Por mais impossível que pareça, até que dá para passar um ano inteiro sem ver filmes, ou até mesmo perder a temporada daquela única série que você assiste, mas experimenta ficar esse mesmo período sem Música? É praticamente impensável. E não há como fugir disso, se correr o bicho pega, se ficar o bicho come. Ela está lá, no carro da rua que passa tocando o hit do carnaval; no verão ensolarado é ela quem dá o clima; nos corações partidos, o primeiro ombro amigo vem de seus acordes e nas comemorações; é ela que intensifica a euforia.

Em 2024 não foi diferente, pra onde você olhava, havia Música, e melhor, ela fazia história. No ano marcado pela ‘treta’ de Drake e Kendrick, ponto para o rapper de Compton, que, além de fazer o mundo inteiro trucidar seu oponente, ainda teve as honrarias máximas reconhecidas pela indústria. Em outra briga, dessa vez, menos sanguinária, Taylor Swift e suas várias versões do antológico THE TORTURED POETS DEPARTMENT batia de frente com quem ameaçasse seu pódio nos charts.

Mas não há como negar que foi o ano delas. O mundo foi pintado de verde pela efervescência de Charli xcx. A própria Swift ampliou ainda mais seu império, mas foi outra ‘loirinha’ – mais irônica e com intenção de instigar – que mostrou seu lado curto e doce para os holofotes. Foi o ano das também das voltas; uma veio a galope para reivindicar a música country, enquanto outra saiu do crepúsculo de seu hiato para alvorecer com sua voz de fada e pop de gente grande; enquanto o terror dos primos nos almoços de família, Billie Eilish, chegou como quem não quer nada e nos afogou em suas questões e genialidade.

Como em todo ano e já de praxe nessa Arte, foi a diversidade que dominou. Enquanto POCAH reconta sua história através de todas as suas versões, Twenty One Pilots dava um fim (?) para a sua. Se o The Cure voltou depois de 16 anos para o reino da tristeza com um álbum de inéditas, Rachel Chinouriri estreou abordando a mesma tristeza quase que com uma autopiedade cômica. Tyler, The Creator voltou com o pé na porta, já Gracie Abrams chegou com tudo. Luan Santana cantou amor, enquanto Duda Beat cantou tesão. Linkin Park entoou novamente o gutural típico do nu metal, diferente de Adrianne Lenker, que murmurou sentimentos doloridos.

Mas uma coisa é certa, mais uma vez a já tradicional lista de Melhores Discos retorna do jeito que é. No ano em que perdemos Liam Payne, o Persona segue uma direção: usar da Música e das Artes no geral para lembrar quem somos e discutir quem podemos ser.

Doechii – Alligator Bites Never Heal

Cuidado! Swamp Princess mandou avisar que em Tampa, Flórida existem muitos pântanos e nós sabemos que mordidas de jacaré nunca curam, ya dig? Em Alligator Bites Never Heal, mixtape produzida e interpretada por Doechii, encaramos de frente a sua versatilidade. Sintetizando suas raízes no hip-hop old school e no R&B, a rapper explora temas sensíveis sobre a sua vida, como relacionamentos, revoltas e ascensão à fama. Em seu novo álbum, a artista apresenta uma narrativa tão sincera e por vezes brincalhona a respeito de si mesma, que as rimas guardam uma comicidade e originalidade única, dando match com a sua personalidade sagaz . 

O disco surge através da série Swamp Sessions, onde a cantora se desafiava com um cronômetro de uma hora para escrever suas músicas, que posteriormente eram publicadas semanalmente às sextas-feiras em seu canal do YouTube. Desse projeto nasceu as letras BULLFROG, CATFISH, FLORIDA WATA, SUNDAY’S BEST e NISSAN ALTIMA, canção indicada ao Grammy na categoria de Melhor Performance de Rap. Com seu lançamento, Alligator Bites Never Heal escancara o talento de Doechii, mostrando sua criatividade e língua afiada nas 19 faixas presentes no disco, evidenciando pra quem ouve, que isso é só um fragmento de suas habilidades e que os próximos lançamentos da artistas promete ser de alta qualidade. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: CATFISH, BULLFROG, DENIAL IS A RIVER 

St. Vincent – All Born Screaming

St. Vincent voltou com um disco inteiramente produzido por ela. All Born Screaming é um compilado das melhores características de uma das personalidades mais interessantes do rock contemporâneo. Em um misto de sonoridades que variam desde o rock progressivo até o dance pop, Annie Clark desafia a si mesma, criando um disco que, não surpreendentemente, acerta mais do que erra.

De fato, com exceção de Sweetest Fruit – faixa com intenção de homenagear SOPHIE, mas que acaba soando fora do tom em mais de um sentido –, All Born Screaming justifica a vitória do Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa por se tratar de um retrato flamejante de toda a artisticidade de St. Vincent. A produção ganhou até mesmo uma regravação em espanhol, intitulada Todos Nascen Gritando. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Hell Is Near; Big Time Nothing; Violent Times.

Melly – Amaríssima

Melly, cantora e compositora baiana, foi a artista revelação do Prêmio Multishow 2023, com seu  single Azul. No entanto, foi com o álbum Amaríssima que a intérprete  se destacou e abriu suas asas para voar ainda mais alto. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a jovem mistura ritmos de R&B e Soul com letras que exploram temas profundos como o amadurecimento, além de trazer participações especiais como Liniker e Russo Passapusso. 

Em Amaríssima, Melly explora diferentes fases de um relacionamento com a combinação de canções de diferentes gêneros, como samba-reggae e afropop. Os estilos musicais marcam o álbum, porém a cereja do bolo é o curta metragem incrível, idealizado pela cantora. Se amadurecer é desconfortável, Melly faz disso poesia e consegue estabelecer uma conversa com seus fãs da maneira mais pura.  O álbum é um convite para o mundo dela, sem deixar de conversar com os universos particulares de cada um, e isso não poderia ser mais perfeito. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Cacau, Paraíso e Bye Bye

Pabblo Vittar – Batidão Tropical Vol. 2

Quando lançou, em 2021, o primeiro volume do Batidão Tropical, projeto baseado em regravações de sucessos que ouviu durante a infância, clássicos amados pelos fãs ficaram de fora da tracklist final. Após três anos, Pabllo Vittar voltou com seu sexto álbum de estúdio e a continuação daquele que é um de seus melhores trabalhos. Ampliando a nostalgia e dando uma nova roupagem às versões já conhecidas, a drag queen mostrou o que sabe fazer de melhor: entregar um tecnobrega que reverencia o passado e, ao mesmo tempo, traz algo diferente, contribuindo para a sua produção.

Com um dos hits da banda Calypso, na faixa Pra Te Esquecer, passando pela homenagem à Banda Batidão, em Ai Ai Ai Mega Príncipe, a produção do disco – encabeçada por nomes como Rodrigo Gorky, Maffalda, Pablo Bispo, Ruxell, Zebu e Lux & Tróia – consegue dar um toque fresh às composições que ficaram famosas nos anos 2000. Em Não Desligue o Telefone com Maderito, por exemplo, a artista utiliza o drum and bass, gênero da música eletrônica marcado por batidas rápidas. Somando os dois volumes, o trabalho da performer é um teletransporte à história daqueles que cresceram com o brega e as suas performances de tirar o fôlego. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: Rubi, Hoje à Noite (Alone) e Ai Ai Ai Mega Príncipe

Charli xcx – BRAT

Houve uma época, no auge dos anos 2000, em que o pop era categoricamente mais fútil, sem isso se tornar um demérito. Sem dúvidas, reflexo de tempos um pouco menos complicados. Roupas extravagantes, personalidades exageradamente excêntricas, it girls e músicas milimetricamente pensadas para ecoar apenas nos clubes de dança, como uma espécie de refúgio que beira o distópico da sociedade. Com o passar dos anos, nota-se certo pragmatismo na Música e ela, ao invés de ser esse reduto, se tornou cada vez mais identificável para com a sociedade, com intérpretes que são basicamente um reflexo de seu público.

E é exatamente no meandro desses dois mundos que BRAT, sexto disco de estúdio de Charli xcx, se consagra. É notável que o intuito da cantora foi voltar as atenções para si, assim como qualquer garota pirralha – tradução mais apurada do termo título, mas o registro consegue fazer isso de diferentes formas. Expansivo e megalomaníaco, ele conquista com seu hyperpop conduzido pela intérprete em parceria com o produtor de longa data A.G Cook, mas também cativa o público mais atual com letras duras e nada romantizadas sobre calvários atuais como rivalidade feminina e insegurança com a própria imagem. Cômico em sua premissa, chamou atenção e viralizou; capaz de se sustentar, ele virou conceito, mas acima de tudo ele fez o que um bom disco do gênero precisa, ser transgressor e de quebra se transformou num dos registros mais icônicos do ano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Von dutch, Apple, Everything is romantic

Charli XCX – Brat and it’s completely different but also still brat

Quem aperta o play em brat and it’s completely different but also still brat custa a acreditar que esse é o primeiro álbum de remixes de Charli XCX. A cantora, que iniciou sua carreira atrás da mesa de DJ, elevou um clássico instantâneo com a ajuda de nomes inusitados, entre eles, Julian Casablancas e Bon Iver que, apesar de toda a melodramaticidade intrínseca de seus trabalhos, capturaram a essência BRAT com versos reflexivos por cima de muitas batidas por minuto – com direito a Casablancas cantando sobre um divórcio conturbado enquanto XCX evoca com orgulho o fato de ser uma ‘garota má’. 

No topo do mundo por grande parte de 2024, Charli XCX bebeu da cultura clubber para viver seu ‘momento Elvis’ em toda a glória que as casas noturnas podem oferecer. Em um ano em que a sonoridade feminina foi vendida de forma tão superficial pela indústria musical, coube à sósia de Lorde a tarefa de criar um dos melhores hinos de ‘inimizade’ de todos os tempos. Desde ‘dancinha’ viral no TikTok, passando por polêmicas e brigas entre fandoms até chegar em uma turnê conjunta com Troye Sivan, brat and it’s completely different but also still brat veio para consolidar o impacto cultural do disco que pintou o mundo de verde. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 360 featuring robyn & yung lean; Girl, so confusing featuring lorde; Mean girls featuring julian casablancas.

Adrianne Lenker – Bright Future

Talvez a marca mais forte da arte da Adrianne Lenker seja a sua capacidade de se despir emocionalmente por completo em suas composições. Bright Future é algo maior do que a cantora-compositora, é um pedaço de si que ela entrega ao mundo para assumir novas formas a cada ouvido que atravessa. O álbum dispensa rodeios, a voz da autora cede uma sinceridade tão crua e, por isso, familiar, que dói e conforta ao mesmo tempo. Lenker abre a obra com Real House, um relato de quase seis minutos no qual ela relembra memórias de sua infância. De cara, na primeira faixa, seu peito está aberto como um convite para que espiem e, inevitavelmente, virem o olhar para si mesmos.

A narrativa da obra brinca de alegorias com o trivial e ordinário, como pequenas crônicas que, ao falarem sobre o que parece nada, falam sobre tudo. As melodias imprevisíveis emulam fluxos de consciência que acompanham as letras. Os arranjos de folk, com um quê de country, sobre a base predominante de violão, piano e violino conferem ao álbum a sua atmosfera autêntica e intimista. Se Bright Future está nessa lista, deve-se destacar a faixa Sadness As A Gift, uma das maiores da carreira de Lenker e entre as melhores músicas de 2024. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Sadness As A Gift, Free Treasure e Fool

Liniker – CAJU

No gosto proeminente de um pseudofruto, Liniker se lambuza em frutose com CAJU. O álbum de 14 faixas é um verdadeiro passeio pela diversidade do sentir, contemplando desde a necessidade de um amor com intimidade ao respirar aliviado dos fins com tom de recomeço. Além das múltiplas facetas temáticas, o disco também encontra espaço para fazer um belo mix de ritmos musicais, trazendo o soul, o pop, a mpb e até o pagode para serem parte da construção da miscelânia.  

O tom angelical, dramático e ousado de CAJU ganha ainda mais cor com a presença de feats de peso, como o duo Anavitória, em Ao Teu Lado, BaianaSystem, em Negona dos Olhos Terríveis, e Melly, em Papo de Edredom. Entre muitos outros adjetivos possíveis, a produção é simplesmente encantadora e, de longe, um dos melhores trabalhos musicais do cenário nacional contemporâneo. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Caju, Veludo Marrom e Ao Teu Lado.

Trent Reznor and Atticus Ross – Challengers (Original Score)

Se, por um lado, partidas de tênis nunca foram tão interessantes quanto em Rivais (2024), por outro, a trilha sonora original certamente adicionou uma camada extra de tensão ao trio protagonista do filme de Luca Guadagnino. Com momentos que buscam inspiração nas raves da década de 1990 e no cenário da cultura techno de Berlim, Challengers (Original Score) apresentou 16 faixas impressionantes.

Apesar de ter sido esnobado pelas principais premiações do Cinema, o disco rendeu nas redes sociais, viralizando a sonoridade com memes e edits criados por admiradores. Fazendo jus ao convite de Guadagnino aos compositores e membros do Nine Inch Nails Trent Reznor e Atticus Ross – “Você quer participar do meu próximo filme? Vai ser super sexy” – Challengers (Original Score) brinca com os sintetizadores enquanto prepara o ambiente para a tensão (e o tesão) em cena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Stopper; Brutalizer 2.

Clairo – Charm

Se fosse possível dar uma boa olhada dentro do cérebro de Clairo, seria seguro presumir que o fluxo de consciência dela é semelhante ao de qualquer pessoa com 20 e poucos anos. Segundo a cantora, as experiências íntimas que ela aborda em seu terceiro álbum de estúdio têm a ver com “momentos fugazes (…) em que fui encantada ou encantadora” e as fantasias que esses momentos podem produzir. Quem nunca esteve nessa posição? E quem nunca precisou recorrer à Música para saber que não é a única pessoa do mundo a sentir tudo o que isso envolve?

Enquanto Immunity explora a juventude e Sling mergulha na complexidade que envolve o ato de crescer e amadurecer, Charm está no meio-termo, ao passo que se debruça sobre o sentimento de se apaixonar por alguém. São 38 minutos de jazz sussurrante, elementos do soft rock, toques orquestrais groovy e um calor aconchegante, com o lirismo de Claire Cottrill cantarolando junto com cada melodia descontraída. O álbum escancara o que a cantora e sua Arte sempre foram: um charme. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Second Nature, Juna e Add Up My Love

Tyler, The Creator – CHROMAKOPIA

Qualquer um que esteja em dia com o cenário do rap atual sabe que Tyler, The Creator é uma de suas jóias mais brilhantes, e CHROMAKOPIA evidencia esse fato. Em sua produção mais inventiva até o momento, o artista amplia um pouco mais seus limites criativos e aprimora sua habilidade como contador de histórias, demonstrando uma vasta maturidade artística ao longo de todo o processo.

O álbum é uma mistura de todos os temas que o artista já abordou em seus trabalhos anteriores sem parecer explicitamente com nenhum deles. A sensação é que as 14 faixas aqui presentes são as que mais se assemelham com o verdadeiro Tyler Okonma, ainda que não se pareçam com nada que ele já tenha feito. Essa é uma proposta empolgante para os fãs de longa data, uma vez que abre um mundo novo de possibilidades para um dos nomes mais relevantes da Música contemporânea. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Rah Tah Tah, Sticky (feat. GloRilla, Sexyy Red & Lil Wayne) e Take Your Mask Off (feat. Daniel Caesar & LaToiya Williams)

Twenty One Pilots – Clancy

Depois de quase 10 anos, o Twenty One Pilots encerra uma lore que dura quatro álbuns e que traz consigo não só uma legião de fãs como também todo o amadurecimento do duo. Clancy é a prova de que o grupo atingiu sua forma máxima e como resultado, promove uma revisitação a toda sua carreira, sem mirar em um álbum específico.

Em questão de gêneros, talvez seja o álbum mais diverso do grupo: as estrofes rimas estão lá, mas dividem espaço com uma bateria mais carregada que remete ao pop punk e elementos que descambam de vez para o rock. Essa miscelânea de estilos converge com um Tyler que consegue abordar a batalha mental – que sempre foi mote dos últimos trabalhos do Twenty One Pilots – através de diferentes metáforas, que no final das contas, funcionam como uma recompensa para os fãs que batalharam junto ao longo da última década. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Next Semester, Oldies Station, Paladin Strait

Beyoncé – COWBOY CARTER

De volta para as suas raízes texanas, Beyoncé fez de COWBOY CARTER a sua principal aposta de redenção. Flutuando pelo pop e R&B durante a maior parte de sua carreira, a artista finalmente se aventurou em um universo que não aprecia forasteiros: o country estadunidense. De fato, para a surpresa de poucos, o disco foi esnobado pela principal premiação do gênero, o Country Music Awards. No entanto, pode-se afirmar que a força das 27 faixas se somatizaram em outra grande cerimônia da indústria, o Grammy Awards, que, até o momento, ainda devia uma estatueta de Álbum do Ano à artista mais nomeada e vencedora de sua história.

Quase como um enorme trabalho em grupo sobre o country e os limites entre diferentes sonoridades, a segunda obra da trilogia produzida durante a pandemia de covid-19 apresentou colaborações, no mínimo, singulares. Em meio a veteranos e novatos, as parcerias variaram desde a Dolly Parton e Stevie Wonder até Miley Cyrus e Post Malone. O destaque, contudo, ficou sempre para a voz inconfundível de Beyoncé que, aqui, ecoou de forma ainda mais potente. Agora, é esperado que o encerramento do trio de discos venha acompanhado de uma pegada rock à la Tina Turner, uma das grandes inspirações da popstar. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 16 CARRIAGES; BODYGUARD; DAUGHTER.

POCAH – Cria de Caxias

Em Cria de Caxias, POCAH celebra e relembra sua própria história. O disco mostra três momentos da cantora e suas canções são intercaladas por interlúdios, grafados de formas diferentes: MC POCAHONTAS, pocah e Viviane. Além dessa distinção estilística, o álbum traz uma ecleticidade interessante – indo do funk carioca, passando pelo 150 bpm, até músicas reflexivas, cada um dos atos traz um ritmo diferente, e mostra a versatilidade de POCAH. 

A definição perfeita de Cria de Caxias é mudança e amadurecimento. Diversos momentos importantes da vida da cantora estão presentes no trabalho, como troca do nome artístico – de Mc Pocahontas para somente POCAH – e o nascimento de sua filha Vitória. O primeiro e o segundo ato começam com a mesma batida – assim como Charli xcx fez com as canções 360 e 365 –, enquanto o último é repleto de calma e cheio de amor: a música Vitória se comporta como uma declaração e encerra o disco de forma tranquila. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: ASSANHADINHA, cria de caxias e Vitória

Ariana Grande – Eternal Sunshine

Ficando na lista dos cinco álbuns mais ouvidos de 2024, Eternal Sunshine tem seu valor registrado na história. O sétimo disco de Ariana Grande vem como um recomeço grandioso na carreira da artista, possuindo um vínculo profundo com o momento que a Grande passava em sua vida pessoal, após o término de seu relacionamento com  Dalton Gomez. Transformando a dor e a vontade de se reencontrar, e com um impulso da chegada aos 30 anos, Ariana entrega ao ouvinte 13 novas músicas, pelas quais passeia por ritmos e sensações em uma delicadeza e poder únicos. 

O amadurecimento da cantora e de seu público se torna palpável no disco; para o espectador, chega na nova forma de escutar e entender cada referência, melodia e letra, e, para a cantora, na forma com a qual se apresenta. Sempre guardando uma surpresa para os fãs, Ariana expõe ao mundo seu novo trabalho de forma sentimental e inteira, demonstrando como lidar com as memórias é importante para criar novas conexões e novos caminhos, e deixando a todos uma bela memória musical logo no início do ano, como uma carta de que mesmo nos momentos ruins, tudo vai melhorar.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: we can’t be friends (wait for your love), eternal sunshine, bye

Anavitória – Esquinas 

O que pode acontecer quando viramos uma esquina e não a outra? Em seu quinto álbum de estúdio, Anavitória não se dispõem a responder, mas a suscitar essa pergunta. Esquinas, lançado em Dezembro de 2024, encerra a era COR (2021), abusando do modo subjuntivo em um disco leve, grandioso e recheado de carga dramática.

Composto por 12 faixas, o trabalho representa as possibilidades em letras que tem como tema principal a vida; simples, contínua e incerta. O aspecto mais genial da obra é fazer com que quem escuta se sinta exatamente como as músicas interpretadas pelas artistas: longe de descobrir, mas como quem também “queria saber como seria”.  Seja no claro ou no escuro, a única certeza é que virar a rua em que se encontra Esquinas pelo caminho, é um doce presente. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Navio ancorado no ar, Espetáculo estranho e Água-viva.

Linkin Park – From Zero

O rock, nascido com a premissa de quebrar paradigmas, em uma relação inversamente proporcional, se tornou um dos gêneros mais conservadores – talvez só perdendo para a música clássica. O próprio Linkin Park já teve que lidar com certa rejeição quando veio ao mundo e, depois de provar seu talento, fincou seu nome na safra do início do século. Agora, sete anos após seu último álbum de estúdio e sem a cara principal da banda, Chester Bennington, o grupo precisou se provar mais uma vez.

Quando Emily Armstrong foi anunciada como a frontwoman escolhida para substituir Chester, a tarefa parecia ainda mais difícil. Mas o resultado foi um registro que, ao mesmo tempo em que preserva a história do Linkin Park, também coloca a banda como precursora nas mudanças do gênero. Mike Shinoda, agora com total controle da produção, conduz magistralmente o grupo de volta para um rock mais sujo e pesado instrumentalmente, para que a força vocal de Emily ecoe em um trabalho que agrada de gregos a troianos. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Heavy Is the Crown, The Emptiness Machine, Two Faced

Anitta – Funk Generation

Desde quando Anitta anunciou em 2017 que ia começar a apostar em sua carreira internacional e levar o funk para o mundo, diversas tentativas foram feitas: O projeto Checkmate e seus singles, o primeiro álbum trilíngue, Kisses (2019), várias colaborações com artistas globais e o polêmico Versions of Me (2022). Todos esses trabalhos tiveram seu valor, artístico e/ou estratégico, mas nenhum deles realmente transmitia nossa cultura. Porém, em 2024, a cria de Honório Gurgel finalmente fez o disco prometido, Funk Generation.

O álbum tem a coesão e a artisticidade que há muito tempo faltavam nas músicas da cantora. Produzido majoritariamente por artistas brasileiros, Funk Generation resgata elementos dos diversos subgêneros do funk como o carioca, o paulista, o melódico, o dos anos 2000, entre outros. A sensação é de estar em um bailão do início ao fim. Mesmo que cante na maior parte do tempo em inglês e espanhol, Anitta conseguiu entregar qualidade tanto para nós, quanto para os gringos que estão conhecendo cada vez mais o brazilian funk. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Lose Ya Breath e Savage Funk

Irmãs de Pau – Gambiarra Chic Pt. 1 

Gambiarra Chic caminha por experimentações frenéticas e dançantes que dominaram as pistas das baladas LGBTQIA+ do Brasil. Com a ajuda de DJs como: CyberKills, Clementaum, DJ Dayeh, Brunoso e MU540 que ajudaram na produção e levaram as músicas da dupla pelo país inteiro. Assim, elas conquistaram uma legião de fãs que adoram os seus beats e flows explosivos.

As experiências de mulheres trans são o ponto central das letras do projeto, ao abordar essa temática dentro do funk, Irmãs de Pau reivindicam o seu lugar nos bailes, baladas e pistas do Brasil todo.  – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Blossoms – Gary

A história por trás do nome Gary trás um toque especial a todo o conceito: se inspirando em uma figura conhecida do Reino Unido nomeada Gary, um gorila de fibra de vidro com mais de dois metros de altura, a faixa-título narra a história do desaparecimento do mesmo. E não era possível esperar a mesmice de tantos álbuns da atualidade dentro do novo trabalho da banda só de conhecer o que foi o pontapé para o trabalho.  Em seu quinto registro e estreando sob selo próprio, Blossoms surpreende positivamente com uma musicalidade que mescla tudo de melhor que a banda já ofereceu até hoje, com ritmos contagiantes, melodias gostosas de ouvir e uma escrita divertida – por vezes até irônica. 

A junção de tantas referências em um único trabalho, por vez, cria algo original e único, o que transforma o disco em uma experiência agradável e uma boa companhia para o dia a dia. Entre as dez novas músicas, nenhuma cai no limbo de “se sentir descartável”. Mais de uma década após sua criação e em um momento marcante de reinício, Blossoms se mostra atual, sólido e com muita força para continuar reinventando, além de ser um convite e tanto para uma nova parcela de ouvintes no outro lado do globo.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Perfect Me, Slow Down, I Like Your Look

Allie X – Girl With No Face

Ouvir Girl With No Face, lançado em fevereiro de 2024, é entrar nas discotecas dos anos 1980 e ferir os tímpanos com os sintetizadores típicos da música pop. Embora os ritmos façam o corpo querer dançar – com exceção da introspectiva e misteriosa faixa Saddest Smile – e os falsetes gritados da cantora contribuam para o estilo, as composições abordam temas sensíveis, como disforia, transtornos alimentares e padrões de beleza. Em Off With Her Tits, a repetição do refrão pedindo para retirar os seios, gruda na cabeça, assim como as imposições do sistema. A garota pode até não possuir rosto, mas esbanja personalidade.

Escrito majoritariamente pela própria Allie X, Girl With No Face foi uma das surpresas mais agradáveis de 2024. Os tons contraditórios entre conteúdo e música conseguem fisgar o público que, oriundo da internet, construiu uma personalidade ácida de fazer diversão com traumas e problemas. O disco é uma espécie de laboratório do que é ser uma mulher, e a canadense cria seu conceito – afinal, toda mulher pode vestir uma face. Infelizmente, Allie X ainda não explodiu nas paradas, nem virou trend no TikTok – o fato de não querer estar em festivais pode ter ajudado nisso –, mas com seu talento quem sabe no próximo ano. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Galina, Black Eye e Truly Dreams

Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft

À altura do terceiro álbum, é inegável o sucesso de Billie Eilish. Desde que lançou o debut  WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, já foram dois prêmios do Oscar e nove vitórias ao Grammy, maior premiação da indústria fonográfica. Com Hit Me Hard and Soft, a cantora abriu – ainda mais – o coração e chegou a locais que até então não eram sua marca, a exemplo de sua extensão vocal em BIRDS OF A FEATHER. A canção, aliás, finalizou o ano de 2024 como a mais tocada no Spotify e entrou na boca do povo como uma das faixas mais aclamadas de sua carreira.

A virada de Happier Than Ever se tornou uma sonoridade conhecida – e bem executada – da artista. Agora, há momentos iguais a esse no projeto. Em L’AMOUR DE MA VIE, a performer de 22 anos brinca com efeitos sonoros e mostra que sabe utilizar o autotune a seu favor a partir da mudança da música. Com influências de dance pop, nas 10 faixas que compõem o trabalho, a irmã de Finneas – seu produtor e membro da família — se firma como uma grande contadora de histórias, sejam elas trágicas ou animadas, mas sempre muito, muito bem interpretadas. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: BIRDS OF A FEATHER, BLUE E L’AMOUR DE MA VIE

Lvcas – Humanamente

Com fluidez similar à que produz conteúdo nas redes sociais há anos, o youtuber Lucas Inutilismo, utilizando o nome artístico de Lvcas, lança seu primeiro álbum Humanamente, que junta elementos de metalcore, funk e eletrônica. Com 16 composições autorais, Lucas é responsável por gravar vocais e todos os instrumentos das músicas, e co-assina a produção ao lado de Marcelo Braga, seu parceiro nos clássicos vídeos de releituras musicais de retrospectiva do artista.

O álbum apresenta apenas uma colaboração especial com Luana Victoria, a irmã do artista, na faixa Te Espero Aqui, que serve como um momento de tranquilidade no disco, composto por graves usados tanto para bate-cabeça quanto para dança. O metalcore é a principal inspiração, mas há alusões ao trap, hip-hop, pop, hardcore e djent enquanto traz reflexões sobre dilemas próprios do ser humano nas letras, mas sem ser conceitual demais a ponto de contar história através da música. Em 2025, Lvcas inicia a sua turnê em São Paulo com show caótico e é promessa no cenário de metal alternativo do Brasil. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Flores, Meu jeitinho e Te espero aqui

FLETCHER – In Search Of The Antidote

Desde que FLETCHER usou o nome da namorada de sua ex em uma música, ela tem sido considerada um ícone queer no setor por seu lirismo irônico que encapsula, com sucesso, a experiência do relacionamento amoroso entre mulheres. No entanto, ao invés de continuar na narrativa dos rompimentos angustiantes e inseguranças pessoais do primeiro álbum, In Search Of The Antidote oferece uma análise tumultuada de identidade e realização pessoal, englobando o lado sombrio do processo de cura.

Aqui, Cari Fletcher se mostra como uma mulher complexa, vulnerável, forte, sexy e sem pudor, deixando claro que este é um dos trabalhos mais honestos e consistentes de sua carreira. Envolvendo a bagunça das emoções pós-término em cortes pop que fogem às regras, a artista prova, mais uma vez, que ninguém faz hinos de corações partidos da mesma forma que ela. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Lead Me On, Pretending e Antidote

COIN – I’m Not Afraid Of Music Anymore

O sexto álbum de estúdio da banda COIN, intitulado I’m Not Afraid Of Music Anymore, chega após um período de bloqueio criativo do grupo. As ideias dos membros não convergiam entre si, mas um sentimento único as conectava: o medo. Foi a partir dessa inquietação que surgiu o disco mais coeso e maduro da carreira deles. Diferentemente de produções anteriores, em que Chase Lawrence, Ryan Winnen e Joe Memmel soavam como se estivessem compondo colagens musicais, este trabalho se destaca por construir um quebra-cabeça cuidadosamente montado do começo ao fim.

A sonoridade do álbum presta uma homenagem aos primeiros trabalhos da banda, resgatando o característico rock de garagem. No entanto, com a produção de Gabe Simon – conhecido por colaborações com Lana Del Rey e Noah Kahan –, os instrumentais ganham uma polidez que os torna mais equilibrados e harmônicos. Nesse clima nostálgico, o grupo aproveita para reconhecer a importância de seus fãs. Na delicada Sing Along, Lawrence canta: “Quantas tentativas posso encaixar em uma música/Esperando que você ainda cante junto?”. Essa conexão com o público é a maior conquista de COIN, e I’m Not Afraid Of Music Anymore não apenas reforça, mas também celebra essa história.  – Arthur Caires

Faixas favoritas: Problem e Sing Along

Role Model – Kansas Anymore

Não há nada melhor do que um álbum country de término de relacionamento escrito por um corno. Esse é Kansas Anymore, o segundo disco de estúdio de Tucker Pillsbury, mais conhecido como ROLE MODEL. Após terminar com uma das influenciadoras da Geração Z mais conhecidas, Emma Chamberlain, o cantor entrega seu trabalho mais coeso até então. Entre melodias contagiantes, sua marca registrada, e a autoconsciência de sua personalidade sedutora, é possível aproveitar 40 minutos de músicas íntimas e divertidas. 

Ao mesmo tempo que supera o fim de seu relacionamento, Pillsbury também se vê imerso na superficialidade de Los Angeles. As referências a drogas e tratamentos estéticos evidenciam um descontentamento crescente com o estilo de vida da cidade. A nostalgia por suas origens e o desejo de fuga explodem em faixas como The Dinner, onde o artista expressa o desejo de abandonar a futilidade da vida urbana e retornar para casa. Após seu primeiro álbum, Rx, não ter alcançado grandes destaques, Kansas Anymore é um passo na direção certa na carreira de ROLE MODEL. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Writing’s On The Wall e Slipfast

Luan Santana – LUAN AO VIVO NA LUA – CRESCENTE

O novo álbum de Luan Santana conta com mais uma fase da Lua: depois do  EP LUA – NOVA, veio a versão CRESCENTE, lançada em 21 de novembro de 2024. O disco mostra uma nova perspectiva sobre as turnês que Luan pretende construir. Além disso, o cantor permanece trazendo músicas que não perdem a originalidade do seu sucesso inicial. O álbum continua com o estilo das faixas românticas que o público costumava vibrar, como a famosa música Meteoro – o primeiro marco de sua carreira, lançada em 2009. 

A experiência é totalmente imersiva, de modo que a tecnologia de palco está sendo utilizada para trazer uma ideia de um show realizado no espaço: Luan esclarece isso na apresentação de CERTEZA. O cantor sempre procura oferecer novos ambientes para o seu público e LUA – CRESCENTE não foi diferente. De maneira geral, pode-se afirmar que o álbum marca uma divisão para os próximos projetos do cantor, que agora competem com os desafios do seu papel de paternidade. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: CERTEZA – Ao vivo, PARECE – Ao vivo, COISAS QUE EU NÃO VOU DEIXAR DE TER – Ao vivo

Céu – Novela

Novela é carinhoso e prazeroso. A primeira faixa, Raiou, já te transporta para o oásis do álbum, longe do mundo real, mas próximo da natureza. As melodias desapressadas conduzem uma experiência de transe ao ouvinte que, se deixar o corpo solto, acompanha os movimentos musicais sem perceber. É um álbum para ouvir e se deixar derreter nele. A sonoridade especial mescla com elegância MPB, reggae e soul, guiada pela voz de veludo de Céu, que é um espetáculo à parte. A cantora sabe transitar pelos gêneros, conferindo a cada um que cruza a sua impressão autoral única.

