Eles são rápidos, podem vir em diferentes cores, ritmos e formas. Alguns se debruçam sobre o drama, outros carregam o peso da história nos ombros e há ainda aqueles que são desenhados com os mais delicados traços. Todos são a escolha ideal para quem começou a assistir a lista de filmes indicados ao Oscar e sentiu que precisava descansar a vista após passar horas com os olhos vidrados em longas-metragens intermináveis. Sim, nós estamos falando deles, os curtas selecionados pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas para a 95ª edição da premiação.

Na disputa pela estatueta de Melhor Curta-Metragem Live Action, os lenços não são suficientes para enxugar as lágrimas do reencontro de dois irmãos e uma história de natal doce em meio ao amargo da guerra. Já na corrida pelo Melhor Documentário em Curta-Metragem, um bebê elefante órfão que nasceu como favorito ao prêmio divide espaço com uma loira estadunidense tão eloquente como a Hebe. Por fim, a estatueta de Melhor Curta-Metragem de Animação é arrastada de um lado para o outro com a sátira da vida sexual de uma jovem da década de 90 e a amizade improvável entre menino e animal. 

Se, no ano passado, a emissora ABC tomou a decisão infeliz de vetar a entrega das estatuetas das três categorias que dividem as 15 produções de menor duração, em 2023, a revolta do público e do Persona fez efeito e a cerimônia irá ao ar por completo. Repetindo o conteúdo informativo e imersivo do primeiro cineclube de curtas, a publicação está de volta com a estrutura pensada especialmente para os amantes da Sétima Arte. Dessa vez, com um ânimo especial pelo renascimento do Cinema e junto dos comentários apurados da Editoria, que não cansa de gabaritar os bolões dos principais eventos do meio, incluindo o Oscar 2023. 

Melhor Curta-Metragem Live Action

An Irish Goodbye

Quão difícil é seguir em frente? Em An Irish Goodbye, muito! Além de apresentar uma história emocionante, o curta-metragem dirigido por Tom Berkeley e Ross White, consegue equilibrar habilmente o drama e o humor. Com uma história envolvente, o filme aborda a relação de dois irmãos que, após a morte da mãe, são obrigados a lidar com suas diferenças e o luto pela perda. Os momentos engraçados são bem-vindos e adicionam leveza à trama, sem minimizar o peso emocional da perda e do luto, enquanto a construção dos personagens também é um dos pontos fortes, bem exemplificada pela quase personificação de uma urna como integrante. A trilha sonora e a fotografia do filme também merecem destaque, adicionando ainda mais profundidade e emoção à narrativa.

Com uma interpretação excelente dos atores James Martin, Seamus O’Hara, Paddy Jenkins e Michelle Fairley, a obra foi nomeada ao Oscar 2023 de Melhor Curta-metragem em Live Action. Em adição a um roteiro rico que aborda questões universais sobre a vida e a morte, a maneira inteligente de explorar o tema mórbido e a realização de sonhos pela lista de desejos da mãe dos irmãos serve como um meio para uni-los em torno de um objetivo comum. Memorável, tocante e simples, seus 23 minutos são coesos e de certo um forte competidor à estatueta. – Henrique Marinhos

Ivalu

Gravado na Groenlândia, Ivalu nos mostra os esforços de Pipaluk (Mila Heilmann Kreutzmann) para encontrar a irmã perdida que dá nome ao curta-metragem. Enquanto caminha em busca de respostas do desaparecimento da garota, somos levados a uma viagem intimista por seus pensamentos e passos solitários. Conforme o desenrolar, menos parece provável encontrar Ivalu e a protagonista é a única entre os familiares a cultivar a esperança. 

Com uma fotografia azulada, Rasmus Heise cria frames angustiantes em que a busca parece permanentemente isolada na mente de Pipaluk. Misturando imagens do cenário glacial e as feições enigmáticas da personagem, o filme ganha um ar melancólico. Sem precisar de muitos diálogos, a narrativa tem sua força fixada no que se passa pela cabeça da menina e, principalmente, na construção de imagens. 

Ivalu, que concorre na categoria de Melhor Curta-Metragem Live Action no Oscar 2023, é sucinto, as conclusões não precisam de explicitação. Sob a direção de Anders Walter e Pipaluk K. Jørgensen, a história é um retrato nublado das dores silenciosas. Seja no corvo que voa despretensiosamente ou na mãe do mar, a produção desnuda as cores que mostram como o processo de desaparecer acontece muito antes da falta do corpo físico. – Jamily Rigonatto 

Le Pupille

“A pupila” ou “a criança” são os dois significados adotados para Le Pupille, do italiano. São, também, dois conceitos diretamente retratados no curta-metragem homônimo dirigido por Alice Rohrwacher. Ao narrar uma história de Natal um pouco diferente, Alice se dirige a um orfanato em guerra, localizado na Itália , e procura retratar, principalmente, a ingenuidade e doçura das garotinhas em meio ao caos e à escassez. E são elas que trazem a luz ao ambiente escuro e triste.

O curta italiano não conta com grandes momentos de clímax ou reviravoltas, apenas mostra a rotina vivida pelos moradores do pequeno orfanato nos dias que antecedem o feriado. Ao longo dos 40 minutos, são abordados assuntos mais profundos, como a criação baseada na crença católica, extremamente comum no país, e a rigidez em consequência do fanatismo religioso. Além disso, a diretora e co-escritora brinca com as ironias voltadas ao egoísmo e desperdício em tempos de escassez: uma senhora, a fim de ter suas preces ouvidas, doa um bolo feito com 70 ovos para as meninas, que, no final do curta live action indicado ao Oscar 2023, tem um destino completamente diferente. – Amábile Zioli

Night Ride 

Em uma noite de inverno, Ebba (Sigrid Husjord) decide abrigar-se do frio da estação dentro de um bonde. A partir daí, uma viagem peculiar acontece. Nesse curta, o diretor Eirik Tveiten tem a desafiadora missão de contar uma história com momentos divertidos e tensos, incluindo episódios de transfobia e capacitismo, em apenas 15 minutos – e sem esquecer de um bom plot-twist, é claro. Não podemos dizer que ele fracassou, mas Night Ride entrega apenas o essencial, sem surpreender.

A protagonista, no entanto, chama atenção. Em um momento que parece ter originado de um lapso de coragem, acompanhar sua jornada dentro do veículo e observar o terror de qualquer pessoa que sofre da síndrome de impostor é interessante – mesmo sem ter nenhuma ideia de como proceder, Ebba segue no papel com uma confiança invejável. Além de Vegard Landsverk ter entregue uma fotografia bonita e natalina, o curta transmite uma mensagem essencial sobre ser a pessoa que se opõe à situações de injustiça e preconceito, mas que compara-se à uma crônica que se lê no jornal durante a manhã: ela te prende enquanto você toma café, mas até o fim do dia você já terá esquecido sobre o que era. – Clara Sganzerla

The Red Suitcase

Em um aeroporto luxemburguês, qualquer relatividade de espaço se congela na introdução dos três elementos-combustíveis de The Red Suitcase: a protagonista Ariane, sua mala vermelha rodando as esteiras e o embalo implacável do tempo. Com apenas 16 anos, a garota recém-chegada do Irã transpira um medo familiar às mulheres consideradas “metade de um homem”, enquanto avalia o casamento arranjado que seu desembarque reserva. A partir daí, bastam poucas palavras trocadas ao celular com o pai, para que ela assuma o atrevimento de recriar os rumos primários do curta-metragem – afinal, admitir a liberdade mais precária é infinitamente melhor que sobreviver sufocada pelos véus do patriarcalismo. 

Atenta e sensitiva, Nawelle Evad lidera a primeira história de sua carreira, enfrentando costumes arcaicos, barreiras linguísticas e raízes culturais. Sob a direção e produção de Cyrus Neshvad, a tensão enlaça toda a estrutura narrativa e deixa o rosto da atriz desvendar o frenesi da fuga, assimilado, em grande parte, durante a passagem de secções do campo aéreo. O roteiro, dividido entre Neshvad e Guillaume Levil, eleva o poder interpretativo da protagonista justamente nessa escassez de diálogos, aproveitando uma ficção semelhante a relatos da própria imprensa mundial. The Red Suitcase, enfim, não caça os fantasmas do machismo, mas reforça quanta coragem ainda precisa guiar e sustentar a vida feminina. – Vitória Vulcano

Melhor Documentário em Curta-Metragem

Como Cuidar de um Bebê Elefante (The Elephant Whisperers)

A Netflix vem transformando a parte documental do Oscar em um pequeno monopólio e esse ano não será diferente. Um de seus representantes na categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem, Como Cuidar de um Bebê Elefante, nasceu como favorito. Idealizado pela indiana Kartiki Gonsalves, o documentário conta a história do casal Bomman e Bellie, que vivem em Theppakadu, uma aldeia-santuário do sul da Índia, no momento em que eles precisam cuidar de Raghu, um bebê elefante órfão.

Não chega a ser inovador e muito menos revolucionário, mas The Elephant Whisperers se propõe a fazer o básico da melhor forma possível, e consegue. Por isso, o curta documental usa de sua força narrativa descomunal para criar uma história envolvente e extremamente tocante. Com pouquíssimos diálogos e uma fotografia excepcional, ele nos lembra programas do National Geographic e dessa forma, coloca o próprio ser humano como mais uma das espécies analisadas. A partir desse fio condutor, a obra trata de forma muito singela a relação do ser humano com a natureza e sobre como nós nos distanciamos da coexistência com ela. – Guilherme Veiga

Como se Mede um Ano? (How do You Measure a Year)

How do You Measure a Year, ou Como se Mede um Ano?, é o documentário em curta-metragem filmado por Jay Rosenblatt, cineasta já conhecido pela nomeação ao Oscar de sua outra produção, When We Were Bullies, em 2022. O filme acompanha os aniversários de Elle, a filha do documentarista, que durante 17 aniversários responde às mesmas perguntas que o pai faz, mas sempre de uma maneira diferente. Durante a meia hora, é possível reconhecer os medos, as inseguranças, as descobertas e as mudanças que acontecem ao decorrer do crescimento da garota. É interessante notar como a cada ano que passa, as prioridades e o senso de percepção das vivências vai se alterando.

O curta concorre ao Oscar de Melhor Documentário em Curta-Metragem em 2023, o que pode causar certo estranhamento. O que ao público interessa os vídeos caseiros de um pai sobre sua filha? Bem, talvez o mesmo senso intimista da relação pai e filha, que já é uma temática nas premiações de Cinema do ano, como em Aftersun, da diretora Charlotte Wells. Em How do You Measure a Year, o que se comunica é a visão do pai sobre o amadurecimento de sua filha. Ao final, o curta faz com que Elle e todos aqueles que a assistiram reflitam sobre em qual momento da vida as coisas deixam de ser simples e se tornam intrincadas, além de girar em torno de uma premissa maior, a respeito do que é felicidade para cada um, em cada momento da vida. – Costanza Guerriero

Haulout

Haulout é um documentário da The New Yorker que acompanha o cientista Maxim Chakilev nos meses que passa anualmente em uma cabana no Ártico siberiano. Em busca de análises sobre a movimentação das morsas, o biólogo marinho se instala e observa os animais durante o período de migração, enquanto registra as alterações e consequências causadas pelas mudanças climáticas na vida da espécie. Dirigido e roteirizado por Evgenia Arbugaeva e Maxim Arbugaev, o curta-metragem abraça o pedido de socorro de quem, cada vez mais, perde seu espaço no planeta. 

Por ser o único humano presente nas filmagens, as poucas falas presentes são as gravações de voz de Chakilev sobre a presença dos animais. Entretanto, o filme não pode ser traduzido como monótono, já que a força da natureza cumpre o papel de uma personagem cheia de diálogos próprios. Envoltos pelos sons das ondas quebrando, das revoadas de pássaros e do chiado das morsas, somos levados em uma viagem tão fonética quanto imagética. 

As cenas, também filmadas pelos diretores, são impressionantes. Nadando por um mar sem gelo, milhares de morsas descansam na terra. A aglomeração resulta em diversos animais mortos ou fragilizados e, quando chega a hora de partir, os corpos dos espécimes que não sobreviveram ficam na areia da praia. Concorrendo ao Oscar de Melhor Documentário em Curta-Metragem, Haulout conta com sensibilidade suficiente para transmitir uma melancolia monumental. Entre os filhotes órfãos e a luta pela sobrevivência, a fortuna dos culpados continua intacta. – Jamily Rigonatto

O Efeito Martha Mitchell (The Martha Mitchell Effect)

Vestindo cores vibrantes, atraindo os olhares para penteados que criaram tendências e carregando um senso de humor apurado, Martha Mitchell é a figura mais excêntrica do Oscar 2023. A ex-esposa de John N. Mitchell, procurador-geral do governo estadunidense de Richard Nixon, fez história à frente do escândalo Watergate graças ao seu posicionamento franco acerca do envolvimento do alto escalão do partido republicano. Ainda que falecida em 1976, ela é retratada com vividez pelas diretoras Anne Alvergue e Debra McClutchy no curta-documentário indicado à premiação, O Efeito Martha Mitchell.

O título do filme original Netflix, faz alusão ao termo criado pelo psicólogo Brendan Maher em 1988. Segundo o pesquisador, o efeito Martha Mitchell acontece quando um paciente é erroneamente diagnosticado como delirante ou paranóico por atestar situações tidas como improváveis, mas que realmente está dizendo a verdade. A definição se une perfeitamente com a montagem de Alvergue, responsável por transformar a fotografia do arranjo de flores com a frase “Martha Was Right” (em tradução literal: “Martha Estava Certa”), presente no funeral da personalidade, na cena que arranca as lágrimas do público. 

