Tarsila Borsari

Para dar início ao esquenta do Carnaval de 2026, Marina Sena lançou o EP Marinada vol.01 ainda no final de dezembro de 2025. Um projeto curto, com seis faixas e cerca de 19 minutos de duração. O trabalho transita entre a pulsação do feriado nacional e canções mais tranquilas para embalar o verão. O título funciona como mais um ‘gostinho’ de seu último álbum, Coisas Naturais (2025).

Desta vez, a sonoridade surge com ainda mais cores e batuques, trazendo esse sobrenatural íntimo que ganha corpo nas ruas e no coletivo. O movimento reforça a estética mística e folclórica que Marina Sena vem consolidando singularmente na música brasileira, reafirmando sua capacidade de transformar referências culturais em uma assinatura própria, firme e ainda mais reconhecível. O EP traduz o Carnaval como uma experiência coletiva, imediata e carregada de energia, sem abrir mão de camadas simbólicas.

Parte do que sustenta essa identidade tão única da artista no cenário atual está na forma como a cantora assimila e atualiza influências históricas, reforçando uma linguagem cada vez mais consistente. Inspirada por nomes como Ave Sangria e Gal Costa, Marina incorpora princípios da Tropicália e psicodelia em suas músicas de maneira única. Trata-se da articulação entre tradição brasileira e a experimentação, marcada por contrastes intencionais e pela criação de uma sonoridade híbrida, que combina repertório popular, como ritmos regionais, com influências externas. Em Marinada vol.1, essa lógica surge atualizada na forma como elementos do Carnaval e de gêneros populares contemporâneos, como o funk, se entrelaçam resultando em um som que, embora carregado de alusões, se mantém individual e distante de qualquer reprodução direta.

Nesse contexto, o processo criativo se torna parte essencial dessa construção. A partir do reaproveitamento e da recontextualização de materiais já existentes, os produtores Janluska, Enzo Dicarlo e Pedro Lucas — em entrevista à revista Bravo! — destacam a revisitação de trechos descartados, beats e fragmentos de outras produções, reorganizados sob uma diretriz clara da artista: gerar impacto imediato. Em “Carnaval”, por exemplo, Pedro Lucas resgatou um recorte de As Long As You Love Me, sucesso da boyband Backstreet Boys, o método orienta a própria atmosfera do EP, alinhando forma e intenção.

É sobre essa premissa que o repertório se desenvolve. O EP abre alas com um remix de CARNAVAL, em parceria com Psirico. O resultado evoca o pagode baiano e as batidas das baterias de escola de samba, em uma faixa vibrante que traduz com precisão a energia das ruas. Em seguida surge uma nova versão de Ombrim, faixa lançada originalmente na antiga banda da cantora, Rosa Neon. A música já havia ganhado uma releitura em brega funk com Orni Bruno e Chicão do Piseiro, e agora reaparece em um clima mais suave, intitulada que delícia o verão, com a participação de Pabllo Vittar, quebrando as expectativas de quem conhecia apenas a versão anterior e esperava algo mais acelerado para o calor.

Além das novas versões, a mineira inclui três inéditas no repertório. Saí para ver o mar surge ao lado da nova promessa da MPB, Rachel Reis, enquanto tá quente reforça a temperatura solar do projeto. Para encerrar, Maravilhosa retorna com força total, apostando novamente em um ritmo animado e carnavalesco, fechando o EP em tom de celebração.

O lançamento de Marinada vol.01 veio acompanhado de uma nova turnê que percorreu diferentes palcos e festas pelo Brasil. Nessa fase, Marina aposta em uma performance mais livre e enxuta, dividindo o palco com apenas um dançarino e explorando uma presença cênica mais visceral. A aparência também se torna parte central da narrativa: ao se pintar de dourado durante as apresentações, a cantora chegou a ser acusada até de bruxaria – e convenhamos, para uma artista brasileira, esse tipo de comentário costuma ser um bom indicativo de sucesso. Durante o Carnaval, essa presença se expandiu para além dos palcos: a mineira arrastou uma multidão com o bloco Marinada, na Pampulha (BH). Além disso, integrou a programação do CarnaUOL com um show marcado por uma performance mais sensual, consolidando sua força como um dos nomes centrais da temporada.

Mesmo antes de ocupar oficialmente todos esses espaços, Marina Sena já extrapolava a música e impactava diretamente a estética do Carnaval de 2026. Seu estilo característico e a aposta em visuais marcantes rapidamente se refletiram nas ruas, onde se multiplicaram fantasias com miçangas, tecidos metalizados e crochês, atravessadas por referências à brasilidade e à natureza. Nesse cenário, a artista consolida um brilho próprio. Ao valorizar o artesanato local dentro de uma embalagem pop contemporânea, somada a elementos como cabelos volumosos e composições visuais expressivas, Marina mantém, embora de forma sutil, um diálogo com o imaginário tropicalista.

Fora das ruas, sua vida pessoal também entrou no radar do público. O relacionamento com Juliano Floss, assumido publicamente em julho de 2024, ganhou ainda mais visibilidade com a entrada do influenciador no Big Brother Brasil 26. Dentro do programa, o brother frequentemente falava da namorada. Sob outra ótica, a relação também atravessa o trabalho da artista, Juliano é a inspiração para faixas como Numa Ilha, que ganhou remix no EP, além de participar do clipe de CARNAVAL. Em entrevistas, Marina já destacou como vivências pessoais como essa atravessam seu processo criativo, revelando um trabalho que também se constrói a partir da experiência íntima.

Entre a exposição midiática e a incorporação dessas vivências nas canções, o Carnaval da artista se desdobra como extensão de uma narrativa pessoal que acompanha o lançamento do projeto. Marina Sena é incorporada no consciente do público, afastando-se da figura de uma pop star tradicional e se aproxima cada vez mais de um símbolo coletivo. O projeto se sustenta como um retrato consistente dessa fase da artista, que já ecoa para além da música e se firma nas ruas, no corpo e no Carnaval.

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Arthur Caires

Chegar ao Lobofest é como entrar em um universo paralelo onde tudo respira Arte. O caminho da Arena Lucky Friends já entrega o que vem pela frente: brechós espalhados com peças singulares, vitrines de artesanato assinadas por mãos locais e uma decoração que traduz com nitidez o espírito de quem é, e se sente, do interior. Não é só um festival de música, é uma mostra da cena cultural sorocabana, um espaço onde cada detalhe carrega a identidade de quem constrói e vive a cidade.

Enquanto festivais gigantes como Lollapalooza e The Town são definidos por multidões correndo de um palco a outro, tentando encaixar na maratona um pedaço de seus artistas favoritos, o Lobofest se desenha em outra lógica: a da calmaria. Não há pressa, não há sobreposição de shows, não há a sensação de que você está perdendo algo em outro canto. O espaço é acolhedor, confortável, pensado para que a experiência seja menos sobre a ansiedade da escolha e mais sobre o prazer da imersão. Tudo se organiza em nome de quem ama música e quer vivê-la por inteiro.

Criado em 2022 pela produtora independente Lobotomia, o Lobofest nasceu com a proposta de transformar Sorocaba em um ponto de encontro da música alternativa. O coletivo já vinha se consolidando como um dos principais agentes culturais da região, sempre equilibrando a vinda de artistas que despontaram no cenário nacional e internacional com a valorização de talentos locais. O festival surgiu como a extensão natural desse trabalho: não apenas um palco para shows, mas uma celebração de toda a cadeia cultural que pulsa no interior paulista.

A line-up deste ano deixou claro o quanto a programação estava disposta a experimentar contrastes. De um lado, dois dos maiores nomes da música brasileira atual – Marina Sena e Djonga – puxaram os holofotes com a força de quem dita tendência no cenário nacional. Do outro, uma seleção de artistas profundamente ligados à cena local e regional, como Gabrelú, Ana Praia e Yá Rosa. Se em 2024 o evento apostou em um equilíbrio mais evidente, mesclando nomes como Clarice Falcão e FBC com atos em ascensão como Boogarins, Duquesa e DJ Ramemes, em 2025 a curadoria quis entregar um gostinho de grandiosidade.

No meio desses polos, três apresentações se destacaram. O Vanguart retornou à cidade depois de mais de uma década, trazendo a turnê Demorou Pra Ser e lembrando ao público que vinte anos de estrada cabem em um repertório de hits nostálgicos. O Terno Rei, parceiro antigo do Lobotomia, apresentou o show inédito de Nenhuma Estrela, mantendo o indie melancólico como trilha perfeita para o friozinho do interior. Já Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo trouxe a inquietação experimental que a acompanha, agora ainda mais lapidada sob a produção de Ana Frango Elétrico. Foi durante o show dela, aliás, que comprei um dos CDs vendidos no merch oficial.

E então veio Marina Sena. O ápice da noite – e talvez das duas edições do festival – foi a entrega visceral da mineira com o show de Coisas Naturais. Energia é pouco para definir o que Marina levou ao palco: cada música parecia meticulosamente colocada na ordem certa, uma narrativa feita para ser vivida ao vivo. O álbum, que já soa potente em estúdio, revelou-se um organismo vivo diante de uma multidão que cantava como se cada um tivesse um vínculo particular com aquelas faixas. O momento em que ela entoou Mágico cristalizou o espírito do Lobofest: “Dar um giro, ver a cidade comigo”.

Mas, o Lobofest não se limita apenas ao que acontece diante das luzes do palco. A cada esquina da Arena Lucky Friends havia uma experiência que lembrava ao público que festival também é encontro: a Feira Selvagem, com seus expositores locais, transformava o espaço em um passeio cheio de cores e texturas; a praça de ‘rangos’ reunia diferentes opções para todos os gostos e preferências; e os afters espalhados pela cidade prolongavam a sensação de comunidade para além do horário oficial. Até mesmo o Lobofest na Cidade, realizado ao longo de julho com shows gratuitos em pontos estratégicos de Sorocaba, ajudou a criar essa atmosfera: um movimento de democratização da música, capaz de estender seu impacto para quem talvez nunca tivesse a chance de viver um evento assim.

O Lobotomia encerra a segunda edição do seu evento reafirmando algo maior do que um simples dia de shows: ele prova que a música independente tem força para descentralizar a cena cultural do país. Em um momento em que até os grandes festivais enfrentam dificuldades para esgotar os ingressos, o evento sorocabano mostra que o interior também vibra, cria e sustenta movimentos próprios. No fim das contas, a sensação de estar ali não era a de disputar espaço em uma multidão anônima, mas de compartilhar um pedaço vivo da cultura. Talvez seja essa a verdadeira mágica do Lobofest: transformar um festival em comunidade.

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Guilherme Barbosa

Desde sua estreia notável com De Primeira, Marina Sena tem trilhado uma jornada louvável na música brasileira. Transitando maravilhosamente entre o pop, a MPB e outros ritmos, seu estilo singular rapidamente cativou o público, garantindo-lhe um lugar de destaque no cenário mainstream do Brasil. Em Vício Inerente, a mineira demonstrou ainda mais audácia, explorando ritmos urbanos e experimentações sonoras que evidenciaram sua identidade artística. Agora, com o lançamento de Coisas Naturais, ela consolida essa evolução de forma surpreendente, apresentando um trabalho mais maduro, criativo e conectado com suas influências. Essa nova fase mostra que a cantora não tem medo de inovar e está sempre expandindo suas sonoridades e visuais de um jeito único.

Em seu terceiro disco, a cantora, mesmo utilizando sonoridades mais experimentais e com um apelo comercial, talvez menor que em seu trabalho anterior, entrega um conjunto coeso e cheio de sutilezas. A produção musical de Janluska revela diversas camadas sonoras que harmonizam elementos do samba, MPB, bossa nova, funk e pop, como apresentado em Carnaval. Se nos álbuns precedentes a artista mineira já evidenciava talento para transitar por diversos gêneros, aqui ela atinge a maestria.

A composição em Coisas Naturais também merece reconhecimento especial. Marina sempre explorou temas como a reconexão com a natureza, o autoconhecimento, o amor em suas variadas manifestações e a passagem do tempo, mas assim como a produção, aqui também se torna nítida a sua evolução e habilidade artística. As canções falam sobre crescimento pessoal, da busca pela paz interior e da aceitação da natureza transitória da vida, revelando uma maturidade não só artística como também pessoal, como revelado pela cantora em uma audição exclusiva do álbum antes do lançamento para fãs. 

Desde o lançamento do lead single do álbum, Numa Ilha, em dezembro de 2024, já era esperado que o novo disco transcendesse o que foi apresentado em Vício Inerente. Coisas Naturais não somente cumpre a expectativa como a supera, costurando os diferentes ritmos entre as faixas com clamor. Marina atinge o ponto alto da sua nova obra logo na terceira faixa. Desmitificar é uma canção forte, com batidas vibrantes, daquelas que foram feitas para ouvir no último volume e cantar bem alto em um show ao vivo. E, como em toda sua discografia, não poderiam faltar músicas voltadas para a autossuficiência, muito bem representadas por Voltei pra Mim e Pra ficar comigo em seus trabalhos anteriores. O pódio fica para Ouro de Tolo, onde Marina usa o violão e cria uma melodia daquelas gostosas de ouvir, como ficou evidente em seu evento de audição do álbum, onde cantou a música ao vivo para o público.

Desde seu lançamento, Coisas Naturais tem sido alvo de elogios vibrantes tanto da crítica especializada quanto do público. O disco tem performado muito bem nos charts, se tornando o 5º álbum nacional da história a ocupar simultaneamente todo o Top 10 da Apple Music Brasil e já acumulou mais de 70 milhões de streams no Spotify. O show de estreia da nova turnê aconteceu no Espaço Unimed, em São Paulo, que tem capacidade para 8.000 pessoas e teve  todos os ingressos vendidos. Os resultados e a recepção do público comprovam como Marina tem ido pelo caminho certo, sempre evidenciando sua autenticidade.

Atualmente, Marina Sena se destaca como um dos grandes nomes que transformam a música popular brasileira. Sua habilidade em mesclar referências tradicionais com o contemporâneo a posiciona de forma privilegiada no cenário musical. Com Coisas Naturais, ela reafirma a possibilidade de inovar sem renegar as raízes, honrando a tradição musical brasileira enquanto aponta para o futuro. Sua obra estabelece um diálogo tanto com a tradição do Clube da Esquina quanto com as batidas modernas do pop internacional, criando uma sonoridade singular e atraente. A contribuição de Marina vai além de suas canções: ela representa uma geração que busca liberdade estética, identidade própria e autenticidade em um tempo marcado pelo excesso de fórmulas simplistas.

O impacto de seu novo trabalho se estende para além das paradas musicais. Ao abraçar uma sonoridade mais orgânica e explorar temas introspectivos, ela abre caminho para que outros artistas se sintam encorajados a seguir suas próprias verdades artísticas. A forma como Marina se conecta com o público, seja através de letras que ressoam com experiências universais ou performances energéticas, demonstra que a autenticidade é um pilar relevante em sua carreira. O álbum não é apenas um sucesso comercial, mas também um catalisador para uma nova onda de experimentação na música brasileira, provando que é possível equilibrar a inovação artística com o reconhecimento popular.

Coisas Naturais é, sem dúvida, um marco na discografia de Marina Sena e um dos melhores álbuns brasileiros lançados recentemente. É uma obra que atesta a coragem em amadurecer, reinventar-se e aprofundar suas criações. O álbum provoca uma experiência sonora envolvente, emotiva e admirável, consolidando Marina como uma das vozes mais autênticas de sua geração. Em um cenário musical frequentemente caracterizado pela repetição, é revigorante acompanhar uma artista que valoriza tanto a qualidade quanto a verdade artística. Marina Sena, com seu talento e ousadia, demonstra que elementos naturais, quando cultivados com esmero, podem florescer em criações raras e preciosas na música.

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Tharek Alves

Em 2017, no lançamento de seu primeiro álbum, Heresia, Djonga havia carimbado seu nome no meio do rap nacional, com uma estreia abaladora o suficiente para alavancar as expectativas em cima de suas próximas obras. Porém, o rapper dobrou a aposta em 2018 e superou todas as expectativas com O MENINO QUE QUERIA SER DEUS, tão abalador e marcante quanto seu antecessor. Visto na época como novo nome do rap mainstream, o mineiro tinha uma árdua missão de manter a qualidade em seus próximos lançamentos.

Assim como os antecessores e os que viriam posteriormente, Djonga também lançou seu terceiro álbum em 13 de Março e provou, mais uma vez, que raios podem sim cair no mesmo lugar. Intitulado Ladrão, os discursos presentes nas músicas ficaram ainda mais objetivos, com críticas incisivas ao racismo e desigualdade social, além de assumir, de fato, o papel de protagonista não só na luta antirracista, como também, no rap nacional.

Na faixa-título, LADRÃO consegue sintetizar bem o sentimento do disco. Nela, o cantor fala sobre os lugares que conseguiu acesso graças a sua fama e dinheiro, além da maneira como ele usa disso para devolver ao povo preto e pobre. Contextualizada na realidade do mineiro, a letra o retrata como uma espécie de Robin Hood, um herói do povo retratado, obstinado a tirar dos boys e devolver aos seus. Por diversos momentos, a canção ainda faz críticas às apropriações culturais recorrentes na Música.

A exemplo de JUNHO DE 94, Djonga questionou sua própria posição por diversas vezes durante seu segundo álbum, porém, HAT TRICK, a faixa debutante, demonstrou que, agora, o caminho adotado seria completamente oposto. Referenciando  um termo do futebol utilizado quando um jogador faz três gols na mesma partida, o cantor reconhece o novo disco como acerto e, ressoando um forte “abram alas pro rei” no refrão, deixa clara a mudança de visão que terá sobre si nas músicas. Encerrando-a com uma poesia, a primeira faixa demonstrava o golaço que Gustavo Pereira Marques (nome de nascença de Djonga) estava para fazer.

fiado nos versos, o cantor mineiro usa de um vasto repertório de referências, que bebem da Música, política, história, Literatura e Cinema. BENÉ e DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL retratam bem essa criatividade, mesclando o título e tema das músicas com obras cinematográficas clássicas do imaginário brasileiro. Em referência ao personagem homônimo do filme Cidade de Deus, a primeira faixa relata a proximidade do tráfico com a juventude periférica, mostrando os males do envolvimento nessa atividade e fazendo um apelo para que não sigam o mesmo caminho. No filme, o personagem que dá nome a faixa é um jovem preto periférico que se envolve com o tráfico e melhora suas condições financeiras, porém, acaba morto por sua ligação  com atividades criminosas.

