Henrique Marinhos

Não é novidade que ‘ser brat’ é sobre quebrar regras. Charli XCX não só entende isso como vive essa filosofia há um bom tempo. Brat and it’s completely different but also still brat é paradoxal e só poderia ser assim. A coletânea de remixes – se é que podemos definir assim – não se trata da adição de versos ou uma versão estendida; é uma desconstrução completa do álbum original, completamente diferente e, ainda assim, brat.

Mais lento, impregnado de colaborações e profundamente diferente, ele chega a soar como a versão primária quando aplicamos o que comumente consumimos como remix. O álbum conta com a produção de A. G. Cook e Danny L Harle, mestres do experimentalismo eletrônico que moldaram o hyperpop e PC Music como os conhecemos. Com um toque etéreo, as faixas são mergulhadas em novas camadas de distorção e vulnerabilidade. Ironicamente, com sua atmosfera eletrônica frenética e caótica, Brat poderia facilmente ser o verdadeiro remix.

Por que mudar todas as músicas? Porque ela quer e pode. E quem quiser a versão original, que volte para ela. Reclamar disso é como resmungar sobre um buffet que oferece dezenas de opções: escolha o que quiser e vá em frente. XCX nos dá fartura sonora e liberdade total. O remix não substitui, ele expande, amplia e destrói ao mesmo tempo. É completamente diferente. Ela sabe disso e nós sabemos disso, não foi falta de aviso.

Para alguns, pode soar frustrante, mas essa é exatamente a graça: não entregar ao público o que ele espera – algumas vezes funciona, outras nem tanto. Sympathy is a klnife featuring ariana grande, a aguardada colaboração com a ‘dangerous woman’, é para quem alcançou o topo e descobriu que a vista é solitária. Enquanto todos esperavam que Grande assumisse o protagonismo, ela surge como uma backing vocal quase imperceptível, jogando contra as expectativas e deixando um gosto agridoce. É o desconforto em forma de som e do que ele poderia ser.

Por outro lado, B2b featuring tinashe, segunda colaboração com a intérprete de Nasty, é um dos momentos mais iluminados do projeto. A química entre as duas se renova e brilha mais uma vez, celebrando a trajetória de ambas. As artistas relembram sucessos como 2 On e Boom Clap, enquanto a faixa carrega a energia pulsante de 5 In The Morning. É como se as duas se reconhecessem e abraçassem nesse reencontro, celebrando anos de luta, perseverança e evolução artística em uma indústria implacável.

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A campanha visual foi um espetáculo à parte. Outdoors espalhados pelos Estados Unidos anunciaram as colaborações como se fossem atrações de um festival: Ariana Grande, Tinashe, Caroline Polachek, The 1975, Lorde, Troye Sivan, Billie Eilish, shygirl e muitos outros. Cada um, cuidadosamente escolhido, foi encaixado em faixas que potencializam o tema original. Essas escolhas foram estupidamente precisas.

Lorde, por exemplo, traz uma sensibilidade quase espectral à faixa em que participa, com vocais suaves que pairam como uma névoa e ressoam sobre polêmicas de anos: a rivalidade feminina encontra sua redenção em Girl, so confusing featuring lorde. Já 365 featuring shygirl, é pura insanidade sonora. Um frenesi eletrizante que invade os sentidos, como se cada batida fosse uma chicotada, com menos batidas por minuto em relação à primeira versão, mas tão potente quanto.

Se a melancólica I might say something stupid featuring The 1975 & Jon Hopkins captura o peso do arrependimento, a agitada B2b featuring tinashe, celebra as garotas workaholics. Enquanto Talk talk featuring troye sivan provoca: “vamos para minha casa?”, Everything is romantic featuring Caroline Polachek, desacelera em uma balada trágica e esperançosa. Lado a lado, Von dutch a. g. cook remix featuring Addison Rae e Guess featuring Billie Eilish são cult, clássico, pop, e brincam com calcinhas deixadas para trás. Essas e outras faixas têm seu momento: o que hoje é um skip, amanhã é o repeat.

Tudo é sobre fartura e liberdade, que não agradam a todos e tampouco se preocupam em ser previsíveis. A dinâmica das colaborações não é só complementar; elas expandem o que as primeiras versões tinham a dizer. Definitivamente não são enfeites, mas peças-chave e indispensáveis, na maioria dos casos. Mesmo que algumas faixas não tenham suprido as expectativas de alguns, ainda sobram 16 no original e mais três na versão deluxe.

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Brat and it’s completely different but also still brat é um manifesto sobre liberdade criativa e uma rejeição declarada à ideia de que algo precisa ser definitivo. A artista nos convida a abraçar o imprevisível, aceitando que a Arte nunca está pronta e, sim,  em constante construção, como nós. No fim, o álbum é uma metáfora para a própria vida: nada é imutável e cada versão é só mais uma entre tantas outras possíveis.

Não gostou? Sem problemas. A versão original ainda está disponível, esperando por você. Agora temos mais opções. Podemos comparar, escolher ou simplesmente nos perder em todas elas. Em um mundo obcecado por estabilidade e nostalgia, Charli XCX nos lembra que a verdadeira diversão está na transformação constante. Afinal, ‘ser brat’ é isso: viver sem pedir permissão.

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Henrique Marinhos

Provando por ‘A+B’ que opera nas margens do mainstream, não por falta de talento ou oportunidade, mas porque simplesmente quis assim, Charli XCX tornou-se uma força motriz na Arte contemporânea. Um álbum. Um movimento. Um estilo de vida. BRAT é quase inadjetivável e não tem espaço para introspecções ou profundidades poéticas excessivas. É o agora.

Das noites de Londres para o mundo, o álbum não se limita aos clubes e raves ilegais em que se inspira. É uma injeção de ânimo ao acordar, um saudosismo em relação a década de 2000, um manifesto do próprio Id – conceito freudiano da natureza humana – e sua primitividade. A internet o abraçou com todo coração, tanto em seus momentos mais agressivos quanto vulneráveis, afinal, até cortar a ‘brisa’ encaixa no conceito.

O termo que costumava descrever uma pessoa teimosa ou malcriada, que não segue regras e trilha seu próprio caminho, consagrou-se como algo muito maior do que qualquer um esperava. Ele é representado por uma capa verde neon com fonte preta pixelada e transcende seu sentido. É, inegavelmente, a obra mais memorável de 2024, tendo como produtores principais A. G. Cook e EASYFUN, parceiros de longa data de XCX no PC Music.

Em uma entrevista à Vogue Singapura, Charli XCX conta que queria algo ofensivo, um tom de verde fora de moda para despertar a ideia de que algo estava errado. Ela queria provocar as pessoas e conseguiu. BRAT passa longe de ser só uma audição passiva. É um convite – ou melhor, um desafio –  a participar de uma narrativa transmídia, conectando diferentes plataformas e públicos, cruzando estéticas visuais, sonoras e comportamentais para criar algo maior do que a soma de suas partes, como bem dizia Henry Jenkins. 

Essa estética tão fora de moda acabou sendo o lançamento mais moderno de 2024, virou meme, trend, se tornou viral no TikTok e no X (antigo Twitter), e tudo isso não foi à toa. Orquestrar esses efeitos de sentido, criando uma rede colaborativa entre ela e seus fãs é uma jogada precisa, pensada, que vai muito além de soltar uma música e esperar que aconteça algo.

Depois disso, ela nunca mais poderia andar de metrô com seus fãs em SP, mas os palcos da ZIG estão reservados para quando quiser voltar. Seu alterego Partygirl veio ao Brasil e evocou a pirralha – tradução literal de brat – de 15 anos que conheceu um cara no MySpace e a chamou para tocar em suas raves ilegais em Londres, marcando o início de sua carreira.

Apesar de tudo que a mídia a faz sentir, em Von dutch, produzido por EASYFUN, Charli XCX sabe seu valor. O  batidão do primeiro single dita o tom sonoro e visual do álbum, a artista – com ‘A’ maiúsculo – repetidamente agride câmeras no clipe, as joga de escadas, sobe em asas de aviões, se lança em carrinhos de mala e ‘dá closes’. Longe de qualquer prepotência, ela sabe que pode fazer tudo isso porque “É óbvio, sou sua número um”.

Creditada como compositora de todas as faixas, Charlotte Aitchison  traz pensamentos rápidos, ‘bobeiras’ que falamos bêbados e exageros deliciosos que nos fazem rir. BRAT não é o lugar de procurar qualquer comparação com Clarice Lispector. Mas nem por isso deixa de ser extremamente inteligente. Não é surpresa alguma que provocar efeitos de sentido intencionais e usar a convergência midiática com tamanha maestria exige um trabalho extremamente minucioso, e traz resultados mais eficazes que lançar vários trabalhos em curtos espaços de tempo; cof, cof, Taylor Swift, Ariana Grande…

Tudo aqui é uma narrativa interligada, mesmo que introspecção e críticas não sejam o foco, podemos discorrer sobre elas por um período de tempo. Em suma, essa nova era explora as pressões da vida moderna, especialmente para mulheres que estão na casa dos 30. Temas como maternidade, amizade, fama e a constante busca por autenticidade são costurados ao longo das faixas e nos clipes, às vezes, com remendos, porém se propondo a quebrar os moldes da identidade feminina criados pelas expectativas sociais. No clipe de 360, dirigido por Aidan Zamiri, XCX chama todas as It Girls para provar seu ponto: Rachel Sennott, Julia Fox (mencionada em versos), Chloe Cherry, Gabriette (do Nasty Cherry) e Richie Shazam, ainda com a participação de A.G. Cook, produtor e precursor do PC Music.

A maternidade, por exemplo, surge de forma sensível em I Think About It All the Time, onde a cantora reflete sobre o desejo de ser mãe. “Mas finalmente conheci meu amor/E um bebê pode ser meu […] Se eu não ficar sem tempo/Isso daria um novo propósito à minha vida?”. Pensando sempre em sua carreira e conquistas pessoais frente às expectativas de terceiros, é uma das faixas que, sonoramente, mais destoam do tom de rave e hyperpop.

Paralelamente, existe So I, faixa feita em luto. “Sempre na minha mente/Todo dia, toda noite/Sua estrela é a mais brilhante de todas”. Nessa música, Charli se permite chorar e sentir tudo o que tem para sentir. É uma faixa menos acelerada e muito mais pessoal. É como se abrissem seu diário, citando seus momentos no palco e os pensamentos que a levam a fazer homenagem à Sophie, assim como Crash, dedicado à ela em 2021.

As nuances entre admiração e competição também são muito bem exploradas em Girl, So Confusing: “As vezes penso que você me odeia/Às vezes penso que te odeio”. Indireta ou não, associaram à Lorde. Seja pela tensão entre ser comparada constantemente ou pelo desafio de preservar a autenticidade no meio. Em mais uma polêmica, todo conflito se dissolveu nos versos do feat sugerido pela estrela de Melodrama. “Você me contou como estava se sentindo/Vamos resolver isso no remix”;  a troca de indiretas em stories teve uma interpretação dúbia.

O mesmo aconteceu com Sympathy is a knife, outra situação em que seus fãs foram na contramão à mensagem que XCX quis passar, tecendo uma crítica à polidez forçada e às rivalidades escondidas. Isso foi o suficiente para a fanbase, que mordeu a isca. O alvo da vez? a ‘loirinha’ mais polida do pop, Taylor Swift. A suposta dona de uma simpatia que parece amigável, carregada de intenções negativas junto a julgamentos ocultos disfarçados de elogios, reforçando o tema de vulnerabilidade em meio à fama. Mas logo os fãs se calaram (online e presencialmente). Em pronunciamento, Charli XCX afirmou ser contra manifestos que ‘enterravam’ sua possível rival, “A Taylor morreu”.

Cultivando profundo senso de nostalgia pela década de 2000, as referências à estética e cultura Y2K permeiam todo o álbum, se concentrando em faixas como Club Classics, literal e intencionalmente intitulada. A faixa evoca tanto o espírito despreocupado quanto a rebeldia e estética do período, sem celulares, só com a noite para viver. No entanto, como sempre, misturando-os com sons eletrônicos modernos desde o lançamento de 1999 feat. Troye Sivan.

O cantor australiano praticamente se manifesta como o público alvo principal de BRAT. De propósito ou não, a comunidade LGBTQIAP+ foi a que mais engajou, divulgou e sentiu todo processo cultural do álbum. Desde conceitos como adolescência tardia, liberdade para sermos quem somos, ou quaisquer outros espaços de libertação – que envolvam ou não aditivos a lá 365 –, o Id é, provavelmente, o conceito em que mais podemos associá-lo, por mais técnico e academicista que possa parecer.

Em termos freudianos, diferente do ego e superego, o Id representa nossos impulsos e desejos básicos, frequentemente em conflito com as expectativas sociais. Agressiva e conflitante, ela explora temas de desejo, quebra de limites, fala o que vem à mente, mesmo que acabe pesando o clima e ‘cortando a brisa’ ao perguntar o motivo de – com liberdade poética – querer comprar uma arma e atirar em si mesma de tanta vergonha.

No fim, BRAT é sobre si mesmo. Quando todos estão malucos em uma festa, ninguém se importa com quem você é, quais roupas está vestindo, como você dança, se está feliz, na sua própria bad trip ou preocupado com seu ex no telefone. Ninguém está ligando e você também não deveria, porque essa noite vai acabar. E quando essa euforia se dissipar durante o dia, tudo que você vai querer é que a noite chegue novamente.

BRAT não é um álbum perfeito e nem se propõe a isso. É um disco intencional e minucioso. Charli XCX merece tudo que tem conquistado e o que ainda está por vir. Ao escutarmos, pulamos algumas faixas, deixamos outras no repeat e isso varia para cada pessoa. Com o projeto, estamos de volta aos primeiros anos da década de 2000, lembrando do valor de estar presente e de viver cada instante plenamente.

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Fábio Gabriel Souza

A Arte precisa sempre ser inovadora? Essa pergunta guiou a discussão de muitos fãs, especialistas e entusiastas de cultura pop ao escutarem Something To Give Each Other. Troye Sivan, em seu terceiro álbum de estúdio lançado em Outubro de 2023, nos leva a uma viagem dançante, eletrizante e intimista, que celebra a liberdade de expressão queer. Longe de ser inovador e revolucionário, o álbum é o que se propõe a ser: pop. 

Em uma melancólica estreia de 2015, com Blue Neighbourhood, Sivan cantou sobre descobertas e emocionou milhares de ouvintes com uma profunda identificação da comunidade LGBTQIA+. Depois, em Bloom (2018), o australiano, já um pouco mais maduro, versou sobre a vida adulta e suas primeiras experiências amorosas sexuais. Enquanto, nesses álbuns, ele procura seu lugar no mundo com inúmeras descobertas e ‘primeiras vezes’, no atual projeto, o cantor desenvolve uma persona madura e vivida, cantando sobre a sua independência e liberdade, embalado por ritmos que remontam ao pop disco e à Música eletrônica da década de 1980.

“Este álbum é o meu presente para você – um beijo na pista de dança, um encontro que se transformou em um fim de semana, uma paixão, um inverno, um verão. Festa após festa, após festa, após festa. Desilusão, liberdade. Comunidade, irmandade, amizade. Tudo isso <3” 

– Troye Sivan via X

Em Rush, música escolhida como lead single, somos levados a uma noite de ‘curtição’. Com batidas eletrizantes e dançantes, a canção indicada ao Grammy de 2024 canta sobre a cultura LGBTQIA+. Partindo de um estilo sensual e homoerótico, vemos um artista seguro de si e da sua sexualidade, livre para, enfim, celebrar a sua liberdade. Tudo isso é notável em versos como “Tão bom quando desaceleramos a gravidade, tão bom/É tão bom, é tão bom/Respire uma, duas, três vezes, pegue tudo de mim, tão bom”, em que a sexualidade é celebrada. Com um ritmo enérgico, Troye Sivan ainda canta sobre a falta que sente de um amor que está distante e como ele próprio está se sentindo. Segundo o website Pitchfork, o músico trata as festas e o sexo como um ato quase religioso.

Começando tão agitado, o álbum logo entra em um segundo ato e sofre uma queda de ritmo. Ao diminuir o flow em One of Your Girls, Sivan conta um segredo com um vocal sussurrado; a música é sobre a atração do eu lírico por um homem hétero. A canção constrói uma atmosfera sexy em volta de uma narrativa do proibido ser mais gostoso. Sendo fiel aos seus vocais, a composição propõe leveza e sensualidade. Em um videoclipe ainda mais polêmico, o artista performa vestido de drag queen e denuncia a submissão imposta com grande frequência aos homens gays. Refletindo seus pensamentos e dando continuidade, ele traz um desabafo em um ritmo desacelerado, com uma batida expansiva e taciturna, que transforma em beat e poesia caótica os sentimentos de uma pessoa apaixonada e obcecada.

Ao compor sobre sentimentos, é impossível não tratar da saudade e Troye Sivan sabe disso. Em alguns momentos, o artista retrata momentos perdidos e a falta de um amor do passado que ele não pode voltar a ter com um lirismo triste e profundo. É nítida a dificuldade de seguir em frente, mas com uma certa maturidade, o eu lírico entende que é um processo necessário, porém, dolorido, como o amor pode ser. O final da faixa entrega batidas distorcidas que provocam confusão, como um curto-circuito de tanto pensar. Com a mesma calmaria, Can’t Go Back, Baby é embalada por uma sonoridade com batidas constantes, que não traz surpresas, característica que reflete monotonia. Com referências do pop alternativo, Sivan se força a seguir em frente mesmo sentido dor e tenta se convencer sobre como é impossível voltar atrás ao cantar “Eu queria, mas não posso voltar (não posso voltar no tempo, querido)/Para os dias em que eu achava que te conhecia”.

Retratando os altos e baixos da vida, o australiano traz um sopro de animação para o disco com músicas sensuais e envolventes, de sonoridade pulsante, cantadas de uma forma sexy. Got Me Started, por exemplo, é uma mistura de pop e R&B contemporâneo, tendo um sample de Shooting Star (2009) da dupla Bag Raiders. A faixa reflete uma intensa noite de paixão e culmina em uma catarse vibrante sobre honestidade sexual: um grito queer sobre amar e querer quem quiser. Essa narrativa é muito bem representada em um videoclipe que exalta diferentes corpos e sexualidades, enquanto as luzes da cidade de Bangkok, onde foi gravado, leva o artista em uma dança agitada e divertida  – bem diferente do cenário de Rush, que sofreu críticas pela falta de diversidade no elenco.

Em uma balada dançante, Silly retrata Troye Sivan perdido. O próprio ritmo da música demonstra a confusão na cabeça do eu lírico e a constante vontade de esquecer um amor do passado. Ao cantar que “Eu ainda te amo mais do que eu deveria dizer/Só estou tentando colocar toda essa porra de lado/Não preciso de ninguém aqui pra me consolar/Só estou tentando sair disso”, entendemos que a composição é sobre uma noite de festa para esquecer.

O albúm mostra que a Música é para além de letras e, muitas vezes, sobre o conjunto da obra, afinal, somos surpreendidos a todo momento por uma experiência sinestésica. Honey, por exemplo, é toda sobre excessos, muitos sons, instrumentos e toques distintos que provocam um jogo de emoções inexplicáveis. E a Música é isso, um êxtase provocado por um misto de desejos e sensações. A repetição de versos como “ao longo do tempo” e “em minha mente” demonstra a urgência sentida pelo artista que, em entrevista à revista Rolling Stone Austrália, revelou que a canção foi inspirada em um ‘caso de uma noite’ em West Hollywood e representa seu despertar emocional, que também culminou no desenvolvimento do disco.

A confusão se faz presente quando Sivan sente coisas lindas, mas vive um momento em que não sabe se existe possibilidade para dar continuidade. O saxofone, presente em vários minutos da canção final, por exemplo, adiciona uma melancolia na aura, que também está marcada em sua própria letra: “Querido, volte, me dê mais um beijo/Estou um pouco perdido sobre como ficar com você”. Além disso, a falta de intimidade que ele sente atualmente na relação também é motivo desse sentimento, como retratado em “Não tenho flores, mas o que vale é a intenção/Queria que você morasse um pouco mais perto”; retratando a desesperança no amor, diferentemente de outros trabalhos, como Angel Baby (2021), que retrata uma idealização amorosa.

Em resposta aos questionamentos que podem ser feitos quanto a qualidade artística do álbum, conclui-se que a Arte nem sempre precisa ser inovadora, mas sim, ser uma expressão do ‘ser’ e claro, deve ser boa, o que Troye Sivan entrega com maestria ao trazer uma sonoridade que se encaixa perfeitamente durante todo o disco – inclusive em momentos que o ritmo cai, mas não perde a identidade musical –, com letras envolventes e sinceras, que emanam emoções cruas, e visuais que representam, definitivamente, uma era. No auge da sua proposta artística, o australiano nos leva a um ‘rush’ no universo construído milimetricamente por ele, cheio de tesão, ternura, noites de boate e, até mesmo, glory holes.

Com uma nota sólida no contador de críticas Metacritic e ótimas avaliações da crítica especializada, Something To Give Each Other é sobre vivências queer, amores que deram certo e errado, e ser honesto consigo mesmo e com a confusão de se entender. Aos 28 anos (na época), Sivan finalmente canta sobre suas experiências LGBTQIA+’s abertamente, sem camuflá-las em metáforas. Claramente, é uma odisséia sobre os altos e baixos do coração, mas não só isso, é sobre vivê-los com intensidade. O álbum é uma jornada de autoconhecimento e uma ode a liberdade sexual, amorosa e queer, além de um lembrete de que nunca paramos de procurar algo para dar ao outro.

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O ato de ouvir Música se tornou tão imprescindível que pode até ser confundido com uma banalidade. Banal não no sentido ruim, mas sim de algo tão essencial, que, por assumir uma parcela gigantesca de nossas vidas, à medida que cresce em escala, não consegue acompanhar o tamanho em definição. Chega um momento em que ele se torna apenas… ouvir Música. Para não cair nesse limbo chamado lugar comum, o Persona retorna com sua já tradicional lista de Melhores Discos.

Se 2023 nos reservou um retorno ao início do século graças à Saltburn e Todos Menos Você, aqui focamos essencialmente no que foi criado no ano que passou e, assim como os grandes players da indústria, deixamos o TikTok de lado para embarcar no ato arcaico de se ouvir um álbum de cabo a rabo. O resultado foram 93 produtos que embalaram e deram sentido para o ano.

Não podemos negar que foi o ano de Taylor Swift. Mesmo sem um trabalho de inéditas, o pomposo Speak Now (Taylor’s Version), o agora litorâneo na mesma medida que cosmopolita 1989 (Taylor’s Version) e os resquícios de insônia de Midnights – claro, aliados a gigantesca The Eras Tour – serviram para ecoar o sucesso estrondoso que ela calcou. Ainda na ditadura loira do pop, sua pupila Sabrina Carpenter apareceu para o mundo também com obras repaginadas: primeiro, enviando os anexos que esqueceu no corpo do e-mail e, no fim do ano, trazendo um pouco de malícia para o Natal.

Quem retornou de forma inédita foi a rival de Carpenter, Olivia Rodrigo. Após a acidez de SOUR, a artista volta a expor seus sentimentos de uma forma nada ortodoxa: arrancando suas entranhas. O sentimentalismo, dessa vez mais bonito, mas igualmente doloroso, está presente no alinhamento estelar das boygenius, ao mesmo tempo que Mitski declamava todo seu amor para as paredes de um galpão vazio.

Ao longo das 93 obras, temas conversam entre si, mas a homogeneidade é proibida. Troye Sivan e Pabllo Vittar querem festejar, mas enquanto um é a efervescência do durante, a outra é o desejo do pós. Os latinos KAROL G e Bad Bunny falam sobre o amanhã de formas diferentes: ela com esperança, ele com incerteza. Letrux abordava o reino animal e Ana Frango Elétrico se transmuta em feline. Marina Sena se viciava na selva de pedra enquanto Chappel Roan se assustava com os prédios. Jão quer ser cada vez mais superlativo, à medida que Post Malone se recolhe em suas origens. Metallica sente a passagem de tempo, diferente de Kylie Minogue, que nem o vê passar.

Tal cenário só é possível pois a Música e toda sua imensidão atuam como um espaço de diversidade e liberdade, no sentido mais amplo das palavras. E nada mais justo do que celebrá-las no ano de passagem da Padroeira da Liberdade. O Melhores Discos de 2023 é por Rita Lee, que é gente fina na Música e na eternidade.

