Bruno Andrade

No início dos anos 1970, os Estados Unidos começaram a receber as primeiras respostas negativas à efervescência cultural que se deu na década anterior. Após as aberturas políticas e libertárias que se estabeleceram como força motriz da sociedade civil organizada – além de manifestações políticas profícuas e históricas –, o país começou a enfrentar uma diminuição do interesse público nas políticas liberais e de contracultura. Na esteira, ainda estava por vir a quebra da coletividade e do bem comum que nortearam os ideais hippies anos antes. O neoliberalismo ganhou força popular, Richard Nixon chegou à presidência (1969-1974) e o culto da imagem se estabeleceu – algo que Guy Debord já alertava em A Sociedade do Espetáculo (1967). Mas ao contrário do que se pode imaginar, quando nada pode acontecer, tudo é possível de novo.

Esse é o caótico cenário cultural de Licorice Pizza, 9º filme do diretor Paul Thomas Anderson (PTA), estrelado por Cooper Hoffman e Alana Haim, ambos estreantes em longa-metragens. Lançado nos EUA em novembro de 2021, a trama traz Gary Valentine (Hoffman), um jovem ator de 15 anos com verve de pequeno empreendedor, e Alana Kane (Haim), uma mulher de 25 anos perdida sobre o futuro, vivendo em meio aos conflitos sociais – e geracionais – de 1973. A obra concorre no Oscar 2022 como Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Roteiro Original – categoria em que é um dos favoritos à estatueta.

Licorice Pizza começa com uma pista falsa: Gary Valentine está na fila para tirar a foto de seu anuário escolar, e Alana Kane, que está trabalhando no local, surge como a idealizada mulher mais velha. O garoto então começa a puxar assunto, com a lábia de um malandro vendedor do tipo que te pega pela mão e não deixa mais ir embora, jogando elogios e a convidando para um jantar que ela não aceita imediatamente, mas comparece na hora marcada. A conversa é tão boa que nos esquecemos que Valentine tem apenas 15 anos de idade. Mas, novamente, essa é uma pista falsa. Primeiro porque Valentine, não muito tempo depois, se mostrará o que realmente é: um adolescente; segundo pois, diferente do que a cena inicial sugere, a verdadeira protagonista do filme é Kane.

Aliás, pistas falsas e referências engraçadinhas permeiam todo o filme. Em uma cena, na qual os dois personagens principais estão numa lanchonete, Gary lê um anúncio no jornal sobre um filme pornográfico chamado Garganta Profunda. No mesmo momento, Richard Nixon aparece na pequena televisão lateral anunciando o embargo que deu origem à Crise do Petróleo de 1973. “Garganta Profunda” foi o codinome usado pelo informante que revelou aos jornalistas do Washington Post o escândalo político de Watergate, que veio a derrubar Nixon.

Em outra cena, Jon Peters (Bradley Cooper) surge como “namorado de Barbara Streisand”. Na vida real, Peters foi produtor do musical Nasce Uma Estrela (1976), estrelado por Streisand, que recebeu um remake dirigido por Bradley Cooper em 2018, com Lady Gaga no papel principal. Por Licorice Pizza, o ator disputou somente o SAG Awards 2022, no qual concorreu como Melhor Ator Coadjuvante, mas não levou. Porém, rato das premiações, Cooper integra a produção de O Beco do Pesadelo, longa de Guillermo del Toro que concorre na categoria no Oscar 2022.

Mas a cena inicial diz bem mais do que parece dizer. Após o flerte quase juvenil, apesar da desenvoltura estonteante de Gary, tudo se rompe num ato de machismo, quando o fotógrafo passa a mão em Alana assim que o adolescente dá às costas. Logo no início o diretor transmite a mensagem explícita sobre a condição de aprisionamento a qual Alana vive. O encontro com Gary, um garoto de 15 anos, não parece algo tão ruim, afinal. 

É interessante notar, de qualquer forma, que esse relacionamento parece meio infantil desde o princípio, e os personagens não se beijam até os minutos finais – momento em que há o único beijo de todo o filme –, e sequer tocam suas mãos sem um leve constrangimento. O diretor foi esperto ao deixar esse relacionamento no campo platônico, visto que qualquer avanço em outro sentido poderia limitar demasiadamente – e até estragar – o filme.

Em 2022, as três indicações de Licorice Pizza ao Oscar giram em torno do diretor. Nenhum outro aspecto do longa foi contemplado pela Academia, diferentemente do BAFTA, que elencou o filme a 5 categorias, incluindo Melhor Montagem para Andy Jurgensen. Em seu trabalho anterior, Trama Fantasma (2017), Anderson foi indicado a Melhor Direção pela segunda vez, somado às outras 5 categorias em que o filme concorreu. Lá, as relações de poder se estabelecem em uma disputa quase violenta entre os diálogos de Reynolds (Daniel Day-Lewis) e Alma (Vicky Krieps). Já em Licorice Pizza, a relação entre Gary e Alana é branda, e mesmo nos momentos mais emotivos há uma percepção de empatia que ambos conservam entre si.

Paul Thomas Anderson se sagrou um dos grandes cronistas dos Estados Unidos ao retratá-los como nação despedaçada e cega pelo poder. Em Sangue Negro (2007) – longa adaptado do livro de Upton Sinclair, que rendeu o Oscar de Melhor Ator para Day-Lewis –, a relação sádica da busca do domínio através do petróleo é traçada primorosamente. Em Vício Inerente (2014), adaptação do excelente livro homônimo de Thomas Pynchon, a excitação cultural dos anos 1960 é jogada às telas com maestria. Mas olhando em retrospecto, Licorice Pizza soa como uma continuação do cenário explorado pelo diretor em Boogie Nights (1997), que além de se passar nos anos 1970, transcorre na mesma cidade, San Fernando Valley. Contudo, o que Anderson sabe fazer como ninguém é contar histórias – e boas histórias.

De certa forma, ao escolher a comédia romântica, PTA a subverte em seu roteiro original, dando protagonismo à personagem mais velha, e não ao jovem que se apaixona por uma versão idealizada do que seria a pessoa perfeita, como se convencionou a fazer em filmes do gênero. Alana Kane é autoconsciente o bastante para entender a situação esquisita a qual se meteu, e chega a questionar para a irmã, em determinada cena, se não é estranho que ela passe a maior parte do tempo com adolescentes de 15 anos (Valentine e seus amigos). Essa característica joga luz a mais uma brincadeira do diretor, que parece apontar para a alienação boba que outras comédias românticas trazem com protagonistas inconscientes das problemáticas básicas envolvendo a idade.

Em entrevista, o diretor revelou um certo caráter familiar que transpassa a obra, e não por acaso a personagem principal recebe o nome real da atriz que a interpreta. PTA já dirigiu clipes da banda indie HAIM, composta por Alana e suas irmãs – Este e Danielle –, que também atuam no longa-metragem, ao lado de seus verdadeiros pais, Mordechai e Donna. Pouco depois do filme estrear nos cinemas brasileiros, o power trio divulgou a canção Lost Track, que conta com mais um clipe dirigido por Anderson. Antes do lançamento oficial, o vídeo vinha sendo exibido em sessões de Licorice Pizza nos cinemas estadunidenses. Mas o fato é que, desde a idealização do roteiro, o diretor concebeu o filme com Alana Haim na pele de Alana Kane, e, ao assistir o longa, fica difícil imaginar outra atriz que casaria tão bem com o papel.

O complicado, na verdade, é tentar entender por qual razão a artista não está na lista do Oscar, após ter entregado uma atuação primorosa e verdadeira, figurando na disputa de Melhor Atriz no BAFTA e no Critics Choice Awards. Do outro lado, a estreia de Cooper Hoffman tem igualmente um valor sentimental. Seu pai, Philip Seymour Hoffman, além de ter sido um dos atores favoritos de Anderson, foi também um amigo íntimo, e, segundo o diretor, a estreia do jovem Cooper não foi tão estranha, tendo em vista que já o havia dirigido em pequenos filmes caseiros. O fato é que Alana Haim e Cooper Hoffman, juntos, operam em uma sincronia e compaixão tão genuína que, invariavelmente, só podemos sentir empatia por esse casal improvável – não se trata de uma história que aponta para vilões.

Apesar da relação de amor ser o mote de todo o roteiro, Paul Thomas Anderson consegue encapsular em pouco mais de 2 horas de filme uma época nostálgica, misturando-a com sua própria formação pessoal. O título do filme surge daí, em homenagem a uma clássica rede norte-americana de loja de discos que se popularizou nos anos 1970/80, e era frequentada por Lester Bangs e pelo próprio PTA quando jovem (a arte e grafia no título do filme são as mesmas utilizadas no logotipo da loja). Todavia, não é uma história autobiográfica. Segundo o diretor, Licorice Pizza foi concebido através de histórias muito específicas – majoritariamente de amigos, não especificamente dele – que possuem um fundo de verdade, mas que não as representam em sua totalidade. 

Como um livro de contos interligados por um mesmo tema, a obra não se restringe ao romance. As cenas e os diálogos avançam sobre as ebulições sociais, e de certa forma apontam para uma narrativa que tem como enfoque o cenário e a ambientação. Todo o entorno está sempre em movimento, e os personagens se movimentam juntos. Por essa razão, o trabalho dos protagonistas de primeira viagem ganha ainda mais força, a considerar também o fato de Licorice Pizza contar com um elenco de peso, que vai de Sean Penn e Tom Waits à Mary Elizabeth Ellis e Benny Safdie, passando pelo infeliz papel de John Michael Higgins, que interpreta Jerry Frick, dono de uma rede de restaurantes especializados em comida japonesa que insiste em fazer a caricatura do que seria um sotaque japonês, soando bastante racista. São apenas duas cenas em que o personagem aparece – nas duas ele finge o sotaque –, e ambas não fazem muito sentido com o resto da história; se fossem cortadas na edição final, nada seria perdido.

Uma das marcas do diretor são as histórias que se interligam, além dos planos longos e os zoom-ins que possibilitam um estado de frenesi hipnótico. Isso se completa com a trilha sonora sempre acertada de Jonny Greenwood – que concorre no Oscar 2022 pela Música de Ataque dos Cães, além de ter feito os temas de Spencer –, guitarrista do Radiohead e amigo pessoal do diretor, cuja colaboração vem ocorrendo há anos. Em 2015, ambos fizeram uma viagem à Índia, dando origem ao documentário Junun. 

Entretanto, de todos os filmes na carreira do californiano, Licorice Pizza é o que menos retrata estágios de ansiedade e esgotamento mental – a exemplo de sua outra comédia romântica, Embriagado de Amor (2002), estrelada por Adam Sandler –, e isso se reflete nas canções – tanto nos temas originais de Greenwood quanto nas trilhas que ajudam na composição do ambiente, como Peace Frog do The Doors, Life on Mars? de David Bowie e Stumblin’ in, de Suzi Quatro e Chris Norman. 

Talvez um dos motivos para o diretor ter optado por deixar o filme mais “leve” seja, justamente, o entorno histórico que cerca Alana e Gary. Em meio a falência da contracultura e ao fiasco dos Estados Unidos na Guerra do Vietnã, o que mais pode dar errado? Enquanto Valentine aproveita qualquer oportunidade para tentar ganhar dinheiro – provavelmente porque entende isso como uma atitude adulta –, Kane se esforça em construir sentido e significado a uma vida que, aparentemente, não oferece nenhum. Embora ambos pareçam indivíduos tão diferentes, estão ligados pelo simples fato histórico de estarem vivos na mesma época. Isso é o que torna o jogo de olhar tão poderoso no longa, de modo que ambos conversam no silêncio e conseguimos entendê-los, como se o segredo fosse confiado a nós também. No fim, o eco é um só: Licorice Pizza desponta como um dos mais belos e otimistas tratados sobre o amadurecimento e os amores perdidos.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez

Josyara, Anná, Obinrin Trio e Sara Donato – Afetou-me

Precisamos agradecer imensamente ao Sonora Festival São Carlos. Para ser mais específico, devemos gratidão direta ao seu Laboratório Sonora. Com muito afeto, essa iniciativa reuniu uma equipe de responsabilidade e talento para criar Afetou-me: um single e seu respectivo videoclipe. Com música composta e cantada por Josyara, Obinrin Trio, Anná e Sara Donato, esta obra tem produção musical assinada por Luana Flores. E o resultado de “uma criação coletiva” tão diversa não poderia ser mais rico.

