Ana Beatriz Zamai

Seja pela polêmica do cancelamento do show do dia 21, pelo ato de abertura divisor de opiniões, pelos passeios e corridas por São Paulo ou ‘apenas’ pelo espetáculo em si, a curta residência de Harry Styles no Brasil com a Together Together Tour deu o que falar. Ainda se fossem somente os shows, já teria muito a ser falado, visto que o cantor conseguiu transformar o estádio do MorumBis em uma noite de balada de Roma ou Berlim. 

Harry escolheu a dupla Fcukers, de Nova Iorque, para ser a atração na abertura dos shows no Brasil. Apesar de não serem muito conhecidos pelos fãs do cantor, a escolha fez muito sentido para a turnê, visto que o novo álbum de Styles, Kiss All the Time, Disco Occasionally, ou KISSCO, abreviando, tem uma vibe – como o próprio nome diz – de disco, baladas, clubes noturnos, assim como a dupla. Entretanto, diferente do show principal, em que as músicas são diferentes entre si e mais de um álbum é apresentado, o duo parece animar o público nas duas, talvez três, primeiras músicas apenas. A sensação é que todas as faixas da setlist são iguais e repetitivas, deixando a plateia, que já estava cansada de ficar esperando, exausta. Talvez em uma balada o clima seja diferente e os dois sejam uma boa opção, mas no show não foi uma boa pedida. Além disso, os vídeos que passavam no telão durante a apresentação do dueto eram um tanto quanto estranhos e questionáveis.

Antes de falar sobre o show em si, vale um comentário sobre a playlist de músicas brasileiras escolhida para tocar entre os dois shows. De Evidências à Bum Bum Tam Tam, quem quer que tenha decidido as faixas acertou em cheio, visto que manteve o público animado durante a espera pelo cantor inglês, sem contar que a plateia, independente do estilo da canção, batia leques fervorosamente no ritmo escolhido. 

Harry Styles começa a apresentação de sua nova turnê com Are You Listening Yet?, uma boa pedida, já que a música aproveita a ansiedade da espera pelo começo do show e combina com a energia cativante e dançante do álbum, como um resumo do que vem pela frente e do que os fãs podem esperar da noite. As várias interações do cantor já se iniciam durante a primeira música, com um “boa noitchi São Paulo” que fez a plateia ir à loucura. Styles segue com quatro músicas ‘repetidas’ de outras turnês: Golden, Adore You, Watermelon Sugar e Music For a Sushi Restaurant. Apesar de não serem do mesmo estilo dançante das mais recentes, as quatro também estão na ponta da língua dos fãs e animam o público tanto quanto as outras e fazem parte até de projetos de fãs, como em Watermelon Sugar quando todos levantam as lanternas do celular nos momentos que Harry canta “high”. Para finalizar a primeira parte mais animada do show, Harry Styles canta Taste Back com lindos e coloridos visuais no telão – que, por sinal, era enorme e com uma qualidade impecável. Já introduzindo a vibe das duas próximas músicas, Taste Back repete várias vezes a pergunta “Or do you just need a little love?” – “Ou você só precisa de um pouco de amor?”. 

Trazendo a primeira música mais sentimental da noite, Styles traz Coming Up Roses, do novo álbum, ao som de uma orquestra brasileira, que inclusive, serviram como uma piada mal traduzida do cantor: em inglês, instrumentistas de corda seria string players, o que, na tradução direta, ficaria jogadores de corda. Harry tentou apresentar a orquestra como “jogadores de corda brasileiros”, mas não deu muito certo. A música tem dois momentos de aproximação com os fãs, uma quando canta “there’s only me and you” – “é só eu e você”, como se não existisse mais ninguém além do cantor e do fã, mesmo em meio a um estádio lotado; e quando os fãs cantam o “La-la-la-la” junto com a orquestra, sem a voz de Harry. Fechando o primeiro bloco emotivo, o britânico canta Fine Line, uma das fan-favorites, tanto pedida nas outras turnês e que Harry só performava em shows pontuais. Antes de cantar, Styles fez um discurso sobre como a vida pode ser frágil, como é especial dividir a vida e momentos bons – como o próprio show – com amigos, família ou até sozinhos e como ele tem esperança no futuro, afinal, como a música diz, “we’ll be alright” – “nós vamos ficar bem”. Não só neste discurso, mas em todas as pausas que faz para interagir com o público, Harry faz questão de agradecer todo o apoio do público, seja o que chegou com o último álbum ou o que já estava aqui 16 anos atrás, com a One Direction, constantemente se mostrando grato pelo carinho dos fãs. 

Secando as lágrimas de todos, American Girls, mais uma de Kiss All the Time, Disco Occasionally, é cantada com pulos do próprio cantor pelo palco. Em um dos shows, Harry fez uma brincadeira com o título da música, cantando “my friends are in love with Brazilian Girls” – “meus amigos estão apaixonados por garotas brasileiras”. No intervalo entre as músicas do KISSCO, Keep Driving aparece com o fanchant na ponte da música, em que Styles nem se dá ao trabalho de cantar inteira, de tão alto que os fãs entoavam. Voltando às mais recentes, Ready, Steady, Go! e Dance No More mostram que, mesmo sendo muito boas no fone de ouvido, conseguem ser melhores ainda ao vivo. A primeira ainda conta com visuais incríveis no telão e edições de som que aperfeiçoaram a música, sem contar com os leques dos fãs batendo no ritmo, como se fosse tudo ensaiado anteriormente. Na segunda, Harry dança, coreografado, na introdução da música, algo que nunca acontecia em seus shows de turnês anteriores. Styles dançava – e ainda dança – nos shows, mas de forma espontânea, sem coreografia, diferente deste momento, que conta inclusive com dois dançarinos. O momento passa a sensação de que o cantor de fato se importa em demonstrar aos fãs a vibe do álbum novo. 

É durante Dance No More que Harry introduz a banda e podemos perceber que a grande maioria do público não é fã só do cantor Harry Styles, e sim de todos que fazem parte dessa grande produção. A animação dos fãs enquanto cada integrante é apresentado é contagiante, e o estádio vai a loucura quando Sarah Jones, a baterista, aparece. Além das inúmeras interações durante as músicas, seja com beijinhos, acenos, respostas à cartazes ou risadas, o britânico separa um momento do show, logo após American Girls, para interagir com calma e ler cartazes. Styles aprendeu a cantar parabéns em português para a fã Laleska, parabenizou fãs grávidas, e, talvez o mais marcante, aprendeu a bater leque. No último show, Styles apareceu com seu próprio leque, já sabendo fazer o movimento sem precisar copiar de ninguém – tudo isso enquanto cantava Magalenha de Sérgio Mendes. Toda essa interação faz cada show se tornar único e demonstra carinho e atenção com os fãs, além de ser perceptível o quanto o cantor se diverte com os cartazes e as respostas dos fãs, deixando o momento mais leve e gostoso. 

Passando por Treat People With Kindness, que já se tornou um clássico nos shows do cantor, inclusive com uma dança criada pelas fãs, Harry Styles inicia uma sequência de Kiss All The Time, com Pop, Season 2 Weight Loss e Carla’s Song, que contam com visuais no telão que combinam muito com Pop e um jogo de luzes digno de baladas e clubes. Já Carla’s Song, mais uma das ‘sensíveis’ do show, é misturada com Satellite, música do álbum Harry’s House, uma ideia brilhante que Harry manteve em todos os shows da turnê, já que as duas, apesar de serem mais sentimentais, tem uma batida mais agitada, diferente de Fine Line, por exemplo. Antes deste mashup, Styles, em mais uma interação com o público, fez um discurso sobre amizades, como devemos amar nossos amigos e a importância deles em momentos difíceis nas nossas vidas – assim como ele fez em Carla’s Song que foi escrita para uma grande amiga do cantor. 

Para fechar a apresentação do novo álbum, o britânico canta Aperture, primeiro single do KISSCO, e até brinca de ser DJ no palco antes do início da música. A canção não foi tão bem recebida pelos fãs no começo da nova era, talvez por ser tão diferente de tudo que ele já tinha lançado antes, mas definitivamente foi um dos pontos altos do show. A música foi feita para ser escutada ao vivo, pulando e gritando “we belong together” – “nós pertencemos juntos”; é ela que nomeia a turnê. 

Faltando apenas três músicas para o fim, Harry Styles faz uma pausa, momento em que a orquestra toca Night Changes e History, duas canções da One Direction, banda que o cantor fez parte de 2010 a 2016. É uma situação que demonstra gratidão aos fãs que estão com o inglês desde o começo e continuam apoiando, além de valorizar a época da One Direction. Em seguida, uma música surpresa diferente é cantada em cada noite. Nos shows no Brasil, Harry cantou Matilda dia 17, The Waiting Game no dia 18, e Little Freak, uma das mais pedidas, e Love of My Life no último show, talvez como um pedido de desculpas pelo cancelamento do show que aconteceria no dia 21. Finalizando, Harry Styles canta sua primeira música da carreira solo, Sign Of the Times, com direito a fogos de artifício e muitas lágrimas de qualquer um que estivesse no estádio. Para não se despedir com lágrimas, Styles canta o hit As It Was e faz uma corrida em volta de todo o seu longo palco, pegando bandeira do Brasil e mandando beijos para os fãs. 

Em quase duas horas de show, Styles fez todo mundo chorar e dançar, provando que sabe o que faz ao montar um show tão bem organizado e contagiante, com destaque para as músicas do novo álbum, Kiss All The Time, Disco Occasionally. Com a Together Together Tour, Harry Styles prova que, assim como diz em Dance No More, não existe diferença entre as lágrimas e o suor.

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A Música é o tom indispensável da vida. No amor, na alegria, na tristeza, na solidão, as canções preenchem playlists embalando a vida e refletindo a alma. As composições são o espelho de como artista e ouvinte enxergam a existência, fazendo com as mudanças sejam necessárias e novidades refresquem o imaginário auditivo de quem aguarda ansiosamente por um single, quiçá um disco de seu intérprete favorito. É impossível me conformar com a potência transformadora da Música. Assim como é inevitável usar tanto floreio para introduzir esse que reúne o melhor do que foi feito em 2022.

Com o formato de vendas modificado pelas plataformas digitais, os álbuns se tornam cada vez mais inviáveis para cantores inseridos na indústria, que coage produções única e exclusivamente voltadas a músicas virais para o TikTok. Quebrando aquilo que parece ter virado regra, o Persona emerge os ossos do ofício e abocanha 73 produções que marcaram o ano na Música.

Dominando a tarefa de trazer um novo fôlego para sua arte, The Weeknd lançou a rádio Dawn FM, vislumbrando dias melhores. Coroando o topo dos rankings, ROSALÍA acelerou com muita autenticidade sua MOTOMAMI. Ao lado da catalã, montada em seu cavalo prata, a musa-mor do pop renasceu. Kendrick Lamar ficou entre a cruz e a espada, SZA pediu socorro, Björk celebrou os recomeços, Sabrina Carpenter finalmente enviou seus e-mails, Florence and the Machine renovou seu nome na lista das netas das bruxas e a loirinha mais querida cantou seus terrores noturnos.

A música haitiana foi lembrada em notas do Topical Dancer. Cruzando o oceano, no mundinho do k-pop, enquanto 2022 serviu para SEVENTEEN se consolidar de vez como uma das maiores boybands da Coreia, artistas de outros grupos tão grandes quanto embarcaram em viagem solo, com novas perspectivas, sonoridades exuberantes e trabalhos coesos que entregam turbilhões de sentimentos. No território russo a boa surpresa veio do metal vampiresco da dupla IC3PEAK.

Em solo brasileiro Acorda, Pedrinho caiu na boca do povo, Bala Desejo ganhou o grande público, Ludmilla mais uma vez provou que nasceu para interpretar pagode, Maria Rita cantou para Xangô, e os calos de Alaíde Costa a fizerem – merecidamente – a cantora nacional mais citada nos rankings. Em meio a isso, o amargo das perdas imperaram no território com os álbuns póstumos de Marilia Mendonça e Elza Soares, o adeus a Erasmo Carlos, e aquela que foi a despedida mais cruel do ano, Gal Costa, a Doce Bárbara, se encantou. 

O Melhores Discos de 2022 é dedicado a Gal Costa. Coisas sagradas permanecem!

Tinashe – 333

O álbum 333, produzido e interpretado por Tinashe, sintetiza R&B, eletrônica, pop e bass em uma produção experimental e inovadora. Através de uma trajetória minuciosa e sofisticada, a cantora combina batidas complexas com melodias cativantes e vocais emocionantes, tudo enquanto explora temas criativos e profundos, como amor, liberdade e auto-descoberta.

Sua voz é o principal instrumento do álbum, criando camadas e texturas sonoras que se misturam perfeitamente com os instrumentais. A colaboração com artistas, como Kaytranada, Chanel Tres, Kudzai e Quiet Child, adiciona uma profundidade e variedade únicas à produção. No entanto, algumas faixas podem não cativar tanto quanto outras, principalmente pela sonoridade experimental, 333 se dirige àqueles que buscam músicas que vão além do convencional, mas não deixam o mainstream de fora. 

Com seu lançamento, a artista mostra uma evolução impressionante, demonstrando sua habilidade de misturar gêneros e criar um timbre único e envolvente. Em suma, o álbum evidencia talento e  ousadia, além de seu significado através da numerologia como um símbolo de crescimento pessoal, confiança e inspiração. Para a cantora, o número representa um momento de renascimento e de conexão com sua espiritualidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Small Reminders, The Chase, X (feat. Jeremih)

5 Seconds of Summer – 5SOS5

Marcando a nova fase da banda australiana, 5 Seconds of Summer deixa de lado suas raízes punk rock e abre novas portas para o pop em seu novo disco, 5SOS5. Sendo seu quinto álbum, a obra é, senão, um dos trabalhos mais maduros que compõem a discografia dos meninos. Saindo da zona de conforto e brincando com novas maneiras de produzir arte, 5SOS5 demanda muito dos sintetizadores e das alternâncias instrumentais para abordar a clássica temática da juventude e dos relacionamentos amorosos que constituem suas composições. 

Após saírem da gravadora Interscope, 5SOS5 é o primeiro trabalho independente da banda em parceria com a BMG. Essa oportunidade dos integrantes conseguirem controlar a sua própria musicalidade foi benéfica e relevante para sua evolução musical em vários aspectos. Se libertando das amarras, o álbum explora o melhor de cada um dos membros. Contemplando com 19 faixas, as canções Take My Hand, BLENDER e Bloodhound, exemplificam inteiramente essa nova fase alternativa e fresh dos australianos. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Me Myself and I, BLENDER e Older

The Smile – A Light for Attracting Attention

Muito tempo se passou desde que Thom Yorke e Jonny Greenwood migraram seu som do post-punk para o experimental, mas o trabalho de ambos manteve algo reconhecível ainda sob o efeito do tempo. Juntos no Radiohead, os dois consolidaram os reflexos de uma cultura que tende a glorificar os inconstantes; agora, anos depois, a novidade surge de um projeto paralelo com Tom Skinner, cujo nome foi retirado de um poema de Ted Hughes. Com A Light for Attracting Attention, The Smile debutou de forma fantástica e tornou o ano de 2022 um marco musical.

You Will Never Work in Television Again talvez seja a música de protesto mais forte em todo o disco. Ao estilo de 2 + 2 = 5, ela parece ser uma ofensa direta ao degenerado Harvey Weinstein, desde seu título até sua letra. transcendência através do caos liga as 13 canções do disco, revestidas pelos dedilhados de guitarra, bases de violão e uma bateria limpa em meio aos ecos e sintetizadores. We Don’t Know What Tomorrow Brings – uma das melhores de todo o trabalho – se espelha em Jigsaw Falling Into Place e Bodysnatchers, de In Rainbows (2007), e, assim como todo o álbum, talvez seja melhor compreendida quando enxergamos suas capacidades negativas, cuja capacidade onírica de sintetizar ansiedades é interessante.

Talvez devido a produção de Nigel Godrich – que colabora com o Radiohead desde os anos 1990 e que se juntou a Yorke em Atoms for Peace –, a sonoridade do disco do power trio é familiar às primeiras produções do quinteto inglês. Nas letras, Thom Yorke reflete sobre algo maior, que nunca é de fato explanado, deixando o conteúdo sempre no campo da subjetividade. Os suspiros, sussurros e sintetizadores expansivos – como em A Hairdryer e Speech Bubbles – dão vida a um doppelgänger que parece habitar o trabalho, um tipo de espectro fantasmagórico que vaga por A Light for Attracting Attention. É possível que o prato principal servido por The Smile seja a concepção de uma Música efêmera, que ainda assim evoca sentimentos profundos enquanto escutamos. Se o “novo” Radiohead for Yorke, Skinner e Greenwood, estaremos todos bem. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Open The Floodgates, Thin Thing, Free In The Knowledge

Jovem Dionísio – Acorda, Pedrinho

2022 foi o ano da Jovem Dionísio e quem falar que não, está mentindo. A banda formada em 2019 pelos cinco amigos de infância, finalmente deixou o estreito bar do Dionísio em Curitiba e dominou todas as paradas do Brasil em seu álbum de estreia Acorda, Pedrinho. Os garotos não entregaram apenas um clipe para sua faixa-título, mas sim um curta-metragem, em uma narrativa marcante e original que engloba toda a identidade visual do álbum, compondo inúmeras referências da história dos integrantes. 

A banda indie pop explorou de ritmos especificamente brasileiros para compor em sua primeira discografia, arranjos conduzidos por batidas de funk em Tu Tem Jeito Se Quem Gosta, até os acordes de violão da bossa-nova em Ai De Mim. Marcando esse brasileirismo, o álbum alcançou no ano passado a marca de 6,7 milhões de ouvintes no Spotify e mais de 170 mil vídeos com a canção título no TikTok. Sendo um dos nomes em ascensão do pop atual, Jovem Dionísio deixou sua marca logo em seu primeiro disco, fazendo todos os ouvintes acordarem para os próximos lançamentos da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Belnini, Cê me viu ontem, Não foi por mal

Kilo Kish – AMERICAN GURL

Reflections in Real Time, o primeiro álbum da multiartista Kilo Kish, é uma representação estilística e temática de amadurecimento pessoal e artístico — em um modelo de mixtape que abrange os mais variados gêneros de instrumentais e vocais —  que consegue ser um dos mais subestimados projetos da cena R&B contemporânea. Mesmo que mais conhecida por suas colaborações com Vince Staples, pouco muda em seu novo lançamento, não reverberado na cena crítica quanto deveria. A partir de memórias ressonantes da vida de consumo, da MTV e do eletropop de 2010, AMERICAN GURL também constrói tal marco, expandido para além de suas faixas e dos 40 minutos do álbum, no pop alternativo.

Kish estende um olhar satirizado e exagerado à cultura estadunidense, feito antes por Santigold e CSS, para construir um posicionamento sobre poder, escolha e identidade dentro das normas da indústria da música pop; um raciocínio ainda mais fortuito em sua condição independente, na qual é capturada pelo dilema de possuir controle acerca de sua própria narrativa enquanto artista ou de ter o necessário, dado por uma gravadora, para colocar sua Arte no mundo. Em faixas como AMERICAN GURL, DEATH FANTASY e TV BABY V.2 (LATCH KEY MARCH), a cantora pensa as definições que a revestem enquanto uma artista e um produto na indústria. Revestida por suas expectativas e pressupostos vindos de mulheridade, raça e idade, Kish busca subverter o sonho americano para atestar a validade de seu objetivo: estar completamente livre de si mesma.  — Enzo Caramori

Faixas Favoritas: AMERICAN GURL, NEW TRICKS: ART, AESTHETICS AND MONEY, SUPER KO LOVE

Aquino e a Orquestra Invisível – Aquino e a Orquestra Invisível

Depois do lançamento do disco Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, a Aquino e a Orquestra Invisível faz seu retorno com um EP homônimo. No projeto, o trio carioca trouxe três singles lançados anteriormente, e duas canções inéditas: MTV e Eu e Ela. Indo de músicas cheias de brasilidades, que trazem notas de samba, MPB e bossa-nova, e chegando até sons oitentistas, com sintetizadores e batidas rápidas, os 14 minutos do Aquino e a Orquestra Invisível são como uma salada mista, funcionando muito bem juntas.

Representada pelo Bolo de Rolo, sub-selo do selo Rockambole, a banda entra em uma fase mais madura, mesmo que ainda trate temas joviais, como o amor e a vida na cidade. As composições do extended play, feitas pelos três integrantes, conseguem situar o ouvinte no tempo-espaço, falando sobre praias, varandas e interiores de casas. Com versos bem pensados, como “o tempo passou, mas nem tanto assim, sempre que eu me olho vejo um pouco de você em mim”, os cariocas conseguem descrever o crescer, e as mudanças que ocorrem entre épocas. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: MTV, Eu e Ela, 20 Anos e Meio.

Black Country, New Road – Ants From Up There

Em 31 de Janeiro, Black Country, New Road anunciou que Isaac Wood estava deixando o grupo para tratar questões de sua saúde mental. Apesar de toda a dúvida que se seguiu, Ants From Up There foi lançado em 4 de Fevereiro, e inevitavelmente foi visto como um álbum de despedida. Embora muito da estética da banda seja resumida no estilo vocal de Wood, soando como o Arcade Fire de Funeral (2004), o novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica.

Ainda assim, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, como se fizesse parte de um exercício de jam session no qual se mantém o maximalismo como força motriz. De forma surpreendente, porém, o segundo álbum da banda londrina traz canções explosivas, que conduzem o ouvinte em progressões enérgicas e culmina num disco que já nasceu obra-prima. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Chaos Space Marine, Bread Song, Concorde

Anná – BRASILEIRA

Há discos que fogem de qualquer imediatismo. Assim é BRASILEIRA, último lançamento da multiartista Anná: uma obra que nos conquista de escuta em escuta. Desenvolvido como movimento constante, que se desdobra em diversas camadas, o mais recente álbum da neta tropicalista consegue colocar presente, passado e futuro em único plano, sem soar desconexo, confuso ou inacabado. Anná abre os caminhos de uma viagem espiralada, respeitando e inovando as tradições para sintetizar um século inteiro de música nacional.  

Com a abertura perfeita, BRASILEIRA evidencia desde a primeira faixa que estamos diante de uma proposta bem diferente de Colar, incomparável álbum de estreia da cantora mocoquense. Assumindo coragens e riscos, Anná reitera seu potencial inventivo em um disco sintético, mas nada superficial. Fruto de novos experimentalismos – estes, sim, permanentes na artista -, BRASILEIRA comprova o que já parecia óbvio: Anná sabe se reinventar e dificilmente cairá na mesmice para agradar aos mercados e públicos. – Eduardo Rota Hilário

Faixas Favoritas: Rito de Passá, Valdineia e Somos Resistência   

The 1975 – Being Funny in a Foreign Language

Em Being Funny in a Foreign Language, Matty Healy não está interessado em excessos. O vocalista não quer utilizar metáforas que explicam como é difícil se relacionar na era digital, tampouco falar apenas sobre drogas, sexo ou niilismo, assuntos recorrentes em seus últimos trabalhos. Ele não quer falar sobre sinceridade, mas sim ser sincero da forma mais sucinta e direta possível e, para isso, ele decide falar sobre o amor. Apesar de seguir um caminho diferente do que a banda estava acostumada, o amor está no âmago de um registro honesto e terno que carrega muito da essência artística de The 1975, sintetizando-o em cativantes 44 minutos de duração.

Se fosse roteirizado, o álbum seria aquele momento alguns anos após o fim de filmes coming of age, nos dizendo que envelhecer é bom e simplifica a maioria das coisas pelas quais sofremos hoje. As composições de Healy, co-produzidas pelo onipresente Jack Antonoff, são levadas a novos patamares ao que ocorre uma elevação da intimidade no processo criativo de escrita do vocalista. Ao fazer isso, essa obra que dá ênfase não só na razão, mas principalmente na emoção, passa a ser uma experiência intensamente íntima e visceral para todos que a ouvem. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Oh Caroline, I’m In Love With You e About You

PVA – BLUSH

Tendo conquistado sua fanbase através de insanos sets ao vivo e seu EP de estreia, Toner, existia o grande desafio de aumentar a aposta com o lançamento do primeiro álbum do trio londrino de música eletrônica dance pop PVA, que recentemente produziu um gélido remix gótico industrial do hit ‘Welcome To My Island’, de Caroline Polachek. BLUSH é um impressionante disco de estreia, com uma abordagem emocional muito mais desenvolvida do que os trabalhos anteriores da banda, que consolida uma pulsante energia dançante, bruta e poderosa, além de revelar mais sobre os sentimentos do trio.

