Jho Brunhara

Viggo Mortensen já é um rostinho conhecido em Hollywood. O ator estadunidense encarnou Ben em Capitão Fantástico, e Tony Lipp no terrível Green Book. Em Ainda Há Tempo, a primeira investida de Mortensen atrás das câmeras, somos apresentados para um filme não só dirigido por ele, mas também escrito, produzido, atuado e embalado por uma trilha sonora composta pelo mesmo. O longa chega de forma muito tardia ao Brasil por motivos pandêmicos (sua primeira exibição foi em janeiro de 2020), através do Festival do Rio 2021, e a qualidade da produção, infelizmente, não é suficiente para compensar a demora.  

Ainda Há Tempo se parece de espírito com Green Book. Em primeiro momento, a construção emocionalmente apelativa e o ótimo trabalho dos atores fisga a atenção e te faz acreditar que este é um bom filme. Mas, quanto mais se pensa, mais o vislumbre desaparece. À começar pela premissa que é um pouco enganadora: a campanha de divulgação do longa dá a entender que a história será sobre um pai homofóbico que sofre de demência e o convívio que estabelece quando passa a morar com seu filho, gay e casado com outro homem. Porém, logo percebemos que o foco é menos sobre a questão da homofobia e muito mais sobre um homem idoso detestável, que não resguarda sua ruindade apenas para questões de sexualidade, apodrecendo tudo e todos em sua volta. 

Apesar de forrar a barriga com a trama da homossexualidade, o longa é muito mais sobre um pai e marido horrível para todos do seu convívio, e os dilemas de como lidar com uma pessoa com demência. O segundo tema já rendeu até Oscar para Anthony Hopkins esse ano, por sua incrível atuação em Meu Pai, produção que teve seu lançamento muito próximo da criação de Mortensen, ambos estreantes em Sundance, mas quem levou a melhor foi Florian Zeller. 

Ainda Há Tempo encontra problemas justamente por sua concepção autoral: é a primeira vez de Viggo idealizando um filme e, consequentemente, estamos vendo sua arte de forma bruta. A direção encontra problema em construir a relação com o produto que ele quer criar, e a narrativa é disforme, sem a intenção de ser. As personagens, pelo menos, são interessantes, e ficam ainda mais com as grandes atuações. Lance Henriksen é fenomenal ao entregar o pai Willis. Escrito de forma caricata, Henriksen é tão bom que faz funcionar, e esquecemos que aquele ser repugnante não é documental. O resto do elenco interpreta rostos quase sempre muito contidos, como panelas de pressão que não podem explodir, mesmo com a fervura constante de Willis. 

As quase duas horas são cansativas, mas as atuações realmente sustentam a experiência. Viggo Mortensen como ator é o oposto de sua direção, e nos coloca imersos na personalidade contida de John. Laura Linney, que interpreta sua irmã mais nova, também conquista nas poucas cenas que aparece. O almoço com a família toda reunida é agoniante, mas a vergonha alheia e o desespero impressos na tela, estranhamente, não permitem desviar o olhar. Seja pela falta de filtro de Willis, seus delírios sexuais, o desconforto generalizado, ou a personalidade no ponto da neta gótica Paula (Ella Jonas Farlinger), a única que permanece na mesa, representando uma geração que sempre tem o que dizer: “eu não tenho medo de você”. 

Mortensen acerta, também, em não mostrar o momento em que John se assume gay para Willis. Ninguém aguenta mais assistir isso no cinema, já foi feito de todas as formas possíveis, e a maioria idêntica, revirando o mesmo processo horrível e doloroso, para servir apenas de ponte para a narrativa. A trama do pai se constrói por situações absurdas – como a do proctologista, cômica demais para o tom –, um milhão de takes de Willis sendo misógino, racista, homofóbico e asqueroso no geral, e uma família tendo que lidar com o sentimento de impotência, afinal, quem é que vai tentar mudar a cabeça de um homem demente? 

A sequência final é a cereja podre do bolo. A colagem desnecessária é confusa e dissonante, como o beijo entre John e Eric (Terry Chen) totalmente anticlimático, e o delírio de Willis, no que parece ser a representação de sua morte. O fim da vida de forma miserável e feliz, transando com uma mulher de torso nu. Falling não se importa muito em redimir as ações de Willis, mas dá leve indicações de que ele é um ‘homem machucado’, e por isso terminou a vida com essa personalidade que apodrece tudo que se aproxima dele. Somos influenciados pela fala que seu pai era uma pessoa ruim, dando a entender que essa é a origem de sua amargura, pela cena do cervo, e no abraço doloroso com o filho após a briga explosiva. 

É claro que, nesse caso, é impossível abandonar uma pessoa com demência, por mais horrorosa que ela seja. Mas, tudo que assistimos nos mostra que Willis sempre foi exatamente assim, desde a primeira cena que o vemos com seu filho recém nascido. Enquanto todos em sua volta tentam suportar sua personalidade, ajudá-lo e entendê-lo, ele se fecha mais e mais e se torna ainda mais cruel. Somos ensinados que família é algo que devemos aturar independente das circunstâncias, e que devemos sempre perdoar os que compartilham o nosso sangue, mas é uma retórica perigosa que favorece indivíduos nojentos. 

Essa é uma herança da sociedade patriarcal, em que a figura do homem detém o poder, e suas ações inconsequentes não precisam ser responsabilizadas: eles sentem que podem fazer o que bem entenderem, se julgarem que é o correto para o mundo, e assim se sentem acima de todos, independente das dores que causaram. Se distanciar não é abandonar, mas precisamos deixar para trás a culpabilização dos que desistiram de tentar consertar o vil.

Ainda Há Tempo nunca chega a romantizar ou forçar o perdão de seus personagens com o pai, mas sempre deixa no ar o peso que eles têm de carregar, que é suportar a personalidade cruel e podre daquela figura paterna, e todas as dores que ela causou. É uma obrigação de perdoar imposta, silenciosa e fragmentada, que contamina as vítimas dessas violências. Não devemos nos sentir obrigados a perdoar pais monstruosos apenas pela relação de sangue. Homens adultos que não querem deixar de lado o orgulho e a maldade devem ser responsabilizados como homens adultos.

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A perda de memória a curto prazo, problemas cognitivos, esquecimento do local onde guardou objetos de valor, repetição da mesma frase ou pergunta, esquecer o nome de parentes, esses são alguns dos sintomas característicos das fases iniciais do mal de Alzheimer, doença que foi respeitosamente retratada em Meu Pai (The Father). Adaptação da premiada peça de teatro O Pai, o filme tem a direção brilhante de seu dramaturgo Florian Zeller, considerado pelo The Times: “o mais emocionante do nosso tempo.”

A trama se inicia com a sutileza de uma conversa entre pai e filha. Com a atuação de dois gênios, Anthony Hopkins e Olivia Colman entregam interpretações na medida certa e sem esforços. Ela, com suas expressões faciais acolhedoras, por vezes é o respiro que precisamos durante a agonia de acompanhar uma doença degenerativa. Já Hopkins, com uma das carreiras mais memoráveis do Cinema no papel do serial killer Hannibal Lecter, em O Silêncio dos Inocentes, entrega o trabalho da vida. Com naturalidade e destreza indescritível de performance, ele parece ser o único a não estar atuando no filme, cada segundo de cena exala verdade do ator em seu personagem homônimo.

É perceptível para quem convive com um paciente de Alzheimer que a pessoa cria uma própria realidade em sua mente, um mundo paralelo que por vezes pode servir de fuga. Em Meu Pai, estamos dentro da cabeça de Anthony, transitando sem GPS entre dois mundos. Essa transição nos ajuda a entender o grau da demência e se une à sutileza da troca de cenas que de início coloca em dúvida quem realmente está interpretando Anne, a filha, tornando a experiência de estar no consciente do protagonista ainda mais profunda. A trilha sonora vem pra reforçar tudo que foi dito, com música clássica tocando, só ouvimos quando Anthony está com o aparelho de rádio ligado.

Há, também, detalhes que passam despercebidos em produções dessa temática, e que se não fossem encaixados no roteiro talvez nem fizessem falta ou deixasse um furo, mas a inserção faz diferença no acabamento e mostra o trabalho cuidadoso dos roteiristas e da direção de cena. No caso de The Father é o uso de relógio. Parte das pessoas diagnosticadas com Alzheimer se apegam a objetos para garantir o próprio conforto nessa viagem ao novo mundo criado, o uso do relógio por Anthony, além de ser a cereja do bolo, deixa traços temporais na história que não conta com uma linearidade por causa da demência que já deixou pra trás a noção de tempo.

A direção de Florian Zeller é impecável e inovadora, sabendo escolher muito bem seu cast e colocando o telespectador no íntimo de seu protagonista. A transição da peça de teatro para o cinema é feita com maestria, encaixando a trama nos padrões da Sétima Arte. Não é atoa que Meu Pai é o grande nome para ganhar o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, a mesma categoria que lhe garantiu o BAFTA. The Father também está na corrida para a estatueta de Melhor Filme.

Apesar de todo tempo de tela e a importância de Olivia Colman no enredo, que consegue se destacar equilibrando as forças de atuação, é inegável que apenas Anthony Hopkins é protagonista, o olhar vazio predomina o filme que não existiria sem ele. Vencedor do BAFTA de Melhor Ator, ele é um dos favoritos do tapete vermelho. Olivia, que serve de fermento nesta receita, engrandecendo ainda mais a produção, também aparece na lista de indicadas, concorrendo a Melhor Atriz Coadjuvante, entretanto a jornada da atriz nesse papel até aqui, não deixa tantas esperanças.

Além das já citadas, Meu Pai também, merecidamente, deixa o nome em Montagem e Design de Produção, somando assim 6 indicações ao prêmio mais importante do Cinema. O filme que não vem sendo vitorioso nos termômetros do Oscar, tem suas chances de sair premiado nas mãos do roteiro e do Anthony Hopkins, de 83 anos, o ator mais velho a concorrer ao prêmio principal, que pode ser o segundo da filmografia do veterano. 

Conviver com um paciente de Alzheimer é um exercício diário de paciência. O retrato no filme está nos homens que passam por ele sendo companheiros da filha. A maneira mais fácil de lidar com os momentos de confusão era ligar para Anne e não ajudar Anthony. Explicando assim, a sobrecarga da filha, que sempre procura o melhor para zelar por aquele pai. 

Assim, o filme consegue fazer um ótimo proveito de seus personagens secundários. Representando o genro sempre incomodado, um ignorante, tratando o doente como um peso na vida, duvidando do mal e jogando isso na cara dele. Nesse momento a direção de cena se mostra de qualidade unânime, realizando a troca de personagens de maneira tão exata que consegue surpreender o telespectador tanto quanto espanta o Anthony, que tem em seu inconsciente a sensação de ser um estorvo.

Todas as dores vividas pelas personagens transpassam com maestria os momentos mais difíceis pra quem sente na pele o Alzheimer: os momentos de lucidez. É nesse instante que o distúrbio e a realidade se confundem, onde a pessoa entende a doença e entende que está doente. A impotência do momento, o esquecimento sobre coisas que parecem óbvias pra quem está ao lado e dançar conforme a música, fingindo que se lembra, se perturbar com uma memória irreal e essa lembrança entrar em repetição no cérebro do paciente quando a lucidez termina.

Meu Pai é um filme complexo e completo. Ele caminha do lapso de tarefas do dia a dia até o esquecimento de uma tragédia. Mostra que não há momento certo para as lembranças voarem. As possíveis cuidadoras que passam na vida de Anthony causam repúdio no idoso que não aceita ajuda para provar que pode se manter no controle, a cena do consultório médico é um choque de quão incompreensível o Alzheimer pode ser. O desfecho do filme reverbera por dias na mente de quem o assiste, e suas cenas são atentas a todos os detalhes que servem para amarrar a história.

As memórias escorrendo pelas mãos e não conseguir fazer nada em relação. Medo, insegurança, pavor, anseio de estar no lar descrevem Meu Pai, que apoia  seu enredo na construção do necessário vínculo pai e filha de cuidado. Envolvente e sentimental, a produção nos deixa em estado de êxtase, aflição e empatia se entrelaçam gerando uma dor que se remoe por ser real, pelo esquecimento machucar todos envolvidos. The Father é o mais respeitoso e fiel retrato do Alzheimer, e uma das melhores experiências cinematográficas da temporada de premiações. É essencial ficar de olhos bem abertos para os próximos trabalhos de Florian Zeller.

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A 93ª edição do Oscar é única por uma série de motivos. Começando pelos atrasos e realocação da data para dois meses depois do comum, a Academia teve de lidar com cinemas fechados, lançamentos adiados e o primeiro ano desde 2009 sem um filme da Marvel dominando o verão americano. Mas se engana quem pensa que, por conta disso, a lista de indicações seja mais fraca que a de anos anteriores.

Na verdade, a safra de 2020, e dos primeiros meses de 2021, ostenta qualidade, irreverência e debate temas que o cinema estadunidense não colocaria em pauta num ano cheio de diretores consolidados e franquias continuadas. 72 mulheres foram nomeadas ao Oscar 2021. Este ano, duas concorrem em Direção, além de dois filmes dirigidos por mulheres disputarem Melhor Filme.

Quando o assunto é diversidade, nove atores não-brancos pipocaram nas categorias principais, quebrando uma porção de recordes. Steven Yeun é o primeiro de origem asiática, Riz Ahmed é o primeiro mulçumano e com origem paquistanesa, Chadwick Boseman é o primeiro não-branco a receber uma indicação póstuma e Yun-Jung Youn é a primeira sul-coreana nomeada na Academia, só pra citar algumas das barreiras quebradas.

No campo dos Curtas, categorias comumente ignoradas, as narrativas fora do eixo norte-americano se entrelaçam com abordagens e pontiagudas. Os Animados colocam em xeque os limites da liberdade e a dor da saudade, enquanto os Documentários escancaram injustiças sociais e o racismo, assuntos que guiaram a Arte em 2020. Os Curtas Live Action se concentram entre os EUA e o conflito Israel e Palestina, mostrando ao mundo suas ricas produções cinematográficas.

Passando para os Filmes de Animação, a família e os imprevistos da vida comandam os cinco concorrentes: Shaun, O Carneiro lida com o objeto estranho, Dois Irmãos seca as lágrimas para seguir em frente e A Caminho da Lua viaja pelas fases do luto. O badalado Wolfwalkers discute amizade e o significado de ‘família escolhida’, enquanto o potencial vencedor, Soul, dá o toque da Pixar à crise de meia-idade, tudo regado a jazz e à Tina Fey.

Os Filmes Internacionais de 2021 desafogam o núcleo batido da Europa que normalmente compõe a categoria, dando destaque a um documentário romeno, um filme de bebedeira dinamarquês e um longa de guerra bósnio. Fora da hegemonia branca, Hong Kong alcançou sua primeira indicação em meio ao conflito que trava com a China, atravessando censuras e boicotes. O mesmo é com a Tunísia, que estreia na seleção através do trabalho incansável de uma cineasta, o que criou outro marco: pela primeira vez desde 2011, duas diretoras disputam o troféu. 

Já em Melhor Documentário, o avanço feminino segue do ano passado para cá, e cada um dos 5 filmes tem pelo menos uma mulher creditada à indicação. A categoria denuncia problemas sociais que fogem do eixo europeu-estadunidense, destacando questões ambientais globais em uma ponta, e reconhecendo a única obra latino-americana indicada em outra. No meio, estão as histórias que tocam em temas da Terra do Tio Sam, que dessa vez, têm o tato de minorias, com narrativas negras e femininas, e o protagonismo de pessoas com deficiência, tanto à frente quanto por trás das câmeras.

Abraçando o Cinema de todo o mundo, ou pelo menos começando a fazer isso, a Academia está fazendo valer as mudanças que vem implementando ao longo dos últimos anos. O curta Feeling Through escalou o primeiro ator surdo-cego da história e a ficção O Som do Silêncio tratou de temas que representam a comunidade surda, com direito à escalação de Paul Raci, filho de pais surdos e que luta pela causa há anos, além de um elenco de apoio formado por pessoas surdas.

A Voz Suprema do Blues, o filme que coloca Viola Davis na pele da mãe do blues, indicou Ann Roth, de 89 anos, em Melhor Figurino, no páreo para vencer sua segunda estatueta. No departamento de Cabelo e Maquiagem, o filme nomeou as duas primeiras mulheres negras na história da categoria, Jamika Wilson e Mia Neal. A parte boa? As três são favoritas nas respectivas disputas.

Além disso, o incomparável Chadwick Boseman é o primeiro negro a receber indicação póstuma (e provavelmente será o primeiro a vencer deste modo). Desempatando com Octavia Spencer, Viola Davis quebrou o recorde de indicações para uma atriz negra, apenas quatro, e expressou sua opinião sobre: “Se eu ter quatro indicações em 2021 faz de mim a atriz negra mais indicada da história, isso mostra quão pouco material esteve disponível para os artistas não-brancos.”

Se o assunto é privilégio, Os 7 de Chicago grita alto, mas diz pouco, e é a figurinha carimbada dos americanos sendo honrados por outros americanos. Mank, na mesma moeda, representa a máxima da Terra das Estrelas: é feito por e para homens caucasianos, e de praxe, conta uma embebida história da elite hollywoodiana. O lado bom é que o drama de época foi ignorado em quase tudo, dando espaço para o prêmio acabar em mãos merecedoras.

A casa dos dois deslocados é a Netflix, que angariando um recorde de 35 indicações, ainda não conseguiu emplacar um vencedor de Melhor Filme. A caminhada começou com o belíssimo Roma em 2019, mas deu tudo errado com a coroação de Green Book. Ano passado, nem História de um Casamento nem O Irlandês tinham fôlego para sequer chegar perto do favoritismo e da qualidade de Parasita. Depois de perder o PGA, o WGA e o DGA, ganhando apenas um controverso SAG de Elenco, Os 7 de Chicago ainda pode surpreender em 25 de abril, mas as chances não são animadoras.

Neste ano, a corrida de Melhor Filme, com apenas oito indicados, fez notar ausências doídas. Apesar da questionável condução diretiva de A Voz Suprema do Blues, o longa merecia ocupar aquela nona vaga. O mesmo vale para o trabalho exacerbado de Spike Lee em Destacamento Blood, ou o cuidado milimétrico que Regina King teve em Uma Noite em Miami…, os dois injustiçados de 2021.

