Como todo 2021 até agora, Maio foi um mês difícil. Dentro de casa, é impossível medir o tamanho da perda que foi o falecimento do brilhante Paulo Gustavo e das tantas vítimas da pandemia, ainda descontrolada no país. Partiu também a atriz Eva Wilma, face marcante da arte nacional, em decorrência de um câncer de ovário. Outra presença marcante e histórica do mês foi o centenário de Ruth de Souza, a primeira brasileira indicada a um prêmio internacional de cinema (Melhor Atriz em Veneza, por Sinhá Moça) e primeira atriz negra a atuar no Theatro Municipal. 

Revelando o caráter frágil da manutenção da Arte no Brasil, a Suíça nos incluiu em um fundo para cineastas de países com democracia ameaçada, lado a lado com Sudão, Ucrânia, Irã, Iraque, Síria e Turquia. Enquanto o Governo tenta liquidar qualquer opinião que não concorde com a sua, o Cineclube Persona de Maio de 2021 segue na cruzada de defender a Arte e suas diversas manifestações. No texto abaixo, a Editoria e seus Colaboradores mergulharam no Cinema e na TV deste que é o último mês de elegibilidade para o Emmy, marcado para acontecer no meio de setembro.

Com fome do prêmio máximo das telinhas, a Netflix apostou em algumas frontes distintas. Halston retomou a parceria do streaming com Ryan Murphy, de praxe dando a Ewan McGregor o flamboyant necessário para elevar o drama histórico que entrelaça fama e Moda. Special finalizou sua sorridente trama, O Método Kominsky fechou as portas sem sua dupla dinâmica completa e Master of None deu um cavalo-de-pau e entregou uma trama diferente e ainda mais madura, com direito a subtítulo chique (Moments in Love) e um foco principal na personagem de Lena Waithe. 

No Amazon Prime Video, Barry Jenkins se dedicou à The Underground Railroad, uma minissérie exorbitante, polida e bem cuidada, encabeçada por uma novata de ouro e um elenco de apoio que sustenta a trama violenta e poética. A HBO apostou em Mare of Easttown, seu programa semanal de domingo, que finalizou sua rodagem no fim do mês. Tem Kate Winslet, Jean Smart e a receita para ficar na boca do povo por um bom tempo. O suprassumo da TV ainda investiu em Oslo, telefilme com o charmoso Andrew Scott, também de olho no Emmy.

A parte 2 da temporada cinco de Lucifer finalmente foi disponibilizada, reafirmando o poder da Netflix em explodir em audiência suas franquias mais famosas. O gênero do true crime encontrou novidades em Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração e The Circle US ganhou uma nova leva de capítulos Castlevania continua impressionando no quarto ciclo, e o Volume 2 de Love, Death + Robots foi menor que o esperado, mas sem perder a acidez característica da antologia. 

Na TV aberta dos Estados Unidos, This Is Us chutou a porta com o gancho que encerrou a quinta temporada, fazendo com que a audiência não pare de pensar em quem vai casar até 2022, data marcada para o retorno do sexto e último ano das crônicas da Família Pearson. Zoey e Sua Fantástica Playlist continua crescendo em audiência e falatório, carregada pelo talento de Jane Levy. O elenco de Friends se reuniu por quase duas horas, chorou o que tinha para chorar e deu adeus, ao lado dos mais diversos convidados, indo de Justin Bieber à BTS (vai entender).

Na parte de filmes, o Amazon Prime Video montou seu time de Vingadores do Rock em What Drives Us e reuniu Manu Gavassi e seus amigos em um drama nacional que transforma a quarentena em personagem principal. Dua Lipa levou a Nostalgia do Futuro para o Globoplay, Gia Coppola platinou o cabelo de Andrew Garfield e Michelle Pfeiffer jurou por Deus que o marido morto reencarnou em seu gato. 

O sucesso do mês foi a Cruella de Emma Stone, espevitada e elétrica, um show de qualidades e de looks icônicos. A Netflix acertou com o dramático Monstro, e errou feio com o Frankenstein A Mulher na Janela (Amy Adams, pisque duas vezes se você não estiver bem, por favor). Na correria de Maio, sobrou tempo para Zack Snyder brincar com zumbis e Angelina Jolie fugir de fogo.

No Brasil, teve produção excelente (Onde Está Meu Coração) e teve o fim do infinito Big Brother Brasil 21. O Persona dá um geral em tudo que teve de mais impactante nos últimos trinta e um dias, revelando os destaques e as bombas, com espaço reservado para o enaltecimento da melhor figura que 2021 nos deu: volte sempre, Gil do Vigor. 

Falecimento de Eva Wilma 

Mês de maio, com todas suas notícias e acontecimentos, me pegou de surpresa numa noite tranquila de sábado. Começou com um tweet, uma frase simples que me disparou o coração e me colocou em estado de alerta: “a Vivinha não, por favor!”. Aquilo me gelou a espinha e me fez revirar a internet atrás de mais informações da minha tão amada e querida Eva Wilma, até que em um post de um ator muito próximo à ela, tive a confirmação, através de uma foto lindíssima dela e Carlos Zara, com uma legenda ainda mais bonita: “agora você irá reencontrar seu grande amor”. Foram minutos de silêncio. 

Vivinha, como a chamavam carinhosamente, grande estrela, grande artista e uma inspiração como mulher, se foi. Fez sua viagem e então apagou-se a luz do palco iluminado de beleza e pura arte que foi sua vida. Tão forte em sua voz dócil, preciosa em suas emoções tão bem expressas em cenas memoráveis, dona de personagens inesquecíveis, reais e relevantes em todas as épocas. Se foi Eva Wilma e sua voz ecoou por todos os cantos, recitando o prólogo de Antígona, de surpresa, na plateia de uma peça de teatro, soando como um anjo de boas novas, trazendo esperança em cada palavra. 

Eva foi uma mulher de muita coragem, de luta e resistência. Nunca se calou perante a repressão e deu voz a personagens que jamais poderiam ser silenciadas. Parte de sua obra em novelas pode ser assistida no Globoplay, enquanto outra parte, sonhamos um dia, termos acesso, pois são papéis primorosos e tocantes do início da década de 70. Deixo aqui duas sugestões especiais para relembrar a atriz: A Indomada, de 1997, com sua inesquecível, maldosa e repugnante Maria Altiva, genial em cada cena que dava vida, e em parceria com grandiosos atores como Claudio Marzo e Eliane Giardini; e Roda de Fogo, de 1986, na pele de Maura Garcez, uma guerrilheira destemida, que lutou contra a ditadura militar e não perdeu suas ganas de justiça. Assim como todos os artistas, Eva Wilma será eterna enquanto sua obra não for esquecida pelas novas gerações. Assistir a essas obras, reverberar suas histórias e transmiti-las aos que virão depois é uma forma de manter viva não apenas a atriz, mas também a grandiosa arte brasileira em sua forma mais memorável e acessível. Viva Eva Wilma, e viva a cultura brasileira. – Marina Ferreira

Falecimento de Paulo Gustavo

A arte de criar felicidade é uma verdadeira bênção que nos traz o alívio necessário para seguir em frente na caminhada implacável da vida. Mas o que fazer quando uma das fontes de alegria é cessada para dar lugar a uma dor sufocante que representa o sofrimento de centenas de milhares de brasileiros nos últimos 15 meses? Essa é a pergunta que nós fazemos depois de sentir o número de 450 mil mortos pela pandemia de coronavírus no Brasil, montante que agora, além de roubar a existência dos nossos familiares e amigos, também sugou para si um dos nomes mais importantes da Arte, do Cinema e do Teatro brasileiro contemporâneo. 

Dona Hermínia, Valdo, Aníbal, e muitos outros personagens marcantes da comédia no Brasil foram embora junto de seu criador Paulo Gustavo, que nos deixou no dia 4 de maio de 2021, exatamente 15 anos depois de subir num palco pela primeira vez para encenar o seu maior sucesso. No início da sua carreira em 2006, estreando o espetáculo Minha Mãe É Uma Peça, ele era um jovem de 27 anos que perseguia o sonho incerto de ser artista no Brasil. Quando sua maior realização foi interrompida pelo agravamento da sua situação de saúde em decorrência da covid-19, Paulo Gustavo já tinha levado mais de dois milhões de pessoas aos teatros, 15 milhões aos cinemas, e mantinha a maior bilheteria da história do cinema brasileiro e a maior arrecadação de um filme de comédia transmitido no país.

Além de movimentar multidões em direção aos cinemas para assistirem suas personagens sempre cativantes e identificáveis explodindo seu talento, o artista também usou sua arte, visibilidade, admiração, popularidade e carinho do público em prol da população LGBTQIA+. Depois de bravamente lutar contra a doença – para qual já existe vacina, vale ressaltar -, resistindo pela vida enquanto internado num leito de UTI desde o dia 13 de março, o artista descansou, deixando sua arte, seu legado, seu público, seu esposo, seus dois filhos e tudo o que ainda existia pela frente. Ao contrário da comédia que protagonizou em sua vida toda, em seu último ato, Paulo Gustavo foi mais um personagem de uma enorme tragédia, representando de uma forma radicalmente triste e revoltosa o assalto ao nosso bem mais valioso que foi exponencialmente tomado de nós no último ano pela pandemia e pelo descaso do (des)governo brasileiro: a vida. – Raquel Dutra

Cinema

A Mulher na Janela (The Woman in the Window, Joe Wright)

Anos depois de sua concepção original, o thriller estrelado por Amy Adams (e último fantasma da Fox 2000 Pictures) chegou para apreciação do público. Amarrotado e socado de última hora no catálogo da Netflix, o filme passou por refilmagens, remendos no roteiro e ainda viu o autor da obra original se envolver em uma polêmica digna da ficção.

O resultado, como esperado, é uma desordem descomunal, um entra-e-sai de atores de alto calibre gritando uns com os outros por mais de duas horas. Nas mãos certas, Amy Adams teria suficiente material para a glória eterna da Academia, mas sob a tutela vergonhosa de Joe Wright, a ruiva cai no abismo do esquecimento.

O sucesso na plataforma de streaming apenas atesta como o público da Netflix não se importa com qualidade na hora de consumir qualquer suspense meia-boca com viradas de roteiro que seriam indignas até para a programação das tardes do SBT. – Vitor Evangelista 

Me sinto bem com você (Matheus Souza)

Como diria aquela canção: “Que amor tão grande tem que ser vivido a todo instante”. Mas o que fazer quando um surpreso isolamento social faz com que estejamos distantes do nosso amor? Ou, ainda, nos obriga a permanecer presos dentro de casa com nosso parceiro enquanto o relacionamento passa por crises? O diretor, roteirista e ator Matheus Souza consegue responder essas perguntas e traduzir todas essas emoções perfeitamente com o novo produto nacional do Amazon Prime Video, Me sinto bem com você. 

De maneira quase teatral, somos apresentados a 5 microcosmos diferentes que se ligam pela paixão, cumplicidade e a loucura de mentes que não aguentam mais ficar em casa. Matheus Souza mostra que o amor em tempos de quarentena pode se desdobrar de diversas formas, seja ele romântico ou não. Não mentiria se dissesse que, em algumas dessas histórias, você sentiria um estalo de “ei, eu já me senti assim antes”. Me sinto bem com você consegue destrinchar todo esse sentimento ora melancólico, ora radiante com naturalidade e isso que o torna extremamente instigante. 

Um elenco de nomes bem conhecidos pelo público, incluindo a cantora e ex-BBB Manu Gavassi (que também faz parte da produção), permite uma narrativa dramática e sensível, mais sobre relações humanas do que sobre os efeitos da pandemia no convívio social. Toda a construção do roteiro possui um tom de aconchego, sem minimizar ou escandalizar um lado ou outro da situação. No final das contas, não é o acolhimento o principal fundamento de um relacionamento saudável? Me sinto bem com você nos mostra cirúrgica, mas gentilmente que sim. – Júlia Paes de Arruda

Aqueles Que Me Desejam a Morte (Those Who Wish Me Dead, Taylor Sheridan)

O retorno de Angelina Jolie ao Cinema de Ação merecia muito mais do que Aqueles Que Me Desejam a Morte pode oferecer. Aqui, a atriz disfarça os anos longe dos serviços de espionagem, planejamento de investigações e rotas de fuga na serena-porém-profundamente-traumatizada Hannah, uma bombeira florestal que tenta se recompor após falhar em uma operação e perder 4 jovens para um incêndio. No processo, cai no colo dela um menino com segredos valiosíssimos perseguido por assassinos, e a heroína engole as mágoas ao mesmo tempo em que enfrenta seus traumas cara-a-cara.

A sinopse engana e o filme não entrega nenhuma jornada profunda sobre superação ou reviravoltas grandiosas como se espera e como ele bem poderia. O roteiro de Michael Koryta, Charles Leavitt e do próprio diretor, Taylor Sheridan, é adaptado de um romance homônimo e trabalha muito bem com diferentes linhas narrativas, surpreendendo ao encontrá-las. Mas não consegue entregar material para que seus atores e suas atrizes (Nicholas Hoult, Tyler Perry, Aidan Gillen e a brilhante Mendina Senghore), decolem das cenas muito bem coreografadas de ação para explorar suas outras dimensões. 

O que também prejudica o filme como um todo, já que seu tema inicial e aparentemente o central não tem resolução ou desenvolvimento, tirando as certezas que tínhamos sobre a trama sem colocar outras no lugar. Algo parecido com o que acontece com a própria Angelina. A veterana já não aparece nas nossas telas tanto quanto antes, e Aqueles Que Me Desejam a Morte parece esquecer completamente que um de seus nomes carrega um dos legados mais relevantes da indústria do Cinema. – Raquel Dutra

Army of the Dead: Invasão em Las Vegas (Army of the Dead, Zack Snyder)

Filmes de zumbi tem um espaço especial no coração do fã de terror, seja por bem ou por mal. Zack Snyder, a fonte dos clamores pelo Snyder Cut, guarda uma coleção de louros em casa por seu Madrugada dos Mortos, uma peça singular de 2004 que caminhou pelos tapetes de Cannes e premiações voltadas para o gênero. Reencontrando suas criaturas, o diretor surge na Netflix com Army of the Dead: Invasão em Las Vegas, que, apesar de contar com inovações pontuais para os mortos-vivos, não entrega absolutamente nada de chamativo para os personagens que ainda respiram.

Escalar Dave Bautista para o papel principal é mais que motivo para duvidar da carga dramática da trama, claro. Mesmo assim, o ator consegue surpreender e ser quase um pedaço de papelão com metralhadoras. A relação paterna que Snyder estabelece entre ele e sua filha é caótica e cansativa, não interessando o suficiente para causar algum pingo de sensibilidade. Inclusive, não é só entre os dois personagens que isso acontece – todas as interações entre o elenco são fracas. A única amizade com potencial é entre Dieter e Vanderohe, mas que não ganha a devida atenção e se perde entre os tiros e socos.

Agora, se tem algo que não podemos negar, é que os zumbis de Zack Snyder são maneiros para caramba. Mergulhando de vez na viagem da coisa, vemos uma relação afetiva entre o Alfa e sua Rainha grávida, uma organização tribal e hierárquica entre os errantes e até – pausa para respirar – um incrível tigre zumbi. Somos praticamente carregados para termos mais simpatia ao reino das criaturas do que a qualquer personagem humano da obra, que perdem todo o charme perto dos gritos revolucionários dos vilões. Zack Snyder, dessa vez, ficou devendo coesão, mas serviu diversão o suficiente para suas duas horas e meia de Army of the Dead. – Caroline Campos

Monstro (Monster, Anthony Mandler)

Todos são inocentes até que se prove ao contrário, é o que garante a lei americana. Mas quando o condenado é um garoto negro de 17 anos, essa ordem é mesmo aplicada? Esse é o questionamento abordado em Monster, longa de drama lançado na Netflix. O filme baseado no livro de Walter Dean Myers, escrito em 1999, nos conduz pelo julgamento de Steve Harmon, adolescente que foi acusado de um crime que alega não ter cometido. 

Estrelado por Kelvin Harrison Jr., a obra conta com grandes nomes: John David Washington, protagonista do aclamado Tenet, e Jennifer Hudson, ganhadora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante em 2007, fazem parte do elenco rico e cheio de boa atuação. Já a produção e direção ficou na mão de Anthony Mandler, profissional por trás de videoclipes de estrelas musicais como Taylor Swift, Rihanna e Beyoncé. 

E o que há de melhor e mais interessante no filme é a narrativa, que coloca o telespectador como juiz do crime. É que a história vai sendo contada aos poucos, intercalando os dias antes do ocorrido com o julgamento, e a verdade do que aconteceu naquela tarde de 12 de setembro só vem à tona nos minutos finais. Cabe a quem estiver assistindo decidir se acredita ou não nas palavras de defesa do protagonista. E se perguntar o que te levaria a acreditar que aquele garoto é, como foi chamado, um monstro. – Mariana Chagas

Cruella (Idem, Craig Gillespie)

A investida mais recente da Disney na passagem de animações para live-action não carece de estilo e visuais, mas perde força na construção de sua protagonista vilanesca. Nela, a vida de jovem Estella (Emma Stone) muda radicalmente depois que um terrível acidente a deixa sozinha nas ruas da Londres dos anos 60, podendo contar apenas com seus dois amigos, Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser) em sua busca de vingança na qual ela assume a temível personalidade de Cruella de Vil.

O prequel de 101 Dálmatas não tem medo de se afastar do material original, tanto no estilo quanto na caracterização de sua personagem titular. Emma Stone dá um show no papel da fashionista enlouquecida, dominando todas as cenas em que aparece. A estética punk rock londrina adotada por ela também ecoa na onerosa trilha sonora, que vem recheada dos grandes clássicos do pop e rock da época: The Doors, Blondie, The Clash e até mesmo Nina Simone fazem aparições memoráveis nessa história de origem.

No entanto, a estrutura do roteiro é bagunçada e pouco ousada, com uma reviravolta óbvia no segundo ato e outra insignificante no terceiro que complicam desnecessariamente as motivações de sua protagonista. O longa entretém, fazendo bom uso de sua estética e suas performances, certamente jogando seguro, mas por fim entregando uma obra sólida e bastante divertida. Porém, surge o questionamento: é possível que um dos maiores conglomerados de mídia do planeta produza uma obra realmente subversiva e rebelde, de espírito genuinamente punk? O tratamento dado a sua figurinista, Jenny Beavan (a grande estrela desse show), nos diz que não. – Gabriel Oliveira F. Arruda

French Exit (Idem, Azazel Jacobs)

O último feito de Michelle Pfeiffer finalmente chegou ao Brasil nos moldes daquelas dramédias charmosas que nos capturam pela abstração que oferecem. O trabalho de French Exit acontece a partir da socialite viúva Frances Price, que torrou a fortuna que recebeu de herança do marido e não vê motivos para continuar a vida sem o luxo que a cerca. Então, ela carrega o filho Malcolm (o indicado ao Oscar Lucas Hedges) para gastar o dinheiro que lhes resta numa temporada em Paris, onde outros personagens excêntricos passam a fazer parte da sua vida. 

A maior graça de French Exit está em suas figuras e nas situações criadas por elas. O destaque, no entanto, vai de fato para Pfeiffer, que se sente completamente à vontade na pele da caótica Frances, e Hedges, que sendo o personagem mais contido, consegue também ser o mais hilário e compreensível do roteiro pitoresco de Patrick deWitt, nascido do romance escrito pelo mesmo. A direção de Azazel Jacobs trabalha com uma história que está em personagens descolados da nossa realidade, então, o nosso lugar é mais de divertir com suas esquisitices do que tomar parte em seus (poucos, porém profundos) sofrimentos. Mais comédia do que drama, quer construção mais bem-vinda? – Raquel Dutra

Oslo (Idem, Bartlett Sher)

Oslo é uma cidade da Noruega que foi palco de uma série de acordos entre  Israel e a Organização para a Libertação da Palestina (OLP). O novo filme da HBO trata o início e as negociações que levaram à assinatura do Acordo de Paz em setembro de 1993. Andrew Scott, com sua expressão facial de afobação, intermedia o contato entre os líderes nacionais. Ao seu lado temos Ruth Wilson, interpretando Mona. Uma mulher centrada, capaz de ganhar a confiança de ambos os lados. O  casal de diplomatas usa de suas conexões pessoais para criarem uma mesa neutra e resolverem o conflito, de mais de quarenta anos, na base do diálogo.

Como todo filme de acontecimentos históricos, assistimos com a nuvem do spoiler pairando sob nossa cabeça. O conflito entre israelenses e palestinos passa por um de seus momentos mais violentos. Pensar nos ataques em Jerusalém e bombardeios em Gaza, que deixaram mais de 200 mortos, nos deixa aflitos com o caminhar do longa. As negociações avançam com dificuldades, mas com a promessa de um consenso final. Pouco sobre a burocracia da documentação é falado, a direção de Bartlett Sher foca na relação de seus personagens, construindo assim o diferencial de Oslo.

É observando os trâmites que vemos a imponência dos Estados Unidos nas discussões. O longa se encerra em sua glória: pelo telefone, ouvimos o choro dos oficiais da OLP, que não imaginavam viver tempo suficiente para aquele momento, esperamos um aperto de mão, mas a História não permite mentir. Antes de subirem os créditos, vemos a reação de extremistas israelenses que se opuseram, julgando como uma ameaça à segurança do país. Oslo é um drama que tenta humanizar seus agentes, e em momento algum pode ser categorizado como um documentário. – Ana Júlia Trevisan

Mainstream (Idem, Gia Coppola)

Sim, esse nome é mesmo familiar. Gia Coppola é neta de Francis Ford, sobrinha de Sofia e agora continua sua jornada como diretora de Cinema. Depois de trabalhar em Palo Alto quase dez anos e se aventurar por clipes musicais, Gia retorna com Mainstream. Depois de ter estreado em Veneza ano passado, a sátira chegou às locadoras digitais em maio.

A trama é doida, relacionando um maltrapilho e seduzente Andrew Garfield, loiro e esbelto, e a cultura do imediatismo online. Coppola escreve o roteiro ao lado de Tom Stuart, a partir de uma ideia dela própria, e orbita o ecossistema inconsistente de Mainstream com um elenco de jovens talentos.

Maya Hawke estende a vibe que emulou em Stranger Things, enquanto Nat Wolff é subaproveitado. A estrela, não tem jeito, é Garfield e seu influencer anti-tecnologia, embriagado pela fama. Falta foco e coesão em Mainstream, mas sobra virilidade e vivacidade. Que Gia continue atrás das câmeras (e que contrate Andrew Garfield em mais tons de loiro no futuro). – Vitor Evangelista

Studio 2054 (Idem, Liz Clare)

“Bem vindos a boate Future Nostalgia” é algo que todos nós gostaríamos de ter ouvido no ano de Dua Lipa. Infelizmente, a concretização do potencial dançante do segundo álbum da artista foi engolido pelo ano pandêmico, mas ela não deixou seu disco ser esquecido pelos clubes de dança. No auge das lives-espanta-tédio-da-pandemia, a princesa disco criou sua experiência virtual construindo sua própria boate com tudo o que imaginou para Future Nostalgia: muitas batidas, luzes neon e coreografias, entregando o que ela ambiciosamente prometeu no início de 2020 agora em Studio 2054..

