A trajetória de retomada dos eventos presenciais consolidou-se em 2022. Na recuperação do pós-pandemia da covid-19 – que não nos deixou, mas, em um alívio, permitiu o relaxamento de algumas medidas de proteção -, o Cinema viu seus ávidos fãs retornarem às salas de forma irrestrita. Desde o Oscar até a 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, os eventos da indústria cinematográfica internacional e brasileira também abraçaram a possibilidade da realização totalmente presencial, e deram alento àqueles que encontram conforto na pipoca quentinha e nas subidas rumo às poltronas aveludadas. 

Apenas no primeiro semestre do ano passado, o número de pessoas que compareceu aos cinemas presencialmente foi maior do que o contabilizado em 2021 inteiro, segundo levantamento da Agência Nacional do Cinema (Ancine). Apesar do retorno seguir lento e gradual, com expectativa de voltar a níveis normais e continuar a crescer em 2023, o restabelecimento do hábito também se refletiu no Melhores Filmes de 2022. Das 84 produções citadas no tradicional ranking anual do Persona, que reúne membros da Editoria e colaboradores, 42 estrearam ou passaram pelos circuitos brasileiros. Após um ano em que os streamings dominaram os grandes lançamentos, o cenário volta a se reequilibrar.

A união das redes de cinema às plataformas, porém, garantiu a diversidade da programação de 2022. A animação Pinóquio de Guillermo del Toro, o whodunnit Glass Onion: Um Mistério Knives Out, e os dramas Nada de Novo no Front, da Alemanha, e Argentina, 1985, da Argentina, foram alguns dos destacados pelos colaboradores, que os assistiram exclusivamente nos formatos digitais. Já os campeões de menções desse ranking, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Marte Um, estrearam nos cinemas e levaram os espectadores às salas.

Diferentemente do que aconteceu com lançamentos anteriores, a presença opressiva de grandes empresas, como Marvel e Disney, foi obrigada a dividir sua programação com produções mais diversas. Apesar de Batman, Pantera Negra: Wakanda Para Sempre e Doutor Estranho no Multiverso da Loucura conseguirem suas menções, foi o independente Aftersun que não saiu de cartaz (até o momento desta publicação), ultrapassando três meses nos cinemas nacionais. O sensível primeiro longa-metragem da diretora irlandesa Charlotte Wells aborda uma relação entre pai e filha, e chegou ao Brasil pela 46ª Mostra de SP.

Os gêneros das produções também refletiram diversidade. Os filmes de super-heróis tiveram sua vez e os de aventura também – Avatar: O Caminho da Água e Gato de Botas 2: O Último Pedido receberam boas indicações -, mas foram as produções de Terror que marcaram 2022. Com alguns ganhando grandes lançamentos no Cinema, como foi o caso de Pânico 5 e O Telefone Preto, e outros não surpreendentemente deixados de lado, como X – A Marca da Morte, Aterrorizante 2, Pearl, Até os ossos e Morte Morte Morte, as obras de gênero mereceram 15 nomeações como Melhores do Ano.

Elevando o número em relação ao ano passado, as produções dirigidas ou co-dirigidas por mulheres alcançaram a marca de 20 indicações – menos de ¼ do total. Já nas obras nacionais, a quantidade foi ainda mais negativa: dos 84 filmes citados, apenas 6 eram brasileiros, com destaques como Carvão, Regra 34, Eduardo e Mônica e A Mãe. Ao todo, foram citadas obras de 17 diferentes idiomas e nacionalidades.

E falando em nomeações, 22 títulos indicados ao Oscar 2023 também apareceram no ranking. Da categoria de Melhor Filme, que inclui apenas uma mulher indicada, apenas Entre Mulheres e Triângulo da Tristeza não foram mencionados aqui. Os Fabelmans, Elvis, Top Gun: Maverick e Os Banshees de Inisherin receberam múltiplas indicações. No Melhores Filmes de 2022 do Persona, você confere todas as obras destacadas pela nossa Editoria e colaboradores.

A Baleia (The Whale)

Somente quem é pai sabe quais são os verdadeiros obstáculos da paternidade e o filme A Baleia, roteirizado pelo escritor Samuel D. Hunter, cumpre bem esse brilhante trabalho. Neste drama psicológico, acompanhamos de perto a fragilidade de um pai que tenta se reconectar com a filha. Enfrentando problemas graves de saúde física e mental, Charlie (Brendan Fraser) é um professor de inglês que enfrenta cada dia como se fosse o último, em uma luta diária entre arrependimentos e manutenção de uma auto-estima completamente abalada. A única forma que ele encontra de mascarar seus problemas é através da compulsão alimentar, tópico bastante ressaltado na narrativa.

O trabalho de Samuel Hunter não é apenas voltado ao clichê ‘pai e filha que buscam uma reconciliação’. Neste drama, a história é centrada na profundidade que atravessa aquilo que é aparente. Os conflitos pessoais do protagonista fazem parte disso. Nas dificuldades que envolvem temáticas super sensíveis, mas nem sempre amplamente discutidas em nossa sociedade, como arrependimento, autodestruição, compulsão alimentar, paternidade e depressão. Como aflorar uma relação íntima e afetuosa que nunca existiu, de uma hora pra outra? Esse é o “x” da questão que permeia The Whale, que contou com a premiada atuação de Fraser e a excelente direção Darren Aronofsky.

Cotado pela crítica como candidato favorito ao Oscar de Melhor Ator, Brendan Fraser se destaca nessa obra para ter um merecido reconhecimento profissional. Ele, que revelou ter enfrentado problemas relacionados à depressão e assédio, avaliou que o papel de Charlie pode ser visto como um grande exemplo de superação para pessoas que passam por grandes traumas. – Gabriel Gomes Santana

A Fera do Mar (The Sea Beast)

A Fera do Mar nos faz perceber como ser sábio independe da idade, e que se pode aprender algo com qualquer situação ou pessoa. O filme é uma narrativa fluida e bastante rápida, ideal para dias em que se quer assistir algo leve, mas não tão banal. A animação carrega uma identidade genérica, mas há uma arte única no design das Feras, o que é um ponto alto no filme. Pode-se perceber o esforço dos artistas. Porém, depois de tantas animações da Disney preenchendo nossas vidas, em especial as em 3D, é difícil não pensar que há a tentativa de se equiparar a estas: não apenas há pontos em comum na estética, mas na narrativa, no desfecho e na complexidade das personagens. 

Ainda que hajam pontos que os distanciam, como a abordagem a certos preconceitos, coisa que a Disney não faz com frequência, há muito em comum. Mas as perguntas certas são: ela consegue nos transportar para aquele universo? E, se tem uma mensagem, ela é acessível à plateia? Nesse caso, sim. A Fera do Mar cria com sucesso seu próprio universo. Suas personagens reforçam os pensamentos de lá e tornam críveis a problemática a ser resolvida. A mensagem também é bem captada, mas o desfecho é genérico e pode entediar alguns espectadores. – Izadora Azevedo Albertini 

A Mãe

A força da figura materna é inspiradora. De histórias que as enaltecem a outras que tomam a maternidade como causalidade dos por quês de uma vida, as mães da ficção e da realidade movem produções. Batizado em homenagem à sua figura central, A Mãe traça o dia a dia de Maria (Marcélia Cartaxo) depois do desaparecimento do filho, Valdo (Dunstin Farias). O desespero e a tormenta da mãe das telas se estende para o espectador: a trama é angustiante no que os principais suspeitos pelo sumiço do jovem são os policiais locais – ainda mais atormentador é saber que a realidade não anda longe da ficção.

Na pele de Maria, Cartaxo entrega uma performance excruciante. Ela bate de porta em porta e roda as secretarias de desaparecidos e delegacias em busca do filho, sem sucesso. Moradora do bairro Jardim Romano, periferia de São Paulo, a presença opressiva da polícia torna os dias de ausência de Valdo um motivo de angústia ainda maior: a quem a Mãe recorre é justamente o responsável pelo sumiço do filho. Não há esperança para A Mãe. – Vitória Gomez

A Menina Silenciosa  (The Quiet Girl)

Sair da casa dos pais nunca é uma tarefa fácil, quem dirá para uma garota introvertida de nove anos de idade. Este é o drama retratado em A Menina Silenciosa, longa irlandês dirigido por Colm Bairéad que aborda a vida de Cait, uma criança extremamente observadora, inteligente e carente psicologicamente. A vida da personagem é intensa sob todos os aspectos, sobretudo, no momento em que é transferida para a casa de familiares que possuem melhores condições de renda. Escolhida para ser a protagonista do filme, a jovem atriz Catherine Clinch, de apenas 12 anos, demonstra um desempenho surpreendente neste que é seu primeiro trabalho no Cinema.

Uma narrativa que explora o início dos anos 1980, costumes conservadores e particularidades um tanto quanto tenebrosas da época são reveladas neste filme, que concorre ao prêmio de Melhor Filme Internacional no Oscar 2023. Essa é a primeira vez que um longa-metragem de língua irlandesa foi prestigiado no Festival de Berlim de 2022, sendo vencedor do Grande Prêmio do Júri Internacional da mostra Geração Kplus. – Gabriel Gomes Santana

A Mulher Rei (The Woman King)

Em A Mulher Rei, um dos mais poderosos reinos africanos, Daomé, possuía um destacamento militar inteiramente feminino – as poderosas Agojie – lideradas pela lendária general Nanisca, interpretada por ninguém menos que a multi-premiada Viola Davis. As guerreiras enfrentam uma guerra com o reino vizinho, o Império de Oyó, motivadas em acabar com o tráfico de pessoas escravizadas, financiado pelos países europeus. Cabe à general treinar as novas recrutas para garantir a independência da nação.

A Mulher Rei é um super épico! Dirigido por Gina Prince-Bythewood e protagonizado quase exclusivamente por mulheres negras, o que infelizmente ainda não é comum nos filmes de ação, o filme entrega combates e lutas eletrizantes e uma carga emocional arrebatadora. O longa não só nos prende como nos faz desejar por muito mais a cada minuto. Tudo isso, com um comentário político discreto, porém importante, que nos leva à reflexão sobre o imperialismo.  – Guilherme Dias Siqueira

A Voz do Empoderamento (Gangubai Kathiawadi)

Gangubai Kathiawadi não é um daqueles filmes que arrecadou milhões em bilheterias ou que ficou conhecido mundialmente, mas essa produção indiana não precisa disso para provar seu valor. Baseada na história da protagonista homônima, a narrativa apresenta Gangubai (Alia Bhatt), uma mulher que, em sua juventude, foi enganada e vendida para ser prostituta. Mas a vida de Gangu não se limita a seu sofrimento. Contrariando todas as expectativas, ela se mostra forte e destemida, garantindo que nenhuma outra injustiça a aflija.

A fotografia de Sudeep Chatterjee é digna do Oscar e as cenas em que Kamli (Indira Tiwari) morre, o casamento e o desfile final chegam próximas da perfeição. Sanjay Leela Bhansali dirige a obra com maestria e fluidez, dando a dose exata de sentimentalismo e realidade nos momentos devidos, além da implementação das canções e cenas de dança, com coreografias elaboradas e figurinos impecáveis. A cereja do bolo é atuação de Alia Bhatt, que faz você se apaixonar por cada respirar de Gangubai. – Thuani Barbosa

Abracadabra 2 (Hocus Pocus 2)

“De um jeito ou de outro, nós vamos te encontrar/Nós vamos te pegar”. Interpretando com muito brilho o hit One Way or Another, da banda norte-americana Blondie, as Irmãs Sanderson mostraram ter mais poder do que nunca no retorno triunfante de Abracadabra às telinhas mundiais. Agora protagonistas de Abracadabra 2, Winifred, Mary e Sarah se aventuram em uma espécie de filme-nostalgia, cujo objetivo principal é alegrar os fãs que sempre sonharam com uma continuação do longa de 1993.       

Sem buscar e – talvez, por isso mesmo – sem conseguir superar a obra original, Abracadabra 2 diverte o público ao reunir inúmeras referências ao filme de Kenny Ortega, mesmo que isso dê origem a uma continuação beirando a superficialidade. A verdade é que assistir a Bette Midler, Kathy Najimy e Sarah Jessica Parker revivendo um dos trios de bruxas mais queridos de todos os tempos faz qualquer um vibrar. E é esse constante movimento de resgate, presente nos mínimos detalhes do longa de 2022, que faz com que Abracadabra 2 seja uma excelente escolha para quem quer um entretenimento leve e nostálgico. – Eduardo Rota Hilário

Aftersun

Não é difícil perceber que, no cenário audiovisual contemporâneo, as composições foram dominadas pela reprodução de um passado nostálgico. Nessa situação, existem méritos e riscos, como tudo que envolve alguma contemplação estética. Aftersun, porém, fica distante o suficiente dos moldes amplamente vendidos pela indústria, podendo ser caracterizado no melhor “Cinema de estilo”, cuja marca é uma característica lentidão. Sem pressa, a diretora Charlotte Wells não se rende às formas básicas que a nostalgia pode oferecer, e cria um trabalho seguro, profundo e emocionalmente fascinante, marcado pelas grandes atuações de Paul Mescal e Frank Corio.

Sem se restringir a trama e expandindo as compreensões do filme aos seus sentidos fora do roteiro, o longa-metragem de estreia da escocesa é um clássico instantâneo. Wells sabe exatamente o que está fazendo e, nesse trabalho com raízes pessoais, mistura contextos de fragmentação das personagens às sequências “tradicionais” das cenas. A relação de Sophie (Corio) com seu pai, Calum (Mescal) – ambos em viagem de férias pela Turquia –, ganha contornos quase investigativos, quando, a certa altura, percebemos que toda a trama é vista por uma Sophie já adulta, que rememora com certa lamentação a morte do pai; a viagem havia sido um dos últimos momentos juntos. O trabalho se reveste ainda mais de metalinguagem quando lembramos que a “verdadeira” Sophie é quem dirige o longa.

À primeira vista, Aftersun parece um coming of age sobre o tradicional perigo do amadurecimento. Contudo, através das lentas transições, percebemos que Calum, tanto quanto Sophie, é protagonista da história. Ele é um pai jovem (a mãe, embora não apareça, faz uma ligação em certa altura do filme, evidenciando sua voz igualmente jovem), que se divide entre transmitir as melhores sensações à filha e lutar contra os seus próprios demônios. Enquanto Sophie encara a chegada da adolescência (ela parece ansiar por um envelhecimento acelerado), Calum lida com a solidão da vida adulta. Em algum lugar, em meio a uma tensão que parece fugir da resolução, Aftersun se consolida na percepção de que, enquanto tentavam dar sentido a uma nova vida sob seus cuidados, pais e mães também estavam, eles próprios, amadurecendo. – Bruno Andrade

Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore (Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore)

A história do mundo bruxo não acabou com o Harry destruindo as Relíquias da Morte e muito menos começou com o bruxinho recebendo sua carta para estudar em Hogwarts. Esses eventos vêm sendo apresentados pouco a pouco em Animais Fantástico, que, após uma longa espera de quatro anos, retornou para revelar Os Segredos de Dumbledore. Na verdade, a homossexualidade do diretor da escola de maágia já não era mistério para senhum fã da série, porém essa foi a primeira vez em que a temática foi abordada abertamente na história.

Dessa vez, Newt Scamander (Eddie Redmayne), autor do livro Animais Fantásticos e Onde Habitam que deu o pontapé inicial no primeiro filme, ocupa o lugar de coadjuvante, para Dumbledore (Jude Law) e Grindelwald (Mads Mikkelsen) desenvolverem sua relação de amor e ódio, centrada na Alemanha e no Butão. Ainda assim, sobrou espaço para a renomada atriz Maria Fernando Cândido fazer papel de figurante como Vicência Souza. – Gabriel Gatti

Argentina, 1985

Nenhum país ousou levar ditadores à justiça. Ou nenhum país ousou processar seus militares por seus crimes? Até que o promotor Julio Strassera (Ricardo Darín) e seu vice Moreno Ocampo (Peter Lanzani) o fazem, mas a justiça é amarga. Argentina, 1985 compartilha friamente como a ditadura militar argentina, vigente de 1976 a 1983, foi uma das mais violentas na história. É pelos relatos das vítimas ou de parentes das que seguem desaparecidas, feitos durante o julgamento do alto escalão militar, que conhecemos a verdade sangrenta. E com um nó na garganta, ouvimos a súplica de Strassera: Quero utilizar uma frase que não me pertence, porque pertence a todo o povo argentino. Senhores juízes, nunca mais. 

A obra do diretor Santiago Mitre, que também escreveu o longa ao lado de Mariano Llinás, é dura, sem inovar em seu formato. Mas isso é essencial: manter Argentina, 1985 nos elementos tradicionais do Cinema e permitir sua flutuação entre drama e fato documentado foi o que assegurou uma ótima condução da narrativa. Com o Globo de Ouro e o Prêmio da Crítica do Festival de Veneza em mãos, resta a torcida para que a dolorosa história de nossos companheiros latinos seja, de fato, enxergada mundo afora e merecidamente agraciada com o Oscar de Melhor Filme Internacional neste ano. – Nathália Mendes

As Linhas Tortas de Deus (Los Renglones Torcidos de Dios)

As Linhas Tortas de Deus é um filme que promete e engana, mas surpreende. O mistério, que se passa na década de 1960, tenta se equiparar a Ilha do Medo – não consegue, apesar de criar uma identidade própria. A narrativa começa muito clara: uma detetive se infiltra numa instituição mental para descobrir o caso de um possível homicídio tido como suicídio. Ela é deixada na instituição pelo homem interessado no desenrolar do caso, o suposto pai da vítima. A personagem parece sã durante boa parte da história, o que nos intriga são as possibilidades: ela estaria louca ou não?

O filme nos engana diversas vezes, sendo um bom divertimento para o raciocínio. A audiência banca o próprio papel de detetive durante o longa. Quais as pontas soltas que a detetive não percebe e deixam espaço para sua possível loucura? O que reafirma que ela não está louca? Foi mesmo um suicídio? Quem realmente é o pai da vítima? São todas indagações pertinentes. Alguns vão adorar, outros vão se decepcionar. – Izadora Azevedo Albertini 

Assassino Sem Rastro (Memory)

Typecasting  é o nome que se dá a atores que se vêem muito relacionados a um tipo específico de papel, para um tipo específico de filme. Para alguns, isso pode soar repetitivo e maçante, mas Liam Neeson (Busca Implacável) cabe como uma luva no papel do assassino Alex Lewis, em Assassino Sem Rastro. Na história, o personagem, prestes a se aposentar, recusa um último trabalho: assassinar uma garota que serviria de testemunha em um caso de exploração infantil.

Martin Campbell (O Estrangeiro) também trabalha muito bem no tipo de trama em que está acostumado a dirigir – mistérios envolventes, conspirações envolvendo milionários, políticos e autoridades policiais. O longa ainda dá espaço a discussões sobre o fim da vida, a moralidade policial e o fato de Alex sofrer de um  Alzheimer progressivo torna tudo mais intrigante. – Guilherme Dias Siqueira

Até os Ossos (Bones and All)

Não é novidade o sucesso de Luca Guadagnino em relatar histórias sobre a juventude e todas as indagações que esse período proporciona. Guadagnino é um exemplo de diretor que dispõe desse olhar poético sobre o amadurecimento, de forma que todas as comoções direcionadas aos personagens também são conduzidas ao público – como apresentado no filme Call Me By Your Name (2017) e no seriado We Are Who We Are (2020). Em Até os Ossos, o cineasta retorna com essa característica marcante de suas obras, e a renova com um toque de terror e visceralidade. 

Após ser abandonada pelo pai, Maren Yearly (Taylor Russell) perpassa por um vagaroso trajeto de encontros e desencontros em busca de pertencimento e de compreensão sobre sua própria identidade. Em meio a essa agitação, conhece Lee (Timothée Chalamet), jovem também deixado à margem pela sociedade e que guarda da mesma condição conflituosa de Maren, o incessante desejo de provar carne humana. A adaptação do romance de Camille DeAngelis é exorbitante e bem aventurada pelo diretor, que opera o longa-metragem através do clássico gênero road movie. Na vertente, o excurso dos personagens em encontrar conforto na normalidade em meio às suas circunstâncias, reverbera-se para uma linda e trágica história de amor. – Ludmila Henrique

Aterrorizante 2 (Terrifier 2)

A sequência do experimental Aterrorizante (2016), tão aguardada pelos fãs de slashers de baixo orçamento, marca o retorno do maníaco Art, o palhaço assassino. O filme de Damien Leone, que custou pouco mais do que 250 mil dólares, rompeu as barreiras do nicho e foi um grande sucesso de bilheteria, majoritariamente graças ao marketing orgânico de relatos de pessoas desavisadas vomitando, abandonando as salas de cinema e até desmaiando durante as sessões.

O espetáculo da atuação de David Howard Thornton, que interpreta Art, o palhaço, junto dos magníficos efeitos práticos são os grandes destaques no turbilhão de longas cenas sádicas, chocantes e apelativas de violência extrema e gratuita. Apesar de marcar um grande avanço em relação ao seu antecessor, o roteiro, novamente idealizado e escrito por Damien Leone, ainda se perde em pontas soltas: a falta de consistência na lore e a misoginia presente na obra deixam um gosto agridoce durante a diversão macabra. A duração exagerada do longa, que possui 138 minutos, também não ajuda na experiência do espectador, visto que o filme se perde em um limbo de cenas repetitivas, maçantes e sem função clara. – Bruno Alvarenga

Avatar: O Caminho da Água (Avatar The Way of Water)

Ao se tornar a maior bilheteria do mundo e revolucionar a história do Cinema, Avatar criou ao redor de si um imaginário exigente e com grande expectativa pela sequência. 13 anos depois, James Cameron retornou a primeira (de quatro) sequências planejadas para as histórias de Pandora. O deslumbre visual que se pode ter com o filme é inenarrável: elevando o nível de perfeição técnica do projeto, após desbravar as florestas e animais do universo criado, Cameron mergulha no universo marítimo com filmagens que utilizavam atores reais que permaneciam nas águas por tempo suficiente para a gravação se tornar fluida.

Nessa nova sequência, muitos anos se passaram desde que Jake Sully (Sam Worthington) e Neytiri (Zoë Saldaña) derrotaram as forças do Povo do Céu (Terra) e expulsaram os colonizadores de Pandora. O casal, vivendo em paz com seus quatro filhos no clã Omatakayas, só não aguardava uma segunda invasão, de poder bélico muito maior que a original, botando em risco a vida dos Na’vi. Com tamanha ameaça, eles decidem ir pedir abrigo aos Metkayina, um clã aquático dos oceanos de Pandora. Com três horas de duração, a história é uma experiência visual, de encher os olhos com tamanho detalhismo e mágica presente no universo. O roteiro (feito por James Cameron em parceria com Rick Jaffa e Amanda Silver), no entanto, fica para trás, raso, não indo muito além do que já fora tratado no primeiro filme da franquia.  – Aryadne Xavier

Babilônia (Babylon)

Aos 76 anos, Steven Spielberg (Amor, Sublime Amor e E.T.: O Extraterrestre) lançou em 2022 uma carta de amor ao Cinema com o seu autobiográfico e belíssimo Os Fabelmans. Aos 38, Damien Chazelle também lançou no mesmo ano a sua carta de amor, só que um pouco mais cínica e pessimista com Babilônia, filme que divide opiniões hoje, mas será redescoberto no futuro pela maneira como faz do Cinema seu motor principal e Hollywood, sua protagonista. Ambos são próximos, mas ao mesmo tempo completamente diferentes um do outro.  

Em Babylon, a Sétima Arte é fruto da colaboração intensa de diferentes pessoas, enquanto Hollywood é um lugar que explora as camadas mais vulneráveis dos colaboradores, como o imigrante mexicano Manny (Diego Calva, de Narcos: México), a dançarina amarela Lady Fai Zhu (Li Jun Li, de Quantico) e o músico negro Sidney Palmer (Jovan Adepo, de Um Limite Entre Nós). As custas dessas pessoas, a indústria cultua a excelência individual, vide o star power do Jack Conrad de Brad Pitt (Era uma Vez em Hollywood) e a Nellie LaRoy de Margot Robbie (Eu, Tonya). 

No fazer cinematográfico, existe a beleza das imagens capturadas pela cinematografia efervescente de Linus Sandgren (007: Sem Tempo para Morrer); mas também o caos, a sujeira e o hedonismo da máquina hollywoodiana, bem representados na intensa e energética festa que abre o longa, ao som da trilha sonora magistral de Justin Hurwitz (O Primeiro Homem). O Cinema avança, enquanto a fábrica de sonhos decai, juntamente com suas principais figuras. Quando chegamos aos minutos finais, nos quais somos confrontados com a justaposição desses dois caminhos, só nos resta levantar e aplaudir Chazelle por nos ter entregue mais um grande trabalho, depois de uma filmografia de futuros clássicos como Whiplash e La La Land. – Nathan Nunes

Batman

“Dois anos na noite o transformaram num animal noturno”. Revelando-se das sombras, um dos heróis mais queridos e famosos já criados ganhou sua mais nova versão para os cinemas logo no começo de 2022. Sob muitas expectativas, o diretor Matt Reeves reinventou o vigilante da DC Comics nos longa-metragens, baseando-se em referências excelentes das HQs, como a clássica Batman: O Longo Dia das Bruxas e Batman: Ano Um. Com um bom e interessante roteiro, também de Reeves, junto de Peter Graig, somado à atuação do talentoso Robert Pattinson, o resultado são quase três horas de uma narrativa investigativa que, sem abandonar a ação, explora uma faceta extremamente sombria de um herói em ascensão.

Todos os aspectos técnicos – desde os cenários chuvosos, apáticos e cinzentos de Lee Sandales, até a impecável fotografia de Greig Fraser – conversam com esta abordagem obscura do Batman e de Gotham. Ao vestir seu traje de morcego, Bruce Wayne revela sua real essência. Ele é temido, fechado, frio e imponente. Mas ainda é extremamente cativante e hipnotizante vê-lo agir como um detetive, enquanto, simultaneamente, descobre como é capaz de atrair e instigar vilões únicos. Um show visual, The Batman foi indicado a categorias como Melhores Efeitos Visuais e Melhor Maquiagem e Penteados no Oscar 2023. Já no British Academy Film Awards (BAFTA), o longa concorre a Melhor Design de Produção, Melhor Cabelo e Maquiagem, Melhor Cinematografia e Melhores Efeitos Visuais. – Mariana Nicastro

Bigbug 

Bigbug começa despretensiosamente, mas seu desfecho surpreende pela atitude das personagens. O chamariz da comédia sombria é a identidade visual da obra, assim como o tom satírico e sombrio que consegue, apesar disso, ser adotado de forma leve e cômica pelo diretor Jean-Pierre Jeunet. A narrativa segue pessoas em uma quarentena forçada, que encontram empecilhos durante seu período em lockdown. O grande diferencial, no entanto, é o cenário, por se passar em um futuro em que nossa dependência sob as máquinas é extrema e nossas casas são inteligentes, ditando a temperatura do ar-condicionado, a abertura de nossas cortinas e portas, e até quem entra e sai. A partir daí, é perceptível o flerte com o autoritarismo.

O maior feito da obra é nos dimensionar naquela realidade. Há um trabalho rico de efeitos visuais que nos transporta para dentro da atmosfera da obra. Contudo, além dos efeitos visuais, outra coisa que nos faz entrar naquela realidade é o comportamento e a cultura das personagens. Podemos traçar muitos paralelos com eles e nos identificar naquele universo, mas além disso, percebemos as diferenças, ou seja, os opostos ao nosso universo, bem como seus extremos. Seria esse extremismo de Bigbug uma possibilidade num futuro remoto? Não há dúvidas de que nossa Era Digital só dá cada vez mais força às máquinas, que, apesar de extremamente inteligentes, podem também ser estúpidas. – Izadora Azevedo Albertini 

Blonde

Não há como mensurar o valor ícone de Marilyn Monroe, ainda mais representá-lo – mas Blonde é uma boa tentativa. Embora a maior crítica ao filme seja o exacerbado sofrimento da loira, este é um de seus pontos altos, se deixarmos de lado seu caráter biográfico e tomarmos como uma ficção que trata dos desprazeres da fama e exposição. Isso fora a estupenda atuação de Ana de Armas, que interpreta com imensa minuciosidade a personalidade de Marilyn e não à toa foi indicada ao Oscar 2023 de Melhor Atriz.

