Arthur Caires

Selena Gomez tem uma carreira musical carregada de hits. Desde o começo, quando estava fazendo músicas contratuais para a Disney, ela entregava ‘farofas’ marcantes como Slow Down e Love You Like A Love Song. Já em 2015, quando conseguiu mais controle artístico com Revival, ela foi pioneira no pop ASMR com as deliciosas Hands To Myself e Good For You. Na era dourada dos singles avulsos em 2017, a cantora lançou algumas de suas melhores faixas, como Bad Liar e Fetish. Até mesmo o Rare, de 2020, tem Dance Again e Souvenir, que servem algum propósito.

Porém, ao longo dos últimos anos, foi possível perceber que a Música tratava-se mais de um hobby para Gomez do que algo que ela colocasse um esforço substancial. Logo após o lançamento de Emilia Pérez, em 2024, a atriz declarou em uma entrevista: “Será muito difícil para mim voltar para a Música algum dia”. Mesmo assim, após um período polêmico envolvendo seu namoro altamente público com o produtor Benny Blanco, a ex-Disney lançou um novo álbum.

I Said I Love You First surge como um disco colaborativo entre os dois artistas, concebido, supostamente, para narrar a história de como se conheceram e celebrar seu amor incondicional. Benny Blanco, que já havia trabalhado com Selena Gomez em Revival, é um dos produtores que mais influenciaram a década de 2010. Com um currículo repleto de sucessos, ele foi peça-chave na produção de Teenage Dream, de Katy Perry, além de assinar hits para nomes como Kesha, Maroon 5 e Justin Bieber.

O resultado dessa combinação é uma coleção aleatória de músicas de outras pessoas em que o único trabalho de Gomez foi adicionar os vocais. Em Bluest Flame, a cantora tenta aproveitar da composição de Charli XCX para emular um hype pós-brat. A mesma coisa acontece em Ojos Tristes, que ao menos conta com a participação da banda The Marías. Em sua essência, são músicas boas e bem produzidas, mas a falta de autenticidade nos faz pedir pela versão dos respectivos artistas que as inspiraram.

Os momentos aproveitáveis de I Said I Love You First são quando é possível perceber uma vulnerabilidade verdadeira na letra e na voz de Selena Gomez. Younger And Hotter Than Me e Scared Of Loving You, co-produzidas por Finneas, mostram a artista desabafando sobre suas inseguranças com relação a sua juventude na indústria e o medo de perder alguém. Cowboy e You Said You Were Sorry também flertam com essa introspecção, incorporando influências sonoras de Lana Del Rey, mas acabam esbarrando em letras que não atingem a mesma profundidade emocional.

O maior desperdício de potencial, no entanto, é Call Me When You Break Up, o primeiro single oficial, em parceria com Gracie Abrams. A faixa tinha todos os elementos para se tornar um pop chiclete envolvente, porém, o efeito distorcido nos vocais de Gomez e o encerramento abrupto passam a impressão de um trabalho inacabado. O mesmo problema se repete em Sunset Blvd, uma produção agradável que, infelizmente, traz a letra mais constrangedora do álbum: “Eu só quero tocar, tocar/Tente o seu melhor para não chegar lá/Me dê, me dê, como eu amo seu grande, grande coração”.

Em suas aparições públicas, Selena Gomez e Blanco parecem um casal genuinamente feliz e é evidente que a criação deste álbum foi um processo especial para ambos. Não há nada de errado em querer transformar esse sentimento em Música – o problema está na forma como o relacionamento deles é traduzido para as canções. As letras não revelam nada substancial sobre a conexão dos dois, o que torna o disco menos uma declaração de amor e mais um exercício de branding.

Além disso, a imagem pública de Benny Blanco, com suas excentricidades e declarações questionáveis, acaba influenciando a recepção do projeto, desviando a atenção do que realmente importa. No fim das contas, I Said I Love You First luta para encontrar uma identidade própria. O álbum soa como uma coleção de faixas dispersas, incluindo, por algum motivo, I Can’t Get Enough, um reggaeton de 2019. Não é memorável – e, se o objetivo era transformar esse romance em Música, talvez fosse mais interessante simplesmente assistir aos vídeos dos dois no Instagram.

O post Selena Gomez disse I Said I Love You First para Benny Blanco, mas ninguém tinha perguntado nada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Borges

Os vizinhos mais queridos do Upper West Side estão reunidos novamente, Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) e Mabel (Selena Gomez) retornam mais uma vez com sua sagaz habilidade em desvendar mistérios. Na terceira temporada de Only Murders in the Building, indicada na categoria de Melhor Série de Comédia no Emmy 2024, o trio apaixonado por crimes reais é encarregado de manter a dinâmica e química que somente eles possuem. Criado por Steve Martin e John Hoffman, o seriado que conquistou uma legião de fãs mistura o humor afiado de Martin e Short com o jovem talento de Gomez. 

Não muito diferente das outras duas partes, a terceira temporada de Only Murders in the Building acompanha o trio reunido para desvendar um misterioso assassinato, dessa vez, fora do Edifício Arconia. A nova fase da série ganha um ar teatral e implementa figuras novas ao seu enredo. A trama, que acompanha o drama do ‘Quem matou?’, segue dando show de glamour e excelência dentro e fora de cena.

Com o desafio de manter o frescor e a originalidade das temporadas anteriores que prenderam a atenção dos espectadores, o Teatro se torna o novo palco para os acontecimentos da série; Meryl Streep, Ashley Park e Paul Rudd se juntam ao elenco da nova parte da trama. A transição entre a teatralidade e o cenário narrativo dialoga entre si, afinal, tanto o Teatro quanto Only Murders in the Building vivem da performance, das máscaras e das revelações inesperadas.

Proporcionando novas vivências e interações entre os personagens, a inclusão de novos rostos é uma grande tentativa de expandir o universo da série e adicionar camadas de complexidade aos episódios. O papel de Rudd como o egocêntrico ator Ben Glenroy, e Meryl Streep, na pele da talentosa atriz Loretta Durkin, dão fôlego à terceira temporada, que é marcada pelo ar cômico, trágico e envolvente.

Características como fragilidade e sagacidade são essenciais para a narrativa de mistério da série, flutuando entre o suspense e a Comédia. No entanto, é impossível não notar que o seriado parece se perder em sua fórmula ‘risonha’ e descontraída. Episódios que poderiam conter excelentes acréscimos à trama acabam se alongando em diálogos pouco produzidos e sem sentido, dispersando o foco do mistério central da temporada. 

Em 2024, Only Murders in the Building foi nomeada em 21 categorias do Emmy. Pelo terceiro ano consecutivo, o seriado foi indicado como Melhor Série de Comédia. A química entre os atores expõe muito o motivo da série ser tão aclamada pela crítica, não é atoa que Steve Martin e Martin Short foram ambos nomeados na mesma categoria como Melhor Ator em Série de Comédia. Eles se uniram a Matt Berry (What We Do in the Shadows), Larry David (Curb Your Enthusiasm), Jeremy Allen White (The Bear) e D’Pharaoh Woon-A-Tai (Reservation Dogs) na busca pela estatueta. No entanto, o vencedor da noite foi Jeremy Allen, o icônico Carmen de The Bear.

Após duas rejeições na premiação, Selena Gomez finalmente foi indicada na categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia. A cantora conquistou a posição de produtora com ascendência latina mais indicada na história do Emmy. Ela competiu com Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (The Bear), Maya Rudolph (Loot), Jean Smart (Hacks) e Kristen Wiig (Palm Royale), perdendo para a protagonista de Hacks.

Visualmente, a cinematografia explorou com maestria os novos ambientes de Only Murders in the Building, o figurino e a direção de Arte contribuíram para a criação de uma atmosfera única e familiar. O novo cenário teatral ofereceu um contraste interessante e excêntrico, expandindo o universo visual da série. Em 2024, a produção foi nomeada à categoria de Melhor Figurino Contemporâneo, porém disputou com fortes concorrentes, como The Crown – que saiu vitoriosa – e The Bear.

Misturar humor com tragédia nem sempre é fácil, mas a tranquilidade que a trama encontra um equilíbrio único entre mistério e Comédia é excitante. A série, que retorna com tudo, cantando e investigando uma temporada criativamente dramática na Broadway, parece confiar demais em seu próprio charme, esquecendo alguns pontos ainda em aberto e os deixando mal resolvidos.

Em resumo, Only Murders in the Building prova que, apesar de ter entregue uma temporada morna, ainda tem muito a oferecer. É impossível dizer que a série anda em uma linha tênue, já que possui erros e acerto durante sua produção. O mistério central da trama acaba não sustentando o peso das subtramas e da expansão narrativa dos personagens, colocando em jogo a necessidade de reavaliar a fórmula e encontrar novas maneiras de surpreender o público.

O post Entre cortinas e crimes, o mistério da terceira temporada de Only Murders in the Building foge do controle apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Marcela Jardim

Blank Space, Shake It Off e Bad Blood são apenas alguns hits de uma das eras mais icônicas da ‘loirinha’. Os clipes, a estética e as músicas do 1989 marcaram a transição de Taylor Swift do country para o pop, que mergulhou de cabeça nesse novo gênero – o que deu muito certo. Red (2012), o antecessor do álbum, já havia mostrado sinais de uma mudança estilística, mas 1989 foi a confirmação dessa transformação, apresentando um som claramente mais synth-pop e inspirado pela década de 1980.

Lançado em 2014, o álbum foi um fenômeno cultural e comercial. Taylor Swift quebrou recordes, vendendo mais de um milhão de cópias na primeira semana nos EUA e ultrapassando dez milhões de exemplares mundialmente. Nove anos depois, a relevância de 1989 foi reafirmada com o lançamento de 1989 (Taylor’s Version), que também atingiu números impressionantes, retificando a artista como uma potência na indústria musical. Swift se tornou a primeira a ter seis álbuns estreando com mais de um milhão de cópias vendidas, um feito que reflete não só sua habilidade como compositora e performer, mas também sua conexão inabalável com os fãs.

O 1989 marcou a revolução do pop na década de 2010, ajudando a consolidá-lo como o gênero dominante da época, com influência de artistas como Madonna, Cyndi Lauper e outros ícones dos meados de 1980. A cidade, o verão, as gaivotas e o ar nostálgico representados na arte do álbum ajudaram a moldar a cultura pop da época. A narrativa de 1989, que o torna um disco autêntico e pessoal, ressoou na forma como os artistas passaram a posicionar seus trabalhos. A busca pelo storytelling que equilibra intimidade e universalidade se tornou uma estratégia comum no pop, exemplificada por álbuns como 25, de Adele, e Melodrama, de Lorde. Musicalmente, o uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e uma produção minimalista não só inovaram, mas também influenciaram outros artistas, como Sabrina Carpenter e Olivia Rodrigo, e criaram tendências duradouras no gênero.

O disco é repleto de nostalgia e reflexões pessoais, com letras que lidam com amor, desamor, crescimento pessoal e a busca por identidade. Muitas das músicas do álbum são vistas como autobiográficas, com uma mistura de romance e introspecção. A crítica especializada foi bastante positiva, destacando a maturidade na escrita da artista, que passou a explorar questões de vulnerabilidade e empoderamento de maneira mais complexa. Assim, 1989 venceu em três categorias na edição de 2016 do Grammy Awards, incluindo Álbum do Ano, a principal da premiação.

O impacto de 1989 é visível no sucesso subsequente de Taylor Swift, ao passo que a evolução de sua carreira pode ser analisada à luz do que o disco representou para sua reinvenção artística. A recepção da era, em comparação com outras fases da carreira da ‘loirinha’, foi singular. Além do sucesso do álbum, durante o mesmo período ocorreu os conflitos entre Taylor Swift e Katy Perry, o que resultou na música Bad Blood, faixa em colaboração de Kendrick Lamar. O videoclipe contou com a participação de celebridades e amigas da cantora, como Selena Gomez, Gigi Hadid, Cara Delevingne, Zendaya e Hayley Williams.

O disco foi marcado por videoclipes singulares e hiper produzidos. A produção da faixa de Shake It Off mostra a ‘loirinha’ tentando se encaixar em diversos grupos sociais diferentes, como bailarinas, dançarinos de hip-hop e líderes de torcida. “Ao invés de escrever uma música que estivesse me vitimizando, eu quis escrever uma música alegre, que desse às pessoas uma maneira de aguentar qualquer quantidade de coisas ridículas que a vida está colocando no caminho deles. Mas que também os faça querer dançar”, declarou a artista em entrevista para iHeartRadio, explicando o significado da canção e sua representação visual, que conta com mais de 3.5 bilhões de visualizações no Youtube.

Em Blank Space, a cantora contracena com o modelo norte-americano Sean O’Pry, onde há uma sátira em que a namorada é possessiva, carente e dramática e, ao descobrir que está sendo traída, faz a vida do ex um inferno, afirmando que ele logo será substituído. Taylor Swift inspirou sua personagem a partir das críticas e suposições da mídia em relação a sua pessoa, como disse na entrevista para iHeartRadio. “Comecei a pensar em como este personagem é interessante, se ela fosse uma pessoa real com todas estas qualidades e atributos, qual música ela escreveria? E tenho quase certeza que seria assim”, conclui. Já o clipe de Wildest Dreams captura o tom emocional da música, unindo beleza visual e uma narrativa sobre a efemeridade do amor. Com uma estética deslumbrante e cinematográfica, ele evoca romantismo e saudade, apesar de enfrentar críticas por possíveis conotações colonialistas. Ainda assim, destaca-se como um marco visual na carreira de Swift.

Ao comparar as faixas You Are In Love e This Love, revela-se uma narrativa de amadurecimento e introspecção emocional, características do universo lírico de Taylor Swift. Em ambas as músicas, encontramos retratos poéticos do amor; a primeira destaca a serenidade e a cumplicidade de uma relação estável, enquanto a segunda aborda a ideia do amor que vai e volta, sendo moldado pelo tempo e pela aceitação de sua natureza cíclica. Esses temas se conectam à visão mais madura da artista sobre relacionamentos, presente no álbum 1989, onde ela reflete o impacto do tempo nas conexões emocionais. 

Porém, já em composições como How You Get the Girl e Wonderland, se oferece visões contrastantes sobre o amor e os desafios que o cercam, refletindo a habilidade de Taylor Swift em explorar nuances emocionais complexas. Em How You Get the Girl, ela adota um tom direto e quase didático, descrevendo como reconquistar um amor perdido, capturando a simplicidade e a vulnerabilidade dos relacionamentos juvenis. Wonderland utiliza a metáfora do clássico de Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas, para representar a sedução e o caos de um romance avassalador, onde a paixão desenfreada leva à perda de controle. Juntas, essas faixas mostram como Swift navega por diferentes dimensões do amor, equilibrando leveza e intensidade, e demonstram sua habilidade para transformar experiências pessoais em histórias que ressoam universalmente.

Abordando outro lado do amor, a música All You Had To Do Was Stay explora diferentes estágios de frustração e nostalgia que emergem em relacionamentos complicados, destacando a habilidade de Taylor Swift em capturar nuances emocionais universais. Há um lamento direto sobre a simplicidade de manter uma conexão que foi quebrada, expressando vulnerabilidade através de um refrão marcante inspirado por um sonho peculiar. Já Welcome To New York é uma das faixas que destacam temas de autodescoberta, liberdade e o impacto da mídia na vida pessoal, compondo uma narrativa coesa sobre como Taylor Swift lida com sua imagem pública e suas experiências pessoais. Há uma celebração da reinvenção, com a cidade simbolizando um espaço de liberdade e possibilidades, a música reflete otimismo e uma visão utópica, mas também pode ser vista como um comentário sobre a busca por autenticidade em meio à pressão da mídia.

Por fim, Clean, última faixa da primeira versão de 1989, foi escolhida pela artista para encerrar o álbum devido ao seu significado pessoal e emocional. Para ela, a canção representa a conclusão de um processo de superação que ela vivenciou nos últimos anos, especialmente em relação à exposição e críticas intensas sobre sua vida pessoal. Durante esse período, Swift sentiu que a atenção sobre sua vida fora da música havia ofuscado suas realizações artísticas, mesmo enquanto fazia shows lotados ao redor do mundo e conquistava sucesso com suas canções. No entanto, ao finalizar o disco, a compositora sentiu que havia recuperado o controle de sua narrativa, com a música novamente no centro das discussões. A música aborda a experiência de enfrentar a dor e, com o tempo, alcançar a superação, refletindo o momento em que Taylor se sentiu renovada e em paz com sua trajetória.

A The 1989 World Tour, que aconteceu em 2015 para promover o álbum, foi cuidadosamente elaborada para criar uma experiência imersiva. O palco principal possuía uma passarela extensa que aproximava a cantora do público, complementado por plataformas móveis, telões gigantes e um sistema de iluminação sincronizado com cada música. Os figurinos glamourosos e futuristas refletiam a estética arrojada e sofisticada do disco. Além das coreografias elaboradas e energizantes, um dos elementos mais inovadores foi a distribuição de pulseiras LED aos fãs, que piscavam em sincronia com a música, transformando a plateia em parte do espetáculo. 

A mensagem central da turnê foi o empoderamento feminino e a celebração da auto-descoberta. Em discursos entre as músicas, a cantora frequentemente compartilhava reflexões sobre sua jornada pessoal, destacando temas de força, superação e independência. Um dos aspectos mais comentados da turnê foi a presença de convidados especiais em quase todas as apresentações, como Mick Jagger, Justin Timberlake, Lorde e Serena Williams. Essas participações tornaram cada show único, adicionando um elemento de imprevisibilidade e encanto ao espetáculo. Considerada como a turnê mais lucrativa de 2015, a grandiosidade do espetáculo fez com que a The 1989 World Tour se tornasse um marco cultural e artístico, elevando os padrões para turnês pop.

Da mesma forma, o ato de 1989 na The Eras Tour é uma celebração vibrante e nostálgica de uma das eras mais transformadoras da carreira de Taylor Swift. Durante os shows, a cantora revive os hits como Blank Space, Shake It Off e Style, mas agora com uma energia renovada, que reflete não apenas seu crescimento como artista, mas também a ressignificação emocional dessas músicas uma década depois. Enquanto a era original de 1989 foi moldada pela estética clean e moderna, inspirada na década de 1980, com referências sutis à moda vintage e aos sintetizadores pulsantes que definiram o som do álbum, na The Eras Tour o ato se destaca por uma produção visual grandiosa. As roupas usadas por Taylor no palco são brilhantes e glamourosas, evocando um senso de espetáculo que ultrapassa a sofisticação discreta do passado. Os telões e cenografias utilizam tons vibrantes e luzes dinâmicas, complementando a energia contagiante das músicas e recriando o ambiente pop otimista que o disco trouxe ao cenário musical na época.

A regravação do álbum foi tão bem recebida pelos fãs da artista quanto a primeira versão. A produção do Taylor’s Version é fiel ao som cristalino e moderno da discografia original, com toques atualizados que refletem o amadurecimento vocal e técnico da cantora. Suas interpretações agora soam mais maduras, mas sem perder a energia e o frescor que tornaram 1989 tão impactante. As ‘faixas do cofre’, como Is It Over Now? e Now That We Don’t Talk complementam perfeitamente o restante do álbum, explorando temáticas de amor, saudade e superação com a profundidade lírica característica da compositora. Essas adições não apenas enriquecem a discografia, assim como também dão aos fãs novos vislumbres das histórias e emoções da era 1989. Assim como as regravações anteriores, 1989 (Taylor’s Version) reafirma a posição de Taylor como uma artista que luta pela autonomia e pelos direitos criativos, enquanto celebra sua própria evolução e relação com os fãs.

Uma década após seu lançamento, 1989 consolidou-se como um marco na história da música pop, redefinindo a trajetória de Taylor Swift e ampliando seu alcance artístico. O álbum apresenta letras que capturam com precisão as emoções e os dilemas de uma jovem adulta. Com hits atemporais, o disco não apenas dominou as paradas, mas também trouxe uma nova estética visual, minimalista e moderna, que influenciou profundamente a cultura popular. O sucesso de 1989 se refletiu em sua recepção crítica e comercial, incluindo múltiplos Grammys, além de recordes impressionantes de vendas e streaming. 1989 transcende o tempo e, mais do que apenas uma coletânea de músicas, o disco é um testemunho atemporal de reinvenção, relevância cultural e da capacidade da Arte em refletir e moldar uma geração.