O filme é o registo do show que Dua Lipa planejou e transmitiu universalmente em novembro do ano passado. Finalmente disponibilizado no Brasil pelo Globoplay, agora podemos assistir também o documentário Por Trás do Studio 2054, que mostra os bastidores da superprodução da artista, também no mesmo streaming. Dentre as participações de Elton John, Angèle, Kylie Minogue e FKA twigs, a vertiginosa tracklist de Future Nostalgia, os sucessos anteriores de Dua e recordes de vendas, o show faz jus ao sucesso estrondoso da artista – e também demonstra a razão do apelido que surgiu para ela nos últimos meses. – Raquel Dutra

What Drives Us (Idem, Dave Grohl)

Dave Grohl resolveu fuxicar a lista de contatos do celular e selecionou um elenco de peso e muito som para compor seu mais novo documentário, What Drives Us. Pegando, literalmente, carona em Nomadland, o líder do Foo Fighters dedica os 88 minutos de tela no Amazon Prime Video para saudar as rodas que movimentaram as turnês explosivas de grandes bandas da história da Música. Todos os entrevistados confidenciam experiências similares, se unindo em torno do amor pelo rock e sendo guiados em conversas sensíveis com Grohl, que enlaça os relatos com intimidade, simpatia e um entendimento único do assunto.

Assim, podemos sentar em círculo e bater um papo com estrelas como Brian Johnson, Ringo Starr, Slash, Duff McKagan, Flea, The Edge, D.H. Peligro, Kira Roessler, St. Vincent, os meninos do Radkey, Steven Tyler e nomes ainda mais variados que reforçam o ponto de seu diretor: o rock não morreu, ele foi se transmutando. Não há espaço para saudosismo barato – mesmo que Flea ganhe um tempinho em cena para bater nessa tecla -, nem para roqueiros que se acham a última pedra preciosa dos anos 90. Nova e velha geração se unem para discorrer a ligação poderosa com os palcos, as situações inusitadas que dois meses em um carro com um bando de desconhecidos podem gerar e a relação tumultuada com a estrada.

Juntando tantas pessoas, era inevitável que alguns fossem apagados da narrativa e fizessem apenas pequenas pontas, mas o carinho de Dave Grohl por aqueles músicos é o que o firma como o condutor desse ônibus de loucos viajantes. O artista, inclusive, comprou novamente a primeira van em que entrou em turnê com o Foo Fighters, deixando aquele gostinho de nostalgia na boca do espectador – que também é forçado a assistir momentos de shows espetaculares e lembrar que ainda vive no Brasil e tais apresentações estão longe de voltarem a acontecer. What Drives Us é como o próprio Dave descreve: “uma carta de amor a cada músico que já entrou em uma velha van com seus amigos e deixou tudo para trás pela simples recompensa de tocar música”. – Caroline Campos

TV

Big Brother Brasil 21 (Rede Globo)

O Big dos Bigs! Desde seu início, essa foi a promessa da edição de 2021 do reality show mais comentado do Brasil. Aos modos do ano anterior, o Big Brother trouxe seu elenco diverso, misturando camarotes e pipocas na casa mais vigiada. Manu Gavassi – em 2020 – fez o programa parecer fácil ao lado da fama, assim, abrindo portas para que nomes como Karol Conká, Projota e Fiuk topassem os cem dias de desafio. A edição com mais jogadores negros da história eliminou seus participantes escurraçados com recordes de rejeição e consagrou vitoriosa a advogada branca.

De entretenimento a terror psicológico, o BBB 21 foi recheado de polêmicas, surpresas e desgostos. Lumena, que era uma das favoritas do Twitter, se envolveu com o lado errado da Força. Projota, que foi a grande surpresa das chamadas, logo conquistou o público com seu jeitinho fofoqueiro, mas foi questão de tempo para ele se enterrar no próprio jogo. Viih Tube, que já entrou cancelada, foi longe na casa graças a sua manipulação. Gilberto, que era apenas um pipoca, dominou o Brasiiiiil com sua cachorrada. 

Contra a tortura da Mamacita Jaque Patombá, o G3 parecia ser a única solução. Sarah foi nossa espiã favorita, mas entregou o 1,5 milhão ao se declarar Miss Cloroquina e buscar apoio na bancada ruralista. Após o primeiro beijo entre dois homens na história do Big Brother, Lucas Koka desistiu do programa e assim iniciou a nova temporada no reality show. Foi nessa época que Juliette se tornou a namoradinha do Brasil. Conquistando uma avalanche de seguidores e criando uma milícia virtual de cactos, ficou claro que ela sairia milionária. – Ana Júlia Trevisan

A vitória de Juliette Freire (BBB 21, Rede Globo)

A revelação do nome da campeã do Big Brother Brasil 21 não foi uma surpresa para ninguém. Desde que entrou pela porta da casa mais vigiada do Brasil, Juliette Freire não saiu da boca do público, nem dos dedos de quem comentava o reality nas redes sociais. No início, por sua aparente tentativa em engatar um casal com o Fiuk; depois, por ser excluída da casa em função de pessoas arrogantes que se recusavam a entendê-la; mais tarde, por integrar o G4 (formado também por Gil, Sarah e Lucas), e por aí vai. 

A narrativa da paraibana dentro do jogo se assemelhava muito com outras histórias já observadas em edições anteriores. Como, por exemplo, a de Marcela Mc Gowan, do BBB 20, a rainha das fadas sensatas, que iniciou a marcante revolta das mulheres da casa contra os homens, buscando, por muito tempo, que as pessoas da casa ouvissem a sua verdade. Uma das grandes favoritas no início a levar o prêmio, mas que acabou se perdendo (e também se revelando) com suas alianças dentro da casa. No entanto, Juliette ainda conseguiu se diferenciar de tudo isso, por ter sustentado um único aspecto durante toda a sua jornada: a honestidade. Mesmo sendo criticada e tendo seus defeitos apontados por seus colegas a todo momento, a maquiadora nunca deixou de manter sua essência, de honrar suas raízes, ser fiel a seus aliados e de cumprir com aquilo que acreditava. Poderia ter tentado se favorecer no jogo de diversas formas, comprando brigas e afins, mas assumiu sempre a postura de dialogar e mostrar seus posicionamentos, por mais excessivos que fossem às vezes. 

Por esses e outros motivos, a vitória do BBB 21 não poderia ter sido de outra pessoa, sendo justo perder apenas para Gil do Vigor, que fez história no programa e continua escrevendo-a aqui fora. Juliette foi um fenômeno desde o primeiro minuto, fato que se reflete na onda crescente de seguidores em suas redes sociais. Essa conquista também teve grande apoio da equipe de marketing que ela contava (sem nem saber), mas não teria sido suficiente sem a sua honestidade dentro da casa, fosse assim Manu Gavassi teria levado o primeiro lugar do BBB anterior sem nem titubear. Entre seus erros e acertos, a paraibana trouxe uma força necessária em meio a pessoas que precisavam olhar para além do seu próprio umbigo e parar de se escorar em alternativas convenientes. E, dessa forma, construiu um lindo caminho de excluída do jogo para campeã. Agora, ela, de fato, nunca mais vai se sentir sozinha. – Vitória Silva

O 4º lugar de Gilberto Nogueira (BBB 21, Rede Globo)

“Quanto vale entrar para a história? Quanto vale não ser esquecido jamais?” Questionou Tiago Leifert na noite mais triste do BBB 21: a eliminação de Gil. O próprio apresentador adiantou antes de revelar o resultado do último paredão da edição: “quando eu der o resultado, alguém lá fora vai achar muito, muito, muito injusto”, enquanto o eliminado da vez segurava as mãos da libriana nascida sob o Sol da justiça Camilla de Lucas, que por sua vez, entrelaçava os dedos com a advogada-campeã Juliette. Mas para o maior sensitivo e conspirador da edição, o resultado logo ficou claro, e auxiliado pelo discurso elogioso de Leifert, Gil do Vigor soube que, pela primeira vez, seus sonhos premonitórios sobre seus paredões estavam corretos e caiu num choro emocionado. Porque como o apresentador pontuou, pensando em sua história dentro e fora do reality, ele “ganhou seu prêmio”. 

Gilberto Nogueira foi quem viveu e se entregou de corpo e alma aqueles 100 dias junto do Brasil. A maior graça de ligar na Globo todos os dias por volta das 22h30 era assistir o respeito que o maior fã de BBB que já se viu conservava pelo público e pela oportunidade que lhe havia sido concedida. Num momento tão difícil e dolorido para o povo brasileiro, acompanhar Gil através da TV era, como ele mesmo fazia questão de definir, participar da realização de um sonho e a consumação de um processo lindo e dolorido de libertação e aceitação. Para nós, os espectadores, estar junto de Gil foi vislumbrar uma vibração que há tempos não acompanhamos de perto e enxergar a dor e a delícia de alguém corajoso o suficiente para assumir sua própria existência diante de todo o Brasil em toda a sua completude: nos surtos, erros, arrependimentos e celebrações. 

A saída precoce e a impossibilidade de viver a tão merecida final do programa não apagaram seu brilho. Ao fim da noite do dia 2 de maio, Gil do Vigor era o protagonista das redes sociais, da programação da Globo e dos níveis de audiência da emissora. Desde então, segue um sucesso graças ao carinho que o público construiu pela sua autenticidade: de participante homem mais seguido da história do BBB, a aluno de pós-doutorado no exterior e expoente de mudança no tratamento que instituições religiosas reservam às pessoas LGBTQIA+, a existência de Gil do Vigor é muito maior do que a grandiosidade que ele trouxe para o programa que o revelou. – Raquel Dutra

Friends: The Reunion (Episódio Especial, HBO Max)

Friends é a grande série do século XX. Uma reunião, um revival, uma migalha dos astros para os fãs foi adiada por quase duas décadas desde que Monica e Chandler se despediram da moldura da porta e seguiram com suas vidas, longe do Central Perk mas perto dos amigos que tornaram-se família. Após os atrasos causados pela pandemia, o Especial de Friends chegou à plataforma da HBO Max, unindo a nostalgia, a homenagem e a publicidade massiva em quase duas horas de rodagem. 

De fato, Friends: The Reunion tem um pouco de tudo: entre o esperado reencontro frente às câmeras no antigo cenário, passando por uma entrevista no sofá laranja e uma porrada de esquetes e entrevistas de famosos e anônimos, o diretor Ben Winston não tinha escolha se não condensar o máximo possível naquele momento que, como tudo indica, deve ser o primeiro e último que ressuscite a aura de Friends. Todavia, não há qualquer problematização ou ponto que leve a discussões sobre representatividade ou preconceitos dos anos 90, tornando a experiência de ‘reviver’ Friends por um dia apenas como um fator de extravaso e não de crescimento. 

A sinceridade dos abraços e do choro cria a sensação de familiaridade e de amor, afinal, estamos cara-a-cara com as versões envelhecidas desses ícones da comédia, arquétipos do que significava ser adulto naquela época, que conseguiram traduzir para muita gente os percalços de ser solteiro e desempregado mas acompanhado, nunca abandonado. Se focasse apenas nisso, The Reunion concentraria o que de melhor Friends nos entregou por 10 temporadas: o riso fácil. As diversas intromissões de celebridades, como BTS e até Malala Yousafzai, quebram o clima e o ritmo, sem contar o carisma negativo de James Corden conduzindo a entrevista na fonte. No geral, o quase-filme é um torrencial de lágrimas por uma hora e quarenta e três minutos, mas poderia ser muito mais. Fica a felicidade de ter tido a chance de apreciar esse alinhamento das estrelas, mas, vinte e sete anos e um Reunion depois, já podemos parar de falar sobre Friends. – Vitor Evangelista 

The Circle US (2ª temporada, Netflix)

Em tempos de Big Brother reinando na televisão brasileira, precisamos valorizar o reality show da Netflix. The Circle consegue, diferentemente do famoso programa da Rede Globo desde 2001, representar a sociedade da década de 2020. Não só pelas redes sociais totalmente construtora das nossas vidas atuais, mas também por mostrar como construímos relações no último ano apenas através de uma tela. 

A segunda temporada, então, veio para mostrar um novo cenário da rede social ‘Circle’. Enquanto a estreia do reality show mostrou mais como se escondemos atrás de uma tela e isso nos afeta, River, Emily, Lance Bass (sim, do *NSYNC) e o grande vencedor, ou melhor vencedora, Trevor mostraram como um catfish pode ser seu maior aliado. Não porque você não queira evidenciar quem você realmente é, como anteriormente, mas sim porque é ele quem traz a melhor de suas qualidades. 

River, assim, é o personagem que mais representou isso dentro do reality, se tornando quase como a personificação da mensagem dessa temporada. O escritor gay Lee conseguiu viver através da imagem do jovem amigo, aquilo que a sociedade norte-americana não o deixou viver durante sua juventude devido aos preconceitos. Mas, ainda assim, The Circle mostrou como pessoas verdadeiras, ingênuas e totalmente abertas, como Chloe, Courtney e Mitchell, podem ser o melhor de si mesmas. – Larissa Vieira

Mare of Easttown (Minissérie, HBO)

Que delícia é poder acompanhar um drama investigativo original, bem atuado e com total ciência de onde quer chegar e como fazê-lo. Se em teoria Mare of Easttown cumpre todos os requisitos para ser considerado um baita ‘programa de domingo’, na prática a coisa se eleva. Kate Winslet encarna um sotaque estadunidense da Pensilvânia, protagonizando o melhor papel de sua carreira. Sua detetive Mare é astuta, brutamontes, sensível e adoidada, tudo na mesma faceta, que a inglesa domina com astúcia. Ela viaja entre os humores da personagem com a facilidade que lhe garante elogios desde Titanic até o recente Steve Jobs, que voltou a indicá-la ao Oscar, e Mildred Pierce, quando ganhou seu primeiro Emmy. 

Mas Winslet não está sozinha. Nessa cruzada sentimental e arisca de 7 longos capítulos, Jean Smart faz a contraparte ideal para que a sisuda Mare soe, de fato, real. Interpretando a mãe da protagonista, Smart é um deleite que só, com deixas até para comédia física, veja só. Evan Peters vive um detetive adulto e maduro na superfície, mas com suficiente espaço para desconstrução, longe dos arquétipos preguiçosos em que Ryan Murphy o prende por quase uma década. Ainda brilham Guy Pearce, charmoso e gostosão, Angourie Rice, em uma louvável representatividade queer que foge de qualquer facilitação narrativa e David Denman, ator conhecido pelo papel de noivo da Pam em The Office, e que agora tem a oportunidade de, finalmente, não dar vida a um babaca ficcional.

Ao passo que as investigações progridem e a criação de Brad Ingelsby afunila a narrativa escrita pelo próprio, Julianne Nicholson se arrasta em cena, clamando para si a atenção que a resiliente Lori é obrigada a vestir. Mare of Easttown é tudo isso e muito mais pela direção precisa e nada oscilante de Craig Zobel, mestre em criar tensão e moldá-la de acordo com as expectativas de quem sintonizou na HBO pelos últimos sete domingos. Kate Winslet se recusou usar maquiagem, foi contra a edição que queria esconder sua barriga numa cena de sexo e bateu o pé quanto aos retoques no pôster: ela queria verdade e honestidade (e, ao fim do choroso Sacrament, percebemos que ela conseguiu). Unindo drama familiar de cidade pequena, crimes não-resolvidos e um elenco que é sinônimo de aclamação e bom trabalho, Mare of Easttown é a melhor minissérie de 2021. – Vitor Evangelista

Zoey e Sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Pode-se dizer que a segunda temporada de Zoey e Sua Fantástica Playlist era o que estávamos precisando para uma época tão turbulenta: um show que aquece o coração. Uma mistura de comédia, drama, números musicais de alta qualidade, novos personagens, participações especiais, uma história mais desenvolvida do que em sua primeira temporada, muito romance e uma escolha de repertório, como afirma o próprio título, fantástica. Se você está precisando de uma série para mexer com seu psicológico ao som de boas músicas, essa é a sua oportunidade.

Com apenas 13 episódios, a aposta musical da NBC em sua segunda parte possui um enfoque maior na vida pessoal, profissional e amorosa da protagonista. Acompanhamos Zoey em uma nova fase: a luta em continuar a viver depois de uma grande perda e a de entender que relacionamentos amorosos nem sempre são fáceis, mas que no fim, eles sempre valem a pena. Se você leu essas últimas linhas e pensou “será que eles finalmente vão revelar com quem a ruiva termina?”, fico feliz em lhe dizer que a resposta é sim, e sinceramente, não tinha como ser outro final.

Outro ponto positivo de Zoey são os personagens. Apesar de nos despedirmos de alguns, também temos a sorte de conhecer alguns novos, como o lindo vizinho australiano Aiden (Felix Mallard), Rose (Katie Findlay), amiga de infância de Max, o bombeiro e namorado de Mo, Perry (David St. Louis) e os novos funcionários da SPQR POINT: Mckenzie (Morgan Taylor Campbell) e George (Harvey Guillén). Zoey e Sua Fantástica Playlist é uma lição de empatia, respeito e muita qualidade vocal, com destaque a Mo (Alex Newell), que deu show de apresentação musical em todos os episódios. Em resumo, a nova aposta da NBC mais uma vez nos mostrou que veio para ficar. – Milena Pessi

A fórmula parece ser simples: amor + morte + robôs = sucesso! Mas, como todo elemento secreto, ele nunca é revelado – pelo menos não até agora. Uma pitada de animações que nos fazem perguntar “aquilo é uma pessoa de verdade ou apenas CGI?” é o que torna Love, Death + Robots único no vasto catálogo de séries da Netflix. A segunda temporada, lançada no dia 14 de maio, veio para matar a ansiedade dos fãs que esperavam há mais de 2 anos por uma continuação.

Infelizmente, nem mesmo os mais saudosistas podem admitir que esse Volume 2 foi um sucesso. A decepção vem logo de cara quando vemos míseros oito episódios em comparação com os 18 anteriores. Ainda por cima, o telespectador não fica com a sensação de dever cumprido após o término, visto que não existe aquele episódio, marcante o suficiente como a temporada anterior se especializou. O mais próximo que chegamos de um Zima Blue é uma analogia humanizada em O Gigante Acordado.

Independente dos erros, ainda assim Love, Death + Robots merece muitos elogios. Os gráficos e visuais singulares que cada episódio opta por adotar, a história mirabolante, a trama violenta ou sensível, todos esses são fatores que fazem o espectador assistir cada minuto sem pensar duas vezes, nos mantendo fantasiosos no universo ficcional que cada equipe desenvolve com maestria. A naturalidade que cria a humanidade em robôs é o resultado mágico que apenas essa série consegue formular. – Vitor Tenca

Castlevania (4ª temporada, Netflix)

Sangue e ação. Essas com certeza são as duas palavras que definem o desfecho de Castlevania. Não que os dois substantivos não estivessem presentes nas outras temporadas. Eu diria até que são características esperadas de uma animação sobre vampiros, baseada em um jogo de videogame focado em combate. E porque não abusar de algo que o estúdio Powerhouse Animation faz tão bem? De fato, há alguns deslizes quanto ao detalhamento dos personagens em alguns takes mais ativos, mas a alta qualidade de todo o restante, torna isso irrelevante. As cenas de ação dispensam comentários porque te deixam sem palavras, mas ainda assim, aqui vão mais alguns elogios: as trocas de soco, magia e cortes de espada são muito bem coreografadas, os ângulos pelos quais acompanhamos a luta são espetaculares e imersivos, e a movimentação fluida da animação só nos prende mais à tela. 

Entretanto, é preciso dizer que, às vezes, as cenas de luta cansam um pouco. Mesmo que todas funcionem como um caminho para algum desfecho importante, há momentos em que você só se encontra tão ansioso para mais desenrolares da história que a ação parece um empecilho. O que não a desqualifica, apenas contribui como mais um elogio à história. História essa que, por mais que te deixe de boca aberta por vários minutos depois do plot twist ou te faça chorar com as cenas dramáticas, não é perfeita. A gente chega de uma terceira temporada que construiu ansiedade para o que a corte da Carmilla – com suas cinco rainhas inteligentes e astutas – faria com a humanidade. Mas encontra, já nos primeiros episódios, o declínio do arco. E o mesmo acontece com Isaac, destaque em reflexões e cenas da temporada passada, que nem aparece nos capítulos finais.

Castlevania é uma narrativa riquíssima na construção dos seus personagens onde todos têm sua dose de profundidade. E depois da emoção de terminar logo a temporada, o que fica é uma melancolia por perceber que muitos finais poderiam ter sido melhor trabalhados antes de ganhar um ponto que soou rápido e fácil. Isso me faz adicionar outra expressão à dupla inicial: Sangue, ação e quebra de expectativa. Sim, eu esperava desfechos mais grandiosos à simplicidade que foi entregue a alguns. Mas no fim, é um acalanto ver uma história tão embebida em poder e ambição, com personagens intrigantes, cruéis e traidores que te fazem torcer por seus planos terríveis, terminar com calma, perdão, diálogos amorosos e segundas chances merecidas, até mesmo aos vilões. – Lorrana Marino

Halston (Minissérie, Netflix)

Ame-as ou odeie-as, as criações de Ryan Murphy sempre chegam fazendo barulho na televisão. A mais recente é em dose dupla: além da assinatura do produtor, Halston se insere num cenário naturalmente polêmico na história da moda norte-americana ao trazer a história de Roy Halston, um dos estilistas mais influentes dos Estados Unidos da década de 70. Na tela ficcional da Netflix, ele é vivido brilhantemente pelo camaleão Ewan McGregor, que passa pela ascensão de uma infância difícil para se transformar num designer conceituado, antes de assistir a diluição de seu império, a perdição de seu próprio nome e a tragédia de sua morte precoce. 

Baseada no livro Simply Halston, de Steven Gaine, a minissérie flui das mãos de Sharr White (Genera+ion), ganha graça com Rebecca Dayan na pele da top model e designer de joias Elsa Peretti, e com Krysta Rodriguez e sua radiante Liza Minnelli. O drama nasce da personalidade instável e geniosa de Halston, que também encara vícios em drogas e um romance desequilibrado com Victor Hugo, interpretado por Gian Franco Rodriguez. Halston também ganha riqueza com a fotografia, que explora os cenários nova-iorquinos, as cores setentistas e luxuosas do lifestyle dos personagens, e com a trilha, que se joga nas pistas de dança de 1970.

Em cinco episódios estilosos repletos de altos e baixos narrativos e criativos, a produção guarda seu ápice no trabalho admirável de Ewan McGregor, que nos fazer esquecer que o ator um dia viveu a serenidade de Obi-Wan Kenobi em Star Wars antes de trazer vida à personalidade de Roy Halston. Quanto ao desempenho de Ryan Murphy, que ultimamente vem sendo questionado, Halston talvez não seja capaz de agradar completamente a crítica. Mas o carisma de seu elenco e a beleza de suas construções técnicas pode entreter muito bem o público, e de quebra, iluminar a importância do estilista costumeiramente apagada da história da moda estadunidense. – Raquel Dutra

This Is Us (5ª temporada, NBC) 

Caminhando para sua última temporada, This Is Us viveu um ano conturbado; não só dentro da série, mas também na produção, que foi por algumas vezes adiada por conta da pandemia e encurtada, para evitar mais atrasos. Porém, além de se reinventarem por trás das câmeras, os Pearson tiveram que incluir máscaras, vacinas e a falta de contato da família para o enredo. 

