No último ano, a editoria de Literatura foi uma das áreas que se consolidou no Persona. A parceria com a Companhia das Letras recebeu uma melhoria, nos tornando Parceiros Fixos. Como resultado, mais de 30 livros foram resenhados em 2022, e a grande maioria foram obras lançadas pela editora. Nós também ficamos de olho em eventos literários, como o Nobel de Literatura, e nosso Clube de Leitura e Estante do Persona se revitalizaram. Como um balanço do que foi o ano passado para o projeto – e para a Literatura no mundo –, chegamos com Os Melhores Livros de 2022.

Dos dias 2 ao 10 de Julho, membros da nossa Editoria cobriram a 26ª Bienal Internacional do Livro de São Paulo, que ocorreu no Expo Center Norte. Dentre os destaques, a Homenagem a José Saramago – que completaria 100 anos em 2022 –, feita por Andréa Del Fuego, José Luís Peixoto e Jeferson Tenório, e a presença de Paulina Chiziane e Valter Hugo Mãe, marcaram a última edição do festival.

O evento, na verdade, teve dupla celebração: além do centenário do único escritor de língua portuguesa a receber o Nobel de Literatura, 2022 também marcou o bicentenário da Independência do Brasil. Dessa forma, a celebração se deu na forma de reconhecimento da identidade linguística, que une continentes através do idioma em comum, e contou também com a presença do presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa.

Em Maio, a Companhia das Letras publicou a tradução O rei pálido, romance póstumo de David Foster Wallace, finalista do Pulitzer em 2012 e que estava em processo de tradução desde 2014. Pela mesma casa editorial, Sátántangó, do húngaro László Krasznahorkai, finalmente chegou ao mercado editorial brasileiro. Eterno favorito ao Nobel de Literatura, esse é o primeiro livro do autor publicado no país. 

E, falando da premiação, 2022 foi o ano de Annie Ernaux. A escritora francesa foi a grande vencedora do Nobel de Literatura, e foi tema do nosso Clube do Livro meses antes de sua consagração. Em Novembro, ela veio ao Brasil para participar da Festa Literária de Paraty (Flip), onde dividiu uma mesa com Geovani Martins, autor de Via Ápia. Além das entrevistas com os escritores Tobias Carvalho e Daniel Galera, o Persona também foi representado no podcast Clube Rádio Companhia, da Companhia das Letras, no papo sobre os 10 anos de lançamento de Barba ensopada de sangue, de Galera.

Abaixo, você confere a lista das obras que marcaram os membros da Editoria e nossos colaboradores no ano de 2022, com gêneros e estilos para todos os gostos. Seja qual for a sua escolha, o Persona segue defendendo a pluralidade, irreverência e emancipação propiciada pelos livros. Boa leitura!

Annie Ernaux – O Acontecimento

“O que vale é a qualidade e não a quantidade”. Essa frase serve para definir a ponta do iceberg da catarse que Annie Ernaux provoca com suas meras 80 páginas na obra O Acontecimento. Ambientado em 1963, o livro possui caráter autobiográfico, trazendo a passagem de quando, aos 23 anos, a autora engravidou, contra seu desejo, de seu namorado à época. Quarenta anos depois, Ernaux usa toda a força para destrinchar o capítulo de vida em que, sozinha, buscou meios para realizar o aborto de maneira clandestina.

Nenhuma mulher faz aborto sorrindo, e Ernaux, uma das principais vozes feministas da contemporaneidade, para esclarecer toda a profundeza de sentimentos envolvidos, se arma de seu bem maior: as palavras. Aqui não existe a intenção de criar um teatro ou trazer subjetividade em relação às escolhas feitas sob o próprio corpo; a autora é direta e honesta em contar publicamente sua história. Acima disso, a imersão criada pela análise de O Acontecimento leva o leitor a refletir sobre como as leis imperam nos corpos femininos. Esse dom e coragem de Annie Ernaux na produção de textos tão crus e carregados de uma verdade ímpar, ao mesmo tempo comum a sociedade, a tornou vencedora do Prêmio Nobel de Literatura de 2022. – Ana Júlia Trevisan

Bernardine Evaristo – Manifesto: Sobre nunca desistir

Consolidada autora de ficção e não-ficção, professora de escrita criativa e presidente da Royal Society of Literature, a principal organização literária da Grã-Bretanha, em 2019 Bernardine Evaristo se consagrou no mercado editorial com o troféu do Booker Prize, o maior prestígio da literatura inglesa, por Garota, Mulher, Outras. Muito antes da fama e dos louros, a escritora britânica era uma iniciante como qualquer autor, o que ela narra no livro de memórias Manifesto: Sobre nunca desistir.

Na obra, publicada pela Companhia das Letras, Evaristo percorre os caminhos que a levaram a sua literatura atual: seu modo de escrita, suas convicções acerca do mercado editorial e suas inspirações mudaram desde que saiu da casa de sua grande família, e a influenciaram a compor sua prosa como é hoje. Atingindo seu ápice ao mergulhar mais profundamente do que o leitor testemunha na leitura, a inglesa perpassa o que, antes de pegar o papel e caneta, a formou como pessoa.

Manifesto é, literalmente, o manifesto de Bernardine Evaristo. De origem nigeriana, a autora repassa seus anos de criança e adolescência, vivendo em uma casa com muitos irmãos e pouca individualidade, e descobrindo sua própria identidade – aqui, tanto como mulher negra, filha de mãe branca, quanto sua orientação sexual, ideologia política e social. Sensível, sincero e direto, Manifesto: Sobre nunca desistir oferece uma janela aberta a vida de uma das mais importantes e relevantes escritoras contemporâneas vivas. – Vitória Gomez

Annie Ernaux – A Vergonha

A criadora da autossociobiografia, Annie Ernaux, já se mostrou uma mestre em contar histórias da própria vida de um jeito cru e subversivo. Em A Vergonha, a autora não abandona esse viés e traduz milimetricamente os eventos que rodearam sua infância. Vivendo na Normandia com 12 anos, o livro começa com um evento traumático ocorrido em uma tarde de domingo na casa dela e, a partir disso, somos expostos a desenrolares absurdos. 

Tudo é contado com ritmo permanente e com uma clássica mistura de reflexão e literalidade, já conhecidas em outros textos de Annie, como O Acontecimento e O Lugar. Sem precisar de recursos dramáticos, a obra – traduzida por Marília Garcia – nos coloca no cerne das coisas que constróem a tal vergonha na forma de um constrangimento acerca do próprio existir. Assim, a leitura das 88 páginas nos dói, mesmo sem tal intenção. A Vergonha é um tiro, rápido e fatal. – Jamily Rigonatto

Daniel Galera – Barba ensopada de sangue (Edição Especial de 10 anos)

Barba Ensopada de Sangue conta a história de um professor de Educação Física sem nome, que viaja para Garopaba em busca de seu avô desaparecido, após o suicídio do pai. Essa história, porém, já possui mais de 10 anos. Em 2022, em comemoração a data, a obra recebeu uma edição especial comemorativa, com apresentação de Carol Bensimon e posfácio de Júlio Pimentel. O interessante é perceber que, uma década depois, continua a ser um livro instigante e potente.

Temas como identidade, família, memória e morte são amplamente abordados na trama, com Daniel Galera utilizando uma linguagem rica e poética para descrever as paisagens costeiras do sul do Brasil e a atmosfera opressiva e enigmática da história – seja com h minúsculo ou maiúsculo. Ao mesmo tempo, o romance também apresenta uma reflexão profunda sobre as relações humanas e as consequências do passado em vidas presentes. Leitura essencial para quem deseja se aprofundar na Literatura brasileira contemporânea. – Bruno Andrade

David Graeber & David Wengrow – O despertar de tudo

Nesse livro fascinante, escrito pelo antropólogo David Graeber e pelo arqueólogo David Wengrow, os autores propõem uma nova visão da história da humanidade. O despertar de tudo apresenta uma crítica às teorias convencionais sobre a evolução humana, que supõem uma trajetória linear e progressiva rumo à civilização. Segundo os autores, a história da humanidade é muito mais complexa e multifacetada do que se imagina. Eles argumentam que a noção de “primitivismo” é equivocada e que as sociedades “primitivas” possuem formas de organização social e conhecimento que são tão complexas quanto as sociedades ocidentais modernas. 

Além disso, Graeber e Wengrow defendem que as sociedades humanas possuem uma capacidade inata de inovação e criatividade, e que a história da humanidade é marcada por momentos de despertar coletivo, nos quais novas ideias e práticas surgem e transformam a sociedade. Por meio de uma análise profunda da história da humanidade, O despertar de tudo nos convida a repensar nossas concepções sobre a natureza humana e a sociedade. Com uma visão mais plural e diversa da história, que valoriza as contribuições de todas as sociedades humanas, o livro nos inspira a buscar novas formas de convivência e desenvolvimento. – Bruno Andrade

Dolly Alderton – Tudo o que eu sei sobre o Amor

Tudo o que eu sei sobre o Amor é a autobiografia de Dolly Alderton, escritora e jornalista britânica, que conta de forma divertida sua jornada de amadurecimento. O livro começa provocando a indagação “que vidas malucas são essas?”, mas, ao longo dos capítulos, desperta a mais profunda identificação com aqueles que já foram, ou ainda são, jovens perdidos e apaixonados. A leitura, que pode começar um pouco intrincada, adquire ritmo paulatinamente, até envolver o leitor numa história tão relacionável sobre as dores e as delícias de ser adulto.

A autora registra todos os seus vacilos, egoísmos e aprendizados ao longo de seus vinte e poucos anos, de maneira sincera e irreverente, tal qual a personagem Carrie Bradshaw, de Sex and the City. A obra também guarda semelhanças com o romance de Helen Fielding, O Diário de Bridget Jones (1996), cuja diferença consiste no diário de Alderton não ter nada fictício. As crônicas da britânica, além de registrarem o que ela sabe sobre o amor, expõe os medos que acompanham a chegada da vida adulta. Em determinado ponto da narrativa, a autora assume o papel de amiga do leitor e o consola com o seu melhor ensinamento: “pare de esperar as coisas acontecerem e preste atenção nas pessoas que já estão na sua vida”. O grande amor pelo qual você procura pode ser uma amizade, um parente, um trabalho e até mesmo o amor próprio. – Costanza Guerriero

Ali Hazelwood – A Hipótese do Amor

Muitas coisas são calculáveis, tem suas respostas numericamente exatas prontas para serem registradas rotineiramente em um bloco de notas. Com os sentimentos não funciona assim, e as reações químicas do cérebro atuam como um segredo só dele. Com isso em mente, Ali Hazelwood retoma o clichê do fake dating diretamente das fanfics e faz isso da maneira mais doce possível em A Hipótese do Amor. Com uma protagonista que não sabe afirmar o próprio potencial e um professor universitário em busca de aprovação, a conta dá resultados cientificamente surpreendentes.

Olive Smith é estudante de doutorado em Biologia em Stanford e vê a Ciência como uma cadeia pronta e totalmente presa às probabilidades. Em uma tentativa inocente de juntar a melhor amiga, Anh, e Jeremy, é feito um combinado com o jovem professor Adam Carlsen. O romance é narrado em terceira pessoa e nos conta as perspectivas da personagem, enquanto todo o seu controle é perdido e ela acaba completamente apaixonada. 

Apesar de soar previsível, Ali consegue impor toda a sua originalidade em uma narrativa escrita de forma leve e muito fluida. Olive é demissexual e isso torna sua trajetória uma experiência intimista e completa. Outro destaque da obra é o jeito de construir os laços entre os personagens, pois a autora escolhe os caminhos que tornam as relações mais firmes. A Hipótese do Amor é uma leitura animadora para os dias nublados, um jeito de reconfortar o imaginário de quem navegava no wattpad em 2015. – Jamily Rigonatto

Casey McQuiston – Última parada

Jovem, cética e recém-chegada a Nova Iorque, August é confrontada com seus colegas de quarto calorosos e espirituosos. Quando se afeiçoa por Jane, com quem diariamente divide o mesmo vagão de metrô, a vida da garota vira – ainda mais – de cabeça para baixo. Isso porque a conhecida está presa no subterrâneo desde os anos 1970, sem escapatória e sem lembranças de suas aventuras passadas. Em Última parada, histórias de amor não são só românticas, tampouco passageiras quanto o ritmo do metrô.

A narrativa de Casey McQuiston, responsável pelo sucesso Vermelho, Branco e Sangue Azul, repete o feito da autora na obra anterior: ainda que por caminhos intensos, conduz os pensamentos de August de forma leve e divertida, identificável com quem, jovem adulto como ela, encara o mundo e as adversidades à frente. Os toques de ficção científica dão um tom ainda mais renovador à trama: cheio de representatividade, a sexualidade e os modos de vida millennial dos personagens são subtextos animadores, que agregam à identificação com a Última parada para uma experiência ainda mais envolvente. – Vitória Gomez

Clara Alves – Romance real

A realeza está batida e já saturou todas as partes do mercado cultural com suas narrativas, mas quando se fala no universo LGBTQIA+ todos os clichês têm passe livre para tomar lugar na mente de um público cujas possibilidades de amar sempre foram restringidas. Assim, Clara Alves chegou às livrarias com Romance real e o chavão merecido pelos amores de contos de fadas. 

Dayana é fã de One Direction e conhecer Londres é um dos seus sonhos, no entanto, as circunstâncias não são as melhores. A jovem acabou de perder a mãe e vai ter que fazer um reencontro com o pai que a abandonou 10 anos antes. Mas como a vida é uma caixa de surpresas, os caminhos ganham novos ares quando uma ruiva um tanto misteriosa chamada Diana cruza seu caminho e as duas passam a se desvendar. 

Longe da futilidade, abandono parental e luto são temáticas trabalhadas por toda a narrativa. Clara também explora em Dayana a representatividade negra, gorda e bissexual, partindo por um rumo que salienta a importância de que personagens de todas as características merecem seu final feliz. Leve e encantador, o livro é um presente para o cenário nacional e mostra que “real” tem mais de um significado. – Jamily Rigonatto

David Foster Wallace – O rei pálido

Quando se ouve que David Foster Wallace foi a voz de uma geração, há um fundo de verdade quase cientificamente provável. A obra de um escritor é, geralmente, resultado da mistura entre o talento individual e a sociedade que o produz. Essa é a forma como a Literatura é feita – talvez seja até mesmo a maneira como toda a Arte é produzida. O rei pálido, porém, romance póstumo do autor, guarda, naturalmente, semelhanças com Oblivion (2004), última coletânea de contos lançada por ele ainda em vida, em que explora a natureza da realidade, sonhos, traumas e a dinâmica da consciência. Dessa maneira, o livro de 2011 (que chegou às prateleiras brasileiras em Maio de 2022) também examina a atividade da mente. 

Finalista do Pulitzer em 2012, quatro anos depois do falecimento do autor, o robusto romance de 608 páginas narra a história de um grupo de pessoas que trabalham em um centro de processamento de declarações do imposto de renda em Illinois. Alguns dos personagens (Claude Sylvanshine, David Cusk, Lane Dean Jr. e Leonard Stecyk) se envolvem uns com os outros de várias maneiras, não obviamente consequentes. Dois deles se chamam David Wallace, e essa é toda a trama. Mas, embora seja previsível pensar que, tendo como ponto de partida uma investigação sobre o tédio, o romance possa oferecer um enredo tão tedioso, O rei pálido não é, propriamente, “sobre” nada, pois Wallace não escreve sobre seus personagens, mas “através” deles. Levando a empatia explorada em suas obras anteriores a outros níveis, o romance é uma das melhores coisas já escritas na Ficção. – Bruno Andrade

Eliana Alves Cruz – Solitária

Mulheres negras que trabalham como empregadas domésticas conquistam seu protagonismo em Solitária, de Eliana Alves Cruz. Eunice, que trabalha e mora em um condomínio de luxo, presenciou uma tragédia: a morte de uma criança. Com testemunho decisivo na solução do crime, ela conta com sua filha Mabel para colocar um ponto final no caso.

Escrita com força e esmero, as vivências das domésticas são o grande foco da trama. Eliana usa seu texto bem construído para debater temas atuais e históricos, como as relações trabalhistas, diferenças de classe e raça, e o papel de gênero. A autora não tem medo de ser direta, mas constrói uma narrativa doce quando necessário. Solitária traz não só uma boa história, como também amplia a reflexão. – Guilherme Dias Siqueira

Jarid Arraes – Corpo Desfeito 

Amanda vive em Juazeiro do Norte no interior do Ceará e faz parte da terceira geração de uma família cercada de abusos. Sua mãe Fabiana, a avó Marlene e o avô Jorge representam uma cadeia de processos violentos, capazes de afetar suas experiências por completo. Em Corpo Desfeito, publicado em 2022 pela editora Alfaguara, esses personagens compõem uma história dolorosa e cheia de eventos absurdos.

Se antes da morte da mãe a convivência já era ruim, depois da partida de Fabiana e Jorge as coisas ficam insustentáveis. Presa a uma ideia fanática da vida, Marlene passa a cultuar a filha morta como se fosse uma santa e, assim, as abstenções se tornam a regra. A matriarca passa a propor comportamentos distantes das características mundanas e obriga Amanda a estar na mesma caixa, tornando a vida da jovem um grande fardo cheio de pressão e medo. 

Jarid escreve a narrativa com destreza e prende o leitor em cada um dos trechos. Apesar de abordar tópicos sensíveis, a curiosidade para entender até onde isso vai se mantém constante. Ainda é possível encontrar a leveza e equilíbrio no texto com a relação entre a protagonista e a amiga Jéssica, um laço transformado em sentimentos amorosos que ensolaram o enredo. Passeando sobre as consequências da violência na infância e adolescência, o fanatismo religioso e os limites das relações familiares, Corpo Desfeito desmonta uma história fictícia que poderia estar estampada em qualquer manchete de jornal. – Jamily Rigonatto

Jennette McCurdy – Estou Feliz que Minha Mãe Morreu

Jennette McCurdy se inseriu no mundo da atuação aos seis anos de idade, na esperança de se tornar uma estrela e, assim, realizar o sonho de sua mãe. Tornando-se conhecida apenas anos mais tarde, por seu papel em iCarly (2007-2012), da Nickelodeon, sua vida atrás das telas era muito mais complicada do que qualquer pessoa que a visse brilhar como a personagem Sam Puckett pudesse imaginar.

Com esse contexto, Estou Feliz que Minha Mãe Morreu é um livro de memórias de uma vulnerabilidade surpreendente, destacando as lutas da autora com sua mãe abusiva, seus distúrbios alimentares, vícios e as dificuldades que acompanham o fato de ser uma estrela infantil. Ela revela sua criação perturbada em detalhes inabaláveis com um humor e tom encantador, fazendo com que a obra tenha uma leitura envolvente, embora difícil de ser digerida em muitos pontos. – Raquel Freire

Jessica Jung – Bright

Apenas 1 ano e meio depois do lançamento de Shine: Uma chance de brilhar; best-seller do New York Times de Jessica Jung, a cantora, escritora e vendedora de jóias nas horas vagas voltou com o sucessor Bright. Em 2022, a publicação foi responsável por dar continuidade ao frenesi causado na indústria da Música sul-coreana pelo seu romance de estreia, recheado de revelações pouco discretas acerca dos bastidores. 

Desta vez, a protagonista Rachel finalmente encara as decepções envolvendo a sua participação no grupo nada amigável Girls Forever, e o seu relacionamento com Jason, o maior babaca do K-pop. Entregando um desenvolvimento digno das melhores fanfics, Jung novamente não exitou em escrever a sua verdade por meio do disfarce da ficção e reviveu no público a empatia pelos momentos cruciais que passou durante a sua estadia nessa indústria tão letal. – Nathalia Tetzner

Juliana Leite – Humanos Exemplares

Para onde vão nossos testemunhos quando o gosto sombrio da morte chega aos nossos lábios? Por mais que não nos pergunte diretamente, essa é a questão por trás de Humanos Exemplares. Escrita por Juliana Leite e publicada pela Companhia das Letras em 2022, a obra nos apresenta Natália, uma mulher de 100 anos com muito a contar, mas sem plateia para ouvir.

A senhora guarda em si grandes relatos sobre o período ditatorial, o medo que a afligiu e os sonhos que construiu, entretanto, quando ela morrer as coisas vão acompanhá-la aos planos intocáveis. Enquanto trata da fragilidade da memória e gera reflexões sobre como isso afeta universos particulares e grandes eventos históricos, a autora também nos leva a um passeio sobre as angústias da terceira idade e o valor da velhice. 

Cheia de personagens bem desenvolvidos e diversas declarações valiosas, a narrativa é um deleite apaixonante, mas devastador. Natália e Vicente, seu marido já falecido, são resultados diretos de um país tomado pelas chamas de um golpe, e a forma como isso se reflete em seus comportamentos e desejos é explosiva. Entre as ruínas das lembranças, os arquivos perseguidos pelo tempo são os mais raros. – Jamily Rigonatto

László Krasznahorkai – Sátántangó

Embora escrito nos anos 1980, Sátántangó não está especificamente ancorado em sistemas ou governos da época. Na verdade, o húngaro László Krasznahorkai dá tratamentos “míticos” à obra, na qual o universo sombrio de uma pequena comunidade dá as formas desse romance monstruoso, que já nasceu clássico. Muito do que se conhece da obra vem de sua adaptação cinematográfica, feita pelo diretor Béla Tarr em 1996, com roteiro adaptado pelo próprio Krasznahorkai e mais de 7 horas de duração. Na história do livro – que está dividido em duas partes, primeiro de 1 a 6 e, depois, de 6 a 1, como no tango –,  há a chegada de um homem misterioso à vila. Chamado Irimias, ele pode ser um profeta, um cético ou o próprio diabo, visto que retorna após ser dado como morto.

A escrita de László – representada, aqui, na tradução de Paulo Schiller –, ao mesmo tempo em que alimenta o mistério, nos põe em um transe vertiginoso no qual somos embalados. Influenciado por Friedrich Nietzsche, Fiódor Dostoiévski e Franz Kafka, a quem pertence a epígrafe da obra, o escritor promove em Sátántangó uma discussão extremamente interessante sobre os falsos profetas e os sentidos da alienação. Em retrospecto, também se percebe um rigoroso cuidado na escolha das palavras – o que pode explicar a demora que o livro teve no processo de tradução –, visto que, para o autor, as palavras são tudo. A parte surpreendente deste livro é a mistura interessante entre o estilo “modernista” e “pós-modernista”. Em determinados trechos, László Krasznahorkai soa como um modernista clássico, mas o estilo fragmentado da obra, em que os capítulos começam com tramas subdesenvolvidas que vão se encorpando ao longo das páginas, dá ainda mais profundidade a Sátántangó. – Bruno Andrade

Guadalupe Nettel – A filha única

Doce e discreto. Não há melhor forma de descrever o texto de Guadalupe Nettel, cuja calma em descrever situações emocionalmente fortes é um dos grandes destaques da sua escrita. A maternidade, sem qualquer clichê, é o grande pilar desse livro: a narradora, Laura, não quer ter filhos, e desde o início contextualiza sua opção em não gerar um novo ser.

Alina e Doris compartilham com Laura o circuito central da trama, e exploram as múltiplas camadas em torno de “ser mãe”, apontando para a condição não como uma experiência, mas sim um mosaico de sensações que não podem ser descritas de modo raso. Para Nettel, não é um presente ou castigo, mas algo que transcende um ser e transborda para todos os lados. A filha única imerge os leitores em uma experiência que nem todos são capazes de viver. – Guilherme Dias Siqueira

Geovani Martins – Via Ápia

Após a forte repercussão nacional e internacional de O sol na cabeça (2018), a coletânea de contos que marcou sua estreia na literatura brasileira, Geovani Martins lançou seu primeiro romance, intitulado Via Ápia. A obra explora os impactos da instalação da UPP (Unidade de Polícia Pacificadora) na vida dos moradores da Rocinha, mais intimamente no cotidiano de cinco jovens negros, em três momentos diferentes: antes, durante e depois da ocupação.

O ponto mais tocante da ficção, sem dúvidas, é o quão real ela é. Martins cria um enredo que perpassa temas como violência, esperança, luto e amor análogo àquilo que é vivido fora das páginas. Com uma linguagem repleta de gírias e vícios de concordância, típicos da oralidade, o autor consegue construir a realidade da favela e desconstruir o imaginário da homogeneização de forma muito fluida. Via Ápia é uma leitura necessária em memória de todos que foram e são vítimas do sistema de segurança brasileiro, além de ser um livro que consagra Geovani Martins como um dos principais nomes da Literatura marginal. – Raquel Freire

Ian Fraser – A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê

Ian Fraser é um romancista nascido e criado em Salvador, na Bahia, e é conhecido por algumas de suas principais obras – Araruama, Noir Carnavalesco e seu mais recente lançamento, A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê. Todos os seus livros, apesar de divergirem no enredo, se assemelham na retratação do cenário nordestino brasileiro; no entanto, Fraser se supera ao representar o sertão das maneiras mais inusitadas.

No caso de A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê, a narrativa acompanha Severino, um humano que trabalha como investigador em uma galáxia distante e que, no lugar do olho esquerdo, possui um artefato tecnológico que permite ver os últimos momentos de uma pessoa antes de morrer. Ao longo de sua jornada investigando um assassinato junto ao fiel companheiro Bonfim, Severino passa por elementos inspirados em Star Wars, Guardiões da Galáxia e Bacurau, unindo perfeitamente o pop com a vivência nordestina. – Amábile Zioli

Ilustralu – Arlindo

Arlindo, livro vencedor do CCXP Awards de 2022, traz a história de um rapaz homossexual que mora no interior do Rio Grande do Norte e que, como a maioria das histórias desse gênero, reflete sobre a descoberta e a aceitação, principalmente em cidades pequenas e religiosas. A obra, escrita por Ilustralu inicialmente como uma webcomic, mostra a vida do personagem homônimo, que é um menino ainda “no armário”, e que está passando pela experiência de primeiros amores. A pessoa mais próxima a ele, também queer, era sua tia, que, depois de criticada por ser uma mulher lésbica, decide se afastar da família e da cidade.

As histórias retratadas em Arlindo não focam apenas no personagem, mesmo que seja o protagonista, mas também comentam sobre outros adolescentes com outros problemas e que passam por dificuldades em casa ou com as tradições locais, muitas vezes inseridos em situações sufocantes. Mesmo que nem todos os personagens tenham ‘finais felizes’, a obra mostra que é necessário coragem e que a solidão queer não dura para sempre. – Dante Zapparoli

Mark Fisher – Fantasmas da minha vida

Em Fantasmas da minha vida, publicado originalmente em 2014 mas que chegou ao território brasileiro em 2022, Mark Fisher explora a relação entre a cultura, a política e a saúde mental. Fisher argumenta que a cultura popular, em particular a Música Eletrônica, é um reflexo dos sentimentos de alienação e desesperança que muitos jovens experimentam em uma sociedade neoliberal cada vez mais individualista e fragmentada. Ele também sugere que as possibilidades de futuro estão sendo dinamitadas por um presente contínuo, sendo a cultura popular um meio de resistência contra essas forças opressivas, mas apenas quando pensada de maneira crítica e consciente.

Ao longo do livro, Fisher utiliza sua própria experiência com a depressão para ilustrar seus argumentos sobre a saúde mental. Fantasmas da minha vida é também um livro de crítica cultural na forma mais ampla do termo: o filósofo britânico utiliza elementos da cultura pop para discutir sobre as condições de vida na contemporaneidade. De Arctic Monkeys e Joy Division a Drake e Christopher Nolan, Mark Fisher constrói um livro desafiador, sombrio e provocativo. – Bruno Andrade

Mariana Salomão Carrara – Não fossem as sílabas do sábado

Para morrer, basta estar vivo. É o que diz o senso comum, e se encaixa no caso de André, marido de Ana: bastou ele sair de casa no exato momento em que um homem (Miguel, marido de Madalena) caía da janela para que o seu fim chegasse. Não fossem as sílabas do sábado conta a história de duas mulheres que, para sempre, estarão unidas pelo trágico acidente que resultou na morte de seus maridos.

Assim, trata-se de um livro sobre o luto – e, portanto, sobre a vida. Mariana Salomão Carrara, nesta obra delicada e dura, aborda a dor ocasionada por uma morte que não deveria ocorrer, e por uma vida que deve ser encarada a partir de então. A luta e o luto, aqui, andam praticamente de mãos dadas, na tentativa de superar o inexplicável e de tentar entender a ausência de quem não deveria estar ausente. – Raquel Freire

Michelle Zauner – Aos prantos no mercado

Nas memórias de Michelle Zauner, ter uma dupla origem é como viver uma fratura. Sendo a comida sua principal ligação com a Coréia do Sul, é também nela que Zauner encontra uma das bases na educação sentimental, superando traumas da infância que dão lugar a uma nova responsabilidade sobre as escolhas da vida adulta. Em Aos prantos no mercado, a autora aborda o amor e a saudade.