Ao espectador brasileiro, os traços icônicos da socialite conservadora se assemelham a uma loira nacional que, mesmo sem ter sido desacreditada ao longo de uma investigação jornalística, também foi a frente de seu tempo e protagonizou a década de 70, Hebe. Com a composição de imagens de um tempo em que as cores ainda não adentravam o audiovisual por completo, gravações de arquivos históricos e fitas de áudio tiradas direto do esquema de espionagem de Nixon, O Efeito Martha Mitchell caminha na direção de um registro biográfico que sabe pontuar os momentos cruciais de sua personagem. – Nathalia Tetzner

Stranger at the Gate

Stranger at the Gate mostra os conflitos internos do ex-oficial da Marinha dos Estados Unidos, Richard “Mac” McKinney. Como consequência do tempo em que serviu às Forças Armadas, Mac adquiriu o transtorno do estresse pós-traumático (TEPT), e, ao voltar para a Muncie, a cidade em que vivia, acaba se deparando com rostos que foi ensinado a odiar. O homem começa a planejar um atentado à mesquita local, sentindo que essa ação colocaria fim em seu sofrimento. Em seus trinta minutos, o curta documental é tocante e exibe diversos pontos sobre o momento em que o protagonista vivia, além de explicitar a islamofobia presente no país. 

Por causa de seu plano, o veterano de guerra decidiu ir até o Islamic Center of Muncie (Centro Islâmico de Muncie) para entender qual seria a dimensão de seu ataque; e quem já estava na mesquita, refletia o que ele estava fazendo ali. “Talvez ele esteja procurando por uma solução, e, se você pode ser a solução para ele, para seus estresses, por que não ser bondoso com ele?”, disse Saber Bahrami, co-fundador do centro. Essa foi a primeira surpresa para Mac: a forma em que foi recebido transbordava paz, bondade e compaixão. O ex-oficial continuou visitando o lugar, e, após oito semanas, percebeu que todo ódio, raiva, e planos haviam saído de seu coração. “Ele estava abraçando as pessoas que queria enforcar”, contou Dana McKinney no documentário.

Indicado ao Oscar de Melhor Documentário em Curta-Metragem, Stranger at the Gate é delicadamente forte. Construído por meio de depoimentos, as cenas, frases e comentários são chocantes, e conseguem mostrar os preconceitos sofridos por muçulmanos nos Estados Unidos. O curta traz diversas reflexões e pontos de vista, indo das vivências de um homem que viveu e foi influenciado por um ambiente islamofóbico por mais de vinte anos, até as de uma família de imigrantes refugiados, que conseguiu se estabilizar em um país novo; além de tratar assuntos como traumas e o perdão. – Laura Hirata-Vale

Melhor Curta-Metragem de Animação

An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe It

Se você procura por um stop-motion que combina Matrix, O Show de Truman, Don’’t Worry, Darling e comédia, An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe It é a resposta. Em um formato metalinguístico que mescla a própria produção do curta com sua narrativa, o indicado ao Oscar de 2023 tem de especial seu humor: se um avestruz invadisse seu escritório e te dissesse que o mundo que você vive é mentira, você acreditaria? Nosso protagonista Neil não encontra outra opção além de assumir que sim.

A grande sacada do diretor Lachlan Pendragon é, apesar de não trazer nada de novo, ter referências clássicas bem executadas e uma fórmula que gostamos. Muito bem construído e inteligente, apreciamos das falhas do universo do protagonista, da maneira como fazemos parte do backstage, da quebra da quarta parede e, é claro, do avestruz. A peculiaridade de An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe It o levou a ser homenageado em 2022 no Student Academy Awards e merece, com certeza, 11 minutos de sua atenção. – Clara Sganzerla

Ice Merchants

Em uma casa no topo de uma montanha de neve, um garotinho se empurra para frente e para trás em um balanço, que pende sob as alturas. Ele, junto ao pai, vivem no topo e diariamente descem a altitude de paraquedas para venderem gelo aos moradores da cidade abaixo deles. Nessa rotina repetitiva e metódica, um dos curtas-metragens mais visualmente encantadores da categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação mostra o impacto da ausência, mas conquista pelo poder do amor.

Dirigido e roteirizado pelo português João Gonzalez, Ice Merchants não carece de palavras para impactar. O dia a dia de pai e filho é notada por uma caneca amarela sem dono, mas o que prevalece e encanta é a relação de companheirismo e carinho entre os dois personagens, representadas através de uma animação cativante em tons pastéis. Como Gonzalez acredita, o curta é “um drama familiar sobre perda e conexão”, mais sensorial e físico do que palavras conseguem retratar. Sensivelmente, sem vozes, Ice Merchants fala alto. – Vitória Gomez

My Year of Dicks 

Inspirado no livro de Pamela Ribbon, Notes to Boys: And Other Things I Shouldn’t Share in Public, My Year of Dicks se debruça sobre as memórias da diretora Sara Gunnarsdóttir em um momento confuso da adolescência: a perda da virgindade. Contando um pouco de como foi a busca pelo garoto escolhido e as reviravoltas até o esperado momento, a animação se divide em 5 partes cheia de momentos constrangedores e cômicos. 

Com 15 anos, as expectativas da personagem sempre são mais altas do que o alcançável e a mistura do que a consciência dela diz e o que acontece na vida real proporciona momentos engraçados e um drama juvenil capaz de fazer qualquer pessoa lembrar de uma de suas fanfics veranis pessoais. O curta, que concorre na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar 2023, se inclina à comédia, mas também conta com reflexões e temas muito relevantes, como o consentimento, a vergonha e o abismo proporcionado quando as coisas acontecem sem naturalidade.  

Para além de um roteiro muito cativante, o formato da animação é um momento à parte. Produzida por 15 animadores, incluindo Gunnarsdóttir, as ilustrações trazem formatos diversos em concordância com cada um dos devaneios da protagonista. De um vampiro melodramático a um parque de diversões kawaii, as imagens tomam formas plurais e muito divertidas. Não dá para saber se todo mundo já teve um ano como o de Sarah, mas a conclusão com certeza é a mesma: o planejamento sempre perde para o acaso. – Jamily Rigonatto 

The Boy, the Mole, the Fox and the Horse

“O que você quer ser quando crescer?”, pergunta a toupeira ao menino pouco tempo depois de se conhecerem. “Gentil”, ele responde. E é na gentileza, na amizade, na coragem e na esperança que The Boy, the Mole, the Fox and the Horse se baseia. Na amizade improvável entre os quatro personagens do título, a adaptação da obra homônima do britânico Charlie Mackesy não se mostra apenas como uma história que estimula a reflexão e a discussão sobre a vulnerabilidade, mas também como uma verdadeira obra de arte.

Com traços que parecem incompletos e com um texto direto e sem floreios, é plausível afirmar que a beleza da animação, indicada como Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar 2023,  é etérea. Ao aliar simplicidade e funcionalidade, a direção de  Peter Baynton e do próprio autor é um ótimo exemplo de que não se precisa muito para fazer algo extraordinário. Ademais, a trilha sonora composta por Isobel Waller-Bridge é de uma delicadeza ímpar, e a sua sincronização não intrusiva é uma deslumbrante forma de fazer uso da música em produções cinematográficas. – Raquel Freire

The Flying Sailor

Em uma manhã idêntica a todas as outras, um marinheiro caminha em um porto. Enquanto acende seu cigarro, ele observa a aproximação de dois grandes navios que acabam por colidir, gerando uma grande explosão, levando os carregamentos, o porto e o marujo observador aos ares. Esse é o princípio de The Flying Sailor, projeto roteirizado e dirigido por Amanda Forbis e Wendy Tilby, que concorre na categoria de Melhor Curta-Metragem de Animação no Oscar. Mesmo não sendo o favorito na corrida pela estatueta, o marinheiro voador constituiu uma experiência visual valiosa, mostrando um lado novo em uma história já conhecida. 

Baseado em uma história real, a nova criação da dupla de diretoras usa do fato como um pontapé inicial e mergulha em uma viagem surrealista, mostrando ao espectador a vida de um homem que, ao ser arremessado pela explosão, sobrevoou os céus. O estado de quase morte, no qual a percepção de passado, presente e futuro se mesclam, é visualmente estonteante – não necessita de uma única palavra ou descrição. A passagem da fase de ascensão para a queda, ditadas pelas composições de Luigi Allemano, prendem o olhar que segue ansioso os cortes, só descansando ao ver o resultado final. Os quase oito minutos de The Flying Sailor passam rápido, em uma viagem de cores e sons, que abre alas à imaginação. – Aryadne Xavier 

O post Os Curtas do Oscar 2023 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Como forma de condensar a longa e complexa cobertura do Oscar 2022, o Persona decidiu reunir os 15 curtas em um único post, enxugando as informações e entregando a seus leitores uma experiência de imersão dentre a vasta gama de alcance dos títulos reconhecidos pela 94ª edição da cerimônia. Abaixo, você confere comentários, curiosidades, opiniões e contextualização a respeito das 5 animações, 5 live actions e 5 documentários que a Academia prestigiou.

No entanto, chega a ser ridículo falar sobre o prestígio da organização que, na decisão imprudente e motivada pela emissora ABC, determinou que oito das vinte e três categorias não seriam reveladas e exibidas ao vivo. Se nem a Academia se importa com o Oscar, por que deveríamos nós? Simples: pela qualidade do Cinema, pela oportunidade de premiar profissionais talentosos e, por fim, pela esperança de dias melhores.

Ano passado, as vitórias de Se Algo Acontecer… Te Amo, Dois Estranhos e Colette mostraram a força da Arte em forma de curta-metragem. Os discursos, recheados de emoção e um senso palpável de reconhecimento e alívio, tocaram em temas como armamento, violência policial, racismo e a luta antinazista. Em 2022, ainda não se sabe como serão transmitidos os recortes de agradecimentos, privados de serem experienciados na íntegra. Por enquanto, aprecie e assista as produções concorrentes, dê valor ao que a Academia insiste em renegar como “menor”, e boa leitura.

Melhor Curta-Metragem de Animação

A Sabiá Sabiazinha (Robin Robin)

Em um belo dia, o ovo de uma sábia mãe cai do ninho e rola ladeira abaixo, indo parar no lar de ratos do campo. Lá, nasce a pequena Sabiá, ou Robin, que logo toma os jeitos da família adotiva e desata a se comportar com uma pequena roedora. Esse é o ponto de partida do curta animado dirigido por Dan Ojari e Michael Please, e escrito pela dupla ao lado de Sam Morrison. Original e disponível no catálogo da Netflix, Robin Robin chega ao Oscar 2022 como favorito, um ano depois da vitória de Se Algo Acontecer… Te Amo, representando do Tudum.

A pegada intimista do filme, que se estende para além de curtos e preciosos trinta e dois minutos, é o que encanta. Os personagens são criados como bonecos de lã e agulha, tem textura de algodão e conversam com a calma que os animais de fábula o faziam nos primórdios do Cinema. Quem dubla a protagonista é uma afetuosa Bronte Carmichael, que tem a companhia do sempre formidável Richard E. Grant e o antagonismo da barra pesada Gillian Anderson, que aqui empresta sua voz para a Gata. Com material suficiente para sustentar um longa-metragem, as desventuras da Sabiá Sabiazinha brilham inocentes na disputa pela estatueta. – Vitor Evangelista

Affairs of the Art

“Todas as famílias felizes se parecem, cada família infeliz é infeliz à sua maneira”. A icônica frase inicial de Anna Kariênina (1878), de Liev Tolstói, pode muito bem diagnosticar o que acontece com a família de Beryl (Menna Trussler), embora a única personagem realmente infeliz pareça ser justamente ela, a protagonista. Indicado ao Oscar 2022 na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, Affairs of the Art (2021) desenrola-se, ao longo de seus 16 minutos, através da fascinante vontade de Beryl em se tornar uma artista, ofuscada por outras questões familiares. Na pequena história animada, acompanhamos o entorno da personagem principal, junto a sua narração, de forma a compreender as razões pelas quais foi obrigada a deixar de lado seu sonho e conformar-se (somente no início) com um emprego na fábrica próxima a sua casa. 

No mundo real, a personagem é antiga, e sua história vem sendo retratada pela ilustradora e diretora Joanna Quinn há mais de 30 anos; Girls Night Out, Body Beautiful (1987) é o primeiro filme em que Beryl foi apresentada ao público. À época, foi o trabalho de conclusão de curso de Quinn. Posteriormente, outros 3 pequenos filmes deram vida à personagem; todos – incluindo este Affairs of the Art – foram ilustrados à mão e animados em 2D. Mas a graça do curta consiste na relação forte que a personagem principal, uma mulher da classe trabalhadora britânica, estabelece com a arte, pois, enquanto nos narra a história da sua família e rememora o passado, cria ilustrações – às vezes está desenhando o marido, às vezes pintando a si mesma. 

É interessante lembrar que o contexto em que a personagem surgiu, no fim dos anos 1980 na Inglaterra – sob o governo de Margaret Thatcher –, representa muito sobre suas incertezas, visto que ela deriva da classe operária cujas possibilidades de futuro foram anuladas pelo slogan T.I.N.A. (There Is No Alternative; em português, Não Há Alternativa). Em 2022, a diretora Joanna Quinn concorre pela primeira vez a um Oscar, mas as histórias anteriores sobre Beryl venceram o BAFTA 4 vezes. O curta também recebeu o Prêmio de Distinção do Júri no Festival de Cinema de Animação de Annecy (considerado o mais prestigioso prêmio de animações do mundo), em 2021. – Bruno Andrade

Bestia

Inquietante e perturbador são as palavras que definem Bestia. O curta-metragem, dirigido por Hugo Covarrubias, e roteirizado por ele junto de Martín Erazo, inspira-se em eventos reais de uma agente secreta da ditadura militar chilena. A agente em questão é Íngrid Olderöck, que, durante o regime de Pinochet, foi responsável por torturas e violações de direitos humanos dos presos políticos, inclusive usando seu cachorro para tal. O curta, um dos favoritos para levar o Oscar 2022 de Melhor Curta-Metragem de Animação, retrata a memória coletiva do período e a figura da agente através de um suspense.

