maneira tão orgânica, que sequer percebemos quando tomamos decisões. Com uma história poderosa – e sempre política – sobre traumas, afetos e as mazelas de um sistema capitalista cruel, Unsighted é a obra mais viva do ano. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a primeira aparição de um Unsighted; e a busca por Prometeu, Cavaleire dos Ventos

O post Os Melhores Jogos de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

A editoria de Literatura foi uma das áreas que mais cresceu no Persona em 2021. Grande parte dessa experiência foi graças à parceria com a editora Companhia das Letras, que nos permitiu o acesso a diversos lançamentos e oportunidades. A melhor parte disso foi para o nosso próprio conteúdo: participamos de um evento exclusivo com o escritor Mia Couto, antes mesmo de O Mapeador de Ausências ser lançado oficialmente, e ouvimos sobre suas obras e influências. Nós também ficamos de olho em eventos literários, como o Prêmio Jabuti e o Nobel de Literatura, e demos início ao nosso Clube de Leitura e ao Estante do Persona, trazendo, além da leitura do mês, indicações literárias das mais variadas para compor nossas recomendações mensais. Agora, fazendo um balanço do que foi o ano passado para o Persona – e para a Literatura de vários cantos do mundo  –, chegamos com Os Melhores Livros de 2021.

Logo em janeiro, após um prazo que durou 53 anos desde seu lançamento até a chegada nas estantes brasileiras, o clássico Rastejando até Belém foi oficialmente editado e impresso no país pela editora Todavia. Olhando em retrospecto, parecia um presságio: em dezembro, a autora Joan Didion faleceu, vítima de complicações da doença de Parkinson. Na mesma casa editorial, Olga Tokarczuk teve seu livro Correntes lançado, obra importante e que a impulsionou para vencer o Nobel de Literatura em 2018. Também nos despedimos da gigante bell hooks, que nos deixou de herança os ensinamentos de Tudo sobre o amor.

Após 20 anos da morte de W.G. Sebald, a editora Companhia das Letras decidiu lançar Campo Santo, obra póstuma que reúne trechos de um livro que nunca ganhou vida, que mistura-se a uma coleção de ensaios. Também como homenagem a um escritor genial que partiu jovem demais, Vida Desinteressante chegou, trazendo os textos publicados por Victor Heringer na revista Pessoa, de 2014 a 2017. Como se não bastasse, no final de agosto, tivemos um pouco de luz: a obra Luz em Agosto, de William Faulkner, ganhou nova edição, com tradução revisada.

O mestre do Horror, Stephen King, marcou presença com Billy Summers e Depois, e o Persona também entrevistou a escritora Aline Bei, em decorrência da excelente Pequena coreografia do adeus. Na mesma linha, em uma espécie de mistura de Fleabag com I May Destroy You, Raven Leilani estreou com a obra Luxúria, refletindo sobre gênero, raça e classe. A jornalista Jessica Bruder chegou ao Brasil com o estardalhaço Nomadland, obra que esmagou o sonho americano, jogando luz a situação de subemprego nos Estados Unidos, cuja adaptação magistral para os cinemas ficou a cargo da vencedora do Oscar Chloé Zhao.

Sally Rooney, nome que ganhou peso depois do fabuloso Pessoas normais, lançou Belo mundo, onde você está, seu terceiro romance, que navega por entre o amor descuidado. No mundo de estrelas do Cinema e astros do rock, Taylor Jenkins Reid visita a renascença de Malibu, enquanto Matt Haig transforma uma simples biblioteca num labirinto melancólico. No Brasil, foi a vez de Juliana Reis admirar borboletas, Maria Freitas desvendar clichês e Danielly Martins explorar as intimidades do avesso.

Pedro Rhuas transformou boates com nomes de navios naufragados em receptáculos de amor; Yas Kettermann uniu a mitologia de Taylor Swift e da banda HAIM em um conto envolvente e inventivo. A ganesa Ayesha Harruna Attah conta em O imenso azul entre nós um drama familiar com representatividade e emoção. De fato, a lista do Persona envolve bem essas duas esferas, indo das publicações independentes às grandes companhias, passando por objetos históricos de extrema importância documental até crônicas refrescantes escritas por e para jovens, adereçando temas como identidade, aceitação e um novo status quo. 

Afinal, o que é a Literatura senão o espaço para lutar contra os grandes monstros do mundo real. Seja uma escapada por meio de e-mails escritos por uma irlandesa, seja os ensinamentos eternos de uma autora que partiu cedo demais, seja uma quase biografia do maior escritor de Moçambique, todos os caminhos e estilos e decisões desembocam na libertação, na emancipação, na imbatível e irreverente arte dos livros. Boa leitura! 

Matt Haig  – A Biblioteca da Meia-Noite

A Biblioteca da Meia-Noite – ou, como foi intitulado no país de origem, The Midnight Library – é um livro de Matt Haig que conta a história de Nora Seed, uma mulher de 35 anos que coleciona arrependimentos e insatisfações. Motivada pelas inúmeras decepções que a vida a proporcionou, ela decreta seu próprio ponto final, e por isso, recebe uma oportunidade de entrar em uma biblioteca localizada nas fronteiras entre a vida e a morte, a Biblioteca da Meia-Noite. Dispostos pelas prateleiras, estão livros que permitem que ela vivencie as milhares de alternativas que poderiam ser suas caso tivesse feito escolhas diferentes, assim, ela pode ultrapassar a linearidade da existência e se inserir em todos os seus desejos que se trajaram de frustração. 

Enquanto experimenta as possibilidades, a personagem nota que nenhum dos fios cumpre suas expectativas e que sempre falta alguma coisa. Dessa forma, o livro, traduzido por Adriana Fidalgo, retrata com brandura a ineficácia que reside na busca por uma trajetória perfeita em que todos os sonhos se realizam e os caminhos nunca tem pedra alguma. Entre suas reflexões, a obra contempla as aflições que residem nas inseguranças e dores que levam as pessoas a cometerem suicídio e as coloca de forma sensível e não arbitrária. Ao fim, resta um montante de considerações emocionantes sobre uma que vida nunca segue rotas sem desvios, entre erros e lamentos vale a pena se ancorar em seus aprendizados e belezas. – Jamily Rigonatto 

Momentos Favoritos: a cena em que Nora se mostra concluindo que quer continuar a viver; e o momento em que Nora percebe que o homem que ela pensava ser o amor da vida dela era uma mentira decepcionante.

Sally Rooney – Belo mundo, onde você está

Definida como o “fenômeno literário da década” pelo jornal The Guardian, a escritora irlandesa Sally Rooney está cada vez mais mesclada à cultura pop. Agora, depois de desvendar as amizades da juventude, investigar a normalidade das pessoas e virar roteirista de TV, ela decide sair em busca de um lugar melhor para viver. Em Belo mundo, onde você está, acompanhamos Alice e Eileen, duas mulheres na casa dos 30 anos, que se conheceram na faculdade e, anos depois, trocam e-mails confidenciando suas rotinas e amores.

Lançado em 2021, o terceiro romance de Rooney é seu trabalho menos constante. Ao passo que já concentrou esforços em dissecar relações próximas (tanto física quanto emocionalmente), na hora de escrever suas novas protagonistas, a autora não busca certezas. Dessa vez, o argumento de Beautiful World, Where Are You, traduzido para a Companhia das Letras por Débora Landsberg, navega pela tempestade do desamor, do amor descuidado e da cumplicidade. Pode não parecer, mas o mundo belo está em todo lugar, basta aceitar. – Vitor Evangelista 

Momentos Favoritos: a briga na cozinha, quando a situação esquenta e o livro mostra suas garras; e o e-mail de encerramento, momento em que Rooney sorri junto do destino e da vida.

Stephen King – Billy Summers

“Billy Summers quer se aposentar. Mas, antes, ele aceita um último alvo.” Stephen King dispensa apresentações e qualquer livro ou produção atrelada a seu nome ganha um status especial. A maestria do Rei do Horror em criar histórias envolventes se estendem além do terror e do suspense psicológico para, entre outros gêneros literários, o drama. Após Depois, que também se afasta do nicho preferido de King, Billy Summers adentra o íntimo de seu personagem-título e explora os tormentos da mente do protagonista. No enredo, ele é um matador de aluguel em seu último trabalho. Em seu disfarce, descobre uma predileção pela escrita e passa a compartilhar seus dias e seu passado.

Desde o começo do livro, mergulhamos nos dilemas de Billy e é quase inevitável não se apegar e torcer por ele. Quando o acompanhamos planejar um assassinato e, logo depois, cuidar tão carinhosamente das crianças da vizinhança, a obra levanta contradições para construir o personagem complexo. Assim como em outras narrativas de terror, aqui, King também mescla recortes temporais para explorar cada vez mais seu protagonista, deixando o livro ainda mais envolvente e fluído. Cenas emocionantes, de ação e de tensão também não faltam. Quando o assassino de aluguel está em fuga e perto de ser capturado, ou quando coloca em prática sua vingança junto de Alice, percebemos o quão profundo, complexo e completo Billy é. E o quanto torcemos por Billy Summers. – Vitória Lopes Gomez

Momentos Favoritos: Billy jogando Monopoly com as crianças da vizinhança; Billy e Alice indo atrás do acerto de contas para ele; e o momento em que Alice lê a suposta carta de despedida de Billy.

Juliana Reis – Borboletas prá lá e prá cá

Escrito por Juliana Reis, Borboletas pra lá e pra cá é um romance lésbico protagonizado pelas jovens Laís Ribeiro e Thaila Fontana, onde a primeira é cheia de certezas e uma independência sem igual, já a segunda, é dona de uma personalidade confiante e uma aparência impecável. Laís teve que amadurecer antes do tempo por conta da ausência dos pais e dos problemas conturbados que rodearam sua vida, ela não é o tipo de adolescente que se apaixona e sente borboletas no estômago – ou pelo menos, não era – até Thaila e seu perfume de baunilha cruzarem seu caminho. A autora explora um cenário que transborda um clichê adorável sem perder profundidade, um bom desenvolvimento de personagens e muita representatividade.

O livro nacional se assemelha a textos como Enquanto eu não te encontro, quando escolhe não trazer os questionamentos comuns na maioria dos romances LGBTQIA+ e a famosa crise de identidade que assombra os personagens, e deixa tudo às claras sem colocar a sexualidade das duas como um conflito interno. Assim, o livro estende as camadas existentes em Thaila e Laís e as coloca como pessoas reais que expõe suas fragilidades, inseguranças e erros de uma forma bastante natural. Como é esperado em romances feitos para aconchegar, a narrativa abraça uma reviravolta bem construída e um final muito feliz. Abandonando estereótipos, Borboletas pra lá e pra cá é um retrato do amor entre duas garotas carregado de emoções, empatia, identificação e, é claro, borboletas. – Jamily Rigonatto 

Momentos Favoritos: o momento em que Laís e Thaila se conhecem desastrosamente no cinema; a cena do beijo no meio da rua depois da festa; e a dança ao som de Tulipa Ruiz no restaurante de batatas. 

W.G. Sebald – Campo Santo

Quando o alemão W.G. Sebald faleceu em 2001, após um acidente de carro, era visto como um dos favoritos a receber o Prêmio Nobel de Literatura; feito um tanto quanto curioso, considerando que sua produção começou tardiamente – publicou seu primeiro livro aos 44 anos –, quando era um professor acadêmico, e teve, ao todo, apenas 11 livros publicados. No entanto, não soa nem um pouco exagerado acreditar que ele levaria o prêmio. Campo Santo é uma coletânea póstuma, organizada pelo crítico Sven Meyer e lançada em 2003, que reúne trechos de um romance que nunca ganhou vida, e ainda traz alguns ensaios do escritor. No Brasil, a obra só chegou em 2021, e não poderia ficar de fora dessa lista.

Campo Santo foi dividido em duas partes: “Prosa” e “Ensaios”. Tendo em vista a habilidade do autor em misturar ficção com não-ficção, o livro serve como um registro íntimo de suas opiniões sobre o que considerava legítimo. Além de trazer sua visão sobre Kafka e Nabokov – seus heróis literários –, sentimos a potência de seus escritos, acompanhando esse processo de composição bastante peculiar. Nesse projeto inacabado, Sebald analisa o efeito solitário da ilha de Córsega, através de sua habilidade ímpar em descrever a melancolia. Somos guiados pela essência das presenças fantasmagóricas que acompanham nossas vidas, e Campo Santo transforma-se num extenso panorama de um autor que foi gigantesco. – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: o texto que dá título à coletânea; e os ensaios Via Suíça até o bordel, Kafka vai ao cinema e Texturas oníricas.

Maria Freitas – Clichês em rosa, roxo e azul

Recheado de diversidade, Clichês em rosa, roxo e azul é um conjunto de contos protagonizados por personagens bissexuais de todos os tipos, sejam pessoas trans ou cis, racializadas ou brancas, dessa ou até de outra dimensão. Escrita por Maria Freitas, a ganhadora do Prêmio Mix Literário de 2020 com Cartas para Luisa, a publicação traz histórias cheias de representatividade que são capazes de descrever o amor de um jeito que faria as comédias românticas clássicas sentirem inveja. Entre uma página e outra, são expostas descobertas, medos, amores e desejos por trás da vivência bissexual, a partir de pontos de vista múltiplos descritos com muita sensibilidade.  

Ambientados no interior de Minas Gerais, os textos trazem uma conexão entre si, e muitas figuras que já foram apresentadas em seu próprio conto aparecem de relance nos outros, fazendo com que o leitor possa relacionar e entender as extensões das quebras no espaço-tempo enquanto é fascinado pelos detalhes de um multiverso todo brasileiro. Além disso, algumas das histórias se passam durante a pandemia de covid-19 e traduzem bastante dos sentimentos de medo e insegurança gerados pela situação, assim como são trabalhadas em cima das relações atrapalhadas e fisicamente distantes desse período. Desse modo, a autora narra o afeto em aspectos reconfortantes e cheios de personalidade, em que o amor cabe em todos os corpos de maneiras únicas e lindas. – Jamily Rigonatto

Momentos Favoritos: a carta deixada por Henrique em As razões de Henrique; o momento em que Estrela entende o motivo de sua avó alertar para que nunca se apaixone por uma flor em Estrela e a Flor; e a cena de Erick e Camila com os cartazes na sacada em Amor de janela. 

Olga Tokarczuk – Correntes

A polonesa Olga Tokarczuk, vencedora do Prêmio Nobel de 2018, é uma das autoras contemporâneas que melhor exploram a autoficção. Em Correntes, livro que recebeu o Man Booker Prize e é considerado a obra principal de Tokarczuk, diversos formatos narrativos se misturam em seus 116 capítulos. Como um livro de fragmentos, a obra explora a existência e também a inexistência, e não é exagero afirmar que Correntes tem como ponto de partida a transposição, nas páginas, do primeiro contato com o desconhecido. Por essa razão, criam-se pequenos contos, ensaios, fragmentos de diários e excertos de histórias familiares. 

A obra também traz a corporalidade como algo importante, e alguns capítulos compõem pequenos itinerários sobre órgãos humanos. Essa abordagem esbarra no fato do próprio corpo humano ser um mapa a ser desvendado. Não é por acaso que, após tecer alguns comentários sobre os órgãos humanos, encontramos guias e itinerários de viagem. Os temas do livro se interligam de forma magistral, e estão muito bem divididos pelos capítulos – por esse motivo, o livro transforma-se num romance, mesmo que misture gêneros literários. Correntes não poderia ficar fora dos Melhores Livros do Ano, pois joga luz como poucas obras sobre a condição humana pós-moderna. “Num instante descubro a verdade: nada mais pode ser feito. Existo.” – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: os capítulos Viagens para o Polo, no qual a autora cita Jorge Luis Borges, O original e a cópia e A sua cabeça no mundo.

Stephen King – Depois 

Depois foi um dos livros lançados em 2021 que o Persona teve a honra de receber em sua parceria com a Companhia das Letras. Não é preciso muito para convencer do porquê a obra está nessa lista, basta dar nome aos bois. Com apenas 192 páginas, o livro foi o primeiro lançamento de 2021 do Mestre do Terror, Stephen King. A premissa tem um gosto conhecido: acompanhamos o dia a dia de um garoto que vê gente morta. Trabalhando numa temática já imortalizada com O Sexto Sentido, King refresca a narrativa usando da simplicidade. Aqui, o renomado escritor deixa o papel e a caneta a cargo e seu próprio personagem, que não usa de seres e situações mirabolantes para construir sua história. O fio único que conduz o livro é suficiente para prender o leitor do começo ao fim.

Jamie Conklin, Tia Conklin e Liz Dutton são os personagens principais, e seus diálogos e suas relações formam o ponto alto dessa obra. O enredo bem ambientado, unido às descrições meticulosa, também colaboram para a história se tornar tão instigante a ponto do livro ser devorado. Suas passagens mais sombrias não decepcionam, assim como toda obra de Stephen King. Mantendo o equilíbrio entre o inofensivo e o assustador, Depois é uma ótima opção para quem quer mergulhar no universo do autor mas não se sente pronto para encarar as mais de mil páginas de It. – Ana Júlia Trevisan

Momentos Favoritos: o capítulo 68 e a conversa entre Jamie Conklin e Regis Thomas.