O álbum foi gravado ao vivo, de maneira orgânica, o que acentua ainda mais a intimidade instantânea do ouvinte com a obra. Novela só falta respirar, é vivo. Céu não tem dificuldade em amarrar à mesma obra conceitos independentes, o que a permite brincar com faixas como a divertida Cremosa e com o rock nostálgico de Lustrando Estrela. Nessa grande salada mista, ainda tem espaço para colaborações de ótimo gosto, que só elevam a qualidade para além da estratosfera. A cantora divide os vocais com convidados em três faixas bilíngues (Raiou, Gerando na Alta e Into My Novela). – Giovanna Freisinger

Faixas Favoritas: Into My Novela, Corpo e Colo e Gerando na Alta

Jovem Dionisio – Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais)

O nome do disco surge através da letra de Neste Contexto, canção apresentada ao público como o primeiro single dessa nova fase da banda. Agora, sem dúvida nenhuma, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais), simboliza a trajetória e a convicção de que esse é o caminho que a Jovem Dionisio pretende seguir nos próximos anos. Antes do lançamento oficial do álbum, os “meninos hidratados” entregaram um teaser filme, com um roteiro fantasioso digno do subgênero terrir sobre um chefe bagre, dono de uma cadeiraria e que vive assombrando seus funcionários. O curta-metragem também escapa alguns spoilers das canções presentes no disco, além da nova identidade visual da banda. 

O melhor de Acorda, Pedrinho volta com mais profundidade. Sendo o trabalho mais experimental produzido pela banda, o principal desafio na composição do disco foi, sem dúvidas, em como conduzir essa pluralidade de arranjos e histórias, de maneira coesa para a compreensão do ouvinte, sem que a narrativa se perdesse nela mesma. Algo que foi pensado em conjunto como um grupo e revisitado inúmeras vezes pelos integrantes, que chegou em seu resultado final: um dos melhores álbuns indie no cenário atual da música brasileira. Fora o sucesso de to bem, que dispensa apresentações, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais) também traz grandes parcerias, como o Grupo Menos É Mais, na canção sinto muito (demo) e de Arnaldo Antunes, em passeando do seu jeito, marcando o encontro de gêneros musicais presentes na segunda discografia da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Neste Contexto, sinto muito (demo), eu preciso te dizer que

Kali Uchis – Orquídeas

Amor, sedução, desejo e fertilidade costumam ser as associações que a flor orquídea recebe de muitas culturas. Orquídeas, de Kali Uchis, também pode ganhar esses significados – e sentimentos para quem ouve – através das canções sobre traições, pensamentos intrusivos que trazem lembranças de amantes e o amor incondicional de uma mãe para com o filho. A faixa Tu Corazón Es Mío… é dedicada ao nascimento do filho de Uchis com Don Toliver: a artista, grávida no clipe, preferiu resguardar a gestação dos holofotes.

Além disso, o álbum consegue transpassar o calor do amor por meio dos ritmos quentes do R&B e do reggaeton, assim como seu antecessor Red Moon in In Venus, porém mais enérgico e sem espaço para as músicas melódicas. Te Mata, canção sobre uma mulher que conseguiu se libertar de uma relação ruim, é uma experiência que se assemelha a assistir a um filme do Almodóvar. Embora a letra pareça um sertanejo universitário genérico, os arranjos e vocais de Uchis sobem a temperatura dos ouvidos de uma forma extremamente luxuosa. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Igual Que Un Ángel, Te Mata, Tu Corazón Es Mío…

Lil Tecca – Plan A 

Com apenas 16 anos, ainda no colegial, Tecca lançou Ransom, seu maior hit até hoje. Cinco anos depois, entre transições suaves e batidas de hip-hop melódicas, Tecca ainda consegue conquistar o coração dos fãs com seus novos projetos: não foi diferente com Plan A. Em seu quarto álbum de estúdio, o artista expressa que nunca teve outro plano para seu futuro, apenas o ‘plano A’. Taste, a faixa de abertura do álbum, recebe um destaque especial devido ao seu ritmo mais lento, trazendo uma coesão perfeita entre as rimas de Tecca por cima do instrumental cloud trap.

Com 18 faixas e apenas uma colaboração, sendo em I Can’t Let Go com Don Toliver, eram esperados mais participações especiais no álbum, porém a batida rage rap experimental não deixou a desejar na faixa. É relevante destacar que as fantásticas transições entre as músicas do projeto tornam a experiência de ouvir o álbum como um todo algo incrível e único. O disco demonstrou a grande maturidade adquirida pelo artista ao longo dos anos. Seja como pessoa e produtor, com apenas um plano em mente, Tecca está conseguindo concretizá-lo. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Taste, Bad Time e Number 2

Bring Me The Horizon – POST HUMAN: NeX GEn

Nos últimos anos, a banda britânica Bring Me The Horizon tem passado uma mensagem muito clara para o público: ‘não temos medo de mudanças e usamos nossa criatividade como bem entendemos’. Esse forte posicionamento fez com que os integrantes não se prendessem a um único gênero, algo que não costuma acontecer no meio em que estão inseridos, e é o que faz a banda crescer a cada lançamento – mesmo estando na indústria há duas décadas. POST HUMAN: NeX GEn, a segunda parte de um projeto que retrata uma sociedade pós-apocalíptica, é um dos álbuns que mais sustentam esse argumento.

Ao adicionar electronica e hiperpop à mistura usual de metalcore, nu metal, pop rock e emo, a banda produz um disco diversificado, mas que ainda carrega a personalidade e o talento lírico que sempre teve. NeX GEn é um álbum que está em contato com o passado, ciente do presente e idealizando o futuro – algo que pouquíssimos artistas chegaram perto de realizar em 2024. – Raquel Freire

Faixas favoritas: YOUtopia, Top 10 staTues tHat CriEd bloOd e DArkSide

The Last Dinner Party – Prelude To Ecstasy 

Com o passar dos anos, cada vez mais expoentes femininas estão conquistando seu lugar no rock, principalmente vindos da vertente britânica do gênero. Nesse ano, foi a vez do The Last Dinner Party alçar os holofotes de uma forma bastânte única e cheia de excêntricidade, colocando a banda como um dos maiores achados desta década.

O quinteto gótico, que seu conheceu nos pubs enquanto cursavam a faculdade, não reinventa a roda. Pelo contrário, ele usa de referências muito distantes uma da outra e as canaliza e um pop barroco repleto de glam rock. Como qualquer obra de origem feminina, Prelude to Ecstasy vem carregado de críticas a masculinidade e a percepção feminina da sociedade, que são intesificadas por cinco artistas que fazem questão de ir contra a forma com que a humanidade imagina e idealiza uma mulher. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Nothing Matters, Ceasar on a TV Screen, Beautiful Boy

ZAYN – ROOM UNDER THE STAIRS

Escolher deixar uma parte sua para trás requer boas doses de sanidade e de falsos começos. Para ZAYN, essa mudança começa através de insights que ecoam em seu íntimo e que ganham pulsação através das 15 faixas presentes em seu novo disco, ROOM UNDER THE STAIRS. Sendo uma expressão de seus anseios e inquietações, o álbum representa um recomeço próprio para o cantor e para a sua música. 

Três anos separam o trabalho atual do seu último registro, Nobody Is Listening (2021), um disco também introspectivo, mas que demandava de uma grande produção para alcançar o rhythm & blues moderno pensado e desejado pelo artista. Diferente disso, o quarto álbum é mais cru e intimista em sua composição, se aproximando das sonoridades do country e do blues original. Com apenas voz e violão – e a little bit of soul –, Zayn aproxima suas letras de seus ouvintes, atingindo a maturidade que faltava em sua discografia. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: False Stars, The Time, Alienated

Gloria Groove – Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) 

Lançado em maio de 2024, Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) fez Gloria Groove sair do funk e do pop brasileiro. A chegada da cantora no pagode, por meio de músicas inéditas e regravações de clássicos dos anos 2000, mostra que a voz de Groove recebeu um toque surpreendente. O disco conta com 13 faixas, com participação de Ferrugem, em Câmera Frontal – Ao Vivo, e o cantor Belo, em Eu Era Feliz – Ao Vivo. 

A drag queen inovou o estilo que está acostumada a cantar, de modo que o álbum traz mais romance para sua música, ao contrário de LADY LESTE, que possui faixas voltadas para o pop e o hip hop. Em Serenata da GG, Vol. 1, Gloria Groove preocupa-se em trazer um pouco mais do ritmo típico brasileiro, além de misturar sua música com ícones do Brasil, como Alcione, na faixa A Loba – Ao Vivo. Essa nova visão da cantora, com certeza, deixa qualquer um em dúvida sobre qual será sua próxima aposta. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: Nosso Primeiro Beijo – Ao Vivo , Eu Odeio Dia 12 – Ao Vivo, Radar – Ao Vivo

MC Luanna – Sexto Sentido

Nome marcante da cena feminina do Rap, Mc Luanna cresce sem medo e, em 2024, provou novamente que não à toa. Com o lançamento de Sexto Sentido, a cantora mostrou que a menina de 44 (2022) amadurece a cada dia com rimas mais críticas e beats complexos, se tornando a mulher que sabe o quão contra a corrente nada.

Longe de achar graça nessa realidade de ser um nome entre poucos quando se trata de mulheres negras com visibilidade na Música, a artista trata de destacar a insatisfação com essa realidade: “sou uma mulher negra falam pra ser mais forte/pra correr duas vezes porque a gente é sem sorte/pra que expor sentimento se não vou ganhar flores?”.  Da vulnerabilidade e dor de não poder sequer aparentar fraqueza, Luanna mostra que sua força está em ser a inspiração de tantas mostrando exatamente o que o mundo a fez achar errado expor: humanidade.  – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Ainda Sinto Muito, Rotina 2 e Cartas a Uma Garota Negra.

Sabrina Carpenter – Short n’ Sweet

Cafeinado, pequeno e doce, Short n’ Sweet mostra ainda mais o lado sedutor e apaixonado de Sabrina Carpenter. Por meio de trocadilhos e piadinhas levemente sexuais, a cantora consegue ainda mais se distanciar da imagem de atriz mirim da Disney e se aproximar do estrelato do mundo pop – e mostra que já atingiu a maioridade. Carpenter apresenta um disco enérgico e divertido, flerta com o synth pop e o country, além de afirmar que mulheres podem sim demonstrar a sexualidade e a sensualidade de formas positivas, sem sentirem vergonha.

Por meio de um pop chiclete, Sabrina Carpenter evolui ainda mais seu trabalho com a Island Records – que acompanha a pequena loirinha desde o emocional emails i can’t send –, e se estabelece na cena musical. Com singles viciantes – Espresso com sua cafeína, Please Please Please com suas repetições e Taste com suas fofocas – e músicas ainda mais gostosas de ouvir, Carpenter mostra que a sua Música possui tons alegres e cômicos, e que sempre pode retornar para temas reflexivos – como em Dumb & Poetic. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: Good Graces, Taste, Don’t Smile

The Cure – Songs Of A Lost World

Canções De Um Mundo Perdido (em tradução livre) marca o retorno – e a despedida – da banda britânica comandada pelo vocalista, guitarrista e compositor Robert Smith. O novo álbum, embora melancólico, é sobretudo potente, e questiona o mundo atual através da forma e conteúdo. Com os celulares, rádios, streaming e músicas aceleradas, o disco de oito músicas e 49 minutos de duração vai na contramão das tendências e exige do ouvinte um momento de contemplação para as cargas dramáticas de The Cure. Introduzido por Alone com guitarra e bateria, a voz de Smith só entra depois de três minutos, assim como as outras canções – a faixa Endsong de dez minutos só apresenta letra aos seis.

“Esse é o final de todas as canções que já cantamos”, anuncia a banda. O disco reflete sobre a experiência de luto que Robert Smith passou ao longo dos anos, com a morte do irmão, da mãe e do pai. É um homem que se encontra desconcerto sobre o lugar que vive. Songs Of A Lost World é incrível e faz você sentir cada sentimento através das cordas e da voz de Smith – que nada envelheceu. O mais interessante é que, mesmo aos 65 anos, o mundo do líder da banda não está deteriorando pelas pautas raciais ou de sexualidade – como de costume com os ‘rebeldes’ do rock -, mas sim pela sua íntima experiência com o fim da vida, das relações e de sua banda. – Davi Marcelgo 

Faixas Favoritas: Alone, Fragile Thing e I Can Never Say Goodbye  

The Marías – Submarine

Submarine, o segundo álbum da banda indie-pop The Marías, é um mergulho sonoro que confirma a identidade única do grupo de Los Angeles. Formada pela vocalista porto-riquenha María Zardoya, criada no estado de Geórgia, pelo baterista e produtor Josh Conway, pelo guitarrista Jesse Perlman e pelo tecladista Edward James, os membros continuam a navegar entre momentos de introspecção e explosões de energia em suas músicas.

O título ‘Submarino’ é uma descrição precisa da atmosfera do álbum, que nos transporta para um mundo aquático onde a música flui como uma correnteza suave. O dream pop característico do grupo envolve o ouvinte em camadas de melodias etéreas, como se a música oscilasse entre a superfície e as profundezas. O encanto de Submarine reside na combinação de vocais delicados, sintetizadores hipnotizantes e linhas de baixo marcantes. As letras, muitas vezes introspectivas, giram em torno das frustrações e desconexões em relacionamentos, um tema central que confere unidade ao álbum. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Love You Anyway e Run Your Mouth

DUDA BEAT – Tara e Tal

Em Tara e Tal, DUDA BEAT explora uma sonoridade mais frenética do que nunca e flerta com o pop, rock e EDM. Ao longo do ano de 2024, a artista embarcou em uma turnê que promoveu o disco e colocou multidões para dançar muito em faixas como: NiGHT MARé e SAUDADE DE VOCÊ. O trabalho foi reconhecido por suas referências não-convencionais e a habilidade de DUDA em transformar seu repertório em um disco coeso e competente. 

A habilidade de conseguir mais uma vez ter um trabalho admirado pelo seu público e crítica especializada, fez com que mesmo com a falta de grandes hits comerciais, Tara & Tal fosse lembrado como um lançamento essencial para a indústria musical nacional no ano de 2024. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: NiGHT MARé, SAUDADE DE VOCÊ, q prazer

Duquesa – Taurus, Vol. 2

Taurus, Vol. 2 narra o desenvolvimento da carreira de Duquesa através do olhar da artista, explorando os sentimentos que a fama trouxe para a vida dela. Durante 2024, o álbum foi responsável por colocar a rapper em uma lugar de destaque na cena do rap brasileiro, junto de outras mulheres como: Ebony e a dupla Tasha & Tracie. 

O álbum foi bem recebido pelo público e crítica especializada, explorando gêneros como rap, R&B e house music, sendo consumido por diversos públicos, posicionando ele como um trabalho que transcende as barreiras do gênero no país. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Gracie Abrams – The Secret of Us

The Secret of Us, segundo álbum de Gracie Abrams, destaca-se como uma das melhores produções de 2024 por sua profundidade emocional e evolução artística. Lançado pela Interscope Records, o disco apresenta uma colaboração notável com Taylor Swift na faixa us. (feat. Taylor Swift), evidenciando o reconhecimento de Abrams na indústria musical.  A produção de Aaron Dessner e Jack Antonoff contribui para a sonoridade expansiva e narrativa envolvente, refletindo o crescimento da jovem artista como compositora e vocalista. 

Desde seu lançamento, The Secret of Us recebeu uma versão deluxe, incluindo quatro novas faixas.  O álbum também rendeu a Abrams uma indicação ao Grammy de Melhor Artista Revelação, além de uma nomeação conjunta com Taylor Swift na categoria de Melhor Performance Pop em Dupla ou Grupo pela colaboração em uma das faixas do disco. A artista lançou videoclipes para faixas como I Love You, I’m Sorry, demonstrando sua versatilidade e conexão com o público, além de versões acústicas das canções de maior sucesso do disco. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: I Love You, I’m Sorry, us. (feat. Taylor Swift), That’s So True

Taylor Swift – The Tortured Poets Department

Com o álbum The Tortured Poets Department, Taylor Swift conquistou um lugar de destaque em 2024 por sua abordagem inovadora, que mistura poesia contemporânea com sonoridades experimentais. Trata-se de uma obra que transcende a simples classificação de gênero, apresentando letras carregadas de significados profundos, narrativas densas e um apelo emocional raro. A complexidade lírica da cantora e compositora  e a riqueza instrumental dialogam de forma brilhante, criando um equilíbrio entre o introspectivo e o compartilhado. O álbum lançado pela Universal Republic Records explora temas como dor, redenção e a tristeza de um término de relacionamento, oferecendo uma experiência que convida à reflexão e à imersão. Essa originalidade foi amplamente reconhecida pela crítica e pelo público, consolidando o projeto como um marco da música contemporânea.

Desde o lançamento, The Tortured Poets Department não apenas cumpriu, mas superou expectativas, quebrando recordes de streaming em plataformas digitais e sendo amplamente celebrado em premiações importantes da indústria musical, como os Grammys e o VMA. O videoclipe de Fortnight (feat. Post Malone), em conjunto com o rapper Post Malone, e a versão deluxe, The Tortured Poets Department – The Anthology, que conta com 15 faixas adicionais refletem o sucesso iminente do disco da loirinha. Os dois trabalhos, , aliados ao impacto cultural que a obra gerou, reafirmam a relevância e a influência de Taylor Swift no cenário musical atual. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: My Boy Only Breaks His Favorite Toys, Guilty as Sin?, Who’s Afraid of Little Old Me?

Rachel Chinouriri – What a Devastating Turn of Events 

O sinônimo de casa pode ter significados diferentes para quem o procura. A busca por pertencimento nos faz questionar sobre a nossa trajetória como indivíduo e quando se é uma mulher na indústria musical, esse sentimento é quase sucessivo. Em What a Devastating Turn of Events, produzido e interpretado por Rachel Chinouriri, ouvimos sobre a série de eventos devastadores que uma artista negra, nascida na Inglaterra, precisou passar até lidar com as adversidades e encontrar a sua própria maneira de fazer arte.

Assinado pela gravadora Parlophone Records, o álbum de debut conta com 14 faixas que combinam pop e indie rock, com uma lírica sensível e representativa. Mergulhando em narrativas difíceis sobre solidão, decepções e autocrítica, o disco representa, com muita sinceridade, o processo de aceitação vivenciado por Chinouriri, sobre ela mesma e o seu trabalho. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Never Need Me, All I Ever Asked, So My Darling

O post Os Melhores Discos de 2024 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Qual imagem te lembra o Cinema em 2024? A Zendaya com os seus twinks do tênis ou da ficção científica? O discurso poderoso da Demi Moore no body horror de Coralie Fargeat? Ou você se lembra da marcante cena de Eunice Paiva e seus cinco filhos na sorveteria? O fato é que as mulheres dominaram as telonas e foram reconhecidas pelo público e crítica com histórias memoráveis. Ao todo, 33 obras foram mencionadas na lista de Melhores Filmes do Ano do Persona. De profissionais do sexo a vampiros sugadores de casadas, os longas-metragens citados possuem uma caractéristica que os une: o êxito em provocar sentimentos que ultrapassam a pupila e acessam outras partes do corpo para te fazer sentir.

Nessa lista, seis obras se destacam pela sua relação com sexo ou corpo. Nas narrativas, há uma linha tênue entre querer ser e ter aqueles personagens, se reconhecer ou não fazer parte daquela realidade, mas compreender as ações das pessoas, que nem sempre estarão de acordo com as nossas convicções. Diferente de uma parcela do público, essas produções não julgam seus protagonistas, não possuem um desenvolvimento simplista e se afastam das condenações morais dos espectadores. Desse modo, cineastas escolheram analisar vivências consideradas lascivas e virar do avesso o pensamento preconceituoso sobre a diversidade de viver.

“Só porque os meus sonhos são diferentes dos seus, não significa que eles não são importantes” – Adoráveis Mulheres (2019)

No ranking da nossa Editoria, Ainda Estou Aqui aparece dez vezes; sete das menções colocam a obra de Walter Salles na primeira colocação. Além da história sobre a família Paiva, outras três produções nacionais tiveram destaque: Baby, Oeste Outra Vez e Motel Destino. Fora do país, Duna: Parte 2 e Rivais empataram no coração dos redatores: com sete menções, os enredos dirigidos por Denis Villeneuve e Luca Guadagnino se alinharam à Substância, que foi relembrado seis vezes por sua crítica à indústria hollywoodiana e ao etarismo com as mulheres.

Simplificar a Arte e procurar respostas para tudo não é o caminho: o Cinema precisa da subjetividade e do senso crítico na medida em que as transformações socioculturais ocorrem. Mais do que uma representação, a Sétima Arte também se comporta como um acervo da memória de um gênero narrativo, grupo minoritário ou história de um país. Pode abarcar dores diversas, sem definir qual é mais ou menos importante; quais devem ser premiadas ou dignas de serem contadas. Nos filmes, tudo deve ter espaço, inclusive as tramas que causam desconforto, ira e nos tiram do lugar comum – afinal, existe maneira melhor de alcançar respeito e pensar em mudanças que não seja adentrar em facetas distantes de nós? No texto a seguir, o Persona convida você a recordar os Melhores Filmes de 2024.

Conclave (Conclave)

Quando Edward Berger aterrissou no Oscar de 2023, muitas dúvidas pairavam sobre seu nome. Nas tentativas de desqualificar seu filme Nada de Novo no Front (2022), que estava longe de ser um queridinho, um dos argumentos era que a Primeira Guerra é um tema relativamente fácil de se dramatizar e de enorme apelo para público e crítica. Sua próxima incursão, então, Conclave, para sacramentar de vez seu talento, vai no caminho contrário para um dos temas mais difíceis de se extrair conteúdo cinematográfico com esse teor: a Igreja Católica.

No longa, o Papa está morto e se acompanha justamente esse vácuo de poder que se instaura no alto clero até a escolha de um novo representante. Diferente de outras obras que abordam essa temática, como Game of Thrones ou Succession, aqui todo o perigo do jogo de poder é quase silencioso. A direção de Berger é bastante consciente ao isolar cada cardeal e mostrar seus embates individuais com a fé católica, enquanto o roteiro é sagaz ao constatar que, no momento em que todos estão no mesmo patamar de poder, sobra apenas o humano por baixo da túnica. Instigante, cheio de ritmo e primoroso, Conclave é, sem dúvidas, um dos filmes mais completos da temporada, seja em forma ou em conteúdo. – Guilherme Veiga

Nosferatu (Nosferatu)

A releitura do clássico de F. W. Murnau estreou nas telonas dos Estados Unidos às vésperas de 2025, mas a tempo de conquistar sua posição entre os expoentes da Sétima Arte lançados em 2024. Na nova versão de Nosferatu, Robert Eggers convida o público a uma viagem no tempo com destino à Europa efervescente do século XIX e a extrema atenção do diretor aos detalhes convence o espectador de que, realmente, está naquele mundo. Para além do detalhismo evidente, a atuação de Lily Rose-Depp contribui para o destaque da obra: a agonia e sofrimento constantes de Ellen estariam claros, ainda que na ausência de palavras.

Fazendo jus às suas quatro indicações ao Oscar 2025, o longa não conquista seu espectador por meio de personagens carismáticos, trama comovente ou roteiro inovador. A riqueza do filme reside na fidelidade do cineasta ao seu compromisso em eternizar o Conde Orlok através das gerações. O espectador que desconhece as versões de 1922 e 1979 compreende plenamente o universo que circunda os protagonistas da trama. Aqui, o diretor se vê exitoso com sua proposta e responsável por um dos melhores lançamentos do Cinema no ano. – Esther Chahin

Oeste Outra Vez

A obra de Erico Rassi se notabilizou ao conquistar o prêmio de Melhor Filme do Festival de Gramado em 2024. Ainda no ano passado o longa passou por outros festivais, incluindo a 48º Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, no entanto é só em 2025 que ele vai chegar ao público geral. No enredo, Totó (Ângelo Antônio) é abandonado por sua mulher, que decide ficar com Durval (Babu). Em retaliação, ele manda matar o personagem. Ao sobreviver, Durval contrata assassinos para irem atrás de Totó, perpetuando a violência cotidiana.

A trama consegue debater questões como o machismo e a objetificação sem ser apelativo e expositivo, se utilizando muito do subtexto. Oeste Outra Vez se trata, afinal, de homens que não conseguem lidar com suas fragilidades. A escolha por uma pegada faroeste não é à toa, pois, o gênero vem explorando a masculinidade a partir de sua própria história. Erico Rassi se destaca ao colocar a falta de comunicabilidade como uma maneira de gerar outras formas de expressão, nesse caso, a barbárie. – Guilherme Moraes

Wicked (Wicked)

A adaptação do musical da Broadway mais aguardada desde que foi anunciada, Wicked, chegou aos cinemas em Novembro de 2024, levando fãs de diva pop, desavisados e admiradores de musical às salas, tendo o sucesso de surpreender positivamente todos eles. A prequela (história anterior) do famoso O Mágico de Oz já foi adaptada muitas vezes no palco de maior sucesso de musicais do mundo e movimenta milhões todos os anos. Com um duo grandioso, a primeira parte da adaptação tem o trunfo de trazer a primeira Elphaba negra e queer, interpretada por Cynthia Erivo, e Ariana Grande, cantora que retoma as suas origens na atuação e realiza o seu sonho de interpretar Glinda.

Com tamanha entrega, a atuação de ambas tira o fôlego e merece todas as indicações e aplausos que vem recebendo. Somando duas estatuetas no Oscar 2025 e reiterando a caminhada de sucesso do musical que já coleciona 64 indicações ao longo de sua existência, em quase 3h, o filme nos leva a viajar para outro universo, com canções agradáveis e contagiantes, nos levando a reflexões, emoções e uma paixão sem fim, que anseia pela parte dois. – Aryadne Xavier.

Mufasa: O Rei Leão (Mufasa: The Lion King)

Mufasa possui uma personalidade muito admirável no primeiro filme da franquia, iniciada em 1994 com O Rei Leão. Acompanhar a história do seu crescimento, em Mufasa: O Rei Leão, traz à tona muitas nostalgias dos longas anteriores. A tecnologia das cenas produzidas em computador continua a surpreender, ainda que existam opiniões contrárias à realidade do filme 3D, a mesma da produção live-action O Rei Leão, de 2019.

A trilha sonora da obra não se compara à da trilogia original, entretanto, não deixa de ser cativante. O longa continua com o tradicional musical das produções da Disney, o que retoma a magia de filmes voltados ao público infantil. A obra possui uma espetacular ênfase no desenvolvimento de Mufasa (Aaron Pierre), o qual desperta curiosidade no público, principalmente, devido à passagem de um relacionamento de honestidade e humildade com Scar (Kelvin Harrison Jr.) para um relacionamento de inimizade. – Maria Fernanda Beneton

Meu Malvado Favorito 4 (Despicable Me 4)

Em mais uma aventura como agente da Liga Antivilões, Meu Malvado Favorito 4 é um dos melhores filmes de 2024. A animação continua com Gru (Steve Carell) e sua família, Lucy (Kristen Wiig), Margo (Miranda Cosgrove), Edith (Dana Gaier) e Agnes (Madison Polan), que agora contam com um novo membro: Gru Jr. O enredo traz mais uma missão a ser concluída, derrotar o inimigo Maxime Le Mal (Will Farrell) e sua namorada Valentina (Sofía Vergara), mas, diferente dos outros filmes em que o personagem principal morava em sua casa onde vivia com suas filhas adotadas, o protagonista precisa lidar com a paternidade de ter um bebê e uma vizinha adolescente intrometida e irritante. Com muita maestria, o longa foi o maior da Universal Pictures no Brasil, com uma bilheteria de mais de 140 milhões de reais.

O filme recebeu indicações no Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films (Melhor Filme Animado), Hollywood Music In Media Awards (Melhor Música Original) e Chinese American Film Festival, no qual venceu a categoria como o Filme Norte-Americano Mais Popular na China. Para quem está procurando uma produção mais leve, com muitas risadas e um herói divertido, Gru e sua equipe fiel de incontáveis Minions, devem ser a escolha para aproveitar uma sessão de cinema em casa com a família e um balde de pipoca. – Luísa Tabchoury

Eu Vi o Brilho da TV (I Saw the TV Glow)

Eu Vi o Brilho da TV não furou a bolha o suficiente para ser lembrado pelas grandes premiações do ano como merecia, mas com certeza deixou uma marca duradoura em quem assistiu. Dirigido e escrito por Jane Schoenbrun, o filme mistura terror, drama e fantasia. A verdadeira ameaça da trama é uma tragédia muito real para muitos: passar pela vida sem viver a sua verdade. A alegoria mais óbvia proposta pelo roteiro, e reforçada por símbolos imagéticos, relaciona-se com a experiência trans e de não conformidade de gênero, mas a abordagem dessas lutas é tão sensível que ecoa para as experiências de toda a comunidade queer e até qualquer outra pessoa que se identifique com uma jornada de autoconhecimento isoladora.

O filme tem um visual único e particular. As imagens e os sons surreais evocam sentimentos no espectador que chegam antes da compreensão dos porquês. Eu Vi o Brilho da TV cria uma atmosfera sufocante sobre uma sensação de nostalgia amarga. A obra utiliza as memórias dos personagens para borrar os limites entre o real e a imaginação. A posição da plateia é desconfortável e agonizante do começo ao fim dos 100 minutos de duração do longa, mas ao rolarem os créditos e a digestão do que se acabou de ver assentar, fica a mensagem de esperança em dias melhores: “Ainda há tempo”. – Giovanna Freisinger

A Semente do Fruto Sagrado (The Seed of the Sacred Fig)

Dirigido por Mohammad Rasoulof, A Semente do Fruto Sagrado é, inicialmente, um drama sobre a política em Teerã, capital do Irã. Com a promoção de Iman (Missagh Zareh) dentro dos cargos da ditadura que comanda o país, Rezvan (Mahsa Rostami) e Sana (Setareh Maleki), filhas do homem, se veem em um conflito dentro de casa: seguir as próprias convicções ou aceitar viver sob o regime autoritário, dentro e fora de casa. Mais do que uma discussão sobre a vida em sociedade, o filme examina a lente do lado que opera os atos de perseguição e silenciamento de um povo marcado pelo medo e o desejo pela sua liberdade.

Os 167 minutos do longa-metragem são acompanhados por um tom agonizante e reflexivo em relação aos limites da perversidade que um ser humano pode cometer. Na virada do primeiro para o segundo ato, a produção segue por um caminho mais introspectivo: ao invés de analisar as consequências externas, a obra se concentra em abordar o imaginário de personas antagônicas: aqueles que lutam pela sua independência – cultural, religiosa e social – e os que tentam acabar com ela. Reconhecida pela crítica especializada, a trama da Alemanha apareceu na categoria de Melhor Filme Internacional em premiações, como o Oscar, Critics Choice Awards e Globo de Ouro. – Guilherme Leal

A Noite Que Mudou o Pop (The Greatest Night In Pop)

“We are the world, We are the children”. Dispensando apresentações, a música que marcou uma geração de pessoas e colocou como foco o combate à fome no continente africano, ganhou pela Netflix, um documentário detalhado sobre o processo de criação do single, além de registros inéditos dos 45 artistas que participaram do projeto USA for Africa. A Noite que Mudou o Pop, dirigido pelo cineasta Bao Nguyen, tem uma narrativa que conquista aos poucos. A grande verdade é que o público tem conhecimento sobre a canção, sua motivação e os cantores que participaram deste marco musical, no entanto, não se sabe exatamente o que aconteceu naquela noite de janeiro de 1985.

Com essa premissa, ao explorar os bastidores da composição de Lionel Richie e Michael Jackson, produzida pelo compositor Quincy Jones, também responsável pelo direcionamento do grupo vocal, o filme documental se desenvolve pela curiosidade do telespectador. O relato atual dos músicos que participaram daquela noite, como Cyndi Lauper e Bruce Springsteen, e claro, de Richie, que conduziu grande parte da história do documentário, também deixou tudo mais íntegro, pois transfere a visão e a experiência dos próprios artistas em tela. A Noite que Mudou o Pop é um registro sublime para os apaixonados por We Are The World, além de ser uma prova viva de que a música é capaz de salvar vidas. – Ludmila Henrique

Robô Selvagem (The Wild Robot)

Robô Selvagem surpreendeu ao se consolidar como uma das animações mais intrigantes de 2024, unindo uma trama emocionalmente profunda com temas filosóficos e sociais. Baseado no livro de Peter Brown, o longa aborda a jornada de uma robô que busca entender seu lugar em um mundo selvagem, explorando a coexistência entre tecnologia e natureza. A narrativa, carregada de momentos introspectivos e dilemas éticos, ressoou de maneira poderosa em um público amplo, incluindo adultos e crianças. Com animação detalhada e direção sensível, a produção foi reconhecida por críticos como uma obra que transcende seu gênero de “filme sobre robôs”, sendo indicado a prêmios como o Annie Awards e o Globo de Ouro, reafirmando o potencial de histórias que equilibram reflexão e entretenimento.

O longa de Chris Sanders tem a habilidade de dialogar com questões contemporâneas, como o impacto da automação na sociedade e a necessidade de harmonia entre progresso e preservação ambiental. Desde sua estreia, o filme acumulou elogios por sua abordagem original e ganhou prêmios em festivais de cinema animado pela profundidade de seu roteiro e pelo design visual inovador. Mais do que uma aventura animada, o longa tornou-se um estudo sobre humanidade, identidade e conexão, posicionando-se como uma produção que define o papel da animação como um veículo poderoso de transformação social. – Marcela Jardim

Duna: Parte 2 (Dune: Part Two)

Denis Villeneuve, fã de carteirinha do gênero Sci-Fi desde criança, prova novamente que é a pessoa ideal para adaptar a grandiosa obra de Frank Herbert. Em Duna: Parte 2, indicado a seis categorias no Oscar 2025, incluindo Melhor Filme, o diretor leva o público a uma imersão total no deserto de Arrakis, onde a narrativa épica ganha um novo fôlego. Se a primeira parte foi alvo de críticas pelo ritmo mais pausado, esta sequência se destaca por um senso de precipitação do início ao fim. O cineasta equilibra perfeitamente as nuances de poder, sacrifício e destino em um roteiro que ressoa tanto na grandiosidade das batalhas quanto na profundidade das relações humanas.

