Sabrina G. Ferreira

No mundo globalizado em que vivemos, cercados por diversas possibilidades de comunicação com os demais, fica difícil entender que existem outras realidades bem diversas às nossas. Essa disparidade é mostrada brilhantemente em A Felicidade das Pequenas Coisas (no inglês, Lunana: A Yak in the Classroom). Com direção e roteiro de Pawo Choyning Dorji (Hema Hema: Sing Me a Song While I Wait), o filme conta a história de Ugyen (Sherab Dorji), um jovem professor que sonha em se tornar cantor na Austrália. Todavia, Ugyen trabalha para o governo, que lhe atribui a missão de lecionar por alguns meses em Lunana, uma aldeia no Butão, país da Ásia Meridional, conhecido como um dos locais mais remotos do mundo. 

Após uma longa caminhada de oito dias para chegar ao destino, ele se surpreende ao finalmente se deparar com uma escola sem os mínimos recursos necessários para conseguir ensinar: não existe quadro negro, o material didático é escasso e a estrutura do local é precária. Neste momento Ugyen pensa em desistir. A única coisa capaz de promover uma mudança de rumo no desmotivado protagonista é a comovente motivação das crianças, especialmente da líder da turma, Pem Zam, que com seu olhar vivaz, consegue transmitir o desejo sincero em aprender. Aliás, é visível a evolução de valores do personagem quando ele doa o papel que reveste suas janelas para protegê-lo do frio, para que seus alunos tenham onde estudar.

“A subida vai ser difícil?” – Ugyen

“Vai ser fácil. É um passeio ao lado do rio por seis dias. Depois tem uma subidinha. Quando chegarmos lá em cima, a caminhada é ótima. Você vai querer que nunca acabe.” – Aldeão

A Felicidade das Pequenas Coisas estreou em outubro de 2019 no BFI Festival de Cinema de Londres, e até o momento, ganhou 18 prêmios, incluindo o de Melhor Filme pela audiência do Festival de Cinema CinemAsia, e de Melhor Ator para Sherab Dorji no Festival Internacional de Cinema Saint-Jean-de-Luz. Neste ano, é indicado ao Oscar 2022 na categoria Melhor Filme Internacional, junto com outros longas asiáticos, como o japonês Drive My Car, que também concorre em Melhor Filme, Direção e Roteiro Adaptado. Além disso, o indiano Writing With Fire está indicado ao prêmio de Documentário. A Felicidade das Pequenas Coisas é o segundo filme que o Butão submeteu ao Oscar, mais de 20 depois de The Cup (Phörpa), que acabou não nomeado.

É importante destacar que, apesar da temática frequentemente utilizada no Cinema – ao retratar a história de algum professor ou educador especial – A Felicidade das Pequenas Coisas é cativante, e construído com tamanha sensibilidade que realmente proporciona momentos de inspiração, para o deleite dos amantes da Sétima Arte, ao evitar cair no melodrama barato e é extremamente bem trabalhado no quesito construção sentimental, respeitando o contexto cultural em que a história se insere.

Outro quesito importante é o desinteresse de Ugyen nos valores da sua cultura de origem, se alinhando ao ponto de vista do espectador estrangeiro: tanto aqueles  que possuem opiniões ignorantes acerca de culturas similares a apresentada na obra, quanto aqueles vindos de locais pouco desenvolvidos (como Ugyen) e se sentem presos ali. Esse sentimento de aprisionamento do protagonista é evidenciado na cena em que ele é questionado por um aldeão sobre o motivo de querer buscar a felicidade longe do Butão, conhecido como o país mais feliz do mundo; esse debate serve como um contribuinte para refletirmos sobre os motivos do personagem querer fugir do país com urgência e viver a globalização desejada.

A figura do professor é extremamente valorizada em A Felicidade das Pequenas Coisas. Ugyen é alvo de reverência pelos moradores da aldeia, pois como um aluno repete as palavras dos camponeses, o professor é capaz de tocar o nosso futuro. Há o reconhecimento de que o conhecimento vem de fora, ligando esse conceito à imagem dos professores. E eis uma das profissões mais importantes e honradas que existem, afinal o professor pode ser decisivo na evolução de pessoas que já nascem destinadas a serem pastores de iaques ou coletores de fungos, alcancem o sonho de serem educadas para que construam um futuro melhor naquela realidade. E isso fica ainda mais evidente em um lugar como Lunana. 

Nesse contexto, a música cantada por Saldon, personagem de Kelden Lhamo Gurungm, também se encaixa perfeitamente, já que cria uma dualidade conflituosa nas decisões que serão tomadas por Ugyen, reforçando a necessidade de fuga do protagonista como certa, e ao mesmo tempo, serve como reconexão a espiritual da qual ele tanto necessita. Para nós, fica a dúvida deixada pelo filme, se é mais gratificante ir em busca de um sonho vago e incerto, ou talvez, vivenciar algo concreto, arquitetado com pequenas ambições, mas que resultam em grandes ganhos culturais para a própria identidade.

O filme A Felicidade das Pequenas Coisas é sobre a necessidade de encontrar um momento de paz na vida para reavaliar as prioridades e refletir sobre o real significado da consciência plena de satisfação e sua importância para nós. Trata-se de uma mensagem sobre felicidade, vinda de um lugar remoto, onde esse sentimento é aclamado e intenta divulgar sua cultura e modo de vida para o homem moderno dos quatro cantos do mundo.

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Sabrina G. Ferreira

A narrativa de Four Good Days tinha tudo para ser óbvia e seguir o roteiro clássico de um filme com essa abordagem, entretanto o que se vê é um show de atuações, e um recorte instigante do problema apresentado. Baseado em fatos reais, o longa dirigido por Rodrigo García (Em Terapia, Questão de Vida), mostra a trajetória de Molly (Mila Kunis), uma mulher jovem viciada em drogas, que retorna para a casa da sua mãe, Deb (Glenn Close), em busca de ajuda para vencer sua dependência química. Após levar a filha à reabilitação, pela 15ª vez, elas descobrem um método novo e intensivo de cura para o vício, mas para iniciar o tratamento, Molly precisa ficar quatro dias sem usar nenhum tipo de droga.

Esta é a premissa de Four Good Days, que fez sua pré-estreia no Festival de Sundance em 2020, e agora concorre ao Oscar 2022 na categoria de Melhor Canção Original com Somehow You Do, composta por Diane Warren, mulher mais nomeada aos prêmios da Academia sem nunca ter ganho. Graças ao trabalho de longa data na área de trilhas sonoras, com as faixas icônicas There You’ll Be de Pearl Harbor, e I Don’t Want To Miss A Thing de Armagedom; até o momento foram 13 indicações, e infelizmente, nenhuma vitória.

Apesar da trama previsível e sem grandes surpresas, o destaque mesmo é a dupla de protagonistas. Mila Kunis e Glenn Close desempenham seus papéis de forma impecável, recriando uma dinâmica familiar repleta de emoções, que vão desde o passado até o presente, envolvendo decisões, erros e perdão por parte das duas, enfatizando o relacionamento de ambas e criando várias cenas comoventes de mãe para filha (e vice-versa).

Enquanto temos Glenn Close interpretando uma mãe traumatizada pelas ações de sua filha no passado – é perceptível pela sua casa, que é toda é acionada por alarmes – e até mesmo culpada por ter abandonado a família quando as filhas eram adolescentes e necessitavam de uma figura materna, Mila Kunis vive a filha que tinha tudo para ter um futuro promissor. Mas, após um acidente esportivo, se vê submetida a um tratamento à base de opióides e agora, se encontra dependente e totalmente destruída pelas drogas, em uma circunstância que lhe arruinou a vida e o casamento, e que a afastou dos dois filhos, e frequentemente, culpa a mãe pela falta de apoio e seu vício na adolescência.

Para quem está acostumado com o semblante de Mila Kunis em outros trabalhos como em Cisne Negro, é assustadora a imagem da atriz, que com o auxílio de maquiagem, e um corpo exageradamente magro e curvado, na condição de alguém que já não consegue suportar o peso de seu próprio esqueleto, parece realmente uma pessoa devastada pela dependência química. Fica evidente o sofrimento da protagonista quando o ex-marido, papel de Joshua Leonard, traz seus filhos para uma visita e vemos um vislumbre da vida que ela poderia ter tido se tivesse seguido outros rumos.

Quanto ao roteiro do vencedor do Prêmio Pulitzer em 2014, Eli Saslow, e do próprio García, o texto não é nem um pouco diferente de outras produções recentes que tratam desta mesma temática, muitas vezes exagerando ao mostrar a verdade nua e crua de uma família que vive inúmeros problemas por ter um filho viciado em drogas. As situações são quase sempre as mesmas, e qualquer pessoa com conhecimento deste tipo de comportamento já deduz tudo o que virá no decorrer da narrativa. Entretanto, não deixa de ser um tema complicado e pesado e ao mesmo tempo importante de ser sempre lembrado e exposto.

No desfecho, após as várias tentativas e a irredutível crença de Deb na recuperação da filha quando mais ninguém acreditava, temos por fim a concretização de um final feliz. Depois de uma recaída e uma overdose, Molly consegue se desintoxicar das drogas e ter a chance de lutar pelo seu futuro como filha e como mãe. Four Good Days é sobre a impaciente amargura de que tudo o que foi conquistado poderá acabar assim, do nada. O milagre da cura para o vício seria a espera durar um pouco mais, e os dias tornarem-se meses, e anos. As mães continuarão acreditando, e os filhos seguirão tentando.

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Não poderíamos terminar o Melhores do Ano sem falar do setor que retomou os seus dias de glória em 2021: o Cinema. Após a paralisação completa das salas ao redor do mundo em 2020, em decorrência da pandemia de covid-19, o audiovisual precisou se readaptar. Com isso, ano passado foi o momento de observar o efeito da ascensão dos streamings, assim como o retorno da sagrada experiência de subir as escadas para sentar em uma poltrona aconchegante e comer pipoca fresquinha enquanto assiste ao mais novo lançamento cinematográfico na telona. 

As repercussões desse novo cenário podem ser vistas na principal premiação do Cinema. Na aclamada categoria de Melhor Filme do Oscar 2022, dos 10 indicados, 6 tiveram apoio na distribuição pelos serviços de streaming. A Netflix continua dominando o meio com seus originais, e emplacou 9 produções em 15 categorias diferentes. Mas, deixando as premiações de lado, o Persona também se dedicou em realizar sua própria condecoração diante da Sétima Arte. 

Com base em rankings feitos pela Editoria e nossos Colaboradores, 78 produções foram definidas como os Melhores Filmes de 2021. Do faroeste de Jane Campion à turma do bairro do Limoeiro, as produções aqui permeiam pela variedade dos grandes estúdios até os feitos do Cinema Independente. Fato esse que pode ser demonstrado pelos nossos três campeões de menções: Ataque dos Cães, Duna e Titane. 

A pluralidade de escolhas também é representada por uma volta ao globo terrestre. Entre os países de origem dos filmes que foram citados, estão: Brasil, Estados Unidos, França, Itália, México, Nova Zelândia, Irlanda, Japão, Alemanha, Kosovo, Dinamarca, Reino Unido, Islândia, Espanha, Colômbia, Irã, Coreia do Sul e Noruega. Destes, 7 obras citadas são produções nacionais, contando com nomes como o aguardado Marighella de Wagner Moura, o relevante Cabeça de Nêgo e o quase nomeado ao Oscar Deserto Particular. 

E, falando no careca dourado, dos 10 filmes que concorrem ao prêmio máximo da Academia, 9 apareceram na nossa lista. O olhar romântico de Paul Thomas Anderson e a comovente história de uma família de surdos não poderiam passar por 2021 sem marcar presença aqui. No Mês da Mulher, também teve espaço para elas na nossa lista, mas não na dose que deveria. Entre os 78 filmes citados, 19 foram dirigidos ou codirigidos por mulheres, o que representa quase, e apenas, ¼ do ranking total. 

Se vamos encontrar um cenário como esse no próximo ano, só o tempo irá dizer. Fato é que se podemos ter esperança em alguma mudança significativa no mundo cinematográfico, ela deve ser sempre pautada pela diversidade. Com base em 20 olhares diferentes, você confere abaixo a seleção do Persona para os Melhores Filmes de 2021. 

7 Prisioneiros

Um dos finalistas à submissão para representar o Brasil como Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, o longa protagonizado por Rodrigo Santoro e Christian Malheiros serve para denunciar trabalho análogo à escravidão e alcança o mesmo patamar de obras consideradas colossais no Cinema nacional. O filme se passa na capital paulista, escancarando o quão próxima essa realidade está – o pensamento político por trás de quem comanda – e como não fazemos questão de enxergar a barbárie. A direção de fotografia usa do triste cinza da maior metrópole da América Latina para traduzir a realidade apresentada. 

Rodrigo Santora se reafirma como um dos maiores atores de sua geração, enquanto Malheiros ganha um personagem notório que, além de ser um deleite assistir sua atuação, proporciona o raio-x social e econômico do país. A reviravolta do roteiro acentua toda a complexidade do tema, trazendo camadas do sistema que te oprime e te torna opressor. A direção incisiva de Alexandre Moratto se preocupa a todo momento em aproximar a ficção da realidade, tornando 7 Prisioneiros não apenas um dos melhores do ano como um dos melhores nacionais do momento. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a chegada de Mateus a São Paulo; e a última cena.

A Crônica Francesa (The French Dispatch)

O senso comum nos filmes de Wes Anderson é o jogo de câmeras milimetricamente calculado, além dos cenários coloridos que ganham espaço e se expandem em nossa consciência. Mas em A Crônica Francesa, Anderson evoca sentimentos através de uma mistura de cenas coloridas e em preto e branco – jogo utilizado para evidenciar as histórias que não pertencem à trama principal –, atingindo seu auge cinematográfico. Através dos lindos enquadramentos, uma história deslumbrante (e cheia de ramificações) é narrada, contando com um  elenco de peso – de Bill Murray e Benicio del Toro a Tilda Swinton e Adrien Brody – para prestar uma singela homenagem à revista The New Yorker. Invariavelmente, temos o registro de uma verdadeira ode ao jornalismo.

Wes Anderson já havia ensaiado anteriormente seu desejo em homenagear a revista, pois um de seus passatempos favoritos sempre foi a leitura dos contos publicados nela. Foi lá, inclusive, que conheceu as histórias de J.D. Salinger, autor da conturbada família Glass a qual serviu de referência máxima na composição de Os Excêntricos Tenenbaums (2001). Porém, o foco do enredo – como é de se esperar num filme de Anderson – são as pequenas histórias que se interligam, cuja trama é orientada através do cotidiano dos funcionários que dão vida a revista diariamente (no filme, a revista se chama The French Dispatch). No fim, A Crônica Francesa provou que o mundo fantástico do diretor vai muito além do virtuosismo técnico – é humano, demasiado humano. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a história, narrada pela crítica de arte J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), sobre o personagem Moses Rosenthaler (Benicio del Toro), um presidiário com personalidade psicose que começa a pintar quadros fabulosos à medida que se relaciona com a guarda da prisão, Simone (Léa Seydoux). 

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas (The Mitchells vs. the Machines)

A Sony Pictures Animation vem ganhando destaque no cenário de animações, e A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas é mais um acerto que atesta a produtora como uma das melhores da atualidade. Com uma trama ágil e divertida, o roteiro nos leva a conhecer uma família extremamente carismática, a qual possui dramas bem realistas, facilmente identificáveis e que auxiliam tanto as gerações mais velhas quanto as mais jovens a se conectarem com os personagens. Outro ponto fortíssimo desse longa é seu humor, pois todo o enredo é recheado de piadas super divertidas e leves, que, com certeza absoluta, agradam toda a família. 

O estilo da animação é um grande diferencial do filme. Misturando o estilo 3D com o 2D, consegue criar cenas magníficas, além desse elemento ser utilizado até mesmo na comédia presente na história. Há vários momentos que aparecem colagens, montagens, referências e outros aspectos visuais que tornam toda a projeção ainda mais cativante de se assistir. Devido aos seus vários pontos positivos, A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas foi indicada ao Oscar de Melhor Animação, e merece muito esse prêmio, pois esse é um longa-metragem que transborda carisma, criatividade e paixão. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a cena de abertura do filme; a interação da família Mitchell com os robôs com defeito; e a luta contra os Furbies.

A Filha Perdida (The Lost Daughter)

Após ler o romance de Elena Ferrante, veio a curiosidade de assistir a adaptação dele, A Filha Perdida, da Netflix, que foi escrito, produzido e dirigido pela estreante Maggie Gyllenhaal (Batman – O Cavaleiro das Trevas). Surpreendentemente fiel ao livro, o filme arrisca ao mostrar de forma sincera (e assustadora) o universo feminino e suas funções na sociedade. A Filha Perdida conta a história de Leda (Olivia Colman, e, na juventude, Jessie Buckley), uma mulher divorciada que viaja sozinha para a Grécia durante as férias. Enquanto está na praia, ela observa uma mulher jovem, Nina (Dakota Johnson) cuidando de sua pequena filha e começa a recordar momentos de seu passado como mãe. 

Durante esses flashbacks mentais de Leda, fica evidente as dores que essas recordações acarretam, somadas  à conclusão de que ser mãe nunca foi seu real desejo. Ao contrário de muitas mulheres que vêem na maternidade o motivo para se sentirem realizadas, para Leda, não passou de um fardo, ou uma imposição do casamento. Tais assuntos, apesar de delicados, são retratados com sensibilidade e respeito. É um filme que intimida e incomoda, e, sem dúvida, deve ser visto e quem sabe até debatido, por pessoas de qualquer gênero. A Filha Perdida foi indicado a várias premiações, dentre elas: Oscar 2022 de Melhor Atriz para Olivia Colman, e ao BAFTA Awards 2022 de Melhor Roteiro Adaptado para Maggie Gyllenhaal. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: a dança de Leda em uma festa, após se surpreender ao notar que estava tocando a sua música preferida; e a conversa entre Leda e Nina, quando a primeira conta de forma dramática como foi ficar uma temporada bem longa longe de suas filhas.

A Ilha de Bergman (Bergman Island)

É curioso pensar em A Ilha de Bergman como projeto, pois além da cineasta usar como título e pano de fundo o nome de um outro cineasta, considerado por muitos como um dos maiores de todos os tempos, surge também o receio de encontrar tentativas medíocres de reproduzir os embates filosóficos, as hostilidades ou os laços complexos que se desfazem, ao inigualável modo Ingmar Bergman de fazer filmes. No entanto, a obra vale muito a pena, pois, além de ser uma aula de aprendizagem sobre o autor sueco, também discorre sobre o amor, desenvolvimento profissional e dor.

Produzido pelo brasileiro Rodrigo Teixeira (A Vida Invisível) e dirigido por Mia Hansen-Løve (O Que Está Por Vir), A Ilha de Bergman é centrado no casal de cineastas Chris (Vicky Krieps) e Tony (Tim Roth). Em busca de um lugar tranquilo para escrever seus novos filmes, eles decidem passar um verão na Ilha de Fårö, onde Ingmar Bergman viveu os últimos anos de sua vida. No local, o casal passa a ter os mesmos conflitos existentes nas obras intimistas e melancólicas retratadas pelo cineasta sueco. O longa concorreu à Palma de Ouro do Festival de Cannes 2021 para Mia Hansen-Løve e chegou aqui pela 45ª Mostra de SP. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: quando Chris e Tony estão próximos à janela e vemos pelos olhos deles a paisagem do externa da casa; e quando Tony está fazendo um passeio com um grupo de turistas, explorando a Ilha de Fårö, enquanto a guia de turismo dá uma aula sobre a importância de Bergman para a história da ilha, que ganhou destaque principalmente após gravar no local alguns dos seus célebres filmes.

A Lenda de Candyman (Candyman)

Retomar a história de filmes de terror considerados clássicos pode ser uma empreitada arriscada. No caso do Candyman dirigido por Nia DaCosta, a retomada serviu como uma atualização muito bem-vinda de um dos personagens mais assustadores dos anos 1990. Em sua curta duração, elabora um mistério envolvente e traz discussões certeiras sobre temas sociais e raciais, de forma que o horror do mito de Candyman se funde aos horrores vividos pela população negra na vida real. Ao adotar o ponto de vista de um jovem artista negro, Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), abre um leque de possibilidades muito bem exploradas pelo filme. 

Essas possibilidades geraram um dos melhores (e mais assustadores) momentos da obra: os assassinatos dentro da galeria de arte. A cena é linda visualmente e aterroriza por estabelecer uma tensão crescente entre o ambiente e os reflexos dos espelhos. Outra cena assustadora é a do final, onde a violência sangrenta e a música colaboram para deixar a situação apavorante. Aquela aparição, bem nos últimos segundos do filme, e aquela voz marcante são capazes de dar arrepios em qualquer um e mostram, caso ainda não tenha ficado claro, que Candyman vive. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: os assassinatos na galeria de arte fechada, repleta de espelhos e onde a maior fonte de luz é a projeção de um filme na parede, é uma aula de como construir tensão no terror; a cena final, onde a violência sangrenta acontece fora do carro de polícia em que a protagonista está, também merece destaque por fechar o filme de uma forma profundamente desconcertante. 

A Lenda do Cavaleiro Verde (The Green Knight)

A reimaginação da lenda arthuriana escrita e dirigida por David Lowery merece ser relembrada como um dos melhores filmes de 2021, pois o roteiro busca não apenas reproduzir uma história conhecida, mas refazê-la completamente, ao mesmo tempo que propõe reflexões e questionamentos sobre a honra e o destino. A jornada de Gawain é cheia de dúvidas, medo e hesitação, atitudes que nada se assemelha a um cavaleiro, e é o ponto mais forte da trama, discutir a honra e perguntar: o que ser honrado significa? Todo ato honrado é necessariamente bom? Nessas questões, a lenda já conhecida ganha camadas de profundidade e reflexão.

Mas as problemáticas do filme não se prendem apenas à honra, uma vez que ele discute sobre as nossas escolhas e as consequências que delas provém. Gawain se vê atormentado durante todo o longa por causa da decapitação do Cavaleiro Verde, e ele o fez mesmo sabendo que isso iria voltar para si. Tal atitude faz o personagem se questionar sobre o que ele realmente almeja e o que esperam dele, e essa dualidade de pensamentos permeia todo o longa-metragem, além de servir com uma indagação não só para o protagonista, como para a audiência também. A Lenda do Cavaleiro Verde carrega uma história densa, moderna, sombria e que aborda temas muito filosóficos, sendo um dos filmes mais intrigantes do ano. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: a primeira aparição do Cavaleiro Verde; a moça que pede ajuda no lago; e o delírio que o protagonista tem sobre seu futuro.  

A Mão de Deus (È stata la mano di Dio)

As cenas iniciais de A Mão de Deus dão o tom de todo o filme. Após ver o mongezinho (uma criança vestida de monge), Patrizia (Luisa Ranieri) acredita poder finalmente engravidar. O quadro seguinte sucede a uma violenta reação do marido, Franco (Massimiliano Gallo), que acredita ter sido traído. É genial enxergar que o mítico e o real, de forma violenta, entram em choque, inserindo no contexto desproporcional de Nápoles Fabietto (Filippo Scotti), que está tentando encontrar sua própria essência enquanto lida com as adversidades da adolescência – perda da virgindade, passagem à idade adulta e seu amor pelo jogador Diego Maradona, figura a quem pertence o gol que dá título ao filme, cujo lado mitológico também será explorado. 

Até pouco mais da metade do filme há um desenvolvimento muito próximo da comédia dramática – tal qual Amarcord (1973), de Federico Fellini. Depois, após um acontecimento trágico, o longa muda bruscamente e entramos ainda mais na cabeça de Fabietto, cujo sonho – ainda incerto – é tornar-se cineasta. Essa quebra de estrutura traduz em imagens os sentimentos de Fabietto, que, enquanto se divide entre o vago destino de se tornar um artista, precisa lidar com a tragédia familiar e amadurecer repentinamente. Não surpreende que a graça de A Mão de Deus esteja na consagração do diretor Paolo Sorrentino como uma voz italiana original e poética, pois, a partir do futebol, conseguiu traçar uma história incomparável e familiar ao mesmo tempo: a sua própria. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena em que a família está vendo o jogo no qual Maradona marca o gol de mão; e o momento em que Fabietto tem uma conversa com o diretor Capuano sobre cinema, definindo seu futuro como cineasta.

A Noite do Fogo (Noche de Fuego)

As produções latino-americanas ficaram pelo caminho da corrida ao Oscar 2022, e talvez a perda mais doída dessa safra seja a seleção do México para a categoria de Melhor Filme Internacional, porque apesar de atribuído ao país indicado, se tem algo que a obra de Tatiana Huezo não é, é individual. Desde sua grandiosa produção em parceria com Brasil, Catar e Alemanha, até os detalhes mais fortes de sua história protagonizada por três jovens mulheres, A Noite do Fogo é a mais pura representação do porquê o Cinema é uma Arte coletiva.

O aspecto em questão é sempre o mais forte no gênero do documentário, linguagem em que a diretora é mestra. Para a sua primeira ficção, então, ela dedicou sua habilidade narrativa para adaptar livremente o livro Reze pelas mulheres roubadas, de Jennifer Clement. O resultado foi apreciado nos 4 cantos do mundo: no Festival de Cannes ou de Pingyao, na Academia ou na cidade de São Paulo, a obra fez de 2021 o ano de entender de uma vez por todas que pelo menos uma das tais veias abertas da América Latina é consequente de noites como a de fogo. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que as três protagonistas estão conversando sobre o que pode acontecer com elas embaixo da árvore; e a tal noite de fogo.

A Tragédia de Macbeth (The Tragedy of Macbeth)

Se há algo ainda mais difícil do que contar uma história inteiramente nova, é achar uma nova maneira de contar uma história que todo mundo já ouviu milhares de vezes. Adaptando uma das peças mais famosas da língua inglesa, o diretor Joel Coen – pela primeira vez separado do irmão – escreve A Tragédia de Macbeth com mão firme, uma estética robusta e um bom olho para o elenco, que conta com Denzel Washington como o protagonista titular e Frances McDormand como sua ardilosa esposa.

Filmado em preto e branco e perspectiva quadrada, a quieta intensidade do filme reflete a junção dos seus aspectos teatrais com algumas das técnicas cinematográficas mais refinadas que o meio é capaz de proporcionar. A fotografia geométrica e precisa de Bruno Delbonnel é instantaneamente hipnotizante, ludicamente traduzindo do palco para tela a sua tragédia de erros que culmina em um final sangrento e potente. Denzel Washington é titânico no papel que lhe rendeu a indicação ao Oscar de Melhor Ator, combinando tanto a violência decisiva quanto o remorso lunático que levam a personagem ao seu triste fim. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: toda e qualquer cena envolvendo as três bruxas; e a caminhada de Macbeth em direção aos aposentos do Rei.

A Vida Depois (The Fallout)

O anúncio de um filme tratando sobre um tiroteio escolar sendo lançado diretamente por streaming não inspira muita confiança. Hollywood sempre teve propensão a explorar tragédias de maneiras que não respeitam as pessoas que viveram por elas, ou de enobrecer seu sofrimento quase ao ponto da paródia. Felizmente, A Vida Depois se esquiva dessa sina ao focar no impacto do trauma na vida de suas personagens e as diferentes maneiras que elas reagem a ele, por meio  de uma excelente caracterização e um roteiro sem medo de se abrir.

Grande vencedor do festival SXSW, o filme ganha vida e profundidade pela atuação sensível e reveladora de Jenna Ortega no papel de Vada, uma adolescente que fica presa em um banheiro com outras duas pessoas quando tiros são disparados dentro de sua escola. Capturando o terror da situação, já teria sido suficiente para a maioria, mas a A Vida Depois deixa claro que isso não é o bastante: a vida dessas personagens não acaba depois que elas passam por esse incidente, e talvez essa seja a parte mais difícil e macabra de se aceitar. Rejeitando a noção de que há uma maneira “correta” de se enfrentar um trauma, o longa de estreia da atriz Megan Park na direção e no roteiro deixa uma marca indelével. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Vada fica chapada na escola e estoura uma caneta na boca; o momento em que ela se reconecta com a irmã; e a notificação que aparece em seu celular no final do filme.

Amor, Sublime Amor (West Side Story)

Quando foi lançado, em 1961, Amor, Sublime Amor arrebatou um público cativo, ainda deslumbrado com a mágica e o fascínio dos musicais. O resultado foi uma performance arrebatadora nos prêmios da Academia do ano seguinte, faturando dois dígitos de troféus dourados. Então, qual a necessidade de recriar um clássico? Um filme repleto de significados e mensagens atemporais? Para Steven Spielberg, a motivação é tão clara quanto as luzes que iluminam o ginásio do colégio onde Tony e Maria se encontram: ele quer melhorar o que já era ótimo.

Apaixonado pelo longa de Jerome Robbins e Robert Wise, o pai do Cinema pipoca e o diretor que desbravou todo e qualquer gênero e formato, Spielberg realiza seu primeiro musical com o brilho nos olhos de uma criança. Na revigorante versão de 2021, Maria (Rachel Zegler) se apaixona por Tony (Ansel Elgort), iniciando um romance proibido, que perpassa suas vivências, rotinas e suas vidas. Anita (Ariana DeBose) interfere no que pode, mas o destino está selado. No topo de suas habilidades como criador, Spielberg alinha os astros para que, de maneira sublime, ele filme e eternize o amor. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o encontro na varanda; a movimentação super humana de Ariana DeBose na performance de America; e o momento em que Anita entende que a infância definitivamente ficou para trás. 

Annette

Leos Carax sempre soube que a Arte deveria ser perigosa, seja na glória de dois amantes dançando sob fogos de artifício, seja na completa podridão de um indivíduo que vagueia silenciosamente entre os limites da vida e performance. Com Annette, felizmente, não foi diferente. Levando vitória de Melhor Direção na premiação de Cannes e do César, o cineasta francês, juntamente do duo pop Sparks, deu vida à uma ópera rock fabulosa que acompanha a vida glamourosa de um casal aparentemente perfeito: Henry (Adam Driver), um comediante provocativo de stand-up, e Ann (Marion Cotillard), uma soprano renomada.

Sem medo de extrapolar os limites cinematográficos do “bom gosto”, o maximalismo artificial do primeiro musical de Carax rebaixa a narrativa convencional de sua filmografia a favor de uma justificativa metafórica, fantasiosa e dolorosamente sincera. O bebê do casal é Annette, uma criatura verdadeiramente de outro mundo. Ela é uma marionete (sim, literalmente uma marionete), até o catártico ato final que ecoa sombriamente o ritmo da inicialmente apaixonada We Love Each Other So Much. E não, não cabe a ninguém defender o absurdo de se usar uma marionete como figura central de um filme, exatamente porque o Cinema tem o direito de ser, sem desculpas, um espetáculo absurdo, ainda bem. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: primeira versão apaixonada de We Love Each Other So Much, interpretada por Adam Driver e Marion Cotillard; versão de ninar de We Love Each Other So Much, interpretada por Simon Helberg; e todo o ato final.

Ataque dos Cães (The Power of the Dog)

Há quem diga que um fenômeno só é especial pelo seu caráter de manifestação única. Mas quando o recorte é o Cinema mundial dos últimos anos, a transformação do extraordinário em ordinário é um pedido cada vez mais forte. E depois do que vivemos no ano passado, que outro nome no mundo poderia ocupar o lugar mais especial da vez se não o auspicioso Ataque dos Cães de Jane Campion? Desde a sua estreia já premiada no Festival de Veneza em setembro de 2021, a obra da diretora neozelandesa almeja e trabalha mês a mês para concretizar o fenômeno cinematográfico do ano. Na conclusão deste ciclo, consagrando-se motivo de recordes, prêmios e indicações incontáveis e exaltando uma trajetória impecável, aqui estamos nós, admirando-o.

Mas o poder do feito é justamente a sua completa despretensão. Na história protagonizada por um Benedict Cumberbatch que tem a irmandade danificada de Jesse Plemons e sofre profundamente com as presenças de Kirsten Dunst e Kodi Smit-McPhee, inexiste a perseguição por um filme metido à sua própria manifestação. A precisão magistral da mente que roteirizou e dirigiu a adaptação do livro homônimo não queria saber de nada além de contar sua história. O mundo o recebeu como era devido e o escreveu uma Bíblia de elogios, porque este é o fenômeno genuíno que buscamos: com todo o clamor que lhe é direito, que Jane Campion seja louvada como a melhor de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a briga de Phil com Rose que surgiu de um improviso de Benedict Cumberbatch, e o momento que se desenrola a partir da rosa de papel feita por Peter.

Bar Doce Lar (The Tender Bar)

Numa sensível produção sobre laços familiares, Bar Doce Lar foi a melhor escolha para que Ben Affleck retornasse às telonas. O longa, que é baseado no livro de memórias homônimo de J. R. Moehringer, foi dirigido por George Clooney e co-estrelado por Tye Sheridan, Lily Rabe e Christopher Lloyd, além de Affleck. Sem dúvida que tais presenças hollywoodianas de peso garantiram a atuação no que marca a história: as relações. No entanto, a sinceridade que o ex-Batman deu para seu personagem de tio Charlie, e sua demonstração de amor na vida real para a criação do sobrinho JR, são as verdadeiras bases do filme, o tornando um dos mais bonitos de 2021.

Ainda que Affleck não seja o protagonista, seu desempenho rendeu a indicação ao SAG Awards de Melhor Ator Coadjuvante – uma mensagem nítida de que somos gratos por estar de volta aos trilhos. Sua presença foi vital para a construção do filme, pois tal qual JR, é fácil se apaixonar pelo tio Charlie. Dentro da narrativa, é justamente o roteiro seguro e a história simples que se destaca entre os outros filmes do ano, pois há familiaridade com a vida comum, de qualquer pessoa. Enquanto o menino cresce, seu desenvolvimento vem com as dúvidas, a raiva de um pai biológico distante, e o medo da monotonia acompanhar seu caminho, mas o que se sobressai é como o amor das pessoas que o cercam e o criam são o que o fazem continuar. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: JR criança sendo levado para o Dia de Pais e Filhos na escola pelo avô; Charlie oferecendo sua estante de livros para o sobrinho; e quando JR dá um soco no pai biológico.