Taylor Swift – 1989 (Taylor’s Version)

Em mais uma regravação extremamente esperada pelos fãs, Taylor resgata o sorriso, o cabelo curto, os pássaros e o antigo amor por Harry Styles em 1989 (Taylor’s Version). Além da nostalgia em reviver uma era de ouro, Swift consegue elevar ainda mais a experiência de ouvir hits antigos com sua evidente melhoria vocal e refino técnico – tudo parece igual mas, ao mesmo tempo, tudo é diferente. 

Longe dos prédios altos de Nova Iorque que marcaram 1989 pela primeira vez, a compositora relembra sua conturbada história com o ex-One Direction nas faixas From The Vault, que misturam a acidez de um coração partido, a vontade de dar certo e as inúmeras fofocas acerca do affair da época. Todos sabiam das idas e vindas do casal, mas ninguém esperava as alfinetadas tão certeiras em Is It Over Now?.

Traçando um paralelo entre passado e o presente, fica aqui a dúvida se, durante a regravação, Taylor também não se identificou novamente com Clean ou I Wish You Would em razão dos mesmos boatos do fim de seu relacionamento com Joe Alwyn. A compositora mostra que, no fim, sempre irá conseguir contar seu lado da história, nem que seja nove anos depois. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Is It Over Now?, Style e Say Don’t Go.

Geese – 3D Country

Ao contrário do nome, 3D Country é um álbum que vai muito além de três dimensões. O segundo disco do (agora) quarteto estadunidense Geese – o guitarrista Foster Hudson anunciou sua saída do grupo em dezembro de 2023 – é um prato cheio que oferece ao ouvinte tudo e mais um pouco. Narrando vagamente a jornada de um cowboy que toma drogas alucinógenas no meio do deserto, as músicas atravessam sem parar sonoridades que abrangem desde o soul e R&B até o progressivo e noise, tudo em uma grande mistura que não deveria funcionar, mas funciona.

Na sua estreia em Projector (2021), a banda contou com o produtor Dan Carey, que já trabalhou com diversos nomes da cena pós-punk inglesa contemporânea; no entanto, para esse novo disco, o grupo convocou James Ford, parceiro de longa data do Arctic Monkeys. O novo produtor trouxe uma abordagem muito mais diversificada para a sonoridade geral do álbum, dando forte protagonismo à seção rítmica da banda – detalhe evidente em músicas como Cowboy Nudes e I See Myself. Além disso, o disco possui uma dinâmica impecável entre as faixas, oscilando entre momentos crus, sujos e passagens limpas, elegantes, com direito a poderosos arranjos de orquestra e backing vocals.

Com um som pautado principalmente nas décadas de 1960 e 1970, o grupo veste suas influências de forma natural e orgânica, nunca com medo de deixá-las transparecer. Apesar disso, os vocais e letras de Cameron Winter se destacam como uma mistura autêntica de sabores, assim como as linhas de baixo e guitarra que se entrelaçam encantadoramente com as levadas de bateria e percussão. A química musical presente aqui entre todos os membros da banda é algo de se invejar, além de ser deliciosa de se ouvir. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Domoto, 3D Country e Mysterious Love

Metallica – 72 Seasons

As primeiras 72 estações ou 18 anos na vida de uma pessoa são essenciais para entender a construção de sua identidade e o seu comportamento na fase adulta. Lançada de surpresa junto do título do décimo primeiro disco do Metallica, a faixa Lux Æterna é basicamente uma ode aos primeiros anos, sendo a escolha perfeita para introduzir toda a ideia por trás de uma obra que avança em sonoridades mais profundas, embora recorra a repetições do passado para isso.

Na contramão do riff divertido do single, a inspiração de James Hetfield para conceitualizar toda essa luz que invade o cenário de destruição infantil da arte de capa foi um livro analítico sobre a infância. Não é novidade que o frontman da maior potência do thrash metal saiba abordar a raiva e o ressentimento em letras fortes, mas dessa vez, ele traz uma maturidade diferente – ainda que os temas sejam os mesmos de sempre –, com o melhor vocal desde os tempos do Black Album.

E, se as primeiras 72 seasons do Metallica explicam os rumos tomados pelo quarteto, atualmente composto por Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett e Robert Trujillo, o disco prova que chegou no tempo certo. Com Greg Fidelman na produção, solos improvisados e a composição mais longa da carreira se destacando como uma das melhores da discografia, o álbum marca uma nova era para a banda, sendo o seu melhor lançamento deste século. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: You Must Burn!, Crown of Barbed Wire e Inamorata

IZA – AFRODHIT

IZA é, sem dúvidas, uma das maiores artistas brasileiras contemporâneas e em seu novo álbum ela mistura funk, R&B, pop e rap e muito estilo. O disco tem como pano de fundo o momento delicado da vida pessoal pelo qual cantora passou recentemente, o que o leva ser uma jornada de autoafirmação, empoderamento e reconhecimento das origens e dos caminhos que trouxeram a artista ao topo

AFRODHIT conta com 6 participações de artistas como Djonga, Mc Carol, Tiwa Savage e L7NNON. As músicas cantam libertação com muita emoção, com letras que tocam em assuntos como desejo e autonomia financeira. Os grandes destaques do álbum são Que Se Vá e Nunca Mais, músicas que pincelam em pontos íntimos da carreira e vida de IZA, e ainda trazem uma forte crítica social em seu texto. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Que Se Vá, Nunca mais e Bonzão

Pabllo Vittar – AFTER

O que vem depois da noitada? De acordo com a artista Pabllo Vittar, o pós de uma noite de festas é tão importante quanto o evento em si. Em AFTER, ela comprova a versatilidade que possui. O projeto de remixes é uma releitura do quinto álbum de estúdio da cantora, o Noitada. Aqui, a artista se aventura em versões estendidas e com participações especiais, como Jup Do Bairro e a dupla CyberKills em uma atualização deliciosa da faixa Descontrolada. 

Do piseiro ao funk, entre a eletrônica e o pagode baiano, a drag queen mostra, mais uma vez, que tem um tato musical como ninguém. Um dos maiores destaques do álbum é a capa, feita pelo artista Gabriel Renné. Sendo um projeto para ouvir de uma vez em um set de uma balada, numa festa de república ou até mesmo no show de Vittar, After é sensorial: no momento em que os fones de ouvidos são colocados, somos teletransportados para os perigos da vida noturna das baladas brasileiras. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Descontrolada (feat. Jup do Bairro – Cyberkills Remix, Calma Amiga (feat. Anitta) – DJ RaMeMes (O DESTRUIDOR DO FUNK) & Dj Tonias Extended Mix e Derretida (feat. Irmãs de Pau) – Brunoso Remix

MC Hariel – ALMA IMORTAL

ALMA IMORTAL, conceito de platão que nomeia o EP com 7 canções, consolida ainda mais MC Hariel como um dos grandes do cenário no funk brasileiro. O EP foi produzido com letras conscientes e importantes que relatam as experiências do MC e tratam trazer a sua visão lúcida para o mundo. Misturando vários gêneros com o funk, como rap, reggaeton e boombap, Hariel explora os ritmos de uma maneira dinâmica que traz ao EP uma autenticidade consolidada. No videoclipe de MODIFICAR, é possível decidir o destino da história ao final da canção. REAGIR OU MODIFICAR? Essa é a pergunta que percorre todo o EP.

Hariel, que introduziu a filosofia nesse trabalho como forma de difundir a superação e o alcance dos sonhos em suas letras, além de ir atrás de conceitos e estudar mais sobre para escrever as canções, produz suas poesias com o intuito de trazer a visão de que tudo é possível. Em síntese, ALMA IMORTAL é um manifesto em que amplia os ideais filosóficos, trazendo consigo a mensagem de que a sua essência não pode ser mudada para agradar os outros, muito menos transformada para se encaixar em algo. Por isso, o MC vem se tornando um dos maiores e é um privilégio estar presenciando um amadurecimento nessa nova fase. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: SONHOS, 1APRENDIZ E SUAS CICATRIZES e 1ESPERTO E 1OTÁRIO

Westside Gunn – And They Pray For Me

And Then You Pray for Me deve ser enquadrado na discografia de Westside Gunn como sequência ao Pray for Paris, de 2020. Ambos os discos, assim como as outras produções do membro da Griselda Records, representam um projeto estético que está para além da música pura e simples: colocam a black culture dos EUA – com um certo resgate do boom-bap e do gangsta rap feito à la Griselda – a par com a “alta cultura” e “alta-costura” europeia.

Assim é que, nas letras, abundam referências ao mundo da moda europeia (Margiela Split Toes, Versace) contrastadas com o mundo de cocaína e armas a que ele se refere (Griselda é referência direta à Griselda Blanco) e a ascensão que conseguiu. Samples majestosos contrastados com beats densos e sujos; e, na capa, releituras de obras do grande cânone europeu, como Caravaggio, feita por ninguém menos que Virgil Abloh, falecido ex-diretor artístico da Louis Vuitton. Miscelânea tão potente de coisas aparentemente tão contraditórias quanto armas de fogo,barroco, drogas e leilão de arte; e decerto a sonoridade de um Louis Vuitton jamais será a mesma depois de Virgil, Pharrell e Westside Gunn. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: The Revenge of Flip Legs (feat. Rome Streetz), Ultra GriZelda (feat. Denzel Curry) e Mamas PrimeTime (feat. JID & Conway the Machine)

Rubel – AS PALAVRAS, VOL. 1 & 2

Que Rubel tem o talento de transcrever sentimentos em canções, não existem dúvidas. O jogo de palavras em cada estrofe e o jeito de fazer poesia que conversa com cada acorde do violão marcaram a carreira do artista e o tornaram conhecido. Em As Palavras Vol. 1&2, o cantor reforça o motivo de ser tão elogiado ao entregar um disco completo, que pode ser apreciado da maneira como o ouvinte preferir: seja faixa a faixa, na degustação dos detalhes, ou em sua totalidade, como uma jornada pelas histórias cantadas.  

A diferença significativa de sua nova obra, no entanto, se encontra na sonoridade: passeando entre funk, samba, pagode, forró, mpb, hip hop e elementos de soul, Rubel conta uma história por meio de tudo aquilo que inspirou o que hoje temos como Música Popular Brasileira. Ao apontar em todas as direções, o álbum funciona como uma porta de entrada para diferentes ouvintes, furando a bolha que antes o cantor pertencia e apelando para um lado mais mainstream. Mas, ao sair de sua zona de conforto, o artista entrega belíssimas parcerias, um instrumental de alta qualidade e ótimas músicas para se ouvir no dia a dia – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Grão de Areia (feat. Xande de Pilares), Toda Beleza (feat. Bala Desejo) e Torto Arado (feat. Liniker e Luedji Luna)

Daisy Jones & The Six – AURORA

Daisy Jones & The Six foi um sonho realizado para os fãs de Taylor Jenkins Reid: todas as letras de amor de Billy Dunne (Sam Claffin) com Daisy Jones (Riley Keough) materializaram-se em série, banda e álbum. Aqueles que leram a obra e acompanharam a construção dos personagens foram contemplados com a fidelidade e qualidade entregue pelos atores nessa adaptação memorável – que poderia até mesmo concorrer ao Grammy.

Longe de ser um álbum com faixas datadas nos anos  70,  AURORA consegue misturar o estilo da época com a sonoridade atual e ser um prato cheio para aqueles que buscam a suavidade e o ritmo do blues rock. É evidente que o grupo dedicou-se para proporcionar faixas que ultrapassam o título de trilha sonora e conseguiram, facilmente, roubar a cena para grudar nos seus ouvidos. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: The River, Kill You to Try e Let Me Down Easy

Post Malone – AUSTIN

Austin Richard Post, sob o nome artístico de Post Malone, já lutou com vampiros em Hollywood e até colocou implantes dentários de diamante ao perder os dentes em uma briga. Agora, em seu quinto álbum de estúdio, AUSTIN, ele revisita alguns de seus demônios já conhecidos pelo público, mas por uma perspectiva mais intimista e surpreendentemente bem-humorada, sendo um momento de alívio para quem já viveu múltiplas possibilidades. 

Quando artistas lançam discos homônimos é porque a coisa ficou séria e com AUSTIN não é diferente, o tema da sobriedade percorre todas as faixas, desde as mais inspiradas até as superficialmente melódicas. Ao contrário do antecessor, o álbum consegue rir de si mesmo com menções peculiares que variam de Beethoven a The White Stripes. Sim, Post Malone pagou caro pelo grande momento de sua vida, mas acompanhar a sua jornada de autoconhecimento faz tudo valer a pena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Something Real, Novacandy e Laugh It Off

Tinashe – BB/Ang3l

BB/Ang3l nasceu como o terror do SEO. Com símbolos e números angelicais, até a tracklist foi um desafio de ser desvendada. E, como sempre, é um projeto experimental muito bem-vindo quando combinado com o timbre doce e único da Tinashe, ou Sweet T para os íntimos. E ainda que BB/Ang3l marque o início de uma nova era em sua carreira, é intimamente ligado com seus últimos trabalhos independentes.

Em elementos líricos, nada melhor que sofrermos os mais diferentes estágios do luto após um rompimento ruim, mesmo que ele sequer nos represente – à la Taylor Swift – e, com louvor, seu último trabalho assume seus próprios erros e abraça a regressão junto a sua a humanidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Needs e None of My Business 

Beach House – Become

A banda encabeçada por Victoria Legrand e Alex Scally tem lançado sucessos ano após ano. Depois do maravilhoso Once Twice Melody  em 2022, o EP Become leva o ouvinte a uma viagem psicodélica ao estilo dream pop. Com músicas longas e calmas, o disco evita a monotonia com instrumentos bem harmônicos e sintetizadores precisos. 

As letras possuem uma leve energia de feriado, e são bem sintonizadas com a fase da banda que explora novos rumos. A voz de Legrand é potente e doce, tornando-a uma artista única . Bem consolidada desde 2004 quando lançou seu álbum de estreia , a dupla musical já carrega oito álbuns nas costas, e demonstra ter muito futuro pela frente. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: American Daughter, Holiday House, Black Magic

Blondshell – Blondshell

Estamos no mundo-cão e Sabrina Teitelbaum sabe disso, por isso se esconde em sua ‘concha loira’. No autointitulado de seu nome artístico, a intérprete não está interessada em escrever finais felizes, muito menos meios ou começos. Seu som é latente, não faz questão de anestesiar e opta por doer, pois julga que tal dor precisa ser sentida até se caracterizar como suportável, ou até mesmo ser transformada em ímpeto. No caso, aqui ela virou Música.

Misturando indie rock com grunge, Blondshell transita entre o sarcasmo e  sentimentalismo e faz desse meio-termo seu próprio inferno. A guitarra carregada, de poucos acordes e extremamente contínua dá a ideia de uma dor de cabeça, mas, em efeito contrário, cria uma cama macia para a potencialidade da voz e letra de Teitelbaum. No alto de seus 25 anos, tempo considerado até alto para um debut, a artista entende que a vida não é fácil para ninguém, mas longe do coitadismo, faz uma ótima estreia que nos convida para afogar as mágoas, ao mesmo tempo que sofre de ressaca. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Salad, Olympus e Veronica Mars

Ajuliacosta – Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva

Quebrando os estereótipos de que mulheres negras são sempre fortes, Ajuliacosta invade caminhos desarmados, nos quais sentir é completamente válido. O trabalho repousa em um nome bastante auto explicativo: Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva. Com 10 faixas, o disco explora sonoridades diversas, passeando entre rap, soul, house e funk, mas sua maior força vive em seu caráter político.

As letras, cheias de histórias que a periferia e os jovens negros protagonizam, falam bastante sobre o amor. No caso, esse sentimento vem afrocentrado e em relacionamentos pelos quais o eu-lírico tem orgulho de lutar, já que o contexto social torna tudo uma verdadeira manifestação. Ainda, encontram-se em músicas como Empresário e Pq a Polícia Smp Acaba com a Festa?, críticas fortes a um Estado que deslegitima as formas de comemorar, trabalhar e existir da população nas favelas. Em beats envolventes, o produto é um grito pelos direitos de viver, celebrar e, principalmente, ser vulnerável. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Tão Gostoso, Queen Chavosa e Amo Te Ver de Juju 

Foo Fighters – But Here We Are

A dor da perda é, sem dúvidas, desoladora. Neste 11º álbum, Foo Fighters faz Música a partir de tristeza, pena, luto, questionamentos e, sobretudo, celebração. Celebração por terem tido a chance de serem amigos e família de Taylor Hawkins, baterista da banda, falecido em 2022 e também de Virginia Grohl – mãe do vocalista Dave Grohl. Procurando respostas para perguntas que jamais serão respondidas, a banda mostra através dos versos a manifestação constante da pergunta: como enxergar o futuro se não há mais nós? A resposta é curta, mas não simplista: é avassalador, mas aqui nós estamos (tradução literal do álbum But Here We Are) e teremos que reaprender a viver – mesmo longe um do outro.

De Rescued a Rest – primeira e última música, respectivamente – são materializados os sentimentos desse luto. A faixa inicial traz um tom de desespero, a digestão do peso da perda e necessidade de alguém para resgatá-lo. Já nas músicas seguintes, tudo é transformado: a angústia vai passando para um consolo, a partida se torna, aparentemente, menos difícil – mas não menos sentida. Ao fim, com Rest, o grupo nos presenteia com a pura poesia do arranjo musical produzido para entender e homenagear a despedida daqueles que já se foram. O descanso é o destino final e está tudo bem agora, eles podem descansar em paz. 

Entre os destaques estão as participações maravilhosas de Violet Grohl em Show Me How, cantando em conjunto com seu pai, e também H.E.R. na versão de The Glass lançada posteriormente ao álbum. Por fim, é redundante citar o quão importante But Here We Are é para o Foo Fighters e também os seus fãs. É a continuação de um sonho em conjunto que, desde 1995, transborda emoção com suas melodias. Um lindo tributo às pessoas amadas em que emoções são exploradas pelo caminho. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Rescued, Show Me How e Rest

Red Velvet – Chill Kill – The 3rd Album

Evitando pensar sobre o que o amanhã reserva na espera de um final feliz, Chill Kill – The 3rd Album eleva os vocais de Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri enquanto brinca com uma sonoridade creepy ao fundo. Tal união peculiar casa perfeitamente com o nome do quinteto, afinal, não existe nada mais Red Velvet do que essa dualidade pop/R&B que mistura danças delicadas com homens sangrando e mansões queimando nos videoclipes. Fruto de uma longa espera de seis anos, o disco enfatiza o que os fãs de K-Pop já estão cansados de saber: a SM Entertainment é a pedra no próprio calçado.

Isso porque, no universo de múltiplas possibilidades da indústria musical sul-coreana, ninguém sabe transitar tão bem pelo alternativo como o Red Velvet. Nas vozes das meninas do grupo, composições naturalmente difíceis de agradar se tornam verdadeiros hinos. Porém, para a empresa que acumula críticas, o que vale é investir em promessas mais jovens que de nada realmente acrescentam para além de uma estética edgy superficial e, definitivamente, passageira. Uma pena para os mercenários pois, ainda que tenham comebacks cada vez mais afastados, as original visual já são bem maiores do que qualquer outra coisa em sua volta.

Fato é que hits não necessariamente consagram grandes discos, e Chill Kill – The 3rd Album não aposta no simples, Knock Knock (Who’s There?) seria uma escolha bem mais óbvia do que a faixa-título. Seja motivada pela direção criativa esplêndida – de longe, a melhor de 2023 –, ou por um suposto boicote da SM, a negação do óbvio é o que faz o single Chill Kill tão especial e ajuda a introduzir essa obra que leva pesadelos para a pista de dança, além de orquestrar Underwater, o grande destaque do álbum que mergulha nos melhores momentos de Janet Jackson na década de 1990. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Chill Kill, Underwater e Will I Ever See You Again?

Jards Macalé – Coração Bifurcado

No mais recente trabalho de estúdio de Jards Macalé, o amor é retratado na sua forma mais intensa e sincera. Com melodias semelhantes a Itamar Assumpção e Elza Soares, as melodias da guitarra e percussão ecoam logo nas primeiras faixas, como em Amor In Natura, trazendo paz, ao passo que questiona as contradições deste imenso sentimento presente em cada um de nós.

Além disto, Macalé traz referências que remetem à religiosidade de crenças de matrizes africanas, quando canta sobre como o afeto aparece nas encruzilhadas da vida num canto destinado a Exu. Canções como Em Mistérios do Nosso Amor, esta sendo uma parceria com Maria Bethânia, relembram a força da Música Popular Brasileira e suas decorrências até os dias de hoje. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Coração Bifurcado, Mistérios do Nosso Amor e A Arte de Não Morrer.

Inhaler – Cuts & Bruises

Em 2023, a sombra da influência do U2 se dissipou ainda mais do legado de Inhaler, banda em ascensão liderada por um dos filhos de Bono. De fato, Elijah Hewson carrega o carisma e o timbre de cadenciamento versátil que ser vocalista exige, mas o rock alternativo do grupo produz faíscas atraentes graças à união da alma dada por Josh Jenkinson, Robert Keating e Ryan McMahon aos desdobramentos aéreos de guitarra, baixo e bateria, respectivamente. Para maximizar esse ponto, a suspensão questionadora na qual qualquer um se pega no começo da vida adulta serve de motor criativo, palco e divã de terapia no segundo álbum de estúdio arquitetado pelos irlandeses. 

Cuts & Bruises investe em consolidar o trabalho inaugurado por seu antecessor, voltando ao passado dos sintetizadores pela mesma avenida que desemboca nos registros alternativos que marcaram os anos 2000. Por isso, existe um divertimento rebelde e autoconsciente da volatilidade do tempo até nas faixas mais pessimistas do disco. Seja na solar These Are The Days (Estes são os dias que seguem você para casa/Que te beijam no nariz quebrado/Não sinto falta da sensação de estar sozinho) ou na MVP Dublin In Ecstasy (Eu só quero falar se você tiver tempo/Eu só quero lutar se for pela sua vida), Inhaler inteligentemente barganha sentimentos universais com o público, que não tem escolha a não ser sentar, escutar e abrir latinhas de cerveja e cascas de ferida ao lado da banda. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: Love Will Get You There, Dublin in Ecstasy e The Things I Do

Tainy – DATA

“Porque eu não sou um artista do momento/Eu sou um artista para sempre”, vocifera Arcángel na canção que poderia muito bem ser a sinopse de DATA, primeiro álbum completamente curado e estruturado por Tainy. Foram três anos de criação e experimentação até o porto-riquenho sondar os modismos do reggaeton e do trap em um registro inconfundível, capaz de metamorfosear o lugar-comum dos gêneros musicais e abduzir qualquer um disposto a apertar o play. Meticuloso e preciso, ele permanece entre os créditos de alguns dos maiores hits da esfera latina atual enquanto alça seu status de musicista solo para o topo da cadeia. 

DATA tem uma hora de duração e nenhum momento de desconexão ou perda de ritmo. Pelo contrário, são 20 faixas únicas, performadas por um time de 28 artistas, que saem de suas zonas de conforto amparados na engenhosidade do produtor. Bad Bunny deslancha em um rap confessional com Arca; The Marías soa pop sem deixar de ser indie em mañana; Young Miko, Feid e Rauw Alejandro fazem jus aos louros que andam recebendo; e até Daddy Yankee volta da aposentadoria para rechear os batidões de LA BABY. Ciborgue sonoro da melhor tecnologia, o disco homenageia Marcos Fernández, que começou a mixar músicas aos 14 anos, e leva um merecido troféu do Grammy às estantes de Tainy. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: MOJABI GHOST, 11 Y ONCE e si preguntas por mi

Lagum – Depois do Fim

O fim é simbólico. Mudanças na vida, seja o fim de relacionamentos ou a morte de amigos próximos, marcam o encerramento de um ciclo para o início de outro, mais dolorido, a princípio, mas com novas oportunidades para se curar, crescer e voltar a valorizar o inevitável: não é o fim de verdade e a caminhada tem que continuar. É nessa aceitação que a Lagum constrói Depois do Fim, reconhecendo que o que passou serviu para engrandecer o caminho até aqui.

Embora tenha perdido parte da pegada autoral de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração e cedido parcialmente à lógica comercial, com algumas canções que poucos dizem, a banda mineira mostra que continua tendo algo para falar – mesmo que seja sobre qualquer devaneio que vier à cabeça. Além disso, renova sua sonoridade e composições com explorações. Sample de Djavan, canção em francês e italiano, e interlúdios mostram que a Lagum está se encontrando – ou, pelo menos, na busca por se encontrar. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: De Amor Eu Não Morri, Ou Não e Ponto de Vista

Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You

Com So Hot You’re Hurting My Feelings, single de 2019, Caroline Polachek conquistou audiências e deixou claro o seu potencial para crescer no avant-pop. Seu nome já recebia atenção por conta do duo que participou: Chairlift, terminado em 2016, mas foi com o sucesso da faixa que pôde mostrar o que sabia fazer sozinha. Em 2023, com  Desire, I Want to Turn Into You, seu segundo álbum solo, a cantora provou que veio para ficar – não só ficar, mas também mudar o cenário atual da música pop. 

