O ato de ouvir Música se tornou tão imprescindível que pode até ser confundido com uma banalidade. Banal não no sentido ruim, mas sim de algo tão essencial, que, por assumir uma parcela gigantesca de nossas vidas, à medida que cresce em escala, não consegue acompanhar o tamanho em definição. Chega um momento em que ele se torna apenas… ouvir Música. Para não cair nesse limbo chamado lugar comum, o Persona retorna com sua já tradicional lista de Melhores Discos.

Se 2023 nos reservou um retorno ao início do século graças à Saltburn e Todos Menos Você, aqui focamos essencialmente no que foi criado no ano que passou e, assim como os grandes players da indústria, deixamos o TikTok de lado para embarcar no ato arcaico de se ouvir um álbum de cabo a rabo. O resultado foram 93 produtos que embalaram e deram sentido para o ano.

Não podemos negar que foi o ano de Taylor Swift. Mesmo sem um trabalho de inéditas, o pomposo Speak Now (Taylor’s Version), o agora litorâneo na mesma medida que cosmopolita 1989 (Taylor’s Version) e os resquícios de insônia de Midnights – claro, aliados a gigantesca The Eras Tour – serviram para ecoar o sucesso estrondoso que ela calcou. Ainda na ditadura loira do pop, sua pupila Sabrina Carpenter apareceu para o mundo também com obras repaginadas: primeiro, enviando os anexos que esqueceu no corpo do e-mail e, no fim do ano, trazendo um pouco de malícia para o Natal.

Quem retornou de forma inédita foi a rival de Carpenter, Olivia Rodrigo. Após a acidez de SOUR, a artista volta a expor seus sentimentos de uma forma nada ortodoxa: arrancando suas entranhas. O sentimentalismo, dessa vez mais bonito, mas igualmente doloroso, está presente no alinhamento estelar das boygenius, ao mesmo tempo que Mitski declamava todo seu amor para as paredes de um galpão vazio.

Ao longo das 93 obras, temas conversam entre si, mas a homogeneidade é proibida. Troye Sivan e Pabllo Vittar querem festejar, mas enquanto um é a efervescência do durante, a outra é o desejo do pós. Os latinos KAROL G e Bad Bunny falam sobre o amanhã de formas diferentes: ela com esperança, ele com incerteza. Letrux abordava o reino animal e Ana Frango Elétrico se transmuta em feline. Marina Sena se viciava na selva de pedra enquanto Chappel Roan se assustava com os prédios. Jão quer ser cada vez mais superlativo, à medida que Post Malone se recolhe em suas origens. Metallica sente a passagem de tempo, diferente de Kylie Minogue, que nem o vê passar.

Tal cenário só é possível pois a Música e toda sua imensidão atuam como um espaço de diversidade e liberdade, no sentido mais amplo das palavras. E nada mais justo do que celebrá-las no ano de passagem da Padroeira da Liberdade. O Melhores Discos de 2023 é por Rita Lee, que é gente fina na Música e na eternidade.

Taylor Swift – 1989 (Taylor’s Version)

Em mais uma regravação extremamente esperada pelos fãs, Taylor resgata o sorriso, o cabelo curto, os pássaros e o antigo amor por Harry Styles em 1989 (Taylor’s Version). Além da nostalgia em reviver uma era de ouro, Swift consegue elevar ainda mais a experiência de ouvir hits antigos com sua evidente melhoria vocal e refino técnico – tudo parece igual mas, ao mesmo tempo, tudo é diferente. 

Longe dos prédios altos de Nova Iorque que marcaram 1989 pela primeira vez, a compositora relembra sua conturbada história com o ex-One Direction nas faixas From The Vault, que misturam a acidez de um coração partido, a vontade de dar certo e as inúmeras fofocas acerca do affair da época. Todos sabiam das idas e vindas do casal, mas ninguém esperava as alfinetadas tão certeiras em Is It Over Now?.

Traçando um paralelo entre passado e o presente, fica aqui a dúvida se, durante a regravação, Taylor também não se identificou novamente com Clean ou I Wish You Would em razão dos mesmos boatos do fim de seu relacionamento com Joe Alwyn. A compositora mostra que, no fim, sempre irá conseguir contar seu lado da história, nem que seja nove anos depois. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Is It Over Now?, Style e Say Don’t Go.

Geese – 3D Country

Ao contrário do nome, 3D Country é um álbum que vai muito além de três dimensões. O segundo disco do (agora) quarteto estadunidense Geese – o guitarrista Foster Hudson anunciou sua saída do grupo em dezembro de 2023 – é um prato cheio que oferece ao ouvinte tudo e mais um pouco. Narrando vagamente a jornada de um cowboy que toma drogas alucinógenas no meio do deserto, as músicas atravessam sem parar sonoridades que abrangem desde o soul e R&B até o progressivo e noise, tudo em uma grande mistura que não deveria funcionar, mas funciona.

Na sua estreia em Projector (2021), a banda contou com o produtor Dan Carey, que já trabalhou com diversos nomes da cena pós-punk inglesa contemporânea; no entanto, para esse novo disco, o grupo convocou James Ford, parceiro de longa data do Arctic Monkeys. O novo produtor trouxe uma abordagem muito mais diversificada para a sonoridade geral do álbum, dando forte protagonismo à seção rítmica da banda – detalhe evidente em músicas como Cowboy Nudes e I See Myself. Além disso, o disco possui uma dinâmica impecável entre as faixas, oscilando entre momentos crus, sujos e passagens limpas, elegantes, com direito a poderosos arranjos de orquestra e backing vocals.

Com um som pautado principalmente nas décadas de 1960 e 1970, o grupo veste suas influências de forma natural e orgânica, nunca com medo de deixá-las transparecer. Apesar disso, os vocais e letras de Cameron Winter se destacam como uma mistura autêntica de sabores, assim como as linhas de baixo e guitarra que se entrelaçam encantadoramente com as levadas de bateria e percussão. A química musical presente aqui entre todos os membros da banda é algo de se invejar, além de ser deliciosa de se ouvir. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Domoto, 3D Country e Mysterious Love

Metallica – 72 Seasons

As primeiras 72 estações ou 18 anos na vida de uma pessoa são essenciais para entender a construção de sua identidade e o seu comportamento na fase adulta. Lançada de surpresa junto do título do décimo primeiro disco do Metallica, a faixa Lux Æterna é basicamente uma ode aos primeiros anos, sendo a escolha perfeita para introduzir toda a ideia por trás de uma obra que avança em sonoridades mais profundas, embora recorra a repetições do passado para isso.

Na contramão do riff divertido do single, a inspiração de James Hetfield para conceitualizar toda essa luz que invade o cenário de destruição infantil da arte de capa foi um livro analítico sobre a infância. Não é novidade que o frontman da maior potência do thrash metal saiba abordar a raiva e o ressentimento em letras fortes, mas dessa vez, ele traz uma maturidade diferente – ainda que os temas sejam os mesmos de sempre –, com o melhor vocal desde os tempos do Black Album.

E, se as primeiras 72 seasons do Metallica explicam os rumos tomados pelo quarteto, atualmente composto por Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett e Robert Trujillo, o disco prova que chegou no tempo certo. Com Greg Fidelman na produção, solos improvisados e a composição mais longa da carreira se destacando como uma das melhores da discografia, o álbum marca uma nova era para a banda, sendo o seu melhor lançamento deste século. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: You Must Burn!, Crown of Barbed Wire e Inamorata

IZA – AFRODHIT

IZA é, sem dúvidas, uma das maiores artistas brasileiras contemporâneas e em seu novo álbum ela mistura funk, R&B, pop e rap e muito estilo. O disco tem como pano de fundo o momento delicado da vida pessoal pelo qual cantora passou recentemente, o que o leva ser uma jornada de autoafirmação, empoderamento e reconhecimento das origens e dos caminhos que trouxeram a artista ao topo

AFRODHIT conta com 6 participações de artistas como Djonga, Mc Carol, Tiwa Savage e L7NNON. As músicas cantam libertação com muita emoção, com letras que tocam em assuntos como desejo e autonomia financeira. Os grandes destaques do álbum são Que Se Vá e Nunca Mais, músicas que pincelam em pontos íntimos da carreira e vida de IZA, e ainda trazem uma forte crítica social em seu texto. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Que Se Vá, Nunca mais e Bonzão

Pabllo Vittar – AFTER

O que vem depois da noitada? De acordo com a artista Pabllo Vittar, o pós de uma noite de festas é tão importante quanto o evento em si. Em AFTER, ela comprova a versatilidade que possui. O projeto de remixes é uma releitura do quinto álbum de estúdio da cantora, o Noitada. Aqui, a artista se aventura em versões estendidas e com participações especiais, como Jup Do Bairro e a dupla CyberKills em uma atualização deliciosa da faixa Descontrolada. 

Do piseiro ao funk, entre a eletrônica e o pagode baiano, a drag queen mostra, mais uma vez, que tem um tato musical como ninguém. Um dos maiores destaques do álbum é a capa, feita pelo artista Gabriel Renné. Sendo um projeto para ouvir de uma vez em um set de uma balada, numa festa de república ou até mesmo no show de Vittar, After é sensorial: no momento em que os fones de ouvidos são colocados, somos teletransportados para os perigos da vida noturna das baladas brasileiras. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Descontrolada (feat. Jup do Bairro – Cyberkills Remix, Calma Amiga (feat. Anitta) – DJ RaMeMes (O DESTRUIDOR DO FUNK) & Dj Tonias Extended Mix e Derretida (feat. Irmãs de Pau) – Brunoso Remix

MC Hariel – ALMA IMORTAL

ALMA IMORTAL, conceito de platão que nomeia o EP com 7 canções, consolida ainda mais MC Hariel como um dos grandes do cenário no funk brasileiro. O EP foi produzido com letras conscientes e importantes que relatam as experiências do MC e tratam trazer a sua visão lúcida para o mundo. Misturando vários gêneros com o funk, como rap, reggaeton e boombap, Hariel explora os ritmos de uma maneira dinâmica que traz ao EP uma autenticidade consolidada. No videoclipe de MODIFICAR, é possível decidir o destino da história ao final da canção. REAGIR OU MODIFICAR? Essa é a pergunta que percorre todo o EP.

Hariel, que introduziu a filosofia nesse trabalho como forma de difundir a superação e o alcance dos sonhos em suas letras, além de ir atrás de conceitos e estudar mais sobre para escrever as canções, produz suas poesias com o intuito de trazer a visão de que tudo é possível. Em síntese, ALMA IMORTAL é um manifesto em que amplia os ideais filosóficos, trazendo consigo a mensagem de que a sua essência não pode ser mudada para agradar os outros, muito menos transformada para se encaixar em algo. Por isso, o MC vem se tornando um dos maiores e é um privilégio estar presenciando um amadurecimento nessa nova fase. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: SONHOS, 1APRENDIZ E SUAS CICATRIZES e 1ESPERTO E 1OTÁRIO

Westside Gunn – And They Pray For Me

And Then You Pray for Me deve ser enquadrado na discografia de Westside Gunn como sequência ao Pray for Paris, de 2020. Ambos os discos, assim como as outras produções do membro da Griselda Records, representam um projeto estético que está para além da música pura e simples: colocam a black culture dos EUA – com um certo resgate do boom-bap e do gangsta rap feito à la Griselda – a par com a “alta cultura” e “alta-costura” europeia.

Assim é que, nas letras, abundam referências ao mundo da moda europeia (Margiela Split Toes, Versace) contrastadas com o mundo de cocaína e armas a que ele se refere (Griselda é referência direta à Griselda Blanco) e a ascensão que conseguiu. Samples majestosos contrastados com beats densos e sujos; e, na capa, releituras de obras do grande cânone europeu, como Caravaggio, feita por ninguém menos que Virgil Abloh, falecido ex-diretor artístico da Louis Vuitton. Miscelânea tão potente de coisas aparentemente tão contraditórias quanto armas de fogo,barroco, drogas e leilão de arte; e decerto a sonoridade de um Louis Vuitton jamais será a mesma depois de Virgil, Pharrell e Westside Gunn. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: The Revenge of Flip Legs (feat. Rome Streetz), Ultra GriZelda (feat. Denzel Curry) e Mamas PrimeTime (feat. JID & Conway the Machine)

Rubel – AS PALAVRAS, VOL. 1 & 2

Que Rubel tem o talento de transcrever sentimentos em canções, não existem dúvidas. O jogo de palavras em cada estrofe e o jeito de fazer poesia que conversa com cada acorde do violão marcaram a carreira do artista e o tornaram conhecido. Em As Palavras Vol. 1&2, o cantor reforça o motivo de ser tão elogiado ao entregar um disco completo, que pode ser apreciado da maneira como o ouvinte preferir: seja faixa a faixa, na degustação dos detalhes, ou em sua totalidade, como uma jornada pelas histórias cantadas.  

A diferença significativa de sua nova obra, no entanto, se encontra na sonoridade: passeando entre funk, samba, pagode, forró, mpb, hip hop e elementos de soul, Rubel conta uma história por meio de tudo aquilo que inspirou o que hoje temos como Música Popular Brasileira. Ao apontar em todas as direções, o álbum funciona como uma porta de entrada para diferentes ouvintes, furando a bolha que antes o cantor pertencia e apelando para um lado mais mainstream. Mas, ao sair de sua zona de conforto, o artista entrega belíssimas parcerias, um instrumental de alta qualidade e ótimas músicas para se ouvir no dia a dia – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Grão de Areia (feat. Xande de Pilares), Toda Beleza (feat. Bala Desejo) e Torto Arado (feat. Liniker e Luedji Luna)

Daisy Jones & The Six – AURORA

Daisy Jones & The Six foi um sonho realizado para os fãs de Taylor Jenkins Reid: todas as letras de amor de Billy Dunne (Sam Claffin) com Daisy Jones (Riley Keough) materializaram-se em série, banda e álbum. Aqueles que leram a obra e acompanharam a construção dos personagens foram contemplados com a fidelidade e qualidade entregue pelos atores nessa adaptação memorável – que poderia até mesmo concorrer ao Grammy.

Longe de ser um álbum com faixas datadas nos anos  70,  AURORA consegue misturar o estilo da época com a sonoridade atual e ser um prato cheio para aqueles que buscam a suavidade e o ritmo do blues rock. É evidente que o grupo dedicou-se para proporcionar faixas que ultrapassam o título de trilha sonora e conseguiram, facilmente, roubar a cena para grudar nos seus ouvidos. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: The River, Kill You to Try e Let Me Down Easy

Post Malone – AUSTIN

Austin Richard Post, sob o nome artístico de Post Malone, já lutou com vampiros em Hollywood e até colocou implantes dentários de diamante ao perder os dentes em uma briga. Agora, em seu quinto álbum de estúdio, AUSTIN, ele revisita alguns de seus demônios já conhecidos pelo público, mas por uma perspectiva mais intimista e surpreendentemente bem-humorada, sendo um momento de alívio para quem já viveu múltiplas possibilidades. 

Quando artistas lançam discos homônimos é porque a coisa ficou séria e com AUSTIN não é diferente, o tema da sobriedade percorre todas as faixas, desde as mais inspiradas até as superficialmente melódicas. Ao contrário do antecessor, o álbum consegue rir de si mesmo com menções peculiares que variam de Beethoven a The White Stripes. Sim, Post Malone pagou caro pelo grande momento de sua vida, mas acompanhar a sua jornada de autoconhecimento faz tudo valer a pena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Something Real, Novacandy e Laugh It Off

Tinashe – BB/Ang3l

BB/Ang3l nasceu como o terror do SEO. Com símbolos e números angelicais, até a tracklist foi um desafio de ser desvendada. E, como sempre, é um projeto experimental muito bem-vindo quando combinado com o timbre doce e único da Tinashe, ou Sweet T para os íntimos. E ainda que BB/Ang3l marque o início de uma nova era em sua carreira, é intimamente ligado com seus últimos trabalhos independentes.

Em elementos líricos, nada melhor que sofrermos os mais diferentes estágios do luto após um rompimento ruim, mesmo que ele sequer nos represente – à la Taylor Swift – e, com louvor, seu último trabalho assume seus próprios erros e abraça a regressão junto a sua a humanidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Needs e None of My Business 

Beach House – Become

A banda encabeçada por Victoria Legrand e Alex Scally tem lançado sucessos ano após ano. Depois do maravilhoso Once Twice Melody  em 2022, o EP Become leva o ouvinte a uma viagem psicodélica ao estilo dream pop. Com músicas longas e calmas, o disco evita a monotonia com instrumentos bem harmônicos e sintetizadores precisos. 

As letras possuem uma leve energia de feriado, e são bem sintonizadas com a fase da banda que explora novos rumos. A voz de Legrand é potente e doce, tornando-a uma artista única . Bem consolidada desde 2004 quando lançou seu álbum de estreia , a dupla musical já carrega oito álbuns nas costas, e demonstra ter muito futuro pela frente. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: American Daughter, Holiday House, Black Magic

Blondshell – Blondshell

Estamos no mundo-cão e Sabrina Teitelbaum sabe disso, por isso se esconde em sua ‘concha loira’. No autointitulado de seu nome artístico, a intérprete não está interessada em escrever finais felizes, muito menos meios ou começos. Seu som é latente, não faz questão de anestesiar e opta por doer, pois julga que tal dor precisa ser sentida até se caracterizar como suportável, ou até mesmo ser transformada em ímpeto. No caso, aqui ela virou Música.

Misturando indie rock com grunge, Blondshell transita entre o sarcasmo e  sentimentalismo e faz desse meio-termo seu próprio inferno. A guitarra carregada, de poucos acordes e extremamente contínua dá a ideia de uma dor de cabeça, mas, em efeito contrário, cria uma cama macia para a potencialidade da voz e letra de Teitelbaum. No alto de seus 25 anos, tempo considerado até alto para um debut, a artista entende que a vida não é fácil para ninguém, mas longe do coitadismo, faz uma ótima estreia que nos convida para afogar as mágoas, ao mesmo tempo que sofre de ressaca. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Salad, Olympus e Veronica Mars

Ajuliacosta – Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva

Quebrando os estereótipos de que mulheres negras são sempre fortes, Ajuliacosta invade caminhos desarmados, nos quais sentir é completamente válido. O trabalho repousa em um nome bastante auto explicativo: Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva. Com 10 faixas, o disco explora sonoridades diversas, passeando entre rap, soul, house e funk, mas sua maior força vive em seu caráter político.

As letras, cheias de histórias que a periferia e os jovens negros protagonizam, falam bastante sobre o amor. No caso, esse sentimento vem afrocentrado e em relacionamentos pelos quais o eu-lírico tem orgulho de lutar, já que o contexto social torna tudo uma verdadeira manifestação. Ainda, encontram-se em músicas como Empresário e Pq a Polícia Smp Acaba com a Festa?, críticas fortes a um Estado que deslegitima as formas de comemorar, trabalhar e existir da população nas favelas. Em beats envolventes, o produto é um grito pelos direitos de viver, celebrar e, principalmente, ser vulnerável. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Tão Gostoso, Queen Chavosa e Amo Te Ver de Juju 

Foo Fighters – But Here We Are

A dor da perda é, sem dúvidas, desoladora. Neste 11º álbum, Foo Fighters faz Música a partir de tristeza, pena, luto, questionamentos e, sobretudo, celebração. Celebração por terem tido a chance de serem amigos e família de Taylor Hawkins, baterista da banda, falecido em 2022 e também de Virginia Grohl – mãe do vocalista Dave Grohl. Procurando respostas para perguntas que jamais serão respondidas, a banda mostra através dos versos a manifestação constante da pergunta: como enxergar o futuro se não há mais nós? A resposta é curta, mas não simplista: é avassalador, mas aqui nós estamos (tradução literal do álbum But Here We Are) e teremos que reaprender a viver – mesmo longe um do outro.

De Rescued a Rest – primeira e última música, respectivamente – são materializados os sentimentos desse luto. A faixa inicial traz um tom de desespero, a digestão do peso da perda e necessidade de alguém para resgatá-lo. Já nas músicas seguintes, tudo é transformado: a angústia vai passando para um consolo, a partida se torna, aparentemente, menos difícil – mas não menos sentida. Ao fim, com Rest, o grupo nos presenteia com a pura poesia do arranjo musical produzido para entender e homenagear a despedida daqueles que já se foram. O descanso é o destino final e está tudo bem agora, eles podem descansar em paz. 

Entre os destaques estão as participações maravilhosas de Violet Grohl em Show Me How, cantando em conjunto com seu pai, e também H.E.R. na versão de The Glass lançada posteriormente ao álbum. Por fim, é redundante citar o quão importante But Here We Are é para o Foo Fighters e também os seus fãs. É a continuação de um sonho em conjunto que, desde 1995, transborda emoção com suas melodias. Um lindo tributo às pessoas amadas em que emoções são exploradas pelo caminho. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Rescued, Show Me How e Rest

Red Velvet – Chill Kill – The 3rd Album

Evitando pensar sobre o que o amanhã reserva na espera de um final feliz, Chill Kill – The 3rd Album eleva os vocais de Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri enquanto brinca com uma sonoridade creepy ao fundo. Tal união peculiar casa perfeitamente com o nome do quinteto, afinal, não existe nada mais Red Velvet do que essa dualidade pop/R&B que mistura danças delicadas com homens sangrando e mansões queimando nos videoclipes. Fruto de uma longa espera de seis anos, o disco enfatiza o que os fãs de K-Pop já estão cansados de saber: a SM Entertainment é a pedra no próprio calçado.

Isso porque, no universo de múltiplas possibilidades da indústria musical sul-coreana, ninguém sabe transitar tão bem pelo alternativo como o Red Velvet. Nas vozes das meninas do grupo, composições naturalmente difíceis de agradar se tornam verdadeiros hinos. Porém, para a empresa que acumula críticas, o que vale é investir em promessas mais jovens que de nada realmente acrescentam para além de uma estética edgy superficial e, definitivamente, passageira. Uma pena para os mercenários pois, ainda que tenham comebacks cada vez mais afastados, as original visual já são bem maiores do que qualquer outra coisa em sua volta.

Fato é que hits não necessariamente consagram grandes discos, e Chill Kill – The 3rd Album não aposta no simples, Knock Knock (Who’s There?) seria uma escolha bem mais óbvia do que a faixa-título. Seja motivada pela direção criativa esplêndida – de longe, a melhor de 2023 –, ou por um suposto boicote da SM, a negação do óbvio é o que faz o single Chill Kill tão especial e ajuda a introduzir essa obra que leva pesadelos para a pista de dança, além de orquestrar Underwater, o grande destaque do álbum que mergulha nos melhores momentos de Janet Jackson na década de 1990. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Chill Kill, Underwater e Will I Ever See You Again?