Belfast

Dentre tantos filmes hollywoodianos populares, a comédia dramática Belfast, dirigida e escrita por Kenneth Branagh (Tenet, Assassinato no Expresso do Oriente), de origem britânica e quase biográfica, ganha destaque na simplicidade ao acompanhar a vida de uma família durante um período histórico conturbado. O filme é centrado na infância e visão lúdica de Buddy (Jude Hill), um menino de 9 anos, diante do intenso conflito entre católicos e protestantes na cidade onde ele e sua família vivem, Belfast, na Irlanda do Norte, no final dos anos 60 – período conhecido no país como “The Troubles“. É impossível não se emocionar ao ver a inocência de uma criança que tem sua ilusão de mundo perfeito interrompida por brigas e violência extrema bem em frente a sua casa.

Além da bela fotografia em preto e branco, e marcante trilha sonora composta por canções do também irlandês Van Morrison, o longa ainda tem como um dos seus grandes acertos o elenco, que reúne Caitriona Balfe, como Ma; Jamie Dornan, como Pa; e Judi Dench e Ciarán Hinds como avós do garotinho. Se você busca assistir algo que impacte o seu dia e ainda te ensine, não deixe de ver Belfast. Sucesso de crítica, além de vencer o prêmio Globo de Ouro como Melhor Roteiro em 2021, a obra já coleciona várias indicações ao Oscar 2022, como Melhor Filme e Melhor Roteiro Original; ao BAFTA Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: o conjunto de nuances que torna a cena de abertura incrível; e quando Buddy está no cinema com sua família, onde todos ficam maravilhados com o poder da Sétima Arte, que serve como refúgio e ao mesmo tempo um descanso para todo aquele caos vivenciado por eles.

Belle (Ryû to sobakasu no hime)

Muito mais do que apenas mais uma releitura de A Bela e a Fera, o novo longa de Mamoru Hosoda e do Studio Chizu é a culminação de sua carreira: uma explosão de emoções tão sinceras e intensas que seu clímax te fará cantar junto com os personagens ou te deixará completamente sem palavras. Combinando técnicas de animação 2D e 3D para a criação de seu glorioso mundo virtual, Belle é, ao mesmo tempo, uma íntima exploração de luto e do significado de comunidade em uma sociedade globalizada e uma grande ode ao poder transformativo do ato de amar.

Como seu título ocidental sugere, a nova iteração do conto francês foca especialmente em sua contraparte feminina. A jornada de Suzu (Kaho Nakamura) para lidar com a morte da mãe e o mistério que a leva a procurar pela identidade do Dragão (Takeru Satoh) dentro do ciberespaço convergem em uma performance musical em que todos os elementos do filme entram em sincronia para criar uma das sequências cinematográficas mais inesquecíveis do ano, conquistando cinco indicações no 49º Annie Awards, mas, infelizmente, ficando de fora da corrida pelo Oscar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Belle acha novamente sua voz no mundo de U; e a performance final de Suzu para salvar o Dragão.

Bo Burnham: Inside

“Espero que este especial possa fazer para vocês o que tem feito para mim nos últimos meses, que é me distrair da vontade de colocar uma bala na minha cabeça, com uma arma”, diz Bo Burnham, nos primeiros minutos de Inside, assumindo sem compostura alguma o caráter notavelmente autodepreciativo do seu humor. Porém, dando um tiro no pé, o novo especial da Netflix começa a consumi-lo de tal forma que, no final, se torna seu próprio martírio. Presenciamos intimamente o músico e comediante beirando a insanidade em detrimento da produção: ele para de se cuidar, deixando seu cabelo e barba crescerem; o quarto claustrofóbico, onde ele grava todas as cenas, acumula cada vez mais os equipamentos entulhados; e seu processo criativo fica ainda mais caótico, explorando temas desconexos com uma fotografia e musicalidade alucinadas.

Em meio a todo esse fuzuê, Inside surpreende quando, em vez de tentar reproduzir metodicamente a experiência de um show, usa a limitação da pequena sala ao seu favor para criar sequências estonteantes que jamais seriam possíveis em cima de um palco. Além disso, é tematicamente curioso como Bo transforma, de uma hora para outra, uma sátira cômica sobre o perfil de Instagram de uma garota branca em um monólogo fragilizado sobre o luto. Aqui, esse tipo de quebra ocorre o tempo todo. Claro, Burnham instiga risadas, mas nunca em um lugar de conforto. E, assim, cria um produto direto de 2020, desconcertante, que desafia seu público e termina entregando todo o fardo de um ano de isolamento em seu colo. Como lidar com tamanho peso? É nessa dúvida que nasce Bo Burnham: Inside. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: a sequência musical de White Woman’s Instagram; a virada para os 30 anos; e a esquete de “auto-gameplay”.

Bottled Songs 1-4

Como mensagens escondidas em garrafas encontradas ao acaso em um rio, as quatro Canções Engarrafadas são um belo achado. Resultado das trocas de e-mail entre os criadores Chloé Galibert Leiné e Kevin B. Lee, o filme é um compilado de quatro ensaios investigativos, inteiramente capturados na tela de dois computadores, acerca de como a imagem do Estado Islâmico é perpetuada e ressignificada na internet. Pareceu chato? Engano seu: Bottled Songs é tenso, reflexivo, hipnotizante, e, com seus discretos 77 minutos de duração, é uma das grandes descobertas escondidas de 2021.

O filme completo ou apenas segmentos específicos foram exibidos em diversos festivais ao redor do mundo, além de integrar a programação do 5º Festival Ecrã de Experimentações Audiovisuais. Fugindo de um experimentalismo vazio e mal justificado, Bottled Songs é uma obra bastante acessível, que traz reflexões profundas sobre a geopolítica em tempos de internet, a natureza das imagens, e a nossa complexa relação com elas. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: o primeiro segmento, que investiga a trajetória e as motivações de um vídeo da ISIS propagado pela mídia; e o segundo que disseca um longa-metragem de propaganda jihadista. 

Cabeça de Nêgo

Se já estamos cansados de lidar com a realidade corrupta e mascarada da política brasileira, Cabeça de Nêgo nos faz engoli-la à força. Dirigido por Déo Cardoso, o longa cearense alinha-se no cerne do movimento estudantil no país. A narrativa tem como figura principal o aluno Saulo (Lucas Limeira), que, inspirado pelos Panteras Negras, inicia um protesto no colégio em que estuda. A manifestação começa de forma silenciosa, até que toma as vias das redes sociais e se espalha pelos corredores da escola como uma bomba-relógio. 

A genialidade de Cardoso na obra se pauta pela simplicidade. Com apenas uma locação e poucos componentes na trama, o roteiro é capaz de escancarar questões como racismo, brutalidade policial e as ardilosas falhas na política e na imprensa brasileira. Sutil, assim como nossa realidade costuma ser. Além de dar força para as revoluções há muito desprezadas. Cabeça de Nêgo figurou na lista de pré-indicados para representar o Brasil no Oscar, e já é um das maiores produções da cinematografia nacional. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: Saulo lendo ao som de Sorrisos e Lágrimas; a reunião de professores; e a cena final do protesto dos alunos. 

Chorão: Marginal Alado

Saudoso e simbólico, os defeitos técnicos de Chorão: Marginal Alado foram acobertados pela sua capacidade de ter, simultaneamente, confortado e quebrado o coração de quem o assistiu. Em meio às lágrimas de saudade, o documentário dirigido por Felipe Novaes fez o incrível trabalho de resgatar a memória de Alexandre Magno Abrão para além da sua persona artística. Feroz nos palcos e carinhoso nos bastidores, o acesso a gravações inéditas trouxe à tona o feio e o belo de uma das figuras mais emblemáticas da história do rock nacional. 

Quem escolheu o filme entre as tantas opções do catálogo da Netflix saiu com os sentimentos à flor da pele. A verdade é que o vocalista do Charlie Brown Jr. ainda visita as mentes dos fãs, e os depoimentos tocantes do documentário causaram efeitos colaterais, como a presença letal do testemunho de Champignon. Vencedor do prêmio do público de Melhor Documentário Brasileiro da 43ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, Chorão: Marginal Alado é uma montanha-russa de emoções. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a filmagem de uma fã se declarando para Chorão após um show, pois ela não tinha dinheiro para comprar os ingressos e ele a conforta; e o depoimento emocionante de Champignon.

Colmeia (Zgjoi)

Colmeia soma conquistas para provar que mereceu seu lugar no “Melhores de 2021”. O filme saiu com três prêmios do Festival de Cannes 2021, sendo o primeiro a levar tantos troféus em categorias principais, abocanhou mais alguns em Sundance, passou com sucesso pela 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, e, agora, integrou a lista de submissões de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022. Escolha oficial do Kosovo, o longa recria a história real de Fahrije Hoti, uma mulher kosovar, que, após ter seu marido desaparecido na Guerra de Kosovo, enfrenta o patriarcalismo e o machismo local para sustentar a família, sozinha.

O roteiro e a direção de Hive (título em inglês) são assinados por Blerta Basholli. Na figura de Fahrije, interpretada profundamente por Yllka Gashi, a cineasta reivindica a responsabilidade de mostrar o dia a dia das mulheres kosovar e as consequências de um conflito que deixou mortos e desaparecidos, unindo os dois e os apresentando da perspectiva feminina – o que, no país, é justamente o problema. Introspectivo, extremamente sensível e necessário, Colmeia impacta e emociona ao retratar a realidade, mas também ao deixar uma mensagem de esperança. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: quando Fahrije consegue o apoio das mulheres da vila; Fahrije e as mulheres da vila conversando enquanto produzem ajvar; e Fahrije cuidando das abelhas, ao final do filme.

Controlling Britney Spears: Em Busca de Liberdade (Controlling Britney Spears)

“Ultimamente, as pessoas tentam me manter amarrada/Há uma contagem regressiva esperando para que eu entre em erupção”. A letra de I Wanna Go resume a narrativa da luta de Britney Spears e os seus fãs pelo fim da sua tutela. Controlada pelo pai há anos, Controlling Britney Spears trouxe fatos concretos e detalhou o cenário abusivo em que a princesa do pop se encontrou por tanto tempo. Com uma apuração excelente do The New York Times, o caso mais comentado do ano de 2021 foi investigado em profundidade, fato que aumentou ainda mais a adesão do público. 

A sequência de Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela abordou a relação entre tutelar e tutelado a partir de uma visão crítica sobre o sistema judiciário americano. Ao expor a fraqueza da legitimidade da tutela, os relatos assustadores de pessoas que trabalharam para o pai de Britney Spears ganharam credibilidade. Para além, o documentário também expôs como Jamie Spears não agiu sozinho, mas acompanhado de uma rede de suporte, cuja intenção se mostrou questionável. Agora livre, a artista deve lançar um livro contando a sua própria história. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: os primeiros minutos do documentário com a presença dos fãs do lado de fora do tribunal; e as revelações sobre o esquema de segurança contratado pelo pai de Britney Spears.

Cruella 

Com grandes investimentos na produção de live-actions de suas obras icônicas, a Disney, dessa vez, entregou um fantástico filme solo de uma de suas vilãs mais famosas: Cruella. Transbordando estilo, personalidade, atuações certeiras e impecáveis, e uma singular história de origem, o longa conquistou seu espaço entre os melhores filmes de 2021. Emma Stone dá vida a uma representação brilhante da complexa Cruella De Vil, em todas as suas camadas. Além da certeira escolha de Stone para o papel, o elenco também conta com a admirável Emma Thompson, como a antagonista Baronesa.

O filme de Craig Gillespie equilibra perfeitamente o drama pessoal da tímida e solitária Estella, com a ousadia e acidez de Cruella. O resultado são 134 minutos que enlaçam o telespectador e o hipnotizam com um show visual e musical, simultâneos à cativante trajetória da anti-heroína. Vencedor de Melhor Filme de Drama no People’s Choice Awards 2021, o longa concorre ao Oscar 2022 nas categorias de Melhor Figurino e Melhor Cabelo e Maquiagem. Jenny Beavan, designer e duas vezes vencedora do Academy Awards, coloca Cruella sob holofotes – e na passarela – com seu figurino impactante e inventivo. Além disso, apesar de desentendimentos de Emma Stone com a Disney, devido ao lançamento do filme no Disney+, Cruella 2 já é um projeto em andamento, e conta com o retorno da atriz. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: as criativas e divertidas entradas de Cruella nos eventos em que a Baronesa atenderia, roubando a cena para si, das formas mais inusitadas possíveis; outra cena favorita é o monólogo de Cruella, mais próximo do final do filme, que revela muito sobre a personagem, suas revoltas e o que a tornou uma excêntrica vilã.

Deserto Particular

Na difícil função de representar o Brasil no lugar mais importante do Cinema mundial, Deserto Particular desempenha sua função como poucos filmes selecionados para tal conseguem fazê-lo. É uma pena, no entanto, que o encanto da obra de Aly Muritiba não esteja entre os indicados finais ao Oscar de Melhor Filme Internacional. Mas o fato aqui é outro, e a história, iniciada quando Daniel (Antonio Saboia) parte corajosamente em busca do amor e encerrada numa quase conquista plena de objetivos, tem muito a nos ensinar. 

Primeiro, Deserto Particular é mais uma confirmação de que delicadeza nada tem a ver com lassidão. O roteiro, que Muritiba também assina em dupla com Henrique dos Santos, coloca sua força na voz calma de Robson (Pedro Fasanaro), como a forma mais fiel de expressar a existência em meio à dureza que o Brasil reserva para a sua população LGBTQIA+. Já para os ensinamentos que a história deixa para os aspectos mais amplos e complexos da vida, não vale nenhuma tentativa de explicação. O sentir é a ação mais importante que o filme deixou para essa lista de Melhores de 2021. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: o momento em que Sara e Daniel dançam juntos ao som de Total Eclipse of the Heart; e o diálogo de Robson e Daniel à beira do rio.

Drive My Car (Doraibu mai kâ)

Desde a vitória histórica da produção sul-coreana de Bong Joon-Ho, Parasita, na categoria de Melhor Filme no Oscar 2020, a Academia tem-se tornado, ainda que bastante acanhadamente, aberta para a quebra dos paradigmas além-Hollywood: em 2021 vimos a segunda diretora e primeira mulher não-branca, Chloé Zhao, a levar a estatueta de Melhor Direção, e em 2022, parece ser a vez da adaptação nipônica do conto homônimo de Haruki Murakami, Drive My Car – indicado a quatro categorias na premiação deste ano, incluindo Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção para Ryûsuke Hamaguchi.

Um filme profundamente humano, Drive My Car se excede ao testemunhar os relances de beleza no ordinário, ainda que em instantes muito breves seguidos pelos sentimentos mais opressivos do ser. Luto, impassibilidade e culpa delineiam as quase três horas de duração da obra, regida por uma barreira espessa de incomunicabilidade que é ultrapassada somente pelo artifício da Arte. A atuação catalisa o drama dos protagonistas, obrigados a encarar as próprias emoções pelo reflexo de suas personagens a serem interpretadas. Dentro de um Saab 900 vermelho ou sobre o palco de um teatro, os singelos momentos de calor compartilhado emocionam, com palavras ditas ou não. Beep beep beep beep, yeah. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: o transe criativo de Oto pós-sexo; a interpretação silenciosa de Sonia no ato final da peça teatral; e o breve momento de calor entre Misaki e Yûsuke, quando ambos erguem seus cigarros para fora do carro, com as mãos próximas uma das outras.

Duas Tias Loucas de Férias (Barb and Star Go to Vista Del Mar)

Às vezes, tudo o que precisamos é de uma vista para o mar, um dia ensolarado, culottes, um coquetel colorido e Duas Tias Loucas de Férias. Reunindo as estrelas de Saturday Night Live, Annie Mumolo e Kristen Wiig – dupla cuja colaboração anterior resultou no sucesso de Missão Madrinha de Casamento –, o filme dirigido por Josh Greenbaum acompanha as aventuras das melhores amigas, Barb (Mumolo) e Star (Wiig), ao deixar sua pequena cidade natal pela primeira vez com destino para Vista Del Mar, na Flórida. E envolvidas por uma explosão de cores saturadamente pastéis, o roteiro pastiche se rende completamente ao ridículo, no melhor sentido da palavra.

O que inicialmente parecem ser férias tranquilas, logo enreda as parceiras inseparáveis em noitadas intensas, romances de verão e um plano maligno de uma vilã flamboyant à la Dr. Evil do universo cinematográfico de Austin Powers. Mocinhas, vilãs ou nenhuma delas, as protagonistas são assumidamente caricatas, desde o figurino exagerado até o diálogo desconfortável. Mas ainda que com o perigo trapaceiro de cair no pedantismo, é na artificialidade que o humor bizarro de Duas Tias Loucas de Férias encontra a inocência genuína. A amizade, o amor e mesmo a maldade, tudo é inocente, numa zorra total que possui todos os requisitos para se tornar um clássico cult daqui a 10 anos. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: abertura ao som de Guilt; encontro do “clube da fala”; e cena musical na praia com Jamie Dornan dançando balé.

Duna (Dune) 

Não é segredo para ninguém que Duna foi um dos grandes marcos no cinema de 2021. Mesmo sendo um filme essencialmente longo (com 2h35min de duração) e sem cenas de ação extremas, a produção garantiu um sucesso estrondoso e uma bilheteria avassaladora, apesar de ter seu lançamento simultâneo no cinema e na plataforma de streaming HBO Max. Com uma fotografia impressionante (responsabilidade de Greig Fraser), um elenco de peso – especialmente o trio de estrelas: Timothée Chalamet, como o protagonista Paul Atreides; Jason Momoa, interpretando o espadachim da família Atreides, Duncan Idaho; e Zendaya, no papel de Chani – e uma história de tirar o fôlego, Duna faz um ótimo trabalho trazendo vida à obra de Frank Herbert e garantindo uma nova legião de fãs. 

Girando em torno da chegada da família Atreides no planeta Arrakis, produtor da importante mélange (especiaria), e do processo de autodescobrimento do protagonista, o longa introduz o espectador ao universo que conta com muitos conflitos envolvendo a crença, a política e questões de moral e lealdade. Talvez um dos maiores acertos dessa adaptação comandada por Denis Villeneuve tenha sido dividi-la em partes, nessa primeira foi possível contemplar com calma os personagens e componentes desse universo, ideal para aqueles que caíram de paraquedas no cinema ficarem com um gostinho de quero mais. A segunda parte foi confirmada no dia 26 de outubro de 2023, e só resta esperar para que seja tão impressionante quanto a primeira, que já foi indicada a várias premiações, incluindo o Oscar de Melhor Filme. – Gabrielli Natividade da Silva 

Cenas Favoritas: a sequência do ataque à família Atreides; e a fuga de Paul e sua mãe, Jessica (Rebecca Ferguson). 

Encanto

Fazendo jus ao seu título, Encanto é uma animação musical mágica e deslumbrante da Disney, lançada em novembro de 2021. Dirigida por Byron Howard e Jared Bush, com co-direção de Charise Castro Smith, ela apresenta com sensibilidade e leveza os dramas da protagonista Mirabel Madrigal (Stephanie Beatriz), que embarca em uma aventura no meio de sua própria casa – e família. O filme tem um visual estonteante, com muitas cores chamativas e cenários inventivos e agradáveis. Para acompanhar a trama criativa e interessante, a trilha sonora original de Lin-Manuel Miranda é singular e notável, com músicas que permanecem na mente do telespectador por dias. A música We Don’t Talk About Bruno (Não Falamos do Bruno, no Brasil) atingiu o topo da Billboard e superou, até mesmo, Let It Go, grande sucesso de Frozen (2014). 

As cenas musicais são divertidas, dão ritmo ao desenvolvimento da história e tornam toda a experiência ainda mais envolvente, fazendo do filme um dos melhores de 2021. Encanto é emocionante, imersivo, e sabe contrastar a leveza e alegria dos moradores de uma vila encantada na Colômbia, com comoção e sutileza, para passar uma linda mensagem sobre amor e família. O longa ganhou o prêmio de Melhor Animação, no Globo de Ouro, e concorre ao Oscar 2022 em categorias como Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Canção Original, com Dos Oruguitas, e, novamente, em Melhor Animação. – Mariana Nicastro

Cenas Favoritas: a icônica cena da música We Don’t Talk About Bruno, toda a apresentação é divertida e a música é incrível; a cena entre as personagens Isabela e Mirabel, acompanhadas da música What Else Can I Do?, também é maravilhosa, com um show de cores e flores; e a conversa entre Mirabel e sua avó Alma na beira do lago.

Eternos (Eternals)

Há tempos que um filme de super-herói era instigante a ponto de gerar discussões que fossem além de teorias. É o caso de Eternos, que, em 2021, teve uma recepção infame pelo público e crítica. Todavia, faltava criatividade no MCU muito antes disso. No Cinema, a fórmula Marvel se provava esgotada, impossibilitada de construir personalidade própria e dependente de legados pretéritos. Ao passo que, as apostas na Televisão, que pareciam inovadoras de início, apenas reiteraram o modus operandi do estúdio, que converte qualquer ideia ousada em um pastiche superficial e genérico. Quando as aventuras de proporções cósmicas daquele multiverso são tão inconcebíveis que se tornam praticamente irrelacionáveis, é na sobriedade que a Marvel Studios reencontra o brilho que fez sua franquia estourar em 2012. Foi o que ocorreu no escopo das séries, e agora também nas telonas, com Eternos. 

E não é que o filme abandone o padrão de seus exauridos antecessores, apresentando a redundância de uma ameaça global que levará a humanidade à extinção. Isso está presente, porém, não passa de um plano de fundo. Ao invés, o foco aponta para o imenso elenco de protagonistas, formado por criaturas divinas, quase deuses, que, pelo incrível toque da direção de Chloé Zhao, são subvertidos à condição mais inerentemente humana, se misturando a nós e lidando com dilemas plenamente tangíveis. O esforço de Zhao em imprimir ao máximo sua identidade em Eternos, evitando o uso excessivo de CGI e gravando a maior parte das cenas em locações, dá vida à narrativa e a transforma na experiência mais bonita, poética e contemplativa de toda a trajetória da Marvel. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Gilgamesh e Sprite acalmando Thena com visões do passado; o primeiro encontro com Phastos; e o flashback de Ikaris com Ajak.

Evangelion: 3.0+1.01 A Esperança (Shin Evangelion Gekijouban:||)

A primeira hora de Evangelion: 3.0+1.01 Thrice Upon a Time é, possivelmente, a mais contida da história da saga. Fiel à essência de seu material original, porém sempre a evocando de maneira revigorante, o quarto e último filme da série Rebuild of Evangelion encontra seus primeiros resquícios de fé em uma vila de sobreviventes do Terceiro Impacto, que continua semeando mesmo depois do mais literal dos apocalipses. Os protagonistas, aprisionados em seus corpos adolescentes e impossibilitados de amadurecer, voltam a experienciar, depois de muito tempo, uma vida normal. Rei Ayanami, em especial, tem um contato virginal com o convívio em comunidade, se conectando com aqueles ao seu redor através das mais simples tarefas e, desse modo, moldando sua individualidade.

No cerne dos conflitos emocionais de Evangelion está o dilema do ouriço: que precisa do calor de outros para sobreviver, mas que se machuca ao se aproximar demais de seus espinhos. Dizer que Thrice Upon a Time resolve esse impasse talvez seja muito ousado, entretanto, ao menos, dá o primeiro passo. Apesar do início comedido, a ação frenética e abstrativa já conhecida pelos fãs alcança seu auge visual na segunda metade. Por meio de uma animação estonteante, que leva as técnicas tradicionais para outro patamar, é traduzido com fascínio o processo de morte e renascimento, literal e figurado, que os personagens vivenciam. Ao término dessa metamorfose visceral, Shinji entra em harmonia com suas feridas, assume suas virtudes, encontra a prometida esperança e, finalmente, se torna capaz de crescer. Evangelion: 3.0+1.01 alcança a utopia depois de 26 anos, e é um privilégio poder presenciá-la. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: Rei aprendendo a plantar junto as outras mulheres da vila; o momento em que Asuka tira o seu tapa-olho; e a última conversa entre Gendoh e Shinji.

Flee (Flugt)

Cada vez mais, as possibilidades inventivas dos documentários atraem o grande público. Com Flee não foi diferente. Muito bem fundamentado como uma produção documental, o filme de Jonas Poher Rasmussen ainda se beneficia da beleza narrativa da animação para criar um longa-metragem completamente singular, que dedica seus 120 minutos de história ao desenvolver retratos de migração forçada e reflexões sobre vida e liberdade à margem da sociedade. Combinando a maestria de sua execução com a importância de seus temas, o filme é um ambiente de contrastes, estéticos e narrativos, que oscilam entre uma revelação ora dolorosamente próxima, ora deliciosamente harmônica.

Assim, não é difícil entender porque Flee se garantiu nos principais festivais e premiações de Cinema pelo mundo. O percurso, iniciado em Sundance, com passagens de exibição por Cannes e Toronto e com indicações no BAFTA, Critics Choice Awards e PGA, termina com todo o louvor que merece no Oscar 2022. Lá como a primeira animação na briga pela “tríplice coroa” da Academia, a produção independente da Dinamarca é considerada para as brilhantes categorias de Melhor Documentário, Melhor Filme Internacional e Melhor Animação e nem precisou garantir vitória para fazer história. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: os momentos de Amin quando criança; e o desabafo do personagem no final do filme. 

Friends: The Reunion

Quase 20 anos depois do fim de Friends, não havia presente melhor a ser dado para todas as pessoas que tiveram suas vidas mudadas pela série do que ver Matt LeBlanc, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, Courteney Cox, David Schwimmer e Matthew Perry juntos novamente, dentro da sala do apartamento 20. O especial Aquele com a The Reunion de Friends foi um dos lançamentos mais incríveis de 2021, uma dose saborosa de amor e saudade sobre a amizade sincera que transcende roteiros. Dotada de naturalidade e espontaneidade, a conexão dos atores após duas décadas arrancou lágrimas – inclusive deles mesmos.

Os momentos gloriosos do especial foram justamente aqueles em que o grupo se encontrava sozinho, fazendo piadas uns com os outros, compartilhando memórias especiais da época em que filmavam a sitcom. Afinal de contas, a intimidade entre um grupo de amigos é o que conquistou uma legião ao longo do tempo, e descobrir onde Courteney escondia papéis com suas falas pelo set deixou claro que a sensação nunca irá embora. Se relembrar é viver, a mistura entre os atores lendo cenas antigas e flashbacks dos momentos favoritos da série foi crucial para Friends: The Reunion se tornar inesquecível. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: os atores entrando no set da série que foi recriado; Lisa Kudrow relendo a cena em que descobre o relacionamento de Chandler e Monica; e o quiz entre o elenco.

Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home)

Mesmo não sendo um coming-of-age, o fechamento da maltratada trilogia do Amigão da Vizinhança no solo da Marvel é um ótimo filme de amadurecimento. Aqui, Peter Parker (Tom Holland) finalmente ganha seu arco dramático no MCU, e tanto o Teioso como o diretor Jon Watts se consolidam no universo Marvel. Abusando da nostalgia e da nova fórmula de vários heróis e vilões em tela que deu certo com Guerra Infinita e Ultimato, Homem-Aranha: Sem Volta para Casa é uma festa de personagens do imaginário do Cabeça de Teia e uma celebração da figura mais popular e querida da Casa das Ideias.

O filme é um exercício de retcons e fan-services muito consistente e que respeita toda a história do Aranha nas telonas, de forma a agradar gregos nostálgicos de Sam Raimi e os troianos órfãos de Marc Webb. Sem Volta para Casa foi feito sob medida para todos seus fãs e também para os críticos de Tom Holland ao abandonar a dinâmica falha de Peter Parker ser um protagonista omisso e resumido a pet de um herói mais estabelecido. Ele talvez seja uma das produções mais ousadas da Marvel ao abordar o peso e os sacrifícios que uma habilidade sobre-humana exige, tanto da parte dos heróis como dos vilões (que roubam a cena). O Homem-Aranha não é o herói que queremos, mas o que precisamos. E, esse filme, era o que queríamos e precisávamos. – Guilherme Veiga

Cenas favoritas: a sequência de Peter Parker, Tia May, Electro, Homem-Areia, Dr. Octopus e Duende Verde no apartamento do Happy; aquela cena do Ned tentando achar o Peter abrindo os portais do Dr. Estranho; e o diálogo do “com grandes poderes vem grandes responsabilidades” entre os três personagens no alto da escola.

Identidade (Passing)

Rebecca Hall tem emendado trabalhos exemplares, mas 2021 marcou uma virada para a atriz, que se tornou diretora com Identidade. Adaptando o livro de Nella Larsen, a jovem cineasta escolhe marcar sua carreira contando a história de Irene (Tessa Thompson) e Clare (Ruth Negga), duas amigas negras da época do colégio que cresceram e perderam o contato. Já na vida adulta, uma desavisada Irene se depara com Clare, que se “passa” por branca em um estabelecimento da elite. O conflito nasce do choque pelo absurdo da situação, ao passo que a personagem de Thompson acaba por repensar toda sua conduta.

O resultado dessa epifania é fotografado em caixa menor e sob as lentes do preto e branco, detalhes sutis, mas sagazes, do controle criativo de Hall. Sucesso no Festival de Sundance, Identidade foi comprado pela Netflix e distribuído com esperanças de reconhecimento nas premiações. Por mais que tenha ficado de fora da maior delas, o longa-metragem não apenas impressiona pela maturidade e pelo estilo de tratamento de seus variados e delicados temas, mas também recompensa o público do streaming, que já cansou de consumir a mesma porcaria toda semana. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a dilacerante troca de olhares escondidos em cardápios; e a sequência final, quando Deus poda as asas da liberdade.

King Richard: Criando Campeãs (King Richard)

Frutos de um plano de 78 páginas, o filme biográfico sobre Richard Williams e as carreiras de suas duas filhas, Venus e Serena, foram sucessos de suas próprias épocas. Se, nos anos 90, o Tênis precisava de duas jovens negras dispostas a fazer história, o ano de 2021 precisou de um longa dramático, motivacional e baseado em fatos reais. Muitas vezes configurado como Oscar Bait, King Richard: Criando Campeãs realmente garantiu indicações nas principais categorias do prêmio tão cobiçado por Hollywood, mas também se mostrou digno do apreço crítico e popular.

Protagonizado por Will Smith, o ator contou com um elenco de peso e um roteiro à altura para construir o seu personagem. Ao lado de Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney e Demi Singleton, o relacionamento familiar em cena destacou o melhor da atuação de todos. Enquanto os escritos de Zach Baylin e a direção de Reinaldo Marcus Green trouxeram para a tela o desenvolvimento impecável da história. King Richard: Criando Campeãs se originou de um plano e, assim como o seu protagonista, conseguiu executá-lo com maestria. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: o momento em que Richard Williams tenta defender suas filhas do assédio; e a primeira partida profissional de Venus contra a segunda melhor tenista do mundo na época.

Lamb (Dýrið)

A produção de Valdimar Jóhannsson pode causar estranheza num primeiro momento, mas, aos poucos, dá espaço para uma história peculiarmente aconchegante. Um casal islandês tem sua rotina baseada na criação de ovelhas em sua pacata fazenda. Convivendo com as dores de uma perda recente, eles são gratificados pela dádiva de um bebê-ovelha, nomeada como Ada. E isso é tudo que você precisa saber. 

Se os angustiantes e silenciosos minutos da obra podem sugerir uma narrativa sobre uma monstruosidade ou algo do tipo, Lamb consegue provar o contrário. Coproduzido pela Islândia, Suécia e Polônia, o filme transita entre diferentes gêneros, centrando-se principalmente num drama familiar. Sem a necessidade de grandes metáforas ou reviravoltas, a narrativa fascina pelo seu aspecto fantasioso, mostrando sutilmente as diferentes formas que o ser humano encontra para lidar com as adversidades quando é movido pelo amor. Vencedora do prêmio de originalidade do Festival de Cannes, a produção também havia sido a escolhida da Islândia para representar o país no Oscar 2022. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: o almoço em família; e qualquer outra cena da Ada fazendo alguma coisa. 

Licorice Pizza

É difícil encontrar um filme ruim na carreira cinematográfica de Paul Thomas Anderson (PTA). Ele é um desses diretores que conseguem manter um nível alto de execução e idealização, deixando sua marca em todos os longas. Seja nas adaptações de livro – como Vício Inerente (2014) e Sangue Negro (2007) –, seja nos excelentes roteiros originais – Boogie Nights (1997), Magnólia (1999) e Trama Fantasma (2017). Em Licorice Pizza, Anderson dá segmento a essa última característica, e cria uma história fantástica sobre as dificuldades de amadurecer e amar em tempos de crise (no filme, a Crise do Petróleo de 1973).

A bem da verdade, o diretor subverte o gênero das comédias românticas em Licorice Pizza, e cria uma trama que dá protagonismo a Alana Kane (Alana Haim) ao invés de Gary Valentine (Cooper Hoffman), o jovem rapaz de 15 anos apaixonado pela mulher de 25. É sobre amadurecimento, sim, mas à moda de PTA: os dois personagens se inserem na venda de colchões d’água, entram em campanhas políticas e o garoto chega a ir preso por alguns minutos. É uma história de amor à moda antiga, na qual os personagens movimentam-se junto a História social, completamente perdidos nas ebulições culturais dos anos 1970. Ao manter o relacionamento de Gary e Alana no campo do amor platônico, o diretor reveste Licorice Pizza de uma aura nostálgica, criando um belo tratado sobre os amores possíveis. – Bruno Andrade

Cenas Favoritas: a cena inicial, quando Gary Valentine (Cooper Hoffman) começa a conversar com Alana Kane (Alana Haim); o momento em que eles abrem o negócio de colchões d’água; e a cena final. 

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League)

Injustiçado, Zack Snyder finalmente conseguiu dar vida ao seu espetáculo sobre os super-heróis mais clássicos da DC Comics, no ano de 2021. A Liga da Justiça de Zack Snyder reuniu na tela do streaming HBO Max o melhor dos dois mundos: uma cinematografia madura e um enredo recheado de fan service para os leitores de quadrinhos que amam a nostalgia. Se, na versão de 2017, Joss Whedon falhou miseravelmente ao subtrair a profundidade do universo em busca de replicar uma fórmula fajuta de sucesso comercial, Snyder encarou uma indústria cada vez mais superficial, com uma obra de quatro horas filmada em 4:3.