Seguindo a linha de referências ao Cinema nacional, Djonga, em parceria com o carioca Filipe Ret, entrega DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL, com fortes críticas às desigualdades sociais do país. Entretanto, a música deve muito ao filme de Glauber Rocha, ficando cansativa em seus seis minutos de duração.Uma repetição sonora que tenta ser uma proposta diferente de métrica, mas acaba chata e enjoativa. Os versos que tentam ser divinos se chocam com um beat diabólico dentro da terra ensolarada que é todo o álbum.

Característica sempre presente em seus álbuns, Djonga convida para seus feats artistas do cenário musical de Belo Horizonte, e com Ladrão não foi diferente. Tendo o refrão cantado pelo mineiro MC Kaio, TIPO fala sobre o padrão de mulher com quem o artista se relaciona, usando e abusando de um romantismo carnal e sensual. Além disso, a presença do beatmaker JNR Beats na produção da faixa entrega algo que difere (muito positivamente) do restante das faixas do álbum, em um beat leve e sedutor que conversa muito bem com a proposta da música.

Mas as parcerias mineiras não se restringiram a apenas um som. Assim como seu título, VOZ deu a fala para que dois grandes nomes do rap de BH, DougNow e Chris MC, se reunissem com Djonga e, assim, os três brincassem de fazer Música. Gustavo e Doug relatam em seus versos as violências que pretos e periféricos passam diariamente, refletindo sobre amizades já perdidas e, como, surpreendentemente, eles conseguiram se esquivar disso e permanecer vivos. Chris MC fica responsável pelo refrão, no qual reforça que, mesmo a visão da sociedade sobre pretos favelados não tendo mudado, eles resistirão sendo quem são, ainda que morram com isso.

Sua visão sobre mim ainda não mudou

Não vai ser da forma que tu quer

Sempre faço questão de ser quem sou

Mais honrado morrer sendo quem é e tamo aí

                                                                    -Chris MC em “Voz”

Nos seus álbuns anteriores, as ‘love songs’ foram pontos marcantes. Cantando amores cafajestes em Geminiano e Solto, Djonga assume o romantismo  apaixonado para ser, de fato, LEAL. Com sua amada no status de musa, o cantor não poupa palavras para demonstrar a admiração que sente pela parceira, assim como o gosto pelos laços que a relação do casal criou, seja através de brigas ou dos momentos de ternura sexual. No ápice de seu sentimento, o jovem mineiro usa do estribilho pedindo por lealdade e reciprocidade na relação, com a promessa de que tudo durará enquanto a paixão for uma realidade.

Em um resgate das raízes do rap no Brasil, que bebeu e ainda bebe do samba, Djonga se apropria da música Moleque atrevido de Jorge Aragão e presta uma homenagem ao grande musicista carioca. Recitando as rimas de maneira crua, sem nenhum acompanhamento instrumental, MLK 4TR3VIDO é uma releitura que fala sobre todo esforço e os caminhos percorridos para conseguir chegar onde chegou. A trajetória para Gustavo Pereira Marques ser reconhecido como Djonga não foi fácil, e ele reinvindica respeito por toda luta e história conquistada.

Ainda buscando falar sobre suas raízes, Djonga volta sua atenção para a família, como fez anteriormente em Canção Pro Meu Filho. Com extrema sensibilidade, o rapper rima sobre a vida de sua avó, Maria Viana, e dos duros caminhos enfrentados para construir e sustentar uma família sozinha, além de abordar a importância da valorização da ancestralidade para famílias pretas. BENÇA fala sobre não esquecer de onde você veio e saber que, em sua família, reside seu porto seguro. É saber que é possível sair para ganhar o mundo e encarar as dificuldades que a vida dá, mas também encontrar os momentos de recuar e voltar para a segurança do laço familiar.

Já a música que encerra a obra, FALCÃO, apresenta uma crítica do artista sobre aqueles que acabam por deixar a causa que lutavam e se renderam para produção de obras vazias, visando o retorno financeiro. Com essas condições, Djonga observa como as correntes e ‘ostentação’, retratadas por esses artistas, não adiantam de nada se os versos cantados não puderem mudar vidas. O rapper ainda reflete, em forma de desabafo, sobre a ambiguidade de se enxergar tanto na situação de mais um corpo no chão, quanto como o de alguém sentado no trono, e encerra desejando que a violência contra corpos negros acabe de uma vez.

Para além dos diversos feats do álbum, é importante citar duas importantes presenças nas faixas. O beatmaker Coyote Beatz é o responsável pela produção de todas as músicas e, novamente, mostra que sua parceria com o rapper é uma deliciosa e sonora junção. A segunda participação é a de Marina Sena, que empresta sua voz para o backing vocal em quatro registros, e oferece contraste entre sua suavidade vocal e o cantar ‘raspado’ presente na voz de Djonga.

O ano de 2019 foi importante para a carreira do cantor. Com participação marcante no festival João Rock, turnê de seu projeto recém-lançado e cada vez mais visibilidade na grande mídia, o período foi um grande pavimento para futuros shows, como o Lollapalooza 2022. Mesmo que não seja sua obra mais aclamada e esteja abaixo de seus antecessores, Ladrão é um ótimo álbum e foi essencial para a consolidação de Djonga no cenário da Música nacional, confirmando para todos que os dias 13 seriam os dias em que ‘raios’ cairiam no mesmo lugar.

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O ato de ouvir Música se tornou tão imprescindível que pode até ser confundido com uma banalidade. Banal não no sentido ruim, mas sim de algo tão essencial, que, por assumir uma parcela gigantesca de nossas vidas, à medida que cresce em escala, não consegue acompanhar o tamanho em definição. Chega um momento em que ele se torna apenas… ouvir Música. Para não cair nesse limbo chamado lugar comum, o Persona retorna com sua já tradicional lista de Melhores Discos.

Se 2023 nos reservou um retorno ao início do século graças à Saltburn e Todos Menos Você, aqui focamos essencialmente no que foi criado no ano que passou e, assim como os grandes players da indústria, deixamos o TikTok de lado para embarcar no ato arcaico de se ouvir um álbum de cabo a rabo. O resultado foram 93 produtos que embalaram e deram sentido para o ano.

Não podemos negar que foi o ano de Taylor Swift. Mesmo sem um trabalho de inéditas, o pomposo Speak Now (Taylor’s Version), o agora litorâneo na mesma medida que cosmopolita 1989 (Taylor’s Version) e os resquícios de insônia de Midnights – claro, aliados a gigantesca The Eras Tour – serviram para ecoar o sucesso estrondoso que ela calcou. Ainda na ditadura loira do pop, sua pupila Sabrina Carpenter apareceu para o mundo também com obras repaginadas: primeiro, enviando os anexos que esqueceu no corpo do e-mail e, no fim do ano, trazendo um pouco de malícia para o Natal.

Quem retornou de forma inédita foi a rival de Carpenter, Olivia Rodrigo. Após a acidez de SOUR, a artista volta a expor seus sentimentos de uma forma nada ortodoxa: arrancando suas entranhas. O sentimentalismo, dessa vez mais bonito, mas igualmente doloroso, está presente no alinhamento estelar das boygenius, ao mesmo tempo que Mitski declamava todo seu amor para as paredes de um galpão vazio.

Ao longo das 93 obras, temas conversam entre si, mas a homogeneidade é proibida. Troye Sivan e Pabllo Vittar querem festejar, mas enquanto um é a efervescência do durante, a outra é o desejo do pós. Os latinos KAROL G e Bad Bunny falam sobre o amanhã de formas diferentes: ela com esperança, ele com incerteza. Letrux abordava o reino animal e Ana Frango Elétrico se transmuta em feline. Marina Sena se viciava na selva de pedra enquanto Chappel Roan se assustava com os prédios. Jão quer ser cada vez mais superlativo, à medida que Post Malone se recolhe em suas origens. Metallica sente a passagem de tempo, diferente de Kylie Minogue, que nem o vê passar.

Tal cenário só é possível pois a Música e toda sua imensidão atuam como um espaço de diversidade e liberdade, no sentido mais amplo das palavras. E nada mais justo do que celebrá-las no ano de passagem da Padroeira da Liberdade. O Melhores Discos de 2023 é por Rita Lee, que é gente fina na Música e na eternidade.

Taylor Swift – 1989 (Taylor’s Version)

Em mais uma regravação extremamente esperada pelos fãs, Taylor resgata o sorriso, o cabelo curto, os pássaros e o antigo amor por Harry Styles em 1989 (Taylor’s Version). Além da nostalgia em reviver uma era de ouro, Swift consegue elevar ainda mais a experiência de ouvir hits antigos com sua evidente melhoria vocal e refino técnico – tudo parece igual mas, ao mesmo tempo, tudo é diferente. 

Longe dos prédios altos de Nova Iorque que marcaram 1989 pela primeira vez, a compositora relembra sua conturbada história com o ex-One Direction nas faixas From The Vault, que misturam a acidez de um coração partido, a vontade de dar certo e as inúmeras fofocas acerca do affair da época. Todos sabiam das idas e vindas do casal, mas ninguém esperava as alfinetadas tão certeiras em Is It Over Now?.

Traçando um paralelo entre passado e o presente, fica aqui a dúvida se, durante a regravação, Taylor também não se identificou novamente com Clean ou I Wish You Would em razão dos mesmos boatos do fim de seu relacionamento com Joe Alwyn. A compositora mostra que, no fim, sempre irá conseguir contar seu lado da história, nem que seja nove anos depois. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Is It Over Now?, Style e Say Don’t Go.

Geese – 3D Country

Ao contrário do nome, 3D Country é um álbum que vai muito além de três dimensões. O segundo disco do (agora) quarteto estadunidense Geese – o guitarrista Foster Hudson anunciou sua saída do grupo em dezembro de 2023 – é um prato cheio que oferece ao ouvinte tudo e mais um pouco. Narrando vagamente a jornada de um cowboy que toma drogas alucinógenas no meio do deserto, as músicas atravessam sem parar sonoridades que abrangem desde o soul e R&B até o progressivo e noise, tudo em uma grande mistura que não deveria funcionar, mas funciona.

Na sua estreia em Projector (2021), a banda contou com o produtor Dan Carey, que já trabalhou com diversos nomes da cena pós-punk inglesa contemporânea; no entanto, para esse novo disco, o grupo convocou James Ford, parceiro de longa data do Arctic Monkeys. O novo produtor trouxe uma abordagem muito mais diversificada para a sonoridade geral do álbum, dando forte protagonismo à seção rítmica da banda – detalhe evidente em músicas como Cowboy Nudes e I See Myself. Além disso, o disco possui uma dinâmica impecável entre as faixas, oscilando entre momentos crus, sujos e passagens limpas, elegantes, com direito a poderosos arranjos de orquestra e backing vocals.

Com um som pautado principalmente nas décadas de 1960 e 1970, o grupo veste suas influências de forma natural e orgânica, nunca com medo de deixá-las transparecer. Apesar disso, os vocais e letras de Cameron Winter se destacam como uma mistura autêntica de sabores, assim como as linhas de baixo e guitarra que se entrelaçam encantadoramente com as levadas de bateria e percussão. A química musical presente aqui entre todos os membros da banda é algo de se invejar, além de ser deliciosa de se ouvir. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Domoto, 3D Country e Mysterious Love

Metallica – 72 Seasons

As primeiras 72 estações ou 18 anos na vida de uma pessoa são essenciais para entender a construção de sua identidade e o seu comportamento na fase adulta. Lançada de surpresa junto do título do décimo primeiro disco do Metallica, a faixa Lux Æterna é basicamente uma ode aos primeiros anos, sendo a escolha perfeita para introduzir toda a ideia por trás de uma obra que avança em sonoridades mais profundas, embora recorra a repetições do passado para isso.

Na contramão do riff divertido do single, a inspiração de James Hetfield para conceitualizar toda essa luz que invade o cenário de destruição infantil da arte de capa foi um livro analítico sobre a infância. Não é novidade que o frontman da maior potência do thrash metal saiba abordar a raiva e o ressentimento em letras fortes, mas dessa vez, ele traz uma maturidade diferente – ainda que os temas sejam os mesmos de sempre –, com o melhor vocal desde os tempos do Black Album.

E, se as primeiras 72 seasons do Metallica explicam os rumos tomados pelo quarteto, atualmente composto por Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett e Robert Trujillo, o disco prova que chegou no tempo certo. Com Greg Fidelman na produção, solos improvisados e a composição mais longa da carreira se destacando como uma das melhores da discografia, o álbum marca uma nova era para a banda, sendo o seu melhor lançamento deste século. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: You Must Burn!, Crown of Barbed Wire e Inamorata

IZA – AFRODHIT

IZA é, sem dúvidas, uma das maiores artistas brasileiras contemporâneas e em seu novo álbum ela mistura funk, R&B, pop e rap e muito estilo. O disco tem como pano de fundo o momento delicado da vida pessoal pelo qual cantora passou recentemente, o que o leva ser uma jornada de autoafirmação, empoderamento e reconhecimento das origens e dos caminhos que trouxeram a artista ao topo

AFRODHIT conta com 6 participações de artistas como Djonga, Mc Carol, Tiwa Savage e L7NNON. As músicas cantam libertação com muita emoção, com letras que tocam em assuntos como desejo e autonomia financeira. Os grandes destaques do álbum são Que Se Vá e Nunca Mais, músicas que pincelam em pontos íntimos da carreira e vida de IZA, e ainda trazem uma forte crítica social em seu texto. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Que Se Vá, Nunca mais e Bonzão

Pabllo Vittar – AFTER

O que vem depois da noitada? De acordo com a artista Pabllo Vittar, o pós de uma noite de festas é tão importante quanto o evento em si. Em AFTER, ela comprova a versatilidade que possui. O projeto de remixes é uma releitura do quinto álbum de estúdio da cantora, o Noitada. Aqui, a artista se aventura em versões estendidas e com participações especiais, como Jup Do Bairro e a dupla CyberKills em uma atualização deliciosa da faixa Descontrolada. 

Do piseiro ao funk, entre a eletrônica e o pagode baiano, a drag queen mostra, mais uma vez, que tem um tato musical como ninguém. Um dos maiores destaques do álbum é a capa, feita pelo artista Gabriel Renné. Sendo um projeto para ouvir de uma vez em um set de uma balada, numa festa de república ou até mesmo no show de Vittar, After é sensorial: no momento em que os fones de ouvidos são colocados, somos teletransportados para os perigos da vida noturna das baladas brasileiras. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Descontrolada (feat. Jup do Bairro – Cyberkills Remix, Calma Amiga (feat. Anitta) – DJ RaMeMes (O DESTRUIDOR DO FUNK) & Dj Tonias Extended Mix e Derretida (feat. Irmãs de Pau) – Brunoso Remix

MC Hariel – ALMA IMORTAL

ALMA IMORTAL, conceito de platão que nomeia o EP com 7 canções, consolida ainda mais MC Hariel como um dos grandes do cenário no funk brasileiro. O EP foi produzido com letras conscientes e importantes que relatam as experiências do MC e tratam trazer a sua visão lúcida para o mundo. Misturando vários gêneros com o funk, como rap, reggaeton e boombap, Hariel explora os ritmos de uma maneira dinâmica que traz ao EP uma autenticidade consolidada. No videoclipe de MODIFICAR, é possível decidir o destino da história ao final da canção. REAGIR OU MODIFICAR? Essa é a pergunta que percorre todo o EP.

Hariel, que introduziu a filosofia nesse trabalho como forma de difundir a superação e o alcance dos sonhos em suas letras, além de ir atrás de conceitos e estudar mais sobre para escrever as canções, produz suas poesias com o intuito de trazer a visão de que tudo é possível. Em síntese, ALMA IMORTAL é um manifesto em que amplia os ideais filosóficos, trazendo consigo a mensagem de que a sua essência não pode ser mudada para agradar os outros, muito menos transformada para se encaixar em algo. Por isso, o MC vem se tornando um dos maiores e é um privilégio estar presenciando um amadurecimento nessa nova fase. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: SONHOS, 1APRENDIZ E SUAS CICATRIZES e 1ESPERTO E 1OTÁRIO

Westside Gunn – And They Pray For Me

And Then You Pray for Me deve ser enquadrado na discografia de Westside Gunn como sequência ao Pray for Paris, de 2020. Ambos os discos, assim como as outras produções do membro da Griselda Records, representam um projeto estético que está para além da música pura e simples: colocam a black culture dos EUA – com um certo resgate do boom-bap e do gangsta rap feito à la Griselda – a par com a “alta cultura” e “alta-costura” europeia.

Assim é que, nas letras, abundam referências ao mundo da moda europeia (Margiela Split Toes, Versace) contrastadas com o mundo de cocaína e armas a que ele se refere (Griselda é referência direta à Griselda Blanco) e a ascensão que conseguiu. Samples majestosos contrastados com beats densos e sujos; e, na capa, releituras de obras do grande cânone europeu, como Caravaggio, feita por ninguém menos que Virgil Abloh, falecido ex-diretor artístico da Louis Vuitton. Miscelânea tão potente de coisas aparentemente tão contraditórias quanto armas de fogo,barroco, drogas e leilão de arte; e decerto a sonoridade de um Louis Vuitton jamais será a mesma depois de Virgil, Pharrell e Westside Gunn. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: The Revenge of Flip Legs (feat. Rome Streetz), Ultra GriZelda (feat. Denzel Curry) e Mamas PrimeTime (feat. JID & Conway the Machine)

Rubel – AS PALAVRAS, VOL. 1 & 2

Que Rubel tem o talento de transcrever sentimentos em canções, não existem dúvidas. O jogo de palavras em cada estrofe e o jeito de fazer poesia que conversa com cada acorde do violão marcaram a carreira do artista e o tornaram conhecido. Em As Palavras Vol. 1&2, o cantor reforça o motivo de ser tão elogiado ao entregar um disco completo, que pode ser apreciado da maneira como o ouvinte preferir: seja faixa a faixa, na degustação dos detalhes, ou em sua totalidade, como uma jornada pelas histórias cantadas.  