Mas falando de quem devidamente entrou na corrida, vemos três filmes com protagonistas não-brancos (Minari, O Som do Silêncio e Judas e o Messias Negro) e dois comandados e protagonizados por mulheres (Nomadland e Bela Vingança). Completando o alto nível da categoria, Meu Pai lida com a velhice e o cuidado familiar, brindado pela atuação da carreira de Anthony Hopkins, o melhor dos vinte nomeados do ano. 

Em Roteiro Original, Emerald Fennell reina soberana nas chances de vencer por Bela Vingança, marcando a primeira vez que uma cineasta concorre à Direção por sua estreia. Em Adaptado, a protagonista do Oscar 2021 Chloé Zhao divide atenções com Florian Zeller e Christopher Hampton, por Meu Pai, e os nove roteiristas creditados por Borat 2, o vencedor do Sindicato, onde Nomadland estava inelegível.

Falando nas roteiristas favoritas, chegamos ao que há de mais interessante nos indicados a Melhor Direção. Zhao e Fennell são responsáveis por representar uma legião de cineastas que por anos tiveram seus trabalhos ignorados por Hollywood. O sexismo é refletido nas nomeações do Oscar, que em seus 93 anos de existência, se deu ao trabalho de reconhecer um total vergonhoso de sete diretoras e premiar apenas uma.

E se a Academia não tivesse tanto esmero com o ego de seus homens brancos, a categoria de Melhor Direção poderia muito bem ser formada por uma maioria feminina e não-branca. Nomes à altura da companhia de Lee Isaac Chung e da dupla recordista não faltavam, mas pelo menos, a favorita se encontra nessa exata interseção. 

Chloé Zhao é a dona deste ano, desta temporada e deste Oscar. A mulher mais indicada da história da premiação chega na noite do dia 25 de abril invicta e pronta para vencer em tudo o que tem direito, acompanhada de sua corrida impecável, que vai desde os festivais de cinema ao longo de 2020, até às premiações precursoras dos últimos meses.

A diretora, roteirista, montadora e produtora venceu os principais prêmios do Globo de Ouro, Critics Choice Awards, Sindicato dos Produtores e Diretores, BAFTA e nos Festivais de Veneza e Toronto. Só não fez história no SAG porque trabalhou com atores não-treinados, mas no mais, fortaleceu a corrida de Frances McDormand, que também é a primeira atriz indicada por produção e atuação no mesmo ano, pelo mesmo filme.

 Às vésperas de uma data histórica para o Cinema, o Persona se reúne num Cineclube Especial para comentar cada um dos 56 filmes que integram a seleção mais diversa da história do Oscar. Abaixo, estão todos organizados em ordem decrescente pelo número de indicações, e nossa Editoria e colaboradores pontuam seus méritos, as injustiças, chances e nomeações de todas as 23 categorias, condensando nossa cobertura da premiação e alinhando as expectativas para a noite do dia 25 de abril de 2021.

Mank (Idem, David Fincher)

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Fotografia, Design de Produção, Figurino, Cabelo e Maquiagem, Trilha Sonora Original & Som 

As dez indicações de Mank ao Oscar 2021 superestimam e muito o filme de David Fincher. Entretanto, a maldição de mãos vazias que combina ‘diretor renomado’ com ‘campeão de nomeações’ e a Netflix parece não acometer o longa, já que a categoria de Design de Produção está praticamente garantida para Donald Graham Burt e Jan Pascale. Depois de vencer o Critics Choice e o BAFTA, o filme foi premiado no ADG, Art Director Guild Awards, o Sindicato dos Diretores de Arte.

E a dupla nomeação de Trent Reznor e Atticus Ross dará a eles um Oscar de Trilha Sonora Original, mas será pelo prestigiado Soul ao invés das recriações estilísticas da década de 30 que a dupla imprime em Mank. Gary Oldman aparece em Melhor Ator, roubando a vaga de candidatos mais merecedores como Delroy Lindo e Mads Mikkelsen. Amanda Seyfried, que começou como possível favorita em Atriz Coadjuvante, viu o sonho cair por terra com a esnobada no SAG e as vitórias unânimes de Yuh-Jung Youn na categoria.

David Fincher nunca ganhou um Oscar, e sua vez não chegará na cerimônia de 2021. O amplo reconhecimento nas categorias técnicas pode sugerir um favoritismo de Mank com a Academia, mas a ausência dos bastidores da criação de Cidadão Kane foi sentida em duas importantes listas, a de Montagem e Roteiro Original. Vital na corrida para vencer Melhor Filme, Montagem parece estar entre O Som do Silêncio e Os 7 de Chicago, enquanto o falecido Jack Fincher, pai do diretor, não ouviu seu nome chamado nas nomeações de Roteiro. O que vem de boa fé, considerando as mentiras que o texto de Mank dita como verdade absoluta. Espere ver o enfadonho filme preto-e-branco vencer em Design de Produção e nada mais. – Vitor Evangelista

Judas e o Messias Negro (Judas and the Black Messiah, Shaka King)

Concorre em: Filme, 2x Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia & Canção Original

Judas e o Messias Negro narra a história de traição de William (Bill) O´Neal, que trabalha como agente infiltrado do FBI, para a delação das ações dos Panteras Negras e acompanhamento de um de seus líderes, Fred Hampton. O longa faz escolhas narrativas importantes para as atuais discussões sobre as problemáticas raciais, bem como para retrata um acontecimento que culminou na morte de Hampton, interpretado por Daniel Kaluuya.

A proposta da narrativa em contar a história sob a perspectiva do Judas, Lakeith Stanfield, faz muitas vezes com que os Panteras Negras sejam apresentados como radicais. Essa visão vai se modificando ao longo da narrativa, conforme Bill vai se infiltrando mais e mais na organização. Talvez por isso, a indicação dupla em Melhor Ator Coadjuvante, para Lakeith e Kaluuya. A imagem e postura de Hampton no longa o fazem gigante, a atuação de Kaluuya é sem dúvidas digna de um Oscar.

O filme que conta com toda a equipe de produção composta por produtores negros, concorre ao Oscar nas categorias Melhor Filme, Roteiro Original, Fotografia e Ator Coadjuvante, na qual é favorito com Daniel Kaluuya. O longa rendeu ao intérprete de Hampton os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no Globo de Ouro, Critics Choice Awards, no Sindicato dos Atores e no BAFTA. – Ma Ferreira

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Concorre em: Filme, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Adaptado, Montagem & Design de Produção

Florian Zeller é um nome para ficar de olho. O escritor e diretor francês deu origem a diversas peças de teatro, entre elas, Meu Pai. Em sua adaptação para o cinema, uma tarefa por vezes arriscada, ele conseguiu entregar um retrato avassalador e doloroso de uma questão conhecida por atingir a vida de diversas famílias. A obra se centra na relação entre um pai com demência e sua filha que tenta ao máximo se adaptar às suas necessidades, interpretados pelos já vencedores do Oscar, Anthony Hopkins e Olivia Colman. 

Ao invés de criar um drama exagerado e pecaminoso sobre essa síndrome, Zeller nos coloca extremamente próximos do protagonista, também chamado Anthony, ao passo que entramos em sua mente sem perceber. A condução da obra prega diversas peças no espectador, mudando cenários, atores e repetindo diálogos. O resultado disso nos deixa em um estado de confusão mental, sentimento semelhante ao das pessoas que se encontram na mesma condição do personagem, que são constantemente traídos pela sua própria memória. 

Mas o baque de Meu Pai não seria tão forte sem a performance sensível de Anthony Hopkins, que assegurou sua indicação na categoria de Melhor Ator, e é o único forte concorrente a tirar a estatueta das mãos quase garantidas de Chadwick Boseman, de A Voz Suprema do Blues. E, em Melhor Roteiro Adaptado, a produção está no páreo da disputa com Nomadland, após ter levado a melhor no BAFTA. Justa e merecidamente, o longa também garantiu nomeações para Melhor Filme, Montagem, Design de Produção e Melhor Atriz Coadjuvante para Olivia Colman. – Vitória Silva

Minari – Em Busca da Felicidade (Minari, Lee Isaac Chung) 

Concorre em: Filme, Direção, Ator, Atriz Coadjuvante, Roteiro Original & Trilha Sonora Original

O semi-autobiográfico Minari está bem perto de fazer história no Oscar. O filme de Lee Isaac Chung conta a história de uma família sul-coreana, que, ao se mudar para o interior dos Estados Unidos para começar uma fazenda de agricultura, se depara com dilemas econômicos e familiares. Além da indicação em Melhor Filme, o longa também foi indicado em Melhor Ator pela performance do incrível Steven Yeun, e em Melhor Atriz Coadjuvante, que pode render uma vitória histórica para Yuh-Jung Youn, se tornando a primeira sul-coreana a vencer na categoria, a segunda asiática em 64 anos, e o primeiro ‘papel de vovó’. 

O filme também está indicado em Melhor Direção, Melhor Roteiro Original e Melhor Trilha Sonora Original. Se vencer Direção ou Roteiro Original, teremos a primeira dobradinha asiática e sul-coreana da história, por Parasita ter vencido no ano passado. Minari é sensível e caloroso na mesma medida que escancara o caos de uma família como qualquer outra, que enfrenta dificuldades nas relações pessoais e busca um caminho para se estabelecer economicamente, e é, sem dúvidas, um dos longas imperdíveis para se assistir dessa temporada. – Jho Brunhara

Nomadland (Idem, Chloé Zhao)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Adaptado, Fotografia & Montagem

É difícil exagerar a importância do caminho que Nomadland trilhou nessa temporada de premiações. O terceiro longa da diretora e roteirista Chloé Zhao vem acumulando prêmios em sua estante desde sua exibição simultânea no Toronto International Film Festival e no Venice Film Festival, onde se tornou o primeiro filme da história a receber os maiores prêmios de ambos os festivais. Desde então, Chloé Zhao se tornou a pessoa mais premiada numa só temporada (ela também é roteirista, produtora e montadora do filme), e a jornada nem tão solitária de Fern (Frances McDormand) pelo Oeste americano segue forte para os principais prêmios do Oscar, indicada em seis categorias.

Após a vitória no Sindicato dos Diretores dos Estados Unidos e no Globo de Ouro, Zhao é a favorita para levar a estatueta de Melhor Direção, competindo apenas com Lee Isaac Chung e o adorável Minari. Ela também segue forte em Roteiro Adaptado, onde concorre com Meu Pai, que recentemente venceu o prêmio da Academia Britânica, o BAFTA. A câmera volúvel de Joshua James Richards também segue fortíssima na categoria de Melhor Fotografia, tanto por sua capacidade de capturar as paisagens áridas quanto pela sensibilidade de registrar as personagens que as habitam.

Após sua recente vitória no BAFTA, Frances McDormand ganha momento na categoria de Melhor Atriz, apesar da forte competição com Carey Mulligan, Vanessa Kirby e Viola Davis. A estatueta de Montagem, que também agregaria aos prêmios de Zhao, permanece concorrida, sem nenhum vencedor claro. No entanto, o grande prêmio da noite está praticamente na mão de sua diretora e produtora: é amplamente esperado que Nomadland leve para sua van o Oscar de Melhor Filme. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O Som do Silêncio (Sound of Metal, Darius Marder)

Concorre em: Filme, Ator, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Montagem & Som

Com os efeitos sonoros contando metade da história, O Som do Silêncio é esplêndido na sua construção e conquistou seu espaço no Oscar 2021. O filme acompanha a trajetória de Ruben, um baterista de heavy metal que descobre que está ficando surdo. O difícil papel é interpretado pelo incrível Riz Ahmed, esse que só errou em participar de Venom. O ator surpreendeu a todos e equilibrou a sua atuação na medida que a produção precisava; ele, inclusive, teve aulas de bateria. A sua performance levou Riz a ser o primeiro homem mulçumano indicado ao Oscar de Melhor Ator e possui muita chance de levar o prêmio.

O filme está indicado em outras 5 categorias, e é possível que leve a estatueta por alguma delas. O design de som te transporta para a mente do protagonista e faz o filme ser o favorito em Melhor Montagem. O montador  Mikkel E.G. Nielsen elevou essa categoria técnica em uma experiência sensorial espetacular. O filme já levou o BAFTA, Critics Choice Awards e o Satellite Award por categorias sonoras e o Gotham Independent Film Awards de Melhor Ator. 

Além de ser um belo filme pela sua produção, a história e o roteiro também são elementos para tirar o chapéu. O roteiro e a estreia da direção de Darius Marder (vencedor do DGA de Primeiro Filme) é algo bem trabalhado e não repete estereótipos de pessoas surdas retratados na Sétima Arte. Paul Raci, filho de pais surdos e defensor da luta por anos, concorre em Ator Coadjuvante. Infelizmente o longa não possui muita sorte em ganhar nas premiações em um ano com candidatos tão fortes em outras categorias como Melhor Filme e Melhor Roteiro que devem ser do incrível Nomadland. Com sua alternância em expressar os sentimentos, O Som do Silêncio é sobre histórias reais de jornadas árduas. – Ana Beatriz Rodrigues

Os 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7, Aaron Sorkin)

Concorre em: Filme, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Fotografia, Montagem & Canção Original 

É certo dizer que todo ano existe um filme que se repete no Oscar. Mesmo mudando a sinopse, todo edição somos premiados com algum drama histórico liderado por homens brancos irritados ou indignados com alguma coisa. Esse ano o clichê é representado por Os 7 de Chicago (tradução do original The Trial of the Chicago 7), produção com selo Netflix dirigida por Aaron Sorkin, que inclusive ganhou o prêmio da Academia por Melhor Roteiro Adaptado por A Rede Social em 2011. Mas, apesar de ser uma escolha previsível, a história biográfica de um dos julgamentos mais ácidos dos Estados Unidos acerta e conquista pelo ritmo contagiante.

Além de ter levado Melhor Roteiro no Globo de Ouro, a obra é uma das concorrentes na disputa de Melhor Filme da Academia. A produção indicada também para Melhor Roteiro Original, possui uma trama que se passa conturbado ano de 1968, quando alguns jovens para lá de revolucionários lutavam contra a Guerra do Vietnã, narrando o inflamado julgamento que houve após um violento protesto na Convenção Nacional Democrata. Entre os atores principais estão Eddie Redmayne quase reprisando Marius Pontmercy (Os Miseráveis) e o incrível Sacha Baron Cohen, indicado como Melhor Ator Coadjuvante por sua interpretação de Abbie Hoffman.

As idas e vindas da história, que mescla a injustiça presente na corte com o desenrolar frenético do protesto, são capazes de prender o público até o fim. Mas, apesar do interessante contexto político e personagens carismáticos que compõem a obra, é fato dizer que o filme é mais fraco na categoria, a exemplo de Nomadland e Minari que com certeza merecem o prêmio. Os 7 de Chicago possui um bom histórico e uma trama cheia de intensidade, só erra em não se distanciar daqueles filmes de guerra que a gente vê por aí. – Isabella Siqueira

A Voz Suprema do Blues (Ma Rainey’s Black Bottom, George C. Wolfe)

Concorre em: Ator, Atriz, Design de Produção, Figurino & Cabelo e Maquiagem

Assistir A Voz Suprema do Blues é como ouvir uma melodia constante de luta. Viola Davis mais uma vez é um presente e interpreta Ma Rainey, a mãe do blues, com seu talento incrível. Com sua performance, ela revela as injustiças e o racismo vivido na indústria musical no período em que se passa a obra. Seguindo as outras premiações, a categoria de Melhor Atriz no Oscar está sendo muito mutável e não há uma certeza sobre quem levará, mas depois de vencer o Sindicato dos Atores, Viola merece. 

Outro ponto marcante no filme é a atuação de Chadwick Boseman, encerrando sua trajetória com um trabalho marcante. Ele se destaca mesmo ao lado da incrível protagonista. Ninguém pode tirar o seu prêmio de Melhor Ator e os seus diálogos na trama são uma entrega final emocionante. Além disso, o filme concorre em Design de Produção, e é favorito a levar Figurino & Cabelo e Maquiagem, que são os suplementos que fazem A Voz Suprema do Blues. – Ana Beatriz Rodrigues

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Concorre em: Filme, Direção, Atriz, Roteiro Original & Montagem

Bela Vingança é o filme mais corajoso dessa temporada de premiações. Em linhas gerais, a narrativa acompanha a personagem Cassandra Thomas (Carrey Mulligan), que ainda se vê atingida pela morte de sua melhor amiga, Nina, vítima de um caso de estupro quando ambas ainda estavam na faculdade. Com isso, a protagonista passa a adotar uma rotina que consiste em ir para um bar todas as noites, se fingir de bêbada e depois se vingar do primeiro cara que tentar se aproveitar da situação. Após encontrar alguns fantasmas do passado, Cassie direciona seus atos para aqueles responsáveis por acabarem com a vida de sua colega.

A diretora, roteirista, e também atriz, Emerald Fennell, cutucou uma ferida de longa data da sociedade patriarcal em que vivemos: a cultura do estupro. E fez isso criando uma espécie de heroína com atitudes que muitas mulheres gostariam de poder ter, mas sua intenção nunca foi produzir uma ficção, basta observar o destino final de Cassie. Ter um filme como esse, que é tão incisivo e incômodo, lembrado na maior premiação da indústria do cinema, especialmente em sua categoria principal (Melhor Filme), já é uma grande conquista. Emerald ainda fez história ao ser indicada à Melhor Direção que, pela primeira vez, conta com duas mulheres, ao lado da também brilhante Chloé Zhao, de Nomadland. 

A performance instigante de Carey Mulligan não poderia ficar para trás, e concorre à estatueta de Melhor Atriz. Ela já foi premiada no Critics Choice Awards, mas a corrida para o Oscar entre as atrizes permanece um mistério, após Viola Davis levar o SAG; Frances McDormand, o BAFTA; e Andra Day ter conquistado o Globo de Ouro. Bela Vingança ainda foi nomeado em Melhor Montagem e Roteiro Original, essa última vindo com grandes chances de vitória contra o temido Aaron Sorkin, por Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Relatos do Mundo (News of the World, Paul Greengrass)

Concorre em: Fotografia, Design de Produção, Trilha Sonora Original & Som

Saindo dos dramas de ação realistas que ajudou a consolidar em filmes como A Supremacia Bourne e Capitão Phillips, Paul Greengrass decide se aventurar no faroeste em Relatos do Mundo de forma bastante clássica e cativante. O filme que era uma das grandes apostas da Universal para a temporada de premiações, acabou sendo adquirido pela Netflix para sua distribuição internacional, e desbancou 4 indicações para o Oscar, em Melhor Som, Design de Produção, Trilha Sonora Original e Fotografia. Se o filme se destaca pelos seus feitos técnicos, a indicação que realmente faz falta aqui é da pequena Helena Zengel, que mesmo não dizendo muitas palavras, nos captura com seu olhar entristecido, mas corajoso. 