Pedro Rhuas – Enquanto eu não te encontro

Romance de estreia do querido Pedro Rhuas, Enquanto eu não te encontro não poderia deixar de ser notado dentre os Melhores Livros de 2021. O autor não somente quer narrar uma história, mas também que o leitor esteja presente, se envolvendo com o enredo como um observador dos acontecimentos da narrativa. Com uma linguagem menos objetiva e mais espontânea, difíceis de serem traduzidos para uma norma culta, temos as mesmas reações que seu protagonista, Lucas – um garoto gay e nordestino que se muda do interior para a capital do Rio Grande do Norte para ingressar na universidade. 

Abusando das descrições de roupas, ambientes e até mesmo da música que engloba a cena, somos instintivamente mergulhados pela vida de Lucas, imersos em um turbilhão de sentimentos e de cenários onipresentes. Pedro Rhuas é um profissional completo, nos presenteando também com uma trilha sonora de músicas autorais para combinar na leitura. Não é à toa que sua obra acabou se tornando o livro LGBTQIA+ mais vendido para adolescentes no ranking da Amazon. – Júlia Paes de Arruda

Momentos Favoritos: o diálogo de Pierre e Lucas no capítulo Todas as coisas que ele gosta.

Raven Leilani – Luxúria

A melhor forma de definir o clamor pela obra de estreia de Raven Leilani é buscar suas influências: em seu primeiro livro, a jovem escritora nova-iorquina parece realizar um encontro de Fleabag e I May Destroy You. Nada é comparável e muito menos a tentativa é encaixar um trabalho magistral em outro. O que Raven Leilani faz em Luxúria é aproveitar referências de duas das obras mais disruptivas dos últimos anos. Assim, não é difícil entender a seleção do romance para boa parte das listas de melhores do ano pelas críticas mais importantes pelo mundo, e aqui no Persona, onde o livro chegou através da parceria com a Companhia das Letras, não poderia ser diferente.

Luxúria se dedica à história de Edie, que em seus vinte e poucos anos, tenta viver em uma Nova Iorque inóspita aos jovens de classe baixa e especialmente hostil às mulheres negras. Entre os altos e baixos de sua vida perfeitamente comum à juventude do século 21, ela cai nas teias de um relacionamento aberto com um casal branco e, ao mesmo tempo, parte de sua vida começa (mais uma vez) a desmoronar. A partir daí, Raven Leilani cria uma comédia dramática sagaz e ácida, que reflete sobre as expressões de poder das relações de gênero, classe e raça. Viu só? Não é sonhar demais com uma adaptação audiovisual escrita e dirigida por Michaela Coel com a produção de Phoebe Waller-Bridge, porque ainda vamos ouvir falar muito sobre as histórias de Raven Leilani. – Raquel Dutra

Momentos Favoritos: o encontro de Edie e Akila; e o momento em que Edie se lembra da morte da mãe.

William Faulkner – Luz em Agosto

Para um autor conhecido por suas invenções literárias, Luz em Agosto soa como um romance mais tradicional e mais linear, mas nem por isso menos inventivo ou menos genial. Na obra, William Faulkner, vencedor do Nobel de Literatura em 1949, conta duas histórias paralelas que se colidem, numa trama marcada pela brutalidade e racismo no Sul dos Estados Unidos. Lançado originalmente em 1932, a obra retornou sob tradução de Celso Mauro Paciornik – tradução revisada da antiga versão na editora Cosac & Naify –, e ganha notoriedade por ser uma espécie de romance da decadência, além de um trabalho pungente sobre a violência que se instaurou no país pós-Guerra Civil. 

A radicalidade de Luz em Agosto reside na mescla de abordagens mais realistas de Faulkner com o cenário inventivo que se consolidou no modernismo, cujo maior horizonte estabelecia-se na obra de James Joyce. Contando paralelamente o drama de Lena, uma mulher grávida que busca pelo marido que a abandonou, junto a história de Joe Christmas, um andarilho em crise de identidade, a obra “refaz toda a cadeia de maldições que pairam sobre a raça humana”, parafraseando Jacques Rancière. Por essa razão, o relançamento de Luz em Agosto colocou novamente em catálogo um livro que mescla como poucos o bíblico e o mundano, o sagrado e o profano, e insere, em meio a todo o horror, um pouco de esperança. – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: o final do capítulo 1, na página 33, quando a personagem Lena vê uma casa pegando fogo, e esse cenário irá desencadear a perseguição a Joe Christmas; e o capítulo 20.

Taylor Jenkins Reid – Malibu renasce

Em Malibu rising, traduzido para o português como Malibu renasce, é explorada a vida da família de Mick Riva – personagem apresentado por Taylor Jenkins Reid em seu best-seller Os sete maridos de Evelyn Hugo e em Daisy Jones and The Six –, a estrela do rock que junto de seus filhos protagoniza, em Malibu, uma trama que pega fogo. Os Riva tem quatro filhos, Nina, Hud, Jay e Kit, jovens que têm uma vida rodeada por segredos, boatos e escândalos tão quentes quanto o sol da cidade praiana. Os irmãos partilham de uma relação muito profunda e laços que, ao serem intensificados, emocionam pelas facetas que os constrói e pela maneira detalhada com a qual são descritos.

A narrativa é desenvolvida em cima da festa anual que a família dá em sua mansão durante o verão, e por isso não precisa de mais que um dia para resgatar memórias e desfazer todo um emaranhado de nós e mágoas bem guardadas. Em uma representação que tem mais a ver com as ruínas que escondem-se dentro dos personagens do que com as que restam da casa de Nina, o livro mostra uma Malibu que renasce como a fênix depois das cinzas. A obra tem tradução de Alexandre Boide e aborda celebridades inventadas de uma maneira tão realista que deixa no ar a vontade de encontrar seus trabalhos em uma pesquisa do Google. Por fim, Malibu renasce é uma reflexão bem montada sobre decisões que, em fagulhas, tem como consequência grandes incêndios. – Jamily Rigonatto 

Momentos Favoritos: a conversa de Kit Riva com Ricky; a cena em que Nina Riva confronta Brandon; e as lembranças de June sobre seu casamento.

Thomas Bernhard – Mestres Antigos

Thomas Bernhard nasceu em 1931, na Áustria, e dois anos depois o Estado totalitário nazista se estabeleceu na Alemanha. Ainda na infância, sua mãe o colocou num colégio nazista, e depois o inseriu num colégio católico. Essas são experiências traumáticas que serão, anos mais tarde, desenvolvidas em Mestres Antigos, obra na qual expõe seu anti-nazismo e seu ateísmo. Lançado originalmente em 1985 – dois anos antes de Bernhard morrer –, a obra reveste-se do personagem Reger, um rabugento crítico musical, e tece os comentários mais agressivos contra toda a escória nazista que passou pela vida do autor. Composto por um único parágrafo, o romance não perdoa ninguém que simpatizou com o movimento. 

Em forma de diálogo, mantido por Reger e Atzbacher, um filósofo bem mais jovem, Thomas Bernhard vai dos compatriotas austríacos que apoiaram o movimento – e, segundo o autor, não foram punidos –, até o apoio de Heidegger ao nazismo, constituindo um dos momentos mais hilários do livro, no qual se segue por páginas várias ofensas ao filósofo. Como o subtítulo de Mestres Antigos diz, essa é uma comédia, mas que transparece a indignação séria que Bernhard manteve ao longo de toda sua vida, travando uma guerra pessoal e sendo, ele mesmo, conhecido como rabugento. Por essas e outras, considerando o Brasil contemporâneo, Mestres Antigos chegou como um dos melhores e mais aguardados lançamentos de 2021. – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: o trecho em que Bernhard descreve as características físicas e intelectuais de Martin Heidegger. 

Danielly Martins – Meu avesso em verso

Existem grandes nomes de poetas contemporâneas que traduzem com muito louvor sentimentos de teor feminista e de amor próprio, como Rupi Kaur e Amanda Lovelace. Na obra independente Meu avesso em verso, a brasileira Danielly Martins administra as emoções de forma singular por meio de poemas pílulas fascinantes. É inevitável não fazer várias marcações durante a leitura das 151 páginas. 

A autora constrói, ao mesmo tempo, versos de forma direta e poética, fazendo o leitor mergulhar na imensidão de suas palavras e se encantar com a profundidade de seus sentimentos – especialmente para aqueles que passaram ou passam pela sensação. É uma leitura rápida, descrevendo o amor e a saudade de maneira intensa. O livro, de certa forma, possibilita encarar o novo com um olhar de renovação, abrindo novos horizontes na companhia de si mesma. – Júlia Paes de Arruda

Momentos Favoritos: o verso da página 54 – “Eu errei no momento em que já não era amor e apenas me acostumei com a tua presença e continuei ali”.

Yas Kettermann – No Body No Crime: Um Conto Evermore

Tendo como base a música no body, no crime, Yas Kettermann dá vida a Este, ao seu marido traidor e a amiga vingativa. Apesar de suas curtas páginas, No Body No Crime: Um Conto Evermore consegue saciar de forma palpável os leitores fãs de Taylor Swift. A ambientação, as falas e a relação da mulher traída e sua confidente só fortalece a sensação enraivecida proclamada nos versos swiftianos. 

O conto nacional é leve e instigante, ideal para começar depois de uma ressaca literária. Existem muitas referências a uma das melhores músicas de evermore, desde trechos nos títulos do capítulo, bem como imersos nos diálogos dos personagens. A escrita de Yas é bem dinâmica, garantindo uma interpretação apaixonante para o enredo de no body, no crime. – Júlia Paes de Arruda

Momentos favoritos: a epígrafe, que traz um prólogo do álbum folklore; o prólogo, que apresenta um encontro de Este e a amiga recitando trechos da música; e o capítulo cinco, no diálogo da viúva e da amiga sobre a morte do marido.

Jessica Bruder – Nomadland: Sobrevivendo na América no século XXI

Quando começou a trabalhar no que viria a ser Nomadland, a jornalista Jessica Bruder provavelmente não imaginava as proporções tomadas por seu objeto de escrita. Tudo começa com a ideia de investigar a situação do subemprego nos Estados Unidos, mais especificamente a maneira que pessoas idosas lidaram com a crise de 2008 e a quebra da economia. Para tal, Bruder embarca nas vans e se incorpora no meio nômade, sempre com a cautela de uma convidada ao terreno, documentando de maneira rica e enriquecedora as mazelas da exaustiva rotina braçal.

Originalmente publicado em 2017, o livro só chegou ao Brasil quatro anos depois, sob tradução de Ryta Vinagre e pela editora Rocco. O motivo foi sua adaptação cinematográfica homônima ter arrebatado o mundo do Cinema, em um momento brutal da pandemia e na temporada de premiações mais atípica da modernidade. Quando Chloé Zhao e Frances McDormand fizeram Arte em tela com o vencedor de 3 Oscars Nomadland, é de suma importância que todos saibam que foi Bruder quem encontrou as pepitas de ouro quando tudo ainda era mato. – Vitor Evangelista

Momentos Favoritos: a sequência onde Bruder dorme em uma van nas ruas de uma metrópole, sem a proteção de uma casa e sente na pele a vida que documenta; o desfecho, quando Linda May abraça o futuro.

Rafael Weschenfelder – O Baú do Zumbi Gelado

Depois do sucesso do conto As 220 mortes de Laura Lins, Rafael Weschenfelder se arriscou em uma narrativa diferente no que diz respeito a O Baú do Zumbi Gelado. Com uma linguagem divertida, recheada de termos relacionados ao mundo do videogame, somos introduzidos ao mundo de Zumbizeira, o jogo favorito do seu protagonista Hugo. 

Em suas 67 páginas, o autor constrói dois enredos simultâneos, transitando entre a realidade e as fases do game. A imersão é profunda, como se vivêssemos na pele do garoto. Contudo, vale lembrar que a história possui gatilho para pedofilia (mesmo não sendo o assunto principal). Ainda que seu tamanho seja curto, Rafael cria um plot twist surpreendente, daqueles é necessário um tempo para digerir o que está acontecendo. O defeito de O Baú do Zumbi Gelado é não ter uma continuação para o desfecho de Hugo, Estela e Lucas. – Júlia Paes de Arruda

Momentos favoritos: a citação da página 47 – “por que alguém se daria ao trabalho de criar perguntas sem resposta, labirintos sem saída? Mas minha namorada prodígio trazia a réplica na ponta da língua: ‘às vezes é o universo que cria, e ele não está nem aí para a gente.'”

Ayesha Harruna Attah – O imenso azul entre nós

Em O imenso azul entre nós, a vida das gêmeas Hassana e Husseina é contada pela autora Ayesha Harruna Attah. As personagens são vítimas de um contexto escravagista, em que foram separadas e vendidas durante um ataque à aldeia em que viviam quando meninas. Mais do que o local de origem, elas compartilham uma ligação absolutamente intensa, mas que no plano físico, é bloqueada pela imensidão do oceano. Divididas por continentes, países e culturas diferentes, elas mantêm sua conexão por sonhos. Entre um capítulo e outro, as vozes de Hassana na Costa de Ouro africana e de Husseina na Bahia brasileira se alternam para expor seu desenvolvimento pessoal e histórico, trazendo à tona aspectos que são tão distintos quanto instigantes. 

O livro, de nome original The Deep Blue Between, conta com a tradução de Valéria Almeida e apresenta um enredo rico em detalhes e descrições muito precisas. Mais que o amadurecimento das irmãs, a obra explora o amadurecimento dos lugares em que estão e como a colonização e a escravidão afetaram a percepção da cultura africana. O desejo de descobrir se as irmãs conseguirão se reencontrar ou não prende e cria expectativas incertas ao longo das páginas. Dessa forma, ao conhecer Hassana e Husseina, o leitor agrega conhecimento e desfruta de uma sutileza repleta de desdobramentos movidos pelo imenso azul das águas. – Jamily Rigonatto

Momentos Favoritos: A introdução do candomblé e da cultura afro-brasileira nos relatos de Husseina; e a conquista da liberdade de Hassana. 

Mia Couto – O Mapeador de Ausências

Diferente de outras obras de Mia Couto, O Mapeador de Ausências apresenta-se como um livro metalinguístico, de forma que o narrador Diogo Santiago poderia ser perfeitamente a personificação literária do autor. Evidentemente, obras literárias quase sempre partem de pontos biográficos, levando em consideração que são textos oriundos de um ponto de vista pessoal, e, por essa razão, não deixam de ser uma afirmação de sua própria consciência diante do mundo. Mas somente as semelhanças intelectuais com o protagonista não seriam o suficiente, e a história que Santiago está mapeando – a trajetória da sua ausência – mistura-se com a história de Mia e seu próprio pai, Fernando Couto.

O escritor moçambicano tem domínio pleno na construção de diálogos, visto que as conversações são ao mesmo tempo poéticas e ainda assim verdadeiras. Esse costuma ser um ponto falho em livros ficcionais, pois acabam construídos com base em clichês ou de forma entreguista, sem a devida caoticidade que a realidade impõe – pessoas se atravessam ao conversar, gaguejam, esquecem o que vão dizer, e mudam de assunto na mesma conversa. São vários os méritos de O Mapeador de Ausências, mas, para encerrar, podemos ficar com mais um: sendo esse o 11º romance do autor, não deixa de ser resultado de seu amadurecimento, e, para alguém que estreou com Terra Sonâmbula (1992), só poderia ser excelente. – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: O momento em que Adriano Santiago (o pai de Diogo) encontra novamente Sandro, um primo criado como filho; e o capítulo final.

Aline Bei – Pequena coreografia do adeus

O nome de Aline Bei é promissor desde a primeira vez que estampou uma capa de livro. Em 2018, quando jovem escritora foi agraciada pelo Prêmio São Paulo de Literatura com O peso do pássaro morto, um lugar especial sob os holofotes da Literatura Brasileira Contemporânea lhe foi concedido. Agora, Pequena coreografia do adeus consolida o impecável início de carreira da paulistana, mais uma vez dedicando suas palavras às suas personagens femininas, e mais uma vez empregando sua delicadeza brutal em suas histórias.

O romance nos coloca diante de Júlia Manjuba Terra e sua profundidade impossível de definir em uma sinopse – assim como toda a narrativa de Aline Bei. A partir das expressões da personagem, filha de um relacionamento traumatizado, Pequena coreografia do adeus tece reflexões sobre família, amor e abandono enquanto sua personagem (que sonha em ser escritora) tenta encontrar sentido em horizontes quebrados. A autora parece querer nos lembrar do quanto as nossas relações definem quem somos, e os resultados de suas intenções tão certeiras quanto gentis têm tudo para sempre a colocar dentre as melhores. – Raquel Dutra

Momentos Favoritos: a auto-apresentação de Júlia; e o momento em que Júlia adquire sua independência.

Joan Didion – Rastejando até Belém

Joan Didion é sempre lembrada como um dos grandes nomes do movimento conhecido como new journalism (no Brasil, além de ‘novo jornalismo’, é também chamado de ‘jornalismo literário’). Em Rastejando até Belém, vemos uma obra que vai muito além dos textos jornalísticos – todos eles excelentes –, e enxergamos Didion em uma de suas melhores formas literárias, revestida de empatia e autoconsciência. A coletânea de ensaios foi publicada originalmente em 1968, e demorou módicos 53 anos para que chegasse ao Brasil. No entanto, quando Rastejando até Belém finalmente chegou, em pouco mais de 10 meses Joan Didion faleceu, devido a complicações da doença de Parkinson.

