Vitor Tenca

Convergir o que há muito tempo está fragmentado nunca seria uma tarefa fácil. Saul Goodman embarca em um capítulo de desafios contra vilões-heróis já consolidados para provar que uma mente do crime e da justiça pode precisar de uma mesma qualidade: saber cortar caminhos. Na sexta temporada de Better Call Saul, olhamos para os detalhes finais que constroem a narrativa ressentida e desenfreada da vida de um ex-advogado. 

A série da AMC distribuída pela Netflix foi encaixada nos novos moldes destinados aos seriados da plataforma de streaming – separados em dois “blocos”, os primeiros nove episódios foram lançados semanalmente e, após pausa de um mês, os últimos quatro foram ao ar da mesma maneira. O método acabou por ajudar o diretor Vince Gilligan e o produtor Peter Gould com a proposta sequel-prequel do seriado, em que o telespectador se deparou com dois ambientes completamente distintos nessas duas etapas da produção.

Os 50 episódios previstos nas outras cinco temporadas são amarrados de maneira magistral, sem deixar nenhuma ponta solta ao longo dos últimos treze. De fato, parece que Vince e Peter já tinham em mente um plano geral para a série, de modo que nenhuma decisão fora tomada em vão (um personagem, uma narrativa, um ângulo de câmera, uma transição, um cenário). Os dois passam a impressão de que houve uma grande evolução das mentes [já] brilhantes do diretor e produtor, inovando continuamente com o passar do tempo das produções. 

Sem James McGill não há um Heisenberg, sem Better Call Saul não existe Breaking Bad. Saul não exagera em puxar sua sardinha em pleno tribunal para provar, uma última vez, que o advogado se sobrepõe à função de coadjuvante estabelecida previamente por Jesse e, principalmente, Walter. É inclusive aqui que é indagada a grande questão: o que diferencia as duas séries? A resposta é simples e inusitada – a culpa é o atributo inserido no universo com a função de tornar os personagens mais dignos de afeiçoamento e salvação em meio às sequências de trapaças, golpes e vigarices. No fim das contas, esse pequeno detalhe torna a trajetória de BCS ainda mais densa e realista do que a de BrBa. 

Os treze últimos episódios conseguem envolver o telespectador com ainda mais fervor se comparados com as temporadas anteriores. Torna-se cada vez mais difícil nos separar das angústias que atormentam cada personagem. E esses fatores são potencializados em passagens específicas, como nas cenas finais de Nacho Varga (Michael Mando), nas paranóias inusitadas de Gustavo Fring (Giancarlo Esposito), nas aparições eletrizantes de Lalo (Tony Dalton) e nos momentos sóbrios e duros de Mike (Jonathan Banks).

Jimmy McGill, Saul Goodman e Gene Takavic são além de simples pseudônimos de um homem sem lei – são realidades distintas que nos aproximam ou nos repelem do protagonista que foi destinado a ser interpretado por Bob Odenkirk. Saul ultrapassa a grandiosidade de um Heisenberg, pois acompanhamos o movimento pendular entre um oportunista e uma boa pessoa que, no fim das contas, merece a “salvação” das maçãs podres ao seu redor. E, no fim, o mais interessante é descobrir qual personalidade prevalece. 

Enquanto isso, Rhea Seehorn transita de maneira brilhante em seu papel como Kim Wexler, vivendo uma montanha-russa de desejos, emoções, traumas e decisões. Dividida em uma Kim pré-Hamlin e pós-Hamlin, a personagem caracteristicamente justa e dedicada dá mais espaço ao seu lado Slipping Kim para se entreter na vingança contra “pessoas superiores”. Em seguida, somos surpreendidos com uma Wexler totalmente entregue ao remorso, vivendo em um mundo sem cor, sem vida, sem personalidade.

Indicada ao Emmy 2022 em 7 categorias, incluindo a de Melhor Série de Drama e a de Melhor Roteiro em Drama, para Thomas Schnauz pelo episódio Plano e execução, Better Call Saul tem em sua sexta temporada a chance de tirar dos ombros o peso das constantes esnobadas da premiação. Bob Odenkirk e Rhea Seehorn, que na edição passada se contentaram apenas com lamentações por não serem sequer nomeados, concorrem neste ano como Melhor Ator em Série de Drama e Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama, buscando levar para casa as tão sonhadas e merecidas estatuetas.

A ponte que liga Better Call Saula Breaking Bad é a mesma que aparenta fechar as portas do mundo da metanfetamina – pelo menos por enquanto. Tanto Vince Gilligan como o próprio presidente da AMC já se mostraram abertos a um possível retorno de novos spin-offs num futuro próximo. Isso se dá em função do ótimo trabalho de BCS em instigar os fãs a conhecer ainda mais das trajetórias e peculiaridades de diferentes versões de “protagonistas”.

Mantendo a coesão da série original sem ter medo de aprofundar-se em suas próprias individualidades, Better Call Saul se concretiza como um sucesso absoluto. No que diz respeito aos novos personagens preferidos de muitos fãs, podemos perceber a realidade que prevalece após um final abrupto, seco, amargo e necessariamente direto: não há mais nenhum Saul Goodman em cena, apenas um McGill, sem extravagâncias, sem demais truques, sem cortes de caminho, sem escorregões.

O post Entre a culpa e o julgamento, a 6ª temporada de Better Call Saul amarra o universo da metanfetamina apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Outubro é o mês mais amado pelo Persona. Cheios do espírito macabro do Halloween, agitamos nossas produções com o Mês do Horror e cobrimos com afinco a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Como comentar sobre tudo isso ainda é pouco, nós também demos vida ao Clube do Livro e as indicações da Estante do Persona. Para fechar nosso mês favorito com chave de ouro, chegamos para comentar as novidades da TV e do Cinema no Cineclube de Outubro.

Foram 31 dias recheados de lançamentos esperados. Começando com sequências do Terror para honrar o mês, Halloween Kills: O Terror Continua tenta dar sentido para as matanças de Michael Myers, mas garante a continuação da franquia graças aos atos horrendos do protagonista. Quem também voltou pela Paramount+ foi Atividade Paranormal 7, com traços da história original e inovando sua narrativa. Já a aposta da Netflix, Tem Alguém Na Sua Casa, degringolou como mais uma trama conhecida de jovens tentando descobrir a identidade do assassino. 

Ainda para os amantes do gênero slasher, o remake de Slumber Party Massacre acabou com os problemas do filme original e expandiu com irreverência a sua trama clássica dos anos 80. Com o mesmo sucesso, American Horror Story: Double Feature gastou tempo dividindo a décima temporada em duas histórias distintas, e foi destaque ao conquistar a aprovação total da crítica na primeira delas.

Enquanto isso, o Amazon Prime Video investiu mais na antologia de terror Welcome to the Blumhouse e trouxe ao mundo O Bingo Macabro e A Mansão, que deixaram os sustos de lado para trabalhar a relação entre a trama e seus personagens. Outro longa entre os lançamentos é Madres, Mães de Ninguém, com sua narrativa dramática e inspirada em fatos reais. O longa de Ryan Zagoga captura os horrores dos imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, por isso merecia um desenvolvimento como drama dedicado.

Sucessos da Netflix, Você e Maid, também partilham dessa pegada dos terrores da realidade com protagonistas femininas arrebatadoras. A terceira temporada de Você amadureceu seus conflitos e mostrou como psicopatas brincam de casinha, enquanto a estreia de Maid causou exaustão emocional pela sua trama complexa que fala de pobreza, trauma e agressão.

Outras queridinhas da plataforma tudum que lançaram novas temporadas foram Sintonia e On My Block. Coproduzida pelo KondZilla, Sintonia segue na sua caminhada em mostrar como o poder funciona dentro das favelas brasileiras. Por outro lado, o quarteto do subúrbio de Los Angeles se despediu com fraqueza, pois a última temporada de On My Block empobreceu os desfechos de seus personagens.

  Para os fãs de Round 6, My Name é a nova produção sul-coreana de grande destaque. Além da performance de Han So-hee como protagonista, a narrativa equilibrou ação e sensibilidade estando entre uma organização criminosa e a polícia. Os Muitos Santos de Newark também trabalhou a temática de organizações poderosas ao contar a vida de Tony Soprano antes de ser chefe da máfia italiana. No entanto, nenhuma das produções acima  fez tanto sucesso quanto a primeira temporada de Only Murders in the Building na mistura perfeita de um elenco brilhante, humor e mistério.

No gênero de Ação, o grandioso 007 – Sem Tempo Para Morrer era o mais esperado. Depois dos 15 anos de Daniel Craig e seu James Bond, a aposentadoria chegou em um filme empolgante, emotivo e explosivo que fez jus à saga. Duna também deu o que falar com Zendaya, Timothée Chalamet e Oscar Isaac no elenco. Baseado no livro homônimo de Frank Herbert, o longa exibiu a disputa de poder no universo intergalático à altura da obra. E como não poderia faltar a parceria Marvel e Sony, Venom: Tempo de Carnificina foi um recorde nas bilheterias brasileiras. Com Tom Hardy protagonizando o segundo filme ao lado de seu amigo alienígena, Venom 2 ficou entre ser engraçado e superficial.

As expectativas foram grandes na TV para a segunda temporada do premiado Ted Lasso. Seus episódios mais longos investiram ainda mais nos seus personagens, conseguindo marcar outros 3 pontos e ter um segundo volume ainda mais fenomenal. Quem também encantou foi a sitcom Pretty Smart e sua vibe Disney Channel em 2010, contando com a protagonização de Emily Osment – a nossa Lily de Hannah Montana. Com a mesma expectativa, The Walking Dead acendeu a chama da saudade no coração dos fãs de zumbis na primeira parte da sua temporada final.

Caminhando na contramão, a animação Injustiça: Deuses Entre Nós não foi digna dos Maiores Heróis da Terra da DC Comics. No Showtime, The L Word: Generation Q retoma The L Word depois de dez anos mas também segue presa ao passado, e mesmo com sua satisfatória repaginada, não retrata a vida da comunidade LGBTQIA+ nos dias de hoje.

E falando de vida real, Diana: O Musical estreou na Netflix mostrando o carisma e inteligência de Lady Di, mas esqueceu do drama necessário para falar de uma das maiores figuras do século XX. Já a coprodução entre Brasil e EUA do HBO Max, O Hóspede Americano, veio com um gosto amargo para contar a Expedição Científica Rondon-Roosevelt. Dando mais ênfase ao lado yankee, a minissérie lembrou a perda dos registros históricos brasileiros no incêndio do Museu Nacional de 2018.

Tentando alegrar nosso espírito, What We Do in the Shadows volta com qualidade para a sua terceira temporada cheia de humor, terror e vampiros malucos. No entanto, se nos confortamos com a comédia da FX, Cenas de um Casamento veio para quebrar de vez nossos corações. Terminando ao som de Chico Buarque, a produção original da HBO é uma obra-prima que mostra um casamento fracassado da forma mais complexa possível. 

Enfim, todos esses lançamentos não aliviam a perda de Gilberto Braga para a TV brasileira no mês de outubro. De Escrava Isaura à Babilônia, o talento do escritor deixou um leque de novelas e memórias nas pessoas de todo o país. Uma dedicatória ao legado do dramaturgo e muito mais sobre o que rolou no Cinema e na TV você confere no Cineclube de Outubro de 2021, sob a curadoria da Editoria do Persona e de seus Colaboradores. E deixamos aqui a pergunta mais importante que permeia a memória de um noveleiro digno: Quem matou Odete Roitman?

Falecimento de Gilberto Braga

“Quem matou Odete Roitman?”. Todo noveleiro já ouviu a pergunta acerca da morte de uma das vilãs mais icônicas da dramaturgia. Roitman é um marco na Televisão brasileira e sua vilania inspirou outras duas grandes personalidades: Nazaré Tedesco e Carminha. O criador da história é nada mais nada menos que Gilberto Braga, autor de 22 telenovelas que marcaram a TV brasileira, e que transformaram o formato de construir personagens e fazer novelas. Braga estava internado em Copacabana desde o dia 22 de outubro, e faleceu no dia 26 devido a um quadro de infecção generalizada.

Gilberto Braga fugiu do comum e parou o país com suas criações. Todo seu brilhantismo e talento era convertido em espaço para que os atores pudessem evidenciar pautas urgentes da sociedade. Foi o escritor que deu a Zezé Motta o primeiro papel de destaque na TV em 1984, na novela Corpo a Corpo, discutindo o racismo em horário nobre. Além das tramas incessantes, outro talento de Braga estava na criação de vilãs, más por natureza que demonstravam reflexos de um Brasil socialmente doente e desigual.

Seu primeiro grande sucesso foi a adaptação de Escrava Isaura, que até hoje é uma das novelas mais mais importadas da Rede Globo. Criador unânime de personagens, Gilberto Braga sempre teve um tato único para acertar o tempo e o tema a entrar em exibição no horário de maior audiência. Em Anos Dourados, o autor não permitiu que o país esquecesse a tirania dos anos de chumbo. Em Vale Tudo, além da figura de Odete Roitman, Braga falou sobre ética e, embalado ao som de Gal Costa gritando Brasil, escancarou a falta de integridade e a corrupção política. Marcando para sempre a memória do público e moldando a Era Disco no Brasil, Dancin’ Days estreou em 1978 com a história da ex-presidiária Júlia Matos (Sônia Braga) e a socialite Yolanda Pratini (Joana Fomm). Sua última novela, Babilônia, foi ao ar em 2015, com o beijo entre as duas gigantes, Fernanda Montenegro e Nathalia Timberg. – Ana Júlia Trevisan

Cinema

O Bingo Macabro (Bingo Hell, Gigi Saul Guerrero)

Após a chegada de um empresário misterioso à vizinhança de Oak Springs e a súbita abertura de um cassino oferecendo prêmios absurdos, os laços entre seus residentes são testados das formas mais cruéis. Parte do selo Welcome to the Blumhouse, O Bingo Macabro não oferece muitos sustos, mas seu roteiro ardiloso consegue construir muito bem o senso de comunidade entre o grupo de idosos que se põe contra a chegada do sinistro Sr. Big (Richard Brake).

Liderados pela feroz Lupita (Adriana Barraza), eles terão de enfrentar suas tentações mais profundas se não quiserem ser consumidos pelas promessas atraentes do novo Bingo. O longa de Gigi Saul Guerrero funciona devido às performances comprometidas de seu elenco principal e secundário, construindo pacientemente as relações entre seus moradores e suas tramas. Contudo, isso significa que o elemento de terror é relegado a aparições esporádicas e pouco marcantes, impedindo que o final da experiência chegue com força total. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Os Muitos Santos de Newark (The Many Saints of Newark, Alan Taylor)

Família Soprano é uma série muito aclamada, criada por David Chase, que conta a história de familiares que trabalham na máfia. Mesmo com seis temporadas, ainda há outros fatos posteriores ao show que ficaram de fora, como os vários motivos que propiciaram a ascensão de Tony Soprano. É justamente esse o ponto central de The Many Saints of Newark, filme de drama policial dirigido por Alan Taylor. O longa exibe os percalços, desde a juventude de Anthony Soprano (Michael Gandolfini) e seus desafios com os gângsters.

A jornada de Tony Soprano, registrada em The Many Saints of Newark, traz uma percepção ampla sobre a vida do mafioso antes de se tornar o chefe da máfia, mas ainda assim o spin-off apresenta muitas falhas. O roteiro, assinado por David Chase e Lawrence Konner, que escreveram alguns episódios da série original, não é muito envolvente. Mas apesar disso, a película conta com boas atuações, como no caso de Vera Farmiga, que deu vida a personagem Livia Soprano. Mesmo com alguns defeitos na construção de sua narrativa, o longa se mostra como uma recordação nostálgica para os fãs de Família Soprano. – Gabriel Gatti

Tem Alguém Na Sua Casa (There’s Someone Inside Your House, Patrick Brice)

Depois de lançar a trilogia Rua do Medo em 3 sextas-feiras seguidas, a Netflix parece ter percebido a legião de fãs devotos do gênero slasher, caracterizado pela presença de um assassino que mata várias pessoas utilizando uma arma específica, como uma faca. Tem Alguém Na Sua Casa, adaptação do livro homônimo de Stephanie Perkins, é o novo filme do streaming nesse estilo sangrento. 

Na trama, Makani Young (Sydney Park) se mudou do Havaí para o Nebraska para morar com a avó e terminar o Ensino Médio. Faltando pouco tempo para a formatura, seus colegas de classe começam a ser perseguidos por um assassino misterioso que expõe seus maiores segredos para a cidade toda. Enquanto todos estão aterrorizados, Makani e seus amigos precisam descobrir a identidade do assassino antes deles mesmos se tornarem vítimas. 

Tem Alguém Na Sua Casa consegue estabelecer bem o ambiente onde acontecerá o terror e apresenta personagens jovens interessantes, mas tudo é desenvolvido de um jeito bem morno. O filme diverte e consegue entregar algumas cenas tensas, mas passa a sensação de que já vimos aquela história antes e contada de um jeito melhor. Não chega a ser ruim, mas também não é nada memorável. – Caio Machado  

Injustiça: Deuses Entre Nós (Injustice, Matt Peters)

Uma das narrativas modernas mais irreverentes da DC Comics, Injustice finalmente ganhou sua adaptação animada. Nascida no videogame e logo esmiuçada em uma aclamada série de histórias em quadrinhos, a revolta ditatorial do Superman segue alastrando seu alcance. Nesse universo, o Homem de Aço, dessa vez animado na voz do querido Justin Hartley de This Is Us, perde o controle depois do Coringa (Kevin Pollak) causar a morte de Lois Lane (Laura Bailey) e do bebê ainda não nascido do casal.

A partir daí, cabe ao Batman (Anson Mount) parar o Super-Homem, custe o que custar. Mais otimista e menos carrancuda que sua história-mãe, Injustiça: Deuses Entre Nós abaixa o nível elevadíssimo do catálogo animado da editora, ao mesmo tempo em que mantém estática uma trama que já fora empolgante. Sob o comando do operante diretor Matt Peters, Harley Quinn (Gillian Jacobs), Arqueiro Verde (Reid Scott) e Mulher Maravilha (Janet Varney) desempenham papéis de destaque, em meio a um elenco não tão digno de dar voz aos Maiores Heróis da Terra. – Vitor Evangelista

Halloween Kills: O Terror Continua (Halloween Kills, David Gordon Green)

Depois de ser adiado em 2020 para outubro deste ano, não tinha como o assassino mascarado favorito do Cinema pular mais um mês do terror. Assim como Halloween 2: O Pesadelo Continua!, Halloween Kills começa imediatamente após o final de seu antecessor, partindo do princípio de que a noite está bem longe de acabar. Segundo filme da trilogia comandada por David Gordon Green, Kills sofre com os típicos problemas de pacing e roteiro de capítulos do meio, lutando para achar propósito nas matanças de Michael Myers.

Protagonizado mais uma vez por Jamie Lee Curtis no papel de uma das final girls mais famosas da Sétima Arte, o longa volta a seguir três gerações diferentes de mulheres Strode enquanto elas tentam descobrir como dar cabo do assassino aparentemente sobrenatural que as persegue. Judy Greer e Andi Matichak contracenam bem com Curtis, reforçando a dinâmica familiar proposta em Halloween (2018), mas sofrendo pela falta de espaço que a trama oferece para que essas relações sejam aprofundadas.

A verdadeira ambição de Halloween Kills está no aprofundamento da figura de Michael Myers e como ela se fortalece após cada sangrenta morte. Para isso, o diretor introduz diversos elementos que parecem promissores, mas que atrapalham no ritmo da obra, que se sai melhor quando foca nos atos horrendos de seu assassino, ao invés de interrogar a razão por trás delas. Apesar disso, seu final engata em uma sequência de puro slasher, nos deixando sedentos por sua conclusão no vindouro Halloween Ends. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Venom: Tempo de Carnificina (Venom: Let There Be Carnage, Andy Serkis)

O sotaque britânico de Tom Hardy vivendo a pele do jornalista meio fracassado Eddie Brock, e o humor cômico do parceiro alienígena que vive dentro de seu personagem nunca foram tão Marvelísticos e bombaram tanto na estreia como no segundo volume da franquia de Venom. Quebrando recordes de bilheteria durante a pandemia, Venom: Tempo de Carnificina surpreendeu dentro e fora dos cinemas brasileiros. O personagem de Venom é irresistível dessa vez: busca ser independente de seu humano, vive experiências de amor próprio em festas com estranhos e seus comentários hilários surgem no tempo certo. As opiniões estão divididas entre o alívio de ver a dupla bobona de Eddie e Venom, e uma história superficial que só consegue arrebatar uma proporção fantástica na cena pós-créditos. 

O segundo filme de Venom conseguiu um desempenho melhor do que o primeiro. Faltou história e carnificina, pois quem esperava matança à beça continuou na espera, mas sobrou humor em um elenco extremamente improvável com Cletus Kasady (Woody Harrelson) e Frances Barrison (Naomie Harris) sendo o casal vilão e serial killer da vez. Junto com Tom Hardy, os três são uma super bomba de atuação, principalmente tendo Woody em um papel tão específico quanto um psicopata dentro de um filme tonto. Mas a coisa desanda muito com o alienígena de Cletus Kasady: Carnage é filho de Venom – sim, você leu isso – e grita como um dinossauro de Jurassic Park. – Nathália Mendes

A Mansão (The Manor, Axelle Carolyn)

Um dos mais divertidos filmes vindos da Blumhouse Television para o Amazon Prime Video, A Mansão é um terror leve e descomplicado, explorando um lar para idosos através de uma recém-chegada que revela os mistérios sinistros da residência titular. Ancorado na relação entre Judith (Barbara Hershey) e seu neto, Josh (Nicholas Alexander), o longa de Axelle Carolyn é, dos lançados sob o selo Welcome to the Blumhouse, aquele que mais consegue equilibrar a atmosfera de terror com a narrativa de filme B.

O filme faz bom uso de seu orçamento limitado, confinando a maioria das personagens em um único espaço e construindo suas sequências ao redor do conhecimento que eles obtêm. Apesar de se indulgir em diversos clichês do gênero, a escolha de centrar a narrativa na dupla de avó e neto revitaliza os conflitos geracionais que estamos acostumados a ver nessas histórias. Com um final surpreendente e a boa vontade de não se levar a sério demais, A Mansão entrega exatamente o que promete. – Gabriel Oliveira F. Arruda

007 – Sem Tempo Para Morrer (No Time To Die, Cary Fukunaga) 

Depois de 15 anos, chegou a hora de nos despedirmos de vez do James Bond romântico de Daniel Craig. O astro já tinha demonstrado sua vontade de abrir mão do papel em diversas entrevistas anteriores e, ao assistir Sem Tempo Para Morrer, ficamos com a sensação de que ele esperou para dar adeus no momento certo. É um fim catártico para a era que começou com o ótimo Cassino Royale.

Na trama, James Bond finalmente se aposentou e agora vive na Jamaica. Sua paz desaparece quando um antigo amigo, Felix (Jeffrey Wright), retorna e pede ajuda para encontrar um cientista desaparecido. Relutante, o agente entra no caso e, rapidamente, a busca se torna uma corrida para salvar o mundo. 

007 – Sem Tempo Para Morrer é um filme tão empolgante que consegue até apagar a grande decepção que foi 007 Contra Spectre. A direção de Cary Fukunaga (True Detective, Beasts of No Nation) traz um novo olhar para as cenas de ação, utilizando da câmera na mão para deixá-las mais tensas e frenéticas. É um filme emotivo e explosivo, com direito a tudo que os fãs do personagem amam: romance, os gadgets, o vilão megalomaníaco, o mundo em perigo e o martini batido, não mexido. – Caio Machado 

Madres, Mães de Ninguém (Madres, Ryan Zaragoza)

Provavelmente o mais ambicioso da segunda leva de filmes chegando sob o selo Welcome to the Blumhouse, Madres é uma narrativa de terror dramática inspirada em casos reais dos anos 70. Graças a um elenco excelente encabeçado por Ariana Guerra e Tenoch Huerta e a uma fotografia expressiva, a obra captura o terror de imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, enquanto a direção de Ryan Zaragoza explora as complexidades da linguagem como conectora e separadora de comunidades.

A impressão que fica é que Madres teria sido melhor desenvolvido como um drama dedicado do que uma história de terror baseada na realidade. Do jeito que está, o longa de apenas 1h20min peca em seu segundo ato, não se aprofundando o suficiente em sua atmosfera para que seus sustos atinjam efeito máximo, sofrendo com o pouco tempo de tela e impedindo que a performance de Guerra como a valente protagonista se aprofunde na personagem. Porém, o filme acha sua mensagem no clímax e consegue impactar com horrores piores do que qualquer fantasia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Duna (Dune, Denis Villeneuve)

Duna exibe uma realidade em que os seres humanos do ano de 10.191 d.C, postos sob o domínio de um império espacial, vivem diante de uma disputa entre três famílias pelo planeta Arrakis. Nele, há a única fonte da cobiçada Especiaria, uma substância preciosa que permite as viagens intergalácticas. Nesse cenário, Paul Atreides (Timothée Chalamet), um jovem da aristocracia, recebe a missão de uma mulher misteriosa para embarcar em uma jornada ao planeta longínquo para manter a soberania do seu povo. A partir dessa trajetória épica, diversos obstáculos se instauram até a redefinição do cosmos.

Essa trama de ficção científica se baseia no livro homônimo de Frank Herbert. A narrativa ganhou uma adaptação no ano de 1984 sob a direção de David Lynch. No entanto, o filme foi produzido sem que o cineasta tivesse liberdade criativa no desenvolvimento da película, resultando em um desastre de crítica e bilheteria. Para esconder a identidade da autoria, algumas das versões foram creditadas a Alan Smithee, um pseudônimo empregado por diretores que renegam suas obras.

Após essa experiência catastrófica nas telonas, Duna retorna agora sob direção de Denis Villeneuve. A produção se iniciou em 2016, após o estúdio Legendary adquirir os direitos autorais do livro. A partir daí, houve um investimento pesado de US$ 165 milhões para o desenvolvimento do filme. Além disso, foi escalado um elenco com nomes como Javier Bardem, Zendaya, Oscar Isaac, incluindo ainda Timothée Chalamet como o protagonista da trama. Todo esse trabalho permitiu uma releitura interessante que faz jus à obra de Frank Herbert. – Gabriel Gatti

The Velvet Underground (Idem, Todd Haynes) 

Ao tratar da história de uma banda, vários documentários seguem o caminho tradicional: usar ordem cronológica, inserindo depoimentos dos membros ou de pessoas próximas e algumas filmagens de arquivo para ilustrar o que está sendo falado. Nesse sentido, The Velvet Underground, filme sobre a icônica banda de rock que dá nome ao título, opta por seguir um caminho fora do comum diante de outros filmes do gênero. 