Curiosamente, esta não é a primeira vez que Anná e Luana Flores brilham em um mesmo Nota Musical. Em setembro, ambas receberam destaque por aqui, graças a dois lançamentos distintos. Agora, para a felicidade geral, elas estão juntinhas em uma mesma música. E a situação só melhora: se Afetou-me já é um deleite sonoro e poético, o clipe que esse single ganhou, dirigido por Joyce Prado, consegue ser múltiplo e repleto de liberdade criativa, podendo fascinar muita gente. – Eduardo Rota Hilário

ROSALÍA e The Weeknd – LA FAMA

A união de ROSALÍA e The Weeknd não tem erro. Depois do remix da bombada Blinding Lights, a dupla assina LA FAMA, canção que ostenta um luxuoso pop com referências à bachata em um conto sobre as seduções perigosas do sucesso. Segura e repleta de metáforas e mensagens, o maior triunfo da música é a lembrança das habilidades artísticas de ROSALÍA, que sempre se dedica a ricas narrativas sonoras e visuais. E é assim que a artista nos apresenta a primeira faixa oficial de seu tão esperado próximo álbum, responsável por suceder o magistral EL MAL QUERER (2018), que até então atende por MOTOMAMI e tem o lançamento planejado para 2022. – Raquel Dutra

FLETCHER e Hayley Kiyoko – Cherry

Duas artistas de destaque no cenário pop LGBTQIA+, FLETCHER e Hayley Kiyoko uniram seus talentos e vozes em Cherry, uma colaboração mais do que esperada. A estrela em ascensão e a “Lesbian Jesus”, como Kiyoko ficou conhecida, não têm medo de cantar sobre sexualidade e sobre amar mulheres e, depois de superarem o marketing da revelação, entregaram um single que não poderia ser diferente: divertido, sedutor e ousado, as duas brincam e flertam na canção, que teve sua data anunciada dois antes do lançamento. Em apenas dois minutos e meio, Cherry expressa a curiosidade de se tornar íntima de alguém em um ritmo dançante e animado que, como outros trabalhos das artistas, grudam na cabeça e dão vontade de dançar. – Vitória Lopes Gomez

Jade Baraldo – Believe (Acústico) 

Leandro Buenno não é o único ex-The Voice Brasil e membro do novo elenco de Cazas de Cazuza presente nesta edição do Nota Musical. Isso porque, além dele, uma de nossas brasas artísticas contemporâneas nacionais também esteve de single novo em novembro. Regravando, para tanto, o hit Believe, da cantora-deusa estadunidense Cher, Jade Baraldo ressignifica bastante a composição estrangeira, de autoria múltipla, dando identidade própria à música que está na trilha sonora da novela Quanto Mais Vida, Melhor!, recém-lançada pela TV Globo.   

Deixando de lado o Auto-Tune, marca registrada da gravação original, a cantora brasileira agora dá lugar à suavidade orgânica de um projeto acústico muito belo. E os elementos mais bonitos do single não se restringem à sua sonoridade, já que a capa da canção, foto escolhida por meio de uma votação no Instagram, é, no mínimo, maravilhosa. No fim, esse conjunto de sensibilidade e bom gosto faz com que o brilho de uma artista de qualidade, que já cantou ao lado de Chico César, seja irradiado em nível nacional. – Eduardo Rota Hilário

Black Country, New Road – Bread Song

Black Country, New Road, o septeto britânico que despontou no início deste ano com o magistral álbum For the first time, não conseguiu esperar um ano sequer para continuar a nos surpreender. O segundo single para o aguardado álbum Ants From Up There, que só será lançado ano que vem, foge do caos explosivo de Sunglasses, mas com a mesma carga emocional crescente provocadora de arrepios no corpo inteiro. Bread Song é a coisa mais sensível que o grupo já lançou até o momento.

Na primeira metade da música, não há qualquer tipo de tempo determinado por uma marcação de compasso. Movida por uma temporalidade subjetiva, que ainda assim de alguma forma conecta todos os membros da banda, a canção constrói expectativa conforme mais e mais instrumentos se juntam, até que a entrada do ritmo na metade da música é delicada, aliviando a tensão, mas mantendo a elevação crescente que parece nos ascender até o céu. Não parecem haver limites para a criatividade de Black Country, New Road, e não poderíamos estar mais agradecidos por isso. – João Batista Signorelli

Beyoncé – Be Alive (Original Song from the Motion Picture “King Richard”)

Enquanto o novo disco de Beyoncé não vem, a artista pode ser apreciada na trilha de King Richard: Criando Campeãs. No novo filme Reinaldo Marcus Greene, ela assina Be Alive, canção que embala poderosamente a história de Richard Williams, mais conhecido como o pai de Serena e Venus Williams, duas das melhores atletas da história e vetores de transformação profunda no mundo do Tênis. Você já deve saber o que esperar de uma das apostas para o Oscar de Melhor Canção Original de 2022: a junção de uma narrativa tão significativa com a perfeição de Beyoncé não poderia resultar em outra coisa além de uma beleza monumental. – Raquel Dutra

Leandro Buenno – Contra Corrente

Apresentações no Programa Raul Gil, destaque no The Voice Brasil 2014, um percurso como DJ e, mais recentemente, a experiência de ser um dos atores do musical Cazas de Cazuza. Se o histórico artístico de Leandro Buenno já é rico e vasto, tudo indica que ele tende a crescer cada vez mais. Seja pela habilidade vocal, pela liberdade com o público ou, mais provavelmente, pelo conjunto de qualidades que possui, Leandro pode alcançar lugares que ainda nem imaginamos. Mesmo que, para isso, ele tenha que nadar Contra Corrente algumas vezes.

Com composição autoral, o novo single de Buenno tem produção musical assinada pelo próprio artista, ao lado de Dinho Alves, e mostra um lado bastante experimental do cantor paulista. Trata-se de uma sonoridade que até apresenta algumas semelhanças com outras criações nacionais, a exemplo do Café Preto de Davi Sabbag. Mas é, sobretudo, uma obra que introduz algo novo em nosso cenário criativo, diferente daquilo que está no atual mainstream brasileiro. Um “strike a pose!” antropofagicamente reinventado. Ou quase isso. – Eduardo Rota Hilário  

Mitski – The Only Heartbreaker

Mitski é (ou melhor, continua sendo) o fogo e a floresta e a única testemunha do próprio incêndio. Com The Only Heartbreaker, a artista dá sequência a prévia de singles que integrará Laurel Hell, próximo álbum desde o primoroso Be The Cowboy, considerado um dos melhores de 2018. Previsto para fevereiro de 2022, o registro foi produzido pelo parceiro de longa data, Patrick Hyland, além de ser co-composto junto de Dan Wilson, vocalista da banda Semisonic que trabalhou com nomes potentes como Taylor Swift e Adele.

Se afastando da moderação comum de seu indie rock, Mitski conduz The Only Heartbreaker por uma instrumentação oitentista densa. Contudo, apesar do ritmo dançante, a melancolia ainda se faz amargamente presente. Tudo que é tocado por ela imediatamente se queima pelo fogo, num prenúncio infeliz do fim de um amor. E quando já não há mais ninguém ao seu lado, ela processa o sentimento angustiante de ser a única parte apaixonada de um relacionamento, aceitando a catástrofe, nem que isso signifique invocar deliberadamente a dor. Ela rebate, ela canta, ela grita. Ela aceita o título de destruidora de corações, restando nada mais do que dançar, dançar sobre as cinzas através do frenesi das batidas de um sintetizador à moda Take On Me. – Ayra Mori

TIAGO IORC – Masculinidade

Então, é isso: onde Tiago Iorc quer chegar? Após o segundo hiato da carreira, o cantor ressurge das cinzas com a canção Masculinidade, single que veio acompanhado de um clipe controverso, no qual o artista tenta desenvolver uma imersão em autoconhecimento. Ao longo de seus 6 minutos de duração, ouvimos Iorc recitar trechos nos quais levanta paradigmas sociais e problemas de gênero, acompanhado de batidas eletrônicas bastante destoantes da típica fórmula voz e violão de seus hits anteriores.

Mas a música, em si, não é boa. É como ouvir um diário cantado, no qual o artista evoca suas próprias memórias e arquétipos para confrontar problemas sociais profundos, como a misoginia e o machismo — basta enxergar o clipe, co-dirigido pelo próprio cantor, em que sua figura performa uma dança solitária, o alçando ao protagonismo de seus questionamentos sociais —, e reduzindo-os a estereótipos. É fato que se trata de uma canção pessoal, e, a bem da verdade, não há nenhuma novidade em apresentar uma visão particular sobre o todo, abarcando rachaduras sociais em sua composição. Esse geralmente é o ponto de partida de diversos artistas, principalmente no rap e no hip-hop.

Entretanto, a presença individual do cantor põe em voga uma representatividade, na qual Iorc fala por todos os outros — ou talvez tente dar voz a uma geração —, o que joga todo o clipe e música (lembre-se: ela se chama Masculinidade) em uma viagem egocêntrica cisheteronormativa. É também interessante destacar que essa é uma canção divergente do restante da carreira do músico, sendo algo totalmente fora do radar de qualquer fã do cantor — é só compará-la aos versos e melodias da ritmada Amei Te Ver, de 2015. Aparentemente, houve a tentativa de transmitir algo aqui, uma mensagem particular que fazia — e talvez fez — muito mais sentido na cabeça de Tiago Iorc, alguma coisa que forçou o musicista a deixar de lado aquilo que o levou às paradas de sucesso; porém, o resultado é um clichê polêmico e raso, insustentável sem qualquer mérito da canção. – Bruno Andrade

Romero Ferro e Lucy Alves – Essa Paixão

Expectativas foram superadas no novo single de Romero Ferro. Nessa parceria com Lucy Alves, a dupla de cantores nordestinos não só interpreta, como também assina a composição super passional de Essa Paixão. Abraçando o tema ligado ao coração, que é bem recorrente na linha do tempo da Música nacional, Romero e Lucy dão vida e brilho a um som brasileiríssimo, que mistura, por exemplo, o pop tropical com forró e piseiro. Nessa combinação genuína de vozes e personalidades, tudo é, então, pura química, e nada soa forçado.        

O clipe da canção, por sua vez, é um deslumbramento à parte. Dirigido pelo próprio Romero Ferro, em conjunto com Marionaldo Júnior, que já trabalhou com o cantor em Pra Te Conquistar, o lado visual de Essa Paixão busca estabelecer diálogos com a obra de Pedro Almodóvar, ao mesmo tempo em que entrega figurinos apaixonantes. Indo além, trata-se de uma criação com combinações visuais radiantes, extremamente prazerosas  do ponto de vista estético – e que podem facilmente atrair os mais diferentes públicos. – Eduardo Rota Hilário

FKA twigs e Central Cee – Measure of a Man

Trajando-se da narrativa de uma Maria de Madalena emancipada, há dois anos FKA twigs atestou sua genialidade pop experimental com MAGDALENE, um dos melhores discos de 2019. A cantora, compositora e produtora britânica é tudo, menos comum. Seus registros são carregados por uma teatralidade autoral excepcionalmente enigmática. São sintetizadores eletrônicos acompanhados pela voz angelical de twigs, que dão luz a um som verdadeiramente divino. Com Measure of a Man, contudo, ela desce dos céus pelo pole, pousando lascivamente sobre a terra.

Composto especialmente para a franquia do filme King’s Man: A Origem (2021), o último single conta com a participação do rapper londrino Central Cee, indo de desencontro com a proposta sonora do álbum passado da cantora – o que não significa que seja algo negativo, apenas diferente. A faixa é construída por batidas trap que pincelam a base de uma orquestra épica digna de um filme de James Bond, agraciados pela sensualidade registrada dos vocais twignianos, que canta como se dançasse armada de sua katana afiada, o que ela faz. – Ayra Mori

Gloria Groove – LEILÃO

É fato que Gloria Groove está no melhor momento de sua carreira. Em outubro, a drag foi parar na parada global da Billboard com A QUEDA, e agora, em novembro, ela ficou em alta nas redes sociais e plataformas musicais com LEILÃO. Seguindo a proposta artística maximalista desta nova era inaugurada com BONEKINHA, a música reside no pop estrondoso de Groove e é acompanhada das narrativas super produzidas, que agora ainda brilha sua habilidade lírica influenciada pelo hip-hop. O lançamento é o terceiro single do vindouro disco Lady Leste, que promete arrematar essa onda de sucessos em breve, criando expectativas cada vez mais altas. – Raquel Dutra

Márcia Tauil – Quem Disse Que Não

Márcia Tauil assume um eu lírico completamente apaixonado em seu novo single, Quem Disse Que Não. Nessa composição de Geraldo Brito e Cliff Villar, até mesmo as imperfeições da pessoa amada são encaradas com fascínio pela figura que narra toda a música. E o trabalho de “uma turma da pesada”, com músicos indicados a ou vencedores de edições passadas do Grammy Latino, dá o suporte perfeito para uma letra que é pura poesia, merecedora das audições mais cautelosas e atentas.   

Não foi por acaso que, em 2013, a cidade de Mococa criou o Troféu Márcia Tauil, em homenagem à cantora. Natural de Guaxupé, município do interior de Minas Gerais, Márcia provoca nos ouvintes um encanto digno de verdadeiras lendas, como uma Marisa Monte, ou uma Gal Costa. E para acompanhar uma voz tão bela, ideal para o deleite poético que é Quem Disse Que Não, nada melhor do que um videoclipe suave, que torna todo esse universo ainda mais belo. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone e The Weeknd – One Right Now

One Right Now é uma junção do mais pop possível que Post Malone e The Weeknd conseguem se atrever a ser. Se esperávamos que a parceria inédita entre esses dois artistas de peso na Música viria com um single sombrio e complexo, a surpresa é que ele parece ter vindo direto de MONTERO. O clipe não largou a pegada badass dos dois – principalmente porque eles dão tiros um no outro enquanto disputam quem sofre mais por amor. E o resultado não é ruim, pelo contrário, é diferente, muito bom, e até cômico por mostrar mais uma de suas facetas artísticas.