O registro abre com a faixa Welcome To My Island, uma ótima recepção para o novo mundo ao qual a cantora vai te guiar durante as suas 12 faixas. As vocalizações hipnotizantes de Polachek são uma passagem só de ida para escapar da realidade e mergulhar na atmosfera mística do disco. A artista domina uma sonoridade complexa, elegante e única que cementa Desire, I Want to Turn Into You como um dos melhores lançamentos de 2023. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: I Believe, Fly To You e Hopedrunk Everasking

Ava Max – Diamonds & Dancefloors

A febre dos anos 80 na música pop ainda não deu trégua, e Ava Max se junta à festa com Diamonds & Dancefloors. Se em 2020 as músicas do disco poderiam ser interpretadas como descartes de Dua Lipa, The Weeknd ou Lady Gaga, hoje elas soam como uma obra original e coesa. A cantora de Sweet but Psycho imprime sua própria personalidade nas faixas, convidando o ouvinte a simplesmente apertar o play e se entregar à batida.

A genialidade do álbum reside em sua simplicidade: pop genérico e comercial com propósito. No nosso dia a dia, muitas vezes não queremos decifrar subjetividades nas letras, apenas melodias chiclete e sintetizadores familiares já são o suficiente para nos fazer dançar. Million Dollar Baby e a faixa-título deslizam pelos ouvidos como mel, evocando a nostalgia oitentista e a efervescência da era disco. Diamonds & Dancefloors pode ter chegado ‘atrasado’ para o rolê, mas sua energia contagiante garante um lugar especial na pista de dança. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Million Dollar Baby e Hold Up (Wait A Minute)

Lana Del Rey – Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd

Mesmo para quem não segue alguma religião ou é conectado com tradições espirituais, o nono álbum de Lana Del Rey é quase como um compilado de canções que conectam o ouvinte com o divino – se existir algum. Com uma carreira focada em hits melancólicos e que falam sobre amores trágicos, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd sai da curva e mostra uma cantora em busca de sua história e espiritualidade. A primeira faixa do álbum, The Grants, leva o sobrenome da família da artista e é a abertura triunfal perfeita para a obra. Possui influências da música gospel (já indicando o tom do álbum), com um belo coral e uma letra que faz ode aos seus familiares e a memórias marcantes com eles.

Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd também é um álbum auto reflexivo, onde Lana explora diversos aspectos de sua personalidade, seja a vista publicamente e a que somente pessoas próximas conhecem. Isso é notado em tracks como Sweet e na faixa título. Até musicalmente tal reflexão pode ser vista, com a alternância de músicas que envolvem vocais e um piano emocionantes, como em Kintsugi, para faixas com um toques atrevidos, como o em A&W. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Paris, Texas (feat. SYML), Kintsugi e Margaret (feat. Bleachers)

Cornelius – Dream in Dream

Simplicidade acima de tudo. Keigo Oyamada – um dos pioneiros da cena noventista japonesa Shibuya-kei – retorna em seu sétimo álbum de estúdio com um abraço caloroso em forma de som, viajando por paisagens que flertam tanto com um pop melódico quanto com um ambient psicodélico. Ao longo de sua discografia, o músico tem adotado cada vez mais uma estética introspectiva em seus projetos, passando por momentos mais elétricos vistos em Fantasma (1997), até as meditações texturais presentes em Sensuous (2006). Desde então, sua música se encontra diante de um olhar que valoriza tanto a imobilidade quanto o movimento.

Mergulhado em timbres eletrônicos, Dream in Dream é um álbum de contrastes. Sua sonoridade abraça o onírico e o nostálgico ao mesmo tempo em que permite ritmos contagiantes tomarem conta. Os arranjos dão palco às sutilezas, mas são carregados por camadas que às vezes parecem milhares de instrumentos em sintonia. A abordagem para a produção é uma mistura entre o requintado e o ingênuo, enquanto que os vocais seguem linhas melódicas simples, mas engajantes. Mesmo assim, há sempre espaço para a complexidade e imprevisibilidade – seja nas harmonias ou estrutura das canções –, fazendo deste um disco saboroso do começo ao fim, sem nada a esconder. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Mirage, Drifts, Sparks

Miley Cyrus -Endless Summer Vacation

Após uma pausa de três anos, Miley Cyrus está de volta com seu oitavo disco de estúdio, Endless Summer Vacation. As treze faixas estão separadas em duas fases, transitando entre o pop, o country e uma pitada de R&B, retratando uma fase mais autossuficiente e madura da cantora. Contudo, isso não significa que não há mais vestígios de Liam Hemsworth nos versos, apesar de Miley deixar explícito que ele não é mais o centro de sua atenção, finalmente. 

Como o próprio nome diz, Miley Cyrus está em uma férias de verão que nunca chega ao fim. O álbum é uma viagem pela descoberta da sua singularidade e vulnerabilidade, dando início com o grande hit  Flowers, que foi emplacado nas primeiras posições das paradas mundiais,e seguindo até You, que alfineta todos os corações partidos que vê pela frente. Nesta primeira fase, vemos a estrela sair de viagem em busca de um reencontro consigo mesma, onde abre o coração e retoma os momentos vividos com o ex-marido, mas apesar do sofrimento, nota-se a superação e a evolução do seu amor próprio nos versos. 

A partir da faixa Handstand, temos a estrela de Hannah Montana superada, imersa em problemas que apenas boas férias podem causar. A melancolia do álbum dá descanso e os ouvintes são servidos com bons ritmos dançantes, que dão a sensação de noites de verão, bebidas alcoólicas e muitas outras coisas conhecidas como erradas. Wonder Woman rouba a cena final da obra, ela é como uma conclusão, Miley finalmente descobre quem ela é. Toda essa profundidade, busca e descoberta faz com que Endless Summer Vacation configure como um dos melhores discos de 2023. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: River, Used to Be Young e You

Sabrina Carpenter – emails i can’t send fwd:

Sabrina Carpenter abre o coração e faz aquilo que todos que já se apaixonaram ao menos uma vez na vida desejaram fazer, gritar para o mundo tudo o que sente. Com melodias que percorrem a melancolia e a animação, emails i can’t send fwd acrescenta mais quatro músicas ao seu último álbum, sendo uma versão deluxe e ainda mais íntima. A artista se demonstra não só uma ótima cantora, mas também uma excelente compositora. A intensidade presente nas letras das canções acolhem todos os ouvintes e permite que o público se identifique com os cenários criados.

Com 17 faixas, a produção vai da desilusão amorosa de opposite à superação de Feather. Algumas músicas possuem, ainda, versões alternativas – como Nonsense Christmas – o que cativa ainda mais o público e mostra a criatividade de Carpenter. O álbum como um todo possui o estilo carismático da cantora e a vulnerabilidade presente em suas letras e melodias fazem com que elas se tornem populares entre os mais variados públicos. – Gabriela Bita

Faixas favoritas: how many things, lonesome e opposite.

Luisa Sonza – Escândalo Íntimo

O terceiro álbum de Luísa Sonza foi embalado por muitas polêmicas e controvérsias, como já é costume para a gaúcha. De Chico no top 1 do Brasil à carta revelando traição na Ana Maria, tudo revelou de fato, um Escândalo Íntimo. Dessa vez, Sonza explora vários gêneros  musicais, misturando suas angústias e inseguranças nos ritmos do pop, MPB, sertanejo e 150 BPM. As 24 faixas contam a história de um relacionamento, do qual começa confiante à lafamme fatale, depois mergulha em momentos de calmaria, romance e muitos questionamentos, para finalmente conseguir se diferenciar daquilo que é expectativa alheia e do que realmente se quer ser. 

O disco conta com colaborações diversas, como Duda Beat, Marina Senna, Baco Exu do Blues e até mesmo Demi Lovato. A produção buscou referências nos ídolos da música brasileira da artista, como Rita Lee em Lança Menina, mas também possui faixas cantadas em inglês e espanhol, a exemplo de Dona Aranha e La Muerte. Falando em referências, toda narrativa sonora está repleta delas, de modo quase excessivo. A faixa 1, homônima ao álbum, por exemplo, é um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini. The Beatles e Queen também são reinterpretados em faixas como Principalmente Me Sinto Arrasada. O álbum ainda conta com três faixas não disponíveis e sem previsão de lançamento. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Lança Menina, Não Sou Nada Demais e Luísa Manequim

Rico Dalasam – Escuro Brilhante, Último dia no Orfanato Tia Guga

Iniciado há três anos e sendo o seu terceiro álbum autoral, Rico Dalasam surpreende novamente ao abordar questões tão íntimas e essenciais na compreensão tanto da própria história enquanto artista quanto ao tentar dar voz aos que foram silenciados. O rapper volta às suas origens no orfanato e revive cada uma de suas inseguranças enquanto uma criança em busca de afeto e acolhimento, mas conseguindo, agora, aninhar e reconfortar a si mesmo.

Essa experiência de auto libertação é vista na primeira faixa de abertura Doce. Além disso, a participação de vários outros artistas ilustres, como Liniker, os intensos versos melódicos envolvem ainda mais quem ouve as questões de amor discutidas no EP. No ano de 2023, Rico Dalasam fez presença ao nos presentear demonstrando as diversas faces do amor seja de forma esperançosa em Espero Ainda ou na franqueza trágica de Jovinho. – Rebecca Ramos 

Faixas favoritas: Novinho, Espero Ainda e Sol Particular

Becky G – ESQUINAS

Talvez por jogar o pop comumente versado por Becky G para escanteio, ESQUINAS não desceu às ruas fazendo muito barulho – mas é exatamente essa mudança de ares que o torna o trabalho mais emocionante e coeso da cantora até agora. Interseccionando as duas culturas que dividem o coração de Gomez, na onda do movimento 200-percenters (jovens que se autodeclaram 100% estadunidenses e 100% latinos), as novas canções bebem das bachatas, cumbias e outros sons regionais mexicanos que a intérprete ouve desde a infância. O resultado é a confecção de uma musicalidade simultaneamente singular e coletiva, enraizada pelo amor à própria família e o respeito à essa herança artística como um todo.

Lirica e vocalmente, a mexicana-americana dota o álbum de sentimentos que pesam mais no peito dos latinos, como a superação de paixões impossíveis e o vínculo afetivo profundo com os avós. A maturidade de se ancorar nas próprias experiências vem acompanhada das mãos aclamadas de Edgar Barreira, que prepara uma salada arrojada e robusta de instrumentos na produção. Entre violões, acordeões e trompetes, jovens músicos descendentes de imigrantes, como Ivan Conejo e DannyLux, e outros representantes da música mexicana, vide Peso Pluma, ajudam Gomez a temperar as faixas sem pressa, na riqueza do instante. Ao final, as tantas camadas sobrepostas em ESQUINAS formam uma rua inteira de celebrações, ladrilhada pelo talento da artista principal. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: CHANEL e POR EL CONTRARIO

Slowdive – everything is alive

Slowdive é a típica banda que faz de suas composições uma sopa de letrinhas. Os integrantes parecem transformar fluxos de consciência em músicas as quais, surpreendentemente, fazem sentido. Este, aliás, não é exato, ou seja, pode significar uma coisa para um incel e outra para uma mulher perturbada. Tal variedade de fãs faz com que o grupo britânico esteja em constante reinvenção, pois ter consciência da impossibilidade de agradar a todos é, sobretudo, libertador.

Embora muitas mudanças sejam notáveis no som do Slowdive, uma característica sobreviveu aos percalços do tempo: o apreço pela atmosfera noturna. O quinto álbum de estúdio da banda, everything is alive, é uma soma às playlists criadas com o propósito de apaziguar os conflitos travados entre o sono e a paranóia. Nada é mais assustador do que o filme de terror autobiográfico exibido na nossa própria cabeça de madrugada. No entanto, se depender da banda de Berkshire, não faltará uma boa trilha sonora para acompanhar as memórias estreladas por nós mesmos e por amores já tirados do roteiro. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: kisses, skin in the game e andalucia plays

Jorja Smith – Falling or Flying 

Após uma pausa de cinco anos desde Lost & Found, seu último lançamento em 2018, Jorja Smith retorna ao cenário musical com o seu recente trabalho de estúdio, Falling Or Flying. Flertando com um R&B bem pensado, a britânica escapa da sonoridade convencional do gênero e apresenta novos ritmos que conversam desde o neo soul em sua faixa-título, até as orquestras de música arabe durante a canção Try Me. 

Embora o disco inove nas melodias, ele não se diferencia de seus lançamentos anteriores. Mesmo se repetindo criativamente, o álbum se destaca pela fluidez na voz de Smith, onde o sentimento conduzido pela artista se encaixa em cada letra e batida. Falling or Flying segue seu próprio caminho, garantindo 17 faixas cheias de nuances, ele não tem medo de se perder em meio a versatilidade, rompendo com a recente onda de cds homogêneos que surgiram na indústria musical. – Ludmila Henrique 

Faixas favoritas: Try Me, Little Things e GO GO GO

The National – First Two Pages of Frankenstein

O nono álbum de estúdio de The National, First Two Pages of Frankenstein, cutuca um vespeiro do qual podem sair pessoas de meia idade e jovens com pais separados. Além disso, o disco reúne parcerias com Phoebe Bridgers, Taylor Swift e Sufjan Stevens, provando que, embora a banda seja composta inteiramente por homens, ela é relativamente afeminada.

O grupo estadunidense deposita toda sua força em letras sensíveis cujo significado talvez nem os próprios integrantes saibam identificar. Os arranjos de guitarra elétrica perdem o protagonismo para longas performances de violão que, somadas à voz aveludada do vocalista Matt Berninger, tornam-se um perigo para os detentores de daddy issues. No fim, o álbum é um abraço a todos que buscam migalhas de afeto. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: Tropic Morning News, Eucalyptus e Grease In Your Hair.

Amaarae – Fountain Baby

Fountain Baby é o segundo álbum de estúdio da cantora Amaarae, e pela primeira vez em uma grande gravadora, a Interscope, a artista de Gana mostra maestria em combinar o R&B norte-americano, o pop europeu e afro-beat. Com 14 músicas coesas e complementares, o botão de repeat é uma tentação.

Há tempos que a ordem de faixas tão características, como Co-Star e Wasted Eyes, não é tão precisa quanto aqui. Sem perigosas transições contínuas em uma obra tão completa, ouvi-la no aleatório é um crime. Descrita como uma obra confiante e inconvencional pela Pitchfork, logo após receber o selo Best New Music, Fountain Baby tem espaço para reivindicar o título de esnobado por sua ausência em grandes premiações, como o Grammy. – Henrique Marinhos

Faixas favoritas: Sex, Violence, Suicide; Wasted Eyes e Sociopathic Dance Queen

Sabrina Carpenter – fruitcake

Sabrina Carpenter – fruitcake 

Em fruitcake, Sabrina Carpenter leva o clima natalino para qualquer momento do ano. Seguindo os passos de Caroline Polachek – que fez uma versão gelada de So Hot You’re Hurting My Feelings –, Carpenter repaginou o single Nonsense: a nova faixa, A Nonsense Christmas, traz trocadilhos com diversas características do Natal. O EP conta com seis músicas que refletem o período de celebração de final de ano.

Depois de emails i can’t send e de sua versão deluxe, Sabrina Carpenter prova novamente o que faz de melhor. Com músicas divertidas – tanto na parte lírica quanto na parte melódica –, a cantora mostra todo o seu potencial vocal. No cover white xmas, a pequena loirinha nos transporta para uma nostalgia atual; já em buy me presents e em A Nonsense Christmas, ouvimos sons de sinos e guizos vindos diretamente do Polo Norte. Carpenter ainda traz cindy lou who, uma canção melancólica e reflexiva, que faz uma referência à personagem Cindy Lou, do clássico filme natalino O Grinch. –Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: A Nonsense Christmas, buy me presents, santa doesn’t know you like i do e is it new years yet?

Jungkook – Golden

No lançamento de sua primeira faixa solo, Seven, Jungkook já havia demonstrado que não lhe faltava habilidade para preencher todos os aspectos de um artista de sucesso. Seja cantando, dançando ou fazendo rap, o cantor sul-coreano conquistou o coração de cada ouvinte desde seu debut com o grupo BTS, quando tinha apenas 15 anos. Agora, em sua estreia solo, ele demonstra a maturidade de um artista com expressivos 10 anos de carreira e desponta como uma celebridade global.

GOLDEN é um álbum nota dez em todos os quesitos. Com faixas para todos os humores, um vocal de deixar sem fôlego, coreografias empolgantes e uma sonoridade que mescla o nostálgico com o moderno, Jungkook acerta em cheio e faz jus ao título de Golden Maknae. Nessa estréia mais que dourada, o seu trabalho foi feito para brilhar, em todos os aspectos – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: 3D (feat. Jack Harlow) e Standing Next to You

Key – GOOD & GREAT

Com músicas e melodias coesas, conceitos bem estabelecidos e uma performance completa, Key segue sendo um dos artistas mais relevantes da indústria sul-coreana. Debutando em 2008 com o grupo SHINee e conciliando com sua carreira solo desde 2018, Kim Kibum sempre demonstrou apreço pelo retrô e por músicas fortes, marcantes e dançantes. Já tendo passado por outras áreas da cultura pop, em seu novo álbum é notória a sonoridade disco e funk, que chama qualquer ouvinte para dançar com ele.

Em Good & Great, o artista demonstra amadurecimento e que é ainda é possível utilizar o conceito pop retrô, que permanece em alta nos últimos anos. Confiante do motivo pelo qual saiu do papel, esse novo projeto não dá espaço às dúvidas ao entregar uma produção sonora e lírica de alta qualidade, mostrando o que há de melhor no cantor e tornando o play em uma entrada para uma festa privada – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: Can ‘t Say Goodbye e CoolAs

BJ The Chicago Kid – Gravy

BJ The Chicago Kid, apesar de extremamente talentoso, não parece figurar no radar geral dos ouvintes de neo-soul (ou R&B, se preferir) e nem desfrutar de tanto prestígio quanto os seus colegas de colaboração Kendrick Lamar ou Anderson .Paak. Porém sua discografia um tanto consistente, se esse adjetivo valer de alguma coisa, é uma prova de que o cantor natural de Chicago, Illinois, merece ser mais ouvido entre os ouvintes de música contemporânea. 

Gravy, um tanto diferente de seu último e ótimo disco, 1123 – que havia mais sonoridades voltadas para a relação do neo-soul com slow rap –, é um álbum de sonoridade menos densa que os anteriores, porém mais leve e dançante. O destaque do disco é a variedade dos sons, que comporta talvez até um flerte com eurodance notado em Spend the Night, parceria com Coco Jones; a participação de Freddie Gibbs, um dos destaques da cena do rap norte-americano atual, em Liquor Store in the Sky, e de Philip Bailey, vocalista do lendário Earth, Wind & Fire, em Never Change. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Spend the Night (feat. Coco Jones), Crazy Love (feat. Andra Day) e Never Change (feat. Philip Bailey)

Olivia Rodrigo – GUTS

“Onde está a porra do meu sonho adolescente?”, pergunta Olivia Rodrigo no seu primeiro disco, SOUR. Já em GUTS, vemos uma jovem-adolescente-ainda-não-adulta mais crescida, ainda com diversos problemas, questões e reclamações da idade. Cheia de raiva, ansiedade, amor e decepção, Rodrigo traz o pop rock do fim dos anos 1990 e do início dos anos 2000 de volta para os ouvidos dos fãs. Com uma pitada de grunge e do alternativo, a cantora mostra como amadureceu – tanto pessoalmente quanto musicalmente – entre um álbum e outro. 

Enquanto em SOUR um coração partido era o reflexo de um amor da adolescência, GUTS apresenta o tema como algo muito pior: no single vampire, a artista conta como seus sentimentos foram usados, e como sua fama foi aproveitada por terceiros. Em meio a músicas com batidas rápidas e outras mais lentas e sentimentais, a artista traduz – de forma nua e crua – como é a mente de uma jovem mulher. Repleta das mais diversas emoções, ela consegue explicar as dores, os amores e os dilemas do fim da adolescência e do começo da vida adulta, e mostra como crescer é algo difícil, mas necessário. Além disso, Rodrigo nos mostra uma coisa: talvez o teenage dream venha depois, não durante os anos da juventude. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: bad idea right?, vampire, lacy, making the bed e get him back!

PinkPantheress – Heaven Knows

PinkPantheress, cantora e produtora inglesa, se tornou internacionalmente conhecida com a faixa Boys a liar Pt. 2, parceria da artista com a rapper Ice Spice. No entanto, a canção não representa o Heaven Knows, segundo álbum de estúdio da cantora. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a compositora mistura o tom mórbido de seu conteúdo lírico com os vocais angelicais emitidos por ela. Aqui, as parcerias com Rema, Central Cee e Kelela acrescentam à narrativa contada pela artista.

Fã do drum and bass, batidas rápidas que chegam a quase 170 bpm, o subgênero da música eletrônica marca a sonoridade do álbum. Em Capable of Love, melhor canção do projeto, a cantora disseca o amor que possui por uma pessoa, chegando ao ponto de se tornar obcecada pela ideia de a perder um dia, se tornando, assim, incapaz de amar. Heaven Knows merecia uma indicação nas categorias de dance e eletrônica no Grammy 2024, mas PinkPantheress não precisa da indicação para afirmar o seu talento, já que foi eleita Produtora do Ano pela revista Billboard. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Nice to meet you (feat. Central Cee), Feelings e Capable of love

The Aces – I’ve Loved You For So Long

Tardaram, mas não falharam. Depois de três anos do seu segundo álbum, Under My Influence, as The Aces deram as caras novamente com I’ve Loved You For So Long. O lançamento, ainda em meados de 2023, veio depois de um período de reflexão sobre elas mesmas enquanto grupo musical e amigas de longa data, já que o quarteto começou a tocar junto anos antes da banda estourar. Dessa vez, o terceiro disco mostra que as irmãs Alisa e Cristal Ramirez, Katie Henderson e McKenna Petty estão mais confortáveis com seus próprios demônios e livres para falar (ou cantar) sobre eles abertamente.

Suburban Blues é a prova disso. Irmã mais velha de 801 (do álbum anterior), a faixa trata do mesmo tema: crescer em uma cidade pequena, tradicional e religiosa, sem liberdade para explorar a própria sexualidade. Retomando temas como amadurecimento, amores fracassados e saúde mental, as quatro mostram que evoluíram em suas composições, cada vez mais honestas. A sonoridade acompanhou e, do indie pop, The Aces passou a explorar também o punk pop, com arranjos nostálgicos à la bandas de rock alternativo dos anos 1990. Soando mais profundo e fresco, I’ve Loved You For So Long é tão descolado quanto seu quarteto. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Girls Make Me Wanna Die, Suburban Blues e Person

grouptherapy. – i was mature for my age, but i was still a child

E se todos os nossos pensamentos intrusivos se tornassem realidade? Esse é o exercício imaginativo que guia grouptherapy. Ainda que i was mature for my age, but i was still a child tenha sido anunciado como seu álbum de estreia, Jadagrace, SWIM e TJOnline já tinham se reunido em ao menos três projetos anteriores, desde 2020. Isso porque a constante experimentação e quebra de paradigma é o que alicerça esse trio. Uma pulsão que os leva a desafiar todo e qualquer limite, tornando o novo lançamento uma experiência sempre imprevisível. É pop? É rap? É R&B? Não importa para eles, e não deveria importar para você também.

Não é exagero dizer que grouptherapy. é um produto da nossa geração. Cada faixa é uma combinação inusitada entre referências contemporâneas a nós. Fruto de muito estudo, mas sobretudo de uma proximidade e uma identificação profunda com essas obras. Seja em baladas com confissões sensíveis ou em faixas absolutamente espalhafatosas, cresce um anseio por auto expressão, uma ânsia em se colocar no mundo da própria maneira – que, na realidade, esconde um intenso medo de desaparecer, de ser denominado pelo outro. E existe sentimento mais familiar que esse? – Enrico Souto

Faixas favoritas: smile :), Nasty e still alive

Victoria Monét – JAGUAR ll 

Mesmo sem possuir qualquer grau de parentesco com o famoso pintor impressionista, Victoria Monét tem o dom de tomar a Música como arte em sua forma mais pura. Como esperado, o elegante rugido de JAGUAR ll não foge das pinceladas calculadas e cativantes da cantora, que encontra na continuação da série iniciada há três anos o ponto de equilíbrio perfeito entre inspiração e novidade.