O post 10 anos de 1989: o álbum que mudou a história do pop moderno apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Clara Sganzerla e Guilherme Machado Leal

Para uma geração, o MTV Video Music Awards foi um grande acontecimento. Mobilizou votações, foi palco de grandes anúncios e era uma das premiações mais aguardadas do ano, sendo prestigiada por diversos nomes de peso da indústria musical. Madonna, Michael Jackson, Whitney Houston, Spice Girls, Britney Spears, Eminem, Beyoncé, Lady Gaga e diversos ícones se apresentaram no palco ao longo das décadas, disputando as estatuetas do Homem na Lua e fazendo história em Nova York ou Los Angeles. No entanto, ao olharmos para o presente, não podemos afirmar que o evento tem o mesmo brilho, mas, aos trancos e barrancos, tenta recuperar os tempos de glória de um passado não tão distante.

A edição de 2023 foi realizada em Nova Jersey, no Prudential Center, e foi comandada por Nicki Minaj, vencedora do Vanguard Award de 2022. A rapper cantou Last Time I Saw You – música presente no seu quinto álbum, Pink Friday 2 –, envolta de brilhos e fumaça roxa. A apresentadora também ganhou uma estatueta na categoria Melhor Videoclipe de Hip-Hop com Super Freak Girl.

A ideia era celebrar os 50 anos do hip-hop ao lado de figuras importantes do gênero, como Darryl “D.M.C.” McDaniels, Grandmaster Flash and the Furious Five, Doug E. Fresh, LL Cool J e Lil Wayne. Diddy Sean, no entanto, roubou a cena ao se apresentar com as músicas I’ll Be Missing You, Bad Boys For Life, I Need a Girl e ao receber o prêmio Global Icon, uma honraria para a lenda do hip-hop.

Apesar de muitos famosos de alto nível não frequentarem mais o evento, Taylor Swift continua fiel. Desde 2008 marcando presença, a loirinha do momento elevou as expectativas: depois de ser indicada em 11 categorias pelo videoclipe e música Anti-Hero, a artista voltou para casa com oito prêmios e o título de maior vencedora da noite, além de ter dominado os melhores memes pela internet – que movimentaram mais o Twitter do que o próprio VMA’s em si. 

Como se não bastasse esse título vitorioso ao fim da noite, Swift abriu a cerimônia com a maior das honras dentro do mundo pop. Na apresentação da primeira categoria, o grupo NSYNC reuniu-se oficialmente após uma década separados para entregar a estatueta de Melhor Pop para a artista. Ao anunciá-la, Justin Timberlake a definiu muito bem: “a imparável Taylor Swift“. 

Outra figura que retornou depois de seis anos ao VMA’s foi Demi Lovato. Com um medley de seus hits em uma nova versão rock, Heart Attack, Sorry Not Sorry e Cool For The Summer foram performados com maestria pela cantora, que dividiu o palco com sua banda composta apenas por mulheres. Além de ter sido indicada nas categorias de Melhor Pop e Videoclipe com uma Mensagem Social, Lovato mostrou que sua nova era chegou para ficar.

O grande destaque da noite foi Shakira, vencedora do Vanguard Award de 2023. A cantora realizou uma grande performance de 10 minutos com diversos hits de sua carreira, entre eles Whenever, Whenever, Hips Don’t Lie, She Wolf e até Bzrp Music Sessions #53. Com muito carisma e talento, ela apenas confirmou que seu lugar de referência nunca será ocupado e que a homenagem foi mais do que merecida.

Seguindo para outra loira de sucesso, precisamos falar sobre Sabrina Carpenter. Marcando presença na The Eras Tour e conquistando corações por onde passa, a artista performou no pré-show os sucessos Nonsense – que viralizou no TikTok e levou a canção ao palco da premiação da MTV –, e Feather, presente na edição deluxe do álbum emails i can’t send.  

No entanto, parece que não há um critério definitivo acerca de quem vai ocupar os holofotes da noite, algo que pode ter relação com o vasto número de apresentações que preenchem as três horas. É importante frisar que a voz de Nonsense, pelo seu talento e dedicação, merecia mostrar o que tem de melhor no palco principal: Carpenter cantou ao vivo e dançou, enquanto outros artistas usaram autotune.  

Quem também arrasou com a sua apresentação foi a cantora Olivia Rodrigo. Performando dois dos três singles da era Guts, a mais nova princesa do pop rock norte-americano entregou ao público duas versões de sua persona. A primeira, com a balada Vampire, mostrando um lado mais sentimental da garota, enquanto a segunda, em Get Him Back, Rodrigo evoca toda a raiva que possui ao cantar sobre um homem babaca que partiu seu coração. 

Comparando em relação à última vez da artista no VMA’s, o crescimento é notável. Na sua apresentação de estreia, ao cantar Good 4 u, ela foi criticada pela falta de fôlego. Agora, após 10 meses no período de criação do novo álbum, a ‘MC Detran’ chega com os dois pés na porta e confirma, de uma vez por todas, que não é dona de um hit só e veio para ficar. 

E quanto ao território nacional, o funk brasileiro finalmente chegou às premiações estadunidenses – e não poderíamos estar mais felizes. Seria um erro ter a presença de um ritmo musical apenas em seu país de origem, então, ao exportar o gênero para o mundo, os artistas têm a possibilidade de levá-lo a um novo tipo de público.

Por esse lado, as influências brasileiras do gênero apareceram no VMA’s não só uma, como três vezes. Tudo começou quando Anitta se apresentou com o mashup das músicas Used To Be e Funk Rave – que, aliás, ganhou o prêmio na categoria Melhor Videoclipe Latino – além de encerrar com um break-dance da canção Grip, ainda não lançada. 

Não foi apenas a ‘Girl From Rio’ que levou o funk brasileiro. A colombiana Karol G também nos presenteou com o gênero ao cantar as músicas Oki/Doki – faixa do seu último projeto, MAÑANA SERÁ BONITO (BICHOTA SEASON) – e o remix de Tá Ok,  de Kevin o Chris. A artista parece ter tido uma boa experiência com a nossa cultura, já que virá ao Brasil em 2024 com a turnê homônima. 

Com uma performance visualmente perfeita e toda trabalhada nas cores verde e rosa, o momento latino do MTV Video Music Awards foi um dos pontos altos da premiação. Por fim, Megan The Stallion e Cardi B voltaram aos palcos da MTV e apresentaram Bongos, a nova colaboração entre as artistas e que, sem dúvidas, traz referências do contato da voz de Bodak Yellow com cantores brasileiros, a exemplo de Ludmilla.

O intercâmbio entre culturas não se restringiu ao gênero musical: Anitta e o grupo de K-pop TXT estrearam a sua parceria, Back For More. O fruto dessa colaboração resultou em uma faixa deliciosa e diferente do que os meninos costumam fazer. Na parte da cantora, por exemplo, o funk tem destaque e consegue combinar as influências latinas com o som produzido pelo grupo coreano. Os fãs do gênero leste asiático, sempre muito fiéis, receberam a brasileira com gritos acalourados no momento em que ela dançou com um dos membros do Tomorrow X Together. 

Um dos motivos que ainda fazem o público se importar com o VMA’s é a performance de artistas comprometidos com o seu trabalho, como a icônica apresentação de Britney Spears na cerimônia de 2001. Nesse sentido, toda vez que Doja Cat é anunciada na lista de shows da premiação, há a curiosidade em torno do que a rapper irá entregar ao público.

A voz de Say So, na edição desse ano, cantou três músicas do novo projeto, o Scarlet, quarto álbum da sua carreira. Tendo a cor vermelha como conceito do recente trabalho, a artista começou com Attention ao lado da plateia, depois cantou Paint The Town Red, sucesso na Billboard Hot 100, e finalizou com Demons já em cima do palco da MTV. 

Metida em polêmicas, como a sua associação a grupos neonazistas, é triste ver que a sua Arte perde fôlego diante de suas atitudes. Não só isso, mas nos últimos tempos a cantora foi devidamente julgada pela forma como trata os seus fãs. Infelizmente, o histórico problemático de Doja Cat apenas a distancia daqueles que a acompanham e torcem pelo seu sucesso.

Os saudosistas da participação de Reneé Rapp em A Vida Sexual das Universitárias podem ficar tranquilos: a cantora e atriz é o novo nome da indústria musical que precisa da sua atenção. Ela cantou Pretty Girls, faixa do seu primeiro álbum de estúdio Snow Angel e Too Well, presente no EP Everything To Everyone. Infelizmente, Rapp não levou a melhor na categoria em que concorria, a de Artista Revelação, mas com certeza, apenas pela indicação, sua campanha para obter uma nomeação no Grammys 2024 será potente.

Atualmente, os artistas estrangeiros  comandam a premiação. O grupo Stray Kids se apresentou com a faixa S-Class e levou o público à loucura. A performance, que contava com um jogo de câmeras característico das apresentações de K-pop, evidenciou ainda mais o talento dos ganhadores, pelo segundo ano consecutivo, na categoria Melhor K-pop. Além disso, os figurinos dos meninos, estilizados de preto e tons amarronzados, se destacaram aos olhos de quem acompanhou tanto no conforto de casa quanto na plateia do VMA’s. É sempre bom ver a excelência sul-coreana em ação. 

Além da comemoração dos 50 anos do hip-hop, que levou diversos artistas ao palco do evento, o rapper Metro Boomin fez uma performance de cinco minutos com a presença de Future, Swae Lee, A Boogie Wit da Hoodie e NAV. Dessa maneira, todos tiveram o seu momento de brilhar e puderam mostrar o seu trabalho. Juntos, eles cantaram Superhero e a faixa Calling, da trilha-sonora do segundo filme do homem-aranha de Miles Morales. Vale destacar também que  Boomin foi quem fez a curadoria do álbum de Homem Aranha: Através do Aranhaverso, o retrato mais aclamado do teioso nos últimos anos. 

Sem contar com os grandes prêmios da noite, como Videoclipe do Ano, Artista do Ano e Canção do Ano (todos para Taylor Swift), tivemos Ice Spice como ganhadora da categoria Artista Revelação, SZA em Melhor Videoclipe R&B por Shirt e Karol G e Shakira em Melhor Parceria pela música TQG. Nos outros gêneros, tivemos Maneskin como ganhador de Melhor Videoclipe de Rock por The Loneliest, Lana Del Rey e Jon Batiste em Melhor Videoclipe de Música Alternativa por Candy Necklace e nossa querida Selena Gomez com Rema em Melhor Videoclipe de Afrobeats por Calm Down.

Em resumo, o VMA’s de 2023 não alcançou outras edições da premiação e não entrou para nenhuma lista das melhores apresentações de todos os tempos, mas trilha um caminho bonito até seu lugar de origem e relevância. Dessa vez, com novos nomes, estilos, gostos e hits, que bebem das referências de um passado brilhante e adorado. 

O post Aos trancos e barrancos, o VMA’s de 2023 nos faz ter saudade do que já vivemos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Henrique Marinhos e Vitória Vulcano

Na era dos charts e streamings, a validação de carreiras artísticas facilmente recai em volumes numéricos. Talento, conceitos e estratégias de divulgação se organizam como meras formalidades que devem trabalhar por recordes incansáveis de reproduções, vendas e prêmios. Selena Gomez demorou para perceber essa realidade ingrata da indústria e seus impactos no corpo e espírito – o que a fez entender a relevância de patentear o fluxo da própria história. Em My Mind & Me, primeiro documentário da cantora e atriz, ela, enfim, dá voz aos episódios pessoais e midiáticos que acompanharam sua saúde mental nos últimos seis anos.

Inicialmente projetada para ser um diário da Revival Tour, a produção começa apresentando os bastidores desse espetáculo avassalador. Em 2016, Gomez não apenas tinha a missão de promover seu segundo álbum de estúdio, como estava amarrada à pressão de abandonar a imagem de garota da Disney, associada ao extenso currículo que construiu na empresa durante a infância e adolescência. Seus suspiros entre ensaios e trocas de figurino, momentos em que ela se sente incapaz de incorporar a mágica do palco em si mesma, dão conta de materializar a angústia de quem depende da avaliação dos aplausos para existir plenamente.

Muito antes de admitir os reflexos da rotina frenética em seu bem-estar, apesar de já possuir diagnóstico de lúpus, a artista pede inúmeras desculpas à equipe responsável pelos shows e, sobretudo, ao presidente de sua gravadora. Enquanto as apresentações ao vivo rodam o mundo, a exaustão física e emocional passa a cobrar satisfações e ultrapassar as portas dos camarins. Em Agosto daquele ano, o cancelamento da turnê e o afastamento midiático da cantora para cuidar da própria saúde estampavam as manchetes de jornais e os tópicos mais comentados das redes sociais. A partir do choque, a dimensão cinematográfica de My Mind & Me substitui os holofotes por imagens de Selena Gomez em 2019, no conforto de sua casa, pronta para romper o véu entre passado e presente. 

Sob as lentes do diretor Alek Keshishian (do sucesso Na Cama com Madonna), o documentário, então, opera duas vertentes em potência máxima: a crueza das emoções de Selena Gomez e as nivelações de seu fluxo de consciência. A primeira cresce em constância durante visitas nostálgicas a Grand Prairie, no Texas, onde reside tudo que participou do crescimento da cantora, desde a casa em que nasceu desenhando pelas paredes até o reencontro com antigos vizinhos e funcionários de uma das escolas em que estudou. Já a segunda oferece uma viagem aos pensamentos da artista, intercalando à história montagens em preto e branco que mesclam visuais e reflexões íntimas narradas por ela. 

Universalmente visíveis, os passos de contemplação e introspecção que rodeiam o documentário são evocados especialmente entre as crises dolorosas causadas pelo lúpus e a espiral mental em que a cantora se aprofunda sempre que lida com a própria carreira. A mecanicidade no tratamento que as indústrias musical e midiática direcionam a seus construidores roubam a paixão da artista, que assume se sentir vista como produto constantemente. “Disse para Raquelle [sua melhor amiga] que às vezes tenho vontade de largar tudo para poder ser feliz e normal como as outras pessoas”, escancara Gomez, em certa altura. 

Os holofotes são familiares à cantora desde os sete anos de idade. E hoje, consagrada, seu reconhecimento para além de suas obras é fruto de uma trajetória ligada não só as Artes, mas também à filantropia. O que recebíamos como silêncio em 2019 traduziu-se em uma das partes mais emocionantes de Minha Mente e Eu (título da produção no Brasil), que alterna entre o revelador e o relutante. A viagem de Gomez para o Quênia, em parceria com a WE Charity, trouxe outra versão de uma personalidade que nem todos conheciam, mais centrada na ação que na divulgação.

A partir de suas experiências como figura pública, que nem sempre foram fáceis, a imagem da artista é intimamente ligada a debates de saúde mental, autoaceitação e padrões estéticos. A expressão de vulnerabilidade nesses cenários é tão natural para Selena quanto os ganchos articulados no documentário, que segue com delicadeza distinta a ternura transbordante da protagonista, mesmo sem explorar seus anos como embaixadora da UNICEF (Fundo das Nações Unidas para a Infância) e o impacto social provocado pelo lançamento de sua marca, Rare Beauty.

Gradativamente, o retorno de Gomez aos palcos após a jornada humanitária compõe um recorte sentimental e pessoal de sua apresentação de Lose You To Love Me, criticada no American Music Awards quatro edições atrás. Território conhecido pela cantora, indicada a Artista do Ano e vencedora do troféu de Melhor Artista Pop-Rock em 2016, a premiação, nas telas, carrega ares assustadores e promissores, equiparando a trajetória extensa e significativa da texana com o tamanho das angústias que encara ao se esforçar para atingir novos marcos.

Eventualmente, eu vou estar cansada de tudo isso, então eu provavelmente vou devotar a maior parte da minha vida à filantropia.

A junção de vídeos amadores, depoimentos, cenas de bastidores, apresentações musicais e relatos de pessoas próximas tece uma obra fluída e dinâmica, surpreendendo com momentos de comoção e ponderação. O contraste – proposital ou não – entre os momentos de glória e sofrimento são reforçados por simples transições do passado de Selena Gomez, entre sua imagem pública e, até então, privada. 

Retratando do mundano ao artístico, My Mind & Me integra a onda atual de documentários sobre celebridades em destaque íntimo e máximo, garantindo uma indicação a Melhor Roteiro em Programa de Não Ficção no Emmy 2023. Na categoria, além de 100 Foot Wave e The U.S. and the Holocaust, o longa disputa com Moonage Daydream, odisseia focada em David Bowie, e Dear Mama, minissérie sobre Tupac Shakur e sua mãe.

Apesar da recente fama de esnobada pela Academia, a atriz tem longo histórico no Oscar da televisão desde sua participação em Os Feiticeiros de Waverly Place, programa nomeado duas vezes como Melhor Série Infantil, até as nomeações mais recentes em Melhor Série Culinária com Selena + Chef, da HBO Max. Ela concorre, ainda, a um troféu de Melhor Elenco por Only Murders in the Building, série em que é protagonista e produtora executiva.

Aos poucos, a mesma cantora que desafia todas as expectativas midiáticas e dos ‘selenators’, nome dado aos membros de seu fandom, se reconhece como sua maior adversária na busca por harmonia com a própria mente. Suas confidências nem sempre são acolhidas ou respeitadas por sua equipe ou seus amigos, no entanto, ela não se desvia da vontade de usar sua voz para transmitir uma mensagem de esperança. Afinal, não é necessariamente melancólico falar sobre saúde mental e é plenamente possível encontrar um caminho de equilíbrio – embora não seja simples.

Com a produção de Stephanie Meurer (Com Amor, Lizzo), Michelle An (Billie Eilish: The World’s a Little Blurry) e John Janick (Olivia Rodrigo: driving home 2 u), My Mind & Me se firma como a disposição poderosa de toda a sensibilidade à flor da pele que sustenta Selena Gomez. A artista, que tanto inspirou fãs a renovarem a bondade no mundo e desfazerem os nós da vaidade, agora reúne os próprios fantasmas para se reconciliar com sua identidade. Em frente ao espelho da vida, ela não quer perfeição nem apostar alto em suposições, somente se permitir sentir, na alma, as contradições de sua humanidade. 

Continuarei lutando, mas estou feliz. Estou em paz. Estou brava. Estou triste. Estou segura. Estou cheia de dúvidas. Sou um trabalho em andamento. Sou o bastante. Sou Selena.

O post My Mind & Me investiga Selena Gomez pelos olhos da alma apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Laura Hirata-Vale

Quem matou Bunny Folger? É essa a pergunta que abre a segunda temporada de Only Murders in the Building, série da Hulu lançada no Brasil em Junho de 2022 pelo streaming Star+. Depois de solucionarem o assassinato de Tim Kono (Julian Cihi), os moradores Mabel Mora (Selena Gomez), Charles-Haden Savage (Steve Martin) e Oliver Putnam (Martin Short) se juntam novamente após o corpo da mais querida e detestada síndica do edifício Arconia ser encontrado com uma agulha de tricô no peito, no apartamento de Mora. Em dez episódios, o público descobre informações sobre a história dos três protagonistas e do prédio, enquanto tenta desvendar o mistério da morte de Bunny (Jayne Houdyshell).

A série continua com sua proposta de ser um podcast de true crime bem-humorado, sendo sempre narrado por um personagem. Por terem relação com a vítima, e por serem pessoas de interesse para a polícia, o trio protagonista decide – em um primeiro momento – não investigar o caso. Mas, conforme as evidências começam a surgir e a serem plantadas em seus respectivos apartamentos, o grupo percebe que não há como ficar parado: eles precisam correr contra o relógio para achar o assassino, antes que a podcaster rival, Cinda Canning (Tina Fey), e sua assistente, Poppy White (Adina Verson), montem um falso quebra-cabeça e os coloquem como culpados.