Post Malone sempre flertou com gêneros variados, mas os hits Sunflower e Saint-Tropez que mostram o seu pop parecem brincadeira perto de One Right Now. Isso vale também para The Weeknd, que mesmo já fazendo parte do gênero, gosta de resgatar os anos 80 e 90 para intensificar o que produz. A parceria entre ambos foi inesperada, mas é justamente na letra que eles se unem, resgatando o sofrimento melancólico para falar de um amor tóxico. E isso, combinado em uma melodia animada, resultou em ambos cantarolando que suas amadas provavelmente irão transar com todos os seus amigos. – Nathália Mendes

Zezé Motta e César Lacerda – Desprotegidos Pela Sorte

Seria totalmente injusto escrever poucos parágrafos para uma música da dimensão de Desprotegidos Pela Sorte. Pelo peso e responsabilidade que carrega, pelas mensagens que emite e pela complexidade que encarna, não é de se espantar que esse single tenha passado por um processo de gravação no mínimo delicado. É por tudo isso, inclusive, que o melhor caminho para este texto será reportar detalhes comuns, deixando os infinitos desdobramentos provenientes da obra em questão a cargo de quem já diz tudo sozinha: a própria música.

Com certeza, é muita sorte poder ver Zezé Motta além das telas, dividindo uma mistura de hip-hop e pop com César Lacerda. Composta por Ronaldo Bastos, Leo Pereda e o próprio César, Desprotegidos Pela Sorte é uma canção sobretudo política. Humana do início ao fim, porque é altruísta, lúcida em suas denúncias, mas também esperançosa. E, por estar repleta de acertos, talvez passe despercebido seu único descuido: utilizar a cegueira como metáfora para algo a ser combatido, numa espécie de vício que perpetuamos ao longo dos anos. Fora isso, trata-se de uma obra que pode ecoar por muito tempo em nossa História. – Eduardo Rota Hilário

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

“Como posso enxergar a morte somente de maneira negativa quando alguém que eu amo está morto?”, revelou Jenny Hollingworth ao lado de Rosa Walton, amiga de infância e parceira de banda, a respeito de Two Ribbons, faixa-título do terceiro álbum de Let’s Eat Grandma, previsto para abril de 2022. E se no passado a prodigiosa dupla britânica explorou texturas caleidoscópicas de um synth-pop policromático, dessa vez, as cores são ausentes. Caminhamos pelos tons acinzentados que permeiam o preto e o branco do luto e dos desfechos em geral.

Segundo Hollingworth, a faixa é uma carta às duas pessoas mais próximas de sua vida: Walton, a amiga, e Billy Clayton, namorado que faleceu precocemente devido ao agravamento de um câncer raro nos ossos. Assim, o ritmo de Two Ribbons é ameno, reduzido à guitarra acústica melancólica que preenche os versos confessionais de alguém que encara o sentimento de impotência à vista da morte, à vista da dissolução gradual de uma amizade que não faz mais sentido. Sua voz soa cansada. Como se finalmente entendesse que certas coisas devem chegar ao fim, lado a lado, ambas assistem a chuva levar embora as dores, aceitando-as de coração apertado. – Ayra Mori

Pabllo Vittar e Rennan da Penha – Number One

Grande parte da internet tem sido injusta com Pabllo Vittar e Rennan da Penha. Number One pode até não ser a melhor música da carreira de Vittar, mas isso não justifica a nítida falta de bom senso no descontentamento do público. Até mesmo alguns fãs ignoram que o novo single é inovador para a discografia da cantora – descaso que, na verdade, não surpreende muito. É sempre assim: toda vez que Pabllo tenta romper com um modelo musical específico, principalmente com os mais queridos por seus ouvintes, a única conduta que falta é crucificarem a artista e seus parceiros.

Musicalmente, Number One transforma-se o tempo todo – e esse é o grande atrativo da canção assinada por várias mãos. Com traços de K-pop, funk, trap e afro house, o novo single de Vittar e da Penha adquire uma maior relevância em seu videoclipe, dirigido por ninguém menos que João Monteiro, parceiro de longa data da drag queen. Em um aspecto mais amplo, Number One celebra antecipadamente os cinco anos de sucesso de uma carreira alavancada pelo álbum Vai Passar Mal. E não se trata do primeiro contato entre os dois artistas, já que MODO TURBO veio ao mundo em 2020. – Eduardo Rota Hilário

Travis Scott – ESCAPE PLAN / MAFIA

Uma das primeiras vezes que Travis Scott mostrou ESCAPE PLAN ao mundo foi durante o fashion show da sua collab com Kim Jones, a Cactus Jack, para a Dior. Isso aconteceu antes das polêmicas sobre seus shows se intensificarem e implodirem em pura tragédia, por isso, naquele momento o single marcava o momento épico da participação integral do rapper em uma coleção tão importante. No entanto, o lançamento oficial da música junto com MAFIA aconteceu justamente um dia antes da monstruosa aglomeração do público no show ASTROWORLD em 5 de novembro resultar em 10 mortes, e ele nada ter feito para interromper.

A dúvida paira sobre seu histórico de encorajar a violência em shows, e a referência “Estou tentando não voltar no meu caminho, não consigo reverter” em ESCAPE PLAN parece falar do caos que ele mesmo causou. Ela e MAFIA são amostras de sua próxima mixtape, Distopia, e desde já imaginamos se ela será marcada por versos agressivos. Ambas falam sobre até onde o dinheiro nos leva e o que somos capazes de fazer para alcançá-lo. Sexo e a ânsia pelo topo também aparecem, mas perdendo as amarras da influência de Kanye West. Em resumo, o futuro de Travis é incerto, pois entre a sua evolução musical, qualquer lançamento se torna indigesto depois dessa tragédia tão séria. – Nathália Mendes

Christina Aguilera – Somos Nada

Enquanto figura pública, a imagem de Christina Aguilera anda frágil depois de ter se recusado a dizer algumas palavras sobre o fim da tutela de Britney Spears. Decepcionar a Princesa do Pop e reacender desentendimentos de longa data foram, nesse contexto, dois deslizes caros para a carreira de Aguilera. Por outro lado, a cantora continua artisticamente incrível. Isso é explícito na balada Somos Nada, que entrega uma letra de boa qualidade, assinada por Federico Vindver, Mario Domm, Sharlene Taule e a própria Christina Aguilera, além de belos vocais – embora a sonoridade de alguns versos, como “Y ahogándome en silencio”, cause estranhamento.

O videoclipe da canção, por sua vez, é bem simples, mas também muito bonito. Dirigido por Alexandre Moore, o lado visual de Somos Nada carrega, principalmente em seu desfecho, uma narrativa consideravelmente dramática. E esta, aliás, não é a primeira vez que Christina Aguilera canta em Espanhol. Em 2000, por exemplo, a cantora lançou Mi Reflejo, álbum construído inteiramente na referida língua. Agora, passados os primeiros lançamentos de uma nova era, que já marcaram presença até mesmo no Grammy Latino 2021, resta aguardar o que Christina ainda tem a nos oferecer – e o que ela fará com suas mais recentes polêmicas. – Eduardo Rota Hilário

Lagum e Emicida – DESCOBRIDOR

“Deixa ir, tudo bem/Não teria graça se soubesse onde ia dar”. Em DESCOBRIDOR, novo single da Lagum, a banda mineira se junta a Emicida para aproveitar as memórias ainda por vir. A música é a quinta faixa do terceiro álbum do grupo a ser disponibilizada e teve o clipe lançado poucas horas depois. Com a calma e relaxada nova canção, que prioriza o violão a guitarra ora ritmada, ora agitada da Lagum, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) ganha mais um single positivo e reforça a diversidade de temas e sonoridades do próximo projeto. E como reforça a Emicida, que se juntou a DESCOBRIDOR depois da canção estar finalizada, esta “é sobre as possibilidades que podem surgir de um encontro, partindo de uma tela em branco e, juntos, poder criar novas paisagens, memórias e histórias”. – Vitória Lopes Gomez

DJ Batata, Tati Quebra Barraco e Bárbara Labres – É Por Isso Que Sofre

Após participar do reality show A Fazenda 13, a cantora Tati Quebra Barraco resolveu dar continuidade à sua carreira musical com o single É Por Isso Que Sofre. Com produção de DJ Batata, e composição assinada pelos três intérpretes da canção, o lançamento da funkeira carioca provavelmente será lembrado pelos versos chicletes “Homem é pra sentar/Vocês Querem Amar”. E, em uma perspectiva temporal, É Por Isso Que Sofre sucede os lançamentos Desce o Tom! e Dançar, além da chegada recente às plataformas digitais do álbum Boladona, de 2004.        

Em relação ao videoclipe da nova música, os grandes destaques são, sem dúvida, o look original da marca Versace, utilizado anteriormente, e mais de uma vez, pela cantora estadunidense Lady Gaga, além de algumas participações especiais, como é o caso de Jojo Todynho. De modo geral, trata-se de um vídeo que, embora tenha uma abertura peculiar, dá alguma dimensão extra à canção relativamente breve, colocando o DJ Batata e Bárbara Labres, as duas parcerias do single, também em evidência. – Eduardo Rota Hilário

MØ – Brad Pitt e Goosebumps

Para MØ, o agora é um novo capítulo. Retornando das aventuras inconsistentes de Forever Neverland (2018), a dinamarquesa lançou mais dois novos singles inéditos que dão sequência às previsões de Motordrome, seu quarto álbum de estúdio, previsto para janeiro de 2022. O título é inspirado no truque de dødstrome – a volta perfeita em 360º dentro de um globo da morte –, uma analogia à luta da artista contra as oscilações da ansiedade: “Representa uma enorme mudança em minha vida. […] Uma era da minha vida chegou ao fim e estou adentrando uma nova. Isso é assustador, mas também é libertador.”

Brad Pitt é um hino romântico anti-Shania Twain. E se a fama não foi o bastante para impressionar a cantora country-pop canadense, para MØ, com ou sem popularidade, o amante é suficiente para ser o Brad Pitt de sua Julieta. “Você não precisa nascer sob o sucesso para fazer o sangue bombear por debaixo do meu vestido de verão”, ela canta de peito aberto, cercada por um rock sintético cintilantemente caloroso. Enquanto isso, Goosebumps recorre à melodia acústica do piano para relembrar as emoções do passado, ansiando-as. A voz rouca de MØ reafirma memórias passadas, mas a artista está sempre olhando para frente. – Ayra Mori

Clipes

Sandra Pêra e Ney Matogrosso – Velha Roupa Colorida

É hora de vasculhar o armário e resgatar aquela nossa Velha Roupa Colorida. Não importa se ficamos frenéticos ou não com a ideia de regravar os clássicos. O que interessa é que Sandra Pêra e Ney Matogrosso, já pelos nomes que carregam, dão relevância a qualquer tipo de lançamento. E neste videoclipe minimalista, com fundo quase sempre branco, a história não é diferente. Focado nos dois intérpretes, Velha Roupa Colorida obviamente destaca figurinos, sem deixar de lado o brilho da interação espontânea entre cantores, ou entre artista e câmera.

Belchior parece estar cada vez mais em alta, e, embora seja difícil superar Elis Regina na interpretação das músicas do artista cearense, é importante dar novos ares ao que já é imortal. Nesse sentido, e com certa leveza arriscada, Sandra Pêra se aventurou deliciosamente ao lado de Ney. Reservando um fragmento de Sandra Pêra Em Belchior para o ex-Secos & Molhados, a atriz e ex-integrante do grupo As Frenéticas garante holofotes para um trabalho que, grandioso ou não, terá espaço no acervo audiovisual da Música brasileira. – Eduardo Rota Hilário

Jão – Santo (Ao Vivo)

Desde o anúncio de seu terceiro álbum, o badalado PIRATA, Jão não tirou um dia de folga. Teve audição exclusiva para os fãs, clipe super produzido, performance ao vivo, turnê anunciada e esgotada em um dia, live no TikTok… e mais uma performance ao vivo. O cantor e compositor escolheu duas das melhores canções de seu mais recente projeto para gravar a apresentação e, depois de Idiota (Ao Vivo), disponibilizou de surpresa Santo (Ao Vivo). Assim como na anterior, o jogo de câmeras dinâmico captura a performance animada de Jão, que, à frente da banda completa, dá uma palhinha do que pode fazer no palco. – Vitória Lopes Gomez

Bemti e Fernanda Takai – Quando o Sol Sumir

A nostalgia do universo infantil e a diversão de um dinossauro com um astronauta são o prelúdio do fim do mundo no novo videoclipe de Bemti. Nesse sentido, o lado audiovisual de Quando o Sol Sumir dialoga muito bem com os versos que o cantor mineiro compôs na companhia de Roberta Campos. Afinal, o término do dia logo se transforma também em cenário apocalíptico, e o aproveitamento da vida – e seus amores – é uma das saídas possíveis, tanto na letra quanto no clipe deste destacado fragmento do sensibilíssimo álbum Logo Ali.     

Com formação em Audiovisual pela USP, Bemti assina roteiro e montagem do vídeo dirigido por Kleber Bassa e Thálita Motta. Já Fernanda Takai, voz que divide a canção com o artista, e também a responsável pela utilização de um dinossauro inflável na obra, é peça fundamental para a concretização de possíveis surpresas. Sem dúvida, mesmo que a ideia original do videoclipe não tenha nascido, a adaptação para o mundo real do que seria antes uma animação mostrou-se, desde o início, um delicado respiro nesta realidade às avessas – e mais um sinal do talento indiscutível de Bemti. – Eduardo Rota Hilário

Lorde – Fallen Fruit

O poder do Sol continua influenciando a Arte de Lorde. Além de presentear as plataformas digitais com as faixas extras do terceiro disco esse mês, a cantora ainda lançou o clipe do mais novo single do projeto: Fallen Fruit. Dessa vez, os lados sagrado e místico da praia, visitados em Solar Power e Mood Ring, dão lugar para um campo de guerra, em chamas, desolado.

Lorde não perde tempo. No vídeo, ela xispa de lá o mais rápido que pode, no que parece ser o mesmo veículo que a transportava pela cidade iluminada de Green Light. A letra, que se inspira no Fruto Proibido e segue na linha enigmática e extraterrestre do álbum, reflete a posição de Lorde frente ao mundo devastado em que vivemos. – Vitor Evangelista

Em homenagem aos cinco anos de lançamento de Starboy, um dos discos fundamentais na carreira do canadense The Weeknd, a canção Die For You — presente também no compilado The Highlights, que contém apenas os grandes sucessos do artista — ganhou um clipe super-produzido, trazendo referências a Stranger Things, que também completou 5 anos em 2021. 

No clipe, vemos um garoto — espécie de The Weeknd jovem — dotado de poderes telecinéticos, fugindo de oficiais do governo e refugiando-se na casa de uma família suburbana, na qual encontra uma jovem garota. Esnobado no Grammy Awards deste ano, em que denunciou o racismo e corrupção dos votantes do prêmio, The Weeknd segue a todo vapor, consolidando seu nome na lista dos titãs da Música Pop. – Bruno Andrade

Marina Sena – Por Supuesto

2021 foi o ano de Marina Sena, não há o que dizer. Revelação do ano, a mineira subiu ao pódio ao conquistar o primeiro lugar no Top Viral Global do Spotify, ultrapassando 20 milhões de cliques com Por Supuesto, single do aclamado álbum De Primeira, que ganhou videoclipe no mês de novembro. E se a estreia triunfal da carreira solo de Sena não foi suficiente para conquistar os corpos mais frígidos, o flerte cinematográfico prova, mais uma vez, a artista completa por trás de um dos maiores álbuns nacionais do ano.

“Hoje eu olhei pra você/E vi à beça/O gozo, a ginga, a luz/O som, a festa”, canta Sena enquanto desfila pelo groove suave de uma guitarra elétrica como noiva abandonada no altar. A cena é um Brasil tropical, um salão vazio, um tempo desconhecido. Vestida de rendas espalhafatosas, destruindo um bolo de aniversário coberto por glacê colorido, típico das festas oitentistas, ou, ainda, cercada por arranjos florais datados, a noção cronológica dos fatos é deturpada: ela cria o próprio universo sensual. 

O videoclipe conta com a direção de Vito Soares, direção criativa responsável por Marcelo Jarosz, figurino por Leandro Porto e maquiagem por Sasa Ferreira. Assim, a cantora reúne acertadamente uma equipe que confere sua identidade autoral como artista singular. Entre gingados sedutores e olhares maliciosos – referenciando o filme dirigido por Sam Mendes, Beleza Americana (1999) –, Sena finaliza excepcionalmente sua performance, caindo esplendidamente sobre um mar de rosas, como num sonho feliz. – Ayra Mori

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Nilo Vieira

Bastante rústico e ainda obscuro ao grande público, o curta-metragem The Image (1967) é uma produção peculiar na carreira de David Bowie. Primeira aparição do camaleão no cinema, o filme dirigido por Michael Armstrong já mostrava o cantor no papel que marcaria sua trajetória: uma entidade fantástica – bem antes das fábulas de Major Tom no espaço sideral e indagações sobre a existência de vida em Marte.

Cinco anos depois, Bowie levou a ideia de um personagem sobrenatural ao extremo em The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972). Essa guinada poderia não representar nenhuma novidade, mas o perfeccionismo visionário do disco surpreende até hoje. Inspirado pelo glam rock do T. Rex e a narrativa lisérgica dos Beatles em Sgt. Peppers (1967), David criou a história de um alien que chega à Terra com mensagens de paz e acaba cedendo aos vícios do rock ‘n’ roll, amarrada em uma sonoridade riquíssima e ainda acessível.

Marc Bolan, líder do T. Rex, era amigo de Bowie e sua influência é escancarada em Ziggy Stardust. Os violões suaves contrastando com guitarras explosivas e a abordagem contida da voz são elementos chave de Electric Warrior (1971), e nas mãos de seu parceiro são colocados em um prisma ainda mais imaginativo. Basta ouvir “Soul Love”, onde os instrumentos cuidadosamente postos em escalada se assemelham à pinceladas de cores no movimento impressionista, e a interpretação vocal emotiva fornece maior dinâmica em comparação às composições de Bolan. Este, aliás, parece ter recebido inspiração bowieana em seu The Slider (1972), onde as letras oníricas ganharam ainda mais espaço.

Em comparação ao clássico maior de Paul McCartney & cia, pode se afirmar que David foi ainda mais além: ao invés de pegar Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band como ponto de partida e expandir sua grandiosidade (ideia que levaria Brian Wilson, do Beach Boys, ao delírio), captou a ideia essencial acerca da estética e a entregou em um produto mais compacto. As canções das Aranhas de Marte possuem timbres muito mais encorpados, e possuem a vantagem de funcionar tanto sozinhas como em conjunto, enquanto a Banda do Sargento Pimenta ainda soa como um grande quebra cabeça pomposo de experimentações pop. “Moonage Daydream” é um belo exemplo: o simples uso de eco nos vocais e notas longas sustentadas pela guitarra de Mick Ronson já remete ao espaço sideral, a classe dos arranjos de cordas é contrastada pelos versos com distorção – sem nunca cair no exagero.

O real trunfo de Bowie em relação aos Beatles, porém, se dá no aspecto prático. Ao passo em que o quarteto de Liverpool criou a fanfarra imaginária como uma válvula escapista, o camaleão incorporou o decadente astro alienígena em carne, mente e figurinos. Se já no LP o enredo de David Robert Jones soava mais convincente – compare a interpretação visceral e descritiva de “Lady Stardust” com o retrato cartunesco de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” -, em cima dos palcos ela triplicou sua potência.

Ao pensar em shows de rock como apresentações teatrais, barreiras artísticas conceituais foram derrubadas e, mais importante ainda, a ideia de transformação foi abraçada com força. Além de extraterrestre, Ziggy Stardust foi como um grande amigo imaginário onde muitos jovens rebeldes ou inseguros se espelharam, que personificou como ninguém o típico ideal de astro pop. O final de “Star” é o equivalente a uma cena cinematográfica, em câmera lenta, de um pirralho trajando fones de ouvido e sonhando que está executando um grande solo de guitarra perante uma multidão, como se só aquilo bastasse para afastar os momentos ruins. A última estrofe é emblemática:

I could fall asleep at night

as a rock & roll star

I could fall in love all right

as a rock & roll star

O impacto foi tão forte que algumas publicações da época logo declararam que Elvis Presley já era passado, e o novo rei do rock atendia por David Bowie. O posto é justo até a atualidade, e há de se reconhecer que um do motivos para tal foi a sabedoria de retratar também os pontos baixos da cultura do estilo e ainda fazê-lo de maneira grandiosa e pegajosa. O encerramento com “Rock ‘n’ Roll Suicide” soa tão definitivo que o disco sucessor, Aladdin Sane (1973), parece mais ser uma exploração de um mundo microscópico dentro da narrativa original (opino que estaria situado entre “Hang on to Yourself” e “Ziggy Stardust”) do que propriamente uma continuação. A morte do protagonista é de um romantismo bíblico: assim como Jesus, é assassinado por seus seguidores – com o adicional de que Ziggy compartilhou também os pecados de seus fãs.

Pessoas encararam a maquiagem em seu rosto

Mas o mundo do rock não era o suficiente para o músico. O figurino trajado por ele e sua banda era extravagante, repleto de cores, cortes assimétricos e referências culturais; o macacão usada na capa do álbum, por exemplo, é uma releitura das vestimentas dos droogies da Laranja Mecânica (1971) de Stanley Kubrick, e outros modelos foram inspirados por trajes espaciais, a psicodelia do Verão do Amor, símbolos budistas e costumes japoneses. O estilista Kansai Yamamoto faz questão de reafirmar o pioneirismo do amigo: “Minhas roupas eram feitas para modelos profissionais – aquela foi a primeira vez que foram usadas por um artista ou cantor. Foi o começo de uma nova era.”

As roupas, por mais chamativas que fossem, não bastariam sem uma postura condizente. Elvis foi censurado por seus quadris, mas era apoiador ferrenho do presidente Nixon. David, por sua vez, rebolava o corpo inteiro, trocava olhares com sua plateia, se maquiava sem pudor, mudava de modelitos durante o show e chegava a ficar apenas de cueca em cima do palco. Além, é claro, das comentadas performances homoeróticas com Mick Ronson, seu inconfundível corte de cabelo e entrevistas onde abordava sua sexualidade abertamente – tudo isso ao mesmo tempo.

Sua androginia caiu como uma bomba para alguns e como uma luva para outros: o público LGBTQ+ o alçou a ícone em um piscar de olhos, lhe dando o apelido de “rainBowie”. A identidade de cada um não precisava ser apenas o cumprimento de uma fórmula estabelecida por padrões caquéticos, afinal.

A famosa performance de “Starman” no Top of the Pops (BBC), responsável por catapultar Zig-, David Bowie ao estrelato: sensualidade à flor da pele

Enquanto o flower power do Woodstock ia morrendo junto de seus principais ídolos e com a Guerra do Vietnã, Ziggy Stardust acendeu a faísca para uma nova revolução sexual na arte. O livro David Bowie Is Inside (2013), editado para a exposição David Bowie Is (com passagem pelo MIS, São Paulo, em 2014), aponta que essa direção estava até nos pequenos detalhes:

“(…) a now short-haired, Nordically blonde Bowie is posted in macho mode, leg up on a rubbish bin on a London night street, his guitar slung like a rifle at his side while he warily scans the distance like a soldier on patrol. (…) That sexual contrary is revealed by the sensational photograph on the back of the album: Bowie piercingly meeting the viewer’s eyes from a within a lighted telephone box, where he loiters with the graceful hands and hip-shot stance of a woman but the bare chest and bulging crotch of a male hustler. (…) Bowie’s eccentric posture here was his first public use of drag queen mannerisms, which have been highly stylized since the Victorian era and probably long before.”

Sua androginia e olhar fashion influenciaram alguns dos mais importantes artistas pop posteriores – Prince, Kate Bush e Lady Gaga, ficando nos exemplos mais óbvios -, mas já em 72 o Starman ajudou a moldar trabalhos de sucesso de dois sujeitos que o inspiraram.

Lou Reed (cujo Velvet Underground era conhecido por Bowie antes mesmo da clássica estreia) lançou Transformer (1972), seu álbum solo mais conceituado, produzido pelo camaleão. O DNA de Mick Ronson, co-produtor e responsável pela maioria dos arranjos, é quase incômodo na sonoridade do disco, que soa como um apanhado de lados b de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. O diferencial fica por conta das letras, com as tradicionais observações de Reed sobre pessoas peculiares e grupos rejeitados: na clássica “Walk on the Wild Side”, fala de prostitutas, traficantes e transsexuais. Assim como o disco de seu mentor, Transformer também virou um clássico do rock entre o público LGBTQ+.

Meses mais tarde, Iggy Pop e seus Stooges desembarcaram em Londres. O resultado das sessões com David foi Raw Power (1973), a obra-prima da banda e apostila básica para todo o movimento punk. Até mesmo a maquiagem em Pop na icônica capa parece sintomática, e o álbum consegue ser o mais pesado e bem produzido dos Stooges ao mesmo tempo. Curioso notar que, apesar do disco ser estupendo, a participação de Bowie é questionada: audiófilos apontam que sua mixagem original enterrou as guitarras no produto final. No entanto, sua amizade com Iggy permaneceu e, cinco anos depois, os dois embarcaram juntos em novas guinadas sonoras na Alemanha.

Vida em Marte? Sim!

O efeito mais pesado de Ziggy Stardust, todavia, seria em seu próprio criador. Após o sucesso do álbum, “Space Oddity” e “Life On Mars?” (respectivamente partes do álbum homônimo de 1969 e do estupendo Hunky Dory (1971)) ganharam videoclipes e, por que não, novas possibilidades semânticas dentro do universo do artista. A primeira foi inspirada pela contemplação mecânica de 2001: Uma Odisséia No Espaço (1968) mas, após o surgimento e queda do rockstar alien, ganhou tons emocionais mais próximos a Solaris (1972), adaptação do romance de mesmo nome dirigida por Andrei Tarkovsky. O Major Tom não mais é um astronauta fascinado com os avanços da corrida espacial, mas sim um ser humano deslocado de sua origem e com imenso vazio emocional, como sugere o trecho do livro de Stanislaw Lem: “O homem saiu para encontrar outros mundos, outras civilizações, sem saber nada sobre seus próprios recessos, ruas sem saída, poços e portas bloqueadas e escuras.”

Já o surrealismo de “Life On Mars?”, objetivamente a melhor música já registrada na história da humanidade, transpassou os limites da abstração ao ser apropriada pelo novo protagonista. Um retrato brilhante do fluxo bizarro das sociedades capitalistas, capitaneada por uma grande questão interplanetária, agora é cantada por um marciano de terno azul na tela prateada. Teria Ziggy sido cooptado por grandes empresas terrestres como novo garoto propaganda ou seria apenas parte de sua mensagem codificada para os humanos? Ou apenas um grande simulacro orquestrado pelo artista, onde o título da canção se refere mesmo a um show de TV hipotético, e ele apenas estaria testando nossas percepções de fantasia e realidade? Respostas sequer são necessárias quando as perguntas são tão amplas e fascinantes.

Mais ainda, é possível interpretar o David Bowie de Hunky Dory como um cigano que, após experienciar o nascimento de um filho (“Kooks”), a esquizofrenia do irmão (“The Bewlay Brothers”), a filosofia nietzschiana (“Oh! You Pretty Things”), o ocultismo de Aleister Crowley (“Quicksand”) e ícones da contracultura (“Andy Warhol”, “Song for Bob Dylan”) se encontra sem outra opção senão abraçar as mudanças por completo. O verso “turn and face the strange”, de “Changes” (Ch-ch-changeeees!) foi levado à risca, e o real estranho não poderia vir da morosa realidade terráquea – não quando se acaba de descobrir que existe vida em Marte.

Em julho de 1973, no Hammersmith Odeon em Londres, Bowie surpreendeu público e membros de sua banda ao anunciar que “este não apenas é o último show da turnê, mas o último que faremos”. Passado mais de um ano, chegava o fim de Ziggy Stardust and the Spiders From Mars como personagens de uma peça, antes que os atores ficassem insanos. “Eu estava convencido de que era o messias, era assustador”, diz David. Mick Woodmansey, baterista daquelas turnês, afirma que essa impressão também partia do público: “Você pensava “Qual é, eu sou de Driffield!”, mas todos pensam que você veio de Marte”.

Felizmente, foi apenas uma morte conceitual. Para o autor de O Homem que Vendeu o Mundo, Peter Doggett: “É quase impossível para um artista, hoje, NÃO ser influenciado por Bowie.” De Arcade Fire à Karol Conká e Open Mike Eagle, passando por Nirvana e Seu Jorge, todos devem algo a David Robert Jones – até mesmo Kanye West, fã declarado e parte de uma teoria da conspiração virtual bizarra envolvendo a capa. Mas, acima de tudo, Ziggy Stardust ainda é o melhor amigo imaginário proporcionado pela cultura pop. Fantástico, em todos os sentidos, mesmo 45 anos depois.

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Bárbara Alcântara

Quem teve a chance de ver Iggy & the Stooges no Claro Q É Rock, em 2005, ou no Planeta Terra, em 2009, ficou no mínimo abismado com a desenvoltura e a energia ainda exibidas pelo vocalista, mesmo aos mais de 60 anos de idade. Usando apenas um jeans feminino e um par de botas, Iggy Pop subiu nos amplificadores, fez danças inusitadas, abaixou as calças e ainda chamou o público para subir no palco – tudo isso enquanto cantava, a plenos pulmões, os clássicos da banda. No entanto, os caminhos até o topo foram ardilosos.

Ao lado de seus companheiros de banda, fez história com álbuns clássicos como o homônimo “The Stooges” (1969), o “Funhouse” (1970) e o “Raw Power” (1973), mas não passou incólume à intensa vida à la “Blank Generation” da cidade grande: quando a banda se desfez, em 1974, ele estava afundado nas drogas, sem dinheiro e sem contrato. Foi graças a David Bowie que se salvou. O amigo tirou Iggy do fundo do poço, o levou para a Europa e, em 1977, produziu os dois primeiros e aclamados álbuns em carreira solo do cantor: The Idiot, em março, e Lust for Life, em agosto.

Um completo idiota

The Idiot chegou como uma afronta aos fãs do extinto Stooges. Trazia uma nítida influência de Bowie, com quem escreveu a maior parte das músicas em parceria, e isso definitivamente não agradou a quem estava acostumado com o som arcaico e visceral dos primórdios. Mesmo com todas as mudanças, a assinatura de Iggy estava lá: as faixas exprimiam o seu sentimento em relação ao mundo, fosse pelas letras autobiográficas, fosse pelas melodias densas e quase fúnebres.

Tudo começou em 1947, no estado de Michigan, quando nasceu James Newell Osterberg Jr. Uma criança comum, alegre e sorridente, que tinha um desempenho impecável na escola. Aos poucos, o menino foi revelando seus dons artísticos e um grande apreço pela música. No auge da adolescência, formou a sua primeira banda, The Iguanas (daí veio seu apelido, Iggy) e, a partir de então, começou a desandar nos estudos.

Como todo jovem rebelde, sentia que seu pai era superprotetor. Quando começaram as reclamações em casa sobre a influência negativa da sua carreira musical sobre a acadêmica, ele chegou a “se mudar para as ruas” – mas foi acolhido pela família novamente.

A música de abertura do álbum, “Sister Midnight”, conta um episódio de sua juventude em que foi pego no flagra pelo pai com a filha de uma família vizinha e, a partir de então, proibido de sequer se aproximar da garota. Nela, ele fala sobre o sentimento que foi reprimido por anos. Posteriormente, a música foi regravada por Bowie sob o nome de “Red Money”, com a letra modificada.

“Calling Sister Midnight | Chamando a Irmã da Meia Noite

Can you hear me call?  | Você pode me ouvir chamar?

Can you hear me well? | Você pode me ouvir bem?

Can you hear me at all? | Você pode simplesmente me ouvir?

Calling Sister Midnight | Chamando a Irmã da Meia Noite

I’m an Idiot for you | Sou um idiota por você”

Entrou na universidade apenas para ter o primeiro contato com o que viria a ser o seu mundo. Assistiu a apresentações do Velvet Underground, MC5 e The Doors, e com o tempo passou a se identificar com a postura insolente dessas bandas, que iam contra o flower power dos hippies. Isso fascinou o jovem que, na época, preferia “My Generation”, do Who, a “Help!”, dos Beatles. Abandonou a faculdade para abraçar a sua verdadeira paixão: a música!

Após passar por uma série de bandas, em 1967, conheceu os irmãos Scott e Ron Asheton, e formou o que um dia seria os Stooges. Dave Alexander era, a princípio, roadie, mas terminou como baixista. Ron assumiu a guitarra e Scott, a bateria. Iggy Pop ficou a cargo dos vocais e, inspirado nas apresentações de Jim Morrison, passou a fazer performances intensas e audaciosas – que terminavam, geralmente, com o cantor nu ou coberto por seu próprio sangue.

A segunda faixa de The Idiot, “Nightclubbing”, é a música que, com uma vibe vampiresca, melhor retrata as madrugadas excursionando por festas e gigs ao redor da cidade. Noites varadas à base de álcool e entorpecentes, que fizeram com que os Stooges entrassem em um submundo que, cada vez mais, se mostrava sem futuro algum e, principalmente, sem volta.

Nightclubbing we’re nightclubbing | Festejando, nós estamos festejando

We’re walking through town | Nós estamos andando pela cidade

Nightclubbing we’re nightclubbing | Festejando, nós estamos festejando

We walk like a ghost | Nós andamos como fantasmas

We learn dances brand new dances | Nós aprendemos danças, novas danças

Like the nuclear bomb | Como a bomba nuclear

Enfim, em 1969, assinaram contrato com a Elektra Records e gravaram o primeiro álbum, The Stooges, produzido por John Cale do Velvet Underground. Um ano depois lançaram Fun House, esse por Don Gallucci do Kingsmen. Infelizmente, ambos os álbuns não foram bem sucedidos comercialmente na época e receberam muitas críticas.

Entre 1971 e 1972, a banda passou por um hiato: Iggy estava lutando contra o vício em heroína. Mais ou menos nesse período, conheceu David Bowie e foi com ele para Londres, na tentativa de gravar um álbum solo (que não rolou). No fim, acabou reunindo os Stooges e juntos gravaram o aclamado Raw Power, com Ron no baixo, Scott novamente na bateria e James Williamson na guitarra. O errado deu certo: a pegada mais agressiva do álbum, produzido pelo próprio Bowie, não só foi bem aceita pelo público como também acabou rendendo a Iggy Pop o status de “pai do punk”.

Nos anos seguintes, a vida desregrada acabou tendo sérios desdobramentos para ex-companheiros de banda: Zeke Zettner e Dave Alexander falecem, o primeiro devido à overdose de heroína e o segundo por um edema pulmonar, causado por excesso de álcool. “Dum Dum Boys”, a sexta faixa do álbum solo, fala abertamente sobre isso e se refere a eles como “garotos tolos” – lamentando o fato de terem sido ingênuos ao ponto de perderem suas vidas por pura luxúria:

What happened to Zeke? | O que aconteceu com Zeke?

He’s dead on jones, man | Ele morreu de heroína, cara

How about Dave? | E Dave?

OD’d on alcohol | Overdose de álcool

(…)

Well, things have been tough  | As coisas têm sido difíceis

Without the Dum Dum Boys  | Sem os Dum Dum Boys (garotos tolos)

Ao fim de 1976, Iggy Pop estava em um estado tão deplorável que ele se internou por livre e espontânea vontade em uma clínica de reabilitação, o Instituto de Neuropsiquiatria da Universidade da Califórnia (UCLA). Durante o período em que esteve lá, seu único visitante foi o amigo Bowie.

Recuperando o tesão pela vida

Lust for Life alcançou um lado mais positivo e dançante do cantor. É um retrato do momento em que aceita a segunda chance oferecida pela vida (e pelo amigo), e deixa para trás um passado lúgubre, macabro, de um período insano regado a, literalmente, muito sexo, drogas e rock’n’roll.

David Bowie “ressuscitou” Iggy Pop ao convidá-lo, em 1976, para acompanhar sua turnê de lançamento do álbum Station to Station. A seriedade com que tratava cada minuciosidade, deixou o amigo boquiaberto! “Ele fazia um grande show toda noite. Não importa onde fosse”, conta Iggy em entrevista. Durante a viagem pela europa, entre a França e Alemanha, produziram juntos o The Idiot – mas foi especificamente na cidade de Berlim que Lust for Life nasceu.

Além de ter a sua vontade de viver recuperada, na segunda obra em carreira solo, o cantor retoma também as raízes no rock. Com vocais mais guturais, ele deixa a personalidade selvagem tomar conta de seu trabalho. Algumas faixas, entretanto, ainda têm muito do companheiro, como por exemplo “Turn Blue” e “Fall In Love With Me”.

Em “The Passenger” (que muita gente aqui pelo Brasil conhece como “O Passageiro”, na voz de Dinho Ouro Preto), mostra que, até mesmo para falar dos períodos mais sombrios, havia amadurecido. Com um ar nostálgico, atravessa as ruas de uma metrópole e narra situações fictícias baseadas em memórias de um passado junkie. Consegue ver a beleza da vida que um dia o consumiu.

O álbum estourou, de fato, em 1996, quando teve a faixa homônima escolhida por Danny Boyle para se tornar carro-chefe da trilha sonora de Trainspotting – Sem Limites (que ganhou uma sequência esse ano, e chega ao Brasil no dia 23). O filme tem muito a ver com a vida do próprio cantor: conta a trajetória de Mark Renton e seus amigos, todos drogados tentando se livrar do vício em heroína, encontrar emprego e se estabelecer afetivamente. A letra da música logo foi associada às falas iniciais do protagonista:

O ano de 1977 foi frutífero não apenas para Iggy. Bowie lançou dois pontos altos de sua carreira: Low, em janeiro, e “Heroes”, em outubro. A influência de um na carreira do outro é nítida, sobretudo nesse período em que estiveram juntos em Berlim. Bowie excursionou com Iggy, tocando teclado durante os shows, enquanto o segundo ajudou na gravação de alguns backing vocals de Low.

Após os dois álbuns solos, Iggy ainda lançou mais 18. Mas nunca escondeu o protagonismo de Bowie em sua vida e carreira, tanto que se pronunciou publicamente diversas vezes após a morte do amigo, em 2016.

A relação profunda entre os dois chamou tanto a atenção que, em 1998, foi enredo do filme Velvet Goldmine, de Todd Haynes. Sob os pseudônimos de Brian Slade (Jonathan Rhys Meyers) e Curt Wild (Ewan McGregor), o longa narra, entre muitos floreios e muita romantização, desde o primeiro encontro dos dois, até o que ficou conhecido como a “fase Berlim” de Bowie.

Iggy Pop também ficou famoso por quebrar os estereótipos de gênero e chocar a sociedade, muito antes do Liniker e a geração do tombamento sonhar em existir. Já apanhou muito por ter a mania de andar de vestido pela cidade de Ann Arbor, em Michigan, e inclusive chegou a ter os dentes da frente quebrados por conta disso. Sempre preferiu roupas mais apertadas e espalhafatosas (de preferência no modelo feminino), era assumidamente bissexual, usava maquiagem e nunca demonstrou qualquer problema com isso.

Com uma disposição de dar inveja até nos mais jovens, em 2007 e 2013 reuniu os Stooges e lançou mais dois álbuns, The Weirdness e Ready to Die. Em 2010, foi induzido ao Rock’n’Roll Hall of Fame. Em 2015 retornou ao Brasil para mais uma apresentação, dessa vez sem a banda e, no ano seguinte, lançou mais um álbum, junto com o vocalista da Queens of the Stone Age, Josh Homme. Atualmente, continua fazendo participações especiais em shows, filmes e entrevistas, e não seria estranho se resolvesse sair em uma outra turnê mundial.

Além de toda a contribuição musical, atuou em filmes como Cry-baby (1990), de John Waters, Tank Girl (1995), de Rachel Talalay, O Corvo – A cidade dos anjos (1996), de Alex Proyas. Até dublagem ele fez, em Persépolis (2007), de Marjane Satrapi, e (pasmem!) na animação da Nickelodeon, Rugrats – Os Anjinhos (1998).

Enfim, Iggy Pop foi um visionário: se o som pesado e intenso dos Stooges deu origem ao que ficou conhecido como o punk rock, a morbidez de seu primeiro álbum solo previu o que viria a se tornar o pós-punk (o disco ganharia uma aura ainda mais sinistra três anos depois, ao ser descoberto que foi a trilha sonora do suicídio de Ian Curtis, do Joy Division). A onda pesada de The Idiot serviu como um ponto de descarga emocional, abrindo espaço para a leveza e bom humor de Lust for Life, que se estendeu até os dias atuais. Sua genialidade influenciou e continua influenciando grandes nomes, entre eles Kurt Cobain, do Nirvana, Anthony Kiedis, do Red Hot Chili Peppers, e Thurston Moore, do Sonic Youth.

Quem diria que um idiota com sérios problemas com drogas seria capaz de alcançar tudo isso?

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Adriano Arrigo, Gabriel Leite Ferreira, Matheus Fernandes e Nilo Vieira

Férias? Praia? Que nada! Nossa incansável curadoria passou esses 31 dias escavando a interwerbs, a fim de trazer os destaques mensais da música para você.

O ano ainda não começou a engrenar, mas isso não significa que faltaram bons sons em janeiro – os nossos favoritos você pode conferir abaixo:

Bedwetter – 1. Flick Your Tongue Against Your Teeth and Describe the Present

hip hop experimental

Um dos maiores outsiders da música underground nesta década, Travis Miller havia proclamado a morte de seu alter ego rapper, Lil Ugly Mane, em 2015 com o ótimo Oblivion Access. Todavia, imprevisível como só, ressurgiu das sombras no último dia 29, mas com outro pseudônimo: Bedwetter.

Apesar do novo nome, o som segue os mesmos parâmetros de seu trabalho como Ugly Mane: bases claustrofóbicas – aqui, com vários períodos ambientais – servindo de pano de fundo para rimas bizarras, com flow sempre agressivo. Embora não apresente novidades na carreira de Miller, o trabalho é conciso e se destaca por sua intensidade – além da música, vale a pena conferir o ensaio sobre insanidade mental cunhado pelo artista, ambos disponíveis em seu Bandcamp. (NV)

Brian Eno – Reflection

música ambiente eletrônica e experimental

Os mais impacientes terão coceiras pelo corpo ao se depararem com o novo álbum do provedor da música ambiente, o senhor Brian Eno. Mas que ótimo que seja assim. Reflection é uma excursão sem parada com duração de 54 minutos que se contradiz positivamente. Embora a ambient music seja feita propositalmente para ser plano de fundo para multitarefas diárias, o álbum também é um convite para uma discreta introspecção que, em sua imperceptível duração, dá cor e sustentação para a autodescoberta do ouvinte.

E independente do lado que o ouvinte escolher, Reflection é, de qualquer forma, mais uma bela peça a se somar a consagrada carreira de Eno. Embora nada inovador, o take único é consistente, calmo, relaxante e fluido – mesmo que em alguns momentos existam picos de explosões que surfam sobre o plano principal, mas nunca o suficiente para serem o ator principal da trilha. Dessa forma, Brian Eno propõe um solo meio onírico que permite que o ouvinte possa escolher lidar com seu caos, seja ele interno ou externo. (AA)

David Bowie – No Plan

art rock

Blackstar foi um dos álbuns mais aclamados de 2016 – inclusive aqui, onde levou a medalha de prata -, muito por ser considerado uma esplêndida despedida de um músico excepcional. Mas foi só virar o ano que veio o choque: não, Bowie não tinha a ciência de que era seu último trabalho.

Lançado na data onde o camaleão completaria 70 anos, este EP de 4 faixas (sendo uma delas “Lazarus”, single de Blackstar) nos lembra de duas coisas importantes. A primeira é que, conceitual ou não, o último truque de David funcionou também graças à sua musicalidade orgânica e diversificada (aspecto intensificado nas 3 outras canções de No Plan), ensaiada há décadas por ele e enfim colocada em prática com força total. O que nos leva ao segundo item: dane-se a romantização sobre a morte, o que devemos celebrar é a vivacidade excepcional de sua obra. (NV)

Neil Cicierega – Mouth Moods

mash up, memes

Se já não temos problema em reconhecer memes como substância cultural, por que não admiti-los como produto artístico? Neil Cicierega, prolífico especialista no assunto, mostra em seu mais recente trabalho que essa barreira conceitual não apenas pode ser rompida, como também rende projetos bastante sólidos.

Mouth Moods é composto inteiramente por mash ups de hits, e coloca Oasis, Vanessa Carlton, trilhas de filmes, AC/DC, Smash Mouth e o subestimado nu metal (dentre várias outras referências) em um mesmo caldeirão. O ouvinte menos familiarizado pode não achar graça em todas as propostas e se cansar com a longa duração, mas é impossível negar o esmero colocado no disco. Sim, memes são estúpidos, efêmeros e, acima de tudo, arte. Celebremos, amigos, pois Somebody once told me the world is gonna roll me, I ain’t the sharpest tool in the shed… (NV)

Priests – Nothing Feels Natural

post-punk

Em momento de convulsão política global, “Nothing Feels Natural” evoca a rebelião existencialista do pós-punk dos anos 70, em uma série de letras sobre consumismo, alienação e o corporativismo americano.

As linhas de baixo remetem à Gang of Four e a percussão é acelerada, mas a banda vai além, com toques de surf rock e jazz, usando inclusive aquele que é indiscutivelmente o instrumento mais punk de todos, o saxofone, em duas de suas faixas.

Presos na capital de todos os problemas, Washington, DC., Priests compõe uma energética trilha para enfrentar os próximos quatro anos, em um dos grandes discos pós-punk da década. (MF)

The XX – I See You

indie pop

Em seu terceiro disco, o primeiro em cinco anos, os britânicos do XX tentam expandir sua sonoridade para além do indie pop minimalista responsável pelo sucesso de “Intro”, “Crystalized” e “Islands”. Os vocais conflitantes de Romy Madley Croft e Oliver Sim e as letras intimistas continuam, mas as linhas de baixo extraídas do pós-punk perdem protagonismo, dando lugar a experimentos interessantes, como os metais de “Dangerous”, que abre o disco.

O responsável principal por essas mudanças é Jamie XX, incorporando influências antes restritas à sua carreira solo, que levam “I See You” em direção a dance music. Os samples, base de “In Colour”, tem papel importante na obra, como em “On Hold”, que interpola Hall & Oates e “Lips”, construída a partir do score do filme Youth, dois dos pontos altos do disco, mostrando a importância do trabalho do produtor. (MF)

Ty Segall – Ty Segall

garage rock

Principal expoente de uma cena garage rock aclamada pelos blogs indies (junto de Oh Sees, Mikal Cronin, etc), Ty Segall faz de seu segundo Self-Titled (e 16º disco em 10 anos) uma mistura coerente de todos seus pontos fortes. O disco caminha entre o psicodélico, o garage e o power pop, em 37 minutos de guitarras barulhentas e refrãos animados, funcionando como ponto de partida perfeito para quem ainda não acompanha a carreira do músico, um dos faróis do rock, contrariando o comercialismo e a nostalgia que dominam o decadente gênero. (MF)

Uniform – Wake In Fright

industrial

Diretamente dos porões da Sacred Bones Records sai o segundo disco do Uniform, Wake in Fright, uma obra extremamente violenta e abrasiva, que invoca pesadelos e guerras, clima condizente com a atual situação norte-americana. Destaque do mês para os fãs de industrial, noise, power electronics e para quem se aventurar além dos enjoos e da dor de cabeça. (MF)

William Basinski – A Shadow in Time

ambient, tape music, drone

William Basinski ganhou fama no circuito da música experimental com The Disintegration Loops, uma série de cinco álbuns construídos a partir de loops de fitas deterioradas. As gravações aconteceram na época do atentado às Torre Gêmeas em Nova York, o que conferiu uma simbologia trágica aos trabalhos.

A Shadow in Time, novo disco do compositor norte-americano, segue a fórmula que o consagrou, ou seja, loops em cima de loops produzindo uma sonoridade difícil de descrever. Também há uma simbologia: a morte de David Bowie, homenageado na primeira faixa, intitulada “For David Robert Jones”. O título é a única indicação do tributo, o que revela um aspecto essencial para se apreciar Basinski, a subjetividade. A atmosfera onírica de A Shadow in Time é um convite à abstração, uma montanha de sons combinados que pode despertar sensações inesperadas. Vale a conferida. (GL)

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Nilo Vieira

Em 1976, David Bowie fez sua primeira grande aparição no cinema, no papel do alienígena Thomas Jerome Newton, em O Homem Que Caiu Na Terra. Nenhuma grande novidade, visto que encarnar um extraterrestre já havia lhe rendido o estrelado anos antes e sempre fora, em essência, um artista visual. No entanto, o filme dirigido por Nicolas Roeg adiantaria não apenas a capa do próximo disco do britânico, como também realçou um aspecto peculiar em sua carreira até então: a fragilidade humana.

Confrontado com um território novo e estranho, Newton acaba alienado pela tecnologia e entediado, embora sua inteligência seja muito acima da média. Essa mesma relação também se deu entre Bowie e a cidade de Berlim, e resultou em um de seus álbuns mais aclamados, Low.

Embora abertamente inspirado pelos compassos fragmentados e texturas futuristas do krautrock de bandas como Neu! e Kraftwerk, esta primeira colaboração do camaleão com Brian Eno passa longe de uma emulação banal. A identidade bipolar do LP fica ainda mais clara considerando o formato do vinil: enquanto o lado A investe em experimentos mais compactos com o rock tradicional, a face B explora composições mais longas e majoritariamente instrumentais.

A abertura com “The Speed of Life” pode soar como uma alucinação alien, mas logo “Breaking Glass” quebra o fluxo e parece trazer às coisas de volta ao planeta Terra.  Embora seja a mais curta do álbum, é recheada de detalhes: a guitarra solo executa bends como se estivesse de ressaca, aparece um riff grave e, logo em seguida, Bowie invoca um pequeno barulho – tanto após proferir o verbo “ouça!” como depois de dizer “veja!”; é como se usasse da sinestesia para dizer, nas entrelinhas, que ainda está desnorteado, contrastando com o aparente realismo nu das letras. Então, aparece um trecho que diz “você é uma pessoa maravilhosa/ mas tem problemas”, onde não é possível distinguir se é um desabafo de outra personagem ou do próprio eu-lírico. Isso tudo em uma música de menos de dois minutos.

E Low não para por aí. A frenética “What in the World”, com a participação do companheiro Iggy Pop (que teria ajuda de David nos dois álbuns que lançaria naquele mesmo ano), é um belo exemplo de como ir além dos padrões pop e permanecer palatável, enquanto “Be My Wife” é Bowie mostrando ser possível permanecer fiel à uma essência, mesmo sob constantes experimentos. “Always Crashing in the Same Car” e “A New Career in a New Town” equilibram as coisas ao adotar ritmos mais cadenciados.

Todavia, a peça mais comentada da primeira metade do álbum, com justiça, é o single “Sound and Vision”. Nela, cada instrumento parece executar um estilo musical diferente, e o resultado final é de uma consistência invejável: apesar da natureza roqueira, o baixo toca funk, os vocais brincam de soul e o teclado é puro pop. Bowie entoa “E vou cantar/ esperando pelo presente do som e visão”. Humildade é um atributo de poucos gênios, afinal.

Mas é no lado B onde o título do álbum se justifica (“baixo”). Formado por quatro faixas ambientais, reflete bem a situação sombria do artista na época. Após desenvolver um vício severo em cocaína, Bowie e Iggy se mudaram para Berlim no intuito de fugir da droga. Assim, a aura claustrofóbica invocada serve tanto como metáfora para as consequências do abuso da substância quanto para a escuridão que pairava na capital dividida por um muro, e essa ambivalência sonora bem demarcada no bolachão acaba ganhando até ares políticos. E David ainda tinha mais uma carta na manga.

Para se ter uma noção da influência de Low, basta pensar que Remain in Light não seria o mesmo sem seu lado A, enquanto Closer não existiria sem a parte B – e esses são apenas dois dos álbuns mais influentes da década de 80. Enquanto o Talking Heads também trabalharia com Brian Eno na sua obra-prima, o nome original do Joy Division, Warsaw, viria da oitava faixa do álbum. Mas a grande popularidade da fusão entre Bowie e Berlim se solidificaria mesmo em outubro de 77, quando saiu o segundo capítulo da história, “Heroes”.

Desde a icônica capa, o irmão mais novo de Low é repleto de referências à cultura alemã. A foto é inspirada na pintura Roquairol, de Erich Reckel, o título é uma homenagem ao grupo Neu!, e “V-2 Schneider” tem esse nome graças à Florian Schneider, do Kraftwerk. Sem esquecer, é claro, da faixa-título, um dos maiores clássicos de Bowie: “Eu, eu me lembro/ De ficar em pé, próximo ao muro/ E as armas, dispararam sobre nossas cabeças”.

Estranho notar que, mesmo com a canção estando entre as três mais populares do cantor – incluindo várias aparições em trilhas sonoras de filmes, como em As Vantagens de Ser Invisível (2012) -, o álbum não tenha chegado na mesma aclamação crítica do antecessor. Apesar de não soar igualmente vanguardista numa primeira ouvida, só o processo de gravação da música já mostra que “Heroes” passa longe de ser um projeto simples.

Esta, aliás, é a maior vantagem que o irmão mais novo possui sobre Low. Com maior sutileza pop, os experimentos tendem a se situar de maneira mais homogênea e o disco soa, além de amigável, mais consistente no resultado final. A transição entre o dançante e o meditativo é desenvolvida com maior paciência, e assim o choque entre os lados do álbum se torna menor ao ouvinte casual.

Conquanto, o potencial radiofônico do álbum é mesclado com a tensão política da Guerra Fria, e lhe rende um diferencial soberbo. Quem diz que hits dançantes são mera massa de manobra para as rádios certamente nunca ouviu “Beauty and the Beast”, onde o groove serve de pano de fundo para versos carregados: “Há matança no ar/ Protesto nos ventos/ Alguém dentro de mim(…)” e “Eu queria ser bom/ Queria não ter distrações/ Como todo bom menino deve“. “Sons of the Silent Age” até inspira alguma esperança (“Faça amor apenas uma vez, mas sonhe e sonhe“), porém não sem uma desconfiança orwelliana por trás (“Eles nunca morrem, apenas vão dormir um dia“). O mesmo acontece com “”Heroes””, cujas aspas aparentam balancear a utopia de uma insurreição com a realidade cruel.

Os traços de world music ganhariam ainda mais destaque no último álbum gravado pelo time formado por Bowie, Eno e Tony Visconti, o ainda mais sacolejante Lodger (1979). Mas este é, de fato, um LP de menor poder comparado aos seus parceiros de trilogia e sua recepção menos acalorada é compreensível. Já Low e “Heroes”, mesmo quarenta anos depois, ainda soam modernos e refrescantes. Destaques em uma discografia absurda, comprovam que, mesmo assumindo sua vulnerabilidade, um ser humano comum teria potencial para criar coisas incríveis – ainda que só por um dia.

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Que ano foi 2016 para a música! Tivemos grandes perdas, é claro, mas também lançamentos impactantes. Aliás, os que se foram deixaram obras fundamentais. A lista dos cinco melhores discos do ano do Persona exalta as inovações dos artistas mais jovens, assim como põe abaixo o horrível clichê de que os veteranos da música popular não têm mais nada a dizer.

5) Car Seat Headrest – Teens Of Denial

Depois de dezenas de álbuns gravados no banco de trás de um carro e distribuídos pelo Bandcamp, o Car Seat Headrest surge como maior esperança do indie rock em 2016 com Teens of Denial, disco lançado pela Matador que cataliza todo o melhor da versão noventista do gênero.

As canções energéticas e grudentas de Will Toledo capturam toda a angústia do período pós-adolescência, alternando entre crises de ansiedade e depressão, festas ruins repletas de drogas e gente que você odeia e a combinação entre essas duas situações. Dirigir bêbado, relacionamentos ruins, todo dia é uma oportunidade para tomar decisões ruins e depois transformá-las em música, processadas pela ironia e pelo cinismo desse período onde a única opção é desistir de tudo. – Matheus Fernandes

4) Frank Ocean – Blonde

Contrariando a máxima de que não se mexe em time que está ganhando, o cantor surpreendeu com um trabalho mais onírico e de consumo menos imediato que seu antecessor, channel Orange (2012). Aqui, o ex-Odd Future mostra ser um artista mais maduro, enquanto produz um som imersivo e atmosférico, que transita lentamente dentre versos acerca dos efeitos da fama e do consumismo sobre sua vida. Distorções de voz, momentos de produção fantasmagórica e tom confessional compõem a psicodelia comedida de Blonde, que revela um Frank Ocean retraído em meio ao caos.

Dentre créditos para samples, vocais de apoio e produção, o álbum tem uma vasta lista de colaboradores — que vai de Beyoncé aos Beatles, passando por Jamie xx — e é um dos registros mais completos do ano. O público esperava muito e o intérprete de Nikes entendeu o recado, mas não da forma que presumíamos. Temos aqui um registro que se destaca pela originalidade e que não busca superar ou se inspirar em seu predecessor: apenas se coloca ao lado do mesmo, no panteão dos clássicos instantâneos da música recente. – Leonardo Teixeira

3) Danny Brown – Atrocity Exhibition

A mais recente empreitada do excêntrico rapper de Detroit, como boa parte dos lançamentos aguardados do estilo neste ano, é uma obra ambiciosa e multifacetada: a produção vai do industrial ao lisérgico, passando por batidas hardcore secas e flertes com texturas do r&b alternativo. Nas letras, as experiências de Danny com drogas alternam espaço com comentários sobre a violência policial, em um flow sempre intenso. As participações especiais são poucas, mas sempre eficientes.

Diferente de boa parte dos outros discos do gênero lançados em 2016, porém, Atrocity Exhibition tem um repertório variado em duração enxuta – são 13 músicas em apenas 46 minutos. Isso não apenas torna a mensagem mais eficiente, como também dá ao álbum o muito bem vindo fator replay – e, se teve algo que faltou neste ano, foram discos que despertassem a vontade de revisões. Um discaço, que reafirma o hip hop como a vertente musical mais importante da década (e comprova que, sim, é possível assinar com uma gravadora major e não gerar uma catástrofe). – Nilo Vieira

2) David Bowie – Blackstar

2016 começou amargo: faleceu no dia 10 de janeiro, aos 69 anos, David Bowie, um dos cinco maiores artistas de todos os tempos. Blackstar, seu 25º álbum de estúdio, fora lançado de surpresa apenas dois dias antes e, claro, ganhou um novo significado. O que à primeira vista parecia ser um trabalho conceitual recheado de referências ao oculto transformou-se em um elogio à própria morte.

Bowie sempre se manteve sintonizado às novas tendências ao longo de sua prolífica carreira e em Blackstar não foi diferente. Segundo Tony Visconti, produtor e parceiro de longa data, o objetivo era se desviar do rock’n’roll e apostar em outros caminhos mais experimentais, como a música eletrônica do Boards of Canada, o hip hop de Kendrick Lamar e Death Grips e o jazz. O resultado foi um trabalho moderno na forma e nostálgico no conteúdo. Bowie recebeu o diagnóstico de câncer no fígado ainda em 2014 e sabia que seu tempo estava acabando. Restou-lhe se despedir dos fãs com uma última grande obra, sombria e melancólica, mas grata. “Don’t believe for just one second I’m forgetting you”, canta ele em “Dollar Days”. Nós também nunca te esqueceremos, David. – Gabriel Leite Ferreira

1) A Tribe Called Quest – We Got it from Here… Thank You 4 Your Service

O A Tribe Called Quest surpreendeu a todos com o anúncio de um álbum com novo material, depois de um hiato de quase 20 anos. Ao contrário do que acontece na maioria esmagadora de álbuns de reunião, o grupo não soa acomodado e olha para frente, inclusive contando com nomes do rap contemporâneo.

O Jazz-Rap clássico do grupo continua presente durante todo o álbum, com espaço para experimentações com outros estilos musicais, mostrando que a sonoridade do grupo envelheceu muito bem e ainda se mantêm relevante. Entre os nomes que aparecem como participações nas faixas estão velhos conhecidos do grupo como Consequence e Busta Rhymes, enquanto Kendrick Lamar e Anderson Paak representam a nova geração.

Não há nada de revolucionário em We Got It From Here… Thank You 4 Your Service, mas ele cumpre justamente o que ele deveria ser e que tantos falham: é um excelente álbum, com grandes participações e boa música. Um jeito digno de se despedir de Phife Dawg e do A Tribe Called Quest. – João Pedro Fávero 

Votantes:

Adriano Arrigo:  5  Nicolas Jaar – Sirens/ 4 Kaytranada – 99,9%/ 3 Kaitlyn Aurelia Smith – EARS / 2 Sabotage – Sabotage /1 A Tribe Called Quest – We Got It From Here… Thank You 4 Your Service

Bárbara Alcântara: 5 Rihanna – ANTI/ 4 White Lung – Paradise/ 3 A Tribe Called Quest – We got it from Here… Thank You 4 Your service/ 2 Warpaint – Heads Up/ 1 The Coathangers – Nosebleed Weekend

Gabriel Leite Ferreira:  5 Preoccupations – Preoccupations/ 4 Radiohead – A Moon Shaped Pool/ 3 Kendrick Lamar – untitled unmastered./ 2 Nick Cave & The Bad Seeds – Skeleton Tree/ 1 David Bowie – Blackstar

João Pedro Fávero: 5 Xiu Xiu – Xiu Xiu Plays The Music Of Twin Peaks/ 4 Car Seat Headrest – Teens Of Denial/ 3 A Tribe Called Quest – We Got It From Here… Thank You 4 Your Service/ 2 Danny Brown – Atrocity Exhibition/ 1 David Bowie – Blackstar

Leonardo Santana: 5 Blood Orange – Freetown Sound/ 4 Rihanna – Anti/ 3 A Tribe Called Quest – We Got It From Here… Thank You 4 Your Service/ 2 Frank Ocean – Blonde/ 1 Beyoncé – Lemonade

Lucas Marques: 5 Danny Brown – Atrocity Exhibition/ 4 A Tribe Called Quest – We Got It From Here… Thank You 4 Your Service/ 3 Frank Ocean – Blonde/ 2 Kanye West – The Life of Pablo/ 1 David Bowie – Blackstar

Matheus Fernandes: 5 Parquet Courts – Human Performance/ 4 Jenny Hval – Blood Bitch/ 3 Frank Ocean – Blonde/ 2 Car Seat Headrest – Teens of Denial/ 1 Kanye West – The Life of Pablo

Nilo Vieira: 5 Jenny Hval – Blood Bitch/ 4 Car Seat Headrest – Teens of Denial/ 3 David Bowie – Blackstar/ 2 Denzel Curry – Imperial/ 1 Danny Brown – Atrocity Exhibition

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João Pedro Fávero

David Bowie é um dos poucos artistas que conseguiram expandir o seu talento para outras mídias de uma forma digna e respeitável. Quando rockstars são chamados para estrelar filmes, normalmente não conseguem se desfazer do personagem que foi construído para o palco, interpretando à eles mesmos. Logo, essa não foi uma tarefa muito difícil para Bowie, que conseguiu criar personas em estágios diferentes de sua carreira musical, como os famosos Ziggy Stardust e The Thin White Duke. No cinema, os personagens interpretados por ele sempre têm algo de esquisito ou diferente, encaixando perfeitamente com as personas já conhecidas previamente pelo público.

A estreia de Bowie no cinema veio com um personagem que encaixa perfeitamente no seu intérprete. No filme “O homem que caiu na Terra”, interpreta Thomas Jerome Newton, um extraterrestre que chega ao nosso planeta para levar água de volta para o seu, mas acaba se perdendo na riqueza e no alcoolismo. A liberação sexual e o uso de drogas mostradas no filme são o reflexo dos anos 70 e até da situação que Bowie se encontrava na época, já que simultaneamente com as gravações do filme ele estava preparando o álbum “Station to Station” – cuja capa, assim como a do sucessor “Low”, é composta de imagens do filme – e seu personagem The Thin White Duke, notoriamente conhecido pelo uso abusivo de cocaína.

Talvez o papel mais marcante e conhecido de Bowie no cinema tenha sido o de Jareth, Rei dos Gnomos, no filme” Labirinto” (1986). Além de ter atuado no filme cercado de fantoches, a produção sai um pouco do esperado de Bowie, já que se trata de uma aventura infantil, além de abandonar o peso que seus personagens carregavam, ele ficou responsável por escrever algumas músicas para a trilha sonora. Fora do eixo cinematográfico EUA/Europa, Bowie foi parte do elenco de “Furyo, Em Nome da Honra”, dirigido pelo japonês Nagisa Oshima, também na década de 80.