A 5ª temporada, então, caminhou, em grande parte, a partir da história do primeiro irmão, Kevin (Justin Hartley). O plot final do ano anterior trouxe um grande sonho do famoso ator de Hollywood, se tornar pai. Mas, o início do relacionamento com Madison (Caitlin Thompson) trouxe a tona umas das maiores características do primogênito: a inconsistência e a impulsividade; o astro deixou seu grande filme para acompanhar o nascimento de seus filhos, além disso, uma pequena ligação de sua namorada de infância fez com que ele reconsiderasse o casamento com a mulher que ele admira a família que construíram.

Além do primogênito, então, This Is Us entregou as respostas que faltavam para Randall entender sua origem. Não só suas raízes genealógicas, mas trouxe o seu entendimento sobre o racismo que viveu dentro da própria adorável família Pearson. Dentro de seu enredo, ainda, Tess (Eris Baker) viveu momentos conturbados em sua adolescência, ao conhecer seu parceiro não-binário Alex (Presley Alexander). Por fim, a temporada trouxe o maior choque para o relacionamento da irmã Pearson, Kate (Chrissy Metz), que nos últimos minutos do último episódio traz uma reviravolta enorme para sua vida consistente e perfeita com Toby (Chris Sullivan), deixando, assim, os fãs ansiosos para o que está por vir no futuro do último ano de This Is Us. – Larissa Vieira 

Special (2ª temporada, Netflix)

A preciosa Special foi lançada em 2019, apostando em episódios curtíssimos e que ficcionalizavam a vida de seu criador, Ryan O’Connell, um homem gay com paralisia cerebral. A produção usava dessa representatividade muito bem-vinda para colocar na mídia pessoas com deficiência, seus amores, temores e suas rotinas, tirando o estigma preconceituoso que ronda essa comunidade no Cinema e na TV.

Para o segundo, e infelizmente último, ano da comédia, O’Connell consegue dobra a duração de seus capítulos, inserindo doses cavalares de humor e drama nas vivências de toda essa galera. Partindo das incertezas e das aventuras do protagonista, que divide o nome com o criador, até a amiga Kim (papel da hilária Punam Patel) e a doce mãe Karen, que encontra na atuação de Jessica Hecht sensibilidade e emoção. É uma pena que esse seja o fim prematuro de uma série, perdão o trocadilho, tão especial. – Vitor Evangelista

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração (The Sons of Sam: A Descent Into Darkness, Minissérie, Netflix)

Entre 1976 e 1977, seis pessoas foram mortas e sete ficaram feridas em atentados a tiros de calibre .44 pelos bairros da cidade de Nova Iorque. A população ficou apavorada enquanto a polícia seguia para múltiplos becos sem saída na busca pelo assassino, que se comunicou com as autoridades e com a imprensa para se batizar de Filho de Sam. Foi através de uma multa de trânsito que, finalmente, chegaram em um nome: David Berkowitz, um jovem carteiro, ex-militar e vizinho amigável. Os gritos exigiam sangue, vingança e justiça para um dos mais notórios serial killers dos Estados Unidos, que, por sua vez, insistia na história de que uma entidade de seis mil anos possuiu o cachorro do seu vizinho e o obrigou a matar. Berkowitz foi preso, sentenciado à prisão perpétua, os agentes da polícia foram condecorados e a cidade dormia em paz. Viva! Bem… isso até ouvirem de Maury Terry.

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração foi a nova aposta de true crime da Netflix para destrinchar não a história de David, mas, justamente, a investigação do jornalista Maury Terry na tentativa de provar que o carteiro não agiu sozinho. De início, os mais céticos não caem no papo de teoria da conspiração envolvendo cultos satânicos que a produção de Joshua Zeman tenta reforçar. No entanto, o trabalho de recuperação de documentos da minissérie e o esforço em reviver a pesquisa de Terry não deixam dúvidas: o Filho era, na verdade, Filhos. Terry se aprofundou no assunto; escreveu o livro The Ultimate Evil, que ligava a cientologia, a igreja O Processo, David Berkowitz e até Charles Manson em uma única rede satânica responsável por todos os assassinatos – e tudo isso é provado em tela, por vídeos, entrevistas, documentos e declarações.

Maury Terry, que ganhou uma narração em off de suas anotações por Paul Giamatti, dedicou a vida para convencer a justiça a reabrir o caso de Berkowitz e procurar pelos outros suspeitos. No caminho, o jornalista contou com a ajuda de policiais, vítimas, testemunhas e entrevistou duas vezes o assassino, que confirmou todas as suas teorias. Surpreendentemente, somos convencidos. As provas estavam lá. Joshua nos mostra todas as conexões, ignoradas na época pelo jogo político. Maury pode ter perdido a mão no processo, mas, no fim das contas, estava certo. E ganhou uma minissérie para reforçar seu legado. – Caroline Campos

Lucifer (Parte 2 da 5ª temporada, Netflix)

Por vezes profunda, outras vezes caricata, Lucifer é um dos maiores sucessos dos últimos anos na Netflix. Em maio, a adaptação televisiva do famoso anjo caído de Neil Gailman retornou para seu quinto ano na plataforma. Entre guerras celestiais, investigações policiais e brigas familiares, Lucifer repete a fórmula corriqueira de dramas procedurais sem deixar de divertir com sua própria irreverência. 

Com a premissa da batalha pelo posto de Deus, que está se aposentando, a temporada se desenrola em conflitos eletrizantes e antagonismos previsíveis. Mesmo que a narrativa de irmão gêmeo do mal esteja extremamente saturada em Hollywood, Tom Ellis impressiona com sua construção de maneirismos e particularidades dos irmãos Lúcifer e Michael. Quem também chama a atenção é o estreante Dennis Haysbert, que se equilibra entre a rigidez e a benevolência em sua caracterização de Deus. Haysbert humaniza o Todo-Poderoso de forma extraordinária, ao mesmo tempo que eleva o personagem a seu próprio patamar. 

A série emociona na dualidade ríspida de Lúcifer e Deus e no romance afeito do diabo com a detetive Decker, enquanto passeia por enredos novelescos e fillers monótonos. Não é perfeita, e nem tenta ser: mais que um guilty pleasure, Lucifer é a prova que nem todo programa precisa de muito para funcionar. Com apenas oito episódios, a segunda parte da 5ª temporada entretém sem exagerar e ainda deixa o gostinho de quero mais. – Laís David

Onde Está Meu Coração (1ª temporada, Globoplay)

Desde o seu lançamento, o Globoplay vem investindo cada vez mais em produções originais. O nome da vez é Onde Está Meu Coração, de George Moura e Sergio Goldenberg. Protagonizada por Letícia Colin, a série retrata a história da médica Amanda, pertencente a uma família de classe média alta, e que se vicia em crack. Com o objetivo de trazer uma narrativa sobre a dependência dessa droga em uma camada da sociedade diferente da que estamos acostumados a observar, a obra acompanha o vício da doutora e todas as complicações que isso traz para a sua vida pessoal e a de seus familiares. 

Além de contar com a direção impecável de Luísa Lima, com supervisão de José Luiz Villamarim, dono de obras como Amor de Mãe, Onde Está Meu Coração carrega um elenco de peso. Fábio Assunção interpreta o pai de Amanda, David, que também é um ex-alcoólatra. A história de seu personagem se encontra com sua vida pessoal em alguns aspectos, em que já passou por tratamento em função da dependência química, e isso se reflete na sua forte atuação, ao ver sua filha da ficção ser levada por um  caminho semelhante. A atriz Mariana Lima, que interpreta sua esposa, também carrega um histórico de uso de drogas na vida real, e entrega tudo no desespero de uma mãe em salvar sua filha a qualquer custo. 

Mesmo com algumas escolhas narrativas que desprezam um pouco o arco de personagens secundários, a série faz jus a história recorrente de diversas famílias que são atingidas e destruídas pela dependência química, sem exagerar na dose dramática. Letícia Colin atravessa todos os estágios da dependência e da árdua recuperação de forma avassaladora e necessária. A potência de Onde Está Meu Coração se fortalece com sua trilha sonora, composta por nomes como Frank Sinatra, Gal Costa e Nick Cave & The Bad Seeds. – Vitória Silva

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

A terceira e última temporada de O Método Kominsky já se inicia em tom de despedida. Alan Arkin, intérprete do velho e sarcástico amigo de Sandy Kominsky, não retornou à série, fazendo com que a personagem tivesse o caminho mais óbvio dentro do roteiro e do encaminhamento da produção. A família que ele deixou foi um apêndice inflamado, terminando sem final. A sitcom que acompanha um preparador de atores já em sua melhor idade, mistura tragédia e comédia para fazer suas abordagens. Em relação aos atores, Emily Osment volta para mais um ano de figuração de luxo. Já Nancy Travis faz falta durante os seis episódios.

Com o protagonista lidando com o luto, temos uma temporada bem menos pautada na comédia. A graça perde espaço para a dor, que se faz mais presente a cada episódio. A linha tênue entre a vida e a morte não leva o telespectador às lágrimas, mas causa um comovente desconforto. Com a participação mais recorrente da ex-esposa de Sandy, as tragédias seguem firmes até os últimos momentos da série.

Vemos ainda um Kominsky menos egoísta e mais centrado em sua filha. A produção repete um dos maiores acertos de sua primeira temporada, que são os episódios contínuos, como um grande filme. É no final que ele realiza seu grande sonho de participar de uma adaptação cinematográfica de sucesso. Dentro das telas, o Emmy veio para o protagonista e uma de suas alunas. Agora, nos resta esperar até setembro para ver se a vida irá imitar a arte, garantindo alguma estátua pelo fim de O Método Kominsky. – Ana Júlia Trevisan

Master of None Presents: Moments in Love (3ª temporada, Netflix)

A jornada de Master of None pela TV não foi simples. Depois da estreia em 2015, e a segunda temporada dois anos mais tarde, os elogios ao brilhante trabalho de Aziz Ansari e Alan Yang não foram poucos, rendendo dois Emmys de Roteiro e uma subida invejável à fama. Tudo mudou quando Ansari foi acusado de abuso, afastado dos holofotes e colocado na geladeira. E as proporções tomadas foram maiores do que em casos onde os denunciados são homens brancos. Tempos depois, novas informações vieram à luz, explicando a natureza do episódio de denúncia. 

Fato é que o nome do comediante manchou qualquer obra e ele vinculada. Em meio aos anúncios de Maio de 2021, a Netflix deixou de fora a terceira temporada de Master of None, então lançada quatro anos após a despedida entre Dev e Francesca na triste Nova Iorque invernal, e inclusive soltando os episódios em um domingo, fora do habitual calendário que reserva grandes obras às sextas-feiras. Sem o personagem de Aziz no posto de protagonista, a nova (e menor) leva de capítulos colocou Denise, a brilhante Lena Waithe, como pivô da trama, reservando ao criador o posto de diretor e roteirista, com a própria Waithe coescrevendo os textos. 

Denise e sua esposa Alicia, papel da expressiva Naomi Ackie, são o foco de Master of None Presents: Moments in Love, uma jornada dramática pela relação do casal, desde os momentos felizes na fazenda afastada do centro da Grande Maçã, até os percalços que mulheres negras e lésbicas enfrentam ao tentarem ter um bebê. A comédia fica no passado, com os episódios se estendendo entre vinte e cinquenta e tantos minutos, sem respiro para as habituais gargalhadas que eram sinônimo do seriado. Para dar cabo ao primoroso produto que nutriu até que lhe fosse tirada a oportunidade, Aziz Ansari inverte expectativas e oxigena o núcleo cômico de Master of None, mantendo a essência da busca pela felicidade e da autorrealização, dessa vez pela ótica dos trintões. – Vitor Evangelista

The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade (Minissérie, Amazon Prime Video)

As palavras que eu conheço se mostram insuficientes para compreender The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade. O novo lançamento do Amazon Prime Video é a primeira produção seriada do brilhante Barry Jenkins (Moonlight e Se a Rua Beale Falasse), que agora leva sua arte audiovisual para as telas do serviço de streaming, fazendo valer, mais uma vez, o clamor de seu trabalho. A obra da vez é adaptada de um premiado livro homônimo, baseado numa história real dos tempos pré-Guerra Civil nos Estados Unidos a partir de um olhar próximo que, como o próprio diretor pontuou, calibra a perspectiva da história da escravidão na América.

Mas é um erro tamanho assumir essa narrativa como monotemática. The Underground Railroad acompanha a jornada de Cora Randall (Thuso Mbedu, um talento absoluto encontrado por Jenkins) em busca de sua liberdade e autonomia, tanto em relação à sua condição de escrava, quanto às suas questões pessoais de identidade num tempo de apagamento da humanidade de seu povo. Os longos e vagarosos 10 episódios trabalham para não reduzir seus personagens (com destaque para as interpretações de Joel Edgerton, William Jackson Harper, Aaron Pierre e Sheila Atim), seus arcos, seus assuntos e seus debates. Muito pelo contrário, toda a dimensão das suas existências são abarcadas.

Assim, não é fácil acompanhar a história e a trama não busca simplificar seus caminhos em momento algum. Entre violências sufocantes e belezas ofegantes, a minissérie marca a identidade de seu criador, que bem sabe que existem coisas que alguns de nós jamais iremos compreender. Mas o que é o trabalho de um artista se não manejar as nossas percepções? Diálogos, ações, cenas, olhares, enquadramentos, sons e até canções… Nada está ali à toa. The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade é um trabalho livre, e é um trabalho de Arte. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Maio de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mais um mês se foi e, com ele, o pior março de nossas vidas. A pandemia ainda assombra o cotidiano brasileiro e, mais do que nunca, é necessário ficar em casa. Assim, para sobreviver à solidão das paredes dos nossos lares, contamos com o abraço reconfortante da cultura. E, neste mês, as doses foram intensas. Primeiro, elas finalmente chegaram: as indicações ao Oscar 2021. A grande maioria dos nomes já eram esperados e conhecidos, mas março trouxe consigo o filme que faltava para riscarmos de nossas checklists. Meu Pai, protagonizado por Anthony Hopkins e Olivia Colman, garantiu a vaga em 6 categorias da estatueta dourada e conta com uma das melhores interpretações da carreira de Hopkins.

A 26ª edição do Critics Choice Awards também deu suas caras. Nomadland foi o grande vencedor da noite, conquistando Melhor Filme e Melhor Direção para a talentosa Chloé Zhao. Chadwick Boseman e Carey Mulligan levaram para casa as consagrações em atuação principal, e Daniel Kaluuya e Maria Bakalova nas categorias de coadjuvantes. No mundo televisivo, The Crown seguiu premiadíssima, ao lado de Ted Lasso e O Gambito da Rainha. Será que a escolha dos críticos vai seguir a vontade dos votantes da Academia? Só abril nos dirá.

Além dos prêmios, o mundo do Cinema veio recheado. Depois das súplicas ensurdecedoras dos fãs, o Snyder Cut está entre nós. A versão esquecida de Zack Snyder de sua Liga da Justiça veio, por bem ou por mal, para preencher nossos corações. O Disney+ também arriscou no modelo de aluguel e lançou Raya e o Último Dragão pela facada de R$ 69,90 na mensalidade do serviço. Do outro lado dos streamings, a concorrente Netflix não poupou seus lançamentos: tivemos produção nacional em Cabras da Peste, documentário do ícone Notorious B.I.G., Silenciadas e suas bruxas modernas e até um jovem grito feminista com as meninas de Moxie.

Eddie Murphy resolveu, depois de 33 anos, retornar ao papel da realeza de Zamunda e Um Príncipe em Nova York 2 deu mais um original para a Amazon Prime chamar de seu. Sobrou até para os monstros: Adam Wingard botou King Kong e Godzilla para brigar e, infelizmente, ainda não podemos assistir o confronto da tela do cinema. Não que a TV esteja nos decepcionando – WandaVision se despediu, mas já estamos nos habituando com as cenas de ações de Falcão e o Soldado Invernal. Oprah pautou mais uma polêmica do mundo dos famosos e sua entrevista com o príncipe Harry e Meghan Markle rendeu mais intrigas para a família real britânica. 

Ficou curioso? O Cineclube Persona de Março juntou tudo isso e muito mais entre os principais lançamentos audiovisuais que chegaram até nós. Opiniões, críticas, palmas e muita gritaria nas palavras minuciosamente escolhidas pela Editoria e pelos colaboradores do Persona no maior post do mês. Confere aí!

Cinema

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League, Zack Snyder)

Nós vivemos em uma sociedade que o Snyder Cut é real, seja para bem ou para mal. O mítico corte de Zack Snyder, diretor original de Liga da Justiça, finalmente foi lançado em suas titânicas 4 horas de duração e a quadrada proporção 4:3 diretamente no HBO Max, o serviço de streaming da Warner. Após acusações sobre o comportamento de seu substituto, Joss Whedon, que explodiram nos últimos meses, a campanha dos fãs pela “restauração” da obra ganhou tração suficiente para que 70 milhões de dólares fossem investidos em sua conclusão.

O resultado disso? Bem, exatamente o que você espera, provavelmente. Liga da Justiça de Zack Snyder honra seu nome e exibe com orgulho todas as melhores e piores tendências do diretor, tentando apagar ao máximo o tom de desenhos de sábado de manhã que permeia a versão de 2017 e infundindo a tela com a sobriedade distinta e a visão sisuda dos trabalhos anteriores de Snyder. Uma nova trilha sonora também ajuda a separar as versões, trocando a orquestra de Danny Elfman pelas batidas eletrônicas de Junkie XL, que ajudam a distinguir o longa de outros filmes do gênero. A trama da obra segue os mesmos passos da antiga versão, apenas restaurando as partes previamente cortadas e adicionando cenas inteiras que, apesar de contextualizarem melhor seus personagens, não parecem mover a história para frente. O roteiro, ainda de Chris Terrio (Star Wars: A Ascensão Skywalker), não parece interessado em tratar seus personagens como peças móveis e dinâmicas do enredo, mas sim como action figures, mudando os cenários mas mantendo-os em suas posições icônicas, com a exceção sendo o arco de Victor Stone, o Ciborgue (Ray Fisher), que ganha um peso narrativo visivelmente ausente da versão anterior.

A Liga da Justiça de Zack Snyder não é necessariamente melhor que a de Joss Whedon. Ela é mais coesa e se encaixa melhor com os outros trabalhos do diretor com os personagens da DC Comics, com a ação melhor aproveitada e efeitos visuais mais bem realizados, mas é também um trabalho de vaidade criativa, por vezes indulgente ao ponto da autoparódia. Há um prazer juvenil de ver Snyder poder brincar livremente com essas figuras que claramente significam tanto para ele, mas é frustrante continuar vendo ele se recusando a desafiá-las de maneira provocativa. Se você não se conectou com a visão do diretor sobre o Superman em O Homem de Aço ou Batman vs Superman: A Origem da Justiça, o novo traje escuro não deve mudar muita coisa. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Raya e o Último Dragão (Raya and the Last Dragon, Carlos López Estrada e Don Hall)

Após cinco anos do lançamento de Moana (2016), a Walt Disney Animation Studios lança Raya e o Último Dragão, a nova princesa do universo Disney. O longa dirigido por Carlos López Estrada e Don Hall traz logo de cara um contraponto com as demais produções do estúdio, sendo a segunda princesa que não está em um musical. Tirando Raya, apenas Merida — protagonista de Valente (2012), filme feito pela Pixar — não canta em seu filme. Mas isso não é um demérito, pelo contrário, a animação se sustenta no carisma dos personagens, e na história envolvente e emocionante, fora as maravilhosas cenas de ação.

O longa cresce muito por conta de seus personagens. A própria Raya é um grande exemplo disso, que está em constante evolução junto aos demais. Mas não apenas a protagonista rouba a cena, os coadjuvantes do filme são incríveis, conseguindo variar entre o cômico e o trágico de forma natural. Destaque para a Sisu e para o bebê charlatão, que entregam uma fofura e a comicidade que o filme precisa. A produção ainda conta com um ótimo design, que traz uma diferença nítida nas distintas regiões de Kumandra — baseada nos povos do sudeste asiático —, nas construções de cada civilização, mas peca ao representar os dragões, que possuem um visual estranho e que chega a incomodar.

O filme foi lançado diretamente no Disney+, por um valor acrescido na mensalidade de R$69,90, decisão que foi muito questionada nas redes sociais. Caso queira assistir, mas não quer pagar o preço do aluguel, a animação será lançada dia 23 de abril no serviço de streaming, sem valor adicional. Raya é um filme sobre esperança e confiança, algo que todos precisam nesse momento. No fim, é uma das grandes histórias que a Disney trouxe, e que foi executada de forma brilhante, sendo emocionante, e apresentando uma princesa forte e poderosa. – Pedro Gabriel

Cherry – Inocência Perdida (Cherry, Joe e Anthony Russo)

Holland e Russo são os nomes que chamam muito mais a atenção do que Cherry, o título do filme disponível na Apple TV+. Confesso que foi pelo ator de Homem Aranha que eu dei play, e quanto a isso, zero arrependimentos. Tom entrega um trabalho sensível e extraordinário dando vida ao protagonista sem nome que, seguindo a proposta da narrativa, vai perdendo a inocência em cada capítulo no qual o longa-metragem é dividido. Quanto aos irmãos Russo, bom, eles sabem o que estão fazendo. Com bons enquadramentos e uso de câmera, o filme entrega cenas de tirar o fôlego e ângulos de cenários bem pensados.

Mas, mesmo com um elenco talentoso e imagens bem alocadas, o sentimento de que falta algo depois de suas 2 horas e 20 minutos de duração permanece. Cherry causa estranhamento no tom que escolhe e forma pequenas lacunas no desenvolvimento do protagonista. A quebra da quarta parede não agrega em nada ao filme, pelo contrário, a sensação é que o recurso, poucas vezes utilizado, atrapalha a construção de uma narrativa mais sóbria. O que não seria um problema se a história não se vendesse em cima de um jovem que foi à guerra, voltou com transtorno de estresse pós-traumático e devido a isso afundou a si e a esposa num vício em heroína. Alguns diálogos maiores e melhor elaborados convenceriam mais das consequências da guerra, do que cenas que nos mostram o sofrimento do personagem de maneira rápida e com cortes dinâmicos, que diminuem a conexão do espectador com o momento.