Inspirado no livro de mesmo nome, escrito por Joyce Carol Oates, Blonde teve seu roteiro adaptado e dirigido pelo problemático Andrew Dominik. Seu comprometimento em fazer a loirinha sofrer é tanto que muitas vezes a produção tem tons de terror e suspense pelas longas quase três horas de duração. Porém, se prestarmos atenção na esplêndida fotografia de Chayse Irvin, o tempo passa rápido. – Arthur Caires

Carvão

Entre as faíscas brilhantes da indústria cinematográfica nacional, Carvão é o tipo de narrativa que usa tons disruptivos para figurar a verdade sobre a sociedade brasileira. A produção, dirigida por Carolina Markowicz, nos leva para um núcleo familiar com uma vida atribulada e cheia de falso moralismo. Enquanto nos revela os lados sombrios dos personagens, o roteiro, também escrito pela diretora, desmonta as imagens do tradicionalismo. Sob o olhar dos protagonistas Irene (Maeve Jinkings), Jean (Jean Costa) e Jairo (Rômulo Braga), vemos como tudo tem um preço: a se cobrar ou a se pagar. 

Entre as muitas camadas da produção, conseguimos captar os tons da hipocrisia e os modos como a infância e a velhice são tratadas culturalmente. As atitudes de Irene e Jairo com o pai dela e com o filho deles carregam ao fundo a ideia de enxergar o início e o fim da vida como pedaços sem autonomia. Mesmo abordando temáticas pesadas, a narrativa insere tons de comicidade e consegue equilibrar leveza e intensidade. Esses momentos se mostram principalmente com o traficante argentino Miguel (César Bordon) e com a sinceridade infantil de Jean. 

A co-produção Brasil-Argentina ainda ganha pontos com a caracterização. Os cenários são impecáveis e conseguem transportar qualquer pessoa para as zonas menos urbanizadas do interior do país. Desde as relações entre os personagens, até os grãos de poeira captados pelas filmagens – dirigidas por Pepe Mendes – Carvão é autêntico. Caminhando na corda bamba do caráter humano, o filme coloca a rede de proteção em chamas. – Jamily Rigonatto

Cha Cha Real Smooth

Entre tantas comédias românticas dramáticas já produzidas, Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo pode não se sobressair para a maioria. Contudo, para aqueles que se sentem perdidos nos seus vinte e poucos anos, o longa de Cooper Raiff chega como um ombro amigo. Protagonizado pelo diretor e produtor, o filme conta a busca de Andrew (Raiff) pelo amadurecimento e transmite uma veracidade que não se encontra em muitos dos coming of ages atuais. Isso se deve a proximidade do autor com essa fase da vida. Com apenas 25 anos, Raiff consegue retratar, de forma sutil e ponderada, os dramas do jovem da geração Z, que ainda não sabe ao certo qual o seu lugar no mundo. Sem grandes reviravoltas, a produção da Apple Originals se torna facilmente o confort movie do ano, não apenas pela sua sensibilidade e sutileza na narrativa, mas pelo enorme carisma que todas as personagens esbanjam, sobretudo o próprio protagonista.

Para acompanhar a simpática narrativa, há a presença de uma trilha sonora divertida, que permeia as festas de Bar Mitsvá as quais Andrew é animador. Estão presentes as faixas Funkytown de Lipps Inc. e Cha Cha Slide de DJ Casper, que faz alusão ao título do longa. E é nesse ritmo embalado que corre a relação de Andrew com Domino (Dakota Johnson) e sua filha Lola (Vanessa Burghardt). Por meio dessa ligação com uma mulher mais velha e sua filha, no espectro autista, o jovem vai reconhecendo a necessidade de assumir mais responsabilidades que lhe cabem, e percebe que ser adulto não significa ter todas as respostas – muitas vezes, os mais velhos podem se encontrar mais perdidos do que ele.

Como o filme fez sua estreia no Festival de Sundance, havia uma perspectiva de que o drama percorrese uma trajetória similar com a do vencedor do Oscar de 2021, No Ritmo do Coração. Porém, Cha Cha Real Smooth acabou não saindo da lista de repescagem. Isso não é motivo para ficar de fora dos Melhores do Ano, pois é possível se conectar e se emocionar verdadeiramente com o storytelling da obra. A produção traz uma perspectiva interessante sobre a virada de chave que ocorre na juventude e mostra como o encadeamento de eventos mundanos auxiliam na descoberta do seu propósito. – Costanza Guerriero

Crimes do Futuro (Crimes Of The Future)

O marcante retorno de David Cronenberg ao terror, Crimes do Futuro é uma obra  grotesca e visceral em que o erotismo clássico do diretor é retomado: “Cirurgia é o novo sexo”, ele clama. O terror corporal de ficção científica vai além da intenção de chocar e aposta com sucesso em uma abordagem de utilizar o incômodo e o grotesco como base para discussões atuais.

A ambientação de natureza sintética, estranhamente familiar e sem vida, de um futuro distópico em que a humanidade já não sente dor traz uma reflexão perspicaz sobre a percepção da corporalidade e os limites da arte. Neste universo, Saul Tenser, interpretado por Viggo Mortensen, junto de sua parceira e admiradora Caprice, vivida por Léa Seydoux, realiza performances artísticas clandestinas extremas em que seus órgãos advindos de mutações são prazerosamente removidos em frente ao público extasiado. Outra personagem que merece destaque é a estranha Timlin, interpretada majestosamente por Kristen Stewart, que se vê dividida entre fascínio pela nova arte e seu trabalho burocrático para um misterioso setor secreto do governo. 

Apesar do incrível design visual e ambientação, além da temática provocativa e pertinente, o longa não se aprofunda suficientemente nessa fascinante realidade apresentada e deixa de lado o desenvolvimento de diversos aspectos da narrativa. Assim, após o final abrupto de Crimes do Futuro, o que permanece é a sensação de que a obra poderia ter se beneficiado de um tempo de execução mais longo. –  Bruno Alvarenga

Decisão de Partir (Decision to leave)

Estarrecedor, Decisão de Partir empurrou da ponta de uma montanha os clichês de um mistério policial e arremessou ao mar a satisfação romântica. Acorrentado ao tema da obsessão, o diretor sul-coreano Park Chan-wook repetiu o tipo de construção audiovisual que caracteriza a sua filmografia: a tentativa de solucionar um mistério movido por reviravoltas. Mas, dessa vez, ele se livrou do vermelho da violência e da liberdade da nudez para adotar a crueldade intrínseca do cotidiano que, incoerentemente, resulta em maior dor e sofrimento do que qualquer narrativa mirabolante.

“No momento em que você disse que me ama, o seu amor está acabado. No momento em que o seu amor termina, o meu amor começa”. Opostos que se atraíram, os protagonistas Jang Hae-jun (Park Hae-il) e Song Seo-rae (Tang Wei) reproduziram em cena não somente o clima envolvente entre personagens, como também a tensão histórica entre as suas nações, Coréia e China, fato que atravessou o roteiro de Park e Chung Seo-Kyung. A fotografia de Kim Ji-yong não destoou da composição e é tão genial quanto a escolha de simbolismos que transformaram Decisão de Partir em um dos primores de 2022. – Nathalia Tetzner

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness)

Muitas expectativas foram criadas com o anúncio e os trailers de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Primeiro filme de terror da Marvel, três horas de duração, participações de personagens icônicos e muitas outras referências a filmes da franquia pautaram os rumores sobre a produção. Enquanto algumas se concretizaram, como a aparição dos Illuminati e do Professor Xavier, as outras foram deixadas de lado e decepcionaram o público. Porém, os 126 minutos de Elizabeth Olsen como Feiticeira Escarlate valeram a pena.

A construção do arco da personagem desde Vingadores: Era de Ultron culmina em seu ápice em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Wanda perdeu os pais, o irmão, o marido e os filhos, o que faz com que ela se torne difícil de antagonizar, já que há empatia pela sua dor. Apesar da resolução ao redor do controle dos poderes de América Chavez, interpretada por Xochitl Gomez, ser preguiçosa, ao menos nos leva para a tocante cena final de Wanda e seus filhos. Benedict Cumberbatch, como sempre, também entrega uma ótima performance de Stephen Strange, apesar de ter sido ofuscado pela presença da mãe sem filhos em seu próprio filme.

A direção de Sam Raimi é outro ponto alto da produção e que não a torna mais do mesmo. Suas marcas registradas e as diferentes perspectivas das cenas – como a primeira vez que Wanda assume o corpo de sua própria variante – tornam o longa com um enredo fraco em algo delicioso de assistir. Em um cenário mais amplo, apesar da produção não ter tido um comprometimento total com o gênero do terror, ainda é um sabor diferente para a Marvel. – Arthur Caires

Eduardo e Mônica

Se todas as músicas de Renato Russo pudessem ganhar espaço em telas de cinema, a ideia da vida sob um olhar extremamente singular seria guardada na profundidade da luz dos projetores. Em Eduardo e Mônica, lançado nos cinemas brasileiros no início de 2022, isso se prova com toda a beleza existente nos amores improváveis. No longa, os personagens da música ganham solidez nos atores Alice Braga e Gabriel Leone que, entre opostos, performam em menos de duas horas a grandeza do existir. 

Dirigido por René Sampaio, o filme nos leva para a Brasília da década de 1980 e mostra os caminhos que atravessam a história do casal, enquanto eles tentam equilibrar suas diferenças em nome do amor. O trabalho muito bem feito com os cenários faz os espaços e as cenas – assinadas por Gustavo Hadba – serem extremamente fiéis aos da canção. Da festa estranha ao futebol de botão, os frames parecem ter sido escolhidos pelo próprio Legião Urbana. 

A trilha sonora escolhida pelo diretor é outro primor da produção, entre o rock nacional e o internacional, as melodias nos submergem no âmago dos personagens. Acompanhar os impasses dos dois é tão gostoso que a vontade é assistir até as partes desconhecidas dessa história. Desde as relações familiares, amigos, inseguranças, atitudes impulsivas e tudo mais que couber ser descrito, Eduardo e Mônica são um espelho do ser. Ao fim, realmente é impossível dizer que não existe razão nas coisas feitas pelo coração. – Jamily Rigonatto 

Ela Disse (She Said)

Em 2022, a Universal Studios resolveu cinematografar o jornalismo investigativo e foi o tipo de escolha que deu certo. Ao contrário do esperado em narrativas do gênero, a diretora Maria Schrader secundariza o melodrama para dar protagonismo ao suspense. Ela Disse não é comovente, é tenso. A produção é uma adaptação do livro das jornalistas Megan Twohey e Jodi Kantor, Ela disse: Os bastidores da reportagem que impulsionou o #MeToo, e conta sobre a apuração feita pelas profissionais no boom de denúncias de assédio sexual contra Harvey Weinstein. 

As pouco mais de duas horas do filme são marcadas pelas feições temerárias de Megan (Carey Mulligan) e Jodi (Zoe Kazan), enquanto enfrentam a rede de proteção de Weinstein e encontram vítimas assustadas e silenciadas. É na relação das protagonistas com essas vítimas que Ela Disse encontra o pote de ouro, já que, em cena, as atrizes constroem uma intimidade tão verdadeira com as mulheres que isso transpassa os limites da tela. Apesar de termos relatos escancarados, emoção não é o tipo de reação desencadeada no telespectador – a angústia é quem grita mais alto. 

Tudo é muito acinzentado e a fotografia acompanha esse movimento. Natasha Braier escolhe enquadramentos em perspectiva e brinca com as luzes para pesar os frames e compor a ambientação apreensiva. Para além de termos técnicos ou estéticos, o registro visual do longa tem uma importância ímpar para a visibilidade do assédio sexual. Com imagens bem feitas e um roteiro imponente criado por Rebecca Lenkiewicz, nos conectamos com uma narrativa sobre força feminina, poder da indústria hollywoodiana e resistência. – Jamily Rigonatto

Elvis

Nove anos depois de seu último projeto para os Cinemas (o irregular O Grande Gatsby), Baz Luhrmann (Moulin Rouge, Romeu e Julieta) retornou a cadeira de direção em 2022 com Elvis, sobre a vida e carreira do polêmico, mas icônico Elvis Presley. Desenvolvido na onda do bem sucedido filão recente de cinebiografias musicais, catapultado em 2018 por Bohemian Rhapsody; o projeto poderia facilmente ter caído no lugar comum do subgênero, marcado pela pouca inspiração estética e o roteiro escrito na base do resumo da Wikipédia. Felizmente, não foi esse o caso, pois Luhrmann, no final das contas, mostrou-se o autor perfeito para transpor o espírito extravagante e potente do cantor para as telonas. 

Elvis deixa isso claro em sua feitura cinematográfica, desde a montagem alucinada de Matt Vila e Jonathan Redmond, até a fotografia pomposa de Mandy Walker (ambos os trabalhos foram reconhecidos com indicações ao Oscar 2023, inclusive). Contudo, também o aproveita enquanto narrativa, conforme analisa e desconstrói Presley do ponto de vista de seu empresário, o infame Coronel Tom Parker (Tom Hanks, de Forrest Gump e Toy Story, em desempenho caricato, mas subestimado). Passando pelas raízes do artista na música negra americana e explorando o seu alto status construído por mídia e propaganda, o filme se mostra uma aula de como entender um ícone através da Sétima Arte, principalmente quando canaliza sua força na performance arrebatadora do astro revelação Austin Butler (Era uma Vez em Hollywood), também reconhecido com a nomeação da Academia. – Nathan Nunes

Enola Holmes 2

Normalmente, continuações são decepcionantes, mas não é o caso de Enola Holmes 2, que nos surpreende com cenários e plot-twists inesperados. Não podemos dar muito mais spoilers que isso, então espere ansioso até o fim do filme. O longa nos prepara para o fim pouco a pouco, sem que nos demos conta, não abrindo espaço para uma sugestão tão rápida, o que possibilita a dedução.

Muitos filmes de mistério e aventura pecam nesse sentido, dando de bandeja a trama e fazendo os telespectadores parecerem idiotas. O segundo filme da franquia não nos faz pensar muito além daquele ponto, e ainda permite a dúvida, conservando perfeitamente o mistério. Um outro grande ponto positivo de Enola Holmes 2 é a evolução da personagem. Enola certamente amadureceu da primeira obra  para esta e se tornou preparada e astuta, mas como todo jovem, ainda é extremamente atrapalhada. Os defeitos são bons para nos tirar algumas risadas e proporcionar momentos imprevisíveis. – Izadora Azevedo Albertini 

Entergalactic

Kid Cudi é uma ogiva criativa. Independentemente de obras com resultados controversos, Scott sempre busca, em suas alçadas artísticas, expandir a premissa até as últimas consequências. Ainda assim, para 2022, o desafio foi inusitado: não um filme acompanhado de um disco, ou um disco acompanhado por um filme, mas um projeto multimidiático, em que áudio e visual se costuram mutuamente. Afinal, as viagens psicodélicas de Jabari (Kid Cudi), quando vislumbra sua paixão por Meadow (Jessica Williams) pela primeira vez, não seriam as mesmas sem os sintetizadores divinos de Angel.

E, mesmo isoladamente, Entergalactic entrega a comédia romântica do ano. Para o roteiro, também assinado por Cudi, é importante que esta trama seja figurada como uma típica história de amor. Uma premissa formulaica, que encontra personalidade no retrato honesto e multifacetado de seu vasto universo, dentro de uma narrativa centrada por pessoas negras e que reivindica espaço em um gênero que sempre foi dominado por brancos. Assim que adubado, Entergalatic tem campo aberto para ampliar os conflitos entre os personagens, de tal forma que o instante da colisão se torne, metafórica e literalmente, uma verdadeira supernova. – Enrico Souto

Farha

Dirigido pela jordaniana Darin J. Sallam, Farha não é apenas uma história contada de geração para geração, preservada na oralidade até que fosse registrada em celulóide. É um retrato visceral e dolorosamente vivo do povo palestino, registrando os momentos iniciais da Al-Nakba (“A Catástrofe”) pelo ponto de vista de uma criança. Acompanhamos de perto a jovem Farha (Karam Taher) ter seus sonhos arrancados de si pela violência que eclode no dia 15 de maio de 1948, quando forças militares do recém-criado Estado de Israel forçam seu vilarejo a debandar. Presa em uma sala trancada, ela é obrigada a sobreviver e testemunhar os horrores de um conflito que não irá terminar em sua vida.

É claro que denunciar a limpeza étnica de um Estado de apartheid moderno teria consequências, como visto pela campanha de difamação promovida por oficiais israelenses contra o filme de Sallam, ameaçando remover investimentos estatais dos cinemas de Tel Aviv que ousarem exibir o longa, atualmente disponível ao redor do mundo pela Netflix (mas não, curiosamente, no Brasil). Processando o trauma e a dor através da arte, Farha é de uma compostura monumental, confinando tanta dor em apenas um quarto por cerca de uma hora e confiando em sua performance central a habilidade de expressá-la.

Taher é uma revelação absoluta no papel da protagonista, habitando tanto a inocência e entusiasmo infantil quanto o torpor emocional causado pelo que ela testemunha. A morte de seu sonho é uma das visões mais trágicas do ano, potencializada pela fotografia minimalista e a iluminação natural do cenário, tornando-se gigante em sua completude. Farha não é apenas um relato de guerra da perspectiva de uma garotinha, mas um verdadeiro manifesto de luto contra a opressão sistêmica que vigora até hoje, devastador em seu vocabulário e imparável em seu desejo de que essa história sobreviva. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Fresh 

Fresh tem sabor de novidade – e devorá-lo é prazeroso, intenso e cômico. Delicioso, o longa dirigido por Mimi Cave coloca uma desiludida Daisy Edgar-Jones frente a frente com um encantador Sebastian Stan. Ela, entediada com os aplicativos de relacionamento e dates com babacas, encontra – ironicamente, em um corredor de vegetais no supermercado – uma esperança no doce médico e resolve se abrir para os sentimentos. O relacionamento vai bem, mas só até quando ele a dopa, sequestra e revela seu lado criminoso e canibal.

No roteiro tenso, mas divertido e até cômico de Lauryn Kahn, Edgar-Jones e Stan têm espaço para brilhar. Seja em dupla ou individualmente, a dinâmica dos dois acentua o potencial dramático da protagonista, e dá a liberdade para o ator explorar novas facetas, esboçando caras, bocas e olhares no seu caráter psicopata. Amplificada pela direção envolvente e vivaz de Cave, que potencializa a tensão nos momentos de suspense e acha o humor até em um filme sobre canibalismo e tráfico, Fresh mostra porque 2022 foi um ano de barriga cheia para os fãs de Terror. – Vitória Gomez

Garoto dos Céus (Boy From Heaven)

Nos minutos iniciais de Garoto dos Céus, Adam Tala (Tawfeek Barhom) tenta esconder a emoção ao receber a carta de aceite da Universidade de Al-Azhar do Cairo – instituição anexada à mesquita de mesmo nome –, o epicentro político do islamismo sunita. A contenção de Tala, porém, reside não somente na alegria de ser um jovem filho de pescador que recebeu o acesso a uma instituição habitada pelos filhos de sheiks mais poderosos do Egito, mas no medo do próprio pai, um indivíduo conservador e abusivo. Ele ainda não sabe que estudar em Al-Azhar será seu maior desafio, e, quando enfim notifica o patriarca que irá à universidade, a reação parece mais suave do que o previsto: “não se pode ir contra as vontades de Alláh”, diz o pai, meio a contragosto, após agredir os filhos cenas antes. Embora essa pareça a maior vitória possível, Zizo (Mehdi Dehbi) o notifica, assim que chega a nova moradia: “sua alma ainda é pura. Mas este lugar vai corrompê-lo”. 

Essa máxima se mostrará verdadeira durante todo o filme, visto que o diretor Tarik Saleh constantemente faz um “jogo de grandezas” na trama. Enquanto a Fotografia repete filmagens da universidade de baixo para cima, mostrando sua imensidão e imponência, o Roteiro – vencedor em Cannes – põe Tala como submisso aos indivíduos mais poderosos. À medida que os elementos “conspiratórios” da trama entram em cena, as questões existenciais do protagonista dão espaço a um clima de investigação habitual, com reuniões secretas, infiltração em um círculo pró-jihadista e o sacríficio de um colega. O título que o filme recebeu na América do Norte, Cairo Conspiracy, opta por evidenciar mais esse aspecto da produção, ligando-a ao thriller psicológico e reduzindo toda a sua filosofia política. Mas talvez a grande marca de Garoto dos Céus seja a habilidade de Saleh em jamais ferir o Islã, consolidando Tala como o verdadeiro sábio por simplesmente questionar as origens do poder. “Não existem anjos”, ao que parece. – Bruno Andrade

Gato de Botas 2: O Último Pedido (Puss in Boots: The Last Wish)

Devido ao sucesso de Shrek no início dos anos 2000, que frequentemente fez referências (e também o uso de muita ironia) aos contos de fadas originais, a escolha de fazer um longa-metragem de um personagem vindo diretamente do universo do ogro foi crucial para que a Dreamworks ganhasse espaço no mundo da animação novamente – não apenas por ter um design de um gato “de botas”, mas por simbolizar um anti herói que vive de glória, festas: uma lenda (como ele se autodenomina). A introdução do Gato de Botas no segundo filme da franquia definitivamente marcou as gerações que surgiram na década e relembramos que, em Gato de Botas (2011), acompanhamos um guerreiro valente e sem medo de enfrentar os perigos. Já em Gato de Botas 2: O Último Pedido somos convidados a ver um lado mais medroso, profundo e interior do personagem.

Primeiramente, é necessário agradecermos a Homem-Aranha no Aranhaverso por ter vindo em uma época tão necessária de quebra de liderança da Disney e seus filmes de animação em 3D nas premiações. Com a introdução de técnicas que fazem qualquer um babar olhando para tela – como as mudanças de “fps” ou ‘fotos por segundo’ e a junção do 3D e o 2D, nos fazem perceber o quanto o gênero no Cinema deve ser explorado infindavelmente. Não é à toa que outros estúdios olharam para Aranhaverso e perceberam o que não estavam praticando, e, com Gato de Botas 2: O Último Pedido não foi diferente, sobrepondo a tridimensionalidade com desenhos bidimensionais tradicionais, assemelhando-se a uma pintura.

Por fim, com a inserção do Lobo, ou a Morte, o surgimento de um gênero que nunca havia aparecido na Dreamworks desse modo aconteceu. O assobio, as cores e toda a ambientação que levam o Gato a ter medo da Morte também nos causa medo. Assim, a combinação dos elementos em Gato de Botas 2: O Último Pedido, juntamente com a aparição de mais referências e personagens bem escritos, os quais nos familiarizamos mesmo com o pouco tempo de tela, resultam no acompanhamento de uma jornada de amadurecimento de uma figura que, se já era marcante, agora possui ainda mais camadas. – Júlia Aguiar

Glass Onion: Um Mistério Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mistery) 

O número de camadas de uma cebola provavelmente é menor comparado a quantidade de reviravoltas de Glass Onion: Um Mistério Knives Out. A sequência do mistério de Entre Facas e Segredos aprimora um roteiro tão bem performado por seu antecessor. A segunda obra da nova franquia é  maior e intrigante, e por mais fanático que alguém possa ser por mistérios, com certeza será pego de surpresa.

Com os personagens e enredo novos, Daniel Craig como o detetive Benoit Blanc foi a única e brilhante escolha que decidiram manter. Ao lado de Janelle Monáe, Kate Hudson, Edward Norton e outros, a obra diverte, entretém e acima de tudo, traz a satisfação de quão boas podem ser produções sem pretensão de significarem mais do que realmente querem dizer.  – Henrique Marinhos

Hellraiser: Renascido do inferno (Hellraiser)

David Bruckner possui contribuições notáveis para o gênero de filmes de horror, como os longas A Casa Sombria (2020) e O Ritual (2017), além de seus trabalhos em segmentos das antologias V/H/S (2012) e Southbound (2015), e é o responsável por dirigir o novo e aguardado reboot de Hellraiser (1987). O 11º filme de uma das mais conturbadas franquias do gênero conta com a urgente e necessária participação direta de seu idealizador original, Clive Barker, que contribuiu em sua produção e roteiro.

O filme, lançado diretamente no streaming  da Hulu, inova ao introduzir pela primeira vez em tela uma pinhead feminina. Interpretada por Jamie Clayton, conhecida anteriormente por seu trabalho em Sense8, ela carrega o peso de viver um vilão icônico e atemporal de forma majestosa, roubando a cena e se tornando a estrela do show. 

O longa traz a série de volta à essência do universo dos cenobitas, com muito sexo, perversão, fetiche, violência e horror corporal. No entanto, apesar de ter a melhor das intenções, ainda falta tesão em sua execução, que, além de jogar seguro e sem exageros, possui protagonistas rasos e sem carisma, tornando sufocante a tarefa de se conectar à história. Apesar de economizar na ousadia e no apelo presente no clássico de 1987, Hellraiser: Renascido do Inferno de 2022 é, com certeza, um respiro de alívio aos fãs da saga e transmite esperança de dias melhores para os futuros rumos da franquia. –  Bruno Alvarenga

Justiceiras (Do Revenge)

Meses após incorpar o roteiro de Thor: Amor e Trovão, Jennifer Kaytin Robinson abdicou dos heroísmos intergalácticos para vigiar os impiedosos ciclos da adolescência. Justiceiras, segundo filme da cineasta em parceria com a Netflix, segue um plano de vingança compartilhado entre duas protagonistas abandonadas às próprias tragédias identitárias, e que só poderiam tomar as dores uma da outra absorvendo a humanidade por trás do rancor. O resultado, ancorado na perspectiva da geração Z, é a negação de qualquer análise mística ou complexa sobre o que nos leva a buscar revanche; a gente não vale muito mesmo, e tá tudo bem.

Drea (Camila Mendes, de Riverdale) e Eleanor (Maya Hawke, de Stranger Things) explodem química interpretando as líderes hipnóticas da narrativa, que pega ainda mais fogo quando decide trabalhar seu núcleo secundário recheado de estrelas teens. Fora dessa curva, Sarah Michelle Gellar é uma ótima surpresa no elenco e coroa a série de homenagens requintadas aos filmes noventistas do nicho, infiltrados nos figurinos e ambientações de Do Revenge. Combinando citações de Dante Alighieri com o background sonoro de Olivia Rodrigo e Le Tigre, o conjunto é uma insanidade autocrítica, divertida e com plot twists que cria sua patente na juventude atual. Porque ser cínico e exagerado faz parte de cada um de nós. – Vitória Vulcano 

Lightyear 

Buzz Lightyear foi introduzido pela Pixar em 1995, no filme Toy Story. Diferente de suas primeiras aparições, em Lightyear o personagem não é mais um brinquedo, mas sim um verdadeiro patrulheiro espacial em uma missão considerada impossível para sair de um planeta hostil. A proposta do longa é mostrar a narrativa que fez Andy se apaixonar pelo astronauta. No novo lançamento, a voz de Tim Allen foi substituída pela de Chris Evans, facilitando ainda mais a separação entre o brinquedo e o homem. Apesar de distintos, o jeito teimoso e a vontade de resolver todos os problemas sozinho traz reconhecimento ao espectador.