Com tradução de Maria Cecilia Brandi, a obra reúne textos selecionados pela própria escritora, cuja característica principal é seu minimalismo, quase sempre evocando sentimentos profundos através de poucas palavras, além de misturar política com cultura. Rastejando até Belém é também um mapa dos Estados Unidos dos anos 1960, tendo a Califórnia, dominada pela contracultura e o movimento hippie, como ponto de partida. Mas o verdadeiro motivo da obra ser uma das melhores do ano passado é o fato de Joan Didion ter sido uma observadora sagaz, silenciosa e devastadora, que guiou nossos olhos e mentes em viagens íntimas de autoconhecimento. Simplesmente fabuloso.  – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: O texto que dá título à obra, no qual Joan Didion fala sobre o movimento hippie nos anos 1960; e os ensaios Sobre ter um caderno, Sobre o amor-próprio e California dreaming.

bell hooks – Tudo sobre o amor

Ao fim de 2021, bell hooks descansou de sua vasta e revolucionária colaboração para este mundo. E no início do ano, a autora inaugurou as estreias literárias brasileiras com seu último lançamento em vida no nosso país. Como a primeira parte de uma trilogia que talvez trate sobre um dos maiores temas sobre os quais a mente brilhante da estudiosa já se debruçou, Tudo sobre o amor analisa cada aspecto de seu assunto através do olhar crítico e sábio da pessoa mais qualificada para o fazê-lo. E se ela entende o amor como o elemento mais transformador que somos capazes de acessar, não há quem ouse discordar.  

Recortes românticos, idealizados ou meramente sentimentais não apreendem a análise disruptiva de bell hooks sobre a ideia mais subjetivamente presente na experiência humana. Ao longo de 13 capítulos, a estudiosa transcende qualquer leitura já realizada sobre o amor, respeitando a sua complexidade mas tratando-o de forma prática – que em momento algum deixa de ser profunda. Formação obrigatória para todo e qualquer ser humano que se relaciona com outros seres humanos, Tudo sobre o amor é uma das maiores joias que bell hooks nos deixou. E assim como ela defende o entendimento do amor como ação, o livro é mais uma de suas formas de transformar o mundo em que vivemos. – Raquel Dutra

Momentos Favoritos: os capítulos Honestidade, Espiritualidade, Ganância, Perda e Cura.

Casey McQuiston – Última parada

Entre as impossibilidades das viagens no tempo e um vagão de metrô, One last stop – traduzido no Brasil por Guilherme Miranda como Última parada – é um romance sáfico que, assim como o outro grande sucesso de Casey McQuiston, Vermelho, branco e sangue azul, cativa com paixões escoradas em cenários ficcionais totalmente improváveis. August é o tipo de pessoa cética que não acredita em destino, clarividência ou romances de cinema, o que ela não esperava é que encontrar a encantadora Jane fosse mostrar que às vezes a vida anda por trilhos em que acreditar é a única opção. August havia acabado de se mudar para Nova York, e ao conhecer Jane dentro do metrô, sentiu aquele tipo de identificação tão certa que parece mentira. O problema é que a garota é de 1970 e está perdida no tempo. 

Assim, os leitores são levados pela narrativa em terceira pessoa que apresenta os pontos de vista de August e todos os conflitos que a personagem carrega para ajudar Jane a voltar para casa enquanto tenta – e, é claro, falha – não se apaixonar. Sendo um livro young adult (destinado ao público jovem adulto), o texto não deixa de explorar cenas de sexo que ficam longe de fetichizar ou sexualizar as personagens, e que se encaixam de forma bastante natural no enredo. Temas como racismo e as vertentes da LGBTQIA+fobia em dois momentos temporais diferentes, também são abordados pela autora com muita sensibilidade. Assim, Última parada deixa a leveza conduzir e cultiva uma linda viagem sobre amor e diversidade. – Jamily Rigonatto    

Momentos Favoritos: a primeira interação entre August e Niko no primeiro capítulo; o primeiro encontro de August e Jane depois do incidente com café, em que as duas passam a se chamar de “garota do café” e “garota do metrô”; e a visita de Suzette no capítulo dezesseis.

Victor Heringer – Vida Desinteressante

Victor Heringer foi tudo, ou quase tudo. Foi acadêmico, poeta, desenhista, ensaísta e romancista. Essa multiplicidade é deixada em evidência em Vida Desinteressante, obra póstuma que reúne seus textos – mistura de ensaios, entrevistas e crônicas – publicados no site da revista Pessoa, entre fevereiro de 2014 e março de 2017; ele faleceu um ano depois, em 2018, aos 29 anos. Na coluna intitulada Milímetros, Heringer registrou um pouco de tudo, desde suas referências literárias às críticas a um Brasil que estava à beira do colapso. 

A persona que mais transparece em sua prosa é a do poeta marginal, de forma que seus textos com temas que seriam mais banais – como Os sapatos do meu pai – ganham tratamento poético, e transformam-se em espécies de crônicas anti-crônicas. Um dos motivos de Vida Desinteressante ser celebrado – para além de colocar novamente em evidência esse escritor que nos deixou cedo demais – é a forma como seus textos, com o passar dos anos, foram caindo em uma profunda desilusão, capturando, assim, o espírito do tempo sobre ser brasileiro. Como Victor Heringer escreveu, “a gente nasce com um tempo curtíssimo para tentar compreender um universo que tem tempo de sobra.” – Bruno Andrade

Momentos Favoritos: os textos Brasileiro, anti-irônico, Esse tempo, ainda sem nome, que começa agora e O paulistano não existe.

O post Os Melhores Livros de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Não há maneira de iniciar uma lista que compila a nata de 2021 sem antes reconhecer o impacto da pandemia nas produções televisivas. Ainda lidando com os efeitos de atrasos, adiamentos e cancelamentos, a TV mundial se uniu ao redor dos heróis da Marvel no Disney+, das complexas famílias da HBO e, claro, de todo e qualquer original Netflix. 

Por isso, não se assuste ao ler sobre a expansão dos Vingadores para as telinhas, com a campeã de citações WandaVision, nem com a astúcia de Kate Winslet no papel de uma policial com bastante a resolver, muito menos com as desventuras da puberdade que continuam excitando os personagens de Sex Education. Para esse ano que passou, o Persona aboliu as listas individuais. 

Agora, com base em rankings próprios, a Editoria se organizou a fim de entregar ao leitor a experiência mais personistíca que existe: ler sobre tudo, com opiniões embasadas, informações apuradas e uma curadoria mais afiada que o escudo do Capitão América ou as armas letais de Round 6. Rolando para baixo, estão 90 textos, sobre 90 séries, minisséries, especiais, animações, dramas, comédias, dramédias. Não importa o rótulo, o que importa é a qualidade.

Viajando do Brasil à Tailândia, passando pela Coreia do Sul, Reino Unido e Espanha, As Melhores Séries de 2021 representam a diversidade do nosso público. Como de praxe, o Tudum ficou com o ouro, sendo lembrado por trinta e uma produções diferentes. Seguido do Disney+, que coleciona meia dúzia de mimos, quase todos às custas dos mascarados e dos Beatles. O Amazon Prime Video, em ano de folga de sua Liga da Injustiça e da comediante mais falastrona do pedaço, foi lembrado pela audácia de The Underground Railroad e pela sensibilidade de Manhãs de Setembro.

Na casa da HBO, tanto ela quanto seu primo HBO Max foram ranqueados em quatro ocasiões, com destaque para a sisuda Mare of Easttown, a tempestuosa Succession, a inescrupulosa Hacks e a eloquente genera+ion. Com Selena Gomez retornando aos estúdios ao lado dos Titãs da Comédia Steve Martin e Martin Short, o Hulu foi felizmente arrebatado pelo bom retorno e ótima qualidade de Only Murders in the Building. No FX, Pose acabou, Reservation Dogs começou e What We Do in the Shadows manteve o alto nível. 

Ted Lasso continua sua jornada como um dos únicos sobreviventes do catálogo nada popular da Apple TV+, ao lado da marcante Dickinson. O resto você descobre lendo e se aprofundando no mundo das telinhas, em cada uma das contribuições que fazem desse o post mais democrático que o Persona já realizou. Para 2022, ficam os votos de esperança (e os retornos de tantos queridos rostinhos, dos rappers aos lavadores de dinheiro aos adolescentes eufóricos). Bom proveito! 

O humor ácido de (Des)encanto já é conhecido pelos brasileiros e mais uma vez entrega tudo com a dublagem mais bem feita e divertida do mundo. O fato de implementarem frases conhecidas e memes nacionais faz a diferença na experiência, transformando momentos simples em engraçados da maneira certa. A terceira temporada conseguiu suprir as dúvidas matadoras que a anterior deixou para trás, mas errou em deixar personagens tão importantes como Luci (Eric André) e Elfo (Nat Faxon) em segundo plano.

Mantendo a estética das temporadas anteriores, o seriado animado aposta tudo na personalidade de Bean (Abbi Jacobson), que se mostra mais madura e responsável tendo que lidar com a instabilidade do reino, a loucura do rei Zog (John DiMaggio) e se abrindo para possibilidades no amor, chegando a explorar sua sexualidade. O esperado para a próxima season é desvendar os mistérios e mostrar ainda mais dos protagonistas, exibindo a complexidade do Reino dos Sonhos e seus habitantes. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Subterranean Homesick Blues (03×01), Last Splash (03×06) e Hey, Pig Spender (03×08)

1ª temporada de A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls)

Não é comum acompanharmos o período universitário de jovens dentro das telas, já que os corredores das escolas são mais representados, mas a nova comédia do HBO Max muda esse cenário e o explora. A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls) é marcada por um diferencial que a torna especial: expor as adversidades dessa etapa da vida sem desviar de questões cotidianas da vida dos jovens. A série acompanha quatro calouras – Kimberly (Pauline Chalamet), Whitney (Alyah Chanelle Scott), Bela (Amrit Kaur) e Leighton (Reneé Rapp) – na importante Essex College, onde elas buscam mudanças para suas vidas.

Apesar de todas elas serem completamente diferentes, a experiência de viverem primeiras vezes de forma compartilhada faz com que sua conexão seja quase instantânea. A trajetória das protagonistas é bonita pela amizade e pela normalidade, ou seja, elas falam sobre sexo, falam mal dos professores e dão conselhos umas as outras – retratando esse período como ele realmente é: confuso, engraçado e assustador. Todas as particularidades da fase da vida universitária estão presentes na obra, mas com um toque particular, a descoberta delas e do mundo ao seu redor com um olhar adolescente e autêntico. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos: Welcome to Essex (01×01) e The Truth (01×10)

19ª temporada de American Idol

A 19ª temporada de American Idol estreou com algumas mudanças no formato: as novas dinâmicas em grupo filtraram os candidatos de maneira muito mais justa e ainda tivemos a ‘volta dos que não foram’. O público votou no retorno de Arthur Gunn, o escolhido entre os participantes da edição passada para concluir os dez finalistas da nova temporada. A decisão fez jus a pelo menos um talento que não pôde se apresentar no palco em 2020, quando as primeiras medidas sanitárias contra a covid-19 foram implantadas nos Estados Unidos.

Com as clássicas histórias de vida comoventes que não podem faltar, 2021 foi o ano em que American Idol garantiu personalidades fortes na disputa pelo tão sonhado ingresso dourado para Hollywood. A irreverência de Erika Perry estremeceu os jurados e a mentoria do músico Finneas se destacou. Em uma das finais mais disputadas da história, Chayce Beckham foi coroado campeão pelo público, enquanto as vozes potentes de Willie Spence e Grace Kinstler completaram o pódio. O comando do programa pelo apresentador Ryan Seacrest e os jurados Lionel Richie, Katy Perry e Luke Bryan novamente foi feito com maestria. Estendendo a parceria, a 20ª temporada já tem data de estreia: 27 de fevereiro de 2022. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Hollywood Week: Genre Challenge (19×06), Disney Night (19×16) e Coldplay Songbook & Mother’s Day Dedication (19×17)

2ª temporada de Amizade Dolorida (Bonding)

Além do título sugestivo, a estadunidense Amizade Dolorida continua trazendo reflexões aos espectadores, mostrando que nem só de sexo vive a humanidade – ou talvez viva. Nessa segunda temporada, o que chama a atenção é o drama pessoal de Tiff (Zoe Levin), que se mistura com seu trabalho paralelo de dominadora. Surgem momentos de turbulência com seu namorado por negligenciar seus sentimentos e questões internas; toda a postura rígida que mantém com os clientes se desfaz quando o assunto é aceitar sua felicidade e relacionamento. Essa situação acaba entrando em conflito em cenas onde a superação dos medos dos amigos é tão incentivada enquanto seus próprios a impedem de arriscar. 

A série também ajuda a enxergar o BDSM como uma comunidade que ultrapassa o senso comum e instiga os curiosos, através de dinâmicas que ajudam na vida pessoal, como se colocar no lugar do subordinado (no contexto de dominação e submissão), fazendo o dominador sentir mais empatia com a situação alheia até mesmo fora das cenas. Também tem destaque o consentimento, ponto chave desse estilo de vida e que permeia todos os 8 episódios, mostrando que definir limites em todos os momentos é parte do processo de evolução e cuidado pessoal. Amizade Dolorida surpreende quem procura a produção só pelas saliências, mas não tolera transformar a própria vida em piadas sem limites ou consequências. Beijos Pete. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: Dog Days (02×02), Threesomes (02×04) e Permission (02×08)

1ª temporada de Arcane (Arcane: League of Legends)

Enquanto Hollywood ainda tenta emplacar adaptações de videogames para o formato live-action, a Netflix fez uma das apostas derradeiras de 2021 e lançou Arcane, a prequel animada do jogo League of Legends, que rapidamente subiu no ranking da plataforma durante suas três semanas de exibição e é hoje a série mais bem-avaliada dela no IMDb. Mostrando a formação de vários personagens icônicos do game, a primeira temporada mergulha de cabeça na ação dramática e na tensão política entre opressores e oprimidos, focando na trágica história de Vi (Hailee Steinfeld) e Jinx (Ella Purnell) e criando uma das maratonas mais engajantes do ano.

Indicada a nove estatuetas no 49º Annie Awards (premiação que celebra a excelência em Animação no Cinema e na Televisão), Arcane não é nada menos do que uma experiência sensorial e estética, em todos os sentidos. Combinando técnicas 2D e 3D para criar seu mundo steampunk dilapidado pela desigualdade, a obra do estúdio francês Fortiche floresce no fio da navalha entre seus visuais psicodélicos e suas trama assustadoramente atual, levando suas personagens ao limite do desconhecido e recheando sua narrativa de escolhas cruéis e definitivas, se consagrando em seu último episódio como uma visão artística sem precedentes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: The Base Violence Necessary for Change (01×03), Oil and Water (01×08) e The Monster You Created (01×09)

1ª temporada de As Five

Uma pérola no catálogo do Globoplay, As Five soube aproveitar o amadurecimento de quem acompanhava Malhação. A série original da Globo é um spin-off da temporada Viva a Diferença, uma das muitas da novelinha (antes) recorrente nas tardes da programação, e foi lançada no streaming da emissora. Cinco anos depois dos eventos que encerraram a exibição na TV aberta, Benê, Lica, Ellen, Tina e Keyla se distanciaram e cada uma passa por um momento de vida diferente. Quando se reencontram em um evento em comum, logo no piloto, as cinco são novamente confrontadas com suas diferenças, agora maiores do que as da época do Ensino Médio: enquanto uma lida com a maternidade, outra está se formando na faculdade e outra nem sequer descobriu com o que quer trabalhar.

Se Malhação era destinada ao público juvenil, As Five cresceu junto de suas protagonistas e mirou na audiência jovem adulta. Assimilando as diferenças entre elas, a série discute temas como mercado de trabalho, questões sociais e os desafios e inseguranças da mudança de faixa etária, um dos pontos mais atrativos e próximos à audiência. Além disso, a produção atualiza os personagens principais e coadjuvantes para o novo recorte temporal, aproveitando disso para explorar, neles, tópicos como sexualidade, relacionamentos românticos, saúde mental e abuso de drogas, tudo de uma forma descontraída. Sem um moralismo nada apelativo, As Five promete continuar nos conectando às Cinco e aos seus problemas de jovens-adultas em uma segunda e terceira temporada. – Vitória Lopes Gomez

Episódios Favoritos: As Five, Quem Deu Esse Nome Mesmo? (01×01) e Surpresa! (01×05)

4ª temporada de Atypical

Buscamos sempre uma vida sem nada de atípico nas nossas decisões, relacionamentos e até em nós mesmos. A série Atypical, uma produção original da Netflix, mostra que caminhos singulares podem ser transformadores. Com dez episódios, a quarta e última temporada acontece assim como as outras: abordando o dia a dia e as mudanças enfrentadas pela família Gardner. O protagonista Sam (Keir Gilchrist) é autista, e neste ano busca enfrentar o desafio de morar sozinho com Zahid (Nik Dodani) e realizar seu sonho de ir à Antártida. Sua irmã Casey (Brigette Lundy-Paine) tenta se adaptar à nova escola, enquanto lida com questionamentos sobre sua sexualidade. E ainda, seus pais Elsa (Jennifer Jason Leigh) e Doug (Michael Rapaport), tentam resolver o problema de seu casamento. 