Seguindo esse estilo um tanto irresponsável, o uso de entorpecentes carrega algo que beira a romantização estética, e adicionando as cenas carinhosas ao pacote, consigo imaginar os inúmeros vídeos shippando o relacionamento problemático dos personagens de Tom Holland e Ciara Bravo que devem estar rolando pelo YouTube. Ainda assim, o filme dos irmãos Russo não é de todo ruim. Você torce para os personagens, se irrita com suas suas decisões e se torna interessante perceber como o amor por Emily é o estopim para grandes mudanças que movem a trajetória do protagonista. Mas ainda assim, é importante estar ciente dos problemas na adaptação da história de Nico Walker e, diferente de mim, dar play sabendo que se trata de uma história intensa contada com muita dinâmica e superficialidade. – Lorrana Marino

Cabras da Peste (Vitor Brandt)

A mais recente produção nacional da Netflix apresenta um novo estilo buddy cop, totalmente engraçado e com as nuances que só o Brasil tem. Dessa vez, os novos Will Smith e Martin Lawrence de Cabras da Peste são o cearense Bruceuilis Nonato (Edmilson Filho), o “tira arretado” comprometido com seu trabalho, e o paulista Renato Trindade (Matheus Nachtergaele), o “policial de escritório” medroso. A vida dos dois policiais se chocam quando Bruce vai a São Paulo em busca de Celestina, a cabra patrimônio histórico da sua cidade natal Guaramorim. Por lá, eles se deparam com uma situação que coloca à prova suas profissões. 

A realidade do microcosmo interiorano do Ceará se colide com a da capital paulista de uma forma profundamente divertida. É quase impossível deixar de rir com as cenas de Bruce, as quais tiram o brilho da genialidade da atuação de Nachtergaele. Como todo filme brasileiro, sempre existem farpas para o cenário do país, seja através do histórico de atleta do “policial de verdade” Caique (“sou forte demais, tá ok?”) até do foro privilegiado de Zé Cabrito (Falcão), o palhaço que virou deputado. 

Cabras da Peste também entra em sintonia com Um Tira da Pesada ao apresentar a versão forró de The Heat Is On, parte da trilha sonora do filme oitentista. Por se falar em trilhas sonoras, o filme da Netflix não deixa a desejar com suas canções, cruzando entre Lulu Santos, Sidney Magal e até Claudinho e Buchecha. Somando isso ao humor tipicamente brasileiro, a nova obra de Vitor Brandt merece um lugar na sua lista no streaming. – Júlia Paes de Arruda

Notorious B.I.G. – A Lenda Do Hip Hop (Biggie: I Got a Story to Tell, Emmett Malloy)

Não existe um único local para o surgimento do rap, mas, para muitos, Nova Iorque é considerada o berço do hip hop. A ascensão do chamado gangsta rap redirecionou o protagonismo das rimas e batidas para a outra costa americana, e agora, uma joia rara tinha a missão de colocar as vozes do Brooklyn de volta no mapa. No dia primeiro de março, a Netflix lançou o documentário Notorious B.I.G – A Lenda do Hip Hop, que nos conta a trajetória de Christopher Wallace, ou, como era mais conhecido, Biggie Smalls, em rumo ao estrelato, reconhecimento e, infelizmente, ao seu trágico fim.

Na triste ausência de Christopher, o longa se escora em depoimentos de entes familiares, amigos próximos – como era o caso da clássica Junior M.A.F.I.A – e também famosos que alavancaram sua carreira, como o rapper Puff Diddy. Além das entrevistas, também contamos com diversos trechos de gravações que a equipe de Biggie tinha à disposição. As fitas de vídeo ajudam o fã de hip hop a matar um pouco a saudade de ver o Rei de Nova Iorque e sua personalidade icônica, enquanto nos mostra a difícil realidade que jovens do Brooklyn passavam naquela época.

Mas, o documentário também possui seus pontos negativos. O irresoluto caso de sua morte ganha pouco mais de 20 minutos de tela, enquanto sua relação com o também rapper Tupac Shakur mal é mencionada. Fora isso, o enfoque na sua vida prévia a carreira musical (os períodos que Christopher menciona em seu álbum Ready to Die) parece importar mais que os tempos dentro dos estúdios. Mesmo assim, o filme serve como um reconforto para o telespectador que passa a conhecer B.I.G. ainda mais de perto, enquanto presenteados com seus discos e músicas eternas. – Vitor Tenca

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Meu Pai, a tradução pontiaguda do título original, elucida questões essenciais da existência humana, o medo do esquecimento e o amor como amálgama acima de qualquer outro sentimento. Adaptando sua peça de teatro, Florian Zeller dirige com a compostura de um verdadeiro maestro, movendo e remexendo as memórias de Anthony (Anthony Hopkins, no papel da carreira e na melhor interpretação masculina do ano). Curtíssimo, o longa se centra na difícil relação do pai e da filha Anne, a camaleoa Olivia Colman. 

Entre o vai-e-vem confuso do idoso provavelmente sofrendo do Mal de Alzheimer (o filme nunca diagnostica Anthony), o roteiro do diretor junto de Christopher Hampton coloca quem assiste na posição de copiloto, mas considerando que quem comanda o volante não sabe nem dirigir. O eterno quebra-cabeças da memória de Anthony é transmitido pela construção cenográfica, pela trilha sonora, pelo jogo de câmeras e pelo trabalho quase celestial de Hopkins, que aos 83 anos se tornou o homem mais velho indicado a Melhor Ator no Oscar 2021.

A montagem de Yorgos Lamprinos, também agraciada com o reconhecimento da Academia, prega peças e confunde propositalmente. Mesmo quando The Father cai nos moldes teatrais de seu núcleo, Florian Zeller usa esses elementos a seu favor. Iluminação, figurinos, o cenário único, tudo orna, tudo engrandece a obra. Imperdível para quem gosta de Olivia Colman, de Anthony Hopkins e para quem aprecia quando uma adaptação teatral é feita com astúcia, cautela e muita noção. – Vitor Evangelista

Trilogia Karatê Kid (John G. Avildsen)

Aproveitando o melhor momento de Cobra Kai desde seu lançamento em 2018, a Netflix ressuscitou, em seu catálogo, um dos clássicos da Sétima Arte que marcou gerações de fãs do cinema e das artes marciais: Karatê Kid, a trilogia da saga de Daniel LaRusso (Ralph Macchio). Os três primeiros filmes, lançados entre 1984 e 1989, foram adicionados no começo mês na plataforma e já se embalaram na onda de Cobra Kai, a série que se passa 34 anos após o torneio All Valley e traz a redenção de Johnny Lawrence (William Zabka) – o inimigo de Daniel LaRusso derrotado no primeiro filme. 

A Netflix acertou na nostalgia com o público mais velho ao trazer esse clássico da década de 80 para os dias atuais. A história do menino franzino que encontra um mestre de karatê para derrotar seu bully e vencer um torneio pela sua honra (A Hora da Verdade), depois passa para a narrativa do mestre de karatê e seu pupilo enfrentando um antigo inimigo em Okinawa (A Hora da Verdade Continua) se torna, por fim, o enredo do pupilo abandonando seu mestre e entrando para o lado sombrio da força por orgulho (O Desafio Final). Dos três filmes, o terceiro é certamente o mais fraco, com vilões muito caricatos e sem camadas, além de ser o único da trilogia que não recebeu nenhuma indicação ao Oscar. 

Do universo de Karatê Kid, o filme de 2010 protagonizado por Jaden Smith e Jackie Chan já estava há tempos no catálogo, mas quem ficou de fora foi o esquecível Karatê Kid 4 – A Nova Aventura (1994), que não foi adicionado junto com os outros da saga original e provavelmente nunca será, já que esse longa conseguiu ser trágico ao ponto de descaracterizar até o personagem mais resiliente: Senhor Miyagi (Pat Morita). Vale lembrar também que esse foi o único filme dos originais que não foi dirigido por John G. Avildsen, o diretor que deixou uma marca muito pessoal na trilogia. Para aqueles que querem retomar com fôlego esse universo de artes marciais cinematográficas, este, certamente, é o momento. – Nathalia Franqlin

Silenciadas (Akelarre, Pablo Agüero)

Bruxas horrendas, caldeirões, risadas maléficas e vassouras. Esses são os elementos mixurucas que os filmes de ação hollywoodianos reduziram a caça às bruxas. Longe disso, Silenciadas nos permite sentir prazer em zombar das maluquices criadas pela Igreja Católica, e ainda assim lamentar o destino de tantas mulheres queimadas vivas. O longa de Pablo Agüero foi lançado em setembro de 2020 no Festival Internacional de Cinema de San Sebastian, e chegou ao catálogo da Netflix em março de 2021.

Contando a história das mulheres do País Basco e sua repressão durante o período da Inquisição, o filme acompanha o grupo de Ana, María, Maider, Olaia, Oneka e Katalín ao serem interrogadas e condenadas por bruxaria. Entre as cenas sombrias de tortura, há a genialidade em encenar a demonização que os inquisidores ansiavam assistir para tentar escapar da morte.

Ana (Amaia Aberasturi) protagoniza a história com talento – merecendo sua indicação ao 35º Prêmio Goya de Melhor Atriz. Amaia consegue sustentar uma personagem que está entre o desespero e a perspicácia até o fim. Apesar do desfecho triste e previsível, a trajetória das meninas é um deleite. É prazeroso assistir o papel ridículo que a Igreja Católica fez na história, sabendo que as mulheres livres e independentes, nomeadas bruxas, resistiram. – Nathália Mendes

The Mauritanian (Idem, Kevin Macdonald)

Os dramas de The Mauritanian não são novos em Hollywood, mas seu ator principal é. O francês Tahar Rahim protagoniza com propriedade, intensificando os temores de seu personagem: um homem preso ilegalmente por muitos anos, até que uma advogada boazuda, a estonteante Jodie Foster, aparece para salvar sua pele. Do outro lado da equação e representando os interesses do governo, Benedict Cumberbatch está avoado demais para se mostrar interessado no filme de Kevin Macdonald.

O que é bem-vindo, visto que o foco narrativo acaba se voltando para Foster e a maneira com a qual ela lida e enxerga o mundo. Baseado na história real de Mohamedou Ould Slahi, o longa chama atenção pelo arrojo cinematográfico, filmando tomadas extensas e visualmente marcantes das sessões de tortura sofridas pelo preso político. Com The Mauritanian é assim: você chega pela presença (e vitória no Globo) de Jodie Foster, mas fica pelo talento borbulhante de Tahar Rahim. – Vitor Evangelista

Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta (MOXiE!, Amy Poehler)

Apostando no dia a dia high school, e quase acertando a superficialidade, Moxie: Quando as Garotas Vão a Luta é o tipo de filme a qual críticas aprofundadas quanto a militância inacessível devem passar bem longe. Sem o intuito de explorar todas as facetas do feminismo, e olha que são muitas, o lançamento da Netflix é aquela obra onde não dá para pesar nos julgamentos. Entender que as protagonistas estão apenas no início da jornada na luta contra o patriarcado, e que um clichê básico é necessário. 

Na cidade fictícia de Rockport, Vivian (Hadley Robinson), ao adentrar o Ensino Médio, começa a se questionar sobre como se posicionar quanto a igualdade de gênero, mas, principalmente, sobre a falta dela. Amy Poehler, além de diretora da produção também encara a mãe feminista fã do hino Rebel Girl, canção chiclete que promete te assombrar no meio da noite. 

Enquanto inicia anonimamente a revista feminista chamada Moxie no colégio, Vivan encara os assuntos que o público não cansa de ver, como o primeiro namoro e os dramas de amizade, temas que se entrelaçam muito bem com as discussões sérias que a obra se propõe a iniciar. Sem muita neura ou abordagens difíceis, o filme teen pode até soar bobo de primeira, mas é a pegada mais leve e simples que ajuda a compreender que as grandes lutas começam com os pequenos atos. – Isabella Siqueira

Um Príncipe em Nova York 2 (Coming 2 America, Craig Brewer)

Em 1988, o príncipe Akeem, do reino de Zamunda, partiu para os Estados Unidos em busca de sua noiva. Encontrou, no Queens, Lisa McDowell e a transformou em sua princesa. Os zamundanos ganharam uma linda história de amor para espalhar pelas gerações e o casal, com três filhas, prosperou no país africano. 33 anos depois, Eddie Murphy retorna ao seu papel icônico em Um Príncipe em Nova York 2 para descobrir que, na verdade, seu sêmen real gerou um herdeiro masculino e novaiorquino ao trono de sua linhagem. 

Eu digo 33 anos, mas poderia ser facilmente 33 semanas. Eddie Murphy e Arsenio Hall, ao reencontrarem Akeem e Semmi, não envelheceram um minuto. O carisma da dupla principal se manteve intacto na sequência que, mesmo não sendo tão atraente como sua antecessora, ainda arranca umas boas risadas do espectador. Com exceção da rainha Aoleon – Madge Sinclair faleceu em 1995 -, Patrice e Darryl, todos os personagens do primeiro longa participam da continuação. Só por esse fato, as quase duas horas não pesam em absolutamente nada, já que rever Murphy e Hall em seus papéis variados (Morris, Reverendo Brown, Randy Watson, Akeem, Semmi, Saul e Clarence) encanta qualquer resistente a revivals de filmes clássicos.

Dessa vez, quem assina a direção é Craig Brewer, que fez seu melhor em tentar recriar a atmosfera juvenil e debochada que John Landis idealizou lá em 88. Apesar do plot não chamar a maior das atenções, as adições de Leslie Jones, Jermaine Fowler e Tracy Morgan eram tudo que a gente precisava para completar o charme que o elenco original já carregava. O desenrolar da personalidade de Akeem, agora um rei que tenta fazer jus ao legado do pai, e sua relação embaralhada com as (muitas) mulheres de sua vida, o fazem fechar os olhos ao fato de que Zamunda possui uma futura rainha e não há tradição que não possa ser questionada. Mesmo que Um Príncipe em Nova York 2 deixe a desejar em alguns aspectos, a sensação de nostalgia e referências é tudo que a gente pode pedir de Murphy e Hall. – Caroline Campos

Godzilla vs. Kong  (Idem, Adam Wingard)

A briga do século finalmente está entre nós, infelizmente nas TVs e monitores, e não nas telonas do cinema. Desde que foi anunciado, Godzilla vs. Kong vem sendo hypado ao máximo, de forma justa. Quem não quer ver um lagarto de 120 metros lutando contra um macaco de 102, tudo isso em paisagens belíssimas? Pois é. E o filme é isso mesmo. Aqui, talvez o roteiro não importe muito, afinal, ninguém foi assistir ao longa esperando um texto complexo ou um drama entre os dois bichanos. Porém, essa natureza de pura ação e nada mais do filme, que invalida críticas mais ‘profundas’, também é, de certa forma, um problema. 

Longe de mim dizer que o filme não é inteligente o suficiente ou que a trama deveria focar em mais coisas além dos titãs, a questão não é essa. A produção tenta sim investir em uma narrativa minimamente interessante para os humanos, com Millie Bobby Brown reprisando as peripécias de Eleven, dessa vez ao lado de um conspiracionista da Terra Oca. Também temos a fofíssima Kaylee Hottle dando representatividade surda ao filme com a interessante e pouco explorada Jia. E mais um monte de gente com mil papéis que não tem tempo suficiente de tela para serem devidamente desenvolvidos. Mas, quem liga? Esse é o filme de Godzilla e Kong. 

O que eu gostaria mesmo era ainda mais dos titãs, com dois longas de 1h30. Antes da batalha, poderíamos ter tido mais uma produção solo de Kong e sua jornada para conquistar a Terra Oca. A escolha do estúdio de espremer duas histórias juntas em uma só pode ter ajudado nos custos milionários de CGI (e, talvez, mais um filme solo de Kong não seria tão rentável), mas prejudicou o foco, nos entregando uma bagunça narrativa que realmente só funciona pelos monstrengos quebrando pau. Mas… O que está feito, está feito, e é extremamente divertido de assistir. Qual a próxima fronteira da franquia? Rezo todos os dias para Godzilla e Kong trombarem com Clover. – Jho Brunhara

The World to Come (Idem, Mona Fastvold)

De cara, a paisagem bucólica acompanhada da narração poética de Abby, que tem em seu diário seu único confidente, revelam a melancolia da época e ditam o tom em The World to Come. No filme, que se passa em algum lugar dos Estados Unidos em 1850, Abigail (Katherine Waterston) vive uma vida pacata e dura com o marido, Dyer (Casey Affleck), de quem se distancia cada vez mais após a morte da filha. Praticamente isolados, o silêncio entre os dois é quebrado com a chegada de Tallie (Vanessa Kirby) e seu marido, que alugam um terreno próximo e fazem amizade com o casal. Com uma nova companheira com quem dividir a solidão, Abby se aproxima da cativante e intensa recém-chegada e as duas encontram uma na outra um refúgio da frieza e do vazio de suas vidas.

Lançado oficialmente em fevereiro, The World to Come, dirigido pela norueguesa Mona Fastvold, fez sua estreia em setembro no Festival de Veneza, em que Kirby também competia com Pieces of a Woman. A indicada ao Oscar é charmosa e instigante com Tallie, mas não ameaça o protagonismo de Katherine Waterston, que, em sua melhor atuação, exala todas as sutilezas das mudanças na vida de Abby, da melancolia à inquietação da paixão à melancolia novamente. Os homens também sucedem em seus papéis de maridos inconvenientes a ponto de serem insuportáveis e os resmungos de Casey Affleck, que faz a linha introspectivo compreensivo mas não gera empatia nenhuma, não fariam falta se os personagens fossem renegados a apenas um subtexto das protagonistas.

Apesar das atuações estupendas das atrizes, da direção que alterna entre sensível e distante de acordo com os relacionamentos retratados e da fotografia que destaca o bucolismo da paisagem, o ritmo lento torna as quase duas horas mais longas do que parecem. A atração de Abby e Tallie se dá aos poucos, como deve ser em um romance de época, e quando engata não falha em encantar, mas ainda é arrastada e não queima o suficiente para fazer jus ao sofrimento do desfecho. Ao final, The World to Come é como a narração do diário de Abby: poético e delicado, ainda que discreto e vagaroso. – Vitória Lopes Gomez

Dia do Sim (Yes Day, Miguel Arteta)

Imagine viver um dia no qual seus pais são obrigados a dizer sim pra tudo, desde o que será o café da manhã, até sua maior e pior arte. Essa é a premissa de Dia do Sim, o filme lançado pela Netflix conta com os incríveis Edgar Ramírez e Jennifer Garner em seu elenco, abrilhantando essa comédia família que tem o irresistível sabor de Sessão da Tarde. Recomendada a todos, é uma ótima escolha para se divertir e fugir um pouco da monotonia destrutiva dos tempos atuais.

A história se inicia com um casal topa-tudo que viveu à flor da pele seus anos de namoro e, de repente, se depara com a palavra sim sair do vocabulário após a chegada das crianças. Num lar transbordado de proteção – e de nãos -, os três filhos começam a se revoltarem com toda autoridade dos pais, entrando em consenso que um dia do sim seria a solução perfeita. Yes Day nos faz rir de forma leve e acerta no segmento de roteiro.

Além da parceria entre Jennifer Garner e Edgar Ramírez funcionar com cumplicidade, Jenna Ortega também chama a atenção em suas cenas interpretando a filha mais velha do casal. Já com o pé na adolescência, é a que mais sente falta de sua liberdade. A primogênita também é fã da cantora H.E.R. que faz uma participação especial no filme, deixando a produção ainda mais encantadora e sendo também um dos grandes motivos para você parar tudo que está fazendo e ir assistir Dia do Sim. – Ana Júlia Trevisan

Land (Idem, Robin Wright)

A dona de House Of Cards, mentora da Mulher Maravilha e amor da vida do Forrest Gump finalmente fez sua esperada estreia na direção cinematográfica. A obra que marca esse feito testifica também a versatilidade de Robin Wright. De seriados aclamadíssimos aos blockbusters de herói e clássicos do Cinema, o trabalho da vez da atriz e diretora tem um fundo indie e chega diretamente do Festival de Cinema de Sundance sob o título de Land. Num drama contido, o filme acompanha o processo de cura e redescoberta da vida de Edee (interpretada pela própria Robin), que se retira para uma cabana isolada nas montanhas de Wyoming depois de vivenciar uma tragédia. 

Sim, Land pode soar como uma mistura de Nomadland (sem incitar comparações, visto também que o intervalo de um ano que separa as produções é quase nulo na prática do Cinema) com Na Natureza Selvagem (dirigido pelo ex-marido de Wright). Mas Robin é senhora de seus caminhos e rege seu próprio balé em uma obra reflexiva, contemplativa e por vezes inconsistente – débito que pode ir pra conta conta do roteiro de Jesse Chatham e Erin Dignam -, refletindo a jornada interna de sua personagem, longe de melodramas e adorações ao sofrimento.

O mais marcante, dentre as paisagens belíssimas da fotografia de Bobby Bukowski, a trilha que passa por The Staves e Bruce Springsteen sob a supervisão de Ben Sollee e Time for Three e da sempre excepcional destreza da atuação de Wright que encontra ainda mais encanto junto de Demián Bichir, é a segurança de sua diretora. Land tem seus defeitos, mas nenhum deles é a soberba ou a necessidade de se engrandecer, se mostrar ou se provar em meio às tantas produções iniciantes forçadas para serem surpreendentes. Confiante de sua arte, Robin inicia sua filmografia assinando um filme singelo sobre solidão, bondade e restauração. – Raquel Dutra

TV

Expresso do Amanhã (Snowpiercer, 2ª temporada, TNT/Netflix)

O novo ciclo de Expresso do Amanhã segue sem rumo, muito semelhante ao próprio trem chamado Snowpiercer. Que muitas produções acabam perdendo o ritmo a gente já sabe, e infelizmente, esse foi o caso da série da TNT e da Netflix. Apesar da tentativa ousada de se distanciar da HQ e do filme dirigido por Bong Joon-Ho com um novo plot, a nova temporada é bem mais ou menos.

Continuando exatamente de onde a temporada passada acabou, a nova história retoma a conquista da democracia por Layton (Daveed Diggs) e o fatídico encontro com o Big Alice, trem de recursos comandado pelo misterioso Sr. Wilford (Sean Bean). Em um ponto comum, os dois trens concordam em uma trégua, e, de repente, o mundo está descongelando – um caminho previsível, mas justificável. Felizmente para eles, a esperança no planeta Terra ressurge, infelizmente para o público, isso acarreta na perda da única protagonista cativante da série, Melanie Cavill (Jennifer Connelly).

Com a perda de Melanie, o duelo agora se dá entre Layton e Wilford, que entre tapas e beijos seguem a temporada sem a maestria e inteligência da maquinista principal. Entre tramas paralelas sem sal, o sumiço da personagem e algumas sacadas óbvias de obras de ficção científica, a segunda temporada de Expresso do Amanhã perde o fôlego e fica travada no meio do caminho. Já os sentimentos de revolta e os ânimos exaltados que abalavam o trem do futuro ficaram lá na última revolução. – Isabella Siqueira

WandaVision (1ª temporada, Disney+)

Em março, chegou ao fim a primeira experiência da Marvel com a televisão. WandaVision foi idealizada com base nas décadas de sitcoms que a TV estadunidense possui e, para quem estava acostumado com narrativas lineares e previsíveis dos filmes do Universo Cinematográfico, foi uma baita surpresa. Enquanto tentamos entender por que diabos Wanda está em preto e branco e como Visão, que teve a cabeça dilacerada por Thanos em Guerra Infinita, anda e sorri em cena, a Marvel vai brincando com a nossa observação e com pequenas referências aqui e ali ao longo da série.