Mesmo sendo uma animação, o filme carrega uma grande melancolia, pois, em sua missão, Buzz se perde no tempo e o mundo e as pessoas ao seu redor mudam e envelhecem, mas ele não é capaz de fazer isso. O patrulheiro carrega a culpa de não conseguir libertar seu povo do planeta estranho e de ter perdido a chance de acompanhar a vida e a morte de seus companheiros. Lightyear traz diversas pautas interessantes, inclusive o primeiro beijo queer da Pixar, entre Alisha Hawthorn (Uzo Aduba) e sua esposa. Quem cresceu assistindo Toy Story, a produção é agradável para quem quer se aprofundar nesse universo. – Gabrielli Natividade 

Luck 

Dizem que os gatos pretos dão azar, mas Sam Greenfield (Eva Noblezada) prova o quanto essa afirmação é falsa. No filme, dirigido por Peggy Holmes, um felino preto de olhos verdes pode ser mais poderoso que um trevo de quatro folhas. Ao cruzar seu caminho com Bob (Simon Pegg), a rotina pouco afortunada de Sam ganha – quase como em um passe de mágica – uma sorte incomum. Mas, como nem tudo são flores, tudo acaba em uma aventura vibrante no mundo em que a sorte é produzida. 

Apesar de não ser o tipo de animação que tem traços excepcionais ou gráficos tecnológicos da mais alta qualidade, o duende verde da produção é a sensibilidade. Passeando por momentos de flashback da infância da protagonista no orfanato e pelos anos de rejeição vividos pelo gato preto, a narrativa cria uma aproximação muito sincera entre os personagens, provando que a sorte está onde menos se espera. 

Outro ponto alto do enredo é a quebra de expectativas na ideia de vilão. O filme brinca bastante com os contrapontos, mesmo que para mostrar como as coisas não precisam de rótulos permanentes. Essa construção cria uma alegoria com a sociedade e rememora as práticas de exclusão presentes na humanidade. Ainda não existem moedas encantadas capazes de anular o azar, mas assistir Luck é um instante de sorte. – Jamily Rigonatto

Marcel the Shell with Shoes on

Antes de Marcel the Shell with Shoes On, jamais se pensou no quão emocionante poderia ser a história de uma pequena concha. Escrito e dirigido por Dean Fleischer-Camp, o filme conta a história de Marcel (Jenny Slate), uma concha que mora com sua avó Connie (Isabella Rossellini) em um Airbnb. A narrativa é filtrada pelos olhos de Dean (Camp), um documentarista que deseja produzir um curta sobre a vida do animal. Para além de pensar em como é o dia a dia de uma concha falante, o filme apresenta questões do âmago humano, o que permite a mais profunda identificação com essa personagem. A obra apresenta o desenrolar de uma vida comum a todos, entre encontros e desencontros e as transformações que ocorrem da convivência com a família – ou da falta dela. 

A produção do estúdio americano A24 combina brilhantemente o live-action com o stopmotion e é estruturado como um mockumentary. Esse visual é apenas uma pequena fração da originalidade do longa. Na busca pela sua família perdida, Marcel reflete sobre a fragilidade dos sentimentos, sobre o luto e aprende a dar espaço para oportunidade e esperança, em suma, é uma história sobre amadurecimento. A sensibilidade e perspicácia da obra como um todo conquista não somente um espaço na lista dos Melhores do Ano, mas também à indicação de Melhor Animação no Oscar de 2023, sendo um forte candidato na corrida.  – Costanza Guerriero

Matilda: O Musical (Roald Dahl’s Matilda The Musical)

A Netflix tinha uma grande responsabilidade quando se propôs a lançar Matilda: O Musical. O filme de 1996 é um clássico lembrado por muitos com carinho, mas a nova versão não deixou a desejar. O longa aprofunda pontos altos da narrativa, como a história de Matilda (Alisha Weir) e Miss Honey (Lashana Lynch), a construção de sua relação uma com a outra, e o desenvolvimento dos poderes da personagem principal, e adiciona novos aspectos, como o enredo paralelo criado pela garota sonhadora, sendo inesperado e familiar ao mesmo tempo. 

Para quem gosta de musicais, esse é o filme certo. As canções são coerentes com as cenas e as coreografias, lindas de serem assistidas. O grande nome do elenco é Emma Thompson, que não decepcionou no papel de Agatha Trunchbull, porém Alisha fez um ótimo trabalho trazendo uma Matilda mais atrevida e cheia de opinião do que a de Mara Wilson. Como o longa, os personagens trouxeram uma perspectiva mais moderna que é muito bem-vinda a Matilda: The Musical, sem descredibilizar o que foi construído nos anos 1990. – Gabrielli Natividade 

Marte Um

O esforço dedicado para que Marte Um pudesse representar o Brasil na premiação mais importante da Sétima Arte é um diferencial que poucos filmes selecionados para tal possuem. É uma pena, no entanto, que o drama dirigido pelo cineasta Gabriel Martins não esteja entre os indicados finais a levar a estatueta do Oscar de Melhor Filme Internacional para casa. Apesar disso, essa obra tão assumidamente temporal tem muito a nos ensinar ao destacar o singelo em toda a sua narrativa – ela aposta no simples, mas em nenhum momento passa a ser menos marcante.

Em seus momentos mais poderosos, Marte Um insere pautas necessárias como política, economia e direitos humanos no subtexto de temas universais, como o amor. A história do longa começa imediatamente após o resultado das eleições presidenciais de 2018 e, para um cineasta menos hábil, seria fácil mergulhar no melodrama ao decidir explorar o dia a dia de uma família negra de classe média baixa em um momento no qual o conservadorismo ganha mais força. Felizmente, não é o que acontece: a combinação de uma montagem (Tiago Ricarte e Gabriel Martins) delicada, uma fotografia (Leonardo Feliciano) graciosa e uma trilha sonora (Daniel Simitan) emocionante com o roteiro de Martins mostra como a dor pode ser reconfigurada como combustível emocional quando o afeto perdura. Assim como disse Wellington (Carlos Francisco, de Bacurau) em uma das cenas mais tocantes do filme, “Uai, a gente dá um jeito”. – Raquel Freire

Minions 2: A Origem de Gru (Minions: The Rise of Gru)

Seres amarelos que servem um chefão do mal, que gostam de banana e que falam uma língua que é a mistura de várias outras. A história de Minions 2: A Origem de Gru conta o que aconteceu depois de Gru achar as criaturas chamadas Minions. Em uma comédia cheia de humor, risadas e trapalhadas, vemos o pequeno Gru e seus conflitos com sua mãe, enquanto ele tenta virar um super-vilão. Em reviravoltas e mais reviravoltas, o Minichefe e os amarelinhos Kevin, Stuart, Bob e Otto mostram seu potencial para lutas, fugas e disfarces, para combaterem o Sexteto Sinistro – um grupo de vilões –, que eram ídolos do menino.

Minions 2: A Origem de Gru foi feito para a família toda e cumpre a promessa de divertir desde a criança caçula ao adulto mais velho. As gargalhadas saem fácil, do começo ao final do longa. É um ótimo filme, com uma boa produção – pelas mãos de Chris Meledandri, Janet Healy e Chris Renaud –, e com uma ótima trilha sonora – executada por Jack Antonoff –, mas que, infelizmente, não supera o primeiro da série Minions e nem a sua saga original, Meu Malvado Favorito. Conhecer a origem de Gru é algo que completa a história inicial, além de enriquecer o universo do malvado mais favorito do Cinema; porém, assim como muitos spin-offs, sempre há a questão: será que havia necessidade para uma nova série? – Laura Hirata-Vale

Reúna um elenco das atrizes mais estimadas do Twitter, uma trilha sonora com os principais hits das baladas de hyperpop da Rua Augusta, iluminação e figurino retirados diretamente de tutoriais de maquiagem de Euphoria e, quando menos perceber, você foi cooptado pelo cavalo de tróia de Halina Reijn. Em Bodies Bodies Bodies, a diretora agrupa minuciosamente cada um desses signos com a intenção deliberada de fazer com que este seja o produto mais vendável à Geração Z possível, de modo a colocar esse público em uma posição vulnerável para que, aí sim, sejamos obrigados a encarar os demônios do nosso tempo.

Cada um dos sete protagonistas incorpora uma caricatura progressivamente mais exagerada, maculada e pitoresca de um jovem que cresceu imerso no ambiente online. Mas o que poderia descarrilar para um discurso moralista revela-se transcender o joguinho macabro assim que a tempestade do lado de fora reflete os turbilhões internos, até que as rachaduras que sustentam aquelas relações sejam rompidas. O terror slasher e mesmo a comédia satírica não passam de pretexto para espelhar a artificialidade da trama em nosso próprio entorno. Nos recusamos a projetar-nos naquelas pessoas justamente porque seria inevitável. – Enrico Souto

My Policeman 

Dirigido por Michael Grandage, My Policeman é um drama adaptado do livro de mesmo nome escrito por Bethan Roberts, que narra a triste história do casal Tom (Harry Styles) e Patrick (David Dawson) ao sofrerem com a sociedade homofóbica dos anos 1950 e o casamento de fachada entre Tom e Marion (Emma Corrin). O romance entre os dois homens gays se passa em duas linhas temporais diferentes, o que demonstra perfeitamente como os personagens lidam com o mundo e as consequências de seus atos.  

A ideia central do longa é a de que o maior inimigo do homem é o tempo. As decisões tomadas e os caminhos traçados não podem ser desfeitos, mas podem alterar completamente a vida de alguém. Além de uma história muito humana, o filme, disponível no Prime Video, é agradável esteticamente. A fotografia de Ben Davis, as locações e os figurinos encabeçados por Annie Symons são bem pensados. Além disso, a química evidente entre os três personagens principais foi fundamental para o bom funcionamento do filme. – Gabrielli Natividade

Nada de Novo no Front (All Quiet on the Western Front)

Qual o sentido de uma guerra? Nenhum. Então qual o sentido em mais um filme sobre guerra? Total. Nada de Novo no Front explora o que há de pior sobre um dos maiores conflitos bélicos da história ocidental: a Primeira Guerra Mundial. O longa, dirigido pelas lentes de Edward Berger, é um revival inspirado no clássico e homônimo livro de Erich Maria Remarque, lançado em 1929. Ainda que com pequenas modificações, a trama protagonizada por Daniel Brühl e Felix Kammerer é fiel à cruel narrativa alemã e critica o fato de jovens terem arriscado suas próprias vidas para lutar por ideais terceirizados.

Noventa e dois anos após o sucesso de Sem Novidade no Front (1930), primeira adaptação da obra de Remarque para as telonas, a versão cinematográfica de 2022 chega ao streaming da Netflix e cumpre todos os requisitos capazes para ser vencedora nas categorias de Melhor Filme e Melhor Filme Internacional do Oscar 2023. Além do enredo dramático, Nada de Novo no Front carrega consigo as fragilidades de um tempo do início do século 20. Como outras produções que retratam a Grande Guerra, o roteiro poderia ficar confortável em retratar, quase de forma exclusiva, a ação das batalhas, mas não o faz. 

A densidade psíquica de cada personagem é sabidamente utilizada por retratar dilemas éticos, medos, angústias, ódios, revoltas, amores e tristezas em um pacote fílmico de duas horas e 28 minutos de duração. Felix Kammer interpreta bem esse dilema, dando vida ao papel de Paul Bäumer, um jovem soldado inexperiente que vê sua trajetória pessoal rumar para caminhos tortuosos. Com o filme, é a primeira vez que um filme alemão sobre a temática crítica da Primeira Guerra ganha tanta relevância no mundo do Cinema. – Gabriel Gomes Santana

Não Fale o Mal (Speak No Evil)

Não Fale o Mal, dirigido por Christian Tafdrup, acompanha uma família dinamarquesa que conhece e se aproxima de uma família holandesa durante as férias. No entanto, o clima se torna estranhamente pesado quando os dinamarqueses decidem aproveitar alguns dias na casa dos holandeses e o fim de semana supostamente agradável lentamente começa a desmoronar.

A tensão persistente do longa dinamarquês é crescente. A trilha sonora de Sune Carlsson Kølster, conflitante e antagônica, desafia os sentidos do espectador e brinca com suas expectativas: a sonoridade intensa e horripilante “engana” a percepção e transforma momentos inocentes em pura angústia. Após a construção do pavor da iminente catástrofe, o desfecho amargo do longa surpreende ao desafiar a capacidade humana de prazer pelo sofrimento alheio além dos limites imagináveis.

Autêntico e provocador, o filme explora choques culturais, tensão entre pais e filhos, comportamentos peculiares, etiqueta e socialização. Em uma combinação precisa, a obra mostra como as dinâmicas dos relacionamentos podem ser cruéis quando as vítimas se tornam cúmplices de seu destino: “Porque vocês deixaram”. – Bruno Alvarenga

Não, Não Olhe! (Nope)

Em seu terceiro longa como diretor, Jordan Peele não abandona o terror psicológico que acompanhou sua carreira desde o início. Sendo sua marca registrada, o sci-fi aterrorizante de  Não, Não Olhe! enfrenta o desafio de não cair na mesmice ao tratar de um assunto batido no Cinema hollywoodiano: aliens. Felizmente, o filme não depende só disso para se desenvolver. Peele conta com uma narrativa bem construída ao redor da dupla principal e um elenco de peso, trazendo relevância até mesmo para a subtrama do longa. 

Daniel Kaluuya e Keke Palmer interpretam OJ e Emerald Haywood, respectivamente, dois irmãos que, após a morte inesperada do pai, têm que tocar o negócio da família – o treinamento de cavalos para produções audiovisuais. Junto com o luto, os irmãos Haywood precisam lidar com acontecimentos sobrenaturais que afetam o comportamento dos animais e humanos na fazenda da família. Paralelamente, o telespectador é apresentado a Jupe (Steven Yeun), que protagoniza a subtrama ao vivenciar um trauma de infância e projetá-lo nos acontecimentos paranormais. 

Nope discute, entre vários conceitos, a negritude. Porém, diferente de sua obra primogênita, Corra!, o debate é coadjuvante do principal – a espetacularização midiática diante de fatos ou acontecimentos trágicos. Assim como seus irmãos mais velhos Corra! (2017) e Nós (2019), Nope também tem seu início baseado em uma passagem bíblica: Naum 3:6 “Eu jogarei imundície sobre você, e a tratarei com desprezo; farei de você um exemplo”. – Amábile Zioli

Não Se Preocupe, Querida (Don’t Worry Darling)

Mesmo com todas as polêmicas atrás e na frente das câmeras, Não Se Preocupe, Querida é um thriller psicológico bem feito. Escrito por Katie Silberman, o roteiro é intrigante, e possui um ‘quê’ de mistério que deixa o espectador preso até o final. A história de Alice (Florence Pugh) e Jack (Harry Styles) acontece na cidade fictícia chamada Victory (“Vitória”, em inglês), onde tudo parece estar dentro do normal. Porém, a partir do momento que Alice escuta sua vizinha dizer “Nada tá bem. Eu não durmo. Tenho pesadelos”, coisas estranhas começam a acontecer: com tremores na terra e  quedas de avião a sua volta, a protagonista passa a ter flashes em sua memória, desmaios e sensações bizarras. 

Não Se Preocupe, Querida traz para as telonas assuntos delicados – como relações abusivas e violência sexual –, e não aborda “o prazer feminino”, como havia dito a diretora Olivia Wilde. De forma impactante, o filme consegue mostrar a maldade humana e machista que força mulheres a fazerem ações árduas e dolorosas. Porém, mesmo com todas as suas controvérsias, o longa acertou em sua produção artística: sua trilha sonora foi composta por John Powell, de Como Treinar o Seu Dragão; o figurino, por sua vez, ficou nas mãos de Arianne Phillips, de Era uma Vez em… Hollywood. Ambos ajudaram na construção do suspense, que, em certos momentos, deixam a pessoa que está assistindo com arrepios, na beirada da poltrona. – Laura Hirata-Vale 

Noites Brutais (Barbarian)

O ano de 2022, sem dúvidas, foi uma das melhores safras do terror atualmente: este nos serviu desde os clássicos de slasher, terror psicológico, de criatura, gore e body horror. Dentre os clássicos instantâneos, Noites Brutais (Barbarian) é o que mais sabe trabalhar as nuances do gênero como um todo, a fim de criar uma atmosfera única. Contando a história de uma mulher que alugou um Airbnb e, ao chegar, vê que a casa já está ocupada por outra pessoa, a obra trabalha em sua própria loucura para criar uma das experiências mais sensoriais e surpreendentes no ano.

Se abstendo da fórmula de três atos, o longa funciona quase como dois média-metragens unidos por alguns de seus conceitos, nesse caso: a própria casa e também a devastação financeira – lembrando que é um filme ambientado na Detroit ainda com sequelas de sua grande crise. Dessa forma, seu prólogo alia a direção de Zach Cregger e a fotografia de Zack Kuperstein para desenvolver um suspense que dá frio na espinha, brilhantemente trabalhado através de várias óticas. A obra, então, vira de ponta cabeça em seu próprio eixo para se assumir como um terror de criatura, que, apesar de ter dividido opiniões nessa segunda metade, alcança uma catarse que o coloca como uma empreitada extremamente original do gênero. – Guilherme Veiga

O Dragão do Meu Pai (My Father’s Dragon)

Simples e emotivo, esse é O Dragão do Meu Pai. Com uma estética bem infantil, o filme é feito de gráficos básicos que lembram o desenho de crianças – mas não se engane, a trama é capaz de comover corações adultos com tanta sinceridade e confiança. A amizade de Boris e Elmer é tão bonita quanto o amor do protagonista e sua mãe.

A sutileza da animação não apaga a importância de seus debates, a falta de trabalho, o abandono de sua cidade natal para buscar algo melhor em uma metrópole e a solidão de uma mãe que sustenta sozinha o seu filho. Elmer traz todo o brilho e leveza para esse tipo de diálogo, abordando temas tão importantes com a beleza que somente as crianças possuem. O que falta para um bom final seria conhecer a narradora, filha de Elmer, o que é compreensível para um fim singelo. – Thuani Barbosa

O Filme da Escritora (The Novelist’s Film)

Mesmo que seUs filmes não destinem o olhar a outra coisa além da vida como ela é, Hong Sang-soo pouco adentra no que seria uma linguagem documental, apesar de seus personagens não poderem ser mais verdadeiros à realidade do que já são. Talvez seu segredo resida no tipo de vida a qual o diretor escolhe direcionar suas lentes; uma pouco construída pelo que, já muito capturado pelo Cinema, é grandioso. Em O Filme da Escritora, Sang-soo continua seu costumeiro olhar às pequenezas e à beleza mundana, movida por conversas calorosas regadas a álcool e literatura e confissões silenciosas de amigos distantes e de desconhecidos; mas, essencialmente, por personagens em uma insistente sensibilidade ao mundo que os cerca, permitindo, em suas andanças, sempre serem movidos e moldados por seus encontros. 

O que potencializa e diferencia o longa de sua prolífica filmografia é o comentário — que acaba, de certa maneira, sendo de um caráter quase ensaístico ao diretor — a sua própria prática criativa. Ao centrar-se em uma escritora tateando novos territórios de sua expressão, interpretada pela espetacular Lee Hye-Yeong, a história está inserida em um universo onde os arcos narrativos não são centrais aos planos visualmente econômicos e saturados em preto e branco. Mas sim, em seus personagens e sequências de extrema sinceridade, em uma transposição total do poético às telas do cinema. Em The Novelist’s Film, existe um excedente das singelas atuações que transbordam o que ali há de real e, sem muitos esforços, mostram a possibilidade de realização de uma arte movida por nada além de um sentimento imenso. — Enzo Caramori

O Homem do Jazz (A Jazzman’s Blues) 

A história de amor de Bayou e Leanne pode ser descrita em muitas palavras: romântica, realidade e revolta. A trama de O Homem do Jazz acontece em 1940, em um período pós escravocrata no sul dos Estados Unidos, que retrata a vida de Bayou (Joshua Boone), contada pelos olhos de sua mãe; um jovem negro que foi morto cruelmente e teve seus direitos apagados pelo simples fato tentar viver um amor impossível. Mesmo que todo o sofrimento seja causado por um sistema falho e racista liderado por homens poderosos, é impossível separar o sentimento de raiva por Leanne (Solea Pfeiffer), que teve chances de salvar seu grande amor, mas preferiu o egoísmo de perdê-lo para a morte.

Além de toda a perfeição do enredo de Tyler Perry (que poderia facilmente ser baseado em fatos reais), a musicalidade e singeleza nas atuações conquistam qualquer um que as vejam, principalmente o incrível trabalho de Boone, ator que deu vida ao protagonista e emocionou o público com seu talento. Mesmo que para alguns o longa explore estereótipos, a produção condiz com a escrita melodramática dos anos 1990, com personagens sofridos, brigas clássicas e um romance proibido. – Thuani Barbosa

O Homem do Norte (The Northman)

Ao lançar mais um longa, o diretor Robert Eggers demonstra um domínio que exprime o motivo por ser tão aclamado pela crítica. Contando uma história já muito explorada pela indústria cinematográfica, com um orçamento muito maior do que o de seus filmes anteriores (aproximadamente 90 milhões de dólares) e um elenco de grandes nomes, como Alexander Skarsgård, Anya Taylor-Joy (revelada pelo longa anterior do diretor, A Bruxa), Nicole Kidman e Björk, O Homem do Norte (The Northman) veio brutal, direto e com uma sede de vingança. 

No longa, conhecemos a história de Amleth (Alexander Skarsgård), um príncipe viking que, ao presenciar, ainda jovem, o assassinato de seu pai por seu tio, tem sua trajetória completamente mudada. Seus objetivos em vida viram três: a vingança de seu pai, o salvamento de sua mãe e a morte de seu tio. A história de cada personagem e as reviravoltas do roteiro, feito por Eggers em parceria com Sigurjón Birgir Sigurðsson, mantém um ritmo brutal, mas que carrega uma delicadeza única do diretor, que se ateve a todos os detalhes de cenário, figurino e uma direção de câmera magistral. O projeto é uma obra visual impressionante, que reconta uma história de um jeito nada tradicional, traduzindo um conto em Sétima Arte. – Aryadne Xavier

O Menu (The Menu)

Coloque uma pitada de suspense, cozinhe no humor, deixe de molho em caos e coloque no forno por 106 minutos. Pronto, O Menu está pronto para ser servido. Dirigido pelo mesmo diretor de Succession, Mark Mylod, a produção nos leva para um jantar homicida do Chef Slowik, interpretado meticulosamente por Ralph Fiennes, em que a tensão e a humilhação aumentam a cada prato servido. A protagonista aqui é Anya Taylor-Joy, que interpreta Margot, uma personagem que não estava nos planos daquela noite e que, querendo ou não, nos representa naquele ambiente.

O filme é classificado como terror, porém, a premissa é a mesma de Succession: rir da cara de ricos. A vexação aprofundada na história de cada convidado é o que diverte a quem assiste, além do excessivo constrangimento do personagem de Nicholas Hoult, Tyler. Fora isso, outro destaque é a sua fotografia, assinada por Peter Deming, que brinca com a criatividade dos pratos e a utiliza a seu favor. No geral, O Menu não traz muitas inovações à mesa, mas é uma ótima degustação. – Arthur Caires

O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas (The Mystery of Marilyn Monroe: The Unheard Tapes)

O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas é um conjunto tocante de fatos abordados através de fitas gravadas pelo próprio psiquiatra de Marilyn Monroe, em um tom de veracidade, menos romantizado que adaptações recentes da vida da atriz, que não fizeram favor a sua imagem. Diga-se de passagem, gasta pelo uso e reuso, assim como o abuso, de uma história de vida densa.

O documentário também levanta mistérios e conspirações, mostrando evidências baseadas em testemunhas e documentos. Porém, isso talvez não seja o melhor ponto do filme, e sim a humanização da pessoa Norma Jeane. É possível apreciá-la em diversos momentos que vão além da imagem hollywoodiana que, quase sempre, é a propagada. Se você for fã de true crime, drama e documentários, O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas é uma forte recomendação. – Izadora Azevedo Albertini 

O Pálido Olho Azul (The Pale Blue Eye)

O Pálido Olho Azul é um mistério de época que faltava no catálogo da Netflix. Os fãs dos gêneros mistério e policial, além de filmes de época, devem ter se entusiasmado e tiveram suas expectativas atendidas: a obra é um deleite. O mais surpreendente durante mais de duas horas de filme são os últimos 20 minutos do título. Podemos estar nos adiantando, mas é um tempo bem gasto.

Christian Bale, intérprete do detetive Augustus Landor, entrega um personagem racional e frio, mas extremamente humano e falho. Harry Melling, que atua como Edgar Allan Poe, certamente é uma ótima representação de como o autor seria enquanto em vida: um ser no mínimo peculiar, cativante e misterioso, mas muito gentil. A melhor parte do filme é a atuação dos dois papéis principais, com uma boa química entre eles, reviravoltas e contradições nas ações entre Poe e Melling. Ao final, o espectador torce para que o autor dos romances fique com a mocinha e deseja tê-lo conhecido – uma inspiração para diretores de Cinema, escritores de livros e roteiristas ainda hoje. – Izadora Azevedo Albertini

O Predador: A Caçada (Prey)

Quase 40 anos depois que o clássico estrelado por Arnold Schwarzenegger mudou o Cinema de ação e introduziu um dos grandes monstros da ficção científica, o Predador volta às telas – só que dessa vez, direto para o streaming. Dirigido por Dan Trachtenberg (Rua Cloverfield, 10), O Predador: A Caçada é um prelúdio do filme de 1987, se passando quase 200 anos antes que o icônico alienígena enfrentasse o Major Dutch nas selvas da América Central. Aqui, acompanhamos a jornada de coming-of-age de Naru (Amber Midthunder), uma guerreira Comanche tentando se provar para o resto de sua tribo.

O roteiro de Patrick Aison entende algo que a maioria das sequências do Predador se esqueceram: o Predador não é suficiente. É preciso haver alguém que valha a pena seguir e torcer para que sobreviva à perseguição, contra todas as possibilidades. O novo filme retoma essa tradição, introduzindo uma protagonista que cresce durante a jornada e se torna uma adversária à altura de seu oponente, em uma estrutura certamente clássica, mas inteiramente efetiva. Apesar de estar sempre procurando por novos recursos, a maior arma de Naru acaba se tornando sua mente inquisitiva e astuciosa. Ela é a primeira que percebe que há algo na floresta que não deveria estar ali, escalando a cadeia alimentar em direção à ela e sua tribo.

Apesar das sequências de ação do filme não deixarem à desejar, é na tensão que Trachtenberg brilha, construindo habilmente a rivalidade entre a guerreira e o Predador (que também possuí novos brinquedos que nunca vimos antes) em direção à um clímax tão arrebatador em sua claridade emocional e física que se torna impossível não vibrar com cada golpe recebido. Resta apenas torcer para que a franquia finalmente volte aos eixos e que as próximas sequências recebam de volta a honra de serem lançadas em uma sala de cinema. — Gabriel Oliveira F. Arruda

O Telefone Preto (The Black Phone)

Em O Telefone Preto, Ethan Hawke tinha uma máscara, um telefone preto quebrado no porão e um carisma assustador capaz de hipnotizar qualquer criança. Porém, a sua presença intimidadora fez parecer que ele desejava algo a mais: prender a respiração do público. E Hawke conseguiu., nNa pele do sequestrador Albert, o ator se transformou em uma aberração que deixou o rastro do horror no ar, responsável por causar repulsa em quase todas as cenas que dividia com Finney (Mason Thames). Esperto na direção do longa, Scott Derrickson trouxe para as telas do Cinema o pavor do conto de mesmo nome do autor estadunidense Joe Hill.