Na selva do R&B estadunidense, a viagem retoma a carona do produtor D’Mile e aproveita o apelo de bases clássicas para crescer novos arranjos, mais que nunca harmonizados com os vocais cristalinos de Victoria. Logo de cara, emendar o funk inebriante de Smoke, parceria com Lucky Daye, ao reggae colorido de Party Girls, interpretada ao lado do jamaicano Buju Banton, é quase um processo de hipnose. O lirismo apaixonante da taurina – que canetou todas as 11 faixas do projeto – também deixa o magnetismo perdurar em temas batidos como sexo e sonhos hollywoodianos, criando ouro em plena mata musical. Com olhar felino e aguçado, JAGUAR ll fez de tudo, inclusive Monét ser coroada a Artista Revelação de 2023 que a gente tanto precisava. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: On My Mama, I’m The One e Hollywood

Sufjan Stevens – Javelin

O nome de Sufjan Stevens brilha na lista de compositores que são especialistas em traduzir o que se esconde dentro de cada indivíduo. É difícil escutar alguma de suas letras e não se sentir tocado por ela – por exemplo, quem consegue assistir Me Chame Pelo Seu Nome sem se emocionar com Mistery of Love? O belo é inerente ao trabalho de Sufjan, e não seria diferente com Javelin.

O álbum é, em sua essência, uma tocante crônica sobre o ciclo do amor, representando-o do começo ao fim. Ao longo de Javelin, o artista parece ter a intenção de entender e ser entendido, com o objetivo de expor o fio condutor entre seus temas de estimação: levantar as intermináveis questões que nos levam a buscar significado uns nos outros e nos alegrar com a euforia de, às vezes, encontrá-lo. Nessa mistura encantadora, refinada e coesa de indie rock, folk e indie pop, Sufjan Stevens mostra, mais uma vez, seu talento em criar uma força invisível que atravessa e deixa marcas em qualquer um que está disposto a ouví-lo. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Will Anybody Ever Love Me?, So You Are Tired e Shit Talk

Letrux – Letrux como Mulher Girafa 

Letrux, como sempre, fora da caixa – ou da jaula. A artista carioca retornou em 2023 com seu terceiro álbum solo e muita animal print. Em 16 faixas com títulos que aludem ao reino animal, ela empresta o selvagem para falar da natureza humana. O universo sonoro criado pela cantora no disco abraça sua potência artística e ela entrega mais uma obra completamente original e cativante.

O disco conta com apenas uma parceria, mas muito especial: Lulu Santos, na faixa Zebra. A maioria das músicas leva o nome de algum animal, dos insetos aos grandes predadores. Letrux nos guia por uma jornada pela essência dos seres humanos e suas relações. A sonoridade e as letras espelham nossos altos e baixos, às vezes pequenos como uma formiga, às vezes com a fome de um leão. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Louva deusa, Formiga e Leões

Nas – Magic 3

Há no rap uma frase corrente, de origem imprecisa e de senso comum, que diz que “rap é jogo pra jovem”. Quem, porém, contradiz tão vitalmente essa máxima – junto talvez ao Jay-Z de 4:44 – não é outro senão o rapper de Illmatic, que na primeira faixa de Magic 3 já se coloca na posição de “griô”. Após os anos 90 e início dos 2000, depois de ter emplacado quatro obra-primas em oito anos e ter se consolidado como o Rei, Nas retorna nesse outro início de década com o vigor que lhe é característico: emplacou duas trilogias – King’s Disease e Magic – em três anos e se reafirmou enquanto um dos mais importantes da história do rap e um dos mais talentosos ainda em atividade, aos 50 anos.

Embora Magic 3 não seja de todo o melhor disco dessa sequência de trilogias – posto que pertence, sem dúvida, a King’s Disease III (2022), um dos melhores discos de rap dos últimos anos –, nunca é desperdício ouvir o flow e voz de um dos mais talentosos de sempre, produzida por um dos mais talentosos de hoje. Dupla formidável, dois dos melhores fazendo o que fazem de melhor, Michael & Quincy: Nas e Hit-Boy. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Pretty Young Girl, Based on True Events, Pt. 2 e Sitting With My Thoughts

Karol G – MAÑANA SERÁ BONITO

É impossível falar sobre a dominação mundial ultimamente exercida pela música urbana latina sem esbarrar na imponência de Karol G. Subindo no palanque da indústria como Bichota, codinome que revigorou esse cenário tão tomado de testosterona, a colombiana tem um quê de artista de cinema aliado à admiração que desenvolvemos por uma irmã mais velha. Assim, fica fácil entender como MANÃNA SERÁ BONITO, seu quarto álbum de estúdio, saltou dos ouvidos desavisados de muitos para o topo da Billboard 200 e o palco das vertentes estadunidense e latina do Grammy, conseguindo abarcar o melhor conceito-condutor da carreira da cantora. 

Aqui, a grandeza ostensiva da diva pop – professada na exploração de reggaeton, bachata, trap, afrobeats e até house music – se concilia com a vulnerabilidade doce de Carolina Giraldo Navarro, que usa o ápice de ritmos e prosperidades como ferramenta de reconciliação identitária. Sob as mãos habilidosas do conterrâneo e principal mixador do projeto, Ovy on The Drums, a amargura do coração partido, as odes a marcas de luxo e a liberdade refletida nas marés da ilha de Lanzarote são frações únicas de um balaio contagiante. Para os mais céticos, Karol G também reúne feats com veteranos e recentes sucessos latinos, de Shakira a Bad Gyal, na tentativa final – e bem convincente – de mostrar que seu futuro pode ser ainda mais caprichoso. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: X SI VOLVEMOS, DAÑAMOS LA AMISTAD e CAIRO

Metro Boomin – METRO BOOMIN PRESENTS SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER VERSE 

Metro Boomin tinha um grande desafio em mãos ao conduzir a nova trilha sonora de Homem Aranha: Através do AranhaVerso. Após cinco anos do lançamento do primeiro longa-metragem que consagrou Sunflower, parceria de Post Malone e Swae Lee, como single mais certificado na história do RIAA, Boomin manteve a mesma qualidade de elementos apresentados anteriormente e encaminhou o hip-hop para um novo patamar. 

Para a composição do disco, o produtor musical se dedicou a fazer boas músicas e não sucessos comerciais. As canções idealizadas por Daniel Pemberton refletem a trajetória de cada personagem no filme. Igualmente a animação, letras e melodias se entrelaçam na história de outros aranhas importantes para o desenvolvimento do protagonista. Como uma playlist compartilhada por Miles Morales, o álbum foi pensado em conjunto, sem nenhum ponto solto, onde cada componente se conecta como uma teia. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Annihilate, Self Love e Hummingbird 

Ana Frango Elétrico – Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua

Depois de uma pausa de quatro anos, em seu terceiro álbum  de estúdio, Ana Frango Elétrico volta de uma forma muito mais madura que nos anos anteriores. Com timbres nostálgicos, a artista busca estreitar laços com a música brasileira dos anos 1960 e 1980, ao passo que aborda temas sensíveis e subjetivos de maneira até dolorosa, como em Insista em Mim. 

Apesar dos temas individuais beirando a melancolia abordados no álbum, as batidas e melodias são animadas e alegres. A influência de músicos como Tim Maia é nítida. O contraste das letras com a própria música torna as canções harmônicas, aproximando o público cada vez mais do mundinho particular de Ana Frango Elétrico. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Insista em Mim, Dr Sabe Tudo e Camelo Azul.

Taylor Swift – Midnights (The Till Dawn Edition)

As noites mal dormidas de Taylor Swift continuaram rendendo músicas em 2023. Midnights (The Till Dawn Edition) é a versão deluxe do álbum já lançado no ano anterior, que conta com três novas faixas e um single. As duas músicas inéditas, Hits Different  e You’re Losing Me, nos contam como a história de amor termina, é fim do Lavander Haze e um prelúdio para uma nova era de coração partido. Snow On The Beach (feat. More More Lana Del Rey) é a versão estendida e mais doce da parceria. Karma (feat. Ice Spice) dessa vez ganhou videoclipe, recheado de easter eggs que deixaram os fãs muitas noites acordados para acompanhar a loirinha. 

Outra diferença que essa versão do disco trouxe, foram as versões censuradas de músicas como Maroon, assim, eliminando o selo de conteúdo explícito, as músicas poderiam chegar em maior público. Midnights chegou como uma surpresa para indústria, quando ninguém mais esperava um sucesso estrondoso da carreira de Swift ela se reinventa no synthpop, fazendo milagre em meio de regravações de outros álbuns e turnê mundial, a artista ainda tem muito o que cantar. – Costanza Guerriero 

Faixas favoritas: You’re On Your On, Kid; The Great War e Hits Different

Sophia Chablau e uma Enorme Perda de Tempo – Música do Esquecimento

Dois anos depois do lançamento do primeiro álbum da banda, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo volta mais uma vez mostrando como tem amadurecido musicalmente e de que forma querem expandir para novos públicos. Ainda que existam tentativas de inovar, a autenticidade do grupo se mantém constante, sendo possível observar o desejo e afeto que os integrantes têm consigo mesmos e com aqueles que os ouvem.

Apesar das novas abordagens neste álbum, a essência mantém-se a mesma. Abordando também temáticas como a melancolia que permeia as relações da comunidade LGBTQIAP+, uma das faixas de grande destaque, Segredo, escancara a infeliz universalidade de uma vivência dupla de uma boa parcela das minorias sexuais. Originais, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo não têm receio em se redescobrir e talvez seja isso que os fazem genuinamente únicos. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Segredo, Minha Mãe é Perfeita e As coisas que não te ensinam na faculdade de filosofia.

ANOHNI and The Johnsons – My Back Was A Bridge For You To Cross

Ideal para noites chuvosas e trajetos solitários de transporte público, My Back Was A Bridge For You To Cross foi feito para pensar na morte da bezerra. Ao mesmo tempo que seus acordes de guitarra conduzem uma atmosfera pacífica, suas letras melancólicas invadem sutilmente nossa cabeça e a deixam latejando. Tal inquietude não é tratada com Alivium, nem com nenhum tipo de remédio, pois não é uma doença para ser curada, mas um sintoma do desejo intrínseco por mudanças que deve infectar cada vez mais pessoas. 

O quinto álbum de ANOHNI and The Johnsons se garante no apelo à vulnerabilidade, isto é, na admissão da dor. Esta, por sua vez, está refletida em composições confessionais recitadas por uma voz a qual infelizmente sabe o que diz. A subjetividade atrelada à política torna o disco uma fonte de memórias diante de um sistema planejado para esquecer. 

No fim, My Back Was A Bridge For You To Cross reconhece conquistas, mas não cede à ingenuidade de achar que a vida de grupos marginalizados se tornou um completo morango. Não basta construir pontes, há de atravessá-las também. Quem sabe do outro lado não está o final do arco-íris LGBT+ com gloriosas recompensas: amores correspondidos, revolução no sistema e álbum novo da Kate Bush. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: It Must Change, Silver of Ice e Why Am I Alive Now?

Bad Bunny – nadie sabe lo que va a pasar mañana

Após o lançamento do aclamado Un Verano Sin Ti, uma obra-prima pop imersa na umidade caribenha e no brilho dos sonhos, Bad Bunny foi catapultado para os olhos do público como nunca antes. Para quem ainda não conhecia o artista, o disco de 2022 fez parecer que o porto-riquenho sempre foi o tipo de pop star que lota estádios. Mas os fãs mais antigos sabem que Benito sempre foi um rapper de elite, e ele volta a mostrar isso em nadie sabe lo que va a pasar mañana.

O quinto álbum do grammy winner vem repleto de batidas de trap contundentes, rimas introspectivas e um estilo ‘de volta às origens’. O Bad Bunny presente em nadie sabe é um astro muito adorado que ficou na defensiva por muito tempo – seja por causa dos críticos, de fãs assustadoramente possessivos ou outras entidades que pareciam estar minando sua humanidade. A torre fria e brutalista que ele construiu contrasta com a fonte de histórias porto-riquenhas ricas e modernas presentes nos álbuns anteriores. Esse sempre é um aspecto muito interessante de se ver, e o El Conejo Malo é mestre em fazer com que a experiência seja magnífica. – Raquel Freire

Faixas favoritas: NADIE SABE, HIBIKI e WHERE SHE GOES

Martinho da Vila – Negra Ópera

Pelléas et Mélisande é uma ópera centenária, idealizada pelo compositor francês Claude Debussy. Um drama lírico em cinco atos, que conta a trajetória de dois jovens que vivem um romance fadado ao fracasso. Uma união que apenas é capaz de concretizar-se pela morte. Foi após presenciar esse espetáculo em pleno Teatro Opera de Paris que Martinho da Vila, um artista pivotal para o samba brasileiro, idealizou Negra Ópera: um concerto glorioso que se apropria de uma tradição europeia para cantar e chorar as lamentações do povo preto brasileiro.

Negra Ópera se desvia da imagem leve que construiu-se sobre Martinho no nosso inconsciente. É um trabalho íntimo, mas pesado. Doído de escutar. Tão denso quanto o azul profundo que abraça a capa do disco, ocupada por anjinhos pretos que são pincelados como em pinturas renascentistas. Essa combinação inevitável entre signos antagônicos manifesta o poderoso esforço de ressignificação que norteia o álbum. Martinho une composições pessoais a releituras de outros grandes sambistas para narrar, através da perspectiva coletiva do seu povo, os infortúnios da maior tragédia da nossa história. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Heróis da Liberdade, Acender as Velas e Dois de Ouro

Daniel Caesar – NEVER ENOUGH

É impossível escutar Daniel Caesar e não se sentir instantaneamente hipnotizado. Suas canções românticas com melodias marcantes e coros angelicais se tornaram definidoras para o gênero R&B nos anos 2010. Um caso excepcionalmente raro em nossa era algorítmica de um cantor capaz de te arrebatar da própria cabeça. Mas, em NEVER ENOUGH, esse estado de levitação é logo interrompido na primeira faixa, Ocho Rios, quando os instrumentais são invadidos por guitarras distorcidas e bumbos pesados, acompanhados de vocais levemente guturais.

Caesar já havia exposto seu desejo em superar Freudian, seu trabalho mais icônico, para desbravar novos horizontes. Aqui, ao invés de explorar as nuances sensoriais do gospel, a música se deixa levar pelo ruído. Sem abandonar sua assinatura já difundida, o artista abraça uma sonoridade experimental, quase carnal, que rejeita o sagrado para nos lembrar de nossa eterna condição de mortalidade. Assim que NEVER ENOUGH fisga seu ouvinte, não há mais volta. Ainda que ligeiramente difuso, esse é o preço cobrado para abrir as portas do nosso refúgio particular. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Let Me Go, Shot My Baby e Superpowers

Elza Soares – No Tempo da Intolerância

Nesse álbum póstumo, Elza Soares evoca um manifesto enraizado em sonoridade latino-americana, poesia marginal e ancestralidade. A intérprete utiliza sua voz como arma letal – descrita assim na canção Coragem – contra o racismo, machismo, violência policial, entre outros abusos, No Tempo da Intolerância é um álbum denunciativo em que Elza mostra, mais uma vez, que nunca deixou de se posicionar. Além da denúncia, também celebra o feminisno negro, a liberdade das mulheres e clama por justiça com os seus, sendo um álbum quase inteiramente autoral – 7 das 10 músicas são conposições da cantora. 

Entre as faixas, podemos presenciar, pela última vez, a beleza e potência que Elza foi e sempre será.Rainha Africana, composição de seus amigos Rita Lee e Roberto de Carvalho, é presenciada a história da cantora sendo exaltada e reverenciada. Já em Quem Disse, a introdução da canção é feita pelo MC WJ, conhecido por seus versos denunciantes sobre a realidade dos grupos marginalizados, e Elza acompanha essa denúncia que recai sobre a desigualdade, não só, mas também financeira nesse Brasil. Por último, mas não menos importante, Mulher Pra Mulher (A Voz Triunfal) referencia o feminismo negro que luta contra inumeravéis violências durante tantos anos. 

A identidade da cantora, falecida em 2022, está muito bem marcada neste lançamento e, por ser o último, No Tempo da Intolerância é um álbum em que nos emocionamos não só pelas letras, mas também por imaginarmos que será o último trabalho lançado. Não há palavras suficientes que medem Elza Soares. Ela é incrível em tudo o que fez e continuará fazendo nesse compasso de vida. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Justiça, Pra ver se Melhora e Quem Disse

FBC – O AMOR, O PERDÃO E A TECNOLOGIA IRÃO NOS LEVAR PARA OUTRO PLANETA 

Não é de agora que Fabrício, mais conhecido como FBC, trabalha com Música. O sucesso estrondoso de Baile (2021), em colaboração com VHOOR, fez com que os talentos do artista fossem amplamente divulgados, atingindo novos espaços além da cena do rap nacional. Não se acostumado em criar mais do mesmo, em seu novo projeto o rapper busca novas inspirações e transborda em uma estética completamente diferente do que havia produzido. Passeando entre os anos 1970 e 1980, misturando funk com elementos sintéticos e até um sax, o cantor nos faz refletir sobre a existência nesse planeta que chamamos de casa.

Com a ousada proposta de fugir das tendências atuais, FBC aposta tudo em um álbum que mira em Jorge Ben Jor e acerta em um estouro de originalidade. Em O Amor, o Perdão e a Tecnologia Irão nos Levar para Outro Planeta, o cantor e compositor traduz, em um jogo minucioso entre letra e som ,os sentimentos e sensações de uma viagem pela dance music. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Madrugada Maldita e Estante de Livros (feat. Don L)

niLL – O Resgate do Maestro

niLL é o maior artesão da cena do rap nacional. Seus discos não são somente conceituais. Seja rimando ou tecendo os instrumentais através do seu pseudônimo O Adotado, o artista jundiaiense constrói universos imersivos que costuram milhares de referências à cultura geek como em uma colcha de retalhos, operando através de nossos ambientes virtuais para evocar as emoções mais substancialmente humanas possíveis. Não importa o quão fantasioso ou fora da casinha for o álbum da vez. No fim, tudo se resume ao mais terreno cenário de um jantar.

É esse retrato mundanamente imaginário de um mecha explorando as vielas de uma favela que nos apresenta a O Resgate do Maestro. Na narrativa do disco, acompanhamos um simpático robô que viaja para a Terra com o objetivo de estudar as emoções humanas. O rapper usa dessa conjunção para criar uma jornada existencial e contemplativa, refletindo nossa sede inerente por conexão em meio a uma realidade onde desaprendemos a viver uns com os outros. É então a partir de sonoridades acalentadoras e visuais nostálgicos que niLL faz da Música ponte para que esses laços se cruzem outra vez. – Enrico Souto

Faixas favoritas: PS1, Zero Zero 7 e City Hunters

DJ K – PANICO NO SUBMUNDO

Há quem não goste de funk e criminalize o gênero se baseando em crenças preconceituosas. O estilo musical se reinventa constantemente e com PANICO NO SUBMUNDO não dá para negar a ascensão merecida do ritmo. Durante 43 minutos, DJ K, nascido em Diadema, entrega ao público uma viagem de diversões com esse projeto. Aclamado pela Pitchfork, o paulistano usa o gênero como uma plataforma de conscientização social, como quando critica sutilmente o governo de Jair Bolsonaro na faixa “Erva Venenos”.

É impossível ser levado à outra dimensão com uma música, mas aqui, o produtor musical o faz com maestria: já na primeira música, Illuminati – Viagem Ao Oculto, o ‘bruxo’, apelido do artista, faz a sua magia e enfeitiça os fãs com beats agradáveis e produções de tirar o fôlego. Para os amantes do estilo musical, é um deleite. Os que não acompanham de perto o ritmo irão se impressionar com o talento do DJ K. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Illuminati – Viagem Ao Oculto, Automotivo Acordou a Favela Toda e Beat Distorce Mente

N.I.N.A – Para Todos os Garotos que já Mamei

Com Para todos os garotos que já mamei, ou PTOGQJM, N.I.N.A revelou uma nova faceta de sua musicalidade. No álbum lançado em Agosto de 2023, a cantora conhecida como bruta, brava e forte soa mais sensível e reconhece sentimentos que não se mostravam com tanta veemência em sua discografia anterior, Pele (2022). Em um movimento semelhante ao da temática, a sonoridade trabalhada também migra para novidades e as sete faixas são uma viagem pela diversidade rítmica. 

R&B, pop, rap e soul são explorados nas composições, mas cada uma segue tão única quanto às cartas enviadas pela protagonista do filme que o nome do disco parafraseia. Nessa singularidade, N.I.N.A surpreende a cada minuto do projeto e consegue ser impecável ao ponto de não permitir brecha para uma crítica sequer. Por isso, PTOGQJM é perfeito para ouvir em momentos à flor da pele ou animar dias blasé, com a única restrição de não ser recomendado para menores de 18 anos. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Faz Assim, Despedidas e Karma

James Blake – Playing Robots Into Heaven

James Blake deixou sua marca registrada por todos os cantos da indústria musical na última década. Os vocais divinos e quase sussurrados do artista, que preenchem delicadamente suas melodias digitais e minimalistas, fizeram dele um colaborador de ouro, lhe rendendo participações marcantes em projetos de grandes artistas como Kendrick Lamar, Travis Scott e Beyoncé. Em paralelo, seus trabalhos solo, antes instigantes e misteriosos, eram gradativamente sanitizados quanto mais deslocavam-se para o universo do pop. 

Nesse contexto, Playing Robots Into Heaven marca o retorno do artista à música eletrônica. Aqui, sua voz se mistura aos elementos da canção para tornar-se um mero instrumento. A letra, em grande parte do disco, pouco importa. Os timbres, as percussões e as harmonias são manipuladas para nos transportar a uma montanha russa sensorial, ora declinando bruscamente em direção à terra, ora ascendendo em movimentos circulares até os céus. Um resgate e um lembrete do posto de Blake como um verdadeiro maestro de emoções. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Fall Back, Big Hammer e I Want You To Know

Kali Uchis – Red Moon In Venus

A sinestesia, além de uma figura de linguagem, é uma condição neurológica que faz com que quando um dos nossos sentidos é ativado, reações são provocadas em outro, gerando um mix de sensações. Ouvir Red Moon in Venus não é uma experiência simples, mas que ativa diversas sensações, sendo um álbum colorido e com sabores refrescantes do pop latino.

Em seu terceiro álbum, a colombiana Kali Uchis nos leva em uma aventura sonora que lembra um conto de fadas, mas com toques de sensualidade. Já na primeira faixa, In My Garden… a artista cria uma certa ambientação, apresentando o tema do álbum, ao falar “Olá / Você consegue me ouvir? / Eu só queria falar que, caso tenha esquecido, eu te amo” e incluir sons imersivos. A obra segue com tracks sobre amor, prazer e desejo, como I Wish You Roses e Love Between, além da exploração da feminilidade, com toques do estilo R&B de Uchis, além de reggae e soul. -Marina Barrelli de Carvalho

FAIXAS favoritas: Worth the Wait, All Mine e Deserve Me

Carol Biazin – REVERSA

Em uma grande homenagem para todas as garotas infernais, Reversa chegou com aquele sabor de romance adolescente para alimentar a alma das mean girls. Carol Biazin traz desilusão, rebeldia e romance, é óbvio, para o terceiro álbum de sua carreira. Contando com treze faixas que narram uma história de amor de trás para a frente, fazendo alusão ao título, a cantora conta com batidas de pop, R&B, e vocais de fundo para conseguir sustentar a personalidade da obra, que se inspira na sua. 

Reversa tem pontos altos e baixos, como qualquer obra. Os beats são muito parecidos, fazendo com que uma faixa pareça a extensão da anterior. Entretanto, Biazin fez ótimas evoluções em suas composições, em comparação ao seu último disco, Beijo De Judas, conseguindo trazer letras mais desenvolvidas e vocais presentes e potentes, que lembram muito os de Luísa Sonza, além de ter produzido a cronologia realmente ao contrário, porém de forma extremamente complementar, o que torna o álbum ainda mais único e precioso para o pop brasileiro. Com um relacionamento que não deu certo, talento e muito glitter, Carol Biazin entregou uma das melhores produções nacionais de 2023. A cantora provou que está pronta para defender o seu espaço nas playlists das garotas infernais. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: Playlist de Sexo, Dessa Vez Não e Garota Infernal

Måneskin – Rush! (Are U Coming?)

Na extensão de Rush!, álbum #1 em mais de 15 países da banda italiana Måneskin, são acrescentadas mais cinco músicas que mostram para o público a força do jovem grupo. Com a maioria das faixas em inglês, são exploradas temáticas que vão do romance à rebeldia e aproveitamento da vida, em que há um casamento muito bem realizado entre os potentes vocais de Damiano David e os instrumentos dos demais membros. Em Valentine, a extensão da voz de David e os acordes da guitarra de Thomas Raggi causam arrepios por todo o corpo de quem escuta.