O que mais chama a atenção no filme dirigido por Todd Haynes (Carol e O Preço da Verdade) é sua abordagem experimental ao se aprofundar na história do grupo e no contexto de grande efervescência cultural onde estavam inseridos: a Nova York do fim da década de 1960. Essa experimentação acontece principalmente na forma como o filme organiza as imagens exibidas, alterando sua posição ou sua velocidade. Passa uma sensação de agilidade que combina muito bem com o período que busca retratar. 

Não é só outro filme sobre a vida de artistas que marcaram época: é uma ode à experimentação. The Velvet Underground mostra como não ter medo de inovar é essencial para o desenvolvimento de qualquer arte. Aqueles que arriscam ficam para a história, e os membros do grupo liderado por Lou Reed com certeza ficaram. Além disso, o documentário também é uma linda homenagem às personalidades famosas que viviam na Nova York daquela época, como o artista Andy Warhol, o poeta Allen Ginsberg e o cineasta experimental Jonas Mekas. É um trabalho sensacional até mesmo para quem não conhece nada da banda. – Caio Machado

Diana: O Musical (Diana: The Musical, Christopher Ashley)

Princesa Diana, uma das figuras mais icônicas da cultura popular, tem sua história contada em formato de musical. A peça passeia por momentos, dos mais grandiosos aos mais íntimos, da vida da Princesa de Gales, explorando as diversas faces que ela precisou explorar ao conviver com a realeza inglesa desde o início de seu envolvimento com o Príncipe Charles. 

Com o fechamento da Broadway devido a pandemia de covid-19, a obra foi gravada sem plateia, explorando a apresentação de uma forma diferente de outros musicais que tem suas peças transmitidas para as telas, e teve sua estreia na Netflix antes de entrar nos teatros de Nova Iorque. As câmeras exploram diferentes ângulos e enquadramentos que trazem o espectador quase que para dentro da história.

Diana é retratada com carisma e inteligência, além de mostrar novos aspectos que são muitas vezes abafados por momentos polêmicos de sua vida, sem deixar de trazer os momentos que todos esperamos quando falamos da princesa. Porém, o filme falha em suas composições e suas performances deixam a desejar, especialmente considerando que é um produto sobre uma das maiores figuras da atualidade adaptada para um dos modelos mais espalhafatosos de produções audiovisuais. Com certeza, era de se esperar mais drama em um musical sobre Lady Di. – Marcela Zogheib

O Culpado (The Guilty, Antoine Fuqua)

Jake Gyllenhaal tem talento para um suspense psicológico, mas O Culpado o desafiou a narrar a história do começo ao fim apenas pela perspectiva de seu próprio personagem. O ator vive o policial Joe Baylor, recentemente afastado das ruas e preso em um trabalho que julga entediante como atendente do serviço de emergência. Ele é um homem agitado, ansioso e rude com um drama próprio misteriosamente relevante, enquanto atende as chamadas de uma Los Angeles caótica e que arde com incêndios destruidores. Até que recebe um pedido de ajuda de uma mulher em perigo, sequestrada pelo ex-marido e fingindo falar com a filha para tentar se salvar. 

A ansiedade de Joe é constante na sua tentativa em achar uma forma de identificar onde a mulher que atendeu está para socorrê-la. Ele vive um labirinto composto unicamente por ligações de voz, por isso o maior destaque do filme de Antoine Fuqua é o ponto de vista restrito ao protagonista. Só conhecemos os personagens que trabalham com ele e toda a trama conflituosa adjacente é narrada auditivamente. Cabe ao espectador imaginar a partir do que ouve nos atendimentos de Joe. O diretor fez um bom trabalho em seus únicos 11 dias de gravações e adotando essa perspectiva, mas nem Gyllenhaal por si só consegue fazer o longa ser de tirar o fôlego. As reviravoltas são meia boca, mesmo que imprevisíveis, e o desempenho do ator é o que carrega O Culpado como um filme interessantemente mediano. – Nathália Mendes

Slumber Party Massacre (Idem, Danishka Esterhazy) 

No remake do clássico cult de 1982, acompanhamos Dana (Hannah Gonera), que embarca numa viagem com as amigas para uma casa alugada, onde pretendem fazer uma festa do pijama. Quando o carro delas dá problema no motor, são obrigadas a ficar em uma casa isolada no meio de uma floresta, e o que era para ser uma noite de diversão, se transforma em terror enquanto elas precisam lutar para não serem mortas por Russ Thorne, serial killer famoso na região por utilizar uma furadeira enorme como arma. 

Slumber Party Massacre é uma ótima reimaginação contemporânea do slasher dos anos 1980. O filme retira tudo considerado problemático no filme original, como a presença exacerbada de nudez feminina, e ainda expande um pouco mais a trama, e faz uma inversão dos papéis de gênero muito divertida de assistir, onde os homens são ingênuos e bobos o suficiente para irem atrás do assassino. É um filme que não se leva a sério, mas parece apressado demais para mostrar os assassinatos e quase não desenvolve suas personagens. – Caio Machado

Exército de Ladrões: Invasão da Europa (Army of Thieves, Matthias Schweighöfer)

Exército de Ladrões conta a história de Ludwig Dieter (Matthias Schweighöfer), um banqueiro de vida pacata que tem sua rotina virada de cabeça para baixo quando Gwendoline (Nathalie Emmanuel) o convida para participar da sua organização de criminosos mais procurados do mundo, em uma missão de arrombar e roubar a famosa série de cofres criada pelo serralheiro Hans Wagner. Ludwig, que até então era apenas um amador na arte de resolver enigmas de cofres, agora embarca em perigos e situações que nunca imaginaria.

O derivado de Army of the Dead veio como uma prequela e deixou os fãs da franquia com a esperança de entender a origem dos acontecimentos do primeiro filme. No entanto, o longa traz mais dúvidas e foca em uma história paralela sobre roubo em um universo que, coincidentemente, está passando pelo início de um vírus zumbi. Mas a animação Army of the Dead: Lost Vegas promete acabar com a curiosidade do público sobre a origem do apocalipse. – Marcela Zogheib

Atividade Paranormal 7 (Paranormal Activity: Next of Kin, William Eubank)

A franquia que reviveu e assassinou o subgênero do found footage está de volta mais metalinguística do que nunca. Dessa vez, sob o comando de William Eubank, e com o roteiro creditado à Christopher Landon (que trabalhou nos filmes originais) e Oren Peli (idealizador do primeiro longa), a história sai de uma casa assombrada e passa para uma comunidade amish.

Lançamento exclusivo do Paramount+, Atividade Paranormal 7 tem inspirações bem dosadas de A Bruxa de Blair, mas peca pela predileção do clichê. As melhores sequências vem da imaginação do diretor, que brinca com a tecnologia câmera lenta das diversas lentes com que trabalha. A trama, centrada no retorno de Margot (Emily Bader) para a comunidade da mãe que a abandonou, tem traços da origem da franquia, mas sabe inovar a narrativa.

Misturando religião e terror, o subtítulo Next of Kin casa com a ideia de família e proteção que o filme prega. Na verdade, desconstruindo a concepção do que significa um lar. Em um outubro recheado de novas versões de clássicos antigos e de lançamentos apimentados, o novo Atividade Paranormal é uma boa pedida. – Vitor Evangelista

TV

The L Word: Generation Q (2ª temporada, Showtime)

Depois de dez anos, The L Word retornou à grade da emissora americana Showtime com a repaginada The L Word: Generation Q. Além das veteranas Bette (Jennifer Beals), Shane (Katherine Moennig) e Alice (Leisha Hailey), o reboot apresenta e acompanha a vida de personagens de uma nova geração – afinal, uma década depois, a série não poderia simplesmente retomar de onde a original parou. Nisso, a atual Generation Q conseguiu corrigir alguns dos erros de sua antecessora, como a falta de representatividade no elenco e a má representação de algumas minorias da própria comunidade LGBTQIA+, e, cheia de dramas, romance e vivências, rapidamente foi renovada para uma segunda leva de episódios.

Com o desesperador final em aberto da temporada anterior, Sophie (Rosanny Zayas), Dani (Arienne Mandi) e Finley (Jacqueline Toboni) rendem ao início da nova leva uma envolvente remexida, mas que rapidamente cai em um vai e volta interminável. Felizmente, o conflito perde força para histórias e personagens secundários, que garantem o fôlego ao longo dos dez episódios: alguns acabaram novamente injustiçados e deixados de lado, como Micah (Leo Sheng), Maribel (Jillian Mercado) e Nath (Stephanie Allynne), já outros finalmente ganharam seu devido e merecido holofote, como Gigi (Sepideh Moafi), Tess (Jamie Clayton) e Angie (Jordan Hull).

Porém, apesar dos rostos inéditos do reboot serem revigorantes, The L Word: Generation Q ainda tem dificuldade em desapegar do passado. Reviver personagens conhecidos é divertido, cenas de sexo são empolgantes (e fazem parte!), as D.R.s são entretenimento puro, mas quando se trata de retratar as vivências da comunidade LGBTQIA+ para além dos relacionamentos românticos, Generation Q ainda não avança. O novo ano até dá palhinhas de discussões importantes e necessárias, como a maternidade entre casais homoafetivos e o mercado de trabalho, mas, nisso, fica ainda mais tímida do que sua antecessora. Que uma terceira temporada continue com todo o dramalhão, porque ele existe, mas que vá além. – Vitória Lopes Gomez

Ted Lasso (2ª temporada, Apple TV+)

Naquela noite de 19 de setembro, não foi surpresa pra ninguém quando anunciaram Ted Lasso como vencedora do Emmy de Melhor Série de Comédia. Entre os inúmeros motivos pela justa vitória, está a jogada de marketing em lançarem a segunda temporada na mesma janela de tempo que os votantes tinham para escolherem seus favoritos à premiação. O segundo ano do bigodudo (não tão) bom de bola iniciou-se em julho, alegrando e emocionando o público até meados de outubro.

Se o primeiro ano de Ted Lasso foi bom, o segundo é fenomenal. O roteiro não economiza linhas quando se trata de gerar debates, o que ocasionou um aumento na duração do episódio e o reflexo de que o “futebol é vida” em cada um de seus personagens. Falando neles, os membros do AFC Richmond têm seu devido espaço na temporada, não precisando mais girar em torno da persona de Lasso. Ele, por sua vez, ganhou mais camadas nessa temporada, mostrando viver na linha tênue entre o infalível e o fragilizado.

Ted Lasso, que nunca foi uma série sobre ganhar ou perder, mas sim sobre acreditar, perde um de seus personagens mais queridos nesse ano. Se em 2020 o desenvolvimento de Nate foi um dos pontos altos da produção, em 2021 a crescente não para, mas, para a infelicidade do público, o arco dele tomou um rumo inesperado – inegavelmente instigante e que traz combustível para o próximo ano, mas ainda assim, infeliz e inesperado. Com treino e jogada ensaiada, Ted Lasso marca mais três pontos nessa temporada. – Ana Júlia Trevisan

Você (You, 3ª temporada, Netflix)

Outra vez Joe Goldberg (Penn Badgley) consegue escapar de seus assassinatos e pular para outra cidade. Uma nova vizinhança para ser um stalker obcecado com um padrão específico de mulheres. Ele tenta se enganar – e nos enganar – arrastando o enredo da segunda temporada ao trazer sua “alma gêmea” Love, grávida de seu filho, e amadurecer suas atitudes, ou viver em prol da família. E surpreendentemente, não é que essa história cola? A terceira temporada de Você é uma demonstração – das boas – de como dois psicopatas brincam de casinha, e Love é a peça mais fabulosa disso tudo, com o desenvolvimento da personagem e uma atuação esplêndida de Victoria Pedretti. 

No novo volume da Netflix, o humor vem mais ácido do que nunca, principalmente dentro da narração de Joe e Love ao guiarem a história por seus pensamentos e conclusões existenciais. Eles vivem o impasse de como criar um filho, sobreviver em um bairro de vizinhos insuportáveis e tentar não matar um ao outro. A princípio, a narrativa parece pintar Love como mais uma mulher impulsiva que mata a vizinha que deu mole para seu marido – logo no primeiro episódio. Mas o enredo, na verdade, é sustentado pela personagem e sua complexidade. Joe é deixado em segundo plano – ainda bem – até certo ponto, só para nos lembrar ao final de que o casal é uma união de psicopatas perfeitos, até demais, um para o outro.

A premissa da série parece não colar mais. Quando Joe aparece fazendo mais do mesmo, ou seja perseguindo mulheres que ele jura amar, o episódio fica insosso e difícil de engolir. Se respira, pisca e o coração bate, Joe tem certeza absoluta de que está flertando com ele. Mas há uma brincadeira não proposital da série nessa chatice. Esse narcisismo – que também aparece na justificativa incansável de Love em salvar seu casamento – demonstra uma característica específica de um bom doido varrido para o público: você regularmente concorda, entende seus impulsos, têm a mesma impressão sobre as coisas. Afinal, como discordar de Love ao apagar um anti-vacina com um rolo de massa? Um psicopata não vem com um rótulo na testa, e, definitivamente, o estilo Ted Bundy não ficou no século passado. – Nathália Mendes

Maid (Minissérie, Netflix)

Todo episódio de Maid parece impossivelmente longo. Mas não de uma maneira maçante ou lenta, diga-se de passagem, mas da maneira como cada um de seus dez capítulos se debruça tão intensamente sobre a vida de suas personagens e as captura com tanta vividez, por vezes tornando-a uma experiência quase difícil demais de se ver. Tanto uma odisseia pessoal quanto o retrato de um mundo frio e indiferente, a minissérie baseada no livro autobiográfico de Stephanie Land não é nada menos do que completa, em cada um de seus aspectos.

Já sendo considerada uma das grandes apostas da Netflix para a próxima temporada de premiações, a performance central de sua protagonista é o que carrega a produção de Molly Smith Meltzer. Margaret Qualley brilha na intimidade sutil de Alex, uma mãe que foge das agressões de seu namorado (Nick Robinson) junto de sua filha, Maddy (Rylea Nevaeh Whittet). Por mais que a interpretação de suas dores seja profunda e intensa, nunca cai no reino da auto-paródia ou do “misery porn”, capturando tão vivamente sua alegria quanto seu sofrimento. Qualley contracena com sua própria mãe, a atriz Andie MacDowell, que interpreta a mãe talvez categoricamente insana de Alex, e a relação problemática entre elas faz ótimo uso da química familiar entre as duas.

A direção e o roteiro de Maid são versáteis o suficiente para dar espaço a seus atores para trabalharem em cima dessas personagens em cenas emocionalmente complexas, maduras e envolventes, construindo um drama sobre pobreza, trauma e agressão em que cada episódio importa e se sobressai. Infelizmente, por conta do modelo de streaming da Netflix, parte desse impacto é perdido pela minissérie ser lançada de uma vez, não oferecendo tempo para respirar entre seus momentos mais dramáticos, incentivando uma maratona exaustiva ao invés da reflexão empática e compassada que sua trama implora para que você cultive. Mas, caso você esteja disposto a encarar essa exaustão, a obra mais do que recompensa o tempo que você coloca nela. – Gabriel Oliveira F. Arruda

American Horror Story: Double Feature (10ª temporada, FX)

Ryan Murphy anunciou a décima temporada de American Horror Story como a primeira a contar duas histórias ao invés de apenas uma. Intitulado de Double Feature, o show separa seis episódios para Red Tide, que se passa em uma cidade litorânea, e outros quatro para Death Valley, situado em um deserto. Junto com o formato novo, o programa contou com atores que nunca haviam participado nos anos anteriores, como Macaulay Culkin e Neal McDonough, além do retorno dos veteranos Sarah Paulson, Frances Conroy e Evan Peters.

Desse modo, American Horror Story inicia Red Tide com a mudança de uma família para Cape Code, uma cidade pacata e mórbida, motivada pelo emprego de Harry (Finn Wittrock). Logo, Doris (Lily Rabe) e a filha Alma (Ryan Kiera Armstrong) se deparam com os monstros que rondam as ruas em busca de sangue. No local, Harry enfrenta problemas com o bloqueio criativo, que o impede de desenvolver seu roteiro. A partir desse impasse, surge Belle (Frances Conroy) e Austin (Evan Peters) que o oferecem uma milagrosa pílula preta capaz de despertar o talento adormecido, porém acaba tornando seu usuário sedento por sangue. Por meio dessa história de terror, Ryan Murphy busca horrorizar seus telespectadores para o medo da mediocridade.

Após a conclusão de Red Tide, Death Valley se inicia com imagens em branco e preto como recurso para delimitar as duas épocas em que a história está situada. Uma delas se passa durante a década de 1950, quando os extraterrestres se apropriam da Terra como forma de perpetuar sua espécie. Após diversos conflitos diplomáticos com os seres interplanetários, os alienígenas acabam se instaurando nos Estados Unidos para desenvolver um ser híbrido entre humano e ET. E, assim, a trama pula para os anos atuais, em que a humanidade passa a ser engravidada pelos invasores. – Gabriel Gatti

The Premise (1ª temporada, FX)

Depois de anos no forno, a série criada, produzida e idealizada por B.J. Novak finalmente viu a luz do dia. A antologia The Premise é direta logo de cara, já que vemos o próprio criador como anfitrião, nos dando uma prévia do que irá acontecer. Em capítulos de meia hora, premissas diferentes são propostas e exploradas a fundo.

Sem quaisquer ligações entre si, as tramas envolvem fitas de sexo, plugs anais e o trauma que um tiroteio pode deixar em alguém. Brindada pelo humor muito característico de Novak (uma das mentes pensantes por trás de The Office), The Premise sabe escalar suas estrelas, com destaque para Ben Platt, Tracee Ellis Ross, Kaitlyn Dever, Lucas Hedges, Jon Bernthal, Lola Kirke e Daniel Dae Kim. A vibe Black Mirror de absurdismo é só a pontinha dessa curta comédia do FX. – Vitor Evangelista

What If…? (1ª temporada, Disney+)

Há historiadores que dizem amar a pergunta “e se?”, por se sentirem desafiados a olhar os mesmos aspectos por outros ângulos. Há outros que vão na contramão, e declaram a História como algo imutável e que é perda de tempo imaginarmos o que poderia ter acontecido. Inspirada nos quadrinhos, o Universo Marvel mostra que não apenas podemos sonhar com destinos diferentes, como nos dá os instrumentos para isso. Após WandaVision, Falcão e o Soldado Invernal e Loki, What If…? é a mais nova série da Marvel para o Disney+.

Em formato de desenho animado, a produção explora as diversas possibilidades dentro do MCU. Somos guiados pelo Vigia (Jeffrey Wright) para imaginarmos cenários desde se o primeiro Super Soldado na verdade fosse a Peggy Carter e até derrapar por um Thor completamente contrário do que conhecemos. Entre capítulos neutros e descontraídos, What If…? encontra espaço para emocionar e discutir o luto com a história do Doutor Estranho. Com o último episódio empolgante do começo ao fim, as expectativas pela segunda temporada permanecem altas. – Ana Júlia Trevisan

My Name (마이 네임, 1ª temporada, Netflix)

Provando que o sucesso meteórico de Round 6 não foi ponto fora da curva, My Name é mais uma produção sul-coreana que merece se destacar não só entre as melhores séries do mês, mas também do ano. Com uma trama de vingança simples que vai se complicando emocionalmente conforme as identidades de suas personagens vão se revelando, a narrativa é ancorada tanto pela excelente performance de sua protagonista quanto pelas coreografias das lutas expressivas e violentas.

Após testemunhar a morte de seu pai, Jiwoo (Han So-hee) se alia à organização criminosa da qual ele fazia parte a fim de encontrar seu assassino. Sob a tutela do carismático Choi Mujin (Park Hee-soon), ela se infiltra na polícia e assume uma identidade falsa, enganando todos ao seu redor, e talvez até ela mesma. Por mais que se inicie com um enredo de vingança básico, o roteiro da série eleva seus personagens e explora temas de identidade e confiança, construindo um ímpeto narrativo forte o suficiente para carregar facilmente seus oito capítulos, e quem sabe até uma segunda temporada.

O produtor e roteirista Javier Grillo-Marxuach (Lost e Cowboy Bebop) disse, em um painel sobre conflitos internos e externos no Austin Film Festival: “Cenas de luta, cenas de sexo, cenas de música, são todas a mesma coisa: elas acontecem quando o diálogo não é mais o suficiente.” Em My Name, esse princípio é utilizado com eficiência total, potencializando suas cenas de ação e combates, assim como seus momentos mais tenros e sensíveis. A interpretação visceral de So-hee como uma mulher dividida entre dois mundos impulsiona todo soco, chute e corte que ela dá, de maneiras que a Televisão americana ainda sonha em conseguir fazer. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sintonia (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Sintonia é uma ilustração da tríplice de poderes dentro das favelas brasileiras. Doni, Nando e Rita estão cada vez mais envolvidos com o funk, o crime organizado e a Igreja, cada um mostrando que a realidade não é dualista, mas que o ser humano precisa de âncoras para conseguir se manter vivo dentro de uma sociedade cruel. Além de escancarar todas as lacunas do Estado, a proposta da série é fazer muito mais do que isso: é representar quem costumeiramente não é visto com cada vez mais afinco. Não só a problemática foi aprofundada no segundo volume, mas também as características de seus personagens se aproximaram cada vez mais com o que é a população da favela em essência. 

O fato de ser coproduzida pela Kondzilla e estar numa plataforma de streaming influente como a Netflix é um marco para a representatividade. Mesmo que isso pareça clichê, a presença da produtora – que já é um fenômeno por si só – na posição de idealizadora de Sintonia ilustra a saída do funk para um amplo mercado, e tudo isso por um gênero que canta puramente o que vive, o que entende e na honestidade de como as coisas acontecem. Seguindo o caminho da segunda temporada, a série precisa – e deve – crescer mais, adentrar os conflitos emocionais de seus personagens, como tem feito com a vida de Nando no crime, mesmo que para isso Sintonia adote um enredo mais forte. – Nathália Mendes

Only Murders in the Building (1ª temporada, Hulu/Star+)

Only Murders in the Building conta a história de três moradores do prédio Arconia, em Nova York: Charles-Haden Savage (Steve Martin), Oliver Putnam (Martin Short) e Mabel Mora (Selena Gomez). A princípio, os três parecem não ter nada em comum, mas se conectam através do amor que têm pelo podcast criminal All is Not OK in Oklahoma, o que os inspira a investigar um homicídio no prédio onde residem e criar um programa autoral sobre o ocorrido. 

Ao decorrer da série, conhecemos um pouco mais sobre a história de cada um dos personagens e entendemos suas motivações por trás do interesse pela investigação. E o que parecia ser um prédio tradicional do Upper West Side se revela muito muito mais intrigante, mostrando que realmente pouco se sabe sobre as pessoas que cruzam caminhos nos corredores todos os dias.

Com um elenco que vai além da atuação brilhante dos protagonistas, trazendo participações  de Amy Ryan, Tina Fey e Sting, o show criado por Steve Martin e John Hoffman mistura perfeitamente o mistério com o humor, deixando todos os espectadores ansiosos para a segunda temporada, que já foi confirmada. Além do público, a crítica também aclamou o sucesso de Only Murders in the Building, que foi extremamente elogiada desde seu lançamento. – Marcela Zogheib

The Walking Dead (Parte 1 da 11ª temporada, AMC)

Comumente agendada para começar a ser transmitida em outubro, The Walking Dead resolveu fazer as coisas diferentes em seu ano final. Com mais episódios encomendados do que os habituais dezesseis, a longeva série de zumbis decidiu por lançar a primeira de três levas começando em agosto e terminando à tempo do Halloween.

Entre os destaques da décima primeira temporada estão o ínicio inspirado em Invasão Zumbi, com direito a trem infestado; a dinâmica avassaladora entre Maggie (Lauren Cohan) e Negan (Jeffrey Dean Morgan); e o retorno de Connie (Lauren Ridloff), depois de gravar Eternos. Além, é claro, da aguardada apresentação de Commonwealth.

A ideia de separar os personagens em uma porção de núcleos não é novidade nem boa notícia, mas considerando o desgaste da produção que lança episódios desde 2010, o saldo até que é positivo. Terminando com um gancho para lá de desnecessário, o começo do fim de The Walking Dead acende a chama da saudade no coração dos fãs e levanta algumas questões: veremos Rick e Michonne ano que vem? Por enquanto, não há resposta. – Vitor Evangelista

Mr. Corman (1ª temporada, Apple TV+) 

“Te deixa maluco envelhecer…” canta Lorde em Ribs, canção do álbum Pure Heroine. Além da música, o tema da passagem do tempo já foi abordado em diversos filmes, livros e séries. Em Mr. Corman, série produzida, roteirizada e estrelada por Joseph Gordon-Levitt (Entre Facas e Segredos e (500) Dias Com Ela), reconhecer o próprio envelhecimento é um dos temas centrais. 

Durante os 10 episódios da comédia dramática do Apple TV+, acompanhamos a vida de Josh Corman (Levitt), um homem frustrado que dá aula para as crianças da 5ª série em uma escola pública de Los Angeles. Ele poderia ter sido um astro do rock, mas acabou deixando a Música de lado e agora vive uma vida normal, dividindo apartamento com seu amigo, Victor (Arturo Castro). 

O início de Mr. Corman é lento e deixa uma dúvida: o que ela tem de tão especial assim para que continuemos assistindo aos próximos episódios? Conforme a trama se desenvolve, descobrimos a resposta: a produção chama a atenção em sua criatividade para representar as angústias de seus personagens, como quando transforma uma conversa entre mãe e filho em um musical. Sua habilidade em trazer cor e imaginação para a frieza da rotina é encantadora. É uma pena que tenha sido cancelada devido à baixa audiência. – Caio Machado

O Hóspede Americano (Minissérie, HBO Max)

Coprodução entre Brasil e EUA, a série dirigida por Bruno Barreto acompanha a Expedição Científica Rondon-Roosevelt, liderada pelo ex-presidente estadunidense Theodore Roosevelt (Aidan Quinn), e o Marechal Cândido Rondon (Chico Díaz). Seguindo o curso inexplorado do então chamado Rio da Dúvida, a narrativa apresenta os perigos da viagem, o choque entre natureza e civilização, e os embates culturais entre duas visões de mundo tão distintas como as de Roosevelt e Rondon. 