Com roteiro e premissa simples, o texto de Derrickson e C. Robert Cargill ganha dimensão através do elenco adulto e infantil, ambos excelentes e mergulhados por completo na profundidade da atuação que uma produção de suspense exige. Ambientado no final da década de 1970, o longa possui efeitos especiais um tanto quanto bizarros, mas que, surpreendentemente, não tiram a imersão da atmosfera de medo. Produzido pelo veterano das franquias de terror Jason Blum, O Telefone Preto acertou ao colocar Ethan Hawke no comando do temor e se consagrou entre os melhores filmes do gênero em 2022. – Nathalia Tetzner

Os Anos do Super 8 (Les Années Super 8)

Lembrança e esquecimento. Os eixos temáticos que atravessam a obra literária da escritora Annie Ernaux, laureada pelo Prêmio Nobel da Literatura, fazem que seja natural o destino — trilhado por sua característica autosociobiografia — a uma apropriação reflexiva dos arquivos, como feita no filme Os Anos do Super 8. O longa, ambientado pelas imagens silenciosas das filmagens de uma câmera Super 8, que capturou a esfera matrimonial e familiar da autora por mais de uma década, é montado a partir da narração de um texto de Ernaux acerca dos anos em que a máquina esteve presente na construção de suas relações interpessoais, sempre (como em sua escrita) em confronto com o coletivo. 

Lançado em 2022, Les Années Super 8 — título original da obra estreante, no Brasil, na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo — adiciona uma sensibilidade única à prática recorrente de retomada de arquivos ao se propor ao desafio de procurar, em imagens extremamente íntimas e domésticas, registros invisíveis das mudanças não apenas de um núcleo familiar, mas sim de uma geração. A delicadeza melancólica com que Ernaux e seu filho (e também parceiro de direção do longa), David Ernaux-Briot, se vêem diante dos arquivos — como guardiões de uma luminosidade e de um tempo único de suas vidas — é o que confere excepcionalidade a um trabalho tão verdadeiro a si mesmo quanto a literatura da autora. – Enzo Caramori

Os Banshees de Inisherin (The Banshees of Inisherin)

Em 1923, na ilha fictícia de Inisherin, os sons da guerra civil irlandesa são ouvidos diariamente, de forma alternada às conversas e fofocas alheias. Esse cenário, contudo, diz bem mais do que parece dizer: as bombas do outro lado do mar sintetizam o caos emocional no qual, em breve, todos os personagens estarão submersos. Com um roteiro sempre à beira do colapso, Martin McDonagh reúne novamente em Os Banshees de Inisherin Colin Farrell e Brendan Gleeson, que dividiram o protagonismo em seu longa de estreia, In Bruges (2008).

Na trama, depois de anos bebendo juntos no pub da ilha, Pádraic (Farrell) recebe uma recusa de seu melhor amigo, Colm (Gleeson), e demora a entender que essa situação é permanente. Eles são diferentes, um tipo de “yin-yang do Cinema” que, aqui, é muito bem trabalhado: Pádraic é a alma doce e ingênua, que pode ficar horas falando sobre sua burrinha, Jenny – possivelmente seu único amor verdadeiro. Colm, por outro lado, é o malicioso intelectual, o músico deprimido que quer deixar “uma marca no mundo”. Dessa situação – a princípio insustentável – surge uma das tramas mais fascinantes de 2022, na qual Colin Farrell se sobressai (tarefa difícil, visto que Kerry Condon e Barry Keoghan também integram o elenco).

McDonagh constrói as cenas no mesmo espaço, quase como uma peça de teatro gravada. O personagem de Farrell tem como característica “se transformar” quando fica alcoolizado; essa mudança é crucial no desenrolar da trama, mas é ainda mais contundente ao demonstrar a habilidade do ator, que precisa dar vida a um indivíduo que gradualmente perde sua bondade. Os Banshees de Inisherin mescla constantemente a comédia e a tragédia, nos fazendo rir da desgraça de forma civilizada, como se fosse a adaptação de um conto de James Joyce. Não por acaso o longa foi o grande vencedor do Globo de Ouro deste ano, e chega ao Oscar como um dos favoritos a pelo menos uma estatueta. – Bruno Andrade

Os Caras Malvados (The Bad Guys)

Desde a ascensão de Frozen em 2014, a Disney constrói uma hegemonia na indústria de animações. Contudo, além de sua expansão vertiginosa, outras de suas maiores concorrentes, como é o caso da DreamWorks Animations, passaram por maus bocados. Com o fim de suas principais franquias, o estúdio apostava em projetos divertidos, porém gradativamente mais efêmeros. Até que um Aranhaverso entrou no caminho, colocando as técnicas de animação 3D em metamorfose e alterando de vez a rota das produções da Dreamworks. Antes mesmo do sucesso aterrador de Gato de Botas 2, Os Caras Malvados é produto direto disso. 

Seguindo a lógica de reimaginar gêneros estabelecidos de histórias à sua maneira, The Bad Guys é o heist movie da DreamWorks, assumindo o caráter lúdico do arquétipo de seus protagonistas e os explorando de maneira tão astuta quanto as tramoias do inusitado grupo de animais fora-da-lei. Adaptar livros infantis para longas-metragens não é uma tarefa simples e é por isso que Etan Cohen, Yoni Brenner e Hilary Winston guiam o roteiro para que, imersos em uma trama tão simples quanto poderia ser, os personagens se tornem a bússola do projeto. São nos momentos mais singelos, entre tomadas de seu incrível espetáculo visual, que Os Caras Malvados reencontra a essência do estúdio – Enrico Souto.

Os Fabelmans (The Fabelmans)

Com mais de 40 filmes compondo sua filmografia, em 2022 Steven Spielberg decide relembrar sua juventude em longa semi-autobiográfico – Os Fabelmans, uma declaração de amor ao Cinema. O filme, como promete, acompanha a história de Sammy (Gabriel LaBelle), alter ego de Steven, no processo do descobrimento de sua paixão pelo audiovisual após ser levado ao cinema pelos pais pela primeira vez para assistir O maior espetáculo da Terra. A partir daquele momento, o filme se torna metalinguístico ao passo em que Sammy começa a fazer suas próprias gravações em casa. 

A narrativa é complementada com o lirismo das relações entre a família Fabelman. Paul Dano e Michelle Williams interpretam com louvor os pais do protagonista e trazem o drama necessário para o desenvolvimento da biografia, formando uma família extremamente relacionável, que, apesar de por fora parecer perfeita, carrega segredos e conflitos internos. LaBelle, que interpreta com excelência o jovem Spielberg, vivencia essas revelações e está sempre com uma câmera em mãos, registrando até os momentos mais infelizes. – Amábile Zioli

Pânico 5 (Scream)

Alguns clássicos simplesmente nunca saem de moda. A querida franquia Pânico retornou em 2022 para mostrar que sua fórmula não será ultrapassada, mesmo apesar da nova temporada de obras pós-terror. Com boa parte do elenco original para nos trazer nostalgia e com diversas referências aos seus antecessores, o slasher consegue revitalizar uma narrativa que fez sucesso por 20 anos para uma nova geração – afinal, quem ainda usa o telefone fixo em casa? Em uma bela homenagem ao falecido Wes Craven, co-criador dos quatro primeiros filmes da sangrenta saga do vilão Ghostface, temos em Pânico 5 o surgimento de novas protagonistas que entenderam muito bem o legado que a icônica dupla Sidney Prescott (Neve Campbell) e Gale Weathers (Courtney Cox) deixaram. 

Nesta era inédita, vemos as irmãs Sam Carpenter (Melissa Barrera) e Tara Carpenter (Jenna Ortega) brilharem na busca do assassino e se surpreenderem junto com o público em sua descoberta: ficamos de queixo caído em mais uma inesquecível revelação do Ghostface,  uma confirmação de que um bom vilão sempre será famoso – tão famoso que já abalou novamente as estruturas em um trailer de tirar o fôlego, anunciando que não demoraremos muito para ver o sexto filme nas telas do cinema. De fato, apesar da obra vir em um ano de slashers de altíssimo nível,  Pânico 5 conseguiu consagrar-se tanto na bilheteria quanto com o público. A verdade é que estamos mais do que felizes com a volta da franquia que fez boa parte da geração Z se apaixonar pelo horror. – Clara Sganzerla

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre (Black Panther: Wakanda Forever)

Os caminhos de Ryan Coogler para fazer com que Pantera Negra alcançasse uma continuação à altura depois da morte do ator do protagonista T’Challa, Chadwick Boseman, eram misteriosos. Felizmente, algumas surpresas são boas e Pantera Negra: Wakanda para Sempre foi uma dessas. O longa-metragem usa a delicadeza do universo singular de Wakanda para trazer cultura e ancestralidade quando o assunto são despedidas. O movimento se afasta de outras produções Marvel, mas isso é feito com um propósito tão nobre que acaba se tornando um diferencial e não uma falha. 

Outro destaque do enredo – de autoria do diretor em parceria com Joe Robert Cole – é a construção do vilão Namor (Tenoch Huerta). O personagem, que aparece nos quadrinhos ainda na década de 30 como pioneiro na ideia de contraposição aos heróis, tem suas convicções e ideais muito bem construídos em sua adaptação para as telas. No filme, ele e os cidadãos de Talocan são inspirados nos povos nativo-americanos e é isso que torna suas motivações tão sinceras e bem estabelecidas. Sua defesa pela segurança dos seus e o medo do que o interesse na exploração dos recursos pode causar são tão verdadeiros que até sua classificação como vilão é questionável – anti herói é um termo mais adequado. 

Nem as polêmicas da vida pessoal de Letitia Wright não foram suficientes para apagar o brilho de Shuri e a protagonista continua primorosa. Sob a atuação segura e expressiva da atriz, seu processo de amadurecimento é doloroso, mas envolto por muito respeito e serenidade. Em outros aspectos, Black Panther: Wakanda Forever – nome original da produção – mantém o encantamento. As roupas e cenários – responsabilidade da figurinista Ruth E. Carter e da desenhista de produção Hannah Beachler – são esplendorosos, assim como a fotografia de Autumn Durald Arkapaw, que traz leveza e sensibilidade mesmo nas cenas de mais ação. Wakanda, vai ser um prazer estar para sempre com você. – Jamily Rigonatto

Passagem (Causeway)

Há uma estranheza primordial a Passagem. Em todas as interações entre Lynsey (Jennifer Lawrence) e James (Brian Tyree Henry), desde o momento em que um carburador danificado uniu a trajetória dos dois, paira no ar uma sensação de deslocamento, como se houvesse uma barreira contínua os impedindo de se conectarem em plenitude e, não importa o esforço, não conseguissem a ultrapassar. Entretanto, é essa persistência em construir pontes e continuar existindo, ao lado e apesar de seus traumas, que dá sentido à experiência dilacerante de Causeway.

Não é por acaso que a diretora Lila Neugebauer dê tamanha ênfase no processo de Lynsey de reaprender as tarefas mais básicas, como andar ou comer, em paralelo a solitude de sua relação com James que, tal qual ela, precisa descobrir como amar de novo. É a partir desses vazios deixados por seus personagens que Lawrence e Tyree Henry, indicado pela primeira vez ao Oscar como Ator Coadjuvante, preenchem o filme, transbordando os limites da tela e colocando cenas absolutamente cotidianas entre as mais intensas do ano. – Enrico Souto

Pearl

Apesar de não se enquadrar, essencialmente, no rótulo de comfort movie, Pearl acabou caindo nas graças do nicho social adepto da glamourização de atos trágicos, tais como chorar no banho e pedir Melodrama em festas. Ademais, a obra dirigida por Ti West estabelece laços de irmandade com o filme X, isto é, apresenta-se como história de origem da personagem Pearl. Esta, por sua vez, é interpretada magistralmente por Mia Goth em uma jornada a qual não deve ser limitada à denominação de prequel, mas pensada enquanto prova de que mommy issues e quebras de expectativas juvenis assustam mais do que qualquer monstro feito em CGI. 

Pearl é, no fim, uma visita aos pontos turísticos da psique da protagonista cuja desenvoltura é medida por angústia e imprevisibilidade. Além disso, essa viagem pelas ramificações da personagem é guiada por uma fotografia colorida – típica do technicolor dos anos 40 – e por um roteiro envolvente, escrito por Mia Goth e Ti West, que faz qualquer um abandonar o celular e aproveitar o momento. Mesmo bebendo da fonte do terror clássico dos anos 70, o filme quer saciar sua sede em uma geração que busca suprir expectativas e sonhos criados por e para ela, seja com suor ou, no caso de Pearl, sangue.  – Ana Cegatti

Pinóquio (Guillermo del Toro’s Pinocchio)

Graças às leis de direitos autorais, o conto clássico italiano de Carlo Collodi sobre as desventuras de um boneco de madeira que ganha vida foi agraciado com inúmeras releituras sob as mãos de diversos artistas nos últimos anos. Só em 2022, nós tivemos dois filmes sobre o mentiroso mais famoso do planeta. Para muitos Pinóquio de Guillermo del Toro, pode, por hora, figurar como o filme definitivo da franquia.

Exclusivo da Netflix, o longa-metragem é fruto do maior rigor artístico possível. Só por se tratar de uma animação Stop Motion, ele necessitaria de toneladas de esmero e dedicação e del Toro não entregou menos que isso. Com mil dias de  produção e mais de 900 dias de filmagens – isso sem contar os quase dez anos em que o diretor tentava convencer os estúdios a realizarem o projeto -, o filme é a própria definição de obra de arte.

O enredo escrito por del Toro e Patrick McHale se desenvolve em meio ao auge do governo fascista na Itália dos anos 1930. A maturidade dos temas tratados surpreende, transitando entre a rejeição parental até a mortalidade e o luto, assuntos que dialogam com a intimidade do próprio diretor. Pinóquio mostra que apesar de navegar em um mundo fantástico, definitivamente não é inocente ou infantil. – Guilherme Dias Siqueira

Predestinado: Arigó e o Espírito do Dr. Fritz

Razão e fé, paz e tormento, livre arbítrio e predestinação. É por meio de tensões que Predestinado: Arigó e o Espírito do Dr. Fritz se fortalece como narrativa cinematográfica e foge dos clichês de uma cinebiografia. Ao contar a história do médium mineiro José Pedro de Freitas, mais conhecido como Zé Arigó, o longa-metragem de Gustavo Fernández não tenta impor religiões e crenças, embora reconstrua, com posicionamentos bem explícitos, o cotidiano e as contradições de um homem que demorou para aceitar sua verdade e seu propósito de vida.

A temporalidade permanece suspensa nas quase duas horas de Predestinado, e o espectador acompanha o dia a dia de Zé Arigó em detalhes significativos, que parecem relatar uma vida inteira em tempo real. Não há quem fuja do teor reflexivo do longa-metragem, capaz de questionar desde a veracidade de crenças e cirurgias espirituais até a nem sempre explícita disputa de narrativas religiosas historicamente firmada em solos brasileiros. No fim, caso esse conjunto de qualidades ainda não convença o espectador mais exigente, a atuação de Danton Mello já serve de satisfação e deleite para corpo e alma. – Eduardo Rota Hilário

Red: Crescer é uma Fera (Turning Red)

Em Red: Crescer é uma Fera, o primeiro filme da Pixar dirigido unicamente por uma mulher, Domee Shi, uma artista sino-canadense, nos conta uma história muito íntima sobre amadurecimento e aceitação. No Canadá, durante os anos 2000, uma garota de ascendência chinesa chamada Mei Lee, após entrar na puberdade, descobre que, devido a uma espécie de maldição familiar, toda vez que seus sentimentos são aflorados ela se transforma em um panda vermelho, metáfora mais que explícita para as mudanças do corpo feminino e a chegada da adolescência. 

A diretora equilibra muito bem o tema sério com um tom leve e engraçado. Ao mesmo tempo em que utiliza expressões exageradas e visuais cartunescos inspirados nas animações e animes que assistia durante a infância, a obra faz bom uso do diálogo e subtexto para nos mostrar o conflito de gerações dentro da tradição familiar chinesa. A inocência, juntamente com a competência artística de seus realizadores, fazem com o que o filme estabeleça uma conexão única com seus mais diversos espectadores. Por isso, Red: Crescer é uma fera, além das várias indicações e vitórias em premiações mundiais, concorre ao Oscar 2023 na categoria de Melhor Filme de Animação. – Leonardo Ribeiro Jorge

Regra 34

Se a pornografia já é polêmica o suficiente para render discussões e motivar incontáveis linhas de raciocínio em produções, Regra 34 cruza o assunto com o BDSM e os confronta com a violência – tanto física quando de gênero e racial. Na obra, Simone, estudante de Direito que paga pela faculdade com seus lucros em um site pornô, trabalha em uma instituição de denúncias de agressões à mulher e, paralelamente, passa a experimentar o BDSM, prática sexual que, consentida, envolve violência.

A condução questionadora de Júlia Murat na direção recusa juízos de valor. As contradições da protagonista, interpretada profundamente e cheia de nuances por Sol Miranda, estão à mostra: defendendo mulheres durante o dia, ela procura a violência em seus momentos de lazer. Com os eventos à exposição, o espectador é livre para tirar suas próprias conclusões sem que a diretora e roteirista – junto de Gabriela Capello, Rafael Lessa e Roberto Winter – interpretem a moral de Regra 34. No retrato da vida real, não há uma. – Vitória Gomez

Resurrection

Muito se fala do monólogo impressionante de Mia Goth no terceiro ato de Pearl, mas é igualmente necessário falarmos sobre os oito minutos de loucura proferidos por Rebecca Hall no ponto de virada de Resurrection: nele, a atriz veterana se presta ao papel de Margaret, uma mãe solteira atormentada por um fantasma de seu passado na forma de David (Tim Roth), em uma performance maravilhosamente contida e subjugada. Escrito e dirigido por Andrew Semans, o suspense do longa é inegavelmente lento, mas preciso em sua execução temática e questionamentos sobre maternidade, controle e manipulação.

É uma obra definida pela interpretação central de Hall, que carrega a instabilidade emocional de Margaret com eficiência clínica. Quando chegamos ao terceiro ato, parece que um parafuso finalmente se solta da personagem e sua essência se espalha pela tela, finalmente exposta em toda a sua glória lunática, evocando elementos de body horror que cortam a tensão como uma faca. Uma das maiores forças do Terror como gênero está em provocar a audiência e passar do ponto em que ela se sente confortável, instigando uma reação visceral de quem quer que assista. Em Resurrection, a santidade da maternidade não é nada mais que uma cruel fantasia biológica que aliena sua protagonista daquilo que é mais importante para ela. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Ruído Branco (White Noise)

Naturalmente, a existência de Ruído Branco fala por si só. Sendo belo ou esquisito – fraco, para alguns –, o filme passa longe de ser irrelevante, pelo menos no nicho em que Literatura e Cinema se cruzam. Adaptado do clássico homônimo de Don DeLillo, White Noise é o primeiro longa-metragem com roteiro adaptado a ser dirigido por Noah Baumbach. Ainda assim, a trama gira em torno de uma família “disfuncional” – tipo já explorado pelo diretor estadunidense em filmes anteriores –, e funciona como uma homenagem de Baumbach a um de seus heróis literários.

Esse último elemento é tanto seu mérito quanto sua falha. DeLillo é um dos escritores vivos que foram “canonizados” pelo conservador crítico literário Harold Bloom, e suas obras comumente atacam a sociedade de consumo no capitalismo pós-industrial. Talvez preocupado demais em se manter fiel à obra, o diretor reproduz trechos do livro de 1985 quase linha por linha através dos diálogos, e a complexidade de reduzir as dezenas de frases impactantes no Cinema se mostra cruel. Nesse quesito, a magia de adaptar para um outro formato, com as liberdades permitidas, é, por vezes, esquecida. Todavia, como dito, esse também é seu mérito.

Os trechos, bem selecionados por Baumbach, são aqueles em que DeLillo tanto crítica o espetáculo e o consumo quanto alude a uma paranoia social amplamente compartilhada, que ganha tipos esquisitos de contornos no mundo real após o surgimento da covid-19. Ruído Branco – o filme – está longe de ser um clássico como a obra original, mas Noah Baumbach sabe bem disso. Seu projeto se envolve na reflexão e na “renovação” dos créditos originais concebidos pelo escritor; DeLillo sempre foi visto como visionário, Baumbach apenas mostra sua atualidade. No longa, Adam Driver (no papel de Jack Gladney) agrada nas cenas finais, quando, na revelação sobre o “Dylar”, o personagem interpretado por Lars Eidinger, Sr. Gray, é inserido grandiosamente. Mesmo que o filme tenha feito menos barulho do que o esperado, só podemos agradecer que alguém finalmente adaptou esse romance. – Bruno Andrade

Sissy

Dirigido e roteirizado pelos australianos Kane Senes e Hannah Barlow, Sissy é um ousado queer horror teen que combina ricamente elementos de terror gore com humor ácido e abordagem crítica às redes sociais na atualidade. O termo que dá nome ao filme é também o apelido da protagonista Cecilia, interpretada majestosamente por Aisha Dee, e ao mesmo tempo serve como um trocadilho infame, por ser usado comumente com o significado de “marica” ou “covarde”. 

Após sofrer diversas situações incômodas de provocação, bullying, falas insinuativas e exposição a traumas de infância, a influenciadora Cecilia é levada ao extremo e explode como um vulcão, desencadeando ações sangrentas de violência e assassinato. Apesar de parecer, o filme não se torna uma história sobre vingança e, felizmente, segue pelo caminho contrário ao enfatizar o perigo das relações humanas e exemplificar o sentido do termo “gatilho” de forma precisa. A combinação da abordagem de temas atuais e relevantes – não de forma moralista e superficial como retratados em outros filmes do gênero –, aliada a um competente trabalho de atuação e direção fazem da obra uma ótima surpresa divertida e gratificante. –  Bruno Alvarenga

South Park: Guerra de Streamings (South Park The Streaming Wars)

Pouco tempo após o longa especial South Park: Pós-Covid, dividido em duas partes, os criadores da série Trey Parker e Matt Stone retornam para mais uma produção que segue os mesmos modelos. Apesar do título sugestivo, a Guerra dos Streamings não se trata sobre as plataformas de filmes e músicas tão populares na atualidade e, sim, sobre córregos de rio.

Após um período de seca em South Park, os moradores desenvolvem um sistema para racionar água. Em meio à crise hídrica, há embates entre Cartman e sua mãe, em que o filho quer a todo custo que a sra. Cartman coloque silicone. Com a posição firme em oposição à ideia da criança, o protagonista se revolta e decide colocar as próteses nele mesmo. – Gabriel Gatti

Tár

Sim, você foi ou irá pesquisar sobre Lydia Tár. A obra estrelada por Cate Blanchett reproduz tão bem os conceitos de uma cinebiografia que nasceu sendo exemplo de biopic, mesmo não sendo uma. Contando a história da maestrina enquanto sua vida está ruindo em meio a uma epifania criativa, o longa do diretor Todd Field consegue traduzir o intimismo da história misturado com a megalomania e excentricidade da “biografada”. Isso faz com que Tár se torne um dos estudos de personagens mais coesos e profundos do ano.

O diretor é muito competente em atribuir o requinte da música clássica para o projeto, sem torná-la ainda mais elitista, por mais que o filme, a princípio, pareça não ser para todos os públicos. É acertada também a decisão de sair de frente das orquestras para jogar o holofote em quem está por trás das batutas e de costas para o público, e discutir como uma jornada de obsessão artística, já tão trabalhada no Cinema, pode resultar em uma toxicidade, dessa vez inserida na cultura do cancelamento.

Todos os méritos do longa são personificados por Cate Blanchett. Ela consegue transmutar toda sua genialidade como atriz na genialidade da regente da Filarmônica de Berlim e faz da obra um gigantesco monólogo sobre si. Sem dúvidas, Tár é o grande desafio e trunfo de Blanchett, no qual ela capta a complexidade e a extravagância desse tipo de persona, se tornando um doloroso e muitas vezes fiel retrato dessa figura de autoridade. Não à toa, desde a exibição inicial do filme, a atriz desponta na categoria de atuação. Mesmo já tendo duas estatuetas do Oscar na bagagem – sendo uma das poucas a ganhar como Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante – a desse ano,  por Tár, caso se confirme, consagrará sua carreira. – Guilherme Veiga

The House

Dividida em três histórias no mínimo desconfortantes que se passam dentro de uma única casa, a animação em stop motion The House  foi produzida durante a pandemia e conta com temas complexos e instigantes que flertam com alguns ideais capitalistas e refletem de maneira provocativa e questionadora o momento de confinamento. Com um tom intimista e perturbador, a obra utiliza-se do protagonismo da casa para representar e abordar desde a vaidade e a busca por status até problemas psicológicos e o apego aos bens materiais, ao mesmo tempo em que cria uma noção de aura que influencia os outros personagens.

Fato é que os diretores Emma De Swaef, Paloma Baeza, Niki Lindroth von Bahr e Marc James Roels utilizaram-se de alguns recursos interessantíssimos,  como tons opacos, diálogos diretos e ácidos e a preferência por personagens feitos de feltro (diferente da maioria dos filmes de stop motion), para criar esse cenário de terror psicológico extremamente próximo da realidade e sensorialmente incomodante que gera os mais diversos pensamentos em seu espectador. 

Em Janeiro de 2023, The House recebeu seis merecidas indicações ao Annie Awards, principal premiação das animações, dentre elas nomeações nas categorias Melhores Efeitos Visuais para German Díez, Álvaro Alonso Lomba e Hugo Vieites Caamaño, Melhor Animação de Personagens para Kecy Salangad, Melhor Música para Gustavo Santaolalla, Melhor Roteiro para Enda Walsh e Melhor Direção de Arte para Niklas Nilsnon e Alexandra Walker. – Leonardo Ribeiro Jorge

Top Gun: Maverick

2022 começou com os Cinemas do mundo inteiro recém saídos de uma pandemia que os afetou drasticamente, fazendo com que sua única grande fonte de lucro fossem filmes de super-heróis. Eis que chegou o mês de maio e Tom Cruise (Missão Impossível), sob a direção do subestimado Joseph Kosinski (Tron: O Legado), levou o público em peso de volta às telonas com Top Gun: Maverick. Foram mais de 1 bilhão e 400 milhões de dólares arrecadados em bilheteria, juntamente com seis indicações ao Oscar 2023, incluindo Melhor Filme. O que explica tamanho alarde por um mero blockbuster? A resposta é clara: o simples fato dele ser um que não se vê mais todos os dias por aí. 

Top Gun: Maverick recusa o cinismo e a verossimilhança que o atual Cinema de blockbuster adotou em sua forma, abraçando muito mais o sentimentalismo de seus temas e o deslumbre das imagens, lindamente captadas por Claudio Miranda (As Aventuras de Pi). É como se víssemos uma mistura de conto de fadas, representado pelas emoções exacerbadas do texto; com briga de avião em cena, muito bem sustentadas pelo alto nível técnico, da montagem de Eddie Hamilton (Kingsman: Serviço Secreto) ao design de som de James Mather (Belfast) e Al Nelson (Jurassic World). Além disso, é um longa que, metaforicamente, comenta sobre o próprio estado da indústria cinematográfica, ao colocar tanto o indomável protagonista quanto o seu ator de carisma inigualável diante do confronto com sua obsolescência, numa profundidade de subtexto invejável que falta a maioria dos ‘arrasa-quarteirões’ ultimamente. – Nathan Nunes

Trem-Bala (Bullet Train)

Trem-Bala é um filme que faz jus ao nome. Com diversas histórias entrelaçadas transitando rapidamente entre si, o longa prende o espectador do início ao fim. A produção agrada a partir da escolha do elenco, que conta com as estrelas Brad Pitt, Aaron Johnson, Joe King, Sandra Bullock, Logan Lerman, Ryan Reynolds e Bad Bunny. Na história, baseada no livro de mesmo nome, Ladybug (Brad Pitt) é um mercenário supersticioso e atrapalhado com a missão de roubar uma maleta procurada por muitos passageiros do trem. 