O baixo de Victoria De Angelis é outro elemento que faz toda a diferença nas produções. Com uma maior presença nesse lançamento, a baixista cria acordes que marcam o estilo da banda, ajudando na produção de melodias que permanecem por um bom tempo na cabeça. Contando com 22 faixas,  Rush! (Are U Coming?) une Mäneskin ao músico americano Tom Morello em Gossip – um dos cinco singles do álbum – em uma produção energética e viciante, com solos de guitarra de tirar o fôlego. Indo do intenso, apaixonante e íntimo, para o divertido, provocante e sensual, a quinta produção do grupo é um sucesso garantido. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Trastevere, Timezone e Off My Face

Reverend Kristin Michael Hayter – SAVED!

Ao ouvir SAVED!, a última certeza que você tem é que está a salvo. Lingua Ignota veste a batina a aponta o dedo julgador típico de um fundamentalista religioso bem na sua cara. Com voz, violão e um piano modificado, a intérprete cria um cenário de pandemônio e nos transporta para uma igreja no meio do nada no exato momento em que ocorre o julgamento final.

O álbum, totalmente experimental, além de propositalmente caótico, revive estilos dos cânticos do Movimento de Santidade, vertente pentecostal que estimula atividades carismáticas como a glossolalia – capacidade de falar em línguas quando se está em transe religioso. Dessa forma, a artista, que teve uma infância católica, desvirtua totalmente a visão religiosa. As microfonias propositais entre as faixas, os instrumentos nada mixados e a voz por vezes a capela, criam a impressão que o fim do mundo, naquela igreja que o disco emula, ao mesmo tempo que é temido, também é desejado. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: ALL OF MY FRIENDS ARE GOING TO HELL, IDUMEA e THE POOR WAYFARING STRANGER

JPEGMAFIA & Danny Brown – Scaring The Hoes

2023 definitivamente foi o ano das collabs no rap, seja por Billy Woods & Kenny Segal no excelente Maps ou no atrasadíssimo e divisivo Vultures Vol.1 de Kanye West e Ty Dolla $ign. Quem definitivamente consagrou o movimento e deu o start  na moda novamente foram os irreverentes e até então totalmente antagônicos JPEGMAFIA & Danny Brown. Por isso, Scaring The Hoes é a prova de que sim, os opostos se atraem e criam uma química descomunal entre si.

O termo chulo do título é uma expressão para quando se está sendo hipócrita e a dupla consegue, pelo menos, bater de frente com a hipocrisia, com a arma que mais sabem usar: o sarcasmo. O disco consegue dosar efetivamente os beats tortos de JPEG com a rima rápida e astuta de Danny Brown, resultando em uma obra que aborda conscientemente, ao mesmo tempo que com muita irreverência, a cultura da internet e o próprio rap americano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Kingdom Hearts Key (feat. Redveil), Burfict! e Garbage Pale Kids

Madison Beer – Silence Between Songs

No disco Silence Between Songs, Madison Beer se mostra como uma cantora completa. Por meio de belas composições e sonoridades de um pop genuíno, a artista traz canções cheias de beleza e sentimento. Indo de sintetizadores futuristas, acordes de violão e até notas delicadas vindas diretamente de uma caixinha de música, Beer apresenta todo o seu potencial para o cenário musical.

A era do álbum começou em 2021 com o lançamento do single Reckless, que age como uma carta sobre um coração partido. Madison Beer mostra como pode ser um dos próximos grandes nomes do pop, por meio de videoclipes estéticos, vocais poderosos – repletos de suspiros e harmonias –, e faixas cheias de emoção aliadas à instrumentais interessantes. Passando por tristezas amorosas, reflexões sobre a vida e sobre a família – a faixa Ryder é dedicada ao irmão de Beer – a cantora prova como seu repertório é diverso. -Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: Sweet Relief, Ryder, Home To Another One e Reckless

Reneé Rapp – Snow Angel 

Em Snow Angel, conhecemos um lado de Reneé Rapp que permaneceu escondido por anos. Iniciando sua carreira no teatro, sua imagem já era prestigiada nos palcos, mas sua voz ainda era desconhecida pela plateia. Assinado pela gravadora Interscope, o disco conta com 12 faixas que transitam entre os gêneros pop e indie rock, e marcam as várias interrogações memorizadas pela mente da cantora durante a criação de seu primeiro álbum. 

Debatendo consigo mesma, as letras de Reneé garantem uma sinceridade de fácil identificação. Abordando temas como auto sabotagem, relacionamentos complicados e consumo de substâncias ilícitas, Snow Angel representa o questionamento pessoal da artista com as suas próprias ações. Tópicos em sua vida que ela sabe que precisa melhorar, ou não, para encontrar paz de espírito. – Ludmila Henrique

Faixas favoritas: 23, Talk Too Much e Gemini Moon 

Taylor Swift – Speak Now (Taylor’s Version)

O roxo continua predominante e o cabelo ainda está cacheado, mas não podemos afirmar que a garota na capa é a mesma: na regravação de seu terceiro álbum de estúdio, Taylor mostra-se mais madura e estável, nos levando em uma visita para sua versão jovem e intensa. Trazendo narrativas sinceras sobre descobrir seu lugar no mundo, amores efêmeros e decepções, a compositora pode até ter perdido a energia na voz que apenas uma garota de 19 anos com o coração partido pode ter, mas sempre terá a beleza de conseguir transmitir sentimentos tão lindos em forma de canção.

Speak Now (Taylor’s Version) ajusta-se aos tempos atuais, como mostra a modificação da letra Better Than Revenge, e ainda consegue trazer novas faces dessa Swift jovem e sexy com I Can See You (From The Vault). Por ser um álbum de carinho e apreço pelos fãs, foi a primeira vez que sentimos que o tempo passou de fato – seja pela voz, pelas memórias ou quando paramos para pensar que quase 13 anos separam desde o primeiro lançamento.  – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Dear John, Long Live e Back To December

Troye Sivan – Something To Give Each Other

Após a introspecção de Bloom, Troye Sivan retorna em 2023 com Something To Give Each Other, um álbum que celebra a euforia da pista de dança e o desejo ardente pelo calor humano. Se em Blue Neighbourhood conhecemos um jovem ainda inseguro sobre sua sexualidade, agora encontramos um artista maduro e confiante, que canta com propriedade sobre seus desejos hedonistas.

Rush, o primeiro single do álbum, é a porta de entrada para esse mundo de prazeres. A faixa contagiante nos convida a sentir a mesma euforia que Troye experimenta nas baladas. Mas, o disco vai além da pura festa. Romance e sexualidade são explorados sem tabus, com foco na intimidade entre duas pessoas. Em What’s The Time Where You Are?, o artista canta: “Eu estou bem em esperar se tudo estiver dito e tudo estiver feito / Você sabe que eu te entendo do jeito que você me entende, baby”.

Além de seu lirismo, a produção de Something To Give Each Other é outro ponto forte. As batidas precisas e as ambientações envolventes transportam o ouvinte para diferentes planos. Faixas como One Of Your Girls e Still Got It demonstram a inteligência e a criatividade de Troye Sivan, que entrega um álbum rico em detalhes e com uma sonoridade original, o que o torna um dos destaques de 2023. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Silly e One Of Your Girls

Dominic Fike – Sunburn 

Alerta! Sunburn pode ocasionar queimaduras de segundo grau, agarre seu fone de ouvido e se proteja do sol. Revisitando o sul da Flórida, Dominic Fike despeja em ritmos funkeados todas as incertezas que percorreu até conquistar seu lugar no cenário musical. Sendo o segundo álbum do artista, Fike permanece com a sua característica central de divagar por vários gêneros, remetendo sonoridades que atravessam o indie rock e mergulham no rap. A composição do disco transfere melodias dançantes, mesmo que as palavras descritas pelo cantor sejam de extrema consternação. 

Em soma com o baterista Henry Kwapis (Dijon) e os produtores Devin Workman e Jim-E-Stack, Sunburn contempla 15 faixas sobre a vida de Dominic em sua cidade natal. Uma história carregada de arrependimentos, vícios, sexo e drogas. O disco leva a sonoridade de uma visita indesejada ao passado. Uma reconciliação do artista consigo mesmo, algo que ele precisa deixar para trás, para poder caminhar em direção ao sol. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Sunburn, Bodies e Mona Lisa 

Noname – Sundial

Diante de um cenário musical composto majoritariamente por ensaboados, a artista Noname rejeita a arte limpa e imparcial ao fazer de Sundial, seu segundo álbum de estúdio, uma celebração provocativa da inconstância humana. Ademais, o disco apoia suas batidas típicas do neo soul em letras cuja essência política garante autenticidade a um trabalho que joga pedras e não teme ser apedrejado também. 

O objetivo de Sundial é causar desconforto em uma indústria condizente com  discursos vazios e silêncios ensurdecedores. Apesar dessa conjuntura monótona, algumas musicistas principalmente do hip-hop, como Little Simz e a própria Noname, aventuram-se pelo teor crítico ao transcrever angústias e questionamentos no papel. Este, por sua vez, é amassado com o intuito de nunca mais voltar a ser o que era antes. Enquanto certos artistas abusam de jatinhos particulares, a criadora de Sundial é quem, de fato, voa para longe da mediocridade e da inércia.  – Ana Cegatti

Faixas favoritas: boomboom, namesake e hold me down

Jão – SUPER

Se você escutar SUPER e estranhar já ter escutado essa história antes, é porque Jão retoma todas as suas aventuras até aqui para fechar um ciclo de cinco anos com seu quarto álbum. O artista do interior começou a até que recente carreira falando sobre amores, ilusão e desilusão, desejo de alcançar seus sonhos mais ambiciosos e de sair de uma cidade pequena para se descobrir na metrópole paulista. No quarto capítulo, os temas retornam e, apesar de soarem repetidos, fazem um apanhado de todo o período da casa dos 20 anos para finalmente se concluírem e abrir portas para novas descobertas.

A sonoridade vem mudando discretamente desde Lobos (2018), disco de estreia de Jão, e se torna mais fresca a cada nova empreitada. Embora algumas canções, como Julho e Me Lambe, já viraram fórmula, Gameboy, Eu Posso Ser Como Você e Sinais mostram que o cantor e sua equipe fiel de colaboradores bebem de referências novas, em busca de revitalizar o som, à medida que o tema permanece. Agora, mais ousado, mas não menos abalado pelos amores deixados pelo caminho, Jão faz de SUPER a despedida de uma trajetória grandiosa, para começar uma maior ainda, dessa vez em palcos de arenas. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Escorpião, Se O Problema Era Você, Por Que Doeu Em Mim? e Locadora

Kylie Minogue – Tension

Era uma quinta-feira à noite em meados de maio de 2023 quando o falecido Twitter, agora X, começou a emitir sinais de Padam Padam. Desse momento até o lançamento do disco Tension, muita expectativa foi criada em forma de vídeos virais sobre os próximos passos de Kylie Minogue. A partir da adaptação moderna da onomatopeia para batimento cardíaco popularmente entoada por Edith Piaf, a rainha absoluta do dance pop acrescenta 13 faixas que chegam até a ser perigosas para os órgãos vitais, afinal, nem mesmo as baladinhas românticas diminuem a vontade de dançar.

Como em uma tentativa destemida de quebrar a tensão superficial da água, a artista mergulha de cabeça no melhor das noites australianas para o seu tão aguardado décimo sexto álbum de estúdio. Os ápices da produção envolvem a junção de instrumentos como o baixo e o saxofone às batidas programadas, ao passo em que as composições explodem em cores e ganham um lugar especial em Las Vegas. De olho em um diamante no horizonte enquanto assume a despretensiosidade do gênero, Tension é tudo o que nós amamos sobre Kylie Minogue. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Padam Padam, Vegas High e Love Train

Ebony – Terapia

Jovem e pronta para ocupar todo e qualquer espaço na cena do rap e hip hop, Ebony chegou com os pés na porta e ofereceu a todos aqueles que estão insatisfeitos com sua presença na cena uma bela Terapia. O disco é audacioso e funciona quase como uma descrição em detalhes da artista, com todos os seus pensamentos, gostos e a grande indiferença sobre a opinião masculina expostos e rodeados por um ritmo viciante. 

Em faixas intituladas com termos da psicologia, como acontece em Pensamentos Intrusivos, Sem Neurose e Paranóia, moram letras escritas por alguém que vai conquistar o que quiser. Apesar de soar como, isso não é um exagero, Ebony sabe exatamente o que deseja e como conseguir, afinal, ela é independente, sincera e “megalomaníaca com o mundo na palma da mão”. Quem procura um álbum de quem está no corre e não vai parar tão cedo, deve procurar Terapia. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Lei da Atração, Obcecada e Sem Neurose

Janelle Monáe – The Age of Pleasure

The Age of Pleasure, o mais recente álbum de Janelle Monáe, é uma celebração do verão, da liberdade e do prazer. Uma antítese aos seus últimos trabalhos sci-fi distópicos, mantendo sua qualidade singular. Com canções nomeadas após coquetéis de champanhe, Monáe constrói uma mistura alegre de reggae, afrobeat e soul e a descreve como a trilha sonora de um estilo de vida.

A colaboração com artistas como Grace Jones, Sister Nancy e Amaarae mesclam o frescor de um dia ensolarado e de altas temperaturas, com a calmaria da senioridade. E, merecidamente, renderam as indicações de Álbum do Ano e Melhor Álbum de R&B Progressivo na 66ª Edição Anual do Grammy – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: The Rush (feat. Nia Long & Amaarae), Chapagne Shit e Haute

Swans – The Beggar

Uma odisseia sobre a vida, a morte, e tudo que as aproxima. The Beggar é o 16º álbum lançado sob o nome do Swans, grupo estadunidense regido por Michael Gira, e apresenta um retorno a diversos territórios musicais explorados pelo artista no passado. Assim como na maioria dos trabalhos de Gira, o foco da obra é envolver o ouvinte em uma atmosfera imersiva sempre hipnotizante e ameaçadora, ainda que inundada com momentos etéreos e deslumbrantes. É possível ouvir traços de várias das facetas do compositor, passando pelo folk e americana do Angels Of Light, os ritmos pulsantes de The Great Annihilator (1995), além de uma psicodelia reminiscente de Syd Barrett em Ebbing.

Por mais que muito do que se ouve no álbum são – forçando muito a definição – canções, o enorme elefante no meio da sala é The Beggar Lover (Three), penúltima faixa do disco, que conta com mais de 43 minutos de duração. Essa monstruosidade remete a outro projeto de Gira denominado The Body Lovers, o qual tinha como maior motivo a experimentação extrema com o som. A música é essencialmente uma colagem sonora abstrata que inclui passagens coletadas de outros trechos do álbum e até de discos anteriores da banda, distorcendo e brincando com a memória dos fãs familiarizados com esses momentos. Ainda assim, existe uma coesão e uma dinâmica cativantes, além da sonoridade trazer um poderoso contraste às outras faixas.

Michael Gira – com quase 70 anos de idade no lançamento do disco – deixa claro nesta obra que enxerga o fim de sua vida como algo próximo, cantando letras que contemplam e refletem sobre a morte e a efemeridade da vida humana como um todo. Mas aqui, isso não se dá como algo alarmante ou desolador; o artista está em boas relações com seu desfecho e mostra aceitar o inevitável, parecendo até desejá-lo em alguns momentos. Mesmo não se tratando de uma canção do cisne para a banda, The Beggar representa o fim de um imenso ciclo, sendo a conclusão e culminância de tudo que o grupo já produziu e entregou por todos esses anos. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: No More of This, Michael is Done e Ebbing

CHVRCHES – The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition)

O que é melhor do que um aniversário? Foi com essa razão que a banda escocesa CHVRCHES lançou o disco The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition). Originalmente distribuído em 2013, o primeiro álbum da banda traz uma diversidade de vertentes do pop, como o electropop, o synthpop e o indie pop. O trio formado por Iain Cook, Lauren Mayberry e Martin Doherty trouxe adições ao trabalho original, por meio de versões gravadas ao vivo e de canções inéditas, compostas durante o processo inicial de criação do trabalho. 

Durante a edição comemorativa de The Bones of What You Believe, CHVRCHES se diverte com sintetizadores, baterias eletrônicas e vocais agudos. Espirituosas, as faixas possuem batidas agitadas – porém, a parte lírica nem sempre as acompanha, por tratarem de diversos assuntos. Com muita animação, as músicas dão vida ao disco, e mostram o quão atual o synthpop pode ser. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: The Mother We Share, Recover e City On Fire

Nem em seus sonhos mais esperançosos Mitski esperava alçar voos tão altos com seu último disco, chegando a figurar no top #1 da Spotify Today’s Top Hits Playlist. A proeza se torna mais irônica quando esse lugar foi conquistado justamente com o trabalho que ela menos tinha a intenção de hitar. The Land is Inhospitable and So Are We é a aposta mais sóbria da nipo-americana após as doses de euforia e endorfina proporcionadas por Be the Cowboy (2018) e Laurel Hell (2021).

Mergulhando fundo no vazio de seu âmago, a cantora abdica de uma produção robusta e segue neste trabalho investindo no reducionismo musical. Apenas com guitarras uníssonas e violões acústicos que beiram o country, suas músicas dão uma sensação de galpão vazio, noites solitárias e chuva pela janela. Esse aspecto de falta é preenchido com uma poesia extremamente sofisticada, fazendo com que The Land is Inhospitable and So Are We funcione quase como um sarau, no qual Mitski pode comprovar sua competência como letrista. Para falar de amor e amar novamente, a artista teve que expulsar todos de seu coração e, sozinha, fazer uma faxina nele, mas no fim, nossa alma que é lavada. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Bug Like an Angel, My Love My All Mine e The Frost

Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time

Após o introspectivo pandêmico The Loneliest Time, de 2022, Carly Rae Jepsen retornou com The Loveliest Time em 2023, um disco expansivo e vibrante que celebra a superação, a experimentação e a alegria de viver intensamente. Se o primeiro era um álbum conciso e focado em regras, este é o ‘parque de diversões’ de Jepsen, onde ela se diverte explorando diferentes estilos e sonoridades. 

A deliciosa Shy Boy, primeiro single da era, abriu o caminho para uma jornada musical que transborda energia e positividade. A autorreflexão ainda está presente, como na melancólica Kollage, mas agora surge como resultado das novas experiências vividas pela cantora e não mais como uma resposta dela a eventos externos 

Destaques como a dançante Psychedelic Switch e a divertida Come Over capturam o sentimento de euforia e entusiasmo que acompanha o início de um novo ciclo ou relacionamento. Momentos como Aeroplanes e Put It To Rest podem soar menos memoráveis, mas não chegam a prejudicar a experiência geral do álbum. The Loveliest Time é um convite a celebrar a vida e a aproveitar cada momento. Carly Rae Jepsen se entrega à experimentação musical com confiança, criando um álbum coeso, divertido e cheio de personalidade. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Psychedelic Switch e Come Over

boygenius – the record

Julien Baker, Phoebe Bridgers, e Lucy Dacus uniram forças novamente em 2023, após o sucesso do trio com o EP autointitulado em 2018. Com suas carreiras solo em ascensão e cada uma se consolidando como algumas das vozes mais relevantes do circuito indie, essa reunião se torna ainda mais especial. O amor e admiração que sentem uma pela outra e as move a criar juntas transparece em cada faixa do álbum, dando ao ouvinte a sensação de poder espiar algo íntimo.

A força do grupo está na união dos estilos distintos da composição de cada integrante. É possível reconhecer os processos individuais ao longo do álbum, ao mesmo tempo que conquistam uma harmonia mágica. Apesar da instrumentação potente, o letricismo é o ponto mais alto do disco. A última faixa cria um paralelo com o destaque do EP, Me & My Dog, dando uma nova perspectiva, agora mais madura, à letra da música e, consequentemente, à trajetória do trio. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Cool About It, Leonard Cohen e Letter To An Old Poet

Chappel Roan – The Rise and Fall of a Midwest Princess

 pop está naturalmente ligado às grandes metrópoles, seja pelo veraneio hollywoodiano, pelo ar cosmopolita nova-iorquino ou até por conta do clima chuvoso londrino, casa da descendente de albaneses Dua Lipa. Mas se engana quem pensa que as histórias mais identificáveis com os adolescentes do mundo acontecem apenas nos perímetros das megacidades. Foi com Chappel Roan, natural de Willard, cidade perdida no meio do Wisconsin de pouco mais de 6.000 habitantes, que saiu um dos melhores álbuns do gênero em 2023.

The Rise and Fall of a Midwest Princess é sobre a incompletude de sentimentos, querer tentar a vida nos grandes centros, mas ter um enorme vazio suprido pela cidade pequena, e no fim, estar confortável nas turbulências da ponte-aérea. Roan é fruto de Dan Nigro, que posteriormente também seria catapultado com o sucesso de Olivia Rodrigo, razão essa pela qual o álbum demorou tanto que já nasceu com nove músicas tendo vida própria. De todas as incertezas da artista, ser uma one hit wonder não estava em seus planos, fazendo com que o disco como um todo seja a cola que aglutina todos os cacos de uma mulher demolida pelas inconstâncias da vida adulta. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Feminomenon, Pink Pony Club e Casual

Niall Horan – The Show

“Segure firme e prepare-se para a viagem”, assim Niall Horan nos convida a embarcar em seu show e aproveitar cada minuto. No terceiro álbum do ex-integrante da boyband One Direction, nos é apresentado um amadurecimento em sua forma de compor e no uso de sua voz, o que reflete em uma coletânea de músicas profundas e cheias de significados. Com melodias sustentadas principalmente por bateria, baixo, piano e muitas harmonias vocais, The Show explora o sentimentalismo e se consolida como o melhor álbum da carreira solo do artista até o momento.

Após a apresentação de faixas como Meltdown, com diferentes elementos em sua mixagem e um ritmo acelerado, o álbum adquire um tom mais íntimo em You Could Start A Cult, na qual o cantor basicamente se declara a voz e violão e em Science, com o arranjo perfeito entre piano, violoncelo e a melodia cantada. The Show é o tipo de composição que te faz querer dançar, emociona e faz refletir, mas, ao mesmo tempo, também é uma produção que podemos apenas ouvir e sentir, seja a partir da letra, dos instrumentos ou da voz de Horan. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Science, On A Night Like Tonight e If You Live Me

Paramore – This is Why

Todo jovem que cresceu nos anos 2000 curtiu os maiores singles do Paramore. Em This is Why, a banda revive o estilo pop-punk clássico, com uma bateria agitada e uma certa aspereza nos vocais de Hayley Williams. Porém, tudo com modernidade e novidades que fazem o ouvinte lembrar um pouco de bandas como Talking Heads – como na track C’est Comme Ça.

Lançado em fevereiro de 2023, o sexto álbum da banda possui composições fortes, com letras que refletem o contexto conturbado e intenso de um mundo pós-pandêmico, fazendo o ouvinte se identificar facilmente. É possível até notar uma certa amargura em algumas das letras, como no single que leva o nome do álbum – “Se você tem uma opinião, talvez você devesse engoli-la. Ou talvez você devesse gritar, mas pode ser melhor guardar para si”. Além disso, o grupo aborda tópicos mais pessoais, como o amor e suas complexidades, as consequências de tentar salvar pessoas e o sofrimento de cometer os mesmos erros. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Big Man, Little Dignity; The News e Liar

Local Natives – Time Will Wait For No One

Com músicas doces e fáceis, o novo álbum do Local Natives revela quão poderosa pode ser a música Indie. As faixas são atrativas como um imã, contam com ritmo bem cadenciado, e suas as letras “decoráveis” transformam Time Will Wait For No One em um álbum imersivo e muito charmoso. A melodia é doce, tem um forte ar de reflexão que combina com os temas abordados que vão de relacionamentos a eventos comuns da vida.

A banda, que estreou em 2009 com o álbum Gorilla Manor, tem o seu quinto lançamento depois de um hiato causado principalmente pela pandemia de Covid-19. O potencial da banda nesse retorno foi explorado do melhor jeito possível, usando corais e guitarras de um modo muito harmônico, produzindo algumas das melhores músicas do gênero neste ano, como Paper Lanterns e Desert Snow. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Paper Lanterns, Desert Snow e Empty Mansions

Kyan & Mu540 – UM Quebrada Inteligente

Agradando os fãs de Oakley e os mandrakes de todo o Brasil, Kyan e MU540 trouxeram os beats da periferia aos holofotes com UM Quebrada Inteligente. O disco, lançado em Julho de 2023, contempla diferentes estéticas em um trabalho genuinamente singular. Na genialidade de quem vem das favelas, as letras passeiam por temáticas raciais, ascensão social e muita descontração.   