A técnica stop-motion, com a personagem animada na aparência de uma bizarra boneca de porcelana, soma-se à trilha sonora tensa, responsabilidade de Ángela Acuña, e tornam os 16 minutos de A Fera ainda mais sombrios e intensos. O filme, ao invés de se ater a fatos históricos tirados de relatórios oficiais da ditadura, opta por construir o cotidiano monótono da torturadora, com destaque para sua vida pacata, suas assombrações e medos, e sua relação com seu cachorro. As atrocidades cometidas pela personagem aparecem em vislumbres e tornam Bestia enigmático, ao mesmo tempo que, dada sua devida contextualização, pesado. – Vitória Lopes Gomez

Boxballet 

Quão brutal é o balé? Qual doce é o boxe? Qual a intersecção dessas manifestações corporais? O russo Boxballet não responde nenhuma dessas questões, mas ao longo de quinze minutos desprovidos de falas mas recheados de deleite visual, o filme passeia pela linha-fina entre as dores de cada modalidade. Na história, um lutador chamado Evgeny, brutamontes metido a mal-humorado, salva o gato da bailarina Oly, uma mulher esguia e timidamente adorável.

Eles sentem uma atração quase que instantânea um pelo outro, ao passo em que a direção de Anton Dyakov cria paralelos em câmera e em texto a respeito da proximidade desses dois personagens tão distantes no papel. A graça de Boxballet é observar o traço cartunesco e geométrico digladiar-se em nossa frente, seja nos socos levados pelo homem, seja nas piruetas rodadas pela mulher. – Vitor Evangelista

The Windshield Wiper

“O que é o amor?”, pergunta-se a Arte há milhares de anos. Dentre todos os estudos que surgem no Cinema, na Música, na Literatura e em todas as outras expressões artísticas, a questão se encaixa de maneira contundente no Oscar 2022 através de The Windshield Wiper, o trabalho mais recente do diretor espanhol Alberto Mielgo. Com estreia na Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes 2021, a produção hispano-americana tem como único objetivo analisar uma das perguntas mais antigas da humanidade através de fragmentos de histórias cotidianas em apenas 15 minutos.

E a palavra é realmente observar, já que o curta não se preocupa em perseguir o objetivo invencível de responder à questão. Numa identidade visual que só parece inconsistente, o filme se vale das formas – em todos os sentidos da palavra – para retratar seu objeto. Seja nos “comos” em que o amor se expressa, nos “ondes” ou nos “porques”. O prestígio e ousadia do diretor, já consolidado no campo das animações, consegue surpreender mesmo em uma história naturalmente subjetiva. A sua maior missão, no entanto, já foi concluída: nos mostrar que o amor é tudo e está em todo o lugar. – Raquel Dutra

Melhor Curta-Metragem em Live Action

Ala Kachuu – Take and Run

A introdução de Ala Kachuu – Take and Run é a apresentação perfeita para a história do filme de Maria Brendle. Ao mostrar uma garota correndo de forma a sugerir uma fuga quando, na verdade, ela está apenas brincando com a sua irmã, é provavelmente a cena mais poderosa do curta, que mostra em sua história o terrível amadurecimento forçado ao qual centenas de milhares de meninas são submetidas pelas culturas mais conservadoras do mundo. A vítima aqui é Sezim (na poderosa Alina Turdumamatova), uma jovem recém-formada na escola que sonha em continuar seus estudos e viver de forma independente bem longe do interior, onde sua família e comunidade a querem manter num casamento arranjado.

Apesar do desenvolvimento simples, o filme mantém um ritmo de suspense à medida que avança nas demonstrações de coragem de Sezim pelo seu futuro. Entre fugas bem-sucedidas e outras não tanto assim, a protagonista não cede à sua própria vida, alimentando os 38 minutos do curta e transformando sua atmosfera em seus momentos mais dramáticos. Ao colocar em foco o contexto patriarcal que insiste em sufocar a vida de jovens garotas – e que não está tão distante de nós como pode parecer -, Ala Kachuu – Take and Run assume, sem dúvidas, uma posição de destaque dentre os curtas do Oscar 2022. – Raquel Dutra

On My Mind

Usar a arte como forma de terapia não é algo novo no pedaço. Por isso, quando o diretor Martin Strange-Hansen, que já venceu essa categoria da Academia vinte anos atrás, perdeu sua filha, a decisão de transformar o luto em Cinema foi uma decisão interessante na carreira. O filme em questão, chamado On My Mind e produzido por ele ao lado de Kim Magnusson, faz uso de apenas dezoito minutos para retratar a alma de alguém que há muito foi roubado do brilho dos olhos. 

Na história, Henrik (Rasmus Hammerich) deseja cantar uma canção no karaokê do bar e ser gravado enquanto solta a voz. Empecilhos nascem, soluções entram na frente e o roteiro, também assinado pelo realizador dinamarquês, não se importa em mostrar as cartas de primeira. Pela força de vontade do homem e pela resiliência de chegar ao fim da faixa, o breve relato de morte acaba eternizando com simpatia seu amor por alguém que já partiu. – Vitor Evangelista 

Please Hold

Please Hold (2020) se desenrola em um futuro distópico, no qual Mateo Torres (Erick Lopez) é preso por um drone policial, sem saber por qual acusação. O aparelho do sistema evoca sua sentença e o obriga a ir para a delegacia. Nessa trama kafkiana, o personagem não consegue ter acesso a nenhum “ser humano de verdade” – algo que ele implora para conseguir explicar sua situação –, e é encarcerado sem contato com qualquer indivíduo que possa trazer esclarecimentos. Na cela, há uma televisão interativa, com um sistema de inteligência artificial que responde (parcialmente) às perguntas de Torres, e após indagar sobre a possibilidade de um advogado, é transferido para uma página com anúncios em vídeo dos representantes da lei, em um estilo meio político, meio vendedores de carro, que tentam convencer os presos a comprarem seus serviços. 

Como se pôde perceber, muitas coisas acontecem em um período curto de tempo; afinal, trata-se de um filme de 18 minutos. De todo modo, a diretora e roteirista de origem mexicana Kristen “K.D.” Dávila amarra tudo muito bem, e passa sua crítica de forma pertinente e perspicaz, pois, mesmo sem explicações iniciais, conseguimos entender o que está acontecendo: Mateo Torres é um imigrante latino, e foi confundido pelo sistema de reconhecimento facial com o verdadeiro culpado pelo crime que nem ele e nem nós ficamos sabendo qual foi. Além de Torres ficar distante de qualquer interação humana, ele arca com todos os custos prisionais (para fazer ligações, para comer), cujo pagamento é debitado diretamente de sua conta bancária. Por essa razão, o trabalho se torna obrigatório dentro da cela, onde ele passa a fazer crochê para uma empresa privada, que o paga em centavos.

Ao estilo Black Mirror, o curta traz ressonâncias reais bastante reflexivas, e, mesmo com cenas que apontam desfechos previsíveis, Please Hold não assustaria se levasse o Oscar de Melhor Curta-Metragem em Live Action, justamente pela contundência de sua crítica social. Tudo se torna pior quando lembramos do livro Algoritmos de Destruição em Massa (2021), da cientista de dados Cathy O’Neil, no qual denuncia, entre outros temas, justamente a maneira racista que os algoritmos têm funcionado, pois se retroalimentam da base de dados que os dá vida, replicando ideologias. Por fim, quando ficção e realidade se cruzam de forma tão contundente quanto em Please Hold, o resultado é quase sempre certeiro. – Bruno Andrade

The Dress

Quando Julka (Anna Dzieduszycka) captura o olhar de Bogdan (Szymon Piotr Warszawski), ela espera uma escapatória para seus dias solitários. No curta-metragem The Dress, a personagem principal é uma camareira com nanismo, que tem de conviver com os constantes comentários ofensivos dos hóspedes do motel em que trabalha. Até que um dia, um caminhoneiro hospedado por lá chama sua atenção – e é recíproco – e os dois combinam de se encontrar dali a quatro dias. É partindo de uma premissa simples que o filme se aprofunda nas angústias de sua protagonista.

Sukienka, no título original, trabalha a solidão de sua personagem principal, que tem poucos amigos e revela não ter tido relações românticas antes, através dos dias pacatos. Já quando Julka se interessa pelo hóspede, o curta explora as expectativas dela, suas angústias e receios (com si mesma e com outra pessoa), e sua vontade de ser amada de forma sutil. Nisso, a estrela Anna Dzieduszycka tem papel fundamental e transparece os sentimentos de sua personagem. The Dress, porém, opta por uma reviravolta que foge da mensagem positiva e acolhedora que vinha construindo, e deixa um gosto amargo quando se encerra. – Vitória Lopes Gomez

The Long Goodbye 

Embora os primos estejam discutindo entre as arrumações para uma celebração e a cozinha seja pequena demais para o número de cozinheiros, tudo parece bem na casa de uma família inglesa de origem paquistanesa. A TV, em volume alto, mostra casos de violência, e não demora muito para que o diretor Aneil Karia transporte a autoridade da telinha para a porta da frente, neste curta vencedor do BIFA, o BAFTA do Cinema independente.

Quando percebe o que está tomando parte, Riz (Riz Ahmed) tenta mobilizar os familiares e proteger aqueles que ama, mas é tarde demais. Os vizinhos assistem em silêncio um grupo autoritário raptar as mulheres e crianças e ajoelhar os homens no meio-fio. Um a um, eles são exterminados; um a um, suas vozes são silenciadas. Prestes a seguir o destino de seus semelhantes, Riz pausa a execução, mira na câmera, e recita versos de um manifesto em formato de rap discursivo, relatando os perigos de se viver como imigrante em um país extremista e racista. A obviedade das falas ensurdece qualquer motivação genuína que venha na concepção da obra, tornando o filme uma peça política que engasga a Arte, sem sucesso. – Vitor Evangelista

Melhor Documentário em Curta-Metragem 

Audible 

Disponível no catálogo da Netflix, o curta-metragem documental Audible acompanha um grupo de estudantes da Escola para Surdos de Maryland. Nosso protagonista é Amaree McKenstry-Hall, um jovem à beira dos 18 anos que, além de ser peça fundamental do time de futebol americano do colégio, navega por um romance com uma colega de classe e ainda lida com a morte do amigo próximo, que se suicidou há pouco tempo.

Entre a casa de Amaree (ele é a única pessoa surda da família), passando pelos corredores do high school, o campo de futebol e a igreja onde o pai, que esteve longe do garoto em seus anos formativos, a direção de Matthew Ogens consegue capturar as minúcias de um elenco rico em histórias e em sensibilidade. No ano em que No Ritmo do Coração voa alto na onda da aclamação, é de bom grado assistir a um curta protagonizado por pessoas surdas, mostrando que as mudanças na indústria não parecem ser passageiras. – Vitor Evangelista

A ótica de Onde Eu Moro persegue metrópoles por uma razão muito importante: observar a maior crise humanitária da costa oeste dos Estados Unidos, que é oriunda de um problema social de moradia encontrado em vários outros lugares do mundo. O contexto da maior potência do planeta, no entanto, é singular, e falar de desigualdade social e distribuição de renda no centro do capitalismo se transforma em uma discussão muito maior do que qualquer delimitação territorial. Mas apesar de entender essa perspectiva, o filme dirigido pelo brasileiro Pedro Kos e pelo estadunidense Jon Shenk nunca a compreende de fato. 

Valendo-se de uma estrutura documental tradicional – e muito óbvia – , o curta explora a imagem de pessoas em situação de rua, que ali, se transformam em personagens abusados, violentados, desamparados e abandonados. Com qual finalidade? Muitas, mas nenhuma delas envolve analisar de fato o problema – o que acaba, na verdade, deixando seus motivos bem claros. Os contextos retratados em Onde Eu Moro podem até estar preocupados com as evidências do problema, mas não em solucionar a sua raiz. E de alguma forma, isso o faz estar no lugar certo dentre as indicações da Academia que conhecemos. – Raquel Dutra

The Queen of Basketball

Lusia Harris não é um nome internacionalmente famoso. É para isso que vem The Queen of Basketball, curta-metragem do jornal estadunidense The New York Times como parte da série de documentários Op-Docs e Almost Famous, que retrata personalidades notáveis, mas que não chegaram a atingir a fama. Harris é uma das pioneiras do basquete feminino, liderou três vitórias consecutivas de seu time no campeonato nacional norte-americano, sendo a única integrante negra da equipe, foi medalhista olímpica e a primeira e única mulher oficialmente convocada pela NBA, maior e mais importante liga dos Estados Unidos. Ainda assim, seu nome pouquíssimo é conhecido até pelas pessoas envolvidas com o esporte.