Destaque em categorias técnicas, o filme tem oponentes de peso para bater caso queira levar uma estatueta para casa. A trilha sonora conduzida pelas cordas aconchegantes de James Newton Howard teria que bater a dupla favorita Trent Reznor & Atticus Ross não uma, mas duas vezes, pelas trilhas de Soul e Mank. Ainda no campo sonoro, o trabalho de som naturalista rendeu elogios, mas talvez não tenha grandes chances contra o uso criativo de O Som do Silêncio. A belíssima fotografia de Dariusz Wolski dá espaço às amplas ambientações e cenários, é digna de sua indicação. Com grandes chances de sair de mãos vazias, talvez Relatos do Mundo possa surpreender no prêmio de Design de Produção, que traz uma estética mais real e palpável ao faroeste americano, um pouco menos lustrosa e mais suja do que o idealista americano médio desejaria.  

Estrelado ainda por Tom Hanks, que faz um ótimo dueto com a atriz mirim, o roteiro cai para uma jornada tocante, mas ainda assim bastante convencional e fácil de prever. A maior cartada do filme, porém, talvez não esteja em sua narrativa, mas em sua força temática despertada pelos encontros feitos pela dupla ao longo da história. Se Relatos do Mundo poderia fazer uso de uma narrativa mais impactante ao falar tanto sobre o poder das narrativas, há momentos aqui que não perdem em nada ao explorar a importância e a necessidade humana de ouvir e contar histórias. Só por isso, a transição de Greengrass de um cinema de ação cru, cheio de militarismo estadunidense e câmera tremida, para paisagens naturais e um pouco de calor humano já vale o ingresso. – João Batista Signorelli 

Soul (Idem, Pete Docter e Kemp Powers)

Concorre em: Animação, Trilha Sonora Original & Som

No ano de 2009, Peter Docter nos apresenta a Carl Fredricksen em Up – Altas Aventuras, um homem frustrado e inquieto com a chegada da velhice e o impasse de não ter vivido como sonhava, mas que percebe as maravilhas apreciadas durante o caminho. Em 2015, Docter mostra a Riley de Divertida Mente atravessando a infância e se deparando com a adolescência, a qual a obriga a sentir na pele que os sentimentos ruins são parte das nossas vivências e que aprender com eles é o melhor caminho. Em 2020, o diretor lança Soul contando a história de Joe Gardner na vida adulta, cheio de angústias para ser bem sucedido e conquistar seus objetivos.

A vida de Joe (Jamie Foxx) chega ao fim logo após conseguir o trabalho dos seus sonhos, ser membro da banda de jazz de Dorothea Williams (Angela Bassett). Amargurado e aborrecido por sua grande oportunidade ter escapado dos seus dedos, o músico tenta uma maneira de voltar ao seu corpo. Ao mesmo tempo, ele precisa ajudar a alma 22 (Tina Fey) a completar sua personalidade para ir à Terra. O relacionamento dos dois é muito entrosado e extremamente divertido. 22 é o grande destaque por causa de seu estilo autêntico e extrovertido, o qual contrasta com a timidez e a insegurança de Joe. Não é à toa que mereceu um espaço para os indicados a Melhor Animação do Oscar 2021, já que foi considerado a melhor animação da história da Pixar pelo site Cinema Blend. 

O favoritismo vem da sua dose de humor atrelado à ideias existenciais, as quais fazem o público terminar o filme com a cabeça cheia de questionamentos. A direção de Pete Docter, dono de um currículo cheio de premiações, a co-direção de Kemp Powers fazendo história e a produção de Dana Murray (indicada ao Oscar de Melhor Curta-Metragem por Lou em 2017) nos concede uma conexão com nós mesmos extremamente gratificante. Aliado à sonoridade primordialmente vinda do jazz, a animação também está candidata a receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original, além de ser um nome potente em Melhor Som. Trent Reznor, Atticus Ross (também concorrentes na mesma categoria por Mank) e Jon Batiste criam o ambiente musical dos anos 20 que garante a veracidade dos fatos e alcança a perfeição que Soul entrega. Não mentiria se dissesse que suas percepções sobre a vida, pelo menos por um instante, fossem reconsideradas. – Júlia Paes de Arruda

Uma Noite em Miami… (One Night in Miami…, Regina King)

Concorre em: Ator Coadjuvante, Roteiro Adaptado & Canção Original

Imagina criar um encontro ficcional entre quatro figuras históricas que equilibra reflexões sociais atemporais com uma dinâmica narrativa perfeita para o Cinema. Isso é o que a magnífica Regina King faz em Uma Noite em Miami… a partir da adaptação de Kemp Powers de sua peça homônima. Marcando a estreia de King como diretora, o filme conquistou indicações nas principais categorias de algumas premiações da temporada, mas, infelizmente, não chegou com tanta força no Oscar 2021, longe de ser o favorito das categorias em que concorre.

O filme teatral abriga toda a sua potência em suas performances e diálogos através do trabalho incrível de Eli Goree como Muhammad Ali e de Aldis Hodge na pele de Jim Brown, além do brilhante Kingsley Ben-Adir interpretando Malcolm X, que poderia muito bem ter alcançado uma indicação junto de seu parceiro de cena Leslie Odom, Jr. como Sam Cooke. O que cairia bem também seria um reconhecimento maior do trabalho de Regina, que fecharia com chave de ouro a categoria de Melhor Direção ao invés da vaga desperdiçada com único trabalho questionável vindo de – adivinha?! – um homem branco.

Assim, além da justiça, outro sonho seria realizado, e veríamos três mulheres reconhecidas pelos seus trabalhos enquanto diretoras e uma maioria não-branca em uma das categorias mais importantes do Oscar. Mas a realidade é outra, e se Uma Noite em Miami levar uma estatueta, não será pela escrita magnífica de Kemp Powers indicada a Melhor Roteiro Adaptado, mas pelo talento de Leslie Odom, Jr.. Não pela categoria de Daniel Kaluuya, mas pela sua preciosa veia musical que nos concedeu Speak Now, repetindo seu nome dentre as nomeações do filme na categoria de Melhor Canção Original do Oscar 2021. – Raquel Dutra

Borat: Fita de Cinema Seguinte (Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan, Jason Woliner)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Roteiro Adaptado 

Lançado pelo Amazon Prime Video, Borat: Fita de Cinema Seguinte é a continuação do primoroso filme de 2006, Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América. Interpretado por um dos comediantes mais ácidos e geniais dos últimos tempos, Sacha Baron Cohen, o estrelato da continuação ao lado de Borat é de sua filha Tutar, vivida por Maria Bakalova. A atriz brilha tanto quanto o protagonista, entregando de forma irônica e cômica toda ingenuidade da personagem, que por anos acreditou em todas barbaridades ensinadas por seu pai.

Gravado em segredo e por vários momentos colocando a vida da equipe em risco por seguir a linha do limite para atingir seu humor, Fita de Cinema Seguinte vem ganhando espaço nessa temporada de premiações. O filme foi destaque no Globo de Ouro, vencendo Melhor Filme de Comédia e Melhor Ator em Comédia para Sacha, que se tornou o segundo ator na história do prêmio a ganhar duas vezes a mesma categoria pelo mesmo personagem. O texto genial e cirúrgico concorre ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado e tem a assinatura de nove roteiristas na produção.

Chegou também à Academia a fenomenal Maria Bakalova, concorrendo à Melhor Atriz Coadjuvante. Ela já ganhou essa mesma categoria no Critics Choice Awards. Apesar de ser uma das favoritas, o SAG Awards e o BAFTA que são termômetros do Oscar apontaram Yuh-Jung Youn, a vovó de Minari, como ganhadora. Ambas merecem o reconhecimento por seus respectivos papéis, só nos resta torcer para que vença a melhor. – Ana Júlia Trevisan

Collective (Colectiv, Alexander Nanau)

Concorre em: Filme Internacional & Documentário

A dobradinha Filme Internacional-Documentário foi responsável por reconhecer uma das melhores obras da seleção do Oscar 2020. O lugar de honra que o doce Honeyland ocupou no ano passado é igualmente bem representado e diferentemente frequentado desta vez por Collective. A produção romena de Alexander Nanau acompanha uma equipe de jornalistas numa investigação que se inicia em uma tragédia local e deságua numa deflagração de corrupção pública nacional, construindo uma obra fria, difícil e crua ao mesmo tempo em que é rica, envolvente e inflamada.

Nessa estrutura complexa, o valor de Collective está mais em seus registros, acessos e desdobramentos do que em aspectos técnicos e impactos sentimentais, características que costumam dominar as categorias em questão, especialmente neste ano. O histórico do Oscar também não o favorece, mostrando que mesmo com a nomeação dupla, o filme que encontra espaço nas categorias mais interessantes da premiação pode sair sem ser coroado em nenhuma das duas. 

Ao que tudo indica, Collective será a vítima do Oscar 2021. Mesmo agraciado como Melhor Documentário no Prêmio de Cinema Europeu, o filme não venceu na mesma categoria do Critics Choice Awards e nem no BAFTA. Na premiação da Academia, a produção não garante a corrida de Filme Internacional, com Druk disparado na frente, nem de Documentário, dividindo o possível segundo lugar com Crip Camp, atrás do favoritismo de Professor Polvo. – Raquel Dutra

Druk – Mais uma Rodada (Druk, Thomas Vinterberg)

Concorre em: Filme Internacional & Direção 

Álcool. Pode estar presente no dia mais feliz da sua vida, mas também pode te deixar à beira da morte. Mas não se preocupe, o álcool também serve pra superar esse trauma. Explorando a complexidade da nossa relação para com a bebida, o novo longa do dinamarquês ex-expoente do movimento Dogma 95, Thomas Vinterberg, é o absoluto favorito na categoria de Melhor Filme Internacional, e a forte campanha da Samuel Goldwyn Films nos EUA ainda rendeu ao filme uma surpreendente indicação a melhor direção. Sensação na Dinamarca, foi o grande vencedor da principal premiação do país, o Danish Film Awards, além das múltiplas indicações ao BAFTA com uma vitória, sendo destaque em festivais e associações de críticos, além de ter sido o filme de encerramento da Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. 

A indicação do filme talvez não seja uma surpresa tão grande para os dinamarqueses, considerando o extenso histórico do país na premiação, especialmente nos últimos anos. É a décima terceira indicação para um filme da Dinamarca, sendo que nos últimos 10 anos acumula impressionantes 6 indicações. A vitória quase certa de Mais uma Rodada garantiria ao país a quarta estatueta, depois de A Festa de Babete, Pelle, o Conquistador e Em um Mundo Melhor. Já Thomas Vinterberg como diretor tem poucas chances de levar a melhor, mas sua indicação certamente já é uma grande vitória para o país. 

No filme, 4 professores de Ensino Médio decidem dar nova vida às suas rotinas pacatas ao colocarem em prática a teoria pouco ortodoxa de um pensador norueguês que diz que a vida seria mais equilibrada e harmoniosa com 0,5% a mais de álcool no sangue. Partindo de uma premissa que poderia facilmente ter saído de uma comédia escrachada de Seth Rogen, Vinterberg transporta o absurdo para um contexto palpável, encontrando o perfeito equilíbrio entre a comédia e o drama. Mads Mikkelsen se entrega de corpo e alma ao papel principal, passando por uma espécie de arco de redenção que desencadeia em um final catártico e inesquecível. Em Another Round (título em inglês), os personagens podem até fazer escolhas estúpidas, mas Vinterberg em conjunto com o elenco nos faz querer apreciar cada segundo delas. – João Batista Signorelli

Emma. (Idem, Autumn de Wilde)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Estreando sua carreira no cinema, o primeiro longa da diretora Autumn de Wilde poderia ser considerado uma aposta segura: uma nova adaptação de Emma, uma das mais célebres obras de Jane Austen, que já havia tido versões para o cinema, televisão e muitas outras mídias. Estrelando Anya Taylor-Joy no papel titular da socialite inglesa intrometida do século XIX, já era esperado que Emma. fosse indicado aos prêmios de figurino e maquiagem, como todo bom filme de época.

De Wilde traz uma direção moderna e sensível ao clássico, que busca atualizar o texto sem perder a identidade tão bem estabelecida por sua autora. A premiada figurinista Alexandra Byrne compõe uma sinfonia colorida de vestidos, cartolas e coletes que adicionam textura e cor à narrativa, externalizando seus principais conflitos, estabelecendo simetrias distintas entre suas principais personagens e acompanhando suas transformações profundas ao longo da trama, seja no amor ou no status social.

Por outro lado, a equipe de maquiagem e penteados também contribui muito para o sucesso da direção de arte do filme, acentuando as particularidades de seus atores e atrizes e impedindo que eles se diluam em meio às paisagens idílicas. Os realizadores de Emma. capturam não só o espírito original do livro de Jane Austen, mas também uma qualidade estilística inteiramente própria à essa versão da história, recheada de estéticas ousadas e sofisticadas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Era uma vez um sonho (Hillbilly Elegy, Ron Howard)

Concorre em: Atriz Coadjuvante & Cabelo e Maquiagem 

Era uma vez um sonho não traduz nada bem as aventuras de Hillbilly Elegy. Não só pelo título genérico, mas a direção de Ron Howard desqualifica qualquer potencial discussão a respeito de pobreza, ascensão social e os traumas do passado na criação de alguém. Diacho, o filme não é bom nem na estrutura fílmica, esbanjando de momentos mortos entre a gritaria incessante de Amy Adams (gratamente esnobada) e Glenn Close (infelizmente nomeada, manchando sua bela filmografia).

Outro dos filmes aguardados da Netflix, Era uma vez um sonho foi massacrado, pela história, pela abordagem terrível da ‘comunidade’ que retrata e pelos posicionamentos políticos do homem que o inspirou. A falta de pulso firme de Ron Howard não era surpresa pra ninguém, mas o papel prestado por Close vai em desencontro à carreira artística da veterana que, quando perder o Oscar em 25 de abril, quebrará mais um recorde.

Sua interpretação da avó tem lampejos de afeto, mas o texto de Vanessa Taylor (que teve amnésia depois de roteirizar A Forma da Água e chegar aqui) não alavanca os méritos da atriz. Mesmo que fosse apenas o conto maternal de uma avó e seu neto e discutisse o papel social das avós e os laços familiares, Hillbilly Elegy aproveitaria melhor seu elenco e equipe de produção. No Oscar, Close foi nomeada para sair de mãos vazias, e o departamento de Cabelo e Maquiagem irá ouvir o discurso de agradecimento dos indicados por A Voz Suprema do Blues. Simples assim. – Vitor Evangelista

Mulan (Idem, Niki Caro)

Concorre em: Figurino & Efeitos Visuais

Depois dos live actions de Aladdin e A Dama e o Vagabundo, muitos fãs aguardavam a estreia de Mulan. Porém, ele chegou na plataforma de streaming da Disney cheio de polêmicas. A principal, e talvez a mais debatida, foi a ausência de personagens icônicos para o filme. É um pouco estranho não ouvir um “desonra pra tu, desonra pra tua vaca” tão marcante de Mushu, mas isso não é motivo para boicotes. 

Apesar da premissa das histórias serem a mesma, os acontecimentos que são desencadeados se diferem. Na obra de 1998, o empoderamento de Mulan torna-se mais palpável já que a guerreira luta e desafia as leis do seu país por mérito próprio. Já na de 2020, a força da personagem deriva do seu Chi, dando-lhe poderes sobrenaturais para elevá-la a um grau superior. A mitologia envolvida, de certa forma, descredibiliza a coragem e o esforço da soldada. Apesar disso, os figurinos escolhidos por Bina Daigeler são deslumbrantes e extremamente detalhados. A cena emblemática da casamenteira é realmente nostálgica com as cores e os tecidos usados por Mulan. Não é a primeira vez que a Disney alcança uma indicação ao Oscar de Melhor Figurino, ganhando com Alice no País das Maravilhas (2010) e Pantera Negra (2018). 

Os efeitos visuais criados pelo trabalho em equipe de Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury e Steve Ingram produzem aquela atmosfera mágica do Chi das personagens, os quais se tornam realmente lindos em tela. Nesse aspecto, a Disney também já trouxe o troféu pra casa na categoria, em 2006, com Piratas do Caribe: O Baú da Morte. Contudo, esperava-se muito da representatividade asiática que Mulan trairia consigo tanto dentro quanto fora das gravações. A consequência disso foi deixar mais evidente os problemas em torno da indústria cinematográfica, tornando-o uma visão utópica da vivência na China. Para aqueles mais aficionados pelo desenho, infelizmente tenho que te dizer que você vai se decepcionar. É preciso ter a mente aberta por ser algo independente do que foi visto na infância. Assim, a apreciação do filme será genuína. – Júlia Paes de Arruda

Pinóquio (Pinocchio, Matteo Garrone)

Concorre em: Figurino & Cabelo e Maquiagem

Roberto Benigni é viciado em Pinóquio, não existe outra explicação. Mas, pensando bem, é melhor explicar: acontece que o ator, premiado por A Vida É Bela, estrela agora sua terceira adaptação da história do menino feito de madeira. Longe do Framboesa de Ouro, a versão de 2020 emplacou duas merecidas indicações nos prêmios da Academia. Produção italiana, Pinocchio coloca Benigni na pele de Geppetto, um homem pobre que ganha o mundo ao modelar uma tora de madeira mágica, que ele batiza de Pinocchio.

As mais de duas horas de duração recontam a versão da Disney, abusando de estranhezas e caracterizações bizarras. Matteo Garrone dirige o jovem Federico Ielapi com a ingenuidade e o bom coração que o protagonista necessita, empatizando com o público logo em sua primeira travessura. As nomeações técnicas ao Oscar denotam o tato desse campo de profissionais, que busca premiar trabalhos merecedores, e não se levam por campanhas publicitárias.