Ambos os artistas foram criados na Baixada Santista e a parceria é não só um encontro de vivências, mas uma reunião de dois elementos importantes das produções rap funk: o MC e o DJ. A composição conta com sete faixas que elevaram o nível do trabalho dos músicos, que já tinham colaborado diversas vezes antes, como em Dias Antes de Mandrake. Vale lembrar que dessa vez a colaboração se aprofunda e a importância dos vocais, letras, mixagem e edição é equiparada, fazendo com que cada elemento seja essencial.

Ainda que seja o resultado de um reencontro, a forma de UM Quebrada Inteligente é completamente nova, sendo impossível colocá-la em uma só categoria: ela é o funk, o rap, o drill, o house e muito mais. Acima de elementos musicais, o que se destaca na produção é cultural, como as roupas que fazem sucesso nas comunidades ou as gírias escolhidas nas letras. Em suma, fica a certeza de que esses ‘quebradas’ são realmente inteligentes e sabem fazer música como ninguém. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: tipo, sonho de consumo!, brinks! e Fantástico Mundo da Oakley

Se para Alceu Valença, a voz do anjo sussurra em seu ouvido, para Hozier, o tom angelical é uma extensão de seu próprio corpo, e precisa ser gritado. Após o sucesso astronômico e viral de seu autointitulado e do incompreendido Wasteland, Baby!, o irlandês ressurge do subsolo dos metrôs e, carregado de referências e incertezas, nos pega pela mão para uma jornada inversa de céu-inferno. 

Nas palavras do artista, o álbum representa uma “jornada dos últimos anos e de tudo que foi contado na época”. Dessa forma, Hozier recria o inferno do Dante e o traz para o período pandêmico e para os dilemas modernos. Embebido em vinho e literatura italiana, ele compõe sua própria poesia barroco-renascentista e a incorpora no seu já característico folk de deixar o coração quentinho. Falando de amor, melancolia e desespero, suas músicas nesse trabalho soam como parábolas e provam o porquê de ele ser visto como o Jesus da indústria fonográfica. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Abstract (Psychopomp), All Things End e Francesca

Travis Scott – UTOPIA

Não é preciso dizer que Travis Scott é um dos artistas mais influentes do rap moderno. Por meio de sua estética psicodélica, ele conseguiu construir uma identidade que muitos outros rappers tentam seguir. Entretanto, depois do desastre no Astroworld Festival em 2021, sua imagem foi gravemente manchada. É por isso que UTOPIA, o tão aguardado quarto álbum de estúdio de Travis e seu primeiro lançamento desde então, não poderia se dar ao luxo de ser nada além de um grande avanço musical na carreira do artista, e ele cumpre o prometido.

Da mesma forma que Rodeo lapidou o som de suas mixtapes, UTOPIA rejuvenesce a discografia de Travis. O álbum expande seu som sem mudá-lo drasticamente – seus vocais são tão distorcidos quanto eram há dez anos, mas fica claro que, dessa vez, o rapper não hesitou em fazer uso de elementos até então incomuns em seu trabalho. Somado ao fato de que o disco conta com um time de estrelas como colaboradores, que vão desde Beyoncé e (claro) Kanye West até Bon Iver, UTOPIA se mostra como um projeto que tem tudo o que precisa para tirar o artista da maré baixa em que esteve. – Raquel Freire

Faixas favoritas: DELRESTO (ECHOES) (feat. Beyoncé), CIRCUS MAXIMUS (feat. The Weeknd & Swae Lee) e TELEKINESIS (feat. SZA & Future)

BK, JXNV$, Gigantes – VERÃO CRIMINOSO

Quando BK anunciou em 2021 sua saída da Pirâmide Perdida para fundar um selo próprio, concretizava-se não só um movimento de mercado, mas uma mudança de filosofia. A mensagem do rapper extrapolava a música e, agora, encubia-se a missão de transformar a indústria por dentro. Os primeiros vislumbres dessa alçada finalmente vêem a luz do dia em VERÃO CRIMINOSO. Com 18 faixas, a mixtape introduz ao público as principais apostas da gravadora, concomitante a uma fina curadoria e à colaboração dos maiores artistas da cena musical periférica – de Djonga a João Gomes.

Em dissonância ao nome dado ao selo – Gigantes, homenageando o mais emblemático dos discos de Abebe Bikila –, o que a mixtape tem de arrojada, tem de despretenciosa. É refrescante observar, depois de tanto tempo, BK se distanciar da atmosfera densa de seus trabalhos solo para entregar versos indecorosamente ácidos, cômicos e sensuais. O que torna esse projeto especialmente empolgante é como, mais do que uma nova investida capitaneada pela figura mais relevante da última geração do hip-hop brasileiro, VERÃO CRIMINOSO é, essencialmente, uma reunião entre amigos brincando dentro do estúdio. – Enrico Souto

Faixas favoritas: FASE BOA, CABELO VOA e ESCURINATTI

Marina Sena – Vício Inerente

Após o sucesso estrondoso de Por Supuesto, Marina Sena deixa o interior de Minas Gerais para trás e se reinventa na capital paulista com seu segundo álbum, Vício Inerente. A mudança de ares se reflete na sonoridade do disco, que abandona o tropicalismo do primeiro álbum para mergulhar em uma estética mais eletrônica e urbana. Essa transição representa não apenas a adaptação da artista à nova realidade, mas também sua busca por constante reinvenção.

Mesmo inserida no meio mainstream, Marina Sena se destaca por sua forma única de abordar temas como sensualidade e desejo. As letras do disco são inteligentes e carregadas de sofisticação, fugindo do clichê e da repetição de senta, quica e maceta. A voz ofegante e anasalada da cantora cria uma atmosfera íntima e sensual, convidando o ouvinte a participar do flerte, especialmente nas faixas Que Tal e Mais de Mil.

Em meio à temática libidinosa que permeia o disco, Mande um Sinal e Pra Ficar Comigo transcendem e revelam o lado sonhador da artista. Nessas faixas, a voz de Marina Sena brilha com ainda mais força, revelando sua potência e versatilidade como cantora. Por isso, Vício Inerente é, sem dúvida, um trabalho original e refrescante que consolida a mineira no cenário pop brasileiro. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Mande um Sinal e Mais de Mil

Tasha & Tracie – Yin Yang

Considerado o retorno de Tasha e Tracie na música após problemas com sua gravadora, Yin Yang é leve e animado. As composições, que falam muito sobre o amor, são divididas com os namorados das cantoras Kyan e Rapper Gregory, o que faz jus ao significado de complemento do símbolo que nomeia o disco. Entre os tons de declarações românticas e muita ostentação. com direito a citação das marcas de moda que encantam a periferia, o projeto musical é autêntico como as gêmeas. 

Direcionado principalmente ao rap, o álbum traz as letras em prosa, dando praticamente certeza de que os beats acompanham as falas e, não, o contrário. Assim, as faixas parecem perfeitamente encaixadas na voz das artistas, que se mostram insubstituíveis e donas de tudo o que cantam como se criassem um novo gênero. Ao fim, essa é uma conclusão plausível para algo tão singular e cabível no que elas mesmas reconhecem: “Competição eu não quero, criei meu próprio nicho”. – Jamily Rigonatto

Faixas favoritas: Fortal, Dia de Baile e Drake da Capital

Zach Bryan – Zach Bryan

Recentemente, o country, principalmente o americano, tem realizado o movimento de ultrapassar as cercas rurais que o definiram a vida toda. Cada vez mais ele está se aproximando de um ritmo puramente urbano, ou talvez a sociedade que está em um êxodo rural reverso. Juntamente com Kacey Musgraves e Noah Kahan, o nome de Zach Bryan seja talvez um dos principais precursores da ascensão caipira americana.

O autointitulado traz um clima soturno para o conjunto voz e violão (e às vezes banjo) e conduz uma conversa noturna com o ouvinte ao longo de suas 16 faixas, todas escritas por ele. Reimaginando o estilo, o artista consegue assumir a persona Jack Maine de Bradley Cooper em Nasce Uma Estrela e lembrar que os cowboys também sofrem. Com a ascensão do gênero, há muitos Jack Maines surgindo por aí, mas só Zach Bryan é Zach Bryan. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Fear and Friday’s, Spotless (feat. The Lumineers) e I Remember Everything (feat. Kacey Musgraves)

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Talita Cardoso

Abusos da mídia, dores físicas e psicológicas de artistas, transtornos desencadeados pelo meio e todos os bastidores podres da indústria musical de forma nunca antes vista. Foi o que The Idol prometeu explorar ao narrar a perspectiva de Jocelyn (Lily-Rose Depp), uma cantora mentalmente instável e fisicamente ferida pela profissão, que tem sua vida e a forma como enxerga a arte alterada ao conhecer um problemático produtor musical, Tedros (The Weeknd).

Apesar de abordar muitos dos temas os quais se propõem, a qualidade na forma como eles são retratados é desprezível, mas o que o público poderia esperar de uma série que antes mesmo de estrear já estava banhada de polêmicas e, após uma exibição prévia no Festival de Cannes, foi massacrada pela crítica especializada. Isso fez com que a obra, dirigida e roteirizada por Sam Levinson, fosse cancelada após a recepção negativa do público, por mais que, previamente, a segunda temporada estivesse sendo cotada pela produtora.

A promessa de problematizar um meio por si só problemático ficou só em sonho e, apesar do elenco e a produção terem dado as caras em Cannes sorridentes e orgulhosos, com Sam Levinson chorando e fazendo declarações ousadas de que The Idol iria hitar, a aceitação do público não foi a das melhores. Já no primeiro episódio, Cara Melada e Contos do Malandro, a audiência ficou atrás de outro sucesso da HBO, também dirigida por Levinson, Euphoria.

O fracasso de público pode ser explicado por uma junção de muitos fatores. O roteiro se assemelha a um soft porn, exatamente o que se espera de algo criado sem a perspectiva feminina: sexualização e degradação feminina disfarçada de crítica e arte, pode ser um dos principais. Logo no piloto, tudo é sobre sexo, desde o enredo principal do até os diálogos mais banais. A monotemática de um texto que não se aprofunda em nada se torna mais sutil ao longo da série, mas a trama nunca evolui para algo a mais. Além de misógina, The Idol é rasa e tudo o que era suposto para problematizar. 

Apesar disso, é perceptível a tentativa de captar a indústria musical. O sofrimento de Jocelyn é palpável para o público, mostrando as dificuldades em controlar suas emoções para parecer perfeita aos olhos dos outros, as dores de ter que fingir que está bem mesmo quando está prestes a desmoronar e de ter que continuar tentando mesmo que seu corpo já não aguente mais e possua demasiadas feridas abertas. Suas dores são físicas e psicológicas, claramente muito inspiradas em divas pop verdadeiras, que tiveram suas angústias sexualizadas e tiradas de contexto ao longo do programa. 

Além de um roteiro preguiçoso, os visuais, os figurinos e as cores não funcionam. Mesmo com a clara tentativa de criar uma it girl que se torne inspiração, nada é memorável e acaba se tornando esquecível. Ainda sobre a estética, o único ponto alto e que merece destaque são as cenas em que Tedros aparece e as imagens se tornam escuras, com alguns tons em vermelho, trazendo a ideia de corrupção da personagem. Além disso, o jogo de câmera, idealizado por Marcell Rév, se torna mais inquieto e ansioso, sendo interessante em uma primeira análise. Entretanto, essa é uma tática visual que enjoa facilmente e se assemelha a uma mera extensão dos videoclipes de The Weeknd.

Já no elenco, Lily-Rose Depp não faz uma atuação terrível e tem seus bons momentos, claramente evoluindo ao longo dos episódios. O cantor é inexpressivo e consegue a proeza de fazer e falar os maiores absurdos sem esboçar nenhuma reação, não se conectando nem ao menos com seus parceiros de cena. Jennie Kim, interpretando Dyanne, rouba a atenção sempre que está na tela. Apesar de aparecer em poucos momentos, a cantora foi dona de uma das únicas, senão única, cena viral da série, a coreografia de World Class Sinner.

Há claras tentativas falidas e ridículas de inserir um suposto empoderamento feminino na protagonista, que evidenciam ainda mais um roteiro em que nenhuma mulher colocou os dedos. O feminismo liberal representado não traz pauta relevante, se limitando à ideia de um movimento aliado ao capitalismo, ambos incentivando Jocelyn a lucrar com seu corpo, mesmo que a própria cantora se mostre descontente em se expor nua visando lucros. Todos a tratam como inocente e a julgam por não querer fazer isso consigo mesma. No fim, isso apenas reforçou o ideal machista do script. 

Além disso, o ‘relacionamento’ representado entre Jocelyn e Tedros é repugnante e desnecessariamente romantizado. De início, o homem a utiliza como bem entende, o que gerou severas críticas à série. Assim, houve uma tentativa de amenizar todo o abuso mostrado ao longo dos episódios, trazendo um plot twist sem noção e mal construído para a personagem de Lily-Rose Depp. Repentinamente, um roteiro que foi todo construído na ideia do abuso de uma mulher claramente quebrada psicologicamente faz com que ela se torne uma vilã e o abusador, um coitado. 

É fácil relacionar o final da série a uma tentativa de uma girl boss, um female rage ou um ‘literalmente eu’ para conquistar o público e viralizar no TikTok. Claramente, não funciona. Personagens assim, atualmente, só conquistam o público feminino quando não são construídas sob o olhar masculino. Ao contrário do que parece ter sido desejado, o final só tornou tudo mais misógino e inconsequente. Além disso, muitos dos abusos cometidos são tidos como ‘método de trabalho’ por Tedros e em nenhum momento há uma reflexão sobre isso. Uma produção que se propõe a fazer análises sobre a toxicidade de uma indústria parece, na verdade, normalizar abusos inaceitáveis e deixar passar claras problemáticas.

O único aspecto genuinamente competente da série é sua trilha sonora. Afinal, The Weeknd como roteirista e ator é um ótimo músico. Quase todas as melodias que compõem o enredo têm seu dedo nas produções e composições, o que não é ruim, já que ele entrega qualidade. Merecem destaque One Of The Girls, uma das mais ouvidas no Spotify, com seus vocais e ritmo marcantes, e Popular, com uma batida notável e a participação especial da lendária Madonna. 

O que poucos sabem é que The Idol se tornou um conjunto de desastres após a demissão da diretora inicial, Amy Seimetz, que saiu repentinamente quando quase todos os episódios da série já estavam finalizados. Burburinhos disseram que The Weeknd, co-criador, acreditava que o show tinha uma perspectiva feminista muito forte e por isso substituiu Seimetz por Levinson, que reescreveu e regravou praticamente tudo.

Com tanta coisa negativa, não tinha um ser humano para avisar que The Idol era uma péssima ideia? Na verdade, tinha sim. Com a clara mudança de perspectiva, vários membros da produção foram contra a produção e, em entrevista para a Rolling Stones, contaram sobre as polêmicas no set. Um deles ressaltou que a série saiu de uma sátira para se tornar exatamente o que eles queriam satirizar; já outro problematizou as cenas romantizadas de abuso, mas mesmo com diversos avisos, o seriado saiu do papel e ganhou vida. 

Com uma enxurrada de controvérsias e uma baixa qualidade, a obra foi encerrada com um episódio a menos do que a ideia inicial da antiga diretora. Com cinco atos de 50 minutos cada, The Idol é uma tortura de 275 minutos legalizada pela HBO e  um drama angustiante de se assistir. Não há história, não é artístico. Por mais que Sam Levinson considere o acúmulo de comentários negativos uma forma de marketing, a série continua podre e não precisava nem ao menos ter passado do primeiro episódio.

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O mês de outubro foi o mais agitado de 2021 aqui no Persona. Iniciado com o especial para o Mês do Horror e intermediado pela cobertura intensa da 45ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, os últimos 31 dias também viram o nascimento do nosso Clube do Livro, que aqui no site se materializou na Estante do Persona, nosso novo quadro mensal literário. Entre todas essas atividades, não deixamos de acompanhar o mundo da Música, e agora, chegamos para comentar tudo o que rolou no décimo mês do ano no Nota Musical.

Tudo começou com um misterioso número 30 surgindo nas principais cidades do mundo. Como um bat-sinal, Adele criou um momento no início de outubro para a divulgação de seu retorno, que acontece depois de seis silenciosos anos que sucederam seu último disco, 25. Agora, seremos apresentados aos 30 da artista, e o single Easy On Me foi mestre em nos introduzir ao novo estágio da vida de Adele, que encontrará seu lugar no mundo em forma de disco no próximo dia 19 de novembro.

Enquanto Adele ressurgia com os seus números, Ed Sheeran retornava com os seus sinais. Como anunciado pelas variáveis e constantes de Bad Habits e Shivers, o novo disco do cara mais legal do pop chegou para continuar sua concepção musical pautada na matemática. Agora, +, × e ÷ tem a companhia de =, e para o bem ou para o mal, a música de Ed é assumidamente definida pelo símbolo de igual. 

Por outro lado, as sábias operações musicais de Lady Gaga e Tony Bennett decidiram apostar tudo num jazz que coloca o amor à venda. Da mesma forma, Hans Zimmer, por sua vez, concluiu na trilha do novo 007 que não temos tempo para morrer, The War on Drugs percebeu que precisa de um novo lugar no indie rock, e Brandi Carlile criou sua aclamada música country a partir de dias silenciosos.

Há também os que buscam a maior abstração possível. É assim com Coldplay e seu novo disco Music of the Spheres, que inventa de buscar outras formas de vida e de expressão distanciando-se do que nos conecta uns aos outros aqui na Terra. Mas nem tudo está perdido: as viagens atmosféricas de outubro funcionam sob a condução de Felipe de Oliveira, Tirzah e Black Country, New Road. Quem quiser acompanhar as belezas descobertas pelos artistas em ascensão, pode conferir os discos Terra Vista da Lua e Colourgrade e o single Chaos Space Marine.

Se alguns embarcam em direção ao exterior, outros mergulham no interior. Na MPB, essa foi a direção de Caetano Veloso em Meu Coco, e de Ney Matogrosso em Nu Com a Minha Música. No rock, o movimento nos entrega o melhor de Sam Fender em seu segundo disco, Seventeen Goin Under. No pop, foi a tática de importantes estreias: lá, FINNEAS descobriu um otimismo agridoce e PinkPantheress resolveu mandar tudo pro inferno.

É da dimensão íntima que outros grandes nomes trazem grandes coletâneas. Silva comemorou seus dez anos de carreira com De Lá Até Aqui; Megan Thee Stallion presenteia seus fãs com Something for Thee Hotties; Elton John traz sua música de quarentena em The Lockdown Sessions; Nick Cave & The Bad Seeds desenterram alguns tesouros em B-Sides & Rarities (Part II); e Madonna disponibiliza sua experiência ao vivo de Madame X nas plataformas de streaming. 

Assim, outubro também foi um mês de retornos. Primeiro, The Wanted movimentou a internet com seu comeback anunciado através de Rule The World, primeiro lançamento da banda desde sua separação em 2014. Depois, Agnes chega para o revival da era disco em seu quinto álbum, Magic Still Exists, que finaliza um hiato de quase dez anos. Já Tears For Fears viveu um intervalo um pouco maior, mas agora o jejum iniciado em 2004 está encerrado com The Tipping Point, faixa-título do novo álbum da dupla britânica, cujo lançamento está previsto para o início de 2022.

Quando o assunto é novidade, também estamos bem servidos. Em terras brasileiras, o pop viu o encontro de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus, teve mais uma chance de reconhecer Johnny Hooker, finalmente recebeu a estreia de Priscilla Alcantara e o terceiro álbum de Jão. O funk juntou Valesca Popozuda e Rebecca, o rap esteve com Karol Conká e WC no Beat, e a MPB ganhou a companhia de Jorge Drexler na nova canção de Marisa Monte, mas o maior destaque de outubro vai para a Imaculada Alice Caymmi.

Fora do país, o nome segue sendo o de Anitta, que esse mês, apareceu junto de Saweetie em Faking Love. Mas desta vez, a Girl From Rio não representou o Brasil sozinha na música internacional. Nas tabelas, A QUEDA de Gloria Groove significou ascensão, e a drag brasileira estreou na parada global da Billboard. O mesmo sucesso e apreço não pode ser encontrado na colaboração entre Jesy Nelson e Nicki Minaj, já que o lançamento de Boyz veio encharcado de polêmicas da líder Barbz nas redes sociais, e episódios de blackfishing por parte da ex-Little Mix.

Ainda bem que a Música pode contar com a honestidade de Phoebe Bridgers, que usou That Funny Feeling para levantar sua voz em oposição à legislação antiaborto mais restritiva dos Estados Unidos que avança no Texas. O cover da artista esteve no radar mensal do indie, que também tem novidades preciosas no novo disco de Lana Del Rey e nas canções de Mitski e Michael Kiwanuka. 

Por fim, outubro ainda trouxe um belo descarte de Ariana Grande, novos contornos para a Conan Gray, clipes de Troye Sivan, Kacey Musgraves e Olivia Rodrigo, e o encontro gigante de The Weeknd com Swedish House Mafia. Foi um mês e tanto, mas o Persona nunca deixa de se atentar às novidades e decepções que a Arte nos oferece. Na décima edição do Nota Musical, nossa Editoria e nossos colaboradores se reúnem para vasculhar os CDs, EPs, músicas e clipes que ecoaram por aí em Outubro de 2021.

CDs

Lana Del Rey – Blue Banisters

Quando Lana Del Rey anunciou que Blue Banisters sairia ainda em 2021, sobrancelhas arquearam. A mesma cantora que, poucos meses atrás, havia mergulhado sem bote salva-vidas no tênue rio de expectativas que foi Chemtrails Over the Country Club, agora decidira lançar uma nova coletânea de batidas lentas e composições afiadas. Para a surpresa da audiência, Lana se ausentou das redes sociais, teve o disco vazado (aparentemente sob a supervisão da gravadora) e cumpriu o calendário. Em 22 de outubro, pudemos nos apoiar nos corrimões azuis.

Acompanhada de dois belos cachorros serenos, Lana olha ao seu redor. Ela inspira o ar puro, ela observa o farfalhar das folhas. Ela decide cantar não apenas sobre a velha Hollywood e sobre relacionamentos complicados, mas também sobre sua família. Convidando membros do clã Del Rey até para o papel de compositores, tirando sarro da irmã e da vida moderna, Blue Banisters dá certo pois Lana entende o que deve ser feito.

Se Chemtrails frustrou pela exaustão dos temas que fizeram de Norman Fucking Rockwell! o melhor disco de 2019, em sua segunda rodagem de 2021, a artista acerta a mão na refrescância de si mesma. Em Text Book, ela nos convida ao passeio. Em Arcadia, apresenta uma terra mágica (e um pedido inusitado, mas bem-vindo). Em Dealer, grita os pulmões para fora do tórax e em Sweet Carolina reconfigura sua própria ideia de como ser uma cantora de sucesso. Quase como um manual de instruções que resulta no sucesso, Lana Del Rey dá conta do recado. – Vitor Evangelista

Hans Zimmer – No Time To Die (Original Motion Picture Soundtrack)

A trilha de No Time To Die, novo filme da franquia de James Bond, chegou às plataformas de streaming. A despedida de Daniel Craig no papel de agente mais famoso do Cinema vem sob as canções imersivas e expansivas de Hans Zimmer, conceituado músico alemão que dá sequência a seus trabalhos em trilhas sonoras, cujo mais recente, The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack), foi lançado ainda no mês passado. A pedido de Zimmer, Billie Elish canta, de forma brilhante, a faixa-título do filme, e entra para a história como a artista mais jovem a gravar para a franquia. No começo deste ano, a canção rendeu um Grammy. 

Os longas do Agente 007 oferecem ao público um aspecto interessante. Embora sejam filmes de ação, mesclam elementos do Cinema cult, e compõem uma aura de clássico acessível. Por essa razão, suas trilhas sonoras têm a difícil missão de mesclar essas características, e, geralmente, são indicadas nas principais premiações. A franquia possui 15 indicações ao Oscar, das quais 11 são em categorias de som. Da lista, o mais recente foi o de Melhor Canção Original por Writing’s on the Wall, em 2015, cantada por Sam Smith. Para esse filme, inicialmente, a música tema seria Spectre, composta pelo Radiohead. Os britânicos produziram a canção, que foi recusada por ser considerada muito melancólica. 