A produção é uma bela homenagem ao gênero gangster, famoso nos anos 1990 e 2000 por sua violência e batalhas por vingança. O lançamento traz exatamente isso: com tantos objetivos que se cruzam, o espectador se confunde entre quem são os mocinhos e quem são os vilões. Mesmo com as reviravoltas, é possível se apegar aos personagens e desejar que suas missões obtenham sucesso. Dos mesmos produtores de Deadpool, Trem-Bala traz o mesmo humor misturado ao caos que faz o público se apaixonar. – Gabrielli Natividade 

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All At Once)

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo é sucesso na temporada de premiações – e não é para menos. O filme saiu com dois prêmios no Globo de Ouro, cinco no Critics Choice Awards e, agora, tornou-se o favorito da 95º edição do Oscar com um total de onze nomeações, sendo o mais indicado da lista. Produzido pela renomada A24 e dirigido pela dupla carinhosamente conhecida como Daniels (Daniel Kwan e Daniel Scheinert), o longa mistura uma narrativa sobre o multiverso e um drama familiar agridoce com tanta excelência que sua experiência cinematográfica pode ser definida em apenas duas palavras: intensa e satisfatória.

O aspecto caleidoscópico do longa transborda humanidade ao que entende que a bagunça infinita de múltiplos universos não é nem um pouco diferente da que existe dentro de cada um de nós. E é justamente essa compreensão que permite que o elenco brilhe tanto: da melancolia performática de Stephanie Hsu à generosidade de Ke Huy Quan, tudo culmina na honestidade espetacular do rosto exausto de Michelle Yeoh, entregando a atuação mais extraordinária de sua carreira. – Raquel Freire

Uma Garota de Muita Sorte (Luckiest Girl Alive)

A personagem Ani FaNelli aparenta ser, com certeza, uma garota de muita sorte. Camuflando seu passado trágico atrás do papel de mulher-exemplo, a protagonista de Mila Kunis está prestes a assumir a editoria no The New York Times e nos preparativos para um sofisticado casamento com o deslumbrante Luke Harrison (Finn Wittrock). Nós poderíamos, claro, invejar sua carreira e seu triunfo se não soubéssemos que, no fundo, Ani vive como sua própria refém. Mergulhar na mente da personagem é assistir, com pesar, as sequelas do abuso sexual que sofreu em sua adolescência reverberando em cada partícula de sua vida adulta. Sua incessante busca pela perfeição poderia ser uma das consequências das pressões do sistema patriarcal, mas, nesse caso, é apenas uma pequena parte de todo o espaço que o trauma tomou em sua história. 

Uma Garota de Muita Sorte é um retrato delicado sobre a linha sutil entre quem realmente somos e quem fingimos ser – uma realização que concretiza a emancipação de Ani FaNelli de suas próprias prisões. Apesar de não ser inovador, o drama consolida-se na incrível atuação de Mila Kunis e na sensível abordagem de outros temas tão importantes como bullying, acesso à armas e a importância de procurar ajuda. Ele nos emociona, indigna e inspira na mesma medida, deixando muito claro a mensagem que quer passar. Podemos, no fim, apenas nos amargurar com o passado, mas Ani nos mostra que a cura está no futuro. – Clara Sganzerla

Uncharted: Fora do Mapa (Uncharted)

Como já era previsto, o ano de 2022 se destacou pela lógica da adaptação de games para as telonas. Com a franquia de sucesso da Playstation, Uncharted não poderia ser diferente. Encabeçado pela Naughty Dog, o jogo que explora a vida de Nathan Drake, um típico e aventureiro ladrão de tesouros, se inspira em clássicos como Indiana Jones e ganha o carisma do mundo dos gamers. Mas será que a trama atendeu às expectativas de quem é apaixonado pelo jogo?. Lançado em fevereiro de 2022, o filme protagonizado por Mark Wahlberg e Tom Holland  já ultrapassa a marca de 400 milhões de dólares de faturamento da bilheteria.

Uncharted: Fora do Mapa é, sem dúvidas, uma jornada aventureira requentada com diversas cenas de ação. Os espectadores que se recordam das aflições vividas por Nathan Drake, agora na pele de Tom Holland, carregam consigo uma nostalgia muito bem-vinda. Na obra, é como se o diretor Ruben Fleischer fosse um colega que pega o controle do videogame e comanda os atores tal qual estivessem imersos naquela realidade virtual do playstation. Os recursos gráficos também são motivo de destaque: é possível notar o quanto Uncharted é bem desenvolvido, de forma que seja fiel às cutscenes da realidade virtual, assim como na série de The Last of Us. – Gabriel Gomes Santana

Veja Como Eles Correm (See How They Run)

Um crime, vários suspeitos, um detetive experiente e uma jovem policial dedicada a acompanhar seus passos. Essa é uma trama recorrente de mistério, mas, aqui, recheada com referências, metalinguagens e um charme e essências originais que o fazem revisitar a temática com uma identidade própria. Uma homenagem do começo ao fim às obras de Agatha Christie, Veja Como Eles Correm conta com a direção hábil de Tom George, o roteiro inteligente e criativo de Mark Chappell e atuações talentosas como a de Adrien Brody. Suas figuras são caricatas e equilibradas na medida certa, para marcarem seus papéis dentro do suspense. O destaque, porém, é da protagonista Constable Stalker, interpretada pela brilhante Saoirse Ronan.

Pouco divulgado, em comparação ao contemporâneo Entre Facas e Segredos e seu sucessor, Glass Onion, See How They Run difere-se por construir sua narrativa bastante próxima, de fato, dos livros de Christie – até mesmo em época, já que ele se passa nos anos 50. Nele, é claro o tributo à Rainha do Crime, já que a metalinguagem é um pilar do longa. A narrativa faz questão de colocar personagens para apreciar e analisar características deste tipo de trama adaptada para o Cinema. Afinal, trata-se de uma obra de mistério que investiga e dialoga a respeito de um assassinato cometido nos bastidores da peça A Ratoeira, escrito pela autora inglesa. Com um ritmo divertido, toques cômicos certeiros, sátiras e pontos de virada clássicos do subgênero, o filme honra todos seus antecessores e garante a identificação e contemplação dos amantes das histórias de mistérios e, principalmente, das de Agatha. – Mariana Nicastro

Watcher

Em seu longa de estreia, Chloe Okuno traz à tona um tipo muito específico de terror: uma mulher andando sozinha em um país cuja língua ela não domina, sendo perseguida por um homem que nem seu próprio noivo acredita que existe. Paranóia é questão de sobrevivência em Watcher, o elegante thriller voyeurístico estrelado por Maika Monroe (Corrente do Mal), no qual cada olhar esconde intenção, cada janela aberta apresenta oportunidade e cada palavra dita oferece risco. A diretora e roteirista trabalha com precisão cirúrgica a tensão crescente entre Julia (Monroe) e seu noivo, Francis (Karl Glusman), motivadas pelas acusações cada vez mais graves da mulher.

Julia não é boba nem louca, dispensando a promessa de segurança em favor da complicada realidade de ser uma mulher no mundo, sequestrando momentaneamente o papel de stalker da trama para tentar ela mesma desvendar esse mistério. Okuno está em sintonia perfeita com o resto de seu elenco, orquestrando movimentos de tensão física e espiritual que a estabelecem logo como uma das novas grandes promessas do gênero, articulando ousadamente os elementos da trama em favor não de impressionar, mas de delinear as nuances de seus atores. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Slashers se constroem e renascem graças ao eterno potencial de esculhambação dos valores que conduzem a vida humana. Em um mundo sustentado em contradições e preconceitos, usar a ficção mais mórbida para revelar as ruínas da realidade é tenebroso, arrasador e genial – e X – A Marca da Morte sabe muito bem disso. Levando um grupo de cineastas até a gravação de projetos pornográficos em uma fazenda isolada no Texas, estado símbolo do conservadorismo estadunidense, Ti West dirige, produz e roteiriza uma carnificina com aura de estudo social. 

Sob o selo dos estúdios A24, o Horror, aqui, costura afiadamente o choque entre duas temáticas principais: moralismo e idade. A trama se passa em 1979, injetando sexploitation e televangelismo nas veias, mas sem deixar seu reflexo atual passar despercebido – afinal, discussões envolvendo a era OnlyFans e o absurdo do fanatismo religioso pipocam cada dia mais. Na minúcia de seus paralelos de cena e metalinguagem, da trilha sonora à la Tarantino ao imponente elenco feminino (com destaque máximo para Mia Goth e Jenna Ortega), X triunfa ao dosar subversão, ironia e consciência. A obra é um espetáculo de sangue e critério, primogênito de uma trilogia em desenvolvimento e propagador do Terror como uma Arte que merece despontar nos circuitos premiadores do Cinema. – Vitória Vulcano

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Aryadne Xavier

Pergunte a alguma criança ou adulto sobre a história de um menino cujo nariz aumenta sempre que mente e, muito provavelmente, ele saberá te dizer de que história você está falando. A grande quantidade de adaptações cinematográficas do boneco de madeira vivo pode trazer o sentimento de mais do mesmo sempre que algo novo sobre o conto, popularizado pela Disney há mais de 80 anos, é lançado. Isso não ocorre na sua mais recente adaptação, construída de maneira a trazer de volta a magia a uma história repetida incontáveis vezes. O longa Pinóquio por Guillermo del Toro, dirigido por Guillermo del Toro e Mark Gustafson, reafirma como animações podem tratar de pautas importantes, equilibrando o discurso filosófico com o visual estonteante.  

A história de Pinóquio pode ser considerada um clássico no universo de contos infantis e, mesmo sendo adaptada muitas vezes, com certeza a sua versão mais memorável é a de 1940, dos Estúdios Disney. Na narrativa, o jovem boneco de madeira tinha seu nariz crescendo toda vez que mentia ao tentar se safar das consequências de se meter em problemas causados pela sua inocência. A adaptação de del Toro para a Netflix, no entanto, retoma a obra original de Carlo Collodi, de 1881, voltando ao cerne de um menino vivo, mas feito de madeira, que ganha vida. A alteração de trechos memoráveis da narração entrega ao espectador uma história sobre amor, luto, responsabilidade e, mais que tudo isso: uma exposição sobre a preciosidade do que se sabe ser passageiro.

A vontade de del Toro de realizar o projeto é antiga, de anos atrás. Os 117 minutos do filme foram planejados nos mínimos detalhes, com a criação do roteiro, storyboard, demonstrações e uma grande vontade do próprio diretor. Esse cuidado e dedicação podem ser notados no primeiro olhar ao longa: uma animação stop motion em uma época de tantas possibilidades no mundo digital, que consegue mesclar o artesanal com um estilo característico de outras obras do cineasta. Visualmente, o longa é estonteante e mágico, transmitindo a veracidade de uma história que aborda sobre uma marionete viva com o uso de bonecos, feitos como marionetes reais, que ganham a vida na junção dos vários frames realizados um a um.

O conto se passa em uma Itália fascista. Gepeto, aqui carpinteiro e não relojoeiro como na adaptação da Disney, é um homem amargurado, que não se perdoa e não consegue seguir em frente após a morte de Carlo, seu único filho, atingido por um bombardeio. A construção do fantoche, em uma noite chuvosa, embriagado e agindo por impulso, demonstra que seu coração estava tão vazio quanto o do boneco, desejando com tudo o que tinha o retorno de seu menino. E Pinóquio, aqui, é uma criança que, ao ganhar a vida de uma criatura mística e etérea de cor azul (equivalente à Fada Azul da animação de 1940), desconhece o mundo e, por isso, erra muito. Seus erros, porém, não são facilmente perdoados. 

A fúria de seu pai sobre seu comportamento é incisiva e desproporcional; Gepeto desejava que aquele garoto à sua frente fosse exatamente como Carlo, mas ele era Pinóquio. O olhar de estranheza e o ódio que recebe da comunidade após aparecer em uma missa da igreja local aumentam a carga sobre o que era apenas uma criança aprendendo sobre o mundo ao seu redor. Ele era exatamente igual o Cristo de madeira que viu em destaque na paróquia, mas era rejeitado. A agressão verbal que recebe do Podesta, o engano de Candlewick e a exploração da qual é vítima pelas mãos do Conde Volpe reforçam que a história contada aqui é sobre a vida real – mesmo que, por vezes, o aparecimento sem razões prévias, com um tom até mágico, de situações (fabricadas para aumentar a tensão) e personagens (que quase se teletransportam) possa quebrar a imersão com a história.

De todas as cenas de Pinóquio, entre os ambientes e personagens com os quais o boneco de madeira interage, um em específico, com coelhos, ampulhetas e muita areia, abriga uma sutileza especial. As conversas com a esfinge azul, uma criatura mística ao estilo del Toro que cuida da morte, se apresentam sempre filosóficas e valiosas, pingando de gota a gota algo ao espectador, uma mensagem que era preciosa demais para ser despejada de uma só vez. A quem assiste, é necessário aguardar a passagem de tempo da mesma forma que Pinóquio aguarda para retornar a vida toda vez que morre, para, então, descobrir que todo momento pode ser o último em uma realidade com início, meio e fim como lei.

A humanização que é percebida no filme, desde sua produção artesanal impecável até a escolha por utilizar seres humanos em um contexto real, ajuda e muito na simpatia pelo personagem. Se anteriormente o menino de madeira se metia em seguidos problemas, que poderiam ser considerados bobos, e saia deles tão rápido quanto entrava, aqui ele lida com algo muito mais sério: a guerra e a morte. Acompanhar de perto os sentimentos do mestre Gepeto e sua consequente jornada ao reaprender a ser um pai e lidar com suas mágoas e sofrimento oferece uma reflexão além do arco principal. O tempo de tela de personagens secundários e arcos menores que foram trabalhados, como a similaridade de Pinóquio e Candlewick, também dá ao filme um respiro e apoio a história principal. Todos os sujeitos, em certa altura, tornam-se importantes a quem assiste.

Todas essas características culminaram em uma crítica muito favorável e cheia de elogios ao projeto. Bem antes de Pinóquio, Guillermo del Toro é inegavelmente uma figura marcante em premiações. Projetos anteriores de sua autoria, como O Labirinto do Fauno, lhe renderam prêmios de Melhor Roteiro Original no British Academy Film Awards e Melhor Diretor no Prêmio Ariel. Um de seus filmes mais aclamados, A Forma da Água, contou com 13 indicações ao Oscar 2018 e ganhou nas categorias de Melhor Filme e Melhor Diretor. Com Pinóquio não foi diferente. A obra, que já acumula indicações em prêmios anteriores ao da Academia, começou performando muito bem na temporada: a animação conquistou um Globo de Ouro na categoria de Melhor Animação.

Agora, o longa concorre em uma categoria no Oscar 2023, sendo a de Melhor Animação. Em terras britânicas, no BAFTA, o longa concorre em três categorias, entre elas a de Melhor Animação. Além dessas premiações, a produção disputa o 50º Annie Awards, considerado o Oscar da animação, em nove categorias, entre elas a de Melhor Direção em Animação, Melhor Música em Animação, Melhor Animação de Personagem, para Tucker Barrie, e uma dupla indicação a melhor dublagem para Gregory Mann e David Bradley. Outra indicação interessante foi na quarta edição do Society of Composers and Lyricists, na qual o longa aparece na lista de Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção, com Ciao Papa, trilha que já havia sido indicada anteriormente ao Globo de Ouro como Melhor Trilha Sonora Original, mas foi esnobada pelo Oscar. 

De forma despretensiosa, Guillermo del Toro levanta discussões extremamente importantes em um filme de visual fantástico, que pode prender e encantar o espectador com sua abundância e riqueza em detalhes. O roteiro, escrito em parceria com Patrick MacHale, não se preocupa necessariamente em amarrar todas as suas pontas de maneira explícita, quase como soletrando ao público a resolução de todas as questões que se propõe a abranger. E o seu Pinóquio nos ensina que a verdadeira vida, aquela que é preciosa pela sua raridade, nasce quando não se é quem se esperava de você, quem queriam que você fosse. A verdadeira vida começa quando se é quem você nasceu para ser: você, do jeitinho que é.

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Ana Beatriz Rodrigues

Reviver histórias é uma viagem mágica ao passado e assistir aos live actions das nossas animações preferidas faz parte dessa aventura. Nos últimos anos, a Disney vem provando seu talento para fazer novas versões de seus clássicos, A Bela e a Fera e Mulan são a prova disso. E mais um presente chegou para todos aqueles amantes dos filmes infantis, Pinóquio ganhou duas novas adaptações. A Disney é responsável por uma delas e não possui previsão de estreia. Já a outra, a versão italiana, chegou no Brasil em 2021 e está indicada ao Oscar.

Pinocchio é um pouco diferente das animações conhecidas e possui a promessa de ser fiel ao livro clássico, esse que termina de uma forma trágica. Porém, nesse live action o final ainda é feliz, mas com vários toques sombrios. De forma geral, o filme cumpre o legado e apresenta a história do jeito real, por mais que tudo seja muito bizarro e até estranho de assistir. Mesmo que não seja confortável, o trabalho aqui realizado é belo em sua própria maneira. 

As caracterizações dos personagens trazem a realidade deles do mundo dos desenhos. Federico Ielapi, o intérprete do Pinóquio, realmente parecia um boneco de madeira com vida. E é por essa incrível produção que o longa chegou no Oscar desse ano. O filme está indicado ao prêmio de Melhor Maquiagem e concorre com o poderosíssimo A Voz Suprema do Blues. Ainda que a Netflix leve mais esse prêmio, Pinocchio possui uma grande equipe. Mark Coulier, o chefe de departamento, ganhou todas as vezes em que foi indicado, com O Grande Hotel Budapeste e A Dama de Ferro.

Jessica Brooks também faz parte da equipe e concorreu na mesma categoria em 2019 por seu trabalho em Duas Rainhas. O figurino foi outra característica marcante no trabalho e Massimo Cantini Parrini traduziu significativamente os personagens do clássico, levando o time a concorrer em Melhor Figurino. Essas categorias servem para levar o reconhecimento merecido para esses trabalhadores que muitas vezes são esquecidos. Embora não ganhe o prêmio da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, Pinocchio levou vários para casa no David di Donatello, considerado o Oscar italiano. 

E falando sobre reconhecimento, é uma pena que o Oscar não tenha categorias que premiam crianças, pois se possuísse Federico Ielapi como Pinóquio certamente concorreria e o fofo Alan Kim de Minari, também. A atuação de Federico trouxe a vida que faltava ao boneco de madeira. Com Roberto Benigni, o ganhador do Oscar por A Vida é Bela, como Gepeto, os dois formam uma dupla de pai e filho precisa para adaptação. Vale lembrar que essa é a terceira adaptação de Pinóquio que Roberto participa. 

Vivendo novamente a história do homem pobre que constrói o seu próprio “filho” com madeira, Benigni traz a leveza do seu personagem. A direção de Matteo Garrone, de Dogman e Gomorra, traduz o clássico de Carlo Collodi de uma maneira a que não estávamos acostumados. Apesar das bizarrices e do estranhamento, o novo Pinocchio ainda mantém os valores e os ensinamentos do clássico. 

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A 93ª edição do Oscar é única por uma série de motivos. Começando pelos atrasos e realocação da data para dois meses depois do comum, a Academia teve de lidar com cinemas fechados, lançamentos adiados e o primeiro ano desde 2009 sem um filme da Marvel dominando o verão americano. Mas se engana quem pensa que, por conta disso, a lista de indicações seja mais fraca que a de anos anteriores.

Na verdade, a safra de 2020, e dos primeiros meses de 2021, ostenta qualidade, irreverência e debate temas que o cinema estadunidense não colocaria em pauta num ano cheio de diretores consolidados e franquias continuadas. 72 mulheres foram nomeadas ao Oscar 2021. Este ano, duas concorrem em Direção, além de dois filmes dirigidos por mulheres disputarem Melhor Filme.

Quando o assunto é diversidade, nove atores não-brancos pipocaram nas categorias principais, quebrando uma porção de recordes. Steven Yeun é o primeiro de origem asiática, Riz Ahmed é o primeiro mulçumano e com origem paquistanesa, Chadwick Boseman é o primeiro não-branco a receber uma indicação póstuma e Yun-Jung Youn é a primeira sul-coreana nomeada na Academia, só pra citar algumas das barreiras quebradas.

No campo dos Curtas, categorias comumente ignoradas, as narrativas fora do eixo norte-americano se entrelaçam com abordagens e pontiagudas. Os Animados colocam em xeque os limites da liberdade e a dor da saudade, enquanto os Documentários escancaram injustiças sociais e o racismo, assuntos que guiaram a Arte em 2020. Os Curtas Live Action se concentram entre os EUA e o conflito Israel e Palestina, mostrando ao mundo suas ricas produções cinematográficas.

Passando para os Filmes de Animação, a família e os imprevistos da vida comandam os cinco concorrentes: Shaun, O Carneiro lida com o objeto estranho, Dois Irmãos seca as lágrimas para seguir em frente e A Caminho da Lua viaja pelas fases do luto. O badalado Wolfwalkers discute amizade e o significado de ‘família escolhida’, enquanto o potencial vencedor, Soul, dá o toque da Pixar à crise de meia-idade, tudo regado a jazz e à Tina Fey.

Os Filmes Internacionais de 2021 desafogam o núcleo batido da Europa que normalmente compõe a categoria, dando destaque a um documentário romeno, um filme de bebedeira dinamarquês e um longa de guerra bósnio. Fora da hegemonia branca, Hong Kong alcançou sua primeira indicação em meio ao conflito que trava com a China, atravessando censuras e boicotes. O mesmo é com a Tunísia, que estreia na seleção através do trabalho incansável de uma cineasta, o que criou outro marco: pela primeira vez desde 2011, duas diretoras disputam o troféu. 

Já em Melhor Documentário, o avanço feminino segue do ano passado para cá, e cada um dos 5 filmes tem pelo menos uma mulher creditada à indicação. A categoria denuncia problemas sociais que fogem do eixo europeu-estadunidense, destacando questões ambientais globais em uma ponta, e reconhecendo a única obra latino-americana indicada em outra. No meio, estão as histórias que tocam em temas da Terra do Tio Sam, que dessa vez, têm o tato de minorias, com narrativas negras e femininas, e o protagonismo de pessoas com deficiência, tanto à frente quanto por trás das câmeras.

Abraçando o Cinema de todo o mundo, ou pelo menos começando a fazer isso, a Academia está fazendo valer as mudanças que vem implementando ao longo dos últimos anos. O curta Feeling Through escalou o primeiro ator surdo-cego da história e a ficção O Som do Silêncio tratou de temas que representam a comunidade surda, com direito à escalação de Paul Raci, filho de pais surdos e que luta pela causa há anos, além de um elenco de apoio formado por pessoas surdas.

A Voz Suprema do Blues, o filme que coloca Viola Davis na pele da mãe do blues, indicou Ann Roth, de 89 anos, em Melhor Figurino, no páreo para vencer sua segunda estatueta. No departamento de Cabelo e Maquiagem, o filme nomeou as duas primeiras mulheres negras na história da categoria, Jamika Wilson e Mia Neal. A parte boa? As três são favoritas nas respectivas disputas.

Além disso, o incomparável Chadwick Boseman é o primeiro negro a receber indicação póstuma (e provavelmente será o primeiro a vencer deste modo). Desempatando com Octavia Spencer, Viola Davis quebrou o recorde de indicações para uma atriz negra, apenas quatro, e expressou sua opinião sobre: “Se eu ter quatro indicações em 2021 faz de mim a atriz negra mais indicada da história, isso mostra quão pouco material esteve disponível para os artistas não-brancos.”

Se o assunto é privilégio, Os 7 de Chicago grita alto, mas diz pouco, e é a figurinha carimbada dos americanos sendo honrados por outros americanos. Mank, na mesma moeda, representa a máxima da Terra das Estrelas: é feito por e para homens caucasianos, e de praxe, conta uma embebida história da elite hollywoodiana. O lado bom é que o drama de época foi ignorado em quase tudo, dando espaço para o prêmio acabar em mãos merecedoras.

A casa dos dois deslocados é a Netflix, que angariando um recorde de 35 indicações, ainda não conseguiu emplacar um vencedor de Melhor Filme. A caminhada começou com o belíssimo Roma em 2019, mas deu tudo errado com a coroação de Green Book. Ano passado, nem História de um Casamento nem O Irlandês tinham fôlego para sequer chegar perto do favoritismo e da qualidade de Parasita. Depois de perder o PGA, o WGA e o DGA, ganhando apenas um controverso SAG de Elenco, Os 7 de Chicago ainda pode surpreender em 25 de abril, mas as chances não são animadoras.

Neste ano, a corrida de Melhor Filme, com apenas oito indicados, fez notar ausências doídas. Apesar da questionável condução diretiva de A Voz Suprema do Blues, o longa merecia ocupar aquela nona vaga. O mesmo vale para o trabalho exacerbado de Spike Lee em Destacamento Blood, ou o cuidado milimétrico que Regina King teve em Uma Noite em Miami…, os dois injustiçados de 2021.

Mas falando de quem devidamente entrou na corrida, vemos três filmes com protagonistas não-brancos (Minari, O Som do Silêncio e Judas e o Messias Negro) e dois comandados e protagonizados por mulheres (Nomadland e Bela Vingança). Completando o alto nível da categoria, Meu Pai lida com a velhice e o cuidado familiar, brindado pela atuação da carreira de Anthony Hopkins, o melhor dos vinte nomeados do ano. 

Em Roteiro Original, Emerald Fennell reina soberana nas chances de vencer por Bela Vingança, marcando a primeira vez que uma cineasta concorre à Direção por sua estreia. Em Adaptado, a protagonista do Oscar 2021 Chloé Zhao divide atenções com Florian Zeller e Christopher Hampton, por Meu Pai, e os nove roteiristas creditados por Borat 2, o vencedor do Sindicato, onde Nomadland estava inelegível.

Falando nas roteiristas favoritas, chegamos ao que há de mais interessante nos indicados a Melhor Direção. Zhao e Fennell são responsáveis por representar uma legião de cineastas que por anos tiveram seus trabalhos ignorados por Hollywood. O sexismo é refletido nas nomeações do Oscar, que em seus 93 anos de existência, se deu ao trabalho de reconhecer um total vergonhoso de sete diretoras e premiar apenas uma.

E se a Academia não tivesse tanto esmero com o ego de seus homens brancos, a categoria de Melhor Direção poderia muito bem ser formada por uma maioria feminina e não-branca. Nomes à altura da companhia de Lee Isaac Chung e da dupla recordista não faltavam, mas pelo menos, a favorita se encontra nessa exata interseção. 

Chloé Zhao é a dona deste ano, desta temporada e deste Oscar. A mulher mais indicada da história da premiação chega na noite do dia 25 de abril invicta e pronta para vencer em tudo o que tem direito, acompanhada de sua corrida impecável, que vai desde os festivais de cinema ao longo de 2020, até às premiações precursoras dos últimos meses.

A diretora, roteirista, montadora e produtora venceu os principais prêmios do Globo de Ouro, Critics Choice Awards, Sindicato dos Produtores e Diretores, BAFTA e nos Festivais de Veneza e Toronto. Só não fez história no SAG porque trabalhou com atores não-treinados, mas no mais, fortaleceu a corrida de Frances McDormand, que também é a primeira atriz indicada por produção e atuação no mesmo ano, pelo mesmo filme.

 Às vésperas de uma data histórica para o Cinema, o Persona se reúne num Cineclube Especial para comentar cada um dos 56 filmes que integram a seleção mais diversa da história do Oscar. Abaixo, estão todos organizados em ordem decrescente pelo número de indicações, e nossa Editoria e colaboradores pontuam seus méritos, as injustiças, chances e nomeações de todas as 23 categorias, condensando nossa cobertura da premiação e alinhando as expectativas para a noite do dia 25 de abril de 2021.