Desenvolvido a partir de seu ensaio publicado na revista The New Yorker, o livro conta com uma linguagem poética e envolvente, que põe a vocalista de Japanese Breakfast em momentos marcantes de sua formação intelectual, como o relacionamento com seu pai e o processo de descoberta da Música, ao ganhar sua primeira guitarra da mãe. Aos Prantos no Mercado também traz reflexões importantes sobre a cultura coreana e o impacto da imigração na formação da identidade, mas tudo envolto em capítulos concisos e sentimentalmente potentes. – Bruno Andrade

Miguel Sanches Neto – O último endereço de Eça de Queiroz

Crítico, poeta, cronista, romancista e contista, Miguel Sanches Neto tem longa passagem pelas diferentes formas da Literatura. Em 2022, O último endereço de Eça de Queiroz trouxe o melhor de sua escrita com o uso excepcional da ironia para abordar os conflitos internos de um autor frustrado com a constante busca pelo sucesso comercial. No livro, o narrador é protagonista e assume o pseudônimo de Rodrigo S. M., nome que aparece em A hora da estrela (1977), de Clarice Lispector.

Para ilustrar a jornada peculiar de seu personagem, Miguel Sanches Neto contou com a ajuda dos fantasmas de clássicos da Literatura portuguesa. Fernando Pessoa, José Saramago e, obviamente, Eça de Queiroz, são algumas das personalidades que fazem parte do delírio. “Sobre a nudez forte da verdade, o manto diáfano da fantasia”, assim como o escritor de A Relíquia (1887), a narrativa do livro buscou o real através da ficção. – Nathalia Tetzner

Pagu – Parque Industrial

A seleção literária do ano que marca o centenário do Modernismo no Brasil guarda um lugar especial para as palavras daquela que é uma das principais referências do tema. Parque Industrial é o primeiro livro de Pagu, que escreveu sobre a transformação cultural que montava e desmontava o Brasil desde 1922 quando tinha exatamente 22 anos. Em 2022, então, a Companhia das Letras recuperou o clássico, que, desde o seu lançamento original em 1933, traça um caminho precursor na Literatura brasileira, sendo compreendido hoje como o marco inicial do gênero “Romance proletário”.

É na mecânica industrial de São Paulo na década de 1930 que Patrícia Galvão retrata as transformações que definiram o início do século XX no país, contraditoriamente iniciada na capital paulista, e irregularmente desenvolvida pelos demais centros do Brasil. Ao contrário das perspectivas abstraídas que originam boa parte das reflexões sobre o Modernismo no Brasil, porém, Pagu encarna seu olhar intrínseco à crítica sócio-cultural no ponto de vista singular de quem sempre está, simultaneamente, ao centro e às margens da sociedade: a mulher. 

Assim, o Parque Industrial pintado pelo pseudônimo Mara Lobo é completamente entrelaçado e fragmentado pelas dinâmicas das relações vivenciadas por mulheres nos âmbitos de gênero e classe. Pagu viu de perto o momento em que o tempo se transformou em dinheiro. A reação daquela jovem, sempre tão perto e embora ainda longe de todos os méritos revolucionários que a história recente do país lhe atribuiria, foi criar uma obra urgente e perene, como uma denúncia do capitalismo em avanço que mudou a vida no Brasil para sempre. – Raquel Dutra

Sarah Pearse – O sanatório

A história de O sanatório se passa em um hotel nos alpes suíços que, em um passado sombrio, foi um hospital psiquiátrico. O protagonista Elin Wagner vai ao encontro do irmão, Isaac, que está comemorando um noivado. Desde o início, ele sente a tensão ao se encontrar na hospedagem, e o desaparecimento da noiva de seu irmão serve como um catalisador de seu desespero.

O livro de estreia de Sarah Pearce tem uma escrita instigante que prende até o leitor mais distraído. Já comparado às obras de suas inspirações literárias – Agatha Christie e Stephen King -, o suspense de Pearce é intenso desde a primeira página, refletido na personalidade e nos comportamentos de seus sujeitos. É definitivamente uma experiência eletrizante. – Guilherme Dias Siqueira

Shirley Jackson – Sempre vivemos no castelo

Importante expoente do Horror, as obras de Shirley Jackson influenciaram grandes nomes da Literatura e do Audiovisual, como Stephen King, Neil Gaiman e Mike Flanagan. Suas vastas produções, porém, não são tão conhecidas quanto as de seus pares de gênero: apesar da falta de reconhecimento, o Terror de Jackson inspira o medo através do próprio  cotidiano, tornando o real, sobrenatural. Em Sempre vivemos no castelo, que ganhou uma nova edição pela editora Alfaguara, a dúvida se mistura ao macabro, com um toque de humor tenso e envolvente.

Na história, originalmente publicada em 1962, as irmãs Blackwood vivem isoladas em uma residência com o tio, após a morte de todos os familiares e os rumores de um assassinato dentro da própria família. Pelos olhos de Merricat, a caçula, os eventos do dia a dia ganham um tom místico, ao mesmo tempo que mágico e infantil, e as suspeitas quanto a veracidade da narração são constantes. Com a chegada de um primo da família e o mistério acerca do que realmente aconteceu na propriedade, o Horror desponta justamente a partir da dúvida e da falta de confiança na narradora de Sempre vivemos no castelo. – Vitória Gomez

Simon Stålenhag – Estado elétrico

Indicado ao Prêmio Arthur C. Clarke em 2019, Estado elétrico (ou Passagen, no original da língua sueca) fica no limiar entre o livro ilustrado e o romance gráfico, com grandes painéis que nem sempre vêm acompanhados de textos claros. A bem da verdade, o livro parece ser um artefato quase contemplativo, retirado diretamente da distopia que pretende retratar, embora essa aura distópica das ilustrações de Simon Stålenhag dialogue com os universos de “tecnologia sucateada” do cyberpunk.

As artes de Estado elétrico são cheias de detalhes, e a temática do autor combina suas próprias impressões da infância às inspirações da ficção científica, resultando em um cenário estereotipado da Suécia com itens futuristas agregados. Stålenhag cria suas imagens utilizando uma mesa gráfica, valendo-se de técnicas e configurações específicas para simular pinturas a óleo, que se unem ao seu talento para narrar. – Bruno Andrade

Stephen King – Conto de Fadas 

Escrito na voz do adolescente Charlie Reade, Conto de Fadas é fiel ao título e, literalmente, performa uma narrativa encantada. Aos 75 anos, Stephen King não cansa de inovar e, com suas próprias referências, isso não é diferente. Disposto a se aventurar por novas possibilidades literárias, o autor dos clássicos do terror It: a Coisa e Carrie, a Estranha,  agora escolhe se aprofundar na fantasia. O protagonista é um jovem normal com uma vida irritantemente comum: vive em uma pacata cidade fictícia, cuida de casa, tem uma boa relação em casa e vai para a faculdade. Mas, como o comodismo não é um dos favoritos do autor, tudo isso muda até chegar no inacreditável. 

O ponto de transição é o acidente doméstico do vizinho. Com o misterioso Howard Bowditch machucado, Charlie passa a cuidar dele e da cachorra Radar. Nessa interação, um carinho muito bonito se desenvolve entre os personagens, o sentimento é descrito de uma forma tão bem ritmada que até nos faz esquecer do vindouro lado surrealista. Essas ligações encaixadas também são algo que frequentemente vemos entre o garoto e o pai. Os paralelos começam a aparecer quando o senhor morre e o jovem encontra os motivos dos boatos sobre ele.

Um poço que liga o mundo humano com um universo repleto de seres mitológicos de todas as categorias é encontrado atrás da casa e, a partir disso, o cotidianismo dá lugar ao surreal. Apesar de deixar o horror para segundo plano, King mantém seus característicos elementos nos seres que vivem nesse outro espaço. Entretanto, o que toma conta são os efeitos iluminados e as motivações puras da narrativa. Aos poucos Charlie ganha um tom de herói, e a leitura de Conto de Fadas se torna mágica. – Jamily Rigonatto 

Syundei – Força, Nakamura!!

Ganbare! Nakamura-kun!!, ou, como conhecido no Brasil, Força, Nakamura!!, é um mangá que possui representatividade LGBTQIA+, publicado pela editora NewPOP. Sua fama se consolidou, entre outros fatores, através das paródias que sua capa colorida recebeu, fazendo com que o conhecimento da história logo se tornasse de fácil acesso. A obra retrata, de forma leve e divertida, as descobertas amorosas de Nakamura, um jovem de 16 anos que é tímido e não consegue se expressar muito bem. Essa característica é contrastada com Hirose, o rapaz animado pelo qual se apaixona.

A obra traz consigo um ar gostoso de aceitação e entendimento dos primeiros romances, ampliando a vontade de viver um amor, por mais difícil que seja dar o primeiro passo ou, até mesmo, passar por uma primeira rejeição. Em tempos nos quais discursos de ódio a minorias foram proferidos, a falta de histórias com personagens queer que vivem finais felizes faz falta, e conteúdos como o apresentado por Syundei acabam refrescando e dando esperança para que mais obras com bons finais surjam no futuro, mesmo que retratem um relacionamento queer platônico. – Dante Zapparoli

Paulina Chiziane – Balada de Amor ao Vento 

A prosa poética é a melhor amiga da língua portuguesa – e ao compreender tudo o que significa existir sob uma influência colonialista, Paulina Chiziane sabe contornar os limites da Literatura assim como todos os outros autores que se consagraram por desenvolver a língua para além da concepção europeia. Influenciada pela lírica de Mia Couto, iniciada à autocrítica inventiva de José Saramago e perturbada pela mesma entidade feminina de Lygia Fagundes Telles, a escritora moçambicana alcançou o prêmio mais importante da Literatura de língua portuguesa em 2021, com a mesma audácia espiritual que a fez a primeira mulher a publicar um livro no país em 1990 com Balada de Amor Ao Vento.

“Tudo começa no dia mais bonito do mundo”, quando a história de Sarnau e Mwando se inicia com os suspiros mais apaixonados da protagonista narradora. O desenrolar, no entanto, acontece na sociedade que não só recusa às mulheres o seu direito à autonomia, como também ameaça sua mera sobrevivência. O amor, para Chiziane, é a coisa mais bela e a arma mais violenta. Assim, a autora se mistura às brisas de verão, festividades religiosas, tradições locais e laços de família e amizade para descascar as camadas de violência, desamparo, solidão e privilégios que sustentam os sistemas em que vivemos, cuja complexidade se dá na exata relação existente entre o tradicionalismo e a modernidade. 

Desta forma, Balada de Amor ao Vento é a semente de todo o pioneirismo e revolução que consagra o nome de Paulina Chiziane na língua portuguesa de origem não-europeia. Para além de sua estreia precursora no que diz respeito à história das mulheres na Literatura africana, o livro é também floresce todos os temas que a autora aborda com mais ferocidade em Niketche: uma história de poligamia. Publicada originalmente em 2001, a obra de maior visibilidade de Chiziane foi difundida mundo afora depois de sua vitória no Prêmio Camões, propagando também as discussões mais contemporâneas sobre a condição da mulher no mundo globalizado. – Raquel Dutra

PEYO – Boy meets Maria

Com tons pastéis em sua capa, Boy meets Maria retrata a juventude, a autodescoberta e a tentativa de superação de abusos passados. O mangá, que pertence ao gênero Boys Love, apresenta a visão de Taiga, um rapaz que acaba de se mudar para uma escola nova para começar seus estudos de ensino médio, e que tem uma grande admiração por heróis. O ideal do menino, até certa forma, se enquadra nos padrões de gênero que são esperados de pessoas do sexo masculino.

Em contrapartida, temos Maria, pessoa que ele conhece e se apaixona à primeira vista, após vê-la dançando em um palco. Para a surpresa de Taiga, há a descoberta de que Maria, na verdade, é um homem, o que o deixa confuso sobre seus sentimentos e sobre o uso de nomes e pronomes que pessoas optam por usar. Toda a trama gira ao redor do “ser um homem” ou, de certa forma, do que é não se identificar em um corpo que é seu.

Mesmo com seus traços delicados e cores claras, Boys meets Maria traz assuntos como abuso sexual, infantil e negligência familiar de forma brutal. Trata-se de um mangá coming-of-age que tenta reforçar mensagens de apoio a vítimas de abusos passados, representadas na trama por Maria. Além de trazer uma forte representação não-binária, o mangá problematiza o sentir nos moldes binários que muitas vezes a sociedade nos coloca. – Dante Zapparoli

Taylor Jenkins Reid – Carrie Soto Está de Volta

Taylor Jenkins Reid já provou ser mestre quando o assunto é criar personagens tão reais que chegamos a ser tentados a buscar os nomes na internet e encontrar textos jornalísticos sobre eles. Em Carrie Soto Está de Volta a escritora retorna com toda a excelência e nos leva a mais uma aventura pela complexidade humana, apresentando a atleta Carrie Soto e seu desejo de se mostrar inabalável. 

Depois de 5 anos longe das quadras, a protagonista vê Nicki Chan bater seu recorde de vinte títulos Grand Slam no tênis e se sente prontamente ameaçada. Assim, ela passa a retomar a rotina esportiva com a ajuda do pai, o também ex-tenista Javier. Carrie já havia aparecido em outro escrito da autora, intitulado Malibu Renasce, e se em um primeiro momento a ideia que tivemos dela era negativa, aqui a humanidade reforça sua dualidade. 

Ao longo das páginas o texto, traduzido por Alexandre Boide, caminha pelas complexidades da personalidade e esmiúça seus desejos e vivências. A tenista é uma personagem apaixonante e extremamente forte, ler sua história é um grande prazer. Com diversas facetas plurais, o esforço é uma de suas características mais marcantes. Já que Carrie Soto Está de Volta, vale a pena conhecê-la. – Jamily Rigonatto

Torquemada – A Mandíbula de Caim

Escrito originalmente em 1934 por Edward Powys Mathers, compilador de palavras cruzadas do jornal britânico The Observer, sob o pseudônimo de Torquemada, A Mandíbula de Caim é o suspense policial mais intrigante que você já viu. Ao longo de 100 páginas, são descritos seis assassinatos, todos cometidos por assassinos diferentes, e o objetivo atribuído ao leitor é solucionar o crime. 

No entanto, as possibilidades são quase infinitas, e é por isso que, até o momento de sua edição mais atual, de 2022, apenas quatro pessoas teriam conseguido resolver o enigma. Recentemente o livro viralizou no BookTok e fez com que milhares de leitores assíduos se mobilizassem para resolver o mistério proposto pelo escritor britânico. – Amábile Zioli

Warsan Shire – Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça

Lançada ao sucesso por Beyoncé, Warsan Shire publicou o seu primeiro livro em 2022. Intitulado Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça, o conjunto de poemas trouxe à tona a vivência de Shire como uma mulher negra. O resultado final fez jus a expectativa deixada por ela ao colaborar com escolhas brutais de palavras no aclamado álbum Lemonade (2016), e, através de uma sensibilidade única, colocou o leitor para refletir sobre tudo e todos.

“A manicure empurra minhas cutículas, vira minha mão, estica a pele da palma e diz: eu vejo suas filhas e as filhas delas”. Poeta mais jovem a integrar a Sociedade Real da Literatura, Warsan Shire nasceu no Quênia e foi criada em Londres. Autêntica e dona de um movimento próprio, ela fez de Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça uma obra completa, coesa e que não deixa nenhuma ponta solta para trás. – Nathalia Tetzner

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“A morte voltou para a cama, abraçou-se ao homem e, sem compreender o que lhe estava a suceder, ela que nunca dormia, sentiu que o sono lhe fazia descair suavemente as pálpebras. No dia seguinte ninguém morreu.”

– José Saramago

Com as festividades de final de ano quase batendo em nossas portas, o Clube do Livro do Persona não poderia deixar de se encontrar nos aspectos da existência. Apreciando As Intermitências da Morte de José Saramago, nossos leitores se colocaram a refletir sobre as linhas que rondam o fim da vida. A escolha do texto foi ainda mais especial porque o literato completaria 100 anos no dia 16 de novembro de 2022. 

No livro, somos guiados para um cenário em que a morte deixa de chegar, seja para os homens mais velhos ou para as vítimas de acidentes que agonizam em camas de hospital. O autor desenrola reflexões sobre como morrer interfere nas noções humanas de livre arbítrio e continuidade. Aqui, a morte ganha ares personificados e, em certo ponto, da narrativa pode ser tocada como alguém de carne e osso – ou melhor, apenas de osso.  

Entre as significações, Saramago abre um mundo de possibilidades sem fechar nenhum ciclo, mas expõe o quanto as pessoas podem bambear quando a vida se torna um inconveniente. A proposta audaciosa da obra brinca com o papel da religião na sociedade e usa uma linguagem direta para abrir brechas e possibilidades no íntimo de quem o lê. A morte enquanto protagonista é tão real quanto qualquer ser humano: sente, reage e ama. No fim, resta o começo e como um circuito tudo se repete, já vivemos isso antes.  

Se nossos leitores testemunharam os fins, novembro oferece seus cumprimentos aos começos com a entrega troféus aos destaques da Literatura brasileira: o Prêmio São Paulo de Literatura e o Jabuti. Na primeira semana do mês, o Prêmio São Paulo, criado em 2008 e concedido pelo Governo do estado, revelou seus vencedores. Com dez finalistas nas duas categorias, o troféu de Melhor Romance do Ano de 2021 foi para Antonio Xerxenesky, pela obra Uma tristeza infinita, da Companhia das Letras. Rita Carelli levou Melhor Romance de Estreia do Ano de 2021 por Terrapreta, da Editora 34. Em ambas categorias, as escritoras foram a maioria: na primeira, dos 10 concorrentes, somente três são homens; na segunda, quatro.

Já no Jabuti, as 20 categorias, divididas em quatro Eixos que abarcam a totalidade do processo de produção editorial, tiveram seus finalistas anunciados na segunda semana de Novembro. Aqui – e aparentemente em 2021 no geral -, o destaque foi para o protagonismo feminino: na categoria Romance Literário, no Eixo Literatura, as cinco concorrentes eram escritoras. Natalia Borges Polesso, com A extinção das abelhas, Andréa Del Fuego, com A pediatra, Micheliny Verunschk, com O som do rugido da onça, Aline Bei, com Pequena coreografia do adeus, e Tatiana Salem Levy, com Vista chinesa, disputaram a estatueta – as cinco também foram concorrentes em Melhor Romance do Ano de 2021 no Prêmio São Paulo.

Com a disputa estabelecida, no dia 24 foi a vez da jornalista e apresentadora Adriana Couto chamar os vencedores ao palco do Theatro Municipal de São Paulo para receber o troféu em formato de jabuti. O grande destaque da noite foi para Luiza Romão, com Também guardamos pedras aqui, consagrado como o Livro do Ano de 2021. A obra também conquistou a categoria de Poesia. Em Romance Literário, uma das modalidades de maior destaque na premiação, o nome chamado foi o de Micheliny Verunschk, pelo seu O som do rugido da onça.

A cerimônia ainda contou com uma homenagem à Sueli Carneiro. Com o troféu de Personalidade Literária do Prêmio Jabuti 2022, a escritora, filósofa e ativista, uma das maiores representantes do feminismo negro no Brasil, é a primeira fora do eixo Literatura a receber a honraria.

As celebrações resolveram se estender e, em clima festivo, a Flip – Festa Literária Internacional de Paraty – trouxe diversas personalidades do nicho para conversas acaloradas e conexões ímpares. Em sua 20ª edição, o festival seguiu a linha do Jabuti e contou com presença feminina em peso. A argentina Camila Sosa Villada esteve presente no evento e participou de uma Mesa sobre questões de gênero. A autora de O parque das irmãs magníficas trouxe interpretações importantes sobre o cenário do ativismo e os estigmas vinculados às travestis.

Um dos destaques entre os convidados foi a francesa Annie Ernaux, autora de O Acontecimento e vencedora do Nobel de Literatura em 2022. A escritora, que chama atenção com a ascensão do gênero da autossociobiografia, trouxe reflexões importantes em um bate papo ocorrido depois da exibição do filme Os Anos do Super 8. 

E se o jeito transgressor de Annie teve voz no festival, os aspectos subversivos nunca se fazem faltantes no Persona. Agora, veja mais das linhas fora da curva indicadas pela nossa Editoria no Estante do Persona e aproveite o fim do ano para se deliciar nos tons vibrantes daqueles que as pintam.

Livro do Mês

José Saramago – As intermitências da Morte (208 páginas, Companhia das Letras)

“No dia seguinte ninguém morreu” – As intermitências da Morte se inicia assim: de repente, num certo país, as pessoas simplesmente param de morrer. Nessa primeira parte, os paradoxos e discussões filosóficas acerca da ausência da morte são apresentados e a Morte com M maiúsculo, então, decide suspender suas atividades, como forma de punir as pessoas que a negam. Contudo, para falar da morte, é preciso estar vivo; por isso, aqui, José Saramago personifica a morte em um ser esquelético, de forma irônica e alegórica, revestindo-se da linguagem para cuidar dos diversos destinos que ela pretende cessar (como a epígrafe de Ludwig Wittgenstein anuncia).

Ainda assim, aquilo que, a princípio, parecia uma bondade, na verdade se revela um pesadelo: o fim da morte não é o mesmo que o fim do sofrimento, e aqueles que se encontram “moribundos” – no limiar entre a vida e a morte, doentes e em um eterno estágio terminal – jamais poderão descansar. É, porém, no sétimo capítulo que a própria Morte encaminha uma carta a uma emissora de televisão, a qual deverá ser lida para comunicar seu retorno, agora que sentiram sua ausência. A partir desse momento, todos que estiverem à beira do falecimento receberão uma carta, comunicando o fim da vida. Porém, no capítulo dez de As intermitências da Morte, um postal destinado a um violoncelista retorna ao remetente, e neste momento a morte é, de fato, humanizada. Assim, a história se mistura entre o falso e o verossímil, da forma que somente Saramago sabe fazer.

Dicas do Mês

Taylor Jenkins Reid – Carrie Soto Está de Volta (352 páginas, Paralela)

Em seu último lançamento e nono romance, Taylor Jenkins nos leva a um cenário diferente em Carrie Soto Está de Volta. Após nos contemplar com o mundo do surf, do rock e do Cinema, vivenciamos agora a brilhante história de mais uma mulher que nunca existiu: Carrie Soto, a tenista aposentada de 37 anos que decide voltar às quadras para quebrar seu próprio recorde – ou melhor, não deixar que ninguém o roube. 

Em uma jornada difícil e surpreendente, a atleta não facilita para ninguém. Com uma carreira marcada por muita teimosia e determinação, não é fácil gostar de Carrie dentro ou fora das quadras, mas é quase impossível não admirá-la. Atrás de seu próximo título e agarrando-se como nunca em seu passado vitorioso, a personagem é obrigada a enfrentar sua maior adversária de todos os tempos: ela mesma. 

E mais uma vez, Taylor entrega personagens cativantes e, principalmente, imperfeitos. Em Carrie Soto Está de Volta, apesar da evidente necessidade de algumas sessões de terapia e boas férias, não há como largar a mão da maior atleta da história para acompanhá-la em uma trajetória que qualquer perfeccionista irá se identificar. – Clara Sganzerla

Shirley Jackson – Sempre vivemos no castelo (176 páginas, Alfaguara)

Mary Katherine, Constance e Julian moram sozinhos na mansão Blackwood. Isso porque, antes de serem só os três, a grande família morreu envenenada por arsênico, e o trio agora vive isolado da cidade, como párias. Sob o ponto de vista fértil de Merrycat (o apelido da caçula), a autora Shirley Jackson torna o cotidiano aparentemente monótono de Sempre vivemos no castelo um conto de suspense sob as lentes do Horror.

Aos 18 anos de idade, tendo crescido sem convivência com outras pessoas além da família e vendo sua irmã mais velha, Constance, ser inocentada pelo assassinato dos parentes, Mary vê o mundo quase como uma criança. Seu fluxo de consciência imaginativo, mesclando o que presencia objetivamente a seus intrusos pensamentos acerca do ambiente, das pessoas que cruzam seu caminho e das suas intenções, fica difícil distinguir o que é real. Para a menina, o enxerido primo Charles, que chega desavisado e bagunça a rotina da casa com sua presença expansiva, é um fantasma. Ou um demônio. Ou os dois. Por detrás dos olhos de Merrycat, a família Blackwood ganha curiosos contornos de dúvida.

Na verdade, Sempre vivemos no castelo se aproveita justamente da incerteza. A obra, publicada originalmente em 1962 e com uma nova edição em 2022, pela editora Alfaguara, nunca apresenta um fato concreto: desde a inocência de Constance quanto a quem está vivo ou não, o livro atiça para as possibilidades e, deixando o leitor inquieto, se desenvolve a partir da não resolução delas. Dona de outros sucessos e uma das maiores influências do gênero, Shirley Jackson é mestre em deixar o Terror vir da imaginação de quem se deixa mergulhar na narrativa. – Vitória Gomez

Caio Fernando Abreu – Limite branco (200 páginas, Companhia das Letras)

É crua a vida, e a escrita de Caio Fernando Abreu irrompe em uma tentativa implacável de capturá-la. Sob a luz do próprio amadurecimento do autor, Limite branco é atravessado por referências de um leitor assíduo e de um coração, pulsante por toda sua obra, ávido à existência e ao sentir. O romance de estreia do escritor é um registro que ressoa sua própria experiência, mascarada pelo personagem e alter-ego Maurício, com as dores e delicadezas do crescer. 

Em capítulos intercalados, dois momentos da vida do personagem são enquadrados em estilos distintos; nos pares, a infância é rememorada, na terceira pessoa, com o conforto e um sentimento de caseira interioridade, tecida por poetas como Adélia Prado e Carlos Drummond de Andrade. Já nos ímpares, se situa um diário íntimo e visceral da adolescência enquanto um período de extrema sensibilidade, no qual os mais simples e oriundos eventos são estopins a deslumbramentos e assombrações, em que a espiritualidade, o afeto e iminência da descoberta são apanhados por pelas palavras que buscam reproduzir a vivacidade dessas emoções, tal qual uma das escritoras favoritas de Caio, Clarice Lispector.

De uma noite desesperadora de sono tomada por uma sudorese febril a um atestado da presença de Deus, ao observar a rua de sua janela, reluzente depois da chuva, são variados os aspectos do amadurecimento no livro de Caio Fernando Abreu. Escrito quando tinha apenas 19 anos, Limite branco – título escolhido com a ajuda de sua amiga Hilda Hilst – foge do comum de romances de formação, como os trânsitos existenciais de J.D. Salinger, para a construção de uma passagem a vida adulta demarcada pela delicadeza do silêncio e pela maneira que são borrados os limites: do entre o eu e mundo – tão estranho! – que o cerca. – Enzo Caramori

Clare Vanderpool – Em algum lugar nas estrelas (288 páginas, Darkside)

A autora estadunidense Clare Vanderpool, ao escrever Em algum lugar nas estrelas, conquista sua licença poética para reiterar uma valiosa lição na convivência humana: o que importa, no fim, são os amigos que se faz no caminho. A obra se consolida como um marco na literatura infantojuvenil, não só pelo fato de ter sido best-seller no New York Times, mas por ter sido capaz de sensibilizar diversas camadas sociais, desde o Ensino Fundamental até os CLTs. 

Quando Jack se muda para um internato em Maine, além de lidar com as incertezas a respeito de um ambiente desconhecido, deve encarar as facetas melancólicas da morte da mãe e do distanciamento emocional do pai. Apesar do caos silencioso digno da denominação de solidão, ele encontra um candidato ao título de “amigo”: Early Auden, um menino tão discreto e tímido quanto a solitude de Jack. Os dois percorrem, juntos, um caminho de autodescoberta no qual a fantasia e a criatividade infantis se consagram.

Clare Vanderpool expõe com maestria as ramificações da infância em uma jornada pautada em identidade, pertencimento e memória. Em outros termos, Jack Baker e Early Auden protagonizam a história cuja desenvoltura reside no contraste entre a simplicidade da escrita e a complexidade do tema. A obra é uma experiência que desperta na criança vontade de procurar aventuras extraordinárias e, no adulto, a vontade de buscar o que ficou para trás. De qualquer forma, ambos objetos de desejo podem ser encontrados Em algum lugar nas estrelas. – Ana Cegatti

Agatha Christie – Sócios no Crime (279 páginas, L&PM)

Depois de descobrirem o paradeiro de Jane Finn e a identidade de Mr. Brown – o misterioso Adversário Secreto –, Tommy e Tuppence estão de volta em Sócios no Crime. A coleção de contos escrita por Agatha Christie, lançada em 1929, continua a história da dupla de investigadores recém-casados, que, a pedido de Mr. Carter, da Inteligência Secreta, assume a direção da agência Os Detetives Brilhantes de Blunt.

Sob as personas do detetive Theodore Blunt e da secretária srta. Robinson, Tommy e Tuppence começam a investigar pequenos casos, enquanto esperam a aparição do espião N°16, comparsa do real Theodore Blunt, que, por sua vez, foi preso por Mr. Carter e sua equipe. E, ao usar técnicas de outros detetives da literatura policial, como as de Sherlock Holmes e de Hercule Poirot, o par de aventureiros tenta responder à pergunta: quem seria o espião Número 16? – Laura Hirata-Vale

Geovani Martins – Via Ápia (344 páginas, Companhia das Letras)

Fenômeno imediato desde que O Sol na Cabeça (2018) foi publicado e um dos convidados da Flip deste ano (dividindo uma mesa com a vencedora do Nobel, Annie Ernaux), Geovani Martins vem de Bangu – bairro suburbano do Rio de Janeiro –, mas também morou na Rocinha e Vidigal (onde vive até hoje), comunidades de favelas na zona sul da cidade. Sua experiência pessoal, indissociável de sua obra, se junta à trama de Washington e Wesley em Via Ápia, seu romance de estreia, no qual acompanhamos os personagens na Rocinha do antes, durante e depois da instalação da Unidade de Polícia Pacificadora (UPP), entre 2011-2013.

