Guilherme Dias Siqueira

Quando se fala em adaptações de quadrinhos logo nos vem à cabeça grandes produções de Hollywood sobre super-heróis vestidos em roupas coloridas e muita ação. Mas isso é uma fração da verdadeira diversidade dos quadrinhos, que não só cobrem uma variedade de temas e estilos, como também de culturas e subtextos regionais. No contexto latino-americano, uma riqueza de obras permanece vastamente inexplorada pela maior parte do público. Um desses materiais, talvez o mais importante de todos, foi retirado dessa semi-escuridão pela Netflix este ano: O Eternauta, a obra-prima de Héctor Germán Oesterheld e Francisco Solano Lopes.

Em meio ao verão argentino, um grupo de amigos se encontram para jogar baralho em uma casa de Buenos Aires. A tradição que eles cultivam a anos tem sua monotonia quebrada por um evento climático inesperado, uma nevasca chega sorrateiramente e começa a matar instantaneamente qualquer um que a toque. Liderados por Juan Salvo (Ricardo Darín), o grupo precisa se livrar das desconfianças vindas de uma amizade antiga, porém não tão profunda, para sobreviver e descobrir o real contexto desse apocalipse.

A fonte da qual se adapta a série não vem de um subgênero extremamente alternativo e revolucionário. Na verdade, o cenário base para O Eternauta, uma invasão alienígena, se insere nos contextos basilares da ficção científica desde o século XIX. Mesmo com obras como A Guerra Dos Mundos de H.G. Wells existindo no cânone do gênero desde os anos 1890, Oesterheld fundou em seu trabalho conceitos antes inéditos ou não tão presentes nesse tipo de quadrinho. Talvez o mais importante desses conceitos, ‘o herói coletivo’, se mantém como pedra fundamental na versão da Netflix. 

Os protagonistas da série não possuem nenhuma habilidade especial de fato. Nenhum deles tem, individualmente, qualquer controle ou poder sobre a situação, como é comum em histórias clássicas de heróis. Somente como grupo eles encontram as soluções das quais precisam. O roteiro é muito ágil em demonstrar diversas situações em que um ou mais personagens se encontram em situações intransponíveis, inclusive de quase morte, que só são superadas com a ajuda de outros.

Outro aspecto que a série traz a vida com maestria é a atmosfera gráfica. A direção de Bruno Stagnaro consegue adaptar a arte do desenhista Francisco Solano Lopes de forma fria e seca. O cenário de desolação do mundo exterior contrasta com a sensação de claustrofobia sempre constante nos refúgios em que os personagens se protegem da neve. Isso também impacta em algo fundamental para qualquer obra pós-apocalíptica: a transformação de ambientes cotidianos nas ruínas da civilização que colapsou. Igrejas, escolas, farmácias, vagões de trem, formas comuns do dia-a-dia de qualquer pessoa, são transformados em escombros e vestígios do que um dia foram.

O roteiro é mais discreto nos comentários políticos. Oesterheld carrega uma das histórias mais trágicas oriundas da violentíssima ditadura militar argentina, suas dores, medos e indignações permeiam sua obra constantemente. Entre junho de 1976 e dezembro de 1977 suas quatro filhas, Beatriz, Diana, Marina e Estela, foram sequestradas, desaparecidas e assassinadas pelo regime sanguinário, do qual o próprio HGO seria vítima. Oesterheld desapareceu no mesmo período, de sua família só sobreviveram sua esposa e seus dois netos, que se tornaram órfãos antes de completarem 4 anos.

Desde sua primeira versão, o quadrinho tinha tons explícitos de crítica ao imperialismo, ao capitalismo e ao autoritarismo presentes nas sociedades latino-americanas. A série, por sua vez, é mais sutil, mas usa como artifício algo mais contemporâneo — a guerra das Malvinas — não só para reforçar o tom sócio-político, como também um desenvolvimento pessoal fundamental aos personagens já que vários deles são veteranos do conflito.

Esses traumas se tornam ainda mais vividos graças ao elenco estrelado, o Juan Salvo de Ricardo Darín tem todas as notas certas. O ator não decepciona a expectativa criada em torno do seu nível de astro internacional, conquistado após filmes como Argentina, 1985 (2022). Outro destaque é o uruguaio César Troncoso, seu personagem Tano tem um papel fundamental na trama como uma pessoa egoísta que aos poucos precisa se livrar do individualismo para garantir que todos sobrevivam.

O Eternauta é mais uma adaptação literária de grande qualidade da Netflix, depois de Cem Anos de Solidão (2024), baseada no livro homônimo de Gabriel Garcia Márquez e de Ripley (2024), baseada na obra de Patricia Highsmith. O seriado revela que, mesmo com toda a disputa pela atenção e concentração dos telespectadores, ainda há espaço para produções densas e deslocadas do eixo América do Norte/Europa nos serviços de streaming. 

https://www.youtube.com/watch?v=95V9sqY80K8

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Jamily Rigonatto

Desde seu surgimento, a humanidade tenta se fazer eterna de alguma maneira. De registros em paredes de cavernas a imagens perfeitamente impressas em papel filme, o objetivo é tentar manter um dos bens imateriais mais importantes vivo: a memória. No longa-metragem A Procura de Martina, exibido na seção Mostra Brasil da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, isso é amplificado com uma viagem particular pela lembrança que se universaliza para milhares de outras pessoas.

Protagonizado por Martina (Mercedes Morán), o filme conta a história da viúva que carrega uma cicatriz traumática: a perda de uma filha durante a Ditadura Argentina. A jovem militante foi assassinada, mas antes, teve um filho dentro de um cativeiro. O bebê foi levado pelos militares e criado em uma das famílias, perdendo qualquer chance de laço afetivo com a família biológica.

Com esse fio solto desatando as pontas de sua história, a personagem viveu uma vida de flashbacks acompanhados pelo desejo de encontrar o neto. No entanto, a narrativa caminha como a vida, em linhas tortas, e a mulher só recebe notícias do possível paradeiro do familiar quando trava uma luta interna com sua própria identidade ao receber um diagnóstico de Alzheimer. Apostando na última chance, Martina parte para o Brasil para tentar materializar o encontro.

Colaboração entre Brasil e Uruguai, a obra assinada por Márcia Faria é sensível ao nível máximo, com diversos momentos contemplativos em que a escolha são imagens que expressam mais elementos que as próprias falas emitidas pelo elenco. Ao encarar o Rio de Janeiro com seus próprios olhos, Martina exala esperança ao mesmo tempo em que o temor se faz palpável.

A falta de diálogos deixa uma sensação mista. Em partes, o telespectador sente um certo buraco, com a falta de contexto sobre o momento temporal, história e retratos escolhidos pela narrativa. De outro ponto de vista, isso cria uma sensação de reconhecimento quanto aos relatos, afinal, o cenário de viver uma ditadura com repressão, assassinatos e movimentação social, infelizmente, não é exclusividade de um país da América Latina.

No meio disso, o Alzheimer se insere de forma pontual no roteiro de Gabriela Amaral Almeida e Márcia Faria. A doença degenerativa é tratada com delicadeza e um visível estudo acerca dos comportamentos que rodeiam pessoas afetadas por ela. Em um enredo tão focado no resgate como é A Procura de Martina, fica impossível não ser tomado pela angústia que envolve a fragilidade da lembrança; o quanto, por mais tentativas que tenham, é impossível assegurar a integridade do testemunho. 

Essa situação quase irônica acompanha a totalidade da produção que, muitas vezes, se calça em contrapontos. Extremos que se complementam tomam posse da sequência de acontecimentos, à exemplo de: juventude e velhice; presente e passado; esperança e desilusão… Efeitos tão inerentes à existência que, quando colocados em tela, expõem uma estranheza rotineira. Assim, frequentemente, a obra causa a sensação de algo já visto antes; parece não haver tanta novidade.

Não é como se isso pudesse ser lido como uma crítica. Pelo menos não uma direcionada ao produto cinematográfico. A realidade é única: catástrofes, vidas perdidas, rivalidade sem humanidade e tudo mais que define uma ditadura se normalizaram no que é chamado sociedade contemporânea. Tal denúncia acaba presente nas entrelinhas desta e de outras produções que trazem o tema à tona.

Cabe desmembrar elogios a dois aspectos da obra: atuação e cinematografia. Com Morán em primeiro plano, uma extensão de emoções, fisionomia e gestos estampam a tela de uma maneira extremamente singular. A atriz emociona no silêncio e faz qualquer frame valer a pena. As companheiras de cenas, Adriana Aizemberg e Carla Ribas, também exalam momentos marcantes, seja com a comicidade de uma ou com a dramaticidade da outra.

Já na Fotografia, coordenada por Léo Bittencourt, as cenas são leves e trazem um jogo de luz muito interessante para representar aspectos mais emocionais da produção. Os planos focados nas feições valorizam o ponto subjetivo e o caráter humano do longa, estabelecendo uma conexão entre personagens e público. Além disso, algo na captação torna o registro atemporal, como se pudesse ser descrito como passado, presente e futuro.

Ao final, sobram questionamentos sobre como um filme tão familiar rememora uma ferida de décadas. Cabe questionar a nós mesmos enquanto pessoas em que momento uma dor tão imensurável se tornou parte do simples cotidiano, capaz de se camuflar no dia a dia. Em meio a fragmentos de uma vida que representa muitas, A Procura de Martina não é uma jornada solo.  

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Henrique Marinhos

As Primas é um romance de formação, que narra a irmandade das primas Yuna, Petra e Carina, que crescem em uma família disfuncional e marginalizada na cidade argentina de La Plata, nos anos 1940. Publicada originalmente em 2007, quando Aurora Venturini tinha 85 anos, a obra recebeu vários prêmios literários na Argentina e no exterior. Destacando-se pela linguagem radical e excêntrica, que mistura diferentes registros, gírias, estrangeirismos, neologismos, erros gramaticais e ortográficos, criando um estilo único, original e cativante, o trabalho foi a leitura do Clube do Livro do Persona em Março de 2023.

Explorando os limites da narração nas questões de gênero e classe, a autora mostra as contradições e as injustiças da sociedade argentina da época. As personagens femininas são o centro da obra, retratadas como seres marginalizados, oprimidos e violentados pela sociedade patriarcal e machista. No entanto, elas também demonstram uma força e resistência admiráveis nas situações mais perversas e desconfortáveis. Não se conformam com o destino que lhes foi imposto e buscam formas de se expressar e de se afirmar com suas armas, sejam elas a Arte, a astúcia, a rebeldia ou a vingança.

Um aspecto interessante de Las primas (no original) é a forma como a autora constrói suas personagens femininas. As primas Yuna Riglos e Petra, assim como as outras mulheres da família, sofrem com a pobreza, a ignorância, a exploração, o abuso e a discriminação devido às suas deficiências físicas ou mentais. Mesmo vitimadas pelos próprios familiares, que as tratam com desprezo, indiferença e crueldade, elas mantém a potência e singularidade em toda a narrativa.

Eu era uma menina diferente das outras porque tinha nascido com um defeito na cabeça que me fazia ter dificuldade para falar e entender as coisas. Por isso as pessoas me olhavam com pena ou com nojo. Mas eu não me importava com isso. Eu sabia que eu era especial e que tinha um dom para a pintura. Eu pintava coisas lindas que ninguém mais podia ver” (p. 13).

A obra, que chegou ao Brasil em Setembro de 2022 pela editora Fósforo, provoca estranheza, piedade, repulsa e riso, mas também admiração pela maestria narrativa de Venturini. No livro, a autora cria um universo ficcional rico em detalhes, que revela contradições e injustiças, ao mesmo tempo que nos transporta àquela realidade. Com a ambiguidade de suas dores e principalmente humor, a trajetória de Yuna é contada desde a infância até a idade adulta, passando por episódios trágicos e cômicos que envolvem sua mãe, sua irmã, suas primas, seus tios e seus amores.

Em alguns aspectos temáticos, estilísticos e culturais, é possível relacionar a obra de Aurora Venturini com a de Pedro Almodóvar, um dos mais influentes e originais cineastas contemporâneos. O diretor espanhol é conhecido por filmes que abordam o amor, o desejo, a identidade, a sexualidade e  a família, com um estilo marcado pela estética colorida, pelo humor ácido e pela ironia. 

As semelhanças ocorrem, principalmente, através da presença de personagens femininas fortes, complexas e marginalizadas, que questionam os limites das convenções sociais. Expressando-se através de uma linguagem radical, Venturini usa a ironia ácida e a violência como forma de lidar com as situações trágicas e cômicas atribuídas às personagens.

A tradução de Mariana Sanchez é sensível e precisa, captando o tom irônico e sarcástico da voz original de Yuna, que oscila entre a inocência e a crueldade, entre a ternura e o desprezo. A tradutora também respeita as escolhas estilísticas da autora, que usa uma pontuação peculiar e um vocabulário rico em regionalismos e neologismos.

“Eu queria me chamar Maria, como a minha mãe, ou Nené, como a minha prima mais velha, que era linda e inteligente e tocava piano. Mas eu não podia escolher o meu nome e nem o meu rosto. Eu tinha que me conformar com o que me tinham dado”. Nesse trecho, pode-se observar como a tradutora preserva o estilo da autora argentina, que usa frases simples e diretas, sem muitas variações. Ela mantém, principalmente, o tom confessional e infantil da narradora, que se apresenta ao leitor com muita sinceridade.

A personalidade de Yuna, no entanto, é complexa e contraditória: ela tem uma sensibilidade e uma criatividade extraordinária, que a fazem pintar coisas lindas. Ainda assim, é inocente e ingênua, e não compreende bem o mundo ao seu redor. Ela é curiosa e ávida por aprender, usando o dicionário como fonte de conhecimento e expressão. A personagem também é sincera e direta, dizendo o que pensa sem filtros ou rodeios – uma pessoa forte e resistente, que não se deixa abater pelas adversidades e convenções de decoro. “Eu não gostava da minha prima Nené. Ela era gorda, feia e burra. Ela não sabia fazer nada direito. Ela só sabia tocar piano, mas isso não era arte de verdade” (p. 121).

Petra, por sua vez, é uma personagem ambígua e complexa, que oscila entre a crueldade e a solidariedade, amor e ódio, lealdade e traição. Ela é a principal antagonista de Yuna, mas também sua confidente e protetora. Petra se autodenomina liliputiane, um termo encontrado para se referir às pessoas pequenas como ela. Ela usa essa expressão como forma de se afirmar e de desafiar os preconceitos da sociedade. Petra é a principal responsável na influência dos pensamentos de Yuna acerca de política, religião, sexo e Arte. É Petra, inclusive, que ajuda Yuna a enfrentar os abusos e as violências que sofre na família e na escola.

As Primas se encerra com a consolidação de uma narradora singular e original criada por Aurora Venturini, que nos conta sua história desafiando as normas gramaticais e ortográficas. Yuna nos mostra seu próprio mundo de imperfeições e de diferenças, mas também de beleza e de esperança. Com essa voz inconfundível, Venturini nos apresenta um universo ficcional rico em detalhes, que revela as contradições e as injustiças da sociedade argentina – e não só.

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Clara Sganzerla

Viajamos, todos os dias, do passado ao futuro. Seja por meio de memórias, lembranças, fatos históricos ou até mesmo dentro de nossos planejamentos; desaparecemos em uma inércia pendular difícil de desvencilhar – nunca vivemos propriamente no presente. No entanto, a atriz brasileira Stella Rabello consegue parar por alguns momentos em algumas dessas duas realidades para ir em uma jornada que ultrapassa as fronteiras de nosso país, esbarrando em uma história sangrenta que, infelizmente, também nos pertence. Em Ana. Sem Título (2020), longa que integrou a Mostra Cinema é Direito do Persona no Sesc Bauru, a cineasta Lúcia Murat nos transporta para o passado latino-americano marcado pela ditadura militar, atrás, apenas, de uma resposta: onde está Ana? 

Definida como livre, talentosa, bonita e até mesmo perigosa, o grande mistério acerca da artista brasileira é o que nos envolve na trama. Através de uma metalinguagem muito bem feita, a sensação do telespectador é similar a estar fisicamente presente com a equipe de filmagem, apurando as poucas pistas que Ana nos deixou, na tentativa de montar um quebra-cabeça em que faltam muitas peças. Durante essa viagem, temos o prazer de conhecer a beleza de Cuba, México, Argentina e Chile pelos olhos do diretor de fotografia Léo Bittencourt, e ouvir até mesmo o som dos passarinhos através do trabalho da técnica de som Andressa Clain Neves.

Inspirado na exposição Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana, realizada na Pinacoteca de São Paulo, Ana. Sem Título é um mergulho em muitas questões, como o racismo, a opressão e o feminismo como forma revolucionária, mas destaca-se na maneira de retratar as cicatrizes ainda abertas que as ditaduras militares latinas deixaram. O olhar de Lúcia Murat, nesse contexto, é mais do que simbólico, principalmente pela sua trágica experiência como ex-presa política durante o regime militar brasileiro. O longa é, acima de tudo, um lembrete da importância de não nos esquecermos sobre um passado ainda tão recente.

E Ana? Criada para ser uma representação da mulher latino-americana artista das décadas de 1970 e 1980, através do roteiro da escritora Tatiana Salem Levy e da própria Murat, com atuação de Roberta Estrela D’Alva, a beleza da personagem mora exatamente no fato de que ela não é real. A narrativa criada em cima de seu desaparecimento, as cartas trocadas com outras artistas, a busca da equipe em solos estrangeiros para o documentário e todas as conversas sobre resistência, irmandade, liberdade e direitos, deixam a sensação de que Ana, mesmo com provas contrárias, existiu. O longa a eleva como uma entidade, aproveita-se do interesse natural do ser humano ao desconhecido para captar nossa atenção e nos enriquece com trocas reais sobre uma cultura tão complexa, rica e triste.

Através de filmagens em câmeras analógicas, fotografias em preto e branco e relatos em espanhol, conhecemos por meio de Ana a história de milhares de mulheres que gostariam de ter sido ouvidas mas que, infelizmente, já caíram no esquecimento. Ana. Sem Título é um resgate da importância de ouvir as gerações passadas, de valorizar nossa história, de apreciar a Arte nacional e de não nos esquecermos de, às vezes, olhar para trás.

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A trajetória de retomada dos eventos presenciais consolidou-se em 2022. Na recuperação do pós-pandemia da covid-19 – que não nos deixou, mas, em um alívio, permitiu o relaxamento de algumas medidas de proteção -, o Cinema viu seus ávidos fãs retornarem às salas de forma irrestrita. Desde o Oscar até a 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, os eventos da indústria cinematográfica internacional e brasileira também abraçaram a possibilidade da realização totalmente presencial, e deram alento àqueles que encontram conforto na pipoca quentinha e nas subidas rumo às poltronas aveludadas. 

Apenas no primeiro semestre do ano passado, o número de pessoas que compareceu aos cinemas presencialmente foi maior do que o contabilizado em 2021 inteiro, segundo levantamento da Agência Nacional do Cinema (Ancine). Apesar do retorno seguir lento e gradual, com expectativa de voltar a níveis normais e continuar a crescer em 2023, o restabelecimento do hábito também se refletiu no Melhores Filmes de 2022. Das 84 produções citadas no tradicional ranking anual do Persona, que reúne membros da Editoria e colaboradores, 42 estrearam ou passaram pelos circuitos brasileiros. Após um ano em que os streamings dominaram os grandes lançamentos, o cenário volta a se reequilibrar.

A união das redes de cinema às plataformas, porém, garantiu a diversidade da programação de 2022. A animação Pinóquio de Guillermo del Toro, o whodunnit Glass Onion: Um Mistério Knives Out, e os dramas Nada de Novo no Front, da Alemanha, e Argentina, 1985, da Argentina, foram alguns dos destacados pelos colaboradores, que os assistiram exclusivamente nos formatos digitais. Já os campeões de menções desse ranking, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Marte Um, estrearam nos cinemas e levaram os espectadores às salas.

Diferentemente do que aconteceu com lançamentos anteriores, a presença opressiva de grandes empresas, como Marvel e Disney, foi obrigada a dividir sua programação com produções mais diversas. Apesar de Batman, Pantera Negra: Wakanda Para Sempre e Doutor Estranho no Multiverso da Loucura conseguirem suas menções, foi o independente Aftersun que não saiu de cartaz (até o momento desta publicação), ultrapassando três meses nos cinemas nacionais. O sensível primeiro longa-metragem da diretora irlandesa Charlotte Wells aborda uma relação entre pai e filha, e chegou ao Brasil pela 46ª Mostra de SP.

Os gêneros das produções também refletiram diversidade. Os filmes de super-heróis tiveram sua vez e os de aventura também – Avatar: O Caminho da Água e Gato de Botas 2: O Último Pedido receberam boas indicações -, mas foram as produções de Terror que marcaram 2022. Com alguns ganhando grandes lançamentos no Cinema, como foi o caso de Pânico 5 e O Telefone Preto, e outros não surpreendentemente deixados de lado, como X – A Marca da Morte, Aterrorizante 2, Pearl, Até os ossos e Morte Morte Morte, as obras de gênero mereceram 15 nomeações como Melhores do Ano.

Elevando o número em relação ao ano passado, as produções dirigidas ou co-dirigidas por mulheres alcançaram a marca de 20 indicações – menos de ¼ do total. Já nas obras nacionais, a quantidade foi ainda mais negativa: dos 84 filmes citados, apenas 6 eram brasileiros, com destaques como Carvão, Regra 34, Eduardo e Mônica e A Mãe. Ao todo, foram citadas obras de 17 diferentes idiomas e nacionalidades.

E falando em nomeações, 22 títulos indicados ao Oscar 2023 também apareceram no ranking. Da categoria de Melhor Filme, que inclui apenas uma mulher indicada, apenas Entre Mulheres e Triângulo da Tristeza não foram mencionados aqui. Os Fabelmans, Elvis, Top Gun: Maverick e Os Banshees de Inisherin receberam múltiplas indicações. No Melhores Filmes de 2022 do Persona, você confere todas as obras destacadas pela nossa Editoria e colaboradores.

A Baleia (The Whale)

Somente quem é pai sabe quais são os verdadeiros obstáculos da paternidade e o filme A Baleia, roteirizado pelo escritor Samuel D. Hunter, cumpre bem esse brilhante trabalho. Neste drama psicológico, acompanhamos de perto a fragilidade de um pai que tenta se reconectar com a filha. Enfrentando problemas graves de saúde física e mental, Charlie (Brendan Fraser) é um professor de inglês que enfrenta cada dia como se fosse o último, em uma luta diária entre arrependimentos e manutenção de uma auto-estima completamente abalada. A única forma que ele encontra de mascarar seus problemas é através da compulsão alimentar, tópico bastante ressaltado na narrativa.

O trabalho de Samuel Hunter não é apenas voltado ao clichê ‘pai e filha que buscam uma reconciliação’. Neste drama, a história é centrada na profundidade que atravessa aquilo que é aparente. Os conflitos pessoais do protagonista fazem parte disso. Nas dificuldades que envolvem temáticas super sensíveis, mas nem sempre amplamente discutidas em nossa sociedade, como arrependimento, autodestruição, compulsão alimentar, paternidade e depressão. Como aflorar uma relação íntima e afetuosa que nunca existiu, de uma hora pra outra? Esse é o “x” da questão que permeia The Whale, que contou com a premiada atuação de Fraser e a excelente direção Darren Aronofsky.

Cotado pela crítica como candidato favorito ao Oscar de Melhor Ator, Brendan Fraser se destaca nessa obra para ter um merecido reconhecimento profissional. Ele, que revelou ter enfrentado problemas relacionados à depressão e assédio, avaliou que o papel de Charlie pode ser visto como um grande exemplo de superação para pessoas que passam por grandes traumas. – Gabriel Gomes Santana

A Fera do Mar (The Sea Beast)

A Fera do Mar nos faz perceber como ser sábio independe da idade, e que se pode aprender algo com qualquer situação ou pessoa. O filme é uma narrativa fluida e bastante rápida, ideal para dias em que se quer assistir algo leve, mas não tão banal. A animação carrega uma identidade genérica, mas há uma arte única no design das Feras, o que é um ponto alto no filme. Pode-se perceber o esforço dos artistas. Porém, depois de tantas animações da Disney preenchendo nossas vidas, em especial as em 3D, é difícil não pensar que há a tentativa de se equiparar a estas: não apenas há pontos em comum na estética, mas na narrativa, no desfecho e na complexidade das personagens. 

Ainda que hajam pontos que os distanciam, como a abordagem a certos preconceitos, coisa que a Disney não faz com frequência, há muito em comum. Mas as perguntas certas são: ela consegue nos transportar para aquele universo? E, se tem uma mensagem, ela é acessível à plateia? Nesse caso, sim. A Fera do Mar cria com sucesso seu próprio universo. Suas personagens reforçam os pensamentos de lá e tornam críveis a problemática a ser resolvida. A mensagem também é bem captada, mas o desfecho é genérico e pode entediar alguns espectadores. – Izadora Azevedo Albertini 

A Mãe

A força da figura materna é inspiradora. De histórias que as enaltecem a outras que tomam a maternidade como causalidade dos por quês de uma vida, as mães da ficção e da realidade movem produções. Batizado em homenagem à sua figura central, A Mãe traça o dia a dia de Maria (Marcélia Cartaxo) depois do desaparecimento do filho, Valdo (Dunstin Farias). O desespero e a tormenta da mãe das telas se estende para o espectador: a trama é angustiante no que os principais suspeitos pelo sumiço do jovem são os policiais locais – ainda mais atormentador é saber que a realidade não anda longe da ficção.