O rastro de desastre deixado por Whedon incluiu acusações de racismo pelo ator Ray Fisher, responsável por interpretar o Ciborgue, e rumores de assédio com uma dublê da Mulher-Maravilha. Não à toa, a Liga da Justiça de Zack Snyder compilou diversas cenas de Victor Stone que foram descartadas do primeiro filme e também não sexualizou a guerreira amazona como no longa passado. Fazendo justiça dentro e fora da narrativa, a edição estendida prometeu e entregou tudo o que os participantes do movimento Release The Snyder Cut esperavam. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena completa e não-sexualizada do momento em que a Mulher-Maravilha luta contra um ataque terrorista no museu; e a introdução do Flash e os seus poderes em um pet shop.

Luca

Antes de qualquer coisa, é importante ressaltar: sim, Luca, da Pixar, é um filme muito gay. Indícios disso estão nas notáveis referências de A Pequena Sereia – que também é muito gay –, nos paralelos temáticos e estéticos com Call Me by Your Name, e até na própria relação entre os protagonistas Luca e Alberto (Jacob Tremblay e Jack Dylan Grazer), que é claramente codificada como um romance – o que sequer seria uma questão, caso fossem de gêneros opostos. Nesse sentido, o que o diretor, Enrico Casarosa, tem a dizer não faz diferença, porque todos os outros elementos do longa apontam para o lado inverso. Independente de suas intenções, o cineasta se apropria de signos específicos para compor sua narrativa, e esses signos carregam significados, quer queira ou não. O Cinema tem contado as histórias de pessoas queer através de alegorias desde seu princípio, e o mínimo que Casarosa deveria fazer é ter coragem para assumir esse fardo.

Sobre a trama, acompanhamos dois monstros marinhos (Rodrigo Cagiano e Pedro Miranda no Brasil): Luca, que tem o sonho de conhecer a superfície, mas é impedido pelo medo e por seus pais conservadores; e o atrevido Alberto, que balança esse status quo ao cativar Luca e o convencer a fugir de casa, para que vivam aventuras juntos. Porém, ao chegarem até terra firme, se deparam com um ambiente hostil e violento contra sua espécie e, por isso, precisam se passar por humanos. Indo além do realismo mágico ao se inspirar no Studio Ghibli, a animação é repleta de subtexto sobre autodescoberta e preconceito, retratando relações humanas com franqueza, ao mesmo tempo que encontra sua veracidade na pureza da infância. Ao seu fim, Luca prova-se único não porque questiona o sentido divino da vida, mas porque, pelo contrário, entende que são nas histórias mais palpáveis que conseguimos formar os vínculos mais intensos. – Enrico Souto

Cenas Favoritas: cena em que Luca e Alberto finalmente conseguem descer da ladeira com a Vespa improvisada; a revelação de Alberto para Giulia; e a despedida no trem.

Mães Paralelas (Madres Paralelas)

Por mais que o título aparente, a nova produção de Almodóvar não é um filme sobre maternidade. Ou, pelo menos, não apenas sobre isso. Centrando-se na espontânea relação originada a partir do encontro de duas mães, Janis (Penélope Cruz) e Ana (Milena Smit), que dão à luz a suas filhas no mesmo dia, o diretor espanhol prova mais uma vez a potência da sua forma de fazer Cinema. No pano de fundo, a protagonista também trava uma batalha para tentar recuperar os restos mortais de seu bisavô, morto pelo Franquismo.

De conflitos e complexidades maternas já temos A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal, logo, é nas miúdas entrelinhas que a força da narrativa de Mães Paralelas se constrói. Com reviravoltas que poderiam superficialmente gerar um conflito entre as personagens principais, Almodóvar consegue facilmente conduzir a produção para a maneira como o fio da vida de Janis e Ana se conecta historicamente, junto ao de outros espanhóis. E é nessa sutileza que entrega uma das maiores obras de 2021. – Vitória Silva

Cenas Favoritas: Janis contando sobre as mulheres de sua família para Ana; o reencontro entre as duas personagens; e a cena final do filme. 

Maligno (Malignant)

Existem diversos momentos em Maligno, o novo filme de James Wan, em que você se pega pensando que aquilo não pode ser real. Seja num diálogo em que uma informação normal é entregue com toda a gravidade de um plot twist ou quando o plot twist de fato se revela e é diferente de tudo que você pudesse ter imaginado até então. Há um verdadeiro senso de surrealismo no longa que, junto de sua trama doida, nos deixa em estado semidesperto constante, no qual as barreiras entre o factual e o imaginário se diluem e, de repente, tudo é possível.

Mais do que apenas uma homenagem ao gênero de Terror, giallos e slashers, Maligno é uma celebração do Cinema em si, e de sua habilidade de nos transpor para outros espaços com um mero corte e de nos fazer sonhar junto de seus personagens. O longa transborda personalidade e estilo em cada frame, desde seu cover sombrio de Where Is My Mind? até a excelente colorização acentuada de várias cenas. A estética se torna substância na trama demente e divertida de um assassino perturbador e a única mulher capaz de prever psíquicamente seus crimes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: o prólogo no sanatório na colina; a fita VHS que expõe o plot twist; e, basicamente, todo o terceiro ato.

Marighella

Desesperador, angustiante e de arrancar um grito agoniado da garganta, essa é a definição do filme de Wagner Moura, que foi sua estreia na direção. Censurado por longos dois anos pelo governo Bolsonaro, Marighella foi uma das, senão a melhor, estreia de 2021, deixando um gosto misto de terror e esperança, tal qual a mensagem de Carlos Marighella na história. Usando como base o livro de Mário Magalhães, o longa sobrepôs o Guerrilheiro que Incendiou o Mundo para desmentir as invenções da Ditadura Militar que o assassinou a tiros em 1969. Da mesma forma, contrária à vilania criada por um regime sujo, descobrimos um ser humano por completo, dotado de amor pelas pessoas a sua volta, demonstrando coletividade e companheirismo, e, principalmente, o que é ser brasileiro de fato. 

A obra não só resgatou a memória do Guerrilheiro e dos militantes, como também fez o papel de devolver o significado de amar o próprio país – uma identidade que está do lado oposto ao que a galera pró-governo defende quando veste a camisa da Seleção de Futebol do Brasil. Feito um soco no estômago, a violência do filme de Moura fica mais nauseante quando notamos que suas podres figuras estão presentes fora da tela, dando outro nome à tortura, sufocando a democracia, e roubando o significado do fazer parte do povo. Mais do que isso, Marighella aflora a vergonha e culpa pelo esquecimento de quem lutou pelo país, junto de uma poderosa vontade em resgatar o orgulho de ser patriota. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: Marighella banhando o filho Carlinhos no mar; tortura de Jorge nos porões da Ditadura; e o pós-créditos em que o grupo militante canta o hino nacional. 

Mass

Em uma sala nos fundos de uma igreja, quatro pessoas se encontram para conversar. Dois casais atormentados pelo luto sentam-se frente a frente, com lágrimas nos olhos e gargantas arranhando. Acontece que isso se trata de um exercício recorrente na vida deles: desde que um tiroteio tomou parte na escola de seus filhos, levando a vida de ambos, os adultos precisam se ver. Brutal e honesto, Mass se vende pela força do melhor elenco de 2021, aliado ao texto mais candido.

O diretor Fran Kranz (conhecido por atuar como o arquétipo maconheiro em O Segredo da Cabana) tem em sua posse um um cenário arejado, uma mesa de centro e quatro dos melhores atores da atualidade para baterem bola. Se Reeb Birney internaliza e foge de confrontos, Jason Isaacs mantém as íris umedecidas por duas horas. Martha Plimpton vocifera em silêncio, e a majestosa Ann Dowd transforma linhas em um página no mais resplandecente ouro. No fim, o Cinema não precisa de nada além disso. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o momento em que descobrimos quem é pai de quem; e o brutal monólogo de Ann Dowd, rasgando o peito e implorando por uma violência que nunca aconteceu.

Matrix Resurrections (The Matrix Resurrections)

Em 1999, as Irmãs Wachowski revolucionaram o gênero da ficção científica com o primeiro filme da trilogia Matrix. Filtros verdes, kung-fu, looks góticos regados de látex e óculos escuros tornaram-se sinônimos imediatos do universo distópico criado pela dupla. Contudo, após 18 anos do lançamento do terceiro capítulo da franquia, retorna somente Lana Wachowski, negando todo conforto da nostalgia de seus antecessores. Com carinho, Resurrections recorda o que passou, mas cresce, a partir dele, sozinho. Desta vez, não nos é estendida nenhuma pílula, porque a binariedade delas já não é mais suficiente.

Principalmente em tempos de robotização dos blockbusters, Lana Wachowski se recusa a percorrer os passos coreografados pelo sistema da Matrix, de Zion ou, mesmo, de Hollywood. Lutar, agora, não faz mais sentido para Neo e Trinity. Caem-se as armas, caem-se as bombas. O poder é, por mais brega que seja, do amor. O amor fortalece ambos, os liberta e impede que seus corpos caiam do céu. Matrix Resurrections se permite enterrar os nomes que deixou para trás, em paz, com um par de mãos dadas que dá a chance do amor vencer, pelo menos uma vez. No fim, o amor é a gênese de tudo, e isso é lindo demais. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: Trinity enxergando pela primeira vez a codificação do céu; Neo e Trinity dando as mãos; e Trinity metendo o pau no Neil Patrick Harris.

Medusa

Continuando suas investidas no Cinema de horror, a diretora Anita Rocha da Silveira realiza em Medusa um estudo sensível da religião e do cerceamento da liberdade de seus seguidores. Sob os olhos de Mariana (Mari Oliveira), o filme acompanha uma pequena cidade do interior, atravessada por ondas de violência e perseguição a mulheres tidas como “impuras”. Sem se acanhar, o texto enfia a mão em feridas ainda abertas do Brasil extremista de hoje, debatendo desde corrupção até os efeitos nocivos das mídias sociais.

Depois de impressionar no Festival de Cannes, Silveira levou o filme a Toronto e, enfim, chegou aqui pela seleção da 45ª Mostra de SP. Além de conferir com exclusividade o trabalho, o Persona ainda teve a oportunidade de bater um papo com a cineasta carioca, descobrindo suas inspirações por trás da estilosa fotografia e do extravagante design de produção. Nada é por acaso, e quando as mulheres gritam pela liberdade ao fim da jornada, o espectador não tem outra opção senão a de se unir ao coro. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: a primeira exploração da clínica; e a dança que acaba em dormência.

Memoria

A sessão de Memoria na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo foi algo um tanto indescritível. Depois de mais de duas horas em silêncio absoluto, a plateia permaneceu quieta, como se ainda não tivesse acordado de um longo transe. Diferente de tudo o que você já viu, o mais recente filme de Apichatpong Weerasethakul é uma estranha experiência imersiva e hipnótica, e que, em uma sala de cinema, te obriga a encarar a lentidão e os mais singelos detalhes de suas imagens e sons.

Não é à toa que a distribuidora estadunidense NEON divulgou que o filme jamais será lançado em streaming ou mídia física, e que permanecerá eternamente sendo exibido nas salas de cinema dos EUA, um local por vez. Se isso afeta o lançamento do filme adquirido pela MUBI no Brasil, não sabemos, mas não é exagero dizer que no caso deste, a experiência em uma tela menor não parece algo nada atraente. Memoria é um longa desafiador, sublime, e que merece ser encarado em uma tela grande e no melhor sistema de som possível. Torçamos para que a MUBI também o leve para as salas de cinema do Brasil. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: a cena do estúdio de som; e o longo encontro da personagem de Tilda Swinton com o segundo Hernández ao final do filme.

Meu Pai (The Father)

Quando o Persona monta a lista de Melhores do Ano – seja no novo formato ou no anterior – existe uma regra básica a ser seguida: só entra para o post filmes lançados no ano e que não estiveram na temporada de premiação anterior. Mas, quando falamos de Meu Pai, sensível produção que rendeu o Oscar de Melhor Ator a Anthony Hopkins, há uma brecha que permite falar sobre ele agora. The Father estreou após o Melhores Filmes de 2020, e não há como deixar de fora o gosto amargo provocado pelo longa que retrata com precisão os efeitos do Mal de Alzheimer.

Adaptado da premiada peça de teatro O Pai, o filme tem a direção brilhante de seu dramaturgo Florian Zeller e atuações de Anthony Hopkins e Olivia Colman. Meu Pai nos coloca dentro da mente confusa de Anthony e se torna grandioso em cada um de seus detalhes. O cenário combinado à atuação e direção, transfere com precisão cada um dos sentimentos passados por quem tem a doença e pela família que dá suporte. O filme reverbera dias a fio na mente de quem assiste, e não foi à toa que saiu vitorioso na categoria de Melhor Roteiro Adaptado no Oscar de 2021. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: cena do relógio; e as cenas de repetição.

Não Olhe para Cima (Don’t Look Up)

Se para bom entendedor meia palavra basta, Não Olhe para Cima fez questão de colocá-la numa sátira de puro escárnio. Metade das pessoas não entenderam a superficialidade do diretor Adam McKay, mas não haveria forma mais condizente e precisa para explicar o momento bizarro que o ser humano se encontra, por isso, o lançamento foi tão importante e barulhento. Em sua piada de mau gosto, a narrativa vomita uma verdade irritante: a vida útil do planeta Terra está chegando ao fim, é irreversível, pois estivemos tempo demais presos no Metaverso fabricando notas de repúdio contra o negacionismo científico. Assim, sem surpreender, sua história sobre quão estamos ferrados foi uma das melhores de 2021, e concorre a quatro estatuetas no Oscar 2022, incluindo Melhor Filme, a principal categoria.

A genialidade do longa está no exagero de cenas e personagens, simulando um enredo forçado mas que de irrealistas, na verdade, não tem nada. O diretor também utilizou de um elenco recheado de estrelas para mostrar que mesmo pessoas premiadas podem ser grandíssimos idiotas. Seu objetivo nunca foi divertir, ou fazer uma crítica social profunda, muito menos que você ache engraçado as similaridades dos governantes do mundo real com a presidenta de Meryl Streep. A única razão de McKay em apontar para cima, é para que você saiba o seu papel de completo imbecil. – Nathália Mendes

Cenas Favoritas: discurso da presidente Orlean ao saber do meteoro; Dr. Randy desabafando ao vivo; e o jantar em família no final do filme.

No Ritmo do Coração (CODA)

Algumas narrativas vivem para sempre. Muito além de clichês ou tendências, algumas histórias sempre terão seu espaço na cultura simplesmente por refletirem os aspectos mais essenciais da experiência humana, sejam elas bem ou mal executadas. Ver uma jovem pessoa tentando achar seu lugar no mundo enquanto lida com as tensões criadas ao entrar em conflito com as expectativas de sua família é, com certeza, uma delas, independente de quantas vezes foi ou será contada. Refilmagem de um longa francês, No Ritmo do Coração captura todas as melhores partes dessas narrativas, costurando uma trama de amadurecimento emocional potente e reverberante.

Ancorado pela performance central de Emilia Jones como Ruby, o filme de Sian Heder encantou o júri e a audiência de Sundance em 2021, levando alguns dos maiores prêmios do festival, e, posteriormente, sendo indicado a três categorias do Oscar 2022, incluindo Melhor Filme e Roteiro Adaptado. Capturando as complexidades de uma família de surdos que dependem da filha ouvinte para se relacionar com o mundo, a obra vai muito além da simples representatividade, ao criar uma família tão convincente em suas qualidades e suas falhas que é impossível não se identificar com os diversos dilemas vividos por suas personagens. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: Ruby explica à seu professor o que a Música a faz sentir; Frank tenta entender a paixão de sua filha tentando sentir suas cordas vocais; e a audição para Berklee, na qual Ruby finalmente aprende a conectar seus dois mundos.

Noite Passada em Soho (Last Night in Soho)

Muita gente quis nascer em outra época. É dessa premissa que Edgar Wright conduz o suspense com toques sobrenaturais Noite Passada em Soho. Aguardado desde seu último projeto, Em Ritmo de Fuga (2017), Wright entrega uma obra extremamente inventiva e esteticamente primorosa que tece suas críticas e levanta debates a temas como o showbiz e o machismo de forma muito singular. Mantendo seu DNA, Edgar apresenta uma direção que destoa um pouco de suas obras, cadenciando seu estilo frenético para dar enfoque às duas grandes protagonistas Ellie (Thomasin McKenzie) e Sandie (Anya Taylor-Joy), e centrar-se no embate entre duas personalidades de épocas distintas, além de prestar homenagens a algumas referências cinematográficas, como o terror psicológico britânico dos anos 70 e os giallos.

Design de produção e fotografia são outros pontos altos da trama. A reconstrução do Soho sessentista é impecável e consegue dar o tom do bairro boêmio londrino, aliado a uma fotografia que abusa de um neon que amplifica a perturbação psicológica pela qual a Ellie está passando. As escolhas do diretor também se provam muito acertadas, desde sua trilha sonora e como ela se insere na trama, a ideia de um apartamento de certa forma assombrado e até a concepção de fazer o masculino como um todo seu principal predador. Tudo é colocado de forma muito bem intencionada para criar uma obra crítica e envolvente. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: o primeiro encontro de Ellie e Sandie no Café de Paris; a festa de Halloween que Ellie e John participam; e os plot twists da sequência final.

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad)

Mais uma vez nonsense, personagens secundários e uma baita trilha sonora ditam um trabalho de James Gunn, só que, dessa vez, na vizinha DC. O Esquadrão Suicida chegou em 2021 para espantar o flop da versão de 2016 e, para isso, a Warner apostou na horrivelmente e linda mente de Gunn. O diretor desempenhou seu trabalho mais livre criativamente, onde exagera no humor ácido, depravado e sanguinolento e não tem apego nenhum a qualquer personagem. Mas Gunn, através da sua escrita, sabe tirar o necessário de personas tão desajustadas e construir arcos dramáticos coesos para elas, além de entregar uma típica aventura quadrinhesca, com uma crítica ao imperialismo americano camuflada.

A WWE e o filme de origem do fusquinha amarelo de Transformers se provaram um belo celeiro de personagens de quadrinhos. Nesse rol, se junta à Hailee Steinfeld e Dave Bautista, o hilário Pacificador de John Cena (que lhe rendeu uma série própria). Cena, com seu Pacificador de ideologias muito ortodoxas, rouba a cena e chama a comédia para si, lembrando que estamos falando de um filme com a expansiva Arlequina de Margot Robbie. Mas James Gunn se mostra consciente ao entender um dos problemas do filme anterior, que foi a falta de manejo da grande quantidade de personagens, e, aqui, mesmo com mais nomes, desenvolve seus anti-heróis de forma uniforme, escrachada e instigante. Tais acertos fazem com que esse esquadrão suicida seja realmente O esquadrão suicida. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a missão inicial do primeiro esquadrão na praia; a matança por engano no acampamento da resistência; e todas as piadas com o Milton.

Os Olhos de Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye)

Tammy Faye e seu marido, Jim Bakker, são dois dos maiores nomes do televangelismo estadunidense. Eles fundaram a emissora PTL e construíram um patrimônio milionário com doações dos fiéis. Junto, também, eles ajudaram a construir a reputação de abuso e contravenções do televangelismo maquiadas de Cristianismo. Inspirado no documentário homônimo de 2000, e dirigido por Michael Showalter, à partir de um roteiro assinado por Abe Sylvia, The Eyes of Tammy Faye mostra a ascensão e queda do casal, tendo como principal ponto de referência a ingenuidade de Tammy.

Jessica Chastain e Andrew Garfield são os responsáveis por protagonizar o longa. Chastain é produtora do projeto e vive seu melhor momento na carreira, atuando de maneira perspicaz em seu papel mais importante. Os Olhos de Tammy Faye conquista logo de início por sua impecável estética que trabalha os elementos gráficos dos anos 70 e 80, sendo fiel a toda nostalgia que a época remete. Tammy é extravagante e sua maquiagem, marca registrada da cantora cristã, ganha o espaço necessário para a construção da personagem. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a entrevista com portador de AIDS; e a cena da overdose.

Pegando a Estrada (Jaddeh Khaki)

Lá no distante outubro de 2021, Pegando a Estrada foi um dos primeiros filmes vistos pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, onde, com justiça, figurou na seleção de favoritos do público do festival. O ano foi cheio de grandes filmes, mas nenhum alcançou o mesmo grau de sensibilidade que Pegando a Estrada, um fascinante road movie que, sem avisar, te arremessa do riso às lágrimas de um instante para o outro ao contar a história de uma família que segue em uma estrada isolada rumo a um lugar que desconhecemos, e por motivos que nunca ficam completamente claros. 

Em um artigo de Walter Salles no New York Times, onde o diretor formula uma teoria sobre o subgênero cinematográfico, ele diz que “os road movies mais interessantes são aqueles em que a crise de identidade do protagonista reflete a crise da própria cultura.”  E o filme de estreia de Panah Panahi faz exatamente isso: a incerteza, a incompreensão e a tensão vividos por aquela família, e especialmente pelo filho mais velho, saltam da tela e refletem as angústias das vítimas de perseguições políticas e dos deslocamentos forçados. Engraçado, tenso e sublime, Pegando a Estrada é o melhor filme de 2021 e merece a sua atenção. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: pai e filho contemplando um céu estrelado; e as duas maiores cenas do ano: uma cruel despedida forçada capturada sem cortes por uma câmera distante e fria, e o carpool karaoke mais triste da história do Cinema. 

Pig

Morte, luto, sofrimento, vocação e relações pessoais são apenas alguns dos vários temas que Pig aborda durante sua projeção. O longa-metragem, dirigido por Michael Sarnoski e escrito por ele junto de Vanessa Block, demonstra uma notável sensibilidade ao tratar de assuntos complexos, além disso, seus personagens são profundos e multidimensionais, o que os tornam muito realistas. Embora o ponto de partida da história remeta a filmes genéricos de ação, o roteiro se desenvolve de maneira calma e subverte nossas expectativas de maneira muito positiva, entregando, no final, uma trama carregada de sentimentalismo e reflexões.

Nicolas Cage protagoniza essa obra e prova, mais uma vez, que pode ser um ator excelente dentro de uma história bem construída. Seu personagem carrega uma dor profunda, a qual é demonstrada através de olhares e atitudes, até mesmo o jeito de andar do personagem retrata sua fragilidade emocional. Conforme a trama avança, o protagonista fica cada vez mais deteriorado fisicamente, como se fosse uma externalização de seus sentimentos há muito tempo enterrados. Pig é carregado de sensibilidade e reflexões, seu roteiro calmo e profundo constrói personagens realistas e entrega uma história marcante, que, com certeza, é um dos filmes mais interessantes e impactantes de 2021. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o diálogo entre o protagonista, Robin, e a criança em uma antiga casa; a ida de Robin e Amir a um restaurante; e quando Robin e Amir estão na cozinha, próximo ao final do filme.

Roda do Destino (Gûzen to Sôzô)

O ano de 2021 foi ótimo para Ryûsuke Hamaguchi. O diretor japonês entregou dois excelentes filmes: Roda do Destino e Drive My Car, que foi indicado a quatro Oscars, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. A adaptação do conto de Murakami merece o destaque que está recebendo, mas Wheel of Fortune and Fantasy também merece atenção pela forma como trabalha os relacionamentos humanos e o acaso ao longo de suas três histórias. É um belo mergulho nas vidas, nos desejos e nos arrependimentos de Meiko (Kotone Furukawa), Nao (Katsuki Mori) e Natsuko (Fusako Arabe), protagonistas de cada segmento. 

Pela lente de Hamaguchi, momentos banais se tornam confissões íntimas de suas personagens e as coincidências da vida adquirem um ar quase mágico devido à sua imprevisibilidade. Cenas como a da leitura do trecho do livro no escritório de Segawa (Kiyohiko Shibukawa) e o longo diálogo entre Natsuko e Aya (Aoba Kawai) demonstram a grande habilidade do diretor em construir situações dramaticamente potentes a partir de conversas. Todas as histórias são ótimas, mas merece destaque a terceira, intitulada “Mais Uma Vez”. Nela, o tema do arrependimento amoroso é tratado com uma sensibilidade comovente. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a tensa leitura do livro no escritório de Segawa, onde parece que algo ruim vai acontecer a qualquer momento; e a conversa desconfortável entre Nao e Sasaki no ônibus, carregada de ressentimento.

Romeo & Juliet

Se a necessidade é mesmo a mãe da criatividade, a nova adaptação de Romeu & Julieta para os palcos britânicos é o maior exemplo de como a pandemia afetou o meio artístico. Estrelando Jessie Buckley (A Filha Perdida) e Josh O’Connor (The Crown), como os amantes desafortunados de Shakespeare, a produção do National Theatre teve de mudar completamente seu formato para ser exibida em 2021, incorporando não só os cenários originalmente construídos em suas filmagens, mas o espaço entre eles e os ensaios de seu elenco, transcendendo sua própria tragédia em puro triunfo.

Apesar de modernizar diversos aspectos da peça imortal, Romeo & Juliet preserva aquilo que se faz essencial em qualquer iteração da obra do Bardo de Avon: seu texto. O diretor Simon Godwin cria um espaço amplo e versátil para que seu elenco extraia o máximo de suas falas seculares e habitem seus personagens, com destaque para Benvólio (Shubham Saraf) e Mercúcio (Fisayo Akinade), que aqui exibem tanta química quanto o casal principal, apesar de a cereja do bolo ainda pertencer à Buckley ao sussurrar suave e tragicamente, antes de gritar: “Teus lábios estão quentes”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cenas Favoritas: a morte de Mercúcio pelas mãos de Teobaldo; e o último beijo dado entre os amantes.

Saint Maud

Não tem como fugir disso: Saint Maud é um filme de sensações. Morfydd Clark desliza na pele de Maud, uma enfermeira desiludida, que encontra na fé seu farol de esperança. Para dissecar os sentimentos e receios da jovem, a diretora Rose Glass filma com a cautela de alguém à beira de uma explosão. Capturando a parcimônia da performance de Clark por ângulos discretos e uma coloração lavada e um tanto apática, o Cinema de Glass se pauta na súplica. 

Maud implora pela atenção de sua nova paciente, por respostas de Deus e acredita piamente que os pensamentos que se camuflam em sua cachola podem e serão resolvidos por um expurgo divino. O que ela não sabe, porém, é que está inserida dentro de um filme de terror e, quando Rose Glass decide por soltar o fio da sutileza, ela não hesita ou poupa sua protagonista sacra. Tudo queima, tudo mesmo. – Vitor Evangelista

Cenas Favoritas: o susto na cama escura; e a limpeza ardente que conclui a trama.

Salve o Ralph (Save Ralph)

Salve o Ralph leva menos de quatro minutos para passar seu recado: “nenhum animal deveria sofrer e morrer em nome da beleza”. O curta-metragem, dirigido por Spencer Susser e dublado por atores globais, como Taika Waititi, Ricky Gervais e Zac Efron, mostra Ralph, um coelho de laboratório, em um documentário sobre sua rotina sendo submetido a testes em uma empresa farmacêutica. Na animação stop-motion, o personagem tem a aparência similar à do animal, no que o filme opta por deixar de lado a liberdade da fantasia, e sensibiliza com a proximidade do real.

Através da ironia do pseudo-documentário, em que Ralph defende os testes em outros coelhos e as crueldades às quais é submetido, Salve o Ralph critica os procedimentos e provoca quem continua comprando os produtos. O curta faz parte de uma campanha da The Humane Society of The United States, organização estadunidense que luta pelo fim dos testes em animais, ainda permitidos e muito empregados pela indústria farmacêutica e estética. Como o diretor lembra, “é importante que Ralph até se pareça real, porque ele representa a realidade de outros incontáveis animais que sofrem todos os dias”. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: apresentação do Ralph; cena em que o Ralph é testado; e expõe as crueldades da indústria farmacêutica e estética.

Sempre em Frente (C’mon C’mon)

Um filme esnobado nas grandes premiações do ano, mas aclamado pelas da crítica, sem dúvida, merece ser visto. E Sempre em Frente, escrito e dirigido por Mike Mills (Toda Forma de Amor, Mulheres do Século 20), não desaponta nem um pouco. Muito pelo contrário, é um belíssimo longa, que comove e ensina ao falar sobre relacionamentos familiares de maneira honesta e delicada. A história fala de Johnny (Joaquin Phoenix), um jornalista de rádio que, após sua irmã pedir para que ele tomasse conta do filho, embarca em uma viagem pelo país com o sobrinho de oito anos, Jesse (Woody Norman), a fim de mostrar ao garoto a vida fora dos muros da sua cidade natal, Los Angeles.

No fim, a similaridade com os personagens é tanta que temos a sensação de ter assistido às memórias de alguém conhecido. Sempre em Frente tem como ponto forte a forma que retrata essa relação de dois seres humanos em fases e transições completamente diferentes. É um filme humano e, acima de tudo, real, que merece reconhecimento. O mais encantador é a química da dupla Phoenix e Norman, rara de se ver em um elenco. Dentre as premiações, foi indicado ao BAFTA Awards de Melhor Ator Coadjuvante para Woody Norman, ao Film Independent Spirit Awards de Melhor Filme, entre outros. – Sabrina G. Ferreira

Cenas Favoritas: as entrevistas de Johnny com várias adolescentes sobre como elas se sentem, onde moram e seus principais anseios, esperanças e vivências como americanas; e a cena em que o pequeno Jesse está dando conselhos para Johnny com dicas sobre como ele faz para se sentir calmo em momentos de nervosismo.

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings)

Por que não estamos falando sobre Shang-Chi? No ano de ouro da Marvel, que se vangloriou com o sucesso de suas produções no Disney+, enfrentou as polêmicas da mais nova legião de heróis no Cinema, e faturou com os recordes do multiverso do Amigão da Vizinhança, parece que não sobrou espaço para falar do marco histórico do primeiro filme de um super-herói asiático em seu universo cinematográfico. Tudo bem que a estreia da produção teve que lidar com a volta silenciosa das salas de cinema, mas há de se questionar, e muito, a sua quase ausência na memória dos feitos do estúdio em 2021. 

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis não entrega apenas cenas de luta bem coreografadas, mas também uma história de origem interessante e que sabe mesclar elementos da mitologia chinesa devidamente. Apesar de um pouco condicionada à conhecida fórmula Marvel, a performance de Simu Liu consegue dar vida a um super-herói com um carisma e profundidade que nem alguns dos Vingadores chegaram a atingir. A obra, dirigida por Destin Daniel Cretton, ainda conta com a brilhante dinâmica entre os demais personagens da narrativa, em especial na relação com Katy, que nos deu a oportunidade de ver Awkwafina brilhar nas telonas mais uma vez. – Vitória Silva 

Cenas Favoritas: a luta no ônibus; a chegada em Ta Lo; e a conversa entre Shang-Chi e Katy sobre o passado.

Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal (Shaun The Sheep: The Flight Before Christmas)

A experiência por trás de um filme de animação deve ir muito além da narrativa desenvolvida na obra. A estética apresentada para que os personagens ganhem vida é fundamental para a imersão do telespectador na atmosfera proposta pela trama. Esse é justamente o caso do curta metragem Shaun, o Carneiro: Aventura de Natal, que utiliza a técnica de stop motion para animar bonecos de massinha. A película, produzida pela Aardman Animations em parceria com a Netflix encanta com um especial de Natal vivido pelo carismático carneiro.

A narrativa desenvolvida ao longo do curta é bem simples, voltado na tarefa árdua das ovelhas em recuperar Timmy, o carneiro bebê que foi entregue por engano a uma criança. No entanto, o seu desenrolar apresenta uma dinâmica coerente dentro do curto limite de tempo do filme. Outro ponto positivo é o apelo nostálgico pelo Shaun e pelos outros animais que vivem na fazenda. O personagem, que surgiu nas animações Wallace & Gromit, ganhou seu espaço na série Shaun, o Carneiro e agora se consagrou com seu especial de Natal. – Gabriel Gatti

Cenas Favoritas: quando o Fazendeiro vai preparar sua soda e acaba errando na medida dos ingredientes depois que a sua internet trava; quando o Fazendeiro abre uma garrafa na feira de Natal e atinge os músicos, que, por sua vez, passam a persegui-lo ao longo do curta; e quando Timmy, o carneiro bebê, aparece fazendo um boneco do Papai Noel com a lã de sua mãe.

Shiva Baby

Marcando a astuta estreia da diretora canadense Emma Seligman, Shiva Baby constrói um tragicômico cenário de transição entre a juventude e a vida adulta. As relações incômodas dentro da narrativa passiva-agressiva vem da própria experiência de Seligman, mulher, judia e bissexual, assim como a protagonista, Danielle (Rachel Sennott). O filme se materializa, principalmente, na calamidade de ver os pais quererem decidir não só o futuro, mas por quem ela se atrai. Além dos pilares que constroem as características da protagonista, a interação que o longa tem com o público reforça a claustrofóbica narrativa, nos aproximando de Shiva Baby.

Poucas produções consegue fazer humor com sexo de maneira tão boa, vide o primor inatingivel de Fleabag. Com traços que lembram a produção britânica, o roteiro é aguçado ao apresentar cada passo de Danielle de maneira orgânica e praticamente em tempo real. A agilidade da narrativa também faz com que o filme funcione como um thriller, tornando a experiência de assistir a produção ainda mais satisfatória. Tudo isso graças ao timing da direção que encontra as brechas do riso na comédia e do susto no horror. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: a cena da conversa no quarto; e a cena do choro.

Spencer

O espectro da Princesa Diana em Kristen Stewart não poderia fugir da lista dos Melhores de 2021. Spencer, fruto da imaginação do roteirista Steven Knight, reimagina os dias anteriores à separação dela e do Príncipe Charles, durante o final de semana de Natal. Na direção do filme, o chileno Pablo Larraín conduz um olhar angustiante pelos corredores fantasmagóricos do palácio de férias da Família Real, mas também mostra a tocante relação entre mãe e filhos. A reconstrução dos ambientes, das vestimentas e da caracterização dos personagens intensifica a imersão e o desconforto com as situações, e rendeu reconhecimentos aos departamentos de arte do longa.

