Desde 2015, a cartilha do R&B contemporâneo trazida com The Weeknd em Beauty Behind the Madness vinha sendo seguida à risca por artistas como Drake, Ella Mai e H.E.R. — e funcionava bem, dada a imensa popularidade do gênero nos Estados Unidos. Mas faltava algo novo, inovador, que fosse além das batidas suavizadas do hip hop que todo mundo já conhecia, sabe? 

Foi essa onda de renovação que Kali Uchis trouxe quando lançou seu álbum de estreia, Isolation, uma obra com altas doses de personalidade e influências que passam por rock psicodélico, bossa nova, jazz, dream pop e reggaeton. Essa versatilidade de ritmos, agora marca registrada da cantora colombiana, foi levada adiante em Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞, que, apesar de ser cantado inteiramente em espanhol, ganhou de primeira o coração dos estadunidenses ao dominar os charts do país — e do mundo — com o hit telepatía. 

Falando em telepatía, a cantora deve todo o sucesso do álbum à faixa, que se tornou viral no TikTok e explodiu na internet quase que de um dia para a noite, derrubando barreiras linguísticas e tornando seu nome conhecido mundialmente — afinal, desde Despacito a gente não via tantos gringos obcecados por uma música cantada em espanhol! 

A questão é que a estética latina agora é pop. Kali desencadeou uma subcultura musical que só vai crescer daqui para frente (spanglish é o futuro!). Isso fica claro não só na indústria da Música, com o Sin Miedo e a crescente de artistas como ROSALÍA e Nathy Peluso conquistando espaço global, mas também na TV e nas redes sociais. 

Se você não dormiu debaixo de uma pedra nos últimos meses, deve ter acompanhado o fenômeno Maddy Perez (Alexa Demie), na série de televisão Euphoria: todo mundo ama a Maddy; todo mundo quer ser como a Maddy. Das roupas curtas e extravagantes à maquiagem carregada, Maddy é a figura latina perfeita, assim como Kali.

Sin Miedo é o retrato fiel dessa estética que Uchis vem sustentando desde o início da carreira, apesar de negar: “Eu não tenho estética”, disse a cantora em uma entrevista para a Misguided, “crio a estética para os meus projetos. O último envolveu nuvens, anjos e céu. Cheirava a algodão doce, era rosa e azul bebê e usava cílios inferiores” — e ironicamente, lendo hoje, não dá para saber se ela falava sobre o Por Vida, To Feel Alive ou Sin Miedo.

Para além dos visuais, a personalidade de mulher durona e independente “à la Maddy Perez” fica evidente em ¡aquí yo mando!, primeiro single do álbum, que contou com a participação da rapper Rico Nasty para divulgar o lançamento. “É, eu sou sua mamacita/Você faz tudo o que eu digo/Isso aí, se ficar comigo, saiba que só eu mando/Isso aí, aqui não funciona como e quando você quer.” — Seria essa a trilha sonora do relacionamento de Maddy e Nate?

As 13 músicas que compõem o álbum são bastante diferentes umas das outras, mas conseguem, ao mesmo tempo, se conectar por meio de suas líricas que tratam sempre sobre os sentimentos pessoais de Uchis acerca de temas fundamentais como amor, desejo e autoestima. A genialidade da cantora está na capacidade de combinar ritmos inovadores e fora da caixinha com letras chiclete que dão a roupagem comercial que suas músicas precisam, mas sem perder qualidade.

Primeiro, somos introduzidos com o que poderia facilmente ser a trilha sonora de uma novela mexicana cheia de traições e reviravoltas. la luna enamorada, primeira faixa do disco, é versão cover de um clássico da Música cubana interpretado originalmente pelo grupo Los Zafiros, assim como que te pedí//, da icônica cantora La Lupe. Nas duas faixas, a combinação do bolero e da guaracha com os vocais graves e arrastados nunca vistos antes na discografia Kali foi uma surpresa deleitosa.

Se em Isolation tínhamos a impressão de estar sempre nadando em um mar de rosas com os calmos e sonolentos vocais de Uchis, desta vez, a cantora colombiana mostrou que veio para quebrar tudo. O reggaeton, que entrou em seu repertório timidamente em Nuestro Planeta, agora ganha mixagens mais agressivas e dançantes com te pongo mal(prendelo) e la luz(Fín). As faixas  podem ser classificadas como neoperreo — o subgênero do reggaeton que subverte papéis de gênero e dá voz para que as mulheres também falem sobre seus desejos e fantasias sexuais. 

Mas, em meio a todos esses ritmos latinos, é claro que Kali também achou espaço para agradar seus fãs norte-americanos. A faixa fue mejor é um R&B comercial que contou com a colaboração do queridinho PARTYNEXTDOOR e, posteriormente, ganhou uma versão com a rainha do gênero, a cantora SZA.

Enfim! Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ é, definitivamente, um álbum bem menos complexo que Isolation, mas que ganha por suas combinações inusitadas — ora de ritmos, ora de idiomas. Dá para dizer que são artistas como Uchis que estão subvertendo padrões estéticos e levando novos ares à indústria da música que conhecemos tradicionalmente, como indica a sua nomeação ao Grammy 2022, na categoria de Melhor Álbum de Música Urbana. Pelo menos isso a gente pode agradecer ao TikTok!

O post Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ e a estética feminina “à la Maddy” de ser apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Preparem a pipoca de microondas e gelem as garrafas de coca-cola, pois o Emmy 2021 está batendo à porta. A 73ª edição dos prêmios da Academia de Televisão acontece no dia 19 de setembro, e no ano em que a pandemia judiou das séries consagradas do Oscar da TV, o Persona traz um conteúdo completo e multifacetado, abrangendo, entre séries de comédia e drama, animações, programas de competição, de variedades, documentários, telefilmes, séries limitadas e antologias, 72 produções que concorrem ao Emmy desse ano.

Lendo esse compilado, você fica por dentro de tudo que está rolando na premiação, sabe em quem apostar (pode ir em Ted Lasso, confia em mim) e ainda descobre quais foram os esnobados e injustiçados da vez. Começando pelo gênero da Comédia, muitas vezes erroneamente tido como o menos importante da seleção, a série da Apple TV+ com o técnico bigodudo sai na frente em todas as corridas que disputa.

A benevolência de Lasso, por outro lado, rivaliza de maneira harmoniosa com a acidez de Hacks, seriado do HBO Max que encontra em Jean Smart um veículo de sagacidade, mau humor e um estudo sobre a mudança da Comédia na TV. Simplesmente imperdível, assim como sua colega de emissora, The Flight Attendant, dramédia misteriosa que tira Kaley Cuoco da vida nerd de The Big Bang Theory, e a coloca dentro de aviões em viagens longas, recheadas de alcóol e até um assassinato.

Na lista mais fraca em anos, Melhor Série de Comédia iluminou a brilhante Pen15 e todo seu humor cringe, mas ainda não o bastante para que as soberbas Anna Konkle e Maya Erskine apareçam na lista principal de atuação. Quem também se sobressai da mediocridade é a sétima temporada de black-ish, sitcom que se mantém firme e forte com o casal protagonista figurando em suas respectivas disputas.

Cobra Kai surpreendeu (e o cheque da Netflix caiu) com a menção na categoria principal, e O Método Kominsky conseguiu ser indicado pela terceira vez. A surpresa, no entanto, ficou com a lembrança de Emily em Paris, na briga que poderia ter indicado obras mais pomposas, como Dickinson (completamente esnobada) ou Zoey e sua Fantástica Playlist (que abocanhou algumas menções técnicas). A ausência de comédias de nome, a exemplo de What We Do in the Shadows, Atlanta, Insecure, Barry e The Marvelous Mrs. Maisel, abriu espaço para que a seleção de 2021 se diferenciasse do esperado.

Reconhecidas somente com suas brilhantes atuações estão o final de Mom, o final de Shrill e o final de Shameless. O começo de Kenan foi agraciado com a menção de seu personagem-título Kenan Thompson, que também aparece como um dos favoritos ao prêmio de Ator Coadjuvante, dessa vez por Saturday Night Live. A corrida masculina, de fato, enxergou uma superlotação do elenco de Ted Lasso, que faz companhia a Thompson e ao brilhante Bowen Yang, na disputa da honraria.

Com Insecure fora do período de elegibilidade, a pontinha de Issa Rae em A Black Lady Sketch Show rendeu à atriz uma indicação como Convidada. A série-filha de black-ish, grown-ish, recebeu a primeira nomeação de sua existência, pela Fotografia da terceira temporada, enquanto Girls5eva, esperando ser lembrada na categoria principal, só ouviu o nome de Meredith Scardino como Melhor Roteiro. Fecham a seleção de Comédia as esquecidas B Positive, The Politician e Made for Love.

Na parte das séries animadas, Big Mouth retorna com a quarta temporada na esperança de sua joia rara Maya Rudolph vencer novamente o Emmy de Performance de Voz, enquanto South Park foi reconhecido, pela primeira vez em sua longa jornada pela TV, pelo episódio especial da pandemia. Outra queridinha da Academia é Love, Death + Robots, que voltou com um ano mais curto, mas igualmente satisfatório.

Quando o assunto são os Documentários e os Programas de Não-Ficção, o Emmy definiu uma regra base: se o filme for indicado ao Oscar, não pode fazer dobradinha aqui. Dito isso, nomes esquecidos na cerimônia que logrou Professor Polvo, como O Dilemas das Redes, As Mortes de Dick Johnson, Bem-vindo à Chechênia e Boys State, agora podem ser agraciados com esse outro troféu dourado. 

Na lista de 2021, marcam presença os filmes musicais Tina, Billie Eilish: The World’s A Little Blurry, David Byrne’s American Utopia e The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart, além do histórico Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre. No formato seriado, Allen contra Farrow fez barulho, Faz de Conta que NY é uma Cidade nos agraciou com afeto e Framing Britney Spears ressoou no mundo real. 

No maior prêmio da noite, 8 dramas batalham pelo reconhecimento sem a sombra de Succession. O suprassumo da quarta temporada de The Crown pode, finalmente, colocar um Emmy de Melhor Série na estante da Netflix. Aliás, o amor pela chegada da Lady Di e da Dama de Ferro emplacou a produção à frente em todas as seis categorias de atuação, além de Roteiro e Direção. Ano passado, Schitt’s Creek provou que é muito possível um único nome clamar todos os troféus do gênero. Será que a criação de Peter Morgan repetirá esse legado?

Na cola da família real, a segunda temporada de The Mandalorian continua o fenômeno nerd, envelopado numa trama de faroeste espacial e ainda conta com a fofura de Grogu, o nome do batismo do nosso filhinho Baby Yoda. O ano 2 da série do Disney+ encheu de nomes as categorias de atuação, além de Roteiro e Direção, mas a ausência de Pedro Pascal em Ator Principal é mais uma vez sentida. Outro nome popular da disputa é The Handmaid’s Tale, que depois de um ano fraco, renasce poderosa.

Com 10 nomeações apenas para o elenco, a quarta temporada trouxe novo ar aos pulmões calejados da trama de June, que sai de Gilead e começa, lentamente, é claro, a tocar o terror. This Is Us, única representante da TV aberta na disputa, bateu ponto, mas sem chance alguma de sair coroada. Bridgerton performou aquém do esperado, e além de aparecer em Série e Direção, iluminou o boa pinta Regé-Jean Page na categoria principal. 

The Boys, por outro lado, surpreendeu com a lembrança em Série e Roteiro, mas que falta faz o nominho de Anthony Starr entre os Melhores Atores de 2021. Quem marca presença lá é o lendário Billy Porter, que busca finalizar seu ciclo em Pose repetindo a vitória do ano inicial. Por falar em Pose, o terceiro ano fez história colocando Mj Rodriguez na briga de Atriz, tornando a querida Blanca Evangelista a primeira pessoa trans indicada em uma categoria de atuação principal.

Para fechar a lista das 8 melhores, temos Lovecraft Country. Criada por Misha Green, a original HBO foi cancelada logo antes do Emmy anunciar suas 18 nomeações. Além de aparecer em disputas principais de Série, Ator, Atriz e Atriz Coadjuvante, a série nomeou o eterno Michael K. Williams como Melhor Ator Coadjuvante, pelo visceral papel de Montrose. O ator, que já deu vida a personagens imortais mas nunca venceu um Emmy, foi encontrado morto no começo do mês, poucos dias antes da cerimônia. Antes de seu falecimento, Williams já era considerado favorito na disputa.

Os Especiais de Euphoria, impedidos de concorrer nas categorias grandes, abocanharam menções no Emmy Criativo (que esse ano acontece em 11 e 12 de setembro). Perry Mason conseguiu emplacar Matthew Rhys e John Lightown, ao passo que Ratched foi reconhecida por seu melhor atributo: a interpretação sobrenatural de Sophie Okonedo. The Umbrella Academy figurou em listas técnicas, In Treatment voltou após o hiato de uma década para dar o reconhecimento para Uzo Aduba em seu primeiro papel como protagonista, e a aparição de 90 segundos de Don Cheadle em Falcão e o Soldado Invernal foi o bastante para a Academia nomeá-lo como Convidado.

No campo dos Especiais de Variedades (Pré-Gravados), temos 3 destaques. Friends: The Reunion, aguardado reencontro do elenco da maior Comédia da TV, indicou Courteney Cox ao Emmy pela primeira vez. Dos 6 amigos, Monica era a única deixada ao relento pela Academia, sem qualquer menção nos dez anos de rodagem da sitcom. Bo Burnham: Inside coroou seu criador em todas as áreas imagináveis, desde o roteiro até as criações sonoras e musicais. 

Hamilton, musical gravado do Disney+, apareceu em tudo onde teve direito: foram reconhecidos o trabalho estonteante de Lin-Manuel Miranda e a entrega feroz de Leslie Odom, Jr., além da verdade impressa por Philippa Soo e o fogo dos olhos e da voz de Renée Elise Goldsberry, o jeito canastrão de Jonathan Groff, o ar despojado de Daveed Diggs e a inocência descomunal de Anthony Ramos. Todos eles, aliás, concorrem nas categorias de Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Hamilton, entretanto, é caracterizado como um Especial de Variedades. 

O ponto dos Telefilmes também cai em uma regra de disputa com o Oscar. Aqui, se a obra foi sequer considerada para nomeação em Cinema, ela automaticamente está fora da disputa da TV. 2021 se provou uma safra fraca para a categoria que premiou o volumoso Má Educação ano passado. Agora, o prêmio ficará entre o romântico O Amor de Sylvie, o sincero Tio Frank, o necessário Robin Roberts Presents: Mahalia, o burocrático Oslo e o bem-aventurado Natal com Dolly Parton.

Sem o nome de Minissérie no título, a disputa de Série Limitada ou Antologia é mais acirrada do Emmy 2021. WandaVision é a campeã de nomeações, mas suas chances de vitória podem ser eclipsadas pelo caráter super-heróico da produção, que lida com pontos importantes de saúde mental, como luto e depressão, ao mesmo tempo em que homenageia a TV como gênero e formato. Tudo isso encapsulado na fórmula Marvel e com o confeito da atuação mirabolante de Kathryn Hahn no papel da vizinha enxerida/vilã formidável.

Campeã dos prêmios de inverno, O Gambito da Rainha alcançou a façanha de ser reconhecida em todas as Guildas e Sindicatos da indústria, mas a estreia lá no fim de 2020 parece distante demais para os louros da Academia, seu passo final antes de encerrar as atividades e depois de vencer o Globo de Ouro, o Critics Choice Awards e o SAG. Outro nome importante do ano é I May Destroy You, que rendeu 4 merecidas nomeações para sua estrela máxima, Michaela Coel, além de lembrar, ainda bem, da performance irretocável de Paapa Essiedu, como Ator Coadjuvante.

The Underground Railroad, estreia de Barry Jenkins na TV, performou abaixo do merecido, lembrado apenas em categorias técnicas, em Série e em Direção. A esnobada de Thuso Mbedu nunca será perdoada, Academia! Enquanto a produção do Amazon Prime Video sofre como a única sem indicações de atuação, Mare of Easttown fecha a lista que batalha pelo disputado prêmio de Série Limitada, entregue à incomparável Watchmen em 2020. Protagonizada por uma faminta por aclamação Kate Winslet, a trama investigativa cresce para além de seu molde detetivesco, dando a seu elenco momentos dignos e que ficarão marcados para suas carreiras: Jean Smart, Evan Peters, Guy Pearce, Angourie Rice e, em especial, Julianne Nicholson, todos arrasam nesse time de estrelas.

Fora da lista principal, se destacam a atuação de Ewan McGregor em Halston e a de Cynthia Erivo em Genius: Aretha. O tato inimitável artístico de Steve McQueen em Small Axe foi completamente ignorado, assim como a destreza de Ethan Hawke, que estrelou, escreveu e produziu The Good Lord Bird, tudo para ser deixado de fora da categoria de Melhor Ator, essa que nomeou o trabalho libertino de Hugh Grant em The Undoing. Protagonista de edições passadas, Fargo ficou limitada à disputas técnicas, e A Maldição da Mansão Bly foi nomeada como uma das melhores edições de som do ano.

Ufa! A lista é gigantesca e o nível de qualidade do conteúdo do Persona é maior ainda. Na extensa e complexa cobertura do Emmy 2021, esse compilado dos indicados à premiação coroa um trabalho de pesquisa e informação, mas não para por aqui. A diversidade na lista do prêmio da Academia deve ser celebrada e espalhada, assim como os incríveis nomeados da edição. Para mergulhar de vez, é só rolar a página e ler o que a Editoria e os Colaboradores destacaram nesta temporada de premiações.

Comédia

Ted Lasso (1ª temporada, Apple TV+) 

Ted Lasso sai da Série B para levar o título da Série A. Perdida no fundo do catálogo da Apple TV+, Ted Lasso começou a ganhar os olhos do público após Jason Sudeikis vencer o Globo de Ouro. A produção sobre um treinador de futebol norte americano que é contratado para treinar um time de futebol inglês, mesmo não sabendo bulhufas, é favorita absoluta para erguer a taça, ou melhor, a estatueta de Melhor Série de Comédia. 