Mesmo com a insatisfação do público com o fim da série, depois de assistir aos episódios finais, é possível encontrar um acalento nessa despedida. Lidar com si mesmo e com seus relacionamentos de forma humana é especialidade dos personagens de Atypical. A última temporada conta com o amadurecimento de todos, e mostra o porquê de ser tão especial por sua beleza e sensibilidade ao mostrar o mundo. A obra faz algo incrível, mostrar como o cotidiano e a jornada de cada um é humana, especial e atípica. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos:  You Say You Want a Revolution (04×03) e Dessert at Olive Garden (04×10)

5ª temporada de Big Mouth

Big Mouth não é original. A série lançou em 2017 junto a uma leva de animações em formato de sitcom, destinadas ao público adulto, que copiavam produções aclamadas como Family Guy e South Park. Todas seguiam as mesmas convenções de uma típica comédia do Adult Swim – o mesmo estilo de animação colorida e cartunesca, a mesma dublagem de pretensão duvidosa, o mesmo humor besteirol e metalinguístico – e na maior parte as reproduzia de maneira vazia e acrítica. Big Mouth utiliza-se dos mesmos elementos, porém, em meio a esse mar de seriados, consegue se destacar. Não só porque Nick Roll e Andrew Goldberg, os criadores da série, se apropriam desses vícios com muita sagacidade, mas também porque inserem, entre a camada superficial de piadas escatológicas, um tratamento de personagem realmente sensível – principalmente nas últimas temporadas.

A 5ª temporada da série vencedora do Emmy, que apresenta um grupo de pré-adolescentes entrando na puberdade a partir do lúdico e do esdrúxulo, pode dar a impressão errada ao introduzir os besouros-do-amor, mas que logo é despontada quando, em sua segunda metade, esse amor se transforma em raiva, ressentimento e rancor. A escolha por atrelar, nos seus últimos episódios, a imagem do besouro com a do verme do ódio é bastante autoexplicativa. A animação da Netflix discute o amor e suas possíveis faces abusivas com a irreverência e sacanagem comuns das produções que deriva, porém o faz enquanto empatiza e se preocupa com as ansiedades e angústias de seus personagens. Big Mouth mantém o nível de qualidade alto em seu quinto ano e prova, mais uma vez, que não é preciso seriedade para ser maduro. – Enrico Souto

Episódios Favoritos: The Green-Eyed Monster (5×03), I F**king Hate You (5×07) e Re-New Year’s Eve (5×10)

16ª temporada de Bondi Rescue

Em 2020, a pandemia de covid-19 fechou a praia de Bondi pela primeira vez desde a Segunda Guerra Mundial. Em 2021, graças às medidas sanitárias eficientes da Austrália, a 16ª temporada de Bondi Rescue contou com a reabertura da orla. Os turistas, vítimas mais recorrentes por não serem acostumados com a força das ondas australianas, não preencheram toda a beira da orla como anteriormente, mas isso não impediu que os afogamentos não acontecessem. Os salva-vidas mais famosos do país realizaram incontáveis resgates e também se depararam com as tradicionais cenas inusitadas.

Foi também durante a quarentena que o programa televisivo viralizou e tomou proporção mundial na internet. Exibido na Austrália pela emissora Network 10, o canal oficial no YouTube passou a fazer transmissões ao vivo com os heróis dos mares e a postar grande parte dos seus episódios na íntegra. O futuro de Bondi Rescue ainda é incerto, porém, a sua 16ª temporada provou que enquanto houver banhistas que escolhem ignorar as bandeiras vermelhas e amarelas, ainda haverá muito enredo para explorar. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Episode 1 (16×01), Episode 5 (16×05) e Episode 7 (16×07)

8ª temporada de Brooklyn Nine-Nine

Minha mãe chorou quando eu nasci porque soube que nunca seria melhor do que eu…. disse Gina (Chelsea Peretti), e agora, o mundo inteiro chora porque sabe que não existirá uma outra série que se compare à Brooklyn Nine-Nine. A trama ganhou sua oitava e última temporada em 2021. Ambientada na “fórmula Michael Schur de sitcom contemporânea” (The Office e Parks and Recreation), B99 se tornou a encarnação mais essencial dessa receita. Desde sua estreia em 2013, ela definiu melhor que nenhuma outra o humor bem-intencionado, superficialmente bobo, com uma construção de personagem bem detalhada e que consegue, mesmo com o tom engraçado, se destacar quando passeia pelas águas do drama e da seriedade. 

Inclusive, esse é um dos vários motivos que consolidam a série nos Melhores do Ano de 2021. Com artifícios como este,  Brooklyn Nine-Nine consegue conduzir muito bem alguns assuntos sérios dentro de um espaço eufórico como a comédia.  E isso se mostrou fundamental para B99 ter uma despedida digna. No intervalo entre a sétima e a oitava temporadas da sitcom, e com a data de estreia já anunciada, o elenco abordou a dificuldade em fazerem uma série sobre a polícia durante os tempos que se vivem na América, como o assassinato de George Floyd e os protestos ao redor do mundo. Os eventos levaram a uma reestruturação do ano final, dando destaque à possibilidade da reforma policial e às fundamentais falhas da polícia como autoridade. Assim eles nos deixaram, mas se não fosse dessa maneira, não seriam Brooklyn Nine-Nine. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: The Last Day – Part 1 (08×09) e The Last Day – Part 2 (08×10)

1ª temporada de Casamentos às Cegas: Brasil 

A premissa insana do reality show Casamento às Cegas: Brasil fez com que ele se tornasse uma das produções mais comentadas no Twitter brasileiro em 2021.  A ideia de colocar pessoas desesperadas para casar em interações que não se tem o contato visual cria um experimento social único e curioso. Inicialmente, é comum o espectador se chocar com as atitudes dos participantes e o absurdo da situação, mas logo essas reações iniciais abrem espaço para uma curiosidade e um interesse genuíno no futuro dos casais, e é nesse momento que o seriado prende a audiência e mostra o quão divertido pode ser.

Cada participante tem uma personalidade diferente, logo, criam-se dinâmicas de casais muito diversas, as quais nem sempre são amigáveis. Os conflitos e as discussões entre as pessoas do seriado demonstram tanto o estressante do experimento social quanto como as aparências podem enganar numa relação, seja ela física ou psicológica, já que muitas vezes essa fica mascarada através de uma persona agradável. A mistura de emoções e o desejo de saber o fim dessa história fazem desse reality show uma das experiências instigantes e singulares dos seriados de 2021. – Nathan Sampaio

Episódios Favoritos: Expectativa vs. Realidade (01×05), Morando juntos (01×06) e A Hora da verdade (01×10)

4ª temporada de Castlevania

Por mais que Arcane tenha feito seu marco em 2021 como uma excelente adaptação de videogames para o formato de animação, neste ano também vimos uma das primeiras chegar ao fim. Com Castlevania, a Powerhouse Animation (responsável por O Sangue de Zeus e Mestres do Universo: Salvando Eternia, além da futura adaptação de Tomb Raider) se consagrou como um dos grandes nomes em ascensão na indústria, com lutas sangrentas e fluídas, tramas emocionais e surpreendentes e momentos de partir o coração. A quarta temporada da animação segue as pontas soltas do ano anterior e, num último esforço para impedir a ressurreição de Drácula (Graham McTavish), entrega algumas de suas mais esperadas conclusões.

Com a expectativa de reunir o trio de protagonistas que havia sido separado ao final da segunda temporada, a série como sempre segura suas melhores cartas para serem usadas no momento de maior impacto, reunindo seus personagens em embates icônicos, visualmente inventivos e quase sempre trágicos. Mas talvez a maior força de Castlevania sempre tenha sido a habilidade de seu roteiro para enfrentar as verdadeiras forças por trás dessas tragédias, seja com Isaac (Adetokumboh M’Cormack) encontrando sua perspectiva de futuro na luta contra a cruel Carmilla (Jaime Murray) ou no final inesperado reservado para o grande vampirão que deu início à esse delicioso banho de sangue. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: You Don’t Deserve My Blood (04×06), The Endings (04×09) e It’s Been a Strange Ride (04×10)

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage)

Devido a admiração pelos filmes de Ingmar Bergman (O Sétimo Selo, Persona) veio a desconfiança, e até receio em assistir a essa releitura do clássico de 1973, pois havia o risco de se tratar de mais uma “americanização” de obras cinematográficas europeias, cheia de clichês, e dificilmente fiel à obra original. No entanto, optar por assistir a minissérie Scenes from a Marriage, escrita e dirigida por Hagai Levi (da série Em Terapia), acabou se tornando algo surpreendente, em especial pelos diálogos muito bem elaborados, e os personagens, com suas peculiaridades que nada deixam a desejar para o obra de Bergman.

Nesta versão atualizada de cinco episódios, a aparente união bem sucedida de Mira (Jessica Chastain) e Jonathan (Oscar Isaac), veem aos poucos as máscaras caírem por consequência de um estudo do qual eles viram alvo, e que tem como tema um assunto peculiar e vivido já vivido secretamente por ambos, que é a monogamia. As respostas dadas à pesquisadora, apesar de tentar usar da naturalidade, são sentidas pelo espectador, que percebe a profundidade de sentimentos no casal protagonista, e sente como se pudesse ler os pensamentos deles. Algo ali não está certo, e cabe a nós descobrirmos, gradualmente, o que está acontecendo. A minissérie foi indicada ao Globo de Ouro 2022 de Melhor Atriz para Jessica Chastain, e de Melhor Ator, para Oscar Isaac. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: Poli (01×02) e The Illiterates (01×04)

1ª temporada de Chucky

Chucky é uma grata surpresa aos fãs da franquia Brinquedo Assassino. A série retoma as origens de Charles Lee Ray, mostrando os caminhos pelos quais a vida do assassino passou até se tornar o Chucky. Por meio de cenas de flashbacks, entendemos mais sobre a saga original de Don Mancini até às narrativas dos filmes atuais quando a direção criativa já não estava sob suas mãos. Conhecemos maravilhosos novos personagens que trazem importantes discussões, como o protagonista Jake (Zachary Arthur) e seu o processo de aceitação social, conexões familiares e mesmo descoberta do amor.

Apresenta o terror de uma maneira cômica, revivendo a proposta dos primeiros filmes, e consegue ser nostálgico (incorporando personagens toda a saga na narrativa) e ao mesmo tempo muito atual (com discussões sobre o universo queer e sobre famílias desestruturadas). O seriado consegue tecer uma boa crítica a sociedade como um todo, as suas grandes hipocrisias. As mortes de Chucky, além de debochadas, servem de sátira a aqueles que socialmente atrapalham a vida de ser leve (os dissimulados, enganadores, julgadores). Agora nos resta esperar a segunda temporada para ver quais os próximos planos do nosso brinquedo assassino favorito e como continuará sua luta contra Andy Barclay (Alex Vicent). – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: Give Me Something Good to Eat (01×02) e An Affair to Dismember (01×08)

1ª temporada de Cidade Invisível

Apesar de Cidade Invisível ter gerado debates sobre o folclore brasileiro ser uma apropriação das crenças indígenas, e não ter representatividade nenhuma daquilo que parecem querer mostrar, a série da Netflix foi um dos lançamentos de maior importância e sucesso em 2021. Mesmo assim, a composição com o suspense, pautando a destruição de ecossistemas brasileiros e  de populações ribeirinhas, junto à atuação incrível de Marco Pigossi, Alessandra Negrini, Fabio Lago e Wesley Guimarães, criou um espetáculo.

Cidade Invisível transformou a visão que a sociedade possui sobre o folclore: a discussão agora é séria, dramática, mais próxima da realidade do que histórias escolares de criança. A perspectiva precisa urgentemente ser melhorada para a sua continuação já confirmada, mas a produção tem tudo para conseguir quadruplicar seu desempenho, já que o final de sua 1ª temporada termina com, justamente, os seres folclóricos que estavam nas florestas de Mata Atlântica do Rio de Janeiro, deixando o lugar em direção à sua verdadeira casa. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Você não vai acreditar em mim (01×05), Coisa de criança (01×06) e É muito maior do que a gente (01×07)

1ª temporada de Clickbait

A Netflix tem um imenso catálogo de thrillers, mas Clickbait se destacou dentre essas produções por ter um final instigante ao telespectador. A narrativa não se propõe a formar uma crítica profunda, buscando mostrar como as relações humanas com o mundo virtual podem ter graves consequências. A todo momento a história nos leva a falsos caminhos, e o nome da série já diz a que veio, para que o fim se revele não só surpreendente, mas também catastrófico. Ele serve como uma ferramenta de reflexão de como as dependências emocionais somadas a tentativas de viver uma vida perfeita (virtual) podem ser degradantes.

A série se inicia com o desaparecimento de Nick Brewer (Adrian Grenier), poucas horas depois um vídeo em que ele admite que abusa de mulheres aparece na internet. As imagens geraram grande comoção por ele apresentar placas que afirmam: “Chegando em 5 milhões de visualizações, eu morro”. A partir deste momento, a vida de sua família se modifica; a cada descoberta um novo julgamento interno e em público, fazendo com que contradições, especulações e reviravoltas norteiam a trama. Clickbait tem seu desfecho justo e apesar da crítica rasa às questões sociais consegue levantar discussões interessantes além do ótimo entretenimento. A Netflix ainda não confirmou a sua renovação, apesar de ser intenção do criador Tony Ayers. – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: The Sister (01×01), The Reporter (01×05) e The Answer (01×08)

4ª temporada de Cobra Kai

Para a felicidade dos admiradores de artes marciais, 2021 foi abençoado não apenas com uma, mas sim duas temporadas da série Cobra Kai. Após três anos repletos de reviravoltas e muito karatê, o protagonista Johnny Lawrence (William Zabka) passa por um momento de deixar o passado no passado e se tornar aliado do seu rival, Daniel Larusso (Ralph Macchio), para derrotar um mal em comum, mais conhecido como o seu antigo sensei, John Kreese (Martin Kove). Diferente das duas primeiras temporadas, originalmente produzidas pelo YouTube, a continuação da série se encontra nas mãos da Netflix e está longe de ter um fim.

Embora o primeiro filme de Karatê Kid tenha tido seu lançamento na década de 80, a série contribuiu para que uma nova geração de pessoas começasse a se interessar pelos longas e também pelas artes marciais. Além do mais, esse encontro de gerações não é resumido apenas entre admiradores de Cobra Kai, mas também no próprio elenco. A relação de amizade entre o elenco adulto e o elenco jovem, também é presente em todos os momentos, assim como na sequência de filmes originais. Com um toque de humor e nostalgia, a série foi renovada para mais duas temporadas e apareceu na lista do SAG Awards na categoria de Melhor Elenco de Dublês em TV. – Ludmila Henrique

Episódios Favoritos: First Learn Stand (04×02) e Party Time (04×08)

Colin em Preto e Branco (Colin in Black & White)

Trazendo referências históricas e artísticas, Colin em Preto e Branco dá um show, criando uma minissérie realista e divertida; A participação de Colin Kaepernick narrando a história de maneira pessoal mas ainda assim mantendo certa distância, é um elemento criativo e sentimental necessário para deixar cada episódio ainda mais apaixonante. O jovem ator Jaden Michael impressiona com a convincente atuação e é uma possível estrela em ascensão, colecionando trabalhos com Jaden Smith e Justice Smith, fenômenos teen da Geração Z.

A produção é dirigida pela fenomenal Ava DuVernay, também responsável pela premiada minissérie Olhos que Condenam. Ava costuma trazer um olhar voltado para as desigualdades raciais, somados à história de Colin, se conseguiu uma fusão perfeita entre a história de uma adolescente e os micro racismos que sofreu no decorrer da vida. Adicionando fatores externos como as misses negras, estudos e estrelas do rap, construiu-se a narrativa de forma didática e maravilhosamente confortável. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Cornrows (01×01) e Road Trip (01×03)

2ª temporada de Com Amor, Victor (Love, Victor)

Para quem estava ansioso em saber o desfecho da tão esperada “saída do armário” de Victor (Michael Cimino), a segunda temporada de Com Amor, Victor foi um deleite e tanto. Provando que a decisão da mudança da série do Disney+ para o Hulu foi um grande acerto, a nova temporada mostrou que não precisava do inconsistente filtro de family friendly da emissora do camundongo e abriu caminho para explorar ainda mais seus personagens. Inclusive, o enredo conseguiu brincar bastante com o background cultural de cada um deles e em como este poderia afetar em suas relações amorosas e familiares, sem esquecer, claro, que eles são jovens com desafios e problemas cotidianos. 

É visível, inclusive, que tanto o personagem principal quanto o ator parecem estar mais à vontade com a atuação, resultando em um desenvolvimento afetuoso do conflito com sua mãe preconceituosa. Essa “humanização” leva o enredo a um retrato mais justo da comunidade LGBTQIA+ que deixam a desejar em algumas outras séries, como Sex Education e Elite. Recheada de representatividade e personagens carismáticos, a trama ganhou mais uma vez o carinho do público e conseguiu sua renovação para uma terceira temporada, prevista para chegar nas terras brasileiras em junho de 2022. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: There’s No Gay in Team (02×03) e The Morning After (02×08)

1ª temporada de Cruel Summer

Uma história, duas perspectivas e a desconstrução da verdade, quando confrontada com distintos ângulos, concepções e valores. Em Cruel Summer, duas vidas sofrem mudanças drásticas a partir do desaparecimento da jovem Kate (Olivia Holt), enquanto Jeanette (Chiara Aurelia) é acusada de ser a responsável pelo acontecido. Além de ser contada alternando episódios entre os pontos de vista das duas protagonistas, a série intercala entre três épocas, revelando antecedentes e consequências das decisões das personagens, que por sua vez, são complexas e interessantes. 