A Voz Suprema do Blues é favorita em ambas disputas? Sim. Mas o poder de Pinocchio não deve ser menosprezado. A criação dos fantoches, dos seres mágicos e a estilização animalesca de personagens secundários, tudo pelo poder do Cabelo e Maquiagem, colocam o filme italiano como a possível zebra a acabar com a festa da Netflix. Vale apontar que a maquiagem do fantoche demorava 3 horas para ficar pronta. Sem contar que Mark Coulier, cabeça do departamento, nunca perdeu um Oscar, saindo vitorioso por A Dama de Ferro e O Grande Hotel Budapeste. E, mesmo que a adaptação saia de mãos abandonando, vivemos em tempos bons para os fãs de Pinóquio. – Vitor Evangelista

Tenet (Idem, Christopher Nolan)

Concorre em: Design de Produção & Efeitos Visuais

Desde 2000 sendo indicado ao Oscar, Christopher Nolan não é novo na premiação. O diretor, roteirista e produtor, que é um dos mais bem sucedidos atualmente, garantiu seu lugar esse ano com com Tenet, estrelado por John David Washington. O longa de ação acompanha o protagonista em uma missão de tentar evitar o fim do mundo do ajuda vindo do futuro. 

Apesar do plot caótico que nos deixa com uma feição quase tão apavorada quanto a de Washington, o filme tem seus pontos positivos que os levaram a duas indicações ao Oscar. Disputando na categoria de Melhores Efeitos Visuais e Melhor Design de Produção, as cenas de ação da obra possuem uma produção muito bem feita, ainda mais por misturar elementos em dois tempos, o normal e o reverso. O trabalho que ficou na mão de Scott Fisher, Andrew Jackson e Andrew Lockey garantiu o prêmio BAFTA de Efeitos para o filme, e segue na temporada de premiações para a estatueta do Oscar junto a outros grandes filmes, como O Céu da Meia-Noite.

A atuação de John David Washington, que deu um show em Malcolm & Marie, continua em alto nível. Robert Pattinson e Elizabeth Debicki deram o suporte necessário nas cenas em conjunto e serviram tão bem quanto o protagonista. Melhor amigo e par romântico de John, a química de ambos nos deixa com o coração quentinho no meio da bagunça. E quando finalmente ele consegue completar a missão, o filme acaba com um gostinho de alívio e nostalgia do futuro, onde tudo começou. – Mariana Chagas

A Caminho da Lua (Over the Moon, Glen Keane) 

Concorre em: Animação

A produção da Netflix vai além de uma história para crianças. A Caminho da Lua traz nuances da cultura chinesa ao mesmo tempo que passeia brilhantemente pelas 5 fases do luto da protagonista, a pré-adolescente Fei Fei. Ademais das particularidades bem construídas do roteiro, o filme é rico em detalhes, desde as cores mais vibrantes da lua até os traços no rosto das personagens sejam elas humanas ou criaturas de outra galáxia, como a Gobi e o coelho Pulinho.

A indicação merece destaque em meio aos escolhidos pela Academia por toda sua representatividade asiática dentro da produção, o que deixa a desejar quando olhado pelos bastidores, em que o diretor Glen Keane é norte-americano. Porém, a lista de dubladores conta com grandes nomes de descendência sul-coreana, como Sandra Oh, e chinesa, como Cathy Ang.

Portanto, A Caminho da Lua é um dos indicados mais promissores para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021 por toda sua representatividade e brilhantismo no esboço, principalmente quando ela embate com o público das grandes produções pop da Disney como Dois Irmãos e Soul. – Larissa Vieira

A Concerto is a Conversation (Idem, Ben Proudfoot e Kris Bowers)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

A Concerto Is a Conversation é um documentário em curta-metragem, distribuído pela The New York Times e produzido por Kris Bowers, um pianista de sucesso que divide o protagonismo do doc com seu avô, Horace Bowers. Em apenas treze minutos, o curta consegue emocionar e inspirar, principalmente com as falas do patriarca da família que relata sua história dentro de uma sociedade racista e busca incentivar o neto a continuar seu trabalho. “Nunca pense que você não deveria estar lá. Porque você não estaria lá se você não deveria estar lá.”

Kris Bowers já vem recebendo os olhares de Hollywood há um tempo. Recentemente compôs a trilha sonora da queridinha série da Netflix, Bridgerton. Ele também assina as canções de Green Book, o problemático e infelizmente vencedor do Oscar de Melhor Filme em 2019. Já tendo sido indicado até ao Grammy, agora em 2021 ele concorre na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem. – Ana Júlia Trevisan

Agente Duplo (El Agente Topo, Maite Alberdi) 

Concorre em: Documentário 

A América Latina está muito bem representada na categoria de Melhor Documentário em 2021 com Agente Duplo. A produção chilena não tem o mesmo hype que o nosso Democracia em Vertigem tinha quando alcançou seu lugar na lista final dos indicados ano passado, mas é tão digno de ser apreciado quanto. Com uma narrativa charmosa, divertida, leve e gentil sobre o processo de envelhecimento na contemporaneidade, o filme cria um ar de ficção ao redor da trajetória de Sergio Chamy, que embarca numa nova ocupação depois de enviuvar aos 80 anos.

Agente Duplo é atraente e amigável, mas a Academia segue imune às qualidades de filmes latino-americanos, que neste ano, foram notados apenas com a nomeação do documentário, mesmo com uma lista extensa de produções dignas de reconhecimento. Queria muito falar sobre as grandes chances da fantástica diretora Maite Alberdi nessa categoria de ouro, mas se nem com a campanha quentíssima de 2020 conseguimos chegar perto do Oscar de Melhor Documentário, infelizmente também não será dessa vez. – Raquel Dutra

Amor e Monstros (Love and Monsters, Michael Matthews)

Concorre em: Efeitos Visuais

Filmes pós-apocalípticos podem ser extremamente pretensiosos. Um protagonista heroico e medíocre, algum desastre natural, e as fórmulas básicas se encaixam. No entanto, em Amor e Monstros, não vemos nada disso. Talvez um pouco de heroísmo, mas Dylan O’Brien dá conta do recado na comédia estilo Zumbilândia com insetos gigantes dirigida por Michael Matthews. As pontinhas de drama e romance completam o longa que surpreende pela diversão e pelo ritmo contagiante, e, bem, os monstrões carismáticos também não ficam para trás – não é à toa que a única indicação no Oscar 2021 foi na categoria de Efeitos Visuais.

O supervisor da área, Matt Sloan, mesclou efeitos práticos, uma equipe de artistas com foco em criaturas e muita criatividade para chegar no resultado final, utilizando os efeitos visuais apenas quando seus bichos já estavam praticamente prontos. Na hora da indicação, Sloan não estava sozinho. Seu nome veio acompanhado de Genevieve Camilleri, Matt Everitt e Brian Cox nos méritos da peça singular que foi comprada pela Netflix. 

O filme foi incrivelmente bem recebido por crítica e público, e a indicação ao Oscar com certeza deu um gás para novos espectadores. Apesar disso, as chances da estatueta ir para as mãos de Tenet ou O Céu da Meia-Noite são infinitamente maiores – o que é uma pena, pois nenhum dos dois possui criaturas tão singulares quanto as de Matt Sloan e sua equipe. – Caroline Campos

Better Days (少年的你, Derek Tsang)

Concorre em: Filme Internacional

O filme que fica de lado na categoria de Melhor Filme Internacional possui uma infeliz característica em comum com o favorito ao Oscar de Melhor Filme: ambos foram censurados no país de origem de seus realizadores. E ao contrário da resolução que Nomadland encontrou em solo americano, Better Days não teve como fortalecer sua corrida ao prêmio da Academia dentro da China.  

Dirigido por Derek Tsang, o drama é uma das produções orientais mais esperadas e bem-avaliadas de 2020. Através da adaptação de Lam Wing Sum, Li Yuan, e Xu Yimeng do romance In His Youth, In Her Beauty, de Jiu Yuexi, Better Days conta história de Chen Nian (Zhou Dongyu), uma estudante vítima de bullying que desenvolve um elo forte com Liu Beishan (Jackson Yee) depois que ambos se envolvem em um caso de homicídio. 

Os grandes nomes no elenco e o sucesso que o filme encontrou nas bilheterias e nas premiações locais não foram suficientes para engatar sua visibilidade e reconhecimento. Better Days foi prejudicado pelos conflitos de China e Hong Kong, e os espectadores sequer poderão assistir seus representantes marcando a história do Cinema no Oscar, já que a cerimônia não está autorizada a ser transmitida no país. – Raquel Dutra

Colette (Idem, Anthony Giacchino)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Anos se passam, gerações se transformam, épocas e sociedades se renovam, mas existem temas que são para sempre, e Colette existe nesse sentido. Em seus 25 minutos, o documentário explora a jornada de Colette Marin-Catherine, que quando jovem, lutou contra os nazismo junto da Resistência Francesa. Por toda a sua vida, ela se recusou a pisar na Alemanha, mas isso muda quando a jovem estudante de história Lucie a contata buscando mais informações para uma pesquisa que realiza sobre o Holocausto. Juntas, as duas confrontam o passado visitando locais onde os piores horrores da Segunda Guerra Mundial foram cometidos.

O filme não tem muita voz em meio aos outros indicados a Melhor Documentário em Curta-Metragem, mas constrói seu poder junto do processo individual de Colette. Conforme a militante reabre suas feridas em prol de algo maior enquanto critica veemente a ideia de transformar cenários de horrores como algo turístico, Colette usa seu espaço no Oscar para ressaltar que memorar tragédias a fim de evitar repetições de horrores sempre será uma das funções da arte. – Raquel Dutra

Crip Camp: Revolução pela Inclusão (Crip Camp: A Disability Revolution, Nicole Newnham e James LeBrecht) 

Concorre em: Documentário 

Crip Camp: Revolução pela Inclusão poderia ser piegas, chato ou desrespeitoso. Crip Camp poderia ser enfadonho, repetitivo ou de mau gosto. Mas Crip Camp não é nada disso. Nova produção da Higher Ground, o documentário da Netflix é bem sucedido em todas as suas escolhas estéticas e narrativas.

Começando como um registro histórico que documenta a estadia de uma porção de jovens com deficiência no Acampamento Jened, a direção de Nicole Newnham e James LeBrecht catapulta quem assiste a uma jornada emocional digna da maior premiação do Cinema. LeBrecht é criatura e criador, dirige e estrela, aproxima seus amigos de longa data da câmera e transpassa o vínculo pela telinha da Netflix.

Acompanhar o envelhecimento dos campistas, sua luta social e as mudanças que conseguiram realizar, além de conhecer a fundo suas vidas, amores, paixões, problemas e pensamentos, é um prato cheio para o gênero documental e para o cinema como um todo. É improvável que Crip Camp bata o favoritismo de Professor Polvo, mas sua reles presença na lista de 2021 já tira o amargo da língua pela pesarosa vitória do ano passado. – Vitor Evangelista 

Destacamento Blood (Da 5 Bloods, Spike Lee)

Concorre em: Trilha Sonora Original 

A guerra do Vietnã já foi base para muitos cineasta se aventurarem – de Kubrick a Coppola, passando por Oliver Stone e Brian De Palma. Quando se trata do cinema de Spike Lee, no entanto, o buraco é bem mais embaixo. O épico Destacamento Blood, lançado em junho de 2020 pela Netflix, pode ser uma das mais recentes referências audiovisuais quando se trata do conflito e, principalmente, dos resquícios deixados nos envolvidos. O jogo de fotos e vídeos, a narrativa essencialmente racial e os questionamentos em cima dos direitos civis nos EUA atual compõem a obra de tirar o fôlego do diretor que, infelizmente, só conseguiu a indicação em Melhor Trilha Sonora Original. Mais uma vez, o nome de Lee integra a lista dos esnobados da edição. 

Terence Blanchard foi o responsável por essa única memória do longa no Oscar 2021. Amigo de longa data de Spike Lee e vencedor de diversos prêmios Grammy, Blanchard é parte primordial da alma conturbada de Destacamento Blood. O músico já é familiarizado com o tapete vermelho, pois seu trabalho em Infiltrado na Klan também rendeu uma indicação na mesma categoria em 2019, tornando Terence o único homem negro a concorrer duas vezes em Melhor Trilha Original. Em 2021, pela primeira vez, dois homens negros foram indicados para essa estatueta: Blanchard divide a categoria com Jon Batiste que, ao lado de Atticus Ross e Trent Reznor, são os favoritos ao prêmio pelo trabalho em Soul.

Entre todas as categorias que o longa poderia ter abocanhado – Melhor Filme, Diretor, Montagem -, a ausência mais inacreditável foi a performance impressionante de Delroy Lindo como Paul, um dos quatro veteranos negros que vão atrás de um tesouro perdido e dos restos mortais de seu comandante. Os monólogos, trejeitos e atitudes do personagem produzem uma das atuações mais intensas do ano, podendo facilmente ter entrado no lugar da batida interpretação de Gary Oldman. Os Bloods na selva profunda de Lee mereciam muito mais atenção das grandes premiações. Agora, só nos resta seguir exaltando o cinema de excelência de Spike Lee. – Caroline Campos

Do Not Split (不割席, Anders Hammer) 

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem 

Do Not Split possui uma trajetória memorável. O curta documentário dirigido por Anders Hammer, que acompanha os protestos em Hong Kong marcados pela brutal repressão da polícia e um desmonte organizacional em decorrência da pandemia, recebeu fortíssimas críticas do governo chinês – incluindo um alerta para as emissoras locais não transmitirem a cerimônia do dia 25. Hammer documenta, na linha de frente, todas as bombas de gás, balas de borracha e sprays de pimenta que os protestantes tiveram que enfrentar na luta por democracia. A crueza e força do documentário coloca o espectador no centro dos conflitos, com uma narrativa pessoal e crítica acerca da Lei de Segurança Nacional e as extradições para a China continental.

Ao lado de outros quatro curtas potentes, o favoritismo, no entanto, se inclina em direção ao tocante Uma Canção para Latasha. Mesmo assim, Do Not Split garantiu a terceira indicação para a produtora Field of Vision, que disponibilizou os 35 minutos de seu filme no YouTube. A obra corajosa de Anders Hammer, que também se arriscou no Afeganistão em meio a Guerra ao Terror, já instiga no seu título: não se separem. Independente do resultado da premiação, a visibilidade em cima de um tema ainda tão atual e tão delicado para a população de Hong Kong já vale a indicação. – Caroline Campos

Dois Estranhos (Two Distant Strangers, Travon Free e Martin Desmond Roe)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action 

George Floyd, Breonna Taylor, Tamir Rice, Eric Garner, Freddie Gray… Todas essas pessoas possuem mais do que a cor em comum – compartilham também da farda que lhes tiraram injustamente a vida. Dois Estranhos, curta-metragem distribuído pela Netflix e dirigido por Martin Desmond Roe e Travon Free, também roteirista, nos mostra como esse ciclo de repressão, violência e sangue contra a população negra é impossível de ser quebrado, até mesmo quando tudo parece estar dando certo. Indicado à categoria de Melhor Curta em Live Action no Oscar 2021, Two Distant Strangers é o favorito para levar a estatueta. 

O famoso rapper Joey Bada$$ interpreta Carter James, um jovem negro que possui um único objetivo – chegar em casa e encontrar com seu cachorro. A tarefa extremamente simples se complica quando James se encontra num looping, onde o policial Merk (Andrew Howard), um branco de meia idade e extremamente racista, tenta o matar das mais diversas maneiras, todos os dias. Até mesmo quando parece que veremos um resultado, o sorriso de realização no rosto do personagem é interrompido pelos barulhos de tiro mais uma vez.

Durante os 32 minutos na tela, nunca saímos do lugar enquanto acompanhamos o  personagem acordar na mesma cama e voltar para o ciclo vicioso que representa as falsas promessas de que vidas negras importam. O maior concorrente de Dois Estranhos na premiação desse ano é justamente The Present, também cotado como um dos mais fortes na categoria. A tendência, no entanto, é Travon Free e Martin Desmond Roe levarem o prêmio para casa. Assim como a música que toca em replay nos fones de ouvido de James, “esse é o jeito que é, algumas coisas nunca vão mudar”. – Vitor Tenca

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica (Onward, Dan Scanlon)

Concorre em: Animação 

Que a Pixar é um grande sucesso, ninguém pode negar. Pioneira das animações em computação gráfica, muitos de seus filmes – além da função de entretenimento – oferecem uma visão existencialista sobre a vida para atingir de forma subconsciente às crianças e cirúrgica aos adultos. Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica aproxima-se dessa mesma linha de raciocínio, ainda mais por se tratar de um fato particular do diretor Dan Scanlon. 

Ambientado na cidade fictícia de New Mushroomton, somos apresentados à Ian e Barley Lightfoot (Tom Holland e Chris Pratt, respectivamente), dois irmãos elfos que, em luto, buscam uma maneira mágica de trazer o pai de volta à vida. De cara, já é possível ver em tela as feições de seus dubladores, o que garante um afeto aos personagens de trejeitos desengonçados e divertidos. 

Mesmo não sendo o favorito para ganhar a estatueta, o filme de Dan Scanlon e Kori Rae tem suas maravilhas. Os animais fantásticos unidos à sensação de alegria facilmente atrai as crianças, mas os adultos sentem o peso dos tópicos sensíveis que são abordados. O lidar com o luto, o relacionamento entre irmãos e até mesmo a garra de uma mãe solteira em criar seus filhos são pontos-chave que embelezam o enredo. Na verdade, tais fatos o fizeram vencer a categoria de Melhor Filme no Dublin International Film Festival. Dessa forma, a animação disponibiliza o equilíbrio perfeito entre risadas e lágrimas acaloradas, valor digno para a categoria de Melhor Animação do Oscar 2021. – Júlia Paes de Arruda

Estados Unidos Vs Billie Holiday (The United States vs. Billie Holiday, Lee Daniels)

Concorre em: Atriz

No ano da diversidade, e com tantos atores não-brancos brilhando em ótimos trabalhos, é uma pena que a poderosa Andra Day se encontre presa ao opaco Estados Unidos Vs Billie Holiday. A jovem cantora estreia nas telas de Cinema interpretando um ícone e coletando a única indicação do filme ao Oscar 2021, na categoria de Melhor Atriz. Corrida essa aberta, visto que cada uma das nomeadas venceu um precursor. Tudo começou em fevereiro, com a própria Day levando o Globo de Ouro, sucedida por Carey Mulligan e seu Critics Choice, Viola Davis com um SAG e Frances McDormand no BAFTA.