E não é pra menos, Ted Lasso é responsável por algo que há tempos as séries de comédia não faziam: tirar risos fáceis. Com a avalanche de coisas ruins que vivemos desde 2020, a série traz leveza com sua produção coesa, bons atores e narrativa sem apelos. Não é à toa que Ted Lasso recebeu 20 nomeações ao Emmy 2021, e levará muitas delas. Além da estrela Sudeikis, os coadjuvantes dão uma base resistente para o time de Ted Lasso, também garantindo suas indicações e submetendo episódios essenciais para o desenvolvimento das respectivas personagens. O atacante está em posição legal, só basta receber o cruzamento. – Ana Júlia Trevisan

Hacks (1ª temporada, HBO Max)

Não fosse um otimista treinador americano de futebol, esse seria o ano de Hacks no Emmy. Protagonizada por uma visceral, amedrontadora e imbatível Jean Smart, a produção do HBO Max narra os percalços tardios na carreira de Deborah Vance (Smart), uma comediante lendária, que após complicações em sua rotina de trabalho em um cassino de Las Vegas, contrata Ava (papel de Hannah Einbinder), uma millennial recém-cancelada, que passa a trabalhar como sua “roteirista”. 

Nenhuma das mulheres quer a presença da outra, mas os dez episódios navegam entre farpas e momentos de reconhecimento e empatia ácida. Hacks vai além do que seu título sugere (alguém que trabalha por razões mercenárias), e nos mostra conflitos geracionais que fogem do comum, até mesmo em um grau de metalinguagem, onde a comédia de punchlines e piadas prontas de Vance bate de frente com a modernidade do humor autodepreciativo e menos “arquitetado” de Ava.

A fanfarra rendeu 14 menções ao Emmy 2021. Smart é a favorita para vencer Atriz, Einbinder concorre em Coadjuvante, assim como Carl Clemons-Hopkins, perfomer não-binário que interpreta o braço direito de Vance, Marcus, e diverte pelo jeito taciturno de se portar em cena. Jane Adams, que vive a melodramática mãe de Ava, apareceu na categoria de Convidada, submetendo o funeral que fecha a temporada. O piloto de Hacks, There Is No Line, ainda disputa em Roteiro (nomeando os criadores Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky) e em Direção, além da série ser o grande obstáculo que pode separar Ted Lasso e o Emmy de Melhor Comédia. – Vitor Evangelista

The Flight Attendant (1ª temporada, HBO Max)

A comédia de Kaley Cuoco decolou ano passado no HBO Max, narrando as desventuras tragicômicas de Cassie Bowden, e rendendo à The Flight Attendant nove indicações no Emmy 2021. A primeira indicação de Cuoco à Melhor Atriz em Comédia vem mais do que merecida, marcando a jornada introspectiva de uma comissária de bordo alcóolatra em meio às intrigas internacionais que se iniciam em In Case of Emergency, episódio submetido pela atriz para a premiação.

Por mais que Rosie Perez agregue à trama com sua comissária de bordo mais centrada e sutil, as promessas de sua personagem ficam com a segunda temporada, e seu papel aqui é coadjuvante no sentido mais bruto da palavra, apesar de sua atuação potente no último episódio, Arrivals and Departures. Embora tanto a direção quanto o roteiro do primeiro episódio estejam indicados em suas respectivas categorias, a vitória da diretora Susanna Fogel no DGA abre caminho para sua conquista, enquanto a narrativa trôpega criada por Steve Yockey não conquista à primeira vista.

Nas categorias técnicas, a indicação que chama mais atenção é a de Heather Persons por Montagem em Comédia de Câmera Única, destacando os eventos simultâneos através de split screens ao longo da narrativa. Por mais que a nova investida de Kaley Cuoco tenha sido bem avaliada ao longo de sua exibição, é improvável que seu voo de estreia passe por cima dos favoritos ao prêmio máximo de Comédia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

A série que narra a experiência das comediantes Maya Erskine e Anna Konkle como pré-adolescentes no início dos anos 2000 retornou para uma segunda temporada. Com mais vergonha alheia, estranheza diante das mudanças da puberdade e uma sensibilidade de partir o coração.

Devido à pandemia do coronavírus, a temporada acabou sendo dividida em 2 partes, com 7 episódios cada e 1 especial em animação. A primeira leva de Pen15, lançada em setembro de 2020, conquistou 3 indicações ao Emmy 2021, concorrendo em Melhor Série de Comédia e Melhor Roteiro em Comédia, para Maya Erskine, com o episódio Play. – Caio Machado

black-ish (7ª temporada, ABC)

Ser indicado ao Emmy uma vez já é bom, mas 24 vezes é melhor ainda. Este foi o caso da sitcom de Kenya Barris que, graças a sua sétima temporada, concorre a Melhor Série de Comédia em 2021. Acompanhado a família Johnson no caótico ano em que ficamos presos em casa, black-ish continua nos fazendo rir da desgraça.

Ambos os protagonistas também estão na luta pelo prêmio. Tracee Ellis Ross e Anthony Anderson, que dão vida ao casal Bow e Dre, foram indicados a Melhor Ator e Melhor Atriz em Série de Comédia. Apesar do seriado ser quase um convidado fixo no evento, vale lembrar que apenas uma vez o Emmy de fato reconheceu o trabalho excepcional da equipe. Sua única vitória foi na categoria de Melhor Penteado Contemporâneo, em 2020, graças a o episódio onde vemos Diane (Marsai Martin) lutando para aceitar seu cabelo Afro. – Mariana Chagas

Cobra Kai (3ª temporada, Netflix)

A terceira temporada de Cobra Kai foi de tirar o fôlego. Com um gancho espantoso da segunda fase, Miguel (Xolo Marieña) continua no hospital e Johnny (William Zabka) está vivendo da mesma forma que nos foi apresentado: bebendo demais e com “coragem” o suficiente para enfrentar novas brigas. Além disso, as cenas originais de Karatê Kid entrelaçam com os fatos do presente de maneira impecável desde o primeiro episódio da série. A novidade aqui é entregar fatos ainda desconhecidos do público da saga primitiva, mostrando a vida de John Kreese (Martin Kove) na Guerra do Vietnã. 

O ápice dessa temporada, de um ponto de vista extremamente saudosista, é a visita de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) à Okinawa, terra natal de seu sensei Miyagi. Revisitando o passado, o carateca reencontra personagens chaves do segundo filme da trilogia, o que apetece o coração de fãs apaixonados pela trama de 1986. Ainda, o relacionamento com um antigo vilão produz cenas divertidas, daquelas que a gente não sabe se o personagem está sendo irônico ou sincero. O roteiro busca trazer dinamismo à narrativa, equilibrando aspectos motivacionais com situações plausíveis de serem acontecidas na realidade. Porém, muitos personagens são introduzidos no drama de disputas de dojos, sendo ora elementares ora desnecessários para a constituição da história.

Apesar desse desconforto entre os Cobra Kai e Miyagi-Do, o investimento da Netflix em um seriado originalmente produzido pelo YouTube gerou grandes resultados. Em 2018 e 2019, a série derivada de Karatê Kid só havia levado indicações por seu desempenho com dublês. Neste ano, além desta nomeação, também concorre na categoria de Melhor Série de Comédia. Com lutas intensamente bem coreografadas e cortes de cena singulares, a terceira temporada de Cobra Kai é a melhor até o momento. – Júlia Paes de Arruda

Emily em Paris (Emily in Paris, 1ª temporada, Netflix) 

O PIX da Netflix caiu na conta da Academia, e não é que nossa viajante Emily foi parar no Emmy. Brincadeira à parte, Emily em Paris é uma das maiores surpresas dessa lista. Concorrendo na categoria de Melhor Série de Comédia, a produção ocupou o espaço que poderia ser de Dickinson ou até mesmo da Zoey e Sua Fantástica Playlist, que só apareceu em nomeações técnicas.

Emily em Paris é uma série ruim? Não! Pelo contrário, é uma série divertida, de rápida maratona e com uma leveza que permite esquecer a rotina. É agradável acompanhar a jovem publicitária Emily trabalhando em Paris e tendo dificuldades com as barreiras idiomáticas e culturais, mas isso não significa que a série tenha os padrões esperados quando pensamos em Emmy. A indicação sendo justa ou não, uma coisa é certa: Emily voltará para Paris de mãos vazias. – Ana Júlia Trevisan

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

Após três temporadas e 12 indicações ao Emmy, O Método Kominsky chega ao fim com mais drama do que comédia. A série sobre o ator e professor de teatro, já na melhor idade, Sandy Kominsky, trouxe seu protagonista menos egoísta em relação aos anos anteriores e encerrou sua vida nas telas abençoando a premiação mais importante da TV.

O Método Kominsky volta sem seu garoto dos olhos, Alan Arkin, o que torna seu ano final ainda mais emocionante. Se despedir de Norman Newlander, antes do oficial adeus a série, endossou o roteiro da terceira temporada, se apoiando ainda mais nos altos, baixos e medos das velhice. Se nos anos anteriores a grande estrela do Emmy, para Kominsky, era Arkin, em 2021, a participação de Morgan Freeman pode garantir que o nome da série apareça entre os vencedores. – Ana Júlia Trevisan

Mom (8ª temporada, CBS)

A notícia de que a oitava temporada de Mom seria a última não foi tão surpreendente assim. Com o avanço e prestígio das comédias menores e a escassez do formato de sitcom fora da TV aberta, a série, criada por Chuck Lorre, Eddie Gorodetsky e Gemma Baker lá em 2013, chegou a sua conclusão depois de perder uma das protagonistas.

Anna Faris não retornou para o ano 8, tampouco fez falta. Com Bonnie (Allison Janney) assumindo o holofote todo para si, os 18 capítulos conclusivos se encarregaram de emocionar, discutir pontos importantes sobre alcoolismo e a vida sóbria e, é claro, nos matar de rir. No Emmy 2021, Janney compete mais uma vez como Atriz, depois de já vencer a categoria de Coadjuvante por esse mesmo papel em 2014 e 2015. Mom ainda garantiu menções na parte de Montagem e de Direção, ambas creditadas à series finale. – Vitor Evangelista

Shrill (3ª temporada, Hulu)

Quem esperava uma menção para Hailee Steinfeld (Dickinson), Jane Levy (Zoey’s Extraordinary Playlist) ou até Cristin Milioti (Made for Love) na categoria de Melhor Atriz em Comédia, se surpreendeu com o reconhecimento de Aidy Bryant. Criadora e protagonista de Shrill, Bryant foi indicada pela terceira e última temporada do show original do Hulu.

Disponível no Brasil no catálogo do HBO Max, a série começou a ser transmitida em 2019 e se centra na personagem Annie Easton (Bryant), que quer mudar sua vida sem precisar mudar seu corpo. Leve e curta, Shrill é uma boa pedida para quem quer se manter atualizado na lista do Emmy 2021, mas sem necessariamente tomar muito tempo no processo. – Vitor Evangelista

Kenan (1ª temporada, NBC)

Kenan Thompson surgiu com um dos personagens titulares de uma das séries que mais gritam “infância e as tardes da Nickelodeon”. Agora um comediante consagrado e muito bem empenhado em expandir a gama de seu trabalho, Thompson completou 18 anos dentro do Saturday Night Live (recebendo sua quinta nomeação ao Emmy pelo programa de esquetes) e ainda estrelou sua comédia autoral, pela qual também foi reconhecido pela Academia.

A primeira temporada de Kenan foi gravada ao mesmo tempo em que a quadragésima sexta do SNL, então o ator precisava viajar a semana toda, voando de L.A. até N.Y. para que os calendários de gravações fossem cumpridos. Na série da NBC, Thompson vive um pai viúvo que é apresentador de um programa matinal e, como em todo trabalho que faz parte, Kenan Thompson se entrega 110%. Com um ano 2 já confirmado, Kenan dificilmente ganhará o Emmy, mas com certeza atesta o talento de seu frontman. – Vitor Evangelista

Shameless (11ª temporada, Showtime) 

William H. Macy, o querido e odiável Frank Gallagher, bateu ponto por mais um ano e levou Shameless à lista de indicados. Já ganhou alguma vez? Não. Vai ganhar? Provavelmente também não. A única certeza? Shameless merecia mais, sempre mereceu mais. Durante suas onze temporadas, a série saiu vitoriosa do Emmy apenas em 2015, com Joan Cusack levando Melhor Atriz Convidada em Série de Comédia, e em 2016 e 2017 por Coordenação de Dublês para um Programa de Variedades ou Série de Comédia. Uma série que ficou por onze temporadas em exibição na Showtime merecia mais!

Shameless é sobre uma família de baixa renda e completamente disfuncional. A mãe é bipolar e abandonou a casa e os filhos, o pai é um alcoólatra dissimulado. Quem mantém a família minimamente nos eixos é Fiona, a irmã mais velha entre os seis filhos. Mas, é aqui que mora em grande porém(!), a atriz Emmy Rossum, intérprete de Fiona Gallagher, deixou o elenco ao fim da nona temporada. Shameless deu de cara com dois obstáculos para sua sobrevivência: a saída de sua protagonista e a pandemia.

A série é uma das mais sinceras da TV estadunidense. Nunca houve um limite, uma linha que a produção não pudesse ultrapassar para mostrar a vida dos Gallaghers entre corridas por empregos e o mundo rodeado de drogas. A décima primeira temporada é marcada por brigas e más notícias, driblando o máximo possível da pandemia, sem deixá-la de fora do roteiro. Shameless em nenhum momento foi uma comédia comum e destaca isso no encerramento de seu ciclo. Ciclo esse que foi finalizado de maneira correta, colocados os pingos nos is mas, ainda, deixando a calorosa sensação de que podíamos assistir aquela família por mais onze temporadas. – Ana Júlia Trevisan

A Black Lady Sketch Show (2ª temporada, HBO) 

“Eu não tenho medo do coronavírus. Veja, pessoas brancas são a única pandemia para qual nunca teremos vacina”. É assim que começa a segunda temporada de A Black Lady Sketch Show. A fala de Dr. Haddassah, que ganha vida pela própria criadora da série, Robin Thede, define bem o caos que segue os próximos episódios.

Com um humor confuso, mas bizarramente engraçado, o programa conquistou 5 indicações no Emmy 2021. As participações de Issa Rae, como Jess, e Yvette Nicole Brown, como juíza Harper, garantiram o lugar das convidadas na categoria de Melhor Atriz Convidada em Comédia. Depois de comandar um júri todo composto por mulheres negras no hilário episódio But The Tilapias Are Fine Though, Right?, se tem alguém que merece o prêmio é a talentosíssima Nicole Brown. 

O seriado também participa nas categorias Montagem em Programa de Variedades, Roteiro em Programa de Variedades e Melhor Série de Esquetes de Variedades. Já tendo concorrido em 2020, esse pode ser o primeiro ano em que A Black Lady Sketch Show de fato leva a estatueta. – Mariana Chagas

grown-ish (3ª temporada, Freeform) 

Após black-ish conseguir mais de 20 indicações ao Emmy com todas as suas sete temporadas, agora é a vez de seu spin-off entrar na corrida. grown-ish, protagonizado por Zoey (Yara Shahidi), concorre na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), graças ao trabalho de Mark Doering-Powell no episódio Know Yourself, da terceira temporada.

A sitcom que acompanha a irmã mais velha da família Johnson se passa durante seus quatro anos na faculdade Cal U. Com um grupo de amigos que estão procurando seu lugar no mundo, a série aborda dos maiores aos mais bestas problemas enfrentados pela Geração Z. – Mariana Chagas

Zoey e sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Na segunda temporada da queridinha Zoey e sua Fantástica Playlist, a radiante protagonista precisa aprender a lidar com o luto e outros dramas das pessoas de seu convívio. Tudo isso enquanto presencia números musicais ainda maiores e mais criativos graças ao poder que adquiriu no primeiro episódio. 

Mesmo optando por não inserir a pandemia na narrativa deste segundo ano movimentado, a série passou por desafios na produção devido às restrições e sofreu com a baixa audiência, o que resultou em seu cancelamento no início deste ano. Em agosto, foi noticiado que o Roku está em negociação para salvar a série com um filme de encerramento.

No Emmy 2021, Zoey conquistou 5 indicações nas categorias Melhor Coreografia em Programa Roteirizado, Melhor Direção Musical, Melhores Músicas e Letras Originais e Melhor Atriz Convidada em Comédia, para Bernadette Peters. Tomara que a premiação a valorize tanto quanto sua legião de fãs apaixonados. – Caio Machado

B Positive (1ª temporada, CBS) 

Vamos imaginar a seguinte situação hipotética: você é um terapeuta recém divorciado que descobre que está com falência renal e precisará de um transplante. Sem ter a quem pedir ajuda, você coloca seu nome na fila de transplante – que levará 10 anos – e vai a um casamento. Chegando no salão você encontra um colega do Ensino Médio que era, e continua, toda estabanada, a mesma te oferece o próprio rim. Doideira? Pois é, essa é B Positive.

Concorrendo à Melhor Direção em Série de Comédia, B Positive é mais uma das produções de Chuck Lorre a ser nomeada pela Academia. Mas, a série não teve fôlego para chegar nas categorias de atuação como suas parceiras Mom e O Método Kominsky. Sem comentar a chatice do protagonista, B Positive é uma agradável surpresa graças a seu elenco coadjuvante que é cheio de energia – mesmo alguns estando já na terceira idade. Com 18 episódios, a série pode ser uma boa escolha para relembrar os velhos tempos das longas comédias semanais. – Ana Júlia Trevisan

Girls5eva (1ª temporada, Peacock) 

A história do fictício grupo Girls5eva é uma que já conhecemos, uma banda dos anos 90 que bombou por algum tempo e sumiu depois de uma série de músicas que fracassaram nas paradas. A série acompanha as integrantes do grupo 20 anos depois da sua separação, quando cada uma já tomou o seu rumo, mas resolvem retornar ao mundo da fama. Ao tentarem ingressar na cena musical, percebem o quanto tudo mudou e são tomadas pela noção de que não são mais meninas de 20 anos cantando sobre questões de jovens adultas e precisam adaptar suas músicas à nova realidade de suas vidas.

Paula Pell, Renee Elise Goldsberry, Busy Philipps e Sara Bareilles formam o grupo Girls5eva, e a escolha de elenco adiciona um toque especial de nostalgia e realidade para esse show que é repleto de referências. E, além disso, conta com participações incríveis de Andrew Rannells, Stephen Colbert e Tina Fey, que além de interpretar Dolly Parton, também assina a produção da série.  Girls5eva apareceu apenas em uma categoria do Emmy 2021: Melhor Roteiro em Comédia, concorrendo pelo Piloto escrito por Meredith Scardino. – Marcela Zogheib

The Politician (2ª temporada, Netflix) 

Apesar de não ganhar devido destaque na plataforma da Netflix, por mais um ano, The Politician garantiu indicação nas categorias técnicas, de Melhor Figurino Contemporâneo, Melhor Penteado Contemporâneo e Melhor Maquiagem Contemporânea (Não-Prostética), no Emmy 2021. A produção satiriza a política estadunidense e, não só isso, ainda destaca os erros e acertos das diferentes camadas de eleitores e candidatos ambiciosos que constroem a população do país que move o mundo. Como destaque para evidenciar todos esses problemas, Payton Hobart (Ben Platt), um adolescente rico, vive por suas aspirações políticas, e cada temporada acompanha então seus erros e acertos, em diferentes fases da vida, até sua corrida para a cadeira presidencial. 

Mas, com a atuação garantindo indicação apenas em 2020 com Bette Midler que perdeu para outra sátira para a política estadunidense, dessa vez do Saturday Night Live, a produção se destaca na categorias por seus figurinos excêntricos, extravagantes e, principalmente, irônicos por todas as cenas. Podemos sobressair então os episódios indicados, Mudança de Estratégia? e A urna (o primeiro e o sexto da segunda temporada, respectivamente). Neles, podemos ver as personagens não só satirizando as diferentes jogadas políticas, mas também podemos ver o uso correto da maquiagem, figurino e penteado que constroem de maneira ainda mais efetiva a mensagem que o criador satírico, Ryan Murphy, pretende criar. – Larissa Vieira

Made for Love (1ª temporada, HBO Max) 

A comédia do HBO Max sobre relacionamentos abusivos e tecnologia conseguiu uma única indicação no Emmy 2021. Made for Love, estrelada por Cristin Milioti, concorre à categoria de Melhor Fotografia em Comédia de Câmera Única (Meia Hora) por seu primeiro episódio, User One, que dá o tom para seu humor ácido e irônico dramatizar a vida de sua protagonista antes e depois do “término”.

Diferenciando as cenas dentro do Hub (uma prisão tecnológica capaz de tomar a forma de qualquer paisagem) e do mundo exterior através do uso inteligente de cor, iluminação e angulação, justificando a indicação de Nathaniel Goodman. Porém, é difícil que a soma dessas qualidades supere a vantagem que O Mandaloriano da Disney+ têm sobre a  categoria, principalmente levando em consideração sua vitória ano passado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Animação

Big Mouth (4ª temporada, Netflix)

Depois de render o primeiro Emmy da carreira de Maya Rudolph, a animação sacana da Netflix retornou para um novo ano. Repleto de traumas e dramas comuns nas rotinas adolescentes, Big Mouth continua expandindo sua impecável narrativa, recheada de personagens consagrados, como os sempre evolutivos protagonistas e os Monstros do Hormônio, e novas caras, em especial Natalie (Josie Totah), menina trans que protagoniza um dos plots mais interessantes do quarto ano. 

No Emmy 2021, Big Mouth concorre em Melhor Programa de Animação, submetendo o episódio The New Me, além de aparecer na lista de Melhor Performance de Voz, onde Maya Rudolph e Connie defendem o cinturão, pelo episódio A Very Special 9/11 Episode. Com a renovação já garantida, só nos resta esperar por mais momentos perfeitos do desenho. – Vitor Evangelista

South Park: The Pandemic Special (Episódio Especial, Comedy Central) 

Em setembro de 2020, foi ao ar o primeiro episódio especial de uma das séries mais irreverentes dos últimos 20 anos. Indicado ao Emmy 2021, na categoria Melhor Programa de Animação, South Park: The Pandemic Special traça o cenário caótico que se instaurou no mundo em decorrência do coronavírus.

Diante da pandemia de covid-19, The Pandemic Special satiriza a enxurrada de desinformação propagada por líderes negacionistas. De forma inédita, o episódio tenta lidar com o tema de maneira honesta, principalmente pela fala dos personagens infantis, como Stan Marsh e Eric Cartman, e tenta evocar o humor através dos típicos desvios de caráter dos personagens, mas sem apontar para a ingenuidade de terceiros — algo explorado exaustivamente em episódios anteriores da série.

A pandemia obrigou a TV a se reinventar, e, até mesmo para uma animação conhecida pela irreverência, tratar do tema sem a sinceridade necessária torna-se impossível. No entanto, South Park: The Pandemic Special é um resumo de eventos que ocorreram ao longo de 2020, e sua indicação se dá pela forma de transpor isso à animação. Uma possível vitória seria resultado do tema, e não necessariamente por alguma genialidade do episódio. – Bruno Andrade

Love, Death & Robots tem tudo para virar figurinha carimbada no Emmy: a primeira temporada da série de animação já havia marcado presença na categoria Melhor Programa Curto de Animação, e agora a continuação repete o feito. A sequência da antologia idealizada pelos diretores David Fincher e Tim Miller teve um número menor de episódios, mas que não faltou amores, mortes e robôs.

Mais uma vez, a temporada serve apenas como uma coletânea para as diferentes histórias: mesmo com o tema comum da ‘relação humanidade-tecnologia’ e da sobrevivência humana, os capítulos, completamente independentes uns dos outros, tornam cada play uma experiência diferente. Da ação à fantasia ao suspense, do stop-motion às animações em computação gráfica, a continuação de LD&R tem visual, narrativa e duração para tudo quanto é gosto e estilo. 

Na noite do Creative Arts Emmy de 2019, a estreante produção da Netflix levou o troféu na principal categoria em que foi nomeada. Novamente indicada pelo seu segundo ano na 73° edição da maior premiação da TV, talvez não seja tão arriscado assim cantar vitória antes da hora para Love, Death & Robots. – Vitória Lopes Gomez

Competição

RuPaul’s Drag Race (13ª temporada, VH1)

Mais um ano de Emmy, e mais uma temporada de RuPaul’s Drag Race indicada em diversas categorias. A 13ª corrida de RuPaul Charles, esse ano, além de algumas técnicas, vai disputar a estatueta por Melhor Direção em Reality, Melhor Apresentador em Reality ou Programa de Competição, Melhor Reality Não-Estruturado, e Melhor Programa de Competição. 

A vez de Symone, Kandy Muse, Gottmik e Rosé foi intensa e colorida. RuPaul decidiu gravar mesmo durante a pandemia, e reformulou diversos aspectos de seu programa para a segurança da equipe e de suas queens. Nada disso afetou a alma de sua competição, e assistimos o apresentador/apresentadora em seu melhor dos últimos anos; já na produção, a qualidade técnica exuberante de sempre. 

O show já coleciona três vitórias consecutivas na categoria Melhor Programa de Competição, e Charles pode levar para casa sua sexta estatueta, também consecutiva, como Melhor Apresentador. A 13ª temporada tem tudo para honrar o nome do reality na premiação, agora só precisamos aguardar quantos prêmios a Mother levará para casa. – Jho Brunhara

Legendary (2ª temporada, HBO Max) 

Em sua segunda temporada, Legendary volta ainda mais lendário. Com mudanças na produção depois da saída do público, devido a protocolos de segurança para evitar o contágio da covid-19, o reality retornou mais organizado e divertido do que já era. Com muito shade, vogue e referências a tantas áreas diferentes da cultura pop, o que se destacou foram os figurinos. O estilista Johnny Wujek e sua equipe são responsáveis pelos looks memoráveis que, se conquistaram o Law, você já sabe que foram um arraso. 

A série do HBO Max ganhou as indicações de Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética) no Emmy 2021. O episódio Pop Tart, quinto da segunda temporada, representa o reality na corrida pelo prêmio. Ao seu lado, programas fortes como RuPaul’s Drag Race e The Voice disputam pela estatueta, que será entregue no segundo fim de semana de setembro. – Mariana Chagas

Queer Eye (5ª temporada, Netflix)

Os 5 fabulosos de Queer Eye (Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France) chegaram na Filadélfia com força para a 5ª temporada do reality. Colecionando 8 estatuetas da Academia, os Fab 5 sobem ao Emmy 2021 indicados para Melhor Elenco, Direção, Apresentadores, Melhor Reality Estruturado, e mais outras 2 categorias. A nova temporada da Netflix veio em uma boa hora – no meio da pandemia de coronavírus – e com mais episódios para aquecer corações aflitos, pois a série sempre consegue lembrar o quão revolucionário, e divertido, é descobrir o amor próprio. 

Logo no primeiro episódio da temporada, A igreja LGBTQ+, Queer Eye conta a história de Noah, um pastor abertamente homossexual, e proporciona um dos momentos mais marcantes da série com a presença de diversos chefes religiosos para apoiá-lo. O episódio concorre nas categorias de Melhor Direção e Edição no Emmy 2021, junto com Tosa e Sonho, segundo da temporada nomeado para Melhor Fotografia. 

A série segue ampliando seu lindo trabalho em contar histórias, agora com 2 episódios a mais, e encontrando protagonistas mais diversos ainda do que de costume – de pastor homossexual à jovem ativista e DJ solteirão. Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan são uma dose refrescante de vida e provam quanta coragem há em amar tão incondicionalmente que são capazes de mostrar aos outros o quão lindo cada um deles é em seu ser. – Nathália Mendes

Documentário/Programa de Não-Ficção

O Dilema das Redes (The Social Dilemma, Jeff Orlowski) 

Esquecido pelo Oscar no início deste ano, o documentário da Netflix que abalou a internet em seu lançamento foi lembrado pelo Emmy 2021, até mais do que o necessário, inclusive. Acumulando nada menos do que 7 indicações, O Dilema das Redes tem pelo menos a indicação ao BAFTA em seu favor, mas não deve sair do Emmy com mais do que um troféu ou outro. A presença marcada nas categorias técnicas de Documentário ou Não-Ficção, incluindo Fotografia, Direção, Montagem, e Edição de Som, é de certo modo facilitada por todo o contexto narrativo construído dentro do filme para ilustrar os problemas que as redes sociais podem proporcionar para a sociedade.

Estranho mesmo é ver a indicação a Roteiro em Programa de Não-Ficção, considerando que o documentário é do início ao fim acompanhado de uma trama fictícia patética. As composições musicais originais, também indicadas à premiação, dão aquele tom de suspense forçado quase a nível de vídeos de teorias da conspiração do YouTube, mas ao final, Jeff Orlowski parece entender que, apesar dos exageros, essa seria a forma mais eficiente de levar a mensagem a mais pessoas. Não por acaso, a empreitada deu certo: o documentário coroou sua presença no Emmy 2021 com as indicações a Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção, e Direção no mesmo formato. – João Batista Signorelli

As Mortes de Dick Johnson (Dick Johnson Is Dead, Kirsten Johnson) 

A morte pode ser considerada um grande tabu para a cultura ocidental e é raro ver esse processo natural da vida sendo tratado com tanta franqueza quanto em As Mortes de Dick Johnson. No documentário, a diretora Kirsten Johnson e seu pai, Richard, encenam a morte dele com criatividade e um humor sombrio como forma de lidar com o inevitável. 

É um filme bem peculiar na forma excêntrica como lida com a morte. O impacto que consegue provocar no espectador é gigante graças aos esforços da diretora em captar os momentos de fragilidade dela, do pai e vários outros à sua volta. No Emmy 2021, recebeu 3 indicações nas categorias Melhor Fotografia em Programa de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção e Mérito Excepcional em Documentário. – Caio Machado

Tina (Idem, Daniel Lindsay e T. J. Martin)

O Grammy não é o suficiente para contemplar o impacto cultural de Tina Turner. No gran finale de seus aclamados mais de 60 anos de carreira, a artista reverencia sua própria trajetória e almeja a maior premiação da TV em Tina, o documentário definitivo sobre carreira que encerra a vida pública de uma das maiores cantoras de todos os tempos. 

Rico em camadas, assim como a Rainha do Rock ‘n’ Roll, o filme da dupla oscarizada Daniel Lindsay e T. J. Martin é o lugar onde os devidos encerramentos de arcos acontecem. Compreendendo a complexidade da artista, Tina toca em feridas, celebra conquistas e marca a memória da lenda viva de sua protagonista, abordando desde aspectos delicados de sua vida até o seu absoluto estrelado.

A magnitude do filme faz jus a obra de vida da artista e alcança em três indicações ao Emmy 2021. Concorrendo a Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção, Tina é mais do que digno para a despedida de uma estrela como Tina Turner. – Raquel Dutra

Boys State (Idem, Amanda McBaine e Jesse Moss)

Coube ao Emmy reconhecer Boys State. Depois de estrear com sucesso no Festival de Sundance de 2020, o filme criou um burburinho digno de Oscar, mas se enfraqueceu ao longo do ano que corou Professor Polvo como o Melhor Documentário. Então, o Oscar da TV, como sempre um pouco mais sensato em suas nomeações, indica o longa de Amanda McBaine e Jesse Moss em duas merecidas categorias: Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção e Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção. 

Na companhia de superproduções sobre estrelas da Música e outros filmes esquecidos pelo Oscar, Boys State se desloca do padrão narrativo da categoria para pensar sobre política e juventude. Sua história se dá a partir de um programa de educação cidadã do Texas organizado pela Legião Americana, entidade formada por veteranos de guerra estadunidenses. Todo ano, os membros da instituição escolhem 1.200 jovens para participar do projeto que cria o Estado dos Meninos, onde eles vivem a experiência de construir um governo do zero.

Entre algumas polêmicas sobre as movimentações dos garotos que têm um vislumbre de poder nas mãos, McBaine e Moss resolveram registrar a edição de 2018 do projeto. E o que o documentário encontra é surpreendentemente esperado, numa direção precisa, que não necessita de nada além da observação para tecer sua narrativa. O filme mistura suas chances aos concorrentes do Emmy 2021, mas a sua mensagem é uma das mais alarmantes: ao visitar o Estado dos Meninos, Boys State nos faz perceber que já vivemos nele. – Raquel Dutra

The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart (Idem, Frank Marshall)

“Como você pode remendar um coração partido?” questionavam-se os Bee Gees em um de seus momentos de sucesso em 1971; questionam-se os fãs de Barry, Maurice e Robin Gibb compreendendo o legado que o grupo deixou em 2021, e questiona o documentário que busca compreender a história e obra do fenômeno musical daquele grupo de irmãos. E o processo não é fácil, The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart faz questão de avisar. 

A trajetória da banda que despontou 50 anos atrás numa febre comparável a dos Beatles, inicialmente com explosões românticas harmoniosas e depois com a consolidação da era disco, é repleta de altos e baixos, tanto pela perspectiva de jovens artistas em ascensão, quanto pelo olhar da banda como um negócio de família. Assim, o filme de Frank Marshall tem o difícil trabalho de coordenar o grande volume de informação que constrói aqueles 40 anos de idas e vindas dos Bee Gees, mas encontra seu caminho alcançando seis indicações ao Emmy 2021.

Como um dos maiores vendedores de discos de todos os tempos, que passou por diversas mudanças de gêneros, estilos e dinâmicas, o grupo finalmente tem um documentário que prefere compreendê-los antes de qualquer preferência narrativa. O que significa que The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart tem de realizar alguns sacrifícios, com seu público, mas nada que prejudique aqueles que ainda guardam a banda numa fenda do coração. – Raquel Dutra

Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre (Idem, Stanley Nelson)

Em 1921, na cidade de Tulsa, estado de Oklahoma, Estados Unidos, o distrito de Greenwood, na época uma das comunidades negras mais prósperas do país, foi invadido e destruído por um grupo de supremacistas brancos. O ataque se estendeu por 18 horas, intervalo de tempo que os racistas levaram para saquear e incendiar mais de mil casas e estabelecimentos comerciais, desabrigar cerca de 10 mil pessoas e assassinar 300.

Visto como um dos capítulos mais violentos da longa e terrível história que os Estados Unidos carregam sobre as suas relações raciais, o Massacre de Tulsa é quase inexistente na memória coletiva do país. Em 2019, então, às vésperas do marco de um século daquele banho de sangue racista, Watchmen trouxe a questão à tona ao se transformar em uma das produções mais celebradas da maior premiação da TV. E em 2021, depois dos 100 anos do massacre de Tulsa, Tulsa Burning: The 1921 Race Massacre documenta horror daquele maio de 1921. 

Como resposta, a indústria cultural norte-americana parece finalmente ter um vislumbre de compreensão da sua responsabilidade em pautar e reverberar discussões relevantes, depois do levante contra o racismo que os Estados Unidos viu no ano passado. Mas ainda não completamente, já que o reconhecimento que a Academia de TV guardou para o documentário do já premiado Stanley Nelson se reservou à três indicações ao Emmy 2021 (Melhor Roteiro, Melhor Edição de Som e Melhor Composição Musical em Programa de Não-Ficção), e nenhuma delas é na categoria principal. – Raquel Dutra

David Byrne’s American Utopia (Idem, Spike Lee) 

Em 1984, David Byrne ainda era vocalista do Talking Heads. Além dos sucessos, como Psycho Killer e Once In a Lifetime, a banda também ficou marcada pelo icônico Stop Making Sense, filme-concerto dirigido por Jonathan Demme. 

Em 2020, o Talking Heads já não está mais na ativa. Mas David Byrne retornou para liderar outro show, American Utopia, com outra banda, um terno adequado para seu tamanho e sob direção de Spike Lee. 

Mesmo depois de quase quarenta anos, David Byrne continua com muita energia e entrega uma apresentação emocionante e cheia de vida. Recebeu 6 indicações ao Emmy 2021, com destaque para Melhor Direção Musical e Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado). – Caio Machado

Billie Eilish: The World’s A Little Blurry (Idem, R. J. Cutler)  

Entre um namoro falho, uma primeira apresentação no Coachella e a criação de um Álbum do Ano, o mundo de Billie Eilish estava um pouco embaçado. A Artista Revelação no Grammy de 2020 nos leva para dentro de sua casa no intimista documentário dirigido por R.J. Cutler, que acompanha a ascensão repentina da jovem. 

Indicado ao Emmy, o filme concorre em quatro categorias: Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, Melhor Direção Musical, Melhor Edição de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção (Única ou Múltiplas Câmeras) e Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção (Única ou Múltiplas Câmeras). Lançado no início de 2021, Billie Eilish: The World’s A Little Blurry é mais um sucesso da cantora. – Mariana Chagas

Bem-vindo a Chechênia (Welcome To Chechnya, David France)

Sempre nos perguntamos como sociedades assistiram genocídios acontecerem ao longo da História do mundo e não fizeram de tudo para impedir que continuassem. A comunidade LGBTQIA+ da Chechênia também não tem a resposta. Quando esse pequeno fragmento de texto foi escrito, e, agora, enquanto está sendo lido, chechenos que não se encaixam na cisheteronormatividade enfrentaram e enfrentam tortura física e psicológica em campos de concentração. Tortura, essa, que, em muitos casos, leva à morte, seja por decorrência da gravidade das agressões, ou em casos de suicídio, a única opção que encontram para fugir da dor. 

Bem-vindo a Chechênia, indicado ao Emmy 2021 em Mérito Excepcional em Documentário, denuncia um Estado cruel, comandado pelo ditador genocida Ramzan Kadyrov, apoiado por Vladimir Putin, e nos mostra as forças daqueles que tentam fugir ou salvar os que agonizam em medo e sofrimento. Os meios que o diretor David France utiliza para construir a técnica de seu longa parecem perder a importância aqui, diante de tamanha gravidade e urgência da situação. Pessoas estão morrendo. Em pleno século 21, estão sendo torturadas e morrendo em campos de concentração, desde 2017, apenas por serem quem elas são. Esse é um filme que seus relatos sobressaem a produção, sobressaem festivais e premiações, e marcam diretamente a parte da história infeliz e horrorosa da humanidade. – Jho Brunhara

Allen contra Farrow (Allen v. Farrow, Minissérie Documental, HBO) 

Que Woody Allen é um homem repugnante já não é novidade para muita gente. Mas a minissérie documental Allen contra Farrow faz questão de compilar anos e anos de sofrimento de toda uma família, em consequência do abuso sexual sofrido por Dylan Farrow e causado por ele próprio, que também é seu pai adotivo. Dividida em 4 episódios, a produção da HBO explora os traumas vividos pela escritora, que finalmente teve a chance de usar sua voz para derrubar a máscara do aparente indefeso nova-iorquino.

A obra dirigida por Kirby Dick e Amy Ziering cutuca todas as feridas do aclamado cineasta, culminando em um processo praticamente condenatório pela série de evidências e depoimentos que reúne, deixando apenas de mostrar o lado do acusado (mas não por falta de tentativas). E, passando por cima das críticas de Allen, a série conseguiu 7 indicações no Emmy 2021, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, em que tem grandes chances de sair vitoriosa. Os criadores ainda se garantiram em Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção e Roteiro em Programa de Não-Ficção. Ver Allen contra Farrow ganhar uma estatueta seria não apenas um grande passo para a merecida queda de Woody Allen, como também um respiro de alívio necessário para Dylan. – Vitória Silva

Faz de Conta que NY é uma Cidade (Pretend It’s A City, Minissérie Documental, Netflix) 

Faz de Conta que NY é uma Cidade é um passeio pela Grande Maçã estadunidense, por meio dos comentários da escritora Fran Lebowitz e sob o olhar de seu amigo de longa data Martin Scorsese. A minissérie documental da Netflix se apoia na visão da protagonista, que divide uma relação de anos com a cidade que nunca dorme e compartilha suas opiniões fortes em conversas de bar com o aclamado diretor, que também carrega um histórico de produções ambientadas na cidade. 

A produção garantiu uma indicação no Emmy 2021, em Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, disputando com o peso pesado de Allen contra Farrow e os nomes American Masters, City So Real e Secrets of the Whales. Lebowitz e Scorsese ainda entraram na conta como produtores executivos, além de nos entreterem muito bem em meio ao faladeiro da escritora com a risada simpática do diretor ao fundo. – Vitória Silva

Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela (Framing Britney Spears, Globoplay)

Framing Britney Spears: A Vida de Uma Estrela, documentário que ganhou as manchetes ao lado do movimento #FreeBritney, é um grande dossiê da vida da artista, seus acertos, erros, sua relação pública problemática com a família, e, principalmente, a perseguição midiática que a aterrorizou e a afetou para sempre. Indicado ao Emmy 2021 nas categorias Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção e Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção, a produção do The New York Times, além de um grande pedido de desculpas, também ajudou a denunciar para o mundo o que estava se passando na família Spears. 

Em agosto, o pai de Britney Spears cedeu, pela primeira vez, à posição de tutor na conservadoria da cantora. Jamie Spears demonstrou interesse em deixar a função e permitir que outra pessoa assuma seu lugar. Seja por consequência da pressão pública que o documentário gerou ou não, preferimos acreditar que sim. Por enquanto, Framing Britney Spears lidera as chances de vitória na categoria de Melhor Documentário, mas a melhor conquista sempre será a chance de Britney retomar sua liberdade. – Jho Brunhara

Drama

Pose (3ª temporada, FX)

Pose, a lendária série com o maior elenco trans e negro da TV, chegou ao fim em sua terceira temporada. Exibida pelo FX, a produção se despediu com o gracejo costumeiro da trama da família Evangelista, ao mesmo tempo em que pontuou importantes discussões sociais e históricas que a comunidade trans viveu nos anos oitenta e noventa. O estrondo do ano três, menos interessado em expor feridas dolorosas que o passado, rendeu à Pose uma avalanche de indicações ao Emmy 2021.

Além de figurar em categorias técnicas que dizem respeito a Maquiagem, Figurino, e um Especial em Reality que discute a relevância de Pose, a obra apareceu em Série de Drama, em Ator (pela terceira vez para Billy Porter) e em Atriz, para Mj Rodriguez (que se tornou a primeira pessoa trans indicada a um Emmy de atuação principal). Steven Canals apareceu na lista de Direção pela Series Finale, episódio agraciado com uma menção em Roteiro, que abarcou todas as mentes que tiraram Pose do papel e marcaram-na na História.

Se os Evangelista de Nova York vão conseguir desbancar a azeda família real de The Crown, só o dia dezenove de setembro dirá, mas a relevância e a importância de Pose, por si só, já valem mais que qualquer troféu dourado. Mas que bom seria ver alguém em cima do palco, agradecendo a existência e a possibilidade de ter criado algo tão genuíno e tocante quanto essas três temporadas. É uma pena, porém, que Dominique Jackson e Indya Moore tenham sido esnobadas, para no lugar delas o Emmy encher a categoria de Atriz Coadjuvante com performances aquém e que só entraram pelo lobby massivo da série da Rainha e daquele bando de aias. – Vitor Evangelista

The Crown (4ª temporada, Netflix)

A Netflix nunca esteve tão perto de vencer o Emmy de Melhor Série como está em 2021. Sempre antes ofuscada pela glória da HBO ou ficando atrás da simpatia do Amazon Prime Video, os anos pandêmicos foram produtivos para a gigante do streaming, que gravou o quarto ano de sua maior produção entre agosto de 2019 e março de 2020. Assim, The Crown sai na frente de todos os outros serviços cujos cursos de produção foram prejudicados com o seu melhor ano – até o momento -, explorando os mais atraentes aspectos da história da realeza britânica.

Por si só, o encanto da 4ª temporada de The Crown era irresistível, e ela sabia bem disso. Então, ambiciosa que só, a série eleva para além tudo o que já apresentou nos anos anteriores: roteiros repletos de camadas, direção precisa, elenco de excelência, riqueza visual e intertextual…  Cada elemento que colocou a superprodução da Netflix e sua ficcionalizada família real nas telas do mundo todo alcance seu auge. A Rainha inabalável (Olivia Colman) está repleta de hesitações; o Príncipe (Josh O’Connor) se transforma em monstro; o monstro (Tobias Menzies) se transforma em Príncipe; a Princesa (Helena Bonham Carter) se mostra muito maior que seus mais elevados e profanos títulos; a Dama de Ferro (Gillian Anderson) sofre seus derretimentos; e Lady Di (Emma Corrin) abala todo sistema da realeza com apenas um sorriso.

O fenômeno da quarta temporada no Emmy 2021 é gigantesco: todo o elenco principal está indicado em suas respectivas categorias, a equipe de roteiro é reconhecida e a direção uníssona da série é aclamada, cada um em seus devidos episódios. Mesmo os novatos dentre as seis categorias de atuação são os favoritos, junto da pressão da avalanche de Anderson, do efeito do retorno de Claire Foy e Charles Dance e do impacto do Oscar para a personagem de Emerald Fennell. Como a série mais indicada da noite, que aparece em todas as categorias principais de seu gênero, The Crown vai clamar na noite do dia 19 de setembro: Deus salve a Rainha. – Raquel Dutra

Lovecraft Country (1ª temporada, HBO) 

Após a HBO ter criminalmente escolhido não renovar o drama de terror e ficção científica Lovecraft Country para um segundo ano, a obra de Misha Green, adaptada do livro de Matt Ruff, tomou nova vida quando foi nomeada a 18 categorias do Emmy 2021. Mesmo que a ciclo da série termine aqui, seu legado se concretiza na vitória ao ser indicada junto das maiores produções do ano, superando as dificuldades que o gênero de terror enfrenta para ser reconhecido, à começar pelo roteiro de Green, indicada pelo episódio Sundown, que magistralmente insere seus personagens em um mundo estranho e deturpado antes por racismo do que por monstros.

Apesar de ter ficado de fora da categoria de Direção, foi bom ver seus intérpretes sendo reconhecidos de maneira geral: além de Jurnee Smollett e Jonathan Majors (ambos indicados pela primeira vez), que competem nas principais por darem vida ao par de Leti e Tic em sua jornada pelo desconhecido, Aunjanue Ellis compete por Atriz Coadjuvante graças à sua performance altamente introspectiva como Hippolyta no episódio I Am., além de Courtney B. Vance, indicado como Ator Convidado por seu trabalho em Whitey’s on the Moon. Porém, Lovecraft Country infelizmente se despede com uma tragédia: a morte do ator Michael K. Williams, indicado pela quarta vez como Ator Coadjuvante (única das categorias de atuação que nunca foi vencida por um negro) por sua interpretação transformativa de Montrose Freeman e uma vida não só de traumas e arrependimentos, mas também esperança. O ator recebe sua última indicação por sua performance no episódio Rewind 1921, que recria o Massacre de Tulsa em toda a sua monstruosidade e faz com que Montrose encare fantasmas de seu passado.

Mesmo com tantas indicações, tanto nas categorias principais quanto nas técnicas, fica a dúvida: será que a produção pode, de surpresa, abocanhar os maiores prêmios da noite, incluindo a cobiçada estatueta de Melhor Série de Drama? Não parece provável, dada a competição forte da já premiada The Crown na categoria. Porém, se tem uma lição que tiramos de Lovecraft Country, é que as coisas mais estranhas tendem a acontecer quando menos se espera – e quando mais se precisa. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Mandalorian (2ª temporada, Disney+)

Liderando o número de indicações com 24 nomeações tanto nas categorias técnicas quanto nas principais, a segunda temporada de O Mandaloriano certamente voltou às telas do Disney+ com toda a pompa que uma série de Star Wars merece. Porém, assim como em 2020, é improvável que o hype por trás da série de Jon Favreau impulsione a produção a concorrer com os pesos pesados da categoria de Drama.

Por mais que sua trama desajeitada pule de planeta em planeta em busca de sentido, é difícil negar as chances que o seriado têm de passar o rodo nas categorias de Fotografia, Trilha Sonora, Efeitos Especiais, entre outras (que ela mesmo conquistou no ano anterior). Timothy Olyphant e Carl Weathers, indicados como atores convidados por seus papéis nos capítulos 9 (O Xerife) e 12 (O Cerco), respectivamente, talvez encontrem sua chance entre The Crown e Lovecraft Country, e o Moff Gideon de Giancarlo Esposito (indicado pelo último capítulo da temporada, O Resgate) não é um dos nomes mais improváveis na categoria de Ator Coadjuvante.

Dito isso, ainda é difícil ver alguma chance da produção levando as estatuetas de Direção (Capítulo 9: O Xerife) ou Roteiro (Capítulo 13: A Jedi e Capítulo 16: O Resgate) para casa, dada a forte competição e a própria qualidade dos episódios. Mesmo com uma campanha forte por parte de seu streaming, O Mandaloriano simplesmente não é uma concorrente séria ao prêmio de Melhor Drama. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O Conto da Aia (The Handmaid’s Tale, 4ª temporada, Hulu/Paramount+)

The Handmaid’s Tale vive uma jornada de altos e baixos na TV. O ano inicial venceu o Emmy de Drama (até hoje a única produção de streaming a conseguir o feito), o segundo e o terceiro decepcionaram e a quarta temporada retomou o fogaréu que os votantes da Academia aparentemente amam.

Com 10 indicações só para seus atores, a série retorna ao Emmy como uma verdadeira ameaça ao reinado supremo de The Crown. Dessa vez, a trama finalmente tira June de Gilead e prepara as aias e as Tias para o iminente combate que, com fé, acontecerá no quinto e último ano. Elisabeth Moss retorna a corrida de Atriz, enquanto Ann Dowd, Yvonne Strahovski e Samira Wiley aparecem em Atriz Coadjuvante, ao lado da novata Madeline Brewer.

Em Ator Coadjuvante, Bradley Whitford dá as boas-vindas aos fresquinhos O-T Fagbenle e Max Minghella. Na categoria de Atriz Convidada, Alexis Bledel está na companhia da jovem Mckenna Grace, de apenas 15 anos. The Handmaid’s Tale emplacou nomeações em Direção (The Wilderness) e em Roteiro (Home), provando que, com a quantidade certa de faísca e boa vontade, até a mais morte das produções relevantes do momento pode voltar a vida. – Vitor Evangelista

Bridgerton (1ª temporada, Netflix) 

Todo mundo sabia que Bridgerton era extremamente esperada no catálogo da Netflix. Agora, o sucesso estrondoso da série logo nas primeiras semanas, que se tornou a mais assistida da história da plataforma, foi novidade. Pouco menos de um ano depois, a família com um abecedário de filhos protagonizou outra surpresa: foram 12 indicações no Emmy 2021. 

Nas categorias técnicas, Bridgerton emplacou o que se é esperado de uma trama de época, com indicações em Figurino, Design de Produção e Cabelo e Maquiagem. Julie Anne Robinson, por sua vez, agarrou sua vaga em Melhor Direção em Drama pelo piloto da temporada, Diamante raro, que nos introduz à fértil família Bridgerton e às fofocas deliciosas de Lady Whistledown. Por falar nela, a verdadeira rainha da série, Julie Andrews espalhou tanto boato que garantiu um espacinho na categoria de Melhor Performance em Voz. 

Mas foi ler o nome da produção em Melhor Série de Drama e Melhor Ator em Drama que tirou suspiros dos que acompanham a maior premiação da TV. Claro que, no fim das contas, a realeza de The Crown não vai deixar sobrar estatueta nenhuma, mas os amantes da série podem ser felizes por enquanto. Curiosamente, o único indicado em atuação não carrega o sobrenome Bridgerton no nome: responsável pelo sucesso supremo da produção, o Duque de Hastings de Regé-Jean Page esbanjou talento suficiente para marcar seu nome no Emmy. Premiado ou não, o Duque não vai ser apagado tão fácil do imaginário popular. – Caroline Campos

The Boys (2ª temporada, Amazon Prime Video) 

Mais frenética, violenta e política, a segunda temporada de The Boys tascou indicações nas principais categorias do Emmy 2021. Na continuação da série original do Amazon Prime Video, os absurdos gráficos se conciliaram à narrativa central e ao desenvolvimentos dos personagens – Kimiko, Frenchie e Rainha Maeve ganharam alguns minutos a mais, Billy Bruto reencontrou seu cachorro, Capitão Pátria ficou mais sádico a cada episódio. 

Entre tantos heróis vilões e mocinhos anti-heróis, sobrou tempo para trazer a ficção para perto demais, com as críticas sociais mais presentes do que no já magnífico e provocador primeiro ano. Do seu jeitinho satírico e sarcástico, a segunda temporada abordou xenofobia, manipulação midiática, alienação pelas redes sociais, o reaparecimento de grupos neonazistas e, claro, não esqueceu do cerne da premissa, os absurdos e consequências do capitalismo. 

The Boys é de explodir a cabeça e, além de marcar presença nas grandiosas Melhor Série de Drama e Melhor Roteiro em Drama, ainda tascou indicações em Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme e em outras categorias técnicas. Infelizmente, na noite principal do Emmy, a segunda temporada seria zebra. Ou quem sabe? A série bem sabe como fazer um plot twist. – Vitória Lopes Gomez

This Is Us (5ª temporada, NBC)

Se mantendo como a única representante originária da TV aberta na corrida de Drama do Emmy, a quinta temporada de This Is Us continua incrível, mas o prestígio da Academia parece ter se esvaído um pouco. Sterling K. Brown, que venceu pelo ano um, retorna para sua quinta nomeação pelo papel de Randall Pearson. Ele submeteu um dos episódios iniciais da leva, que ressoam na alma do personagem, completamente focado em entender suas raízes e conhecer sua mãe biológica.

Quem também está na lista dos atores nomeados é Chris Sullivan. Na categoria de Coadjuvante em que havia aparecido apenas uma vez antes, ele escolheu o episódio onde espera o nascimento de sua filha, do lado de fora do hospital por conta dos protocolos sanitários de combate à pandemia. A questão do coronavírus, diga-se de passagem, foi muito bem incrementada na narrativa da NBC, se integrando facilmente às tramas cotidianas da família. Phylicia Rashad, a atriz que interpreta a mãe de Beth, foi lembrada como Convidada, e submeteu o capítulo em que se torna um farol de segurança para a neta queer. This Is Us ainda apareceu em listas de Maquiagem e Trilha, além de figurar em Melhor Série de Drama, com chances quase nulas de vencer. – Vitor Evangelista

Euphoria – Parte 1: Rue (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Euphoria terminou sua primeira – e fantástica – temporada com um xeque-mate: a cena da recaída de Rue em que finalmente a música All For Us ganha a voz de Zendaya. Mas antes de retomar a melancólica e autodestrutiva história dos jovens da série, o diretor e roteirista Sam Levinson dá mais uma hora inteira para a dor de Rue na primeira parte do Especial de Euphoria. Se a estatueta de Zendaya já mostrou sua atuação espetacular, o episódio Trouble Don’t Last Always veio para mais e foi indicado à Melhor Fotografia para Série de Câmera Única (Uma Hora), com o retrato minucioso de Marcell Rév para o Emmy 2021.

Numa lanchonete qualquer em plena noite de Natal, Rue e Ali (Colman Domingo) têm uma longa e complexa conversa sobre vício, vida e morte, e família. Depois da protagonista ser abandonada por seu amor Jules, teve uma recaída – mesmo que negue. Mas, como tudo em Euphoria, o episódio transcende a própria trama para perguntar ao mundo se a consciência humana suporta o caos da existência. A arte criada na Parte 1 do Especial deixa qualquer um preso na dimensão de Euphoria. Marcell Rév foi capaz de transmitir o sofrimento profundo apenas pela sua câmera, e isso foi tão incrível quanto insuportável de assistir sem levar grande parte da dor, não é atoa que o Emmy o espera. – Nathália Mendes

Euphoria – Parte 2: Jules (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Toda a genialidade do Especial de Euphoria mora na arte de falar tanto em cenas tão estáticas. Se isso já aconteceu na longa conversa de Rue (Zendaya) e Ali (Colman Domingo) na primeira parte, o segundo episódio veio para desenhar o que é uma obra estética e emocionalmente perfeita. Dessa vez, o protagonismo de Jules (Hunter Schafer) leva duas indicações ao Emmy 2021 com Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, e narra, pela primeira vez, a história sob seus olhos. Como parte da terapia de Jules, o episódio é uma peça solo, quase como se tentasse contar a um estranho quantos sentimentos borbulham no peito de uma adolescente trans que havia deixado uma namorada viciada.

As indicações da Academia vieram nas categorias de Melhor Figurino e Maquiagem Contemporânea, o que é interessante para um episódio que celebra a nudez de Jules e a faz questionar a imagem feminina que possuía. Ela entra vestida apenas com as suas memórias e o peso da culpa, e como uma lagarta entrando em seu casulo, repensa sua própria construção de mulher trans. A Parte 2 do Especial de Euphoria consegue mostrar uma personagem emocionalmente complexa que transcende a série e a própria Hunter, tudo isso visto apenas pelo reflexo dos olhos azuis de Jules. – Nathália Mendes

Perry Mason (1ª temporada, HBO) 

A nova versão de Perry Mason, famoso advogado da literatura americana, puxa para um lado mais sombrio que prévias adaptações televisivas, mas ainda se apoia nos mesmos arquétipos para contar sua história de investigação e luta por justiça. Isso reflete no seu número modesto de indicações, que prestigiam os aspectos mais óbvios de sua produção, em detrimento de alguns que poderiam ser melhor apreciados.

Matthew Rhys, indicado pela quarta vez à estatueta de Melhor Ator em Drama, encarna a pele do advogado titular com toda a amargura que esperamos ver de um detetive noir deprimido se agarrando ao último caso, e sua transformação em defensor dos inocentes no último episódio da temporada (Capítulo Oito) emociona, mas não inspira. Já John Lithgow, indicado a Melhor Ator Coadjuvante em Drama, trabalha bem com o mentor idoso de Mason e, por mais que seu papel termine mais cedo do que o esperado, sua participação no Capítulo Quatro marca a série enormemente.

Foi decepcionante não ver a releitura de Della Street feita por Juliet Rylance sendo reconhecida, já que a importância para a resolução do caso e seu papel na narrativa seja inestimável. Já nas categorias técnicas, a primeira temporada da produção da HBO tem mais chances de ganhar em Melhor Fotografia em Drama de Câmera Única (Uma Hora) e Design de Produção, por seus ângulos contrastantes e sua recriação meticulosa de uma Los Angeles no meio da Grande Depressão. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ratched (1ª temporada, Netflix) 

Ratched nunca se propôs a ser nada além de uma divertida releitura da origem da enfermeira que rendeu um Oscar para Louise Fletcher em 1976. A primeira temporada dessa satírica reinvenção sádica de Mildred Ratched surpreendeu com nomeações importantes no Globo de Ouro, mas o fiasco e a erupção da HFPA pareceu amedrontar qualquer chance das indicações se repetirem com a Academia.

Sem Sarah Paulson ou Cynthia Nixon aparecendo em listas onde não mereciam estar, o Emmy honrou, além de menções aos pomposos figurinos, maquiagem e penteados, a melhor parte de Ratched: a selvagem performance de Sophie Okonedo, que vive Charlotte, uma paciente com múltiplas personalidades. Sua escolha de consideração com o episódio The Dance, onde a mulher explode depois de sua breve recuperação, deveria-lhe render o cobiçado troféu dourado.

Infelizmente, o histórico da categoria de Melhor Atriz Convidada em Drama aponta um favoritismo injusto para com a carreira das artistas indicadas, ao invés da avaliação dos trabalhos atuais. Em um ecossistema habitado por aias e por uma aparição relâmpago da antiga Rainha de The Crown, Okonedo se apequena. Uma pena, considerando que Ratched passa de monótona para insuportável e termina como enfadonha, o mínimo a se fazer seria recompensar a única parcela verdadeiramente positiva dessa bagunça colorida da Netflix, certo? – Vitor Evangelista

In Treatment (4ª temporada, HBO)

A série In Treatment rendeu apenas uma indicação no Emmy 2021, mas ela já é mais do que simbólica. Uzo Aduba concorre por Melhor Atriz em Drama, uma das maiores categorias da premiação, e conseguiu esse feito interpretando a primeira protagonista de sua carreira, Dra. Brooke Taylor, que se encontra com questões da própria atriz ao passar por um estágio de luto ao longo da temporada. Uzo perdeu sua mãe para o câncer no ano passado, 3 meses após discursar em sua vitória no Emmy 2020 por seu papel como Shirley Chisholm em Mrs. America.

Junto a essa conquista, somam-se outras duas por seu icônico papel como Crazy Eyes em Orange is the New Black, que a consagrou como a única atriz a vencer em Drama e Comédia pela mesma personagem. Mesmo precisando superar o batalhão de Emma Corrin, por The Crown, ou a força de Mj Rodriguez, por Pose, a indicação de Uzo em uma categoria de peso como essa é apenas mais um registro da sua potência como atriz. – Vitória Silva

The Umbrella Academy (2ª temporada, Netflix)

Dispersos pelo tempo, os irmãos Hargreeves tascaram logo quatro indicações no Emmy Criativo de 2021. Se os entes queridos, mas distantes dependeram de um conflito em comum para se reconectarem, a ameaça do apocalipse ainda não foi resolvida e é motivo o suficiente para mais uma reunião familiar na segunda temporada de The Umbrella Academy. De novo, cabe a Cinco (Aidan Gallagher) juntar os irmãos. 

O único problema é que, partindo de onde a primeira temporada terminou, cada um dos seis foi parar em um lugar diferente – ou melhor, em um tempo diferente. Agora que os poderes, a dinâmica familiar e a infância conturbada já foram explorados, a continuação foca nos personagens individualmente. As diferentes personalidades, as situações em que se metem e o companheirismo entre os irmãos rendem uma temporada mais leve, dinâmica e ainda mais divertida, que pode levar The Umbrella Academy ao palco quatro vezes na primeira noite do maior evento da TV. – Vitória Lopes Gomez

O Falcão e o Soldado Invernal (The Falcon and the Winter Soldier, 1ª temporada, Disney+)

Nem Don Cheadle acreditou em sua 11ª indicação ao Emmy. Tomando menos de dois minutos do tempo de tela do primeiro episódio de Falcão e o Soldado Invernal, o ator que vive James Rhodes desde Homem de Ferro 2 fez o suficiente para conquistar a atenção e o respeito da Academia como um dos Melhores Atores Convidados em Drama de 2021.

Uma indicação nessa disputa era esperada, mas do outro lado e com Julia Louis-Dreyfus e sua cretina Val. O status de Dreyfus, uma das maiores vencedoras do Emmy da história, acabou eclipsado pela armadura do Máquina de Combate que, embora aqui faça uma pontinha de luxo, logo ganhará uma série do Disney+ para chamar de sua: Armor Wars.

As aventuras de Sam (Anthony Mackie) e Bucky (Sebastian Stan) ficaram restritas apenas a essa menção principal, enquanto o fuzuê de Wanda e Visão se sagrou uma das produções mais lembradas do ano. Indicada para mais 4 Emmys técnicos, a história de Falcão e o Soldado Invernal segue os eventos cataclísmicos de Vingadores: Ultimato, colocando os dois parceiros do Capitão América em salas de terapia e campos de batalha, tudo para decidir, de uma vez por todas, quem carregará o legado de Steve Rogers. – Vitor Evangelista

Especial de Variedades

Friends: The Reunion (Ben Winston, HBO Max)

É claro que o reencontro do grupo de amigos mais queridos da Televisão não iria ficar de fora do Emmy 2021. A produção do HBO Max gravada já em tempos pandêmicos garantiu 4 indicações na premiação, em Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), Melhor Design de Produção em Especial de Variedades, Melhor Direção em Especial de Variedades e Melhor Design de Iluminação/Direção de Iluminação para Especial de Variedades. E ainda fez justiça por Courteney Cox, que era a única dos Friends que ainda não tinha sido concedida a honraria de concorrer à estatueta. 

Friends: The Reunion contou não só como a primeira reunião televisionada dos intérpretes de Rachel, Joey, Ross, Chandler, Phoebe e Monica após 17 anos, mas também como a realização dos fãs de uma das maiores séries de conforto dos últimos tempos. A recriação dos cenários, retorno de antigos personagens e a releitura das cenas foram a combinação perfeita de aquilo que nem sabíamos que era exatamente o que precisávamos.

Além de concretizar que Ross e Rachel tinham sim dado um tempo, nos deu a certeza de que, a partir de agora, não há mais o que esperar: Friends definitivamente acabou. Mesmo com a emocionante reunião, Friends: The Reunion não tem muitas chances de desbancar a grandiosidade de Hamilton ou do também musical, mas em estilo home office, Bo Burnham: Inside. Ainda sim, ver os 6 amigos serem lembrados na premiação é o toque final de uma longa espera. – Vitória Silva

Bo Burnham: Inside (Bo Burnham, Netflix) 

O indescritível especial de comédia que não se parece em nada com um especial de comédia (talvez porque não seja) lançado pela Netflix mais cedo neste ano, dá outro sentido à expressão one-man show. Todas as seis indicações são atribuídas unicamente a Bo Burnham, com exceção de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), compartilhada com o produtor Josh Senior. A concorrência na categoria é grande: Burnham compete com Dave Chappelle, David Byrne, Friends, e Hamilton. Ainda assim, ele tem grandes chances de sair recordista da cerimônia, caso se equipare ou supere a barreira de 4 prêmios entregues a uma mesma pessoa em um mesmo ano, feito conquistado apenas 3 vezes na história da premiação. 

Gravado ao longo de 2020 por Burnham no quarto de seu quintal, Inside foi reconhecido também nas categorias de Direção, Montagem, e Roteiro em Especial de Variedades, provando o quão grande um projeto aparentemente pequeno pode se tornar. A coroação do Especial vem com suas duas indicações às categorias gerais de Direção Musical e Canção e Letra Originais para Comedy. Com seus múltiplos talentos reconhecidos, Bo Burnham tem todas as razões para brilhar no Emmy 2021. – João Batista Signorelli

Hamilton (Thomas Kail, Disney+) 

A história do órfão nascido no Caribe que se tornou um dos principais pai-fundadores dos Estados Unidos já conquistou a todos desde seu nascimento. No seu ano de estreia na Broadway, o musical escrito por Lin-Manuel Miranda ganhou 11 dos 16 Tonys pelos quais foi indicado, incluindo Melhor Musical e Melhor Trilha Sonora. Além disso, venceu um Grammy de Melhor Álbum de Teatro Musical e foi votado pela audiência no site da Broadway como Melhor Novo Musical do ano de 2016.

Em 2020, Hamilton finalmente teve seu tão esperado lançamento em filme, conquistando diversas indicações no Emmy desse ano. Ao começar pelos prêmios de atuação, o musical está concorrendo a 5 nas categorias de coadjuvante com Daveed Diggs como Marquis de Lafayette e Thomas Jefferson, Jonathan Groff como Rei George, Anthony Ramos como John Laurens e Phillip Hamilton, Phillipa Soo como Eliza Hamilton e Renée Elise Goldsberry por seu papel como Angelica Schuyler. E a 2 na categoria principal, para Lin-Manuel Miranda (Alexander Hamilton) e Leslie Odom, Jr. (Aaron Burr). Além desses, Thomas Kail também está concorrendo a Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Nas categorias técnicas, Hamilton também está muito presente, com 5 indicações incluindo Edição e Mixagem de Som. – Marcela Zogheib

Telefilme

Oslo (Idem, Bartlett Sher) 

Dirigido por Bartlett Sher e adaptado de uma peça teatral,  Oslo conta sobre a reunião entre líderes de Israel e da Organização para a Libertação da Palestina (OLP), em 1993, na capital da Noruega para negociar os Acordos de Paz de Oslo. Sem grandes discussões, o filme foca mais nas aparências do acontecimento do que no contexto histórico em si.

Correndo a duas categorias no Emmy 2021, a que chama mais atenção, sem dúvidas, é a nomeação em Melhor Telefilme. Competindo ao lado de Sylvie’s Love e Uncle Frank, ambas produções da Amazon Prime Video, as chances da estatueta ir para Oslo não são as mais animadoras, mas o longa não está fora do páreo da disputa no antepenúltimo domingo de setembro. – Ana Júlia Trevisan

Natal com Dolly Parton (Dolly Parton’s Christmas on the Square, Debbie Allen)

Dolly Parton já virou figurinha esperada na lista de indicações do Emmy. Acumulando 4 nomeações (três em apenas quatro anos), o ícone country celebrou o reconhecimento de seu mais novo filme em parceria com a Netflix: Natal com Dolly Parton.

Dirigido e coreografado por Debbie Allen, e protagonizado pela própria Dolly ao lado de uma ranzinza Christine Baranski, o longa concorre nas categorias de Melhor Telefilme e Melhor Coreografia em Programa Roteirizado. É improvável que a rival de Jolene suba ao palco, mas apenas sua presença na lista dos melhores da TV já é um presente e tanto. – Vitor Evangelista

Robin Roberts Presents: Mahalia (Idem, Kenny Leon)

Depois de trazer a vida de Kamiyah Mobley para as telinhas em Stolen By My Mother: The Kamiyah Mobley Story, a apresentadora Robin Roberts prossegue em sua cruzada de contar a história de mulheres negras com Robin Roberts Presents: Mahalia. O longa, original do canal Lifetime, é baseado na vida da lendária cantora gospel Mahalia Jackson, que ainda tomou parte no movimento dos direitos civis.

Protagonizado por uma inspiradíssima (e recém-saída da prisão de Litchfield) Danielle Brooks, a produção concorre como Melhor Telefilme no Emmy 2021, ao lado de nomes como Oslo e Tio Frank. Dirigido por Kenny Leon, que também atua na obra, essa cinebiografia de Mahalia é o azarão da corrida. – Vitor Evangelista

O Amor de Sylvie (Sylvie’s Love, Eugene Ashe) 

Belo e delicado, o romance estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha e segundo longa do diretor Eugene Ashe é um dos favoritos a levar a estatueta de Melhor Telefilme, liderando as apostas da categoria. A provável premiação seria o único reconhecimento que o filme conseguiria receber no Emmy 2021, já que não foi indicado em nenhuma outra categoria. 

A fotografia em 16mm, que atribui ao filme uma atmosfera nostálgica, e a direção de arte, que com muitas cores marca a passagem de tempo entre as décadas de 50 e 60, renderiam facilmente ao longa algumas indicações às categorias técnicas, não fossem essas unificadas a outros formatos como Série Limitada ou programas narrativos em geral. Escondido dentre tantos indicados em tantas categorias, O Amor de Sylvie é uma pequena pérola que merece ser reconhecida. – João Batista Signorelli

Tio Frank (Uncle Frank, Alan Ball)

Em mais de um ano de cinemas fechados e lançamentos pensados para o streaming, a categoria de Melhor Telefilme se viu em um ano próspero. Tio Frank, que estreou no Festival de Sundance de 2020 e logo foi adquirido pela Amazon Studios, foi um dos que marcou presença nos indicados do Emmy 2021, na modalidade dos longas destinados à TV. 

No filme, a história de Frank (Paul Bettany) é contada através das palavras de sua sobrinha, Betty (Sophia Lillis), que se muda de uma cidadezinha interiorana e conservadora para Nova Iorque e, por lá, descobre que o tio preferido é gay. Inspirado na vida real do diretor e roteirista ganhador do Oscar Alan Ball, Tio Frank se aprofunda à medida que o protagonista retorna às suas origens e, em um comovente drama sobre repressão, aceitação e pertencimento, enfatiza como o passado pode afetar o presente. – Vitória Lopes Gomez

Série Limitada ou Antologia

WandaVision (Idem, Disney+)

O clamor do Emmy 2020 por The Mandalorian fez brilhar os olhos da Marvel. Já arquitetando sua chegada à TV, o estúdio investiu pesado numa produção que pudesse alcançar as honrarias máximas do meio, assim como fez no Oscar 2019 ao conquistar a maior premiação do Cinema com a beleza, impacto e relevância de Pantera Negra. Então, o ponto de partida escolhido para tal feito foi justamente o da personagem mais interessante dentre os mais diversos super-heróis existentes no universo. Através de uma história que parte da dimensão psicológica poderosa da Feiticeira Escarlate, a Marvel atingiu todos os seus objetivos com WandaVision.

Para tanto, a série apostou numa concepção especial. A partir da nova, cômica e dramática vida de Wanda (Elizabeth Olsen) e Visão (Paul Bettany) como um casal normal no subúrbio de Nova Jersey, a série encontra o gancho perfeito para homenagear a própria Televisão e ir além de apresentar mais uma história sobre heróis da Marvel. Adotando diferentes formatos em seus episódios, a produção avança de década em década fazendo referência à famosas sitcoms da TV norte-americana, numa construção que se relaciona intimamente com a trama interna de WandaVision. Em um daqueles estalos geniais que devem ter surgido na sala de roteiro, a série cria no plano físico o poder de manipulação da realidade de Wanda, que tentando seguir em frente em meio ao luto, se apega às suas memórias de infância em Sokovia, quando seu passatempo favorito era – adivinha?! – assistir os seriados americanos.

O conjunto da obra, que pede muito da atuação de Olsen e Bettany em todos os nove episódios, que deve muito aos encantos de Kathryn Hahn, e que conta muito com a direção de Matt Shakman e com os roteiros de Chuck Hayward, Jac Schaeffer e Laura Donney, abocanhou indicações em seis categorias principais no Emmy 2021. Entretanto, o trio de indicados a Melhor Roteiro em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme pode prejudicar o favoritismo da série e dividir os votos. Através de todo o resto (Melhor Série Limitada ou Antologia e Melhor Direção, Melhor Ator, Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante do gênero), porém, WandaVision inicia uma era de sucesso certeiro para a Marvel na TV. – Raquel Dutra

O Gambito da Rainha (The Queen’s Gambit, Netflix) 

Quem diria que Anya Taylor-Joy jogando xadrez seria uma das grandes apostas da Netflix no Emmy 2021. Ao lado de WandaVision, O Gambito da Rainha domina as indicações, somando 18 delas. Uma das séries queridinhas de 2020, e que também se tornou uma das mais assistidas da plataforma – pra lá de superestimada, diga-se de passagem – retrata a ascensão e a queda da enxadrista Beth Harmon.

Entre os méritos da produção, além de aumentar o gosto popular pelo xadrez, estão suas indicações em categorias principais no Oscar da Televisão. Anya garantiu sua nomeação em Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, enquanto Thomas Brodie-Sangster e Moses Ingram disputam, respectivamente, em Ator e Atriz Coadjuvante. Apesar do apelo dos nomes, dificilmente eles vão ser páreos para o furacão de Mare of Easttown ou a potência de I May Destroy You, e o mesmo permanece para a categoria principal de Melhor Série Limitada ou Antologia. 

O Gambito da Rainha vale mais pela atuação de Anya Taylor-Joy do que qualquer outra coisa, somada à parceria com Marielle Heller e Bill Camp, que foram tristemente esnobados na premiação. Mas até mesmo as emocionantes partidas de xadrez são apagadas ao lado das concorrentes, que conseguem fazer de gato e sapato a produção que repete a fórmula batida de sempre de que o melhor retrato para uma mulher no fundo do poço é uma cena dela desarrumada e fumando um cigarro. – Vitória Silva

I May Destroy You (Idem, HBO) 

Depois de ter sido agraciada com o título de melhor série do ano pela Revista TIME, I May Destroy tinha tudo para brilhar no Globo de Ouro se não fosse a decisão debochada da Hollywood Foreign Press Association (HFPA) em deixá-la de fora – enquanto a criticada Emily In Paris recebia uma nomeação. Dylan O’Brien, astro de Hollywood, demonstrou sua indignação no Twitter ao chamar a premiação de “risível” e dizer que “nós não merecíamos” Michaela Coel (a gente te entende, Dylan!). 

Apesar do infortúnio, logo os refrescos chegaram e, em abril, a produção britânica levou quatro troféus pelo British Academy Television Awards (BAFTA). Agora, é um dos grandes nomes para o Emmy 2021, no qual foi indicada a 9 categorias – incluindo a surpreendente nomeação de Paapa Essiedu, que interpreta Kwame, em Melhor Ator Coadjuvante.  

Em um cenário justo, I May Destroy You tem altas chances de levar as indicações em direção e roteiro, e também deve ser peso-pesado para a favorita O Gambito da Rainha na categoria de Melhor Série Limitada ou Antologia. Nessa disputa, Anya Taylor-Joy que nos perdoe, mas tudo o que queremos ver é Michaela Coel com estatuetas transbordando até os braços. Leia mais aqui. – Gabriela Reimberg

Mare of Easttown (Idem, HBO) 

Derrubem a torre, o cavalo, o bispo e todos os peões, a toda poderosa Melhor Série Limitada de 2021 chegou. Seu nome? Mare of Easttown. Se me permitem dizer um palavrão, Mare é f*da. Ao mesmo tempo que é difícil encontrar uma palavra para defini-la, todos adjetivos do dicionário parecem fazer sentido para a aposta praticamente certeira da HBO. 

Exibida aos domingos, Kate Winslet, produção original HBO: tudo colaborava à favor de Mare of Easttown ser gigante. E ela foi. Trazendo a trama de uma detetive local que lida com uma série de assassinatos brutais em uma pequena cidade da Pensilvânia, a protagonista vê sua vida pessoal e sua família desmoronar momento após momento. Mare é uma minissérie viciante, impossível de largar antes de terminar os sete episódios. – Ana Júlia Trevisan

The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade (The Underground Railroad, Amazon Prime Video) 

A recepção de The Underground Railroad: Os Caminhos para a Liberdade na Academia de TV nos prova uma coisa: o Emmy também erra. Na seleção da maior premiação da televisão, sempre elogiada pelo esmero e relevância das produções que se dedica a reconhecer, uma das melhores séries do ano não obteve a atenção que merecia. É fato que no âmbito das Séries Limitadas ou Antologias a disputa é de gente grande, mas se tem algo capaz e digno de ter o seu espaço ao lado de produções gigantes como Mare of Easttown e WandaVision, e de se sobressair diante do favoritismo enjoativo de O Gambito da Rainha, esse algo é The Underground Railroad.

Mencionada nas indicações de 4 pontuais categorias (Melhor Série Limitada e Melhor Direção, Melhor Composição Musical e Melhor Fotografia dentro do gênero), a estreia magnânima de Barry Jenkins na TV se baseia em uma história real dos tempos pré-Guerra Civil nos Estados Unidos, versando sobre identidade e liberdade em plena escravidão através do protagonismo e genial de Cora Randall (Thuso Mbedu). A obra-prima de The Underground Railroad é repleta de beleza e violência, fugindo de uma narrativa monotemática para compreender a vastidão de seus personagens, através das interpretações brilhantes de Joel Edgerton, William Jackson Harper, Aaron Pierre e Sheila Atim.

O esquecimento desse elenco de ouro encabeçado pela estreia inacreditável de tão brilhante da joia encontrada por Barry Jenkins é o que mais dói na seleção do Emmy 2021. Em contrapartida, a única produção indicada a Melhor Série Limitada que não concorre nas categorias de atuação tem a habilidade técnica de seu diretor nomeada em todas as outras esferas da obra. E dos clássicos de James Baldwin à contemporaneidade de Colson Whitebread, o audiovisual de Barry Jenkins faz o importante e belíssimo trabalho de multiplicar o alcance da obra literária de autores negros, colocando-as das telas de Cinema e – agora – de TV pelo mundo. E muito além de indicações e prêmios, esse é o caminho mais significativo e relevante que a Arte pode trilhar. – Raquel Dutra

Halston (Idem, Netflix) 

A produção que retrata a vida do estilista Roy Halston Frowick também marcou presença no Emmy 2021. Mais um dos nomes acumulados pela Netflix, a minissérie de 5 episódios retrata os vícios e extravagâncias da vida dessa personalidade hoje esquecida pelo mundo da moda, e aqui brilhantemente interpretada por Ewan McGregor, que se garantiu em Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Mas ele tem a difícil tarefa de passar pela aclamação de Paul Bettany em WandaVision, ou pela perversidade de Hugh Grant em The Undoing. 

Não fosse o roteiro fraco e que rodopia por diversas vezes, Halston nos daria uma dobradinha de Ryan Murphy na edição deste ano, que já está disputando Melhor Roteiro em Drama pela aclamada Pose. No entanto, as outras nomeações da série foram apenas para categorias técnicas, e que ficam de fora da premiação principal: Melhor Design de Produção em Programa de Narrativa de Época ou Fantasia (Uma Hora ou Mais), Melhor Figurino de Época, Melhor Maquiagem de Época e/ou de Personagem (Não-Prostética) e Melhor Supervisão Musical. – Vitória Silva

The Undoing (Idem, HBO) 

Que Nicole Kidman está à vontade pulando de uma minissérie para outra, não há como negar. Desde sua volta por cima na derradeira e impecável temporada 1 de Big Little Lies, a australiana tem escalado de papel aclamado para papel aclamado. The Undoing, lançada no fim de 2020, pode parecer ter dado um breque na jornada da atriz, mas sua ausência na categoria de Atriz se dá muito mais ao fato do frescor de outras Séries Limitadas.

Não que o ioiô de The Undoing deveria lhe indicar ao lado de titãs como Kate Winslet e Michaela Coel. Seu trabalho na criação de, mais uma vez, David E. Kelley nunca encontra um tom autossuficiente, relegando a vencedora do Oscar apenas a reagir a qualquer careta que seu parceiro Hugh Grant faz em cena. O britânico retorna a categoria de Melhor Ator 2 anos depois de A Very English Scandal, seu Jonathan Fraser parece ter de se preocupar apenas com um andróide da Marvel.

A trama de assassinato e investigação de The Undoing recebe a mão da diretora Susanna Bier, que guia a meia dúzia de capítulos com destreza e parcimônia, nada preocupada em tirar coelhos da cartola. Os esnobes de grandes coadjuvantes, como Donald Sutherland e Noma Dumezweni, apenas reafirmam a necessidade da Academia de criar uma categoria separada para as performances de Telefilme (ou apenas desconsiderar um teatro filmado). Se Grant ganhar, ele segue o legado de Mark Ruffalo, vencedor do ano passado, que carregava a única indicação principal de sua série da HBO. – Vitor Evangelista

Fargo (4ª temporada, FX) 

Chris Rock protagonizando algo fora da comédia pode soar estranho, a menos que estejamos falando de Fargo. Na 4ª temporada do seriado, a briga de duas gangues — os Fadda e os Cannon — se constrói no cenário pitoresco de um Estados Unidos rachado, durante os anos 1950. Mesmo sendo a primeira temporada protagonizada por um ator negro, a série, que já foi indicada 55 vezes ao Emmy, emplacou indicações somente em categorias técnicas, e isso, de certo modo, até faz sentido.

Embora com um elenco impecável — que vai de Jason Schwartzman a Jessie Buckley —, a 4ª temporada de Fargo não alcança as expectativas que as temporadas anteriores criaram. A trama se desenrola bem, mas foca em coisas comuns, algo estranho em uma série que sempre focou nas esquisitices de seus personagens, igualmente esquisitos. Essas estranhezas são evocadas em algumas cenas, como na causa de algumas mortes ou no detetive corrupto que sofre de transtorno obsessivo-compulsivo, mas não englobam toda a temporada. Os vilões parecem caricaturas de gângsteres do cinema, e não soam eloquentes como nas temporadas passadas. 

Outro aspecto do roteiro que parece ter sido deixado de lado foi seu primor pelo mistério. Na adaptação do clássico de 1996, dos Irmãos Coen, o mistério sempre foi imposto como a sombra que evoca o cômico. Porém, na quarta temporada da série, o criador Noah Hawley parece querer guiar os telespectadores, ao invés de deixar aberto a interpretações. Embora menos interessante que as três temporadas anteriores, a 4ª temporada de Fargo ainda é mais interessante que muita coisa, principalmente pelo seu senso estilístico. Talvez por isso, mesmo em uma temporada inferior às demais, a série ainda conseguiu emplacar indicações técnicas no Emmy 2021. – Bruno Andrade

Small Axe (Antologia dirigida por Steve McQueen, BBC)

O ambicioso projeto televisivo de um cineasta vencedor do Oscar já chama atenção por si só. Quando esse projeto atende pelo nome de Small Axe, uma antologia de 5 filmes interligados pela temática racial e a luta pelos direitos civis no Reino Unido no século XX, a coisa aumenta de escala.

Acontece que a obra de Steve McQueen, inflada no começo do ano, venceu Globos de Ouro e prêmios de “Melhor Filme de 2020”, o que acabou enfraquecendo a campanha da BBC em parceria com o Amazon Prime Video para o Emmy. Afinal, se você faz campanha em Cinema, como diabos quer ser reconhecido pela Academia da TV? 

Quem esperava nomeações em Melhor Série Limitada ou Antologia, Direção e Roteiro para McQueen e atuações coadjuvantes (John Boyega, Letitia Wright), teve que se contentar com uma única indicação. Melhor Fotografia em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, pelo filme Mangrove, foi a única lembrança do machadinho no Emmy. – Vitor Evangelista

The Good Lord Bird (Idem, Showtime)

O que fazer quando um lendário ator de Cinema migra para a TV e, além de estrear uma minissérie aclamada, ainda escreve o roteiro e é creditado como produtor? Para o Emmy, a resposta é simples: ignorar completamente seu trabalho. Na manhã das nomeações, talvez a maior surpresa negativa tenha sido a omissão do nome de Ethan Hawke em categorias que já era quase certa a sua vitória.

Em The Good Lord Bird, programa original do Showtime que narra a jornada do abolicionista John Brown, Hawke brilha em todos os campos em que trabalha. É terrível a decisão da Academia de simplesmente deixá-lo de lado, ainda mais depois de suas lembranças no Globo de Ouro e no Sindicato dos Atores. No fim, a Série Limitada foi reconhecida em apenas uma corrida, a de Melhor Design de Título. – Vitor Evangelista

Genius: Aretha (3ª temporada, National Geographic)

Uma das únicas antologias representadas no Emmy 2021, Genius conseguiu emplacar mais um protagonista na lista de atuação principal. Depois de indicar Geoffrey Rush como Albert Einstein e Antonio Banderas como Pablo Picasso, chegou a vez de Cynthia Erivo ser reconhecida por sua Aretha Franklin.

A atriz, que recentemente deu vida à Harriet Tubman em Harriet (conseguindo uma nomeação dupla ao Oscar), dessa vez interpreta a Rainha do Soul na terceira temporada do seriado original do National Geographic. 2021 parece ser o ano de Aretha, visto que a cinebiografia Respect, protagonizada por Jennifer Hudson, chegou aos cinemas no último mês.

Sendo a única Melhor Atriz com o show fora da disputa principal, Erivo é a zebra da categoria, mas como talento dela em jogo, nunca se sabe qual nome será chamado na noite de domingo. Genius: Aretha ainda concorre nas categorias de Coreografia e Mixagem de Som. – Vitor Evangelista

A Maldição da Mansão Bly (The Haunting of Bly Manor, Netflix) 

Quando The Haunting estreou em 2018, sua temporada inicial sobre a Residência Hill conquistou o público com um terror que te faz chorar mais do que levar susto. A espera pela continuação foi grande, mas A Maldição da Mansão Bly, ainda bem, não decepcionou. Com romance e medo nas doses certas, o seriado agora concorre ao Emmy 2021.

Com o sétimo episódio, The Two Faces – Part 2, a produção de Mike Flanagan, infelizmente, apenas compete em uma categoria: Melhor Edição de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme ou Especial. A equipe por trás da trilha sonora conta com Trevor Gates, que trabalhou na edição de som em Nós e Corra!, entre outros profissionais.

Com potencial para muito mais indicações, a minissérie estar na competição já é de grande feito, visando a falta de campanha da sua distribuidora, a Netflix. Agora é sentar e esperar para ver se Bly Manor vai levar a melhor ao enfrentar obras fortes como a queridinha O Gambito da Rainha. – Mariana Chagas

O post Tudo Sobre os Indicados ao Emmy 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Se não a Arte, quem é que vai ter coragem de refletir sobre o que é ser mulher em 2021? Essa foi a conclusão da nova experiência do Persona, que se dedicou a acompanhar a 6ª Mostra de Cinema Feminista. Do dia 14 de agosto ao dia 3 de setembro, a internet nos permitiu fazer parte de mais um encontro para pensar e apreciar o Cinema de forma totalmente online e gratuita. Depois de flutuar pelo que existe de mais diverso, fantástico, inventivo e maravilhoso na Sétima Arte, encaramos uma perspectiva específica e nada leviana: a da mulher.

Como sempre, o Persona se manifesta como uma iniciativa jornalística expressamente contrária a toda e qualquer forma de preconceito e discriminação. A premissa de falar sobre feminismo em 2021 é apenas uma: que este termo compreenda a mulher em sua totalidade. Assim, as colaboradoras, redatoras e editoras do Persona mergulharam na seleção vasta da 6ª Mostra de Cinema Feminista, composta por 126 filmes nacionais e internacionais, e acompanhada por 5 debates que refletiram sobre a produção cinematográfica contemporânea.

A Mostra de Cinema Feminista é realizada pela Coletiva Malva desde 2015, sob o objetivo de construir um espaço de fruição e fomento ao audiovisual realizado por mulheres cis e trans, pautando debates raciais, de gênero, histórias sobre amores e paixões, relações familiares, sociais, econômicas, históricas e culturais. E no ano de 2021, em sua sexta edição, a realização não fugiu à premissa central de sua concepção: explorar os muitos temas que nascem da combinação do Cinema com os Feminismos.

De crianças à jovens, de adultas à idosas; entre personalidades históricas e existências ordinárias; diante de mulheres reais ou inventadas; doces ou salgadas, azedas ou amargas; seja para rir ou para chorar, para sonhar ou para realizar, vivendo suas liberdades ou estudando suas prisões, Ana Júlia Trevisan, Ayra Mori, Gabriela Reimberg, Gabrielli Natividade, Júlia Paes de Arruda, Ma Ferreira, Mariana Chagas, Raquel Dutra e Vitória Lopes Gomez assistiram 34 filmes da seleção da 6ª Mostra de Cinema Feminista, para agora estudar muitos aspectos da imensidão do ser mulher.

Curtas-metragens

Rebu (Idem, Mayara Santana, Brasil, 2020)

“A minha intenção é ser um belo de um caminhãozão, com um belo de um retrovisor olhando pra frente e pra trás”. Ao longo dos 22 minutos de Rebu – A Egolombra de uma Sapatão Quase Arrependida, a diretora Mayara Santana busca a si mesma ao se apresentar e documenta seus sentimentos e vivências enquanto mulher preta e lésbica. Em primeira pessoa, o curta é uma tela em branco e a cineasta vira a musa, a protagonista e a narradora da própria história. 

De um jeito descontraído e intimista, Mayara não hesita em olhar para trás antes de olhar para frente. Reconhecer as semelhanças com o pai, por exemplo, é o ponto de partida para que ela entenda seus próprios comportamentos e como a relação a influenciou em outros relacionamentos, os quais ela recorda. Tudo isso fora o machismo, a homofobia e o racismo que não se desassociam de suas vivências. Entre erros e acertos, ela admite a culpa e se perdoa ao se entender em sua totalidade. Rebu que diga, e que difícil se entender. – Vitória Lopes Gomez

No interior de Alagoas, Laura (desgostosamente) perde uma festa com os amigos para acompanhar o pai numa viagem à cidade natal, na qual ocorrerá a missa de um ano de falecimento do tio. Chegando lá, ela é deixada sozinha pelo pai na maior parte do tempo, e quando juntos, a desavença é certa. A adolescente se mostra inquieta, questionando a relevância de sua presença na viagem, que parece ser completamente dispensável. Através dos vazios gritantes das cenas, a diretora Laís Santos Araújo acentua ainda mais a distância presente entre ambos. E sem saber se comunicar um com o outro, enfim, em silêncio, os espaços são reduzidos a partir do momento que pai e filha se compreendem, atingindo a mesma altura. – Ayra Mori

Ailin no mundo da lua (Ailin en la luna, Claudia Ruiz, Argentina, 2019)

Ailin é uma garota feliz que brinca com seu balão vermelho e se preocupa em comer deliciosos biscoitos. Sua mãe, no entanto, é uma mulher sobrecarregada: seu trabalho, o trabalho doméstico, cuidar da filha e o trabalho que leva para casa. As duas discutem e Ailin é mandada ao mundo da lua, ou melhor dizendo, seu quarto. Em 5 minutos, acompanhamos algumas horas da vida das personagens que entram em conflito, mas o que sabemos vai além do que nos é mostrado. A escolha narrativa de apresentar a história ao final do dia, demonstra a sensibilidade do curta ao discutir a pesada jornada de mulheres que criam suas filhas sozinhas e que mesmo com as adversidades familiares não deixam de dar carinho, atenção e amor aos filhos. – Ma Ferreira

Lé com Cré (Idem, Cassandra Reis, Brasil, 2018)

Leve, puro e simpático. Essas três palavras poderiam ser a tradução do curta-metragem Lé com Cré, vencedor do prêmio de Melhor Curta Infantil no Anima Mundi de 2018, o maior evento internacional de Animação da América Latina. Segundo o ditado popular, a expressão lé com cré significa não dizer “coisa com coisa”. Durante seus apenas 5 minutos, a espontaneidade e a gentileza são os marcos principais dos depoimentos das crianças que expressam suas opiniões extremamente sinceras sobre dinheiro, medo e “coisas de menino e menina”. Só pelo fato das personagens terem sido transformadas em “massinha”, a animação consegue manter o clima de inocência mesmo falando sobre tópicos complexos. – Júlia Paes de Arruda

Brasil x Holanda (Idem, Caroline Biagi, Brasil, 2018)

É a Copa do Mundo de 1994. O Brasil avança no campeonato e uma das famílias que acompanham a seleção é a de Marina, que vai dar uma festa de casamento no dia do confronto Brasil x Holanda pelas quartas de final. Então, a menina de 13 anos viaja com o pai e a mãe para celebrar o dia mais importante da vida de sua irmã, por quem ela conserva uma admiração religiosa. É quando Marina entende que as coisas no mundo dos adultos são muito mais estranhas e frustrantes do que ela imaginava.

A narrativa de Caroline Biagi se inicia de forma simples, tomando fôlego à medida em que a pequena protagonista se reconhece no ambiente. E a sensação que Marina tem durante esse processo é de uma contida inquietação, que brota da sua inteligência e sensibilidade de jovem mulher. Nesse ritmo, todas as instâncias do filme a seguem, desenvolvendo-se de forma imersiva, e amadurecendo uma narrativa de forma inversamente proporcional ao sentido da história. “Futebol é coisa de menina?” podem perguntar eles. “Você não imagina o quanto”, responde Brasil x Holanda. – Raquel Dutra

Geni (Idem, Cecilia Engels, Brasil, 2020)

“Ele é um dos maiores ídolos da Música brasileira”, “Suas composições são amadas dentro e fora do Brasil”. Era isso que Geni ouvia diariamente nas rádios quando algum clássico de Fran Lopes estava prestes a tocar. A realidade? Ela é a verdadeira artista por trás daquelas canções, Lopes é apenas o showman. Após anos de prisão numa parceria onde apenas um tinha o reconhecimento, Geni começa sua luta, não por dinheiro, mas por direito. Geni entende que não deve mais se deixar calar, que deve falar por si própria. Geni amadureceu, compreendeu que a sociedade mudou e que agora ela tem voz, que não precisa mais de um homem para falar. Bendita seja Geni! – Ana Júlia Trevisan

Cru e hiper-realista, Rua Augusta, 1029 é uma experiência imersiva que nos leva para dentro de uma ocupação por moradia em São Paulo, em especial, na noite em que os militantes da Frente de Luta por Moradia (FLM) resistem à violência policial do despejo. O uso do found footage (câmera em primeira pessoa) consegue criar a mesma atmosfera dos clássicos filmes de horror que conhecemos, despertando, no telespectador, o sentimento de angústia de parecer estar na pele dos personagens. A diferença é que, aqui, tudo é verídico e não há um final feliz quando a polícia existe para proteger o patrimônio privado, e não os protagonistas vulneráveis. Afinal, como o próprio comandante da expedição diz aos sem-teto: “Não interessa quantas famílias moram aí.” – Gabriela Reimberg

Lésbica Enrustida (Closed Lesbian, Bia Lee, Brasil, 2020)

Bia Lee explora sexualidade na obra de pequenos 6 minutos. Em cima de um fundo com duas mulheres transando, uma imagem espelhada e muitas vezes difícil de enxergar, a produtora do curta escreve suas experiências crescendo lésbica e descobrindo o prazer fantasiando sobre mulheres. Dedicado a uma antiga amiga que cometeu suicídio, Lésbica Enrustida “é uma carta de amor tardia, são desculpas tardias, é um adeus tardio”, como diz Lee nos últimos segundos do filme. – Mariana Chagas

Maré (Idem, Amaranta César, Brasil, 2018)

O curta-metragem Maré mostra sua força em diversos aspectos. Com uma narrativa calma, com poucas personagens (todas femininas), sem muitas falas e com uma fotografia impressionante, a diretora Amaranta César trabalha lindamente a história melancólica de uma mãe que tem suas duas filhas perdidas no manguezal de sua comunidade. Amaranta faz também uma bela relação entre a visão de três gerações de mulheres da região: uma senhora, uma mulher de meia idade e duas crianças. 

Maré retrata toda a ancestralidade presente na comunidade quilombola do interior da Bahia, no modo de vida das moradoras, no seu modo de vestir e na sua religião – a cena em que as mulheres fazem sua vigília clamando por Oxalá é uma das responsáveis pelo tom quase mágico que o curta toma. O filme apresenta também uma denúncia forte à herança da escravidão: “dizem que a escravidão já acabou, quem disse que acabou? Continua aí, só não vê quem não quer”, sendo um curta intenso que tem muito a dizer. – Gabrielli Natividade da Silva

Cabeça de Rua (Idem, Angélica Lourenço, 2019, Brasil)

Célia é lavadora de carros, entende das manhas do trabalho e é conhecida na região. Logo no começo de Cabeça de Rua, ela se prepara para passar o ponto do negócio para a prima ao receber uma proposta de emprego formal, mas deixar seu posto de anos para um novo desafio a enche de dúvidas e inseguranças. 

A atriz Cora Rufino, que interpreta a lavadora, não precisa verbalizar muito para transmitir a incerteza da personagem, a linguagem corporal da atriz basta para torná-la a força motriz do curta. Em um cenário dinâmico, com uma filmagem naturalista e só com duas personagens, a diretora Angélica Lourenço faz de Cabeça de Rua uma crônica, com um pouco que vira muito. – Vitória Lopes Gomez

À beira do planeta mainha soprou a gente (Idem, Bruna Barros e Bruna Castro, Brasil, 2020)

Como um poema, Bruna e Bruna exploram o amor através de recortes de uma montagem encantadora. Dirigido por duas mulheres que amam e se amam, À beira do planeta mainha soprou a gente é um autorretrato cheio de lirismo, seja pela narrativa proferida em versos, seja pelas sutilezas presentes nos detalhes do cotidiano, registrado entre descobertas de novas pintinhas uma pela outra. Como sapatonas, ambas se debruçam sobre o reconhecimento da própria identidade, sendo queer, sem receio, para as mães e para si mesmas. “Eu não sei ser resignada. Eu quero o mundo inteiro. Eu quero o orgulho. Eu quero doçura pintando meu nome. Me quero inteira nas suas palavras.” – Ayra Mori

E (Idem, Bianca de Sá e Mariana Zande, Brasil, 2020)

Neste poema performado, acompanhamos Mariana, que não quer ser mais A e também não quer ser O. De maneira sensível e crítica, as frases narradas contam a história e pensamentos de Mariana, uma “pessoa, que não quer ser homem, nem mulher, mas se quiser pode”. Todas as questões de gênero que a personagem enfrenta diariamente são a pauta da reflexão aqui proposta. Os banheiros, os pelos presentes ou não no corpo, a que margem do rio, ou mesmo qual rio quer se banhar e navegar, são parte das divagações apresentadas acerca da não-binariedade. De maneira comovente, E, em menos de 2 minutos, consegue quebrar os padrões de gênero socialmente estabelecidos e ser um grande manifesto à vida. – Ma Ferreira

Vivi Lobo e o quarto mágico (Idem, Isabelle Santos e Edu MZ Camargo, Brasil, 2019)

“[…] a absorção dos papéis de gênero pelas crianças e como elas, à sua maneira, representam a si e ao outro” foi o que Isabelle escreveu no resumo de seu Trabalho de Conclusão de Curso, que teve como projeto Vivi Lobo e o quarto mágico. De forma simples, mas bem trabalhada, o curta fala sobre autoaceitação e sobre os estereótipos de gênero. 

Vivi é alvo de chacota na escola por seus colegas de classe por seu sobrenome, Lobo, tão ligado à figura masculina. Tendo por base o livro de Clarissa Pinkola Estés e inspirações de poderosas mulheres como Frida Kahlo e a jogadora Marta Silva, a produção não falha em trazer encanto, sutileza e empoderamento para as meninas sobre um tema sensível. Ainda que seus minutos sejam reduzidos, são extremamente preciosos e carismáticos. – Júlia Paes de Arruda

Quando elas cantam (Idem, Maria Fanchin, Brasil, 2018)

Como pensar sobre liberdade quando se está presa? Essa é a pergunta que a diretora Maria Fanchin responde em Quando elas cantam, ao colocar seu curta dentro de um projeto musical realizado na penitenciária feminina da capital de São Paulo. O questionamento do documentário parte de um aspecto específico: segundo o Infopen Mulheres 2017, a população carcerária feminina do Brasil cresceu 698% entre 2000 e 2016; destas, quase 48% estão presas sem passar por um julgamento. Então, quando o filme se propõe a acompanhar parte da rotina daquelas mulheres entre maio de 2016 e agosto de 2017, só pode existir algo a ser abordado: a condição de privação de um direito fundamental ao ser humano de alguém que de já passou por uma vida de violências sistemáticas.

O filme não faz juízo de valor algum e em nenhum momento importa saber o porquê elas estão ali. A ótica de análise é outra, muito mais profunda, e se estabelece junto da realização do projeto Voz Própria, que direciona a energia daquelas mulheres encarceradas numa expressão possível de liberdade pela orientação de Carmina Juarez. Sem interferir no curso das coisas preciosas que acontecem naquela sala de aula 2h por semana, o documentário diz muito nas observações que faz daquelas pessoas que compreendem o momento como algo transcendental à sua situação. A Arte pode ser uma ferramenta poderosa de regeneração social. E a liberdade vem Quando elas cantam. – Raquel Dutra

Esmalte Vermelho Sangue (Idem, Gabriela Altaf, Brasil, 2020)

O curta chama a atenção por suas cenas de filmes dos anos oitenta, com mulheres em salões de beleza. Mas, basta poucos segundos para a produção mostrar que de boba não tem nada. As cenas são trocadas por tutoriais de beleza disponíveis no YouTube e acompanhado pela voz de mulheres vítimas de violência doméstica, dando seus depoimentos.

Infância muito difícil, passou fome, anos depois encontrou um cara bacana mas que batia nela e a ameaçava com faca. 8 anos de um casamento abusivo, abuso suxual e a primeira vez que foi no mercado após o divórcio, não sabia o que gostava de comer. Apanhou na lua de mel, o pai disse que o marido iria amadurecer, mas ele não amadureceu; continuou batendo e insinuando que ninguém acreditaria nas denúncias. Os mistos de sentimentos expressos no curta mostram a importância da rede de apoio para mulheres presas em relações abusivas. – Ana Júlia Trevisan

Minha história é outra (Mariana Campos, Brasil, 2019)

O amor entre mulheres negras é mais que uma história de amor? Essa é a pergunta que ronda o documentário dirigido por Mariana Campos. O curta carioca discute o movimento LGBTQIA+ e como este exclui a negritude de suas pautas, transformando mulheres pretas e lésbicas em marginalizadas em seu próprio movimento.

Niázia abre as portas de sua casa para nos deixar assistir uma conversa sincera que tem com outra amiga sáfica sobre precisarem forçar uma feminilidade para terem um maior espaço no mercado de trabalho. Leiane, namorada de Camila, reclama sobre o medo de demonstrar afeto na rua. As garotas conseguem, com simplicidade, trazer a tona assuntos tão delicados e importantes. – Mariana Chagas 

As flores que guardei pra você (Idem, Gabi Saegesser, Brasil, 2019)

O curta-metragem As flores que guardei pra você traz um mistério que com certeza prende o espectador. Ju, uma garota simples, que mora em um pequeno apartamento tradicional com dois gatinhos e que tem o sonho de ser bailarina, precisa se mudar e começar sua vida em outro lugar. 

A diretora Gabi Saegesser traz uma estética muito bonita, a baixa iluminação da grande maioria das cenas e o fato de ser quase impossível ver o rosto da protagonista causa um ar intrigante no curta. Além, claro, dos trechos de poesia lidos ao longo dos 18 minutos e da cena final que encerra a história de forma muito agradável. – Gabrielli Natividade da Silva

Ângela (Idem, Marília Nogueira, Brasil, 2019)

Ângela esbanja simplicidade e afeto ao refletir sobre o envelhecimento. A protagonista homônima, brilhantemente interpretada pela igualmente brilhante Teuda Bara, é uma sexagenária que vive na sua rotina de consultas e receitas médicas. Em uma casa que poderia muito bem ser a de nossas avós se não fosse a solidão que toma os dias da personagem, a diretora Marília Nogueira captura o sentimento de enclausuramento: Ângela existe entre as portas fechadas e os diagnósticos pendurados.

Quando a vizinha Sueli (Glaucia Vandeveld) começa uma aproximação, as cortinas abertas dão um respiro à sala, o afeto de uma amizade passa a iluminar não só os cômodos da casa, mas Ângela, personagem e curta-metragem. Em contato com outras mulheres da sua idade, a tímida e sensível protagonista derruba suas paredes e irradia o prazer de estar em companhia. Ângela mostra que se cuidar ao envelhecer vai além do horário marcado no médico. – Vitória Lopes Gomez

Obreiras (Idem, Ana França, Isadora Fachardo e Gabriela Albuquerque, Brasil, 2019)

Obreiras acompanha a rotina diária de quatro pedreiras residentes da região metropolitana de Belo Horizonte: Poliana, Cenir, Adriana e Rosângela. As quatro, ao mesmo tempo que lidam com os estigmas do canteiro de obras – ambiente de trabalho ainda extremamente machista –, relatam a relação delas com a família, a maternidade, estudos e sonhos. Integrando um conjunto de grupos femininos pioneiros da capacitação civil para a construção independente de residências por mulheres, elas “constroem, além de prédios e casas, novas formas de serem mulheres.” – Ayra Mori

Enraizadas (Idem, Juliana Nascimento e Gabriela Roza, Brasil, 2019)

O curta documental Enraizadas discute a importância da trança nagô e seus aspectos afetivos, sociais e culturais. Através de relatos de quatro mulheres negras, investiga-se a essência dos seus usos, passando por aspectos pessoais, de empoderamento, de suas origens, do sentimento de pertencimento e do entendimento histórico da mesma ligado à afrodiáspora. A arte de trançar é abordada em todos os seus aspectos, aprofundando seu significado, apresentando a mesma como uma forma de subsistência às mulheres, permitindo que assim possam ter meios financeiros de criarem seus filhos. Também é utilizada como instrumento de reflexão e de aproximação familiar, e até mesmo de explicação etnomatemática. – Ma Ferreira

O véu de Amani (Idem, Renata Diniz, Brasil, 2019)

Amani é uma garota do Paquistão que mora no Brasil e que um dia recebe um biquíni de presente da sua amiga. Apesar de uma sinopse extremamente convidativa, O véu da Amani falha na questão de desenvolvimento da narrativa. As expectativas eram altas para o desenrolar da história, ainda mais depois do tópico refugiado versus fugitivo. 

A princípio, tudo caminha lentamente, sem grandes saltos e sem grandes curvas. Porém, a perspectiva de uma lição de moral não acontece, ou pelo menos, não explicitamente. Quem possui o conhecimento sobre o assunto consegue captar a mensagem a passos de tartaruga. Dessa forma, faltou ao curta, também disponível no YouTube, ter um pouco de toque e de um olhar mais apurado, ainda que as intenções de Diniz tenham sido as melhores possíveis. – Júlia Paes de Arruda 

Carne (Idem, Camila Kater, Brasil, 2019)

Crua, mal passada, ao ponto, passada e bem passada são pontos de consumo da carne, mas, Camila Kater vai além, traçando paralelos com corpos femininos que vão desde a infância até a velhice. Guiadas por animações, quase sempre com muitos tons de vermelho presente, cinco mulheres relatam as fases da vida. A escola, a puberdade, o corpo negro hipersexualizado – com o agravante de que na pirâmide da tolerância, a negra transexual é a última – menopausa, ter 79 anos anos e se sentir bem após uma longa luta contra o tempo para se sentir dona do próprio corpo. Independente de questões externas, a mulher cresce sofrendo abuso. – Ana Júlia Trevisan

Meia lua Falciforme (Idem, Débora Evelyn Olimpio e Denise Kelm, Brasil, 2019)

O documentário Meia lua Falciforme aborda perfeitamente um pouco sobre a doença falciforme, uma das doenças hereditárias mais comuns no Brasil. Em pouco mais de 20 minutos, a doença é retratada não só pela visão médica e científica, mas também pelo ponto de vista de quem passa pelas dificuldades na pele, pessoas simples e comuns que vivem com a dor diária. 

A forma como os pacientes lidam com a dor e seus desafios e o modo como a doença foi ignorada por tanto tempo apenas por ser conhecida como uma “doença de negros” são alguns dos pontos importantes do documentário. Outro ponto alto é o poema Exercício dos dias de Alessandra Reis, o qual abre o projeto falando sobre a dor e o fecha com chave de ouro trabalhando a ideia de resistência à doença falciforme. – Gabrielli Natividade da Silva

A Felicidade Delas (Idem, Carol Rodrigues, Brasil, 2019)

A quebra de expectativas faz A Felicidade Delas. Sem nomes e sem palavras, as duas protagonistas se encontram após uma perseguição policial em uma manifestação na Marcha da Mulher. No caos do momento, potencializado pela fotografia sensorial e imersiva, a proximidade no espaço, os toques, a tensão, a adrenalina, o barulho… Tudo leva as duas a se permitirem amadurecer o desejo uma pela outra. E quando o desejo transborda, a enchente vem. – Vitória Lopes Gomez

Ela viu aranhas (Idem, Larissa Muniz, Brasil, 2020)

Sob a chuva, em um pequeno apartamento, várias mulheres se cruzam, falam ao telefone, fumam e cantam. Ela viu aranhas é um curta experimental que brinca criativamente com a maneira de contar histórias. Conduzindo a narrativa quase como um labirinto, a diretora Larissa Muniz põe em cena mulheres de existências diversas, que interagem casualmente entre si. Assim, imersos em um sonho lúcido, somos expostos paradoxalmente ao surreal e simultaneamente ao ordinário. – Ayra Mori

Minha Raiz (Idem, Labibe Araújo, Brasil, 2017)

O curta documental e performático Minha Raiz aponta um dos primeiros sinais do racismo: o olhar sobre os cabelos. Mesclando relatos com uma performance em uma movimentada avenida, discute como o preconceito age sobre a autoestima da mulher preta. O resgate social da questão é muito bem explorado, mostrando como as cenas cotidianas podem ser reveladoras das violências. Qual mulher negra não sofreu comentários sobre o tamanho, formato de seu cabelo? Ou mesmo reconhece o cheiro de uma prancha quente de alisamento? É por meio desta exploração das opressões vividas que as falas ressignificam a importância de assumir seu crespo, a sua herança africana e se amar. – Ma Ferreira

Corpos estrangeiros (Los cuerpos ajenos, Samanta Bianucci, Argentina, 2019)

Em 2021, o curta-metragem Los cuerpos ajenos é um sinal de vitória. Na trama, a ginecologista Valeria precisa lidar com o fato de uma paciente não querer se adaptar, como a própria personagem diz, a uma gravidez. Sendo a Argentina, na época, um dos países adeptos a proibição do aborto, Valeria vive um dilema de ir em frente ou não com a ilegalidade ao mesmo tempo que também enfrenta problemas morais em relação ao seu próprio corpo. 

É irônico ver como o título brinca dentro da narrativa quanto fora dela. Na obra, a diretora Samanta Bianucci liga o termo estrangeiro a algo fora do próprio corpo, criando um questionamento: até que ponto o que é válido para mim, é válido para o outro? Três anos depois de lançamento do curta, estrangeiro tem referência geográfica, relacionando-se com os países da América do Sul, já que nosso vizinho de disputas de futebol foi o segundo país a legalizar o aborto. Nesse caso, a situação vivida pelas personagens na trama é o que os corpos de mulheres estrangeiras passam em seus respectivos países. Ao longo de seus 12 minutos, Los cuerpos ajenos traz essas indagações de forma implícita. #QueSeaLey. É assim que se finaliza a obra de Samanta Bianucci, de maneira forte e poderosa. – Júlia Paes de Arruda

Acende a luz (Idem, Paula Sacchetta, Brasil, 2020)

Neste curta, a cineasta Paula Sacchetta acompanha a escritora Isabel Dias em sua redescoberta do corpo e da sexualidade. A trilha sonora remete aos clássicos filmes da década de 1950 e imagens que confrontam e debatem o que se espera socialmente e sexualmente de mulheres de mais de 60 anos. A escolha da personagem para narrar e discutir essa questão é extremamente assertiva, uma vez que a mesma carrega em sua trajetória a redescoberta sobre si, o prazer na terceira idade e a desconstrução da imagem da vovó. – Ma Ferreira

Médias e longas-metragens

Filhos da Puta (Idem, Santuzza Alves de Souza, Brasil, 2019)

A narrativa deste curta documental, produzido pelo Coletivo REBU, parte da premissa do que é ser um filho da puta. Brincando com o xingamento popular, o filme fala com os filhos de mulheres que foram trabalhadoras sexuais, emergindo discussões profundas das falas dessas personagens reais. O entendimento do trabalho de suas mães, o tabu acerca destas trabalhadoras, as visões sociais e familiares que permeiam essa discussão, as relações maternais e o que estas mulheres fizeram com suas vidas é o alvo de reflexão aqui. A direção de Santuzza Alves de Souza levanta ainda importantes debates sobre preconceito, ativismo e sobre o real significado de família. – Ma Ferreira

Torre das donzelas (Idem, Susanna Lira, Brasil, 2018)

Se a repressão da Ditadura Militar Brasileira já era terrível, imagine-a associada à misoginia. É neste cenário insuportável que Torre das donzelas constrói a sua história. Sem abrir as feridas em cicatrização de suas depoentes e sem criar dores em seus espectadores, o documentário é muito bem definido em sua proposta: demonstrar o que homens empoderados podem fazer com as mulheres que não aceitam submeter-se a eles.

O filme de Susanna Lira nasce do relato de algumas das mulheres perseguidas, torturadas e presas pelo regime que desgovernou o Brasil entre 1964 e 1985. Centenas delas passaram pelo Presídio Tiradentes, em São Paulo, centro de tortura que ficou conhecido como Torre das donzelas. O lugar foi demolido em 1972, mas as memórias das que ali viveram os piores dias de suas vidas resistem a toda tentativa de destruição. 

Então, numa tentativa de criar uma fisicalidade para que essas mulheres enfrentam esses traumas, o filme cria o seu principal artifício reconstruindo aquele lugar. Dentre os depoimentos das que rejeitavam o regime na época – inclusive o da ex-presidenta Dilma Rousseff – e os testemunhos violentos, o que se destaca é a capacidade que aquelas mulheres tinham de resistir. Quebrando qualquer expectativa idealista, elas relatam que a força vinha do ódio. E assim, Torre das donzelas traz suas mensagens de 40 anos atrás para os dias de hoje. – Raquel Dutra

Dia de Folga (Idem, Patrícia Antunes, Brasil, 2017)

Ser dona de casa já é, por si só, um trabalho dos mais difíceis. Unido a atividades extras e um emprego, se torna um conjunto quase impossível de se tolerar, mas que segue sendo a realidade de muitas mulheres. Em Dia de Folga, a diretora Patrícia Antunes nos leva para acompanhar a rotina cansativa de mães mineiras.

Com a fotografia simples de Paula Huven, assistir o documentário é como ter uma conversa sincera com essas mulheres. Sem precisar de muito, ele leva o telespectador a refletir sobre a jornada dupla que elas encaram todo dia e a divisão injusta de atividades domésticas – isso é, quando sequer há uma divisão. Lançado em outubro de 2017, as questões abordadas na obra continuam dolorosamente atuais. – Mariana Chagas

Hoje e não amanhã (Hoy y no mañana, Josefina Morandé, Chile, 2018)

A obra documental acompanha a emocionante história das ex-integrantes do movimento de resistência chileno Mulheres pela vida, criado em 1983 em meio à sanguinária ditadura de Augusto Pinochet. Sob o lema “A liberdade tem nome de mulher“, somos convidados a revisitar as formas de protesto curiosas que driblaram a repressão e a censura com, diríamos, um quê de criatividade: desde torcidas organizadas anti-Pinochet em estádios de futebol, até bolas de brinquedo grifadas com o nome do ditador, espalhadas pelas ruas de Santiago para que as pessoas pudessem chutá-las. 

A importância do movimento se deu pela capacidade de mobilização de mulheres das mais diferentes ideologias, em um momento no qual a oposição, de maioria masculina, estava completamente fragmentada. Foi um ponto de inflexão que permitiu que elas ocupassem espaços de poder que, historicamente, eram destinados aos homens – seja por meio da ocupação das ruas e das universidades, seja por meio da criação artística e intelectual. 

Sob uma fotografia crua e intimista, o longa usa de recursos jornalísticos – como a entrevista e a narração em voice over – e da linguagem visual – através de registros históricos e animações – para reconstruir o passado de um país que por muito tempo colocou panos quentes sob as suas feridas. Se hoje o Chile dispõe da primeira Constituição do mundo que garante paridade de gênero, há de agradecer às corajosas militantes do Mulheres pela vida, que plantaram para sempre o espírito de luta e revolução que tanto nos falta no Brasil. – Gabriela Reimberg

Eu, um outro (Idem, Silvia Godinho, Brasil, 2019)

A princípio, Eu, um outro começa de modo usual, mostrando a realidade cotidiana de três pessoas: Luca Scarpelli, Raul Capistrano e Thalles Rocha. Demora um certo tempo para o longa-metragem citar seu principal objetivo, mas isso não é uma crítica. De forma totalmente diferente das tramas de identidade de gênero, o filme de Sílvia Godinho foca na questão de afeto, construindo uma atmosfera familiar genuína – sons ambiente, legendas em certos diálogos, algumas imagens desfocalizadas, como se tratasse de uma filmagem caseira de um observador inerente ao cenário.  

É dessa forma que a diretora brinca com o título, em que podemos enxergar nós mesmos nos personagens e criar empatia. A denúncia de gigantescas burocracias em cartórios e a militância por relações mais naturais e espontâneas acabam sendo figurantes, mostradas de acordo com a vontade dos protagonistas e sem referi-las de maneira forçada. A própria sinopse já dá esse indicativo ao falar que os três têm a urgência de viver uma vida que acaba de começar. Com um final inconclusivo, a produção de Godinho termina de maneira genérica, deixando o espectador aguçado para uma continuação – ainda que isso não seja possível. – Júlia Paes de Arruda 

Meu Corpo é Mais (Idem, Susanna Lira, Brasil, 2018)

O documentário, roteirizado e dirigido por Susanna Lira, discute o impacto e a ressignificação da gordofobia, por meio do retrato da vida e de falas de mulheres que utilizam seu corpo como luta. A escolha das entrevistas conversa diretamente com as questões político-filosóficas apontadas a respeito da questão. Problematizando o quanto o corpo serve de instrumento de controle e opressão femininas na sociedade, sendo frutos do machismo e alimentados pelos padrões mercadológicos capitalistas. É na visão do outro que se encontram as permissões para ser o que é, e é esse olhar que a cineasta propõe que seja quebrado.

O belo é apenas uma construção coletiva. O corpo magro era feio somente quando a maior parte da população não tinha fácil acesso a comida. Com os produtos industrializados mais acessíveis, o contrário passou a ser odiado. Esse ódio alimenta indústrias de cirurgias, produtos de emagrecimento, farmacêuticas, academias e profissionais de saúde que ainda olham a pessoa gorda como alguém doente. É ele que permite com que pessoas sejam intolerantes a corpos gordos e que homens não assumam amar esses corpos. Mas os exemplos de vivência com estas violências, com sua superação e ressignificação é o que faz das entrevistas serem inspiração.

A falta de acesso à locais, sendo eles lugares físicos ou de ocupação de trabalho (indústria da moda e cultural) é uma pauta também apresentada aqui. A cineasta narra de maneira excepcional como é viver em um corpo gordo, como o caminho de posicionamento sobre si mesma e auto aceitação é difícil, porém possível. Exemplos como o da MC Carol, que durante a infância sofreu com vários traumas por preconceitos acerca de seu peso, e atualmente expressa seu olhar sobre seu corpo por meio de sua Arte. Essa problemática foi apresentada em suas várias perspectivas neste documentário sensível, emocionante e combativo. – Ma Ferreira

O post As Mulheres da 6ª Mostra de Cinema Feminista apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriela Reimberg

É impossível falar de Aquarius sem mencionar o caótico frenesi que atravessava a política brasileira em seu ano de seu lançamento. A narrativa de aversão à esquerda, predominante na mídia, recebeu mal o filme quando, em maio de 2016, no Festival de Cinema mais importante da Europa, o elenco tomou a iniciativa de protestar contra o impeachment ilegítimo que levou Michel Temer à presidência. “Assim que Aquarius estrear no Brasil, o dever das pessoas de bem é boicotá-lo”, dizia uma matéria da época. Foi no berço desse borbulhante caldeirão de reacionarismo que o segundo longa de Kleber Mendonça Filho veio ao mundo. 

Apesar da recepção hostil em casa, Aquarius foi, talvez, um dos filmes brasileiros da última década mais consagrados no exterior. Com temas que transpassam barreiras linguísticas e culturais – ora de forma pragmática -, como os abusos do capital e a desigualdade social – ora de forma subjetiva -, como a memória e os laços com o passado, Aquarius é sobre angústias que afligem a todos nós.

Ambientada em Recife, a trama acompanha a história de Clara, representada pela fascinante Sônia Braga, uma jornalista aposentada que se recusa a sair de seu charmoso apartamento na praia de Boa Viagem, no edifício Aquarius, onde passou toda a sua juventude. Sendo a única moradora ali residente, Clara se vê pressionada pelo insistente Diego, interpretado por Humberto Carrão, representante de uma construtora que pretende tombar o prédio para empreender um condomínio de luxo. 

É a clássica relação de vilão-herói. O personagem ambicioso de Diego personifica o capital especulativo que, no espaço urbano, transforma tudo em concreto. Já Clara é a politizada protagonista que luta até o final para defender seus valores. Apesar do relacionamento conflituoso, entretanto, os dois pertencem à mesma classe abastada de Recife e têm muito mais em comum do que a gente imagina. Enquanto Diego não esconde sua presunção de filho herdeiro, que estudou nos Estados Unidos, Clara parece não querer pertencer a essa casta: mesmo sendo dona de cinco outros imóveis, ela insiste em morar no antigo Aquarius e levar uma vida modesta. É a contradição da elite que não se enxerga como tal. 

Kleber aborda de forma sutil, quase microscópica, essas relações de classe. Em uma reunião com os irmãos, Clara revira os álbuns de fotos da família e encontra um punhado de imagens em que a ex-empregada, Juvenita, aparece ao fundo, como figurante, cuidando das crianças. Ela se lembra perfeitamente de suas habilidades na cozinha, mas não de seu nome. Esse apagamento de identidade também é simbolizado na figura da atual empregada, Ladjane (Zoraide Coleto), uma senhora de idade que mora na periferia de Recife e, ao contrário da protagonista, não teve o privilégio de desfrutar de sua aposentadoria despreocupadamente. Embora o filme pinte a relação entre Ladjane e Clara como amistosa, é possível perceber que existe uma hierarquia de patrão e empregado muito bem delimitada entre as duas, causando um quê de desconforto ao telespectador. 

É aqui que o diretor se destaca no Cinema nacional. Ao atribuir falhas tão particulares aos seus personagens, Kleber consegue denunciar as anomalias éticas da sociedade brasileira sem precisar apelar ao panfletário e ao caricato. A personagem de Sônia Braga é o puro suco dessas falhas. Ainda que ela se sobressaia por sua feminilidade e personalidade ímpares, Clara é cheia de defeitos: é chata, arrogante, inconveniente, esnobe e muito – mas muito – pedante. Mais do que isso, ela é o retrato fiel de uma pequena burguesia metida à besta que luta contra uma forma de opressão – a especulação imobiliária -, enquanto pratica outra – a exploração por meio do trabalho doméstico. 

Quanto aos conflitos subjetivos, Aquarius também acerta em cheio. Para quem assistiu Bacurau (2019), o mais recente filme do diretor pernambucano, é notável o vínculo entre as tramas. A personagem de Sônia Braga é a amálgama da cidade de Bacurau: ambos resistem à tentativa de aniquilação de suas histórias. Além disso, o vínculo afetivo do ser humano com o espaço, seja ele urbano ou não, é uma temática presente nas duas obras.

Falando em espaço, é interessante observar como Kleber brinca com a trilha sonora, logo no início do filme. Ao som de Taiguara, somos introduzidos à uma Recife em preto e branco, com um ar saudosista, ainda em processo de urbanização. “Trago em meu corpo as marcas do meu tempo”, diz a música. É como se a cidade estivesse falando com a gente. E, de fato, a cidade é personagem em Aquarius: ela representa a troca do velho pelo novo. 

Já o apartamento de Clara é um ponto fora da curva. Entre discos de vinil, livros e álbuns de fotos, onde a saudade e a melancolia se emaranham docemente, o apartamento é um museu de memórias imateriais e materiais. Em um mundo cada vez mais permeado pela cultura do efêmero, onde o consumo excessivo e a obsolescência programada reinam, Aquarius busca mostrar que o espaço, e os objetos, têm um valor sentimental uno – quase sacro. 

Mas, calma! Embora o longa aborde temas tão universais e inerentes ao ser humano, não é todo mundo que consegue digeri-lo bem. As duas horas e meia de duração, com uma fotografia pouco dinâmica, diálogos arrastados e cenas de silêncio absoluto, Aquarius, para algumas pessoas, pode acabar virando aquele filme que a gente deixa rolando em segundo plano enquanto tira uma sonequinha no sofá. É preciso ter sensibilidade e capacidade de mergulhar nas emoções e nas sensações que a obra provoca. 

No fim, a única conclusão certeira é que temos aqui uma saborosa história de superação. Cinco anos depois, é possível assistir ao filme e tirar as mesmas lições que qualquer outra pessoa em 2016 poderia ter feito: a especulação imobiliária é predatória, os ricos são hipócritas, as rugas são virtudes e a cidade é um espaço de trocas fraternas. Agora, mais importante que isso, é saber que, mesmo depois de tanta demagogia e reacionarismo, para o desgosto do cidadão de bem, Aquarius conseguiu se consolidar como um clássico contemporâneo do Cinema brasileiro. Não é que o tempo realmente cura tudo? 

O post 5 anos depois, Aquarius supera o reacionarismo e envelhece como vinho apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.