Os destaques técnicos são os personagens principais de Duna: Parte 2. A fotografia e o som, especialmente se apreciados nas telas IMAX para as quais o longa foi concebido, transportam o espectador diretamente para as imensidões de areia. Paisagens deslumbrantes, gravadas em desertos reais, e uma trilha sonora hipnotizante se unem para criar uma experiência cinematográfica pouco vista ultimamente. Nesta obra, Villeneuve reafirma sua maestria, entregando não apenas uma sequência à altura de seu antecessor, mas um capítulo definitivo no universo de Duna. – Arthur Caires

Rivais (Challengers)

Se tem algo que Luca Guadagnino sabe fazer com maestria é explorar o desejo por meio da sutileza – e, sendo dirigido por ele, Challengers (no original) não poderia seguir um caminho diferente. Cada cena do filme é carregada de um erotismo que não precisa de cenas explícitas para se fazer presente, ao mesmo tempo em que oferece uma análise profunda sobre questões como o ego e a ambição.

O triângulo amoroso composto por Zendaya, Josh O’Connor e Mike Faist emite uma energia imparável constante, ao passo que eles se comportam como verdadeiras estrelas de Cinema do começo ao fim. A mistura do caos hipnótico causado por eles e a superfície plácida do luxuoso mundo do tênis resulta em uma experiência fascinante, cujo único objetivo é fazer com que o público se deleite com a diversão pura e decadente desses Rivais. Afinal, amor e ódio são os lados de uma mesma moeda, certo? – Raquel Freire

Alien: Romulus (Alien: Romulus)

Alien: Romulus foi anunciado em um momento delicado para a franquia Alien, já que Prometheus (2012) e Alien: Covenant (2017), últimos filmes relacionados à série, dirigidos pelo primeiro idealizador das criaturas, Ridley Scott, não tiveram os resultados esperados em crítica e bilheteria. Mas esse filme inverteu qualquer expectativa negativa, não por sorte, mas por talento e jogo de cintura do diretor Fede Álvarez que soube resgatar o terror visceral que fez do primeiro filme da série um dos mais impactantes na cultura pop.

Ambientado novamente em lugares fechados e claustrofóbicos, acompanhando a história de jovens que tentam escapar da colônia espacial insalubre em que vivem e trabalham, o longa dialoga com seu precursor de 1979 de diversas formas. Como, por exemplo, a temática do poder cada vez mais ilimitado das grandes corporações, o avanço brutal e impossível de se conter da inteligência artificial e da tecnologia em geral, bem como a tentativa vã da humanidade de controlar os elementos naturais do universo, seja por ganância ou mesmo por sobrevivência. Alien: Romulus teve o seu lugar de destaque e injetou uma dose generosa de ficção científica da melhor qualidade nos cinemas em 2024. – Guilherme Dias Siqueira

Ainda Estou Aqui

Maria Lucrécia Eunice Facciolla Paiva. Como começar a explicar Eunice Paiva? Advogada. Defensora dos direitos humanos. Especialista em direito indígena. Mãe. Viúva. Vítima da Ditadura Militar Brasileira. Essas palavras são poucas para definir quem é Eunice. Marcelo Rubens Paiva recorda suas próprias memórias no livro Ainda Estou Aqui – que foi adaptado para o Cinema pelas mãos de Walter Salles. Fernanda Torres encarna Eunice; Selton Mello interpreta o ex-deputado Rubens Paiva. As atuações são emocionantes e únicas não só pelo talento dos atores, mas também pela caracterização e ambientação da produção.

Fernanda Torres fez um trabalho excepcional ao viver Eunice Paiva. A dor, a indignação com a situação e o sofrimento pela perda de Rubens se demonstram em um olhar, um pequeno gesto, um abraço, um sorriso. Ainda Estou Aqui é importantíssimo para lembrar dos horrores vividos no Brasil após o Golpe de 1964. A tortura, os sumiços, os assassinatos nunca podem ser esquecidos. A violência vivenciada no país teve vários formatos: indo da física à psicológica; até a crueldade dos desaparecimentos e de não se ter respostas – a cena em que Torres esbraveja “cadê meu marido?!” é um dos momentos mais marcantes do longa. O sucesso de Ainda Estou Aqui não é à toa – as três indicações e uma vitória no Oscar 2025 não mentem –, e, com os acontecimentos recentes do mundo, não custa lembrar: ditadura nunca mais. – Laura Hirata-Vale

Longlegs – Vínculo Mortal (Longlegs)

O emblemático longa de Oz Perkins, Longlegs – Vínculo Mortal, destaca-se em meio às recentes estreias do Horror. Diferentemente do que ocorre nos gritos desesperados de Cecília em Imaculada (Immaculate, originalmente) ou nas cenas violentas de O Mal Que Nos Habita (When Evil Lurks), mecanismos pouco óbvios são o que constroem a atmosfera macabra nessa trama. A característica hipnotiza os fãs pouco sedentos por sangue, mas muito saudosos da adrenalina própria do gênero.

Em Longlegs, o arrepio na espinha e o frio na barriga tomam o público nos momentos menos prováveis: o preto e vermelho gritantes ao som de T. Rex, as aproximações repentinas e silenciosas em pontos do enquadramento e – claro – a ousada primeira aparição de Dale Kobble (Nicolas Cage); o diretor escolhe exibir na tela apenas parte do rosto do personagem. Incrivelmente assustadora, a obra e a figura que a nomeia conquistaram seu posto no imaginário do público – e, por consequência, nos melhores lançamentos do Cinema em 2024. – Esther Chahin

Um Homem Diferente (A Different Man)

Sim, não podemos negar que 2024 foi o ano de A Substância, mas ao se olhar um pouco mais para fora dos holofotes, Um Homem Diferente emula os mesmos méritos do longa de Coralie Fargeat, mas de forma mais sútil e sem escancarar tanto que se trata de uma obra crítica. Para isso, o diretor e roteirista Aaron Scheinberg conta com um humor desconfortavelmente ácido para traduzir outra história de obsessão e padrões da sociedade.

No longa, acompanhamos Edward (Sebastian Stan), um homem que sofre com neurofibromatose, uma doença que acaba desfigurando seu rosto. Ele passa então por uma cirurgia inédita que o coloca nos padrões da sociedade, mas, mesmo com a confiança restaurada, vê a vida que sonhava ruir a partir do momento em que, secretamente, aceita participar de uma peça sobre ele mesmo. Um Homem Diferente mostra sua força e originalidade através de um roteiro intencionado em conduzir a percepção do espectador para diferentes caminhos, que chega nesse resultado através da atuação de seu trio principal – destaque para Adam Pearson, que realmente sofre da doença – mas, principalmente para Sebastian Stan, se provando uma força da atuação que teve nesse ano seus melhores trabalhos. – Guilherme Veiga

Todo Tempo Que Temos (We Live In Time)

A história de amor entre Almut (Florence Pugh) e Tobias (Andrew Garfield, se constrói em ínfimos espaços de tempo. Um encontro sem data e nem hora, de supetão mesmo. Mas que alcança a maturidade após uma notícia abrupta atingir o casal. Em Todo Tempo Que Temos, acompanhamos, por meio de linhas temporais, o romance de uma década, embarcada através de movimentos de sua trajetória, desafiando toda a existência presente em uma ou mais vidas.

Pelo olhar poético de John Crowley, o longa-metragem toma forma através do simples. É a simplicidade de uma vida, assim como ela deveria ser, obviamente com alguns altos e baixos, mas que deixa a história do casal tão real. O enredo do filme explora perfeitamente esse ‘acaso’ presente na rotina deles, endossando em certos momentos para criar um clímax em algumas cenas, mas que de nenhum modo relata algo impossível de acontecer. We Live In Time (no original) carrega alguns clichês presentes no gênero, no entanto, continua sendo uma linda história de superação de medos e um lembrete para aproveitar cada detalhe que a nossa jornada oferecer. – Ludmila Henrique

Jurado Nº2 (Juror #2)

Em meio a temporada de premiações, como o Globo de Ouro, o BAFTA e o Oscar, Jurado Nº2 ficou deixado de lado pela Warner Bros, que preferiu focar a sua campanha para Duna 2. A fita não chegou nem a ser lançada nos cinemas na maioria dos países, com exceção aos Estados Unidos, no resto do mundo o longa foi direto para o streaming da Max. No entanto, Clint Eastwood mostra que quem perde é a empresa e as premiações, pois ele acaba de lançar a sua mais nova obra-prima.

Na trama, Justin (Nicholas Hoult) e Allison (Zoey Deutch) são casados e esperam seu primeiro filho, em uma gravidez de risco. Em meio a isso, o protagonista é convocado para ser um dos jurados em um julgamento. Contudo, o que não esperava é que ele estava envolvido com o caso, podendo levá-lo direto para a cadeia. O cineasta desconstrói os conceitos de justiça e a narrativa vendida sobre imparcialidade do sistema americano. A obra não é um drama de tribunal que busca descobrir o que aconteceu. O seu maior apelo está no questionamento: o que é verdade e o que é justiça? – Guilherme Moraes

Look Back (Look Back)

Fujino (Yuumi Kawaii), uma estudante do ensino médio que adora desenhar e é amada por todos da classe, descobre, um dia, que outra colega, Kyomoto (Mizuki Yoshida), desenha melhor que ela, causando-lhe inveja. Após dividirem as publicações de tirinhas no jornal da escola, as duas se encontram ao final do ensino médio e iniciam uma jornada que envolve carinho, autoconhecimento, descobrimento do mundo e uma pitada de dor.

Baseado no mangá one-shot (2021) de mesmo nome, escrita pelo mangaká Tatsuki Fujimoto, criador de Chainsaw man, o longa de apenas 58 minutos dirigido por Kiyotaka Oshiyama e que ganhou prêmio de melhor animação no Japan Academy Awards, é encantador para qualquer um que ame animações. A beleza nos movimentos envoltos com a trilha sonora tornam a obra uma jornada emocionante, ao mesmo tempo, doce e amarga para todos que já lutaram por um sonho, trazendo assim uma linda mensagem sobre crescimento. – Leonardo Quinalha

Feios (Uglies)

Feios possui extrema relevância social, uma vez que retrata uma sociedade futurística com muito apego aos padrões de beleza em detrimento das características humanas. A produção possui efeitos especiais muito bons e que expressam uma ambientação científica.

O longa traz uma trama parecida com a franquia Divergente. No início da obra, é possível prever as ideias da história e como ela vai terminar. No entanto, dá para se surpreender, pois o desenvolvimento e o desfecho da história não possuem o mesmo roteiro visto em filmes de distopia jovem. Pode-se afirmar que o final é um daqueles em que se perde a cabeça. A produção é um divisor de águas: você ama ou odeia. – Maria Fernanda Beneton

Guerra Civil (Civil War)

Os bons filmes de guerra são feitos para deixarem os espectadores desconfortáveis diante do que estão assistindo. É o que faz sentido: o confronto é desumano e qualquer representação dele deve ser tingida com a dura realidade. No entanto, Civil War (no original) possui um propósito diferente. A distopia de Alex Garland é um apelo à reflexão sobre como nos recusamos a deixar que esse tipo de imagem nos afete. O diretor não quer nos fazer sentir, mas quer que nos questionemos por que não sentimos nada, e essa foi uma escolha extraordinária.

A ideia do longa é retratar que só consegue passar por esses horrores quem se ‘desliga’ deles, e essa interpretação está longe de servir apenas para o universo fictício onde Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny e Stephen Henderson são fotojornalistas. Apesar de ter sido lançado em um ano carregado por medo e tensão, Guerra Civil evita qualquer correlação direta com o cenário político atual, e tal fato só deixa suas entrelinhas ainda mais claras. – Raquel Freire

Megalópolis (Megalopolis)

Indicado ao Framboesa de Ouro 2025, fracasso de bilheteria e esculhambado por crítica e público, afinal, por que Megalópolis faz parte desta lista? O filme, financiado por Francis Ford Coppola, é mais um caso do panteão de obras não compreendidas pelo seu tempo, tal como Homem-Aranha 3 (2007) e Garota Infernal (2009) – e deve ser alvo do revisionismo daqui a alguns anos. Assim como o protagonista Cesar Catilina (Adam Driver), um arquiteto visionário que deseja construir uma cidade utópica, o longa é uma quimera.

A castração dos olhos do público acostumado com o cinza da Marvel Studios ou pela ausência de contato com a filmografia do cineasta, que já havia concebido imagens artificiais e oníricas em O Fundo do Coração (1982) e Drácula de Bram Stoker (1992), pode justificar a má recepção de Megalópolis. A obra caminha em oposição ao realismo e o cinismo de Hollywood, compondo cenas abstratas e com o texto bastante inocente e um final meloso, crédulo em um futuro melhor. O sonho do diretor merece um lugar nesta lista, porque em 2024 ele ousou desafiar o status quo. – Davi Marcelgo

A Substância (The Substance)

Sintetizadores eletrizantes ajudam a ambientar A Substância, um dos filmes mais comentados nas redes sociais em 2024. Dirigido pela francesa Coralie Fargeat, o longa se trata de um body horror, surpreendentemente fácil de digerir. Mesmo com referências a grandes clássicos do gênero, como O Iluminado (1980) e Carrie, A Estranha (1976), o público abocanhou todo pedaço de gore que Fargeat atirou em nossas faces a cada cena.

Com as atuações esplêndidas de Demi Moore e Margaret Qualley, o universo de Elizabeth Sparkle e sua versão mais nova, Sue, é trágico, ao mesmo tempo que intoxicante. Além das entregas extraordinárias das atrizes, os detalhes da concepção visual de A Substância explicam as cinco nomeações e uma vitória no Oscar, incluindo as categorias de Melhor Filme, Atriz, Roteiro Original, Direção e Maquiagem (vencedor). – Nathalia Tetzner

Divertida Mente 2 (Inside Out 2)

Lançado em 2015, Divertida Mente foi um sucesso estrondoso. Narrado por suas emoções Alegria (Amy Poehler), Tristeza (Phyllis Smith), Medo (Tony Hale), Nojinho (Liza Lapira) e Raiva (Lewis Black), a vida da pré-adolescente Riley (Kensington Tallman) cativou crianças e adultos e encantou o mundo com a magia da Pixar. Quase dez anos depois, a sequência surpreende positivamente ao trazer novas emoções e acompanhar uma fase igualmente complicada no amadurecimento de Riley: a entrada na adolescência e a chegada da puberdade. Mais madura e com conflitos maiores, o espectador é levado a acompanhar a descoberta da Ansiedade (Maya Hawke), da Inveja (Ayo Edebiri), do Tédio (Adèle Exarchopoulos) e da Vergonha (Paul Walter Hauser).

Não tão original como o primeiro filme por se ater à mesma fórmula e jornada, mas igualmente valioso, Divertida Mente 2 emociona e diverte do mesmo jeito, ajudando a entender e visualizar de forma lúdica as emoções. Para se agradar, talvez seja necessário se desvencilhar um pouco do brilhantismo original da obra e entender a mudança do contexto atual, não se prendendo à nostalgia e se permitindo celebrar a visualização da psique de maneira fofa e bem humorada. – Aryadne Xavier

Uma Ideia de Você (The Idea of You)

Uma Ideia de Você é a mistura interessante de diversos itens da cultura pop – comédia romântica, boybands, um elenco bonito –, com questões atuais – como o etarismo dentro de relacionamentos e a perseguição da mídia. Anne Hathaway (de O Diabo Veste Prada) é Solène Marchand, uma mulher divorciada e mãe de uma adolescente não-tão-ex-fã da banda fictícia August Moon. Nicholas Galitzine (de Vermelho, Branco e Sangue Azul) é Hayes Campbell, um dos membros do grupo. O par, por consequência do destino (ou o dar para trás do ex-marido de Marchand), acaba se conhecendo no backstage da área VIP do Coachella – um dos maiores festivais de música do mundo.

O filme, baseado no livro homônimo escrito por Robinne Lee, mostra as dificuldades de um relacionamento entre um jovem famoso e uma mulher adulta anônima. A diferença de idade dos dois deixa Solène insegura, e – mesmo que mantido em segredo para conservar sua privacidade – o romance acaba flagrado por paparazzi. A partir desse momento, a vida da curadora de arte tem uma reviravolta – ela e sua filha começam a ser importunadas pela imprensa e pelos fãs. Como se tivesse saído de uma fanfic, Uma Ideia de Você mostra que mulheres mais velhas podem, sim, ter uma nova chance no amor. – Laura Hirata-Vale

Beekeeper: Rede de Vingança (The Beekeeper)

Ao entregar uma história inusitada e um elenco de peso, Beekeeper: Rede de Vingança é um dos melhores filmes de 2024. O longa conta a história de James Clay, um apicultor e ex-agente de um programa secreto que, ao ver sua vizinha querida cair em um golpe financeiro na internet, se revolta com o roubo e passa a caçar (literalmente) todos os envolvidos nessa organização criminosa. A inovação e diferença desta obra para outras que possuem protagonistas justiceiros é a verossimilidade do enredo com os tempos atuais. Quem nunca caiu em uma farsa virtual ou conhece um amigo que já passou por isso? Essas trapaças trazem uma revolta em todos os enganados e, por isso, a produção traz uma sensação de que “a justiça foi feita”.

O longa é protagonizado por Jason Statham que, além de ator, foi uma perfeita escolha para o papel ao ser um lutador de artes marciais. Além dele, Josh Hutcherson, da distopia de Jogos Vorazes, Minnie Driver, do drama Gênio Indomável, e Emmy Raver-Lampman, da série The Umbrella Academy, fazem parte do filme. A obra recebeu indicações no Golden Trailer Awards, Indiana Film Journalists Association, US e Philadelphia Film Critics Circle Awards, mas não ganhou nenhum dos prêmios. Para os amantes de ação que torcem para que o lado mau da história perca todo seu império corrupto, The Beekeeper (no original) é a escolha perfeita para assistir com os amigos ou com sua família. – Luísa Tabchoury

Moana 2 (Moana 2)

A aguardada sequência de Moana: Um Mar de Aventuras trouxe à tona um enredo que equilibra nostalgia e inovação, consolidando o universo criado pela Disney como um dos mais ricos de sua era. Moana 2 mergulha ainda mais fundo na relação entre humanos e natureza, além de resolver o dilema se existem ou não outros povos espalhados pelo oceano. A trilha sonora conta com canções vibrantes e letras que ressoam os temas de superação e da conexão com as raízes. Lançado em um momento de reflexão ambiental global, o filme foi aclamado por críticos e público, além de solidificar seu lugar no imaginário popular com visuais deslumbrantes.

Desde os materiais promocionais até o lançamento, Moana 2 provou ser mais que uma sequência previsível, na verdade é um marco em representatividade e inovação de narrativa. A produção não se limita à beleza estética, mas também reflete seu papel em fomentar diálogos sobre responsabilidade ambiental e cultural. Comparado ao impacto de seu antecessor, a segunda parte trouxe um tom mais maduro e corajoso, reafirmando a importância de histórias que transcendem gerações. O impacto social gerado por debates sobre a preservação dos oceanos elevam o longa como um marco necessário no Cinema de animação atual. – Marcela Jardim

O Senhor dos Mortos (The Shrouds)

Após a 48º Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, pouco se falou sobre O Senhor dos Mortos, um dos filmes mais divisivos do evento. O mais novo longa de David Cronenberg foi lançado em diversos festivais em 2024, mas ainda não chegou ao público geral de vários países, incluindo o Brasil. Na trama, Karsh (Vincent Cassel) é um homem que perdeu sua esposa, Becca (Diane Kruger) e a enterrou em seu cemitério de alta tecnologia em que é possível ver o cadáver dentro do caixão. Certo dia, ele é avisado que os túmulos foram depredados e vai em busca do culpado e do motivo, ao mesmo tempo em que tenta superar a sua falecida mulher.

Apesar de polêmico, a obra se ganha pela auto análise que o canadense se propõe a fazer. Ele explora sua filmografia, por meio do personagem principal, olhando de um jeito até cômico para a naturalidade com que ele explora o mórbido. Ademais, é por meio da Arte que artistas como ele conseguem se expressar. Nesse sentido, o diretor escreveu o longa-metragem como forma de revelar a dor que sentiu pela perda da sua esposa que faleceu em 2017, além de uma maneira de homenageá-la. – Guilherme Moraes

Donzela (Damsel)

Donzela possui efeitos visuais muito bem trabalhados, que retratam o contexto de ação do filme. Os cenários são bem ambientados e apresentam uma sociedade campista e medieval, com figurinos muito bem escolhidos. É perceptível a tentativa de criação de um conto de fadas em uma terra mais distante que a visão do público, o que funciona muito bem para a produção.

Um aspecto bem interessante é a mensagem de um heroísmo para a figura feminina, de modo que Elodie (Millie Bobby Brown) precisa tomar coragem e decisões para sobreviver de um dragão que a persegue na caverna. Entretanto, apesar da evolução da protagonista de Stranger Things, é perceptível que as ações de sua personagem ao final da obra tornam-se muito previsíveis, deixando o espectador já ciente do desfecho antes mesmo de seu fim. – Maria Fernanda Beneton

A Verdadeira Dor (A Real Pain)

Jesse Eisenberg se colocou à frente e atrás da câmera para contar a história de A Verdadeira Dor. Além de assumir o papel do protagonista, Eisenberg escreveu, dirigiu e produziu a comédia dramática que acompanha dois primos que não poderiam ser mais diferentes um do outro em uma viagem de grande valor emocional, após a morte da sua avó. O enredo explora com muito tato e um humor sensível os temas de perda, luto e traumas, mas o que realmente o destaca como algo especial é o capricho voltado para o desenvolvimento dos personagens. A obra cede um olhar atento para as contradições e conflitos internos da individualidade de cada um, distanciando-se dos estereótipos rasos que estavam a fácil alcance.

Kieran Culkin conquistou seu lugar entre os queridinhos da indústria por sua performance na aclamada série Succession. Com A Verdadeira Dor, o ator provou que seu talento se adapta e, mesmo com o fim da série, ele continua no jogo. A interpretação de Culkin fez dele o queridinho das premiações, lhe rendendo os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no Oscar, Globo de Ouro, Critics Choice e BAFTA. O trabalho de Eisenberg também foi bem reconhecido e ele venceu o BAFTA por Melhor Roteiro Original e foi indicado na mesma categoria ao Oscar. O filme ganhou o Critics Choice como Melhor Filme de Comédia. – Giovanna Freisinger

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Raquel Freire

Quando o assunto é a indústria musical, não é incomum ouvir que artistas, principalmente mulheres, precisam se reinventar múltiplas vezes para continuarem na cena. É o que aconteceu com Halsey na última década: ela fez sua estreia como uma adolescente rebelde em BADLANDS (2015), defendeu a postura de uma ‘artista conceituada’ transformando o clássico shakespeariano Romeu e Julieta em hopeless fountain kingdom (2017), mostrou-se como uma autora de sucesso mundial em Manic (2020) e uma máquina de ódio industrial que explodiu em If I Can’t Have Love, I Want Power (2021). Seu quinto álbum de estúdio, The Great Impersonator, segue a mesma linha. No entanto, ao invés de assumir uma única personalidade, Halsey assume 18.

Há um grande motivo por trás deste conceito. Ashley Nicolette Frangipane criou sua persona artística antes de entrar na vida adulta e, desde então, a assume. Com o passar do tempo, os traços que definiam cada nome tornaram-se cada vez mais parecidos, até chegar ao ponto em que a própria artista não conseguia discernir quem era quem. Dessa forma, acreditando que este seria seu último álbum, Frangipane decidiu incorporar outras personalidades para além de Halsey, explorando como sua Arte seria se ela estivesse no cenário da Música nas décadas de 1970, 1980, 1990 e 2000. Cada faixa saúda, de alguma maneira, uma das inspirações da artista, que as ‘personificou’ ao recriar looks icônicos de seus ídolos.

Em algumas músicas, as influências declaradas são bem aparentes; em outras, é difícil fazer a conexão. Ao ver Halsey posar como Dolly Parton na divulgação de Hometown, não é difícil adivinhar que essa será a produção com um sabor country no álbum, embora a descrição de como um colega de escola, que faleceu cedo demais, está congelado no tempo não pareça com algo que Parton faria. Por outro lado, Panic Attack, inspirada em Stevie Nicks e um dos pontos altos do disco, é totalmente parecida com Dreams em sua execução nitidamente analógica da década de 1970, misturando vocais cintilantes e guitarras com reverberação pesada que exploram a essência vintage de Nicks.

Apesar desse ponto, essa escolha totalmente diferente de criar e incentivar as pessoas a pensar sobre a obra comprova a qualidade do principal material apresentado: a mensagem que a cantora quer transmitir. Da primeira à última música, fica claro que o sentimento que guia o disco é a mais pura ansiedade e, em nenhum momento, o ouvinte deixa de prestar atenção nas grandes questões com as quais Halsey está lutando. Ao invés de formar uma grande bagunça que mais distrai do que atrai, a mistura de gêneros e tons resulta em uma experiência auditiva dinâmica e imprevisível, assim como os temas de vida, morte, amor, raiva e legado são apresentados ao longo dos 66 minutos de duração.

The Great Impersonator não foi concebido para ser uma experiência fácil de ser ouvida, ao passo que carrega algumas das músicas mais profundas e reveladoras da carreira de Halsey. Entre o lançamento de seus dois últimos álbuns, a cantora terminou um relacionamento (de uma forma não muito amigável, pelo que parece) logo após o nascimento de seu primeiro filho e foi diagnosticada com leucemia e lúpus. Essas experiências são, sem dúvidas, capazes de mudar a perspectiva de qualquer pessoa, e Frangipane incorpora esses sentimentos no álbum extraordinariamente.

Life of the Spider (Draft) é o maior exemplo. Composta apenas pelos vocais de Halsey e as notas de um piano, a música, inspirada em Tori Amos, soa como uma voicenote – um desabafo tão vulnerável que passa a sensação de que a cantora não a regravou para não precisar repeti-lo. Aqui, Halsey fala sobre como a dinâmica de seu relacionamento mudou quando ela começou a sentir os efeitos colaterais de seu tratamento. A faixa se baseia em uma metáfora muito específica: ela se caracteriza como uma aranha que, apesar de inofensiva, está prestes a ser exterminada por um homem que se sente irritado por ter que dividir seu espaço com um ser que, normalmente, gera repúdio nos outros.

Outra composição que deixa o ouvinte com vontade de fazer uma pausa para digerir o que foi dito é The End, o primeiro single do disco. Ao mesmo tempo em que é a música que aborda mais extensa e abertamente o quadro de saúde de Halsey, é a que mais se aproxima de uma música alegre na coletânea. Isso acontece porque é a única vez em que ela se dirige a um parceiro que a apoia e, aparentemente, a ama. Com uma voz calma e um simples dedilhado à la Joni Mitchell, ela canta que, ainda que parecesse o fim do mundo, ela não estava sozinha, e isso fez com que toda a situação não fosse tão difícil de lidar. O questionamento final, “Você pode me pegar às oito?/Porque meu tratamento começa hoje”, é o momento mais doce de um álbum que não possui muitos deles.

Embora pareça, em um primeiro momento, que este será um álbum apenas sobre a saúde da cantora, logo surgem músicas que abordam áreas mais universais da angústia. Uma delas é Darwinism, inspirada em David Bowie, que faz um trabalho brilhante em combinar solidão com pânico existencial. Nessa faixa, Halsey expõe o sentimento de não conseguir fazer parte de um todo, como se todas as pessoas estivessem construindo o que precisam e seguindo seus planos, enquanto ela se vê incapaz de seguir adiante. Em termos de darwinismo, ela se refere a si mesma como uma espécie primária – todos os outros evoluíram, mas ela, talvez, nunca o fará.

Lonely is the Muse e Arsonist também fazem parte deste grupo. A primeira, que ecoa a atmosfera alternativa mais sombria de Amy Lee, contém partes de um poema escrito por Halsey, no qual ela assume o papel de uma mulher cujo único propósito é inspirar um amante, sendo descartada assim que não for mais necessária. A segunda, que remete ao groove de Fiona Apple, apresenta uma melodia muito mais suave do que suas palavras atormentadas. Abertamente feita para seu ex-namorado – cujo primeiro nome, Alev, significa ‘chama’ em turco –, a música discorre sobre a toxicidade do relacionamento de ambos, no qual Halsey o define como o fogo e, ela, como a água.

Arsonist foi o resultado da colaboração da cantora com Michael Uzowuru, que participou da produção da maioria das faixas, assim como Alex G. Essa é a primeira vez que eles trabalham em parceria desde Blonde (2016), de Frank Ocean. É fato que, aqui, seria difícil superar o trabalho que Trent Reznor e Atticus Ross, da banda Nine Inch Nails, entregaram em If I Can’t Have Love, I Want Power. Entretanto, esses músicos – e alguns outros que se juntaram a eles, como Austin Corona e Caleb Laven – conseguiram criar um álbum que mantém um pouco do assombro do disco anterior, ao mesmo tempo em que se expande para uma paleta mais ampla.

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Mesmo com um conceito inédito e uma imensa qualidade na produção e na composição das músicas, escutá-las uma por uma, na ordem estabelecida, não é algo que vai agradar a todos – principalmente aqueles que não se familiarizaram com o significado por trás delas. Contudo, quem se arrisca a chegar ao final conclui que esse não foi um álbum criado para os charts e a grande massa, mas sim para a Arte e a própria Halsey. Feito em um momento de sua vida em que tudo estava incerto, o disco é um registro de que ela sobreviveu. É, também, um registro impecável de como a exploração da liberdade criativa e o desejo de não ser ‘mais do mesmo’ podem resultar em verdadeiras obras de arte.

The Great Impersonator não foge da escuridão, mas celebra a luz dentro das inspirações mais profundas de Halsey. Mais do que uma coleção de ‘imitações’, o álbum se mostra como uma declaração ousada de identidade artística; um testemunho da cantora multifacetada que ela se tornou. Ao homenagear as pessoas da indústria que a definiram, Ashley Nicolette Frangipane molda um novo capítulo em sua história – um que captura a beleza, o caos e a vulnerabilidade de sua vida e de sua Arte, ao mesmo tempo em que eleva as vozes daqueles que vieram antes dela.

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Raquel Freire

O que você faria se uma estrela de Hollywood entrasse em sua vida enquanto estivesse cumprindo sua simples rotina? Você se exaltaria ou agiria normalmente e até tentaria fazer uma brincadeira casual, sabendo que provavelmente nunca mais se encontrariam? Quando William Thacker (Hugh Grant), dono de uma pequena livraria em Londres, olha através da caixa registradora e vê que a superestrela do Cinema norte-americano, Anna Scott (Julia Roberts), está procurando por livros de viagem, ele não pensa duas vezes antes de escolher a segunda opção. É assim que Um Lugar Chamado Notting Hill começa a ficar interessante.

O filme se aproveita da fórmula ‘boy finds girl’, recorrendo a um encontro improvável para dar início a um relacionamento um tanto quanto problemático. No entanto, esse é um método que funciona. Afinal, como esses dois personagens, tão diferentes entre si e com realidades completamente opostas, poderiam se encontrar? Para além disso, como eles seriam capazes de descobrir uma maneira de se ajustar um ao outro? O roteiro cuidadoso de Richard Curtis deixa a resposta escancarada: suas personalidades.

Os personagens de Hugh Grant e Julia Roberts compartilham uma conexão intelectual marcada por tentativas e neuroses. Essa característica os afasta do cenário atual em que se encontram as comédias românticas, todas marcadas por um mesmo script superficial, além de ser a responsável por despertar o interesse do público no longa. De fato, há algo inefável do final da década de 1990 na noção dos protagonistas como sex symbols, especialmente em uma obra que venera tão servilmente cada detalhe do rosto da atriz. Em parte, isso está presente nos visuais, que voltaram a estar na moda – ela com óculos escuros em formato de azeitona e blusas com decote midi, e ele com camisas com babados artísticos –, mas, dessa vez, concentrado mais em suas essências.

Anna Scott é vista não apenas como uma mulher desejável, como também uma pessoa complexa, com questões pessoais que atuam como obstáculos para atingir um estado de felicidade plena. Há momentos no longa que levam o público àquele tipo de silêncio abafado que ocorre quando uma verdade é proclamada em voz alta. Um deles acontece quando ela brinca que o preço de sua beleza se resume a procedimentos estéticos, apontando silenciosamente para seu nariz e seu queixo. Ainda que aqui se trate de uma estrela do Cinema que só existe na ficção, as entrelinhas dessa cena revelam uma problemática extremamente atual, o que traz a sensação de que não há distância alguma entre os anos de 1990 e 2020.

William Thacker, por outro lado, se destaca ao incorporar o ideal britânico de masculinidade refinada da época. O personagem de Grant é sensível, gentil e acessível, mas corajoso o suficiente para tirar satisfação com um grupo que desrespeita seu par romântico na mesa ao lado em um restaurante. Ele divide a diferença entre o adorável tímido – ao continuar gaguejando mesmo após o terceiro encontro, o que chega a ser um pouco irritante – e um tipo de herói moderno, disposto a contrariar os padrões da sociedade por uma paixão.