Pela segunda vez na história, duas negras disputam a estatueta principal no mesmo ano. Day e Davis buscam se tornar a segunda atriz a vencer a honraria, depois de Halle Berry, no longínquo 2002. Ademais, outra curiosidade que salta os olhos é a coincidência que assola a figura de Billie Holiday. A primeira vez que duas atrizes negras foram indicadas juntas foi em 1973, que tinha na lista Cicely Tyson e Diana Ross, essa segunda interpretando, é claro, a cantora Billie Holiday. – Vitor Evangelista

Feeling Through (Idem, Doug Roland)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Robert Tarango, que interpreta Artie em Feeling Through, já é parte da história. O ator é o primeiro surdo-cego a ser escalado em um filme, algo totalmente inédito no cinema. A personagem, que também é uma pessoa com deficiência, recebe ajuda de Tereek (Steven Prescod) para pegar um ônibus e voltar para casa. A interação entre os dois rende momentos sensíveis e emocionantes, reflete sobre invisibilização e explora uma forma de comunicação através do tato. 

Apesar de pioneiro na surdo-cegueira, Feeling Through ainda tem problemas ao lidar com uma pessoa com deficiência. O curta de Doug Roland infelizmente não abandona a concepção capacitista de que devemos ter ‘dó’ ou ‘pena’ de PCDs, e a construção do texto dá a impressão de que o personagem de Tereek é transformado em salvador após o simples ato de ajudar Artie, que é quase que colocado como um recurso narrativo para fornecer inspiração. Pessoas com deficiência são muito mais que isso, e não devem ser utilizadas para dar um exemplo de uma vida ‘pior’, e sim apenas uma vivência diferente. – Jho Brunhara

Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, David Dobkin)

Concorre em: Canção Original 

Presente em apenas uma categoria do Oscar 2021, Festival Eurovision da Canção é a joia perdida da cerimônia. Camuflado no catálogo da Netflix entre tantos outros grandes nomeados, o filme de David Dobkin toca as notas certas para emocionar, divertir e se diferenciar da competição. Na história, Sigrit (Rachel McAdams, a cara da Sandy) e Lars (Will Ferrell no único papel bom de sua carreira) sonham em ganhar o Festival Eurovision. 

Representando a Islândia, a dupla luta e consegue chegar à competição, mas no caminho dá de cara com uma porção de obstáculos, desde uma Demi Lovato zumbi até elfos mágicos e americanos burros. A Canção Original nomeada é Husavik, de linda composição creditada à Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson. Cantada no memorável clímax de The Story of Fire Saga, a música pode surpreender na cerimônia pelo fator espetáculo, visto que é a única das 5 Canções propriamente performada no filme. Dedos cruzados para a dupla conquistar mais essa! – Vitor Evangelista

Genius Loci (Idem, Adrien Merigeau)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Sentimentos antagônicos te invadem ao assistir Genius Loci. Ao mesmo tempo que não sabemos direito o que está acontecendo na transformação dos desenhos, sabemos o rumo exato que os traços irão percorrer. As figuras desenhadas com tinta hidrográfica ganham estrutura com os breves diálogos que servem para nortear o telespectador nessa viagem dimensional. Genius Loci é o caos instaurado em figuras geométricas e cores vibrantes, com uma complexidade que vai além de sua curta duração.

Genius Loci é um termo latim que significa espírito local. A tradução nos ajuda a entender um pouco mais da mistura de sensações causadas pela pintura, a transformação de Reine em loba transpõe a incansável busca da protagonista por apoio e compreensão. Produzido pela Kazak Production, o curta é de origem francesa e tem seus loucos e impressionantes traços assinados por Merigeau. Ele concorre ao Oscar de Melhor-Curta Metragem de Animação ao lado do queridinho da Disney e do pavoroso Yes-People. – Ana Júlia Trevisan

Greyhound – Na Mira do Inimigo (Greyhound, Aaron Schneider)

Concorre em: Som

Dirigido por Aaron Schneider e escrito pelo próprio Tom Hanks, Greyhound é um tiro descartado da Apple TV+. A produtora emplacou Wolfwalkers com aclamação da crítica, e sem o apelo de Soul, em Melhor Animação, mas errou a mão com o longa marítimo de Hanks. A história pouco importa, visto que os noventa minutos se encarregam de colocar os marinheiros para lá e para cá numa encruzilhada durante a Segunda Guerra Mundial.

Depois de uma recepção apática no lançamento, a campanha de Greyhound focou nas categorias técnicas, especificamente a de Efeitos Visuais e Som. Aparecendo apenas na segunda, com nomeação creditada à Warren Shaw (vencedor do Emmy por The Night Of), Michael Minkler (vencedor de 3 Oscars, o mais recente por Dreamgirls), Beau Borders e David Wyman. O trabalho sonoro é formidável, e a junção das categorias de Mixagem e Edição em uma ajudou Greyhound a se estabelecer na corrida.

Entretanto, um filme ruim com bom trabalho técnico não se justifica. A história recente da Academia preza por premiar espetáculos musicais e campos de guerra, e 2021 parece se encaminhar para a primeira opção, com a possível vitória de O Som do Silêncio. Ainda sobre Greyhound, podemos perceber que algo está faltando num longa de guerra quando nossa maior preocupação é o estado da jaqueta de couro de Tom Hanks depois de ele tomar tanta chuva. – Vitor Evangelista

Hunger Ward (Idem, Skye Fitzgerald e Michael Scheuerman)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

Assistir a Hunger Ward é testemunhar a realidade de uma em cada quatro crianças no Iémen. O curta-metragem indicado ao Oscar 2021 retrata a rotina da médica Aida Alsadeeq e da enfermeira Mekkia Mahdi em duas clínicas de alimentação terapêutica no país, onde lutam para salvar crianças da morte por desnutrição. O diretor dinamarquês Skye Fitzgerald não hesita em filmar a agonia dos pacientes e de suas famílias em seus momentos mais vulneráveis e usa dessa exposição para escancarar as implicações e sequelas da fome, que é usada como arma na guerra que assola o Iémen. 

Mesmo que Hunger Ward não gaste saliva dando aula sobre o conflito e foque em documentar a realidade nas clínicas, não se acovarda e, ao final, lembra que a guerra que causou tudo aquilo é financiada pelo país anfitrião da premiação. O curta não é o único que trata de pautas políticas e sociais: Do Not Split, Uma Canção para Latasha e Colette – quatro dos cinco indicados – também abordam seus diferentes temas sob óticas politizadas e humanizadas, em uma categoria com histórico de vitórias na mesma linha.

O trabalho de Fitzgerald já é familiar à Academia, que nomeou seu antecessor Lifeboat à mesma categoria em 2019, ainda que não o premiou. Quem levou a estatueta foi Absorvendo o Tabu, da Netflix, que esse ano também tem um concorrente na disputa, mas a pequena vantagem não prevê nada quando os outros nomeados da categoria também ostentam indicações. A competição é acirrada pela imprevisibilidade, mas a vitória – ou derrota – não anula o poder do cinema humanitário de Hunger Ward, que, como um sobrevivente pediu, mostra ao mundo o quanto as pessoas do Iémen sofrem. – Vitória Lopes Gomez

O Céu da Meia-Noite (The Midnight Sky, George Clooney) 

Concorre em: Efeitos Visuais

Depois da campanha caótica de Tenet e o abandono parcial da Warner, a categoria de Melhores Efeitos Visuais ganhou mais um competidor com chances reais de vencer. O Céu da Meia-Noite, drama de ficção científica da Netflix dirigido por George Clooney, conta a história de Augustine, um cientista que tenta impedir que seus colegas astronautas retornem à uma Terra pós-apocalíptica do futuro. A equipe responsável pelos efeitos é composta por Matthew Kasmir, Christopher Lawrence, Max Solomon e David Watkins.

O apelo do CGI espacial de O Céu da Meia Noite pode ajudar o longa na categoria, mas mesmo com uma campanha fraca, Tenet ainda tem chances de se dar bem. O que acontece é que os votantes de Efeitos Visuais não costumam ligar tanto assim para campanhas milionárias, e são fiéis aos méritos técnicos de cada indicado. Também é importante lembrar que filmes com temática espacial costumam se dar bem em cima de blockbusters, como por exemplo na vitória de O Primeiro Homem contra Vingadores: Guerra Infinita. Agora é só aguardar para ver se quem sairá vitorioso será Clooney ou Nolan. – Jho Brunhara

O Grande Ivan (The One and Only Ivan, Thea Sharrock) 

Concorre em: Efeitos Visuais

O debate sobre animais circenses é um assunto polêmico e extremamente sensível. Porém, a Disney conseguiu abordar esse tema de uma maneira simples e descontraída em O Grande Ivan. O enredo gira em torno do gorila Ivan (Sam Rockwell), a atração de um circo dentro de um centro comercial. Porém, com a chegada de problemas financeiros, o dono Mack (Bryan Cranston) substitui Ivan pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com a nova integrante no picadeiro, o gorila passa a repensar a vida que leva dentro do estabelecimento. 

Os efeitos visuais presentes no filme foram de responsabilidade de Nick Davis (que já foi indicado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. Esse método promoveu fidelidade aos animais, por imitar as texturas de pelos e penas. A imagem computadorizada, além de evitar maus tratos com os bichos, promovem uma interação mais legítima e menos superficial com os seres humanos. Se você não é fã de filmes com animais falantes, O Grande Ivan não é para você. Contudo, sua trama desenvolta e, em alguns momentos, engraçada não é algo de se jogar fora. – Júlia Paes de Arruda

O Tigre Branco (The White Tiger, Ramin Bahrani) 

Concorre em: Roteiro Adaptado

Quem se depara com a trama de O Tigre Branco espera um filme clichê e sem sal com alguma história de superação ou até uma pitada de romantização da pobreza. Muito disso vem do preconceito contra o cinema indiano e sua variedade de histórias, pesando na valorização de qualquer obra ambientada no país. No entanto, a aposta da Netflix dirigida por Ramin Bahrani foge de qualquer estereótipo injusto do gênero. The White Tiger, no original, foi lembrado no Oscar pela sua maior qualidade: o roteiro. Baseado no livro homônimo de Aravind Adiga, Bahrani também assina a adaptação que garantiu a assertiva indicação em Melhor Roteiro Adaptado.

A luta anticapitalista e a tentativa de sair do galinheiro das castas indianas levam Balram ao limite e além, sempre com diálogos sagazes e um retrato cruel da relação servo-mestre que rendeu ao filme o apelido de Parasita indiano, principalmente pelo destino dos patrões em ambos os longas. Priyanka Chopra Jonas, que não só atuou como também produziu O Tigre Branco, foi a responsável pelo anúncio dos indicados a premiação no dia 15 de março, e, ao lado do marido Nick Jonas, pode espalhar o nome de seu filme em alto e bom som como parte oficial da seleção do Oscar esse ano. Apesar da surpresa boa, a obra não tem chances na categoria, que, se decidir não premiar Nomadland, vai entregar o prêmio a Meu Pai. – Caroline Campos

Opera (Idem, Eric Oh)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Fugindo das breves narrativas mais convencionais de alto apelo emocional que costumam se destacar na categoria de Melhor Curta de Animação, Opera é uma experiência visual que vai para além do cinematográfico. Deixando de lado a tradicional sucessão de planos planejados para contar uma história, o curta é uma maquete, uma estrutura, um sistema complexo em suas centenas de intrincadas camadas que operam até a sua autodestruição e ressurgimento. É uma ilustração animada que resume ao seu modo toda a história da humanidade, e se isso parece ambicioso demais para 8 minutos de imagens programadas em um computador, pode ter certeza que o filme é páreo para suas próprias pretensões. 

O fato de ser um filme ser tão diferente talvez se explique se voltarmos à sua concepção original, tendo sido pensado originalmente pelo artista Erick Oh, ex-animador da Pixar Animation, como uma instalação artística, onde o vídeo poderia ser visto várias vezes pelo observador. Não à toa, o curta suplica para ser reassistido: há uma riqueza infinita de situações representadas em todos os cantos da tela, todas recebendo igual atenção. Uma das grandes inspirações para Oh foram murais renascentistas, como o teto da Capela Sistina por Michelangelo, que impõe grandeza ao mesmo tempo que apresentam uma cadeia riquíssima de informações visuais. A instalação artística virou curta, e dos prêmios em festivais veio a indicação ao Oscar. Agora só nos resta torcer para que a Academia seja páreo para o curta de Erick Oh. – João Batista Signorelli

Pieces of a Woman (Idem, Kornél Mundruczó)

Concorre em: Atriz

Dramático, intenso, envolvente, angustiante, emocionante, essas são algumas das palavras usadas para definir Pieces of a Woman. Contando a história de um luto de uma mãe que perde sua filha durante o parto em casa, a produção se mostra cuidadosa na construção de um ambiente sentimentalmente vazio após toda dor da tragédia. A narrativa se concentra em condenar culpados pela morte da bebê, com a família convencida que o certo a se fazer é julgar a parteira no tribunal, a protagonista – contra essa decisão – se vê sozinha lidando com os sentimentos que a consomem.

Interpretada por Vanessa Kirby, e graças à sua atuação visceral que quase causa dor física no telespectador, por tamanha entrega na personagem, Pieces of a Woman chegou nas premiações de 2021. A atriz que já venceu o British Television Awards por seu papel em The Crown, esteve presente em todas premiações que antecedem o Oscar, inclusive o BAFTA que contou apenas com ela e Frances McDormand (vencedora) da lista do tapete vermelho. Ao lado das gigantes Viola Davis e Carey Mulligan, as chances de Vanessa levar a estatueta de Melhor Atriz por Martha Weiss são baixas, mas a chuva de indicações é merecida. – Ana Júlia Trevisan

Professor Polvo (My Octopus Teacher, Pippa Ehrlich e James Reed)

Concorre em: Documentário

Professor Polvo retrata de maneira incrível a amizade entre o mergulhador Craig Foster e um polvo. O documentário mostra de forma emocionante como a interação do ser humano com o ambiente marinho se torna uma investigação e aprendizado sobre o comportamento animal. De modo sensível, o mergulhador vai desenvolvendo amor, respeito e um sentimento de proteção para com o molusco, o que se amplia para ações coletivas de preservação e proteção do ambiente.

A narrativa documental apresenta uma ousada e elaborada técnica de filmagem, permitindo ao espectador a sensação de mergulhar junto a Craig e de ver o mundo com seus olhos. Foi indicada na categoria de Melhor Direção em Documentário do Directors Guild of America Award, e ganhadora em Melhor Documentário no Sindicato de Produtores da América e no British Academy Film Awards. As premiações recebidas e sua indicação ao Oscar fazem do longa documental o favorito da categoria na referida premiação. 

É um documentário poético e crítico, com um tom ambientalista assertivo. Ele não força a empatia e o entendimento de importância e da manutenção dos recursos ambientais, realiza de modo lento, progressivo (quase que como o andar do polvo) e sensibilizador esse sentimento em quem o assiste. As escolhas de narrativa, captação de imagens e trilha sonora para o que se conta também são o ponto de grande acerto da produção e que o justificam como favorito a levar a estatueta dourada do Oscar. – Ma Ferreira

Quo Vadis, Aida? (Idem, Jasmila Žbanić)

Concorre em: Filme Internacional

Druk – Mais uma Rodada está bem posicionado para vencer a categoria de Melhor Filme Internacional, mas Quo Vadis, Aida? pode surpreender e ser uma das zebras da noite de 25 de abril. O longa bósnio conta a história de um episódio da Guerra da Bósnia, o massacre de Srebrenica, do ponto de vista da tradutora da ONU Jasna Đuričić, que tenta garantir a segurança de seu marido e seus filhos, ameaçada pelos militares sérvios. 

O filme, importantíssimo em suas motivações políticas, é brutal, de forma a escancarar um evento terrível da história humana que não pode ser ignorado. A última vez que o país venceu a categoria no Oscar foi em 2002, com Terra de Ninguém, batendo o francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain. – Jho Brunhara

Rosa e Momo (La vita davanti a sé, Edoardo Ponti) 

Concorre em: Canção Original

Esnobado pelos italianos que preferiram levar o documentário Notturno para representar o país no tapete vermelho, Rosa e Momo chegou à premiação graças à sua canção original Io Sí, ternamente interpretada por Laura Pausini. O filme marca a volta da consagrada Sophia Loren às telinhas, após quase uma década sem protagonismos. Dirigido pelo filho da atriz, Edoardo Ponti, a não-indicação em categorias mais relevantes de atuação deixa o questionamento se futuramente veremos o diretor tentando emplacar uma produção com sua mãe.

Sophia Loren não está sozinha em Rosa e Momo. O ator mirim Ibrahima Gueye se destaca em todas as cenas que aparece, mostrando uma excelente atuação verbal e não-verbal e sendo reconhecido por  seu trabalho com a indicação ao Critics Choice Awards na categoria de Melhor Ator/Atriz Jovem. Mesmo ficando de fora do Oscar, a produção italiana conseguiu espaço no Globo de Ouro e no Critics Choice Awards, ambos em Melhor Filme em Língua Estrangeira.

Io Sí é composta por Diane Warren, que é a mulher com maior número de indicações ao prêmio da Academia sem nunca ter ganho uma estatueta. A música foi premiada no Globo de Ouro e agora concorre ao maior prêmio do cinema estadunidense ao lado de Fight for You, Hear My Voice, Husavik e Speak Now, lembrando que a última do Leslie Odom, Jr., saiu vencedora do Critics Choice Awards. – Ana Júlia Trevisan

Se Algo Acontecer… Te Amo (If Anything Happens I Love You, Will McCormack e Michael Govier) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Entre as milhares de apostas da Netflix na premiação, Se Algo Acontecer… Te Amo é uma que se destaca. O curta-metragem, dirigido por Will McCormack e Michael Govier, é um retrato de uma luta frequente entre os estadunidenses, que é a perda de seus filhos em tiroteios no ambiente escolar. A partir da perspectiva de um casal, a delicada animação navega por todas as fases do luto, criando uma bela história sobre superação. 

A obra conta com a vencedora do Oscar Laura Dern na produção, e tem os traços de Yougran Nho como elemento importante para a composição do seu significado. Todo esse trabalho só poderia resultar em uma indicação para o prêmio da Academia, em Melhor Curta de Animação. E a narrativa ainda permanece como uma das favoritas na categoria, podendo derrubar outros grandes nomes como Toca e Opera. – Vitória Silva

Shaun, o Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca (A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon, Richard Phelan e Will Becher)

Concorre em: Animação

Em um tempo onde a animação digital monopoliza o mercado, e a cada ano a Pixar se desenvolve a cada filme com texturas e realismo de cair o queixo, a Aardman Animations vai na contramão e insiste em permanecer produzindo suas animações em stop-motion: um processo caro, trabalhoso, mas infinitamente recompensador ao se concretizar na tela, e de certa forma mais atemporal do que qualquer inovação tecnológica do momento. O estúdio já tem um longo histórico na premiação, com um total de 8 indicações e 3 vitórias na categoria de Curta de Animação, além de uma vitória para o longa Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais, e uma indicação para o primeiro filme da franquia do carneiro Shaun. Tendo sido lançado em 2019 na Inglaterra, foi distribuído pela Netflix no mercado internacional, tornando-se apto à premiação de 2021. A indicação foi mais do que merecida, ainda que não tenha chances de vitória por conta de um certo concorrente pouco competitivo. 