Seguindo um formato televisivo padrão sem tomar grandes riscos, a série tem méritos ao resgatar um episódio significativo da história brasileira, mas escorrega ao direcionar toda a ênfase na perspectiva do tal hóspede americano. Por outro lado, a recriação dos eventos históricos vêm com um gosto amargo. Ao longo dos episódios, vemos sempre uma equipe de filmagem registrando a expedição. Tristemente, grande parte do acervo original de registros das expedições de Rondon se perdeu no incêndio do Museu Nacional em 2018. A ficção é importante, mas nunca é o bastante para preservar a História. – João Batista Signorelli

On My Block (4ª temporada, Netflix)

É frustrante perceber que a última temporada de On My Block, uma das peças mais divertidas e carismáticas no catálogo da Netflix, tenha sido dolorosamente fraca. Depois de quatro temporadas, a finalização da trajetória do quarteto residente da periferia multiétnica de Los Angeles não encontrou o tom certo para dar um desfecho decente aos plots anteriores e, para piorar, descaracterizou a parte mais interessante de cada um de seus personagens.

Entre os protagonistas, apenas Cesar (Diego Tinoco), atual líder dos Santos, foi tratado com o mínimo de coerência, ainda preso entre a vida que queria e a vida que foi obrigado a ter. O relacionamento extremamente marcante com Oscar (Julio Macias) e o fato de ter sido colocado cara a cara com criminosos aposentados rechearam a história de Cesar com a carga dramática necessária, ressaltando a vulnerabilidade do personagem e finalizando o arco dos irmãos Díaz com muita tragédia e realismo.

No entanto, Jamal (Brett Gray) foi de bizarro encantador para misógino insuportável e a coitada da Monse (Sierra Capri) não recebeu nada além de um arco reaproveitado da temporada passada. Já Ruby (Jason Genao), de longe o personagem mais bem construído de On My Block, foi reduzido a namorado infantilizado e todos os seus traumas, imprescindíveis para o personagem, foram esquecidos no churrasco. Se o diferencial da série sempre foi equilibrar o sério e o surreal, o final parece ter sido escrito com as mãos amarradas, deixando de lado todo o charme que deu vida às três temporadas passadas. Mesmo assim, o quarteto (e seu elenco!) vai deixar saudades. – Caroline Campos

Pretty Smart (1ª temporada, Netflix)

A nova sitcom da Netflix mostra que a plataforma continua sabendo conduzir suas experimentações. Depois de misturar sua superprodução mais madura com o seu sucesso juvenil mais ousado no campo do drama, a produtora do streaming trouxe a energia dos anos 2010 do Disney Channel para atrair o público jovem adulto ao seu catálogo de comédia.

É essa a sensação que existe depois do primeiro episódio de Pretty Smart. Com o protagonismo de Emily Osment (Hannah Montana), a série está dentro do dia a dia de Chelsea, que foi de garota prodígio à gênia recém-formada na universidade, mas terminou com seus planos todos frustrados. Ela encontra abrigo na casa da irmã mais nova Claire (Olivia Macklin), e de seus amigos Grant (Greg Sulkin, de Os Feiticeiros de Waverly Place), Solana (Cinthya Carmona) e Jayden (Michael Hsu Rosen), todos vivendo de forma bem diferente do que a acadêmica tinha como ideal.

O tempo que Chelsea passa junto de sua nova família improvável a faz refletir sobre a forma como conduziu a sua vida até ali, refletindo em meio às palhaçadas do grupo sobre seus relacionamentos e a sua própria felicidade. Quase abobalhada demais, a criação de Jack Dolgen e Doug Mand conversa diretamente com o público cujo primeiro contato com sitcoms foi através das estrelas da Disney, e que hoje pode conservar algumas decepções para com a realidade que a geração dos 20 e poucos anos vive em 2021. – Raquel Dutra

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage, Minissérie, HBO)

Adaptada da minissérie de 1973 do roteirista sueco Ingmar Bergman, Scenes from a Marriage é a obra-prima mais recente da HBO. Em cinco episódios, a série apresenta um casamento fracassado de maneira profunda, pessoal e complexa. Nada no roteiro é quadrado ou fácil: diálogos, atos e até mesmo o movimento das câmeras constroem a rede de dependência que um tem pelo outro e os machucados que o relacionando deixou em ambos.

Os protagonistas são Jessica Chastain e Oscar Isaac. A química entre os dois é forte a ponto de deixar o roteiro mais condizente com a realidade, e a atuação impecável faz com que o episódio de uma hora passe rápido, mesmo com a trama seguindo a passos lentos. Não há vilões na história, apenas duas pessoas agindo de forma irracional, emocionalmente fragilizadas com o casamento, inseguras e que precisam de ajuda profissional.

Oscilando entre capítulos menos intensos e devastadores, Scenes from a Marriage chega ao se encerra ao som de Chico Buarque. Retrato Em Branco E Preto foi uma escolha irretocável como trilha sonora, que casa em cada ponto apresentado na minissérie de Hagai Levi. Dentre os acertos, o maior para a releitura da obra de Bergman é a inversão de papéis que dá um fôlego mais atual na trama. – Ana Júlia Trevisan

What Do We Do in the Shadows (3ª temporada, FX)

Os maiores vampiros da cultura pop estão de volta! A terceira temporada de What We Do in the Shadows mergulha ainda mais na psique maluca dessas criaturas imortais, oferecendo capítulos ricos em risadas e em fantasia e terror. Enquanto Guillermo (Harvey Guillén) começa sendo julgado pelos assassinatos do ano anterior, Nandor (Kayvan Novak) e Nadja (Natasia Demetriou) se tornam colíderes do clã.

Colin Robinson (Mark Proksch) e Laszlo (Matt Berry) criam um vínculo de amizade nunca antes visto e a Guia (Kristen Schaal) faz o possível para manter todos eles na linha. Com os habituais dez episódios, Shadows aumenta o nível de qualidade e humor, provando que essa série tem espaço para crescer e conquistar mais audiências. Até ano que vem, meus queridos vampiros, e, por Deus, cuidem bem do bebê. – Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Agosto passou voando, mas ainda assim trouxe grandes marcos para esse ano. As Paraolimpíadas, que se iniciaram no final do mês, levaram um holofote para atletas incríveis que trouxeram várias medalhas para o Brasil. Além disso, os preparativos para o Emmy 2021 continuam a todo o vapor, com a cobertura do Persona rolando aqui no site e nas redes sociais. Também neste mês, sentimos a morte do ator Tarcísio Meira e de Paulo José, duas perdas enormes para a teledramaturgia. Entre esses acontecimentos, diversos filmes e séries foram lançados e o Cineclube Persona se reúne para comentar o que saiu de melhor e pior no mês de Agosto de 2021. 

O oitavo mês do ano se destacou com o lançamento de cinebiografias. Respect é um longa que retrata a história da cantora Aretha Franklin e já aponta  uma possibilidade, mesmo que remota, de indicar Jennifer Hudson ao Oscar 2022 . Quem também ganhou um filme sobre sua vida foi o ator Val Kilmer, representado no longa Val, disponível no Amazon Prime Video. Ainda em agosto, o Globoplay revisitou a história do Brasil com a biografia Doutor Gama, narrando a história de Luiz Gama, um advogado negro que libertou mais de 500 escravos. Além disso, não faltou representatividade LGBT com os documentários Pray Away, produzido por Ryan Murphy, e Luana Muniz – Filha da Lua, sobre a travesti Rainha da Lapa, que o Persona assistiu com exclusividade antes do lançamento e ainda entrevistou os diretores.

Agosto proporcionou dramas para a Sétima Arte, como CODA, comédia dramática sobre uma adolescente ouvinte filha de adultos surdos, que ganhou o Festival de Sundance 2020 e agora está disponível na Apple TV+ nos EUA. Outra novidade deste mês é Stillwater, que teve sua estreia em Cannes e tem como diretor Tom McCarthy, vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Original em 2016 por Spotlight. Além dos dramas, as animações também se destacaram. A Jornada de Vivo, por exemplo, disponível na Netflix, nos apresenta ao jupará apaixonado que viaja para entregar uma canção, contando com a participação do Lin-Manuel Miranda. Nesse mês, foram lançados alguns animes, como The Witcher: Lenda do Lobo, sobre um bruxo convencido a caçar criaturas por dinheiro, e Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time, quarto e último filme da série Rebuild of Evangelion, baseado no anime Neon Genesis Evangelion.

Mas nem só de dramas e biografias foi feito o mês. O Esquadrão Suicida, “continuação” do filme fracassado de 2016, agora conta com James Gunn na direção, dessa vez do lado da DC, depois de sua demissão pela Marvel por tweets antigos com pedofilia. Lisa Joy, uma das criadoras de Westworld, foi responsável pela direção de Reminiscence, que retrata um investigador particular da mente que ajuda seus clientes, até uma delas mudar sua vida. Esse mês ainda teve outros lançamentos, como A Nuvem e The Green Knight, baseado no romance Sir Gawain e o Cavaleiro Verde do século 14. O longa, produzido pela A24, foi protagonizado pelo ator Dev Patel e foi dirigido por David Lowery, responsável por A Ghost Story.

Agosto também teve espaço para as produções água com açúcar. O longa Ele é Demais (He’s All That), sobre a transformação de um menino desengonçado no rei do baile, é uma nova versão do filme Ela é Demais, mas que traz os gêneros dos personagens invertidos. Os últimos trinta dias  ainda foram o palco do fim da trilogia de Joey King e Jacob Elordi, A Barraca do Beijo 3, que encerrou sua trama com Elle se preparando para fazer tudo que ainda deseja antes de ir para a faculdade.

O lançamento de Você Nunca Esteve Sozinha, série original do Globoplay, conta a vida da Juliette antes e após vencer o BBB. Ainda aqui na América Latina, foi lançada também Todo va a estar bien (Everything Will Be Fine), uma comédia com o Diego Luna. Na falta de Killing Eve, Sandra Oh assume o comando de The Chair, produzida pela Netflix. Seguindo pelas comédias dramáticas, Kevin Can F**k Himself, original da AMC e distribuído pelo Amazon Prime Video, é o primeiro trabalho da Annie Murphy depois de vencer o Emmy por Schitt’s Creek, em 2020. 

Outra sitcom de agosto foi Grace & Frankie, com a Netflix lançando como degustação quatro episódios da sétima e última temporada, que só chegará na íntegra em 2022. A Apple TV+, por sua vez, se destacou esse mês no humor com Schmigadoon!, uma sátira musical, e Physical, com Rose Byrne. Numa dobradinha entre Nota Musical e Cineclube, Selena Gomez aparece por aqui protagonizando Only Murders in the Building,  ao lado de Steve Martin e Martin Short. A série do Hulu lançou seus primeiros episódios em Agosto, mas só aparecerá na íntegra aqui no Persona quando acabar sua exibição, nos próximos meses.

Já mais voltado para o público adolescente, acompanhamos  o lançamento de Cruel Summer no Amazon Prime Video, e o fim da primeira parte da nova Gossip Girl, com protagonistas da Geração Z no HBO Max. Como uma campanha para o Emmy 2021, o Hulu lançou o episódio Pen15 Animated Special, que faz parte da segunda temporada da série. Outra série animada deste mês é Divirta-se em Casa com o Pateta, formada por curtas com o personagem da Turma do Mickey disponível no Disney+. Em agosto, a nostalgia do revival de iCarly, sem a Sam, chegou ao fim da sua primeira temporada.

O terror também teve espaço nesse mês, com a série da Netflix Brand New Cherry Flavor, que mistura Cinema, sexo e horror, com o pragonismo da Rosa Salazar, e com o fim de American Horror Stories, um spin-off de AHS com uma história diferente a cada episódio. Outra antologia de agosto é a segunda temporada de Modern Love, disponível no Amazon Prime Video, que conta com Kit Harington, de Game of Thrones, e Anna Paquin, vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, em 1994. 

Um dos maiores destaques do mês é a primeira temporada de The White Lotus, nova produção da HBO que mostra a rotina de um resort no Havaí, com o abuso dos funcionários por parte dos hóspedes ricos e com uma morte suspeita. E falando em riqueza, a Netflix estreou a série Cozinhando com Paris, em que a socialite traz seus convidados para jantar, como a Kim Kardashian.

Caminhando por diversos gêneros e streamings, o Persona segue isolado em casa e apresenta as novidades audiovisuais do mês de agosto. Entre  algumas produções muito bem feitas e outras nem tanto, a Editoria e os Colaboradores comentam de tudo um pouco do que acabou de sair do forno do Cinema e da TV no oitavo mês de 2021.

Falecimento de Tarcísio Meira

Marco Antônio, Alexandre, Betinho, Juan Galhardo, João Coragem, Dom Pedro I, Juca Pitanga, Seu Ptolomeu, César Toledo, Zé Carlos Tedesco, Frederico Copola, Lorde Williamson, Tarcísio Meira. Essa lista não cita nem ¼ das personagens de um dos maiores gênios da teledramaturgia brasileira, que faleceu no dia 12 de agosto, sendo mais uma vítima das complicações da covid-19.

Tarcísio foi gigante. Um dos maiores galãs do Brasil, o ator começou seu trabalho na TV Tupi em 1961 e um ano depois firmou o matrimônio com Glória Menezes, com quem esteve ao lado, por 59 anos, até o fim. Juntos, eles contracenaram em teleteatros e em dezenas novelas, como Um Pires Moderno (1961), 2-5499 Ocupado (1963), Irmãos Coragem (1970), Guerra dos Sexos (1983) e Beijo do Vampiro (2002).

O ator multifacetado deixa um legado brilhante e uma saudade imensa. São mais de 60 projetos, apenas na Globo, que constroem a história de um dos maiores decoradores de textos. Tarcísio transmitia verdade em cada um de seus papéis, se entregando ao caráter da personagem e deixando sua assinatura, que sempre foi de uma postura firme. Toda a história da televisão brasileira em algum momento passa pelo ator, que esteve presente na primeira telenovela diária. A última novela do ator foi a global Orgulho e Preconceito (2018), onde interpretou o inglês Lorde Williamson. Aos 85 anos, Tarcísio Meira tinha problemas renais e fazia diaĺise, a morte dele não abre brecha para questionar a eficácia da vacina. – Ana Júlia Trevisan

Falecimento de Paulo José

Antecedendo à morte de seu colega de profissão Tarcísio Meira, o ator e diretor Paulo José faleceu no dia 11 de agosto, aos 84 anos de idade. Há mais de 20 anos, ele sofria de Mal de Parkinson, e veio a óbito em decorrência de uma pneumonia. Nascido em Lavras do Sul (RS), Paulo José Gómez de Sousa se consolidou em todas as dimensões que abrangem a arte da atuação. 

Sua carreira amadora iniciou-se na década de 60, entrando para a história do Teatro de Arena. Saindo dos palcos, começou sua trajetória no Cinema, em 1965, com o clássico O Padre e a Moça, de Joaquim Pedro de Andrade. Grande defensor pela valorização de sua profissão, Paulo enfrentou os anos de chumbo e marcou presença no Cinema Novo, estrelando filmes como Todas as Mulheres do Mundo, de Domingos Oliveira, e Macunaíma, em que repetiu a parceria com Joaquim Pedro de Andrade. Sua estreia nas telinhas veio com a novela Véu de Noiva, de Janete Clair, em 1969, mas teve como grande marco de sua carreira o personagem mecânico-inventor Shazan, dupla de Xerife, interpretado pelo também já falecido Flávio Migliaccio, em O Primeiro Amor, de Walther Negrão.

Mais recentemente, desfrutou de outras importantes participações no Cinema, nas obras Saneamento Básico, O Filme e O Palhaço – que aqui eu considero como duas grandes preciosidades da nossa cinematografia. Paulo José foi muitos, foi vários, foi até mesmo Todos os Paulos do Mundo, documentário que homenageia seus 60 anos de carreira. Fez história em frente e por trás das câmeras, que felizmente puderam eternizar a leveza com que exercia a arte. Hoje, se junta a outros grandes nomes da sua geração, que também nos deixaram há pouco: Nicette Bruno, Eva Wilma e Tarcísio Meira. Nas palavras de seu fã e admirador Selton Mello, “Sua passagem por aqui foi brincante”. – Vitória Silva

Cinema

Respect: A História de Aretha Franklin (Respect, Liesl Tommy)

O advento das cinebiografias musicais parece ter pegado Hollywood de jeito, visto que, nos últimos anos, uma avalanche delas foi produzida e premiada. Depois de Bohemian Rhapsody, Judy e Estados Unidos VS Billie Holiday esgotarem o “gênero” em narrativas enfadonhas e engessadas, Respect: A História de Aretha Franklin não surpreende em nada, somando ao hall dos filmes ruins brindado por ótimas atuações (salvo a dentadura que rendeu um Oscar à Malek, que de atuação boa não tinha nada).

Dirigido pela novata no Cinema Liesl Tommy, Respect coloca o protagonismo nos ombros da já vencedora do prêmio da Academia, Jennifer Hudson, escolhida pela própria Aretha, antes de sua morte. Com gogó para dar e vender, Hudson imprime sua verdade incontestável nas cenas que lhe requerem o canto, mas o problema está em todo o resto. Se tratando da biografia de uma das maiores vozes e artistas que já passou por esse planeta, o filme é desinteressante, formulaico e, o pior, imemorável. Aretha merecia mais respeito. – Vitor Evangelista

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad, James Gunn)

Depois do fiasco horrendo de 2016, que gerou aquela trama bizarra de somos-uma-família-mesmo-que-acabemos-de-nos-conhecer dirigida por David Ayer, finalmente os vilões e anti-heróis mais tapados do Cinema foram repaginados em uma segunda chance. Responsável pela migração das lutas coloridas de James Gunn para a DC, O Esquadrão Suicida é um daqueles filmes que te deixam tão extasiados quanto um garrafão de energético.

Irreverente e divertido, o longa traz de volta o charme absoluto de Margot Robbie como Arlequina e a assustadora Amanda Waller de Viola Davis, mas não sem apresentar novos personagens capazes de integrar o hall de melhores adaptações de qualquer fã de quadrinhos. Tem John Cena de cueca, tem rato dando tchau, tem tubarão gigante fingindo que sabe ler, tem assassinato em massa de passarinhos, tem cachorro-lobisomem e tem ele: Starron, o Conquistador – o vilão mais injustiçado dos últimos anos.

Mesmo assim, O Esquadrão Suicida de Gunn não consegue deixar a papagaiada intervencionista dos EUA de lado, o que transforma sua trama política em cinzas e serve apenas para fazer o espectador revirar os olhos. Não que esperássemos um aprofundamento político-social muito grande de um filme com um personagem que chama Homem-Bolinha, mas não custa tentar. – Caroline Campos

Doutor Gama (Jeferson De)

Doutor Gama é uma obra de resgate a um importante personagem da abolição brasileira. Narrado durante três períodos da vida de Luiz Gama, o filme retrata desde sua vida através dos caminhos que fizeram com que ele se tornasse um famoso advogado e defensor dos direitos das pessoas negras no país. Inicialmente, acompanhamos a sua infância, sendo vendido pelo próprio pai aos 10 anos como escravo. Durante sua adolescência, ele aprende a ler e consegue se libertar da escravidão, descobrindo que, por lei, já havia nascido livre. Já adulto, apresentando grande prazer em estudar, passa a advogar e defender sua principal causa. Acredita-se que por meio de seu trabalho como advogado, Luiz Gama tenha conseguido libertar mais de 500 escravos. 

O filme, disponível no Globoplay, é uma aula sobre esse personagem importante do cenário nacional e que por muito tempo foi silenciado dos livros de História, bem como outras grandes figuras negras. As escolhas narrativas do diretor Jeferson De demonstram o cuidado na escolha de como retratar as fases da vida do personagem e como valorizá-lo por sua real contribuição. As cenas finais do longa narram a difícil defesa de um escravo que matou seu patrão. Em todo o julgamento, nas posturas e falas do personagem, conseguimos encontrar a personificação da luta deste ícone abolicionista. O filme é uma excelente obra de resgate e valorização do grande abolicionista Doutor Gama. – Ma Ferreira

A Lenda do Cavaleiro Verde (The Green Knight, David Lowery)

O novo filme de David Lowery (Sombras da Vida) é baseado nas lendas arturianas e conta a história de Sir Gawain (Dev Patel). Sobrinho do Rei Arthur, ele embarca numa aventura desafiadora para confrontar o Cavaleiro Verde, uma criatura gigante conhecida por testar a coragem dos homens. 

A obra consegue construir uma atmosfera de épico fantasioso bastante imersiva e prende a atenção do espectador graças à beleza da fotografia de Andrew Droz Palermo. É um excelente filme que oferece uma experiência densa não pela história – que é bem simples – mas pela força de suas imagens e gestos. – Caio Machado

A Nuvem (La Nuée, Just Philippot)

Apesar da sinopse sugestiva, o terror de A Nuvem vai além do ‘criaturas e monstros’ da classificação na Netflix. Na trama, Virginie (Suliane Brahim) obtém o sustento da família com a criação de gafanhotos, que vai de mal a pior. Isso até que ela descobre que os insetos desenvolveram um gosto por sangue e que, quando saciados, melhoram a produção. Daí pra frente, a situação escala e o suspense se mescla ao drama.

Mãe solo, o trabalho na fazenda ausenta Virginie da vida dos filhos e cria uma atmosfera ainda mais tensa e urgente no decorrer do filme. Em seu longa de estreia, o diretor francês Just Philippot avança aos poucos, mas na medida certa. Em um ritmo crescente que explora mais do que só a sede por sangue dos gafanhotos e a necessidade da protagonista de saciá-los, a abordagem impulsiona o horror ao combiná-lo com os conflitos familiares e a urgência.

Porém, por mais incontrolável que a situação esteja, quando cai a ficha dos minutos finais ainda tinha o que piorar e a conclusão parece precoce e apressada. O ápice do filme é interrompido, a escalada para em seu ponto mais alto, mesmo tendo no que avançar. Ao final, a sensação que fica é que A Nuvem poderia ter feito mais. – Vitória Lopes Gomez

A Barraca do Beijo 3 (The Kissing Booth 3, Vince Marcello)

A amada trilogia da Netflix chega ao fim desesperada em ser um pouco mais do que um fútil romance adolescente, mas não é. Depois do chorume do segundo volume – com seu mundaréu de machismo e o problemão que é estar dividida entre dois caras -, A Barraca do Beijo 3 mira na despedida dos melhores amigos Elle (Joey King) e Lee (Joel Courtney) e uma visão madura para o futuro, e acerta em outro filme vazio.

Vince Marcello percebeu aos 45 do segundo tempo que depois de 2 filmes, a trama nunca falou de Elle individualmente, sem estar circundada pelos irmãos Flynn. Então o diretor criou um final impopular, curto e mal feito, na tentativa de deixar a protagonista se descobrir sozinha e terminando seu chatíssimo amor com Noah (Jacob Elordi). Nada além de mais do mesmo foi feito para fechar a trilogia, mas triste foi assistir Elle se despedir da infância e das memórias da mãe que moravam na casa de praia da família Flynn, mesmo que isso tenha durado menos de 5 minutos. – Nathália Mendes

Evangelion: 3.0+1.01 A Esperança (Shin Evangelion Gekijôban, Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki, Katsuichi Nakayama e Mahiro Maeda)

Evangelion sempre esteve fortemente atrelado à saúde mental de Hideaki Anno, criador da série e dos filmes. E, desse modo, é interessante observar como todas as obras que envolvem os Evas se relacionam de forma reativa. Nunca é uma reconstrução alienada do que veio antes, sempre é uma reação. À exemplo de The End of Evangelion como uma resposta direta à reação violenta e acalorada dos fãs na época, e não como um substituto do final do anime. E, agora, a série Rebuild of Evangelion, não como uma sequência de obras isoladas que descartam as produções de 1995 e 1997, mas como um exercício de revisitar o passado e o enxergar através de outras lentes. Desde Neo Genesis Evangelion, Anno tem procurado paz através da arte e, em Evangelion: 3.0+1.01, o último filme do remake, essa paz finalmente chega.

Entre a sua mitologia complexa de subtexto religioso e as batalhas pitorescas entre mechas, o que realmente sustenta a saga e sua alcunha de ‘obra prima’ são as relações entre personagens, seus dramas e conflitos. Evangelion 3.0+1.01 entende isso e separa grande parte do tempo de tela para o desenvolvimento de seus protagonistas e coadjuvantes. A noção de ritmo do longa, por consequência, é espetacular, manipulando a energia da trama com esplendor e transformando a experiência na mais dinâmica de todos os filmes Rebuild.

E, no caso de Thrice Upon a Time, lançado este mês no ocidente pelo Amazon Prime Video, lapidar esse elemento era crucial. Isso porque ele se propõe não apenas a fechar o ciclo da saga de Rebuilds, mas também a encerrar todo o arco de Evangelion; fechar de uma vez por todas o grande ciclo que se iniciou em 95. Esse filme é um abraço e um aconchego, tanto para nós espectadores, quanto para os personagens que, depois de tantos traumas, são contemplados com a possibilidade de redenção. É uma despedida doce que, assim como o título brasileiro expõe, é um atestado de esperança e de que, sobretudo, nenhuma dor dura para sempre. – Enrico Souto

Val (Idem, Ting Poo e Leo Scott) 

Val Kilmer, conhecido por seus papéis em Top Gun e Batman Eternamente, saiu dos holofotes de Hollywood após ter perdido a voz em decorrência de um câncer na garganta. Em Val, somos convidados a examinar a vida do artista desde a infância, a partir de um extenso arquivo de filmagens pessoais gravadas pelo ator ao longo dos anos. 

Com o auxílio de uma narração escrita pelo próprio Val Kilmer e feita por seu filho, Jack, Leo Scott e Ting Poo elaboram um retrato poético e emocionante da carreira de uma celebridade que já não é tão popular quanto era décadas atrás. As filmagens que Val conseguem resgatar exibem momentos preciosos, nos quais conseguimos ter um vislumbre dos sentimentos e questionamentos que se passavam na cabeça do ator quando ele não estava em frente às câmeras.  