Durante a temporada, conhecemos ainda mais o que acontece por dentro das paredes do Arconia. Moradores – antigos e novos – têm suas histórias apresentadas e, dessa forma, tentamos resolver o mistério junto a Charles, Mabel e Oliver. Além disso, os capítulos permanecem com o conceito de recontar o passado enquanto se está no presente. A série utiliza flashes com vislumbres de cenas para mostrar alguns acontecimentos, que, por causa do recurso escolhido, dão um ar de dúvida para a investigação. Por causa da grande quantidade de fatos e momentos contados ao longo da trama, o espectador pode ficar confuso em relação à sequência da narrativa. Porém, Only Murders in the Building mantém sua trilha sonora ótima, feita por Siddhartha Khosla, responsável pelo mesmo departamento em This Is Us: são músicas bem-humoradas, escolhidas a dedo, que beiram a metalinguagem por falarem sobre assuntos tratados durante os episódios.

A história do segundo ano se desenvolve em idas, vindas e reviravoltas, além de possuir flashbacks que voltam para a noite do crime. Depois de uma celebração da vida e morte da síndica, Oliver recebe uma herança inusitada de Bunny Folger: o papagaio Senhora Gambolini. A ave é um ser intrigante, boca suja e até ranzinza, como era sua falecida dona, e, com uma frase, torna o fim do episódio Incriminados chocante. As quatro palavras que formam a fala “eu sei quem foi” também guiam o terceiro capítulo, intitulado O último dia de Folger. Nele, vemos ‘tim-tim por tim-tim’ o que Bunny fez no seu último dia de vida. Assim, conhecemos ainda mais a mulher que estava por trás do gerenciamento do Arconia, quais eram seus segredos, hábitos e tradições, enquanto vemos, em detalhes, o que poderia ter levado ela à morte. 

O quinto capítulo, O Indício, é um dos melhores. Ambientado quase que inteiramente no apartamento de Mabel, vemos uma festa feita por Alice (Cara Delevingne) que, para o trio de podcasters-detetives, serve para revelar segredos e mentiras. Oliver propõe aos convidados uma diversão: um jogo parecido com “Cidade Dorme”, que jogava durante os seus anos de juventude e usava para descobrir qual era o vestígio que seus amigos e colegas davam quando estavam mentindo. Putnam procura quem é o “assassino filho de Sam” em uma sequência de cenas bem montadas, que misturam o tempo real e a brincadeira. Por causa disso, vemos os figurinos corriqueiros e atuais da série se intercalarem com roupas feitas para remeter aos anos 70. O episódio ainda é regado com a música Psycho Killer, dos Talking Heads, fazendo uma grande conversa entre a cena, a série, o jogo e os acontecimentos recentes das vidas dos protagonistas.

Enquanto processamos esses acontecimentos, a primeira temporada da produção criada por Steve Martin e John Hoffman recebeu 17 indicações ao Emmy 2022, e venceu três, incluindo Melhor Ator Convidado em Série de Comédia, pela atuação de Nathan Lane no papel de Teddy Dimas. Além disso, Meryl Streep, Paul Rudd, Ashley Park e Jesse Williams entraram para o elenco, e dessa forma, o seriado televisivo começa a preparação para seu terceiro ano. 

A segunda temporada de Only Murders in the Building é genial, cheia de muitos detalhes. Em um whodunnit bem feito, a série consegue se encaixar, sempre deixando uma ponta solta – ou uma peça faltando – para iniciar uma nova fase. Bem escrita, possui suas reviravoltas e seus instantes que deixam o espectador boquiaberto, em choque, quase sem reação, e continua com a proposta de ser como uma montanha-russa, possuindo momentos de tensão e relaxamento, de comédia e risadas, e de drama e lágrimas. É um bom podcast visual, que nos faz tentar resolver, junto a Charles, Mabel e Oliver, esse grande quebra-cabeça que habita o Arconia. 

O post A 2° temporada de Only Murders in the Building mostra que o Edifício Arconia é mais misterioso do que parece apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner

O que é ser amigo? É brincar depois da escola? Ou ser uma família feliz? Não existe uma única resposta correta para a pergunta. Quando pensamos em amizade, é natural que a nossa mente nos teletransporte para a infância, momento em que os primeiros laços são criados. E não há nada que marque os primeiros anos de vida de alguém na mesma intensidade que um bom programa infantil com um personagem super carismático. Há 30 anos, Barney e Seus Amigos provaram que a amizade pode ser carregada de infinitos significados, pode acontecer de diversas maneiras e pode, até mesmo, ser feita entre crianças e dinossauros.

Magenta, gigante e amigável, o dinossauro Barney fez o possível e o impossível para colocar um sorriso no rosto dos seus companheiros de tela e das diferentes gerações que o assistiram entre 1992 e 2009. Dar vida ao protagonista era uma tarefa tão complexa que desde o seu início ele teve que ser dividido em dois: Bob West, o dono da voz original, e David Joyner, o responsável por carregar a fantasia de trinta quilos e aguentar a temperatura que facilmente passava dos 40 graus dentro da pele do dinossauro. Durante os seus anos de exibição, o programa infantil teve uma série de trocas de elenco que sempre se encaixaram com as expectativas dos novos públicos.

Antes de se tornarem ‘ex-Disney’, Demi Lovato e Selena Gomez foram ‘ex-Barney’. Em 2002, as suas trajetórias se cruzaram pela primeira vez, antecipando os muitos momentos que dividiriam a tela no futuro. Aos 7 anos de idade, elus não sabiam, mas uma legião de fãs passaria a acompanhá-lus. Cantando ao lado de um dinossauro magenta ou enfrentando os apuros do Programa de Proteção para Princesas (2009), elus sempre foram química pura em cena. E nada mais característico do sucesso e relevância de um programa de televisão infantil do que a descoberta e a ascensão dos seus talentos jovens. Cof, cof, O Clube do Mickey (1955-2018)…

Tudo bem, a amizade cultivada por Lovato e Gomez na infância teve o seu apogeu e a sua queda, porém o que é a amizade senão uma eterna montanha-russa de afetos e desafetos? Se o laço é eterno ou não, o importante são as memórias, e a felicidade em assistir um episódio de Barney e Seus Amigos está gravada na mente de muitos adultos que já foram crianças um dia. Além disso, não há culpa em celebrar as lembranças da atração porque o elenco sempre foi repleto de diversidade. Afinal, a amizade é o que une e não o que separa. Barney não ligava para as diferenças e brincou com todos os seus amigos ao longo de quase duas décadas.

O ser jurássico que ressurgiu das cinzas da extinção graças à imaginação fértil das crianças não foi um caso à parte em relação aos seus colegas de espécie. Se os 200 milhões de anos que o separavam de seus amigos humanos nunca foram uma barreira para a diversão, B.J., Baby Bop e Riff também não ficavam para trás. Criados por Sheryl Leach, ao adentrarmos a árvore genealógica dos dinossauros percebemos que a autora não ligou em seguir a lógica da ciência da genética, algo perfeitamente normal para uma decisão criativa e uma visão lúdica sobre o universo. O importante é que ela conseguiu o necessário: a dinâmica entre os personagens gerou aprendizados essenciais e lições duradouras. 

Antes da grande criação de Leach ganhar cores na Televisão, uma série em vídeo produzida pelo Lyons Group, chamada Barney and the Backyard Gang, fez sucesso nas locadoras de vídeo estadunidenses ao final dos anos 1980. O projeto propiciou a realização do seu sucessor, o que garantiu a Barney a companhia de outros amigos: B.J., um protoceratops amarelo, impulsivo e irmão mais velho de Baby Bop, uma triceratops verde que adora dançar e não larga o seu cobertor amarelo por nada. Riff, primo dos dois, é um hadrossauro laranja e amante da Música. O programa infantil só poderia receber críticas pelo seu excesso de fofura ou por amar demais.

Ícone pop e referência cultural, Barney e Seus Amigos transitou com facilidade pela Televisão, pela Literatura e pelo Teatro. Onze vezes indicado ao Daytime Emmy Awards e transformado em incontáveis pelúcias, o programa infantil foi aclamado pela crítica e pelo público. Não há como negar a atemporalidade alcançada pela obra que ganhará um live-action para chamar de seu: produzido pela Mattel Films e pelo ator Daniel Kaluuya, figurinha carimbada em filmes de drama e terror, o longa provavelmente adotará um tom mais sombrio para a abordagem do personagem tão querido pelas crianças. Veremos no cinema algo como Scooby-Doo (2002) ou A Casa Monstro (2006)?

Barney foi e ainda é a personificação do conceito de amizade. O gigante amigável fez a alegria acontecer com as brincadeiras mais espontâneas e as músicas mais simples. Ele, B.J., Baby Bop e Riff ensinaram para diferentes gerações o que é ser e ter um amigo, além de conquistarem a amizade de todos que já sentaram no sofá para assisti-los, mesmo que tenha sido nas altas horas da madrugada devido a  um sono infantil mal regulado. Se um dinossauro magenta é capaz de criar laços de amizade? Sim. Prova disso? Essa resenha, escrita por uma amiga para comemorar o aniversário de 30 anos da estreia desse ser jurássico e os seus amigos na Televisão.

O post 30 anos de Barney e Seus Amigos: um dinossauro magenta é capaz de criar laços de amizade? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Larissa Vieira

Embarcando na modinha de podcasts true crime e a popularização ainda maior de casos criminais, a Hulu decidiu trazer essa aposta para o streaming com Only Murders in the Building (ou, como popularmente ficou conhecida, a série da Selena Gomez). Na contramão, ao invés de escalar um grupo de cinco atores adultos interpretando adolescentes do high school dos Estados Unidos – como a conturbada Pretty Little Liars e a perdida Riverdale – a produção traz de volta três renomados (e nostálgicos) nomes da Televisão norte-americana: a dupla dinâmica, Martin Short e Steve Martin, e Selena Gomez (afinal, para a década de 2020 até o nome da cantora se tornou nostálgico na TV).

Criada pelo próprio protagonista de O Pai da Noiva, junto de John Hoffman, a trama ainda faz uma homenagem (nada inovadora para o cenário atual, mas ainda assim um bom tributo) à agitada Nova York. Baseada quase que inteiramente no Arconia, prédio fictício do Upper West Side, conta a história de três moradores desconhecidos que se ligam por simples dois motivos: eles são amantes do mesmo podcast true crime e eles foram as últimas pessoas (além do assassino, claro) a estarem com o falecido Tim Kono (Julian Cihi). Intrigados com o até então suicídio, o trio de personalidades distintas se une a fim de solucionarem um crime (e no caminho se tornarem grandes podcasters), devido à sua bagagem de conhecimento por conta do programa que ouviam.

Conhecida a narrativa principal apresentada a nós praticamente nos quatro primeiros episódios, que foram disponibilizados em uma leva só, queremos embarcar nesse enredo que até então foi curioso, interessante e leve (apesar do crime). A relação dos senhores, Charles-Haden Savage (Martin), Oliver Putnam (Short) e em contraponto com a jovem Mabel Mora (Gomez) é o primeiro destaque que te faz querer ficar na série, afinal a maestria do choque de gerações traz um refresco perante os clichês criminais adolescente. 

Alinhado a isso, temos suas personalidades particulares que se complementam e repelem, ao mesmo tempo: o ex-ator de comédia é aquele desiludido amorosamente, ainda buscando a grandeza após seu sucesso tremendo como Brazzos; o ex-diretor da Broadway é o nosso elo cômico que vem com uma bagagem de frustrações, tanto pessoais quanto profissionais; e, por fim, o alívio “jovem” para a trama, carrega a escuridão de ser uma das personagens mais ligadas ao falecido. 

Assim, antes mesmo de vermos o desfecho da trama, temos certeza que o que sustenta sua narrativa são essas três figuras e seu relacionamento. Mas, independente disso, sua história se desenvolve como um bom podcast de true crime, que não necessita dessas grandes figuras para se tornar um elemento de sucesso, mas que quando levados à Televisão, sem eles, seria um grande fracasso. Apesar disso, Only Murders in the Building merece sim destaque em determinadas cenas e, em principal foco, um episódio: o sétimo. 

Após um mês de estreia, Only Murders in the Building já havia sido deixada de lado pela mídia. Mas foi quando o sétimo episódio, O Garoto do Apartamento 6B, estreou, que a chama reacendeu. Causando estranheza, no início, o capítulo é totalmente sem falas, até seu último segundo (literalmente). Mas, não só sem elas ele se fez, a construção sonora do caso é intrigante ao ponto de se esquecer deles e, principalmente, solucionar o crime – naquele instante. O caminhar do som, junto do uso da linguagem de sinais entre Teddy Dimas (Nathan Lane) e seu filho surdo Theo Dimas (James Caverly), faz com que a investigação seja concluída de uma forma interessante, como por exemplo, um podcast de true crime não conseguiria. 

É durante o sétimo episódio, também, que podemos notar uma particularidade quase imperceptível da produção. Com ele, percebemos que cada trama trouxe uma perspectiva diferente sobre o crime (do trio principal, do falecido Tim Kono, dos primeiros suspeitos, e até mesmo dos fãs do podcast), de diferentes olhares do Arconia. Essa mudança de ver, no entanto, causa duas coisas: uma visão geral do homicídio como um todo, mas também, nos 3 episódios seguintes fica fácil entender quem é o verdadeiro assassino, tirando um pouco da magia final de uma história de assassinato.

Há então, a tentativa e a esperançosa abertura para uma segunda temporada, que é construída nos cinco minutos finais da temporada. Apesar de ser intrigante o fato deles agora estarem envolvidos no crime a ser solucionado, a trama não é nada nova para uma série criminal, que já construiu caminhos mais ousados que esse. Apesar disso, é importante destacar que o espectador, que conheceu e entendeu a narrativa construída por Steve Martin e John Hoffman, não perdeu o brilho pela história e buscará novos olhares no novo ano da produção. 

Isso porque ele pode entender que em questão de enredo, era mais fácil abrir o Spotify ou qualquer agregador de podcast, que encontraria true crimes similares a esse, até mais interessantes e inovadores. No entanto, as portas que o mundo televisivo abriram para o enredo sonoro, como as personagens, a mudança de olhar quase que imperceptível e momentos sem som, foram o que tornaram Only Murders in the Building essa montanha-russa de picos altos e baixos pelas ondas sonoras do podcast.

O post Only Murders in the Building: a série da Selena Gomez é um bom podcast apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Se despedindo do frio intenso do mês passado, Agosto passou correndo, nos lembrando que faltam somente quatro meses para o fim de um ano que mais pareceu mentira do que verdade. Atingindo o número de 122 milhões de vacinados com a primeira dose, o futuro parece clarear. Mas mesmo sob perspectivas mais otimistas, a realidade é de que a pandemia ainda perdura e devemos (!) nos cuidar. Com a esperança de que tudo passe logo, o Persona continua isolado dentro de casa e traz a oitava edição do Nota Musical.

Abrindo o mês com chave de ouro, Lorde finalmente lança na íntegra o aguardadíssimo Solar Power, após quatro anos de muita espera e cobrança dos fãs. E carregada da difícil tarefa de superar o insuperável Melodrama, a neozelandesa se despe do fardo de salvadora deixando claro que essa nunca foi sua intenção. Assim, entre idas melancólicas à manicure e discussões sobre mudanças climáticas, Ella Yelich-O’Connor – para os mais chegados – celebra as banalidades da vida sob o Sol, convidando, quem quiser, a se derramar junto.

Outro retrato mais pessimista da vida pós-covid-19 é Pressure Machine, dos veteranos The Killers, que conta com a colaboração invejosa de Phoebe Bridgers na faixa Runaways Horses. Com título de um dos melhores discos de 2020, a queridinha do indie rock contemporâneo também revisitou o aclamado Punisher com três remixes inéditos de Kyoto. E semelhante à colega de banda (boygenius), Lucy Dacus entrega ao público uma nova versão de Going Going Gone, que originalmente integra o sensível autorretrato da cantora-compositora em Home Video.

Além das revisitações de registros já conhecidos, Agosto trouxe junto de si estreias empolgantes. O vocalista do sucesso juvenil 5 Seconds of Summer, Luke Hemmings, lança o primeiro trabalho solo da carreira com When Facing the Things We Turn Away From, encarando de frente o passado através de um processo empático de autoconhecimento. Igualmente, Orla Gartland surpreende com Woman on the Internet. Em seu álbum inaugural, a irlandesa refuta todos os estigmas criados em cima do passado como youtuber, abraçando aqui quem ela realmente é.

Já se despedindo, Iggy Azalea dá adeus ao mundo da música com The End of an Era, último ato da carreira, cheio de batidas encorpadas do funk carioca. Infelizmente, contrário à rapper australiana, algumas figuras parecem nunca dizer o tão necessário ciao! Em meio aos singles forçosos do mês, destacam-se o insosso Summer of Love de Shawn Mendes & Tainy e HIT IT do calejado Black Eyed Peas, com feats inusitados de influencers latinos. J. Balvin, por outro lado, continua influente no reggaeton internacional, divulgando Que Locura, prévia do álbum a ser lançado em Setembro.

Outra figura querida pelo público é Tinashe, que presenteou os fãs com o esperadíssimo 333. No seu melhor trabalho até o momento, a artista toma conta da criação narrativa do álbum recheado de sentimentalismo comum do R&B. Enquanto isso, The Weeknd continua bebendo da fonte oitentista da nova era, com direito a muito sintetizador no mais recente Take My Breath. E, o imitador oficial de After Hours, Ed Sheeran dá novamente as caras com Visiting Hours – coincidência? Dessa vez, sem a fantasia arlequina, o britânico aposta no usual violão acústico, assim como FINNEAS em A Concert Six Months From Now.

Na efervescência de exaltações nostálgicas, o trio de synthpop CHVRCHES mergulha de cabeça nas influências que inspiraram o terceiro álbum, criando uma narrativa quase cinematográfica. Trazendo “A” participação de Robert Smith, Screen Violence já nasce digno de um filme de terror slasher dos anos 80, carregado de sangue, sintetizador e uma final girl de respeito. Evocando a mesma década, Angel Olsen exalta o período com covers de hits oitentistas em Aisles, uma prévia vibrante do que vem a seguir. Já para quem busca sonoridades mais experimentais, o imersivo SINNER GET READY de Lingua Ignota e as faixas sombriamente atmosféricas de Cruising da banda black midi são garantias certas de uma experiência original, com um quê de sinistro.

Ainda em Agosto, a hashtag #fleabagiscoming causou comoção nos trendings do Twitter, mas infelizmente não pelos motivos que gostaríamos. Com o mesmo nome da incrível Fleabag – série criada pela gênia Phoebe Waller-Bridge –, YUNGBLUD lançou nesse mês um novo single, ostentando fortes referências grunge. Machine Gun Kelly traz as mesmas veias noventistas em papercuts, produzido em conjunto com Travis Baker e Nick Long. Ao se afastar da sonoridade de seus registros passados, MGK não agradou todos os ouvidos e respondeu às críticas com um “STFU”. Crescentemente aparecendo em produções pop-rock alternativas do ano, o baterista do nostálgico Blink-182, Travis Baker, é incluído mais uma vez no último EP misery lake de Blackbear.

Guns N’ Roses também alvoroçou sua fanbase com ABSUЯD, primeira música da banda após treze anos sem novos materiais. E de fãs sêniores à fãs Gen Z devotos, Red Velvet entrega ao público Queendom, mais um sucesso comercial adicionado à lista do grupo de k-pop. Agora comemorando parcerias de longa data, a amizade fofíssima entre Tony Bennett e Lady Gaga dá as graças com a versão enérgica da dupla de I Get A Kick Out Of You, bem como o retorno de Skrillex com Justin Bieber e Don Toliver em Don’t Go.

Falando em duplas de respeito, Lizzo retorna após dois longos anos em Rumors ao lado da rapper Cardi B como deusas do Olimpo banhadas a ouro. Ambas encaram juntas as críticas ligadas ao corpo, avisando: todos os boatos são verdadeiros! E em meio à voltas triunfantes, Kacey Musgraves ressurge das cinzas com justified, anunciando o próximo álbum intitulado star-crossed, que desde sua revelação, já se tornou um dos mais esperados do ano. A musa country-pop se debruça sobre as dores do fim de um relacionamento, entregando um single perfeito para se chorar sozinhos no carro enquanto sofremos por desilusões amorosas.

Saindo direto de um conto épico medieval, If I Can’t Have Love, I Want Power exibe, logo de cara, Halsey em todo seu poder como matriarca sentada sobre um trono de ferro – ou melhor, o seu trono de ouro. Marcando o pop internacional com muito conceito, o álbum inclui em sua produção a improvável colaboração da cantora com os membros de Nine Inch Nails, Trent Reznor e Atticus Ross, se tornando uma declaração soberba sobre maternidade, auto-sabotagem e emancipação feminina.