Jards Macalé – Coração Bifurcado

No mais recente trabalho de estúdio de Jards Macalé, o amor é retratado na sua forma mais intensa e sincera. Com melodias semelhantes a Itamar Assumpção e Elza Soares, as melodias da guitarra e percussão ecoam logo nas primeiras faixas, como em Amor In Natura, trazendo paz, ao passo que questiona as contradições deste imenso sentimento presente em cada um de nós.

Além disto, Macalé traz referências que remetem à religiosidade de crenças de matrizes africanas, quando canta sobre como o afeto aparece nas encruzilhadas da vida num canto destinado a Exu. Canções como Em Mistérios do Nosso Amor, esta sendo uma parceria com Maria Bethânia, relembram a força da Música Popular Brasileira e suas decorrências até os dias de hoje. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Coração Bifurcado, Mistérios do Nosso Amor e A Arte de Não Morrer.

Inhaler – Cuts & Bruises

Em 2023, a sombra da influência do U2 se dissipou ainda mais do legado de Inhaler, banda em ascensão liderada por um dos filhos de Bono. De fato, Elijah Hewson carrega o carisma e o timbre de cadenciamento versátil que ser vocalista exige, mas o rock alternativo do grupo produz faíscas atraentes graças à união da alma dada por Josh Jenkinson, Robert Keating e Ryan McMahon aos desdobramentos aéreos de guitarra, baixo e bateria, respectivamente. Para maximizar esse ponto, a suspensão questionadora na qual qualquer um se pega no começo da vida adulta serve de motor criativo, palco e divã de terapia no segundo álbum de estúdio arquitetado pelos irlandeses. 

Cuts & Bruises investe em consolidar o trabalho inaugurado por seu antecessor, voltando ao passado dos sintetizadores pela mesma avenida que desemboca nos registros alternativos que marcaram os anos 2000. Por isso, existe um divertimento rebelde e autoconsciente da volatilidade do tempo até nas faixas mais pessimistas do disco. Seja na solar These Are The Days (Estes são os dias que seguem você para casa/Que te beijam no nariz quebrado/Não sinto falta da sensação de estar sozinho) ou na MVP Dublin In Ecstasy (Eu só quero falar se você tiver tempo/Eu só quero lutar se for pela sua vida), Inhaler inteligentemente barganha sentimentos universais com o público, que não tem escolha a não ser sentar, escutar e abrir latinhas de cerveja e cascas de ferida ao lado da banda. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: Love Will Get You There, Dublin in Ecstasy e The Things I Do

Tainy – DATA

“Porque eu não sou um artista do momento/Eu sou um artista para sempre”, vocifera Arcángel na canção que poderia muito bem ser a sinopse de DATA, primeiro álbum completamente curado e estruturado por Tainy. Foram três anos de criação e experimentação até o porto-riquenho sondar os modismos do reggaeton e do trap em um registro inconfundível, capaz de metamorfosear o lugar-comum dos gêneros musicais e abduzir qualquer um disposto a apertar o play. Meticuloso e preciso, ele permanece entre os créditos de alguns dos maiores hits da esfera latina atual enquanto alça seu status de musicista solo para o topo da cadeia. 

DATA tem uma hora de duração e nenhum momento de desconexão ou perda de ritmo. Pelo contrário, são 20 faixas únicas, performadas por um time de 28 artistas, que saem de suas zonas de conforto amparados na engenhosidade do produtor. Bad Bunny deslancha em um rap confessional com Arca; The Marías soa pop sem deixar de ser indie em mañana; Young Miko, Feid e Rauw Alejandro fazem jus aos louros que andam recebendo; e até Daddy Yankee volta da aposentadoria para rechear os batidões de LA BABY. Ciborgue sonoro da melhor tecnologia, o disco homenageia Marcos Fernández, que começou a mixar músicas aos 14 anos, e leva um merecido troféu do Grammy às estantes de Tainy. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: MOJABI GHOST, 11 Y ONCE e si preguntas por mi

Lagum – Depois do Fim

O fim é simbólico. Mudanças na vida, seja o fim de relacionamentos ou a morte de amigos próximos, marcam o encerramento de um ciclo para o início de outro, mais dolorido, a princípio, mas com novas oportunidades para se curar, crescer e voltar a valorizar o inevitável: não é o fim de verdade e a caminhada tem que continuar. É nessa aceitação que a Lagum constrói Depois do Fim, reconhecendo que o que passou serviu para engrandecer o caminho até aqui.

Embora tenha perdido parte da pegada autoral de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração e cedido parcialmente à lógica comercial, com algumas canções que poucos dizem, a banda mineira mostra que continua tendo algo para falar – mesmo que seja sobre qualquer devaneio que vier à cabeça. Além disso, renova sua sonoridade e composições com explorações. Sample de Djavan, canção em francês e italiano, e interlúdios mostram que a Lagum está se encontrando – ou, pelo menos, na busca por se encontrar. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: De Amor Eu Não Morri, Ou Não e Ponto de Vista

Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You

Com So Hot You’re Hurting My Feelings, single de 2019, Caroline Polachek conquistou audiências e deixou claro o seu potencial para crescer no avant-pop. Seu nome já recebia atenção por conta do duo que participou: Chairlift, terminado em 2016, mas foi com o sucesso da faixa que pôde mostrar o que sabia fazer sozinha. Em 2023, com  Desire, I Want to Turn Into You, seu segundo álbum solo, a cantora provou que veio para ficar – não só ficar, mas também mudar o cenário atual da música pop. 

O registro abre com a faixa Welcome To My Island, uma ótima recepção para o novo mundo ao qual a cantora vai te guiar durante as suas 12 faixas. As vocalizações hipnotizantes de Polachek são uma passagem só de ida para escapar da realidade e mergulhar na atmosfera mística do disco. A artista domina uma sonoridade complexa, elegante e única que cementa Desire, I Want to Turn Into You como um dos melhores lançamentos de 2023. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: I Believe, Fly To You e Hopedrunk Everasking

Ava Max – Diamonds & Dancefloors

A febre dos anos 80 na música pop ainda não deu trégua, e Ava Max se junta à festa com Diamonds & Dancefloors. Se em 2020 as músicas do disco poderiam ser interpretadas como descartes de Dua Lipa, The Weeknd ou Lady Gaga, hoje elas soam como uma obra original e coesa. A cantora de Sweet but Psycho imprime sua própria personalidade nas faixas, convidando o ouvinte a simplesmente apertar o play e se entregar à batida.

A genialidade do álbum reside em sua simplicidade: pop genérico e comercial com propósito. No nosso dia a dia, muitas vezes não queremos decifrar subjetividades nas letras, apenas melodias chiclete e sintetizadores familiares já são o suficiente para nos fazer dançar. Million Dollar Baby e a faixa-título deslizam pelos ouvidos como mel, evocando a nostalgia oitentista e a efervescência da era disco. Diamonds & Dancefloors pode ter chegado ‘atrasado’ para o rolê, mas sua energia contagiante garante um lugar especial na pista de dança. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Million Dollar Baby e Hold Up (Wait A Minute)

Lana Del Rey – Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd

Mesmo para quem não segue alguma religião ou é conectado com tradições espirituais, o nono álbum de Lana Del Rey é quase como um compilado de canções que conectam o ouvinte com o divino – se existir algum. Com uma carreira focada em hits melancólicos e que falam sobre amores trágicos, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd sai da curva e mostra uma cantora em busca de sua história e espiritualidade. A primeira faixa do álbum, The Grants, leva o sobrenome da família da artista e é a abertura triunfal perfeita para a obra. Possui influências da música gospel (já indicando o tom do álbum), com um belo coral e uma letra que faz ode aos seus familiares e a memórias marcantes com eles.

Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd também é um álbum auto reflexivo, onde Lana explora diversos aspectos de sua personalidade, seja a vista publicamente e a que somente pessoas próximas conhecem. Isso é notado em tracks como Sweet e na faixa título. Até musicalmente tal reflexão pode ser vista, com a alternância de músicas que envolvem vocais e um piano emocionantes, como em Kintsugi, para faixas com um toques atrevidos, como o em A&W. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Paris, Texas (feat. SYML), Kintsugi e Margaret (feat. Bleachers)

Cornelius – Dream in Dream

Simplicidade acima de tudo. Keigo Oyamada – um dos pioneiros da cena noventista japonesa Shibuya-kei – retorna em seu sétimo álbum de estúdio com um abraço caloroso em forma de som, viajando por paisagens que flertam tanto com um pop melódico quanto com um ambient psicodélico. Ao longo de sua discografia, o músico tem adotado cada vez mais uma estética introspectiva em seus projetos, passando por momentos mais elétricos vistos em Fantasma (1997), até as meditações texturais presentes em Sensuous (2006). Desde então, sua música se encontra diante de um olhar que valoriza tanto a imobilidade quanto o movimento.

Mergulhado em timbres eletrônicos, Dream in Dream é um álbum de contrastes. Sua sonoridade abraça o onírico e o nostálgico ao mesmo tempo em que permite ritmos contagiantes tomarem conta. Os arranjos dão palco às sutilezas, mas são carregados por camadas que às vezes parecem milhares de instrumentos em sintonia. A abordagem para a produção é uma mistura entre o requintado e o ingênuo, enquanto que os vocais seguem linhas melódicas simples, mas engajantes. Mesmo assim, há sempre espaço para a complexidade e imprevisibilidade – seja nas harmonias ou estrutura das canções –, fazendo deste um disco saboroso do começo ao fim, sem nada a esconder. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Mirage, Drifts, Sparks

Miley Cyrus -Endless Summer Vacation

Após uma pausa de três anos, Miley Cyrus está de volta com seu oitavo disco de estúdio, Endless Summer Vacation. As treze faixas estão separadas em duas fases, transitando entre o pop, o country e uma pitada de R&B, retratando uma fase mais autossuficiente e madura da cantora. Contudo, isso não significa que não há mais vestígios de Liam Hemsworth nos versos, apesar de Miley deixar explícito que ele não é mais o centro de sua atenção, finalmente. 

Como o próprio nome diz, Miley Cyrus está em uma férias de verão que nunca chega ao fim. O álbum é uma viagem pela descoberta da sua singularidade e vulnerabilidade, dando início com o grande hit  Flowers, que foi emplacado nas primeiras posições das paradas mundiais,e seguindo até You, que alfineta todos os corações partidos que vê pela frente. Nesta primeira fase, vemos a estrela sair de viagem em busca de um reencontro consigo mesma, onde abre o coração e retoma os momentos vividos com o ex-marido, mas apesar do sofrimento, nota-se a superação e a evolução do seu amor próprio nos versos. 

A partir da faixa Handstand, temos a estrela de Hannah Montana superada, imersa em problemas que apenas boas férias podem causar. A melancolia do álbum dá descanso e os ouvintes são servidos com bons ritmos dançantes, que dão a sensação de noites de verão, bebidas alcoólicas e muitas outras coisas conhecidas como erradas. Wonder Woman rouba a cena final da obra, ela é como uma conclusão, Miley finalmente descobre quem ela é. Toda essa profundidade, busca e descoberta faz com que Endless Summer Vacation configure como um dos melhores discos de 2023. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: River, Used to Be Young e You

Sabrina Carpenter – emails i can’t send fwd:

Sabrina Carpenter abre o coração e faz aquilo que todos que já se apaixonaram ao menos uma vez na vida desejaram fazer, gritar para o mundo tudo o que sente. Com melodias que percorrem a melancolia e a animação, emails i can’t send fwd acrescenta mais quatro músicas ao seu último álbum, sendo uma versão deluxe e ainda mais íntima. A artista se demonstra não só uma ótima cantora, mas também uma excelente compositora. A intensidade presente nas letras das canções acolhem todos os ouvintes e permite que o público se identifique com os cenários criados.

Com 17 faixas, a produção vai da desilusão amorosa de opposite à superação de Feather. Algumas músicas possuem, ainda, versões alternativas – como Nonsense Christmas – o que cativa ainda mais o público e mostra a criatividade de Carpenter. O álbum como um todo possui o estilo carismático da cantora e a vulnerabilidade presente em suas letras e melodias fazem com que elas se tornem populares entre os mais variados públicos. – Gabriela Bita

Faixas favoritas: how many things, lonesome e opposite.

Luisa Sonza – Escândalo Íntimo

O terceiro álbum de Luísa Sonza foi embalado por muitas polêmicas e controvérsias, como já é costume para a gaúcha. De Chico no top 1 do Brasil à carta revelando traição na Ana Maria, tudo revelou de fato, um Escândalo Íntimo. Dessa vez, Sonza explora vários gêneros  musicais, misturando suas angústias e inseguranças nos ritmos do pop, MPB, sertanejo e 150 BPM. As 24 faixas contam a história de um relacionamento, do qual começa confiante à lafamme fatale, depois mergulha em momentos de calmaria, romance e muitos questionamentos, para finalmente conseguir se diferenciar daquilo que é expectativa alheia e do que realmente se quer ser. 

O disco conta com colaborações diversas, como Duda Beat, Marina Senna, Baco Exu do Blues e até mesmo Demi Lovato. A produção buscou referências nos ídolos da música brasileira da artista, como Rita Lee em Lança Menina, mas também possui faixas cantadas em inglês e espanhol, a exemplo de Dona Aranha e La Muerte. Falando em referências, toda narrativa sonora está repleta delas, de modo quase excessivo. A faixa 1, homônima ao álbum, por exemplo, é um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini. The Beatles e Queen também são reinterpretados em faixas como Principalmente Me Sinto Arrasada. O álbum ainda conta com três faixas não disponíveis e sem previsão de lançamento. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Lança Menina, Não Sou Nada Demais e Luísa Manequim

Rico Dalasam – Escuro Brilhante, Último dia no Orfanato Tia Guga

Iniciado há três anos e sendo o seu terceiro álbum autoral, Rico Dalasam surpreende novamente ao abordar questões tão íntimas e essenciais na compreensão tanto da própria história enquanto artista quanto ao tentar dar voz aos que foram silenciados. O rapper volta às suas origens no orfanato e revive cada uma de suas inseguranças enquanto uma criança em busca de afeto e acolhimento, mas conseguindo, agora, aninhar e reconfortar a si mesmo.

Essa experiência de auto libertação é vista na primeira faixa de abertura Doce. Além disso, a participação de vários outros artistas ilustres, como Liniker, os intensos versos melódicos envolvem ainda mais quem ouve as questões de amor discutidas no EP. No ano de 2023, Rico Dalasam fez presença ao nos presentear demonstrando as diversas faces do amor seja de forma esperançosa em Espero Ainda ou na franqueza trágica de Jovinho. – Rebecca Ramos 

Faixas favoritas: Novinho, Espero Ainda e Sol Particular

Becky G – ESQUINAS

Talvez por jogar o pop comumente versado por Becky G para escanteio, ESQUINAS não desceu às ruas fazendo muito barulho – mas é exatamente essa mudança de ares que o torna o trabalho mais emocionante e coeso da cantora até agora. Interseccionando as duas culturas que dividem o coração de Gomez, na onda do movimento 200-percenters (jovens que se autodeclaram 100% estadunidenses e 100% latinos), as novas canções bebem das bachatas, cumbias e outros sons regionais mexicanos que a intérprete ouve desde a infância. O resultado é a confecção de uma musicalidade simultaneamente singular e coletiva, enraizada pelo amor à própria família e o respeito à essa herança artística como um todo.

Lirica e vocalmente, a mexicana-americana dota o álbum de sentimentos que pesam mais no peito dos latinos, como a superação de paixões impossíveis e o vínculo afetivo profundo com os avós. A maturidade de se ancorar nas próprias experiências vem acompanhada das mãos aclamadas de Edgar Barreira, que prepara uma salada arrojada e robusta de instrumentos na produção. Entre violões, acordeões e trompetes, jovens músicos descendentes de imigrantes, como Ivan Conejo e DannyLux, e outros representantes da música mexicana, vide Peso Pluma, ajudam Gomez a temperar as faixas sem pressa, na riqueza do instante. Ao final, as tantas camadas sobrepostas em ESQUINAS formam uma rua inteira de celebrações, ladrilhada pelo talento da artista principal. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: CHANEL e POR EL CONTRARIO

Slowdive – everything is alive

Slowdive é a típica banda que faz de suas composições uma sopa de letrinhas. Os integrantes parecem transformar fluxos de consciência em músicas as quais, surpreendentemente, fazem sentido. Este, aliás, não é exato, ou seja, pode significar uma coisa para um incel e outra para uma mulher perturbada. Tal variedade de fãs faz com que o grupo britânico esteja em constante reinvenção, pois ter consciência da impossibilidade de agradar a todos é, sobretudo, libertador.

Embora muitas mudanças sejam notáveis no som do Slowdive, uma característica sobreviveu aos percalços do tempo: o apreço pela atmosfera noturna. O quinto álbum de estúdio da banda, everything is alive, é uma soma às playlists criadas com o propósito de apaziguar os conflitos travados entre o sono e a paranóia. Nada é mais assustador do que o filme de terror autobiográfico exibido na nossa própria cabeça de madrugada. No entanto, se depender da banda de Berkshire, não faltará uma boa trilha sonora para acompanhar as memórias estreladas por nós mesmos e por amores já tirados do roteiro. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: kisses, skin in the game e andalucia plays

Jorja Smith – Falling or Flying 

Após uma pausa de cinco anos desde Lost & Found, seu último lançamento em 2018, Jorja Smith retorna ao cenário musical com o seu recente trabalho de estúdio, Falling Or Flying. Flertando com um R&B bem pensado, a britânica escapa da sonoridade convencional do gênero e apresenta novos ritmos que conversam desde o neo soul em sua faixa-título, até as orquestras de música arabe durante a canção Try Me. 

Embora o disco inove nas melodias, ele não se diferencia de seus lançamentos anteriores. Mesmo se repetindo criativamente, o álbum se destaca pela fluidez na voz de Smith, onde o sentimento conduzido pela artista se encaixa em cada letra e batida. Falling or Flying segue seu próprio caminho, garantindo 17 faixas cheias de nuances, ele não tem medo de se perder em meio a versatilidade, rompendo com a recente onda de cds homogêneos que surgiram na indústria musical. – Ludmila Henrique 

Faixas favoritas: Try Me, Little Things e GO GO GO

The National – First Two Pages of Frankenstein

O nono álbum de estúdio de The National, First Two Pages of Frankenstein, cutuca um vespeiro do qual podem sair pessoas de meia idade e jovens com pais separados. Além disso, o disco reúne parcerias com Phoebe Bridgers, Taylor Swift e Sufjan Stevens, provando que, embora a banda seja composta inteiramente por homens, ela é relativamente afeminada.

O grupo estadunidense deposita toda sua força em letras sensíveis cujo significado talvez nem os próprios integrantes saibam identificar. Os arranjos de guitarra elétrica perdem o protagonismo para longas performances de violão que, somadas à voz aveludada do vocalista Matt Berninger, tornam-se um perigo para os detentores de daddy issues. No fim, o álbum é um abraço a todos que buscam migalhas de afeto. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: Tropic Morning News, Eucalyptus e Grease In Your Hair.

Amaarae – Fountain Baby

Fountain Baby é o segundo álbum de estúdio da cantora Amaarae, e pela primeira vez em uma grande gravadora, a Interscope, a artista de Gana mostra maestria em combinar o R&B norte-americano, o pop europeu e afro-beat. Com 14 músicas coesas e complementares, o botão de repeat é uma tentação.

Há tempos que a ordem de faixas tão características, como Co-Star e Wasted Eyes, não é tão precisa quanto aqui. Sem perigosas transições contínuas em uma obra tão completa, ouvi-la no aleatório é um crime. Descrita como uma obra confiante e inconvencional pela Pitchfork, logo após receber o selo Best New Music, Fountain Baby tem espaço para reivindicar o título de esnobado por sua ausência em grandes premiações, como o Grammy. – Henrique Marinhos

Faixas favoritas: Sex, Violence, Suicide; Wasted Eyes e Sociopathic Dance Queen

Sabrina Carpenter – fruitcake

Sabrina Carpenter – fruitcake 

Em fruitcake, Sabrina Carpenter leva o clima natalino para qualquer momento do ano. Seguindo os passos de Caroline Polachek – que fez uma versão gelada de So Hot You’re Hurting My Feelings –, Carpenter repaginou o single Nonsense: a nova faixa, A Nonsense Christmas, traz trocadilhos com diversas características do Natal. O EP conta com seis músicas que refletem o período de celebração de final de ano.

Depois de emails i can’t send e de sua versão deluxe, Sabrina Carpenter prova novamente o que faz de melhor. Com músicas divertidas – tanto na parte lírica quanto na parte melódica –, a cantora mostra todo o seu potencial vocal. No cover white xmas, a pequena loirinha nos transporta para uma nostalgia atual; já em buy me presents e em A Nonsense Christmas, ouvimos sons de sinos e guizos vindos diretamente do Polo Norte. Carpenter ainda traz cindy lou who, uma canção melancólica e reflexiva, que faz uma referência à personagem Cindy Lou, do clássico filme natalino O Grinch. –Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: A Nonsense Christmas, buy me presents, santa doesn’t know you like i do e is it new years yet?

Jungkook – Golden

No lançamento de sua primeira faixa solo, Seven, Jungkook já havia demonstrado que não lhe faltava habilidade para preencher todos os aspectos de um artista de sucesso. Seja cantando, dançando ou fazendo rap, o cantor sul-coreano conquistou o coração de cada ouvinte desde seu debut com o grupo BTS, quando tinha apenas 15 anos. Agora, em sua estreia solo, ele demonstra a maturidade de um artista com expressivos 10 anos de carreira e desponta como uma celebridade global.

GOLDEN é um álbum nota dez em todos os quesitos. Com faixas para todos os humores, um vocal de deixar sem fôlego, coreografias empolgantes e uma sonoridade que mescla o nostálgico com o moderno, Jungkook acerta em cheio e faz jus ao título de Golden Maknae. Nessa estréia mais que dourada, o seu trabalho foi feito para brilhar, em todos os aspectos – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: 3D (feat. Jack Harlow) e Standing Next to You

Key – GOOD & GREAT

Com músicas e melodias coesas, conceitos bem estabelecidos e uma performance completa, Key segue sendo um dos artistas mais relevantes da indústria sul-coreana. Debutando em 2008 com o grupo SHINee e conciliando com sua carreira solo desde 2018, Kim Kibum sempre demonstrou apreço pelo retrô e por músicas fortes, marcantes e dançantes. Já tendo passado por outras áreas da cultura pop, em seu novo álbum é notória a sonoridade disco e funk, que chama qualquer ouvinte para dançar com ele.