Imersão essa que também é crédito da fotografia de Claire Mathon. As lentes da cinegrafista se mantêm próximas e, ao mesmo tempo, distantes da Lady Di, e acentuam a nebulosidade e o pesar dos dias retratados, a partir de uma livre imaginação. E encarnando a Spencer em pessoa, Kristen Stewart entrega uma das melhores performances de sua vasta carreira. A linguagem corporal, a presença em cena, o sotaque e os maneirismos adotados pela versátil atriz incorporam a Princesa do Povo, no que ela externaliza as aflições e angústias da figura. O longa recebeu indicações e troféus em dezenas de importantes premiações, incluindo reconhecimentos à trilha sonora de Jonny Greenwood, à direção, à direção de arte e ao elenco principal e coadjuvante. Ainda em aberto, Stewart concorre como Melhor Atriz no Oscar 2022. – Vitória Lopes Gomez

Cenas Favoritas: Diana chegando na residência pela primeira vez; Diana e Maggie conversando na praia; e a cena do jantar de Natal.

Summer of Soul (…ou, Quando a Revolução Não Pôde Ser Televisionada) [Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)]

É o lendário verão de 1969, quando a cultura norte-americana viveu uma de suas revoluções mais significativas. Mas não, não estamos falando de Woodstock. Ao contrário do que a apropriação branca do momento histórico faz parecer, o evento hippie não era o único centro de efervescência cultural da época. Como prova disso, existe Summer of Soul, que se dedica a registrar como elemento principal da história daquele ano o contexto da comunidade negra de Nova York. O filme de Ahmir “Questlove” Thompson se reúne ao redor do Harlem Cultural Festival, que tomou uma região durante seis finais de semana seguidos. 

Na companhia de alguns dos maiores nomes da Música negra, como Stevie Wonder e Nina Simone, e de gêneros essencialmente representativos, como o blues e o jazz, a obra se tornou o documentário mais premiado do ano. Respirando Música e expressando uma intenção determinada do início ao fim, Summer of Soul se destaca não só pela grandiosa narrativa, mas também pela forma como se manifesta. O fenômeno começou em 2021, conquistando a maioria das críticas dos Estados Unidos e a visibilidade do Festival de Sundance, num percurso impecável até chegar em 2022, com o reconhecimento do Sindicato dos Produtores e dos Diretores, grandes chances de vencer o Grammy e finalmente indicado ao Oscar. E dessa vez, a revolução será televisionada. – Raquel Dutra

Cenas Favoritas: a série da abertura que introduz o filme com uma sequência de montagem totalmente harmônica com a trilha e as imagens.

Tempo (Old) 

Para algumas pessoas, o processo de envelhecimento é entendido como um verdadeiro horror. Tempo, o trabalho mais recente de M. Night Shyamalan, se aproveita disso para elaborar situações angustiantes e grotescas em um filme que lida com o suspense com maestria. A câmera de Shyamalan explora cada canto da praia e insere o medo naquilo que não vemos, pois sabe que não há nada mais assustador do que a imaginação humana. Porém, o filme impressiona não só pelo terror, mas por também inserir cenas tocantes em meio à correria dos personagens para sair daquele ambiente hostil. Nesse sentido, a conversa melancólica entre Guy (Gael García Bernal) e Prisca (Vicky Krieps) à noite é um dos melhores momentos da obra. 

Outra cena que merece destaque é quando Trent e Maddox decidem construir um castelo de areia, perto do final. Nela, uma atividade banal se torna uma emocionante reflexão sobre a passagem do tempo e a perda da inocência que vem com a chegada da idade adulta. Em um ano onde a pandemia se manteve presente, o filme pode ser entendido como uma alegoria à quarentena, onde ficar em casa altera com a percepção de tempo das pessoas e traz todo um leque de incertezas. No entanto, em um período histórico com tantas perdas, a obra pode ajudar a compreender que envelhecer não é tão ruim assim. Na verdade, é um privilégio. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: a da caverna, onde Trent e Maddox só conseguem enxergar o que a luz do fósforo permite enquanto a mulher os persegue é capaz de causar calafrios; a cena onde as crianças constroem um castelo de areia também merece ser mencionada por sua sensibilidade ao discutir sobre o processo de tornar-se adulto.

The Box – No Ritmo do Coração (Deo Bagseu)

A princípio despretensioso, The Box – No Ritmo do Coração até pareceu ser só mais um filme bobo para assistir em uma Sessão da Tarde, mas a narrativa complexa mostrou que a leveza da produção foi exclusividade do tom da abordagem. Assombrado pelos traumas do passado, a composição do personagem principal Jihoon (Park Chanyeol) foi certeira, sendo muito difícil que alguém não tenha se identificado com ele durante algum minuto da sua trajetória na narrativa. Assim como o público, Minsoo (Jo Dalhwan) se encantou pelo jovem músico e se comprometeu a levá-lo ao estrelato.

Acontece que ao lado de um produtor musical falido, Jihoon não iria muito longe, certo? Errado. Entre momentos trágicos e cômicos, a caminhada dos dois amantes da Música prendeu a atenção de quem assistiu o longa e se configurou como uma premissa simples, mas bem executada. Se o protagonista passa boa parte do tempo cantando dentro de uma caixa de papelão por timidez, The Box – No Ritmo do Coração também não foge disso, a direção de Yang Jeong-Woong não foi ‘fora da caixa’, porém não se limitou a ela. – Nathalia Tetzner

Cenas Favoritas: a cena em que Jihoon se lembra da infância, em um flashback que explica os seus motivos para temer cantar fora da caixa; e o momento em que ele tenta se apresentar em público pela primeira vez, ao lado de uma cantora cega.

The Card Counter: O Jogador (The Card Counter) 

Dizem que, ao longo da carreira, um cineasta faz várias versões de um mesmo filme e, com o tempo, pode se aproximar da perfeição ou do fracasso. Em The Card Counter, Paul Schrader prova que se enquadra no primeiro caso. O filme conduz temas já trabalhados em obras anteriores, como a redenção e o amor como força transformadora, de maneira minuciosa, tão atenta aos detalhes quanto seu protagonista, o taciturno William Tell (Oscar Isaac). Sob as luzes coloridas dos cassinos e acompanhado da tensão das mesas de jogo, é um excelente estudo de personagem que fascina por seu ritmo desacelerado e pela atmosfera sombria que consegue construir.

O filme exerce um grande controle sobre as emoções de seus personagens e os atores, especialmente Oscar Isaac e Tye Sheridan, entregam performances contidas, de uma aparente tranquilidade que esconde uma angústia existencial dolorosa. É essa escolha de segurar as emoções ao máximo que torna as cenas mais intensas tão impactantes. Nos melhores momentos, como no passeio noturno de Tell com La Linda (Tiffany Haddish) e no confronto do protagonista contra Gordo (Willem Dafoe), o filme consegue emocionar graças à maneira sincera como trata seus personagens. No final, mostra que todos merecem amor, independente dos traumas que carreguem. Junto com Matrix Resurrections, é um dos filmes mais românticos de 2021. – Caio Machado 

Cenas Favoritas: o passeio noturno de William Tell com Linda, enquanto os dois andam por corredores repletos de luzes coloridas, é maravilhoso e surpreende pelo ar romântico em um filme tão sombrio; a cena em que o protagonista vai confrontar o personagem de Willem Dafoe na casa dele, também durante a noite, consegue impactar por sua intensidade e violência, mesmo não sendo explícita. 

The Velvet Underground

Como fazer jus à uma banda tão importante para a história da música quanto The Velvet Underground? Seguir nos moldes de um documentário tradicional sobre Música, contando a história do grupo de maneira linear e com depoimentos aqui e ali não parece justo, então o diretor Todd Haynes optou por fugir desse modelo e experimentar na estrutura documental, assim como os músicos fizeram em sua carreira. É justamente isso o que o torna especial diante de outros filmes do gênero: sua disposição para experimentar com a linguagem cinematográfica e explorar o que é exibido na tela, as imagens de arquivo e os sons, sejam eles músicas ou não. 

Não é só uma biografia da banda. É também um retrato imersivo e carinhoso da cena cultural que habitou a Nova York da década de 1960. Consegue transmitir a sensação eletrizante de viver na cidade naquele período e ainda reflete sobre o contexto histórico com um olhar crítico através dos depoimentos, como na sensacional cena que critica a hipocrisia do movimento hippie. Também é muito emocionante a homenagem que o filme faz a Jonas Mekas, grande nome do Cinema experimental que faleceu em 2019. The Velvet Underground é uma excelente biografia sobre a banda liderada por Lou Reed e uma carta de amor apaixonada à experimentação na arte. Sem experimentar, sem quebrar regras, não há evolução. – Caio Machado

Cenas Favoritas: a cena em que as entrevistadas denunciam a hipocrisia do movimento hippie é fantástica por sua sinceridade; e todo o relato da viagem da banda à Califórnia, em 1966, é vibrante e cômico pelo contraste entre o visual soturno dos integrantes e o ambiente ensolarado.

The Worst Person in the World (Verdens verste menneske)

Dividido por doze capítulos, um prólogo e um epílogo, The Worst Person in the World acompanha quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), uma jovem adulta ótima em não tomar decisão alguma – e estranhamente parecida com a atriz Dakota Johnson. Protagonista, Julie não é estudante de medicina, não é estudante de psicologia, ela é fotógrafa. Julie não tem cabelo loiro, não tem cabelo rosa, ela tem cabelo castanho. Julie não está no começo de seus vinte anos, não está no fim de seus vinte anos, ela está no início de seus trinta. Em síntese, Julie é tudo, mas também não é nada, muito menos a pior pessoa do mundo.

Em constante processo de mudança, Julie permanece, do início ao fim, um verdadeiro mistério. A presença fascinante de Reinsve como musa do filme (performance essa que lhe rendeu uma vitória de Melhor Atriz em Cannes 2021) expande o drama norueguês para adiante da admiração romanticamente superficial do diretor Joachim Trier sobre a protagonista, que a engessa como estátua meramente contemplativa. Reinsve puxa Julie para baixo do pedestal, provando, por trás da beleza, as falhas de sua anti-heroína, e fazendo de The Worst Person in the World um dos melhores filmes do ano. – Ayra Mori

Cenas Favoritas: prólogo; quando o mundo pausa e Julie corre por Oslo; Aksel tocando bateria no ar.

tick, tick… BOOM!

O estreante diretor Lin-Manuel Miranda (Hamilton) vê o musical Rent como divisor de águas em sua vida e inspiração para a carreira. Então, não tinha pessoa melhor em momento mais ideal para dirigir tick, tick… BOOM!, filme que conta o processo criativo do compositor Jonathan Larson (Andrew Garfield) e é baseado em outro musical homônimo do escritor. Aqui, o cineasta aborda a história de forma muito íntima sobre o trabalho de Larson e é extremamente bem contextualizado com as vivências e dramas do compositor durante os anos 90, graças a um subtexto dosado na medida certa. Mesmo se tratando de uma história difícil e tortuosa, Lin-Manuel Miranda opta por dar um tom otimista para celebrar as pequenas vitórias que Larson infelizmente não aproveitou, esperando seu sucesso artístico, e faz dessa obra, uma carta de amor ao mestre.

tick, tick… BOOM! é um musical sem tirar nem pôr, daqueles em que os personagens começam com a cantoria nos momentos mais improváveis. Isso poderia trazer ao filme o estigma que todo musical injustamente carrega, mas o texto e direção conseguem preencher os intervalos das músicas com uma narrativa envolvente e humana, e uma metalinguagem bem sutil sobre o próprio processo criativo. Andrew Garfield dá vida ao protagonista de forma incrível e apaixonada. Ele consegue captar a complexidade da mente de um gênio por meio de uma dualidade que expressa toda a ansiedade do compositor através do olhar e toda a paixão de Larson através de sua voz, a construção de Garfield aqui é muito coerente. No mais, tick, tick… BOOM! é um musical feito por quem e para quem ama o gênero. – Guilherme Veiga

Cenas Favoritas: a performance inicial de 30/90; a cena da piscina com o desenho da piscina se transformando em partitura na performance de Swimming; e o primeiro ensaio do sexteto para Superbia.

Titane

Chocar está cada vez mais difícil. Toda bizarrice inesperada, estranheza, nojeira ou absurdo a internet já mostrou. Mesmo assim, Titane atropela até os mais avisados. O longa francês da roteirista e diretora Julia Ducournau conta a história de Alexia (Agathe Rousselle), que, quando criança, teve uma placa de titânio implantada em seu crânio após um acidente de carro. Já adulta, o trauma se converte em prazer: ela transa com um Cadillac e fica grávida dele, com direito a óleo de motor escorrendo de sua vagina. Ah, ela também é uma serial killer, e para fugir da polícia, assume a identidade de Adrien, um menino desaparecido há muitos anos. De cabelo e sobrancelha raspados, nariz quebrado e um semblante perdido, é aceita pelo pai verdadeiro do garoto, Vincent Legrand (Vincent Lindon).

Na estrada em que dirige, Ducournau não respeita uma lei de trânsito sequer. O mórbido aposta racha com o sensual e o cômico, e quando se espera que o filme acelere no brutal, ele abre espaço para uma narrativa com sentimentos. Tudo é sempre muito sensorial e propositalmente apelativo, confundindo o espectador se o que está se vendo na tela é literal ou metafórico. Não há uma única cena em que a criadora de Titane se perde. A segunda mulher vencedora da Palma de Ouro do Festival de Cannes em 74 anos está pouco se fodendo para o que esperam de seu Cinema. Ela não diz ser subversiva, ela é. Seu trabalho é como uma saborosa cebola que também faz chorar, desabrochando em camadas. É despretensiosamente pretensioso, e é isso que o torna genial. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que os bombeiros estão dançando na festa organizada por eles; e a cena em que Alexia, caracterizada de Adrien, dança sensualmente em cima do caminhão para os bombeiros assistirem.

Trilogia Rua do Medo (The Fear Street Trilogy)

2021 foi um ano bastante frutífero para a Netflix. Desde o princípio, o streaming garantiu que não faltaria investimento em lançamentos, e nessa busca por movimentar as sextas-feiras, a aposta foi certeira numa trilogia de filmes de terror dirigida por Leigh Janiak. Rua do Medo: 1994, Rua do Medo: 1978, Rua do Medo: 1666, a cada semana um deles chegou, respectivamente, ao catálogo Tudum, construindo uma storyline que abocanhou os guilty pleasures do horror.

Com o primeiro filme servindo para introduzir os personagens e a trama, os ovos de ouro ficam mesmo para os dois filmes seguintes. Rua do Medo: 1978 traz história de acampamento, sangue e os belos cabelos ruivos de Sadie Sink. Com uma boa progressão, o filme traz um plot twist que faz compensar a espera de uma semana em relação ao anterior e cria uma ansiedade para o próximo. Já Rua do Medo: 1666 volta à caça às bruxas e, inserindo a temática queer, fecha a trinca com todos elementos que dão as características das melhores produções do gênero. – Ana Júlia Trevisan

Cenas Favoritas: o plot twist de Rua do Medo: 1978; e a cena da fogueira de Rua do Medo: 1666.

Turma da Mônica: Lições 

Já fazem mais de 50 anos que o universo criado nos quadrinhos por Maurício de Sousa permanece vivo no imaginário cultural brasileiro. Sua mãe leu, você leu, e o seu priminho mais novo também. Em 2019, Daniel Rezende soube, satisfatoriamente, transportar esse universo para o live-action com um elenco infantil adorável em Turma da Mônica: Laços. A ambiciosa sequência, que chegou no finalzinho de 2021, tem a ousadia de fazer o quarteto lidar com algo que poucas ou nenhuma vez vimos com essa carga toda nos quadrinhos: crescer. Não se trata do “estar crescidos” estático da Turma da Mônica Jovem, mas do crescer como um processo, uma transformação.

Ver um arco dramático operando mudanças significativas em personagens que existiram por tantos e tantos anos da mesma forma, dói. E é assim que Turma da Mônica: Lições consegue ser tão bom: transformando figuras tão amadas sem esquecer de quem elas são. Isso sem contar a construção de mundo impecável, na fotografia nostálgica, na chuva de coadjuvantes adoráveis e easter eggs, e no fato de que este talvez seja o filme que melhor consegue representar uma vivência escolar no Brasil. Lições é um longa corajoso, hilário, emocionante e que abre portas para a expansão de um universo cinematográfico promissor. É bom tomar cuidado, Marvel. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: dois encontros hilários: Cascão com do Contra, e Cebolinha com Humberto.

Um Herói (Ghahreman)

Até que ponto uma meia-verdade não é uma mentira? Quais as possíveis consequências catastróficas das “histórias reais” que narramos? Um ato de gentileza pode destruir a vida de alguém? Essas e outras questões são trabalhadas no novo longa de Asghar Farhadi, que desmascara as narrativas de heroísmo, criando um ambiente de incerteza moral onde nenhuma boa ação parece suficiente para amenizar uma inevitável catástrofe pessoal. 

Visto e aclamado pelo Persona na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o vencedor do Grande Prêmio no Festival de Cannes esteve na pré-lista de indicados ao Oscar de Melhor Filme Internacional, mas não conseguiu figurar na lista final, o que não diminui os méritos deste que é, sem dúvida, um dos filmes mais envolventes e emocionantes do ano. Encontrando tensão digna de um suspense nos dramas da vida real, e uma profunda humanidade em meio a conflitos que não parecem ter qualquer tipo de solução razoável, Um Herói transborda de empatia e dor, e mostra que esses dois normalmente andam juntos. – João Batista Signorelli

Cenas Favoritas: as lágrimas doloridas do filho de Rahim; e quando a tensão explode entre este e o seu credor. 

Um Lugar Silencioso – Parte II (A Quiet Place – Part II)

A sequência de Um Lugar Silencioso explora de maneira primorosa as consequências do longa original, além disso, ele desenvolve ainda mais os protagonistas, principalmente do núcleo mais jovem, que recebe um maior foco nesse enredo. Juntamente com o retorno do elenco original, tem-se a apresentação de novos personagens, os quais são igualmente interessantes e carismáticos. Essa adição de novos integrantes ao grupo de sobreviventes foi um acerto do roteiro de John Krasinski, pois permitiu explorar outros dramas do pós-apocalipse, além de tratar de eventos relevantes daquele universo, como o dia da invasão.

O terror e o suspense presentes na história permanecem excelentes, há várias situações muito tensas, criativas e angustiantes. Mesmo com as descobertas do filme anterior, as criaturas seguem sendo uma presença ameaçadora. O uso do silêncio continua muito bom, e é interessante observar como os mais diversos personagens presentes na trama lidam com o barulho e quais os métodos eles desenvolveram para sobreviver. Um Lugar Silencioso – Parte II é um excelente retorno para o mundo pós-apocalíptico apresentado no longa de 2018, pois desenvolve, de maneira natural e orgânica, os elementos do original, além de apresentar novos sobreviventes e expandir a visão sobre esse universo assustador. – Nathan Sampaio

Cenas Favoritas: o primeiro encontro da família Abbott com Emmett; o encontro inesperado que Emmett e Regan têm em sua jornada; e a invasão na vila.

Verão de 85 (Été 85)

É o que dizem: o amor é uma faca de dois gumes. Para Alexis (Félix Lefebvre), ambas as pontas são afiadíssimas. Quando se deu conta do amor que sentia por David (Benjamin Voisin), não imaginava que poderia existir sentimento maior. Até perdê-lo. Antes fosse um término qualquer, seu amante foi perdido para a Morte, para sempre. E o romance que usa uma França litorânea perfeita dos anos 80 como cenário vira suspense por sua tragédia, alastrando o drama de um garoto apaixonado vivendo o melhor e o pior de um momento específico de sua juventude. Aquele Verão de 85 nasceu em 1982, no livro Dance on My Grave, de Aidan Chambers, adaptado por François Ozon para seu filme.

O exímio trabalho de Ozon dá vida à obra-marco da Literatura LGBTQIA+ na sua maneira, capturando os sentimentos inocentes de Alex, encantado pela lábia e charme de David, que sabe muito bem o que está fazendo. No emaranhado de corações derretidos e partidos, acompanhamos uma história mágica, mas, ainda assim, de apertar o peito. A forma singular com que o menino que ficou enxerga sua própria vida e os eventos transpassa para a atmosfera do filme, e somos convidados a ver com esses mesmos olhos. Mesmo na morte, mesmo na perda, há a latência de amar e seguir em frente; e a promessa de dançar no túmulo do amigo-amante mostram que tanto Alexis quanto David se entendiam mais do que qualquer pessoa seria capaz. – Jho Brunhara

Cenas Favoritas: a cena em que eles estão dançando ao som de Sailing do Rod Stewart na festa; e a cena em que eles se beijam escondido na loja mesmo com a mãe de David muito perto.

Viúva Negra (Black Widow) 

Com o sucesso de Vingadores: Ultimato, veio também a morte de Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), uma das personagens mais queridas, porém injustiçadas, da saga. Em dez anos desde a sua primeira aparição na Marvel, a Viúva ainda não tinha um filme solo, e, com a duração tão longa de Ultimato e a morte de Tony Stark, a partida de Natasha passou quase despercebida. Levando tudo isso em conta, Viúva Negra, mesmo não agradando a todos e rendendo um processo entre Scarlett Johansson e Disney (pelo lançamento e bilheteria do projeto), fez muitos fãs felizes, e uma prova disso é o público tê-lo escolhido como Filme Favorito na premiação do People’s Choice Awards. O longa finalmente deu atenção à vida pessoal e ao passado de Nat, que tinham sido apenas pincelados até então. Ainda que não tenha sido como o público esperava (afinal, não foi mostrado com detalhes a esperada infância de Natasha na Sala Vermelha), o arco só de Natasha, longe da sombra trazida pelos outros Vingadores, já foi uma amostra do que ela merecia desde o princípio. Apenas um filme para uma mulher tão interessante e complexa nunca será o suficiente, mas serve para aquecer um pouquinho o coração de quem assiste e se lembra dela com saudade. 

Dirigido por Cate Shortland, roteirizado por Eric Pearson, Jac Schaeffer e Ned Benson, e com um lançamento simultâneo no cinema e no Disney+, a trama se passa após Capitão América: Guerra Civil e circula em torno da história de Natasha, transitando entre seu passado como Viúva e seu presente como Vingadora. O longa se inicia com uma sequência de desesperar qualquer um ao som de de Smells Like Teen Spirit, e vai trazendo aos poucos fatores importantes da vida de Romanoff – em especial sua família, composta pelos agentes Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), sob o disfarce de seus pais, e sua irmã, a queridinha Yelena (Florence Pugh), que já apareceu em outro projeto da Marvel. Com cenas de ação extravagantes e toque de humor, o filme estampa perfeitamente o perfil da Marvel. O longa ter explorado (ainda que superficialmente) o Programa Viúva Negra, a existência de outras viúvas e o papel importante de Natasha Romanoff nesse meio apenas fez todos amarem ainda mais a personalidade forte dessa personagem. – Gabrielli Natividade da Silva    

Cenas Favoritas: o reencontro da família de Natasha; e a cena pós-créditos.          

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Sabrina G. Ferreira

Para amenizar os males emocionais causados durante a Segunda Guerra Mundial, nas décadas de 50 e 60, houve o que se pode chamar de Era de Ouro dos musicais nos cinemas. Mostrando que é possível criar obras de qualidade fora dos muros de Hollywood, o diretor francês Jacques Demy (Os Guarda-Chuvas do Amor, A Baía dos Anjos) se destacou com o sucesso de bilheteria lançado em 1967, Duas Garotas Românticas (Les Demoiselles de Rochefort), arrebatador tanto pela energia vibrante que provém de cada cena, quanto pela simplicidade da trama, ao tratar assuntos considerados sérios de forma leve e sutil. 

O longa conta a história das irmãs gêmeas “nascidas sob o signo de gêmeos” – tal qual o tema principal das personagens cita – Delphine, professora de balé, e Solange Garnier, compositora e pianista, protagonizadas, respectivamente, pelas irmãs na vida real Catherine Deneuve e Françoise Dorléac. As duas se vêem em busca de um grande amor quando a pacata região no sudoeste da França, Rochefort, recebe a quermesse anual, espécie de carnaval extraordinário, criando uma animação inabitual na cidade. O evento acaba por acentuar ainda mais seus sonhos em encontrar o verdadeiro amor em uma breve esquina.

Entre encontros e desencontros, e as peças que o destino nos prega, somos apresentados a personagens igualmente contagiados e ludibriados pelo sentimento do amor. Dentre eles estão Yvonne (Danielle Darrieux), mãe das gêmeas protagonistas e dona de um movimentado café localizado na praça central da cidade, e Simon (Michel Piccoli), seu antigo amante, proprietário de uma recém-aberta loja de Música. Eles cantam pela falta que sentem um do outro e só não se reencontraram por raramente saírem de seus locais de trabalho. Além deles, há Maxence (Jacques Perrin), um marinheiro pintor que reproduziu em uma de suas artes a sua mulher ideal, sendo esta fielmente semelhante à Delphine Garnier.

Outro personagem que encanta os espectadores com seus números musicais repletos de coreografias mais aprimoradas que os demais colegas de elenco, é interpretado por nada menos que Gene Kelly, no papel do famoso músico americano Andy Miller. O personagem aparece na cidade à procura de seu velho amigo Simon Dame. Um encontro casual entre Andy e Solange Garnier desperta interesse em ambos – sendo que nenhum imagina quem o outro possa ser, e uma partitura esquecida por ela servirá de pista para que o artista possa reencontrá-la em um momento futuro.

Na trama, destacam-se ainda os amigos Etienne (George Chakiris) e Bill (Grover Dale), como dois dançarinos viajantes que estão na cidade para uma apresentação especial e ficam sem suas parceiras de dança. Ambos são fregueses assíduos do café de Yvone, e acabam por pedir ajuda às suas filhas, as gêmeas (e também dançarinas) Garnier. Por consequência, eles vêem nelas uma possibilidade de romance, no entanto, sem reciprocidade por parte das moças. Estes encontros irão resultar nas cenas cômicas de Duas Garotas Românticas.

“Eles estão achando que somos strippers!” – Delphine

“Sem dúvida!” – Solange

A narrativa do filme gira em torno dos desejos, anseios e sonhos das personagens, envoltos em uma atmosfera romântica, repleta de cenas multicoloridas e diálogos que são sempre interrompidos e intercalados por números de canto e dança bem produzidos, e, o mais importante: sem que haja quebra no tempo, mantendo a continuidade da história. Vale ressaltar que as belíssimas canções, compostas por Jacques Demy e pelo consagrado pianista Michel Legrand, acabaram rendendo à obra uma indicação ao Oscar de Melhor Trilha Sonora de Filme Musical, em 1969.

Além de ser uma comédia musical exageradamente colorida e alegre, Duas Garotas Românticas impressiona também pela boa atuação da dupla de protagonistas, em especial pelo talento inigualável e a habilidade de desenvolver a personagem de maneira simples e espontânea de Françoise Dorléac. Infelizmente, a atriz tem neste um dos seus últimos trabalhos, já que veio a falecer em um acidente de carro três meses após a estreia do filme.

É inegável que haja nos espectadores de hoje um certo estranhamento diante da necessidade das protagonistas pela busca de uma companhia masculina. Entretanto, devemos considerar que, sendo este um filme gravado nos anos 60, ele acaba por refletir os costumes de outras gerações. Há também a questão do ambiente familiar em que as personagens principais são inseridas, sendo ambas criadas somente pela mãe, que, na maior parte das vezes, lamentava pelo amor perdido, desencadeando nelas um possível desejo de companhia e medo da solidão.

No desfecho, quando a maior parte dos casais finalmente se encontram, o diretor nos deixa com a apreensão de que o pintor Maxence e seu ideal feminino, Delphine, possivelmente não irão se encontrar. Até que chegamos à última cena. Demy habilmente anula as chances de um final previsível e típico de Hollywood, e, em vez disso, mantém o filme da forma que ele é idealizado até o momento, ou seja, num mundo de sonhos e de fantasias. Sendo assim, não há o encontro dos amantes. A nós, só resta a incerteza, à medida que a sucessão de caminhões da quermesse vão se afastando da cidade, e a esperança de que eles num futuro próximo irão se encontrar.

Por fim, Duas Garotas Românticas, mesmo sendo desconhecido pelo grande público, merece ser lembrado, ainda que após 55 anos de seu lançamento no país de origem, a França, pois conquistou seu lugar na história dos musicais e serviu de forte inspiração para obras mais conhecidas, como o recente La La Land: Cantando Estações, de Damien Chazelle. Para o espectador, fica a dúvida deixada pelo filme, se é possível o amor encontrado ser igual ou similar ao amor imaginado, e também, a sensação de alegria transmitida nessa busca, pelas duas garotas de Rochefort.

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Sabrina G. Ferreira

Um filme do qual podemos analisar os anseios, as dúvidas e os medos de uma sociedade passada para tentarmos aprender por meio deles: essa é a definição de O Sétimo Selo (no original, em suéco, Det sjunde inseglet; e no inglês, The Seventh Seal). Do diretor sueco Ingmar Bergman (Morangos Silvestres e Persona), o nome faz referência à passagem do livro bíblico Apocalipse em que Deus tem sete selos nas mãos, e a abertura de cada um deles representa um desastre para a humanidade, sendo o último o irreversível fim dos tempos. Trata-se de uma obra que incomoda o espectador desde seu lançamento em 1957, principalmente quando nos colocamos no lugar dos personagens e no meio caótico em que eles vivem. 

A história se passa na Europa durante a Idade Média, num período em que a peste negra assolou o mundo, e matou dezenas de milhares de pessoas, provocando uma das maiores baixas populacionais já existentes. Assim, somos apresentados ao protagonista Antonius Block (Max von Sydow), um cavaleiro que lutou nas Cruzadas e está voltando para a casa com seu amigo e companheiro de batalha, o escudeiro Squire Jöns (Gunnar Björnstrand).

Em um momento de descanso para ambos, a Morte (Bengt Ekerot), elemento central da história, incorporada em uma figura pálida de roupas escuras, aparece para Block para o informar que seus momentos finais haviam chegado. A fim de ganhar tempo, o cavaleiro lhe faz uma proposta: pede que joguem uma partida de xadrez; se ela vencesse, ele iria sem protelar, mas do contrário, ele ganharia a liberdade. Intrigada com o desafio, a Morte aceita, e os duelos de xadrez tornam-se frequentes ao longo da trama. Bergman faz aqui um paralelo entre o jogo e o conflito morte versus existência, como se Deus estivesse movendo suas peças, e por consequência, movimentando nossas vidas. 

O medo de monstros e outras criaturas sobrenaturais é frequentemente abordado na obra. Se hoje a tecnologia proporciona um mundo todo mapeado, no passado as pessoas não se “conheciam”, e para que houvesse contato entre elas, era necessário viagens a cavalo ou caminhar por meses para chegar em poucas centenas de quilômetros, enfrentando o frio, a neve e a chuva. Por isso, os aldeões em geral não tinham outra escolha senão acreditar no que lhes era contado, e, dessa forma, a ameaça do desconhecido pairava, preconizando seus maiores temores. Foi assim que surgiram grande parte das criaturas assustadoras do imaginário medieval, nesse misto de mitologia, moralidade religiosa e ignorância, criando uma “coleção” de monstros que contribuíram na maneira da sociedade de pensar e ver o outro – e também os preconceitos.

“Falam de profecias e outros horrores.

[…] Ontem foram vistos mais de um sol no céu”.

– Jöns

Enquanto Block e Jöns seguem por trilhas isoladas, eles param em um vilarejo local, e encontram uma família de artistas circenses, composta por Mia (Bibi Andersson) e Jof (Nils Poppe). O casal é religioso, e se configura no estigma de uma santa família feliz que acabou de gerar um primogênito. Jof tem constantes visões espirituais, mas não consegue convencer Mia da veracidade delas. Há também o núcleo de personagens secundários, composto pelo colega de espetáculo do casal, Jonas Skat (Erik Strandmark), que representa uma figura mais profana e cômica, um homem cuja esposa o traiu (posteriormente essa mulher adúltera também junta-se a eles), e uma camponesa que estava prestes a ser violentada, é salva por Jöns, e coagida a seguir com ele. 

Além destes, há também pessoas hostis e gananciosas, como é o caso de Raval (Bertil Anderberg), que comete roubos (principalmente dos bens de pessoas mortas em decorrência da peste negra), e intimida Jof em uma taverna, fazendo-o imitar um urso, caso contrário, seria queimado vivo. O detalhe é que essa cena ocorre em meio a várias pessoas, também presentes no estabelecimento, que assistem o “espetáculo”, rindo e incitando a violência. O diretor/roteirista vê neles a justificativa para uma sociedade ser castigada pela peste, e mais tarde, todos os indivíduos, pecadores e não pecadores, inocentes e culpados, se encontrarão. 

Entretanto, apesar da dificuldade em nos colocarmos no lugar dessas pessoas em vista das diferenças existentes em uma sociedade regida pelo medo e por dogmas impostos pela Igreja Católica, é possível adquirir simpatia por elas. É justamente isso que Bergman demonstra querer, expondo o quão imperfeitas essas pessoas são, mas ainda assim, não deixam de ser só indivíduos comuns, que reagem de formas diferentes em situações de pânico. Existe um conflito entre Luz e Razão na Idade Média que dissocia os Homens como bons ou maus, sem cogitar na dualidade que há em cada um deles. Esse conflito permanece até hoje, já que a vida está ligada à morte, e sempre haverá questionamentos, como: “Deus existe?”, ou “O que é esse vazio interior que sentimos?”.

Em outra passagem, há fortes críticas ao catolicismo. O que de início se tratava de uma alegre apresentação dos artistas Jof, Mia e Skat para divertir o público de um vilarejo, logo se contrasta com uma procissão de padres seguidos por fiéis carregando cruzes, se autoflagelando, e cantando um hino em meio a choros e lamentações. É a alegria e a diversão que nos faz esquecer os problemas da vida, e em seguida, o sofrimento na busca pelo perdão divino para o castigo da peste bubônica. Essa é, sem dúvida, a cena mais impactante do filme. 

Sob o mesmo ponto de vista, é importante citar a conduta de Block, que questionava a fé e, consequentemente, a Igreja Católica. Tal atitude se mostra contrária à sociedade medieval, e à Igreja que intervinha, difundia ideias de forma dogmática e temerosa, fazendo as pessoas crerem na vida eterna e em Deus como única salvação. No entanto, próximo ao desfecho, ao deparar-se com a Morte silenciosa à sua frente, Block conclui que, de fato, não há como fugir, e se ajoelha, pedindo aos céus por uma salvação. Isso reforça como o ser humano, em momentos de desespero, sempre recorre à fé.