A diferença significativa de sua nova obra, no entanto, se encontra na sonoridade: passeando entre funk, samba, pagode, forró, mpb, hip hop e elementos de soul, Rubel conta uma história por meio de tudo aquilo que inspirou o que hoje temos como Música Popular Brasileira. Ao apontar em todas as direções, o álbum funciona como uma porta de entrada para diferentes ouvintes, furando a bolha que antes o cantor pertencia e apelando para um lado mais mainstream. Mas, ao sair de sua zona de conforto, o artista entrega belíssimas parcerias, um instrumental de alta qualidade e ótimas músicas para se ouvir no dia a dia – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Grão de Areia (feat. Xande de Pilares), Toda Beleza (feat. Bala Desejo) e Torto Arado (feat. Liniker e Luedji Luna)

Daisy Jones & The Six – AURORA

Daisy Jones & The Six foi um sonho realizado para os fãs de Taylor Jenkins Reid: todas as letras de amor de Billy Dunne (Sam Claffin) com Daisy Jones (Riley Keough) materializaram-se em série, banda e álbum. Aqueles que leram a obra e acompanharam a construção dos personagens foram contemplados com a fidelidade e qualidade entregue pelos atores nessa adaptação memorável – que poderia até mesmo concorrer ao Grammy.

Longe de ser um álbum com faixas datadas nos anos  70,  AURORA consegue misturar o estilo da época com a sonoridade atual e ser um prato cheio para aqueles que buscam a suavidade e o ritmo do blues rock. É evidente que o grupo dedicou-se para proporcionar faixas que ultrapassam o título de trilha sonora e conseguiram, facilmente, roubar a cena para grudar nos seus ouvidos. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: The River, Kill You to Try e Let Me Down Easy

Post Malone – AUSTIN

Austin Richard Post, sob o nome artístico de Post Malone, já lutou com vampiros em Hollywood e até colocou implantes dentários de diamante ao perder os dentes em uma briga. Agora, em seu quinto álbum de estúdio, AUSTIN, ele revisita alguns de seus demônios já conhecidos pelo público, mas por uma perspectiva mais intimista e surpreendentemente bem-humorada, sendo um momento de alívio para quem já viveu múltiplas possibilidades. 

Quando artistas lançam discos homônimos é porque a coisa ficou séria e com AUSTIN não é diferente, o tema da sobriedade percorre todas as faixas, desde as mais inspiradas até as superficialmente melódicas. Ao contrário do antecessor, o álbum consegue rir de si mesmo com menções peculiares que variam de Beethoven a The White Stripes. Sim, Post Malone pagou caro pelo grande momento de sua vida, mas acompanhar a sua jornada de autoconhecimento faz tudo valer a pena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Something Real, Novacandy e Laugh It Off

Tinashe – BB/Ang3l

BB/Ang3l nasceu como o terror do SEO. Com símbolos e números angelicais, até a tracklist foi um desafio de ser desvendada. E, como sempre, é um projeto experimental muito bem-vindo quando combinado com o timbre doce e único da Tinashe, ou Sweet T para os íntimos. E ainda que BB/Ang3l marque o início de uma nova era em sua carreira, é intimamente ligado com seus últimos trabalhos independentes.

Em elementos líricos, nada melhor que sofrermos os mais diferentes estágios do luto após um rompimento ruim, mesmo que ele sequer nos represente – à la Taylor Swift – e, com louvor, seu último trabalho assume seus próprios erros e abraça a regressão junto a sua a humanidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Needs e None of My Business 

Beach House – Become

A banda encabeçada por Victoria Legrand e Alex Scally tem lançado sucessos ano após ano. Depois do maravilhoso Once Twice Melody  em 2022, o EP Become leva o ouvinte a uma viagem psicodélica ao estilo dream pop. Com músicas longas e calmas, o disco evita a monotonia com instrumentos bem harmônicos e sintetizadores precisos. 

As letras possuem uma leve energia de feriado, e são bem sintonizadas com a fase da banda que explora novos rumos. A voz de Legrand é potente e doce, tornando-a uma artista única . Bem consolidada desde 2004 quando lançou seu álbum de estreia , a dupla musical já carrega oito álbuns nas costas, e demonstra ter muito futuro pela frente. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: American Daughter, Holiday House, Black Magic

Blondshell – Blondshell

Estamos no mundo-cão e Sabrina Teitelbaum sabe disso, por isso se esconde em sua ‘concha loira’. No autointitulado de seu nome artístico, a intérprete não está interessada em escrever finais felizes, muito menos meios ou começos. Seu som é latente, não faz questão de anestesiar e opta por doer, pois julga que tal dor precisa ser sentida até se caracterizar como suportável, ou até mesmo ser transformada em ímpeto. No caso, aqui ela virou Música.

Misturando indie rock com grunge, Blondshell transita entre o sarcasmo e  sentimentalismo e faz desse meio-termo seu próprio inferno. A guitarra carregada, de poucos acordes e extremamente contínua dá a ideia de uma dor de cabeça, mas, em efeito contrário, cria uma cama macia para a potencialidade da voz e letra de Teitelbaum. No alto de seus 25 anos, tempo considerado até alto para um debut, a artista entende que a vida não é fácil para ninguém, mas longe do coitadismo, faz uma ótima estreia que nos convida para afogar as mágoas, ao mesmo tempo que sofre de ressaca. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Salad, Olympus e Veronica Mars

Ajuliacosta – Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva

Quebrando os estereótipos de que mulheres negras são sempre fortes, Ajuliacosta invade caminhos desarmados, nos quais sentir é completamente válido. O trabalho repousa em um nome bastante auto explicativo: Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva. Com 10 faixas, o disco explora sonoridades diversas, passeando entre rap, soul, house e funk, mas sua maior força vive em seu caráter político.

As letras, cheias de histórias que a periferia e os jovens negros protagonizam, falam bastante sobre o amor. No caso, esse sentimento vem afrocentrado e em relacionamentos pelos quais o eu-lírico tem orgulho de lutar, já que o contexto social torna tudo uma verdadeira manifestação. Ainda, encontram-se em músicas como Empresário e Pq a Polícia Smp Acaba com a Festa?, críticas fortes a um Estado que deslegitima as formas de comemorar, trabalhar e existir da população nas favelas. Em beats envolventes, o produto é um grito pelos direitos de viver, celebrar e, principalmente, ser vulnerável. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Tão Gostoso, Queen Chavosa e Amo Te Ver de Juju 

Foo Fighters – But Here We Are

A dor da perda é, sem dúvidas, desoladora. Neste 11º álbum, Foo Fighters faz Música a partir de tristeza, pena, luto, questionamentos e, sobretudo, celebração. Celebração por terem tido a chance de serem amigos e família de Taylor Hawkins, baterista da banda, falecido em 2022 e também de Virginia Grohl – mãe do vocalista Dave Grohl. Procurando respostas para perguntas que jamais serão respondidas, a banda mostra através dos versos a manifestação constante da pergunta: como enxergar o futuro se não há mais nós? A resposta é curta, mas não simplista: é avassalador, mas aqui nós estamos (tradução literal do álbum But Here We Are) e teremos que reaprender a viver – mesmo longe um do outro.

De Rescued a Rest – primeira e última música, respectivamente – são materializados os sentimentos desse luto. A faixa inicial traz um tom de desespero, a digestão do peso da perda e necessidade de alguém para resgatá-lo. Já nas músicas seguintes, tudo é transformado: a angústia vai passando para um consolo, a partida se torna, aparentemente, menos difícil – mas não menos sentida. Ao fim, com Rest, o grupo nos presenteia com a pura poesia do arranjo musical produzido para entender e homenagear a despedida daqueles que já se foram. O descanso é o destino final e está tudo bem agora, eles podem descansar em paz. 

Entre os destaques estão as participações maravilhosas de Violet Grohl em Show Me How, cantando em conjunto com seu pai, e também H.E.R. na versão de The Glass lançada posteriormente ao álbum. Por fim, é redundante citar o quão importante But Here We Are é para o Foo Fighters e também os seus fãs. É a continuação de um sonho em conjunto que, desde 1995, transborda emoção com suas melodias. Um lindo tributo às pessoas amadas em que emoções são exploradas pelo caminho. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Rescued, Show Me How e Rest

Red Velvet – Chill Kill – The 3rd Album

Evitando pensar sobre o que o amanhã reserva na espera de um final feliz, Chill Kill – The 3rd Album eleva os vocais de Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri enquanto brinca com uma sonoridade creepy ao fundo. Tal união peculiar casa perfeitamente com o nome do quinteto, afinal, não existe nada mais Red Velvet do que essa dualidade pop/R&B que mistura danças delicadas com homens sangrando e mansões queimando nos videoclipes. Fruto de uma longa espera de seis anos, o disco enfatiza o que os fãs de K-Pop já estão cansados de saber: a SM Entertainment é a pedra no próprio calçado.

Isso porque, no universo de múltiplas possibilidades da indústria musical sul-coreana, ninguém sabe transitar tão bem pelo alternativo como o Red Velvet. Nas vozes das meninas do grupo, composições naturalmente difíceis de agradar se tornam verdadeiros hinos. Porém, para a empresa que acumula críticas, o que vale é investir em promessas mais jovens que de nada realmente acrescentam para além de uma estética edgy superficial e, definitivamente, passageira. Uma pena para os mercenários pois, ainda que tenham comebacks cada vez mais afastados, as original visual já são bem maiores do que qualquer outra coisa em sua volta.

Fato é que hits não necessariamente consagram grandes discos, e Chill Kill – The 3rd Album não aposta no simples, Knock Knock (Who’s There?) seria uma escolha bem mais óbvia do que a faixa-título. Seja motivada pela direção criativa esplêndida – de longe, a melhor de 2023 –, ou por um suposto boicote da SM, a negação do óbvio é o que faz o single Chill Kill tão especial e ajuda a introduzir essa obra que leva pesadelos para a pista de dança, além de orquestrar Underwater, o grande destaque do álbum que mergulha nos melhores momentos de Janet Jackson na década de 1990. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Chill Kill, Underwater e Will I Ever See You Again?

Jards Macalé – Coração Bifurcado

No mais recente trabalho de estúdio de Jards Macalé, o amor é retratado na sua forma mais intensa e sincera. Com melodias semelhantes a Itamar Assumpção e Elza Soares, as melodias da guitarra e percussão ecoam logo nas primeiras faixas, como em Amor In Natura, trazendo paz, ao passo que questiona as contradições deste imenso sentimento presente em cada um de nós.

Além disto, Macalé traz referências que remetem à religiosidade de crenças de matrizes africanas, quando canta sobre como o afeto aparece nas encruzilhadas da vida num canto destinado a Exu. Canções como Em Mistérios do Nosso Amor, esta sendo uma parceria com Maria Bethânia, relembram a força da Música Popular Brasileira e suas decorrências até os dias de hoje. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Coração Bifurcado, Mistérios do Nosso Amor e A Arte de Não Morrer.

Inhaler – Cuts & Bruises

Em 2023, a sombra da influência do U2 se dissipou ainda mais do legado de Inhaler, banda em ascensão liderada por um dos filhos de Bono. De fato, Elijah Hewson carrega o carisma e o timbre de cadenciamento versátil que ser vocalista exige, mas o rock alternativo do grupo produz faíscas atraentes graças à união da alma dada por Josh Jenkinson, Robert Keating e Ryan McMahon aos desdobramentos aéreos de guitarra, baixo e bateria, respectivamente. Para maximizar esse ponto, a suspensão questionadora na qual qualquer um se pega no começo da vida adulta serve de motor criativo, palco e divã de terapia no segundo álbum de estúdio arquitetado pelos irlandeses. 

Cuts & Bruises investe em consolidar o trabalho inaugurado por seu antecessor, voltando ao passado dos sintetizadores pela mesma avenida que desemboca nos registros alternativos que marcaram os anos 2000. Por isso, existe um divertimento rebelde e autoconsciente da volatilidade do tempo até nas faixas mais pessimistas do disco. Seja na solar These Are The Days (Estes são os dias que seguem você para casa/Que te beijam no nariz quebrado/Não sinto falta da sensação de estar sozinho) ou na MVP Dublin In Ecstasy (Eu só quero falar se você tiver tempo/Eu só quero lutar se for pela sua vida), Inhaler inteligentemente barganha sentimentos universais com o público, que não tem escolha a não ser sentar, escutar e abrir latinhas de cerveja e cascas de ferida ao lado da banda. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: Love Will Get You There, Dublin in Ecstasy e The Things I Do

Tainy – DATA

“Porque eu não sou um artista do momento/Eu sou um artista para sempre”, vocifera Arcángel na canção que poderia muito bem ser a sinopse de DATA, primeiro álbum completamente curado e estruturado por Tainy. Foram três anos de criação e experimentação até o porto-riquenho sondar os modismos do reggaeton e do trap em um registro inconfundível, capaz de metamorfosear o lugar-comum dos gêneros musicais e abduzir qualquer um disposto a apertar o play. Meticuloso e preciso, ele permanece entre os créditos de alguns dos maiores hits da esfera latina atual enquanto alça seu status de musicista solo para o topo da cadeia. 

DATA tem uma hora de duração e nenhum momento de desconexão ou perda de ritmo. Pelo contrário, são 20 faixas únicas, performadas por um time de 28 artistas, que saem de suas zonas de conforto amparados na engenhosidade do produtor. Bad Bunny deslancha em um rap confessional com Arca; The Marías soa pop sem deixar de ser indie em mañana; Young Miko, Feid e Rauw Alejandro fazem jus aos louros que andam recebendo; e até Daddy Yankee volta da aposentadoria para rechear os batidões de LA BABY. Ciborgue sonoro da melhor tecnologia, o disco homenageia Marcos Fernández, que começou a mixar músicas aos 14 anos, e leva um merecido troféu do Grammy às estantes de Tainy. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: MOJABI GHOST, 11 Y ONCE e si preguntas por mi

Lagum – Depois do Fim

O fim é simbólico. Mudanças na vida, seja o fim de relacionamentos ou a morte de amigos próximos, marcam o encerramento de um ciclo para o início de outro, mais dolorido, a princípio, mas com novas oportunidades para se curar, crescer e voltar a valorizar o inevitável: não é o fim de verdade e a caminhada tem que continuar. É nessa aceitação que a Lagum constrói Depois do Fim, reconhecendo que o que passou serviu para engrandecer o caminho até aqui.

Embora tenha perdido parte da pegada autoral de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração e cedido parcialmente à lógica comercial, com algumas canções que poucos dizem, a banda mineira mostra que continua tendo algo para falar – mesmo que seja sobre qualquer devaneio que vier à cabeça. Além disso, renova sua sonoridade e composições com explorações. Sample de Djavan, canção em francês e italiano, e interlúdios mostram que a Lagum está se encontrando – ou, pelo menos, na busca por se encontrar. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: De Amor Eu Não Morri, Ou Não e Ponto de Vista

Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You

Com So Hot You’re Hurting My Feelings, single de 2019, Caroline Polachek conquistou audiências e deixou claro o seu potencial para crescer no avant-pop. Seu nome já recebia atenção por conta do duo que participou: Chairlift, terminado em 2016, mas foi com o sucesso da faixa que pôde mostrar o que sabia fazer sozinha. Em 2023, com  Desire, I Want to Turn Into You, seu segundo álbum solo, a cantora provou que veio para ficar – não só ficar, mas também mudar o cenário atual da música pop. 

O registro abre com a faixa Welcome To My Island, uma ótima recepção para o novo mundo ao qual a cantora vai te guiar durante as suas 12 faixas. As vocalizações hipnotizantes de Polachek são uma passagem só de ida para escapar da realidade e mergulhar na atmosfera mística do disco. A artista domina uma sonoridade complexa, elegante e única que cementa Desire, I Want to Turn Into You como um dos melhores lançamentos de 2023. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: I Believe, Fly To You e Hopedrunk Everasking

Ava Max – Diamonds & Dancefloors

A febre dos anos 80 na música pop ainda não deu trégua, e Ava Max se junta à festa com Diamonds & Dancefloors. Se em 2020 as músicas do disco poderiam ser interpretadas como descartes de Dua Lipa, The Weeknd ou Lady Gaga, hoje elas soam como uma obra original e coesa. A cantora de Sweet but Psycho imprime sua própria personalidade nas faixas, convidando o ouvinte a simplesmente apertar o play e se entregar à batida.

A genialidade do álbum reside em sua simplicidade: pop genérico e comercial com propósito. No nosso dia a dia, muitas vezes não queremos decifrar subjetividades nas letras, apenas melodias chiclete e sintetizadores familiares já são o suficiente para nos fazer dançar. Million Dollar Baby e a faixa-título deslizam pelos ouvidos como mel, evocando a nostalgia oitentista e a efervescência da era disco. Diamonds & Dancefloors pode ter chegado ‘atrasado’ para o rolê, mas sua energia contagiante garante um lugar especial na pista de dança. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Million Dollar Baby e Hold Up (Wait A Minute)

Lana Del Rey – Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd

Mesmo para quem não segue alguma religião ou é conectado com tradições espirituais, o nono álbum de Lana Del Rey é quase como um compilado de canções que conectam o ouvinte com o divino – se existir algum. Com uma carreira focada em hits melancólicos e que falam sobre amores trágicos, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd sai da curva e mostra uma cantora em busca de sua história e espiritualidade. A primeira faixa do álbum, The Grants, leva o sobrenome da família da artista e é a abertura triunfal perfeita para a obra. Possui influências da música gospel (já indicando o tom do álbum), com um belo coral e uma letra que faz ode aos seus familiares e a memórias marcantes com eles.

Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd também é um álbum auto reflexivo, onde Lana explora diversos aspectos de sua personalidade, seja a vista publicamente e a que somente pessoas próximas conhecem. Isso é notado em tracks como Sweet e na faixa título. Até musicalmente tal reflexão pode ser vista, com a alternância de músicas que envolvem vocais e um piano emocionantes, como em Kintsugi, para faixas com um toques atrevidos, como o em A&W. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Paris, Texas (feat. SYML), Kintsugi e Margaret (feat. Bleachers)

Cornelius – Dream in Dream

Simplicidade acima de tudo. Keigo Oyamada – um dos pioneiros da cena noventista japonesa Shibuya-kei – retorna em seu sétimo álbum de estúdio com um abraço caloroso em forma de som, viajando por paisagens que flertam tanto com um pop melódico quanto com um ambient psicodélico. Ao longo de sua discografia, o músico tem adotado cada vez mais uma estética introspectiva em seus projetos, passando por momentos mais elétricos vistos em Fantasma (1997), até as meditações texturais presentes em Sensuous (2006). Desde então, sua música se encontra diante de um olhar que valoriza tanto a imobilidade quanto o movimento.

Mergulhado em timbres eletrônicos, Dream in Dream é um álbum de contrastes. Sua sonoridade abraça o onírico e o nostálgico ao mesmo tempo em que permite ritmos contagiantes tomarem conta. Os arranjos dão palco às sutilezas, mas são carregados por camadas que às vezes parecem milhares de instrumentos em sintonia. A abordagem para a produção é uma mistura entre o requintado e o ingênuo, enquanto que os vocais seguem linhas melódicas simples, mas engajantes. Mesmo assim, há sempre espaço para a complexidade e imprevisibilidade – seja nas harmonias ou estrutura das canções –, fazendo deste um disco saboroso do começo ao fim, sem nada a esconder. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Mirage, Drifts, Sparks

Miley Cyrus -Endless Summer Vacation

Após uma pausa de três anos, Miley Cyrus está de volta com seu oitavo disco de estúdio, Endless Summer Vacation. As treze faixas estão separadas em duas fases, transitando entre o pop, o country e uma pitada de R&B, retratando uma fase mais autossuficiente e madura da cantora. Contudo, isso não significa que não há mais vestígios de Liam Hemsworth nos versos, apesar de Miley deixar explícito que ele não é mais o centro de sua atenção, finalmente. 

Como o próprio nome diz, Miley Cyrus está em uma férias de verão que nunca chega ao fim. O álbum é uma viagem pela descoberta da sua singularidade e vulnerabilidade, dando início com o grande hit  Flowers, que foi emplacado nas primeiras posições das paradas mundiais,e seguindo até You, que alfineta todos os corações partidos que vê pela frente. Nesta primeira fase, vemos a estrela sair de viagem em busca de um reencontro consigo mesma, onde abre o coração e retoma os momentos vividos com o ex-marido, mas apesar do sofrimento, nota-se a superação e a evolução do seu amor próprio nos versos. 

A partir da faixa Handstand, temos a estrela de Hannah Montana superada, imersa em problemas que apenas boas férias podem causar. A melancolia do álbum dá descanso e os ouvintes são servidos com bons ritmos dançantes, que dão a sensação de noites de verão, bebidas alcoólicas e muitas outras coisas conhecidas como erradas. Wonder Woman rouba a cena final da obra, ela é como uma conclusão, Miley finalmente descobre quem ela é. Toda essa profundidade, busca e descoberta faz com que Endless Summer Vacation configure como um dos melhores discos de 2023. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: River, Used to Be Young e You

Sabrina Carpenter – emails i can’t send fwd:

Sabrina Carpenter abre o coração e faz aquilo que todos que já se apaixonaram ao menos uma vez na vida desejaram fazer, gritar para o mundo tudo o que sente. Com melodias que percorrem a melancolia e a animação, emails i can’t send fwd acrescenta mais quatro músicas ao seu último álbum, sendo uma versão deluxe e ainda mais íntima. A artista se demonstra não só uma ótima cantora, mas também uma excelente compositora. A intensidade presente nas letras das canções acolhem todos os ouvintes e permite que o público se identifique com os cenários criados.

Com 17 faixas, a produção vai da desilusão amorosa de opposite à superação de Feather. Algumas músicas possuem, ainda, versões alternativas – como Nonsense Christmas – o que cativa ainda mais o público e mostra a criatividade de Carpenter. O álbum como um todo possui o estilo carismático da cantora e a vulnerabilidade presente em suas letras e melodias fazem com que elas se tornem populares entre os mais variados públicos. – Gabriela Bita

Faixas favoritas: how many things, lonesome e opposite.

Luisa Sonza – Escândalo Íntimo

O terceiro álbum de Luísa Sonza foi embalado por muitas polêmicas e controvérsias, como já é costume para a gaúcha. De Chico no top 1 do Brasil à carta revelando traição na Ana Maria, tudo revelou de fato, um Escândalo Íntimo. Dessa vez, Sonza explora vários gêneros  musicais, misturando suas angústias e inseguranças nos ritmos do pop, MPB, sertanejo e 150 BPM. As 24 faixas contam a história de um relacionamento, do qual começa confiante à lafamme fatale, depois mergulha em momentos de calmaria, romance e muitos questionamentos, para finalmente conseguir se diferenciar daquilo que é expectativa alheia e do que realmente se quer ser. 

O disco conta com colaborações diversas, como Duda Beat, Marina Senna, Baco Exu do Blues e até mesmo Demi Lovato. A produção buscou referências nos ídolos da música brasileira da artista, como Rita Lee em Lança Menina, mas também possui faixas cantadas em inglês e espanhol, a exemplo de Dona Aranha e La Muerte. Falando em referências, toda narrativa sonora está repleta delas, de modo quase excessivo. A faixa 1, homônima ao álbum, por exemplo, é um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini. The Beatles e Queen também são reinterpretados em faixas como Principalmente Me Sinto Arrasada. O álbum ainda conta com três faixas não disponíveis e sem previsão de lançamento. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Lança Menina, Não Sou Nada Demais e Luísa Manequim

Rico Dalasam – Escuro Brilhante, Último dia no Orfanato Tia Guga

Iniciado há três anos e sendo o seu terceiro álbum autoral, Rico Dalasam surpreende novamente ao abordar questões tão íntimas e essenciais na compreensão tanto da própria história enquanto artista quanto ao tentar dar voz aos que foram silenciados. O rapper volta às suas origens no orfanato e revive cada uma de suas inseguranças enquanto uma criança em busca de afeto e acolhimento, mas conseguindo, agora, aninhar e reconfortar a si mesmo.

Essa experiência de auto libertação é vista na primeira faixa de abertura Doce. Além disso, a participação de vários outros artistas ilustres, como Liniker, os intensos versos melódicos envolvem ainda mais quem ouve as questões de amor discutidas no EP. No ano de 2023, Rico Dalasam fez presença ao nos presentear demonstrando as diversas faces do amor seja de forma esperançosa em Espero Ainda ou na franqueza trágica de Jovinho. – Rebecca Ramos 

Faixas favoritas: Novinho, Espero Ainda e Sol Particular

Becky G – ESQUINAS

Talvez por jogar o pop comumente versado por Becky G para escanteio, ESQUINAS não desceu às ruas fazendo muito barulho – mas é exatamente essa mudança de ares que o torna o trabalho mais emocionante e coeso da cantora até agora. Interseccionando as duas culturas que dividem o coração de Gomez, na onda do movimento 200-percenters (jovens que se autodeclaram 100% estadunidenses e 100% latinos), as novas canções bebem das bachatas, cumbias e outros sons regionais mexicanos que a intérprete ouve desde a infância. O resultado é a confecção de uma musicalidade simultaneamente singular e coletiva, enraizada pelo amor à própria família e o respeito à essa herança artística como um todo.

Lirica e vocalmente, a mexicana-americana dota o álbum de sentimentos que pesam mais no peito dos latinos, como a superação de paixões impossíveis e o vínculo afetivo profundo com os avós. A maturidade de se ancorar nas próprias experiências vem acompanhada das mãos aclamadas de Edgar Barreira, que prepara uma salada arrojada e robusta de instrumentos na produção. Entre violões, acordeões e trompetes, jovens músicos descendentes de imigrantes, como Ivan Conejo e DannyLux, e outros representantes da música mexicana, vide Peso Pluma, ajudam Gomez a temperar as faixas sem pressa, na riqueza do instante. Ao final, as tantas camadas sobrepostas em ESQUINAS formam uma rua inteira de celebrações, ladrilhada pelo talento da artista principal. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: CHANEL e POR EL CONTRARIO

Slowdive – everything is alive

Slowdive é a típica banda que faz de suas composições uma sopa de letrinhas. Os integrantes parecem transformar fluxos de consciência em músicas as quais, surpreendentemente, fazem sentido. Este, aliás, não é exato, ou seja, pode significar uma coisa para um incel e outra para uma mulher perturbada. Tal variedade de fãs faz com que o grupo britânico esteja em constante reinvenção, pois ter consciência da impossibilidade de agradar a todos é, sobretudo, libertador.

Embora muitas mudanças sejam notáveis no som do Slowdive, uma característica sobreviveu aos percalços do tempo: o apreço pela atmosfera noturna. O quinto álbum de estúdio da banda, everything is alive, é uma soma às playlists criadas com o propósito de apaziguar os conflitos travados entre o sono e a paranóia. Nada é mais assustador do que o filme de terror autobiográfico exibido na nossa própria cabeça de madrugada. No entanto, se depender da banda de Berkshire, não faltará uma boa trilha sonora para acompanhar as memórias estreladas por nós mesmos e por amores já tirados do roteiro. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: kisses, skin in the game e andalucia plays

Jorja Smith – Falling or Flying 

Após uma pausa de cinco anos desde Lost & Found, seu último lançamento em 2018, Jorja Smith retorna ao cenário musical com o seu recente trabalho de estúdio, Falling Or Flying. Flertando com um R&B bem pensado, a britânica escapa da sonoridade convencional do gênero e apresenta novos ritmos que conversam desde o neo soul em sua faixa-título, até as orquestras de música arabe durante a canção Try Me. 

Embora o disco inove nas melodias, ele não se diferencia de seus lançamentos anteriores. Mesmo se repetindo criativamente, o álbum se destaca pela fluidez na voz de Smith, onde o sentimento conduzido pela artista se encaixa em cada letra e batida. Falling or Flying segue seu próprio caminho, garantindo 17 faixas cheias de nuances, ele não tem medo de se perder em meio a versatilidade, rompendo com a recente onda de cds homogêneos que surgiram na indústria musical. – Ludmila Henrique 

Faixas favoritas: Try Me, Little Things e GO GO GO

The National – First Two Pages of Frankenstein

O nono álbum de estúdio de The National, First Two Pages of Frankenstein, cutuca um vespeiro do qual podem sair pessoas de meia idade e jovens com pais separados. Além disso, o disco reúne parcerias com Phoebe Bridgers, Taylor Swift e Sufjan Stevens, provando que, embora a banda seja composta inteiramente por homens, ela é relativamente afeminada.

O grupo estadunidense deposita toda sua força em letras sensíveis cujo significado talvez nem os próprios integrantes saibam identificar. Os arranjos de guitarra elétrica perdem o protagonismo para longas performances de violão que, somadas à voz aveludada do vocalista Matt Berninger, tornam-se um perigo para os detentores de daddy issues. No fim, o álbum é um abraço a todos que buscam migalhas de afeto. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: Tropic Morning News, Eucalyptus e Grease In Your Hair.

Amaarae – Fountain Baby

Fountain Baby é o segundo álbum de estúdio da cantora Amaarae, e pela primeira vez em uma grande gravadora, a Interscope, a artista de Gana mostra maestria em combinar o R&B norte-americano, o pop europeu e afro-beat. Com 14 músicas coesas e complementares, o botão de repeat é uma tentação.

Há tempos que a ordem de faixas tão características, como Co-Star e Wasted Eyes, não é tão precisa quanto aqui. Sem perigosas transições contínuas em uma obra tão completa, ouvi-la no aleatório é um crime. Descrita como uma obra confiante e inconvencional pela Pitchfork, logo após receber o selo Best New Music, Fountain Baby tem espaço para reivindicar o título de esnobado por sua ausência em grandes premiações, como o Grammy. – Henrique Marinhos

Faixas favoritas: Sex, Violence, Suicide; Wasted Eyes e Sociopathic Dance Queen

Sabrina Carpenter – fruitcake

Sabrina Carpenter – fruitcake 

Em fruitcake, Sabrina Carpenter leva o clima natalino para qualquer momento do ano. Seguindo os passos de Caroline Polachek – que fez uma versão gelada de So Hot You’re Hurting My Feelings –, Carpenter repaginou o single Nonsense: a nova faixa, A Nonsense Christmas, traz trocadilhos com diversas características do Natal. O EP conta com seis músicas que refletem o período de celebração de final de ano.

Depois de emails i can’t send e de sua versão deluxe, Sabrina Carpenter prova novamente o que faz de melhor. Com músicas divertidas – tanto na parte lírica quanto na parte melódica –, a cantora mostra todo o seu potencial vocal. No cover white xmas, a pequena loirinha nos transporta para uma nostalgia atual; já em buy me presents e em A Nonsense Christmas, ouvimos sons de sinos e guizos vindos diretamente do Polo Norte. Carpenter ainda traz cindy lou who, uma canção melancólica e reflexiva, que faz uma referência à personagem Cindy Lou, do clássico filme natalino O Grinch. –Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: A Nonsense Christmas, buy me presents, santa doesn’t know you like i do e is it new years yet?

Jungkook – Golden

No lançamento de sua primeira faixa solo, Seven, Jungkook já havia demonstrado que não lhe faltava habilidade para preencher todos os aspectos de um artista de sucesso. Seja cantando, dançando ou fazendo rap, o cantor sul-coreano conquistou o coração de cada ouvinte desde seu debut com o grupo BTS, quando tinha apenas 15 anos. Agora, em sua estreia solo, ele demonstra a maturidade de um artista com expressivos 10 anos de carreira e desponta como uma celebridade global.

GOLDEN é um álbum nota dez em todos os quesitos. Com faixas para todos os humores, um vocal de deixar sem fôlego, coreografias empolgantes e uma sonoridade que mescla o nostálgico com o moderno, Jungkook acerta em cheio e faz jus ao título de Golden Maknae. Nessa estréia mais que dourada, o seu trabalho foi feito para brilhar, em todos os aspectos – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: 3D (feat. Jack Harlow) e Standing Next to You

Key – GOOD & GREAT

Com músicas e melodias coesas, conceitos bem estabelecidos e uma performance completa, Key segue sendo um dos artistas mais relevantes da indústria sul-coreana. Debutando em 2008 com o grupo SHINee e conciliando com sua carreira solo desde 2018, Kim Kibum sempre demonstrou apreço pelo retrô e por músicas fortes, marcantes e dançantes. Já tendo passado por outras áreas da cultura pop, em seu novo álbum é notória a sonoridade disco e funk, que chama qualquer ouvinte para dançar com ele.

Em Good & Great, o artista demonstra amadurecimento e que é ainda é possível utilizar o conceito pop retrô, que permanece em alta nos últimos anos. Confiante do motivo pelo qual saiu do papel, esse novo projeto não dá espaço às dúvidas ao entregar uma produção sonora e lírica de alta qualidade, mostrando o que há de melhor no cantor e tornando o play em uma entrada para uma festa privada – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: Can ‘t Say Goodbye e CoolAs

BJ The Chicago Kid – Gravy

BJ The Chicago Kid, apesar de extremamente talentoso, não parece figurar no radar geral dos ouvintes de neo-soul (ou R&B, se preferir) e nem desfrutar de tanto prestígio quanto os seus colegas de colaboração Kendrick Lamar ou Anderson .Paak. Porém sua discografia um tanto consistente, se esse adjetivo valer de alguma coisa, é uma prova de que o cantor natural de Chicago, Illinois, merece ser mais ouvido entre os ouvintes de música contemporânea. 

Gravy, um tanto diferente de seu último e ótimo disco, 1123 – que havia mais sonoridades voltadas para a relação do neo-soul com slow rap –, é um álbum de sonoridade menos densa que os anteriores, porém mais leve e dançante. O destaque do disco é a variedade dos sons, que comporta talvez até um flerte com eurodance notado em Spend the Night, parceria com Coco Jones; a participação de Freddie Gibbs, um dos destaques da cena do rap norte-americano atual, em Liquor Store in the Sky, e de Philip Bailey, vocalista do lendário Earth, Wind & Fire, em Never Change. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Spend the Night (feat. Coco Jones), Crazy Love (feat. Andra Day) e Never Change (feat. Philip Bailey)

Olivia Rodrigo – GUTS

“Onde está a porra do meu sonho adolescente?”, pergunta Olivia Rodrigo no seu primeiro disco, SOUR. Já em GUTS, vemos uma jovem-adolescente-ainda-não-adulta mais crescida, ainda com diversos problemas, questões e reclamações da idade. Cheia de raiva, ansiedade, amor e decepção, Rodrigo traz o pop rock do fim dos anos 1990 e do início dos anos 2000 de volta para os ouvidos dos fãs. Com uma pitada de grunge e do alternativo, a cantora mostra como amadureceu – tanto pessoalmente quanto musicalmente – entre um álbum e outro. 

Enquanto em SOUR um coração partido era o reflexo de um amor da adolescência, GUTS apresenta o tema como algo muito pior: no single vampire, a artista conta como seus sentimentos foram usados, e como sua fama foi aproveitada por terceiros. Em meio a músicas com batidas rápidas e outras mais lentas e sentimentais, a artista traduz – de forma nua e crua – como é a mente de uma jovem mulher. Repleta das mais diversas emoções, ela consegue explicar as dores, os amores e os dilemas do fim da adolescência e do começo da vida adulta, e mostra como crescer é algo difícil, mas necessário. Além disso, Rodrigo nos mostra uma coisa: talvez o teenage dream venha depois, não durante os anos da juventude. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: bad idea right?, vampire, lacy, making the bed e get him back!

PinkPantheress – Heaven Knows

PinkPantheress, cantora e produtora inglesa, se tornou internacionalmente conhecida com a faixa Boys a liar Pt. 2, parceria da artista com a rapper Ice Spice. No entanto, a canção não representa o Heaven Knows, segundo álbum de estúdio da cantora. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a compositora mistura o tom mórbido de seu conteúdo lírico com os vocais angelicais emitidos por ela. Aqui, as parcerias com Rema, Central Cee e Kelela acrescentam à narrativa contada pela artista.