Na pele de Maria, Cartaxo entrega uma performance excruciante. Ela bate de porta em porta e roda as secretarias de desaparecidos e delegacias em busca do filho, sem sucesso. Moradora do bairro Jardim Romano, periferia de São Paulo, a presença opressiva da polícia torna os dias de ausência de Valdo um motivo de angústia ainda maior: a quem a Mãe recorre é justamente o responsável pelo sumiço do filho. Não há esperança para A Mãe. – Vitória Gomez

A Menina Silenciosa  (The Quiet Girl)

Sair da casa dos pais nunca é uma tarefa fácil, quem dirá para uma garota introvertida de nove anos de idade. Este é o drama retratado em A Menina Silenciosa, longa irlandês dirigido por Colm Bairéad que aborda a vida de Cait, uma criança extremamente observadora, inteligente e carente psicologicamente. A vida da personagem é intensa sob todos os aspectos, sobretudo, no momento em que é transferida para a casa de familiares que possuem melhores condições de renda. Escolhida para ser a protagonista do filme, a jovem atriz Catherine Clinch, de apenas 12 anos, demonstra um desempenho surpreendente neste que é seu primeiro trabalho no Cinema.

Uma narrativa que explora o início dos anos 1980, costumes conservadores e particularidades um tanto quanto tenebrosas da época são reveladas neste filme, que concorre ao prêmio de Melhor Filme Internacional no Oscar 2023. Essa é a primeira vez que um longa-metragem de língua irlandesa foi prestigiado no Festival de Berlim de 2022, sendo vencedor do Grande Prêmio do Júri Internacional da mostra Geração Kplus. – Gabriel Gomes Santana

A Mulher Rei (The Woman King)

Em A Mulher Rei, um dos mais poderosos reinos africanos, Daomé, possuía um destacamento militar inteiramente feminino – as poderosas Agojie – lideradas pela lendária general Nanisca, interpretada por ninguém menos que a multi-premiada Viola Davis. As guerreiras enfrentam uma guerra com o reino vizinho, o Império de Oyó, motivadas em acabar com o tráfico de pessoas escravizadas, financiado pelos países europeus. Cabe à general treinar as novas recrutas para garantir a independência da nação.

A Mulher Rei é um super épico! Dirigido por Gina Prince-Bythewood e protagonizado quase exclusivamente por mulheres negras, o que infelizmente ainda não é comum nos filmes de ação, o filme entrega combates e lutas eletrizantes e uma carga emocional arrebatadora. O longa não só nos prende como nos faz desejar por muito mais a cada minuto. Tudo isso, com um comentário político discreto, porém importante, que nos leva à reflexão sobre o imperialismo.  – Guilherme Dias Siqueira

A Voz do Empoderamento (Gangubai Kathiawadi)

Gangubai Kathiawadi não é um daqueles filmes que arrecadou milhões em bilheterias ou que ficou conhecido mundialmente, mas essa produção indiana não precisa disso para provar seu valor. Baseada na história da protagonista homônima, a narrativa apresenta Gangubai (Alia Bhatt), uma mulher que, em sua juventude, foi enganada e vendida para ser prostituta. Mas a vida de Gangu não se limita a seu sofrimento. Contrariando todas as expectativas, ela se mostra forte e destemida, garantindo que nenhuma outra injustiça a aflija.

A fotografia de Sudeep Chatterjee é digna do Oscar e as cenas em que Kamli (Indira Tiwari) morre, o casamento e o desfile final chegam próximas da perfeição. Sanjay Leela Bhansali dirige a obra com maestria e fluidez, dando a dose exata de sentimentalismo e realidade nos momentos devidos, além da implementação das canções e cenas de dança, com coreografias elaboradas e figurinos impecáveis. A cereja do bolo é atuação de Alia Bhatt, que faz você se apaixonar por cada respirar de Gangubai. – Thuani Barbosa

Abracadabra 2 (Hocus Pocus 2)

“De um jeito ou de outro, nós vamos te encontrar/Nós vamos te pegar”. Interpretando com muito brilho o hit One Way or Another, da banda norte-americana Blondie, as Irmãs Sanderson mostraram ter mais poder do que nunca no retorno triunfante de Abracadabra às telinhas mundiais. Agora protagonistas de Abracadabra 2, Winifred, Mary e Sarah se aventuram em uma espécie de filme-nostalgia, cujo objetivo principal é alegrar os fãs que sempre sonharam com uma continuação do longa de 1993.       

Sem buscar e – talvez, por isso mesmo – sem conseguir superar a obra original, Abracadabra 2 diverte o público ao reunir inúmeras referências ao filme de Kenny Ortega, mesmo que isso dê origem a uma continuação beirando a superficialidade. A verdade é que assistir a Bette Midler, Kathy Najimy e Sarah Jessica Parker revivendo um dos trios de bruxas mais queridos de todos os tempos faz qualquer um vibrar. E é esse constante movimento de resgate, presente nos mínimos detalhes do longa de 2022, que faz com que Abracadabra 2 seja uma excelente escolha para quem quer um entretenimento leve e nostálgico. – Eduardo Rota Hilário

Aftersun

Não é difícil perceber que, no cenário audiovisual contemporâneo, as composições foram dominadas pela reprodução de um passado nostálgico. Nessa situação, existem méritos e riscos, como tudo que envolve alguma contemplação estética. Aftersun, porém, fica distante o suficiente dos moldes amplamente vendidos pela indústria, podendo ser caracterizado no melhor “Cinema de estilo”, cuja marca é uma característica lentidão. Sem pressa, a diretora Charlotte Wells não se rende às formas básicas que a nostalgia pode oferecer, e cria um trabalho seguro, profundo e emocionalmente fascinante, marcado pelas grandes atuações de Paul Mescal e Frank Corio.

Sem se restringir a trama e expandindo as compreensões do filme aos seus sentidos fora do roteiro, o longa-metragem de estreia da escocesa é um clássico instantâneo. Wells sabe exatamente o que está fazendo e, nesse trabalho com raízes pessoais, mistura contextos de fragmentação das personagens às sequências “tradicionais” das cenas. A relação de Sophie (Corio) com seu pai, Calum (Mescal) – ambos em viagem de férias pela Turquia –, ganha contornos quase investigativos, quando, a certa altura, percebemos que toda a trama é vista por uma Sophie já adulta, que rememora com certa lamentação a morte do pai; a viagem havia sido um dos últimos momentos juntos. O trabalho se reveste ainda mais de metalinguagem quando lembramos que a “verdadeira” Sophie é quem dirige o longa.

À primeira vista, Aftersun parece um coming of age sobre o tradicional perigo do amadurecimento. Contudo, através das lentas transições, percebemos que Calum, tanto quanto Sophie, é protagonista da história. Ele é um pai jovem (a mãe, embora não apareça, faz uma ligação em certa altura do filme, evidenciando sua voz igualmente jovem), que se divide entre transmitir as melhores sensações à filha e lutar contra os seus próprios demônios. Enquanto Sophie encara a chegada da adolescência (ela parece ansiar por um envelhecimento acelerado), Calum lida com a solidão da vida adulta. Em algum lugar, em meio a uma tensão que parece fugir da resolução, Aftersun se consolida na percepção de que, enquanto tentavam dar sentido a uma nova vida sob seus cuidados, pais e mães também estavam, eles próprios, amadurecendo. – Bruno Andrade

Animais Fantásticos: Os Segredos de Dumbledore (Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore)

A história do mundo bruxo não acabou com o Harry destruindo as Relíquias da Morte e muito menos começou com o bruxinho recebendo sua carta para estudar em Hogwarts. Esses eventos vêm sendo apresentados pouco a pouco em Animais Fantástico, que, após uma longa espera de quatro anos, retornou para revelar Os Segredos de Dumbledore. Na verdade, a homossexualidade do diretor da escola de maágia já não era mistério para senhum fã da série, porém essa foi a primeira vez em que a temática foi abordada abertamente na história.

Dessa vez, Newt Scamander (Eddie Redmayne), autor do livro Animais Fantásticos e Onde Habitam que deu o pontapé inicial no primeiro filme, ocupa o lugar de coadjuvante, para Dumbledore (Jude Law) e Grindelwald (Mads Mikkelsen) desenvolverem sua relação de amor e ódio, centrada na Alemanha e no Butão. Ainda assim, sobrou espaço para a renomada atriz Maria Fernando Cândido fazer papel de figurante como Vicência Souza. – Gabriel Gatti

Argentina, 1985

Nenhum país ousou levar ditadores à justiça. Ou nenhum país ousou processar seus militares por seus crimes? Até que o promotor Julio Strassera (Ricardo Darín) e seu vice Moreno Ocampo (Peter Lanzani) o fazem, mas a justiça é amarga. Argentina, 1985 compartilha friamente como a ditadura militar argentina, vigente de 1976 a 1983, foi uma das mais violentas na história. É pelos relatos das vítimas ou de parentes das que seguem desaparecidas, feitos durante o julgamento do alto escalão militar, que conhecemos a verdade sangrenta. E com um nó na garganta, ouvimos a súplica de Strassera: Quero utilizar uma frase que não me pertence, porque pertence a todo o povo argentino. Senhores juízes, nunca mais. 

A obra do diretor Santiago Mitre, que também escreveu o longa ao lado de Mariano Llinás, é dura, sem inovar em seu formato. Mas isso é essencial: manter Argentina, 1985 nos elementos tradicionais do Cinema e permitir sua flutuação entre drama e fato documentado foi o que assegurou uma ótima condução da narrativa. Com o Globo de Ouro e o Prêmio da Crítica do Festival de Veneza em mãos, resta a torcida para que a dolorosa história de nossos companheiros latinos seja, de fato, enxergada mundo afora e merecidamente agraciada com o Oscar de Melhor Filme Internacional neste ano. – Nathália Mendes

As Linhas Tortas de Deus (Los Renglones Torcidos de Dios)

As Linhas Tortas de Deus é um filme que promete e engana, mas surpreende. O mistério, que se passa na década de 1960, tenta se equiparar a Ilha do Medo – não consegue, apesar de criar uma identidade própria. A narrativa começa muito clara: uma detetive se infiltra numa instituição mental para descobrir o caso de um possível homicídio tido como suicídio. Ela é deixada na instituição pelo homem interessado no desenrolar do caso, o suposto pai da vítima. A personagem parece sã durante boa parte da história, o que nos intriga são as possibilidades: ela estaria louca ou não?

O filme nos engana diversas vezes, sendo um bom divertimento para o raciocínio. A audiência banca o próprio papel de detetive durante o longa. Quais as pontas soltas que a detetive não percebe e deixam espaço para sua possível loucura? O que reafirma que ela não está louca? Foi mesmo um suicídio? Quem realmente é o pai da vítima? São todas indagações pertinentes. Alguns vão adorar, outros vão se decepcionar. – Izadora Azevedo Albertini 

Assassino Sem Rastro (Memory)

Typecasting  é o nome que se dá a atores que se vêem muito relacionados a um tipo específico de papel, para um tipo específico de filme. Para alguns, isso pode soar repetitivo e maçante, mas Liam Neeson (Busca Implacável) cabe como uma luva no papel do assassino Alex Lewis, em Assassino Sem Rastro. Na história, o personagem, prestes a se aposentar, recusa um último trabalho: assassinar uma garota que serviria de testemunha em um caso de exploração infantil.

Martin Campbell (O Estrangeiro) também trabalha muito bem no tipo de trama em que está acostumado a dirigir – mistérios envolventes, conspirações envolvendo milionários, políticos e autoridades policiais. O longa ainda dá espaço a discussões sobre o fim da vida, a moralidade policial e o fato de Alex sofrer de um  Alzheimer progressivo torna tudo mais intrigante. – Guilherme Dias Siqueira

Até os Ossos (Bones and All)

Não é novidade o sucesso de Luca Guadagnino em relatar histórias sobre a juventude e todas as indagações que esse período proporciona. Guadagnino é um exemplo de diretor que dispõe desse olhar poético sobre o amadurecimento, de forma que todas as comoções direcionadas aos personagens também são conduzidas ao público – como apresentado no filme Call Me By Your Name (2017) e no seriado We Are Who We Are (2020). Em Até os Ossos, o cineasta retorna com essa característica marcante de suas obras, e a renova com um toque de terror e visceralidade. 

Após ser abandonada pelo pai, Maren Yearly (Taylor Russell) perpassa por um vagaroso trajeto de encontros e desencontros em busca de pertencimento e de compreensão sobre sua própria identidade. Em meio a essa agitação, conhece Lee (Timothée Chalamet), jovem também deixado à margem pela sociedade e que guarda da mesma condição conflituosa de Maren, o incessante desejo de provar carne humana. A adaptação do romance de Camille DeAngelis é exorbitante e bem aventurada pelo diretor, que opera o longa-metragem através do clássico gênero road movie. Na vertente, o excurso dos personagens em encontrar conforto na normalidade em meio às suas circunstâncias, reverbera-se para uma linda e trágica história de amor. – Ludmila Henrique

Aterrorizante 2 (Terrifier 2)

A sequência do experimental Aterrorizante (2016), tão aguardada pelos fãs de slashers de baixo orçamento, marca o retorno do maníaco Art, o palhaço assassino. O filme de Damien Leone, que custou pouco mais do que 250 mil dólares, rompeu as barreiras do nicho e foi um grande sucesso de bilheteria, majoritariamente graças ao marketing orgânico de relatos de pessoas desavisadas vomitando, abandonando as salas de cinema e até desmaiando durante as sessões.

O espetáculo da atuação de David Howard Thornton, que interpreta Art, o palhaço, junto dos magníficos efeitos práticos são os grandes destaques no turbilhão de longas cenas sádicas, chocantes e apelativas de violência extrema e gratuita. Apesar de marcar um grande avanço em relação ao seu antecessor, o roteiro, novamente idealizado e escrito por Damien Leone, ainda se perde em pontas soltas: a falta de consistência na lore e a misoginia presente na obra deixam um gosto agridoce durante a diversão macabra. A duração exagerada do longa, que possui 138 minutos, também não ajuda na experiência do espectador, visto que o filme se perde em um limbo de cenas repetitivas, maçantes e sem função clara. – Bruno Alvarenga

Avatar: O Caminho da Água (Avatar The Way of Water)

Ao se tornar a maior bilheteria do mundo e revolucionar a história do Cinema, Avatar criou ao redor de si um imaginário exigente e com grande expectativa pela sequência. 13 anos depois, James Cameron retornou a primeira (de quatro) sequências planejadas para as histórias de Pandora. O deslumbre visual que se pode ter com o filme é inenarrável: elevando o nível de perfeição técnica do projeto, após desbravar as florestas e animais do universo criado, Cameron mergulha no universo marítimo com filmagens que utilizavam atores reais que permaneciam nas águas por tempo suficiente para a gravação se tornar fluida.

Nessa nova sequência, muitos anos se passaram desde que Jake Sully (Sam Worthington) e Neytiri (Zoë Saldaña) derrotaram as forças do Povo do Céu (Terra) e expulsaram os colonizadores de Pandora. O casal, vivendo em paz com seus quatro filhos no clã Omatakayas, só não aguardava uma segunda invasão, de poder bélico muito maior que a original, botando em risco a vida dos Na’vi. Com tamanha ameaça, eles decidem ir pedir abrigo aos Metkayina, um clã aquático dos oceanos de Pandora. Com três horas de duração, a história é uma experiência visual, de encher os olhos com tamanho detalhismo e mágica presente no universo. O roteiro (feito por James Cameron em parceria com Rick Jaffa e Amanda Silver), no entanto, fica para trás, raso, não indo muito além do que já fora tratado no primeiro filme da franquia.  – Aryadne Xavier

Babilônia (Babylon)

Aos 76 anos, Steven Spielberg (Amor, Sublime Amor e E.T.: O Extraterrestre) lançou em 2022 uma carta de amor ao Cinema com o seu autobiográfico e belíssimo Os Fabelmans. Aos 38, Damien Chazelle também lançou no mesmo ano a sua carta de amor, só que um pouco mais cínica e pessimista com Babilônia, filme que divide opiniões hoje, mas será redescoberto no futuro pela maneira como faz do Cinema seu motor principal e Hollywood, sua protagonista. Ambos são próximos, mas ao mesmo tempo completamente diferentes um do outro.  

Em Babylon, a Sétima Arte é fruto da colaboração intensa de diferentes pessoas, enquanto Hollywood é um lugar que explora as camadas mais vulneráveis dos colaboradores, como o imigrante mexicano Manny (Diego Calva, de Narcos: México), a dançarina amarela Lady Fai Zhu (Li Jun Li, de Quantico) e o músico negro Sidney Palmer (Jovan Adepo, de Um Limite Entre Nós). As custas dessas pessoas, a indústria cultua a excelência individual, vide o star power do Jack Conrad de Brad Pitt (Era uma Vez em Hollywood) e a Nellie LaRoy de Margot Robbie (Eu, Tonya). 

No fazer cinematográfico, existe a beleza das imagens capturadas pela cinematografia efervescente de Linus Sandgren (007: Sem Tempo para Morrer); mas também o caos, a sujeira e o hedonismo da máquina hollywoodiana, bem representados na intensa e energética festa que abre o longa, ao som da trilha sonora magistral de Justin Hurwitz (O Primeiro Homem). O Cinema avança, enquanto a fábrica de sonhos decai, juntamente com suas principais figuras. Quando chegamos aos minutos finais, nos quais somos confrontados com a justaposição desses dois caminhos, só nos resta levantar e aplaudir Chazelle por nos ter entregue mais um grande trabalho, depois de uma filmografia de futuros clássicos como Whiplash e La La Land. – Nathan Nunes

Batman

“Dois anos na noite o transformaram num animal noturno”. Revelando-se das sombras, um dos heróis mais queridos e famosos já criados ganhou sua mais nova versão para os cinemas logo no começo de 2022. Sob muitas expectativas, o diretor Matt Reeves reinventou o vigilante da DC Comics nos longa-metragens, baseando-se em referências excelentes das HQs, como a clássica Batman: O Longo Dia das Bruxas e Batman: Ano Um. Com um bom e interessante roteiro, também de Reeves, junto de Peter Graig, somado à atuação do talentoso Robert Pattinson, o resultado são quase três horas de uma narrativa investigativa que, sem abandonar a ação, explora uma faceta extremamente sombria de um herói em ascensão.

Todos os aspectos técnicos – desde os cenários chuvosos, apáticos e cinzentos de Lee Sandales, até a impecável fotografia de Greig Fraser – conversam com esta abordagem obscura do Batman e de Gotham. Ao vestir seu traje de morcego, Bruce Wayne revela sua real essência. Ele é temido, fechado, frio e imponente. Mas ainda é extremamente cativante e hipnotizante vê-lo agir como um detetive, enquanto, simultaneamente, descobre como é capaz de atrair e instigar vilões únicos. Um show visual, The Batman foi indicado a categorias como Melhores Efeitos Visuais e Melhor Maquiagem e Penteados no Oscar 2023. Já no British Academy Film Awards (BAFTA), o longa concorre a Melhor Design de Produção, Melhor Cabelo e Maquiagem, Melhor Cinematografia e Melhores Efeitos Visuais. – Mariana Nicastro

Bigbug 

Bigbug começa despretensiosamente, mas seu desfecho surpreende pela atitude das personagens. O chamariz da comédia sombria é a identidade visual da obra, assim como o tom satírico e sombrio que consegue, apesar disso, ser adotado de forma leve e cômica pelo diretor Jean-Pierre Jeunet. A narrativa segue pessoas em uma quarentena forçada, que encontram empecilhos durante seu período em lockdown. O grande diferencial, no entanto, é o cenário, por se passar em um futuro em que nossa dependência sob as máquinas é extrema e nossas casas são inteligentes, ditando a temperatura do ar-condicionado, a abertura de nossas cortinas e portas, e até quem entra e sai. A partir daí, é perceptível o flerte com o autoritarismo.

O maior feito da obra é nos dimensionar naquela realidade. Há um trabalho rico de efeitos visuais que nos transporta para dentro da atmosfera da obra. Contudo, além dos efeitos visuais, outra coisa que nos faz entrar naquela realidade é o comportamento e a cultura das personagens. Podemos traçar muitos paralelos com eles e nos identificar naquele universo, mas além disso, percebemos as diferenças, ou seja, os opostos ao nosso universo, bem como seus extremos. Seria esse extremismo de Bigbug uma possibilidade num futuro remoto? Não há dúvidas de que nossa Era Digital só dá cada vez mais força às máquinas, que, apesar de extremamente inteligentes, podem também ser estúpidas. – Izadora Azevedo Albertini 

Blonde

Não há como mensurar o valor ícone de Marilyn Monroe, ainda mais representá-lo – mas Blonde é uma boa tentativa. Embora a maior crítica ao filme seja o exacerbado sofrimento da loira, este é um de seus pontos altos, se deixarmos de lado seu caráter biográfico e tomarmos como uma ficção que trata dos desprazeres da fama e exposição. Isso fora a estupenda atuação de Ana de Armas, que interpreta com imensa minuciosidade a personalidade de Marilyn e não à toa foi indicada ao Oscar 2023 de Melhor Atriz.

Inspirado no livro de mesmo nome, escrito por Joyce Carol Oates, Blonde teve seu roteiro adaptado e dirigido pelo problemático Andrew Dominik. Seu comprometimento em fazer a loirinha sofrer é tanto que muitas vezes a produção tem tons de terror e suspense pelas longas quase três horas de duração. Porém, se prestarmos atenção na esplêndida fotografia de Chayse Irvin, o tempo passa rápido. – Arthur Caires

Carvão

Entre as faíscas brilhantes da indústria cinematográfica nacional, Carvão é o tipo de narrativa que usa tons disruptivos para figurar a verdade sobre a sociedade brasileira. A produção, dirigida por Carolina Markowicz, nos leva para um núcleo familiar com uma vida atribulada e cheia de falso moralismo. Enquanto nos revela os lados sombrios dos personagens, o roteiro, também escrito pela diretora, desmonta as imagens do tradicionalismo. Sob o olhar dos protagonistas Irene (Maeve Jinkings), Jean (Jean Costa) e Jairo (Rômulo Braga), vemos como tudo tem um preço: a se cobrar ou a se pagar. 

Entre as muitas camadas da produção, conseguimos captar os tons da hipocrisia e os modos como a infância e a velhice são tratadas culturalmente. As atitudes de Irene e Jairo com o pai dela e com o filho deles carregam ao fundo a ideia de enxergar o início e o fim da vida como pedaços sem autonomia. Mesmo abordando temáticas pesadas, a narrativa insere tons de comicidade e consegue equilibrar leveza e intensidade. Esses momentos se mostram principalmente com o traficante argentino Miguel (César Bordon) e com a sinceridade infantil de Jean. 

A co-produção Brasil-Argentina ainda ganha pontos com a caracterização. Os cenários são impecáveis e conseguem transportar qualquer pessoa para as zonas menos urbanizadas do interior do país. Desde as relações entre os personagens, até os grãos de poeira captados pelas filmagens – dirigidas por Pepe Mendes – Carvão é autêntico. Caminhando na corda bamba do caráter humano, o filme coloca a rede de proteção em chamas. – Jamily Rigonatto

Cha Cha Real Smooth

Entre tantas comédias românticas dramáticas já produzidas, Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo pode não se sobressair para a maioria. Contudo, para aqueles que se sentem perdidos nos seus vinte e poucos anos, o longa de Cooper Raiff chega como um ombro amigo. Protagonizado pelo diretor e produtor, o filme conta a busca de Andrew (Raiff) pelo amadurecimento e transmite uma veracidade que não se encontra em muitos dos coming of ages atuais. Isso se deve a proximidade do autor com essa fase da vida. Com apenas 25 anos, Raiff consegue retratar, de forma sutil e ponderada, os dramas do jovem da geração Z, que ainda não sabe ao certo qual o seu lugar no mundo. Sem grandes reviravoltas, a produção da Apple Originals se torna facilmente o confort movie do ano, não apenas pela sua sensibilidade e sutileza na narrativa, mas pelo enorme carisma que todas as personagens esbanjam, sobretudo o próprio protagonista.

Para acompanhar a simpática narrativa, há a presença de uma trilha sonora divertida, que permeia as festas de Bar Mitsvá as quais Andrew é animador. Estão presentes as faixas Funkytown de Lipps Inc. e Cha Cha Slide de DJ Casper, que faz alusão ao título do longa. E é nesse ritmo embalado que corre a relação de Andrew com Domino (Dakota Johnson) e sua filha Lola (Vanessa Burghardt). Por meio dessa ligação com uma mulher mais velha e sua filha, no espectro autista, o jovem vai reconhecendo a necessidade de assumir mais responsabilidades que lhe cabem, e percebe que ser adulto não significa ter todas as respostas – muitas vezes, os mais velhos podem se encontrar mais perdidos do que ele.

Como o filme fez sua estreia no Festival de Sundance, havia uma perspectiva de que o drama percorrese uma trajetória similar com a do vencedor do Oscar de 2021, No Ritmo do Coração. Porém, Cha Cha Real Smooth acabou não saindo da lista de repescagem. Isso não é motivo para ficar de fora dos Melhores do Ano, pois é possível se conectar e se emocionar verdadeiramente com o storytelling da obra. A produção traz uma perspectiva interessante sobre a virada de chave que ocorre na juventude e mostra como o encadeamento de eventos mundanos auxiliam na descoberta do seu propósito. – Costanza Guerriero

Crimes do Futuro (Crimes Of The Future)

O marcante retorno de David Cronenberg ao terror, Crimes do Futuro é uma obra  grotesca e visceral em que o erotismo clássico do diretor é retomado: “Cirurgia é o novo sexo”, ele clama. O terror corporal de ficção científica vai além da intenção de chocar e aposta com sucesso em uma abordagem de utilizar o incômodo e o grotesco como base para discussões atuais.

A ambientação de natureza sintética, estranhamente familiar e sem vida, de um futuro distópico em que a humanidade já não sente dor traz uma reflexão perspicaz sobre a percepção da corporalidade e os limites da arte. Neste universo, Saul Tenser, interpretado por Viggo Mortensen, junto de sua parceira e admiradora Caprice, vivida por Léa Seydoux, realiza performances artísticas clandestinas extremas em que seus órgãos advindos de mutações são prazerosamente removidos em frente ao público extasiado. Outra personagem que merece destaque é a estranha Timlin, interpretada majestosamente por Kristen Stewart, que se vê dividida entre fascínio pela nova arte e seu trabalho burocrático para um misterioso setor secreto do governo. 