No filme, indicado ao Oscar 2022 como Melhor Documentário em Curta-Metragem, Lusia Harris, que faleceu no começo do ano, é colocada frente a câmera para contar sua própria trajetória. Durante os 22 minutos, os depoimentos dela são misturados a recortes de notícias e de gravações de jogos e entrevistas da época, no que a montagem de Stephanie Owens e Ben Proudfoot se destaca. The Queen of Basketball luta contra o apagamento da história da Rainha do Basquete, e venceu em Melhor Curta-Metragem Documental no Critics Choice Documentary Awards, chegando com reconhecimento ao Oscar. – Vitória Lopes Gomez

Três Canções Para Benazir (Three Songs for Benazir)

Para além das costumeiras histórias de guerras e tragédias que são contadas sobre os países não-ocidentais nos cinemas pelo mundo, Três Canções Para Benazir se dedica a registrar uma narrativa sobre amor. Em seu país natal, o diretor afegão Gulistan Mirzaei e sua companheira Elizabeth Mirzaei escolhem retratar em 22 minutos de tela a vida de Shaista Khan e Benazir Khan, marcada pela incerteza de existir em um lugar cujo sentimento de identificação é tão profundo quanto o de insegurança.

Sem precisar de muito, o trabalho próximo e sensível dos diretores constrói um filme indescritivelmente singelo. Em cenas cotidianas, assistimos um contexto do interior do Afeganistão através das tentativas de construção de vida de um jovem casal que conserva seus sonhos à mesma medida que contorna seus infortúnios. Assim, Três Canções Para Benazir se consolida como uma das composições mais belas da seleção de indicados ao Oscar de Melhor Documentário em Curta-Metragem de 2022. – Raquel Dutra

When We Were Bullies

Em When We Were Bullies (2021), trabalho multifacetado e biográfico do documentarista experimental Jay Rosenblatt, o acaso se mistura às memórias dolorosas de um episódio de bullying, ocorrido há mais de 50 anos. Diferentemente do que se possa imaginar, o curta de 36 minutos se desenvolve através do lado dos agressores, que à época eram apenas crianças sem perspectiva motivadas por um efeito manada. Conforme vamos descobrindo mais sobre o caso – o diretor entrevista, próximo ao final do filme, uma ex-professora com mais de 90 anos –, percebemos a dimensão que a violência causou em todos os envolvidos.

O fio da memória foi puxado em 1992, quando Rosenblatt estava desenvolvendo um outro curta-metragem, The Smell of Burning Ants (1994). Procurando um dublador para o filme, ele encontrou Richard Silberg, um colega de classe na quinta série da escola primária. Além dessas coincidências iniciais, ambos foram marcados pelo episódio específico de violência, no qual a sala, coletivamente, agrediu um outro aluno, também chamado Richard. Sobre esse fato, When We Were Bullies se propõe a encontrar uma resposta.

Visualmente, a história é contada de forma simples. Há uma colagem de imagens de época – um dos truques favoritos do diretor –, com pequenos vídeos de registro e fotos institucionais, intercalados com os depoimentos. A nostalgia propiciada pelo filme se perde em meios ao sentimentalismo inconclusivo, pois, embora seja a tentativa de interpretação de um comportamento que, à época, pareceu espontâneo, o curta também se perde na mesma distância que separa o ocorrido do presente. Essa visão assombrológica do passado não oferece possibilidade de resolução, tornando o filme apenas uma versão de memórias gravadas, que tem seu impacto destrutivo amortecido pelo efeito do tempo. Paira a sensação de que o diretor queria se sentir bem de novo em relação ao passado, colocando-se em pé de igualdade com a verdadeira vítima. Isso se reflete na conclusão do filme, que parece apontar para uma redenção, embora não dê o devido espaço para o agredido. – Bruno Andrade

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Perante à situação de uma celebração do Oscar na pandemia, a equipe de produtores de 2021 prometeu que transformaria a experiência em um filme. Eles não mentiram. Começando pela triunfal entrada de Regina King, brilhante como os deuses e confiante como só ela pode ser, caminhando sem pressa pela Union Station, arejada, aberta, com raios solares implorando invadir essa quebra de padrões em formato de cerimônia.

Mas algo soava estranho. Não tinha orquestra, não tinha o filtro plastificado que abraçava as telas dos televisores sintonizados na TNT (ou no Globoplay, ou onde quer que seja) e as bordas pretas, clássicas das telonas, esgueiravam a imagem de uma King lendo no teleprompter um verdadeiro roteiro na hora de premiar, bem, as categorias de Roteiro. Colocando as tradições no bolso do paletó, o Oscar 2021 não nos agraciou com a presença de um de seus atuais Atores Coadjuvantes para premiar sua contraparte deste ano logo de cara.

Ao invés disso, inaugurando essa leva mais moderninha da Academia, subiu ao palco uma bufante e estonteante Emerald Fennell, feliz que sua dita Bela Vingança foi coroada com o prêmio de Roteiro Original. Ela não preparou um discurso, já adiantou a intérprete de Camilla Parker Bowles, previamente se desculpando com Soderbergh (Steven, diretor responsável pela produção de 2021, aquele que prometeu que essa seria uma experiência de Cinema, e não apenas simples TV).

Regina King continuou fazendo graça e esbanjando talento ao apresentar os nomeados em Roteiro Adaptado, prêmio esse que acabou nas mãos de Christopher Hampton e Florian Zeller, escritores de Meu Pai. Vale a menção de que tanto Fennell quanto Zeller acabaram de estrear no Cinema, e já garantiram a honraria que fez Aaron Sorkin sair de casa apenas para anunciar um relacionamento novo, já que seu Os 7 de Chicago foi o único dos grandes indicados da noite a sair sem Oscar nenhum (e olha que a 93ª edição dividiu muito bem seus 23 prêmios).

E foi sendo assim, dois carecas dourados eram entregues por vez, ocasionalmente misturando uma categoria ‘grande’ com uma ‘nem-tão-grande-assim’. O que, a princípio, é muito bem-vindo, considerando que independente da área de atuação, todo e qualquer Oscar distribuído em 25 de abril de 2021 é importante e merece tal reconhecimento. Mas, quando Chloé Zhao subiu ao palco para receber a estatueta de Direção, precedida pela categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action, o efeito não foi o mesmo.

Zhao se tornou a segunda diretora, a primeira não-branca e a primeira chinesa, a vencer a honraria, 11 anos depois de Kathryn Bigelow quebrar o paradigma masculino, por Guerra ao Terror. Mal posso esperar para o Oscar 2032, quando a terceira mulher diretora subir ao palco. Quem leu o envelope com o nome de Zhao foi um socialmente distante Bong Joon-Ho, campeão do ano passado, diretamente de Seul, falando em coreano num segmento que usou da intimidade dos próprios cineastas nomeados para o anúncio.

Os discursos de agradecimento se alongaram mais que o comum, grande acerto da produção de 2021, evitando a terrível orquestra de subir lentamente o tom dos instrumentos para que a pessoa pare de falar o mais rápido possível. Até mesmo o jogo de câmeras, alocadas em lugares não-convencionais, limpou a lente da premiação. Os discursos variaram entre o tocante (Thomas Vinterberg homenageando a jovem filha que morreu pouco antes de estrelar Druk, vencedor de Filme Internacional) e o cômico (Daniel Kaluuya feliz da vida, agradecendo aos pais por terem concebido-no, enquanto ganhava o prêmio de Ator Coadjuvante). 

Yuh-Jung Youn conseguiu fazer os dois. “Eu sou mais sortuda que vocês”, começou a vovó de Minari e a Melhor Atriz Coadjuvante do ano. A atriz, primeira sul-coreana e segunda asiática a vencer por atuação, agradeceu a Brad Pitt (produtor de Minari) e ficou feliz de finalmente tê-lo conhecido pessoalmente. De longe, a temporada de 2021 vai lembrar com carinho das aparições de Youn, desde a surpresa no SAG, o shade no BAFTA e o riso solto no Oscar.

A Netflix saiu com 7 prêmios entre suas 35 indicações, mas mantém a sombra de nunca ter ganhado Melhor Filme. A Voz Suprema do Blues venceu categorias técnicas, assim como Mank, 2 Oscars para cada. Os curtas Dois Estranhos e Se Algo Acontecer… Te Amo saíram com os louros. Nas categorias de Documentário, Colette surpreendeu, e Professor Polvo triunfou, repetindo uma máxima do ano passado: mais uma vez, o pior dos 5 filmes saiu vencedor.

Lembra da promessa dos produtores de fazer o Oscar 2021 ser um filme? Eles cumpriram-na, para o bem e para o mal. O sorrisão de Riz Ahmed não cabia em seu belo rosto quando leu o envelope de Melhor Som, premiando, adivinhem, O Som do Silêncio, protagonizado pelo próprio. Esse que também triunfou em Montagem, colocando a competição para comer poeira. Soul se enquadrou nas expectativas, recebendo Animação e Trilha Sonora Original. H.E.R., um mês depois de vencer o Grammy de Canção do Ano, ganhou o Oscar de Canção Original. E Tenet, mesmo sem o apoio da Warner, levou a melhor em Efeitos Visuais. 

Durante a cerimônia, 2 prêmios Humanitários Jean Hersholt foram entregues. O primeiro homenageou a Motion Picture & Television Fund. Enquanto o segundo, apresentado por Viola Davis em sua única aparição no palco do Oscar, foi dado à Tyler Perry. Importante apontar as mudanças estruturais da premiação deste ano, que viu seus convidados sem máscara frente às câmeras, dividiu a galera entre os Estados Unidos, Londres e Paris e esbanjou um ar mais descontraído que a habitual sisuda entrega de prêmios no Dolby Theatre. Sem os habituais pares de artistas entregando os Oscars e com as músicas indicadas sendo performadas antes da cerimônia, essa edição ficará marcada na história. Foi uma senhora mudança de ares, que ainda precisa de melhorias no futuro.

Quando foi anunciado que a categoria de Melhor Filme não seria a última da noite, um gosto estranho já nos subiu à boca. Rita Moreno apareceu majestosa, citou Amor, Sublime Amor e relembrou os velhos tempos, onde ela própria venceu um Oscar pelo filme. Assim como a divina aparição de Jane Fonda ano passado para premiar Parasita, Moreno leu o nome de Nomadland no envelope colorido. Chloé Zhao, recebendo o segundo prêmio da noite, agradeceu aos nômades da vida real, acompanhada de Frances McDormand, vencendo o terceiro Oscar da carreira e o primeiro por produção. A veterana uivou no palco, homenageando Michael Wolf Snyder, editor de som de Nomadland falecido em março.

O comercial que sucedeu Melhor Filme pareceu mais anticlimático que o necessário. Começando pela aparição de Zhao em Melhor Direção no meio do nada, Nomadland saiu sem o triunfo que grandes vencedores do passado, como Moonlight e o próprio Parasita, puderam saborear. Melhor Atriz desempatou bolões, premiando Frances McDormand, em seu terceiro Oscar na categoria, quarto na carreira, se aproximando mais do recorde de Katharine Hepburn. 

Então, chegou a hora de Melhor Ator. Depois de um ‘In Memorian’ de qualidade questionável, batida agitada, ausências notáveis e aparição relâmpago dos homenageados, a categoria para honrar Chadwick Boseman acabou sendo entregue para outra pessoa. É claro que a vitória de Anthony Hopkins, por Meu Pai, é mais que merecida e merece ser aplaudida, benzida e santificada. A questão não é mérito, não é cota ou homenagem. 

O Oscar 2021 se rearranjou por completo para que acabasse em nota de sensibilidade e felicidade, para que a esposa de Boseman, Taylor Simone Ledward, agradecesse da maneira que fez no Globo de Ouro, no Critics Choice e no SAG. Era o momento do Oscar, depois de ter capitalizado em cima da morte do jovem talento, finalmente premiar atores negros nas categorias principais, era a hora de marcar na história aquele que já seria eterno de qualquer modo, mas merecia a honraria do troféu.

Joaquin Phoenix leu o nome de Hopkins, a tela cortou para uma foto do ator, que não estava presente e o Oscar acabou. No susto, sem comemoração, sem homenagem, sem ter valido o rearranjo de categorias. Foi dito que Olivia Colman subiria ao palco em caso de vitória do companheiro de tela, mas nada aconteceu. O temido anticlímax do filme. 29 anos depois de sua vitória por O Silêncio dos Inocentes, Anthony Hopkins se tornou o ator mais velho a vencer o Oscar. Chadwick morreu sem nenhum.

Concluindo a extensa cobertura do Oscar 2021, o Persona prepara o texto final da edição. A Editoria se juntou aos colaboradores para discutir, de uma vez por todas, o que rolou na 93ª edição dos prêmios da Academia, os recordes, as loucuras, a Glenn Close rebolando e as esnobadas que ficarão para a história. Seja bem-vindo ao Cineclube Especial dos Vencedores do Oscar 2021.

Melhor Filme: Nomadland

A comemoração pelo maior prêmio da noite nas mãos de Zhao e seu Nomadland só não foi melhor por conta da atrocidade organizacional que o Oscar desse ano, idealizado por Steven Soderbergh, cometeu. Quem diabos não deixa por último a categoria mais esperada de uma premiação? Contando com uma vitória que não veio para Chadwick Boseman, Melhor Filme foi anunciado antes de Melhor Ator e Atriz, fazendo com que a revelação pela boca de Rita Moreno perdesse a força. O que antes finalizava a cerimônia com gritos de alegria e discursos emocionantes, acabou ficando perdido em um agradecimento rápido que nem de longe parecia aquele Oscar.

Apesar das falhas e do anticlímax, não há como medir a alegria de assistir Chloé Zhao e Frances McDormand subindo ao palco ao lado de Swankie e Linda May para receberem a honraria suprema da Academia. Batendo outros sete longas – Mank, Judas e o Messias Negro, Os 7 de Chicago, Bela Vingança, Minari, Meu Pai e O Som do Silêncio -, Nomadland fez história ao se tornar o filme menos lucrativo a ganhar Melhor Filme, arrecadando cerca de US$ 2,5 milhões nos EUA até hoje. A obra já estava consagrada como favorita e saiu para casa com 3 homenzinhos dourados, mas não há Oscar sem o medo de injustiças (imagine só, Mank roubando essa estatueta).