Em capítulos curtos, ao estilo de Machado de Assis – uma das principais referências de Geovani Martins –, enxergamos perspectivas cruzadas, em que cinco jovens (contando Washington e Wesley) vivenciam primeiras experiências no amor, na amizade, no amadurecimento e na inibição de seus próprios sonhos frente a violência instaurada pelo Estado, numa “guerra às drogas” fracassada desde o início. Ao enviar sua tropa de choque à Rocinha, pelos olhos de Martins, o Estado parece apresentar uma única resposta aos problemas da desigualdade social no Brasil: a morte.

Mas, seguindo a narrativa habilidosa de Via Ápia, na qual os diálogos impulsionam a trama, os impactos da UPP na vida dos moradores resvalam em todos os sonhos. Dividido em três partes, acompanhamos a expectativa da comunidade em relação à invasão; a ruidosa instalação da UPP; e a silenciosa partida da polícia e a retomada dos bailes funk que “fazem o chão da favela tremer”. Criador de diálogos impecáveis e verossímeis, Martins aponta que a resposta dos moradores é e sempre foi outra: “a vida, sempre ela, nunca a morte”. – Bruno Andrade

Christiano Aguiar – Gótico Nordestino (133 páginas, Alfaguara)

São 9 os brilhantes contos que Christiano Aguiar precisa para situar suas histórias de medo, mistério e morte no interior brasileiro. Afinal, aliado a uma escrita visual e polvorosa, junto da curta duração das tramas, o livro vencedor do prêmio de Contos da Biblioteca Nacional é um prato a ser devorado fumegante, sem espaço para respiros ou breves pausas. De cara, uma pequena travessia entre duas residências é palco de muita tensão.

Já em As Onças, conto pós-apocalíptico que une a mitologia da epidemia com a fauna nacional, Aguiar coloca na mesa todo seu arsenal literário: emoção se transforma em lamento, que logo se transfigura na surpresa digna de arregalar os olhos e suspender o queixo. Gótico Nordestino é o atrativo maior no mar de criatividade do autor e da escassez de narrativas fantasmagóricas e sobrenaturais que fogem de clichês ou mazelas narrativas. – Vitor Evangelista

Gênese Andrade (Org.) – Modernismos 1922 – 2022 (896 páginas, Companhia das Letras)

Na história do Brasil, poucos eventos são tão culturalmente divisores quanto a Semana de Arte Moderna. Tanto em sua relevância como marco artístico-cultural quanto nas controvérsias sobre o seu caráter disruptivo, o evento de 1922, bem como suas origens e desdobramentos, já são temas constantes no ambiente de discussões do país, mas ocupam um lugar especial em seu centenário, conforme bem identifica Modernismos 1922 – 2022.

A publicação especial da Companhia das Letras para os 100 anos da Semana de 22 é mestre em identificar as vértices do debate sobre o movimento no país, cujo início oficial é atribuído à série de apresentações, debates, exposições e movimentações que aconteceram na capital de São Paulo entre os dias 13 e 17 de fevereiro de 1922. São 29 ensaios inéditos, assinados por 29 autores diferentes, que analisam o desenrolar desses 100 anos com direção de Gênese Andrade.

Além de se organizar a partir da experiência de uma das principais referências sobre o tema da atualidade, o livro traz as contribuições de nomes consagrados no ramo do estudo da História e Cultura brasileiras, como Lilia Schwarcz, José Miguel Wisnik, Walnice Nogueira Galvão e Regina Teixeira de Barros. Os temas abarcam as representações raciais, locais e de gênero e os discursos políticos, sociais e estéticos das Artes Visuais, da Música, da Literatura e da Arquitetura modernista, olhando para cem anos atrás a fim de compreender cem anos à frente. – Raquel Dutra

Ingrid Betancourt – Não há silêncio que não termine (556 páginas, Companhia das Letras)

Há duas décadas, a então candidata à presidência Ingrid Betancourt era sequestrada pelas FARC, as Forças Armadas Revolucionárias da Colômbia. Presa em cativeiro durante seis anos, o seu início promissor na política se desfez, porém, os tormentos vividos na selva colombiana foram registrados na história através do livro Não há silêncio que não termine, publicação que selou a relevância internacional do acontecimento. 

Na obra escrita em primeira pessoa, a autora transporta o leitor para o ambiente inóspito da lama atraente e das folhas sufocantes que a fizeram refém. Betancourt, habituada com a presença de referências culturais no seu convívio familiar, escolheu um trecho do poema Para todos de Pablo Neruda para compor o título e trouxe o dom das palavras de Gabriel García Márquez para o seu estilo. – Nathalia Tetzner

Ocean Vuong  – Céu noturno crivado de balas (227 páginas, Âyiné)

Dois anos. Esse foi o tempo em que o poeta vietnamita Ocean Vuong passou em seu país de origem antes de migrar para os Estados Unidos com sua mãe e avó – a única família que tinha. Nascido em um país do qual não se lembra, com um pai que nunca chegou a conhecer e fazendo perguntas que nunca poderiam ser respondidas, ele fez o que a maioria de nós faríamos: criou seu passado e parte dessa criação está materializada em Céu noturno crivado de balas.

Os trinta e cinco poemas que compõem a obra se dividem em dois grandes temas: a guerra do Vietnã e o amor, e como a guerra e o amor se encontram em diversos pontos. Vuong possui uma capacidade incrível de criar imagens e fazer com que os silêncios de seus versos falem com a mesma força de suas palavras; escrevendo sobre a batalha, a família ou sobre o sexo, todas as suas composições contêm a aura da perda causada pela violência, pelos mal-entedidos ou pelo simples correr das folhas do calendário. Ao transitar por diversos campos simbólicos, Céu noturno crivado de balas oferece múltiplas possibilidades de leitura, tratando-se de um processo constante e infinito de elaboração que parte justamente de uma ressignificação da linguagem. – Raquel Freire

Caco Barcellos – Rota 66 – A História da Polícia Que Mata (352 páginas, Record)

Rota 66 – A História da Polícia Que Mata liga inúmeros assassinatos cometidos pela Rondas Ostensivas Tobias de Aguiar (ROTA), divisão da Polícia Militar do Estado de São Paulo, ao escândalo de 1975 pela execução de três jovens de classe alta. O caso é investigado a fundo pelo jornalista Caco Barcellos, que descobre um grupo de matadores agindo com o aparente aval da polícia.

A obra ganhou o prêmio da categoria Reportagem do Prêmio Jabuti de 1993 e foi adaptado para uma série pela Globoplay em 2022. Rota 66  é envolvente a ponto de nos fazer criar uma sensação de cumplicidade com os participantes da trama e choca com a descrição das arbitrariedades cometidas pelos agentes de segurança e pela total falta de confiança entre esses servidores e a população. – Guilherme Dias Siqueira

Talia Hibbert – Vê se cresce, Eve Brown (296 páginas, Paralela/Companhia das Letras)

Eve é a caçula das três irmãs Brown. A personagem tem a presença de um furacão: imprevisível e capaz de derrubar tudo. Pelo menos é isso que seus pais veêm quando, depois de inúmeras tentativas de definir um rumo para sua vida, a moça não consegue se encontrar em nada – talvez ela nem quisesse isso. Assim, a única opção da mulher de tranças lilás é ir atrás de estabilidade, como prova de que os julgamentos a seu respeito estão errados. É assim que Eve Brown entra de cabeça em uma aventura na qual o autoconhecimento é o destino e nós somos os acompanhantes, carregando sorrisos tímidos no canto da boca.

O livro – traduzido no Brasil por Lígia Azevedo – explora mais do que as nuances de um clichê adorável ao expor o protagonismo autista e se desviar de muitos estigmas. A leitura é fluida e aconchegante, fazendo com que conheçamos aspectos diferentes da representatividade, enquanto nos apaixonamos pelo enredo cativante. No destino de Eve, há muito mais que algumas pombas brancas voando para o lugar errado.  

O texto de Talia Hibbert ainda ganha espaço para trabalhar o clássico dos romances juvenis com um enemies to lovers extremamente carismático. Ver a protagonista bagunçada e o metódico Jacob Wayne se encontrando nas diferenças abre portas para encarar divergências com outros olhos. Se Vê se cresce, Eve Brown gostaria que sua personagem fosse um pouco mais madura, isso não só acontece com excelência como também nos engrandece junto dela.  – Jamily Rigonatto

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“Simplesmente isso não se vê. (…) Nos tomamos por pessoas, mas não somos pessoas. Somos, à nossa maneira, pequenos acontecimentos.”

– Gilles Deleuze em aula ministrada no ano de 1980 no Centro Universitário de Vincennes, em Paris, na França.

Raquel Dutra

Quando, em 2000, Annie Ernaux intitulou o livro que abriria pela primeira vez ao mundo a sua experiência com uma gravidez indesejada e um aborto clandestino na França de 1960, ela com certeza estava ciente da referência filosófica que marcaria a sua obra, mas não imaginava com a mesma intensidade a dimensão da sua representação – e, por consequência, o rompimento que O Acontecimento provocaria com suas próprias conceituações. É que, enquanto o termo do título evoca a ideia de uma experiência de individuação (como o próprio detentor da “filosofia do acontecimento”definiu), todo o desenvolvimento do livro trata de uma história particular vivida a nível universal (mais precisamente, presente em quase metade das vivências em questão do mundo).

O exercício de desenvolver as referências filosóficas e leituras sociais de O Acontecimento, no entanto, são ocorrências restritas ao lugar do leitor. Na linguagem da escritora e professora francesa nascida em 1940 e vista como uma das principais vozes feministas da contemporaneidade, não existe nenhuma pretensão. Seu instrumento como literata é a palavra direta e substantiva (como bem traduzem os títulos de seus livros), cujo objetivo é “resistir ao lirismo da cólera ou da dor” a fim de construir a verossimilhança da sua experiência, que ela transforma em livro quarenta anos depois. A partir de suas memórias do período registradas em seus diários, Ernaux retorna aos seus 23 anos, quando, depois de deixar um contexto familiar marcado pelo cotidiano interiorano da classe operária francesa do século XX, engravidou contra a sua vontade em meio aos seus estudos sobre Literatura Moderna na Universidade de Rouen, no auge de sua juventude. 

Nas palavras da autora, uma das mais importantes da França na atualidade, a história cria o pano de fundo para um texto que se aproxima de um ensaio, tratando sobre a onipresença da lei e os imperativos que regem o corpo das mulheres ao longo dos anos. Essa prática singular em analisar as relações que existem entre o público e o privado, o concreto e o abstrato, é só o primeiro dos muitos méritos do décimo livro de Annie, que como característica principal da sua Literatura, agraciada com o Prêmio Marguerite Duras em 2008, já tem até o seu nome próprio cunhado pelos estudiosos de sua obra: autosociobiografia. Em julho de 2022, cinco meses depois da publicação do livro no Brasil pela tradução de Isadora de Araújo Pontes, e quando o Clube do Livro Persona o escolheu como a sua décima leitura, nada se mostrou tão socialmente atual quanto as experiências de Ernaux em 1963.

É fato que as decisões na chamada “Terra da Liberdade” impactam os debates dos demais países do globo, mas no Brasil o assunto surgiu de maneira ainda mais urgente: por meio do jornal The Intercept Brasil, tornou-se público um caso de uma menina grávida em decorrência de um estupro aos 11 anos, que foi não só impedida de realizar um aborto legal (embora a atual legislação do país esteja sempre ameaçada), como também orientada pela juíza de seu próprio processo a desistir do procedimento.

“Acabo de achar entre meus papéis essa cena, escrita há vários meses. Percebo que eu tinha usado as mesmas palavras (…). Essa impossibilidade de dizer as coisas com palavras diferentes, essa união definitiva da realidade passada e de uma imagem que exclui qualquer outra, me parecem a prova de que realmente vivi assim o acontecimento.”

Como evidência da importância que a experiência tem para a história e obra autosociobiográfica de Annie Ernaux, existe a própria presença do assunto, que é debatido desde a primeira vez que a autora assinou um livro. Les Armoires Vides (Os Armários Vazios, numa tradução livre), seu romance de estreia publicado na França em 1974, já trazia uma narrativa autobiográfica que introduziu os temas de O Acontecimento com uma conjuração temporal impressionante: um ano antes da interrupção voluntária da gravidez ser legalizada no país.

Se a História e a biografia já são esferas inicialmente distintas aproximadas pela Literatura de Ernaux, não é desafio nenhum para a autora mesclar um caráter metalinguístico ao livro a fim de refletir sobre seu ofício. Nesse sentido, O Acontecimento parte de maneira nada linear de um lugar de observação das relações que as mulheres mantêm sobre si mesmas para analisar a dimensão de poder que a escritora constrói com seu próprio texto – pois essa é a identidade singular de Annie Ernaux, muito influenciada pelas suas formadoras francesas: observar a si mesma para melhor observar o mundo ao seu redor.

A consciência direta disso vem junto das suas tomadas de conclusão mais profundas. No nível radical que o texto de Ernaux atinge com O Acontecimento, a autora não só relembra com criticidade a terrível prática da Arte de seguir o hábito da sociedade de não ver valor de representação e legitimidade em determinadas histórias, como coloca toda a relevância de seu ofício justamente nesse lugar. A personagem principal é ela mesma, uma jovem em um processo de exercício profundo de suas liberdades, que vive em um embate com as restrições impostas a ela no mundo externo. Assim, Annie toma como trabalho o reportar essa vida de uma mulher que não corresponde aos padrões socialmente impostos ao seu gênero, desde suas motivações até seus arrependimentos.  

“Eliminei a única culpa que senti a respeito desse acontecimento – que ele tenha acontecido e que eu não tenha feito nada dele. (…) Pois, para além de todas as razões sociais e psicológicas que pude encontrar naquilo que vivi, existe uma da qual estou mais certa do que tudo: as coisas aconteceram comigo para que eu as conte. E o verdadeiro objetivo da minha vida talvez seja apenas este: que meu corpo, minhas sensações e meus pensamentos se tornem escrita, isto é, algo inteligível e geral, minha existência completamente dissolvida na cabeça e na vida dos outros.”

É no ínterim de O Acontecimento que Ernaux verbaliza e nomeia de maneira objetiva a sua própria identidade literária, mas foi em seu quarto livro que a autora consolidou sua órbita ao redor de ideais de emancipação e rompimento. O Lugar, obra vencedora do prêmio Renaudot em 1983, que traz sua família para o centro da história, firmou o nome de Annie em seu lugar de relevância para a Literatura contemporânea com uma narrativa firme de distanciamento de suas raízes, um processo realizado em prol de se tornar quem se almeja ser. 

No entanto, nenhum símbolo pode dizer mais sobre emancipação e liberdade do que o que marca a narrativa de O Acontecimento – não à toa, ele é nomeado assim, de maneira um pouco mais subjetiva do que os títulos costumeiros de Annie Ernaux. Muito mais do que um processo concreto que confere a uma mulher o poder sobre o seu próprio corpo, a autora insere mais uma camada à sua mistura de biografia, história e sociologia, entendo o aborto a partir de uma ótica quase filosófica: uma experiência plenamente humana, que permite acesso ao ciclo e aos extremos completo da vida, desde seu início, até o seu fim. 

“Sei que hoje eu precisava dessa provação e desse sacrifício para desejar ter filhos. Para aceitar essa violência da reprodução no meu corpo e me tornar, por minha vez, lugar de passagem das gerações.

Terminei de pôr em palavras isso que se revela para mim como uma experiência humana total, da vida e da morte, do tempo, da moral e do interdito, da lei, uma experiência vivida de um extremo a outro pelo corpo.”

Entre aspirações, significações e conclusões tão amplas sobre a sua experiência, a autora não deixa de sentir o que lhe foi particularmente marcante daquela época: a solidão e o desamparo, em nível legal, social, institucional e cultural. O choque vem da simples dificuldade da jovem Annie em enxergar as diferenças de gênero através de seu olhar tão livre e independente, que não vê outro lugar para si mesma se não aquele de completa igualdade com os demais. Nada disso, no entanto, define O Acontecimento, uma vez que a obra não existe de maneira a transformar a vida de Annie Ernaux em – literalmente – um livro aberto.

Inevitavelmente, é o que acontece, mas seus relatos íntimos, reflexões metalinguísticas e críticas sociais estão na obra com um objetivo bem definido: destacar a maneira como, além de tudo, essa experiência universal de desapropriação de si mesma causa uma uniformização violenta das nossas identidades – o que vai na direção contrária do nosso movimento de emancipação individual e coletivo. No mundo em que vivemos, nenhuma história sobre aborto é só uma história sobre aborto, e nenhuma experiência de violência de gênero é individualizada em seu alvo da vez. E as palavras de Annie Ernaux parecem ser as únicas possíveis para compreender que O Acontecimento dela nunca foi – e nunca será – só dela.

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Entre fogueiras e bandeirolas de São João, o universo do pop em junho recebeu visitas quentes. Depois de muito tempo distante dos holofotes, foi a vez de Beyoncé hastear suas bandeiras e renascer. No single BREAK MY SOUL, de seu tão esperado futuro álbum, intitulado Renaissance, a texana quer a emancipação pela dança e pela liberdade do movimento que apenas a Música house faz florescer. Ao se debruçar sobre as sonoridades das pistas de dança, a cantora está distante de abandonar o político; ainda mais quando retoma, na canção, as potências negras e queer do Disco, da bounce music, reverenciada na sample de Big Freedia, uma de suas maiores representantes. 

Assim, a Queen B inaugura o sétimo Nota Musical de 2022: ao entoar versos compostos pela raízes gospel que fundam a performatividade do ballroom, a favor da libertação das massacrantes rotinas que assolam os cotidianos depois do isolamento social, o trabalho de Beyoncé é de resgate. O house enfrenta o apagamento vindouro da apropriação por parte de DJs homens, cis, heterossexuais e brancos, trazendo um movimento combativo encabeçado por mulheres pretas que sempre tiveram um papel significativo na composição do que hoje é conhecido como Música pop. Acenando ao clássico Show Me Love, de Robin S., também sampleado anteriormente por Charli XCX neste mesmo ano, a proposta é de que haja espaço para a dança, mas que não fique no esquecimento o quanto esses ritmos vieram de um espaço de resistência à dor e à marginalização. 

Os gritos de afirmação e potência queer coloriram os projetos de outras artistas, e a apresentação de Madonna no Terminal 5 de Nova Iorque durante o evento WoW, Finally Enough Love, em celebração ao Mês do Orgulho LGBTQIA+, ganhou destaque. Como uma verdadeira rainha do pop, ela parece ser de fato incansável e também lançou a coletânea de remixes Finally Enough Love. O disco celebra duas conquistas recentes da cantora: tornar-se a primeira artista a chegar 50 vezes ao topo da parada Dance Club Songs, da Billboard, e ser a única artista a ter 50 hits em primeiro lugar em qualquer parada da revista estadunidense. Os lançamentos não param por aí, e Madonna deve lançar em agosto a versão Finally Enough Love: 50 Number Ones, formada por um total de 50 faixas. Enquanto esse mimo não chega, podemos escutar o single Ray Of Light (Sasha Ultra Violet Mix Edit) [2022 Remaster], disponibilizado nas plataformas de streaming também em junho.

Quando o assunto são rainhas e diversidade, a drag queen Trixie Mattel e seu novo projeto em tons de rosa ganham protagonismo. Em meio a uma turnê ao lado de sua amiga e parceira de negócios Katya, e ao lançamento de sua própria série de renovação de um motel, a artista encontrou espaço para, no Mês do Orgulho, lançar seu disco duplo. O The Pink & Blonde Albums abraça suas diversas facetas, do amor apaixonado vibe dos anos 60 até a sensualidade inebriante de uma artista no auge de sua Arte. 

A paleta de cores do mês chegou até o vermelho, típico de outra loirinha que deu as caras em Junho de 2022. Em mais uma de suas aventuras pelas trilhas sonoras — nas quais encanta desde 2012, com sua original ao lado de The Civil War para Jogos Vorazes —, Taylor Swift continua se deliciando no som soturno de folklore e na identidade alternativa de evermore para embalar Where The Crawdads Sing — estrelado pela querida e maravilhosa Daisy Edgar-Jones. 

Nossas playlists também tiveram a honra de ser agraciadas pelos recomeços. Demi Lovato saiu da reabilitação outra vez e retornou com a sonoridade pop rock dos primeiros anos de sua carreira. Em SKIN OF MY TEETH,  o melhor da potência vocal de Demi é trazido para o pré-refrão extasiante. A faixa é o primeiro single do seu oitavo álbum de estúdio, HOLY FVCK, cujo lançamento está previsto para agosto. 

Como hiatos e períodos complicados sempre fazem parte da rotina, tivemos a volta de figurinhas engavetadas. Halsey, finalmente, passou por cima das burocracias e empecilhos impostos por sua gravadora para o lançamento de novas músicas, trazendo ao público So Good – seu primeiro single desde o álbum If I Can’t Have Love, I Want Power.  Na faixa, que conta com a produção de Max Martin, a artista relembra um amor de desencontros e lamenta o fato do relacionamento não ter tido sucesso. Com um ritmo suave e delicado, a canção vem acompanhada por um clipe – dirigido por Alev Aydin – que passeia por lembranças e possibilidades. Sem ser surpreendente e impactante, a aposta foi substanciada por sentimentos singelos e comedidos.

A previsão do tempo é: simplicidade. Após o lançamento pouco impactante de Solar Power em 2021, e depois da chuva de críticas recebidas, Lorde protagonizou o clipe do single The Path. A produção audiovisual, dirigida pela própria cantora e seu parceiro Joel Kefali, traz a mesma estética ensolarada que vem sendo trabalhada desde o início da era. No vídeo, a kiwi se une a sua comunidade para dançar e exaltar a chegada do verão. Imerso em tons de vermelho e amarelo, o sol ainda parece insuficiente para tirar Lorde do morno.  

Já que o assunto é previsão, os planos para o futuro de Lizzo e Rina Sawayama chegaram. A primeira liberou o já imerso em polêmicas Grrrls, novo single do vindouro álbum Special. Rina Sawayama, por sua vez, trouxe mais uma prévia do seu disco, cujo lançamento está marcado para o dia 2 de setembro. A nova faixa, Catch Me In The Air, não dá conta de acompanhar as expectativas criadas pelo primeiro single do álbum, This Hell. 

As personalidades icônicas também marcaram o novo lançamento de Grace Gaustad. Com uma letra repleta de disco sticks e referências a divas pop, o seu novo single, GAGA, chegou às plataformas de streaming todo trabalhado no brilho e no estrelato. Mas o verdadeiro auge do lançamento está, provavelmente, no clipe que acompanha a canção. Nele, Gaustad se reúne com personalidades do RuPaul’s Drag Race e, juntas, as artistas percorrem momentos icônicos da carreira da Mother Monster, trazendo referências explícitas para os olhos – e ouvidos – super atentos dos little monsters. Ao lado de PILLBX e Everybody’s Friend, singles também disponibilizados no mês de junho, GAGA abre caminho para o álbum PILLBX: whts ur fantasy. 

Para fechar as cortinas do pop internacional, o BTS lançou Proof. A coletânea de sucessos marca o início da pausa das atividades em conjunto dos sete integrantes. Antológico, o álbum conta com várias demos e três músicas novas. Entre elas, o dueto de Agust D e Jimin em Tony Montana e o single Yet To Come (The Most Beautiful Moment). Conan Gray também fechou as contas e liberou todas as faixas do lancinante Superache – que até então nos vinha sendo apresentado em parcelas. 

Contrariando um cosmos de frustrações, a extraordinária, provocativa e até mesmo cômica performance de Trashy Ladies Medley, de 1975, finalmente chegou ao canal oficial de Cher no YouTube. Realizada no The Cher Show, a apresentação traz a reunião da dona do hit Believe com ninguém menos que Bette Midler.

O cenário pop brasileiro também recebeu várias novidades e lançamentos no mês de junho. No disco Em Nome da Estrela, a magia de Xênia França é a variação. Em sua investida de estruturar a negritude nos mais diversos campos imaginativos, a cantora agora tece sua harmônica mistura das musicalidades da MPB, junto a um jazz contemporâneo no território lírico dos sonhos. Indo dos versos de Dádiva, acompanhados por belíssimas cordas, até os meandros rítmicos que vão do blues ao maracatu em Ancestral Infinito, o álbum é um ponto de ruptura ao determinar um universo amplo de sonoridades e influências.

Também se jogando em um projeto musical ambicioso, Johnny Hooker lançou o álbum ØRGIA. Inspirado pelo livro Orgia – Os Diários de Tulio Carella, Recife 1960, o novo disco beira o conceito de álbum visual ao construir uma espécie de filme – repleto de ambientes noturnos, sexo e solidão – com as letras, clipes e visualizers que o compõem. Indo do brega ao electro-rock, Hooker nos presenteia com canções inéditas e outras já conhecidas, como Amante de Aluguel e Nhac!, colaborando ainda com o fenomenal Silva na faixa Maré. 

Cinco anos após o lançamento de Recomeçar, Tim Bernardes está de volta para presentear o cenário da Música nacional com o acolhedor e delicado Mil Coisas Invisíveis. Em instrumentais poéticos e extremamente bem produzidos, o cantor explora os estágios da vida, além de nos mostrar o mundo com a sinceridade de sentimentos invisíveis e tocantes. 

Em Meu Santo É Forte, MC Tha encontra e leva Axé para todos os lugares. Fruto de releitura de músicas da cantora Alcione, lenda da Cultura brasileira, o EP recupera canções de menor alcance popular, e as submete à produção contemporânea. Indo do samba ao funk de atabaques, passando por twists de suingue, MC Tha questiona a grande intolerância religiosa que assola o Brasil. 

Se no EP Clarissa a cantora retratava o amor como um sentimento que andava na corda bamba, Caminhada mostra autossuficiência e companheirismo. Aqui, Clarissa não precisa se apequenar para caber em alguém, mas se mostra inteira o suficiente para trilhar um caminho em um relacionamento saudável. A dona do hit pop punk nada contra (ciúme) também lançou amor desalinhado, em parceria com o cantor português Diogo Piçarra. Em um dueto emocionante e harmonioso, os dois refletem sobre o quão belo e doloroso um término de relacionamento pode ser.

No começo de junho, IZA disponibilizou o single Fé. A canção recebeu um videoclipe estonteante, dirigido por Felipe Sassi, e faz parte do ciclo do seu ainda inédito segundo álbum de estúdio. A cantora também colaborou no single Cangaceira, do grupo Falamansa. A faixa ganhou um clipe, em que IZA interpreta uma divindade cheia de flores, no estilo God is a woman, de Ariana Grande. 

O pop brasileiro recebeu o lançamento de Vestido de Amor, lead single do próximo álbum de Chico César. Além disso, Anitta, junto a LUCK MUZIK, disponibilizou o single TROPA, uma colaboração com o jogo Free Fire. A música ainda ganhou um videoclipe, dirigido por Christian Breslauer, responsável pelo clipe de Boys Don’t Cry.

Pelo terceiro mês seguido, Rody Martinez marcou presença no cenário pop brasileiro; dessa vez, com o lançamento do single Lambada. Quem também retornou foi Priscilla Alcantara, com a faixa-título de seu disco do ano passado, Você Aprendeu A Amar?. O single seria só mais uma vítima das atuais estratégias de lançamento duvidosas da cena, se não fosse a arquitetura sonora completamente desajustada que desperdiça até mesmo a força da participação de Emicida. 

Juliette, a campeã do BBB 21, lançou Solar, que faz parte de uma série de singles que sucedem o criticado EP que leva seu nome. A canção mostra uma persona mais sensível e contemplativa, e ainda pega emprestado os versos de um poema antigo da cantora. O destaque de junho no cenário pop brasileiro, no entanto, é de Ludmilla: a artista marcou presença no BET Awards, sendo a única indicada do país na premiação. 

Antes disso, ela disponibilizou o Medley Lud Session numa parceria estonteante com Luísa Sonza, mesclando as canções Tudo porque você mentiu; penhasco.; CAFÉ DA MANHÃ ;P e Doutora 3. Luísa, por sua vez, também participou do single de Baco Exu do Blues, Hotel Caro. Ao falar sobre os momentos de luz e de escuridão de um relacionamento, os cantores discorrem sobre os antagonismos de um sentimento que chega ao fim, deixando peças demais para trás. 

Alô, alô, Gilberto Gil, aquele abraço! Em junho, o homem que anda com fé completou 80 anos. Além de todas as homenagens e especiais televisivos recebidos, o cantor foi presenteado com um museu virtual no Google Arts & Culture, intitulado O Ritmo de Gil. Dentre as preciosidades reunidas na exposição, o maior tesouro é um disco perdido do cantor e compositor baiano. Gravado em 1982 para o mercado internacional, o álbum sem título não chegou a ser lançado na época – e foi encontrado só em 2020, pelos pesquisadores Chris Fuscaldo e Ricardo Schott. A coletânea está agora disponível para o público, que poderá ouvir oito faixas em inglês, e uma em português, além de contar com uma participação da estadunidense Roberta Flack. Os fãs da lenda da Música brasileira também foram presenteados pelo próprio: o veterano juntou os filhos e netos na série documental Em Casa com os Gil, para a gravação de um álbum homônimo. O encontro de gerações resgatou clássicos do cancioneiro de Gil, como Barato Total, Drão e Sítio do Picapau Amarelo, trabalhos que marcaram a vida de muitas famílias. 