As 11 faixas de BLUSH esbanjam ácido, disco, sintetizadores latejantes, post punk, texturas ásperas, transições escorregadias, pistas de dança underground e melodias faladas, acompanhadas por uma identidade visual futurista, ousada e caótica. O álbum gera a visão de um ser humano dividido entre dois estados, preenchido com a sensação de estar preso e no processo de se libertar: “Você me deixou livre ontem/Eu me sinto como um bebê recém-nascido agora/Absorvendo todas as cores e formas e visões e cheiros/Como se fossem todos novos/Eu me sinto novo”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Untethered, Hero Man e Bunker

BLACKPINK – BORN PINK

Bem antes de articularem seu primeiro disco, Jennie, Jisoo, Lisa e Rosé já dominavam a arte de fechar o pop coreano para balanço, revisitando raízes e despejando uma pitada de identidade que impulsionou o sucesso de BLACKPINK além do oceano pacífico. Porém, se THE ALBUM tentava medir a cativação internacional do grupo mergulhando em milhares de ritmos, BORN PINK mostra que, em 2022, as garotas propagandas da YG Entertainment sabem exatamente a autoridade que possuem. Sondando seu passado multifacetado e cortando as colaborações externas, elas aposentam a exploração para mirar na consolidação de seu trabalho inconfundivelmente rico em vertentes do hip hop, trap e EDM.

A execução do LP repete as estratégias marketeiras de Teddy Park, produtor do girlgroup desde sua estreia e fator limitante do escopo criativo das artistas. Com isso, apesar de reter BLACKPINK à fórmula mediana de oito faixas, o conjunto consegue retratar vozes seguras de suas verdades e investidas na reafirmação desse poder transcendental. Recheando a era com trocadilhos e homenagens às fases que percorreram em seu espaçoso currículo, as quatro cantoras reúnem um sentimentalismo apaixonante, valorizando seu frescor consciente e, só para dar uma palhinha na experimentação, entregando primores no rap refinado por rock e música clássica. O veredito? Felizmente, as titãs do k-pop sempre estão pintando e bordando na nossa área. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Shut Down e The Happiest Girl.

Hyd – Clearing

Hayden Dunham ou Hyd, seu nome artístico, é uma estreante no electro pop internacional, mas desde seu primeiro álbum Hyd, em 2021, só vem lançando sucessos eletrizantes. Suas músicas passam a sensação de velocidade e Clearing nos traz muito desta energia, com letras que vão do amor próprio à desilusão romântica. Seu trabalho no álbum também consegue ser delicado e intimista.

Dunham vem trabalhando no disco há um tempo considerável. Desde 2014, ela planejava e tentava reunir artistas amigos como Alex Somers e Caroline Polachek. O resultado não poderia ser melhor, e 2022 trouxe a ela o sucesso merecido com uma turnê de apresentação e sua apresentação no Pitchfork Music Festival em Julho do mesmo ano – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Fallen Angel, Trust e Glass

Charli XCX – Crash

O álbum Crash da Charli XCX é um retorno triunfante à sonoridade pop que catapultou a cantora para o estrelato. Em um momento em que muitos artistas exploram sonoridades alternativas e experimentais, como ela mesma em seus últimos projetos, em Crash se destaca justamente por sua habilidade de criar um som vibrante e acessível que ainda se mantém atual e fresco.

Celebrando verdadeiramente o gênero, a obra é repleta de melodias chicletes e refrões contagiantes. A produção é refinada e polida, dando o espaço necessário para brilhar como vocalista e performer. As letras, apesar de em alguns momentos parecerem superficiais, mostram uma clara autoconsciência por parte da artista, revelando um lado vulnerável e emocional que adiciona profundidade ao álbum.

Embora possa ser criticado por sua falta de experimentação e risco, é inegável que Charli XCX é uma das melhores em criar um som pop que atinge o seu objetivo, when I wanna go pop, I’ll pop/I got them hits. O álbum oferece aos ouvintes uma dose saudável de diversão, energia e entusiasmo que pode ser difícil de encontrar em outros gêneros, e prova o talento e carisma da artista, mostrando que ela é capaz de conquistar os corações dos fãs e de manter-se relevante no mundo pop. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Baby, Used To Know Me, Move Me

Maria Rita – Desse Jeito

Dentro da música nacional, poucos artistas possuem um trabalho tão meticulosamente articulado, intensamente dedicado e iminentemente regenerador como o de Maria Rita. A cantora não faz mea culpa em afirmar o compromisso com seu trabalho e com o perfeccionismo, lançando apenas aquilo . E assim, quatro anos após Amor e Música, Maria Rita voltou às plataformas digitais com o refinado e poderoso Desse Jeito. O EP, que conta com seis faixas, passeia pelos territórios que a intérprete mais domina: amor e religião.

Sempre intima às canções, Maria vozeia paixões, desamores e fé, e de quebra marca sua estreia como compositora, nas faixas Por Vezes e Canção Pra Erê Dela. É a faixa-título, composta por Luiz Antônio Simas em parceria com Fred Camacho que norteia as sensações envolvidas em todo o processo do projeto. Desse Jeito denuncia a intolerância religiosa, traz a ancestralidade, a força e a simplicidade dos orixás, em vigorosos versos que coordenam as emoções do ouvinte, enquanto a cantora toma posse da letra com seu vocal inigualável: “Axé, mojubá, zambi, kolofé/Qual é? Cada um com a sua fé”. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: E Eu?, Desse Jeito, Canção Pra Erê Dela part. Teresa Cristina

The Weeknd – Dawn FM

Depois que The Weeknd foi retratado enfaixado e ensanguentado em After Hours, a capa de seu quinto álbum de estúdio o retrata precocemente envelhecido, como se seus exageros do passado o tivessem alcançado. Há múltiplas interpretações acerca do significado dessa imagem, e uma delas é a de que os temas que marcaram as composições do cantor canadense – dentre eles, autodestruição e relacionamentos tóxicos – passaram a soar tão antigos quanto ele aparenta. Dawn FM marca, talvez pela primeira vez, o vislumbre de “dias melhores” nas canções de Abel, realçando sua evolução dentro da indústria musical.

A rádio fictícia transmitida do além pouco se importa em ter grandes hits que agradam as rádios do mundo atual. É notório como, dessa vez, o álbum possui uma maior expressão da essência do artista, com faixas que aprofundam suas influências oitentistas deslumbrantemente. Passando pelas músicas mais elétricas às mais contemplativas e contando com a participação de grandes nomes como Swedish House Mafia, Tyler, the Creator e as ilustres presenças de Jim Carrey e Quincy Jones como uma espécie de narradores do programa, o mais recente trabalho de The Weeknd oferece o som de um artista que sabe que é um dos melhores de seu jogo. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Gasoline, Sacrifice e Here We Go… Again

Florence + the Machine – Dance Fever

Pode até soar inofensivo, mas nada é mais assustador do que existir, e Florence + the Machine parece entender muito bem sobre essa sensação. Dance Fever, quinto álbum da banda britânica de indie rock, se inspira em filmes de terror como Midsommar e Suspiria para invocar cada nota rebelde e libertária de um dos discos mais intensos e melódicos do ano.

Com uma discografia onde a essência mística de Florence Welch é presente, Dance Fever se destaca pelo profundo intimismo explícito em cada uma das faixas. É como se entrar numa viagem pelo córtex cerebral de Welch e ser recebido em um altar composto por velas, incensos, cristais, sal grosso e uma taça de vinho. Entre o frenético e o singelo, os instrumentos se mesclam entre canções formando uma verdadeira dança febril, que apenas Florence + the Machine poderia proporcionar nesse pós-apocalíptico 2022. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: King, Dream Girl Evil, Heaven Is Here

Sabrina Carpenter – emails i can’t send

“Você usou um garfo uma vez, acontece que eles estão por todos os lugares” talvez soe como a lírica mais banal para alegorizar um coração estraçalhado, mas Sabrina Carpenter não está afim de maximizar nada além das dores do crescimento. how many things é só uma confissão no meio da intensa sessão de terapia que estrutura emails i can’t send, quinto álbum de estúdio da artista e o primeiro da carreira disposto a derrubar sua típica armadura de autoconfiança. Priorizando o urgente processo de sentir colisões, naúseas e mudanças, a coletânea valoriza o conforto da música pop enquanto atravessa pianos, trompetes, batidas eletrônicas e outros ritmos que poderiam tranquilamente sair de Ariana Grande ou Kylie Minogue.

Entretanto, os ares familiares nem chegam perto de influenciar a narrativa que lidera o álbum: a de Carpenter, sozinha com seus próprios pensamentos. O divertido labirinto emotivo de Tornado Warnings logo é substituído pela afiada because i liked a boy, referência totalmente explícita às ameaças de morte que embalaram a vida da loira nos últimos dois anos. Confrontando quem lhe regala os títulos de puta e destruidora de lares, Sabrina se exorciza das amarras colocadas por um suposto triângulo amoroso, inclusive, em seu domínio criativo. Depois da revanche, vem a liberdade para encerrar ciclos e até curtir um sleeperhit inédito no currículo musical. Ela apertou o botão de envio, graças a Deus. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Vicious, Fast Times e decode.

Elza Soares – Elza Ao Vivo No Municipal 

É difícil fugir do clichê: Elza Soares realmente cantou até o fim. Ao gravar o disco Elza Ao Vivo No Municipal dois dias antes de partir para a eternidade, a Mulher do Fim do Mundo encerrou sua carreira de forma brilhante. Como uma verdadeira lenda da música brasileira, Elza da Conceição Soares protagonizou um show extremamente simbólico, capaz de sintetizar e representar décadas ímpares de uma carreira incomparável. Abraçando desde Se Acaso Você Chegasse até Comportamento Geral, o álbum póstumo da Voz do Milênio é feliz ao registrar a trajetória viva de uma artista-fênix.  

Os mínimos detalhes tornam Elza Ao Vivo No Municipal um disco apoteótico. Há coroas e tronos no palco e nas canções do espetáculo. Elza aparece majestosa já na capa do álbum, com um olhar que nos convida a conhecer melhor sua grande despedida. Tudo é muito sublime e bem planejado, e a carreira de Elza Soares é nitidamente projetada diante dos nossos olhos. Encerrando o repertório com Mulher do Fim do Mundo, em uma escolha assustadoramente profética, Elza Ao Vivo No Municipal coroa o imenso legado de uma diva inesquecível. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Meu Guri, Volta por Cima e Mulher do Fim do Mundo

Deize Tigrona – Foi Eu Que Fiz

A ascensão de Deize Tigrona foi um grito estrondoso diante do silêncio que assombrava o território feminino do funk. Em outros termos, a artista carioca ousou desbravar biomas dominados por predadores os quais, acima de tudo, temem a extinção do conservadorismo. Na perspectiva histórica, há muitos mistérios a respeito da origem do universo e do desaparecimento de espécies. Todavia, na perspectiva musical, não há dúvidas: Deize Tigrona foi o Big Bang do universo explícito e feminino do funk e, ao mesmo tempo, o meteoro que aniquilou mentes caducas e quadradas.  

Foi Eu Que Fiz supera a definição limitante de álbum e se apresenta como um ato confessional de uma mulher que colocou a cara a tapa. Ademais, é válido enfatizar que a artista moradora da Cidade de Deus quebra, magistralmente, o contraste das ideias de sensibilidade e explicitude, e as torna quase que sinônimos. Tal fato fica nítido na faixa Monalisa na qual Deize convida o ouvinte a dançar com as incertezas e reviravoltas da vida que, no fim, podem ser boas companhias. A volta de Deize Tigrona é um pequeno passo para o funk carioca, mas um grande salto para a cena feminista sáfica da música brasileira.  – Ana Cegatti

Faixas Favoritas: Monalisa, Bondage, A Mãe Tá On

Marília Mendonça – Decretos Reais, vol. 1 & 2

Definitivamente o Brasil não estava pronto para perder de maneira tão trágica e tão precoce uma de suas maiores vozes. É como se o mundo tivesse ficado um tanto mais calado depois da morte de Marília Mendonça ser anunciada no fatídico 5 de Novembro. Coroada Rainha da Sofrência, a manutenção do legado da cantora, traduzido em Decretos Reais, é a comprovação concreta da imensidão da obra de Marília. 

O projeto póstumo conta com as faixas remasterizadas extraídas da live Serenata, realizada pela artista em maio de 2021. A saudade da cantora, misturada à excelência de seu trabalho, fizeram com que ambos volumes permanecessem por semanas no topo das paradas. Decretos Reais exibe um lado brega-romântico de Marília, que toma para si canções como Te Amo Demais e Morango do Nordeste. A grande notoriedade fica a cargo de Leão, faixa presente no volume 2. A música feita para o álbum Zodíaco do rapper Xamã, foi um dos últimos feats feitos pela cantora. Te Amo Demais, Marília. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Te Amo Demais, Sendo Assim / Muito Estranho (Cuida Bem de Mim), Morango do Nordeste

Björk – Fossora

Björk comentou em entrevistas sobre como Fossora é seu álbum mais festivo, como uma rave pós-distanciamento social. No entanto, a obra se mostra mais densa e nebulosa que uma festa de techno, conforme a islandesa explora temas profundos de seu interior, como a morte de sua mãe, sua existência feminina, relações amorosas e familiares. Foi produzido durante um período de isolamento e luto, uma jornada que exigiu força, inovação e emoções. O 10º disco de Björk é uma união complexa, pesada, intensa e espinhosa de sonoridades, perdas, dores, e ao mesmo tempo, uma celebração da vida e de recomeços sensíveis.

As composições estreitam as relações da artista com diferentes colaboradores, como serpentwithfeet, Kasimyn, os experimentalistas eletrônicos indonésios Gabber Modus Operandi, que ajudaram Björk a criar um biological techno, e a própria filha, Ísadóra Bjarkardóttir Barney. Fossora não é uma obra acessível, ele necessita de tempo e atenção para nos conduzir por caminhos e sonoridades imprevisíveis, num fascinante universo de fungos e acalentadoras paisagens islandesas. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Atopos, Victimhood e Fossora

Terno Rei – Gêmeos

Em 2019, Terno Rei lançava o que seria seu maior sucesso de público até então. Com Violeta, o grupo testou novas sonoridades e flertou com o pop em músicas de versos poéticos e certeiros. Com a sinceridade que também esteve presente nos trabalhos anteriores da banda, Vigília (2014) e Essa Noite Bateu Como Um Sonho (2016), os quatro músicos alcançaram elogios da crítica e uma turnê de sucesso, que se desmanchou em 2020 com o isolamento, necessário em decorrência da pandemia da covid-19. Em um período de isolamento, de medos e inseguranças, refletindo sobre as mudanças sofridas durante os muitos anos de banda e em uma carta aberta sobre a juventude, Alê Sater, Bruno Paschoal, Greg Vinha e Luis Cardoso constroem, juntos, um novo álbum.

Assim como na capa, em Gêmeos o ouvinte é apresentado a um lado mais colorido, ainda mais pop na sonoridade que explora novos ambientes e letras que conversam com o ouvinte de maneira aberta, em canções ainda auto reflexivas. Em 12 músicas que embalam o público em uma nostalgia dos anos 2000, tanto sonora quanto visual, a essência da banda ainda pode ser captada, mas com um toque especial.

Observando tudo que já havia sido produzido e subindo o nível, o grupo aqui se apresenta ainda mais sutil, mais delicado e mais vulnerável. Em uma ambiguidade presente já no título, as composições passeiam entre as dúvidas que surgiram com tanta facilidade em um período onde o tempo hábil era muito e a inquietação, tão naturalizada em uma juventude que não se permite parar e contemplar, realmente ouvir. E que bom é poder ouvir Terno Rei de novo, mesmo que esse não seja exatamente o ano mais triste das nossas vidas – Aryadne Xavier.

Faixa Favorita: Olha Só, Difícil e Esperando Você

Steve Lacy – Gemini Rights

O segundo álbum de estúdio de Steve Lacy, Gemini Rights, segue as propostas de seu antecessor, Apollo XXI, ao dialogar com o inseparável R&B, porém, se diferencia na pluralidade de ritmos e melodias alcançadas em seu lançamento. Lacy mostra que consegue sair da zona de conforto e passear entre diversos gêneros, da bossa-nova perfeitamente encaixado em Mercury, ao neo-soul já conhecido de Static. Foi assim que o cantor conseguiu uma evolução clara de seu álbum de estreia. 

Assim como grande parte do repertório musical, Steve também fez uso de acontecimentos e sentimentos particulares para compor suas letras. E no resultado final, o artista tem a mistura perfeita: um disco com personalidade e com o toque singular do jovem cantor, capaz de deixar até mesmo um pop comum como o de Bad Habit único e cativante. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Mercury, Sunshine e Amber

yeule – Glitch Princess

A música de yeule apresenta uma perspectiva pós-humanista, conforme a artista explora a relação entre identidade e tecnologia através de melodias melancólicas de post-pop que constroem um labirinto no ciberespaço. Em seu segundo álbum, a artista avant-pop de Singapura, Nat Ćmiel, se autointitula Princesa do Glitch e conduz o ouvinte por um caminho sombrio e pixelado, cheio de códigos de computador quebrados e mensagens de erro.

Destacando-se de seus trabalhos antecedentes, Glitch Princess se desafia criativamente e é apresentado de forma marcante e estranhamente acessível, sendo capaz de transmitir sua essência com ambientações oníricas e texturas eletrônicas experimentais. A obra é repleta de vulnerabilidade e pessimismo, onde desastres pessoais são a principal catástrofe. Os versos são construídos de forma sensível e pessoal, e o uso das batidas e sintetizadores é calculado para ecoar e proporcionar a imersão dentro de uma dimensão cibernética que atua como um consolo e um vício: “Em volta do meu pescoço, uma máquina amigável/Finge limpar minha memória/Finge fazer tudo ir embora/Finge me fazer sentir muito bem”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: My Name is Nat Cmiel, Don’t Be So Hard on Your Own Beauty e Bites on My Neck

FLETCHER – Girl Of My Dreams

Pegar um coração partido e transformá-lo em Arte não é tarefa das mais simples, mas o resultado é um dos que mais se aconchega junto a quem o compartilha com o artista. Se a dor é combustível para a criação e o meio artístico, uma via para externalização, FLETCHER transformou um término de relacionamento e o seu processo de superação em glória: fruto da sua jornada até aqui, surge Girl Of My Dreams, álbum de estreia da norte-americana.

Se em THE S(EX) TAPES, o fim era recente e Fletcher lidava como os novos sentimentos através da tristeza, da raiva e da recaída, como quem passa por uma fase de luto, o disco, lançado dois anos depois do EP, aproveita o tempo para deixar a ferida cicatrizar. Agora, o que predomina é a aceitação, a saudade, a nostalgia, o amor próprio e a esperança de seguir em frente. Ressoando com quem se identifica com o momento, Girl Of My Dreams segue o estilo musical da artista em faixas ora dançantes e animadas, ora lentas e melancólicas, provando os altos e baixos de qualquer momento. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Better Version, Becky’s So Hot, Serial Heartbreake

SUHO – Grey Suit – The 2nd Mini Album

Grey Suit continua a pintura impecável da trajetória musical solo de SUHO, integrante do grupo sul-coreano EXO. Valorizando as sensações e emoções como os artistas do movimento pós-impressionista, o cantor simula na sonoridade a mudança visual de tom encontrada nas telas da sua grande inspiração, Van Gogh. Se em Self-Portrait, a estreia de Kim Jun-myeon, um plano de fundo melancólico foi adotado nos instrumentais, o segundo mini álbum traz a tona cores quentes que iluminam e tornam leve a composição. Dos autorretratos confusos, ele surge em meio aos girassóis.

Com uma produção detalhista que, surpreendentemente, mira em riffs de guitarra que soam como as clássicas baladas românticas da banda Scorpions, Grey Suit coloca o k-pop em uma perspectiva inédita. De volta após o afastamento de dois anos dos palcos para servir o exército militar obrigatório, o disco celebra um novo ciclo ao lado dos fãs, para quem SUHO é a personificação do significado de seu nome artístico, guardião: “Bem onde você está/Você foi como um milagre que eu conheci em uma noite de verão/Como uma flor que desabrochou no final do inverno”. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Morning Star, Hurdle e Bear Hug

Bastille – Give Me The Future

Se a Bastille teve uma década para descobrir e redescobrir sua identidade musical, renová-la e depois inová-la novamente, a solução para a próspera carreira dos donos de Pompeii foi apostar no conceito. Logo no início da frutífera safra de discos de 2022, a veterana resolveu abraçar um universo distópico e futurístico, e traduziu a ficção científica no álbum Give Me The Future. O quarto trabalho de estúdio do grupo seguiu à risca o que se propuseram a fazer: com vozes de robôs durante as faixas e seguindo sua linha de videoclipes narrativos e imersivos, o quarteto também estendeu a experiência única do álbum para o âmbito audiovisual, corroborando com o universo conceitual. 

Evocando cores e luzes a partir de uma sonoridade sintética – se diferenciando do indie rock pelo qual a banda ganhou espaço na indústria musical -, a liricidade também é imaginativa, inventando situações e pipocando referências a obras da cultura pop e da ficção, como Thelma & Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos de Aldous Huxley. Com seu futuro ultra tecnológico e solitário, Give Me The Future alcança até o cyberpunk no que aborda sobre o cerceamento da liberdade e a linha divisória entre real e fictício, criando uma das experiências mais divertidas da Bastille desde Doom Days.

Faixas Favoritas: Thelma + Louise, Back To The Future e Future Holds

Harry Styles – Harry’s House

Em Harry ‘s House, o britânico convida o ouvinte para entrar em sua casa, deixando todas as gavetas abertas, molduras coloridas nas paredes e poeiras nos rodapés dos quartos. O disco, composto por treze faixas, traz uma tour completa pela morada do músico e faz questão de mostrar como esse está amadurecendo, por meio de referência aos seus ídolos dos anos oitenta, samples de autorias da década de setenta e uma estética sonora familiar, que remete ao confronto de um lar. Na porta de entrada, Harry recebe quem o visita com ritmos animados, nos singles Music for a Sushi Restaurant e Late Night Talking. Ao adentrar mais na casa, passando pelos corredores com as fotografias de família, são apresentadas as batidas e as letras melancólicas de Little Freak e Matilda, para então conduzir ao seu jardim, no quintal dos fundos, com baladas românticas como em Love of My Life.

Além do amadurecimento, o álbum trata de um Harry apaixonado, que quer transpassar para o mundo os prazeres e as desventuras dessa sua condição. Ainda que não tenha apresentado nada revolucionário para o mundo da música, o disco trouxe algo novo na carreira do artista. As It Was encontrou o equilíbrio dos singles de álbuns anteriores, entre a tristonha Sign of the Times e o verão despreocupado de Watermelon Sugar. Iniciando polêmicas, o disco acabou levando o prêmio de melhor do ano no Grammy 2023, escolha muito contestada pelo público, perante aos outros álbuns indicados na categoria. Contudo, mesmo que não seja “o” melhor, não fica de fora dos Melhores do Ano, afinal o disco diverte e aconchega, chegando em casa com segurança. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: Matilda, Keep Driving, Love of My Life

Urias – HER MIND, PT. 1

Para os fãs que têm acompanhado avidamente cada passo da era HER MIND, é até difícil imaginar que, ainda em 2022, Urias nos entregava a versão final do incrível FÚRIA, seu primeiro álbum de estúdio. Entretanto, pouco mais de quatro meses depois, a cantora enterrou o preto-e-branco para, ao invés, saturar suas cores ao limite. O azul e amarelo vibrantes da arte que estampa a primeira parte de HER MIND ilustram a sonoridade assumidamente psicodélica do EP, que une a música eletrônica e latina no mais próximo de um projeto de hyperpop que o mainstream brasileiro proporcionou até aqui.

No auge de sua criatividade e inventividade, Urias toma o caminho inverso do que propõe Linn da Quebrada em sua obra. Dona de uma identidade constantemente reduzida aos encargos do corpo, HER MIND extrapola a experimentação da artista para mergulhar no âmago de sua própria mente. Os versos que misturam inglês, espanhol e português – em uma progressão que preza pelo caos –, traduzem os processos intrincamente internos de uma mulher trans que, depois de tornar-se visível e adquirir acessos que nunca teve, enfim permite-se à individualidade. E ainda assim, ao invés do que poderia-se antecipar, a proposta íntima intensifica a personalidade combativa de Urias, reafirmando, através das faixas mais pujantes de sua carreira, que ninguém é capaz de copiar seu Je ne sais quoi. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: R.I.P., Je ne sais quoi, The way I drop

Rina Sawayama – Hold The Girl

Com uma estreia grandiosa em 2020, as expectativas para o segundo álbum da cantora e compositora Rina Sawayama eram altas, e através de treze faixas que percorrem do pop ao rock à eletrônica, ela não deixa a desejar. Com Hold The Girl, Sawayama abre feridas e muitas vezes canta para sua ‘eu’ mais nova, refletindo sobre sua inocência passada ao passo que busca se curar e se libertar de tudo aquilo que um dia a prendeu, dando um quê esperançoso à obra.

Na faixa de abertura, Minor Feelings, Rina atinge o limite de tudo que guarda para si e expressa a necessidade de tomar controle da própria vida. A canção é sequenciada pela faixa-título, onde ela se encontra falando com a criança que um dia foi, tentando confortá-la e aprender com seu passado. Os vocais e produções marcantes em cada música fazem de Hold The Girl um álbum espirituoso, que combinados com as canetadas sinceras de Rina Sawayama, a torna uma das artistas mais autênticas na cena pop atual. Por fim, a obra se encerra com To Be Alive, onde tudo aquilo que foi almejado ao longo da jornada é alcançado, e Sawayama finalmente encontra paz em todas as versões de si mesma. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Hold The Girl, Frankenstein e Phantom

King Princess – Hold On Baby

“Meu deus, é muito difícil ser amada, mas é a vida”, entoa King Princess em Too Bad, faixa integrante de Hold On Baby. Já na canção que fecha o álbum, ela admite que “Sabia que isso aconteceria/Você está brava e se sentindo presa/Eu sinto a pressão/Eu não sou sua captora/Eu odeio me sentir sem esperança”. Depois de Cheap Queen, disco de estreia da cantora indie nova iorquina, a êxtase do começo da carreira e do início de um relacionamento dão lugar a uma estabilidade em ambos sentidos, com letras maduras e afiadas acertando em cheio o que a compositora expõe. Estabilidade essa, porém, que é refletida em sua musicalidade só parcialmente: a certeza de alguns aspectos levanta dúvidas sobre outros, e dão espaço para a artista se questionar – e externalizar tais ponderamentos em sua personalidade musical. 