Em Good & Great, o artista demonstra amadurecimento e que é ainda é possível utilizar o conceito pop retrô, que permanece em alta nos últimos anos. Confiante do motivo pelo qual saiu do papel, esse novo projeto não dá espaço às dúvidas ao entregar uma produção sonora e lírica de alta qualidade, mostrando o que há de melhor no cantor e tornando o play em uma entrada para uma festa privada – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: Can ‘t Say Goodbye e CoolAs

BJ The Chicago Kid – Gravy

BJ The Chicago Kid, apesar de extremamente talentoso, não parece figurar no radar geral dos ouvintes de neo-soul (ou R&B, se preferir) e nem desfrutar de tanto prestígio quanto os seus colegas de colaboração Kendrick Lamar ou Anderson .Paak. Porém sua discografia um tanto consistente, se esse adjetivo valer de alguma coisa, é uma prova de que o cantor natural de Chicago, Illinois, merece ser mais ouvido entre os ouvintes de música contemporânea. 

Gravy, um tanto diferente de seu último e ótimo disco, 1123 – que havia mais sonoridades voltadas para a relação do neo-soul com slow rap –, é um álbum de sonoridade menos densa que os anteriores, porém mais leve e dançante. O destaque do disco é a variedade dos sons, que comporta talvez até um flerte com eurodance notado em Spend the Night, parceria com Coco Jones; a participação de Freddie Gibbs, um dos destaques da cena do rap norte-americano atual, em Liquor Store in the Sky, e de Philip Bailey, vocalista do lendário Earth, Wind & Fire, em Never Change. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Spend the Night (feat. Coco Jones), Crazy Love (feat. Andra Day) e Never Change (feat. Philip Bailey)

Olivia Rodrigo – GUTS

“Onde está a porra do meu sonho adolescente?”, pergunta Olivia Rodrigo no seu primeiro disco, SOUR. Já em GUTS, vemos uma jovem-adolescente-ainda-não-adulta mais crescida, ainda com diversos problemas, questões e reclamações da idade. Cheia de raiva, ansiedade, amor e decepção, Rodrigo traz o pop rock do fim dos anos 1990 e do início dos anos 2000 de volta para os ouvidos dos fãs. Com uma pitada de grunge e do alternativo, a cantora mostra como amadureceu – tanto pessoalmente quanto musicalmente – entre um álbum e outro. 

Enquanto em SOUR um coração partido era o reflexo de um amor da adolescência, GUTS apresenta o tema como algo muito pior: no single vampire, a artista conta como seus sentimentos foram usados, e como sua fama foi aproveitada por terceiros. Em meio a músicas com batidas rápidas e outras mais lentas e sentimentais, a artista traduz – de forma nua e crua – como é a mente de uma jovem mulher. Repleta das mais diversas emoções, ela consegue explicar as dores, os amores e os dilemas do fim da adolescência e do começo da vida adulta, e mostra como crescer é algo difícil, mas necessário. Além disso, Rodrigo nos mostra uma coisa: talvez o teenage dream venha depois, não durante os anos da juventude. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: bad idea right?, vampire, lacy, making the bed e get him back!

PinkPantheress – Heaven Knows

PinkPantheress, cantora e produtora inglesa, se tornou internacionalmente conhecida com a faixa Boys a liar Pt. 2, parceria da artista com a rapper Ice Spice. No entanto, a canção não representa o Heaven Knows, segundo álbum de estúdio da cantora. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a compositora mistura o tom mórbido de seu conteúdo lírico com os vocais angelicais emitidos por ela. Aqui, as parcerias com Rema, Central Cee e Kelela acrescentam à narrativa contada pela artista.

Fã do drum and bass, batidas rápidas que chegam a quase 170 bpm, o subgênero da música eletrônica marca a sonoridade do álbum. Em Capable of Love, melhor canção do projeto, a cantora disseca o amor que possui por uma pessoa, chegando ao ponto de se tornar obcecada pela ideia de a perder um dia, se tornando, assim, incapaz de amar. Heaven Knows merecia uma indicação nas categorias de dance e eletrônica no Grammy 2024, mas PinkPantheress não precisa da indicação para afirmar o seu talento, já que foi eleita Produtora do Ano pela revista Billboard. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Nice to meet you (feat. Central Cee), Feelings e Capable of love

The Aces – I’ve Loved You For So Long

Tardaram, mas não falharam. Depois de três anos do seu segundo álbum, Under My Influence, as The Aces deram as caras novamente com I’ve Loved You For So Long. O lançamento, ainda em meados de 2023, veio depois de um período de reflexão sobre elas mesmas enquanto grupo musical e amigas de longa data, já que o quarteto começou a tocar junto anos antes da banda estourar. Dessa vez, o terceiro disco mostra que as irmãs Alisa e Cristal Ramirez, Katie Henderson e McKenna Petty estão mais confortáveis com seus próprios demônios e livres para falar (ou cantar) sobre eles abertamente.

Suburban Blues é a prova disso. Irmã mais velha de 801 (do álbum anterior), a faixa trata do mesmo tema: crescer em uma cidade pequena, tradicional e religiosa, sem liberdade para explorar a própria sexualidade. Retomando temas como amadurecimento, amores fracassados e saúde mental, as quatro mostram que evoluíram em suas composições, cada vez mais honestas. A sonoridade acompanhou e, do indie pop, The Aces passou a explorar também o punk pop, com arranjos nostálgicos à la bandas de rock alternativo dos anos 1990. Soando mais profundo e fresco, I’ve Loved You For So Long é tão descolado quanto seu quarteto. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Girls Make Me Wanna Die, Suburban Blues e Person

grouptherapy. – i was mature for my age, but i was still a child

E se todos os nossos pensamentos intrusivos se tornassem realidade? Esse é o exercício imaginativo que guia grouptherapy. Ainda que i was mature for my age, but i was still a child tenha sido anunciado como seu álbum de estreia, Jadagrace, SWIM e TJOnline já tinham se reunido em ao menos três projetos anteriores, desde 2020. Isso porque a constante experimentação e quebra de paradigma é o que alicerça esse trio. Uma pulsão que os leva a desafiar todo e qualquer limite, tornando o novo lançamento uma experiência sempre imprevisível. É pop? É rap? É R&B? Não importa para eles, e não deveria importar para você também.

Não é exagero dizer que grouptherapy. é um produto da nossa geração. Cada faixa é uma combinação inusitada entre referências contemporâneas a nós. Fruto de muito estudo, mas sobretudo de uma proximidade e uma identificação profunda com essas obras. Seja em baladas com confissões sensíveis ou em faixas absolutamente espalhafatosas, cresce um anseio por auto expressão, uma ânsia em se colocar no mundo da própria maneira – que, na realidade, esconde um intenso medo de desaparecer, de ser denominado pelo outro. E existe sentimento mais familiar que esse? – Enrico Souto

Faixas favoritas: smile :), Nasty e still alive

Victoria Monét – JAGUAR ll 

Mesmo sem possuir qualquer grau de parentesco com o famoso pintor impressionista, Victoria Monét tem o dom de tomar a Música como arte em sua forma mais pura. Como esperado, o elegante rugido de JAGUAR ll não foge das pinceladas calculadas e cativantes da cantora, que encontra na continuação da série iniciada há três anos o ponto de equilíbrio perfeito entre inspiração e novidade.

Na selva do R&B estadunidense, a viagem retoma a carona do produtor D’Mile e aproveita o apelo de bases clássicas para crescer novos arranjos, mais que nunca harmonizados com os vocais cristalinos de Victoria. Logo de cara, emendar o funk inebriante de Smoke, parceria com Lucky Daye, ao reggae colorido de Party Girls, interpretada ao lado do jamaicano Buju Banton, é quase um processo de hipnose. O lirismo apaixonante da taurina – que canetou todas as 11 faixas do projeto – também deixa o magnetismo perdurar em temas batidos como sexo e sonhos hollywoodianos, criando ouro em plena mata musical. Com olhar felino e aguçado, JAGUAR ll fez de tudo, inclusive Monét ser coroada a Artista Revelação de 2023 que a gente tanto precisava. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: On My Mama, I’m The One e Hollywood

Sufjan Stevens – Javelin

O nome de Sufjan Stevens brilha na lista de compositores que são especialistas em traduzir o que se esconde dentro de cada indivíduo. É difícil escutar alguma de suas letras e não se sentir tocado por ela – por exemplo, quem consegue assistir Me Chame Pelo Seu Nome sem se emocionar com Mistery of Love? O belo é inerente ao trabalho de Sufjan, e não seria diferente com Javelin.

O álbum é, em sua essência, uma tocante crônica sobre o ciclo do amor, representando-o do começo ao fim. Ao longo de Javelin, o artista parece ter a intenção de entender e ser entendido, com o objetivo de expor o fio condutor entre seus temas de estimação: levantar as intermináveis questões que nos levam a buscar significado uns nos outros e nos alegrar com a euforia de, às vezes, encontrá-lo. Nessa mistura encantadora, refinada e coesa de indie rock, folk e indie pop, Sufjan Stevens mostra, mais uma vez, seu talento em criar uma força invisível que atravessa e deixa marcas em qualquer um que está disposto a ouví-lo. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Will Anybody Ever Love Me?, So You Are Tired e Shit Talk

Letrux – Letrux como Mulher Girafa 

Letrux, como sempre, fora da caixa – ou da jaula. A artista carioca retornou em 2023 com seu terceiro álbum solo e muita animal print. Em 16 faixas com títulos que aludem ao reino animal, ela empresta o selvagem para falar da natureza humana. O universo sonoro criado pela cantora no disco abraça sua potência artística e ela entrega mais uma obra completamente original e cativante.

O disco conta com apenas uma parceria, mas muito especial: Lulu Santos, na faixa Zebra. A maioria das músicas leva o nome de algum animal, dos insetos aos grandes predadores. Letrux nos guia por uma jornada pela essência dos seres humanos e suas relações. A sonoridade e as letras espelham nossos altos e baixos, às vezes pequenos como uma formiga, às vezes com a fome de um leão. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Louva deusa, Formiga e Leões

Nas – Magic 3

Há no rap uma frase corrente, de origem imprecisa e de senso comum, que diz que “rap é jogo pra jovem”. Quem, porém, contradiz tão vitalmente essa máxima – junto talvez ao Jay-Z de 4:44 – não é outro senão o rapper de Illmatic, que na primeira faixa de Magic 3 já se coloca na posição de “griô”. Após os anos 90 e início dos 2000, depois de ter emplacado quatro obra-primas em oito anos e ter se consolidado como o Rei, Nas retorna nesse outro início de década com o vigor que lhe é característico: emplacou duas trilogias – King’s Disease e Magic – em três anos e se reafirmou enquanto um dos mais importantes da história do rap e um dos mais talentosos ainda em atividade, aos 50 anos.

Embora Magic 3 não seja de todo o melhor disco dessa sequência de trilogias – posto que pertence, sem dúvida, a King’s Disease III (2022), um dos melhores discos de rap dos últimos anos –, nunca é desperdício ouvir o flow e voz de um dos mais talentosos de sempre, produzida por um dos mais talentosos de hoje. Dupla formidável, dois dos melhores fazendo o que fazem de melhor, Michael & Quincy: Nas e Hit-Boy. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Pretty Young Girl, Based on True Events, Pt. 2 e Sitting With My Thoughts

Karol G – MAÑANA SERÁ BONITO

É impossível falar sobre a dominação mundial ultimamente exercida pela música urbana latina sem esbarrar na imponência de Karol G. Subindo no palanque da indústria como Bichota, codinome que revigorou esse cenário tão tomado de testosterona, a colombiana tem um quê de artista de cinema aliado à admiração que desenvolvemos por uma irmã mais velha. Assim, fica fácil entender como MANÃNA SERÁ BONITO, seu quarto álbum de estúdio, saltou dos ouvidos desavisados de muitos para o topo da Billboard 200 e o palco das vertentes estadunidense e latina do Grammy, conseguindo abarcar o melhor conceito-condutor da carreira da cantora. 

Aqui, a grandeza ostensiva da diva pop – professada na exploração de reggaeton, bachata, trap, afrobeats e até house music – se concilia com a vulnerabilidade doce de Carolina Giraldo Navarro, que usa o ápice de ritmos e prosperidades como ferramenta de reconciliação identitária. Sob as mãos habilidosas do conterrâneo e principal mixador do projeto, Ovy on The Drums, a amargura do coração partido, as odes a marcas de luxo e a liberdade refletida nas marés da ilha de Lanzarote são frações únicas de um balaio contagiante. Para os mais céticos, Karol G também reúne feats com veteranos e recentes sucessos latinos, de Shakira a Bad Gyal, na tentativa final – e bem convincente – de mostrar que seu futuro pode ser ainda mais caprichoso. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: X SI VOLVEMOS, DAÑAMOS LA AMISTAD e CAIRO

Metro Boomin – METRO BOOMIN PRESENTS SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER VERSE 

Metro Boomin tinha um grande desafio em mãos ao conduzir a nova trilha sonora de Homem Aranha: Através do AranhaVerso. Após cinco anos do lançamento do primeiro longa-metragem que consagrou Sunflower, parceria de Post Malone e Swae Lee, como single mais certificado na história do RIAA, Boomin manteve a mesma qualidade de elementos apresentados anteriormente e encaminhou o hip-hop para um novo patamar. 

Para a composição do disco, o produtor musical se dedicou a fazer boas músicas e não sucessos comerciais. As canções idealizadas por Daniel Pemberton refletem a trajetória de cada personagem no filme. Igualmente a animação, letras e melodias se entrelaçam na história de outros aranhas importantes para o desenvolvimento do protagonista. Como uma playlist compartilhada por Miles Morales, o álbum foi pensado em conjunto, sem nenhum ponto solto, onde cada componente se conecta como uma teia. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Annihilate, Self Love e Hummingbird 

Ana Frango Elétrico – Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua

Depois de uma pausa de quatro anos, em seu terceiro álbum  de estúdio, Ana Frango Elétrico volta de uma forma muito mais madura que nos anos anteriores. Com timbres nostálgicos, a artista busca estreitar laços com a música brasileira dos anos 1960 e 1980, ao passo que aborda temas sensíveis e subjetivos de maneira até dolorosa, como em Insista em Mim. 

Apesar dos temas individuais beirando a melancolia abordados no álbum, as batidas e melodias são animadas e alegres. A influência de músicos como Tim Maia é nítida. O contraste das letras com a própria música torna as canções harmônicas, aproximando o público cada vez mais do mundinho particular de Ana Frango Elétrico. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Insista em Mim, Dr Sabe Tudo e Camelo Azul.

Taylor Swift – Midnights (The Till Dawn Edition)

As noites mal dormidas de Taylor Swift continuaram rendendo músicas em 2023. Midnights (The Till Dawn Edition) é a versão deluxe do álbum já lançado no ano anterior, que conta com três novas faixas e um single. As duas músicas inéditas, Hits Different  e You’re Losing Me, nos contam como a história de amor termina, é fim do Lavander Haze e um prelúdio para uma nova era de coração partido. Snow On The Beach (feat. More More Lana Del Rey) é a versão estendida e mais doce da parceria. Karma (feat. Ice Spice) dessa vez ganhou videoclipe, recheado de easter eggs que deixaram os fãs muitas noites acordados para acompanhar a loirinha. 

Outra diferença que essa versão do disco trouxe, foram as versões censuradas de músicas como Maroon, assim, eliminando o selo de conteúdo explícito, as músicas poderiam chegar em maior público. Midnights chegou como uma surpresa para indústria, quando ninguém mais esperava um sucesso estrondoso da carreira de Swift ela se reinventa no synthpop, fazendo milagre em meio de regravações de outros álbuns e turnê mundial, a artista ainda tem muito o que cantar. – Costanza Guerriero 

Faixas favoritas: You’re On Your On, Kid; The Great War e Hits Different

Sophia Chablau e uma Enorme Perda de Tempo – Música do Esquecimento

Dois anos depois do lançamento do primeiro álbum da banda, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo volta mais uma vez mostrando como tem amadurecido musicalmente e de que forma querem expandir para novos públicos. Ainda que existam tentativas de inovar, a autenticidade do grupo se mantém constante, sendo possível observar o desejo e afeto que os integrantes têm consigo mesmos e com aqueles que os ouvem.

Apesar das novas abordagens neste álbum, a essência mantém-se a mesma. Abordando também temáticas como a melancolia que permeia as relações da comunidade LGBTQIAP+, uma das faixas de grande destaque, Segredo, escancara a infeliz universalidade de uma vivência dupla de uma boa parcela das minorias sexuais. Originais, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo não têm receio em se redescobrir e talvez seja isso que os fazem genuinamente únicos. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Segredo, Minha Mãe é Perfeita e As coisas que não te ensinam na faculdade de filosofia.

ANOHNI and The Johnsons – My Back Was A Bridge For You To Cross

Ideal para noites chuvosas e trajetos solitários de transporte público, My Back Was A Bridge For You To Cross foi feito para pensar na morte da bezerra. Ao mesmo tempo que seus acordes de guitarra conduzem uma atmosfera pacífica, suas letras melancólicas invadem sutilmente nossa cabeça e a deixam latejando. Tal inquietude não é tratada com Alivium, nem com nenhum tipo de remédio, pois não é uma doença para ser curada, mas um sintoma do desejo intrínseco por mudanças que deve infectar cada vez mais pessoas. 

O quinto álbum de ANOHNI and The Johnsons se garante no apelo à vulnerabilidade, isto é, na admissão da dor. Esta, por sua vez, está refletida em composições confessionais recitadas por uma voz a qual infelizmente sabe o que diz. A subjetividade atrelada à política torna o disco uma fonte de memórias diante de um sistema planejado para esquecer. 

No fim, My Back Was A Bridge For You To Cross reconhece conquistas, mas não cede à ingenuidade de achar que a vida de grupos marginalizados se tornou um completo morango. Não basta construir pontes, há de atravessá-las também. Quem sabe do outro lado não está o final do arco-íris LGBT+ com gloriosas recompensas: amores correspondidos, revolução no sistema e álbum novo da Kate Bush. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: It Must Change, Silver of Ice e Why Am I Alive Now?

Bad Bunny – nadie sabe lo que va a pasar mañana

Após o lançamento do aclamado Un Verano Sin Ti, uma obra-prima pop imersa na umidade caribenha e no brilho dos sonhos, Bad Bunny foi catapultado para os olhos do público como nunca antes. Para quem ainda não conhecia o artista, o disco de 2022 fez parecer que o porto-riquenho sempre foi o tipo de pop star que lota estádios. Mas os fãs mais antigos sabem que Benito sempre foi um rapper de elite, e ele volta a mostrar isso em nadie sabe lo que va a pasar mañana.

O quinto álbum do grammy winner vem repleto de batidas de trap contundentes, rimas introspectivas e um estilo ‘de volta às origens’. O Bad Bunny presente em nadie sabe é um astro muito adorado que ficou na defensiva por muito tempo – seja por causa dos críticos, de fãs assustadoramente possessivos ou outras entidades que pareciam estar minando sua humanidade. A torre fria e brutalista que ele construiu contrasta com a fonte de histórias porto-riquenhas ricas e modernas presentes nos álbuns anteriores. Esse sempre é um aspecto muito interessante de se ver, e o El Conejo Malo é mestre em fazer com que a experiência seja magnífica. – Raquel Freire

Faixas favoritas: NADIE SABE, HIBIKI e WHERE SHE GOES

Martinho da Vila – Negra Ópera

Pelléas et Mélisande é uma ópera centenária, idealizada pelo compositor francês Claude Debussy. Um drama lírico em cinco atos, que conta a trajetória de dois jovens que vivem um romance fadado ao fracasso. Uma união que apenas é capaz de concretizar-se pela morte. Foi após presenciar esse espetáculo em pleno Teatro Opera de Paris que Martinho da Vila, um artista pivotal para o samba brasileiro, idealizou Negra Ópera: um concerto glorioso que se apropria de uma tradição europeia para cantar e chorar as lamentações do povo preto brasileiro.

Negra Ópera se desvia da imagem leve que construiu-se sobre Martinho no nosso inconsciente. É um trabalho íntimo, mas pesado. Doído de escutar. Tão denso quanto o azul profundo que abraça a capa do disco, ocupada por anjinhos pretos que são pincelados como em pinturas renascentistas. Essa combinação inevitável entre signos antagônicos manifesta o poderoso esforço de ressignificação que norteia o álbum. Martinho une composições pessoais a releituras de outros grandes sambistas para narrar, através da perspectiva coletiva do seu povo, os infortúnios da maior tragédia da nossa história. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Heróis da Liberdade, Acender as Velas e Dois de Ouro

Daniel Caesar – NEVER ENOUGH

É impossível escutar Daniel Caesar e não se sentir instantaneamente hipnotizado. Suas canções românticas com melodias marcantes e coros angelicais se tornaram definidoras para o gênero R&B nos anos 2010. Um caso excepcionalmente raro em nossa era algorítmica de um cantor capaz de te arrebatar da própria cabeça. Mas, em NEVER ENOUGH, esse estado de levitação é logo interrompido na primeira faixa, Ocho Rios, quando os instrumentais são invadidos por guitarras distorcidas e bumbos pesados, acompanhados de vocais levemente guturais.

Caesar já havia exposto seu desejo em superar Freudian, seu trabalho mais icônico, para desbravar novos horizontes. Aqui, ao invés de explorar as nuances sensoriais do gospel, a música se deixa levar pelo ruído. Sem abandonar sua assinatura já difundida, o artista abraça uma sonoridade experimental, quase carnal, que rejeita o sagrado para nos lembrar de nossa eterna condição de mortalidade. Assim que NEVER ENOUGH fisga seu ouvinte, não há mais volta. Ainda que ligeiramente difuso, esse é o preço cobrado para abrir as portas do nosso refúgio particular. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Let Me Go, Shot My Baby e Superpowers

Elza Soares – No Tempo da Intolerância

Nesse álbum póstumo, Elza Soares evoca um manifesto enraizado em sonoridade latino-americana, poesia marginal e ancestralidade. A intérprete utiliza sua voz como arma letal – descrita assim na canção Coragem – contra o racismo, machismo, violência policial, entre outros abusos, No Tempo da Intolerância é um álbum denunciativo em que Elza mostra, mais uma vez, que nunca deixou de se posicionar. Além da denúncia, também celebra o feminisno negro, a liberdade das mulheres e clama por justiça com os seus, sendo um álbum quase inteiramente autoral – 7 das 10 músicas são conposições da cantora. 