Enquanto isso, Tom Zé, que é sempre uma multidão em suas criações musicais, carregando as mais inesperadas referências histórico-culturais e zelando pelas pesquisas e explorações antes de dar vida a um projeto, concebeu Língua Brasileira, o novo disco do último tropicalista. A coletânea possui Felipe Hirsch como diretor artístico, que também dirige um espetáculo teatral-musical de mesmo nome, sob consultoria geral de Caetano Galindo. O álbum mostra os caminhos da língua, que vão do tupi-guarani à cultura celta, passando por descobertas feitas na Itália e por outros detalhes lindos e minuciosos, como a ligação ao quimbundo. Língua Brasileira, de modo geral, é uma reunião de informações que se encontram na margem do aprendizado oficial, como as origens desse nosso precioso bem sociocultural.

LUI e Bemti se uniram em Preciso Dizer Que Te Amo / Re-Veja [Ao Vivo]. Numa  belíssima releitura da composição de Cazuza, Bebel Gilberto e Dé Palmeira, a faixa recebeu um videoclipe comovente, dirigido por Fred Soares. Já Aquino e a Orquestra Invisível lançaram o single Quando Ela Foi. Em um ritmo animado e dançante, a banda explora novos sons, e mostra sua evolução desde o seu primeiro disco, Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, lançado em 2021. A faixa ainda ganhou um clipe ao vivo, diretamente do primeiro show da banda no Circo Voador. 

Madu também marcou presença na MPB nesse mês de junho. Lançando o quinto single do vindouro disco Querubim, o cantor entrega sua própria versão de Amor Cinza, música composta – e já até gravada – por Mateus Aleluia, mais uma vez acompanhado pelas notas musicais do violão de Jean Charnaux. Para fechar os lançamentos da Música Popular Brasileira, temos a volta de Chico Buarque ao universo musical. 

Com a música Que Tal Um Samba?, o vencedor do Prêmio Camões contempla, em um tom crítico e político, um ar de enfrentamento e superação. A faixa poderia facilmente ser uma atualização de Apesar de Você: no meio de um ritmo gostoso de ouvir e elementos culturais, a esperança de que “amanhã há de ser outro dia” e de que as coisas ruins irão passar continua presente. E, mesmo com mais de 50 anos de carreira, podemos perceber como Chico Buarque ainda continua seu legado de consciência, de resiliência e de resistência ao autoritarismo governamental. 

Continuando no território brasileiro, mas indo para a área do rap, Filipe Ret lançou o álbum LUME, seu sexto trabalho de estúdio. O projeto mostra o encontro do trap e do funk, e possui várias participações, como Anitta, MC Hariel, L7nnon, Caio Luccas e Cabelinho. Sob a energia de ritmos fortes, marcantes e festivos, as músicas falam sobre a vida nas favelas, as conquistas e a sedução. Além disso, o trabalho de Ret explora uma atmosfera dual e mais transparente do que nunca. 

A dupla de gêmeas Tasha & Tracie lançou, em junho, o single WILLY. Produzida por Pizzol, a música faz referência ao livro A Fantástica Fábrica de Chocolate. Usando jogos de palavras que relacionam chocolates e dinheiro, as irmãs trazem rimas melodiosas e a exaltação do poder das mulheres negras. MC Carol lançou Africano, música dedicada a seu noivo, que se tornou ainda mais especial com o videoclipe que acompanha a homenagem. 

Adentrando o espaço do rap internacional, temos o retorno de Post Malone. Quase três anos depois do lançamento do aclamado Hollywood’s Bleeding, o rapper está de volta, com alguns dentes a menos, e com um tom mais sombrio no disco Twelve Carat Toothache. Ao unir forças com artistas como The Weeknd, Doja Cat e Roddy Ricch, Malone reflete sobre corações partidos e sobre o alcoolismo – que o faz feliz na mesma medida que o prejudica. O quarto álbum de Posty alcançou o segundo lugar da parada musical Billboard Hot 200, além de marcar o fim do contrato por obra com a gravadora Republic Records. 

Recebemos também o primeiro disco de Erica Banks, Diary of The Flow Queen. A responsável por Buss It, música viral da plataforma TikTok, mostra como vai com o flow de seus beats: Banks se autointitula “Flow Queen” – Rainha do Flow. Já Lil Nas X fez seu retorno pós-MONTERO junto do rapper NBA YoungBoy com o single Late To Da Party. O lançamento veio logo depois de Lil Nas ser esnobado pelo BET Awards; o cantor usou a faixa para mandar indiretas bem diretas para a premiação, e ainda recebeu um clipe. 

Uma colaboração entre Pharrell Williams, 21 Savage e Tyler, The Creator não poderia seguir um caminho diferente do sucesso. Em Cash In Cash Out, os rappers reafirmam os porquês de serem ganhadores do Grammy. Apostando em uma receita clássica e certeira, a faixa traz uma letra milionária em que os artistas fazem referência a artigos de luxo. A canção ainda recebeu um clipe em stop motion, dirigido por François Rousselet. 

“Eu me sinto como uma deusa, eu me sinto como uma diva”, diz Princess Nokia, em seu single recém-lançado Diva. A rapper, completamente inspirada por divas pop, mostra, durante o clipe da faixa, sua ascendência porto-riquenha. A faixa fica ainda mais completa com a lista de verdadeiras deusas da Música, como Beyoncé, Shakira, Aaliyah e Britney Spears. Para ultimar o mundo do rap, Muni Long lançou a dançante Baby Boo, junto com Saweetie.

Já no mundo do R&B, Muni foi escolhida como parceira por John Legend para o single Honey. Em uma melodia doce e suave como o mel, a dupla reflete sobre o prazer feminino. A faixa se delicia em suas batidas vindas do jazz e dos vocais sensuais e harmoniosos do par. Também recebemos o retorno de Chlöe, com o single Surprise. Na música, a cantora expressa e explora sua sensualidade dentro de seu relacionamento, trazendo instrumentais envolventes, junto com vocais delicados e encantadores.

Após quase dois anos do lançamento de Nectar, seu segundo álbum, Joji está de volta com a canção Glimpse of Us. Em uma melodia emotiva e melancólica, com belas notas de piano, e com versos tocantes e lamentosos, o cantor compara um relacionamento atual a um do passado. Essa comparação se potencializa pela forma que Joji utiliza os pronomes ‘ela’ e ‘você’, para se referir ao seu amor atual e ao seu amor passado, respectivamente. Podemos ver isso nos versos “Porque às vezes eu olho nos olhos dela/E é aí que eu encontro um vislumbre de nós”.

O universo do R&B ainda recebeu de presente a versão deluxe de Ctrl, álbum de SZA que completou cinco anos em junho. O disco contém sete faixas inéditas, que dão uma cara nova para o primeiro grande trabalho de estúdio da artista. A revisitação mostra como SZA faz jus ao sucesso do pioneiro, que recebeu cinco indicações ao Grammy e que, mesmo após meia década, permanece na parada musical Billboard 200.

Para o Rock, o sexto mês do ano foi silencioso, mas imperial. Retomando os clássicos, o icônico grupo Kiss lançou o álbum Off The Soundboard: Live In Donington, com repertório gravado no festival inglês Monsters Of Rock, em 1996. Enquanto isso, Blondie contrariou as tradições e deu uma chance para as primeiras vezes, anunciando o primeiro box set da carreira, Blondie: Against The Odds 1974-1982 — com lançamento previsto para o mês de agosto. Para dar início a esse “projeto de arquivo”, a banda disponibilizou nas plataformas de streaming uma gravação intensa e inédita: um cover de Moonlight Drive, do The Doors.

As novidades e urgências do século também tomaram conta das fases de Yeah Yeah Yeahs. Depois de quase dez anos em hiato, a banda se alimenta da mágica de uma nova geração musical do pop rock com seu novo single Spitting Off the Edge of the World. Numa explosão emotiva de sintetizadores digna do pop ecoante das baladas oníricas de M83, o retorno do trio de rock, sempre formativo de estardalhaços, agora se apoia em um gigantesco sentimentalismo de uma produção muito remanescente às sonoridades transcendentais de Perfume Genius.

Em contraponto, se apoiar na contemporaneidade deu a MUNA um ar de reprodutibilidade técnica. A banda, apadrinhada por Phoebe Bridgers, lançou seu quarto disco de estúdio, batizado com o nome do grupo. Embora o trabalho, modesto em extensão e alcance, edifique as 3 artistas em potenciais ainda não explorados em sua carreira, as canções parecem se esforçar demais, mergulhando em tendências mercadológicas para a justificativa de escolhas estéticas e de estilo. Silk Chiffon, single de barulho que divide os vocais com a madrinha do indie, bota para quebrar, assim como a extravagante What I Want. Feito para ser ouvido e cantado a plenos pulmões num carro em alta velocidade durante o Mês do Orgulho, MUNA oferece menos do que poderia.

Os tons noturnos da vez ficaram por conta de Soccer Mommy. Mais obscuro que seu trabalho em color theory, a cantora retorna com Sometimes, Forever envolvida pelas sombras e por autodescobertas pontiagudas, em especial as que dizem respeito a fatores imutáveis de seu cosmos. Além disso, as estrelas brilharam para Ozzy Osbourne e seu novo trabalho Patient Number 9, faixa-título de seu próximo álbum. A canção conta com a participação do ícone do rock Jeff Beck.

E se até então os lançamentos pareciam um pouco mais calmos, a Música alternativa se definiu em turbilhões. No mais novo álbum de Mike Hadreas como Perfume Genius, Ugly Season, o compositor torna a visceralidade – encoberta pela beleza no abraço ou no abandono à corporeidade em Set My Heart on Fire Immediately e em No Shape, respectivamente – o cerne temático de seu projeto. Nessa crueza, que está refletida claramente em seus vocais distorcidos, nervosos e até mesmo suprimidos por instrumentações alucinantes, Hadreas expõe suas emoções sem meandros, com uma expressividade que dilui seu típico estilo narrativo de storytelling em composições quase impressionistas.

Passeando por pulsões que vão do barroco psicodélico de Scherzo, ao reggae na faixa-título para um maníaco disco mix em Eye on The Wall, Hadreas encontra na feiura e na dissonância dessas canções, pensadas originalmente para a peça de dança contemporânea de Kate Wallich, outras maneiras de lidar com o corpo queer. Sua lírica vai desde a sexualidade em Pop Song até o lapso de beleza ambient no fim do álbum, em Cenote. 

O transtorno musicalizado também foi a aposta de quem não aparecia há um bom tempo. Seis anos após o lançamento de Jet Plane And Oxbow, Shearwater volta aos holofotes com o seu décimo disco, The Great Awakening. As 11 faixas se derramam em águas turbulentas onde a única regra é não ter regras. No álbum, os instrumentais compõem uma musicalidade apocalíptica e incoerente. Em um ideal de combinações estranhas e estridentes, Shearwater nos apresenta críticas sob os contrastes de uma melancolia enérgica.

Chegando para cumprir promessas antigas, a dupla composta por Camae Ayewa (Moor Mother) e Zubeyda Muzeyyen (DJ Haram), finalmente trouxe o lançamento de seu álbum de estreia. Em uma atmosfera definitivamente distante do reconfortante, 700 Bliss traz à tona uma musicalidade anárquica. Imersos em um instrumental indômito, a bateria e o baixo são complementados por sons estrondosos. Aquilo que em um primeiro momento parece incômodo e mal executado, se mostra extremamente bem encaixado às temáticas retratadas nas músicas. Usando letras provocativas e incisivas, a dupla critica o abuso de poder e a marginalização da cultura preta. Em momentos contrastantes usam pontos humorísticos para compor uma narrativa caótica. Para quem não tem nada a declarar, 700 Bliss fala sobre muitas coisas que precisamos ouvir.

O ponto de equilíbrio em meio a tempestade foram as notas agridoces do lirismo, como acontece no segundo álbum da cantora italiana Francesca Burattelli, Battle Fatigue. Depois do sabor amargo tratado em Condition, chegou a vez da artista esmiuçar o amor em suas faces ternas e aflitivas. As 11 músicas do disco apresentam Francesca em completa experimentação. Aqui, sua voz mistura o canto e a fala, além de trazer interpretações em três idiomas diferentes: o inglês, o italiano e o dinamarquês. O ritmo tem um trabalho de cordas muito singular, em que guitarra e outros instrumentos se tornam um complemento ao tom adocicado dos vocais da artista. 

Caminhando pela maturidade do sentir, as emoções foram alvo de transformações. No projeto de remixes de seu último álbum, o florescente e íntimo Colourgrade, Tirzah convida artistas que partilham e entendem as noções de delicadeza e sinceridade que atravessam suas canções, da mesma maneira que constroem novos territórios de experimentalismo acerca do conceito do remix. 

Na reinvenção da faixa-título, Arca trabalha com sintetizadores intergaláticos, enquanto recupera a  bela crueza do trabalho de Tirzah ao não ter medo de trazer momentos de silêncio e de dissonância aos ouvidos, principalmente no ressoar de um teclado que encobre misteriosos vocais distorcidos. Já no enigmático e mágico incremento de instrumentações por Lafawndah em Crepuscular Rays, há um perfeito híbrido dessas visões artísticas tão férteis, encontrando no cenário de remontagem e remixagem uma nova maneira de significação partilhada dos temas colocados originalmente pelo álbum. 

Onde há humanidade, há desabafo, e são em batidas imersas em uma euforia bagunçada, high on helium e cheias de torpor que Grace Ives compõe Janky Star. Álbum esse que, se estivesse em moldes literários, estaria muito mais para um livro de contos do que para um romance narrativo sustentado em uma linearidade. Formando pequenas caixinhas desorganizadas prontas para serem vasculhadas, a cantora conta com o produtor Justin Raisen, que passou pela produção de outras joias pop, como Baby, de Charli XCX. 

Mas diferentemente da superprodução e do complexo de estrela presentes no último projeto de XCX, Ives remonta-se em uma intimidade que, em faixas como Lullaby, conseguem alcançar um suprassumo de sinceridade ao narrar os nadas que preencheram o isolamento social pandêmico. A falta de pretensão nos versos de On The Ground constituem o mais perfeito pop para dançar sozinho, isolado do mundo afora e preso em seus fones de ouvido, já o uso de vocais distorcidos em Back In LA só reforçam a alegria letárgica do álbum. 

Como até as confissões ganham ares mercadológicos, mais um dos recortes sonoros comerciais de twigs, killer, vem com o direito a uma batida produzida pelo seu colaborador em CAPRISONGS, El Guincho. Acessando as sonoridades de um trap que consegue sustentar os sempre poderosos vocais da cantora em belas harmonias, a composição da estreante no Tiny Desk se coloca em direto diálogo com formas mais radiofônicas de se fazer pop, que se mostram até na espertíssima promo da música no TikTok, com um vídeo que se fez digno de tabloides de fofoca. Assim, o single mostra que CAPRISONGS foi apenas um pé dentro do mainstream em que twigs tem pretensão dar um mergulho.

As influências do pop também aterrissaram em ritmos psicodélicos. Em mais uma amostra de seu novo álbum, Shygirl expõe uma desconstrução melódica do pop que, no início, se assemelha a uma versão mais açucarada e revestida de glitter das batidas vocálicas do Medúlla, de Björk. Com a participação de Arca na produção, vozes são remixadas e reorganizadas em uma sinfonia febril e alucinante. Sob os versos imperativos de uma sexualidade que quase beira as exigências de uma dominatrix, completamente contrastadas com a suavidade que os vocais de Shygirl constroem a canção, Come For Me compartilha um luxo sinestésico.

Para quem sentiu falta de leveza e bom humor, temos o sempre satisfatório caminho de Phoenix, traduzido no sentir de uma delicada nostalgia, já eternizada por um vídeo dirigido por Sofia Coppola, ou no transporte às mais divertidas imersões no que seria o perfeito verão italiano regado ao 80’s disco. Ilustrada por um clipe recheado de uma jocosidade do início da era dos memes, com imagens históricas em um contexto meio besteirol, Alpha Zulu, o novo single da banda, representa o conforto na forma de um europop banhado nas influências remanescentes das batidas intermitentes de Jean Michel Jarre. 

Para acolher feridas com delicadeza, Angel Olsen nos trouxe sua sempre constante sutileza para discorrer sobre os mais diversos temas. Em seu novo álbum, seus discursos vão da paixão de ter se assumido lésbica e tornado seu relacionamento público, ao luto, com a morte de seus pais. Big Time abraça todas essas emoções, com a gigante ternura da Música country, mesmo que com uma lágrima no canto do olho. Ecoando esse carinho quase meloso de Big Star e Dolly Parton, a faixa-título é um epítome de uma declaração de amor dedicada a sua parceira, que consegue atravessar, mesmo nos momentos mais áridos e pessimistas do projeto, momentos de conexão, ainda mais na realidade pós-isolamento social.

Se Angel Olsen coloca uma pata no country, a vencedora de oito Grammys, Carrie Underwood, coloca o cavalo inteiro. A artista, que tem uma grande presença no gospel, apresenta pela primeira vez uma versão mais desprendida e ensolarada com o energético Denim & Rhinestones. Passando por temáticas que variam entre paixão e decepção, a cantora e compositora revela faces mais íntimas e compartilha lembranças da própria vida. Os instrumentais remontam um universo festivo com batidas bem marcadas que chegam a pender para influências do rock. Após mais de vinte anos de carreira em destaque no country, Carrie mostra que ainda sabe florescer vestindo seus jeans com strass.  

Falando em grandes carreiras, os 40 anos de Neneh Cherry na Música renderam um disco eletrônico nostálgico. Em clima de renovação, a artista voltou trazendo The Versions como o oitavo disco de sua trajetória. O projeto é um conjunto de regravações de músicas pertencentes aos seus três primeiros álbuns e tem o objetivo de transportá-las diretamente dos anos 90 para a musicalidade de 2022. O compilado junta 11 artistas, entre mulheres e pessoas não-binárias, sendo a abertura, Buddy X, a única faixa que conta com os vocais de Cherry. A musicalidade brinca com uma multiplicidade de ritmos e varia entre jazz, R&B, pop e marcas de mixagem. Em The Versions, tudo que há de inovador e inventivo se articula em um misto de possibilidades.

Os Eletrohits também pousaram em solo nacional e em comemoração aos 20 anos de criação dos Tribalistas, Carlinhos Brown se juntou ao DJ e produtor musical Deeplick para transportar parte do repertório do trio artístico para o universo da Música eletrônica. O resultado é o EP EletroTribalistas, que conta ainda com uma canção inédita: a faixa-título – composição assinada por Arnaldo Antunes, Carlinhos Brown, Marisa Monte e Deeplick

Seja nas multifacetas das emoções humanas ou nos gritos de resistência, o mês da diversidade foi para a Música uma ode aos recomeços. Chegado o fim da temporada de pink money, o Nota Musical de Junho também celebra em despedidas. O que o futuro reserva? Para descobrir mantenha os olhos – ou melhor, os ouvidos – bem atentos, pois em julho a seleção do Persona retorna assim como Kate Bush para mais algumas de suas dicas melódicas.

Texto: Jamily Rigonatto e Laura Hirata-Vale

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Enzo Caramori, Eduardo Rota Hilário, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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“Contar uma história significa levar as mentes no voo da imaginação e trazê-las de volta ao mundo da reflexão.”

– Paulina Chiziane

Em meio à euforia das celebrações do Orgulho, o simbólico mês de junho também deu abertura para importantes reflexões acerca da comunidade LGBTQIA+. O Clube do Livro do Persona sediou uma edição especial aberta aos nossos colaboradores para observar a produção literária da população trans latino-americana. Saindo da Literatura nacional, partimos em uma viagem para conhecer O Parque das Irmãs Magníficas, de Camila Sosa Villada.

Já conhecida nos palcos, telinhas e telões ao redor do país, o primeiro passo da autora em sua caminhada na Literatura ocorreu em 2015, com La Novia de Sandro. Na coletânea de poemas, Camila se propõe a investigar “os mistérios do amor travesti”, temática que se tornaria um dos braços condutores de toda a sua obra. Em 2019, foi a vez de revelar a então leitura do nosso Clube do Livro, um relato semi-biográfico, em que a autora narra seus anos de prostituição no Parque Sarmiento, em Córdoba. Traduzido para mais de 10 idiomas, o livro foi vencedor de prêmios internacionais, como o Finestres de Narrativa (Espanha, 2020) e o Grand Prix de l’Héroïne Madame Figaro (França, 2021). 

Construindo uma fortaleza ao lado de um grupo de amigas, fator representativo de uma comunidade que aprendeu a ancorar-se em si mesma, Camila Sosa Villada apresenta um relato cruel do que é ser travesti, em um país que ainda não se equipara à carnificina diária que é essa realidade no Brasil. E se apoia em doses necessárias de realismo fantástico, que, ao invés de amenizar, aprofundam ainda mais as feridas ali expostas. Se for possível resumir bem, a sinopse da narrativa assim o faz: “O romance O Parque da Irmãs Magníficas é isso tudo: um rito de iniciação, um conto de fadas ou uma história de terror, o retrato de uma identidade de grupo, um manifesto explosivo, uma visita guiada à imaginação da autora”. 

Ainda entre os feitos literários do nosso especial do Mês do Orgulho LGBTQIA+, o Persona Entrevista abriu as portas para Tobias Carvalho, autor de Visão Noturna e As Coisas, obra que se aprofunda sobre as relações homoafetivas e vencedora do Prêmio Sesc de Literatura, em 2018. Também foi tempo de condecorar um dos protagonistas da expansão da Literatura no projeto, no dia 7 de junho, o autor Mia Couto recebeu o título de Doutor Honoris Causa pela Universidade Estadual Paulista Júlio de Mesquita Filho. Essa constitui a mais elevada honraria concedida pela Unesp, que tem o objetivo de prestigiar o trabalho de personalidades nacionais e internacionais, que se destacaram por suas contribuições para a arte, a cultura, a sociedade e a promoção dos direitos humanos. 

O clima festivo para o meio literário tende a se prolongar no mês de Julho, que teve seu início marcado pelo retorno da Bienal Internacional do Livro de São Paulo. Mas, para fechar o importante ciclo que passou, fique com as indicações de autores LGBTQIA+ dos integrantes da Editoria em mais um Estante do Persona. 

Livro do Mês

Camila Sosa Villada – O Parque das Irmãs Magníficas (208 páginas, Tusquets Editores)

O abismo que existe entre a beleza e a violência é um lugar onde a Arte adora se jogar, mas há expressões que buscam ser ainda mais radical do que isso – e esse é o caso de Camila Sosa Villada, que encontra ali naquela interseção o local perfeito para estabelecer O Parque das Irmãs Magníficas. No caso da escritora argentina, esse lugar pode ser metaforicamente entendido como o Parque Sarmiento, que ao mesmo tempo em que acolhe a sua família travesti de Córdoba (fã de novelas e Gal Gosta e colorida pelo melhor rosa de mundo enquanto vive sete anos em um), é também o local que materializa toda gravidade do que significa estar no extremo da margem da sociedade.

Lá, ela floresce a brutalidade honesta de sua história num realismo fantástico que consegue ser muito mais verdadeiro do que o ideal de verossimilhança perseguido por muitas ficções. Las Malas, no original lançado em 2019, toma forma a partir dos registros que Camila manteve em um blog a partir do momento em que chegou na cidade para cursar a faculdade e conheceu as travestis do parque, o livro passeia por reflexões de identidade, pertencimento, amor e família sem se esquivar dos muitos momentos em que a dor, desamparo e solidão vindos do preconceito e da pobreza cruzam o caminho de suas personagens. Assim, ela define seu lar travesti: “Nessa casa, até a morte pode ser bela.”

Dicas do Mês

Maria Freitas – Cartas para Luísa (186 páginas, Se Liga Editorial)

Cartas para Luísa é uma obra epistolar que nos convida a conhecer Rafaela por meio das palavras grafadas em suas cartas. A personagem dedica suas mensagens à mulher que amava quando era adolescente e – entre lembranças e assinaturas – sentimentos que nunca disseram adeus transbordam em páginas datadas. A cada carta, uma peça da narrativa protagonizada por elas dez anos antes vem à tona acompanhada das frustrações, dores e arrependimentos da remetente. 

O livro tem autoria de Maria Freitas e ganhou o prêmio Mix Literário do ano de 2020, além de fazer parte da série Amor Entre Garotas junto dos títulos A Grande Chance de Ana Luna e Amélia Sem Filtro. O texto aborda de maneira sincera a vivência da bissexualidade, o entendimento das injustiças criadas pelo racismo, as relações familiares e a pauta da saúde mental. Cartas para Luísa despeja emoções com todo o melodrama que as controvérsias do amor merecem, mostrando como os clichês podem ser tão emo quanto uma música da Fresno. – Jamily Rigonatto

John Green e David Levithan – Will e Will (352 páginas, Galera)

Em uma noite fria, numa improvável esquina de Chicago, Will Grayson encontra… Will Grayson. Os dois adolescentes dividem o mesmo nome e a dor do coração partido. Um Will é amigo de um garoto gay de sua escola. O outro precisa abrir o jogo com a própria mãe a respeito de sua orientação sexual. Até que Tiny, o melhor amigo gay do primeiro Will, acaba se tornando o possível amor do outro Will. Esquecendo momentaneamente os romances heterossexuais que povoam sua Literatura, John Green se junta a David Levithan para escrever a quatro mãos a trama de dois homônimos em ebulição. 

E, por mais que Will e Will, que no Brasil ganhou o subtítulo Um Nome, um destino, junto da tradução de Raquel Zampil, passeie por temas comuns do mundo adolescente e esbarre em alguns clichês evitáveis, a inserção de um Grayson queer dá o tom de frescor que uma obra escrita pelo criador de Hazel Grace e Augustus Waters precisa. Fato é que, depois da parceria, Green e Levithan seguiram por seus caminhos individuais, mas o encontro atmosférico de 2010 marcou o período. – Vitor Evangelista

Elayne Baeta – Oxe, baby (213 páginas, Galera)

Em seu segundo lançamento sob o selo Galera, da Editora Record, a autora baiana Elayne Baeta leva suas histórias sobre vivências de mulheres lésbicas ainda além do que em sua obra de estreia, O amor não é óbvio. Oxe, baby é o primeiro livro de poemas da escritora e, neste, a pessoa que expõe suas experiências é ela mesma: a coletânea de textos, imagens, escritos, fotografias, colagens e rabiscos formam o diário de Elayne. E há melhor jeito de entender as vivências de alguém do que (literalmente) lendo o documento mais pessoal e íntimo dela?

A obra, descrita como “um caderno roubado de poesias de uma garota que ama garotas”, retrata a perspectiva da própria autora através de poemas e outras expressões artísticas. Oxe, baby aborda temas como aceitação da sexualidade e homofobia, orgulho, amores correspondidos e não correspondidos, paixões, sexo e solidão, construindo um quadro completo do que é ser uma mulher lésbica – pelo menos para Elayne Baeta. As vivências expostas ao longo das 213 páginas, porém, são inconfundíveis e ressoam profundamente nas leitoras que se identificam.

Ao contrário de O amor não é óbvio, no qual a escritora se debruça sobre os mesmos assuntos sutilmente durante uma narrativa ficcionalizada, Oxe, baby os traz com a dureza, a honestidade e também a beleza de quem os presenciou e sabe do que fala. Na obra, a personagem principal não é inventada ou adaptada, não tem um arco de desenvolvimento planejado e nem ações premeditadas por um autor segurando uma caneta. Aqui, a protagonista é a própria Elayne Baeta, mulher lésbica contando sua história. Através de analogias e metáforas, que tornam situações específicas em vivências quase universais de outras garotas sáficas, as leitoras viram, também, as protagonistas junto da autora. – Vitória Lopes Gomez

Paul B. Preciado – Um apartamento em Urano: Crônicas da travessia (320 páginas, Zahar)

O nome de Paul B. Preciado não é novo para quem já mergulhou nas profundas águas da teoria queer, tão contaminadas pelo pensamento pós-estruturalista e bebida pelas políticas pós-pornô. Sua filosofia, em que as experimentações misturam-se tanto ao seu próprio corpo quanto o do texto, são um convite às maneiras que identidades dissidentes podem ser manejadas no sistema cisgênero e heterossexual. No entanto, a novidade das crônicas de Um apartamento em Urano, é a pulsão do autor em criar novas utopias para serem sonhadas por pessoas LGBTQIA+. 

Em seus textos, Gilles Deleuze, Jean Genet, Virginia Woolf e Ursula K. Le Guin se encontram no que é um marco inaugural de uma nova maneira de se pensar a gênero e sexualidade. Ao se situar em um estado migrante, uma representação da transição social e hormonal de sua transsexualidade, Preciado envolve o leitor em sua viagem de gênero que tem como destino final Urano, um espaço proposto a ser ocupado por aqueles que rompem com a norma e que, consequentemente, negam os territórios da cisheteronormatividade.