Apesar do incrível design visual e ambientação, além da temática provocativa e pertinente, o longa não se aprofunda suficientemente nessa fascinante realidade apresentada e deixa de lado o desenvolvimento de diversos aspectos da narrativa. Assim, após o final abrupto de Crimes do Futuro, o que permanece é a sensação de que a obra poderia ter se beneficiado de um tempo de execução mais longo. –  Bruno Alvarenga

Decisão de Partir (Decision to leave)

Estarrecedor, Decisão de Partir empurrou da ponta de uma montanha os clichês de um mistério policial e arremessou ao mar a satisfação romântica. Acorrentado ao tema da obsessão, o diretor sul-coreano Park Chan-wook repetiu o tipo de construção audiovisual que caracteriza a sua filmografia: a tentativa de solucionar um mistério movido por reviravoltas. Mas, dessa vez, ele se livrou do vermelho da violência e da liberdade da nudez para adotar a crueldade intrínseca do cotidiano que, incoerentemente, resulta em maior dor e sofrimento do que qualquer narrativa mirabolante.

“No momento em que você disse que me ama, o seu amor está acabado. No momento em que o seu amor termina, o meu amor começa”. Opostos que se atraíram, os protagonistas Jang Hae-jun (Park Hae-il) e Song Seo-rae (Tang Wei) reproduziram em cena não somente o clima envolvente entre personagens, como também a tensão histórica entre as suas nações, Coréia e China, fato que atravessou o roteiro de Park e Chung Seo-Kyung. A fotografia de Kim Ji-yong não destoou da composição e é tão genial quanto a escolha de simbolismos que transformaram Decisão de Partir em um dos primores de 2022. – Nathalia Tetzner

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness)

Muitas expectativas foram criadas com o anúncio e os trailers de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Primeiro filme de terror da Marvel, três horas de duração, participações de personagens icônicos e muitas outras referências a filmes da franquia pautaram os rumores sobre a produção. Enquanto algumas se concretizaram, como a aparição dos Illuminati e do Professor Xavier, as outras foram deixadas de lado e decepcionaram o público. Porém, os 126 minutos de Elizabeth Olsen como Feiticeira Escarlate valeram a pena.

A construção do arco da personagem desde Vingadores: Era de Ultron culmina em seu ápice em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura. Wanda perdeu os pais, o irmão, o marido e os filhos, o que faz com que ela se torne difícil de antagonizar, já que há empatia pela sua dor. Apesar da resolução ao redor do controle dos poderes de América Chavez, interpretada por Xochitl Gomez, ser preguiçosa, ao menos nos leva para a tocante cena final de Wanda e seus filhos. Benedict Cumberbatch, como sempre, também entrega uma ótima performance de Stephen Strange, apesar de ter sido ofuscado pela presença da mãe sem filhos em seu próprio filme.

A direção de Sam Raimi é outro ponto alto da produção e que não a torna mais do mesmo. Suas marcas registradas e as diferentes perspectivas das cenas – como a primeira vez que Wanda assume o corpo de sua própria variante – tornam o longa com um enredo fraco em algo delicioso de assistir. Em um cenário mais amplo, apesar da produção não ter tido um comprometimento total com o gênero do terror, ainda é um sabor diferente para a Marvel. – Arthur Caires

Eduardo e Mônica

Se todas as músicas de Renato Russo pudessem ganhar espaço em telas de cinema, a ideia da vida sob um olhar extremamente singular seria guardada na profundidade da luz dos projetores. Em Eduardo e Mônica, lançado nos cinemas brasileiros no início de 2022, isso se prova com toda a beleza existente nos amores improváveis. No longa, os personagens da música ganham solidez nos atores Alice Braga e Gabriel Leone que, entre opostos, performam em menos de duas horas a grandeza do existir. 

Dirigido por René Sampaio, o filme nos leva para a Brasília da década de 1980 e mostra os caminhos que atravessam a história do casal, enquanto eles tentam equilibrar suas diferenças em nome do amor. O trabalho muito bem feito com os cenários faz os espaços e as cenas – assinadas por Gustavo Hadba – serem extremamente fiéis aos da canção. Da festa estranha ao futebol de botão, os frames parecem ter sido escolhidos pelo próprio Legião Urbana. 

A trilha sonora escolhida pelo diretor é outro primor da produção, entre o rock nacional e o internacional, as melodias nos submergem no âmago dos personagens. Acompanhar os impasses dos dois é tão gostoso que a vontade é assistir até as partes desconhecidas dessa história. Desde as relações familiares, amigos, inseguranças, atitudes impulsivas e tudo mais que couber ser descrito, Eduardo e Mônica são um espelho do ser. Ao fim, realmente é impossível dizer que não existe razão nas coisas feitas pelo coração. – Jamily Rigonatto 

Ela Disse (She Said)

Em 2022, a Universal Studios resolveu cinematografar o jornalismo investigativo e foi o tipo de escolha que deu certo. Ao contrário do esperado em narrativas do gênero, a diretora Maria Schrader secundariza o melodrama para dar protagonismo ao suspense. Ela Disse não é comovente, é tenso. A produção é uma adaptação do livro das jornalistas Megan Twohey e Jodi Kantor, Ela disse: Os bastidores da reportagem que impulsionou o #MeToo, e conta sobre a apuração feita pelas profissionais no boom de denúncias de assédio sexual contra Harvey Weinstein. 

As pouco mais de duas horas do filme são marcadas pelas feições temerárias de Megan (Carey Mulligan) e Jodi (Zoe Kazan), enquanto enfrentam a rede de proteção de Weinstein e encontram vítimas assustadas e silenciadas. É na relação das protagonistas com essas vítimas que Ela Disse encontra o pote de ouro, já que, em cena, as atrizes constroem uma intimidade tão verdadeira com as mulheres que isso transpassa os limites da tela. Apesar de termos relatos escancarados, emoção não é o tipo de reação desencadeada no telespectador – a angústia é quem grita mais alto. 

Tudo é muito acinzentado e a fotografia acompanha esse movimento. Natasha Braier escolhe enquadramentos em perspectiva e brinca com as luzes para pesar os frames e compor a ambientação apreensiva. Para além de termos técnicos ou estéticos, o registro visual do longa tem uma importância ímpar para a visibilidade do assédio sexual. Com imagens bem feitas e um roteiro imponente criado por Rebecca Lenkiewicz, nos conectamos com uma narrativa sobre força feminina, poder da indústria hollywoodiana e resistência. – Jamily Rigonatto

Elvis

Nove anos depois de seu último projeto para os Cinemas (o irregular O Grande Gatsby), Baz Luhrmann (Moulin Rouge, Romeu e Julieta) retornou a cadeira de direção em 2022 com Elvis, sobre a vida e carreira do polêmico, mas icônico Elvis Presley. Desenvolvido na onda do bem sucedido filão recente de cinebiografias musicais, catapultado em 2018 por Bohemian Rhapsody; o projeto poderia facilmente ter caído no lugar comum do subgênero, marcado pela pouca inspiração estética e o roteiro escrito na base do resumo da Wikipédia. Felizmente, não foi esse o caso, pois Luhrmann, no final das contas, mostrou-se o autor perfeito para transpor o espírito extravagante e potente do cantor para as telonas. 

Elvis deixa isso claro em sua feitura cinematográfica, desde a montagem alucinada de Matt Vila e Jonathan Redmond, até a fotografia pomposa de Mandy Walker (ambos os trabalhos foram reconhecidos com indicações ao Oscar 2023, inclusive). Contudo, também o aproveita enquanto narrativa, conforme analisa e desconstrói Presley do ponto de vista de seu empresário, o infame Coronel Tom Parker (Tom Hanks, de Forrest Gump e Toy Story, em desempenho caricato, mas subestimado). Passando pelas raízes do artista na música negra americana e explorando o seu alto status construído por mídia e propaganda, o filme se mostra uma aula de como entender um ícone através da Sétima Arte, principalmente quando canaliza sua força na performance arrebatadora do astro revelação Austin Butler (Era uma Vez em Hollywood), também reconhecido com a nomeação da Academia. – Nathan Nunes

Enola Holmes 2

Normalmente, continuações são decepcionantes, mas não é o caso de Enola Holmes 2, que nos surpreende com cenários e plot-twists inesperados. Não podemos dar muito mais spoilers que isso, então espere ansioso até o fim do filme. O longa nos prepara para o fim pouco a pouco, sem que nos demos conta, não abrindo espaço para uma sugestão tão rápida, o que possibilita a dedução.

Muitos filmes de mistério e aventura pecam nesse sentido, dando de bandeja a trama e fazendo os telespectadores parecerem idiotas. O segundo filme da franquia não nos faz pensar muito além daquele ponto, e ainda permite a dúvida, conservando perfeitamente o mistério. Um outro grande ponto positivo de Enola Holmes 2 é a evolução da personagem. Enola certamente amadureceu da primeira obra  para esta e se tornou preparada e astuta, mas como todo jovem, ainda é extremamente atrapalhada. Os defeitos são bons para nos tirar algumas risadas e proporcionar momentos imprevisíveis. – Izadora Azevedo Albertini 

Entergalactic

Kid Cudi é uma ogiva criativa. Independentemente de obras com resultados controversos, Scott sempre busca, em suas alçadas artísticas, expandir a premissa até as últimas consequências. Ainda assim, para 2022, o desafio foi inusitado: não um filme acompanhado de um disco, ou um disco acompanhado por um filme, mas um projeto multimidiático, em que áudio e visual se costuram mutuamente. Afinal, as viagens psicodélicas de Jabari (Kid Cudi), quando vislumbra sua paixão por Meadow (Jessica Williams) pela primeira vez, não seriam as mesmas sem os sintetizadores divinos de Angel.

E, mesmo isoladamente, Entergalactic entrega a comédia romântica do ano. Para o roteiro, também assinado por Cudi, é importante que esta trama seja figurada como uma típica história de amor. Uma premissa formulaica, que encontra personalidade no retrato honesto e multifacetado de seu vasto universo, dentro de uma narrativa centrada por pessoas negras e que reivindica espaço em um gênero que sempre foi dominado por brancos. Assim que adubado, Entergalatic tem campo aberto para ampliar os conflitos entre os personagens, de tal forma que o instante da colisão se torne, metafórica e literalmente, uma verdadeira supernova. – Enrico Souto

Farha

Dirigido pela jordaniana Darin J. Sallam, Farha não é apenas uma história contada de geração para geração, preservada na oralidade até que fosse registrada em celulóide. É um retrato visceral e dolorosamente vivo do povo palestino, registrando os momentos iniciais da Al-Nakba (“A Catástrofe”) pelo ponto de vista de uma criança. Acompanhamos de perto a jovem Farha (Karam Taher) ter seus sonhos arrancados de si pela violência que eclode no dia 15 de maio de 1948, quando forças militares do recém-criado Estado de Israel forçam seu vilarejo a debandar. Presa em uma sala trancada, ela é obrigada a sobreviver e testemunhar os horrores de um conflito que não irá terminar em sua vida.

É claro que denunciar a limpeza étnica de um Estado de apartheid moderno teria consequências, como visto pela campanha de difamação promovida por oficiais israelenses contra o filme de Sallam, ameaçando remover investimentos estatais dos cinemas de Tel Aviv que ousarem exibir o longa, atualmente disponível ao redor do mundo pela Netflix (mas não, curiosamente, no Brasil). Processando o trauma e a dor através da arte, Farha é de uma compostura monumental, confinando tanta dor em apenas um quarto por cerca de uma hora e confiando em sua performance central a habilidade de expressá-la.

Taher é uma revelação absoluta no papel da protagonista, habitando tanto a inocência e entusiasmo infantil quanto o torpor emocional causado pelo que ela testemunha. A morte de seu sonho é uma das visões mais trágicas do ano, potencializada pela fotografia minimalista e a iluminação natural do cenário, tornando-se gigante em sua completude. Farha não é apenas um relato de guerra da perspectiva de uma garotinha, mas um verdadeiro manifesto de luto contra a opressão sistêmica que vigora até hoje, devastador em seu vocabulário e imparável em seu desejo de que essa história sobreviva. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Fresh 

Fresh tem sabor de novidade – e devorá-lo é prazeroso, intenso e cômico. Delicioso, o longa dirigido por Mimi Cave coloca uma desiludida Daisy Edgar-Jones frente a frente com um encantador Sebastian Stan. Ela, entediada com os aplicativos de relacionamento e dates com babacas, encontra – ironicamente, em um corredor de vegetais no supermercado – uma esperança no doce médico e resolve se abrir para os sentimentos. O relacionamento vai bem, mas só até quando ele a dopa, sequestra e revela seu lado criminoso e canibal.

No roteiro tenso, mas divertido e até cômico de Lauryn Kahn, Edgar-Jones e Stan têm espaço para brilhar. Seja em dupla ou individualmente, a dinâmica dos dois acentua o potencial dramático da protagonista, e dá a liberdade para o ator explorar novas facetas, esboçando caras, bocas e olhares no seu caráter psicopata. Amplificada pela direção envolvente e vivaz de Cave, que potencializa a tensão nos momentos de suspense e acha o humor até em um filme sobre canibalismo e tráfico, Fresh mostra porque 2022 foi um ano de barriga cheia para os fãs de Terror. – Vitória Gomez

Garoto dos Céus (Boy From Heaven)

Nos minutos iniciais de Garoto dos Céus, Adam Tala (Tawfeek Barhom) tenta esconder a emoção ao receber a carta de aceite da Universidade de Al-Azhar do Cairo – instituição anexada à mesquita de mesmo nome –, o epicentro político do islamismo sunita. A contenção de Tala, porém, reside não somente na alegria de ser um jovem filho de pescador que recebeu o acesso a uma instituição habitada pelos filhos de sheiks mais poderosos do Egito, mas no medo do próprio pai, um indivíduo conservador e abusivo. Ele ainda não sabe que estudar em Al-Azhar será seu maior desafio, e, quando enfim notifica o patriarca que irá à universidade, a reação parece mais suave do que o previsto: “não se pode ir contra as vontades de Alláh”, diz o pai, meio a contragosto, após agredir os filhos cenas antes. Embora essa pareça a maior vitória possível, Zizo (Mehdi Dehbi) o notifica, assim que chega a nova moradia: “sua alma ainda é pura. Mas este lugar vai corrompê-lo”. 

Essa máxima se mostrará verdadeira durante todo o filme, visto que o diretor Tarik Saleh constantemente faz um “jogo de grandezas” na trama. Enquanto a Fotografia repete filmagens da universidade de baixo para cima, mostrando sua imensidão e imponência, o Roteiro – vencedor em Cannes – põe Tala como submisso aos indivíduos mais poderosos. À medida que os elementos “conspiratórios” da trama entram em cena, as questões existenciais do protagonista dão espaço a um clima de investigação habitual, com reuniões secretas, infiltração em um círculo pró-jihadista e o sacríficio de um colega. O título que o filme recebeu na América do Norte, Cairo Conspiracy, opta por evidenciar mais esse aspecto da produção, ligando-a ao thriller psicológico e reduzindo toda a sua filosofia política. Mas talvez a grande marca de Garoto dos Céus seja a habilidade de Saleh em jamais ferir o Islã, consolidando Tala como o verdadeiro sábio por simplesmente questionar as origens do poder. “Não existem anjos”, ao que parece. – Bruno Andrade

Gato de Botas 2: O Último Pedido (Puss in Boots: The Last Wish)

Devido ao sucesso de Shrek no início dos anos 2000, que frequentemente fez referências (e também o uso de muita ironia) aos contos de fadas originais, a escolha de fazer um longa-metragem de um personagem vindo diretamente do universo do ogro foi crucial para que a Dreamworks ganhasse espaço no mundo da animação novamente – não apenas por ter um design de um gato “de botas”, mas por simbolizar um anti herói que vive de glória, festas: uma lenda (como ele se autodenomina). A introdução do Gato de Botas no segundo filme da franquia definitivamente marcou as gerações que surgiram na década e relembramos que, em Gato de Botas (2011), acompanhamos um guerreiro valente e sem medo de enfrentar os perigos. Já em Gato de Botas 2: O Último Pedido somos convidados a ver um lado mais medroso, profundo e interior do personagem.

Primeiramente, é necessário agradecermos a Homem-Aranha no Aranhaverso por ter vindo em uma época tão necessária de quebra de liderança da Disney e seus filmes de animação em 3D nas premiações. Com a introdução de técnicas que fazem qualquer um babar olhando para tela – como as mudanças de “fps” ou ‘fotos por segundo’ e a junção do 3D e o 2D, nos fazem perceber o quanto o gênero no Cinema deve ser explorado infindavelmente. Não é à toa que outros estúdios olharam para Aranhaverso e perceberam o que não estavam praticando, e, com Gato de Botas 2: O Último Pedido não foi diferente, sobrepondo a tridimensionalidade com desenhos bidimensionais tradicionais, assemelhando-se a uma pintura.

Por fim, com a inserção do Lobo, ou a Morte, o surgimento de um gênero que nunca havia aparecido na Dreamworks desse modo aconteceu. O assobio, as cores e toda a ambientação que levam o Gato a ter medo da Morte também nos causa medo. Assim, a combinação dos elementos em Gato de Botas 2: O Último Pedido, juntamente com a aparição de mais referências e personagens bem escritos, os quais nos familiarizamos mesmo com o pouco tempo de tela, resultam no acompanhamento de uma jornada de amadurecimento de uma figura que, se já era marcante, agora possui ainda mais camadas. – Júlia Aguiar

Glass Onion: Um Mistério Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mistery) 

O número de camadas de uma cebola provavelmente é menor comparado a quantidade de reviravoltas de Glass Onion: Um Mistério Knives Out. A sequência do mistério de Entre Facas e Segredos aprimora um roteiro tão bem performado por seu antecessor. A segunda obra da nova franquia é  maior e intrigante, e por mais fanático que alguém possa ser por mistérios, com certeza será pego de surpresa.

Com os personagens e enredo novos, Daniel Craig como o detetive Benoit Blanc foi a única e brilhante escolha que decidiram manter. Ao lado de Janelle Monáe, Kate Hudson, Edward Norton e outros, a obra diverte, entretém e acima de tudo, traz a satisfação de quão boas podem ser produções sem pretensão de significarem mais do que realmente querem dizer.  – Henrique Marinhos

Hellraiser: Renascido do inferno (Hellraiser)

David Bruckner possui contribuições notáveis para o gênero de filmes de horror, como os longas A Casa Sombria (2020) e O Ritual (2017), além de seus trabalhos em segmentos das antologias V/H/S (2012) e Southbound (2015), e é o responsável por dirigir o novo e aguardado reboot de Hellraiser (1987). O 11º filme de uma das mais conturbadas franquias do gênero conta com a urgente e necessária participação direta de seu idealizador original, Clive Barker, que contribuiu em sua produção e roteiro.

O filme, lançado diretamente no streaming  da Hulu, inova ao introduzir pela primeira vez em tela uma pinhead feminina. Interpretada por Jamie Clayton, conhecida anteriormente por seu trabalho em Sense8, ela carrega o peso de viver um vilão icônico e atemporal de forma majestosa, roubando a cena e se tornando a estrela do show. 

O longa traz a série de volta à essência do universo dos cenobitas, com muito sexo, perversão, fetiche, violência e horror corporal. No entanto, apesar de ter a melhor das intenções, ainda falta tesão em sua execução, que, além de jogar seguro e sem exageros, possui protagonistas rasos e sem carisma, tornando sufocante a tarefa de se conectar à história. Apesar de economizar na ousadia e no apelo presente no clássico de 1987, Hellraiser: Renascido do Inferno de 2022 é, com certeza, um respiro de alívio aos fãs da saga e transmite esperança de dias melhores para os futuros rumos da franquia. –  Bruno Alvarenga

Justiceiras (Do Revenge)

Meses após incorpar o roteiro de Thor: Amor e Trovão, Jennifer Kaytin Robinson abdicou dos heroísmos intergalácticos para vigiar os impiedosos ciclos da adolescência. Justiceiras, segundo filme da cineasta em parceria com a Netflix, segue um plano de vingança compartilhado entre duas protagonistas abandonadas às próprias tragédias identitárias, e que só poderiam tomar as dores uma da outra absorvendo a humanidade por trás do rancor. O resultado, ancorado na perspectiva da geração Z, é a negação de qualquer análise mística ou complexa sobre o que nos leva a buscar revanche; a gente não vale muito mesmo, e tá tudo bem.

Drea (Camila Mendes, de Riverdale) e Eleanor (Maya Hawke, de Stranger Things) explodem química interpretando as líderes hipnóticas da narrativa, que pega ainda mais fogo quando decide trabalhar seu núcleo secundário recheado de estrelas teens. Fora dessa curva, Sarah Michelle Gellar é uma ótima surpresa no elenco e coroa a série de homenagens requintadas aos filmes noventistas do nicho, infiltrados nos figurinos e ambientações de Do Revenge. Combinando citações de Dante Alighieri com o background sonoro de Olivia Rodrigo e Le Tigre, o conjunto é uma insanidade autocrítica, divertida e com plot twists que cria sua patente na juventude atual. Porque ser cínico e exagerado faz parte de cada um de nós. – Vitória Vulcano 

Lightyear 

Buzz Lightyear foi introduzido pela Pixar em 1995, no filme Toy Story. Diferente de suas primeiras aparições, em Lightyear o personagem não é mais um brinquedo, mas sim um verdadeiro patrulheiro espacial em uma missão considerada impossível para sair de um planeta hostil. A proposta do longa é mostrar a narrativa que fez Andy se apaixonar pelo astronauta. No novo lançamento, a voz de Tim Allen foi substituída pela de Chris Evans, facilitando ainda mais a separação entre o brinquedo e o homem. Apesar de distintos, o jeito teimoso e a vontade de resolver todos os problemas sozinho traz reconhecimento ao espectador.

Mesmo sendo uma animação, o filme carrega uma grande melancolia, pois, em sua missão, Buzz se perde no tempo e o mundo e as pessoas ao seu redor mudam e envelhecem, mas ele não é capaz de fazer isso. O patrulheiro carrega a culpa de não conseguir libertar seu povo do planeta estranho e de ter perdido a chance de acompanhar a vida e a morte de seus companheiros. Lightyear traz diversas pautas interessantes, inclusive o primeiro beijo queer da Pixar, entre Alisha Hawthorn (Uzo Aduba) e sua esposa. Quem cresceu assistindo Toy Story, a produção é agradável para quem quer se aprofundar nesse universo. – Gabrielli Natividade 

Luck 

Dizem que os gatos pretos dão azar, mas Sam Greenfield (Eva Noblezada) prova o quanto essa afirmação é falsa. No filme, dirigido por Peggy Holmes, um felino preto de olhos verdes pode ser mais poderoso que um trevo de quatro folhas. Ao cruzar seu caminho com Bob (Simon Pegg), a rotina pouco afortunada de Sam ganha – quase como em um passe de mágica – uma sorte incomum. Mas, como nem tudo são flores, tudo acaba em uma aventura vibrante no mundo em que a sorte é produzida. 

Apesar de não ser o tipo de animação que tem traços excepcionais ou gráficos tecnológicos da mais alta qualidade, o duende verde da produção é a sensibilidade. Passeando por momentos de flashback da infância da protagonista no orfanato e pelos anos de rejeição vividos pelo gato preto, a narrativa cria uma aproximação muito sincera entre os personagens, provando que a sorte está onde menos se espera. 

Outro ponto alto do enredo é a quebra de expectativas na ideia de vilão. O filme brinca bastante com os contrapontos, mesmo que para mostrar como as coisas não precisam de rótulos permanentes. Essa construção cria uma alegoria com a sociedade e rememora as práticas de exclusão presentes na humanidade. Ainda não existem moedas encantadas capazes de anular o azar, mas assistir Luck é um instante de sorte. – Jamily Rigonatto

Marcel the Shell with Shoes on

Antes de Marcel the Shell with Shoes On, jamais se pensou no quão emocionante poderia ser a história de uma pequena concha. Escrito e dirigido por Dean Fleischer-Camp, o filme conta a história de Marcel (Jenny Slate), uma concha que mora com sua avó Connie (Isabella Rossellini) em um Airbnb. A narrativa é filtrada pelos olhos de Dean (Camp), um documentarista que deseja produzir um curta sobre a vida do animal. Para além de pensar em como é o dia a dia de uma concha falante, o filme apresenta questões do âmago humano, o que permite a mais profunda identificação com essa personagem. A obra apresenta o desenrolar de uma vida comum a todos, entre encontros e desencontros e as transformações que ocorrem da convivência com a família – ou da falta dela. 

A produção do estúdio americano A24 combina brilhantemente o live-action com o stopmotion e é estruturado como um mockumentary. Esse visual é apenas uma pequena fração da originalidade do longa. Na busca pela sua família perdida, Marcel reflete sobre a fragilidade dos sentimentos, sobre o luto e aprende a dar espaço para oportunidade e esperança, em suma, é uma história sobre amadurecimento. A sensibilidade e perspicácia da obra como um todo conquista não somente um espaço na lista dos Melhores do Ano, mas também à indicação de Melhor Animação no Oscar de 2023, sendo um forte candidato na corrida.  – Costanza Guerriero

Matilda: O Musical (Roald Dahl’s Matilda The Musical)

A Netflix tinha uma grande responsabilidade quando se propôs a lançar Matilda: O Musical. O filme de 1996 é um clássico lembrado por muitos com carinho, mas a nova versão não deixou a desejar. O longa aprofunda pontos altos da narrativa, como a história de Matilda (Alisha Weir) e Miss Honey (Lashana Lynch), a construção de sua relação uma com a outra, e o desenvolvimento dos poderes da personagem principal, e adiciona novos aspectos, como o enredo paralelo criado pela garota sonhadora, sendo inesperado e familiar ao mesmo tempo. 