É possível que se tenha encontrado a mistura perfeita entre o clássico, o melancólico e o acessível em No Time To Die. Mais do que aumentar o clima de tensão nas cenas de ação e suspense, as canções captam a sensação de perda emocional constante, elucidando as complexidades de James Bond. No fim das contas, há uma fórmula que não pode ser alterada, e Zimmer permanece dentro dos limites — mas tudo, claro, sem perder o estilo. – Bruno Andrade

Jão – PIRATA

Finalmente Jão parou de sofrer por amor (mas não muito). Depois dos doídos LOBOS e ANTI-HERÓI, PIRATA, o terceiro álbum do cantor e compositor, superou as persistentes desilusões e lamentos sobre o amor e, para além de seu recorrente tema, cresceu também em sua sonoridade. O novo trabalho inaugura uma nova fase do artista, já começando pelo seu grandioso lançamento: ao invés de uma apresentação intimista do projeto, Jão reuniu os fãs em um teatro para ouvirem o álbum com exclusividade.

Agora mais ousado, otimista e confiante, as composições autorais do artista continuam charmosas e confessionais. Ninguém sabe o que aconteceu em 2013 para Jão, a quem pertence o dragão nas costas da pessoa que vai parar na cama dele ou o porquê o banco do carro o lembra da nuca de sabe se lá quem, mas mesmo assim, as letras pessoais foram feitas para serem cantadas alto por todos. As batidas animadas e os ritmos festeiros de Pirata, que se anima até quando abaixa o tom para sofrer um pouquinho (não pode faltar), também convidam para dançar até enquanto pronunciamos com convicção “é claro que eu não te amo”.

Falando em ânimo, Jão se arrisca com novas sonoridades e até na produção. Se de primeira algumas faixas como Clarão e Doce soam como um esforço para inovar que deu errado demais, as novidades crescem no ouvido depois que as expectativas iniciais se quebram. Chega de violões sofridos e de chororô, agora a desilusão virou uma dançante EDM para comemorar os fins. O sofrimento de PIRATA é quando este, depois de rápidos 34 minutos, chega ao seu. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Dedicar um álbum inteiro a Cole Porter não é novidade no mercado fonográfico norte-americano. Em 1956, por exemplo, o mundo era presenteado com o clássico Ella Fitzgerald Sings The Cole Porter Song Book. De lá para cá, no entanto, os parâmetros musicais mudaram mais de uma vez, e, na atualidade, nenhuma realização similar à de Ella parecia ser capaz de fazer tanto barulho. Nenhuma, até o público finalmente conhecer Love For Sale. Afinal, com o brilhantismo da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, tudo é possível. E ambos foram capazes de transportar os clássicos do jazz para os dias de hoje, sem deixar de lado o brilho original das canções, ou fazer com que o projeto soe pouco inovador.

Incorporando uma roupagem característica do duo super carismático a sucessos imortais, Love For Sale foi aclamado antes mesmo de nascer, recebendo 5 estrelas do jornal Financial Times. Além disso, vale ressaltar que o projeto não surgiu da noite para o dia, pois vinha sendo planejado desde meados da era Cheek To Cheek. Inclusive, para quem desconfiava que o álbum de 2014 era tão somente uma jogada de marketing, ou simplesmente torcia o nariz para a Mother Monster no jazz, o novo disco de Tony e Gaga evidencia de modo inigualável a sinceridade e química que há nessa dupla, o que talvez modifique um pouco a opinião de um grupo sisudo, que gosta de ter controle sobre o que é ou não Arte.      

Em relação aos destaques do CD, It’s De-Lovely é a abertura perfeita para o álbum: carregada de belos vocais e muita poesia, como já esperado, a faixa é um deleite à primeira ouvida. E indo da contagiante faixa-título à extasiante Do I Love You, uma das performances solo de Gaga, não podemos deixar de mencionar Let’s Do It. Para os brasileiros, talvez seja impossível não associar essa canção à memorável versão Façamos (Vamos Amar), de Elza Soares e Chico Buarque. Para finalizar, não foram inesperadas as reações da internet à música You’re The Top – já que alguns versos dessa faixa ganham outro sentido na comunidade gay, num jogo entre os termos passivo e ativo. Portanto, não restam dúvidas de que, ao lado de Lady Gaga, Tony Bennett se aposentou em grande estilo. – Eduardo Rota Hilário      

Ed Sheeran – Equals

Simples, íntimo e sem erros. É assim que Ed Sheeran orquestra = (Equals), em cada nota e ritmo de seu quinto álbum solo. Sem desapontamentos, o britânico entrega mais do que o esperado nas 14 músicas, harmonizando cada parte de sua era matemática em um único exemplar. Sentimos cada detalhe de suas emoções, transitando entre energias positivas e mais dramáticas. 

Ainda que o cantor permaneça no pop comercial, ele sempre traz seu diferencial com músicas acústicas em meio as mais dançantes. A menção honrosa vai para Tides, deixando explícito que, mesmo com as mudanças significativas em sua vida, o artista permanece o mesmo. Em sua nova fase, Ed Sheeran nos mostra o quanto ainda podemos ser iguais. – Júlia Paes de Arruda

Priscilla Alcantara – Você Aprendeu A Amar?

“Eu começo onde eles dizem ser o meu fim”, era a mensagem de Priscilla Alcantara quando iniciou de vez sua caminhada rumo ao pop num processo de ruptura com as suas raízes no gospel. O momento da mudança de carreira – e de postura diante das cobranças de quem se achava no direito de questionar a forma como seguia sua vida – foi marcado pelo single Correntes, lançado em novembro de 2020, que hoje é peça fundamental no primeiro disco de Alcantara fora da música religiosa. E bem antes do lançamento de Você Aprendeu A Amar?, Priscilla já é um fenômeno pop há muito tempo. 

De ícone da TV infantil dos anos 2000 à perfil influente nas redes sociais, recentemente ela até saiu vencedora da primeira edição do The Masked Singer Brasil. Assim, Alcantara não tem medo de ser cringe logo de cara, e apesar da boa produção, Boyzinho pode não ser a melhor forma de abrir o disco, que guarda coisas muito mais interessantes nas próximas faixas. Vide Primavera na segunda posição da tracklist, apresentando um lirismo que o pop nacional apreciava muito em Sandy & Júnior, agora fresco e repaginado pela expertise de uma artista que conhece bem o público e a música que busca. 

As referências do gênero que foi a primeira formação musical de Priscilla Alcantara estão por toda parte, e ainda que ela tenha dificuldade em coordenar sua individualidade junto do estilo secular e sua voz potente, nada aqui significa uma artista contida. Ela aposta alto e sem retorno em Você É Um Perigo e Beat Triste, enquanto o auge do álbum é quando ela se solta na balada Eu Não Sou Pra Você, brilhando forte a assinatura musical junto da participação de Lucas Silveira (que também assina a produção do álbum). Em seguida, Tem Dias mostra o melhor do pop de Alcantara no trabalho que ainda tem a participação de Projota e uma vindoura colaboração com Emicida (!). Como ela disse, Você Aprendeu A Amar? é só o começo. – Raquel Dutra

Silva – De Lá Até Aqui (2011-2021)

Silva resolveu comemorar seus dez anos de carreira musical do melhor jeito: com mais música. No álbum De Lá Até Aqui, o cantor, compositor e produtor revisita canções e celebra seus trabalhos anteriores em, não por coincidência, dez faixas. Além dos áudios, ele tornou a produção também visual e todas as músicas ganharam clipe, filmados diretamente de sua casa no Espírito Santo. Com novos arranjos e interpretações, Silva se aproveita da habilidade no violão para brincar com os estilos e mudar pegadas, em releituras que não tornam o trabalho somente um ‘Maiores Sucessos’. 

Regravadas no ‘voz e violão’, como as faixas foram primeiramente concebidas, o artista pretendia focar na essência das composições ao invés de produções grandiosas. Amantes, por exemplo, que já tinha sido apresentada ao vivo no Bloco do Silva, mas nunca chegou a ser lançada, foi disponibilizada oficialmente em uma versão completamente diferente. Outras, as animadas Pra Vida Inteira, colaboração com Ivete Sangalo, e Um Pôr do Sol na Praia, com Ludmilla, ganharam uma versão solo, repensadas no formato acústico e ao teclado. Até Não É Fácil, presente no Silva Canta Marisa, teve sua própria releitura da releitura, já que, no álbum de covers, o artista performa sua visão de sucessos de Marisa Monte.

Entre as dez faixas, Silva ainda deixa espaço para uma inédita, Pra Te Dizer Que Tô Feliz Assim, que já abre o trabalho significativa. “Meu caminho não é reto pra lá/ninguém me falou onde é que ia dar”, ele inicia, com a voz calma e melódica que, com certeza, marcou sua carreira. De Lá Até Aqui relembra canções desde o primeiro álbum, Claridão, até o mais recente, Cinco, e homenageia os dez anos de trajetória mostrando que, mesmo depois de uma década, Silva sabe muito bem como se renovar. – Vitória Lopes Gomez

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Para o bem da legião de apaixonados por Música brasileira, Ney Matogrosso adiantou o lançamento do álbum Nu Com a Minha Música, antes previsto para sair somente em novembro deste ano. Composto pelas quatro canções já apresentadas no EP homônimo de agosto, além de outras oito faixas, o novo disco de Ney é, antes de tudo, uma celebração da liberdade. Não à toa, desde a escolha do repertório, o artista satisfez sensivelmente as próprias vontades. E o resultado foi, como sempre, um belo CD, com produção musical divida entre Leandro Braga, Marcello Gonçalves, Ricardo Silveira e Sacha Amback. 

Felizmente, o “medo” de não conseguir cantar aos 80 anos, depois de ficar um ano inteiro sem essa prática, não passava de um temor. Jogando um pouco de luz sobre um país tão dizimado, Ney Matogrosso parece expressar sua relação íntima com a Música ao cantar “eu ouço cada palavra/de cada frase não dita”. Nesses versos de Noturno, canção ampliada por Vitor Ramil, a pedido do próprio intérprete, temos certeza de que Ney enxerga além do lugar-comum de suas escolhas. Prova disso é Sua Estupidez, que, nas mãos do ex-Secos & Molhados, fascina até quem não aprova muito os compositores Roberto e Erasmo Carlos. 

Sem muita surpresa, Mi Unicornio Azul, do cubano Silvio Rodríguez, permanece, de agosto até aqui, como um dos auges das novas gravações. E falando em destaques, o expurgo poético de Estranha Toada nos encanta com os versos de Martins e PC Silva: “Eu tô gastando canção,/minha função principal,/derramando verso a quem não vale uma vogal”. De fato, percorridas oito décadas de vida, é urgente assumir que Ney Matogrosso não precisa mais provar sua expressividade e relevância. As renovações tornam-se, da mesma forma, desnecessárias para quem pode muito bem gravar porque quer gravar. E cantar – até o fim.  – Eduardo Rota Hilário

Brandi Carlile – In These Silent Days

Vencedora do Melhor Álbum Americana com By The Way, I Forgive You, além de conquistar outras 2 vitórias com o hino do country queer, The Joke, Brandi Carlile foi a mulher mais indicada ao Grammy 2019 e para ela, Música e ativismo são inseparáveis. Lésbica assumida desde os 15 anos de idade, a cantora-compositora redefine o gênero através da experiência como pessoa LGBTQIA+, dando plataforma à comunidade. Carlile foi pioneira, enfrentou as tensões de ser diferente dos padrões na indústria country, se tornando expoente de um conjunto de artistas que vêm transfigurando o Americana como forma de protesto.

Dando sequência ao sucesso do último registro, no sétimo e mais recente álbum, In These Silent Days, Carlile mais uma vez reafirma a filosofia pessoal de encontrar beleza nas fraquezas – explorada simultaneamente na produção de seu livro de memórias, Broken Horses. Aqui, a artista revela as influências dos ídolos com quem desenvolveu relações estreitas após By The Way, I Forgive You, permeando entre o intimismo de Joni Mitchell em You and Me On The Rock à teatralidade de Elton John em Sinners, Saints and Fools.

Com a pressão de superar o triunfo do álbum antecessor, a norte-americana aposta na mesma sonoridade passada: a instrumentação acústica, os vocais protuberantes e o destaque dos refrões continuam presentes em In These Silent Days. Ainda, a inspiração do rock setentista se manifesta ao longo das dez faixas, nas quais Carlile aparenta estar segura, satisfeita – mesmo quando versa sobre assuntos obscuros. Carlile não busca metamorfose, mas o refinamento de suas qualidades já existentes, finalmente aceitando as próprias imperfeições. – Ayra Mori

Felipe de Oliveira – Terra Vista da Lua 

É perfeitamente compreensível que Felipe de Oliveira, ao participar do The Voice Brasil 2016, tenha recebido elogios de Ney Matogrosso. Em primeiro lugar, porque o novo álbum de estúdio do intérprete mineiro abre com Descasos, composição de Juliano Antunes que, na voz de Felipe, lembra bastante a forma de cantar do ex-Secos & Molhados – sem deixar de lado uma roupagem única, que o singulariza como cantor. Em segundo lugar, porque as habilidades vocais e interpretativas de Oliveira, assim como seu bom gosto para seleção de repertório, são notáveis.  

Com título inspirado na canção Lunik 9, de Gilberto Gil, Terra Vista da Lua também abraça o tropicalista baiano ao apresentar uma regravação de Balada do Lado Sem Luz: jogo de brilhos e sombras que se encaixa muito bem na voz de Felipe. Mas o auge do disco está mesmo em Cara da Esquina, música composta por Dé de Freitas e Guilherme Borges. “A gente inventa tanta esquina/pra falar que importam/as minúcias dessa vida”, diz uma das passagens mais belas desse momento sensível, reflexivo e maduro, trecho ímpar de um álbum igualmente poético do início ao fim.

Sem perder a qualidade estética, Terra Vista da Lua ainda aborda temas urgentes, como “aqueles homens que se escondem/atrás de tanto ódio” – parte da atualíssima faixa Aqueles Homens, com autoria de Nobat. Já em Encontro Nosso, Felipe consolida o único feat do CD, ao lado da artista baiana Laila Garin. Inquestionável, no entanto, é dizer que, ao fim desta jornada produzida pelo baixista Barral Lima, com direção artística do próprio cantor mineiro, Terra Vista da Lua mostra-se belo e sensível como um todo, desde sua capa até as letras e sonoridades mais diversas. – Eduardo Rota Hilário    

The Driver Era – Girlfriend

O aguardado segundo álbum da The Driver Era, a banda formada pelos famosos irmãos Ross e Rocky Lynch, chegou tímido: das quinze faixas que compõem Girlfriend, somente quatro são inéditas. A escolha da dupla de dividir o trabalho em duas partes (a primeira com sete canções frescas, três delas disponibilizadas antecipadamente como singles, e a segunda com faixas lançadas avulsamente durante 2019 e 2020), destaca o progresso na experimentação musical dos irmãos, mas soa familiar demais. Não que isso seja ruim: apesar de mais da metade do álbum não ser novidade, a identidade autêntica de The Driver Era continua marcante. 

A união das canções atuais e antigas serve para mostrar a evolução de Ross e Rocky, que estão notavelmente mais confiantes e confortáveis agora, tanto nas composições, quanto na produção das faixas. E nas mãos dos irmãos, a sonoridade multi-gêneros de Girlfriend, que coexiste nos rótulos de indie pop, rock e alt, contrapõe os vibrantes solos de baixo e os dançantes teclados, que são os destaques de canções como Heaven Angel, #1 Fan e When You Need a Man, diante dos introspectivos solos e riffs de guitarra de OMG Plz Don´t Come Around, Fade e Take Me Away. Algumas faixas, ainda, conseguem unir o melhor das duas fases da The Driver Era, como acontece nas versáteis Heart Of Mine, Leave Me Feeling Confident e A Kiss. – Vitória Lopes Gomez

Coldplay – Music of the Spheres

Entre altos e baixos, o quarteto britânico encabeçado por Chris Martin conseguiu notavelmente manter-se relevante ao longo dos últimos 21 anos, oscilando do rock alternativo que marcou sua primeira década ao pop chiclete que caracterizou a sua segunda, aprofundando-se em uma sonoridade ou outra a cada projeto. Para a alegria de alguns e o horror de outros, em Music of the Spheres, a banda mergulha de cabeça na música multicolorida blasé que caracterizou seus discos Mylo Xyloto e A Head Full of Dreams. Trazendo uma mensagem de paz e amor, emojis no título de canções, e preparando uma turnê sustentável, a banda vem cheia de boas intenções, mas ainda assim carece de intenções artísticas genuínas. 

O conceito principal do disco é apresentar uma viagem espacial por planetas imaginários, proposta que na realidade funciona como fachada para tratar do amor e sentimentos humanos. A viagem parece chamativa e a passagem é barata, mas estejam preparados para gravidade intensa gerando quedas bruscas em várias partes do trajeto, pois nem sempre a espaçonave será capaz de se manter a níveis elevados de voo. Após uma breve introdução instrumental, Higher Power decola melhor do que o esperado, parecendo mais energética e animadora do que quando foi lançada como single. Mas não se animem se a decolagem pareceu estável, pois teremos algumas tremulações nas próximas faixas. 

Depois das genéricas Humankind e Let Somebody Go, com a participação de Selena Gomez, o disco almeja se elevar nas sempre belas harmonias vocais de Jacob Collier com o grupo We Are KING em , mas balança novamente em People of the Pride, que tenta reproduzir a mesma energia pulsante de Arabesque, canção que foi o ápice do disco anterior. Aproveitem enquanto é tempo, pois daqui pra frente enfrentaremos trajetos perigosos. Biutyful apresenta um bizarro dueto de Chris Martin consigo mesmo em uma voz que parece ser de um personagem de Alvin e os Esquilos, My Universe é mais uma canção chiclete que vai dominar as rádios por meses, e parece estar ali só pra estender ainda mais a jornada ao infinito. O pouso será ao som da bela Coloratura, um descanso até que bem-vindo depois de uma viagem tão instável. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Meu Coco

Nove anos após conceder um Abraçaço à Cultura brasileira, Caetano Veloso resgata seu frescor inventivo no recém-lançado álbum Meu Coco. Com produção musical do próprio artista, junto de Lucas Nunes, a nova obra do cantor e compositor baiano adotou, inclusive, atualizados formatos em seu processo de divulgação, como é o caso das esquetes humorísticas. Afastando-se, no entanto, e felizmente, dos automatismos, conteúdos rasos e da instantaneidade do universo contemporâneo, Meu Coco chega ao mundo como um disco que ecoa, ao mesmo tempo, nossa Arte e nossos horrores; nossas vozes mais belas e sórdidas.    

Como em todas as criações de Caê, só é possível desvendar esse novo disco de camada em camada. E talvez nem seja possível esgotar as incontáveis ramificações que brotam a cada imersão ou pesquisa atenta. Assim como em Anjos Tronchos, lead single do projeto, não há aqui detalhe que escape das antenas universais de Caetano. Em Não Vou Deixar, por exemplo, observamos um grito não panfletário, que ressoaria em qualquer boca minimamente consciente das perversidades que habitam o Brasil e o mundo de hoje em dia – o que justifica a predileção do artista por essa faixa política, destacada e esperançosa.

Há, aliás, mais de uma luz no fim do túnel. “Com Naras, Bethânias e Elis/Faremos mundo feliz”, promete a faixa-título. Exaltação musical entremeada em todo o CD, é impossível não notá-la em GilGal, ou, quem sabe, se empolgar com as novas gerações citadas em Sem Samba Não Dá – tão inesperadas eram as menções a nomes como Gloria Groove e DUDA BEAT. No fim, até Portugal se entrega a esse caldeirão cultural múltiplo: ao lado da cantora Carminho, Caê constrói Você-Você, um dos tocantes auges de Meu Coco. Já nós, passo a passo, vamos abrindo nossos cocos para um vislumbre de futuro que nos parecia delírio utópico. – Eduardo Rota Hilário

Tirzah – Colourgrade

É fato que Tirzah não se contenta em encaixar sua Música aos padrões sonoros de qualquer gênero musical. E com Colourgrade não foi diferente. Dando sequência à estreia atmosférica de Devotion, em seu segundo álbum, a cantora, compositora e produtora britânica flerta com o R&B e o pop, jamais se enquadrando plenamente em nenhuma das categorias. O resultado é um som sintético vanguardista que desliza por uma série de experimentações que aguçam os sentidos e ultrapassam a experiência sonora, tornando-se também visual, táctil.

Contando com a colaboração veterana de Coby Sey e Mica Levi (conhecide pela produção de trilhas sonoras audaciosas como a do horror contemporâneo Sob a Pele), o trio com certeza traz à tona as melhores qualidades de cada parte. Rebeldes sem causa, a coprodução confere imprevisibilidade aos temas explorados nas dez faixas, produzidas ao longo de 2019, um ano após o nascimento do primeiro filho de Tirzah. “Passando pela gravidez, parto e maternidade, a anatomia encontrou seu lugar em todas as canções”, ela afirmou a Stereogum.

Contudo, é através dos ruídos, sintetizadores claustrofóbicos e melodias enigmáticas que Tirzah se excede. Por trás das celebrações do parentesco, transformações e pormenores da experiência cotidiana, evocados pelos versos confessionais, ela se despe dos exageros, abraçando o estranho – são sussurros sensuais em Tectonic até guitarras que evocam choros de bebês em Beating. Como uma peça de arte assombrosa, difícil de digerir, Colourgrade hipnotiza. – Ayra Mori

FINNEAS – Optimist

Sejamos honestos: é difícil dissociar a fama de Finneas O’Connel da carreira internacional de Billie Elish. Como produtor de sua irmã, o artista mostrou os pontos altos de alguém que domina o sombrio e converte isso em Música pop, ao mesmo tempo em que trata de assuntos pertinentes como as injustiças sociais. Esses temas são a força motriz de Optimist, álbum de estreia de FINNEAS.

A verdade é que existem poucos pontos otimistas aqui. Logo na primeira canção do disco, A Concert Six Months From Now, recebemos o tom de todo o álbum, ouvindo o artista evocar sentimentos de perda e decepção sob uma aura sombria, colocando-se contra a alienação que parece reinar nos tempos digitais — é dessa faixa que surge o trecho que dá título ao CD, no qual O’Connel entoa: “Acho que sou otimista”. Optimist parece fazer parte da leva de projetos que — talvez erroneamente — são caracterizados como pop, mesmo que neguem todos os valores que consolidaram o gênero, devido a uma reconstrução constante da Música.

Assim como Lorde, FINNEAS aposta ao longo das 13 faixas do álbum em paradas mais suaves e lentas, priorizando voz e piano — as canções mais eletrônicas do disco são Around My Neck e How It Ends, que o encerra dando um suspiro a toda tensão que a precedeu. Embora FINNEAS cite em Optimist sensações de tristeza e dor, provavelmente uma forma irônica de abordar seu título, ainda se vê preso em alguns clichês sobre sociedade e alienação, o que transmite sua enorme ambição, mas evidencia uma prática pouco viável. – Bruno Andrade

Sam Fender – Seventeen Going Under

Há um certo sentimento de euforia que ronda a nova geração do rock, nos confirma o novo disco de Sam Fender. Num contraste direto com a lírica obscura e direta que fez a estreia do britânico em Hypersonic Missiles ser tão marcante, Seventeen Going Under demora a revelar seus lugares mais escuros e também para compreender o que eles significam no álbum da vez. Aos afetados pela perfeita melancolia psicológica de Dead Boys em 2019, Sam Fender oferece músicas mais doces em toda a primeira metade de Seventeen Going Under. 

Referenciando diretamente o rock clássico do ídolo Bruce Springsteen, o disco entrega seu auge logo na faixa-título inaugural, e segue com produções e arranjos musicais que poderiam ter saído das sessões de gravação do novo disco do Bleachers em Getting Started, Long Way Off, Get You Down e em outro destaque do álbum, Aye. As conclusões do processo de reflexão, no entanto, continuam trazendo um gosto amargo às palavras que saem da voz operística de Sam Fender. Entre reflexões sobre a sua vida, Last Train To Make It Home, Spite Of You e The Dying Light mostram que a melhor matéria-prima é sempre o que existe dentro de nós.

Isso porque quando olhando para fora, Seventeen Going Under não consegue criar a mesma beleza artística. O percalço também era identificável no primeiro disco do artista, e aos incomodados pela dimensão rasa de White Privilege, Sam Fender expressa suas tentativas de ir além das análises sociais básicas em Paradigmas. Às vezes bruta, às vezes lapidada, a sensibilidade de Sam Fender é para ser descoberta, e ainda bem que existe uma urgência sentimental pungente em Seventeen Going Under. – Raquel Dutra

Madonna – Madame X – Music From The Theater Experience (Live)

Madonna está de volta com mais um álbum ao vivo. Gravado no Coliseu dos Recreios, em Portugal, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) é composto majoritariamente por canções do 14º disco de estúdio da cantora, o Madame X, embora traga também conhecidas faixas de outros CDs da Rainha do Pop – como American Life, Human Nature e Like A Prayer. Pelos exemplos citados, dá para perceber que, no quesito repertório, estamos diante de um dos shows mais políticos de toda a carreira da Queen Madge. Ultrapassando a Música, isso se confirma igualmente nos discursos que aparecem vez ou outra no meio desta obra.