Próximo ao fim de O Sétimo Selo, Block reencontra sua esposa, e enquanto o casal está reunido na sala com outros personagens, a Morte adentra a casa. Sem possibilidade de escapar, todos aceitam o fim passivamente, menos o protagonista, que se entrega à uma última oração desesperada, em busca de respostas da existência de um Deus, ou de tranquilidade, em vista do destino inevitável; mas não obtém nada além do silêncio.

O mais surpreendente nesse desfecho é sabermos que a família de artistas, Mia, Jof e seu filho pequeno, foram os únicos que conseguiram driblar a Morte. Jof, quase sempre apalermado e de mente fantasiosa, na verdade era o único ali, com exceção de Block, que conseguiu ver a figura da Morte e fugir a tempo à noite, em meio à tempestade, salvando sua família de um final trágico. Para o diretor, eles representam a importância da Arte, incorporada na pura e ingênua família que vive por ela e para levá-la às pessoas. Fica aqui a reflexão de que talvez nossa única esperança seja mesmo a Arte como cura e salvação dos homens.

No final, eis que a Morte anda de mãos dadas, conduzindo Block e todos que estavam ali presentes em sua casa, em fila única, realizando uma dança da morte. Esse conceito foi aplicado pela Igreja na Idade Média em pinturas de capelas para recordar a população: “Lembre-se de que vai morrer”. Assim, todos saberiam que deveriam obedecer aos dogmas impostos pela Igreja para alcançar a redenção eterna. 

Por fim, é importante reforçar que O Sétimo Selo, vencedor do Prêmio Especial do Júri no Festival de Cannes em 1957, mesmo após 65 anos de seu lançamento no seu país de origem, a Suécia, continua sendo atual na sua defesa da Arte como antídoto à intolerância religiosa em tempos apocalípticos – sejam os da peste negra, de guerra, ou de pandemia, como vivemos no presente. A mensagem deixada por Bergman, com toda sua arte, é que devemos sempre ter esperança, ou um vislumbre de salvação, e isso é o estar aqui, vivendo. Disso, temos conhecimento, já do “Além”, nada sabemos.

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Não há maneira de iniciar uma lista que compila a nata de 2021 sem antes reconhecer o impacto da pandemia nas produções televisivas. Ainda lidando com os efeitos de atrasos, adiamentos e cancelamentos, a TV mundial se uniu ao redor dos heróis da Marvel no Disney+, das complexas famílias da HBO e, claro, de todo e qualquer original Netflix. 

Por isso, não se assuste ao ler sobre a expansão dos Vingadores para as telinhas, com a campeã de citações WandaVision, nem com a astúcia de Kate Winslet no papel de uma policial com bastante a resolver, muito menos com as desventuras da puberdade que continuam excitando os personagens de Sex Education. Para esse ano que passou, o Persona aboliu as listas individuais. 

Agora, com base em rankings próprios, a Editoria se organizou a fim de entregar ao leitor a experiência mais personistíca que existe: ler sobre tudo, com opiniões embasadas, informações apuradas e uma curadoria mais afiada que o escudo do Capitão América ou as armas letais de Round 6. Rolando para baixo, estão 90 textos, sobre 90 séries, minisséries, especiais, animações, dramas, comédias, dramédias. Não importa o rótulo, o que importa é a qualidade.

Viajando do Brasil à Tailândia, passando pela Coreia do Sul, Reino Unido e Espanha, As Melhores Séries de 2021 representam a diversidade do nosso público. Como de praxe, o Tudum ficou com o ouro, sendo lembrado por trinta e uma produções diferentes. Seguido do Disney+, que coleciona meia dúzia de mimos, quase todos às custas dos mascarados e dos Beatles. O Amazon Prime Video, em ano de folga de sua Liga da Injustiça e da comediante mais falastrona do pedaço, foi lembrado pela audácia de The Underground Railroad e pela sensibilidade de Manhãs de Setembro.

Na casa da HBO, tanto ela quanto seu primo HBO Max foram ranqueados em quatro ocasiões, com destaque para a sisuda Mare of Easttown, a tempestuosa Succession, a inescrupulosa Hacks e a eloquente genera+ion. Com Selena Gomez retornando aos estúdios ao lado dos Titãs da Comédia Steve Martin e Martin Short, o Hulu foi felizmente arrebatado pelo bom retorno e ótima qualidade de Only Murders in the Building. No FX, Pose acabou, Reservation Dogs começou e What We Do in the Shadows manteve o alto nível. 

Ted Lasso continua sua jornada como um dos únicos sobreviventes do catálogo nada popular da Apple TV+, ao lado da marcante Dickinson. O resto você descobre lendo e se aprofundando no mundo das telinhas, em cada uma das contribuições que fazem desse o post mais democrático que o Persona já realizou. Para 2022, ficam os votos de esperança (e os retornos de tantos queridos rostinhos, dos rappers aos lavadores de dinheiro aos adolescentes eufóricos). Bom proveito! 

O humor ácido de (Des)encanto já é conhecido pelos brasileiros e mais uma vez entrega tudo com a dublagem mais bem feita e divertida do mundo. O fato de implementarem frases conhecidas e memes nacionais faz a diferença na experiência, transformando momentos simples em engraçados da maneira certa. A terceira temporada conseguiu suprir as dúvidas matadoras que a anterior deixou para trás, mas errou em deixar personagens tão importantes como Luci (Eric André) e Elfo (Nat Faxon) em segundo plano.

Mantendo a estética das temporadas anteriores, o seriado animado aposta tudo na personalidade de Bean (Abbi Jacobson), que se mostra mais madura e responsável tendo que lidar com a instabilidade do reino, a loucura do rei Zog (John DiMaggio) e se abrindo para possibilidades no amor, chegando a explorar sua sexualidade. O esperado para a próxima season é desvendar os mistérios e mostrar ainda mais dos protagonistas, exibindo a complexidade do Reino dos Sonhos e seus habitantes. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Subterranean Homesick Blues (03×01), Last Splash (03×06) e Hey, Pig Spender (03×08)

1ª temporada de A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls)

Não é comum acompanharmos o período universitário de jovens dentro das telas, já que os corredores das escolas são mais representados, mas a nova comédia do HBO Max muda esse cenário e o explora. A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls) é marcada por um diferencial que a torna especial: expor as adversidades dessa etapa da vida sem desviar de questões cotidianas da vida dos jovens. A série acompanha quatro calouras – Kimberly (Pauline Chalamet), Whitney (Alyah Chanelle Scott), Bela (Amrit Kaur) e Leighton (Reneé Rapp) – na importante Essex College, onde elas buscam mudanças para suas vidas.

Apesar de todas elas serem completamente diferentes, a experiência de viverem primeiras vezes de forma compartilhada faz com que sua conexão seja quase instantânea. A trajetória das protagonistas é bonita pela amizade e pela normalidade, ou seja, elas falam sobre sexo, falam mal dos professores e dão conselhos umas as outras – retratando esse período como ele realmente é: confuso, engraçado e assustador. Todas as particularidades da fase da vida universitária estão presentes na obra, mas com um toque particular, a descoberta delas e do mundo ao seu redor com um olhar adolescente e autêntico. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos: Welcome to Essex (01×01) e The Truth (01×10)

19ª temporada de American Idol

A 19ª temporada de American Idol estreou com algumas mudanças no formato: as novas dinâmicas em grupo filtraram os candidatos de maneira muito mais justa e ainda tivemos a ‘volta dos que não foram’. O público votou no retorno de Arthur Gunn, o escolhido entre os participantes da edição passada para concluir os dez finalistas da nova temporada. A decisão fez jus a pelo menos um talento que não pôde se apresentar no palco em 2020, quando as primeiras medidas sanitárias contra a covid-19 foram implantadas nos Estados Unidos.

Com as clássicas histórias de vida comoventes que não podem faltar, 2021 foi o ano em que American Idol garantiu personalidades fortes na disputa pelo tão sonhado ingresso dourado para Hollywood. A irreverência de Erika Perry estremeceu os jurados e a mentoria do músico Finneas se destacou. Em uma das finais mais disputadas da história, Chayce Beckham foi coroado campeão pelo público, enquanto as vozes potentes de Willie Spence e Grace Kinstler completaram o pódio. O comando do programa pelo apresentador Ryan Seacrest e os jurados Lionel Richie, Katy Perry e Luke Bryan novamente foi feito com maestria. Estendendo a parceria, a 20ª temporada já tem data de estreia: 27 de fevereiro de 2022. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Hollywood Week: Genre Challenge (19×06), Disney Night (19×16) e Coldplay Songbook & Mother’s Day Dedication (19×17)

2ª temporada de Amizade Dolorida (Bonding)

Além do título sugestivo, a estadunidense Amizade Dolorida continua trazendo reflexões aos espectadores, mostrando que nem só de sexo vive a humanidade – ou talvez viva. Nessa segunda temporada, o que chama a atenção é o drama pessoal de Tiff (Zoe Levin), que se mistura com seu trabalho paralelo de dominadora. Surgem momentos de turbulência com seu namorado por negligenciar seus sentimentos e questões internas; toda a postura rígida que mantém com os clientes se desfaz quando o assunto é aceitar sua felicidade e relacionamento. Essa situação acaba entrando em conflito em cenas onde a superação dos medos dos amigos é tão incentivada enquanto seus próprios a impedem de arriscar. 

A série também ajuda a enxergar o BDSM como uma comunidade que ultrapassa o senso comum e instiga os curiosos, através de dinâmicas que ajudam na vida pessoal, como se colocar no lugar do subordinado (no contexto de dominação e submissão), fazendo o dominador sentir mais empatia com a situação alheia até mesmo fora das cenas. Também tem destaque o consentimento, ponto chave desse estilo de vida e que permeia todos os 8 episódios, mostrando que definir limites em todos os momentos é parte do processo de evolução e cuidado pessoal. Amizade Dolorida surpreende quem procura a produção só pelas saliências, mas não tolera transformar a própria vida em piadas sem limites ou consequências. Beijos Pete. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: Dog Days (02×02), Threesomes (02×04) e Permission (02×08)

1ª temporada de Arcane (Arcane: League of Legends)

Enquanto Hollywood ainda tenta emplacar adaptações de videogames para o formato live-action, a Netflix fez uma das apostas derradeiras de 2021 e lançou Arcane, a prequel animada do jogo League of Legends, que rapidamente subiu no ranking da plataforma durante suas três semanas de exibição e é hoje a série mais bem-avaliada dela no IMDb. Mostrando a formação de vários personagens icônicos do game, a primeira temporada mergulha de cabeça na ação dramática e na tensão política entre opressores e oprimidos, focando na trágica história de Vi (Hailee Steinfeld) e Jinx (Ella Purnell) e criando uma das maratonas mais engajantes do ano.

Indicada a nove estatuetas no 49º Annie Awards (premiação que celebra a excelência em Animação no Cinema e na Televisão), Arcane não é nada menos do que uma experiência sensorial e estética, em todos os sentidos. Combinando técnicas 2D e 3D para criar seu mundo steampunk dilapidado pela desigualdade, a obra do estúdio francês Fortiche floresce no fio da navalha entre seus visuais psicodélicos e suas trama assustadoramente atual, levando suas personagens ao limite do desconhecido e recheando sua narrativa de escolhas cruéis e definitivas, se consagrando em seu último episódio como uma visão artística sem precedentes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: The Base Violence Necessary for Change (01×03), Oil and Water (01×08) e The Monster You Created (01×09)

1ª temporada de As Five

Uma pérola no catálogo do Globoplay, As Five soube aproveitar o amadurecimento de quem acompanhava Malhação. A série original da Globo é um spin-off da temporada Viva a Diferença, uma das muitas da novelinha (antes) recorrente nas tardes da programação, e foi lançada no streaming da emissora. Cinco anos depois dos eventos que encerraram a exibição na TV aberta, Benê, Lica, Ellen, Tina e Keyla se distanciaram e cada uma passa por um momento de vida diferente. Quando se reencontram em um evento em comum, logo no piloto, as cinco são novamente confrontadas com suas diferenças, agora maiores do que as da época do Ensino Médio: enquanto uma lida com a maternidade, outra está se formando na faculdade e outra nem sequer descobriu com o que quer trabalhar.

Se Malhação era destinada ao público juvenil, As Five cresceu junto de suas protagonistas e mirou na audiência jovem adulta. Assimilando as diferenças entre elas, a série discute temas como mercado de trabalho, questões sociais e os desafios e inseguranças da mudança de faixa etária, um dos pontos mais atrativos e próximos à audiência. Além disso, a produção atualiza os personagens principais e coadjuvantes para o novo recorte temporal, aproveitando disso para explorar, neles, tópicos como sexualidade, relacionamentos românticos, saúde mental e abuso de drogas, tudo de uma forma descontraída. Sem um moralismo nada apelativo, As Five promete continuar nos conectando às Cinco e aos seus problemas de jovens-adultas em uma segunda e terceira temporada. – Vitória Lopes Gomez

Episódios Favoritos: As Five, Quem Deu Esse Nome Mesmo? (01×01) e Surpresa! (01×05)

4ª temporada de Atypical

Buscamos sempre uma vida sem nada de atípico nas nossas decisões, relacionamentos e até em nós mesmos. A série Atypical, uma produção original da Netflix, mostra que caminhos singulares podem ser transformadores. Com dez episódios, a quarta e última temporada acontece assim como as outras: abordando o dia a dia e as mudanças enfrentadas pela família Gardner. O protagonista Sam (Keir Gilchrist) é autista, e neste ano busca enfrentar o desafio de morar sozinho com Zahid (Nik Dodani) e realizar seu sonho de ir à Antártida. Sua irmã Casey (Brigette Lundy-Paine) tenta se adaptar à nova escola, enquanto lida com questionamentos sobre sua sexualidade. E ainda, seus pais Elsa (Jennifer Jason Leigh) e Doug (Michael Rapaport), tentam resolver o problema de seu casamento. 

Mesmo com a insatisfação do público com o fim da série, depois de assistir aos episódios finais, é possível encontrar um acalento nessa despedida. Lidar com si mesmo e com seus relacionamentos de forma humana é especialidade dos personagens de Atypical. A última temporada conta com o amadurecimento de todos, e mostra o porquê de ser tão especial por sua beleza e sensibilidade ao mostrar o mundo. A obra faz algo incrível, mostrar como o cotidiano e a jornada de cada um é humana, especial e atípica. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos:  You Say You Want a Revolution (04×03) e Dessert at Olive Garden (04×10)

5ª temporada de Big Mouth

Big Mouth não é original. A série lançou em 2017 junto a uma leva de animações em formato de sitcom, destinadas ao público adulto, que copiavam produções aclamadas como Family Guy e South Park. Todas seguiam as mesmas convenções de uma típica comédia do Adult Swim – o mesmo estilo de animação colorida e cartunesca, a mesma dublagem de pretensão duvidosa, o mesmo humor besteirol e metalinguístico – e na maior parte as reproduzia de maneira vazia e acrítica. Big Mouth utiliza-se dos mesmos elementos, porém, em meio a esse mar de seriados, consegue se destacar. Não só porque Nick Roll e Andrew Goldberg, os criadores da série, se apropriam desses vícios com muita sagacidade, mas também porque inserem, entre a camada superficial de piadas escatológicas, um tratamento de personagem realmente sensível – principalmente nas últimas temporadas.

A 5ª temporada da série vencedora do Emmy, que apresenta um grupo de pré-adolescentes entrando na puberdade a partir do lúdico e do esdrúxulo, pode dar a impressão errada ao introduzir os besouros-do-amor, mas que logo é despontada quando, em sua segunda metade, esse amor se transforma em raiva, ressentimento e rancor. A escolha por atrelar, nos seus últimos episódios, a imagem do besouro com a do verme do ódio é bastante autoexplicativa. A animação da Netflix discute o amor e suas possíveis faces abusivas com a irreverência e sacanagem comuns das produções que deriva, porém o faz enquanto empatiza e se preocupa com as ansiedades e angústias de seus personagens. Big Mouth mantém o nível de qualidade alto em seu quinto ano e prova, mais uma vez, que não é preciso seriedade para ser maduro. – Enrico Souto

Episódios Favoritos: The Green-Eyed Monster (5×03), I F**king Hate You (5×07) e Re-New Year’s Eve (5×10)

16ª temporada de Bondi Rescue

Em 2020, a pandemia de covid-19 fechou a praia de Bondi pela primeira vez desde a Segunda Guerra Mundial. Em 2021, graças às medidas sanitárias eficientes da Austrália, a 16ª temporada de Bondi Rescue contou com a reabertura da orla. Os turistas, vítimas mais recorrentes por não serem acostumados com a força das ondas australianas, não preencheram toda a beira da orla como anteriormente, mas isso não impediu que os afogamentos não acontecessem. Os salva-vidas mais famosos do país realizaram incontáveis resgates e também se depararam com as tradicionais cenas inusitadas.

Foi também durante a quarentena que o programa televisivo viralizou e tomou proporção mundial na internet. Exibido na Austrália pela emissora Network 10, o canal oficial no YouTube passou a fazer transmissões ao vivo com os heróis dos mares e a postar grande parte dos seus episódios na íntegra. O futuro de Bondi Rescue ainda é incerto, porém, a sua 16ª temporada provou que enquanto houver banhistas que escolhem ignorar as bandeiras vermelhas e amarelas, ainda haverá muito enredo para explorar. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Episode 1 (16×01), Episode 5 (16×05) e Episode 7 (16×07)

8ª temporada de Brooklyn Nine-Nine

Minha mãe chorou quando eu nasci porque soube que nunca seria melhor do que eu…. disse Gina (Chelsea Peretti), e agora, o mundo inteiro chora porque sabe que não existirá uma outra série que se compare à Brooklyn Nine-Nine. A trama ganhou sua oitava e última temporada em 2021. Ambientada na “fórmula Michael Schur de sitcom contemporânea” (The Office e Parks and Recreation), B99 se tornou a encarnação mais essencial dessa receita. Desde sua estreia em 2013, ela definiu melhor que nenhuma outra o humor bem-intencionado, superficialmente bobo, com uma construção de personagem bem detalhada e que consegue, mesmo com o tom engraçado, se destacar quando passeia pelas águas do drama e da seriedade. 

Inclusive, esse é um dos vários motivos que consolidam a série nos Melhores do Ano de 2021. Com artifícios como este,  Brooklyn Nine-Nine consegue conduzir muito bem alguns assuntos sérios dentro de um espaço eufórico como a comédia.  E isso se mostrou fundamental para B99 ter uma despedida digna. No intervalo entre a sétima e a oitava temporadas da sitcom, e com a data de estreia já anunciada, o elenco abordou a dificuldade em fazerem uma série sobre a polícia durante os tempos que se vivem na América, como o assassinato de George Floyd e os protestos ao redor do mundo. Os eventos levaram a uma reestruturação do ano final, dando destaque à possibilidade da reforma policial e às fundamentais falhas da polícia como autoridade. Assim eles nos deixaram, mas se não fosse dessa maneira, não seriam Brooklyn Nine-Nine. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: The Last Day – Part 1 (08×09) e The Last Day – Part 2 (08×10)

1ª temporada de Casamentos às Cegas: Brasil 

A premissa insana do reality show Casamento às Cegas: Brasil fez com que ele se tornasse uma das produções mais comentadas no Twitter brasileiro em 2021.  A ideia de colocar pessoas desesperadas para casar em interações que não se tem o contato visual cria um experimento social único e curioso. Inicialmente, é comum o espectador se chocar com as atitudes dos participantes e o absurdo da situação, mas logo essas reações iniciais abrem espaço para uma curiosidade e um interesse genuíno no futuro dos casais, e é nesse momento que o seriado prende a audiência e mostra o quão divertido pode ser.

Cada participante tem uma personalidade diferente, logo, criam-se dinâmicas de casais muito diversas, as quais nem sempre são amigáveis. Os conflitos e as discussões entre as pessoas do seriado demonstram tanto o estressante do experimento social quanto como as aparências podem enganar numa relação, seja ela física ou psicológica, já que muitas vezes essa fica mascarada através de uma persona agradável. A mistura de emoções e o desejo de saber o fim dessa história fazem desse reality show uma das experiências instigantes e singulares dos seriados de 2021. – Nathan Sampaio

Episódios Favoritos: Expectativa vs. Realidade (01×05), Morando juntos (01×06) e A Hora da verdade (01×10)

4ª temporada de Castlevania

Por mais que Arcane tenha feito seu marco em 2021 como uma excelente adaptação de videogames para o formato de animação, neste ano também vimos uma das primeiras chegar ao fim. Com Castlevania, a Powerhouse Animation (responsável por O Sangue de Zeus e Mestres do Universo: Salvando Eternia, além da futura adaptação de Tomb Raider) se consagrou como um dos grandes nomes em ascensão na indústria, com lutas sangrentas e fluídas, tramas emocionais e surpreendentes e momentos de partir o coração. A quarta temporada da animação segue as pontas soltas do ano anterior e, num último esforço para impedir a ressurreição de Drácula (Graham McTavish), entrega algumas de suas mais esperadas conclusões.

Com a expectativa de reunir o trio de protagonistas que havia sido separado ao final da segunda temporada, a série como sempre segura suas melhores cartas para serem usadas no momento de maior impacto, reunindo seus personagens em embates icônicos, visualmente inventivos e quase sempre trágicos. Mas talvez a maior força de Castlevania sempre tenha sido a habilidade de seu roteiro para enfrentar as verdadeiras forças por trás dessas tragédias, seja com Isaac (Adetokumboh M’Cormack) encontrando sua perspectiva de futuro na luta contra a cruel Carmilla (Jaime Murray) ou no final inesperado reservado para o grande vampirão que deu início à esse delicioso banho de sangue. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: You Don’t Deserve My Blood (04×06), The Endings (04×09) e It’s Been a Strange Ride (04×10)

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage)

Devido a admiração pelos filmes de Ingmar Bergman (O Sétimo Selo, Persona) veio a desconfiança, e até receio em assistir a essa releitura do clássico de 1973, pois havia o risco de se tratar de mais uma “americanização” de obras cinematográficas europeias, cheia de clichês, e dificilmente fiel à obra original. No entanto, optar por assistir a minissérie Scenes from a Marriage, escrita e dirigida por Hagai Levi (da série Em Terapia), acabou se tornando algo surpreendente, em especial pelos diálogos muito bem elaborados, e os personagens, com suas peculiaridades que nada deixam a desejar para o obra de Bergman.

Nesta versão atualizada de cinco episódios, a aparente união bem sucedida de Mira (Jessica Chastain) e Jonathan (Oscar Isaac), veem aos poucos as máscaras caírem por consequência de um estudo do qual eles viram alvo, e que tem como tema um assunto peculiar e vivido já vivido secretamente por ambos, que é a monogamia. As respostas dadas à pesquisadora, apesar de tentar usar da naturalidade, são sentidas pelo espectador, que percebe a profundidade de sentimentos no casal protagonista, e sente como se pudesse ler os pensamentos deles. Algo ali não está certo, e cabe a nós descobrirmos, gradualmente, o que está acontecendo. A minissérie foi indicada ao Globo de Ouro 2022 de Melhor Atriz para Jessica Chastain, e de Melhor Ator, para Oscar Isaac. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: Poli (01×02) e The Illiterates (01×04)

1ª temporada de Chucky

Chucky é uma grata surpresa aos fãs da franquia Brinquedo Assassino. A série retoma as origens de Charles Lee Ray, mostrando os caminhos pelos quais a vida do assassino passou até se tornar o Chucky. Por meio de cenas de flashbacks, entendemos mais sobre a saga original de Don Mancini até às narrativas dos filmes atuais quando a direção criativa já não estava sob suas mãos. Conhecemos maravilhosos novos personagens que trazem importantes discussões, como o protagonista Jake (Zachary Arthur) e seu o processo de aceitação social, conexões familiares e mesmo descoberta do amor.

Apresenta o terror de uma maneira cômica, revivendo a proposta dos primeiros filmes, e consegue ser nostálgico (incorporando personagens toda a saga na narrativa) e ao mesmo tempo muito atual (com discussões sobre o universo queer e sobre famílias desestruturadas). O seriado consegue tecer uma boa crítica a sociedade como um todo, as suas grandes hipocrisias. As mortes de Chucky, além de debochadas, servem de sátira a aqueles que socialmente atrapalham a vida de ser leve (os dissimulados, enganadores, julgadores). Agora nos resta esperar a segunda temporada para ver quais os próximos planos do nosso brinquedo assassino favorito e como continuará sua luta contra Andy Barclay (Alex Vicent). – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: Give Me Something Good to Eat (01×02) e An Affair to Dismember (01×08)

1ª temporada de Cidade Invisível

Apesar de Cidade Invisível ter gerado debates sobre o folclore brasileiro ser uma apropriação das crenças indígenas, e não ter representatividade nenhuma daquilo que parecem querer mostrar, a série da Netflix foi um dos lançamentos de maior importância e sucesso em 2021. Mesmo assim, a composição com o suspense, pautando a destruição de ecossistemas brasileiros e  de populações ribeirinhas, junto à atuação incrível de Marco Pigossi, Alessandra Negrini, Fabio Lago e Wesley Guimarães, criou um espetáculo.

Cidade Invisível transformou a visão que a sociedade possui sobre o folclore: a discussão agora é séria, dramática, mais próxima da realidade do que histórias escolares de criança. A perspectiva precisa urgentemente ser melhorada para a sua continuação já confirmada, mas a produção tem tudo para conseguir quadruplicar seu desempenho, já que o final de sua 1ª temporada termina com, justamente, os seres folclóricos que estavam nas florestas de Mata Atlântica do Rio de Janeiro, deixando o lugar em direção à sua verdadeira casa. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Você não vai acreditar em mim (01×05), Coisa de criança (01×06) e É muito maior do que a gente (01×07)

1ª temporada de Clickbait

A Netflix tem um imenso catálogo de thrillers, mas Clickbait se destacou dentre essas produções por ter um final instigante ao telespectador. A narrativa não se propõe a formar uma crítica profunda, buscando mostrar como as relações humanas com o mundo virtual podem ter graves consequências. A todo momento a história nos leva a falsos caminhos, e o nome da série já diz a que veio, para que o fim se revele não só surpreendente, mas também catastrófico. Ele serve como uma ferramenta de reflexão de como as dependências emocionais somadas a tentativas de viver uma vida perfeita (virtual) podem ser degradantes.

A série se inicia com o desaparecimento de Nick Brewer (Adrian Grenier), poucas horas depois um vídeo em que ele admite que abusa de mulheres aparece na internet. As imagens geraram grande comoção por ele apresentar placas que afirmam: “Chegando em 5 milhões de visualizações, eu morro”. A partir deste momento, a vida de sua família se modifica; a cada descoberta um novo julgamento interno e em público, fazendo com que contradições, especulações e reviravoltas norteiam a trama. Clickbait tem seu desfecho justo e apesar da crítica rasa às questões sociais consegue levantar discussões interessantes além do ótimo entretenimento. A Netflix ainda não confirmou a sua renovação, apesar de ser intenção do criador Tony Ayers. – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: The Sister (01×01), The Reporter (01×05) e The Answer (01×08)

4ª temporada de Cobra Kai

Para a felicidade dos admiradores de artes marciais, 2021 foi abençoado não apenas com uma, mas sim duas temporadas da série Cobra Kai. Após três anos repletos de reviravoltas e muito karatê, o protagonista Johnny Lawrence (William Zabka) passa por um momento de deixar o passado no passado e se tornar aliado do seu rival, Daniel Larusso (Ralph Macchio), para derrotar um mal em comum, mais conhecido como o seu antigo sensei, John Kreese (Martin Kove). Diferente das duas primeiras temporadas, originalmente produzidas pelo YouTube, a continuação da série se encontra nas mãos da Netflix e está longe de ter um fim.

Embora o primeiro filme de Karatê Kid tenha tido seu lançamento na década de 80, a série contribuiu para que uma nova geração de pessoas começasse a se interessar pelos longas e também pelas artes marciais. Além do mais, esse encontro de gerações não é resumido apenas entre admiradores de Cobra Kai, mas também no próprio elenco. A relação de amizade entre o elenco adulto e o elenco jovem, também é presente em todos os momentos, assim como na sequência de filmes originais. Com um toque de humor e nostalgia, a série foi renovada para mais duas temporadas e apareceu na lista do SAG Awards na categoria de Melhor Elenco de Dublês em TV. – Ludmila Henrique

Episódios Favoritos: First Learn Stand (04×02) e Party Time (04×08)

Colin em Preto e Branco (Colin in Black & White)

Trazendo referências históricas e artísticas, Colin em Preto e Branco dá um show, criando uma minissérie realista e divertida; A participação de Colin Kaepernick narrando a história de maneira pessoal mas ainda assim mantendo certa distância, é um elemento criativo e sentimental necessário para deixar cada episódio ainda mais apaixonante. O jovem ator Jaden Michael impressiona com a convincente atuação e é uma possível estrela em ascensão, colecionando trabalhos com Jaden Smith e Justice Smith, fenômenos teen da Geração Z.

A produção é dirigida pela fenomenal Ava DuVernay, também responsável pela premiada minissérie Olhos que Condenam. Ava costuma trazer um olhar voltado para as desigualdades raciais, somados à história de Colin, se conseguiu uma fusão perfeita entre a história de uma adolescente e os micro racismos que sofreu no decorrer da vida. Adicionando fatores externos como as misses negras, estudos e estrelas do rap, construiu-se a narrativa de forma didática e maravilhosamente confortável. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Cornrows (01×01) e Road Trip (01×03)

2ª temporada de Com Amor, Victor (Love, Victor)

Para quem estava ansioso em saber o desfecho da tão esperada “saída do armário” de Victor (Michael Cimino), a segunda temporada de Com Amor, Victor foi um deleite e tanto. Provando que a decisão da mudança da série do Disney+ para o Hulu foi um grande acerto, a nova temporada mostrou que não precisava do inconsistente filtro de family friendly da emissora do camundongo e abriu caminho para explorar ainda mais seus personagens. Inclusive, o enredo conseguiu brincar bastante com o background cultural de cada um deles e em como este poderia afetar em suas relações amorosas e familiares, sem esquecer, claro, que eles são jovens com desafios e problemas cotidianos. 

É visível, inclusive, que tanto o personagem principal quanto o ator parecem estar mais à vontade com a atuação, resultando em um desenvolvimento afetuoso do conflito com sua mãe preconceituosa. Essa “humanização” leva o enredo a um retrato mais justo da comunidade LGBTQIA+ que deixam a desejar em algumas outras séries, como Sex Education e Elite. Recheada de representatividade e personagens carismáticos, a trama ganhou mais uma vez o carinho do público e conseguiu sua renovação para uma terceira temporada, prevista para chegar nas terras brasileiras em junho de 2022. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: There’s No Gay in Team (02×03) e The Morning After (02×08)

1ª temporada de Cruel Summer

Uma história, duas perspectivas e a desconstrução da verdade, quando confrontada com distintos ângulos, concepções e valores. Em Cruel Summer, duas vidas sofrem mudanças drásticas a partir do desaparecimento da jovem Kate (Olivia Holt), enquanto Jeanette (Chiara Aurelia) é acusada de ser a responsável pelo acontecido. Além de ser contada alternando episódios entre os pontos de vista das duas protagonistas, a série intercala entre três épocas, revelando antecedentes e consequências das decisões das personagens, que por sua vez, são complexas e interessantes. 

Entre mentiras, segredos e revelações surpreendentes, a temporada de 10 episódios é cativante em cada segundo de sua duração. A série se destaca com seus notáveis detalhes técnicos, que lhe garantem identidade e personalidade. Ela fornece atuações impactantes e uma fotografia impecável, que determina planos e a coloração da imagem, de acordo com a dramatização requerida em determinada linha temporal representada. A inteligente maneira como o suspense em Cruel Summer é construído, garante uma experiência única, colocando a série entre os melhores lançamentos de 2021. Não à toa, ela foi logo renovada para uma segunda temporada, cujo lançamento está previsto para o segundo semestre de 2022. – Mariana Nicastro

Episódios Favoritos: Happy Birthday, Kate Wallis (01×07), A Secret of My Own (01×09) e Hostile Witness (01×10)

Demi Lovato: Dancing with the Devil

Demi Lovato: Dancing with the Devil pode se resumir em uma palavra: honestidade. Honestidade para com os seus fãs e para com si mesmo. Em apenas quatro episódios que acumulam quase 40 milhões de visualizações no YouTube, a minissérie de Demi Lovato conseguiu explicar com sinceridade as razões por trás dos eventos preocupantes da sua vida pessoal que viraram manchetes em todo o mundo. A vulnerabilidade de Demi e a veracidade dos seus relatos foram viscerais, é muito difícil não se emocionar ou se sensibilizar com cada revelação feita. 

Dos motivos que levaram Demi Lovato a sofrer uma overdose até o seu quase encontro com a morte, a direção de Michael D. Ratner trouxe a sensação de uma conversa íntima para a tela. Como dizem os versos da trilha sonora de mesmo nome Dancing With The Devil: “É difícil dizer não quando você está dançando com o diabo”. Demi sobreviveu e apostou na honestidade para conscientizar sobre as consequências do abuso de substâncias, além de mostrar que recomeçar é uma arte e não uma vergonha. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Losing Control (01×01) e 5 Minutes from Death (01×02)

2ª temporada de Dickinson

Mais de um ano após a primeira temporada, as expectativas estavam altas para o segundo ano de Dickinson, a releitura anacrônica dos anos formativos da heroína-poeta titular, mais uma vez interpretada ferozmente por Hailee Steinfeld. Separada de Sue (Ella Hunt) pelo casamento dela com seu irmão Austin (Adrian Enscoe), Emily agora tem de redefinir sua própria relação com seus poemas e a razão pela qual os escreve, uma vez que a oportunidade de fama bate à sua porta na forma do misterioso Sam Bowles (Finn Jones). Em sua segunda vinda, a série criada por Alena Smith mergulha de cabeça nas coisas que definem Emily Dickinson não só como poeta, mas como pessoa.