Para quem gosta de musicais, esse é o filme certo. As canções são coerentes com as cenas e as coreografias, lindas de serem assistidas. O grande nome do elenco é Emma Thompson, que não decepcionou no papel de Agatha Trunchbull, porém Alisha fez um ótimo trabalho trazendo uma Matilda mais atrevida e cheia de opinião do que a de Mara Wilson. Como o longa, os personagens trouxeram uma perspectiva mais moderna que é muito bem-vinda a Matilda: The Musical, sem descredibilizar o que foi construído nos anos 1990. – Gabrielli Natividade 

Marte Um

O esforço dedicado para que Marte Um pudesse representar o Brasil na premiação mais importante da Sétima Arte é um diferencial que poucos filmes selecionados para tal possuem. É uma pena, no entanto, que o drama dirigido pelo cineasta Gabriel Martins não esteja entre os indicados finais a levar a estatueta do Oscar de Melhor Filme Internacional para casa. Apesar disso, essa obra tão assumidamente temporal tem muito a nos ensinar ao destacar o singelo em toda a sua narrativa – ela aposta no simples, mas em nenhum momento passa a ser menos marcante.

Em seus momentos mais poderosos, Marte Um insere pautas necessárias como política, economia e direitos humanos no subtexto de temas universais, como o amor. A história do longa começa imediatamente após o resultado das eleições presidenciais de 2018 e, para um cineasta menos hábil, seria fácil mergulhar no melodrama ao decidir explorar o dia a dia de uma família negra de classe média baixa em um momento no qual o conservadorismo ganha mais força. Felizmente, não é o que acontece: a combinação de uma montagem (Tiago Ricarte e Gabriel Martins) delicada, uma fotografia (Leonardo Feliciano) graciosa e uma trilha sonora (Daniel Simitan) emocionante com o roteiro de Martins mostra como a dor pode ser reconfigurada como combustível emocional quando o afeto perdura. Assim como disse Wellington (Carlos Francisco, de Bacurau) em uma das cenas mais tocantes do filme, “Uai, a gente dá um jeito”. – Raquel Freire

Minions 2: A Origem de Gru (Minions: The Rise of Gru)

Seres amarelos que servem um chefão do mal, que gostam de banana e que falam uma língua que é a mistura de várias outras. A história de Minions 2: A Origem de Gru conta o que aconteceu depois de Gru achar as criaturas chamadas Minions. Em uma comédia cheia de humor, risadas e trapalhadas, vemos o pequeno Gru e seus conflitos com sua mãe, enquanto ele tenta virar um super-vilão. Em reviravoltas e mais reviravoltas, o Minichefe e os amarelinhos Kevin, Stuart, Bob e Otto mostram seu potencial para lutas, fugas e disfarces, para combaterem o Sexteto Sinistro – um grupo de vilões –, que eram ídolos do menino.

Minions 2: A Origem de Gru foi feito para a família toda e cumpre a promessa de divertir desde a criança caçula ao adulto mais velho. As gargalhadas saem fácil, do começo ao final do longa. É um ótimo filme, com uma boa produção – pelas mãos de Chris Meledandri, Janet Healy e Chris Renaud –, e com uma ótima trilha sonora – executada por Jack Antonoff –, mas que, infelizmente, não supera o primeiro da série Minions e nem a sua saga original, Meu Malvado Favorito. Conhecer a origem de Gru é algo que completa a história inicial, além de enriquecer o universo do malvado mais favorito do Cinema; porém, assim como muitos spin-offs, sempre há a questão: será que havia necessidade para uma nova série? – Laura Hirata-Vale

Reúna um elenco das atrizes mais estimadas do Twitter, uma trilha sonora com os principais hits das baladas de hyperpop da Rua Augusta, iluminação e figurino retirados diretamente de tutoriais de maquiagem de Euphoria e, quando menos perceber, você foi cooptado pelo cavalo de tróia de Halina Reijn. Em Bodies Bodies Bodies, a diretora agrupa minuciosamente cada um desses signos com a intenção deliberada de fazer com que este seja o produto mais vendável à Geração Z possível, de modo a colocar esse público em uma posição vulnerável para que, aí sim, sejamos obrigados a encarar os demônios do nosso tempo.

Cada um dos sete protagonistas incorpora uma caricatura progressivamente mais exagerada, maculada e pitoresca de um jovem que cresceu imerso no ambiente online. Mas o que poderia descarrilar para um discurso moralista revela-se transcender o joguinho macabro assim que a tempestade do lado de fora reflete os turbilhões internos, até que as rachaduras que sustentam aquelas relações sejam rompidas. O terror slasher e mesmo a comédia satírica não passam de pretexto para espelhar a artificialidade da trama em nosso próprio entorno. Nos recusamos a projetar-nos naquelas pessoas justamente porque seria inevitável. – Enrico Souto

My Policeman 

Dirigido por Michael Grandage, My Policeman é um drama adaptado do livro de mesmo nome escrito por Bethan Roberts, que narra a triste história do casal Tom (Harry Styles) e Patrick (David Dawson) ao sofrerem com a sociedade homofóbica dos anos 1950 e o casamento de fachada entre Tom e Marion (Emma Corrin). O romance entre os dois homens gays se passa em duas linhas temporais diferentes, o que demonstra perfeitamente como os personagens lidam com o mundo e as consequências de seus atos.  

A ideia central do longa é a de que o maior inimigo do homem é o tempo. As decisões tomadas e os caminhos traçados não podem ser desfeitos, mas podem alterar completamente a vida de alguém. Além de uma história muito humana, o filme, disponível no Prime Video, é agradável esteticamente. A fotografia de Ben Davis, as locações e os figurinos encabeçados por Annie Symons são bem pensados. Além disso, a química evidente entre os três personagens principais foi fundamental para o bom funcionamento do filme. – Gabrielli Natividade

Nada de Novo no Front (All Quiet on the Western Front)

Qual o sentido de uma guerra? Nenhum. Então qual o sentido em mais um filme sobre guerra? Total. Nada de Novo no Front explora o que há de pior sobre um dos maiores conflitos bélicos da história ocidental: a Primeira Guerra Mundial. O longa, dirigido pelas lentes de Edward Berger, é um revival inspirado no clássico e homônimo livro de Erich Maria Remarque, lançado em 1929. Ainda que com pequenas modificações, a trama protagonizada por Daniel Brühl e Felix Kammerer é fiel à cruel narrativa alemã e critica o fato de jovens terem arriscado suas próprias vidas para lutar por ideais terceirizados.

Noventa e dois anos após o sucesso de Sem Novidade no Front (1930), primeira adaptação da obra de Remarque para as telonas, a versão cinematográfica de 2022 chega ao streaming da Netflix e cumpre todos os requisitos capazes para ser vencedora nas categorias de Melhor Filme e Melhor Filme Internacional do Oscar 2023. Além do enredo dramático, Nada de Novo no Front carrega consigo as fragilidades de um tempo do início do século 20. Como outras produções que retratam a Grande Guerra, o roteiro poderia ficar confortável em retratar, quase de forma exclusiva, a ação das batalhas, mas não o faz. 

A densidade psíquica de cada personagem é sabidamente utilizada por retratar dilemas éticos, medos, angústias, ódios, revoltas, amores e tristezas em um pacote fílmico de duas horas e 28 minutos de duração. Felix Kammer interpreta bem esse dilema, dando vida ao papel de Paul Bäumer, um jovem soldado inexperiente que vê sua trajetória pessoal rumar para caminhos tortuosos. Com o filme, é a primeira vez que um filme alemão sobre a temática crítica da Primeira Guerra ganha tanta relevância no mundo do Cinema. – Gabriel Gomes Santana

Não Fale o Mal (Speak No Evil)

Não Fale o Mal, dirigido por Christian Tafdrup, acompanha uma família dinamarquesa que conhece e se aproxima de uma família holandesa durante as férias. No entanto, o clima se torna estranhamente pesado quando os dinamarqueses decidem aproveitar alguns dias na casa dos holandeses e o fim de semana supostamente agradável lentamente começa a desmoronar.

A tensão persistente do longa dinamarquês é crescente. A trilha sonora de Sune Carlsson Kølster, conflitante e antagônica, desafia os sentidos do espectador e brinca com suas expectativas: a sonoridade intensa e horripilante “engana” a percepção e transforma momentos inocentes em pura angústia. Após a construção do pavor da iminente catástrofe, o desfecho amargo do longa surpreende ao desafiar a capacidade humana de prazer pelo sofrimento alheio além dos limites imagináveis.

Autêntico e provocador, o filme explora choques culturais, tensão entre pais e filhos, comportamentos peculiares, etiqueta e socialização. Em uma combinação precisa, a obra mostra como as dinâmicas dos relacionamentos podem ser cruéis quando as vítimas se tornam cúmplices de seu destino: “Porque vocês deixaram”. – Bruno Alvarenga

Não, Não Olhe! (Nope)

Em seu terceiro longa como diretor, Jordan Peele não abandona o terror psicológico que acompanhou sua carreira desde o início. Sendo sua marca registrada, o sci-fi aterrorizante de  Não, Não Olhe! enfrenta o desafio de não cair na mesmice ao tratar de um assunto batido no Cinema hollywoodiano: aliens. Felizmente, o filme não depende só disso para se desenvolver. Peele conta com uma narrativa bem construída ao redor da dupla principal e um elenco de peso, trazendo relevância até mesmo para a subtrama do longa. 

Daniel Kaluuya e Keke Palmer interpretam OJ e Emerald Haywood, respectivamente, dois irmãos que, após a morte inesperada do pai, têm que tocar o negócio da família – o treinamento de cavalos para produções audiovisuais. Junto com o luto, os irmãos Haywood precisam lidar com acontecimentos sobrenaturais que afetam o comportamento dos animais e humanos na fazenda da família. Paralelamente, o telespectador é apresentado a Jupe (Steven Yeun), que protagoniza a subtrama ao vivenciar um trauma de infância e projetá-lo nos acontecimentos paranormais. 

Nope discute, entre vários conceitos, a negritude. Porém, diferente de sua obra primogênita, Corra!, o debate é coadjuvante do principal – a espetacularização midiática diante de fatos ou acontecimentos trágicos. Assim como seus irmãos mais velhos Corra! (2017) e Nós (2019), Nope também tem seu início baseado em uma passagem bíblica: Naum 3:6 “Eu jogarei imundície sobre você, e a tratarei com desprezo; farei de você um exemplo”. – Amábile Zioli

Não Se Preocupe, Querida (Don’t Worry Darling)

Mesmo com todas as polêmicas atrás e na frente das câmeras, Não Se Preocupe, Querida é um thriller psicológico bem feito. Escrito por Katie Silberman, o roteiro é intrigante, e possui um ‘quê’ de mistério que deixa o espectador preso até o final. A história de Alice (Florence Pugh) e Jack (Harry Styles) acontece na cidade fictícia chamada Victory (“Vitória”, em inglês), onde tudo parece estar dentro do normal. Porém, a partir do momento que Alice escuta sua vizinha dizer “Nada tá bem. Eu não durmo. Tenho pesadelos”, coisas estranhas começam a acontecer: com tremores na terra e  quedas de avião a sua volta, a protagonista passa a ter flashes em sua memória, desmaios e sensações bizarras. 

Não Se Preocupe, Querida traz para as telonas assuntos delicados – como relações abusivas e violência sexual –, e não aborda “o prazer feminino”, como havia dito a diretora Olivia Wilde. De forma impactante, o filme consegue mostrar a maldade humana e machista que força mulheres a fazerem ações árduas e dolorosas. Porém, mesmo com todas as suas controvérsias, o longa acertou em sua produção artística: sua trilha sonora foi composta por John Powell, de Como Treinar o Seu Dragão; o figurino, por sua vez, ficou nas mãos de Arianne Phillips, de Era uma Vez em… Hollywood. Ambos ajudaram na construção do suspense, que, em certos momentos, deixam a pessoa que está assistindo com arrepios, na beirada da poltrona. – Laura Hirata-Vale 

Noites Brutais (Barbarian)

O ano de 2022, sem dúvidas, foi uma das melhores safras do terror atualmente: este nos serviu desde os clássicos de slasher, terror psicológico, de criatura, gore e body horror. Dentre os clássicos instantâneos, Noites Brutais (Barbarian) é o que mais sabe trabalhar as nuances do gênero como um todo, a fim de criar uma atmosfera única. Contando a história de uma mulher que alugou um Airbnb e, ao chegar, vê que a casa já está ocupada por outra pessoa, a obra trabalha em sua própria loucura para criar uma das experiências mais sensoriais e surpreendentes no ano.

Se abstendo da fórmula de três atos, o longa funciona quase como dois média-metragens unidos por alguns de seus conceitos, nesse caso: a própria casa e também a devastação financeira – lembrando que é um filme ambientado na Detroit ainda com sequelas de sua grande crise. Dessa forma, seu prólogo alia a direção de Zach Cregger e a fotografia de Zack Kuperstein para desenvolver um suspense que dá frio na espinha, brilhantemente trabalhado através de várias óticas. A obra, então, vira de ponta cabeça em seu próprio eixo para se assumir como um terror de criatura, que, apesar de ter dividido opiniões nessa segunda metade, alcança uma catarse que o coloca como uma empreitada extremamente original do gênero. – Guilherme Veiga

O Dragão do Meu Pai (My Father’s Dragon)

Simples e emotivo, esse é O Dragão do Meu Pai. Com uma estética bem infantil, o filme é feito de gráficos básicos que lembram o desenho de crianças – mas não se engane, a trama é capaz de comover corações adultos com tanta sinceridade e confiança. A amizade de Boris e Elmer é tão bonita quanto o amor do protagonista e sua mãe.

A sutileza da animação não apaga a importância de seus debates, a falta de trabalho, o abandono de sua cidade natal para buscar algo melhor em uma metrópole e a solidão de uma mãe que sustenta sozinha o seu filho. Elmer traz todo o brilho e leveza para esse tipo de diálogo, abordando temas tão importantes com a beleza que somente as crianças possuem. O que falta para um bom final seria conhecer a narradora, filha de Elmer, o que é compreensível para um fim singelo. – Thuani Barbosa

O Filme da Escritora (The Novelist’s Film)

Mesmo que seUs filmes não destinem o olhar a outra coisa além da vida como ela é, Hong Sang-soo pouco adentra no que seria uma linguagem documental, apesar de seus personagens não poderem ser mais verdadeiros à realidade do que já são. Talvez seu segredo resida no tipo de vida a qual o diretor escolhe direcionar suas lentes; uma pouco construída pelo que, já muito capturado pelo Cinema, é grandioso. Em O Filme da Escritora, Sang-soo continua seu costumeiro olhar às pequenezas e à beleza mundana, movida por conversas calorosas regadas a álcool e literatura e confissões silenciosas de amigos distantes e de desconhecidos; mas, essencialmente, por personagens em uma insistente sensibilidade ao mundo que os cerca, permitindo, em suas andanças, sempre serem movidos e moldados por seus encontros. 

O que potencializa e diferencia o longa de sua prolífica filmografia é o comentário — que acaba, de certa maneira, sendo de um caráter quase ensaístico ao diretor — a sua própria prática criativa. Ao centrar-se em uma escritora tateando novos territórios de sua expressão, interpretada pela espetacular Lee Hye-Yeong, a história está inserida em um universo onde os arcos narrativos não são centrais aos planos visualmente econômicos e saturados em preto e branco. Mas sim, em seus personagens e sequências de extrema sinceridade, em uma transposição total do poético às telas do cinema. Em The Novelist’s Film, existe um excedente das singelas atuações que transbordam o que ali há de real e, sem muitos esforços, mostram a possibilidade de realização de uma arte movida por nada além de um sentimento imenso. — Enzo Caramori

O Homem do Jazz (A Jazzman’s Blues) 

A história de amor de Bayou e Leanne pode ser descrita em muitas palavras: romântica, realidade e revolta. A trama de O Homem do Jazz acontece em 1940, em um período pós escravocrata no sul dos Estados Unidos, que retrata a vida de Bayou (Joshua Boone), contada pelos olhos de sua mãe; um jovem negro que foi morto cruelmente e teve seus direitos apagados pelo simples fato tentar viver um amor impossível. Mesmo que todo o sofrimento seja causado por um sistema falho e racista liderado por homens poderosos, é impossível separar o sentimento de raiva por Leanne (Solea Pfeiffer), que teve chances de salvar seu grande amor, mas preferiu o egoísmo de perdê-lo para a morte.

Além de toda a perfeição do enredo de Tyler Perry (que poderia facilmente ser baseado em fatos reais), a musicalidade e singeleza nas atuações conquistam qualquer um que as vejam, principalmente o incrível trabalho de Boone, ator que deu vida ao protagonista e emocionou o público com seu talento. Mesmo que para alguns o longa explore estereótipos, a produção condiz com a escrita melodramática dos anos 1990, com personagens sofridos, brigas clássicas e um romance proibido. – Thuani Barbosa

O Homem do Norte (The Northman)

Ao lançar mais um longa, o diretor Robert Eggers demonstra um domínio que exprime o motivo por ser tão aclamado pela crítica. Contando uma história já muito explorada pela indústria cinematográfica, com um orçamento muito maior do que o de seus filmes anteriores (aproximadamente 90 milhões de dólares) e um elenco de grandes nomes, como Alexander Skarsgård, Anya Taylor-Joy (revelada pelo longa anterior do diretor, A Bruxa), Nicole Kidman e Björk, O Homem do Norte (The Northman) veio brutal, direto e com uma sede de vingança. 

No longa, conhecemos a história de Amleth (Alexander Skarsgård), um príncipe viking que, ao presenciar, ainda jovem, o assassinato de seu pai por seu tio, tem sua trajetória completamente mudada. Seus objetivos em vida viram três: a vingança de seu pai, o salvamento de sua mãe e a morte de seu tio. A história de cada personagem e as reviravoltas do roteiro, feito por Eggers em parceria com Sigurjón Birgir Sigurðsson, mantém um ritmo brutal, mas que carrega uma delicadeza única do diretor, que se ateve a todos os detalhes de cenário, figurino e uma direção de câmera magistral. O projeto é uma obra visual impressionante, que reconta uma história de um jeito nada tradicional, traduzindo um conto em Sétima Arte. – Aryadne Xavier

O Menu (The Menu)

Coloque uma pitada de suspense, cozinhe no humor, deixe de molho em caos e coloque no forno por 106 minutos. Pronto, O Menu está pronto para ser servido. Dirigido pelo mesmo diretor de Succession, Mark Mylod, a produção nos leva para um jantar homicida do Chef Slowik, interpretado meticulosamente por Ralph Fiennes, em que a tensão e a humilhação aumentam a cada prato servido. A protagonista aqui é Anya Taylor-Joy, que interpreta Margot, uma personagem que não estava nos planos daquela noite e que, querendo ou não, nos representa naquele ambiente.

O filme é classificado como terror, porém, a premissa é a mesma de Succession: rir da cara de ricos. A vexação aprofundada na história de cada convidado é o que diverte a quem assiste, além do excessivo constrangimento do personagem de Nicholas Hoult, Tyler. Fora isso, outro destaque é a sua fotografia, assinada por Peter Deming, que brinca com a criatividade dos pratos e a utiliza a seu favor. No geral, O Menu não traz muitas inovações à mesa, mas é uma ótima degustação. – Arthur Caires

O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas (The Mystery of Marilyn Monroe: The Unheard Tapes)

O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas é um conjunto tocante de fatos abordados através de fitas gravadas pelo próprio psiquiatra de Marilyn Monroe, em um tom de veracidade, menos romantizado que adaptações recentes da vida da atriz, que não fizeram favor a sua imagem. Diga-se de passagem, gasta pelo uso e reuso, assim como o abuso, de uma história de vida densa.

O documentário também levanta mistérios e conspirações, mostrando evidências baseadas em testemunhas e documentos. Porém, isso talvez não seja o melhor ponto do filme, e sim a humanização da pessoa Norma Jeane. É possível apreciá-la em diversos momentos que vão além da imagem hollywoodiana que, quase sempre, é a propagada. Se você for fã de true crime, drama e documentários, O Mistério de Marilyn Monroe: Gravações Inéditas é uma forte recomendação. – Izadora Azevedo Albertini 

O Pálido Olho Azul (The Pale Blue Eye)

O Pálido Olho Azul é um mistério de época que faltava no catálogo da Netflix. Os fãs dos gêneros mistério e policial, além de filmes de época, devem ter se entusiasmado e tiveram suas expectativas atendidas: a obra é um deleite. O mais surpreendente durante mais de duas horas de filme são os últimos 20 minutos do título. Podemos estar nos adiantando, mas é um tempo bem gasto.

Christian Bale, intérprete do detetive Augustus Landor, entrega um personagem racional e frio, mas extremamente humano e falho. Harry Melling, que atua como Edgar Allan Poe, certamente é uma ótima representação de como o autor seria enquanto em vida: um ser no mínimo peculiar, cativante e misterioso, mas muito gentil. A melhor parte do filme é a atuação dos dois papéis principais, com uma boa química entre eles, reviravoltas e contradições nas ações entre Poe e Melling. Ao final, o espectador torce para que o autor dos romances fique com a mocinha e deseja tê-lo conhecido – uma inspiração para diretores de Cinema, escritores de livros e roteiristas ainda hoje. – Izadora Azevedo Albertini

O Predador: A Caçada (Prey)

Quase 40 anos depois que o clássico estrelado por Arnold Schwarzenegger mudou o Cinema de ação e introduziu um dos grandes monstros da ficção científica, o Predador volta às telas – só que dessa vez, direto para o streaming. Dirigido por Dan Trachtenberg (Rua Cloverfield, 10), O Predador: A Caçada é um prelúdio do filme de 1987, se passando quase 200 anos antes que o icônico alienígena enfrentasse o Major Dutch nas selvas da América Central. Aqui, acompanhamos a jornada de coming-of-age de Naru (Amber Midthunder), uma guerreira Comanche tentando se provar para o resto de sua tribo.

O roteiro de Patrick Aison entende algo que a maioria das sequências do Predador se esqueceram: o Predador não é suficiente. É preciso haver alguém que valha a pena seguir e torcer para que sobreviva à perseguição, contra todas as possibilidades. O novo filme retoma essa tradição, introduzindo uma protagonista que cresce durante a jornada e se torna uma adversária à altura de seu oponente, em uma estrutura certamente clássica, mas inteiramente efetiva. Apesar de estar sempre procurando por novos recursos, a maior arma de Naru acaba se tornando sua mente inquisitiva e astuciosa. Ela é a primeira que percebe que há algo na floresta que não deveria estar ali, escalando a cadeia alimentar em direção à ela e sua tribo.

Apesar das sequências de ação do filme não deixarem à desejar, é na tensão que Trachtenberg brilha, construindo habilmente a rivalidade entre a guerreira e o Predador (que também possuí novos brinquedos que nunca vimos antes) em direção à um clímax tão arrebatador em sua claridade emocional e física que se torna impossível não vibrar com cada golpe recebido. Resta apenas torcer para que a franquia finalmente volte aos eixos e que as próximas sequências recebam de volta a honra de serem lançadas em uma sala de cinema. — Gabriel Oliveira F. Arruda

O Telefone Preto (The Black Phone)

Em O Telefone Preto, Ethan Hawke tinha uma máscara, um telefone preto quebrado no porão e um carisma assustador capaz de hipnotizar qualquer criança. Porém, a sua presença intimidadora fez parecer que ele desejava algo a mais: prender a respiração do público. E Hawke conseguiu., nNa pele do sequestrador Albert, o ator se transformou em uma aberração que deixou o rastro do horror no ar, responsável por causar repulsa em quase todas as cenas que dividia com Finney (Mason Thames). Esperto na direção do longa, Scott Derrickson trouxe para as telas do Cinema o pavor do conto de mesmo nome do autor estadunidense Joe Hill.

Com roteiro e premissa simples, o texto de Derrickson e C. Robert Cargill ganha dimensão através do elenco adulto e infantil, ambos excelentes e mergulhados por completo na profundidade da atuação que uma produção de suspense exige. Ambientado no final da década de 1970, o longa possui efeitos especiais um tanto quanto bizarros, mas que, surpreendentemente, não tiram a imersão da atmosfera de medo. Produzido pelo veterano das franquias de terror Jason Blum, O Telefone Preto acertou ao colocar Ethan Hawke no comando do temor e se consagrou entre os melhores filmes do gênero em 2022. – Nathalia Tetzner

Os Anos do Super 8 (Les Années Super 8)

Lembrança e esquecimento. Os eixos temáticos que atravessam a obra literária da escritora Annie Ernaux, laureada pelo Prêmio Nobel da Literatura, fazem que seja natural o destino — trilhado por sua característica autosociobiografia — a uma apropriação reflexiva dos arquivos, como feita no filme Os Anos do Super 8. O longa, ambientado pelas imagens silenciosas das filmagens de uma câmera Super 8, que capturou a esfera matrimonial e familiar da autora por mais de uma década, é montado a partir da narração de um texto de Ernaux acerca dos anos em que a máquina esteve presente na construção de suas relações interpessoais, sempre (como em sua escrita) em confronto com o coletivo. 

Lançado em 2022, Les Années Super 8 — título original da obra estreante, no Brasil, na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo — adiciona uma sensibilidade única à prática recorrente de retomada de arquivos ao se propor ao desafio de procurar, em imagens extremamente íntimas e domésticas, registros invisíveis das mudanças não apenas de um núcleo familiar, mas sim de uma geração. A delicadeza melancólica com que Ernaux e seu filho (e também parceiro de direção do longa), David Ernaux-Briot, se vêem diante dos arquivos — como guardiões de uma luminosidade e de um tempo único de suas vidas — é o que confere excepcionalidade a um trabalho tão verdadeiro a si mesmo quanto a literatura da autora. – Enzo Caramori

Os Banshees de Inisherin (The Banshees of Inisherin)

Em 1923, na ilha fictícia de Inisherin, os sons da guerra civil irlandesa são ouvidos diariamente, de forma alternada às conversas e fofocas alheias. Esse cenário, contudo, diz bem mais do que parece dizer: as bombas do outro lado do mar sintetizam o caos emocional no qual, em breve, todos os personagens estarão submersos. Com um roteiro sempre à beira do colapso, Martin McDonagh reúne novamente em Os Banshees de Inisherin Colin Farrell e Brendan Gleeson, que dividiram o protagonismo em seu longa de estreia, In Bruges (2008).