Mank (Idem, David Fincher)

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Fotografia, Design de Produção, Figurino, Cabelo e Maquiagem, Trilha Sonora Original & Som 

As dez indicações de Mank ao Oscar 2021 superestimam e muito o filme de David Fincher. Entretanto, a maldição de mãos vazias que combina ‘diretor renomado’ com ‘campeão de nomeações’ e a Netflix parece não acometer o longa, já que a categoria de Design de Produção está praticamente garantida para Donald Graham Burt e Jan Pascale. Depois de vencer o Critics Choice e o BAFTA, o filme foi premiado no ADG, Art Director Guild Awards, o Sindicato dos Diretores de Arte.

E a dupla nomeação de Trent Reznor e Atticus Ross dará a eles um Oscar de Trilha Sonora Original, mas será pelo prestigiado Soul ao invés das recriações estilísticas da década de 30 que a dupla imprime em Mank. Gary Oldman aparece em Melhor Ator, roubando a vaga de candidatos mais merecedores como Delroy Lindo e Mads Mikkelsen. Amanda Seyfried, que começou como possível favorita em Atriz Coadjuvante, viu o sonho cair por terra com a esnobada no SAG e as vitórias unânimes de Yuh-Jung Youn na categoria.

David Fincher nunca ganhou um Oscar, e sua vez não chegará na cerimônia de 2021. O amplo reconhecimento nas categorias técnicas pode sugerir um favoritismo de Mank com a Academia, mas a ausência dos bastidores da criação de Cidadão Kane foi sentida em duas importantes listas, a de Montagem e Roteiro Original. Vital na corrida para vencer Melhor Filme, Montagem parece estar entre O Som do Silêncio e Os 7 de Chicago, enquanto o falecido Jack Fincher, pai do diretor, não ouviu seu nome chamado nas nomeações de Roteiro. O que vem de boa fé, considerando as mentiras que o texto de Mank dita como verdade absoluta. Espere ver o enfadonho filme preto-e-branco vencer em Design de Produção e nada mais. – Vitor Evangelista

Judas e o Messias Negro (Judas and the Black Messiah, Shaka King)

Concorre em: Filme, 2x Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia & Canção Original

Judas e o Messias Negro narra a história de traição de William (Bill) O´Neal, que trabalha como agente infiltrado do FBI, para a delação das ações dos Panteras Negras e acompanhamento de um de seus líderes, Fred Hampton. O longa faz escolhas narrativas importantes para as atuais discussões sobre as problemáticas raciais, bem como para retrata um acontecimento que culminou na morte de Hampton, interpretado por Daniel Kaluuya.

A proposta da narrativa em contar a história sob a perspectiva do Judas, Lakeith Stanfield, faz muitas vezes com que os Panteras Negras sejam apresentados como radicais. Essa visão vai se modificando ao longo da narrativa, conforme Bill vai se infiltrando mais e mais na organização. Talvez por isso, a indicação dupla em Melhor Ator Coadjuvante, para Lakeith e Kaluuya. A imagem e postura de Hampton no longa o fazem gigante, a atuação de Kaluuya é sem dúvidas digna de um Oscar.

O filme que conta com toda a equipe de produção composta por produtores negros, concorre ao Oscar nas categorias Melhor Filme, Roteiro Original, Fotografia e Ator Coadjuvante, na qual é favorito com Daniel Kaluuya. O longa rendeu ao intérprete de Hampton os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no Globo de Ouro, Critics Choice Awards, no Sindicato dos Atores e no BAFTA. – Ma Ferreira

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Concorre em: Filme, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Adaptado, Montagem & Design de Produção

Florian Zeller é um nome para ficar de olho. O escritor e diretor francês deu origem a diversas peças de teatro, entre elas, Meu Pai. Em sua adaptação para o cinema, uma tarefa por vezes arriscada, ele conseguiu entregar um retrato avassalador e doloroso de uma questão conhecida por atingir a vida de diversas famílias. A obra se centra na relação entre um pai com demência e sua filha que tenta ao máximo se adaptar às suas necessidades, interpretados pelos já vencedores do Oscar, Anthony Hopkins e Olivia Colman. 

Ao invés de criar um drama exagerado e pecaminoso sobre essa síndrome, Zeller nos coloca extremamente próximos do protagonista, também chamado Anthony, ao passo que entramos em sua mente sem perceber. A condução da obra prega diversas peças no espectador, mudando cenários, atores e repetindo diálogos. O resultado disso nos deixa em um estado de confusão mental, sentimento semelhante ao das pessoas que se encontram na mesma condição do personagem, que são constantemente traídos pela sua própria memória. 

Mas o baque de Meu Pai não seria tão forte sem a performance sensível de Anthony Hopkins, que assegurou sua indicação na categoria de Melhor Ator, e é o único forte concorrente a tirar a estatueta das mãos quase garantidas de Chadwick Boseman, de A Voz Suprema do Blues. E, em Melhor Roteiro Adaptado, a produção está no páreo da disputa com Nomadland, após ter levado a melhor no BAFTA. Justa e merecidamente, o longa também garantiu nomeações para Melhor Filme, Montagem, Design de Produção e Melhor Atriz Coadjuvante para Olivia Colman. – Vitória Silva

Minari – Em Busca da Felicidade (Minari, Lee Isaac Chung) 

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Original & Trilha Sonora Original

O semi-autobiográfico Minari está bem perto de fazer história no Oscar. O filme de Lee Isaac Chung conta a história de uma família sul-coreana, que, ao se mudar para o interior dos Estados Unidos para começar uma fazenda de agricultura, se depara com dilemas econômicos e familiares. Além da indicação em Melhor Filme, o longa também foi indicado em Melhor Ator pela performance do incrível Steven Yeun, e em Melhor Atriz Coadjuvante, que pode render uma vitória histórica para Yuh-Jung Youn, se tornando a primeira sul-coreana a vencer na categoria, a segunda asiática em 64 anos, e o primeiro ‘papel de vovó’. 

O filme também está indicado em Melhor Direção, Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora Original. Se vencer Direção ou Roteiro Original, teremos a primeira dobradinha asiática e sul-coreana da história, por Parasita ter vencido no ano passado. Minari é sensível e caloroso na mesma medida que escancara o caos de uma família como qualquer outra, que enfrenta dificuldades nas relações pessoais e busca um caminho para se estabelecer economicamente, e é, sem dúvidas, um dos longas imperdíveis para se assistir dessa temporada. – Jho Brunhara

Nomadland (Idem, Chloé Zhao)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Adaptado, Fotografia & Montagem

É difícil exagerar a importância do caminho que Nomadland trilhou nessa temporada de premiações. O terceiro longa da diretora e roteirista Chloé Zhao vem acumulando prêmios em sua estante desde sua exibição simultânea no Toronto International Film Festival e no Venice Film Festival, onde se tornou o primeiro filme da história a receber os maiores prêmios de ambos os festivais. Desde então, Chloé Zhao se tornou a pessoa mais premiada numa só temporada (ela também é roteirista, produtora e montadora do filme), e a jornada nem tão solitária de Fern (Frances McDormand) pelo Oeste americano segue forte para os principais prêmios do Oscar, indicada em seis categorias.

Após a vitória no Sindicato dos Diretores dos Estados Unidos e no Globo de Ouro, Zhao é a favorita para levar a estatueta de Melhor Direção, competindo apenas com Lee Isaac Chung e o adorável Minari. Ela também segue forte em Roteiro Adaptado, onde concorre com Meu Pai, que recentemente venceu o prêmio da Academia Britânica, o BAFTA. A câmera volúvel de Joshua James Richards também segue fortíssima na categoria de Melhor Fotografia, tanto por sua capacidade de capturar as paisagens áridas quanto pela sensibilidade de registrar as personagens que as habitam.

Após sua recente vitória no BAFTA, Frances McDormand ganha momento na categoria de Melhor Atriz, apesar da forte competição com Carey Mulligan, Vanessa Kirby e Viola Davis. A estatueta de Montagem, que também agregaria aos prêmios de Zhao, permanece concorrida, sem nenhum vencedor claro. No entanto, o grande prêmio da noite está praticamente na mão de sua diretora e produtora: é amplamente esperado que Nomadland leve para sua van o Oscar de Melhor Filme. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O Som do Silêncio (Sound of Metal, Darius Marder)

Concorre em: Filme, Ator, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Montagem & Som

Com os efeitos sonoros contando metade da história, O Som do Silêncio é esplêndido na sua construção e conquistou seu espaço no Oscar 2021. O filme acompanha a trajetória de Ruben, um baterista de heavy metal que descobre que está ficando surdo. O difícil papel é interpretado pelo incrível Riz Ahmed, esse que só errou em participar de Venom. O ator surpreendeu a todos e equilibrou a sua atuação na medida que a produção precisava; ele, inclusive, teve aulas de bateria. A sua performance levou Riz a ser o primeiro homem mulçumano indicado ao Oscar de Melhor Ator e possui muita chance de levar o prêmio.

O filme está indicado em outras 5 categorias, e é possível que leve a estatueta por alguma delas. O design de som te transporta para a mente do protagonista e faz o filme ser o favorito em Melhor Montagem. O montador  Mikkel E.G. Nielsen elevou essa categoria técnica em uma experiência sensorial espetacular. O filme já levou o BAFTA, Critics Choice Awards e o Satellite Award por categorias sonoras e o Gotham Independent Film Awards de Melhor Ator. 

Além de ser um belo filme pela sua produção, a história e o roteiro também são elementos para tirar o chapéu. O roteiro e a estreia da direção de Darius Marder (vencedor do DGA de Primeiro Filme) é algo bem trabalhado e não repete estereótipos de pessoas surdas retratados na Sétima Arte. Paul Raci, filho de pais surdos e defensor da luta por anos, concorre em Ator Coadjuvante. Infelizmente o longa não possui muita sorte em ganhar nas premiações em um ano com candidatos tão fortes em outras categorias como Melhor Filme e Melhor Roteiro que devem ser do incrível Nomadland. Com sua alternância em expressar os sentimentos, O Som do Silêncio é sobre histórias reais de jornadas árduas. – Ana Beatriz Rodrigues

Os 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7, Aaron Sorkin)

Concorre em: Filme, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia, Montagem & Canção Original 

É certo dizer que todo ano existe um filme que se repete no Oscar. Mesmo mudando a sinopse, todo edição somos premiados com algum drama histórico liderado por homens brancos irritados ou indignados com alguma coisa. Esse ano o clichê é representado por Os 7 de Chicago (tradução do original The Trial of the Chicago 7), produção com selo Netflix dirigida por Aaron Sorkin, que inclusive ganhou o prêmio da Academia por Melhor Roteiro Adaptado por A Rede Social em 2011. Mas, apesar de ser uma escolha previsível, a história biográfica de um dos julgamentos mais ácidos dos Estados Unidos acerta e conquista pelo ritmo contagiante.

Além de ter levado Melhor Roteiro no Globo de Ouro, a obra é uma das concorrentes na disputa de Melhor Filme da Academia. A produção indicada também para Melhor Roteiro Original, possui uma trama que se passa conturbado ano de 1968, quando alguns jovens para lá de revolucionários lutavam contra a Guerra do Vietnã, narrando o inflamado julgamento que houve após um violento protesto na Convenção Nacional Democrata. Entre os atores principais estão Eddie Redmayne quase reprisando Marius Pontmercy (Os Miseráveis) e o incrível Sacha Baron Cohen, indicado como Melhor Ator Coadjuvante por sua interpretação de Abbie Hoffman.

As idas e vindas da história, que mescla a injustiça presente na corte com o desenrolar frenético do protesto, são capazes de prender o público até o fim. Mas, apesar do interessante contexto político e personagens carismáticos que compõem a obra, é fato dizer que o filme é mais fraco na categoria, a exemplo de Nomadland e Minari que com certeza merecem o prêmio. Os 7 de Chicago possui um bom histórico e uma trama cheia de intensidade, só erra em não se distanciar daqueles filmes de guerra que a gente vê por aí. – Isabella Siqueira

A Voz Suprema do Blues (Ma Rainey’s Black Bottom, George C. Wolfe)

Concorre em: Ator, Atriz, Design de Produção, Figurino & Cabelo e Maquiagem

Assistir A Voz Suprema do Blues é como ouvir uma melodia constante de luta. Viola Davis mais uma vez é um presente e interpreta Ma Rainey, a mãe do blues, com seu talento incrível. Com sua performance, ela revela as injustiças e o racismo vivido na indústria musical no período em que se passa a obra. Seguindo as outras premiações, a categoria de Melhor Atriz no Oscar está sendo muito mutável e não há uma certeza sobre quem levará, mas depois de vencer o Sindicato dos Atores, Viola merece. 

Outro ponto marcante no filme é a atuação de Chadwick Boseman, encerrando sua trajetória com um trabalho marcante. Ele se destaca mesmo ao lado da incrível protagonista. Ninguém pode tirar o seu prêmio de Melhor Ator e os seus diálogos na trama são uma entrega final emocionante. Além disso, o filme concorre em Design de Produção, e é favorito a levar Figurino & Cabelo e Maquiagem, que são os suplementos que fazem A Voz Suprema do Blues. – Ana Beatriz Rodrigues

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Original & Montagem

Bela Vingança é o filme mais corajoso dessa temporada de premiações. Em linhas gerais, a narrativa acompanha a personagem Cassandra Thomas (Carrey Mulligan), que ainda se vê atingida pela morte de sua melhor amiga, Nina, vítima de um caso de estupro quando ambas ainda estavam na faculdade. Com isso, a protagonista passa a adotar uma rotina que consiste em ir para um bar todas as noites, se fingir de bêbada e depois se vingar do primeiro cara que tentar se aproveitar da situação. Após encontrar alguns fantasmas do passado, Cassie direciona seus atos para aqueles responsáveis por acabarem com a vida de sua colega.

A diretora, roteirista, e também atriz, Emerald Fennell, cutucou uma ferida de longa data da sociedade patriarcal em que vivemos: a cultura do estupro. E fez isso criando uma espécie de heroína com atitudes que muitas mulheres gostariam de poder ter, mas sua intenção nunca foi produzir uma ficção, basta observar o destino final de Cassie. Ter um filme como esse, que é tão incisivo e incômodo, lembrado na maior premiação da indústria do cinema, especialmente em sua categoria principal (Melhor Filme), já é uma grande conquista. Emerald ainda fez história ao ser indicada à Melhor Direção que, pela primeira vez, conta com duas mulheres, ao lado da também brilhante Chloé Zhao, de Nomadland. 

A performance instigante de Carey Mulligan não poderia ficar para trás, e concorre à estatueta de Melhor Atriz. Ela já foi premiada no Critics Choice Awards, mas a corrida para o Oscar entre as atrizes permanece um mistério, após Viola Davis levar o SAG; Frances McDormand, o BAFTA; e Andra Day ter conquistado o Globo de Ouro. Bela Vingança ainda foi nomeado em Melhor Montagem e Roteiro Original, essa última vindo com grandes chances de vitória contra o temido Aaron Sorkin, por Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Relatos do Mundo (News of the World, Paul Greengrass)

Concorre em: Fotografia, Design de Produção, Trilha Sonora Original & Som

Saindo dos dramas de ação realistas que ajudou a consolidar em filmes como A Supremacia Bourne e Capitão Phillips, Paul Greengrass decide se aventurar no faroeste em Relatos do Mundo de forma bastante clássica e cativante. O filme que era uma das grandes apostas da Universal para a temporada de premiações, acabou sendo adquirido pela Netflix para sua distribuição internacional, e desbancou 4 indicações para o Oscar, em Melhor Som, Design de Produção, Trilha Sonora Original e Fotografia. Se o filme se destaca pelos seus feitos técnicos, a indicação que realmente faz falta aqui é da pequena Helena Zengel, que mesmo não dizendo muitas palavras, nos captura com seu olhar entristecido, mas corajoso. 

Destaque em categorias técnicas, o filme tem oponentes de peso para bater caso queira levar uma estatueta para casa. A trilha sonora conduzida pelas cordas aconchegantes de James Newton Howard teria que bater a dupla favorita Trent Reznor & Atticus Ross não uma, mas duas vezes, pelas trilhas de Soul e Mank. Ainda no campo sonoro, o trabalho de som naturalista rendeu elogios, mas talvez não tenha grandes chances contra o uso criativo de O Som do Silêncio. A belíssima fotografia de Dariusz Wolski dá espaço às amplas ambientações e cenários, é digna de sua indicação. Com grandes chances de sair de mãos vazias, talvez Relatos do Mundo possa surpreender no prêmio de Design de Produção, que traz uma estética mais real e palpável ao faroeste americano, um pouco menos lustrosa e mais suja do que o idealista americano médio desejaria.  

Estrelado ainda por Tom Hanks, que faz um ótimo dueto com a atriz mirim, o roteiro cai para uma jornada tocante, mas ainda assim bastante convencional e fácil de prever. A maior cartada do filme, porém, talvez não esteja em sua narrativa, mas em sua força temática despertada pelos encontros feitos pela dupla ao longo da história. Se Relatos do Mundo poderia fazer uso de uma narrativa mais impactante ao falar tanto sobre o poder das narrativas, há momentos aqui que não perdem em nada ao explorar a importância e a necessidade humana de ouvir e contar histórias. Só por isso, a transição de Greengrass de um cinema de ação cru, cheio de militarismo estadunidense e câmera tremida, para paisagens naturais e um pouco de calor humano já vale o ingresso. – João Batista Signorelli 

Soul (Idem, Pete Docter e Kemp Powers)

Concorre em: Animação, Trilha Sonora Original & Som

No ano de 2009, Peter Docter nos apresenta a Carl Fredricksen em Up – Altas Aventuras, um homem frustrado e inquieto com a chegada da velhice e o impasse de não ter vivido como sonhava, mas que percebe as maravilhas apreciadas durante o caminho. Em 2015, Docter mostra a Riley de Divertida Mente atravessando a infância e se deparando com a adolescência, a qual a obriga a sentir na pele que os sentimentos ruins são parte das nossas vivências e que aprender com eles é o melhor caminho. Em 2020, o diretor lança Soul contando a história de Joe Gardner na vida adulta, cheio de angústias para ser bem sucedido e conquistar seus objetivos.

A vida de Joe (Jamie Foxx) chega ao fim logo após conseguir o trabalho dos seus sonhos, ser membro da banda de jazz de Dorothea Williams (Angela Bassett). Amargurado e aborrecido por sua grande oportunidade ter escapado dos seus dedos, o músico tenta uma maneira de voltar ao seu corpo. Ao mesmo tempo, ele precisa ajudar a alma 22 (Tina Fey) a completar sua personalidade para ir à Terra. O relacionamento dos dois é muito entrosado e extremamente divertido. 22 é o grande destaque por causa de seu estilo autêntico e extrovertido, o qual contrasta com a timidez e a insegurança de Joe. Não é à toa que mereceu um espaço para os indicados a Melhor Animação do Oscar 2021, já que foi considerado a melhor animação da história da Pixar pelo site Cinema Blend. 

O favoritismo vem da sua dose de humor atrelado à ideias existenciais, as quais fazem o público terminar o filme com a cabeça cheia de questionamentos. A direção de Pete Docter, dono de um currículo cheio de premiações, a co-direção de Kemp Powers fazendo história e a produção de Dana Murray (indicada ao Oscar de Melhor Curta-Metragem por Lou em 2017) nos concede uma conexão com nós mesmos extremamente gratificante. Aliado à sonoridade primordialmente vinda do jazz, a animação também está candidata a receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original, além de ser um nome potente em Melhor Som. Trent Reznor, Atticus Ross (também concorrentes na mesma categoria por Mank) e Jon Batiste criam o ambiente musical dos anos 20 que garante a veracidade dos fatos e alcança a perfeição que Soul entrega. Não mentiria se dissesse que suas percepções sobre a vida, pelo menos por um instante, fossem reconsideradas. – Júlia Paes de Arruda

Uma Noite em Miami… (One Night in Miami…, Regina King)

Concorre em: Ator Coadjuvante, Roteiro Adaptado & Canção Original

Imagina criar um encontro ficcional entre quatro figuras históricas que equilibra reflexões sociais atemporais com uma dinâmica narrativa perfeita para o Cinema. Isso é o que a magnífica Regina King faz em Uma Noite em Miami… a partir da adaptação de Kemp Powers de sua peça homônima. Marcando a estreia de King como diretora, o filme conquistou indicações nas principais categorias de algumas premiações da temporada, mas, infelizmente, não chegou com tanta força no Oscar 2021, longe de ser o favorito das categorias em que concorre.

O filme teatral abriga toda a sua potência em suas performances e diálogos através do trabalho incrível de Eli Goree como Muhammad Ali e de Aldis Hodge na pele de Jim Brown, além do brilhante Kingsley Ben-Adir interpretando Malcolm X, que poderia muito bem ter alcançado uma indicação junto de seu parceiro de cena Leslie Odom, Jr. como Sam Cooke. O que cairia bem também seria um reconhecimento maior do trabalho de Regina, que fecharia com chave de ouro a categoria de Melhor Direção ao invés da vaga desperdiçada com único trabalho questionável vindo de – adivinha?! – um homem branco.

Assim, além da justiça, outro sonho seria realizado, e veríamos três mulheres reconhecidas pelos seus trabalhos enquanto diretoras e uma maioria não-branca em uma das categorias mais importantes do Oscar. Mas a realidade é outra, e se Uma Noite em Miami levar uma estatueta, não será pela escrita magnífica de Kemp Powers indicada a Melhor Roteiro Adaptado, mas pelo talento de Leslie Odom, Jr.. Não pela categoria de Daniel Kaluuya, mas pela sua preciosa veia musical que nos concedeu Speak Now, repetindo seu nome dentre as nomeações do filme na categoria de Melhor Canção Original do Oscar 2021. – Raquel Dutra

Borat: Fita de Cinema Seguinte (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan, Jason Woliner)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Roteiro Adaptado 

Lançado pelo Amazon Prime Video, Borat: Fita de Cinema Seguinte é a continuação do primoroso filme de 2006, Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América. Interpretado por um dos comediantes mais ácidos e geniais dos últimos tempos, Sacha Baron Cohen, o estrelato da continuação ao lado de Borat é de sua filha Tutar, vivida por Maria Bakalova. A atriz brilha tanto quanto o protagonista, entregando de forma irônica e cômica toda ingenuidade da personagem, que por anos acreditou em todas barbaridades ensinadas por seu pai.

Gravado em segredo e por vários momentos colocando a vida da equipe em risco por seguir a linha do limite para atingir seu humor, Fita de Cinema Seguinte vem ganhando espaço nessa temporada de premiações. O filme foi destaque no Globo de Ouro, vencendo Melhor Filme de Comédia e Melhor Ator em Comédia para Sacha, que se tornou o segundo ator na história do prêmio a ganhar duas vezes a mesma categoria pelo mesmo personagem. O texto genial e cirúrgico concorre ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado e tem a assinatura de nove roteiristas na produção.

Chegou também à Academia a fenomenal Maria Bakalova, concorrendo à Melhor Atriz Coadjuvante. Ela já ganhou essa mesma categoria no Critics Choice Awards. Apesar de ser uma das favoritas, o SAG Awards e o BAFTA que são termômetros do Oscar apontaram Yuh-Jung Youn, a vovó de Minari, como ganhadora. Ambas merecem o reconhecimento por seus respectivos papéis, só nos resta torcer para que vença a melhor. – Ana Júlia Trevisan

Collective (Colectiv, Alexander Nanau)

Concorre em: Filme Internacional & Documentário

A dobradinha Filme Internacional-Documentário foi responsável por reconhecer uma das melhores obras da seleção do Oscar 2020. O lugar de honra que o doce Honeyland ocupou no ano passado é igualmente bem representado e diferentemente frequentado desta vez por Collective. A produção romena de Alexander Nanau acompanha uma equipe de jornalistas numa investigação que se inicia em uma tragédia local e deságua numa deflagração de corrupção pública nacional, construindo uma obra fria, difícil e crua ao mesmo tempo em que é rica, envolvente e inflamada.

Nessa estrutura complexa, o valor de Collective está mais em seus registros, acessos e desdobramentos do que em aspectos técnicos e impactos sentimentais, características que costumam dominar as categorias em questão, especialmente neste ano. O histórico do Oscar também não o favorece, mostrando que mesmo com a nomeação dupla, o filme que encontra espaço nas categorias mais interessantes da premiação pode sair sem ser coroado em nenhuma das duas. 

Ao que tudo indica, Collective será a vítima do Oscar 2021. Mesmo agraciado como Melhor Documentário no Prêmio de Cinema Europeu, o filme não venceu na mesma categoria do Critics Choice Awards e nem no BAFTA. Na premiação da Academia, a produção não garante a corrida de Filme Internacional, com Druk disparado na frente, nem de Documentário, dividindo o possível segundo lugar com Crip Camp, atrás do favoritismo de Professor Polvo. – Raquel Dutra

Druk – Mais uma Rodada (Druk, Thomas Vinterberg)

Concorre em: Filme Internacional & Direção 

Álcool. Pode estar presente no dia mais feliz da sua vida, mas também pode te deixar à beira da morte. Mas não se preocupe, o álcool também serve pra superar esse trauma. Explorando a complexidade da nossa relação para com a bebida, o novo longa do dinamarquês ex-expoente do movimento Dogma 95, Thomas Vinterberg, é o absoluto favorito na categoria de Melhor Filme Internacional, e a forte campanha da Samuel Goldwyn Films nos EUA ainda rendeu ao filme uma surpreendente indicação a melhor direção. Sensação na Dinamarca, foi o grande vencedor da principal premiação do país, o Danish Film Awards, além das múltiplas indicações ao BAFTA com uma vitória, sendo destaque em festivais e associações de críticos, além de ter sido o filme de encerramento da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. 

A indicação do filme talvez não seja uma surpresa tão grande para os dinamarqueses, considerando o extenso histórico do país na premiação, especialmente nos últimos anos. É a décima terceira indicação para um filme da Dinamarca, sendo que nos últimos 10 anos acumula impressionantes 6 indicações. A vitória quase certa de Mais uma Rodada garantiria ao país a quarta estatueta, depois de A Festa de Babete, Pelle, o Conquistador e Em um Mundo Melhor. Já Thomas Vinterberg como diretor tem poucas chances de levar a melhor, mas sua indicação certamente já é uma grande vitória para o país. 

No filme, 4 professores de Ensino Médio decidem dar nova vida às suas rotinas pacatas ao colocarem em prática a teoria pouco ortodoxa de um pensador norueguês que diz que a vida seria mais equilibrada e harmoniosa com 0,5% a mais de álcool no sangue. Partindo de uma premissa que poderia facilmente ter saído de uma comédia escrachada de Seth Rogen, Vinterberg transporta o absurdo para um contexto palpável, encontrando o perfeito equilíbrio entre a comédia e o drama. Mads Mikkelsen se entrega de corpo e alma ao papel principal, passando por uma espécie de arco de redenção que desencadeia em um final catártico e inesquecível. Em Another Round (título em inglês), os personagens podem até fazer escolhas estúpidas, mas Vinterberg em conjunto com o elenco nos faz querer apreciar cada segundo delas. – João Batista Signorelli

Emma. (Idem, Autumn de Wilde)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Estreando sua carreira no cinema, o primeiro longa da diretora Autumn de Wilde poderia ser considerado uma aposta segura: uma nova adaptação de Emma, uma das mais célebres obras de Jane Austen, que já havia tido versões para o cinema, televisão e muitas outras mídias. Estrelando Anya Taylor-Joy no papel titular da socialite inglesa intrometida do século XIX, já era esperado que Emma. fosse indicado aos prêmios de figurino e maquiagem, como todo bom filme de época.

De Wilde traz uma direção moderna e sensível ao clássico, que busca atualizar o texto sem perder a identidade tão bem estabelecida por sua autora. A premiada figurinista Alexandra Byrne compõe uma sinfonia colorida de vestidos, cartolas e coletes que adicionam textura e cor à narrativa, externalizando seus principais conflitos, estabelecendo simetrias distintas entre suas principais personagens e acompanhando suas transformações profundas ao longo da trama, seja no amor ou no status social.