No trabalho, as 12 faixas perpassam os questionamentos que surgem em um relacionamento duradouro, a identidade enquanto musicista (agora) consolidada na indústria musical e as suas próprias inseguranças enquanto jovem adulta ansiosa, triste e sexy. Como um sinal claro de que Mikaela Straus se sente mais confiante musicalmente – no álbum, ela participa da produção de suas canções -, a artista abraça a mistura de estilos e sonoridades durante as faixas: longe da falta de uma única identidade, ela assume o seu caos. Misturando solos de guitarras indie a baladas com pianos melódicos, e ampliando o alcance de sua voz, Hold On Baby demonstra uma liberdade ainda inédita para a promissora carreira de King Princess. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Cursed, Sex Shop, Let Us Die

Cults – Host B-Sides & Remixes

Em Host B Sides & Remixes  a banda de indie rock Cults, traz doçura e paixão a um 2022 de guerras e conflitos. Agrupando os singles My Window, Sleeping Through Sunshine e versões remixadas do álbum Host , a vocalista Madeline Follin e o guitarrista Brian Oblivion se mantêm entre as melhores “novas” bandas de indie, mesmo completando 12 anos de trajetória.

Artistas como Johnny Jewel e Tama Gucci conferem ao álbum uma roupagem eletrônica, mas que preserva a essência da banda que sempre remeteu ao frescor e a suavidade, além de um apego à juventude. Este já é o oitavo álbum de Cults se considerarmos os EPs, mas ainda sim há a preservação da qualidade que foi vista nos primeiros álbuns Cults e Static . – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Sleeping Through Sunshine, My Window e Trials (Johnny Jewel Remix)

Icarus – BK

Preso dentro de labirintos, BK almeja asas para voar. O quarto álbum de estúdio do rapper nos guia por uma jornada até nossa emancipação. Uma busca que esbarra em temas políticos, mas não deixa, é claro, de cantar sobre a droga mais perigosa e saborosa: o amor. Com referências da mitologia grega, o cantor explora em Icarus a crescente até sua libertação – vemos em cada faixa um pouco da esperança, das contradições, dos defeitos e dos sonhos do próprio BK mesclados com a trágica história de Ícaro e Dédalo. 

Para adicionar pluralidade, contraste e profundidade às faixas, o álbum contou com a colaboração de Marina Sena, L7NNON, Julia Mestre, Bebé Salvego e Luccas Carlos. A combinação trouxe lirismo, batidas e um ritmo não tão inovador, mas encantador no jeito BK. Entre passos e tropeços, acertos e erros, Abebe Bikala conseguiu entregar o equilíbrio que faltou para Ícaro, e contou com seu legado de Gigantes e O Líder em Movimento para conquistar ainda mais admiradores no cenário nacional e consolidar-se como um dos álbuns mais notáveis e viciantes de 2022. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Continuação de um sonho, Só me ligar e Músicas de amor nunca mais

Bazzi – Infinite Dream 

Em um passeio sonoro, construído por meio de sonhos, Bazzi lançou seu segundo álbum de estúdio, Infinite Dream. Antecedido por três singles – Will It Ever Feel The Same?, Miss America e Heaven –, o projeto possui uma mistura de sentimentos. O cantor continua seu trabalho com uma temática parecida com a do primeiro disco: viagens estratosféricas e noturnas, que levam ao amor, à dor, à decepção e à reflexão. 

Indo de sons de sintetizadores, vindos direto dos anos 80, para canções com uma pegada country, chegando até a um pop dançante, o álbum é cheio de melodias interessantes. Infinite Dream realmente parece ter saído dos sonhos de Bazzi, como se fosse uma trilha sonora para a imaginação do subconsciente. O disco consegue retratar diversas emoções que fazem parte da vida, como a sensação de estar apaixonado e de ter o coração partido. Além disso, a composição é inteligente, pois o cantor consegue se auto-referenciar durante as canções, por utilizar versos idênticos em diferentes contextos. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: Little Miss Sunshine, Uh Oh, Human (Cocaine)

TAEYEON – INVU – The 3rd Album

Sozinha, de cabelo descolorido e com o ego mais inflado do que nunca, TAEYEON transforma até os defeitos em qualidades com o disco INVU e estende o seu reinado no K-pop. Entre sintetizadores, batidas eletrizantes e vocais esplêndidos, a integrante do grupo Girls’ Generation abre alas para letras agressivas. Ao contrário da delicadeza de My Voice ou da sinceridade sutil de Purpose, o seu terceiro álbum de estúdio vai direto ao ponto: “Dias ruins estão se repetindo/Eu me sinto miserável, os sentimentos estão acabando/Girando como um anel solto”.

Investida em entregar um trabalho coeso, a veterana arremata algo difícil de se alcançar na atual indústria da Música, a união da sonoridade com uma construção visual marcante. Em 2022, INVU demonstrou ser uma verdadeira era do pop, traçando caminhos semelhantes ao de Future Nostalgia de Dua Lipa. Ainda que inserido no contexto sul-coreano em que as produções ocorrem de modo cada vez mais frenético, o disco parece envelhecer como vinho graças a iniciativa de TAEYEON em deixar as 13 faixas levarem o tempo necessário para causar a imersão plena do ouvinte. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: INVU, Heart e No Love Again

IC3PEAK – Kiss Of Death

KISS OF DEATH é o álbum de metal da vampiresca dupla IC3PEAK, formada pelos russos Nastya Kreslina e Nikolay Kostylev, que traz colaborações com vozes inusitadas, como Grimes, Oli Sykes, de Bring Me The Horizon, e Kim Dracula. O duo de ativistas, que sempre criticou o governo de Vladimir Putin de forma ácida e direta em seus visuais e canções, entrega novamente letras sombrias e ousadas com refrões cativantes, juntamente com sua estética ora urbana e militar, ora barroca e gótica. 

Apesar de deslizar em sua consistência, KISS OF DEATH é surpreendentemente mais diversificado e imprevisível que o notável trabalho anterior do grupo, o intenso До Свидания. O destaque é, certamente, a melodia e os vocais de Nastya, que vão de um belo ser angelical, com cantos folclóricos, a uma criação infernal cheia de ódio, com gritos estridentes e sons guturais. As melodias calmas e acústicas são quebradas com a percussão pesada e sintetizadores afiados, que soam como explosivos e abraçam uma produção sonora de witch house e trap metal industrial, familiar a Kostylev. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Kiss Of Death, Bad Night e I’m not evil, I’m sad

Gloria Groove – Lady Leste 

Quando surgiu em O Proceder, com o despontar de Gloriosa em um rap marcante, de batidas dançantes e um refrão que fica na memória, Gloria Groove se tornou uma promessa nas principais plataformas de música. Nos anos seguintes, após cada lançamento, a promessa foi se confirmando, se destacando e o público teve a oportunidade de acompanhar o nascimento de uma estrela. Em uma ode a vida, aos sonhos, aos medos e em um depoimento sincero, suas canções representam a realidade de milhares de brasileiros, que a reconheceram. Em Lady Leste, Gloria Groove se mostra ainda mais potente e versátil, exibindo, em sua voz e em seu corpo, toda a pluralidade que compõe as periferias (vide que Leste vem de Zona Leste) em suas diferentes camadas.

Em 13 grandes faixas, que vão do funk ao rock, passeando por diferentes gêneros de maneira confiante, Gloria Groove se reafirmou, mais uma vez, como um grande nome da cena musical brasileira na atualidade. Em uma carta de amor às mulheres de sua vida e com um gesto singelo e bonito de “Saber para onde está indo, mas sem se esquecer de onde veio”, o segundo álbum da drag queen explora suas principais influências e referências na música. Com a assinatura de Pablo Bispo e Ruxell na produção, a obra, como um todo, soa coesa, mas ainda mantém a disponibilidade de que canções brilhem sozinhas, criando diversos hits que marcaram 2022. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: LEILÃO, SFM E PISANDO FOFO

Tom Zé – Língua Brasileira

As obras de Tom Zé são certamente curiosas. O tempo passa e as nuances contidas na heterogênea discografia do último tropicalista ainda são descobertas com muito entusiasmo. Em Língua Brasileira, a realidade não poderia ser diferente: estamos diante de um disco que pode inquietar os fãs de música nacional por um bom tempo. Extremamente empenhado em suas criações, Tom Zé sabe bem o que faz. Com curiosidade nata, o veterano brasileiro pesquisa a fundo elementos naturalizados do cotidiano para poder dar vida a álbuns que muito têm a ensinar.  

Em relação ao repertório de Língua Brasileira, dez canções inéditas e a já conhecida música-título foram reunidas graças a um espetáculo homônimo de teatro, dirigido por Felipe Hirsch. Com um nascimento poderoso, o mais recente disco do tropicalista foi certeiro desde que tocou Os Clarins da Coragem em alto e bom som. Do primeiro single até aqui, muita coisa mudou – mas as inquietações provocadas pela criatividade de Tom Zé permanecem as mesmas. Contagiante como poucos, eis um veterano que merece nossa celebração. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Hy-Brasil Terra Sem Mal, A Língua Prova Que e Os Clarins da Coragem 

BIBI (비비) – Lowlife Princess: Noir

Uma mulher fina, que veste um longo vestido e saltos chiques, sentada sob um trono de sacos de lixo. É esse contraste absurdo que dita o tom colérico de Lowlife Princess: Noir, álbum de estreia de BIBI, uma das principais expoentes do R&B na Coreia. A cantora assimila-se às contradições da sociedade sul-coreana, não com uma pretensão política, mas para tecer uma série de contos urbanos que só adquirem o choque desejado pois emergem de uma mente que se apresenta no centro daquele cenário. A sujeira, a desigualdade e a luxúria são incorporadas em uma estética inebriante e uma lírica indecorosa, para, então, ratificar a manifestação de humanidade nessas profanações.

A voz leve e hipnotizante da artista contrapõe radicalmente a raiva pungente que traduz a essência da retaliação em BIBI Vengeance, ou a conversão ao lúdico da objetificação da mulher e da obsessão fálica masculina em Animal Farm, apenas para que os mesmos homens vejam-se castrados logo depois. Ainda que intrinsecamente violento, Lowlife Princess: Noir representa o trabalho mais pop de BIBI até então, que, ao beber da inesgotável fonte do k-pop, se apossa de inspirações de todos os cantos – do reggaeton ao rock – para criar uma sonoridade própria e instituir-se como a única e indistinguível rainha do submundo. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: BIBI Vengeance, MotoSpeed 24, Wet Nightmare

Jackson Wang – Magic Man

Vermelho é a cor que preenche a imaginação de quem escuta Magic Man, o segundo álbum de estúdio de Jackson Wang, nunca antes tão intenso, forte, calorento e apaixonado. Repetindo a dose de liberdade criativa encontrada em Mirrors, o selo próprio e independente da gravadora Team Wang Records novamente coloca a cultura chinesa em destaque para o mundo. Dessa vez, o integrante do grupo GOT7 arma um circo extremamente convidativo e, através de uma produção alucinante, constrói o seu próprio espetáculo decorado por performances artísticas surreais.

Wang deixa explícito o amadurecimento pessoal e profissional na composição audiovisual do disco. Se, antes, ele batalhou para encontrar a si mesmo entre instrumentais pesados e versos carregados, hoje, o artista transita sem medo desde o maior número de batidas por minuto até as passagens cadenciadas que valorizam o timbre de voz grave: “As paredes estão desmoronando de novo/Eu ouço você chamando meu nome”. Em Magic Man, Jackson Wang vocaliza emoções conflitantes, fantasmas do passado e, principalmente, a felicidade de se realizar por completo. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Come Alive, Drive It Like You Stole It e Go Ghost

Kendrick Lamar – Mr. Morale & The Big Steppers

Sucessor de um de seus álbuns mais aclamados, Damn , Mr. Morale & The Big Steppers é apresentado ao público como uma das produções mais pessoais de Kendrick Lamar. No disco duplo, o cantor é sincero sobre suas imperfeições e expõe seus traumas e dificuldades em melodias que tiram qualquer dúvida da humanidade do rapper que, pelos fãs, é visto como um deus. Essa pode ter sido a intenção ao vestir uma coroa de espinhos na capa do disco.

O disco conta com diversas colaborações – Summer Walker, Kodak Black e Ghostface Killah são alguns nomes que compõem a obra. Em Mother I Sober, que conta com a voz angelical de Beth Gibbons, fica claro que as parcerias não afetam a personalidade da faixa. Na citada, Kendrick revive abusos em seu relacionamento maternal e admite a repercussão que teve em sua vida, mostrando novamente a capacidade inigualável do artista de transformar suas questões particulares em arte. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Purple Hearts, N95 e United In Grief

ROSALÍA – MOTOMAMI

Para quem nasceu remodelando os horizontes do flamenco e da música pop, se conformar com pouco nunca foi conveniente. Sendo esse fenômeno singular, que coloca o espanhol na boca e nos ouvidos do povo, ROSALÍA não criou MOTOMAMI apenas como um manifesto de suas crescentes intenções artísticas, mas convicta de que pode ser tudo, ao mesmo tempo e onde quiser, em completa contradição e constante metamorfose. Aqui, cantando e produzindo 24 faixas – contabilizando a edição deluxe do LP -, a catalã descasca os turbilhões que acompanharam sua ascensão à fama, confessa seu amor pela família e performa autenticamente numerosas versões de si. 

Com toques de Michael Uzowuru e Pharrell Williams, o estilo experimental que eletriza o álbum marcou presença nos shows da cantora e em tweets virais da era, enfatizando sua construção não-linear e extremamente magnetizante. Da bachata ao dembow, passando por distorções eletrônicas, boleros e até um samba brasileiro, a curadoria sonora é o coração de MOTOMAMI, nome que simboliza a agressividade e vulnerabilidade que, unidas, edificam ROSALÍA. Brincando entre pianos intimistas, evocações sensuais e sons de sintetizadores estratosféricos, em prol de um mosaico de experiências, ela se transforma, sob todas as cores, como a borboleta musical unânime de 2022. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: CANDY, BULERÍAS e COMO UN G.

Taylor Swift – Midnights

Taylor nos mostra, mais uma vez, que sua invejável habilidade de dar brilho ao ordinário nunca irá sair do topo. Após agraciar com a genialidade da dupla folklore e evermore , Midnights chega como aquele abraço depois de um longo dia. O aconchego que encontramos no décimo álbum da cantora é quase que palpável. Em 20 faixas que exploram as falhas e interrogações que muitos de nós gostaríamos de esconder, contamos também com alguns velhos assuntos vistos por outra perspectiva – traição, justiça, amor, vingança e inseguranças adaptados para todo o conceito reflexivo da obra.

Poderíamos estar surpresos por Midnights quebrar recordes, virar assunto em todas as redes sociais e ter melodias que não saem da nossa cabeça, mas Taylor Swift consolidou-se de maneira tão memorável na indústria que seus altos padrões tornaram-se triviais. A cantora consegue, mesmo partindo de níveis elevados, surpreender a todos com a profundidade e reinvenção que alcança. A verdade é que foi um prazer acompanhar Swift em suas madrugadas melancólicas e perceber que, no fundo, não há muito que a distancie de todos nós. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Karma, Lavander Haze e You’re On Your Own, Kid

Tim Bernardes – Mil Coisas Invisíveis

Tim Bernardes aspira à grandeza. Com simplicidade, domínio musical e simplesmente talento, Mil Coisas Invisíveis é um reflexo do que o cantor mostrou anos antes, na sua estreia com O Terno e com seu primeiro trabalho individual, Recomeçar (2017). Nesse projeto, a melancolia e o existencialismo são elementos fundamentais na composição, que olha para o passado em uma jornada filosófica – descrita em Fases e Meus 26. Contudo, não se engane: Mil Coisas Invisíveis é o melhor trabalho solo feito pelo artista.

Aos 31 anos, a visão musical de Tim Bernardes é extremamente sólida. O virtuosismo técnico – na execução das músicas no violão e guitarra – dão base para as suas preocupações atemporais e proféticas, entregues logo na faixa de abertura, Nascer, Viver, Morrer. Com uma aparente influência em Nick Drake, Beatles e Beach Boys, Bernardes conseguiu capturar em Mil Coisas Invisíveis uma tolice quase juvenil da vida, enxergando magia nela. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Fases; Nascer, Viver, Morrer; Meus 26

DPR IAN – Moodswings in To Order

Christian Yu, conhecido artisticamente como DPR IAN, iniciou sua carreira musical no grupo de K-Pop C-Clown em 2012, até o fim do grupo em 2015 Em seguida, o artista assumiu o papel de produtor e diretor criativo de sua própria empresa e gravadora, Dream Perfect Regime, a qual fundou ao lado de seus colegas DPR LIVE, CREAM e REM. Já tendo provado em seus trabalhos visuais a extensão de sua criatividade e a singularidade de sua visão artística, ele não deixou de impressionar quando deu partida em sua carreira solo, iniciando uma jornada espetacular repleta de produções marcantes, que tomaria proporções ainda maiores em 2022 com sua segunda obra de estúdio, Moodswings in To Order. 

MIITO, como o álbum é apelidado pelos fãs e pelo próprio artista, conta o passado de Mito, personagem construído por IAN, baseado em seus episódios maníacos de bipolaridade, tema constante em suas composições. O cantor eleva o nível da obra ao combinar 4 faixas e transformá-las em um curta. No processo, é utilizado todas as ferramentas a seu alcance para contar a história do personagem, da melhor forma possível, transmitindo para o espectador a paixão e genuinidade do trabalho. Christian Yu deixa o ouvinte de Moodswings in To Order comovido após encarar um álbum de forte vulnerabilidade, além de despertar curiosidade e antecipação pelos próximos passos de Mito. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Ballroom Extravaganza, Calico e Merry Go

Stromae – Multitude

Depressão, envelhecimento, masculinidade, colonialismo e violência de gênero são alguns dos temas que perpassam a discografia de Stromae, que podem passar despercebidos por ouvidos que não compreendem o francês de suas batidas eletrônicas, dançantes e contagiantes. Em seu novo projeto de estúdio, depois de nove anos de hiato, o cantor não apenas expande esses tópicos para uma infinidade de perspectivas, como também supera o típico EDM europeu de seus álbuns anteriores para resgatar suas raízes como imigrante e moldar uma Multitude de sons. Folk, funk carioca e afropop são algumas das inspirações que o cantor cita como formativas ao disco – sempre unidas a outros elementos inusitados, como corais búlgaros ou flautas chinesas.

O contido e o explosivo se convergem nas letras de Multitude, que unem com elegância humor e melodrama enquanto uma coleção de personagens antagônicos disputam território entre versos e faixas. Seja em um eu-lírico que enxerga no inferno uma alternativa mais plausível que a vida em L’enfer, ou na tentativa de um homem que trai sua esposa de relativizar sua infidelidade em Mon amour, Stromae coloca-se como agente de todas essas retóricas – não importa o quão contraditórias forem –, ao mesmo tempo que busca sua própria subjetividade no olho do furacão. Uma experiência desafiadora, mas que, em contrapartida, descobre nesta incitação o propósito de um artista singular por natureza. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: La solassitude, L’enfer, Pas vraiment

lalalaura – n sei usar excel

O primeiro EP de lalalaura, n sei usar excel, chegou aos ouvidos do público em Julho de 2022. Durante cinco faixas, a cantora reflete sobre os dramas presentes na vida de uma jovem adulta, como amor, inseguranças e relacionamentos. Com muitas referências espalhadas pelas músicas, como Alice no País das Maravilhas, Wonderwall do Oasis e muitas menções a John Mayer, o extended play é um mix de emoções, indo das mais gostosas e positivas, até as mais tristes e negativas.

A artista se expressa de uma forma em que outras pessoas conseguem se identificar com as canções. Em uma combinação de indie rock com pop rock, lalalaura se mostra como alguém que está tentando entender a vida, o cotidiano e as mudanças causadas pelo crescer. A musicalidade do EP possui guitarras, toques sonoros de WhatsApp, risadas e vocais melódicos, além de trazer letras bem-humoradas. Produzido pela Papaya Music, selo musical de Pe Lu, do Restart, em colaboração com Renato Frei, do Bloco do Caos, e com Fred Vieira, de SUBB, n sei usar excel é um mergulho no mundo jovem, formado pela Geração Z. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: alice (só que sem as maravilhas), vc n é o john mayer (rlx), voltas (áudio de whatsapp)

New Jeans – New Jeans

Vestindo a musicalidade dos anos 90, o novo grupo feminino da ADOR, empresa subsidiária pela HYBE, chegou para alterar o mercado sul-coreano, impactando todo o cenário musical com o seu EP homônimo, New Jeans. Minji, Haerin, Hyein, Hanni e Danielle, presentearam os fãs com o lançamento surpresa de Attention no dia 22 julho, uma canção acompanhada de melodia, dança e identidade visual original e impactante, na qual o k-pop estava necessitando. 

Como um respiro em meio a leva do mais do mesmo que a indústria sul-coreana tem sofrido desde 2020, New Jeans simboliza o começo de uma nova tendência. Além de Attention, o EP também integra os hits Hype Boy, Hurt e Cookie, fora os singles de Ditto e OMG. Em menos de um ano de estreia, New Jeans deixou sua marca no k-pop sendo uma das maiores referências de 2022, ganhando o prêmio de canção do ano por Attention no Golden Disk Awards e a estatueta de Artista Revelação no Seoul Music Awards. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Hype Boy, Attention, Hurt

Bruno Berle – No Reino dos Afetos

‘‘(…) é preciso ter amor / Ter amor e ser amor’’. O imperativo de delicadeza e simplicidade das composições de Bruno Berle constrói, para sua carreira solo, um trabalho de estréia único, onde suas imperfeições — ruídos e dissonâncias — são a marca maior de sua sensibilidade. Tropical, noturno, vasto e quente, No Reino dos Afetos mostra-se também como um novo mergulho sonoro de um artista que, em suas palavras, quer se afastar do violão para aproximar-se ao eletrônico e, nesse desprendimento, dedicar-se ao máximo à sua própria expressão. Mesmo que as cordas do instrumento sejam ainda uma personagem na faixa Até Meu Violão, Berle, um jovem alagoano no olho do furacão emocional da metrópole paulistana, procura os beats lo-fi, com o encontro inesperado do ritmo de bossa nova e da vivacidade do high life — gênero musical oriundo de Gana e da Nigéria —, para traduzir seus sentimentos, sempre a flor da pele. 

O gesto íntimo das canções são, para além de uma marca da produção independente do cantor, que atreveu-se nas mais variadas ferramentas para a arquitetura do seu sentir — do atabaque ao piano! —, está também em sua poesia, permeada por imagens de afeto. O amor, o diálogo como uma torrente, o assimilar e a perda da individualidade de duas pessoas, presas em seu próprio mundo; estas são construções que estão presentes em canções como Quero Dizer, a lufada máxima dessa liricidade única, quase parente das canções mais melancólicas de Frank Ocean, em Blonde.

Já Só Nós Dois, devota ao ato de se estar junto, carrega a luminosidade de um violão tropical e dos sons de uma cidade para estender essa raridade da paixão à vida cotidiana. O que Bruno Berle atinge, em No Reino dos Afetos, não são sentimentos bem definidos com palavras certeiras, mas sim, algo de maior beleza: uma gagueira que entende que certas coisas não podem ser ditas e que, às vezes, o balbucio e a vontade de querer dizer, já basta. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: Até Meu Violão, Quero Dizer, Só Nós Dois

Shygirl – Nymph

O tão aguardado e aclamado álbum de estreia de Shygirl, Nymph, foi desenvolvido com um grupo familiar de amigos e colaboradores, incluindo Mura Masa, Sega Bodega e Arca, junto com produtores como Danny L Harle e BloodPop. Recentemente, Shygirl anunciou edição deluxe do álbum, Nymph_o, que contém remixes das faixas originais feitas por um grupo de artistas multifacetados como Björk, Tinashe e Sevdaliza.

Nymph mostra a jornada e a autorreflexão interior de Shygirl, que simultaneamente afirma seu poder e liberdade enquanto anseia por amor, e nos traz uma jornada de fantasias e desejos sexuais, frustrações românticas, e intimidade de uma mulher que é procurada e negligenciada ao mesmo tempo: “Gostosa demais para lidar”. As melodias suaves e etéreas da artista se entrelaçam e fluem perfeitamente com os sons de hip hop, melodias de dança descontruídas, batidas eletrônicas obscuras, juntamente com aspectos do pop clássico Y2K. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Shlut, Coochie (a bedtime story) e Poison

Ludmilla – Numanice #2

Ninguém poderia prever que Ludmilla, vindo do funk e do pop, faria não apenas um, mas dois álbuns de pagode. Numanice #2 é um compilado de 10 músicas que trouxe este gênero musical para o mainstream com influências do R&B, mostrando a artisticidade e versatilidade da cantora. No entanto, este projeto brilha mesmo em sua versão ao vivo. Disponível nas plataformas com 17 faixas e com participações especiais de outros artistas, além de Brunna Gonçalves, esposa da compositora, no hit Maldivas, ao dizer o desejo de muitos e muitas fãs: “Me bate, Ludmilla!”.