Mais do que outra biografia de um famoso, Val utiliza o Cinema como ferramenta para transformar uma vida intensa e turbulenta numa linda contemplação sobre como estar vivo é um processo de transformação constante. Por mais que existam dificuldades, há sempre espaço para a felicidade. – Caio Machado.

Luana Muniz – Filha da Lua (Rian Córdova e Leonardo Menezes)

Transgressora e revolucionária. Encantadora e subversiva. Luana Muniz foi muitas coisas, mas a alcunha que Rian Córdova e Leonardo Menezes escolheram para representá-la em seu documentário foi única: Filha da Lua. Antes de ficar famosa pela mídia por gritar “travesti não é bagunça” ou por tirar uma foto ao lado do Padre Fábio de Melo, a artista já era uma guardiã para a comunidade LGBTQIA+ da região da Lapa, no Rio de Janeiro. 

Em Luana Muniz – Filha da Lua, a dupla de diretores utiliza dos próprios relatos da protagonista para construir uma história potente e decidida, mas sem a melancolia emotiva das biografias post-mortem. Muito pelo contrário, já que o choro vem naturalmente nos créditos finais, depois do peso de, em 78 minutos, retratar um pouco do que foi a Rainha da Lapa. – Caroline Campos

Pray Away (Idem, Kristine Stolakis)

A falácia da terapia de reversão ou cura gay é a realidade de muitos LGBTs. Essa realidade traumática já foi retratada diversas vezes longas, como Boy Erased: Uma Verdade Anulada, porém sempre adotando como foco aqueles que se opuseram às violências da cura. Em contraposição a essas produções, o documentário da Netflix, Pray Away, surge com o propósito de mostrar a história desses grupos sob a ótica de quem se denomina como “ex-gay”. O conceito parece risível, no entanto, a condução dos depoimentos pela diretora Kristine Stolakis, revelam uma experiência devastadora.

O principal objetivo retratado no documentário é mostrar como esses processos de reversão, comumente atrelados a grupos religiosos, destroem a saúde mental das vítimas. Como ponto focal de Pray Away está a organização Exodus, um grupo cristão responsável pela realização das terapias. A adoção desse objeto de estudo permitiu com que o longa desenvolvesse uma narrativa didática quanto aos prejuízos desse processo retrógrado. No entanto, o documentário adota o problema sob um ponto de vista regional, perdendo a oportunidade de demonstrar a realidade de outros pontos do mundo, o que deixou o desenrolar monótono.

Entre mais altos do que baixos, Pray Away entrega uma narrativa coesa sobre uma realidade negligenciada por muitos. Desse modo, o documentário, que teve Ryan Murphy como produtor em colaboração com o estúdio Blumhouse, se mostra necessário para a conscientização dos danos que a terapia de reversão provoca em suas vítimas. O longa atingiu uma aprovação de 93% do público no Rotten Tomatoes e, ainda, foi indicado ao Festival de Cinema de Tribeca, perpetuando a narrativa da diretora Kristine Stolakis. – Gabriel Gatti

Stillwater (Idem, Tom McCarthy)

Aclamado e polêmico, como de costume. Assim foi a estreia do novo filme de Tom McCarthy, que se deu com uma salva de palmas de cinco minutos no Festival de Cinema de Cannes 2021 enquanto cercado por controvérsias quanto a sua concepção e divulgação. Depois de vencer o Oscar de Melhor Roteiro Original em 2016 com Spotlight: Segredos Revelados, o cineasta volta a criar seu momento mundo afora com Stillwater. A história parte de Bill Baker (Matt Damon), um trabalhador petrolífero desempregado de Oklahoma que viaja sazonalmente para visitar sua filha Allison (uma brilhante Abigail Breslin) em Marselha, na França, onde ela cumpre uma pena controversa pelo morte de sua namorada quando ambas frequentavam a universidade na cidade. 

Acontece que essa é também a história de vida de Amanda Knox, a estadunidense que protagonizou um dos casos criminais mais famosos do mundo, passando quatro anos numa prisão italiana antes de ser absolvida do caso de assassinato de uma colega de quarto. Agora conhecida mundialmente pela repercussão da investigação, ela não gostou de ver um drama muito parecido com a sua vida pessoal sendo aplaudido sem a sua devida consideração. Mas mesmo com essa discussão envolta, o caso da jovem Allison não é o ponto principal do filme, que distancia-se de um suspense criminal como pode ser vendido por aí.

Stillwater é muito mais um drama que versa sobre o reencontro do personagem quebrada de Damon numa nova vida, conforme ele segue o elemento que traz o ritmo viciante do filme, existente na possibilidade de reabertura do caso da filha e, por consequência, sua absolvição e declaração de inocência. Assim, diante das polêmicas, McCarthy insiste que  seu filme é algo ficcional, assumindo a influência de elementos da realidade, e que se concentra na verossimilhança de Bill Baker. O protagonista é um herói errante, que subverte a narrativa esperada de uma jornada para um ciclo de antecipações e ações impensadas diante de um cenário implacável. Uma espécie de experiência espiritual para Matt Damon, que trouxe transformações de comportamento ao ator, completando o circuito de polêmicas de Stillwater abafando os pontos positivos do filme . – Raquel Dutra

Caminhos da Memória (Reminiscence, Lisa Joy)

Lisa Joy é co-criadora da série Westworld, junto com Jonathan Nolan. Caminhos da Memória é seu primeiro trabalho na direção e acompanha Nick Bannister (Hugh Jackman), um investigador particular que ajuda seus clientes a acessarem memórias perdidas. Sua vida muda quando ele atende uma nova cliente, Mae (Rebecca Ferguson), e descobre uma conspiração violenta. 

O filme decepciona bastante, pois desperdiça suas ótimas ideias iniciais numa execução desengonçada, cansativa e que tem vergonha de expressar emoções. Parece mais interessado em vomitar diálogos expositivos do que mostrar o funcionamento daquele mundo na prática. Por mais que o elenco se esforce para tirar leite de pedra, falha em ser um bom filme de ficção-científica, romance ou mesmo ação. – Caio Machado

Ele é Demais (He’s All That, Mark Waters)

Na premissa de que um reboot seria a melhor opção para a grande estreia do mundo TikTok no Cinema, a Netflix errou e errou muito com Ele é Demais. A trama? Nada inovadora; a popular da história, Padgett (Addison Rae) leva um grande pé na bunda de seu ex-namorado famosinho e aposta com sua amiga que tem capacidade de transformar um garoto feio, Cameron (Tanner Buchanan, de Cobra Kai), no grande rei do baile. Claro que então, no meio do caminho a gente vê as “camadas” (rasas, claro), e o casal inimaginável se apaixonando. Além disso, ainda tem os clichês do ex-namorado se mostrar cada vez mais lixo e a amiga popular se rebelar contra ela e se tornar sua maior inimiga, mas isso com certeza você já viu em outros filmes. 

Podemos listar, além da história ultrapassada, os diversos erros da produção. Tudo bem que o filme é um reboot (que merece um prêmio pela fidelidade ao anterior) mas será que não tinha como tornar a história mais inclusiva e bem menos problemática? A ideia de transformar homem feio em homem bonito já torna a trama ridícula por si só. Além disso, o filme ainda continua pecando quando falamos em diferentes preconceitos implícitos, afinal o que são aqueles implantes de bochecha muito mal colocados que somem magicamente quando ele se torna o rei do baile? O roteiro bem mal escrito segue, por toda sua extensão, desenvolvendo algo raso e nada interessante. O que é frustrante, já que em pleno 2021 o filme é a grande atração entre o público infanto-juvenil, que acaba não percebendo as nuances equivocadas da produção.  

Assim, por fim, elencamos a falta de talento do elenco. A estreia da terceira tiktoker mais seguida do mundo é rasa, fraca e não agrada nem ao menos os seguidores da plataforma. Mas pior que ela, ainda há até mesmo Madison Pettis, que diferente do brilhantismo que vimos em Treinando Papai logo quando criança, entrega algo totalmente superficial e falido. Se quisermos destacar algo que deixa ao menos o filme um pouco interessante é ver as referências ao filme anterior, como as músicas, ou até mesmo a antiga protagonista, Rachel Leigh, atuando como mãe da nova estrela. – Larissa Vieira

The Witcher: Lenda do Lobo (The Witcher: Nightmare of the Wolf, Kwang Il Han)

Antes que a segunda temporada da adaptação dos livros de Andrzej Sapkowski chegue às telas da Netflix, fomos presenteados com o filme animado The Witcher: Lenda do Lobo. Estilizado e vendido como um anime, o longa explora o passado de Vesemir (Theo James), o bruxo que treinou Geralt (interpretado na série por Henry Cavill) e um dos personagens que será apresentado nos próximos episódios (onde será interpretado por Kim Bodnia) da série criada por Lauren Schmidt Hissrich, que produz ambas as obras.

Como sempre, o cenário de The Witcher é descrito como um mundo em guerra consigo mesmo. Quando os elfos não apresentam mais ameaça, os reinos humanos viram seus olhos para os bruxos e começam a se perguntar se os mutantes são realmente necessários. Em meio à toda essa tensão, um jovem e galante caçador de monstros recebe uma oferta para caçar uma besta que ninguém viu antes, e que o levará à uma verdade que ameaça colocar todos em perigo.

Apesar do roteiro de Beau DeMayo se movimentar num ritmo agradável e a história de Vesemir ser engajante, as grandes estrelas do show são claramente às sequências de ação, que fazem uso completo do formato de anime, e entregam lutas acrobáticas que não seriam possíveis na série e aproveitam da classificação +18. Graças aos talentosos animadores do Studio Mir, The Witcher: Lenda do Lobo é um espetáculo sangrento e fluído (à la Castlevania), além de um aperitivo delicioso do que está por vir, e prova de que o universo fictício do Continente ainda tem muitas surpresas reservadas para o futuro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

No Ritmo do Coração (CODA, Siân Heder)

Ser a única não surda numa família de quatro pessoas e ainda nascer com um dom que não pode ser apreciado por eles: o canto. Essa é a premissa de CODA (Children of Deaf Adults, em tradução: filhos de pais surdos), um dos filmes mais emocionantes do ano e vencedor dos prêmios de Melhor Filme por público e júri do Festival de Sundance 2021.

CODA conta a história de Ruby Rossi, a filha mais nova de um casal de surdos. Porém, a garota não nasceu com a mesma condição, se tornando a intérprete de seus pais e seu irmão mais velho. Os entraves se iniciam na adolescência, na ânsia de estar convivendo em sociedade e o contraponto de sua família que é excluída por ela. Ruby se junta ao grupo de coral da escola, se destacando em meio aos seus colegas e vendo a oportunidade de tentar uma bolsa de estudos na Universidade de Música Berklee. CODA é sobre Música e sobre silêncio. Os momentos de canto são substituídos pelos momentos de linguagem de sinais com a família de pescadores e nada cativa mais do que quando os dois universos colidem. Assistam, fiquem apreensivos e se emocionem. – Ana Júlia Trevisan

A Jornada de Vivo (Vivo, Kirk DeMicco)

Vivo é um jupará, mamífero da floresta tropical que foi perdido em Cuba quando filhote e resgatado por Andrés, um homem que ganha a vida cantando pelas ruas de Havana. Quando seu grande amigo morre, Vivo deve honrar seu último desejo e entregar sua composição para o grande amor da juventude de Andrés, a famosa cantora Marta Sandoval. O grande problema é: Marta agora mora em Miami e para chegar até lá, Vivo conta com a ajuda de Gabriela, sobrinha-neta de Andrés, com uma personalidade um tanto quanto peculiar para o gosto de Vivo.

Apesar das diferenças e dificuldades, Gabriela e Vivo vivem uma aventura emocionante na jornada para a capital da Flórida, regada de muita música e reviravoltas. O filme conta com dublagens de grandes vozes da música latina, como Gloria Estefan, Juan de Marcos González e, é claro, Lin-Manuel Miranda que além de estrelar no papel de Vivo, também assina a trilha sonora, com notas que já são marca registrada do astro, a mistura da música latina e diversos ritmos diferentes. – Marcela Zogheib

TV

Gossip Girl (Parte 1 da 1ª temporada, HBO Max)

A primeira qualidade da nova Gossip Girl é a série não se tratar de um reboot gratuito ou um remake qualquer. Em uma Nova York moderna, pós-pandemia e impregnada pelas demandas da Geração Z, a produção original do HBO Max passa seus seis episódios iniciais testando o terreno e brincando com o vai-e-vem dos estudantes do colégio. Aqui, o Instagram fala mais alto e o mundo do blog ficou no passado. Todos sabem a identidade da antiga Garota do Blog, todos superaram o dramalhão da era de Serena e Blair, menos, é claro, os professores do Ensino Médio, que criam um novo perfil da GG, metendo o louco para cima de adolescentes de 16 anos.

Criminoso? Não resta dúvida. Mas a Gossip Girl de 2021 sabe usar sua premissa imbecil para instigar o espectador a sintonizar no Max toda quinta, sedento para ver qual será a próxima pataquada, escrita e dirigida com a seriedade de quem almeja o Cinema moderno, mas acerta, no máximo, na versão gourmet da CW. Julien (Jordan Alexander) é a Rainha da Colmeia, mas governa com o poder da benevolência. Com a chegada de sua irmã perdida Zoya (Whitney Peak), J coça a cabeça frente à possibilidade de perder seu império. É uma pena que GG não consiga fazer ninguém se preocupar com o plot principal que, além de datado, não é bem roteirizado ou desenvolvido. 

O charme, como de costume em séries adolescentes, está no elenco. Obie (Eli Brown) é o único panaca completo, ao passo que Max (Thomas Doherty) sacaneia todo mundo, Audrey (Emily Alyn Lind) não se decide qual papel quer prestar e Luna (Zión Moreno) sofre para se sobressair para além de sua trama enfadonha. O destaque dos “adolescentes” é o interessante mas subaproveitado Aki (Evan Mock). A segunda parte está marcada para voltar em novembro, e a promessa é: mais absurdos, mais professoras sem noção e um tantinho mais da narração irresistível de Kristen Bell. – Vitor Evangelista

Você nunca esteve sozinha – O doc de Juliette (Minissérie, Globoplay)

Juliette Freire é um fenômeno desde que apareceu na tela da Globo. A ganhadora do BBB 21 já havia quebrado recordes mundiais de interação nas redes sociais e agora lançou sua carreira de cantora, já arrebatando o maior número de streamings do Spotify Brasil nas primeiras 24 horas de seu EP no ar. A empreitada na Indústria Musical contou com mais um episódio para integrar o documentário Você nunca esteve sozinha – O doc de Juliette, e compartilhar a maneira particular e divertida que a paraibana enxerga o mundo. 

Cheio de cor, música e presença nordestina, o documentário de Juliette é emocionante e mostra partes da história real por trás da febre que o Big Brother Brasil criou. Contar a história da irmã Julienne e trazer Gil do Vigor e Lucas Penteado foram cruciais para desenhar a veracidade no trabalho da diretora Patricia Carvalho – bem diferente de A Vida Depois do Tombo. Apesar de apelar com participações musicais demais e zoom em lágrimas – que se secar, borra – os episódios são uma delícia de assistir, e lembram a todos, com prazer, de que o Nordeste é a melhor parte do país. – Nathália Mendes

The White Lotus (1ª temporada, HBO)

A sátira criada e dirigida por Mike White (Enlightened, Escola de Rock), se tornou um completo sucesso em audiência desde seu lançamento pela rede americana HBO, tanto que já tem sua segunda temporada encomendada para o próximo ano, em um formato de antologia, com personagens e histórias diferentes. Toda trama de The White Lotus se passa num resort de luxo no Havaí, de mesmo nome da série, e tem como protagonistas três grupos de pessoas, com algo predominante entre elas: são todas ricas e brancas.

Inicialmente, tudo parece ir às “mil maravilhas”. Os funcionários do resort dão as boas-vindas ao grupo, sempre sorridentes. Porém, o que vemos inicialmente não é a realidade. Os funcionários, de classe social inferior, entre eles se destaca o gerente Armond (Murray Bartlett), são obrigados a deixarem seus problemas de lado, e satisfazer os caprichos dos hóspedes de classe alta, como Shane Patton (Jake Lacy), recém-casado com Rachel (Alexandra Daddario), em suas condições de total servidão. Um exemplo disso é quando Belinda (Natasha Rothwell), gerente do spa, tem dor nas costas após um dia de trabalho, mas precisa massagear Tanya McQuoid (Jennifer Coolidge), uma senhora rica, que vive no ócio o dia todo. A série não só trabalha em torno dos personagens, mas também é notável uma crítica em torno da elite e dos explorados.

Os personagens são muito bem elaborados e entram em conflito simultaneamente, de modo que há uma sincronia entre suas ações e comportamentos, e tudo é acompanhado com excelência pela constante trilha sonora, que muda com o ritmo dos acontecimentos. Também vale salientar que muitas das ações dos personagens principais causam certo desconforto no espectador, que pode se visualizar cometendo os mesmos erros deles. Porém, ao fim do sexto episódio, chegamos a conclusão de que o mundo é desta forma, cheio de injustiças e diferenças, e para mudá-lo precisamos bem mais do que discursos em redes sociais. – Sabrina G. Ferreira

Grace e Frankie (Grace and Frankie, Parte 1 da 7ª temporada, Netflix)

A Netflix resolveu surpreender os fãs de Grace e Frankie ao lançar, sem avisos, a primeira parte da sétima e última temporada da série. O show, que acompanha a vida de duas idosas que descobrem um caso entre seus maridos e passam de inimigas mortais a amigas eternas, teve suas gravações bastante adiadas por conta da pandemia de covid-19, principalmente porque grande parte do elenco faz parte do grupo de risco.

Nessa primeira parte da temporada conseguimos realmente ver o impacto que uma teve na outra, temos uma Grace mais segura de si, que abraça a chegada da idade e as mudanças que vêm com ela. E Frankie está cada vez mais independente, conseguindo buscar mudanças na sua vida que não envolvem agradar a todos à sua volta.

O restante do seriado terá 12 episódios e só será lançado em janeiro de 2022. E apesar de ter sido uma boa surpresa, a liberação de apenas quatro episódios pela Netflix deixou esse recorte em um limbo de espera pelo que vem no final do que se tornará a série mais longa já produzida pela plataforma. – Marcela Zoghei

Divirta-se em Casa com o Pateta (Goofy in How to Stay at Home, 1ª temporada, Disney+)

Existe professor melhor do que o Pateta? Desde sua primeira aparição em 1932, o cão desengonçado já nos mostrou como praticar todas as modalidades esportivas imagináveis, e deixou as aulas teóricas da autoescola bem menos entediantes ao nos ensinar como dirigir. Pois no meio do 2021 pandêmico, ele está de volta em uma série de três curta-metragens que trazem de volta toda a glória de seus traços clássicos para um mini-guia de sobrevivência para aqueles que estão ficando em casa. O projeto encabeçado por Eric Goldberg, animador veterano da renascença da Disney, ressuscita o espírito e o humor dos curtas clássicos da década de 40, adaptando-os à contemporaneidade sem abrir mão de sua essência.

Em Como Usar Máscara, Pateta evoca o tiozão que não consegue cobrir com a mesma máscara o queixo e o nariz, mas em defesa do cachorro, o focinho complica bastante a situação. Já em Aprendendo a Cozinhar, ele encarna o clássico universitário tentando bancar o chef de cozinha sem saber ao menos fritar um ovo. Ambos são engraçadinhos apenas, mas a verdadeira pérola da série é Maratonas na TV, onde ele prova que é capaz de realizar todas as suas tarefas domésticas sem parar sua maratona de série, com um humor físico surreal que só a animação é capaz de proporcionar. – João Batista Signorelli

Kevin Can F**k Himself (1ª temporada, AMC/Amazon Prime Video)

Annie Murphy venceu o Emmy por Schitt’s Creek e, para se desligar da imagem da personagem que viveu por seis anos na série canandense, ela mergulhou de cabeça na visceral sitcom dramática Kevin Can F**k Himself. Original da AMC e disponibilizada no Brasil pelo catálogo do Amazon Prime Video, a produção conta a história de Allison (Murphy), uma esposa frustrada, que vive à mercê de seu marido Kevin (Eric Petersen).

O diferencial está na abordagem temática da série, que é filmada de maneiras gritantemente opostas. Quando Kevin está em cena, a criação de Valerie Armstrong vira um formato de sitcom, com múltiplas câmeras, iluminação carregada e a trilha de gargalhadas da audiência. Quando Allison se afasta dele, a paleta fica cinza, a trilha sonora sobe e a vibe dramática inunda as temáticas, que vão de depressão, à morte e ao assassinato.

Allison então, planeja se livrar do estúpido marido, ao mesmo tempo em que lida com a vizinha Patty (Mary Hollis Inboden), o novo chefe Sam (Raymond Lee) e o próprio Kevin, que fica cada vez mais repugnante, graças ao trabalho louvável de Petersen. As modulações de sitcom e drama começam promissoras, com viradas e transgressões espertas, mas com o decorrer dos oito episódios de 45 minutos, o formato se ajoelha perante à temática, virando nota de rodapé. Com a promessa de uma nova temporada, Kevin Can F**k Himself sacrifica o que seria um final perfeito para aventuras inéditas a partir de 2022. – Vitor Evangelista

Cozinhando com Paris (Cooking with Paris, 1ª temporada, Netflix)

Os anos 2000 estão de volta e com isso não poderia faltar o retorno da rainha da década, princesa do entretenimento do início do século, ditadora das maiores tendências da cultura pop: Paris Hilton. A socialite volta aos holofotes com seu novo programa da Netflix: Cozinhando com Paris, onde ela recebe diversos convidados e dá o seu melhor em um ambiente que não costumamos vê-la, a cozinha.

Apesar do nome e da premissa de ser um show de culinária, se você for com o caderninho de receitas esperando aprender segredos da cozinha de Paris, irá se decepcionar. A ideia aqui lembra um outro programa de grande sucesso da socialite: The Simple Life – As patricinhas na fazenda, em que ela e sua velha amiga Nicole Richie passavam por situações muito diferentes das que estavam acostumadas, convivendo com pessoas com uma vida mais simples.

O atrativo aqui é acompanhar a extravagância absurda de Paris, com suas idas ao supermercado vestida inteira de brilhos, seus acessórios de cozinha cravejados com cristais e as conversas sobre sua vida com seus convidados. A série é, acima de tudo, divertida, mas se apoia bastante no peso dos participantes, incluindo Kim Kardashian, e da eterna obsessão que todos temos por Paris. – Marcela Zogheib

Schmigadoon! (1ª temporada, Apple TV+)

Bem-vindos a Schmigadoon! Onde o Sol brilha de julho a junho e a vida é como um musical dos anos 50. Bem, na verdade, a vida é um musical dos anos 50 – e o casal em crise Josh Skinner e Melissa Gimble tropeçaram de cara nele. Com seis curtíssimos episódios e milhares de referências à musicais clássicos, Schmigadoon!, de Cinco Paul e Ken Daurio, é 8 ou 80: fãs do gênero, encarem sem receio; haters, passem bem longe.

A cidadezinha mágica depois da ponte abriga todos os clichês que o Cinema e a Broadway já usaram e abusaram, mas é o absurdo da situação em pleno 2021 que deixa a trama irresistível. Pegando título e conceito emprestado de Brigadoon, de 1954, a série da Apple TV+ não poupa esforços com sua direção de arte impecável e coreografias que poderiam ser facilmente encenadas em cima de um palco. 

O elenco é encabeçado pela dupla Cecily Strong e Keegan-Michael Key, mas são as vozes conhecidas dos coadjuvantes que rendem as melhores performances. Tribulation, interpretado pela incomparável Kristin Chenoweth, grita Wicked com pitadas de Newsies; Enjoy the Ride dá o gostinho de vagabundo-da-cidade para o veterano Aaron Tveit; até Dove Cameron encanta como Betsy e seu pudim de milho. Mas uma coisa é certa: Maria von Trapp deve estar orgulhosa da aula ginecológica de Melissa. – Caroline Campos

Modern Love (2ª temporada, Amazon Prime Video)

Modern Love chegou em 2019 encantando os assinantes do Prime Video com suas histórias reais de amores e desamores. Inspirada na coluna de mesmo nome, que também gerou um livro, a série se destaca por sua narrativa que fica na linha tênue entre o simples e o elaborado. O livro Modern Love traz apenas relatos pontuais das pessoas que escrevem. A série consegue ir além, cria cenários e sensações, introduz o espectador na vida das personagens, faz torcer e chorar na mesma intensidade.

Com oito episódios e novos atores, a segunda temporada de Modern Love segue o ritmo de sua estreia. Tão emocionante quanto a primeira, a série não traz finais fechados para seus capítulos, deixando a gente sonhar com o melhor para aqueles personagens. O maior exemplo é o episódio três, única história não presente no livro, situado no contexto pandêmico, encerrado bem em seu ponto alto apenas resta torcer para que o casal tenha se reencontrado. – Ana Júlia Trevisan

American Horror Stories (1ª temporada, FX on Hulu)

American Horror Story é uma das séries mais famosas de terror, conduzida pelo showrunner Ryan Murphy. O show ganhou notoriedade por adotar o formato de antologia, além de ser palco de um elenco formidável, que nos apresentava um modelo único de horror. Depois de uma longa trajetória, as narrativas não tinham tanto fôlego quanto as temporadas iniciais. Para simplificar a trama, foi anunciado um spin-off que contaria uma história diferente a cada episódio. Com esse propósito em mente nasceu American Horror Stories.

Apesar do nome parecido, o spin-off herdou pouco da originalidade e da personalidade da série original. Os dois primeiros episódios apelam para a nostalgia de Murder House, mas nem de longe atingem o impacto da primeira temporada. As tramas seguintes, que se desprenderam um pouco de American Horror Story, seguiram ladeira abaixo com um roteiro fraco e mal desenvolvido e atuações medianas. A antologia mostrou sua primeira narrativa interessante com Feral, que conta a história de um menino pequeno desaparecido durante uma viagem de acampamento com seus pais. Mesmo com algumas falhas, o episódio se desenrola bem dentro da curta duração e, ainda, foge do padrão de protagonistas adolescentes assim como seus antecessores.