Fã do drum and bass, batidas rápidas que chegam a quase 170 bpm, o subgênero da música eletrônica marca a sonoridade do álbum. Em Capable of Love, melhor canção do projeto, a cantora disseca o amor que possui por uma pessoa, chegando ao ponto de se tornar obcecada pela ideia de a perder um dia, se tornando, assim, incapaz de amar. Heaven Knows merecia uma indicação nas categorias de dance e eletrônica no Grammy 2024, mas PinkPantheress não precisa da indicação para afirmar o seu talento, já que foi eleita Produtora do Ano pela revista Billboard. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Nice to meet you (feat. Central Cee), Feelings e Capable of love

The Aces – I’ve Loved You For So Long

Tardaram, mas não falharam. Depois de três anos do seu segundo álbum, Under My Influence, as The Aces deram as caras novamente com I’ve Loved You For So Long. O lançamento, ainda em meados de 2023, veio depois de um período de reflexão sobre elas mesmas enquanto grupo musical e amigas de longa data, já que o quarteto começou a tocar junto anos antes da banda estourar. Dessa vez, o terceiro disco mostra que as irmãs Alisa e Cristal Ramirez, Katie Henderson e McKenna Petty estão mais confortáveis com seus próprios demônios e livres para falar (ou cantar) sobre eles abertamente.

Suburban Blues é a prova disso. Irmã mais velha de 801 (do álbum anterior), a faixa trata do mesmo tema: crescer em uma cidade pequena, tradicional e religiosa, sem liberdade para explorar a própria sexualidade. Retomando temas como amadurecimento, amores fracassados e saúde mental, as quatro mostram que evoluíram em suas composições, cada vez mais honestas. A sonoridade acompanhou e, do indie pop, The Aces passou a explorar também o punk pop, com arranjos nostálgicos à la bandas de rock alternativo dos anos 1990. Soando mais profundo e fresco, I’ve Loved You For So Long é tão descolado quanto seu quarteto. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Girls Make Me Wanna Die, Suburban Blues e Person

grouptherapy. – i was mature for my age, but i was still a child

E se todos os nossos pensamentos intrusivos se tornassem realidade? Esse é o exercício imaginativo que guia grouptherapy. Ainda que i was mature for my age, but i was still a child tenha sido anunciado como seu álbum de estreia, Jadagrace, SWIM e TJOnline já tinham se reunido em ao menos três projetos anteriores, desde 2020. Isso porque a constante experimentação e quebra de paradigma é o que alicerça esse trio. Uma pulsão que os leva a desafiar todo e qualquer limite, tornando o novo lançamento uma experiência sempre imprevisível. É pop? É rap? É R&B? Não importa para eles, e não deveria importar para você também.

Não é exagero dizer que grouptherapy. é um produto da nossa geração. Cada faixa é uma combinação inusitada entre referências contemporâneas a nós. Fruto de muito estudo, mas sobretudo de uma proximidade e uma identificação profunda com essas obras. Seja em baladas com confissões sensíveis ou em faixas absolutamente espalhafatosas, cresce um anseio por auto expressão, uma ânsia em se colocar no mundo da própria maneira – que, na realidade, esconde um intenso medo de desaparecer, de ser denominado pelo outro. E existe sentimento mais familiar que esse? – Enrico Souto

Faixas favoritas: smile :), Nasty e still alive

Victoria Monét – JAGUAR ll 

Mesmo sem possuir qualquer grau de parentesco com o famoso pintor impressionista, Victoria Monét tem o dom de tomar a Música como arte em sua forma mais pura. Como esperado, o elegante rugido de JAGUAR ll não foge das pinceladas calculadas e cativantes da cantora, que encontra na continuação da série iniciada há três anos o ponto de equilíbrio perfeito entre inspiração e novidade.

Na selva do R&B estadunidense, a viagem retoma a carona do produtor D’Mile e aproveita o apelo de bases clássicas para crescer novos arranjos, mais que nunca harmonizados com os vocais cristalinos de Victoria. Logo de cara, emendar o funk inebriante de Smoke, parceria com Lucky Daye, ao reggae colorido de Party Girls, interpretada ao lado do jamaicano Buju Banton, é quase um processo de hipnose. O lirismo apaixonante da taurina – que canetou todas as 11 faixas do projeto – também deixa o magnetismo perdurar em temas batidos como sexo e sonhos hollywoodianos, criando ouro em plena mata musical. Com olhar felino e aguçado, JAGUAR ll fez de tudo, inclusive Monét ser coroada a Artista Revelação de 2023 que a gente tanto precisava. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: On My Mama, I’m The One e Hollywood

Sufjan Stevens – Javelin

O nome de Sufjan Stevens brilha na lista de compositores que são especialistas em traduzir o que se esconde dentro de cada indivíduo. É difícil escutar alguma de suas letras e não se sentir tocado por ela – por exemplo, quem consegue assistir Me Chame Pelo Seu Nome sem se emocionar com Mistery of Love? O belo é inerente ao trabalho de Sufjan, e não seria diferente com Javelin.

O álbum é, em sua essência, uma tocante crônica sobre o ciclo do amor, representando-o do começo ao fim. Ao longo de Javelin, o artista parece ter a intenção de entender e ser entendido, com o objetivo de expor o fio condutor entre seus temas de estimação: levantar as intermináveis questões que nos levam a buscar significado uns nos outros e nos alegrar com a euforia de, às vezes, encontrá-lo. Nessa mistura encantadora, refinada e coesa de indie rock, folk e indie pop, Sufjan Stevens mostra, mais uma vez, seu talento em criar uma força invisível que atravessa e deixa marcas em qualquer um que está disposto a ouví-lo. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Will Anybody Ever Love Me?, So You Are Tired e Shit Talk

Letrux – Letrux como Mulher Girafa 

Letrux, como sempre, fora da caixa – ou da jaula. A artista carioca retornou em 2023 com seu terceiro álbum solo e muita animal print. Em 16 faixas com títulos que aludem ao reino animal, ela empresta o selvagem para falar da natureza humana. O universo sonoro criado pela cantora no disco abraça sua potência artística e ela entrega mais uma obra completamente original e cativante.

O disco conta com apenas uma parceria, mas muito especial: Lulu Santos, na faixa Zebra. A maioria das músicas leva o nome de algum animal, dos insetos aos grandes predadores. Letrux nos guia por uma jornada pela essência dos seres humanos e suas relações. A sonoridade e as letras espelham nossos altos e baixos, às vezes pequenos como uma formiga, às vezes com a fome de um leão. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Louva deusa, Formiga e Leões

Nas – Magic 3

Há no rap uma frase corrente, de origem imprecisa e de senso comum, que diz que “rap é jogo pra jovem”. Quem, porém, contradiz tão vitalmente essa máxima – junto talvez ao Jay-Z de 4:44 – não é outro senão o rapper de Illmatic, que na primeira faixa de Magic 3 já se coloca na posição de “griô”. Após os anos 90 e início dos 2000, depois de ter emplacado quatro obra-primas em oito anos e ter se consolidado como o Rei, Nas retorna nesse outro início de década com o vigor que lhe é característico: emplacou duas trilogias – King’s Disease e Magic – em três anos e se reafirmou enquanto um dos mais importantes da história do rap e um dos mais talentosos ainda em atividade, aos 50 anos.

Embora Magic 3 não seja de todo o melhor disco dessa sequência de trilogias – posto que pertence, sem dúvida, a King’s Disease III (2022), um dos melhores discos de rap dos últimos anos –, nunca é desperdício ouvir o flow e voz de um dos mais talentosos de sempre, produzida por um dos mais talentosos de hoje. Dupla formidável, dois dos melhores fazendo o que fazem de melhor, Michael & Quincy: Nas e Hit-Boy. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Pretty Young Girl, Based on True Events, Pt. 2 e Sitting With My Thoughts

Karol G – MAÑANA SERÁ BONITO

É impossível falar sobre a dominação mundial ultimamente exercida pela música urbana latina sem esbarrar na imponência de Karol G. Subindo no palanque da indústria como Bichota, codinome que revigorou esse cenário tão tomado de testosterona, a colombiana tem um quê de artista de cinema aliado à admiração que desenvolvemos por uma irmã mais velha. Assim, fica fácil entender como MANÃNA SERÁ BONITO, seu quarto álbum de estúdio, saltou dos ouvidos desavisados de muitos para o topo da Billboard 200 e o palco das vertentes estadunidense e latina do Grammy, conseguindo abarcar o melhor conceito-condutor da carreira da cantora. 

Aqui, a grandeza ostensiva da diva pop – professada na exploração de reggaeton, bachata, trap, afrobeats e até house music – se concilia com a vulnerabilidade doce de Carolina Giraldo Navarro, que usa o ápice de ritmos e prosperidades como ferramenta de reconciliação identitária. Sob as mãos habilidosas do conterrâneo e principal mixador do projeto, Ovy on The Drums, a amargura do coração partido, as odes a marcas de luxo e a liberdade refletida nas marés da ilha de Lanzarote são frações únicas de um balaio contagiante. Para os mais céticos, Karol G também reúne feats com veteranos e recentes sucessos latinos, de Shakira a Bad Gyal, na tentativa final – e bem convincente – de mostrar que seu futuro pode ser ainda mais caprichoso. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: X SI VOLVEMOS, DAÑAMOS LA AMISTAD e CAIRO

Metro Boomin – METRO BOOMIN PRESENTS SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER VERSE 

Metro Boomin tinha um grande desafio em mãos ao conduzir a nova trilha sonora de Homem Aranha: Através do AranhaVerso. Após cinco anos do lançamento do primeiro longa-metragem que consagrou Sunflower, parceria de Post Malone e Swae Lee, como single mais certificado na história do RIAA, Boomin manteve a mesma qualidade de elementos apresentados anteriormente e encaminhou o hip-hop para um novo patamar. 

Para a composição do disco, o produtor musical se dedicou a fazer boas músicas e não sucessos comerciais. As canções idealizadas por Daniel Pemberton refletem a trajetória de cada personagem no filme. Igualmente a animação, letras e melodias se entrelaçam na história de outros aranhas importantes para o desenvolvimento do protagonista. Como uma playlist compartilhada por Miles Morales, o álbum foi pensado em conjunto, sem nenhum ponto solto, onde cada componente se conecta como uma teia. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Annihilate, Self Love e Hummingbird 

Ana Frango Elétrico – Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua

Depois de uma pausa de quatro anos, em seu terceiro álbum  de estúdio, Ana Frango Elétrico volta de uma forma muito mais madura que nos anos anteriores. Com timbres nostálgicos, a artista busca estreitar laços com a música brasileira dos anos 1960 e 1980, ao passo que aborda temas sensíveis e subjetivos de maneira até dolorosa, como em Insista em Mim. 

Apesar dos temas individuais beirando a melancolia abordados no álbum, as batidas e melodias são animadas e alegres. A influência de músicos como Tim Maia é nítida. O contraste das letras com a própria música torna as canções harmônicas, aproximando o público cada vez mais do mundinho particular de Ana Frango Elétrico. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Insista em Mim, Dr Sabe Tudo e Camelo Azul.

Taylor Swift – Midnights (The Till Dawn Edition)

As noites mal dormidas de Taylor Swift continuaram rendendo músicas em 2023. Midnights (The Till Dawn Edition) é a versão deluxe do álbum já lançado no ano anterior, que conta com três novas faixas e um single. As duas músicas inéditas, Hits Different  e You’re Losing Me, nos contam como a história de amor termina, é fim do Lavander Haze e um prelúdio para uma nova era de coração partido. Snow On The Beach (feat. More More Lana Del Rey) é a versão estendida e mais doce da parceria. Karma (feat. Ice Spice) dessa vez ganhou videoclipe, recheado de easter eggs que deixaram os fãs muitas noites acordados para acompanhar a loirinha. 

Outra diferença que essa versão do disco trouxe, foram as versões censuradas de músicas como Maroon, assim, eliminando o selo de conteúdo explícito, as músicas poderiam chegar em maior público. Midnights chegou como uma surpresa para indústria, quando ninguém mais esperava um sucesso estrondoso da carreira de Swift ela se reinventa no synthpop, fazendo milagre em meio de regravações de outros álbuns e turnê mundial, a artista ainda tem muito o que cantar. – Costanza Guerriero 

Faixas favoritas: You’re On Your On, Kid; The Great War e Hits Different

Sophia Chablau e uma Enorme Perda de Tempo – Música do Esquecimento

Dois anos depois do lançamento do primeiro álbum da banda, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo volta mais uma vez mostrando como tem amadurecido musicalmente e de que forma querem expandir para novos públicos. Ainda que existam tentativas de inovar, a autenticidade do grupo se mantém constante, sendo possível observar o desejo e afeto que os integrantes têm consigo mesmos e com aqueles que os ouvem.

Apesar das novas abordagens neste álbum, a essência mantém-se a mesma. Abordando também temáticas como a melancolia que permeia as relações da comunidade LGBTQIAP+, uma das faixas de grande destaque, Segredo, escancara a infeliz universalidade de uma vivência dupla de uma boa parcela das minorias sexuais. Originais, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo não têm receio em se redescobrir e talvez seja isso que os fazem genuinamente únicos. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Segredo, Minha Mãe é Perfeita e As coisas que não te ensinam na faculdade de filosofia.

ANOHNI and The Johnsons – My Back Was A Bridge For You To Cross

Ideal para noites chuvosas e trajetos solitários de transporte público, My Back Was A Bridge For You To Cross foi feito para pensar na morte da bezerra. Ao mesmo tempo que seus acordes de guitarra conduzem uma atmosfera pacífica, suas letras melancólicas invadem sutilmente nossa cabeça e a deixam latejando. Tal inquietude não é tratada com Alivium, nem com nenhum tipo de remédio, pois não é uma doença para ser curada, mas um sintoma do desejo intrínseco por mudanças que deve infectar cada vez mais pessoas. 

O quinto álbum de ANOHNI and The Johnsons se garante no apelo à vulnerabilidade, isto é, na admissão da dor. Esta, por sua vez, está refletida em composições confessionais recitadas por uma voz a qual infelizmente sabe o que diz. A subjetividade atrelada à política torna o disco uma fonte de memórias diante de um sistema planejado para esquecer. 

No fim, My Back Was A Bridge For You To Cross reconhece conquistas, mas não cede à ingenuidade de achar que a vida de grupos marginalizados se tornou um completo morango. Não basta construir pontes, há de atravessá-las também. Quem sabe do outro lado não está o final do arco-íris LGBT+ com gloriosas recompensas: amores correspondidos, revolução no sistema e álbum novo da Kate Bush. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: It Must Change, Silver of Ice e Why Am I Alive Now?

Bad Bunny – nadie sabe lo que va a pasar mañana

Após o lançamento do aclamado Un Verano Sin Ti, uma obra-prima pop imersa na umidade caribenha e no brilho dos sonhos, Bad Bunny foi catapultado para os olhos do público como nunca antes. Para quem ainda não conhecia o artista, o disco de 2022 fez parecer que o porto-riquenho sempre foi o tipo de pop star que lota estádios. Mas os fãs mais antigos sabem que Benito sempre foi um rapper de elite, e ele volta a mostrar isso em nadie sabe lo que va a pasar mañana.

O quinto álbum do grammy winner vem repleto de batidas de trap contundentes, rimas introspectivas e um estilo ‘de volta às origens’. O Bad Bunny presente em nadie sabe é um astro muito adorado que ficou na defensiva por muito tempo – seja por causa dos críticos, de fãs assustadoramente possessivos ou outras entidades que pareciam estar minando sua humanidade. A torre fria e brutalista que ele construiu contrasta com a fonte de histórias porto-riquenhas ricas e modernas presentes nos álbuns anteriores. Esse sempre é um aspecto muito interessante de se ver, e o El Conejo Malo é mestre em fazer com que a experiência seja magnífica. – Raquel Freire

Faixas favoritas: NADIE SABE, HIBIKI e WHERE SHE GOES

Martinho da Vila – Negra Ópera

Pelléas et Mélisande é uma ópera centenária, idealizada pelo compositor francês Claude Debussy. Um drama lírico em cinco atos, que conta a trajetória de dois jovens que vivem um romance fadado ao fracasso. Uma união que apenas é capaz de concretizar-se pela morte. Foi após presenciar esse espetáculo em pleno Teatro Opera de Paris que Martinho da Vila, um artista pivotal para o samba brasileiro, idealizou Negra Ópera: um concerto glorioso que se apropria de uma tradição europeia para cantar e chorar as lamentações do povo preto brasileiro.

Negra Ópera se desvia da imagem leve que construiu-se sobre Martinho no nosso inconsciente. É um trabalho íntimo, mas pesado. Doído de escutar. Tão denso quanto o azul profundo que abraça a capa do disco, ocupada por anjinhos pretos que são pincelados como em pinturas renascentistas. Essa combinação inevitável entre signos antagônicos manifesta o poderoso esforço de ressignificação que norteia o álbum. Martinho une composições pessoais a releituras de outros grandes sambistas para narrar, através da perspectiva coletiva do seu povo, os infortúnios da maior tragédia da nossa história. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Heróis da Liberdade, Acender as Velas e Dois de Ouro

Daniel Caesar – NEVER ENOUGH

É impossível escutar Daniel Caesar e não se sentir instantaneamente hipnotizado. Suas canções românticas com melodias marcantes e coros angelicais se tornaram definidoras para o gênero R&B nos anos 2010. Um caso excepcionalmente raro em nossa era algorítmica de um cantor capaz de te arrebatar da própria cabeça. Mas, em NEVER ENOUGH, esse estado de levitação é logo interrompido na primeira faixa, Ocho Rios, quando os instrumentais são invadidos por guitarras distorcidas e bumbos pesados, acompanhados de vocais levemente guturais.