Entre mentiras, segredos e revelações surpreendentes, a temporada de 10 episódios é cativante em cada segundo de sua duração. A série se destaca com seus notáveis detalhes técnicos, que lhe garantem identidade e personalidade. Ela fornece atuações impactantes e uma fotografia impecável, que determina planos e a coloração da imagem, de acordo com a dramatização requerida em determinada linha temporal representada. A inteligente maneira como o suspense em Cruel Summer é construído, garante uma experiência única, colocando a série entre os melhores lançamentos de 2021. Não à toa, ela foi logo renovada para uma segunda temporada, cujo lançamento está previsto para o segundo semestre de 2022. – Mariana Nicastro

Episódios Favoritos: Happy Birthday, Kate Wallis (01×07), A Secret of My Own (01×09) e Hostile Witness (01×10)

Demi Lovato: Dancing with the Devil

Demi Lovato: Dancing with the Devil pode se resumir em uma palavra: honestidade. Honestidade para com os seus fãs e para com si mesmo. Em apenas quatro episódios que acumulam quase 40 milhões de visualizações no YouTube, a minissérie de Demi Lovato conseguiu explicar com sinceridade as razões por trás dos eventos preocupantes da sua vida pessoal que viraram manchetes em todo o mundo. A vulnerabilidade de Demi e a veracidade dos seus relatos foram viscerais, é muito difícil não se emocionar ou se sensibilizar com cada revelação feita. 

Dos motivos que levaram Demi Lovato a sofrer uma overdose até o seu quase encontro com a morte, a direção de Michael D. Ratner trouxe a sensação de uma conversa íntima para a tela. Como dizem os versos da trilha sonora de mesmo nome Dancing With The Devil: “É difícil dizer não quando você está dançando com o diabo”. Demi sobreviveu e apostou na honestidade para conscientizar sobre as consequências do abuso de substâncias, além de mostrar que recomeçar é uma arte e não uma vergonha. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Losing Control (01×01) e 5 Minutes from Death (01×02)

2ª temporada de Dickinson

Mais de um ano após a primeira temporada, as expectativas estavam altas para o segundo ano de Dickinson, a releitura anacrônica dos anos formativos da heroína-poeta titular, mais uma vez interpretada ferozmente por Hailee Steinfeld. Separada de Sue (Ella Hunt) pelo casamento dela com seu irmão Austin (Adrian Enscoe), Emily agora tem de redefinir sua própria relação com seus poemas e a razão pela qual os escreve, uma vez que a oportunidade de fama bate à sua porta na forma do misterioso Sam Bowles (Finn Jones). Em sua segunda vinda, a série criada por Alena Smith mergulha de cabeça nas coisas que definem Emily Dickinson não só como poeta, mas como pessoa.

Os dramas então ficam cada vez mais intensos (e engraçados), com todos os membros da família recebendo seu momento para brilhar ou se atrapalhar, aproximando-os mais do espectador do que praticamente qualquer outro drama de época atual, utilizando uma lente moderna e uma estética surreal para reexaminar o passado com efeitos tão hilários quanto trágicos. Seguindo os passos de sua poeta, a série foi quase que invisível nessa temporada de premiações, mas a jornada de Emily nos faz entender que isso não é o fim, afinal – a fama é uma abelha. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: Split the Lark (02×06), I’m Nobody! Who Are You? (02×08) e You Cannot Put a Fire Out (02×10)

10ª temporada de Dimension 20

Qualquer um que já jogou um RPG de mesa vai poder te confirmar que o sucesso de qualquer jogo depende de duas coisas: a habilidade da pessoa que mestra ao tecer histórias que incorporem interatividade e envolvimento emocional, e a daqueles que a jogam de transformar falhas em risadas e sucessos tênues em motivo de festa. Brennan Lee Mulligan e o elenco de The Seven, a décima temporada da websérie de actual play do CollegeHumor, tem tudo isso de sobra. Reunindo na mesma mesa um grupo de comediantes de talento titânico, a nova produção do universo de Fantasy High traz o melhor de temporadas anteriores e adiciona o caos único que um grupo de garotas adolescentes é capaz de oferecer.

O novo ano de Dimension 20 é marcado pela volta ao Domo, o espaço físico que havia ficado em desuso durante 2020. Lá, Erika Ishii, Rekha Shankar, Persephone Valentine, Becca Scott, Isabella Roland e Aabria Iyengar encarnam a party das Sete Donzelas, na busca por terminar o ano escolar e talvez salvar o multiverso no caminho (depois de talvez tê-lo colocado em perigo). A química entre as seis jogadores e o Mestre é pulsante do início ao fim da temporada, propiciando alguns dos momentos mais hilários e emocionantes de qualquer temporada e tirando nada mais, nada menos do que um 20 natural. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: In or Out (10×02), Belles of the Baronies (10×06) e I Fucking Love You (10×10)

Dopesick 

Histórias do imaginário americano e mundial tem cada vez mais saído do ramo documental e migrado para o ficcional, como nos casos de The Act, American Crime Story e Chernobyl. Dopesick estabelece de vez o segmento no streaming, e, assim como as outras, conquista o espectador. O título é um termo em inglês usado para quando alguém está em uma situação específica da abstinência, e a minissérie, contando sobre a fraude farmacêutica que culminou em uma crise de opióide nos EUA, sabe muito bem provocar esse sentimento em quem a assiste.

A minissérie indicada em 3 categorias Globos de Ouro tem um roteiro muito inteligente e organizado que preza pela máxima do “mostre, não conte” e aborda o flagelo do vício em suas diferentes vertentes de forma não convencional. Por isso, ela chamou atenção de um elenco muito estrelado incluindo Will Poulter, Rosario Dawson, Peter Sarsgaard e Michael Keaton conseguindo tirar atuações impecáveis de cada ator. Dopesick acerta ao distribuir formatos já vistos em outros produtos dramáticos na TV ao longo dos últimos anos entre seus núcleos e os condensar através de uma trama extremamente coesa, avassaladora e viciante. – Guilherme Veiga

Episódios Favoritos: The 5th Vital Sign (01×03), Pseudo-Addiction (01×04) e The People vs. Purdue Pharma (01×08)

1ª temporada de Drag Race España

A franquia Drag Race já coleciona diversas versões estrangeiras de seu programa original, cada uma diferente da outra pelo fator principal: regionalidade. Com Drag Race España, essa história não muda, por motivos bons e ruins. A falta de refinamento técnico é compensada pela narrativa espontânea e diversão bagaceira, cada vez mais rara no reality estadunidense. Na casa de RuPaul, a coleção de Emmys veio por meio de uma produção extremamente calculada, que já começa toda nova temporada consciente de quem serão as primeiras eliminadas, o miolo e as finalistas, e qualquer passo fora da linha pontilhada será ajustado pela edição. No livro de regras da corrida espanhola, tudo isso ficou de fora, felizmente.

A competidora Pupi Poisson é o melhor exemplo do que Drag Race España é: ela pode não ser polida em seus visuais e na técnica, mas ela representa o que a arte drag é em sua essência, o potencial de entreter, encantar e divertir quem assiste. Inti, também, por sua veia artística influenciada pela riqueza da cultura quechua; Hugáceo Crujiente por sua estética original; e claro, Carmen Farala, que reinventa o pageant e se mostra boa o suficiente para sentar ao lado de outras queens lendárias das primeiras temporadas de Drag Race. No fim do dia o España é uma bagunça e uma zona, mas é também entretenimento puro, acontecimentos espontâneos e diversão. E para isso não existe fórmula técnica garantida. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: Mocatriz (01×03) e Snatch Game (01×04) 

2ª temporada de Eu Nunca… (Never Have I Ever)

Não muito diferente do ano inicial, a segunda temporada da série Eu Nunca…, produzida pela plataforma de streaming Netflix, segue narrando a vida nada simples da jovem Devi Vishwakumar (Maitreyi Ramakrishnan) e seus altos e baixos entre questões amorosas, diferenças familiares, religião e a perda recente de seu pai. Com uma grande dose de humor e uma abordagem mais séria para assuntos sensíveis, a série superou as expectativas já aguardadas pelo público e conquistou um espaço entre as melhores de 2021. Apesar de não haver grandes diferenças entre as temporadas, a segunda teve um aprofundamento no enredo de todas as figuras principais, se tornando um diferencial frente às outras séries do mesmo gênero.

Embora o foco aqui seja o humor, em vários momentos os personagens tiveram que lidar com situações difíceis como relacionamentos tóxicos, transtornos alimentares e machismo dentro de instituições de ensino. Além disso, Eu Nunca… se destaca entre outras produções teens pela preocupação de realmente trazer uma protagonista adolescente, com problemas recorrentes da adolescência e com atitudes e escolhas muitas vezes consideradas infantis por parte do público. Essa união entre brigas, risadas e amor, contribuíram para que já fosse renovada para a terceira temporada. – Ludmila Henrique

Episódios Favoritos: … opened a textbook (02×03) e … been a perfect girl (02×10)

1ª temporada de Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier)

A quarta fase do legado Marvel – apesar dos pesares – tem se projetado do passado e desenvolvido o futuro por arcos interessantes e astutos. Sem abandonar os trejeitos característicos do universo de Kevin Feige, Falcão e o Soldado Invernal integra a jornada apresentando a algazarra mundial pós-Ultimato, com lentes quase sempre cuidadosas e veias críticas pioneiramente precisas. Escancarando o lado vil do memorável escudo outrora detido por Steve Rogers, a trama captura a essência odisseica da dupla que participou na construção da herança de Cap. Finalmente, os holofotes passam a seguir quem precisa deixar de ser segundo plano nessa história.

Se Bucky Barnes (Sebastian Stan) desenlaça seus vínculos retroativos em digna humanização, Sam Wilson (Anthony Mackie) percorre uma jornada de identidade à sua altura – se consagrando Capitão América com maestria. Não há como negar o elo magnético que paira sobre ambos em cena, nem a ambição certeira da narrativa. Entre rostos conhecidos e estreantes, caminhando na psique dos personagens, toda a ação também anseia pela ultrapassagem da superfície de lutas e simbologias. O retrato, ainda que débil, de racismo e imperialismo estadunidense é muito bem-vindo ao MCU. E, mesmo esnobada no Emmy 2021 e sem continuação confirmada, Falcão e o Soldado Invernal faz o amanhã dos estúdios Marvel reluzir. – Vitória Vulcano

Episódios Favoritos: Power Broker (01×03) e Truth (01×05)

4ª temporada de Fargo

Três anos depois da 3ª temporada, a adaptação do clássico filme de 1996 chegou ao público em uma nova abordagem. Embora o 4º ano de Fargo não tenha entregue tudo o que se espera do seriado, ainda foi melhor do que a maioria dos lançamentos do gênero. Protagonizada por Chris Rock, a temporada traçou paralelos entre a história da criminalidade e a história da segregação racial nos Estados Unidos, apontando para uma formação cultural que sustentou-se, durante muito tempo, no preconceito. Quando o seriado decidiu dar voz a Loy Cannon (Rock), mostrou que, embora certas coisas sejam apenas coincidências, outras simplesmente não são – como a história do racismo e xenofobia nos EUA. 

Essa temporada também teve um caráter mais político em comparação às demais, mas, ao que parece, não poderia ser diferente. Tanto pela situação em que foi concebida – pós-manifestações antirracistas, decorrentes do assassinato de George Floyd –, quanto pela sua temática de reconstrução de um momento histórico do país. Sem deixar nada estereotipado ou como evidência vazia, a 4ª temporada de Fargo teve bastante êxito ao fazer com que o telespectador desvendasse pequenas referências e ainda se mantivesse preso à história do roteiro. Uma das melhores séries de todos os tempos, e um dos melhores lançamentos do ano passado. – Bruno Andrade

Episódios Favoritos: The Nadir (04×08) e East/West (04×09)

2ª temporada de Feel Good

Diferente de outras produções da Netflix, a série Feel Good não se trata apenas de um romance fofo. Misturando o humor com assuntos delicados, o roteiro entrega histórias de relacionamentos complexos e vícios. A trama conta a história da comediante lésbica Mae (Mae Martin) – inspirada em partes de sua própria vida, já que os traumas e as drogas estão presentes em sua jornada. A série desenvolve as angústias de cada personagem de forma honesta e até dolorosa, na qual o humor e a personalidade deles faz a narrativa ser mais leve. Durante uma de suas apresentações, Mae conhece George (Charlotte Ritchie), elas se conectam mesmo no meio de todas suas inseguranças e lutam para manter uma relação saudável junto ao caos de suas vidas.

As reflexões e questionamentos da série são sempre agridoces, e a segunda e última temporada conta com seis episódios bem distribuídos. As duas – Mae e George – começam o ano separadas e tentando se auto conhecer. A história da dupla é retratada de forma muito realista, mostrando que apenas amar não é suficiente. Feel Good consegue expor sentimentos e dores sem exceder-se. Todas as nuances e fragilidades das protagonistas atingem em cheio todas as tramas da história – o vício às drogas, orientação sexual, identidade de gênero e problemas psicológicos – conseguem explorar a doçura e amargor de uma história real e dolorosa, e que nem sempre faz você se sentir bem. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos: Episode 3 (02×03) e Episode 6 (02×06)

3ª temporada de Fórmula 1: Dirigir para Viver (Formula 1: Drive to Survive)

Com o avanço da pandemia de covid-19 e o consequente comprometimento do calendário de 2020 da Fórmula 1, a 3ª temporada da sua série documental na Netflix se aprofundou ainda mais nas emoções dos bastidores. Ao focar nos aspectos que ultrapassam o esporte, Fórmula 1: Dirigir para Viver conseguiu construir a sua própria audiência. Para os episódios, o excesso de dramatização se tornou um ponto positivo e as disputas internas entre as equipes colocaram gasolina para fazer a série andar.

No ano em que o automobilismo quase não acelerou, o elenco cheio de personalidades fortes ainda teve história para contar. Se o carisma de Daniel Ricciardo continuou a arrebatar corações, o acidente de Romain Grosjean e a redenção de Pierre Gasly foram responsáveis pelos momentos mais tocantes. Em um esporte ainda elitizado, Lewis Hamilton não teve medo de se posicionar e foi protagonista dentro e fora das pistas. A 3ª temporada provou que a série veio para ficar e mudar a relação do torcedor com a Fórmula 1: a sequência já foi confirmada pela Netflix. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Cash Is King (03×01), The Comeback Kid (03×06) e Down To The Wire (03×10)

1ª temporada de Gavião Arqueiro (Hawkeye)

Em 2021, boa parte da Marvel se ocupou com grandes aventuras. Entre realidades paralelas, vizinhanças alternativas, alter egos convivendo (isso em mais de uma produção), equipes de heróis imortais e missões internacionais super-secretas, o Gavião Arqueiro passou o ano em em casa, descansando. A paz do ex-Vingador é interrompida justo na semana natalina, quando a arqueira juvenil e sua fã número 1, Kate Bishop, veste o uniforme de Ronin e passa a ser perseguida pelos antigos inimigos da persona vilanesca de Clint Barton. Talvez por ‘uma vez um herói, sempre um herói’, talvez pela culpa por seus atos, o personagem deixa a decoração da árvore de Natal de lado para livrá-la da encrenca. E é com essa simples premissa (e em uma só linha do tempo!) que Gavião Arqueiro entretém, e justamente por manter os pés no chão. 

Além de iniciar a tão esperada introdução de Kate Bishop às telas da Marvel, a primeira temporada da série aproveita para redimir o Gavião Arqueiro, que, sem destaque desde o seu início nos Cinemas, estava ainda mais desgastado com os recentes eventos do MCU. Os seis episódios flertam com os quadrinhos, referenciam outras produções da empresa, e apresentam novos personagens, mas, mesmo com tudo isso, já triunfam logo em sua dupla de protagonistas: um carrancudo Clint servindo como mentor a uma simpática Kate faz da crescente relação e parceria dos dois a parte mais divertida e envolvente de Gavião Arqueiro. Na pele da arqueira, a carismática Hailee Steinfeld torna até o herói de Jeremy Renner mais aceitável. – Vitória Lopes Gomez

Episódios Favoritos: Never Meet Your Heroes (01×01), Partners, Am I Right? (01×04) e Ronin (01×05)

1ª temporada de genera+ion

É incrível pensar que Zelda Barnz tinha 16 anos quando começou a escrever genera+ion. Ao mesmo tempo que esse fato impressiona, faz muito sentido ao analisar o resultado final da obra. A série, que retrata a adolescência LGBTQIA+, faz questão de passar por quase todas as representatividades da sigla. O conjunto de personagens carrega com si muitas camadas e traços que os caracterizam como jovens queer complexos e multifacetados, adolescentes que fazem boas e más escolhas, às vezes inconsequentes mas também muito carismáticos e amorosos.