Com mais pontos baixos do que altos, as lendas de terror de American Horror Stories não foram o suficiente para agradar tanto os especialistas quanto a audiência, que avaliaram negativamente o show. O fator mais crítico da produção é que essa não se desprende da sua série-mãe, chegando até a escalar o elenco original de Murder House para fechar a temporada. Mas apesar disso, o espetáculo dos horrores se renovou por mais um ano. Até lá, como não dá para imaginar o que o Ryan Murphy está planejando, só nos resta esperar que o showrunner seja agraciado com um pouco de criatividade. – Gabriel Gatti

iCarly (1ª temporada, Paramount+)

Em cinco, quatro, três, dois, e… ela está de volta. Depois de quase dez anos do final da série original, iCarly voltou para mais uma divertida temporada pela Paramount+. Sem o retorno de Jennette McCurdy e a icônica Sam Puckett, a série nos leva novamente para a vida de Carly, Freddie e Spencer e o retorno de iCarly, que estava desativado desde a ida da protagonista até a Itália. Se a premissa inicial do programa era mergulhar na cultura dos influencers dentro do webshow, o que acabou chamando mais atenção foram as adversidades do grupo ao se adaptarem à vida adulta. 

Seja na desastrosa vida amorosa de Carly ou no fracasso profissional de Freddie, iCarly tenta se desvencilhar dos limites do humor adolescente e, com dificuldade, sucede. O verdadeiro destaque da temporada é a nova melhor amiga de Carly, Harper (Laci Mosley). Longe de ser uma réplica desinteressante de Sam, a estilista conquista facilmente o telespectador com sua personalidade indiscreta e seu guarda-roupa impecável. Quem não agrada é a péssima filha adotiva de Freddie, Millicent (Jaidyn Triplett), que não soa (nem um pouco) como uma adolescente. 

O revival pode até não agradar o consumidor ávido de séries de comédia, mas é um doce presente para os fãs que valorizam uma bela nostalgia. Com um início moderado, a série consegue se consolidar na metade da temporada: em uma disputa entre um humor adolescente e o uso ocasional de piadas adultas, iCarly parece ter encontrado sua fórmula final. Agora, basta saber se a segunda temporada vai conseguir seguir o mesmo ritmo. – Laís David

Jacuzzi (Episódio Animado de Pen15, Hulu)

Em Pen15, as criadoras, roteiristas e diretoras Anna Konkle e Maya Erskine vivem versões delas mesmas na puberdade. A primeira parte da segunda temporada, que foi indicada a 3 prêmios no Emmy 2021, foi lançada no ano passado e, desde então, a história de Anna e Maya ficou em suspense. Com as duas atrizes grávidas ao mesmo tempo, era inviável que nossos capítulos fossem gravados, ainda mais no meio da pandemia.

A saída foi Jacuzzi, que serve como oitavo episódio da segunda temporada, e é a primeira investida animada da série de comédia. Com pouco menos de 40 minutos, Anna Konkle escreve e dirige esse standalone das amigas, que viajam e aprontam uma atrás da outra na Flórida. O humor depreciativo e “cringe” é elevado à enésima potência, com as protagonistas sendo desenhadas como caricaturas grotescas, exibindo do lado de fora a maneira exata que as adolescentes enxergam a si mesmas. Com sorte, Pen15 deve voltar lá para o fim do ano, e continuar a saga, em live action, das amigas destrambelhadas. – Vitor Evangelista

Todo va a estar bien (1ª temporada, Netflix)

Diego Luna está fazendo TV! Através de Todo va a estar bien, o ator mexicano estreia na direção do mundo das séries da melhor maneira possível, assinando a nova dramédia da Netflix. Depois de estrelar Narcos: Mexico e o programa de entrevistas Pan y Circo, no Amazon Prime Video, Luna parece se sentir em casa na televisão e vive o momento de conhecer sua assinatura enquanto diretor numa história que tem aquele gosto especial e familiar das casas latinoamericanas.

A produção nos coloca para acompanhar o dia a dia de Julia (Lucía Uribe Bracho) e Ruy (Flavio Medina), um casal divorciado que decide continuar morando junto para cuidar da filha Andrea (Isabella Vazquez Morales). Em oito episódios, Todo va a estar bien vivencia os altos e baixos do trio conforme explora a individualidade de seus personagens, que procuram se reconhecer na nova configuração da casa. Compondo um retrato realista, simpático, delicado e divertido, a primeira série de Diego Luna é um delicioso compilado de crônicas de uma família moderna. – Raquel Dutra

Cruel Summer (1ª temporada, Amazon Prime Video)

Cruel Summer acompanha paralelamente o caso do desaparecimento de Kate, uma adolescente popular em uma cidade pequena no Texas em 1993, e a acusação de Jeanette, uma colega de escola excluída de Kate, de estar envolvida no caso. A história é contada alternando entre os anos de 1993, 1994 e 1995, em diferentes pontos dos acontecimentos.

Com as mudanças entre os anos, a ambientação da série muda drasticamente, trazendo para a tela o sentimento vivido pelos personagens e apesar de não parecer um enredo tão original de início, a trama surpreende e se desenvolve rapidamente ao longo dos episódios. Além disso, são abordados temas bastante pesados que causam um certo desconforto, mas ainda sim trata-se de uma série teen, criando um contraste que prende o espectador em cada cena. – Marcela Zogheib

Physical (1ª temporada, Apple TV+)

Os anos 80 continuam sendo usados em várias produções estadunidenses, seja para homenagear a década ou utilizá-la como ambientação para a história. No caso de Physical, a série da Apple TV+ aproveita o período, tão cheio de mudanças e exageros, para fazer uma ótima sátira do mundo dos vídeos de aeróbica e da cultura da magreza. 

Na trama, acompanhamos Sheila Rubin (Rose Byrne), uma dona de casa atormentada que vive na San Diego dos anos oitenta. Apesar de aparentar estar calma, ela luta contra um vício e uma voz interior que a torturam constantemente. Tudo muda quando ela descobre a aeróbica e mergulha numa jornada de empoderamento e sucesso. 

O que destaca Physical diante de outras séries ambientadas nesse período, como Glow, é a excelente atuação de Rose Byrne. Os outros atores se esforçam, mas não chegam nem perto da aura poderosa que a atriz emana. É ela quem joga luz na crítica que a série faz ao culto nocivo do “corpo perfeito” e nos faz devorar a temporada inteira, ansiosos por mais. – Caio Machado

Vingança Sabor Cereja (Brand New Cherry Flavor, Minissérie, Netflix)

Baseada no livro de Todd Grimson, Vingança Sabor Cereja é uma narrativa surreal no coração podre da Los Angeles dos anos 90, estrelada por Rosa Salazar (Alita: Anjo de Combate, Undone) e criada por Nick Antosca (Channel Zero) e Lenore Zion. Na trama, a cineasta Lisa Nova (Salazar) tem seu curta-metragem roubado pelo produtor ganancioso Lou Burke (Eric Lange), e agora está disposta a fazer qualquer coisa para destruir sua vida.

É fácil ver como a estética lynchiana de Vingança Sabor Cereja se inspira em trabalhos como Cidade dos Sonhos para dar vida e textura às partes mais feias da Cidade dos Anjos; através de sua protagonista desiludida, acompanhamos essa metamorfose de olhos abertos, absorvendo cada detalhe do mundo, esperando ansiosamente que todas as peças se encaixem e que, por fim, justiça seja obtida. Mas não é assim que a banda toca e, até o último momento, a série mantém o suspense brilhante entre o que a audiência sabe e o que ela acha que sabe. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Chair (1ª temporada, Netflix)

Sandra Oh estreou na Netflix prometendo comédia, romance e uma crítica cirúrgica ao meio acadêmico. No entanto, The Chair só serviu para mostrar que, mesmo criado e produzido por mulheres, o romance gosta da ladainha de arruinar protagonistas incríveis por causa de homens fracassados. Nem todo o carisma e talento da atriz que deixou saudades aos amantes de Grey’s Anatomy pode escapar da armadilha de uma personagem que escolhe seu amado.

A premissa de The Chair veio impecável: Kim Ji-yoon é a nova chefe do Departamento de Inglês em uma universidade de prestígio. Mulher e não-branca, a protagonista tem uma pluralidade de pautas possíveis, inclusive na abordagem da trama sobre a “substituição” de professores conforme o tempo e o medo do apagamento de cursos e faculdades. Mas a produção escorregou e passou seus 6 episódios com uma crítica tímida demais, até perder o espaço para (mais um) incrível, só que não, homem. – Nathália Mendes

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Ainda vivenciando a pandemia, Abril carregou nas costas a premiação mais falada do ano: o Oscar 2021. Entre as vitórias e perdas do evento estão a consagração justa de Chloé Zhao, primeira mulher asiática a vencer na categoria Melhor Direção, por Nomadland. Outros nomes que brilharam no mês foram os experientes Frances McDormand e Anthony Hopkins, este último venceu pela brilhante performance em Meu Pai. Mas, passada a euforia dos filmes indicados, vencedores ou não, é hora de falar dos lançamentos do cinema, da televisão e dos streamings.

A Netflix, como sempre, lotou o público de novas produções para acompanhar. No quesito terror, os longas Fuja e Vozes e Vultos merecem destaque. Falando em ficção científica, o streaming apostou no filme Passageiro Acidental. Rosamund Pike agora protagoniza o drama histórico Radioactive, vivendo dessa vez a cientista Marie Curie. Na categoria Séries, a plataforma apostou na adaptação literária Sombra e Ossos, e na produção documental O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos. 

No Amazon Prime Video, teve a comédia Breaking News In Yuba Count, composta por um elenco cheio de rostos conhecidos, e a produção animada Invencível, baseada na HQ homônima. Marcando não só o Disney+, Falcão e o Soldado Invernal veio para dar início a nova fase do Universo Marvel, junto também ao longa Mortal Kombat que comemora o icônico jogo de videogame na HBO Max. Entre as produções documentais estão: Chorão: Marginal Alado, que retrata a vida do cantor brasileiro membro da banda Charlie Brown Jr. e Demi Lovato: Dancing With The Devil, produção corajosa que marca a nova fase da cantora pop. 

Ainda fugindo do mundo dos streamings, Shiva Baby marca a estreia da roteirista e diretora Emma Seligman. Na televisão brasileira, mais uma eliminação do Big Brother Brasil deu o que falar, agora do cantor sertanejo Rodolffo, junto também ao documentário sobre a jornada de redenção da eliminada Karol Conká. E, ainda, o final apressado da novela Amor de Mãe, cuja transmissão e gravações acabaram interrompidas por conta da pandemia. A décima terceira temporada de RuPaul’s Drag Race terminou esse mês, e trouxe a comemorada vitória da queen Symone. Na HBO Max, chegou ao fim a primeira parte da temporada 1 da série de comédia dramática Genera+ion. E, enfim, a eterna The Walking Dead marcou presença com a estreia dos episódios finais da 10ª temporada.

Em Abril de 2021, não faltaram produções para acompanhar semanalmente ou assistir de uma vez. O Cineclube deste mês compactou os lançamentos amados e odiados do momento, com opiniões, críticas, amores e ódios selecionados a dedo pela própria Editoria e seus colaboradores.

Cinema

Últimas Notícias de Yuba County (Breaking News In Yuba County, Tate Taylor)

Em Yuba County, o sensacionalismo e a busca pela fama são os pilares da comunidade. Não é à toa que cada personagem de Últimas Notícias de Yuba County, produção do Amazon Prime Video, está disposto a aproveitar cada segundo de seus preciosos 15 minutos de fama. No entanto, apesar do elenco de peso e uma boa trama cheia de problemas entrelaçados, o filme simplesmente não encontra seu ritmo.

No longa, algumas histórias paralelas se encontram por conta de um elemento comum: a mentira. Tudo começa quando Sue Buttons, vivida pela experiente Allison Janney, resolve encobrir a traição e morte do marido alegando seu desaparecimento. A partir daí, esse suposto desaparecimento envolve uma investigação cômica, um esquema de lavagem de dinheiro e um noticiário local sensacionalista com uma apresentadora icônica interpretada por Juliette Lewis.

O elenco possui grandes nomes como Mila Kunis (That ’70s Show), Awkwafina (Crazy Rich Asians) e Jimmi Simpson (Black Mirror), contudo fica difícil se apegar com qualquer um dos personagens e arcos emendados, principalmente por conta do roteiro que peca nas doses de exagero e comédia.  São muitos elementos a toda hora, com personagens excêntricos, cenas de ação, mortes cômicas e frases de efeito bregas. Últimas Notícias de Yuba County até possui boas intenções, mas erra em juntar muitas personalidades numa trama sem equilíbrio. – Isabella Siqueira

Shiva Baby (Idem, Emma Seligman)

Com seus humildes 77 minutos de duração, Shiva Baby chega como um respiro de alívio coletivo em meio a uma indústria movida pelo excesso. O primeiro longa da diretora e roteirista Emma Seligman, baseado em seu próprio curta-metragem de graduação, não perde tempo em estabelecer sua premissa principal e garantir que a audiência fique investida no microcosmo pessoal de sua caótica protagonista. Após Danielle (Rachel Sennott) ir para uma shivá – tradição de luto judaica – com seus pais (Polly Draper e Fred Melamed) e esbarrar com sua ex-namorada (Molly Gordon), ela descobre a presença inesperada de Max (Danny Deferrari), seu sugar daddy, sua esposa (Dianna Agron) e o bebê deles, que antes ela nem sabia que existiam.

Você já pode ter adivinhado, mas alívio não é a emoção predominante do filme. Se o roteirista Robert McKee define uma cena pela inversão no grau de valores positivos e negativos entre seu início e seu fim, Shiva Baby é uma montanha-russa numa descida vertiginosa com poucos respiros. Toda cena que passa deixa a situação de Danielle ainda mais precária, e ver ela tendo que fazer malabarismos com as diversas personagens e suas diferentes expectativas é um dos grandes triunfos do roteiro de Seligman. A performance de Sennott traz muitas nuances à personagem, deixando transparecer tanto suas vulnerabilidades e sensibilidades quanto as paredes que ela construiu para manter as peças de sua vida cuidadosamente separadas… até agora.

Há um elemento de familiaridade nos conflitos geracionais do longa que tornam o desconforto da situação confortável, por incrível que pareça. Mesmo que você nunca tenha se encontrado no mesmo dilema da protagonista (eu sinceramente espero que não), há algo supremamente relacionável sobre ficar preso em um lugar em que você não quer estar tendo que sorrir enquanto um bando de pessoas coloca sua vida no microscópio. Todo o elenco trabalha muito bem se equilibrando no fio da navalha entre comédia e vergonha-alheia, com destaque para as interações entre Sennott e Gordon, que entregam uma dinâmica de rivalidade e ânsia praticamente intoxicante. Shiva Baby é a bagunça bissexual caótica pela qual eu só havia sonhado, e isso é lindo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Vozes e Vultos (Things Heard and Seen, Shari Springer Berman, Robert Pulcini)

A recente adaptação do livro de Elizabeth Brundage, produzida pela Netflix, foge do terror clássico feito de sustos rápidos. Com duas horas completas, o que prevalece no thriller psicológico é a tensão crescente entre o casal formado por Catherine (Amanda Seyfried) e George (James Norton). Assim, mesmo com alguns elementos típicos do gênero (objetos que mexem, fantasmas que surgem do nada), o verdadeiro terror na vida da protagonista feminina vem de uma alma ligeiramente familiar.

Ambientada nos anos 80, a história segue a mudança de uma família para uma casa no interior, após George ser contratado como professor em uma universidade local. Logo ao chegar, Catherine e sua filha Franny (Ana Sophia Heger) começam a sentir e presenciar acontecimentos estranhos na residência. Contudo, quem acaba construindo o ambiente aterrorizante é o marido, que prende a personagem de Seyfried em uma comunidade isolada, faz ataques constantes a seus distúrbios alimentares, mente descaradamente e a priva de qualquer tipo de independência.

Assim, as assombrações não são ameaças, mas sim personagens que viveram situações similares a Catherine, e a tal a aura sobrenatural pode até ser vista com um alerta ao perigo iminente representado por seu companheiro. A intenção do longa não é assustar o público com clichês de uma casa mal-assombrada, mas sim criar aos poucos um ambiente tão hostil que é impossível não temer pela segurança da protagonista. No auge dos minutos finais, os fantasmas parecem ser a única salvação de Catherine a um fim trágico visto tantas vezes antes em relacionamentos abusivos. – Isabella Siqueira

Fuja (Run, Aneesh Chaganty)

Da leva de filmes mensais que a Netflix vomita no seu catálogo, vamos combinar que não são muitos que se sobressaem no meio da produção da plataforma. Dirigido pelo talentoso Aneesh Chaganty, que tem o privilégio de carregar Buscando… no seu currículo, Fuja foi mais uma das obras que se prejudicaram pela pandemia, acabando com os planos da Paris Filmes de lançar o thriller com Sarah Paulson nos cinemas. Com a mudança, o novo longa de Chaganty foi direto para o serviço de streaming e não demorou muito para popularizar e se manter no Top 10 por várias semanas.

E não é que Fuja entrega mesmo toda aquela tensão promovida no seu trailer? Levando em consideração que suspense não é para qualquer um, o diretor indo-americano cria uma narrativa eletrizante ao redor de uma mãe controladora e uma filha adolescente cadeirante, estreando Kiera Allen nas telonas, que passa a desconfiar dos medicamentos que a personagem de Paulson. De forma rápida e desconfortável, a trama vai se desenrolando em cima das duas protagonistas e causa aquele incômodo na boca do estômago, principalmente pela personagem de Allen, que é a segunda pessoa em cadeira de rodas a protagonizar um suspense desde Susan Peters em 1948, por O Signo de Áries.

A familiaridade da história vem da recente The Act, adaptação da história real e bizarra de Gipsy e sua mãe Dee Dee, que fez a garota acreditar que estava severamente doente pela vida toda. As semelhanças são inegáveis, mas ambas as obras apenas se inspiram nos casos de Síndrome de Münchausen por Procuração, o que não é suficiente para uma acusação de plágio descarado. O roteiro, escrito por Aneesh Chaganty e Sev Ohanian, possui suas particularidades na hora de lidar com suas personagens, e Sarah Paulson dispensa apresentações. No fim, a vingança tem um gostinho amargo de medicamento. – Caroline Campos

22 Contra a Terra (22 vs. Earth, Kevin Nolting)

Disponibilizado de surpresa no catálogo do Disney+, o curta animado 22 Contra a Terra parece ser uma homenagem para o público amante de Soul. Esse carinho da Pixar também se alastra para os votantes das premiações, que deram troféus ao longa sobre o músico Joe a temporada toda. Vencendo 2 Oscars, Soul marcou a história do estúdio, e a alma 22 é parte vital desse fenômeno cultural.

 Agora sob a direção de Kevin Nolting, a personagem dublada por Tina Fey reúne algumas jovens mentes para impedir que os residentes do Pré-Vida encontrem seu propósito. Retornam também Alice Braga e Richard Ayoade aos papéis de Jerry, sempre divertidos e dessa vez discutindo o real significado da vida. Seria uma pena se os créditos subissem logo antes dessa incógnita divina ser revelada… – Vitor Evangelista 

Passageiro Acidental (Stowaway, Joe Penna)

O problema de Passageiro Acidental ultrapassa o plágio do qual é acusado, e, mesmo com uma ideia pronta, o longa não engata. Entre as muitas obras de ficção científica que a Netflix lançou nos últimos anos, a nova produção ajuda a compor a lista de fracassos, como suas irmãs, a caríssima Perdidos no Espaço e a cancelada Away. Estrelado por nomes grandes como Toni Collette, Anna Kendrick, Daniel Dae Kim e Shamier Anderson, o elenco infelizmente não é suficiente para aguentar o ritmo lento do longa. A trama (copiada, diga-se de passagem) é absurda – um homem é encontrado ferido após o lançamento de uma missão  espacial para Marte, e cuja duração é de dois anos.

Após o resgate de Michael (Shamier Anderson) e a impossibilidade de voltar para a Terra, a trama se baseia nas consequências de sua presença na nave. Como qualquer produção básica do gênero, problemas de espaço e a falta de oxigênio impedem a permanência de todos na nave. Assim,  o debate que envolve os personagens é ético, e não necessariamente científico. Mas, apesar desse diferencial, é difícil se relacionar com os personagens, que em nenhum momento tem suas vidas ou sentimentos ampliados para o público.

Infelizmente, os ângulos e fotografias agradáveis escolhidos pelo cineasta brasileiro Joe Penna, passam a sensação contrária da questão levantada pelo longa. Visto que a cada cena temos a leve impressão de que a nave é gigante e consegue acomodar mais do que três pessoas. Ao se recusar a aprofundar os sentimentos dos protagonistas, estabelecer um problema estrutural simplório e gerar um debate ético vazio, o longa falha em conquistar o público em tudo que se propõe. Passageiro Acidental apenas tenta trazer de volta aquele velho questionamento: vale a pena sacrificar uma vida em favor de outras? – Isabella Siqueira

Mortal Kombat (Idem, Simon McQuoid)

Mortal Kombat é conhecido pela violência extrema nas lutas e pelos seus personagens caricatos. Sua adaptação cinematográfica, lançada nos cinemas e na HBO Max lá fora, falha em reconhecer isso e entrega um filme mediano, com uma história original sem personalidade e atores que parecem estar ali só para pagar as contas.

A direção de Simon McQuoid parece mais preocupada em construir a mitologia por meio de diálogos expositivos entediantes que preparam terreno para uma eventual continuação, que deve ter o Mortal Kombat de fato. Os únicos momentos interessantes são os que prestam homenagem ao jogo através de referências inesperadas, como quando um personagem diz “fatality” após finalizar uma luta.

O filme consegue entreter com suas boas cenas de ação, mas a sensação que fica é a de estarmos vendo o prólogo de outro filme, que ainda não foi feito. Poderiam ter feito uma HQ introdutória sobre Mortal Kombat que não haveria diferença alguma. – Caio Machado

Por Que Você Me Matou? (Why Did You Kill Me?, Fredrick Munk)

Entrando na lista dos documentários de true crimes da plataforma, Por Que Você Me Matou? é um exagero de drama combinado com uma história absurda de vingança. A produção conta o trágico assassinato de Crystal Theobald, que foi morta por uma gangue dentro do veículo em que estava com o irmão e namorado em 2006. Mesclando breves apresentações e relatos dos familiares da vítima com o desenrolar da investigação, o longa peca em dramatizar em excesso a busca por justiça da mãe, deixando de lado os questionamentos sociais que envolveram o caso.

Chegando na metade, o documentário até faz sentido, com acertos em apresentar de forma direta os detalhes do caso, não utilizando de nenhuma reconstrução fantástica para elucidar os acontecimentos da fatídica noite. Mas, após enfatizar a falta de progresso que a polícia teve em lidar com o crime, a obra optou por tratar da escolha de Belinda Lane, mãe de Crystal, em conseguir uma confissão dos culpados a partir de uma conta fake no MySpace. A partir daí o longa se torna puro entretenimento, contando ainda com a produção simulando como as interações ocorriam num computador Windows XP.

Os relatos da família e amigos da vítima são comoventes, mas os efeitos do documentário dão a sensação da história ser na verdade uma novela. Apesar do elemento instigante do caso ser a atitude levantada em prol de obter justiça para Crystal, os fatores sociais da região e as injustiças que recaíram sobre os parentes da jovem eram pontos que deveriam ter sido mais explorados em Por Que Você Me Matou? – Isabella Siqueira

Radioactive (Idem, Marjane Satrapi)

É difícil mensurar a importância de Marie Curie para a humanidade, e sua cinebiografia também sucumbiu a esse desafio. A produção, que estreou no Festival de Cinema de Toronto em 2019 e foi distribuída só agora em pela Netflix, se propõe a retratar a história da cientista que mudou o mundo através das suas descobertas, e assim como a sua personagem principal, tenta contornar os altos e baixos de sua obra. Sob a direção de Marjane Satrapi, Radioactive conta com um elenco de alto calibre mas não favorece seus personagens. 

O filme peca pelo roteiro quebrado e desatento de Jack Thorne, que muito diferente do que fez com o texto de Enola Holmes, aqui esquece de como se faz um filme com ritmo. Radioactive não nos deixa celebrar as vitórias de Curie nem sentir suas dores, criando um retrato básico e apressado da figura histórica – digna de toda atenção -, ao mesmo tempo que força alguns aspectos insignificantes e deixa muita coisa importante passar em silêncio. 

Mas Radioactive ainda vale a pena pelo protagonismo da magnífica Rosamund Pike e o casal que forma com Sam Riley na pele de Pierre Curie, marido da cientista que apostou e colaborou no potencial de seu trabalho. O drama de época traz também a participação especial da dispensa-apresentações Anya Taylor-Joy como a filha mais velha do casal, que também continuou os estudos da mãe colaborando significativamente para avanços na medicina em plena Primeira Guerra Mundial. – Raquel Dutra

Chorão: Marginal Alado (Felipe Novaes)

“O fato de eu ter tatuado marginal no meu braço não quer dizer que eu sou um marginal que faz várias fitas, que assalta os outros não. Quer dizer que eu tô à margem de muita coisa que eu acho que é hipócrita, que é mentirosa”. O trecho é de um dos depoimentos de Chorão, mostrado no início do documentário, e já deixa todo mundo atento para o que está por vir.

O audiovisual não só aborda a carreira musical do cantor, mas também sua relação de amor com o skate e a formação de sua personalidade questionável. O trabalho do diretor Felipe Novaes mostra diversas nuances do vocalista da banda Charlie Brown Jr., através de imagens cedidas pela família e com depoimentos de pessoas próximas. Além disso, te faz pensar e descobrir os motivos plausíveis pelos quais a banda fez o estrondoso sucesso.

Um letrista de primeira, perfeccionista e totalmente emotivo. É assim que é retratada a imagem de Chorão. Quem intimamente não o conhece, o compra por aquela malandragem em cima dos palcos, porém, a produção chega para quebrar essa visão e deixar fãs e admiradores com os olhos marejados. Marginal Alado te faz entrar na cabeça de Alexandre Magno Abrão e acompanhar sua jornada do início ao fim, ainda mais de perto. – Giovana Guarizo

TV

Cerimônia de premiação do Oscar 2021

Se você acompanha o Persona deve ter lido pelo menos um texto sobre o Oscar, se não, pega a pipoquinha que temos o conteúdo completo aqui. Depois do período de ansiedade, o tapete vermelho finalmente aconteceu no dia 25 de abril em Los Angeles. Um tanto diferente que o de costume, foi uma das primeiras premiações a contar com os concorrentes reunidos desde a caótica e interminável pandemia da covid-19. Ainda sem uma grande plateia enfileirada com direito a selfie, o evento aconteceu em um lugar mais arejado e com mesas distribuídas pelo salão.