Brincando com todos os clichês do sci-fi com homenagens que vão de E.T. – O Extraterrestre a Sinais, o longa de Will Becher e Richard Phelan diverte pelo ritmo ágil, impressiona pelo nível de detalhamento e criatividade de sua animação e cenário, e cativa com a simplicidade de sua história. Shaun, O Carneiro: O Filme – A Fazenda Contra-Ataca nos mostra não é necessária uma única palavra para se contar uma boa história, que o humor físico ainda pode ser engraçado, e que uma animação não precisa explicar todo o sentido da existência humana para ser indicada ao Oscar (ouviu, Pixar?). É, por fim, tudo de bom para a minha criança interior. – João Batista Signorelli

The Letter Room (Idem, Elvira Lind) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

Repetindo as temáticas que surgem dos problemas do sistema prisional norte-americano, The Letter Room se volta para a questão da privacidade. O curta de Elvira Lind acontece pela perspectiva do segurança Richard (Oscar Isaac), que almeja uma vaga de emprego no setor de RH da penitenciária em que trabalha e acaba como fiscal da correspondência dos presos. Esperando topar com conversas sobre tráfico, terrorismo e demais planos ilícitos, o que o funcionário encontra são escritos sentimentais e que confrontam sua própria forma de levar a vida.

A diretora conhecida pelo documentário Bobbi Jene estreia no Oscar com um filme que pensa sobre um problema grandioso de forma sutil, concordando com boa parte dos demais indicados a Melhor Curta-Metragem em Live Action. O nome e a atuação de Isaac, aqui entregando algo diferente do que estamos acostumados a ver vindo dele, é algo que dá sustância ao filme, assim como Alia Shawkat – presente também no esnobado First Cow – , que toma o filme apenas com sua voz. Mas The Letter Room não é o favorito à estatueta. – Raquel Dutra

The Man Who Sold His Skin (الرجل الذي باع ظهره, Kaouther Ben Hania)

Concorre em: Filme Internacional

A indicação do selecionado da Tunísia é uma das surpresas da seleção do Oscar 2021. Vindo de uma ótima recepção no Festival de Veneza de 2020 (onde concorreu às principais categorias da mostra Orizzonti, vencendo em Melhor Ator), O Homem que Vendeu sua Pele garantiu seu lugar na disputa de Melhor Filme Internacional mesclando reflexões sobre cultura, política, sociedade, ética e arte, numa demonstração grandiosa do potencial da diretora Kaouther Ben Hania. 

O filme acompanha Sam Ali (Yahya Mahayni), um jovem sírio que migrou de seu país para escapar da guerra. Desamparado, ele recebe uma proposta para transformar seu corpo numa obra de arte e enxerga nisso uma oportunidade para finalmente alcançar sua liberdade, mas logo suas escolhas originam algumas de suas principais agonias. 

O Homem que Vendeu Sua Pele é uma das obras mais contemporâneas numa seleção que memora décadas passadas em suas principais categorias. Mesmo que não esteja próximo de arrematar o prêmio, a obra é digna de reconhecimento, especialmente por conta do trabalho de Ben Hania, uma incentivadora assídua do trabalho de mulheres no Cinema fora do eixo Estados Unidos-Europa, notada num ano recorde de mulheres indicadas ao Oscar. – Raquel Dutra

The Present (الهدية, Farah Nabulsi)

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

The Present, curta palestino, conta a história de um pai e sua filha que precisam cruzar a fronteira entre a Cisjordânia e Israel para comprar uma geladeira nova e ir ao mercado. Apesar da trama aparentemente simples, aqui Farah Nabulsi desenvolve as questões políticas já conhecidas e a forma abusiva com que as autoridades militares israelenses tratam os cidadãos palestinos.

Saleh Bakri e Maryam Kanj interpretam suas personagens de forma sensível e assertiva, e mostram diretamente ao espectador a agonia diária dos residentes da Palestina que apenas querem sobreviver, e realizar tarefas básicas do dia a dia. The Present é o primeiro curta palestino a ser indicado na categoria, e se vencer, será a primeira produção do país a receber uma estatueta do Oscar. – Jho Brunhara

Time (Idem, Garrett Bradley)

Concorre em: Documentário

História, relevância, repercussão, técnica, simpatia, coesão, sentimento e informação. Time tem tudo o que um favorito ao Oscar de Melhor Documentário precisa, e porque ele não é a produção mais provável de abocanhar a estatueta da categoria eu também não sei. O filme do Amazon Prime Video aborda numa ótica pessoal um dos temas mais urgentes da América que já foi reconhecido pela Academia através de outro documentário indicado em 2017.

Estamos falando de um filme bem distribuído, estamos falando de uma história próxima, sensível e com personagens envolventes, estamos falando da política de encarceramento em massa e estamos falando de A 13ª Emenda, da renomada Ava DuVernay. Com esses elementos, é fácil entender a razão da indicação, e é difícil entender o motivo de tudo isso muito provavelmente passar em branco mais uma vez pelo Oscar.

Outro aspecto favorável é o histórico da jovem diretora Garrett Bradley, que venceu o prêmio de Direção em Documentário e concorreu ao Grande Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Sundance em 2020. Time também marcou presença nas principais categorias do Critics Choice Documentary Awards, uma das premiações mais importantes do gênero, mas sua brilhante caminhada não foi o suficiente para alavancar a corrida ao Oscar, que tem se comportado de forma duvidosa com seus documentários. – Raquel Dutra

Toca (Burrow, Madeline Sharafian)

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

Animação e Disney são quase sinônimos, tendo seu carro-chefe nos desenhos, as produções sempre deixam o nome na temporada de premiações. Para 2021, além do estrondoso sucesso de Soul que está ganhando todos os doces da festa, os estúdios Pixar trouxeram Toca. Programada pra ser a animação exibida no cinema momentos antes do longa, teve seu lançamento direto no Disney+ por conta da pandemia.

Nos últimos quatro anos, os curtas da Disney levaram a melhor na categoria duas vezes – 2017 com Piper e 2019 com Bao – e estiveram presentes todos os anos. Toca, que representa a Disney esse ano, foi escrito e dirigido por Madeline Sharafian e produzido por Mike Capbarat e faz parte da série de produções SparkShorts: curtas-metragens de animação independentes, criada por funcionários temporários dos estúdios Pixar. 

Com apenas seis minutos, o short film aquece o coração até dos mais amargurados. A história da coelhinha em busca de um lar e o trabalho conjunto feito em torno disso, é um ombro amigo em tempos tão difíceis. Apesar de ainda ser uma dúvida, não será surpresa alguma se além dos prêmios de Soul, a Disney colocar na prateleira a estatueta de Melhor Curta-Metragem Animado. – Ana Júlia Trevisan

Uma Canção para Latasha (A Love Song for Latasha, Sophia Nahali Allison)

Concorre em: Documentário em Curta-Metragem

No dia 16 de março de 1991, em Los Angeles, Latasha Harlins, uma garota negra de 15 anos de idade, foi morta segurando dois dólares após ser falsamente acusada de ter roubado uma garrafa de  suco de laranja que custava um dólar e setenta nove centavos, em uma loja de conveniência. No entanto, não houve justiça, já que a autora do crime recebeu liberdade condicional depois do pagamento de uma multa de 500 dólares e cumprido 400 horas de trabalho comunitário.

O curta-documentário A Love Song For Latasha produz uma conversa entre o passado e o presente por meio do testemunho de Ty, a melhor amiga de Latasha, com o intuito de nos apresentar quem era a jovem que teve sua vida perdida por causa de um suco. Além do emocionante depoimento da melhor amiga, o curta também é construído com ajuda de belíssimas cenas que são compostas por imagens com efeitos VHS, que nos ajudam a teletransportar para os anos 90, e a utilização de animações para recriar as cenas do momento do assassinato de Latasha Harlins, sem explorar a morte de forma gratuita.

 O curta-metragem de 19 minutos, que relata sobre caso que ocorreu 30 anos atrás, possui ainda grande significado para nossa sociedade, pois mostra que por trás de toda estatística de jovens negros mortos, existem pessoas que tiveram seus sonhos interrompidos por causa da cor da sua pele ou classe social. Deve-se ressaltar que ele foi selecionada para participar de 13 dos principais festivais de Cinema dos Estados Unidos da América, como o Tribeca Film Festival e o Sundance Film Festival, e que também já conquistou 5 prêmios. Atualmente está concorrendo na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem no Oscar 2021 e pode ser visto no serviço de streaming Netflix. – Maria Antonia Soares Roberto

White Eye (Idem, Tomer Shushan) 

Concorre em: Curta-Metragem em Live Action

O representante de Israel na categoria, White Eye, é uma experiência visual e social ao longo de seus 20 minutos. Gravado em plano sequência (sem cortes), assistimos um jovem reencontrar sua bicicleta que foi roubada semanas antes. Porém, há um detalhe: ela está presa por uma corrente, e provavelmente está sendo utilizada por outra pessoa. Em primeiro momento, torcemos para que ele possa recuperar o objeto. Mas, ao descobrirmos que ela foi revendida para um trabalhador de baixa renda que a utiliza para levar sua filha à escola todos os dias, o julgamento moral começa a dobrar.

Para o dono da bicicleta roubada, recuperar o objeto que um dia pertenceu a ele parecia mais uma questão pessoal do que econômica, a ponto de insistir até o último segundo que ela fosse devolvida, mesmo que através de intervenção da polícia. Para o comprador, que não temos como saber se tinha conhecimento de que era fruto de um roubo, aquela bicicleta tinha uma importância muito maior: era sua forma de locomoção, que permitia que sua filha recebesse educação, e que faria muita falta se a perdesse. 

White Eye não quer discutir se roubar é certo ou errado, ou quem era o verdadeiro dono da bicicleta. O curta parece ter como principal propósito evidenciar a diferença socioeconômica entre as duas personagens, e mostrar que, às vezes, o que é cegamente justo não é certo, e que precisamos levar em conta as condições de vida de cada um e seus privilégios. – Jho Brunhara 

Wolfwalkers (Idem, Tomm Moore e Ross Stewart)

Concorre em: Animação

Sim, você sabe que o Oscar de Melhor Animação vai para Soul. Eu sei, a Academia sabe, todo mundo sabe. Mas isso significa que o longa da Disney é irrefutavelmente o melhor entre os indicados? Não necessariamente, e, se você ainda não está convencido, dê uma chance para Wolfwalkers. O longa irlandês de Tomm Moore e Ross Stewart custou 1% do que foi gasto na produção da Pixar e sua indicação ao Oscar 2021 foi uma das mais comemoradas no mundo animado. Recriado a partir de desenhos aquarelados feitos a mão com lápis e papel, a história de Mebh e Robyn chama a atenção pela beleza dos traços, os relacionamentos lindamente construídos e uma narrativa fantasiosa com base no folclore irlandês.

Os cenários da floresta, os lobos e suas transformações produzidos pelo estúdio Cartoon Saloon podem não ser tão refinados quanto os mínimos detalhes de seu maior concorrente, mas possuem um charme único em 2D que pode tranquilamente bater de frente com o monopólio Disney-Pixar que já é conhecido no Oscar. A revolução naturalista liderada por duas garotas contra o fanatismo religioso de um colono faz um apelo em prol da defesa do meio ambiente essencial para adultos e crianças. Inclusive, há brasileiros envolvidos na produção. O quadrinista Eduardo Damasceno e a animadora Tatiana Mazzei integram o time de profissionais talentosíssimos por trás de Wolfwalkers.

Desde que o estúdio animado foi criado em 1999 na cidadezinha de Kilkenny, na Irlanda, ele já acumula 5 indicações ao Oscar. Neste ano, a aventura de Mebh e Robyn não deve passar batido, mesmo que saia de mãos vazias no tapete vermelho. A astúcia e coragem de uma amizade improvável em um contexto mais improvável ainda é uma das peças mais belas da atual temporada de premiações. – Caroline Campos

Yes-People (Já-Fólkið, Gísli Darri Halldórsson) 

Concorre em: Curta-Metragem de Animação

A animação islandesa indicada na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar 2021, Yes-People, fala mais sobre o ser humano do que podemos imaginar. Com diálogos construídos apenas pela palavra ‘sim’, o filme acompanha a rotina de diferentes personagens ao longo de um único dia. Além de todo brilhantismo no enredo, a produção ainda é muito singular em seus traços ao longo de toda obra. Além disso, a palavra ‘sim’ ainda ganha total importância no momento que as personagens, e consequentemente nós, entendemos como ela pode afetar não só nosso dia, mas também nossa vida.

Já-Fólkið também merece todo reconhecimento da Academia quando mostra a representatividade do advérbio, principalmente quando, no último momento, ele é contraposto com seu antônimo, ‘não’. O filme então, quase como uma comédia reflexiva, passa sua mensagem ainda mais a fundo e deixa registrado seu peso em meio aos concorrentes da categoria. – Larissa Vieira

O post Cineclube Persona – Tudo Sobre os Indicados ao Oscar 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mais um mês se foi e, com ele, o pior março de nossas vidas. A pandemia ainda assombra o cotidiano brasileiro e, mais do que nunca, é necessário ficar em casa. Assim, para sobreviver à solidão das paredes dos nossos lares, contamos com o abraço reconfortante da cultura. E, neste mês, as doses foram intensas. Primeiro, elas finalmente chegaram: as indicações ao Oscar 2021. A grande maioria dos nomes já eram esperados e conhecidos, mas março trouxe consigo o filme que faltava para riscarmos de nossas checklists. Meu Pai, protagonizado por Anthony Hopkins e Olivia Colman, garantiu a vaga em 6 categorias da estatueta dourada e conta com uma das melhores interpretações da carreira de Hopkins.

A 26ª edição do Critics Choice Awards também deu suas caras. Nomadland foi o grande vencedor da noite, conquistando Melhor Filme e Melhor Direção para a talentosa Chloé Zhao. Chadwick Boseman e Carey Mulligan levaram para casa as consagrações em atuação principal, e Daniel Kaluuya e Maria Bakalova nas categorias de coadjuvantes. No mundo televisivo, The Crown seguiu premiadíssima, ao lado de Ted Lasso e O Gambito da Rainha. Será que a escolha dos críticos vai seguir a vontade dos votantes da Academia? Só abril nos dirá.

Além dos prêmios, o mundo do Cinema veio recheado. Depois das súplicas ensurdecedoras dos fãs, o Snyder Cut está entre nós. A versão esquecida de Zack Snyder de sua Liga da Justiça veio, por bem ou por mal, para preencher nossos corações. O Disney+ também arriscou no modelo de aluguel e lançou Raya e o Último Dragão pela facada de R$ 69,90 na mensalidade do serviço. Do outro lado dos streamings, a concorrente Netflix não poupou seus lançamentos: tivemos produção nacional em Cabras da Peste, documentário do ícone Notorious B.I.G., Silenciadas e suas bruxas modernas e até um jovem grito feminista com as meninas de Moxie.

Eddie Murphy resolveu, depois de 33 anos, retornar ao papel da realeza de Zamunda e Um Príncipe em Nova York 2 deu mais um original para a Amazon Prime chamar de seu. Sobrou até para os monstros: Adam Wingard botou King Kong e Godzilla para brigar e, infelizmente, ainda não podemos assistir o confronto da tela do cinema. Não que a TV esteja nos decepcionando – WandaVision se despediu, mas já estamos nos habituando com as cenas de ações de Falcão e o Soldado Invernal. Oprah pautou mais uma polêmica do mundo dos famosos e sua entrevista com o príncipe Harry e Meghan Markle rendeu mais intrigas para a família real britânica. 

Ficou curioso? O Cineclube Persona de Março juntou tudo isso e muito mais entre os principais lançamentos audiovisuais que chegaram até nós. Opiniões, críticas, palmas e muita gritaria nas palavras minuciosamente escolhidas pela Editoria e pelos colaboradores do Persona no maior post do mês. Confere aí!

Cinema

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League, Zack Snyder)

Nós vivemos em uma sociedade que o Snyder Cut é real, seja para bem ou para mal. O mítico corte de Zack Snyder, diretor original de Liga da Justiça, finalmente foi lançado em suas titânicas 4 horas de duração e a quadrada proporção 4:3 diretamente no HBO Max, o serviço de streaming da Warner. Após acusações sobre o comportamento de seu substituto, Joss Whedon, que explodiram nos últimos meses, a campanha dos fãs pela “restauração” da obra ganhou tração suficiente para que 70 milhões de dólares fossem investidos em sua conclusão.

O resultado disso? Bem, exatamente o que você espera, provavelmente. Liga da Justiça de Zack Snyder honra seu nome e exibe com orgulho todas as melhores e piores tendências do diretor, tentando apagar ao máximo o tom de desenhos de sábado de manhã que permeia a versão de 2017 e infundindo a tela com a sobriedade distinta e a visão sisuda dos trabalhos anteriores de Snyder. Uma nova trilha sonora também ajuda a separar as versões, trocando a orquestra de Danny Elfman pelas batidas eletrônicas de Junkie XL, que ajudam a distinguir o longa de outros filmes do gênero. A trama da obra segue os mesmos passos da antiga versão, apenas restaurando as partes previamente cortadas e adicionando cenas inteiras que, apesar de contextualizarem melhor seus personagens, não parecem mover a história para frente. O roteiro, ainda de Chris Terrio (Star Wars: A Ascensão Skywalker), não parece interessado em tratar seus personagens como peças móveis e dinâmicas do enredo, mas sim como action figures, mudando os cenários mas mantendo-os em suas posições icônicas, com a exceção sendo o arco de Victor Stone, o Ciborgue (Ray Fisher), que ganha um peso narrativo visivelmente ausente da versão anterior.