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O impacto causado por sua presença nas telas é tamanho que basta apenas uma cena para que fique marcado na memória. Sua participação como o prefeito da Judeia Pontius Pilate em “A última tentação de Cristo”, de Martin Scorsese, é resumida à apenas um diálogo com o personagem principal, mas é o suficiente para se tornar um dos momentos mais marcantes do filme. Do mesmo jeito funciona sua aparição no spin-off da série Twin Peaks, “Os últimos dias de Laura Palmer”, em que vive o agente do FBI Phillip Jeffries. Sua cena se constitui em típicas sequências surrealistas, especialidade do diretor David Lynch.

Bowie já fez pequenas participações interpretando a si próprio, como em “Christiane F.”(onde também assinou a trilha sonora) ou na comédia “Zoolander”, em que aparece como um jurado em um desfile. Ainda na vida real, vale ressaltar que seu filho Duncan Jones é diretor de cinema, e seu filme “Lunar” foi amplamente premiado em festivais independentes. Duncan assina também a adaptação do jogo Warcraft, que estreia em 2016.

Sua última participação em filmes veio em 2006, em que interpretou o físico Nikola Tesla no filme “O Grande Truque”. Parecida com sua participação em “A última tentação de Cristo”, ele serve como um conselheiro para o personagem de Hugh Jackman. Assim como fora das telas, Bowie aparece aqui com uma aura mágica, sabendo que está mudando o mundo.

Apesar de não muito extensa, a carreira cinematográfica de David Bowie é chamativa pela diferença entre papéis e os gêneros em que atuou. Assim como na música, Bowie também pode ser chamado de Camaleão da Sétima Arte.

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David Bowie como personagem de Omikron

Matheus Fernandes

O artista britânico David Bowie é normalmente lembrado por sua lendária carreira musical, sua influencia na moda ou seus filmes. Poucos mencionam sua incursão no mundo dos jogos eletrônicos, com Omikron: The Nomad Soul, lançado em 1999 para Windows e Sega Dreamcast.

Ainda que a ideia pareça improvável, Bowie andava entusiasmado pelas possibilidades tecnológicas do meio. O artista declarou sua admiração por Lara Croft (Tomb Raider), e pela possibilidade de compor trilhas sonoras para além do cinema, onde já havia realizado “Cristiane F” e “Labirinto”. A participação de seu filho Duncan (Moon, Warcraft) contribuiu também.

A história do jogo se passa em uma cidade futurista, Omikron, com uma estética cyberpunk híbrida entre “Blade Runner” e “O Quinto Elemento”, repleta de carros que flutuam, construções gigantescas, placas em idiomas orientais e comerciais vaporwave de bebidas químicas. O player, em uma quebra da quarta parede, transfere sua alma para o corpo de um policial de nome estranho, Kay’l 669, que investiga uma série de assassinatos. Conforme a trama se desenrola, outros elementos começam a aparecer, como religiões ancestrais, um governo distópico, demônios e rebeldes digitais, em um grande plano para roubar a alma dos humanos que jogam o game.

O gameplay traz uma mistura incomum e pouco funcional de gêneros, alternando entre o Fighting, o Tiro em Primeira Pessoa e a exploração típica dos jogos de aventura do período, como Shenmue. Outro aspecto interessante é a possibilidade de reencarnar em pessoas diferentes a cada morte, assim como Bowie e suas Personas, dando sentido à alma nômade do título do jogo.

Os controles são extremamente anti-intuitivos, sendo mais difíceis que os próprios puzzles da história. Comandos simples, como se mover de um ponto a outro, tornam-se grandes dificuldades, principalmente em combinação com a câmera do jogo, que segue o estilo datado dos primeiros jogos 3D. Esses problemas já eram apontados nas críticas da época, mas 16 anos e 6 versões do Windows depois tornam a experiência do jogo quase insuportável para os menos persistentes.

David Bowie aparece interpretando dois personagens. O primeiro, Boz, é uma entidade digital revolucionária com uma aparência glitcheada e pele azul, que combate o governo do jogo. Na época, Bowie elogiava em entrevistas a capacidade transformadora da tecnologia, principalmente a internet. Seu outro personagem é o vocalista sem nome da banda “The Dreamers”, que realiza shows ilegais pela cidade. Sua esposa, Iman, aparece como um dos personagens possíveis de serem reencarnados.

O músico criou oito canções para a trilha sonora, em parceria com o produtor Reeves Gabriel. O processo de criação foi descrito pelo designer do jogo como um mês trancado em um apartamento cheio de notas e imagens do jogo, discutindo intensamente o universo da obra. Eventualmente, a trilha sonora saiu do ambiente virtual, onde inclusive era possível comprar o disco dentro do jogo e escutar em seu apartamento digital, e se tornou “Hours…”, o 21º álbum de estúdio do cantor.

O álbum, com clima de rock contemporâneo, teve recepção mista, seguindo o resto de sua obra nos anos 90, mas representa um caso inovador de um álbum de um grande artista saído de um jogo. “Hours…” foi também o primeiro grande álbum a ser disponibilizado pela internet, mostrando a atualidade do artista mesmo em aspectos pouco lembrados.

Além de Bowie, outro nome importante estava envolvido na criação do jogo: o francês David Cage, responsável pelo estúdio Quantic Dreams. Escritor e diretor de “Omikron”, posteriormente revolucionaria os jogos eletrônicos como forma narrativa com os aclamados “Fahrenheit” e “Heavy Rain”, jogos focados na história e nas decisões, em detrimento ao gameplay.

Mesmo que esse tenha sido o único envolvimento direto de Bowie em jogos, sua influência se estende a outras obras do gênero. A saga Metal Gear traz referências frequentes, em personagens como Major Tom (Codinome de Zero no terceiro jogo e personagem de “Space Oddity”) e o grupo “Diamond Dogs” em MGS 5, referência ao álbum de mesmo nome. O quinto jogo inclusive abre com uma de suas músicas, “The Man Who Sold the World”, na versão cover de Midge Ure.

Outros jogos trazem sua marca: “Alan Wake”, jogo de terror de 2010, tem “Space Oddity” em seus créditos de encerramento. “Labirinto”, game de aventura da Lucasarts lançado junto ao filme, traz sua imagem. A série “Final Fantasy” tem dezenas de personagens inspirados na aparência do cantor, isso sem falar nas inúmeras aparições de sua obra nos questionáveis jogos musicais como “Rock Band” e “Rocksmith”.

“Omikron” falhou como jogo, foi mal recebido pela crítica e teve suas versões para Playstation canceladas. Mesmo assim, traz uma nova face do músico, uma persona eletrônica que vive eternamente em uma realidade virtual, ainda que exclusiva para os mais fanáticos dispostos a jogar, ou na forma de uma curiosidade para os demais. Para quem se dispõe a aventurar, Omikron está disponível nas plataformas Steam e GOG.

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Nilo Vieira

Quem ouviu a estreia homônima de David Bowie em 1967 jamais poderia imaginar que o músico iria longe. As canções não eram ruins, mas absolutamente nada no disco – incluindo até elementos menores, como seu penteado e a fonte utilizada na capa – ia além dos padrões do rock sessentista inglês: levemente psicodélico, flertes com a música folk, bom mocismo serelepe. Tudo aquilo que vinha sendo feito na terra da rainha há anos, e de maneira mais refinada por grupos como Love e Beatles.

No entanto, logo na primeira faixa de seu segundo álbum (também homônimo) o jovem britânico já mostrava onde almejava chegar. Os cinco minutos da canção “Space Oddity” não apenas consolidariam a evolução gritante de Bowie, como também apontavam aonde seus característicos olhos miravam: além do espaço. Com essa ambição, deu vida à história de um rockstar alienígena no clássico glam The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) e não apenas ganhou aclamação de público e crítica, como garantiu seu lugar na história da música.

Insatisfeito, Bowie não só mataria o personagem prematuramente como faria questão de provar que seu olhar não se limitaria a imaginar fábulas em galáxias distantes. O espaço poético poderia ser a obra literária de um autor (Diamond Dogs), o suíngue norte-americano (Young Americans) ou uma Berlim dividida pela guerra fria – onde, em parceria com Brian Eno, gravou a excepcional tríade Low, “Heroes” e Lodger. Por essa capacidade de assimilar o seu redor e conseguir imprimir as suas visões dele para a arte, Bowie adquire o justo título de “camaleão do rock”. No entanto, limitar sua carreira ao rock é errôneo, e até mesmo omite outra grande habilidade de David: saber lidar com o tempo.

De nada adianta ter um olhar panorâmico para qualquer horizonte e ficar inerte aos acontecimentos dele. Ao longo de sua carreira, o camaleão não apenas conseguiu captar as tendências recentes de artistas contemporâneos, tais como o glam rock surrealista do T. Rex e os ritmos vanguardistas de bandas alemãs como Kraftwerk e NEU!, como soube reconhecer as qualidades de seus aplicados aprendizes. O álbum Earthling (1997), por exemplo, não existiria sem as produções pesadas do Nine Inch Nails que, por sua vez, não teria surgido sem o clássico Low.

Bowie elogiou a dinâmica sonora criada pelos Pixies no fim dos anos oitenta, fez turnês acompanhado por diversas bandas grandes do rock alternativo noventista, apostou forte nos canadenses do Arcade Fire na década passada e se interessou pela cantora Lorde em 2013. Acompanhou a mudança de épocas como poucos artistas se propuseram a fazer, e abraçou o novo em quase todas as oportunidades.

Curiosamente, sua relação com o tempo também foi crucial na confecção de seus piores discos: boa parte de seu catálogo lançado nas décadas de 80 e 90 são tão impregnados com os clichês dessas eras – produção pomposa, refrães grudentos e genéricos, bateria eletrônica repetitiva, gravação muito limpa e por aí vai – que simplesmente não soam como produtos bowieanos genuínos. Álbuns como Black Tie White Noise (1993) e Tonight (1984) não chegam a ser atrocidades, mas são muito pouco inspirados para uma carreira tão inventiva.

Embora a passagem para o novo milênio não tenha trazido uma sonoridade tão diferenciada para a discografia de Bowie, o tempo lhe assegurou boas reflexões líricas (Heathen foi, em partes, inspirado pelo atentado do 11 de setembro, enquanto Reality e The Next Day mostram divagações filosóficas sobre seu presente e futuro) e rendeu álbuns coesos, apesar de passarem longe do status de obra-prima.

Com tamanha capacidade de reinvenção e longevidade invejável, o anúncio de sua morte no último dia 10 de janeiro foi um choque para o planeta inteiro. Sua partida aconteceu apenas dois dias depois de seu 69° aniversário e do lançamento do seu último disco, Blackstar. A escolha da data revela uma dualidade temporal: enquanto o primeiro evento atesta a humanidade comum e frágil de Bowie, o segundo comprova, mais uma vez, a sua imponência como artista.

Musicalmente, Blackstar pode ser definido como o disco que David tentava fazer há duas décadas. Estão presentes ali as batidas eletrônicas, os teclados climáticos e os andamentos quebrados familiares ao camaleão dos tempos recentes – a diferença para com seus antecessores é que, aqui, tudo soa devidamente orgânico. Mesmo com um leque amplo de escolhas do próprio passado para se apoiar ou até revisitar, Bowie persistiu e manteve seus olhos além. A inspiração para o disco veio de uma safra recente: em entrevista para a revista Rolling Stone, o produtor Tony Visconti mencionou To Pimp a Butterfly, aclamado disco do rapper Kendrick Lamar, e o trio experimental Death Grips.

Não se trata de um disco de rap, mas tais referências são compreensíveis. A guitarra, instrumento de escolha de Bowie em praticamente toda sua carreira, fica em segundo plano – com exceção de “I Can’t Give Everything Away”, que conta com um solo emocionante  – e dá espaço para saxofone e baixo ditarem os rumos das sete canções. O resultado é uma sonoridade experimental, crua e melancólica que não apela para cacoetes ou melodrama.

No âmbito narrativo, as típicas referências ao espaço se fazem presentes. E Bowie não se limita a cantarolar sobre uma estrela negra (vale ressaltar que blackstar também é o nome dado nos EUA para um tipo de câncer, e ele lutava escondido contra um desses desde 2014). O ambiente para onde seus fatigados olhos forçam a vista é a própria morte do artista, bem como sua pós-vida. “Blackstar” e “Lazarus”, os dois singles do trabalho, ganharam clipes metafóricos, repletos de imagética sombria.

Era como se, na melhor maneira Bowie, o camaleão estivesse se despedindo sem entregar os detalhes de mão beijada, nem no último momento. “Olhe aqui em cima, estou no paraíso / Tenho cicatrizes que não podem ser vistas”, canta em “Lazarus”. Depois, completa: “Olhe aqui em cima, cara, estou em perigo / E não tenho mais nada a perder”.

E realmente não tinha. Como possuía ciência de que não venceria as mazelas da carne humana, optou por se eternizar de uma maneira quase espiritual. Milhares de homenagens tomariam o mundo – incluindo um asterismo (parte de uma constelação) ter recebido seu nome -, o que comprovaria a eficácia de sua última empreitada, bem como a abrangência e atualidade de todo seu legado musical. Ao morrer compondo o próprio réquiem, David Bowie provou que, embora o corpo não perdure, sua arte sempre será permanecerá pulsando, em qualquer tempo e espaço.

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