Seguindo uma ordem diferente da habitual, o Oscar já chegou tocando o terror, abrindo a noite com as categorias de Melhor Roteiro Original e Melhor Roteiro Adaptado. Felizmente, a estatueta foi pra grandes e merecedoras obras. Florian Zeller, vencedor da segunda categoria, recebeu seu prêmio em Paris, em um dos pontos criados pela Academia para transmitir os convidados que não estavam em solo estadunidense. A troca da ordem original levou Melhor Ator a fechar a noite de gala, e o que poderia ser uma última homenagem se transformou num tiro no pé da produção que encerrou o evento às pressas.

Outra diferença foram as Canções Originais, sempre apresentadas durante a premiação entre uma categoria e outra, foram gravadas anteriormente e exibidas um hora antes de iniciar o red carpet. Um Oscar tão distinto trouxe também mudanças necessárias, pela primeira vez em dez anos – e apenas segunda vez na história – assistimos a uma mulher subir ao palco para receber Melhor Direção. O sorriso no rosto de Chloé Zhao iluminou a noite, que poderia ter terminado brilhante com Nomadland. – Ana Júlia Trevisan

Eliminação de Rodolffo (BBB 21, Rede Globo)

O dia 7 de abril de 2021 entrou para a história da TV brasileira. Não, o paredão do Big Brother Brasil não apresentou nenhum novo recorde de número de votos, não aconteceu mais um alto índice de rejeição de algum participante e também não assistimos nada de extraordinário na casa mais vigiada do país, mas o que marcou a data foi tão relevante quanto: um dos postulados mais importantes do programa foi quebrado pelo seu apresentador. O evento foi a consequência justa e mínima para algo igualmente urgente e sério: uma noite antes daquela terça-feira, o eliminado da vez foi denunciado ao vivo por um ato de racismo praticado três dias antes da eliminação. 

A vítima foi o brother João Luiz que teve que ouvir seu cabelo black power ser comparado a uma peruca de homens neandertais. No momento do ocorrido, João repreendeu levemente com intimidação e se refugiou na dispensa junto de Camilla de Lucas, desabafando para a compreensão da amiga. Dois dias depois, no momento da semana reservado para ‘a reunião de condomínio’ dos participantes, João expôs a situação, e então, instaurou-se aquela exata situação que se concretiza quando a palavra racismo surge no ambiente. “Eu não tenho informação”, “minha criação não é assim”, “não foi a minha intenção”, “eu não sabia”, “você poderia ter me avisado” e muitas outras frases que sempre surgem nesses momentos representam a posição de Rodolffo – que também já tinha sido alertado por falas machistas e homofóbicas – naquela noite, menos reconhecer o erro, ouvir quem foi agredido, se aquietar e simplesmente pedir desculpas. 

A posição devida veio só depois da intervenção de Leifert, que esperou a votação ser encerrada para se manifestar – porque onde já se viu, permitir que racismo influencie a opinião de alguém sobre alguma pessoa? -. Quando o homem branco falou, o outro homem branco abaixou a cabeça e ouviu, já chamando-o para fora da casa. Se encararmos o reality como um reflexo da sociedade, o que deve existir é a insistência para que todo e qualquer preconceito seja cada vez menos aceito até a sua total aniquilação e que as pessoas definitivamente aprendam sobre a carga de suas atitudes. Pelo menos, é isso o que indicam as tendências de pesquisa no Google na noite em que Tiago Leifert interveio para discursar ao vivo em rede nacional sobre a importância do tema e legitimar a dor de João. – Raquel Dutra

Invencível (Invincible, 1ª temporada, Amazon Prime Video)

Robert Kirkman é rato em escrever longas coleções de histórias em quadrinhos. Pai de The Walking Dead, chegou a hora do americano adaptar sua investida no subgênero dos super-heróis: Invincible. Com lar no Amazon Prime Video, a série animada conta a história de Mark Grayson (Steven Yeun), um jovem sem poderes e filho do herói mais forte do mundo, o Omni-Man (J. K. Simmons).

O pontapé é o garoto descobrindo suas habilidades e adentrando o mundo dos super seres. Longe de copiar fórmulas batidas, Invincible choca o público pelo uso exacerbado de sangue, gore e violência extrema. Mas a produção não se esconde atrás das tripas e minhocas de cérebro, buscando discutir temas importantes e que cerceiam a nossa realidade. Imagine a mistura ideal de The Boys, com X-Men Evolution, Ben 10: Força Alienígena e Três Espiãs Demais. 

Controle da raiva, senso de dever, e o papel do herói no mundo moderno são algumas das arestas polidas nas quase 8 horas da temporada inicial. Some a inventividade ao traço simples, mas que abre possibilidades inexistentes no live action, e espere uma aventura imbatível. O creme do creme está no elenco de voz, que reúne um time que invejaria o time dos Vingativos. Aguce os ouvidos para notar as participações de Sandra Oh, Gillian Jacobs, Mark Hamill, Mahershala Ali, e de uma porrada de atores que passaram por The Walking Dead. Abril não nos proporcionou nada melhor que Invicible e a parte boa é que a série já está renovada para mais dois anos. – Vitor Evangelista 

Genera+ion (Parte 1 da 1ª temporada, HBO Max) 

Séries teen se renovam a cada geração, e com a ascendente Gen Z não seria diferente. Genera+ion, dramédia lançada diretamente no serviço de streaming HBO Max acompanha a vida de oito adolescentes no Ensino Médio, e todas as tentações e tribulações da juventude. Aposta acertadíssima, a produção foi idealizada por Daniel Barnz e sua filha, Zelda, ainda quando a menina tinha apenas 17 anos. A proposta de lidar com questões sérias da modernidade através de um humor trash que zoa a própria geração é envelopada em um texto exagerado, mas que funciona com primor. 

A série conta grandes nomes e muita representatividade, como o queridíssimo Justice Smith, interpretando o chato e amável Chester, e Lena Dunham como produtora executiva e roteirista do quinto episódio. Todos os atores principais são LGBTQ+, e se Hollywood pode aprender algo com Genera+ion, é que pessoas trans não precisam interpretar apenas personagens trans, como o talentosíssimo ator Sydney Mae Diaz, que dá vida a J.

Em Abril, se encerrou a Parte 1 da primeira temporada, que focou em construir a amizade dos oito colegas em volta de uma trama central, com catarse perfeita no último capítulo. Por enquanto, a Parte 2 ainda não tem data, e também não se sabe se será uma minissérie ou se teremos uma segunda temporada, mas já estamos com muitas saudades de Arianna, Chester, Naomi, Delilah, Greta, J, Nathan e Riley. – Jho Brunhara

Demi Lovato: Dancing With The Devil (Minissérie, YouTube Originals)

Renascimento é o conceito da nova era de Demi Lovato. Depois de três anos da sua quase-morte, a cantora lançou um álbum e um documentário carregado de sentimentos, mostrando a sensibilidade e a coragem com a qual viveu, além de um novo recomeço que está por vir. Disponível no YouTube, a série-documental é dirigida por Michael D. Rather e já conta com mais de 5 milhões de visualizações.

Cada episódio aborda um tema específico, delicado e grandioso para edificar os tijolos pouco conhecidos da complexa personalidade de Demi. De peito aberto e segura com suas convicções, a artista revela suas emoções, juntamente com as entrevistas de amigos e familiares. A narrativa se torna mais palpável e comovente, uma mistura de sensações que atingem em cheio. Por esse motivo, o debate que o documentário trás pode gerar gatilhos para pessoas mais sensitivas.

Abastecido de ensinamentos, Dancing With The Devil fisga não só seus seguidores, mas também todos aqueles que, de alguma forma, simpatizam com as vivências da cantora. Tudo aquilo aprisionado por tanto tempo saiu de maneira majestosa na música e, mais evidente ainda, no documentário. Finalmente, Demi Lovato deixa pra trás tudo aquilo que foi dito para seguir em frente de cabeça erguida. Afinal, o que há de errado em ser confiante? – Júlia Paes de Arruda

Sombra e Ossos (Shadow and Bone, 1ª temporada, Netflix)

Sombra e Ossos é a fantasia que a Netflix precisava. Adaptada da obra de Leigh Bardugo – não só a trilogia principal do Grishaverso, mas também o spin-off Six of Crows -, a série de oito episódios é sagaz em imergir o espectador no mundo complicado e cheio de nomenclaturas do Reino de Ravka, dividido ao meio por uma muralha de sombras repleta de criaturas mortais. O showrunner Eric Heisserer é feliz em compactar as características principais da história de Alina Starkov, ainda inserindo elementos e personagens que contribuem com uma narrativa mais cativante e envolvente do que a apresentada por Bardugo na sua primeira trilogia. 

A mudança mais substancial foi a introdução dos personagens da duologia subsequente à trajetória de Alina, os Corvos. Kaz, Jesper e Inej dão o carisma necessário que falha em alguns momentos protagonizados por Jessie Mei Li e Ben Barnes, que, depois de integrar quase todos os fancasts do mundo literário, finalmente foi contratado para interpretar Darkling. O universo sólido idealizado por Bardugo e revisitado por Heisserer não abre espaço para construções lentas que não levam a lugar algum e tramas fracas sem apelo. Não há um arco em Sombra e Ossos que seja tedioso, mesmo com a série pulando de personagem para personagem a cada cena.

A diversidade dos personagens é explorada pelo elenco certeiro e competente, que convence pelo entrosamento mesmo nas partes mais remotas da geografia da série. E, como se não bastasse todos esses pontos positivos, a Netflix não poupou o bolso e contemplou Sombra e Ossos com efeitos visuais de primeira, um design de produção singular e figurinos especialmente detalhados para cada classe social apresentada. As facetas do resultado final são construídas para fazer a segunda temporada ser implorada pelo mutirão de comentários no Twitter da plataforma. Se toda vez que uma adaptação é anunciada, um leitor treme na base, Shadow and Bone conseguiu fazer com que os arrepios finalmente fossem de empolgação. – Caroline Campos

A Vida Depois do Tombo (Minissérie Documental, Globoplay)

Quem não concorda que Karol Conká foi a estrela da 21ª edição do Big Brother Brasil, está mentindo para si mesmo. Mesmo que não tenha sido a mocinha querida pelo público, ela fez em pouco tempo de confinamento uma trajetória invejável para alguns que chegaram entre os seis finalistas do reality. Engajou participantes, mas sua energia caótica resultou em uma eliminação histórica – 99,17%, a maior rejeição na história do Big Brother mundial – e o seu cancelamento.

Para a tristeza momentânea do público – que por dentro ansiavam de curiosidade para acompanhar o seu declínio – a Rede Globo não desistiu da ex-participante e forçou um documentário. O momento era péssimo, o título brega e tudo caminhava para um flop colossal seguido de mais hate para a intérprete de Tombei. Bom, das duas previsões, apenas uma – milagrosamente – não se concretizou. A Globo conhece o público e às vezes sabe do que ele precisa.

Em quatro capítulos curtos, que podem ser consumidos em uma tarde, vemos uma Karol Conká com as defesas abaixadas, falas e revelações de muitas histórias polêmicas de sua carreira e o que já era esperado: os inúmeros pedidos de desculpas. Karol é uma ótima rapper, mas como atriz não convence. Foi interessante mergulhar um pouco mais na sua realidade e vivência, mas  quem acompanhou em quatro semanas uma figura confiante de suas maldades, não enxerga credibilidade nos arrependimentos. O documentário fez sucesso pela curiosidade, mas o público não comprou a redenção. Não deu para compreender o que Karol queria com a obra, ao contrário da Globo, que está lucrando com toda essa exposição desnecessária e alimentando um ódio coletivo. – Giovanne Ramos

Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier, 1ª temporada, Disney+)

Quem não está com saudades de ir ao cinema e assistir algum filme do Universo Marvel que atire a primeira joia do infinito. Nesse ano tivemos um pouquinho do doce anseio de ver os heróis de volta às telas. Essa jornada que começou em WandaVision, vem se mostrando certeira graças ao alto padrão de qualidade mantido pelo Estúdio. Com o hiper sucesso da primogênita, expectativas não faltaram para Falcão e o Soldado Invernal.

A série traz a continuação do legado do Capitão América – até então vivido por Steve Rogers – entregue nas mãos do Falcão, Sam Wilson, que devolveu o escudo ao governo americano. Ao lado dele acompanhamos também a trajetória de Bucky, perdoado por seus crimes enquanto Soldado Invernal, ele precisa trabalhar o psicológico para seguir em frente. Sendo um dos principais, ele consegue desenvolver sua trama seguindo mais de uma via, humanizando-o mais. Personagens são o que não faltam na série, somos apresentados a novos grupos e também revemos velhos conhecidos.

Falcão e o Soldado Invernal coloca os Estados Unidos em seu devido lugar. Governantes são postos na parede em relação às atitudes tomadas após os eventos de Vingadores: Ultimato. Sendo uma continuação bem conduzida e linear ao Universo Marvel, a produção choca com cenas sangrentas protagonizadas por John Walker, que torna o símbolo estadunidense no que ele sempre foi. Além disso, a série também traz um roteiro expositivo, introduzindo o super-soldado Isaiah Bradley que foi vítima de testes. A história do personagem é essencial para dar combustível ao desfecho da série que não mede esforços para entregar o primor Marvel. – Ana Júlia Trevisan

The Walking Dead (Extras da 10ª temporada, AMC)

O primeiro episódio da décima temporada de The Walking Dead estreou em 6 de outubro de 2019. Quase dois anos depois (e com uma pandemia real no meio do caminho da produção), esse ciclo se fechou. Na verdade, oficialmente, a temporada já estava finalizada com a exibição do 10×16, A Certain Doom, que concluía o arco dos Sussurradores e dava as deixas para o ano final do seriado dos zumbis. Entretanto, com a paralisação e os atrasos gerados pela pandemia, a equipe criativa encabeçada por Angela Kang decidiu soltar 6 capítulos extras, ainda parte do ano dez, mas ‘fillers’. 

Isso é, histórias que não influenciariam diretamente a série, que retornará mais tarde em 2021 para iniciar o ano final. Dessas seis investidas soltas, algumas se justificam bem. A abertura com Home Sweet Home coloca Maggie de volta ao protagonismo, dando dicas de como a sobrevivente lidará com a mágoa na 11ª temporada do show. Outro que dá um banho de atuação é Norman Reedus na pele de Daryl, em Find Me, capítulo que vasculha o emocional do caçador. 

Após esse forte começo, The Walking Dead perde a justificativa, focando em aventuras solitárias de personagens poucos interessantes, como Carol e o rato no pior capítulo recente da produção, e a dupla Gabriel e Aaron. A incrível Princess (Paola Lazaro) protagoniza com astúcia, e em cenário único, Splinter. Os Extras fecham com o esperado Here’s Negan, que coloca o maior vilão da série para contracenar com sua esposa na vida real, que dá vida à Lucille, a mulher que deu nome ao maldito taco de baseball. O enérgico episódio 22 é bem-vindo, porém, seria melhor aproveitado na rodagem regular dos capítulos do seriado. Mas não sou eu quem vai reclamar de ver mais de Jeffrey Dean Morgan num papel digno de Emmy. – Vitor Evangelista

Amor de Mãe (Telenovela, Rede Globo)

Quem acompanhou a estreia de Amor de Mãe no dia 25 de abril de 2019 – nem parece que faz tanto tempo – nunca sonharia com os rumos traçados pela decisão de Manuela Dias ou da pessoa que a orientou a tal desfecho. A novela começou com uma premissa totalmente oposta à sua antecessora, A Dona do Pedaço. Se a trama de Walcyr Carrasco apelou pelo roteiro caricato, raso e comercial, Manuela Dias chegou com sangue nos olhos na sua estreia no horário das 21, determinada a criar algo memorável e de qualidade para o público saturado de obras medianas.

O começo não foi fácil. Levou tempo para os telespectadores se adaptarem à narrativa densa e fotografia inteligente, características da criadora de Justiça. Mas não tardou para o Brasil ser rendido por uma das melhores protagonistas da década, Dona Lurdes – interpretada por Regina Casé – e a sua caça pelo filho perdido Domênico. Outros núcleos como de Thelma, Vitória, Álvaro e Camila ajudaram a sustentar a telenovela, até que o pior acontecesse a todos tanto na ficção como na realidade: o surto de covid-19.

Como medida protetiva contra a pandemia, as gravações da novela foram pausadas até que fosse seguro reunir o elenco novamente. No dia 15 de março, Amor de Mãe retomou as telinhas adaptada para terminar às pressas. Com isso, núcleos foram simplesmente jogados no lixo, isso se não tiveram reviravoltas sem pé e nem cabeça. A trama que conquistou um grupo seleto por sua profundidade deu vida a um trabalho previsível, clichê e trágico. A estreia traumática de Manuela – que perto do fim já estava batendo boca nas redes defendendo a sua primogênita – se tornou um enfadonho de secundários beirando a figuração desinteressante, carregados pela ótima atuação de Regina Casé, Adriana Esteves, e pelo único alívio das sucessivas tragédias, as eternas ‘Rainhas do Passeio’. – Giovanne Ramos

Eles (Them, 1ª temporada, Amazon Prime Video)

Them é o tipo de série que já nasceu problemática. Começando pelo título, que altera o pronome de Jordan Peele em Us/Nós, roubando, além da finesse gramatical, muitos maneirismos do diretor, que mescla o terror ao cômico em situações que denunciam racismo e intolerância. A ambientação da produção, os Estados Unidos na década de 50, rima com a desenvoltura da recente Lovecraft Country, e a escalação do elenco, com protagonistas negros, até puxa a jovem Shahadi Wright Joseph que, adivinhem, já tinha no currículo o longa de Peele.

Não bastassem os problemas criativos e de originalidade, o seriado criado por Little Marvin abusa do cinismo e do sadismo para humilhar, destroçar e dilacerar toda e qualquer pessoa negra frente às câmeras. A família Emory chega ao seu novo lar, na região de uma ensolarada Califórnia, só para sofrer nas mãos de vizinhos racistas e supremacistas. São 10 longos capítulos de eventos repetidos, cenas jogadas e desenvolvimento nulo das figuras apresentadas. Os personagens existem para sofrer e por que sofrem. 

O texto não se preocupa em lhes dar vivências, amores, medos ou mesmo características que fujam dos arquétipos de mãe doida, pai estressado, filha triste e caçula espantada. Them é a pior série de 2021 por sua falta de coragem ao abordar o tema do racismo de forma tão gratuita, é a pior série de 2021 por extrapolar o limite do razoável e filmar torturas para alegrar sádicos e é a pior série do Amazon Prime Video por achar que entretenimento adulto é matar crianças e estuprar mulheres, sem mais nem menos. Se possível, passe longe. – Vitor Evangelista

1 Contra Todos (4ª temporada, Globoplay)

A chegada da última temporada de 1 Contra Todos ao catálogo da Globoplay trouxe o alívio necessário para os fãs que ansiavam pelo término da conturbada vida de Cadu. Rica em conflitos, com um desfecho digno à grandiosidade de sua produção, a série conseguiu exibir os paradigmas de alguém que tenta ser ético em meio ao caos. Temáticas como tráfico, traição, corrupção e desilusões amorosas são as linhas condutoras deste enredo magnífico. Além de alçar duas indicações ao Emmy Internacional, o que já seria motivo suficiente para sua contemplação, a obra se mostra ousada e muito autêntica.

Julio Andrade se prova novamente um ator versátil, intenso e fiel ao papel trabalhoso de Cadu, visto que a carga emocional da trama é intensa sobre vários aspectos (tristeza, ódio, preocupação, amor, empolgação, dentre outros). Outro ponto válido de destaque se deve às transações cênicas, estas exigiram versatilidade de toda equipe técnica do seriado, sendo possível acompanhar a trajetória do protagonista percorrer pelas mais diversas ambientações.  De uma residência humilde em Taubaté do Sul, no interior de São Paulo, viajamos até Brasília, passando por Santa Cruz de La Sierra (Bolívia) até a chegada de Cadu em Miami.

Em suma, a originalidade dos criadores (Gustavo Lipsztein, Breno Silveira e Thomas Stravos) na roteirização e direção da narrativa possibilitaram uma maior identificação dos espectadores com o seriado. Talvez porque se trata de um conteúdo nacional. A abordagem da série é instigante porque ela envolve o protagonista de tal forma que, ao longo da narrativa, ele mesmo é narrador de sua desgraça. Ainda que na primeira pessoa, este tipo de condução da trama me parece bastante envolvente e desafiador. Afinal, é raro encontrarmos produções que exploram este recurso com maestria, sobretudo quando se trata do gênero de ação, que por muitas vezes carrega centenas de estereótipos cinematográficos. – Gabriel Gomes Santana

Yasuke (1ª temporada, Netflix)

Não é todo dia que vemos uma história tão única como a do Samurai Negro adaptada para a TV (ou para o que quer que a Netflix seja). Longe de contar a história de origem de Yasuke, em 6 episódios de meia hora, o anime dramatiza as vivências do guerreiro, colocando elementos sobrenaturais na intrincada trama. Quem dubla o protagonista é um experiente LaKeith Stanfield, que imprime em sua voz a sabedoria e o cansaço do homem. Isso pois a maior parte dos acontecimentos do seriado acontecem depois da ascensão do africano, e suas honrarias de guerra no Japão são apenas flashbacks.

A lenda de Yasuke chamou atenção de Hollywood e até escalou Chadwick Boseman como o protagonista de uma cinebiografia mais clássica, que obviamente não irá mais acontecer como planejado. Quem procura um estudo histórico do primeiro estrangeiro com status de samurai vai se decepcionar, mas quem quer entretenimento, porradaria e luta de urso com bruxa, vai adorar Yasuke. A única dúvida pendente é para onde ir daqui, visto que as ameaças do ano 1 são tão grandes que parecem imbatíveis numa eventual segunda temporada. Tem como para lutar com alguém mais forte que Deus? Aguardemos. – Vitor Evangelista

O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos (This Is A Robbery, Minissérie Documental, Netflix)

O maior roubo de arte de todos os tempos pode ser também o mais frustrante para quem aprecia uma boa história de mistério e investigação. O ponto de decepção com a nova obra da Netflix é bem pequeno, já que a minissérie documental dá um show de produção que não se prende apenas à entrevistas e registros documentais mas aproveita também a liberdade criativa do audiovisual para refazer com o espectador todos os passos da investigação do roubo absurdo que aconteceu no museu Isabella Stewart Gardner, um dos principais de Boston, no dia 18 de março de 1990. 

O problema é que a direção de Colin Barnicle arrasta a série por quatro longos episódios numa história que não é capaz de alcançar o ponto mais atraente: a resolução. O caso do Museu segue aberto até hoje sem ser solucionado, e desde que seu espectador saiba lidar com a quebra de expectativa da vida real que quase sempre não é tão empolgante quanto a ficção, o suspense que O Maior Roubo de Arte de Todos os Tempos cria a partir da reconstituição dos fatos, de sua fotografia e trilha sonora é perfeitamente possível de ser apreciado. – Raquel Dutra

Made for Love (1ª temporada, HBO Max)

O piloto de Made for Love não precisa de estender muito para que saibamos que essa é uma história sobre os limites da liberdade, em especial a de uma mulher presa (literalmente) em um relacionamento abusivo. Quem vive a resiliente Hazel Green é Cristin Milioti, conhecida nas maternidades de sitcoms. A atriz contracena com Billy Magnussen, o boy lixo de Aladdin que dessa vez retorna para interpretar, bem, outro babaca.

Seu papel como Byron Gogol atua no limiar do doentio e do prestativo, fazendo-nos querer fugir dele o quanto antes, seguindo os passos da mulher. Nesse futuro nem um pouco distópico, Gogol é um gênio da tecnologia e vive recluso no ‘Hub’, uma realidade à parte, onde mantém em cárcere a esposa, sem que ela saiba, é claro.

A confusão começa quando Hazel descobre que o marido implantou um chip em seu cérebro, tendo acesso a todos seus pensamentos, sentimentos e também à uma câmera que enxerga tudo que a moça vê. Imagine o sadismo e o remelexo de Black Mirror, mas sem a ‘crítica social’. Made for Love acaba se repetindo ao longo dos 8 capítulos de meia hora, mas ver Cristin Milioti à frente de uma produção original e relevante faz a empreitada ficar no saldo positivo. – Vitor Evangelista

RuPaul’s Drag Race (13ª temporada, VH1) 

No ar desde o primeiro dia de 2021, a 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race foi uma das mais longas da franquia. 16 episódios e um especial sobre a pandemia do covid foi mais que o suficiente para nos apaixonarmos pelas queens e também por até enjoarmos de algumas. Os desafios deixaram a desejar, como o horrendo Rusical das redes sociais, o Social Media: The Unverified Rusical. Porém, nas passarelas, as rainhas brilharam como nunca, e assistimos alguns dos looks mais bonitos e autênticos do programa, assim como a pior roupa já usada desde a estreia em 2009, superando até mesmo o horripilante vestido de Serena ChaCha. 

A batalha de lip syncs no primeiro episódio deu uma renovada nos ares, e premieres separadas sem eliminação são sempre bem-vindas, muito interessantes para conhecermos melhor as participantes antes que comecem a ser eliminadas. RuPaul, talvez sob efeito da ruptura do tédio do isolamento social, parecia ter tomado uma injeção de vida. A Mother gargalhava, dançava pelo set, e deixava transparecer momentos espontâneos de loucura, muito mais presentes antes da sétima temporada. Porém, a Super Queen pecou muito ao eliminar Tamisha cedo demais, e principalmente por mandar Denali para a casa em um momento que ela não merecia sair. 