Caesar já havia exposto seu desejo em superar Freudian, seu trabalho mais icônico, para desbravar novos horizontes. Aqui, ao invés de explorar as nuances sensoriais do gospel, a música se deixa levar pelo ruído. Sem abandonar sua assinatura já difundida, o artista abraça uma sonoridade experimental, quase carnal, que rejeita o sagrado para nos lembrar de nossa eterna condição de mortalidade. Assim que NEVER ENOUGH fisga seu ouvinte, não há mais volta. Ainda que ligeiramente difuso, esse é o preço cobrado para abrir as portas do nosso refúgio particular. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Let Me Go, Shot My Baby e Superpowers

Elza Soares – No Tempo da Intolerância

Nesse álbum póstumo, Elza Soares evoca um manifesto enraizado em sonoridade latino-americana, poesia marginal e ancestralidade. A intérprete utiliza sua voz como arma letal – descrita assim na canção Coragem – contra o racismo, machismo, violência policial, entre outros abusos, No Tempo da Intolerância é um álbum denunciativo em que Elza mostra, mais uma vez, que nunca deixou de se posicionar. Além da denúncia, também celebra o feminisno negro, a liberdade das mulheres e clama por justiça com os seus, sendo um álbum quase inteiramente autoral – 7 das 10 músicas são conposições da cantora. 

Entre as faixas, podemos presenciar, pela última vez, a beleza e potência que Elza foi e sempre será.Rainha Africana, composição de seus amigos Rita Lee e Roberto de Carvalho, é presenciada a história da cantora sendo exaltada e reverenciada. Já em Quem Disse, a introdução da canção é feita pelo MC WJ, conhecido por seus versos denunciantes sobre a realidade dos grupos marginalizados, e Elza acompanha essa denúncia que recai sobre a desigualdade, não só, mas também financeira nesse Brasil. Por último, mas não menos importante, Mulher Pra Mulher (A Voz Triunfal) referencia o feminismo negro que luta contra inumeravéis violências durante tantos anos. 

A identidade da cantora, falecida em 2022, está muito bem marcada neste lançamento e, por ser o último, No Tempo da Intolerância é um álbum em que nos emocionamos não só pelas letras, mas também por imaginarmos que será o último trabalho lançado. Não há palavras suficientes que medem Elza Soares. Ela é incrível em tudo o que fez e continuará fazendo nesse compasso de vida. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Justiça, Pra ver se Melhora e Quem Disse

FBC – O AMOR, O PERDÃO E A TECNOLOGIA IRÃO NOS LEVAR PARA OUTRO PLANETA 

Não é de agora que Fabrício, mais conhecido como FBC, trabalha com Música. O sucesso estrondoso de Baile (2021), em colaboração com VHOOR, fez com que os talentos do artista fossem amplamente divulgados, atingindo novos espaços além da cena do rap nacional. Não se acostumado em criar mais do mesmo, em seu novo projeto o rapper busca novas inspirações e transborda em uma estética completamente diferente do que havia produzido. Passeando entre os anos 1970 e 1980, misturando funk com elementos sintéticos e até um sax, o cantor nos faz refletir sobre a existência nesse planeta que chamamos de casa.

Com a ousada proposta de fugir das tendências atuais, FBC aposta tudo em um álbum que mira em Jorge Ben Jor e acerta em um estouro de originalidade. Em O Amor, o Perdão e a Tecnologia Irão nos Levar para Outro Planeta, o cantor e compositor traduz, em um jogo minucioso entre letra e som ,os sentimentos e sensações de uma viagem pela dance music. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Madrugada Maldita e Estante de Livros (feat. Don L)

niLL – O Resgate do Maestro

niLL é o maior artesão da cena do rap nacional. Seus discos não são somente conceituais. Seja rimando ou tecendo os instrumentais através do seu pseudônimo O Adotado, o artista jundiaiense constrói universos imersivos que costuram milhares de referências à cultura geek como em uma colcha de retalhos, operando através de nossos ambientes virtuais para evocar as emoções mais substancialmente humanas possíveis. Não importa o quão fantasioso ou fora da casinha for o álbum da vez. No fim, tudo se resume ao mais terreno cenário de um jantar.

É esse retrato mundanamente imaginário de um mecha explorando as vielas de uma favela que nos apresenta a O Resgate do Maestro. Na narrativa do disco, acompanhamos um simpático robô que viaja para a Terra com o objetivo de estudar as emoções humanas. O rapper usa dessa conjunção para criar uma jornada existencial e contemplativa, refletindo nossa sede inerente por conexão em meio a uma realidade onde desaprendemos a viver uns com os outros. É então a partir de sonoridades acalentadoras e visuais nostálgicos que niLL faz da Música ponte para que esses laços se cruzem outra vez. – Enrico Souto

Faixas favoritas: PS1, Zero Zero 7 e City Hunters

DJ K – PANICO NO SUBMUNDO

Há quem não goste de funk e criminalize o gênero se baseando em crenças preconceituosas. O estilo musical se reinventa constantemente e com PANICO NO SUBMUNDO não dá para negar a ascensão merecida do ritmo. Durante 43 minutos, DJ K, nascido em Diadema, entrega ao público uma viagem de diversões com esse projeto. Aclamado pela Pitchfork, o paulistano usa o gênero como uma plataforma de conscientização social, como quando critica sutilmente o governo de Jair Bolsonaro na faixa “Erva Venenos”.

É impossível ser levado à outra dimensão com uma música, mas aqui, o produtor musical o faz com maestria: já na primeira música, Illuminati – Viagem Ao Oculto, o ‘bruxo’, apelido do artista, faz a sua magia e enfeitiça os fãs com beats agradáveis e produções de tirar o fôlego. Para os amantes do estilo musical, é um deleite. Os que não acompanham de perto o ritmo irão se impressionar com o talento do DJ K. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Illuminati – Viagem Ao Oculto, Automotivo Acordou a Favela Toda e Beat Distorce Mente

N.I.N.A – Para Todos os Garotos que já Mamei

Com Para todos os garotos que já mamei, ou PTOGQJM, N.I.N.A revelou uma nova faceta de sua musicalidade. No álbum lançado em Agosto de 2023, a cantora conhecida como bruta, brava e forte soa mais sensível e reconhece sentimentos que não se mostravam com tanta veemência em sua discografia anterior, Pele (2022). Em um movimento semelhante ao da temática, a sonoridade trabalhada também migra para novidades e as sete faixas são uma viagem pela diversidade rítmica. 

R&B, pop, rap e soul são explorados nas composições, mas cada uma segue tão única quanto às cartas enviadas pela protagonista do filme que o nome do disco parafraseia. Nessa singularidade, N.I.N.A surpreende a cada minuto do projeto e consegue ser impecável ao ponto de não permitir brecha para uma crítica sequer. Por isso, PTOGQJM é perfeito para ouvir em momentos à flor da pele ou animar dias blasé, com a única restrição de não ser recomendado para menores de 18 anos. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Faz Assim, Despedidas e Karma

James Blake – Playing Robots Into Heaven

James Blake deixou sua marca registrada por todos os cantos da indústria musical na última década. Os vocais divinos e quase sussurrados do artista, que preenchem delicadamente suas melodias digitais e minimalistas, fizeram dele um colaborador de ouro, lhe rendendo participações marcantes em projetos de grandes artistas como Kendrick Lamar, Travis Scott e Beyoncé. Em paralelo, seus trabalhos solo, antes instigantes e misteriosos, eram gradativamente sanitizados quanto mais deslocavam-se para o universo do pop. 

Nesse contexto, Playing Robots Into Heaven marca o retorno do artista à música eletrônica. Aqui, sua voz se mistura aos elementos da canção para tornar-se um mero instrumento. A letra, em grande parte do disco, pouco importa. Os timbres, as percussões e as harmonias são manipuladas para nos transportar a uma montanha russa sensorial, ora declinando bruscamente em direção à terra, ora ascendendo em movimentos circulares até os céus. Um resgate e um lembrete do posto de Blake como um verdadeiro maestro de emoções. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Fall Back, Big Hammer e I Want You To Know

Kali Uchis – Red Moon In Venus

A sinestesia, além de uma figura de linguagem, é uma condição neurológica que faz com que quando um dos nossos sentidos é ativado, reações são provocadas em outro, gerando um mix de sensações. Ouvir Red Moon in Venus não é uma experiência simples, mas que ativa diversas sensações, sendo um álbum colorido e com sabores refrescantes do pop latino.

Em seu terceiro álbum, a colombiana Kali Uchis nos leva em uma aventura sonora que lembra um conto de fadas, mas com toques de sensualidade. Já na primeira faixa, In My Garden… a artista cria uma certa ambientação, apresentando o tema do álbum, ao falar “Olá / Você consegue me ouvir? / Eu só queria falar que, caso tenha esquecido, eu te amo” e incluir sons imersivos. A obra segue com tracks sobre amor, prazer e desejo, como I Wish You Roses e Love Between, além da exploração da feminilidade, com toques do estilo R&B de Uchis, além de reggae e soul. -Marina Barrelli de Carvalho

FAIXAS favoritas: Worth the Wait, All Mine e Deserve Me

Carol Biazin – REVERSA

Em uma grande homenagem para todas as garotas infernais, Reversa chegou com aquele sabor de romance adolescente para alimentar a alma das mean girls. Carol Biazin traz desilusão, rebeldia e romance, é óbvio, para o terceiro álbum de sua carreira. Contando com treze faixas que narram uma história de amor de trás para a frente, fazendo alusão ao título, a cantora conta com batidas de pop, R&B, e vocais de fundo para conseguir sustentar a personalidade da obra, que se inspira na sua. 

Reversa tem pontos altos e baixos, como qualquer obra. Os beats são muito parecidos, fazendo com que uma faixa pareça a extensão da anterior. Entretanto, Biazin fez ótimas evoluções em suas composições, em comparação ao seu último disco, Beijo De Judas, conseguindo trazer letras mais desenvolvidas e vocais presentes e potentes, que lembram muito os de Luísa Sonza, além de ter produzido a cronologia realmente ao contrário, porém de forma extremamente complementar, o que torna o álbum ainda mais único e precioso para o pop brasileiro. Com um relacionamento que não deu certo, talento e muito glitter, Carol Biazin entregou uma das melhores produções nacionais de 2023. A cantora provou que está pronta para defender o seu espaço nas playlists das garotas infernais. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: Playlist de Sexo, Dessa Vez Não e Garota Infernal

Måneskin – Rush! (Are U Coming?)

Na extensão de Rush!, álbum #1 em mais de 15 países da banda italiana Måneskin, são acrescentadas mais cinco músicas que mostram para o público a força do jovem grupo. Com a maioria das faixas em inglês, são exploradas temáticas que vão do romance à rebeldia e aproveitamento da vida, em que há um casamento muito bem realizado entre os potentes vocais de Damiano David e os instrumentos dos demais membros. Em Valentine, a extensão da voz de David e os acordes da guitarra de Thomas Raggi causam arrepios por todo o corpo de quem escuta.

O baixo de Victoria De Angelis é outro elemento que faz toda a diferença nas produções. Com uma maior presença nesse lançamento, a baixista cria acordes que marcam o estilo da banda, ajudando na produção de melodias que permanecem por um bom tempo na cabeça. Contando com 22 faixas,  Rush! (Are U Coming?) une Mäneskin ao músico americano Tom Morello em Gossip – um dos cinco singles do álbum – em uma produção energética e viciante, com solos de guitarra de tirar o fôlego. Indo do intenso, apaixonante e íntimo, para o divertido, provocante e sensual, a quinta produção do grupo é um sucesso garantido. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Trastevere, Timezone e Off My Face

Reverend Kristin Michael Hayter – SAVED!

Ao ouvir SAVED!, a última certeza que você tem é que está a salvo. Lingua Ignota veste a batina a aponta o dedo julgador típico de um fundamentalista religioso bem na sua cara. Com voz, violão e um piano modificado, a intérprete cria um cenário de pandemônio e nos transporta para uma igreja no meio do nada no exato momento em que ocorre o julgamento final.

O álbum, totalmente experimental, além de propositalmente caótico, revive estilos dos cânticos do Movimento de Santidade, vertente pentecostal que estimula atividades carismáticas como a glossolalia – capacidade de falar em línguas quando se está em transe religioso. Dessa forma, a artista, que teve uma infância católica, desvirtua totalmente a visão religiosa. As microfonias propositais entre as faixas, os instrumentos nada mixados e a voz por vezes a capela, criam a impressão que o fim do mundo, naquela igreja que o disco emula, ao mesmo tempo que é temido, também é desejado. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: ALL OF MY FRIENDS ARE GOING TO HELL, IDUMEA e THE POOR WAYFARING STRANGER

JPEGMAFIA & Danny Brown – Scaring The Hoes

2023 definitivamente foi o ano das collabs no rap, seja por Billy Woods & Kenny Segal no excelente Maps ou no atrasadíssimo e divisivo Vultures Vol.1 de Kanye West e Ty Dolla $ign. Quem definitivamente consagrou o movimento e deu o start  na moda novamente foram os irreverentes e até então totalmente antagônicos JPEGMAFIA & Danny Brown. Por isso, Scaring The Hoes é a prova de que sim, os opostos se atraem e criam uma química descomunal entre si.

O termo chulo do título é uma expressão para quando se está sendo hipócrita e a dupla consegue, pelo menos, bater de frente com a hipocrisia, com a arma que mais sabem usar: o sarcasmo. O disco consegue dosar efetivamente os beats tortos de JPEG com a rima rápida e astuta de Danny Brown, resultando em uma obra que aborda conscientemente, ao mesmo tempo que com muita irreverência, a cultura da internet e o próprio rap americano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Kingdom Hearts Key (feat. Redveil), Burfict! e Garbage Pale Kids

Madison Beer – Silence Between Songs

No disco Silence Between Songs, Madison Beer se mostra como uma cantora completa. Por meio de belas composições e sonoridades de um pop genuíno, a artista traz canções cheias de beleza e sentimento. Indo de sintetizadores futuristas, acordes de violão e até notas delicadas vindas diretamente de uma caixinha de música, Beer apresenta todo o seu potencial para o cenário musical.

A era do álbum começou em 2021 com o lançamento do single Reckless, que age como uma carta sobre um coração partido. Madison Beer mostra como pode ser um dos próximos grandes nomes do pop, por meio de videoclipes estéticos, vocais poderosos – repletos de suspiros e harmonias –, e faixas cheias de emoção aliadas à instrumentais interessantes. Passando por tristezas amorosas, reflexões sobre a vida e sobre a família – a faixa Ryder é dedicada ao irmão de Beer – a cantora prova como seu repertório é diverso. -Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: Sweet Relief, Ryder, Home To Another One e Reckless

Reneé Rapp – Snow Angel 

Em Snow Angel, conhecemos um lado de Reneé Rapp que permaneceu escondido por anos. Iniciando sua carreira no teatro, sua imagem já era prestigiada nos palcos, mas sua voz ainda era desconhecida pela plateia. Assinado pela gravadora Interscope, o disco conta com 12 faixas que transitam entre os gêneros pop e indie rock, e marcam as várias interrogações memorizadas pela mente da cantora durante a criação de seu primeiro álbum. 

Debatendo consigo mesma, as letras de Reneé garantem uma sinceridade de fácil identificação. Abordando temas como auto sabotagem, relacionamentos complicados e consumo de substâncias ilícitas, Snow Angel representa o questionamento pessoal da artista com as suas próprias ações. Tópicos em sua vida que ela sabe que precisa melhorar, ou não, para encontrar paz de espírito. – Ludmila Henrique

Faixas favoritas: 23, Talk Too Much e Gemini Moon 

Taylor Swift – Speak Now (Taylor’s Version)

O roxo continua predominante e o cabelo ainda está cacheado, mas não podemos afirmar que a garota na capa é a mesma: na regravação de seu terceiro álbum de estúdio, Taylor mostra-se mais madura e estável, nos levando em uma visita para sua versão jovem e intensa. Trazendo narrativas sinceras sobre descobrir seu lugar no mundo, amores efêmeros e decepções, a compositora pode até ter perdido a energia na voz que apenas uma garota de 19 anos com o coração partido pode ter, mas sempre terá a beleza de conseguir transmitir sentimentos tão lindos em forma de canção.

Speak Now (Taylor’s Version) ajusta-se aos tempos atuais, como mostra a modificação da letra Better Than Revenge, e ainda consegue trazer novas faces dessa Swift jovem e sexy com I Can See You (From The Vault). Por ser um álbum de carinho e apreço pelos fãs, foi a primeira vez que sentimos que o tempo passou de fato – seja pela voz, pelas memórias ou quando paramos para pensar que quase 13 anos separam desde o primeiro lançamento.  – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Dear John, Long Live e Back To December

Troye Sivan – Something To Give Each Other

Após a introspecção de Bloom, Troye Sivan retorna em 2023 com Something To Give Each Other, um álbum que celebra a euforia da pista de dança e o desejo ardente pelo calor humano. Se em Blue Neighbourhood conhecemos um jovem ainda inseguro sobre sua sexualidade, agora encontramos um artista maduro e confiante, que canta com propriedade sobre seus desejos hedonistas.

Rush, o primeiro single do álbum, é a porta de entrada para esse mundo de prazeres. A faixa contagiante nos convida a sentir a mesma euforia que Troye experimenta nas baladas. Mas, o disco vai além da pura festa. Romance e sexualidade são explorados sem tabus, com foco na intimidade entre duas pessoas. Em What’s The Time Where You Are?, o artista canta: “Eu estou bem em esperar se tudo estiver dito e tudo estiver feito / Você sabe que eu te entendo do jeito que você me entende, baby”.

Além de seu lirismo, a produção de Something To Give Each Other é outro ponto forte. As batidas precisas e as ambientações envolventes transportam o ouvinte para diferentes planos. Faixas como One Of Your Girls e Still Got It demonstram a inteligência e a criatividade de Troye Sivan, que entrega um álbum rico em detalhes e com uma sonoridade original, o que o torna um dos destaques de 2023. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Silly e One Of Your Girls

Dominic Fike – Sunburn 

Alerta! Sunburn pode ocasionar queimaduras de segundo grau, agarre seu fone de ouvido e se proteja do sol. Revisitando o sul da Flórida, Dominic Fike despeja em ritmos funkeados todas as incertezas que percorreu até conquistar seu lugar no cenário musical. Sendo o segundo álbum do artista, Fike permanece com a sua característica central de divagar por vários gêneros, remetendo sonoridades que atravessam o indie rock e mergulham no rap. A composição do disco transfere melodias dançantes, mesmo que as palavras descritas pelo cantor sejam de extrema consternação. 