Os dramas então ficam cada vez mais intensos (e engraçados), com todos os membros da família recebendo seu momento para brilhar ou se atrapalhar, aproximando-os mais do espectador do que praticamente qualquer outro drama de época atual, utilizando uma lente moderna e uma estética surreal para reexaminar o passado com efeitos tão hilários quanto trágicos. Seguindo os passos de sua poeta, a série foi quase que invisível nessa temporada de premiações, mas a jornada de Emily nos faz entender que isso não é o fim, afinal – a fama é uma abelha. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: Split the Lark (02×06), I’m Nobody! Who Are You? (02×08) e You Cannot Put a Fire Out (02×10)

10ª temporada de Dimension 20

Qualquer um que já jogou um RPG de mesa vai poder te confirmar que o sucesso de qualquer jogo depende de duas coisas: a habilidade da pessoa que mestra ao tecer histórias que incorporem interatividade e envolvimento emocional, e a daqueles que a jogam de transformar falhas em risadas e sucessos tênues em motivo de festa. Brennan Lee Mulligan e o elenco de The Seven, a décima temporada da websérie de actual play do CollegeHumor, tem tudo isso de sobra. Reunindo na mesma mesa um grupo de comediantes de talento titânico, a nova produção do universo de Fantasy High traz o melhor de temporadas anteriores e adiciona o caos único que um grupo de garotas adolescentes é capaz de oferecer.

O novo ano de Dimension 20 é marcado pela volta ao Domo, o espaço físico que havia ficado em desuso durante 2020. Lá, Erika Ishii, Rekha Shankar, Persephone Valentine, Becca Scott, Isabella Roland e Aabria Iyengar encarnam a party das Sete Donzelas, na busca por terminar o ano escolar e talvez salvar o multiverso no caminho (depois de talvez tê-lo colocado em perigo). A química entre as seis jogadores e o Mestre é pulsante do início ao fim da temporada, propiciando alguns dos momentos mais hilários e emocionantes de qualquer temporada e tirando nada mais, nada menos do que um 20 natural. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: In or Out (10×02), Belles of the Baronies (10×06) e I Fucking Love You (10×10)

Dopesick 

Histórias do imaginário americano e mundial tem cada vez mais saído do ramo documental e migrado para o ficcional, como nos casos de The Act, American Crime Story e Chernobyl. Dopesick estabelece de vez o segmento no streaming, e, assim como as outras, conquista o espectador. O título é um termo em inglês usado para quando alguém está em uma situação específica da abstinência, e a minissérie, contando sobre a fraude farmacêutica que culminou em uma crise de opióide nos EUA, sabe muito bem provocar esse sentimento em quem a assiste.

A minissérie indicada em 3 categorias Globos de Ouro tem um roteiro muito inteligente e organizado que preza pela máxima do “mostre, não conte” e aborda o flagelo do vício em suas diferentes vertentes de forma não convencional. Por isso, ela chamou atenção de um elenco muito estrelado incluindo Will Poulter, Rosario Dawson, Peter Sarsgaard e Michael Keaton conseguindo tirar atuações impecáveis de cada ator. Dopesick acerta ao distribuir formatos já vistos em outros produtos dramáticos na TV ao longo dos últimos anos entre seus núcleos e os condensar através de uma trama extremamente coesa, avassaladora e viciante. – Guilherme Veiga

Episódios Favoritos: The 5th Vital Sign (01×03), Pseudo-Addiction (01×04) e The People vs. Purdue Pharma (01×08)

1ª temporada de Drag Race España

A franquia Drag Race já coleciona diversas versões estrangeiras de seu programa original, cada uma diferente da outra pelo fator principal: regionalidade. Com Drag Race España, essa história não muda, por motivos bons e ruins. A falta de refinamento técnico é compensada pela narrativa espontânea e diversão bagaceira, cada vez mais rara no reality estadunidense. Na casa de RuPaul, a coleção de Emmys veio por meio de uma produção extremamente calculada, que já começa toda nova temporada consciente de quem serão as primeiras eliminadas, o miolo e as finalistas, e qualquer passo fora da linha pontilhada será ajustado pela edição. No livro de regras da corrida espanhola, tudo isso ficou de fora, felizmente.

A competidora Pupi Poisson é o melhor exemplo do que Drag Race España é: ela pode não ser polida em seus visuais e na técnica, mas ela representa o que a arte drag é em sua essência, o potencial de entreter, encantar e divertir quem assiste. Inti, também, por sua veia artística influenciada pela riqueza da cultura quechua; Hugáceo Crujiente por sua estética original; e claro, Carmen Farala, que reinventa o pageant e se mostra boa o suficiente para sentar ao lado de outras queens lendárias das primeiras temporadas de Drag Race. No fim do dia o España é uma bagunça e uma zona, mas é também entretenimento puro, acontecimentos espontâneos e diversão. E para isso não existe fórmula técnica garantida. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: Mocatriz (01×03) e Snatch Game (01×04) 

2ª temporada de Eu Nunca… (Never Have I Ever)

Não muito diferente do ano inicial, a segunda temporada da série Eu Nunca…, produzida pela plataforma de streaming Netflix, segue narrando a vida nada simples da jovem Devi Vishwakumar (Maitreyi Ramakrishnan) e seus altos e baixos entre questões amorosas, diferenças familiares, religião e a perda recente de seu pai. Com uma grande dose de humor e uma abordagem mais séria para assuntos sensíveis, a série superou as expectativas já aguardadas pelo público e conquistou um espaço entre as melhores de 2021. Apesar de não haver grandes diferenças entre as temporadas, a segunda teve um aprofundamento no enredo de todas as figuras principais, se tornando um diferencial frente às outras séries do mesmo gênero.

Embora o foco aqui seja o humor, em vários momentos os personagens tiveram que lidar com situações difíceis como relacionamentos tóxicos, transtornos alimentares e machismo dentro de instituições de ensino. Além disso, Eu Nunca… se destaca entre outras produções teens pela preocupação de realmente trazer uma protagonista adolescente, com problemas recorrentes da adolescência e com atitudes e escolhas muitas vezes consideradas infantis por parte do público. Essa união entre brigas, risadas e amor, contribuíram para que já fosse renovada para a terceira temporada. – Ludmila Henrique

Episódios Favoritos: … opened a textbook (02×03) e … been a perfect girl (02×10)

1ª temporada de Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier)

A quarta fase do legado Marvel – apesar dos pesares – tem se projetado do passado e desenvolvido o futuro por arcos interessantes e astutos. Sem abandonar os trejeitos característicos do universo de Kevin Feige, Falcão e o Soldado Invernal integra a jornada apresentando a algazarra mundial pós-Ultimato, com lentes quase sempre cuidadosas e veias críticas pioneiramente precisas. Escancarando o lado vil do memorável escudo outrora detido por Steve Rogers, a trama captura a essência odisseica da dupla que participou na construção da herança de Cap. Finalmente, os holofotes passam a seguir quem precisa deixar de ser segundo plano nessa história.

Se Bucky Barnes (Sebastian Stan) desenlaça seus vínculos retroativos em digna humanização, Sam Wilson (Anthony Mackie) percorre uma jornada de identidade à sua altura – se consagrando Capitão América com maestria. Não há como negar o elo magnético que paira sobre ambos em cena, nem a ambição certeira da narrativa. Entre rostos conhecidos e estreantes, caminhando na psique dos personagens, toda a ação também anseia pela ultrapassagem da superfície de lutas e simbologias. O retrato, ainda que débil, de racismo e imperialismo estadunidense é muito bem-vindo ao MCU. E, mesmo esnobada no Emmy 2021 e sem continuação confirmada, Falcão e o Soldado Invernal faz o amanhã dos estúdios Marvel reluzir. – Vitória Vulcano

Episódios Favoritos: Power Broker (01×03) e Truth (01×05)

4ª temporada de Fargo

Três anos depois da 3ª temporada, a adaptação do clássico filme de 1996 chegou ao público em uma nova abordagem. Embora o 4º ano de Fargo não tenha entregue tudo o que se espera do seriado, ainda foi melhor do que a maioria dos lançamentos do gênero. Protagonizada por Chris Rock, a temporada traçou paralelos entre a história da criminalidade e a história da segregação racial nos Estados Unidos, apontando para uma formação cultural que sustentou-se, durante muito tempo, no preconceito. Quando o seriado decidiu dar voz a Loy Cannon (Rock), mostrou que, embora certas coisas sejam apenas coincidências, outras simplesmente não são – como a história do racismo e xenofobia nos EUA. 

Essa temporada também teve um caráter mais político em comparação às demais, mas, ao que parece, não poderia ser diferente. Tanto pela situação em que foi concebida – pós-manifestações antirracistas, decorrentes do assassinato de George Floyd –, quanto pela sua temática de reconstrução de um momento histórico do país. Sem deixar nada estereotipado ou como evidência vazia, a 4ª temporada de Fargo teve bastante êxito ao fazer com que o telespectador desvendasse pequenas referências e ainda se mantivesse preso à história do roteiro. Uma das melhores séries de todos os tempos, e um dos melhores lançamentos do ano passado. – Bruno Andrade

Episódios Favoritos: The Nadir (04×08) e East/West (04×09)

2ª temporada de Feel Good

Diferente de outras produções da Netflix, a série Feel Good não se trata apenas de um romance fofo. Misturando o humor com assuntos delicados, o roteiro entrega histórias de relacionamentos complexos e vícios. A trama conta a história da comediante lésbica Mae (Mae Martin) – inspirada em partes de sua própria vida, já que os traumas e as drogas estão presentes em sua jornada. A série desenvolve as angústias de cada personagem de forma honesta e até dolorosa, na qual o humor e a personalidade deles faz a narrativa ser mais leve. Durante uma de suas apresentações, Mae conhece George (Charlotte Ritchie), elas se conectam mesmo no meio de todas suas inseguranças e lutam para manter uma relação saudável junto ao caos de suas vidas.

As reflexões e questionamentos da série são sempre agridoces, e a segunda e última temporada conta com seis episódios bem distribuídos. As duas – Mae e George – começam o ano separadas e tentando se auto conhecer. A história da dupla é retratada de forma muito realista, mostrando que apenas amar não é suficiente. Feel Good consegue expor sentimentos e dores sem exceder-se. Todas as nuances e fragilidades das protagonistas atingem em cheio todas as tramas da história – o vício às drogas, orientação sexual, identidade de gênero e problemas psicológicos – conseguem explorar a doçura e amargor de uma história real e dolorosa, e que nem sempre faz você se sentir bem. – Monique Marquesini

Episódios Favoritos: Episode 3 (02×03) e Episode 6 (02×06)

3ª temporada de Fórmula 1: Dirigir para Viver (Formula 1: Drive to Survive)

Com o avanço da pandemia de covid-19 e o consequente comprometimento do calendário de 2020 da Fórmula 1, a 3ª temporada da sua série documental na Netflix se aprofundou ainda mais nas emoções dos bastidores. Ao focar nos aspectos que ultrapassam o esporte, Fórmula 1: Dirigir para Viver conseguiu construir a sua própria audiência. Para os episódios, o excesso de dramatização se tornou um ponto positivo e as disputas internas entre as equipes colocaram gasolina para fazer a série andar.

No ano em que o automobilismo quase não acelerou, o elenco cheio de personalidades fortes ainda teve história para contar. Se o carisma de Daniel Ricciardo continuou a arrebatar corações, o acidente de Romain Grosjean e a redenção de Pierre Gasly foram responsáveis pelos momentos mais tocantes. Em um esporte ainda elitizado, Lewis Hamilton não teve medo de se posicionar e foi protagonista dentro e fora das pistas. A 3ª temporada provou que a série veio para ficar e mudar a relação do torcedor com a Fórmula 1: a sequência já foi confirmada pela Netflix. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: Cash Is King (03×01), The Comeback Kid (03×06) e Down To The Wire (03×10)

1ª temporada de Gavião Arqueiro (Hawkeye)

Em 2021, boa parte da Marvel se ocupou com grandes aventuras. Entre realidades paralelas, vizinhanças alternativas, alter egos convivendo (isso em mais de uma produção), equipes de heróis imortais e missões internacionais super-secretas, o Gavião Arqueiro passou o ano em em casa, descansando. A paz do ex-Vingador é interrompida justo na semana natalina, quando a arqueira juvenil e sua fã número 1, Kate Bishop, veste o uniforme de Ronin e passa a ser perseguida pelos antigos inimigos da persona vilanesca de Clint Barton. Talvez por ‘uma vez um herói, sempre um herói’, talvez pela culpa por seus atos, o personagem deixa a decoração da árvore de Natal de lado para livrá-la da encrenca. E é com essa simples premissa (e em uma só linha do tempo!) que Gavião Arqueiro entretém, e justamente por manter os pés no chão. 

Além de iniciar a tão esperada introdução de Kate Bishop às telas da Marvel, a primeira temporada da série aproveita para redimir o Gavião Arqueiro, que, sem destaque desde o seu início nos Cinemas, estava ainda mais desgastado com os recentes eventos do MCU. Os seis episódios flertam com os quadrinhos, referenciam outras produções da empresa, e apresentam novos personagens, mas, mesmo com tudo isso, já triunfam logo em sua dupla de protagonistas: um carrancudo Clint servindo como mentor a uma simpática Kate faz da crescente relação e parceria dos dois a parte mais divertida e envolvente de Gavião Arqueiro. Na pele da arqueira, a carismática Hailee Steinfeld torna até o herói de Jeremy Renner mais aceitável. – Vitória Lopes Gomez

Episódios Favoritos: Never Meet Your Heroes (01×01), Partners, Am I Right? (01×04) e Ronin (01×05)

1ª temporada de genera+ion

É incrível pensar que Zelda Barnz tinha 16 anos quando começou a escrever genera+ion. Ao mesmo tempo que esse fato impressiona, faz muito sentido ao analisar o resultado final da obra. A série, que retrata a adolescência LGBTQIA+, faz questão de passar por quase todas as representatividades da sigla. O conjunto de personagens carrega com si muitas camadas e traços que os caracterizam como jovens queer complexos e multifacetados, adolescentes que fazem boas e más escolhas, às vezes inconsequentes mas também muito carismáticos e amorosos.

Entre seus tantos personagens, a comédia dramática tem como destaques a mística Arianna (Nathanya Alexander), Nathan (Uly Schlesinger), o bissexual pateta, e também Ana (Nava Mau), uma tia carinhosa e devota à criação da sua sobrinha Greta (Haley Sanchez). Infelizmente, genera+ion foi cancelada de forma criminosa, depois de sua primeira e única temporada, comprovando que narrativas adolescentes que possuem como maior foco as representatividades LGBTQIA+ não caem nas graças do grande público. Para a História, a série ficará como uma obra que contemplou muitos queers que se identificaram com as personagens ou desejaram ter tido uma juventude igual a deles. – João Favaro

Episódios Favoritos: Desert Island (01×07) e The High Priestess (01×12)

3ª temporada de Ghosts

Se você gostou do humor britânico de Fleabag, Ghosts está apenas te esperando para ser descoberta. A série de 2019 da BBC One – não confundir com o remake estadunidense da CBS de 2021 – é genial em todas as suas camadas. A partir de uma premissa simples e já vista antes, a produção não reinventa a roda, mas traz uma versão polida, astuta e dinâmica. Alison (Charlotte Ritchie) se muda para o recém-herdado Casarão Button com seu marido Mike (Kiell Smith-Bynoe), e após uma experiência de quase-morte, ela passa a conseguir enxergar fantasmas. E é aí que entram as nove figuras principais de Ghosts: Kitty, Thomas, Julian, Fanny, Pat, Robin, Captain, Mary e Humphrey.

Por terem morrido em épocas diferentes, a série utiliza dos estereótipos das personagens e seus costumes individuais para dar o tom cômico, mas nunca reduzindo eles a apenas isso. De um homem das cavernas até um político dos anos 90, a obra sabe bem como explorar essa distância de anos e personalidades a seu favor. A terceira temporada introduz uma nova personagem (viva) para a trama, Lucy (Jessica Knappett), que diz ser uma irmã perdida de Alison. Porém, as estrelas ainda são os fantasmas, e claro, Mike. Uma das maiores vantagens de Ghosts talvez seja o fato de que seus atores são os próprios roteiristas da série – e vieram juntos de Horrible Histories, um clássico da TV britânica –, o que possibilita que eles coloquem na telinha apenas o que sabem que funciona e o que é engraçado. E eles sabem mesmo. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: The Woodworm Men (03×03) e Something to Share? (03×05)

1ª temporada de Gossip Girl

Existe certo grau de humor e ironia nas entrelinhas da nova Gossip Girl. É uma pena, todavia, que seus roteiristas e diretores insistam em ignorá-lo, dando voltagem a um drama melodramático e pouco convincente. Fato também de conhecimento geral é que os episódios iniciais, meia dúzia de filhotes de Riverdale com senso de grandeza, apequenaram as expectativas para o futuro. A leva final do ano de estreia engrossa o caldo e sabe focar em um problema central, fazendo com que seu carismático elenco dance conforme a música.

Muito mais um voto de confiança e um agradecimento por bons momentos isolados ao longo de uma extensa temporada, a mera inserção de Gossip Girl nas Melhores de 2021 denota o ar camp e despojado que está na atmosfera do Upper East Side. Ficam os sinais: queremos mais do romance entre Akeno (Evan Mock), Max (Thomas Doherty) e Audrey (Emily Alyn Lind), menos das intrigas de Zoya (Whitney Peak) e Julien (Jordan Alexander), quase nada do núcleo adulto e, mais do que qualquer coisa, necessitamos de uma abundância de Luna (Zión Moreno). XOXO. – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Parentsite (01×06), Blackberry Narcissus (01×09) e You Can’t Take It with Jules (01×11)

17ª temporada de Grey’s Anatomy

Como em uma prova de resistência, Grey’s Anatomy lança sua 17ª temporada em meio ao caos da pandemia, e nada melhor do que uma série médica para contar isso. Adicionando a covid-19 no contexto do Hospital Grey Sloan, o resultado acaba sendo a realidade de hospitais do mundo todo que entraram em colapso por tantas mortes, graças ao negacionismo que também se faz presente na série. A representatividade, como sempre, é um ponto fundamental do desenvolvimento da trama, trazendo problemas como o tráfico de pessoas e o sofrimento da população negra americana (e global) com o vírus. Esses e outros temas continuarão a ser abordados, já que a trama foi confirmada até a 19ª temporada.  

Apesar da situação terrível, os médicos vão levando suas vidas como podem: alguns lidando com o nascimento de seus bebês e formando casais fofíssimos, e outros em sua confusão eterna como Teddy e Owen. Com sua brilhante criatividade, Shonda Rhimes conseguiu entregar para os fãs mais um episódio produzido na loucura, igual àquele em que Callie faz um musical enquanto está morrendo. O que não pode ficar de fora são os episódios na praia – muito milagrosa e que consegue ressuscitar defunto, onde Meredith (que estava em coma) encontra Derek, Lexie, George e outros que já partiram. Depois dessa temporada, é notável que sempre irão matar quem não merece morrer. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: All Tomorrow’s Parties (17×01), You’ll Never Walk Alone (17×04) e I’m Still Standing (17×16)

1ª temporada de Hacks

As 15 indicações ao Emmy 2021 e a vitória de Jean Smart, que interpreta a protagonista Deborah Vance, não são suficientes para expressar a potencialidade de Hacks. A série de Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky conta a história de uma comediante veterana de 70 anos de idade e uma jovem roteirista com um cancelamento na conta que são obrigadas a trabalharem juntas. O conflito de gerações e a indisposição de uma para com a outra levam a trama para uma competição de duas pessoas que deveriam estar se ajudando, elevando a comédia de 10 episódios para uma experiência cômica muito emocionante e recompensadora.

Hacks carrega questões importantes e expõe as dificuldades das mulheres na comédia, retratando como o machismo afeta Deborah e molda a personalidade dessa mulher arrebatadora, que precisou transpassar todas as condições delimitadoras e se tornou icônica. O cenário de Las Vegas e os contrapontos de Ava (Hannah Einbinder), uma menina soberba de Los Angeles, é instigante, e retifica a atmosfera de competitividade da série. Hacks foi renovada para uma segunda temporada pelo HBO Max e ainda não possui data de estreia. – João Favaro

Episódios Favoritos: Falling (01×05) e New Eyes (01×06)

2ª temporada de High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series)

Que High School Musical: A Série: O Musical é uma das maiores séries teens dos últimos tempos todo mundo já sabe. Sua 1ª temporada foi uma sucessão de acertos, além de ser fortalecida pelo poder da nostalgia e trazer uma releitura necessária sobre a trilogia musical de sucesso, a produção também revelou para o mundo o rosto de uma das maiores artistas pop da atualidade (antes mesmo dela receber esse posto): Olivia Rodrigo. Diante desse cenário, as expectativas para o segundo ano da série não eram pequenas, mas não chegaram muito perto de serem cumpridas. Tentando se desvencilhar cada vez mais da obra original, o grupo de teatro do East High adapta um outro clássico, A Bela e a Fera, mas acaba seguindo os mesmo passos, e cometendo novos erros, ao voltar os holofotes para o dramalhão cansativo do casal principal.

No entanto, a condução geral da narrativa não tira o mérito dos triunfos da 2ª temporada da produção do Disney+. Em paralelo aos problemas entre Nini (Olivia Rodrigo) e Ricky (Joshua Bassett), High School Musical: A Série: O Musical trilha seu próprio caminho ao apresentar personagens secundários com narrativas bem mais interessantes e maduras – pelo menos para o que se espera de um grupo de adolescentes -, mesmo que ainda pouco desenvolvidas. Gina (Sofia Wylie) é a grande estrela desse novo ano, ao ser totalmente desvinculada do papel de vilã (justiça por Sharpay Evans!) e almejar suas próprias conquistas pessoais. O mesmo vale para Carlos (Frankie A. Rodriguez), Seb (Joe Serafini) e Ashlyn (Julia Lester), que protagonizam importantes discussões que poderiam render até episódios individuais sobre suas histórias. Em meio a tantas oportunidades, a renovação da série era mais do que necessária, para se ter uma outra chance de fazer jus à tentativa de não criar um novo Troy e uma nova Gabriela. – Vitória Silva

Episódios Favoritos: The Quinceañero (02×05), Spring Break (02×09) e Showtime (02×11)

Hora de Aventura: Terras Distantes (Adventure Time: Distant Lands)

Hora de Aventura iniciou sua trajetória em 2010 como um dos desenhos que definiram a década ao lado de outros títulos da Cartoon Network, mas encerrou sua história em 2018 de forma agridoce, com uma décima temporada reduzida por ordens do canal e as mesmas restrições em relação ao conteúdo já conhecidas de temporadas anteriores. O beijo entre Princesa Jujuba e Marceline no último episódio, Come Along With Me, foi uma mera migalha da CN do que o casal poderia ter sido. Em Hora de Aventura: Terras Distantes, a justiça criativa finalmente chegou, e vimos que o desenho tinha o potencial de ser ainda melhor do que foi. Embaixo das piadas de peido e a narrativa colorida do desenho, a trama que se construía era uma mitologia complexa de sobreviventes em um mundo pós apocalíptico e todas as consequências morais e psicológicas do evento nos habitantes daquele novo planeta.

Terras Distantes revisita o universo original de Hora de Aventura e o expande, mostrando eventos de antes e depois da cronologia original do desenho. Os maiores destaques estão nos três primeiros episódios: BMO nos relembra quão apaixonante o robôzinho é em uma aventura espacial; Obsidian finalmente trata com a devida importância e representatividade LGBTQIA+ o relacionamento entre Jujuba e Marceline, e mostra mais sobre a história de ambas que não pudemos ver antes; e Together Again debate sobre morte e eternidade e dá o fim perfeito para Finn e Jake, imortalizando o companheirismo da dupla. Com cada episódio tendo quase uma hora, Terras Distantes mostra que os 10 minutos originais de cada capítulo do desenho nunca foram suficientes para a magnitude do universo de Ooo. – Jho Brunhara

Episódios Favoritos: Obsidian (01×02) e Together Again (01×03)

1ª temporada de Horimiya (ホリミヤ)

Mesmo cortando boa parte do mangá original, a adaptação de Horimiya para anime entrega mais clichês de comédias românticas em um único episódio do que Hollywood entregou em uma década. O que mais surpreende é o quanto sua trama doce e simples consegue se diversificar e explorar grande parte do elenco secundário sem perder o charme e a despretensão, com a animação do estúdio Clover Works sendo gigantesca em seu minimalismo e enchendo a tela com personagens bem formados e engajantes e um roteiro sem medo de introduzir elementos disruptivos e até mesmo surpreendentes.

Dentro desse minimalismo, funciona um complexo sistema de relações entre personagens que vão de paixão a amizade, reforçados em todas as suas interações, impedindo que até mesmo as tramas mais afastadas de Hori (Haruka Tomatsu) e Miyamura (Koki Uchiyama) se afastem dos temas e ideias centrais da série, mas que são sintetizados com profundidade avassaladora no relacionamento entre os dois protagonistas: um garoto quieto e sombrio que esconde piercings e tatuagens e uma garota popular que vira dona de casa pela tarde. Horimiya é um exemplo holístico de como a causalidade da vida cotidiana é talvez a melhor trama que existe. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios favoritos: I Can’t Say It Out Loud (01×05), It’s Hard, but Not Impossible (01×09) e I Would Gift You the Sky (01×13)

2ª temporada de I Told Sunset About You

A segunda temporada da série tailandesa I Told Sunset About You veio em 2021 para mostrar o que é uma produção detalhada e sem defeitos. Sob o nome I Promised You the Moon, a produtora Nadao Bangkok, em parceria com a emissora LINE TV, manteve o nível da primeira parte, pecando apenas em incluir uma traição no roteiro. Como na maioria das séries do gênero BL (Boys Love), o envolvimento entre os protagonistas Teh (Billkin) e Oh Aew (PP Krit) continuou cercado de dramas, causados, desta vez, pela rotina da universidade e vida adulta e desenvolvimento pessoal de cada um, o que aproximou significativamente o público, já que são fases comuns que surgem na vida real.  

Dona de uma fotografia impecável, IPYTM (abreviação do nome) encantou novamente todos os fãs ao trazer os cenários noturnos de Bangkok, capital da Tailândia, e mergulhar na intimidade de OhTeh (ship do casal), surpreendendo a todos pela cena de sexo, que era aguardada desde a primeira temporada para a praia de Phuket mas só foi exposta durante essa parte mais madura deles. A trilha sonora complementa a crise de choro que acompanha os 5 episódios, e é importante dizer que todas as músicas foram interpretadas por Billkin e PP, mostrando que possuem outros talentos além da atuação. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: Memory Recall (02×03) e Turning Point (02×05) 

1ª temporada de iCarly

Bem vindos ao novo iCarly… Isso mesmo, com um bordão repaginado, Miranda Cosgrove voltou às telinhas com sua mais popular personagem. Adulta e mais experiente, Carly Shay retornou como uma grande amiga de infância que não vemos há anos, mais especificamente, há 9 anos. Porém nossa colega não veio sozinha, além de Nathan Kress e Jerry Trainor retornando aos papéis originais, novos atores entraram para o elenco como Lacy Mosley (Harper), a nova melhor amiga de Carly, e Jaidyn Triplett (Milicent), enteada de Freddie. Aliás, as duas artistas foram ótimas adições à trama. Millicent conseguiu trazer uma vibe “chatinha”, além de representar muito bem a Geração Z, reclamando e zombando de tudo, enquanto Harper esbanja simpatia e ironia. 

As duas parecem ter suprido a ausência de Sam Puckett (Jennette McCurdy). Em outras palavras, os produtores conseguiram muito bem manter a essência de iCarly e trazer uma nostalgia para uma fanbase que ansiava pelo retorno desses personagens queridos. Além, claro, da escolha certa dos cenários inéditos e histórias que combinam com a geração atual. A personalidade e o carisma de Carly continuam lá, mas agora com uma pitada de amadurecimento. E parece que a inserção dessas personagens frescas e a dosagem perfeita de piadas adequadas ao novo enredo conquistou o público e os produtores, que já anunciaram a renovação da trama para uma nova temporada. – Vinícius Santos

Episódios Favoritos: iStart Over (01×01), iGot Your Back (01×04) e i’M Cursed (01×06)

1ª temporada de Invencível (Invincible)

A mistura de referências ao universo de super-heróis com uma forte violência gráfica e um texto afiado que discute poder e responsabilidade fazem de Invencível uma das séries mais cativantes de 2021. A adaptação das HQs de Robert Kirkman mostram um herói em formação ao mesmo tempo que busca discutir os poderes e as consequências dos atos provocados pelos super seres. As altas doses de sangue presente na projeção, além de darem um tom adulto à história, auxiliam a narrativa a construir uma história recheada de perigos e repercussões que irão resvalar no protagonista e naqueles à sua volta. 

O seriado não é perfeito, tendo problemas em seu roteiro e na longa duração de seus episódios, porém os últimos dois capítulos mostram ao público os temas e a história que os realizadores desejam contar. O trecho final é tão impactante que gerou uma grande repercussão nas redes sociais e foi o que alçou a série ao posto de “queridinha” do público. Invencível se provou uma produção muito interessante e cativante, e que com certeza merece o posto que recebeu na cultura pop. – Nathan Sampaio

Episódios Favoritos: That Actually Hurt (01×05), We Need to Talk (01×07) e Where I Really Came From (01×08)   

It’s a Sin 

Em meio a tantas produções mais famosas disponíveis no HBO Max,  a minissérie It’s a Sin estava escondida, sem muito destaque, e logo no primeiro episódio se mostra apaixonante. São cinco episódios no total, muito bem escritos por Russell T. Davies (Queer as Folk, A Very English Scandal) . De princípio chegamos até a pensar que se trata de mais uma história comum de um grupo de adolescentes gays, reforçando estereótipos. Na verdade, It’s a Sin está muito longe disso! Os personagens são singulares, e fogem totalmente dos padrões. O protagonista Ritchie (interpretado pelo vocalista da banda Years & Years, Olly Alexander), por exemplo, é conservador e promíscuo ao mesmo tempo, bem como egoísta, despertando julgamentos e compaixão, simultaneamente.

É impossível não pensar o quanto a juventude atual sofreu em 2020 com o aumento dos casos de covid-19, e o medo do que ainda estava por vir, do desconhecido, e comparar com a juventude dos anos 80 e 90 em meio ao recém descoberto vírus do HIV, que na época vitimou pessoas de diversas idades, na maioria jovens. Em suma, se o que você quer é uma série curta, com episódios que te fazem esquecer do tempo, e desperta um turbilhão de emoções, sendo engraçada, chocante e emocionante (se prepare para chorar com ela!) ao mesmo tempo, então It’s a Sin é o que você procura. Dentre inúmeras nomeações, ganhou o prêmio de Programa do Ano no BANFF World Media Festival / Rockie Awards 2021. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: Episode 3 (01×03) e Episode 5 (01×05)

1ª temporada de Kevin Can F**k Himself

Quando anunciada, a mera premissa de Kevin Can F**k Himself já despertava curiosidade nos mais aficionados pelos gêneros múltiplos da TV. Criada por Valerie Armstrong, a mistura de comédia e drama está tanto no texto quanto na abordagem, sabiamente dirigida pelas lentes de Anna Dozoka e Oz Rodriguez. Na trama, Allison (Murphy) vive refém de uma relacionamento abusivo com o marido titular, papel de Eric Petersen. O que muda é a atmosfera da série, que na presença de Kevin é capturada no estilo sitcom, e quando se distancia dele, é filmada com câmera única.

A paleta de cores e a trilha sonora passam de ensolaradas para tempestuosas ao passo que os problemas psicológicos da protagonista afloram e são explorados em tela. Arduamente, Kevin Can F**k Himself foge das repetições ao mergulhar em terrenos cinzentos e narrativas secundárias atraentes até demais. Com a segunda e última temporada já encomendada, a esperança é que o subtexto queer seja trazido à superfície (e que Allison finalmente encha a boca e mande o Kevin se foder). – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Living the Dream (01×01), The Grand Victorian (01×06) e Broken (01×07)

5ª temporada de La Casa de Papel 

La Casa de Papel, uma das maiores queridinhas da Netflix, se despediu em 2021 com sua quinta e última temporada. A série teve sua estreia em 2017 e desde então só adquiriu mais complexidade em sua trama e reconhecimento da crítica e do público, em toda a sua jornada, La Casa de Papel bateu recordes de audiência e conseguiu diversos prêmios – o maior deles sendo o Emmy Internacional de Melhor Série de Drama, em 2018. Como dito antes nesse mesmo site, a série pretendia ser mais do que apenas uma história espanhola que gira em torno de um assalto e, no quinto ano, isso ficou mais claro do que nunca. 

A última temporada dá fim ao assalto ao Banco da Espanha e foi dividida em duas partes, uma lançada em setembro e a outra em dezembro. O que tornou essa jornada uma das melhores do ano e o fechamento ideal para a série foi o ato de explorar o novo – especialmente a guerra contra o poder militar, que se iniciou no episódio Bem-vindos ao show da vida, e a revelação da história de Tóquio (Úrsula Corberó) em Muitas vidas para viver – sem deixar para trás a essência inicial que fez com que todos se apaixonassem pelos mascarados de Dalí, trazer de volta a famosa música Bella Ciao no episódio A teoria da elegância com certeza trouxe o tom nostálgico que o encerramento de La Casa de Papel precisava. – Gabrielli Natividade da Silva 

Episódios Favoritos: Vivir muchas vidas (05×05) e Una tradición familiar (05×10) 

1ª temporada de Loki

Se tem algo de 2021 que merece ser agraciado e gritado em plenos pulmões aos quatros cantos é que: o multiverso é real. Após os treze anos do Universo Cinematográfico tomar forma e criar sua narrativa ao redor dos Vingadores, a Marvel precisou de apenas uma temporada sobre o Deus da Trapaça para mandar para longe tudo que já havia sido criado. O dinamismo une roteiro e fotografia que prendem a atenção do espectador enquanto ramificam a linha do tempo e os universos da MCU. Tudo isso ainda com a preocupação de contextualizar os menos atualizados e trazer uma jacaré para as telinhas. 

Terceira produção do estúdio a ser lançada no Disney+, Loki é a melhor organizada e, de fato, a primeira série da Marvel. Enquanto as antecessoras se encaixam no conceito de minisséries, apresentando começo, meio e fim, em Loki houve um final aberto, um gancho para uma próxima temporada. E já está confirmado que as respostas para esses ganchos virão no futuro, afinal seu último episódio trouxe a garantia da segunda temporada. Com as variantes menos temidas de 2021, a produção foi indicada ao WGA Awards, sendo assim um bom termômetro das indicações futuras. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: Lamentis (01×03), Journey Into Mystery (01×05) e For All Time. Always. (01×06)

1ª temporada de Lupin

Inspirada pela história de um dos ladrões mais famosos do mundo, Arsène Lupin, a série é contada sob a perspectiva de Assane Diop (Omar Sy). Influenciado pelo pai quando criança, ele se torna fã dos contos do criminoso cavalheiresco e é levado a seguir os mesmos passos do seu personagem fictício favorito. A trama é envolvente, repleta de ação, e desenvolve os planos mirabolantes e elaborados de Diop de forma divertida e enigmática. Simultaneamente à narrativa principal, Lupin ainda discute relevantes questões sociais, como o racismo enfrentado pela família do protagonista.