Entre as faixas, podemos presenciar, pela última vez, a beleza e potência que Elza foi e sempre será.Rainha Africana, composição de seus amigos Rita Lee e Roberto de Carvalho, é presenciada a história da cantora sendo exaltada e reverenciada. Já em Quem Disse, a introdução da canção é feita pelo MC WJ, conhecido por seus versos denunciantes sobre a realidade dos grupos marginalizados, e Elza acompanha essa denúncia que recai sobre a desigualdade, não só, mas também financeira nesse Brasil. Por último, mas não menos importante, Mulher Pra Mulher (A Voz Triunfal) referencia o feminismo negro que luta contra inumeravéis violências durante tantos anos. 

A identidade da cantora, falecida em 2022, está muito bem marcada neste lançamento e, por ser o último, No Tempo da Intolerância é um álbum em que nos emocionamos não só pelas letras, mas também por imaginarmos que será o último trabalho lançado. Não há palavras suficientes que medem Elza Soares. Ela é incrível em tudo o que fez e continuará fazendo nesse compasso de vida. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Justiça, Pra ver se Melhora e Quem Disse

FBC – O AMOR, O PERDÃO E A TECNOLOGIA IRÃO NOS LEVAR PARA OUTRO PLANETA 

Não é de agora que Fabrício, mais conhecido como FBC, trabalha com Música. O sucesso estrondoso de Baile (2021), em colaboração com VHOOR, fez com que os talentos do artista fossem amplamente divulgados, atingindo novos espaços além da cena do rap nacional. Não se acostumado em criar mais do mesmo, em seu novo projeto o rapper busca novas inspirações e transborda em uma estética completamente diferente do que havia produzido. Passeando entre os anos 1970 e 1980, misturando funk com elementos sintéticos e até um sax, o cantor nos faz refletir sobre a existência nesse planeta que chamamos de casa.

Com a ousada proposta de fugir das tendências atuais, FBC aposta tudo em um álbum que mira em Jorge Ben Jor e acerta em um estouro de originalidade. Em O Amor, o Perdão e a Tecnologia Irão nos Levar para Outro Planeta, o cantor e compositor traduz, em um jogo minucioso entre letra e som ,os sentimentos e sensações de uma viagem pela dance music. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Madrugada Maldita e Estante de Livros (feat. Don L)

niLL – O Resgate do Maestro

niLL é o maior artesão da cena do rap nacional. Seus discos não são somente conceituais. Seja rimando ou tecendo os instrumentais através do seu pseudônimo O Adotado, o artista jundiaiense constrói universos imersivos que costuram milhares de referências à cultura geek como em uma colcha de retalhos, operando através de nossos ambientes virtuais para evocar as emoções mais substancialmente humanas possíveis. Não importa o quão fantasioso ou fora da casinha for o álbum da vez. No fim, tudo se resume ao mais terreno cenário de um jantar.

É esse retrato mundanamente imaginário de um mecha explorando as vielas de uma favela que nos apresenta a O Resgate do Maestro. Na narrativa do disco, acompanhamos um simpático robô que viaja para a Terra com o objetivo de estudar as emoções humanas. O rapper usa dessa conjunção para criar uma jornada existencial e contemplativa, refletindo nossa sede inerente por conexão em meio a uma realidade onde desaprendemos a viver uns com os outros. É então a partir de sonoridades acalentadoras e visuais nostálgicos que niLL faz da Música ponte para que esses laços se cruzem outra vez. – Enrico Souto

Faixas favoritas: PS1, Zero Zero 7 e City Hunters

DJ K – PANICO NO SUBMUNDO

Há quem não goste de funk e criminalize o gênero se baseando em crenças preconceituosas. O estilo musical se reinventa constantemente e com PANICO NO SUBMUNDO não dá para negar a ascensão merecida do ritmo. Durante 43 minutos, DJ K, nascido em Diadema, entrega ao público uma viagem de diversões com esse projeto. Aclamado pela Pitchfork, o paulistano usa o gênero como uma plataforma de conscientização social, como quando critica sutilmente o governo de Jair Bolsonaro na faixa “Erva Venenos”.

É impossível ser levado à outra dimensão com uma música, mas aqui, o produtor musical o faz com maestria: já na primeira música, Illuminati – Viagem Ao Oculto, o ‘bruxo’, apelido do artista, faz a sua magia e enfeitiça os fãs com beats agradáveis e produções de tirar o fôlego. Para os amantes do estilo musical, é um deleite. Os que não acompanham de perto o ritmo irão se impressionar com o talento do DJ K. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Illuminati – Viagem Ao Oculto, Automotivo Acordou a Favela Toda e Beat Distorce Mente

N.I.N.A – Para Todos os Garotos que já Mamei

Com Para todos os garotos que já mamei, ou PTOGQJM, N.I.N.A revelou uma nova faceta de sua musicalidade. No álbum lançado em Agosto de 2023, a cantora conhecida como bruta, brava e forte soa mais sensível e reconhece sentimentos que não se mostravam com tanta veemência em sua discografia anterior, Pele (2022). Em um movimento semelhante ao da temática, a sonoridade trabalhada também migra para novidades e as sete faixas são uma viagem pela diversidade rítmica. 

R&B, pop, rap e soul são explorados nas composições, mas cada uma segue tão única quanto às cartas enviadas pela protagonista do filme que o nome do disco parafraseia. Nessa singularidade, N.I.N.A surpreende a cada minuto do projeto e consegue ser impecável ao ponto de não permitir brecha para uma crítica sequer. Por isso, PTOGQJM é perfeito para ouvir em momentos à flor da pele ou animar dias blasé, com a única restrição de não ser recomendado para menores de 18 anos. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Faz Assim, Despedidas e Karma

James Blake – Playing Robots Into Heaven

James Blake deixou sua marca registrada por todos os cantos da indústria musical na última década. Os vocais divinos e quase sussurrados do artista, que preenchem delicadamente suas melodias digitais e minimalistas, fizeram dele um colaborador de ouro, lhe rendendo participações marcantes em projetos de grandes artistas como Kendrick Lamar, Travis Scott e Beyoncé. Em paralelo, seus trabalhos solo, antes instigantes e misteriosos, eram gradativamente sanitizados quanto mais deslocavam-se para o universo do pop. 

Nesse contexto, Playing Robots Into Heaven marca o retorno do artista à música eletrônica. Aqui, sua voz se mistura aos elementos da canção para tornar-se um mero instrumento. A letra, em grande parte do disco, pouco importa. Os timbres, as percussões e as harmonias são manipuladas para nos transportar a uma montanha russa sensorial, ora declinando bruscamente em direção à terra, ora ascendendo em movimentos circulares até os céus. Um resgate e um lembrete do posto de Blake como um verdadeiro maestro de emoções. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Fall Back, Big Hammer e I Want You To Know

Kali Uchis – Red Moon In Venus

A sinestesia, além de uma figura de linguagem, é uma condição neurológica que faz com que quando um dos nossos sentidos é ativado, reações são provocadas em outro, gerando um mix de sensações. Ouvir Red Moon in Venus não é uma experiência simples, mas que ativa diversas sensações, sendo um álbum colorido e com sabores refrescantes do pop latino.

Em seu terceiro álbum, a colombiana Kali Uchis nos leva em uma aventura sonora que lembra um conto de fadas, mas com toques de sensualidade. Já na primeira faixa, In My Garden… a artista cria uma certa ambientação, apresentando o tema do álbum, ao falar “Olá / Você consegue me ouvir? / Eu só queria falar que, caso tenha esquecido, eu te amo” e incluir sons imersivos. A obra segue com tracks sobre amor, prazer e desejo, como I Wish You Roses e Love Between, além da exploração da feminilidade, com toques do estilo R&B de Uchis, além de reggae e soul. -Marina Barrelli de Carvalho

FAIXAS favoritas: Worth the Wait, All Mine e Deserve Me

Carol Biazin – REVERSA

Em uma grande homenagem para todas as garotas infernais, Reversa chegou com aquele sabor de romance adolescente para alimentar a alma das mean girls. Carol Biazin traz desilusão, rebeldia e romance, é óbvio, para o terceiro álbum de sua carreira. Contando com treze faixas que narram uma história de amor de trás para a frente, fazendo alusão ao título, a cantora conta com batidas de pop, R&B, e vocais de fundo para conseguir sustentar a personalidade da obra, que se inspira na sua. 

Reversa tem pontos altos e baixos, como qualquer obra. Os beats são muito parecidos, fazendo com que uma faixa pareça a extensão da anterior. Entretanto, Biazin fez ótimas evoluções em suas composições, em comparação ao seu último disco, Beijo De Judas, conseguindo trazer letras mais desenvolvidas e vocais presentes e potentes, que lembram muito os de Luísa Sonza, além de ter produzido a cronologia realmente ao contrário, porém de forma extremamente complementar, o que torna o álbum ainda mais único e precioso para o pop brasileiro. Com um relacionamento que não deu certo, talento e muito glitter, Carol Biazin entregou uma das melhores produções nacionais de 2023. A cantora provou que está pronta para defender o seu espaço nas playlists das garotas infernais. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: Playlist de Sexo, Dessa Vez Não e Garota Infernal

Måneskin – Rush! (Are U Coming?)

Na extensão de Rush!, álbum #1 em mais de 15 países da banda italiana Måneskin, são acrescentadas mais cinco músicas que mostram para o público a força do jovem grupo. Com a maioria das faixas em inglês, são exploradas temáticas que vão do romance à rebeldia e aproveitamento da vida, em que há um casamento muito bem realizado entre os potentes vocais de Damiano David e os instrumentos dos demais membros. Em Valentine, a extensão da voz de David e os acordes da guitarra de Thomas Raggi causam arrepios por todo o corpo de quem escuta.

O baixo de Victoria De Angelis é outro elemento que faz toda a diferença nas produções. Com uma maior presença nesse lançamento, a baixista cria acordes que marcam o estilo da banda, ajudando na produção de melodias que permanecem por um bom tempo na cabeça. Contando com 22 faixas,  Rush! (Are U Coming?) une Mäneskin ao músico americano Tom Morello em Gossip – um dos cinco singles do álbum – em uma produção energética e viciante, com solos de guitarra de tirar o fôlego. Indo do intenso, apaixonante e íntimo, para o divertido, provocante e sensual, a quinta produção do grupo é um sucesso garantido. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Trastevere, Timezone e Off My Face

Reverend Kristin Michael Hayter – SAVED!

Ao ouvir SAVED!, a última certeza que você tem é que está a salvo. Lingua Ignota veste a batina a aponta o dedo julgador típico de um fundamentalista religioso bem na sua cara. Com voz, violão e um piano modificado, a intérprete cria um cenário de pandemônio e nos transporta para uma igreja no meio do nada no exato momento em que ocorre o julgamento final.

O álbum, totalmente experimental, além de propositalmente caótico, revive estilos dos cânticos do Movimento de Santidade, vertente pentecostal que estimula atividades carismáticas como a glossolalia – capacidade de falar em línguas quando se está em transe religioso. Dessa forma, a artista, que teve uma infância católica, desvirtua totalmente a visão religiosa. As microfonias propositais entre as faixas, os instrumentos nada mixados e a voz por vezes a capela, criam a impressão que o fim do mundo, naquela igreja que o disco emula, ao mesmo tempo que é temido, também é desejado. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: ALL OF MY FRIENDS ARE GOING TO HELL, IDUMEA e THE POOR WAYFARING STRANGER

JPEGMAFIA & Danny Brown – Scaring The Hoes

2023 definitivamente foi o ano das collabs no rap, seja por Billy Woods & Kenny Segal no excelente Maps ou no atrasadíssimo e divisivo Vultures Vol.1 de Kanye West e Ty Dolla $ign. Quem definitivamente consagrou o movimento e deu o start  na moda novamente foram os irreverentes e até então totalmente antagônicos JPEGMAFIA & Danny Brown. Por isso, Scaring The Hoes é a prova de que sim, os opostos se atraem e criam uma química descomunal entre si.

O termo chulo do título é uma expressão para quando se está sendo hipócrita e a dupla consegue, pelo menos, bater de frente com a hipocrisia, com a arma que mais sabem usar: o sarcasmo. O disco consegue dosar efetivamente os beats tortos de JPEG com a rima rápida e astuta de Danny Brown, resultando em uma obra que aborda conscientemente, ao mesmo tempo que com muita irreverência, a cultura da internet e o próprio rap americano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Kingdom Hearts Key (feat. Redveil), Burfict! e Garbage Pale Kids

Madison Beer – Silence Between Songs

No disco Silence Between Songs, Madison Beer se mostra como uma cantora completa. Por meio de belas composições e sonoridades de um pop genuíno, a artista traz canções cheias de beleza e sentimento. Indo de sintetizadores futuristas, acordes de violão e até notas delicadas vindas diretamente de uma caixinha de música, Beer apresenta todo o seu potencial para o cenário musical.

A era do álbum começou em 2021 com o lançamento do single Reckless, que age como uma carta sobre um coração partido. Madison Beer mostra como pode ser um dos próximos grandes nomes do pop, por meio de videoclipes estéticos, vocais poderosos – repletos de suspiros e harmonias –, e faixas cheias de emoção aliadas à instrumentais interessantes. Passando por tristezas amorosas, reflexões sobre a vida e sobre a família – a faixa Ryder é dedicada ao irmão de Beer – a cantora prova como seu repertório é diverso. -Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: Sweet Relief, Ryder, Home To Another One e Reckless

Reneé Rapp – Snow Angel 

Em Snow Angel, conhecemos um lado de Reneé Rapp que permaneceu escondido por anos. Iniciando sua carreira no teatro, sua imagem já era prestigiada nos palcos, mas sua voz ainda era desconhecida pela plateia. Assinado pela gravadora Interscope, o disco conta com 12 faixas que transitam entre os gêneros pop e indie rock, e marcam as várias interrogações memorizadas pela mente da cantora durante a criação de seu primeiro álbum. 

Debatendo consigo mesma, as letras de Reneé garantem uma sinceridade de fácil identificação. Abordando temas como auto sabotagem, relacionamentos complicados e consumo de substâncias ilícitas, Snow Angel representa o questionamento pessoal da artista com as suas próprias ações. Tópicos em sua vida que ela sabe que precisa melhorar, ou não, para encontrar paz de espírito. – Ludmila Henrique

Faixas favoritas: 23, Talk Too Much e Gemini Moon 

Taylor Swift – Speak Now (Taylor’s Version)

O roxo continua predominante e o cabelo ainda está cacheado, mas não podemos afirmar que a garota na capa é a mesma: na regravação de seu terceiro álbum de estúdio, Taylor mostra-se mais madura e estável, nos levando em uma visita para sua versão jovem e intensa. Trazendo narrativas sinceras sobre descobrir seu lugar no mundo, amores efêmeros e decepções, a compositora pode até ter perdido a energia na voz que apenas uma garota de 19 anos com o coração partido pode ter, mas sempre terá a beleza de conseguir transmitir sentimentos tão lindos em forma de canção.

Speak Now (Taylor’s Version) ajusta-se aos tempos atuais, como mostra a modificação da letra Better Than Revenge, e ainda consegue trazer novas faces dessa Swift jovem e sexy com I Can See You (From The Vault). Por ser um álbum de carinho e apreço pelos fãs, foi a primeira vez que sentimos que o tempo passou de fato – seja pela voz, pelas memórias ou quando paramos para pensar que quase 13 anos separam desde o primeiro lançamento.  – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Dear John, Long Live e Back To December

Troye Sivan – Something To Give Each Other

Após a introspecção de Bloom, Troye Sivan retorna em 2023 com Something To Give Each Other, um álbum que celebra a euforia da pista de dança e o desejo ardente pelo calor humano. Se em Blue Neighbourhood conhecemos um jovem ainda inseguro sobre sua sexualidade, agora encontramos um artista maduro e confiante, que canta com propriedade sobre seus desejos hedonistas.

Rush, o primeiro single do álbum, é a porta de entrada para esse mundo de prazeres. A faixa contagiante nos convida a sentir a mesma euforia que Troye experimenta nas baladas. Mas, o disco vai além da pura festa. Romance e sexualidade são explorados sem tabus, com foco na intimidade entre duas pessoas. Em What’s The Time Where You Are?, o artista canta: “Eu estou bem em esperar se tudo estiver dito e tudo estiver feito / Você sabe que eu te entendo do jeito que você me entende, baby”.

Além de seu lirismo, a produção de Something To Give Each Other é outro ponto forte. As batidas precisas e as ambientações envolventes transportam o ouvinte para diferentes planos. Faixas como One Of Your Girls e Still Got It demonstram a inteligência e a criatividade de Troye Sivan, que entrega um álbum rico em detalhes e com uma sonoridade original, o que o torna um dos destaques de 2023. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Silly e One Of Your Girls

Dominic Fike – Sunburn 

Alerta! Sunburn pode ocasionar queimaduras de segundo grau, agarre seu fone de ouvido e se proteja do sol. Revisitando o sul da Flórida, Dominic Fike despeja em ritmos funkeados todas as incertezas que percorreu até conquistar seu lugar no cenário musical. Sendo o segundo álbum do artista, Fike permanece com a sua característica central de divagar por vários gêneros, remetendo sonoridades que atravessam o indie rock e mergulham no rap. A composição do disco transfere melodias dançantes, mesmo que as palavras descritas pelo cantor sejam de extrema consternação. 

Em soma com o baterista Henry Kwapis (Dijon) e os produtores Devin Workman e Jim-E-Stack, Sunburn contempla 15 faixas sobre a vida de Dominic em sua cidade natal. Uma história carregada de arrependimentos, vícios, sexo e drogas. O disco leva a sonoridade de uma visita indesejada ao passado. Uma reconciliação do artista consigo mesmo, algo que ele precisa deixar para trás, para poder caminhar em direção ao sol. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Sunburn, Bodies e Mona Lisa 

Noname – Sundial

Diante de um cenário musical composto majoritariamente por ensaboados, a artista Noname rejeita a arte limpa e imparcial ao fazer de Sundial, seu segundo álbum de estúdio, uma celebração provocativa da inconstância humana. Ademais, o disco apoia suas batidas típicas do neo soul em letras cuja essência política garante autenticidade a um trabalho que joga pedras e não teme ser apedrejado também. 

O objetivo de Sundial é causar desconforto em uma indústria condizente com  discursos vazios e silêncios ensurdecedores. Apesar dessa conjuntura monótona, algumas musicistas principalmente do hip-hop, como Little Simz e a própria Noname, aventuram-se pelo teor crítico ao transcrever angústias e questionamentos no papel. Este, por sua vez, é amassado com o intuito de nunca mais voltar a ser o que era antes. Enquanto certos artistas abusam de jatinhos particulares, a criadora de Sundial é quem, de fato, voa para longe da mediocridade e da inércia.  – Ana Cegatti

Faixas favoritas: boomboom, namesake e hold me down

Jão – SUPER

Se você escutar SUPER e estranhar já ter escutado essa história antes, é porque Jão retoma todas as suas aventuras até aqui para fechar um ciclo de cinco anos com seu quarto álbum. O artista do interior começou a até que recente carreira falando sobre amores, ilusão e desilusão, desejo de alcançar seus sonhos mais ambiciosos e de sair de uma cidade pequena para se descobrir na metrópole paulista. No quarto capítulo, os temas retornam e, apesar de soarem repetidos, fazem um apanhado de todo o período da casa dos 20 anos para finalmente se concluírem e abrir portas para novas descobertas.

A sonoridade vem mudando discretamente desde Lobos (2018), disco de estreia de Jão, e se torna mais fresca a cada nova empreitada. Embora algumas canções, como Julho e Me Lambe, já viraram fórmula, Gameboy, Eu Posso Ser Como Você e Sinais mostram que o cantor e sua equipe fiel de colaboradores bebem de referências novas, em busca de revitalizar o som, à medida que o tema permanece. Agora, mais ousado, mas não menos abalado pelos amores deixados pelo caminho, Jão faz de SUPER a despedida de uma trajetória grandiosa, para começar uma maior ainda, dessa vez em palcos de arenas. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Escorpião, Se O Problema Era Você, Por Que Doeu Em Mim? e Locadora

Kylie Minogue – Tension

Era uma quinta-feira à noite em meados de maio de 2023 quando o falecido Twitter, agora X, começou a emitir sinais de Padam Padam. Desse momento até o lançamento do disco Tension, muita expectativa foi criada em forma de vídeos virais sobre os próximos passos de Kylie Minogue. A partir da adaptação moderna da onomatopeia para batimento cardíaco popularmente entoada por Edith Piaf, a rainha absoluta do dance pop acrescenta 13 faixas que chegam até a ser perigosas para os órgãos vitais, afinal, nem mesmo as baladinhas românticas diminuem a vontade de dançar.

Como em uma tentativa destemida de quebrar a tensão superficial da água, a artista mergulha de cabeça no melhor das noites australianas para o seu tão aguardado décimo sexto álbum de estúdio. Os ápices da produção envolvem a junção de instrumentos como o baixo e o saxofone às batidas programadas, ao passo em que as composições explodem em cores e ganham um lugar especial em Las Vegas. De olho em um diamante no horizonte enquanto assume a despretensiosidade do gênero, Tension é tudo o que nós amamos sobre Kylie Minogue. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Padam Padam, Vegas High e Love Train

Ebony – Terapia

Jovem e pronta para ocupar todo e qualquer espaço na cena do rap e hip hop, Ebony chegou com os pés na porta e ofereceu a todos aqueles que estão insatisfeitos com sua presença na cena uma bela Terapia. O disco é audacioso e funciona quase como uma descrição em detalhes da artista, com todos os seus pensamentos, gostos e a grande indiferença sobre a opinião masculina expostos e rodeados por um ritmo viciante. 