Como casal, Wanda e Visão são encantadores. Assisti-los se amando e se apoiando pelos nove episódios só ficaria melhor se tivéssemos, de fato, os visto assim nos filmes da Marvel. A dupla, mal aproveitada no cinema, tem a vida perfeita com a rotina perfeita e os filhos perfeitos. Infelizmente, a trajetória esburacada de Wanda Maximoff não demora muito para se sobressair. Perdida no próprio mundo que construiu para tentar lidar com o luto gigantesco que carrega em si, a personagem magistral de Elizabeth Olsen suga toda a empatia que o espectador tem a oferecer. Sentimos a dor e o desespero de Wanda em cada expressão que remete ao seu passado – especialmente em meio a tantos flashbacks daquele (sim, você sabe qual) episódio. 

A estrela do show, amada e odiada, dona de tudo que toca, entretanto, foi ela: Agatha Harkness. Não há nada que Kathryn Hahn não possa fazer, e ela deixou isso bem claro com a sua milenar bruxa embebida de poder que se entretém com o sofrimento de Wanda. Claro, nem Harkness esperava o nível da força da Feiticeira Escarlate, mas os confrontos das personagens são no mínimo interessantes. Se o arco do lado de fora não chama muito a atenção, as aparições de Pietro, a convivência de Billy e Tommy e a tentativa de Visão em entender Westview é o que fazem a primeira e única temporada focada em Wanda ser tão especial. Agora, é vez de Bucky e Sam. – Caroline Campos

RuPaul’s Drag Race UK (2ª temporada, BBC Three) 

A segunda temporada de Drag Race UK, infelizmente, chegou ao fim em março. Apesar dos episódios gigantescos, dos mini challenges enormes e dos maxi challenges maiores ainda, nós vamos sentir falta desse elenco. Onde falta espontaneidade e descontração no programa ‘original’, aqui sobra. Se tem algo que as versões estrangeiras da competição de RuPaul nos ensinam, é que há algo de errado com o perfeccionismo da produção estadunidense. Enquanto isso, no werkroom britânico, a equipe por trás das câmeras, um pouco mais despreocupada com a edição perfeita, permite que a naturalidade das queens transpareça, e tudo flui como um dia já fluiu na terra da Tia Sam.

Mas saudosismo é coisa de gente inerte, vamos falar do presente. Lawrence Chaney é a primeira vencedora gorda da franquia. Demorou, mas finalmente aconteceu, e com um nome merecidíssimo. Como sempre, teve chororô dos fãs do programa, cyberbullying problemático e discussões polêmicas, mas agora pouco importa. A talentosa queen escocesa se juntou ao panteão de Drag Race. Nesse elenco não faltou personalidades memoráveis: Ginny Lemon espremeu um limão no olho de RuPaul e abandonou o palco antes mesmo de dublar, sendo a única a nunca ouvir um sashay ou shantay; Tia Kofi transbordou carisma e se imortalizou com falas icônicas; e A’Whora e Tayce nos deixaram babando de tanta beleza e nerve. 

Veronica Green infelizmente nos deixou antes da hora. Quando as gravações da temporada voltaram após meses, por conta da pandemia, a londrina testou positivo para o maldito vírus e precisou ficar em casa. A boa notícia é que ela competirá na próxima edição, e, se o universo permitir, mais polida que nunca. Bimini Bon-Boulash perdeu a Coroa mas ganhou o mundo. Posso afirmar, sem receios, que a britânica não-binária e vegana é uma das mais fortes competidoras que já passaram pelo programa, e já é muito maior que as bordas de Drag Race. Excelente nos desafios de comédia, excelente nos de atuação, nos musicais, nas acrobacias, com impecável senso estético, inteligente e absurdamente carismática. Pensando bem, a Coroa realmente ficaria apertada nela. – Jho Brunhara

Allen contra Farrow (Allen v. Farrow, Minissérie, HBO)

Woody Allen é um crápula. Não há discussão quando o assunto é sua índole, seu caráter ou a maneira com que lidou com a crise midiática dos anos 90, quando sua filha Dylan o acusou de abuso sexual. Kirby Dick e Amy Ziering, responsáveis pelo documentário The Hunting Ground, aproveitam o longo formato de minissérie proposto pela HBO para dissecar os eventos no passado e as consequências do presente em Allen v. Farrow.

Despreocupada em ouvir ‘o outro lado’, a minissérie documental em 4 extensos capítulos, se baseia, ouve e ampara Dylan Farrow e sua mãe, Mia. A produção recapitula tudo com imagens de arquivo pessoal de Mia, enquanto contragolpeia os testemunhos de Allen com excertos de um áudio livro lançado em 2020. O momento do abuso no sótão, a guerra de tabloides e o casamento do diretor com Soon-Yi, filha de Mia, são documentados com o olhar e a complacência dos cineastas.

Dylan Farrow abre o coração e descasca os traumas, ao passo que Allen v. Farrow cria uma rede de apoio para a mulher. Ouvimos seus irmãos, sua mãe, advogados, médicos, todos corroborando a história dela, com provas e documentos. O final, Part 4, se estende por quase 80 minutos, investigando o papel da cultura nisso tudo. Atores famosos defendendo Allen em 2014, mas que voltaram atrás e apoiaram Dylan em 2018. Na eterna discussão de separar a arte do artista, Allen v. Farrow não se compromete em soar imparcial. Passadas mais de quatro horas, a ideia é a mesma: Woody Allen é um crápula. – Vitor Evangelista

Filhas de Eva (1ª temporada, Globoplay)

Imagine personagens reais, falhos e complexos. Adicione uma trama envolvente, trilha sonora de arrebatar, um elenco que mistura grandes nomes e novas revelações. Coloque também uma boa pitada de excelente direção de arte e textos que emocionam e você terá a receita certeira de um produto audiovisual de qualidade, que prende o espectador do primeiro ao último segundo. Foi trilhando esse caminho para o sucesso que o Globoplay estreou em 8 de março – Dia Internacional da Mulher – a deliciosa e envolvente série de doze capítulos, Filhas de Eva. 

Protagonizada pela gigante Renata Sorrah, que rouba os holofotes da série em cenas que vão do drama ao puro humor, com doses excelentes de romantismo, e acompanhada pelas também veteranas Giovanna Antonelli e Vanessa Giácomo, a história nos serve como uma dramédia das boas. Stella, interpretada por Sorrah, é casada há 50 anos com Ademar (Cacá Amaral), por quem se anulou e girou toda sua vida em volta, e durante a comemoração do aniversário de casamento, toma a drástica decisão de pedir o divórcio, em público, almejando apenas se reencontrar. Lívia (Antonelli), sua filha, é uma mulher casada e mãe de uma adolescente, profissionalmente satisfeita porém com um casamento que já viu dias melhores com Kleber (Dan Stulbach), um terapeuta raso e egocêntrico, que inicia um caso com Cléo, personagem de Giácomo, que por sua vez, torna-se amiga de Lívia sem ao menos saber quem ela é, entrelaçando assim os enredos da trama.  

É com o pedido de divórcio que Stella vira sua vida de cabeça para baixo numa jornada de autoconhecimento, revolução e busca pela liberdade, reencontrando antigos amigos e abrindo espaço para novas pessoas em sua vida. Filhas de Eva é uma série sobre a jornada, não apenas da protagonista, mas como de todos os outros personagens. É dessas séries que te colocam para sorrir ou se emocionar com facilidade, em cenas que podem entrar para o hall de takes memoráveis da TV brasileira, e tudo isso, com uma belíssima pertinência temporal e críticas políticas que se embrenham no enredo bem construído. É ótima pedida para uma maratona, sem deixar  a desejar à grandes séries em que se baseia, como Big Little Lies e This is Us. – Marina Ferreira

Oprah entrevista Meghan Markle e Príncipe Harry

Só Oprah Winfrey para dar conta de uma entrevista com ex-membros da família real britânica. A maior apresentadora dos Estados Unidos recebeu Harry e Meghan Markle para uma conversa franca no horário nobre da televisão norte-americana transmitida no canal da CBS no dia 7 de março. No quintal de sua nova casa, o casal falou sobre os motivos que os levaram a deixar sua posição dentro do reinado de Elizabeth II, bem como a vida que constroem agora na Califórnia. 

Guiada pelas perguntas e reações hospitaleiras e sempre atentas de Winfrey, a entrevista apresentou uma Meghan serena, machucada e determinada a dividir a sua verdade ao lado de um Harry um pouco mais incisivo, magoado mas ainda firme e seguro de suas próprias ações. Desamparo, danos psicológicos, racismo e “medo da historia se repetir” resumem o desabafo do casal, que ainda usaram o termo ‘firma’ alguma das vezes em que se referiram à família.

Para quebrar a tensão da conversa, Oprah ainda conheceu alguns espaços do novo lar de Harry e Meghan e deu o furo sobre o sexo do novo bebê do casal, mas é fato que o que ficou marcado foram as revelações sobre as atitudes da família real, que embora nada levianas, estão longe de ser uma completa surpresa. Muito mais do que fofocas reais, o que se vê nos 90 minutos de desabafo do casal à Oprah – que mesmo verdadeiro ainda constrói uma estratégia midiática cheia de intenções -, também rende um retrato das problemáticas oriundas do imaginário colonial, muito bem figurado na monarquia do Reino Unido. – Raquel Dutra

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“Quando um amor é mais forte do que a própria vida, ele não cabe numa só história”. Era o que dizia a primeira chamada da novela Além do Tempo, no ano de 2015, logo de início chamando a atenção do público, de forma sutil, à seu formato inovador e até mesmo revolucionário. Em seus 161 capítulos, a novela da seis, escrita por Elizabeth Jhin e dirigida por Pedro Vasconcelos, cumpriu sua missão em contar uma grandiosa história de amor, dividida em duas fases muito distintas entre si, que se comunicavam em excelentes sacadas de texto, um enredo muito bem amarrado e uma montagem de tirar o fôlego.

Ambientada no sul do país, inicialmente na fictícia cidade de Campo Belo, no final do século XIX, Além do Tempo nos conta a história de Lívia e Felipe, dois jovens de condições sociais diferentes, unidos por um inexplicável laço de amor à primeira vista. Ele, um conde vindo da capital do país, sobrinho da poderosa condessa Vitória Castellini (Irene Ravache), e ela, uma noviça, filha da humilde dona de taverna – e saltimbanco – Emília Diffiori (Ana Beatriz Nogueira). Esse amor é proibido desde o primeiro momento, por diversos impedimentos da vida. Felipe é noivo da mimada Melissa (Paolla Oliveira) e Livia é fruto do casamento secreto de Emilia e Bernardo (Felipe Camargo), o filho da condessa. 

Com tramas que dialogam com facilidade, apoiadas por um excelente elenco secundário – grandes nomes como Luis Melo, Carolina Kasting, Nívea Maria, Louise Cardoso, Luiz Carlos Vasconcelos e outros – a primeira fase discorre a partir dos conflitos entre Lívia e Melissa, pelo amor do conde, o ódio entre Vitória e Emilia, que perdura há mais de duas décadas, além da busca incessante da saltimbanco pelo amor de sua vida, desaparecido há muito tempo e a relação singela e ao mesmo tempo conflitante entre Lívia e Vitória. Há também Pedro (Emilio Dantas), o grande antagonista da novela, e Ariel (Michel Melamed), o cocheiro da cidade que na verdade é um anjo, responsável por observar e cuidar dos moradores dali, ajudando a encurtar os tormentos daqueles que não merecem sofrer.

Numa novela com tantos personagens que poderiam ser considerados conhecidos ou até mesmo óbvios, por já terem sido vistos em tantas outras produções de época, com grandes romances proibidos e tramas perigosas, a obviedade passa longe e abre espaço para um desenvolvimento sensível e surpreendente de tramas que contam com início, meio e fim, sem pontas soltas ou perguntas não respondidas. Nos 87 capítulos da fase inicial, acompanhamos de olhos fixos à tela uma história sem barrigas, pois não há a sensação de estarmos perdendo tempo, a trama se mantém constante, com novas reviravoltas e subtramas que se amarram perfeitamente ao grande enredo. 

Temos o desenvolvimento completo de personagens, que crescem em arcos heroicos, lidam com conflitos narrados de forma humana e verdadeira e cenas que arrancam o fôlego por diálogos dignos de prêmios, ditos com toda entrega por figuras grandiosas da TV. Emoções também não faltam em momento algum, pontuadas com excelência por um trilha sonora instrumental composta por Rodolpho Rebuzzi, que aos poucos, nos guia ao grande ápice da primeira fase. 

A morte de protagonistas já foi um tema explorado anteriormente em novelas do mesmo gênero espiritualista, como é o caso de A Viagem (1975 e 1994). Na trama de Ivani Ribeiro, os personagens principais Otávio e Diná, marcados por um amor trazido de outras vidas, fazem a passagem em um curto espaço de tempo um do outro e vivem esse amor no pós vida. Mas em Além do Tempo, vemos algo jamais trabalhado na teledramaturgia brasileira. 

No capítulo 87, completamente construído com ares de final de novela, o que deixou o espectador em estado de dúvida. Afinal, havia o sentimento de que a obra havia durado pouco, vemos os finais felizes e infelizes dos personagens, que por suas escolhas e caminhos chegaram a esses desfechos e somos tomados por um alívio momentâneo pela felicidade do casal principal, que tanto havia lutado para alcançar os momentos de paz que enfim viviam. 

Qual não foi a surpresa, quando em uma cena pacífica, puramente romântica, de declarações e uma bela paisagem, fomos surpreendidos pela presença do vilão Pedro, que desafiou o mocinho para um duelo de vida ou morte. Maior ainda foi a surpresa ao termos a aparição da outra vilã da trama, Melissa – abandonada e ofendida por Felipe – que surge como um carrasco tomado de ódio, empurrando Lívia pela borda de um penhasco. 

Em uma eletrizante sequência, com momentos de tirar o fôlego, temos o destino selado de 3 protagonistas, de forma visceral. Transtornado por acreditar que Melissa havia matado seu grande amor, Pedro a atravessa com um florete e se aproxima da beirada do penhasco, onde Felipe e Lívia se penduram juntos, agarrados à uma última esperança de vida. Num ato de crueldade, o vilão acerta Felipe no peito com a mesma espada e o casal cai no rio, afundando juntos para a morte certa e dando início à mais uma sequência memorável.

É nesse momento que entendemos a genialidade da dupla responsável pela novela. Aqui, os planos de Elizabeth Jhin se tornam claros, ao realizar uma passagem de 150 anos na trama e o olhar afiado de Pedro Vasconcelos nos dá uma transição linda, ao som de Together, da banda inglesa The XX e um voiceover, com um dos diálogos mais marcantes da primeira fase. 

Enquanto os corpos de Lívia e Felipe afundam pelo rio, ouvimos as batidas incessantes do relógio da música e um som alto, quase ensurdecedor é aos poucos adicionado à cena: o conhecido, moderno e implacável som dos trens correndo sobre os trilhos do metrô. De forma arrebatadora, a cena nos situa em 2015, no Rio de Janeiro, na estação da Carioca, onde minutos depois, Lívia e Felipe se reencontram nesta nova vida, dando início ao que os kardecistas chamam de resgate. 

“ Você sabe rezar? Reza comigo, tem que ter fé! “
“Não acredito em um Deus que parece se divertir com o sofrimento humano”
“Eu sei o quanto está sofrendo, eu sinto muito, me dói muito vê-lo assim. Eu queria tanto que fosse diferente, que tudo fosse diferente.”
“Que Deus é esse Lívia? Ele parece se divertir, permite que os que se amam se separem. Permite que você que eu amava…. E que eu nunca deixei de amar… “

Na teoria kardecista, o resgate é a forma como o espírito evolui, se eleva moralmente e amarra as pontas soltas de outras vidas. Nessa segunda fase, temos de volta os mesmos personagens. Mesmos nomes, rostos e relações, porém, novas personalidades, passados e destinos. Lívia e Felipe agora inverteram os papéis. Ela é a herdeira de uma vinícola bem sucedida, é novamente filha de Emília e noiva de Pedro. Felipe é um simples dono de uma vinícola familiar no Rio Grande do Sul, casado com Melissa e pai de Alex – seu filho na outra vida. Seus caminhos mais uma vez são atravessados pelo irrefreável acaso, embora Ariel, que antes havia feito de tudo para ajudá-los, agora age com desconfiança em relação ao amor dos dois, pois perdeu a fé, assim como suas asas. 

Enquanto, na primeira fase da novela, as histórias de Lívia e Felipe eram costuradas juntamente às subtramas, tomando para si a maior parte da emoção dos acontecimentos, na segunda fase temos um grande destaque à uma trama secundária lindíssima, estrelada pelas ilustres Irene Ravache e Ana Beatriz Nogueira. Se no final do século XIX, vemos o ódio entre as duas, alimentado pela arrogância da condessa Vitória, que desaprovava o romance entre o filho e a saltimbanco, e a ira de Emilia, por ter sido separada de Bernardo por obra da malvada nobre, em 2015 temos puramente o ressentimento e a incompreensão. 

Na nova vida, Vitória e Emilia são mãe e filha, separadas há mais de 40 anos, por uma decisão apaixonada da mais velha, que abandonou a casa e a família para viver um grande amor. Protagonizando cenas de orgulho e desprezo, a personagem de Ana Beatriz Nogueira é o exato reflexo de tudo aquilo que odiava na vida anterior. É a implacável dona da Vinícola Beraldini, que não mede esforços para conseguir sua vingança contra a mãe que a abandonou e não a reconhece, chegando à extremos de rebaixá-la publicamente.

Seu contraponto é a personagem de Irene Ravache, que se mostra em uma de suas faces mais dual, entregando um desenvolvimento de personalidade como não estamos acostumados a ver. Temos a desconstrução da figura arrogante de Vitória, que abre completamente o coração para as mudanças que sua vida sofreu e que consegue inclusive sentir compaixão por Emilia, apesar das constantes brigas e humilhações. Em uma das cenas mais marcantes de toda a trama, já próximo ao final da novela, temos o confronto definitivo entre Vitória e Emília, onde a dona da vinícola revela à mais velha que é sua filha. 

Ali, temos a entrega completa das atrizes. Podemos ver o absoluto desespero no olhar de Ravache e o ódio e confusão espalhados por todo o rosto de Nogueira. É uma das tantas cenas que, em uma série norte-americana, seria marcada por uma indicação ao Emmy, para as duas atrizes que se doaram por completo, para a execução impecável de uma revelação que mudou os rumos finais da trama, culminando no fechamento do ciclo de perdão entre as duas.

Com o princípio do resgate em mente, conseguimos apontar exatamente onde cada uma das tramas da novela se fecha, resolvendo questões que foram trazidas da outra vida, até chegarmos no grande momento, onde enfim temos o embate final entre os quatro protagonistas: Lívia, Felipe, Pedro e Melissa. Ao longo da segunda fase, o relacionamento de Felipe e Melissa se desgasta e chega ao fim, dando início a uma série de loucuras da mulher, assim como o noivado de Pedro e Lívia, que também encontra um ponto final. Ao contrário das tramas escandalosas da vilã, Pedro age de formas sutis, através de planos que antagonizam e buscam minar aos poucos o amor dos protagonistas.

Em mais uma jogada de mestre, entre tantas ao longo da novela, Jhin coloca os personagens exatamente no mesmo lugar em que estavam no primeiro desfecho: à beira de um penhasco, confrontados pelo vilão, com suas vidas em risco. Dessa vez, não há o cavalheirismo de Pedro, não há oferta de duelo, apenas um revólver, apontado para os dois protagonistas e a ameaça pairando sobre eles, entre palavras de ódio e uma atuação impecável de Emílio Dantas, que parece aos poucos perder a sanidade na trama. A cena vem carregada de expectativa, a tensão de novamente termos um destino mórbido ao casal que tanto merece a felicidade, assim como sabemos inconscientemente que, um quarto elemento está faltando na cena e que a qualquer momento poderá mudar o rumo de todas as coisas. 

Esse quarto elemento é a personagem de Paolla Oliveira, que aparece para dar início ao clímax da cena, numa luta corporal com o personagem de Emilio, onde os dois rolam pelo chão e disputam a arma que antes ameaçava os mocinhos. A direção de Pedro Vasconcelos nessa sequência é primorosa, pois nos mostra cenas do passado e presente, em uma alternância que aumenta ainda mais a expectativa pelo fatídico fim e ao ouvirmos o disparo do revólver, prendemos a respiração por alguns instantes, até sabermos quem foi o atingido. 

Nesse momento se encerra o primeiro resgate de Melissa, que fechou um ciclo ao deixar o corpo sem vida de Pedro no chão e o segundo se inicia ao se aproximar da beira do precipício, onde se penduravam Felipe e Lívia, puxando-os de volta com a ajuda divina – e invisível – do anjo Ariel e dessa forma, salvando as vidas de quem havia ajudado a condenar na encarnação anterior.  Temos então um final digno de Elizabeth Jhin, que em sua toda sua trajetória de novelas anteriores – Eterna Magia, Escrito nas Estrelas e Amor Eterno Amor, por exemplo – veio construindo uma linguagem própria, de personagens reais, falhos e complexos.

Com todas as suas histórias contadas de forma particular, com pequenezas que somente a autora consegue trabalhar com tanto primor, Além do Tempo nos oferece reflexões que extrapolam o âmbito espiritual e filosófico, pois são feitas de formas sutis, que dialogam diretamente com as experiências de vida dos espectadores, tratando de assuntos que por vezes se tornam secundários para outros autores – como a compaixão, a fé, o perdão e o amor, não apenas romântico, mas como o amor fraterno e incondicional – mas que para Jhin, são os pontos focais de sua trama. 

Abro agora um espaço para me corrigir, pois anteriormente disse que em 161 capítulos, foi contada uma grandiosa história de amor, dividida em duas fases, quando o mais correto seria dizer que: em 161 capítulos de uma grandiosa história de amor, que atravessou o tempo e venceu barreiras, duas novelas foram exibidas, com tramas independentes e complexas, com enredos e desfechos que foram na contra mão dos grandes clichês familiares e encerrando com uma mensagem de paz que reverberou, abrindo o caminho para a nova fase de trabalhos da autora, uma fase marcada pela coragem da inovação, renovando a carreira já consolidada da experiente e sempre relevante Elizabeth Jhin.

“Fica permitido aos novos tempos dizer “Eu te amo”… Uma vez pela manhã, uma pela tarde e uma pela noite. Fica estabelecida a lei do amor, fica permitida conhecer a verdade da vida a ausência da morte a eternidade da alma. Fica permitido dizer obrigado, por favor, com licença. Fica permitido entender que o erro é estágio da evolução. Fica totalmente permitido perdoar e se perdoar. Ficam permitidos o bem, a paz, a compaixão e a caridade. E revogam-se todas as permissões contrárias!”

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2020 começou chutando as portas dos eventos inéditos. No Oscar, Parasita abocanhou a estatueta mais importante da noite; no Grammy, Billie Eilish quebrou um recorde de 39 anos e se tornou a primeira mulher a ganhar o Big Four, os quatro prêmios principais, em uma mesma noite (Álbum do Ano, Gravação do Ano, Música do Ano e Artista do Ano).

E um pouco depois disso o mundo acabou.