Nos últimos tempos, não é surpresa que Madonna ama robotizar a própria voz. Seja como ferramenta criativa ou excesso que pode causar estranheza, essa escolha inventiva aparece em vários momentos do novo disco ao vivo. E é, inclusive, muito bom chegar a certos intervalos de respiro, quando Madge canta com voz natural. Afinal, são os momentos mais orgânicos do disco, como o Fado Pechincha – cantado em Português, ao lado do músico Gaspar Varela – e a presença da Orquestra Batukadeiras na faixa Batuka, que se destacam neste universo profundamente influenciado por diferentes culturas ligadas pela Língua Portuguesa.

Fora isso, pela interação calorosa entre artista e público, dá para ter uma noção mínima de como a plateia realmente aproveitou este show super intimista e teatral. Assumindo o cargo de melhor finalização possível para esta era, I Rise brilha como última faixa do espetáculo. No entanto, ao chegarmos ao fim do disco, é inevitável dizer que, sem a parte visual da apresentação, o lado sonoro da obra perde um pouco de seu brilho natural. No fim, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) acaba sendo, mais do que qualquer coisa, um álbum para os fãs mais ferrenhos da eterna Material Girl. – Eduardo Rota Hilário

Elton John – The Lockdown Sessions

2020 não foi um ano fácil, quem dirá 2021. Em dois anos de isolamento lidando com o fim do mundo, na Música, encontramos refúgio. Nela, encaramos a solidão e nos transportamos para tempos mais coloridos, assim como fez o gigante do pop, Elton John, em seu mais recente álbum. Produto de 16 registros remotos, The Lockdown Sessions foi concebido despropositadamente após o cancelamento de sua turnê Farewell Yellow Brick Road, em decorrência do agravamento de casos de covid-19. E descendo do pedestal, o cantor britânico transverte as frustrações em parcerias inesperadas.

O novo projeto reúne um encontro memorável de diferentes gerações que incluem desde artistas emergentes (Rina Sawayama, Lil Nas X e Dua Lipa) até ícones consagrados da Quarta Arte (Stevie Wonder, Stevie Nicks e Eddie Vedder). São mais de vinte colaborações lançadas e produzidas durante o período da pandemia. Atirando-se a novas experiências, sem hesitar, The Lockdown Sessions naturalmente perde o equilíbrio em algumas faixas, como no insosso After All. Porém, apesar dos deslizes, o álbum também integra verdadeiras preciosidades, como o melancólico The Pink Phantom, revelando um Elton John liberto, explorando os mais variados gêneros musicais, despido de qualquer acanhamento. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – B-Sides & Rarities (Part II)

Na carreira do artista que passou seus anos no limiar entre a sarjeta e o estrelato, nada pode ser jogado fora. Em B-Sides & Rarities (Part II), Nick Cave & The Bad Seeds revelam suas preocupações e inseguranças, e avançam por janelas alternativas. Dando sequência à primeira coleção de b-sides lançada em 2005 — nesta que contemplou as duas primeiras décadas de trabalho —, B-Sides & Rarities (Part II) chega com 27 canções inéditas, gravadas entre 2006 e 2019, e apresenta um conjunto mais centrado cujo desenvolvimento parece ficar entre a festa e a melancolia.

Ao longo da história, os b-sides foram utilizados pelos grupos para mostrarem facetas pouco convencionais, ou versões que simplesmente não se encaixavam no grande universo mainstream. Mas o que ouvimos no disco é uma tentativa bastante sólida de entender as questões que regem o mundo, como na canção Push The Sky Away, a qual Cave entoa de forma honesta: “Você precisa apenas/Continuar empurrando/Empurre o céu para longe”. Em Steve McQueen ouvimos, ao longo de seus quatro minutos de duração, Nick Cave tecer considerações sobre depressão, suicídio e assassinato, com sua voz acompanhada apenas por um sintetizador — essa característica dá a canção um tom de discurso, cuja ideia é registrar esses pensamentos.

Também ouvimos em Needle Boy — uma canção que de cara faz lembrar os trabalhos mais recentes de Low — suas afirmações sobre a virada do século, maldade e o que podemos entender como metáforas da globalização. No disco, ainda há um cover de Avalanche, música de Leonard Cohen que Cave e os Bad Seeds já reproduziram no álbum de estreia, From Her to Eternity (1984). B-Sides & Rarities (Part II) é de fato raro, e, invariavelmente, genial. – Bruno Andrade

Agnes – Magic Still Exists

O revivalismo da disco music já deu o que tinha que dar, certo? Errado. Quando as exaltações nostálgicas parecem perder força, Agnes se traja do figurino mais extravagante ao evocar o hedonismo setentista em sua melhor essência com Magic Still Exists. E após quase uma década de um longo hiato, a vencedora do Ídolos Suécia 2005 conjura uma suprema magia nos curtos 35 minutos do seu aguardado quinto álbum de estúdio, fazendo da pista de dança seu confessionário mais íntimo, seu grito libertário.

Encabeçando o álbum com XX – hino enérgico sobre a exaltação da própria existência –, a sueca eleva as expectativas logo de cara, estendo um convite: “Liberte sua mente, liberte seu corpo”. Cada batida pulsante, cada melodia galáctica e cada verso meticuloso parecem estar concisamente onde deveriam estar e, como um truque de mestre, a artista eleva seu pop ao mais alto patamar. As influências óbvias são reverenciadas com primor, acumulando ao longo das sete faixas e quatro interlúdios a discoteca de Donna Summer, ABBA, Diana Ross, Prince, Kylie Minogue, além das contemporâneas Robyn e Dua Lipa.

Magic Still Exists é encerrada em toda a sua excelência pela faixa-título do álbum, uma balada sublime transportada por um piano sóbrio, a voz poderosíssima de Agnes e um coro angelicalmente extraterrestre, fazendo crer que sim, ainda há mágica na existência humana. “Às vezes se ganha, e de repente se perde tudo/A vida pode te enganar, se você assim quiser/Tudo que sei é que isso me leva de volta para você/A magia ainda existe”. Sem sequer uma canção dispensável, todas se amarram apuradamente numa coleção de epifanias do início ao fim, como pura magia. – Ayra Mori

Alice Caymmi – Imaculada 

Imaculada é o quinto álbum de estúdio da potente Alice Caymmi. Neta de Dorival Caymmi, Alice não nega suas raízes com a inconfundível e impactante voz que possui. O diferencial mais chamativo desse disco está na assinatura de sua cantora. Ela é dona da maioria das músicas e também produtora de Imaculada, sendo assim o trabalho tem Alice por completo, com todos os seus anseios e prazeres.

As dez faixas compõem uma linha tênue entre o divino e o visceral, e a voz da cantora conduz os profundos sentimentos gerados por Imaculada. Dentro da Minha Cabeça, canção que abre o disco, dá uma palhinha da singularidade do novo trabalho; Recíproco provoca um reencontro com o eu-lírico ainda machucado que continua em Ninfomaníaca – essa contando com a parceria de Urias e Number Teddie; e a faixa-título amarra todo o conceito previsto para o álbum, sinalizando com sua rítmica renovada que esse é apenas o começo de uma nova era. Imaculada ainda conta com os feats entre Mulú e Vivian Kuczynski. – Ana Júlia Trevisan

James Blake – Friends That Break Your Heart

Em ano de lançamentos concebidos na pandemia, Friends That Break Your Heart, o quinto álbum do londrino James Blake, é mais um deles. No novo projeto, o cantor, compositor e produtor, que já trabalhou com nomes como Frank Ocean, Kendrick Lamar e Beyoncé e foi incluído em indicações do Grammy por suas colaborações, faz o esforço para reencontrar seu lugar e se reajustar aos seus arredores. Seja nas relações familiares, românticas, de amizade ou profissionais, as 12 faixas do álbum refletem os questionamentos e incertezas de James Blake. 

Como ele defende, “o álbum não é marcado por canções de amor, é sobre se ajustar a vários tipos diferentes de relacionamentos (…), e sobre refletir sobre eles, sobre mim e sobre minha posição no mundo”. Porém, ao passo que ele define o trabalho como sua catarse pessoal, para os ouvidos não familiarizados à discografia do artista, Friends That Break Your Heart soa até seguro demais. 

Permeado pelas baladas R&B, que incluem participações de SZA, Monica Martin, slowthai e dos rappers JID e SwaVay, as canções soam similares às do último álbum de Blake, Assume Form, apesar do tema do anterior ser completamente o oposto. Ainda assim, algumas das canções mais pessoais, como a que intitula o projeto, Friends That Break Your Heart, If I’m Insecure e Funeral destacam a voz potente e profunda de James Blake e se sobressaem no bem sucedido, mas comum Friends That Break Your Heart. – Vitória Lopes Gomez

The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Adam Granduciel, líder do grupo intitulado The War On Drugs, possui um ar de trovador solitário, caminhando por vales desconhecidos com seu violão preso às costas enquanto vive um dia de cada vez. Em I Don’t Live Here Anymore, novo álbum do projeto, o que é levado a sério é justamente a jornada, a qual o estrelato inevitável, após angariar prêmios importantes, não subiu à cabeça. Muito semelhante ao que Wilco fez — especialmente no álbum Sky Blue Sky (2007) —, lembrando ainda canções de Bob Dylan com seu folk arredio, o disco é uma afirmação do poder musical de The War On Drugs.

Nesse épico comovente, cada elemento é colocado de forma limpa e sem grandes invenções, porém extremamente bem utilizados. Dos sintetizadores aos solos de guitarra, tudo parece ter sido encaixado peça por peça. Em Living Proof, uma bela porta de entrada, ouvimos um violão ao estilo folk, acompanhado de piano e guitarra levemente inseridos, dando a tônica do álbum. Change é uma das canções que demonstram a tranquilidade com que o disco é levado, trazendo ao longo de seus seis minutos de duração um pouco de britpop e uma voz autoconsciente.

Mesmo que possa soar semelhante ao disco A Deeper Understanding (2017), vencedor do Grammy na categoria Melhor Álbum de Rock, o trabalho possui uma diferença: “Ele é sobre crescer, envelhecer, mas também crescer fora de si mesmo”, conforme Granduciel disse em entrevista. I Don’t Live Here Anymore consolida o indie rock de qualidade composto pelos integrantes de The War On Drugs — ou não, talvez seja mais do que isso, mas vamos encerrar por aqui. – Bruno Andrade

PinkPantheress – to hell with it

Com 15 segundos, PinkPantheress explodiu no TikTok. Inserida na potente rede cultural, sua Música naturalmente é suportada pelos mesmos pilares da plataforma: são imediatistas, atrevidas e não têm medo de abraçar o cringe. Como resultado, a produtora e cantora britânica de 20 anos – registrando milhões de streams –, assinou um selo com uma grande gravadora, explorando no álbum de estreia o “new nostalgic”, termo utilizado pela própria para referenciar a nova onda que exalta o saudado anos 2000, (uma utopia peculiarmente esquisita onde pessoas usavam calças baixas, navegavam por gráficos pixelados e sonhavam com vampiros adolescentes), ainda bem.

Composto por dez faixas que raramente ultrapassam 2 minutos, to hell with it dispõe-se de uma simplicidade furtiva. PinkPantheress não tenta dominar as faixas com seus versos, pelo contrário, ela preenche o vazio com expressões vocais simples que se mesclam com o ritmo lo-fi pulsante característico. O que define a marca autoral da artista é a sua voz, que parece sussurrar diretamente em nosso ouvido. E apesar de referenciar intimamente o período 00’s, PinkPantheress não se limita a mimese, adicionando camadas contemporâneas sobre uma memória idealizada da infância passada. – Ayra Mori

Megan Thee Stallion – Something for Thee Hotties

Ela faz o Halloween dela! No dia 29 de outubro, Megan Thee Stallion nos presenteou com Something for Thee Hotties, coletânea que abriga alguns hits, canções inéditas dos arquivos da artista e alguns dos freestyles favoritos dos seus fãs. Em 21 faixas, a rapper ostenta o talento para rimas e sua identidade musical que elegeu como Melhor Artista Revelação no Grammy 2021 e uma das artistas mais promissoras da atualidade.

O destaque maior de Something for Thee Hotties é relembrar o que fez com que Megan Thee Stallion se transformasse em Megan Thee Stallion, isto é, sua genialidade na essência mais pura do rap. Desde os 14 anos, o que mais chama a atenção na artista que hoje é uma das maiores rappers do planeta é a sua habilidade em freestyles. É ousado fazer qualquer destaque, mas ouça Megan Monday Freestyle, God’s Favorite, Freakend, Bae Goals e Pipe Up se quiser sentir certeiramente a mágica de Megan com seus próprios ouvidos. – Raquel Dutra

EPs

Valley – Last Birthday

Se tem uma palavra que marca Last Birthday, o novo EP da Valley, é enérgico. Lançando single após single, a banda canadense de indie pop já havia disponibilizado quatro das sete faixas que compõem o trabalho, que chega com expectativa depois das prévias e de seu antecessor, o EP sucks to see you doing better. Mas enquanto este último é sobre “o sentimento de se comparar, corações partidos e saúde mental”, o mais recente tenta “entender o amor incondicional e refletir sobre as experiências que nos fazem entender nosso propósito”.

Abrindo o lançamento, Oh shit… are we in love? já começa animada, mas ainda leve o suficiente para construir o clima para o que vem depois, as empolgantes e dançantes Can We Make It? (Jim Carrey) e Cure. Seguindo a explosão de energia, a balada calma de ain’t my girl abaixa o tom demais e chega a ser tediosa, no que EP parece já ter atingido seu pico e decaído. Nisso, Valley mostra que não e que só precisava tomar fôlego para continuar, com as estimulantes e contagiantes Like 1999 e SOCIETY. 

Na reta final de um EP que poderia ser maior, a sétima faixa, Tempo, se distancia da sonoridade que marcou esse e outros trabalhos da banda e se aproxima mais da Eletrônica. Apesar de eufórica e ‘pra cima’ como suas companheiras, a canção soa experimental e acaba deslocada em relação ao restante. Ainda assim, em boa parte dos vinte e poucos minutos de duração, Last Birthday é revigorante como uma injeção de energia e empolgação – mesmo quando Valley canta sobre a sociedade ser uma merda. – Vitória Lopes Gomez

aespa – Savage

Em menos de 1 ano de carreira, o quarteto aespa se mostrou uma grande potência no mercado competitivo que é o k-pop. Seus dois primeiros singles, Black Mamba e Forever, não obtiveram êxitos monstruosos nas paradas musicais, mas certamente serviram como amostras do talento e da versatilidade do grupo. Em Next Level, o nível aumentou. Nadando contra a onda retrô que inundou o gênero no último ano, as novatas mudaram o jogo com uma faixa que mescla hip-hop e upbeat-jazz de uma maneira que suas concorrentes não conseguiriam performar mesmo se quisessem. E em seu trabalho de estreia, Savage, a crescente continua.

O mini-álbum de 6 faixas mergulha em uma sonoridade futurista e energética, seguindo a linearidade musical que o grupo trabalha desde o seu debut. Com uma produção caprichada, vemos um aespa confiante, audacioso e pronto para a aventura em seu universo próprio. Aliás, a parte lírica é um dos principais destaques positivos. Toda a narrativa original que as artistas construíram com a sua linguagem própria e as histórias evocadas em seus vídeos musicais retornam e chegam próximo de um desfecho. Através da faixa-título Savage, por exemplo, é possível interpretar o embate final do grupo com a figura vilanesca que fez sua primeira aparição em Black Mamba.

Aespa teve a proeza de, em seu primeiro EP, conseguir entregar um trabalho coeso e bem construído. A sequência Aenergy, Savage e I’ll Make You Cry é tão poderosa que o repeat é quase que inevitável. Não que as outras faixas não sejam tão interessantes quanto o trio, aliás, Yeppi Yeppi mostra uma faceta diferente do grupo, que consegue fugir do electropop por um minuto para relaxar os ouvidos do ouvinte com uma faixa hyperpop viciante. Iconic talvez seja a única que não se destaca dentro do álbum, mas está longe de ser ruim, diferente de Lucid Dream, um pop mesclado de R&B alternativo que evidencia a originalidade do grupo. O resultado? O sucesso. O EP já é um dos mais bem sucedidos entre girlgroups sul-coreanos. E é bem difícil unir qualidade com o sucesso, mas aqui o aespa conseguiu fazer tudo isso. – Giovanne Ramos

Músicas

Conan Gray – Telepath

Depois de Astronomy e People Watching, o Garoto Corvo libera Telepath, terceiro single da nova era. Co-escrita por ele, Julia Michaels, Ilya e Caroline Ailin, a canção acelera o tom dos trabalhos anteriores, e chegou junto do anúncio da turnê mundial do cantor, marcada para começar logo em 2022. O visual barroco e o conceito mais caloroso do material parece enveredar Conan para um som menos ameno que o apresentado em Kid Krow. Com sorte, ano que vem descobriremos a verdade. – Vitor Evangelista

FLETCHER – girls girls girls

“Eu beijei uma garota e gostei” é de se cantar a plenos pulmões e FLETCHER sabe disso. Com direito a sample do hit I Kissed a Girl, girls girls girls, o mais recente single da cantora e compositora, evoca todo o entusiasmo e a empolgação da descoberta da sexualidade, realmente merecedora de ser entoada alto e repetidamente. Não por coincidência, a canção, que acompanha um clipe nostálgico, foi lançada no International Lesbian Day.

girls girls girls chega animada e ousada depois da pessoal e reflexiva Healing, o single anterior da artista. “Eu beijei uma garota/e ela gostou/é melhor do que eu imaginei” é como a artista renova a canção de Katy Perry que marcou gerações, mas foi cantada por muitos – inclusive por ela – escondida. Agora, ao som da dançante batida pop, a letra divertida e confiante é reconfortante e o refrão grudento, libertador. O coming-of-age da sexualidade de FLETCHER é digno de, finalmente, ser cantado alto. – Vitória Lopes Gomez 

Anitta e Saweetie – Faking Love

A saga da carreira internacional continua! Entre altos e baixos, como o destaque nas rádios estrangeiras, a divulgação na Times Square e a ausência na Billboard Hot 100, o novo single de Anitta mais acerta do que erra em suas não tão ambiciosas propostas. Gravado com a rapper estadunidense Saweetie, e assinado por Andres Torres, Anitta, Kaine, Mauricio Rengifo, Ryan Tedder e a própria Saweetie, Faking Love toma sua melhor decisão ao mesclar o funk melody com os traços característicos do pop.  

Com um videoclipe bem finalizado, mas não muito tranquilo de se gravar, a dupla feminina brilha entre amores falsos, muita coreografia e flechas que voam por toda parte. Anitta, em particular, segue misturando as diversidades da Cultura brasileira com os ares internacionais bastante padronizados. E nesta jornada mais recente, de Me Gusta, Girl From Rio e Faking Love, a curiosidade do público acerca do próximo álbum da cantora carioca só cresce. – Eduardo Rota Hilário

PVRIS – My Way

Em My Way, Lynn Gunn continua o caminho de libertação iniciado em Use Me (2020) e dá voz ao sentimento de seguir em frente, da melhor maneira que conseguir: “Transformar o dia em noite/Ligar o interruptor na minha mente/Eu queimo as fases da vida/Sem resetar ou dar pra trás”, ela canta logo antes do refrão. O novo single mais uma vez é carregado pelos vocais densos e insidiosos de Gunn, que se unem ao sintetizador e ao baixo para formar uma batida elétrica alt-rock tão viciante quanto a anterior. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valesca Popozuda e Rebecca – PayPau 

No começo de outubro, Valesca Popozuda completou mais um ano de vida, mas o presentinho veio direcionado novamente aos popofãs. Lançando PayPau, a tão aguardada parceria com a funkeira Rebecca, a cantora carioca entrega um prato cheio aos fãs de duplo sentido. Isso porque a composição de Umberto Tavares e Jefferson Júnior carrega, desde o título, irreverências ambíguas – recurso amplamente utilizado em criações artísticas, embora seja preconceituosamente menosprezado de acordo com o gênero musical em que está inserido.

Mesclando funk tradicional e bregafunk, um dos elementos que PayPau apresenta é um toque que lembra bastante o hit Tudo OK, de Thiaguinho MT, Mila e JS O Mão de Ouro. Semelhança intencional ou não, isso cria uma atmosfera muito similar à dos sucessos do TikTok. Já em relação aos versos da canção, Umberto revelou ao portal Metrópoles que “a ideia social da música é colocar a mulher nesse lugar de empoderamento e independência”. Encerrando com chave de ouro, PayPau ganhou um clipe recheado de coreografia e figurinos deslumbrantes: obra audiovisual para nenhum fã botar defeito. – Eduardo Rota Hilário

Tears For Fears – The Tipping Point

Tears For Fears, dupla britânica formada por Curt Smith e Roland Orzabal, anunciou um novo álbum para o início de 2022, e divulgou a faixa-título desse novo projeto, The Tipping Point. O single marca o retorno do duo, cujo último trabalho inédito foi o disco Everybody Loves a Happy Ending, lançado em 2004. De forma ambiciosa e carregada de marcas que consolidaram a dupla, a canção é acompanhada por elementos eletrônicos que dão uma aura mística, nos transportando aos hits que brilharam nas trilhas sonoras de filmes, como a canção Head Over Heels, que compõe Donnie Darko (2001). A faixa ainda faz lembrar Everybody Wants To Rule The World, clássico absoluto que possui uma versão da Lorde, e que figura nas listas de melhores músicas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Gloria Groove – A QUEDA

Gloria Groove é um dos maiores nomes do pop brasileiro e gosta de continuar provando isso. Ser uma exímia artista, cantora e pessoa parece pouco para ela. Em A QUEDA, ela compôs uma verdadeira obra dos pés à cabeça: uma letra potente e um ritmo viciante combinados em um conceito circense fenomenal. A Lady Leste surfa pelo seu estilo musical sempre agregando novos ritmos à sua Música, como mostrou no funk BONEKINHA e na parceria com o sambista Thiaguinho em Presente do Céu. 

A drag queen sabe que sobe cada vez mais na carreira musical que vem construindo e entende que estar sob os holofotes em meio à tanta tecnologia é igual andar na corda bamba. Adotando o circo que o mundo do entretenimento é, A QUEDA fala sobre uma sociedade que está de prontidão com seus celulares esperando o erro. Junto com o single, o clipe, de direção de Felipe Sassi, é um show visual que viralizou instantaneamente, e já beira 30 milhões de visualizações no YouTube. – Nathália Mendes

Phoebe Bridgers – That Funny Feeling

Se em maio Bo Burnham, com o pessimismo cômico de Inside, gritou para o mundo sobre as agonias de um mundo caindo aos pedaços, em outubro, Phoebe Bridgers lançou sua versão acústica de uma das canções que integram o especial de comédia vencedor do Emmy, That Funny Feeling, em resposta a aprovação recente de políticas contra o aborto no Texas. O cover, também interpretado ao vivo em sua turnê de 2021 pelos EUA, foi primeiramente disponibilizado exclusivamente na plataforma Bandcamp, no qual toda receita gerada foi direcionada ao Texas Abortion Funds.

“Esta é para Greg Abbott”, disse a cantora indie em comunicado, referindo-se ao governador do estado, responsável por assinar a legislação de aborto mais restritiva do país. A lei proíbe todo aborto após seis semanas de gestação, além de permitir que qualquer cidadão tenha o poder de processar provedores de clínicas de aborto e qualquer pessoa que ofereça apoio a um aborto, incluindo desde familiares e amigos de um paciente até motoristas que forneçam transporte. Contra os retrocessos legislativos, Bridgers acertadamente posiciona sua Música como ato político. – Ayra Mori

Jesy Nelson e Nicki Minaj – Boyz

Quando Jesy Nelson anunciou sua saída da bem-sucedida girlgroup britânica Little Mix, foi desconcertante assistir uma parceria de longa década sendo desfeita. Os motivos de sua saída, no momento, foram válidos: a grande pressão estética de ser uma mulher na indústria da Música e a constante comparação com as suas parceiras no grupo a fizeram desistir.

O seu retorno para a música, no entanto, não replica a mesma qualidade nem a honestidade que o seu trabalho como misturinha transmitia. Entre o uso descarado de blackfishing e as polêmicas declarações de sua parceira na faixa, Nicki Minaj, o single de estreia Boyz amarga ainda no primeiro play. Mesmo com o sample da icônica Bad Boys For Life, do rapper Diddy, a canção não se sustenta, já que ela se baseia em um flow preguiçoso e um lirismo ultrapassado. Se Jesy se tornou uma artista solo para destacar sua identidade, Boyz é um péssimo início. – Laís David