Assim como no Big Brother Brasil 21, Gottmik foi o Gilberto deles, e Symone, Juliette. Ambas protagonistas da temporada, mas apenas uma poderia sair com a Coroa e o cetro. Symone, com sua excelência de Deusa do Ébano, levou a melhor, merecidamente. Com 4 vitórias e 2 bottoms, a queen fez história: na franquia estadunidense ninguém tinha vencido, até então, com duas quase eliminações. Gottmik, infelizmente, amargurou no top 4, mas rezamos por sua volta em um All Stars. Rosé, outra favorita dos fãs para a Coroa, também não conseguiu se dar bem na final no formato Lip Sync Smackdown for the Crown, que deu completamente errado em 2021, rendendo três lips fraquíssimos e reveals mais fracos ainda. Kandy Muse foi quem teve sorte, e chegou ao top 2 por seu anjo da guarda RuPaul Charles, mas não tinha chances nenhuma de obter o título de vencedora. – Jho Brunhara

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Vitor Evangelista

Chega a ser cômico escrever um título desses poucas semanas depois da AMC revelar o planos de encerramento para The Walking Dead, mas vamos lá. Após sofrer pausas na pós-produção por conta do coronavírus, TWD exibiu a season finale alguns meses depois do planejado. Num painel remoto da San Diego Comic Con, os produtores anunciaram o lançamento de mais 6 episódios, no início de 2021, para preencher lacunas da temporada atual. Finalizando o arco dos Sussurradores, o seriado se encaminha para dizer adeus mas, mais do que qualquer coisa, existe uma sensação de infinito quando pensamos na crônica de zumbis. E não tem nada a ver com o que você está pensando.

Desde 2015 a série sofre com críticas à respeito do ritmo e duração da coisa toda. A coisa mais fácil que tem é acessar qualquer portal que noticie Walking Dead e encontrar comentários vomitando prepotência, são dizeres de pessoas que nem assistem ao show, mas se acham no direito de meter o bedelho. Existem ainda textos que delimitam, temporalmente, o momento que a série começou a desagradar quem a acompanha, medindo a queda de audiência a partir da inserção do vilão Negan, no fim da 6ª temporada.

Quando estreou no Halloween de 2010, The Walking Dead iniciou um fenômeno. Era uma adaptação dos quadrinhos de Robert Kirkman, Charlie Adlard e Tony Moore. Era TV de prestígio passando na AMC, a emissora que já havia nos trazido Mad Men e Breaking Bad. O que poderia dar errado? A princípio, nada. Os anos iniciais fizeram um sucesso estrondoso e, a cada cara nova dos gibis que pipocava na tela no domingo a noite, a audiência grunhia de felicidade. E, um a um, os arcos originais foram sendo adaptados e aclamados, mudanças aconteciam, é claro, mas o saldo sempre ficava no verde.

A série sempre gostou de trazer o choque cru para seus espectadores. Logo de cara, assistimos massacres, tanques de guerra destruindo prisões e uma gangue de canibais tocando o terror. TWD criava vilões encorpados para desarmá-los aos poucos, rendendo bons dramas e extraindo camadas de atuação dos intérpretes. David Morrissey, que deu vida ao Governador, se deliciava semanalmente, misturando o sadismo com a crueldade. O mesmo preceito caiu no colo de Jeffrey Dean Morgan que, na pele de Negan, fez o barulho mais alto da franquia até então. 

Os leitores dos gibis já sabiam o que a chegada de Negan significava para a série, e mesmo assim foi um choque tremendo assistirmos, impotentes, os assassinatos de Glenn (Steven Yeun) e Abraham (Michael Cudlitz). Lembro que, à época desses acontecimentos, The Walking Dead me frustrou muito. Aconteceu o seguinte: o 6×16 acabou com Negan matando alguém, mas a câmera não mostrou quem recebeu o taco de beisebol no crânio. A resposta veio quase meio ano depois, na estreia da 7ª temporada. Mas, àquela altura, muita gente ficou de saco cheio (com razão) da covardia de Scott M. Gimple, o showrunner do momento.

Gimple teve um início promissor no seriado. Ele assumiu o posto no ano 4, cozinhando o arco do Fim da Prisão, além de servir episódios ‘separados’ de cada personagem com maestria, cutucando com voracidade as histórias do Terminus, dos Canibais e das comunidades sedentárias, Alexandria, Hilltop e O Reino. O showrunner, todavia, estava preso ao engessado formato de exibição de The Walking Dead e, com o tempo, virou refém dos 16 episódios anuais, um número exorbitante para a TV feita nessa década.

Com isso, The Walking Dead começou a perseguir o próprio rabo. Negan e os Salvadores mataram o ritmo e o fôlego da série, esse é aquele momento que citei acima, quando as televisões foram desligadas no domingo, e os antigos fãs investiam o tempo em xingamentos e reclamações na internet. Essa maré de azar se arrastou por dois anos. Scott M. Gimple parecia ter medo de dar cabo à trama de Negan, sempre esticando o inesticável. A verdade, por mais dolorosa que seja para eu admitir, é que The Walking Dead se tornou uma série chata. Os longos capítulos se enchiam de prepotência, querendo dar sustância até ao cachorro da vizinha, personagem que não merecia nada disso.

Angela Kang veio para mudar a parada. Ela já era roteirista de The Walking Dead desde 2012, responsável por capítulos como a morte de Dale, na temporada 2, e a de Beth, na 5. Ou seja, ela manjava qual história queria contar, e como fazer isso. Assumindo o posto de Gimple no 9º ano do seriado, Kang injetou vida ao seriado. Sua abordagem menos pragmática e mais ‘porra-louca’ da adaptação dos gibis surpreendeu os acomodados com o maneirismo de seu antecessor.

E não foi só a abertura que mudou com a entrada de Kang, a trama também parecia revigorada. Foi sob sua tutela que Rick (Andrew Lincoln) deu adeus, e a história começou a usar de saltos temporais para dar agilidade aos roteiros. A decisão cirúrgica de destacar Judith (Cailey Fleming) atou pontas para a série, quase como Kang se desculpando por decisões burras que foram tomadas antes de seu comando. Matar Carl (Chandler Riggs) no momento mais anticlimático e banana mole possível pode ter sido planejado como manobra de coragem, mas fugiu muito disso.

Quanto à saída do protagonista Rick, não tinha muito a ser feito. Andrew Lincoln revelou estar exausto das rotinas de gravação, e optou por zarpar da série, mas prometeu uma trilogia de filmes para seu personagem. Outra que beijou adeus ao elenco foi Danai Gurira, a destemida Michonne. É claro que a decisão foi feita de modo temporário, e a samurai saiu de cena com missão e arco delimitados, entretanto, a carreira no cinema de Gurira no Universo Cinematográfico da Marvel, como a Okoye de Pantera Negra, pode ter sido o que falou mais alto. As telonas, no fim das contas, são muito mais atraentes que as telinhas.

Por mais que The Walking Dead dê pinta de cinema, com a cinematografia e os efeitos alinhados à sétima arte, não é a mesma coisa atuar nos dois meios. Tanto pela rotina, como já apontado por Lincoln, quanto pelos compromissos. TWD é um fenômeno nos Estados Unidos, existem coletivas, turnês de imprensa, as estreias de temporadas e exibições especiais. Quem parece estar à vontade com tudo isso é a dupla Norman Reedus e Melissa McBride. Sem carreiras proeminentes fora da série, Daryl e Carol são o carro-chefe da franquia. O protagonismo é tanto que a AMC anunciou um spin-off deles após o fecho da 11ª temporada. The Walking Dead vai acabar, mas não tem fim. 

Fora a série focada em Daryl e Carol, a franquia vive de outras formas. No ar desde 2015, Fear The Walking Dead foi a primeira derivada televisa da original e, vira e mexe, elas trocam figurinhas. Dwight (Austin Amelio) e Morgan (Lennie James) já fizeram esse bate-volta entre as produções. No domingo de exibição da season finale da 10ª temporada, a AMC lançou o piloto de The Walking Dead: World Beyond, que terá foco na primeira geração de pessoas a crescer durante o apocalipse zumbi. Os quadrinhos originais acabaram, de surpresa, no ano passado, depois de 13 anos de publicação e 193 edições, fora os especiais. Existem também a franquia de jogos da Telltale, as web-séries, e os livros. 

Voltando aos méritos da 10ª temporada, o comando de Angela Kang soube como brincar com as marionetes e os mortos-vivos. O público se sente parte intrínseca do grupo de sobreviventes e toda baixa soa pessoal e dolorosa. A escassez do elenco original, em sua maioria morto ou desaparecido, fortalece o vínculo com a audiência, essa que tem mais noção do todo do que os personagens. Isso é positivo por alguns motivos: primeiro, não somos feitos de burro, como no passado. Lembro da 6ª temporada, quando Glenn sumiu por alguns capítulos, e a série até retirou o nome do ator dos créditos iniciais, só para confundir e, momentos depois, anunciar a pegadinha do malandro de que o coreano estava bem vivo, no fim das contas.

Dessa vez, a banda toca diferente. Apenas aqui do lado de fora da TV sabemos que Rick não morreu, mas o luto dos personagens na trama é perturbador e dolorido, nunca soando gratuito. O efeito da vida do xerife, e sua ausência, permitem essa dicotomia dos sentimentos ‘mentirosos’, por mais temporários que sejam. A trilogia de Andrew Lincoln não tem data de estreia ou pontos de roteiro anunciados, não sabemos nem se Rick voltará a dar as caras no seriado e, nisso, aguardamos ansiosos, junto dos sobreviventes. Nesse momento, compartilhar a angústia enriquece o núcleo dramático.

Quando Connie (Lauren Ridloff) desaparece por alguns episódios, seu nome permanece na abertura e o sumiço é vital para a evolução do núcleo de Carol, diferente da gratuidade da ‘saída’ de Glenn. Mas The Walking Dead gosta de repetir erros, isso é inevitável para a série que insiste em dezesseis episódios por ano. A décima temporada teria fôlego para, no máximo, uma dúzia de capítulos, para entregar a união de calmaria e sanguinolência. A ameaça de Alpha (Samantha Morton) não chega a entrar no ciclos de Negan anos atrás, mas a repetição é novamente regra maior. 

A parte dois da temporada corre mais rápido que a inicial, mas matar Alpha, uma porção de episódios antes da ‘finale’, foi um tiro no pé. Antes disso, vou relembrar um acerto recente da série, na intenção de inverter sua lógica cômoda. No ano passado, o grande clímax era o Massacre das Estacas, quando Alpha matou várias pessoas de destaque e exibiu suas cabeças decepadas e zumbificadas na fronteira do território dos Sussurradores. Isso aconteceu no 9×15, um antes da finale, que usou um salto temporal para inserir vitalidade ao luto e não exibir o choque pelo choque para acabar o ano com queixos caídos e nada de respostas. Essa manobra foi a mais correta para estabelecer ainda mais o perigo que Alpha, Beta (Ryan Hurst) e sua Horda representavam.

Dessa vez, a morte da vilã careca foi gratuita, ao menos naquele momento. Fora isso, alocar na sequência um episódio de Michonne, desprendido do núcleo principal, foi mais burro que lavar o quintal na hora da chuva. É claro que a personagem de Danai Gurira merecia um momento solo para brilhar e dizer adeus, mas, meu deus, não existia planejamento melhor? What We Become, o 10×13, acompanha Mich e Virgil (Kevin Carroll) numa jornada saudosista e macabra pela mitologia de The Walking Dead. Passado isso, as reverberações da derrota e humilhação de Alpha soaram diluídas, mais do que qualquer coisa. Beta se enraiveceu, Negan revelou o plano com Carol e Daryl organizou a defesa dos mocinhos, tudo isso por mais horas que o necessário. E chegamos ao ‘último’ episódio.

Exibido depois de quase meio ano do 10×15, A Certain Doom encerra um longo capítulo para a série da AMC. Os Sussurradores são passado, ainda bem. A investida final de Beta e sua Horda foi catártica e incisiva, mas faltou coragem. Pode ser que a série esteja guardando baixas significativa para o ano que vem, mas a maior ameaça ao time do bem não matar ninguém de destaque desanima o âmago do todo. Até mesmo o retorno de Maggie (Lauren Cohan) pareceu deslocado do centro narrativo, foi lindo revê-la, é claro, mas, novamente, com o timing todo errado. 

A adição de personagens como o mascarado amigo de Maggie e a Princesa (Paola Lázaro) são como as agulhas de acupuntura que TWD é viciada em usar. São caras novas dos gibis, que estimulam pontos dormentes da produção, soprando o fôlego que cada fecho de temporada implora por. A Nova Ordem Mundial tem tudo para rimar com um corporativismo Illuminati armamentista, ao invés de repetir a selvageria e primitivismo dos Sussurradores. Para acabar de vez, The Walking Dead parece ter de enfrentar os humanos e, como nos últimos dez anos, nós lutaremos junto.

The Walking Dead sempre foi sobre encontrar a humanidade nos resquícios do medo e da crueldade, e o caminho está certo quando percebemos que, numa cena de conclusão após o massacre no precipício, a série faz seu público chorar de emoção. Somos parte da família de sobreviventes, independente de quanto tempo mais os zumbis continuarem caminhando por aí. Mas isso Rick já falou anos atrás, we are the walking dead.

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A pandemia de coronavírus, que paralisou gravações e embaralhou a janela de lançamentos no cinema, não foi páreo para o Emmy 2020. A 72ª edição da cerimônia que premia o melhor do ‘horário nobre’ da TV vai acontecer virtualmente. Com apresentação de Jimmy Kimmel, os atores, atrizes, diretores e roteiristas participarão da festa à distância, dando seus discursos e agradecimentos do conforto de casa.

Num ano tão conturbado política e socialmente, com as pessoas presas no isolamento social, a TV foi mais importante que nunca. Além, é claro, de entreter sua audiência, as produções que disputam a estatueta dourada têm muito a dizer. E, enquanto o Oscar estipula regras e diretrizes para a inclusão de diversidade, o Emmy 2020 estabeleceu um recorde de artistas negros indicados. Fator que reafirma a maior receptibilidade da TV para com histórias ímpares e das ditas minorias. Tudo está longe do ideal, nem precisamos dizer, mas o futuro parece promissor.

É interessante de sublinhar que a cerimônia do Emmy que acontece no domingo, 20 de setembro, representa apenas uma parcela dos prêmios entregues. Existe, também, o chamado Emmy Criativo (Creative Arts Emmys), que dá atenção às categorias técnicas, como figurino, direção de arte e direção de elenco. Excepcionalmente, por conta da pandemia, o Creative Arts aconteceu ao longo da semana, e os indicados todos gravaram com antecedência discursos de agradecimento. Num ano comum e livre do coronavírus, a premiação secundária acontece na semana anterior à principal, mas não é televisionada. Além das técnicas, o Creative premia as categorias de Atuação Convidadas.

A Editoria do Persona se reuniu para criar essa postagem especial e inédita, reunindo numa lista o resumo das principais indicadas da noite. Contando com informações suculentas das séries, minisséries e telefilmes, mas com a qualidade clássica do site. Aliás, as obras com textos individuais estão assinaladas com os devidos links.

Agora só nos resta esperar a cerimônia começar e, enquanto isso, relembrar tudo do Emmy 2020 junto com o Persona.

DRAMA

The Handmaid’s Tale

O prestígio de The Handmaid’s Tale foi diluindo com o passar das temporadas. Para a série que foi coroada Melhor Drama na folga de Game of Thrones, em 2017, a produção do Hulu enfrenta um período de vacas magras. É certo que a indicação à categoria principal do Emmy 2020 denota um carinho da Academia pelo Conto da Aia, mas de migalhas que vivam os pombos.

Sem sua protagonista Elisabeth Moss nomeada, a série arrecadou 10 indicações esse ano. Em atuação se destacam as antigas vencedoras Samira Willey (Coadjuvante) e Alexis Bledel (Convidada). O queridinho Bradley Whitford, que ganhou como Guest em 2019, agora passou para a categoria de coadjuvante. A terceira temporada de The Handmaid’s Tale foi um sofrimento que só, principalmente para quem assistiu os tediosos 13 capítulos, aguardando a história finalmente começar. A espera é que o novo ano, previsto para 2021, dê um choque na trama, ou a mate de vez. – Vitor Evangelista

Stranger Things

Muito provavelmente a série mais querida e de maior audiência da Netflix, Stranger Things atrai todos os públicos, sempre movimenta a plataforma de streaming e faz barulho nas redes sociais. Neste terceiro ano, acompanhamos as crianças de Hawkins entrando na adolescência durante as férias de verão, num cenário leve e divertido que rapidamente se transforma quando as ameaças do Mundo Invertido se manifestam. Sem muita força de narrativa, a temporada foi morna e ocupou o lugar de outras de maior qualidade nesta edição do Emmy.

Entretanto, o encerramento deixou pretextos para a série ir além da cidadezinha do interior, graças aos seus problemas que se revelam cada vez maiores e mais complexos. Assim, o futuro de Stranger Things é ambicioso e as expectativas para os próximos anos são altas. Se a produção dos irmãos Duffer vai continuar captando o interesse e o engajamento do público, somente a 4ª temporada (com previsão de lançamento para o ano que vem) dirá. Enquanto isso, podemos relembrar a temporada que, de forma controversa, levou a série a competir pelo título de Melhor Drama no Emmy 2020, aqui. – Raquel Dutra

Ozark

Com o fim de Dark, Ozark é facilmente a melhor série da Netflix. Cheia de manejo e pompa, a terceira temporada foi o ápice de tudo, pelo menos até agora. Empatada com a favorita Succession, alcançando 18 indicações, Ozark germina sua jornada para uma merecida vitória num futuro não tão distante. Em 2020, o lobby da HBO pode anestesiar a série de Jason Bateman, mas a renovação do novelão para uma quarta e última temporada muito favorece Ozark.

Bateman, que ganhou um prêmio de Direção ano passado, comemorou sua terceira indicação seguida por interpretar Marty Byrde. Sua esposa em tela, Laura Linney, é uma das favoritas para levar para casa o Emmy de Atriz. A atual vencedora da categoria coadjuvante, Julia Garner, acumula um momentum perfeito para ganhar novamente. Não perca seu tempo e assista Ozark enquanto ainda não acabou, ou pelo menos, leia o texto completo sobre a brilhante 3ª temporada aqui. – Vitor Evangelista

Pose

Em um ano que completa 30 anos do lançamento de Paris is Burning, icônico documentário que retrata a vivência de gays e mulheres trans nos balls nova-iorquinos dos anos 90, Pose é ainda mais relevante. Mas não para os votantes do Emmy 2020. A série de Ryan Murphy foi esnobada, mesmo entregando uma segunda temporada impecável em todos os sentidos, recebendo uma única indicação principal (mas merecida) para Billy Porter, vencedor do ano passado.

As outras estrelas e grandes nomes do show, como MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson e Angelica Ross, foram completamente ignoradas nas categorias de atuação, e Pose também ficou sem indicação para Melhor Série de Drama. No seu lugar, entraram temporadas mixurucas, como Killing Eve e Stranger Things, mostrando que a trama sempre esteve certa: o mundo continua extremamente injusto para mulheres trans. Você pode ler mais sobre essa série essencial aqui. – Jho Brunhara

Better Call Saul

O spin-off de Breaking Bad sempre foi adorado, mas nunca recebeu um Emmy para chamar de seu. Esse ano, chegando na 5ª e penúltima temporada, a série da AMC se surpreendeu, mas de um jeito ruim.

A ausência de Rhea Seehorn em Atriz Coadjuvante já era esperada, ela ainda espera sua indicação inédita pelo papel. Todavia, a lista de Melhor Ator sem Bob Odenkirk soou quase ofensiva para o mundo da TV. Giancarlo Esposito foi o único sobrevivente do massacre, competindo em Ator Coadjuvante. Fora isso, Better Call Saul conseguiu 2 nomeações para Roteiro e uma vaga na maior categoria da noite, mesmo que a vitória esteja longe de se tornar real. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

Euphoria

A primeira temporada de Euphoria foi como um presente da HBO para seu público. Mas vale lembrar que a série vai além de maquiagens bonitas e luzes coloridas. Comandada por Sam Levinson, o drama trata de assuntos corriqueiros de séries adolescentes, como álcool, drogas e sexo. Só que no caso de Euphoria, tudo ganha mais crédito ao ser demonstrado de uma forma diferente cheia de efeitos e técnica impecáveis.

Com isso, a série foi a mais indicada nas categorias do Creatives e chegou a receber o Emmy de Melhor Música e Letra Original por All For Us, para o cantor Labrinth. Com grande surpresa, Zendaya, que interpreta a protagonista Rue, está concorrendo ao prêmio de Melhor Atriz em Série de Drama junto com Jennifer Aniston e Olivia Colman. Para saber mais sobre a história da série é só clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

The Crown

The Crown parece ajustar cada vez mais suas peças no tabuleiro de xadrez da Realeza Britânica. De caras novas pela troca de elenco, a série da Netflix cria capítulos-ensaios na terceira temporada, evoluindo suas melhores proezas. Olivia Colman abraça as mágoas da Rainha Elizabeth e faz jus ao premiado trabalho de Claire Foy. Mas o foco agora deve ir todo para a hipnotizante Helena Bonham Carter.

Deslizando com facilidade para a pele da rancorosa Princesa Margaret, a atriz pode finalmente ter um Emmy para chamar de seu. A série de Peter Morgan mantém o status de prestígio, mas se viu acuada quando não ouviu o nome de Tobias Menzies (o Duque de Edimburgo) nem o de Josh O’Connor (o Príncipe Charles) no dia do anúncio das indicações. Mas, tudo bem, acontece, e a quarta temporada chega em novembro para um vislumbre final de Colman e compania em palácios reais. Você pode ler mais sobre o ano 3 clicando aqui. – Vitor Evangelista

The Outsider

A primeira temporada de The Outsider balançou as investigações policiais no mundo sobrenatural. O suspense da HBO, baseado na obra de Stephen King, é responsável por momentos de arrepiar até o último fio do cabelo envolvendo roubos de identidade, assassinato de criancinhas e incriminação de inocentes.

Infelizmente, apenas Jason Bateman foi indicado ao Emmy 2020 por seu papel no primeiro episódio da série, mas, lendo aqui, você pode entender como grandes atuações foram injustiçadas na nova e aterrorizante série do Mestre do Terror. – Caroline Campos

Killing Eve

A terceira temporada de Killing Eve mostrou o que todos nós já sabíamos: os showrunners não tem a menor ideia do que fazer com a série. Em seu terceiro ano, a dupla de inimigas-para-amantes continua seu jogo de gato e rato, mas, enquanto Villanelle surta sobre seus objetivos de vida, Eve é jogada para o canto da sala de roteiros e recebe pouco destaque. E coitada de Sandra Oh, que esbanja talento mesmo nas eternas voltas que é forçada a dar.

Aliás, a atuação é o único pilar que ainda sustenta o show (além das belíssimas roupas de Villanelle), e foi responsável por três das quatro principais indicações ao Emmy 2020. Sandra e Jodie Comer (vencedora do ano passado) disputam Melhor Atriz em Drama, e Fiona Shaw concorre em Atriz Coadjuvante. O que é absurdo aqui, é uma temporada meia-boca roubando a vaga de títulos mais importantes em Melhor Série de Drama, como a maravilhosa Pose. Killing Eve está sangrando muito e, se seu quarto ano não for seu fim, tenho más notícias: vamos ver uma morte muito mais lenta e trágica do que os assassinatos cometidos pela vilã. – Jho Brunhara

How To Get Away With Murder

A sexta temporada de How To Get Away With Murder é desastrosa. Com um roteiro completamente mal pensado, a série dá diversas voltas sobre a mesma história, e tenta a todo custo resgatar o tom de suspense que a fez ser tão aclamada em sua origem. De quebra, os personagens do núcleo principal tomam atitudes contraditórias a cada segundo, e conseguem perder todo o seu carisma, se é que eles já tiveram algum.

Em meio a esse show de horrores, Viola Davis continua impecável na pele de Annalise Keating, fazendo jus ao Emmy de Melhor Atriz que conquistou em 2015, pelo primeiro ano da série. Infelizmente, não foi o suficiente para ganhar uma indicação na premiação deste ano. Por outro lado, a incrível Cicely Tyson, mãe de Davis na ficção, foi, mais uma vez, nomeada na categoria de Atriz Convidada em uma Série de Drama, e era uma das grandes apostas a levar a estatueta. – Vitória Silva

Orange is the New Black

A silenciosa sétima e última temporada de Orange is the New Black estreou em 2019 e Laverne Cox angariou a indicação solitária para a produção ao Emmy 2020. Pelo papel da ex-detenta Sophia Burset, Cox foi nomeada quatro vezes ao prêmio máximo da TV, mas nunca ouviu seu nome chamado ao palco.

Esse ano, no anúncio dos indicados, a atriz era uma das apresentadoras e foi surpreendida ao vivo com a notícia de sua indicação na categoria de Atriz Convidada em Drama. Era esperado que Laverne não vencesse, tanto pelo desprestígio que Orange sofre há alguns anos, quanto pelo buzz de séries mais recentes, como Succession. Todavia, sua lembrança por Sophia é um prêmio por si só, mas como seria bom vê-la premiada. Nos resta sonhar e, enquanto isso, ler mais sobre o emocionante desfecho do seriado aqui. – Vitor Evangelista

The Mandalorian

Quase ninguém previu a indicação de The Mandalorian na categoria principal do Emmy 2020. O histórico da premiação escancara o desamor por produções mais ‘sci-fi’, além de ser de uma plataforma nova, o Disney+, e figurar um protagonista que não mostra o rosto. A primeira série live-action de Star Wars transformou as fraquezas em armadura e clamou 15 nomeações.

Além do banho que deu nas categorias do Creative Emmy (os prêmios técnicos), a produção indicou Giancarlo Esposito à Melhor Ator Convidado numa Série de Drama. Acostumado a interpretar vilões, na galáxia muito, muito distante não seria diferente, na pele de Moff Gideon. Esposito chega prestigiado ao Emmy 2020, nomeado também na categoria de Ator Coadjuvante, por Better Call Saul. O texto completo sobre The Mandalorian pode ser lido aqui. – Vitor Evangelista

Succession

Succession venceu em 2019 a importante categoria de Roteiro em Drama. Num momento onde os votantes ainda estavam intoxicados pela fumaça dos dragões de Daenerys, a série de Jessie Armstrong já mostrou que não estava para brincadeira.

Em 2020, competindo pelo ano 2, a série empata com Ozark como Drama mais indicado: foram 18 nomeações. Com quase todo o elenco carimbando as categorias de atuação, além de acenos em Direção e Roteiro, Succession é a franca favorita ao troféu mais importante da noite. Quem sabe agora, com o burburinho do Emmy, o público finalmente dê atenção a essa preciosidade do horário nobre. – Vitor Evangelista

The Morning Show

Acumulando 8 indicações ao Emmy no seu primeiro ano, The Morning Show traz as problematizações de um programa matinal estadunidense após polêmicas envolvendo um dos âncoras. A produção do streaming da Apple consegue mostrar uma Jennifer Aniston diferente da que se conhece em Friends, aqui vemos uma mulher poderosa e ambiciosa, mas também com problemas profundos e uma vida complicada. Essa atuação rendeu a indicação de Aniston ao Emmy de Melhor Atriz em Série Dramática. 