Entre seus tantos personagens, a comédia dramática tem como destaques a mística Arianna (Nathanya Alexander), Nathan (Uly Schlesinger), o bissexual pateta, e também Ana (Nava Mau), uma tia carinhosa e devota à criação da sua sobrinha Greta (Haley Sanchez). Infelizmente, genera+ion foi cancelada de forma criminosa, depois de sua primeira e única temporada, comprovando que narrativas adolescentes que possuem como maior foco as representatividades LGBTQIA+ não caem nas graças do grande público. Para a História, a série ficará como uma obra que contemplou muitos queers que se identificaram com as personagens ou desejaram ter tido uma juventude igual a deles. – João Favaro

Episódios Favoritos: Desert Island (01×07) e The High Priestess (01×12)

3ª temporada de Ghosts

Se você gostou do humor britânico de Fleabag, Ghosts está apenas te esperando para ser descoberta. A série de 2019 da BBC One – não confundir com o remake estadunidense da CBS de 2021 – é genial em todas as suas camadas. A partir de uma premissa simples e já vista antes, a produção não reinventa a roda, mas traz uma versão polida, astuta e dinâmica. Alison (Charlotte Ritchie) se muda para o recém-herdado Casarão Button com seu marido Mike (Kiell Smith-Bynoe), e após uma experiência de quase-morte, ela passa a conseguir enxergar fantasmas. E é aí que entram as nove figuras principais de Ghosts: Kitty, Thomas, Julian, Fanny, Pat, Robin, Captain, Mary e Humphrey.

Por terem morrido em épocas diferentes, a série utiliza dos estereótipos das personagens e seus costumes individuais para dar o tom cômico, mas nunca reduzindo eles a apenas isso. De um homem das cavernas até um político dos anos 90, a obra sabe bem como explorar essa distância de anos e personalidades a seu favor. A terceira temporada introduz uma nova personagem (viva) para a trama, Lucy (Jessica Knappett), que diz ser uma irmã perdida de Alison. Porém, as estrelas ainda são os fantasmas, e claro, Mike. Uma das maiores vantagens de Ghosts talvez seja o fato de que seus atores são os próprios roteiristas da série – e vieram juntos de Horrible Histories, um clássico da TV britânica –, o que possibilita que eles coloquem na telinha apenas o que sabem que funciona e o que é engraçado. E eles sabem mesmo. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: The Woodworm Men (03×03) e Something to Share? (03×05)

1ª temporada de Gossip Girl

Existe certo grau de humor e ironia nas entrelinhas da nova Gossip Girl. É uma pena, todavia, que seus roteiristas e diretores insistam em ignorá-lo, dando voltagem a um drama melodramático e pouco convincente. Fato também de conhecimento geral é que os episódios iniciais, meia dúzia de filhotes de Riverdale com senso de grandeza, apequenaram as expectativas para o futuro. A leva final do ano de estreia engrossa o caldo e sabe focar em um problema central, fazendo com que seu carismático elenco dance conforme a música.

Muito mais um voto de confiança e um agradecimento por bons momentos isolados ao longo de uma extensa temporada, a mera inserção de Gossip Girl nas Melhores de 2021 denota o ar camp e despojado que está na atmosfera do Upper East Side. Ficam os sinais: queremos mais do romance entre Akeno (Evan Mock), Max (Thomas Doherty) e Audrey (Emily Alyn Lind), menos das intrigas de Zoya (Whitney Peak) e Julien (Jordan Alexander), quase nada do núcleo adulto e, mais do que qualquer coisa, necessitamos de uma abundância de Luna (Zión Moreno). XOXO. – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Parentsite (01×06), Blackberry Narcissus (01×09) e You Can’t Take It with Jules (01×11)

17ª temporada de Grey’s Anatomy

Como em uma prova de resistência, Grey’s Anatomy lança sua 17ª temporada em meio ao caos da pandemia, e nada melhor do que uma série médica para contar isso. Adicionando a covid-19 no contexto do Hospital Grey Sloan, o resultado acaba sendo a realidade de hospitais do mundo todo que entraram em colapso por tantas mortes, graças ao negacionismo que também se faz presente na série. A representatividade, como sempre, é um ponto fundamental do desenvolvimento da trama, trazendo problemas como o tráfico de pessoas e o sofrimento da população negra americana (e global) com o vírus. Esses e outros temas continuarão a ser abordados, já que a trama foi confirmada até a 19ª temporada.  

Apesar da situação terrível, os médicos vão levando suas vidas como podem: alguns lidando com o nascimento de seus bebês e formando casais fofíssimos, e outros em sua confusão eterna como Teddy e Owen. Com sua brilhante criatividade, Shonda Rhimes conseguiu entregar para os fãs mais um episódio produzido na loucura, igual àquele em que Callie faz um musical enquanto está morrendo. O que não pode ficar de fora são os episódios na praia – muito milagrosa e que consegue ressuscitar defunto, onde Meredith (que estava em coma) encontra Derek, Lexie, George e outros que já partiram. Depois dessa temporada, é notável que sempre irão matar quem não merece morrer. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: All Tomorrow’s Parties (17×01), You’ll Never Walk Alone (17×04) e I’m Still Standing (17×16)

1ª temporada de Hacks

As 15 indicações ao Emmy 2021 e a vitória de Jean Smart, que interpreta a protagonista Deborah Vance, não são suficientes para expressar a potencialidade de Hacks. A série de Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky conta a história de uma comediante veterana de 70 anos de idade e uma jovem roteirista com um cancelamento na conta que são obrigadas a trabalharem juntas. O conflito de gerações e a indisposição de uma para com a outra levam a trama para uma competição de duas pessoas que deveriam estar se ajudando, elevando a comédia de 10 episódios para uma experiência cômica muito emocionante e recompensadora.

Hacks carrega questões importantes e expõe as dificuldades das mulheres na comédia, retratando como o machismo afeta Deborah e molda a personalidade dessa mulher arrebatadora, que precisou transpassar todas as condições delimitadoras e se tornou icônica. O cenário de Las Vegas e os contrapontos de Ava (Hannah Einbinder), uma menina soberba de Los Angeles, é instigante, e retifica a atmosfera de competitividade da série. Hacks foi renovada para uma segunda temporada pelo HBO Max e ainda não possui data de estreia. – João Favaro

Episódios Favoritos: Falling (01×05) e New Eyes (01×06)

2ª temporada de High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series)

Que High School Musical: A Série: O Musical é uma das maiores séries teens dos últimos tempos todo mundo já sabe. Sua 1ª temporada foi uma sucessão de acertos, além de ser fortalecida pelo poder da nostalgia e trazer uma releitura necessária sobre a trilogia musical de sucesso, a produção também revelou para o mundo o rosto de uma das maiores artistas pop da atualidade (antes mesmo dela receber esse posto): Olivia Rodrigo. Diante desse cenário, as expectativas para o segundo ano da série não eram pequenas, mas não chegaram muito perto de serem cumpridas. Tentando se desvencilhar cada vez mais da obra original, o grupo de teatro do East High adapta um outro clássico, A Bela e a Fera, mas acaba seguindo os mesmo passos, e cometendo novos erros, ao voltar os holofotes para o dramalhão cansativo do casal principal.

No entanto, a condução geral da narrativa não tira o mérito dos triunfos da 2ª temporada da produção do Disney+. Em paralelo aos problemas entre Nini (Olivia Rodrigo) e Ricky (Joshua Bassett), High School Musical: A Série: O Musical trilha seu próprio caminho ao apresentar personagens secundários com narrativas bem mais interessantes e maduras – pelo menos para o que se espera de um grupo de adolescentes -, mesmo que ainda pouco desenvolvidas. Gina (Sofia Wylie) é a grande estrela desse novo ano, ao ser totalmente desvinculada do papel de vilã (justiça por Sharpay Evans!) e almejar suas próprias conquistas pessoais. O mesmo vale para Carlos (Frankie A. Rodriguez), Seb (Joe Serafini) e Ashlyn (Julia Lester), que protagonizam importantes discussões que poderiam render até episódios individuais sobre suas histórias. Em meio a tantas oportunidades, a renovação da série era mais do que necessária, para se ter uma outra chance de fazer jus à tentativa de não criar um novo Troy e uma nova Gabriela. – Vitória Silva

Episódios Favoritos: The Quinceañero (02×05), Spring Break (02×09) e Showtime (02×11)

Hora de Aventura: Terras Distantes (Adventure Time: Distant Lands)

Hora de Aventura iniciou sua trajetória em 2010 como um dos desenhos que definiram a década ao lado de outros títulos da Cartoon Network, mas encerrou sua história em 2018 de forma agridoce, com uma décima temporada reduzida por ordens do canal e as mesmas restrições em relação ao conteúdo já conhecidas de temporadas anteriores. O beijo entre Princesa Jujuba e Marceline no último episódio, Come Along With Me, foi uma mera migalha da CN do que o casal poderia ter sido. Em Hora de Aventura: Terras Distantes, a justiça criativa finalmente chegou, e vimos que o desenho tinha o potencial de ser ainda melhor do que foi. Embaixo das piadas de peido e a narrativa colorida do desenho, a trama que se construía era uma mitologia complexa de sobreviventes em um mundo pós apocalíptico e todas as consequências morais e psicológicas do evento nos habitantes daquele novo planeta.

Terras Distantes revisita o universo original de Hora de Aventura e o expande, mostrando eventos de antes e depois da cronologia original do desenho. Os maiores destaques estão nos três primeiros episódios: BMO nos relembra quão apaixonante o robôzinho é em uma aventura espacial; Obsidian finalmente trata com a devida importância e representatividade LGBTQIA+ o relacionamento entre Jujuba e Marceline, e mostra mais sobre a história de ambas que não pudemos ver antes; e Together Again debate sobre morte e eternidade e dá o fim perfeito para Finn e Jake, imortalizando o companheirismo da dupla. Com cada episódio tendo quase uma hora, Terras Distantes mostra que os 10 minutos originais de cada capítulo do desenho nunca foram suficientes para a magnitude do universo de Ooo. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: Obsidian (01×02) e Together Again (01×03)

1ª temporada de Horimiya (ホリミヤ)

Mesmo cortando boa parte do mangá original, a adaptação de Horimiya para anime entrega mais clichês de comédias românticas em um único episódio do que Hollywood entregou em uma década. O que mais surpreende é o quanto sua trama doce e simples consegue se diversificar e explorar grande parte do elenco secundário sem perder o charme e a despretensão, com a animação do estúdio Clover Works sendo gigantesca em seu minimalismo e enchendo a tela com personagens bem formados e engajantes e um roteiro sem medo de introduzir elementos disruptivos e até mesmo surpreendentes.

Dentro desse minimalismo, funciona um complexo sistema de relações entre personagens que vão de paixão a amizade, reforçados em todas as suas interações, impedindo que até mesmo as tramas mais afastadas de Hori (Haruka Tomatsu) e Miyamura (Koki Uchiyama) se afastem dos temas e ideias centrais da série, mas que são sintetizados com profundidade avassaladora no relacionamento entre os dois protagonistas: um garoto quieto e sombrio que esconde piercings e tatuagens e uma garota popular que vira dona de casa pela tarde. Horimiya é um exemplo holístico de como a causalidade da vida cotidiana é talvez a melhor trama que existe. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios favoritos: I Can’t Say It Out Loud (01×05), It’s Hard, but Not Impossible (01×09) e I Would Gift You the Sky (01×13)

2ª temporada de I Told Sunset About You

A segunda temporada da série tailandesa I Told Sunset About You veio em 2021 para mostrar o que é uma produção detalhada e sem defeitos. Sob o nome I Promised You the Moon, a produtora Nadao Bangkok, em parceria com a emissora LINE TV, manteve o nível da primeira parte, pecando apenas em incluir uma traição no roteiro. Como na maioria das séries do gênero BL (Boys Love), o envolvimento entre os protagonistas Teh (Billkin) e Oh Aew (PP Krit) continuou cercado de dramas, causados, desta vez, pela rotina da universidade e vida adulta e desenvolvimento pessoal de cada um, o que aproximou significativamente o público, já que são fases comuns que surgem na vida real.  

Dona de uma fotografia impecável, IPYTM (abreviação do nome) encantou novamente todos os fãs ao trazer os cenários noturnos de Bangkok, capital da Tailândia, e mergulhar na intimidade de OhTeh (ship do casal), surpreendendo a todos pela cena de sexo, que era aguardada desde a primeira temporada para a praia de Phuket mas só foi exposta durante essa parte mais madura deles. A trilha sonora complementa a crise de choro que acompanha os 5 episódios, e é importante dizer que todas as músicas foram interpretadas por Billkin e PP, mostrando que possuem outros talentos além da atuação. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: Memory Recall (02×03) e Turning Point (02×05) 

1ª temporada de iCarly

Bem vindos ao novo iCarly… Isso mesmo, com um bordão repaginado, Miranda Cosgrove voltou às telinhas com sua mais popular personagem. Adulta e mais experiente, Carly Shay retornou como uma grande amiga de infância que não vemos há anos, mais especificamente, há 9 anos. Porém nossa colega não veio sozinha, além de Nathan Kress e Jerry Trainor retornando aos papéis originais, novos atores entraram para o elenco como Lacy Mosley (Harper), a nova melhor amiga de Carly, e Jaidyn Triplett (Milicent), enteada de Freddie. Aliás, as duas artistas foram ótimas adições à trama. Millicent conseguiu trazer uma vibe “chatinha”, além de representar muito bem a Geração Z, reclamando e zombando de tudo, enquanto Harper esbanja simpatia e ironia. 

As duas parecem ter suprido a ausência de Sam Puckett (Jennette McCurdy). Em outras palavras, os produtores conseguiram muito bem manter a essência de iCarly e trazer uma nostalgia para uma fanbase que ansiava pelo retorno desses personagens queridos. Além, claro, da escolha certa dos cenários inéditos e histórias que combinam com a geração atual. A personalidade e o carisma de Carly continuam lá, mas agora com uma pitada de amadurecimento. E parece que a inserção dessas personagens frescas e a dosagem perfeita de piadas adequadas ao novo enredo conquistou o público e os produtores, que já anunciaram a renovação da trama para uma nova temporada. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: iStart Over (01×01), iGot Your Back (01×04) e i’M Cursed (01×06)

1ª temporada de Invencível (Invincible)

A mistura de referências ao universo de super-heróis com uma forte violência gráfica e um texto afiado que discute poder e responsabilidade fazem de Invencível uma das séries mais cativantes de 2021. A adaptação das HQs de Robert Kirkman mostram um herói em formação ao mesmo tempo que busca discutir os poderes e as consequências dos atos provocados pelos super seres. As altas doses de sangue presente na projeção, além de darem um tom adulto à história, auxiliam a narrativa a construir uma história recheada de perigos e repercussões que irão resvalar no protagonista e naqueles à sua volta. 

O seriado não é perfeito, tendo problemas em seu roteiro e na longa duração de seus episódios, porém os últimos dois capítulos mostram ao público os temas e a história que os realizadores desejam contar. O trecho final é tão impactante que gerou uma grande repercussão nas redes sociais e foi o que alçou a série ao posto de “queridinha” do público. Invencível se provou uma produção muito interessante e cativante, e que com certeza merece o posto que recebeu na cultura pop. – Nathan Sampaio

Episódios Favoritos: That Actually Hurt (01×05), We Need to Talk (01×07) e Where I Really Came From (01×08)   

It’s a Sin 

Em meio a tantas produções mais famosas disponíveis no HBO Max,  a minissérie It’s a Sin estava escondida, sem muito destaque, e logo no primeiro episódio se mostra apaixonante. São cinco episódios no total, muito bem escritos por Russell T. Davies (Queer as Folk, A Very English Scandal) . De princípio chegamos até a pensar que se trata de mais uma história comum de um grupo de adolescentes gays, reforçando estereótipos. Na verdade, It’s a Sin está muito longe disso! Os personagens são singulares, e fogem totalmente dos padrões. O protagonista Ritchie (interpretado pelo vocalista da banda Years & Years, Olly Alexander), por exemplo, é conservador e promíscuo ao mesmo tempo, bem como egoísta, despertando julgamentos e compaixão, simultaneamente.

É impossível não pensar o quanto a juventude atual sofreu em 2020 com o aumento dos casos de covid-19, e o medo do que ainda estava por vir, do desconhecido, e comparar com a juventude dos anos 80 e 90 em meio ao recém descoberto vírus do HIV, que na época vitimou pessoas de diversas idades, na maioria jovens. Em suma, se o que você quer é uma série curta, com episódios que te fazem esquecer do tempo, e desperta um turbilhão de emoções, sendo engraçada, chocante e emocionante (se prepare para chorar com ela!) ao mesmo tempo, então It’s a Sin é o que você procura. Dentre inúmeras nomeações, ganhou o prêmio de Programa do Ano no BANFF World Media Festival / Rockie Awards 2021. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: Episode 3 (01×03) e Episode 5 (01×05)

1ª temporada de Kevin Can F**k Himself

Quando anunciada, a mera premissa de Kevin Can F**k Himself já despertava curiosidade nos mais aficionados pelos gêneros múltiplos da TV. Criada por Valerie Armstrong, a mistura de comédia e drama está tanto no texto quanto na abordagem, sabiamente dirigida pelas lentes de Anna Dozoka e Oz Rodriguez. Na trama, Allison (Murphy) vive refém de uma relacionamento abusivo com o marido titular, papel de Eric Petersen. O que muda é a atmosfera da série, que na presença de Kevin é capturada no estilo sitcom, e quando se distancia dele, é filmada com câmera única.