Com temáticas que vão desde Julian Assange e as políticas estatais de informação até reflexões acerca da importância de dildos no sexo queer, o autor desmobiliza as estruturas da política e da cultura com sua disruptividade. Nas crônicas, Preciado submete Marx a uma oficina eco-socialista, olha criticamente para Lars Von Trier, sempre com suas lentes feministas, mas, antes de tudo, se volta com amor para aqueles sistematicamente negados desse sentimento. – Enzo Caramori

Ali Smith – Hotel mundo (232 páginas, Companhia das Letras)

Em uma cidade não especificada, uma camareira cai de um elevador de carga. Ela morre na primeira página. Esta é a história, “começa pelo fim”. Mas a bem da verdade, o fim, aqui, é puramente o começo. Desde o título de Hotel mundo (2009), a escocesa Ali Smith propõe um diálogo com o universo dos mortos: o Hotel Mundo, administrado pela rede internacional Hotel Global, é uma maravilhosa metáfora para a transitoriedade da vida, a qual se segmenta através de linhas tênues que nos unem à experiência dos mortos.

Essa visão periférica do todo só pode ser atestada por aqueles que observam de longe, de fora, quase como uma visão completa da História. Porém, Smith tem consciência de que é sempre difícil enxergar de dentro dos acontecimentos; por essa razão, interliga a trama de cinco mulheres – incluindo Sara, a camareira morta que continua vagando pelo mundo como o espectro de Hamlet – à historicidade e à passagem da vida através do tempo (como um hotel que passamos uns dias e depois partimos). Primeiro livro da autora a ser finalista do Booker Prize (em 2001), o livro chegou ao Brasil oito anos depois, sob tradução de Caetano W. Galindo.

Contudo, da mesma forma que a escritora constrói uma obra literariamente inventiva e filosoficamente instigante, Hotel mundo se consolida como uma meditação sobre os fios invisíveis que nos unem enquanto seres vivos, em uma trama meticulosamente interligada entre nós e nossos antepassados. A presença e a ausência daqueles que amamos moldam os momentos que constroem nosso mundo? Mais do que indagar, Ali Smith mostra que todos que passaram pela Terra – conhecidos, desconhecidos, vivos, mortos – estão intrinsecamente ligados a nossa própria História, pois habitavam o mesmo lugar que habitamos hoje, e em breve estaremos deixando: o Hotel Mundo. – Bruno Andrade

Álvares de Azevedo – Noite na Taverna (96 páginas, L&PM Editores)

Gótico e pessimista, Álvares de Azevedo é a entidade por trás do pseudônimo Job Stern que assina uma das obras mais instigantes da Literatura Brasileira, a póstuma antologia de contos Noite na Taverna. O representante maior do movimento ultrarromântico entrega a narração para Solfieri, Bertram, Gennaro, Claudius Hermann e Johann, cinco sujeitos que se reúnem em uma taverna para relatar as suas fúnebres desilusões amorosas. Publicado em 1855, o livro aborda tópicos sensíveis, entre eles, o canibalismo e a necrofilia, como uma forma de desafiar a sociedade da época.

Através de uma prosa carregada de sentimentalismo e angústia, Azevedo, um ser noturno, quase um vampiro, consegue fazer de Noite na Taverna uma das grandes conquistas artísticas da geração apelidada de mal-do-século. Tuberculoso quando não havia cura, ele deixou a vida como deixou o tédio com apenas 20 anos, mas não partiu antes de deixar uma carta para o seu confidente: “Adeus, meu Luiz. A beleza do espiritualismo é o amor das almas”. O fascínio pela relação motivou o historiador Jandiro Adriano Koch a escrever O crush de Álvares de Azevedo, texto que procura desvendar a homossexualidade do autor. – Nathalia Tetzner

Jeanne Callegari – Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável (192 páginas, Seoman)

Porque estou prestes a divulgar um relato pessoalíssimo, escrevo em primeira pessoa. Não como uma forma preguiçosa de facilitar a narrativa, mas como um recurso de aproximação entre aquilo que me resta do que já vivi e a tarefa confusa, mas curiosa de recomendar um livro que me marcou há alguns anos. Busco ser breve: Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável foi uma obra essencial para minha paixão turbulenta pela Literatura brasileira. Por meio dessas quase 200 páginas, ultrapassei o fascínio inicial dos Morangos Mofados recém-degustados e fui atrás de outras possibilidades heterogêneas de Caio, além das Anas Cristinas Césares e Hildas Hilsts que me acompanham até hoje.      

Biográfico, o texto de Jeanne Callegari rapidamente me conquistou. Aos poucos, fiquei instigado. Enfeitiçado. Ávido por um repertório que ainda não possuía: essa busca incessante pelas vias mais amplas. No calor do momento, a intensidade de leitura foi tamanha que aquela experiência mais parecia uma espécie de ambição utópica – a tentativa ingênua de manter contato com alguém que já se foi. No fim, Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável foi a confirmação de que Caio F. não seria companheiro momentâneo nesta travessia imprevisível que apelidamos de vida.

Atualmente, pouco me lembro do que de fato li na biografia escrita por Callegari. O tempo não apagou todos os nomes, relatos e dados, mas o que definitivamente me resta é a sensação nostálgica daquela primeira imersão sedutora. Um sentimento que não deve voltar em futuras revisitações, mas que se perpetua aqui, em um texto breve e, talvez, até elíptico demais. Trata-se de uma dica baseada principalmente na emoção. Da paixão por um escritor brasileiro fundamental à cultura deste país à importância de se conhecer a vida de artistas LGBTQIAP+: assim se construiu – ou, quem sabe, foi construída – esta indicação. – Eduardo Rota Hilário

bell hooks – Ensinando a transgredir: A educação como prática da liberdade (288 páginas, Martins Fontes)

Dentre os muitos debates que constroem um Mês do Orgulho LBGTQIA+, um em especial é muito bem contemplado pela sabedoria de bell hooks em Ensinando a transgredir: A educação como prática da liberdade. A partir de suas experiências como professora em um contexto entendido como o centro do mundo globalizado e contemporâneo, a pensadora questiona as concepções tradicionais de educação, retirando cirurgicamente os reducionismos que cercam uma das esferas mais importantes e poderosas da nossa sociedade. 

No ensaio, a educação é entendida como o vetor das transformações que tanto buscamos em um mundo regido por um sistema que aprisiona singularidades – daí a relação do tema com a liberdade e a coisa mais preciosa do mundo para bell hooks, a revolução. Assim, Ensinando a transgredir vai muito além do nicho específico da pedagogia crítica, se revelando como o beabá de uma prática social humanista e se colocando num lugar de referência fundamental para tudo o que refletimos e reivindicamos durante esse mês: o direito fundamental à liberdade de existência. – Raquel Dutra

Oscar Wilde – O Retrato de Dorian Gray (223 páginas, Via Leitura) 

Causador de polêmica na sociedade inglesa ao ser lançado no final do século XIX, o único romance escrito por Oscar Wilde é uma verdadeira obra-prima que fascina pela beleza de sua prosa e por sua narrativa hipnótica, onde explora as consequências de uma vida hedonista desenfreada. A escrita de Wilde não é só bela como também é sensual, com um rico teor homoerótico que permeia toda a obra, destacando-se especialmente nas passagens onde Dorian interage com o pintor Basil Hallward. 

Ao discutir sobre arte e a obsessão estética pela juventude eterna de seu protagonista, o livro ainda permanece extremamente atual, servindo como reflexo de um contexto midiático permeado por celebridades que parecem não envelhecer nunca graças às milhares de cirurgias que o dinheiro possibilita. Até que ponto a beleza deixa de encantar as multidões e passa a ser macabra, trágica? Leia O Retrato de Dorian Gray e descubra. – Caio Machado

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Raquel Dutra e Vitor Evangelista

Dono de um dos Melhores Discos de 2021, Gabeu tomou conta do ano passado no cenário do queernejo. Como parte do Especial do Mês do Orgulho, o Persona retoma o quadro de entrevistas e inaugura a editoria de conversas musicais para receber a estrela em ascensão, em um papo que viaja de suas raízes no gênero musical até as mais diversas influências que fizeram de AGROPOC, seu trabalho de estreia, um dos destaques musicais mais instigantes e criativos da cena atual. 

“Eu sempre tive a certeza de que eu queria fazer Música de alguma forma”, começa Gabeu, que conversa conosco sorridente, frente a um cenário composto pelo saudoso vinil do AGROPOC, um cavalo de brinquedo que serviu de companheiro na composição visual do disco e uma máscara com estampa de vaquinha malhada. Filho do cantor Solimões, ele sempre encontrou no sertanejo a base de toda sua formação, mas o trajeto até o gênero em que hoje triunfa não foi tão simples quanto pode-se pensar. 

Seja frequentando os shows do pai ao lado de Rio Negro ou mesmo ouvindo canções em casa, o jovem artista sempre se sentiu deslocado ali, e demorou a aceitar que poderia trabalhar na mesma linha que cresceu consumindo, incrementando-a com a expressividade e a bagagem que ele, como homem gay, carrega. “Então, isso é uma coisa muito recente”, ele define, sobre a ideia de entender que o sertanejo, um local carregado por padrões de gênero, masculinidade e heteronormatividade, poderia também ser um espaço de atuação seu.

Como foi o seu caminho até a Música? Você teve contato pessoal com o meio desde criança? Sempre quis ser músico? Ou foi uma vontade que só surgiu depois?

Gabeu: “Eu sempre tive a certeza de que eu queria fazer Música de alguma forma. Acho que uma das coisas que eu mais brinquei na minha infância era de pegar o microfonezinho lá e ficar horas e horas fazendo show, então eu sabia que de alguma forma a Música ia estar presente na minha vida, seja como um hobby ou como uma coisa mais profissional. 

Mas eu acho que essa coisa também de ter o meu pai como a principal referência, sendo ele um cantor sertanejo, e ocupando esse lugar de um homem hétero, coisas que eu não me identificava muito, foi decisivo para eu tentar explorar outras coisas e achar durante um tempo que a Música não era realmente uma possibilidade profissional pra mim. Porque eu pensava, ‘ah, eu não quero fazer sertanejo, porque eu acho que não tem nada a ver’, mas a Música pop que eu gosto, a Música pop gringa, também não é uma coisa que rola muito no Brasil, na época, quando eu era criança, não era uma coisa muito expressiva, aí depois que veio a Anitta, a Pabllo, aí eu falei ‘hum, acho que existe uma possibilidade’. 

Então quando eu comecei a pensar de fato em me profissionalizar e me lançar como cantor, ainda não era assim com o queernejo. Eu até cheguei a entrar no estúdio, gravei uma música popzinha, mas que hoje eu escuto e falo ‘nada a ver, ainda bem que eu realmente fui por outro caminho, porque não ia rolar’. Mas passei por esses processos, de pensar ‘vou me lançar como cantor, mas vai ser pop? Será que eu tento fazer alguma coisa sertaneja?’. Então eu fiquei meio nessa, durante muito tempo, pensando e pensando pra de fato chegar nessa ideia de Amor Rural”.

Amor Rural, sua faixa de estreia, foi lançada há apenas 3 anos, provando que essa jornada está apenas no início. “Eu fui crescendo, fui passando por esse processo de descoberta da sexualidade, fui, enfim, me encontrando em outros rolês, me encontrando num rolê mais de Música pop, num rolê LGBTQIA+ e fui me desprendendo, me desprendendo desse universo sertanejo”. 

Na adolescência, Gabeu chegou a renegar esse espaço: “eu tive um tempo de parar um pouco de ir nos shows do meu pai e agora, um pouquinho antes de Amor Rural, que eu venho fazendo esse processo de fazer as pazes com as minhas raízes e olhar com um pouquinho mais de carinho, de ver o quê desses lugares, desses ambientes, dessa musicalidade, eu consigo aproveitar, transformar e fazer com que faça sentido pra mim”.

É uma coisa que ele ainda está entendendo, toda essa ideia de se apropriar de um gênero que antes ele não se via representado, “e eu acho que isso é gostoso também, de eu não ter uma resposta pronta”. Considerando estar em um período fértil de criatividade, Gabeu enxerga com otimismo esse “início do queernejo”, com as ideias borbulhando e a Música tomando vida nesse processo criativo aflorado. 

Repleto de misturas, o trabalho musical de Gabeu se inspira em artistas como a Banda Uó, precursores na arte de incorporar o queer à estética nacional. Além disso, o repertório de AGROPOC conta com canções narrando casos amorosos para lá de específicos e chamativos (caso de Esconde-Esconde). Quanto ao processo de composição, o cantor revela que percebeu que estava explorando a criação de histórias, portanto, os relatos não necessariamente aconteceram em sua vida. 

Admitindo ter ouvido muita Música caipira, onde os intérpretes não viviam o que colocavam nas letras, ele destaca a ideia de “adotar um eu-lírico, um personagem, e cantar como se fosse aquele personagem”. Nenhuma novidade para quem tem aproximação e formação formal em Teatro e o Cinema: “é uma coisa até meio teatral, porque eu gosto muito. Então, em Bandoleiro e Atacante, por exemplo, não, eu nunca roubei banco com um cowboy, nunca tive um sugar daddy”.

No disco, você traz em Cowboy um cover da Banda Uó, que foram artistas muito marcantes para a cena nacional, levando uma roupagem queer para sonoridades tipicamente brasileiras. Você os considera uma inspiração para a criação do AGROPOC?

G: “Obviamente eles são uma referência muito grande, e eu acho que não só pra mim, mas eu acho que pra todos esses artistas pop LGBTs, que estão aí sabe, fazendo sucesso hoje. Eu acho que a Banda Uó é uma das principais inspirações, eu considero que todos esses artistas de hoje são os filhos da Banda Uó, porque é isso, eles foram muito pioneiros mesmo nessa coisa de misturar o pop com uma estética diferente, com coisas regionais, eles brincavam muito com os gêneros no geral, tem uma música deles sertaneja, Cowboy, eles brincavam com tecnobrega, forró, enfim, várias coisas que eles exploravam. Então eu considero muito eles uma referência, e eu escolhi Cowboy porque, enfim, era a faixa sertaneja deles, é uma das faixas que eu mais ouvi da carreira deles. 

Quando eu descobri eu fiquei maravilhado, eu nunca tinha sentido aquilo, eu acho que foi o primeiro sinal de vida do queernejo de fato ali, sabe? Porque é isso, dois caras gays, uma mulher trans, fazendo Música sertaneja, se eu não me engano eles são do Goiás, então eles têm essa raiz também, por mais que eles não trabalharam isso durante toda a carreira, eles carregam isso também. Então, sabe, muitas coisas que me fazem olhar pra eles e falar ‘faz sentido essa música estar no meu repertório’. É uma música que eu cantava nos meus shows antes de pensar no álbum, e aí no meio desse processo de produção do álbum eu falei ‘ah, acho que ela cabe muito bem aqui no meio dessas faixas’, e aí eu regravei e coloquei, e a galera super curtiu, super achou que fez sentido também”. 

Os diálogos com outras obras do universo pop não param por aí, já que ele também viveu a experiência de viajar pela sua capacidade de criação em plena pandemia. Agora, no entanto, o momento é de viver a sua música junto do seu público, que desde maio vem mantendo encontros com Gabeu em cima do palco: “eu tô vivendo esse momento de sair de casa pela primeira vez pra cantar o álbum, encontrar as pessoas e ver as pessoas cantando as músicas, e ter essa troca, das pessoas virem até mim e falarem que elas acharam do álbum, qual a faixa favorita delas, o que elas sentiram, como o álbum foi importante pra elas na pandemia… eu ouvi muito isso.” 

Em época de celebrações essencialmente ligadas à cultura caipira, ele vivencia tudo o que sonhou para o disco, planos que, assim como todo o resto do mundo, foram paralisados pela crise sanitária advinda do covid-19: “Sinceramente, foi uma loucura lançar o álbum na pandemia. Produzir ele foi muito gostoso, mas eu tinha muitos planos grandes pra ele, obviamente não contando com a pandemia. Era pra ele sair no comecinho de 2020, e aí veio todo esse desastre, enfim, e aí agora reencontrar as pessoas e ter essa troca com elas é muito, muito, muito gratificante e me faz lembrar de como foi importante pra mim produzir e mergulhar nesse universo de fato e ter realmente a coragem de não abandonar a ideia do queernejo.”

O carinho pelo gênero que está no centro do seu seio familiar reluz no olhar de Gabeu quando ele avalia os ônus e os bônus de construir o seu lugar em um espaço que inicialmente lhe era hostil. Agora, ao ver um aspecto tão importante para a formação da sua identidade na boca da mídia por conta das recentes denúncias de superfaturamento em shows sertanejos pelas cidades do Brasil, a sua voz representativa, crítica e reflexiva não se desvia das polêmicas. 

Nesse momento em que o sertanejo passa por uma série de investigações e denúncias, como você, que tem tanto carinho, identificação e proximidade com o meio, mas também esse olhar mais crítico, se relaciona e encara essas problematizações? 

G: “Eu acho que muitas coisas dentro do meio sertanejo nunca foram questionadas, em relação à qualquer tipo de pauta, à qualquer tipo de discussão mais séria e mais profunda, em relação à representatividade, à política, ao cenário que a gente está vivendo hoje. Eu acho que as pessoas não se aprofundam em muitas coisas nesse meio, e eu acho que o que tá rolando agora talvez seja um sinal para que a gente comece a debater alguns assuntos importantes no meio, como essa coisa mais contratual, mais financeira, bem polêmica que tá rolando, mas também de pautas identitárias, que é uma coisa que a gente vem reiterando no queernejo, vem tentando trazer as discussões, e não só em relação à comunidade LGBTQIA+. 

No ano retrasado, a gente fez o Fivela Fest, o Festival de Queernejo, que rolou on-line também, e a gente propôs várias mesas de debate, sobre masculinidade tóxica no sertanejo, sobre negritude no sertanejo. E fazendo essa pesquisa, de ir mais a fundo no sertanejo raiz, a gente consegue encontrar mais cantores e artistas negros lá nos anos 20 e 30 do que hoje, então é uma coisa a se discutir também. Eu dou esses exemplos mais pra falar sobre isso: que o mercado sertanejo não gosta de se aprofundar em discussões, eles gostam muito de ficar na superficialidade, eles têm muito medo de se comprometer, têm muito rabo preso com várias questões políticas. Enfim, eu acho que o queernejo está aqui também pra questionar esse tipo de coisa.”

Sobre esse momento delicado, ele compartilha que foi tranquilo de forma externa e conflituoso de forma interna, mas que o pai foi a primeira pessoa da família a saber: “A reação dele foi muito natural, ele tava meio sem saber o que dizer, mas ele teve uma preocupação de demonstrar acolhimento. E foi a mesma coisa com a minha mãe, a minha irmã, depois de um tempinho que eu contei pro meu pai”.

Os conflitos geracionais, no entanto, não deixaram de aparecer no meio da aceitação familiar. “Às vezes rola uns embates de geração mesmo, de não entender o porquê de ficar sempre reiterando a sexualidade, a identidade de gênero, de estar sempre falando sobre isso, de estar sempre levantando essa bandeira”, ele compartilha, reforçando o carinho e acolhimento que encontrou dentro de casa.

Quais são os seus discos favoritos da vida? Um brasileiro e um internacional?

G: “Dois? Ai meu Deus. Só 2 é difícil. Bom, esse aqui tá bem aqui do meu lado, é o Born This Way da Gaga. Pra mim é o maior disco da História, tipo pra mim realmente é uma obra de arte. Eu gosto muito de um álbum recente que é um cantor country gay, estadunidense ou canadense se eu não me engano, ele chama Orville Peck, e ele lançou nesse ano, chama Bronco, e é um álbum muito, muito, muito bom, tipo muito countryzão raiz que eu me identifico muito. E brasileiros assim eu gosto muito do Rito de Passá, da MC Tha, sou muito, muito fã da MC Tha, gosto muito do Simulacre da Potyguara Bardo e, ah, enfim, eu poderia listar dez milhões de álbuns aqui. A gente pode depois fazer uma entrevista só de álbuns, só pra falar de álbuns dos outros”.

Nós também acompanhamos o Orville Peck, e quando alguém comenta que está ‘ouvindo um CD de um cowboy LGBTQIA+’ a primeira reação é perguntar se é o Gabeu. E esses dias você compartilhou que estava ouvindo uma música dele.

G: “Nossa é impressionante, quando eu descobri o Orville Peck eu fiquei embasbacado, eu fiquei tipo, não só pela figura dele, pela representatividade que ele traz pro country, que eu acho que a Música country também enfrenta muitas coisas como o sertanejo, num lugar parecido ali, mas pela estética dele, eu acho ele incrível, maravilhoso. […] Tem uma cena country queer lá na América do Norte, na Europa também tem uma galera. Enfim, será que vem aí uma carreira internacional?”

E tem algum filme ou série que você queira recomendar? Pode ser algo que tenha te inspirado na criação do disco.

G: “Olha, eu sou uma pessoa que não assiste muitos filmes e muitas séries, eu sou meio preguiçoso pra isso, e o que eu assisto geralmente não tem muito a ver com o que eu tenho feito na Música e se eu falar O Segredo de Brokeback Mountain vai ser muito clichê eu acho, mas é um filme que eu amo muito e já até fizeram um edit um dia de Amor Rural com as cenas do filme, eu achei uma gracinha, se bem que aquele filme é muito triste. Mas, deixa eu pensar, eu gosto muito dos filmes do Mazzaropi, os filmes antigos do Mazzaropi, por conta do meu pai. 

Obviamente tem muitas coisas questionáveis hoje em dia, tem coisas muito machistas, muito homofóbicas, mas eu acho que é aquilo tipo, eu assisto algumas coisas hoje em dia do Mazzaropi e eu tento pincelar as coisas que me seriam úteis, para minha carreira e que são inspiradoras pra mim, sabe. Então os números musicais dos filmes eu gosto muito, quando ele canta, e o tom de comédia, o tom dramático também, porque ele vai do drama ao cômico, ele ia do drama ao cômico rápido e de uma forma que eu achava que era interessante. Enfim, não é um filme específico, mas é a filmografia toda do Mazzaropi. [..] Eu tô numa vibe de produções sul-coreanas da Netflix, eu tenho assistido umas coisas interessantes. Assisti uma que chama Profecia do Inferno, que eu amei muito. E tem outra que se chama Juvenile Justice, muito legal. Recomendo”.

E agora de volta à Música, se você pudesse escolher algum artista para trabalhar junto, quem seria?

G: “Um só? Uma coisa mais atual, mais do momento, eu gostaria muito de um dia fazer uma colaboração com a Gloria Groove. Acho que ela é o momento e ela é uma artista que consegue explorar bem vários gêneros musicais, eu acho que ela canta muito bem pop, acho que ela explora muito bem o funk e o rap. Acho que ela poderia fazer uma coisa meio sertanejinha. Ela fez né, ela cantou Marília Mendonça lá no programa, ela fez o cover de Marília Mendonça, e foi muito bom, ela canta muito bem, acho que ela cantando uma música sertaneja seria muito interessante. Comigo então, nossa senhora”.

Agora que o disco foi lançado como o primeiro passo da sua consolidação como artista de queernejo, quais são suas expectativas para o futuro?

G: “Em primeiro lugar, eu quero muito dar continuidade nisso que a gente começou mês passado com os shows. Eu quero muito fazer show, eu preciso estar em cima do palco, eu preciso subir e cantar o AGROPOC pra galera e ter essa troca com o público. Eu tô muito nesse estágio, então essa é a primeira coisa que eu penso quando as pessoas me perguntam o que eu quero pro futuro: fazer shows. Obviamente, eu tô sempre compondo, tô sempre tendo muitas ideias de próximas músicas, de próximos lançamentos, de próximos discos… Eu já tenho ideia para 10 discos diferentes na minha cabeça, que eu só preciso colocar no papel direitinho, porque às vezes vira uma bagunça. 

Eu tenho planos também de começar a produzir algumas coisas novas, entrar em estúdio. Eu amo muito a energia de estúdio também, gosto muito de estar dentro do estúdio, de trocar experiências com quem tá produzindo comigo, de estar ali, enfim, pensando a música, pensando arranjos, essa é uma coisa que me dá realmente muito prazer, então eu quero muito voltar pro estúdio logo pra produzir coisa nova. Com isso tudo, eu quero também que muitas pessoas, mais e mais pessoas, se identifiquem com o queernejo, e eu gostaria muito de ver mais artistas surgindo, novos artistas queer fazendo sertanejo, pra cena crescer. 

Eu acho que isso é importante porque a gente ainda é uma cena muito pequena se comparada aos outros gêneros musicais que tão rolando. Então, acho que quanto mais artista tiver mais fortalecimento a gente vai ter, e mais as pessoas de fora vão começar a levar a sério, porque uma coisa que eu vejo é que muita gente não leva a sério, encara como uma coisa engraçada, uma piadinha, enfim, uma galera LGBT querendo fazer graça, sei lá. Então eu gostaria que isso acontecesse, que a gente crescesse cada vez mais”. 

Pouco menos de um ano depois de lançar o disco, Gabeu está viajando, cantando e realizando os shows da AGROPOC Tour. 

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Há quase um século, Cléo de Verberena inaugura essa história, como a primeira mulher de quem se tem conhecimento a dirigir um longa-metragem no Brasil, em 1931. Avançando quase meia década no tempo, Helena Solberg, nos anos 60, e Adélia Sampaio, nos 70, continuaram abrindo portas e se tornaram – mesmo depois de tanto tempo em relação à primeira – pioneiras. Ambas marcaram o Cinema Novo em suas últimas gerações e foram uma das poucas (talvez únicas) representantes mulheres do movimento brasileiro. Precursoras também, Ana Carolina e Suzana Amaral: com temáticas diferentes, ambas usaram o meio cinematográfico para discutir o lugar da mulher na sociedade. Entre os longas mais famosos das duas, a primeira dirigiu Das Tripas Coração (1982) e a segunda, A Hora da Estrela (1985), além de curtas-metragens e documentários.

A resistência por parte das mulheres, porém, não se limitava à sua presença no Cinema. Diretoras como Tereza Trautman e Lúcia Murat levaram a luta – política em sua essência – à frente de suas claquetes, abordando temas sociais em tom contestatório. Lúcia, inclusive, continua na ativa: seu longa de estreia, Que Bom Te Ver Viva (1989), misturava histórias de resistência às suas memórias da prisão na ditadura; seu último trabalho até agora, Praça Paris (2017), ainda discorre sobre a violência brasileira. Mais recentemente, cineastas como Maria Augusta Ramos, com O Processo (2018), Anna Muylaert, com Alvorada (2021), e Petra Costa, com Democracia em Vertigem (2019), tomaram o jogo político para si, em documentários pertinentes ao Brasil atual.

Outras, preferem retratar o seu ponto de diferentes formas. Viviane Ferreira (O dia de Jerusa), Laís Bodanzky (Bicho de Sete Cabeças) Juliana Rojas (As Boas Maneiras), Gabriela Amaral Almeida (O Animal Cordial), Grace Passô (República), Eliane Caffé (Era o Hotel Cambridge), Larissa Fulana de Tal (Cinzas), Caru Alves de Souza (De Menor) e Maya Da-Rin (A Febre) são apenas alguns dos nomes que, na ativa, levam um subtexto crítico da realidade atual às suas produções. E o tom, infelizmente, não poderia ser menos acertado: atualmente, o Cinema nacional está em fase de recuperação depois do baque pandêmico e dos desmontes que o governo Bolsonaro permitiu aos projetos de incentivo à cultura, como novas regras de adesão ao financiamento pela Lei Rouanet.

De acordo com pesquisa da Agência Nacional do Cinema (Ancine), em 2019, 167 filmes brasileiros chegaram às telas de cinema, o que correspondeu a 37% das obras exibidas, e apenas 13,6% de todos os ingressos vendidos. Os longas-metragem de produção nacional mais assistidos naquele ano foram Minha Mãe é Uma Peça 3, Nada a Perder 2, Hebe – A Estrela do Brasil  e Minha Vida em Marte, sendo este último o único com direção feminina. 

De modo geral, podemos observar que os filmes que chegam ao circuito de exibição popular, além de não serem preferência do público brasileiro, são em sua grande maioria dirigidos por homens. Portanto, neste Dia do Cinema Brasileiro, cabe lembrar e destacar as mulheres que estiveram e ainda estão na linha de frente na luta pela valorização do Cinema nacional, sobretudo aquelas que não receberam a devida valorização. Seja no terror, no drama, no pseudodocumentário ou na ficção, o Cinema brasileiro resiste e as cineastas também. Em 2022, o Persona e a ACI Faac se juntaram em uma parceria inédita para homenagear as cineastas que fazem parte da História do audiovisual brasileiro.

Cleo de Verberena por Raquel Dutra

Primeiro, a primeira: Cleo de Verberena, nome artístico de Jacyra Martins da Silveira, foi a primeira mulher a dirigir um filme no Brasil. O feito veio através do título O Mystério do Dominó Preto, que em 1931 colocou o país junto do resto da América Latina em suas primeiras produções cinematográficas assinadas por diretoras, um movimento iniciado na década de 10 na Argentina e impulsionado pelas tendências modernistas e de desenvolvimento cultural, ideias todas muito bem recebidos pelo nosso continente a partir dos anos 20.