Em soma com o baterista Henry Kwapis (Dijon) e os produtores Devin Workman e Jim-E-Stack, Sunburn contempla 15 faixas sobre a vida de Dominic em sua cidade natal. Uma história carregada de arrependimentos, vícios, sexo e drogas. O disco leva a sonoridade de uma visita indesejada ao passado. Uma reconciliação do artista consigo mesmo, algo que ele precisa deixar para trás, para poder caminhar em direção ao sol. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Sunburn, Bodies e Mona Lisa 

Noname – Sundial

Diante de um cenário musical composto majoritariamente por ensaboados, a artista Noname rejeita a arte limpa e imparcial ao fazer de Sundial, seu segundo álbum de estúdio, uma celebração provocativa da inconstância humana. Ademais, o disco apoia suas batidas típicas do neo soul em letras cuja essência política garante autenticidade a um trabalho que joga pedras e não teme ser apedrejado também. 

O objetivo de Sundial é causar desconforto em uma indústria condizente com  discursos vazios e silêncios ensurdecedores. Apesar dessa conjuntura monótona, algumas musicistas principalmente do hip-hop, como Little Simz e a própria Noname, aventuram-se pelo teor crítico ao transcrever angústias e questionamentos no papel. Este, por sua vez, é amassado com o intuito de nunca mais voltar a ser o que era antes. Enquanto certos artistas abusam de jatinhos particulares, a criadora de Sundial é quem, de fato, voa para longe da mediocridade e da inércia.  – Ana Cegatti

Faixas favoritas: boomboom, namesake e hold me down

Jão – SUPER

Se você escutar SUPER e estranhar já ter escutado essa história antes, é porque Jão retoma todas as suas aventuras até aqui para fechar um ciclo de cinco anos com seu quarto álbum. O artista do interior começou a até que recente carreira falando sobre amores, ilusão e desilusão, desejo de alcançar seus sonhos mais ambiciosos e de sair de uma cidade pequena para se descobrir na metrópole paulista. No quarto capítulo, os temas retornam e, apesar de soarem repetidos, fazem um apanhado de todo o período da casa dos 20 anos para finalmente se concluírem e abrir portas para novas descobertas.

A sonoridade vem mudando discretamente desde Lobos (2018), disco de estreia de Jão, e se torna mais fresca a cada nova empreitada. Embora algumas canções, como Julho e Me Lambe, já viraram fórmula, Gameboy, Eu Posso Ser Como Você e Sinais mostram que o cantor e sua equipe fiel de colaboradores bebem de referências novas, em busca de revitalizar o som, à medida que o tema permanece. Agora, mais ousado, mas não menos abalado pelos amores deixados pelo caminho, Jão faz de SUPER a despedida de uma trajetória grandiosa, para começar uma maior ainda, dessa vez em palcos de arenas. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Escorpião, Se O Problema Era Você, Por Que Doeu Em Mim? e Locadora

Kylie Minogue – Tension

Era uma quinta-feira à noite em meados de maio de 2023 quando o falecido Twitter, agora X, começou a emitir sinais de Padam Padam. Desse momento até o lançamento do disco Tension, muita expectativa foi criada em forma de vídeos virais sobre os próximos passos de Kylie Minogue. A partir da adaptação moderna da onomatopeia para batimento cardíaco popularmente entoada por Edith Piaf, a rainha absoluta do dance pop acrescenta 13 faixas que chegam até a ser perigosas para os órgãos vitais, afinal, nem mesmo as baladinhas românticas diminuem a vontade de dançar.

Como em uma tentativa destemida de quebrar a tensão superficial da água, a artista mergulha de cabeça no melhor das noites australianas para o seu tão aguardado décimo sexto álbum de estúdio. Os ápices da produção envolvem a junção de instrumentos como o baixo e o saxofone às batidas programadas, ao passo em que as composições explodem em cores e ganham um lugar especial em Las Vegas. De olho em um diamante no horizonte enquanto assume a despretensiosidade do gênero, Tension é tudo o que nós amamos sobre Kylie Minogue. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Padam Padam, Vegas High e Love Train

Ebony – Terapia

Jovem e pronta para ocupar todo e qualquer espaço na cena do rap e hip hop, Ebony chegou com os pés na porta e ofereceu a todos aqueles que estão insatisfeitos com sua presença na cena uma bela Terapia. O disco é audacioso e funciona quase como uma descrição em detalhes da artista, com todos os seus pensamentos, gostos e a grande indiferença sobre a opinião masculina expostos e rodeados por um ritmo viciante. 

Em faixas intituladas com termos da psicologia, como acontece em Pensamentos Intrusivos, Sem Neurose e Paranóia, moram letras escritas por alguém que vai conquistar o que quiser. Apesar de soar como, isso não é um exagero, Ebony sabe exatamente o que deseja e como conseguir, afinal, ela é independente, sincera e “megalomaníaca com o mundo na palma da mão”. Quem procura um álbum de quem está no corre e não vai parar tão cedo, deve procurar Terapia. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Lei da Atração, Obcecada e Sem Neurose

Janelle Monáe – The Age of Pleasure

The Age of Pleasure, o mais recente álbum de Janelle Monáe, é uma celebração do verão, da liberdade e do prazer. Uma antítese aos seus últimos trabalhos sci-fi distópicos, mantendo sua qualidade singular. Com canções nomeadas após coquetéis de champanhe, Monáe constrói uma mistura alegre de reggae, afrobeat e soul e a descreve como a trilha sonora de um estilo de vida.

A colaboração com artistas como Grace Jones, Sister Nancy e Amaarae mesclam o frescor de um dia ensolarado e de altas temperaturas, com a calmaria da senioridade. E, merecidamente, renderam as indicações de Álbum do Ano e Melhor Álbum de R&B Progressivo na 66ª Edição Anual do Grammy – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: The Rush (feat. Nia Long & Amaarae), Chapagne Shit e Haute

Swans – The Beggar

Uma odisseia sobre a vida, a morte, e tudo que as aproxima. The Beggar é o 16º álbum lançado sob o nome do Swans, grupo estadunidense regido por Michael Gira, e apresenta um retorno a diversos territórios musicais explorados pelo artista no passado. Assim como na maioria dos trabalhos de Gira, o foco da obra é envolver o ouvinte em uma atmosfera imersiva sempre hipnotizante e ameaçadora, ainda que inundada com momentos etéreos e deslumbrantes. É possível ouvir traços de várias das facetas do compositor, passando pelo folk e americana do Angels Of Light, os ritmos pulsantes de The Great Annihilator (1995), além de uma psicodelia reminiscente de Syd Barrett em Ebbing.

Por mais que muito do que se ouve no álbum são – forçando muito a definição – canções, o enorme elefante no meio da sala é The Beggar Lover (Three), penúltima faixa do disco, que conta com mais de 43 minutos de duração. Essa monstruosidade remete a outro projeto de Gira denominado The Body Lovers, o qual tinha como maior motivo a experimentação extrema com o som. A música é essencialmente uma colagem sonora abstrata que inclui passagens coletadas de outros trechos do álbum e até de discos anteriores da banda, distorcendo e brincando com a memória dos fãs familiarizados com esses momentos. Ainda assim, existe uma coesão e uma dinâmica cativantes, além da sonoridade trazer um poderoso contraste às outras faixas.

Michael Gira – com quase 70 anos de idade no lançamento do disco – deixa claro nesta obra que enxerga o fim de sua vida como algo próximo, cantando letras que contemplam e refletem sobre a morte e a efemeridade da vida humana como um todo. Mas aqui, isso não se dá como algo alarmante ou desolador; o artista está em boas relações com seu desfecho e mostra aceitar o inevitável, parecendo até desejá-lo em alguns momentos. Mesmo não se tratando de uma canção do cisne para a banda, The Beggar representa o fim de um imenso ciclo, sendo a conclusão e culminância de tudo que o grupo já produziu e entregou por todos esses anos. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: No More of This, Michael is Done e Ebbing

CHVRCHES – The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition)

O que é melhor do que um aniversário? Foi com essa razão que a banda escocesa CHVRCHES lançou o disco The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition). Originalmente distribuído em 2013, o primeiro álbum da banda traz uma diversidade de vertentes do pop, como o electropop, o synthpop e o indie pop. O trio formado por Iain Cook, Lauren Mayberry e Martin Doherty trouxe adições ao trabalho original, por meio de versões gravadas ao vivo e de canções inéditas, compostas durante o processo inicial de criação do trabalho. 

Durante a edição comemorativa de The Bones of What You Believe, CHVRCHES se diverte com sintetizadores, baterias eletrônicas e vocais agudos. Espirituosas, as faixas possuem batidas agitadas – porém, a parte lírica nem sempre as acompanha, por tratarem de diversos assuntos. Com muita animação, as músicas dão vida ao disco, e mostram o quão atual o synthpop pode ser. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: The Mother We Share, Recover e City On Fire

Nem em seus sonhos mais esperançosos Mitski esperava alçar voos tão altos com seu último disco, chegando a figurar no top #1 da Spotify Today’s Top Hits Playlist. A proeza se torna mais irônica quando esse lugar foi conquistado justamente com o trabalho que ela menos tinha a intenção de hitar. The Land is Inhospitable and So Are We é a aposta mais sóbria da nipo-americana após as doses de euforia e endorfina proporcionadas por Be the Cowboy (2018) e Laurel Hell (2021).

Mergulhando fundo no vazio de seu âmago, a cantora abdica de uma produção robusta e segue neste trabalho investindo no reducionismo musical. Apenas com guitarras uníssonas e violões acústicos que beiram o country, suas músicas dão uma sensação de galpão vazio, noites solitárias e chuva pela janela. Esse aspecto de falta é preenchido com uma poesia extremamente sofisticada, fazendo com que The Land is Inhospitable and So Are We funcione quase como um sarau, no qual Mitski pode comprovar sua competência como letrista. Para falar de amor e amar novamente, a artista teve que expulsar todos de seu coração e, sozinha, fazer uma faxina nele, mas no fim, nossa alma que é lavada. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Bug Like an Angel, My Love My All Mine e The Frost

Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time

Após o introspectivo pandêmico The Loneliest Time, de 2022, Carly Rae Jepsen retornou com The Loveliest Time em 2023, um disco expansivo e vibrante que celebra a superação, a experimentação e a alegria de viver intensamente. Se o primeiro era um álbum conciso e focado em regras, este é o ‘parque de diversões’ de Jepsen, onde ela se diverte explorando diferentes estilos e sonoridades. 

A deliciosa Shy Boy, primeiro single da era, abriu o caminho para uma jornada musical que transborda energia e positividade. A autorreflexão ainda está presente, como na melancólica Kollage, mas agora surge como resultado das novas experiências vividas pela cantora e não mais como uma resposta dela a eventos externos 

Destaques como a dançante Psychedelic Switch e a divertida Come Over capturam o sentimento de euforia e entusiasmo que acompanha o início de um novo ciclo ou relacionamento. Momentos como Aeroplanes e Put It To Rest podem soar menos memoráveis, mas não chegam a prejudicar a experiência geral do álbum. The Loveliest Time é um convite a celebrar a vida e a aproveitar cada momento. Carly Rae Jepsen se entrega à experimentação musical com confiança, criando um álbum coeso, divertido e cheio de personalidade. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Psychedelic Switch e Come Over

boygenius – the record

Julien Baker, Phoebe Bridgers, e Lucy Dacus uniram forças novamente em 2023, após o sucesso do trio com o EP autointitulado em 2018. Com suas carreiras solo em ascensão e cada uma se consolidando como algumas das vozes mais relevantes do circuito indie, essa reunião se torna ainda mais especial. O amor e admiração que sentem uma pela outra e as move a criar juntas transparece em cada faixa do álbum, dando ao ouvinte a sensação de poder espiar algo íntimo.

A força do grupo está na união dos estilos distintos da composição de cada integrante. É possível reconhecer os processos individuais ao longo do álbum, ao mesmo tempo que conquistam uma harmonia mágica. Apesar da instrumentação potente, o letricismo é o ponto mais alto do disco. A última faixa cria um paralelo com o destaque do EP, Me & My Dog, dando uma nova perspectiva, agora mais madura, à letra da música e, consequentemente, à trajetória do trio. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Cool About It, Leonard Cohen e Letter To An Old Poet

Chappel Roan – The Rise and Fall of a Midwest Princess

 pop está naturalmente ligado às grandes metrópoles, seja pelo veraneio hollywoodiano, pelo ar cosmopolita nova-iorquino ou até por conta do clima chuvoso londrino, casa da descendente de albaneses Dua Lipa. Mas se engana quem pensa que as histórias mais identificáveis com os adolescentes do mundo acontecem apenas nos perímetros das megacidades. Foi com Chappel Roan, natural de Willard, cidade perdida no meio do Wisconsin de pouco mais de 6.000 habitantes, que saiu um dos melhores álbuns do gênero em 2023.

The Rise and Fall of a Midwest Princess é sobre a incompletude de sentimentos, querer tentar a vida nos grandes centros, mas ter um enorme vazio suprido pela cidade pequena, e no fim, estar confortável nas turbulências da ponte-aérea. Roan é fruto de Dan Nigro, que posteriormente também seria catapultado com o sucesso de Olivia Rodrigo, razão essa pela qual o álbum demorou tanto que já nasceu com nove músicas tendo vida própria. De todas as incertezas da artista, ser uma one hit wonder não estava em seus planos, fazendo com que o disco como um todo seja a cola que aglutina todos os cacos de uma mulher demolida pelas inconstâncias da vida adulta. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Feminomenon, Pink Pony Club e Casual

Niall Horan – The Show

“Segure firme e prepare-se para a viagem”, assim Niall Horan nos convida a embarcar em seu show e aproveitar cada minuto. No terceiro álbum do ex-integrante da boyband One Direction, nos é apresentado um amadurecimento em sua forma de compor e no uso de sua voz, o que reflete em uma coletânea de músicas profundas e cheias de significados. Com melodias sustentadas principalmente por bateria, baixo, piano e muitas harmonias vocais, The Show explora o sentimentalismo e se consolida como o melhor álbum da carreira solo do artista até o momento.

Após a apresentação de faixas como Meltdown, com diferentes elementos em sua mixagem e um ritmo acelerado, o álbum adquire um tom mais íntimo em You Could Start A Cult, na qual o cantor basicamente se declara a voz e violão e em Science, com o arranjo perfeito entre piano, violoncelo e a melodia cantada. The Show é o tipo de composição que te faz querer dançar, emociona e faz refletir, mas, ao mesmo tempo, também é uma produção que podemos apenas ouvir e sentir, seja a partir da letra, dos instrumentos ou da voz de Horan. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Science, On A Night Like Tonight e If You Live Me

Paramore – This is Why

Todo jovem que cresceu nos anos 2000 curtiu os maiores singles do Paramore. Em This is Why, a banda revive o estilo pop-punk clássico, com uma bateria agitada e uma certa aspereza nos vocais de Hayley Williams. Porém, tudo com modernidade e novidades que fazem o ouvinte lembrar um pouco de bandas como Talking Heads – como na track C’est Comme Ça.

Lançado em fevereiro de 2023, o sexto álbum da banda possui composições fortes, com letras que refletem o contexto conturbado e intenso de um mundo pós-pandêmico, fazendo o ouvinte se identificar facilmente. É possível até notar uma certa amargura em algumas das letras, como no single que leva o nome do álbum – “Se você tem uma opinião, talvez você devesse engoli-la. Ou talvez você devesse gritar, mas pode ser melhor guardar para si”. Além disso, o grupo aborda tópicos mais pessoais, como o amor e suas complexidades, as consequências de tentar salvar pessoas e o sofrimento de cometer os mesmos erros. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Big Man, Little Dignity; The News e Liar

Local Natives – Time Will Wait For No One

Com músicas doces e fáceis, o novo álbum do Local Natives revela quão poderosa pode ser a música Indie. As faixas são atrativas como um imã, contam com ritmo bem cadenciado, e suas as letras “decoráveis” transformam Time Will Wait For No One em um álbum imersivo e muito charmoso. A melodia é doce, tem um forte ar de reflexão que combina com os temas abordados que vão de relacionamentos a eventos comuns da vida.

A banda, que estreou em 2009 com o álbum Gorilla Manor, tem o seu quinto lançamento depois de um hiato causado principalmente pela pandemia de Covid-19. O potencial da banda nesse retorno foi explorado do melhor jeito possível, usando corais e guitarras de um modo muito harmônico, produzindo algumas das melhores músicas do gênero neste ano, como Paper Lanterns e Desert Snow. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Paper Lanterns, Desert Snow e Empty Mansions

Kyan & Mu540 – UM Quebrada Inteligente

Agradando os fãs de Oakley e os mandrakes de todo o Brasil, Kyan e MU540 trouxeram os beats da periferia aos holofotes com UM Quebrada Inteligente. O disco, lançado em Julho de 2023, contempla diferentes estéticas em um trabalho genuinamente singular. Na genialidade de quem vem das favelas, as letras passeiam por temáticas raciais, ascensão social e muita descontração.   

Ambos os artistas foram criados na Baixada Santista e a parceria é não só um encontro de vivências, mas uma reunião de dois elementos importantes das produções rap funk: o MC e o DJ. A composição conta com sete faixas que elevaram o nível do trabalho dos músicos, que já tinham colaborado diversas vezes antes, como em Dias Antes de Mandrake. Vale lembrar que dessa vez a colaboração se aprofunda e a importância dos vocais, letras, mixagem e edição é equiparada, fazendo com que cada elemento seja essencial.

Ainda que seja o resultado de um reencontro, a forma de UM Quebrada Inteligente é completamente nova, sendo impossível colocá-la em uma só categoria: ela é o funk, o rap, o drill, o house e muito mais. Acima de elementos musicais, o que se destaca na produção é cultural, como as roupas que fazem sucesso nas comunidades ou as gírias escolhidas nas letras. Em suma, fica a certeza de que esses ‘quebradas’ são realmente inteligentes e sabem fazer música como ninguém. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: tipo, sonho de consumo!, brinks! e Fantástico Mundo da Oakley

Se para Alceu Valença, a voz do anjo sussurra em seu ouvido, para Hozier, o tom angelical é uma extensão de seu próprio corpo, e precisa ser gritado. Após o sucesso astronômico e viral de seu autointitulado e do incompreendido Wasteland, Baby!, o irlandês ressurge do subsolo dos metrôs e, carregado de referências e incertezas, nos pega pela mão para uma jornada inversa de céu-inferno. 