Em faixas intituladas com termos da psicologia, como acontece em Pensamentos Intrusivos, Sem Neurose e Paranóia, moram letras escritas por alguém que vai conquistar o que quiser. Apesar de soar como, isso não é um exagero, Ebony sabe exatamente o que deseja e como conseguir, afinal, ela é independente, sincera e “megalomaníaca com o mundo na palma da mão”. Quem procura um álbum de quem está no corre e não vai parar tão cedo, deve procurar Terapia. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Lei da Atração, Obcecada e Sem Neurose

Janelle Monáe – The Age of Pleasure

The Age of Pleasure, o mais recente álbum de Janelle Monáe, é uma celebração do verão, da liberdade e do prazer. Uma antítese aos seus últimos trabalhos sci-fi distópicos, mantendo sua qualidade singular. Com canções nomeadas após coquetéis de champanhe, Monáe constrói uma mistura alegre de reggae, afrobeat e soul e a descreve como a trilha sonora de um estilo de vida.

A colaboração com artistas como Grace Jones, Sister Nancy e Amaarae mesclam o frescor de um dia ensolarado e de altas temperaturas, com a calmaria da senioridade. E, merecidamente, renderam as indicações de Álbum do Ano e Melhor Álbum de R&B Progressivo na 66ª Edição Anual do Grammy – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: The Rush (feat. Nia Long & Amaarae), Chapagne Shit e Haute

Swans – The Beggar

Uma odisseia sobre a vida, a morte, e tudo que as aproxima. The Beggar é o 16º álbum lançado sob o nome do Swans, grupo estadunidense regido por Michael Gira, e apresenta um retorno a diversos territórios musicais explorados pelo artista no passado. Assim como na maioria dos trabalhos de Gira, o foco da obra é envolver o ouvinte em uma atmosfera imersiva sempre hipnotizante e ameaçadora, ainda que inundada com momentos etéreos e deslumbrantes. É possível ouvir traços de várias das facetas do compositor, passando pelo folk e americana do Angels Of Light, os ritmos pulsantes de The Great Annihilator (1995), além de uma psicodelia reminiscente de Syd Barrett em Ebbing.

Por mais que muito do que se ouve no álbum são – forçando muito a definição – canções, o enorme elefante no meio da sala é The Beggar Lover (Three), penúltima faixa do disco, que conta com mais de 43 minutos de duração. Essa monstruosidade remete a outro projeto de Gira denominado The Body Lovers, o qual tinha como maior motivo a experimentação extrema com o som. A música é essencialmente uma colagem sonora abstrata que inclui passagens coletadas de outros trechos do álbum e até de discos anteriores da banda, distorcendo e brincando com a memória dos fãs familiarizados com esses momentos. Ainda assim, existe uma coesão e uma dinâmica cativantes, além da sonoridade trazer um poderoso contraste às outras faixas.

Michael Gira – com quase 70 anos de idade no lançamento do disco – deixa claro nesta obra que enxerga o fim de sua vida como algo próximo, cantando letras que contemplam e refletem sobre a morte e a efemeridade da vida humana como um todo. Mas aqui, isso não se dá como algo alarmante ou desolador; o artista está em boas relações com seu desfecho e mostra aceitar o inevitável, parecendo até desejá-lo em alguns momentos. Mesmo não se tratando de uma canção do cisne para a banda, The Beggar representa o fim de um imenso ciclo, sendo a conclusão e culminância de tudo que o grupo já produziu e entregou por todos esses anos. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: No More of This, Michael is Done e Ebbing

CHVRCHES – The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition)

O que é melhor do que um aniversário? Foi com essa razão que a banda escocesa CHVRCHES lançou o disco The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition). Originalmente distribuído em 2013, o primeiro álbum da banda traz uma diversidade de vertentes do pop, como o electropop, o synthpop e o indie pop. O trio formado por Iain Cook, Lauren Mayberry e Martin Doherty trouxe adições ao trabalho original, por meio de versões gravadas ao vivo e de canções inéditas, compostas durante o processo inicial de criação do trabalho. 

Durante a edição comemorativa de The Bones of What You Believe, CHVRCHES se diverte com sintetizadores, baterias eletrônicas e vocais agudos. Espirituosas, as faixas possuem batidas agitadas – porém, a parte lírica nem sempre as acompanha, por tratarem de diversos assuntos. Com muita animação, as músicas dão vida ao disco, e mostram o quão atual o synthpop pode ser. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: The Mother We Share, Recover e City On Fire

Nem em seus sonhos mais esperançosos Mitski esperava alçar voos tão altos com seu último disco, chegando a figurar no top #1 da Spotify Today’s Top Hits Playlist. A proeza se torna mais irônica quando esse lugar foi conquistado justamente com o trabalho que ela menos tinha a intenção de hitar. The Land is Inhospitable and So Are We é a aposta mais sóbria da nipo-americana após as doses de euforia e endorfina proporcionadas por Be the Cowboy (2018) e Laurel Hell (2021).

Mergulhando fundo no vazio de seu âmago, a cantora abdica de uma produção robusta e segue neste trabalho investindo no reducionismo musical. Apenas com guitarras uníssonas e violões acústicos que beiram o country, suas músicas dão uma sensação de galpão vazio, noites solitárias e chuva pela janela. Esse aspecto de falta é preenchido com uma poesia extremamente sofisticada, fazendo com que The Land is Inhospitable and So Are We funcione quase como um sarau, no qual Mitski pode comprovar sua competência como letrista. Para falar de amor e amar novamente, a artista teve que expulsar todos de seu coração e, sozinha, fazer uma faxina nele, mas no fim, nossa alma que é lavada. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Bug Like an Angel, My Love My All Mine e The Frost

Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time

Após o introspectivo pandêmico The Loneliest Time, de 2022, Carly Rae Jepsen retornou com The Loveliest Time em 2023, um disco expansivo e vibrante que celebra a superação, a experimentação e a alegria de viver intensamente. Se o primeiro era um álbum conciso e focado em regras, este é o ‘parque de diversões’ de Jepsen, onde ela se diverte explorando diferentes estilos e sonoridades. 

A deliciosa Shy Boy, primeiro single da era, abriu o caminho para uma jornada musical que transborda energia e positividade. A autorreflexão ainda está presente, como na melancólica Kollage, mas agora surge como resultado das novas experiências vividas pela cantora e não mais como uma resposta dela a eventos externos 

Destaques como a dançante Psychedelic Switch e a divertida Come Over capturam o sentimento de euforia e entusiasmo que acompanha o início de um novo ciclo ou relacionamento. Momentos como Aeroplanes e Put It To Rest podem soar menos memoráveis, mas não chegam a prejudicar a experiência geral do álbum. The Loveliest Time é um convite a celebrar a vida e a aproveitar cada momento. Carly Rae Jepsen se entrega à experimentação musical com confiança, criando um álbum coeso, divertido e cheio de personalidade. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Psychedelic Switch e Come Over

boygenius – the record

Julien Baker, Phoebe Bridgers, e Lucy Dacus uniram forças novamente em 2023, após o sucesso do trio com o EP autointitulado em 2018. Com suas carreiras solo em ascensão e cada uma se consolidando como algumas das vozes mais relevantes do circuito indie, essa reunião se torna ainda mais especial. O amor e admiração que sentem uma pela outra e as move a criar juntas transparece em cada faixa do álbum, dando ao ouvinte a sensação de poder espiar algo íntimo.

A força do grupo está na união dos estilos distintos da composição de cada integrante. É possível reconhecer os processos individuais ao longo do álbum, ao mesmo tempo que conquistam uma harmonia mágica. Apesar da instrumentação potente, o letricismo é o ponto mais alto do disco. A última faixa cria um paralelo com o destaque do EP, Me & My Dog, dando uma nova perspectiva, agora mais madura, à letra da música e, consequentemente, à trajetória do trio. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Cool About It, Leonard Cohen e Letter To An Old Poet

Chappel Roan – The Rise and Fall of a Midwest Princess

 pop está naturalmente ligado às grandes metrópoles, seja pelo veraneio hollywoodiano, pelo ar cosmopolita nova-iorquino ou até por conta do clima chuvoso londrino, casa da descendente de albaneses Dua Lipa. Mas se engana quem pensa que as histórias mais identificáveis com os adolescentes do mundo acontecem apenas nos perímetros das megacidades. Foi com Chappel Roan, natural de Willard, cidade perdida no meio do Wisconsin de pouco mais de 6.000 habitantes, que saiu um dos melhores álbuns do gênero em 2023.

The Rise and Fall of a Midwest Princess é sobre a incompletude de sentimentos, querer tentar a vida nos grandes centros, mas ter um enorme vazio suprido pela cidade pequena, e no fim, estar confortável nas turbulências da ponte-aérea. Roan é fruto de Dan Nigro, que posteriormente também seria catapultado com o sucesso de Olivia Rodrigo, razão essa pela qual o álbum demorou tanto que já nasceu com nove músicas tendo vida própria. De todas as incertezas da artista, ser uma one hit wonder não estava em seus planos, fazendo com que o disco como um todo seja a cola que aglutina todos os cacos de uma mulher demolida pelas inconstâncias da vida adulta. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Feminomenon, Pink Pony Club e Casual

Niall Horan – The Show

“Segure firme e prepare-se para a viagem”, assim Niall Horan nos convida a embarcar em seu show e aproveitar cada minuto. No terceiro álbum do ex-integrante da boyband One Direction, nos é apresentado um amadurecimento em sua forma de compor e no uso de sua voz, o que reflete em uma coletânea de músicas profundas e cheias de significados. Com melodias sustentadas principalmente por bateria, baixo, piano e muitas harmonias vocais, The Show explora o sentimentalismo e se consolida como o melhor álbum da carreira solo do artista até o momento.

Após a apresentação de faixas como Meltdown, com diferentes elementos em sua mixagem e um ritmo acelerado, o álbum adquire um tom mais íntimo em You Could Start A Cult, na qual o cantor basicamente se declara a voz e violão e em Science, com o arranjo perfeito entre piano, violoncelo e a melodia cantada. The Show é o tipo de composição que te faz querer dançar, emociona e faz refletir, mas, ao mesmo tempo, também é uma produção que podemos apenas ouvir e sentir, seja a partir da letra, dos instrumentos ou da voz de Horan. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Science, On A Night Like Tonight e If You Live Me

Paramore – This is Why

Todo jovem que cresceu nos anos 2000 curtiu os maiores singles do Paramore. Em This is Why, a banda revive o estilo pop-punk clássico, com uma bateria agitada e uma certa aspereza nos vocais de Hayley Williams. Porém, tudo com modernidade e novidades que fazem o ouvinte lembrar um pouco de bandas como Talking Heads – como na track C’est Comme Ça.

Lançado em fevereiro de 2023, o sexto álbum da banda possui composições fortes, com letras que refletem o contexto conturbado e intenso de um mundo pós-pandêmico, fazendo o ouvinte se identificar facilmente. É possível até notar uma certa amargura em algumas das letras, como no single que leva o nome do álbum – “Se você tem uma opinião, talvez você devesse engoli-la. Ou talvez você devesse gritar, mas pode ser melhor guardar para si”. Além disso, o grupo aborda tópicos mais pessoais, como o amor e suas complexidades, as consequências de tentar salvar pessoas e o sofrimento de cometer os mesmos erros. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Big Man, Little Dignity; The News e Liar

Local Natives – Time Will Wait For No One

Com músicas doces e fáceis, o novo álbum do Local Natives revela quão poderosa pode ser a música Indie. As faixas são atrativas como um imã, contam com ritmo bem cadenciado, e suas as letras “decoráveis” transformam Time Will Wait For No One em um álbum imersivo e muito charmoso. A melodia é doce, tem um forte ar de reflexão que combina com os temas abordados que vão de relacionamentos a eventos comuns da vida.

A banda, que estreou em 2009 com o álbum Gorilla Manor, tem o seu quinto lançamento depois de um hiato causado principalmente pela pandemia de Covid-19. O potencial da banda nesse retorno foi explorado do melhor jeito possível, usando corais e guitarras de um modo muito harmônico, produzindo algumas das melhores músicas do gênero neste ano, como Paper Lanterns e Desert Snow. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Paper Lanterns, Desert Snow e Empty Mansions

Kyan & Mu540 – UM Quebrada Inteligente

Agradando os fãs de Oakley e os mandrakes de todo o Brasil, Kyan e MU540 trouxeram os beats da periferia aos holofotes com UM Quebrada Inteligente. O disco, lançado em Julho de 2023, contempla diferentes estéticas em um trabalho genuinamente singular. Na genialidade de quem vem das favelas, as letras passeiam por temáticas raciais, ascensão social e muita descontração.   

Ambos os artistas foram criados na Baixada Santista e a parceria é não só um encontro de vivências, mas uma reunião de dois elementos importantes das produções rap funk: o MC e o DJ. A composição conta com sete faixas que elevaram o nível do trabalho dos músicos, que já tinham colaborado diversas vezes antes, como em Dias Antes de Mandrake. Vale lembrar que dessa vez a colaboração se aprofunda e a importância dos vocais, letras, mixagem e edição é equiparada, fazendo com que cada elemento seja essencial.

Ainda que seja o resultado de um reencontro, a forma de UM Quebrada Inteligente é completamente nova, sendo impossível colocá-la em uma só categoria: ela é o funk, o rap, o drill, o house e muito mais. Acima de elementos musicais, o que se destaca na produção é cultural, como as roupas que fazem sucesso nas comunidades ou as gírias escolhidas nas letras. Em suma, fica a certeza de que esses ‘quebradas’ são realmente inteligentes e sabem fazer música como ninguém. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: tipo, sonho de consumo!, brinks! e Fantástico Mundo da Oakley

Se para Alceu Valença, a voz do anjo sussurra em seu ouvido, para Hozier, o tom angelical é uma extensão de seu próprio corpo, e precisa ser gritado. Após o sucesso astronômico e viral de seu autointitulado e do incompreendido Wasteland, Baby!, o irlandês ressurge do subsolo dos metrôs e, carregado de referências e incertezas, nos pega pela mão para uma jornada inversa de céu-inferno. 

Nas palavras do artista, o álbum representa uma “jornada dos últimos anos e de tudo que foi contado na época”. Dessa forma, Hozier recria o inferno do Dante e o traz para o período pandêmico e para os dilemas modernos. Embebido em vinho e literatura italiana, ele compõe sua própria poesia barroco-renascentista e a incorpora no seu já característico folk de deixar o coração quentinho. Falando de amor, melancolia e desespero, suas músicas nesse trabalho soam como parábolas e provam o porquê de ele ser visto como o Jesus da indústria fonográfica. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Abstract (Psychopomp), All Things End e Francesca

Travis Scott – UTOPIA

Não é preciso dizer que Travis Scott é um dos artistas mais influentes do rap moderno. Por meio de sua estética psicodélica, ele conseguiu construir uma identidade que muitos outros rappers tentam seguir. Entretanto, depois do desastre no Astroworld Festival em 2021, sua imagem foi gravemente manchada. É por isso que UTOPIA, o tão aguardado quarto álbum de estúdio de Travis e seu primeiro lançamento desde então, não poderia se dar ao luxo de ser nada além de um grande avanço musical na carreira do artista, e ele cumpre o prometido.

Da mesma forma que Rodeo lapidou o som de suas mixtapes, UTOPIA rejuvenesce a discografia de Travis. O álbum expande seu som sem mudá-lo drasticamente – seus vocais são tão distorcidos quanto eram há dez anos, mas fica claro que, dessa vez, o rapper não hesitou em fazer uso de elementos até então incomuns em seu trabalho. Somado ao fato de que o disco conta com um time de estrelas como colaboradores, que vão desde Beyoncé e (claro) Kanye West até Bon Iver, UTOPIA se mostra como um projeto que tem tudo o que precisa para tirar o artista da maré baixa em que esteve. – Raquel Freire

Faixas favoritas: DELRESTO (ECHOES) (feat. Beyoncé), CIRCUS MAXIMUS (feat. The Weeknd & Swae Lee) e TELEKINESIS (feat. SZA & Future)

BK, JXNV$, Gigantes – VERÃO CRIMINOSO

Quando BK anunciou em 2021 sua saída da Pirâmide Perdida para fundar um selo próprio, concretizava-se não só um movimento de mercado, mas uma mudança de filosofia. A mensagem do rapper extrapolava a música e, agora, encubia-se a missão de transformar a indústria por dentro. Os primeiros vislumbres dessa alçada finalmente vêem a luz do dia em VERÃO CRIMINOSO. Com 18 faixas, a mixtape introduz ao público as principais apostas da gravadora, concomitante a uma fina curadoria e à colaboração dos maiores artistas da cena musical periférica – de Djonga a João Gomes.

Em dissonância ao nome dado ao selo – Gigantes, homenageando o mais emblemático dos discos de Abebe Bikila –, o que a mixtape tem de arrojada, tem de despretenciosa. É refrescante observar, depois de tanto tempo, BK se distanciar da atmosfera densa de seus trabalhos solo para entregar versos indecorosamente ácidos, cômicos e sensuais. O que torna esse projeto especialmente empolgante é como, mais do que uma nova investida capitaneada pela figura mais relevante da última geração do hip-hop brasileiro, VERÃO CRIMINOSO é, essencialmente, uma reunião entre amigos brincando dentro do estúdio. – Enrico Souto

Faixas favoritas: FASE BOA, CABELO VOA e ESCURINATTI

Marina Sena – Vício Inerente

Após o sucesso estrondoso de Por Supuesto, Marina Sena deixa o interior de Minas Gerais para trás e se reinventa na capital paulista com seu segundo álbum, Vício Inerente. A mudança de ares se reflete na sonoridade do disco, que abandona o tropicalismo do primeiro álbum para mergulhar em uma estética mais eletrônica e urbana. Essa transição representa não apenas a adaptação da artista à nova realidade, mas também sua busca por constante reinvenção.

Mesmo inserida no meio mainstream, Marina Sena se destaca por sua forma única de abordar temas como sensualidade e desejo. As letras do disco são inteligentes e carregadas de sofisticação, fugindo do clichê e da repetição de senta, quica e maceta. A voz ofegante e anasalada da cantora cria uma atmosfera íntima e sensual, convidando o ouvinte a participar do flerte, especialmente nas faixas Que Tal e Mais de Mil.

Em meio à temática libidinosa que permeia o disco, Mande um Sinal e Pra Ficar Comigo transcendem e revelam o lado sonhador da artista. Nessas faixas, a voz de Marina Sena brilha com ainda mais força, revelando sua potência e versatilidade como cantora. Por isso, Vício Inerente é, sem dúvida, um trabalho original e refrescante que consolida a mineira no cenário pop brasileiro. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Mande um Sinal e Mais de Mil

Tasha & Tracie – Yin Yang

Considerado o retorno de Tasha e Tracie na música após problemas com sua gravadora, Yin Yang é leve e animado. As composições, que falam muito sobre o amor, são divididas com os namorados das cantoras Kyan e Rapper Gregory, o que faz jus ao significado de complemento do símbolo que nomeia o disco. Entre os tons de declarações românticas e muita ostentação. com direito a citação das marcas de moda que encantam a periferia, o projeto musical é autêntico como as gêmeas. 

Direcionado principalmente ao rap, o álbum traz as letras em prosa, dando praticamente certeza de que os beats acompanham as falas e, não, o contrário. Assim, as faixas parecem perfeitamente encaixadas na voz das artistas, que se mostram insubstituíveis e donas de tudo o que cantam como se criassem um novo gênero. Ao fim, essa é uma conclusão plausível para algo tão singular e cabível no que elas mesmas reconhecem: “Competição eu não quero, criei meu próprio nicho”. – Jamily Rigonatto

Faixas favoritas: Fortal, Dia de Baile e Drake da Capital

Zach Bryan – Zach Bryan

Recentemente, o country, principalmente o americano, tem realizado o movimento de ultrapassar as cercas rurais que o definiram a vida toda. Cada vez mais ele está se aproximando de um ritmo puramente urbano, ou talvez a sociedade que está em um êxodo rural reverso. Juntamente com Kacey Musgraves e Noah Kahan, o nome de Zach Bryan seja talvez um dos principais precursores da ascensão caipira americana.

O autointitulado traz um clima soturno para o conjunto voz e violão (e às vezes banjo) e conduz uma conversa noturna com o ouvinte ao longo de suas 16 faixas, todas escritas por ele. Reimaginando o estilo, o artista consegue assumir a persona Jack Maine de Bradley Cooper em Nasce Uma Estrela e lembrar que os cowboys também sofrem. Com a ascensão do gênero, há muitos Jack Maines surgindo por aí, mas só Zach Bryan é Zach Bryan. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Fear and Friday’s, Spotless (feat. The Lumineers) e I Remember Everything (feat. Kacey Musgraves)

O post Os Melhores Discos de 2023 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O segundo semestre do ano finalmente chegou. No meio dos dias dolorosamente frios de Julho, o que faltou de calor teve de lançamentos – alguns ótimos, e outros nem tanto. As músicas e álbuns lançados no último mês já marcaram 2021, e com certeza vão entrar nas listas de playlists de quarentena. Então, para não deixar nada passar batido, o Persona lhes presenteia com mais um Nota Musical.

Se em Junho Doja Cat fugiu para seu próprio planeta, em Julho, foi a vez de Coldplay dar o fora da Terra em Coloratura. A música mais longa da banda, com 10 minutos de duração, já anima os ouvintes para sua próxima era que promete correr longe dos problemas mundanos. Outro fandom presenteado com um ótimo single foi o de Lorde. Com a melancólica faixa Stoned at the Nail Salon, a ex-sumida nos deixa cada vez mais ansiosos para Solar Power, seu novo disco a ser lançado no fim de agosto.

E entre os admiradores da neozelandesa está Conan Gray, que depois de anos cantando sobre a mesma pessoa, diz nunca ter se apaixonado em People Watching. Sério, Conan? Por outro lado, quem não esconde se sentir sufocada por um amor tão nocivo quantos seus vícios é Letrux. A artista bilíngue conta do ano mais difícil da sua vida no single I’m Trying To Quit. Ambos os cantores parecem concordar com a sueca Lykke Li quando ela diz que às vezes tudo que a gente precisa é chorar de noite em Wounded Rhymes (Anniversary Edition).

Enquanto isso, Jack Antonoff manda a tristeza embora em Take the Sadness Out of Saturday Night, o terceiro disco de seu projeto solo como líder do Bleachers. Fora do mainstream, o produtor queridinho do mundo indie pop libera toda a sua criatividade musical em álbuns ricos em referências, camadas, sentimentos e energia. Agora, para os que querem gritar no quarto às 3 da manhã, o álbum da WILLOW promete te fazer sentir tudo. O rock alternativo de lately i feel EVERYTHING é honesto em todas as suas faixas, que viajam entre seu coração partido e amadurecimento.

Além da filha do icônico Will Smith, Billie Eilish é outra jovem que liberta suas emoções para quem quiser ouvir. O impecável Happier Than Ever expressa mais sinceridade do que a cantora já fez em toda sua carreira, em um dos discos mais esperados de 2021. A queridinha do Grammy bem que merece um segundo Álbum do Ano, não é mesmo?

Já aqui no Brasil, que está mais unido do que nunca para assistir aos angustiantes jogos das Olimpíadas, nada como boa Música para celebrar o nosso país ganhando – ou perdendo. Luísa Souza comemorou seu aniversário lançando DOCE 22, tão bem recebido pelo público que entrou na lista dos Top 10 Debuts de sua semana de lançamento no Spotify Global. Mas entre acertos e bastante erros na internet, quem merece o seu título de mulher do ano é a inovadora e talentosa Linn da Quebrada. O quem soul eu? é perfeito para quem precisa viajar dentro de si mesmo, assim como todas as faixas intrigantes de Trava Línguas.

O radar de novidades nacionais do Persona também entrou na vibração do jazz de Amaro Freitas em Sankofa, curtiu o rock do novo EP de Ovedrive Saravá, e sentiu o Drama de Rodrigo Amarante. O destaque maior da música brasileira em julho, no entantanto, foi para Marisa Monte, que retorna abrindo as Portas do seu talento para que possamos entrar em seus universos e sermos abraçados por um pouco de otimismo em um ano tão infernal.

Emicida é outro que nos ilumina com sua versão ao vivo de AmarElo. Ouvir as faixas que foram gravadas em um São Paulo de 2019 nos deixa nostálgicos e ansiosos para poder logo voltar a cantar e dançar na companhia de uma multidão. Quando isso for possível, por favor, toquem Borogodó nas festas, pois todos precisamos rebolar ao som de MC Carol novamente.

Falando em festas, o Ander de Elite provou que como cantor é um ótimo ator. Torcemos para que Aron Piper perceba logo que deveria ficar apenas atrás das câmeras, e não do microfone. Ao lado do alemão na lista de decepções do mês, estão Camila Cabello e John Mayer, que pelos méritos de seus novos trabalhos, mostram que já podemos deixar seus lançamentos caírem no esquecimento.

Mas o que não dá e nem se deve esquecer é que ainda vivemos uma pandemia. E em um dos períodos mais dolorosos da humanidade, mais de 4 milhões de vidas foram perdidas. Vidas de parentes, de amigos e de pessoas amadas por outras pessoas. O sentimento tão solitário está, para o bem ou para o mal, juntando cantores e seus ouvintes em faixas que tentam explicar como é tenebroso passar pelo luto. 

Em julho, Imagine Dragons e Eliza Shaddad mergulharam em letras que confortam os corações de quem perdeu alguém. A banda estadunidense faz isso através de Wrecked, prenunciando seu novo álbum, enquanto a artista indie sente o luto em In the Morning (Grandmother Song), parte importante de The Woman You Want, disco que é uma das melhores descobertas do ano. 

Completando o sétimo mês de Nota Musical, a Editoria do Persona e nossos Colaboradores se uniram, ao lado dos recém-chegados na equipe de Redação, para entregar o apanhado de tudo que rolou em Julho. Para começar bem o segundo tempo desse jogo estressante que está sendo 2021 – não dava para não ter referências de esporte, sabe? -, pegue o lápis e o papel e se prepare para anotar muitas indicações musicais incríveis. 

CDs

Billie Eilish – Happier Than Ever

Dois anos depois de pintar e bordar, enfiar aranha na boca e chorar petróleo, Billie Eilish retorna, mais feliz que nunca. Só que essa felicidade, dissecada nos cinquenta e seis minutos de seu segundo álbum de estúdio, é fachada para o que a jovem de 19 anos realmente sente: medo, alívio, tensão, soberba, cansaço. Billie Eilish, enfim, se sente humana.

Menos interessada em cantar sobre caras maus e fazer referências à sua série favorita, agora é hora dela se abrir como nunca antes. Getting Older é simplista na ideologia, mas desdobra Eilish em uma camada inédita até então. A cantora, vencedora dos 4 grandes prêmios no Grammy 2020, se considera sábia na flor da juventude e, carambola, ela o prova incessantemente em Happier Than Ever, contando mais uma vez com a assinatura do talentoso irmão mais velho.

Os singles lançados ao longo dos meses não apontavam para a direção certeira e ousada da toada do registro, e quando ouvidos em conjunto às 16 faixas, a aura de Happier Than Ever pega pra valer. Das inéditas, crescem Billie Bossa Nova (trilha sonora de qualquer cena tropical do 007), Oxytocin (a canção que mais remete ao pesadelo escuro do CD anterior) e a faiscante e dúbia faixa-título, o melhor trabalho de sua carreira. Vem mais um Álbum do Ano por aí? – Vitor Evangelista

Abram alas – e portas – que Marisa Monte está de volta, cantando para nós meros mortais. Uma década após emplacar Depois e Ainda Bem com o álbum O Que Você Quer Saber de Verdade, a cantora retorna com sua sonoridade ímpar, nos fazendo olhar com menos afobação para o passado e ter esperanças no futuro. Não foi surpresa a calma e paz da cantora acolher de forma calorosa com uma sonoridade agradável aos ouvidos.

Se dedicando desde 2019 à produção do disco, Marisa acompanhou do quintal de sua casa o mundo inteiro se isolar. Todos os desafios, angústias, anseios e medos reformularam aquele trabalho já começado e se transformaram em 16 canções, mais uma vez comprovando que a arte salva e sempre está presente. Portas é um grito de otimismo nesse país caótico e desgovernado.

A melhor música do álbum, Língua dos Animais, é uma parceria entre Marisa e o tribalista Arnaldo Antunes, além dessa, eles dividem outras duas composições (Portas e Vagalumes). Mas, quem se destaca fortemente na lista de compositores é Chico Brown. O filho de Carlinhos Brown provou que o fruto não cai longe do pé, assinando, com a mesma dedicação do pai, cinco canções de Portas. O álbum ganha um respiro com Elegante Amanhecer, uma ode de amor à Portela e parceria com Pretinho da Serrinha, se destaca pela saudade do Carnaval e da Avenida. – Ana Júlia Trevisan

Linn da Quebrada – Trava Línguas

quem soul eu? Imerso em tom reflexivo, o novo álbum de Linn da Quebrada é diferente de todos os trabalhos anteriores dessa cantora da (re)invenção. Mas não se engane: “feito uma cobra rasteira”, esse disco vem para, sutilmente, nos conquistar. Diante de um novo território, que nos convida a “divagar mais, divulgar menos”, somos presenteados com os experimentalismos imprevisíveis de Linn. E antigos fãs não precisam se assustar, pois juntos de um novo público, serão banhados e capturados pela feitiçaria do contraditório.

Sofisticando a utilização costumeira de aliterações e paronomásias, as composições de Trava Línguas usam e abusam de palavras que se desdobram em novos termos, ou que adquirem novos significados. Se a preocupação com a linguagem é uma constante nas criações de Linn da Quebrada, esse novo CD conduz os ouvintes do “fundo do poço” à “profundidade do posso”. Isso porque, dos versos mais filosóficos às batidas mais repetitivas e dançantes, há espaço amplo, de 11 faixas, para refinamentos e branduras. 

Quer matar a saudade das pistas de dança? É só mergulhar em pense & dance. Quer sentir um último suspiro de Pajubá? mate & morra está aí para isso. Caso queira ainda descobrir nomes pouco difundidos da nossa literatura, temos, por sorte, a delicada medrosa – ode à Stella do Patrocínio. Seja sozinha, em companhia de Luísa Nascim ou de Ventura Profana, Linn está, neste álbum, mais múltipla do que nunca. E ao mesmo tempo unificada, em um trabalho coeso, que renova, do início ao fim, a sonoridade de uma artista-fênix misteriosa e autêntica. – Eduardo Rota Hilário 

Amaro Freitas – Sankofa

“O futuro é ancestral”. É a partir dessa premissa que Amaro Freitas desenvolve o seu terceiro álbum, bebendo de ritmos, histórias e filosofias do passado africano e do Brasil, misturando-os às suas habilidades virtuosísticas no piano. Amaro, que com menos de 30 anos já é um nome internacional do jazz, já tendo realizado turnês em vários países, além de colaborações de destaque como o EP Existe Amor, em parceria com Criolo e Milton Nascimento.

Desde a polirritmia fragmentada de Baquaqua, até a serenidade de Vila Bela, Amaro busca traduzir para a linguagem do instrumento de origem clássica européia, sensações afro-brasileiras que Chopin jamais ousaria conceber. Mesmo nos seus momentos mais intensos em Batucada e Malakoff, Amaro trabalha o ritmo ágil e pulsante e as harmonias dissonantes com tamanha leveza, que seus dedos mais parecem estar acariciando as teclas do que as pressionando de fato. O carinho de Amaro ultrapassa o toque das teclas e transparece aos nossos ouvidos com sua música. – João Batista Signorelli

Eliza Shaddad – The Woman You Want

As descobertas do Nota Musical seguem revelando alguns dos melhores trabalhos musicais de 2021. O achado da vez é o segundo álbum de Eliza Shaddad, que só precisa de 9 músicas para conquistar um lugar nos ouvidos de quem procura por boas novidades no rock alternativo. Agora definitivamente, já que a artista se colocou no radar indie depois de trabalhar com o grupo de música eletrônica Clean Bandit em New Eyes, de 2014. Os EPs Waters (2014) e Run (2016) precederam o primeiro álbum, que rolou em 2018. Mas em The Woman You Want, ela chega cheia de destreza para apresentar o que pode fazer quando se expressa livremente através da Música.

E o que a ‘multilinguista’, ‘formada em filosofia’ e ‘fundadora coletiva de artes liderada por mulheres’ diz em The Woman You Want é que ela tem as suas inseguranças e questões pessoais como qualquer outra jovem adulta do século 21. Sejam nos questionamentos do rock levemente inclinado para o country de Heaven – que seria a filha perfeita das HAIM com a Arlo Parks -, na segurança e charme harmoniosos de Fine & Peachy, ou na autoanálise melancólica da faixa-título – deliciosamente influenciada pelo som do Radiohead -, a coisa mais fácil do mundo é se render à maestria musical e simpatia sentimental de Eliza Shaddad.

Então, quando ela canta sobre o luto na poderosa In the Morning (Grandmother Song), a beleza de The Woman You Want se revela ainda mais universal. O melhor momento do álbum, no entanto, é quando ela brinca com elementos eletrônicos e com solos de guitarra delicados para criar uma atmosfera ao redor de Waiting Game, que ilumina uma musicista detalhista, diversa e habilidosa. Ao final, estamos ouvindo a maravilha de Blossom, vidrados na estonteante performance da artista e nos questionando: porque não falamos sobre Eliza Shaddad antes? – Raquel Dutra

Clairo – Sling

Abandonando o pop que marcou seu álbum de estreia, Clairo (nome artístico da cantora e compositora Claire Cottrill) está de volta com Sling, um disco marcado pelos instrumentos de corda e sopro e um clima intensamente doméstico. Elaborado no período de pandemia, o CD (co-produzido por Jack Antonoff) chega carregado de reflexões sobre maturidade e maternidade, criando uma narrativa forte, apesar de se distanciar da sonoridade anterior da artista.

Sling é, às vezes, uma obra entediante. Como um filme que passa cenas demais estabelecendo seus personagens e sua ambientação, Clairo passa algumas faixas além da conta esperando para introduzir suas melhores composições. Apesar disso, ela ainda consegue criar uma linha de narrativa forte graças ao maior destaque dado aos seus vocais silenciosos, e que persiste ao longo das 12 faixas, conseguindo emocionar com sua confiança e seu violão suave. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Genesis Owusu – Missing Molars (Swnt Deluxe)

O rapper de origem australiana retorna poucos meses depois de lançar Smiling with No Teeth, dessa vez com a versão deluxe do álbum. Mas, Genesis Owusu não ia cair no esperado e simplesmente adicionar um ‘dlx’ ao fim do título: ele expande o conceito da obra e batiza o CD irmão de Missing Molars.

São 5 novas canções, todas ainda na roupagem de pop-punk-rap que o mestre nos saudou com no disco original. “Essas são faixas que eu senti serem especiais da sua própria maneira e que mereciam ser compartilhadas. Isso é Música sem fronteiras”, ele declarou, junto do lançamento do clipe de The Fall. – Vitor Evangelista

Midwife – Luminol

Não tem material mais instigante para a Arte do que o âmago da experiência humana e todas as coisas que podem ser encontradas lá. Midwife, projeto experimental de Madeline Johnston, não perde tempo e se volta exatamente para essa profundidade vasta e por vezes incômoda até mesmo em seu trabalho mais notável, o álbum Forever, de 2020. Mas agora, depois de tudo o que aconteceu no mundo no último ano, os indivíduos que circulam por aí estão com suas questões especialmente afloradas, e o ímpeto analítico de Johnston captura todas elas em Luminol.

Como reflexo desse movimento, a primeira identidade de Midwife não dá as caras no novo disco. Antes no pop, a música de Johnston agora se desvia para um rock progressivo, muito sensorial e instrumental, mas que não se esquece da sua dimensão lírica. Em God Is a Cop, Enemy e Colorado, o principal aspecto de Luminol se mostra justamente o resultado da combinação dos elementos: partindo de uma experiência muito pessoal, o álbum ainda dialoga de uma forma muito direta e profunda com o ouvinte, porque a multi-instrumentista sabe como despertar os nossos sentidos e abrir a nossa compreensão. A começar pela capa composta por instigante uma fotografia da mãe da artista, editada para esconder seu rosto, que ao mesmo tempo transmite uma sensação de serenidade.

Apostando alto em seus acordes fortes, graves e obscuros que se misturam com vocais suaves e versos passivos e cíclicos, Luminol constrói uma verdadeira experiência sonora. Quando estendidas às seis longas faixas do disco, no entanto, essas sensações perdem a força, tornando-se incômodas para quem sai da imersão de do álbum por um segundo que seja, principalmente na última faixa, a mais pessoal da obra de Johnston. Mas até chegar lá, Luminol já atraiu e perturbou tudo o que tinha direito. – Raquel Dutra

Lykke Li – Wounded Rhymes (Anniversary Edition)

Após 10 anos de lançamento do intenso Wounded Rhymes, Lykke Li anuncia a nova edição de aniversário do segundo álbum da carreira. A rainha da melancolia traz na reedição as dez faixas originais do disco somadas a remixes que incluem Tyler, The Creator e o DJ The Magician, além de demos inéditas dos sucessos Youth Knows No Pain, Jerome e o hino da década de 2010, I Follow Rivers – não há quem não se renda as batidas da percussão catártica do single.

Em vocais que ecoam languidamente sobre a composição crua, Wounded Rhymes parece ter sido feito oportunamente para o presente: “Minhas rimas aflitas produzem choros silenciosos esta noite/E eu as manterei como uma queimadura/Ansiando de longe”, profere a artista sueca em Sadness Is a Blessing. Ao celebrar o passado de alguém que já foi, Lykke Li nos lembra por meio de versos cortantes que, principalmente em tempos tão sombrios de pandemia, instabilidade e descaso político, está tudo bem em aceitar a tristeza. – Ayra Mori

cajupitanga – Tradição/Tradução

Unindo duas das mais marcantes frutas originárias das terras brasileiras, o acústico à atmosfera eletrônica, a riqueza da tradição à ousadia daquilo no qual ela pode se transformar, além da criatividade de duas mentes originárias de Vitória da Conquista (BA), o primeiro álbum do duo cajupitanga é uma bela descoberta. A composição formada por botões, folhas e retalhos da capa já de cara revela o caráter artesanal do disco: uma produção inteiramente caseira utilizando celulares, aos moldes dos primeiros trabalhos da banda Boogarins.

Ao contrário do que poderia ser de se esperar, a limitação de recursos de em nenhum momento se traduz em limitação criativa ou de qualidade. A faixa O Homem abre o disco com versos reflexivos e estabelecendo um clima de serenidade e contemplação que predomina pelo resto do álbum. A canção em espanhol A Todos Nosotros e Quase Santo também se destacam dentre as músicas encontradas nessa pequena pérola que merece atenção. – João Batista Signorelli

Emicida – AmarElo – Ao Vivo

Impossível AmarElo ficar melhor, certo? Errado. Quando finalmente conseguimos processar e nos acostumar com a obra-prima musical mais recente de Emicida, ele vai lá e leva a coisa toda pra um outro nível. Agora, o artista nos presenteia com a versão ao vivo do disco, gravada na icônica apresentação no Theatro Municipal de São Paulo, que também rendeu material para o documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem. A tracklist naturalmente linda do disco ganha ainda mais encanto com outras canções significativas da Música brasileira e da carreira do artista, que foram entoadas pela harmonia deliciosa de Emicida, sua banda e seu público naquela noite maravilhosa do dia 27 de novembro de 2019.

A beleza de AmarElo – Ao Vivo é daquelas que só se compreende sentindo. Como explicar a energia de Quem Tem Um Amigo (Tem Tudo) correndo pelo ambiente ou o amor que preenche quem tem a chance de ver Alma Gêmea virando música diante de seus olhos? É a mesma impossibilidade que o arrepio de Hoje Cedo logo sucedido pelo êxtase de AmarElo guardam para quem tenta defini-los em palavras. Assim também é a poesia transcendental de Principia e a sonoridade milagrosa de Levanta e Anda, que vão além de suas próprias e mais belas palavras e notas musicais.

O instrumental catártico de Paisagem e a experiência visceral de Ismália ao vivo dizem muito mais do que qualquer tentativa mirabolante de significar as canções de Emicida. E é exatamente dessa forma que a Música trabalha. Não existe espetáculo mais lindo do que o que surge quando a Arte é celebrada em carne e osso e no coletivo. Por isso é que todos os elogios do mundo não compreendem a preciosidade que é sentir um pouquinho do que foi o momento de viver um dos melhores discos dos últimos tempos. Perdão se tiver falhado na missão de reportar AmarElo – Ao Vivo, mas o que eu tenho são só as palavras, e sobre ele, eu escrevo como quem manda cartas de amor. – Raquel Dutra

Pop Smoke – Faith

Morto em fevereiro de 2020, o jovem rapper Pop Smoke retorna aos holofotes com seu segundo álbum póstumo, Faith. A abertura Good News, que intercala uma mensagem de voz da mãe do artista com uma batida emocional e gravitante, já começa o trabalho da maneira errada.

Buscando uma falsa simetria entre a arte e a emoção, as vinte faixas se dividem entre demos, canções nada finalizadas e uma porrada de arranjos comerciais trabalhados sem qualquer zelo ou cuidado. Sem fé, senso artístico ou mesmo respeito pela memória de Pop Smoke, uma voz influente e enriquecedora à cultura do rap. Apenas com o almejo de fabricar hits, Kanye West, Pusha T, Kid Cudi, Pharrell e Chris Brown aparecem na tracklist, deixando espaço para uma desconfortável parceria com Dua Lipa. Com Faith, é melhor passar longe. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – Noturno

Com uma das capas mais fracas de toda a carreira de Maria Bethânia, Noturno é, ironicamente, um dos melhores álbuns da nossa Abelha Rainha. De aspecto extremamente minimalista, a porta de entrada desse CD primoroso até funciona em disco físico, mas perde força nas plataformas digitais, sem a companhia de atrativos como a textura e o encarte. E por ser toda branca, não expressa muito bem o jogo entre luzes e sombras que move as 12 faixas do novo trabalho de uma das maiores intérpretes do Brasil.

Dualidade constante, as trevas da vida já eram anunciadas no lead single A Flor Encarnada. Nessa composição de Adriana Calcanhotto, o desamparo de uma pessoa “afogada num sertão de lágrimas” dói fundo em cada nota e verso. Por outro lado, em Lapa Santa, segundo single do álbum, percorremos caminhos mais luminosos, em tom de celebração: “louvado seja o Velho Chico”, rio que banha o “arraial do Bom Jesus da Lapa”. Nesses conflitos duplos, típicos de nossos tempos, a saudade de sentir prazer e o medo da intensidade da dor são nossos inevitáveis companheiros. 

Sem dúvidas, um dos pontos mais altos de todo o repertório desse CD é a faixa Dois de Junho, também escrita por Calcanhotto. Nela, vemos que aquela Maria Bethânia mais política, de Carcará e Balada de Gisberta, ainda está atenta, denunciando um dos piores episódios do Brasil de 2020: o caso Miguel. Mas logo encontramos uma esperança certeira, alocada no lirismo da declamação que encerra o álbum. É diante da poesia de Jorge de Sena que, entre suspiros ou lágrimas, temos certeza de que estamos diante de uma obra muito mais significativa do que o último lançamento da diva baiana. – Eduardo Rota Hilário        

Giovani Cidreira – Nebulosa Baby

Desde o lançamento do mágico disco Japanese Food em 2017, Giovani Cidreira vêm se revelando uma das figuras mais versáteis e inclassificáveis da cena contemporânea nacional. Nebulosa Baby vem não apenas para provar isso, como também para expandir o leque de colaborações e sonoridades exploradas pelo cantor-compositor-instrumentista. Alice Caymmi e Luiza Lian são alguns dos nomes que despontam na tracklist, além da produção assumida por ninguém menos do que Benke Ferraz do Boogarins. Para completar o pacote, Gio também lança um álbum visual e uma websérie explorando as inspirações e os bastidores de Nebulosa Baby. 

Misturando as sonoridades acústicas de Japanese Food ao eletrônico explorado em seus trabalhos e colaborações mais recentes, Nebulosa Baby permanece embalado pela doce voz do cantor baiano, que ainda encontra espaço para o uso criativo do autotune e distorções vocais que só enriquecem a experiência. Solos explosivos de saxofone, batidas dançantes, harmonias vocais teclados, batidas eletrônicas, harmonias vocais misteriosas, Giovani Cidreira abraça um pouco de tudo. Sangue Negro, Saudade de Casa, Claridades e Luzes da Cidade são algumas amostras da pluralidade de Giovani Cidreira, que vem provar que ainda tem ainda muitos caminhos novos a trilhar. – João Batista Signorelli

Soda Blonde – Small Talk

Small Talk é o álbum de estreia da banda Soda Blonde. Estreia com algumas fofocas. Os integrantes da banda já são velhos conhecidos por Little Green Cars, onde um dos cinco membros resolveu dar disband. Soda Blonde estreia o novíssimo CNPJ em alta categoria e de forma transparente, com reflexões sobre a juventude e seus anseios. A faixa homônima ao disco é um aglomerado de perguntas que são respondidas ao longo do trabalho que se completa em ciclos.