Na trama, depois de anos bebendo juntos no pub da ilha, Pádraic (Farrell) recebe uma recusa de seu melhor amigo, Colm (Gleeson), e demora a entender que essa situação é permanente. Eles são diferentes, um tipo de “yin-yang do Cinema” que, aqui, é muito bem trabalhado: Pádraic é a alma doce e ingênua, que pode ficar horas falando sobre sua burrinha, Jenny – possivelmente seu único amor verdadeiro. Colm, por outro lado, é o malicioso intelectual, o músico deprimido que quer deixar “uma marca no mundo”. Dessa situação – a princípio insustentável – surge uma das tramas mais fascinantes de 2022, na qual Colin Farrell se sobressai (tarefa difícil, visto que Kerry Condon e Barry Keoghan também integram o elenco).

McDonagh constrói as cenas no mesmo espaço, quase como uma peça de teatro gravada. O personagem de Farrell tem como característica “se transformar” quando fica alcoolizado; essa mudança é crucial no desenrolar da trama, mas é ainda mais contundente ao demonstrar a habilidade do ator, que precisa dar vida a um indivíduo que gradualmente perde sua bondade. Os Banshees de Inisherin mescla constantemente a comédia e a tragédia, nos fazendo rir da desgraça de forma civilizada, como se fosse a adaptação de um conto de James Joyce. Não por acaso o longa foi o grande vencedor do Globo de Ouro deste ano, e chega ao Oscar como um dos favoritos a pelo menos uma estatueta. – Bruno Andrade

Os Caras Malvados (The Bad Guys)

Desde a ascensão de Frozen em 2014, a Disney constrói uma hegemonia na indústria de animações. Contudo, além de sua expansão vertiginosa, outras de suas maiores concorrentes, como é o caso da DreamWorks Animations, passaram por maus bocados. Com o fim de suas principais franquias, o estúdio apostava em projetos divertidos, porém gradativamente mais efêmeros. Até que um Aranhaverso entrou no caminho, colocando as técnicas de animação 3D em metamorfose e alterando de vez a rota das produções da Dreamworks. Antes mesmo do sucesso aterrador de Gato de Botas 2, Os Caras Malvados é produto direto disso. 

Seguindo a lógica de reimaginar gêneros estabelecidos de histórias à sua maneira, The Bad Guys é o heist movie da DreamWorks, assumindo o caráter lúdico do arquétipo de seus protagonistas e os explorando de maneira tão astuta quanto as tramoias do inusitado grupo de animais fora-da-lei. Adaptar livros infantis para longas-metragens não é uma tarefa simples e é por isso que Etan Cohen, Yoni Brenner e Hilary Winston guiam o roteiro para que, imersos em uma trama tão simples quanto poderia ser, os personagens se tornem a bússola do projeto. São nos momentos mais singelos, entre tomadas de seu incrível espetáculo visual, que Os Caras Malvados reencontra a essência do estúdio – Enrico Souto.

Os Fabelmans (The Fabelmans)

Com mais de 40 filmes compondo sua filmografia, em 2022 Steven Spielberg decide relembrar sua juventude em longa semi-autobiográfico – Os Fabelmans, uma declaração de amor ao Cinema. O filme, como promete, acompanha a história de Sammy (Gabriel LaBelle), alter ego de Steven, no processo do descobrimento de sua paixão pelo audiovisual após ser levado ao cinema pelos pais pela primeira vez para assistir O maior espetáculo da Terra. A partir daquele momento, o filme se torna metalinguístico ao passo em que Sammy começa a fazer suas próprias gravações em casa. 

A narrativa é complementada com o lirismo das relações entre a família Fabelman. Paul Dano e Michelle Williams interpretam com louvor os pais do protagonista e trazem o drama necessário para o desenvolvimento da biografia, formando uma família extremamente relacionável, que, apesar de por fora parecer perfeita, carrega segredos e conflitos internos. LaBelle, que interpreta com excelência o jovem Spielberg, vivencia essas revelações e está sempre com uma câmera em mãos, registrando até os momentos mais infelizes. – Amábile Zioli

Pânico 5 (Scream)

Alguns clássicos simplesmente nunca saem de moda. A querida franquia Pânico retornou em 2022 para mostrar que sua fórmula não será ultrapassada, mesmo apesar da nova temporada de obras pós-terror. Com boa parte do elenco original para nos trazer nostalgia e com diversas referências aos seus antecessores, o slasher consegue revitalizar uma narrativa que fez sucesso por 20 anos para uma nova geração – afinal, quem ainda usa o telefone fixo em casa? Em uma bela homenagem ao falecido Wes Craven, co-criador dos quatro primeiros filmes da sangrenta saga do vilão Ghostface, temos em Pânico 5 o surgimento de novas protagonistas que entenderam muito bem o legado que a icônica dupla Sidney Prescott (Neve Campbell) e Gale Weathers (Courtney Cox) deixaram. 

Nesta era inédita, vemos as irmãs Sam Carpenter (Melissa Barrera) e Tara Carpenter (Jenna Ortega) brilharem na busca do assassino e se surpreenderem junto com o público em sua descoberta: ficamos de queixo caído em mais uma inesquecível revelação do Ghostface,  uma confirmação de que um bom vilão sempre será famoso – tão famoso que já abalou novamente as estruturas em um trailer de tirar o fôlego, anunciando que não demoraremos muito para ver o sexto filme nas telas do cinema. De fato, apesar da obra vir em um ano de slashers de altíssimo nível,  Pânico 5 conseguiu consagrar-se tanto na bilheteria quanto com o público. A verdade é que estamos mais do que felizes com a volta da franquia que fez boa parte da geração Z se apaixonar pelo horror. – Clara Sganzerla

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre (Black Panther: Wakanda Forever)

Os caminhos de Ryan Coogler para fazer com que Pantera Negra alcançasse uma continuação à altura depois da morte do ator do protagonista T’Challa, Chadwick Boseman, eram misteriosos. Felizmente, algumas surpresas são boas e Pantera Negra: Wakanda para Sempre foi uma dessas. O longa-metragem usa a delicadeza do universo singular de Wakanda para trazer cultura e ancestralidade quando o assunto são despedidas. O movimento se afasta de outras produções Marvel, mas isso é feito com um propósito tão nobre que acaba se tornando um diferencial e não uma falha. 

Outro destaque do enredo – de autoria do diretor em parceria com Joe Robert Cole – é a construção do vilão Namor (Tenoch Huerta). O personagem, que aparece nos quadrinhos ainda na década de 30 como pioneiro na ideia de contraposição aos heróis, tem suas convicções e ideais muito bem construídos em sua adaptação para as telas. No filme, ele e os cidadãos de Talocan são inspirados nos povos nativo-americanos e é isso que torna suas motivações tão sinceras e bem estabelecidas. Sua defesa pela segurança dos seus e o medo do que o interesse na exploração dos recursos pode causar são tão verdadeiros que até sua classificação como vilão é questionável – anti herói é um termo mais adequado. 

Nem as polêmicas da vida pessoal de Letitia Wright não foram suficientes para apagar o brilho de Shuri e a protagonista continua primorosa. Sob a atuação segura e expressiva da atriz, seu processo de amadurecimento é doloroso, mas envolto por muito respeito e serenidade. Em outros aspectos, Black Panther: Wakanda Forever – nome original da produção – mantém o encantamento. As roupas e cenários – responsabilidade da figurinista Ruth E. Carter e da desenhista de produção Hannah Beachler – são esplendorosos, assim como a fotografia de Autumn Durald Arkapaw, que traz leveza e sensibilidade mesmo nas cenas de mais ação. Wakanda, vai ser um prazer estar para sempre com você. – Jamily Rigonatto

Passagem (Causeway)

Há uma estranheza primordial a Passagem. Em todas as interações entre Lynsey (Jennifer Lawrence) e James (Brian Tyree Henry), desde o momento em que um carburador danificado uniu a trajetória dos dois, paira no ar uma sensação de deslocamento, como se houvesse uma barreira contínua os impedindo de se conectarem em plenitude e, não importa o esforço, não conseguissem a ultrapassar. Entretanto, é essa persistência em construir pontes e continuar existindo, ao lado e apesar de seus traumas, que dá sentido à experiência dilacerante de Causeway.

Não é por acaso que a diretora Lila Neugebauer dê tamanha ênfase no processo de Lynsey de reaprender as tarefas mais básicas, como andar ou comer, em paralelo a solitude de sua relação com James que, tal qual ela, precisa descobrir como amar de novo. É a partir desses vazios deixados por seus personagens que Lawrence e Tyree Henry, indicado pela primeira vez ao Oscar como Ator Coadjuvante, preenchem o filme, transbordando os limites da tela e colocando cenas absolutamente cotidianas entre as mais intensas do ano. – Enrico Souto

Pearl

Apesar de não se enquadrar, essencialmente, no rótulo de comfort movie, Pearl acabou caindo nas graças do nicho social adepto da glamourização de atos trágicos, tais como chorar no banho e pedir Melodrama em festas. Ademais, a obra dirigida por Ti West estabelece laços de irmandade com o filme X, isto é, apresenta-se como história de origem da personagem Pearl. Esta, por sua vez, é interpretada magistralmente por Mia Goth em uma jornada a qual não deve ser limitada à denominação de prequel, mas pensada enquanto prova de que mommy issues e quebras de expectativas juvenis assustam mais do que qualquer monstro feito em CGI. 

Pearl é, no fim, uma visita aos pontos turísticos da psique da protagonista cuja desenvoltura é medida por angústia e imprevisibilidade. Além disso, essa viagem pelas ramificações da personagem é guiada por uma fotografia colorida – típica do technicolor dos anos 40 – e por um roteiro envolvente, escrito por Mia Goth e Ti West, que faz qualquer um abandonar o celular e aproveitar o momento. Mesmo bebendo da fonte do terror clássico dos anos 70, o filme quer saciar sua sede em uma geração que busca suprir expectativas e sonhos criados por e para ela, seja com suor ou, no caso de Pearl, sangue.  – Ana Cegatti

Pinóquio (Guillermo del Toro’s Pinocchio)

Graças às leis de direitos autorais, o conto clássico italiano de Carlo Collodi sobre as desventuras de um boneco de madeira que ganha vida foi agraciado com inúmeras releituras sob as mãos de diversos artistas nos últimos anos. Só em 2022, nós tivemos dois filmes sobre o mentiroso mais famoso do planeta. Para muitos Pinóquio de Guillermo del Toro, pode, por hora, figurar como o filme definitivo da franquia.

Exclusivo da Netflix, o longa-metragem é fruto do maior rigor artístico possível. Só por se tratar de uma animação Stop Motion, ele necessitaria de toneladas de esmero e dedicação e del Toro não entregou menos que isso. Com mil dias de  produção e mais de 900 dias de filmagens – isso sem contar os quase dez anos em que o diretor tentava convencer os estúdios a realizarem o projeto -, o filme é a própria definição de obra de arte.

O enredo escrito por del Toro e Patrick McHale se desenvolve em meio ao auge do governo fascista na Itália dos anos 1930. A maturidade dos temas tratados surpreende, transitando entre a rejeição parental até a mortalidade e o luto, assuntos que dialogam com a intimidade do próprio diretor. Pinóquio mostra que apesar de navegar em um mundo fantástico, definitivamente não é inocente ou infantil. – Guilherme Dias Siqueira

Predestinado: Arigó e o Espírito do Dr. Fritz

Razão e fé, paz e tormento, livre arbítrio e predestinação. É por meio de tensões que Predestinado: Arigó e o Espírito do Dr. Fritz se fortalece como narrativa cinematográfica e foge dos clichês de uma cinebiografia. Ao contar a história do médium mineiro José Pedro de Freitas, mais conhecido como Zé Arigó, o longa-metragem de Gustavo Fernández não tenta impor religiões e crenças, embora reconstrua, com posicionamentos bem explícitos, o cotidiano e as contradições de um homem que demorou para aceitar sua verdade e seu propósito de vida.

A temporalidade permanece suspensa nas quase duas horas de Predestinado, e o espectador acompanha o dia a dia de Zé Arigó em detalhes significativos, que parecem relatar uma vida inteira em tempo real. Não há quem fuja do teor reflexivo do longa-metragem, capaz de questionar desde a veracidade de crenças e cirurgias espirituais até a nem sempre explícita disputa de narrativas religiosas historicamente firmada em solos brasileiros. No fim, caso esse conjunto de qualidades ainda não convença o espectador mais exigente, a atuação de Danton Mello já serve de satisfação e deleite para corpo e alma. – Eduardo Rota Hilário

Red: Crescer é uma Fera (Turning Red)

Em Red: Crescer é uma Fera, o primeiro filme da Pixar dirigido unicamente por uma mulher, Domee Shi, uma artista sino-canadense, nos conta uma história muito íntima sobre amadurecimento e aceitação. No Canadá, durante os anos 2000, uma garota de ascendência chinesa chamada Mei Lee, após entrar na puberdade, descobre que, devido a uma espécie de maldição familiar, toda vez que seus sentimentos são aflorados ela se transforma em um panda vermelho, metáfora mais que explícita para as mudanças do corpo feminino e a chegada da adolescência. 

A diretora equilibra muito bem o tema sério com um tom leve e engraçado. Ao mesmo tempo em que utiliza expressões exageradas e visuais cartunescos inspirados nas animações e animes que assistia durante a infância, a obra faz bom uso do diálogo e subtexto para nos mostrar o conflito de gerações dentro da tradição familiar chinesa. A inocência, juntamente com a competência artística de seus realizadores, fazem com o que o filme estabeleça uma conexão única com seus mais diversos espectadores. Por isso, Red: Crescer é uma fera, além das várias indicações e vitórias em premiações mundiais, concorre ao Oscar 2023 na categoria de Melhor Filme de Animação. – Leonardo Ribeiro Jorge

Regra 34

Se a pornografia já é polêmica o suficiente para render discussões e motivar incontáveis linhas de raciocínio em produções, Regra 34 cruza o assunto com o BDSM e os confronta com a violência – tanto física quando de gênero e racial. Na obra, Simone, estudante de Direito que paga pela faculdade com seus lucros em um site pornô, trabalha em uma instituição de denúncias de agressões à mulher e, paralelamente, passa a experimentar o BDSM, prática sexual que, consentida, envolve violência.

A condução questionadora de Júlia Murat na direção recusa juízos de valor. As contradições da protagonista, interpretada profundamente e cheia de nuances por Sol Miranda, estão à mostra: defendendo mulheres durante o dia, ela procura a violência em seus momentos de lazer. Com os eventos à exposição, o espectador é livre para tirar suas próprias conclusões sem que a diretora e roteirista – junto de Gabriela Capello, Rafael Lessa e Roberto Winter – interpretem a moral de Regra 34. No retrato da vida real, não há uma. – Vitória Gomez

Resurrection

Muito se fala do monólogo impressionante de Mia Goth no terceiro ato de Pearl, mas é igualmente necessário falarmos sobre os oito minutos de loucura proferidos por Rebecca Hall no ponto de virada de Resurrection: nele, a atriz veterana se presta ao papel de Margaret, uma mãe solteira atormentada por um fantasma de seu passado na forma de David (Tim Roth), em uma performance maravilhosamente contida e subjugada. Escrito e dirigido por Andrew Semans, o suspense do longa é inegavelmente lento, mas preciso em sua execução temática e questionamentos sobre maternidade, controle e manipulação.

É uma obra definida pela interpretação central de Hall, que carrega a instabilidade emocional de Margaret com eficiência clínica. Quando chegamos ao terceiro ato, parece que um parafuso finalmente se solta da personagem e sua essência se espalha pela tela, finalmente exposta em toda a sua glória lunática, evocando elementos de body horror que cortam a tensão como uma faca. Uma das maiores forças do Terror como gênero está em provocar a audiência e passar do ponto em que ela se sente confortável, instigando uma reação visceral de quem quer que assista. Em Resurrection, a santidade da maternidade não é nada mais que uma cruel fantasia biológica que aliena sua protagonista daquilo que é mais importante para ela. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Ruído Branco (White Noise)

Naturalmente, a existência de Ruído Branco fala por si só. Sendo belo ou esquisito – fraco, para alguns –, o filme passa longe de ser irrelevante, pelo menos no nicho em que Literatura e Cinema se cruzam. Adaptado do clássico homônimo de Don DeLillo, White Noise é o primeiro longa-metragem com roteiro adaptado a ser dirigido por Noah Baumbach. Ainda assim, a trama gira em torno de uma família “disfuncional” – tipo já explorado pelo diretor estadunidense em filmes anteriores –, e funciona como uma homenagem de Baumbach a um de seus heróis literários.

Esse último elemento é tanto seu mérito quanto sua falha. DeLillo é um dos escritores vivos que foram “canonizados” pelo conservador crítico literário Harold Bloom, e suas obras comumente atacam a sociedade de consumo no capitalismo pós-industrial. Talvez preocupado demais em se manter fiel à obra, o diretor reproduz trechos do livro de 1985 quase linha por linha através dos diálogos, e a complexidade de reduzir as dezenas de frases impactantes no Cinema se mostra cruel. Nesse quesito, a magia de adaptar para um outro formato, com as liberdades permitidas, é, por vezes, esquecida. Todavia, como dito, esse também é seu mérito.

Os trechos, bem selecionados por Baumbach, são aqueles em que DeLillo tanto crítica o espetáculo e o consumo quanto alude a uma paranoia social amplamente compartilhada, que ganha tipos esquisitos de contornos no mundo real após o surgimento da covid-19. Ruído Branco – o filme – está longe de ser um clássico como a obra original, mas Noah Baumbach sabe bem disso. Seu projeto se envolve na reflexão e na “renovação” dos créditos originais concebidos pelo escritor; DeLillo sempre foi visto como visionário, Baumbach apenas mostra sua atualidade. No longa, Adam Driver (no papel de Jack Gladney) agrada nas cenas finais, quando, na revelação sobre o “Dylar”, o personagem interpretado por Lars Eidinger, Sr. Gray, é inserido grandiosamente. Mesmo que o filme tenha feito menos barulho do que o esperado, só podemos agradecer que alguém finalmente adaptou esse romance. – Bruno Andrade

Sissy

Dirigido e roteirizado pelos australianos Kane Senes e Hannah Barlow, Sissy é um ousado queer horror teen que combina ricamente elementos de terror gore com humor ácido e abordagem crítica às redes sociais na atualidade. O termo que dá nome ao filme é também o apelido da protagonista Cecilia, interpretada majestosamente por Aisha Dee, e ao mesmo tempo serve como um trocadilho infame, por ser usado comumente com o significado de “marica” ou “covarde”. 

Após sofrer diversas situações incômodas de provocação, bullying, falas insinuativas e exposição a traumas de infância, a influenciadora Cecilia é levada ao extremo e explode como um vulcão, desencadeando ações sangrentas de violência e assassinato. Apesar de parecer, o filme não se torna uma história sobre vingança e, felizmente, segue pelo caminho contrário ao enfatizar o perigo das relações humanas e exemplificar o sentido do termo “gatilho” de forma precisa. A combinação da abordagem de temas atuais e relevantes – não de forma moralista e superficial como retratados em outros filmes do gênero –, aliada a um competente trabalho de atuação e direção fazem da obra uma ótima surpresa divertida e gratificante. –  Bruno Alvarenga

South Park: Guerra de Streamings (South Park The Streaming Wars)

Pouco tempo após o longa especial South Park: Pós-Covid, dividido em duas partes, os criadores da série Trey Parker e Matt Stone retornam para mais uma produção que segue os mesmos modelos. Apesar do título sugestivo, a Guerra dos Streamings não se trata sobre as plataformas de filmes e músicas tão populares na atualidade e, sim, sobre córregos de rio.

Após um período de seca em South Park, os moradores desenvolvem um sistema para racionar água. Em meio à crise hídrica, há embates entre Cartman e sua mãe, em que o filho quer a todo custo que a sra. Cartman coloque silicone. Com a posição firme em oposição à ideia da criança, o protagonista se revolta e decide colocar as próteses nele mesmo. – Gabriel Gatti

Tár

Sim, você foi ou irá pesquisar sobre Lydia Tár. A obra estrelada por Cate Blanchett reproduz tão bem os conceitos de uma cinebiografia que nasceu sendo exemplo de biopic, mesmo não sendo uma. Contando a história da maestrina enquanto sua vida está ruindo em meio a uma epifania criativa, o longa do diretor Todd Field consegue traduzir o intimismo da história misturado com a megalomania e excentricidade da “biografada”. Isso faz com que Tár se torne um dos estudos de personagens mais coesos e profundos do ano.

O diretor é muito competente em atribuir o requinte da música clássica para o projeto, sem torná-la ainda mais elitista, por mais que o filme, a princípio, pareça não ser para todos os públicos. É acertada também a decisão de sair de frente das orquestras para jogar o holofote em quem está por trás das batutas e de costas para o público, e discutir como uma jornada de obsessão artística, já tão trabalhada no Cinema, pode resultar em uma toxicidade, dessa vez inserida na cultura do cancelamento.

Todos os méritos do longa são personificados por Cate Blanchett. Ela consegue transmutar toda sua genialidade como atriz na genialidade da regente da Filarmônica de Berlim e faz da obra um gigantesco monólogo sobre si. Sem dúvidas, Tár é o grande desafio e trunfo de Blanchett, no qual ela capta a complexidade e a extravagância desse tipo de persona, se tornando um doloroso e muitas vezes fiel retrato dessa figura de autoridade. Não à toa, desde a exibição inicial do filme, a atriz desponta na categoria de atuação. Mesmo já tendo duas estatuetas do Oscar na bagagem – sendo uma das poucas a ganhar como Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante – a desse ano,  por Tár, caso se confirme, consagrará sua carreira. – Guilherme Veiga

The House

Dividida em três histórias no mínimo desconfortantes que se passam dentro de uma única casa, a animação em stop motion The House  foi produzida durante a pandemia e conta com temas complexos e instigantes que flertam com alguns ideais capitalistas e refletem de maneira provocativa e questionadora o momento de confinamento. Com um tom intimista e perturbador, a obra utiliza-se do protagonismo da casa para representar e abordar desde a vaidade e a busca por status até problemas psicológicos e o apego aos bens materiais, ao mesmo tempo em que cria uma noção de aura que influencia os outros personagens.

Fato é que os diretores Emma De Swaef, Paloma Baeza, Niki Lindroth von Bahr e Marc James Roels utilizaram-se de alguns recursos interessantíssimos,  como tons opacos, diálogos diretos e ácidos e a preferência por personagens feitos de feltro (diferente da maioria dos filmes de stop motion), para criar esse cenário de terror psicológico extremamente próximo da realidade e sensorialmente incomodante que gera os mais diversos pensamentos em seu espectador. 

Em Janeiro de 2023, The House recebeu seis merecidas indicações ao Annie Awards, principal premiação das animações, dentre elas nomeações nas categorias Melhores Efeitos Visuais para German Díez, Álvaro Alonso Lomba e Hugo Vieites Caamaño, Melhor Animação de Personagens para Kecy Salangad, Melhor Música para Gustavo Santaolalla, Melhor Roteiro para Enda Walsh e Melhor Direção de Arte para Niklas Nilsnon e Alexandra Walker. – Leonardo Ribeiro Jorge

Top Gun: Maverick

2022 começou com os Cinemas do mundo inteiro recém saídos de uma pandemia que os afetou drasticamente, fazendo com que sua única grande fonte de lucro fossem filmes de super-heróis. Eis que chegou o mês de maio e Tom Cruise (Missão Impossível), sob a direção do subestimado Joseph Kosinski (Tron: O Legado), levou o público em peso de volta às telonas com Top Gun: Maverick. Foram mais de 1 bilhão e 400 milhões de dólares arrecadados em bilheteria, juntamente com seis indicações ao Oscar 2023, incluindo Melhor Filme. O que explica tamanho alarde por um mero blockbuster? A resposta é clara: o simples fato dele ser um que não se vê mais todos os dias por aí. 

Top Gun: Maverick recusa o cinismo e a verossimilhança que o atual Cinema de blockbuster adotou em sua forma, abraçando muito mais o sentimentalismo de seus temas e o deslumbre das imagens, lindamente captadas por Claudio Miranda (As Aventuras de Pi). É como se víssemos uma mistura de conto de fadas, representado pelas emoções exacerbadas do texto; com briga de avião em cena, muito bem sustentadas pelo alto nível técnico, da montagem de Eddie Hamilton (Kingsman: Serviço Secreto) ao design de som de James Mather (Belfast) e Al Nelson (Jurassic World). Além disso, é um longa que, metaforicamente, comenta sobre o próprio estado da indústria cinematográfica, ao colocar tanto o indomável protagonista quanto o seu ator de carisma inigualável diante do confronto com sua obsolescência, numa profundidade de subtexto invejável que falta a maioria dos ‘arrasa-quarteirões’ ultimamente. – Nathan Nunes

Trem-Bala (Bullet Train)

Trem-Bala é um filme que faz jus ao nome. Com diversas histórias entrelaçadas transitando rapidamente entre si, o longa prende o espectador do início ao fim. A produção agrada a partir da escolha do elenco, que conta com as estrelas Brad Pitt, Aaron Johnson, Joe King, Sandra Bullock, Logan Lerman, Ryan Reynolds e Bad Bunny. Na história, baseada no livro de mesmo nome, Ladybug (Brad Pitt) é um mercenário supersticioso e atrapalhado com a missão de roubar uma maleta procurada por muitos passageiros do trem. 

A produção é uma bela homenagem ao gênero gangster, famoso nos anos 1990 e 2000 por sua violência e batalhas por vingança. O lançamento traz exatamente isso: com tantos objetivos que se cruzam, o espectador se confunde entre quem são os mocinhos e quem são os vilões. Mesmo com as reviravoltas, é possível se apegar aos personagens e desejar que suas missões obtenham sucesso. Dos mesmos produtores de Deadpool, Trem-Bala traz o mesmo humor misturado ao caos que faz o público se apaixonar. – Gabrielli Natividade 

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All At Once)

Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo é sucesso na temporada de premiações – e não é para menos. O filme saiu com dois prêmios no Globo de Ouro, cinco no Critics Choice Awards e, agora, tornou-se o favorito da 95º edição do Oscar com um total de onze nomeações, sendo o mais indicado da lista. Produzido pela renomada A24 e dirigido pela dupla carinhosamente conhecida como Daniels (Daniel Kwan e Daniel Scheinert), o longa mistura uma narrativa sobre o multiverso e um drama familiar agridoce com tanta excelência que sua experiência cinematográfica pode ser definida em apenas duas palavras: intensa e satisfatória.

O aspecto caleidoscópico do longa transborda humanidade ao que entende que a bagunça infinita de múltiplos universos não é nem um pouco diferente da que existe dentro de cada um de nós. E é justamente essa compreensão que permite que o elenco brilhe tanto: da melancolia performática de Stephanie Hsu à generosidade de Ke Huy Quan, tudo culmina na honestidade espetacular do rosto exausto de Michelle Yeoh, entregando a atuação mais extraordinária de sua carreira. – Raquel Freire

Uma Garota de Muita Sorte (Luckiest Girl Alive)

A personagem Ani FaNelli aparenta ser, com certeza, uma garota de muita sorte. Camuflando seu passado trágico atrás do papel de mulher-exemplo, a protagonista de Mila Kunis está prestes a assumir a editoria no The New York Times e nos preparativos para um sofisticado casamento com o deslumbrante Luke Harrison (Finn Wittrock). Nós poderíamos, claro, invejar sua carreira e seu triunfo se não soubéssemos que, no fundo, Ani vive como sua própria refém. Mergulhar na mente da personagem é assistir, com pesar, as sequelas do abuso sexual que sofreu em sua adolescência reverberando em cada partícula de sua vida adulta. Sua incessante busca pela perfeição poderia ser uma das consequências das pressões do sistema patriarcal, mas, nesse caso, é apenas uma pequena parte de todo o espaço que o trauma tomou em sua história. 

Uma Garota de Muita Sorte é um retrato delicado sobre a linha sutil entre quem realmente somos e quem fingimos ser – uma realização que concretiza a emancipação de Ani FaNelli de suas próprias prisões. Apesar de não ser inovador, o drama consolida-se na incrível atuação de Mila Kunis e na sensível abordagem de outros temas tão importantes como bullying, acesso à armas e a importância de procurar ajuda. Ele nos emociona, indigna e inspira na mesma medida, deixando muito claro a mensagem que quer passar. Podemos, no fim, apenas nos amargurar com o passado, mas Ani nos mostra que a cura está no futuro. – Clara Sganzerla

Uncharted: Fora do Mapa (Uncharted)

Como já era previsto, o ano de 2022 se destacou pela lógica da adaptação de games para as telonas. Com a franquia de sucesso da Playstation, Uncharted não poderia ser diferente. Encabeçado pela Naughty Dog, o jogo que explora a vida de Nathan Drake, um típico e aventureiro ladrão de tesouros, se inspira em clássicos como Indiana Jones e ganha o carisma do mundo dos gamers. Mas será que a trama atendeu às expectativas de quem é apaixonado pelo jogo?. Lançado em fevereiro de 2022, o filme protagonizado por Mark Wahlberg e Tom Holland  já ultrapassa a marca de 400 milhões de dólares de faturamento da bilheteria.

Uncharted: Fora do Mapa é, sem dúvidas, uma jornada aventureira requentada com diversas cenas de ação. Os espectadores que se recordam das aflições vividas por Nathan Drake, agora na pele de Tom Holland, carregam consigo uma nostalgia muito bem-vinda. Na obra, é como se o diretor Ruben Fleischer fosse um colega que pega o controle do videogame e comanda os atores tal qual estivessem imersos naquela realidade virtual do playstation. Os recursos gráficos também são motivo de destaque: é possível notar o quanto Uncharted é bem desenvolvido, de forma que seja fiel às cutscenes da realidade virtual, assim como na série de The Last of Us. – Gabriel Gomes Santana

Veja Como Eles Correm (See How They Run)

Um crime, vários suspeitos, um detetive experiente e uma jovem policial dedicada a acompanhar seus passos. Essa é uma trama recorrente de mistério, mas, aqui, recheada com referências, metalinguagens e um charme e essências originais que o fazem revisitar a temática com uma identidade própria. Uma homenagem do começo ao fim às obras de Agatha Christie, Veja Como Eles Correm conta com a direção hábil de Tom George, o roteiro inteligente e criativo de Mark Chappell e atuações talentosas como a de Adrien Brody. Suas figuras são caricatas e equilibradas na medida certa, para marcarem seus papéis dentro do suspense. O destaque, porém, é da protagonista Constable Stalker, interpretada pela brilhante Saoirse Ronan.

Pouco divulgado, em comparação ao contemporâneo Entre Facas e Segredos e seu sucessor, Glass Onion, See How They Run difere-se por construir sua narrativa bastante próxima, de fato, dos livros de Christie – até mesmo em época, já que ele se passa nos anos 50. Nele, é claro o tributo à Rainha do Crime, já que a metalinguagem é um pilar do longa. A narrativa faz questão de colocar personagens para apreciar e analisar características deste tipo de trama adaptada para o Cinema. Afinal, trata-se de uma obra de mistério que investiga e dialoga a respeito de um assassinato cometido nos bastidores da peça A Ratoeira, escrito pela autora inglesa. Com um ritmo divertido, toques cômicos certeiros, sátiras e pontos de virada clássicos do subgênero, o filme honra todos seus antecessores e garante a identificação e contemplação dos amantes das histórias de mistérios e, principalmente, das de Agatha. – Mariana Nicastro

Watcher

Em seu longa de estreia, Chloe Okuno traz à tona um tipo muito específico de terror: uma mulher andando sozinha em um país cuja língua ela não domina, sendo perseguida por um homem que nem seu próprio noivo acredita que existe. Paranóia é questão de sobrevivência em Watcher, o elegante thriller voyeurístico estrelado por Maika Monroe (Corrente do Mal), no qual cada olhar esconde intenção, cada janela aberta apresenta oportunidade e cada palavra dita oferece risco. A diretora e roteirista trabalha com precisão cirúrgica a tensão crescente entre Julia (Monroe) e seu noivo, Francis (Karl Glusman), motivadas pelas acusações cada vez mais graves da mulher.

Julia não é boba nem louca, dispensando a promessa de segurança em favor da complicada realidade de ser uma mulher no mundo, sequestrando momentaneamente o papel de stalker da trama para tentar ela mesma desvendar esse mistério. Okuno está em sintonia perfeita com o resto de seu elenco, orquestrando movimentos de tensão física e espiritual que a estabelecem logo como uma das novas grandes promessas do gênero, articulando ousadamente os elementos da trama em favor não de impressionar, mas de delinear as nuances de seus atores. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Slashers se constroem e renascem graças ao eterno potencial de esculhambação dos valores que conduzem a vida humana. Em um mundo sustentado em contradições e preconceitos, usar a ficção mais mórbida para revelar as ruínas da realidade é tenebroso, arrasador e genial – e X – A Marca da Morte sabe muito bem disso. Levando um grupo de cineastas até a gravação de projetos pornográficos em uma fazenda isolada no Texas, estado símbolo do conservadorismo estadunidense, Ti West dirige, produz e roteiriza uma carnificina com aura de estudo social. 

Sob o selo dos estúdios A24, o Horror, aqui, costura afiadamente o choque entre duas temáticas principais: moralismo e idade. A trama se passa em 1979, injetando sexploitation e televangelismo nas veias, mas sem deixar seu reflexo atual passar despercebido – afinal, discussões envolvendo a era OnlyFans e o absurdo do fanatismo religioso pipocam cada dia mais. Na minúcia de seus paralelos de cena e metalinguagem, da trilha sonora à la Tarantino ao imponente elenco feminino (com destaque máximo para Mia Goth e Jenna Ortega), X triunfa ao dosar subversão, ironia e consciência. A obra é um espetáculo de sangue e critério, primogênito de uma trilogia em desenvolvimento e propagador do Terror como uma Arte que merece despontar nos circuitos premiadores do Cinema. – Vitória Vulcano

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Gabriel Gomes Santana

“Eu não sou advogado de ninguém, meu papel como promotor de justiça é acusar”. Assim se impôs Julio Strassera, responsável por um dos julgamentos mais importantes para a democracia ocidental e protagonista de Argentina, 1985. Baseado em fatos reais, o longa dirigido por Santiago Mitre traz à tona o processo que condenou os crimes contra os direitos humanos cometidos pelos ex-comandantes da ditadura no País. Disponível na plataforma de streaming da Amazon Prime, a obra expõe a coragem e persistência de agentes públicos que se comprometeram a enfrentar um sistema repressivo e assassino.

Ficção e realidade se misturam

Na tentativa de se aproximar da realidade, o filme apresenta um panorama histórico completo e bem aprofundado sobre o período de recente democratização do país hermano. Instaurada na Argentina de 1976 a 1983, a última ditadura que a nação enfrentou ficou marcada por um regime autoritário, repressivo, sangrento e que deixou traumas e feridas abertas até hoje. Ainda que pairasse no ar um sentimento de retomada do poder popular, já com o fim dos governos militares, todos os crimes cometidos até aquela ocasião deixavam perguntas sem respostas através de um sentimento de injustiça dominante perante a sociedade platina. 

Assim como aconteceu na Segunda Guerra, no caso do imprescindível Tribunal de Nuremberg, mais do que dar um basta à barbárie, era necessário encontrar os culpados pelas torturas, assassinatos e massacres. Afinal, não é ao acaso que a estimativa sobre o número de assassinados pelo comando militar argentino ultrapassa a casa dos 30 mil  durante os sete anos de sua cruel permanência. Ainda que tentasse esconder, uma boa parcela da população ansiava por um julgamento que criminalizasse os engenheiros deste caos. É a partir daí que a trama de Argentina, 1985 se inicia.

Em 1983, ano da retomada eleitoral argentina, o então candidato Raúl Alfonsín se elegera através de um discurso que evocava angústia sobre o desaparecimento de milhares de pessoas, tendo o apoio das Mães da Praça de Maio. O movimento foi crucial para que os argentinos se sensibilizassem com a dor de mães e avós que procuravam o paradeiro de seus filhos e netos (muitas continuam em busca de respostas até hoje). Quando Alfonsín assumiu a cadeira presidencial, a imprensa acreditou que, em um primeiro momento, seu governo teria um caráter conciliador, mas ele provou o contrário, sendo bastante afrontoso: colocou nove ex-comandantes militares no banco dos réus para responderem sobre crimes contra humanidade.

Por conta desta brilhante e corajosa decisão, dois anos depois do decreto, a figura do promotor Julio Strassera se fez presente. No longa, ele nos envolve em uma aventura judicial que vai atrás de provas concretas, aliadas a fortes depoimentos de vítimas sobreviventes das sessões de torturas físicas e psicológicas empreendidas por Videla e seus sucessores. O gran finale de Argentina, 1985 estabelece um basta às atrocidades da ditadura. Pelo menos, esse é o sentimento que o filme traz e que, infelizmente, não ocorreu da mesma maneira no Brasil, mas que pôde dar luz a algumas dicotomias.

A principal destas contradições diz respeito à Lei de Anistia, uma vez que livrou perseguições políticas, mas deixou as atrocidades militares por debaixo dos panos da história. A grande reflexão por trás da película diz respeito ao modus operandi reforçado em não apagar memórias. À sua maneira, diversos trechos da narrativa abordam como o país consegue discutir suas dívidas com o passado, demonstrando como a defesa democrática passa, antes de tudo, por uma isonomia de direitos e respeita a atuação autônoma entre os poderes do Executivo e Judiciário. 

Nossos hermanos estão longe de ser um povo sem defeitos, mas é justamente a coragem de lidar com o desagradável e expô-lo para a opinião pública que lhes sobra resiliência para seguir em frente debatendo temas cruciais. Recentemente, a dura crise financeira que o país enfrenta pode ser um exemplo disso. Apesar de todas as discussões (extremamente necessárias) acerca do cenário sociopolítico, o futebol mostrou, mais uma vez, o quanto o povo se une em prol de um mesmo objetivo. A cultura popular tem o papel fundamental de estímulo à superação, assim como Argentina, 1985 também cumpre essa missão ao exemplificar aquilo que jamais deve ser tolerado.

O grande trunfo 

Muitas produções cinematográficas apostam suas fichas em um elemento técnico que se sobressai com sutileza e vigor. A grosso modo, musicais, por exemplo, tendem a valorizar a escolha de uma trilha sonora de impacto e que vá de encontro com a proposta original e estética. No caso do longa, o grande trunfo se baseia na caracterização e atuação dos personagens. Interpretados por Ricardo Darín e Juan Pedro Lanzani, as figuras de Júlio Strassera e Luís Ocampo, respectivamente, são idênticas aos promotores originais.

Para além da semelhança física com as pessoas reais que estiveram à frente do processo, é impressionante analisar o perfil satírico e dramático presentes em ambas personalidades na ficção. Strassera é um homem experiente, com um olhar atento a tudo e a todos. Porém, seu temperamento frágil o coloca em situações embaraçosas que, embora demonstrem seriedade diante das ameaças sofridas, são um tanto quanto cômicas devido a sua reação, tentando transmitir controle e calma, só que de um jeito desgovernado.

Ocampo, por outro lado, é o ‘aprendiz caxias’, esforçado em trazer resultados para as incógnitas complexas dos problemas apresentados pelas testemunhas. É curioso notar o quanto ele acaba quebrando a cara ao entender que nem tudo é tão simples e racional quanto parece, sobretudo diante de uma sociedade ainda fragilizada pelo medo de uma tirania tão influente no imaginário coletivo da época. Parente de militares, o jovem promotor adjunto representa o clichê necessário do ‘padawan’ ansioso que se espelha num sábio ‘jedi’ atrapalhado. 

O Teatro possivelmente contribuiu para uma das maiores e mais difíceis habilidades no campo da atuação: a improvisação. Mesmo que no Cinema o produto final seja gravado e editado em cortes, é possível observar quando uma equipe ensaiou uma sequência cênica e quando não. A espontaneidade dos diálogos de Argentina, 1985 alia-se à autonomia de Mitre em escolher trechos que, assustadoramente, poderiam acontecer na vida real sem serem previamente pensados. 

Diversas cenas do filme reproduzem o recurso da improvisação e trazem um toque magistral ao aproximar o espectador ao elenco da trama. Os relatos das vítimas e testemunhas parecem ser direcionados a quem assiste, tornando-os ainda mais comoventes e emocionantes. Da mesma forma são os diálogos da família Strassera, dando a impressão de que o quinto elemento participante das discussões seja a quarta parede. Em nenhum momento a obra tem a intenção de quebrar essa barreira. Estes detalhes são fruto de uma qualidade fílmica ímpar.

No Brasil, o público tem o hábito de classificar todo longa-metragem que não tenha os padrões hollywoodianos como alternativos e cult. Argentina, 1985 está longe disso. Os parâmetros criativos adotados pelos roteiristas Santiago Mitre e Mariano Llinás, se não superam, são equivalentes a qualquer clássico de embate jurídico. Não à toa, desde que foi lançada no segundo semestre de 2022, a obra tem percorrido os principais festivais internacionais de Cinema, dentre eles, um dos principais: Veneza.

Indicado e candidato favorito ao Oscar 2023 na categoria de Melhor Filme Internacional, a obra é representatividade máxima na América Latina. O trabalho empenhado pelas lentes de Mitre não apenas foi aplaudido pelos críticos durante nove minutos, quando exibido pela primeira vez na cidade italiana, como também consagrou-se vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme Estrangeiro. “Depois da Copa do Mundo, é uma grande alegria“, comemorou Ricardo Darín, cheio de emoção. Pode-se dizer que tal feito é semelhante à comparação do ator, uma vez que se destacou entre potentes internacionais, como Decision to Leave (Coréia do Sul), RRR (Índia) e Nada de Novo no Front (Alemanha).

Vanguarda na arte de fazer excelentes filmes, a Argentina se destaca como um dos países que são referência quando o assunto é Cinema. Embora cada obra, diretor, produtor e roteirista tenham perspectivas singulares e distintas, é interessante destacar como a cultura local consegue executar com maestria a transparência dos estereótipos de seu povo. O combo de ricas emoções, contradições e um jeito peculiar de dramatizar assuntos sérios através de um alívio cômico, faz do enredo de Argentina, 1985 o mais puro suco argentino possível. Maradona, série bibliográfica sobre o grande ícone e camisa 10 hermano é outro exemplo disso. 

Talvez seja por essa razão que a originalidade e talento dos atores envolvidos no filme tenha atraído o carisma dos espectadores, sobretudo dos países latinos. Trazer à tona as lembranças de um passado sombrio, infelizmente comum aos países do Cone Sul, é fundamental, não apenas por uma questão de representatividade. Também, para que as sociedades civis destas nações jamais se esqueçam como se deu a conjuntura golpista que elevou as desigualdades sociais e, ainda hoje, colocam em risco a democracia. Argentina, 1985 não traz uma história inusitada sobre uma trama de ficção. Ele simboliza o quanto o povo, quando protegido por agentes públicos sérios, é capaz de defender direitos sem passar panos quentes na história.

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Jamily Rigonatto 

“Poucas pessoas vão acreditar neste relato. Às vezes seria preciso mentir para que as pessoas admitissem a verdade; esta triste reflexão eu fazia na infância por razões fúteis; agora as faço por questões transcendentais.”

O que delimita a linha do absurdo? Em que momento fomos ensinados a ler algo e dizer o quanto aquilo é distante do lógico? São respostas presas ao inconsciente, o tipo de habilidade praticamente instintiva na mentalidade humana. Mas é lendo Silvina Ocampo e sua audácia singular que essas fronteiras parecem se diluir sem precisar de muitas páginas. Em As convidadas – livro publicado pela Companhia das Letras em Maio de 2022 –, a mente e o mundo são peripécias capazes de causar desconforto arrebatador e crença no irreal. 

A autora argentina teve sua obra publicada postumamente no Brasil, sob a tradução de Livia Deorsola, e, se em A Fúria e outros contos, de 2019, as coisas de seu universo particular já tomavam rumos curiosos, dessa vez isso se intensifica. Nos 44 contos que compõem a obra, somos apresentados ao rotineiro metamorfoseado, como se aquela ida diária à padaria te levasse diretamente para Marte e a diferença fosse notada tarde demais. Os personagens são diversos, partindo de crianças a casais que protagonizam situações absolutamente inusitadas. 

É na escrita que tudo se mistura. O leitor se sente chocado, mas ao mesmo tempo é apresentado a isso com uma narrativa trabalhada com naturalidade. A estranheza das coisas nunca são destacadas no texto, pois no mundo de Ocampo o extraordinário é tão comum que nos faz sentir culpados pelas reações escandalizadas. Mesmo trabalhando com histórias não complementares de pouco mais de uma página, o fantástico vive em linhas tênues.

As histórias de As convidadas não precisam se ligar para ter pontos em comum. Tudo caminha em linhas retas, mas se desenrola em redemoinhos. Os inícios comuns culminam em facetas trágicas e conflitantes. Em muitos momentos, a autora brinca com as reações psicológicas a ponto de criar medo. É o caso do conto Carta debaixo da cama, no qual, conforme as palavras vão sendo escritas, somos capazes de experimentar o desespero da protagonista; o corte brusco dispensa detalhes do fatal para ser assustador. 

Além de brincar com nossos cérebros, Silvina nos dá acesso ao dela. Os períodos longos e pouco pontuados integram narrativa ao pensamento. Por isso, as histórias perdem contexto de tempo ou momento. É como se tudo estivesse sendo noticiado no jornal da noite e a ambientação temporal ficasse meramente em segundo plano. O fantástico é o verdadeiro protagonista. 

Assim, tudo nos é suscitado, como elementos inseridos com o propósito de causar impacto enquanto criam questionamentos e reflexões. É a construção do absurdo se tornando razoável. Aqui, a escritora atua como uma telespectadora esperando as reações ao seu redor. E ela é muito bem sucedida em tirar expressões ímpares dos rostos que a leem. Afinal, é impossível ser blasé diante de construções tão simbólicas e excepcionais.

“Não foi senão depois de um tempo e de um detalhado estudo que distingui, na famosa fotografia, o quarto, os móveis, a cara borrada de Valentín. A figura central, nítida, terrivelmente nítida, era a de uma mulher coberta de véus e de escapulários, já um pouco velha e com grandes olhos famintos, que se revelou ser Pola Negri.” 

As convidadas nunca se propôs a fechar ciclos; é direito de quem contempla a obra acreditar ou não no que está sendo exposto. A magia mora exatamente na falta dos limites de início, meio e fim. O próprio conto que dá nome ao livro deixa espaço para interpretações, visto que é difícil definir se as convidadas são apenas fruto de traquinagem infantil ou figuras de um plano metafísico. Isso no caso de se tratar de uma criança, pois as idades nunca são claramente definidas e cabe a nós entender da forma que nos for adequada.   

É interessante consumir o texto e ver como os tons assustadores e emblemáticos cabem em espaços tão curtos. Alguns contos têm menos de duas páginas e conseguem estabelecer a linearidade invadida pela surpresa perfeitamente. Personagens que nem sequer tem nome, mas entregam pedaços de suas essências em nossas mãos. Uma conexão curiosa perpassando as fronteiras físicas. 

Tudo foge do comum, mas ainda mantém como temática principal o ser humano. A escrita trabalha com elementos da espiritualidade e transgride também na Cultura. Muitos contos envolvem questões religiosas, cultos, crendices e simpatias em sua composição. Esse tipo de citação contribui para que o hiperbólico faça tanto sentido quanto a religião e seu valor concreto na sociedade.

Ainda na ideia de explorar camadas da humanidade, os acontecimentos do cenário incomum levam as pessoas a mostrarem suas verdadeiras faces, já que muitas das histórias tem fundo na perversidade das motivações. Desejos por doenças, mortes, acidentes e outras tragédias são figuras recorrentes nos enredos, à forma com a qual esse contexto sincero também molda uma reflexão sobre as partes desconcertantes que todos tem, mas escondem a qualquer custo. 

“Talvez eu tenha me arrependido. O Pata de Cão não pertencia a minha família. Para que o sacrificar? 

Quisemos tirar o boneco de dentro da panela. Queimamos as mãos no vapor. Quando conseguimos tirá-lo, não sobravam nem pernas, nem pés, nem cabelo, nem rabo de centauro.” 

As convidadas diz muito sem precisar ser claro. Entre eventos completamente insólitos e pessoas absolutamente comuns, a vida é testemunhada sob tantas formas que isso sim parece genuinamente mágico. Silvina nos prende em seu locus literário e essa falta de liberdade nos dá asas para voar distantes de uma rotina mediana; talvez sejamos como as crianças que voaram antes da queda soturna. 

Somos entregues a muito mais do que as 261 páginas são capazes de contar. O mundo aos olhos da autora é tão especial que foge de quaisquer comparações palpáveis. Do amor à morte há um número infinito de possibilidades e ter a chave da porta de entrada para acessá-las sob os olhos da escritora é uma experiência inominável. Restam agradecimentos: ser convidada nunca foi tão esplêndido. 

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Jamily Rigonatto 

Quão falsas podem ser as interações da família que vemos todos os domingos com suas bíblias e crucifixos em mãos? Essa e outras reflexões similares são a proposta de Carvão, filme brasileiro dirigido por Carolina Markowicz. Entre tons hiperbólicos e reviravoltas, a produção se debruça sobre as contrariedades da moral humana. Parte da seção Mostra Brasil da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o longa desmonta a farsa do conservadorismo e a transforma em cinzas. 

A história nos guia pelas vidas de Irene (Maeve Jinkings), o filho Jean (Jean Costa) e o marido Jairo (Rômulo Braga). A protagonista acumula responsabilidades com o trabalho, cuidados com a casa e com a família, e ainda tem um pai doente e acamado para somar às demandas. Enquanto isso, o esposo se mostra machista e impaciente, mas nada interessado em trabalhar para contribuir com os interesses da residência. 

A dinâmica desigual se mostra insustentável e, é claro,  na primeira oportunidade o fio que segura os princípios éticos é o primeiro a se romper. Cansada de lidar com o parente, Irene recebe uma proposta irrecusável da nova enfermeira do posto de saúde. A solução é simples e mata dois coelhos com uma cajadada só: se livrar do pai enfermo e ganhar uma boa quantia em dinheiro. 

Sumir com o idoso é fácil, ele não se movimenta sozinho e a família é dona de uma carvoaria com o forno grande o suficiente para que uma pessoa desapareça. A parte difícil vem depois, com a hospedagem de um argentino foragido por tráfico dentro de casa. A situação se desenrola em incômodo e encorajamento, e a chegada de Miguel (César Bordon) desperta em cada personagem uma reação singular. 

Em pouco tempo, a presença do estrangeiro revela a frustração do casamento de Irene e Jairo. A mulher passa a ver na visita uma forma de expor seus desejos, iniciando uma tentativa de sedução e adultério. A infelicidade é mútua, o marido, versado em uma virilidade danosa, na realidade mantém um caso amoroso com o vizinho. No meio das pontas soltas temos Jean, a criança lidando com uma criação tão ausente a ponto de ver no traficante uma oportunidade de afeto. 

Conforme cada uma dessas questões nos vai sendo apresentada, mais absurdo todo o cenário parece. Ao mesmo tempo, as peças se movimentam com uma fluidez ímpar, promovida pelas características atraentes do roteiro – também assinado por Carolina. Com elementos simples e uma casa pouco luxuosa, Carvão consegue nos levar para um universo muito identificável na sociedade brasileira atual, aquele em que a imagem familiar é puramente um produto da hipocrisia. 

Uma das maiores influências da capacidade arrebatadora de Carvão são as atuações. Maeve Jinkings estrela as cenas com tanta naturalidade e verdade que somos capazes de sentir a tensão presente em seus movimentos inquietos, exposta a cada possibilidade de alguém encontrar Miguel escondido no quarto de seu pai. O traficante também não fica para trás e, de maneira sincera, César Bordon cria um personagem encantador – mesmo esse ironicamente sendo o único a assumir seus desvios de moral.

O destaque fica para o desempenho de Jean, que, com a típica sinceridade das crianças, dá à narrativa os pingos cômicos necessários. Sua performance também carrega uma sensibilidade quase dolorosa: em diversos momentos, ao presenciar as cenas grotescas da atitude dos pais, vemos as consequências refletidas em sua composição como ser humano. Instintivamente, a vontade do telespectador é tirar a criança de dentro da tela e a proteger de toda a crueldade. 

A construção fotográfica da produção também não poderia ser melhor. As escolhas do diretor de fotografia, Pepe Mendes, reforçam o cenário autêntico que abriga a narrativa, sem perder o foco nas feições. As imagens ainda abraçam pequenos detalhes, como o suor e a sujeira nas peles da família, a fumaça da carvoaria e o plano geral com a presença da natureza característica das pequenas cidades brasileiras.  

Carvão não precisa de muito para levantar grandes reflexões, sendo capaz de gerar debates sobre o valor do idoso no Brasil, a negligência com a infância e os limites das aparências. À primeira vista, sua história pode parecer um exagero, mas se pensarmos bem o disparate mora ao lado. E exatamente por isso o filme consegue nos prender: tudo é tão ficcional quanto um assassino que defende a moral, a pátria e a família. 

Assim como acontece na vida, muitas vezes nossos erros são pagos por terceiros. Irene e Jairo têm seus desfechos como começos, em uma igreja. Ninguém parece ter medo do julgamento dos céus e muito menos do dos homens, aquilo que permanece no fogo vira cinza e não fantasma. Para Jean, o caminho parece pautado pelo sangue da mão dos pais – infelizmente alguém carrega as pedras do caminho, é inevitável. O importante é que em nome do pai, do filho e do Espírito Santo, a mesa do jantar permaneça intacta. 

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Está aberta a temporada de festivais na cobertura do Persona. Entre os dias 31 de março e 10 de abril, a realização do 27º Festival Internacional de Documentários É Tudo Verdade inaugurou o ano para as nossas aventuras cinematográficas. Depois de um 2021 marcado pelo Cinema das mulheres, da cidade maravilhosa, das experimentações e fantasias, 2022 se inicia com a única coisa da qual não podemos fugir: a realidade.

Mas na verdade, o espectro contemplado pelo maior festival de documentários do mundo era muito desejado para integrar o horizonte das nossas experiências. Dessa vez, o anseio se tornou possível graças ao formato de realização do É Tudo Verdade, que aconteceu de forma totalmente gratuita e híbrida, sendo presencialmente nos cinemas das capitais de São Paulo e Rio de Janeiro, e virtualmente através da plataforma de streaming do festival e das dos parceiros Itaú Cultural Play e Sesc Digital. 

A seleção é tão vasta quanto o tema que a define: 70 filmes, que entre curtas, médias e longas-metragens, se dividiram nas mostras competitivas e nas demais categorias de exibição (Foco Latino-Americano, Sessões Especiais, O Estado das Coisas, Clássicos É Tudo Verdade). Trazendo o Cinema documental realizado em mais de 30 países, o alcance do É Tudo Verdade é reconhecido pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, de forma a classificar diretamente os filmes vencedores dos prêmios dos júris nas Competições Brasileiras e Internacionais de Longas/Médias e de Curtas Metragens para apreciação ao Oscar do ano que vem.

À distância, o Persona selecionou 25 títulos a fim de compreender a seleção de 2022, que elegeu como os homenageados da vez Ana Carolina e Ugo Giorgetti, dois dos nomes mais importantes do Cinema de não-ficção brasileiro. As obras de abertura propuseram uma reflexão sobre o passado, presente e futuro da Sétima Arte, enquanto o encerramento do festival ficou na responsabilidade de um dos premiados pelo público e pelo júri da edição mais recente do Festival de Sundance.

A curadoria do Persona conferiu todos eles, além das obras vencedoras e demais títulos que chamaram a atenção de Bruno Andrade, Enrico Souto, Raquel Dutra e Vitor Evangelista. O resultado dessa aventura você pode conferir abaixo, e em meio a experiências milagrosas, figuras históricas, lutas urgentes e muitas reflexões filosóficas, vale o aviso: não se esqueça que é tudo verdade.

Curtas-metragens

Ali e sua Ovelha Milagrosa (Ali and His Miracle Sheep, Maythem Ridha, Reino Unido/Iraque, 2021)

Reconhecido como Menção Honrosa na disputa dos Curtas, o trabalho de Maythem Ridha é tão místico que ameaça cruzar a tênue linha entre o real e o imaginário por uma porção de vezes. A história é simples (e dolorosa): depois de perder o pai em um assassinato do Estado Islâmico, o jovem Ali parou de falar. 

Agora, seguindo os dogmas religiosos, ele se junta ao irmão numa longa caminhada a fim de sacrificar sua ovelha e molhar seu sangue como oferenda pela morte do familiar. Por mais que o diretor conte tintin por tintin da trama na abertura da sessão, Ali e sua Ovelha Milagrosa consegue surpreender no campo visual, construindo imagens tão fortes quanto seu tema demanda. Ao fim do dia, e dessa extensa peregrinação, não resta nada além do grito nos pulmões e do licor vermelho sendo drenado pela areia. – Vitor Evangelista

A Ordem Reina (Fernanda Pessoa, Brasil, 2022)

É sobre as palavras sagradas de Rosa Luxemburgo que Fernanda Pessoa fundamenta a reflexão do seu filme. Em A Ordem Reina, a cineasta paulista propõe reflexões acerca do sonho revolucionário de superação do capitalismo a partir de uma viagem anacrônica por sete países que experienciaram revoluções no século 20, orientada pela sabedoria da filósofa e economista alemã, que dedicou as últimas expressões de sua vida para manter acesa a promessa de transformação tão perseguida pelo mundo.

Então, às imagens registradas em 8mm com tratamento e finalização digitais, a diretora adiciona uma narração em off do texto A Ordem Reina em Berlim. Datado de janeiro de 1919, onde Rosa Luxemburgo reflete sobre as causas e consequências da atuação trágica dos socialistas na Revolução Alemã, que junto do encerramento da participação do país na Primeira Guerra Mundial, também colocou fim na sua vida e na de alguns de seus companheiros. 

Com esse plano de fundo, Fernanda Pessoa e o espectador de A Ordem Reina não têm dúvidas sobre as crenças do filme. Se nem Rosa Luxemburgo em seu leito de morte se rendeu ao sentimento imperativo de ordem e desistiu de acreditar na revolução, a cineasta faz valer os versos finais do texto através de seu olhar atento para a aparente comodidade da sociedade que analisa: “Não reparastes que a vossa “ordem” está a alçar-se sobre a areia. A revolução alçará-se amanhã com a sua vitória e o terror pintará-se nos vossos rostos ao ouvir-lhe anunciar com todas as suas trombetas: era, sou e serei!” – Raquel Dutra

Cadê Heleny? (Esther Vital, Brasil/Espanha, 2022)

Desde 1971, a professora, dramaturga e militante Heleny Guariba é tida como desaparecida política da Ditadura Militar brasileira. Importante nome na história da Vanguarda Popular Revolucionária (VPR), a organização que atuava na luta armada contra o regime, ela foi presa e torturada pela primeira vez em 1970, sendo alvo de uma perseguição que durou até o próximo ano, que efetivamente lhe impôs o silêncio através da violência e ameaças aos seus companheiros de luta. 

Diante de mais uma história sobre o custo que alguns de nós tiveram que assumir para superar o regime ditatorial e os horrores cometidos por quem (des)governava o Brasil entre os anos de 1964 e 1985, Esther Vital escolhe muito bem os seus caminhos para apresentar a narrativa em seu filme. Longe da linguagem documental tradicional, concreta e direta, Cadê Heleny? trabalha com uma animação em stop-motion e concepção artística inspirada nas arpilleras, arte têxtil popular que surgiu nas periferias de Santiago, no Chile, e se transformou numa poderosa forma de resistência política das mulheres opositoras a Ditadura de Augusto Pinochet.

Assim, com sua própria identidade estética, Cadê Heleny? torna sua narrativa um tanto mais acessível e significativa, mas não por isso menos forte ou verdadeira. Sem medo de encarar e retratar os momentos mais sombrios de Guariba nas mãos da Ditadura, não à toa o documentário recebeu uma menção honrosa na Competição Brasileira de Curta-Metragem: ao mesmo tempo em que honra a memória valente da militante, Esther Vital inova a compreensão de uma das necessidades mais pungentes do Brasil de 2022. – Raquel Dutra

Carta Para Glauber (Gregory Baltz, Brasil, 2021)

Carta Para Glauber é um curta-metragem ensaístico, elaborado através da leitura da carta que o cineasta e crítico de cinema Gustavo Dahl enviou para Glauber Rocha, em 1964, quando ele estava no Festival de Cannes promovendo Deus e o Diabo na Terra do Sol (que foi indicado à Palma de Ouro naquele ano). No curta, a narração da carta fica a cargo de Catarina Dahl, filha de Gustavo, e vem acompanhada de trechos dos filmes de Glauber Rocha e do próprio Gustavo Dahl, como Barravento (1962), Terra em Transe (1967) e O Bravo Guerreiro (1969). 

A graça desse formato de ensaio – muito bem explorado pelo diretor Gregory Baltz – é a composição de um cenário particular, pois as cenas dos filmes norteiam os pensamentos que sucedem a leitura da carta. Todavia, o texto cru, por si só, é bastante emblemático, e foi enviado ao cineasta baiano dias após ter ocorrido o Golpe Militar no Brasil. Na carta, Dahl reconhece similaridades entre o discurso denunciado por Glauber em Deus e o Diabo… e a voz autoritária da Ditadura que havia começado no país, evidenciando a urgência que sua obra representava ao mesmo tempo em que denunciava certos padrões que levaram ao regime autoritário. Dahl também aponta para a forma genial como a subversão de Glauber Rocha esteve ligada com sua Arte, na qual manteve-se alegorias imagéticas em prol de um objetivo em si mesmo: a liberdade, genuína, de expressão. – Bruno Andrade

Como Se Mede um Ano? (How Do You Measure a Year?, Jay Rosenblatt, EUA, 2021)

Pouco tempo depois de ser indicado ao Oscar por seu trabalho em When We Were Bullies (curta também presente no É Tudo Verdade), o diretor Jay Rosenblatt retorna com uma visão muito mais pessoal do mundo. Longe da agressão que povoava o filme anterior, o norte-americano decide editar um projeto que realizou por quase dezoito anos. Desde que soprou duas velhinhas, a filha do cineasta foi colocada frente às câmeras e indagada a respeito da vida, da família e do futuro.

Sem qualquer vídeo de apresentação do realizador, Como Se Mede um Ano? venceu a competição de Curtas, muito provavelmente pela sensibilidade do tema e pela entrega no processo. Resgatando o título da música Seasons of Love, popular entre os amantes de Rent e The Office, o projeto de meia-hora é emocionante pelas memórias de quem assiste, refletidas em tela nas figuras de pai e filha, envelhecendo, evoluindo, tendo ciência do valor do tempo. – Vitor Evangelista

Duke Ellington em Isfahan (Duke Ellington in Isfahan, Ehsan Khoshbakht, Reino Unido, 2021)

Ehsan Khoshbakht é um cineasta do Irã estabelecido em Londres. E então, quando ele decide investigar a trajetória de uma das figuras mais importantes para a história do jazz, não poderia ser outro recorte. O título de Duke Ellington em Isfahan é autoexplicativo: o curta documental conta a história de uma das composições mais icônicas do pianista, concebida durante sua turnê ao Oriente Médio em 1963, financiada pelos Estados Unidos durante plena segregação racial, como propaganda política em um momento que o mundo questionava o tratamento do país à população negra

Mas aqui, política não passa de um plano de fundo. A Música é só o que importa. O documentário, formado por arquivos de imagens e vídeos antigos interpolados por entrevistas com especialistas, perpassa pelas inspirações de Ellington na música e arquitetura da cidade iraniana. No entanto, peca em ultrapassar uma barreira que, na realidade, parece nem identificar. Com um material de ouro em mãos, Ehsan entrega uma obra pouco consciente e pouco inspirada. – Enrico Souto

Meio Ano-Luz (Leonardo Mouramateus, Brasil/Portugal, 2021)

Na imagem, vemos uma movimentada viela de Lisboa, onde um jovem se senta à sarjeta e passa a desenhar os transeuntes. No áudio, acompanhamos a conversa entre dois namorados, debatendo a melhor maneira de devolver uma carteira encontrada na rua e seus planos para o que farão depois do agora. 

No filme de Leonardo Mouramateus, que se estende para além dos 19 minutos, a experiência de interligar duas percepções é catalisadora de uma ideia bem executada. Mais um exemplo do Cinema de excelência realizado no Ceará, o curta-metragem Meio Ano-Luz expande seus debates de um simples bem material até discussões sobre a vida, o universo e tudo mais. – Vitor Evangelista

Voz Virtual (Virtual Voice, Suzannah Mirghani, Catar/Sudão, 2021)

Na breve apresentação que antecedeu a sessão de Voz Virtual, Suzannah Mirghani, a diretora sudanesa-russa que vive no Catar, não escondeu o caráter de seu curta. Realizados no período da pandemia e do isolamento social, os menos de dez minutos se concentram em uma personagem central imóvel que, na febre da excitação pandêmica, busca se impor.

É um Cinema denúncia irônico e ciente das feridas que salga, acompanhado por um roteiro ritmado que cadencia o discurso sinestésico, envolvente e extremamente detalhado. Numa eventual revisita à Voz Virtual, é bem provável que importantes referências sejam descobertas, provando a acidez calculada de Mirghani. E agora, Suzi? Quando a bateria se esgota, acaba o sonho também? – Vitor Evangelista

Longas-metragens

A História do Olhar (The Story of Looking, Mark Cousins, Reino Unido, 2021)

Diretamente de sua casa em Edimburgo, capital da Escócia, o cineasta Mark Cousins saúda o público do Festival É Tudo Verdade. Despojado, ele revela que a premissa de seu novo filme, chamado A História do Olhar, surgiu quando foi diagnosticado com catarata em um dos olhos e escreveu um livro a respeito das múltiplas análises da visão. Ele filma o rosto iluminado por um céu claro e mostra o enorme roteiro, que daria origem ao longa-metragem que em breve começaria. A quebra de expectativas, além da presença extra-campo do documentarista, vem por meio de sua partilha: deitado na cama, ele pretende viajar pelo mundo.

O resultado, registrado em uma hora e meia de filme, é formado pelos mais diversos devaneios. Seja por uma frase marcante do músico Ray Charles, ou pelas mensagens recebidas em uma rede social em tempo real, Cousins faz o Cinema partir da própria íris, diante do medo de perder o bem que tanto ama. Por isso, quando faz a escolha de mostrar em detalhes a cirurgia que corrige o problema na vista, o diretor quer que seu público desempenhe o papel máximo de voyeur. Do mundo (pela ótica do Twitter, de filmes e quadros que aprecia e imagens de arquivo), ele se volta ao próprio corpo, esculpindo a nudez como forma de ser. Os olhos captam boa parte das belas composições do universo, mas sem eles, o cosmos pode ser até maior do que ameaça. – Vitor Evangelista

A História do Cinema: Uma Nova Geração (The Story of Film: a New Generation, Mark Cousins, Reino Unido, 2021)

No futuro, quais serão os filmes da nossa geração que irão figurar na lista de Clássicos? É possível que longas como Frozen sejam vistos nessa lista? Afinal, foi um fenômeno da nossa época. Essas são algumas das perguntas que norteiam A História do Cinema: Uma Nova Geração, do britânico Mark Cousins, documentário que abriu o Festival É Tudo Verdade no Rio de Janeiro. Talvez motivado por sua formação em História, Cousins decide traçar um diagnóstico do chamado “Novo Cinema”, e aborda filmes recentes ao redor do mundo com olhar cauteloso, apontando suas características cinematográficas mais marcantes e distintas. 

Parasita (2019), de Bong Joon-Ho, é um dos longas que já nasceram clássicos, e resgata muitas outras referências antigas em seu desenvolvimento, mas de uma forma extremamente original, de modo a quebrar qualquer tipo de expectativa. Além disso, o que o faz interessante? Um dos pontos enxergados por Cousins é sua urgência narrativa, pois o filme sul-coreano retrata sonhos capitalistas que foram despedaçados, mas se encerra justamente com um sonho capitalista, visto que o protagonista Ki-woo (Choi Woo-shik) pretende ficar rico para comprar a casa e, enfim, libertar seu pai (mas, de certa forma, também sua família). 

O filme também põe em análise Frozen (2014) e o Coringa (2019) de Joaquin Phoenix. Cousins contrapõe dois trechos icônicos de cada filme: primeiro, a famosa cena da rainha Elsa cantando Livre Estou, seguido pela cena do Coringa dançando nas escadarias do Bronx, em Nova York. Ambas têm em comum um sonho de liberdade, e, como argumenta o cineasta, não parece ser por acaso que, em um mundo totalmente conectado e globalizado, cenas como essa viralizam e atingem um clímax cinematográfico, pois tudo o que idealizamos são momentos de liberdade verdadeira e irrestrita. A História do Cinema funciona como um belo diagnóstico dos caminhos do Cinema contemporâneo, mas, pela tangente, acaba analisando a sensação de estar vivo atualmente, e enxerga ausências que, às vezes, conseguem ser preenchidas através da Arte. – Bruno Andrade

Belchior – Apenas um Coração Selvagem (Camilo Cavalcanti e Natália Dias, Brasil, 2022)

Estreando no Festival É Tudo Verdade, Belchior – Apenas um Coração Selvagem é um retrato interminável sobre um dos maiores expoentes da Música brasileira. Apesar de suas letras reveladoras e poéticas – e de seu charme de malandro trovador –, Belchior foi um dos mistérios da MPB até o fim de sua vida, quando faleceu em Santa Cruz do Sul, em 2017. Mas não espere encontrar respostas sobre a vida do músico no documentário, e a graça do filme reside justamente na ausência de respostas – ou, melhor, nas únicas respostas dadas pelo próprio Belchior. 

De forma bastante acertada, Camilo Cavalcanti e Natália Dias não entrevistam pessoas ou geram ainda mais dúvidas sobre a vida e obra do cantor cearense, pois trata-se de um filme feito a partir de colagens de diversas entrevistas e apresentações ao vivo do cantor ao longo de sua vida, contando ainda com trechos raros e muito ricos de Elis Regina apresentando versões das músicas de Belchior. Em alguns trechos de Apenas um Coração Selvagem, o ator Silvero Pereira surge em uma espécie de intervenção, recitando e interpretando letras das músicas do cantor.

 O longa busca analisar a visão artística do cantor, e foca muito mais na relação distinta que ele mantinha com a poesia; aparentemente, seu estado permanente de viver, pois, como ele mesmo diz, “a esperança do paraíso marca o nordeste”, e, segundo ele, até mesmo a ligação religiosa que atravessou sua vida (quando foi frade) foi uma maneira de se conectar com o sublime. – Bruno Andrade

Eneida (Heloísa Passos, Brasil, 2022)

Dirigido pela curitibana Heloísa Passos, o filme Eneida leva o nome e a história de sua mãe. Mas não se trata de uma biografia comum, que fique claro. Aqui, conhecemos Eneida numa viagem, o eventual estopim para os dramas da uma hora e vinte que se seguem. Afastada da filha mais velha, que não vê há quase 25 anos, a senhora faz de tudo para retomar a conexão e resolver problemas do passado. 

Capturado com voracidade e simpatia por Passos, o núcleo emotivo de Eneida é formado por uma sucessão de encontros, conversas, barganhas. Abalada mas nunca quebradiça, a senhora octogenária que ilumina a tela com seu sorriso e carisma não deixa a vida parar pela tristeza: ela rememora o ontem, papeia com a neta, joga vôlei com as amigas, chora e se alegra. Provando que os temores da realidade formam boa liga para a excelência da Arte, o documentário de Heloísa Passos é brutal e singelo em medidas equilibradas. – Vitor Evangelista

JFK Revisitado: Através do Espelho (JFK Revisited: Through the Looking Glass, Oliver Stone, Estados Unidos, 2021)

Alguns cineastas costumam lançar versões estendidas de suas obras – as “versões sem cortes” –, outros lançam continuações, mas poucos decidem fazer o que Oliver Stone fez: atualizar um de seus filmes mais famosos. JFK Revisitado: Através do Espelho se propõe, como seu título sugere, a atualizar o longa de 1991, JFK: A Pergunta Que Não Quer Calar – concebido inicialmente como uma minissérie em quatro capítulos –, depois que novos documentos sobre o assassinato do ex-presidente estadunidense John F. Kennedy deixaram de ser sigilosos. 

Com 118 minutos de duração, o documentário se arrasta e não apresenta grandes motivos para receber uma atualização. Em algumas cenas, tudo soa como as infindáveis reportagens a respeito do assunto – ou como uma versão mais lenta de seu filme anterior –, mas nenhuma novidade é de fato apresentada. Justamente pelo tema já ter sido abordado por Oliver Stone anteriormente, nem mesmo sua própria voz artística como diretor é capaz de dar uma nova roupagem aos documentos explorados, pois isso já foi feito em 1991. Talvez o ponto mais interessante de JFK Revisitado seja a ideia de que outros assassinatos acontecem mundo afora em decorrência da morte de Kennedy, mas, como Stone adora fazer, soa como uma verdade absoluta que tem sido tratada historicamente como teoria conspiratória, e acaba se perdendo em suas próprias referências. – Bruno Andrade

Joyce Carol Oates: Um Corpo a Serviço da Mente (Joyce Carol Oates: A Body in the Service of Mind, Stig Björkman, Suécia, 2021)

Joyce Carol Oates não parou de escrever desde que publicou o seu primeiro livro em 1963. Algo que enxergava já na infância, através de sua identificação com a viagem de Alice ao País das Maravilhas, a escritora viu na leitura – e mais tarde em seus próprios livros – um refúgio do mundo exterior. É capaz que ela escreva por 10 horas ininterruptas, e ainda coloque a culpa no gato, que não saía de seu colo. A imagem constante do lado de fora de sua casa, as luzes de seu escritório ligadas e todos os outros cômodos vazios, sintetiza a desconexão de Joyce com a realidade, a partir do momento que ela mergulha na escrita de seus romances.

Isso entra em conflito direto com sua trajetória literária, marcada por livros politicamente engajados e obras que comentam fenômenos sociais efervescentes de sua época. Mas é que o diretor Stig Björkman, do documentário Joyce Carol Oates: Um Corpo a Serviço da Mente, levanta essas contradições com muita sensibilidade e ternura, não só desconstruindo, como também humanizando a figura intocada de uma das autoras mais relevantes da Literatura americana. É uma pena que, pela sua abordagem exacerbadamente vasta, muitos temas se percam e sejam diluídos em meio ao prolífico e riquíssimo contato íntimo em que somos postos com Joyce. – Enrico Souto

Kurt Vonnegut: Desprendido no Tempo (Kurt Vonnegut: Unstuck in Time, Robert B. Weide e Don Argott, EUA, 2021)

Construído ao longo dos anos, Kurt Vonnegut: Desprendido no Tempo é o registro de um dos maiores escritores da última década. Kurt Vonnegut se transformou em uma voz geracional, e ajudou a moldar a mente dos jovens inconformados com a Guerra no Vietnã – ele próprio lutou na Segunda Guerra Mundial, onde foi feito prisioneiro em Dresden pelas tropas alemãs, cujas experiências deram origem ao livro Matadouro-Cinco (1969) – e com as opressões do governo estadunidense. Como em uma obra ficcional pitoresca de Vonnegut, a distância que geralmente separa o diretor do fato narrado é quebrada no filme, transformando Robert B. Weide em um personagem dessa história. Como ele revela, Vonnegut foi uma de suas inspirações e fixações literárias na juventude, além de um amigo sincero. Weide aproximou-se do escritor com a ideia de gravar o documentário, e ficou décadas junto a ele, que faleceu em 2007. Mais de dez anos depois de sua morte, recebemos o resultado das milhares de gravações. 

Uma das principais características literárias do autor é o uso da ironia e de um tipo de humor muito peculiar nos escritos. Bob Weide e Don Argott tentam manter isso na forma do documentário, embora em alguns momentos os relatos pessoais de Weide excedam demasiadamente o foco em Vonnegut. Ao mesmo tempo, o filme de 126 minutos vai fundo nas origens do mito literário, cuja história se assemelha à ficcional trama de Forrest Gump (1994). Tendo nascido em 1922 e falecido no início do século, o escritor estadunidense vivenciou grandes momentos históricos, e sempre os retratou através de sua voz original. Ao término de Kurt Vonnegut, sentimos que Robert B. Weide criou um arco narrativo para lidar com o próprio luto, vivenciado não apenas pela perda do herói literário, mas também de um amigo. “God bless you, Robert Weide”. – Bruno Andrade

Navalny (Idem, Daniel Roher, EUA, 2022)

Em 20 de agosto de 2020, Alexei Navalny, principal opositor ao atual governo russo de Putin, foi envenenado em um voo de Tomsk para Moscou. O ativista sobreviveu ao ocorrido, cujo principal suspeito, para a opinião pública, era o próprio presidente do país. Navalny, de Daniel Roher, acompanha metodicamente os passos de Alexei durante esse árduo período, figurando às câmeras a extensa investigação – que ele conduziu por conta própria – em busca dos responsáveis pelo atentado, e a sua admirável bravura de, mesmo após ser vítima de tamanha barbaridade, retornar ao seu país para lutar pela democracia e dignidade do povo russo. Admirável bravura? Será mesmo?

Há uma sensação agridoce permeando todos os 98 minutos do documentário que é difícil de ignorar. Roher rotula Navalny como um ‘thriller documental’, e, de fato, ele se mune de inúmeras estratégias narrativas para construir sua história. Então, se a produção quer te passar tristeza, indignação, raiva, ele o fará da maneira mais exagerada e artificial possível. A trilha sonora derivativa, o foco constante em rostos chorosos, as imagens em preto-e-branco retiradas de jornais, acompanhadas por uma narração canastrona; é uma quantidade de escolhas tão batidas que não apenas obstruem a mensagem passada, como também romantizam a figura deste homem, que está longe de ser incontestável.

Ao mesmo tempo que Navalny é considerado defensor dos direitos humanos e um exemplo na luta contra o imperialismo russo, suas principais pautas são a corrupção e degradação do sistema político, muito comuns entre expoentes da extrema-direita. Um admirador ferrenho dos Estados Unidos, que iniciou sua trajetória política apoiado em discursos reacionários, nacionalistas e racistas – algumas falas que, inclusive, ele ainda reivindica. Navalny, ao invés de esconder essa faceta do espectador, faz pior. Quando Alexei diz que dialogaria tranquilamente com um nazista e vangloria-se de sua capacidade de ‘dialogar‘ com os ‘dois lados’, Roher comete a atrocidade de relativizar a fala, intercalando-a com mais um retrato heróico e imaculado. Quando sobem os créditos e cessa a tortura, apenas resta um pensamento: esse filme só poderia ser americano. – Enrico Souto

Os Caras do Estreito (The Strait Guys, Rick Minnich, Alemanha/Finlândia/Canadá, 2022)

Em Os Caras do Estreito, o diretor Rick Minnich quer fazer sua presença ser notada. Abrindo com uma explicação das intenções e particularidades de sua própria obra, o americano residente de Berlim conta que o projeto está localizado em um lugar próximo do coração, afinal, é uma encruzilhada que dura anos e anos. No documentário, acompanhamos um engenheiro idoso que tenta a todo custo colocar em prática o plano da construção de um túnel, a InterContinental Railway, que conecte Alaska e Rússia. É um sonho febril, mesmo para a época em que foi desenhado pela primeira vez, quando Abraham Lincoln ainda respirava. 

Com as Guerras Mundiais e o embate soviético e norte-americano que as sucederam, o plano parecia cada vez mais pender para a ficção. Milhares de dólares são gastos, reuniões são agendadas e realizadas, viagens são marcadas e discursos, dados. No fim, Os Caras do Estreito tem tara em documentar o fracasso, em capturar homens brancos, bem-afortunados e mesquinhos tendo seus prazeres mais latentes negados. O passado é contrariado, mas a invasão russa na Ucrânia é apenas mais um indicativo que a nação pouco se interessa em conectar suas terras às dos Estados Unidos. Agora, só falta alguém contar isso para a galera que realizou esse filme. – Vitor Evangelista

Oscar Micheaux: O Super-Herói do Cinema Negro (Oscar Micheaux: The Superhero of Black Fimmaking, Francesco Zippel, Itália, 2021)

Parte da seleção do Festival de Cannes de 2021, Oscar Micheaux: O Super-Herói do Cinema Negro parte de uma tendência particular. Em um período como o que vivemos, em que obras ficcionais para a Televisão trouxeram à luz partes da história dos Estados Unidos que haviam sido apagadas na vida real, e documentários como Summer of Soul são reconhecidos por todas as premiações possíveis, o diretor Francesco Zippel dá atenção à carreira do primeiro cineasta negro das Américas. 

Comparações com Spike Lee e Sam Pollard são constantes, entretanto, elas nunca têm o intuito de desmerecê-lo. Na verdade, o ponto é exatamente demonstrar como Micheaux influenciou as convenções do Cinema negro desde a sua base, mesmo que por vezes a indústria tenha o desmerecido ou encoberto seu legado. De Morgan Freeman a Chuck D., diversas figuras importantes para a cultura negra dão sua contribuição e visão a respeito da obra do diretor, formando praticamente uma catarse e celebração coletiva à herança deixada por Micheaux.

Zippel mergulha nos aspectos mais intrigantes dos filmes de Micheaux, que construiu sua carreira no cinema mudo dos anos 20, quando filmes como O Nascimento de uma Nação ferviam o ódio racial nos EUA. O papel dele nesse contexto foi pivotal, com sua cinematografia experimental e impetuosa, e suas narrativas disruptivas que, a partir de uma perspectiva subversiva, desafiavam tanto o racismo quanto as barreiras de linguagem da Sétima Arte. Lançado no 70º aniversário de Oscar Micheaux, Zippel o eterniza através de um documentário primordial e latente. – Enrico Souto

O Território (The Territory, Alex Pritz, Brasil/Dinamarca/Estados Unidos, 2022)

O filme de Alex Pritz era uma das obras mais esperadas da seleção de 2022 do É Tudo Verdade. Vindo do Festival de Sundance, onde foi agraciado com o Prêmio do Público e com o Prêmio Especial do Júri e adquirido para a distribuição poderosa do National Geographic, o filme encontrou salas de cinema lotadas em São Paulo e o lugar de honra como obra de encerramento da 27ª edição do maior festival de Cinema documental do mundo. E depois de finalmente apreciá-lo, é entendido que nenhum aspecto dessa aclamação toda é em vão. 

O principal motivo, talvez, seja pela capacidade de compreensão do fato que deve estar no horizonte de quem se propõe a registrar a realidade: o debate ambiental e indígena passou de um mero assunto dentre tantos outros que acompanham a existência humana no mundo para ser agora uma questão de sobrevivência. Com essa consciência, o diretor se estabeleceu na Amazônia da tribo Uru-eu-wau-wau entre os anos de 2018 e 2021, a fim de aproximar o espectador do conflito local, que se revela também, como todo bom brasileiro de 2022 já deve saber, como o embate de outras centenas de povos indígenas do país: a disputa por território e demarcação de terras.

Desta forma, as belas paisagens da fotografia que Alex Pritz divide com Tangãi Uru-eu-wau-wau (em apenas uma das instâncias do filme cujo crédito também vai para a tribo que o protagoniza) não relevam em momento algum a gravidade do debate de O Território, que toma parte também das associações de agricultores e fazendeiros (a outra parte do embate pela terra), ambientalistas e lideranças indígenas. Tudo como forma de divulgar para o mundo uma das maiores urgências do país que abriga o seu pulmão. E se o filme está fazendo isso junto do povo que vive essa realidade e essa luta em carne e osso, pelo menos um território está sendo garantido. – Raquel Dutra

Quando Falta o Ar (Ana Petta e Helena Petta, Brasil, 2021)

2022 não teve como fugir: o assunto principal ainda é a pandemia, como pontuou o Festival É Tudo Verdade ao premiar Quando Falta o Ar com a honraria máxima da seção dos longas-metragens brasileiros. No filme de Anna e Helena Petta, conhecemos de perto a realidade da linha de frente no combate à covid-19, através do cotidiano dos profissionais do maior sistema de saúde público do mundo que se estabelece num país desgovernado em plena crise sanitária mundial.

A diferença do filme em questão para todos os outros que se propõe a retratar esse contexto e suas particularidades locais, no entanto, é a sensibilidade das diretoras para com as sutilezas do dia a dia que revelam interseção complexa entre saúde, religiosidade, desigualdade, classismo e racismo que fundamentam o Brasil que conhecemos. Para o período sufocante que se mostrou um dos mais difíceis da nossa história recente, o documentário encontra fôlego para processar o que tentamos superar desde março de 2020. – Raquel Dutra

Quem Tem Medo? (Ricardo Alves Jr., Dellani Lima e Henrique Zanoni, Brasil, 2022)

Muitas são as óticas para analisar a ascensão da extrema-direita no Brasil. Para Ricardo Alves Jr., Dellani Lima e Henrique Zanoni, a melhor delas é através da Arte. Desde 2017, as produções artísticas e demais manifestações culturais têm sido alvo de censura por parte das classes conservadoras do país, e quando Jair Bolsonaro assumiu a presidência em 2018, o movimento apenas se intensificou. Na trava do conflito entre a Arte e a Política, está a observação de Quem Tem Medo?.

Para construir seu raciocínio, o documentário traz os testemunhos de diversos artistas que passaram se não por episódios diretos de censura, ameaças, repreensões, perseguições por seus trabalhos transgressores. Desviando do caminho incongruente de discutir os méritos das obras artísticas em si, o filme se dedica a procurar a raiz da repressão direitista, com a ajuda de registros documentais de algumas ações das instituições democráticas. Sem muito comprometimento com a obviedade das questões que levanta e com a amplitude de seu tema inicial, no entanto, a pergunta que fica é: por que o medo?. – Raquel Dutra

Retratos do Futuro (Retratos del Futuro, Virna Molina, Argentina, 2021)

A realidade pode ser bem mais assustadora do que qualquer ficção, e Virna Molina sabe bem disso. Em seu filme mais recente, a documentarista argentina teve de lidar com a mudança de planos que a pandemia de covid-19 impôs ao mundo, o que, na verdade, acabou significando de forma ainda mais profunda suas intenções com o documentário. Inicialmente, ela registrava a resistência das trabalhadoras de Buenos Aires, mas a propagação do (nem tão) novo coronavírus interrompeu as atividades do filme e a vida de algumas das suas protagonistas. 

Então, diante das circunstâncias postas em março de 2020, Molina viu o presente se concretizar a partir do que antes ela imaginava como uma espécie de futuro distópico. Tão abstrata quanto a reflexão filosófica que ruma a obra denominada Retratos do Futuro, a leitura do filme passa a ser direcionada por uma digressão de Virna. Orientada por alguns registros prévios, outros pandêmicos, e muitos históricos, ela apresenta uma linguagem verbal e visual meticulosa para suas imagens em preto e branco, que concretiza um tom macabro e assustador ao filme. E por mais etéreas e sintéticas que as cenas possam parecer, tudo aquilo não passa nossa realidade. – Raquel Dutra

Sinfonia de um Homem Comum (José Joffily, Brasil, 2022)

Um homem que de comum não tem nada tocando uma sinfonia que não é dele. Contrariando todas as expectativas que suscita, Sinfonia de um Homem Comum apresenta a história de José Maurício Bustani, o brasileiro que foi o primeiro diretor geral da OPAQ (Organização para a Proibição de Armas Químicas). Em uma gestão firme com o objetivo da instituição e imparcial diante das influências externas, o período de sua liderança foi iniciado em 1997 e encerrado em 2002, pela pressão dos Estados Unidos, quando às vésperas da guerra no Iraque, Bustani identificou a inconsistência para a invasão da potência norte-americana no país do Oriente Médio.

É, a premissa do filme nada tem a ver com a música, e esse elemento segue desconectado do resto da narrativa até o fim. Sua única inclusão na narrativa é como a atividade que ocupa o tempo da aposentadoria de Bustani, que 19 anos depois do fim de sua carreira na instituição, vê as mesmas situações acontecendo nas mesmas instituições. Assim, a referência passa a ser mais subjetiva, já que assim como as peças musicais, a história e atuação da humanidade no mundo se repetem em alguns aspectos – e esse acaba sendo o triunfo do filme de José Joffily, que recebeu menção honrosa dentre os selecionados para a competição de longas nacionais do É Tudo Verdade 2022. – Raquel Dutra

Ultravioleta e a Gangue das Cuspidoras de Sangue (Ultraviolette et le Gang des Cracheuses de Sang, Robin Hunzinger, França, 2021)

Há uma sensibilidade pujante na forma com que Robin Hunzinger grava simples fotografias. Os pequenos fragmentos de recordações perdidas em que ele foca persistentemente – imagens retiradas de um cofre trancado a sete chaves – parecem dispersos, borrados, fora do nosso alcance, arrancados de um passado jamais revisitado. Porém, ironicamente, ao mesmo tempo que observá-las parece à primeira vista inapropriado, aqueles documentos e escritos carregam consigo um sentimento de novidade e refrescância estreitamente conectada à experiência da adolescência.

O recorte íntimo e pessoal de Ultravioleta e a Gangue das Cuspidoras de Sangue é essencial. A narrativa do documentário gira em torno das cartas, fotografias e relatos da falecida avó de Robin, Emma, a respeito de um relacionamento que ela cultivou na juventude com uma garota chamada Michelle. O que pode parecer somente uma relação de companheirismo, não demora a revelar-se como um romance adolescente, com direito a todas as suas peculiaridades. No entanto, a conexão é posta em perigo no momento em que Michelle contrai tuberculose e é submetida a um sanatório, quando as duas passam a se comunicar somente por cartas.

A garota, então, decide abraçar sua condição e transformar isso, junto a outras, em uma bandeira. A personalidade de Michelle, mesmo que limitada por poucas fotos, ecoa com potência por todo o longa, e a presença das Cuspidoras de Sangue personifica a rebeldia e visceralidade inerentes à vivência de pessoas queer, dando rosto a essas dores – corporificadas por lembranças materiais. A fotografia minimalista e inventiva consegue costurar majestosamente os dois temas e, no seu papel como mero observador, o diretor conclui, ao fim, que são apenas memórias que nos restam. Afinal, o que fazer com elas? Hunzinger decidiu transformá-las em Arte. – Enrico Souto

Vento na Fronteira (Mariana Weis e Laura Faerman, Brasil, 2022)

Se a relação entre os povos indígenas com os produtores ruralistas gera um dos conflitos mais urgentes nas cinco regiões do nosso país, tudo se intensifica no lugar que abriga o coração do agronegócio brasileiro. Colocando suas câmeras na região da violenta fronteira do Brasil com o Paraguai, Mariana Weis e Laura Faerman capturam a dinâmica de crescimento e exercício de força da política ruralista, fortalecida pelo governo Jair Bolsonaro, ao mesmo tempo em que observam a insurgência das lideranças indígenas em sua luta pela terra, pelo seu povo e pela natureza.

Desta forma, Vento na Fronteira existe em meio aos extremos, mas a câmera próxima das diretoras, por sua vez, faz dessa característica um dos pontos altos do filme: adentrando desde os espaços íntimos de mobilização do povo Guarani-Kaiowá até as discussões estratégias dos grupos ruralistas, o documentário subverte uma linguagem que inicialmente poderia sugerir uma falsa neutralidade para destacar as intenções e interesses dos lados em disputa. Numa boa contemplação do óbvio, Vento na Fronteira sabe de qual lado está. – Raquel Dutra

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Vitória Vulcano

Inúmeros são os prismas musicais de origem latina que despontam na indústria atual. A efervescência emergida de tantos ritmos vira elixir não somente rompendo com a hegemonia maçante da língua inglesa nos centros de visibilidade, como também investindo em criar, revisitar e renovar leituras artísticas. No entanto, mesmo ascendida nesse cenário difusor de novidades, Nathy Peluso surpreende no mínimo e no estrondoso desde o início de sua carreira. 

Das mixtapes autônomas aos visuais ousados, a cantora e compositora de Luján nunca deixou de abraçar o imprevisível e, analogamente, personalizar seu lugar de destaque. Catapultada para a história mundial, alastrada em Calambre e, por fim, participante dos indicados ao Grammy Awards 2022: sua essência ardente é banhada na revolução da autoafirmação.

Nascida em berço argentino, Peluso explorou a juventude em solos espanhóis. Entre os covers em hotéis e restaurantes e as declamações de poesia improvisada nas ruas, sua trajetória foi introduzida por pura diversidade expressiva. Foi assim que, munida de sequentes estudos universitários em dança e artes visuais, a estreia independente da artista esbanjou sua surgente competência na combinação colorida de hip-hop e trap.

A investida mais robusta de extrapolar amiúdes veio em 2019, com La Sandunguera. Os gêneros musicais já aproveitados foram apimentados pela cativação de soul e R&B no novo EP, dando a Nathy projeção gritante para embarcar em sua primeira turnê, se apresentar em grandes festivais e, enfim, assumir contratos com a renomada Sony Music. Cravada com peso no amplo mercado, a jovem decidiu incorporar a melodia fusionista por inteiro e continuar liderando sua narrativa imponente – agora, em um major álbum.

Com design de capa motivado pela ilhota de Grace Jones, o projeto cumpre expectativas ao não restringir sua internacionalidade às gravações intercambiadas entre América do Sul, Norte e Europa. Mesclando do farfalhar urbano ao reluzir clássico, o atrevimento mais envolvente do primogênito de Peluso é o de se completar pelo pluralismo, sem designar focos de atenção. Essa atmosfera potente, tensionada propositalmente no intercalar de arranjos multi-instrumentais, é devidamente monopolizada pelos gênios artísticos e pessoais da argentina.  

Diversão e solidão, amor e luxúria, imediato e nostálgico: todos são antagonismos ambiciosos entrelaçados nas fibras de Calambre. O batismo é bruto – cãibra em tradução literal – justamente por representar o golpe eletrizante desenvolvido e conectado por suas dezenas de facetas. Emitindo chamas e atormentando regularidades, a dúzia de faixas sabe calibrar movimento físico e mental. E a variedade de estados contemplados nesse processo diminui as muralhas da cantora para mostrar que sentir se torna uma obrigação do chocar.

Estruturar um conjunto tão imersivo e complexo exige a legitimação ditada, aqui, pela união de produção versátil à composição enfática. A primeira ficou quase totalmente nas mãos premiadas de Rafa Arcaute, conhecido por dirigir realizações de Shakira a Ricky Martin. O domínio da última é resultado da presença de Nathy em todas as letras do LP, o que a permite conceituar personagens e atitudes de si mesma em perspectiva expandida. Consequentemente, a materialização dessa equação é declarada já nos momentos iniciais da jornada de celebração da artista: “Eles me prometeram muita abundância/Mas eu me recusei a ser sua presa”.

Quando o trap regado a violinos de CELEBRÉ se dissipa, a avidez categórica – assinatura de longa data da cantora – permanece vibrante. Referenciando uma das lendas do folclore argentino, o sentimento entoa pelo misto de R&B e reggaeton que é AMOR SALVAJE. Tão provocativa quanto seu título, a discussão amorosa parte de melindres clichês e esmorece no calor da intimidade corporal, encenando trechos da comicidade que se apaixonar perdidamente causa (e Peluso adora reproduzir). 

A teatralidade, sobretudo, tem uma sondagem especial nas canetadas espelhadas pelo teto de vidro da jovem. Avançando feito constante nas eloquências do disco, os ímpetos imaginativos focam na audácia de enfrentar inquietudes e iniciativas de Nathy diante da plateia pública. E TRÍO consegue ser a captura máxima desse viés. Revelada de improvisos e protagonizada por fantasias sexuais, a canção também sintoniza rhythm and blues noventistas a uma cadência similar a batimentos cardíacos. Nas minúcias das intimidades destrinchadas, a transmissão do motor sinceridade é eficaz o bastante para se dilatar na tenacidade posterior de Calambre.

Técnica assídua de Peluso, o balanceamento da febre de performances artísticas à delicadeza da vulnerabilidade expressiva reverbera no álbum. Seja na miscelânea harmoniosa concebida por jazz e hip-hop, que emerge da autoestima salpicada em SUGGA, ou através da aura misteriosa e paradoxal de ARRORÓ, uma balada melancólica à la ROSALÍA, o destino da artista não se consolida. Ser autocentrada vira seu incentivo para vasculhar o fervor do mundo. Entre a segurança (“Com um caramelo na boca, ela o forçou a sonhar”) e a fragilidade emocional (“Como você pôde quebrar a promessa?/Como você se foi se minha alma te beija?”), o ego aprende, no ato, a se redescobrir e se fascinar por versos generosamente humanos.

Para além do lirismo concentrado, vertentes políticas rasgam, fugazes, a óptica múltipla do CD. Tributo a Mercedes Sosa, crítica explícita ao Fundo Monetário Internacional e reinterpretação de cantigas infantis da Argentina – SANA SANA tange a História para ressignificar o país latino-americano. Repetindo o refrão como mantra, a cantora exalta suas habilidades e muitos elementos culturais de seu povo, enquanto mistura ironia e afronta à precisão de um trap rítmico. Longe da passividade, ela entrega um diálogo sobre pertencimento: “Nossa nação tem um longo e doloroso histórico, com muitas dívidas, mas também com perseverança“.

Usando e abusando de gêneros altamente radiofônicos, a concepção do LP se influencia por hits cozinhados nos anos 2000 e evidentes até na era TikTok. Tático nesse contexto, o reciclar do desejo exacerbado sendo aludido a um crime é a aposta que transpira comercialidade, em um quadro louvável e nítido: preservando a autoria de Nathy. Apesar de mirar em rotas mais destemidas que a vendável, Calambre se dá ao luxo certeiro de interpolar essas memórias férteis para enriquecer e determinar ainda mais a prosa exposta.

Inevitavelmente, a desvinculação de pretensões do passado (ou do óbvio) para o engrandecimento de emoções atemporais também se sucede. Pela percepção sensorial do embate travado entre soledade e solitude, o despencar de Peluso na epifania se salienta em deleitosos convites coletivos. BUENOS AIRES equilibra o taciturno do silêncio a reflexões libertadoras, sempre conduzida pela claridade do neo-soul e ornamentada por leves contribuições de rock. Na mesma toada sonora, LLAMAME tenta esboçar a inspiração genuína vista na representação da capital argentina e termina insuficiente – o que explica porquê só uma das faixas promoveu o disco na vitrine das cerimônias musicais.

Antes de proclamar a plenos pulmões que não pede perdão nem permissão, Nathy inaugurou sua última era lutando para reduzir a pó o falatório e a injúria. BUSINESS WOMAN, primeiro single e clímax do álbum, é bem mais que o triunfo estilístico ao seu rap eloquente. Alegorizando autoconfiança, malícia, sucesso e poder, a autoridade da jovem é a de se acomodar na fogueira com seus deslizes e virtudes, sabendo que a combustão de tantos pormenores só a vilaniza no curso de intenções meritórias e próprias. Letal e sugestiva, patinando por espanhol e inglês, ela é o diabo se quiser: “Pergunte-se o quanto me odeia, o quanto me ama/Não vim te dar lições nem fazer sua cama”.

Em dimensões passadas, a argentina já formulava contundência e perspicácia em discursos naturalizados no feminismo. Calambre por si só floresce do movimento. Mas, o auge da irreverência resplandece no êxtase de BUSINESS WOMAN pela expansividade deliciosa das reivindicações. Debruçada na notoriedade de uma musicalidade feita à base de denúncias e cada vez mais nutrida de transformações, a cantora exala uma obstinação que só pôde ser provada pela nobreza de não enclausurar suas composições em formato de tendências passageiras. 

O dueto responsável por encerrar os enérgicos quarenta minutos caminha pelos poros abertos resgatando, com fôlego de virada, as raízes da artista. Afinal, tratando-se de Nathy e Argentina, o ciclo é retroalimentar. O fervor que despertou a jovem regenera sua relação com a Música e o universo e, simultaneamente, as faixas também funcionam como simulacro de Calambre. O término não pontua linearidade ou finda trilhas. É o enaltecimento da profusão despejada por toda a obra.

PURO VENENO e AGARRATE funcionam como fotografias dos estágios de um luto romântico, buscando estampar um renascimento particular, muito pleno no decorrer do projeto. O começo da passagem transita entre negação e barganha, confundindo a toxicidade palpável ao prazer de ser amada. A impureza que induz ao desejo dilacerante de escape é comunicada pela salsa, evocando o imaginário melodramático de um tipo musical ideal para fundir dança e dor. 

A surpreendente canção final mergulha sua introdução no ínfimo da tristeza, deixando o lado mais sombrio do tango coreografar o ritmo lento e aturdido de perda. “E, agora, meus beijos te pedem perdão/Por acreditarem que havia luz nessas mãos/Por saberem antes de você que isso tinha acabado“. Contudo, choradas as lamúrias, as sobreposições de hip-hop se manifestam rapidamente na metade seguinte, transfigurando os pesares em insubordinação: “Você acha que sabe sobre vida e dinheiro/Mas não experimentou mulheres como eu“. A ruptura é ironicamente intuitiva: culminando no agridoce processo curativo, expurga tudo o que não condiz com o reflexo ressurgido da artista.

Vasto no desvendar da sonoridade e arrebatador no trâmite lírico, Calambre celebra o primor do ecletismo e não esgota nem sua própria modelação. É a evolução autêntica e de visível extensão que possibilitou a Nathy Peluso rechaçar temáticas badaladas do mainstream quase de maneira vanguardista, engolindo forças e vícios do meio e convertendo-os em recursos ostensivos. O estraçalhar criativo do disco ainda estabelece sua melhor dádiva no todo: em cristalizadas contradições, a cantora se dá inteira e única. A assertividade foi tamanha que, colhendo os frutos de sua curadoria, ela tem se realçado como subversão necessária no tabuleiro musical.

Polemizando na bachata com C. Tangana e deslanchando no savvy-pop de Christina Aguilera e Karol G, sua figura já é magnética em parcerias de ouro. Recorrente nas listas do Grammy Latino desde 2020, seu nome alcançou a primeira indicação na 64ª versão estadunidense da premiação, em Melhor Álbum Latino de Rock ou Música Alternativa. Com uma individualidade incendiária e pronta para mais, o legado da artista argentina cresce tão vívido quanto o motim incitado por ela e ressoado por Calambre: “está tudo bem em reconhecer o que você sabe fazer”. 

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