Por outro lado, a equipe de maquiagem e penteados também contribui muito para o sucesso da direção de arte do filme, acentuando as particularidades de seus atores e atrizes e impedindo que eles se diluam em meio às paisagens idílicas. Os realizadores de Emma. capturam não só o espírito original do livro de Jane Austen, mas também uma qualidade estilística inteiramente própria à essa versão da história, recheada de estéticas ousadas e sofisticadas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Era uma vez um sonho (Hillbilly Elegy, Ron Howard)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Cabelo e Maquiagem 

Era uma vez um sonho não traduz nada bem as aventuras de Hillbilly Elegy. Não só pelo título genérico, mas a direção de Ron Howard desqualifica qualquer potencial discussão a respeito de pobreza, ascensão social e os traumas do passado na criação de alguém. Diacho, o filme não é bom nem na estrutura fílmica, esbanjando de momentos mortos entre a gritaria incessante de Amy Adams (gratamente esnobada) e Glenn Close (infelizmente nomeada, manchando sua bela filmografia).

Outro dos filmes aguardados da Netflix, Era uma vez um sonho foi massacrado, pela história, pela abordagem terrível da ‘comunidade’ que retrata e pelos posicionamentos políticos do homem que o inspirou. A falta de pulso firme de Ron Howard não era surpresa pra ninguém, mas o papel prestado por Close vai em desencontro à carreira artística da veterana que, quando perder o Oscar em 25 de abril, quebrará mais um recorde.

Sua interpretação da avó tem lampejos de afeto, mas o texto de Vanessa Taylor (que teve amnésia depois de roteirizar A Forma da Água e chegar aqui) não alavanca os méritos da atriz. Mesmo que fosse apenas o conto maternal de uma avó e seu neto e discutisse o papel social das avós e os laços familiares, Hillbilly Elegy aproveitaria melhor seu elenco e equipe de produção. No Oscar, Close foi nomeada para sair de mãos vazias, e o departamento de Cabelo e Maquiagem irá ouvir o discurso de agradecimento dos indicados por A Voz Suprema do Blues. Simples assim. – Vitor Evangelista

Mulan (Idem, Niki Caro)

Concorre em: Figurino & Efeitos Visuais

Depois dos live actions de Aladdin e A Dama e o Vagabundo, muitos fãs aguardavam a estreia de Mulan. Porém, ele chegou na plataforma de streaming da Disney cheio de polêmicas. A principal, e talvez a mais debatida, foi a ausência de personagens icônicos para o filme. É um pouco estranho não ouvir um “desonra pra tu, desonra pra tua vaca” tão marcante de Mushu, mas isso não é motivo para boicotes. 

Apesar da premissa das histórias serem a mesma, os acontecimentos que são desencadeados se diferem. Na obra de 1998, o empoderamento de Mulan torna-se mais palpável já que a guerreira luta e desafia as leis do seu país por mérito próprio. Já na de 2020, a força da personagem deriva do seu Chi, dando-lhe poderes sobrenaturais para elevá-la a um grau superior. A mitologia envolvida, de certa forma, descredibiliza a coragem e o esforço da soldada. Apesar disso, os figurinos escolhidos por Bina Daigeler são deslumbrantes e extremamente detalhados. A cena emblemática da casamenteira é realmente nostálgica com as cores e os tecidos usados por Mulan. Não é a primeira vez que a Disney alcança uma indicação ao Oscar de Melhor Figurino, ganhando com Alice no País das Maravilhas (2010) e Pantera Negra (2018). 

Os efeitos visuais criados pelo trabalho em equipe de Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury e Steve Ingram produzem aquela atmosfera mágica do Chi das personagens, os quais se tornam realmente lindos em tela. Nesse aspecto, a Disney também já trouxe o troféu pra casa na categoria, em 2006, com Piratas do Caribe: O Baú da Morte. Contudo, esperava-se muito da representatividade asiática que Mulan trairia consigo tanto dentro quanto fora das gravações. A consequência disso foi deixar mais evidente os problemas em torno da indústria cinematográfica, tornando-o uma visão utópica da vivência na China. Para aqueles mais aficionados pelo desenho, infelizmente tenho que te dizer que você vai se decepcionar. É preciso ter a mente aberta por ser algo independente do que foi visto na infância. Assim, a apreciação do filme será genuína. – Júlia Paes de Arruda

Pinóquio (Pinocchio, Matteo Garrone)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Roberto Benigni é viciado em Pinóquio, não existe outra explicação. Mas, pensando bem, é melhor explicar: acontece que o ator, premiado por A Vida É Bela, estrela agora sua terceira adaptação da história do menino feito de madeira. Longe do Framboesa de Ouro, a versão de 2020 emplacou duas merecidas indicações nos prêmios da Academia. Produção italiana, Pinocchio coloca Benigni na pele de Geppetto, um homem pobre que ganha o mundo ao modelar uma tora de madeira mágica, que ele batiza de Pinocchio.

As mais de duas horas de duração recontam a versão da Disney, abusando de estranhezas e caracterizações bizarras. Matteo Garrone dirige o jovem Federico Ielapi com a ingenuidade e o bom coração que o protagonista necessita, empatizando com o público logo em sua primeira travessura. As nomeações técnicas ao Oscar denotam o tato desse campo de profissionais, que busca premiar trabalhos merecedores, e não se levam por campanhas publicitárias.

A Voz Suprema do Blues é favorita em ambas disputas? Sim. Mas o poder de Pinocchio não deve ser menosprezado. A criação dos fantoches, dos seres mágicos e a estilização animalesca de personagens secundários, tudo pelo poder do Cabelo e Maquiagem, colocam o filme italiano como a possível zebra a acabar com a festa da Netflix. Vale apontar que a maquiagem do fantoche demorava 3 horas para ficar pronta. Sem contar que Mark Coulier, cabeça do departamento, nunca perdeu um Oscar, saindo vitorioso por A Dama de Ferro e O Grande Hotel Budapeste. E, mesmo que a adaptação saia de mãos abandonando, vivemos em tempos bons para os fãs de Pinóquio. – Vitor Evangelista

Tenet (Idem, Christopher Nolan)

Concorre em: Design de Produção & Efeitos Visuais

Desde 2000 sendo indicado ao Oscar, Christopher Nolan não é novo na premiação. O diretor, roteirista e produtor, que é um dos mais bem sucedidos atualmente, garantiu seu lugar esse ano com com Tenet, estrelado por John David Washington. O longa de ação acompanha o protagonista em uma missão de tentar evitar o fim do mundo do ajuda vindo do futuro. 

Apesar do plot caótico que nos deixa com uma feição quase tão apavorada quanto a de Washington, o filme tem seus pontos positivos que os levaram a duas indicações ao Oscar. Disputando na categoria de Melhores Efeitos Visuais e Melhor Design de Produção, as cenas de ação da obra possuem uma produção muito bem feita, ainda mais por misturar elementos em dois tempos, o normal e o reverso. O trabalho que ficou na mão de Scott Fisher, Andrew Jackson e Andrew Lockey garantiu o prêmio BAFTA de Efeitos para o filme, e segue na temporada de premiações para a estatueta do Oscar junto a outros grandes filmes, como O Céu da Meia-Noite.

A atuação de John David Washington, que deu um show em Malcolm & Marie, continua em alto nível. Robert Pattinson e Elizabeth Debicki deram o suporte necessário nas cenas em conjunto e serviram tão bem quanto o protagonista. Melhor amigo e par romântico de John, a química de ambos nos deixa com o coração quentinho no meio da bagunça. E quando finalmente ele consegue completar a missão, o filme acaba com um gostinho de alívio e nostalgia do futuro, onde tudo começou. – Mariana Chagas

A Caminho da Lua (Over the Moon, Glen Keane) 

Concorre em: Animação

A produção da Netflix vai além de uma história para crianças. A Caminho da Lua traz nuances da cultura chinesa ao mesmo tempo que passeia brilhantemente pelas 5 fases do luto da protagonista, a pré-adolescente Fei Fei. Ademais das particularidades bem construídas do roteiro, o filme é rico em detalhes, desde as cores mais vibrantes da lua até os traços no rosto das personagens sejam elas humanas ou criaturas de outra galáxia, como a Gobi e o coelho Pulinho.

A indicação merece destaque em meio aos escolhidos pela Academia por toda sua representatividade asiática dentro da produção, o que deixa a desejar quando olhado pelos bastidores, em que o diretor Glen Keane é norte-americano. Porém, a lista de dubladores conta com grandes nomes de descendência sul-coreana, como Sandra Oh, e chinesa, como Cathy Ang.

Portanto, A Caminho da Lua é um dos indicados mais promissores para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021 por toda sua representatividade e brilhantismo no esboço, principalmente quando ela embate com o público das grandes produções pop da Disney como Dois Irmãos e Soul. – Larissa Vieira

A Concerto is a Conversation (Idem, Ben Proudfoot e Kris Bowers)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

A Concerto Is a Conversation é um documentário em curta-metragem, distribuído pela The New York Times e produzido por Kris Bowers, um pianista de sucesso que divide o protagonismo do doc com seu avô, Horace Bowers. Em apenas treze minutos, o curta consegue emocionar e inspirar, principalmente com as falas do patriarca da família que relata sua história dentro de uma sociedade racista e busca incentivar o neto a continuar seu trabalho. “Nunca pense que você não deveria estar lá. Porque você não estaria lá se você não deveria estar lá.”

Kris Bowers já vem recebendo os olhares de Hollywood há um tempo. Recentemente compôs a trilha sonora da queridinha série da Netflix, Bridgerton. Ele também assina as canções de Green Book, o problemático e infelizmente vencedor do Oscar de Melhor Filme em 2019. Já tendo sido indicado até ao Grammy, agora em 2021 ele concorre na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem. – Ana Júlia Trevisan

Agente Duplo (El Agente Topo, Maite Alberdi) 

Concorre em: Documentário 

A América Latina está muito bem representada na categoria de Melhor Documentário em 2021 com Agente Duplo. A produção chilena não tem o mesmo hype que o nosso Democracia em Vertigem tinha quando alcançou seu lugar na lista final dos indicados ano passado, mas é tão digno de ser apreciado quanto. Com uma narrativa charmosa, divertida, leve e gentil sobre o processo de envelhecimento na contemporaneidade, o filme cria um ar de ficção ao redor da trajetória de Sergio Chamy, que embarca numa nova ocupação depois de enviuvar aos 80 anos.

Agente Duplo é atraente e amigável, mas a Academia segue imune às qualidades de filmes latino-americanos, que neste ano, foram notados apenas com a nomeação do documentário, mesmo com uma lista extensa de produções dignas de reconhecimento. Queria muito falar sobre as grandes chances da fantástica diretora Maite Alberdi nessa categoria de ouro, mas se nem com a campanha quentíssima de 2020 conseguimos chegar perto do Oscar de Melhor Documentário, infelizmente também não será dessa vez. – Raquel Dutra

Amor e Monstros (Love and Monsters, Michael Matthews)

Concorre em: Efeitos Visuais

Filmes pós-apocalípticos podem ser extremamente pretensiosos. Um protagonista heroico e medíocre, algum desastre natural, e as fórmulas básicas se encaixam. No entanto, em Amor e Monstros, não vemos nada disso. Talvez um pouco de heroísmo, mas Dylan O’Brien dá conta do recado na comédia estilo Zumbilândia com insetos gigantes dirigida por Michael Matthews. As pontinhas de drama e romance completam o longa que surpreende pela diversão e pelo ritmo contagiante, e, bem, os monstrões carismáticos também não ficam para trás – não é à toa que a única indicação no Oscar 2021 foi na categoria de Efeitos Visuais.

O supervisor da área, Matt Sloan, mesclou efeitos práticos, uma equipe de artistas com foco em criaturas e muita criatividade para chegar no resultado final, utilizando os efeitos visuais apenas quando seus bichos já estavam praticamente prontos. Na hora da indicação, Sloan não estava sozinho. Seu nome veio acompanhado de Genevieve Camilleri, Matt Everitt e Brian Cox nos méritos da peça singular que foi comprada pela Netflix. 

O filme foi incrivelmente bem recebido por crítica e público, e a indicação ao Oscar com certeza deu um gás para novos espectadores. Apesar disso, as chances da estatueta ir para as mãos de Tenet ou O Céu da Meia-Noite são infinitamente maiores – o que é uma pena, pois nenhum dos dois possui criaturas tão singulares quanto as de Matt Sloan e sua equipe. – Caroline Campos

Better Days (少年的你, Derek Tsang)

Concorre em: Filme Internacional

O filme que fica de lado na categoria de Melhor Filme Internacional possui uma infeliz característica em comum com o favorito ao Oscar de Melhor Filme: ambos foram censurados no país de origem de seus realizadores. E ao contrário da resolução que Nomadland encontrou em solo americano, Better Days não teve como fortalecer sua corrida ao prêmio da Academia dentro da China.  

Dirigido por Derek Tsang, o drama é uma das produções orientais mais esperadas e bem-avaliadas de 2020. Através da adaptação de Lam Wing Sum, Li Yuan, e Xu Yimeng do romance In His Youth, In Her Beauty, de Jiu Yuexi, Better Days conta história de Chen Nian (Zhou Dongyu), uma estudante vítima de bullying que desenvolve um elo forte com Liu Beishan (Jackson Yee) depois que ambos se envolvem em um caso de homicídio. 

Os grandes nomes no elenco e o sucesso que o filme encontrou nas bilheterias e nas premiações locais não foram suficientes para engatar sua visibilidade e reconhecimento. Better Days foi prejudicado pelos conflitos de China e Hong Kong, e os espectadores sequer poderão assistir seus representantes marcando a história do Cinema no Oscar, já que a cerimônia não está autorizada a ser transmitida no país. – Raquel Dutra

Colette (Idem, Anthony Giacchino)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Anos se passam, gerações se transformam, épocas e sociedades se renovam, mas existem temas que são para sempre, e Colette existe nesse sentido. Em seus 25 minutos, o documentário explora a jornada de Colette Marin-Catherine, que quando jovem, lutou contra os nazismo junto da Resistência Francesa. Por toda a sua vida, ela se recusou a pisar na Alemanha, mas isso muda quando a jovem estudante de história Lucie a contata buscando mais informações para uma pesquisa que realiza sobre o Holocausto. Juntas, as duas confrontam o passado visitando locais onde os piores horrores da Segunda Guerra Mundial foram cometidos.

O filme não tem muita voz em meio aos outros indicados a Melhor Documentário em Curta-Metragem, mas constrói seu poder junto do processo individual de Colette. Conforme a militante reabre suas feridas em prol de algo maior enquanto critica veemente a ideia de transformar cenários de horrores como algo turístico, Colette usa seu espaço no Oscar para ressaltar que memorar tragédias a fim de evitar repetições de horrores sempre será uma das funções da arte. – Raquel Dutra

Crip Camp: Revolução pela Inclusão (Crip Camp: A Disability Revolution, Nicole Newnham e James LeBrecht) 

Concorre em: Documentário 

Crip Camp: Revolução pela Inclusão poderia ser piegas, chato ou desrespeitoso. Crip Camp poderia ser enfadonho, repetitivo ou de mau gosto. Mas Crip Camp não é nada disso. Nova produção da Higher Ground, o documentário da Netflix é bem sucedido em todas as suas escolhas estéticas e narrativas.

Começando como um registro histórico que documenta a estadia de uma porção de jovens com deficiência no Acampamento Jened, a direção de Nicole Newnham e James LeBrecht catapulta quem assiste a uma jornada emocional digna da maior premiação do Cinema. LeBrecht é criatura e criador, dirige e estrela, aproxima seus amigos de longa data da câmera e transpassa o vínculo pela telinha da Netflix.

Acompanhar o envelhecimento dos campistas, sua luta social e as mudanças que conseguiram realizar, além de conhecer a fundo suas vidas, amores, paixões, problemas e pensamentos, é um prato cheio para o gênero documental e para o cinema como um todo. É improvável que Crip Camp bata o favoritismo de Professor Polvo, mas sua reles presença na lista de 2021 já tira o amargo da língua pela pesarosa vitória do ano passado. – Vitor Evangelista 

Destacamento Blood (Da 5 Bloods, Spike Lee)

Concorre em: Trilha Sonora Original 

A guerra do Vietnã já foi base para muitos cineasta se aventurarem – de Kubrick a Coppola, passando por Oliver Stone e Brian De Palma. Quando se trata do cinema de Spike Lee, no entanto, o buraco é bem mais embaixo. O épico Destacamento Blood, lançado em junho de 2020 pela Netflix, pode ser uma das mais recentes referências audiovisuais quando se trata do conflito e, principalmente, dos resquícios deixados nos envolvidos. O jogo de fotos e vídeos, a narrativa essencialmente racial e os questionamentos em cima dos direitos civis nos EUA atual compõem a obra de tirar o fôlego do diretor que, infelizmente, só conseguiu a indicação em Melhor Trilha Sonora Original. Mais uma vez, o nome de Lee integra a lista dos esnobados da edição. 

Terence Blanchard foi o responsável por essa única memória do longa no Oscar 2021. Amigo de longa data de Spike Lee e vencedor de diversos prêmios Grammy, Blanchard é parte primordial da alma conturbada de Destacamento Blood. O músico já é familiarizado com o tapete vermelho, pois seu trabalho em Infiltrado na Klan também rendeu uma indicação na mesma categoria em 2019, tornando Terence o único homem negro a concorrer duas vezes em Melhor Trilha Original. Em 2021, pela primeira vez, dois homens negros foram indicados para essa estatueta: Blanchard divide a categoria com Jon Batiste que, ao lado de Atticus Ross e Trent Reznor, são os favoritos ao prêmio pelo trabalho em Soul.

Entre todas as categorias que o longa poderia ter abocanhado – Melhor Filme, Diretor, Montagem -, a ausência mais inacreditável foi a performance impressionante de Delroy Lindo como Paul, um dos quatro veteranos negros que vão atrás de um tesouro perdido e dos restos mortais de seu comandante. Os monólogos, trejeitos e atitudes do personagem produzem uma das atuações mais intensas do ano, podendo facilmente ter entrado no lugar da batida interpretação de Gary Oldman. Os Bloods na selva profunda de Lee mereciam muito mais atenção das grandes premiações. Agora, só nos resta seguir exaltando o cinema de excelência de Spike Lee. – Caroline Campos

Do Not Split (不割席, Anders Hammer) 

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem 

Do Not Split possui uma trajetória memorável. O curta documentário dirigido por Anders Hammer, que acompanha os protestos em Hong Kong marcados pela brutal repressão da polícia e um desmonte organizacional em decorrência da pandemia, recebeu fortíssimas críticas do governo chinês – incluindo um alerta para as emissoras locais não transmitirem a cerimônia do dia 25. Hammer documenta, na linha de frente, todas as bombas de gás, balas de borracha e sprays de pimenta que os protestantes tiveram que enfrentar na luta por democracia. A crueza e força do documentário coloca o espectador no centro dos conflitos, com uma narrativa pessoal e crítica acerca da Lei de Segurança Nacional e as extradições para a China continental.

Ao lado de outros quatro curtas potentes, o favoritismo, no entanto, se inclina em direção ao tocante Uma Canção para Latasha. Mesmo assim, Do Not Split garantiu a terceira indicação para a produtora Field of Vision, que disponibilizou os 35 minutos de seu filme no YouTube. A obra corajosa de Anders Hammer, que também se arriscou no Afeganistão em meio a Guerra ao Terror, já instiga no seu título: não se separem. Independente do resultado da premiação, a visibilidade em cima de um tema ainda tão atual e tão delicado para a população de Hong Kong já vale a indicação. – Caroline Campos

Dois Estranhos (Two Distant Strangers, Travon Free e Martin Desmond Roe)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action 

George Floyd, Breonna Taylor, Tamir Rice, Eric Garner, Freddie Gray… Todas essas pessoas possuem mais do que a cor em comum – compartilham também da farda que lhes tiraram injustamente a vida. Dois Estranhos, curta-metragem distribuído pela Netflix e dirigido por Martin Desmond Roe e Travon Free, também roteirista, nos mostra como esse ciclo de repressão, violência e sangue contra a população negra é impossível de ser quebrado, até mesmo quando tudo parece estar dando certo. Indicado à categoria de Melhor Curta em Live Action no Oscar 2021, Two Distant Strangers é o favorito para levar a estatueta. 

O famoso rapper Joey Bada$$ interpreta Carter James, um jovem negro que possui um único objetivo – chegar em casa e encontrar com seu cachorro. A tarefa extremamente simples se complica quando James se encontra num looping, onde o policial Merk (Andrew Howard), um branco de meia idade e extremamente racista, tenta o matar das mais diversas maneiras, todos os dias. Até mesmo quando parece que veremos um resultado, o sorriso de realização no rosto do personagem é interrompido pelos barulhos de tiro mais uma vez.

Durante os 32 minutos na tela, nunca saímos do lugar enquanto acompanhamos o  personagem acordar na mesma cama e voltar para o ciclo vicioso que representa as falsas promessas de que vidas negras importam. O maior concorrente de Dois Estranhos na premiação desse ano é justamente The Present, também cotado como um dos mais fortes na categoria. A tendência, no entanto, é Travon Free e Martin Desmond Roe levarem o prêmio para casa. Assim como a música que toca em replay nos fones de ouvido de James, “esse é o jeito que é, algumas coisas nunca vão mudar”. – Vitor Tenca

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica (Onward, Dan Scanlon)

Concorre em: Animação 

Que a Pixar é um grande sucesso, ninguém pode negar. Pioneira das animações em computação gráfica, muitos de seus filmes – além da função de entretenimento – oferecem uma visão existencialista sobre a vida para atingir de forma subconsciente às crianças e cirúrgica aos adultos. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica aproxima-se dessa mesma linha de raciocínio, ainda mais por se tratar de um fato particular do diretor Dan Scanlon. 

Ambientado na cidade fictícia de New Mushroomton, somos apresentados à Ian e Barley Lightfoot (Tom Holland e Chris Pratt, respectivamente), dois irmãos elfos que, em luto, buscam uma maneira mágica de trazer o pai de volta à vida. De cara, já é possível ver em tela as feições de seus dubladores, o que garante um afeto aos personagens de trejeitos desengonçados e divertidos. 

Mesmo não sendo o favorito para ganhar a estatueta, o filme de Dan Scanlon e Kori Rae tem suas maravilhas. Os animais fantásticos unidos à sensação de alegria facilmente atrai as crianças, mas os adultos sentem o peso dos tópicos sensíveis que são abordados. O lidar com o luto, o relacionamento entre irmãos e até mesmo a garra de uma mãe solteira em criar seus filhos são pontos-chave que embelezam o enredo. Na verdade, tais fatos o fizeram vencer a categoria de Melhor Filme no Dublin International Film Festival. Dessa forma, a animação disponibiliza o equilíbrio perfeito entre risadas e lágrimas acaloradas, valor digno para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021. – Júlia Paes de Arruda

Estados Unidos Vs Billie Holiday (The United States vs. Billie Holiday, Lee Daniels)

Concorre em: Atriz

No ano da diversidade, e com tantos atores não-brancos brilhando em ótimos trabalhos, é uma pena que a poderosa Andra Day se encontre presa ao opaco Estados Unidos Vs Billie Holiday. A jovem cantora estreia nas telas de Cinema interpretando um ícone e coletando a única indicação do filme ao Oscar 2021, na categoria de Melhor Atriz. Corrida essa aberta, visto que cada uma das nomeadas venceu um precursor. Tudo começou em fevereiro, com a própria Day levando o Globo de Ouro, sucedida por Carey Mulligan e seu Critics Choice, Viola Davis com um SAG e Frances McDormand no BAFTA.

Pela segunda vez na história, duas negras disputam a estatueta principal no mesmo ano. Day e Davis buscam se tornar a segunda atriz a vencer a honraria, depois de Halle Berry, no longínquo 2002. Ademais, outra curiosidade que salta os olhos é a coincidência que assola a figura de Billie Holiday. A primeira vez que duas atrizes negras foram indicadas juntas foi em 1973, que tinha na lista Cicely Tyson e Diana Ross, essa segunda interpretando, é claro, a cantora Billie Holiday. – Vitor Evangelista

Feeling Through (Idem, Doug Roland)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Robert Tarango, que interpreta Artie em Feeling Through, já é parte da história. O ator é o primeiro surdo-cego a ser escalado em um filme, algo totalmente inédito no cinema. A personagem, que também é uma pessoa com deficiência, recebe ajuda de Tereek (Steven Prescod) para pegar um ônibus e voltar para casa. A interação entre os dois rende momentos sensíveis e emocionantes, reflete sobre invisibilização e explora uma forma de comunicação através do tato. 

Apesar de pioneiro na surdo-cegueira, Feeling Through ainda tem problemas ao lidar com uma pessoa com deficiência. O curta de Doug Roland infelizmente não abandona a concepção capacitista de que devemos ter ‘dó’ ou ‘pena’ de PCDs, e a construção do texto dá a impressão de que o personagem de Tereek é transformado em salvador após o simples ato de ajudar Artie, que é quase que colocado como um recurso narrativo para fornecer inspiração. Pessoas com deficiência são muito mais que isso, e não devem ser utilizadas para dar um exemplo de uma vida ‘pior’, e sim apenas uma vivência diferente. – Jho Brunhara

Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, David Dobkin)

Concorre em: Canção Original 

Presente em apenas uma categoria do Oscar 2021, Festival Eurovision da Canção é a joia perdida da cerimônia. Camuflado no catálogo da Netflix entre tantos outros grandes nomeados, o filme de David Dobkin toca as notas certas para emocionar, divertir e se diferenciar da competição. Na história, Sigrit (Rachel McAdams, a cara da Sandy) e Lars (Will Ferrell no único papel bom de sua carreira) sonham em ganhar o Festival Eurovision. 

Representando a Islândia, a dupla luta e consegue chegar à competição, mas no caminho dá de cara com uma porção de obstáculos, desde uma Demi Lovato zumbi até elfos mágicos e americanos burros. A Canção Original nomeada é Husavik, de linda composição creditada à Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson. Cantada no memorável clímax de The Story of Fire Saga, a música pode surpreender na cerimônia pelo fator espetáculo, visto que é a única das 5 Canções propriamente performada no filme. Dedos cruzados para a dupla conquistar mais essa! – Vitor Evangelista

Genius Loci (Idem, Adrien Merigeau)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Sentimentos antagônicos te invadem ao assistir Genius Loci. Ao mesmo tempo que não sabemos direito o que está acontecendo na transformação dos desenhos, sabemos o rumo exato que os traços irão percorrer. As figuras desenhadas com tinta hidrográfica ganham estrutura com os breves diálogos que servem para nortear o telespectador nessa viagem dimensional. Genius Loci é o caos instaurado em figuras geométricas e cores vibrantes, com uma complexidade que vai além de sua curta duração.

Genius Loci é um termo latim que significa espírito local. A tradução nos ajuda a entender um pouco mais da mistura de sensações causadas pela pintura, a transformação de Reine em loba transpõe a incansável busca da protagonista por apoio e compreensão. Produzido pela Kazak Production, o curta é de origem francesa e tem seus loucos e impressionantes traços assinados por Merigeau. Ele concorre ao Oscar de Melhor-Curta Metragem de Animação ao lado do queridinho da Disney e do pavoroso Yes-People. – Ana Júlia Trevisan

Greyhound – Na Mira do Inimigo (Greyhound, Aaron Schneider)

Concorre em: Som

Dirigido por Aaron Schneider e escrito pelo próprio Tom Hanks, Greyhound é um tiro descartado da Apple TV+. A produtora emplacou Wolfwalkers com aclamação da crítica, e sem o apelo de Soul, em Melhor Animação, mas errou a mão com o longa marítimo de Hanks. A história pouco importa, visto que os noventa minutos se encarregam de colocar os marinheiros para lá e para cá numa encruzilhada durante a Segunda Guerra Mundial.