Em clima saudosista, o querido Zeca Pagodinho marcou presença com Meu Partido É Alto!, evocando alegrias distantes. Vento nos cabelos, fim de tarde e cerveja gelada são lembranças afloradas pelo pagodeiro ao longo das faixas do álbum, assim como na performance descontraída de Eita Menina em versão pagode por Lagum. No sertanejo, Gabeu ressignifica o gênero tradicional através de uma reinterpretação queer com o bem-humorado AGROPOC.

Seguindo no Brasil, Marina Sena faz jus ao título do álbum de estreia, De Primeira, ultrapassando a marca de 3 milhões de streams no Spotify. Com produção e direção de arte impecáveis, a mineira entrega um pop recheado de brasilidades, seguindo como uma das promessas da música brasileira, ao lado de nomes como Jup do Bairro, um dos mais relevantes da cena musical nacional atual, e Manu Gavassi em seu desabafo internacional – diferente de Vitão e seu TAKAFAYA. Ao mesmo tempo, o cearense Matuê alcança com “Quer Voar” parada global na Billboard, se consolidando como um dos principais nomes do trap nacional.

Dando continuidade, de Madu à Supercombo, se destaca Ney Matogrosso, que como um dos maiores intérpretes da música brasileira, continua fazendo o que bem entender em Nu Com a Minha Música. Na comemoração dos 80 anos de sua deliciosa existência, quem é presenteado são os fãs. E entre reboladas e presentinhos, a funkeira Valesca Popozuda retorna despirocada como sempre.

Assim, somado às fragilidades e ameaças aos direitos das mulheres no Afeganistão e no mundo, o episódio serve como um lembrete urgente de que a luta contra a misoginia deve ser diária e tomada como um compromisso sério. No oitavo mês do Nota Musical, o Persona reúne a Editoria e os Colaboradores em apoio a todas as vítimas de violência contra a mulher, antes de analisar os acertos e deslizes musicais de Agosto.

CDs

Lorde – Solar Power

Escondam os pré-adolescentes diferentões e os jovens de coração partido, porque a nova estação artística de Lorde muito provavelmente vai desagradar qualquer um com expectativas e noções prévias do que a musa kiwi faria após babar por diamantes e desaparecer no Sol depois de um explosivo término. O Sol, de fato, é parte central do terceiro trabalho de estúdio de Lorde. Em Solar Power, a mensagem é menos pontiaguda que no passado, mas o recado está dado: o mundo não é local de certezas e permissões, e Lorde, nessa emboscada de envelhecer e perceber que ocasionalmente se enxerga como “um Jesus mais bonito”, aceita a efemeridade das coisas.

Qualquer texto que se sujeite a definir o disco como uma coisa ou outra já começa jogando em desvantagem visto que, mais do que nunca, Solar Power é mutável com o astro que o nomeia. O mormaço presente em canções como a faixa-título e Oceanic Feeling, encerramento alongado da versão Standard, representam as duas pontas de pensamento da jovem, agora, de vinte e poucos anos. Ela não sabe a quem recorrer, mas adoraria que nos puséssemos em seus sapatos, como moradora de um país quase místico, coordenado e bem gerido. É óbvio que Lorde cantará sobre o que bem entender e, se encontrar felicidade num passeio à praia ou numa sátira à comunidade das joias mágicas, isso será sua verdade e seu mantra. O que Solar Power carece em poder de fogo (como Ribs e The Louvre no passado), compensa em maturidade e autossuficiência. 

As composições de Ella, majoritariamente acompanhada pelo produtor de aluguel Jack Antonoff, revitalizam ideais tidos como imutáveis tanto no PH quanto no Melodrama. Ao lado da messiânica participação de Robyn, Secrets é uma viagem à canção das costelas; Big Star se alinha a um rock melódico e mergulha de cabeça na traumática perda do cãozinho Pearl; e Dominoes, embora curta demais, aproveita cada segundo de batuque irônico para grudar na cabeça. Ela guardou as mitológicas Helen of Troy e Hold No Grudge para o vinil, mas independente do fechamento de SP, uma coisa é certa: o Sol brilha, a água refresca e, para além da meia dúzia de números verdes e amarelos, Lorde é eterna. – Vitor Evangelista

Kanye West – Donda

Depois de ser adiado duas vezes, o aguardado disco de Kanye West finalmente chegou, e, segundo o artista, foi lançado sem sua permissão. Levando o nome de sua mãe, falecida em 2007, Donda é um épico cristão de mais de uma hora, e dá continuidade a JESUS IS KING (2019), vencedor do Grammy na categoria de Melhor Álbum de Música Cristã. Embora algumas das 27 faixas do disco tragam a voz de sua mãe, o álbum é composto majoritariamente por obsessões antigas de Kanye West: Kim Kardashian (recente ex-esposa do artista), achar que é perseguido pela indústria e Jesus Cristo. O álbum ainda faz, nas faixas Jesus Lord e Jesus Lord pt 2, um tributo a Larry Hoover — preso desde 1973 —, e as duas músicas juntas somam quase 20 minutos. Nas canções, ouvimos o filho de Hoover, em uma mensagem gravada, questionando as rachaduras do sistema judiciário norte-americano. Para a gravação do álbum, West mudou-se para um quarto no estádio Mercedes-Benz, em Atlanta, e fez uma audição pública do disco, transmitida ao vivo pelo Apple Music. 

O álbum conta com diversas participações, que vão de The Weeknd a Ojivolta, e segundo os créditos oficiais do álbum, Brian Warner — conhecido como Marilyn Manson — é compositor e letrista em Jail e Jail pt 2. O músico apareceu em uma das transmissões ao vivo de Donda, após ter o contrato com sua gravadora cancelado devido as reveladoras acusações que recebeu de diversas mulheres, que vão de violência doméstica a agressão sexual. 

A visibilidade gerada para o artista, no momento em que diversas mulheres posicionaram-se diante do fato, abre espaço para questionarmos se Kanye West é sem noção, provocador ou ambos. O disco ainda conta com a participação de Chris Brown e do rapper DaBaby, também creditado como compositor e letrista de Jail pt 2. O músico proferiu falas LGBTfóbicas em um show recente, e recebeu críticas de Madonna, Elton John e Dua Lipa. Curiosamente, Donda não possui palavrões — algo que era recorrente até a chegada de JESUS IS KING. No que parece ser uma escolha totalmente pessoal de Kanye West, gravar com assediadores não é tão ruim quanto falar que é a porra de um monstro. – Bruno Andrade

Gabeu – AGROPOC

A música sertaneja e a comunidade LGBTQIA+ tem relações opostas. Com o cenário musical dominado pelos ditos universitários, não há identificação da comunidade com todo o machismo e misoginia mascarada como um louco amor, que é cantado por muitas duplas. Gabeu e sua rádio AGROPOC vêm para renovar as águas do moinho sertanejo, trazendo representatividade para o mundo da viola.

Gabeu é filho de Solimões – sim, o próprio na sola da bota – e inevitavelmente a música é presença diária em sua vida. Várias questões são colocadas em cheque: ser do interior, filho de um grande ícone e gay. Como se reconhecer dentro do atual sertanejo? Ser pop? Mesmo vivenciando o ambiente caipira? É assim que Gabeu une o melhor dos dois mundos, dando vida ao queernejo.

AGROPOC é um álbum destemido, que em 10 músicas trabalha o melhor da sonoridade do sertanejo, dando um grande espaço para os instrumentos de corda. Com canções que referenciam até fim de noite Fio de Cabelo, Gabeu traz faixas inteligentes como o encerramento, Amor Rural que aposta em sacadas e jogos de palavras, Bailão que dá vontade de colocar um chapéu e uma fivela e Boiadeiro e Atacante que nos coloca numa fazenda e mesmo com um gostinho tradicional, sabe inovar na proposta do queernejo. AGROPOC é de longe um dos melhores lançamentos de 2021, e junto com ele o sonho de dançar as músicas na festa junina da escola. – Ana Júlia Trevisan

The Killers – Pressure Machine

Os integrantes do The Killers engrenaram nas gravações de Imploding The Mirage (2020), e como resultado dessa sequência de inspiração e confinamento devido a covid-19 — que adiou a turnê que a banda havia planejado —, surge o conceitual Pressure Machine, versão mais reflexiva e melancólica do antecessor. Quase todas as faixas começam com narrações que parecem ser de pessoas comuns do interior dos Estados Unidos — especificamente a cidade de Nephi, em Utah —, e essas vozes diferentes auxiliam na narrativa que os The Killers tentam construir para contar a história dos desconhecidos. 

A faixa Runaways Horses conta com participação de Phoebe Bridgers, e as faixas se mantêm coerentes em todo o álbum. Algumas trazem apenas voz e violão, pequenos sintetizadores e a bateria se mantém leve em quase todo o disco — algo inovador para o The Killers, que tem Ronnie Vannucci na bateria —, com as exceções In The Car Outside e In Another Life, as melhores do trabalho. Essas características marcam o propósito do álbum de criar algo mais intimista.

O álbum é uma bela fotografia da cidade em que Brandon Flowers cresceu, e soa como uma homenagem às vítimas da covid-19. Pressure Machine ainda marca o retorno do guitarrista Dave Keuning, que havia deixado o grupo em 2017. – Bruno Andrade

Zeca Pagodinho – Meu Partido É Alto!

Depois de quase matar o Brasil do coração com uma súbita internação por covid-19, Zeca Pagodinho se recupera tranquilamente em sua casa. Para comemorar a melhora do cantor mais família desse país, a dica é escutar sua nova compilação de sambas estilo partido alto. Em Meu Partido É Alto!, Zeca consegue dar uma sobrevida no ânimo de quem o escuta, sempre garantindo um punhado de alegria e uma cerveja bem gelada na vida tão sofrida do brasileiro.

Com sua capa amarelo-vibrante que exalta o sorriso dessa lenda da Música nacional, é através de músicas como Delegado Chico Palha e Pagode Da Dona Didi que Zeca Pagodinho relembra hits tão marcantes na sua carreira, reverenciando a beleza do partido alto saída diretamente das periferias cariocas. Imperdível, assim como toda a discografia do cantor, Meu Partido É Alto! aperta o coração de saudades de uma roda de samba. Vida longa ao rei! – Caroline Campos

The Weeknd – Thursday 

The Weeknd decidiu comemorar o aniversário de uma década das mixtapes que o lançaram no mundo da Música em 2011, e disponibilizá-las em edição original e completa nos serviços de streaming. O álbum da vez é Thursday, que fez 10 anos em 11 de agosto, e também uma drop em parceria com o artista japonês MR. Moletons, tênis e um vinil exclusivo fazem parte da coleção, que foi inspirada em animes.  

O relançamento de Thursday trouxe de volta o mais intenso R&B da obra de Abel, característico do seu início. O amor, vida e sexo cantados com melancolia é sua Música em essência, e esse sofrimento só é curado- ou expandido – pelo hype das drogas. As faixas Lonely Star, Thursday e The Zone, música com o Drake, são destaque e contam a história do álbum: a relação amorosa e obscura com uma menina que ele só vê às quintas-feiras. Thursday é, definitivamente, um dos melhores trabalhos de The Weeknd.

House of Balloons e Echoes of Silence completam a trilogia de mixtapes lançadas em 2011 e que foram remasterizadas e compiladas para formar Trilogy, álbum de 2012. Com House of Balloons já nas plataformas digitais, é óbvio que o aniversário de Echoes of Silence seguirá o mesmo caminho para ganhar uma edição original, mas apenas em dezembro. – Nathália Mendes

Bnny – Everything

Logo de cara, Everything é introduzido por uma guitarra estranhamente suave e melancólica. Da mesma maneira, a vocalista, Jess Viscius, quase sussurrando à moda Mazzy Star, soa como um produto vindo diretamente de uma garagem grunge noventista. Gravitando sob uma atmosfera niilista, a banda de Chicago, Bnny, trouxe no álbum de estreia a experiência íntima de Viscius com a morte, tema central do registro.

Ao ter que lidar com o vazio deixado pelo falecimento do companheiro, Viscius, junto do restante de Bnny, concebe quatorze faixas preenchidas por uma carga emocional bastante vulnerável. Os versos breves, os acordes simples, os instrumentais crus e os vocais lânguidos marcam presença constante ao longo dos 37 minutos do álbum, criando uma espécie de loop infinito. Everything é um projeto minimalista, fruto da tristeza encarada pela cantora durante um período extenso de luto, sendo composto em sessões espaçadas desses vários anos passados. As músicas são familiares, assim como o sentimento de perda. E vagueando pelo espaço, sem saber o que sentir, somos observadores distantes da crônica de amor criada pela banda. – Ayra Mori

Marina Sena – De Primeira

A maior revelação do pop nacional de 2021 atende por Marina Sena. Já conhecida por seu timbre adocicado que protagonizava os hits da banda Rosa Neon e A Outra Banda da Lua, a mineira de 24 anos agora assume de vez sua autonomia musical em seu primeiro trabalho solo. Combinando a experiência de estrada com sua identidade única, a artista cria um sabor tropical nos ares mais frescos que a música pop brasileira pode ter. E como a própria avisou no título do disco, caímos nas graças do som De Primeira.

A expectativa em Marina Sena existe desde o charme irresistível de Me Toca, o primeiro single do álbum. Mas quando ela emplacou o refrão chiclete de Voltei Pra Mim, o cenário não teve outra escolha senão aguardar ansiosamente pela sua estreia. E nela, a artista serve tudo e mais um pouco. Como todo bom disco pop, De Primeira não tem medo de se influenciar por outros gêneros, colocando o ouvinte para dançar reggae junto de Sena em Temporal, acompanhar a conversa dela com o pagode em Tamborim, e beirar o R&B no groove de Por Supuesto.

Ao mesmo tempo em que abraça a música do mundo, Marina se encontra em casa no que é essencialmente brasileiro. Os ritmos de percussão, dedilhados de violão e melodias vocais tão familiares da nossa música são perfeitamente valorizados em cada uma das 10 faixas do disco. Seja no coração doído que chora a saudade em Amiúde, na energia digna de um hit de Carnaval que vibra de forma imersiva em Cabelo, ou na pontinha de funk que se mostra em meio ao lirismo de Seu Olhar, ou na reverência à MPB que aparece em Santo, ela tem razão: seu trabalho é De Primeira. – Raquel Dutra

Halsey – If I Can’t Have Love, I Want Power

Irreverente, parte da realeza, dourada e imponente. Halsey senta no trono que uma vez pertenceu ao velho,  agora exibindo o futuro no colo, na figura do bebê que carregou no ventre durante toda a concepção do quarto álbum de estúdio. Por mais que a criança da capa não seja, de fato, o bebê da cantora, a representação imagética do poder e do ideal de maternidade não abre espaço para qualquer questionamento quanto à qualidade conceitual de If I Can’t Have Love, I Want Power.

Também, com um título desse, Halsey dá o tom do CD: muito punk rock, melodias pop e raiva engarrafados pela produção cuidadosa e taciturna da dupla que venceu seu segundo Oscar poucos meses atrás. Trent Reznor e Atticus Ross dosam a mão no obscuro em harmonia com o mágico, dando palco para que Halsey seja vulnerável, da mesma maneira que o fez anos atrás, no suprassumo, até então, de sua trajetória musical, com a estreia jovem adulta de BADLANDS. IICHLIWP ainda chegou acompanhado de um filme homônimo e, sem qualquer single promocional, foi escondido do público até o momento do lançamento, na semana que fechou Agosto. 

As faixas, concisas, conversam entre si pela aura medieval da cantora, que atende por pronomes femininos ou neutros, e em 2019 revelou ao mundo seu diagnóstico de bipolaridade. No ponto de virada e no melhor momento de sua carreira na Música, Halsey deposita no CD algumas das melhores composições que já cantou: Easier than Lying, Lilith, Girl is a Gun, honey e o encerramento com Ya’aburnee. Não faltam destaques ou inspirações (até Dave Grohl aparece nos créditos), e a bagunça criativa que HFK e Manic carregavam, finalmente, se perde de vista. – Vitor Evangelista

Villagers – Fever Dreams

Em seu quinto álbum, Villagers traz músicas delirantes para escapar da realidade (algo muito procurado em tempos pandêmicos). No que parece ser uma mistura inusitada entre Pavement, Neutral Milk Hotel e Elliott Smith — na qual melancolia e fantasia ganham protagonismo —, o resultado é o surpreendente e profundo Fever Dreams.

O primeiro single do disco, The First Day — espécie de epopeia da condição humana — demonstra a intenção do grupo com o álbum, trazendo à canção diversas camadas que vão da sensibilidade misteriosa à euforia espalhafatosa. Mantendo a aura de ilusão e realidade, So Simpatico é uma mistura luxuosa de elementos, com os backings vocals dividindo protagonismo com o saxofone. Momentarily é uma das mais intimistas do disco, priorizando teclado, sintetizadores e voz, e desconstruindo toda a complexidade do disco; porém, sem soar menos convincente. A desconstrução soa como um relaxamento para os que chegaram à metade do álbum, quase como um prelúdio a sua segunda parte. 

Fever Dreams é denso e repleto de ambição. Com solos de saxofone, sintetizadores que acompanham praticamente todas as músicas — construindo um cenário onírico muito bem trabalhado — e um clima de filme do David Lynch, o álbum nos ambienta na fantasia melancólica da banda indie fundada em 2008. O disco parece a trilha sonora de um sonho, mas um sonho lúcido. – Bruno Andrade

Lingua Ignota – SINNER GET READY

Em 2019, o álbum Caligula fazia os pesadelos de Billie Eilish em bury a friend parecerem um passeio até a casa da vovó. A mistura de black metal com música erudita, elaborada por Kristin Hayter sob o nome de Lingua Ignota, era brutal e perturbadora, a ponto de eu nunca ter conseguido passar da segunda faixa. Mesmo duvidando de minhas condições físicas e psicológicas para tal, resolvi encarar os 55 minutos de seu terceiro álbum de estúdio, e para minha surpresa, SINNER GET READY é menos tenebroso, mas não menos impactante, encontrando, ainda, momentos de pura beleza em meio à visceralidade.

Afastando-se da música industrial e do black metal, Kristin Hayter mantém-se voltada para a influência da música sacra, além de acrescentar instrumentos folclóricos apalaches para explorar o passado cultural e religioso da Pensilvânia rural, e encontrar em meio a isso seus próprios demônios. Fruto de um intenso trabalho quase acadêmico de pesquisa histórica, as letras resgatam trechos de antigos escritos cristãos, incorporados pela experiência pessoal da artista, que cresceu em um lar católico, além de ter recebido uma educação musical clássica e passado por uma carreira acadêmica que resultou em seu primeiro disco. Os referenciais tradicionais pouco fazem desta uma obra familiar que, pelo contrário, foge de qualquer tentativa de classificação. 

Ao longo de suas nove faixas, o álbum se transfigura da crueza infernal de THE ORDER OF SPIRITUAL VIRGINS, passando por muitos momentos intensos, alguns outros quase delicados em comparação como PENNSYLVANIA FURNACE, até tomar sua forma final após as texturas hipnóticas de MAN IS LIKE A SPRING FLOWER na derradeira redenção solitária de THE SOLITARY BRETHREN OF EPHRATA. Em SINNER GET READY, Lingua Ignota caminha por territórios cinzentos entre o sagrado e o profano, a arte e a religião, o físico e o espiritual. É uma experiência crua, assustadora, poderosa, e que não se parece com nada que seja deste mundo. Talvez de fato, não seja. – João Batista Signorelli

Nas – King’s Disease II 

Após finalmente conquistar um Grammy de Melhor Álbum de Rap em 2021, Nas alongou sua obra King’s Disease em uma segunda parte. Lançado em 6 de agosto, King’s Disease II é uma boa continuação, mas que declina. Com menos participações e mantendo Hit-Boy na produção, a rima premiada, e que lembrava seu lendário trabalho dos anos 90 Illmatic, chegou tropeçando em King’s Disease II. 