Mas o sentido carregado do termo “moderna” ainda é pouco para definir a visão de Cleo, que almejava explorar a direção audiovisual muito antes de estar diante de uma câmera pela primeira vez. Ainda adolescente, a cineasta nascida em 1909 na cidade de Amparo, no interior de São Paulo, deixou seu seio familiar para desbravar a capital, sempre inóspita aos novatos e especialmente hostil às jovens repletas de aspirações. Depois de ascender como atriz de teatro, ela vende tudo o que tem para realizar o seu grande sonho e fazer história no Cinema brasileiro. 

O longa em questão é totalmente centrado em Verberena e seu talento como diretora, roteirista, produtora e atriz, trazendo sua assinatura em todas as esferas de criação. Mesmo sendo o marco inicial de uma trajetória longeva findada com o seu falecimento em 1972, quando Cleo tinha 68 anos, O Mystério do Dominó Preto foi o único filme que ela dirigiu, pois a sua segunda produção (Canção do Destino, iniciada logo depois da primeira, ainda em 1931) não foi concluída. O seu projeto de vida, no entanto, foi continuado por todas as diretoras que vamos conhecer abaixo, seguindo vivo até hoje, pelo trabalho das mulheres que se inspiram pela ousadia de Verberena ao reivindicar o Cinema como a sua Arte.

Ana Carolina por Raquel Dutra

Quando o assunto é o trabalho de mulheres no Cinema brasileiro, o nome daquela cujo olhar sempre prestou atenção na experiência feminina do nosso país é um dos mais sobressalentes. Ana Carolina Teixeira Soares precisou de apenas os seus dois primeiros nomes e o que havia essencialmente dentro de si para deixar sua marca na produção cinematográfica brasileira. É que sua linguagem audiovisual é ancorada pelo olhar crítico para a questão de gênero, perfeitamente visível em sua trilogia mais apreciada, composta por Mar de Rosas (1977), Das Tripas Coração (1982) e Sonho de Valsa (1987), cujo fio narrativo é o acompanhar das vivências femininas ao longo das etapas da vida (infância, adolescência e maturidade, respectivamente).

Para chegar em sua identidade ímpar, carregada de valor visual e riqueza intertextual, a paulistana nascida em 1945 começou trabalhando com nada mais nada menos do que a quintessência da Sétima Arte: o gênero documental. Em Lavra-dor (1967), ela se envolve com Cinema pela primeira vez, depois de passar pelas faculdades de Medicina e Ciências Sociais, como co-diretora e roteirista de Paulo Rufino. Então, em 1974 ela dirigiu seu primeiro longa, Getúlio Vargas, aos 20 anos da morte do ex-presidente, para encerrar a primeira fase de sua carreira e mergulhar na ficção.

Lá foi que a carreira de Ana Carolina deslanchou com apreço internacional: em 1978 ela participou do júri do Festival de Berlim, e depois estreou com seu filme de 1982 no Festival de Cannes. Com foco para a vida familiar e análises sociais da vida privada, ela recorre aos artifícios inteligentes do humor e da hipérbole e mergulha no psicológico de seus personagens, a fama de “a mais autoral cineasta brasileira” é mais do que justa para a primeira mulher que reproduziu a vastidão da mulher brasileira numa tela de Cinema.

Adélia Sampaio por Vitória Lopes Gomez

“O cinema é elitista. Chega uma preta, filha de empregada doméstica e quer fazer filmes? Claro que foi difícil.” “Difícil” sequer dá conta de definir o início da trajetória de Adélia Sampaio: quando criança, a futura cineasta mudou de cidade e foi separada da mãe à força, junto da irmã. Aos 18 anos, sofreu um grave ataque e perdas às vésperas do golpe militar de 1964, e, mais velha, viu o marido ser injustamente acusado e tornar-se um preso político durante a ditadura. Quase 20 anos depois, Amor Maldito mudou seu caminho. Apesar dos empecilhos para ser lançado, como todo filme à frente do seu tempo, o primeiro e único longa-metragem de Adélia até então a eternizou na história como a primeira mulher negra a dirigir um filme no Brasil.

O enredo do filme, de 1984, trata a relação romântica de duas mulheres. Quando uma delas comete suicídio, a outra é acusada e julgada como a principal suspeita da morte. Já nos anos 80, a diretora levou a discussão da homofobia às telas, em uma obra revolucionária tanto por seu conteúdo quanto pelos responsáveis pela sua concepção. Como qualquer produção transgressora, Amor Maldito foi recusado pela Embrafilme, produtora estatal brasileira, até mesmo depois de convites para exibição em festivais de Cinema no exterior. Resistindo, o filme foi lançado através de um sistema de cooperação entre os profissionais envolvidos e, para receber atenção do público, teve que ceder à propaganda das Pornochanchadas da época.

Mesmo assim, por mais revolucionários e transgressores que tenham sido, Adélia Sampaio, assim como Amor Maldito, só começou a ganhar o devido reconhecimento recentemente, após anos de racismo, apagamento e invisibildade. A cineasta trabalhou em outras áreas do Cinema desde o lançamento do filme e dirigiu documentários e curtas-metragens, mas passou um tempo afastada e retornou à Sétima Arte há pouco tempo. Em 2017, lançou seu curta O Mundo de Dentro e foi redescoberta. Desde então, Adélia é homenageada em eventos e festivais pela sua carreira e obra, inclusive na Mostra Lugar de Mulher É no Cinema, é frequentemente convidada para falar sobre sua trajetória e sobre sua influência como cineasta negra, e, quase 40 anos depois, é finalmente reconhecida como uma referência do Cinema brasileiro.

Tizuka Yamasaki por Vitor Evangelista

Filha e neta de imigrantes japoneses, Tizuka Yamasaki sempre sentiu um bloqueio cultural entre ela e o país em que nasceu. Foi apenas em 1980, quando escreveu e dirigiu Gaijin – Os Caminhos da Liberdade, que a cineasta conseguiu exercitar sua Arte e se entender com sua identidade. O filme, premiado com o grande louro no Festival de Gramado e dono de uma menção honrosa em Cannes, trata das dificuldades de imigrantes japoneses em uma fazenda de café no início do século XX.

Mas, antes de Gaijin, Yamasaki cursava Arquitetura na Universidade de Brasília. Quando a faculdade fechou, ela decidiu estudar Cinema na UFF. O resultado foi um encontro com Nelson Pereira dos Santos, com quem trabalhou na função de continuísta e fotógrafa em O Amuleto de Ogum (1974). Quatro anos mais tarde, fundou a produtora CPC, que bancou obras como Bar Esperança (Hugo Carvana), Rio Babilônia (Neville De Almeida) e Idade da Terra (último filme de Glauber Rocha). Em 83, comandou Parahyba Mulher Macho, retratando a vida da poetisa feminista Anaíde Beneriz. No ano seguinte, uniu ficção e documentário na confecção de Patriamada, filme que se mescla à História por ter sido captado em meio aos protestos das Diretas Já. 

Entre 89 e 90, pulou para as telinhas com Kananga do Japão, novela precursora em borrar a linha entre a TV e o Cinema. E foi a partir da década de noventa que Yamasaki passou a comandar obras voltadas para o público infantil, com destaque para Lua de Cristal, estreia de Xuxa no meio cinematográfico. Seja estudando as relações dos imigrantes em um Brasil em ebulição, seja emprestando sua visão para a Rainha dos Baixinhos brilhar entre mágicas, a obra e a Arte de Tizuka Yamasaki, hoje no auge de seus 73 anos, permanecem relevantes e dignas de celebração, por mais que seu currículo recente mostre uma ou outra produção televisiva, longe do reconhecimento e da adoração que são suas por direito.

Larissa Ye’padiho Duarte Tukano por Letícia Ramalho

Larissa Ye`padiho Duarte Tukano é uma mulher indígena do povo Tukano, da região do Alto do Rio Negro, perto de São Gabriel da Cachoeira, a cidade com maior concentração de indígenas do Brasil, localizada do Amazonas. Sendo seu pai uma liderança do povo Tukano, Larissa cresceu no meio das discussões e lutas para que a terra no Alto Rio Negro fosse área protegida demarcada, dessa forma, ela diz que amadureceu conhecendo os mundos e sendo ensinada a não desistir de sua cultura indígena para viver uma não-indígena. 

Por meio de suas obras, Larissa busca trazer reflexões a respeito das mudanças culturais, esquecimentos e absorções que os jovens indígenas estão sofrendo em contato com as cidades. Filma em destaque as mulheres porque, de acordo com sua experiência, as mulheres indígenas sofrem as opressões e violências das relações machistas nas aldeias, porém dentro das casas, elas dominam e direcionam os homens com seus conhecimentos e sabedorias. A jovem se dedica a resgatar e valorizar a cultura de roça, a pintura e a arte Tukano, bem como a língua nativa de seu povo, que está presente na narração de seu primeiro trabalho audiovisual.

A cineasta começou sua atuação na área por volta de 2015, depois de participar da Oficina de Audiovisual pera Salvaguarda do Sistema Agrícola Tradicional do Rio Negro, promovida pela Foirn. Wehsé Darasé – Trabalho da Roça foi seu primeiro documentário. O curta-metragem, lançado em 2016, apresenta a vida cotidiana de sua família, em especial a relação das mulheres mais velhas com as mais novas em torno do trabalho na roça, que exige atravessar rios e a mata densa da floresta amazônica e uma jornada de trabalho intenso para colheita, descasque, ralação, entre outras etapas para o preparo da maneva, também conhecida como mandioca. “Quando eu filmei o trabalho da roça, eu não estava só filmando o espaço físico, entende? A maneva, a terra, a senhora. É toda cosmologia envolvida dentro desse filme”, relatou a diretora para o Itaú Cultural.

Julia Katherine por Raquel Dutra

Desde o início da história das mulheres no Cinema brasileiro, quase 100 anos se passaram até que as nossas telas recebessem o primeiro filme assinado por uma diretora trans. O marco se deu com Julia Katharine e o curta Tea For Two, que estreou no nosso circuito comercial em fevereiro de 2019 apresentando uma história semi-autobiográfica com foco para um relacionamento entre duas mulheres. Antes, ela protagonizou e roteirizou Lembro Mais dos Corvos (2019), de seu amigo de longa data Gustavo Vinagre, o que inaugurou oficialmente sua carreira no Cinema.

A experiência só confirmou a aspiração que a cineasta sempre teve em seu coração. O primeiro envolvimento da paulistana autodidata nascida em 1977 com o Cinema foi uma figuração em O Crime Delicado (2006, de Beto Brant). Então, idas e vindas a levaram até para fora do Brasil antes de definitivamente realizar um filme seu, por incentivo do seu círculo de amizades e com o apoio de editais de incentivo à Cultura.

Esse, aliás, é o aspecto que Julia mais destaca quando perguntada em entrevistas sobre temas relacionados à representatividade e a presença das mulheres trans na produção audiovisual brasileira. De frente com a produção do seu primeiro longa-metragem, ela não deixa ninguém desistir: “É o momento de resistir, de seguir em frente e de buscar novas formas de fazer cinema. Criarmos redes de apoio, de acolhimento, para que a gente possa ajudar umas às outras a suportar (…)”.

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Seguindo nossas publicações mensais, o quinto mês de 2022 trouxe muitas novidades, selecionadas a dedo pela Redação do Persona. As celebrações no mundo da Música vão da turnê de despedida de Milton Nascimento, passando pelo reconhecimento da obra de Taylor Swift pela New York University (NYU), atravessando o mais recente ressurgimento comercial do clássico de Kate Bush, devido ao sucesso da nova temporada de Stranger Things, acordando o Pedrinho com o novo hit brasileiro e desembocando nos prolixos novos álbuns de The Smile e Kendrick Lamar. Preparem os ouvidos para a nossa playlist, pois o Nota Musical de Maio chegou. 

Aos 79 anos, Milton Nascimento anunciou o encerramento de sua trajetória com uma derradeira sessão de apresentações. Na estrada desde os 13 anos, Bituca declarou que não poderia fechar as cortinas sem executar canções de todas as fases de sua carreira em sua Última Sessão de Música. Vencedor do Grammy e um dos ícones do Clube da Esquina, o cantor carioca alcançou, em poucas horas, a expressiva marca de 65 mil ingressos vendidos para sua turnê.

Maio também foi o mês de consagração de Taylor Swift. Com 32 anos de idade, a cantora recebeu o título de Doutora Honoris Causa em Belas Artes, pela New York University, devido a sua destacada contribuição à História musical. No entanto, esse não foi o primeiro reconhecimento que a instituição manifestou à cantora: em fevereiro, a universidade – que figura na lista das mais respeitadas do mundo – lançou um curso sobre o trabalho e trajetória musical da artista. Antes disso, ela ainda esquentou seu nome na mídia com o lançamento de This Love (Taylor’s Version), mais uma de suas regravações do lendário 1989, o que acabou por confundir ainda mais os fãs sobre o próximo disco que será alvo do seu projeto de retomada de direitos autorais. 

Sobre os clássicos incompreendidos, não é novidade que Kate Bush, mesmo com seus contínuos hiatos e seu afastamento da cena pública, sempre volta. Ela retorna porque consegue, sempre, se fazer clássica no sentido de criar formas únicas do pop que servem enquanto inspiração a artistas como ROSALÍA, que recupera suas perspectivas sobre ser artista, Charli XCX, sempre trazendo o mesmo instinto de experimentação, e Lorde, que consegue, com maestria, reconstruir vocais pra lá de bushianos.

Diferentemente da canção Babooshka, que, no TikTok, ressurgiu com seus característicos maneirismos vocais e pelo sempre distintivo storytelling, o retorno de Running Up That Hill (A Deal With God) às paradas, lugar onde ocupou mais de uma vez desde seu lançamento, vem movido pelo sentimento de nostalgia tão emulado e trabalhado na série Stranger Things, que instrumentaliza tal sentimento como se fosse personagem da narrativa. Agora, só resta à Geração Z interagir de forma mais intensa com os mundos que foram criados por Bush dentro de seus projetos, e que desfrutem do melhor que o seu synthpop extraordinário tem a oferecer.

Se Harry Styles parecia ter atingido o ápice criativo com o disco Fine Line, o terceiro álbum de estúdio do ex-One Direction chegou às plataformas de streaming para mostrar o contrário. Harry’s House é o trabalho mais pessoal e experimental do britânico e, com 13 faixas, transita entre o aconchego de um lar e a inconsistência do ato de sair de sua zona de conforto. Styles, vale ressaltar, assina grande parte do projeto ao lado de Kid Harpoon, produtor e parceiro musical de longa data. As novas composições e o sucesso estrondoso do primeiro single (As It Was), por sua vez, somente reforçam a teoria de que Harry’s House fará ainda mais barulho nos próximos meses.

De qualquer modo, enquanto as previsões não se cumprem, ou caem totalmente por terra, é possível observar que os experimentalismos marcaram vasta presença em mais um mês de numerosos lançamentos. Em solo nacional, por exemplo, Urias explorou um aspecto mais agressivo do improviso na Música eletrônica para elaborar a primeira parte de seu futuro álbum, dando origem ao EP HER MIND, PT.1. Embalando seus vocais rasgados em instrumentais mergulhados nas influências do mais subterrâneo techno, mescladas com referências do pop e do rap, a cantora constituiu canções embarcadas em um experimentalismo que não se importa tanto com o significado de suas composições – caso de Je ne sais quoi e The way I drop -, mas que contribuem para o poder performativo de seu flow, mirando justamente nas fronteiras entre os gêneros musicais explorados.

Já no universo das telinhas, uma das melhores canções do álbum Terra Vista da Lua, de Felipe de Oliveira, foi coroada com um videoclipe bastante curioso. No lado visual de Cara da Esquina, referências ao filme Um Cão Andaluz, dentre outros símbolos chamativos, se misturam com um formato inusitado – um recorte quadrado, ao invés da tela retangular que dá base à maioria dos clipes musicais – para proporcionarem uma imersão única, que dificilmente será decifrada de primeira. 

O espaço sideral, a propósito, também combina com Mitosis, novo single de Eartheater. Nele, a voz de Alexandra Drewchin (Eartheater) transita entre as fronteiras do sacro e da total profanação, principalmente quando sobreposta às produções, oriundas das boates underground londrinas, de Sega Bodega. Com vocais quase gritados, que se diluem em sintetizadores agressivos, a cantora consegue nos surpreender com seus sussurros justapostos a momentos em que a produção também desacelera, nos enlaçando em seu feitiço e em suas harmonias extraterrestres.

Não menos experimental foi 070 Shake, com o lançamento da faixa Body. Afinal, o terceiro single do segundo álbum da protegida de Kanye West – e recente parceira musical de Madonna – conduz seu rap único, juntamente dos vocais sussurrados e minuciosos da brilhante Christine and The Queens, sobre um instrumental montado por batidas e sons com um quê de ficção científica, que ajudam na construção de uma expectativa de um drop que não ocorre, brincando, assim, com a estrutura da canção, semelhante a um fluxo de consciência que discorre sobre sexo e corporeidade.

Indo além dos experimentos, maio foi também um mês de muitas combinações. Nesse contexto, e analisando retrospectivamente seus últimos trabalhos, para, com propriedade, falar de This Hell – canção que é o carro-chefe de seu novo álbum, Hold The Girl -, é óbvio que o melhor que Rina Sawayama faz é debruçar-se sobre fusões. Sempre flertando com os mais diversos gêneros, desde o R&B em seu EP ao nu metal no seu primeiro álbum, Rina brinca agora – com suas entoações somadas a guitarras dignas do pop caubói de Kacey Musgraves – com toques de um country em diálogo com referências dos anos 2000, como menções a Paris Hilton e Shania Twain, mas sempre sem perder o toque queer no surfe que realiza sobre as mais distintas formas de se fazer Música Pop.

Enquanto isso, no Brasil, Cardiopulmonar – o último single avulso antes do início do projeto de lançamento do primeiro álbum solo de Mel – remonta a um entusiasmo que somente uma mistura bem feita de pandeiros da MPB, dos sintetizadores house music e de um bom e já quase clássico pop com gostinho brasileiro poderia trazer; ainda mais em seus vocais, mestres nessa cena com seu passado na sempre eterna Banda Uó. Já a veterana Claudya cumpriu com a promessa de abril e mergulhou no paradoxo de transformar as canções da Jovem Guarda em Bossa Nova: principal intenção do álbum A Nossa Bossa Sempre Jovem. 

Por falar em nomes consolidados da MPB, João Bosco eternizou um dos encontros que teve com a Orquestra Ouro Preto, em 2021, dando origem a um álbum que foi elogiado pelo jornalista Augusto Diniz, da revista Carta Capital. No novo trabalho, Gênesis, a mescla de sonoridades consideradas eruditas com os sons tidos como populares é um dos grandes atrativos de mais de uma hora de show. 

Igualmente destemida, Becky G voltou colocando as origens latinas nos holofotes ao lançar o segundo álbum de estúdio da carreira. Esquemas conta com 14 faixas, trazendo, dentre elas, o sucesso em parceria com Karol G, MAMIII. Todas as músicas da produção são cantadas em espanhol e misturam merengue, jazz, pop e eletrônica. A cantora, aliás, deixa em segundo plano a necessidade de agradar à indústria com hits mecânicos, destacando-se agora com a confiança e maturidade que adquiriu ao longo de sua trajetória musical.

Também ousada foi a jornada de The Chainsmokers. Após um ano distante das redes sociais, a dupla musical resolveu reaparecer para inaugurar uma nova fase artística. No quarto álbum da carreira, So Far so Good, Alex Pall e Drew Taggart rompem laços com a receita pronta que utilizavam em suas produções e passam a explorar a subjetividade. A base do disco foi construída em uma viagem do grupo ao Havaí e surge justamente com a proposta de apresentar ao público uma versão mais íntima dos cantores. Aproveitando a versatilidade das batidas de sintetizadores, as músicas são construídas com beats mais marcados, que complementam as experimentações instrumentais e os vocais lúdicos da proposta.

Um artista, por sinal, esteve muito próximo dos sons de Alex e Drew. Esse é o caso de Flume, que, em seu mais novo álbum, Palaces, se propôs a um projeto mais coeso que sua antecedente mixtape, conduzido por um fio narrativo liderado por novas centralidades no conflito da dualidade humano e natureza, diluindo o antropocentrismo em algo que mais se assemelha a um bizarro modelo capitalista do mundo natural. Nisso, ele tenta criar sobre as possibilidades de encontro entre a natureza e a tecnologia. Mesmo que, em algumas canções, exista uma sonoridade que se assemelhe ao EDM de The Chainsmokers, as participações da produção e dos vocais de Oklou, juntamente do experimentalismo robótico do reggaeton de Virgen María e da grandiosa presença de Caroline Polachek, conseguem trazer o diferencial, tirando um pouco o álbum do produtor de fora da curva.

No fim, comeback foi o que não faltou no mês de maio: dois anos após o lançamento do intimista EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, Bad Bunny retornou aos discos com o melodrama visceral de Un Verano Sin Ti. Apostando no desengano como fio condutor, o cantor porto-riquenho trouxe ao público composições fortes e bem amarradas. Com influências do reggae e do R&B, a sonoridade do novo álbum adquire uma singularidade cercada de boas experimentações e ascensão de ritmos tipicamente latino-americanos, como a Bossa Nova. Un Verano Sin Ti ganhou boas avaliações da crítica especializada e alcançou a marca de 100 milhões de streams no Spotify em apenas um dia. Na obra, o cantor explora o que há de mais profundo na dor, enquanto representa a imensidão dos sentimentos em cores vibrantes.

Além disso, após seis meses do lançamento de One Right Now, Post Malone ressurgiu com o single Cooped Up, em parceria com o rapper Roddy. A canção precedeu o lançamento do álbum Twelve Carat Toothache, que foi disponibilizado no dia três de junho. E, depois de quase um ano do lançamento do single I Like That, Bazzi retornou com uma nova música, Will It Ever Feel The Same?. Nela, o cantor estadunidense reflete sobre o término de um relacionamento utilizando uma melodia tocante, misturada com batidas clássicas de seu estilo.

Alguns artistas, no entanto, resolveram olhar para o passado com a finalidade de renovar trajetórias já consolidadas. Começando por uma divindade brasileira: majestosa como sempre, Elza Soares mergulhou na própria carreira e colheu alguns de seus melhores frutos para compor o repertório preciso – e precioso – do álbum Elza Ao Vivo No Municipal. Gravado nos dias 17 e 18 de janeiro, dois dias antes da morte da cantora, o último registro da Mulher do Fim do Mundo não só leva um de nossos maiores ícones culturais a mais um dos espaços nobres nacionais, como também nasce em um marco extremamente simbólico. Disponibilizado em 13 de maio, Elza Ao Vivo No Municipal veio ao mundo na data que é considerada pelos umbandistas como o Dia de Preto Velho – e, em todo o país, como o Dia Nacional da Denúncia Contra o Racismo. 

Já na cultura estadunidense, outra rainha se manteve mais produtiva do que nunca. Afinal, se não é novidade que Madonna adora um remix, em maio, além de disponibilizar uma pequena amostra do vindouro álbum Finally Enough Love: 50 Number Ones, por meio dos singles Into The Groove (You Can Dance Remix Edit) [2022 Remaster] e Deeper And Deeper (David’s Radio Edit) [2022 Remaster], a Rainha do Pop esteve mais uma vez ao lado de Sickick para divulgar uma terceira roupagem inédita aplicada – somente neste ano (!) – ao hit Frozen. A faixa da vez recebe o título de Frozen On Fire e enriquece o clássico do pop com alguns versos novos.   

Indo do português ao inglês, as imersões retrospectivas não poderiam deixar de lado o espanhol. E foi em Grandes Éxitos en Español que a banda paulista Francisco, el Hombre celebrou sua ligação com o México, fazendo um compilado dos maiores sucessos gravados na língua que dá título ao disco. A setlist da obra conta com 14 faixas e resgata canções de todas as fases da banda, entregando um ar saudosista à produção. 

A música de abertura, Hoy Muero Feliz, é também a última faixa do disco e nos é apresentada em duas versões: a mexicana e a brasileira. A ideia de juntar as letras no idioma espanhol em um álbum específico vem da origem mexicana dos irmãos Sebastianismos e Mateo. Já quando se trata das múltiplas versões de uma só canção, os integrantes dizem que há diferenças entre um público e outro e, por isso, veem como necessário construir gravações bem encaixadas com o perfil dual dos ouvintes.

Ainda no país tropical, Tetê Espíndola resgatou composições da parceria entre Arnaldo Black e Hilton Raw para formar o EP Notas de Tempo Nenhum. Fato curioso é que esse novo trabalho mescla gravações antigas e captações sonoras recentes, formando uma tracklist com pouco menos de 20 minutos. Já Belle and Sebastian chegou com A Bit of Previous, o 11º álbum da carreira. Reinventando clássicos do indie folk, a banda escocesa fez da nostalgia a protagonista do lançamento. 

Apesar da manutenção das marcas registradas do grupo, as 12 faixas do disco expõem uma maturidade na musicalidade dos artistas. A instrumentalidade explora ritmos presentes no universo gospel, brinca com batidas do pop e viaja entre músicas tranquilas e enérgicas. Além da retomada das raízes da Música Alternativa, são resgatadas as origens e a história dos quase 30 anos de atuação da banda. Os clipes contam com fotos antigas dos integrantes, tanto como grupo, quanto em suas vidas pessoais.

Mas as revisitações não pararam por aí. Trazendo, com muita sensibilidade, seu repertório para o universo infantil, Caetano Veloso se uniu mais uma vez ao Mundo Bita, agora para regravar a clássica canção Odara. Zeca Veloso, por sua vez, mostrou-se primoroso ao dar o primeiro passo rumo a um também primeiro álbum autoral. Resgatando O Sopro do Fole, composição gravada por Maria Bethânia no álbum Noturno, o filho de Caê brilha como intérprete de uma versão repaginada e ampliada, que alcança elevada relevância ao apresentar um instrumental renovado, versos inéditos e um videoclipe sublime. 

Por falar no disco da Abelha Rainha, não podemos nos esquecer de quem assinou a direção musical e os arranjos dessa obra encantadora: morto em 2021, Letieres Leite continua vivo por meio de seus trabalhos. Em maio, o artista contribuiu postumamente com a Música brasileira ao lançar, junto da Orkestra Rumpilezz, o álbum Moacir de todos os santos – uma evocação ao “gênio da música brasileira” Moacir Santos. O disco conta ainda com a participação de Caetano Veloso.

Como nem tudo são flores na indústria musical, a nova faixa de Vitão, Declaração, remete aos primeiros singles da carreira do cantor, mas carrega um tom de despedida. A canção relembra a musicalidade de lovesongs como Tá Foda e Café e, apesar de acompanhar um videoclipe romântico, tem como temática das entrelinhas as experiências negativas que o artista vivenciou com o hate na internet. Vitão tem sido alvo de portais de fofoca por falar de suas novas descobertas de si mesmo e contou que Declaração representa uma transição para novos ares. Assim, a música abraça o novo ciclo, despedindo-se do último de maneira singela, mas grandiosa.

Aliás, de recomeços, Shygirl entende bem. Isso porque Firefly, o lead single do primeiro álbum da cantora londrina – integrante do selo NUXXE, juntamente com Sega Bodega e COUCOU CHLOE -, a aproxima de sensibilidades da música pop das pistas de dança europeias, um terreno já explorado em faixas como TASTY, de seu último EP. Agora, a artista, com outras perspectivas e relações com a Música pop, já reconhecidas pela presença, junto à produção de Mura Masa, nos remixes do Dawn Of Chromatica, de Lady Gaga, distancia-se do agressivo, gutural e meio blasé rap que antes caracterizava suas canções ressoadas nas boates underground para mirar no europop que seria um estouro nos charts dos anos 2000, cantando sobre batidas que os artistas do início desse milênio sonhavam ter feito. Firefly traz o sentimento de uma canção perdida em uma coletânea do mais brilhante eurodance, partilhando do preciosismo de um tesouro (re)descoberto.

Já que mencionamos a Mother Monster, não podemos deixar de comentar mais uma das incansáveis investidas artísticas da “garota italiana de Nova Iorque”. Primeiro, é preciso lembrar que, nos anos 80, a canção original de Top Gun venceu o Oscar, para finalmente dizer que, passados 36 anos, Lady Gaga dá vida a Hold My Hand, música que brinda Top Gun: Maverick e tem potencial para repetir o feito de Take My Breath Away. Vale ressaltar que, além de canetar a faixa dos créditos, Gaga assina a trilha sonora original do longa ao lado do lendário Hans Zimmer, que acabou de vencer o prêmio da Academia por Duna.

Indo além das ligações com a década de 80, a Música contemporânea ainda se conecta com outros períodos memoráveis de um passado não tão distante – e o álbum meet the terrible exemplifica bem essa realidade. De fato, talvez não exista gênero melhor do que o pop rock para cantar sobre inseguranças, e brvnks sabe muito bem disso. A escolha da cantora de trazer seus vocais em composições tanto em português quanto em inglês mais parece orientada por um quê estético e expressivo, vindo, ao entender, por exemplo, que a sinceridade alcançada na canção as coisas mudam necessite de sua língua materna, enquanto, ao tentar reproduzir o mais cru e verdadeiro rock feminino dos anos 90, como na faixa-título, o inglês seja a escolha ideal. 