“A todos os corações e mãos que se uniram para fazer esse filme (…) Obrigada por nos ensinar o poder da resiliência e esperança. E sobre o que é a gentileza”. O discurso de Zhao foi breve e cheio de agradecimentos a comunidade nômade e aos seus produtores Peter Spears, Mollye Asher, Dan Janvey e a própria McDormand, que logo assumiu o microfone para pedir que a audiência assistisse no cinema todos os filmes representados na noite. Com uma homenagem a Michael Wolf Snyder, editor de som do filme que faleceu neste ano, Frances terminou sua fala uivando no microfone e angariando uma série de aplausos dos convidados. A noite foi delas. – Caroline Campos

Melhor Direção: Chloé Zhao (Nomadland)

Ninguém acima dela! Chloé Zhao, a maior vencedora da noite do dia 25 de abril, também se consolidou como a primeira mulher não-branca e segunda mulher na história a receber em mãos o prêmio de Melhor Direção. Depois de ter vencido o Globo de Ouro, o BAFTA e o Sindicato dos Diretores por Nomadland, o envelope do Oscar com o nome da chinesa já estava pronto e embalado para ser anunciado por Bong Joon-Ho, vencedor do ano passado pelo imbatível Parasita, primeira produção em língua não-inglesa a levar Melhor Filme. 

Zhao estava acompanhada por Emerald Fennell, de Bela Vingança, na categoria, que, pela primeira vez, possuía duas mulheres na corrida pela estatueta – um histórico infeliz de uma premiação que ignora minorias há quase um século. No fim das contas, não só Fennell, como também David Fincher, de Mank, Lee Isaac Chung, de Minari e Thomas Vinterberg, de Druk – Mais uma Rodada foram deixados para trás pela diretora, que fez sua parte em perpetuar o Oscar de Melhor Direção nas mãos de cineastas não-estadunidenses pelos últimos anos.

“As pessoas, ao nascer, são boas”. Em seu discurso de agradecimento, Chloé relembra que ela e o pai costumavam memorizar poemas clássicos chineses para recitarem juntos e utiliza a frase de Three Character Classic, texto clássico da China. “Esse Oscar é para qualquer pessoa que tem a coragem de se manter boa e ver o que há de bom nos outros”. Apesar do destaque da diretora, a imprensa de sua terra natal se recusou a noticiar a conquista, depois de Zhao ter sido alvo de nacionalistas chineses que encontraram antigas entrevistas em que ela critica o país. Vida longa a Chloé Zhao e sua carreira! Agora, só nos resta esperar mais onze anos para a próxima diretora subir ao palco. – Caroline Campos

Melhor Atriz: Frances McDormand (Nomadland)

O mistério da corrida para a estatueta de Melhor Atriz finalmente foi desvendado. Pela terceira vez, Frances McDormand venceu o Oscar na categoria, sendo a única atriz viva a atingir esse feito. E ainda teve uma conquista dobrada, logo após Nomadland ter sido anunciado como Melhor Filme, do qual ela é produtora. Com isso, a atriz já soma quatro carecas dourados em sua prateleira, fazendo jus ao seu talento e trajetória, de alguém que começou como uma outsider no Cinema e hoje fornece apoio para projetos de várias mulheres, tanto é que a mesma desencadeou o nascimento da obra dirigida por Zhao. 

A disputa entre as atrizes costuma variar no quesito surpresa ao longo das edições. Ano passado, não se hesitava em dizer que Renée Zellweger ganharia a estatueta, após ter levado a melhor sucessivamente durante toda a temporada de premiações. Diferente de 2019, em que Glenn Close estava destinada a ganhar o seu primeiro Oscar, mas foi pega de surpresa pelo furacão Olivia Colman. Neste ano, o embate foi um pouco diferente. A temporada foi variando suas vencedoras desde o início: Andra Day venceu o Globo de Ouro; Carey Mulligan, o Critics Choice; Viola Davis conquistou o SAG, e, por fim, Frances ficou com o BAFTA e, agora, o Oscar. A única que saiu de mãos abanando nessa caminhada foi Vanessa Kirby.

E essa alternância não se deu à toa, tendo em vista o peso e entrega do papel de cada uma das indicadas, a concorrência não poderia ser mais acirrada. Mas superando todo e qualquer bolão que apostou na vitória de Davis ou Mulligan, Frances McDormand foi a vencedora final, lado a lado de sua companheira de estrada Chloé Zhao. A única lamentação que podemos tirar disso tudo é que, mais uma vez, a Academia perdeu a oportunidade de reconhecer o trabalho de uma mulher negra em sua categoria principal de atuação. – Vitória Silva

Melhor Ator: Anthony Hopkins (Meu Pai)

Disputada entre Riz Ahmed, Chadwick Boseman, Anthony Hopkins, Gary Oldman e Steven Yeun, a categoria de Melhor Ator – que pela primeira vez contava com a maioria dos indicados não-brancos – foi escolhida para encerrar a grande noite, e tinha o sabor agridoce de uma homenagem emocionante e mais do que merecida. Após um in memorian que fez com que os os mortos se revirassem no túmulo com a música agitada, parecia certo que o Rei de Wakanda seria premiado encerrando o tapete vermelho com choro coletivo pela precoce partida.

Mas não foi dessa vez que a Academia elegeu seu terceiro ator póstumo. O prêmio ficou nas brilhantes mãos de Anthony Hopkins. É quase cômico se surpreender com a vitória de Anthony, em Meu Pai ele entrega a maior atuação da carreira, interpretando com maestria um personagem homônimo. A atuação de Hopkins é inegável e indiscutível, seu segundo Oscar é esplendoroso e merecido, mas isso não basta para acalmar a revolta do resultado. Esse prêmio tinha dono e seu nome era Chadwick Boseman.

A noite mais aguardada da Sétima Arte foi encerrada sem brilho apesar do merecimento do genial vencedor. Joaquin Phoenix não expressou nenhum sentimento de interesse ao anunciar o ganhador, que por sua vez, não fez o discurso pois o ‘grupo de risco’ não compareceu ao tapete vermelho. A premiação terminou em silêncio e a Academia perdeu a chance de fazer um encerramento memorável, perdeu a chance de agraciar o público com um discurso de Taylor Simone, e o mais grave, perdeu sua última chance de premiar o eterno Chadwick. O que nos resta é aplaudir em pé ambos atores. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Atriz Coadjuvante: Yuh-Jung Youn (Minari)

Na categoria que esbanjava recordes, não havia outra maneira de selar a disputa senão premiando a inigualável joia rara Yuh-Jung Youn. Vencendo sua maior competição, uma Maria Bakalova abatida depois das derrotas no Sindicato e no BAFTA, a vovó mais querida de 2021 subiu ao palco daquele jeitinho. Ela agradeceu (e alfinetou) Brad Pitt, ficou perdida por onde começar seu discurso e então desatou a falar. Agradeceu ao primeiro diretor com quem trabalhou, mandou um recado para os filhos, e perdoou todos os americanos por errarem a pronúncia de seu nome.

Veterana na Coreia do Sul, Youn fez sua estreia estadunidense com Minari, e se tornou a segunda atriz asiática, e primeira sul-coreana, a vencer o troféu de atuação. Suas palavras demarcaram a alegria de ser celebrada e celebrar junto. E ela estava em ótima companhia, além da já citada Bakalova, primeira búlgara nomeada e destaque cômico do ano, ainda figuravam na lista Glenn Close (em sua oitava derrota), Olivia Colman (que venceu em 2019) e Amanda Seyfried (indicada pela primeira vez).

Close foi homenageada pela própria Youn, que disse ser impossível ‘vencer Glenn Close’. A veterana saiu mais uma vez com a mão no bolso, mas continua na esperança de um dia ouvir seu nome chamado ao palco. Yuh-Jung Youn venceu o único Oscar de Minari, mas essa vitória não poderia ser mais sensacional. “Eu só ganhei pois sou um pouco mais sortuda que vocês”, declarou sorrindo. Maravilhoso, maravilhoso minari! – Vitor Evangelista

Melhor Ator Coadjuvante: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

Não tinha para mais ninguém. Judas e o Messias Negro passou por cima de todos indicados como um rolo compressor. A performance Daniel Kaluuya rendeu a ele os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no BAFTA, Globo de Ouro, SAG, Critics Choice, e na noite do dia 25, no Oscar. O filme, que foi o primeiro na história indicado com equipe de produção totalmente negra, conta a história do revolucionário Fred Hampton, interpretado por Kaluuya. Hampton era um dos líderes do movimento Panteras Negras nos EUA, e foi brutalmente assassinado em uma ação da polícia de Chicago em conjunto com o FBI. 

Daniel foi o primeiro ator britânico negro a vencer na categoria. Judas e o Messias Negro também quebrou mais um recorde: pela primeira vez na história, dois atores negros de um mesmo filme foram indicados na categoria de Ator Coadjuvante. O outro nomeado foi Lakeith Stanfield, que também teve uma performance espetacular no longa, mas infelizmente não possuía chance suficiente de vitória. Quem também disputava a categoria era Sacha Baron Cohen, por seu papel em Os 7 de Chicago; Leslie Odom, Jr., por Uma Noite em Miami…; e Paul Raci, por O Som do Silêncio. – Jho Brunhara

Melhor Roteiro Original: Emerald Fennell (Bela Vingança)

A Vingança veio e foi realmente Bela. Na primeira premiação do histórico Oscar 2021, as mãos da única mulher indicada com destaque na categoria receberam a estatueta de Melhor Roteiro Original. Repetindo o feito do Critics Choice Awards, BAFTA e do valiosíssimo prêmio do Sindicato dos Roteiristas, Emerald Fennell foi imbatível com a perfeição de sua estreia no Cinema e se tornou a oitava roteirista a ser premiada na categoria.

Ela deixou para trás até mesmo um dos roteiristas favoritos de Hollywood, que voltou a aparecer entre os indicados ao Oscar. O texto de Aaron Sorkin é a grande qualidade de Os 7 de Chicago e o único que poderia roubar o mérito de Emerald Fennell na premiação da Academia, mas diferente das avaliações instáveis do drama de tribunal da Netflix, a aclamação do trabalho corajoso e pontiagudo da britânica estava concentrada em seu texto.

Na categoria que premiou o texto de Parasita em 2020 através dos nomes de Bong Joon-ho e Han Jin-won, concorriam também a maravilha da escrita íntima que cultiva o Minari de Lee Isaac Chung, a poderosa e igualmente determinada de Shaka King e Will Berson em Judas e o Messias Negro, e a estreia também primorosa de Darius Mader em O Som do Silêncio. Mas Emerald Fennell estava determinada em sua Bela Vingança e é a dona do Melhor Roteiro Original de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Roteiro Adaptado: Florian Zeller e Christopher Hampton (Meu Pai)

O fato mais interessante na categoria de Roteiro Adaptado, à parte da merecida vitória de Meu Pai, é a vasta gama de diferenciações criativas entre os 3 ‘favoritos’. Começando pelo vencedor, a adaptação da peça teatral do próprio Zeller usava das nuances dos palcos para iluminar as melhores qualidades da telona. Ele e seu co-roteirista Hampton se esbaldam naquele apartamento chiquérrimo em que Hopkins dá seus chiliques, transformando o cenário único no coração da narrativa. É louvável, é marcante e merecedor do prêmio que ano passado condecorou a sátira politizada Jojo Rabbit, de Taika Waititi.

Quem disputava com o drama familiar era o campeão Nomadland, mais uma vez representado pela figura mítica, divina e benevolente da artista Chloé Zhao. A diretora adaptou o livro de Jessica Bruder, uma não-ficção jornalística que percorre a América nômade, focando em uma porção de comunidades às escuras, e dando voz para pessoas esquecidas pelo país. Zhao escalou os personagens reais do livro para seu filme, costurando uma narrativa poderosa e íntima, que demonstra a força de seu Cinema.

O vencedor do Sindicato dos Roteiristas, foi Borat: Fita de Cinema Seguinte, onde tanto Meu Pai quanto Nomadland estavam inelegíveis. O filme protagonizado por Sacha Baron Cohen e escrito pelo mesmo e uma equipe de 8 roteiristas, se sustenta pelo improviso para a sedimentação de sua história doida. Sequência de um Roteiro já indicado ao prêmio da Academia, Borat 2 cria esquetes soltas para introduzir uma porção de questões relevantes para os Estados Unidos que, até ano passado, digladiava com o governo Trump e a pandemia do coronavírus em dose máxima. Competiam ainda, Uma Noite em Miami… e O Tigre Branco, mas sem qualquer chance de levar. Depois da vitória de Zeller e Hampton no BAFTA, esse trunfo no Oscar não espanta, ainda mais considerando a qualidade notável do trabalho da dupla. – Vitor Evangelista

Melhor Documentário: Professor Polvo 

É difícil engolir o que a Academia faz com a categoria que abriga muitas das melhores obras das seleções do Oscar. Nos últimos anos, os votantes da premiação tem se comportado de forma duvidosa e até desrespeitosa com seus indicados a Melhor Documentário. Até as indicações, eles sempre apresentam obras interessantes com técnicas inovadoras e temas relevantes, mas quando é hora de escolher quem vai ficar marcado como o vencedor, todas as instâncias que determinam o valor de um documentário parecem ser deixadas de lado.

Essa era a postura esperada para este ano, e infelizmente, não fomos surpreendidos. Sabemos que independentemente da qualidade técnica do filme, debater política do encarceramento em massa e abolicionismo penal e celebrar a beleza do Cinema latino-americano é demais para a Academia. Mas em 2021, o Oscar sequer se dispôs a apreciar uma história otimista de revolução e inclusão documentada junto do casal Obama, que imerecidamente vencedores na categoria no ano passado, encontrariam uma vitória justa com a produção deste ano. Muito menos reconheceu a qualidade cinematográfica do Cinema europeu fora do núcleo de sempre duplamente indicada. 