Um dos pilares deste disco, que o torna tão memorável, é a sua autenticidade. Cantores tentam entrar em novos gêneros como uma alternativa de aumentar seu sucesso comercial, o que acaba resultando em trabalhos superficiais. Aqui, não é o caso. Ludmilla cresceu nas ruas do Rio de Janeiro e aos oito anos já cantava para a família inteira ouvir os pagodes do momento. Essa naturalidade, somada a qualidade de suas canetadas, foi o que levou à criação com maestria desta obra, que merecidamente levou o Grammy Latino 2022 de Melhor Álbum de Samba/Pagode. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Meu Homem é Seu Homem, Fora de Si e 212

Alaíde Costa – O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim 

Ao completar 86 anos, uma das vozes mais marcantes que surgiu com o movimento da bossa nova é apresentada a uma geração com um dos álbuns mais elegantes do ano, digno de sua interpretação. Contando com a produção de Emicida e Marcus Preto, O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim é uma história, um relato. Com letras escritas por nomes mais do que reconhecidos da música brasileira, cantando palavra por palavra em um ritmo espaçado e adornada por arranjos caprichados, misturando passado e presente. O novo projeto da compositora e cantora carioca é dotado de ritmo próprio, guardando em orquestrações sublimes que guiam o ouvinte a conhecer a história de vida de Alaíde Costa. 

Em sua beleza melancólica, a cantora ressignifica seus quase 70 anos de trabalho para a música brasileira, que por vezes estiveram à margem do público e não tiveram o reconhecimento merecido. Ao regravar “Aos Meus Pés”, composição de João Bosco e Francisco Bosco, Alaíde dita um novo tom, apropriando a canção em sua trajetória “O meu caminho eu mesma fiz / não foi ninguém que me apontou / eu me virei sozinha / comi o pão todinho / que o Diabo amassou”. A produção é de uma grandeza e delicadeza que reverenciam a cantora, demonstrando um resgate a uma referência da cultura negra de maneira respeitosa e admirável – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Turmalina Negra, Tristonho e Aos Meus Pés

Beach House – Once Twice Melody

Once Twice Melody  é o oitavo álbum da banda americana de dream-pop, Beach House. Com o mesmo vigor e psicodelia do seu álbum anterior, 7 , a vocalista Victoria Legrand mostra seu fôlego neste disco duplo, com 18 músicas e 1 hora e 24 minutos. Com músicas completamente alucinantes, que conseguem fazer qualquer um se sentir levemente embriagado no banco de carona enquanto vê as luzes de uma cidade, Once Twice Melody demonstra uma aproximação do rock.

Beach House tem cada vez mais assumido o papel de farol do dream-pop nas últimas duas décadas em que está em atividade. Entre os grandes trunfos do duo está a ótima química entre Legrand e o instrumentista e compositor Alex Scally, e o disco é a maior prova disso. Sucesso entre a crítica  especializada da música indie, a dupla de Baltimore alcança um público nichado porém espalhado pelo planeta, já que em 2022 eles estiveram em várias edições do Primavera Sound, incluindo o de São Paulo. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Once Twice Melody, Pink Funeral e Masquerade

Beyoncé – RENAISSANCE

Lançado como primeiro ato em uma trilogia, o tão aguardado novo projeto após o aclamado Lemonade (2016) chegou flertando com os fãs, a crítica e tendo uma das recepções mais calorosas possíveis. Com seu novo lançamento, Beyoncé se consagrou como a artista com mais indicações ao Grammy na história. Ao chegar nos 40 anos, tendo passado três décadas dentro da indústria da música, a cantora já havia feito praticamente de tudo: abrangeu diferentes gêneros musicais, falou sobre diferentes pautas e levou suas canções a bilhões de ouvintes. Em seu novo trabalho, ela proporciona um renascimento, se entregando a uma jornada para criar coisas distintas do que já havia feito e comprovando, mais uma vez, sua habilidade de levar até o mais simples a perfeição. 

Em REINASSANCE, a cantora escreve sobre quem ela é, reafirma sua identidade e representa, com orgulho, suas influências. Indo da dance music ao r&b, utilizando diversos samples de cantores que a precederam e criando, com a participação de muitas mãos (aqui vale um enfoque ao time de co-compositores e produtores que tornaram palpável o trabalho), experiências sonoras ligadas por uma maestral sequência, que leva o ouvinte, entre uma música e outra, ditando um ritmo marcante em sua hora de duração. Em seu novo projeto, Beyoncé comprova como é possível criar música pop com densidade que chega convidativa aos ouvidos de quem decide dar play. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: ALIEN SUPERSTAR, VIRGO’S GROOVE E AMERICAN HAS A PROBLEM

Áurea Martins – Senhora das Folhas

Senhora das Folhas é um álbum para se ouvir na íntegra. Coeso, o disco de Áurea Martins desenvolve, no conjunto da obra, uma experiência de imersão e introspecção digna de enaltecimento. Buscando, na sacralidade e nos afetos, os caminhos para conectar suas canções, o lançamento da veterana brasileira alcança uma maturidade artística admirável, firmada em um repertório que não se divide em músicas de maior ou menor relevância. Cada palavra importa e cada som tem seu porquê. Cada escolha leva à cura e cada trajeto traz uma sensibilidade sem fim.

Moldando-se nos detalhes mais sutis, Senhora das Folhas dificilmente brilharia em singles isolados, embora faixas como A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim assinalem um possível ápice do disco. A graciosidade de Áurea Martins, no entanto, está presente desde O Ramo/Incelença da Chuva, faixa que abre o álbum com os traços únicos da voz da artista – além da atmosfera sagrada que percorre delicadamente toda a obra. A verdade é que Senhora das Folhas é uma jornada que toca o coração de quem se entrega por inteiro. – Eduardo Rota Hilário                  

Faixas Favoritas: O Ramo/Incelença da Chuva, A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim

Bala Desejo – SIM SIM SIM

SIM SIM SIM, o debut do coletivo Bala Desejo, é uma experiência sonora de parte da América Latina e da brasilidade carnavalesca de sol e mar. Sim, é possível sentir o calor das ruas e uma briza fresca ao longo das quatorze faixas do disco que misturam, nas letras e nos ritmos, o belo casamento do português com o espanhol. Esse trabalho foi fruto da investida dos quatro integrantes do coletivo, Dora Morelenbaum, Julia Mestre, Lucas Nunes e Zé Ibarra, de produzirem durante seu isolamento da pandemia. As músicas expressam justamente o anseio pelo fim do confinamento: é sobre o primeiro carnaval pós pandêmico, é o proposto ‘Recarnaval’.

A complexidade oferecida nas composições recebem um toque performático, como em um trio elétrico, que ao longo do desfile vai revelando suas diversas atrações. Em Baile de Máscaras (Recarnaval) está a premissa de todo o álbum, em uma pegada à la Rita Lee, seguido por Lua Comanche que remete ao samba dos anos setenta. Na faixa Lambe Lambe está presente o desejo e o carnal, que é equilibrado pelo frescor e independência de Passarinha. Toda essa conexão e câmbio de informações instrumentais e referências do SIM SIM SIM, convergem em um álbum conciso, ainda que experimental. Essa proposta rendeu o prêmio de Melhor Álbum em Língua Portuguesa no Grammy Latino de 2022. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Baile de Máscaras (Recarnaval), Dourado Dourado, Passarinha

Fontaines D.C. – Skinty Fia

Em Abril de 2022, Fontaines D.C. lançou seu disco mais exigente e experimental desde a explosão inicial de Dogrel (2019). Terceiro álbum do quinteto, Skinty Fia é uma aposta arriscada, trazendo referências de Literatura e camadas complexas de guitarra, afinadas às letras vocalizadas por Grian Chatten. Temas como solidão, alienação e conexão humana real podem até passar pelo tracklist de 10 faixas, mas o verdadeiro conceito reside no “não pertencimento”. Isso porque Fontaines D.C. propõe uma narrativa da condição dos imigrantes irlandeses numa Inglaterra que pode não ser tão receptiva quanto parece.

As referências do disco perpassam James Joyce, John Williams e Vladimir Nabokov, cujos singles Roman Holiday e Jackie Down the Line são facilmente destacáveis. As referências ao Joy Division – principalmente pela postura vocal de Chatten, em contraste com Ian Curtis – e ao Gang Of Four não passam despercebidas, mas a junção desses elementos resulta em um projeto original dentro do post-punk. Mergulhado nas referências internas de Fontaines D.C. – como estranhos em uma terra desconhecida –, vislumbramos medos comuns ganharem forma artística (a morte, o tédio, o envelhecimento e a tristeza). Skinty Fia, na verdade, é um álbum corajoso e maduro, que demonstra a evolução meteórica de uma banda que nunca fez menos que um execelente trabalho. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Jackie Down the Line, Roman Holiday, Nabokov

SEVENTEEN – SECTOR 17

Em seu sétimo ano de carreira, o quarto álbum de estúdio do SEVENTEEN os consolida como gigantes do k-pop. O grupo, que em 2015 tinha apenas uma empresa à beira da falência e um sonho, mostra que o trabalho árduo ao longo dos anos, escrevendo e produzindo as próprias músicas, valeram a pena e resultaram em uma forte identidade musical. Em SECTOR 17 é evidente o amadurecimento dos treze integrantes, que levam seus ouvintes em uma jornada pelos altos e baixos da juventude através de sua discografia. 

O SEVENTEEN prova que ainda tem muito a oferecer, e que a química entre os integrantes é um dos ingredientes principais para seu sucesso e qualidade. Na faixa Circles, o membro Woozi, que também atua como produtor principal do grupo, entrega uma mensagem emotiva de união à seus colegas de grupo. A faixa _WORLD resgata as raízes do SEVENTEEN com seu tom alegre e leve, contrapondo a intensa HOT, a qual apresenta uma faceta inédita, e os entrega a chance de mostrar nos palcos que quem sabe faz ao vivo, não deixando dúvidas sobre sobre o lugar do SEVENTEEN na realeza do k-pop. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Circles, HOT, DON QUIXOTE

SZA – SOS

Após uma longa espera de 5 anos, devido a uma série de desentendimentos com a própria gravadora, SZA lançou seu segundo álbum de estúdio, SOS. O projeto foi um dos últimos lançamentos de 2022 e está dominando 2023. Seu tema principal já é revelado em seu nome e em sua capa, inspirada em uma fotografia da Princesa Diana no ano de sua morte. Este disco clama por ajuda em meio a solidão e melancolia, muito bem guiados pelo R&B da artista.

Esses temas não são novos na discografia de SZA. Em Ctrl, de 2017, a cantora já explorava os altos e, principalmente, os baixos de um relacionamento. Mas, em SOS, as composições são mais dramáticas e tudo é intensificado, ao passo que as emoções são exploradas com mais profundidade. Tudo isso pode ser percebido em uma música do álbum, Kill Bill, onde a compositora se sente tão sozinha que cogita cometer um crime: “Talvez eu mate meu ex/Mas, eu ainda o amo/Prefiro estar na cadeia do que sozinha”. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Snooze, Gone Girl e Nobody Gets Me

Arctic Monkeys – The Car

Em The Car fica claro que não há interesse em refazer o que já foi feito. No sétimo álbum de Arctic Monkeys é consolidada uma nova fase, sendo essa contida, lúdica e cinematográfica, ficando cada vez mais distante das memórias de uma banda de indie rock. A sonoridade presente no disco poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de espionagem, que acompanha um detetive na sua crise de meia idade. É apresentada uma grande potência sonora, mas dessa vez acompanha letras mais simples, de Alex Turner. Tudo isso espelha o novo momento que o vocalista vive, e apesar de não parecer se importar com a expectativa dos apegados ao A.M, reflete sobre a incapacidade de ser como um dia já foi, e assim  reconhece que isso não é algo ruim.

Na produção, os meninos de Sheffield transparecem seu crescimento e amadurecimento em arranjos orquestrados e vigorosos. Além dos riffs dos anos 60, há influências do jazz e do blues, que acertam no tom mais triste e melancólico. Do início com There’d Better Be A Mirror Ball, ao fim com Perfect Sense, o LP de dez faixas é perfeito para ser escutado quando restam poucas sombras nas ruas, logo depois que o bar fecha. Como cantando na faixa Big Ideas “De verdade, foi emocionante”, mas agora é hora de seguir em frente. Para muitos o álbum não atingiu as expectativas e portanto divide opiniões. Mas o que pode ter sido um pequeno passo para os fãs de R U Mine, acaba sendo um grande salto para aqueles que estão abertos às novas propostas da banda. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: There’d Better Be A Mirrorball, Body Paint, Perfect Sense

JID – The Forever Story

Depois de despontar no mainstream graças a colaboração com Imagine Dragons na música tema de Arcane, o terceiro álbum de estúdio do rapper JID finca seu nome na nova safra do gênero. Apadrinhado pela gravadora de J Cole e tendo nomes como James Blake, BADBADNOTGOOD e Kaytranada na produção, The Forever Story é um sucessor espiritual de The Never Story, estreia do artista em 2017. Funcionando como uma “parte dois” de seu debut, o álbum é uma análise da vida e amadurecimento de JID pela ótica do próprio intérprete.

Dono de um flow com uma cadência rítmica inconfundível – do qual o rapper alterou incríveis 148 vezes durante a produção – The Forever Story abusa de samples extremamente urbanos para relatar a infância em Atlanta e cria beats nada convencionais, mas ainda sim, extremamente acessíveis ao público. Com uma produção extremamente coesa e um storytelling invejável, JID discorre sobre família, negritude, a violência das metrópoles e a separação que a fama provoca entre o artista e a pessoa. Em um ano rico para o gênero, o rapper coloca para sempre o álbum como um dos melhores registros (senão, o melhor) do ano e do estilo. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Raydar, Surround Sound e Money

Tame Impala – The Slow Rush B-Sides & Remixes

A já reconhecida e estonteante psicodelia de Kevin Parker, mas em versões completamente novas, definitivamente um dos presentes de 2022. Se a versão original, The Slow Rush  nos fez delirar em um vórtex de batidas eletrônicas, como nas músicas Is It True e Borderline, suas versões em remixes de artistas como Blood Orange e Lil Yachty parecem vir de outra dimensão.

The Slow Rush B-Sides & Remixes   traz também novas faixas como No Choice e The Boat I Row que mostram que a banda australiana iniciada em 2007 continua inovando e provavelmente assim deve ser por muito tempo, pois a mente de Parker parece ser uma fonte inesgotável de músicas criativas e eletrizantes e o sucesso já lhe rendeu vários prêmios. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: The Boat I Row, No Choice e Is It True (Four Tet Remix)

Eric Nam – There and Back Again

Dono de uma voz que parece ter sido criada justamente para acompanhar o mais leve toque de cordas em um violão, Eric Nam finalmente encontra o seu som em There and Back Again, o segundo álbum de estúdio da carreira. Cantando de modo que as letras soam como se derramassem exuberantemente os sentimentos de um coração partido, o artista estadunidense de descendência sul-coreana vai e volta no tema sem soar repetitivo.

“E se isso for algo que eu nunca vou superar?/Conversando com meus amigos e todos dizendo: “Eu avisei” “. Brutal na mesma intensidade que permite as emoções transbordarem, o disco tem o sabor refrescante do drama misturado com a realidade nada racional, o colocando em destaque em uma indústria facilmente movida pela superficialidade. A caminho dos 10 anos de trajetória musical, Eric Nam lançou uma versão reimaginada de There and Back Again em 2023. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: I Don’t Know You Anymore, Lost On Me e What If

Charlotte Adigéry, Bolis Pupul – Topical Dancer

Que o performativo sempre pertenceu às pistas não é nenhuma novidade. Mas o mix social, teatral e cômico — vindo de um ímpeto nascido diretamente da proposta de artistas como Grace Jones e Prince — feito pela dupla Charlotte Adigéry e Bolis Pupul é algo definitivamente refrescante no cenário da música pop, que necessita, como nunca, de uma nova linguagem crítica. Envolto pelo gênero da música disco, Topical Dancer apunhala o ouvinte de estranheza. O sentimento prevalece nos graves e sintetizadores dançantes de canções como Esperanto ou Blenda, que ardilosamente mascaram, em uma primeira impressão, os comentários ácidos e irônicos da dupla acerca do racismo, xenofobia e misoginia vividos no cotidiano de qualquer minoria social frente o histórico de países como a Bélgica, que ainda recusam-se a olhar seu passado colonial com os devidos intuitos de reparação. 

Em por seu próprio universo sonoro de referências, do funk dos anos 80 à música eletrônica do ínicio do século, faixas como It Hit Me, que se inicia dando espaço a um relato quase diarístico acerca de um episódio de assédio sexual, são amostras do tom da crítica de Adigéry e Pupul, que nega um didatismo que apenas postula o que é correto ou errado. Para além do conteúdo de suas canções, as percussões produzidas pelo duo também reverberam no contexto diaspórico tão estruturante do trabalho, em seu resgate de um rock que beira a David Byrne mas na carcaça de sons da música haitiana. No humor de HAHA — em que a cantora alcança o máximo de sua experimentação e performance — mora a consciência social dançante em que Topical Dancer, a partir do poder de movimento dos corpos, finca suas mensagens para muito além da epiderme. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: It Hit Me, Making Sense Stop, HAHA

Megan Thee Stallion – Traumazine

Depois de tocar por todos os rodeios de Houston com o viral Savage e ser presenteada com a voz de Beyoncé para o remix, Megan Thee Stallion também ganhou o olhar cuidadoso da gravadora Roc Nation de Jay-Z. Em 2022, a rapper texana entrou na justiça contra a sua distribuidora original, a 1501 Certified Entertainment, para conseguir rescindir um contrato por obra injusto que a manteve refém até o lançamento do disco Traumazine. Infelizmente, Stallion precisou enfrentar o sofrimento de mais um tribunal, refletido nas composições vulneráveis e que impactou a sua trajetória artística e pessoal: o crime cometido por Tory Lanez.

Repleto de versos cortantes rimados com a ajuda de um flow único e nunca tão voraz, o segundo álbum de estúdio da ‘hottie’ traz a Arte do freestyle, a intensidade de letras inspiradas e ainda deixa espaço para um house dançante tomar conta. Segundo o seu perfil para o The Cut, Traumazine seria “a substância química liberada no cérebro quando ele é forçado a lidar com emoções dolorosas causadas por eventos e experiências traumáticas”. Fazendo jus ao conceito, Megan Thee Stallion vem com sangue nos olhos e sede de vingança em uma produção que põe fim aos traumas e a consolida como uma das principais vozes da Música atual. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Plan B, NDA e Her

Baco Exu do Blues – QVVJFA? 

Quantas vezes você já foi amado? Essa é a pergunta que guia o terceiro álbum de estúdio de Baco Exu do Blues. Nesse projeto, o cantor  nos revela suas inseguranças e fracassos por meio de versos tão poéticos que nos fazem voar. Abrindo alas para abordar questões como objetificação do corpo negro, gordofobia, autoaceitação e a solidão do jovem preto, o rapper nos conquista pela coragem de mostrar-se tão frágil. Entre exaltar sua religiosidade e discutir como recebemos e damos afeto, mergulhamos no íntimo do cantor para não querer voltar. 

Formado por 12 faixas que trazem feats de peso como Gal Costa, Gloria Groove e Muse Maya, QVVFJA? consegue encontrar um equilíbrio entre o seu lado sexual explorado em Não tem Bacanal na Quarentena para músicas que mesclam, junto com lado erótico do álbum anterior, amor, medos e dúvidas. Com beats suaves, românticos e carregados no R&B, Baco retorna para o cenário brasileiro apostando em uma fórmula um pouco diferente, mas que, ainda sim, consegue prender nossa atenção. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: 20 ligações, Samba In Paris, Mulheres Grandes e Lágrimas

Karol Conká – Urucum

Karol Conká sempre foi conhecida por suas parcerias de peso com grandes produtores. Entre Nave, Tropkillaz e Boss in Drama, essas colaborações fazem da discografia da rapper um verdadeiro arco-íris sonoro, que sempre carrega, independente de qualquer distinção, sua essência artística. Sendo assim, para Urucum, RDD assina a produção executiva. Cabeça criativa do coletivo ÀTTØØXXÁ, Rafa Dias une seus poderosos graves aos sons típicos de Salvador para fazer desse um dos projetos mais musicalmente diversos e interessantes da cantora curitibana. Um resultado espetacular para um disco que nasce em um contexto extremamente delicado.

Após um BBB 21 com rejeição histórica, Conká usa Urucum como ambiente de terapia e reflexão. O seu penteado alucinante da capa, em referência à lenda da Medusa, petrifica a ela mesma, aludindo que o narcisismo que feriu aqueles ao seu redor – em plena rede nacional – também a consome por dentro. Desse modo, a rapper olha para dentro para que, assim, entregue seu próprio diagnóstico do mundo. Afinal, do que Karol Conká é culpada? Se fosse outra pessoa, com vivências opostas à sua, tomando as mesmas atitudes, ela sofreria o mesmo linchamento virtual? É a partir destes questionamentos que Karol brinca com a contraste e reencontra seu icônico deboche em um movimento deliberadamente televisionado de autocura. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Fuzuê, Cê Não Pode, Vejo o bem

 Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Vencedor do Melhor Álbum de Música Urbana no Grammy Latino, topo nas paradas da Billboard por mais de dez semanas consecutivas e somando mais de oito bilhões de reproduções no Spotify, não seria exagero dizer que Bad Bunny fez história ao lançar seu novo projeto. Utilizando do reggaeton, que tem suas raízes na música caribenha – lugar de onde o cantor veio, e distinguindo o álbum em parte A (alegre e solar) e B (tranquila e reflexiva), o cantor separa ao ouvinte o melhor de sua produção musical. Levando sua cultura e influências a um nível global, com participações de conterrâneos em suas canções, Bad Bunny entrega um trabalho completo. 

Em seu quarto e mais recente trabalho, Un Veterano Sin Ti, o cantor trabalha temas de maior vulnerabilidade, falando sobre sentimentos e a relação entre dor e entrega. Se a proposta de cantar e trabalhar temas como saudade e o encontro de um novo amor desde seu álbum de lançamento, X 100pre (2018), nesse álbum elas estão ainda mais escancaradas e ainda melhores trabalhadas. O ouro está ali, disponível aos que se propõe a adentrar essa jornada – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Tarot, Otro Atardecer e Ojitos Lindos

Arcade Fire – WE

O Arcade Fire que nós queríamos e precisávamos está de volta. Com referência clara a obra distópica de mesmo nome do escritor russo Yevgeny Zamyatin, o sexto álbum de estúdio do grupo canadense retorna as origens da banda. Cinco anos após o divisivo Everything Now, WE é a amarração dos diferentes Arcade Fire que surgiram nesses quase 20 anos de estrada. O disco também marcou a saída de Will Butler (irmão do frontman Win) da banda.

Dessa vez, a crítica do álbum cai sobre uma sociedade totalmente exposta e incerta. Dentre suas faixas com várias partes, a obra é dividida em duas metades: I e We. A primeira trata de ansiedade, medo, distanciamento e solidão. O contexto fica ainda mais evidente ao perceber que o álbum foi maturado durante a pandemia de covid-19, o que faz com que faixas como Age of Anxiety I batam mais forte. Já a segunda metade, fala do desejo de união tratando-o como distópico, como pode ser percebido em Unconditional II (Race and Religion), que, repetindo uma característica do Arcade Fire de trazer grandes nomes para sua produção, conta com a participação do lendário Peter Gabriel.

A banda une o indie rock com o synthpop como ninguém, fazendo da produção uma experiência catártica que é consciente ao guiar as emoções dos ouvintes através de suas faixas. Por essa razão, o disco nos lembra e lembra o próprio grupo o potencial que eles têm como coletivo e banda de arena, sendo extremamente performáticos, experimentais e sensoriais, da mesma forma que os garantiu sucesso. Por isso, WE nos traz de volta o Arcade Fire que não tem medo de ser Arcade Fire. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Age of Anxiety I, Age of Anxiety II (Rabbit Hole) e Unconditional II (Race and Religion)

Red Hot Chili Peppers – Unlimited Love

Mais de uma década depois, o guitarrista John Frusciante retorna às origens californianas e quebra o silêncio de seis anos na fábrica dos Chili Peppers. O calouro Unlimited Love conquistou o primeiro lugar na Billboard 200 e atingiu a segunda estreia no topo desde o aclamado Stadium Arcadium (2006). O sucesso foi responsável por reacender o funk martelante de sua dinâmica original e alcançar o maior desejo dos fãs: trazer de volta o que faltava.