A partir de março nos vimos num limbo temporal e espacial, onde a arte era a nossa melhor amiga, nossa única distração, nossa única oportunidade de viajar, e tudo mais que você já deve ter cansado de ler nesse ano. Sem a possibilidade de fazer shows, assistimos pequenos e grandes artistas se virarem nos 30 com lives diversas. Os nomes gigantes do mainstream perderam uma receita ou outra nesse tempo, mas é com os independentes que devemos nos preocupar. Sem dinheiro não há música, e é agora que saberemos as consequências reais disso tudo. Por enquanto, só podemos esperar que as promissoras vacinas façam o segundo semestre de 2021 seguro o suficiente para retornarmos com os shows.

Para os que tinham estrutura e condições de produzir em casa, 2020 foi mais interessante. Charli nos deu o colaborativo how i’m feeling now e Taylor surpreendeu o mundo com seu folklore e o novíssimo evermore (e dizem as línguas que a terceira irmã está vindo). No Brasil, vimos artistas como Silva, Sandy e Adriana Calcanhotto também lançarem seus projetos frutos do isolamento social.

O dia infinito que foi 2020 ainda trouxe mais uma porrada de coisas: a volta bíblica de Fiona Apple e a primeira nota 10 em uma década, da impiedosa Pitchfork; a xenofobia sofrida por Rina Sawayama ao ser considerada ‘não elegível‘ para o British Music Awards mesmo sendo britânica; o racismo sofrido por The Weeknd ao não ser indicado ao Grammy 2021 nas categorias principais; a febre de documentários de artistas (Ariana Grande, Shawn Mendes, BLACKPINK, Taylor Swift…); e tantos outros acontecimentos.

Justin Timberlake já dizia em seu The 20/20 Experience: o ontem é história e o amanhã é um mistério. Se 2021 vai ser melhor? Torcemos que sim. Por agora, você pode conferir Os Melhores Discos e EPs que salvaram o apocalíptico ano de 2020, elencados pela Editoria do Persona e por nossos colaboradores.

Raquel Dutra

Nenhum lugar foi capaz de proporcionar maior consolo e conexão em 2020 como a música. Taylor Swift talvez tenha sido a artista que mais compreendeu isso e as necessidades atípicas do ano. Mudando totalmente sua estética e sonoridade, mas nunca a sua essência, em agosto, de surpresa, ela nos presenteou com as histórias íntimas e aconchegantes de folklore, e ganhou o mundo inteiro com ele. Já rasguei elogios para o álbum aqui, então, agora, vou me contentar em coroá-lo com meu primeiro lugar. Só que, não satisfeita, a fome criativa de Swift ainda dividiu conosco a irmã mais nova, mais solta e animada do primeiro álbum, evermore, como uma forma de celebrar seu aniversário de 31 anos (que não vai repetir o nome de Taylor no meu top 5, mas vale a lembrança). Outra menção honrosa é CTV3: Cool Tape Vol.3, disco lindo do Jaden, que consegue colocar em canções a doçura do amor, as delícias de viver, a liberdade da vida e a paz de assistir um pôr-do-sol. 

Chegando nas mais alegrinhas, YHLQMDLG do Bad Bunny quase começava a tocar sozinho quando era hora da faxina ou de lembrar para o meu corpo o que era a vitamina D e a endorfina com uma caminhada pelo quarteirão.  No maior país da América Latina, o ano foi de Marcelo D2 e Assim Tocam os MEUS TAMBORES. A obra-prima do artista transcende a ideia de um registro fonográfico tradicional, concretizando um trabalho transmídia grandioso em significado, identidade e importância para a produção cultural brasileira.

De volta ao top 3, dominado pela calmaria necessária para domar a ansiedade de 2020, a serenidade, constância e charme de Lianne La Havas também me capturaram, especialmente com Green Papaya, Please Don’t Make Me Cry, Sour Flower e, claro, a majestosa Bittersweet. O esperado ALICIA também merecia um lugar nesta lista só pela sua carro-chefe, Underdog. Ela vem ao lado de delícias como So Done, Gramecery Park e A Beautiful Noise, e também das batidas mais sexys de 3 Hour Drive e Show Me Love. O hino aos ‘oprimidos’ ainda se junta à injeção de ânimo que Keys direciona aos corações, corpos e mentes cansados em Good Job; e, assim, a artista transfere todo seu calor e esperanças divinos para quem teve um ano especialmente difícil. “Você está fazendo um bom trabalho” e “Continue se prendendo ao que você ama”, ela canta em apoio aos sobreviventes do ano da pandemia, e ainda deixa um verso que é quase uma promessa para 2021: “Muito em breve você irá se erguer.” Amém, Alicia.

Discos Favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. Alicia Keys – ALICIA / 3. Lianne La Havas – Lianne La Havas / 4. Marcelo D2 – Assim Tocam MEUS TAMBORES / 5. Bad Bunny – YHLQMDLG

Elder John

Apesar das dificuldades de 2020, o rap nacional se mostrou muito presente no quesito de lançamentos, com grandes nomes da cena se destacando. Falar sobre o BK’, Djonga e Rashid é redundante, cada um no seu estilo, com assuntos importantes e a qualidade que já conhecemos.

Ainda devo ressaltar Diomedes Chinaski se colocando no mesmo patamar. Prometeu o disco do ano e trouxe um produto completo: conceito, musicalidade e relevância.

Por outro lado, no funk tivemos muitos lançamentos importantes, com o Hariel sendo um dos poucos que incorporaram a cultura dos discos. Normalmente, os artistas só lançam singles, como foi o caso do MC Paulin da Capital, um dos principais nomes do gênero que não pôde aparecer na lista.

Discos favoritos: 1. BK’ – O líder em movimento / 2. Diomedes Chinaski  – Crocodiloboy / 3. Djonga  – Histórias da Minha Área / 4. MC Hariel – Avisa que é o Funk / 5. Rashid – Tão Real

Ana Laura Ferreira

Mais do que nunca, a música embalou nossas vidas em 2020, ressignificando ou até mesmo dando significado aos difíceis momentos que enfrentamos. E, apesar da divulgação interrompida, adiamento de shows e uma grande incógnita que ainda permanece, é reconfortante saber que, mesmo assim, as trilhas sonoras não pararam. Em meio a diversos álbuns, os que, para mim, se destacam foram aqueles que trouxeram intimismo, profundidade e também alegria para a quarentena.

Queria poder citar dezenas de discos que escutei repetidamente, contudo, confesso que foi fácil decidir o top 3. No topo está o álbum surpresa mais falado dos últimos meses: folklore trouxe uma Taylor Swift mais aberta, crua e livre como nunca visto antes. Seu irmão gêmeo, evermore, ficou com o terceiro lugar por atingir o mesmo nível de perfeição que o primeiro, mas ainda não ter conquistado um espaço tão grande em meu coração quanto a sinfonia em branco e preto.

Entre os dois está After Hours, que, mesmo não sendo o número um por conta do meu gosto pessoal, é, sem dúvida alguma, o melhor álbum de 2020. Dançante, incisivo e atemporal, essa é a obra que nos lembraremos quando perguntarem sobre o ano da quarentena. E, junto ao The Weeknd, Dua Lipa e Don’t Start Now marcaram as rádios mundo afora. Entretanto, não poderia, de forma alguma, deixar passar o renascimento de Selena Gomez em Rare, mais linda e empoderada do que nunca. 

Discos favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. The Weeknd – After Hours / 3. Taylor Swift – evermore / 4. Dua Lipa – Future Nostalgia / 5. Selena Gomez – Rare

Jho Brunhara

Até então, Ellie Goulding se encontrava em uma posição desconfortável: depois do insosso Delirium (2015), a cantora perdeu o interesse dos amantes do pop, ao mesmo tempo que passou a soar genérica demais para manter o interesse do mundinho alternativo. Esse talvez seja um dos motivos que justificam Brightest Blue ter passado tão despercebido em 2020, mesmo sendo o trabalho mais coeso, íntimo e sincero da artista. A outra razão pode ser a terrível exigência da Polydor Records em favorecer os featurings ultrarradiofônicos da segunda parte do CD, em vez de divulgar o projeto em si. Agora é tarde, e de gravadoras incompetentes o mundo está cheio, Ellie infelizmente não será a primeira nem a última a passar por isso. Mesmo com essa pista de obstáculos, Goulding entregou o melhor projeto da sua carreira e se coloca de volta ao mapa: Brightest Blue transborda honestidade, melodias de encher a sala e um sinal claro de que a mente por trás do Halcyon (2012) não perdeu uma gota sequer de sua visão e talento.

O ano também foi delas: Chloe x Halle provam que o R&B e o pop podem andar lado a lado sem depender dos mesmos recursos de sempre. As irmãs apadrinhadas por Beyoncé deixaram a inocência de lado para o maravilhoso Ungodly Hour. Já Troye Sivan e Christine and the Queens brilharam com seus respectivos EPs. In A Dream é uma viagem pela mente de um Troye despido de toda a parafernália superproduzida de seus projetos anteriores, e mostra sua força como compositor. La vita nuova consolidou mais uma vez Christine como uma das vozes para se ficar atentíssimo, e a faixa-título com Caroline Polachek é uma das melhores coisas proporcionadas por 2020.

Por fim, chegamos em Georgia. A talentosíssima compositora e produtora britânica abriu o ano passado, em janeiro, com Seeking Thrills. A artista é claramente influenciada por Robyn, e talvez, nas devidas proporções, About Work The Dancefloor é uma prima muito próxima (e mais feliz) de Dancing On My Own. Regado a paixão e sintetizadores, o disco é um dos imperdíveis de 2020. Menções honrosas: o cheio de juventude Kid Krow, de Conan Gray; o genuíno SAWAYAMA, de Rina Sawayama; o flashback futurista Future Nostalgia, de Dua Lipa; e o avassalador Punisher, de Phoebe Bridgers.

Discos favoritos: 1. Ellie Goulding – Brightest Blue / 2. Troye Sivan – In A Dream (EP) / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Christine and the Queens – La vita nuova (EP) / 5. Georgia – Seeking Thrills

Henrique Gomes

O ano de 2020 na música e a música no ano de 2020, uma dicotomia confusa, porém gritante quando se olha em retrospecto. Se trata da divisão entre sons que te levam para um campo de paz e conforto em tempos difíceis, e sons que te mostram o caos mundial impresso em cada detalhe. Na linha dos acalantos, o disco Philadelphia, de Shabason, Krgovich & Harris, caiu como uma luva ao manusear o ambient, o new age, o R&B e o jazz para moldar um retrato minimalista e sutil do cotidiano.

Outro álbum foi o Decision Time, de Charles Webster, em que o deep house é dilacerado entre sons de trip-hop e ambient, com as mais variadas influências, seja na bossa-nova ou no blues, cada detalhe do som gera uma meditação sombria e necessária. Um disco como Alfredo, de Freddie Gibbs & The Alchemist, serviu como um devaneio ao ouvinte, em que o produtor e o rapper dialogam e executam o conceito nu e cru do hip-hop entre beats, flows e participações variadas, levando o espectador para longe dentro de suas ambiências e texturas cinemáticas, narradas sob a voz tão raivosa quanto serena do rapper de Indiana.

O outro lado da moeda são os sons experimentais, barulhentos, porém belos. Como, por exemplo, o SAWAYAMA, de Rina Sawayama, em que a cantora/produtora faz um casamento entre o nu-metal, hyperpop, dance, entre várias outras influências, enquanto discorre sobre sua identidade, soando como algo extremamente caótico e criativo dentro do pop. Para finalizar, o que há de mais fiel ao que passa pela cabeça de qualquer um durante uma desordem mundial é o disco Piorou, de Tantão e os Fita. O trio rasga todas as possibilidades de adequação à lógica ao fazer músicas completamente desordenadas e barulhentas dentro da instrumentação eletrônica e industrial. A fragmentação de frases e repetição de termos são extremamente profundas quando colocadas nesse contexto sonoro e social. Eis o som de um trauma. Deixo também minhas menções honrosas: Fontaines D.C – A Hero’s Death; The Koreatown Oddity – Little Dominiques Nosebleed; Lianne La Havas – S/T; Destroyer – Have We Met; 100 gecs – 1000 gecs and The Tree of Clues; Cícero – Cosmos; e Dehd – Flower of Devotion.

Discos Favoritos: 1. Tantão e os Fita – Piorou / 2. Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo / 3.  Rina Sawayama – SAWAYAMA / 4. Charles Webster – Decision Time /  5. Shabason, Krgovich & Harris – Philadelphia

Vitor Evangelista

Já virou costume meu abrir as listas de fim de ano condecorando os trabalhos que não passaram do corte, então vamos lá. Depois de florescer, Troye Sivan se aventurou pelos sonhos. Lauv usou dos clichês para expressar com alívio sentimentos da solidão. Conan Gray saiu do ninho. E, do tédio do isolamento social, Charli XCX dedilhou inspirações fenomenais. Vocês se lembram do álbum sensual que Ariana Grande prometeu com seu lançamento de 2020? Pois bem, foi Kali Uchis quem o entregou. Sin Miedo liquidifica o lado sexy da cantora, brindando nossos ouvidos com uma parafernália de influências latinas, sem nunca deixar de lado sua assinatura classuda. la luz(Fín) já nasceu clássico.

Antes de pintar os cabelos de vermelho e se aventurar pelos sete mares, Halle teve tempo de nos hipnotizar ao lado da irmã Chloe no R&B mais possante do ano. A hora ímpia a que a dupla tanto se refere em Ungodly Hour é o melhor momento do dia. Elas são tão charmosas e inebriantes confessando um assassinato em Tipsy quanto implorando pela saída fácil de uma relação dolorosa em Don’t Make It Harder On Me. O quarteto britânico The 1975 deu adeus às estribeiras e, ao invés de lançarem um disco, o resultado final de Notes on a Conditional Form soa como uma playlist (mas sempre de muito bom gosto). Jesus Christ 2005 God Bless America e If You’re Too Shy (Let Me Know) concentram o suco do talento dos músicos. 

E não foram apenas as irmãs Bailey que merecem o Tocantins inteiro em 2020. As HAIM, instrumentalistas estudadas e artistas louváveis, liberaram Women in Music Pt. III cantando sobre namoros ruins, jornalistas mal intencionados e, o mais importante, sobre elas mesmas. O ano não nos entregou nada melhor que The Steps, música para ouvir com o fone no volume máximo e tocando bateria no ar. O pódio é reservado para a cantora com o melhor desempenho na hora de criar músicas-reflexo de sua própria alma. Phoebe Bridgers é mestre em transformar os anseios da depressão e do desconforto em canções espirituais, suas letras específicas crescem pela honestidade. Seu Punisher exorciza 2020. No fecho de I Know The End, Phoebe grita até os pulmões sangrarem, e, ao som de seu lamurio libertador, damos adeus junto dela.   

Discos favoritos: 1. Phoebe Bridgers – Punisher / 2. HAIM – Women in Music Pt. III / 3. The 1975 – Notes on a Conditional Form / 4. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ 

Leonardo Teixeira

A música salva – em 2020, mais do que nunca. Um dos grandes assuntos musicais do ano passado foi o revival da disco music (como se a dita cuja tivesse morrido algum dia). Dentre várias versões manjadas do som imortalizado por Donna Summer, Giorgio Moroder e Nile Rodgers, dois lançamentos se destacaram. O groove sensual da britânica Jessie Ware em What’s Your Pleasure?, e a veterana Róisín Murphy, com o desafiador e aventureiro Róisín Machine. Só por essas duas, o ano já estava ganho.

Mas teve muito mais coisa boa. Dar play em Set My Heart on Fire Immediately é ouvir o som do peito atordoado de Perfume Genius se rasgar todinho, uma das experiências imperdíveis do ano. Enquanto isso, Chloe x Halle mostraram que sabem a que vieram com o seu Ungodly Hour; o homônimo de Lianne La Havas foi pura perfeição acústica; me apaixonei por Bad Bunny, o maior, mais estiloso e prolífico nome da música latina atual; e Thundercat deu o nome com o soul/funk bem-humorado e cheio de experimentações de It Is What It Is.

Experiências mais curtas também ganharam meu coração em 2020. Os EPs de Christine and the Queens, Shygirl, Tkay Maidza e Troye Sivan foram grandes vitoriosos, enquanto CORPO SEM JUÍZO, a estreia da Jup do Bairro, injetou as doses cavalares de força que tanto precisei. O mantra “All you need is love/Tenho tanto pra te dar” deu o tom de um ano que começou esperançoso, desmoronou lá pelo terceiro mês, mas fechou bem, cheio de amor por aqui.

Discos favoritos: 1. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 2. Perfume Genius – Set My Heart on Fire Immediately / 3. Róisín Murphy – Róisín Machine / 4. Bad Bunny – YHLQMDLG / 5. Lianne La Havas – Lianne La Havas

Giovana Guarizo

Como uma boa selenator, eu não poderia deixar de exaltar o álbum da minha artista favorita. Depois de quatro anos, Selena Gomez finalmente lançou Rare, o qual eu não parei de ouvir o ano todo (é sério, todas as músicas do disco estão na minha retrospectiva do Spotify). Repleto de mensagens sobre autoconfiança, amor próprio e superação, foi um dos álbuns pop mais aclamados neste ano caótico. Apesar dela seguir o conceito de “raro” e ser a única a não divulgar um novo trabalho, no meu ano, ele fez sentido em momentos psicologicamente necessários. Mas, por incrível que pareça, Rare, na verdade, é o meu top 2. O top 1 só poderia ser de The Weeknd. Tudo vindo dele brilha, mas After Hours é, de longe, o melhor que ele já nos concedeu. Um CD que se difere por se inspirar nos anos 80, mas que não consegue largar o R&B atual. Sem contar que o cantor manteve um fantástico personagem desde o final de 2019, o qual perdura até agora. Uma era longa, mas que, com certeza, valeu a pena ser vivida. Abel Tesfaye trouxe o que eu precisava na sua penumbra musical. Na calada da noite, eu ouço Too Late sem parar.

Um artista que entregou tudo e se revelou ainda mais esse ano foi Joji. O eterno pink guy transferiu a autenticidade dos seus vídeos do Youtube para a música, e eu amei. O álbum Nectar reuniu 18 músicas impecáveis e que me viciaram logo de cara. Eu já não parava de ouvir o BALLADS 1, de 2018, e com o disco de 2020 tive a mesma reação. A loucura de Joji me anima e o novo CD é, sem dúvidas, uma experiência valiosa. O cantor japonês me dá altas expectativas e me deixa ansiosa para futuros projetos.

No cenário nacional, não teve como não me impactar com O líder em Movimento, do rapper BK’. A faixa Pessoas é a minha favorita, ouso dizer que a melhor do CD, e com o sample de Minha Gente de Erasmo Carlos ficou realmente difícil errar. O disco é um grito antirracista, necessário e que, definitivamente, me fez passar horas ouvindo essa aula. E, como de costume, não consegui passar o ano sem as sofrências. Dessa vez, de um jeito mais animado, com Barões da Pisadinha. Os baianos encantaram o Brasil e lançaram o DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo, o qual é cheio de sucessos. Foi praticamente impossível não dar ouvidos ao trabalho deles nas rádios ou no topo de qualquer plataforma de streaming. Uma dupla que tem muito pela frente e que, se depender de mim, o stream continua em 2021.

Discos favoritos: 1. The Weeknd – After Hours / 2. Selena Gomez – Rare / 3. Joji – Nectar / 4. BK’ – O líder em Movimento / 5. Barões da Pisadinha – DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo

Vitória Lopes Gomez

Pra sobreviver o filme de terror que foi o ano passado, só com uma boa trilha sonora, o que não faltou em 2020. Tentando organizar um pódio de álbuns, sofri por ter de deixar muitos de fora. Para começar, não consegui não coroar The 1975 em primeiro lugar, talvez por ser fã de longa data, talvez porque Notes on a Conditional Form é o álbum mais desafiador que tive o prazer de tentar entender. Passeando por gêneros e sonoridades, sem se preocupar com a coesão, a banda entrega uma bagunça, no melhor sentido: ao mostrar sua versatilidade, a cada faixa, The 1975 evoca e inspira uma emoção diferente, e torna cada play em Notes uma experiência única. O grupo inglês, ainda, foi a inspiração para o The Aces conceberem o meu segundo lugar, o Under My Influence. Misturando solos de guitarra e melodias pop dançantes como acompanhamento para retratar os problemas, as inseguranças e as belezas da juventude moderna, o álbum torna-se ainda mais pessoal ao ser cantado pela banda de mulheres LGBTQ+.

E no ano atípico (que provavelmente é a palavra mais falada em 2020), aproveitei para explorar novos gêneros, e me rendi ao folklore. Que Taylor Swift é uma força eu já sabia, mas mergulhar nas letras honestas e intensas escritas por ela me fez sentir de tudo um pouco e a ficha caiu. Quem explorou outros estilos também foi Machine Gun Kelly, de quem eu não era grande fã até ouvir seu novo trabalho, Tickets to My Downfall, que difere das produções antigas do rapper e ganha meu quarto lugar. O álbum traz letras descontraídas e outras brutalmente honestas, sempre embaladas por um divertido e estimulante pop punk, à la blink-182.

O meu quinto lugar (que só ficou nessa posição porque fiz um uni-duni-tê para elencar) vai para Cool Tape Vol. 3 do Jaden, que me fez querer dançar pela rua, me apaixonar e mudar o mundo, tudo ao mesmo tempo. Infelizmente, quarentenada em casa, tudo o que eu pude fazer foi balançar na sala ao som das batidas animadas e encarar o teto pensativa enquanto escutava o artista cantar sobre o amor. Ainda, em uma menção honrosa, lembro do EP In a Dream do Troye Sivan, que surtiu o mesmo efeito em mim. A torcida é para que, em 2021, as danças não fiquem restritas às nossas salas de estar.

Discos favoritos: 1. The 1975 – Notes on a Conditional Form  / 2. The Aces – Under My Influence / 3. Taylor Swift – folklore / 4. Machine Gun Kelly – Tickets to My Downfall / 5. Jaden – Cool Tape Vol. 3

Gabriel Gomes Santana

Há quem diga que 2020 foi o ano das trevas, mas o capeta também trouxe coisas boas. Os ‘cidadãos de bem’ que me desculpem, Power Up veio com tudo na primeira posição por ser um clássico! Sim, estou falando do disco de retorno de uma das maiores bandas de rock já existentes: AC/DC. Com treze faixas que farão você querer entrar em êxtase, os velhinhos Brian Johnson, Phil Rudd, Clif Williams, Angus e Steve Young ainda sabem como fazer uma “sonzera” como poucos! 

Na mesma pegada, James Hetfield nos relembrou o porquê de sua originalidade. O mais novo álbum, S&M2, reúne o que há de melhor entre harmonias completamente opostas: metal e música clássica. Em terceiro lugar neste ranking, Jorge e Mateus invadiram meu coração através do mais recente EP: T.E.P, mostrando que se o nosso coração estiver em paz,  não há o que se preocupar.

evermore de Taylor Swift foi essencial em 2020. Além de trazer um novo conceito artístico com o clipe willow, o álbum trouxe a confirmação que todos suspeitavam: Taylor é corinthiana. Só por isso, a artista já ganhou meu coração. Para fechar com a sensação de ser mais poderoso, esse top 5, com certeza, merece a participação de Avisa que é o Funk e do single Ilusão (Cracolândia). O MC Hariel fez um funk consciente sensacional e, por isso, encontrou espaço dentro da minha playlist de 2020. 