Mais uma vez, o documentário de menor valor dentre os cinco indicados de altíssimo nível vence o Oscar. Sem passar pelo circuito da crítica e dos festivais, o grande campeão confiou na Netflix e em suas imagens aquáticas belíssimas do habitat natural do polvo-fêmea (sim, ainda fizeram o favor de traduzir uma informação errada no título em português), que não eram páreo para os outros indicados, mas a Academia acreditou que sim. Encorpando a hegemonia da plataforma de streaming na categoria, Professor Polvo (não) é o Melhor Documentário de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Filme Internacional: Druk – Mais uma Rodada [Dinamarca]

Se historicamente os reconhecidos pela categoria mais interessante e heterogênea (e injustiçada) do Oscar estão concentrados na Europa Ocidental – os maiores vencedores são Itália e França, respectivamente -, a tendência de fugir desse eixo repetitivo continua. Mesmo esnobando o íntimo Babenco: Alguém Tem Que Ouvir O Coração e Dizer: Parou, submissão do Brasil, e produções latinas como o guatemalteco La Llorona, reconhecido no Globo de Ouro, o mexicano I’m No Longer Here e o chileno Agente Duplo , que participou em Documentário, os nomeados de 2021 dão visibilidade às mais diversas narrativas, do Leste Europeu, à Ásia e à África.

Dos indicados, a Romênia e a Tunísia aparecem pela primeira vez com Colectiv, documentário duplamente nomeado que expõe as falhas no sistema de saúde romeno, e O Homem que Vendeu Sua Pele, inspirado em uma história impressionantemente real de um homem que vendeu suas costas para serem tatuadas. Com Better Days e seu debate sobre o bullying e suas consequências, Hong Kong garante sua segunda nomeação. A Dinamarca tem em Druk – Mais uma Rodada sua 13ª indicação e a Bósnia e Herzegovina, que já levou o prêmio em 2002, participa com o poderoso Quo Vadis, Aida?. Ainda que todas as produções estejam à altura, acumulando elogios, indicações e vitórias em outras importantes premiações e categorias, o favorito já saia na frente bem antes da noite de entrega do troféu.

E não teve surpresa: o badalado Druk se sobressaiu e garantiu o quarto Oscar da Dinamarca. O longa divertido e reflexivo de Thomas Vinterberg, que já havia sido indicado em 2014 por A Caça, explora os benefícios, os malefícios e as consequências do álcool sem moralismo, como ele mesmo destaca. Reafirmando a proximidade à história, o diretor subiu ao palco para aceitar a estatueta e fez um dos discursos mais emocionantes da noite, em que lembrou da filha falecida que estrelaria no filme: “Se alguém acredita que ela está aqui de alguma forma, vai poder vê-la celebrando e aplaudindo conosco. Acabamos fazendo este filme para ela, como seu monumento. Então, Ida, este é um milagre que aconteceu. E você é parte dele”. Mais um motivo para a vitória do filme, ainda que previsível, ser celebrada. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Cabelo e Maquiagem: A Voz Suprema do Blues

Após muitas reclamações de que a Academia não honrava o trabalho dos maquiadores, foi criada em 1982, a categoria nomeia as melhores maquiagens e cabelos. Até 2019, apenas três filmes, no máximo, concorriam à estatueta, diferentemente da maioria das categorias que nomeiam cinco filmes. Em 2020 isso mudou, com o mesmo número de indicados das outros grupos, O Escândalo levou a melhor. O filme teve a maquiagem assinada por Kazuhiro Tsuji a pedido da própria atriz Charlize Theron.

Em 2021, filmes como Emma. e Pinóquio, que não tiveram fôlego para indicações principais, foram lembrados aqui. Pinóquio aliás, com suas maquiagens em fantoches dirigidas por Mark Coulier, poderia ter sido a zebra do ano e levado essa pra casa. Além deles, Era uma vez um sonho e os super indicados Mank e A Voz Suprema do Blues compunham a seleção de Melhor Cabelo e Maquiagem. Ao total haviam quinze profissionais disputando o prêmio, sendo onze deles mulheres.

O resultado não poderia ser diferente daquele que todos aguardavam. A equipe de A Voz Suprema do Blues venceu o Oscar 2021. Jamika Wilson e Mia Neal subiram ao palco ao lado de Sergio Lopez-Rivera, maquiador pessoal de Viola Davis, para receberem a estatueta. Elas foram as primeiras artistas negras a concorrerem na disputa e Mia Neal utilizou do lugar de fala para reivindicar espaço para mulheres negras, trans e latinas na premiação. “Eu sei que um dia não será incomum ou inovador, será apenas normal.” – Ana Júlia Trevisan

Melhor Design de Produção: Mank 

Um dos prêmios previstos da noite, virtualmente ninguém se surpreendeu quando a voz de Halle Berry anunciou Mank, com sua recriação meticulosa da Velha Hollywood, como vencedor da estatueta de Melhor Design de Produção. O designer de produção Donald Graham Burt (colaborador frequente de David Fincher) e a decoradora de set Jan Pascale subiram ao palco para dividir o prêmio e agradecer suas equipes e seus familiares pela honra.

Esse já é o segundo Oscar da carreira de Burt, que venceu em 2009 pel’O Curioso Caso de Benjamin Button, e o primeiro da de Pascale. Essa vitória ecoa o favoritismo da Academia por filmes de época e especialmente por aqueles que retratam a própria indústria cinematográfica, como Era Uma Vez em… Hollywood, que levou o mesmo prêmio na cerimônia de 2020 

Apesar de Mank ter sido o filme mais indicado da noite, esse era um dos únicos prêmios que todos esperavam que fosse ganhar. Mesmo depois de A Voz Suprema do Blues ter surgido como um possível concorrente após vencer as categorias de Melhor Figurino e Melhor Maquiagem e Penteado, havia pouco espaço para dúvida, principalmente levando em conta a vitória do longa de David Fincher nessas categorias ao longo da temporada de premiação, conquistando anteriormente o BAFTA de Design de Produção. Mank também se tornou o primeiro filme em preto e branco a ganhar a categoria desde A Lista de Schindler, em 1993. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Figurino: A Voz Suprema do Blues 

Cabelo e Maquiagem são grandes influenciadores nesta categoria de Melhor Figurino, por esse motivo os concorrentes quase não diferem. Aqui temos Era uma vez um sonho golpeado pela soldada Mulan. A regra para embolsar essa estatueta é recriar com fidelidade a época histórica retratada, o que foi uma passagem garantida para Emma. e garantiu o Oscar de Adoráveis Mulheres no ano anterior. Antes disso, o imbatível figurino de Pantera Negra saiu vencedor. Dentre os cinco indicados, quatro eram mulheres e a vencedora fez história na premiação.

Surpreendendo um total de zero pessoas, a estatueta foi para a conta de A Voz Suprema do Blues, que já havia levado os termômetros do Oscar. Com suas roupas exuberantes, o figurino faz jus a divindade de Viola Davis. Todo o guarda-roupa de Ma Rainey’s Black Bottom é grandioso, assim como sua estilista Ann Roth. Cinco vezes indicada ao Oscar, ela se tornou a mulher mais velha a ganhar o prêmio, conquistando essa que foi sua segunda estatueta, aos 89 anos. O primeiro Oscar de Ann foi em 1997 por O Paciente Inglês. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Animação: Soul

Não fomos surpreendidos e Soul foi o ganhador da noite como Melhor Animação. O filme que tem o poder de deixar qualquer um reflexivo parece que também mexeu na cabeça dos membros da Academia. Essas reflexões, nas quais a Pixar transforma seus filmes infantis em verdadeiras questões para pessoas adultas, acompanhada de muito jazz, levou a melhor da noite como prevista para muitas pessoas. Soul realmente exalava seu poder e conquistou muito público, transformando o filme em um sucesso absoluto. Porém, a Academia tem essa tradição de premiar os maiores triunfos. 

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica, outro filho da Pixar, é uma daquelas produções emocionantes que conta sobre as relações familiares. Muito mais tocante que Soul, esse filme foi prejudicado nos cinemas com o início da pandemia. Mesmo sem a sua grande divulgação, Dois Irmãos também pode ter cativado. Já a aposta da Netflix, a rainha das indicações, foi o fofo A Caminho da Lua. A forma que o filme aborda o luto é realmente linda e o longa é uma obra espetacular para as crianças. As músicas e as cores são especiais na construção da obra que não superou as outras produções. 

O lindíssimo Wolfwalkers foi certeiro em expressar suas intenções com sua incrível animação 2D. A fantasia abordada na história não foi seu ponto central muitas vezes, assim mostrando que o longa era muito mais de expectativas. As realidades encontradas nessa obra mereciam um pouco mais de atenção. O último concorrente Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca aumentou a conta de filmes em stop motion esnobados pelo Oscar. Essa técnica só foi premiada em 2006 com a animação Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais. Mas a sua história nostálgica não foi nem capaz de chegar ao supremo sucesso do premiado. – Ana Beatriz Rodrigues

Melhor Trilha Sonora Original: Soul

Que Trent Reznor e Atticus Ross subiriam ao palco do Oscar 2021 para receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original não havia a menor dúvida. Mesmo que Soul já estivesse predestinado à vitória depois de o filme ter varrido as principais premiações, com destaque para o BAFTA e o Critics Choice Awards, os dois compositores ainda tinham uma certa concorrência que era ninguém menos do que eles próprios, pela trilha de Mank. A dupla indicação da dupla desbancou a presença de alguns veteranos queridinhos da academia que estavam na shortlist, como Thomas Newman por Os Pequenos Vestígios e Alexandre Desplat por O Céu da Meia-Noite. Trent Reznor, que também é vocalista e cabeça da banda de rock industrial Nine Inch Nails, já trabalha com Atticus Ross em trilhas sonoras há mais de uma década, já tendo vencido o Oscar da categoria pela música de A Rede Social, o que fez com que a dupla continuasse trabalhando com David Fincher em seus trabalhos seguintes, até Mank no último ano. 

Mas seria injusto falar da Trilha Sonora Original de Soul sem exaltar a fonte de sua verdadeira alma, que são as composições de jazz do compositor, cantor, pianista e bandleader triplamente indicado ao Grammy, Jon Batiste. A música para a animação da Pixar foi o primeiro trabalho de trilha sonora para cinema do músico, que assumiu o microfone para a entrega do prêmio agradecendo a Deus pelas 12 notas musicais, sempre as mesmas 12, utilizadas tanto por Bach, quanto por Duke Ellington e Nina Simone. A colaboração entre Jon Batiste, que deu vida ao jazz no mundo real de Soul, servindo inclusive de referência para a animação do protagonista Joe Gardner tocando piano, e Reznor e Ross, que ficaram responsáveis pela trilha eletrônica onírica do pós vida, cria o balanço perfeito entre as duas realidades, e é um trabalho mais do que merecedor de reconhecimento.

Em meio a um histórico com diversas mudanças em nomenclatura e subdivisões da categoria de Trilha Musical no Oscar, que já foi dividida entre drama e comédia ou musical e já teve um prêmio próprio para trilhas adaptadas, Soul é o nono filme de animação a ser reconhecido pela Academia. Todas os vencedores anteriores foram da Disney: Pinocchio (1940), Dumbo (1941), A Bela e a Fera (1991), Aladdin (1992), O Rei Leão (1994), Pocahontas (1995), e por fim o primeiro e até há pouco único da Pixar, Up – Altas Aventuras (2009). Neste ano, além da concorrência da trilha de Mank, muito inspirada nos trabalhos de Bernard Herrmann, competiam a trilha orquestral com instrumentalização antiga de Relatos do Mundo, por James Newton Howard, a delicadíssima e espirituosa música de Minari por Emile Mosseri, e por fim as solenes composições do ignorado Destacamento Blood, por Terence Blanchard. Mesmo que seja um ano forte para as trilhas sonoras, nada mais justo do que o filme mais movido  pela música em sua narrativa levar o prêmio. – João Batista Signorelli

Melhor Som: O Som do Silêncio 

Essa não tinha como fugir ou como errar no bolão, o vencedor estava no título. O Som do Silêncio venceu o Oscar 2021 na categoria de Melhor Som, dã, é claro que venceu. Assim como em anos anteriores, onde filmes riquíssimos e com temas delimitados concorrem em categorias técnicas específicas (Trama Fantasma, um filme sobre vestidos, venceu Figurino; Soul, sobre música, venceu Trilha Sonora), Sound of Metal estava destinado a levar essa.

A categoria, de fato, foi ‘criada’ esse ano, depois da junção de Edição e Mixagem de Som em uma única disputa. Essa distinção entre os dois ramos é datada da era pré-tecnológica, quando era mais simples denotar qual trabalho se sobrepõe a outro. A Edição de Som era responsável pela criação deles, como o toque da bateria, enquanto a Mixagem modelava a Edição com a Trilha, casando diálogos, barulho e música. 

O Som do Silêncio venceu a categoria híbrida, premiando uma equipe muito competente e um filme astuto e merecedor de todo e qualquer louro. Sempre ótimo ressaltar a presença de Michelle Couttolenc, mexicana e única mulher latina concorrendo ao prêmio, numa categoria de predominância masculina. Para melhorar o momento, só mesmo o sorriso de orelha-a-orelha de Riz Ahmed lendo o envelope. – Vitor Evangelista

Melhor Montagem: O Som do Silêncio 

O nome Mikkel E. G. Nielsen pode soar familiar para você por causa de Dark (2017), mas aqui estamos falando de outro Mikkel Nielsen. O montador de O Som do Silêncio, xará do personagem da Netflix, foi responsável pela vitória do filme na categoria Melhor Montagem na noite do dia 25. O longa, que conta a história do processo de perda de audição de um baterista de heavy metal, interpretado por Riz Ahmed, já havia vencido o BAFTA e o Critics Choice, e sua vitória no Oscar era esperada.