O disco é uma experiência gratificante, responsável por deixar aquele gostinho de quero mais A volta de Frusciante fez com que o quinteto californiano reencontrasse o dinamismo que supera o de bandas com metade de sua idade. Os Chili Peppers fazem as pazes com o passado e redescobrem sua química sonora de maneira intensa. A nostalgia do amor cura toda a saudade e acolhe com imensa familiaridade o som Ilimitado que apenas os californianos sabem produzir. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: She’s a Lover, Black Summer e Here Ever After

Wet Leg – Wet Leg

O (indie) rock não morreu! Em um gênero de dominação masculina, principalmente de sua vertente britânica, é da estreia do duo feminino que ecoa a revitalização do estilo. Naturais da Ilha de Wright, pequeno reduto da contracultura inglesa no século passado, Rhian Tisdale e Hester Chambers confirmam toda a expectativa depositada pela indústria quando Chaise Longue, primeiro single do projeto, despontou ainda em 2021. Não à toa, Wet Leg logo caiu nas graças da crítica e, replicando os expoentes do indie no início do século XXI, vem conquistando o público através do boca a boca.

Fusionando o que de melhor foi criado na cultura fonográfica britânica, o autointitulado Wet Leg cria contrastes interessantíssimos, resultando nas enérgicas e cativantes Chaise Longue, Too Late Now e Wet Dream; que dividem espaço perfeitamente com passagens mais íntimas como Loving You e Piece of Shit. Por mais rico que pareça, o ouro do álbum é justamente não estar preocupado com essa imagem. 

A postura despreocupada do grupo ganha forma em um produto que apresenta ótimas letras ironicamente irreverentes e recheadas de originalidade. Mesmo dentro da fórmula guitarra, baixo e bateria do garage rock, ele consegue passear e experimentar dentro dessa vertente. O resultado é um registro de um duo que não quer rebuscar conceitos ou ousar em questão de complexidade, mas somente fazer Música pela Música. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Wet Dream, Chaise Longue e Oh No

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Raquel Freire

Há um ditado popular que diz que mais vale um pássaro na mão do que dois voando, o que, em outras palavras, quer dizer que a garantia é melhor do que a expectativa. Até que ponto isso é real? Qual é o preço a ser pago por escolher contar com aquilo que já se tem e abrir mão da possibilidade do que se pode vir a ter? O futuro é incerto, claro, mas qual é o sentido da vida quando nos conformamos com a nossa realidade? Essas são questões que vivem no subconsciente de Tom Burgess (Harry Styles, em sua versão mais nova, e Linus Roache, na mais velha) em My Policeman, nova obra dirigida por Michael Grandage.

O melodrama, baseado no romance homônimo de Bethan Roberts, cuja narrativa se inspirou no triângulo amoroso vivido pelo romancista E.M. Foster, conta a história de uma professora, um curador de museu e o homem que ambos amam. Ambientado na cidade de Brighton em uma época em que a homossexualidade era considerada um crime, o roteiro de Ron Nyswaner não falha ao retratar o turbilhão de sentimentos que esses personagens carregam – esses que são frustrados no amor, censurados por lei e por suas próprias repressões emocionais, que os impossibilitam de pedir em voz alta o que realmente querem em seus relacionamentos.

O enredo de My Policeman tem como base a perspectiva de apenas dois dos três personagens principais, além de ser contado em duas épocas distintas: os finais das décadas de 50 e 90. O primeiro ato do filme é apresentado através do ponto de vista de Marion, uma professora aposentada interpretada por Gina McKeen. Através de suas lembranças, vemos como seu eu mais jovem (interpretado por Emma Corrin) conheceu e se apaixonou por seu marido, Tom (Linus Roache), um ex-policial vivido por Harry Styles na juventude. Essas memórias também dão a entender que a amizade do casal com Patrick, um curador de museu interpretado por Rupert Everett na velhice e David Dawson na juventude, é totalmente inocente.

No entanto, após a Marion de McKeen acolher o Patrick de Everett em sua casa, já com uma idade avançada, ela começa a secretamente ler alguns dos diários escritos por ele nos anos 50. Quando a personagem o faz, o filme muda o ponto de vista para aquele de Dawson e revela o relacionamento mantido em segredo que ele teve com Tom durante muitos anos. A partir daí, as múltiplas perspectivas de My Policeman começam a se misturar, revelando lenta e seguramente como a amizade entre os três acabou sendo destruída.

A inteligente estrutura do roteiro permite que a história se torne gradualmente mais estratificada e complexa ao longo de seus 113 minutos de duração. Essa cronologia nos leva ao passado e ao presente dos personagens, do início ao fim, sem revelar o que tem de mais importante no meio até que estes detalhes apareçam. O longa até mesmo mina uma surpreendente quantidade de tensão e intriga ao revelar as memórias de Marion sobre a relação de seu marido com Patrick, na maneira e no ritmo como é feita. Dessa forma, a narrativa previsível – fadada ao insucesso do casal gay devido aos regimes sociais da época – não passa a ser maçante de se acompanhar.

Isso também ocorre graças à ambientação caprichosa da obra. Desde a trilha sonora temporalmente marcante até as vestimentas de época, a homofobia e o sentimento de alerta que ela nos causa durante toda a trama destina nossa mente aos anos 50, de forma tão intensa que é capaz de gerar angústia e medo, ainda que estejamos são e salvos no conforto de nossas casas. O filme caminha a passos lentos e pequenos, nos apresentando aos personagens e às situações incômodas cuidadosamente, demorando a revelar a relação que uma pessoa tem com a outra.

A transição entre o elenco mais velho e o mais jovem convence e, nesse sentido, é possível afirmar que ambas as versões de Marion, Tom e Patrick foram muito bem alinhadas entre os atores fora das telas. O núcleo maduro de My Policeman entrega performances ao nível similar de intensidade, sem sobressair ou ceder grande parte dos holofotes aos atores mais jovens. Por outro lado, o mesmo não acontece entre Corrin, Dawson e Styles. Tom Burgess é um personagem muito complexo e com muitas camadas para ser interpretado por um ator pouco experiente, ainda mais quando esse atua ao lado de profissionais com mais estrada do que ele. Independentemente disso, não é exagero afirmar que o vencedor do Grammy apresenta melhores condições do que em seu último trabalho, mostrando uma conexão genuína com o seu personagem pela primeira vez desde o início de sua carreira como ator, no longa Dunkirk (2017).

Como citado por Styles durante a coletiva de imprensa do filme no Festival Internacional de Cinema de Toronto, My Policeman é sobre tempo perdido e sobre pensar no que poderia ter sido quando já é tarde demais. Nenhum personagem da história conseguiu ter o que queria e todos eles passaram uma vida tentando lidar com o arrependimento e com a culpa, sentimentos que são frutos de seus corações partidos. Às vezes, um pássaro na mão pode realmente valer mais do que dois voando, mas não podemos esquecer que nenhum pássaro sobrevive por muito tempo em um lugar que não lhe pertence. No fim, essa é uma obra sobre mãos vazias e pássaros que, contra vontade, voam em direções opostas para não deixarem de ser.

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Amábile Zioli

O The X-Factor UK  de 2011 foi o fator determinante na caminhada de Harry Styles, Liam Payne, Louis Tomlinson, Niall Horan e Zayn Malik. Se os cinco jovens tinham pretensões de seguir carreira solo no mundo da música, Simon Cowell foi o responsável por não deixar isso acontecer, pelo menos não naquele momento. Assim nasce a One Direction, que, meses após conquistar o pódio em terceiro lugar, estreou no mercado cultural com Up All Night.

Quase um ano depois, a boyband britânica estava prestes a descobrir se seu sucesso expoente perduraria ou se cairiam no esquecimento no ano seguinte: será que ainda poderia contar com a legião de fãs que os acompanhou desde sua formação? É sob essa pressão que o quinteto lança Take Me Home, seu segundo álbum de estúdio, em 9 de novembro de 2012.

É certo que até o último disco de sua carreira juntos, a One Direction preferiu não se arriscar no que diz respeito aos refrões chicletes e ritmos dançantes adorados pelas rádios, e é isso que acontece no segundo lançamento da banda. Inicialmente, o disco contava com 13 faixas, se tornando 20 na versão Expanded. Com influências de Should I Stay or Should I Go, do The Clash, a música de abertura é Live While We´re Young e parece que o fato de ser a primeira foi proposital. A faixa lembra o pop genérico, animado e dançante explorado no trabalho anterior – e não é à toa que foi um grande sucesso, ganhando videoclipe e tocando nos intervalos da Nickelodeon durante anos após sua estreia.

Por mais que tenha semelhanças, são vários os pontos que devem receber destaque em relação ao seu antecessor. A evolução é notável e os samples são os diferenciais de Take me Home: além da inspiração em The Clash, a banda também buscou ritmo em We Will Rock You, clássico do Queen, na produção de Rock Me. O pop-rock fica bem marcado no álbum; faixas como Kiss You e C’mon, C’mon destacam a vontade dos jovens de se desvincularem da imagem de boyband pop cultivada ao longo de sua formação.

Os cinco, porém, não ficam presos em apenas uma melodia e passeiam por diversos ritmos ao longo do disco. Little Things é um dos destaques e conta com uma melodia calma e harmônica, guiada apenas pelos acordes de um violão. A letra parece um flashback do lead single de Up All Night, What Makes You Beautiful, evidenciando mais uma vez as inseguranças da pessoa amada como tentativa, talvez falha, de exaltá-la. 

A faixa tem mais uma particularidade: Ed Sheeran quem a compôs- e o cantor só poderia ter deixado a canção mais com a sua cara se ele mesmo a cantasse. Katy Perry e Tom Fletcher também compartilharam suas experiências musicais com o grupo. A cantora norte-americana co-produziu o hit Rock Me e o vocalista do Mcfly compôs I Would, deixando a produção dos garotos britânicos repleta de colaborações.

A produção parece prezar pela temporalidade do disco, não dando importância para a longevidade das faixas produzidas. Last First Kiss e Heart Attack são dois grandes exemplos – ambos soam tão 2012 que alguém que não faz parte do fandom não passaria a conhecer as músicas na atualidade. O resultado final é um álbum datado, já que a musicalidade não atrai tanto quanto na época de seu lançamento, fazendo com que o produto não tenha a relevância que as próximas obras da banda ainda carregam em 2022. 

Take Me Home não dificulta para seus sucessores. É um disco fácil de superar, principalmente quando as composições autorais se tornam mais frequentes e os garotos passam a firmar seus lugares na indústria. É isso que acontece nas produções seguintes: a banda começa a ganhar personalidade e ser levada a sério, finalmente se desprendendo da imagem superficial e rasa atribuída aos cinco, e Midnight Memories exemplifica isso muito bem. No terceiro álbum de estúdio, Tomlinson se destaca como compositor principal, escrevendo 12 das 18 faixas produzidas e trazendo a maturidade e unicidade que faltava para o grupo.

Os sentimentos predominantes ao ouvir os primórdios da banda são a saudade e a nostalgia. Após a pausa, em 2016, os atuais quatro integrantes seguiram carreira solo e tomaram rumos diferentes. Em 2017, Styles estreou em seu álbum homônimo com um rock que já deveria estar preso em sua garganta há muito tempo. Louis e Liam surfaram por vários gêneros musicais até se encontrarem na indústria musical, enquanto Niall parece que sempre soube que o que funcionaria para ele seria uma fusão de pop e country, acompanhado de seu inseparável violão. Zayn, o primeiro a deixar o grupo, em 2015, estreia em carreira solo apenas um ano depois, com Mind of Mine, mostrando seu amadurecimento desde os tempos de One Direction.

Em geral, Take Me Home cumpriu seus objetivos: manteve a banda nos charts e conservou a legião de seguidores conquistados no CD anterior. Apesar de não se arriscar e repetir muito do que já vimos em Up All Night, o grupo mostrou sua evolução do primeiro para o segundo trabalho, trazendo letras mais profundas e ousando nas notas agudas. A produção não revolucionou o cenário musical da época, mas foi o suficiente para manter a One Direction no topo.

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Ana Laura Ferreira

Para além de roteiro, atuação, direção e produção, parte importante do que faz um filme ser ou não um sucesso quando entra em cartaz é o seu marketing. Mas o que acontece quando aqueles que encabeçam a obra estão tão preocupados com sua imagem na mídia que o longa fica em segundo plano? A resposta para isso pode ser facilmente vista e destrinchada com o desenvolvimento de Não Se Preocupe, Querida, dirigido por Olivia Wilde e protagonizado por Florence Pugh, que tem seus pontos positivos contados nos dedos de uma mão.

O filme traz a história de Alice e Jack, interpretados por Florence e Harry Styles, um casal modelo que vive o melhor de sua relação. Alice é a típica dona de casa dos anos cinquenta: lava, passa e cozinha enquanto o marido sai para trabalhar no Projeto Vitória, do qual ela pouco sabe. Entretanto, as coisas começam a fugir do controle ao que Margareth, personagens de Kiki Layne, desperta questionamentos naquela comunidade exemplar. E é entre segredos escondidos debaixo dos panos que a narrativa se desenrola.

Citando diretamente Taylor Swift: “eu acho que já vi esse filme, e não gostei do final”. Apesar de ter um roteiro com grande potencial, é na mesmice que o longa apoia seu desenvolvimento, confortável com a previsibilidade de seus acontecimentos para promover rostos que não são tão importantes para o enredo. Após a cabine de imprensa do Festival de Veneza de 2022, no qual a obra teve sua primeira exibição, as críticas se mantiveram medianas. Inclusive, podendo ser resumidas na resenha do jornal The Guardian, que descreveu Don’t Worry Darling, título original, como “um filme abandonado em um deserto de falta de originalidade – e o deserto não floresce.”

Entretanto, há uma unanimidade entre a crítica especializada e o público, e ela é Florence Pugh. Uma das atrizes mais promissoras de sua geração, Pugh é capaz de fazer milagres com quase nada, em sua atuação digna de Oscar. Mesmo com diálogos fracos, um desenvolvimento maçante e pouco espaço para que os personagens criem personalidades próprias, Florence faz de Alice um farol em meio ao mar de falta de criatividade, prendendo nossa atenção por todo o longa. É fato dizer que sem ela não existiria filme, já que poucos atores e atrizes teriam talento e desenvoltura suficientes para carregar uma narrativa desse tipo nas costas – e ainda como se não fizessem esforço.

Em um contraste maior do que os fãs do cantor esperavam encontrar, está Harry Styles, intérprete do antagonista do longa – mas que poderia ser facilmente esquecido depois de 20 minutos de duração. A atuação de Styles não é horrível, muito menos maravilhosa: se mantém na média para o contexto do ator iniciante, um expert no ramo da música. O que mais prejudica nossa conexão com Jack é a falta de modulação vocal e facial para dar intensidade às cenas: ele parece manter sempre a mesma reação, tornando-o esquecível em meio ao enredo. Se no fim Jack não fosse tão crucial para o desfecho da história, as críticas sobre ele também não seriam tão pesadas. Porém, é importante destacar que um trabalho de direção mais intenso por parte de Wilde poderia ter prevenido e melhorado boa parte das cenas de Styles, como aconteceu em Dunkirk (2017), sob os comandos de Christopher Nolan.

Não Se Preocupe, Querida ainda conta com diversos nomes de peso em seu elenco, como Gemma Chan e Chris Pine, os quais são pouco utilizados ou aprofundados. Esse chega a ser um argumento redundante quando todos os problemas do filme se resumem em uma falta de aprofundamento. O roteiro não é explorado o suficiente, os personagens não são bem construídos, o plot twist é previsível e pouco inovador porque não se desenvolve, e assim caímos em um ciclo tedioso por mais de duas horas.

Contudo, o que torna Don’t Worry Darling ruim não é sua superficialidade, já que muitos filmes – como comédias românticas clichês – conseguem se manter divertidos e nos entreter mesmo com essas características, mas sim a frustração causada por ele. Construído em uma cadência que nunca chega ao seu ápice, nos vemos durante todo o longa a espera de um grande acontecimento, que fica apenas para os últimos 15 minutos e, ainda assim, não supre as necessidades que a própria obra cria no telespectador. Também é frustrante ver papéis como o de Margareth – que vale constar, é a única personagem negra com importância narrativa – ser morta logo no primeiro ato e esquecida pelo resto da trama, quando tinha tanto a oferecer.

Kiki Layne, a atriz por trás da figura, chegou a se pronunciar em seu Instagram sobre como boa parte de suas cenas foram cortadas para a exibição final. Layne tinha mais a nos mostrar, assim como a Shelly de Gemma Chan, que passa o longa inteiro escondida por uma falta de destaque narrativo, quando na verdade tinha em suas mãos o poder de dar a Não Se Preocupe, Querida o refresco de originalidade que tanto precisávamos. A frustração apenas se completa quando vemos personagens sem importância alguma para o enredo, como Bunny (interpretada pela própria diretora, Olivia Wilde), ganharem tantos momentos tediosos, roubando o lugar dos verdadeiros protagonistas.

A enrolação de mais de uma hora e meia, com a justificativa de um suposto desenvolvimento que roda e roda sem sair do lugar, acaba causando ao filme mais um problema. Pontas soltas não são necessariamente algo ruim, e produções como Midsommar (2019) são a prova disso. É realmente divertido sair do cinema teorizando e revisitando uma obra várias vezes em nossa memória para encontrar uma solução. Entretanto, produções bem construídas entregam as perguntas e também os caminhos para chegarmos às conclusões nós mesmos. Já Don’t Worry Darling apenas abre vários questionamentos e encerra sem nenhuma resposta, adicionando mais um desapontamento à lista.

Para além do que podemos ver em tela, um dos grandes responsáveis pelo desfecho do filme foram as fofocas de bastidores, que ganharam mais destaque que a própria narrativa. Depois de mudanças na interpretação do personagem Jack – em um primeiro momento, cotado para ser vivido por Shia LaBeouf – e um vai e vem de informações cruzadas, Não Se Preocupe, Querida furou a bolha do nicho de thrillers ao gerar imensa curiosidade sobre como seria o desenvolvimento em cena dos ânimos exaltados fora dela. As expectativas não foram atingidas, fazendo dos burburinhos apenas mais um ponto negativo.

E é exatamente aproveitando-se deles que o filme é vendido. A exemplo prático, desde o início da promoção do longa, Wilde fez questão de reafirmar que estaria trazendo, segundo ela, a mística feminina de maneira revolucionária. Porém, o que vemos é a mística das “Karen’s“, já que a obra não vai além da visão de mundo da mulher branca de classe média alta, sem se preocupar com questões sociais enquanto vive em sua bolha de privilégios. As problemáticas crescem a partir daí, construindo uma narrativa que finge ligar para pontos como o feminismo, quando, na verdade, apenas justifica atos machistas.

(SPOILER!) Porém, dentre os diversos problemas, o mais preocupante deles é como Wilde vendeu a obra sob uma perspectiva de mostrar o ‘prazer feminino’ como ninguém jamais havia feito, para no fim descobrirmos que tudo se tratava de cenas de estupro. Enquanto Alice se encontra em um coma induzido e fantasia com o que acha ser a realidade, o longa confunde prazer sexual com conexão afetiva, e insere duas cenas desnecessárias e sem nenhuma função narrativa, apenas para usá-las posteriormente como um mal intencionado click bait. Florence, que se pronunciou poucas vezes sobre a obra, teve a preocupação de deixar claro que o filme é muito mais que suas passagens de sexo. Assim, reduzi-lo a elas chega a ser uma ofensa a todos que trabalharam na produção.

Para além da atuação de Pugh, não seria justo deixar de destacar o primoroso trabalho do design de produção de Katie Byron em Não Se Preocupe, Querida, bem como a fotografia de Matthew Libatique. Visualmente, o filme é lindo, e suas cores naturais intensas, como o sol do deserto, em contraste com a paleta mais clara adotada para elementos como roupas e casas, criam uma harmonia confortável de ser assistida. A trilha sonora de John Powell também é essencial para nos manter minimamente conectados com a obra e tensos nos momentos em que o roteiro não consegue fazê-lo sozinho.

Don’t Worry Darling é decepcionante. Sua previsibilidade e falta de originalidade poderiam passar despercebidas e fazer dele mais um longa em meio à multidão se não fosse por sua arrogância desmedida. Ele se vende como algo revolucionário e entrega mais do mesmo, enquanto pensa se igualar a grandes produções recentes do gênero, como o Corra! de Jordan Peele. É realmente triste acompanhar o desperdício do que poderia ser excelente, mas se rendeu aos caprichos de seus cinco minutos de fama ao invés de almejar um lugar na posteridade.

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Gabrielli Natividade da Silva 

Não é segredo que Harry Styles sabe fazer uma boa Música. Já tendo acumulado mais de cinco anos de carreira solo e alguns grandes prêmios (incluindo um Grammy), o cantor lançou, no dia 20 de maio, seu novo álbum, Harry’s House, formando sua santíssima trindade perfeita. Se Harry Styles narra um amor trágico e Fine Line é um equilíbrio entre quedas e acertos, o caçula é revigorante como a trilha sonora de um clássico filme romântico. São treze novas faixas muito empolgantes e aconchegantes que refletem otimamente que o britânico está em sua melhor fase, cada vez mais seguro de si, de sua vida e, claro, de sua Música. 

A ideia de casa e conforto foi muito bem pensada, apesar de reciclar uma estratégia de marketing do álbum lançado em 2019. Muitos fãs provavelmente se recordam do “surto” para desvendar os mistérios de Eroda. Para promover o clipe de Adore You, Harry escolheu vender a ilha fictícia como um verdadeiro destino turístico, sem revelar que estava por trás de toda a obra. O mesmo foi feito com Harry’s House: meses antes do anúncio do disco, foram criadas contas no Twitter e no Instagram para a suposta loja de decoração You Are Home – houve até anúncios em jornais locais. Tudo começou a ficar suspeito quando a marca passou a postar nada mais que frases no Twitter e imagens atrás de uma porta semiaberta no Instagram. Se confirmaram as teorias de que o terceiro álbum realmente estava vindo quando Styles seguiu todos os perfis nas redes sociais. 

Em entrevista para Zane Lowe, Harry comentou sobre a proposta geral para o álbum: “É sobre um dia na minha casa, pelo que eu passo. Um dia na minha mente. Na minha casa eu estou tocando músicas divertidas, músicas tristes, alegria, dor, um dia na minha vida”. De fato, o disco faz com que o ouvinte se sinta próximo e íntimo do cantor, como se estivesse acompanhando-o a um passeio com muita conversa. Não haveria título melhor para refletir essa ideia e, apesar de haver especulação sobre a sua origem ter relação com a música Harry’s House/Centerpiece, de Joni Mitchell, Harry disse, na mesma entrevista, que é uma referência ao cantor japonês Hosono, que lançou o álbum Hosono House. De qualquer forma, ambos os projetos foram lançados na década de 1970 e conversam bem com o estilo de acordes suaves e instrumentos de sopro utilizados por Harry.  

A tracklist, como um todo, é muito intrínseca e vulnerável. Grande parte das músicas dialoga entre si, demonstrando diversos ângulos de um grande amor que pode andar em círculos, até que os envolvidos tenham força para se adaptar às mudanças e aos desafios. Todavia, Matilda carrega uma fragilidade incomparável. A faixa é delicada ao máximo, sendo um conselho direto do próprio Harry para todos que cresceram sem receber o amor que deveriam e sentem a culpa por isso, incentivando a autocompaixão e a libertação de relações tóxicas. “Eu acho que as pessoas sentem muita culpa por coisas que elas não necessariamente deveriam sentir. É seu direito proteger o espaço ao seu redor e ser protetor consigo mesmo e cuidar de você mesmo”, declarou Styles para a NPR.

Para falar sobre as prováveis inspirações para o novo trabalho do britânico, é necessário apontar que Styles é muito influenciado por grandes artistas dos anos 1970 e 1980, como Queen, Fleetwood Mac e Mick Jagger. Esses exemplos sempre estiveram presentes nas músicas do ex-One Direction – especialmente em seu primeiro álbum, quando Harry ainda estava buscando seu próprio estilo e espaço – e não foi diferente com a leva mais recente. A referência oitentista ligada ao jazz, às baladas e ao rock clássico, misturados ao pop, funcionaram muito bem, apesar de não ser uma ideia totalmente inédita. Dua Lipa e The Weeknd, por exemplo, alcançaram o topo das paradas, em 2020, com essa mesma tática, e o mesmo é esperado para o britânico com Harry’s House. 

Daydreaming é outro exemplo da mistura entre o contemporâneo e as influências do final do século passado. A faixa é consolidada como uma das mais divertidas do álbum e isso pode ser explicado por ter feito uso do sample de Ain’t We Funkin’ Now, de autoria do The Brothers Johnson. Com a bateria, o baixo e o trompete bem característicos, a música de 1978 tem tudo o que é necessário para a de 2022 funcionar – Quincy Jones, produtor musical da dupla, elogiou Styles e agradeceu pelos créditos. Trazer esse estilo para as outras músicas ficou por conta de Harry e seu time, o cantor escolheu trabalhar novamente com Kid Harpoon e Tyler Johnson, além de seu guitarrista Mitch Rowland. O trio participou, junto ao cantor, no processo de criação dos dois álbuns lançados anteriormente e, novamente, fizeram um ótimo trabalho.   