Discos favoritos: 1. AC/DC – Power Up / 2. Metallica – S&M2 / 3. Jorge e Mateus – T.E.P / 4. Taylor Swift – evermore / 5. MC Hariel – Avisa que é o Funk

Gabriel Leite Ferreira

Em 2020, o tempo para se dedicar a ouvir álbuns inteiros foi abundante. Afinal, passei a maior parte do ano em casa, no meu quarto. Logo no começo do ano, fui arrebatado por Fetch the Bolt Cutters, o 5º e mais aguardado disco de Fiona Apple. E ela segue ditando suas próprias regras: criou um álbum inegavelmente pop, mas com organicidade. Fetch é um organismo vivo, onde Fiona nos convida a adentrar como nunca fez antes.

Outra popstar que privilegiou o intimismo foi Charli XCX. Em um dos primeiros discos lançados durante a pandemia, ela contou com a ajuda de fãs através de chamadas pelo Zoom e construiu seu álbum mais vulnerável e mais barulhento. how i’m feeling now desvela outras camadas do som da britânica, adicionando ainda mais ruído ao pop hiperaçucarado. Piorou, novo disco do trio industrial/eletrônico Tantão e os Fita, também maximizou tendências extremas. O resultado? Um caldeirão de sons rascantes que evocam a velocidade brutal da vida mediada pelas redes sociais em meio ao caos do governo Bolsonaro. Tudo isso sem perder o groove e a irreverência. Um feito para poucos.

40º.40, estreia do rapper carioca SD9, evidencia os contrastes por vezes mortais da vida à margem da sociedade: crime e sexo, bailes funk e operações policiais, sol quente e sangue frio. Além da destreza lírica, impressiona a versatilidade do MC, que se sai muito bem tanto em canções de temática mais tradicional ao rap, como a faixa-título e Números, quanto em faixas que se aproximam do funk proibidão. Por último, uma surpresa: Guerrilla, do produtor angolano Nazar, é uma simulação da atmosfera da guerra pela independência da Angola, atravessada pela esperança de um futuro melhor. Indicado especialmente para fãs de Burial.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 2. SD9 – 40º.40 / 3. Tantão e os Fita – Piorou / 4. Charli XCX – how i’m feeling now / 5. Nazar – Guerilla

Giovanne Ramos

A seleção de um top 5 de melhores discos de 2020 não foi uma tarefa fácil. Foi um ano de muitas descobertas musicais, a quarentena proporcionou isso, a música foi uma terapia e uma grande aliada para enfrentar esse ano controverso. Entre as pérolas que conheci nesse período, quero dar um destaque para Moses Sumney. Sucessor de Aromanticism de 2017, encontrei em Græ conforto e uma certa identificação entre as 20 faixas divididas em álbum duplo. Num tom existencialista, Moses dá voz – e que voz! –  às suas poesias líricas, que envolvem temas como isolamento, incertezas e angústias, embaladas numa harmonia vocal dos deuses.

Falando em harmonia dos deuses, outro destaque bastante positivo esse ano foi da dupla Chloe x Halle. Já as conhecia da série Grown-ish, mas vê-las brilhar em 2020 com um dos álbuns mais aclamados do ano foi uma surpresa incrível. Seguindo o caminho sonoro da madrinha Beyoncé, a dupla entregou em Ungodly Hour um trabalho maduro, sensual, romântico e empoderador – sem falar da estética encantadora das performances. O ano também foi espetacular para Rina Sawayama e seu álbum de estreia, SAWAYAMA. A nipo-britânica criou uma atmosfera alucinógena em 13 faixas regadas a um metal–pop, perfeito para momentos de descontração e para esquecer, por instantes, a trágica pandemia.

Fora da língua inglesa, deixei um espacinho para bajular duas das minhas artistas preferidas: LOONA e Ludmilla. Em 2018, o álbum de estreia do grupo sul-coreano figurou na minha lista de melhores discos do ano, e aqui estão de volta com o 12:00. Dois anos se passaram, mas a qualidade lírica e experimental do grupo continua. Ludmilla, conhecida pelos seus trabalhos no funk e no pop-melody, entregou o prometido e tão aguardado Numanice. O álbum de pagode, além de explorar a versatilidade da Lud como artista, ressaltou também o seu vocal em ritmos contagiosos à moda brasileira.

Discos Favoritos: 1. Moses Sumney – græ / 2. Ludmilla – Numanice / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Rina Sawayama – SAWAYAMA / 5. LOONA – [12:00]

Carlos Botelho

2020 ficará marcado em nossas memórias como um dos anos mais conturbados da história recente. Porém, deixando a pandemia e seus desdobramentos caóticos a parte, foi um dos anos mais frutíferos para o cenário musical. Um dos grandes assuntos pertinentes ao tema foi, sem dúvidas, a influência da disco music nos lançamentos pop. Desta onda, destaco o excelente What’s Your Pleasure? de Jessie Ware. A cantora britânica deu uma verdadeira aula de como trabalhar referências de décadas passadas para criar o próprio universo sonoro.

Todavia, o ano não se resumiu a globos espelhados e pistas de dança. As mulheres empunhando guitarras, contrabaixos, e incorporando até latidos fizeram do rock sua plataforma criativa e reinventaram o mais transgressor dos ritmos. Fiona Apple nos presenteou com seu Fetch The Bolt Cutters, trabalho singular no qual a artista trata com crueza e verdade temas como traumas do passado, relacionamentos desastrosos e feminismo. O álbum, gravado inteiramente em sua casa, se destaca pela riqueza instrumental e pela adição de ruídos cotidianos. Não é à toa que a sinfonia doméstica de Fiona encabeçou grande parte das listas de fim de ano, um disco que já nasceu clássico.

Outro grande destaque foi o segundo álbum de estúdio da roqueira Phoebe Bridgers. Em Punisher, a artista elevou ainda mais o domínio de suas baladas apocalípticas, com letras e arranjos de complexidade milimetricamente calculados. Adrienne Lenker, do Big Thief, capturou na dobradinha songs / instrumentals o inverno da alma, em um registro marcado pela atmosfera acústica que nos transporta diretamente para uma cabana gelada de um bosque inóspito. E, por fim, as irmãs do HAIM lançaram seu terceiro e mais afiado disco até o momento, Women In Music Pt. III. Reunindo referências que transcendem ritmos e décadas, as meninas usaram toda sua bagagem musical para falar de experiências traumáticas, depressão e misoginia na indústria musical. O disco, que se tornou meu companheiro no último mês do ano, se encerra leve com Summer Girl, provando que sempre teremos um verão de amores ensolarados por vir.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch The Bolt Cutters / 2. Phoebe Bridgers – Punisher / 3. HAIM – Women In Music Pt. III / 4. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 5. Adrienne Lenker – songs e instrumentals

João Batista Signorelli

Olhar para dentro de si e buscar alguma alegria em meio ao caos foram desafios do ano de 2020, e a música, de alguma maneira, foi um reflexo para essas e outras questões. Muitos lançamentos do último ano combinaram com a solidão de estar em casa sozinho consigo mesmo: às vezes sendo só uma voz chorosa com um violão, outras com sons improvisados de panelas e latidos de cachorros no quintal. 

Fiona Apple nos presenteou com o estrondoso Fetch the Bolt Cutters, que, apesar de não ter sido gravado durante a pandemia, é uma apogeu da música “feita em casa”. Seguindo um caminho mais introspectivo, Adrianne Lenker se destaca com uma delicadíssima coleção de canções em songs. Mas o provável título de álbum do ano vai para Laura Marling com o arrebatador Song for Our Daughter, que explora questões difíceis da maternidade, e que rouba alguma lágrimas nesse caminho. 

Mas seria fácil querer resumir o ano a uma playlist de música deprê e ignorar que alguns discos nos salvaram do buraco trazendo um pouco de alegria à vida. Depois de alguns lançamentos mornos, a banda virtual mais amada da música voltou com uma inesgotável fonte de energia que é Song Machine, Season One: Strange Timez. E Jacob Collier retorna a sua megalomania pop de harmonias complexas e pirações musicais em Djesse Vol. 3. Sem esquecer de Shore, de Fleet Foxes, que fica por aqui como menção honrosa, e que é otimista da maneira mais terapêutica possível para quem sobreviveu a um ano tão turbulento. 

Discos favoritos: 1. Laura Marling – Song for Our Daughter / 2. Adrianne Lenker – songs / 3. Gorillaz – Song Machine, Season One: Strange Timez / 4. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 5. Jacob Collier – Djesse Vol. 3

Marina Ferreira

2020, com todos os seus períodos de tensão e silêncio, me fez olhar com ainda mais carinho para o valor da  música brasileira. Por isso, foi fácil até demais escolher o meu top 5 de melhores do ano, misturando obras do tão distante período pré-quarentena e as produções do surto de criatividade pandêmico. Em quinto lugar, lançado em janeiro de 2020, o álbum coletivo Acorda Amor, que regravou clássicos da música nacional de forma afetiva e nas maiores vozes da nova geração, como Liniker, Xênia França, Letrux, Maria Gadú e Luedji Luna. O quarto lugar fica com o EP Baile de Máscara, de Luana Carvalho. Visitando a temática carnavalesca e prestando uma linda homenagem à sua mãe – a lendária Beth Carvalho – Luana reinventa o samba e traz versões modernas de canções atemporais. 

O terceiro lugar da lista vai para o pré-pandêmico Letrux Aos Prantos, que, na época, não sabia, mas se transformaria na perfeita trilha sonora da quarentena e do Brasil quase distópico de 2020, como nas canções Eu Estou aos Prantos e Dorme com Essa. No ano marcado pela feiura, na arte, prevaleceu a beleza, e o disco de estreia de Francisco Gil, ou somente Fran, é o perfeito exemplo de como as coisas ainda podem ser bonitas. Trazendo a Bahia, os orixás e a mistura deliciosa de seu axé acústico, raiz se firma como um dos melhores do ano, e mostra que o talento corre solto pela família Gil, levando o segundo lugar do top 5. 

Para o primeiro lugar da lista, não poderia haver outro que não Assim Tocam os MEUS TAMBORES, de Marcelo D2. Produzido inteiramente em lives da Twitch, com parcerias de outros rappers e cantores, ATOMT é o disco que melhor traduz a situação política e social do Brasil. As músicas dão voz à insegurança da pandemia, aos absurdos raciais, à revolta e à insatisfação do povo para com o governo, e à fagulha de esperança para um amanhã melhor. É um álbum político, mas também uma declaração de amor e fé. Além dos citados, deixo menções honrosas ao coletivo Replay – Acabou Chorare e Bom Mesmo é Estar Debaixo D’Água, de Luedji Luna. 

Discos Favoritos: 1. Marcelo D2 – Assim Tocam os MEUS TAMBORES / 2. Fran – raiz / 3. Letrux – Letrux Aos Prantos / 4. Luana Carvalho – Baile de Máscara / 5. Vários Intérpretes – Acorda Amor

Ana Júlia Trevisan

Cresci ouvindo grandes nomes da música nacional, e me sinto privilegiada quando um lançamento desses ícones, que me acompanham a tanto tempo, consegue me arrebatar. Por isso, não tinha como não dar o primeiríssimo lugar à Adriana Calcanhotto. Margem, Finda a Viagem chegou às plataformas digitais em novembro, já nos fazendo embarcar junto a ela. A forma como Calcanhotto guia a viagem marítima através das canções deixou o gosto de, talvez, essa ter sido a minha única grande viagem de 2020. E, se Adriana Calcanhotto nos colocou no mar, Luedji Luna mostrou que Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água. O novo álbum da cantora é emoção e sentimento à flor da pele do começo ao fim, tornando-se ainda mais forte com a participação da escritora Conceição Evaristo recitando um poema na faixa Ain’t Got No.

Hoje, muitos bebem da fonte daqueles que construíram a nossa MPB há 60 anos. Referenciar as maiores obras da nossa música é, quase sempre, um tiro no escuro por tamanha importância delas. Talento e respeito são as chaves principais para uma grande homenagem, e isso não faltou no Replay – Acabou Chorare. Contando com variados nomes da nova MPB, a regravação abrilhantou ainda mais músicas que tem um gosto tão atual, e, acima disso, manteve total respeito aos grandiosos Novos Baianos. Essa importância do legado é algo cotidiano na família Gil, que está aí para mostrar que “quem sai aos seus não degenera”. Além de termos os Gilsons presente no Replay e o Bem Gil no instrumental de Margem, 2020 foi o ano de Francisco Gil, neto de Gilberto, deixar sua marca na música com o álbum raiz. O disco, com a temática ancestralidade, tem canções reflexivas trazendo muito axé.

Preciso ser justa nesta lista e também citar o pop internacional. Poderia fazer um  ranking apenas com grandes lançamentos que passei horas ouvindo esse ano, como o de Lady Gaga, Jessie Ware e Miley Cyrus. Mas, merecidamente, reservei o último lugar do meu top 5 para a loirinha. 2020 foi o ano de Taylor Swift servir ao mundo do pop com dois lançamentos em apenas 5 meses. Minha menção honrosa vai para folklore, ele é, sem dúvidas, o álbum que eu esperava após o Reputation. Não que o Lover seja ruim, pelo contrário, mas o salto de eras feito por Taylor não foi nada parecido com o que eu imaginava para o futuro, me deixando à espera de algo mais monocromático como vemos  nas composições e produção de folklore.

Discos favoritos: 1. Adriana Calcanhotto – Margem, Finda a Viagem / 2. Luedji Luna – Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água / 3. Vários intérpretes – Replay – Acabou Chorare  / 4. Fran – raiz / 5. Taylor Swift – folklore

Egberto Santana Nunes

Perdoem o clichê, vocês já sabem. Ano pandêmico. Foi complicado, foi difícil. O que abraçar artisticamente quando o real já não está em paz com a gente? Os toques são proibidos e o mundo nos ataca. Como a música, aquilo que apenas escutamos (de certo modo o único sentido longe dos protocolos), vai nos confortar nesse apocalipse? A resposta encontrada aqui foi na criação ou afirmação de mundos, um elemento de destaque nos selecionados do meu ano musical.

BRIME!, 40º.40 e Fundamento ressignificaram, criaram e posicionaram universos através do contato com o local ou com o estrangeiro. A influência londrina acelerada do grime encontra a correria perseverante das quebradas paulistas e cariocas. Fundamento cria um universo mais localizado. Se o caldo de Febem, Fleezus, CESRV e SD9 atravessam pontes, Marabu faz uma viagem pelo baile de funk, pelas vias estreitas da periferia, onde as vozes se misturam com o grave, com o batuque do tambor de funk e o esquenta da moto. 

Depois da correria e da canseira do embalo do baile, há o respiro, a volta para casa. Vem a ligação ancestral, espiritual, leve e calma do violão de Olorum, do baiano Mateus Aleluia, ex-membro do finado grupo de afroxé Os Tincõas. E, na saída do respiro, neste mundo que aprisiona, atira e machuca, que venha o gutural e experimental eletrônico de Tantão e os Fita, em Piorou. Talvez a liberdade do grito radical atravessado pelos distorcidos eletrônicos riscados desse disco seja a sensação que mais representou o ano de todos nós. E, agora, em 2021, “vai piorar a qualquer hora”.

Discos favoritos: 1. Febem, Fleezus e CESRV – BRIME! / 2. SD9 –  40º.40 / 3. Marabu – FUNDAMENTO / 4. Mateus Aleluia – Olorum / 5. Tantão e os Fita – Piorou

Fellipe Gualberto

Nenhum álbum é melhor para iniciar a lista de obras que se destacaram em 2020 do que how I’m feeling now, que foi uma genuína experiência da quarentena e a expressão sonora do que se passou ao longo desse ano. O álbum de Charli XCX foi feito de maneira colaborativa em lives e chamadas de vídeos com os fãs, a temática é o isolamento causado pela pandemia. 

Longe dos Estados Unidos, Pabllo Vittar entregou o melhor de brasilidade do começo ao fim em 111 Deluxe. Seja abrindo espaço para artistas ainda não tão conhecidos, como em Tímida com A Travestis, ou em músicas novas, como o forró-pop de Eu Vou, Pabllo não erra em nada e consegue elevar ritmos nacionais a nível mundial. Já na Coreia do Sul, BLACKPINK lançou The Album, que passeia por diversos ritmos entregando um pop de qualidade para derrubar qualquer preconceito que alguém pode ter com produções musicais sul-coreanas.

Ainda no pop, um dos destaques do ano sem dúvida foi Future Nostalgia, Dua Lipa inicia seu álbum com uma faixa homônima que funciona como um manifesto de toda sua arte. Usando de referências aos anos 90 (que pasmem, já se foram a 3 décadas), a cantora traz de volta o que nem sabíamos que tínhamos saudade de forma sincera. Por último, o retorno de Lady Gaga com Chromatica chamou a atenção, com participações de Ariana Grande e BLACKPINK, a cantora fala sobre transtornos psicológicos, cria um universo ficcional e entrega interlúdios que te envolvem ainda mais no álbum.

Discos favoritos: 1. Dua Lipa – Future Nostalgia / 2. Pabllo Vittar – 111 DELUXE / 3. Lady Gaga – Chromatica / 4. BLACKPINK – The Album / 5. Charli XCX – how i’m feeling now

Caio Savedra

Para lançamentos musicais, sem dúvidas, 2020 foi um ano bom (e talvez apenas nesse quesito). Com a quarentena, diversos artistas tiveram seus trabalhos reduzidos a fim de evitar aglomerações como em turnês e, assim, puderam focar em lançar músicas. Um exemplo disso é Pabllo Vittar, que apenas nesse ano lançou dois álbuns (um com metade de inéditas e outro com remixes que abrasileiraram ainda mais as faixas); ou então Charli XCX, que criou e lançou um disco inteiro no que chamamos primeira temporada da quarentena. Não faltam exemplos de artistas que aproveitaram o tempo em casa para nos entregarem excelentes materiais.

Trabalhos grandiosos foram lançados, Dua Lipa, que teve sua divulgação interrompida pela pandemia, entregou um trabalho muito mais coeso que seu álbum de estreia e, sem precisar encher de fillers e músicas externas em versões exclusivas do CD (pelo menos até agora), conseguiu se estabelecer como um dos grandes nomes do ano. Kali Uchis marcou sua carreira com um manifesto em forma de álbum em espanhol através do Sin Medo, deixando seu público estadunidense se mordendo de raiva e abraçando suas origens latinas. Little Mix entregou o que viria a ser o seu último álbum com sua formação original, e que também se consolidou como um marco em sua carreira após se livrarem de Simon Cowell, que as acompanhava desde o The X Factor, em 2011.

A música, sem dúvidas, ganhou mais importância na vida de inúmeras pessoas, assim como na minha, e as principais obras que me acompanharam durante esse nada fácil ano se tornaram mais do que apenas meus álbuns preferidos lançados em 2020. Cultivo um carinho muito grande por todos os citados e pelas experiências que me proporcionaram. Menções honrosas: Lady Gaga – Chromatica, Troye Sivan – In a Dream, Ebony – Condessa e Jessie Ware –  What’s Your Pleasure?.

Discos favoritos: 1. Chloe x Halle – Ungodly Hour/ 2.  Dua Lipa – Future Nostalgia / 3. Pabllo Vittar – 111 / 4. Little Mix – Confetti / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞

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Marina Ferreira

“Acho que você nasce no Brasil, você tem que ouvir Acabou Chorare”. É com essa frase certeira e carregada de brilho no olho que Letrux abre o décimo vídeo da série Replay, traduzindo em pouquíssimas palavras a grandiosidade do álbum que é, até hoje, considerado pela revista Rolling Stones como o maior disco brasileiro de todos os tempos. Com um título dessa importância, é natural que Acabou Chorare, o clássico dos Novos Baianos de 1972, seja também um dos maiores influenciadores daqueles que trazem consigo a missão de manter viva a MPB, ou como recentemente intitulada, Nova MPB.

É justamente em nome dessa missão, e de mãos dadas com esses representantes da nova geração de artistas brasileiros, que a Som Livre em parceria com a Barry Company decidiu que seria uma boa hora para reviver o clássico e dar novas vozes a canções atemporais. Canções essas que atravessaram gerações e deixaram sua marca na memória brasileira, afinal, quem nunca se pegou cantarolando Preta Pretinha? 

Por sua riqueza sonora e coragem de explorar novos caminhos, Acabou Chorare pode ser interpretado não somente da forma como foi gravado, mas também imaginado a partir de todos os caminhos que poderiam ser seguidos em cada faixa. E isso permitiu ao diretor José Francisco Tapajós, responsável pelo projeto, a ousadia em escolher os artistas que levariam em frente esse legado, passeando pelo rock, reggae, pop, samba e até mesmo a percussão afro-beat. Graças a essa mistura, o resultado entregue foi nada menos que um clássico parte dois, um Acabou Chorare para a geração que vem por aí. 

A faixa de abertura, Brasil Pandeiro, foi entregue à banda Francisco El Hombre, conhecida por suas misturas de ritmos, entre os tipicamente brasileiros, as guitarras do rock n’ roll e as sonoridades mexicanas trazidas pelos irmãos Sebástian e Mateo Piracés Ugarte. A música, um samba composto nos anos 40 para exaltar o povo brasileiro na voz de Carmen Miranda e posteriormente gravada pelos baianos, ganha novas cores e ritmos nas vozes de Juliana Strassacapa e os irmãos Ugarte, e na guitarra excelente de Andrei Martinez Kozyreff. O quarteto brincou com os timbres e os tempos de letra e melodia, levou sua sonoridade característica e transformou Brasil Pandeiro em uma canção ainda mais viva, capaz de animar uma pista de dança sem nenhuma dificuldade, imprimindo a qualidade já vista em seus trabalhos anteriores. 

E quem poderia imaginar Preta Pretinha em reggae? Pois José Francisco Tapajós imaginou e tomou uma decisão acertadíssima ao trazer a banda mineira Onze:20 pra regravar aquela que é talvez a canção mais conhecida do Acabou Chorare. Na voz um tanto rouca de Vitin, o vocalista do grupo, a guitarra afinada de Chris Baumgratz e sem perder o ritmo característico do gênero, a canção mantém sua essência. É possível distinguir ali todos os traços de Onze:20 e dos Novos Baianos, uma mistura nada impossível, que brinca novamente com sonoridades que muito bem poderiam terem sido escolhidas pelos baianos no Cantinho do Vovô e abre a possibilidade para imaginar outros clássicos traduzidos para o ritmo. Como seria Panis Et Circenses em reggae? Talvez um dia tenhamos uma resposta. 

A terceira faixa do álbum é Tinindo Trincando, a psicodelia aflorada dos baianos e ninguém melhor que Céu para repaginar a canção. A cantora, que ano passado foi considerada a mais influente de sua geração, bebe de diversas fontes para o update, trazendo sintetizadores e batidas da música afro eletrônica, com inspirações nos anos oitenta e destaca a voz da cantora, tão marcante quanto a de Baby do Brasil, uma das referências para Céu. Novamente, é possível encontrar os pontos da personalidade do artista convidado e as claras referências à versão original, cumprindo assim um dos maiores desafios das regravações: o respeito com o clássico e a criação do novo. 

“Essa magia que envolve os Novos Baianos representa um Brasil”.  

Em Swing de Campo Grande, ninguém melhor que os novos e populares Gilsons para reler e reinterpretar a canção alegre e dançante. O trio formado por José, João e  Francisco Gil, respectivamente filho e netos de Gilberto Gil, traz sua identidade para a música, levando o Campo Grande diretamente para a beira do mar num fim de tarde de música e sol. Com suas vozes suaves e instrumentos de sopro e percussão, saímos do Cantinho do Vovô em Jacarepaguá e pegamos a estrada em direção à Salvador, imaginando o que teria sido da canção caso tivesse surgido em clima praiano. Em mais uma das muitas escolhas acertadas Replay, Gilsons reafirma qualidade, tanto no vocal quanto instrumental, e imprime sua personalidade em uma das melhores versões do disco.

“Acabou chorare”, foi o que Bebel Gilberto disse para seus pais, João Gilberto e Miúcha, ao cair e começar a chorar. Misturando o português e o espanhol, resultado de ter sido educada nas duas línguas, a criança surpreendeu os dois adultos e serviu de inspiração para Luiz Galvão e Moraes Moreira nomearem o álbum e escreverem a música, tão suavemente cantada em sua versão original e lindamente regravada por Maria Gadú, que manteve a delicadeza da canção ao mesmo tempo em que ousou em batidas mais fortes. Seu fiel violão aparece na companhia de um baixo e guitarra, sendo acompanhamentos perfeitos para a voz um tanto chorosa de Gadú, emocionada pela morte recente de Moraes Moreira. A forma como a faixa foi reinterpretada é o encerramento perfeito para o lado A do disco, que mesmo em sua versão digital não deve ser ouvido como uma coisa só, e abre caminho para o lado B, tão surpreendente quanto seu antecessor. 

Encarando de frente o desafio de abrir o lado B do disco, a sanfona de Marcelo Jeneci e a maior transição de sonoridades do Replay marca a canção Mistério do Planeta, muito bem conduzida em sua versão adaptada ao mundo pandêmico e cada vez mais misterioso. Com elementos referentes ao funk, sobreposições de vozes e efeitos alusivos à viagem planetária da canção, Jeneci traduz os diversos sentimentos da letra para a melodia e desperta uma curiosidade em imaginar Paulinho Boca de Cantor interpretando a versão ousada de sua canção mais marcante do disco. 

Por falar em ousadia, que parece ser a palavra mais usada para definir o Replay, somos guiados para a sétima faixa do álbum e que surpresa é ouvir sons eletrônicos e a voz suave de Xênia França conduzindo uma versão mais lenta de A Menina Dança, clássico que nos acostumamos a ouvir na vozes de Baby e Marisa Monte. A surpresa logo abre espaço para a felicidade e nos três minutos e dezoito segundos de duração, Xênia nos envolve em seu ritmo e encanta com seu sotaque que parece saborear a letra, reafirmando que existe mais de um jeito certo para interpretar a canção. 

O samba chega no Replay Acabou Chorare através de João Cavalcanti, o ex-vocalista do grupo Casuarina, que trouxe a alegria de Besta é Tu, mantendo sua identidade musical nos instrumentos e preservando elementos fundamentais da versão original, como a divisão dos versos e o tempo bem pontuado. Não satisfeito com uma belíssima homenagem ao regravar a canção com tanto respeito, João acrescentou no final uma citação sua, um agradecimento aos baianos que tanto influenciaram a música brasileira. Um agradecimento escrito por ele, mas que poderia ter sido escrito por qualquer um de nós. 

“Pois besta é tu que pensa que eu não posso ser baiano só porque eu nasci no Rio. Pois eu sou um novíssimo baiano há muito tempo e só sou o que sou por causa de Moraes, Baby, Pepeu, Paulinho, Dadi e Galvão.”

O solo de cavaquinho tocado por Jorginho em Um Bilhete para Didi ganha não apenas uma nova interpretação no Replay, mas nova roupa e personalidade, com a percussão baiana do grupo Afrocidade repaginando completamente a canção. Um instrumental poderia facilmente se tornar irreconhecível ao ser tocado de outra forma, mas não foi o que aconteceu na nova versão, pois para o bom ouvinte do Acabou Chorare, é possível reconhecer cada nova fase da música, que passa por diversas transições em seu caminho e marca o começo do fim do disco. 

A faixa final ficou a cargo de Letrux e Iolly Amâncio, duas vozes que se encontram na reprise de Preta Pretinha e se completam em suas diferenças e similaridades. Na canção, é possível distinguir elementos trazidos por cada uma, como os sintetizadores de Letrux e a batida forte de Iolly, assim como conseguimos distinguir o que vem diretamente dos baianos. Há um quê de saudade na forma como “abre a porta e a janela” é cantada na canção e a mudança repentina para o funk surpreende para deixar um sorriso no rosto, de coração feliz por mais versão excelente, que encerra o disco com o gostinho de quero mais, já conhecido da versão original de Acabou Chorare. 

Como disse Elis Regina em Imagem, “mais que nunca, é preciso cantar o que é nosso”. Em tempos de crise como os que vivemos, é fundamental mantermos vivos os grandes ícones que forjaram o que nós entendemos atualmente como a música brasileira. Não somente a dita MPB, mas a música feita no país, que traduz a nossa cultura, nossos valores e a nossa história.

Acabou Chorare é um desses grandes representantes do que é nosso e ao reinterpretar o disco de forma tão genial, atual e acima de tudo respeitosa à versão original, o projeto Replay afirma sua importância nesse cenário, abrindo espaço para novas reinterpretações que poderão ajudar nessa luta para manter vivo o que temos de mais precioso no nosso Brasil: a nossa cultura. 

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Marina Ferreira

O instrumental misterioso, de um crescendo de guitarras e sintetizadores, com um quê de bateria ao fundo nos coloca sentados na plateia do teatro vazio, de olhos fixos no palco, na expectativa pulsante do abrir das cortinas para o espetáculo audiovisual, personificado na figura mística e quase mítica de Ney Matogrosso. Ele surge sob um único holofote, sua silhueta é viva e dançante em frente à um painel de luzes hipnóticas, vestindo seu figurino dourado e nada convencional e seu olhar faminto em busca de seu público, enquanto outras tantas luzes iluminam o palco e sua banda. 

Essa poderia ser apenas uma descrição de visões criadas ao apertar o play do trabalho mais recente do cantor. Mas é de fato a primeira imagem que nos surge ao nos depararmos com o registro visual da grande obra de Ney, Bloco na Rua, que lhe rendeu a indicação ao Grammy Latino 2020 na categoria Melhor Álbum de Música Popular Brasileira. 

Para começarmos a entender o que é Bloco na Rua, em sua essência, devemos partir do fato de não ser um álbum de estúdio e sim o registro fonográfico da turnê homônima. Gravado em moldes pandêmicos antes mesmo da possibilidade de uma pandemia, a  apresentação aconteceu somente para as câmeras bem guiadas do diretor Felipe Nepomuceno, sem público. 

Diferente de álbuns que podem ser pensados por conceitos muito pessoais do artista, um show é sempre projetado com o objetivo de transmitir uma mensagem, contar uma história e entreter seu público, prendendo-o na trama de uma hora e tantos minutos e deixando-o sem fôlego até o último segundo da última canção. Isso, Ney Matogrosso faz com excelência e ao lado de sua fiel banda, que acompanhou-o na bem sucedida turnê Atento aos Sinais, encerrada em 2018 e concedeu à parceria o entrosamento necessário para criar e conduzir o novo (e genial!) trabalho. 

No álbum, Ney optou por vestir o rock n’ roll e ousar na escolha do repertório, que caminhou de Sérgio Sampaio a Chico Buarque, com algumas paradinhas em Rita Lee, Paralamas do Sucesso e Raul Seixas. Também trouxe uma canção inédita de Dan Nakawaga e mergulhou em clássicos da própria história, revisitando Secos e Molhados. Com tantas performances excelentes, dignas de elogios e debates, vale passear pelas mais marcantes do repertório. 

Desde os primeiros segundos da canção de abertura Eu Quero É Botar Meu Bloco na Rua é possível sentir que esse não será apenas um show, um álbum ou um registro qualquer e sim um grito de alerta que diz com todas as letras: a música e a cultura brasileira resistem. Não à toa, foi escolhida como título do álbum. 

A música, composta e gravada originalmente por Sérgio Sampaio em 1972, foi censurada pela ditadura militar, entendida como subversiva e perigosa ao regime por incentivar a movimentação popular. Na voz de Ney Matogrosso, libera da garganta a agonia de um país onde a cultura caiu em um buraco negro e acentuadamente, volta à Idade Média, como disse o cantor em entrevista após o lançamento do disco.

Costurando seu ode à resistência, liberdade e a beleza que há na coragem, o espetáculo segue na irreverência de Jardins da Babilônia, pois não há como falar desses elementos sem cantar Rita Lee. Com um dançante Ney girando no palco, entre as guitarras fortes e o instrumental que nos remetem diretamente à versão original, recebemos mais uma evidência de como o cantor está tão jovem aos 78 quanto estava aos 30, quando integrava o conjunto Secos e Molhados e arrebatava o Brasil com suas performances ousadas e muito a frente de seu tempo. A sequência se dá com três grandiosas escolhas do cantor: O Beco, do Paralamas do Sucesso, Alcool (Bolero Filosófico) da DJ Dolores e Já Sei, composição de Alice Ruiz e Itamar Assumpção. Três canções inusitadas e de performances surpreendentes e fortes, que as classificam como pontos altos do disco. 

Agora, tomo a liberdade para abrir um parágrafo dedicado à uma única música, que em minha opinião pessoal se define como a performance mais arrebatadora do álbum, em concorrência acirrada com Tem Gente Com Fome e Coração Civil. É preciso falar sobre Pavão Mysteriozo. Conhecida popularmente por um dos instrumentais mais belos da música brasileira e interpretada em sua versão original por Ednardo, a música é trazida para o show com a força da percussão de Felipe Roseno e Marcus Suzano, e os metais apoteóticos de Aquiles e Everson Moraes. Nela, a voz de Ney se delicia com a letra que parece ter sido escrita especialmente para sua interpretação e timbre particular. Durante toda a performance, é impossível desviar os olhos do cantor, que se entrega de corpo e alma à música e o sorriso em sua voz nos deixa na boca o gosto da esperança em voar. 

Continuando pela excelência do repertório, temos versões com o selo Ney Matogrosso de qualidade, como é o caso de A Maçã, Yolanda, Corista de Rock e Já Que Tem Que, antes de chegarmos à inédita do álbum, Inominável, de Dan Nakawaga, composta para a voz do cantor. Próximo ao fim, nos vemos presenteados com dois grandes clássicos da carreira de Ney Matogrosso junto ao Secos e Molhados: Mulher Barriguda e Sangue Latino. 

Em versões mais combativas do que as originais, e na pegada rock n’ roll que definiu o tom de todo o álbum, as duas canções ganham ainda mais força ao serem trazidas para o Brasil de agora, convocando a juventude a continuar entoando com orgulho. “Minha vida, meus mortos, meus caminhos tortos, meu sangue latino”. 

A escolhida para finalizar o álbum foi a romântica Como 2 e 2, composição brilhante de Caetano Veloso eternizada na voz de Gal Costa, em duas partes atemporais do disco Fa-Tal – Gal a Todo Vapor. Na interpretação de Ney, a melancolia se apossa da voz e do ritmo, trazendo uma nova história de amor, tão diferente da contada em 1971 em sua gravação original.

Bloco na Rua deixa ainda mais nítida a capacidade do artista de inovar e se reinventar a cada novo projeto, dando novas roupagens e significados a clássicos do país, levando-nos a entender de uma vez por todas porque está há quase 50 anos na estrada. Como um camaleão, ele é capaz de deixar sua marca em ícones atemporais da nossa canção, trazendo sua identidade mesmo que passe por uma transformação a cada nova era. Dessa forma, Ney Matogrosso prova sua relevância indiscutível e se reafirma, na era dos sucessos rápidos, como um dos maiores ícones da música popular brasileira. 

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Marina Ferreira

A cabeça cheia de bebidas e problemas, a vibração sensual da noite e as luzes rápidas refletidas no globo espelhado do teto de alguma boate decadente do Centro do Rio de Janeiro (ou de qualquer outro centro decadente de qualquer outra cidade do mundo). É essa a visão e o sabor que o Letrux em Noite de Climão deixou ao se encerrar após 2 anos de uma era bem sucedida que lançou Letícia Novaes em sua carreira solo, após 9 anos de parceria com Lucas Vasconcellos no duo Letuce. O sentimento de confusão explosiva e embriaguez desvairada parece reger esse primeiro trabalho, assim como se apresenta de ponto de partida para o seu sucessor, Letrux Aos Prantos. Nos levando à uma espiral de sensações remetentes à uma belíssima ressaca física e moral dividida em lado A e lado B, o álbum é um dos indicados à categoria de Melhor Álbum de Rock ou de Música Alternativa em Língua Portuguesa no Grammy Latino 2020. 

A dor de cabeça, a sensibilidade à luz, o desconforto na boca do estômago e o questionamento do que aconteceu na noite passada parece se iniciar logo na primeira faixa Déjá-Vú Frenesi, que abre as portas para o tom melancólico e muito mais agoniado que seu antecessor, embora estabeleça uma atmosfera dançante para o lado A. Em seus quase cinco minutos de música, Letrux parece refletir caminhos, colocar na balança os acontecimentos que a trouxeram até aquele momento e em sua sonoridade barulhenta de guitarras fortes, como uma queda livre para dentro da cabeça da artista, repete inúmeras vezes “viver é um frenesi”. E isso ela comprova nas faixas seguintes.

O coração partido e ainda não remendado que deu seu ar da graça em alguns momentos do Climão também dá as caras em Aos Prantos, na canção Dorme com Essa. A letra fala de um amor recente, que ainda lhe faria engasgar caso o visse na rua. Alguém que ela ainda não está pronta para encarar ou superar. A propósito, o amor e a sensualidade também estão presentes no disco, nas canções Fora da Foda e Contanto Até Que, de ritmos que já podem ser entendidos como a identidade sonora de Letrux e que de forma debochada e divertida falam sobre relacionamentos, provocações e reviravoltas.

Em Letrux Aos Prantos, o disco pisciano da capricorniana com ascendente em virgem, é fácil entender a linha de raciocínio seguida por Letícia, que já afirmou ter sentido a necessidade de “olhar pra dentro” ao criar seu segundo trabalho. O disco é um reflexo de toda uma geração que fez seus planos de vida e criou expectativas durante tempos políticos mais favoráveis e que agora se percebe sem condições de transformar esses planos em realidade. Na canção Estou aos prantos, a quarto do álbum, conseguimos sentir exatamente as insatisfações de quem canta “Não dá pra ter bebê/ Não dá pra ter um carro/ Não dá pra ser no débito/ Não dá pra ser”, pois somos essa geração de insatisfeitos, que tanto queria e pouco podem. 

Vai Brotar é a canção que encerra o lado A, e assim como Letícia definiu: “é o apocalipse de uma manifestação utópica dos espiritualizados versus cínicos”. A sonoridade oitentista tropicaliente da canção sugere uma viagem quase surrealista pela criatividade vibrante dos compositores e é quase possível ouvir, de forma inconsciente, o chiado do disco ao se encerrar e os poucos momentos de silêncio em que tiramos a agulha e viramos o LP. 

No lado B, somos jogados diretamente em Cuidado, Paixão, o encontro do furacão Letrux e o samba, dando um gostinho de alguns experimentos sonoros feitos nessa segunda parte. A letra narra uma pequena confusão dos arroubos românticos e atrapalhados de Letícia, onde é quase possível visualizar a cena doce e um tanto cômica no corredor do mercado, do encontro de duas pessoas em momentos diferentes e sentimentos diferentes, onde um tchau é confundido por te amo. A faixa seguinte, Sente o Drama, traz um quê de Janis Joplin na bateria e as guitarras arrastadas, numa parceria acertada com Liniker e novamente somos apresentados às insatisfações pessoais da cantora que também se refletem nos pequenos conflitos diários da geração com a qual ela se comunica.

A viagem sonora e quase lisérgica do disco prossegue nas canções El Dia Que no Me Quieras, numa mistura fantástica do sintetizador e o sotaque tijucano nas frases cantadas deliciosamente em espanhol, e em Abalos Sísmicos, tão atual em sua temática quanto ousada em suas mudanças repentinas de ritmos e rumos. Salve Poseidon nos traz novamente o jeito divertido com que Letrux conduz suas músicas, e seja pelo título da canção, a batida envolvente ou a menção ao dois de fevereiro, somos levados diretamente à beira do mar. Novamente a cantora nos dá um de seus desabafos pessoais, dessa vez dizendo: “Eu choro com as coincidências/Eu quero estar em todas as coincidências”. Letícia pode ser apaixonada por elas, mas não foi por mero acaso que se tornou a artista que é hoje.

O encerramento do disco através de uma canção em inglês, íntima e com apenas a voz de Letícia em destaque nos dá a sensação de tradição, remetendo diretamente ao fechamento do Climão. Amarrando  o trabalho, na canção Letrux reafirma sua identidade artística. 

O tom trágico, pessoal e ao mesmo tempo cínico de Letrux Aos Prantos nos mostra exatamente quem é Letrux: profunda, intensa, sagaz, inteligente e claro, cômica. Uma artista que entende sua voz, suas angústias e felicidades e sabe exatamente o caminho que trilha ao colocar um trabalho na estrada. Um trabalho completo, coeso, de uma estética bem construída e que em suas particularidades, faz jus à indicação ao prêmio e se configura como um dos possíveis favoritos. 

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Marina Ferreira

“Os mais velhos dizem que um dia, cansado da solidão do poder, Zambiapungo, o Ser Supremo dos cultos angolo-congoleses, foi tomado pela tristeza e cogitou desistir da criação do mundo.” 

Essas são as primeiras frases da sexta faixa do lado A de Assim tocam os MEUS TAMBORES, o novo trabalho revolucionário de Marcelo D2, gravado durante o período de isolamento social com sua família. Os versos podem ser entendidos como a síntese da trajetória do disco, que é o mais ousado da carreira do rapper carioca.

Em entrevista recente para a revista Rolling Stones, Marcelo fala sobre a fúria que sentia no início da quarentena. Estava em estúdio com a sua banda, o Planet Hemp, cantando contra a onda crescente do conservadorismo da extrema direita e o fascismo, e sentia fisicamente o peso disso: de gritar liberdade e fazer arte em um país como o nosso. A fúria o deixou inquieto, inconformado. Em pânico. E foi através do tambor – Ng’Oma – e dos muitos beats do rap que D2 encontrou alívio e afirmou, assim como Zambi, que a criação não iria parar.

Para entender Assim tocam os MEUS TAMBORES é preciso partir da ideia dos discos de vinil, divididos em lado A e lado B, contando uma história por lado que juntas compõem um propósito maior. Já de início, Marcelo abre os caminhos desse trabalho através de uma chamada de rádio antigo, atentando para o momento histórico de pura crise em todos os setores da sociedade. Essa chamada também pode ser vista como o momento histórico do artista em seu processo de criar, compor, produzir e lançar um projeto audiovisual dentro de casa em meio ao caos da vida externa e da loucura que é viver, principalmente sendo brasileiro. Tudo isso, como se não bastasse, ao vivo para milhares de pessoas na Twitch.

Ao passar pelas faixas seguintes, o rapper retoma temas já conhecidos de sua obra, como o racismo, a violência policial, as diferenças sociais e sua fiel marijuana. Mas novos tons de voz acompanham a verdade dura que é cantada e rimada assim como novos ritmos e sonoridades, como o manguebeat e as referências ao Nação Zumbi em Malungoforte; o funk do Tropkillaz em Deus de Outro Lugar; a voz suave de Juçara Marçal e o tambor dos terreiros de candomblé em Rompeu o Couro; e a visita a uma clássica canção dos anos 70, na mais genial das misturas em A Verdade Não Rima. 

Composta por Fátima Guedes em 1979 e imortalizada na voz da grandiosa Elis Regina, Onze Fitas – em sua versão original – é incorporada como sample e refrão no trabalho de D2. Enquanto ele rima sobre a brutalidade policial, a imparcialidade do estado e o descaso da mídia, ele prova que mesmo em uma de suas canções mais poéticas está mais político do que nunca.

É possível identificar as referências afro brasileiras muito bem destacadas por Marcelo em Malungoforte, na mistura dançante do maracatu com o beat pernambucano. Na já citada Tambor, O Senhor da Alegria, o conto africano transcrito pelo historiador brasileiro Luiz Antonio Simas e recitado pelo rapper paulistano Criolo encerra e amarra a primeira parte do trabalho tão bem construído.

“Sua benção, Ng’oma, nosso pai tambor! Nós estamos no mundo para celebrá-lo!”

Ao virar o disco, podemos sentir de imediato a mudança de tom e estilo. Enquanto havia o gosto experimental no lado A, na parte 2 do álbum Marcelo nos mostra suas raízes do rap em versos certeiros e referências que não passam despercebidas aos fanáticos pelo gênero. Mas ainda assim o artista nos oferece batidas experimentais, como a lembrança do reggae em As Sementes – canção colaborativa com Os Crias, espectadores que acompanharam assiduamente o processo do álbum pelas lives. 

O beat nova-iorquino dos anos 90 em É manhã (Vem), com a participação de Luiza Machado – esposa de D2 e responsável pela produção executiva do disco – é acompanhado pela frase eternizada de Darcy Ribeiro na introdução – “[…] o mais importante é inventar o Brasil que nós queremos”. No início, nos guia à uma jornada muito pessoal do rapper em direção ao encerramento do trabalho, que ainda conta com uma declaração de amor à sua esposa, com samples da canção Prelúdio, de Raul Seixas: “sonho que se sonha só é só um sonho que sonha só, mas sonho que se sonha junto é realidade”. 

Na faixa que encerra o xirê dos tambores de D2, ele viaja por sua história, repassa sua trajetória e traz seu filho Sain, o perfeito “cria”, que caminha junto ao pai na jornada do rap nacional em que Marcelo abriu caminho. Amigos são lembrados com carinho – como Yuka, Skank e Robson – e a vida ironizada na frase “dizem que cara feia é fome e disso nós não sofre mais”. A experiência do disco se torna ainda mais completa, viva e vibrante ao adicionar o filme à conta, dirigido por Ronaldo Land, transformando Assim tocam os MEUS TAMBORES em um álbum visual surpreendente, ou uma “obra transmídia”, como foi denominado por seu criador.

Muitíssimo bem costurado, produzido e finalizado, o álbum carrega uma história contada de maneira pessoal e condizente com o que conhecemos de Marcelo D2. E permitindo-se ser ousado em tempos de conservadorismo, Assim tocam os MEUS TAMBORES pode ser entendido como o álbum da carreira de D2, tão revolucionário, necessário e grandioso como seu dono.

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