Para além dos dois pombinhos, Um Lugar Chamado Notting Hill encanta com seu elenco composto por grandes nomes: Rhys Ifans, Gina McKee, Hugh Bonneville, Tim McInnerny e Emma Chambers. Juntos, eles formam o grupo de amigos do personagem de Hugh Grant, que, dia após dia, passam também a acompanhar a protagonista de Roberts. A relação construída por eles é uma fiel representação do que amizade e companheirismo significam, resultando em conversas profundas, jantares repletos de risadas e uma carona totalmente caótica para conquistar o final feliz – o principal ingrediente de uma boa comédia romântica.

Outro ponto positivo do longa são as belas paisagens londrinas. As locações em Notting Hill foram uma jogada astuta: tinham classe, eram elegantes e pitorescas. Em alto e bom som, essa escolha do diretor Roger Michell e do produtor Duncan Kenworthy fez com que características do bairro e da capital inglesa fossem apresentadas para o público mundial sem precisar apelar para estereótipos, permitindo o acesso a pontos turísticos conhecidos de forma natural.

Notting Hill (no original) é composto por clichês do início ao fim. Porém, esse não é um fato que incomoda. Essa é uma daquelas histórias que todos sabem como vai terminar; o que faz valer a pena é o divertido caminho até o desfecho. Julia Roberts, Hugh Grant e Richard Curtis fazem parecer que a combinação de atores competentes e de boa aparência com piadas de efeito é o segredo para o sucesso, mas sabemos que essa fórmula não vem funcionando muito bem. A comédia romântica sem rodeios e com o coração na manga se tornou uma raridade fora de moda, e é por isso que esse clássico de mais de duas décadas não falha.

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Com oito histórias que abordam a vivência de pessoas queers, o Estante do Persona deste mês está mais orgulhoso do que nunca! As histórias que serão recomendadas abordam as diferentes camadas do árduo caminho traçado por aqueles que pertencem à comunidade. Para isso, a Redação do Persona separou uma lista especial, com obras que marcaram a vida dos membros após a primeira leitura.

Narrativas ficcionais se tornam confidentes de todo e qualquer leitor, ainda mais se há a possibilidade de se reconhecer nos escritos de um autor. Para as pessoas LGBTQIAPN+, essa identificação possui um objetivo ainda maior: ela auxilia no processo de auto descoberta da sexualidade e mostra como personagens queers podem ser plurais. Entre dramas e romances, as indicações deste mês reforçam a diversidade necessária dentro das páginas de um livro.

Em Junho, o foco é o aprofundamento dos integrantes da comunidade LGBTIQAPN+. As tramas sugeridas não apenas falam sobre representatividade, mas também mostram que que a vida queer não se resume a preconceito e algozes. Antes de toda a dor passada por essas pessoas, há o desejo de viver uma jornada linda. É direito de qualquer pessoa, independente de sua orientação sexual, de se reconhecer em narrativas lúdicas, pois é na Arte que muitos encontram refúgio.

Adam Silvera – Lembra Aquela Vez (368 páginas, Editora Rocco)

Conhecido pelo aclamado Os Dois Morrem No Final, Adam Silvera também é autor de Lembra Aquela Vez, livro com uma sinopse inusitada. Nesse universo criado pelo escritor, as pessoas podem apagar as outras de suas memórias a partir de um procedimento médico no Instituto Leteo. No entanto, diferente de obras como Brilho de Uma Mente Eterna Sem Lembranças, ações e momentos também podem ser excluídos do subconsciente de alguém.

Com a premissa, Silvera centraliza a história em Aaron Soto, um garoto de 16 anos que mora no Bronx, em Nova York. O adolescente conhece um vizinho chamado Thomas e, a partir do desenvolvimento de sua relação com ele, o protagonista passa a ter sentimentos pelo menino. No entanto, ser gay no lugar em que eles moram é um problema, por isso Soto pensa em se submeter ao procedimento. Com isso, o escritor conversa sobre vida LGBTQIAPN+, diferenças sociais e homofobia internalizada em uma história marcada por primeiras paixões e tragédias da vida. – Guilherme Machado Leal

Amal El-Mohtar e Max Gladstone – É assim que se perde a guerra do tempo (192 páginas, Editora Suma)

É assim que se perde a guerra do tempo acompanha a história de Blue e Red, duas agentes rivais em uma guerra infinita. No período em que elas vivem, as facções nas quais atuam lutam para interferir nos variados fios do espaço-tempo, a fim de favorecer seus lados no futuro. Após terem seus caminhos esbarrados diversas vezes, nos quais elas sempre observavam e tentavam desfazer o trabalho da outra, uma correspondência se dá entre as personagens. Totalmente baseada em provocações, em um primeiro momento, os assuntos abordados e o tom dessas cartas passaram a se modificar gradativamente conforme elas se familiarizavam uma com a outra.

Vencedor dos prêmios Hugo e Nebula, dois dos mais importantes da Literatura, a obra é uma combinação perfeita de ficção científica, poesia e romance epistolar. Mais do que se preocupar com a construção do universo no qual Blue e Red estão inseridas, Amal Et-Mohtar e Max Gladstone direcionam o foco para os sentimentos dessas mulheres e como ele é capaz de motivar novas maneiras de enxergar o mundo. Sensível e sem igual, É assim que se perde a guerra do tempo é um romance sáfico sobre o nascimento do amor onde só poderia existir o ódio. – Raquel Freire

Olívia Pilar – Um traço até você (288 páginas, Editora intrínseca)

Ser uma pessoa negra e LGBT no Brasil é uma existência desafiadora, até mesmo para quem consegue a oportunidade de ser bem sucedido, é o caso de Lina, protagonista de Um traço até você. Uma estudante universitária, ela tem uma vida relativamente tranquila morando em um bairro de classe média de Belo Horizonte e sonha alto para seu futuro. Mas o preconceito contra a cor de sua pele surge como uma barreira para seus objetivos.

Lina encontra apoio e inspiração em Elza, outra apaixonada pelas artes. Juntas elas vão descobrir ainda mais afinidades em uma jornada de amor e autoconhecimento. Toda a emoção das personagens se mistura a reflexões sobre o racismo, a LGBTfobia e outras dificuldades tão comuns a jovens adultos. O Livro foi o romance de estreia de Olívia Pilar, escritora que busca transferir toda a diversidade cultural, étnica, social e de gênero do Brasil para as páginas. – Guilherme Dias Siqueira

Caio Fernando Abreu – Morangos Mofados (158 páginas, Editora Agir)

Dos representantes da cultura da década de 1980 no país, Caio Fernando Abreu é um dos nossos nomes mais importantes. Angústia existencial, solidão urbana e homoerotismo são temas que permeiam a sua obra, sempre intimista. O autor gaúcho ganhou o título de ícone cultural após o seu quarto livro de contos: Morangos Mofados, escrito em 1982 e considerado a sua obra-prima.

Os contos de Morangos Mofados são um reflexo da época em que foram escritos, em meio à repressão do Brasil ditatorial. Nesse mês do orgulho, podemos destacar a representação sensível do desejo homossexual e da luta interna, dor, solidão e complexidade dos personagens dos contos, elevada pelo estilo confessional dos textos do autor assumidamente gay. – Giovanna Freisinger

Haruki Murakami – Minha querida Sputnik (232 páginas, Editora Alfaguara)

Os relacionamentos sempre são tratados de forma bem comedida no Japão, sendo visto muitas vezes com certo tabu. Dessa forma, Haruki Murakami, conhecido por analisar a sociedade japonesa em suas obras, encontra um prato cheio para se deliciar: um triângulo amoroso. Minha querida Sputnik conta a história de K, um jovem professor de Tóquio, que é apaixonado pela sua amiga Sumire, que, assim como os jovens do país, não liga para relacionamentos, até se apaixonar por Miu, uma executiva 17 anos mais velha e casada.

A obra tem uma cadência própria, se esgueirando pelas ruas e restaurantes da capital japonesa. Murakami usa da banalidade de uma metrópole para abordar temas como o choque geracional de uma sociedade que cada vez mais envelhece e a solidão. O autor acerta ao escrever personagens arredios entre si, forçando o leitor a aturar aquelas personas, ao mesmo tempo em que é ousado ao colocar seu narrador no papel de coadjuvante, não fetichizado o triângulo amoroso e dando o devido protagonismo para o relacionamento das duas mulheres. – Guilherme Veiga

Alexis Hall – Procura-se Um Marido (432 páginas, Sourcebooks Casablanca)

Procura-se Um Marido de Alexis Hall é uma comédia romântica que segue a vida de Luc O’Donnell, um jovem gay que se vê pressionado a contratar um namorado de mentira para melhorar sua imagem pública após uma série de decepções amorosas. Nesse contexto, a clássica narrativa fake dating ganha força quando Luc conhece Oliver Blackwood, um advogado aparentemente perfeito e, ao mesmo tempo, bem rigoroso. A partir dessa relação contratual, o livro explora temas como auto aceitação, vulnerabilidade e a complexidade das relações modernas.

Além disso, Alexis aborda questões como a pressão social e as expectativas familiares sem perder o tom leve e romântico que caracteriza o gênero, cativando o leitor conforme as páginas se passam. A química entre os protagonistas é palpável, e o desenvolvimento gradual do relacionamento deles mantém o leitor engajado até o desfecho – daqueles que deixam o coração quentinho. – Clara Sganzerla

James Baldwin – O quarto de Giovanni (232, Companhia das Letras)

Quando publicado, em 1959, James Baldwin foi questionado sobre o livro debater a respeito de relações homoafetivas e não questões raciais, principal tópico abordado em suas obras. Baldwin, com muita honestidade, respondeu que a homoafetividade e o racismo são temas tão intrincados (naquela época), que trazer os dois na mesma composição seria um grande desafio.

Em O quarto de Giovanni, acompanhamos a história de David, jovem norte-americano em Paris, que espera pela resposta de sua namorada, Hella, em relação ao noivado. Enquanto ela reflete se deve ou não casar com o David, ele conhece Giovanni, garçom italiano por quem se apaixona e vive um romance. A trama é tão envolvente quanto desesperançada. O despertar de David é marcado pelo medo de amar livremente e pelo desejo de conhecer a si mesmo. Nas poucas páginas na qual o livro se estende, a relação delicada entre os personagens é sentida do início ao fim, trazendo consigo a sensação de querer mais daquela história. – Ludmila Henrique

Ann Patchett – Tom Lake (368 páginas, Editora Intrínseca)

Com uma escrita fácil e atraente, o romance de Ann Patchett nos leva a lugares desconhecidos que soam como memórias. Quando Laura narra as vivências de seus 20 e poucos anos para as três filhas curiosas sobre o passado apaixonado em frente aos holofotes da mãe, os amores, os segredos e as complexidades da vida surgem entre as lembranças. Tanto da narradora, quanto das ouvintes. Afinal, se relembrar é viver, Tom Lake sabe bem como as recordações fazem parte de amadurecer.

Tem algo sobre livro que exala verão. Apesar da narrativa ser ambientada entre as memórias de Laura Nelson e a realidade na primavera de 2020, as histórias e o presente se fundem em cenários intensos e ensolarados. Entre os antigos mergulhos no lago e as novas vivências da família Nelson durante o lockdown em sua fazenda, o aroma da grama verde e a sensação do sol tocando nossas peles se misturam em algo muito maior. Aqui, a nostalgia de passados nem tão distantes acaricia o coração enquanto os dilemas da juventude acenam de longe. – Agata Bueno

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Raquel Freire

“Se fôssemos os mais durões, os mais fortes, os mais bem-sucedidos, nada poderia nos atingir”. Esse é o mantra no qual os irmãos Von Erich foram criados. Entre a sala de estar, em que o espaço dedicado às armas do pai é protegido por uma cruz pendurada na parede, e o ringue, onde a pressão e a tensão são duas constantes, não há lugar para a vulnerabilidade. É por isso que esses homens encontram refúgio uns nos outros – e é por isso, também, que eles perdem o controle quando infortúnios acontecem e esse apoio não é o suficiente.

Garra de Ferro, terceiro longa do diretor Sean Durkin, é baseado em uma história real. Von Erich é um sobrenome clássico no ramo da luta livre nos Estados Unidos e a trajetória da família iniciou-se na década de 1950, quando o patriarca fez sua estreia no esporte. Apesar de ter traçado uma jornada de sucesso, Fritz Von Erich (nome comercial de Jack Adkisson) não conquistou seu principal objetivo: o título de maior lutador do país. Então, a forma como ele reage a essa frustração é treinando todos os seus filhos para que eles, ao seguirem seu legado, consigam o que nunca pôde quando jovem.

Quem começa a assistir o filme sem saber dos bastidores logo percebe que as cenas mais intensas não acontecerão no ringue. Elas têm como palco o círculo familiar, o que fica evidente quando o pai começa a listar a ordem de seus filhos favoritos (sem brincadeira alguma), enquanto eles fazem uma refeição juntos – e todos agem como se isso fosse normal. A cena exemplifica de maneira extraordinária o tom nervoso e desordenado que Durkin estabelece logo no início de Garra de Ferro e que, mais adiante, se mostra como um reflexo da mente de cada um dos irmãos Von Erich diante da situação em que estão inseridos.

O arco narrativo gira em torno de Kevin, maravilhosamente interpretado por Zac Efron, o mais velho do clã. Embora ocupasse o segundo lugar no ranking de seu pai, é ele quem seguia estritamente cada passo de Fritz. Kevin parecia ter todo o seu caminho traçado, até que o treinador muda de ideia e dá aos seus irmãos um destino que deveria ser seu. No momento em que a suposta ‘maldição’ de sua família começa a agir, sua ‘síndrome de irmão mais velho’ fica mais forte do que nunca, e ele passa a se torturar gradativamente com a ideia de que tudo poderia ser diferente. Efron revela uma atuação extraordinária no longa, capaz de distanciar o ator da lembrança dos musicais adolescentes nos quais ele estrelou.

O sucesso dele se dá, em muitos pontos, pelo apoio daqueles que deram vida aos outros membros da família Von Erich, compondo um forte elenco. Jeremy Allen White, Harris Dickinson e Stanley Simons como os demais filhos impressionam a todo momento, e Lily James como o par romântico de Zac Efron foi uma escolha perfeita. Holt McCallany presenteia o público com mais uma incrível performance assumindo o pai autoritário e emocionalmente inacessível, ao passo que Maura Tierney, como a matriarca, possui o papel mais fraco do filme.

Em Garra de Ferro, todos os músculos masculinos expostos na tela não foram fotografados para provocar apreciação ou prazer, mas para representar um sacrifício. Aqui, os corpos são mais uma fonte de estresse do que qualquer outra coisa, apresentando-se como ferramentas a serem aperfeiçoadas para o ringue – e, depois, destruídas pelo que acontece dentro e fora dele. O preparo físico de Zac Efron foi o mais notório: ele, em particular, adquiriu um biotipo corporal que beira ao horror, com veias proeminentes sob as protuberâncias de seus bíceps de He-Man, refletindo o compromisso do ator com a autenticidade.

Para além dos corpos bombados, o trabalho da estilista Jennifer Starzyk foi indispensável para recriar o cenário do Texas dos anos 1980, época em que se passa a história. As peças básicas que passeavam pelo country e o rock and roll realçam o estilo de vida comum que os Von Erich, jovens ainda no começo da carreira, levavam, e as cores dos calções de lycra, somados às perucas de um dos piores cortes de cabelo da história, arrancam risadas em meio às tragédias que se desenrolam.

A fotografia e a trilha sonora são, também, pontos cruciais para criar a ambientação e para expor, nos detalhes, a ideia do contraditório que Durkin cria. A década é recriada por Mátyás Erdély com um brilho cintilante, como se toda a história se desenrolasse dentro de uma cabine gigante de bronzeamento artificial. Em contrapartida, apesar de estar recheado de hits do country e do rock dos anos 1970 e 1980, a música-tema de Richard Reed Parry é extremamente melancólica, o que acaba por ressaltar o sofrimento dos irmãos até o final.

Ainda que o diretor tenha consultado a família antes de iniciar as gravações e Kevin, o único irmão vivo, tenha apoiado publicamente o lançamento do filme, é importante destacar que alguns pontos foram deixados de lado. Havia, no total, seis filhos, e um deles não chegou à idade adulta – o mais velho, Jack, faleceu em um acidente quando criança e é mencionado em alguns momentos. A obra, no entanto, omite completamente Chris e combina alguns detalhes de sua vida com os de Mike, o irmão mais próximo de sua idade. Essa escolha parece insensível, mas em uma história composta por tantas perdas, acaba sendo um alívio.

Ao longo da obra, a ‘maldição’ da família é citada diversas vezes. Entretanto, se realmente existiu alguma, ela se deu inteiramente pela postura que o pai assumiu com seus filhos. Garra de Ferro é, em sua essência, sobre um pai abusivo e sobre os reflexos que isso gera, apresentando essas problemáticas através de uma bolha de ternura compartilhada pelos irmãos Von Erich.

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Raquel Freire

Ambientada em uma visão extremamente colorida do ensino médio, Sex Education sempre ancorou sua narrativa em um ditado simples, mas poderoso: o sexo e toda a ansiedade que o envolve são fundamentais para o senso de identidade de cada adolescente. Ao abraçar sem pudores o potencial didático de sua premissa, cumprindo a promessa provocativa do título em cada um de seus episódios, a quarta e última temporada da série encerra organicamente o ciclo e enfatiza que seu espaço no topo foi conquistado desde o início, o que muitos já sabiam.

Sex Education é um dos títulos que fizeram parte da saga da Netflix em lançar dezenas de séries por ano para rechear seu portfólio com produções originais, a fim de tornar o catálogo terceirizado obsoleto. Para atingir isso, o nível das obras precisaria ser indiscutível, o que não acontece com todos os gêneros – e as obras adolescentes são um grande exemplo. Indo contra a maré e em meio a títulos como 13 Reasons Why e Everything Sucks, a criação de Laurie Nunn triunfou desde a primeira temporada, tornando-se um sucesso tanto em público quanto em crítica.

Grande parte de sua aclamação se dá graças ao seu roteiro. Qualquer pessoa que já assistiu pelo menos duas séries adolescentes reconhece um padrão e sabe tudo o que pode encontrar nesse universo; se não forem tratadas com inteligência, as tramas clássicas deste estilo se resumem ao ‘cntrl C, cntrl V’. É com isso em mente que Sex Education define sua estratégia de passear por vários assuntos comuns no gênero tendo a catarse como alvo. Assim, mesmo que os personagens passem por crises, as epifanias e resoluções positivistas entregam um transe catártico a quem assiste.

No decorrer de suas temporadas, a série teve o cuidado de não designar os títulos de mocinho e vilão a nenhum de seus personagens. Ao assistir aos dois pontos de vista de discussões cada vez mais complexas e cheias de nuances, torna-se impossível não compreender os dois lados e enxergar essas pessoas como pessoas, o que só melhorou a experiência de acompanhar a jornada até o seu fim.

Como nas temporadas anteriores, a quarta e última também é gloriosamente queer e não pensa duas vezes antes de colocar personagens LGBTQIA+ à frente, tal qual Heartstopper. Escritos por Nunn, Troy Hunter, Krishna Istha, Ethan Harvey, Annalisa Dinnella, Bella Heesom e Thara Popoola, os últimos capítulos da série podem ser vistos como uma despedida poderosa, sincera e profundamente emocional.

Em um movimento curioso para o último ano de um seriado – mas que aprofunda o foco difuso que sempre teve –, Sex Education abraça um novo cenário, novos marcos e novos personagens. Maeve (Emma Mackey) está nos Estados Unidos estudando para ser uma escritora, Adam (Connor Swindells) está a procura de um trabalho e a maioria da turma passou a frequentar uma nova escola, a Cavendish College, um paraíso de educação consciente em um campus com tecnologia de ponta que é muito mais progressista do que a heterossexual Moordale Secondary. Além disso, Otis (Asa Butterfield) se depara com uma terapeuta sexual, O (Thaddea Graham), e passa a lutar com ela por espaço.

A esse ponto, existe um consenso entre os fãs da série de que a atuação de Ncuti Gatwa como o icônico, magnífico, vulnerável e profundamente apaixonado Eric Effiong é impecável. Gatwa é abertamente espontâneo, sem filtros e teatral toda vez que entra em cena ou precisa internalizar a frustração ou a empolgação do personagem, sendo sempre um dos pontos altos do episódio. Entretanto, para além de seus monólogos exasperados, o ator leva Eric para um campo complexo e filosófico nesta temporada com sua complicada jornada por ser gay e religioso. O relacionamento dele com sua fé, sua família e sua comunidade cristã se torna um dos arcos mais convincentes da temporada, ao passo que Sex Education se apoia no surrealismo para retratar seus encontros espirituais. 

Além disso, essa é a primeira vez que o personagem possui um grupo sólido de amigos queers. À medida que Eric é abraçado por eles, deixa seu verdadeiro eu voar – tanto em seu guarda-roupa quanto em seu coração. O jovem encontra apoio e compreensão especialmente em Abbi (Anthony Lexa), enquanto os dois refletem sobre o que significa ser cristão e fazer parte da comunidade LGBTQIA+, sentindo-se incapaz de viver sua verdade e tendo que “esconder partes de mim com as quais os outros talvez não se sintam confortáveis”. É muito satisfatório ver um personagem tão querido encontrar um lugar seguro para questões tão profundas e pessoais, ainda que isso tenha acontecido de forma tardia.

Emma Mackey também é excelente como a rebelde e taciturna Maeve, lidando com a desconexão de seu lar juntamente com as complexidades do privilégio e da pressão acadêmica da faculdade norte-americana. Embora a história da personagem a tenha levado a lugares sombrios durante toda a série, na quarta temporada, a atriz a leva ao limite por meio da perda e da tragédia em sua família disfuncional, e poucas conseguiriam fazer isso com tanta maestria. Em uma das melhores cenas da temporada, um momento raro e vulnerável entre Jean (Gillian Anderson) e Maeve traz à tona o melhor das duas estrelas.

Outro nome que merece destaque é o de Aimee Lou Wood. Navegando pelos sentimentos recém-descobertos por uma paixão inesperada enquanto ainda se recupera de seu trauma, Aimee é uma joia inabalável. Wood deixa escapar sem esforço os pensamentos não filtrados da personagem e se conecta alegremente com a tendência dela de criar alegria em tempos sombrios, à medida em que encontra uma maneira de processar sua agressão por meio da Arte. Enquanto a cena catártica de união no ônibus na segunda temporada a levantou do chão, colocar fogo em suas calças era o que Aimee precisava para seguir em frente sem olhar para trás.

Uma das histórias mais silenciosas e mais poderosas da temporada segue a experiência de Cal com a disforia de gênero, em uma atuação admirável de Dua Saleh. O sentimento de isolamento e, em última análise, de aversão a si mesmo é devastador, e Saleh impregna seu personagem com a sensação de querer desaparecer a todo momento. Ao acompanhar seu tratamento com testosterona, a série mostra o impacto direto que o tempo de espera que adolescentes trans e não binários enfrentam para receber atendimento de afirmação de gênero pode ter na saúde mental, e essa representatividade no audiovisual é fundamental.

Não é exagero dizer que a presença de personagens deficientes e a forma como eles são tratados é um dos grandes acertos. Sex Education não apenas escalou atores com algum tipo de deficiência, mas desenvolveu seus personagens como individuais e multidimensionais, sem entrar em tropos problemáticos e colocando-os em contextos românticos e sexuais na tela – o que não costuma acontecer. A experiência de Isaac (George Robinson) com a sexualidade na terceira temporada foi muito bem representada e, na quarta, amplia essa representação com sua nova paixão e os vários relacionamentos de Aisha (Alexandra James).

No entanto, a série peca ao ausentar personagens que tiveram importância significativa na narrativa. Ao mesmo tempo que separar os personagens em pequenas jornadas individuais seja algo positivo, essa escolha faz com que algumas histórias se percam no meio do caminho. Jakob e Ola, por exemplo, não deveriam ter desaparecido totalmente depois de terem brincado de ‘casinha’ com Jean e Otis, além de que ignorar os alunos da Moordale Secondary, cujas vivências sustentaram temporadas, não parece justo.

Em vez de forçar qualquer resolução para seus personagens, como muitos programas de TV optam por fazer em suas temporadas finais, o pontapé inicial dos oito últimos episódios escava um fechamento emocional. Basicamente, nenhuma história em Sex Education ganhou um ponto final bem definido e permanente. Porém, para uma série que prega os benefícios da terapia da conversa em todos os aspectos da vida de um indivíduo, poderia ter sido de outra forma?

Uma resposta moderna aos vídeos institucionais desatualizados forçados em muitas salas de aula, Sex Education teceu explicações por meio de suas narrativas encontrando humanidade em cenas de sexo e se aprofundando em áreas sub-representadas de todos os ângulos possíveis de um adolescente. A série abordou ISTs e saúde sexual, gravidez na adolescência e aborto, masturbação e slut-shaming, além de tratar conversas sobre agressão sexual, vícios e saúde mental com muita sensibilidade. Muito mais do que uma série sobre sexo, Sex Education é sobre amizade, companheirismo e um empurrão para nos conhecermos como nós somos – tudo isso enquanto é constantemente hilária.

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“Decididamente, eu sei ser animada, sei ser amável, agradável, afável. E esses são apenas os ‘As’. Só não me peça para ser simpática. Simpatia não tem nada a ver comigo.”

 — A menina que roubava livros

No universo dos livros, o feminino assume diversas formas e possibilidades. Seja através da histórica objetificação pelos autores homens, do ato de roubar a cena mesmo quando a narrativa é secundária ou da tão sonhada materialização como protagonista,  as personagens mulheres sempre trazem um dimensionismo inigualável para as tramas.

Em pleno mês de Março, período em que celebramos o Dia Internacional da Mulher – ainda marcado pelas lutas por direitos iguais em 2024 –, o Persona coloca em destaque as vozes femininas da Literatura atual.  Debatendo amor, autoconfiança, gênero, desejos e prazeres, os livros selecionados revelam o melhor das autoras mais influentes do século.

Partindo de romances leves, passando por estreias até obras que trazem perspectivas históricas sobre o feminismo, a Editoria ressalta a batalha por um mundo mais justo no maior estilo girl power. Confira abaixo a nossa curadoria de obras escritas por mulheres que engrandecem o debate nesse mês especial.

Dicas do Mês

Lynn Painter – Melhor do que nos filmes (340 páginas, Intrínseca)

Filmes de romance, roupas vintage, vizinho irritante, paixão de infância, playlists e enemies to lovers. Precisa de mais alguma coisa? Lynn Painter nos apresenta Elizabeth Buxbaum e seu vizinho e arqui-inimigo declarado, Wesley Bennett. Mas o que é uma briga pela única vaga de estacionamento na frente de suas casas perto de um plano mirabolante para conquistar uma antiga paixão de Painter?

Uma leitura leve e romântica, que nos mostra que nem tudo é o que parece e que a paixão pode estar onde menos se espera. Sucesso no TikTok, a história de Liz e Wes conquistou admiradores, muitos fãs de Taylor Swift e apreciadores de clássicos da comédia romântica. Uma aventura envolvente em busca do ‘felizes para sempre’. – Agata Bueno

Marcela Ceribelli – Aurora: O Despertar da Mulher Exausta (288 páginas, Harper Collins) 

Famosa pelos seus episódios semanais do Bom dia, Obvious e todas suas postagens aesthetic no Instagram sobre esportes, amor e até signos, Marcela Ceribelli não era novidade em nossa página inicial do Spotify. No entanto, ao aventurar-se pelo mundo literário, nos surpreendemos com suas palavras: assim como ouvi-la sempre foi um prazer, ler as páginas de Ceribelli foi incrivelmente familiar.

Denominado como auto-ajuda com uma pegada bem mais informal – quase uma conversa com uma melhor amiga ou irmã mais velha –, Aurora: O Despertar da Mulher Exausta divide-se em blocos para abordar o amor, a auto aceitação, confiança, personalidade e felicidade para mulheres modernas. Aqui, não importa se você é da década de 90 ou nasceu com a era Disney, todos os conselhos e capítulos fluem tão bem que você irá se sentir em um episódio de podcast.  – Clara Sganzerla

Simone de Beauvoir – A mulher desiludida (176 páginas, Nova Fronteira)

“Ninguém nasce mulher: torna-se mulher”. Essa célebre frase caracteriza não só o nome de Simone de Beauvoir, mas todo o trabalho dela. Considerada como uma das maiores teóricas do feminismo moderno, a escritora francesa abordou temas que, até então, eram menosprezados e vistos como não políticos, o que suscitou questionamentos e mostrou o caminho para a mudança. A mulher desiludida é uma de suas principais obras e um grande exemplo de como algumas situações nunca deixam de estar presentes na vida de uma mulher, seja na década de 1960 ou 2020.

A mulher desiludida reúne três histórias independentes e todas elas giram em torno de uma protagonista que lida com algum tipo de perda, literal ou simbólica. Com isso, elas também passam a sofrer com a perda de suas próprias identidades, refletindo sobre a condição da mulher e seu papel numa sociedade ainda dominada por homens. Sensível e visceral, essa é uma leitura que exige um coração aberto e empático para compreender a solidão dessas personagens que ainda vivem entre (e dentro de) nós. – Raquel Freire

Audre Lorde – Irmã Outsider (240 páginas, Autêntica)

“E quando eles aparecerem para me derrubar, não irá demorar a que apareçam para derrubar você” é o rasgo sutil de garganta expresso ao final de um dos textos presentes no compilado Irmã Outsider. Embora a linguagem escrita seja silenciosa aos ouvidos, é impossível não escutar um estrondo no córtex sinalizando o parto e o renascimento de memórias. Estas, aliás, compreendem vidas inevitavelmente revolucionárias de mulheres que rejeitaram ser uma coisa só.

Lançado em 2019 pela editora Autêntica, a coletânea de obras de Audre Lorde – mulher, negra, lésbica, feminista, socialista, poeta e mãe de duas crianças – é uma ode às diferenças que, sim, ocupam um espaço significativo em qualquer parágrafo. E a isso dizemos: amém. Cada palavra escrita, falada, cantada ou beijada é uma fração de histórias que estão sendo, enfim, contadas, seja na troca sugestiva de olhares, na conversa íntima noturna ou nas páginas de Irmã Outsider. Em terra de girl power, quem questiona a branquitude, o capitalismo e a heteronormatividade é rainha. – Ana Cegatti

Fernanda Torres – Fim (208 páginas, Companhia das Letras)

Fernanda Torres, que é aclamadíssima como atriz, também mostra o seu talento em Fim, seu primeiro romance lançado em 2013. O livro narra as histórias de vida e amizades cruzadas de cinco homens: Álvaro, Neto, Ciro, Ribeiro e Sílvio. Ambientado em diversas épocas do Rio de Janeiro – entre drogas, bebidas, desejos, confissões, traições e manipulações –, a obra é um drama reflexivo, ainda mais pelo diferencial do  início dos capítulos serem o último dia de vida dos personagens.

Adaptado como série original da Globoplay em 2023, o leitor se sente parte da obra porque tem toda essa ambientação próxima a ele pelos diferentes períodos retratados. Fernanda Torres escreve fluidamente e cria uma amarração na história em que, em algumas passagens, sentimos raiva pelos acontecimentos e logo depois compaixão. Com isso, Fim é uma criação bem interessante que, entre os diversos personagens que se encontram e desencontram, vale a pena a sua leitura. – Marcela Lavorato

Bianca Santana – Quando Me Descobri Negra (96 páginas, SESI-SP)

Ao retratar a sua história nestas noventa e seis páginas, Bianca Santana não fala apenas de si mesma, mas também sobre as vivências de grande parte das mulheres brasileiras no quesito das questões raciais. Permeando desde a sua infância, indo até o reconhecimento da própria negritude já na vida adulta, a autora questiona de que maneira tenta-se diminuir e apagar a memória de um povo injustiçado. 

Abordando temas como as micro agressões cotidianas, diferença salarial e violência policial, o racismo é escancarado por todas as partes. Apesar da dura realidade expressada em seus escritos, existe também uma beleza iminente em sua auto descoberta e aceitação, relembrando a enorme força e autenticidade de quem teve e ainda tem que se reinventar diariamente.  – Rebecca Ramos

O post Estante do Persona – Março de 2024 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Quando o assunto é Cinema, é difícil encontrar alguém que não tenha alguma memória relacionada a ele. Seja por uma trilha sonora que ganhou um lugar especial em nossos corações ou por um enredo que mudou completamente nossa visão de mundo, a Sétima Arte, assim como todas as outras, tem a incrível habilidade de movimentar as emoções do público. É por esse motivo que não deixamos de apreciar obras cinematográficas e, consequentemente, o Persona não deixa de trazer sua clássica lista dos Melhores Filmes do ano.

Essa conexão entre a Arte e a população é, também, um dos motivos pelo qual Hollywood parou em 2023 com a greve dos roteiristas. Más condições trabalhistas prejudicam qualquer criação, inclusive as do audiovisual, e não é preciso se alongar muito sobre como o aperfeiçoamento da inteligência artificial coloca em risco a integridade das obras. Ver o adiamento de produções tão aguardadas foi dolorido, mas os quatro meses de discussão foram essenciais para que o trabalho daqueles que dão vida a essas histórias fosse mais valorizado.

As obras que não foram afetadas pela greve e chegaram ao público, por outro lado, proporcionaram experiências que há muito o Cinema não vislumbrava. Não há dúvidas de que o contraste entre o mundo cor-de-rosa de Barbie e a mente perturbada de Oppenheimer ficará marcado como um dos principais – e mais divertidos – momentos do ano. O border collie Messi foi, de longe, o dono do espetáculo, e fomos presenteados com a melhor atuação da carreira de Emma Stone até então.

O mundo cinematográfico abre diversas portas, e tanto os membros da nossa Editoria quanto nossos colaboradores não pensam duas vezes antes de adentrá-las. As 55 obras que compõem essa lista falam de tudo um pouco: da denúncia de um genocídio aos encontros e desencontros do amor; das ruas de Recife às geleiras dos Andes; da esperança ao horror.