Com referências que, no audiovisual, vão de Leos Carax até Wong Kar-Wai e, na Música, remontam às delicadas sonoridades de Soccer Mommy, mas ao mesmo tempo recuperando um pouco da espontaneidade e do improviso de Cansei de Ser Sexy, brvnks constrói uma coleção de pequenos sentimentos e confissões em seu mais novo álbum, assumindo uma fragilidade perante às mudanças que a vida adulta a sujeita.

Mantendo a vibe nostálgica de seu último lançamento, Rody Martinez retornou aos anos 1990 com o single House Todo Dia. Menos atraente do que o Flashback de abril, a nova canção ainda assim pode conquistar a atenção do público por ter uma conexão orgânica com a adolescência do artista. Sob uma atmosfera semelhante, a banda italiana Måneskin lançou o single SUPERMODEL. Dedicada a criticar o endeusamento de celebridades, a faixa vem acompanhada de um videoclipe recheado de referências ao universo cinematográfico dos anos 90. 

E o que seria de um mês sem as já aguardadas regravações? Começando pela banda folk rock The Lumineers, que deu uma cara nova ao clássico Just Like Heaven. Durante a Spectrum Session da rádio SiriusXM, os artistas regravaram a canção e trocaram o impacto gritante pelo classicismo moderno. Em uma linha baseada na simplicidade, a banda mostra destreza em uma construção que valoriza vocais mais alongados e instrumentais comedidos. Já Luana Carvalho, filha de Beth Carvalho, celebrou os 76 anos da mãe – morta em 2019, mas imortal na história da Música brasileira – por meio de uma regravação e repaginação da música Andança. 

O grupo Carlos Malta e Pife Muderno, por sua vez, esteve junto de Gilberto Gil em uma regravação da faixa Expresso 2222, composta – e originalmente gravada – pelo veterano baiano. Não parando por aí, a família Gil marcou presença em mais um interessante lançamento: unidos ao Pacto Global da ONU Brasil, Margareth Menezes, MC Soffia e os Gilsons buscaram dignidade para os “trabalhadores do povo” no single Salário Digno.

E como não falar de um dos grandes fenômenos nacionais da atualidade? Depois do sucesso dos EPs Rainha dos Fluxos e Acompanha, Mc Dricka lançou seu primeiro álbum, Rainha. Com oito faixas, a cantora explora o funk permeado por fortes influências do trap. Algumas das músicas contam com a produção do DJ Perera e outras do produtor Ecologyk, por isso há variações perceptíveis de beat. Dricka, aliás, fortalece a representatividade feminina no funk, e seu novo trabalho reafirma o compromisso da artista com a música periférica, renovando também os discursos tradicionais de um gênero musical cada vez mais consolidado.

Já que o assunto é sucesso, é impossível ignorar um dos temas mais explorados nas mais diferentes culturas ao redor do globo: os relacionamentos amorosos. E podemos começar falando de Yours, mais um single do próximo álbum de Conan Gray, Superache. Trazendo a dor e a desilusão de ser um objeto nos relacionamentos, o cantor exprime a tristeza em vocais dramáticos. A música veio acompanhada de um clipe dirigido por Damien Blue; na produção visual, flores e a mudança de tonalidades acompanham os versos dolorosos interpretados pelo artista. Entre rosas e margaridas, Conan Gray desabrocha em baladas românticas apaixonantes e brutais.  

Mais ou menos na mesma vibe temática, o pop taciturno de Noah Cyrus voltou a dar as caras. Em Mr. Percocet, a cantora faz um relato confessional sobre um relacionamento tóxico rodeado de dependências químicas e emocionais. A faixa ganhou um clipe em tons escuros dirigido por Boni Mata. O ritmo, por sua vez, traz referências ao folk e batidas bem marcadas. Como resultado, a artista nos emociona pelos encantos da dramaticidade.

E não podemos nos esquecer do single Ribs. Partindo da mesma sinceridade lírica de seu último álbum, ainda acompanhada pela crueza do instrumental, situado entre a mixagem eletrônica dos vocais, batidas dissonantes e a organicidade da guitarra que flutua pela canção, Tirzah se abre a discorrer sobre o amor mais uma vez e os sentimentos de descoberta que o acompanham. Ainda com a produção de Mica Levi, a harmonia nunca se perde em suas construções experimentais de melodias que se desenvolvem sem pressa alguma, magicamente, pelo curso da canção.

A linha sentimental, vale ressaltar, é longa: mixado para ser ouvido de uma única vez, e agir, nesse processo de escuta, como um loop, o novo álbum de Lykke Li, EYEYE, constrói uma sinceridade visceral acerca do sentimento do coração partido. Seus vocais partilham de um caráter confessional de uma gravação no celular misturados com um surrealismo preenchido pelo estado da vigília e pelo marasmo, que quase a faz parecer entoar uma canção de ninar em certos momentos, sobre os instrumentais, distantes, leves e mais atmosféricos do que realmente estruturais da canção, como em seu último álbum.

Finalizando os lançamentos do pop internacional, o destaque vai para Me Myself & I, que é o terceiro single do quinto álbum da banda 5 Seconds of Summer – previsto para ser lançado no dia 23 de setembro e intitulado 5SOS5. Misturando as sonoridades dos álbuns Sounds Good Feels Good  (2015) e CALM  (2020), a música reflete sobre a autossuficiência, questionando se ser autossuficiente é bom ou ruim, e quais as consequências dessa situação humana.

Em que pesem os questionamentos, de algumas coisas podemos ter certeza. E uma delas é o fato de que as celebrações estarão sempre presentes nas criações artísticas. Por isso, não é de se espantar que, inseridos no clima festivo de grandes eventos culturais, Marcos Valle e Liniker ficaram responsáveis pela música-tema do festival Music Is The Answer (MITA). A faixa, disponibilizada via Deezer e YouTube, carrega um título breve (Vida), mas significativo, já que os versos da canção celebram esse elemento tão precioso para a existência humana. E, se os caminhos são alegres, não podemos deixar de resgatar uma verdadeira diva da MPB: depois de retornar, no ano passado, para os lançamentos inéditos com o disco Portas, Marisa Monte engatou a marcha e seguiu presenteando seus fãs com uma série de novidades. O mimo da vez é o single Feliz, Alegre e Forte, que expressa fidedignamente o alto-astral da artista brasileira.

Dos veteranos consagrados aos talentos mais recentes, acaba se tornando uma prática natural enaltecer cantores tão singulares quanto os nossos. E isso se torna ainda mais justificável quando os lançamentos vêm em dose tripla. Em maio, quem esteve por trás dessa proeza foi Tim Bernardes, com as canções Nascer, Viver, Morrer, BB (Garupa de Moto Amarela) e Mistificar – sendo as três singles do álbum Mil Coisas Invisíveis, lançado no mês de junho. Em uma poética apaixonante, o integrante da banda O Terno discursa sobre os verbos nascer, viver e morrer e suas multiplicidades nos vários períodos da vida. Já em BB, o cantor assume uma personalidade mais romântica em ode à pessoa amada. Com uma melodia tranquila e extremamente leve, a faixa soa como um abraço calmante.

Mas Tim não brilha somente na frente dos microfones. Nos bastidores do álbum O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim, da extraordinária Alaíde Costa, o jovem compositor brasileiro se destaca ao assinar, junto de Erasmo Carlos, a faixa Praga. O novo disco de Alaíde, vale ressaltar, foi destaque nos principais veículos de comunicação do país e reúne, em sua ficha técnica, uma equipe magistral, com destaque para Marcus Preto e Emicida, produtores da obra lançada em maio. De qualquer maneira, em um caminho construído também por nomes como Joyce Moreno, Guilherme Arantes e Nando Reis, não podemos nos esquecer de que a grande estrela da vez é a cantora de 86 anos.        

Encerrando os lançamentos da MPB, no clipe da canção Sem Cais, produzida pelo colaborador de longa data Kiko Dinucci, Juçara Marçal navega, ou melhor, é passageira, como afirma a ficha técnica do vídeo, em mares de concreto. Seus movimentos, potencializados pela corporalidade sugerida pela fotografia estonteante de Aline Belfort, são confrontados pela estaticidade maciça do concreto dos prédios de São Paulo, espaço onde a cantora, juntamente do genial Negro Leo, intervenciona e ocupa, assim como os pixos das paredes da cidade.

Na cena do rock nacional, quem retornou foram os Ratos de Porão. Lançando Necropolítica, primeiro disco inédito desde Século Sinistro (2014), o grupo de hardcore explora um assunto recorrente nas produções culturais dos últimos tempos: a “degradação política e social” que o Brasil vem enfrentando ano após ano, especialmente durante o (des)governo daquele que não merece ser nomeado.

Di Ferrero também voltou aos holofotes com UMA BAD UMA FARRA , seu primeiro álbum de estúdio na carreira solo. Apresentando um mix de rock e de pop, o trabalho conta com participações de nomes novos e antigos do cenário musical. É um disco que apetece vários paladares, e que pode ser ouvido em uma porção de momentos: há algumas músicas que possuem uma batida mais rápida e pesada, com instrumentais de bateria e guitarra; outras, carregam uma batida mais leve, e  instrumentais mais suaves. 

No rock internacional, The Black Keys deu seguimento ao universo explorado em seu álbum anterior, e chegou com Dropout Boogie, seu 11º trabalho de estúdio, ampliando o horizonte blues rock, cujas origens do delta blues seguem mais contundentes. Ao longo de 10 canções rápidas – o disco todo possui pouco mais de trinta minutos de duração –, a dupla estadunidense mantém seu conservadorismo estético, atribuindo grooves e uma guitarra cintilante às canções, contando ainda com participação especial de Billy F. Gibbons. 

Também remetendo ao próprio passado, dois lançamentos ganham destaque: o álbum Cruel Country, de Wilco, cuja característica principal é sua abordagem simples e flutuante, cujo espírito silencioso do disco ganha vida a partir da voz de Jeff Tweedy, e o single The Foundations of Decay, primeira inédita de My Chemical Romance em 8 anos. Nos singles do gênero, Interpol e Built To Spill também marcaram presença. 

Em Fables, o trio estadunidense, liderado por Paul Banks, explora “um vocal alegre com letras otimistas e uma batida evocativa do R&B clássico com um aceno para a era dourada do hip hop; é uma jam de verão e uma música da qual estamos particularmente orgulhosos”, conforme Banks revelou. Na canção Understood, Built To Spill faz referência a um famoso motociclista dos anos 1970, Even Knievel, para refletir sobre os riscos, incertezas e limitações impostas pela vida. A canção integra o disco When the Wind Forgets Your Name, com lançamento previsto para 9 de setembro. É o primeiro disco do grupo a ser lançado pela gravadora Sub Pop Records.

Maio também foi o mês de Ethel Cain estrear com Preacher’s Daughter. Com apenas 24 anos, a cantora norte-americana combina alguns traumas religiosos numa base de pop sombria que a aproxima do rock antes de qualquer coisa – no primeiro dos muitos acertos estéticos de sua futura carreira. Subversiva mas um tanto passiva, a identidade da artista parece ser uma mistura de referências de Lana Del Rey em seus momentos mais traumáticos, Lorde em seus momentos mais revoltosos e – pasme – até de Taylor Swift em seus momentos mais vibrantes. Mas nada disso a impede de criar uma atmosfera única para o disco, que é imersiva em sua densidade instrumental (com uso marcado e muito bem produzido de guitarras, órgãos, sintetizadores) e lírica (repleta de metáforas e analogias melancólicas).

Também bebendo da textura melancólica e da densidade instrumental, Just Mustard ressurgiu com seu segundo álbum. Depois de ser denominado um grupo shoegaze no lançamento de Wednesday (2018), o quinteto traz uma pegada mais industrial em Heart Under, projeto que dá continuidade às suas gravações de estúdio. Contudo, o disco joga luz à condição autossuficiente da banda em não pertencer a nenhuma caixinha. Em sua estreia na gravadora Partisan Records – a mesma de Fontaines D.C. –, o quinteto irlandês procura novas formas de elucidar espécies de paisagens intocadas, através de sons experimentais que nunca se apoiam somente na guitarra – embora usem e abusem de elementos do rock alternativo. 

A bem da verdade, Heart Under parece ser norteado por uma força que não permite ser categorizada, inovando-se em cada faixa mas, ainda assim, mantendo um teor unificante. De acordo com os integrantes do grupo, o álbum tem a ambição de soar como a “experiência de dirigir através de um túnel com as janelas abertas”. Esse efeito quase sempre ganha forma sob a mistura reluzente da voz de Katie Ball e as linhas de baixo de Rob Clarke, dando vida a um ambicioso projeto que foca no tom e nas texturas.

A Light for Attracting Attention, o aguardado álbum de estreia de The Smile, foi finalmente lançado no dia 13 de maio. Composto por treze canções, o disco do super trio britânico formado por Thom Yorke, Jonny Greenwood e Tom Skinner destaca-se pela abordagem sonora e a maneira a qual espelha conversas oníricas, como se Yorke, através de seus murmúrios e expressões a princípio sem sentido, emulasse a condição de um indivíduo que acaba de recuperar o poder de fala, tal como os espectros que rondam nossos sonhos. 

No limite da significação – sendo um projeto paralelo ao Radiohead –, o trabalho faz referência a uma longínqua e distinta fase do quinteto britânico – Hail to the Thief (2003) –, período em que o grupo teceu críticas diretas às ostensivas antidemocráticas do governo Bush no Iraque. Em A Light for Attracting Attention, essas observações seguem astutas e agressivas, cujo foco é ampliado a outras questões midiáticas, como os casos de assédio envolvendo Harvey Weinstein ou a condição alienante propiciada pelas novas redes. 

Mas, apesar dos dois nomes gigantescos que pertencem ao projeto serem possivelmente os membros mais relevantes culturalmente a estética do Radiohead, talvez a possibilidade de uma abordagem sonora distinta tenha surgido pela presença de Skinner, baterista do Sons Of Kemet, cuja forma de tocar – partindo os tempos entre caixa e hi-hat – cria a possibilidade de inovações sonoras expansivas através dos sintetizadores, guitarras e baixo. Em entrevista, Thom Yorke revelou que o nome do grupo reflete “o sorriso daquele que mente para você todos os dias”; portanto, não se engane: The Smile é um sorriso malicioso.

No indie rock, o quarteto britânico Porridge Radio lançou seu segundo álbum: Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky. No disco, há uma mistura de sintetizadores e guitarras que conjuram, em 13 canções, desejos ocultos, pessoas experimentando seus impulsos mais juvenis em corpos adultos e necessidades não notificadas. Sharon Van Etten também lançou um novo projeto, We’ve Been Going About This All Wrong, seu 6º disco e trabalho no qual discute questões de maternidade, solidão e a escuridão propiciada por um mundo individualizante. 

Os canadenses do Arcade Fire se debruçaram sobre inquietações similares, mas com um foco gradual na ansiedade contemporânea. Enquanto projetos anteriores do grupo debruçaram-se diante das questões acerca da alienação, WE dialoga com as causas finais daquilo que pareceu ser diagnosticado logo no início de carreira, em Funeral (2004). Essa insatisfação ganha forma em letras poderosas e clínicas, que absorvem como poucos a condição de estar vivo hoje. De forma ambiciosa, o disco recupera as marcas originais de Arcade Fire, depois do grupo brigar com elas durante anos. O projeto também marca a despedida de Will Butler, irmão do vocalista Win, que deixou o grupo oficialmente depois de ter finalizado WE. 

Florence + the Machine, a neta das bruxas que vocês não queimaram, está de volta e com um novo ritual; dessa vez, utilizando um fenômeno da Idade Média – no qual as pessoas dançavam até a morte – para revisitar seus traumas e ansiedades. Produzido pelo queridinho Jack Antonoff e Dave Bayley (Glass Animals), Dance Fever é um passeio pelas diferentes versões de Florence Welch dos últimos cinco discos, mas revisitando principalmente o registro de estreia Lungs, com direito as guitarras carregadas do debut e as letras impactantes, que neste álbum estão mais simbólicas que nunca, recompensando o ouvinte com fúria e caos lírico e harmoniosamente irretocável.

O quarto álbum da carreira de mxmtoon, rising – seu terceiro de estúdio –, também foi disponibilizado no quinto mês de 2022. Depois de explorar sua multiplicidade, o novo lançamento vem como um desabafo em que a temática principal é crescer. A artista, que completou 21 anos recentemente, fala sobre as inseguranças de transicionar para a vida adulta e faz um paralelo entre as músicas da adolescência e as do atual momento. 

Focada em revelar a ascendência e a estabilidade, mxmtoon traz no novo trabalho uma afirmação de sua maturidade artística. Abusando da musicalidade dos anos 2000, o disco traz, em suas 12 faixas, um aspecto repleto de saudosismo dos clássicos do indie pop e explora uma ritmicidade animada. Em suma, o trabalho abre portas para as novas possibilidades nas composições da cantora, além de celebrar a importância de mudar e estar sempre disposto a abraçar o novo.

Também abraçando o novo – e depois de uma espera dos fãs que perdurava quase três anos –, Sky Ferreira está de volta com seu característico pop confessional, preenchido por synths poderosos que pulsam atrás de seus fortes vocais e refletem, mais uma vez, sobre seu percurso na indústria, conturbado por conflitos com sua gravadora e com o star system. Mesmo que partilhando de uma sonoridade ainda remanescente de seu primeiro álbum, Don’t Forget emula uma transparência que soa quase nostálgica a quem acompanha a cantora por muito tempo, cujo efeito não é exatamente uma má estratégia para quem quer firmar novamente, depois de mais de seis anos, seu lugar no hall de cantoras que experimentam com as fórmulas do pop.

Adentrando o mundo do rap, o gigante Kendrick Lamar lançou, na surdina, seu novo disco: Mr. Morale & The Big Steppers. Brigando de forma contundente com seu próprio passado, marcado pela violência a qual foi submetido e pelas escolhas que precisou fazer, o rapper faz uma ode à verdade e à representação, e parece deixar subentendido que a cena de rap contemporânea não está interessada nos ideais que deram origem ao gênero, pois vislumbram as possíveis reações dos fãs e não permitem ser verdadeiros. Essa potência talvez atinja um de seus ápices em We Cry Together, faixa na qual simula, durante toda a duração, uma discussão em alta voltagem com a atriz Taylour Page.

Na canção Mother I Sober, Lamar canta, em parceria com Beth Gibbons, do Portishead, sobre a dor da história de sua família, e desenrola lentamente os efeitos dos traumas. Diferente do resto das canções de Mr. Morale & The Big Steppers – e, até mesmo, do resto de sua carreira –, a faixa mostra um Lamar vulnerável, cantando lentamente, quase em sussurros, sob um piano e uma batida progressiva lenta, e nos seus momentos de silêncio Gibbons adentra, entoando: “Eu queria ser alguém/Qualquer um menos eu”. 

Ele abre seu coração – as dificuldades de ficar sóbrio, a violência familiar, a incapacidade de escapar da segregação racial –, e encapsula um momento chave de sua vida. Ao final, suas afirmações ficam mais contundentes, encerrando com “Então eu liberto os corações cheios de ódio, mantenham nossos corpos sagrados/Conforme vou libertando todos vocês abusadores, isso é transformação”. Seja qual for o seu problema, Kendrick Lamar quer que você fale sobre isso.

No rap nacional, Sobre Viver, o quinto álbum da carreira do rapper Criolo, chegou para escancarar, de forma poética e irreverente, o luto. Em 10 faixas, o cantor aborda a temática social e faz um resgate a urgência de resistir e trazer à tona as problemáticas de um cenário político e social tão perverso como o atual. De forma inovadora e necessária, Criolo faz uma desassociação com a influência pop, e sustenta o discurso tipicamente bem posicionado do rap. 

As letras passeiam pela gravidade da desigualdade social e trazem uma reflexão sobre a dor das mortes causadas pelo descaso. O luto referido em Sobre Viver tem origem na experiência do cantor com a morte da irmã por covid-19. Por essa razão, abriga um questionamento sobre responsabilidade e culpa. Em um momento marcado pelo desânimo de uma estrutura falha e carregada de injustiça, Sobre Viver é um grito por esperança e retomada de direitos.

Já o R&B viu o retorno das batidas diversas e instrumentais envolventes de Ella Mai com o seu segundo álbum, Heart On My Sleeve. Ao cantar sobre paixões e desilusões, a artista mostra como seus vocais potentes possuem uma delicadeza singular. Dylan Sinclair também está de volta após o lançamento de seu EP, Proverb, que lhe rendeu uma indicação ao prêmio Juno, agora com No Longer In The Suburbs. No extended play, o canadense canta sobre amor e sobre crescer nos subúrbios do Canadá, expressando uma experiência parecida com a de Flores em seu primeiro extended play. Em The Lives They Left, a cantora mexicana traz as suas reflexões e vivências como alguém que cresceu e viveu entre cidades na fronteira dos Estados Unidos com o México. O extended play apresenta músicas de caráter político – como Sangre –, e músicas de caráter nostálgico – como 915.

O tema central do gênero também apareceu: Pain, de Muni Long, é uma música que fala sobre a superação de um término de relacionamento, sendo o segundo single lançado após o álbum Public Displays Of Affection. De forma mais abstrata, UMI aparece em moonlit room falando sobre todo o ato de amar alguém que não é a melhor pessoa a se amar, marcando o terceiro e último single que precedeu o álbum Forest in the City. E por fim, depois de quase um ano do álbum Thru My Window, o trio estadunidense Your Grandparents também retornou, agora em parceria com a cantora Amindi, com a musicalidade cativante e nostálgica de Somebody Told Me.

Mas entre os lançamentos, o destaque foi mesmo de Ravyn Lanae. Numa estreia muito esperada, a artista de 23 anos apresenta uma brilhante ode à história recente do R&B ao longo de pelo menos três décadas. Assim, junto das demais movimentações recentes do gênero, é certo dizer que os anos 90 estão para o R&B assim como os anos 80 estão para o pop. Mas a arquitetura sonora de HYPNOS também sabe apreciar suas referências atuais, então é comum encontrar, entre as 16 canções do disco, alguns toques da vanguarda de FKA twigs, do frescor de SZA e do lustre de Aaliyah. E ela não se restringe ao cenário norte-americando, contemplando a influência do gênero até o neo-soul britânico numa colaboração brilhante com Fousheé, que arremata o valor do disco com as produções de gênios do R&B como KAYTRANADA e parcerias com Smino e Mereba.

O ano de 2022 ainda promete muitos lançamentos memoráveis, e o Persona segue a todo vapor selecionando e preparando o que de melhor aconteceu no universo cultural. Nos despedindo do Nota Musical de Maio, deixamos nossa tradicional playlist, mas te aguardamos no Nota Musical de Junho, com as mil coisas invisíveis de Tim Bernardes, um CD surpresa do Champagne Papi e as super dores de Conan Gray. Até lá!

Texto: Bruno Andrade e Eduardo Rota Hilário

Pesquisa e Pauta: Enzo Caramori, Guilherme Veiga, Jamily Rigonatto, Laura Hirata-Vale, Nathália Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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Da viagem do Doutor Estranho pelo Multiverso da Loucura ao experimentalismo da 3ª temporada de Atlanta, passando pelo faroeste de Outer Range e o épico viking de Robert Eggers em O Homem do Norte, Maio foi um verdadeiro presente para aqueles que procuram um bom entretenimento. No mês que sediou um dos maiores festivais de Cinema do mundo, o Cineclube de Maio veio para, mais uma vez, mostrar o que rolou na Sétima Arte e nas telinhas da TV. 

Entre os aviões de Top Gun: Maverick e a ostentação glamourosa de Elvis, o Festival de Cannes celebrou um retorno aos cinemas premiando Triangle of Sadness com a Palma de Ouro. A vitória máxima é a segunda na carreira do diretor Ruben Ostlund, que já havia faturado com The Square. Melhor Direção ficou com Park Chan-Wook e seu Decision to Leave, enquanto em Roteiro deu Tarik Saleh e Boy From Heaven. O sul-coreano Song Kang-Ho foi o Melhor Ator por Broker e Sahra Amir Ebrahimi, a Melhor Atriz com Holy Spider. O Grand Prix foi dividido por Close e Stars at Noon, e o Prêmio do Júri marcou o empate entre EO e The Eight Mountains.  

Dentre os destaques do mês, temos A Vilã (Aknyeo), um filme sul-coreano disponível no Star+. A trama do longa conta a história de Sook-hee (Kim Ok-bin), uma assassina que foi treinada para matar. Seu ensinamento se iniciou durante a infância, na China, e sua ida à Coreia do Sul ocorreu após a morte de seu mentor. A viagem ao novo país veio com a promessa de uma vida diferente, em que a jovem serviria como agente do governo, vivendo como outra pessoa. No começo tudo ocorre conforme o planejado, até a chegada de Joong-sang (Shin Ha-kyun) e Hyun-soo (Sung Jun) que acabam com a paz da jovem. A película desenvolve uma narrativa repleta de ação e suspense, mas acabou resultado em uma avaliação morna no Rotten Tomatoes.

Navegando por mares gelados, o Persona aterrissou em terras nórdicas, onde se passa O Homem do Norte (The Northman) nas telonas dos cinemas. O filme narra a longa jornada de vingança do príncipe Amleth (Alexander Skarsgård), que durante de duas décadas, assumiu a missão de salvar a mãe e matar o tio, responsável pelo assassinato de seu pai quando o príncipe ainda era uma criança. Robert Eggers (de O Farol) apresentou uma composição grandiosa para retratar o povo viking, mas acabou pegando no tempo de desenvolvimento da trama. A obra ainda se destaca pelas atuações de Skarsgård e Anya Taylor-Joy, além das curtas aparições de Willem Dafoe, Ethan Hawke e Björk, que mesmo com pouco tempo  roubam a cena. 

Outras franquias de filmes deram continuidade a suas narrativas, como é o caso de Os Opostos Sempre se Atraem (Loin du Périph), da Netflix. O longa chega para dar sequência a Os Opostos se Atraem uma década depois, trazendo de volta Ousmane (Omar Sy) e François (Laurent Lafitte) para uma nova aventura policial: um caso de tráfico de drogas com muitas reviravoltas. O filme parecia promissor com a direção de Louis Leterrier (Lupin), porém a obra deixou a desejar em alguns aspectos. Com um plot twist fraco e tardio e um desenvolvimento superficial, Os Opostos Sempre se Atraem tem uma ideia muito boa que passou longe de ser bem aproveitada.

Quebrando a sequência de obras fictícias, Maio chegou com O Soldado que Não Existiu (Operation Mincemeat), baseado em uma história real e no livro de mesmo nome do escritor Ben Macintyre. O filme da Netflix narra a operação secreta, criada pela inteligência britânica, para enganar o exército nazista na Segunda Guerra Mundial, fazendo-o pensar que a Grécia seria o próximo alvo de tomada, quando, na verdade, o interesse real era Sicília. Com o propósito interessante de não se apoiar em cenas de ação repetitivas, a película apresentou uma premissa alarmante, mas acabou não se sustentando, o que tornou a narrativa maçante e sem emoção.

Seguindo por outros ares, Top Gun: Maverick retorna após longas décadas para dar continuidade a trama de Pete “Maverick” Mitchell como o piloto que sempre desafiou os limites. Mas, dessa vez, o seu principal obstáculo é provar que o fator humano ainda é necessário em um mundo dominado pela tecnologia. Enfrentando drones para além dos caças, o longa aproveita as novas funções dos efeitos visuais da atualidade e traz para a tela de Cinema um cenário espetacular e mais vivido em relação a versão de 1986. A direção exitosa de Joseph Kosinski (Oblivion), fez com que a história do piloto recebesse vastas críticas positivas e caminha para se tornar a maior bilheteria de estreia da carreira de Cruise.

Enquanto uns filmes voam, outros sofrem uma queda vertiginosa. Chamas da Vingança (Firestarter) é a segunda adaptação do romance homônimo de Stephen King e acompanha a jovem Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) em uma busca para descobrir como ela adquiriu o poder de incendiar as coisas com sua mente. O longa dirigido por Keith Thomas também conta com Zac Efron (Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal), Sydney Lemmon (Succession) e Kurtwood Smith (That ‘70s Show). Apesar da adaptação ser inspirada em uma obra do Rei do Terror, a obra tem recebido muitas críticas negativas, com 11% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Saindo do clima quente do incêndio e passando para o universo do samba, O Pai da Rita é uma comédia dramática sobre dois compositores da escola de samba Vai-Vai e a curiosidade em descobrir o parentesco da filha da passista que ambos já se apaixonaram. O longa nacional de Joel Zito Araújo (A Negação do Brasil) chega finalmente aos cinemas após participar da última Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e do Festival do Rio. Além disso, a obra conta com grandes nomes no elenco, como Ailton Graça e Paulo Betti, incluindo a participação mais que especial de Chico Buarque, artista que inspirou a obra.

Seguindo pela mesma linha tragicômica, o Amazon Prime Video lançou Emergency. Dirigido por Carey Williams, o longa acompanha três estudantes universitários, sendo dois deles negros e um latino, que voltam para casa e encontram uma mulher branca desconhecida inconsciente no chão de seu apartamento. A partir daí, eles tentam levá-la para um local seguro sem levantar suspeitas. O filme, que teve sua estreia no Festival de Sundance em 2022, conta com RJ Cyler (Eu, Você e a Garota que Vai Morrer), Sabrina Carpenter (Crush À Altura) e Donald Elise Watkins (The Underground Railroad) para dar vida aos personagens da história.