Na categoria também estavam indicados: Chloé Zhao, por Nomadland, o grande vencedor da noite; Yorgos Lamprinos, por Meu Pai; Frédéric Thoraval, por Bela Vingança; e Alan Baumgarten, por Os 7 de Chicago. Montagem costuma ser uma das categorias mais importantes para que um filme vença Melhor Filme, e dois terços dos vencedores na categoria de Filme também venceram Melhor Montagem. A relação não ocorreu esse ano, já que Nomadland saiu vitorioso, mas Zhao perdeu por sua edição. – Jho Brunhara

Melhor Fotografia: Mank 

O superestimado filme de David Fincher não chegou nem perto de levar as categorias principais, mas até que acabou surpreendendo nas técnicas. Logo na sequência em que Jen Pascale subiu ao palco para levar a estatueta de Melhor Design de Produção, Mank foi anunciado por Melhor Fotografia, pelo trabalho de Erik Messerschmidt, rendendo uma das infelizes reviravoltas da noite. 

No ano passado, a Academia se recusou a premiar os tons em preto-e-branco de O Farol para somar mais uma conquista na conta de 1917. Mas, nesta edição, foi a tonalidade sem graça de Mank que conseguiu derrubar a possível vitória das lindas paisagens de Nomadland, que vinha levando todas ao longo da temporada. Além de superar os planos abertos e o trabalho com luzes naturais brilhantemente executados por Joshua James Richards, a fotografia marcante de Judas e o Messias Negro também passou batida. E se Relatos do Mundo tinha como única esperança vencer nas técnicas, acabou ficando para trás, ao lado do derrotado Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Melhores Efeitos Visuais: Tenet

Em um ano em que a maioria das superproduções da Marvel teve que ser adiada por conta da pandemia do covid-19, o caminho estava aberto para que o desafortunado blockbuster de Christopher Nolan levasse para casa pelo menos uma das estatuetas douradas. Com o resto da equipe de Tenet fora do país, coube à Scott Fisher aceitar o prêmio de Melhores Efeitos Visuais em nome de seus colegas, em um discurso no qual ele agradeceu ao trabalho e o apoio de toda equipe ao longo do projeto e finalizou citando a importância do diretor no processo.

Com Tenet, a preferência de Nolan por efeitos práticos ao invés de computação gráfica prova mais uma vez sua eficácia, produzindo cenas intensas que se tornam ainda mais impressionantes depois que seus bastidores são revelados (eles realmente explodiram um avião comercial em um armazém). E essa preferência parece ter dado certo, pelo menos para os membros da Academia, já que Tenet é o terceiro longa do cineasta a ser premiado nessa categoria, seguido por Interestelar e A Origem. Todos os filmes tiveram seus efeitos produzidos pelo estúdio britânico DNEG, que vem colaborando com o diretor desde a trilogia do Cavaleiro das Trevas.

Os efeitos visuais de Tenet, ora espalhafatosos, ora sutis, formam talvez a parte mais coesa de sua trama desconjuntada, e talvez por isso sejam a parte mais impressionante do longa, que certamente cativou nesse aspecto mais do que as acrobacias de Mulan e o cenário pós-apocalíptico de O Céu da Meia-Noite. Essa vitória marca o fim de uma temporada de premiações decepcionante para a carreira de Nolan, mas que não deixa de ser merecido. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Canção Original: Fight For You (Judas e o Messias Negro) 

Na parte de sonora da premiação, a categoria de Melhor Canção Original premia os compositores de músicas escritas especialmente para algum filme. Diversos nomes que levaram esse prêmio para casa vieram a se tornar grandes clássicos, como Somewhere Over the Rainbow, que ganhou em 1940, Baby, It’s Cold Outside, vencedora uma década depois e Let It Go, de 2014. Esses hinos atemporais conquistaram a Academia e, em 2021, outras 5 canções tentaram conquistar também.

Husavik (My Hometown), de Molly Sandén, é a única da categoria que não foi indicada também para o Globo de Ouro. A vencedora da premiação vizinha foi Io sì, de Laura Pausini e Diane Warren, para Rosa e Momo. Além delas, Speak Now, de Uma Noite em Miami…, escrita por Leslie Odom, Jr. e Hear My Voice, de um dos filmes mais indicados da noite, Os 7 de Chicago, disputaram a estatueta. 

Mas a vencedora da noite foi H.E.R., que coleciona seu segundo prêmio do ano. Depois de levar uma das categorias principais do Grammy, a cantora recebeu o prêmio de Melhor Canção Original com Fight For You, seu trabalho feito para ambientar o drama Judas e o Messias Negro. A música discute questões sociais e raciais, tema que foi apontado algumas vezes durante a cerimônia. – Mariana Chagas

Melhor Curta-Metragem de Animação: Se Algo Acontecer… Te Amo 

O favorito de grande parte do público levou a estatueta dourada para casa. Se Algo Acontecer… Te Amo foi um sucesso após sua história viralizar no TikTok e o Curta-Metragem de Animação ganhar grande reconhecimento na Netflix, que impulsionou mais ainda, com sua influência no Cinema atual, a vitória de seu representante. A trama, que percorre a dor e o luto, também foi muito sensível ao desenhar seus detalhados traços pretos e brancos, que parecem ainda mais abraçar o dolorido enredo. 

O curta-metragem conseguiu por sua vez desbancar a Pixar, sempre uma das favoritas quando a categoria é de Animação, mas que deixou a desejar em seus 6 minutos de tela de Toca (Burrow), já que explorou, de forma rasa o tema do trabalho em equipe, já abordado em outras produções do estúdio. If Anything Happens… I Love You venceu também sobre o favorito da crítica e das premiações internacionais, Genius Loci; a produção francesa era um ápice de animação, com todas suas cores, traços e sua história pela viagem psicodélica da personagem principal Reine, que talvez tenha soado como muito alternativa para a tradicional Academia. 

Seu outro concorrente, Opera, também era um dos favoritos por parte do público, mas o enredo do dinamismo do funcionamento da máquina-sociedade não foi o suficiente para conquistar o Oscar 2021, já que carregava a sensação de que faltava algo a mais para ficar marcada na premiação. O mesmo aconteceu com a islandês Yes-People, que passava uma mensagem interessante sobre o ser humano, mas dentre o sucesso nos traços e detalhes de todas as animações concorrentes ficava para trás na lista de muitos. – Larissa Vieira

Melhor Curta-Metragem em Live Action: Dois Estranhos

A categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action já parecia decidida antes mesmo de começar. Sem maiores surpresas, as grandes chances de Dois Estranhos sair vencedor na competição se concretizaram e, com isso, Travon Free e Martin Desmond Roe, diretores do curta, subiram ao palco para receber a tão sonhada estatueta dourada e discursar com o intuito de conscientizar, agradecer e alertar. 

“Hoje um policial matará 3 pessoas, amanhã um policial matará 3 pessoas, depois de amanhã um policial matará 3 pessoas”. Assim se iniciou o discurso de Free, e de forma sucinta o diretor apenas pediu para que não sejamos indiferentes a uma ferida aberta. A dupla não precisaria nem se preocupar com a finada música-que-interrompe-discursos, já que não foi necessário mais do que 2 minutos para Martin citar nome atrás de nome seguido de um “thank you”.

No geral, a categoria compartilhou de temas que não se distanciaram muito – violência policial, preconceito étnico, problemas sociais -, utilizando de minorias até então sub representadas na história da cerimônia para encarar essas realidades da maneira mais singular possível. O resultado não podia ser diferente. Apesar de 5 ótimas produções indicadas, Two Distant Strangers (título original em inglês) já saiu na disputa com alguns passos a frente dada a urgência da situação que retrata, aliada ao importante movimento Black Lives Matter. – Vitor Tenca

Melhor Documentário em Curta-Metragem: Colette 

Entre as viradas de jogo da noite, a categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem com certeza foi a mais inesperada. Se já estávamos cantando a bola para Uma Canção para Latasha ganhar, que poderia ser no máximo surpreendida por A Concerto Is a Conversation, foi Colette que acabou passando por cima de todos, mesmo vindo com pouca força ao longo da temporada. 

Mas, de fraca, a produção do The Guardian não tem nada. O breve curta atinge pela emoção de sua história, ao apresentar Colette Marin-Catherine, integrante da resistência francesa durante a Segunda Guerra Mundial, em uma visita ao campo de concentração em que seu irmão foi morto. O impacto do resultado final da obra, é claro, não chega nem perto da lembrança da injusta morte da jovem Latasha, ou do retrato dos ardentes protestos em Hong Kong em Do Not Split. No entanto, fica ao lado do apagado Hunger Ward, no quesito de ser um importante capítulo a se rememorar.

Ao receber o prêmio, o discurso do diretor Anthony Giacchino fez questão de celebrar a importância das narrativas de cada um dos indicados, ressaltando o poder de se produzir documentários. A produtora Alice Doyard ainda acrescentou uma dedicatória essencial: “Esse prêmio e esse filme são uma homenagem às mulheres de todos os lugares do mundo, de todas as idades, que estão dando as mãos e lutando por justiça”. A verdadeira força e representatividade de Colette. – Vitória Silva

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Jho Brunhara

Poder e território estão atrelados desde que o primeiro homem cercou um pedaço de terra e chamou de seu. Em meu texto mais recente publicado no Persona, discuti sobre os problemas que o nacionalismo gera. Coincidentemente, Do Not Split (不割席) é mais uma produção que retrata perfeitamente os perigos de nações soberanas e minorias execradas. Nesse documentário em forma de curta-metragem dirigido pelo norueguês Anders Hammer e produzido pela americana Charlotte Cook, acompanhamos os protestos de Hong Kong de 2019 e 2020 contra a tentativa de criação de uma Lei de Extradição entre a ilha e a China continental, que ameaçaria a autonomia e liberdade jurídica honconguesa. 

Eventualmente, as manifestações evoluíram para o lema “cinco demandas, nenhuma a menos”: retirar completamente o projeto da Lei de Extradição; não caracterizar os protestos como motins; retirar acusações contra manifestantes que foram presos; organizar uma comissão independente para investigar abuso de força policial; e a renúncia de Carrie Lam, atual chefe executiva, e a implementação de um sufrágio universal para eleição do Conselho Legislativo e chefe executivo.

Contexto rápido da situação entre Hong Kong e a China continental: a ilha era parte da Dinastia Qing até 1842, quando foi forçadamente entregue ao Império Britânico através do Tratado de Nanquim. Em 1972, a República Popular da China solicitou que Hong Kong fosse removida da lista da ONU de territórios não autônomos, impedindo que tivesse o direito de declarar independência. Em 1984, foi estabelecido um novo acordo entre Reino Unido e China: a soberania de Hong Kong seria devolvida ao território chinês, processo que foi concluído em 1997. Entre os termos para a ‘devolução’, os principais garantiam que a ilha mantivesse a diferença de seus sistemas econômico, político e jurídico após a transferência, e o desenvolvimento futuro de um governo democrático. Também foi criada uma semi-constituição, a Lei Básica de Hong Kong. 

Nos últimos anos, o descontentamento dos honcongueses vem das diversas investidas do Partido Comunista Chinês, que representa a China continental. Além da retórica contra o sistema político e jurídico da ilha, há uma tentativa constante de desconsiderar as garantias democráticas da Lei Básica. A distância entre os dois lados aumenta também por diferenças culturais: Hong Kong não foi igualmente influenciada pela revolução político-ideológica de Mao Tsé-Tung, e a ilha tem como língua predominante o cantonês, em contraponto ao mandarim na China continental. 

Então, chegamos em Do Not Split. O documentário de Anders Hammer está o tempo todo no olho do conflito, às vezes até perto demais. Ao longo de um ano de gravação, somos colocados dentro das passeatas, como a de 16 de junho, que reuniu duas milhões de pessoas segundo a Civil Human Rights Front. Estamos na linha de frente, ao lado de manifestantes enquanto preparam coquetéis molotov, enquanto tossem pelo gás lacrimogêneo e correm das balas de borracha (ou balas reais) utilizadas pelos soldados chineses. Ficamos presos dentro da Universidade Chinesa de Hong Kong durante um cerco policial, e dormimos no chão da pista de atletismo. Nos escondemos dentro de edifícios comerciais, protegidos pelos locais. Assistimos dezenas, centenas, milhares de prisões e brutal violência da polícia. Sonhamos com uma resolução democrática, e infelizmente, tememos, junto aos ativistas e civis, a evolução da ameaça contra as liberdades políticas de Hong Kong.

As imagens de Hammer são espetaculares, inspiradoras e dolorosas, e a narrativa e a importância política não ficam atrás. Não à toa a produção está indicada ao Oscar de Melhor Documentário em Curta-Metragem, e já é a terceira nomeação da produtora Field of Vision. Infelizmente, o fato de Do Not Split estar concorrendo ao Oscar fez com que autoridades chinesas proibissem a exibição da premiação no dia 25 de abril em todo o território. A decisão da China só dá respaldo ainda maior para o curta, que acaba também entrando na luta contra a censura e se estabelecendo como resistência.