A musicalidade de Small Talk soa como trilha sonora de filme. Os versos carregam um brilho e contam uma história cinematográfica sobre si próprios. Tiny Darkness, faixa de abertura, introduz à sombrias novas tentativas de recomeço. In the Heart of the Night mantém os sentimentos com mais peś no chão e The Dark Trapeze apresenta a solidão. Choices encerra o álbum como se voltasse para a primeira cena com as paisagens vivas. Small Talk é um álbum agridoce, que encanta com toda sua composição artística e garante seu lugar nos melhores do ano. – Ana Júlia Trevisan

Brittany Howard – Jaime Reimagined

O que Brittany Howard faz em Jaime Reimagined não é para qualquer artista. Criar uma nova versão de uma obra tão aclamada como seu debut é um risco que a genialidade da guitarrista do Alabama Shakes não só assume como transforma num completamente. Na releitura de Jaime, Howard reaquece o clamor pelas suas músicas de 2019 na companhia de um seleto grupo de colaboradores formado só por quem dá conta de manipular músicas daquele nível, que vai de Childish Gambino a Bon Iver.

Desde a abertura com 13th Century Metal, passando por faixas como Baby, Georgia e He Loves Me até finalização com Run to Me, a riqueza de Jaime Reimagined reinventa o repertório de Brittany, conhecido pelas composições íntimas musicadas no R&B, jazz, rap e blues. Na obra da vez, a artista ainda brinca com elementos da música clássica e efeitos eletrônicos, criando uma verdadeira experiência musical. Por favor, Brittany, imagine e reimagine o quanto quiser. – Raquel Dutra

Mariah The Scientist – RY RY WORLD

Além de cientista, Mariah Buckles é uma tremenda contadora de histórias. RY RY WORLD, seu segundo registro de estúdio, serve como reafirmação da estadunidense como uma das vozes mais potentes e calibradas dessa geração mais jovem, que sabe muito bem mesclar as influências múltiplas de R&B com o pop.

Como em um teatro de sombras, a cantora nos leva numa jornada emocional ao extremo. A capa, com uma flecha atravessada em seu peito se tornando motivo de riso, demonstra o potencial artístico de Mariah The Scientist. Agora, suas dores e traumas não incomodam tanto quanto antes, abrindo espaço para que suas composições se deliciem no ardor.

O breve disco se concentra em nos apresentar, ao longo de meia hora, apenas dez faixas. Entre parcerias com Young Thug e Lil Baby, Mariah brilha melhor sozinha. RIP é um hino do gênero e All For Me reafirma o caráter de cura que RY RY WORLD desempenha na discografia da cantora. Ouça sem moderação. – Vitor Evangelista

Half Waif – Mythopoetics

Por definição, mitopoética refere-se à procura da riqueza criadora, da poética dos mitos. Não tem nome melhor para batizar o lançamento mais recente da cantora Half Waif: Mythopoetics, o quinto álbum da artista, usa as suas 12 faixas de duração para abraçar a bagunça e a beleza interior – e o que vem no meio disso.

Se a sonoridade é repetitiva, as letras de Plunkett compensam. “Entrando no meu próprio caminho/Ninguém vai me salvar/E eu vou ficar desapontada”, ela desabafa em Take Away the Ache, a terceira faixa. Já em Sodium & Cigarretes, introspectiva e reflexiva, ela questiona: “Eu mereço o que vem para mim?”. Até a capa, com Half Waif gritando ao posar em frente a um céu azul e um jardim, é ao mesmo tempo catártica e acolhedora, como cada minuto dos quase quarenta de duração do Mythopoetics. – Vitória Lopes Gomez

Lightning Bug – A Color of the Sky

É curioso dizer que A Color of the Sky é inspirado pelo ato de soltar pipa, mas o que a vocalista Audrey Kang diz sobre o terceiro disco de Lightning Bug se prova uma verdade através das 10 canções do álbum. A história começa em 2019, quando a banda havia finalizado October Song, seu segundo trabalho de estúdio, num processo criativo exaustivo que durou cinco anos entre composição, gravação e finalização. Esgotados, cada um foi pro seu canto, e o destino de recuperação de Kang foi o Washington State International Kite Festival, o maior encontro de amantes de pipa da América do Norte. Lá, além de encontrar vazão para uma nova, aleatória e inocente obsessão, Audrey também descobriu seus próximos passos enquanto artista.

A magia por trás da pré-produção se materializa no disco logo de cara com a hipnotizante The Return, e quando o ouvinte de A Color of the Sky se dá conta, já está perdido no universo onírico do grupo. O voo é guiado apenas pela melodia, que permanece a mesma desde o início, mesmo com o crescimento da música que abraça muitos novos elementos em seus mais de seis minutos. Ali, se compreende que Lightning Bug procura tratar as dores e as delícias do autoconhecimento e do processo criativo em canções dialógicas, que se encaixam dentro de um art rock e abraçam uma das melhores criações do indie rock, o shoegaze.

Mas a amplitude sensorial de A Color of the Sky não se prende nas caixinhas de nenhum gênero, vide o single September Song, pt. ii, que mostra influências da música oriental, ao mesmo tempo em que complementa a penúltima faixa do fatídico álbum anterior. Ainda fiel à estética original, o disco muda um pouco os rumos da sua viagem em Song Of The Bell, que se aprofunda nas notas amargas do rock dos anos 70, e assim segue na seriedade suave de I Lie Awake e The Flash, misturando tudo o que fez no disco até o momento com um pouco de folk. O destaque vai também para a meditativa Wings of Desire, que mostra o desejo inspirado de Lightning Bug. De volta à metáfora da pipa, A Color of the Sky não quer só passear pelo céu, mas também desvendar e criar seus próprios elementos celestiais. – Raquel Dutra

Inhaler – It Won’t Always Be Like This 

It Won’t Always Be Like This, álbum de estreia da banda irlandesa Inhaler, é uma bela chegada. O quarteto reúne, em onze faixas, uma mistura de revolta juvenil com singles chiclete, com traços do indie e do pop rock. Não estranhe em se pegar cantarolando por aí.

Existem ecos de Arctic Monkeys, Stereophonics e Oasis em todo o CD, especialmente nas faixas My King Will Be Kind e Strange Time To Be Alive. A música que dá título ao álbum foi regravada, com sua primeira versão lançada em 2019. Na nova gravação, o baixo tornou-se mais potente, os sintetizadores ganharam espaço, e alguns ruídos foram retirados. No que parece ser uma adaptação de público alvo, a nova versão soa bem melhor.

Inhaler parece explorar diversos subgêneros nas canções, algumas mais lentas e outras mais agitadas — no melhor estilo música-para-tocar-em-rádio —, mas sem deixar de lado sua essência indie. O álbum é uma bela amostra do talento do grupo, provando, em sua melhor forma, que não são apenas aquela banda do filho do Bono Vox. – Bruno Andrade

WILLOW – lately i feel EVERYTHING

Não há lugar melhor para expressar sentimentos urgentes do que o rock. E quem sente TUDO como WILLOW sabe bem disso. Como diz o título, o quarto disco da artista é um compilado de viagens emocionais. Das experiências mais profundas às mais superficiais – se é que podemos assim definir – todas são dignas em lately i feel EVERYTHING. Na base geral do gênero, ora ela afoga as mágoas numa sonoridade mais punk, ora busca conforto numa musicalidade mais alternativa, que tem sido sua casa de experimentações desde sua estreia em 2015 com ARDIPITHECUS.

A identidade musical de WILLOW é intrinsecamente sentimental, desenhando uma estética um pouco mais serena em The 1st (2017), muito mais caótica no autointitulado de 2019 e completamente psicológica em THE ANXIETY, seu projeto de 2020 realizado em parceria com Tyler Cole cujo objetivo era investigar as dimensões da ansiedade. Então, a obra de 2021, nascida na pandemia, não poderia ser menos à flor da pele. Já na abertura de lately i feel EVERYTHING, a artista não mede suas palavras ao falar sobre as contradições das relações sociais ao lado de seu maior parceiro no disco, o baterista do blink-182 Travis Barker. Logo em seguida, ela grita com todos os pulmões um desejo de desgraça para quem quebrou seu coração e reflete sobre amadurecimento na companhia de Avril Lavigne.

A crueza sentimental não significa falta de cuidado, planejamento e organização quando tratadas na habilidade musical de WILLOW. Ela cria em lately i feel EVERYTHING os lugares perfeitos e necessários para que a sinceridade amarga das suas letras e a empatia doce dos seus sons se encontrem em faixas como 4ever. E mesmo nas músicas mais inflamadas como Gaslight, Come Home e ¡BREAKOUT!, o processo terapêutico da artista é concluído – mas é preciso entender que isso nem sempre significa um final pacífico ou feliz. O que importa é que sentimos TUDO e mais um pouco junto de WILLOW. – Raquel Dutra

MC Carol – Borogodó

Após cinco anos de Bandida, álbum de estreia que escancarou a majestosa MC Carol no cenário do funk brasileiro, a cantora, compositora e ativista lança seu novíssimo trabalho: Borogodó. A capa do disco faz alusão a pintura de Sandro Botticelli, O Nascimento de Vênus e o clipe de Mulher do Borogodó é repleto de referências ao mundo encantado da Disney. Todos elementos escolhidos por Carol para Borogodó são extremamente essenciais, é uma mulher negra e periférica levando o funk a um patamar onde os boys não a queriam ver. 

O funk não é o único a aparecer nesse álbum eclético em suas faixas. O trap, o pagode baiano e o bregafunk marcam presença em músicas como Meu Vizinho e Novinho de 17. Mais um vez, MC Carol usa de sua profissão para dar voz a sua vida e explorar o empoderamento feminino da sexualidade. O álbum também cumpre com sua proposta de levar a periferia além, contando MC Reino, CL no Beat e Cleytinho Paz e O Maestro, artistas jovens para contribuir no trabalho. Não vejo a hora de estar numa festa em república cantando Borogodó. – Ana Júlia Trevisan

Jxdn – Tell Me About Tomorrow

Sob a tutela de ninguém mais, ninguém menos do que o veterano do punk Travis Barker, o ex TikToker Jaden Hossler se enfia de vez na carreira musical com o lançamento de seu primeiro álbum, Tell Me About Tomorrow. As 18 faixas incluem um feat com Machine Gun Kelly e são produzidas pelo baterista da blink-182, algumas em parceria com o cantor blackbear e o produtor Andrew Goldstein, responsável por sucessos de bandas como All Time Low e Linkin Park: a estreia de Jxdn é permeada de bons nomes e referências.

Hossler é assumidamente o pupilo de Barker, que o assinou em seu selo musical após ver a estrela do TikTok na rede social. Muito provavelmente, é o dedo do padrinho e a influência de outras personalidades do gênero que fazem do álbum tão enérgico e impressionante como é. Não se pode dizer que Jxdn tenha virado somente um performer, já que ele tem participação nas letras: depressão, vício, decepções amorosas e a ascensão à fama são temas cantados por ele, que até nos vocais soa como uma versão mais nova de Machine Gun Kelly. 

Tell Me About Tomorrow não renova o gênero, como o padrinho musical apostou (Tickets To My Downfall, a qual Hossler aspira, não tem nem um ano) e é similar às referências do artista. Isso não é necessariamente é ruim: com um pop punk animado em todas as faixas, a estreia de Jxdn não precisa inventar a roda para ser promissora e divertida. – Vitória Lopes Gomez

John Mayer – Sob Rock

O novo álbum de John Mayer facilita muito o trabalho de quem tem a tarefa de opinar sobre ele. Como ele mesmo avisou em entrevista à Apple Music antes do lançamento, quando explicou suas intenções com o disco já na defensiva e com um pouco de arrogância provocativa, “chama-se Sob Rock porque é uma merda”. Bom, já defender algo que já tem sua integridade questionável graças ao histórico de seu criador, especialmente quando o próprio define o seu trabalho dessa forma. E tudo isso fica ainda mais incômodo quando combinado num álbum que é atrasado em suas referências e raso em todas as suas intenções.

A premissa de Sob Rock de deixar-se influenciar pelo rock da década 80 não poderia ser mais ultrapassada e preguiçosa, já que acontece no ano seguinte em que a dita cuja foi explorada e revirada pela indústria, e já que não se preocupa em apresentar sequer uma das muitas faces da Música de 40 anos atrás que valha a pena reviver. O tédio das escolhas de John Mayer compromete logo o início do disco, nas insignificantes Last Train Home e Shouldn’t Matter But It Does. Depois, o single que trabalha pelo álbum desde 2018, New Light, mostra um pouco de ânimo e originalidade, mas não dá conta de driblar a reação irritante que se desenvolve em quem tem que ouvir um homem de 40 e poucos anos cantando “Por que você não me ama?” no refrão de uma música chamada Why You No Love Me. 

O que daria pra salvar de Sob Rock está Wild Blue, mas nem mesmo ela justifica o play no disco. E nem deveríamos esperar algo diferente de John Mayer, que depois de ascender como um dos musicistas mais notáveis do rock nos anos 2000 e viver seu auge ali naqueles primeiros 10 anos, se mostrou alguém digno do ostracismo ao se sentir confortável em despejar racismo numa entrevista de 2010. Assim como os três álbuns que o precedem, Sob Rock é insuportavelmente leviano. E assim como seu nome sugere, está exatamente abaixo de algo digno dentro do gênero. E eu não sei porque ainda precisamos falar sobre o trabalho de John Mayer em 2021. – Raquel Dutra

Charlotte Day Wilson – Alpha

Nome já conhecido na cena R&B contemporânea, a cantora, produtora e compositora canadense, Charlotte Day Wilson, passou os últimos anos colaborando com representantes em ascensão do gênero – incluindo uma posição nas paradas da Billboard com What You Need em parceria com KAYTRANADA ou mesmo com seus poucos projetos autorais, como o incrível Work. A artista, contudo, não se limita a nenhuma sonoridade, orbitando entre o soul de Daniel Caesar ao PC Music em composições junto de Iglooghost.

Alpha foi produto de um longo processo de amadurecimento artístico de Wilson, trazendo influências claras de suas colaborações passadas mescladas à experiência pessoal. Em seu primeiro álbum solo, a artista de Toronto entrega ao público 11 faixas coesas entre si, que fluem como água. Através de sua voz poderosíssima, nos derramamos em confissões quase religiosas: “Oh-oh eu te banharia/Lavaria você dos pecados que te atormentam/Livraria-te dos fardos e você seria livre mais uma vez”, verso de If I Could.

Sem deslizes, Wilson aborda cada um de seus sentimentos de maneira muito imersiva, criando uma experiência cinematográfica épica intensificada com o uso de vocais como instrumento que garantem textura transcendental às faixas. Em meio aos muitos destaques, se sobressai o single Keep Moving acompanhado de seu videoclipe, uma carta de amor calorosa à comunidade LGBTQIA+. Inspirado nas lésbicas sêniores que inauguram muitas Paradas do Orgulho – Dykes on Bikes –, Keep Moving mostra um bando de gente dançando, amando e existindo sem desculpas. – Ayra Mori

Luísa Sonza – DOCE 22

Ame ou odeie, é fato que Luísa Sonza é uma das artistas nacionais que mais sofre com a misoginia expressa em ataques de ódio, que nascem no mundo virtual e se concretizam também no mundo real. Cercada pela mídia e julgada pelo tribunal da internet, a jovem viveu momentos difíceis no último ano desde que o fim de seu casamento com o comediante Whindersson Nunes deixou de ser assunto pessoal para se tornar uma questão de debate nacional. Depois de tentativas vãs de defesa e justificativas, Sonza entendeu que a situação era maior que ela, finalmente se blindou e prometeu trazer sua versão dos fatos através de seu ofício, que chega entre os altos e baixos irônicos e nem sempre simpáticos de DOCE 22.

O segundo disco de Luísa Sonza não carrega o peso de uma possível escolha da artista de calibrar suas palavras e disfarçar seus sentimentos, que são muito complexos a essa altura da sua carreira. Depois da estreia notável e promissora de Pandora, os singles sucessores já eram manchados pela opinião pública da artista, que se combinou à reação natural de exaustão diante da identidade reciclada. Assim, ela desabafa sobre tudo isso em DOCE 22, cada música à sua maneira. As coisas são mais diretas no pop absoluto e sarcástico de INTERE$$EIRA e MULHER DO ANO XD, enquanto as baladas penhasco. e melhor sozinha :-)-: exploram como as circunstâncias atingiram sua dimensão pessoal.

Repleto de referências e emoções, DOCE 22 estoura no paladar de seu ouvinte. O som da Princesa do Pop toma forma na voz de Sonza em 2000 s2, e na carona de MODO TURBO, ela também faz a festa das colaborações com 6LACK, Pabllo Vittar, Anitta, Jão e LUDMILLA. No meio de tantos elementos, o maior triunfo do álbum são as experimentações de Luísa em cima da base pop que ela conhece muito bem. Um gostinho de country surge nos últimos suspiros de DOCE 22, soltando a interpretação de Sonza no desabafo de o conto dos dois mundos (hipocrisia), que se emenda com o gracejo das gaitas de Lulu Santos em também não sei de nada , de longe uma das melhores surpresas do disco. Depois de cantar sobre tudo o que a aprisiona, Sonza cria o seu momento de ir além e libertar de vez sua vida e sua capacidade artística. – Raquel Dutra

The Kid LAROI – F*CK LOVE 3+: OVER YOU

O terceiro volume do F*CK LOVE, F*CK LOVE 3+: OVER YOU, fecha o projeto de mixtapes do artista australiano The Kid LAROI. As 13 faixas inéditas são reunidas às antigas, que vêm sendo lançadas desde 2020 em EPs separados, e finalizam o álbum em uma coletânea com 35 canções . Agora com apenas 17 anos, Charlton Howard, que adotou o nome artístico e assinou com o empresário Scooter Braun, ascende à fama com feats com Justin Bieber, Machine Gun Kelly e Miley Cyrus.

Porém, se as referências pop ou rap de The Kid LAROI o permitem explorar estilos, as batidas genéricas em que o cantor cai fazem da uma hora e dezoito minutos de duração total soar quase iguais. Apesar de uma ou outra canção destoar e desafogar do comum do álbum, ao final, a decisão de compilar as 35 faixas em uma sequência tornam F*CK LOVE 3+: OVER YOU mais do mesmo. – Vitória Lopes Gomez

Rodrigo Amarante – Drama

Drama é o segundo álbum da carreira solo do ex-Los Hermanos, Rodrigo Amarante. A faixa homônima, que abre o disco, é um conjunto de instrumentos, palmas e risadas armando o circo no qual estamos prestes a entrar. Amarante, que vive nos Estados Unidos, mistura a essência das musicalidades, compondo um trabalho bilingue. Drama é introspectivo e intimista, nos transportando entre lugares e amores.

Suas letras seguem o romantismo noventista que acalenta. Seu instrumental tem grande peso na obra, com os metais deixando ainda mais claro a assinatura de Rodrigo Amarante dentro do mundo da Música e conversando diretamente com o ouvinte. The End, a faixa que encerra Drama, surpreende por sua complexidade. A balada começa sutil e cresce dentro de seu próprio jogo melódico, conseguindo resumir em partes tudo aquilo que o cantor se permite aventurar sete anos após seu disco de estreia. – Ana Júlia Trevisan

Bleachers – Take the Sadness Out of Saturday Night

O tempo todo estamos ouvindo Jack Antonoff. O compositor e produtor de confiança de artistas como Taylor Swift e Lana Del Rey assina boa parte das obras favoritas do indie pop, e dispensa explicações sobre o seu trabalho expresso nos sucessos de folklore, Melodrama e Norman Fuckin Rockwell!. Mas se como produtor Antonoff se concentra em trabalhar na música do momento, como líder do Bleachers ele mostra um musicista que se permite influenciar pelo passado livremente, ao mesmo tempo em que segue admirando o presente e vislumbra o futuro. Strange Desire, o primeiro álbum do grupo, mostra a exata concretização dessa identidade, numa explosão de criatividade, referências e lirismo, que se estende de forma mais lapidada e madura no segundo disco, Gone Now. 

Dessa vez, o caminho é um pouco diferente, ainda mais vintage e menos eletrônico, mas fresco como nunca e livre como sempre. Em Take the Sadness Out of Saturday Night, Bleachers incorpora elementos da música clássica e deixa uma pontinha de country e blues crescer na essência indie pop rock do grupo. O primeiro cenário é formado pela épica 91, que joga as expectativas lá em cima ao abrir o disco. Já o segundo é expresso nos minutos livres, leves e soltos de How Dare You Want More e Stop Making This Hurt, canções impossíveis de não constarem nas trilhas sonoras daqueles filmes dos anos 2000 que estão na nossa lista de favoritos da vida. O terceiro, por sua vez, surge determinado na sonoridade de Big Life e tímido na serenidade complexa de Strange Behavior.

A vibe de Take the Sadness Out of Saturday Night ainda é brincar de ser boomer ao lado de Bruce Springsteen e voltar para as experiências jovens adultas de 2021 com Lana Del Rey. Junto dos vocais da diva indie, a melhor canção do álbum acalma os ânimos de quem se genuinamente gosta do que faz para saborear com mais tranquilidade a obra de Bleachers na companhia de 45 e What’d I Do With All This Faith?. Entre as guitarras, baterias, saxofones, teclados e sintetizadores, está uma música vivaz, única, criativa, temperamental e certeira, que varia conforme o momento e conforme seus membros. A âncora de tudo é a preciosa mente musical de Jack Antonoff, que longe da pompa do pop, nunca decepciona os que a compreendem. – Raquel Dutra

EPs

Samia – Scout

Como a própria cantora Samia Finnerty descreve, seu EP mais recente, Scout, é a irmã mais velha moral de The Baby, o álbum de estreia da norte-americana. Com sonoridades muito similares às do trabalho anterior, as quatro faixas inéditas se diferenciam pelas suas letras mais maduras.