Assane tem uma presença marcante e fascinante. Sua personalidade é agradável, seu sarcasmo lhe dá um ar espirituoso e a facilidade com a qual ele coloca seus planos em prática evidencia sua experiência e sagacidade. É extremamente divertido vê-lo em ação, quando ele tem uma estratégia minuciosa, mas também quando não tem, e precisa improvisar com sua mente ágil e brilhante, para solucionar seus problemas. Lupin é uma adaptação atual e agradável de um clássico da literatura. Sua aura inventiva, inteligente e reinventa a figura do mestre dos disfarces, colocando a série entre as melhores de 2021. Composta por uma única temporada, dividida em três partes, as duas primeiras se encontram disponíveis no catálogo da Netflix, enquanto a terceira está sendo produzida pelo streaming. – Mariana Nicastro

Episódios Favoritos: Chapter 2 – L’Illusion (01×02) e Chapter 10 (01×10)

Maid

Maid fez um sucesso estrondoso no Brasil, rendendo vídeos e entrevistas com Stephanie Land no canal da Netflix brasileira, mas o ponto alto da minissérie é a atuação de Margaret Qualley. A emoção transmitida acerta o público de maneira sentimental e calorosa, rendendo na identificação de muitas mulheres, algumas que superaram, outras que estão em seus processos. Tornando-se um momento divisor de águas na carreira de Margaret, a modelo que está engatando na carreira de atriz não havia tirado a sorte grande até agora.

A maneira que os diretores escolheram abordar temas tão complicados é admirável, uma vez que a delicadeza ao tratar dos fatos não modifica a realidade e dureza das situações, mostrando a sociedade uma versão menos hollywoodiana de superação feminina. Para o Netflix Channel do YouTube, a autora Stephanie Land falou sobre sua inspiração e como a escrita é algo poderoso que não pode ser retirado de você. A produção ganhou o prêmio AFI TV Program of the Year 2021 e foi indicada a 17 premiações, como o SAG Awards e o Globo de Ouro. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Dollar Store (01×01), Bear Hunt (01×08) e Snaps (01×10)

1ª temporada de Manhãs de Setembro

2021 definitivamente foi o ano de Liniker. A cantora, conhecida pelos seus trabalhos com a banda Caramelows, não somente lançou seu primeiro álbum solo, como também estreou como atriz, já protagonizando uma produção de grande porte. Manhãs de Setembro conta sobre a rotina corriqueira de Cassandra (Liniker) – uma mulher negra e trans – que é interrompida pelo reaparecimento de uma infame ex-namorada, Leide (Karina Teles). Levando o tributo à cantora Vanusa tanto no título quanto na história, a série decide não exibir um recorte abrangente de violências contra mulheres transgênero e travestis, e sim um enfoque íntimo na pacata vida de uma delas, e em como ela reage aos dilemas que lhe aparecem. E então, entre pancadas e regalos, o drama do Amazon Prime Video aborda a questão da disforia de gênero de um jeito inusitado: com Gersinho (Gustavo Coelho), filho que ela descobriu ter tido com Leide antes de sua transição.

A presença do garoto de 12 anos poderia muito bem ser um tiro no pé, porém se torna o verdadeiro trunfo da narrativa. Desde o início dessa 1ª temporada, a relação de Gersinho e Cassandra é caracterizada por hostilidades. Enquanto por um lado, Gersinho tem dificuldades em desatrelar a imagem feminina da recém-descoberta mãe com o fato dela ter o sido apresentada como pai, por outro a Cassandra, que é ríspida com o menino, vê nele um fantasma do seu árduo passado. Porém, apesar disso, é na sutileza de um sorriso tímido de Gersinho, quando Cassandra finalmente o chama por seu nome, que o vínculo entre os dois começa a se fortalecer. Indo muito além dos clichês relacionados aos sofrimentos de sua protagonista, Manhãs de Setembro cria um retrato cheio de nuances e encontra, em meio a angústias e dores, suas pequenas felicidades. – Enrico Souto

Episódios Favoritos: É Só Por Hoje (1×01), Gersinho (1×03), É Isso Mesmo, Baby, Enjoy! (1×05)

Mare of Easttown

Há quem diga que estamos diante da série do ano. É que Mare of Easttown sabe usar magistralmente todos os encantos que evoca a partir de sua sinopse, apresentando uma história que usa o gancho irresistível do suspense (1) para aprofundar uma narrativa sobre as mais comuns experiências humanas (2) protagonizada por alguém que compreende muito bem a necessidade de entrega de seu trabalho (3). Para não prolongar a contagem, vamos ao resumo: um dos destaques de 2021 da HBO nos coloca em Easttown, uma cidadezinha no interior da Pensilvânia que está sob os cuidados de Mare Sheehan (exatamente, ela, Kate Winslet), a detetive local e chefe de uma das famílias mais atribuladas do condado. 

Ao contrário das investigações que atravessam o cotidiano da cidade nada pacata e o tremor emocional de sua figura mais inabalável, o clamor por Mare of Easttown é muito fácil de desvendar. A criação de Brad Ingelsby dirigida por Craig Zobel sabe usar todo o apreço que as minisséries tem conquistado nos últimos anos, assim como faz valer o gosto do público pelo gênero do suspense, junto de uma das personagens mais humanas da TV recente. Coloque a genialidade de Kate Winslet para uma história densa com mais um mar de personagens muito bem colocados e relacionados com a trama – e por consequência, com o público – e pronto. Você está no topo da lista de Melhores Séries de 2021. – Raquel Dutra 

Episódios Favoritos: Lady Hawk Herself (01×01), Illusions (01×05) e Sacrament (01×07)

3ª temporada de Master of None

Anos afastado dos holofotes depois de sofrer com acusações no auge do movimento #MeToo, Aziz Ansari fez seu retorno para as luzes de maneira tímida. A volta por cima se dá pela retomada de sua galinha dos ovos de ouro, Master of None, quase autobiografia do artista, onde abordava o cotidiano da vida de um imigrante solteirão na badalada Nova Iorque. Apaixonado por inverter as expectativas que a comédia de meia hora, Ansari já havia viajado à Itália no ano 2, encerrando um importante ciclo de seu personagem Dev.

Em 2021, ele afastou a série da figura do homem, focando completamente no relacionamento de Denise (Lena Waithe que participa da produção criativa do show e já venceu o Emmy pelo texto) e Alicia (Naomi Ackie). Com o subtítulo de Moments in Love, os cinco episódios, todos dirigidos por Ansari, são uma sessão de terapia do casal, lidando com a vida em conjunto e suas adversidades, com o refinado olhar já característico da produção. Mesmo diferente e inesperada, a conclusão de Master of None triunfa no desconhecido. – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Moments in Love, Chapter 1 (03×01), Moments in Love, Chapter 4 (03×04) e Moments in Love, Chapter 5 (03×05)

Maya e os 3 Guerreiros (Maya and the Three)

Do mesmo diretor de Festa no Céu (Jorge R. Gutierrez), pode-se notar a semelhança entre as produções em seus gráficos e referências à cultura latino-americana. Maya e os 3 Guerreiros é cercada de mitos e simbologias, a animação traz uma mistura das culturas inca, maia e asteca, com uma variedade de deuses e demônios cheios de personalidade que recheiam a história, deixando cada pedacinho dela complexo e interessante. 

A determinação e o senso de girl power de Maya (Zoe Saldana) é admiradora, mas a princesa não é uma heroína perfeita, criando pequenas mentiras e quebrando promessas ela deixa um rastro de imperfeições por onde passa, mas tais defeitos se justificam com o amor pela nação e família. As lições que cada personagem carrega são ótimos exemplos para as crianças mas servem como encorajadores para os adultos, uma vez que auto-amor, coragem e misericórdia nunca saem de moda. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: The Divine Gate (01×07), The Bat and the Owl (01×08) e The Sun and the Moon (01×09)

Missa da Meia-Noite (Midnight Mass)

Mike Flanagan batiza seu cânone aterrorizante com Missa da Meia-Noite, uma produção da Netflix que dá sequência à produção do cineasta e showrunner na plataforma – incluindo os títulos de A Maldição da Residência Hill e A Maldição da Mansão Bly. E nesta missa, a declaração sacramental de que quem come a carne e bebe o sangue do corpo de Cristo adquire alimento para a vida eterna, ganha nova interpretação com a chegada misteriosa de um padre visitante na pequena ilha de Crockett, inaugurando a ocorrência de milagres inexplicáveis: uma garota paraplégica de repente volta a andar, os idosos rejuvenescem e as doenças deixam de existir.

Com a fé restabelecida na cidade, gradativamente a igreja se torna novamente um pilar da comunidade, dando início, em nome de um Bem maior, a uma agenda mais diabólica que qualquer outro pecado cometido pelos desajustados do enredo. Flanagan é capaz de desenterrar no âmago da existência humana a bondade mais pura, junto da angústia mais amarga de todas. O ritmo, por vezes, é lento, mas é através desse slow burn que a minissérie leva o seu tempo para crescer, recompensando a espera ansiosa com os momentos finais, numa sensação de catarse genuína, de bênção verdadeira. – Ayra Mori

Episódios Favoritos: Book IV: Lamentations (01×04),  Book V: Gospel (01×05) e  Book VI: Acts of the Apostles (01×06)

2ª temporada de Modern Love

Inspirada nos contos de uma coluna do The New York Times, Modern Love segue o formato procedural para adaptar as histórias primeiramente escritas no jornal. Fazendo um sucesso em 2019, a série voltou em 2021 para sua segunda temporada, repetindo a próspera fórmula. O que mantém a qualidade também é trazer nomes conhecidos pelo grande público. Se no primeiro ano Anne Hathaway elevou a produção, agora foi vez de Kit Harington ser o reconfortante e grandioso rosto da temporada. Além dele, Anna Paquin, Minnie Driver, Lucy Boynton, Dominique Fishback, Gbenga Akinnagbe e Tobias Menzies, agregaram nos acontecimentos únicos da narrativa.

O maior destaque para os novos ares de Modern Love vai para a diversidade de seu roteiro e atuação, personagens LGBTQIA+ e negros aparecem mais como protagonistas. O frescor do segundo ano também vem da fuga da bolha nova iorquina, cenas em Dublin e em Londres ajudam as histórias se desenvolvem de maneira isolada, sendo esse o grande diferencial da temporada. Com oito episódios tão emocionantes quanto os iniciais, Modern Love explora as várias óticas do amor e prova que ainda tem conteúdo para mais fases. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: On a Serpentine Road, with the Top Down (02×01), Strangers on a Train (02×03) e Am I…? Maybe This Quiz Will Tell Me (02×05)

1ª temporada My Name (이 네마임)

O mundo está recheado de séries de ação com coreografias estonteantes, mas é raro encontrar uma em que a violência dialoga tão bem com seus temas e conflitos do que a sul-coreana My Name. Seguindo os passos sangrentos da vingança de Jiwoo (Han So-hee) em busca do assassino de seu pai, a produção da Netflix encontra seu ímpeto narrativo junto de cada soco e chute dado e recebido por sua protagonista, numa dança arriscada e precisa de causa e consequência que ajuda seus personagens a se expressarem além de meras palavras.

Mas a minissérie de Kim Jin-min não estaria aqui se não fosse também por seu excelente senso de ternura e ritmo, dando espaço para que o cansaço também se torne um elemento palpável da trama, deixando que seus atores se aprofundem belíssimamente sob a psique instável dos policiais e criminosos que formam a base da dualidade do mundo de Jiwoo. Como toda boa história de retribuição, a conclusão trágica e inevitável de toda essa pancadaria nos atinge como um soco no estômago e um chute na cara, levando-nos ao chão com a reiteração do adágio daqueles que buscam vingança: cave duas covas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Episódios Favoritos: Episode 1 (01×01), Episode 6 (01×06) e Episode 8 (01×08)

1ª temporada de Não Estava no Script (The Future Diary)

Lançado em dezembro de 2021, o reality Não Estava no Script conquistou o coração do público ao redor do mundo, já garantindo a renovação para segunda temporada. A primeira, porém, conta com dois jovens, Maai e Takuto, que com seu jeito singelo e tranquilo, conseguem trazer aquela sensação de borboletas no estômago o tempo todo. A química que o casal desenvolve é palpável desde o primeiro episódio, criando uma atmosfera acolhedora e extremamente fofa, mas a lentidão dos acontecimentos deixa os fãs ocidentais inquietos pela necessidade de toque físico. 

Filmado no Japão e com excelente fotografia, é possível ver a maestria da direção de Kotaro Itani e Masaya Arai ao contemplar as belezas do país e passar a experiência de maneira tão completa. O roteiro do programa é muito bem estruturado, elaborando situações de crises surpreendentes para um texto de romance, deixando a trama ainda mais envolvente, onde você não pode esperar o que o próximo Future Diary reserva para os jovens amantes. – Thuani Barbosa

Episódios Favoritos: Page 1: Start of a Secret (01×01) e Page 3: First Snow of Summer (01×03)

1ª temporada de Nevertheless (Algoissjiman)

No romance unilateral e aparentemente sem futuro de Nevertheless, uma das únicas coisas boas que se aproveita são as lições de como não ser um babaca como Jae-eon (Song Kang) – que é emocionalmente indisponível e tão atraente quanto manipulador, ou de como não ser influenciável como Na-bi (Han So Hee). Apesar do leve desconforto (causado pelo gaslighting) durante os 10 episódios da série sul-coreana, os casais secundários salvam o que resta do dorama, trazendo muita fofura e representatividade LGBTQIA+ com Sol e Jiwan, e a naturalização de relações casuais como acontece entre Bit Na e KyuHyun, indo contra o conservadorismo da Coreia do Sul.  

Ainda nisto, um dos pontos que pode surpreender é a construção da dinâmica dos protagonistas, mostrando cenas românticas ousadas que pouquíssimos dramas de mesmo segmento fizeram. Predominantemente nos episódios, a fotografia de Nevertheless foca em uma visão intimista dos fatos, com detalhes apurados e feitos para captar a atenção de quem assistir, bem como um desenvolvimento psicológico voltado principalmente para Na-bi e seus traumas interiores. Traumas esses que a impedem de fazer uma escolha decente quando se vê num triângulo amoroso com duas pessoas completamente diferentes no quesito caráter. Um dorama que conseguiu facilmente cutucar as feridas de quem assistia. – Maria Vitória Bertotti 

Episódios Favoritos: There’s No Such Thing as Fate. Nevertheless (01×01), It’s Not Only Me. Nevertheless (01×02) e I Know Nothing Will Change. Nevertheless (01×05)

Nove Desconhecidos (Nine Perfect Strangers)

Original Hulu e escondida nos escombros do Amazon Prime Video, Nine Perfect Strangers é um dos maiores destaques entre as minisséries de 2021. Baseada no livro homônimo de Liane Moriarty, a mesma escritora de Big Little Lies, Nove Desconhecidos tem a simples trama de um acampamento isolado que promete transformar a vida dos escolhidos a dedo pela dona do lugar, Masha (Nicole Kidman). Além de Kidman, nomes como Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Michael Shannon e Regina Hall instigam o espectador a dar play em mais e mais um episódio.

E é, sem dúvidas, essa lista de atores que transforma toda psicodelia de Nine Perfect Strangers em algo grandioso. As dimensões de características, tanto de personalidade como de história, transformam os personagens em campos minados. Os arcos se mesclam numa trip alucinógena que dá o tom maior para a minissérie. Nicole Kidman é a cereja no topo do bolo, a atriz é quase uma entidade e seu figurino combinando à atuação flutuante reforçam o conceito. O deleite de Nove Desconhecidos é acompanhar tão de perto o desenvolvimento de tramas afobados porém controlados por uma direção sagaz. – Ana Júlia Trevisan

Episódios Favoritos: Random Acts of Mayhem (01×01), Earth Day (01×03) e Ever After (01×08)

O Caso Evandro

2021 foi um ano significativo para Aly Muritiba. O improvável diretor de Cinema, que ao longo dos últimos anos vem acumulando prêmios em diversos festivais ao redor do mundo, também recebeu a honraria de ter seu longa escolhido pela Academia Brasileira de Cinema para tentar uma vaga para o Brasil no Oscar 2022 – que, apesar de não ter sido conquistada, já simboliza um grande feito em sua carreira. Ao mesmo tempo que finalizava a produção de Deserto Particular, o cineasta também dava luz a essa que se tornaria uma das séries originais de maior sucesso do Globoplay: O Caso Evandro. 

Ao lado de Michelle Chevrand, e com apoio do podcast Projeto Humanos, Aly adapta para o streaming uma das investigações mais controversas já ocorridas em território nacional, e muito esquecida no imaginário brasileiro. Além de nos ambientar devidamente nos diversos cenários que compõem o desaparecimento de Evandro Ramos Caetano na cidade de Guaratuba, no Paraná, também apresenta personagens essenciais para tecer o fio condutor da narrativa, evidenciando as diversas perspectivas sobre o caso. Ao longo dos episódios, o suspense instigante para revelar o desfecho da história dá lugar a uma tristeza profunda em função das diversas vítimas originadas ao longo de anos de investigação. O Caso Evandro é primordial não apenas em seu aspecto cinematográfico, mas também jornalístico, por apresentar a justiça e redenção que nenhum tribunal foi capaz de trazer. – Vitória Silva

Episódios Favoritos: As Torturas (01×04), As Fitas (01×07) e Consequências (01×09)

Onde Está Meu Coração

Em 2021, o Globoplay trouxe ótimas produções nacionais, vide O Caso Evandro, minissérie de grande repercussão do streaming. Uma das ótimas obras é Onde Está Meu Coração, que narra a história de Amanda (Letícia Colin), uma médica que se perde após se viciar em opióides. O casamento da jovem, sua profissão, amizades e a estrutura familiar são remexidas pela problemática. A importância da narrativa ao envolver como os vícios devem ser encarados e dialogados abertamente se faz presente em toda a trama.

No melhor estilo novelão, a minissérie envolve um intenso trabalho de produção, contando até mesmo com a experiência de Fábio Assunção, que atua como o pai de Amanda, representando o seu problema com o vício em falas e atuações intensas. O final da narrativa mostra não só a parte triste e dura de quem não consegue escapar desse mal, mas também de como cada dia é mais uma vitória na vida destas pessoas e como recomeçar pode ser difícil, mas possível. Ainda ao questionar que a dependência química não escolhe classe social, mostra como é importante para estas pessoas terem uma rede de apoio e acima de tudo acreditarem em si mesmas. – Ma Ferreira

Episódios Favoritos: Episódio 1 (01×01), Episódio 6 (01×06) e Episódio 8 (01×08)

1ª temporada de Only Murders in the Building 

Participar como espectador de investigações de assassinato, mergulhando no sabor das incógnitas e nos calafrios provocados pelos suspeitos (e pelos nem tão suspeitos assim), nunca vai deixar de soar intrigante. E, acompanhando os passos – e o podcast – de três vizinhos em um prédio no Upper West Side, a cartada de mestre de Only Murders in the Building não é tentar revolucionar essa obviedade carregada pelos enredos de mistério. Atualizando a química de um elenco experiente à aderência categórica de humor e drama, a produção se destaca por mesclar o cru true crime ao clássico whodunnit com personalidade e ritmo. Aqui, mesmo sendo força motriz, o suspense atua entre o yin-yang dos protagonistas.

Mabel Mora (Selena Gomez) é de geração e postura opostas a Charles-Haden Savage (Steve Martin) e Oliver Putnam (Martin Short), mas o vínculo dos personagens se enriquece quando suas diferenças confortam lacunas e traumas pessoais. Desvendar a realidade por trás da morte de Tim Kono (Julian Chi) é espiralar nas camadas verossímeis que formam o trio e, embaladas por uma lúdica trilha sonora, sustentam a trama. Ademais, a narração plural (e até sem falas) é só um dos elementos muito bem depositados ao longo dos episódios para postergar a fluidez da história enigmática. Triunfante, Only Murders já despontou nas indicações do Globo de Ouro 2022 e se prepara para sua segunda temporada. – Vitória Vulcano

Episódios Favoritos: True Crime (01×01), The Boy From 6B (01×07) e Open and Shut (01×10)

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração (The Sons of Sam: A Descent into Darkness)

A Netflix investiu fortemente em conteúdos documentais sobre assassinos em série americanos no último ano, e, mesmo que as histórias sejam aterrorizantes, nada se compara com a visão única que Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração mostra. O diferencial é que a narrativa é construída no trabalho do jornalista Maury Terry, e sua teoria de que o caso de David Berkowitz era muito mais do que aparentava ser – e como a busca por provas de que havia ali uma rede de assassinos de seita satânica o atormentou até a morte. 

A minissérie consegue acompanhar a descida derradeira de Terry em sua investigação. Com linhas temporais e lógicas bem construídas, é um dos melhores trabalhos documentais por fugir da abordagem comum, e mostrar os crimes do Filho do Sam sem que ele seja o personagem principal. Cada episódio traz mais inconsistências nas conclusões policiais de Nova York – e suas motivações para que o caso fosse enterrado. É uma escalada delirante num trabalho jornalístico profundo, misterioso e assustador. Dotado de provas e sentido, as teorias prendem qualquer telespectador, superando as demais produções de 2021 do gênero na Netflix. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Catch .44 (01×02) e Rabbit Hole (01×04)

2ª temporada de Outer Banks

Se a primeira temporada de Outer Banks encantou a todos com seu estilo praiano e o doce sabor nostálgico de um grupo de amigos que levam a lealdade e a busca por tesouros perdidos bem a sério, a segunda realmente não deixou a desejar e elevou ainda mais o nível. Com um aprofundamento das consequências resultantes do ano anterior, a segunda parte da série garantiu números impressionantes e algumas premiações, como o People’s Choice Awards de Estrela de Drama de TV de 2021 para Chase Stokes, o queridinho John B. 

Nessa continuação da história, as emoções foram literalmente duplicadas, já que um segundo tesouro foi introduzido oficialmente no episódio A escolha para aumentar a caçada, além da chegada de novos personagens – como Cleo (Carlacia Grant), que chegou em O ouro, uma garota de personalidade forte que adiciona exatamente o que o quinteto e a série precisavam -, um reencontro pogue inesquecível, no capítulo A volta, e a presença de velhos e novos vilões complexos que tornam a narrativa bem mais interessante. Com uma primeira temporada incrível e uma segunda que marcou 2021, só resta esperar o que a terceira, irá trazer. – Gabrielli Natividade da Silva 

Episódios Favoritos: My Druthers (02×06) e The Coastal Venture (02×10)

3ª temporada de Pose

Nada marcou a TV em 2021 como o final de Pose. Desde junho de 2018, a série do FX assumiu um compromisso com o maior elenco trans da história da Televisão e o colocou para protagonizar uma história sobre amor e família à margem de uma sociedade especialmente hostil. Ao seu fim, exatos três anos depois, a produção honrou a grandiosidade de tudo o que construiu junto de Blanca Evangelista (Mj Rodriguez) e Pray Tell (Billy Porter), entregando um lindo desfecho para a sua jornada revolucionária, cujo efeito não foi muito além das emoções de seu público fiel e dos milhares de artigos que exaltam a sua importância, representatividade e pioneirismo. 

O terceiro e último ano de Pose também foi marcado pelo seu reconhecimento e clamor formal. No Emmy 2021, a série – já conhecida pelos votantes da Academia de Televisão desde sua primeira temporada – foi mencionada em oito indicações. Lá, criou mais um marco ao emplacar a primeira mulher trans nomeada a uma categoria principal de atuação no prêmio mais importante da TV, e garantir a vitória dela no Globo de Ouro 2022. Mas entre Melhor Série, Melhor Ator, Melhor Atriz, Melhor Direção, Melhor Roteiro, nenhuma categoria compreende a grandeza de Pose, que reivindica o seu direito a todas elas desde o início: “The category is: Live! Werk! Pose!” – Raquel Dutra

Episódios Favoritos: Take Me To The Church (03×04), Something Old, Something New (03×06) e Series Finale (03×07)

6ª temporada de Queer Eye

Queer Eye é, por essência, um refresco caloroso ao coração. Em toda a sua trajetória, os 5 Fabulosos Antony, Bobby, Karamo, Tan e Jonathan sempre conquistaram qualquer pessoa, e não relutaram em o fazer no estado conservador do Texas para a 6ª temporada. As gravações foram atravessadas pelo caos da pandemia de coronavírus, por isso, em contrapartida com o seu último, e premiado, volume 5, o desafio do reality em levar amor próprio para pessoas comuns foi imensamente mais difícil. Mais real do que nunca, a fragilidade do elenco evidenciou como a doença havia engolido a todos – e só o mais puro afeto poderia aliviar. 

A Netflix conseguiu gravar um episódio antes que a covid-19 chegasse e levasse milhões de vidas. Mas não rápido o suficiente. Quando retornaram à produção, seus participantes haviam perdido muito, alguns na dor e correria de pertencerem à linha de frente, outros na luta contra a xenofobia e culpabilização por um vírus desconhecido. Com uma dor em comum com seus telespectadores, Queer Eye chegou no dia 31 de dezembro de 2021 à plataforma, como um lembrete colorido de que as pessoas valem a pena, de que a esperança é necessária para continuar – e mesmo assim, segue sem ser renovada para a próxima temporada. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Craw-Zaddy (06×05), Community Allied (06×06) e Snow White of Central Texas (06×07)

2ª temporada de Ragnarok

Ragnarok não tem nada parecido com a forma que os deuses mitológicos são retratados nas histórias em quadrinhos. Muito pelo contrário, os conflitos familiares, o drama teen, e as questões ambientais que norteiam o afloramento da mitologia. Em sua 2ª temporada, o maior acerto foi dar à Laurits (Jonas Strand Gravli), irmão de Magne, e, por consequência, Loki, a protagonização que merece. Jonas é um ator muito melhor do que Stakston, e seu personagem é muito mais interessante. O Loki de Ragnarok é perspicaz, audacioso e autêntico, em consonância com seu ser humano compreendendo sexualidade, gênero, e família. 

O não-heroísmo também ficou mais sério, alcançando o conflito do protagonista Magne (David Stakston) sobre até onde é capaz de ir sendo Thor, e trazendo a gigante Saxa (Theresa Frostad) aos holofotes e brigando pelo poder. Efeitos especiais, atuação e trilha sonora, estavam todos bem sincronizados com a continuação, mostrando a ótima evolução desde a temporada de lançamento e deixando um gosto saboroso em 2021. A terceira será a última da série norueguesa, e isso significa que não haverá tempo de desenvolver seus personagens até o ponto que merecem. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: What Happened to the Nice, Old Lady? (02×02) e All You Need Is Love (02×06)

1ª temporada de Reservation Dogs

Taika Waititi não lançou apenas uma série fascinante em 2021, mas duas – e não há nada páreo para sua Reservation Dogs. A dramédia impressiona, encanta e equilibra perfeitamente o riso descontrolado e o choro sem consolo. Escrita, dirigida e protagonizada por indígenas, a produção do FX consegue percorrer as várias e complicadas nuances universais da adolescência, mas focando nos personagens de uma reserva nativa-americana em Oklahoma e nos embates diários com a exclusão social e o racismo anti-indígena. 

Criada por Waititi e Sterlin Harjo, o destaque absoluto fica por conta do quarteto de ouro de jovens atores: Paulina Alexis, D’Pharaoh Woon-A-Tai, Devery Jacobs e Lane Factor entregam performances sólidas, complexas e primordiais para a construção dessa primeira temporada. Já renovada para mais um ano, Reservation Dogs se automolda em uma narrativa sensível, hilária e que acerta em todos os temas que se propõe a discutir. Agora, cabe ao Emmy Awards reconhecer a joia rara que praticamente caiu em seu colo. – Caroline Campos

Episódios Favoritos: F*ckin’ Rez Dogs (01×01), Hunting (01×06) e California Dreamin’ (01×07)

5ª temporada de Rick e Morty (Rick and Morty)

É o início de uma nova era para o show. A mais recente temporada de Rick e Morty causa estranhamento aos telespectadores de longa data, afinal, os diretores criativos Justin Roiland e Dan Harmon além de realizarem um acolhimento gigante ao nonsense, – que aparentemente, se torna maior a cada ano – também criaram o foco principal em algo um tanto quanto incomum: a evolução de Rick sem precedentes. Diferentemente, do que abordam a grande maioria das outras temporadas, o cientista não está separado da humanidade por ser um intelectual galáctico. A solidão e o desespero constroem o personagem, que não mais pode ser encoberto pelo seu ego de superioridade e muito menos, por quaisquer armas interdimensionais.

Os episódios correm com a explosão da ficção científica exagerada em conjunto com algumas premissas já encontradas em trabalhos anteriores, como por exemplo, o fracasso pessoal de Jerry em Amortycan Grickfitti. Mas, os últimos três capítulos da temporada são surpreendentemente intrínsecos, pois mergulham em uma atmosfera mais complexa sobre os sentimentos de Rick e Morty. Em Rickternal Friendshine of the Spotless Mort, as abordagens não desgrudam da insanidade e como bônus, se unem ao existencialismo, o cientista se encontra com seu eu do passado, o qual lhe questiona sobre suas memórias “Por que você não as revisita?”, e o atual Rick responde “Eu não sei, talvez por causa do final”. Entre dúvidas e separações, a verdade é que o final da 5ª temporada – além de dar um gancho para a 6ª – traz o início de uma nova forma para entender toda a confusão. – Leticia Stradiotto

Episódios Favoritos: Rickternal Friendshine of the Spotless Mort (05×08) e Forgetting Sarick Mortshall (05×09)

1ª temporada de Round 6 (Ojing-eo Geim)

Tramas que envolvem jogo mortal não são novidade em produções audiovisuais, porém Round 6 consegue trazer um frescor a esse tipo de história. Os maiores méritos do seriado se encontram na mistura da inocência de brincadeiras infantis com a brutalidade da morte e da vida adulta, isso se reflete tanto nos desafios de cada jogo quanto nas temáticas presentes durante a exibição. A utilização de joguetes ligados à infância também é um acerto, pois logo gera uma identificação do espectador que se imagina naquela situação.

Para além dos jogos violentos e da estética magnífica apresentadas na série, o texto de Hwang Dong-hyuk se destaca por trazer metáforas e reflexões sobre o mundo capitalista e a desigualdade social. Cada personagem carrega consigo uma história que demonstra as dificuldades das sociedades atuais, por isso, cada um deles é carismático e interessante à sua maneira. Dessa forma, Round 6 torna-se uma experiência instigante, tensa, divertida e reflexiva, sendo uma das melhores produções já feitas pela Netflix, e espera-se que seu realizador mantenha essa qualidade na vindoura segunda temporada. – Nathan Sampaio

Episódios Favoritos: Mugunghwa kkoch-i pideon nal (01×01), Ji-ok (01×02) e Kkanbu (01×06)

13ª temporada de RuPaul’s Drag Race

RuPaul’s Drag Race iniciou sua 13ª temporada estremecendo a estrutura convencional do programa. Mama Ru ousou ao colocar as queens para dublarem já no primeiro episódio, dividindo-as em dois grupos logo no começo da edição. Claro que, no fim, o efeito prático disso foi nulo, visto que todas continuaram na competição de qualquer forma – a primeira eliminação, da injustiçada Kahmora Hall, viria somente quatro episódios depois. Porém, foi essa decisão que estabeleceu um dos conflitos mais interessantes da temporada: as vencedoras, que ganharam um excesso de confiança e desdém às outras participantes, contra as perdedoras, que sentiam a necessidade de se unirem e provarem seu valor aos jurados. 

E é aí que está a grande força da série. Depois de 13 anos de exibição, o reality show da maior drag queen do mundo já tem seus rituais e preceitos bem estabelecidos. No entanto, ela torna-se ímpar quando, a cada nova edição, consegue explorá-los de um jeito diferente, inventivo e divertido. RuPaul’s Drag Race encapsula a cultura drag com muita autenticidade, sempre trazendo novidades para fãs de longa data, porém ainda simples de se assimilar para novos públicos, mesmo no caso de quem começou a acompanhá-la pela temporada de 2021. Essa característica se potencializa no ano 13 do programa, no qual Symone é campeã com statements importantíssimos – especialmente seu comovente manifesto contra a violência racial nos EUA – e a queridinha do povo Gottmik se consagra como o primeiro homem trans a competir no programa, cheia de carisma e elegância. Tomada por representatividade e cores pastéis na sua 13ª temporada, RuPaul’s Drag Race comprova-se icônica por si só. – Enrico Souto  

Episódios Favoritos: Social Media: The Unverified Rusical (13×08), The Snatch Game (13×09) e Gettin’ Lucky (13×14)

3ª temporada de Sex Education

Não é fácil sustentar uma série adolescente com controle criativo e qualidade lá no topo, mas Laurie Nunn faz parecer tão simples. Na terceira temporada de Sex Education, os alunos de Moordale sofrem na mão da nova diretora, a carrasca Hope (Jemima Kirke), que tem como missão limpar a imagem suja que o colégio sustentou nos anos anteriores. Para isso, ela coloca todo mundo na linha, não importa o custo. Entre os dramas de Eric (Ncuti Gatwa) e Adam (Connor Swindells), as descobertas de Cal (Dua Saleh) e Jackson (Kedar Williams-Stirling) e a união de Maeve (Emma Mackey) e Aimee (Aimee Lou Wood), Sex Ed ainda tem muito a dizer.