Em 30 de junho de 2020, o Congresso Nacional do Povo chinês implementou a controversa Lei de Segurança Nacional de Hong Kong, com objetivo de impedir protestos e banir qualquer ato ou atividade que o governo considere como uma ameaça à China. A nova legislação também permite que as agências de segurança nacional do governo chinês operem na ilha. Desde que entrou em vigor, centenas já foram presos sob os novos termos, e outros vivem em constante medo de represálias, já que as condenações podem chegar a 30 anos de encarceramento. Os manifestantes continuam a buscar formas de continuar com o movimento, e como o próprio título do documentário sugere, eles não vão se dispersar. 

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Ana Beatriz Rodrigues

Em tempos sombrios, há uma necessidade de relembrarmos o passado para que os mesmos erros não se repitam, e assistir Colette exerce essa função. O curta produzido pelo The Guardian acompanha Colette Marin-Catherine, integrante da resistência francesa durante a Segunda Guerra Mundial. Ela é convencida por Lucie Fouble a visitar o campo de concentração que seu irmão foi morto. Essa viagem dolorosa concorre ao Oscar como Documentário em Curta-Metragem.

Colette Marin-Catherine sobreviveu após a invasão de nazistas na França. Mas ela não assistiu apenas o sofrimento de seu povo e lutou junto com a sua família. Jean Pierre, seu irmão, foi preso e levado para o Mittelbau-Dora, campo de concentração em Nordhausen, na Alemanha. A Alemanha Nazista levou 60 mil prisioneiros para esse campo para a construção de foguetes V2. 20 mil deles morreram, e um deles era o irmão de Colette.

Dirigido por Anthony Giacchino, o ganhador do Emmy em 2008 por Great Moments From The Campaign Trail, o curta concorre ao Oscar de Melhor Documentário. A gravação desde a casa da protagonista te aproxima ainda mais da história. Acompanhar Colette é doloroso e a produção deixa transparecer cada sentimento. 

 A utilização das imagens reais dos campos de concentração e da família da integrante da resistência francesa deixa escancarado o sofrimento causado pela Alemanha nazista. Infelizmente, com os companheiros desta categoria, Collete não possui chances de levar o prêmio. Porém, ele cumpre vários papéis, e um deles é algo que segue com a protagonista. O erro do Turismo Mórbido, a visitação desses locais que carregam histórias horríveis como uma simples viagem, além de mais uma vez mostrar as atrocidades do passado para que no futuro não se repita. 

As cicatrizes da protagonista são retratadas de uma maneira emocionante e sentimos juntos pela perda de Jean Pierre e outras milhões de pessoas durante a Segunda Guerra Mundial. Não há maneira de não chorar com o curta, ainda mais na visita ao campo de concentração. Recolocar os pés onde tantos sofreram de maneiras inexplicáveis traz mais uma vez crueldade que não pode se repetir. 

Colette diz, ao visitar o local em que acontecia a construção dos foguetes, que se aquelas colinas pudessem falar, elas gritariam. E é isso que sua história tem a capacidade de ver. Um grito de dor e de resistência por tudo que nos assombra e pode nos fazer mal. Colette é um filme urgente, um relato angustiante e necessário.

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Vitória Lopes Gomez

É impossível assistir Hunger Ward sem desviar os olhos. O curta-metragem acompanha duas profissionais de saúde em clínicas de alimentação terapêutica no Iémen, onde lutam para salvar crianças da morte por desnutrição. Sem hesitar em filmar o sofrimento, o diretor dinamarquês Skye Fitzgerald usa da dolorida exposição das vítimas para denunciar a mais triste das consequências da guerra que assola o país: a fome, que, só em 2020, ameaçou a vida de cerca de 100 mil crianças.

Se o “cinema humanitário” de Fitzgerald, como ele mesmo descreve, não parece tão humano ao apontar câmeras para bebês debilitados e famílias recém-notificadas da perda, o relato de um sobrevivente justifica: “o mundo precisa ver o quanto as pessoas do Iêmen sofrem”. O próprio diretor, em uma declaração no site do projeto, revela a urgência da realidade e como filmá-la pode gerar a empatia necessária para estimular uma mudança. Nem mesmo cabe aqui destrinchar méritos ou defeitos da produção, quando esta atinge com sucesso seu objetivo de sensibilizar e conscientizar quanto a necessidade imediata de ação.

O formato documental do curta-metragem não se apoia em longas descrições ou em uma narração impessoal, mas aproxima a realidade ao construir uma espécie de diário de bordo da médica Aida Alsadeeq e da enfermeira Mekkia Mahdi, que atuam nas duas clínicas onde o filme toma lugar. Combinando as gravações nos centros de reabilitação e os depoimentos das profissionais a inserções de planos de escolas destruídas, edifícios em ruínas e até a filmagem de um ataque aéreo, Hunger Ward conecta causas e consequências e apresenta um relato em primeira mão do saldo da guerra às vítimas. As imagens por si só são fortes, difíceis de assistir sem um pause para digeri-las e o caráter documental só aumenta a indignação: o que vemos é a realidade de muitas crianças. 

Apesar de servir como um relatório, escancarando a urgência de ação, o filme não se dá ao trabalho de discorrer sobre o conflito em si, seus motivos ou lados. Isso realmente importa quando crianças estão morrendo? Ainda, a realidade que afeta muitos é resultado de interesses maiores e a produção não se acovarda em lembrar o caráter essencialmente político dos acontecimentos. Ao final, para não tirar o peso das imagens que expõe, o curta brevemente contextualiza: a fome que acomete crianças é consequência de um bloqueio de alimentos e medicamentos imposto pela Arábia Saudita, que, por sua vez, recebe apoio bélico, estratégico e operacional direto dos Estados Unidos e de países da Europa.

Coincidentemente, um mês antes da produção ser oficialmente indicada, o presidente norte-americano Joe Biden não falhou em colocar seu país como Pacificador ao pedir o fim da guerra no Iémen, ao mesmo tempo que segue apoiando os árabes a garantirem a soberania local e, consequentemente, a continuidade do conflito. Não é possível extrair a política da realidade e Hunger Ward é o depoimento cru e bárbaro do resultado dessa guerra esquecida, que atinge e mata crianças que nada têm a ver com os interesses de países imperialistas.

Indicado como Melhor Documentário em Curta-Metragem, Hunger Ward foi nomeado na mesma categoria ao Critics Choice Documentary Awards, que abre a temporada de premiações. No entanto, isso ainda não diz muito: a maioria dos concorrentes também ostentam outras indicações, mais ou menos significativas quando se trata de um termômetro para o Oscar.

O diretor Skye Fitzgerald, que em fevereiro ganhou Melhor Diretor de Documentário em Curta-Metragem no Social Impact Media Awards com Hunger Ward, já é conhecido da Academia. Em 2019, o dinamarquês dirigiu Lifeboat, que documenta a travessia de refugiados líbios no Mediterrâneo e também foi indicado como Melhor Documentário em Curta. Há dois anos, os votantes mostraram que estão de olho no estilo de Fitzgerald e ele segue a mesma linha em 2021. 

A disputa na categoria é acirrada pela imprevisibilidade. A Netflix, que prevaleceu em 2019 com Absorvendo o Tabu, também tem um forte competidor esse ano, com Uma Canção para Latasha. Independentemente das chances de vitória, o poder do cinema humanitário se mantém: o sofrimento das pessoas do Iémen é um pouco mais conhecido depois de Hunger Ward, ainda que isso não faça muito efeito para o país anfitrião do Oscar.

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Ana Júlia Trevisan

“Você pode me dizer o que é um concerto?” “Então, é basicamente essa peça que tem um solista e um conjunto, uma orquestra. Os dois estão conversando”. Documentário em curta com direção de Ben Proudfoot e Kris Bowers e distribuído pelo The New York Times, A Concerto Is a Conversation toca no íntimo da alma de maneira despropositada, exibindo muito afeto na conversa entre duas gerações diferentes. A história nos faz refletir sobre a importância daqueles que vieram antes de nós e do conhecimento sobre o passado.

Com a ânsia de ser ouvinte vinda do neto – um dos diretores -, após descobrir o câncer do avô, toda conversa que há entre os dois durante os treze minutos de curta transborda vida. Horace Bowers ganha seu destaque como orador, narrando com orgulho a jornada que construiu. Começando por sua dura história no sul dos Estados Unidos da década de 1940 e a vida em uma sociedade racista. O patriarca usa a voz da experiência para dizer uma das frases mais marcantes do documentário: “Nunca pense que você não deveria estar lá. Porque você não estaria lá se você não deveria estar lá.”

Em meio tanta admiração, a produção traz o desprazer de relembrar o fatídico Oscar de Melhor Filme vencido pelo problemático Green Book. Mas, o filme não é citado à toa, Kris Bowers assinou a trilha sonora do longa e concorreu, em 2019, ao Critics Choice Awards de Melhor Compositor. Agora, em 2021, foi reconhecido pela Academia e concorre a Melhor Documentário em Curta-Metragem com A Concerto Is a Conversation.

A indicação ao prêmio mais importante do mundo cinematográfico não foi uma surpresa. A categoria que, ano a ano, traz temáticas relevantes, não deixaria de fora o compositor da trilha de Bridgerton em uma produção grandiosa dentro de seu intimismo. Competindo ao lado dos poderosos Do Not Split e Colette, o curta pode não levar a estatueta para casa por ser um trabalho mais leve em meio às dramáticas cenas pesadas de seus concorrentes. Intuitivamente falando, o estrondoso documentário da Netflix sobre Latasha Harlins é o com maior chances para o prêmio

A câmera focada no rosto de quem está falando e a fluidez do diálogo passa a sensação daquela conversa estar correndo a três: neto, avô e telespectador. A  estrutura do filme colabora para esse sentimento de pessoalidade. Em momento algum Horace Bowers ou Kris Bowers olham diretamente para a câmera, o olhar sempre atento ao ouvinte ajuda a construir a presença de tela e a veracidade do assunto que flui de maneira natural.

O jogo de cenas também é envolvente, passamos por fotos e gravações de momentos importantes da vida de ambos. Os paralelos tornam A Concerto Is a Conversation ainda mais emocionante. O corte de frames do avô na lavanderia onde exerceu seu ofício de prensador para o neto sentado ao piano, o entrelace entre a conversa e o concerto é brilhante, alcançando aquilo que o documentário propõe e já sugere logo em seu título.

Inspirador e bem orquestrado, A Concerto Is a Conversation cresce conforme  a canção toca. De maneira íntima, a música ganha histórico familiar e discurso racial, e ricamente se desenvolve em torno de suas peças principais. Os treze minutos são suficientes para nos tornar participantes da conversa e sentir a forte conexão entre Kris e seu avô. Doce e deixando o desejo de ser revisto, o concerto criado é uma belíssima homenagem a Horace Bowers.

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Ana Beatriz Rodrigues

Latasha Harlins, uma jovem preta de 15 anos, morava em Los Angeles e alimentava grandes sonhos, como o de ser advogada. A menina morava com sua avó e sua melhor amiga, que também era sua prima. No dia 16 de março de 1991, os sonhos e a vida de Latasha foram arrancados por menos de dois dólares. Após a sua morte, seu nome também foi citado nos protestos dos distúrbios de Los Angeles em 1992, que reivindicavam sobre o julgamento do caso Rodney King. Depois de 30 anos da morte da garota, Uma Canção para Latasha conta sua história em uma curta documentário chocante.

Infelizmente, sua história é apenas uma entre tantas outras, a diferença é que sua morte foi filmada e mostrada ao mundo. Porém, mesmo com toda essa exibição, o racismo também foi visto no tribunal. A sua assassina, Soon Ja Du, não ficou um dia sequer na prisão. Sua pena, pela vida de Latasha, custou apenas cinco anos de prisão em liberdade condicional, 500 dólares, as despesas do funeral e 400 horas de serviço comunitário. 

O curta é narrado por sua melhor amiga, Shinese, e isso faz com que toda a dor transpareça pelos 18 minutos da produção. A narração da maior confidente de Latasha é capaz de deixar ela mais presente. Os planos futuros das amigas foram destruídos por Soon Ja Du, dona de uma loja de conveniência que atirou na jovem após acusá-la de roubar suco de laranja de um dólar e setenta e nove centavos. Latasha morreu segurando sonhos, esperança de uma vida melhor e dois dólares que ela pagaria pelo suco. 

A produção da Netflix concorre ao Oscar 2021 na categoria de Melhor Documentário de Curta-Metragem. Desse modo, o streaming marca presença mais um ano nessa categoria. A plataforma já foi indicada em 2016 e seguiu por mais três anos. Levou o prêmio por Os Capacetes Brancos (2016) e Absorvendo o Tabu (2018). Nesse ano, ele aumenta uma nomeação para sua extensa lista com A Love Song For Latasha.

O curta, acima de tudo, é um produto político. Muitas vezes, os temas sociais são explorados nesse gênero e é isso que a produção faz. É uma obra que denuncia o racismo de 30 anos atrás e acaba por falar da atualidade ainda. Mortes injustas de pessoas negras, como George Floyd e Jorge Alberto, são refletidas no documentário de Latasha. 

A diretora Sophia Nahli Allison trouxe um curta sensível em vários aspectos. A narração da amiga, citada anteriormente, foi essencial para o filme emocionar ainda mais. Além disso, o momento em que a morte da garota foi narrada, veio de uma forma diferente, mas equilibrada. Toda a narração da história foi acompanhada por efeitos psicodélicos. Isso transformou a morte do jeito caótico que ela aconteceu. 

A leitura do poema escrito pela própria menina molhou o final com lágrimas, essas que podem ter sido companhia durante todo o curta. Sentimentos surgem quando se assiste essa canção de amor para os sonhos que foram destruídos e por injustiças ainda cometidas. A história de Latasha, as imagens simulando a vida da garota, a narração e a trilha sonora transformaram A Love Song For Latasha na homenagem e no ato político necessário.

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