Ao reservar algumas horas para contemplar uma produção audiovisual, não importa se o fazemos com a intenção de nos educarmos sobre um determinado assunto ou se é apenas com o intuito de nos entreter. Criar essa conexão com o Cinema é, citando Scorsese, “algo que, por alguma razão, permanece”. Assim, no Melhores Filmes de 2023 do Persona, você confere todos os lançamentos que permaneceram em nós.

A Freira 2 (The Nun II)

Dando continuação em A Freira, o volume dois volta para assustar ainda mais seus fãs. Adentrando na história do universo de Invocação do Mal, A Freira 2 volta com as assombrações de Valak e a sua ligação com a Irmã Irene. Dado o contexto, é evidente a comparação que recai sobre o primeiro longa, que pecou em não ter cenas mais assombrosas e de gore – questão bastante comentada em relação aos demais filmes da franquia. Com isso, o diretor Michael Chaves, que dirigiu A Maldição da Chorona (2019) e Invocação do Mal 3 (2021) e não teve boas repercussões, concentra o sagrado e profano no mesmo nível, trazendo o ápice desse encontro nas atuações do elenco (ou naquilo que não podemos ver). Mesmo sendo um filme mais gráfico, o medo se insere no que não se vê e o diretor acerta em cheio nesses requisitos. 

Com Taissa Farmiga como a Irmã Irene e Storm Reid como a noviça Debra, as atuações dos atores são ótimas e em muitas das vezes sentimos o que estão passando. A Freira 2 passa antes por todo um descobrimento do que está acontecendo na região francesa para que o enredo, de fato, tenha corpo e se desenvolva. É um filme em que não se aventura em inovações, mas que não falha no propósito de se assustar com o Valak. Afinal, é evidente que você não vai querer assistir a ele de noite. – Marcela Lavorato

A Memória Infinita (La Memoria Infinita)

Para o famoso jornalista chileno Augusto Gongora, a memória é um elemento fundamental na construção da identidade, tanto de uma pessoa, como também de um país. A diretora Maite Alberdi (Agente Duplo) acredita nesse pensamento de tal forma que faz de A Memória Infinita um exercício de reflexão sobre o tema. Seu objeto de estudo é justamente Augusto, cujos últimos anos de vida serviram de base para esse belíssimo documentário, que foi indicado ao Oscar 2024. 

Com um olhar empático e melancólico, a diretora registra a rotina de cuidado domiciliar administrada por Paulina, esposa de Augusto e, assim como o marido, uma personalidade notória no Chile. Aliado a isso, Alberdi explora uma série de imagens de arquivo para compor um paralelo entre a vida pessoal do casal e a história política do país, ambas marcadas pela ditadura de Pinochet. Sua composição final é uma defesa da memória que, ao nos fazer lembrar de quem somos, justifica a sua importância. Em outras palavras, a memória que mostra porquê é infinita. – Nathan Nunes

A Sociedade da Neve (La Sociedad de la Nieve)

Baseado em uma história real de acidente aéreo, A Sociedade da Neve nos transporta a dias angustiantes que tornam nossa cama mais confortável e nossa comida mais saborosa. Nunca se sabe quando toda nossa vida será perdida em uma tragédia cujas consequências vão além da morte na concepção física. Em outros termos, o filme reflete sobre o tempo, assim como a falta dele. 

Durante grande parte do longa, sentimos uma vontade quase incontrolável de pular para o final e sanar a dúvida que qualquer espectador já teve: ficará tudo bem? Afinal, são sequências aparentemente infinitas de sofrimento cuja explicitação torna a produção espanhola angustiante. Em meio ao caos, A Sociedade da Neve também deposita sua força na relação entre os personagens que, diante do horizonte solitário e cheio de neve, não têm outra escolha senão fazer amigos no caminho. – Ana Cegatti

AIR: A História por Trás do Logo (Air)

Todos conhecem o nome Michael Jordan e todos já pelo menos ouviram falar dos tênis da Nike, Inc. Mas será que todos sabem como o maior jogador de basquete de todos os tempos consolidou a marca de moda esportista como é hoje? Em AIR: A História por Trás do Logo, vemos como nasceram os tênis Air Jordans e uma estratégia brilhante de marketing desenvolvida entre a Nike e o atleta. O filme é a mistura perfeita para quem gosta de esporte, moda e publicidade. As cenas vão dos escritórios da Nike, passam pelas quadras da NBA e retornam para os ateliês de design de calçados esportivos. Todos esses cenários são palco para atuações convincentes, roteiro fluído e certo humor cômico que nos remete aos filmes dos anos 80, década na qual o longa se ambienta.

A produção da Amazon Studios foi dirigida e estrelada por Ben Affleck, em um dos seus melhores momentos, e conta com Matt Damon interpretando Sonny, o protagonista da trama, que foi responsável por contratar Jordan como garoto propaganda da marca. Outros nomes conhecidos também fazem parte do elenco, como Viola Davis, Chris Messina e Jason Bateman. O grande motim da história é como o talento de um jogador pode inspirar uma marca a apostar tudo o que tem, e no final acertar em cheio a cesta. O mesmo acontece com o telespectador que se permite abraçar esse filme. – Costanza Guerriero

Anatomia de uma Queda (Anatomie d’une chute)

É consenso entre críticas e audiências: Anatomia de uma Queda está entre os melhores filmes de 2023. A direção e o roteiro de Justine Triet transformam o thriller de tribunal em um comentário afiado sobre relacionamentos, família e dinâmicas de gênero. A cineasta francesa já é conhecida por filmes como Sibyl (2019) e Na Cama com Victoria (2016), mas esse é, até então, o grande destaque de sua carreira. 

A protagonista do filme vê uma lupa sendo colocada não só sobre o incidente que a leva a julgamento, mas também sobre a sua vida, em seus detalhes mais íntimos e dolorosos. As sequências do tribunal são provocantes e te envolvem até o último minuto; entretanto, a investigação é o ponto menos interessante que Anatomia de Uma Queda tem a oferecer. A dissecação das relações dentro da família são invasivas e desconfortavelmente reais, acompanhando a queda de cada personagem individualmente e enquanto casal, ao ponto de que fica em segundo plano saber o que de fato aconteceu no dia do caso. – Giovanna Freisinger

Assassinos da Lua das Flores (Killers of the Flower Moon)

Máxima de David Grann em Assassinos da Lua das Flores, “a tarefa do diabo é não demorar muito em seu trabalho” se apequena diante da atmosfera trazida por Martin Scorsese ao adaptar o livro-reportagem para o cinema. Através da precisão participativa de uma carreira sexagenária em direção e roteiro, 206 minutos contam a história da nação Osage com a sustentação de um tripé narrativo, que se fixa no histórico de dor, impunidade e apagamento étnico envolto no genocídio de um dos principais povos originários dos Estados Unidos. 

Em primeiro plano, a esplêndida montagem de Thelma Schoonmaker dá ritmo a três atos calculados para mostrar a frieza do homem branco, investido em derramar quanto sangue nativo for preciso para tomar escrituras e ver o petróleo jorrar em seus pés. Os cortes de cena espantam ao emendar momentos rotineiros a assassinatos à plena luz do dia, além de aprofundarem os impactos mentais e as consequências sociais da barbárie sob a força da trindade formada pelos papéis de Robert De Niro (William Hale, magnata desprovido de alma), Leonardo DiCaprio (Ernest Burkhart, peão ingênuo e abominável) e Lily Gladstone (Mollie Burkhart, matriarca de nuances tão poderosas quanto a indicação da atriz ao Oscar 2024). 

Essa segunda base também vem acompanhada da imersão fotográfica de Rodrigo Pietro, visualmente sóbria e contemplativa, e da trilha sonora suspendida na trama por Robbie Robertson. Contudo, o último e maior pilar de sustentação da obra está no triunfo de reunir profissionais familiares ao comando de Scorsese e gêneros fílmicos caros ao cineasta para ser uma visão intensa e responsável sobre crimes que poderiam facilmente cair em espetacularização em outro lado da indústria. Se o diabólico mora nos detalhes, Killers of the Flower Moon (no original) não tem medo nem falta de compostura ao expurgar cada um deles. – Vitória Vulcano

Asteroid City

Condenado pelo tribunal das redes sociais, Asteroid City é uma das empreitadas mais desafiadoras da carreira do cineasta Wes Anderson. O roteiro escrito em parceria com Roman Coppola tem grandes estrelas de Hollywood interpretando atores que, por sua vez, dão vida a personagens de uma peça teatral. Por isso, os primeiros minutos do longa são um pouco confusos, se não exóticos. Ainda assim, é difícil querer tirar os olhos dessa pacata cidade no deserto afetada por as maiores esquisitices que testes nucleares podem atrair para um lugar: crianças assustadoramente inteligentes e alienígenas. 

Entre o preto e branco dos bastidores de uma peça teatral, a ambientação retrofuturista da década de 1950 explode em cores. O apreço visual de Anderson já é característica intrínseca de suas obras e, em Asteroid City, tal dicotomia de cenários também dialoga com o equilíbrio do trágico e do cômico na narrativa. Repleto de núcleos paralelos, algumas tramas se perdem ao longo do caminho, o que justifica o longa dividir opiniões. Na atuação, os papéis dos veteranos Jason Schwartzman e Scarlett Johansson, e dos jovens Jake Ryan e Grace Edwards são unanimidade por acertarem o tom exato das poucas expressões. – Nathalia Tetzner

Barbie

Em 2023, Barbie pintou o Cinema de rosa. Com a direção de Greta Gerwig e a ajuda de Noah Baumbach em um roteiro que sabe não se levar a sério ao mesmo tempo que traz profundidade para a trajetória da protagonista, Margot Robbie deu vida a uma boneca que sempre tudo pôde ser, exceto transcender a sua natureza de plástico. Até o lançamento do filme, a criação de Ruth Handler – desenvolvida para adotar múltiplas personalidades e atuar com excelência em todas as profissões possíveis –, ainda não havia convencido poder ser uma humana por inteiro, com suas alegrias e angústias. 

Isso mudou com o longa que transformou um modelo de padrão inalcançável em algo que todos podem se identificar. Barbie, uma boneca da Mattel definitivamente não projetada para ter o coração quebrado ou lidar com decepções, ganha dimensão, enfrentando aquilo que todos passam ou passarão em algum momento: a fatídica sequência de acontecimentos em que o universo dos sonhos se prova uma fantasia irreal. Mas, mesmo diante de toda a amargura do nosso mundo, Barbie deixou espaço para o imaginário infantil nos detalhes do design de produção e na emocionante cena sobre mães e filhas.  

A magia desse ícone das brincadeiras de infância também não é perdida devido à dose de comédia cavalar que somente Ryan Gosling sabe entregar sem parecer uma esquete sem graça de quase duas horas. Nos atos musicais, o seu Ken brilha e consagra aquilo que todo estúdio almeja: a combinação explosiva entre um filme de sucesso e hits nas paradas musicais. Assim como descrito pelos primeiros trailers, Barbie é construída tanto para os amantes quanto para os haters da boneca, o que explica ter sido a maior bilheteria do ano, ultrapassando um bilhão de dólares. – Nathalia Tetzner

Bares, Bolos e Amizades (Sitting in Bars With Cake) 

Dirigido por Trish Sie, Sitting in Bars With Cake (no original) é uma comédia dramática inspirada no livro homônimo de Audrey Shulman. O filme conta a emocionante história das amigas Corinne (Odessa A’Zion) e Jane (Yara Shahidi) ao se aventurarem entregando bolos em diferentes bares de Los Angeles para conhecer pretendentes amorosos, antes que esse plano desmorone em virtude de uma fatalidade. O longa-metragem fala sobre a vida, como os vinte anos parecem ser eternos e como tudo isso pode acabar em instantes. 

Para aqueles que gostam de chorar por uma amizade em tela, aqui está o filme perfeito. Embora a temática girlhood não seja nenhuma novidade dentro do Cinema, Bares, Bolos e Amizades se diferencia de outras obras pelo seu elenco cativante – as atuações de A’Zion e Shahidi carregam quase toda a trama, que não é tão interessante como deveria ser. Além do talento das atrizes, a fotografia de Mateus Clark é essencial para embarcarmos na narrativa desejada. Com todas as cores, sabores e formatos, é quase impossível não desejar um pedaço de bolo após se debulhar em lágrimas pela jornada dessas amigas. – Ludmila Henrique

Batem à Porta (Knock at the Cabin)

Adaptação do livro O Chalé no Fim do Mundo, a obra Batem à Porta evoca as reflexões contemporâneas do fanatismo religioso sem perder a mão de seu thriller voraz e sobrenatural. Situado quase na totalidade em uma única locação, ficamos isolados em uma cabana remota quando um grupo de quatro estranhos toma como reféns uma criança e seus dois pais. Sem outra escolha, eles devem decidir quem irá se sacrificar para salvar o mundo do apocalipse. Neste frenesi caótico e claustrofóbico, o diretor M. Night Shyamalan utiliza de um drama ambíguo e politizado a favor de trabalhar suas imagens potentes sobre o caos presente na violência perpetuada em nossa sociedade.

Com nomes proeminentes no elenco, as excelentes atuações de Dave Bautista, Rupert Grint, Nikki Amuka-Bird e Abby Quinn como os quatro cavaleiros do apocalipse, atingem um nível de horror que invade cada cômodo em que se passa. Entretanto, Batem à Porta se destaca muito mais na maneira em que funciona como a união das diversas pautas do diretor, que representa naquele surto coletivo as alegorias que sempre focou: violência social, sobrenatural e a fé – por mais questionável que seja. Sua divisiva resposta aos males sociais surpreende na ambiguidade, mas ainda assim é suficientemente concisa em sua abordagem. – João Pedro Bronzoli

Clube da Luta para Meninas (Bottoms)

Clube da Luta Para Meninas explora em 90 minutos os temas propostos sem clichês e com bastante liberdade. Com a volta de Emma Seligman como diretora e Rachel Sennott como atriz e agora corroteirista, o trabalho das duas reflete o que já foi feito em conjunto em Shiva Baby (2020). Desenvolver enredos que saem fora da caixinha normativa hollywoodiana conhecida é um acontecimento cativante que podemos perceber em comum nos longas. Como destaque além da narrativa original, o filme conta com um elenco incrível que passa por nomes como Ayo Edebiri, Nicholas Galitzine e Havana Rose Liu.

A história gira em torno da criação de um clube falso por PJ (Rachel Sennott) e Josie (Ayo Edebiri), que são virgens, em uma tentativa de conquistar os líderes de torcida que gostam antes de ir para a faculdade. Com o cenário clássico de um filme estadunidense em um ambiente escolar, temos também um time de futebol americano que irá perturbar ainda mais a vida de Josie e PJ depois da criação do clube.

Por isso, é impossível dar errado quando é misturado todos os elementos de um clichê estadunidense com boas doses de ironia, queer e mulheres bonitas. Bottoms (no original) é um filme em que a amizade da dupla é muito bem trabalhada e gera um calorzinho no coração ao ver o amor que as duas têm entre si. Além de ter risadas garantidas, é certo que você terá inveja por não ter tido a ideia do clube antes. – Marcela Lavorato

Crescendo Juntas (Are You There God? It’s Me, Margaret.)

Religião é um dos temas mais traiçoeiros de se tratar nas telas. Por essa razão, Crescendo Juntas (que tem como título original Are You There God? It’s Me, Margaret) pode torcer o nariz daqueles que julgam um filme pelo poster. Porém, o longa, que veio após a diretora e roteirista Kelly Fremon Craig ganhar os holofotes de Hollywood com Quase 18, é o que trata do tema de forma mais singela e consegue conquistar do ateu ao crente.

Baseado no livro homônimo de Judy Blume – que negava uma adaptação de sua obra desde os anos 70 –, Crescendo Juntas conta a história de Margaret Simon, uma menina de onze anos, filha de uma mãe cristã e um pai judeu, que decidem não força-la a seguir nenhuma das duas religiões. Margaret sai da metrópole e se muda para uma cidade suburbana de Nova Jersey e, por conta de um trabalho escolar, decide estudar as crenças, a fim de se encontrar, não só na religião, mas no período mais transitório de sua vida. 

O principal acerto do longa é entender que coming of ages não se limitam ao período da adolescência em direção a vida adulta. Envoltos pela personagem central de Abby Ryder Foston, a obra consegue trabalhar a importância da mãe de Margaret, em uma atuação sincera e cativante de Rachel McAdams, ao mesmo tempo que também discorre os desafios da mãe em se tornar um porto seguro para a filha. Do mesmo modo, ele constrói a relação com a avó, interpretada por Kathy Bates, em cima da adaptação que a matriarca precisa ter, agora distante da neta. Ao conceber que amadurecimento não tem data de validade, Crescendo Juntas é o melhor do gênero no ano, e um dos melhores em anos. – Guilherme Veiga

Dentro (Inside)

Angustiante, perturbador e metafórico: assim podemos definir Dentro. Estrelado por Willem Dafoe, a trama gira em torno de Nemo, um ladrão de artes que fica preso dentro de uma cobertura em Nova York. A direção de Vasilis Katsoupis foca em uma fotografia imersiva e provocativa, o que permite que o ambiente criado transpasse a tela e chegue ao telespectador, enquanto o roteiro de Ben Hopkins deixa margens para que o público faça suas próprias interpretações da produção. É o tipo de filme que te instiga a participar da narrativa e criar teorias sobre tudo o que acontece.

Dafoe, por sua vez, apresenta-se impecável no papel. O nível de insanidade que o autor consegue alcançar é, ao mesmo tempo, exemplar e assustador, e boa parte da qualidade do filme é devida à sua atuação. O desenvolvimento do suspense quase todo em único espaço e com foco em um único personagem torna possível compreender a complexidade de Nemo – e apreciar a genialidade do ator por 1h45 – até seu ponto mais crítico, no ápice da produção cinematográfica. Com tempo de duração ideal, Dentro não se prolonga mais do que o devido e consegue estimular a curiosidade do telespectador, deixando um gostinho de quero mais. – Gabriela Bita

Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes (Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves)

Com Dugeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes, dá para sentir que a equipe criativa esbanja carinho pelo universo e seus personagens. A adaptação do famoso jogo de RPG D&D marca o retorno do bom Cinema medieval em Hollywood. A dupla de diretores, John Francis Daley e Jonathan Goldstein, que já tinham trabalhado juntos na comédia A Noite do Jogo (2018), carregam um humor inspiradíssimo. Alguns momentos de comédia, como a cena do cemitério e a do derretimento facial, são trash e lembram Army of Darkness (1922) de Sam Raimi. 

A mistura de CGI e efeitos práticos dão vida à fantasia e ajudam a ficção a se aproximar do momento em que o D&D foi criado e se popularizou, nas décadas de 70 e 80, além de tornar palpável e expressivo o remoto mundo medieval. Para se assemelhar ainda mais com o século XXI, os roteiristas acrescentam problemas verossimilhantes aos personagens e ao público, seja o sentimento de estar à margem da sociedade ou de ausência paterna.  

Lembrando um jogo de tabuleiro, a aventura conta com o resultado improvável dos planos criados pelo personagem Edgin (Chris Pine), tal como o resultado da rolagem de dados. Um dos objetivos do RPG é progredir e conquistar melhorias – dinheiro, equipamentos, subir de níveis – e, no longa, isto não é diferente. Conforme o enredo avança, os personagens ganham coragem, aprendem a usar suas habilidades e até abdicam de sonhos por um bem maior. Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes te deixa com gostinho de quero mais sem precisar de pontas soltas ou cena pós-créditos para isso, se garantindo unicamente em uma história muito bem contada. – Davi Marcelgo

Elementos (Elemental)

No universo Disney Pixar, aqueles que amam romances batidos com personagens de personalidades totalmente opostas foram presenteados com Elementos em 2023. No longa, Faísca se muda com sua família em busca de melhores condições de vida para a Cidade dos Elementos, onde se apaixona e vive um romance imprevisível com Gota.

A Pixar foca em construir um amor pautado em um contexto real. O filme traz à tona a questão da desigualdade social, onde os elementos do fogo sofrem uma considerável discriminação em meio aos demais. Por serem quem são, eles não podem acessar boa parte da cidade, e acabam se abrigando em grande maioria nas zonas periféricas. Ao longo de sua duração, a obra cria um contraste nítido com a beleza e a ostentação do centro da cidade, lugar em que os elementos do ar, água, e terra vivem confortavelmente. 

Apesar de todas as dificuldades, o objetivo do longa é representar o amor, tanto em contexto familiar, quanto na paixão dos personagens. Mesmo com a baixa adesão do público na estreia, Elementos deu a volta por cima e entregou bons resultados de bilheteria. Afinal, quem não gosta de assistir um clichêzinho emocionante no cinema? – Pâmela Palma

Fale Comigo (Talk to Me)

Que a A24 possui um catálogo de filmes invejáveis no currículo não é novidade alguma. Oferecendo liberdade criativa para seus diretores e impulsionando ao sucesso obras de alto nível, a produtora se mostrou um exemplo e ganhou cada vez mais a crítica e os telespectadores. Em 2023 não foi diferente: assim que adquiriram os direitos de distribuição de Fale Comigo, a A24 sabia que estava levando da Austrália para o mundo algo com potencial de se tornar um clássico. Dirigido pelos irmãos gêmeos Michael e Danny Philippou, o longa ganhou a alcunha de melhor terror de 2023 e tem muito a oferecer para quem decidir embarcar nessa jornada. 

A história conta a vida de Mia, uma personagem que perde a mãe e desde então vive desolada pelo luto. Sozinha, a garota é a isca perfeita para o ritual de possessão que acontece em festas de adolescentes com uma espécie de objeto místico macabro: uma mão embalsamada cheia de escritos. O momento de 90 segundos é como uma droga, que vicia aquele que pratica e torna factível para quem assiste. Ao fugir do óbvio no que se segue, o longa demonstra maturidade recriando aquilo que já se observou anteriormente no gênero e oferecendo algo novo, nos fazendo ouvir tudo aquilo que ele pode falar por 95 minutos e permitindo sempre uma reprise. – Aryadne Xavier

Fechar os Olhos (Cerrar los ojos)

Fechar os Olhos começa como um filme antigo, intitulado The Farewell Gaze. Nele, vemos o detetive Gardel (José Coronado, de Um Contratempo) ser contratado pelo misterioso milionário Sr. Levy (Josep Maria Pou, de O Candidato) para encontrar sua filha desaparecida Qiao Shu (Venecia Franco). O último registro da jovem é uma foto antiga, com as marcas do tempo impressas em seu aspecto sujo e gasto. Consequentemente, a cena é também o último registro de Júlio Arenas, ator que dá vida ao investigador e que desapareceu logo após as gravações. 

As marcas, nesse caso, são outras, como o grão estourado da película, por exemplo. No entanto, a situação não poderia ser menos parecida, pois, anos mais tarde, vemos um outro homem receber a missão de encontrar alguém. No caso, é o ex-cineasta Miguel (Manolo Solo, de O Bom Patrão), diretor do longa original, antes amigo pessoal de sua estrela desaparecida e agora incumbido por um programa de TV da tarefa de encontrá-lo. 

Para o diretor Victor Erice (O Espírito da Colmeia), essa relação de espelhamento metalinguístico dentro de seu filme entre a realidade e a ficção é apenas o começo. Seu objetivo, de fato, é explorar a memória como um meio de busca e reencontro da nossa identidade. Nesse sentido, um gesto simbólico, como um nó de marinheiro, tem o mesmo valor que o deslumbramento de um homem ao olhar para o seu rosto sendo projetado na tela de Cinema. O resultado se traduz em algumas das cenas mais bonitas e melancólicas do audiovisual em 2023, como essas e outras. – Nathan Nunes

Ferro’s Bar

Tamanho não é documento e disso Ferro’s Bar bem sabe. O curta-metragem, dirigido a oito mãos por Nayla Guerra, Aline A. Assis, Rita Quadros e Fernanda Elias, reconta em poucos minutos o levante do Ferro’s Bar, em 1983, pela visão de mulheres lésbicas que frequentavam o local antes da invasão policial. Na época, o espaço era ponto de encontro para discutir sexualidade e gênero, mas também para apenas encontrar amigas, se vestir como bem entendesse e flertar com outras mulheres.

O bar, no centro de São Paulo, jamais foi transformado em local de memória, como recomenda o relatório da Comissão da Verdade. Nisso, o documentário faz o papel de relembrar o que não pode ser esquecido, não só pela resistência organizada à opressão e ao preconceito, mas pelo que se tornou um marco do movimento lésbico no Brasil. Na voz das pioneiras que estiveram presentes nos momentos de paquera, de luta (inclusive, no nascimento do lendário ChanacomChana) e de violência policial, Ferro’s Bar cria seu próprio espaço de lembrança, resistência e ode às mulheres lésbicas que estruturaram as bases para as que vieram depois. – Vitória Gomez

Folhas de Outono (Kuolleet Lehdet)

Não há nada como assistir a um casal de coitados que deveriam focar mais em engolir suplemento de vitamina D do que em cuspir seus trejeitos solitários um no outro. Folhas de Outono é o nada em nenhum lugar e em nenhum momento, ou seja, o diretor Aki Kaurismaki constrói a cinematografia a partir de uma lógica observadora responsável por ver tudo e, ao mesmo tempo, perceber pouco. 

Quando não há coragem de chamar alguém de esquisito, opta-se por chamá-lo de peculiar. É o que faz as análises do filme finlandês cuja beleza disfuncional reside, sobretudo, na ressignificação da frieza. Europeus podem ser, sim, românticos, mesmo com tanta falta de molejo e empatia. Esta, aliás, parece ser um terceiro protagonista o qual não aparece fisicamente, mas sempre paira no ar gelado de uma narrativa que, no fim, vai muito além de um mero relacionamento, aventurando-se em declarações, na verdade, políticas, mais do que românticas. – Ana Cegatti

Guardiões da Galáxia Vol. 3 (Guardians of the Galaxy Vol. 3)

Guardiões da Galáxia Vol. 3 encerrou a trilogia de forma perfeita. O grupo de heróis teve a rara oportunidade no MCU de contar uma história isolada, sem a preocupação de sequências ou de apresentar conexões para a próxima grande saga do estúdio. Assim, James Gunn pôde desenvolver e aprofundar os seus personagens, dando um fim ideal ao arco do grupo que começou em 2014. O roteiro, escrito pelo próprio diretor, gira completamente em torno de seus protagonistas  no momento presente: o que importa é o agora. Todos eles têm um momento no filme, o que permite concluir suas jornadas com maior proximidade. O grande destaque do longa vai para Rocket (Bradley Cooper), o único personagem da trilogia que não teve sua história desenvolvida até então. 

James Gunn usou com maestria essa evolução, fazendo com que ela servisse de base para o argumento geral da trama. A jornada de Rocket é o fio condutor que permeia os arcos narrativos da equipe. Gunn consegue extrair sentimentos do público que há tempos não apareciam, graças às diversas histórias rasas e genéricas que pavimentaram os filmes de heróis nos últimos tempos. No entanto, os personagens de Adam Warlock (Will Poulter) e Gamora (Zoë Saldaña) compõem o ponto fraco da obra. Ambas as narrativas  são forçadas na trama apenas com o intuito de não deixar pontas soltas, fazendo com que eles não se encaixam muito bem com o restante. 

Guardiões da Galáxia Vol. 3 se mostra, enfim, como um dos grandes acertos da Marvel. Com o último filme, James Gunn fez uma carta de amor a esses personagens, que não eram conhecidos pelo público geral, e os transformou, dando novas personalidades e fazendo com que fossem amados como nunca foram. Tendo total liberdade para criar, Gunn fez um fechamento de ciclo que é todo coração, e é com um final lindo e emocionante que o diretor se despede da Marvel com um adeus digno aos heróis imperfeitos que tanto amamos. – Rafael Gomes

Godzilla Minus One

Depois do excelente Shin Godzilla (2016), as expectativas para o novo filme do Gojira feito pela produtora japonesa Toho eram altas. Os núcleos humanos em Godzilla (2014) e Godzilla vs Kong (2021), ambas produções estadunidenses, são desinteressantes e formam uma barriga colossal nas obras. Se o objetivo era fazer o espectador temer por alguma vida, o tiro saiu pela culatra e só serviu para causar tédio. Agora, dentre os ótimos elementos de Godzilla Minus One, a veia humana é, sem dúvidas, uma das melhores. Felizmente, os sete anos de espera valeram a pena e a obra se mostra como uma aula de como fazer filmes de monstros.

Kōichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) é um ex-kamikaze que pretende reconstruir a sua vida após ter tudo alterado pela Segunda Guerra Mundial. No entanto, tudo muda quando o Godzilla ressurge. Minus One acerta em fazer do kaiju uma alegoria para bomba atômica e todas as dificuldades que a sociedade japonesa enfrentou. Ele não é só um mero monstro, ele é a personificação de traumas e mazelas; então, enfrentar e vencer o Godzilla significa sair da escuridão. Por isso, é importante estabelecer vínculos entre os personagens e o espectador, porque Godzilla e o núcleo humano estão numa relação comensal. 

As cenas de destruição da cidade e perseguição são relativamente curtas, mas abrigam uma posição amedrontadora no peito de quem assiste. O som da rajada radioativa, das explosões e dos rugidos são produzidos com alto profissionalismo. A morte é temida não só pelos laços humanos, mas também pela magnitude do poder a ser enfrentado. Godzilla Minus One foi indicado em apenas uma categoria no Oscar, mas, chutando baixo, deveria estar em pelo menos cinco – o que é pedir muito da premiação americana. – Davi Marcelgo

Homem-Aranha: Através do Aranhaverso (Spider-Man: Across the Spider-Verse)

Depois de Homem-Aranha: No Aranhaverso, muitos se perguntaram se seria possível se igualar a um filme tão ilimitadamente criativo e estilisticamente ousado. O maior receio do público era a possibilidade de que uma sequência não fizesse jus ao frescor, à energia e à vivacidade visual do filme. Por sorte, Homem-Aranha: Através do Aranhaverso aceitou o desafio e triunfou – não há um único momento dessa animação rica e caleidoscopicamente detalhada que não seja deslumbrante. 

A sequência utiliza os temas básicos do primeiro filme e constrói mundos inteiros com eles. Muitos longas que abordam o multiverso usam o conceito simplesmente como um meio para atingir um fim, um dispositivo de contar histórias que pode burlar as regras narrativas para trazer personagens de volta à vida ou para transportá-los para novos mundos. Em outras obras, no entanto, o dispositivo narrativo tem o grande objetivo de explorar a raiz do que torna uma pessoa única quando há infinitas versões dela em universos paralelos. Através do Aranhaverso faz parte desse grupo, e não é exagero dizer que Joaquim dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson fizeram um trabalho excepcional. – Raquel Freire

How to Have Sex

Longe de soar didática ou performática ao retratar um dos considerados ritos de passagem da adolescência, a estreia de Molly Manning Walker na direção de longa-metragens até se aproveita de sensos comuns, como as noitadas regadas a álcool e libertinagem dos spring breaks americanos, mas não se blinda da crueza – diversas vezes revestida de crueldade – da experiência. Em How to Have Sex, três amigas embarcam em uma viagem à Malai, no litoral grego, para celebrar o fim do ensino médio. A expectativa é ainda maior em Tara, protagonista lapidada por Mia McKenna-Bruce que sente a tão sonhada perda de sua virgindade se transformar em um lento emaranhado de microagressões.

Nas entrelinhas do texto, também elaborado por Walker, contrasta-se o caráter que o sexo assume para meninas e garotos; enquanto a visão feminina fantasia com uma primeira vez prazerosa e terna, o ângulo masculino é atravessado pela violência da pornografia e do patriarcado desde sempre. Mas, conforme os abusos implícitos e verbalizados avançam através dos maneirismos de Mc-Kenna Bruce, o clima festivo da cidade segue inabalável. A luz solar não esconde seus antagonistas da dimensão emocional dada pela edição de Fin Oates, nem as cores vibrantes da fotografia de Nicolas Canniccioni obscurecem para deixar o trauma criar raízes. Isso porque, fora da ficção, histórias similares acontecem todos os dias, debaixo de nossos narizes e dentro de nossos círculos pessoais, e o mundo não paralisa para abraçar o vazio inexorável dessas vítimas. – Vitória Vulcano

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes)

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes narra a história da juventude de Coriolanus Snow. O contexto se passa 64 anos antes dos primeiros jogos de Katniss (Jennifer Lawrence) e Peeta (Josh Hutcherson), apenas algum tempo após a grande guerra entre a Capital e os distritos. O filme conta com um elenco de peso, como Viola Davis e Peter Dinklage e alguns nomes emergentes como Rachel Zegler e Hunter Schafer. Mas o grande destaque do filme foi Tom Blyth, que deu vida ao futuro presidente Snow. Suas expressões, sua postura e seu desenvolvimento foram ótimos e deixaram os fãs impressionados. 

A produção tinha um grande desafio: ser uma adaptação tão boa quanto as outras que vieram antes dela. Como a obra de Suzanne Collins é bem extensa, com quase quinhentas páginas, houve o debate sobre dividir ou não o longa em duas partes, já que a separação de A Esperança não agradou a todos. No final, o filme foi uma ótima adaptação; um pouco acelerado, mas bastante satisfatório. A mudança que se sobressai são os próprios Jogos, que se tornaram muito mais dinâmicos do que eram no livro, entrando no modelo do Cinema e agradando os espectadores. – Gabrielli Natividade

John Wick 4: Baba Yaga

Neon, tiros, coreografias de luta e música eletrônica vibrante se tornaram marcas registradas da saga John Wick, fruto da criatividade estilosa de Chad Stahelski. O primeiro filme da série já veio como um marco para o Cinema de ação; depois dele, os filmes do gênero abandonaram de vez o excesso de câmeras tremidas, as shaky cams, e voltaram a apreciar ao máximo os contrastes das luzes noturnas. O quarto filme poderia apenas reproduzir o que foi bem sucedido nos anteriores, mas os roteiristas colocaram quatro vezes mais zelo.