Passando para a ordem das faixas, Harry expôs para a iHeart sobre os desafios para encontrar a sequência perfeita. “Sequenciamento é, provavelmente, a parte que eu acho mais estressante, porque está essencialmente finalizado e você só tem que ouvir de várias formas diferentes”. Bom, todo o esforço compensou, pois o álbum passa uma energia decrescente que é muito interessante de se ouvir, começando com a animação dos trompetes de Music For a Sushi Restaurant, até chegar nas batidas calmas de de Love Of My Life. Contudo, não dá para negar que o cantor está em sua era invertida, isso é visto na própria capa do álbum, no início de Boyfriends e até mesmo no vídeo promocional divulgado quase um mês antes do lançamento, que contém o áudio invertido da última música do disco. Levando tudo isso em conta, é possível concluir que, talvez, a sequência “correta” de Harry’s House também é invertida, mesmo fazendo sentido dos dois modos, sendo uma genialidade impressionante, como de costume para Styles.

“To boyfriends everywhere…fuck you!”, assim foi anunciada a 12ª faixa do álbum em pleno Coachella. Faltando pouquíssimos dias para o lançamento do álbum, Harry estreou Boyfriends em um dos maiores festivais de Música do mundo (diga-se de passagem, todo o seu show foi uma apresentação de ouro). A faixa, apesar de subestimada por muitos, é, provavelmente, uma das mais sinceras de todo o disco, seguindo o tempo todo um ritmo acústico e com enfoque total na voz do britânico, passando claramente a mensagem sofrida de uma pessoa que, apesar de se doar muito, foi magoada por um namorado ruim. Além dela, também foi performada Late Night Talking, a música, que só confirmou a vibe disco que o álbum teria, também narra sobre se doar inteiramente a alguém, sem pedir nada em troca. 

Harry sempre foi bom em se colocar no mapa com bons singles: em 2017 foi Sign Of The Times, em 2019 foi Watermelon Sugar e agora, em 2022, foi As It Was. A música, que alcançou números incríveis muito rápido, se sustenta como uma boa representação de todo o álbum, com uma batida nostálgica e uma letra reflexiva. “É sobre metamorfose, se perder e se encontrar. Abraçar o fato de que a vida te atinge em momentos diferentes, não quando você espera. Isso é maravilhoso, mas com essas coisas maravilhosas vêm algumas jornadas emocionais complexas”, disse Styles para a NPR. A coreografia do clipe, criada por Yoann Bourgeois e inspirada em um de seus trabalhos antigos, carrega perfeitamente a ideia de forçar um ciclo vicioso que já não funciona mais. O vídeo como um todo, porém, casa com a proposta de libertação e aceitação da mudança, a arte foi criada por um time inteiramente ucraniano, liderado pela diretora Tanu Muino. 

Com um disco muito empolgante e inspirador, Harry expõe mais umas vez seus amores e suas dores, de um jeito diferente de seus outros trabalhos, mas ainda sim muito coerente à sua essência original. O poder de Harry’s House, com certeza, foi reconhecido como merece. Todas as 13 faixas ocuparam um lugar na lista da Billboard Hot 100 na semana de lançamento do disco (contabilizando a semanada do dia 30 de julho, As It Was ocupa o pódio do chart por 16 semanas) e Styles chegou ao primeiro lugar da Hot 100 Songwriters. É previsto um caminho próspero para essa nova era, talvez até mesmo um segundo gramofone de ouro para a casa de Harry. 

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Pegue qualquer lista de maiores hits da década de 2010 e é certo que terá um salpicado aqui e ali de uma banda britânica muito famosa. Se você não conhece o One Direction por nome, tenho certeza que pelo menos já escutou uma vez na vida o maior single dos cantores europeus, What Makes You Beautiful. Parece que foi ontem, mas o primeiro álbum do grupo, Up All Night, já está completando 10 anos de história e de recordes. Para além dos diversos caminhos tomados por seus cinco integrantes, nada poderia ser mais nostálgico do que o início de tudo.

A jornada bem sucedida da banda começou no show de talentos The X-Factor UK em 2010. Com apresentações solo, nem tão aclamadas assim na época, e unidos em um grupo por um dos jurados da edição, Louis Tomlinson, Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne e Zayn Malik deram o tom a algumas das vozes mais marcantes de sua geração. Com cinco álbuns lançados, centenas de recordes quebrados e um hiato que já dura mais de cinco anos, o One Direction se tornou a maior banda britânica da história, ultrapassando barreiras que até então apenas The Beatles tinha atingido no mundo.

Mas, voltando para o início dessa longa caminhada, foi em novembro de 2011 que tivemos acesso ao primeiro disco do grupo. Com 15 faixas em seu lançamento, e 18 em sua versão ultimate, fomos apresentados para alguns dos maiores sucessos da carreira dos, até então, meninos. Trazendo traços característicos do seu país de origem, Up All Night ganhou o mundo facilmente por se desviar, ainda que apenas um pouco, da enxurrada pop americana, trazendo mais uma invasão britânica para a Música.

Em questões de sonoridade, é Payne quem abre as primeiras cinco músicas, seguido da famosa voz de Styles. Ambos conseguem introduzi-las com muito fôlego, deixando sua marca e tornando-as extremamente reconhecíveis com o decorrer do disco. A princípio, a gravadora tinha mais confiança nos vocais de Liam devido às suas duas passagens pelo reality show britânico, dando-lhe o destaque com mais facilidade. Contudo, conforme as faixas vão se desenrolando, conseguimos sentir a energia que todo o quinteto emana ao performar as canções, com o coração a mil ouvindo cada nota. 

Up All Night é construído em uma aura de altos e baixos, isto é, em uma transposição de energias. Enquanto começamos com What Makes You Beautiful no pique de Leroy (não é à toa que é a música mais ouvida de sua carreira), o disco faz sua quebra de ritmo com Gotta Be You. Essa mescla de sentimentos torna o álbum ímpar, em que o ouvinte consegue experienciar todas as emoções ao mesmo tempo, sem que haja alguma perda de consistência. 

Ainda que o rótulo de boyband pudesse fazer muitas pessoas torcerem o nariz, muito do que o grupo trouxe para sua estreia permaneceu em seus próximos trabalhos. É inegável ver a semelhança entre More Than This e Half a Heart, do disco Midnight Memories (2013). Além disso, ainda que fossem suas primeiras tentativas nesse mercado, já conseguimos ter contato com suas próprias composições. Isso só foi mais um fator determinante para ver que não se tratava apenas de uma fase, mas sim de um amadurecimento crescente que não deixava de referenciar suas raízes. 

A música que intitula o álbum é a que mais se assemelha a estética sonora da década passada, reverenciando grandes artistas da época como Ed Sheeran, Taylor Swift e, especialmente, McFly. Banda essa que além de causar grande influência indireta no som que a boyband apresentou em seu debut, também teve sua cota de participação, já que Tom Fletcher, vocalista da McFly, foi co-autor de várias faixas que fazem parte do álbum. Assim, é fácil sentir a nostalgia da era de bandas que abriu caminho para o som que o One Direction decidiu perpetuar.

Todo esse background trazido pelo grupo pode ser sentido em suas composições com o resgate do pop rock britânico, amplamente acolhido por seus fãs. Para além de meras reproduções pop, o que escutamos é um cuidado extremo em criar algo que não soe genérico, mas que ao mesmo tempo acompanhe os hits da época. Exemplo dessa dualidade bem estruturada é a faixa I Want que, sem se prender em clichês de seu gênero principal, trabalha melhor elementos como guitarra e bateria.

Ainda que Up All Night possa ser visto como o trabalho com menos personalidade da curta discografia da banda, não podemos negar que ele deixou sua marca. As baladas pop românticas entoadas pelas vozes de seus cinco integrantes acumularam fama, não apenas entre o público, mas também entre a crítica. Talvez a maior prova de seu sucesso seja a vitória de What Makes You Beautiful como Melhor Single Britânico no BRIT Awards de 2012. Nesse mesmo ano, a banda concorria com nomes como Ed Sheeran, Jessie J e Adele, com o hino Someone Like You. 

Por mais que os trabalhos posteriores do One Direction comprovem sua qualidade e não nos deixem dúvidas quanto às capacidades vocais, sonoras e de criação de seus integrantes, para um primeiro contato com o mundo, o debut da banda poderia ter sido facilmente ignorado como apenas mais um em meio a multidão. Entretanto, o que torna as produções de Up All Night extremamente valiosas, ainda hoje, é a qualidade de suas composições. Trazendo nomes de peso como Jamie Scott, compositor de Cold Water, Ilya Salmanzadeh de Side to Side e Savan Kotecha de Can’t Feel My Face, o que vemos são altas apostas da gravadora da banda em investir no talento dos europeus.

Criada, encabeçada e gerenciada pela Syco Music, não são poucas as polêmicas nas quais a gravadora, dona do programa de talentos no qual a banda surgiu, está envolvida. Assim como com diversos outros artistas comandados pela empresa, como Fifth Harmony e Little Mix, o braço da Sony Music ficou conhecido pelo abuso de gestão e até mesmo por limitar a criatividade de seus artistas para que se moldassem aos padrões que ela queria. E após perder, uma por uma, as galinhas dos ovos de ouro que tornavam a gravadora uma das mais rentáveis do Reino Unido e do mundo, a Syco declarou seu fechamento em agosto de 2020, logo após a saída de Louis Tomlinson do selo. 

Além das canções alto-astrais que Up All Night entrega, há aquelas que são dolorosas, proferidas em um lirismo singelo e magnético. É o caso de Moments, a qual consegue passar despercebida aos ouvidos daqueles que não se identificam com One Direction, mas que aconchega o coração de forma fatal. Em sua versão ultimate, as músicas bônus, ainda que não sejam carregadas da melancolia da música escrita por Ed Sheeran, também não possuem o devido reconhecimento como as restantes do álbum. Another World, Na Na Na e I Should Have Kissed You apresentam as mesmas características rítmicas que as demais companheiras, mas permanecem desconhecidas para o restante do mundo. 

A primeira tentativa na carreira musical do One Direction pode não ter sido com o melhor desempenho para os olhos de certos críticos, mas não tem como negar que eles marcaram (e continuam marcando) presença no cenário musical. A desenvoltura dos membros, bem como o amadurecimento de canções e das suas próprias personalidades, fez com que o sucesso batesse na porta para alavancar cada vez mais seus trabalhos. Up All Night não chega aos pés dos projetos seguintes da banda europeia, contudo foi o primeiro passo para sair do anonimato e atingir o coração de milhares de fãs. E é isso que o torna lindo. 

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Vitor Evangelista

O conceito de virgindade é cultural, mas se tem uma coisa que o épico bíblico Eternos faz é deflorar o Marvel Studios. Recheado de barreiras quebradas, a aventura comandada pelas mãos de ouro de Chloé Zhao não apenas ruma as investidas do Universo Cinematográfico para longe do sanduíche dos Vingadores, como também vai de encontro a uma leitura muito mais interessante desses heróis em roupas de látex. Ainda por cima com mais de dez anos de histórias nas costas e a exaustão da fórmula pipoca das narrativas.

Sem qualquer aparição dos Heróis Mais Poderosos da Terra, o filme de 2021 apresenta uma visão acima dessas figuras. Partindo de uma introdução histórica e um bocado celestial, somos, então, colocados à frente dessas espécies de deuses, seres místicos, sábios e super poderosos, destinados a batalharem contra os Deviantes, monstros sanguinários. Mas, longe da avareza do Homem de Ferro ou do lado mesquinho de Steve Rogers, a Grande Família dos Eternos oferece uma visão menos unilateral das narrativas advindas dos quadrinhos.

Isso se reflete na perspectiva de sua genitora, a premiada e aclamada Chloé Zhao. Recém-vencedora de dois Oscars, incluindo o histórico troféu de Melhor Direção, em sua quarta produção na cadeira de chefona, Zhao mantém o olhar cuidadoso e por vezes documental que envelopa suas produções. Depois de sobreviver aos Estados Unidos do século XXI na Terra Nômade, ela decide migrar para um plano maior, tanto em espaço quanto em tempo.

O roteiro, assinado por ela ao lado de Patrick Burleigh, Ryan Firpo e Kaz Firpo, é despreocupado em se adequar ao molde ocidental dos três atos e da história de ascensão, queda e redenção. Bebendo de fontes orientais e do formato Kishotenketsu, construído em quatro “capítulos”, o texto imerge o espectador na história e foca, ao invés de conflitos e reviravoltas costumeiras, em uma experiência de contemplação e ambientação. Os Eternos não salvam o mundo em uma trama envolta em mistérios e traições, pelo contrário, para combinar com a longevidade que carregam no próprio nome, esses seres místicos e mágicos aprendem a viver com as mudanças das batalhas.

Quase uma história “sem conflitos”, não é estranho que a recepção do longa-metragem seja a menos positiva do MCU. O filme tem notas piores até que as de Thor: O Mundo Sombrio, Homem de Ferro 2 e Capitã Marvel, de longe os tomates podres do estúdio. Na verdade, a estranheza de Eternos faz parte do lado ímpar de sua construção de berço. Chegados à Terra há mais de 7 mil anos, esses personagens passaram, literalmente, por todos os eventos que moldaram a humanidade, da Mesopotâmia à Segunda Guerra Mundial. Sem a liberdade de intervir em favor do mundo dos homens, os Eternos assistem passivos às drásticas ações do tempo.

Chloé Zhao, rainha da imersão e da mundanidade, coloca o público no mesmo barco. Com quase duas horas e quarenta de duração, os acontecimentos do filme vão em zigue-zague (outra característica marcante da construção oriental da trama), indo e vindo no mundo, no calendário e na mente dessa galera que não envelhece. A complicação narrativa, que chega na “terceira parte” do filme, revisita o começo e oferece uma reviravolta mais simbólica do que palpável. Nós, como espectadores, podemos reavaliar a visão leviana de início, mas não há nada a ser feito.

Importante, e vital, reiterar o caráter de epopeia do filme, que se descola do que a Marvel acostumou seu público, de Homem de Ferro à Shang-Chi. Em Eternos, Thanos é uma baratinha, e o inseticida está em uma prateleira alta demais. Existem problemas maiores, existem preocupações melhores; o tempo passa, a eternidade não. Para vender bem esse peixe, era necessário uma grande química do elenco, escolhido sabiamente e respeitando a diversidade que uma história desse nível pede. A liderança cai no colo de Ajak (Salma Hayek), que ordena bem as emoções e o sentimento materno que a personagem emana.

Embora tenha menos tempo de tela que seu rebanho, a Eterna curandeira faz sua presença (e ausência) serem latentes e imprescindíveis para o andamento da trama. Ao seu lado, e depois de interpretar uma personagem classe C em Capitã Marvel, Gemma Chan retorna como Sersi, heroína benevolente e talvez a mais empática do grupo. Fosse Eternos um filme realizado dez anos atrás, é capaz que a figura de protagonismo fosse dada a uma Angelina Jolie da vida, mas a série de “primeiras vezes” da Marvel acaba por beneficiar a escalação caprichada de Chan, que tem carisma suficiente para contracenar com qualquer Vingador daqui para frente (por mais que a química com seus pares românticos deixe a desejar).

Na pele da primeira mulher asiática protagonista, a atriz não é a única a fazer história. Zhao é pioneira na direção, e após de Anna Bowen e Cate Shortland, se sagra a primeira mulher asiática a comandar o MCU no Cinema. Além disso, Eternos se envereda para outros cantos: primeira heroína e intérprete surda (a lendária Makkari de Lauren Ridlof), primeiro herói indiano (o astuto Kingo de Kumail Nanjiani) e coreano (o fofo mas bravo Gilgamesh de Don Lee), primeiro beijo entre dois homens e primeira cena de sexo (que deu o que falar, mas não entrega nada que a criançada que assiste os filmes do James Gunn não tenha ouvido antes). 

Recebido com censura em países homofóbicos, Eternos se prostra como um avanço desejado e oportuno. Ninguém aguenta mais a jornada do herói, ou as mesmas sequências de ação super coreografadas. E, para quem ainda anseia ver o Homem-Aranha nas tramas juvenis ou o Thor fazendo piada de pinto, seus filmes ainda existem e continuarão existindo por um bom tempo. Olha só, mês que vem, o Doutor Octopus de Alfred Molina volta às telonas, pois o poder da nostalgia é uma das maiores fraquezas humanas, perdendo apenas para o pescoço.

Sequências de amor, seja ele o ato sexual ou um tocar de mãos ao anoitecer, são o singelo lembrete que heróis são pessoas, e pessoas transam. Melhor dizendo, pessoas vivem. Amam, brincam, lutam, ficam bravas e tem sonhos de loucura. Nas transes que justificam sua participação singela e diminuta em Eternos, a Thena de Angelina Jolie parece atuar mais como um pilar de admiração do que uma figura de ação equiparada a seus companheiros de equipe. Constantemente separada do grupo, sem contar suas interações riquíssimas com Gilgamesh (o hilário e subaproveitado Don Lee), Thena é a guerreira que Jolie se orgulha em dar vida. 

Estrela da Hollywood da virada do século, é preciso reconhecer que sua Malévola é mais Marvelística que qualquer traço da Eterna loira que mantém um olhar distante, unindo dor e saudade e usa branco e amarelo na armadura. A cor dos uniformes lava a imagem colorida e quase pornograficamente cromatizada que o criador Jack Kirby desovou nos anos setenta. A visão de Zhao, pendendo para o marrom e o bege, não apenas apaga a Guernica da Marvel, como reflete que o Cinema de hoje tem uma predileção trivial que, para ser levado mais a sério, uma obra deve beber da sobriedade. Afinal, não existe nada mais infantil que um filme do Thor todo gozado de neon, não é Taika Waititi?

A maturidade de Eternos reivindica seu local de fala original, e dentro da visão banhada da diretora, o design de produção e os figurinos elevam o material, acenando para as páginas dos gibis mas mantendo certa classe. Quem se aproxima sem pudores da criancice, não à toa, é Sprite, que no Brasil teve seu nome traduzido para Duende. A jovem garota, interpretada com o sarcasmo lírico de Lia McHugh, é quem mais rememora as HQs, e tem em sua trama toques de Entrevista com o Vampiro, em uma discussão quase inédita da prisão do corpo humano.

Concomitante a Eternos, enquanto Titane choca com o horror corporal elevado à enésima potência, Sprite sente que vive em uma prisão que a separa gradativamente do amor e do afeto. Também recentemente, What We Do in the Shadows lidou com o tédio de se viver para sempre, e, depois do MCU pintar e bordar com o humor que não leva em conta a vida, o universo e tudo mais, é um alívio assistir os Eternos cansados de serem, bem, eternos. Claro que essas leituras pontuais extrapolam qualquer subtexto que o filme imprima originalmente, mas a discussão não é nova: a Arte pertence a quem a consome.

E se quem a consome tem a figura de um cantor pop britânico como o símbolo de atração sexual de uma geração inteira, é apenas uma feliz coincidência que Chloé Zhao pareça concordar com a afirmação. Fato é que Eternos não existe para agradar os aficionados pelo estalo de Tony Stark. Se isso é um detrimento ou uma qualidade, não cabe ao filme se preocupar, pois ele tem seus olhos em outro objetivo: o de ser sustentável por si só. 

Para guiar o caminho e criar empatia com as criaturas, Eternos toca notas próximas de nós, ficcionalizando sobre eventos traumatizantes e que moldaram o mundo. Quando Phastos (o excepcional Bryan Tyree Henry) chora em meio a uma Hiroshima devastada pós-bomba atômica, o público sente a impotência ou, pelo menos, se importa em entender aquele lamurio. Para a mitologia que gasta tanto seus heróis ao ponto de reciclá-los em qualquer cenas pós-créditos ou menção honrosa possível, Eternos se sai bem ao não soar guloso ou procurar a saída mais simples.

O Universo Cinematográfico da Marvel acabou de abrir portas para o multiverso, enquanto assobia para os Mutantes e acaricia a ideia dos vampiros, e seria uma mão na roda se Zhao optasse por fazer chamada e ir colocando em sua arca cada uma dessas figuras míticas dos quadrinhos, mas que bom que ela não o faz. De suas obras anteriores, ela coleta elementos específicos e os adapta para o que a Marvel entende por Cinema. A sutileza de Songs My Brothers Taught Me (2015) é dobrada por cima de Makkari, a resiliência de Domando o Destino catapulta a experiência fílmica de Phastos, e a câmera na mão que flerta com o documental de Nomadland se reflete na poderosa e crescente jornada de Sersi.

Chloé Zhao entende onde estão e como quer chegar a seus objetivos, nem para que isso se curve a algumas máximas do entretenimento pipoca. O humor desregulado de Kumail Nanjiani opera em sintonia com a gozação de Druig (o extremamente atraente e altivo Barry Keoghan). O mesmo vale para a aparente virgindade de Dane Whitman (Kit Harington), que vai se desdobrando no gancho mais clássico da Marvel, o da herança eterna e da predileção pelo destino. A breve aparição de Kro (Bill Skarsgard) é necessária para que a função de vilão não sofra da difusão narrativa que Eternos toma como regra geral.

Afinal, deuses não tem oponentes à altura, senão eles próprios. Thena é uma ameaça, mas Angelina Jolie é grande demais para receber o tratamento básico da mulher superpoderosa que joga amarelinha entre o Céu e o Inferno. Richard Madden esconde bem as cartas na manga, e a tara pelo biblíco segue à letra uma narrativa de redenção e queda que pode muito bem ser servida daqui alguns anos, quando o mundo entender o papel de algo como Eternos na grande máquina que se tornou a experiência Marvel de fazer Cinema.

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Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.

Não poderíamos nos esquecer, ainda, da preciosidade em forma de EP que Selena Gomez entregou ao colocar em pauta toda a sonoridade latina em músicas na língua espanhola. Bem como é bom ficar de olho no mais novo compilado de Joshua Bassett, que com seu pop frenético trouxe a íntegra de sua versão da conturbada história com Olivia Rodrigo e Sabrina Carpenter. E é em meio a uma polêmica indicação ao gramofone de ouro – merecidamente perdido – que Justin Bieber lança seu sexto álbum, intitulado Justice.

Assim, em um mês de altos e baixos, no qual completamos um ano presos em casa, a Música conseguiu transparecer todos os sentimentos que gritamos entre quatro paredes. Da campanha #fuckthegrammys à realidade distorcida confidenciada por Demi Lovato, Março de 2021 conseguiu ser alvo de altos e baixos intensos que serão lembrados por muito tempo. Por isso, a Editoria do Persona, ao lado de seus colaboradores, comenta tudo isso e ainda mais sobre o que aconteceu no mundo da Música entre os CDs, EPs, singles, clipes e performances que mais marcaram os últimos 31 dias.

CDs

Genesis Owusu – Smiling with No Teeth

O australiano Genesis Owusu não está para brincadeira. Nascido em Gana, o rapper se mudou para a Oceania na infância, inserido num ambiente majoritariamente branco e nada parecido com suas raízes. A saída? Encarar tudo de cabeça erguida e, no processo, transformar sua dor em arte. Ele começou escrevendo contos, depois poesias, até finalmente chegar na Música.

Misturando suas diversas influências no debut Smiling with No Teeth, o cantor modula o rap, o punk e toques de pop para narrar as aventuras dos tais dois cães pretos que latem por quase uma hora. A alegoria, como ele esclareceu, é cultivada pela figura da depressão e do racismo. Buscando fugir dos estereótipos comuns e ter uma voz própria, Owusu evoca melodias quase sagradas no disco de estreia. “Eu sou o Prince, se ele fosse rapper e morasse na Austrália”, disse ao The Guardian. O sorriso desdentado pode nos fazer começar a acreditar nele. – Vitor Evangelista

Nick Jonas – Spaceman

A criatividade bateu na porta de Nick Jonas e o fez entregar obras-primas em formato de álbuns. Dessa vez, o cantor resolveu oferecer algo realmente intimista e profundo sobre seus sentimentos, principalmente por ser uma explícita declaração para sua esposa, Priyanka Chopra Jonas. A junção de euforia e agonia é traduzida ao longo de todas as músicas, especialmente por se tratar de um trabalho feito durante a pandemia. 

Desde Give Love a Try em JONAS, Nick sempre deixou claro que a música é a maneira mais sincera com que consegue se comunicar e transmitir suas emoções. É nítido essa expressão no álbum, usando diversos ritmos para se declarar para Priyanka. Ele transita entre o pop romântico usual em Deeper Love (num compasso muito parecido com I Feel It Coming, de The Weeknd) e versos mais sensuais e maliciosos de uma vibe anos 70 em Delicious. 

O alcance vocal do texano é o que o torna ainda mais admirável, cruzando notas baixas e altas em uma única canção. Não importa se estamos na calmaria ou no entusiasmo, todas as faixas do álbum nos presenteiam com um calor no coração. Não há como discordar que o querido irmão Jonas tem um talento imensurável em mãos. – Júlia Paes de Arruda

Black Honey – Written & Directed

Segundo as regras de distanciamento social, ainda não é seguro realizar grandes concertos musicais, mas isso não parece ter impedido Izzy B. Phillips e o resto da banda inglesa Black Honey de ter lançado um disco que implora para ser ouvido ao vivo. Written & Directed chega três anos depois do álbum de estreia do grupo, e os encontra mais amadurecidos musicalmente, mas ainda com o mesmo entusiasmo adolescente e contagiante pelas suas próprias melodias.