Quem mais brilha sob pressão é o núcleo de Otis (Asa Butterfield) e Ruby (Mimi Keene), casal que nasce da imprevisibilidade e escala para o momento dramático mais catártico do ano 3. Dentro do discurso narrativo, a série desconstrói a figura da patricinha e do nerd, injetando doses de originalidade, humanidade e muita emoção engarrafada neles. Quando o jovem marreta o coração dela, só nos resta apertar o peito, engolir o choro e continuar aproveitando ao máximo o que essa educação sexual (e emocional, e sentimental, e pessoal) tem a oferecer. – Vitor Evangelista

Episódios Favoritos: Episode 2 (03×02), Episode 3 (03×03) e Episode 7 (03×07)

1ª temporada de Solos

Multifacetada, a primeira temporada de Solos apresenta uma premissa diferente da que o público está acostumado a ver, porém, apesar de trazer diversas histórias isoladas em seus episódios, não deixa de manter uma coerência como um todo. Lançada pelo Amazon Prime Video, e com um elenco de renome, tais como Anne Hathaway (01×01 – Leah), Helen Mirren (01×03 – Peg) e muitos outros, a série traz questões relacionadas a tecnologia, relações humanas e o futuro. Mais do que isso, também mostra a exímia habilidade de cativar o telespectador com uma bela fotografia, histórias emocionantes e diálogos precisos, onde foram necessários apenas capítulos de 20 a 30 minutos.

Como destaque, o episódio 01×04 – Sasha, unicamente protagonizado pela atriz de Orange is the New Black e ganhadora do Emmy Uzo Aduba, encaixa como uma das tramas que mais transmite a essência da série onde, apesar de avulso à nossa realidade com um futuro e aparatos tecnológicos que não veremos por um tempo, lida com o isolamento e a tomada de difíceis decisões em casos extremos, além de toda relação consigo mesma que o personagem demonstra, trazendo à tona o motivo do título da série se apresentar como Solos. – Henrique Marinhos

Episódios Favoritos: Leah (01×01) e Sasha (01×04)

3ª temporada de Succession 

É uma tarefa difícil passar por 2021 sem ter ouvido ou lido a palavra Succession pelo menos uma vez. Ao longo dos últimos anos, a criação de Jesse Armstrong vem ganhando cada vez mais espaço no patamar das maiores séries da década, sucesso evidenciado pela coleção de Emmys que já acumula com apenas 3 temporadas lançadas. O enredo da narrativa já é interessante por si só, ao se centrar na disputa e busca incansável por poder dos integrantes da família Roy – quase uma releitura decente da novela Império. Mas a série não se contenta apenas com isso, ganhando também um roteiro instigante que envolve esferas políticas e midiáticas, além de uma direção que já passou pela mão de nomes como Adam McKay (Não Olhe para Cima) e Mark Mylod (Game of Thrones). 

A reviravolta dos minutos finais da 2ª temporada foi motivo suficiente para provocar a ansiedade para o retorno da produção. Agora, centrando-se quase que por completo no combate direto entre Kendall (Jeremy Strong) e Logan (Brian Cox), Succession comprova a evolução de sua narrativa a cada novo ano, ao internalizar de vez a vontade de provocar a queda do poderoso magnata. Entre as controvérsias e puxões de tapete dos quatro irmãos, a união entre eles é o que fala mais alto para vencer uma paternidade abusiva de uma vida inteira, rendendo uma season finale digna de coração acelerado e suspiros emocionantes. Assim, permanece honrando o título que sempre lhe foi destinada. – Vitória Silva

Episódios Favoritos: Retired Janitors of Idaho (03×05), Too Much Birthday (03×07) e All The Bells Say (03×09)

6ª temporada de Superstore 

Finalizada em 2021, a sexta e última temporada de Superstore inova ao mesmo tempo que consegue ser nostálgica para os fãs. Sem surpresa, a estreia do ano final abordou assuntos como a pandemia, encerramento de ciclos inesperados e tantos outros temas que vem de encontro com a realidade. Porém, com tamanha leveza que utilizaram, a série de comédia acaba passando várias lições sobre a vida. Considerando situações atípicas como o isolamento, o roteiro consegue interpretar a essência do que o  fez em seus outros 5 anos, desde o episódio piloto.

É notável que nessa última temporada, mais do que encerrar uma história, os produtores procuraram ao máximo aproveitar todas as oportunidades que tinham para realizar com louvor esse fechamento, tais como a possibilidade de trazer todos que já fizeram parte relevante de Superstore, agraciar os fãs com aquilo que precisavam mesmo que não soubessem disso, ao mesmo tempo sempre quebrando essa expectativa. Por fim, inegavelmente, os telespectadores podem confirmar a tranquilidade com que as pendências dos outros cinco anos foram fechadas e um agradecimento aos participantes dessa aventura, ainda que tenham sido encerrados aos 45 do segundo tempo em All Sales Final. – Henrique Marinhos

Episódios Favoritos: California Part 2 (06×02) e All Sales Final (06×15)

2ª temporada de Ted Lasso 

Depois de uma primeira temporada impecável que a consagrou com 7 Emmys e 1 Globo de Ouro, Ted Lasso tinha a difícil tarefa de ser melhor que ela mesma. E como superar seu próprio ápice? Assim como as grandes estrelas do futebol, a comédia da Apple TV+ viu uma oportunidade na mudança de ares. O tom que beirava o pastelão agora é dominado por uma dramédia que pende muito mais para o drama em seu segundo ano. Subvertendo tudo e todos, para aprofundar seus personagens, escancarando quem eles realmente são e o porquê daquilo, que hora ou outra vão se comunicar e atingir o eu interior do espectador que baixou sua guarda para a doçura do primeiro ano.

Em uma temporada mais pés (e bola) no chão, Ted Lasso joga o futebol para escanteio, mesmo tendo um notável avanço na hora de imprimir o esporte no audiovisual, para dar um foco em seus personagens e desmistificá-los. A decisão de colocar saúde mental e relações familiares como condutores do segundo ano mostra que a série, ao invés de seguir o caminho natural e apostar em uma segunda temporada maior, resolveu olhar para si própria e fazer do intimismo e das relações humanas e como elas impactam o mundo a sua volta seu triunfo. Assim como uma sessão de terapia, a segunda temporada de Ted Lasso traz à tona um turbilhão de emoções necessário. – Guilherme Veiga

Episódios Favoritos: Carol of the Bells (02×04), Beard After Hours (02×09) e No Weddings and a Funeral (02×10)

The Beatles: Get Back

Em 2021, o mundo finalmente teve acesso às mais de 50 horas de filmagens e mais de 150 de gravação em áudio que os Beatles produziram em 1969, compilados em quase 8 de filme. Na ocasião, um especial de TV estava sendo produzido, mas nunca chegou a ser lançado, e o material manteve-se oculto até então. Sob direção de Peter Jackson, a minissérie The Beatles: Get Back trouxe novamente o quarteto ao debate, deixando claro as competências musicais do grupo. Não foi à toa que a beatlemania foi retomada de forma efervescente após seu lançamento na plataforma Disney+. 

Uma das grandes virtudes da minissérie é a nova visão que ela dá sobre os quatro integrantes. Em uma abordagem revitalizadora, os Beatles são apresentados – antes de sujeitos geniais e quatro indivíduos distantes da humanidade – como uma banda de rock. Eles discutem sobre as notas, erram os acordes, fazem piadas sem graça, treinam à exaustão pequenos trechos de novas canções, saem da banda em pequenos atos de revolta – George Harrison deixa os Beatles no final da primeira parte, e depois retorna –, mas ainda são quatro amigos fazendo música. Por essa razão, The Beatles: Get Back não poderia ficar de fora de uma lista de melhores. – Bruno Andrade

Episódios Favoritos: Part 1: Days 1-7 (01×01), Part 2: Days 8-16 (01×02) e Part 3: Days 17-22 (01×03)

1ª temporada de The Chair

Íntima, agradável e dosada, a série The Chair da Netflix traz em poucos episódios uma história bem construída e atenta às nuances que apresenta, além da comédia inteligente que propõe em pautas atuais. Estrelando Sandra Oh como a primeira mulher não-branca diretora do departamento de Inglês de uma faculdade estadunidense, a produção vai na contramão ao que as outras em alta mostram com a realidade jovial de universidades, mais aparente no episódio Brilliant Mistake, trazendo também profundidade aos personagens com amostras de suas idas a psicólogos como explicita o breve teaser lançado.

Além disso, também não se limitam a assuntos acadêmicos, as relações e acontecimentos em torno da vida de diversos personagens nos aproximam de toda narrativa trazendo essa intimidade. Um desafio superado foi trazer uma série de acontecimentos sem atropelamentos, tendo todos seu devido tempo e encerramento, o que é destacado no último episódio, The Chair, em que qualquer coisa pode acontecer. Mesmo sendo o final até então, os produtores foram bem sucedidos em criar um paradoxo mostrando um encerramento do enredo e a noção de que a vida continua a partir dali, sempre em mutação, trazendo por fim a confortabilidade em aceitar essas mudanças. – Henrique Marinhos

Episódios Favoritos: Don’t Kill Bill (01×04) e The Chair (01×06)

11ª temporada de The Real Housewives of Beverly Hills

Para quem acompanha o cotidiano das sete donas de casa mais extravagantes de Beverly Hills, a 11ª temporada de The Real Housewives of Beverly Hills se tornou um verdadeiro tribunal quando uma das estrelas do reality foi acusada de estar envolvida com o ex-marido Tom Girardi, advogado prestigiado pela reputação de “defensor dos oprimidos”, num esquema milionário de desvio de dinheiro de vulneráveis. Na temporada, o telespectador transforma-se em júri da jornada oblíqua de emancipação de Erika – dividida entre Erika Girardi, esposa-troféu obediente do gigante do Direito da Califórnia, até Erika Jayne, alter ego sensual que não deve satisfações à nada nem ninguém.

Rainha de gelo do reality, Erika é a grande estrela da temporada: seu casamento acabou, oportunidades profissionais se fecham e todos questionam sua índole. Ela é inocente? Ela é culpada? São questões que surgem entre as co-protagonistas, cabendo a cada uma, incluindo o telespectador, decidir o que é real. Felizmente, para a nossa diversão, ninguém diz o que todos falam por trás dos jantares glamourosos verdadeiramente infernais. E armada de alta-costura, bolsas de US$95,000, carros luxuosos e jatinhos particulares, Erika constrói uma narrativa deturpada que a põe como mártir de uma tragédia na qual ela não é vítima. – Ayra Mori

Episódios Favoritos: The Good, the Bad and the Ugly Leather Pants (11×08),  Season’s Grillings (11×13) e The Dinner Party from Hell: Part Two (11×15)

The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade (The Underground Railroad)

Que tarefa difícil é reportar a grandiosidade de The Underground Railroad. Aqui, existe apenas (mais) uma tentativa de realizar isso. Um dos maiores destaques do ano no Amazon Prime Video, a série marca a estreia – nada leviana – do precioso trabalho audiovisual de Barry Jenkins na TV. A história é adaptada do romance homônimo de Colson Whitehead, vencedor do Pulitzer em 2017, e acompanha a jornada realisticamente mágica de Cora (Thuso Mbedu) em busca de sua liberdade e autonomia, tanto no sentido de sua condição de escrava em um Estados Unidos pré-Guerra Civil, quanto em sua experiência como parte de um povo que teve seu direito à humanidade violentamente negado.

Para compreender uma história como essa, só um trabalho rico de linguagem. Mas o potencial da Arte relevante que existe em The Underground Railroad, infelizmente, não foi devidamente apreciado por quem existe apenas em função de reconhecer tais méritos. Pela crítica especializada, a recepção foi boa, mas da entrega magistral de seu elenco, da expressão única nas palavras sábias de seu roteiro, e da identidade e um efeito expressivo vindo de sua direção, apenas o último foi notado em premiações como o Emmy. O mesmo erro não será cometido aqui, e o objetivo é fazer com que você não deixe de notar a produção que sustenta como poucas seu lugar dentre as Melhores de 2021. – Raquel Dutra 

Episódios Favoritos: Georgia (01×01), North Carolina (01×03) e Indiana Autumn (01×08)

1ª temporada de The White Lotus 

A trama de The White Lotus, da HBO, desperta a curiosidade de qualquer um, com um enredo inusitado e incomum de ser abordado: o privilégio e a exploração de pessoas ricas sobre a classe trabalhadora, que no caso, tem como cenário um resort de luxo em uma ilha paradisíaca. A série criada por Mike White (Enlightened, Escola de Rock), diverte, principalmente, por incomodar o espectador, que pode se ver, sem nem ao menos notarem, cometendo os mesmos erros daquelas pessoas; no entanto, trata os assuntos desconfortáveis de uma forma leve, com humor ácido, fazendo uso de deboche e ironia.

The White Lotus está presente para ensinar sobre as injustiças e diferenças entre as classes, e nos conscientizar a não vivermos na inércia do conformismo. Sem dúvida, se souber captar a mensagem que a série quer transmitir ao longo dos seis episódios, a vontade que nos impulsiona por mudanças virá. E tamanho foi o sucesso, que o que era para inicialmente ser uma minissérie, foi renovada para uma segunda temporada, com história e personagens diferentes, em formato de antologia. Também foi indicada a vários prêmios, dentre as quais venceu como Série de Comédia, e Ator, para  Murray Bartlett, no festival AACTA International Awards. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: The Lotus-Eaters (01×05) e Departures (01×06)

5ª temporada de This Is Us

Após sua estreia em 2016, conforme os anos se passavam, This Is Us se revelava uma série formulaica. Uma fórmula eficaz, é verdade, entretanto que, após 4 temporadas, parecia começar a ficar obsoleta. Os plot-twists de cada temporada progressivamente mais absurdos, e os monólogos motivacionais de algum dos Pearson que sempre finalizam os episódios, são exemplos de atalhos usados à exaustão para gerar atritos entre os personagens. A 5ª temporada chegou cheia de dúvidas, ainda mais pelo momento em que era produzida, em meio a pandemia de covid-19. A solução encontrada pelo drama da NBC, contudo, não poderia ter sido mais excelente. E o seu maior mérito é, não se livrar das ditas fórmulas, mas explorá-las em novas circunstâncias. Dito isso, ao invés de optar pelo caminho do escape, a série escolhe trazer a realidade pandêmica para dentro das telas.

Os dois primeiros episódios introduzem com precisão qual será a abordagem da temporada. Não apenas a pandemia é presente, mas também outras tensões que marcaram 2020, como o terrível assassinato de George Floyd e os decorrentes protestos antirracistas nos EUA e no mundo. Junto a isso, é tomada a melhor das decisões e o protagonismo é totalmente entregue a Randall Pearson (Sterling K. Brown) e em como esse ciclone de eventos resvala nele. A série se aprofunda em definitivo nos seus conflitos de identidade enquanto um homem negro criado dentro de uma família branca e, sobretudo, em sua relação com os outros dois trigêmeos. São feitos que jamais poderiam ser alcançados em uma narrativa mais confortável e, caminhando para seu último ato, visceralidade é o que pauta This Is Us em seu quinto ano: sem medo do incômodo e se consagrando como a melhor temporada da série desde o seu início. – Enrico Souto

Episódios Favoritos: Forty: Part Two (5×02), I’ve Got This (5×10) e Brotherly Love (5×13)

1ª temporada de Vincenzo (Binsenjo)

A série sul-coreana Vincenzo, lançada em fevereiro de 2021, foi capaz de unir o clássico romance dos doramas com uma dose extra de ação e vingança. A emissora tvN, em parceria com a Netflix, entregou além do esperado no quesito enredo, misturando culturas e quebrando valores tradicionais ao trazer um protagonista anti-herói. Vincenzo Cassano (Song Joong-ki), advogado coreano e membro da máfia italiana, transforma o que poderia ser um clichê em palco para muito sangue e tiros, mas sempre seguindo seus princípios. Para os fãs do ator e também àqueles que estão cansados da monotonia, a produção é um prato cheio. 

A atuação impecável de todos os atores fortalece o sucesso, passando desde veteranos como Kim Yeo-jin até o cantor Taecyeon (que teve participações menores em dramas), estes interpretando vilões de causar ódio profundo. Em todos os 20 episódios, há sempre muita tensão e ansiedade, e parte disso se dá pelo plot twist no meio do drama. A relação entre o mafioso e a advogada Hong Cha Young chega na medida certa, com muita química e um beijo daqueles guardado para o final. O humor atinge níveis geniais, com toda a confusão de nomes italianos e disputa entre os personagens. Joong-ki merece, inclusive, uma salva de palmas por seu sotaque italiano de dar inveja em qualquer um. – Maria Vitória Bertotti  

Episódios Favoritos: Episódio 1 (01×01), Episódio 8 (01×08) e Episódio 20 (01×20)

Vingança Sabor Cereja (Brand New Cherry Flavor)

Podendo simbolizar da inocência à sensualidade, as cerejas transportam seu frescor para além da ambivalência na trama surrealista e instigante de Vingança Sabor Cereja. Protagonizada pela combustão emocional da cineasta iniciante Lisa Nova (Rosa Salazar), a minissérie é gerida pela busca da jovem brasileira em recuperar seu curta-metragem – roubado pelo afamado produtor Lou Burke (Eric Lange) – e aniquilar o ego do infame representante da indústria hollywoodiana. A guardiã das faces sombrias, irônicas e vulneráveis da história é a despudorada Los Angeles dos anos 90. Contextualizando luzes neon, body horror, paranormalidade e bruxaria à realidade brutal e aliciante da cidade, fotografia e roteiro vivificam o mais potente do universo do terror e o mais obtuso da mente humana.

Apesar de tanger assiduamente sexo, poder e alucinações em geral, a narrativa subverte todo o reducionismo esperado para essa atmosfera – justamente por não se encaixar no apelo mainstream. O suspense sabe injetar humor nos vínculos cênicos e induzir à eterna provocação de valores e intenções, como se um espelho suspenso moldasse a magia e o frenesi, como se o balanço entre sátiro e visceral fosse atingido. Vingança Sabor Cereja regurgita referências e clichês poderosos para eletrizar sua originalidade de ritmo e forma, digna de poucas criações da Netflix. Participando da saga do streaming em tentar emplacar sucessos macabros, a complexidade construída pela minissérie finalmente coroa esse propósito. – Vitória Vulcano

Episódios Favoritos: I Exist (01×01), Tadpole Smoothie (01×04) e Jennifer (01×05)

3ª temporada de Você (You)

Após uma 2ª temporada repetitiva e meia boca, Você entendeu que só conseguiria continuar se o jogo psicológico e doentio fosse protagonizado por outra pessoa. Foi assim que Love (Victoria Pedretti) ganhou espaço, deu sentido para a sua violência impulsiva, e construiu uma das melhores sequências de 2021. A terceira temporada foi inteiramente sustentada por ela e por sua atuação, conseguindo prender o interesse nos questionamentos existenciais de alguém que é tão complexa e contraditória quanto um ser humano pode ser.

Nessa construção nova da narrativa, Você conseguiu colocar Love e Joe (Penn Badgley) mais próximos da realidade, ou melhor, das situações que preenchem o telespectador de raiva. Não por um acaso, o casal deu conta de bater em pessoas anti-vacina, discutir ações ditas “pelo bem da família”, e pintar como cidades de bilionários da tecnologia e influencers de bem-estar vivem num redemoinho de pressão psicológica. O pior – ou melhor – de sua 3ª temporada, é o gostinho amargo de entender dois malucos, e que, provavelmente, não perdurará na 4ª, já renovada pela Netflix. – Nathália Mendes

Episódios Favoritos: Missing White Woman Syndrome (03×03), Red Flag (03×09) e What Is Love (03×10)

WandaVision

Depois de pegar uma cambada de super-heróis e supervilões de revistas em quadrinhos e enfiar em um bando de filme de duas horas, a Marvel parece ter percebido que alguns deles tiveram o desenvolvimento de uma uva passa. E bem, às vezes tudo que um personagem mal trabalhado em uma grande franquia precisa é de uma série de nove episódios para se redimir. Maltratada pelo roteiro desde sua primeira participação lá em Vingadores: Era de Ultron, Wanda Maximoff inaugurou as produções televisivas do MCU, trazendo em WandaVision a experiência mais desafiadora e fora da caixinha que o estúdio já havia se arriscado.

Suas sucessoras podem ter movimentado a audiência, mas foi a sagacidade da minissérie da Feiticeira Escarlate em se divertir às custas de sitcoms e remodelar a realidade da personagem que a firmou como uma das mais interessantes e inventivas de 2021. Ao ganhar esse espaço, Elizabeth Olsen abraça sua criatura ferida com carinho e sensibilidade, transparecendo o luto e a confusão que Wanda tanto luta para afastar. Ao seu lado, Paul Bettany tira um pouco a maquiagem vermelha e Kathryn Hahn é introduzida brilhantemente no frutífero Universo Cinematográfico. Que Doutor Estranho fique avisado: Wanda Maximoff não está para brincadeira. – Caroline Campos

Episódios Favoritos: All-New Halloween Spooktacular! (01×06) e Previously On (01×08)

1ª temporada de We Are Lady Parts

A originalidade da temática, muitas vezes incomum de ser abordada em séries, com culturas e religiões totalmente distintas das nossas, foi importante nessa escolha. We Are Lady Parts conta a história da formação de uma banda fictícia de punk rock muçulmana feminina, a Lady Parts, de Londres, em sua busca por uma guitarrista. Como resultado, elas se deparam com Amina (Anjana Vasan), uma garota excessivamente tímida e introvertida, que por trás da aparência comportada, é uma rebelde no estilo Joan Jett, e necessita dessa influência punk em sua vida.

A série tem uma trilha sonora incrível. Dirigida e produzida pela britânica Nida Manzoor (Doctor Who), We Are Lady Parts se divide em seis episódios, e foi super aclamada pela imprensa do Reino Unido. No entanto, ainda é pouco conhecida fora do território britânico, e infelizmente, difícil de encontrar, até mesmo por causa da distribuição limitada pela emissora de origem, a Channel 4. Também foi indicada a várias premiações, vencendo nas categorias de Montagem de Comédia, do Royal Television Society, UK. Foi renovada para uma segunda temporada, ainda sem data prevista para lançamento. – Sabrina G. Ferreira

Episódios Favoritos: Play Something (01×01) e Sparta (01×06)

3ª temporada de What We Do in the Shadows

Irreverentes e incomparáveis, os vampiros de Taika Waititi e Jemaine Clement ganharam uma terceira temporada para chamar de sua, e desgrudar os olhos da tela ao longo dos dez episódios se torna uma tarefa tão difícil como beber água benta. What We Do in the Shadows é um fenômeno da comédia televisiva e, ao aterrissar estapafurdiamente em mais um ano, consegue expandir as próprias pretensões e envolver o telespectador em pequenas narrativas de 25 minutos repletas de reflexões sobre a eternidade e sereias-avestruz apaixonadas.

Dando cada vez mais espaço ao seu melhor personagem e único vampiro de energia do quarteto, Colin Robinson (Mark Proksch), a temporada estreita os laços dos protagonistas e não se cansa de satirizar a si mesma. Enquanto Nadja (‎Natasia Demetriou) e Nandor (‎Kayvan Novak) assumem um plot próprio e linear, Lazlo (Matt Berry) e Guillermo (‎Harvey Guillén) vão alternando as suas histórias com o passar dos episódios. Com cada um no seu ritmo e todos perfeitamente perdidos na música, What We Do in the Shadows não se acanha em brincar com novos e velhos personagens a fim de construir uma das melhores comédias da TV atual. – Caroline Campos

Episódios Favoritos: The Escape (03×06) e The Wellness Center (03×08)

1ª temporada de Will Smith: The Best Shape Of My Life

Disposto em terminar de escrever a sua autobiografia Will e perder o peso que ganhou para interpretar o pai das tenistas Venus e Serena Williams em King Richard: Criando Campeãs, Will Smith embarcou em uma série documental com a expectativa de emagrecer 9 quilos em 20 semanas. Na realidade, Will Smith: The Best Shape Of My Life trouxe à tona para o público e para o próprio ator, a instabilidade da sua saúde mental e o fato de que ele teria que trabalhar para além da sua aparência física.

Em 6 episódios, a série destruiu o que Will Smith construiu em três décadas de carreira. Derrubando a aura de ídolo para se mostrar vulnerável, Smith finalmente expôs a sua coragem para desistir. Dono de um dos sorrisos mais conhecidos de Hollywood, ele descobriu que a sua necessidade de entreter as pessoas a todo momento somente o fazia enganar a si mesmo. Nas trincheiras entre a escrita e a academia, batalhou para curar as feridas do passado e se despiu de corpo e alma para o público que passou a o enxergar com outros olhos. The Best Shape Of My Life ultrapassou as expectativas e, por isso, acumula mais de 20 milhões de visualizações no YouTube. – Nathalia Tetzner

Episódios Favoritos: My Secret Shame (01×02), I Quit (01×04) e I’m Sorry Mama (01×05)

1ª temporada de Yellowjackets

O inferno é uma garota adolescente e o time de Yellowjackets vai te provar. Transmitida pela Showtime entre novembro de 2021 até o início de janeiro de 2022, a primeira temporada da série conta com um piloto comandado por ninguém menos que Karyn Kusama, diretora do horror cult feminista Garota Infernal, que definiu o tom nostálgico visceral dos 10 episódios desse coming-of-age mórbido regado de comicidade espontânea, ocultismo e canibalismo. Entrando na lista de favoritos do ano com motivo, a trama acompanha um time de futebol feminino, vítima de um acidente de avião, obrigado a encarar os extremos da sobrevivência no vazio de uma floresta desconhecida, pouco a pouco, esvaindo-se completamente da civilidade, mesmo após 25 anos do resgate das sobreviventes.

Privadas de uma experiência saudável da juventude, elas lidam com os traumas da morte, solidão, hormônios, intrigas juvenis e forças paranormais, que ganham dimensão pelo ritmo paciente do suspense, conduzido pela decisão de não entregar uma virada narrativa precipitada. Através do intercalamento de duas linhas temporais, passado e presente se complementam no desenvolvimento das personagens ordinariamente humanas. Mas é o quarteto central do elenco adulto, formado pela escalação acertada de queridinhas dos anos 90 –  Melanie Lynskey, como entediada dona de casa; Juliette Lewis como uma destemida desajustada; Tawny Cypress, como política ambiciosa; e Christina Ricci, com a interpretação primorosa da lunática Misty –, que faz Yellowjackets brilhar, junto com o elenco adolescente que acompanha as veteranas à altura. A série é imperdível. – Ayra Mori

Episódios Favoritos: Pilot (01×01), Flight of the Bumblebee (01×08) e Sic Transit Gloria Mundi (01×10)

1ª temporada de Young Royals 

Young Royals, mesmo sem conseguir um lugar entre as séries mais assistidas da Netflix, conquistou o coração de muitos fãs e trouxe algo que estava em falta no catálogo da plataforma: além do foco em um casal LGBTQIA+ vivendo um romance digno de Shakespeare, é mostrada na série a representação de adolescentes com a cara do mundo real, sem o estereótipo de vidas e corpos perfeitos. Com temas relevantes como uso de drogas, luto, pressão da mídia, preconceitos da sociedade e, claro, problemas da monarquia, Young Royals se mostra ser uma série dramática na medida certa que tem muito a dizer. 

Wilhelm (Edvin Ryding), príncipe da monarquia sueca, e Simon (Omar Rudberg), um aluno de vida bastante simples, se conhecem, e desenvolvem seu belo romance de “príncipe e plebeu”. A história deles é linda e o amor mostrado é puro, e suas reações às complicações externas, que se multiplicam após Wilhelm se tornar o príncipe herdeiro, deixa claro que são, acima de tudo, jovens vulneráveis a tantas emoções e tanta pressão. Young Royals aborda lindamente a importância da força e da lealdade em diversos aspectos, como família, amigos e, principalmente, amores. A segunda temporada, já confirmada, promete trazer mais dessa história tão especial. – Gabrielli Natividade da Silva

Episódios Favoritos: Episode 4 (01×04) e Episode 5 (01×05)

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Sabrina G. Ferreira

Quem nunca ouviu falar sobre uma história de um filho que tem uma relação complexa, quase incensuosa (ou melhor dizendo, de “estranha proximidade”), com a mãe, que ao perdê-la de forma repentina e trágica, passa a cometer assassinatos ao incorporar a personalidade da mulher? Este é o ponto de partida de Bates Motel, que chama a atenção dos amantes de Terror, principalmente pelo seu nome, que tem como referência uma história contada já a algumas décadas atrás, no clássico filme Psicose (1960), do aclamado diretor Alfred Hitchcock.

Criada pelo roteirista Anthony Cipriano (da série The Jersey), e produzida por Carlton Cuse (Lost), e Kerry Ehrin (de Friday Night Lights), a série conta, em cinco temporadas, a história de uma mãe, Norma Bates (interpretada de forma impecável por Vera Farmiga), que após a misteriosa morte do marido, muda-se para a pequena cidade de White Pine Bay, em Oregon, levando consigo seu filho adolescente de dezessete anos, Norman Bates (Freddie Highmore). Com o propósito de conseguir uma forma de sustento, ela adquire um velho e abandonado motel e o casarão ao lado (também antigo, claro!). Outro detalhe é a localização destes imóveis, que ficam em uma estrada remota, de difícil acesso aos motoristas, tornando o motel um local de pouca procura para hospedagem.

Logo no primeiro episódio, somos introduzidos ao protagonista: o jovem Norman Bates; e nos damos conta dos distúrbios mentais que o personagem enfrenta. Norman sofre de um transtorno de bipolaridade, que algumas vezes o fazia pensar ser a própria mãe, a tal ponto de se vestir e falar como ela. Nesses momentos de “apagões”, ele podia fazer coisas abomináveis com as pessoas que estivessem próximas a ele, e logo depois, quando voltava a si, não se lembrava de nada que havia acontecido, e ainda culpava a mãe por seus atos maldosos.

A mãe de Norman, Norma Bates, também sofre de evidentes distúrbios de bipolaridade, com seu humor alternando entre explosões de raiva e momentos de extrema delicadeza. Em alguns episódios, ela se mostra como uma mãe controladora do filho, mas em outros, ela se torna uma espécie de vítima, cujas ações nada mais são do que reflexos de tudo o que ela já passou. Estes elementos se manifestam na personagem de forma a construir uma mulher visivelmente angustiada, que guarda um segredo “a sete chaves”; ou até mesmo como alguém que vive perturbada por seus próprios demônios, pois consciente do comportamento psicopata de seu próprio filho, Norma tenta de todas as formas mantê-lo longe das pessoas.

Assim, alguns dos principais distúrbios comportamentais presentes nos genes de Noman também são visíveis em sua mãe. Filha de pai abusivo, quando jovem, Norma desenvolveu uma relação semelhante, porém, com seu irmão mais velho, Caleb (Kenny Johnson), e isso a atormentou por anos, pois ela teve que conviver com a constante culpa por ter, na época, amado seu irmão de volta. Este relacionamento violento e com abusos psicológicos de Caleb com Norma pode ser interpretado como uma Síndrome de Estocolmo. 

Analisando a dependência de Norman com sua mãe, podemos supor que, por não possuir uma figura paterna, o filho cria uma grande conexão com a materna, e da mesma maneira – como Freud explica -, acaba vinculando a sua libido a ela. Há até mesmo uma suposição de que Norman, quando criança, possa ter sido abusado pela sua mãe, e como consequência, passou a ter sentimentos conflitantes por ela, pois a confusão de sentimentos e a culpa são muito frequentes em crianças e adolescentes que sofrem este tipo de trauma.

Ademais, é válido salientar que além de se tratar de uma série de horror, Bates Motel traz também uma conscientização quanto aos distúrbios mentais em pessoas de uma mesma família, e os possíveis traumas que podem ser ocasionados em indivíduos, ainda em fase de desenvolvimento, vítimas de abusos, físicos e mentais, por exemplo. Na maioria das vezes, o abusador também já foi um dia abusado, igual Norma, que além disso, também não aprendeu, ainda na infância, sobre os limites de intimidade que precisam ser impostos entre familiares, e tem algumas atitudes equivocadas, como dormir na mesma cama do filho de dezoito anos de idade. No caso de Norman, há uma releitura moderna de Édipo, com momentos que alternam entre raiva e uma enorme dependência emocional pela mãe, assim, quando ela inicia um relacionamento amoroso com outro homem, Norman se sente ameaçado e manifesta medo em perdê-la. 

No decorrer das temporadas, vão surgindo outros personagens na trama, como a misteriosa Emma Decody (Olivia Cooke), que, possivelmente, é aquela em que o espectador mais poderá se identificar. No início, Emma era uma amiga próxima de Norman, e  pensamos até mesmo haver uma possível paixão entre os dois. Porém, após ela conhecer o meio-irmão (e primo) de Norman, Dylan (Max Thieriot), acaba se apaixonando por ele, e no decorrer das temporadas, acabam tendo uma relação estável, formando uma família juntos.

Sendo assim, a cada episódio, as “nuances” dos personagens se acentuam ainda mais, principalmente na terceira temporada, que é quando Norman se torna cada vez mais parecido com a sua versão no filme Psicose, uma vez que a personalidade de sua mãe passa a aparecer com mais frequência para ele. Desta forma, ele passa a ter a postura de enfrentá-la, ou assumir seus atos, que já não passam mais tão despercebidos para ele, e as máscaras começam a cair para Norman e Norma Bates.

Enfim, Bates Motel é uma série obscura, que não começa com um assassinato de uma jovem de cabelos loiros em um banheiro de motel, como no filme dos anos sessenta. A nível de comparação, só temos um vislumbre da personagem principal do longa, Marion Crane (desta vez, interpretada por Rihanna), em dois episódios da última temporada, e até mesmo o desfecho desta personagem na série, felizmente, é outro. Essa é uma história sobre a família Bates, ou seja, Norman e Norma, e nada mais. O que espanta, no entanto, é que ao contrário do que acontece no filme, aqui, criamos uma relação de empatia pelo psicopata, sentindo muitas vezes compaixão por ele, e passamos a vê-lo como alguém de “bom coração”, mas que sofre de uma doença mental que toma conta dele de forma involuntária. 

A série, assim como muitas, não é isenta de erros, como por exemplo, quando dá soluções rápidas e fáceis aos problemas que surgem nos episódios, quando poderia trabalhar na construção dos personagens e das situações aos poucos, a longo prazo. Mas de forma geral, no final temos um enredo muito bem construído, com um final surpreendente, e até mesmo aceitável, para a maioria dos personagens. Bates Motel explica de forma espetacular a doença de Norman e constrói uma rede em torno dele, dando um ressignificado para algo que foi a muito tempo contado, mas agora, com o jeito crível e detalhado de contar história, com capacidade para conscientizar o espectador, próprio da nossa geração.

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