A trama do filme escrita por Shay Hatten e Michael Finch introduziu diversos personagens instigantes, quase alheios ao protagonista de Keanu Reeves e focados nas próprias histórias, que tem uma profundidade incomum a muitos filmes de ação. A cinematografia de Dan Laustsen é extremamente sagaz ao explorar a luz do sol e reflexos de espelhos, além do vários tons de neon da noite. John Wick 4: Baba Yaga marcou o ano com muita elegância e criatividade. – Guilherme Dias Siqueira

La Chimera

O Cinema quase rural e fantasioso da diretora italiana Alice Rohrwacher sempre busca uma perspectiva profundamente sentimental sobre a leitura da alma humana, seja da bondade do homem ou de suas contradições. Assim, como já havia feito maravilhosamente em Lazzaro Felice (2018), ela reitera ao denotar o caráter político do não pertencimento em La Chimera. Além disso, ela aprofunda essa sensação ao teor romântico com o personagem de Arthur, que se vê sem rumo após perder sua amada. Nessa perspectiva, o trabalho artístico da obra recai na delicadeza de encontrar o caminho dos andarilhos ou expressar os percalços da jornada deles, algo que Rohrwacher alcança duplamente.

Com a participação de Carol Duarte como a personagem Itália e Isabella Rossellini como Flora, os diversos vínculos de Arthur fazem o protagonista repensar as suas relações com a vida e as memórias. Ademais, o trabalho do personagem como caçador de tesouros perdidos demonstra a ambiguidade de quem deve escolher entre renegar o passado ou persegui-lo. Para mais do que essa busca, de quem precisa aprender a viver novamente. O acerto da diretora em se aprofundar na psique dos sem-rumo nos alcança com uma estética avassaladora. – João Pedro Bronzoli

Los Colonos

O longa de estreia de Felipe Gálvez Haberle pode não ter feito barulho nos cinemas brasileiros, mas encantou o júri da seção Um Certo Olhar do Festival de Cannes, onde saiu vencedor do Prêmio da Crítica, e da 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, que o recebeu com uma sessão lotada. As 200 e poucas pessoas que, naquela noite, experienciaram Los Colonos ficaram imóveis nas poltronas enquanto a herança chilena era coberta de sangue em nome da colonização.

No filme, três homens são contratados por um cruel senhor de terras para abrir caminho da Patagônia chilena ao Atlântico, aniquilando o que houver pelo caminho. A travessia vira um show de horrores já que, ainda em 1901, com a independência do Chile recém-conquistada, partes mais remotas do país ainda eram habitadas por povos nativos, ocupando seus locais de origem antes de serem aniquilados por mãos estrangeiras. 

Para além de acompanhar a matança pelo caminho, a própria dinâmica do trio deixa qualquer um angustiado, esperando pela próxima tragédia: um imprudente cowboy americano e um tenente britânico sanguinário trocam farpas, enquanto vigiam um indígena ‘mestiço’ contratado para ajudá-los a desbravar as terras de seus descendentes. O conflito de interesses do protagonista, vivido por Camilo Arancibia, personifica a construção do Chile, da matança em nome da civilização, e aprofunda a reflexão sobre uma colonização tão presente na América Latina. – Vitória Gomez

Monster (Kaibutsu)

Há muitas discussões a respeito do posto de maior vilão do Cinema. No meio de criaturas fantasmagóricas, psicopatas e homens amorosamente frustrados, o verdadeiro ser maligno é, na verdade, o sistema. Este, por sua vez, é a cola que gruda os pedaços do fragmentado Monster, um filho muito bem criado por Hirokazu Koreeda. 

Assistir ao filme é uma experiência na qual dualidades – bem e mal, certo e errado – são colocadas em xeque. A tradição hollywoodiana difunde uma passividade entre os espectadores que os torna carentes de neurônios funcionais. Por conseguinte, treina-se um olhar o qual irá sempre buscar pelas mesmas fórmulas. Apesar disso, há ainda filmes cujo objetivo não é estar nos telões da Time Square, mas honrar os que, em vez de preferirem o quebra-cabeça pronto, almejam acompanhar sua montagem, peça por peça. 

A vida pode ser resumida a uma gigantesca coleção de recortes. Muitas vezes olhamos pela janela e vemos apenas momentos cabíveis dentro de uma forma retangular. No entanto, quando abrimos a porta, descobrimos toda uma realidade invisível a olhos carentes de consciência de classe. O longa japonês nos convida a nadar em um rio mais fundo do que parece. No fim, ficamos imersos em uma narrativa a qual questiona: com quantas verdades se faz uma memória? – Ana Cegatti

Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1 (Mission Impossible: Dead Reckoning Part One)

Se há uma certeza na franquia de Missão Impossível é que, desde a sua origem De Palmiana nos anos 90, os percalços da série passaram por altos e baixos, mas a variedade de abordagens autorais está presente em todos os filmes. Nesse sentido, com o envolvimento de Christopher McQuarrie na produção dos longas desde 2017, a jornada de Hunt encontra uma direção ao espetáculo cinematográfico que tem seu elo inevitável na visão de De Palma com a presença de uma das abordagens mais potentes na ação. Em uma obra movida por um Macguffin, Ethan precisa encontrar a chave que vai destruir Gabriel na primeira parte dessa nova missão, junto com um profundo confronto com seu passado e suas vivências.

Longe de vícios a um puro saudosismo, McQuarrie reafirma as estruturas da franquia alinhado com um senso de espetáculo que retoma boa parte do que consolidou Missão Impossível. Com as proporções da obra aumentando, a dinâmica de Ethan com seus parceiros se consolida nessa disputa interna que coloca em risco sua carreira e sua vida. – João Pedro Bronzoli

Nimona

Sofrendo mais que muitos para poder sair do papel, o projeto de animação de Nimona, originalmente uma graphic novel de ND Stevenson, chegou aos streamings em 2023 após longos oito anos de espera. Se distanciando em vários aspectos da original, a obra aproveita muito do meio audiovisual e se garante no básico bem feito. A história narra a vida de uma figura metamorfa, Nimona, que tem seus caminhos cruzados com Ballister Boldheart, um soldado do reino procurado por um crime que não cometeu. Em uma aventura que causa risadas e prende a atenção, o longa se desenrola em um tom amigável e em um ritmo agradável. 

Ao tratar da pergunta “O que é você?” no decorrer de toda a obra, a animação cria uma segunda camada de interpretação muito mais profunda, que dialoga com aquilo que há de mais íntimo em se descobrir alguém fora dos padrões socialmente aceitos. Ao final, Nimona pode ter diferentes interpretações de cada um, mas acerta em cheio ao se tornar identificável e uma afirmação de grande carisma que está tudo bem em ser diferente e está tudo bem não se limitar apenas em uma caixinha; o universo é gigante e a gente pode ser tudo aquilo que a gente quiser. – Aryadne Xavier

Nuovo Olimpo

Com uma fotografia de brilhar os olhos, desenvolvida por Gian Filippo Corticelli, Nuovo Olimpo retrata um romance, inspirado em eventos verídicos, entre dois jovens na década de 70 em Roma. Envoltos por manifestações e contradições, Enea Monte (Damiano Gavino) e Pietro Gherardi (Andrea Di Luigi) se encontram em um set de filmagens nas ruas da cidade italiana. A metalinguagem é um aspecto muito explorado pelo filme – afinal, Enea é estudante de cinema, o que torna a narrativa ainda mais interessante para os amantes de filmes e para aqueles que sonham em encontrar seu par perfeito em uma sala de projeção. 

O drama romântico de Ferzan Özpetek teve sua estreia no Festival Internacional de Cinema de Roma e tem sua narrativa formada por passagens entre o passado e o futuro. O desenrolar da trama emociona o telespectador e o roteiro de Özpetek e Gianni Romoli encontra o melhor final para a história, apesar de não ser o mais esperado. Abordando questões sensíveis que vão além do relacionamento do protagonistas, Nuovo Olimpo se configura como um filme de encontros, desencontros e destinos, além de ser uma adição de sucesso para o catálogo da Netflix. – Gabriela Bita

O Assassino (The Killer)

A notória meticulosidade de David Fincher é quase satirizada pelo próprio diretor em um filme que esbanja perfeccionismo e detalhismo, ao mesmo tempo que o observa como algo que não é necessariamente alcançável. O Assassino tem uma estética marcante, quase como se fosse feita por um autômato. Esse estilo robótico orna perfeitamente com o personagem de Michael Fassbender, um assassino frio e calculista mas que não pode escapar de uma realidade baseada no acaso e na falta de controle sobre os acontecimentos.

Apesar de uma participação modesta, a atriz brasileira Sophie Charlotte interpreta um importante papel na trama, que apesar de não ter muitos detalhes, conta com discussões e dilemas profundos. Ainda que o protagonista não queira de modo algum se desviar do seu propósito, seus próprios pensamentos o dominam, acabando por ser levado da posição de controlador à de controlado. O Assassino é um neo noir marcante que deveria ser visto como símbolo de seu subgênero. – Guilherme Dias Siqueira

O Livro dos Sonhos (La Chambre des Merveilles) 

A narrativa francesa de O Livro dos Sonhos, dirigido por Lisa Azuelos, é o tipo de clichê que aquece os corações. O filme conta a história de Thelma (Alexandra Lamy), uma mãe que faz o possível e o impossível para realizar os sonhos de seu filho Louis, enquanto ele está em coma devido a um acidente. Apesar de parecer sem propósito, o roteiro, de Fabien Suarez e Juliette Sales, tem como objetivo maior falar sobre perda, descobertas, libertação e muito mais dos temas sensíveis que rodeiam a vida e a morte. 

Além dos acontecimentos muito bem construídos, vale destacar a presença de Maria Fernanda Cândido como Paula, uma personagem com pouco tempo de tela, mas muita coisa a dizer. A atuação magnífica da atriz brasileira é responsável por grande parte das reflexões da trama e é um dos pontos mais emocionantes do longa-metragem. Entre busca, esperança, renascimento e outros efeitos causados por acontecimentos drásticos, assistir O Livro dos Sonhos é uma experiência apreensiva e linda. – Jamily Rigonatto 

O Menino e a Garça (Kimitachi wa Dou Ikiru ka)

Após a trágica morte de sua mãe no cenário de guerras, Mahito Maki precisa se mudar para o campo, onde seu pai trabalha para uma família fabricante de aviões para o exército japonês. Nem tão sozinho assim, o menino lida com a perda em contato com a natureza e uma garça, que posteriormente revela o fato de que sua mãe ainda está viva.

Após a notícia, os personagens partem em busca da mãe em uma aventura ilustrada e imersa na animação 2D tradicional do Estúdio Ghibli. Sob a direção de Hayao Miyazaki, famoso por A Viagem de Chihiro e Meu Amigo Totoro, O Menino e a Garça relembra metáforas clássicas de suas obras: o vôo significando a liberdade e a guerra trazendo o panorama histórico e pessoal de Miyazaki. O filme é embriagante para qualquer um que ame animações, e a tradicionalidade e beleza nos movimentos tornam a obra hipnotizante. – Amábile Zioli

Os Rejeitados (The Holdovers)

Filmes coming of age, aqueles que se concentram em desenvolver um personagem que está nos primeiros estágios da vida adulta, são um dos subgêneros do Cinema mais legais de acompanhar. Em Os Rejeitados, o incompreendido Angus Tully passa o recesso do final do ano com o professor Paul Hunham e a cozinheira Mary Lamb em um internato. Como diz o próprio título do longa, a narrativa é contada por meio da rejeição que cada um dos três personagens principais passa em suas respectivas vidas. 

No futuro, espera-se que o filme dirigido por Alexander Payne se torne um clássico do Natal, já que se passa nessa época e subverte um feriado marcado por amor em dias infinitos de solidão por meio de três gerações. Sendo o primeiro trabalho do novato Dominic Sessa, Os Rejeitados faz jus à carreira do veterano Paul Giamatti e, com o roteiro de David Hemingson (um dos maiores destaques), entrega à Da’Vine Joy Randolph (The Idol) cenas de tirar o fôlego. O longa-metragem é o encontro perfeito entre histórias de amadurecimento e tramas natalinas, se tornando um deleite para qualquer um que ame essas narrativas. – Guilherme Machado Leal

Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante (Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe)

Inspirado no best seller de Benjamin Alire Sáenz, a produção audiovisual Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante é um retrato sensível de um dos romances LGBTQIA+ mais aclamados dos últimos tempos. O longa-metragem, dirigido por Aitch Alberto, adapta com bastante verossimilhança a história dos dois jovens de ascendência latina e nome peculiar que se apaixonam, mas com algumas alterações necessárias ao tempo de tela que tinha disponível. 

O filme traz Ari (Max Pelayo) e Dante (Reese Gonzales) bem caracterizados a apropriados para a idade que representam ter. Ainda assim, existem mudanças consistentes e importantes no roteiro, com o corte de cenas mais íntimas que não teriam como fazer sentido com o amadurecimento mais veloz dos protagonistas nas telas. Além disso, o polêmico discurso transfóbico presente em uma das páginas do livro não ganha espaço, o que é essencial para a integridade ética da obra. Em suma, o enredo continua emocionante como o esperado e, se não descobrimos os segredos do universo, com certeza desvendamos os da doçura da autodescoberta. – Jamily Rigonatto

Oppenheimer

Filmes biográficos caminham por diversas linhas tênues, necessitando cuidados relacionados com a precisão dos fatos narrados, formas de trabalhar a história para torná-la interessante, escolha de elenco, entre outros pontos. Especialmente um filme de guerra, pois o gênero sofre, por vezes, com o problema de ‘ser mais do mesmo’. No entanto, quando bem feitos, os dois gêneros podem brilhar e contar histórias fascinantes, e esse é o caso de Oppenheimer, de Christopher Nolan.

O filme conta a história do físico teórico Robert Oppenheimer (interpretado por Cillian Murphy), conhecido como o ‘pai da bomba atômica’. A obra de Nolan se inicia com a trajetória acadêmica do cientista, quando estudou na Europa e achou sua paixão: a física quântica. O filme, então, vai até ao ponto alto (e terrível) da carreira de Oppenheimer, quando lidera o Projeto Manhattan, responsável pelas bombas que destroem as cidades japonesas de Hiroshima e Nagasaki.

As atuações brilhantes de Emily Blunt como Katherine ‘Kitty’ Oppenheimer, Matt Damon como Leslie Groves, Robert Downey Jr. como Lewis Strauss e Florence Pugh como Jean Tatlock deixam tudo ainda melhor. Sem contar com a belíssima e inquietante trilha sonora composta por Ludwig Göransson. – Marina Barrelli de Carvalho

Pânico 6 (Scream VI)

A saga Pânico marcou o cinema de terror quando foi lançado nos anos 1990 e, desde então, novos capítulos são adicionados a essa história envolvente. Em Pânico 6, Sam (Melissa Barrera) e Tara (Jenna Ortega) – que, novamente, se destacaram por suas atuações – lidam com as consequências do último massacre e tentam uma nova vida em Nova York. O filme segue a mesma fórmula dos anteriores, mas tem os novos avanços tecnológicos e uma ousadia que agrada quem assiste. O mais novo lançamento eleva a violência típica, sendo um ótimo representante do gênero slasher. 

Seguindo o quinto filme da franquia, fantasmas do passado são trazidos de volta. Todos já esperavam o retorno de Gale Weathers (Courteney Cox), mas o que deixou os fãs chocados foi a volta de Kirby (Hayden Panettiere), que teve um final aberto em Pânico 4. A personagem é bastante carismática e foi uma ótima adição ao roteiro. Outro retorno interessante foi o do personagem que iniciou toda essa trajetória, Billy Loomis (Skeet Ulrich), que está presente no longa como uma visão de Sam, sendo essencial para o seu desenvolvimento e sua batalha interna com a sua própria ética. – Gabrielli Natividade

Passagens (Passages)

O diretor Ira Sachs construiu uma carreira sobre o tema comum de relacionamentos amorosos, em suas inúmeras formas. Em Passagens, o americano se uniu ao roteirista brasileiro Maurício Zacharias para a quinta colaboração da dupla. O filme acompanha o triângulo amoroso confuso que se conecta pelo protagonista, Tomas, um homem impulsivo e indeciso sobre o que quer. 

O filme compreende que o processo de autodescoberta não é sempre agradável, muito menos linear. É um respiro assistir um protagonista que não é restrito a ser compreendido ou sequer perdoável. Como na vida real, sua trajetória pode te colocar como o vilão na história de outros. Passagens explora isso: como as nossas relações impactam as vidas de outras pessoas, aqueles que passam pelas nossas vidas e por cujas vidas nós passamos. – Giovanna Freisinger

Perdida

Fãs de Orgulho e Preconceito, Jane Austen, Bridgerton e afins, uni-vos: Perdida chegou às telas brasileiras em 2023 para surfar no nosso hype e saudade de Anthony e Edwina. Aqui, misturamos a correria de São Paulo, os amores efêmeros, a época das redes sociais e da pressa de viver da cidade com os campos, o passado, vestidos de época e cortejos do século 19. 

Apossando-se do discurso ‘eu nasci na época errada’, Sofia (Giovanna Grigio) se vê em dúvida dessa afirmação quando, de fato, é transportada para bem longe de tudo aquilo que ela conhece para ficar perto dos charmes do gentleman Ian (Bruno Montaleone).

É inegável que temos muitos clichês e poucas surpresas, mas não podemos deixar que eles ofusquem todos os detalhes e beleza do longa. Em uma produção que não fica para trás das internacionais, Perdida é um ótimo presságio para um futuro de adaptações brasileiras ainda mais brilhantes. – Clara Sganzerla

Pobres Criaturas (Poor Things)

Banhado em uma estética surrealista (e colorida em sua maioria), Pobres Criaturas conta a história de Bella Baxter (Emma Stone) e sua jornada de autodescoberta, em busca do que realmente significa ser humano. O nono filme do diretor grego Yorgos Lanthimos – conhecido por suas obras excêntricas, como Dente Canino (2009) –, baseado no romance homônimo de Alasdair Gray, apresenta um retrato cru e explícito da natureza humana desde seu estado mais primitivo até o amadurecimento e independência. Contornando essa narrativa, o filme também propõe reflexões relevantes que exploram os inúmeros lados da moeda humana, sempre de forma atemporal e intransigente.

Os momentos e diálogos provocativos são regados por performances impecáveis em personagens como a própria protagonista Bella, o charlatão Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo) e o cientista Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), sendo que cada figura possui uma personalidade única – e imperfeita, como o filme faz questão de nos mostrar. A trilha sonora abstrata e dissonante de Jerskin Fendrix casa perfeitamente com o visual absurdo da obra. Além disso, os cenários e figurinos cativam os olhos de qualquer espectador ao longo do filme, muitas vezes contrastando com os temas ásperos tratados acerca do desprendimento de quaisquer normas e padrões que a sociedade impõe a si própria. – Leandro Santhiago

Priscilla

Nas cores pastéis de Priscilla, conhecemos a história da ingênua jovem que se apaixonou por Elvis Presley. Indo de uma inocência pueril para uma maturidade adulta, Cailee Spaeny faz uma Priscilla Presley com muito louvor: a evolução marcada por mudanças no cabelo, nas roupas e na maquiagem quase nos fazem esquecer que a personagem era uma criança quando conheceu o astro do rock and roll. O filme ainda contou com a atuação divertida e levemente assustadora de Jacob Elordi como Elvis Presley. Cheio de energia e sex appeal, Elordi arrasou corações dentro e fora do longa.

Depois de On The Rocks (2020), Sofia Coppola fez seu retorno às telonas com Priscilla. Após sua estreia no 80º Festival Internacional de Cinema de Veneza e no Festival do Rio, o filme foi lançado no final de 2023 nos cinemas brasileiros. A diretora – que tem como marca registrada contar histórias sobre mulheres – traz novamente visuais graciosos, uma trilha sonora bem-pensada e uma fotografia que nos transporta para os anos 60. – Laura Hirata-Vale

Propriedade

Exibido no Festival do Rio, Propriedade traz os ecos do passado colonial brasileiro para os dias atuais. Na trama, a estilista Tereza (Malu Galli) e o marido vão para a fazenda da família e se deparam com um motim em curso. Os funcionários da propriedade ilustram uma situação de escravidão moderna: trabalham para pagar a moradia e alimentação na própria terra dos patrões, sem nenhum tipo de segurança e com os documentos confiscados até quitarem suas dívidas impossíveis. A centelha da rebelião é o anúncio de que serão despejados porque o local será vendido – mas não sem antes pagar o que devem.

Como lembra Dona Antônia, personagem vivida intensamente por Zuleika Ferreira, os trabalhadores estão naquelas terras há mais tempo que o dono atual. A tomada do controle da propriedade vem seguida de mortes e brigas internas, já que a própria abordagem dos funcionários não é um consenso entre eles. O ápice da tensão é a presença de Tereza no meio: ela conseguiu escapar da casa e ficou trancada dentro do próprio carro blindado, mas sem conseguir tirá-lo de lá.

O diretor Daniel Bandeira (de Vinil Verde) não propõe soluções fáceis. O diálogo é na base da paulada, mostrando que cada lado quer, acima de tudo, sua própria sobrevivência e liberdade. É tão fácil torcer para Tereza sair ilesa de lá quanto para as famílias que vivem na fazenda finalmente se livrarem das garras escravocratas de seus patrões. A oposição vira uma caçada e a conclusão é longe de unânime, deixando a moral da história a cargo de quem quiser pensar. – Vitória Gomez

Que Horas Eu Te Pego? (No Hard Feelings)

Há tempos que a nostalgia tem tido protagonismo quando falamos de comédias românticas, seja pelos atuais roteiros rasos, atuações fracas ou pela falta de capas icônicas com fundos brancos que ditaram sucessos atemporais. Felizmente, Que Horas Eu Te Pego? prova que ainda temos sinais de vida no gênero – e mais que isso, fazem doer a barriga!

Com uma progressão fantástica e um clímax muito bem construídos, a leveza do longa amplia todas as emoções de uma atriz veterana (Jennifer Lawrence) quando contracena com o novato Andrew Barth, além de criar uma química surpreendentemente tensa e engraçada. Em um domingo à tarde, não há escolha melhor. – Henrique Marinhos

Retratos Fantasmas

Depois de Bacurau, especulou-se muito sobre o que seria o próximo projeto de Kleber Mendonça Filho. No filme Retratos Fantasmas, o diretor volta à cidade natal e conta, pelas lentes de alguém que vive da Sétima Arte, a história dos cinemas de rua no centro de Recife. Ao mesmo tempo em que é considerado um longa-metragem, o pernambucano utiliza algumas técnicas usadas em documentários, e é aqui que ocorre o triunfo da trama. Servindo como uma forma de acervo para o próprio diretor, é através do conhecimento amplo de Mendonça Filho que o espectador avalia o desmantelamento do cinema como espaço cultural.

História, Geografia, suspense e comédia definem o sentimento após o encerramento de Retratos Fantasmas, uma vez que o diretor situa o público acerca dos pontos principais de Recife, bem como a história que ali ocorre. Fora isso, KMF também brinca com o suspense por meio da comédia e a escolha de sons que remetem ao slasher, subgênero do terror. Infelizmente, o longa não conseguiu uma vaga na disputa de Melhor Filme Internacional no Oscar 2024, mas a conversa em torno dele será imortalizada, assim como o amor pelo Cinema, que preenche e dá sustentação às obras do nordestino. – Guilherme Machado Leal

Rye Lane – Um Amor Inesperado (Rye Lane)

Rye Lane é o primeiro longa-metragem da diretora Raine Allen-Miller e conta a história de Dom e Yas, um jovem casal que passa um dia juntos aprendendo a lidar com as suas emoções após seus respectivos términos com outras pessoas. Discutindo relações e amores passados, os personagens quebram estereótipos de gênero de forma sensível e envolvente.

Remetendo também a Antes do Pôr do Sol, o filme é prazeroso e verdadeiramente apaixonante. A complexidade do relacionamento dos personagens é cativante, uma vez que pode-se observar como os dois estão dispostos a adentrar o mundo um do outro, ainda que de maneira efêmera, não tendo ao menos a certeza de que ficarão juntos no final. – Rebecca Ramos

Saltburn

Nada é notório ou exato. A obsessão de uma vida fantasiada desfruta da aparência inocente e não tem nada além de um desatino exuberante e uma cobiça em conquistar ainda mais. O glamour da aristocracia inglesa passada de pais para filhos, futuros sucessores de uma riqueza geracional, adentram o íntimo de Oliver Quick (Barry Keoghan). Oliver, calouro na Universidade de Oxford e sem relevância na esfera milionária dos outros estudantes, encontra em Felix Cotton (Jacob Elordi) uma rachadura permeável na qual ele se molda, sem dó e nem piedade, para tomar tudo que deseja. 

Em Saltburn, acompanhamos a insanidade da mente em ação, um conflito pessoal sobre se apaixonar por pessoas que detestamos. Sendo o segundo longa-metragem de Emerald Fennell, o thriller psicológico se desenrola durante o verão onde todos da elite abraçaram o delírio. Cada personagem garante uma personalidade única, camadas de luxo e uma fascinação pelo excêntrico. Acentuando com mais profundidade essa admiração pelo bizarro, a fotografia de Linus SandGren é, sem dúvidas, um dos pontos mais altos do filme. Um espetáculo entre o gótico e a estética barroca, que sustenta inteiramente a sátira macabra das diferenças de classes roteirizados por Fennell. – Ludmila Henrique

Segredos de Um Escândalo (May December)

Quando você vê a assinatura de Todd Haynes em uma produção, pode saber que é coisa boa. Se reformulando em sua filmografia, o diretor dessa vez aborda a história real de Mary Kay Letourneau e Vili Fualaau, que engataram um relacionamento quando tinham 36 e 13 anos, respectivamente. Aqui eles viram Gracie e Joe, e após as polêmicas submersas numa vida de subúrbio, tem seu passado desenterrado por Elizabeth Barry, uma atriz que passa um tempo na família para estudar Gracie, papel que ela desempenhará em um filme independente.

Com uma atmosfera de novela, muito familiar a nós brasileiros, Haynes constrói, assim como na tortura chinesa, um suspense latente que goteja em nossa cabeça até se tornar insuportável, culminando num desmoronamento daquele castelo de farsas construído por Gracie. Isso se dá, em grande parte, nas atuações do trio. Julianne Moore dá vida a uma esposa meticulosamente calculista que controla a todos em um misto de ingenuidade e poder. Natalie Portman imprime uma atriz que se deixa levar até demais pelo método e rompe barreiras éticas, enquanto Charles Melton saiu dos esgotos de Riverdale para ressurgir como um Joe atado a um escândalo, carregado de traumas que nem ele mesmo reconhece.

Segredos de Um Escândalo definitivamente merecia mais reconhecimento, seja nas premiações ou até mesmo em sua distribuição (lá fora ele é da Netflix, mas aqui chegou de maneira tímida aos cinemas para cumprir tabela na temporada). Mas isso é entendível por ser uma produção feita naturalmente para incomodar, traçando uma crítica 360º da indústria acerca de casos reais, seja pelo consumo dos telespectadores ou pelo sensacionalismo dos idealizadores, capaz de girar a faca ainda mais nos estômagos das vítimas. – Guilherme Veiga

Sem Coração

Das cinebiografias ao terror, o Brasil não deve nada ao Cinema estrangeiro. Com Sem Coração, o audiovisual nacional ganha um coming of age delicioso para chamar de seu. A trama acompanha Tamara (Maya de Vicq) em suas últimas semanas na vila pesqueira onde mora antes de se mudar para estudar em Brasília. Por lá, ela ouve falar de uma menina apelidada de Sem Coração (Eduarda Samara), que, envolta em mistério, mexe com a cabeça dela e dos amigos.

Os acontecimentos enigmáticos que envolvem a interação das duas são curiosos de se assistir, mas escondem algo ainda mais profundo por trás: o nascimento de uma conexão inexplicável, algo tão incompreensível quanto descobrir a própria sexualidade ao se apaixonar pela primeira vez. Com os cenários paradisíacos da praia alagoana ao fundo, o grupo de adolescentes aproveita o mar, invade casas alheias ao som de risadas e provocações, discutem seus futuros, medos e esperanças, e defendem uns aos outros com a própria vida, se for necessário – um companheirismo que dá saudade dos dias intensos de infância. – Vitória Gomez

Todos Menos Você (Anyone But You)

Sem Tinder, sem Instagram, sem um blind date arranjado pela melhor amiga e sem flertes por mensagem, Todos Menos Você consegue resgatar o clichê do acaso como o brilho especial para o romance de Bea (Sidney Sweeney) e Ben (Glen Powell). Aproveitando-se também da famosa e adorada fórmula enemies to lovers (ou seria lovers to enemies to lovers?), a direção de Will Gluck  fez sucesso não só por preencher a falta de romcoms de qualidade do catálogo, mas pela química e tensão sexual entre os protagonistas.

Para viralizar dentro e fora das redes e resgatar a magia de um bom romance em tela, bastou adicionar ao roteiro uma viagem internacional, um casamento na praia, um quarteto amoroso, algumas cenas vergonhosas (que só quem assistiu Cassie Howard conseguiu sobreviver sem tantos arranhões) e uma trilha sonora chiclete para que o assunto do momento fosse, ao som de Unwritten, Todos Menos Você. – Clara Sganzerla

Todos Nós Desconhecidos (All Of Us Strangers)

A produção de Andrew High, Todos Nós Desconhecidos, ganhou notoriedade principalmente pelos outros trabalhos dilacerantes, mas indiscutivelmente encantadores, dos protagonistas. Lançado em Dezembro de 2023, o longa criou um imaginário coletivo sem muitos precedentes. 

A princípio, acompanharíamos o nascer do relacionamento de um escritor de meia idade solitário, Adam (Andrew Scott), e seu novo vizinho Harry (Paul Mescal). Mas, sem qualquer aviso prévio, tudo começa a fazer sentido enquanto nossas expectativas se quebram em mil pedaços.

Desde a fotografia (Jamie D. Ramsay) à montagem (Jonathan Alberts), a veia artística  e representativa é muito forte. Nos imaginamos em seus lugares e vivemos um amor recente em seu impulso mais primitivo. Em ambientações noturnas e dramáticas, Todos Nós Desconhecidos vale cada segundo de emoção, dúvida e lástima. – Henrique Marinhos

Um Pacto de Amizade (Prom Pact)

Mandy Yang (Peyton Elizabeth Lee) tem um sonho: ir para Harvard. Porém… ela foi para a lista de espera. E agora? Seguindo a recomendação de Ms. Chen (Margaret Cho), sua conselheira escolar, a estudante vai atrás de uma carta de recomendação. Usando um método ambicioso e – no mínimo – curioso, a menina resolve se aproximar do garoto mais popular da escola, o jogador de basquete Graham Lansing (Blake Draper), cujo pai é senador e ex-aluno da faculdade mais desejada pela protagonista. Enquanto isso, Yang firma um pacto com seu melhor amigo, Ben Plunkett (Milo Manheim): ir ao baile de formatura juntos.

Um Pacto de Amizade é, de várias formas, uma ode à nostalgia. Com muitas referências aos famosos filmes sobre o Ensino Médio americano, como a querida trilogia High School Musical, podemos retornar à infância recheada pela Sessão da Tarde e pelo Disney Channel por meio do Disney+. Além disso, o longa ainda homenageia os anos 80: a década foi o tema escolhido pelos alunos para o prom, o famoso baile de formatura estadunidense. – Laura Hirata-Vale

Vermelho, Branco e Sangue Azul (Red, White & Royal Blue)

Baseado no livro homônimo de Casey McQuiston, o filme Vermelho, Branco e Sangue Azul mergulha em um romance LGBTQIA+ entre o filho da presidente dos Estados Unidos, Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez), e o príncipe da Inglaterra, Henry (Nicholas Galitzine). A adaptação, dirigida por Matthew López, acerta em cheio ao satisfazer o novo desejo de Hollywood à volta das comédias românticas, ainda mais com a inclusão queer que tanto ansiamos.

O longa captura com detalhe as delicadezas e intensidades do início de uma relação, explorando o desenvolvimento do relacionamento entre Alex e Henry, desde a inimizade até o amor. As cenas sensuais, bastante intensas até para o Prime Video e bem dirigidas, contribuem para a química inegável entre os protagonistas. Outro ponto positivo é a fotografia de Stephen Goldblatt, que, apesar de sofrer com algumas telas verdes, captura muito bem as emoções dos personagens e o contraste de seus sentimentos.

Além disso, a adaptação consegue superar o livro original em alguns aspectos, principalmente na construção dos diálogos, na dinâmica do relacionamento entre Alex e Henry e a pitada de humor e energia feminina evocadas por Uma Thurman no papel de presidenta dos EUA e por Sarah Shahi como chefe de gabinete. Considerando a produção como um todo, Vermelho, Branco e Sangue Azul é um filme divertido que acalenta o coração, com algumas falhas apressadas, mas que não impedem que seja uma experiência agradável e memorável. – Arthur Caires

Vidas Passadas (Past Lives)

Felizmente, ao menos uma vez por ano, o Cinema passa pelo momento em que uma nova estrela entra em cena. Isso aconteceu em 2022 com o célebre Aftersun, de Charlotte Wells, e em 2023 com o terno Vidas Passadas, de Celine Song. O longa acompanha a trajetória de dois amigos de infância ao longo dos anos através de reencontros e separações. É uma história melancólica e significativa sobre duas pessoas, as crianças que foram e os adultos que se tornaram.