Outro filme divulgado no mês de maio que busca arrancar um sorriso dos telespectadores é De Volta ao Baile (Senior Year), disponível na Netflix. O longa é uma boa comédia sobre Stephanie (Rebel Wilson), que com 17 anos, sofreu um acidente e entrou em um coma de duas décadas, acordando disposta a se tornar a rainha do baile. O longa é divertido e recheado de referências aos anos 2000, desde a trilha sonora e a caracterização de Steph, até a rápida participação da patricinha que marcou uma era, Alicia Silverstone.

Mesclando a animação do live-action, Tico e Teco: Defensores da Lei (Chips n’ Dale: Rescue Rangers) foi uma grande surpresa deste mês, até mesmo para a Disney. Jogado na plataforma do Disney+ sem muito alarde, o filme, aos velhos moldes do boca a boca, foi conquistando seu público e crítica, e hoje é o live-action original do streaming de melhor colocação no Rotten Tomatoes, com seus 82%. Trazendo nomes como Andy Samberg, John Mulaney, J.K. Simmons e Seth Rogen, o longa é um poço de referências, inclusive fazendo justiça à primeira (e feia) versão do Sonic dos cinemas.

E Tico e Teco não foi a única animação que se destacou ao longo de maio. Após anos como uma série, Bob’s Burgers finalmente ganha um longa-metragem para chamar de seu. A trama se inicia com o rompimento de um cano que bloqueia a entrada da lanchonete. O incidente fracassou com os planos da família de lucrar durante o verão. Desse modo, Bob (H. Jon Benjamin) e Linda (John Roberts) se encarregam de manter os negócios funcionando enquanto as crianças tentam resolver os problemas do restaurante.

No universo das séries, a Netflix apostou novamente nas produções espanholas e obteve um bom resultado com Bem-Vindos ao Éden. A narrativa sobre cinco jovens que foram convidados para uma grande festa em uma ilha e se tornam prisioneiros no local é pouco surpreendente, mas é uma boa pedida para os amantes de mistério e já foi renovada para a segunda temporada. 

Em maio, o streaming também recebeu a terceira temporada de Love, Death + Robots, a antologia produzida por Tim Miller (Deadpool) e David Fincher (Garota Exemplar). O novo ano deixou de lado a contemplação característica de temporadas anteriores e focou suas forças na violência e na ação para dizer que a humanidade, graças ao seu ego e ambição, tende a ir de mal a pior. Com contos em sua maioria extremamente viscerais, a série é um prato cheio para os fãs de animação, com episódios excelentes como Viagem Ruim (Bad Travelling), a estreia de Fincher na direção da série, e o intrigante Fazendeiro (Jibaro). 

Na comédia, Mike Myers voltou à frente das câmeras em O Pentavirato (The Pentaverate). Mais escrachado e politicamente incorreto do que nunca, Myers faz uma espécie de Borat misturado com Casseta & Planeta, abordando um universo à la Dan Brown e criticando em cheio a sociedade atual – tanto a americana, que é o foco da piada, como até mesmo a brasileira. 

Mantendo a temática polêmica, a minissérie sueca Clark chegou à Netflix protagonizada pelo talentoso Bill Skarsgård, que interpreta o gângster celebridade Clark Olofsson. Com uma narrativa baseada na autobiografia do criminoso, a produção explora, de forma surreal e fantasiosa, a personalidade do homem que inspirou o termo Síndrome de Estocolmo. 

Também envolvendo crimes, O Poder e a Lei (The Lincoln Lawyer) é outro lançamento do gênero na Netflix. Na adaptação do livro The Brass Verdict, de Michael Connelly, o advogado Mickey Haller, famoso por trabalhar no banco de trás de seu carro, volta a desvendar casos de assassinato após se recuperar de um acidente de surfe e de seu vício em remédios para dor. Mesmo sendo um pouco clichê, a produção é cheia de casos e reviravoltas interessantes, o ideal para uma boa maratona. 

E é claro que Stranger Things não podia ficar de fora do Cineclube de maio. Nos 7 episódios do volume 1, os irmãos Duffer não se apressaram ao desenvolver a história para o quarto ano. Mais madura e aterrorizante, a história dos acontecimentos de Hawkins foca bastante na questão sobrenatural na nova temporada, indo para vertentes como a possessão demoníaca e casas mal-assombradas. 

As escolhas de homenagem tão características dos Duffer se provaram como as mais acertadas em todos esses anos de série. Desde a trilha sonora impecável (e que ressuscitou Kate Bush nas paradas musicais) até a inspiração no clássico A Hora do Pesadelo, tudo foi muito bem pensado para entregar a temporada mais memorável da série até aqui. 

No Prime Video, Outer Range misturou faroeste, thriller e ficção científica em uma narrativa que acompanha um fazendeiro, interpretado por Josh Brolin, na luta por sua terra e família quando descobre um mistério no deserto do Wyoming. Com 8 episódios de duração em torno de 1 hora cada, o elenco também conta com Imogen Poots (Vivarium), Lili Taylor (Invocação do Mal) e Will Patton (Yellowstone). 

No HBO Max, Naomi, série da CW inspirada no quadrinho de mesmo nome, trouxe a representatividade, ou melhor, a normalização para as garotas que ainda não se enxergavam no universo da DC na Televisão estadunidense e no streaming. Protagonizada por uma jovem heroína negra com superpoderes extraordinários, vivida por Kaci Walfall, a produção de Ava DuVernay, cineasta conhecida por abordar os direitos civis em obras como Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2014) e Olhos Que Condenam (2019) e indicada ao Oscar por A 13ª Emenda (2016), refrescou a narrativa de super-heróis, mas infelizmente não conquistou o grande público e o final do seriado foi decretado ainda em sua primeira temporada. 

Mas a diretora ascendeu como uma das participações especiais do ano três de A Black Lady Sketch Show, que é tão mágico quanto os anteriores. Ao lado do time de protagonistas, a nova temporada da série da HBO também contou com Raven-Symoné e Michaela Jaé Rodriguez como convidadas. Para os fãs de esportes, Lakers: Hora de Vencer (Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty) chegou ao fim aclamada pela crítica especializada, mas esquecida pela audiência de fora dos EUA. Com produção de Adam McKay, o drama esportivo que narra a ascensão dos Lakers é uma das apostas da emissora para a temporada de premiações e tem promessa confirmada de uma nova temporada vindo aí. 

Maio também foi o mês do retorno do time de The Wire para contar uma nova história na Televisão em A Cidade É Nossa (We Own This City). A trama de corrupção e crime, adaptada do livro de Justin Fenton, tem Jon Bernthal e Wunmi Mosaku como destaques no elenco e conta com direção de Reinaldo Marcus Green (King Richard) em todos os 6 episódios. 

Quem também retornou foi a distopia futurista Made for Love, que se mantém relevante pela interpretação magnética de Cristin Milioti na segunda temporada (mas não conseguiu driblar o cancelamento pela rede), e The Flight Attendant, em um segundo ano não tão bom quanto o esperado. Trazendo de volta uma trama policial, a nova temporada narra a vida de Cassie em Los Angeles, sóbria há um ano e vivendo a vida dupla de comissária de bordo e espiã. A produção clichê e surreal deixa a desejar em vários aspectos, mas Kaley Cuoco ainda entrega uma ótima atuação, se dedicando totalmente a todas as facetas dela mesma. 

O mês também marcou a volta de Atlanta, 4 anos depois da segunda temporada, em uma nova leva de aventuras que chega com gosto e cheiro de antologia. Dessa vez em turnê pela Europa, o grupo de amigos enfrenta poucas e boas, mas não sem o time criativo, comandado pelo criador, roteirista, diretor, produtor e ator Donald Glover, salpicar tramas paralelas, episódios isolados e um surrealismo que soa cada vez mais suburbano. Entre os destaques do penúltimo ano da premiada produção do FX, sobra espaço para o brilhantismo de Brian Tyree Henry, Zazie Beetz e do próprio Glover, além de participações de tirar o fôlego, que vão de Liam Neeson a Alexander Skarsgård. 

No Disney+, Cavaleiro da Lua (Moon Knight) chegou ao fim de forma modesta. Protagonizada por muitas versões de Oscar Isaac, a série do MCU não procurou se integrar à força do restante do Universo Compartilhado. Em uma trama onde um funcionário de museu é atormentado por visões e logo se vê refém de um deus egípcio, uma investigação mortal e uma persona super-heróica que enche as telas, a minissérie teve seu episódio final exibido na mesma semana de estreia do novo Doutor Estranho, resultando em uma repercussão menor que o esperado. Na balança, a investida da Marvel na mitologia egípcia rendeu momentos deleitosos da interpretação de Isaac, que escorregava precisamente entre a rigidez e a leveza, acompanhado pela presença sempre eletrizante de Ethan Hawke e da cativante May Calamawy.

O streaming também foi palco para o reboot de Anos Incríveis (The Wonder Years), que traz uma nova perspectiva brilhante. Ainda no contexto dos Estados Unidos dos anos 1960, a produção recente conta a história de uma família negra de classe média pelos olhos de uma criança de 12 anos, o pequeno Dean, interpretado por Elisha Williams. A série, que começou a ser lançada semanalmente em setembro de 2021, mistura perfeitamente a comédia com críticas e pautas raciais importantíssimas, sem perder a leveza. O sucesso foi tanto que os fãs podem esperar uma segunda temporada.  

Em maio, Ellen DeGeneres colocou um ponto final no seu tradicional bate-papo vespertino, The Ellen DeGeneres Show. Envolvida em inúmeras acusações de assédio moral e racismo, a apresentadora encerrou o programa em sua 19ª temporada e contou com convidados especiais no comando do show, além de trazer de volta Sophia Grace e Rosie, 11 anos depois do cover icônico de Super Bass da Nicki Minaj. 

Seguindo a onda intragável de ficções baseadas em crimes reais, a minissérie The Girl From Plainview chegou inspirada na história do caso de “suicídio por mensagem de texto”. Irreconhecível na maquiagem de Michelle Carter, Elle Fanning brilha ao lado de uma costumeiramente eficaz Chloë Sevigny, mas, fora do âmbito das atrizes, a produção parece não decolar, soterrada por outras opções mais interessantes do gênero. 

No Star+, a 2ª temporada de Dollface finalmente chegou aos fãs brasileiros depois de quase 3 anos de adiamento devido a pandemia de covid-19. Porém, junto com os novos episódios, veio a notícia do encerramento da série estrelada por Kat Dennings e que acompanha a protagonista Jules Wiley e seu desejo em reatar as amizades femininas esquecidas pelo caminho. 

O serviço também recebeu as 15 temporadas de It’s Always Sunny In Philadelphia, sitcom que até então estava no limbo das comédias esquecidas pelos streamings brasileiros. Crua, politicamente incorreta e escrachada, a série acompanha 4 amigos que são as pessoas mais desprezíveis (e, por isso, mais humanas) e que tentam tocar um pub na Filadélfia, antes de receberem a valiosa adição de Danny DeVitto ao elenco. 

Neste mês, depois de 6 anos, as crônicas da família Pearson deixaram de chegar até nós – mas não de existir, conforme a última temporada de This Is Us procurou deixar bem claro. Como de costume, a temporada apresentou uma maioria de episódios carregados emocionalmente, mas a sobriedade do último surpreende os espectadores mais sensíveis com uma escolha muito bem sucedida para finalizar a história. Com o cuidado de sempre para com os seus personagens e a sua história – o que seguiu destacando os preciosos roteiros da série como a parte de maior sucesso da produção até o seu fim -, a temporada final do sucesso da ABC deixou seus fãs com a paz de saber que a nossa família Pearson ficaria em boas mãos, com seus passados, presentes e futuros curados, concluindo o processo que a série iniciou em 2016.

No Hulu, a minissérie Conversas Entre Amigos (Conversations with Friends) assumiu o difícil trabalho de apresentar mais uma história millennial de Sally Rooney para quem tomou o romance de Marianne e Connel em Normal People como uma das melhores coisas de 2020. O resultado, evidentemente, não foi o mesmo da primeira adaptação. Com avaliações baixas em agregadores de críticas, a série ficou mais no boca a boca de quem acompanha o mundinho – e isso não é um defeito, já que uma parte significativa da ala de criação da série é composta pelas mesmas pessoas que realizaram Normal People no audiovisual, incluindo a própria autora no roteiro. 

A produção acabou unindo todo o universo Sally Rooney, com uma canção original de Phoebe Bridgers na trilha sonora e o protagonismo de Joe Alwyn (sim, o possivelmente noivo de Taylor Swift), que contracena com Alison Oliver, Sasha Lane e Jemima Kirke. E para aqueles que gostam de programas musicais, Katy Perry, Lionel Richie e Luke Bryan finalizaram o quinto ano seguido do trio na bancada do American Idol. O tradicional reality estadunidense completou duas décadas no ar e teve Noah Thompson, um jovem cantor de 20 anos, como grande vencedor da 20ª temporada. 

No mês, os noveleiros tiveram que dar adeus à Quanto Mais Vida, Melhor!, que resgatou o espírito despretensioso das novelas da sete na TV Globo e terminou em uma nota alta. Com uma trama simples, onde quatro desconhecidos são presenteados com uma segunda chance da Morte após morrerem em uma queda de avião, o roteiro de Mauro Wilson soube contornar suas lacunas com precisão, como na fase da troca de corpos, responsável direta pela guinada do folhetim nas redes sociais. No elenco, Giovanna Antonelli, Mateus Solano, Valentina Herszage e Vladimir Brichta se entregaram de corpo e alma a seus personagens. 

Na Apple TV+, os fãs de espionagem foram presenteados com a 1ª temporada de Slow Horses. Adaptação do romance homônimo de Mick Herron, o drama acompanha um grupo formado por agentes da inteligência britânica que cometeram erros no passado e atuam no departamento de despejo do MI5, apelidado de Slough House. Entre os destaques do elenco, estão Gary Oldman (O Destino de uma Nação), Olivia Cooke (O Som do Silêncio), Kristin Scott Thomas (Quatro Casamentos e um Funeral) e Jack Lowden (Dunkirk). Apesar da segunda temporada ainda não ter estreado, a série teve sua 3ª e 4ª temporadas confirmadas. 

Para Junho, teremos a estreia de uma Ms. Marvel efervescente em poder e juventude, uma incursão pelo multiverso mágico e nada óbvio em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All at Once), o retorno dos dinossauros mais queridos do mundo em Jurassic World: Domínio e muito, muito mais. No Persona, você acompanha tudo o que rolou no mundo do audiovisual, sempre acompanhado das melhores dicas que esse meio tem a oferecer. Até a próxima! 

Texto: Caio Machado e Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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“a vida é crua, não, moço?”

– Hilda Hilst

Depois de um mês de Abril marcado pelas muitas reflexões que a vida, obra e morte de Lygia Fagundes Telles nos provocaram, o Clube do Livro do Persona sabia que o mês de Maio era de seguir adiante no processo de explorar os substantivos femininos expressos na Literatura brasileira. E como a única regra continua sendo não fugir da complexidade natural que acompanha esse universo, a escolha da vez foi a última obra que Elvira Vigna publicou em vida: Como se estivéssemos em palimpsesto de putas.

O livro de 2016 finalizou com louvor um aspecto da trajetória da também jornalista, ilustradora, crítica e artista plástica, que passou a existir em 1988 como escritora através de Sete anos e um dia. Nas seis obras sequentes, Coisas que os homens não entendem (2002) e Deixei ele lá e vim (2006) destacam a essência de Elvira Vigna: com muita subjetividade, minimalismo, significação e teor político, ela cria uma Literatura experimental em contextos marginalizados para refletir sobre a experiência das mulheres na sociedade.

A construção é justamente o que desenvolve Nada a dizer (2010), sua obra mais aclamada e vencedora do Prêmio da Academia Brasileira de Letras de Ficção. Apresentando uma história de adultério narrada pela mulher traída, Elvira Vigna questiona as relações afetivas no mundo atual, numa determinação que dialoga com a própria Dama da Literatura Brasileira e, mais diretamente, com a poesia visceral de sua amiga de vida, Hilda Hilst, e a vencedora do Prêmio Camões de 2021, Paulina Chiziane.

Assim, o terreno era preparado para o livro de 2016, que apesar de tudo não definiu o fim de Elvira Vigna. Da autora falecida em julho de 2017, em decorrência de um carcinoma que debilitou a sua saúde durante os 5 anos anteriores, foi lançada a obra póstuma Kafkianas (2018), coletânea de contos muito bem apresentados pelo título. Mas antes de encerrar suas atividades em vida, ela intensificou sua voracidade em encarar a sociedade brasileira contemporânea pelas óticas de gênero.

Como se estivéssemos em palimpsesto de putas leva a Literatura de Vigna de volta aos seus níveis compulsivamente radicais, já experimentados pelos seus leitores nas citadas obras anteriores. Fervendo em assimilações, assim como os personagens do livro borbulham no Rio de Janeiro que uma polida cultura brasileira não é capaz de enxergar, o nosso Clube do Livro se inspirou para mais uma edição do Estante do Persona. No entanto, a conclusão é de que nada é como Elvira Vigna em ebulição com as suas próprias palavras.

Livro do Mês

Elvira Vigna – Como se estivéssemos em palimpsesto de putas (216 páginas, Companhia das Letras)

Dois estranhos se encontram num verão escaldante no Rio de Janeiro. É assim que Elvira Vigna dá partida ao último livro que escreveu e publicou enquanto ainda era viva. Na trama, a narradora se intriga pelas histórias de João, um sujeito diminuto que passou a existência completa entre lençóis, puteiros e quartos de hotel com prostitutas. Tudo isso enquanto sua esposa, Lola, aturava mentiras e explicações vazias. Ao longo das mais de duzentas páginas, que emocionalmente se quadruplicam, a escritora rasga as entranhas da condição humana, se deliciando com questões de moralidade, amor, sexo e controle.

O palimpsesto, um papiro ou pergaminho cujo texto primitivo foi raspado, para dar lugar a outro, recebe em seu tratamento a metamorfose da história em sua completude. João escreve e reescreve sua jornada com as mulheres a quem pagou por sexo, sempre em uma busca faminta pelo papel de alfa da alcateia. Através de períodos curtos, indagações pontiagudas e o uso mais do que eficiente de repetições, Elvira Vigna nos coloca todos dentro do palimpsesto, tornando impossível a ação de nos mantermos em silêncio quando confrontados com tais temas, tal entrega e tal formatação. Sinestésica, a escrita é quente, fumegante, borbulhante, e ai de quem temer se queimar. 

Dicas do Mês

Stephen King – It: A Coisa (1104 páginas, Suma)

Um palhaço sanguinário aterroriza uma pequena cidade no interior dos Estados Unidos desde que o mundo é mundo. Através de uma influência maléfica, Pennywise trucida crianças, adultos, idosos, sonhos e promessas. Isso é, até que um grupo de amigos, o Clube dos Perdedores, topa com a criatura. A partir da investida contra a fera nos anos 50, o grupo é marcado para sempre, compartilhando um trauma que psicólogo nenhum ajudará a curar.

27 anos depois de expurgarem o que achavam ser o vestígio final da Coisa, eles se reencontram. Um golpe derradeiro não é apenas necessário, mas vital e, através de mais de mil e cem páginas, o Mestre do Terror Stephen King nos detalha as minúcias de Derry, partindo dos tubos desgastados que filtram o esgoto até cada uma das personalidades que habitam o fatídico local. Extenso ao ponto de se tornar, estranhamente, uma leitura de conforto, It: A Coisa não é apenas o maior livro do Rei, em adição ele também é o melhor. – Vitor Evangelista

David Cronenberg – Consumidos (304 páginas, Alfaguara)

O nome de David Cronenberg não é exatamente pouco conhecido – muito pelo contrário. Na verdade, talvez possa causar certa estranheza ler o nome do renomado cineasta canadense na capa de um livro; mas, ao decorrer da leitura, Consumidos (2014) se prova o melhor do universo do autor. Sua estreia como escritor – e, até o momento, seu único romance – traz muito do universo retratado em seus filmes, principalmente Crash (1996), adaptação do livro homônimo de J.G. Ballard, com quem Cronenberg divide muitas semelhanças estéticas.

No romance, Cronenberg narra a história de Naomi e Nathan, um casal de jornalistas que, buscando uma reportagem, acabam submersos em uma trama global envolvendo sexo e morte. Ela investiga o assassinato – seguido de um suposto ato de canibalismo – de uma filósofa; ele, vai à Budapeste fotografar um cirurgião que trabalha com um método pouco convencional de combate ao câncer. Trazendo ressonâncias à já citada obra de Ballard, os dois jornalistas mantêm uma fixação por tecnologia, pela competição e quaisquer experiências que os façam escapar do cotidiano. Aos poucos, se dão conta que os fios de suas histórias investigativas interligam-se, aguçando Consumidos em um maravilhoso cenário especulativo. – Bruno Andrade

Eça de Queirós – A Relíquia (344 páginas, Fora do Ar)

“Sobre a nudez forte da verdade, o manto diáfano da fantasia”, a epígrafe de A Relíquia, livro clássico do escritor português Eça de Queirós, representa com perfeição o cruzamento entre o real e o imaginário que se estende durante a narrativa da obra. Dono de uma sensibilidade singular, Queirós consegue transitar com fluidez pelo concreto e pelo fantasioso. Assim, os devaneios complementam perfeitamente os momentos brutais da trama, sem deixar espaço para uma leitura confusa.

Teodorico Raposo, mais conhecido como Raposão, é o protagonista e o narrador de seu livro de memórias, A Relíquia. Malicioso e dissimulado em seus escritos, ele conta para o leitor sobre a difícil empreitada de enganar a sua tia beata, Dona Maria do Patrocínio, e, desse modo, poder desfrutar de suas aventuras amorosas, além de se consagrar como herdeiro universal da fortuna de Titi. Dividido em duas personas distintas: um sobrinho religioso e um conquistador nato de mulheres; a obra de Eça de Queirós é tão interessante quanto sarcástica em relação ao contexto em que foi publicada. – Nathalia Tetzner

Kazuo Ishiguro – Um artista do mundo flutuante (232 páginas, Companhia das Letras)

Escrito pelo ganhador do Prêmio Nobel de Literatura de 2017, Kazuo Ishiguro, Um artista do mundo flutuante é um romance traduzido no Brasil por José Rubens Siqueira. No livro, somos apresentados a vida e incertezas do narrador e protagonista, Masuji Ono. Após a Segunda Guerra Mundial, Masuji está aposentado e é um artista de grande renome na região. Preso a uma mentalidade um tanto tradicionalista, o pintor se choca com os pensamentos das filhas e pessoas da nova geração depois da perturbada abertura do Oriente ao mundo ocidental. 

Ao longo do texto, Ono viaja entre suas memórias e reflete sobre os caminhos que o levaram a ser artista, trazendo à tona a ideia do “mundo flutuante” em que os bares e a vida farrista aconteciam. Esse universo da noite e o professor que o ensinou sobre ele, fazem parte do início do protagonista como pintor, entretanto, adquirir um estilo próprio e ideais políticos sobre a arte mudam sua maneira de agir e geram consequências refletidas no presente. 

Na obra de Kazuo, as recordações são usadas como forma de resistir às mudanças, mas também são responsáveis por reconstruir o país antes das ruínas, assim como, ilustrar a influência estadunidense no comportamento dos japoneses. Um artista do mundo flutuante é uma leitura fluida e rica em detalhes, sua narrativa comove e encanta com delicadeza. – Jamily Rigonatto

Bernardine Evaristo – Garota, mulher, outras (496 páginas, Companhia das Letras)

Construído em uma estrutura que se assemelha, tanto na forma de quebra dos parágrafos e frases quanto no modo narrativo, a um poemance, ou seja, uma mistura da forma poemática com o romance, o livro da vencedora do Booker Prize Bernardine Evaristo não conseguiria usar tradicionais estruturas para contar as histórias de suas personagens que, pensando no modelo clássico e europeu de um livro, nunca estiveram impressas de modo tão íntimo e verdadeiro, sendo, na realidade, sempre projetadas a uma categoria do “Outro”. 

Desde os caminhos no processo diaspórico para a Inglaterra, vindas de países como Gana e Nigéria, até no pensar da juventude acerca de gênero e sexualidade, em um cenário socialmente barulhento – Londres em meio às negociações do Brexit – a narrativa de Garota, mulher, outras consegue enclausurar, em seu processo puramente polifônico, o passado, o presente e o futuro das subjetividades retratadas sem necessariamente delimitá-las a cada tempo, mas sim criando novas noções de identidade que transpassam tais noções, unidas nessa busca, constante no livro, pela ancestralidade. Trazendo a realidade de mulheres e pessoas divergentes de gênero e sexualidade para suas páginas, Evaristo inaugura novos imaginários e possibilidades na estrutura do romance. – Enzo Caramori

Taylor Jenkins Reid – Daisy Jones & The Six (360 páginas, Paralela)

Como se a euforia pelos anos 70 já não fosse suficiente no imaginário popular, a autora Taylor Jenkins Reid decidiu materializá-la nas páginas de seu próprio livro. Daisy Jones & The Six revive um dos períodos mais efervescentes para a música, especialmente na cidade de Los Angeles, a partir da história da banda que dá nome à obra. O único detalhe, que já é marca registrada da escritora, é que eles nunca existiram na realidade. Por meio de uma narrativa que facilmente se confundiria com o roteiro de um documentário, somos conduzidos às memórias dos integrantes do grupo musical, que relatam os primórdios de suas aventuras durante uma entrevista. 

Da mesma mente que nos trouxe a notável Evelyn Hugo, Taylor Jenkins Reid agora volta os holofotes para Daisy Jones, cantora em ascensão da época, que teve seu caminho cruzado com a banda The Six, e, assim, iniciaram sua carreira de sucesso. Juntos, Daisy, Billy, Graham, Karen, Warren, Pete e Eddie mergulham nas psicodelias que viveram no auge dos anos 70, em meio a muito amor, drogas e rock ’n’ roll. Hipnotizante até o último segundo, a única frustração que Daisy Jones & The Six traz é o fato de podermos apenas imaginar como seriam as músicas da banda. Mas, não por muito tempo, já que o livro conquistou os olhares de Reese Whiterspoon, o que rendeu a produção de uma série em 12 episódios para o Amazon Prime Video, com as gravações já encerradas. – Vitória Silva

Jorge Amado – Terras do Sem-Fim (280 páginas, Companhia das Letras)

Escrito por Jorge Amado durante seu exílio na Argentina, Terras do Sem-Fim vasculha as consequências que a exploração do cacau trouxe para a região de Ilhéus, no sul da Bahia. A trama sobre jagunços traz a história de disputa de terras por duas grandes famílias. Junto com Cacau, São Jorge dos Ilhéus; Gabriela, cravo e canela e Tocaia Grande, Terras do Sem-Fim compõe a fase de livros amadianos dedicados à rica e sangrenta história da região cacaueira da Bahia. Essa obra trabalha memórias da infância do próprio autor, ao mesmo tempo em que denuncia a violência e a exploração que marcaram o período. 

Um clássico na Literatura nacional, Terras do Sem-Fim mantém a fluidez das obras de Jorge Amado, fazendo com que a leitura de cada página seja um deleite e um exercício do estudo da História. A habilidade do escritor em apresentar cenários e personagens permite que o enredo tenha um desenvolvimento excepcional ao mesclar dois pontos de vista. A violência é marcante, mas necessária: Terras do Sem-Fim não é feito para agradar, e sim para expor a guerra política que torna o local sujo e manchado a sangue pelas injustiças sociais e disputas de terra. Os personagens marcantes ditam o ritmo crescente da narrativa, marcando o livro na biografia de Amado. – Ana Júlia Trevisan

Pagu – Parque Industrial (111 páginas, Companhia das Letras)

Para quem tomou a linguagem contemporânea de Elvira Vigna como um dos aspectos mais fortes de sua obra, é inevitável reconhecer seu diálogo com a sinceridade visceral de Pagu. Separadas por mais de 80 anos, Como se estivéssemos em palimpsesto de putas e Parque Industrial se convergem no objetivo de relatar as dinâmicas das relações vivenciadas por mulheres, em contextos marginalizados e marcados pela violência em suas mais diversas formas. Mas ao contrário do fervor naturalista do Rio de Janeiro dos anos 2010, o primeiro livro de Patrícia Galvão está na mecânica industrial da São Paulo da década de 30, se concretizando como o primeiro romance proletário brasileiro e manifestando a ânsia de revolução cultural da modernista por trás do pseudônimo de Mara Lobo.

Enquanto realiza nada menos do que os desejos de Pagu, o livro atinge bem mais do que suas ambições aos apenas 22 anos de idade. Como um marco absoluto na Literatura brasileira, Parque Industrial retrata a industrialização que definiu o século XX no país, iniciada na capital paulista repleta de promessas, e desenvolvida irregularmente pelo resto do território nacional com muitas consequências – principalmente para quem sempre ocupa o centro e margem da sociedade: as mulheres. Assim, a autora – e seus personagens – não tem tempo para meias palavras nem caprichos estéticos, atribuindo à sua obra um caráter urgente, que captura recortes das vidas fragmentadas pelas máquinas capitalistas, e que, 90 anos depois de sua primeira publicação, diz tanto sobre o Brasil de hoje quanto suas conterrâneas contemporâneas. – Raquel Dutra

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