Depois de uma recepção apática no lançamento, a campanha de Greyhound focou nas categorias técnicas, especificamente a de Efeitos Visuais e Som. Aparecendo apenas na segunda, com nomeação creditada à Warren Shaw (vencedor do Emmy por The Night Of), Michael Minkler (vencedor de 3 Oscars, o mais recente por Dreamgirls), Beau Borders e David Wyman. O trabalho sonoro é formidável, e a junção das categorias de Mixagem e Edição em uma ajudou Greyhound a se estabelecer na corrida.

Entretanto, um filme ruim com bom trabalho técnico não se justifica. A história recente da Academia preza por premiar espetáculos musicais e campos de guerra, e 2021 parece se encaminhar para a primeira opção, com a possível vitória de O Som do Silêncio. Ainda sobre Greyhound, podemos perceber que algo está faltando num longa de guerra quando nossa maior preocupação é o estado da jaqueta de couro de Tom Hanks depois de ele tomar tanta chuva. – Vitor Evangelista

Hunger Ward (Idem, Skye Fitzgerald e Michael Scheuerman)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Assistir a Hunger Ward é testemunhar a realidade de uma em cada quatro crianças no Iémen. O curta-metragem indicado ao Oscar 2021 retrata a rotina da médica Aida Alsadeeq e da enfermeira Mekkia Mahdi em duas clínicas de alimentação terapêutica no país, onde lutam para salvar crianças da morte por desnutrição. O diretor dinamarquês Skye Fitzgerald não hesita em filmar a agonia dos pacientes e de suas famílias em seus momentos mais vulneráveis e usa dessa exposição para escancarar as implicações e sequelas da fome, que é usada como arma na guerra que assola o Iémen. 

Mesmo que Hunger Ward não gaste saliva dando aula sobre o conflito e foque em documentar a realidade nas clínicas, não se acovarda e, ao final, lembra que a guerra que causou tudo aquilo é financiada pelo país anfitrião da premiação. O curta não é o único que trata de pautas políticas e sociais: Do Not Split, Uma Canção para Latasha e Colette – quatro dos cinco indicados – também abordam seus diferentes temas sob óticas politizadas e humanizadas, em uma categoria com histórico de vitórias na mesma linha.

O trabalho de Fitzgerald já é familiar à Academia, que nomeou seu antecessor Lifeboat à mesma categoria em 2019, ainda que não o premiou. Quem levou a estatueta foi Absorvendo o Tabu, da Netflix, que esse ano também tem um concorrente na disputa, mas a pequena vantagem não prevê nada quando os outros nomeados da categoria também ostentam indicações. A competição é acirrada pela imprevisibilidade, mas a vitória – ou derrota – não anula o poder do cinema humanitário de Hunger Ward, que, como um sobrevivente pediu, mostra ao mundo o quanto as pessoas do Iémen sofrem. – Vitória Lopes Gomez

O Céu da Meia-Noite (The Midnight Sky, George Clooney) 

Concorre em: Efeitos Visuais

Depois da campanha caótica de Tenet e o abandono parcial da Warner, a categoria de Melhores Efeitos Visuais ganhou mais um competidor com chances reais de vencer. O Céu da Meia-Noite, drama de ficção científica da Netflix dirigido por George Clooney, conta a história de Augustine, um cientista que tenta impedir que seus colegas astronautas retornem à uma Terra pós-apocalíptica do futuro. A equipe responsável pelos efeitos é composta por Matthew Kasmir, Christopher Lawrence, Max Solomon e David Watkins.

O apelo do CGI espacial de O Céu da Meia Noite pode ajudar o longa na categoria, mas mesmo com uma campanha fraca, Tenet ainda tem chances de se dar bem. O que acontece é que os votantes de Efeitos Visuais não costumam ligar tanto assim para campanhas milionárias, e são fiéis aos méritos técnicos de cada indicado. Também é importante lembrar que filmes com temática espacial costumam se dar bem em cima de blockbusters, como por exemplo na vitória de O Primeiro Homem contra Vingadores: Guerra Infinita. Agora é só aguardar para ver se quem sairá vitorioso será Clooney ou Nolan. – Jho Brunhara

O Grande Ivan (The One and Only Ivan, Thea Sharrock) 

Concorre em: Efeitos Visuais

O debate sobre animais circenses é um assunto polêmico e extremamente sensível. Porém, a Disney conseguiu abordar esse tema de uma maneira simples e descontraída em O Grande Ivan. O enredo gira em torno do gorila Ivan (Sam Rockwell), a atração de um circo dentro de um centro comercial. Porém, com a chegada de problemas financeiros, o dono Mack (Bryan Cranston) substitui Ivan pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com a nova integrante no picadeiro, o gorila passa a repensar a vida que leva dentro do estabelecimento. 

Os efeitos visuais presentes no filme foram de responsabilidade de Nick Davis (que já foi indicado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. Esse método promoveu fidelidade aos animais, por imitar as texturas de pelos e penas. A imagem computadorizada, além de evitar maus tratos com os bichos, promovem uma interação mais legítima e menos superficial com os seres humanos. Se você não é fã de filmes com animais falantes, O Grande Ivan não é para você. Contudo, sua trama desenvolta e, em alguns momentos, engraçada não é algo de se jogar fora. – Júlia Paes de Arruda

O Tigre Branco (The White Tiger, Ramin Bahrani) 

Concorre em: Roteiro Adaptado

Quem se depara com a trama de O Tigre Branco espera um filme clichê e sem sal com alguma história de superação ou até uma pitada de romantização da pobreza. Muito disso vem do preconceito contra o cinema indiano e sua variedade de histórias, pesando na valorização de qualquer obra ambientada no país. No entanto, a aposta da Netflix dirigida por Ramin Bahrani foge de qualquer estereótipo injusto do gênero. The White Tiger, no original, foi lembrado no Oscar pela sua maior qualidade: o roteiro. Baseado no livro homônimo de Aravind Adiga, Bahrani também assina a adaptação que garantiu a assertiva indicação em Melhor Roteiro Adaptado.

A luta anticapitalista e a tentativa de sair do galinheiro das castas indianas levam Balram ao limite e além, sempre com diálogos sagazes e um retrato cruel da relação servo-mestre que rendeu ao filme o apelido de Parasita indiano, principalmente pelo destino dos patrões em ambos os longas. Priyanka Chopra Jonas, que não só atuou como também produziu O Tigre Branco, foi a responsável pelo anúncio dos indicados a premiação no dia 15 de março, e, ao lado do marido Nick Jonas, pode espalhar o nome de seu filme em alto e bom som como parte oficial da seleção do Oscar esse ano. Apesar da surpresa boa, a obra não tem chances na categoria, que, se decidir não premiar Nomadland, vai entregar o prêmio a Meu Pai. – Caroline Campos

Opera (Idem, Eric Oh)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Fugindo das breves narrativas mais convencionais de alto apelo emocional que costumam se destacar na categoria de Melhor Curta de Animação, Opera é uma experiência visual que vai para além do cinematográfico. Deixando de lado a tradicional sucessão de planos planejados para contar uma história, o curta é uma maquete, uma estrutura, um sistema complexo em suas centenas de intrincadas camadas que operam até a sua autodestruição e ressurgimento. É uma ilustração animada que resume ao seu modo toda a história da humanidade, e se isso parece ambicioso demais para 8 minutos de imagens programadas em um computador, pode ter certeza que o filme é páreo para suas próprias pretensões. 

O fato de ser um filme ser tão diferente talvez se explique se voltarmos à sua concepção original, tendo sido pensado originalmente pelo artista Erick Oh, ex-animador da Pixar Animation, como uma instalação artística, onde o vídeo poderia ser visto várias vezes pelo observador. Não à toa, o curta suplica para ser reassistido: há uma riqueza infinita de situações representadas em todos os cantos da tela, todas recebendo igual atenção. Uma das grandes inspirações para Oh foram murais renascentistas, como o teto da Capela Sistina por Michelangelo, que impõe grandeza ao mesmo tempo que apresentam uma cadeia riquíssima de informações visuais. A instalação artística virou curta, e dos prêmios em festivais veio a indicação ao Oscar. Agora só nos resta torcer para que a Academia seja páreo para o curta de Erick Oh. – João Batista Signorelli

Pieces of a Woman (Idem, Kornél Mundruczó)

Concorre em: Atriz

Dramático, intenso, envolvente, angustiante, emocionante, essas são algumas das palavras usadas para definir Pieces of a Woman. Contando a história de um luto de uma mãe que perde sua filha durante o parto em casa, a produção se mostra cuidadosa na construção de um ambiente sentimentalmente vazio após toda dor da tragédia. A narrativa se concentra em condenar culpados pela morte da bebê, com a família convencida que o certo a se fazer é julgar a parteira no tribunal, a protagonista – contra essa decisão – se vê sozinha lidando com os sentimentos que a consomem.

Interpretada por Vanessa Kirby, e graças à sua atuação visceral que quase causa dor física no telespectador, por tamanha entrega na personagem, Pieces of a Woman chegou nas premiações de 2021. A atriz que já venceu o British Television Awards por seu papel em The Crown, esteve presente em todas premiações que antecedem o Oscar, inclusive o BAFTA que contou apenas com ela e Frances McDormand (vencedora) da lista do tapete vermelho. Ao lado das gigantes Viola Davis e Carey Mulligan, as chances de Vanessa levar a estatueta de Melhor Atriz por Martha Weiss são baixas, mas a chuva de indicações é merecida. – Ana Júlia Trevisan

Professor Polvo (My Octopus Teacher, Pippa Ehrlich e James Reed)

Concorre em: Documentário

Professor Polvo retrata de maneira incrível a amizade entre o mergulhador Craig Foster e um polvo. O documentário mostra de forma emocionante como a interação do ser humano com o ambiente marinho se torna uma investigação e aprendizado sobre o comportamento animal. De modo sensível, o mergulhador vai desenvolvendo amor, respeito e um sentimento de proteção para com o molusco, o que se amplia para ações coletivas de preservação e proteção do ambiente.

A narrativa documental apresenta uma ousada e elaborada técnica de filmagem, permitindo ao espectador a sensação de mergulhar junto a Craig e de ver o mundo com seus olhos. Foi indicada na categoria de Melhor Direção em Documentário do Directors Guild of America Award, e ganhadora em Melhor Documentário no Sindicato de Produtores da América e no British Academy Film Awards. As premiações recebidas e sua indicação ao Oscar fazem do longa documental o favorito da categoria na referida premiação. 

É um documentário poético e crítico, com um tom ambientalista assertivo. Ele não força a empatia e o entendimento de importância e da manutenção dos recursos ambientais, realiza de modo lento, progressivo (quase que como o andar do polvo) e sensibilizador esse sentimento em quem o assiste. As escolhas de narrativa, captação de imagens e trilha sonora para o que se conta também são o ponto de grande acerto da produção e que o justificam como favorito a levar a estatueta dourada do Oscar. – Ma Ferreira

Quo Vadis, Aida? (Idem, Jasmila Žbanić)

Concorre em: Filme Internacional

Druk – Mais uma Rodada está bem posicionado para vencer a categoria de Melhor Filme Internacional, mas Quo Vadis, Aida? pode surpreender e ser uma das zebras da noite de 25 de abril. O longa bósnio conta a história de um episódio da Guerra da Bósnia, o massacre de Srebrenica, do ponto de vista da tradutora da ONU Jasna Đuričić, que tenta garantir a segurança de seu marido e seus filhos, ameaçada pelos militares sérvios. 

O filme, importantíssimo em suas motivações políticas, é brutal, de forma a escancarar um evento terrível da história humana que não pode ser ignorado. A última vez que o país venceu a categoria no Oscar foi em 2002, com Terra de Ninguém, batendo o francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain. – Jho Brunhara

Rosa e Momo (La vita davanti a sé, Edoardo Ponti) 

Concorre em: Canção Original

Esnobado pelos italianos que preferiram levar o documentário Notturno para representar o país no tapete vermelho, Rosa e Momo chegou à premiação graças à sua canção original Io Sí, ternamente interpretada por Laura Pausini. O filme marca a volta da consagrada Sophia Loren às telinhas, após quase uma década sem protagonismos. Dirigido pelo filho da atriz, Edoardo Ponti, a não-indicação em categorias mais relevantes de atuação deixa o questionamento se futuramente veremos o diretor tentando emplacar uma produção com sua mãe.

Sophia Loren não está sozinha em Rosa e Momo. O ator mirim Ibrahima Gueye se destaca em todas as cenas que aparece, mostrando uma excelente atuação verbal e não-verbal e sendo reconhecido por  seu trabalho com a indicação ao Critics Choice Awards na categoria de Melhor Ator/Atriz Jovem. Mesmo ficando de fora do Oscar, a produção italiana conseguiu espaço no Globo de Ouro e no Critics Choice Awards, ambos em Melhor Filme em Língua Estrangeira.

Io Sí é composta por Diane Warren, que é a mulher com maior número de indicações ao prêmio da Academia sem nunca ter ganho uma estatueta. A música foi premiada no Globo de Ouro e agora concorre ao maior prêmio do cinema estadunidense ao lado de Fight for You, Hear My Voice, Husavik e Speak Now, lembrando que a última do Leslie Odom, Jr., saiu vencedora do Critics Choice Awards. – Ana Júlia Trevisan

Se Algo Acontecer… Te Amo (If Anything Happens I Love You, Will McCormack e Michael Govier) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Entre as milhares de apostas da Netflix na premiação, Se Algo Acontecer… Te Amo é uma que se destaca. O curta-metragem, dirigido por Will McCormack e Michael Govier, é um retrato de uma luta frequente entre os estadunidenses, que é a perda de seus filhos em tiroteios no ambiente escolar. A partir da perspectiva de um casal, a delicada animação navega por todas as fases do luto, criando uma bela história sobre superação. 

A obra conta com a vencedora do Oscar Laura Dern na produção, e tem os traços de Yougran Nho como elemento importante para a composição do seu significado. Todo esse trabalho só poderia resultar em uma indicação para o prêmio da Academia, em Melhor Curta de Animação. E a narrativa ainda permanece como uma das favoritas na categoria, podendo derrubar outros grandes nomes como Toca e Opera. – Vitória Silva

Shaun, o Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca (A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon, Richard Phelan e Will Becher)

Concorre em: Animação

Em um tempo onde a animação digital monopoliza o mercado, e a cada ano a Pixar se desenvolve a cada filme com texturas e realismo de cair o queixo, a Aardman Animations vai na contramão e insiste em permanecer produzindo suas animações em stop-motion: um processo caro, trabalhoso, mas infinitamente recompensador ao se concretizar na tela, e de certa forma mais atemporal do que qualquer inovação tecnológica do momento. O estúdio já tem um longo histórico na premiação, com um total de 8 indicações e 3 vitórias na categoria de Curta de Animação, além de uma vitória para o longa Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais, e uma indicação para o primeiro filme da franquia do carneiro Shaun. Tendo sido lançado em 2019 na Inglaterra, foi distribuído pela Netflix no mercado internacional, tornando-se apto à premiação de 2021. A indicação foi mais do que merecida, ainda que não tenha chances de vitória por conta de um certo concorrente pouco competitivo. 

Brincando com todos os clichês do sci-fi com homenagens que vão de E.T. – O Extraterrestre a Sinais, o longa de Will Becher e Richard Phelan diverte pelo ritmo ágil, impressiona pelo nível de detalhamento e criatividade de sua animação e cenário, e cativa com a simplicidade de sua história. Shaun, O Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca nos mostra não é necessária uma única palavra para se contar uma boa história, que o humor físico ainda pode ser engraçado, e que uma animação não precisa explicar todo o sentido da existência humana para ser indicada ao Oscar (ouviu, Pixar?). É, por fim, tudo de bom para a minha criança interior. – João Batista Signorelli

The Letter Room (Idem, Elvira Lind) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Repetindo as temáticas que surgem dos problemas do sistema prisional norte-americano, The Letter Room se volta para a questão da privacidade. O curta de Elvira Lind acontece pela perspectiva do segurança Richard (Oscar Isaac), que almeja uma vaga de emprego no setor de RH da penitenciária em que trabalha e acaba como fiscal da correspondência dos presos. Esperando topar com conversas sobre tráfico, terrorismo e demais planos ilícitos, o que o funcionário encontra são escritos sentimentais e que confrontam sua própria forma de levar a vida.

A diretora conhecida pelo documentário Bobbi Jene estreia no Oscar com um filme que pensa sobre um problema grandioso de forma sutil, concordando com boa parte dos demais indicados a Melhor Curta-Metragem em Live Action. O nome e a atuação de Isaac, aqui entregando algo diferente do que estamos acostumados a ver vindo dele, é algo que dá sustância ao filme, assim como Alia Shawkat – presente também no esnobado First Cow – , que toma o filme apenas com sua voz. Mas The Letter Room não é o favorito à estatueta. – Raquel Dutra

The Man Who Sold His Skin (الرجل الذي باع ظهره, Kaouther Ben Hania)

Concorre em: Filme Internacional

A indicação do selecionado da Tunísia é uma das surpresas da seleção do Oscar 2021. Vindo de uma ótima recepção no Festival de Veneza de 2020 (onde concorreu às principais categorias da mostra Orizzonti, vencendo em Melhor Ator), O Homem que Vendeu sua Pele garantiu seu lugar na disputa de Melhor Filme Internacional mesclando reflexões sobre cultura, política, sociedade, ética e arte, numa demonstração grandiosa do potencial da diretora Kaouther Ben Hania. 

O filme acompanha Sam Ali (Yahya Mahayni), um jovem sírio que migrou de seu país para escapar da guerra. Desamparado, ele recebe uma proposta para transformar seu corpo numa obra de arte e enxerga nisso uma oportunidade para finalmente alcançar sua liberdade, mas logo suas escolhas originam algumas de suas principais agonias. 

O Homem que Vendeu Sua Pele é uma das obras mais contemporâneas numa seleção que memora décadas passadas em suas principais categorias. Mesmo que não esteja próximo de arrematar o prêmio, a obra é digna de reconhecimento, especialmente por conta do trabalho de Ben Hania, uma incentivadora assídua do trabalho de mulheres no Cinema fora do eixo Estados Unidos-Europa, notada num ano recorde de mulheres indicadas ao Oscar. – Raquel Dutra

The Present (الهدية, Farah Nabulsi)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

The Present, curta palestino, conta a história de um pai e sua filha que precisam cruzar a fronteira entre a Cisjordânia e Israel para comprar uma geladeira nova e ir ao mercado. Apesar da trama aparentemente simples, aqui Farah Nabulsi desenvolve as questões políticas já conhecidas e a forma abusiva com que as autoridades militares israelenses tratam os cidadãos palestinos.

Saleh Bakri e Maryam Kanj interpretam suas personagens de forma sensível e assertiva, e mostram diretamente ao espectador a agonia diária dos residentes da Palestina que apenas querem sobreviver, e realizar tarefas básicas do dia a dia. The Present é o primeiro curta palestino a ser indicado na categoria, e se vencer, será a primeira produção do país a receber uma estatueta do Oscar. – Jho Brunhara

Time (Idem, Garrett Bradley)

Concorre em: Documentário

História, relevância, repercussão, técnica, simpatia, coesão, sentimento e informação. Time tem tudo o que um favorito ao Oscar de Melhor Documentário precisa, e porque ele não é a produção mais provável de abocanhar a estatueta da categoria eu também não sei. O filme do Amazon Prime Video aborda numa ótica pessoal um dos temas mais urgentes da América que já foi reconhecido pela Academia através de outro documentário indicado em 2017.

Estamos falando de um filme bem distribuído, estamos falando de uma história próxima, sensível e com personagens envolventes, estamos falando da política de encarceramento em massa e estamos falando de A 13ª Emenda, da renomada Ava DuVernay. Com esses elementos, é fácil entender a razão da indicação, e é difícil entender o motivo de tudo isso muito provavelmente passar em branco mais uma vez pelo Oscar.

Outro aspecto favorável é o histórico da jovem diretora Garrett Bradley, que venceu o prêmio de Direção em Documentário e concorreu ao Grande Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Sundance em 2020. Time também marcou presença nas principais categorias do Critics Choice Documentary Awards, uma das premiações mais importantes do gênero, mas sua brilhante caminhada não foi o suficiente para alavancar a corrida ao Oscar, que tem se comportado de forma duvidosa com seus documentários. – Raquel Dutra

Toca (Burrow, Madeline Sharafian)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Animação e Disney são quase sinônimos, tendo seu carro-chefe nos desenhos, as produções sempre deixam o nome na temporada de premiações. Para 2021, além do estrondoso sucesso de Soul que está ganhando todos os doces da festa, os estúdios Pixar trouxeram Toca. Programada pra ser a animação exibida no cinema momentos antes do longa, teve seu lançamento direto no Disney+ por conta da pandemia.

Nos últimos quatro anos, os curtas da Disney levaram a melhor na categoria duas vezes – 2017 com Piper e 2019 com Bao – e estiveram presentes todos os anos. Toca, que representa a Disney esse ano, foi escrito e dirigido por Madeline Sharafian e produzido por Mike Capbarat e faz parte da série de produções SparkShorts: curtas-metragens de animação independentes, criada por funcionários temporários dos estúdios Pixar. 

Com apenas seis minutos, o short film aquece o coração até dos mais amargurados. A história da coelhinha em busca de um lar e o trabalho conjunto feito em torno disso, é um ombro amigo em tempos tão difíceis. Apesar de ainda ser uma dúvida, não será surpresa alguma se além dos prêmios de Soul, a Disney colocar na prateleira a estatueta de Melhor Curta-Metragem Animado. – Ana Júlia Trevisan

Uma Canção para Latasha (A Love Song for Latasha, Sophia Nahali Allison)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

No dia 16 de março de 1991, em Los Angeles, Latasha Harlins, uma garota negra de 15 anos de idade, foi morta segurando dois dólares após ser falsamente acusada de ter roubado uma garrafa de  suco de laranja que custava um dólar e setenta nove centavos, em uma loja de conveniência. No entanto, não houve justiça, já que a autora do crime recebeu liberdade condicional depois do pagamento de uma multa de 500 dólares e cumprido 400 horas de trabalho comunitário.

O curta-documentário A Love Song For Latasha produz uma conversa entre o passado e o presente por meio do testemunho de Ty, a melhor amiga de Latasha, com o intuito de nos apresentar quem era a jovem que teve sua vida perdida por causa de um suco. Além do emocionante depoimento da melhor amiga, o curta também é construído com ajuda de belíssimas cenas que são compostas por imagens com efeitos VHS, que nos ajudam a teletransportar para os anos 90, e a utilização de animações para recriar as cenas do momento do assassinato de Latasha Harlins, sem explorar a morte de forma gratuita.

 O curta-metragem de 19 minutos, que relata sobre caso que ocorreu 30 anos atrás, possui ainda grande significado para nossa sociedade, pois mostra que por trás de toda estatística de jovens negros mortos, existem pessoas que tiveram seus sonhos interrompidos por causa da cor da sua pele ou classe social. Deve-se ressaltar que ele foi selecionada para participar de 13 dos principais festivais de Cinema dos Estados Unidos da América, como o Tribeca Film Festival e o Sundance Film Festival, e que também já conquistou 5 prêmios. Atualmente está concorrendo na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem no Oscar 2021 e pode ser visto no serviço de streaming Netflix. – Maria Antonia Soares Roberto

White Eye (Idem, Tomer Shushan) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

O representante de Israel na categoria, White Eye, é uma experiência visual e social ao longo de seus 20 minutos. Gravado em plano sequência (sem cortes), assistimos um jovem reencontrar sua bicicleta que foi roubada semanas antes. Porém, há um detalhe: ela está presa por uma corrente, e provavelmente está sendo utilizada por outra pessoa. Em primeiro momento, torcemos para que ele possa recuperar o objeto. Mas, ao descobrirmos que ela foi revendida para um trabalhador de baixa renda que a utiliza para levar sua filha à escola todos os dias, o julgamento moral começa a dobrar.

Para o dono da bicicleta roubada, recuperar o objeto que um dia pertenceu a ele parecia mais uma questão pessoal do que econômica, a ponto de insistir até o último segundo que ela fosse devolvida, mesmo que através de intervenção da polícia. Para o comprador, que não temos como saber se tinha conhecimento de que era fruto de um roubo, aquela bicicleta tinha uma importância muito maior: era sua forma de locomoção, que permitia que sua filha recebesse educação, e que faria muita falta se a perdesse. 

White Eye não quer discutir se roubar é certo ou errado, ou quem era o verdadeiro dono da bicicleta. O curta parece ter como principal propósito evidenciar a diferença socioeconômica entre as duas personagens, e mostrar que, às vezes, o que é cegamente justo não é certo, e que precisamos levar em conta as condições de vida de cada um e seus privilégios. – Jho Brunhara 

Wolfwalkers (Idem, Tomm Moore e Ross Stewart)

Concorre em: Animação

Sim, você sabe que o Oscar de Melhor Animação vai para Soul. Eu sei, a Academia sabe, todo mundo sabe. Mas isso significa que o longa da Disney é irrefutavelmente o melhor entre os indicados? Não necessariamente, e, se você ainda não está convencido, dê uma chance para Wolfwalkers. O longa irlandês de Tomm Moore e Ross Stewart custou 1% do que foi gasto na produção da Pixar e sua indicação ao Oscar 2021 foi uma das mais comemoradas no mundo animado. Recriado a partir de desenhos aquarelados feitos a mão com lápis e papel, a história de Mebh e Robyn chama a atenção pela beleza dos traços, os relacionamentos lindamente construídos e uma narrativa fantasiosa com base no folclore irlandês.

Os cenários da floresta, os lobos e suas transformações produzidos pelo estúdio Cartoon Saloon podem não ser tão refinados quanto os mínimos detalhes de seu maior concorrente, mas possuem um charme único em 2D que pode tranquilamente bater de frente com o monopólio Disney-Pixar que já é conhecido no Oscar. A revolução naturalista liderada por duas garotas contra o fanatismo religioso de um colono faz um apelo em prol da defesa do meio ambiente essencial para adultos e crianças. Inclusive, há brasileiros envolvidos na produção. O quadrinista Eduardo Damasceno e a animadora Tatiana Mazzei integram o time de profissionais talentosíssimos por trás de Wolfwalkers.

Desde que o estúdio animado foi criado em 1999 na cidadezinha de Kilkenny, na Irlanda, ele já acumula 5 indicações ao Oscar. Neste ano, a aventura de Mebh e Robyn não deve passar batido, mesmo que saia de mãos vazias no tapete vermelho. A astúcia e coragem de uma amizade improvável em um contexto mais improvável ainda é uma das peças mais belas da atual temporada de premiações. – Caroline Campos

Yes-People (Já-Fólkið, Gísli Darri Halldórsson) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

A animação islandesa indicada na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar 2021, Yes-People, fala mais sobre o ser humano do que podemos imaginar. Com diálogos construídos apenas pela palavra ‘sim’, o filme acompanha a rotina de diferentes personagens ao longo de um único dia. Além de todo brilhantismo no enredo, a produção ainda é muito singular em seus traços ao longo de toda obra. Além disso, a palavra ‘sim’ ainda ganha total importância no momento que as personagens, e consequentemente nós, entendemos como ela pode afetar não só nosso dia, mas também nossa vida.

Já-Fólkið também merece todo reconhecimento da Academia quando mostra a representatividade do advérbio, principalmente quando, no último momento, ele é contraposto com seu antônimo, ‘não’. O filme então, quase como uma comédia reflexiva, passa sua mensagem ainda mais a fundo e deixa registrado seu peso em meio aos concorrentes da categoria. – Larissa Vieira

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