Os backgrounds seguem diversificados, com a maioria das batidas mais leves e animadas. Já as rimas do cantor se voltaram em auto afirmar ser dono de um legado na história do rap, exemplificado nos versos de Rare, e Nas Is Good – uma das melhores músicas do álbum. Com quase 30 anos de carreira, não é estranho que Nas continue o trabalho que lhe garantiu um troféu, e consequentemente rime sobre sua própria vitória. No entanto, se distanciar dos versos pesados e críticos não foi a melhor escolha para King’s Disease II. – Nathália Mendes

Iggy Azalea – The End of an Era

Infelizmente, ficaremos sem Iggy Azalea na Música por alguns anos. Com The End of an Era, a rapper australiana dá uma pausa de tempo indeterminado na carreira musical, passando a focar em outros projetos criativos. Portanto, era de se esperar que algo grandioso fosse lançado com a finalidade de encerrar uma carreira relativamente longa. E foi. Pelo menos na extensão do trabalho, foi. O terceiro álbum de Iggy, na versão disponível nas plataformas digitais, é composto por 14 faixas, e conta com quase 39 longos minutos. Perto de outros lançamentos, isso até seria considerado pouco tempo, mas a dinâmica do disco não ajuda muito nessa questão.

Ao menos nas primeiras impressões, The End of an Era é morno ao entregar pouca variedade sonora e um repertório exagerado – apesar de serem canções curtas, elas são muito parecidas entre si. Na verdade, talvez seja necessário mais tempo para uma melhor compreensão e apreciação do CD. Independentemente de qualquer coisa, algumas pérolas, como Brazil, Iam The Stripclub e Sex on the Beach, se garantem desde já. Sem dúvidas, é uma pena que Iggy não tenha conseguido grandes colaborações para esse álbum – por enquanto, participam apenas BIA, Sophia Scott e Ellise. Mas ainda há certa esperança: The End of an Era ganhará uma versão deluxe, com capa já divulgada pela artista. E resta também uma dúvida: será que Iggy atingiu o objetivo de agradar aos fãs gays com o novo álbum? – Eduardo Rota Hilário

Still Woozy – If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is

If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is soa como um dia quente e ensolarado nas férias. O primeiro álbum de Still Woozy, nome artístico do norte-americano Sven Gamsky, transforma até as inseguranças em descontração, as desilusões em melodia. Composto e produzido por ele mesmo, o bedroom pop saído de seu estúdio de garagem na Califórnia nos transporta para aqueles dias de verão dos filmes.

Still Woozy brinca com os gêneros musicais, experimenta instrumentos, passeia por ritmos e estilos. As 13 canções são aleatórias e divertidas na despreocupação de soarem coesas. Como ele descreveu, “cada música expressa uma parte diferente da minha paleta (…). Isso me deu liberdade e confiança para explorar mais do que nunca”. A descontração de quem explora cria o encanto e a jovialidade que If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is exala, em uma euforia sublime em tons de amarelo. – Vitória Lopes Gomez

Mouse Rat – The Awesome Album 

Para relembrar o aniversário de dez anos do falecimento de Lil Sebastian, a fictícia banda Mouse Rat lançou, finalmente, seu disco de estreia. Criação atemporal de Parks and Recreation, o grupo musical é encabeçado por um amável Andy Dwyer (papel do estúpido Chris Pratt que, desde o fim da série, se mostrou uma pessoa com caráter de papelão).

Como quem canta é o personagem da comédia, é mais fácil desligar a imagem do Senhor das Estrelas do paspalhão de voz rouca que ele interpretou com primazia durante toda a rodagem da sitcom. The Awesome Album conta com faixas imortalizadas pela série de Michael Schur, em especial a abertura 5,000 Candles in the Wind (Bye, Bye Lil Sebastian), cantada em homenagem ao cavalinho que partiu.

Compõem a tracklist o sucesso chiclete The Pit e a medonha-mas-adorável Sex Hair. Um cover de I Get A Kick Out Of You ainda está na seleção, que se bandeia para pitadas de jazz quando o lendário Duke Silver dá as caras e mostra os dotes no saxofone. Sem notícias de qualquer revival de Parks and Rec para além do frutífero encontro pandêmico de 2020, o legado da série perdura através do trabalho de uma banda chamada Camundongo Rato. E isso me parece certo. – Vitor Evangelista

Tom Rosenthal – Denis Was a Bird

A perda de um pai com certeza não é um processo fácil, mas todo tipo de dor pode se transformar em Arte. Foi o que fez Tom Rosenthal após ver, em 2019, a figura paterna partir “depois de uma longa batalha contra o Mal de Parkinson e, em seguida, a demência”. Provavelmente, nem seria necessário afirmar que o álbum Denis Was a Bird assume uma atmosfera melancólica em muitos pontos – Denis, por sinal, era o nome do pai de Tom. Logo na primeira faixa, Now You Know, somos informados da despedida e da dor.

A morte, aliás, retorna em faixas como Half An Orphan e Uncontrollably. Por outro lado, Tom também se depara com a vida nesses momentos de tristeza. Então, ele consegue criar verdadeiros refúgios de felicidade, tal como as canções I Went To Bed and I Loved You e Little Joys. De modo geral, o álbum transita a todo momento no contraste entre celebração e ausência, sendo sincero ao revelar as descobertas feitas diante da finitude. Delicado, doloroso e afetuosamente belo, Denis Was a Bird encara a morte sem qualquer tabu. – Eduardo Rota Hilário

Luke Hemmings – When Facing the Things We Turn Away From

Após 10 anos do início da banda de pop rock 5 Seconds of Summer, o vocalista Luke Hemmings lança seu primeiro álbum solo, que transborda em sentimentos. “Quando o mundo desligou no ano passado, eu tive muito tempo para refletir sobre minha juventude e sobre a pessoa que fui, quem me tornei, e quem quero ser. Aconteceu que, a melhor maneira, para mim, de encarar essas coisas e processar meus pensamentos foi escrevendo músicas”, disse Luke, para a Apple Music. Em When Facing the Things We Turn Away From, o artista australiano aborda arrependimentos, medos, angústias e a vontade que sente, por vezes, de escapar da realidade, indo para um Wonderland, ou “país das maravilhas”, como ele descreve em Baby Blue. 

O projeto é alternativo e tem fortes influências de rock e indie. Ele se utiliza muito de sintetizadores em praticamente todas as faixas, e a maioria delas também contêm uma forte presença da guitarra que, por vezes, dá lugar a suaves timbres de piano e violão. Starling Line é a primeira das 12 faixas. Nela, o ritmo e a emoção vão crescendo aos poucos e a letra é de fato um ponto de partida para o que será abordado no álbum, falando da passagem inquietante do tempo e de lacunas na memória, geradas pela urgência e velocidade da vida. 

Algumas músicas são mais vibrantes e enérgicas, ainda que todas abordem versos pessoais e sentimentais, como Saigon, Motion, Baby Blue e Diamonds. Outras, valorizam o acústico e a voz do artista, de forma tocante, como é o caso de Place In Me, Repeat, Slip Away, A Beautiful Dream, Bloodline e Comedown. Mum é descrita por Luke como uma carta aberta à sua mãe, e evidencia toda a sensibilidade e delicadeza da obra. As faixas conversam muito bem entre si e o projeto apresenta uma unidade. Luke despejou todas suas emoções no papel e no estúdio. Encarando, como diz o título do álbum, as coisas para as quais viramos as costas, e lidando com as questões vividas por ele, nessa última década, através da música. O resultado? Um álbum intimista, marcante, sensível, que reflete sua criatividade e seu talento. – Mariana Nicastro

Jake Bugg – Saturday Night, Sunday Morning

Quando Jake Bugg surgiu no cenário musical, em meados de 2012, não faltaram comparações com Bob Dylan e os irmãos Gallagher, do Oasis. Ele trouxe levadas de guitarras que misturavam o folk com o pop rock, embaladas em letras ácidas e revoltadas. Acontece que, depois do lançamento de seu primeiro álbum, Jake Bugg (2012), e de seu sucessor, Shangri La (2013), Bugg parece ter entrado em conflito com suas influências, misturando nos dois (e agora três) álbuns seguintes várias referências entre gêneros. Em meio a esse cenário, chega o ambicioso Saturday Night, Sunday Morning. 

O disco não é totalmente incoerente, mas soa confuso. A faixa que abre o álbum, All I Need, lembra um The Kooks com a presença de um coro gospel, e tem uma levada dance, muito diferente do habitual folk que alçou Bugg às paradas de sucesso. Scene e Hold Tight são as faixas que mais se aproximam do ‘velho Jake Bugg’, trazendo voz e violão às letras sobre despedidas mal resolvidas. As canções são bem trabalhadas, com diversas camadas muito bem elaboradas, mas talvez fosse melhor apostar na típica voz e violão, ou na guitarra/baixo/bateria explorada em Shangri La. Talvez a melhor faixa do disco seja Screaming, que lembra o Kasabian em seus melhores dias.

Mesmo depois de seus comentários contra a música pop, Bugg trouxe muito do gênero em Saturday Night, Sunday Morning, e parece abraçar os holofotes sem querer falar isso abertamente. Como ele anuncia na abertura de All I Need, podemos chamá-lo de cínico, mas também de original. Porém, nesse pop de Jake Bugg, falta um pouco mais de diversão. – Bruno Andrade

Jaden – CTV3: Day Tripper’s Edition

Quando um cantor anuncia a versão Deluxe de seu álbum é sempre bom, mas quando essa vem com mais músicas novas do que antigas é melhor ainda. Das 19 faixas do seu último lançamento, CTV3: Day Tripper’s Edition, apenas seis já eram do Cool Tape Vol, 3. Os fãs de Jaden realmente tem muito o que comemorar.

Diferente das batidas de rock de sua irmã, o cantor explora melodias mais calmas e até mesmo tristes. Na obra, Jaden canta sobre nostalgia, romance e verão. O single BYE anunciou bem a estética sentimentalista que acompanha todas as outras canções, e escutar Summer é como ver o sol se pôr depois de um dia animado com os amigos. É com a leveza de um verão chegando ao fim que o artista conclui mais uma era de sua carreira. – Mariana Chagas

Great Silkie – Dawn Chorus

Algo meio Beatles, mas também muito original. Longe de ser uma cópia de qualquer outro grupo, a banda Great Silkie acumula acertos no álbum de estreia Dawn Chorus. Observação não menos importante, há algo de singular desde a capa desse disco. Afinal, uma atmosfera misteriosa ronda a imagem dos artistas: podem ser os aspectos visuais, a sonoridade, ou simplesmente as dúvidas ao redor de todo início de discografia. Certo é que existe alguma coisa diferente, algo difícil de se expressar em palavras. 

Se é possível compará-los com o quarteto de Liverpool, isso está totalmente nítido em I Don’t Know How to Say (These Days). Já a abertura de How Could this Happen carrega, de certo modo, traços de Under Pressure. Forçando um pouco, podemos até observar semelhanças entre Great Blondell e Joanne. Como seria impossível não mencioná-la, é justo afirmar que So Silent finaliza o CD com uma extensão homérica: são mais de 9 minutos de pura reflexão, ou apenas deleite. Seja como for, um texto curto, de primeiras impressões, não é suficiente para retratar uma descoberta musical interessantíssima. – Eduardo Rota Hilário

Jade Bird – Different Kinds of Light

Dois anos após seu álbum de estreia, a cantora britânica country Jade Bird está de volta com um som que remete às suas origens mas que acena languidamente para o futuro, adotando influências de rock alternativo que eleva o disco. Junto com Dave Cobb (produtor que já trabalhou com Brandi Carlile e Chris Stapleton), as 15 faixas de Different Kinds of Light contam sobre o próximo capítulo na jornada de Bird pelos sons do Sul americano.

Apesar de manter as influências que tornaram seu primeiro trabalho tão prestigioso no cenário country, as novas melodias abordam temas e emoções (ironicamente) mais sombrias, certamente trazendo um tipo diferente de luz à discografia da artista. Com mais de uma dúzia de canções, o disco perde um pouco de ritmo nas últimas, mas não compromete a visão da compositora, nem seu talento para nos emocionar enquanto nos faz dançar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Brandee Younger – Somewhere Different

Conforme o título anuncia de antemão, o novo álbum da harpista Brandee Younger junta elementos familiares para nos levar a lugares diferentes. A musicista de 38 anos, que já colaborou com diversos nomes de dentro e de fora do jazz como Pharoah Sanders, Lauryn Hill e John Legend, prova que a harpa não precisa ser vista como instrumento erudito, e pode explorar as fronteiras de outros gêneros musicais.

Reclamation abre o disco carregada de energia, com Younger e sua banda mostrando a o que vieram. Com uma linha de baixo cheia de groove, acompanhando solos espetaculares de harpa, flauta e saxofone, é uma faixa poderosa e memorável. O impacto e a surpresa da peça de abertura  talvez não se perpetue com a intensidade nas faixas seguintes, mas Younger continua esbanjando talento junto aos outros músicos até a última faixa, seja acompanhando os vocais de Tarriona ‘Tank’ Ball em Pretend, ou até mesmo com a bossa nova e as batidas eletrônicas da faixa-título. É um disco belo, de fácil escuta e assimilação, que casa perfeitamente a delicadeza da harpa ao calor do jazz. – João Batista Signorelli

Kehlani – Cloud 19

Exatos 7 anos depois do lançamento de Cloud 19, a mixtape de estreia de Kehlani finalmente chegou às plataformas de streaming. Apesar de algumas das sete faixas já terem sido lançadas como singles e terem até videoclipe, o trabalho, o primeiro comercial da cantora, estava disponível na íntegra apenas no SoundCloud e foi liberado como álbum bem no dia do aniversário do projeto.

Nem adianta falar que a estreia é inovadora, tem potencial ou resgata o estilo original da artista, depois de outros trabalhos. A mixtape foi o pontapé inicial na carreira, que já sabemos o quão promissora foi: em um ano Kehlani estava distribuindo os CDs na rua, no outro, concorria ao Grammy com seu primeiro álbum de estúdio. Disponibilizar a estreia que a trouxe até aqui soa como um bom presente de aniversário para Cloud 19. – Vitória Lopes Gomez

Andrew Belle – Nightshade

Que clima gostosinho! Grosso modo, essa é a sensação que conduz Nightshade do início ao fim. Algo próximo de quando, naquela viagem introspectiva, observamos as estradas da vida pela janela de um carro – pode ser de um ônibus, se preferir. Ou ainda quando, naquele banho de sol delicioso, tudo parece se limitar ao aqui e agora. De modo geral, são esses momentos de elevação pessoal que são evocados ao longo de 10 faixas atrativas, belas e até mesmo tranquilizantes. 

Disco para desiludidos e apaixonados, o amor, suas variações, desdobramentos e consequências estão presentes em mais de uma canção. Prova disso está logo na primeira, Swimmers, que narra uma possível superação amorosa. Mas há também espaço para composições mais abstratas, como a faixa-título, e até mesmo instrumentais, como em Shorthand. Fato é que, se você ainda não ouviu o 4º álbum de Andrew Belle, deveria dar pelo menos uma chance. Pode ser que anime seu dia. – Eduardo Rota Hilário

Orla Gartland – Woman on the Internet

Boa notícia para os amantes de Normal People: agora, parte importante da essência da série pode ser apreciada numa obra integral. Orla Gartland, uma das vozes que embalou aquela história de amor de pessoas normais, realiza sua estreia maravilhosa na companhia das 11 músicas de Woman on the Internet, fazendo jus à beleza da trama que nos apresentou à ela em 2020.

A temática central também não poderia ser diferente: tudo o que envolve a vida dos vinte e poucos anos é matéria prima para a arte narrativa da irlandesa, que vai do pop-punk (graciosamente explosivo em Over Your Head e Zombie!) ao indie rock (gentilmente hipnotizante em Things That I’ve Learned e Madison). E quando ela canta suas letras afiadas e em pontes crescentes como no refrão de You’re Not Special, Babe, é como se Gartland descobrisse a receita daquele aperto agridoce no coração, conhecido também como o sentimento mais típico da nossa geração.

A sinceridade constrangedora e intimidade dolorosa é o fio por onde Orla segue brincando com seus sons, suas letras, seus ritmos, melodias e harmonias de Woman on the Internet. Com as catárticas More Like You, Do You Mind?, Codependency e Bloodline/Difficult Things, é um crime não parar para ouvir a estreia de Gartland. Na melhor confusão emocional millennial, pedimos à Orla que por favor, não seja tão perfeita. – Raquel Dutra

Ben Platt – Reverie

Ben Platt não é um nome desconhecido. Astro do teatro e da série The Politician, Platt chega em Reverie repleto de emoção, porém sem deixar de lado seu lado dançante. Em seu segundo álbum de inéditas, o artista aposta na mesma nostalgia presente no antecessor, Sing To Me Instead (2019). 

Seu lado teatral não foi esquecido em Reverie, e as fases do disco são separadas por 3 atos, king of the world, pt. 1, king of the world, pt. 2 e king of the world, pt. 3 — faixas que abusam do auto-tune —, dividindo as 13 faixas do disco. As canções parecem ter diversas referências a músicas dos anos 80, principalmente childhood bedroom e come back, compondo uma aura de High School Musical só para adultos. Mas, ao chegar no final do álbum, a sensação é que o disco de 40 minutos seria um devaneio melhor distribuído em formato de EP. – Bruno Andrade

Devendra Banhart & Noah Georgeson – Refuge

Devendra Banhart, o cantor-compositor norte-americano criado na Venezuela que já cantou sua música indie em espanhol, inglês e português, resolveu, em seu álbum mais recente, deixar sua voz quieta e deixar o coração falar. Em Refuge, ele se junta ao seu produtor de longa data Noah Georgeson, deixando a guitarra e a bateria de lado para acalmar os ânimos e voltar-se para dentro de si mesmo, em um disco inteiramente dedicado à música ambiente.

O apogeu instrumental de Refuge pode ser encontrado na peça For Em, que marca a metade de seu percurso com um belo diálogo entre um piano e cordas emotivas. Afora isso, o disco se mantém discreto e tranquilizador, tanto que duas de suas faixas encontraram espaço em Calm, o famoso app de meditação. A colaboração de Refuge evoca outra parceria que em 1980 rendeu o álbum Ambient 2: The Plateaux of Mirror, produzido por Brian Eno e Harold Budd. Tanto este clássico quanto aquele lançamento trabalham as atmosferas contemplativas, dando também destaque ocasional para melodias instrumentais simples mas em meio às texturas minimalistas. – João Batista Signorelli

Middle School – Passing Notes

Passing Notes poderia estar em uma live de lofi no YouTube, “Batidas para o seu domingo de manhã”, por exemplo. Entre tantos EPs e singles, o álbum é apenas o segundo do produtor australiano Middle School, nome artístico de Ellis Mars Forman, e as oito canções instrumentais são o pano de fundo ideal para… bem, o que você quiser.

A capa do trabalho já começa bem em passar a nostalgia e o conforto, mas cabe às melodias transmitirem as emoções. As batidas são aproveitáveis a qualquer momento, mas a subjetividade do ouvinte é o grande atrativo do álbum. Enquanto a primeira faixa, When I Get Up In the Morning, evoca aquela animação preguiçosa de uma manhã de domingo, By The Window recorda a saudade e a delicadeza de uma lembrança. Mas é claro, Passing Notes depende de quem escuta. – Vitória Lopes Gomez

Tinashe – 333 

O árduo processo de se tornar uma artista independente pode até ter sido fatigante para Tinashe, mas ela conquista o ouvinte ao mostrar os benefícios dessa emancipação em seu quinto álbum de estúdio, 333. Sua segunda obra livre das rédeas limitantes de sua antiga gravadora, o disco é uma imersão adocicada em sua autonomia como cantora e produtora.

A produção espacial do álbum media sons experimentais e a clássica sonoridade de Tinashe, que contém infusões de R&B, pop e até funk. Mesmo as faixas mais comerciais são o reflexo da identidade vibrante da artista: Bouncin é o single mais enérgico de sua carreira, e o synth de Undo (Back To My Heart) nos transporta direto para os anos oitenta. 333 pode até não replicar a excelência fascinante de Songs For You, mas é um bom exemplo de como a liberdade artística conseguiu elevar a qualidade do conteúdo de Tinashe. – Laís David

Big Red Machine – How Long Do You Think It’s Gonna Last?

A gigante dupla Aaron Dessner (fundador do The National) e Justin Vernon (fundador do Bon Iver) não parece confortável em aceitar o status de supergrupo. Recebendo o nome de Big Red Machine, a dupla lança seu segundo álbum de estúdio, How Long Do You Think It’s Gonna Last?, com participações que vão de Taylor Swift e Anaïs Mitchell à Fleet Foxes e Ben Howard — sem dúvida, um super grupo. No ano passado, a dupla também lançou a faixa No Time For Love Like Now, com participação de Michael Stipe, do R.E.M..

O álbum constrói uma experiência levemente melancólica, com elementos que compõem um teor altamente poético, como o suave refrão de Latter Days (feat. Anaïs Mitchell) ou a leve, porém marcada, bateria de Phoenix (feat. Fleet Foxes & Anaïs Mitchell). Em The Ghost of Cincinnati — uma das faixas mais interessantes nesse álbum, e uma das poucas sem participações especiais — existem acenos quase descarados a Elliott Smith, e o violão dá forma a um tipo de balada acústica muito semelhante à Angeles, de Smith.

How Long Do You Think It’s Gonna Last? é composto por canções tranquilas, sem grandes rodeios, mas ainda musicalmente interessantes. Os artistas convidados parecem ter se adaptado à ideia do projeto, com exceção de Taylor Swift em Renegade (feat. Taylor Swift). Nessa colaboração, Swift leva todo o protagonismo, e a canção parece, na realidade, uma participação especial de Big Red Machine. – Bruno Andrade

Angus & Julia Stone – Life Is Strange

O primeiro álbum dos irmãos Stone em quase quatro anos também serve de trilha sonora para o jogo Life is Strange: True Colors, que será lançado dia 10 de setembro. Produzido entre os projetos solos de Angus e Julia, o disco é uma combinação de folk e indie pop que reflete sobre as relações entre família e comunidade, assim como o amor: “Sempre voltamos ao amor e a coisas que partem do coração. Quando tudo o mais falhar, o amor será aquilo que conquista.”

Essa inclinação romântica está em evidência durante todo o disco, e eleva o soundtrack além de sua relação com o jogo, apesar de algumas faixas certamente estarem referenciando acontecimentos de sua narrativa. Embora a história completa de Alex Chen e do resto dos habitantes de Heaven Springs só chegue ao nosso conhecimento em setembro, Angus & Julia Stone contam em Life Is Strange uma narrativa inteiramente deles, e que com certeza ressoa com outras pessoas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Kat Von D – Love Made Me Do It

Falta espaço para Kat Von D expressar suas inspirações artísticas. A tatuadora, atriz, maquiadora, empresária e apresentadora agora estreia no mundo da Música através de Love Made Me Do It. O momento é ensaiado pela artista há muito tempo, que demonstrava seu interesse musical vez ou outra, e agora, ela inaugura seu espaço próprio no que é uma de suas paixões: o rock.

Anunciado por singles enérgicos, o primeiro contato que o disco estabelece com o seu ouvinte pode decepcionar, mas este não deve deixar-se levar pelas impressões da introdução inexpressiva. Depois da primeira faixa, a artista guarda um rock glamouroso para ser explorado. Contando com uma ponta de pop diretamente influenciada pela atitude de Madonna nos anos 80, Kat Von D mergulha em sintetizadores para emergir como uma deusa gótica reflexiva em Vanish, e entre os altos e baixos do disco, esse é o tom que ela mantém em todas as 12 faixas do álbum.

Toda a adoração que ela guarda pelo gênero compõe o sabor agridoce do disco, que é refrescado em faixas como Fear You e Lost At Sea, e quase elevado na falsa balada Easier Sung Than Said. A identidade marcada pode fazer com que Love Made Me Do It seja um pouco enjoativo, mas prova o que Kat Von D realmente quer: fazer rock e criar um novo universo para si mesma. E parece que o amor a fez fazer isso. – Raquel Dutra

Tasha & Tracie – Diretoria

Diretamente da Zona Norte de São Paulo, nasce o disco das gêmeas Tasha & Tracie. As irmãs que começaram sua jornada com o rap nas batalhas paulistas – da onde nomes como Emicida e Projota vieram – estreiam Diretoria, com sete faixas que viajam entre diversos gêneros, experimentando uma mistura harmoniosa e rica de letras inteligentes. 

Do funk até o trap, é com a confiança em seu talento que as garotas se arriscam para não estacionar em apenas um estilo musical. “Hoje, a gente não depende tanto que um Fulano X importante naquele meio ouça o seu som e te ajude na sua caminhada”, comentou Tasha sobre não terem medo de experimentar coisas novas. SUV, a penúltima e melhor canção do EP, é um resumo da habilidade das meninas em fundir um pouco de tudo para construir uma verdadeira obra prima. – Mariana Chagas

Indigo De Souza – Any Shape You Take

Darker Than Death, Real Pain e Kill Me poderiam ser títulos bastante esperados para uma banda de grindcore, mas estão todas na tracklist do novo disco da cantora  de indie rock Indigo De Souza, acompanhada de sua banda. Nele, a estadunidense filha de brasileiro, expressa sentimentos intensos, mas quase sempre mantendo sua  voz delicada. 

A capa já denuncia a morbidez colorida de Any Shape You Take, que mesmo nos momentos em que se mantém próxima da fórmula tradicional esperada do gênero, carrega as dores e anseios de sua autora. Em seu segundo álbum, Indigo De Souza já consegue delinear bem sua identidade artística, e não seria surpresa vê-la se destacando cada vez mais na cena indie nos próximos anos. – João Batista Signorelli

CHVRCHES – Screen Violence

Três anos depois que o amor morreu, o trio escocês CHVRCHES está de volta com mais batidas eletrônicas e letras instigantes em seu quarto álbum de estúdio, Screen Violence. Inspirado na estética do Cinema de terror, o novo trabalho da banda é marcado pela ferocidade de sua mensagem e a química entre seus integrantes.

Desde as primeiras e tímidas notas de Asking for a Friend até os vocais exaustos e desesperados de Better If You Don’t, fica claro que o disco foi produzido por artistas em perfeita sincronia uns com os outros. Se a maior força de CHVRCHES sempre foi a junção das letras intimistas de Lauren Mayberry com os instrumentais sintéticos de Iain Cook e Martin Doherty, Screen Violence representa o ápice dessa harmonia.

Apesar de manter uma atmosfera tensa ao longo das dez faixas (o single How Not to Drown conta com os vocais sombrios de Robert Smith, vocalista do The Cure), a violência titular do álbum parece vir de suas canções mais upbeats. Seja na sequência explosiva de Final Girl para Good Girls quanto na qualidade onírica entre Lullabies e Nightmares, a “violência das telas” sobre a qual o trio canta nunca deixa de ser o foco do novo disco. – Gabriel Oliveira F. Arruda

EPs

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Ney Matogrosso pode cantar o que bem quiser, e ele parece ter consciência plena disso. É o que comprova Nu Com a Minha Música, EP lançado em 1º de Agosto, mesmo dia em que o inigualável intérprete completou 80 anos de vida. Comemoração certeira, sem composições inéditas, essa obra bela e breve abre portas com um afago de esperança. Isso porque, na faixa-título, a primeira do EP, Ney canta um sentimento atualíssimo, embora externalizado por Caetano Veloso em 1981: “Vejo uma trilha clara pro meu Brasil, apesar da dor/Vertigem visionária que não carece de seguidor”.

Nem bem trocamos de faixa, a sonoridade e a língua da segunda canção já são outras. É em Mi Unicornio Azul, composição do cubano Silvio Rodríguez, que Ney transcende em nível absoluto, demonstrando ser um cantor ainda muito habilidoso. E logo em seguida, Se Não For Amor Eu Cegue, de Lenine e Lula Queiroga, substitui o ato sublime por uma alegria apaixonada. Para finalizar, ainda temos a sorte de pedir um “toca Raul!”, pois é a famosa Gita, de Raul Seixas e Paulo Coelho, que finaliza o extended play. Após escutar o  EP, resta-nos apenas uma forte curiosidade, já que o álbum homônimo está previsto para sair somente em novembro deste ano. – Eduardo Rota Hilário

Allison Ponthier – Faking My Own Death

Talvez um dos melhores jeitos de se conhecer é mudando da casa dos nossos pais, deixando nossa cidade natal para trás. É no meio dessa jornada que Allison Ponthier inicia seu EP, Faking My Own Death. Trilhando por vários temas, cada uma das 6 músicas conta uma história. O que todas têm em comum é a tentativa da cantora de tentar se entender e explicar através das letras. 

Nascida em Texas, assumidamente parte da comunidade LGBTQIA +, Allison escreve sobre todas as ansiedades que moram em sua cabeça. Entre o folk e o country, ela se uniu a Rick Nowels para produzir o disco. O artista que já trabalhou com Adele, Lana Del Rey e outros grandes nomes foi a dupla perfeita para que a cantora conseguisse desenvolver as ideias que, segundo ela, já existiam em sua cabeça a anos. – Mariana Chagas

Supercombo – Supercombo

Depois do álbum Adeus, Aurora de 2019 e da versão deluxe em 2020, o primeiro grande projeto da banda Supercombo em 2021 é o EP homônimo Supercombo. O lançamento chegou no começo do mês e conta com sete faixas, todas regravações de músicas do quinteto que ainda não haviam sido lançadas em plataformas digitais.

O grupo reúne canções antigas como Farol, de 2010, Sorte e Azar e Saudade, que ganhou uma versão produzida pela baixista da banda Carol Navarro, a outras mais recentes, como Cebolas, com a participação do produtor e vocalista da Fresno, Lucas Silveira. O rock nacional e as letras existenciais da Supercombo mudam, mas não perdem a essência ou a validade: Supercombo resgata e renova o antigo, sem precisar reinventar o que não ficou ultrapassado. – Vitória Lopes Gomez

Angel Olsen – Aisles

Depois de trazer algumas das canções mais tristes do passado recente em sua fase monocromática sintetizada na compilação Songs of the Lark and Other Far Memories, os dois singles lançados no último mês, as melhores canções do EP, já apontavam que o que agora Angel Olsen quer mesmo é esquecer dos problemas e se divertir. Ainda que mantendo a forte presença do efeito reverb e dos sintetizadores que caracterizaram algumas das canções de All Mirrors, os covers de clássicos dos anos 80 em Aisles são mais leves, coloridos, e até dançantes. 

Livrando-se do peso de realizar um projeto ambicioso, sobra o espaço para brincar, experimentar com os sons e reimaginar as músicas que a acompanharam desde a infância. Mas nem sempre a brincadeira dá certo. O EP tem seus momentos de estranheza, como as mudanças súbitas de tonalidade em If You Leave que simplesmente não se encaixam como na versão original, ou os versos de Forever Young que não fluem bem em um ritmo um tanto desconjuntado. O descompromisso em fazer outra vez um projeto ambicioso ameniza os tropeços de Aisles, pois ao final o importante é saber que Angel Olsen está se sentindo bem fazendo a música que a faz feliz.– João Batista Signorelli

Priscilla Alcantara – Tem Dias (Expansão)

A transição de Priscilla Alcantara do gospel para o pop continua em Tem Dias (Expansão), registro de estúdio lançado em agosto e que abusa de suas base vocal potente para cantar letras de libertação e desassossego. Ao longo de apenas 4 faixas, a ex-apresentadora do Bom Dia e Cia se desvincula ainda mais da imagem de princesa que cultivou por tanto tempo.

Tem Dias (Expansão) conta com a tutela de Lucas Silveira, da banda Fresno, e esse detalhe se reflete com bastante alarde ao longo dos menos de doze minutos do EP. O destaque óbvio é música 3 do trabalho, onde Priscilla divide sua voz com Silveira, em uma canção que cresce exponencialmente até que a explosão seja inevitável. – Vitor Evangelista

Madu – Estudando Tom Zé

Nunca foi segredo que Tom Zé é dono de uma “música sofisticada”, mas isso não forma qualquer tipo de barreira para o cantor Madu. Se pudemos sentir, no álbum Dharma, um pouco da proximidade com esse repertório complexo e arriscado, mais especificamente na gravação de duas composições da lenda tropicalista, Tô e Vai (Menina Amanhã de Manhã), agora uma certa naturalidade em explorar e criar a partir desse universo é, além de muito atrativa, explícita. Estudando Tom Zé, Madu revigora e dá roupagem própria a cinco canções que mereciam esse renascimento digno, apropriado e admiravelmente belo.      

Já no título desse EP, a alusão ao álbum Estudando o Samba – clássico de Tom Zé, lançado em 1976, e um dos melhores discos brasileiros de todos os tempos – prometia alguma grandeza. Mas nem imaginávamos que composições mais simples, como Sandália, alcançariam um nível tão sublime. Sem muitos spoilers, porque é um trabalho que realmente merece ser escutado, o auge do Extended Play está, talvez, na faixa Mãe (Mãe Solteira), gravada com Elisa Gudin: nessa preciosidade, percorremos um caminho repleto de sutilezas humanas, tal como a solidão. No fim das contas, não é exagero afirmar que Estudando Tom Zé é uma das melhores imersões musicais possíveis no mês de Agosto. – Eduardo Rota Hilário

Red Velvet – Queendom

Depois de um ano e meio sem lançamentos desenfreados, a girlband mais carismática (mesmo com um leve toque dark) está de volta com seu sexto mini álbum – ou como costumamos chamar, sexto EP -. Queendom é um mais do mesmo que ainda funciona. Com uma estética semelhante a Era Perfect Velvet e com canções que se assemelham ao The Velvet, o álbum não inova.

Apesar de não trazer nada de especial, Queendom chega quebrando recordes. É graças a ele que Red Velvet se tornou o primeiro girl group a alcançar o topo da lista do iTunes americano por quatro lançamentos consecutivos, quase triplicando o próprio número de vendas. A faixa-título também conta com um clipe que não foge do esperado: magia, cores saturadas, entrega de coreografias e efeitos visuais. – Ana Júlia Trevisan

Blackbear – misery lake

Nas palavras do próprio Blackbear, seu mais recente lançamento, o EP misery lake, “é sobre isolamento, é basicamente sobre a quarentena e como você pode se sentir doido e se sentir feliz e se sentir horrível tudo ao mesmo tempo”. O rapper americano conseguiu canalizar os terríveis sentimentos que marcaram 2020 e condensá-los nas seis faixas que compõem o trabalho, concebido na quarentena.

Ainda que caiam na fórmula pop repetida do artista, as letras melancólicas resumem o estado emocional de Blackbear e transmitem a ansiedade e a solidão do ano atípico. Com seus refrões chiclete, misery lake torna o amargo viciante. Talvez esquecer dos sentimentos conflitantes que compartilhamos e cantá-los ao som de batidas genéricas seja divertido, afinal. – Vitória Lopes Gomez

ADOY – her

Sobre K-pop já estamos cansados, ou até mesmo saturados, de ouvir. Mas, rufem os tambores, pop não é o único gênero da Coreia. E, é fugindo das grandes produções e performances pitorescas, que ADOY se firma como um grupo de indie, já tendo vencido grandes prêmios sul coreanos como o Seoul Music Awards na categoria Prêmio Especial de Juiz.  

O retorno do grupo aconteceu com o lançamento do EP her. O trabalho funciona como uma continuação do álbum Vivid, de 2019. As canções seguem a marcante sonoridade do indie que já conhecemos através das bandas ocidentais. Entre as faixas, o single Baby ganha destaque por seu vocal feminino, Saint faz um desabafo sincero ao mesmo tempo que grita de desespero e Up, a instrumental que encerra o trabalho de maneira sombria, diferente de tudo que havia sido feito nas cinco faixas anteriores, virando a chave para abrir um novo caminho para a banda. – Ana Júlia Trevisan

Tiwa Savage – Water & Garri

Sob o título de Rainha do Afrobeat, Tiwa Savage faz mágica. Aclamada pelo trabalho musical que fez em Celia (2020) e R.E.D (2016), a nova obra da artista é Water & Garri, um EP composto por cinco faixas que reforçam a sua preciosidade. Depois de viver o estrelato em escala mundial e se transformar em um dos principais nomes do pop africano, Savage se volta para suas raízes, dando vida a canções íntimas e delicadas enquanto beira um R&B completamente autêntico. 

A faixa que melhor traduz essa identidade é Work Fada, que abre o EP na companhia do vencedor do Grammy Nas. Com o espaço preparado, a artista divide seus sentimentos em Somebody’s Son contando com a participação de Brandy, e assim segue nos versos em iorubá de Ade Ori. Depois do pop doce de Special Kinda, o destaque vai para a beleza imersiva de Tales by Moonlight, que nos faz reverenciar Tiwa Savage do jeito que a Rainha do Afrobeat merece. – Raquel Dutra  

Músicas

Lucy Dacus – Going Going Gone (Edit)

Sem tempo para saudades, Lucy Dacus revisita Going Going Gone de Home Video, após um mês de lançamento do terceiro álbum solo de sua carreira. Na reedição, nada de novo é posto sobre a mesa. Dacus apenas opta por descartar o final charmoso da versão original, que entre risadas e conversas com amigos, faz com que quase participássemos daquele breve momento de calor genuíno. De resto, ainda testemunhamos as mesmas memórias que compuseram a faixa, num auto-exame empático da artista sobre a juventude traumática. Permanece o coro de fundo invejável formado pelas companheiras de banda boygenius, Julien Baker e Phoebe Bridgers, além de Mitski e Beans, o cachorro de Julien Baker. – Ayra Mori

Valesca Popozuda – Presentinho

Agosto foi motivo de comemoração para os popofãs. Mal começou o mês e os apaixonados pela cantora Valesca Popozuda já receberam um Presentinho da diva do funk. Baseado em um episódio da vida sexual da artista, o novo single de Valesca é divertido e sem pudores, embora não seja totalmente explícito, como algumas das canções mais populares da funkeira carioca. Acompanhada de um videoclipe mais quente que pimenta malagueta, repleto de coreografia e sensualidade, essa nova canção é, a princípio, muito curta. Mas logo percebemos ser o tempo ideal para quem quer – ou sente muita falta de – rebolar a raba. – Eduardo Rota Hilário

Lizzo e Cardi B – Rumors

New era bicth! Foi assim que Lizzo chegou em seu Instagram anunciando o lançamento de seu novo single, Rumors. Com participação especial da futura mamãe, Cardi B, a artista canta sobre todas as fofocas que estão circulando sobre ela pela internet e confirma que sim, tudo o que você ouviu é verdade.

Ser uma mulher preta e gorda de sucesso incomoda. Em live depois da faixa ter sido lançada, a cantora desabafou sobre comentários preconceituosos que vem recebendo. “Estou colocando tanto amor e energia no mundo e às vezes parece que o mundo não me ama de volta”, lamentou. Deve ser uma pena para essas pessoas ignorantes, então, terem de lidar com o sucesso de Rumors, que debutou no top 10 de todas as plataformas.

O clipe dirigido por Tanu Muino coloca as artistas em um ambiente bem Hercules. Ambas vestidas completamente de dourado, Lizzo e Cardi parecem, de fato, semideusas. Ainda sem informações a respeito de um novo disco, a única coisa que sabemos sobre futura era da dona de Truth Hurts é que muito mais hits estão a caminho. – Mariana Chagas

Aly & AJ – Pretty Places (St. Lucia Remix)

Com sua batida pop mais evidente e seus tons de country diminuídos, a nova versão de Pretty Places remixada pela banda St. Lucia continua sendo uma ótima música de road trip para quando você estiver pensando em deixar tudo para trás. O novo remix de uma das melhores faixas do último disco das irmãs Michalka troca os violões pelos sintetizadores, mas nem por isso deixa de incitar o ouvinte a meter o pé na estrada e ligar o rádio, remetendo ao som dos EPs anteriores da dupla sem comprometer sua nova identidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

black midi – Cruising

Depois de entregar nada menos do que um dos melhores discos de 2021, a banda britânica black midi retorna com uma gravação remanescente das sessões de Cavalcade que antes estava presente apenas na edição japonesa do álbum como faixa bônus. Abrindo com uma guitarra e cordas misteriosas, além dos vocais chorosos, a faixa alterna entre momentos de tensão estridente e outros de uma inesperada delicadeza quase romântica. 

Com isso, faz sentido a decisão do guitarrista e vocalista Geordie Greep de não manter a faixa na versão final do álbum, uma vez que seu ritmo mais lento não parece harmonizar tão adequadamente com o frenetismo de Cavalcade. De qualquer modo, ainda bem que esse não foi motivo suficiente para que Crusing permanecesse guardada: o single enriquece ainda mais o catálogo da banda, revelando mais uma de suas múltiplas facetas. – João Batista Signorelli

The Weeknd – Take My Breath

A despeito das polêmicas envolvendo o Grammy, ninguém contesta o fato de que After Hours foi um evento para a música pop. Não porque ele instituiu de vez o som dos anos 80 como tendência da indústria – esse retorno ocorre desde o início da década e The Weeknd já o explorava em Starboy, de 2016 –, mas sim por como o cantor enquadra essa estética tanto em sua identidade artística quanto no contexto em que ele se insere. A discrepância entre os sintetizadores futuristas e solares e suas letras melancólicas e soturnas; a oposição entre a opulência e elegância do terno vermelho e da vida em Las Vegas e seu rosto deprimido e todo arrebentado; é por ele costurar tais signos à primeira vista contraditórios, ressignificá-los em um conceito totalmente novo e, desse modo, utilizar da nostalgia para comentar nossa realidade contemporânea, que esse álbum é tão genial.

Visto isso, é uma surpresa que, após um projeto tão aclamado, Abel retorne tão cedo divulgando seu próximo disco, que por enquanto tem sido apelidado de The Dawn. “The After Hours are done and The Dawn is coming”, é o que The Weeknd afirma desde seu discurso no Billboard Music Awards 2021, quando ele também abandonou oficialmente o icônico traje de After Hours. Logo, aparentemente, a premissa é essa: criar uma narrativa complementar entre as duas eras, explorando a dualidade entre uma atmosfera noturna e catastrófica e uma musicalidade diurna e otimista, o que justifica o intervalo curto que separa ambas. E, posto isso, qual foi o single escolhido para abrir esse novo alvorecer? Agora sim, chegamos em Take My Breath. 

Como era de se esperar, é exatamente esse o caminho que o artista toma com o novo single. Take My Breath reafirma a estética oitentista de seus trabalhos anteriores, porém, desta vez, a elevando para o âmbito de temática. Com produção de Max Martin, que também tem dedo em Blinding Lights, a faixa é vibrante, dançante, radiante e The Weeknd entrega seus vocais com muita personalidade. Contudo, ao invés de pegar o formato e reinventá-lo de sua maneira, ele parece aliar-se à uma nostalgia formulaica – à essa altura já datada –, o que preocupa sobre qual será o resultado final de The Dawn. Daft Punk, Dua Lipa, Jessie Ware e outros artistas já usaram e abusaram dessa faceta da década de 80 antes, o que faz com que ouvir o novo lançamento de Abel dê uma sensação constante e estranha de déjà vu. Take My Breath é uma boa música, porém uma que já ouvimos inúmeras vezes antes. – Enrico Souto

Kim Petras – Future Starts Now

Em seu primeiro lançamento após assinar com a gravadora Republic Records, a princesa Kim Petras nos dá uma prévia do que está por vir. Nada preocupada em esconder a empolgação da nova fase de sua carreira, Petras canta por quase cinco minutos sobre as perspectivas positivas do amanhã. A parte ruim? O nome de Dr. Luke ainda aparece na ficha técnica da faixa. – Vitor Evangelista

Shawn Mendes & Tainy – Summer of Love

São tempos difíceis para o hitmaker que um dia existiu em Shawn Mendes. Desde seu último álbum, Wonder (2020), o astro pop parece viver um momento de confusão artística, buscando algum tipo de solução numa música mais influenciada por gêneros latinos. E o artista parece empenhado em seguir este caminho, já que depois do desempenho frustrante de sua parceria com Camilo, ele voltou a tentar algo próximo do reggaeton em seu novo single, Summer of Love. Nem mesmo o brilhantismo de Tainy, que assina algumas das produções mais bem-sucedidas no estilo que Shawn persegue, deu conta de trazer personalidade à canção. – Raquel Dutra

Tony Bennett & Lady Gaga – I Get A Kick Out Of You

Dez anos após a primeira colaboração entre os dois, e sete anos após o elegantíssimo álbum Cheek To Cheek, Lady Gaga e Tony Bennett estão juntinhos pela última vez. Diagnosticado com Alzheimer desde 2016, Tony se despede da vida pública por recomendações médicas. Mas antes, ambos lançam, em 1º de outubro, o disco Love For Sale. E o primeiro single do projeto, I Get A Kick Out Of You, apesar de não ter uma arte própria – pois se aproveita da capa do álbum vindouro -, dá pistas de uma obra possivelmente magistral, que tem muitas chances de nascer aclamada.

Composição de Cole Porter, como mandam os planejamentos do próximo CD, a nova versão de um verdadeiro clássico norte-americano talvez esteja à altura de gravações lendárias, a exemplo de Ella Fitzgerald. Se Tony e Gaga têm relevâncias inquestionáveis, é essencial reafirmar que existe uma conexão verdadeira e, de certo modo, fraterna entre os dois. Inegavelmente, isso está nítido no novo single, que narra a infelicidade de um sujeito que só se alegra ao lado de alguém especial. Ao contrário da letra, porém, a admiração e alegria entre Tony e Gaga é totalmente recíproca.

Num clipe intimista e emocionante, as lágrimas da nossa Mother Monster partem o coração de qualquer ser minimamente sensível. Mas ela provavelmente sabe que Tony Bennett cumpriu tudo o que deveria cumprir em vida – e, se duvidar, até mais do que isso. “Tony está sempre pronto”, afirma Gaga, categoricamente. Honrando o legado dessa lenda, ela poderia – paralelamente ao pop, é claro – sempre beber das águas do jazz. Afinal, quem admira o potencial vocal dessa diva estaria nos céus, e ela ganharia ainda mais notoriedade. De qualquer modo, I Get A Kick Out Of You já foi um baita presente de Agosto. – Eduardo Rota Hilário

CHVRCHES – The Killing Moon (Amazon Original)

Na reta final para o lançamento do álbum Screen Violence, a banda de synthpop escocês CHVRCHES nos agraciou com um cover da clássica dos anos 80, The Killing Moon, do grupo Echo & the Bunnymen, exclusiva da playlist DV8 do Amazon Music. Mantendo a melodia enervante enquanto adicionam sua própria personalidade, eles conseguem recriar o sentimento sinistro e misterioso da faixa original, combinando perfeitamente com a nova fase do trio, inspirada em filmes de terror clássicos.

Os vocais de Lauren Mayberry substituem muito bem os de Ian McCulloch, capturando a letra macabra e expandindo-a através dos sintetizadores que formam a marca registrada dos escoceses. Não é surpresa, portanto, que ela seja uma das inspirações por trás do novo disco da banda, que a associa ao filme Donnie Darko. – Gabriel Oliveira F. Arruda

ANAVITÓRIA e Jovem Dionísio – Aguei

Começou com bolo de cenoura no Instagram, terminou com ANAVITÓRIA levando as putarias poéticas a outro nível. Em parceria com a banda Jovem Dionísio, Aguei imagina o pré-flerte em uma letra poeticamente (claro) sensual e provocativa. Com uma sonoridade mais distante daquela que o duo costuma apostar e que se aproxima mais da do quinteto, a canção cai como uma luva às meninas da ANAVITÓRIA e acompanha um clipe igualmente divertido e provocativo… para quem não vê a hora de voltar para os rolês. – Vitória Lopes Gomez

Dead Sara – Heroes

Após a frenética Hands Up no final do ano passado, a banda Dead Sara resolveu dar um tempo enquanto planejavam seu próximo disco e marcavam datas para a próximo tour. Dispensando o ritmo frenético do single anterior, Heroes é uma canção mais compassada e pesada, tanto na letra quanto em seus instrumentos.

Os vocais encantadoramente roucos de Emily Armstrong são complementados belamente pela guitarra de Siouxsie Medley e a bateria de Sean Friday, enquanto sua vocalista pondera que “Todos os meus heróis estão mortos/Vivendo na minha cabeça/Estou desistindo, agora estou desistindo”. Com um clipe na vibe “feito em casa” dirigido por Matthew Odom, Dead Sara oferece mais um gostinho de seu próximo trabalho, o disco Ain’t it Tragic, que sai 17 de setembro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

J Balvin – Que Locura

“Qué locura, mami, qué locura”. Melhor ainda: que sofrência, gata, que sofrência. O novo single de J Balvin é puro sofrimento passional. E assim como as obras de inúmeros outros cantores – alô, Cher do final dos anos 1990 -, Que Locura te fará sofrer dançando. Com uma voz quase robótica, que cabe perfeitamente nas gravações do astro do reggaeton, porque soa natural, esse lançamento é mais uma prova de que J Balvin tem bastante fôlego para trabalhar. Se é verdade que não nos deparamos com uma composição muito profunda – e vale ressaltar que esse nem é o propósito dela -, recebemos, por outro lado, um videoclipe completamente conceitual, dirigido por José Emilio Sagaró. Fiquemos agora no aguardo de José, álbum programado para sair já em Setembro. – Eduardo Rota Hilário

Guns N’ Roses – ABSUЯD

Foram 13 absurdos anos de espera desde Chinese Democracy, de 2008, para que os seguidores fiéis de Guns N’ Roses pudessem ouvir novamente uma música gravada em estúdio. ABSUЯD é tudo aquilo que a banda clássica promete: agressiva, gritante e cheia daqueles vocais marcantes de Axl Rose que, apesar de já terem sido melhores, ainda empolgam aos que ouviam November Rain religiosamente.

Ao lado dos integrantes originais Slash e Duff McKagan desde 2016, Axl prova que o tempo pode passar, mas o entrosamento da banda sempre será algo de outro mundo. A faixa, na verdade, é uma regravação de Silkworms, tocada em shows mais recentes, porém nunca lançada pelos músicos. Com uma medusa saída diretamente de um filme de terror, o punk berrado de ABSUЯD é o retorno de Guns N’ Roses que tanto desejamos. – Caroline Campos

---

Elza Soares – Drão (Remasterizado)

Elza Soares, uma das vozes mais emblemáticas da Música brasileira, dispensa apresentações. Drão, canção original de Gilberto Gil, foi gravada por ela nos anos 90, mas havia permanecido guardada desde então. Foi somente neste mês de Agosto que finalmente a versão, já remasterizada, se tornou disponível para o público. Com uma gravação antiga, Elza chegou surfando numa onda moderna: adentrando o mercado de NFTs junto a outros nomes de sua geração como João Donato e Hermeto Pascoal, uma porcentagem dos direitos sobre a canção está sendo leiloada na plataforma Phonogram.me.

A canção que marcava a separação entre Gil e Sandra Gadelha ganha contornos ainda mais dramáticos e emotivos na voz de Elza Soares, acompanhada por um violão delicado e por texturas sonoras que ampliam o escopo da canção em seus momentos finais. Drão já havia interpretada por Elza nos palcos, e agora com esta versão passa a integrar a ampla coleção de relíquias da mulher do fim do mundo. – João Batista Signorelli

---

Bastille – Thelma + Louise

O caleidoscópio que é Thelma + Louise eleva a nova canção da Bastille para uma verdadeira e completa experiência imersiva. Se Give Me The Future e Distorted Light Beam, os dois primeiros singles do próximo álbum do grupo, já abriram a nova era da banda misturando o sonoro ao visual, a estética futurista e contagiante continua no terceiro, que agrega ainda mais ao universo escapista em construção com as referências cinematográficas.

Não só pelo nome, as certeiras alusões ao clássico Thelma & Louise tornam impossível não recordar o filme, as imagens ocupam a mente quando Dan, vocalista da Bastille, quer dirigir para o final do mundo em um Thunderbird. A adoração do frontman pela obra pode até servir como desculpa para a inspiração e com certeza é animador pescar as semelhanças entre a letra e o longa, mas a canção vai além da homenagem. 

O quarteto faz da referência uma narrativa: eles já haviam clamado pelo futuro e suas possibilidades, depois pedido pela ilusão e pela ficção, agora, em Thelma + Louise, querem escapar do mundo em que se encontram, como as protagonistas do longa. Se vão conseguir… o álbum novo do Bastille já chegará antecipado. – Vitória Lopes Gomez

---

Black Eyed Peas, Saweetie e Lele Pons – HIT IT

Um ano após o lançamento de TRANSLATION, o trio Black Eyed Peas retorna. Acompanhada da magnética Saweetie e do artista de origem venezuelana Lele Pons, a banda cria em HIT IT uma canção ordinária, extremamente acalorada e um tanto abafada. Sem planos concretos sobre um próximo lançamento de estúdio, eles continuam apostando no mercado latino, provando que, com uma batida “envolvente”, a mediocridade pode ser camuflada com as cores vivas do vídeo. – Vitor Evangelista

---

Ed Sheeran – Visiting Hours 

FINNEAS – A Concert Six Months From Now

O talentoso ganhador do Grammy FINNEAS decide voltar a se concentrar em sua própria carreira de cantor. Depois de ajudar sua irmãzinha, Billie Eilish, com Happier Than Ever, o artista se prepara para lançar seu primeiro álbum de estúdio. O intitulado Optimist está marcado para sair no mês de outubro.

Depois de acabar ano passado com What They’ll Say About Us, FINNEAS apresenta, em agosto, seu novo single, designado na tracklist do disco como a primeira faixa. A Concert Six Months From Now se inicia com sons de um show prestes a começar mas, no clipe dirigido por Sam Bennett, a plateia é composta por cadeiras vazias.

A solidão do cantor no anfiteatro é uma representação do como se sente ao pensar em sua ex. Em uma canção que viaja entre sussurros baixos e uma gritaria chorosa acompanhada por guitarra, Finneas começa a letra confessando já ter comprado dois ingressos para assistir a banda favorita de sua ex-e-talvez-futura namorada. Você iria comigo em um concerto daqui a seis meses? é a pergunta que finaliza a música. – Mariana Chagas

Irmãs de Pau e Jup do Bairro – Hermanas

Pode comemorar, que são “las travestis pretas dominando tudo”: após estrearem no cenário musical brasileiro com a faixa Travequeiro, as Irmãs de Pau estão de volta com o single Hermanas. Parceria com a incomparável Jup do Bairro, essa canção mistura portugês e portunhol numa verdadeira celebração das liberdades, principalmente a sexual. Sem dúvidas, é uma ótima escolha para as pistas de dança, que tanta falta fazem em tempos assustadores e incertos.

Investigando essa canção pela primeira vez, identificamos, logo de cara, algumas referências mais óbvias. Seja no “qualquer coisa, me bota no paredão”, de Karol Conká, ou na releitura de Satisfaction, de Benny Benassi, elas são detalhes curiosos – e inesperados – dentro dessa letra. Com produção de BADSISTA e Mu540, Hermanas antecipa o EP Dotadas. E, certamente, a curiosidade ao redor do futuro Extended Play é grande, já que a dupla ainda está nos primeiros passos de uma discografia. – Eduardo Rota Hilário

Phoebe Bridgers – Kyoto Remixes

No mês de aniversário de Phoebe Bridgers, nós ganhamos o presente. Depois do sucesso esmagador do álbum Punisher, levando Bridgers a 4 indicações no Grammy 2021, a faixa Kyoto — responsável por duas delas — ganhou três novos remixes. Kyoto (Glitch Gum Remix) foi composta por Glitch Gum a convite de Bridgers, e traz uma versão hyperpop da música, com elementos que lembram o dubstep e o brostep.

A versão de Bartees Strange, Kyoto (Bartees Strange Remix), está mais próxima de um cover que de um remix, e é possivelmente a que chega mais perto da original. Strange traz também uma versão eletrônica da faixa, porém mantém sons orgânicos na canção, com um baixo cru, sem pedais, e backing vocals com poucos efeitos. Em compensação, a interpretação de The Marías, Kyoto (The Marías Remix), flerta com o psicodélico, mas não chega exatamente ao ápice da psicodelia, proporcionando ao hit uma camada música-de-balada. – Bruno Andrade

Kacey Musgraves – star-crossed e justified

Ao longo da última década, Kacey Musgraves revelou-se como uma inusitada voz progressiva em meio ao gênero da música country. Abraçando temáticas muito mais recorrentes de uma música pop das metrópoles, a cantora-compositora nascida no interior texano que já ganhou 6 Grammys se prepara para o lançamento de seu novo álbum star-crossed, que será acompanhado de um filme de mesmo nome pelo Paramount+.

Enquanto essa dobradinha não vem, ela nos deixa com dois singles: a faixa que dá o título ao disco e justified. Enquanto esta segunda evidencia sua aproximação a um pop semi-acústico um tanto genérico, star-crossed é uma grata surpresa, que em pouco menos de 3 minutos cresce de uma guitarra espanhola intimista para uma potente final ascendente com direito a harpas, um coro, arpeggios sintetizados. – João Batista Signorelli

BTS e Megan Thee Stallion – Butter 

Se BTS sozinho já é sucesso, quando unido à lendária Megan Thee Stallion, vencedora do Grammy de Artista Revelação em 2021, não tem como dar errado. Depois de ter Butter no seu último projeto, os meninos do grupo se uniram à cantora para o remix ainda mais animado da faixa. 

Mas a música não foi tão simples de ser lançada. Já tendo uma relação complicada com sua gravadora, Megan precisou brigar na justiça para conseguir soltar seu trabalho com os garotos. Ainda bem que no final deu tudo certo, pois a canção divertida e viciante debutou com tudo nos charts. – Mariana Chagas

Big Thief – Little Things e Sparrow

Submersos por uma paisagem bucólica, longe do caos do mundo, Big Thief retorna com duas faixas desde o aclamado U.F.O.F e Two Hands. Gravadas em 2020, Little Things e Sparrow foram registros de sessões isoladas em Topanga e Catskills, respectivamente, produzidos pelo baterista da banda, James Krivchenia. Com as mesmas raízes folk de sempre, o grupo indie rock prova mais uma vez sua maestria em transformar momentos banais em narrativas desvairadas.

Se afastando dos sons cósmicos dos álbuns passados, o quarteto se aproxima de uma crescente instrumentalização enlouquecida, acompanhada dos pensamentos errantes dos (sempre incríveis) versos crus da cantora-compositora Adrianne Lenker. Numa experiência simultaneamente alucinante e melancólica, o novo material prova, novamente, a sorte de poder testemunhar Lenker fazendo música. – Ayra Mori

Martin Garrix, G-Eazy e Sasha Alex Sloan – Love Runs Out

Martin Garrix, que é um sucesso estrondoso desde os 16 anos na música eletrônica, provou que suas parcerias não seguem padrão – e sempre dão certo. Junto com G-Eazy e o vocal de Sasha Alex Sloan, Love Runs Out propõe fechar os olhos e embarcar em uma viagem deliciosa.

Com mais uma letra de amor, o single fala das dúvidas para o futuro e o que fazer quando a paixão acaba. A rima de G-Eazy é essencial para a batida relaxante e combina perfeitamente com a voz de Sasha. Bem distante do Martin que estreou com a electro-house de Animals, Love Runs Out fica no deep-house, mas segue muito bem feita e vicia qualquer pessoa que a ouça. – Nathália Mendes

C. Tangana – Yate

O dono de um dos melhores CDs de 2021 deve ser apreciado com moderação. Sempre à flor da pele quando o assunto é o amor, C. Tangana às vezes perde a noção quando vai expressar seus sentimentos quanto às mulheres. As críticas de El Madrileño parecem ter surtido efeito, já que o novo single do artista tem menos teor sexual e traz um primeiro passo em direção ao seu aprofundamento lírico, agora que ele tem as atenções do mundo todo sob sua música. No entanto, ele segue adepto da ostentação como sempre, cantando em construções sonoras gloriosas sobre suas experiências pessoais direto de seu Yate. – Raquel Dutra

Chloe Moriondo e mazie – not okay 

Chloe Moriondo vem ganhando destaque na cena do pop alternativo, a cantora e compositora cria letras e harmonias marcantes e cheias de pessoalidade, em sua nova parceria com a cantora Mazie, a dupla lançou o tão doce quanto deprimente single not okay. 

Explorando as dores de ter dias não tão bons, a música é um relato bastante sincero sobre o desalento e exaustão psicológica. Em contraponto, a letra é cantada em uma melodia alegre que deixa no ar uma sensação ambígua que vai do alegre ao melancólico, uma dualidade já apresentada no último álbum da artista, Blood Bunny. 

A estética do clipe mantém o conceito bilateral e viaja entre cores vivas e tons noturnos. Do claro ao escuro vale a pena escutar not okay, a autenticidade do projeto gera identificação e deixa a moral de que nem tudo precisa estar bem. – Jamily Rigonatto

Parquet Courts – Walking at a Downtown Pace

Sim, ainda há pós-punk de qualidade no mercado. Em uma aparente fuga dos bloqueios estabelecidos pela covid-19, Walking at a Downtown Pace nos faz lembrar do pouco que tínhamos antes da pandemia se estabelecer, e é um aperitivo do novo projeto servido pelos estadunidenses do Parquet Courts. 

Com uma linha de baixo envolvente, refrões compostos por gritos em conjunto — lembrando os momentos de bebedeira entre amigos — e uma bateria com muito groove, mantendo o ritmo entre o prato de condução, tom e caixa, a canção contagia por sua batida dançante. A faixa é a primeira do próximo álbum de Parquet Courts, Sympathy for Life, que tem seu lançamento previsto para Outubro de 2021. – Bruno Andrade

AREA21, Martin Garrix e Maejor – Lovin’ Every Minute

Em Lovin’ Every Minute, música do produtor Maejor e do DJ Martin Garrix, a vibe alienígena tomou conta para falar de amor. AREA21, nome da collab da dupla, conta a história de 2 aliens que topam com a Terra e os desdobramentos dessa aventura musical. A proposta do single é embarcar no amor terráqueo com boas vibrações, sem deixar o drop bem profundo para equilibrar. 

No ritmo do deep-house dançante, o background tem algumas combinações com violão e assovio que tornam Lovin’ Every Minute bem fluida. À espera do álbum debut da dupla, desde que assinaram com STMPD RCRDS/Hollywood Records, o single já mostra o que está por vir com as características do projeto AREA21 em viajar e desbravar a galáxia. – Nathália Mendes

Machine Gun Kelly – papercuts

Ainda bem que Machine Gun Kelly encontrou no rock o diário para suas lamúrias sobre a pressão e as consequências da fama. Depois de suceder no gênero, o ex-rapper continuou na parceria com o produtor e baterista Travis Barker, anunciou álbum novo e já lançou o primeiro single do projeto, papercuts. De cabeça raspada, tatuagem nova e guitarra rosa, que virou marca registrada, o pontapé inicial com a canção firma o artista no estilo e prova que MGK não mexe em time que está ganhando. – Vitória Lopes Gomez

James Blake – Life Is Not The Same

Com estreia prevista para o mês de Setembro, Friends That Break Your Heart é o esperado quinto álbum de estúdio de James Blake desde o último registro, Assume Form – que contou com colaborações bem-sucedidas, desde o rapper André 3000 à electro-flamenca ROSALÍA. E embebido de altas expectativas, o cantor, compositor e produtor britânico entregou ao público uma segunda faixa inédita das doze que irão compor o futuro CD, contando com a produção invejável de Take A Daytrip e Joji.

Ao tentar encontrar paz consigo mesmo em Say What You Will, Blake dá sequência à divulgação do trabalho com Life Is Not The Same, uma reflexão sobre o relacionamento à distância do artista com a namorada. “A vida não é a mesma/Se estivermos a milhas de distância”, exclama Blake em tom confessional. Tomado pela atmosfera melancólica, entre versos e lamentos, o single parece ter sido feito oportunamente para tempos de isolamento social, onde incapacidade e amor andam de mãos dadas, à flor da pele. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – Vortex

16 anos depois da compilação B-sides and Rarities, que reunia faixas não-lançadas gravadas desde 1984 pela banda, Nick Cave & The Bad Seeds estão prestes a lançar uma nova coletânea com versões alternativas e canções nunca lançadas das gravações de seus trabalhos mais recentes, como os aclamados álbuns Ghosteen e Skeleton Tree. Vortex é a primeira faixa divulgada do futuro lançamento, que nunca havia visto a luz do dia anteriormente pois a banda nunca conseguiu decidir se ela se adequava melhor aos Bad Seeds ou ao seu projeto paralelo, Grinderman. Com os vocais sempre emblemáticos de Nick Cave, mas com violinos para lá de genéricos sustentando a harmonia do refrão, Vortex fica apenas como uma breve amostra do que poderá ser visto dos trabalhos nunca antes vistos da banda a serem lançados. – João Batista Signorelli

Jorja Smith e GuiltyBeatz – All of This 

Em maio deste ano, Jorja lançou seu primeiro EP desde seu álbum de estreia. Agora, ela volta com o single All of This, parceria com o DJ GuiltyBeatz. Os sintetizadores trazem um frescor revigorante para a desinibida voz de Jorja Smith. A intensidade da letra se potencializa em todos os âmbitos que possam ser analisados. Divulgada com o link do pré-save na véspera de seu lançamento, a cantora não poderia surpreender de maneira mais positiva. Espero que essa música seja apenas o início de algo novo. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – Skinnydipped

Dispensando a energia demoníaca de The Devil, o próximo single da sacerdotisa do pop aposta em um ângulo mais sombrio e intimista, encarnando uma sereia ao invés de um diabo. Em Skinnydipped, BANKS canta sobre a obsessão com o passado e da eventual libertação e reconexão com sua própria divindade.

O tema do divino e do sacrilégio parece formar a base para o novo trabalho da cantora (ainda sem data ou título), se esgueirando de fininho nas suas letras e infundindo suas melodias com o teor fantasmagórico pelo qual ela se tornou tão conhecida. Junto com a música, veio um videoclipe dirigido pela própria, no qual os temas do sagrado feminino são extrapolados, e somos capazes de ver com clareza BANKS mergulhando em seu próprio mundo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi e Voyou – Eu nunca fui tão sozinha assim

Depois de mudar sua carreira para sempre com a participação no icônico Big Brother Brasil de 2020, Manu Gavassi voltou a ser altamente comentada. Mas entre muitos novos fãs e haters, a cantora vem se sentindo mais sozinha do que nunca. Depois de muita espera, seu single chegou em forma de um desabafo altamente sincero. 

Com a produção de Lucas Silveira e participação do francês Voyou, a artista fala sobre um sentimento que todos estamos compartilhando há mais de um ano: a solidão. Entre sorrisos escondidos por máscaras e o medo de sair, a pandemia vem deixando todos à beira de pirar. Mas tudo parece um pouco melhor quando Manu canta com tanta delicadeza sobre o isolamento. – Mariana Chagas

Selena Gomez & Camilo – 999

Em 2021, Selena Gomez parece ter se encontrado de vez em meio às suas raízes latinas. Isso porque a artista é especialmente livre em suas canções em espanhol, agora demonstrando isso através de 999. Ao lado do artista colombiano Camilo, ela dança em paisagens bucólicas coloridas no jeito Selena Gomez de pensar composições visuais no single que é seu primeiro lançamento pós Revelación. O EP foi responsável por apresentar o trabalho da artista em sua língua materna, e o caminho trilhado mostra uma Selena contente e leve como há tempos não víamos. No fim, isso é o que importa. E ela sabe disso  – Raquel Dutra 

Skrillex, Justin Bieber e Don Toliver – Don’t Go 

Cheia de referências a obras-primas, o lançamento Don’t Go de Skrillex com Justin Bieber e Don Toliver é dançante e sensual. A parceria é boa, já que o vocal de Bieber consegue funcionar para quase todas as propostas, e até já ganhou Grammy anteriormente com a batida de Skrillex. O single chegou com clipe e muitas visualizações, mas também polêmicas demais para uma produção de vídeo ruim. 

O refrão de Bieber e os versos do rapper Don Toliver adicionam muita sensualidade à Don’t Go, diferentemente da letra que é mais sofrida e romântica. Apesar da combinação destoar um pouco, ela funciona muito bem no house mais progressivo, grande parte graças ao talento de Skrillex em transitar pelos estilos de música eletrônica tranquilamente – e entregar bons trabalhos. 

Logo nos primeiros dias de lançamento, o clipe de Don’t Go gerou polêmica com as dreadlocks adotadas por Justin Bieber. Além disso, a performance não conversa com a música em nada, já que mostra mais referências e símbolos dos Estados Unidos do que um conteúdo de fato. Pelo clipe, Don’t Go não passaria de mais uma obra narcisista norte-americana. – Nathália Mendes

Miles Kane – Don’t Let It Get You Down

Depois do modesto Coup De Grace (2018), Miles Kane retorna em Don’t Let It Get You Down, faixa single de seu novo álbum, Change the Show, previsto para Janeiro de 2022. Na canção, encontramos Kane nos seus melhores dias. O parceiro de Alex Turner em The Last Shadow Puppets traz toda sua autenticidade no single, remetendo-se ao rock clássico e a seu começo de carreira, especialmente Come Closer, porém com um acréscimo inusitado de percussão. O clipe da música, com um clima meio James Bond, foi dirigido por James Kelly e traz Jimmi Simpson — que já foi indicado ao Emmy, e estrelou em Westworld, House of Cards e Black Mirror —, para dividir protagonismo com Miles Kane. – Bruno Andrade

MF DOOM – Gazzillion Ear (Thom Yorke Man on Fire Remix)

Um dos artistas mais profícuos da Lex Records, o falecido rapper MF DOOM lançou na carreira algumas dezenas de álbuns como vocalista e beatmaker, marcando a cena do hip-hop para sempre. E em celebração à produção artística do “mestre mascarado”, a gravadora anuncia o projeto LEX.XX, com uma série de remixes comemorando o 20º aniversário do selo de Londres.

Compondo as faixas, está o segundo remix de Thom Yorke de GAZZILLION EAR, que compõe o bárbaro BORN LIKE THIS de DOOM. Na última versão, Yorke remixou a produção original do rapper com J Dilla, deformando totalmente a sonoridade primária pelo uso maciço de padrões sonoros sintéticos. O resultado é um som futurista claustrofóbico à la Gaspar Noé. Porém, o foco aqui é claro e alcançado: os versos de DOOM são o ponto central do remix. – Ayra Mori

Jeremy Zucker – Cry With You

Cada vez mais perto do lançamento do seu próximo álbum, Jeremy Zucker lança mais um single. Diferente da animada 18 e a agressiva Honest, Cry With You é a faixa mais emocional do projeto até agora. Sutilmente abordando pensamentos suicidas e as pressões da fama, a música é uma carta aberta para sua amiga Lauren, também cantora. 

Em entrevista, o artista contou que a letra veio de uma conversa com a garota. “Se eu não puder te ajudar, vou apenas chorar com você”, Jeremy soltou em uma de suas ligações. A frase que nomeou a faixa descreve bem o resto da obra, que conta com a produção de Alexander O’Neill, Mikael Temrowski e Thomas Michel. Em noites solitárias, a canção de Jeremy é uma perfeita companhia para deixar as lágrimas caírem no travesseiro. – Mariana Chagas

Lagum – Eita Menina (Versão Pagode)

A Lagum não se contenta com o mais do mesmo e segue experimentando e testando: no último ano, a banda mineira lançou música para tudo quanto é estilo, do pop com a Iza aos anos 2000 à la Charlie Brown Jr.. Duas semanas e pouco depois da chegada do single Eita Menina, com a sambista Mart’nália e o rapper L7nnon, o grupo não para e já liberou uma nova versão da canção, desta vez estreando no pagode.

A versão alternativa chegou somente como videoclipe no YouTube e não tem a participação dos feats da original. Sempre descontraídos e divertidos, com direito a churrasco, rede e cachorro em volta, a banda performa e brinca com a canção em uma roda de samba na sacada de um apartamento. Sem nem esperar, a Lagum melhora o que lançou no Spotify: Eita Menina combina muito mais com o pagode. – Vitória Lopes Gomez

Clipes

Michaela Jaé – Something To Say 

Em seu primeiro single na carreira musical, Mj Rodríguez entrega o clipe de Something To Say com uma bela tarde de verão vibrante e animada. Lançado em 13 de agosto, a protagonista de Pose mergulhou de cabeça na música que ela mesma escreveu. Com a letra super empolgante, o clipe veio dotado de uma cenografia impecavelmente colorida, looks brilhantes e muita coreografia.

Dirigido por Dano Cerny, o clipe coloca Mj em uma rua de trânsito perfeita para encontrar e paquerar o homem lindíssimo – e todo tatuado –  no carro ao lado. Em meio à aglomeração, e um verão que proporcionou iluminação e fotografia naturais lindíssimas, ela dança com suas 4 amigas. Mj está maravilhosa em câmera e definitivamente consegue passar a mensagem de Something To Say: um convite para aproveitar a vida. – Nathália Mendes

St. Vincent – Daddy’s Home

Em cima de um caminhão itinerante, Papai St. Vincent volta no novo videoclipe – impecável, como de costume –, performando a faixa-título do álbum Daddy’s Home para uma plateia completamente vazia. Dirigido pelo mesmo diretor do último documentário lynchiano da artista, Bill Benz utiliza-se dos mesmos visuais surreais que se fazem presentes ao longo de The Nowhere Inn.

Seja pelo filtro analógico da fotografia, seja pelos próprios figurinos, a percepção do tempo se torna distorcida no videoclipe, assim como em todo o registro sonoro de Daddy’s Home. Dançarinas geriátricas dançam, aparece uma TV de tubo, uma guitarra futurista, uma St. Vincent setentista, e um cara aleatório que, assim como nós, parece não entender nada do que está rolando. 

Períodos se colidem. E mais uma vez, Annie Clark brinca deliberadamente com a fantasia mesclada à autobiografia na referência mais clara do álbum sobre a prisão do pai – tema central do último registro. Nesse passeio delicioso sobre a traseira de um caminhão, Papai St. Vincent encerra orgulhosamente o show com um aceno para os seus zero espectadores. Bravo! – Ayra Mori

Marisa Monte – A Língua dos Animais

As Portas de Marisa Monte continuam abertas e apontando para os caminhos mais iluminados. O trabalho, que marca o encerramento do jejum de quase uma década, foi lançado em julho e agora, a cantora investe em clipes para seus singles. A escolha não poderia ser melhor, composição de Arnaldo Antunes e Dadi, A Língua dos Animais, já havia sido pontuada no Nota Musical passado como uma das melhores entre as dezesseis faixas do disco.

O clipe tem uma direção impecável feita por Eduardo Souza e Batman Zavareze. Nele, Marisa aparece transpirando sua leveza por meio de pinturas. A animação feita com os desenhos da artista Marcela Cantuária, se encaixa na estética estabelecida em Portas e na letra da canção. Além da cantora, outros elementos relacionados aparecem em cena, como os ditos – e fofos – animais e o violão, marca registrada e companheiro inseparável da cantora. No vídeo, são usadas cores mais claras que inspiram a liberdade, fugindo da claustrofobia do isolamento. – Ana Júlia Trevisan

Demi Lovato – Melon Cake 

O arco-íris neon du Demi Lovato no clipe Melon Cake é uma obra audiovisual libertária e fantástica da nova geração musical du cantore, que tem presença confirmada no Rock in Rio 2022. Extremamente bem combinada com a letra da música, o vídeo é contagiante, divertido e um deleite para os olhos. Demi está completamente à vontade na performance lançada em 23 de agosto e comemora sue aniversário com um figurino glamuroso.

Mandando ver na publicidade logo de cara, Demi Lovato mostra quanto empoderamento há em se libertar das amarras da Indústria da Música e finalmente poder viver quem é de verdade. Para ilustrar isso, há uma criança no começo e fim da obra que escolhe tranquilamente um enorme bolo cheio de glacê e granulados coloridos para o sue aniversário.

Visualmente, Melon Cake é impecável, brilhante e colorido. O cenário também acompanha a pegada, bem iluminado entre um céu azul e um palco com luzes neon fantásticas. Para o figurino, Demi continua com sue estilo mais roqueiro das antigas, junto com sue banda que veste looks brilhantes que se destacam do fundo.  Tudo é muito harmônico no vídeo para proporcionar uma experiência vibrante de liberdade. – Nathália Mendes

Morat – En Coma 

No seu álbum mais recente, Morat decidiu abordar diversas visões de relacionamentos românticos. Enquanto em Mi Pesadilla a banda colombiana fala sobre estar aflito de que o amor tenha passado sem que o perceba, em En Coma o eu-lírico lamenta uma relação esfriada, a qual ambos os parceiros já não estão mais contentes com suas vidas. 

A dramaticidade que a língua espanhola provoca juntamente com um ritmo pop dos anos 2010 acaba sendo viciante, daquelas que até mesmo um coração apaixonado sofre com a separação dos amantes da canção. Os cantores assimilam essa dormência desse sentimento a um estado de coma, em que um sinal de vida não é suficiente para que tudo volte como era antes, sendo a melhor solução optar por um ponto final. Num clipe teatral, o quarteto mistura tragédia com amor, transmitindo o sofrimento exacerbado estilo novelas mexicanas do SBT. Contudo, nem toda essa encenação é suficiente para consertar o que já não funciona. A solução é continuar padecendo em cada replay de En Coma. – Júlia Paes de Arruda

Olivia Rodrigo – brutal

Olivia Rodrigo é a nova sensação do momento e isso não pode ser negado. Ganhando os holofotes com o lançamento da série High School Musical: The Musical: The Series, ela soube aproveitar seu protagonismo para iniciar sua trajetória no universo musical. Envolvida em dramas amorosos e conflitos sentimentais, a cantora retrata através de suas músicas as inseguranças que tem quando o assunto é amor. Alcançando gigantescos números de visualizações, seus maiores sucessos são drivers license e good 4 u. Entretanto, a canção brutal também merece destaque.

Lançado no dia 23 de agosto de 2021, o clipe fugiu totalmente da linha temática abordada em outras produções de Rodrigo. Bailarina, modelo, âncora jornalística, influencer e muito mais. Em uma pegada gamer, Olivia fragmenta seus trechos com várias personagens que conversam entre si durante o desenvolvimento do videoclipe que se assemelha a interface de um videogame na qual o jogador escolhe com qual figura quer jogar. Surpreendendo novamente, a resiliência da artista foi mostrada em uma perspectiva artística diferente de suas outras produções. Com direção de Petra Collins, o clipe indica os desfechos de seu primeiro trabalho como cantora e compositora e deixa os fãs ansiosos para seus próximos passos na carreira musical. – Felipe Nunes

Performances

Billie Eilish – Male Fantasy na Vevo

Billie Eilish, que acaba de lançar seu segundo álbum, continua fazendo história. A garota voltou para o Hot 100 da Billboard junto ao seu irmão e produtor, FINNEAS. E os dois fazem valer todo o sucesso. Cheio de faixas magníficas, Happier Than Ever é uma obra merecedora de cada stream que recebe. Entre as melhores das melhores, Male Fantasy foi a selecionada para uma performance exclusiva da cantora na Vevo. 

A música que começa em uma perspectiva masculina tem uma inteligente letra que fecha perfeitamente o disco. Na performance, Billie senta em uma cama de casal vestindo uma saia azul com blusa branca e nada além de um par de meias no pé. Na companhia de seu irmão, a apresentação é tão simples que parece apenas os dois cantando em casa, por diversão. Tal honestidade é exatamente o que a faixa precisava ao ser cantada. – Mariana Chagas

CHVRCHES – Screen Violence (Amazon Music)

Depois de mais de um ano sem tocar juntos, não pareceu nada menos do que apropriado que o primeiro show da banda de synthpop escocês CHVRCHES fosse à noite, em um cemitério. Realizado em comemoração ao lançamento do álbum Screen Violence e transmitido pelo canal da Amazon Music na Twitch, a performance foi marcada pela simplicidade e a cândida química entre seus integrantes. Ver os vocais de Lauren Mayberry darem lugar ao baixo atiçado de Martin Doherty, seguidos pelos gracejos entre os membros nunca foi tão bom.

Foi um pouco decepcionante ver que apenas uma das faixas novas do álbum foi incluída no set, fora os três singles previamente lançados. Foram tocados vários dos maiores sucessos da banda, como Forever, Leave a Trace, Miracle, terminando com a clássica Clearest Blue. O cover que a banda lançou anteriormente de The Killing Moon também foi incluído na apresentação. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O post Nota Musical – Agosto de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.