A paleta de cores e a trilha sonora passam de ensolaradas para tempestuosas ao passo que os problemas psicológicos da protagonista afloram e são explorados em tela. Arduamente, Kevin Can F**k Himself foge das repetições ao mergulhar em terrenos cinzentos e narrativas secundárias atraentes até demais. Com a segunda e última temporada já encomendada, a esperança é que o subtexto queer seja trazido à superfície (e que Allison finalmente encha a boca e mande o Kevin se foder). – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Living the Dream (01×01), The Grand Victorian (01×06) e Broken (01×07)

5ª temporada de La Casa de Papel 

La Casa de Papel, uma das maiores queridinhas da Netflix, se despediu em 2021 com sua quinta e última temporada. A série teve sua estreia em 2017 e desde então só adquiriu mais complexidade em sua trama e reconhecimento da crítica e do público, em toda a sua jornada, La Casa de Papel bateu recordes de audiência e conseguiu diversos prêmios – o maior deles sendo o Emmy Internacional de Melhor Série de Drama, em 2018. Como dito antes nesse mesmo site, a série pretendia ser mais do que apenas uma história espanhola que gira em torno de um assalto e, no quinto ano, isso ficou mais claro do que nunca. 

A última temporada dá fim ao assalto ao Banco da Espanha e foi dividida em duas partes, uma lançada em setembro e a outra em dezembro. O que tornou essa jornada uma das melhores do ano e o fechamento ideal para a série foi o ato de explorar o novo – especialmente a guerra contra o poder militar, que se iniciou no episódio Bem-vindos ao show da vida, e a revelação da história de Tóquio (Úrsula Corberó) em Muitas vidas para viver – sem deixar para trás a essência inicial que fez com que todos se apaixonassem pelos mascarados de Dalí, trazer de volta a famosa música Bella Ciao no episódio A teoria da elegância com certeza trouxe o tom nostálgico que o encerramento de La Casa de Papel precisava. – Gabrielli Natividade da Silva 

Episódios Favoritos: Vivir muchas vidas (05×05) e Una tradición familiar (05×10) 

1ª temporada de Loki

Se tem algo de 2021 que merece ser agraciado e gritado em plenos pulmões aos quatros cantos é que: o multiverso é real. Após os treze anos do Universo Cinematográfico tomar forma e criar sua narrativa ao redor dos Vingadores, a Marvel precisou de apenas uma temporada sobre o Deus da Trapaça para mandar para longe tudo que já havia sido criado. O dinamismo une roteiro e fotografia que prendem a atenção do espectador enquanto ramificam a linha do tempo e os universos da MCU. Tudo isso ainda com a preocupação de contextualizar os menos atualizados e trazer uma jacaré para as telinhas. 

Terceira produção do estúdio a ser lançada no Disney+, Loki é a melhor organizada e, de fato, a primeira série da Marvel. Enquanto as antecessoras se encaixam no conceito de minisséries, apresentando começo, meio e fim, em Loki houve um final aberto, um gancho para uma próxima temporada. E já está confirmado que as respostas para esses ganchos virão no futuro, afinal seu último episódio trouxe a garantia da segunda temporada. Com as variantes menos temidas de 2021, a produção foi indicada ao WGA Awards, sendo assim um bom termômetro das indicações futuras. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: Lamentis (01×03), Journey Into Mystery (01×05) e For All Time. Always. (01×06)

1ª temporada de Lupin

Inspirada pela história de um dos ladrões mais famosos do mundo, Arsène Lupin, a série é contada sob a perspectiva de Assane Diop (Omar Sy). Influenciado pelo pai quando criança, ele se torna fã dos contos do criminoso cavalheiresco e é levado a seguir os mesmos passos do seu personagem fictício favorito. A trama é envolvente, repleta de ação, e desenvolve os planos mirabolantes e elaborados de Diop de forma divertida e enigmática. Simultaneamente à narrativa principal, Lupin ainda discute relevantes questões sociais, como o racismo enfrentado pela família do protagonista.

Assane tem uma presença marcante e fascinante. Sua personalidade é agradável, seu sarcasmo lhe dá um ar espirituoso e a facilidade com a qual ele coloca seus planos em prática evidencia sua experiência e sagacidade. É extremamente divertido vê-lo em ação, quando ele tem uma estratégia minuciosa, mas também quando não tem, e precisa improvisar com sua mente ágil e brilhante, para solucionar seus problemas. Lupin é uma adaptação atual e agradável de um clássico da literatura. Sua aura inventiva, inteligente e reinventa a figura do mestre dos disfarces, colocando a série entre as melhores de 2021. Composta por uma única temporada, dividida em três partes, as duas primeiras se encontram disponíveis no catálogo da Netflix, enquanto a terceira está sendo produzida pelo streaming. – Mariana Nicastro

Episódios Favoritos: Chapter 2 – L’Illusion (01×02) e Chapter 10 (01×10)

Maid

Maid fez um sucesso estrondoso no Brasil, rendendo vídeos e entrevistas com Stephanie Land no canal da Netflix brasileira, mas o ponto alto da minissérie é a atuação de Margaret Qualley. A emoção transmitida acerta o público de maneira sentimental e calorosa, rendendo na identificação de muitas mulheres, algumas que superaram, outras que estão em seus processos. Tornando-se um momento divisor de águas na carreira de Margaret, a modelo que está engatando na carreira de atriz não havia tirado a sorte grande até agora.

A maneira que os diretores escolheram abordar temas tão complicados é admirável, uma vez que a delicadeza ao tratar dos fatos não modifica a realidade e dureza das situações, mostrando a sociedade uma versão menos hollywoodiana de superação feminina. Para o Netflix Channel do YouTube, a autora Stephanie Land falou sobre sua inspiração e como a escrita é algo poderoso que não pode ser retirado de você. A produção ganhou o prêmio AFI TV Program of the Year 2021 e foi indicada a 17 premiações, como o SAG Awards e o Globo de Ouro. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Dollar Store (01×01), Bear Hunt (01×08) e Snaps (01×10)

1ª temporada de Manhãs de Setembro

2021 definitivamente foi o ano de Liniker. A cantora, conhecida pelos seus trabalhos com a banda Caramelows, não somente lançou seu primeiro álbum solo, como também estreou como atriz, já protagonizando uma produção de grande porte. Manhãs de Setembro conta sobre a rotina corriqueira de Cassandra (Liniker) – uma mulher negra e trans – que é interrompida pelo reaparecimento de uma infame ex-namorada, Leide (Karina Teles). Levando o tributo à cantora Vanusa tanto no título quanto na história, a série decide não exibir um recorte abrangente de violências contra mulheres transgênero e travestis, e sim um enfoque íntimo na pacata vida de uma delas, e em como ela reage aos dilemas que lhe aparecem. E então, entre pancadas e regalos, o drama do Amazon Prime Video aborda a questão da disforia de gênero de um jeito inusitado: com Gersinho (Gustavo Coelho), filho que ela descobriu ter tido com Leide antes de sua transição.

A presença do garoto de 12 anos poderia muito bem ser um tiro no pé, porém se torna o verdadeiro trunfo da narrativa. Desde o início dessa 1ª temporada, a relação de Gersinho e Cassandra é caracterizada por hostilidades. Enquanto por um lado, Gersinho tem dificuldades em desatrelar a imagem feminina da recém-descoberta mãe com o fato dela ter o sido apresentada como pai, por outro a Cassandra, que é ríspida com o menino, vê nele um fantasma do seu árduo passado. Porém, apesar disso, é na sutileza de um sorriso tímido de Gersinho, quando Cassandra finalmente o chama por seu nome, que o vínculo entre os dois começa a se fortalecer. Indo muito além dos clichês relacionados aos sofrimentos de sua protagonista, Manhãs de Setembro cria um retrato cheio de nuances e encontra, em meio a angústias e dores, suas pequenas felicidades. – Enrico Souto

Episódios Favoritos: É Só Por Hoje (1×01), Gersinho (1×03), É Isso Mesmo, Baby, Enjoy! (1×05)

Mare of Easttown

Há quem diga que estamos diante da série do ano. É que Mare of Easttown sabe usar magistralmente todos os encantos que evoca a partir de sua sinopse, apresentando uma história que usa o gancho irresistível do suspense (1) para aprofundar uma narrativa sobre as mais comuns experiências humanas (2) protagonizada por alguém que compreende muito bem a necessidade de entrega de seu trabalho (3). Para não prolongar a contagem, vamos ao resumo: um dos destaques de 2021 da HBO nos coloca em Easttown, uma cidadezinha no interior da Pensilvânia que está sob os cuidados de Mare Sheehan (exatamente, ela, Kate Winslet), a detetive local e chefe de uma das famílias mais atribuladas do condado. 

Ao contrário das investigações que atravessam o cotidiano da cidade nada pacata e o tremor emocional de sua figura mais inabalável, o clamor por Mare of Easttown é muito fácil de desvendar. A criação de Brad Ingelsby dirigida por Craig Zobel sabe usar todo o apreço que as minisséries tem conquistado nos últimos anos, assim como faz valer o gosto do público pelo gênero do suspense, junto de uma das personagens mais humanas da TV recente. Coloque a genialidade de Kate Winslet para uma história densa com mais um mar de personagens muito bem colocados e relacionados com a trama – e por consequência, com o público – e pronto. Você está no topo da lista de Melhores Séries de 2021. – Raquel Dutra 

Episódios Favoritos: Lady Hawk Herself (01×01), Illusions (01×05) e Sacrament (01×07)

3ª temporada de Master of None

Anos afastado dos holofotes depois de sofrer com acusações no auge do movimento #MeToo, Aziz Ansari fez seu retorno para as luzes de maneira tímida. A volta por cima se dá pela retomada de sua galinha dos ovos de ouro, Master of None, quase autobiografia do artista, onde abordava o cotidiano da vida de um imigrante solteirão na badalada Nova Iorque. Apaixonado por inverter as expectativas que a comédia de meia hora, Ansari já havia viajado à Itália no ano 2, encerrando um importante ciclo de seu personagem Dev.

Em 2021, ele afastou a série da figura do homem, focando completamente no relacionamento de Denise (Lena Waithe que participa da produção criativa do show e já venceu o Emmy pelo texto) e Alicia (Naomi Ackie). Com o subtítulo de Moments in Love, os cinco episódios, todos dirigidos por Ansari, são uma sessão de terapia do casal, lidando com a vida em conjunto e suas adversidades, com o refinado olhar já característico da produção. Mesmo diferente e inesperada, a conclusão de Master of None triunfa no desconhecido. – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Moments in Love, Chapter 1 (03×01), Moments in Love, Chapter 4 (03×04) e Moments in Love, Chapter 5 (03×05)

Maya e os 3 Guerreiros (Maya and the Three)

Do mesmo diretor de Festa no Céu (Jorge R. Gutierrez), pode-se notar a semelhança entre as produções em seus gráficos e referências à cultura latino-americana. Maya e os 3 Guerreiros é cercada de mitos e simbologias, a animação traz uma mistura das culturas inca, maia e asteca, com uma variedade de deuses e demônios cheios de personalidade que recheiam a história, deixando cada pedacinho dela complexo e interessante. 

A determinação e o senso de girl power de Maya (Zoe Saldana) é admiradora, mas a princesa não é uma heroína perfeita, criando pequenas mentiras e quebrando promessas ela deixa um rastro de imperfeições por onde passa, mas tais defeitos se justificam com o amor pela nação e família. As lições que cada personagem carrega são ótimos exemplos para as crianças mas servem como encorajadores para os adultos, uma vez que auto-amor, coragem e misericórdia nunca saem de moda. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: The Divine Gate (01×07), The Bat and the Owl (01×08) e The Sun and the Moon (01×09)

Missa da Meia-Noite (Midnight Mass)

Mike Flanagan batiza seu cânone aterrorizante com Missa da Meia-Noite, uma produção da Netflix que dá sequência à produção do cineasta e showrunner na plataforma – incluindo os títulos de A Maldição da Residência Hill e A Maldição da Mansão Bly. E nesta missa, a declaração sacramental de que quem come a carne e bebe o sangue do corpo de Cristo adquire alimento para a vida eterna, ganha nova interpretação com a chegada misteriosa de um padre visitante na pequena ilha de Crockett, inaugurando a ocorrência de milagres inexplicáveis: uma garota paraplégica de repente volta a andar, os idosos rejuvenescem e as doenças deixam de existir.

Com a fé restabelecida na cidade, gradativamente a igreja se torna novamente um pilar da comunidade, dando início, em nome de um Bem maior, a uma agenda mais diabólica que qualquer outro pecado cometido pelos desajustados do enredo. Flanagan é capaz de desenterrar no âmago da existência humana a bondade mais pura, junto da angústia mais amarga de todas. O ritmo, por vezes, é lento, mas é através desse slow burn que a minissérie leva o seu tempo para crescer, recompensando a espera ansiosa com os momentos finais, numa sensação de catarse genuína, de bênção verdadeira. – Ayra Mori

Episódios Favoritos: Book IV: Lamentations (01×04),  Book V: Gospel (01×05) e  Book VI: Acts of the Apostles (01×06)

2ª temporada de Modern Love

Inspirada nos contos de uma coluna do The New York Times, Modern Love segue o formato procedural para adaptar as histórias primeiramente escritas no jornal. Fazendo um sucesso em 2019, a série voltou em 2021 para sua segunda temporada, repetindo a próspera fórmula. O que mantém a qualidade também é trazer nomes conhecidos pelo grande público. Se no primeiro ano Anne Hathaway elevou a produção, agora foi vez de Kit Harington ser o reconfortante e grandioso rosto da temporada. Além dele, Anna Paquin, Minnie Driver, Lucy Boynton, Dominique Fishback, Gbenga Akinnagbe e Tobias Menzies, agregaram nos acontecimentos únicos da narrativa.

O maior destaque para os novos ares de Modern Love vai para a diversidade de seu roteiro e atuação, personagens LGBTQIA+ e negros aparecem mais como protagonistas. O frescor do segundo ano também vem da fuga da bolha nova iorquina, cenas em Dublin e em Londres ajudam as histórias se desenvolvem de maneira isolada, sendo esse o grande diferencial da temporada. Com oito episódios tão emocionantes quanto os iniciais, Modern Love explora as várias óticas do amor e prova que ainda tem conteúdo para mais fases. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: On a Serpentine Road, with the Top Down (02×01), Strangers on a Train (02×03) e Am I…? Maybe This Quiz Will Tell Me (02×05)

1ª temporada My Name (이 네마임)

O mundo está recheado de séries de ação com coreografias estonteantes, mas é raro encontrar uma em que a violência dialoga tão bem com seus temas e conflitos do que a sul-coreana My Name. Seguindo os passos sangrentos da vingança de Jiwoo (Han So-hee) em busca do assassino de seu pai, a produção da Netflix encontra seu ímpeto narrativo junto de cada soco e chute dado e recebido por sua protagonista, numa dança arriscada e precisa de causa e consequência que ajuda seus personagens a se expressarem além de meras palavras.

Mas a minissérie de Kim Jin-min não estaria aqui se não fosse também por seu excelente senso de ternura e ritmo, dando espaço para que o cansaço também se torne um elemento palpável da trama, deixando que seus atores se aprofundem belíssimamente sob a psique instável dos policiais e criminosos que formam a base da dualidade do mundo de Jiwoo. Como toda boa história de retribuição, a conclusão trágica e inevitável de toda essa pancadaria nos atinge como um soco no estômago e um chute na cara, levando-nos ao chão com a reiteração do adágio daqueles que buscam vingança: cave duas covas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: Episode 1 (01×01), Episode 6 (01×06) e Episode 8 (01×08)

1ª temporada de Não Estava no Script (The Future Diary)

Lançado em dezembro de 2021, o reality Não Estava no Script conquistou o coração do público ao redor do mundo, já garantindo a renovação para segunda temporada. A primeira, porém, conta com dois jovens, Maai e Takuto, que com seu jeito singelo e tranquilo, conseguem trazer aquela sensação de borboletas no estômago o tempo todo. A química que o casal desenvolve é palpável desde o primeiro episódio, criando uma atmosfera acolhedora e extremamente fofa, mas a lentidão dos acontecimentos deixa os fãs ocidentais inquietos pela necessidade de toque físico. 

Filmado no Japão e com excelente fotografia, é possível ver a maestria da direção de Kotaro Itani e Masaya Arai ao contemplar as belezas do país e passar a experiência de maneira tão completa. O roteiro do programa é muito bem estruturado, elaborando situações de crises surpreendentes para um texto de romance, deixando a trama ainda mais envolvente, onde você não pode esperar o que o próximo Future Diary reserva para os jovens amantes. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Page 1: Start of a Secret (01×01) e Page 3: First Snow of Summer (01×03)

1ª temporada de Nevertheless (Algoissjiman)

No romance unilateral e aparentemente sem futuro de Nevertheless, uma das únicas coisas boas que se aproveita são as lições de como não ser um babaca como Jae-eon (Song Kang) – que é emocionalmente indisponível e tão atraente quanto manipulador, ou de como não ser influenciável como Na-bi (Han So Hee). Apesar do leve desconforto (causado pelo gaslighting) durante os 10 episódios da série sul-coreana, os casais secundários salvam o que resta do dorama, trazendo muita fofura e representatividade LGBTQIA+ com Sol e Jiwan, e a naturalização de relações casuais como acontece entre Bit Na e KyuHyun, indo contra o conservadorismo da Coreia do Sul.  