A Liga da Justiça de Zack Snyder não é necessariamente melhor que a de Joss Whedon. Ela é mais coesa e se encaixa melhor com os outros trabalhos do diretor com os personagens da DC Comics, com a ação melhor aproveitada e efeitos visuais mais bem realizados, mas é também um trabalho de vaidade criativa, por vezes indulgente ao ponto da autoparódia. Há um prazer juvenil de ver Snyder poder brincar livremente com essas figuras que claramente significam tanto para ele, mas é frustrante continuar vendo ele se recusando a desafiá-las de maneira provocativa. Se você não se conectou com a visão do diretor sobre o Superman em O Homem de Aço ou Batman vs Superman: A Origem da Justiça, o novo traje escuro não deve mudar muita coisa. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Raya e o Último Dragão (Raya and the Last Dragon, Carlos López Estrada e Don Hall)

Após cinco anos do lançamento de Moana (2016), a Walt Disney Animation Studios lança Raya e o Último Dragão, a nova princesa do universo Disney. O longa dirigido por Carlos López Estrada e Don Hall traz logo de cara um contraponto com as demais produções do estúdio, sendo a segunda princesa que não está em um musical. Tirando Raya, apenas Merida — protagonista de Valente (2012), filme feito pela Pixar — não canta em seu filme. Mas isso não é um demérito, pelo contrário, a animação se sustenta no carisma dos personagens, e na história envolvente e emocionante, fora as maravilhosas cenas de ação.

O longa cresce muito por conta de seus personagens. A própria Raya é um grande exemplo disso, que está em constante evolução junto aos demais. Mas não apenas a protagonista rouba a cena, os coadjuvantes do filme são incríveis, conseguindo variar entre o cômico e o trágico de forma natural. Destaque para a Sisu e para o bebê charlatão, que entregam uma fofura e a comicidade que o filme precisa. A produção ainda conta com um ótimo design, que traz uma diferença nítida nas distintas regiões de Kumandra — baseada nos povos do sudeste asiático —, nas construções de cada civilização, mas peca ao representar os dragões, que possuem um visual estranho e que chega a incomodar.

O filme foi lançado diretamente no Disney+, por um valor acrescido na mensalidade de R$69,90, decisão que foi muito questionada nas redes sociais. Caso queira assistir, mas não quer pagar o preço do aluguel, a animação será lançada dia 23 de abril no serviço de streaming, sem valor adicional. Raya é um filme sobre esperança e confiança, algo que todos precisam nesse momento. No fim, é uma das grandes histórias que a Disney trouxe, e que foi executada de forma brilhante, sendo emocionante, e apresentando uma princesa forte e poderosa. – Pedro Gabriel

Cherry – Inocência Perdida (Cherry, Joe e Anthony Russo)

Holland e Russo são os nomes que chamam muito mais a atenção do que Cherry, o título do filme disponível na Apple TV+. Confesso que foi pelo ator de Homem Aranha que eu dei play, e quanto a isso, zero arrependimentos. Tom entrega um trabalho sensível e extraordinário dando vida ao protagonista sem nome que, seguindo a proposta da narrativa, vai perdendo a inocência em cada capítulo no qual o longa-metragem é dividido. Quanto aos irmãos Russo, bom, eles sabem o que estão fazendo. Com bons enquadramentos e uso de câmera, o filme entrega cenas de tirar o fôlego e ângulos de cenários bem pensados.

Mas, mesmo com um elenco talentoso e imagens bem alocadas, o sentimento de que falta algo depois de suas 2 horas e 20 minutos de duração permanece. Cherry causa estranhamento no tom que escolhe e forma pequenas lacunas no desenvolvimento do protagonista. A quebra da quarta parede não agrega em nada ao filme, pelo contrário, a sensação é que o recurso, poucas vezes utilizado, atrapalha a construção de uma narrativa mais sóbria. O que não seria um problema se a história não se vendesse em cima de um jovem que foi à guerra, voltou com transtorno de estresse pós-traumático e devido a isso afundou a si e a esposa num vício em heroína. Alguns diálogos maiores e melhor elaborados convenceriam mais das consequências da guerra, do que cenas que nos mostram o sofrimento do personagem de maneira rápida e com cortes dinâmicos, que diminuem a conexão do espectador com o momento.

Seguindo esse estilo um tanto irresponsável, o uso de entorpecentes carrega algo que beira a romantização estética, e adicionando as cenas carinhosas ao pacote, consigo imaginar os inúmeros vídeos shippando o relacionamento problemático dos personagens de Tom Holland e Ciara Bravo que devem estar rolando pelo YouTube. Ainda assim, o filme dos irmãos Russo não é de todo ruim. Você torce para os personagens, se irrita com suas suas decisões e se torna interessante perceber como o amor por Emily é o estopim para grandes mudanças que movem a trajetória do protagonista. Mas ainda assim, é importante estar ciente dos problemas na adaptação da história de Nico Walker e, diferente de mim, dar play sabendo que se trata de uma história intensa contada com muita dinâmica e superficialidade. – Lorrana Marino

Cabras da Peste (Vitor Brandt)

A mais recente produção nacional da Netflix apresenta um novo estilo buddy cop, totalmente engraçado e com as nuances que só o Brasil tem. Dessa vez, os novos Will Smith e Martin Lawrence de Cabras da Peste são o cearense Bruceuilis Nonato (Edmilson Filho), o “tira arretado” comprometido com seu trabalho, e o paulista Renato Trindade (Matheus Nachtergaele), o “policial de escritório” medroso. A vida dos dois policiais se chocam quando Bruce vai a São Paulo em busca de Celestina, a cabra patrimônio histórico da sua cidade natal Guaramorim. Por lá, eles se deparam com uma situação que coloca à prova suas profissões. 

A realidade do microcosmo interiorano do Ceará se colide com a da capital paulista de uma forma profundamente divertida. É quase impossível deixar de rir com as cenas de Bruce, as quais tiram o brilho da genialidade da atuação de Nachtergaele. Como todo filme brasileiro, sempre existem farpas para o cenário do país, seja através do histórico de atleta do “policial de verdade” Caique (“sou forte demais, tá ok?”) até do foro privilegiado de Zé Cabrito (Falcão), o palhaço que virou deputado. 

Cabras da Peste também entra em sintonia com Um Tira da Pesada ao apresentar a versão forró de The Heat Is On, parte da trilha sonora do filme oitentista. Por se falar em trilhas sonoras, o filme da Netflix não deixa a desejar com suas canções, cruzando entre Lulu Santos, Sidney Magal e até Claudinho e Buchecha. Somando isso ao humor tipicamente brasileiro, a nova obra de Vitor Brandt merece um lugar na sua lista no streaming. – Júlia Paes de Arruda

Notorious B.I.G. – A Lenda Do Hip Hop (Biggie: I Got a Story to Tell, Emmett Malloy)

Não existe um único local para o surgimento do rap, mas, para muitos, Nova Iorque é considerada o berço do hip hop. A ascensão do chamado gangsta rap redirecionou o protagonismo das rimas e batidas para a outra costa americana, e agora, uma joia rara tinha a missão de colocar as vozes do Brooklyn de volta no mapa. No dia primeiro de março, a Netflix lançou o documentário Notorious B.I.G – A Lenda do Hip Hop, que nos conta a trajetória de Christopher Wallace, ou, como era mais conhecido, Biggie Smalls, em rumo ao estrelato, reconhecimento e, infelizmente, ao seu trágico fim.

Na triste ausência de Christopher, o longa se escora em depoimentos de entes familiares, amigos próximos – como era o caso da clássica Junior M.A.F.I.A – e também famosos que alavancaram sua carreira, como o rapper Puff Diddy. Além das entrevistas, também contamos com diversos trechos de gravações que a equipe de Biggie tinha à disposição. As fitas de vídeo ajudam o fã de hip hop a matar um pouco a saudade de ver o Rei de Nova Iorque e sua personalidade icônica, enquanto nos mostra a difícil realidade que jovens do Brooklyn passavam naquela época.

Mas, o documentário também possui seus pontos negativos. O irresoluto caso de sua morte ganha pouco mais de 20 minutos de tela, enquanto sua relação com o também rapper Tupac Shakur mal é mencionada. Fora isso, o enfoque na sua vida prévia a carreira musical (os períodos que Christopher menciona em seu álbum Ready to Die) parece importar mais que os tempos dentro dos estúdios. Mesmo assim, o filme serve como um reconforto para o telespectador que passa a conhecer B.I.G. ainda mais de perto, enquanto presenteados com seus discos e músicas eternas. – Vitor Tenca

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Meu Pai, a tradução pontiaguda do título original, elucida questões essenciais da existência humana, o medo do esquecimento e o amor como amálgama acima de qualquer outro sentimento. Adaptando sua peça de teatro, Florian Zeller dirige com a compostura de um verdadeiro maestro, movendo e remexendo as memórias de Anthony (Anthony Hopkins, no papel da carreira e na melhor interpretação masculina do ano). Curtíssimo, o longa se centra na difícil relação do pai e da filha Anne, a camaleoa Olivia Colman. 

Entre o vai-e-vem confuso do idoso provavelmente sofrendo do Mal de Alzheimer (o filme nunca diagnostica Anthony), o roteiro do diretor junto de Christopher Hampton coloca quem assiste na posição de copiloto, mas considerando que quem comanda o volante não sabe nem dirigir. O eterno quebra-cabeças da memória de Anthony é transmitido pela construção cenográfica, pela trilha sonora, pelo jogo de câmeras e pelo trabalho quase celestial de Hopkins, que aos 83 anos se tornou o homem mais velho indicado a Melhor Ator no Oscar 2021.

A montagem de Yorgos Lamprinos, também agraciada com o reconhecimento da Academia, prega peças e confunde propositalmente. Mesmo quando The Father cai nos moldes teatrais de seu núcleo, Florian Zeller usa esses elementos a seu favor. Iluminação, figurinos, o cenário único, tudo orna, tudo engrandece a obra. Imperdível para quem gosta de Olivia Colman, de Anthony Hopkins e para quem aprecia quando uma adaptação teatral é feita com astúcia, cautela e muita noção. – Vitor Evangelista

Trilogia Karatê Kid (John G. Avildsen)

Aproveitando o melhor momento de Cobra Kai desde seu lançamento em 2018, a Netflix ressuscitou, em seu catálogo, um dos clássicos da Sétima Arte que marcou gerações de fãs do cinema e das artes marciais: Karatê Kid, a trilogia da saga de Daniel LaRusso (Ralph Macchio). Os três primeiros filmes, lançados entre 1984 e 1989, foram adicionados no começo mês na plataforma e já se embalaram na onda de Cobra Kai, a série que se passa 34 anos após o torneio All Valley e traz a redenção de Johnny Lawrence (William Zabka) – o inimigo de Daniel LaRusso derrotado no primeiro filme. 

A Netflix acertou na nostalgia com o público mais velho ao trazer esse clássico da década de 80 para os dias atuais. A história do menino franzino que encontra um mestre de karatê para derrotar seu bully e vencer um torneio pela sua honra (A Hora da Verdade), depois passa para a narrativa do mestre de karatê e seu pupilo enfrentando um antigo inimigo em Okinawa (A Hora da Verdade Continua) se torna, por fim, o enredo do pupilo abandonando seu mestre e entrando para o lado sombrio da força por orgulho (O Desafio Final). Dos três filmes, o terceiro é certamente o mais fraco, com vilões muito caricatos e sem camadas, além de ser o único da trilogia que não recebeu nenhuma indicação ao Oscar. 

Do universo de Karatê Kid, o filme de 2010 protagonizado por Jaden Smith e Jackie Chan já estava há tempos no catálogo, mas quem ficou de fora foi o esquecível Karatê Kid 4 – A Nova Aventura (1994), que não foi adicionado junto com os outros da saga original e provavelmente nunca será, já que esse longa conseguiu ser trágico ao ponto de descaracterizar até o personagem mais resiliente: Senhor Miyagi (Pat Morita). Vale lembrar também que esse foi o único filme dos originais que não foi dirigido por John G. Avildsen, o diretor que deixou uma marca muito pessoal na trilogia. Para aqueles que querem retomar com fôlego esse universo de artes marciais cinematográficas, este, certamente, é o momento. – Nathalia Franqlin

Silenciadas (Akelarre, Pablo Agüero)

Bruxas horrendas, caldeirões, risadas maléficas e vassouras. Esses são os elementos mixurucas que os filmes de ação hollywoodianos reduziram a caça às bruxas. Longe disso, Silenciadas nos permite sentir prazer em zombar das maluquices criadas pela Igreja Católica, e ainda assim lamentar o destino de tantas mulheres queimadas vivas. O longa de Pablo Agüero foi lançado em setembro de 2020 no Festival Internacional de Cinema de San Sebastian, e chegou ao catálogo da Netflix em março de 2021.

Contando a história das mulheres do País Basco e sua repressão durante o período da Inquisição, o filme acompanha o grupo de Ana, María, Maider, Olaia, Oneka e Katalín ao serem interrogadas e condenadas por bruxaria. Entre as cenas sombrias de tortura, há a genialidade em encenar a demonização que os inquisidores ansiavam assistir para tentar escapar da morte.

Ana (Amaia Aberasturi) protagoniza a história com talento – merecendo sua indicação ao 35º Prêmio Goya de Melhor Atriz. Amaia consegue sustentar uma personagem que está entre o desespero e a perspicácia até o fim. Apesar do desfecho triste e previsível, a trajetória das meninas é um deleite. É prazeroso assistir o papel ridículo que a Igreja Católica fez na história, sabendo que as mulheres livres e independentes, nomeadas bruxas, resistiram. – Nathália Mendes

The Mauritanian (Idem, Kevin Macdonald)

Os dramas de The Mauritanian não são novos em Hollywood, mas seu ator principal é. O francês Tahar Rahim protagoniza com propriedade, intensificando os temores de seu personagem: um homem preso ilegalmente por muitos anos, até que uma advogada boazuda, a estonteante Jodie Foster, aparece para salvar sua pele. Do outro lado da equação e representando os interesses do governo, Benedict Cumberbatch está avoado demais para se mostrar interessado no filme de Kevin Macdonald.

O que é bem-vindo, visto que o foco narrativo acaba se voltando para Foster e a maneira com a qual ela lida e enxerga o mundo. Baseado na história real de Mohamedou Ould Slahi, o longa chama atenção pelo arrojo cinematográfico, filmando tomadas extensas e visualmente marcantes das sessões de tortura sofridas pelo preso político. Com The Mauritanian é assim: você chega pela presença (e vitória no Globo) de Jodie Foster, mas fica pelo talento borbulhante de Tahar Rahim. – Vitor Evangelista

Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta (MOXiE!, Amy Poehler)

Apostando no dia a dia high school, e quase acertando a superficialidade, Moxie: Quando as Garotas Vão a Luta é o tipo de filme a qual críticas aprofundadas quanto a militância inacessível devem passar bem longe. Sem o intuito de explorar todas as facetas do feminismo, e olha que são muitas, o lançamento da Netflix é aquela obra onde não dá para pesar nos julgamentos. Entender que as protagonistas estão apenas no início da jornada na luta contra o patriarcado, e que um clichê básico é necessário. 

Na cidade fictícia de Rockport, Vivian (Hadley Robinson), ao adentrar o Ensino Médio, começa a se questionar sobre como se posicionar quanto a igualdade de gênero, mas, principalmente, sobre a falta dela. Amy Poehler, além de diretora da produção também encara a mãe feminista fã do hino Rebel Girl, canção chiclete que promete te assombrar no meio da noite. 

Enquanto inicia anonimamente a revista feminista chamada Moxie no colégio, Vivan encara os assuntos que o público não cansa de ver, como o primeiro namoro e os dramas de amizade, temas que se entrelaçam muito bem com as discussões sérias que a obra se propõe a iniciar. Sem muita neura ou abordagens difíceis, o filme teen pode até soar bobo de primeira, mas é a pegada mais leve e simples que ajuda a compreender que as grandes lutas começam com os pequenos atos. – Isabella Siqueira

Um Príncipe em Nova York 2 (Coming 2 America, Craig Brewer)

Em 1988, o príncipe Akeem, do reino de Zamunda, partiu para os Estados Unidos em busca de sua noiva. Encontrou, no Queens, Lisa McDowell e a transformou em sua princesa. Os zamundanos ganharam uma linda história de amor para espalhar pelas gerações e o casal, com três filhas, prosperou no país africano. 33 anos depois, Eddie Murphy retorna ao seu papel icônico em Um Príncipe em Nova York 2 para descobrir que, na verdade, seu sêmen real gerou um herdeiro masculino e novaiorquino ao trono de sua linhagem. 

Eu digo 33 anos, mas poderia ser facilmente 33 semanas. Eddie Murphy e Arsenio Hall, ao reencontrarem Akeem e Semmi, não envelheceram um minuto. O carisma da dupla principal se manteve intacto na sequência que, mesmo não sendo tão atraente como sua antecessora, ainda arranca umas boas risadas do espectador. Com exceção da rainha Aoleon – Madge Sinclair faleceu em 1995 -, Patrice e Darryl, todos os personagens do primeiro longa participam da continuação. Só por esse fato, as quase duas horas não pesam em absolutamente nada, já que rever Murphy e Hall em seus papéis variados (Morris, Reverendo Brown, Randy Watson, Akeem, Semmi, Saul e Clarence) encanta qualquer resistente a revivals de filmes clássicos.

Dessa vez, quem assina a direção é Craig Brewer, que fez seu melhor em tentar recriar a atmosfera juvenil e debochada que John Landis idealizou lá em 88. Apesar do plot não chamar a maior das atenções, as adições de Leslie Jones, Jermaine Fowler e Tracy Morgan eram tudo que a gente precisava para completar o charme que o elenco original já carregava. O desenrolar da personalidade de Akeem, agora um rei que tenta fazer jus ao legado do pai, e sua relação embaralhada com as (muitas) mulheres de sua vida, o fazem fechar os olhos ao fato de que Zamunda possui uma futura rainha e não há tradição que não possa ser questionada. Mesmo que Um Príncipe em Nova York 2 deixe a desejar em alguns aspectos, a sensação de nostalgia e referências é tudo que a gente pode pedir de Murphy e Hall. – Caroline Campos

Godzilla vs. Kong  (Idem, Adam Wingard)

A briga do século finalmente está entre nós, infelizmente nas TVs e monitores, e não nas telonas do cinema. Desde que foi anunciado, Godzilla vs. Kong vem sendo hypado ao máximo, de forma justa. Quem não quer ver um lagarto de 120 metros lutando contra um macaco de 102, tudo isso em paisagens belíssimas? Pois é. E o filme é isso mesmo. Aqui, talvez o roteiro não importe muito, afinal, ninguém foi assistir ao longa esperando um texto complexo ou um drama entre os dois bichanos. Porém, essa natureza de pura ação e nada mais do filme, que invalida críticas mais ‘profundas’, também é, de certa forma, um problema. 