Black Honey está de volta e à procura de sangue. A vocalista confronta diversos adversários no decorrer das dez músicas que se seguem, desde o patriarcado e o conservadorismo até si mesma, ampliando a aura punk rock que já havia sido apresentada casualmente em Black Honey (2018), ecoando a estética punk britânica, mas mantendo uma musicalidade diversificada e ousada. Acompanhada pela guitarra eclética de Chris Ostler, o baixo venenoso de Tommy Taylor e a bateria discreta de Alex Woodward, a voz de Phillips é o que fecha os instrumentos em uma sinfonia rebelde e caótica que não perde nenhum momento do início ao fim.

Com uma abertura incrível composta por alguns dos singles já lançados, é em Run for Cover que Black Honey mostra a que veio: uma música alta, energética e feroz sobre sexualidade feminina em primeiro plano e escancarada. Descrito e cunhado pela banda como “vagina rock” (em oposição ao subgênero cock rock), as faixas de Written & Directed são a exaltação da perspectiva feminina sobre o rock’n’roll, ampliadas por um som amadurecido, mas nem um pouco interessado em se tornar previsível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Djonga – NU

No sentido metafórico ou no regional, Djonga está nu em seu novo álbum. O artista mineiro conhecido pelas letras combativas descasca seus sentimentos pessoais em seu quinto LP, expressando seus receios, alívios e satisfações, assim como o termo do título sugere no mineirês. Nada disso significa discursos suavizados ou letras desconexas do nosso contexto social. Os últimos meses sinistros que atingem com mais força uma parcela específica da população e as razões disso são elementos que continuam muito bem refletidos nas canções fortes de Djonga, acompanhados de sua riqueza lírica e metafórica de sempre e de influências de outros nomes e gêneros da música brasileira. 

Entre reflexões sobre o sucesso, solidão, racismo e desigualdade social, NU encontra contraste ao começar com a grandiosidade de Nós e terminar com o impacto de Eu, marcando também o retorno do rapper que nunca baixa a guarda em Ó Quem Chega. As narrativas são costuradas com suas referências musicais, que dão as caras no flerte com o rock brasileiro contemporâneo combinado à uma levada do samba que o disco mostra em Xapralá. O mesmo é com Vírgula, que cria um intertexto com o samba da década de 60 pensando na desigualdade social atravessada pelas questões raciais, tema aprofundado na cinematográfica Ricô.

A produção de seu fiel companheiro Coyote Beatz desacelera na confessional Me Dá a Mão, e dela nasce a íntima e romântica Dá Pra Ser?, lovesong que dança entre o R&B e trap com a participação doce de Budah. Entre si, todas as oito faixas funcionam muito bem, mas perto da marcante discografia do artista, a repetição temática e sonora pode alimentar críticas à produção. Lembrando do contexto delicado do artista, NU é familiar e modesto, sem novidades arriscadas e sem exageros. Quer dizer, nada de excedente além do peso da arte do trabalho, que pode ter marcado o último 13 de março em que ouvimos ineditamente uma coletânea de Djonga. – Raquel Dutra

AJR – OK ORCHESTRA

O terceiro álbum do trio de irmãos Adam, Jack e Ryan saiu no dia 26 de março desse ano, dando continuidade ao tom intimista, pessoal, autobiográfico e metalinguístico do segundo, Neotheater. Com um caráter ainda mais experimental musicalmente do que este, o álbum brinca, por exemplo, com uma sucessão de diferentes instrumentos que tocam a mesma melodia em faixas como Bummerland ou World’s Smallest Violin. Ele também experimenta efeitos que lembram músicas dos anos 40 e 50, como em 3 O’Clock Things ou The Trick. Tudo isso misturado com uma mixagem bastante eletrônica, dando origem a um tipo único de música, que funciona como a assinatura da banda.

Os temas variam entre experiências pessoais dos músicos que se traduzem em temas universais, como My Play, que trata de uma criança afetada pelo divórcio dos pais; estilos inspiradores, como em Adventure is Out There e Way Less Sad; e o tom metalinguístico que citei, que aparece aqui em Christmas in June e Bang!. Outras músicas de destaque que também tratam de temas universais são Ordinaryish People (o único feat do álbum, feito em parceria com o Blue Man Group), Joe e Humpty Dumpty. Esta última considero a mais fraca delas, não porque não tem seu valor, mas porque as outras são excepcionais em comparação.

É um álbum de música pop, que trata de problemas cujos adolescentes tendem a se identificar mais. As várias referências às vivências dos adolescentes no século XXI (e até breves menções indiretas à pandemia, que permeou o desenvolvimento do álbum) deixam claro o público-alvo, que recebe um prato cheio. Para aqueles que não se identificam com a estética mais adolescente e despojada, os experimentos musicais e as melodias enérgicas valem o play. E para não esquecer: a música de abertura do álbum, OK Overture, é genial, porque junta várias das peças do álbum em uma só. -Flora Vieira

Lana Del Rey – Chemtrails Over The Country Club

A forma mais simples de definir o novo álbum de Lana Del Rey é sufocante. Durante suas 11 faixas, somos levados por um caminho monótono na melancolia da cantora, que reutiliza a mesma sonoridade branda e densa em todas as músicas que montam a coletânea. Nos sentimos presos em uma interminável sequência de cópias dos demais trabalhos de Lana, que dessa vez peca por se afogar demais em um sofrimento lírico, o qual ao invés de ser belo e tocante, se torna indigesto e tedioso.

É claro que em meio a várias faixas, um tanto chatas, algumas se destacam positivamente por escaparem, mesmo que pouco, da identidade em tons de cinza do álbum. A voz de Nikki Lane é o suspiro que tanto queríamos. Ao lado de Del Rey, as cantoras entoam Breaking Up Slowly, trazendo uma sensibilidade sonora que faz falta nas demais canções. Chemtrails Over The Country Club, que dá nome ao disco, é outra que merece destaque por conseguir imprimir a identidade vocal de Lana, escondida atrás de tanto sofrimento em suas outras faixas.

O álbum é cansativo e, assim como sua capa, é cinza. Nem preto, nem branco. Numa tentativa de se manter no meio do caminho e agradar a todos, Lana Del Rey se perdeu e deixou levar por uma perspectiva pouco convidativa. Sua voz, tão encantadora quanto um canto de uma sereia, nos puxa para as profundezas, afogando os marinheiros que se atreveram a navegar nas águas de Chemtrails Over The Country Club. – Ana Laura Ferreira

Pitty – Matriz Ao Vivo Na Bahia (Ao Vivo Deluxe Edition)

Não faltam adjetivos para descrever a brilhante carreira de um dos maiores nomes do rock brasileiro: Pitty. A baiana é dona de músicas que você pode não saber o nome, mas basta um acorde para cantar toda letra. Atemporal, começou 2021 com o Deluxe do disco gravado ao vivo na Bahia antes da pandemia. Com um repertório que caminha desde os primeiros CDs até o álbum de 2019 que também batiza esse trabalho, Matriz, o registro conta com duas faixas novas: Para o Grande Amor e Serpente.

Pitty não estava sozinha em cima do palco. As faixas Noite Inteira e Te Conecta / Tudo Me Faz Sentido são divididas com uma das vozes mais importantes da Bahia, Lazzo Matumbi, Roda conta com a presença do grupo BaianaSystem, e Larissa Luz faz feat em Máscara / Bonecas Pretas. Ao fim do espetáculo, eles voltam ao show para juntos ecoar a poderosa Sol Quadrado, que deixa uma mensagem de persistência e resistência. As canções que encerram Matriz Deluxe, apesar de antagônicas, são o viés da proposta musical da cantora, deixando aquele gostinho de quero sempre mais.

Quem acompanha a discografia de Pitty sabe toda a dor e delícia que suas músicas causam. Quem nunca se pegou cantando Na Sua Estante em alto e bom som que atire a primeira pedra. Presente também neste trabalho, vemos a história ficar ainda melhor com sua seguinte faixa: Motor. Canção ressuscitada por Gal em A Pele do Futuro, a música parece ter sido composta para a voz de Pitty, sendo o nó certeiro que amarra todos os sabores presentes no disco. Matriz é um prato cheio de talento e sonoridade, que imprime seus 20 anos de carreira solo. –  Ana Júlia Trevisan

Elis Regina – Elis (Remastered)   

Neste 17 de março, dia quase sagrado para milhões de pessoas, Elis Regina – a maior cantora brasileira de todos os tempos, diga-se de passagem –  completaria seus 76 anos de vida. Já faz quase 40 anos daquele traumático 19 de janeiro em que Elis se concretizou como estrela no sentido literal da palavra. A saudade dela cresce cada dia mais no coração e na memória de todos nós, amantes de seu trabalho e admiradores de sua pessoa.

Para saciar a saudade dos fãs da gaúcha, seu filho João Marcelo Bôscoli nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do disco Elis (1972). Já não é a primeira vez que ele utiliza sua arte de produção musical para relembrar e exaltar a carreira e a vida de sua mãe. Essa tarefa nada fácil é feita com imensa maestria e nos comprova, mais uma vez, todo o talento da cantora, presente não só na sua voz, mas também no DNA.

O álbum conta com os clássicos Nada Será Como Antes, Atrás da Porta, Casa no Campo e Águas de Março. Além de músicas como Olhos Abertos, Me Deixa Em Paz e Boa Noite Amor, que nos trás um “lado B” pouco conhecido de Elis. Esse primor em formato de álbum, disponível em vinil e CD, está em todas as plataformas digitais para o deleite dos fãs. – Guilherme Teixeira

The Weeknd – House of Balloons (Original)

Jamais poderemos negar o talento de The Weeknd. Trazendo sempre uma sonoridade única que o caracteriza, o cantor consegue unir o pop mainstream a sua personalidade, dosando pitadas eletrônicas e às vezes até mesmo de rock em seus projetos. O estouro que seu trabalho deu em 2020 com o álbum After Hours lhe abriu portas e, melhor do que isso, nos abriu caminhos para que retornássemos às origens do cantor, a fim de acompanhar esse delicioso amadurecimento.

House of Balloons, primeiro disco de The Weeknd, foi disponibilizado neste mês de março nas plataformas de streaming. Retornando à sua estreia em 2011, somos agraciados com músicas intensas que nos fazem se perder em meio a um universo sonoro mágico criado por ele, sendo as principais representantes High For This e aquela que dá nome ao álbum. Sempre muito atento aos detalhes, tudo no disco parece se encaixar perfeitamente, pedindo para que a coletânea seja colocada no repeat e reproduzida eternamente. Nós não nos importarmos com isso. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Justice

Depois de retornar para o mundo musical com o abominável Changes, não se podia esperar muito de Justin Bieber. E, curiosamente, ele conseguiu nos surpreender. Enterrando de vez sua relação delirante com o R&B, o canadense resgata suas raízes com o pop em Justice. Apesar de conceitos falhos, que vão desde o título do álbum até um discurso de Martin Luther King entre as faixas, a produção consegue entregar toda a musicalidade leve e contagiante que esperamos por tanto tempo.

Junto com as serenatas românticas de sempre, Bieber traz letras mais sinceras e pessoais, tratando sobre seu problema com as drogas (Off My Face) e as dificuldades do estrelato (Lonely). E também se mostrou cada vez mais aberto sobre sua espiritualidade, algo que já era previsto após o lançamento do single Holy. Outra novidade de sua nova fase é a valorização de seus vocais, ainda mais reforçados pela série de performances ao vivo que vem realizando. 

O sucesso do álbum também se deve ao seu time de peso, que conta com nomes como Skrillex, FINNEAS e Josh Gudwin na produção, além dos brilhantes feats como Daniel Caesar, Burna Boy e Khalid. Uma curiosidade é que a faixa Hold On tem o cantor Gotye creditado, por utilizar samples da música Somebody That I Used To Know, que, por sua vez, usou samples de Seville, do brasileiro Luiz Bonfá, que também recebeu os devidos créditos. Bieber conseguiu explorar e se divertir por novas tonalidades do pop, mas sem sair da atmosfera musical que o consagrou como o artista que é hoje. Justice é, de fato, o seu retorno triunfal. – Vitória Silva

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Um tempo longe dos holofotes da indústria musical parece ter feito bem para Rico Dalasam. Depois de sofrer com linchamentos virtuais em 2017 devido a polêmicas judiciais, o rapper retorna amadurecido em Dolores Dala Guardião do Alívio, um álbum menos pop, menos comercial, porém bem mais intimista e sincero, provando que sua arte transcende qualquer estereótipo ou rótulo. Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, sua premissa é agora potencializada para tornar-se uma narrativa alegórica, cativante e imersiva que passeia pelas vivências do poeta nos últimos três anos, mergulhando em temas como negritude, homossexualidade, colonialismo e relacionamentos inter-raciais.

Sendo assim, Rico aborda suas experiências individuais para comentar temáticas sociais coletivas, porém sem nunca soar redundante ou reducionista: ele sabe que sua bagagem pessoal não resume um fenômeno sociopolítico complexo. Visto isso, ele universaliza esses eventos, tornando-os relacionáveis para o ouvinte, entretanto ainda depositando a eles um caráter único e particular que só ele poderia dar, encontrando no caminho o equilíbrio perfeito entre o amplo e o singular. Usando tais ferramentas, Dalasam costura sua fábula através de distintas sonoridades afro latinas das mais diversas origens, inevitavelmente atravessando também a história do continente latino-americano.

Com uma tracklist potente e plural, explora desde as intempéries de um romance inter-racial em Braille, vendo-o evoluir para um relacionamento abusivo que fatalmente reproduz opressões raciais e coloniais em Mudou Como?, o enfrentamento de uma situação de abandono em Última Vez, uma revisita nostálgica a um tempo e lugar distantes em Vividir, até o fatídico término, seguido de uma reconciliação pacífica, ainda que não menos crítica, em Estrangeiro. Rico Dalasam apresenta com Dolores Dala Guardião do Alívio uma obra tanto reconfortante e consoladora quanto autoconsciente, difundindo sua mensagem através de uma plataforma que ele mesmo construiu. E, acredite, nós definitivamente deveríamos estar prestando atenção. – Enrico Souto

Evanescence – The Bitter Truth

Se você teve a oportunidade de escutar o melhor do rock que estava sendo produzido no início dos anos 2000, é certo que conheça pelo menos uma música da banda Evanescence. Popular entre todos os estilos graças a Bring Me To Life, do álbum Fallen de 2003, o grupo liderado por Amy Lee entrega no mês de março seu sétimo disco original. Inteiramente construído de forma a contar uma história sonora, somos engolidos pelos vocais de Lee e pela bateria de Will Hunt, que juntos dançam uma valsa no melhor estilo punk.

Não deixa de ser clichê falar que Evanescence entregas músicas poderosas, mas haveria então outra forma de definir Broken Pieces Shine do que como o poder em sua forma mais bruta? O que encontramos na coletânea de The Bitter Truth é uma cadência de emoções intensas, mas extremamente alinhadas. Não estamos falando aqui de gritos jogados ao vento ou uma potência sonora sem propósito, mas sim de um trabalho inteligente que consegue prender, até mesmo aqueles avessos a esse gênero, em uma incessante busca de saber como será a próxima faixa.

O refrão de The Game Is Over nos leva diretamente para o rock mais emo consagrado na primeira década deste século. Já Wasted On You nos agracia com uma suavidade tão aguda que fica impossível não fechar os olhos para simplesmente sentir os vocais de Amy. Orgânico, o disco constrói sua heterogeneidade em meio a um crescente de emoções que nunca se abalam, produzindo assim um dos melhores álbuns da carreira de Evanescence. – Ana Laura Ferreira

Zara Larsson – Poster Girl

Dentro do nicho do pop, vira e mexe o termo “música de playlist da Renner” é utilizado para se referir a canções que combinam com a vibe loja de departamento. Sendo bem direto, Zara Larsson é exatamente isso. É algo ruim? Não exatamente. Quem nunca ouviu uma música enquanto dava uma olhada nas camisetas moderninhas e pegou o celular para descobrir qual era pelo Shazam? Porém, é algo que indica o maior problema de Zara: a falta de uma identidade definida que a diferencie. Poster Girl não é ruim, mas a maioria de suas músicas poderia ser de qualquer um tentando fazer um pop que hite nas playlists do Spotify. 

O maior problema do disco é justamente que a ideia da garota-sonhando-em-ser-estrela-pop-de-pôster é levada um pouquinho a sério demais. Zara não assina metade das canções, sendo uma das exceções a maravilhosa (ufa!) Love Me Land. Ou seja, parte do que ela canta ali não veio dela mesma. E até o que veio teve dedo de outros trocentos compositores. A polêmica de artista vs. intérprete pode levar a discussões, mas aqui é inegável que se torna uma problemática. No fim do dia, quem é realmente Zara Larsson? Ela é a garota do pôster para quem podemos olhar e nos identificar? – Jho Brunhara

EPs

ARON e MYGAL – Nieve

Enquanto a quarta temporada de Elite não sai do forno, os atores tentam engatar sua carreira na música. A primeira foi Danna Paola, com a chegada de K.O.. Agora, foi a vez do favorito dos fãs, o apaixonante Arón Piper. Sua voz rouca marcante somada às letras alcóolicas não poderiam trazer outra imagem a não ser a sua à nossa mente. 

Em 2020, Arón já havia lançado singles soltos, como Todo e Friends, provando que seu talento não fica restrito à Ander Muñoz. Neste ano, o alemão se arriscou e lançou um EP com apenas cinco músicas, em sua grande maioria, acompanhado de parcerias. Entretanto, as duas primeiras canções são as que mais se destacam. A primeira, a faixa-título, traz um som parecido com chocalhos que a tornam mais calma, transmitindo a preocupação e a frustração do eu lírico. Já a segunda, Cielo Morao, tem aquele ar caótico de uma festa baseada em doses de bebida e drogas ilícitas. Seus primeiros minutos remetem à We Can’t Stop, de Miley Cyrus. 

Apesar delas terem ritmos totalmente diferentes, são as mais difíceis de caírem no esquecimento. A falta de uma divulgação mais engajada e uma batida mais grave em todas as canções (aquelas que fazem vibrar o coração), tornam o EP facilmente ignorável. Por enquanto, fica a torcida para que o sotaque memorável de Arón firme mais no meio musical. – Júlia Paes de Arruda

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Charlotte Lawrence – Charlotte 

Charlotte Lawrence foi uma ótima descoberta para o nicho pop da internet em 2017. Com sua sonoridade brilhante e personalidade sincera, a modelo conquistou um número considerável de seguidores nas redes, além de conseguir um contrato vantajoso com a Atlantic Records. Em março ela lançou seu segundo extended play, Charlotte, que mistura mid-tempos irritantes e infusões pop rock que amargam ainda no primeiro play. O single promocional Talk You Down insiste, mas soa mais como um descarte de Selena Gomez. Nem as guitarras do renomado Ryan Tedder conseguem salvar o projeto.

A obra só chama atenção no final: Why Do You Love Me é um pop rock direto dos anos 80, com a sarcástica narrativa de Lawrence e a produção eletrizante de Charlie Puth, que remete a grandes sucessos do produtor, como Attention e How Long. Longe de seu ótimo antecedente Young, Charlotte é vazio e desanimador – a energia adolescente e encantadora que ela trouxe no início de sua carreira parece ter sido apagada por completo. A composição detalhista da musicista não combina com a produção datada e irritante da obra – por enquanto, é melhor ela ficar pelas passarelas. – Laís David

“Há algo especial sobre Knebworth”, aponta o baterista Nick Manson, em comunicado à imprensa, ao relembrar apresentação histórica do Pink Floyd em um dos palcos mais importantes da Inglaterra. Três décadas após juntar forças com Paul McCartney, Eric Clapton, Genesis, Robert Plant e outros vencedores do Silver Clef Award, a banda disponibilizará (em CD, LP e streaming) o show completo no álbum ao vivo Live at Knebworth 1990. 

Previsto para ser lançado no dia 30 de abril, o álbum traz a setlist modesta daquela noite, mas que carrega os maiores hits da banda. A parte A do LP já está disponível no Spotify com as célebres The Great Gig in the Sky e Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5). A faixa de The Dark Side of the Moon tem como convidada Clare Torry, vocal original que tornou a música conhecida por usar sua voz apenas como instrumento, sem cantar uma palavra sequer.

Já a composição de cinco partes, que conta com a participação da saxofonista holandesa Candy Dulfer, abre o concerto de forma majestosa fazendo jus a atmosfera da história que assombra essa faixa. A música é um tributo a Syd Barrett, mente criativa e perturbada dos primeiros anos do Pink Floyd, que foi afastado por problemas com drogas e logo substituído por David Gilmour. Anos após a separação conturbada, Barrett fez uma visita inesperada aos estúdios justamente enquanto a banda trabalhava na música que o eterniza (Shine on You Crazy Diamond). Este ano, a morte de Syd Barrett completa 15 anos. – Maria Carolina Gonzalez

Joshua Bassett – Joshua Bassett

Parece um tanto piegas dizer, mas às vezes o menos é realmente mais, e no caso de Joshua Bassett o mais é um exagero de ritmos e sonoridades que, ao invés de se complementarem, apenas nos desorientam. É muita informação saltando aos nossos ouvidos ao mesmo tempo e nos vemos perdidos, sem saber em que prestar atenção. Tentando atirar para todos os lados, o cantor mistura inúmeros estilos, acertando em cheio em alguns e errando o alvo em outros, como se estivesse fazendo isso de olhos vendados.

As grandes estrelas do EP, que leva o mesmo nome de Joshua, são Do It All Again e Only a Matter of Time, isso por serem também as músicas mais contidas e centradas. Em contrapartida, Sorry abre o álbum como um tsunami sonoro que nos atordoa e anestesia para seguirmos o disco. Saltando entre o eu lírico do apaixonado e o do passivo-agressivo, Bassett mostra que sabe fazer música, mas se vê cego por sua ânsia de ser certificado com esse talento.

Joshua Bassett era uma boa oportunidade de destaque para o músico que tem seu nome crescendo na boca das pessoas. Contudo, o tiro saiu pela culatra ao entregar um material sufocante que chama mais atenção por seu turbilhão do que pela técnica ou valor sentimental. Talvez, se fosse diluído entre outras faixas mais simples e contidas, o EP poderia ser bem digerido, mas infelizmente teremos de esperar os próximos trabalhos de Joshua para descobrir se essa intensidade é naturalmente sua ou parte de um belo pé na porta para apresentá-lo à indústria da música. – Ana Laura Ferreira

O que mais chamou a atenção no EP foi a estética impecável (Foto: Reprodução)

Selena Gomez – Revelación

Selena Gomez está de volta com mais um projeto e, dessa vez, uma promessa de uma década: o álbum em espanhol. Há muito tempo a cantora quer fazer um trabalho que reflita sua ascendência latina paterna e finalmente aconteceu. O EP Revelación nasceu e está incrível. Com singles que chamaram a atenção, o álbum coleciona faixas interessantes a serem exploradas.

A cantora aproveitou a oportunidade e se mostrou confiante do início ao fim em um campo pouco explorado por ela. Em todas as músicas, Selena não deixa a desejar na pronúncia do idioma, mesmo que seu espanhol não seja mais fluente. Vicio, Adiós e Buscando Amor são o top 3 desse trabalho, as músicas reúnem letras desinibidas e independência emocional. O projeto conquistou o recorde de EP solo com maior número de #1s ao redor do mundo e a maior estreia de um EP feminino no Spotify. 

Em meio à polêmica de se aposentar da música, o disco foi um sucesso. Um trabalho confiante, sensual e de extremo amor próprio. Selena deu o que o público sempre esperou dela, e a esperança é que ela continue assim para proporcionar mais trabalhos como esses. O que tinha tudo para ser um apanhado de reggaetons, se tornou uma virada de chave na atualidade musical da texana. Revelación é o primeiro passo para Selena não querer mais desistir da música. – Giovana Guarizo

Drake – Scary Hours 2

Drake passou por maus bocados nos últimos meses. Depois de se hospedar um tempo numa clínica de reabilitação, o canadense cancelou o lançamento de seu futuro disco, enfrentou o período da recuperação da cirurgia no joelho e sumiu desde então. Boatos apontam que o rapper já está com seu próximo sucesso pronto, gravando clipes e tudo mais. Mas, por agora, conhecemos a parte 2 do projeto Scary Hours.

O material da vez, com uma faixa a mais que o EP de 2018, não arremata Drake longe de sua zona de conforto, mas também nem deveria. What’s Next agita o clima, que será suavizado ao lado de Lil Baby com Wants and Needs. Lemon Pepper Freestyle fecha Scary Hours 2 na melhor nota do trabalho, performada junto de Rick Ross por mais de seis minutos. Drake comemorou os recordes quebrados, e bem que poderia usar essa energia para finalmente nos mostrar o que aprontou para o Certified Lover Boy. – Vitor Evangelista

Músicas

Elza Soares – Nós 

Março é um mês marcado pela comemoração do Dia Internacional da Mulher. Data, essa, usada para lembrar a importância dos direitos e igualdade feminina. No dia em que lutamos para nossa voz ecoar mais forte, a mulher do fim do mundo lançou a regravação do single Nós em homenagem a data. Além da canção, Elza Soares também apareceu no especial Falas Femininas da Rede Globo, depondo sobre ser mulher nos tempos de hoje e dando voz à O Que Se Cala, do álbum Deus é Mulher.