Ainda nisto, um dos pontos que pode surpreender é a construção da dinâmica dos protagonistas, mostrando cenas românticas ousadas que pouquíssimos dramas de mesmo segmento fizeram. Predominantemente nos episódios, a fotografia de Nevertheless foca em uma visão intimista dos fatos, com detalhes apurados e feitos para captar a atenção de quem assistir, bem como um desenvolvimento psicológico voltado principalmente para Na-bi e seus traumas interiores. Traumas esses que a impedem de fazer uma escolha decente quando se vê num triângulo amoroso com duas pessoas completamente diferentes no quesito caráter. Um dorama que conseguiu facilmente cutucar as feridas de quem assistia. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: There’s No Such Thing as Fate. Nevertheless (01×01), It’s Not Only Me. Nevertheless (01×02) e I Know Nothing Will Change. Nevertheless (01×05)

Nove Desconhecidos (Nine Perfect Strangers)

Original Hulu e escondida nos escombros do Amazon Prime Video, Nine Perfect Strangers é um dos maiores destaques entre as minisséries de 2021. Baseada no livro homônimo de Liane Moriarty, a mesma escritora de Big Little Lies, Nove Desconhecidos tem a simples trama de um acampamento isolado que promete transformar a vida dos escolhidos a dedo pela dona do lugar, Masha (Nicole Kidman). Além de Kidman, nomes como Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Michael Shannon e Regina Hall instigam o espectador a dar play em mais e mais um episódio.

E é, sem dúvidas, essa lista de atores que transforma toda psicodelia de Nine Perfect Strangers em algo grandioso. As dimensões de características, tanto de personalidade como de história, transformam os personagens em campos minados. Os arcos se mesclam numa trip alucinógena que dá o tom maior para a minissérie. Nicole Kidman é a cereja no topo do bolo, a atriz é quase uma entidade e seu figurino combinando à atuação flutuante reforçam o conceito. O deleite de Nove Desconhecidos é acompanhar tão de perto o desenvolvimento de tramas afobados porém controlados por uma direção sagaz. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: Random Acts of Mayhem (01×01), Earth Day (01×03) e Ever After (01×08)

O Caso Evandro

2021 foi um ano significativo para Aly Muritiba. O improvável diretor de Cinema, que ao longo dos últimos anos vem acumulando prêmios em diversos festivais ao redor do mundo, também recebeu a honraria de ter seu longa escolhido pela Academia Brasileira de Cinema para tentar uma vaga para o Brasil no Oscar 2022 – que, apesar de não ter sido conquistada, já simboliza um grande feito em sua carreira. Ao mesmo tempo que finalizava a produção de Deserto Particular, o cineasta também dava luz a essa que se tornaria uma das séries originais de maior sucesso do Globoplay: O Caso Evandro. 

Ao lado de Michelle Chevrand, e com apoio do podcast Projeto Humanos, Aly adapta para o streaming uma das investigações mais controversas já ocorridas em território nacional, e muito esquecida no imaginário brasileiro. Além de nos ambientar devidamente nos diversos cenários que compõem o desaparecimento de Evandro Ramos Caetano na cidade de Guaratuba, no Paraná, também apresenta personagens essenciais para tecer o fio condutor da narrativa, evidenciando as diversas perspectivas sobre o caso. Ao longo dos episódios, o suspense instigante para revelar o desfecho da história dá lugar a uma tristeza profunda em função das diversas vítimas originadas ao longo de anos de investigação. O Caso Evandro é primordial não apenas em seu aspecto cinematográfico, mas também jornalístico, por apresentar a justiça e redenção que nenhum tribunal foi capaz de trazer. – Vitória Silva

Episódios Favoritos: As Torturas (01×04), As Fitas (01×07) e Consequências (01×09)

Onde Está Meu Coração

Em 2021, o Globoplay trouxe ótimas produções nacionais, vide O Caso Evandro, minissérie de grande repercussão do streaming. Uma das ótimas obras é Onde Está Meu Coração, que narra a história de Amanda (Letícia Colin), uma médica que se perde após se viciar em opióides. O casamento da jovem, sua profissão, amizades e a estrutura familiar são remexidas pela problemática. A importância da narrativa ao envolver como os vícios devem ser encarados e dialogados abertamente se faz presente em toda a trama.

No melhor estilo novelão, a minissérie envolve um intenso trabalho de produção, contando até mesmo com a experiência de Fábio Assunção, que atua como o pai de Amanda, representando o seu problema com o vício em falas e atuações intensas. O final da narrativa mostra não só a parte triste e dura de quem não consegue escapar desse mal, mas também de como cada dia é mais uma vitória na vida destas pessoas e como recomeçar pode ser difícil, mas possível. Ainda ao questionar que a dependência química não escolhe classe social, mostra como é importante para estas pessoas terem uma rede de apoio e acima de tudo acreditarem em si mesmas. – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: Episódio 1 (01×01), Episódio 6 (01×06) e Episódio 8 (01×08)

1ª temporada de Only Murders in the Building 

Participar como espectador de investigações de assassinato, mergulhando no sabor das incógnitas e nos calafrios provocados pelos suspeitos (e pelos nem tão suspeitos assim), nunca vai deixar de soar intrigante. E, acompanhando os passos – e o podcast – de três vizinhos em um prédio no Upper West Side, a cartada de mestre de Only Murders in the Building não é tentar revolucionar essa obviedade carregada pelos enredos de mistério. Atualizando a química de um elenco experiente à aderência categórica de humor e drama, a produção se destaca por mesclar o cru true crime ao clássico whodunnit com personalidade e ritmo. Aqui, mesmo sendo força motriz, o suspense atua entre o yin-yang dos protagonistas.

Mabel Mora (Selena Gomez) é de geração e postura opostas a Charles-Haden Savage (Steve Martin) e Oliver Putnam (Martin Short), mas o vínculo dos personagens se enriquece quando suas diferenças confortam lacunas e traumas pessoais. Desvendar a realidade por trás da morte de Tim Kono (Julian Chi) é espiralar nas camadas verossímeis que formam o trio e, embaladas por uma lúdica trilha sonora, sustentam a trama. Ademais, a narração plural (e até sem falas) é só um dos elementos muito bem depositados ao longo dos episódios para postergar a fluidez da história enigmática. Triunfante, Only Murders já despontou nas indicações do Globo de Ouro 2022 e se prepara para sua segunda temporada. – Vitória Vulcano

Episódios Favoritos: True Crime (01×01), The Boy From 6B (01×07) e Open and Shut (01×10)

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração (The Sons of Sam: A Descent into Darkness)

A Netflix investiu fortemente em conteúdos documentais sobre assassinos em série americanos no último ano, e, mesmo que as histórias sejam aterrorizantes, nada se compara com a visão única que Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração mostra. O diferencial é que a narrativa é construída no trabalho do jornalista Maury Terry, e sua teoria de que o caso de David Berkowitz era muito mais do que aparentava ser – e como a busca por provas de que havia ali uma rede de assassinos de seita satânica o atormentou até a morte. 

A minissérie consegue acompanhar a descida derradeira de Terry em sua investigação. Com linhas temporais e lógicas bem construídas, é um dos melhores trabalhos documentais por fugir da abordagem comum, e mostrar os crimes do Filho do Sam sem que ele seja o personagem principal. Cada episódio traz mais inconsistências nas conclusões policiais de Nova York – e suas motivações para que o caso fosse enterrado. É uma escalada delirante num trabalho jornalístico profundo, misterioso e assustador. Dotado de provas e sentido, as teorias prendem qualquer telespectador, superando as demais produções de 2021 do gênero na Netflix. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Catch .44 (01×02) e Rabbit Hole (01×04)

2ª temporada de Outer Banks

Se a primeira temporada de Outer Banks encantou a todos com seu estilo praiano e o doce sabor nostálgico de um grupo de amigos que levam a lealdade e a busca por tesouros perdidos bem a sério, a segunda realmente não deixou a desejar e elevou ainda mais o nível. Com um aprofundamento das consequências resultantes do ano anterior, a segunda parte da série garantiu números impressionantes e algumas premiações, como o People’s Choice Awards de Estrela de Drama de TV de 2021 para Chase Stokes, o queridinho John B. 

Nessa continuação da história, as emoções foram literalmente duplicadas, já que um segundo tesouro foi introduzido oficialmente no episódio A escolha para aumentar a caçada, além da chegada de novos personagens – como Cleo (Carlacia Grant), que chegou em O ouro, uma garota de personalidade forte que adiciona exatamente o que o quinteto e a série precisavam -, um reencontro pogue inesquecível, no capítulo A volta, e a presença de velhos e novos vilões complexos que tornam a narrativa bem mais interessante. Com uma primeira temporada incrível e uma segunda que marcou 2021, só resta esperar o que a terceira, irá trazer. – Gabrielli Natividade da Silva 

Episódios Favoritos: My Druthers (02×06) e The Coastal Venture (02×10)

3ª temporada de Pose

Nada marcou a TV em 2021 como o final de Pose. Desde junho de 2018, a série do FX assumiu um compromisso com o maior elenco trans da história da Televisão e o colocou para protagonizar uma história sobre amor e família à margem de uma sociedade especialmente hostil. Ao seu fim, exatos três anos depois, a produção honrou a grandiosidade de tudo o que construiu junto de Blanca Evangelista (Mj Rodriguez) e Pray Tell (Billy Porter), entregando um lindo desfecho para a sua jornada revolucionária, cujo efeito não foi muito além das emoções de seu público fiel e dos milhares de artigos que exaltam a sua importância, representatividade e pioneirismo. 

O terceiro e último ano de Pose também foi marcado pelo seu reconhecimento e clamor formal. No Emmy 2021, a série – já conhecida pelos votantes da Academia de Televisão desde sua primeira temporada – foi mencionada em oito indicações. Lá, criou mais um marco ao emplacar a primeira mulher trans nomeada a uma categoria principal de atuação no prêmio mais importante da TV, e garantir a vitória dela no Globo de Ouro 2022. Mas entre Melhor Série, Melhor Ator, Melhor Atriz, Melhor Direção, Melhor Roteiro, nenhuma categoria compreende a grandeza de Pose, que reivindica o seu direito a todas elas desde o início: “The category is: Live! Werk! Pose!” – Raquel Dutra

Episódios Favoritos: Take Me To The Church (03×04), Something Old, Something New (03×06) e Series Finale (03×07)

6ª temporada de Queer Eye

Queer Eye é, por essência, um refresco caloroso ao coração. Em toda a sua trajetória, os 5 Fabulosos Antony, Bobby, Karamo, Tan e Jonathan sempre conquistaram qualquer pessoa, e não relutaram em o fazer no estado conservador do Texas para a 6ª temporada. As gravações foram atravessadas pelo caos da pandemia de coronavírus, por isso, em contrapartida com o seu último, e premiado, volume 5, o desafio do reality em levar amor próprio para pessoas comuns foi imensamente mais difícil. Mais real do que nunca, a fragilidade do elenco evidenciou como a doença havia engolido a todos – e só o mais puro afeto poderia aliviar. 

A Netflix conseguiu gravar um episódio antes que a covid-19 chegasse e levasse milhões de vidas. Mas não rápido o suficiente. Quando retornaram à produção, seus participantes haviam perdido muito, alguns na dor e correria de pertencerem à linha de frente, outros na luta contra a xenofobia e culpabilização por um vírus desconhecido. Com uma dor em comum com seus telespectadores, Queer Eye chegou no dia 31 de dezembro de 2021 à plataforma, como um lembrete colorido de que as pessoas valem a pena, de que a esperança é necessária para continuar – e mesmo assim, segue sem ser renovada para a próxima temporada. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Craw-Zaddy (06×05), Community Allied (06×06) e Snow White of Central Texas (06×07)

2ª temporada de Ragnarok

Ragnarok não tem nada parecido com a forma que os deuses mitológicos são retratados nas histórias em quadrinhos. Muito pelo contrário, os conflitos familiares, o drama teen, e as questões ambientais que norteiam o afloramento da mitologia. Em sua 2ª temporada, o maior acerto foi dar à Laurits (Jonas Strand Gravli), irmão de Magne, e, por consequência, Loki, a protagonização que merece. Jonas é um ator muito melhor do que Stakston, e seu personagem é muito mais interessante. O Loki de Ragnarok é perspicaz, audacioso e autêntico, em consonância com seu ser humano compreendendo sexualidade, gênero, e família. 

O não-heroísmo também ficou mais sério, alcançando o conflito do protagonista Magne (David Stakston) sobre até onde é capaz de ir sendo Thor, e trazendo a gigante Saxa (Theresa Frostad) aos holofotes e brigando pelo poder. Efeitos especiais, atuação e trilha sonora, estavam todos bem sincronizados com a continuação, mostrando a ótima evolução desde a temporada de lançamento e deixando um gosto saboroso em 2021. A terceira será a última da série norueguesa, e isso significa que não haverá tempo de desenvolver seus personagens até o ponto que merecem. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: What Happened to the Nice, Old Lady? (02×02) e All You Need Is Love (02×06)

1ª temporada de Reservation Dogs

Taika Waititi não lançou apenas uma série fascinante em 2021, mas duas – e não há nada páreo para sua Reservation Dogs. A dramédia impressiona, encanta e equilibra perfeitamente o riso descontrolado e o choro sem consolo. Escrita, dirigida e protagonizada por indígenas, a produção do FX consegue percorrer as várias e complicadas nuances universais da adolescência, mas focando nos personagens de uma reserva nativa-americana em Oklahoma e nos embates diários com a exclusão social e o racismo anti-indígena. 

Criada por Waititi e Sterlin Harjo, o destaque absoluto fica por conta do quarteto de ouro de jovens atores: Paulina Alexis, D’Pharaoh Woon-A-Tai, Devery Jacobs e Lane Factor entregam performances sólidas, complexas e primordiais para a construção dessa primeira temporada. Já renovada para mais um ano, Reservation Dogs se automolda em uma narrativa sensível, hilária e que acerta em todos os temas que se propõe a discutir. Agora, cabe ao Emmy Awards reconhecer a joia rara que praticamente caiu em seu colo. – Caroline Campos

Episódios Favoritos: F*ckin’ Rez Dogs (01×01), Hunting (01×06) e California Dreamin’ (01×07)

5ª temporada de Rick e Morty (Rick and Morty)

É o início de uma nova era para o show. A mais recente temporada de Rick e Morty causa estranhamento aos telespectadores de longa data, afinal, os diretores criativos Justin Roiland e Dan Harmon além de realizarem um acolhimento gigante ao nonsense, – que aparentemente, se torna maior a cada ano – também criaram o foco principal em algo um tanto quanto incomum: a evolução de Rick sem precedentes. Diferentemente, do que abordam a grande maioria das outras temporadas, o cientista não está separado da humanidade por ser um intelectual galáctico. A solidão e o desespero constroem o personagem, que não mais pode ser encoberto pelo seu ego de superioridade e muito menos, por quaisquer armas interdimensionais.

Os episódios correm com a explosão da ficção científica exagerada em conjunto com algumas premissas já encontradas em trabalhos anteriores, como por exemplo, o fracasso pessoal de Jerry em Amortycan Grickfitti. Mas, os últimos três capítulos da temporada são surpreendentemente intrínsecos, pois mergulham em uma atmosfera mais complexa sobre os sentimentos de Rick e Morty. Em Rickternal Friendshine of the Spotless Mort, as abordagens não desgrudam da insanidade e como bônus, se unem ao existencialismo, o cientista se encontra com seu eu do passado, o qual lhe questiona sobre suas memórias “Por que você não as revisita?”, e o atual Rick responde “Eu não sei, talvez por causa do final”. Entre dúvidas e separações, a verdade é que o final da 5ª temporada – além de dar um gancho para a 6ª – traz o início de uma nova forma para entender toda a confusão. – Leticia Stradiotto

Episódios Favoritos: Rickternal Friendshine of the Spotless Mort (05×08) e Forgetting Sarick Mortshall (05×09)

1ª temporada de Round 6 (Ojing-eo Geim)

Tramas que envolvem jogo mortal não são novidade em produções audiovisuais, porém Round 6 consegue trazer um frescor a esse tipo de história. Os maiores méritos do seriado se encontram na mistura da inocência de brincadeiras infantis com a brutalidade da morte e da vida adulta, isso se reflete tanto nos desafios de cada jogo quanto nas temáticas presentes durante a exibição. A utilização de joguetes ligados à infância também é um acerto, pois logo gera uma identificação do espectador que se imagina naquela situação.

Para além dos jogos violentos e da estética magnífica apresentadas na série, o texto de Hwang Dong-hyuk se destaca por trazer metáforas e reflexões sobre o mundo capitalista e a desigualdade social. Cada personagem carrega consigo uma história que demonstra as dificuldades das sociedades atuais, por isso, cada um deles é carismático e interessante à sua maneira. Dessa forma, Round 6 torna-se uma experiência instigante, tensa, divertida e reflexiva, sendo uma das melhores produções já feitas pela Netflix, e espera-se que seu realizador mantenha essa qualidade na vindoura segunda temporada. – Nathan Sampaio