A série também concorre em Melhor Ator com Steve Carell como Mitch Kessler e duas indicações na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com Billy Crudup favorito à estatueta. Mesmo que tenha sido uma temporada bagunçada e com alguns episódio bem tediosos, o final conseguiu chocar qualquer um, prometendo uma segunda temporada do mesmo nível. Se você quer descobrir como abuso de poder e outros assuntos foram retratados nessa série, pode clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

Westworld

Prometendo se livrar da amarras dos parques temáticos, o novo ano de Westworld desapontou semana após semana. Os longos oito capítulos pareceram durar mais e, ao fim da 3ª temporada, a sensação era de potencial desperdiçado e fogo de palha do material promocional e das promessas dos criadores Lisa Joy e Jonathan Nolan.

A Academia de TV fez certo ao desprezar a nova leva de episódios. Apenas Jeffrey Wright e Thandie Newton competem, ambos nas categorias de Coadjuvante. Newton, aliás, venceu em 2018, pelo deslumbrante segundo ano. Em 2020, a megaprodução futurista da HBO foi ofuscada, e deve acordar na segunda-feira sem prêmio nenhum chegando pelo correio. Leia mais detalhes sobre Westworld 3 nesse link. – Vitor Evangelista

Big Little Lies

Big Little Lies é um caso e tanto. A primeira temporada foi o fenômeno de 2017, fazendo a limpa na categoria de Série Limitada em toda premiação que concorreu. Baseada no livro de Liane Moriarty, a produção esgotou o material fonte e, depois do sucesso, resolveu encomendar outra leva de capítulos.

Passando para a categoria de Drama, o ano 2 teve uma recepção mais apática que o esperado. A entrada de Meryl Streep no elenco esquentou o dramalhão já fervoroso de antes, e o arco de Laura Dern fez valer a renovação. No Emmy 2020, apenas as duas marcam presença nas indicações. Uma vitória é improvável, tanto pela divisão de votos, quanto pelo balde de água fria que Big Little Lies despejou na cabeça do público. Você pode ler mais sobre a série aqui. – Vitor Evangelista

This Is Us

Nenhuma série consegue retratar as dores e as delícias da vida com a sensibilidade e beleza de This Is Us. Depois de três anos emocionando, construindo laços com sua audiência através de roteiros deliciosos e muito bem pensados e marcando presença entre as categorias principais do Emmy, a produção da NBC já cansou de provar sua qualidade. E ainda bem, porque, assim os danos provocados pela queda de nível que a série apresentou em sua quarta temporada não são tão graves.

E isso não foi só o público que notou. A Academia Televisiva também não gostou muito do que foi apresentado no último ano e castigou a trama, mantendo-a apenas na categoria de Melhor Ator com o brilhante Sterling K. Brown, que também foi indicado nos últimos três anos e venceu o prêmio em 2017. A genialidade do ator é tamanha que ele muda da água para o vinho e também é indicado, como aconteceu este ano pelo seu trabalho como coadjuvante na comédia The Marvelous Mrs. Maisel. Entretanto, sua parceira no Drama, Susan Kelechi Watson, permanece sendo esnobada e até hoje não foi reconhecida pela sua incrível e amada Beth Pearson na categoria de Melhor Coadjuvante. Ron Cephas Jones venceu em Convidado em Drama, pela segunda vez. Enquanto torcemos pelo nosso Randall e esperamos por dias melhores ao lado da família Pearson, podemos relembrar os anos anteriores de This Is Us e os pontos altos da quarta temporada aqui. – Raquel Dutra

Black Mirror

Black Mirror não vive de padrões. As ótimas primeiras temporadas (originais do Channel 4) foram ofuscadas pela compra da Netflix, que comanda a minissérie a partir dali. Depois de vencer a categoria de Filme para a TV 3 anos seguidos, a criação de Charlie Brooker levou uma rasteira da Academia de Televisão.

As vitórias de San Junipero, USS Callister e Bandersnatch criaram um padrão que os votantes não queriam que continuasse. A regra de submissão de telefilme foi mudada, agora sendo necessário uma duração de ao menos 75 minutos, matando qualquer chance de indicar Smithereens com seus 71. Sem ter lugar pra competir, Andrew Scott se enfiou em Convidado de Drama.  Era a chance do Emmy premiar o ator, depois do assalto à mão armada do ano passado, por Fleabag. – Vitor Evangelista

COMÉDIA

Brooklyn Nine-Nine

E mais um ano Brooklyn Nine-Nine é menosprezada pela Academia de TV. A sitcom recebeu uma indicação técnica na categoria Melhor Coordenação de Acrobacias e, pela quarta vez, o destaque fica com Andre Braugher, indicado a Melhor Ator Coadjuvante de Comédia por sua performance como Raymond Holt. 

Brooklyn Nine-Nine prepara a próxima temporada no momento em que a violência policial é pauta dos protestos antirracistas nos EUA. O próprio intérprete do Capitão Holt (policial negro e gay) acredita que a série deva adotar um tom ainda mais crítico e menos fantasioso acerca dessa instituição polêmica. O personagem de Braugher se destacou nas últimas temporadas pelo seu lado mais cômico e descontraído, mas o ator concorre com outros nomes de destaque como Daniel Levy (Schitt’s Creek) e o vencedor de 2019 Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel). Confira a crítica completa do 7º ano aqui. – Maria Carolina Gonzalez

The Marvelous Mrs. Maisel

Comandada pela incrível Amy Sherman-Palladino (Gilmore Girls), The Marvelous Mrs. Maisel é cativante desde a primeira cena exibida lá em 2017. A terceira temporada, que estreou ano passado, ainda conquista e estabelece a série como uma das melhores comédias atuais. Além dos diálogos, rápidos e impressionantes, e a construção impecável dos anos 60, a terceira temporada contou com participações que roubam a cena em muitos momentos.

Já veterana do Emmy em anos anteriores, The Marvelous Mrs. Maisel continua uma forte candidata na premiação. Como uma das favoritas da premiação, a série está presente em vinte categorias. Entre elas constam: Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz, na qual Rachel Brosnahan, interpretando a carismática Midge, merece ganhar por cada piada contada. As atuações brilhantes e o roteiro ágil ainda são discutidos aqui. – Isabella Siqueira 

Insecure

Insecure é a joia rara do catálogo da HBO. Além de ostentar a melhor trilha sonora da TV, a comédia é genial nas tramas, abordagens e no discurso que passa ao público. Issa Rae é a estrela do momento e todo seu ecossistema da produção tem todo o espaço para crescer e ser aclamado.

Se você gosta de SZA, de Chloe x Halle e de série boa, assista Insecure. Já morri de amores nesse texto e, se depois de ler, você não estiver convencido a dar uma chance à série, eu não sei mais o que fazer. – Vitor Evangelista

O Método Kominsky

Com apenas duas temporadas, O Método Kominsky já é uma figura garantida nas premiações. A célebre dramédia, que tem Michael Douglas e Alan Arkin como protagonistas, se revigora nesse novo ano trazendo arcos dramáticos mais bem construídos e desenvolvidos. Sem a necessidade de apresentar as características que moldam as personagens, o roteiro se dedica cada vez mais às preocupações e vivências da senilidade.

Fugindo do formato comumente adotado pelo criador Chuck Lorre – de The Big Bang Theory – a série, que acumula 3 indicações, se aventura pelos conflitos da paternidade e da velhice de forma mais trágica do que havíamos acompanhando anteriormente. Mantendo o padrão de qualidade e de comédia que nos cativou, o segundo ano de O Método Kominsky se apoia no desenvolvimento de relações mais maduras para entregar quase toda a sua potencialidade. Porém, a série insiste em cometer o erro da temporada passada e não aproveita tudo o que poderia de seus coadjuvantes. Você pode conferir a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Modern Love

O amor tem muitas faces. Em Modern Love, exploramos algumas delas em histórias sensíveis, frustrantes, inesperadas, acolhedoras, e até meio bizarras – tudo o que o amor pode ser. Com grandes nomes da atuação, a série da Amazon foi inspirada em histórias verdadeiras retiradas de uma coluna do jornal The New York Times. A qualidade das histórias varia de episódio para episódio, mas a obra possui um charme inegável. Dev Patel foi indicado ao Emmy 2020 pelo seu papel no segundo relato, uma escolha mais que certa, de um desenvolvedor de um aplicativo de relacionamentos que perdeu o seu próprio.

Entretanto, teríamos ficado ainda mais satisfeitos se Anne Hathaway, com seu papel delicado e emocionante como uma mulher com bipolaridade, tivesse conquistado uma indicação. A atriz está estonteante, mesmo no pouco tempo de tela que o episódio permite. A série é um retrato encantador sobre o amor em suas diferentes formas, com idas e vindas, recomeços e aceitações. Para quem quer esquentar o coração das dores da pandemia, Modern Love é uma boa pedida. – Caroline Campos

Disque Amiga para Matar

Disque Amiga Para Matar foi uma singela tentativa da Netflix que deu certo. Com a tímida indicação de Applegate pelo ano 1, agora em 2020 a produção abocanhou vagas para suas protagonistas e entrou na corrida de Melhor Comédia.

Divertida, incômoda às vezes, mas cheia de garra e paixão, Dead To Me (o título original) já anunciou uma terceira e última temporada para o futuro próximo. Pode ser que passe batida pelo Emmy, mas já ganhou o prestígio que merece em nossos corações. Leia mais sobre a loucura de 20 episódios nesse texto aqui. – Vitor Evangelista

The Good Place

A Netflix é responsável pela distribuição de grandes séries americanas ao redor do mundo, e entre elas está The Good Place. Originalmente exibida pela NBC, a sitcom foi encerrada em sua quarta temporada, fechando um ciclo bem delimitado e pensado em todos os seus detalhes. Tendo como plano de fundo a grande questão filosófica do que acontece quando morremos, a série recria a jornada do herói de maneira astuta e muito divertida.

Em sua quarta temporada, acompanhamos personagens mais maduros e desenvolvidos, entregues a sua verdade e que, consequentemente, dão uma continuidade mais gostosa para a narrativa. Consertando erros dos anos anteriores, o encerramento não perde tempo e usufrui de seus 13 episódios de forma a construir um cuidadoso final para todos os seus arcos, sejam eles primários ou não. Indicada a seis diferentes categorias no Emmy 2020, incluindo Melhor Comédia, você pode ler a crítica completa de The Good Place aqui. – Ana Laura Ferreira

Glow

Glow é uma das séries mais subestimadas do catálogo da Netflix. A falta de divulgação e um certo desprestígio do público auxiliam a solidificar a imagem de uma comédia ‘menor’. O que, em momento algum, é verdadeiro ou justificável.

Betty Gilpin acumula 3 indicações em 3 temporadas e, mesmo que sua vitória em Coadjuvante de Comédia seja improvável, o pequeno amor da Academia pela série pode alavancar sua posição no futuro. Glow está renovada para um quarto e último ano, e você pode ler mais sobre a produção de Jenji Kohan (criadora de OITNB) nesse texto. – Vitor Evangelista

Ramy

Se tem alguém que pode surpreender no Emmy 2020, esse alguém é Ramy Youssef. Criador, roteirista, diretor e estrela de sua semi-autobiografia, Ramy, o astro conseguiu duas nomeações pela segunda temporada. Bom lembrar que Youssef já nos pegou de surpresa quando venceu o Globo de Ouro, no início do ano, pela estreia dessa comédia do Hulu em parceria com a A24.

Na temporada 2, ele contracena com o suprassumo do cinema, Mahershala Ali, que interpreta a figura religiosa que guia o desastrado e desatencioso Ramy pela vida adulta. A série une religião e liberdade e, mesmo que nunca pareça mergulhar à fundo nos temas que apresenta, é uma boa porta de entrada para discussões futuras. Ali escolheu o episódio Little Omar para representá-lo em Ator Coadjuvante e Ramy submeteu na categoria principal a finale, Are You Naked in Front of Your Sheikh, além de ter sido indicado por dirigir Miakhalifa.mov. Não estranhe se o jovem talento vencer um dos troféus que concorre. – Vitor Evangelista

What We Do in the Shadows

A volta dos excêntricos e bizarros vampiros de Staten Island rendeu oito indicações ao Emmy 2020 – batendo de frente com grandes nomes da Netflix, NBC e HBO. Uma das comédias mais bem escritas da televisão atual, What We Do in the Shadows com certeza não merece uma estaca de madeira no coração durante a premiação. O estilo “documentário de ficção” faz o espectador gargalhar ainda mais em sua segunda temporada, com grandes momentos de Nadja, Nandor, Laszlo e Colin Robinson – sem esquecer, claro, de Guillermo, o “serviçal” que todos nós queríamos.

Já renovada para mais um ano, seu humor desaforado e secular conquistou a Academia, rendendo seis indicações a mais do que no ano anterior. Baseada no filme homônimo de 2014, a série também foi escrita por Taika Waititi e Jemaine Clement, provando que seus roteiristas não perderam a mão desde o longa – visto que a obra possui 3 indicações por Roteiro no Emmy 2020. Se nossos imortais vão levar o prêmio, fica o mistério. Mas você pode ler mais sobre essa temporada aqui. – Caroline Campos

Schitt’s Creek

É uma pena que quase ninguém assista e exalte Schitt’s Creek. O hit canadense ganhou atenção da Academia ano passado, logo que a série aterrissou despretensiosamente no catálogo americano da Netflix. De lá pra cá, a comédia exibiu sua sexta e última temporada, e chega na corrida como favorita ao prêmio.

O humor pontiagudo e caloroso é o que mais engrandece a criação de Eugene e Daniel Levy, pai e filho tanto dentro, quanto fora das telas. A chuva que desaba no final de Schitt’s Creek é mais que simples manifestação da natureza, é, acima de tudo, um agradecimento pela existência de uma comédia tão pura e tão sentimental. Você pode matar a curiosidade sobre a futura vencedora do Emmy 2020 aqui. – Vitor Evangelista

The Politician

Do mesmo criador de Glee, The Politician foi uma das séries mais aguardadas de 2019, por prometer trazer todas as divergências e disputas do meio político para uma esfera mais simples. Usando como cenário as eleições para a presidência do corpo estudantil, somos apresentados ao ambicioso Payton Hobart (Ben Platt) que está disposto a tudo para vencer essa corrida. Seus conflitos, que parecem irrelevantes em um primeiro momento, ganham grandes proporções ao contextualizar o cenário político norte-americano em um núcleo pequeno, mas bem desenvolvido.

O dinamismo criado nesse micro campo é sustentado por um elenco capaz de nos prender a tela. Ainda com uma estética bem demarcada, a paleta em tons de laranja e verde – que remetem ao Estado da Califórnia, onde a 1ª temporada se passa – contrasta com as cores azuis acinzentadas do último episódio e da segunda temporada, que já aborda a temática sob um viés mais maduro e geopolítico. Mesmo com a solitária indicação de Bette Midler na categoria de Convidada, The Politician é uma das dramédias de melhor desenvolvimento de 2020. – Ana Laura Ferreira

Modern Family

A última temporada de Modern Family foi exibida no meio da pandemia. Além disso, o catálogo nacional de 3 streamings disponibilizou a comédia da ABC, transformando-a na febre do isolamento social. O público descobre agora a produção que venceu por 5 anos consecutivos Melhor Comédia no Emmy, entre 2010 a 2014.

O melodramático 11º ano recebeu indicações apenas para Direção em Comédia, pelo último capítulo da série, e uma nomeação póstuma de Fred Willard, em Ator Convidado. Para a produção que rendeu 6 Emmys para o elenco principal (Phil, Claire e Cam ganharam duas vezes cada), essa despedida esquecida da Academia é tão triste quanto o desfecho dessa família muito moderna. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

MINISSÉRIE

Watchmen

Watchmen tem tudo para ser a grande vencedora do Emmy 2020. O roteiro de Damon Lindelof conseguiu ressignificar a famosa HQ em uma minissérie de nove episódios, trazendo a narrativa para a forte temática racial dos dias atuais. Unido a uma direção e produção magníficas, se originou a melhor série de super-heróis já feita.

O resultado de todo esse trabalho se observa nas suas 26 indicações ao Oscar da Televisão. Regina King e Jeremy Irons são favoritos a levar os prêmios de Melhor Ator e Atriz em Minissérie, assim como Jean Smart é na categoria de Atriz Coadjuvante. A disputa fica mais séria em Ator Coadjuvante, com Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. concorrendo, o que pode levar a uma divisão de votos. As categorias de Roteiro e Direção, pelo episódio This Extraordinary Being, também já estão no papo. Para desvendar outros significados e questionamentos dessa grandiosa produção, acesse aqui. – Vitória Silva

Nada Ortodoxa

Presente em oito categorias no Emmy 2020, Nada Ortodoxa não foi uma grande estreia da Netflix, contudo, é uma das obras mais encantadoras da plataforma. Baseada numa história real, a jovem Esty Shapiro (Shira Haas) embarca numa jornada de autoconhecimento após fugir de uma prisão em que esteve desde seu nascimento.

Entre flashbacks e cenas atuais, a produção não exagera no drama e trabalha com muito respeito as nuances do extremismo religioso. Com uma narrativa envolvente que toma o cuidado de não demonizar seus personagens, Nada Ortodoxa merece destaque. Mais sobre a minissérie e suas particularidades, você pode ler aqui. – Isabella Siqueira

Normal People

Normal People traz o romance na sua forma mais intrínseca e realista possível. Sem relações idealizadas, o namoro de Connell (Paul Mescal) e Marianne (Daisy Edgar-Jones) esbarra nos mesmo desencontros que enfrentamos na vida real. A narrativa do livro de Sally Rooney foi adaptada para a tela de modo simples e apaixonante. 

A atuação impecável de Paul Mescal rendeu ao irlandês uma indicação ao Emmy 2020, na categoria de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, mas a magnífica Daisy Edgar-Jones foi deixada de lado na premiação. A série também concorre por Melhor Elenco, Direção e Melhor Roteiro. Você pode ler mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

Unbelievable

A primeira das 5 minisséries a ser exibida, Unbelievable pode estar fraca na memória dos votantes do Emmy, mas isso em momento algum diminui sua força narrativa. A produção da Netflix revisita uma vítima desacreditada de estupro, e as negligências da polícia da época.

Entram em cena duas detetives fodonas (essas da foto), que fazem o necessário para resolver o crime. Toni Collette pode ganhar na categoria de Atriz Coadjuvante, mas na corrida principal Unbelievable parece ter ficado para trás. Você pode entender mais sobre a minissérie nesse texto. – Vitor Evangelista

Hollywood

Todo o glamour da boêmia Hollywood dos anos 50 ganha uma nova perspectiva social na minissérie de Ryan Murphy. Emotiva e esperançosa, Hollywood não poupa licenças poéticas para pôr em prática uma justiça histórica que ainda não vimos nas premiações. Trazendo para as telas bem fotografadas da série a discussão do apagamento de importantes artistas por conta de sua raça, o drama não dispensa alfinetadas remetendo à manifestação #OscarsSoWhite.

Acumulando diversas indicações, a produção, que trabalha com o imaginário hollywoodiano, se apoia em um elenco bem escalado e potente, capaz de nos fazer relevar as inúmeras facilitações do roteiro. Tendo em seu ponto mais forte a direção de arte, somos rapidamente ambientados naquela que seria a Era de Ouro do cinema. Jim Parsons e Dylan McDermott concorrem ao prêmio de Ator Coadjuvante. Vale lembrar que a série ainda faz uma justa homenagem à atriz Hattie McDaniel, primeira mulher negra a receber um Oscar. Você pode ler a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Mrs. America

Se não fosse pela grandiosidade e impacto de Watchmen, Mrs. America com certeza seria a favorita para o título de Melhor Minissérie do Emmy 2020. A produção da FX abocanhou 10 indicações com sua reconstituição do cenário político e social dos Estados Unidos na década de 70, marcado pela efervescência do movimento feminista, que se articulava para a aprovação da Emenda dos Direitos Iguais, e pela resposta contundente dos movimentos conservadores da época.

Importantes feministas norte-americanas foram mencionadas pela Academia Televisiva na hora de escolher as indicadas à Melhor Atriz Coadjuvante do Emmy 2020, como a deputada Shirley Chisholm, vivida pela atriz Uzo Aduba; a líder Bella Abzug da veterana Margo Martindale; e a polêmica Betty Friedan, interpretada por Tracey Ullman. Contudo, para Melhor Atriz, quem representa a minissérie é a majestosa Cate Blanchett, na pele da líder conservadora Phyllis Schlafly. Além das atuações e caracterizações excepcionais, dos roteiros robustos e das informações históricas perfeitamente combinadas com o entretenimento que a série proporciona, o que mais surpreende em Mrs. America é sua atemporalidade. E você pode entender mais sobre esse aspecto clicando aqui. – Raquel Dutra

Self Made

Self Made, inspirada na vida e legado de Madame C. J. Walker, é uma bagunça sem tamanho. Não fosse o carisma imensurável da protagonista Octavia Spencer, a minissérie da Netflix cairia no merecido esquecimento.

Recheada de atuações robóticas, viradas imbecis na trama e uma gastura em finalizar a trajetória da primeira mulher negra a ficar milionária por conta própria, Self Made se daria muito melhor como um telefilme de 90 minutos. Você pode ler mais aqui. – Vitor Evangelista

Little Fires Everywhere

Seguindo o caminho de outras aclamadas séries da produtora Hello Sunshine, como Big Little Lies, Pequenos Incêndios por Toda Parte concorre em cinco categorias, incluindo Melhor Minissérie. Ao trazer como tema central a maternidade e as relações raciais no ‘pacífico’ bairro de Shaker Heights, a construção das personagens é o que mais encanta. Profundas e multifacetadas, as protagonistas dividem opiniões ao expor todos os seus lados, sejam eles bons ou ruins.

Sem reduzir suas personagens a meras mães, a narrativa se constrói em meio às rachaduras da maternidade, seus vieses e a sua perspectiva mais obscura. O drama, carregado de simbolismos, utiliza da arte, em especial da fotografia, para criar um ambiente ao mesmo tempo crível e poético. A crítica completa de Little Fires Everywhere pode ser lida aqui. – Ana Laura Ferreira

I Know This Much Is True

Assista I Know This Much is True por sua conta e risco. A produção, dirigida e roteirizada por Derek Cianfrance, é um desafio preciso de ser encarado. O famoso livro de Wally Lamb, que se centra na vida dos irmãos Birdsey, foi revitalizado da melhor forma possível, com uma narrativa devastadora e poética sobre reconstrução.

Apesar da grandiosidade da obra não ter sido reconhecida pela Academia de Televisão, o protagonista Mark Ruffalo recebeu seu devido prestígio. Indicado à Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, esta pode ser a noite que ele irá levar seu segundo Emmy da carreira. Leia mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

FILME PARA A TV

American Son

Como a própria Netflix denomina, American Son é um evento. Lançado no ano passado, o suspense de Kenny Leon, indicado a Melhor Filme Para a TV no Emmy 2020, se desenrola a partir do desaparecimento do filho adolescente de um casal inter-racial. No cenário de uma delegacia, o filme aborda racismo e violência policial, discussões que tardiamente tornaram-se tema principal neste ano, depois de um levante de apoio mundial ao movimento #BlackLivesMatter.

No papel principal, Kerry Washington (mais uma vez!) se entrega a dor e preocupação de sua personagem, protagonizando cenas longas com picos de tensão que sustentam uma atmosfera de profunda aflição durante os 90 minutos do filme. Com pouco movimento, American Son escancara privilégios e nos aprisiona em realidades cotidianas e universais, que são atravessadas por todo terror que as estruturas racistas provocam. – Raquel Dutra

Bad Education

Bad Education tinha, a princípio, um lançamento cinematográfico planejado. Vendido em festivais de cinema, a produção acabou indo parar nas telas da HBO, sendo elegível apenas para o Emmy. Baseado num caso verídico, a trama ronda a persona de Frank Tassone, um diretor envolvido no maior desvio de dinheiro escolar na história dos Estados Unidos.

Hugh Jackman, oxigenando a imagem de Wolverine, assume o papel principal, acompanhado de um elenco que vive à altura da emissora. O telefilme angariou indicações para Jackman em Ator Principal, além de uma na categoria Melhor Filme Para a TV, que venceu, como foi anunciado no sábado, dia 19. Má Educação, o título nacional, discute com propriedade a linha tênue entre culpa e infortúnio, e sua performance principal funciona em perfeita sintonia com a canalhice do filme. – Vitor Evangelista 

El Camino – A Breaking Bad Movie

El Camino, a continuação direta de uma das séries mais celebradas do século XXI, vem contar uma história que na visão de muitos parecia desnecessária ante ao final irretocável de Breaking Bad. Porém, Vince Gilligan conseguiu construir um drama à altura de sua obra-prima. Dessa vez, focado totalmente na psique de Jesse Pinkman, explorando os diversos traumas acumulados pelo personagem durante as cinco temporadas que viveu ao lado do químico Walter White.

O roteiro é bem inventivo, colocando um Pinkman traumatizado tentando por fim encontrar a liberdade de seus demônios, enquanto os mostra de perto. Aaron Paul (infelizmente não indicado ao Emmy) encarna novamente o papel, e sem o peso que o ator traz na performance, certamente o longa sofreria bastante. El Camino consegue somar à nostalgia de Breaking Bad, e mostra que Vince Gilligan ainda tem algumas coisas para dizer sobre Jesse, e faz isso com a mesma maestria de sempre. Leia a crítica completa da obra indicada ao Emmy de Melhor Filme Para a TV aqui. – Gabriel Soldeira

Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend

A ausência de indicações para Ellie Kemper e Jane Krakowski denota um defeito no Emmy: a falta de uma categoria à parte para as atuações em telefilme. O evento interativo da série Unbreakable Kimmy Schmidt só conseguiu se enfiar em dois bolões: o de Melhor Filme para a TV e o de Ator Coadjuvante, em mais uma nomeação de Tituss Burgess.

Num mundo ideal, tanto a protagonista quanto Krakowski estariam no páreo, e poderiam muito bem vencer. Mas, na realidade em que vivemos, o que resta é dar play em Kimmy vs. The Reverend e brincar com todas as possibilidades. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

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