Inédita na voz da cantora, a música já mostrou sua potência no fim do segundo milênio com gravação de Cássia Eller mas, dessa vez, tem uma força diferente vindo da intérprete, uma força de 90 anos de luta. A canção ainda conta com um belíssimo videoclipe repleto de fotos da cantora e com a letra nas manchetes do jornal. Elza Soares é resistência e acerta em cheio tudo aquilo que se propõe a fazer. Nós é o primeiro lançamento musical da carioca em 2021 e prepara o campo para brilhantes trabalhos durante o ano. – Ana Júlia Trevisan 

Ashe e FINNEAS – Till Forever Falls Apart

Em março, completamos um ano de quarentena. Um ano trancados em nosso isolamento e tendo nas artes o principal amparo. Em meio a tantas emoções intensas, a música ganhou novos patamares conseguindo imprimir todo esse drama em melodias embaladas solenemente. E é desse caos controlado e dos gritos modulados que Ashe e FINNEAS entregam Till Forever Falls Apart, como uma trilha de sensações exorbitantes que nos submergem na intensidade de sua composição.

A cantora que ganhou destaque depois de sua participação na trilha de Para Todos Os Garotos: P.S. Ainda Amo Você, mostra ser muito mais do que apenas uma one-hit wonder ao se juntar a FINNEAS, que aos poucos vem perdendo o cargo de “irmão da Billie Eilish” para traçar seu próprio legado. E se não bastasse todo o poder emocional que melodia e letra transmitem, o single veio acompanhado de um clipe igualmente melancólico e belo. A fotografia apagada em contraste com os tons amarelados e azulados criam uma atmosfera cinematográfica que nos impede de piscar enquanto o assistimos.

Talvez seja muita pretensão colocar a canção, bem como todos seus elementos visuais e sonoros, no mesmo patamar de grandes obras milenares. Mas de que outra forma teríamos de classificar Till Forever Falls Apart senão como um exemplo cru e óbvio de excelência artística? O single, que merecia um lugar em museus de todo o mundo, é a evocação do poder que a música tem sobre nós. – Ana Laura Ferreira

Foxes – Kathleen

Em abril, a britânica Louisa Rose Allen, conhecida pelo nome artístico Foxes, quebra seu hiato com o lançamento do EP Friends in the Corner, seu primeiro disco desde 2016. Ele reúne todos os singles lançados desde a volta da cantora ao cenário do pop em 2020, incluindo o recém-lançado Kathleen. Inspirado em uma conversa que ela teve com sua avó, Kathleen Allen, a música é uma homenagem simples e melódica à ela.

Apesar de começar com versos simples e diretos, um refrão breve e energético revela as raízes pop da artista, que repete animadamente as palavras de Kathleen sobre amor, término e a não se prender ao passado. Foxes usa as mesmas técnicas dos últimos singles para criar composições que não necessariamente se distanciam de seus trabalhos anteriores, mas que parecem dar outro tom às suas canções.

O videoclipe de Kathleen acompanha bem as palavras da musicista, mostrando uma bela dança de balé que traduz visualmente o diálogo na letra e a admiração da cantora por essa figura que claramente significa tanto para ela. Apesar do ritmo acabar se tornando repetitivo na parte final, há uma bela inserção do áudio original da conversa que consegue terminar belamente essa homenagem. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Urias – Foi Mal

Urias já foi modelo, drag queen, assistente pessoal de Pabllo Vittar e agora é artista musical. No final de 2019, a mineira de 25 anos estreou na cena pop nacional através do EP homônimo, já se consagrando como uma promessa de sucesso pelo seu estilo único e inovador, e assim ela segue em seu novo single. Imersa na sonoridade da música brasileira dos anos 90, Foi Mal é uma nova faceta de Urias, que até então conhecida pela sua atitude e poder, agora faz um desabafo íntimo e vulnerável sobre as dores e delícias do fim de um amor ruim.

Seu glamour característico, no entanto, não é sufocado pelo sofrimento. Foi Mal pode até soar melodramático – e isso não é necessariamente um defeito, vale destacar -, mas Urias vive a fossa como uma exímia diva no videoclipe charmoso da canção. Com produção da Brabo Muisc Team – assinatura comum em grandes sucessos do pop brasileiro que surgem na voz de Anitta, Iza e Luísa Sonza -, o single é poderoso na profundidade do eu-lírico da artista e prepara o terreno para seu novo e primeiro disco, que deve ser lançado ainda no primeiro semestre de 2021. – Raquel Dutra

Bebe Rexha – Sacrifice

Elevando os patamares de femme fatale para sua proposta mais literal possível, Sacrifice entrega as batidas agitadas do fim dos anos 1990 e início dos 2000 com uma roupagem própria que mostra a influência das grandes divas da época, como Christina Aguilera, sem perder personalidade. Bebe Rexha sabe como contrastar sua voz particular com um ritmo agitado próprio para as festas pós-pandemia. Entretanto, toda essa estética baseada no sobrenatural que cerca a canção é apenas uma roupagem que esconde sua mesmice.

Com um clipe empolgante e visualmente bonito, Sacrifice na verdade se mantém na mesma temática, ritmo e sonoridade de tantas outras produções anteriores da cantora. Entrando em um ciclo vicioso, Rexha cria expectativas monumentais que são quebradas com músicas que passam aquela sensação de “já escutei isso antes”. O que torna tudo mais triste é saber do poder e da potência da cantora, que tem qualidades mais do que suficientes para entregar produções monumentais, mas se mantém na segurança de sua estagnação. – Ana Laura Ferreira

ROSÉ – On The Ground  

Atingindo o novo recorde de artista solo de k-pop com mais visualizações no YouTube, em seu primeiro projeto a parte do grupo BLACKPINK, ROSÉ obteve aproximadamente 42 milhões de views no período de 24 horas pós-lançamento de seu single On The Ground. O sucesso de sua composição é mais uma conquista para a carreira da cantora neozelandesa, que agora investiu em um projeto individual, paralelo ao seu trabalho como integrante de uma das girl group de k-pop mais famosas da indústria musical até o momento.

Alcançando tanto sucesso, percebemos que toda a dedicação de ROSÉ em seu primeiro single álbum está sendo compensada tanto a ela, quanto também para nós, admiradores do grupo e suas integrantes. O debut solo R, contém duas faixas, Gone e On The Ground, uma canção sobre amadurecimento, amores e desilusões, que já chegou aclamada com um clipe que intercala entre explosões e campos floridos. Além de uma produção audiovisual impecável, essa música é uma demonstração do potencial da artista, que deixou todos nós ansiosos para saber quais serão os próximos passos de sua carreira. – Gabriel Brito de Souza

Kylie Minogue, Dua Lipa e Initial Talk (Studio 2054) – Real Groove Remix 

A sensação reconfortante da nostalgia pode ser por vezes traiçoeira, pois nos cega de comodidade enquanto aproveita para reproduzir em uma mesmice desnecessária. Entretanto, não é isso que acontece no remix de Real Groove. Kylie Minogue traz toda a sua estética sonora, que se consolida a anos, com uma nova pitada de frescor ao lado da mais recente ganhadora do Grammy de Melhor Álbum Pop Vocal, Dua Lipa, tendo como bônus o nome de Initial Talk no time.

Intensa é a melhor palavra para definir essa música que é empolgante e ao mesmo tempo saudosa. As tradicionais batidas oitentistas de Minogue se misturam com o tecnopop dos anos 90 e com todo o respiro de inspiração que vimos surgir em 2020 com nomes como The Weeknd e a própria Lipa. Tudo se torna ainda mais gratificante de se escutar nessa, que é a segunda versão do remix, por trazer ainda mais inovação e distinção a uma canção que já era, por si só, imponente. – Ana Laura Ferreira

Jão – AMOR PIRATA  

O cantor Jão, que não possuía novas músicas desde 2019, parece que chegou neste ano com sua nova era. Coringa, lançada em fevereiro, foi o pontapé inicial, e em março, AMOR PIRATA vem para acrescentar no repertório do paulista. As composições destes novos trabalhos parecem casar e não fogem de um amor mais desapegado. Jão sofre mais uma vez, mas agora parece estar aproveitando algum lado positivo dessa história. Com uma letra e uma melodia alegre, ele pode alcançar lugares diferentes com essas novas canções. 

O cantor lançou também um clipe que possui uma vibe que se conecta muito bem com a melodia. O vídeo apresenta o Jão como um marinheiro que é encantado por uma sereia e levado ao fundo do mar. Com isso, o nome da música revela um duplo sentido. Um que se conecta com a letra e o outro com a história retratada no clipe. Com esses novos trabalhos, a gente não se apaixona por Jão só na sexta-feira. – Ana Beatriz Rodrigues

Silk Sonic, Bruno Mars e Anderson .Paak – Leave the Door Open

Quando se trata da indústria da música muito se fala sobre renovação, criação de eras e reinvenções constantes. Artistas como Taylor Swift, Lady Gaga e Beyoncé ilustram magnificamente cada uma de suas fases criando estéticas próprias e singulares, sempre trazendo novidades por vezes inimagináveis, afinal, quem se quer sonhou que Swift passaria de Lover para folklore em tão pouco tempo? Contudo, essa pressão da indústria que pede por recriações se restringe apenas às musicistas, que são taxadas de “folgadas” ou “sem graça” quando ousam reutilizar um estilo, enquanto músicos, como Bruno Mars, são aclamados como inovadores ao entregarem mais do mesmo.

Leave the Door Open é suave, gostosa de se escutar e um tanto cativante, isso não podemos negar. Mas onde está a inovação? Não seria essa apenas uma réplica barata de canções já entregues pelo cantor? Isso definitivamente não precisaria ser um problema caso sua aprovação pela crítica não fosse embasada em uma suposta revolução no som de Mars.

Empregando uma estética visual e sonora que data do fim da década de 70 e início da de 80, o músico decepciona em seu tão aguardado comeback, ao lado de .Paak e Silk Sonic. O que nos resta agora é aguardar pelo mais novo álbum do cantor, prometido para os próximos meses, e torcer para que o primeiro single seja apenas um desvio de sua criatividade. Sabemos do potencial de Bruno e por isso rezamos para que ele seja usado. – Ana Laura Ferreira

Aly & AJ – Pretty Places

Com o lançamento do novo álbum a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se aproximando, o duo pop Aly & AJ revelou seu terceiro single no início de março. Pretty Places, que chega após as batidas românticas de Slow Dancing e do pop rock 2000 de Listen!!!, complementa os ritmos ecléticos do novo disco das irmãs Michalka. Inspirado pelo rock dos anos 60 e 70, Pretty Places captura a sensação de uma road trip através das planícies californianas que as irmãs chamam de lar.

O violão é o instrumento mais marcante da nova faixa, ecoando o ritmo e o compasso do country rock americano, deixando claro que o novo ciclo delas é pautado na diversidade de estilos musicais. Apesar do recente sucesso da regravação explícita de Potential Breakup Song, as duas já confirmaram não querer repetir seus sucessos, optando por aumentar cada vez mais seu repertório instrumental e se manterem fiéis às suas letras.

O sentimento é de sair em busca de novos começos e deixar o passado para trás: “Todos os lugares lindos/Nos tiram de onde a dor está/Esse céu aberto/Deixando o passado para trás/Eu iria, por todos os lugares lindos”. O videoclipe que acompanha a música reflete esses temas em sua estética, mostrando elas viajando num conversível enquanto a melodia country dá ritmo às suas experiências. Descrita pelo próprio duo como “a música que elas mais gostaram de ter escrito”, Pretty Places é um ode às grandes e simples jornadas que fazemos em busca da felicidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Convidada mais que especial, Maria Rita fez a festa no Quintal dos Prettos (Foto: Reprodução)

Quintal dos Prettos e Maria Rita – Num Corpo Só / Coração em Desalinho (Ao Vivo)

O Quintal dos Prettos é um roda de samba na qual, diga-se de passagem, é um dos primeiros lugares que pretendo ir pós-vacina. Um dos melhores pagodes de São Paulo, o quintal mantém o formato clássico das rodas acústicas, referenciando grandes nomes da música brasileira. Em 2019, os irmãos Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira convidaram Maria Rita, Emicida, Arlindinho e Salgadinho para esquentar a tarde fria de São Paulo com a gravação de um DVD no Maria Zélia.

Esse mês foi disponibilizado nas plataformas digitais a gravação feita em participação da grandiosa Maria Rita. O single é a junção de dois grandes clássicos na voz da cantora: Num Corpo Só / Coração em Desalinho. A primeira é composição de um dos maiores mestres do samba, Arlindo Cruz, e acompanha Maria desde seu primeiro disco de samba, o Samba Meu. A segunda já foi trilha de novela e é composta por Monarco, baluarte da Portela que é a escola de coração da cantora. 

A emoção da gravação está na voz do povo. Maria Rita puxa Num Corpo Só / Coração em Desalinho sem fazer o uso de microfone, tendo seu vocal abafado pelo calor do público. A  cantora, que é dona da voz mais potente do Brasil, mostra sua forte presença de palco enquanto se diverte com a cantoria da roda. O single é produzido levando a ferro e fogo o ditado repetido por Maria em todo show: “A voz do povo é a voz de Deus”. – Ana Júlia Trevisan

Maroon 5 e Megan Thee Stallion – Beautiful Mistakes

Não é sempre que bons artistas entregam boas músicas, e esse é o caso do mais novo single do Maroon 5, Beautiful Mistakes, em parceria com Megan Thee Stallion. A canção chiclete, que parece mais o resgate de um pop dos anos 2000 negado pela banda em oportunidades anteriores, irrita com suas batidas genéricas e enjoativas. Talvez a melhor forma de nos referirmos a essa música é como preguiçosa, afinal, repetir incansavelmente os mesmos três beats não é sinônimo de grandes produções.

E se já não bastasse a escolha duvidosa, o clipe que acompanha o single é a cereja desse bolo que nos dá náuseas. No mínimo estranha, a escolha por uma estética psicodélica acabou por cair na breguice. Nem mesmo a voz aveludada de Adam Levine, que parece melhorar com o tempo, ou o rap recitado pela maravilhosa Stallion conseguem salvar a produção. A combinação dos timbres é interessante, se encaixa como luva e, definitivamente, merecia mais do que a bizarrice de Beautiful Mistakes. – Ana Laura Ferreira

No Rome, Charli XCX e The 1975 – Spinning

Não tem ninguém que goste tanto de trabalhar na pandemia quanto Charli XCX (ok, talvez apenas Taylor Swift). A bola da vez é a formação de um supergrupo, ao lado de seus amigos do The 1975 e de No Rome. Ao que parece, o projeto gerará um álbum de estúdio completo e cheio das milhões de influências e peculiaridades de cada um dos artistas. O tira-gosto é Spinning, onde Matty Healy e Charli dividem os vocais, deixando No Rome no comando da mesa de som, e os meninos da banda ao fundo. 

A faixa não é inspiradora, irreverente ou propriamente refrescante. A união destes 3 talentos pode ensurdecer pelo barulho excessivo e a criatividade aflorada, e o material disponível é aquém das expectativas. Healy e Charli parecem distantes demais do microfone, e os instrumentos engolem suas belas vozes britânicas. Em formato animado pelo isolamento social, o clipe não empolga. O supergrupo, ainda sem nome (mas será que vai ter nome?), tem mais coisas no forno. Dedos cruzados para ser melhor que Spinning. – Vitor Evangelista

Demi Lovato – Dancing With The Devil

Demi Lovato teve seu comeback. Dancing With The Devil, homônimo do documentário da cantora, é uma canção que reflete a dor que ela sentiu no momento em que passou por uma overdose em 2018. A situação que quase levou a morte aconteceu 3 dias após a cantora escrever Anyone, a composição que marcou o retorno de Demi ao mundo da música no Grammy 2020.

A canção é uma carta aberta de dor da cantora e um relato reflexivo sobre como o mundo da música pode ser horrível. Nos seus 4 minutos de duração, a composição é chocante e extremamente comovente. Sem dúvidas do seu talento, Demi passa as suas emoções para essa produção com a sua voz que atravessa as barreiras de sentimentos. A realidade distorcida, citada na música, é, infelizmente a triste vivência de Lovato que não tínhamos ideia da dimensão. – Ana Beatriz Rodrigues

Taylor Swift e Maren Morris – You All Over Me (From The Vault) (Taylor’s Version)

Vem sendo meses realmente bons para os fãs de Taylor Swift, em especial para aqueles que se apaixonaram pela cantora ainda em seu começo de carreira. Retornando ao seu lado mais country, a musicista lançou a inédita You All Over Me, ao lado de Maren Morris. Essa, que é a primeira faixa inédita das 6 que irão compor a regravação do disco Fearless, resgata a sonoridade mais tradicional de Swift em moldes vocais atuais e bem mais maduros.

Seria fácil escutar essa canção ao lado de willow ou cardigan. Por mais que não tragam a mesma sonoridade, uma vez que as músicas dos últimos álbuns de Taylor puxem para uma pegada pop e folk, a mais recente canção consegue imprimir uma estética que dá continuidade a sua discografia, mudando mas nunca destoando de sua proposta. Assim como migrou aos poucos do country para a sonoridade que escutamos em Lover, agora vemos a mais recente vencedora do Álbum do Ano no Grammy retornando a suas origens também de forma gradual, nos encantando ainda mais, se é que isso é possível. – Ana Laura Ferreira

Lil Nas X – MONTERO (Call Me By Your Name)

Blasfêmia vende, e todo mundo sabe disso. Madonna já usou, Lady Gaga também, assim como muitos outros artistas. Mas desde o início dos anos 2010, fazia tempo que alguém não utilizava do artifício com tanto primor, e gerava tamanho estardalhaço. Talvez Gaga saturou a heresia e demorou uns 10 anos para as pessoas se chocarem novamente? Ou a geração TikToker nem lembra de Alejandro e Judas, e quem dirá Like a Prayer? Não dá para saber. A verdade é que Lil Nas X além de saber escrever boas canções, é um gênio do marketing. Sua própria carreira surgiu dos memes: ele colocava Old Town Road em vídeos engraçados e espalhava nas redes sociais, e a música estourou após o ‘yeehaw challenge’ no Tico e Teco.

A antecipadíssima MONTERO (Call Me By Your Name) cumpriu totalmente sua promessa. Anunciada meses atrás por Nas e tendo seu lançamento enrolado ao máximo para gerar hype, fez valer a espera. Deixando o clipe de lado, vemos aqui mais uma vez o talento do artista com palavras e melodias, e sua força como cantor negro e gay, uma raridade no pop e mais ainda no rap. Para os que achavam que Old Town Road seria sua coroação como one-hit wonder, MONTERO prova exatamente o contrário. – Jho Brunhara

Clipes

Doja Cat – Streets  

Além da sua recente performance como uma das atrações do Grammy Awards 2021, a rapper norte-americana Doja Cat tem alavancado sua carreira cada vez mais com seus hits de sucesso no TikTok, como é o caso da música Streets, de seu último álbum, Hot Pink. Próximo de sua apresentação em uma das maiores premiações musicais do mundo, a cantora lançou o tão esperado clipe da faixa, depois do hype que a composição recebeu através do ‘silhouette challenge’, que invadiu as redes sociais nos últimos meses, além dos muitos pedidos de seus seguidores.

A nova produção audiovisual da artista inicia com a mesma, como um manequim na vitrine de uma loja em frente a uma rua congestionada, mas que ao decorrer da cena e a forma como o outro personagem a observa muda totalmente o clima da história. A transição de um ritmo instrumental para uma mistura de pop eletrônico e R&B, torna a música, junto a cena, em um ritmo mais sensual e atraente que nos cativa a continuarmos envolvidos pelo encanto de Doja Cat. Esse mais atual lançamento é um presente ao olhos e ouvidos dos amantes de seus trabalhos, além de um mimo para seu aclamado álbum, Hot Pink. – Gabriel Brito de Souza

SZA – Good Days

Lançada no dia de Natal de 2020, aniversário da falecida avó da cantora, Good Days fez muito mais sucesso do que SZA ou sua gravadora inicialmente projetaram. Tanto que o clipe só veio agora, meses depois da chegada da faixa. Cantando sobre as expectativas colocadas em si mesma, a artista é menos pontiaguda do que vimo-nas ser no debut, mas as composições elevam o grau de qualquer inspiração mundana ou simplória.

O clipe, dirigido pela própria, assinando como Solana, mistura o lúdico com a dança. Deslumbrada pelo mundo dos sonhos, SZA se move ao som de seus pensamentos e motivações, ela desliza num pole dance na biblioteca. Explorando cada vez mais sua gama de talentos, a artista finaliza Good Days com um trecho de Shirt, próximo single da era. Anuncia o CD logo, SZA, tem criança doente esperando aqui! – Vitor Evangelista

Miley Cyrus – Angels Like You

Miley Cyrus fez de seu novo clipe um meio para reforçar a mensagem mais importante do momento. O lançamento do mês da artista é o vídeo da graciosa Angels Like You, novo single de seu álbum mais recente, Plastic Hearts. Entre o rock e o country, a música é sua casa perfeita, e Cyrus usa seu espaço para rolar no gramado, expressar a saudade que sente de viver a música ao vivo, enaltecer o trabalho de quem enfrentou a pandemia na linha de frente e reforçar a importância da prevenção à doença e da vacinação.

Co-dirigido pela própria, o vídeo não abusa da sorte em tempos pandêmicos e aproveita as gravações da apresentação que Miley fez no pré-show do SuperBowl 2021 para uma plateia de profissionais da saúde já vacinados contra a covid-19. É claro que o vídeo é pouco para quem já nos entregou obras icônicas como Wrecking Ball, mas, contextualizando a situação atual que é muito mais importante que qualquer capricho, Cyrus acerta em cheio mais uma vez ao honrar os verdadeiros anjos dos últimos doze meses. – Raquel Dutra

Kali Uchis – telepatía

A pandemia limitou os recursos, mas despertou o senso de exploração de novos talentos, e colocou Kali Uchis para dirigir o clipe de telepatía, destaque máximo de Sin Miedo, o álbum em espanhol que saiu meses atrás mas continua fresco e cheio de sensualidade. Com o sucesso da faixa no TikTok, Kali resolveu capitalizar ainda mais em cima da canção, e o resultado final é digno de seus trabalhos anteriores.

Respeitando o núcleo da música (a falta de contato humano) e o isolamento social, a colombiana espreme o suco do desejo sexy, nunca tocando seu objeto de afeto e fantasia. O sentimento é transmitido pelo filtro açucarado do vídeo, pelos takes de Uchis honrando um cabaré latino e pelos próprios figurinos provocantes da cantora. – Vitor Evangelista

Performances

Justin Bieber no Tiny Desk

O que Justin Bieber faz deveria ser crime. É tortura o que se sente ao ouvir os últimos registros sonoros do artista conhecendo seu potencial enquanto musicista. No ao vivo, Justin voa. Interpretação, arranjo, repertório… Tudo se transforma em ouro quando ele se entrega e sente prazer no que está fazendo. Um pouco disso é recuperado em seu álbum recém-lançado, Justice, e tudo é provado em sua apresentação no Tiny Desk, que traz versões ao vivo das principais canções do disco. 

Ele começa brando, com a bateria – sempre um de seus instrumentos favoritos – flutuando no hino de Holy e acompanhando as melodias de sua voz, limpa e equilibrada. Em seguida, somos presenteados com uma versão maravilhosa de Peaches, seu novo single que já se destaca dentre a tracklist do álbum. Na performance, o hit se transforma num R&B delicioso – muito longe do que ele fez em Changes – liderado pelos teclados de Bieber, que ainda protagonizam um jamming com um toque de jazz junto dos outros instrumentos de sua ‘banda incrível’, como ele mesmo elogia.

Uma das melhores faixas de Justice se transforma em algo ainda melhor na versão que ele apresenta no Tiny Desk. Iniciada como um pop acústico, Hold On cresce em direção a um rock perfeito para cantar bem alto num festival de música. O mesmo é com Anyone, que encerra com louvor os melhores 15 minutos de Justin Bieber em anos. Ficamos aqui, esperando que ele encontre o caminho maravilhoso que está bem debaixo de seu nariz e entenda que nasceu para fazer aquilo, exatamente daquele jeito. E boa parte dos mais de 11 mil comentário do vídeo concordam comigo. – Raquel Dutra

Harry Styles no Grammy 2021

Responsável por abrir o Grammy de 2021 com sua voz, Harry Styles performou, novamente, a canção Watermelon Sugar, que mais tarde venceu a categoria de Melhor Performance Solo de Pop na noite. No mínimo peculiar, a apresentação chamou a atenção por ir contra as últimas aparições do cantor. Apresentando uma versão muito mais sensual do single, com pitadas bem dosadas de jazz, Styles conseguiu dar uma cara nova ao hit chiclete.

Se apoiando em uma estética glam rock à la Freddie Mercury, sua roupa de couro e o boá de plumas verdes foram o real destaque. Mesmo com o desgaste que a música de seu mais recente álbum, Fine Line, sofre, é inegável que algo diferente surgiu no palco da premiação. Claro que preferíamos ter escutado outra das inúmeras canções de Styles, mas para não chorar pelo que nunca teremos, é mais vantajoso aproveitar o frescor dessa performance que foi no mínimo icônica.  – Ana Laura Ferreira