A estreia de Celine Song na direção vai além de qualquer expectativa ao passo que ela tece, com muita habilidade, uma vasta combinação de emoções que é, ao mesmo tempo, sutil e profundamente sincera. Past Lives (no original) é, em sua essência, uma ode ao amor que se esvai. Uma narrativa assombrada pelas milhares de possibilidades daquilo que nunca aconteceu, mas que, ainda assim, consegue enxergar a beleza e o valor do tempo e das lembranças. – Raquel Freire

Wonka

Revisitar o passado de uma personalidade tão marcante no universo cinematográfico pode ter seus desafios. Sendo um prequel de A Fantástica Fábrica de Chocolate (1971), Wonka apresenta as primeiras aventuras de Willy, antes de se tornar o incrível chocolateiro metade mágico que conhecemos. Dos mesmos diretores de Paddington (2014), Paul King se dedicou em contar uma boa e açucarada história, mantendo a essência das outras adaptações, mas construindo uma narrativa nova e criativa. 

A composição da obra não poupou em parecer exagerada – do enredo até os efeitos visuais permeia-se o fantástico, brincando com o imaginário e resgatando nosso lado sonhador. A cereja do bolo foi Timothée Chalamet como protagonista. O ator, além de cantar, entregou um lado mais inocente e amigável do personagem, distanciando-se totalmente da imagem enigmática promovida por Tim Burton e executada por Johnny Depp em 2005. – Ludmila Henrique

O post Os Melhores Filmes de 2023 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

2023 foi um ano e tanto para a Televisão. Com grandes estreias e adaptações que eclodiram, títulos importantes também nos deixaram com seus últimos episódios. No que diz respeito às premiações, o ano atípico ganhou mais uma reviravolta: o adiamento das cerimônias e produções em prol da justa greve que parou Hollywood. Tradicionalmente, o Persona preparou um compilado com as melhores séries.

Entre as 51 séries selecionadas, Succession lidera o número de menções (8) em primeiro lugar.  Logo depois, o apocalipse de The Last Of Us (4) e a cozinha caótica de The Bear (3) aparecem como destaque em meio às favoritas. Na batalha entre streamings, a Netflix assume a liderança absoluta com 16 aparições. Em sequência: Max (7),  Amazon Prime Video (6), AppleTV+, Globoplay e Disney+ (3), e Paramount+ (2).

A grande parte das produções são dos Estados Unidos, porém, alguns seriados brasileiros deram a cara por aqui com novelas e minisséries. Dentre elas, Cangaço Novo, Elas Por Elas e Vai Na Fé. Nós sempre acompanhamos as principais premiações da Televisão, o que explica 19 dos títulos escolhidos terem sido indicados ao Emmy de 2023 como The Other Two, Jury Duty e Dead Ringers.

Os realities roubaram a cena em 2023, seja tratando de moda, esporte, namoro ou sobrevivência. Next In Fashion, Casamento às Cegas: Brasil, A Batalha dos 100 e RuPaul’s Drag Race são alguns dos nomes bastante citados. Spin-Offs também marcaram presença forte, como os derivados de Bridgerton e Hora de Aventura: Rainha Charlotte e Fionna & Cake.

A nossa seleção conta com os mais diversos gêneros, com séries para a família toda como o heroísmo de Minhas Aventuras com o Superman e outras um tanto quanto explícitas à la Sex Education. Para além do adeus à família Roy, Maravilhosa Sra. Maisel, Ted Lasso e Barry vão deixar saudade. Abaixo você confere a lista mais que especial das melhores séries de 2023, escolhidas a dedo pela nossa Editoria e colaboradores.

1ª temporada de A Batalha dos 100

100 pessoas em seu auge de preparo físico são colocadas em provas extremas de resistência para que se descubra qual tipo de corpo é o mais forte. A Batalha dos 100 é um reality show sul-coreano que foi lançado no início de 2023 e fez bastante sucesso. Os participantes têm variadas idades e portes físicos, e praticam diferentes esportes, sendo obrigados a trabalharem as suas vantagens a seu favor para chegarem à final e levarem o grande prêmio em dinheiro. Além das provas individuais, a batalha também tem provas em equipe, sendo necessário o desenvolvimento de estratégias para combinação de forças. 

Uma das principais coisas que fica clara na série é que nenhum perfil pode ser superestimado ou subestimado. Em alguns momentos do programa, mulheres e participantes menores foram julgados como mais fracos, mas tiveram diversas oportunidades de mostrar o bom uso de sua força física em conjunto com outras habilidades como agilidade e condicionamento. Dois destaques são Euddeum, a atleta que sobreviveu a uma prova intensa de eliminação, e Jan Eun Sil, que liderou uma equipe inteira de azarões dando tudo de si. – Gabrielli Natividade 

1ª temporada de A Diplomata (The Diplomat)

Em tempos de guerra, aliás, guerras, no plural, séries sobre política internacional como A Diplomata devem ganhar destaque. Em meio a uma crise severa entre Reino Unido e Irã,  Kate Wyler, magistralmente interpretada por Keri Russell, é uma diplomata de carreira que acaba de ser nomeada embaixadora norte-americana em Londres. Em meio a conturbada relação com o nada modesto marido, Hal Wyler (Rufus Sewell), ela deve sintonizar as conexões assimétricas entre os EUA e o país europeu.

O seriado de Debora Cahn trabalha com um enorme aprofundamento e desenvolvimento de personagens, a protagonista que sequer está acostumada a ser o centro das atenções tem que adaptar o seu estilo improvisado e versátil, a uma realidade formal e pomposa. Enquanto seu marido, um diplomata famoso, tem que se conformar a ficar em segundo plano. Além deles, personagens como o Premier Britânico (Rory Kinnear) enchem a série de diversos tons de personalidade, enriquecendo cada minuto de tela.  – Guilherme Dias Siqueira

1ª temporada de Ahsoka

A saga Star Wars está em boas mãos na direção do talentoso e apaixonado Dave Filoni, a primeira temporada de Ahsoka é a prova de que criatividade e amor à obra fazem toda a diferença. A trama se passa após os eventos do último filme da trilogia original, O Retorno de Jedi. O império galáctico foi derrotado, mas o temido Almirante Thrawn, personagem resgatado da animação dirigida por Filoni, Star Wars Rebels, quer retornar para assumir o trono.

A série tem como protagonista Ahsoka Tano (Rosario Dawson), a aprendiz de Anakin Skywalker que abandona a ordem dos cavaleiros Jedi para seguir seu próprio caminho. Junto dela, está outra personagem vinda das animações, Sabine Wren (Natasha Liu Bordizzo), uma jovem mandaloriana que busca reencontrar um grande amigo do passado. A primeira temporada da série traz um novo fôlego para a franquia se manter no futuro distante e a oportunidade do surgimento de novos fãs. – Guilherme Dias Siqueira

1ª temporada de Amor e Morte

“Nem todo sonho tem um final perfeito“. Essa é a frase que aparece no pôster de Amor e Morte e, de fato, ela resume aspectos intrínsecos da minissérie estrelada por Elizabeth Olsen como Candy Montgomery. Lançada em abril de 2023, a produção da HBO conta a história do assassinato brutal de Betty Gore, em 1980, na tranquila cidade de Wylie, Texas. 

Betty, interpretada por Lily Rabe, é morta com 41 golpes de machado por sua amiga da igreja, Candy, que também é amante de seu marido, Allan Gore (Jesse Plemons). A minissérie oferece ao espectador uma ótica crítica de todo o contexto dos personagens. Participantes dos assuntos da comunidade local, frequentadores da igreja e pessoas tão preocupadas com a imagem de suas famílias se encontram em um triângulo amoroso extraconjugal, que perdura por dois anos até acabar em um assassinato.

Além disso, Amor e Morte possui aspectos visuais interessantes e de acordo com a época como carros, roupas e referências, a exemplo da cena em que Candy e seu marido, Pat Montgomery (Patrick Fugit), assistem ao filme Grease (1978) no cinema com seus filhos.”Nem todo sonho tem um final perfeito“; assim como o ‘caso’ de Candy e Allan, e  as tentativas de Betty de conceber um segundo filho. – Marina Barrelli de Carvalho

2ª temporada de And Just Like That…

Um ano se passou desde o incidente na vida de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker). A melancolia marcada pelo luto, fixada em quase toda a primeira temporada de And Just Like That…, não é mais avassaladora. A dor não foi deixada totalmente, mas novos ares surgiram, assim como novas roupas, amores e histórias para contar. Tal como o velho ditado, depois da tempestade, sempre vem a calmaria.

Nesta fase do seriado, acompanhamos uma protagonista determinada em retornar aos eixos. Bradshaw emprega seu sentimento no papel e regressa novamente à Literatura, escrevendo seu novo livro sobre perda, algo que ela precisava fazer por ela mesma e também para outras mulheres passando pela mesma condição. Ensinamentos abordados pelo destino e que devem ser enfrentados para seguir uma perspectiva diferente. – Ludmila Henrique

A Queda da Casa de Usher  (The Fall of the House of Usher)

Dos slashers aos thrillers, construir qualquer peça bem executada de Terror requer material, estratégia e trabalhadores experientes. ‘Pau para toda obra’ por excelência, Mike Flanagan gerou seu último projeto em parceria com a Netflix revisitando a arquitetura do gênero assim, como quem edifica uma casa, mas deixando o suprassumo criativo nos escombros que encontramos durante a derrocada de uma dinastia farmacêutica cruel e fascinante. Na série limitada (apenas no formato), cada membro da bilionária família Usher ganha um fim trágico – e conectado ao lado mais nefasto de si mesmos – diretamente da personificação da Morte, papel inesquecível de Carla Gugino. 

Recheado de rostos veteranos nas mãos de Flanagan, o desfile de túmulos arranha de leve a crise dos opioides e o pretexto de ‘ódio aos ricos’, empilhando firmemente os tijolos da roteirização na catástrofe humana como um todo. No telhado da produção, criações de Edgar Allan Poe servem de referência e ainda adquirem releituras. Pelas paredes, a beleza da cinematografia de Michael Fimognari e a magnitude da edição de Brett Bachman fazem de fantasmas, vidros estilhaçados e garras de gatos assassinos inevitáveis para vícios que consomem a alma aos poucos. Ao fim, o chão rompido pela brutalidade – e pelo público, boquiaberto –, é a prova de que estamos diante de uma das melhores confabulações sangrentas do Tudum. – Vitória Vulcano

As Pequenas Coisas da Vida (Tiny Beautiful Things)

Em As Pequenas Coisas da Vida, conhecemos a história de Clare Pierce (Kathryn Hahn), uma escritora que não conseguiu fazer sua carreira decolar. Repleta de emoção e sentimentos, a minissérie mostra os vários conflitos de uma família norte-americana. Tiny Beautiful Things (no original) foi feita pela Hello Sunshine – a produtora cinematográfica e televisiva criada por Reese Witherspoon, que tem como marca contar histórias sobre personagens femininas –, e trouxe, mais uma vez, uma narrativa focada em uma mulher que, ao mesmo tempo, é mãe, esposa, filha e autora.

Baseada no livro Pequenas delicadezas: Conselhos sobre o amor e a vida de Cheryl Strayed, a coletânea de oito episódios foi indicada ao Emmy de 2023 pela atuação da protagonista e de Merrit Wever, que interpreta a mãe de Clare. Cheia de momentos singelos e significativos, As Pequenas Coisas da Vida mostra do que a vida é composta: afinal, o passado afeta o presente que, por sua vez, abala o futuro. – Laura Hirata-Vale

4ª temporada de Barry

Após cinco anos, Barry chega ao fim em uma nota fria, dura e irônica. A última temporada encaminha a história ao seu desfecho confrontando as questões morais que foram levantadas pela série até então. A narrativa consegue manter o ritmo acelerado que conversa com a urgência dos acontecimentos e tomar decisões ousadas a fim de firmar as mensagens que a obra quer passar. Os personagens são enfim colocados diante das consequências das suas ações, com muito poucos exemplos de redenção. 

Seus momentos finais a consolidam como uma das melhores produções de Televisão dos anos recentes. Bill Hader provou vez após vez ter o domínio da narrativa ao transitar da Comédia à tragédia com tanta naturalidade. O ator e diretor se arrisca mais e aproxima sua direção ao surrealismo, de modo imersivo para a experiência da audiência. A quarta temporada é mais introspectiva e leva um tom mais sério do que as demais, ainda assim, Barry nunca perde o humor, em grande parte graças ao elenco infinitamente talentoso, capaz de balancear o dramático e o cômico, às vezes, com sutis mudanças de expressão ou intonação e também às articulações visuais conquistadas por trás da câmera. – Giovanna Freisinger

1ª temporada de Caleidoscópio

Lançada pela Netflix no início do ano de 2023, Caleidoscópio é uma minissérie com oito episódios inspirada na história de um roubo de sete bilhões de dólares durante o furacão Sandy em 2012. Assim como funciona um caleidoscópio – a medida em que gira, as formas são diferentes, mas a essência não –, a série permite que seus primeiros capítulos sejam assistidos de forma aleatória. Cada episódio parte de um período antes ou depois do assalto, o que pode influenciar diretamente na experiência do telespectador.

Tendo como um dos diretores José Padilha, o protagonista Leo Pap, interpretado por Giancarlo Esposito, é quem inicia toda essa jornada, porém, da maneira como cada usuário assiste, a história pode ser interpretada de formas diferentes até o grand finale do último episódio, Título do Episódio. Com um ótimo elenco – Tati Gabrielle, Paz Vega, entre outros –, as relações das personagens entre si, em geral, são os maiores destaques de Caleidoscópio. – Marcela Lavorato

1ª temporada de Cangaço Novo

Uma boa história está, na maioria das vezes, atrelada à chegada de um interiorano na metrópole. Ubaldo Vaqueiro (Allan Souza) deixou o interior do Ceará quando menino e partiu em direção à São Paulo, cuja monotonicidade cotidiana capitalista paira sobre o ar mais do que dióxido de carbono. Seu trabalho fracassado em um banco, somado à hospitalização de seu pai, criam o terreno perfeito para uma mudança drástica de vida. 

Ubaldo troca o asfalto da capital paulista pelas estradas de terra do Sertão que levantam não só poeira, como também o astral dos acostumados a seguir uma vida regrada e típica da massificação. Ademais, o ex-bancário se torna uma espécie de Robin Hood cangaceiro, já que, ao ser envolvido em uma quadrilha, introduz uma abordagem mais segura e limpa nos assaltos.

Produzida pela O2 Filmes, Cangaço Novo questiona se a transformação do oprimido em opressor seria, de fato, um problema. Em outros termos, a série brasileira desafia a divisão caduca entre bem e mal, além de explorar com valentia as tortuosidades dos comportamentos de seus personagens. A partir de uma violência brutal e de sequências frenéticas de ação, a obra representa a Hollywood que deu certo. – Ana Cegatti

Carol e o Fim do Mundo

O mundo está prestes a acabar e, em meio a esta crise pré-apocalíptica, boa parte da população decide aproveitar os seus últimos meses vivenciando tudo aquilo que ainda não foi feito, diferente de Carol Kohl, uma mulher de meia-idade que deseja apenas voltar a uma rotina banal e previsível. A premissa de Carol e o Fim do Mundo, criada por Dan Guterman, questiona de forma irônica noções como a vida, a morte e as conexões humanas.  

Apesar dos poucos episódios, a construção dos personagens é complexa, na qual até mesmo aqueles que são secundários são bem desenvolvidos, proporcionando uma visão diversificada de como diferentes pessoas reagiriam a um mesmo cenário. O humor sutil e a narrativa envolvente oferecem ao espectador uma comovente forma de entretenimento indo além do convencional. – Rebecca Ramos

3ª temporada de Casamento às Cegas: Brasil

Essa talvez foi uma das temporadas com mais fofocas e polêmicas de Casamento às Cegas Brasil. Lançada em junho de 2023, a terceira temporada do reality, apresentado pelo power couple Camila Queiroz e Klebber Toledo, deu ao espectador desde o início o melhor em babados, com participantes de personalidade forte e disputas por pretendentes. Para quem gosta de misturar um pouco de futilidade com discussões sobre relacionamentos e amor, vale a pena assistir e se deliciar.

Na fase das cabines, um dos destaques foi o participante Valmir Reis, que deixou uma marca negativa, de ‘mulherengo’, ‘jogador’ e se envolveu em duas ‘tretas’ diferentes com Italo Antonelli e Menandro Rosa – tudo por disputa de participantes, armando verdadeiros triângulos amorosos. Ah, e não foi só nessa fase que Valmir se destacou (negativamente), mas ao longo do reality a sua relação com seu par (Karen Bacic) também foi questionável, com o público e a participante sentindo que foi escolhida como segunda opção. 

Nas outras fases do programa, é possível notar o desenvolvimento dos casais, enfrentando problemas do dia a dia, aproximando o público dos dramas e fofocas que acontecem até mesmo entre o grupo formado pelos seis casais. Como no caso das crises entre Ágata Moura e Renan Justino por conta de inseguranças e ciúmes, ou pelo mau-estar constante entre Maria Carolina Caporusso e Valmir Reis – que teve interesse na participante na fase das cabines. – Marina Barrelli de Carvalho

1ª temporada de Companheiros Viajantes (Fellow Travelers)

Estados Unidos, 1950. No ápice do Terror Lilás dois jovens se apaixonam. Assim se constrói a trama de Tim Laughlin (Jonathan Bailey) e Hawkins Fuller (Matt Bomer) roteirizada por Ron Nyswaner. Em um misto de drama, romance, história e muita emoção, a narrativa cresce cautelosa, pouco a pouco no decorrer dos oito episódios, mesclando o passado e o presente de uma vida de desejos, desafios e inseguranças. O retrato da paixão queer em Fellow Travelers é, apesar de intenso e realista, cuidadoso e delicado e aponta as dificuldades de vivência durante o macarthismo com responsabilidade.

Quem diria que misturar amor, companheirismo e política seria uma das receitas para o sucesso? É possível assistir à produção sem perceber o tempo passar, pois os episódios fluem pela tela com as escolhas de direção de Daniel Minahan, Destiny Ekaragha, James Kent e Uta Briesewitz. Muito bem aceita pelo público, a minissérie conta com um final que possibilita o desenvolvimento de mais uma temporada, ainda que seja apenas para colocar Bailey e Bomer lado a lado, novamente fisgando a todos com sua química fantástica. – Gabriela Bita

2ª temporada de Cidade Invisível

Em 2021, a Netflix trouxe um projeto ousado e interessante: uma série nacional sobre o Folclore Brasileiro. Na prática, mesmo apresentando personagens como Cuca, Curupira, Saci e Boto-cor-de-rosa, Cidade Invisível se mostrava muito mais interessada em usar todo o enredo como peças para contar a história de Eric Alves (Marco Pigossi), policial ambiental e personagem principal. Após muitas críticas sobre a falta de tato ao não escalar profissionais indígenas em número suficiente para a grandiosidade do projeto e o flerte com a apropriação cultural, o seriado retornou para sua segunda temporada focado em criar sua identidade e honrar aquilo que há de mais brasileiro. 

Na nova leva de cinco episódios, o telespectador é apresentado a novas entidades de um modo muito mais direto, com enfoque no norte do país, e toque em pontos de exploração ambiental. Em um cenário novo e com uma nova problemática, o produto surpreende ao trazer uma perspectiva diferente. Com atuações extraordinárias de Letícia Spiller e Zahy Guajajara, o elenco acerta ao abraçar a diversidade, mas deixa uma história já curta com algumas falhas. Resta esperar então uma terceira temporada, sabendo que ainda existe muito a explorar no conteúdo e a recepção segue em alta. – Aryadne Xavier

1ª temporada de Daisy Jones & the Six

Ser uma estrela do rock no auge da década de 1970 era uma experiência inebriante, mas também caótica e complexa. A série Daisy Jones & The Six captura essa dualidade em certo nível, retratando a glória efêmera da fama, a adrenalina dos shows lotados e o lado obscuro do sucesso, permeado por vícios e excessos. Nessa história, Daisy Jones (Riley Keough), uma cantora em ascensão a là Rita Lee e Stevie Nicks, e Billy Dunne (Sam Claflin), vocalista da banda The Six, mergulham em um universo onde a euforia se entrelaça com o drama e a busca pela individualidade se confronta com as expectativas da indústria musical.

Baseada no best-seller homônimo de Taylor Jenkins Reid, Daisy Jones & The Six estreou em 2023, na plataforma de streaming Amazon Prime Video, lançando seus dez episódios semanalmente. Com a inspiração principal sendo a banda Fleetwood Mac e a tumultuada história do álbum Rumours de 1977, a série conquistou 69% de aprovação dos críticos no site Rotten Tomatoes. Além disso, a produção também impulsionou o lançamento do álbum de folk-rock Aurora, uma coleção de algumas das músicas presentes na trama, que já acumula mais de 200 milhões de streams no Spotify.

Como adaptação, a série Daisy Jones & The Six apresenta um saldo positivo. A ambientação é muito bem feita, assim como a trama central do triângulo amoroso entre Daisy, Billy e Camila (Camila Morrone), que se destaca pela atuação de Morrone. A série também acerta ao aprofundar a história de Simone Jackson (Nabiyah Be), enriquecendo a narrativa original, apesar de algumas tramas secundárias, como as de Karen Sirko (Suki Waterhouse) e Graham Dunne (Will Harrison), ficarem menos exploradas. No geral, apesar de algumas mudanças em relação à história do livro terem explicações superficiais e a abordagem sobre o cenário do álcool e das drogas ser suavizada, a produção se destaca como um trabalho redondo e coeso em sua própria individualidade. – Arthur Caires

1ª temporada de Elas Por Elas

Elas por Elas estreou em Setembro de 2023 como folhetim das 18h na programação da Globo. Sob a direção de Amora Mautner, o remake propõe uma narrativa com mudanças substanciais em comparação a versão original, que marca a estreia de Cassiano Gabus Mendes nas telas. Desta vez, o ator retorna para o elenco, a trama é ambientada no Rio de Janeiro e as problemáticas abordadas são tão atuais como o cotidiano de seus novos espectadores. 

Mantendo o humor característico do horário televisivo, personagens como Mario Fofoca (Lázaro Ramos) entregam piadas pertinentes e leveza. Além disso, os elementos e temáticas adicionados, o que vislumbramos com a adoção, protagonismo trans e representatividade em geral, são banhados em suavidade, mas não perdem importância e são levados com consistência. Assim, Elas por Elas é o tipo de regravação que vale a pena, já que mantém essenciais sem precisar ser igual a sua antecessora. – Jamily Rigonatto 

1ª temporada de Enxame (Swarm)

Até onde um fã vai pelo seu ídolo? Guiado por essa frase, os criadores Donald Glover e Janine Nabers decidem sair do óbvio para entrarem em uma viagem longa dentro dos instintos mais selvagens de Dre (Dominique Fishback), uma protagonista excêntrica e completamente apaixonada por Ni’Jah (Nirine Brown). Nessa sátira, todas as semelhanças não são meras coincidências e a linha entre realidade, fantasia, idolatria e ficção se fundem em uma narrativa cheia de reviravoltas, paixão, sangue e Billie Eilish. 

Com um roteiro genial e usufruindo de referências muito inteligentes que servem um prato cheio para os amantes da cultura pop e das fofocas dos famosos, assistir Enxame é uma verdadeira experiência. Aqui, independente do tamanho da colméia ou da quantidade de abelhas, Glover e Nabers provaram que não possuem medo das ferroadas. – Clara Sganzerla

1ª temporada de Este Mundo Não Vai Me Derrubar

Este Mundo Não Vai me Derrubar é a segunda série que adapta os quadrinhos do cartunista italiano Zerocalcare. Desta vez, ao contrário do que vemos em Entrelinhas Pontilhadas, o enredo foca em um evento que aconteceu no bairro periférico que Zero, o protagonista, vive desde a infância: uma tensão entre um grupo xenofóbico e nazista contra os novos moradores imigrantes que se mudaram para um dos prédios da região. 

Envolvido por um interrogatório policial, o personagem mergulha em flashbacks que remontam a sua chegada até essa situação, o envolvimento com o caso dos vizinhos e as relações interpessoais e sociais do contexto. Novamente, mantém-se o humor mais que sarcástico e, principalmente, as reflexões profundas que inebriam até mesmo os telespectadores. Em nuvens acinzentadas de escolhas e retratos, Este Mundo Não Vai me Derrubar é um reflexo bem desenhado da vida. – Jamily Rigonatto

1ª temporada de Fim

Você já viu algo que vem da Fernanda Torres ser menos do que excelente? Criada e escrita pela própria, baseada em seu livro homônimo, Fim não somente não podia ser diferente, como também supera expectativas. Além da trama cativante, acompanhada de uma ótima direção por Andrucha Waddington e Daniela Thomas, o elenco de peso conta com grandes nomes do audiovisual brasileiro, que entregam performances hipnotizantes, por vezes devastadoras. Entre os atores que compõem o grupo principal estão Marjorie Estiano, Fábio Assunção, Débora Falabella e Emílio Dantas.

A série contempla as fases da vida e como as relações interpessoais se moldam e alteram com o passar do tempo. O enredo acompanha um grupo de amigos cariocas durante os grandes marcos da vida adulta – como casamentos, filhos, divórcios e doenças –, até a nossa única certeza: a morte; brincando com o passado e o presente ao contar essas histórias de forma não linear. Assim como a vida real, Fim é repleta de momentos para rir e para chorar. O espectador é levado a experienciar a passagem do tempo junto aos personagens, cada um inserido no caminho que traçou para si. – Giovanna Freisinger

2ª temporada de Foundation

Foundation nasceu como uma obra ambiciosa e deslumbrante. Mas mesmo com investimentos milionários, é preciso um pouco de loucura para aceitar o desafio de adaptar a complexidade espaço-temporal que Isaac Asimov propôs em seus livros. E, com louvor, a Apple TV+ conseguiu novamente fazer com que a teoria e tecnologia sejam só ferramentas na narrativa, ofuscadas pelos enredos emocionantes e calorosos que os atores interpretam.

Saltando 100 anos à frente, a nova temporada mantém todo suspense e mistério do império galáctico regido pelos clones Cleon. Dificilmente imaginamos como novos personagens poderiam agregar à narrativa quando sequer puderam desenvolver os antigos. Entretanto, felizmente, tomam todo protagonismo e elevam os níveis nessa segunda etapa, deixando ânsia pelas consequências que virão e preenchendo a falta que fizeram em sua estreia. – Henrique Marinhos

1ª temporada de Gen V

No vale dos super-heróis, o Amazon Prime Video se despediu de 2023 em grande estilo ao realizar o parto dos descendentes de The Boys. Em Gen V, sangue, lágrimas e até ciência entram no roteiro para recepcionar a primeira geração de jovens patenteada pelo Composto V a ganhar voz e espaço nas telas. Ao longo de oito episódios niveladíssimos, o grupo de protagonistas não só lida com as consequências da descoberta da origem de seus poderes, como passa a construir sua posição tanto no jogo de interesses coordenado pela Vought Internacional quanto na selva de emoções, hormônios e mudanças típica da adolescência.

Desenvolvido pelo mesmo trio de criadores da série original, o spin-off pega emprestado o uso já conhecido de sarcasmo autocrítico e violência gráfica para potencializar seus conflitos – guardando as cartas na manga para certos subtextos. Enquanto faz seus efeitos especiais e trilha sonora coadjuvantes essenciais, a trama introduz ao universo momentos quase inéditos de delicadeza e sensibilidade, projetados por showrunners mulheres muito bem-vindas à equipe. 

Reunindo os destaques Jaz Sinclair, Emma Meyer e London Thor, o núcleo de atores também brilha em cada reviravolta da história, mas especialmente ao mergulhar em questões de gênero, etnia e sexualidade. Após unir o inesperado ao perverso, dialogando com diversos dramas contemporâneos, Gen V não exala nenhuma prepotência juvenil ao deixar a rebeldia guiar sua humanidade e, assim, preparar a nova fase de The Boys ao lado de seu próprio futuro. – Vitória Vulcano

Gêmeas – Mórbida Semelhança (Dead Ringers)

Nem todo filme precisa virar série, mas que bom que Gêmeas – Mórbida Semelhança o fez: com Rachel Weisz em dobro, o remake do longa de David Cronenberg muda o gênero dos protagonistas para tornar o body horror ainda mais amedrontador. Ao invés de ginecologistas que dividem tudo, as irmãs Mantle (ambas interpretadas por Weisz) são obstetras obcecadas com revolucionar a gestação para mulheres, mesmo que isso signifique quebrar (muitas) regras no caminho.

Indicada ao Globo de Ouro e esnobada pelo Emmy pela sua performance dupla como Beverly e Elliot Mantle, Rachel Weisz alterna de papel tão facilmente quanto Tatiana Maslany fazia em Orphan Black. Mesmo quando as gêmeas idênticas trocam de lugar, é impossível confundi-las tamanha personalidade que Weisz imprime em cada uma. Com um roteiro afiado e um desfecho de deixar qualquer um doido, Dead Ringers (no original) é a exceção à regra dos remakes e engrandece a obra original. – Vitória Gomez

2ª temporada de Ginny&Georgia

Sabe uma daquelas séries que chamamos de guilty pleasure? Pois é, a primeira temporada de Ginny & Georgia foi basicamente isso. Cheia de dramas adolescentes bobos, mas que nos deixam curiosos para continuar assistindo a trama se desenrolar. Porém, a segunda temporada, lançada em 2023, mudou esse cenário e tornou a série mais madura e interessante – e sem serenatas aterrorizantes de sapateado.

Após as revelações que Ginny (Antonia Gentry) tem sobre o passado da mãe, Georgia (Brianne Howey), no fim da primeira temporada, vemos uma adolescente revoltada e sem amigos após uma briga que a afastou do grupo de sua escola. No entanto, diferente de sua versão infantil e dramática, na segunda temporada, a protagonista decide encarar as crises e até começa terapia com incentivo de seu pai, Zion (Nathan Mitchell).

Como um todo, a série parece amadurecer: personagens falam abertamente sobre questões sérias, como discriminação racial, sexismo, saúde mental e problemas em estruturas familiares. E claro, as fofocas edificantes continuam, como a relação de Marcus (Felix Mallard) com Ginny; a amizade rachada de Maxine (Sara Waisglass), Norah (Chelsea Clark) e Hunter (Mason Temple) com Abby (Katie Douglas); e Ginny e as mentiras de Georgia se tornando cada vez mais elaboradas. – Marina Barrelli de Carvalho

2ª temporada de Loki

E quando o seu propósito é falhar ou a conquista não for celebrada? A primeira temporada de Loki deu ao anti-herói favorito do MCU um arco em que falhar (algo que ele sempre foi bom) era o melhor para o multiverso. Em uma história cheia de contradições; o deus da mentira lutou para trazer a verdade aos funcionários da TVA. Loki, o tirano, confrontou seres poderosos pela liberdade. 

Já o segundo ano da série garantiu que todas essas ideias continuassem a rodear o asgardiano e causasse uma mudança brutal. O final de Loki é o oposto do que o vilão de Vingadores (2012) um dia sonhou. O seriado também permite partir para uma tangente de ‘e se?’ e humanizar os conceitos do multiverso para além dos fanservices. As personagens querem testemunhar a vida que teriam se não tivessem escolhido o caminho ‘X’ ao invés de ‘Y’. A história dos dois ‘Lokis’ (o que morreu em Guerra Infinita e o da série) aponta o público para essa direção. 

Nos episódios do meio, o enredo traz a sensação de fazer rodeios; toma algumas decisões incoerentes que parecem acontecer de forma aleatória só para chegar no ponto desejado, porém a frenesia e o senso de urgência conseguem recuperar a atenção e finalizam a melhor série do MCU com personagens queridos, uma direção de Arte de dar inveja e um glorioso propósito satisfatório.  – Davi Marcelgo 

2ª temporada de Heartstopper

Em sua segunda temporada, Heartstopper retorna com a mesma dose de doçura e sensibilidade ao retratar a efervescência e as incertezas da adolescência, mas dessa vez, mergulhando em temas mais maduros. Charlie Spring (Joe Locke) e Nick Nelson (Kit Connor), após se conhecerem e se apaixonarem na primeira temporada, agora se deparam com novos desafios. Baseada na história em quadrinhos homônima de Alice Oseman, que também assina como roteirista, a série estreou em agosto de 2023, se tornando uma das produções mais assistidas do ano da Netflix.

Nesse novo capítulo da vida dos personagens, Nick deseja fazer a difícil tarefa de assumir sua bissexualidade e seu relacionamento para sua família e amigos, enquanto Charlie, pressionado por si mesmo em ajudar o parceiro nesse processo, se vê confrontado com transtornos alimentares. Além disso, também acompanhamos outros dilemas: Elle Argent (Yasmin Finney) e Tao Xu (William Gao) navegam na tênue linha entre amizade e paixão, Darcy Olsson (Kizzy Edgell) enfrenta o preconceito familiar que impacta seu relacionamento com Tara Jones (Corinna Brown) e Isaac Henderson (Tobie Donovan) embarca em uma jornada de autodescoberta ao lidar com sua assexualidade.

Esse maior aprofundamento dos personagens secundários na segunda temporada eleva a complexidade da série, tornando-se um dos seus pontos altos. Assim como, mesmo explorando temas mais maduros e sérios como aceitação, saúde mental e bullying, Heartstopper não perde sua doçura característica e seu poder de aquecer o coração. A trama continua a ser uma luz para os mais jovens, oferecendo representatividade e esperança, enquanto também acolhe as gerações mais velhas que não tiveram a oportunidade de viver suas identidades livremente. – Arthur Caires

4ª temporada de High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series) 

A questão é, um novo ano, uma nova apresentação nos palcos de East High. Caracterizando o fim de uma era, a última temporada de High School Musical: A Série: O Musical, marca um encontro de gerações. Para os adoradores da trilogia de filmes, indica a oportunidade de rever alguns entes queridos nas telas do streaming, mas para os aficionados da trama teen, chegou o momento de dizer adeus. Os episódios são divididos em dois arcos, sendo um desfecho memorável. Uma segue a nova adaptação da franquia de filmes no Cinema, enquanto a outra avança com a cronologia dos eventos no seriado.

Embora essa conexão seja inovadora, a execução deixa a desejar. O roteiro demanda de muitos acontecimentos, ficando assustadoramente excessivo ao ponto de somente ganhar uma fluidez nos capítulos finais, quando uma narrativa se encerra e abre espaço para dar continuidade a outra. Mas, se alguém se destacou em meio a esse turbilhão, foi Sofia Wylie. A intérprete de Gina Porter carregou consigo a graciosidade e a emoção da temporada, uma personagem que saiu de antagonista e despontou como uma das personalidades mais aclamadas de toda a série. – Ludmila Henrique

1ª temporada de Hora de Aventura: Fionna e Cake (Adventure Time: Fionna and Cake)

Após os eventos finais de uma das maiores animações idealizadas pela Cartoon Network, o mundo de Hora de Aventura se destaca na plataforma Max com o seu novo spin-off. Em Hora de Aventura: Fionna e Cake, somos apresentados as versões alternativas de Finn e Jake, desenvolvidas na imaginação do antagonista Rei Gelado. Mantendo a identidade visual memorizada pelo público, as ilustrações não revelaram grandes mudanças da obra original, mas adotou tons mais claros que o habitual e abraçou referências clássicas do mundo pop, como Sailor Moon (1992) e Meu Amigo Totoro (1988). 

O enredo gira em torno de Fionna Campbell, uma jovem sentindo o tédio de uma vida monótona, enquanto sonha com um universo diferente do seu. Em um momento de desatenção, Campbell atravessa um portal que liga o seu mundo com a famigerada Terra de Ooo, onde conhece seu próprio criador, Simon Petrikov. Involuntariamente, a trama guarda um sentimento nostálgico. Menções claras de episódios de Hora de Aventura circulam toda a atmosfera do seriado, que transportam o nosso consciente para um local de conforto, assinalado pela imaginação e infância. – Ludmila Henrique

5ª temporada de Maravilhosa Sra. Maisel (The Marvelous Mrs Maisel)

Em 2023, The Marvelous Mrs Maisel ganhou um final triunfante, nos revelando que os acontecimentos narrados pela série foram apenas o prelúdio da carreira de sucesso reservada a Miriam Maisel (Rachel Brosnahan). A quinta temporada buscou arrematar bem todos os enredos, desde o retorno de Maisel com os shows de stand-up até o seu relacionamento slow-burn com Lenny Bruce (Luke Kirby). O roteiro brilhante de Amy Sherman-Palladino abriu espaço para novos recursos que foram adicionados à trama, como saltos temporais e musicais, tudo acompanhado dos diálogos rápidos e afiados já bem conhecidos, só que dessa vez no ‘climinha’ de despedida. 

No seu último ano, a produção do Amazon Prime Video se aprofundou ainda mais nos conflitos da mulher da década de 1960 e acompanha o drama geracional, passado de mãe para filha, ao longo do que podemos vislumbrar da protagonista e sua família durante as décadas. Dos relacionamentos de Maisel, aquele que sempre mais importou foi entre ela e a sua Comédia que, dessa vez, abriu espaço para o maior desenvolvimento de sua amizade com a agente Susie Meirson (Alex Borstein). Vencedora de 20 Emmys, a série foi mais uma vez destaque em indicações da premiação de 2023, nos deixando um enorme legado de qualidade e versatilidade para as futuras produções televisivas. – Costanza Guerriero

Minhas Aventuras com o Superman

Dentre as combinações mais inesperadas do audiovisual em 2023, poucas, talvez, tenham sido tão interessantes quanto a de Minhas Aventuras com o Superman, que une a mitologia do filho de Krypton com a linguagem dos animes. A narrativa básica está lá: Clark Kent (Jack Quaid, de Oppenheimer) é um jovem alienígena com poderes sobre-humanos que está descobrindo seu lugar nesse mundo, tentando a sorte de viver uma vida dupla como super-herói e jornalista do Planeta Diário de Metrópolis. Seus companheiros também são conhecidos: o melhor amigo Jimmy Olsen (Ishmel Sahid, de Na Mira do Júri) e o interesse amoroso em potencial Lois Lane (Alice Lee, de A Maratona de Brittany). 

O que diferencia a série do Adult Swim é justamente o estilo visual e as sensibilidades dramáticas do anime. No primeiro sentido, destaca-se a ênfase da periculosidade nas sequências de ação, como Clark se colocando na frente de Lois para protegê-la de uma rajada de balas. Já no segundo, é notável o quanto a expressividade dos personagens auxilia seus arcos de desenvolvimento emocional, como o olhar ultra apaixonado da jornalista pelo colega de trabalho. São escolhas que mostram como uma roupagem completamente nova, diferente e criativa pode reacender o charme de um personagem com décadas de história na cultura pop. – Nathan Nunes

Na Mira do Júri (Jury Duty)

Se algum dia você já se perguntou sobre o que realmente aconteceria caso alguém passasse pela experiência de O Show de Truman, Jury Duty (no original) é a resposta. Na melhor surpresa do Prime Video nos últimos anos, Ronald Gladden, um cidadão comum, acredita que está participando de um documentário sobre o processo de trabalhar como um júri. O que ele não sabe é que nada daquilo é real – todos os outros presentes no tribunal, desde os agentes federais até o próprio réu, são atores.

A proposta da dupla Lee Eisenberg e Gene Stupnitsky, os criadores de The Office, poderia ser insensível e, até mesmo, cruel, não fosse o fato do mockumentary nunca perder de vista a humanidade de seu protagonista. A todo momento, Ron reage às circunstâncias bizarras que o cercam com empatia e paciência genuínas; isso, juntamente com um roteiro pré-definido hilário, é o responsável pelo sucesso da série.

Com quatro indicações ao Emmy 2023, incluindo na categoria de Melhor Série de Comédia, Na Mira do Júri veio para mostrar que fugir do comum e apostar no inusitado é um risco e tanto, mas um que vale a pena. Seu sucesso estrondoso faz com que não seja difícil imaginar uma enxurrada de sitcoms com câmeras escondidas nos próximos anos, porém parece improvável que qualquer uma delas seja capaz de capturar a mesma magia deste tribunal de faz de conta. – Raquel Freire

2ª temporada de Next In Fashion

Junte a sabedoria e irreverência de Tan France, estilista conhecido por participar de Queer Eye, e a experiência na indústria da moda de Gigi Hadid, uma das figuras mais importantes das passarelas nos últimos anos, e pronto: você tem uma dupla de apresentadores perfeita para um reality show repleto de desafios e emoções. Na segunda temporada de Next In Fashion, Hadid investe em looks esplêndidos para assumir o antigo posto da editora da Vogue britânica, Alexa Chung, em um ano mais colorido e repleto de referências.

Isso porque, dessa vez, os tecidos mais tradicionais deram lugar aos patches jeans de Nigel Xavier, o vencedor da temporada que ganhou também o título de ‘Mago dos Jeans’. Com uma perda de ritmo lá pelo meio da temporada, o seriado da Netflix consegue recuperar o folêgo, não ironicamente, através da respiração acelerada dos competidores, cada vez mais engajados com os as propostas, entregando trabalhos artísticos incríveis. Next In Fashion ainda contou com a participação de convidados para além de especiais, como a lendária Donatella Versace e Bella Hadid, irmã de Gigi que conquistou o seu próprio espaço no universo da moda. – Nathalia Tetzner

1ª temporada de O Jogo do Diabo

Até onde você iria para vencer um jogo e levar para casa um grande prêmio em dinheiro? Essa é a premissa de O Jogo do Diabo, o reality show que reúne doze pessoas com altos níveis de inteligência para competir entre si. A série explora os instintos humanos frente a necessidade de completar desafios, e as reações variam de trabalho em equipe até traição. Tudo, exceto roubo e violência, é permitido no jogo e isso, combinado às mentes brilhantes dos participantes, deixa toda a experiência mais interessante. O reality se destaca por apresentar provas de estratégias e ética. 

A série é um dos grandes investimentos da Netflix em programas asiáticos. Desde o sucesso estrondoso de Round 6, a plataforma criou diversos produtos vindos do oriente e O Jogo do Diabo é uma ótima adição a esse grupo. O maior destaque dos episódios foi o antagonismo formado entre dois grupos da casa – um liderado por Ha Seok-jin e o outro por ORBIT –, que batalharam até a grande final, demonstrando o ‘nós versus eles’ que é presente nas sociedades do mundo real. O reality é um bom projeto que já foi renovado para a segunda temporada, apenas dois meses após seu lançamento. – Gabrielli Natividade 

3ª temporada de Only Murders in the Building

Após passar duas temporadas presas ao formato de paródia das obras true crime, Only Murders in the Building retornou para sua nova leva de episódios com um cenário completamente diferente. Saímos um pouco do edifício Arconia e vamos para o mundo dos musicais da Broadway ou, mais especificamente, a criação e os bastidores por trás deles. O ponto de partida é o cliffhanger plantado ao final da temporada anterior, em que vimos a morte suspeita de Ben Glenroy (Paul Rudd, de Homem-Formiga) no palco, logo na noite de estreia da peça de Oliver (Martin Short, de Três Amigos!). 

No decorrer das investigações, somos agraciados com ótimas novidades. Uma delas é a própria comicidade do texto, que se deixa levar pelo espírito teatral em piadas específicas e hilárias, como o bloqueio criativo de Charles (Steve Martin, de O Pai da Noiva). Outro ponto interessante são os números musicais cheios de personalidade própria, desde o carisma de Which of the Pickwick Triples Did It? até a melancolia de Look for the Light. Esse segundo, no caso, é cantado por aquela que é provavelmente a maior estrela da temporada: Meryl Streep. 

Indo além da piada pronta de uma profissional tão consagrada interpretar uma atriz aspirante, Streep adiciona um componente humano e singelo a sua Loretta, de tal forma que reflete o próprio estado atual da série. Ao invés de se manter na zona de conforto, Only Murders in the Building preferiu abraçar a vivacidade e a energia de um grande espetáculo e, assim, realçar sua trama de mistérios e revelações surpreendentes. O saldo final é, talvez, o melhor da série até agora. – Nathan Nunes

O Ultimato – Queer Love

Se você está pronto para dizer “sim”, mas seu parceiro não, o que há de melhor do que expor seus problemas conjugais para o mundo inteiro e entrar em um reality show? A premissa renderia o filme de terror mais assustador já feito – ou simplesmente O Ultimato: Ou Casa ou Vaza. Substitua os casais heterossexuais por casais sáficos, adicione uma generosa pitada de sentimentos à flor da pele e uma boa dose de conversas honestas e terá a versão melhorada do programa da Netflix: O Ultimato – Queer Love.

Não é difícil entender que tudo LGBTQIA+ fica melhor. Na primeira edição da versão sáfica (afinal, há mulheres bissexuais e pessoas não binárias), a experiência é igual: se sua parceira não está pronta para casar, case com outra e depois volte com ela. A proposta é suficiente para causar um rebuliço emocional nas participantes e propor reflexões se a pessoa com quem entraram no reality é a mesma com quem devem sair após a experiência.

Para além do “sim” ou “não” final, as seis semanas do experimento são suficientes para fazer qualquer um torcer pelo pé na bunda, por uma devida reconciliação ou por um casal completamente novo. Quem nunca falou sobre ter filhos juntos no primeiro encontro que atire a primeira pedra. A angústia pura dos nove episódios tem seu encerramento em uma dinâmica final de reencontro e escancara que o entretenimento só seria maior se a apresentadora também fosse sáfica. – Vitória Gomez

2ª temporada de O Verão Que Mudou Minha Vida (The Summer I Turned Pretty)

O que acontece com aquele romance de verão que tenta se manter vivo durante as outras estações? Na segunda temporada de The Summer I Turned Pretty, acompanhamos o novo momento vivido por Belly (Lola Tung), Conrad (Christopher Briney) e Jeremiah (Gavin Casalegno) após a morte da mãe dos meninos. O triângulo amoroso do Amazon Prime Video retorna do ano letivo para tentar impedir a venda da casa de praia, que é palco para muitos dramas adolescentes e responsabilidades da vida adulta que vem chegando. A delicadeza e sutileza da história de Jenny Han também são mantidas na adaptação nesse segundo ano, com novos personagens sendo introduzidos e outros já conhecidos ganhando mais destaque. A química entre Taylor (Rains Spencer) e Steve (Sean Kaufman), a melhor amiga e o irmão da protagonista, rouba a cena. 

Com certeza, um dos pontos altos da temporada é a trilha sonora com Taylor Swift e Olivia Rodrigo embalando as lágrimas. Também escutamos Tyler, the Creator, Tame Impala, Bleachers e muitos outros, que nos transportam para a fictícia Praia dos Cousins. Ou seja, para aqueles que gostam de um bom clichê adolescente é a pedida certa. Com muito romance, cenas no parque de diversões, encontros para ver a neve na praia e enredos que vão se tornando mais complexos, ao passo em que os jovens vão percebendo as responsabilidades que os adultos carregam para que eles sempre tenham o verão dos sonhos. A terceira temporada de O Verão que Mudou a Minha Vida já está confirmada. – Costanza Guerriero

1ª temporada de Percy Jackson

Aguardada pelos fãs da série desde a icônica, porém nada fiel, live-action do primeiro livro da franquia que estreou em 2010, a adaptação da Disney+, Percy Jackson e o Ladrão de Raios estreou sob grande animação dos leitores mais fiéis da franquia. Cobrindo todo o conteúdo do primeiro livro, a primeira temporada entregou de maneira fiel um jovem de 12 anos que descobre ser filho de um Deus e vê sua vida mudar de cabeça pra baixo. Percy Jackson, interpretado por Walker Scobell, ao lado de Groover (Aryan Simhadri) e Annabeth (Leah Jeffries), embarca em uma jornada de grandes aventuras enquanto tenta provar que não roubou o raio mestre do Rei dos Deuses.

Talvez a grande fraqueza esteja em ser extremamente fiel ao material original, mantendo convenções clássicas de livros e se esquecendo, em partes, de como a produção audiovisual possui outros jeitos de criar. Sendo todos os episódios resumidos a um capítulo do livro, o telespectador passeia por momentos rasos e alguns com muitas informações para pouco tempo de tela, o que pode gerar um desconforto, além de contar com as tradicionais convenções de corte brusco, que funcionam muito bem no papel mas, em excesso, causam um desconforto na ‘telinha’. Contudo, Percy Jackson pode agradar o público em um ritmo não muito acelerado e com uma nostalgia gostosa. – Aryadne Xavier 

1ª temporada de Poker Face

Assim como Lady Gaga em 2008, Poker Face chegou como quem não quer nada, mas diferente de sua xará do pop, não foi tão estrondosa quanto, principalmente por estar escondida no nichado serviço de streaming unicamente estadunidense Peacock (ou em águas misteriosas na Internet). Mas isso não chega a ser demérito, pelo contrário, a série se transforma em uma pepita de ouro que recompensa quem a acha ao longo de seus oito episódios perfeitos para se maratonar.

A obra conta a história de Charlie Cale, uma norte-americana que tem a habilidade de saber quando alguém está blefando só de olhar no olho, o que faz com que ela conquiste inimigos e tenha que fugir pelas estradas dos EUA. Criada por Rian Johnson, a produção abusa da nostalgia de quem cresceu embalado pelas séries de casos da semana do início do século, fazendo com que Poker Face crie um envolvente mistério muito bem arquitetado, que se sustenta aqui graças a um texto afiado e ao carisma surreal da personagem de Natasha Lyonne. – Guilherme Veiga

1ª temporada de Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton (Queen Charlotte: A Bridgerton Story)

Produzir um spin-off de uma série que conquistou a audiência pode, muitas vezes, ser um tiro no próprio pé. Felizmente, para Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton, a narrativa encontrou seu final dos sonhos com o desenvolvimento da história de vida da monarca e personagem secundária de Os Bridgertons, Charlotte (Golda Rosheuvel e India Armateifio). Carisma, intensidade, sentimentalismo e romance são apenas alguns dos aspectos apresentados na trama e que resultaram em uma estatueta do Emmy 2023 para a produção.

Com trajes extravagantes, uma Fotografia impecável e um elenco muito bem escalado, a série aumenta ainda mais a qualidade das produções do universo da extensa família, especialmente por abordar, com êxito, questões sociais e delicadas. Shonda Rhimes é certeira e mostra que é possível que obras audiovisuais com temática de época sejam mais do que atuais. Mesmo com apenas oito episódios, a trama se desenvolve sem deixar pontas soltas e se mantém íntegra do início ao fim, mas não sem deixar um espacinho para que mais personagens secundários se tornem protagonistas de suas próprias histórias. – Gabriela Bita

15ª temporada de RuPaul’s Drag Race

RuPaul’s Drag Race é um dos principais programas do cenário drag e completou 15 anos de história em 2023. Depois de tanto tempo, o reality show ainda tenta se reinventar sem perder a sua essência. Por exemplo, os novos desafios especiais de show de talentos e festival de lipsync, que foram introduzidos na 14° temporada, foram feitos novamente. Mas, as provas tradicionais, como o baile e o snatch game, ‘queridinhos’ do público, se mantiveram. Outra coisa que também foi novidade na nova leva de episódios é o prêmio da vencedora, que aumentou pelo segundo ano consecutivo, passando de 150 mil dólares, para 200 mil. 

O elenco do 15° ciclo também deu o que falar. Alguns destaques são: a ‘fashionista’ da temporada, Luxx Noir London, a lipsync assassin do ano, Anetra, e as primeiras gêmeas do programa, Sugar e Spice. Claro que a grande estrela foi a vencedora Sasha Colby, drag mother de Kerri Colby, que participou do elenco anterior. Sasha já era uma veterana de concursos quando entrou no programa e, desde o primeiro episódio, todas as participantes sabiam que seria difícil ganhar dela. Talentosa e versátil, ela foi a segunda mulher trans a vencer o RuPaul’s Drag Race, seguindo Willow Pill, vencedora do ano anterior. – Gabrielli Natividade 

4ª temporada de Sex Education

A série britânica que conquistou fãs por abordar sexo e sexualidade com sensibilidade e bom humor chegou ao fim. O último ano de Sex Education não se contenta em apenas finalizar as histórias dos personagens, apresenta novas personalidades e uma nova escola, Cavendish. De começo, é fácil sentir estranheza com a liberdade e positividade do ambiente, que não se assimila com o colégio de Moordale, mas aos poucos revela ser problemático.

A quarta temporada usa o novo espaço como palco para falar sobre novos temas: acessibilidade e formas de sentir prazer. Mas nem tudo se resume a ‘educar’, o relacionamento de Otis com seus amigos excêntricos em suas personalidades, que fizeram da série um sucesso, continuam como epicentro. Alguns personagens não têm seus desfechos previsíveis – a despedida de Otis, Eric e Maeve teve muita maturidade –, muitos casais e amigos se separam, mas tudo é feito com sensibilidade e leveza, mesmo quando aborda o luto, a série não perde seu astral.   – Davi Marcelgo

1ª temporada de Scott Pilgrim: A Série

Uma das maiores dúvidas que rodeavam o lançamento de Scott Pilgrim: A Série era se a produção faria jus à obra original e a sua adaptação cinematográfica, lançada em 2010; depois de qualquer incerteza que se passou, é inegável que a nova série animada entregou mais do que prometeu. O anime foi produzido por BenDavid Grabinski em colaboração com Bryan Lee O’Malley, o criador das HQs originais que serviram de base para essa nova adaptação.

Em relação ao filme dirigido por Edgar Wright, Scott Pilgrim Contra o Mundo, vale destacar que teve o desafio de resumir seis volumes de quadrinhos em menos de duas horas, sendo bem-sucedido em muitos aspectos – embora seja apressado demais em alguns momentos. Porém, neste novo lançamento, a história teve mais tempo para respirar e se desvendar, já que se estende por oito episódios que variam de vinte a trinta minutos de duração. É por isso que podemos acompanhar um maior desenvolvimento de cada personagem da narrativa, se aprofundando em traços antes desconhecidos de cada um, o que não foi possível em apenas um longa.

Logo no primeiro episódio, já é apresentado um evento que foge completamente da história original, mostrando que a nova produção se empenha em trazer algo novo e não se rende à preguiça de seguir uma narrativa previsível. Scott Pilgrim: A Série se aproxima mais das HQs que da adaptação do Cinema em vários sentidos – com destaque ao estilo de animação, que se assemelha quase que identicamente aos traços dos quadrinhos –, mas propõe uma releitura refrescante da história. Assim, mesmo tendo um foco maior em agradar fãs que já conhecem o filme e os livros, o anime entrega algo para todo público, independente de sua familiaridade com a obra. – Leandro Santhiago

1ª temporada de Silo

Baseada na trilogia de livros homônima de Hugh Howey, a série produzida pela Apple TV garante um misto de ficção científica e drama. A história acontece em um cenário pós-apocalíptico distópico, onde a sociedade é forçada a habitar o subsolo por conta de um evento climático misterioso que atingiu a atmosfera terrestre, tornando o ar extremamente tóxico.  

Entre mistérios e rigidez, aqueles que quebram as regras ou fazem perguntas são enviados para a atmosfera, e acabam morrendo em frente às câmeras após alguns minutos de exposição, enquanto a população dentro do Silo assiste. Ninguém sabe como a construção subterrânea surgiu, e nem se o que veem nas câmeras é real. Graças a isso, a série tem muito o que contar. Através da inquietação e curiosidade da personagem de Rebecca Ferguson (Duna), é possível ver o desenrolar da série que garantiu sucesso em 2023 e já tem sua segunda temporada em produção. – Pâmela Palma 

4ª temporada de Succession

No encerramento de Succession, as disputas da família Roy se acirram em um momento de tensão e na batalha egocêntrica dos primogênitos. Nesta reta final, a primorosa jornada dos irmãos alcança oscilações de rivalidades não vistas dessa forma antes e, com uma metade de temporada surpreendente, as relações se alteram, ameaçando definitivamente a hegemonia da Waystar. Porém, o mais evidente nesse season finale está na ousadia de integrar o drama familiar e a desilusão incessante na busca por poder.

Marca registrada de Succession, a guerra de interesses políticos e também pessoais levou os irmãos Roy ao declínio inevitável de seus desejos. A sobriedade do showrunner Jesse Armstrong em sistematicamente fazer escorrer o veneno de Logan Roy nessa temporada e, assim, martirizar cada um de seus personagens é a confirmação da ruína lógica da Waystar, pelo menos no que tange a participação de seus fundadores. Desta forma, as conclusões de Kendall, Shiv e Roman marcam as dolorosas obsessões não alcançadas e consolidam Succession como uma das mais completas e complexas obras para a TV dos últimos anos. – João Pedro Bronzoli

3ª temporada de Ted Lasso

Ted Lasso teve na sua terceira temporada, a última da série. A produção, que estreou em 2020, se tornou um sucesso na AppleTV+ e nos seus dois primeiros anos conquistou dez Emmys, incluindo Melhor Série de Comédia. Ted Lasso mostra como seria um mundo ideal no futebol, com homens enfrentando a masculinidade frágil, questionando homofobia, racismo e xenofobia. 

Enquanto no mundo real essas mudanças ocorrem de forma lenta, a série mostra que não é impossível esse mundo perfeito, basta ter as pessoas certas ao lado. Com um roteiro certeiro e excelentes atuações, a série tem a combinação perfeita de elementos que garantem uma experiência incrível desde um humor de bom coração até uma história atraente de zebras. Gerando momentos engraçados e emocionantes, Ted lasso terminou na hora certa. – Rafael Gomes 

2ª temporada de The Bear

Continuando a maré incrível das produções seriadas de 2023, The Bear chega à mesa dos espectadores como um prato que balanceia perfeitamente o cítrico,  doce, amargo e, principalmente, o humano. Seguindo com o familiar caos à la Carmy (Jeremy Allen White), apreciamos os novos sabores que surgem no restaurante mais amado de Chicago de uma maneira diferente do que em sua estreia – ainda mais íntimo que quando participamos dos gritos, choros e decepções da cozinha de The Beef. 

Explorando o passado, presente e futuro da equipe, a direção brilha ao nos permitir entrar na vida de Sydney (nossa querida e aclamada Ayo Edebiri), Tina (Liza Colón-Zayas), Ebra (Edwin Lee Gibson) e Marcus (L-Boy). Conforme acompanhamos a construção do novo restaurante, vemos também o nascimento de novos profissionais, com novas versões daquelas figuras que víamos tão despreparadas no início da série. No fim, percebemos que o único que não consegue acompanhar esse ciclo de renovação é Carmy, que permanece preso nas antigas versões de si mesmo.

The Bear não só conquistou ainda mais o coração do público como também muitas estatuetas nas principais premiações da TV e do Cinema. Consolidando seu título de uma das melhores séries de 2023 e esquentando o clima e as panelas para uma terceira temporada na cozinha da chef Sydney. – Clara Sganzerla

1ª temporada de The Curse

Quem conhece os trabalhos anteriores do Nathan Fielder já espera que, se ele está envolvido, não vai ser fácil de assistir. Foi com Nathan for You, série com que se lançou no Comedy Central, em estilo mockumentary, que o comediante revelou sua habilidade em dominar a mescla entre o real e o absurdo como ninguém. Em 2023, se uniu ao co-criador da série, Benny Safdie – parte de um dos duos de cineastas mais notáveis dessa geração junto ao seu irmão –, e Emma Stone, para mais uma vez testar os limites até os quais consegue induzir a vergonha alheia na audiência.

Em The Curse, Fielder e Stone interpretam um casal recém-casado estrelando um reality show dirigido pelo personagem de Safdie, no qual querem documentar a visão deles para a transformação de um pequeno bairro majoritariamente latino e indígena no Novo México, chamado Española, em uma utopia moderna ecossustentável. Cria-se uma sátira hilária e inteligente ao complexo do salvador branco norte-americano e ao assistencialismo performático que o acompanha. A produção força ao máximo para descobrir o quanto conseguimos assistir sem desviar o olhar em constrangimento diante desses personagens completamente desligados da realidade que estão tão investidos em socorrer.  – Giovanna Freisinger

1ª temporada de The Last Of Us

Quando as notícias da adaptação do título de videogame de maior sucesso da Naughty Dog passaram a percorrer pelas mídias, uma linha tênue desenhou-se em meio às expectativas, desejos e medos: The Last of Us seria um sucesso total ou uma desgraça completa. Para nossa sorte, nunca antes tínhamos presenciado uma construção de roteiro, personagens e expansão tão rica como a que foi produzida dentro do universo pós-apocalíptico da produção da HBO.

No entanto, a devastação total causada pelo fungo Cordyceps não é o foco da trama. Apesar da luta pela sobrevivência ser um fantasma que acompanha constantemente os protagonistas, a narrativa nos leva pelas angústias, traumas, violências e o amor envolvido nas relações que ainda restaram. Com sensibilidade e fidelidade, é lindo acompanhar a luz que nasce através da relação entre Ellie (Bella Ramsey) e Joel (Pedro Pascal) que, timidamente, ilumina um futuro um pouco menos sombrio para ambos. 

Mesmo com críticas pelo lado dos fãs dos games, a série furou a bolha e conquistou até mesmo aqueles que não possuem um console em casa. Com uma segunda temporada confirmada e alguns prêmios ganhos pelo caminho, teremos o privilégio de ver um jogo de sucesso virar, também, uma série de renome absoluto. – Clara Sganzerla

3ª temporada de The Other Two

The Other Two conta a história de três irmãos: um adolescente que se tornou um superstar e os ‘outro dois’, por isso o nome da série. A comédia é um triunfo graças ao texto afiado de Chris Kelly e Sarah Schneider. Os dois não poupam críticas aos acontecimentos do entretenimento dos últimos anos, como a relação da Disney com personagens LGBTs e a dinâmica entre assessores de imprensa e superestrelas. 

A partir da ascensão de um jovem e a decadência de seus irmãos mais velhos, The Other Two coloca em foco aqueles que se sentem perdidos na vida adulta. O terceiro e último ano da série encerra as jornadas de Brooke e Carey Dubek brilhantemente, mostrando que eles são muito mais do que apenas ‘os outros dois’. Terminando no auge, a comédia vale o seu tempo. – Guilherme Machado Leal

Treta (Beef)

A produtora A24 nunca falha em garantir a representatividade da minoria mais amada do audiovisual: os coitados. Estrelada por Ali Wong e Steven Yeun, a minissérie Treta é uma jornada envolvente de altos e baixos permeada pelo ditado “quando você aponta um dedo para alguém, três estão apontados para você”. Afinal de contas, o vazio de uma vida pode ser preenchido pelo vazio de outra? 

Assistir à Treta pode levar uma única tarde, mas digeri-la pode levar dias. Tal fato se deve tanto ao seu caráter tosco quanto à sua beleza disfuncional. Esta, aliás, está registrada nos dois protagonistas cuja inimizade não passa de uma florescência de auto-ódio, regado desde sempre na vida de ambos. Embora o começo dê uma impressão de simplicidade da trama, a obra logo prova ser um método eficaz contra o acúmulo de pontos na carteira, uma vez que uma mera briga no trânsito pode nos levar a lidar com algo pior do que multas: nós mesmos. – Ana Cegatti

A história de superação de uma mulher que sonha em ser cantora, mas trabalha vendendo marmitas para pagar a faculdade da filha parece um enredo banal ou clichê visto de longe, mas a riqueza de Vai Na Fé está em seu bom humor e leveza de cada personagem, uma boa percepção dos roteiristas diante da versatilidade dos brasileiros. Esses que aceitam uma história que inclui casais LGBTQIA + e pessoas negras com imensa importância na trama, ao mesmo tempo em que é protagonizada por uma família de fervorosos religiosos.

As atuações são absurdamente cativantes e  fazem se fundir as personalidades reais e fictícias. Os maiores destaques são Sheron Menezzes como Sol e Clara Moneke como Kate Cristina, uma se destacando pela imensa capacidade de seduzir e prender a torcida leal do público e a outra por conseguir arrancar as risadas mais genuínas possíveis.

Vai na Fé é, sem dúvidas, a novela que mais captou a essência brasileira sem precisar do tradicional rebusco das novelas das nove. Uma obra simples direta e absolutamente cativante, com uma trama baseada em problemas cotidianos e sem grandes ambições, o roteiro de Rosana Svartman mostra como equilibrar perfeitamente os interesses de uma nova geração hiperconectada que tinha se afastado da TV aberta na última década, e os interesses de quem sempre amou as novelas e que talvez tema as mudanças que o tempo traz ao gênero. Vai na Fé marcou não só o ano como a própria história da teledramaturgia. – Guilherme Dias Siqueira

1ª temporada de Vale O Escrito: A Guerra do Jogo do Bicho

Com grande repercussão no universo cronicamente online, Vale O Escrito: A Guerra do Jogo do Bicho ecoa um fenômeno tão intriseco na realidade brasileira que poderia muito bem se encaixar às referências culturais de Silvio Santos e futebol, presentes naquele meme que usamos quando um ‘gringo’ descobre algo sobre nós nas redes sociais: “Is that a Brasil reference?”. Com a pesquisa aprofundada de Fellipe Awi, a série documental da Globoplay é estilosa graças a direção artística de Monica Almeida e surpreende, ainda, com uma sequência de acertos de Pedro Bial na narração dos sete episódios dirigidos por Awi, Ricardo Calil e Gian Carlo Bellotti.

A prática atualmente ilegal não é incomum a nós, na verdade, estamos acostumados a escutar histórias sobre algum parente que, em uma determinada época, se envolveu de vez com as apostas, ou conhece aqueles que mantém seus negócios às escondidas. Passando de forma tão natural como o assunto é, de bar em bar, Vale O Escrito: A Guerra do Jogo do Bicho acerta ao escolher os grandes ‘bicheiros’ do Rio de Janeiro como recorte, assim, representando, todo o caos e violência gerados pela prática entre os grandes chefões das escolas de samba. O tópico é sensível, os personagens existem na vida real e continuam entre nós, nisso, o documentário parece finalmente elucidar questões enraizadas pelo país – Nathalia Tetzner

2ª temporada de Yellowjackets

A série Yellowjackets tem uma premissa um tanto curiosa: na década de 1990, adolescentes do time de futebol da escola x embarcam para jogar nas competições nacionais e sofrem um acidente de avião. Durante 15 meses, as garotas, mais conhecidas como as Yellowjackets, vivem à mercê dos perigosos das florestas em busca de ajuda. Na segunda temporada, a abordagem se torna mais intensa e acompanhamos o definhamento das meninas e a animalização a que são submetidas devido à vida que levaram nesse período. Com o drama mesclado a tiradas sutis, o programa televisivo do Showtime amplia o amor que os fãs possuem pelas Jaquetas Amarelas ao mostrar todas as facetas das personagens principais.

A trama é dividida em dois momentos temporais: no passado, época em que as Yellowjackets tinham a floresta como o seu lar, e no presente, 25 anos após o choque que marcou a vida de cada uma daquelas garotas, seja individual ou coletivamente. Além da narrativa, as atuações são de tirar o fôlego. Com um elenco adolescente à la HBO, as atrizes principais entregam o texto do segundo ano da forma que ele merece; nem tão dramático tampouco raso, na medida certa. Aliás, as veteranas que interpretam as mesmas personagens após a passagem de tempo cumprem o papel e fazem jus à versão imatura delas Aqui, os traumas e as personalidades são indissociáveis, se entrelaçando e constituindo as características principais do sexteto imortal. – Guilherme Machado Leal

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