Longe de mim dizer que o filme não é inteligente o suficiente ou que a trama deveria focar em mais coisas além dos titãs, a questão não é essa. A produção tenta sim investir em uma narrativa minimamente interessante para os humanos, com Millie Bobby Brown reprisando as peripécias de Eleven, dessa vez ao lado de um conspiracionista da Terra Oca. Também temos a fofíssima Kaylee Hottle dando representatividade surda ao filme com a interessante e pouco explorada Jia. E mais um monte de gente com mil papéis que não tem tempo suficiente de tela para serem devidamente desenvolvidos. Mas, quem liga? Esse é o filme de Godzilla e Kong. 

O que eu gostaria mesmo era ainda mais dos titãs, com dois longas de 1h30. Antes da batalha, poderíamos ter tido mais uma produção solo de Kong e sua jornada para conquistar a Terra Oca. A escolha do estúdio de espremer duas histórias juntas em uma só pode ter ajudado nos custos milionários de CGI (e, talvez, mais um filme solo de Kong não seria tão rentável), mas prejudicou o foco, nos entregando uma bagunça narrativa que realmente só funciona pelos monstrengos quebrando pau. Mas… O que está feito, está feito, e é extremamente divertido de assistir. Qual a próxima fronteira da franquia? Rezo todos os dias para Godzilla e Kong trombarem com Clover. – Jho Brunhara

The World to Come (Idem, Mona Fastvold)

De cara, a paisagem bucólica acompanhada da narração poética de Abby, que tem em seu diário seu único confidente, revelam a melancolia da época e ditam o tom em The World to Come. No filme, que se passa em algum lugar dos Estados Unidos em 1850, Abigail (Katherine Waterston) vive uma vida pacata e dura com o marido, Dyer (Casey Affleck), de quem se distancia cada vez mais após a morte da filha. Praticamente isolados, o silêncio entre os dois é quebrado com a chegada de Tallie (Vanessa Kirby) e seu marido, que alugam um terreno próximo e fazem amizade com o casal. Com uma nova companheira com quem dividir a solidão, Abby se aproxima da cativante e intensa recém-chegada e as duas encontram uma na outra um refúgio da frieza e do vazio de suas vidas.

Lançado oficialmente em fevereiro, The World to Come, dirigido pela norueguesa Mona Fastvold, fez sua estreia em setembro no Festival de Veneza, em que Kirby também competia com Pieces of a Woman. A indicada ao Oscar é charmosa e instigante com Tallie, mas não ameaça o protagonismo de Katherine Waterston, que, em sua melhor atuação, exala todas as sutilezas das mudanças na vida de Abby, da melancolia à inquietação da paixão à melancolia novamente. Os homens também sucedem em seus papéis de maridos inconvenientes a ponto de serem insuportáveis e os resmungos de Casey Affleck, que faz a linha introspectivo compreensivo mas não gera empatia nenhuma, não fariam falta se os personagens fossem renegados a apenas um subtexto das protagonistas.

Apesar das atuações estupendas das atrizes, da direção que alterna entre sensível e distante de acordo com os relacionamentos retratados e da fotografia que destaca o bucolismo da paisagem, o ritmo lento torna as quase duas horas mais longas do que parecem. A atração de Abby e Tallie se dá aos poucos, como deve ser em um romance de época, e quando engata não falha em encantar, mas ainda é arrastada e não queima o suficiente para fazer jus ao sofrimento do desfecho. Ao final, The World to Come é como a narração do diário de Abby: poético e delicado, ainda que discreto e vagaroso. – Vitória Lopes Gomez

Dia do Sim (Yes Day, Miguel Arteta)

Imagine viver um dia no qual seus pais são obrigados a dizer sim pra tudo, desde o que será o café da manhã, até sua maior e pior arte. Essa é a premissa de Dia do Sim, o filme lançado pela Netflix conta com os incríveis Edgar Ramírez e Jennifer Garner em seu elenco, abrilhantando essa comédia família que tem o irresistível sabor de Sessão da Tarde. Recomendada a todos, é uma ótima escolha para se divertir e fugir um pouco da monotonia destrutiva dos tempos atuais.

A história se inicia com um casal topa-tudo que viveu à flor da pele seus anos de namoro e, de repente, se depara com a palavra sim sair do vocabulário após a chegada das crianças. Num lar transbordado de proteção – e de nãos -, os três filhos começam a se revoltarem com toda autoridade dos pais, entrando em consenso que um dia do sim seria a solução perfeita. Yes Day nos faz rir de forma leve e acerta no segmento de roteiro.

Além da parceria entre Jennifer Garner e Edgar Ramírez funcionar com cumplicidade, Jenna Ortega também chama a atenção em suas cenas interpretando a filha mais velha do casal. Já com o pé na adolescência, é a que mais sente falta de sua liberdade. A primogênita também é fã da cantora H.E.R. que faz uma participação especial no filme, deixando a produção ainda mais encantadora e sendo também um dos grandes motivos para você parar tudo que está fazendo e ir assistir Dia do Sim. – Ana Júlia Trevisan

Land (Idem, Robin Wright)

A dona de House Of Cards, mentora da Mulher Maravilha e amor da vida do Forrest Gump finalmente fez sua esperada estreia na direção cinematográfica. A obra que marca esse feito testifica também a versatilidade de Robin Wright. De seriados aclamadíssimos aos blockbusters de herói e clássicos do Cinema, o trabalho da vez da atriz e diretora tem um fundo indie e chega diretamente do Festival de Cinema de Sundance sob o título de Land. Num drama contido, o filme acompanha o processo de cura e redescoberta da vida de Edee (interpretada pela própria Robin), que se retira para uma cabana isolada nas montanhas de Wyoming depois de vivenciar uma tragédia. 

Sim, Land pode soar como uma mistura de Nomadland (sem incitar comparações, visto também que o intervalo de um ano que separa as produções é quase nulo na prática do Cinema) com Na Natureza Selvagem (dirigido pelo ex-marido de Wright). Mas Robin é senhora de seus caminhos e rege seu próprio balé em uma obra reflexiva, contemplativa e por vezes inconsistente – débito que pode ir pra conta conta do roteiro de Jesse Chatham e Erin Dignam -, refletindo a jornada interna de sua personagem, longe de melodramas e adorações ao sofrimento.

O mais marcante, dentre as paisagens belíssimas da fotografia de Bobby Bukowski, a trilha que passa por The Staves e Bruce Springsteen sob a supervisão de Ben Sollee e Time for Three e da sempre excepcional destreza da atuação de Wright que encontra ainda mais encanto junto de Demián Bichir, é a segurança de sua diretora. Land tem seus defeitos, mas nenhum deles é a soberba ou a necessidade de se engrandecer, se mostrar ou se provar em meio às tantas produções iniciantes forçadas para serem surpreendentes. Confiante de sua arte, Robin inicia sua filmografia assinando um filme singelo sobre solidão, bondade e restauração. – Raquel Dutra

TV

Expresso do Amanhã (Snowpiercer, 2ª temporada, TNT/Netflix)

O novo ciclo de Expresso do Amanhã segue sem rumo, muito semelhante ao próprio trem chamado Snowpiercer. Que muitas produções acabam perdendo o ritmo a gente já sabe, e infelizmente, esse foi o caso da série da TNT e da Netflix. Apesar da tentativa ousada de se distanciar da HQ e do filme dirigido por Bong Joon-Ho com um novo plot, a nova temporada é bem mais ou menos.

Continuando exatamente de onde a temporada passada acabou, a nova história retoma a conquista da democracia por Layton (Daveed Diggs) e o fatídico encontro com o Big Alice, trem de recursos comandado pelo misterioso Sr. Wilford (Sean Bean). Em um ponto comum, os dois trens concordam em uma trégua, e, de repente, o mundo está descongelando – um caminho previsível, mas justificável. Felizmente para eles, a esperança no planeta Terra ressurge, infelizmente para o público, isso acarreta na perda da única protagonista cativante da série, Melanie Cavill (Jennifer Connelly).

Com a perda de Melanie, o duelo agora se dá entre Layton e Wilford, que entre tapas e beijos seguem a temporada sem a maestria e inteligência da maquinista principal. Entre tramas paralelas sem sal, o sumiço da personagem e algumas sacadas óbvias de obras de ficção científica, a segunda temporada de Expresso do Amanhã perde o fôlego e fica travada no meio do caminho. Já os sentimentos de revolta e os ânimos exaltados que abalavam o trem do futuro ficaram lá na última revolução. – Isabella Siqueira

WandaVision (1ª temporada, Disney+)

Em março, chegou ao fim a primeira experiência da Marvel com a televisão. WandaVision foi idealizada com base nas décadas de sitcoms que a TV estadunidense possui e, para quem estava acostumado com narrativas lineares e previsíveis dos filmes do Universo Cinematográfico, foi uma baita surpresa. Enquanto tentamos entender por que diabos Wanda está em preto e branco e como Visão, que teve a cabeça dilacerada por Thanos em Guerra Infinita, anda e sorri em cena, a Marvel vai brincando com a nossa observação e com pequenas referências aqui e ali ao longo da série.

Como casal, Wanda e Visão são encantadores. Assisti-los se amando e se apoiando pelos nove episódios só ficaria melhor se tivéssemos, de fato, os visto assim nos filmes da Marvel. A dupla, mal aproveitada no cinema, tem a vida perfeita com a rotina perfeita e os filhos perfeitos. Infelizmente, a trajetória esburacada de Wanda Maximoff não demora muito para se sobressair. Perdida no próprio mundo que construiu para tentar lidar com o luto gigantesco que carrega em si, a personagem magistral de Elizabeth Olsen suga toda a empatia que o espectador tem a oferecer. Sentimos a dor e o desespero de Wanda em cada expressão que remete ao seu passado – especialmente em meio a tantos flashbacks daquele (sim, você sabe qual) episódio. 

A estrela do show, amada e odiada, dona de tudo que toca, entretanto, foi ela: Agatha Harkness. Não há nada que Kathryn Hahn não possa fazer, e ela deixou isso bem claro com a sua milenar bruxa embebida de poder que se entretém com o sofrimento de Wanda. Claro, nem Harkness esperava o nível da força da Feiticeira Escarlate, mas os confrontos das personagens são no mínimo interessantes. Se o arco do lado de fora não chama muito a atenção, as aparições de Pietro, a convivência de Billy e Tommy e a tentativa de Visão em entender Westview é o que fazem a primeira e única temporada focada em Wanda ser tão especial. Agora, é vez de Bucky e Sam. – Caroline Campos

RuPaul’s Drag Race UK (2ª temporada, BBC Three) 

A segunda temporada de Drag Race UK, infelizmente, chegou ao fim em março. Apesar dos episódios gigantescos, dos mini challenges enormes e dos maxi challenges maiores ainda, nós vamos sentir falta desse elenco. Onde falta espontaneidade e descontração no programa ‘original’, aqui sobra. Se tem algo que as versões estrangeiras da competição de RuPaul nos ensinam, é que há algo de errado com o perfeccionismo da produção estadunidense. Enquanto isso, no werkroom britânico, a equipe por trás das câmeras, um pouco mais despreocupada com a edição perfeita, permite que a naturalidade das queens transpareça, e tudo flui como um dia já fluiu na terra da Tia Sam.

Mas saudosismo é coisa de gente inerte, vamos falar do presente. Lawrence Chaney é a primeira vencedora gorda da franquia. Demorou, mas finalmente aconteceu, e com um nome merecidíssimo. Como sempre, teve chororô dos fãs do programa, cyberbullying problemático e discussões polêmicas, mas agora pouco importa. A talentosa queen escocesa se juntou ao panteão de Drag Race. Nesse elenco não faltou personalidades memoráveis: Ginny Lemon espremeu um limão no olho de RuPaul e abandonou o palco antes mesmo de dublar, sendo a única a nunca ouvir um sashay ou shantay; Tia Kofi transbordou carisma e se imortalizou com falas icônicas; e A’Whora e Tayce nos deixaram babando de tanta beleza e nerve. 

Veronica Green infelizmente nos deixou antes da hora. Quando as gravações da temporada voltaram após meses, por conta da pandemia, a londrina testou positivo para o maldito vírus e precisou ficar em casa. A boa notícia é que ela competirá na próxima edição, e, se o universo permitir, mais polida que nunca. Bimini Bon-Boulash perdeu a Coroa mas ganhou o mundo. Posso afirmar, sem receios, que a britânica não-binária e vegana é uma das mais fortes competidoras que já passaram pelo programa, e já é muito maior que as bordas de Drag Race. Excelente nos desafios de comédia, excelente nos de atuação, nos musicais, nas acrobacias, com impecável senso estético, inteligente e absurdamente carismática. Pensando bem, a Coroa realmente ficaria apertada nela. – Jho Brunhara

Allen contra Farrow (Allen v. Farrow, Minissérie, HBO)

Woody Allen é um crápula. Não há discussão quando o assunto é sua índole, seu caráter ou a maneira com que lidou com a crise midiática dos anos 90, quando sua filha Dylan o acusou de abuso sexual. Kirby Dick e Amy Ziering, responsáveis pelo documentário The Hunting Ground, aproveitam o longo formato de minissérie proposto pela HBO para dissecar os eventos no passado e as consequências do presente em Allen v. Farrow.

Despreocupada em ouvir ‘o outro lado’, a minissérie documental em 4 extensos capítulos, se baseia, ouve e ampara Dylan Farrow e sua mãe, Mia. A produção recapitula tudo com imagens de arquivo pessoal de Mia, enquanto contragolpeia os testemunhos de Allen com excertos de um áudio livro lançado em 2020. O momento do abuso no sótão, a guerra de tabloides e o casamento do diretor com Soon-Yi, filha de Mia, são documentados com o olhar e a complacência dos cineastas.

Dylan Farrow abre o coração e descasca os traumas, ao passo que Allen v. Farrow cria uma rede de apoio para a mulher. Ouvimos seus irmãos, sua mãe, advogados, médicos, todos corroborando a história dela, com provas e documentos. O final, Part 4, se estende por quase 80 minutos, investigando o papel da cultura nisso tudo. Atores famosos defendendo Allen em 2014, mas que voltaram atrás e apoiaram Dylan em 2018. Na eterna discussão de separar a arte do artista, Allen v. Farrow não se compromete em soar imparcial. Passadas mais de quatro horas, a ideia é a mesma: Woody Allen é um crápula. – Vitor Evangelista

Filhas de Eva (1ª temporada, Globoplay)

Imagine personagens reais, falhos e complexos. Adicione uma trama envolvente, trilha sonora de arrebatar, um elenco que mistura grandes nomes e novas revelações. Coloque também uma boa pitada de excelente direção de arte e textos que emocionam e você terá a receita certeira de um produto audiovisual de qualidade, que prende o espectador do primeiro ao último segundo. Foi trilhando esse caminho para o sucesso que o Globoplay estreou em 8 de março – Dia Internacional da Mulher – a deliciosa e envolvente série de doze capítulos, Filhas de Eva. 

Protagonizada pela gigante Renata Sorrah, que rouba os holofotes da série em cenas que vão do drama ao puro humor, com doses excelentes de romantismo, e acompanhada pelas também veteranas Giovanna Antonelli e Vanessa Giácomo, a história nos serve como uma dramédia das boas. Stella, interpretada por Sorrah, é casada há 50 anos com Ademar (Cacá Amaral), por quem se anulou e girou toda sua vida em volta, e durante a comemoração do aniversário de casamento, toma a drástica decisão de pedir o divórcio, em público, almejando apenas se reencontrar. Lívia (Antonelli), sua filha, é uma mulher casada e mãe de uma adolescente, profissionalmente satisfeita porém com um casamento que já viu dias melhores com Kleber (Dan Stulbach), um terapeuta raso e egocêntrico, que inicia um caso com Cléo, personagem de Giácomo, que por sua vez, torna-se amiga de Lívia sem ao menos saber quem ela é, entrelaçando assim os enredos da trama.  

É com o pedido de divórcio que Stella vira sua vida de cabeça para baixo numa jornada de autoconhecimento, revolução e busca pela liberdade, reencontrando antigos amigos e abrindo espaço para novas pessoas em sua vida. Filhas de Eva é uma série sobre a jornada, não apenas da protagonista, mas como de todos os outros personagens. É dessas séries que te colocam para sorrir ou se emocionar com facilidade, em cenas que podem entrar para o hall de takes memoráveis da TV brasileira, e tudo isso, com uma belíssima pertinência temporal e críticas políticas que se embrenham no enredo bem construído. É ótima pedida para uma maratona, sem deixar  a desejar à grandes séries em que se baseia, como Big Little Lies e This is Us. – Marina Ferreira

Oprah entrevista Meghan Markle e Príncipe Harry

Só Oprah Winfrey para dar conta de uma entrevista com ex-membros da família real britânica. A maior apresentadora dos Estados Unidos recebeu Harry e Meghan Markle para uma conversa franca no horário nobre da televisão norte-americana transmitida no canal da CBS no dia 7 de março. No quintal de sua nova casa, o casal falou sobre os motivos que os levaram a deixar sua posição dentro do reinado de Elizabeth II, bem como a vida que constroem agora na Califórnia. 

Guiada pelas perguntas e reações hospitaleiras e sempre atentas de Winfrey, a entrevista apresentou uma Meghan serena, machucada e determinada a dividir a sua verdade ao lado de um Harry um pouco mais incisivo, magoado mas ainda firme e seguro de suas próprias ações. Desamparo, danos psicológicos, racismo e “medo da historia se repetir” resumem o desabafo do casal, que ainda usaram o termo ‘firma’ alguma das vezes em que se referiram à família.

Para quebrar a tensão da conversa, Oprah ainda conheceu alguns espaços do novo lar de Harry e Meghan e deu o furo sobre o sexo do novo bebê do casal, mas é fato que o que ficou marcado foram as revelações sobre as atitudes da família real, que embora nada levianas, estão longe de ser uma completa surpresa. Muito mais do que fofocas reais, o que se vê nos 90 minutos de desabafo do casal à Oprah – que mesmo verdadeiro ainda constrói uma estratégia midiática cheia de intenções -, também rende um retrato das problemáticas oriundas do imaginário colonial, muito bem figurado na monarquia do Reino Unido. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Março de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.