Nas palavras do artista, o álbum representa uma “jornada dos últimos anos e de tudo que foi contado na época”. Dessa forma, Hozier recria o inferno do Dante e o traz para o período pandêmico e para os dilemas modernos. Embebido em vinho e literatura italiana, ele compõe sua própria poesia barroco-renascentista e a incorpora no seu já característico folk de deixar o coração quentinho. Falando de amor, melancolia e desespero, suas músicas nesse trabalho soam como parábolas e provam o porquê de ele ser visto como o Jesus da indústria fonográfica. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Abstract (Psychopomp), All Things End e Francesca

Travis Scott – UTOPIA

Não é preciso dizer que Travis Scott é um dos artistas mais influentes do rap moderno. Por meio de sua estética psicodélica, ele conseguiu construir uma identidade que muitos outros rappers tentam seguir. Entretanto, depois do desastre no Astroworld Festival em 2021, sua imagem foi gravemente manchada. É por isso que UTOPIA, o tão aguardado quarto álbum de estúdio de Travis e seu primeiro lançamento desde então, não poderia se dar ao luxo de ser nada além de um grande avanço musical na carreira do artista, e ele cumpre o prometido.

Da mesma forma que Rodeo lapidou o som de suas mixtapes, UTOPIA rejuvenesce a discografia de Travis. O álbum expande seu som sem mudá-lo drasticamente – seus vocais são tão distorcidos quanto eram há dez anos, mas fica claro que, dessa vez, o rapper não hesitou em fazer uso de elementos até então incomuns em seu trabalho. Somado ao fato de que o disco conta com um time de estrelas como colaboradores, que vão desde Beyoncé e (claro) Kanye West até Bon Iver, UTOPIA se mostra como um projeto que tem tudo o que precisa para tirar o artista da maré baixa em que esteve. – Raquel Freire

Faixas favoritas: DELRESTO (ECHOES) (feat. Beyoncé), CIRCUS MAXIMUS (feat. The Weeknd & Swae Lee) e TELEKINESIS (feat. SZA & Future)

BK, JXNV$, Gigantes – VERÃO CRIMINOSO

Quando BK anunciou em 2021 sua saída da Pirâmide Perdida para fundar um selo próprio, concretizava-se não só um movimento de mercado, mas uma mudança de filosofia. A mensagem do rapper extrapolava a música e, agora, encubia-se a missão de transformar a indústria por dentro. Os primeiros vislumbres dessa alçada finalmente vêem a luz do dia em VERÃO CRIMINOSO. Com 18 faixas, a mixtape introduz ao público as principais apostas da gravadora, concomitante a uma fina curadoria e à colaboração dos maiores artistas da cena musical periférica – de Djonga a João Gomes.

Em dissonância ao nome dado ao selo – Gigantes, homenageando o mais emblemático dos discos de Abebe Bikila –, o que a mixtape tem de arrojada, tem de despretenciosa. É refrescante observar, depois de tanto tempo, BK se distanciar da atmosfera densa de seus trabalhos solo para entregar versos indecorosamente ácidos, cômicos e sensuais. O que torna esse projeto especialmente empolgante é como, mais do que uma nova investida capitaneada pela figura mais relevante da última geração do hip-hop brasileiro, VERÃO CRIMINOSO é, essencialmente, uma reunião entre amigos brincando dentro do estúdio. – Enrico Souto

Faixas favoritas: FASE BOA, CABELO VOA e ESCURINATTI

Marina Sena – Vício Inerente

Após o sucesso estrondoso de Por Supuesto, Marina Sena deixa o interior de Minas Gerais para trás e se reinventa na capital paulista com seu segundo álbum, Vício Inerente. A mudança de ares se reflete na sonoridade do disco, que abandona o tropicalismo do primeiro álbum para mergulhar em uma estética mais eletrônica e urbana. Essa transição representa não apenas a adaptação da artista à nova realidade, mas também sua busca por constante reinvenção.

Mesmo inserida no meio mainstream, Marina Sena se destaca por sua forma única de abordar temas como sensualidade e desejo. As letras do disco são inteligentes e carregadas de sofisticação, fugindo do clichê e da repetição de senta, quica e maceta. A voz ofegante e anasalada da cantora cria uma atmosfera íntima e sensual, convidando o ouvinte a participar do flerte, especialmente nas faixas Que Tal e Mais de Mil.

Em meio à temática libidinosa que permeia o disco, Mande um Sinal e Pra Ficar Comigo transcendem e revelam o lado sonhador da artista. Nessas faixas, a voz de Marina Sena brilha com ainda mais força, revelando sua potência e versatilidade como cantora. Por isso, Vício Inerente é, sem dúvida, um trabalho original e refrescante que consolida a mineira no cenário pop brasileiro. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Mande um Sinal e Mais de Mil

Tasha & Tracie – Yin Yang

Considerado o retorno de Tasha e Tracie na música após problemas com sua gravadora, Yin Yang é leve e animado. As composições, que falam muito sobre o amor, são divididas com os namorados das cantoras Kyan e Rapper Gregory, o que faz jus ao significado de complemento do símbolo que nomeia o disco. Entre os tons de declarações românticas e muita ostentação. com direito a citação das marcas de moda que encantam a periferia, o projeto musical é autêntico como as gêmeas. 

Direcionado principalmente ao rap, o álbum traz as letras em prosa, dando praticamente certeza de que os beats acompanham as falas e, não, o contrário. Assim, as faixas parecem perfeitamente encaixadas na voz das artistas, que se mostram insubstituíveis e donas de tudo o que cantam como se criassem um novo gênero. Ao fim, essa é uma conclusão plausível para algo tão singular e cabível no que elas mesmas reconhecem: “Competição eu não quero, criei meu próprio nicho”. – Jamily Rigonatto

Faixas favoritas: Fortal, Dia de Baile e Drake da Capital

Zach Bryan – Zach Bryan

Recentemente, o country, principalmente o americano, tem realizado o movimento de ultrapassar as cercas rurais que o definiram a vida toda. Cada vez mais ele está se aproximando de um ritmo puramente urbano, ou talvez a sociedade que está em um êxodo rural reverso. Juntamente com Kacey Musgraves e Noah Kahan, o nome de Zach Bryan seja talvez um dos principais precursores da ascensão caipira americana.

O autointitulado traz um clima soturno para o conjunto voz e violão (e às vezes banjo) e conduz uma conversa noturna com o ouvinte ao longo de suas 16 faixas, todas escritas por ele. Reimaginando o estilo, o artista consegue assumir a persona Jack Maine de Bradley Cooper em Nasce Uma Estrela e lembrar que os cowboys também sofrem. Com a ascensão do gênero, há muitos Jack Maines surgindo por aí, mas só Zach Bryan é Zach Bryan. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Fear and Friday’s, Spotless (feat. The Lumineers) e I Remember Everything (feat. Kacey Musgraves)

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Costanza Guerriero

No dia 15 de Agosto, o Twitter ficou polvoroso com o lançamento de Campo de Morango, o lead single do terceiro álbum de Luísa Souza, Escândalo Íntimo. Tanto o videoclipe quanto a música em si pareciam ser uma confirmação de que a cantora só sabe compor letras vulgares e superficiais. Contudo, aqueles que estavam bem atentos sabiam que essa pequena prévia serviria para provar um ponto, que é uma das premissas do novo projeto: Luísa Sonza, como antes se conhecia, é uma fraude. Nesse lançamento, a artista potencializa sua voz e traz sua trajetória de amadurecimento como o centro da narrativa. Ela elabora conceitos visuais e sonoros acurados, apresentando referências explícitas e cristalinas, para que até mesmo aqueles que não querem possam enxergar. 

Escândalo Íntimo brinca com a expectativa e a falácia do público, na sua estratégia de lançamento, e ao decorrer de suas 24 faixas, das quais seis foram lançadas posteriormente. Segundo a própria artista, o álbum conta a história de um relacionamento, desde o momento do flerte inicial, passando por noites tórridas, decepções e a superação dos traumas. Porém, seria mais interessante entender o disco como o processo de autoanálise da cantora, sob a ótica do contraste entre como a definiram e como ela se vê. O disco é dissecado em quatro blocos, que revelam momentos diferentes de um relacionamento, ou ainda, diferentes faces da Luísa Sonza, mostrando sua versatilidade e disposição de explorar diferentes ritmos e gêneros, desde o pop até a bossa nova. 

É de se admirar o quanto foi feito em um tempo relativamente curto. O álbum foi produzido em cerca de três meses em estúdios em Los Angeles, na Califórnia, e contou com Douglas Moda, Roy Lenzo e Tommy Brown como diretores musicais. A produção ganha uma índole plurinacional, não apenas por ter músicas cantadas em português, inglês e espanhol, mas também pelo envolvimento de diversos colaboradores de nacionalidades distintas. A artista contratada para fazer a arte da capa e contracapa do projeto, por exemplo, é a russa Olga Fedorova. Ainda para a parte visual, Sonza contou com auxílio da artista plástica e psicanalista Nathalie Nery, responsável pela exploração do conceito lúdico de sonhos versus realidade, que o disco tanto trata.

O trabalho é marcado por diversas colaborações com artistas como Marina Sena, Banco Exu do Blues, Duda Beat e até mesmo Demi Lovato. Ainda assim, a característica mais marcante do álbum é a maneira como reúne um grande número de samples e referências a outros músicos, o que por um lado pode beirar o exagero, por outro pode ser visto como uma carta de amor aos ídolos de Sonza, como Rita Lee, Alcione, Cazuza, The Beatles e Queen. 

Escândalo Íntimo é aberto pela faixa homônima, um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini, trilha sonora do filme A Virgem de Saint Tropez, do diretor polonês Zygmunt Sulistrowski. A faixa expressa a melancolia de se sentir as inseguranças e as angústias, que as letras a seguir irão abordar, mas sem deixar de, ao final, se misturar a uma agitação e batidas mais eufóricas, a chamada para o primeiro bloco.

As músicas iniciais, como Carnificina, pintam a Luísa Souza já bem conhecida, a BRABA, a MULHER DO ANO, provocadora e sensual. Essa apresentação mostra como a personagem criada pela artista se sustenta e é vista por parte do público. Apesar de todo o hate, a Dona Aranha continua a subir, numa pegada femme fatale. Contudo, o miolo do álbum nos revela uma Sonza apaixonada, romântica e que depende emocionalmente de um relacionamento. Curiosamente, é nesse bloco que se encontra Campo de Morango, a polêmica faixa em 150 BPM, que é, na verdade, a mais metafórica. Enquanto carrega uma letra extremamente explícita e frívola, faz referência à música Strawberry Fields Forever, dos The Beatles, que diz “nada é real (…)/ viver de olhos fechados é fácil/ não compreender o que você vê”. A canção seria, então, um sonho, no qual ela se boicota, contaminada com aquilo que o público projeta dela. 

Desde o lead single, Escândalo Íntimo é apresentado com um álbum visual. Junto de seu diretor criativo, Flávio Verne, Sonza buscou integrar no visual seus sonhos e a ludicidade, somados aos elementos das fazendas interioranas do Rio Grande do Sul, local no qual a artista cresceu. No terceiro bloco do disco, se faz presente uma estética de ‘fazenda dos pesadelos’, onde a gaúcha precisa vivenciar seus traumas e se reconhece em um relacionamento abusivo, seja com o parceiro ou parceira, com a mídia ou consigo mesma. Em músicas como Penhasco2 e Outra Vez, ela se despede da ‘cachorrinha artista pop’ e são revelados medos e inseguranças, mostrando que a imagem da ‘braba’ era pura encenação, uma fraude.

A última e quarta parte do álbum vem traduzida no alívio de conseguir sair da ansiedade e na libertação da expectativa alheia e autocobrança, como é cantado em Principalmente Me Sinto Arrasada, música estilo boneca russa que dá a sensação de haver várias dentro de uma só. Outro grande destaque é a faixa Lança Menina, uma clara referência e reverência a Rita Lee, em uma explosão de positividade e esperança, a qual muitos jovens artistas podem se identificar. Nessa última etapa, Sonza se enxerga e se apresenta como realmente é: nem boa, nem má, uma mulher que gosta de fazer música, suscetível a erros e acertos, que pode ser amada e odiada. 

Não acho que eu seja nem boa, nem má
Se todos caíram na minha laia
Falando a verdade, não me importa mais
Eu só faço o que todo mundo faz

Eu acho legal essa coisa de artista
E sei que não sou nenhuma especialista
Mas se me der um palco pra eu cantar
Desmonto e derrubo todo esse lugar

Ao fazer um paralelo de Escândalo Íntimo com DOCE 22, o último álbum da artista, vê-se como ela vem construindo uma trajetória coerente. No trabalho anterior, a cantora já havia mostrado ser capaz de sair da superficialidade das letras de Pandora e arriscar-se em melodias mais densas e pessoais. No novo lançamento, ela consolida ainda mais esse retrato e se lança em conceitos sonoros e visuais, preocupada em trazer uma narrativa coesa, que deveria dispensar grandes explicações. Com toda certeza, o álbum se torna um marco na carreira de Luísa Sonza, que adentra uma nova era, vivendo em um dos maiores momentos do pop nacional.

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Henrique Marinhos

Em seu segundo álbum, Vício Inerente, Marina Sena apresenta uma evolução em relação ao seu álbum de estreia, De Primeira, que fez tanto barulho no cenário brasileiro em 2021. Com influências de gêneros como reggaeton, drill, trap e funk, a artista experimenta novas sonoridades e se arrisca em texturas eletrônicas, resultado de uma colaboração estreita com seu produtor Iuri Rio Branco, que a acompanha desde o início. Aqui, a cantora apresenta um som mais maduro e coeso, consolidando sua posição no cenário pop nacional.

A mineira multitalentosa se mostra ainda mais experiente e segura de si, capaz de criar sonoridades hipnotizantes e profundas que são marcadas pela inovação e pela busca por novas possibilidades estéticas a fim de incrementar seu repertório, que transita entre gêneros pouco explorados no mainstream nacional, como o reggaeton e o trip hop. Composta por doze faixas, Vício Inerente conta com parcerias importantes, como Fleezus, nome importante do brime paulistano e ídolo da cantora. No entanto, nem todas as canções apresentam o mesmo refinamento: algumas se mostram mais cruas que outras, como em seu debut, mas transparecem escolhas conscientes e ousadas dessa mistura.

A cantora não tem medo de se aventurar no cenário nacional e de explorar novas sonoridades em seu segundo álbum, afirmando que ser artista significa experimentar e ousar, sem medo de errar. Ela não se preocupa em seguir as convenções do mercado musical e está sempre em busca de novas possibilidades estéticas e sonoras, como disse à Folha de São Paulo. Tudo isso se concretiza em uma obra irreverente a todas as críticas infundadas e maliciosas. “Quero que as pessoas entendam de uma vez por todas que eu sou foda“, Sena diz.

Em De Primeira, a cantora apresenta uma série de letras sobre amor e relacionamentos, com um tom que oscila entre a sensualidade e a vulnerabilidade. As histórias retratadas nas músicas são, em sua maioria, vivências pessoais, traduzidas em canções pop chicletes e refrões cativantes, interessantemente construídos com muita naturalidade. As letras são marcadas pela utilização de gírias e regionalismos, o que confere ao disco uma certa proximidade tocante. Além disso, a produção do álbum é minimalista, com destaque para sua voz anasalada e para a presença de elementos percussivos.

O novo álbum de Marina Sena mostra que sua ambição não se limita às fronteiras de Minas Gerais, seu estado natal. Seu reconhecimento surgiu logo antes de se mudar para São Paulo. Como um grande sucesso, suas músicas se tornaram virais no TikTok, gerando muitos shows para a artista. Além disso, o álbum causou mudanças significativas na vida da cantora, a levando a se mudar de Taiobeiras, enricando e permitindo que ela conhecesse outras personalidades musicais, além de assinar um contrato com a Sony.

Porém, sua carreira, apesar do que muitos pensam, não começou De Primeira. Ainda em Montes Claros (MG), ela montou a banda A Outra Banda da Lua e mais tarde integrou o grupo Rosa Neon. Já com seu disco de estreia, a artista recebeu quatro indicações ao Prêmio Multishow 2021, ficando atrás só de Anitta, agraciada com cinco menções. 

A amizade de Marina Sena com os rappers Febem, Fleezus e  DJ Cesrv, após sua chegada a São Paulo e seu trabalho no álbum Brime!, inspirou os elementos de afrobeat, funk e trap presentes em seu novo trabalho. Sena o ouvia o tempo todo enquanto produzia seu novo trabalho, afirmando que é o que mais consome e está apaixonada. A participação de Fleezus na faixa Que Tal é o único dueto em todas as composições, demonstrando a importância do trabalho do trio em sua carreira. Ela também afirmou que, sempre que sai para algum rolê na cidade, vai assistir algum show do que considera a coisa mais fresca no cenário musical brasileiro. Esse frescor é bem traduzido na mistura de tantos gêneros em Vício Inerente.

As três primeiras músicas de Vício Inerente já demonstram as diferenças em relação ao seus trabalhos anteriores, que eram muito característicos e mantinham uma solidez muito maior em seus versos e melodias. Enquanto isso, o mais recente marca principalmente um trabalho experimental, com inspirações de artistas como Rosalía, Doja Cat, Nathy Peluso, Djavan, Gal Costa e Jards Macalé. Ambos tiveram seus propósitos alcançados, em sucesso e conceito.

Como uma fatídica história de crescimento profissional em metrópoles, a intensa experiência que Vício Inerente traz é uma proposta mais do que pessoal, e há quem se identifique. Assim como seu antecessor, o disco marca uma trajetória e uma personalidade que a artista trabalha com muito esmero, transbordando sua marca. Confiante e sem medo de errar, seu sonho é ser uma das representantes da música pop brasileira para o mundo, levando a música nacional para todo o planeta. E que, entre erros e acertos, continue nesse caminho que tem se aberto à ela.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez