O mês de setembro sediou a 73ª edição do Emmy, e a cobertura do Persona comentou sobre incontáveis produções indicadas e vencedoras do prêmio mais importante da Televisão, além de conteúdos com informações sobre as categorias e quem ficou de fora. Mas nem só de tapete vermelho vive um mês, e chegou a hora de comentar sobre as novidades de setembro no Cinema e na TV.

Grandes nomes do Cinema marcaram presença em lançamentos. A começar por Clint Eastwood que, no auge dos seus 91 anos, dirigiu e estrelou o filme Cry Macho, lançado nos cinemas e no HBO Max americano, trazendo uma perspectiva diferente de antigos papéis de sua carreira. Temos também My Son, thriller com a vencedora do Emmy Claire Foy e James McAvoy, que filmou o longa inteiramente sem ler o roteiro, experienciando todos os momentos junto à audiência, acompanhando a investigação do desaparecimento do filho do casal.

O HBO Max também foi o palco de Ryan Reynolds, Taika Waititi e Joe Keery, que compõem o elenco recheado de estrelas de Free Guy. A história de aventura conta a história de Guy, um caixa de banco que descobre ser um personagem de videogame. Indo da comédia para o mistério, M. Night Shyamalan dirige Gael Garcia Bernal, Eliza Scanlen e outros grandes atores no longa Tempo (Old), sobre uma praia deserta onde os visitantes envelhecem repentinamente.

Para já ir se preparando para o Halloween, os lançamentos de terror chegam em peso. Candyman, produzido pelo Jordan Peele e dirigido por Nia DaCosta, propõe uma volta ao clássico do gênero, e Maligno, novo filme de James Wan,  presta homenagem ao Cinema de Terror.

A Netflix, por sua vez, traz opções para todos os gostos, lançando Kate, filme de ação protagonizado por Mary Elizabeth Winstead, e Confissões de uma Adolescente Excluída, comédia baseada na obra de mesmo nome de Thalita Rebouças. Na onda de filmes sobre adolescência, Meu Nome é Badgá chega aos cinemas trazendo uma perspectiva diferente dessa fase, pelos olhos de uma skatista de 17 anos da periferia de São Paulo.

O Amazon Prime Video também chegou forte esse mês, com as duas partes que acompanham o julgamento do caso Richthofen, O Menino que Matou Meus Pais, contando a versão de Suzane, interpretada por Carla Diaz, e A Menina que Matou os Pais, acompanhando a perspectiva de seu namorado, Daniel Cravinhos. Além desses, The Voyeurs, inspirado em Janela Indiscreta,  entra no catálogo do streaming da Amazon, estrelando Justice Smith e Sydney Sweeney.

Apostando na música, o Prime também traz uma repaginada da clássica história de Cinderella, com covers de músicas pop interpretadas por sua protagonista Camila Cabello. E a terceira edição do desfile da Rihanna, Savage X Fenty Show Vol. 3, coloca grandes nomes nas passarelas, como Troye Sivan, Thuso Mbedu, e Symone e Gottmik de RuPaul’s Drag Race. E falando de drag, Todos Estão Falando Sobre Jamie conta, através de um musical, a jornada de um garoto que quer se tornar drag queen.

Já no streaming da Disney, a música ficou por conta de Billie Eilish e Happier Than Ever: Uma Carta de Amor para Los Angeles, que acompanha um show da artista, além de trazer uma animação através de suas canções. E quando podemos ensaiar uma volta aos cinemas com a vacinação avançando na nossa população – e mantendo o uso de máscaras, não custa reforçar -, a Marvel está de volta às telonas com Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis, primeiro filme com um herói asiático do estúdio.

Na TV, RuPaul’s Drag Race All Stars 6 coroa, pela primeira vez, uma mulher trans, a vencedora Kylie Sonique Love. Enquanto isso, a segunda temporada do spin-off europeu Drag Race Holland, chegou repleto de brigas e reviravoltas (e também deu o prêmio à uma mulher trans).

Representando os documentários, Controlling Britney Spears, a continuação de Framing Britney Spears, saiu de surpresa. Mais uma vez produzido pelo The New York Times, o programa continua destrinchando a delicada situação vivida pela princesa do pop.

Setembro também foi o mês de despedida de algumas séries. A oitava e última temporada da amada Brooklyn Nine-Nine vem com mudanças motivadas pelos protestos contra violência policial e o movimento Black Lives Matter. E na Netflix, Lúcifer entrega sua 6ª temporada com um final cheio de significados. 

Para os fãs de comédia romântica, Sen Çal Kapimi, sensação da TV turca, lança a sua segunda temporada. A Hulu também vem com grandes sucessos em setembro. Reservation Dogs, produzida por Taika Waititi e original do FX, conta a história de jovens nativo-americanos que querem deixar a reserva onde vivem. Além dela, a minissérie Nine Perfect Strangers traz Nicole Kidman, Melissa McCarthy, Regina Hall e outros atores conhecidos de Hollywood em uma trama paradisíaca e bem misteriosa.

Animações também integraram o elenco de lançamentos de séries do mês. No Disney+, Monstros no Trabalho, um spin-off de Monstros S.A., mostra a vida de um jovem monstro recém formado que precisa se adaptar ao novo funcionamento da fábrica, que agora faz as crianças rirem. Star Wars: Visions, uma série de antologia em formato de curtas feita por estúdios de anime, brinca com o universo da franquia de George Lucas, enquanto Rick & Morty, no HBO Max, chega com sua 5ª temporada explorando ainda mais a conturbada relação de seus protagonistas.

A Netflix não brincou em setembro, e além dos filmes, o streaming trouxe muitas séries, começando por Q-Force, que acompanha um espião gay e sua equipe LGBTQIA+. Retornam Sangue e Água, depois do sucesso da primeira temporada, e Sex Education, que chega em sua terceira temporada com novas questões a serem discutidas, e com o primeiro personagem não-binárie da série, interpretado por Dua Saleh. 

O streaming também tem bastante conteúdo pra quem gosta de ação: o volume 1 da parte final de La Casa de Papel, uma das séries mais famosas da produtora, chega com episódios intensos e um desfecho surpreendente. Além de Round 6, produção coreana que é a febre do mês. Perto de assumir o posto de série mais assistida da plataforma, a história acompanha pessoas competindo em um jogo de sobrevivência por um prêmio milionário. Por fim, Missa da Meia-Noite: o novo terror dramático de Mike Flanagan, cheio de tensão e religião. Tudo isso e muito mais você confere no Cineclube de Setembro de 2021, sob a curadoria da Editoria do Persona e de seus Colaboradores. 

Cinema

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings, Destin Daniel Cretton)

Quem diria que uma nova história de origem no abarrotado Universo Cinematográfico da Marvel poderia ser tão proveitosa e ter tanto a dizer? Depois de Pantera Negra abrir as portas para que os heróis abracem a diversidade frente e atrás das câmeras, a aventura solo de Shang-Chi (Simu Liu) chega depois de uma porção de adiamentos em decorrência da pandemia. Sob o comando de Destin Daniel Cretton, o longa que coloca a China no foco e as artes marciais como inspiração consegue mais do que apenas expandir a megalomaníaca Casa de Ideias de Kevin Feige.

Simu Liu é gracioso em cena como o personagem titular, e convence no humor e na ação, com destaque para as dezenas de sequências eletrizantes que recheiam as mais de duas horas de rodagem. Ao seu lado, Awkwafina brilha como sempre o faz, recebendo todo o destaque possível. Sua Katy é desbocada, hilária, destemida e, o mais importante entre um mar de super seres, extremamente humana. Sem a necessidade de encaixar um romance no longa, a direção de Cretton, que está entre os 3 roteiristas creditados, não se preocupa em ticar todas as caixas que uma origem de super-herói costumeiramente tem.

É claro que estão presentes tropos conhecidos: o pai malvado Xu Wenwu (com louvor interpretado pelo lendário Tony Chiu-Wai Leung), a irmã fodona Xialing (papel da irresistível Meng’er Zhang), a tia experiente e batalhadora Ying Nan (vivida por outra lenda, Michelle Yeoh) e até o cômico “Mandarim original”, Trevor Slattery (Ben Kingsley). A história é simples: Shang-Chi se mete em confusões, viaja para um lugar mitológico e quebra pau com o pai, cercado por todo tipo de criatura imaginável. No ano em que a Marvel cresce sua força para a TV (e lança no streaming um erro datado), Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis serve diversão, perigo, amizade e um filme digno para a volta aos cinemas. – Vitor Evangelista

star-crossed: the film (Idem, Bardia Zeinali)

O retorno triunfal de Kacey Musgraves ganha novas dimensões no filme que acompanha o novo disco da artista. Se em star-crossed ela desmancha, analisa e compreende as camadas de seu coração partido, em star-crossed: the film, todo o processo que a vencedora do Grammy de Álbum do Ano de 2019 realiza em seu novo disco é materializado, dando concretude ao que ela chama de “uma tragédia moderna em três atos”.

Não era para menos, afinal, um filme baseado na intensidade emocional e maestria musical de Kacey. Quase como um álbum visual, a narrativa da obra tem um início de tirar o fôlego ao som de star-crossed, passando pela acidez de good wife, mágoa de justified e ressentimento de camera roll, até chegar na recuperação expressa em there is a light, que encaminha um encerramento inexplicável com a interpretação de Musgraves do clássico hino folclórico latino-americano gracias a la vida.

As referências latinas, aliás, conversam muito bem com o drama amoroso de Kacey. Seja nas composições instrumentais ou visuais, a artista vive, junto de seu elenco recheado de estrelas (Victoria Pedretti, Symone, Eugene Levy…) sua própria narrativa íntima na frente das câmeras. E star-crossed: the film mostra, mais uma vez, que o trabalho da Arte é o que Musgraves sabe fazer de melhor. – Raquel Dutra

A Lenda de Candyman (Candyman, Nia DaCosta)

Não há como colocar A Lenda de Candyman em um pódio qualquer. Já nascido de um material excepcional escrito por Clive Barker e adaptado para um filme icônico como O Mistério de Candyman de 1992, o novo longa de Nia DaCosta expande ainda mais o universo do vilão cercado por abelhas.

Dessa vez, a história da estudante Helen Lyle e seu destino trágico se tornam exatamente aquilo que o personagem de Tony Todd desejava: eternos. Agora, quase 30 anos depois, Todd passa o manto, ou melhor, o gancho para Yahya Abdul-Mateen II, um jovem artista que se vê perdendo a cabeça depois de se deparar com as gerações de Candyman que assombram a sociedade estadunidense.

Questionando a todo o momento a verdadeira vilania do personagem, A Lenda de Candyman dialoga com seus antecessores, mas não sem antes desenvolver uma trama poderosa por si só, que caminha com as próprias pernas e cutuca feridas certeiras. Com certeza um dos maiores nomes do Horror de 2021. – Caroline Campos 

A Menina que Matou os Pais (Maurício Eça)

O caso Richthofen é um dos mais famosos, chocantes e amargos do Brasil. Em outubro de 2002, Suzane, Daniel e Cristian (os irmãos Cravinhos) foram acusados de matarem o casal Manfred e Marísia von Richthofen, pais de Suzane. Nos depoimentos, a filha do casal e seu namorado Daniel apresentaram versões completamente diferentes da história do início do namoro até o fatídico dia 31 de outubro. Usando disso, os dois maiores escritores criminalistas do país, Ilana Casoy e Raphael Montes, roterizaram a dobradinha A Menina que Matou os Pais e O Menino que Matou Meus Pais.

A Menina que Matou os Pais apresenta a versão de Daniel Cravinho sobre o crime. Nele, as acusações são inteiramente voltadas à psicopatia de Suzane (Carla Diaz). A ex-BBB entrega uma atuação completa mostrando as várias camadas da personagem que é capaz de seduzir e manipular todos ao seu redor. Carla Diaz cresce conforme o roteiro avança, sem dúvida mostrar Suzane indo de uma garotinha rica a uma assassina a sangue frio é um dos grandes destaques e méritos da produção. 

Vale lembrar que todo o roteiro do filme é fielmente baseado nos autos jurídicos do processo. Tudo que foi narrado e mostrado durante as quase três horas que os dois filmes juntos completam, é o que foi dito pelos culpados durante o julgamento e, por serem informações públicas, não renderam verba aos criminosos. A Menina que Matou os Pais pode não ser o mais alto primor do Cinema brasileiro, mas, com certeza, é um filme instigante que te leva a querer conhecer as duas histórias. – Ana Júlia Trevisan

O Menino que Matou Meus Pais (Maurício Eça)

Na dobradinha de lançamentos, cada um com um dos depoimentos do casal envolvido no caso Von Richthofen, O Menino que Matou Meus Pais apresenta a versão de Suzane. Seja pela ordem recomendada pelos realizadores, seja pelo filme em si, a visão dela consegue ser mais envolvente do que a do namorado, Daniel Cravinhos (Leonardo Bittencourt), ao mostrar como uma menina à princípio ingênua foi corrompida e levada a participar no assassinato dos próprios pais. 

Talvez até mais do que em A Menina que Matou os Pais, o destaque vai para Carla Diaz. A intérprete de Suzane von Richthofen é quase caricata na inocência exagerada, mas condiz com a maneira como a personalidade real se porta. O Menino que Matou Meus Pais não ousa desviar do depoimento e não explora a investigação criminal, mas é interessante ao usar as versões distintas de Suzane e Daniel para reconstruir os eventos que culminaram em um crime brutal. – Vitória Lopes Gomez

Happier Than Ever: Uma Carta de Amor Para Los Angeles – Uma experiência de Billie Eilish em concerto (Happier Than Ever: A Love Letter to Los Angeles, Robert Rodriguez e Patrick Osbourne)

Billie Eilish está crescendo, mas, seguindo o caminho contrário às tendências, ela resolveu fazer um filme com a Disney, estúdio do qual as jovens celebridades costumam se afastar nessa fase da vida. Sorte que, nele, ela não se transforma em “princesa”, ao contrário do que foi mencionado na Billboard, e repetido por diversos veículos de informação brasileiros, e nem é adornada de brilhos mágicos conforme visto em um dos vídeos de divulgação. Para a alegria dos fãs, a forma, a identidade e os temas por vezes ousados para o “padrão Disney” do álbum original foram (quase) inteiramente preservados aqui. 

Com a assinatura de Robert Rodriguez (o responsável por Sin City e a franquia Pequenos Espiões) e Patrick Osbourne (animador da Disney que já levou o Oscar pelo curta O Banquete), o concerto gravado no Hollywood Bowl apresenta performances das canções do novo disco de Billie, de Getting Older a Male Fantasy, com o acompanhamento da Orquestra Filarmônica de Los Angeles em algumas das faixas: um encontro musical que é simplesmente tudo o que eu queria. Para completar, há ainda em GOLDWING a participação do Los Angeles Children’s Chorus, do qual Eilish fez parte, e do violonista Romero Lubambo, que traz um pouco de autenticidade brasileira a Billie Bossa Nova.

A carta de amor à Los Angeles é vista nos segmentos da versão animada de Billie vagando por pontos marcantes da cidade, até literalmente se encontrar. A animação ainda ganha espaço no minimalismo hipnótico de Not My Responsability, mas de resto, são as performances que se destacam. A ausência da filarmônica em algumas canções é compensada pelo fantástico arranjo orquestral de Therefore I Am, que no filme-concerto ganha ares pomposos e divertidos. Se até aqui a Disney não havia colocado seu dedo mágico no show, é porque ela tinha resolvido guardar seus truques para o final, apagando os três “fucks” da faixa-título, acabando com o grande momento catártico do álbum em um silêncio constrangedor. Sorte que o talento de Billie Eilish é tão grande que nem a maior companhia de entretenimento do mundo é capaz de ofuscar. – João Batista Signorelli

Savage X Fenty Show Vol. 3 (Idem, Scott Weintrob e Robyn Rihanna Fenty)

Lançado no dia 24 de setembro, pelo serviço de streaming Amazon Prime Video, o terceiro volume do show foi um belo espetáculo celebrando todos os tipos de corpos, a inclusão e a diversidade, contando com uma pitada de sedução. O desfile reuniu estrelas como o cantor Troye Sivan, a atriz Vanessa Hudgens, a atriz Sabrina Carpenter, a cantora Erykah Badu, o ator Jeremy Pope, o skatista Nyjah Huston e a atriz Thuso Mbedu, com aparições das modelos Adriana Lima, Alek Wek, Cindy Crawford, Behati Prinsloo, Emily Ratajkowski, Gigi Hadid, Irina Shayk, Lourdes Leon e Precious Lee. 

Durante os 40 minutos de Moda imersiva, o show aproveita-se da arquitetura, mais uma vez usando Música, coreografia, luzes e performances sensacionais. Não aleatoriamente, o Fenty Show foi sonoramente latino, contando com apresentações de Ricky Martin e do rapper porto-riquenho Daddy Yankee. A produção tem ainda ótimas transições entre os sons de rap e R&B e os espaços, aproveitando o térreo, as escadas, passarelas, terraço e elevadores, sempre em conjunto de belíssimas coreografias que destacam músicas, cenários e lingeries.

Com uma iluminação impecável, a terceira edição do show varia entre cores frias, com o verde e azul, e cores quentes, como vermelho e laranja, além de takes de longe e giratórios, sempre dando uma visão de toda a grandeza. No fim, mais uma vez, Rihanna jogou a régua lá em cima, entregando uma experiência graciosa e simbólica, convocando diferentes corpos e gerações para a sua passarela plural. – Luisa Rodrigues

Irmãos de Sangue: Muhammad Ali e Malcolm X (Blood Brothers: Malcolm X & Muhammad Ali, Marcus A. Clarke)

Assistir Irmãos de Sangue não é uma tarefa fácil, exige conhecimento prévio sobre as figuras de Malcolm X e Muhammad Ali e a influência de ambos ao longo da década de 60 – e da luta da população negra – nos Estados Unidos. O documentário da Netflix é um arquivo histórico sobre os dois: entrevistas, áudios e imagens inéditas compõem a produção, contando ainda com os pontos de vida dos familiares. Combinado com o filme Uma Noite em Miami…, torna-se um retrato fidedigno para adentrar na complexidade de duas figuras tão fortes que os mesmos laços que os uniram como irmãos, os separaram ao mesmo tempo.

Inúmeras falas de Todo Mundo Odeia o Chris passam a fazer sentido quando se conhece a ponta do iceberg da vida de Malcolm X e Muhammad Ali. Assim como no filme de Regina King, a história é muito mais complexa do que parecia, e o ativismo racial que ambos possuíam era formado de articulações políticas inteligentes nascidas na religião islâmica. Além disso, representavam um risco altíssimo para a sociedade branca – e os assassinatos de Malcolm X e Sam Cooke, logo após Ali se tornar campeão dos pesos pesados no boxe, são bons exemplos disso. Irmãos de Sangue é uma produção muito bem feita para marcar a grandeza de dois homens com personalidade e perspicácia tão poderosas a ponto de se chocarem, e quase 50 anos depois o cinema ainda tenta compreendê-los. – Nathália Mendes

Todos Estão Falando Sobre Jamie (Everybody’s Talking About Jamie, Jonathan Butterell)

Vivendo a fase da adolescência, Jamie New (Max Harwood) é um jovem britânico de 16 anos que se sente deslocado na sociedade. Seu grande sonho de vida é se tornar uma drag queen e, por isso, não se sente compreendido no meio social em que está inserido. Mas apesar disso, o adolescente é incentivado pela mãe e pelos amigos a seguir seus desejos. Desse modo, Todos Estão Falando Sobre Jamie se desenvolve como um musical repleto de coreografias icônicas sobre seguir os sonhos.

O longa, adaptado da peça de teatro homônima, é inspirado na história real da vida de Jamie New e mostra os altos e baixos que o artista passou até alcançar o estrelato. Além disso, Todos Estão Falando Sobre Jamie também marca a estreia exitosa de Jonathan Butterell na direção. O filme, diferentemente de outros clichês sobre o público gay, coloca os personagens em situações cômicas que se desenrolam por meio de músicas e coreografias muito bem produzidas. Desse modo, através de um formato novo, o musical apresenta perfeitamente o público queer. – Gabriel Gatti

Cinderela (Cinderella, Kay Cannon)

São muitas as versões de Cinderela no Cinema e cada um tem sua favorita, mas duvido muito que a de alguém seja essa. Nessa repaginada da clássica história da Gata Borralheira que passa seus dias servindo sua Madrasta Má para que, no fim, seja resgatada por um lindo príncipe e vivendo feliz para sempre, Cinderela (Camila Cabello) é uma garota com o sonho de se tornar uma costureira famosa que cria vestidos para princesas e os vende em várias cidades ao redor do mundo. Porém, seus sonhos estão longe do que é adequado para uma mulher nos tempos em que vive.

O príncipe (Nicholas Galitzine), que de encantado não tem nada, se apaixona por Cinderela e agora ela tem uma decisão a tomar, o amor da sua vida ou a realização dos seus sonhos? A trajetória da princesa é preenchida por, possivelmente, a seleção de músicas mais clichê já vista em um musical jukebox, e, se eu quisesse ver uma interpretação adaptada para modelos medievais de Somebody to Love, eu teria assistido Ella Encantada – que diga-se de passagem é infinitamente superior.

O elenco é repleto nomes conhecidos na cena dos musicais, como  Pierce Brosnan, James Corden e, especialmente, Idina Menzel, rainha da Broadway, aclamada por seus papéis como Elphaba em Wicked e Maureen Johnson em Rent, que ao interpretar a Madrasta Má cria o maior mistério do filme “o que fizeram para convencê-la a participar desse show de horrores?”. Por fim, a única ressalva positiva do filme é a interpretação de Whatta Man pelas princesas no baile, mas que é logo interrompida pelo príncipe assassinando Seven Nation Army. – Marcela Zogheib

Observadores (The Voyeurs, Michael Mohan) 

Os suspenses eróticos tiveram seu período de grande popularidade na década de 1990 e atingiu o ápice com Instinto Selvagem, dirigido por Paul Verhoeven. Depois, o apelo que esses filmes tinham para o público foi diminuindo com o passar do tempo, até que pararam de ser produzidos pelos estúdios. Observadores, filme lançado diretamente no Amazon Prime Video, traz de volta esse gênero num período onde o Cinema norte-americano parece celibatário demais. 

Na trama, acompanhamos Pippa (Sydney Sweeney) e Thomas (Justice Smith), um jovem casal que consegue se mudar para seu apartamento dos sonhos. Aos poucos, ambos começam a observar a rotina dos moradores do apartamento do outro lado da rua e iniciam uma sequência de eventos que podem levar à tragédia. 

O filme consegue entreter bastante por conseguir conciliar a tensão sexual com o suspense que há no ato de espiar a vida do outro, adentrando em sua intimidade. O diretor Michael Mohan faz uma versão mais tecnológica e mais sexy de Janela Indiscreta, dessa vez sob uma intrigante perspectiva feminina. Alfred Hitchcock ficaria orgulhoso. – Caio Machado

Meu Nome É Bagdá (Caru Alves de Souza)

Depois de levar as ruas (e as pistas de skate) de São Paulo para o Festival de Berlim e passar por vários festivais, Meu Nome É Bagdá, o segundo longa da diretora e roteirista Caru Alves de Souza, estreou nas salas de cinema brasileiras. No filme, Bagdá, uma menina skatista da periferia paulistana, passa os dias com os meninos do bairro. Ela e mais uma amiga, as únicas meninas do grupo, lidam com o machismo no dia a dia, até que se unem a um grupo de mulheres skatistas que passavam pelo mesmo que elas. 

A filmagem deslumbrante, com destaque especial para as cenas de skate, tornam a atmosfera jovem, despojada e próxima da realidade, sem fugir de assuntos incômodos e necessários que marcam o cotidiano das mulheres. Somada a uma personagem central marcante, interpretada pela novata Grace Orstato, o simples roteiro é cativante e fazem de Meu Nome É Bagdá um verdadeiro e encantador coming-of-age feminista. – Vitória Lopes Gomez

Cry Macho: O Caminho para Redenção (Cry Macho, Clint Eastwood) 

Clint Eastwood é, talvez, um dos veteranos de Hollywood que mais se mantém na ativa hoje em dia. Sua fase atual como diretor pode ser identificada pelo questionamento de valores e comportamentos norte-americanos. Cry Macho, seu novo filme, continua nessa linha ao refletir sobre as noções de masculinidade que o próprio Eastwood sustentou como símbolo durante décadas. 

Na trama, Eastwood interpreta Mike Milo, uma antiga celebridade dos rodeios e criador de cavalos. Em 1979, ele aceita um trabalho de um antigo patrão para trazer seu filho, que mora no México, para casa. Durante a viagem de volta para o Texas, essa dupla improvável encontrará desafios inesperados e Mike descobrirá seu caminho para a redenção. 

É um grande prazer acompanhar como um dos gigantes do Cinema estadunidense conseguiu se aperfeiçoar na produção de filmes de orçamento modesto e dramaticamente potentes como Cry Macho. Vê-lo refletir sobre a própria passagem do tempo e aceitar o amor é algo que, com certeza, vai deixar os fãs do astro emocionados. – Caio Machado 

Depois de morrer comicamente na semana de seu aniversário, Cassie (Victoria Justice) descobre aquilo que todos temíamos: aparentemente, nem a morte é motivo suficiente para ignorar pessoas com quem você não quer conversar. Agora, ela tem apenas cinco dias para resolver seus assuntos inacabados, antes que seja condenada à eternidade no lugar menos agradável. Apesar da trama a lá The Good Place, em Esticando a Festa as questões existenciais do além são deixadas de lado para dar espaço às aventuras desengonçadas de Cassie em busca da salvação.

Apesar de se comprometer com bem pouco além do básico de uma comédia romântica, o filme de Stephen Herek consegue emocionar com a desenvoltura das principais relações entre suas personagens, particularmente entre Cassie e sua melhor amiga, Lisa (Midori Francis). A química entre suas atrizes vende muito bem a amizade instável e desigual, bem como o carinho e a preocupação de uma com a outra.

Infelizmente, o filme não aproveita sua premissa ao máximo, dando poucas oportunidades para que a presença de Cassie faça a história prosseguir de maneiras interessantes. Apesar de alguns momentos emocionalmente maduros e instigantes, o final da história perde tempo com tramas paralelas que parecem vir de lugar nenhum e entrega uma conclusão fraca para a própria Cassie. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Free Guy: Assumindo o Controle (Free Guy, Shawn Levy)

Imagine que Ryan Reynolds está contando para um adolescente sobre Matrix. Agora imagine que na explicação dele, o sistema que controla todos os humanos seja o mundo de Grand Theft Auto, e ele esteja apaixonado por uma jogadora. Ao juntar tudo isso, e como objetivo dessa conversa, Ryan quer motivar o adolescente a quebrar barreiras, e faz isso com uma linguagem irritantemente otimista. Conseguiu? Essa é uma boa explicação para a trama divertida e complexa que Free Guy consegue sustentar, filme de Shawn Levy que estreou nos cinemas do mundo todo fazendo barulho, e entrará para a plataforma do HBO Max.

Na história de Guy – vivido por Reynolds-, um personagem de videogame não-jogável que consegue criar a inteligência artificial sozinho, ele conquista a consciência de que a vida poderia ser mais do que a mesmice. Na luta para seguir existindo na plataforma, e apaixonado pela Garota Molotov (Jodie Corner), ele consegue no heroísmo subir nos níveis do jogo, salvando outros NPC’s dos jogadores do mundo real. Assim, Levy e Reynolds compreenderam que poderiam alcançar o público jovem para uma reflexão sobre atitudes e altruísmo, mas falando a mesma língua que a maioria deles – a dos games. Cheio de referências, o filme é uma dose de otimismo que veio no momento certo em meio à pandemia, além de seu bom equilíbrio entre a comédia e uma reflexão sobre o não controle dentro e fora do universo dos games. – Nathália Mendes

My Son (Idem, Christian Carion)

A recém-vencedora do Emmy Claire Foy saiu da superprodução real da Netflix para protagonizar o novo suspense do serviço de streaming Peacock. Em My Son, a primeira protagonista de The Crown vive Joan, uma mãe desesperada em busca de seu filho Ethan, que desapareceu após uma noite num acampamento juvenil. Em teoria, ela dividiria a criação da criança de 7 anos com Edmond (James McAvoy), mas ele é um pai distante por circunstâncias profissionais delicadas. Então, essa demanda de suporte à Joan parece ser cumprida pelo pincelado Frank (Tom Cullen), parceiro da personagem de Foy.

Mas muito além das suspeitas que surgem de seu núcleo, o filme dirigido por Christian Carion guarda seu burburinho em algo peculiar: James McAvoy atuou sem ler o roteiro durante os 90 minutos do longa, vivenciando o suspense e lidando com as reviravoltas junto com o público. Essa radicalidade proposta pelo protagonista pede de My Son uma harmonia perfeita entre direção, fotografia, roteiro e demais atuações – com destaque, obviamente, para a de Claire e de Gary Lewis, como o oficial de segurança que cuida do caso de Ethan -, e assim o filme é. – Raquel Dutra

Quanto Vale? (Worth, Sara Colangelo)

Desde 2001, setembro é marcado pelo fatídico dia 11 e a queda das Torres Gêmeas. Centenas de filmes explorando o assunto já foram produzidos, mostrando a visão estadunidense do ataque e a agonia que se implanta no instante em que os aviões acertam as torres. Uma ferida ainda aberta no peito dos Estados Unidos, Michael Keaton protagoniza o novo filme da Netflix que traz um olhar de um novo ângulo para a tragédia. Quanto Vale? é abastecido pelo luto das famílias que perderam seus amores e a pessoa responsável por colocar na mesa o pão de cada dia.

“Quanto vale a vida humana?” É com essa frase que o longa baseado na história real de Kenneth R. Feinberg, advogado que se ofereceu para negociar a indenização fornecida pelo governo para as famílias que sofreram perdas em 11 de setembro. Mas, existe um preço pela vida? Qual parâmetro faz a história de um homem usando gravata ser mais valiosa que a da mulher que trabalhava incansavelmente limpando os andares do prédio? O dinheiro é capaz de cicatrizar o buraco deixado pela tragédia? Existe uma equação matemática para colocar um código de barras em cada corpo?

Quanto Vale? se destaca pela construção da noção de que cada vítima do atentado era uma pessoa com nome e amores, e que há uma distância incalculável entre a humanização e meros dados dentro de uma planilha. Para conseguir o acordo, Feinberg precisou ouvir as vítimas, estar ao lado delas, entender o que cada uma tinha a dizer. Não se tratava do dinheiro na conta bancária, mas sim da mínima dignidade e conforto para os duros passos do luto. O drama agoniza em memória daqueles que partiram e pede mais respeito à dor alheia. – Ana Júlia Trevisan

Escape Room 2: Tensão Máxima (Escape Room: Tournament Of Champions, Adam Robitel)

Não tem muita coisa para se esperar de uma sequência de algo como Escape Room. O filme de 2019 é engenhoso e garante uma boa diversão, mas não há absolutamente nada de interessante fora das quatro paredes dos jogos. Seu sucessor, Escape Room 2: Tensão Máxima, surgiu quase como um Massacre Quaternário saído diretamente de Jogos Vorazes, onde os clientes misteriosos resolveram pegar aquele bando de gente traumatizada que venceu as edições anteriores e botar para se matar de novo até sobrar apenas um. 

O resultado é exatamente isso que você pode prever: personagens rasos como poças, um plot horroroso e sem necessidade alguma e uma pitada de tensão muito bem-vinda através de cenários perigosos. Dessa vez, o longa conta com Holland Roden, estrela da época de Teen Wolf, Indya Moore, de Pose, e a coitada da Isabelle Fuhrman que só se mete em roubada. Esquecível, Escape Room 2 sabe que não entrou na corrida para ganhar, e ainda assim nem se esforça. – Caroline Campos

Kate (Idem, Cedric Nicolas-Troyan) 

Nova aposta da Netflix no Cinema de ação, Kate acompanha um dia na vida da assassina que dá nome ao título, vivida por Mary Elizabeth Winstead. Depois de ter sido envenenada, ela tem somente 24 horas para descobrir o responsável e se vingar. 

Carregado de luzes neon e referências de animes, o filme cumpre bem seu papel de entregar ação simples e despretensiosa. A direção durante os combates parece um tanto desajeitada na forma como lida com a presença de Mary Elizabeth Winstead em cena e muitos dos diálogos acabam soando bobos demais, mas não é nada que chegue a incomodar. É a diversão perfeita para aqueles sábados em que você está em casa, procurando algo para assistir que não seja muito denso. – Caio Machado

Tempo (Old, M. Night Shyamalan)

Depois de lançar o divisivo Vidro e emprestar sua psique para o seriado Servant, M. Night Shyamalan retorna ao Cinema com Tempo. Enigmático como de costume, o novo filme do diretor se centra em um grupo de pessoas que passa as férias numa praia e, no decorrer do dia, descobre que o local surte um efeito de envelhecimento precoce em seus visitantes. Poupando o espectador de um horror gráfico mais acentuado, o filme caminha na linha do mistério e do medo do desconhecido, mas ao passo que os protagonistas ficam em dia com os acontecimentos, lá pela marca dos setenta minutos, Tempo acaba entrando em um espiral de repetições dolorosas. 

Obviamente a discussão sobre o valor da vida e do próprio tempo entrariam em voga, e o roteiro, assinado por Shyamalan procura esgotar os personagens de ações possíveis naquele microuniverso apocalíptico. O elenco não desaponta. Gael Garcia Bernal carrega o medo e a preocupação, Vicky Krieps recebe a egoísta tarefa de lidar com toda a carga emocional do grupo, e a dupla Alex Wolff e Eliza Scanlen emulam bem seus eus imaturos. A graciosa Thomasin McKenzie abraça a vulnerabilidade que lhe é imposta e Rufus Sewell passa por uma metamorfose de Médico à Monstro. Aaron Pierre aparece pouco, mas sua ausência é o primeiro passo para o caos. Buscando pingar todos os is, Tempo pode desagradar pelo conformismo com a ideia de conclusão mundana demais, mas a filmografia do cineasta nunca escondeu seu apreço pelo fecho narrativo mais cabível possível. – Vitor Evangelista

Maligno (Malignant, James Wan) 

Depois de ter entrado no mundo dos super-heróis com Aquaman em 2018, James Wan retornou ao Cinema de terror com Maligno. Lançado nos cinemas e no HBO Max lá fora, o filme prova que o diretor ainda tem muito a contribuir para o gênero. 

Na trama, Madison (Annabelle Wallis) começa a ter sonhos com pessoas sendo brutalmente assassinadas. Aos poucos, descobre que, na verdade, esses sonhos são crimes que estão acontecendo em tempo real enquanto ela dorme.   

Maligno é ousado, sangrento e cheio de reviravoltas. James Wan esbanja criatividade na direção e não tem vergonha nenhuma de assumir o lado mais explícito que o terror pode oferecer. Numa época onde muitos filmes parecem envergonhados do gênero, é um grande exemplo do que o Terror tem de melhor. É só não ter medo de arriscar. – Caio Machado

Confissões de uma Garota Excluída (Bruno Garotti)

Se tem algo que apetece a Netflix, é um clichê adolescente. Então, o setor de produção do streaming no Brasil juntou sua vontade de fazer acontecer às histórias escritas por Thalita Rebouças e ao apreço que direções como as de Bruno Garotti têm pelos dramas juvenis, e pronto. Temos um novo universo teen deliciosamente familiar para conhecer numa tarde preguiçosa de sábado.

O filme da vez é Confissões de uma Garota Excluída, que sem surpresa nenhuma, divide conosco uma parte da adolescência de Teanira (Klara Castanho), personagem estritamente fiel ao título do filme que protagoniza. Poupando detalhes da história previsível, o original da Netflix é feliz em apostar na genialidade de Klara, que segura técnicas ousadas de atuação, como a quebra da quarta parede, e que desenvolve uma amizade graciosa com Davi (Gabriel Lima) e Zeca (Marcus Bessa). 

Confissões de uma Garota Excluída é livre no tema que domina – até demais, beirando o cringe em alguns momentos -. Assim, ele cumpre sua missão ao brincar com seus outros personagens (figurados por Fernanda Concon, Júlia Gomes, Rosane Gofman, Kíria Malheiros e Júlia Rabello) e ao tocar em assuntos importantes de serem abordados com o público-alvo do filme (como a descoberta da sexualidade, homofobia e bullying). – Raquel Dutra

TV

Sex Education (3ª temporada, Netflix)

A terceira temporada de Sex Education continua acompanhando os personagens que já conhecemos, mas dessa vez com um pouco mais de profundidade. Logo no início, a série já é tomada por mudanças, a escola Moordale passa por uma repaginada intensa depois dos escândalos do ano anterior. E faz isso trazendo novos personagens para abordar novas pautas, dessa vez tendo um foco generalizado sobre a desinformação e a importância de criar um espaço seguro que incentive a discussão de todos os assuntos – inclusive sexualidade na adolescência.

Os personagens que já conhecemos passam por muitas mudanças nessa temporada, aqui os fãs aprenderam a amar quem desprezavam, e enxergar um novo lado, mais aprofundado, de temas que já foram discutidos anteriormente no show. Ao longo dos 8 episódios, novas relações são exploradas, algumas curtas demais – e nunca perdoaremos a Netflix por isso – e outras que se estendem a tempos. Mas relacionamentos amorosos de lado, a parte mais recente de Sex Education explora um pouco mais a fundo relações de família, amizade e coletividade.

Possivelmente a melhor temporada até agora, ela faz um trabalho incrível de explorar tudo que tem direito com um carinho que transparece na tela, dando inveja de quem é adolescente hoje em dia pela sorte de tê-la como exemplo, diferente da geração que cresceu assistindo Skins. Além de tudo isso, vale mencionar uma cena que destoa um pouco do humor usual da série, mas sem que ela perca a identidade, os acontecimentos do quinto episódio são impossíveis de serem assistidas sem chorar de rir e merecem ser revistos o tanto de vezes que seu estômago aguentar. – Marcela Zogheib

Round 6 (오징어 게임/Squid Game, 1ª temporada, Netflix) 

Mais novo sucesso mundial da Netflix, Round 6 acompanha vários personagens que sofrem para pagar as contas e aceitam competir em um jogo de sobrevivência para tentarem ganhar um prêmio bilionário. Porém, logo no início, descobrem que quem falhar em qualquer uma das provas é executado sem piedade. 

Essa dinâmica dos desafios não é uma grande novidade no meio audiovisual e já foi explorada em obras famosas, como Battle Royale, Jogos Mortais e a franquia Jogos Vorazes. No meio delas, Round 6 se destaca por sua excentricidade na narrativa e em boa parte dos cenários, tão coloridos que parecem ter sido imaginados pela mente de uma criança. 

É uma série violenta e intrigante, com dramas pessoais que são fáceis para o espectador brasileiro se identificar. Afinal, só quem é rico não está numa situação difícil no Brasil de 2021. – Caio Machado 

RuPaul’s Drag Race All Stars (6ª temporada, Paramount+)

RuPaul’s Drag Race All Stars chegou ao seu sexto ano trazendo 13 queens das temporadas regulares para sua segunda (ou terceira, em alguns casos) chance de ser coroada por RuPaul. A temporada deu a largada com o Variety Show, assim como os demais All Stars, porém prometendo que haveria um “jogo dentro do jogo”. Desse modo, semana após semana, todas as participantes que eram eliminadas do programa recebiam a mensagem de que nem tudo estava acabado, o que só servia para instigar cada vez mais a curiosidade dos telespectadores para esse desafio que parecia nunca chegar.

Mesmo com a demora para o “jogo dentro do jogo”, a sexta temporada de All Stars mostrou a energia que o programa não via há muito tempo. Ao longo das semanas, queens, como Ra’Jah O’Hara e Kylie Sonique Love, que não ficaram nem perto do top 4 em suas temporadas originais, surpreenderam ao entregar humor, atuação e looks. Além delas, o show contou com o retorno de Ginger Minj, Trinity K. Bonet e Eureka!, que se destacaram ao longo de sua jornada até a final.

Mas muito além da diversão proporcionada pelo programa, RuPaul’s Drag Race All Stars trouxe um elenco bem miscigenado para competir pela Coroa, apresentando negras, latinas e asiáticas. Outro fator importante foi a temporada escalar Kylie Sonique Love e Jiggly Caliente, sendo, desse modo, a primeira a apresentar duas queens assumidamente trans. Essas questões, combinadas com o carisma, singularidade, coragem e talento das participantes, tão cobrados pela Mama Ru, fizeram com que o All Stars 6 recuperasse a força do show que ficou perdida depois da produção exaustiva de Drag Race. – Gabriel Gatti

Rick & Morty (5ª temporada, Adult Swim/HBO Max)

Incrível, mas não faço ideia do que está acontecendo. Essa talvez seja a melhor definição para os curiosos que nunca assistiram Rick & Morty. Criada por Justin Roiland e Dan Harmon, reis do nonsense, a partir de um curta-metragem — inspirado no filme De Volta Para o Futuro (1985) —, a série traz referências aos clássicos da ficção científica, mesclando cultura pop e cálculos matemáticos, além de satirizar temas contemporâneos. Pela primeira vez, o seriado foi transmitido simultaneamente no Brasil pelo HBO Max. Com excelentes sobressaltos e mais piadas retóricas e existencialistas de Rick, a quinta temporada conseguiu entregar episódios interessantes. 

Neste ano, o que pareceu ficar em evidência foi a conturbada relação entre os protagonistas, ressoando pequenas faíscas ao longo dos 10 episódios e descarrilhando completamente nos minutos finais da temporada. Em Forgetting Sarick Mortshall, há o velho e batido dilema em que Morty questiona a relação com seu avô. Todavia, é preciso pontuar que o episódio traz uma espécie de redenção de Rick, assumindo no fim que a relação entre os dois é tóxica. No 10º e último episódio, Rickmurai Jack, há uma referência aos animes, com uma abertura diferente e exclusiva. Neste capítulo, os roteiristas continuam explorando a relação de Rick com os dois corvos apresentados anteriormente, algo que soa arrastado, cansativo, e, por incrível que pareça, um pouco sem graça. Mas, no fim, Evil Morty ressurge — ele apareceu inicialmente na 1ª temporada —, e dá um fôlego ao último capítulo, encerrando com um gancho para o próximo ano e mantendo em aberto seu desfecho. 

De maneira geral, o quinto ano de Rick & Morty ainda é viciante e atraente, muito embora aguardar tanto tempo para o lançamento de episódios finais não parece ser uma boa ideia. Depois da transmissão do oitavo, a plataforma anunciou que o fim seria lançado um mês depois, e alguns sites divulgaram que o seriado traria um episódio especial de uma hora — inclusive, para promover esse suposto episódio especial, foram disponibilizados dois comerciais live-action, com os atores Christopher Lloyd e Jaeden Martell fazendo referências ao episódio Pickle Rick, um dos melhores avaliados na história da animação. Porém, quando o estimado dia 5 de setembro chegou, recebemos dois episódios tradicionais de 22 minutos, cujo único diferencial em relação aos anteriores foi a disponibilização conjunta. Talvez devido às altas expectativas, os episódios não entregaram totalmente o que os telespectadores esperavam. Seguimos sem fazer ideia do que está acontecendo. – Bruno Andrade

Bata Na Minha Porta (Sen Çal Kapımı, 2° temporada, Fox Turkey)

É com muita tristeza que anuncio: Sen Çal Kapımı acabou. A dizi que para sempre modelou a história das produções turcas, bateu todos os recordes possíveis e até juntou um lindo casal na vida real, teve seu tão esperado final feliz. O sentimento que fica é de saudade, tristeza e muita gratidão.

O começo da segunda temporada surpreendeu. Depois de todo o romance inicial, Eda e Serkan estavam… separados há quase 5 anos e com uma filha? Isso mesmo. Ninguém entendeu nada. Mas tudo bem, porque se fizesse sentido, não era SÇK. O que importa é que a história de EdSer continou linda e mais divertida do que nunca.

Foram novos cenários, novos personagens e novos romances. Muita novidade, mas embrulhada em um jeitinho ainda assim bem familiar. Acontece que a querida Ayşe Üner Kutlu, responsáveis pelos bölüms iniciais da série, voltou nessa reta final para entregar o desfecho de seu casal. E que desfecho lindo, viu? Eda Yildiz e Serkan Bolat podem ter ido embora, mas depois de baterem em nossas portas, viverão para sempre em nossos corações. İyi Ki, Sen Çal Kapımı. – Mariana Chagas

Q-Force (1ª temporada, Netflix)

Apesar  de nós estarmos no século XXI e a comunidade LGBTQIA+ já ter alcançado diversas conquistas, a representatividade dessa minoria ainda é muito escassa. Nessa realidade, surge Q-Force, uma série de animação da Netflix que coloca pessoas queer como protagonistas. Outros desenhos, como Super Drags e Drag Tots, já haviam abordado a pauta LGBTQIA+ de forma lúdica, no entanto a história do agente secreto gay traz essa temática de outra forma, colocando a comunidade em um lugar normalmente ocupada por pessoas heterossexuais e, ainda, satiriza o preconceito infundado com a capacidade dessa minoria de exercer atividades radicais.

Com uma trama singular para os padrões, Q-Force se inicia em 2011, ano em que Barack Obama revogou a política  “Don’t ask, don’t tell”, que proibia homens LGBT de participarem das forças armadas. Após ser boicotado por sua sexualidade, o agente Steve Maryweather (Sean Hayes) passa dez anos afastado do cargo, até ser recrutado, junto com sua equipe, para uma missão. Com um roteiro repleto de referências ao universo queer, a série começa lenta e vai se aprimorando conforme a história se aprofunda na personalidade do grupo de espiões. Mas apesar disso, alguns personagens foram tratados de forma superficial, como Twink (Matt Rogers), que tinha uma relação traumática com o pai, e Stat (Patti Harrison), que ficou esquecida em boa parte da trama.

Além disso, Q-Force peca ao ressaltar diversas vezes estereótipos da comunidade, sendo uma série desconstruída sem nunca ter se desconstruído realmente. Outro ponto negativo é o foco principal em pessoas gays e lésbicas, deixando de lado a representatividade trans, não-binária, entre outras. Mas apesar dessas limitações, a existência de produtos audiovisuais que coloque esse grupo minoritário como protagonista, sem que o foco seja no romance do casal, já é uma conquista. Mesmo com alguns tropeços, o grupo de espiões conseguem entreter e espalhar cultura pop para quem assiste. – Gabriel Gatti

Missa da Meia-Noite (Midnight Mass, Minissérie, Netflix)

Do mesmo criador das Maldições da Residência Hill e da Mansão Bly, Missa da Meia-Noite é provavelmente o trabalho mais pessoal já produzido por Mike Flanagan, inundado pelas questões existenciais e o terror atmosférico que marcaram as minisséries anteriores do cineasta. A exploração de temas religiosos como redenção e culpa permeiam o universo criado na pacata Ilha Crockett, onde acontecimentos macabros e milagrosos  andam lado a lado após a chegada de um misterioso padre (Hamish Linklater).

Juntando boa parte do elenco regular utilizado pelo diretor em projetos anteriores, a minissérie de sete capítulos segura seus sustos, apostando na progressão do clima de medo e desconfiança entre os habitantes da ilha. A grande parte dos mistérios é revelada através de diálogos reflexivos e longos entre as personagens que podem se tornar cansativos, mas nunca entediantes, graças às poderosas interpretações de suas personagens, com destaque para Linklater, Kate Siegel, Rahul Kohli e Samantha Sloyan. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Lúcifer (Lucifer, 6ª temporada, Netflix)

Lúcifer chegou ao final completamente desgastado depois de ser arrastado pela segunda parte da 5ª temporada. Para o seu desfecho, a trama continuou patinando na inserção de novos elementos e personagens desnecessários, mas conseguiu compor episódios dolorosos e lindos – e em parte, injustos. Todos torcemos pelo protagonista de Tom Ellis durante os últimos 5 anos, e depois de tanto criar pano para manga, a série conseguiu um desenvolvimento brilhante para ele e Maze (Lesley-Ann Brandt). E tudo isso só poderia ser feito se Lúcifer terminasse no mesmo lugar onde começou: no Inferno.

A 6ª temporada é uma verdadeira montanha-russa. Entre episódios impecáveis, como o protagonizado por Amenadiel (D. B. Woodside) encarando o racismo policial ou assistir Chloe (Lauren German) e Lúcifer presos em um desenho animado, e a trama bagunçada – que trouxe do futuro a filha do casal, o final da série mexe com o coração ao traçar os caminhos de personagens tão queridos. A detetive é um ponto fraquíssimo do começo ao fim, sem nunca ter se desenvolvido – literalmente em nenhum momento da série-, mas muito pelo contrário, Dan (Kevin Alejandro) teve um final digno ao se despedir de Trixie (Scarlett Estevez), e a menina apareceu menos ainda na última temporada. 

No enredo, a finalização foi bem amarrada como um todo, mesmo ao ver o protagonista sem seu final feliz, pagando um preço que deixa uma sensação horrorosa de injustiça na boca do estômago. Longe da filha e de Chloe, Lúcifer termina sua série no Inferno com seu trabalho ressignificado, agora como terapeuta das almas perdidas. O debate que a série plantou na sociedade sobre o dualismo bem versus mal perdurará, tanto quanto a personalidade sagaz e alegre de uma figura tão complexa emocionalmente quanto o diabo. Mas mais triste que tudo isso, só o penúltimo episódio da temporada, criado exclusivamente para dar o gosto de se despedir de um elenco tão rico. – Nathália Mendes

Nove Desconhecidos (Nine Perfect Strangers, Minissérie, Hulu/Amazon Prime Video)

De meses em meses, Nicole Kidman se apresenta numa nova personagem pronta para ter todos os olhares sobre ela. Em Nove Desconhecidos, ela é uma protagonista de luxo, pouco explorada até quase a reta final, mas, com uma mística envolvente que nos faz querer mais da minissérie. Nine Perfect Strangers, produção da Hulu que teve disponibilização no Brasil pelo Prime Video, é baseada no livro homônimo de Liane Moriarty, a mesma escritora de Big Little Lies. A trama se passa num acampamento isolado que promete transformar a vida dos escolhidos a dedo por Masha (Nicole Kidman).

Os nove personagens que vão para o retiro estão enfrentando alguma tragédia pessoal e em cada episódios é revelado o passado dessas pessoas e as motivações que as fizeram procurar por Masha. Em paralelo, sabemos apenas que a personagem de Kidman é motivada pelo luto. O cenário de Nine Perfect Strangers é um espaço de natureza e paz. Toda a calmaria das cenas faz contraponto com a confusão interna que seus personagens vivem, aumentando o misticismo envolvente da série. O roteiro foca na individualidade das nove pessoas, mas, sem esquecer que elas também precisam funcionar em conjunto é a base mais sólida para motivar o espectador a continuar acompanhando e desejando saber mais semana após semana. – Ana Júlia Trevisan

Monstros no Trabalho (Monsters at Work, 1ª temporadas, Disney+)

O trabalho no ramo de geração de energia para a cidade de Monstrópolis sempre foi considerado muito perigoso e importante pelos moradores da cidade. Mas essa realidade mudou depois que Mike (Billy Crystal) e Sully (John Goodman) conviveram com uma criança humana, Boo. No fim da história de Monstros S.A., a fábrica quase se fecha após a Agência de Detecção de Crianças (CDA) descobrir a maracutaia planejada pelo então CEO, Waternoose. Após a polêmica, os amigos Mike e Sully assumem o comando do ramo de energia, transformando o ambiente de trabalho em uma fábrica de risadas. Esse é o ponto de partida para a série do Disney+, Monstros no Trabalho, que retrata os desafios dessa transformação.

Dessa vez, o foco da história é em Tylor Tuskmon (Ben Feldman), um ex-aluno notável da Universidade Monstros que recebeu um convite para trabalhar na fábrica de sustos, mas ao se apresentar para o novo emprego descobre que a realidade agora é outra. Assim como o novo protagonista, a história da série também passou por dificuldades para engatar. Com os personagens já conhecidos tornando-se secundários e novos, que assumiram o papel principal na trama, sendo pouco carismáticos, a narrativa não foi tão envolvente quanto aos longas, restando apenas a nostalgia para envolver quem assistia.

Outro ponto negativo em Monstros no Trabalho foi a qualidade de renderização da imagem muito inferior à dos filmes. Desse modo, a série segue por um roteiro clichê e maçante, só restando se prender à nostalgia em que os roteiristas se prenderam com unhas e dentes. Dentro dessa narrativa massante faltou carisma dos novos personagens e protagonismo dos queridos Mike e Sully, que ficaram de escanteio dessa vez. – Gabriel Gatti

La Casa de Papel (Volume 1 de Parte 5, Netflix)

Neste mês, a Netflix lançou a primeira parte da temporada final de La Casa de Papel. Na última vez que vimos os assaltantes, a inspetora Alicia Sierra (Najwa Nimri) tinha achado o esconderijo do Professor (Álvaro Morte), e Lisboa (Itziar Ituño) tinha se reencontrado com o resto do grupo dentro do Banco da Espanha. E agora, os assaltantes precisam, mais uma vez, lidar com imprevistos e seguir o plano arquitetado pelo seu mestre, que luta pela sua sobrevivência. 

A quinta parte do show continua fazendo o que sempre fez de melhor, inicia resolvendo conflitos e termina deixando gosto de quero mais. Mas, caminhando para o fim, vemos que a série usa do afeto do espectador pelos personagens e os laços criados por eles, explorando novas informações sobre o passado dos ladrões para nos deixar ainda mais envolvidos, realmente se apropriando da ideia das emoções, sem deixar a ação de lado. Apesar de um pouco repetitiva, o rumo da série não perde sentido ao caminhar para o fim e o destino incerto dos personagens ainda nos faz querer acompanhar cada segundo. – Marcela Zogheib

Brooklyn Nine-Nine (8ª temporada, NBC)

Brooklyn Nine-Nine acabou. É triste, mas é verdade. Depois de assistir aos Estados Unidos marcharem contra a violência policial em decorrência do assassinato de George Floyd, o time de roteiristas de B99 se viu na posição de reformular seu ano final e adereçar esses temas, desde a corrupção dos agentes da lei até o racismo, que mata pessoas negras diariamente. Já na primeira cena da oitava temporada, a turma de Peralta e cia se debruçam sobre os protestos do Black Lives Matter e a questão da pandemia.

Não há medo ou receio de tomar drásticas decisões com os personagens, e a saída da Rosa (Stephanie Beatriz) da NYPD faz completo sentido dentro da cabeça e das ações da personagem que acompanhamos por tantos anos. A exibição dessa temporada, com apenas 10 episódios, foi dividida em cinco quintas-feiras, com 2 capítulos transmitidos juntos. A manobra pareceu respeitar o amor dos fãs, mas, em instância maior, reconhecer que uma comédia sobre policiais americanos nesse momentos da História é algo que não deve continuar no ar.

Jake Peralta (Andy Samberg) continua sendo o farol de luz do show e seu amadurecimento como pai, ao lado de Amy (Melissa Fumero) é um dos desfechos mais doces do ano oito. Charles Boyle (Joe Lo Truglio) passa por revelações inacreditáveis, Terry Jeffords (Terry Crews) atua no reforço, assim como Scully (Joel McKinnon Miller), que passa boa parte dos episódios longe de sua alma gêmea Hitchcock (Dirk Blocker). O Capitão Raymond Holt (Andre Braugher) nunca perde a postura, mas encanta como sempre. A nada piegas series finale, que conta com a presença especial da esposa de Samberg na vida real, encontra (amém) espaço para uma singela volta da melhor personagem da série: Gina Linetti (Chelsea Peretti). Deixando saudade, Brooklyn Nine-Nine se despede com respeito e um legado e tanto. – Vitor Evangelista

Sangue e Água (Blood & Water, 2ª temporada, Netflix)

Depois de uma primeira temporada de sucesso, Sangue e Água desceu rolando as escadas da Netflix na segunda vez. A série continua adentrando assuntos urgentes e delicados, gritando ao mundo que vire seus olhos para a sociedade sul-africana, mas o assunto é sério demais para ser colocado nas mãos dos adolescentes da trama. Em um punhado de descobertas nada reveladoras, a série andou numa corda bamba durante a segunda temporada, segurada pelas duas ingênuas protagonistas Puleng (Ama Qamata) e Fikile (Khosi Ngema) – que só agora descobriram que são irmãs -, enquanto os jacarés esperavam lá embaixo.

Puleng não assistiu Pretty Little Liars e por isso não tem o mínimo de bom senso enquanto investiga entre pessoas perigosas o sequestro de sua irmã mais velha quando bebê. Seus erros de principiante, como invadir um escritório de advocacia ignorando as câmeras de segurança, por exemplo, fazem parte do mal desempenho da nova temporada. Além disso, assistir um romance adolescente na África do Sul é satisfatório pela novidade de ver um cenário incomum e uma escola onde os brancos é que são os estranhos, mas o enredo tende cada vez mais para uma versão rentável africana de Elite do que fiel aos temas delicados que aborda, como o tráfico de pessoas. E com até o dramalhão se tornando meia boca, só dá para esperar que Sangue e Água se salve em meio ao mistério. – Nathália Mendes

Star Wars: Visions (1ª temporada, Disney+)

Star Wars: A Ascensão Skywalker causou grande revolta entre os fãs da franquia ao entregar uma conclusão péssima para a trilogia que começou com O Despertar da Força. Depois disso, a Disney tentou se redimir com aqueles que adoram o universo criado por George Lucas na década de 1970. Com Star Wars: Visions, é seguro dizer que ela conseguiu. 

A série animada possui formato antológico, onde, em cada episódio, um estúdio de anime diferente conta uma história dentro do universo da franquia, sem se preocupar em seguir cronologias estabelecidas. É nessa liberdade para criar, com estilos de animação diferentes, que a série brilha. 

Apesar de ser focada mais nos jedi, cada um dos episódios fascinam por trazerem elementos novos àquele mundo que parecia uma grande “zona de conforto” para os fãs. Os diferentes pontos de vista nos fazem relembrar da riqueza daquele mundo e do porquê somos apaixonados pela saga. Para quem estava desacreditado, a série mostra que existem caminhos maravilhosos a serem tomados depois do fim da saga Skywalker. – Caio Machado

Controlling Britney Spears (The New York Times Presents, FX on Hulu)

A vida de uma celebridade de Hollywood parece glamurosa em frente às câmeras, mas a realidade desses artistas nem sempre reflete essa impressão, como no caso de Britney Spears. A cantora passou 13 anos sob tutela de seu pai, Jamie Spears, até que surgisse uma legião de fãs e militantes apoiando a liberdade da princesa do pop. Desse modo, surgiu a #FreeBritney que levou a produção do especial Framing Britney Spears. Com o recente abandono da tutela da cantora, houve a produção da parte dois do documentário, chamado de Controlling Britney Spears, que traz um lado mais tóxico dos anos em que a cantora passou sendo supervisionada pelo pai.

O documentário, produzido pelo The New York Times em parceria com o Hulu e o FX, permitiu ao público uma percepção mais intimista da vida que Britney Spears levava sob tutela. A cantora era monitorada a todo momento, sem liberdade para as coisas simples do dia a dia. Além disso, como já abordado em Framing Britney Spears, praticamente todo o dinheiro conquistado pela artista era administrado pelo pai. O longa ainda conta com depoimentos de pessoas que vivem dentro do cerco da cantora, que relataram os maus tratos em que Jamie Spears submetia a própria filha.

Todas essas revelações conturbadas expostas nos documentários repercutiram por todo o mundo. Depois de todo esse processo, Jamie Spears desistiu da tutela e foi substituído pelo contador John Zabel. Britney Spears ainda não leva uma vida totalmente livre de tutores, mas mesmo assim, a luta na justiça, potencializada por fãs e militantes, trouxeram os holofotes para a exploração a que a cantora era submetida. – Gabriel Gatti

Reservation Dogs (1ª temporada, FX)

Taika Waititi não cansa de adicionar títulos fascinantes na sua carreira – e não, dessa vez eu não estou falando do hit absurdo que a série What We Do In The Shadows se tornou. Escrita ao lado de Sterlin Harjo, Reservation Dogs é de longe uma das peças mais bem esculpidas do ano, abusando da dramédia e levando às telas um elenco de peso quase inteiramente indígena.

Os quatro Cães de Aluguel de Waititi, interpretados pelos jovens Paulina Alexis, D’Pharaoh Woon-A-Tai, Devery Jacobs e Lane Factor, moram em uma reserva indígena em Oklahoma, mas sonham em se mudar para Califórnia. Dando um toque especial no desenvolvimento do grupo de protagonistas, mas sem deixar de lado a riqueza de histórias dos coadjuvantes, Waititi e Harjo, ambos também nativos, criam uma narrativa excepcional sobre a universalidade da adolescência com a particularidade dos nativo-americanos.

Já renovada para uma 2ª temporada, Reservation Dogs é um afronte a baixa representatividade de histórias feitas por indígenas na frente e atrás das câmeras. É uma narrativa sutil acerca da depressão, do suícidio, do racismo e de como é quase insuportável ser um adolescente. F*ckin’ Rez Dogs. – Caroline Campos

As 24 Personalidades de Billy Milligan (Monsters Inside: The 24 Faces of Billy Milligan, Minissérie, Netflix)

Não suficiente para Billy Milligan ser inocentado pelos crimes que cometeu e ganhar um longa com James McAvoy protagonizando o personagem inspirado nele, foi necessário uma minissérie para contar sua história. Lançada pela Netflix, As 24 Personalidades de Billy Milligan é uma síntese do caos que o homem causou nos Estados Unidos desde o final dos anos 70 até sua morte em 2014. Ele foi comprovadamente identificado como o estuprador de – no mínimo – 3 mulheres, mas recebeu o diagnóstico de transtorno dissociativo de identidade na época, e rapidamente se transformou em uma celebridade. O documentário deixa dúvidas sobre a veracidade da doença e termina da mesma forma que a vida de Milligan: entediante. 

A primeira vista, a minissérie arrepia. Billy aparece “trocando” de personalidade em diversas fitas gravadas logo que foi preso, e com uma história de abuso infantil tudo parece corroborar com sua mente ter fragmentado. Mas isso só dura até ele se transformar em uma celebridade americana, e pular entre diversas clínicas psiquiátricas, sempre ganhando mais privilégios. O que antes era absolutamente convincente aos poucos se torna revoltante. Mais e mais médicos contam versões diferentes, e as 7 personalidades de Billy identificadas primeiro de repente se transformam em 24 – logo que um jornalista surge para escrever um livro de sua história. E daí para o fim, é só ladeira abaixo.

Mas deveria o homem Billy pagar pelos crimes que uma pessoa completamente diferente cometeu através de seu corpo, mesmo que ele não se lembre? É uma das discussões emblemáticas que dão nós na cabeça fomentadas após esse caso. No entanto, uma pergunta mais importante é se teriam todos os membros da sociedade esquecido das mulheres vítimas de Milligan – enquanto ele ganhou minissérie. A resposta é definitivamente sim – pois, como sempre, só é interessante falar da mulher quando ela pode ser culpabilizada pela violência que sofreu. – Nathália Mendes

Chico & Caetano (1ª temporada, Globoplay)

Talvez esses sejam os dois maiores nomes da Música Popular Brasileira. Perseguidos pela censura e referenciados pelo público, Chico Buarque e Caetano Veloso são donos de ricas discografias que tocam em clamor pelos direitos civis. Os dois ícones são anfitriões da série exibida pela primeira vez em 1986, e que chegou agora ao Globoplay para celebrar os 35 anos de sua primeira exibição. Contraste entre a desinibição de Caetano e a timidez de Chico dão o tom descontraído da série de 9 episódios que contou com grandes nomes da MPB.

O musical é uma grande reunião do que a Música brasileira tem de melhor. Rita Lee, Cazuza, Elza Soares, Luiz Caldas, Maria Bethânia, Ney Matogrosso, esse é apenas o começo da lista de participações em Chico & Caetano. A única que ocorreu fora do formato tradicional da gravação ao vivo, foi a participação de Tim Maia. O cantor que havia ensaiado no dia anterior não compareceu na gravação, assim, foram usadas cenas do ensaio para cobrir a falta. Gravado no palco do Teatro Fênix no Rio de Janeiro, Chico & Caetano é uma preciosidade cultural. – Ana Júlia Trevisan

Mandou Bem (Nailed It!, 6ª temporada, Netflix)

Se há alguma série injustiçada pelo Emmy que ainda não levou um troféu, essa série é Mandou Bem e sua apresentadora Nicole Byer, a primeira mulher negra na História a ser nomeada para a categoria de Melhor Apresentador de Reality ou Competição. Caso você nunca tenha assistido essa competição (ou desastre) de confeitaria, sua missão é devorar todas as edições disponíveis na Netflix neste exato momento. Em sua 6ª temporada, a série segue firme no seu estilo simples: fazer pessoas normais prepararem doces mirabolantes impossíveis de serem produzidos por meros mortais, sentar e assistir tudo dando tremendamente errado.

Para a nova temporada, a produção trouxe temas mais simbólicos para os desafios, como o quarto episódio para confeitar mulheres negras da História, sem perder a chance de fazer do querido Mr. Chocolate, o confeiteiro francês Jacques Torres, um meme, e colocando seu feriado favorito como o Dia da Bastilha no penúltimo episódio. O desempenho dos participantes – como sempre – é pavoroso, ficando ainda mais hilários com os comentários de Nicole. Mas não só da má confeitaria vive Mandou Bem. A personalidade de competidores como Alpin Hong, que participa do episódio C’est Jacques!, combina perfeitamente com o astral da série, além de ele ser apaixonado pelo francês – todos nós não somos? Assim, somos lembrados de que eles são gente como a gente, e o que é mais importante na série: se divertindo em tentar ser o menos pior. – Nathália Mendes

Ghosts (3ª temporada, BBC One) 

Os fantasminhas camaradas mais amados da televisão britânica estão de volta. A série da BBC One honra sua comédia fantasmagórica mais uma vez, com seis novos episódios no melhor humor inglês possível, tramas absurdas e personagens de carisma ectoplasmático maior que muitos vivos por aí. 

A dinâmica de Alison e Mike combinada com Kitty, Thomas, Julian, Lady Button, Pat, Robin, Sir Humphrey Bone, Captain e Mary ganha novas camadas no terceiro ano da produção. A mansão Button também se expande como uma personagem, com as trapalhadas e momentos de dramédia ocupando seus tantos cômodos. Aprendemos mais sobre os rostos e almas da mitologia da série, e somos introduzidos a uma misteriosa mulher, que se diz ser uma irmã perdida de Alison. 

Ghosts parece incansável em suas possibilidades de fazer rir, e nunca precisa apelar para o que estamos cansados de ver; até mesmo os clichês são reinterpretados e nos entregam o efeito do refrescante. Se você quer uma nova sitcom para chamar de sua e invadir sua vida, essa pode ser a surpresa inesperada, viciante e apaixonante que você tanto procura. – Jho Brunhara

Drag Race Holland (2ª temporada, Videoland)

Ao passo que a franquia Drag Race se expande e novas temporadas surgem para além dos Estados Unidos, o alicerce do show se solidifica como um evento cultural e estratosférico. A segunda corrida holandesa corrige os erros do ano inicial, e agora sabe muito bem o que quer dizer e como dizê-lo. Com dez competidoras, o reality foi recheado de bate-boca, briga e muito talento servido na passarela.

Passando por falcatruas das protegidas do apresentador Fred (como The Countess poupada pelo histórico e Vivaldi salva depois de quebrar as regras), o elenco elevou o nível do ano passado. Tabitha se mostrou um poço de carisma e fez valer o título de Miss Simpatia, enquanto Keta Minaj foi assaltada na semifinal e ouviu seu Sashay Away para que, na hora do vamos ver, Vanessa van Cartier pudesse vencer sem ressalvas.

Segunda mulher trans coroada em Drag Race no mês de setembro (depois de Kylie Sonique Love no All Stars 6), Vanessa é um ícone de amor e afeto, além de colocar em discussões assuntos nunca antes iluminados na franquia. O Lip Sync derradeiro, contra uma formidável mas deslocada My Little Puny, deu a Vanessa o ouro olímpico e a chance de se celebrar como nasceu para ser. Bom trabalho, Drag Race Holland, nos vemos em 2022. – Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Setembro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Tranquilo como um vulcão, setembro chegou com um restinho de inverno que mais parecia uma sauna ao ar livre. Com temperaturas elevadas, o fim da estação tipicamente fria logo deu lugar à elegância da primavera – e nos fez lembrar de que, infelizmente, nem tudo são flores na vida. Entre erupções vulcânicas e medo de tsunamis, talvez nada tenha assustado tanto os brasileiros quanto os atos antidemocráticos que escancararam a fragilidade de nossa recente democracia. Mantendo-se firme ao lado da Cultura, e não permitindo que esses absurdos sejam esquecidos, o Persona respeitosamente introduz a nona edição do Nota Musical.      

Se, no fim de agosto, Kanye West bateu recordes na Apple Music com o álbum Donda, é verdade que ele também viu essa conquista durar pouco. Com Certified Lover Boy, lançado no comecinho de setembro, Drake assumiu a posição de seu rival, garantindo o posto de álbum mais ouvido na plataforma nas primeiras 24h em 2021. Apesar dos números elevados, esse projeto se mostrou ambicioso demais, e embora alcance seus pontos altos, é um disco que peca pelo excesso de ideias. De qualquer forma, nada deslegitima o sucesso do trabalho imersivo – e cheio das dores – de Drake.  

Mergulhando igualmente em si mesma, Liniker lançou o primeiro álbum solo da carreira. Repleto de referências musicais, Indigo Borboleta Anil é um bom primeiro passo para a nova etapa da cantora, que obteve inclusive o reconhecimento de verdadeiras lendas nacionais, como Milton Nascimento. E se estamos falando de trabalhos bem sucedidos ao se assumirem pessoais, não podemos deixar de mencionar o disco Dai a Cesar o que é de Cesar. Abordando do racismo à religião, o primeiro álbum de Cesar Mc é, com certeza, uma estreia muito notável para o rap nacional.

Ainda em solos brasileiros, Gaby Amarantos fica responsável por um dos melhores álbuns nacionais do ano. Com parcerias invejáveis, como Elza Soares, Alcione e Ney Matogrosso, Purakê extrapola o tecnobrega ao reunir novos sons da Região Norte do Brasil. Enquanto isso, no Nordeste, observamos diariamente uma das maiores polarizações da atualidade: com incontáveis fãs e haters na internet, Juliette entrega doçura, leveza e origem paraibana em seu primeiro EP, mostrando que, fora do BBB, ela pode viralizar com uma inusitada relação entre preconceito e farinha. Já Luana Flores, também da Paraíba, funde tradição e inovação em Nordeste Futurista, um excelente Extended Play de estreia.

Misturas sonoras e experimentalismos, aliás, estão por toda parte. Em The Dune Sketchbook, por exemplo, Hans Zimmer aprofunda os trabalhos musicais desenvolvidos para a nova adaptação cinematográfica de Duna, chegando a criar inclusive uma espécie de som de outra galáxia. Ao mesmo tempo, Lady Gaga torna o universo de Chromatica irregular, sem deixar, contudo, de executar, ao lado de BloodPop, uma curadoria diversificada e rica para Dawn of Chromatica. O álbum de remixes tem, por sinal, um de seus auges em Fun Tonight, colaboração com a nossa Pabllo Vittar.

Mas a Mother Monster não foi a única a realizar grandes curadorias no mês. Comemorando os 30 anos de The Black Album, a banda Metallica lançou o disco The Metallica Black List, marcado por números colossais e diversas releituras das faixas do clássico, em uma reunião de artistas e bandas para todos os gostos. Embora seja um pouco inusitado, um desses nomes é J Balvin, que também se destacou em setembro ao lançar José, o sétimo álbum de estúdio da carreira. Com mais de 20 participações especiais, o CD de tom intimista do embaixador global do reggaeton conquistou um bom desempenho no agregador de notas Metacritic, além de razoáveis reproduções no Spotify.   

Falando em rankings, quem também se sobressaiu no mês foi a rapper LISA. Depois de 5 anos em cena com o grupo BLACKPINK, ela finalmente estreou sua carreira solo com o single LALISA. Faixa-título do álbum ainda inédito, a canção alcançou o surpreendente segundo lugar na Billboard Global 200. E entre hits e polêmicas, não podemos esquecer que Lil Nas X deu à luz o tão aguardado MONTERO. Colaborando com grandes nomes da Música, como Elton John, Kanye West e Miley Cyrus, o atual ícone da comunidade LGBTQIA+, e promessa para o futuro do rap, se mostrou bem eclético em seu disco de estreia. 

Nessa importante valorização da diversidade, Phoebe Bridgers e a banda MUNA vivem um romance queer em Silk Chiffon. O single ganhou um videoclipe baseado no filme Nunca Fui Santa, de 1999, demonstrando que os anos 90 ainda estão em alta. Prova disso é também The 90s, de FINNEAS, canção que fará parte do álbum de estreia Optimist. Nela, o irmão de Billie Eilish canta as saudades de um mundo sem internet e com esperança no futuro, retrato explícito desse tempo passado.

Além disso, quase na mesma atmosfera, Radiohead transporta todo mundo para os anos 2000 com If You Say the Word, primeira música inédita do vindouro CD KID A MNESIA, edição especial que comemora os aniversários de duas obras clássicas da banda. Mas as novidades para os fãs de rock não param por aí. Oasis atacou em dose dupla, dando pistas do futuro álbum ao vivo Oasis Knebworth 1996 ao lançar os registros das canções Live Forever e Champagne Supernova, ambos presentes no disco. No entanto, como todo gênero musical, algumas decepções foram inevitáveis, e a culpa agora é da banda norte-americana Imagine Dragons. Em Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra dividida em dois álbuns, o que encontramos é um trabalho sem coesão, confuso e diferente dos discos anteriores. 

Mas para quem gosta dessas viagens ao passado, ouvir as novidades dos veteranos talvez seja uma boa escolha. Sendo assim, depois da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, com o single Love For Sale, um dos maiores destaques de setembro é com certeza a volta do ABBA. Após 40 anos ausente, o grupo pop sueco retorna com as canções I Still Have Faith In You e Don’t Shut Me Down, anunciando um álbum novo e um show especial. Não bastasse tamanha alegria, aqui no Brasil, Caetano Veloso chega com Anjos Tronchos, primeiro gostinho de um disco de composições inéditas – o ainda aguardado Meu Coco – desde 2012.

Além desses retornos, uma junção inesperada de nomes grandiosos da Música brasileira foi uma das belas surpresas do mês. Edi Rock, Ney Matogrosso e Linn da Quebrada regravaram o clássico Nada Será Como Antes para a trilha sonora da nova temporada de Segunda Chamada, e o resultado desse encontro está bem interessante. Ainda para as telinhas, St. Vincent presenteia o mundo com três canções originais, dentre outras faixas, na trilha sonora de The Nowhere Inn. Cynthia Erivo, por sua vez, lança Ch. 1 Vs. 1, seu primeiro disco completamente autoral, que transita entre pop, soul, R&B e gospel – e reforça o lado cantora da artista indicada a Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme no Emmy 2021. 

Na mesma linha, o astro de Teen Wolf Tyler Posey estreia como artista solo no EP Drugs, trabalho no qual narra o uso exagerado e sua consequente luta contra as drogas. Já Alexa Demie, famosa por seu papel em Euphoria, dá seus primeiros passos no mundo da Música com o single Leopard Limo. E avançando no processo de recuperação de seus direitos autorais, Taylor Swift lança oficialmente a nova versão de Wildest Dreams, hit do álbum 1989, de 2014, que já tinha aparecido na trilha do filme Spirit: O Indomável. Igualmente no universo audiovisual, mas agora nos games, mxmtoon lança true colors, obra que faz parte da trilha sonora do jogo Life is Strange, e é formada por dois covers e duas composições originais.

Sendo a vida estranha ou não, é bom poder aproveitá-la. E Alicia Keys faz isso muito bem em LALA, sua parceria com Swae Lee. Criando um clipe luxuoso para o single, a cantora esbanja alegria em uma festa invejável. Algumas celebrações, no entanto, são um pouco macabras. É o caso de Charli XCX, que dança no funeral do próprio namorado no vídeo de Good Ones, música que narra o processo de acostumar-se com relacionamentos ruins. E falando em dança, é impossível não mencionar a nova canção de Glass Animal. Em I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance), a banda britânica não só aparece nas paradas da Billboard, como também cria uma atmosfera totalmente dançante, psicodélica e elétrica.       

Numa onda de tantos festejos, os detalhes mais sutis da vida também garantem seus espaços especiais. Em Te Ao Mārama, Lorde dá continuidade à fase mais iluminada de sua carreira, regravando algumas faixas de Solar Power em Maori, a língua nativa da Nova Zelândia – país onde a cantora nasceu e cresceu. Já Lana Del Rey se afasta das redes sociais para focar na Música, mas não sem antes deixar um presentinho para os fãs: Arcadia, single presente no ainda tão aguardado álbum Blue Bannisters, ganhou um clipe dirigido pela própria artista. E em Angel Baby, sua mais recente balada, Troye Sivan tem o coração completamente tomado por uma paixão avassaladora.    

Infelizmente, os amores estonteantes nem sempre são eternos ou duradouros. E Kacey Musgraves sabe bem disso. Após o sucesso e aclamação de Golden Hour, a cantora norte-americana vencedora do Grammy retorna com star-crossed, seu quarto álbum de estúdio. Influenciado pelo divórcio entre a artista e o músico Ruston Kelly, o trabalho foi até mesmo descrito como “uma tragédia moderna em três atos”. Aliás, nesse clima de traumas e outros elementos extremamente particulares, a rapper Little Simz se destaca ao lançar o disco Sometimes I Might Be Introvert, trabalho que pode vir a ser classificado como um dos melhores CDs do mês, ou até mesmo do ano.             

Se algumas pessoas têm sorte disco após disco, outras não são tão queridas pelo destino. Ao lançar gg bb xx, o quarto álbum de estúdio da banda, LANY cai numa criação genérica e repetitiva, entregando uma obra um pouco frustrante. Ao mesmo tempo, alguns trabalhos, antes de serem bons ou ruins, são apenas totalmente inesperados. Foi o que aconteceu com o EP YELLOW TAPE, de ZAYN. Lançado sem qualquer aviso, e fora das plataformas oficiais de streaming, as três novas músicas do ex-One Direction mergulham no rap, entregando letras profundas, marcadas por indiretas e algumas questões particulares.

Aliás, lançamento inusitado foi o que não faltou no mês. Entre o EP Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) – homenagem ao linguista norte-americano Noam Chomsky – e a aparição da mãe de Beyoncé no clipe do primeiro single solo oficial de Chlöe, Have Mercy, o maior destaque dentre as surpresas de setembro pode ter sido facilmente Life of the Party, colaboração entre Kanye West e Andre 3000. Se essa faixa foi um dos descartes do álbum Donda, Drake achou uma boa ideia vazá-la em um programa de rádio. Aumentando a rivalidade entre os rappers, Kanye West logo deu sua resposta, compartilhando publicamente o endereço de Drake.   

Mas os ecos do famigerado álbum lançado no fim de agosto não param por aí. Baby Keem, que também fez parte do disco, agora reúne seu primo Kendrick Lamar e Travis Scott no álbum The Melodic Blue. Apesar de novato, os passos de Keem têm se mostrado tão dignos quanto os de muitos veteranos. E por falar em veteranos, aqui no Brasil, Manu Gavassi inova em sub.ver.si.va – segundo single de seu quarto álbum de estúdio, previsto para sair em novembro – ao gravar, para essa música, um clipe somente em filme, sem versões digitais. 

Já Anitta se tornou a primeira artista brasileira a se apresentar no VMA. Com uma performance simples e breve, marcada por uma parceria com o Burger King e muito playback, a nossa girl from Rio teve seus merecidos momentos de brilho. E embora tenha começado há menos tempo, Pabllo Vittar arrasou no clipe de Bang Bang. Homenageando a artista Mylla Karvalho, a drag queen mais popular do mundo entregou muita coreografia no vídeo dirigido por Vinícius Cardoso – e o mais recente foco dentro de seu último álbum, Batidão Tropical.  

Fazendo uma cobertura cautelosa e bastante ampla do que rolou no mundo da Música no nono mês de 2021, o Nota Musical reúne os melhores e piores lançamentos musicais de Setembro. Compromissados com a valorização da Arte e de informações e dados de qualidade, a Editoria e os Colaboradores do Persona tentam trazer um pouco de respiro a quem (sobre)vive no Brasil de 2021, já que falar de Cultura nesta terra devastada é, ao mesmo tempo, luta e resistência.

CDs

Kacey Musgraves – star-crossed

O casamento de Kacey Musgraves com o artista country Ruston Kelly rendeu bons frutos musicais no passado. Afinal, toda a concepção do premiado Golden Hour se presta ao papel de reviver boas memórias e chorar de felicidade frente a esse encontro tão divino quanto o amor. Em canções como Space Cowboy e Happy & Sad, a cantora evoca tons melancólicos, mas extremamente doces, para se debruçar sobre a forma mais pura do romanticismo. Agora, alguns anos e um Grammy de Álbum do Ano depois, Musgraves retorna com star-crossed, seu disco de divórcio.

A capa nada inspirada esconde o potencial melodramático do CD, que embora não alcance os picos de qualidade da hora dourada, ainda se mantém como uma forte e potente adição à discografia da artista, que canta um country pop arrependido e flerta com a ideia de superação e raiva. Acompanhado de um longa-metragem temático, star-crossed despe Kacey Musgraves de uma porção de concepções que a vida de casada e de esposa colocaram sobre ela, que escreve letras carregadas de espontaneidade e amargura.

A divisão em três atos vai de encontro à aura mais cinematográfica da produção, enquanto as canções se destacam pela produção menos harmônica. justified, um dos singles de divulgação, oferece o melhor da cantora: a visão nada bidimensional de um mundo e um coração em constante ebulição, ao passo que good wife, camera roll e if this was a movie.. mergulham no que ela viveu no matrimônio. Menos rebuscado que o esperado depois de um titã como Golden Hour, Kacey Musgraves faz de star-crossed um passo sóbrio e realista em uma carreira recheada de momentos memoráveis. – Vitor Evangelista

Lil Nas X – MONTERO

Acumulam-se as glórias de Lil Nas X em seu enfim lançado – graças a Deus – primeiro álbum de carreira. Para começar, MONTERO debutou em 2º lugar na Billboard Hot 100 e agora conta com 11 de suas 15 músicas na lista. Como se não bastasse, o rapper está com ótimas reviews no The Guardian, The New York Times e com uma nota 7.1 pela Pitchfork. Esse amontoado de conquistas não é nada por acaso: Lil Nas X é uma alma autêntica e desprendida de quaisquer amarras sociais do mundo da Música. 

É difícil formar qualquer opinião sobre MONTERO sem ter uma de suas músicas cantarolando por vontade própria dentro da cabeça. O pop-rap presente é uma união do útil ao agradável, melhorado ainda mais em melodias tão viciantes quanto THATS WHAT I WANT – clipe que inclusive conta com o ganhador do Emmy, Billy Porter. O mais interessante é que as letras de Lil Nas mostram o preço de desbravar o mundo com amor próprio e encontrar monstros por toda parte, por isso suas rimas falam sobre temas como racismo, sua sufocante autocrítica e homossexualidade. 

Além disso tudo, seu álbum é praticamente um presente de liberdade. As faixas transitam nos gêneros musicais – afinal nem há motivo para as limitações da Indústria, e há tanta profundidade em DEAD RIGHT NOW quanto há uniformes rosa pink no clipe de INDUSTRY BABY. As participações ilustram a mesma coisa: de Doja Cat a Elton John, não há restrição para compor a obra de Lil Nas X. Seu trabalho é um começo estrondoso assim como é sua forma de encarar o mundo. MONTERO é um bordado de diferenças, musicais ou não, e ainda bem. – Nathália Mendes

Liniker – Indigo Borboleta Anil

Quando o assunto é Música brasileira, uma das certezas que nos vem à mente é a de que toda espera é válida para os lançamentos da cantora Liniker. Isso se confirma em Indigo Borboleta Anil, primeiro álbum solo da artista depois da separação da banda Liniker e os Caramelows. Como aguardado, o disco que contemplamos é repleto de lirismo – e a canção Vitoriosa é um exemplo perfeito dessa entrega inventiva legítima. Já o encanto da novidade surge justamente na reelaboração e renovação dessa poesia típica. Além do mais, é inegável que a voz de Liniker abraça o coração de quem a escuta, e isso dá ainda mais forças ao novo CD.

Com 11 faixas, que transitam dos costumeiros soul e R&B a diversos outros gêneros, como samba-rock, samba-enredo, pagode, jazz e MPB, Indigo Borboleta Anil é um “álbum de afirmação que soa essencialmente autoral”, como bem afirmou o jornalista Mauro Ferreira. Ou mesmo “um disco de amor próprio, em que precisei entrar em mim e me reconectar com tudo de uma forma muito íntima. Tive que cuidar da minha criança interior e ainda estou cuidando”, conforme revelou Liniker à Folha de S.Paulo. Para um zelo tão delicado, nada melhor do que companhias especiais. A solução? Juntar-se a Milton Nascimento em Lalange, que, além de ser uma das melhores canções do CD, aborda exatamente essa tentativa de reaproximação da infância.  

Fato é que, Antes de Tudo, “eu só não posso mais me ver assim/cada vez mais distante de mim”, canta Liniker. Inegavelmente dotada de excelentes qualidades artísticas, a cantora está cansada de “ser reduzida ao fato de ser uma mulher transgênero”. E com razão, pois o valor estético de suas criações também merece o destaque que sua figura recebe. Afinal, não é qualquer um que transforma o mundo inteiro em poesia, inclusive a relação que mantemos com nossos cães – ato admirável, embora presente em uma faixa não tão grandiosa, como Clau. Em síntese, o que o novo álbum de Liniker nos mostra é que, dela, podemos esperar de tudo, mas nunca o confortável e monótono mais do mesmo. – Eduardo Rota Hilário

Certified Lover Boy chega como um álbum referencial à carreira de Drake. No texto de apresentação do disco no Apple Music, o músico escreve que se trata de “uma combinação de masculinidade tóxica e aceitação da verdade, que é, inevitavelmente, de partir o coração”. Nessa viagem de 1 hora e 26 minutos, passamos por momentos marcantes diante de um indivíduo complexo e indeciso, mas que preza pela honestidade. A capa do álbum, de autoria do artista britânico Damien Hirst, sugere um tipo de ironia que não é encontrada em nenhuma canção, e soa como uma ideia esquisita que foi levada a sério. De modo geral, o CD parece algo frustrante — em mais de um sentido. Tanto por sua estrutura confusa e embaraçada, com diversas ideias jogadas nas 21 faixas cujo motor inicial são os sentimentos de Drake, quanto pela ideia oculta do álbum, que ressoa nesses sentimentos frustrados do próprio artista. 

Em algumas canções, sentimos que estamos diante de algo excelente, ao mesmo tempo que não conseguimos dizer o que falta — esse sentimento que percorre nossos ouvidos talvez seja uma comparação natural entre outros álbuns de Drake. As músicas não são ruins, mas lembram coisas feitas de modo muito mais agradável e interessante em trabalhos anteriores do rapper. Em outros momentos, como nas faixas IMY2 (with Kid Cudi) e N 2 Deep, Certified Lover Boy soa arrastado, cansativo, muito conceitual e até mesmo sem interesse no que tem a dizer. Na primeira — e possivelmente melhor — faixa do álbum, Champagne Poetry, Drake creditou John Lennon e Paul McCartney, pois utilizou fragmentos da canção Michelle. Ao decorrer de todo o CD, o artista tem poucos momentos de brilho, e um deles é em No Friends In The Industry, onde o músico parece falar diretamente com Kanye West.

A canção Way 2 Sexy (with Future & Young Thug) — que ganhou um videoclipe tosco e sexista —, quando lançada como single, enganou muito bem. Com o lançamento da faixa e a divulgação da capa do disco, talvez uma jogada de marketing, esperamos por um disco irreverente, mas o que encontramos é Drake à beira do choro. O álbum se encerra com The Remorse, um círculo perfeito para quem iniciou essa viagem com uma voz ressoando um singelo “I love you”. Com um piano à mostra, a faixa é quase um atestado de arrependimento pela fama, uma espécie de culpa carregada em decorrência do esquecimento de suas origens, na qual o músico entoa “It’s hard when the memories start to fade away”. Em Certified Lover Boy, enxergamos Drake como alguém visivelmente machucado, que te chama para uma noite de bebedeira e conta aos poucos sobre o que incomoda. Mas, sem saber o que quer, é alguém que prefere chorar sozinho. – Bruno Andrade

Yebba – Dawn

É difícil acreditar que Yebba esteja fazendo sua estreia musical apenas agora. A artista que existe em Abbey Smith é um prodígio declarado há pelo menos cinco anos, criando seu nome na Música ao aparecer junto das assinaturas de artistas como PJ Morton (com quem ganhou um Grammy em 2019), Mark Ronson, Sam Smith e Ed Sheeran, figurando tanto na interpretação, com seu timbre muito bem referenciado pelo soul, R&B e folk, quanto nos créditos das composições, com suas letras muito bem trabalhadas pela sua profundidade emocional. 

Agora, ela lança Dawn, seu primeiro disco que engloba todas as suas experiências das andanças pela indústria nos últimos anos em combinação às suas vivências pessoais, nada levianas, diga-se de passagem. Aos 26 anos, a artista que aprendeu a cantar numa igreja pastoreada pelo pai em Memphis processa o fato de ter visto o início de sua carreira acontecer ao mesmo tempo em que viveu o suicídio da mãe, homenageada no título do disco, que além de representar o amanhecer de Yebba, carrega o nome de sua matriarca. Assim, Dawn é uma experiência profunda e perfeitamente referenciada e executada, o que, ao contrário do que pode parecer, não faz do disco algo mais ou menos digerível. 

Yebba tem sua própria essência, expressa nas referências do jazz que criam a diversão de Boomerang; no toque de gospel que aparece em Distance; na beleza do folk que faz October Sky e que se aproxima da Música clássica ao mesmo tempo em que flerta com o pop em All I Ever Wanted; e nos gracejos dos anos 70 de Stand, que reverberam em Far Away, colaboração com A$AP Rocky e um dos melhores destaques do disco. Os (muitos) destaques, no entanto, servem só como apelo para que Dawn seja compreendido e apreciado em sua totalidade – Raquel Dutra

Cesar Mc – Dai a Cesar O Que É de Cesar

“Defenda os direitos dos pobres e dos necessitados. Mas lembrem-se, dai a Cesar o que é de Cesar e dai a Deus o que é de Deus. Amém”.  Essa é a frase intro de Dai a Cesar O Que É de Cesar, música de mesmo nome do primeiro álbum de Cesar Mc. E daqui em diante, rimas inteligentes e versos de muita força compõem uma obra extremamente autêntica e pessoal para falar de racismo, pobreza, luta, religião e conflitos internos.

Cesar não sabe cantar love song– e isso ele mesmo quem diz em Antes Que A Bala Perdida Me Ache, música com Emicida e Jaddy. Mas não cantar como o L7 é justamente o que o fez criar uma obra bem feita. Seu álbum começou a desenhar quem ele é, como rapper e ser humano. Ele aborda desde a sua crença religiosa, como no fato de a quantidade de faixas do disco ser a mesma de dias em que a Bíblia diz que Deus criou a Terra, até o beat calmo e a letra conflituosa de Navega, que o coloca no abismo entre fé e sofrimento.

Apesar do conteúdo das rimas nem sempre ser aprofundado, uma autobiografia assim tende à repetição, ou seja, Cesar apenas colocou o pé no mundo da Música. Assim, complementado por um bom trabalho audiovisual em videoclipes e visualizers, Dai a Cesar O Que É de Cesar evidencia a pessoalidade que começou em Canção Infantil: sua música se ouve chorando. Obrigada pela obra de arte, Cesar Mc, ela é que deveria estar na Billboard Hot 100. – Nathália Mendes

Vários Artistas – The Metallica Blacklist

245 minutos de música. 67 bandas e artistas. 53 faixas. 12 versões de Nothing Else Matters. São alguns dos números surpreendentes da recente compilação organizada pelo Metallica para comemorar os 30 anos de The Black Album, o disco de maior sucesso comercial da banda. Nomes consagrados do metal e do rock, somando se ao pop passando pela música eletrônica e jazz, foram convocados para apresentar as suas próprias versões de suas canções favoritas do álbum, formando uma estratosférica salada musical aleatória de um dos maiores dream teams que a indústria Musical já concebeu. 

Mac DeMarco, Ghost, Rina Sawayama, St. Vincent, J Balvin, Phoebe Bridgers, Miley Cyrus, Elton John e Kamasi Washington são apenas alguns dos nomes a serem destacados, compondo uma lista para agradar a todos os gostos. Não é um trabalho para ser ouvido de uma vez, e até apreciar o disco em ordem parece uma tarefa estranha considerando a enorme quantidade de versões das mesmas canções que se repetem ao longo da compilação. A dica é ir atrás das versões dos artistas de sua preferência para ver qual foi a leitura deles sobre as canções clássicas do Metallica. Muitos acabaram se prendendo demais às versões originais pouco trazendo de novo, mas a longa duração também dá espaço para releituras originais e surpreendentes. Para fãs de Metallica ou não, aqui tem música para todos os gostos. – João Batista Signorelli

The Band CAMINO – The Band CAMINO

Mesmo sem criatividade para o nome, o álbum homônimo da banda The Band CAMINO chega cheio de energia. O som do trio estadunidense formado por Garrison Burgess, Jeffrey Jordan e Spencer Stewart traz um indie rock bem misturado, em que, mesmo quando as 14 faixas ou bagunçam estilos ou ficam iguais demais, as letras confessionais, nuas e cruas, chamam a atenção.

Enquanto EVERYBODYDIES (a melhor do álbum, diga-se de passagem), 1 Last Cigarette Know It All puxam mais para o rock e lembram bandas como All Time Low e a era de ouro da The Maine, outras, como I Think I Like You (também no pódio do disco), Just A Phase e Underneath My Skin exploram os indies à la lovelytheband, COIN e os trabalhos mais recentes da Bad Suns. Dentro do seu próprio nicho, The Band CAMINO diversifica. – Vitória Lopes Gomez

Japanese Breakfast – Sable (Original Video Game Soundtrack)

2021 foi o ano de Michelle Zauner. Nele, a coreano-americana provou sua versatilidade transitando entre as memórias em seu best-seller, Crying in H-Mart, à tentativa de superar a dor sobre a perda da mãe no aclamado Jubilee. No seu mais recente projeto, contudo, Zauner ultrapassa as angústias do passado nas quais estava submersa para adentrar uma nova dimensão fantasiosa. Trata-se da trilha sonora original de Sable, um jogo independente de exploração inspirado pelo universo imaginário de Star Wars e pelas ilustrações do quadrinista francês Moebius, pseudônimo de Jean Giraud.

Composto por 32 canções, a narrativa é guiada pelo processo de amadurecimento da protagonista ao longo de sua jornada no jogo. Logo na primeira faixa, Zauner nos cumprimenta sugerindo que encontremos um caminho, encontremos um Sol, dando sequência ao incrível Glider. Numa crescente instrumentalização dos sons de sintetizadores borbulhantes e utópicos, experienciamos um efeito expurgatório único: Sable anseia por liberdade diante da imensidão do mundo ao seu redor. Assim, somos absorvidos pela realidade do jogo, sendo possível visualizar a areia, sentir o calor do deserto, o frescor do vento tocando o rosto na decolagem de uma nave ou até mesmo o aumento dos batimentos cardíacos da personagem.

No restante da trilha quase não há vocais, predominando a ambiência sonora. São tons suaves mesclados entre o eletrônico dos sintetizadores ao acústico do piano, percussão e violão, que criam loops infinitos que se dissipam intencionalmente no fundo. Sable não é um álbum feito para a escuta ativa, mas sim para a intensificação da experiência virtual no jogo, e nisso, ele se excede. – Ayra Mori

Seis anos após seu último disco, a cantora australiana Natalie Imbruglia voltou este mês com Firebird, um trabalho que reflete a busca para superar o bloqueio criativo que a impediu de prosseguir com sua carreira. Firebird é um álbum plural e upbeat sobre recomeços e independência, fruto de ideias e emoções intensas.

Firebird alça voo com canções como Nothing Missing e On My Way, conquistando imediatamente com sua mistura intoxicante de indie pop e disco. Em faixas mais lentas, tais como Just Like Old Times e Dive to the Deep, o que nos conquista é sua sensibilidade e vulnerabilidade ao cantar sobre as partes de si mesma que mais dificultaram o processo de criação do novo álbum. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Low – HEY WHAT

Afastar os excessos, diminuir os arranjos e contrapor duas vozes, a fim de obter um som equilibrado. A premissa de Low sempre foi essa: o mínimo é mais. Mas conforme os anos passaram, a dupla Mimi Parker e Alan Sparhawk foi percebendo que, talvez, fosse interessante explorar elementos que não estavam ao alcance no início, e distanciar-se um pouco do minimalismo puro. Muito diferente de I Could Live In Hope (1994) — um excelente disco estreante —, a dupla agora caminha pelo rock industrial em seu 13º trabalho, HEY WHAT, álbum que chegou às plataformas em 10 de setembro de 2021, e mostra como eles ainda sabem o que estão fazendo. 

Sejamos honestos: Low nunca fez um álbum ruim, e não seria diferente agora. Flertando há tempos com o gênero popularizado pelo Nine Inch Nails de Trent Reznor, HEY WHAT traz uma continuidade ao antecessor, Double Negative (2018). No novo disco, há momentos de repetição de uma única palavra em espécie de loop, com muitos ruídos em volta, algo que traz lembranças do shoegaze de My Bloody Valentine. De forma geral, Parker e Sparhawk parecem explorar o caos como resultado ao ruído total, emparelhando diversas camadas de instrumentos e sons para mostrar um tipo de isolamento muito comum atualmente, no qual somos submetidos devido à enxurrada de publicidade cotidiana. Como Sparhawk disse em entrevista, eles querem fazer “novos buracos na possibilidade da música”. 

A faixa White Horses, nossa porta de entrada nesse projeto, anuncia em toda sua aura obscura que a dupla pretende reformular a concepção de rock que se tem atualmente, com repetições devastadoras de guitarra. Em Days Like These, que soa no início como uma música gospel, temos um início aconchegante e um fim cósmico, onde ouvimos repetidas vezes a palavra “Again”, talvez um sinal de que Dias Como Estes são sempre iguais, ainda mais considerando os tempos pandêmicos. Já There’s a Comma After Still soa como um sinal de rádio interceptado, algo sombrio e misterioso, praticamente um interlúdio. More, a melhor faixa do disco, está escondida no final, e é composta por Parker entoando que deveria ter pedido mais do que tem, enquanto Sparhawk sustenta o backing vocal. Ao longo de 46 minutos caóticos, Low aponta para HEY WHAT como um desastre premeditado. – Bruno Andrade

Gaby Amarantos – Purakê

O amor nunca sai de moda. Um dos motores de Purakê, segundo álbum da carreira de Gaby Amarantos, é esse sentimento universal que aparece multifacetado ao longo das 13 poderosas faixas que compõem o novo disco da cantora paraense. Variando, no gênero, da sofrência ao tecnobrega e, na temática, da entrega à desilusão, o amor sem dúvidas se eleva com a relevância de uma verdadeira lista de colaborações dos sonhos: Elza Soares, Alcione, Dona Onete, Luedji Luna, Liniker, Ney Matogrosso, Urias e Jaloo são apenas alguns dos nomes que aparecem no CD.

É Jaloo quem assina, inclusive, a direção musical e produção do disco que fortalece Gaby enquanto compositora. Com nome inspirado em um peixe elétrico da Amazônia, Purakê emerge entre sereias e rios, misturando o atual cenário artístico da região Norte do Brasil com um projeto criativo – ambicioso e inovador, diga-se de passagem – de futuro. Indo além da própria musicalidade, a rainha do tecnobrega também preparou, com muito cuidado, a parte visual de suas criações, investindo bastante em videoclipes e em um conjunto de lyric visualizer. No fim, esse combo primoroso é prova inegável de que, além de notória figura pública, Gaby Amarantos é uma excelente artista. – Eduardo Rota Hilário

Hans Zimmer – The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack)

Podem anotar: Hans Zimmer estará entre os cinco indicados a Melhor Trilha Sonora Original no Oscar 2022, e não vai ser pela trilha da sequência de O Poderoso Chefinho nem do próximo filme do Zack Snyder. As peças que levarão o compositor à temporada de premiações a partir do final deste ano ganham em The Dune Sketchbook sua versão estendida, onde o compositor expande as ideias trabalhadas na trilha original, oferecendo um mergulho ainda mais profundo na atmosfera e nas ambientações sonoras de Duna. Saindo de sua zona de conforto, o compositor entrega um trabalho magistral, com uma enorme brecha para experimentar com a Música como nunca tinha feito antes. 

O resultado é uma obra com alguns traços característicos da Música de Zimmer, outros remetendo à Música do Oriente Médio, mas com uma predominante sensação de ser uma obra genuinamente alienígena, o que é reforçado pelos coros em idioma fictício, e por instrumentos de timbres misteriosos, provável fruto de uma combinação de sons aos moldes do processo de criação do grunhido do Chewbacca. É onírico, estranho, e impactante. Se Hans Zimmer queria nos tirar deste mundo e nos transportar para outra galáxia com sua Música, pode ter certeza de que ele conseguiu. – João Batista Signorelli

Nala Sinephro – Space 1.8

Flutuar. Flutuar pelo vazio de olhos fechados, num universo sereno onde tudo parece estar em perfeito equilíbrio, em paz. Evocando essas sensações, Nala Sinephro, de fato, cria suas próprias realidades cósmicas no álbum de estreia, Space 1.8, dividido por oito faixas complementares entre si, que vão de Space 1 à Space 8. Prodígio da Música, Sinephro se encantou com a harpa aos 16 anos, quando aprendeu a tocar sozinha o instrumento em meio aos estudos de jazz durante às noites. E mais uma vez evidenciando seu amadurecimento precoce, a musicista belga-caribenha de apenas 22 anos concebe uma obra minuciosa e extremamente elegante que aparenta ser feita por alguém com vasta experiência musical.

Conduzido por uma radiação etérea única, Space 1.8 foi produto da colaboração de um conjunto rotativo de músicos que compõem a dinâmica cena do jazz atual no Reino Unido. Destacam-se, majoritariamente, nomes de pessoas pretas e filhos de imigrantes – tal qual a própria Sinephro –, como Reed Nubya Garcia, James Mollison (Ezra Collective), o saxofonista Ahnansé e a guitarrista Shirley Tetteh, todos com atuação de peso. Contudo, divergindo dos ritmos afro-caribenhos de seus colegas, Sinephro cria uma ambiência quase imaterial através do uso de sintetizadores e dos solos de harpas simultaneamente transcendentais, sutis e misteriosos.

A experiência tecida por Sinephro ao longo dos 44 minutos é totalmente sinestésica. Os sons despertam texturas, que despertam cores, que despertam formas, que despertam sensibilidades. Cada faixa constitui um novo cosmos que não se interligam, mas se encaixam perfeitamente umas com as outras. Mesmo em momentos de silêncio de Space 2, as sensações são afloradas, quando, de repente, uma canção que era calma deixa de ser quieta numa crescente instrumentalização do saxofone com o apoio de percussões cintilantes. Gravado em um momento delicado de recuperação de uma doença grave, Space 1.8 volta-se para o interior, como um mergulho no vácuo do espaço, atingindo, assim, um plano superior. E esse é o brilhantismo de Sinephro. – Ayra Mori

Poppy – Flux

A dificuldade de encaixar a artista e webcelebridade Poppy numa só categoria parece ser exatamente o objetivo de sua apresentação enigmática. Apenas um ano após o incendiário I Disagree, o novo trabalho da cantora apresenta uma personalidade em constante mudança e transformação, que parece se deliciar no movimento mais do que ansiar pela chegada.

Em poucas palavras, Flux simplesmente arrebenta do início ao fim: com influências de nu metal e grunge, Poppy tece nove faixas de pura e absoluta expressão em constante fluxo, abraçando por completo suas novas emoções. Ouça enquanto é tempo, porque se há uma coisa que sabemos, é que não vai demorar para que ela mude de novo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sufjan Stevens e Angelo De Augustine – A Beginner’s Mind

Depois de se aventurar com os eletrônicos densos de The Ascension e se jogar nos sons ambientes de Meditations à Convocations, Sufjan Stevens retorna às raízes folk nas quatorze faixas do mais recente A Beginner’s Mind, junto de Angelo De Augustine. A colaboração foi resultado de um período no qual ambos estavam hospedados em uma cabana no interior de Nova York. E encabeçados pelo conceito zen budista shoshin – ou seja, a aceitação de uma “mente iniciante” –, as sessões musicais foram inspiradas em filmes específicos que os colegas assistiram durante a estadia meditativa, permeando gêneros diversos que vão desde A Malvada à A Noite dos Mortos-Vivos e até Asas do Desejo.

Quase totalmente composto, arranjado e produzido pela dupla – com exceção do coro de fundo de Melissa Mary Ahern em Lacrimae, além do baixo e bateria que acompanham Back to Oz –, o novo álbum parece representar um afrouxamento criativo de Stevens em relação ao perfeccionismo da execução de seus projetos passados. Há quem instintivamente compare A Beginner’s Mind com o inigualável Carrie and Lowell, porém suas qualidades líricas são completamente diferentes. Aqui, ambos se livram dos julgamentos, aceitando o processo colaborativo como aprendizes e entregando ao público um cristal bruto, mas, ainda assim, um cristal (e que cristal).

Todas as faixas se destacam no álbum, principalmente quando as vozes de ambos se colidem angelicalmente, fundindo-se de forma que, em alguns instantes, é impossível dizer quem é quem. Os vocais agudos de Stevens se complementam soberbamente com os mais baixos de De Augustine, tudo acompanhado de uma instrumentação delicada que põe em foco as vozes dos musicistas. Se o paraíso tivesse uma trilha sonora, a pseudo orquestra criada em A Beginner’s Mind certamente entoaria os céus. – Ayra Mori

Imagine Dragons – Mercury – Act 1

As 13 faixas de Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra musical dividida em dois álbuns, não são coesas nem entre si, nem com o estilo dos outros 4 álbuns do Imagine Dragons. As características que marcam o rock moderno da banda são realçadas em algumas excelentes faixas, como Wrecked e Follow You, que partilham da essência de Radioactive em batidas fortes, vocal afiado e uma melodia que segura um pop rock. No entanto, outras músicas de Mercury são completamente diferentes do que a banda normalmente canta – assumindo até uma estranhíssima pegada good vibes em It’s Ok. 

De maneira geral, a primeira parte do novo trabalho do Imagine Dragons é dispersa e incoerente. A letra profunda de Giants, que aborda violentamente a luta pela sobriedade e o uso de drogas, se perde em meio à faixas que arranham a superfície do vocalista Dan Reynolds e sua saúde mental, sexualidade e vida pessoal, assumindo irritantemente uma melodia feliz demais. Em meio ao trabalho do produtor Rick Rubin em forçar a banda a se abrir profundamente, Mercury – Act 1 se tornou uma confusão de emoções que flutua por estilos musicais demais. – Nathália Mendes

LANY – gg bb xx

Se você acha que não conhece LANY, basta voltar para as playlists de 2017 onde ILYSB era presença obrigatória. A banda de Paul Jason Klein, Charles Leslie Priest e Jake Clifford Goss, que está conquistando seu espaço na indústria há anos, acaba de lançar seu quarto álbum de estúdio, gg bb xx. É uma pena, então, que tenham deixado bastante a desejar.

Com 12 faixas, o disco é genérico e repetitivo. As letras fracas sobre relacionamentos e términos se transformam em mais do mesmo, juntamente ao pop monótono da banda, que pode ser encontrado em qualquer canção do Lauv. Mesmo sem uma história que ligue todas as partes do álbum, gg bb xx não é, necessariamente, ruim. É apenas raso, não permitindo seus ouvintes a realmente se afundarem na obra. – Mariana Chagas

Gabriel de Almeida Prado – Não Aceito Ser Um Só

É raro encontrar um artista capaz de ter o mesmo nível de intimidade e engenhosidade com as palavras e com as notas musicais, e Gabriel de Almeida Prado é certamente um deles. Seu novo disco Não Aceito Ser Um Só é carregado de engenhosas canções, que passeiam com enorme naturalidade pelos gêneros musicais e comprova ainda mais a sua pluralidade. Afinal, para que ser só poeta ou músico quando se pode ser os dois?

Desde os anúncios apocalípticos de O fim está próximo à estranha sensualidade de Kama Fruta, o álbum esconde uma surpresa a cada faixa, seja no clímax extasiante de O beijo, ou nas ironias de Papo de morto. Com belos acompanhamentos visuais minimalistas para todas as suas canções, além de diversas colaborações com Siba, Pascoal da Conceição, dentre outros, Não Aceito Ser Um Só é rico em sua estética e sua semântica. É uma realização que deixa claro que Gabriel de Almeida Prado, mesmo que ainda esteja em seu segundo disco, já é um artista plenamente formado. – João Batista Signorelli

Vários Artistas – Aldir Blanc Inédito

Homenagens póstumas são sempre um risco, mas a gravadora Biscoito Fino acertou em cheio ao planejar um tributo a Aldir Blanc. Vítima da covid-19 e uma das perdas inestimáveis de 2020, o inigualável letrista brasileiro vive eternamente nos clássicos e, agora, também em composições inéditas. Aldir Blanc Inédito é, com certeza, um mar de poesia do início ao fim – e um bom exemplo de que composições mais elaboradas podem perfeitamente ser populares. Sem qualquer espanto, a abertura do disco é de João Bosco, parceiro de longa data do compositor magistral. 

Já em relação aos destaques do CD, podemos listar, em primeiro lugar, Palácio de Lágrimas, tendo em vista que a junção de Aldir Blanc e Maria Bethânia é um caminho direto para experiências sublimes e uma total transcendência. Voo Cego, por sua vez, nos arrepia e coloca na boca de Chico Buarque metáforas estonteantes. Ao mesmo tempo, Navio Negreiro, gravada por Leila Pinheiro e Guinga, relembra um passado que muitos brasileiros perversamente tentam ignorar ou amenizar: o período da escravidão. Por fim, Ator de Pantomima e Virulência, cantadas por Sueli Costa e Alexandre Nero, respectivamente, dialogam diretamente com o recente desgoverno presidencial e a atual tragédia pandêmica. Fato é que, desta nova coletânea, ainda extrairemos novidades por muito tempo. – Eduardo Rota Hilário         

Art School Girlfriend – Is It Light Where You Are

Descrever o segundo álbum da cantora Art School Girlfriend, Is It Light Where You Are, como “pessoal” e “intimista” seria redundante com a proposta do trabalho. Como a própria cantora revelou, o projeto foi escrito logo após o fim de um relacionamento de longa data, quando ela mal podia levantar da cama, e serviu como um meio de documentar o período.

O diário de término de Art School Girlfriend, nome artístico de Polly Mackey, tem seus altos e baixos, assim como o momento pelo qual ela passa no disco. As 10 faixas do álbum se alternam entre provocar respiros e sufocos, e a liricidade da cantora, multi-instrumentista e produtora é embalada ora por picos de energia, ora pela monotonicidade. Com sonoridades que vão das mais dispersas e atmosféricas, às mais densas ou claustrofóbicas, Is It Light Where You Are reflete e provoca uma bagunça de sensações. – Vitória Lopes Gomez

Odd Beholder – Sunny Bay

Projeto musical de veias synth-pop encabeçado pela suíça Daniela Weinmann, Odd Beholder volta-se para a natureza em seu segundo álbum. Contrário ao projeto inaugural da carreira, All Reality Is Virtual – que tratava sobre temas globais de digitalização e coleta de dados não confiáveis –, em Sunny Bay, a artista age como mediadora da negociação entre o real e o surreal. Aqui, o foco é o íntimo, seja ele concreto ou seja ele um devaneio, numa revisão das ideias românticas associadas à paisagem natural como espaço de escapismo e alienação.

Segundo Weinmann, a concepção de Sunny Bay foi aflorada pela pandemia. Isto é, forçada ao isolamento, Odd Beholder foi inevitavelmente obrigada a refletir acerca de quem ela é e de quais são seus desejos sobre o mundo. Olhando para si mesma, ela permite que a música adquira forma por conta própria através do uso suave da voz e dos sintetizadores estranhamente polidos e esdrúxulos, sincronicamente. Assim, as texturas sônicas presentes em todas as dez faixas acabam criando uma experiência cinematográfica singular, pavimentando um caminho interessante para o próximo trabalho de Weinmann. – Ayra Mori

Iron Maiden – Senjutsu

Mesmo que adentrando a terceira idade, Bruce Dickinson e companhia não dão sinais de que irão parar tão cedo. Seis anos depois do aclamado The Book of Souls, o Iron Maiden volta com Senjutsu, mantendo-se fiel à sua proposta artística, e sua identidade visual e sonora, trazendo mais uma capa aterrorizante e longas faixas com mais de 10 minutos de duração.

Entre momentos obscuros ou energéticos, os 81 minutos do disco são carregados de um heavy metal clássico, energético, mas por vezes pouco inventivo. Senjutsu entrega exatamente aquilo o que se espera de um lançamento do Iron Maiden, o que, pelo visto, está dando certo para eles: o disco estreou na terceira colocação na Billboard 200, a melhor colocação na história da banda. – João Batista Signorelli

Don Diablo – FOREVER

O trabalho que o DJ holandês Don Diablo tem criado, desde que a pandemia o deixou fora dos palcos, é uma inovação artística. O novo álbum FOREVER segue verdadeiramente seu future house e compõe mais uma peça para uma obra futurista. Entre as suas 21 faixas, o disco apresenta músicas agradáveis e viciantes, como Hot Air Balloon e Stay Awake, enquanto Into The Unknown ilustra sua experiência musical revolucionária na cripto-arte, tudo isso sem que os sintetizadores te dêem dor de ouvido.

Diablo criou o primeiro show em NFT – um token único de registro criptografado – da história: Destination Hexagonia, uma obra digital que custou milhares de dólares para ser produzida e comprada. Agora com FOREVER, ele mostra parcerias vocálicas que dão dimensão e fluidez ao disco. Tears For Later, Too Much To Ask e Kill Me Better, colaborações com Galantis, Ty Dolla $ing e Trevor Daniel, respectivamente, mostram que Don Diablo soube se equilibrar entre a estética futurista e a playlist de um rolê. – Nathália Mendes

Dead Sara – Ain’t It Tragic

Três anos depois do EP Temporary Things Taking Up Space e seis anos desde o último álbum, Pleasure to Meet You, a banda de rock alternativo Dead Sara voltou com seu terceiro disco, Ain’t It Tragic. Marcado pela guitarra de Siouxsie Medley e os vocais característicamente roucos de Emily Armstrong, o novo trabalho do grupo de Los Angeles ainda sofre pela falta do baixista Chris Null, mas se estabelece seu novo som melhor do que o EP anterior.

Toda faixa de Ain’t It Tragic parece estar ligada no 220, exibindo o potencial caótico de seus músicos nas letras e nas melodias. Até mesmo Starry Eyed e Losing My Mind, algumas das faixas mais lentas, carregam uma intensidade quase intimidadora. Algumas vezes, esse entusiasmo cansa um pouco, mas o grupo faz o longo tempo entre seus lançamentos valer a pena, dando tudo de si para que o disco supere as expectativas de seus fãs. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mild High Club – Going Going Gone

Talvez o mais engraçado de ter contato com Mac DeMarco é que qualquer coisa vagamente lo-fi nos faz lembrar dele. Não é diferente no novo álbum de Mild High Club, grupo liderado por Alexander Brettin, cujas referências vão do soft rock, passam pelo lo-fi, dão um ‘olá’ à bossa nova e chegam no psicodélico. Em Going Going Gone, o projeto avança por caminhos pouco desvendados nos dois álbuns anteriores, com Brettin explorando novos timbres e dando espaço à nostalgia.

Mild High Club possui uma sonoridade setentista, com influências nítidas do jazz. As canções de Going Going Gone lembram, com frequência, trabalhos de Tame Impala, sob o domínio dos sintetizadores e mantendo as guitarras como coadjuvantes. Na faixa A New High, a artista Samira Winter, nascida no Brasil mas radicada nos Estados Unidos, participa cantando melodicamente em português, e transforma a canção em uma espécie de homenagem à Garota de Ipanema, transbordando em referências à Música brasileira. Há muita coisa acontecendo aqui, mas de forma brilhantemente acessível e coordenada. – Bruno Andrade

J Balvin – José

É hora de conhecer a fundo um dos maiores artistas latino-americanos do momento. Em José, seu sétimo álbum de estúdio autointitulado, J Balvin descasca sua vida, história, sentimentos, família, amizades, trabalho e carreira com fidelidade ao gênero que o levou ao estrelato mundial e sem economizar na produção do disco que descasca sua figura enquanto artista. Mas os objetivos de um álbum de 24 faixas são ambiciosos, e nem o embaixador do reggaeton consegue driblar o caminho fadado à repetição num CD tão longo de um gênero que tem uma identidade tão marcada.

Entretanto, isso não parece incomodar J Balvin, que está confortável como nunca no mais puro reggaeton em Te Acuerdas de Mí, uma faixa antes de dar suas caras como hitmaker em In Da Getto. E ele sabe o momento de minimizar as referências de suas raízes para dar lugar à outros elementos. Lembrando dos que buscam algo diferente, José traz a vibrância rítmica e a poesia falada de Perra, e o toque de synth-pop que ao mesmo tempo traz melodias levemente acústicas em Querido Río. 

A mistura das faixas confirma que o single precursor 7 de Mayo segue como a assinatura do disco, cujo triunfo está em suas experimentações e composições, como o artista entrega desde o início ao abrir o álbum com F40. Em letras que abordam sua intimidade familiar, sentimentos profundos e reflexões sobre o mundo junto de nomes como Skrillex, KAROL G, Myke Towers, Dua Lipa, Khalid, Tokischa e Bad Bunny, José forma um trabalho condizente ao artista que J Balvin é. – Raquel Dutra

Vários Artistas – I’ll Be Your Mirror: A Tribute to the Velvet Underground and Nico

O disco de estreia da banda encabeçada por Lou Reed, The Velvet Underground and Nico, é muito mais do que o “álbum da banana”: é uma das pedras fundamentais do rock, e um dos precursores de tantos gêneros musicais que dele derivariam, do punk ao indie. Regravá-lo faixa a faixa foi o objetivo deste último projeto do falecido produtor e colega de longa data de Lou Reed, Hal Willner. 

Reunindo artistas que vão de Kurt Vile a Iggy Pop, I’ll Be Your Mirror espelha as faixas do material-fonte, ora preservando o espírito das canções originais, como em There She Goes Again, por King Princess, ora o distorcendo completamente, como em All Tomorrow’s Parties, por St. Vincent com Thomas Bartlett, mantendo ao menos, o espírito inovador e experimental tão característico do Velvet Underground. Destaques para a interpretação misteriosa de Venus in Furs por Andrew Bird e Luciuis, e a bela leitura por Sharon Van Etten de Femme Fatale. – João Batista Signorelli

St. Vincent – The Nowhere Inn

A enigmática e magnética St. Vincent existe quando Annie Clark sobe ao palco. Procurando se desnudar da misteriosa persona criada por ela, a cantora, compositora e multi-instrumentista americana se propôs a revelar sua verdadeira identidade no pseudodocumentário The Nowhere Inn, dirigido por Bill Benz e estrelado e escrito por ela e a amiga Carrie Brownstein. Só que quando o real e o puramente artístico destoam, as duas facetas de Annie se confundem em um mocumentário satírico, colorido e cheio de humor.

Menos de seis meses depois de seu último projeto, o pessoal Daddy’s Home, a estreia do longa foi acompanhada do lançamento de sua trilha sonora, disponibilizada em um álbum homônimo. Assim como o seu irmão cinematográfico, The Nowhere Inn é imersivo e envolvente, com as canções de St. Vincent misturadas aos instrumentais extasiantes. E escutar o álbum depois de assistir ao filme torna ambos os produtos ainda mais sensoriais e inebriantes. – Vitória Lopes Gomez

Little Simz – Sometimes I Might Be Introvert

“Simz, a artista, ou Simbi, a pessoa?”. Depois de um tempo na mira dos holofotes, é comum ouvir as queixas dos artistas de que sua própria identidade desaparece. Em tempos de invasão global da privacidade e uma enxurrada diária de informações, há certa dificuldade em não se sentir um intruso no mundo. Elencando a guerra como motor das sociedades atuais — guerras pessoais e contra o sistema —, passando por rachaduras familiares, racismo, machismo e violência policial, Little Simz tenta encontrar sua própria essência no fabuloso e conceitual Sometimes I Might Be Introvert. A ideia de duplo está presente ao longo das 19 faixas do álbum. O título funciona como um acrônimo de Simbi — apelido de Simbiatu, nome da pessoa por trás de Little Simz —, e durante as 10 primeiras canções, ouvimos sua versão melancólica e revoltada, clamando por justiça. 

Porém, depois de The Rapper That Came To Tea – Interlude — interlúdio narrado por Emma Corrin, atriz que interpreta Lady Di em The Crown —, somos apresentados a uma outra Simz, mais extrovertida e que se opõe deliberadamente àquela pessoa mais reflexiva que havíamos conhecido (talvez essa seja Simz, a artista). Nessa nova fase do disco, a cantora inicia Rollin Stone lembrando do momento que esteve em São Paulo — na ocasião, ela se apresentou no Popload Festival — e traz as versões mais alegres do CD, evidenciando que seu lado pessoal não é considerado tão interessante para ser consumido, pois a indústria espera uma oferta ilimitada de alegria e entretenimento. Então, em Little Q, Pt. 2, Simz narra de forma pessoal uma experiência de esfaqueamento, trazendo lembranças da própria infância. Já em Point and Kill, canção que traz a parceria de Obongjayar, ouvimos um afrobeat, marcando novamente as origens da artista, que é filha de pais nigerianos e descendente dos iorubás. 

Em Introvert, a melhor faixa do álbum, somos direcionados para dois problemas antigos que ganham repercussão em quase todas as canções: o racismo e o machismo. Simz entoa que é uma mulher negra e tem orgulho disso, e oscila entre o underground e o erudito, trazendo à melódica e combativa voz da rapper arranjos orquestrais e um clima apocalíptico. Através de um enorme panorama social, no qual somos apresentados a frações sistêmicas no modo de vida contemporâneo, lembramos da literatura combativa de Angela Davis, Bernardine Evaristo, Bell Hooks e Toni Morrison, visto que a letra retrata conflitos psicológicos e sociais, e a busca pela origem desses problemas como algo vazio de significado, considerando as fronteiras entre eles um borrão difícil de entender. No clipe da música, há uma mistura de imagens de guerras em preto e branco e jovens negros fugindo da polícia, elucidando ainda mais a urgência de se entender de onde vem tudo isso. Esqueça o Kanye, esqueça o Drake. Há uma guerra em curso, interior e exterior, e Little Simz parece ter consciência disso. – Bruno Andrade

Cynthia Erivo – Ch. 1 Vs. 1

Atriz, cantora e compositora premiada, Cynthia Erivo é dona de talentos incontáveis. Vencedora de um Daytime Emmy, um Grammy e um Tony, além de indicada duas vezes ao Oscar, é impossível falar da inglesa sem citar suas conquistas. Lançando o álbum de estreia, intitulado Ch. 1 Vs. 1, Erivo mergulha nos dilemas pessoais emergidos durante o isolamento social, declarando: “Esta é provavelmente uma das primeiras vezes que vou conseguir ser apenas eu mesma, e ser eu mesma plenamente.”

Produzido em meio à pandemia, o registro conta com parcerias de veteranos do R&B, incluindo a produção de Harold Lilly (um dos compositores de Beyoncé) e Jack Splash (parceiro de Alicia Keys). No decurso das doze faixas, Erivo se revela ao mundo através da poderosíssima voz que expelem seus sentimentos mais pessoais sobre amor, relacionamentos familiares conturbados, ou ainda quanto às injustiças sociais. Entretanto, devido exatamente à potência dos vocais da Grammy winner, tanto a composição do disco, quanto a sonoridade cheia de nuances do soul, são ofuscadas pelo vozear de Erivo, não atingindo os mesmos níveis.

Integrando os destaques do álbum, está o enérgico The Good, acompanhado de um caloroso videoclipe protagonizado pela própria Erivo. Explorando as facetas do amor sáfico entre duas mulheres pretas, o single traz uma perspectiva positiva e não fetichizada da intimidade e adversidades enfrentadas num relacionamento fadado ao fim. Aqui, o ritmo da percussão e do teclado vibrante cativam. Assim, Ch. 1 Vs. 1 é um álbum agradável, simples. Mais uma vez, o poder de Erivo está em sua voz. – Ayra Mori

Baby Keem – The Melodic Blue

O primeiro álbum de Baby Keem estava cercado por muitos rumores. Segundo eles, qualquer atenção midiática na estreia do rapper ocorreria pelo artista ser primo de Kendrick Lamar. Mas o fato é que The Melodic Blue foi lançado, e Keem entregou um álbum emocionante, porém nada brilhante. Com marcas visíveis de uma estreia inocente, apadrinhada por um dos grandes nomes do gênero, o disco tenta mostrar ao longo das 16 faixas o motivo de tanto hype, construindo canções sem coesão e elencando Keem como um indivíduo que vai além da participação especial em Donda (2021). 

O cantor tem consciência do peso de sua árvore genealógica. Como anunciado na canção range brothers (with Kendrick Lamar), “os sapatos que eu calço são enormes” — e de fato são. Lamar é o primeiro rapper da história a receber um Pulitzer, e é um dos grandes titãs da indústria musical. Mesmo silenciosamente, é difícil negar a influência. Em family ties (with Kendrick Lamar), o artista abraça seus laços familiares e faz uma reverência a Lamar, deixando a música marcada por um apelo íntimo, e traçando uma espécie de limiar entre o rap e o trap. Enquanto isso, nas canções gorgeous — mesmo nome de uma música de Kanye West, mas que parece uma versão estranha de Post Malone — e hooligan, Keem evoca cenários de violência. 

Em issues, talvez a melhor do projeto, há uma faceta melancólica e corajosa, que lembra os problemas mais íntimos do músico e de sua família, mas que não passa de algo isolado em todo o CD. A verdade é que aquilo que sempre saudamos em álbuns de rap não funciona aqui. Baby Keem faz experimentações em todas as faixas, com alusões a outros artistas do gênero — Drake, Kanye, 50 Cent —, mas esse gesto em The Melodic Blue, mesmo sendo um álbum de estreia, mostra somente a confusão de alguém que ainda não decidiu o que fazer. – Bruno Andrade

Alessia Cara – In The Meantime

Em seu terceiro álbum de estúdio, In The Meantime, Alessia entrega o melhor trabalho de sua premiada carreira ao discutir sobre as dualidades que cercam nossa existência. Através de sua composição, ela dá nomes aos fantasmas que assombram sua mente, à procura de se libertar deles ou ao menos fazer com que aqueles que compartilham das mesmas mazelas sintam-se menos sozinhos.

Mas além do seu relacionamento consigo mesma, Alessia também triunfa ao analisar os sentimentos conflitantes de se relacionar com alguém. Desde a angústia de não saber se é melhor ficar sozinha ou se apaixonar até as mentiras convenientes de um término, ela passeia com naturalidade através de ritmos e gêneros musicais. Inclusive, há dois agrados para os fãs brasileiros: Bluebird e Find My Boy possuem forte influência da bossa nova e citam o Rio de Janeiro em suas letras.

Ao deixar de lado o tom professoral e otimista que marcou sucessos anteriores como Scars to Your Beautiful e Wild Things, Alessia termina a transição iniciada em The Pains of Growing. Com tanta honestidade ao narrar as dores da vida, é muito mais fácil acreditar quando ela diz que dias melhores virão. Assim, o fardo de ser um modelo exemplar é substituído por algo muito mais poderoso: a vulnerabilidade. – G. H. Oliveira

José González – Local Valley

Se você já assistiu A Vida Secreta de Walter Mitty (2013), dirigido e protagonizado por Ben Stiller, deve conhecer José González, pois a música tema do filme foi composta por ele. O artista sueco-argentino surge com Local Valley, seu quarto álbum de estúdio — em uma carreira que já soma 18 anos —, e parece ser a síntese do que seria a mistura perfeita entre Elliott Smith e Nick Drake.

Segundo González, o nome do disco surge da concepção que ele possui do mundo, conforme disse em entrevista. “Eu vejo o mundo, esta terra, este planeta, como nosso vale local. Eu o vejo como o nosso pequeno ‘Pálido Ponto Azul’, como Carl Sagan disse. Quando você se aproxima do universo, este lugar em que vivemos se torna muito pequeno. Então, essa é uma das maneiras que eu penso sobre o título, especialmente em uma canção como Visions”. 

O disco é o primeiro trabalho do artista que utiliza efeitos computadorizados, algo mais evidente na faixa Swing. Nessa música, o lado folk do artista é praticamente deixado de lado, e há muitas semelhanças com os trabalhos de Jack Johnson. José González não é o tipo de artista que exige atenção. Ele toca e canta por paixão, e se você gosta de folk, ou se apenas é chegado no clássico voz e violão, a porta estará aberta. – Bruno Andrade

X Ambassadors – The Beautiful Liar

No terceiro álbum de estúdio da X Ambassadors, The Beautiful Liar, a banda aderiu aos áudio-dramas. A surpresa com o conceito vem logo na primeira faixa, CHAPTER ONE: Sleeping Giant, em que uma narração apresenta o projeto e indica a divisão das faixas em capítulos. O quarteto não conta uma história nos mínimos detalhes, mas o duplo sentido das letras, que poderiam ser tanto sobre uma personagem ficcional quanto sobre os membros da banda, é imaginativa e subjetiva por se encaixar em mais de um contexto. 

Durante o álbum, porém, a mistura de canções e narrativa se perde. Se CHAPTER TWO: Enter The Shadows quebra a sequência musical, mas serve como um bom interlúdio, a dobradinha de Theater of War e —A BRIEF WORD FROM OUR SPONSORS—, faixas dedicadas à contextualização do áudio-livro, tentam ser imersivas, mas mais interrompem e quebram o ritmo do que acrescentam à proposta. 

Ainda assim, mesmo que ofuscado pelas pausas, o som contagiante da X Ambassadors tem seus momentos de glória: o vocal potente de Sam Harris e as pulsantes linhas de baixo se destacam, e as dançantes My Own Monster e Love Is Death se sobressaem. Ao final, The Beautiful Liar tenta criar uma experiência maior do que a musical, mas talvez se saia melhor como um áudio-livro, mesmo. – Vitória Lopes Gomez

Bemti – Logo Ali

Dizem que não se deve julgar um livro pela capa, e isso se estenderia também aos discos, mas o segundo álbum de estúdio de Bemti é uma exceção à regra. Com uma “reinvenção expandida” maravilhosa da obra O Derrubador Brasileiro, de Almeida Júnior, Logo Ali conquista corações desde sua porta de entrada. E nada aqui é por acaso, já que os dois artistas, apesar de distantes no tempo, partilham de alguns elementos do universo caipira, estabelecendo diálogos pelo menos indiretos entre si.

Liricamente, Logo Ali é uma obra também muito sensível e bela. Com destaque para Canto Cerrado, faixa na qual Bemti canta “não vou respirar sem poesia”, as composições desse disco têm, ao mesmo tempo, traços de inspiração e preocupação estética. Já em relação às colaborações do CD, um dos pontos numericamente mais altos é, com certeza, Catastrópicos!, parceria com Jaloo disponível nas plataformas digitais desde novembro de 2020. Com uma abertura que remete às chegadas da vida, e um encerramento que alude às partidas, Logo Ali simboliza explicitamente a excelência artística de Bemti. – Eduardo Rota Hilário      

The Felice Brothers – From Dreams to Dust

Desde 2007 na estrada, o projeto familiar formado pelos irmãos Felice (Ian e James) é um dos suspiros do folk atualmente, mesclando elementos do country e até mesmo do indie. Em meio às diversas referências citadas nas letras — de Jean Claude Van Damme e Kurt Cobain a Clube da Luta e Dostoiévski —, From Dreams to Dust, oitavo álbum de estúdio de The Felice Brothers, é uma epopeia sobre os humanos, a vida e o fim, seja ele qual for.

Não surpreende que Ian Felice (vocalista e guitarrista) tenha lançado, em 2017, um livro em edição limitada de seus poemas, além de ter outro livro de poemas com lançamento previsto para 2022. Como principal compositor dos The Felice Brothers, Ian traz várias referências literárias, cultivando o discurso falado em contraste com as pausas melódicas — algo muito similar ao que Bob Dylan faz em Hurricane —, em um estilo de fluxo da consciência. Na canção We Shall Live Again, ouvimos referências ao filósofo alemão Hegel e ao escritor francês Marcel Proust, enquanto Inferno trata-se de uma referência à obra de Dante Alighieri. 

Em Jazz on the Autobahn, somos transportados ao sentimento de apocalipse iminente, algo apontado, no fim, como um vazio. A verdade é que o álbum soa como a trilha sonora gótico-sulista de um livro de William Faulkner, cuja sobriedade obscura dá a entonação para um disco transcendente. Porém, mesmo cheio de méritos, o CD ainda soa como uma cópia de Dylan, Neil Young e The Band. – Bruno Andrade

Colleen Green – Cool

É fato que referenciar o passado é uma das tendências mais fortes na Música dos últimos dois anos. Mas surfar nessa onda e soar é original não é pra todo mundo. E Colleen Green não é todo mundo, como prova em seu quarto álbum de estúdio. Em Cool, a artista californiana sabe usar suas influências para criar seu som que existe entre o rock e o pop punk, construindo a trilha perfeita para uma história coming-of-age dos anos 2000 concretizada nos cinemas de 2021. Se isso pudesse existir.

É com essa habilidade que ela nos recebe ao disco através de Someone Else, que volta a aparecer em It’s Nice to Be Nice e How Much Should I Love a Husband?. O ponto fraco de Cool se mostra em refrões fracos e repetitivos como os de You Don’t Exist, mas longe da vontade de criar músicas chiclete, Green mostra muita personalidade em suas melhores e mais ousadas experimentações, vide Highway. E é perceptível através das 10 faixas do disco que Colleen se encontra mesmo é Colleen em meio a conversa que seus solos de guitarra mantêm com a bateria, naquela harmonia entre melodia e ritmo que só o rock tem. – Raquel Dutra

Lady Gaga – Dawn of Chromatica

Gaga, ou pelo menos BloodPop® e seu time, sabem como aproveitar o burburinho da internet e fazer os admiradores do pop e hyperpop surtarem de animação. Dawn of Chromatica é um CD de remixes do disco lançado pela cantora no ano passado, o Chromatica. Assinado por um montão de promissores artistas talentosos, a coletânea quebra a maldição do Club Future Nostalgia e a sonoplastia do Programa do Ratinho de Blessed Madonna, e entrega um projeto de remixes que transborda astúcia e reworks fenomenais. 

Cada canção brilhou de uma forma diferente, algumas tão boas quanto as originais, outras nem tanto. E sim, Pabllo Vittar não só salvou a bomba Fun Tonight como colocou uma sonoridade 100% brasileira no DOC. Gaga pode não ter sido a mente comandante do projeto, mas, sinceramente, ela nem precisa. Praticamente todos os artistas convidados foram, de alguma forma, influenciados pela revolução sonora e estética que a cantora causou no início dos anos 2010. E, agora, somos nós que colhemos os belos e saborosos frutos. – Jho Brunhara

EPs

Ezra Furman – Sex Education: Songs from Season 3

Que Sex Education é a melhor série da Netflix, todo mundo já sabe. O que ainda pode ser um mistério é a existência desse EP, meio folk, meio pop, cantado por Ezra Furman, que apresenta canções da terceira temporada da aventura de Otis e Ruby e cia. Com apenas 5 faixas (algumas novas e outras reaproveitadas pela artista), o trabalho expande a vibe acolhedora e gentil do seriado e conforta quem não reservou a pauta para texto solo e ainda assim quer falar sobre o que rolou em Moordale esse ano.

Don’t Turn Your Back on Love, sucesso de 2011, repete a fórmula de Sex Ed e faz brotar aquela vontade de viver um romance na adolescência e poder se identificar ainda mais com as tramas da telinhas. Mysterious Power dá vontade de socar o travesseiro e depois abraçá-lo forte, enquanto Trans Trauma serve como trilha de Cal (Dua Saleh), personagem não-binárie que entra no ano 3 e enriquece ainda mais o escopo narrativo da criação de Laurie Nunn. 

 Para quem ama de paixão Aimee, Maeve, Adam, Eric, Jean, Ola, Liv, Lily e, é claro, a melhor personagem de 2021, Ruby, ouvir o EP de Furman vai causar um efeito colateral irremediável: ligar na Netflix e dar play na série tudo de novo. Com a quarta temporada confirmada, dedos cruzados para que mais músicas cheguem no mesmo pacote. – Vitor Evangelista

Wilczynski e Ian Urbina – Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) 

Não, Noam Chomsky não resolveu largar a academia e virar produtor musical. O renomado linguista e ativista de 92 anos, é, na verdade, não apenas homenageado por Wilczynski e Ian Urbina, produtores deste EP, como também por mais de 50 artistas do mundo inteiro, reunidos em um ambicioso projeto musical, o The Noam Chomsky Music Project. A partir de trechos extraídos de gravações de palestras e aulas, o projeto tem como objetivo celebrar e ampliar a voz do pensador, com diversos lançamentos que abarcam os mais variados gêneros musicais, da Música clássica à eletrônica. 

Aqui, a voz de Chomsky é integrada a batidas lo-fi hip hop, enquanto ouvimos algumas de suas falas sobre solidariedade e críticas ao governo estadunidense. A tranquilidade da música é uma combinação certeira com o modo de falar calmo do intelectual. Pode ser uma interessante escolha de trilha sonora para estudos, seja dos escritos de Chomsky ou não, enquanto ele nos convida a entender “o que está acontecendo no mundo” e “reconhecer os padrões”. – João Batista Signorelli

Big Freedia – Big Diva Energy

Depois de repaginar a canção atemporal Judas, de Lady Gaga, no álbum Born This Way: Reimagined, a rapper Big Freedia ainda tem muito potencial criativo para compartilhar com o mundo neste ano. Trilhando um caminho aparentemente certeiro, ela lança o EP Big Diva Energy, composto por seis faixas bem atrativas e interessantes. Not Today, a primeira delas, conta com a participação de Jake Shears e Anjelika “Jelly” Joseph, e tem, sem dúvidas, muita chance de arrasar nas pistas de dança.  

Já Platinum, a mais reproduzida no Spotify, não quer saber de “tempo ruim”. Com uma narrativa que convoca todos à ação e ao sucesso, essa faixa está repleta de cintilância: “cegue-os com seu brilho”, canta Big Freedia. De modo geral, todas as canções do EP são agitadas e capazes de levantar pelo menos um pouco o nosso astral. O título do trabalho, por sua vez, não poderia ser outro, já que a energia de uma grande diva invade os poros de quem o ouve – e paira no ar a sensação de que qualquer um pode ser uma estrela. – Eduardo Rota Hilário       

Julien Baker – Little Oblivions (Remixes)

Porta-voz de uma geração que cresceu sendo LGBTQIA+ em um universo cristão fervoroso do sul dos Estados Unidos, Julien Baker exprime como ninguém as consequências da repressão na adolescência. Sobrevivente do vício, a cantora e compositora de 25 anos carrega consigo uma série de registros marcados pela nudez dos versos cortantes, tanto em projetos solos – como no inaugural Sprained Ankle –, quanto no aclamado supergrupo boygenius, formado junto de Lucy Dacus e Phoebe Bridgers. Nelas, a crueza vocal e instrumental de Baker amplifica a composição dolorosa das letras, e ela nos machuca.

Após o terceiro e mais recente álbum, Little Oblivions, Baker aperfeiçoou seus dotes como musicista, amadurecendo a sonoridade simplista para a de uma banda completa, ainda que tocando quase todos os instrumentos sozinha. E na remixagem de Little Oblivions, as faixas destaque ganham novas dimensões por diferentes artistas: Half Waif, Helios, Gordi, Jesu e Thao. Na produção alternativa das versões originais, Baker deu liberdade criativa total aos colaboradores. Desse modo, a integridade da composição foi mantida, porém, com novos arranjos, texturas e profundidade que, de certa forma, antes pareciam faltar. – Ayra Mori

Juliette – Juliette

Juliette saiu da casa mais espiada do Brasil diretamente para dentro dos estúdios. Quando a vencedora do prêmio de 1 milhão e meio de reais soltou a voz no programa, seu talento conquistou muito interesse da indústria musical, que percebeu o potencial da paraibana.

Mas na hora de por em prática, poderia ter sido melhor. As seis músicas que compõem o seu EP de estreia levaram uma equipe grande até demais para escrever letras rasas e repetitivas. Não dá para negar, porém, que a produção carrega uma batida gostosa do forró, que combinado ao tom leve de Juliette, deixa o disco bem agradável de se ouvir. 

A favorita da casa começou sua carreira musical numericamente bem. Batendo o recorde de melhor estreia nacional da história do Spotify Brasil, dá para esperar que este não seja um projeto único. Com um pouco mais de tempo – e esforço – um álbum de estreia da nova cantora tem de tudo para ser muito bom. – Mariana Chagas

ella jane – THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!

ella jane já começou a carreira acertando. Um ano depois de sua estreia na Música, com seis singles e muitos elogios para a conta, a cantora de 19 anos lançou seu primeiro EP, THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!. O trabalho inclui canções escritas em diferentes momentos da vida da artista, desde os 16 anos, passando pela sua adolescência no Ensino Médio até o início da sua trajetória musical.

Composto por ela de cabo a rabo ao longo de três anos, o EP vira um verdadeiro coming-of-age. jane canta sobre a insegurança de crescer e tomar decisões em AUGUST IS A FEVER, desabafa sobre a depressão pelo qual passou no colegial em Thief, e expressa a dor de se afastar de alguém próximo em The City. Em uma faixa iniciada quando a artista tinha 16 anos e finalizada aos 19, bored&blind, ela ainda lembra de um amor platônico e reflete sobre como lidava com isso quando mais jovem, em uma evolução tanto pessoal, quanto musical.

As vulneráveis, nostálgicas e íntimas composições são, definitivamente, o ponto forte de ella jane. Unidas a uma sonoridade ora eletrizante, ora reconfortante, entre um indie e um pop que transcendem um só rótulo, THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE! encapsula o sentimento de juventude e de amadurecimento. – Vitória Lopes Gomez

mxmtoon – true colors (from Life is Strange)

Além de dar voz à protagonista de Life is Strange: True Colors durante as sessões de canto do jogo, a cantora Maia, conhecida pelo nome artístico mxmtoon, também gravou duas músicas originais para a produção, que foram incluídas em um EP junto com os outros dois covers presentes no título da Deck Nine Games. Com a mistura característica entre indie pop e folk da artista, o clima casual do projeto conquista mesmo quem ainda não jogou o game, e inspira sua história tanto quanto é inspirado nela.

Com apenas quatro músicas, é fácil ouvir true colors repetidamente, absorvendo lentamente as novas letras de Maia e apreciando suas reinterpretações de Radiohead e Violent Femmes. Particularmente na agitada blister in the sun, a cantora troca o violão da original por um arranjo mais eletrônico e upbeat, criando uma composição singular e cativante. Similarmente em creep, a melodia clássica é mantida, mas reflete as inspirações menos roqueiras da artista.

As outras duas canções originais, que tocam nos créditos finais do jogo, refletem mais da história de Alex Chen e sua busca pela verdade em Haven Springs, marcadas pelo tema de abandono e luto. Mas o tom pessoal que a cantora dá a elas emociona por si só, criando uma narrativa curta, mas impactante. – Gabriel Oliveira F. Arruda

ZAYN – YELLOW TAPE 

Todos tem os seus surtos de madrugada, e com ZAYN a coisa não é diferente. Surpreendendo os fãs e sem dizer uma palavra sequer, na noite do dia 13 de setembro o cantor postou um link que dava acesso a três faixas inéditas. Sem divulgar no Spotify ou qualquer outra plataforma oficial, as músicas são um verdadeiro segredo para apenas seus fãs e ouvintes mais fiéis, aqueles que o acompanham em suas redes sociais. 

Em YELLOW TAPE, nada é mantido privado. O primeiro a fugir da One Direction canta sobre ser pai, manda indiretas – bem diretas – para Kanye West, e não tem medo de ser polêmico. Se o projeto com GRIMEZ, BELIEVE ME e 47 11 vai se tornar algo oficial ainda não sabemos, mas por enquanto, dá para aproveitar o rap e mergulhar em suas letras profundas: “Minha saúde mental está chegando ao nível de Deus, não quero dizer que sou um deus, mas 47 [vítimas sul-asiáticas] do 11 (de setembro) sempre estão comigo”. – Mariana Chagas

Luana Flores – Nordeste Futurista

O Brasil ainda é território muito fértil para novas sonoridades, e só não percebe ou discorda disso quem fica preso a saudosismos limitantes. Diante dessa efervescência criativa, um dos nomes que se destacam pela qualidade artística é, com certeza, o de Luana Flores. Beatmaker, DJ, percussionista, cantora e compositora, Luana lança o primeiro EP da carreira, Nordeste Futurista, mesclando atmosfera tecnológica e tradição cultural como ninguém. Essa proposta ousada é nítida desde Eu Vem, faixa de abertura que reúne a mestra cirandeira Vó Mera com a própria avó da artista.

Um dos destaques do Extended Play talvez esteja em No Mei dos Mato, colaboração com Leticia Coelho e uma das canções mais festivas do trabalho. Surpreende-se, no entanto, quem espera por uma obra limitada a experimentações musicais. Isso porque, em Suspendemos o Céu, uma declamação poética invade deliciosamente nossos ouvidos. Não parando por aí, a cantora paraibana está atenta a todo tipo de esfera durante o período pandêmico: “o que tenho feito é usar as redes sociais a meu favor”. Seja no espaço físico ou digital, Luana Flores sem dúvida merece cada vez mais os holofotes do sucesso. – Eduardo Rota Hilário

Rosie Lowe – Now, You Know

Dois anos após o aclamado YU, a cantora Rosie Lowe voltou de surpresa com a mixtape intitulada Now, You Know, outro trabalho que desafia categorizações e ecoa os sentimentos da artista ao longo de nove faixas deliciosamente distintas entre si. Embora curtas, cada uma delas evoca uma expressão diferente no ouvinte, se encaixando como peças diferentes de um quebra-cabeças.

Mesmo com canções tão diferentes entre si, é extremamente fácil ouvir o EP como uma única música de 17 minutos, entrando e saindo de foco com diversos interlúdios, mas nunca com pressa para terminar. Lowie se delicia nessas curtas pausas entre as canções, entregando melodias inventivas e marcantes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Girl K – Girl K Is For the People

O grupo de Chicago Girl K referencia no EP mais recente, Girl K Is For the People, o rock da década de 80, carregando ao longo do projeto muito sintetizador, cores neon e globo espelhado. Formado pela vocalista Kathy Patino, o baterista Tony Mest, o baixista Alex Pieczynski e o guitarrista Kevin Shepard, o quarteto traz consigo referências potentes, mas não cai no mero revivalismo, soando como uma banda de seu tempo.

Integrado por seis músicas, Girl K Is For the People é um EP agradável de se ouvir. O vocal enérgico de Patino somado a instrumentação equilibrada das canções confere um clima dinâmico a elas, quase como se participássemos de uma performance ao vivo, com toques que evocam o estilo de Pixies. Contudo, vimos as mesmas alusões repetidamente em obras de Jessie Ware à Dua Lipa, e na crescente efervescência da nostalgia oitentista, cada nova alusão ao período parece cansar. Nesse caso, não é diferente. – Ayra Mori

Tyler Posey – Drugs

Tyler Posey começou a carreira cedo e já é um nome mais do que conhecido. Apesar de ter feito sua fama como ator, o astro de Teen Wolf também tem experiência no ramo musical e passou por bandas como Lost in Kostko, PVMNTS e Five North, com quem lançou um álbum em 2020. Agora, Posey se aventura como artista solo pela primeira vez e inaugura a nova fase com o lançamento do EP Drugs.

O pop punk anima as 7 faixas do trabalho e é impossível não perceber ou comparar a sonoridade do EP à maior referência do cantor: sua banda favorita, blink-182. As composições autorais são embaladas pelas baterias agitadas e pelas linhas de guitarra divertidas, enquanto o artista entoa sobre o abuso de drogas, depressão, a sua jornada de sobriedade e as dificuldades que enfrenta atualmente. Cheio de personalidade, Drugs é o produto e o diário de Tyler Posey. – Vitória Lopes Gomez

María Isabel – i hope you’re very unhappy without me

Com herança dominicana no sangue, a cantora María Isabel surgiu com Stuck in the Sky, onde demonstrava uma qualidade de compositora invejável. Agora, ela lança o EP i hope you’re very unhappy without me, munida de canções calmas e a ideia de um término amoroso. 

A abertura se dá com Left Alone, onde Isabel arranca sangue com o soco de “eu não posso amar nós dois” e um gancho delicioso, que se estende por toda a duração da faixa. No Soy Para Ti une reggaeton e R&B, e Lost In Translation pisa no freio, com vozes esganiçadas dando o tom do restante do trabalho. 

Baby… clama por atenção, Back of My Mind esbanja simpatia e, ao longo dessas 8 músicas, María Isabel mostra a que veio. Para o futuro, ela já anunciou uma turnê nos Estados Unidos, onde finalmente vai poder cantar ao vivo as belas poesias que transformou em canções. – Vitor Evangelista

Lorde – Te Ao Mārama

 “Uma celebração do mundo natural, uma tentativa de imortalizar os sentimentos profundos e transcendentes que tenho quando estou ao ar livre” é como Lorde define Solar Power. Assim sendo, mesmo em meio aos novos elementos e identidades que a nova era da artista nos apresentou, sua última ação no que diz respeito ao seu novo lançamento é determinada na essência do que ela acredita, exatamente do jeito que o trabalho de Lorde sempre foi.

É o que o EP Te Ao Mārama nos diz – mais uma vez – ao trazer algumas das canções de Solar Power entoadas em Maori, língua da população nativa indígena da Nova Zelândia. Os frutos do novo projeto são muito bem destinados, e todos os lucros do EP serão doados para duas importantes instituições do país: a Forest and Bird, que trabalha pela conservação ambiental local, e Te Hua Kawariki Charitable Trust, que realiza trabalhos educacionais em determinadas regiões da Nova Zelândia.

Entre as reflexões de Lorde sobre a vida no país, seu amadurecimento e sentimentos diante do mundo que sustentam Te Ara Tika/The Path e Te Ao Mārama/Solar Power, a artista parece se conectar de forma ainda mais profunda com suas raízes e sua identidade. Mas é através das traduções de Mata Kohore/Stoned at the Nail Salon, Hine-i-te-Awatea/Oceanic Feeling e Hua Pirau/Fallen Fruit que Lorde cria o micro universo perfeito, na coexistência da valorização cultural de seu país e de seus artistas locais, e da manifestação da sua capacidade análitica do mundo globalizado de hoje. – Raquel Dutra

Músicas

Radiohead – If You Say the Word

Em 2000, com o lançamento de Kid A, o Radiohead mostrou sua ambição e norteou seus próximos passos. Um ano depois, o lançamento de Amnesiac revelou que as sessões foram tão inspiradas e proveitosas que renderam dois álbuns, pois o disco é composto por músicas que seriam majoritariamente b-sides de Kid A. Em comemoração conjunta dos 20 anos dos dois álbuns, KID A MNESIA foi anunciado para novembro, e If You Say the Word é a primeira inédita divulgada.

Depois de OK Computer, disco de 1997 que se tornou um dos marcos da Música contemporânea, o Radiohead começou a deixar de lado as guitarras marcantes de Jonny Greenwood, passando a apostar em sons mais computadorizados, e valorizou ainda mais os sintetizadores que deram as caras em 1997 – isso tudo sem deixar de lado a melancolia generalizada do grupo. Como uma espécie de palácio da memória, a faixa If You Say the Word nos leva novamente a 2000, revestida por uma beleza dificilmente decifrável, melodicamente poderosa, com diversas camadas bem trabalhadas – característica do Radiohead – e uma aura de clássico perdido no tempo. 

A canção parece estar entre Climbing Up the Walls, do OK Computer, e entre a faixa Kid A, do disco homônimo. O grupo ainda anunciou uma parceria com a Epic Games, divulgando uma exposição virtual que estará disponível no lançamento de KID A MNESIAC, com projeto gráfico de Stanley Donwood – artista que trabalha com o Radiohead desde The Bends (1995) – e projeto de áudio por Nigel Godrich, produtor do grupo. If You Say the World é uma bela amostra do material inédito que será lançado no fim do ano. – Bruno Andrade

Lana Del Rey – Arcadia

Lana Del Rey sumiu. Depois de anunciar que iria se afastar do público para focar em suas músicas, a cantora desativou todas as redes sociais e foi se prender dentro do estúdio. Mas não sem antes deixar um presentinho para seus ouvintes, é claro: a música Arcadia, seu mais novo single, foi lançada como uma leve despedida para o fandom.

“Ouçam como vocês ouviram Video Games”, pediu ao divulgar a canção. Mais uma melancólica e romântica obra da artista, Arcadia deve estar em seu próximo disco, Blue Banisters. Segundo declaração de Del Rey no Instagram, este será o álbum mais autobiográfico de sua carreira. Mal podemos esperar, Lana! – Mariana Chagas

Alexa Demie – Leopard Limo (Archive LL11)

Para quem está com saudades de Euphoria, uma de suas estrelas acaba de estrear na cena musical com um single apaixonado e lúdico. Alexa Demie, intérprete da complexa personagem Maddy, lançou no dia 13 Leopard Limo (Archive LL11), uma melodia simples sobre amores desperdiçados pautada pelo som de um violão e os vocais ecoantes de Demie, que vem acompanhado de um coral misterioso. A cantora dá luz (literalmente) à seu novo projeto no clipe dirigido por Russel Taylor. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valley – Oh shit… are we in love?

A banda canadense Valley juntou dois em um e aproveitou o anúncio de um novo EP para lançar Oh shit… are we in love?. Com os vocais e as melodias leves e contagiantes, menos agitada do que os singles anteriores, e uma letra divertida (quem nunca ficou ‘ah merda… estou apaixonada?’), a intenção do quarteto alt-pop de criar uma vibe de verão sobre uma situação amorosa identificável funcionou. – Vitória Lopes Gomez

MUNA e Phoebe Bridgers – Silk Chiffon

Passo 1: admitir que você é homossexual. Essa é a primeira etapa de um programa fracassado de conversão gay retratado no filme cult de Jamie Babbit, But I’m a Cheerleader (1999). E honrando o charme camp, o humor ácido e a pieguice dos amores juvenis presentes no clássico, o trio de Los Angeles abraça a sexualidade queer em Silk Chiffon ao lado de ninguém menos que Phoebe Bridgers e, sem melhor jeito de se pôr, entrega tudo à comunidade LGBTQIA+.

No primeiro single da banda lançado pela gravadora Saddest Factory Records, MUNA ironicamente se distancia do lirismo melancólico presente nos registros passados, apostando num otimista hino alt-pop sáfico. Questões sobre gênero e sexualidade continuam sendo temas abordados na composição do grupo, porém, dessa vez, em celebração às felicidades do amor queer. Entre comparações da textura do chiffon de seda à textura do toque da amante, somos testemunhas de uma declaração de amor cintilante, com direito a riffs de violão enérgicos, vocal de apoio de Bridgers e refrões chicletes – é impossível não cantar junto.

Eufórico e cheio de calor, Silk Chiffon é leve como uma comédia romântica clichê, onde a mocinha conquista a desajustada e ambas se beijam na traseira de uma caminhonete em meio à canção mais brega que puder imaginar, não nos restando nada além de sorrir. Sorrir e imaginar que talvez a vida seja mesmo divertida. 1, 2, 3, 4, você é aquela que eu adoro! 5, 6, 7, 8, não fuja de mim porque isso é destino! – Ayra Mori

Alicia Keys e Swae Lee – LALA (Unlocked)

Acenda o incenso, perca a tensão, sinta-se como o paraíso ao se encontrar com o novo single de Alicia Keys. Depois de concluir a era colorida de ALICIA, álbum de 2020, e celebrar seus 20 anos de carreira com uma versão especial de Songs In A Minor, sua estreia de 2001, a artista inicia uma nova etapa ao lado do jovem rapper Swae Lee em LALA (Unlocked). Assim como ela nos apresentou: a canção é só um aquecimento. Nada comparável aos hits que surgem da cantora de Girl on Fire e Empire State of Mind, mas ainda sim fiel àquele R&B delicioso que toma um ar único no timbre mágico de Alicia Keys. – Raquel Dutra

ABBA – I Still Have Faith In You e Don’t Shut Me Down

“Mamma Mia, aqui vou eu novamente. Minha Nossa, como eu posso resistir a você?” é a única frase possível para encarar o retorno da banda ABBA após 40 anos separados. Talvez a obra do grupo seja tão particular que suas próprias músicas se conectam, e mais do que isso, I Still Have Faith In You é um tributo a própria história do ABBA. Junto com ele, o single Don’t Shut Me Down mostra que a essência continua a mesma, por isso foi tão simples voltar no topo dos streamings e preparar o álbum Voyage.

Depois de um hiato tão longo, um sucesso que ultrapassou gerações e 2 filmes com Meryl Streep, os novos singles do ABBA emocionam e forçam os pés a dançarem sozinhos. O clipe de I Still Have Faith In You mostra as lembranças incríveis da banda ao longo dos anos, enquanto a letra de Don’t Shut Me Down conta aos fãs sobre o processo e motivo de retornar, tudo unido pela vontade de estar presente de novo em uma nova versão, sem nunca esquecer quem eram – o que é um alívio. Depois do anúncio incrível do retorno e uma produção em show virtual, o Voyage já bateu recorde de pré-venda, e como disse a Reuters: Aqui vão eles novamente. – Nathália Mendes

Charli XCX – Good Ones

Quem achava que Charli XCX ficaria para sempre na sonoridade PC Music se enganou. Good Ones, com produção assinada pelo sueco Oscar Holter, abandona a bateção da panela para entregar uma canção imponente, sólida, e mais próxima de um pop convencional com influências de sintetizadores oitentistas. XCX prova mais uma vez que nasceu para escrever e cantar pop, independente do subgênero ou estética, e que podemos sempre esperar um ótimo trabalho. – Jho Brunhara

Manu Gavassi – sub.ver.si.va

A ex-BBB e cantora de meio expediente Manu Gavassi retornou no mês de setembro com seu segundo single, a faixa sub.ver.si.va. Com a produção do seu parceiro de longa data Lucas Silveira (sim, aquele do Fresno), a música é uma prévia pouco interessante de seu segundo álbum de estúdio. Entre uma batida tediosa e vocais suaves, ela até se esforça, mas não consegue consolidar sub.ver.si.va como merecedora de um replay.

Depois de tantos anos de carreira, é triste enxergar que Manu ainda tem os mesmos maneirismos e lugares-comuns que a colocaram como fenômeno teen na década passada. Claro que sub.ver.si.va não está distante de qualquer música pop do Top 50 do Spotify, mas depois de três álbuns de estúdio e diversos EPs, é decepcionante não visualizar nenhuma evolução na qualidade de composição de Gavassi. sub.ver.si.va pode até ter uma direção criativa impressionante e soar bem no meio de uma longa playlist, mas aqui, ela é esquecível. Por enquanto, não está tão horrível dormir sem você, Manu. – Laís David 

Sigrid – Burning Bridges (Crush Club Remix)

A cantora norueguesa Sigrid emergiu sua carreira como diva indie pop em 2019, com o seu primeiro álbum Sucker Punch. Mas foi mesmo antes de sua estreia que Sigrid começou a ganhar destaque na indústria musical, sendo a vencedora da categoria Revelação do Ano do Sound of…, premiação da BBC, em 2018. Porém, após uma pausa de 2 anos na carreira, como dito em entrevista para o G1, a artista inicia um novo arco em suas produções, mantendo os tons típicos da Música alternativa, que agora revelam leves toques do eletrônico, além de visuais mais trabalhados.

Entre os novos trabalhos, o single Burning Bridges, que originalmente já é uma música animada, ganhou uma série de remixes, e um deles foi pela dupla nova-iorquina Crush Club. Normalmente, as novas versões dão uma versão dançante para as produções, e nesse caso, não foi diferente. A vibe clássica das discotecas trouxe uma energia mais alegre à música, e suas batidas electro-pop a tornaram mais envolvente. Esperamos que assim como suas novas composições, Sigrid siga com essa energia eletrizante. – Gabriel Brito de Souza

Big Thief – Certainty

Se aproximando de suas raízes instrumentais na música folk, a banda liderada por Adrianne Lenker chega com seu terceiro single antecipando o lançamento de seu próximo álbum de estúdio. A canção foi gravada com a energia do acendedor de cigarros de uma caminhonete durante o apagão de três dias que interferiu as sessões de gravação da banda. Certainty é mais uma demonstração da criatividade de Lenker e sua trupe, demonstrando outra vez que a simplicidade e a criatividade podem ser o melhor caminho. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Anjos Tronchos

Na vida e obra de Caetano Veloso, o que não falta é referência. Do elemento mais popular ao repertório mais cult, o tropicalista sempre se mostrou atento às diversas complexidades que perpassam o mundo onde habitamos. Não é de se espantar, portanto, que Anjos Tronchos, primeiro single do álbum ainda inédito Meu Coco, traz, logo de cara, uma releitura do Poema de Sete Faces, de Carlos Drummond de Andrade. Música repleta de informação, é ao longo de aproximadamente 4 minutos que Caetano nos conduz diretamente a importantes reflexões sobre o Vale do Silício e a internet, ambiente digital que, infelizmente, ainda hoje parece terra de ninguém.

Sem querer esgotar as inspirações utilizadas pelo artista baiano nessa composição, é impossível não reparar em questões explicitamente políticas, tais como a Primavera Árabe e os “palhaços líderes” que “brotaram macabros” mundo afora. Em contraponto, depositando nas Artes a possibilidade de esperança, observamos desde autocitações – como o “E eu vou, por que não? Eu vou, por que não? Eu vou”, de Alegria, Alegria – até o reconhecimento de novas gerações de artistas, como Billie Eilish, citada no fim da canção. Multifacetado também no clipe, que é totalmente caleidoscópico, o novo single de Caetano mostra, musicalmente e visualmente, que nada é constante nas redes onde hoje nos conectamos. – Eduardo Rota Hilário 

Troye Sivan – Angel Baby

Não só o mundo, mas Troye também se encontrou numa sonoridade com uma pegada anos 80. Depois do irretocável EP In A Dream, Angel Baby acaricia os ouvidos através de uma balada pegajosa e apaixonada. Sivan invocou sua melhor energia ‘passivo sem pedir desculpas’, e, o refrão repetitivo nada mais é que um deslumbre da bobeira melosa que é o amor. De coração partido ou perdidamente apaixonado, o australiano nunca decepciona. – Jho Brunhara

Taylor Swift – Wildest Dreams (Taylor’s Version)

O álbum da vez é Red, mas Taylor Swift resolveu brincar com seus fãs e suas teorias malucas no lançamento do primeiro single pós Fearless. Finalmente oficializando a nova versão de Wildest Dreams, a artista confundiu a espera pela sua próxima regravação ao disponibilizar uma das joias de seu aclamado 1989. A justificativa foi uma tendência do TikTok, que fez a música ressurgir nas redes sociais como viral, e então, para trazer visibilidade à sua própria versão de sua música, Wildest Dreams (Taylor’s Version) passou na frente de seus irmãos avermelhados. Seguindo fielmente a ideia central de Taylor para suas regravações, a nova canção não muda praticamente nada da original. É só trocar as versões aí na playlist. – Raquel Dutra

Aly & AJ – Get Over Here

Parte da versão Deluxe de a touch of the beat, a nova música das irmãs Michalka tem inspirações mais disco do que country, mas se encaixa como uma luva no repertório do álbum mais recente de Aly & AJ. Get Over Here narra uma noite de amor descomplicada e doméstica no melhor dos sentidos: “Uma visão solitária, uma garrafa de vinho/De frente para a TV, eu encaro/O tipo de noite sem lugar para estar/E eu não ligo”. Com uma melodia contagiante e os vocais harmoniosos da dupla, a canção nos deixa ainda mais animados para a nova versão do álbum, que será lançada em 2022. – Gabriel Oliveira F. Arruda

FINNEAS – The 90s

O álbum de estreia de FINNEAS, Optimist, está cada vez mais perto. Apesar disso, seu último single não foi tão otimista assim. Em The 90s,  o artista discute a saudade que sente dos anos 90 – quando nem sequer tinha nascido. A imaginação de viver em um mundo sem internet e coberto pela esperança do futuro é algo que o cantor queria ter vivido.  

Escrita e produzida por ele mesmo, a faixa segue um estilo parecido ao da faixa-título no novo disco de sua irmã, Happier Than Ever, começando calma para então surpreender com o final cheio de batidas pesadas e envolventes. O clipe, dirigido por Sam Bennett, tem a coreografia de Monika Felice, que combina com as mudanças de ritmos da canção. Com mais um trabalho impecável, FINNEAS nos deixa cada vez mais animados para sua nova era. – Mariana Chagas

Mateus Carrilho e Gloria Groove – NOITE DE CAÇA

A selvageria não colou em NOITE DE CAÇA, nova parceria entre Mateus Carrilho e Gloria Groove. Nada de diferente há na música, nem em seu clipe com pegada desértica e estampa animal print para combinar com a letra meio sensual. Definitivamente, a presença de Gloria é ótima, sua referência na letra à estar vacinada e pronta para sair é um refresco, e a batida tem um bom ritmo de reggaeton abrasileirado. De resto, é só mais um single. – Nathália Mendes

Glass Animals – I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance)

O terceiro álbum da banda inglesa Glass Animals, Dreamland, fez sucesso a ponto de ganhar uma versão bônus com 26 faixas (delas, seis versões diferentes do hit Heat Waves). O primeiro lançamento do quarteto indie rock desde então, o single I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance), é tão dançante, psicodélico e elétrico quanto as canções do imenso álbum – e isso, sem soar repetitivo. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Lady Gaga e Tony Bennett têm preparado de pouquinho em pouquinho o território para o álbum Love For Sale – e os ansiosos que lutem para não morrer de curiosidade. Em setembro, foi a vez da dupla dar à luz a faixa-título, uma animada celebração dos verdadeiros amores à venda. Não que esse “preço para uma viagem ao paraíso” seja novidade para Bennett: ele gravou essa mesma canção já em 1957, no álbum The Beat Of My Heart. No entanto, a contribuição de Gaga é capaz de repaginar e dar ainda mais vida ao clássico de Cole Porter.

Por ser o último álbum da carreira de Tony, há uma certa expectativa elevada rondando Love For Sale – inclusive por parte de alguns little monsters -, sem falar, é claro, do sentimento nostálgico que, desde já, é muito forte. Não à toa o anseio é grande: além do álbum, foram anunciados três especiais sobre uma das duplas mais carismáticas da Música norte-americana. Certamente, tudo tem caminhado como uma boa despedida deve ser: rica em aspectos musicais, informativos e visuais. Os singles radiantes e os videoclipes belíssimos já deram sinais muito positivos do que está por vir. Agora, resta aguardar outras possíveis surpresas. – Eduardo Rota Hilário 

Dear Rouge – Fake Fame

Três anos após o elétrico Phases, o duo canadense de alt rock Dear Rouge está de volta com o single Fake Fame, uma divertida meditação no significado de fama na era digital e suas possíveis ramificações. A música resgata algumas das notas mais dançantes de seu primeiro disco, Black to Gold, mas sem abandonar as letras mais pesadas do segundo. Com um forte ritmo e um refrão chiclete, é uma ótima maneira de voltar à cena. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Bring Me The Horizon – DiE4U

Bring Me The Horizon deu o pontapé inicial na segunda fase de Post Human com o lançamento de DiE4U, o primeiro single do próximo EP da banda. Na canção sucessora do Post Human: Survival Horror, a união de sonoridades prévias do quinteto britânico, como rock, metal, punk, pop e até música eletrônica, se transforma na eletrizante mistura que o vocalista Oliver Sykes chama de “future emo”. Combinando a letra sobre “obsessões tóxicas, vícios e coisas do qual você não pode se livrar” ao sangrento e insano clipe da faixa, DiE4U revive a loucura eufórica de Bring Me The Horizon. – Vitória Lopes Gomez

Ed Sheeran – Shivers

Depois de agraciados com a animada Bad Habits e a calorosa Visiting Hours, Ed Sheeran liberou mais uma canção da setlist do seu próximo álbum = (“Equals”), Shivers. Dentre as suas novas investidas, a segunda faixa do disco é a que mais se assemelha com seus trabalhos antigos, talvez por ter sido composta depois da turnê Divide. Com referências a Elton John e a participação da atriz AnnaSophia Robb (Ponte para Terabítia e Pequenos Incêndios por Toda Parte), Shivers conseguiu destronar o próprio britânico na sua performance vampiresca, ficando em primeiro lugar nas paradas do Reino Unido. Baseando-se no romantismo primordial de muitas de suas canções, o cantor vive um clássico e fantasioso amor de Cinema, daqueles bem clichês em que o protagonista fica no aguardo de mensagens de texto recíprocas. No momento, eu vivo da mesma maneira, esperando por alguma notificação que “me dá arrepios” sobre o seu próximo projeto. – Júlia Paes de Arruda

Wallows – I Don’t Want to Talk

A Wallows virou craque em combinar os sentimentos de melancolia e animação, e o EP Remote que o diga. Reforçando a sua identidade no novo single, I Don’t Want to Talk, a banda une as letras “fundamentalmente sobre insegurança”, como o vocalista Dylan Minnette descreve, a um ritmo efervescente e dançante, em mais uma canção que é ao mesmo tempo ansiosa e divertida. – Vitória Lopes Gomez

Chlöe – Have Mercy

Deus, tenha piedade! A cantora Chlöe, irmã e parceira artística de Halle na Música e Televisão, resolveu soltar as mãos da novata e seguir seu caminho para um álbum solo. Ainda sem nome ou data de estreia, tudo o que a cantora promete é que terá um vibe bad bitch. Sendo esse o objetivo, a menina começou bem.

Have Mercy chegou com tudo. A canção, que entrou no Top 50 do Spotify norte-americano, mergulha entre o trap e o pop para desenvolver uma melodia muito, mas muito viciante. Junto com a letra que esbanja seu corpo e a dança sensual que acompanha o clipe dirigido por Karena Evans, Chlöe mostra que a espera de meses para a faixa valeu a pena. – Mariana Chagas

Depois de Supersonic, filme de 2016 que leva o nome de um dos maiores hits do Oasis, o grupo anunciou novo documentário sobre os dois shows realizados no Knebworth Festival em 1996. Como divulgação — e como aperitivo do material que será encontrado no longa —, foi disponibilizada Live Forever (Live at Knebworth, 10th August 1996), versão ao vivo de uma das canções que marcaram a trajetória do Oasis, e que compõe seu álbum de estreia, Definitely Maybe (1996).

É impressionante notar como o Oasis e o público eram jovens, e como o grupo tinha coisas pertinentes a dizer àquela geração. A fantasia adolescente havia se tornado real, a história estava sendo feita e tudo isso foi brilhantemente capturado em 1996. Na canção, encontramos o Oasis quase em sua formação original. Embora o guitarrista Paul Bonehead Arthurs ainda estivesse no grupo — sairia pouco tempo depois —, o baterista da formação original, Tony McCarroll, já havia saído para a entrada de Alan White — dono da melhor bateria que o Oasis já teve. Em Live Forever (Live at Knebworth, 10th August 1996), ouvimos Liam Gallagher cantar utilizando drives vocais pouco explorados em shows posteriores, proporcionando uma aura única a versão, que ainda conta com solos de guitarra primorosos de Noel Gallagher na base sustentada por Bonehead. 

No videoclipe ouvimos alguns depoimentos, onde, em um deles, Noel diz: “Éramos uma banda bastante decente na noite anterior à que escrevi ‘Live Forever’, mas ainda era música indie. Um dia depois que eu escrevi ‘Live Forever’, seríamos a maior banda do mundo. Eu sabia disso. Se o Oasis fosse minha banda, essa era a minha música. É tudo: as palavras, a melodia, e depois o pequeno solo de guitarra afiada”. Além do documentário, produzido pelos irmãos Gallagher e dirigido por Jake Scott, diretor de clipes de Smashing Pumpkins, Radiohead, The Strokes e do próprio Oasis, também está previsto para 19 de novembro de 2021 o lançamento do álbum ao vivo, intitulado Oasis Knebworth 1996. – Bruno Andrade

Twenty One Pilots – Heathens / Trees (Livestream Version)

Assistir Heathens / Trees em livestream é como imergir na dolorosa e complexa existência humana. A produção é simples e belíssima, na qual o vocalista Tyler Joseph canta dentro de um barquinho enquanto toca seu ukulele, e o fundo é um céu estrelado em movimento. Essa composição em versão acústica das duas músicas fez parte do Livestream Experience de maio de 2021, junto com o novo álbum do Twenty One Pilots, Scaled And Icy, e é uma bomba dolorosa. Se Heathens e Trees já possuem letras profundas, sua calma combinação é o limbo em que se chega ao pensar sobre estar vivo. – Nathália Mendes

Sungazer – Threshold

Liminaridade é um estado subjetivo que existe no ato de estar entre dois planos diferentes da existência. Embora o conceito seja normalmente aplicado à noção de espaço, o duo Sungazer, formado pelo baixista Adam Neely e o baterista Shawn Crowder, resolveu expressá-lo no tempo através da Música em Threshold, novo single da banda, que foi lançado em preparação ao novo álbum marcado para outubro. Habitando aquele estranho limiar entre a música 8-bit, a eletrônica e o jazz, Neely e Crowder têm contribuído com a Música para além de suas experimentações: ambos possuem canais no YouTube, sendo o de Adam Neely um dos mais significativos quando o assunto é educação musical. 

A partir da conciliação entre a marcação temporal regular mais lenta que o nosso cérebro consegue distinguir como um ritmo (em torno de 33 bpm), e a mais rápida (algo próximo de 10 notas por segundo), a dupla fez de Threshold um experimento singular. Entre dois extremos rítmicos, somos transportados para uma gestalt temporal, em um estado intermediário onde o tempo pode ser percebido de múltiplas formas. Deixando as quiálteras de 19 notas e outras pirações teóricas à parte, Threshold permanece uma complexa jornada simultaneamente frenética e contemplativa. Ainda há muito a se desbravar nas fronteiras inexploradas da música, e Sungazer certamente está na linha de frente. – João Batista Signorelli

alt-J – U&ME

Em 2010 – na era do Tumblr, das franjas longas e das coroas de flores –, alt-J pareceu ser uma das bandas de rock alternativo mais influentes do tempo. Contudo, com o lançamento de Relaxer em 2017, o grupo inglês entrou em hiato, deixando os seguidores sem perspectivas de projetos futuros. Felizmente para os fãs, o grupo de Leeds retornou inesperadamente com a divulgação do primeiro single de um álbum em construção, previsto para fevereiro de 2022.

U&ME integrará o quarto álbum de alt-J, The Dream, e segundo Gus Unger-Hamilton, vocalista e tecladista do trio, a nova música é sobre: “estar em um festival com seus melhores amigos, se divertindo juntos e com a sensação de que nada poderia ser melhor naquele instante”. A faixa ainda é acompanhada de um videoclipe descontraído de um dia comum no skatepark, quando subitamente eventos surreais começam a se desenrolar. Com a melodia serena de sempre, U&ME deixa um gosto agridoce na garganta, de algo que já ouvimos antes repetidamente. – Ayra Mori

EDIS – Arıyorum

Carregar o peso de ser o maior da Turquia não é fácil, mas EDIS está fazendo isso com um sorriso no rosto. O cantor que bateu o recorde com a música turca mais escutada no primeiro dia de lançamento com Martılar – que eu chamo carinhosamente de um funk turco – voltou com mais um sucesso. Arıyorum (“estou procurando”, em tradução literal) debutou com tudo. 

Mais uma canção de sofrência com batidas animadas que escondem a tristeza, Arıyorum conta composição de Emrah Karakuyu e produção de Ozan Çolakoğlu. Dessa vez, a equipe apostou por usar timbres árabes pela primeira vez na carreira de EDIS, e já garanto que deu muito certo. – Mariana Chagas

Coldplay e BTS – My Universe

Mais representações de hologramas, mais pop genérico, mais figuras de outros planetas. Seguindo a narrativa intergaláctica futurista que constrói para seu nono álbum, Coldplay agora se junta ao sucesso universal de BTS em My Universe. Naquela base já explorada exaustivamente pelo quinteto londrino, o grupo de k-pop surge para refrescar um pouco a imagem batida de Chris Martin & Cia, protagonizando um material que poderia facilmente se confundir com trailer de Guardiões da Galáxia. Mesmo básica, não é uma surpresa se o refrão chiclete do novo single pegar. De carona no sucesso que o BTS conserva mundo afora, a banda agora parece simplificar sua mensagem ao máximo para se comunicar com novas formas de vida, já que a música do Coldplay deixou de conversar com a humanidade há muito tempo. – Raquel Dutra

Edi Rock, Ney Matogrosso e Linn da Quebrada – Nada Será Como Antes

Além de não morrerem, verdadeiros clássicos revigoram-se e metamorfoseiam-se o tempo todo. Completando 50 anos desde a versão de Joyce Moreno, Nada Será Como Antes parece seguir esse caminho ao ganhar uma roupagem completamente nova, muito mais próxima da sonoridade brasileira atual. E o melhor disso tudo é que, agora, essa canção ressoa por meio de três vozes importantíssimas para a Música brasileira: Edi Rock, um dos membros dos Racionais MC’s, divide o single com Linn da Quebrada e Ney Matogrosso, num encontro surpreendente e grandioso.   

Composição de Milton Nascimento e Ronaldo Bastos, a versão modernizada de Nada Será Como Antes ganha novos versos, que ocupam boa parte da faixa e nela incorporam o rap através das vozes de Linn e Edi. A produção musical, por sua vez, é assinada por Tejo Damasceno, e o single, vale lembrar, foi gravado para fazer parte da trilha sonora da segunda temporada da série Segunda Chamada. Curioso é que, com versões de inegáveis lendas nacionais, como o próprio Milton Nascimento e Beto Guedes, ou Elis Regina, Nada Será Como Antes parece se encaixar no estilo dos mais diversos intérpretes. – Eduardo Rota Hilário

Foxes – Sister Ray

Após o EP Friends in the Corner, lançado em abril deste ano, a cantora pop britânica Foxes está de volta com um novo single de seu próximo álbum, ainda sem nome ou previsão de lançamento. Em Sister Ray, ela retorna à vibe mais animada e dançante dos discos anteriores, narrando uma noite de música e festa que, infelizmente, ainda parece distante de nossa própria realidade. Mas, através do pop doce e elétrico da cantora, somos capazes de ao menos vê-la no horizonte. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Driver Era – Leave Me Feeling Confident

The Driver Era, a banda formada pelos irmãos Rocky e Ross Lynch, está esquentando o lançamento de seu próximo álbum e disponibilizou um terceiro single, o intimista Leave Me Feeling Confident. Abusando do baixo nessa nova era, o autêntico som do duo alt-pop torna as canções ainda mais dançantes e vibrantes, e as letras apaixonadas casam com o ritmo descolado da banda. – Vitória Lopes Gomez

Alice Caymmi – Serpente

O talento de Alice realmente é de família. Mas, além da Música que já corre no sangue, a Caymmi que me refiro nessas palavras tem uma força própria. Rainha dos Raios (2014) mostrou que a cantora sabe pegar músicas consagradas para chamar de suas, e não meros covers; e em Alice (2018), suas autorais mais puxadas para o pop são um deleite aos ouvidos. Serpente segue essa linha.

O novo single, assinado por Maffalda, Zebu, Rodrigo Gorky e a própria artista, só peca pela duração feita para os streamings, de resto, se exibe com as características marcantes da cantora. A voz grave quase lírica de Alice preenche os versos e o refrão, e a produção genial acompanha e se impõe. Em uma nova MPB tão diversa, Caymmi não está presa ao passado e também não segue à risca o ABC do presente, aqui, a singularidade triunfa. – Jho Brunhara

Tate McRae e Jeremy Zucker – that way

De rolo, ficando, ficando sério, namorando… O brasileiro inventou e continua inventando todo tipo de conceito para explicar as fases que existem em um relacionamento. Mas vamos ser sinceros? Ainda é confuso. Acontece que, quando o assunto é gostar de alguém, ninguém tem muita certeza de nada. E Tate McRae é apenas outra vítima do tão sofrido e comum “o que nós somos?”. Essa pergunta permeia a cabeça da cantora na sua faixa that way.

Lançada em 2020, a música faz parte de all the things i never said, o EP perfeito para os fãs de bedroom pop. Um ano depois, Tate se uniu a outra estrela desse gênero para a versão remix da canção: Jeremy Zucker. Dono de uma voz suave que contrasta perfeitamente com o estilo rouco da jovem, Zucker trouxe uma maior harmonia para a obra. E com os versos adicionados pelo cantor, o hit que já era muito bom ficou melhor ainda. – Mariana Chagas

LISA – LALISA 

Após completar 5 anos com o grupo BLACKPINK, a rapper LISA finalmente fez sua estreia solo com a faixa-título de seu primeiro álbum, LALISA. O empoderamento de trazer um disco com seu próprio nome já revela o recado para quem duvida de seu talento: ela irá acabar com quem estiver no caminho! E pra provar que tem muito poder, firmou feitos históricos logo após o lançamento da música, ao entrar em segundo lugar no Billboard Global 200.  

Com um clipe cheio de cores, o visual entrega tudo ao misturar o estilo urbano já explorado pelo BP com cenas de luxo e ouro para a rainha que Lisa é, além de uma coreografia contagiante. Já na parte sonora, não é possível ficar tão contente. Apesar de ser uma música que se encaixa perfeitamente no estilo de Lisa, com elementos do hip-hop e batidas agradáveis de se ouvir, é inegável admitir que a maior de todas merecia mais. Se comparada com os hits On The Ground e Solo, de suas colegas de grupo Rosé e Jennie, é perceptível a falta de empenho – da YG Entertainment – para lançar um sucesso estrondoso que pegue de vez o coração do público. E foi justamente ao usar a mesma fórmula de raps do BLACKPINK que LALISA, mesmo com milhões de visualizações e uma produção espetacular, teve um impacto mais tímido. – Maria Vitória Bertotti 

half alive – Make of It

“É uma história em que mundos não só se conectam, mas sangram um no outro, em uma amostra bagunçada de uma bela humanidade” é como a banda americana half alive descreve o seu novo single, Make of It. Por mais abstrato que pareça, a descrição é pertinente: o ritmo animado do indie pop combina-se às letras pessoais e soa exatamente como se a bagunça interior se extravasasse em uma canção. – Vitória Lopes Gomez

Placebo – Beautiful James

Se você viveu a fase emo, não há nenhuma surpresa aqui. Em clima nostálgico, Beautiful James marca o retorno dos britânicos da Placebo, que, desde 2013, depois do modesto Loud Like Love, não anunciavam qualquer novidade. O single surge com a promessa de um novo álbum, cujo lançamento pode ocorrer em breve, já que o grupo revelou que o novo disco está terminado.