As canções compostas por Samia exploram temas como amizade, vulnerabilidade, amadurecimento, sentimentos conflitantes, relações familiares e amorosas. Cantando os próprios sentimentos e experiências, citando até nomes nas faixas, a voz suave da norte-americana embala o melodrama atraente de Scout. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Dean – Growth

Reunindo os dois singles lançados em 2021, Olivia Dean traça um paralelo entre os seus cabelos e o seu crescimento pessoal no EP Growth. Produzido durante a pandemia, o novo trabalho da cantora capitaliza na sua bela voz e em instrumentos que a complementam, especialmente o piano.

Apesar de conter os ótimos singles Be My Own Boyfriend e Slowly, o grande destaque do disco vai para Cross My Mind, a terceira faixa, que parece liberar toda a tensão contida nas duas primeiras, dando voz ao crescimento de sua artista e finalmente deixando suas asas se abrirem. Juntando novos sons de jazz ao seu repertório, Olivia Dean cria uma adição forte à sua crescente discografia e reforça seu lugar como uma das vozes emergentes da cena indie britânica. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Yves Tumor – The Asymptotical World EP

Sempre com looks ousados e fugindo de rótulos, Yves Tumor é provavelmente um dos nomes mais significativos da música eletrônica experimental a ultrapassar o underground nos anos recentes. Com o EP The Asymptotical World, Tumor mantém a espacialidade e a energia que caracterizaram seus lançamentos recentes, mas com forte ênfase na guitarra. 

Por mais que o trabalho tropece ao se aproximar demasiadamente de um rock pouco inspirado, ainda há momentos energéticos voltados à experimentação pura como em Tuck, ou potência das cordas da guitarra elétrica em Katrina, faixa que encerra o EP. Mesmo não apresentando todo o potencial para o inusitado que transparece em sua carreira multifacetada até aqui, The Asymptotical World tem bons motivos para agradar os fãs– João Batista Signorelli

Overdrive Saravá – CIGARRA

A música brasileira contemporânea é perfeitamente contemplada no novo EP de Overdrive Saravá. Da mistura de ritmos produzida pelos vocais de Gregory Combat, baixo de Matheus Freire, guitarra de Thiago Henud e bateria de Caio Dalmacio, nasce um grupo  fundamentado nas tradições nacionais e influenciado pela atitude do rock, como o próprio nome da banda sugere ao misturar o imaginário da brasilidade com uma definição sonora do gênero.

Depois de demarcar essas premissas no álbum de estreia autointitulado, o grupo se aprofunda na estética com alguns encaminhamentos específicos em CIGARRA. Mais político, livre e encorpado, o trabalho de Overdrive Saravá agora procura alcançar novos espaços através. E através de O Mar, João do Amor Divino e Entrevero, assim o faz. – Raquel Dutra

Tkay Maidza – Last Year Was Weird, Vol. 3

O terreno explorado por Tkay Maidza desde o primeiro volume de sua trilogia de EPs foi vasto. A rapper australiana, nascida no Zimbábue, cria melodias próprias e transforma qualquer oportunidade de rima e composição em aventuras de exploração. A capa de Last Year Was Weird, Vol. 3 representa com exatidão a pegada do trabalho: futurista e frutífera, mas ainda sensível (é só dar play em Cashmere, logo ali embaixo, pra sentir o gostinho).

Enquanto reflete sobre a estranheza do “ano passado”, conceito que premeditou a pandemia que nos tranca em casa por bastante tempo, Tkay Maidza se desdobra em rimas catárticas e ácidas ao extremo. Kim, a faixa mais despojada do registro, é a melhor vitrine de seu talento. Cantando sobre a personagem Kim Possible, Maidza se coloca no centro da ação, e, entregando som foda atrás de som foda, por Deus, que ela continue exatamente lá. – Vitor Evangelista

Músicas

Lorde – Stoned at the Nail Salon

Segundo tira-gosto do vindouro Solar Power, o novo single de Lorde é um mergulho nas águas geladas da incerteza adulta. “Tem um ossinho da sorte no parapeito da janela da minha cozinha/Só para o caso de eu acordar e perceber que fiz a escolha errada”, ela canta em uma das aberturas mais fortes da carreira. A partir daí, a kiwi mais querida do mundo desata a desabafar sobre o período entre-safras de sua vida. Quando está em turnê, sente falta da vida pacata, e quando está no salão de manicure no terceiro copo de limonada, sente falta do alvoroço dos shows.

Como já é de praxe, Lorde relaciona questões muito particulares de sua vivência como uma super estrela com visões mundanas. Em Stoned at the Nail Salon, o rabo do foguete é mais metafórico que o usual, vale o ressalve. A batida calminha, acompanhada de cordas agradáveis, enfraquece o soco da composição, mas não é nada que oblitere o senso artístico de Lorde e Jack Antonoff, principal colaborador desde o longínquo Melodrama.

Cantando sobre a brevidade de tudo que nos cerca, Lorde muito mais aconselha do que divaga, e sempre que está prestes a tomar uma decisão, ela volta atrás e admite a incerteza, afinal, ela só poder estar chapada no salão de beleza, é óbvio. Para agora, é gratificante ouvir lembranças de Pearl, o cãozinho que faleceu e desestabilizou a concepção do álbum tantos meses atrás, em “Eu amo essa vida que tenho/A videira pendurada sobre a porta/E o cachorro que vem quando eu chamo”. Poucas semanas antes de Solar Power eclipsar o mundo, a minha cantora favorita me abraça e prova que a espera sempre valerá a pena. – Vitor Evangelista

Caroline Polachek – Bunny Is A Rider

Após o aclamado Pang (2019), Caroline Polachek criou um clima de ansiedade do que estaria por vir em seus próximos projetos solos. Com o single Bunny Is A Rider, Polachek retorna em meio a assobios, preenchendo todas as expectativas do público ao apostar no seguro. Contando com a co-produção de Danny L Harle – parceria frequente de trabalhos passados –, a artista não foge dos conceitos cunhados no primeiro álbum mas não deixa de entregar um delicioso hit, prévia do que vem em seguida.

Nas palavras da própria Polachek: “‘Bunny Is A Rider’ é uma jam de verão sobre não estar disponível. Bunny é escorregadio, impossível de segurar. Talvez seja uma fantasia, talvez seja uma atitude ruim. Mas qualquer um pode ser Bunny, pelo menos por três minutos e dezessete segundos.” – Ayra Mori

Angel Olsen – Gloria e Safety Dance

Depois da melancolia no álbum All Mirrors, e de remoer ainda mais aqueles sentimentos ao reinterpretar as mesmas canções em Whole New Mess, já passava da hora de Angel Olsen voltar a trazer algumas cores para sua vida. E essa parece ser justamente a proposta de seu próximo EP, trazendo covers de hits dançantes dos anos 80. Em Gloria e Safety Dance, os dois singles do EP divulgados no último mês, ela faz uso de sintetizadores e pesa fortemente no efeito reverb, do mesmo modo que fez em All Mirrors. Com a mesma beleza épica, mas sem os anseios e as lágrimas, as releituras de Olsen anunciam uma nova fase menos monocromática na carreira da cantora-compositora. – João Batista Signorelli

CHVRCHES – Good Girls

Completando tematicamente a trilogia de singles do disco Screen Violence antes do seu lançamento em agosto, Lauren Mayberry está de volta para afirmar que não é boa moça. O novo single de CHVRCHES, Good Girls, é o mais energético dos três, captando toda a frustração de sua vocalista contra a erradicação da “menina má” em narrativas de terror.

Adicionando uma pitada de explicitude em sua letra (“Matar seus ídolos é tão chato/Entediante pra caralho/Mas não precisamos mais deles”), CHVRCHES entrega o melhor single de Screen Violence até agora, dando voz a sentimentos intensos e reflexivos. A pista final dos temas a serem explorados na próxima geração de sintetizadores da banda, Good Girls marca a discografia dos escoceses da melhor maneira possível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Letrux – I’m Trying To Quit

I’m Trying To Quit é o single de abertura do mais novo projeto de Letrux, que trará composições antigas da cantora e nunca antes gravadas. A música foi escrita em 2013 – anos que Letícia disse ter sido o mais insano de sua vida. A letra bilíngue é carregada de emoções que explodem no vocal de Letrux. A guitarra elétrica adiciona uma angústia I’m Trying To Quit, mostrando a dimensão do quão fundo é o buraco dos vícios. O single também ganhou um clipe dirigido por Clara Cosentino, que elucida toda abstratividade da solidão e acende o alerta de perigo. – Ana Júlia Trevisan

Troye Sivan – could cry just thinkin about you (Full Version)

O sucesso artístico e salto emocional do EP In A Dream colocou as composições de Troye Sivan em outro nível. O australiano, que cada vez mais se abre e se permite explorar territórios distintos em suas canções, agora lança a versão completa de could cry just thinkin about you, o hinário de sofrimento que aparecia como interlude no trabalho de 2020. Disponibilizada após um show ao vivo de Sivan, a música machuca em todos os pontos certos, e até quem nunca traiu o parceiro sente a dor ensanguentada do par de chifres que Troye botou no namô. – Vitor Evangelista

BTS – Butter / Permission to Dance

O mundo do k-pop não para. A temporada está lotada de ótimos lançamentos, então é claro que os queridinhos da Coreia – e do mundo – não poderiam ficar de fora. Com duas músicas e suas versões instrumentais, BTS cria um mini-álbum bem colorido para pintar a vida de seus ouvintes, mais uma vez.

Butter, lançada originalmente em junho, segue uma temática mais romântica, e as piscadinhas dos membros para as câmeras são de deixar qualquer um sem fôlego. Quando o clipe começa, todos bem estilosos em seus ternos, é possível entender o porquê uma grande legião de adolescentes se apaixonou pelo grupo. Realmente, Taehyung, BTS é quente como o verão.

A beleza dos garotos, porém, não é a única coisa que cativa. A letra positiva de Permission to Dance traz esperança para quem estiver ouvindo. Na coreografia do music video, símbolos da língua de sinais foram incluídos levando palavras sobre alegria e paz. BTS quer – e vai – levar sua mensagem para todos. – Mariana Chagas 

Shakira – Don’t Wait Up

Um dos retornos mais esperados aconteceu em julho de 2021. E infelizmente, não foi como o esperado. O single Don’t Wait Up traz um vislumbre do 12º disco de Shakira prometendo novidades para o mercado mundial, uma vez que a artista tem se concentrado na música latinoamericana nos últimos anos. Pois bem, aí aconteceu que, tirando as teias de aranha dos seus estúdios, Shakira caiu num deprimente refrão de balada hétero, dá pra acreditar? E mais infelizmente ainda, isso é tudo o que precisamos saber sobre sua nova música. – Raquel Dutra

Coldplay – Coloratura

Chris Martin definitivamente cansou do planeta terra. Depois de uma viagem por diversas culturas no álbum Everyday Life, tudo indica que para o próximo CD ele estará levando o Coldplay para bem longe do cotidiano e dos problemas mundanos, o que fica claro no segundo single para o nono trabalho de estúdio da banda, que será intitulado Music Of The Spheres. Se Higher Power, a canção anterior, parecia apenas mais daqueles hinos pop repetidos pela banda à exaustão, Coloratura é uma faixa ambiciosa que expande os horizontes de Martin e sua trupe, ou melhor, vai para onde não há horizontes. Literalmente. 

A faixa mais longa já gravada pelo Coldplay, com 10 minutos de duração, nos leva de balão a uma jornada entre as estrelas, luas de neon, e além. Segmentada em diversas sessões instrumentais além dos versos da canção, Coloratura remete diretamente às longas peças de rock progressivo eternizadas por grupos como Pink Floyd e Yes; não à toa, as cordas do refrão ecoam Comfortably Numb da primeira à última nota. De qualquer modo, da harpa ao glockenspiel, Coloratura mostra que o Coldplay está disposto a explorar além de sua zona de conforto, e torçamos para que as próximas faixas, inclusive as com títulos impronunciáveis, façam o mesmo. – João Batista Signorelli

Alessia Cara – Sweet Dream e Shapeshifter

A cantora canadense Alessia Cara vem experimentando diversas sonoridades através de EPs e parcerias desde seu segundo álbum de estúdio, The Pains Of Growing, onde abordava o contraste entre a dor de amadurecer e a suposta alegria da juventude. O novo disco, ainda sem título anunciado, pretende ampliar ainda mais a discussão sobre dualidades como indica as duas músicas lançadas como singles: Sweet Dream e Shapeshifter.

Em Sweet Dream, a cantora narra as dificuldades que tem com a insônia e como isso transforma o período onde deveria descansar em um caos existencial. O clipe lançado junto com a música estabelece uma atmosfera de sonho com pitadas de pesadelo, enquanto a sonoridade une melodias de canções de ninar ao pop com traços de trap que vem dominando a rádio nos últimos anos. Uma mistura inusitada que só funciona por conta da composição sagaz e do carisma da cantora.

Já em Shapeshifter, ela entrega a canção mais sofisticada de sua carreira. Ao lado do produtor Salaam Remi, que trabalhou em várias músicas de Amy Winehouse (artista da qual Alessia se declara fã), ela não esconde suas influências, ao contrário, Alessia as transborda. A letra explora os sentimentos conflitantes após uma decepção amorosa onde o rancor é tanto que a linha entre repulsa e desejo se confunde, assim como a percepção sobre quem a pessoa amada é. – G. H. Oliveira

Conan Gray – People Watching 

Que Conan Gray é um hopeless romantic já ficou bem claro. Mas depois de uma longa temporada gostando da mesma pessoa – o que rendeu um EP, um álbum e alguns singles -, o cantor parece ter finalmente desapegado. Conan poderia aproveitar as férias e descansar um pouco seu coração sofrido, mas o garoto já está pronto para mais uma jornada no mundo perigoso e incrível dos romances. 

Em People Watching, o artista volta a se reunir com Dan Nigro para cantar sobre querer se apaixonar. A letra começa narrando o relacionamento de sua melhor amiga, Ashley, que inclusive apareceu no clipe. A surpresa dos fãs foi tanta que levou o nome da jovem para os assuntos do momento. Em um namoro há muitos anos, Ash é apenas uma das pessoas que o cantor assiste enquanto sofre sozinho. Se até Conan Gray se sente carente, quem somos nós para não nos sentirmos também? – Mariana Chagas

Thom Yorke e Radiohead – Creep (Very 2021 Rmx)

Mesmo tendo sido a grande responsável por emplacar o Radiohead no cenário do rock alternativo no início da década de 90, Creep não levou muito tempo para deixar a banda cansada a ponto de se recusar a tocá-la por anos. Talvez seja pelo fato de que, apesar do que diz a canção, Creep não era “esquisita” o suficiente para competir com qualquer coisa que o conjunto tenha feito nos anos seguintes. Quase 30 anos depois, o vocalista Thom Yorke vem finalmente fazer jus à letra nesse novo remix da canção. Ao literalmente deformar o indesejado hit, estaria ele fazendo as pazes com o passado? Ou apenas zombando das expectativas dos fãs?

Intitulado como Very 2021 Rmx (algo como “Remix muito 2021”), Yorke nesse lançamento obviamente não quis dar ares de Olivia Rodrigo ou Lil Nas X para Creep, pelo contrário. A partir da versão acústica da música (a melhor delas), ele a destitui de qualquer característica que possa tê-la transformado em um sucesso. O tempo aqui é estendido a ponto de distorcer a qualidade do áudio original ao longo de 9 minutos carregados por uma atmosfera melancólica. O grande momento fica a cargo da entrada dos sintetizadores a partir no segundo verso, que dão sustentação para o resto desta estranha versão. Thom Yorke finalmente resolveu voltar ao seu passado, mas só para acabar com ele de vez. – João Batista Signorelli

Silk Sonic – Skate

Para o bem ou para o mal, estamos finalmente diante de um sucessor para Leave The Door Open. Depois do sucesso estratosférico de seu primeiro single, Silk Sonic volta a se divertir pela música dos anos 80 por iniciativa de Bruno Mars e Anderson .Paak. A estética de Skate é exatamente a mesma que bombou em todos os últimos meses (também, para o bem ou para o mal, considerando que essa é a intenção, mas precisa realmente ser sempre assim?). Agora, a dupla talvez só esteja menos manhosa. Todo o resto, no entanto, é como sempre: despojados e românticos até demais, os músicos seguem apegados aos seus instrumentos e babando nas mulheres que cruzam seu caminho. – Raquel Dutra

Imagine Dragons – Wrecked 

Passar pela fase de luto, com certeza, é uma das piores sensações que já vivenciei. Parece que, quando somos menores, esse sentimento agonizante consegue se dissipar (ou pelo menos, enfraquecer) com mais facilidade. Falando de uma pessoa que recentemente passou por isso, é difícil visualizar uma luz no fim do túnel numa dor que é impossível mensurar. Dizem que extravasar emoções, seja por lágrimas, gritos e afins, é a maneira mais fácil de amenizar a perda. Dan Reynolds decidiu atenuar sua tristeza em uma canção para Imagine Dragons e o resultado não podia ser mais impressionante. 

Sendo a música um subterfúgio para artistas puderem demonstrar seus sentimentos, Reynolds usou melodias dramáticas para tentar lidar com a perda da cunhada por um câncer. Seguido de uma percussão incessante e ritmada, o refrão é quase um suplício, um grito de angústia e sofrimento. É quase impossível não se emocionar quando ele pergunta, como é que eu vou seguir em frente? Sim Dan, dizem que o tempo cura, que a dor vai embora, mas a inquietude e a amargura estão presentes, ainda que existam momentos em que elas adormeçam. 

Depois de uma pausa na carreira, a banda soltou duas músicas em março deste ano que devem fazer parte do novo álbum Mercury – Act 1, com previsão de lançamento para setembro. Tendo Wrecked como terceiro single, essa nova produção não deve falhar no quesito sucesso, algo difícil de acontecer para Imagine Dragons. – Júlia Paes de Arruda

PVRIS – Monster

Após a notícia de que entrariam em uma nova era e dariam uma repaginada em seu visual, o duo PVRIS nos presenteou com um novo single no fim de julho, com a promessa de mais duas novas músicas durante seu tour nos Estados Unidos em agosto. Se apoiando ainda na batida eletrônica pesada e sombria que marcou seu último álbum, Monster faz um ótimo uso dos vocais de Lynn Gunn, criando uma melodia cadenciada, misturando hard rock rock com dark pop. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cazuza – Mina

Sem dúvidas, Cazuza é um dos poetas mais geniais que o Brasil já teve o prazer em chamar de filho. Partindo cedo, em 1990, com apenas 32 anos, suas músicas ainda são cultuadas por todo bom amante de música nacional. Agora, mais de três décadas após sua morte, uma nova gravação foi descoberta no fundo do baú da imortal obra, e relançada no dia que o cantor faria aniversário. 

Mina bebe da mesma fonte de Garota de Bauru. A música conta com a parceria de George Israel e Nilo Romero, e é inspirada em uma briga de bar em Minas Gerais. A faixa foi gravada para o álbum Só se for a dois, mas não chegou a versão final e ganhou novos arranjos refeitos por Nilo. Mina é viciante, diferente do que estamos acostumados a ouvir de Cazuza, mas ainda assim com a forte assinatura do gênio. Para completar a comemoração, Mina também ganhou um clipe animado para acompanhar a saudosa voz de Cazuza. – Ana Júlia Trevisan

Violet Chachki & Allie X – Mistress Violet

Entre vencer a sétima temporada de RuPaul’s Drag Race e se tornar um ícone da moda, a drag queen Violet Chachki mostrou que não está para brincadeira. A empreitada da vez é na Música, ao lado da musa canadense Allie X, na sedutora Mistress Violet. A batida retrô-futurista nos transporta para a pista de dança, enquanto o visual extravagante e camp é brindado pela pompa que apenas uma superstar como Chachki possui. – Vitor Evangelista

Isaac Dunbar – celebrate

Para quem ama pop alternativo, a discografia de Isaac Dunbar está cheia de faixas imperdíveis. E a coleção de músicas boas não para pois, desde o início de 2021, o cantor vem trazendo novidades. Depois do EP evil twin ser lançado em fevereiro, Isaac volta com um alegre single: celebrate. 

Em um momento de tantas desgraças acontecendo, Isaac quer dar a volta por cima. O ritmo dos anos 80 se casa com a voz forte do artista e constrói uma canção perfeita para, em um mundo utópico onde a pandemia não existe, cantar bem alto em uma festa e se deixar levar pela melodia. 

Em versos que parecem quase pessimistas, o cantor conta alguns desabafos e desculpas já usados por ele mesmo para continuar em um lugar ruim de sua vida. A reviravolta vem no refrão, onde Isaac convida seus ouvintes a celebrar suas dores, ao invés de se afundar nelas. Apesar de estar sendo difícil achar motivos para comemorar ultimamente, a canção pode plantar um pouco de esperança em nossas cabeças exaustas. – Mariana Chagas

Julho foi mês de celebrar o primeiro aniversário do melhor feito de Taylor Swift nos últimos anos. No dia 24, folklore completou um ano de lançamento, e o presente da artista para os amantes de seu oitavo álbum foi a versão original de the lakes, faixa bônus do disco que acabou se transformando numa das que melhor representa a identidade maravilhosa de folklore. Muito mais acústica e retrô do que a que integra a tracklist da versão Deluxe do disco, a canção ainda representa a habilidade de sua compositora e intérprete, que transformou seu período de isolamento social numa obra repleta de beleza e criatividade. Sejam em antros espirituais de de poetas, uma infância na Pensilvânia ou em amores adolescentes de verão, o desejo para o primeiro aniversário de folklore é que Taylor Swift continue nos levando para onde suas histórias forem. – Raquel Dutra 

MARINA e Tove Lo – Venus Fly Trap (Kito Remix)

Com o sucesso que seu quinto álbum gravado em estúdio tem atingido, a cantora e compositora britânica MARINA lançou um novo remix do single Venus Fly Trap. Uma das aclamadas faixas do disco Ancient Dreams In A Modern Land agora ganhou uma versão produzida pela DJ e produtora australiana Kito, que também contou com a participação vocal da cantora sueca Tove Lo. Vale relembrar que este não é o primeiro remix do hit, anteriormente MARINA trabalhou em parceria com Blossom em uma outra versão que foi lançada logo depois da estreia da música original.

Conhecida por seu estilo que mistura indie-pop e new wave, neste novo álbum não foi diferente, que ainda veio com letras carregadas de tons críticos. Inclusive no clipe original de Venus Fly Trap, MARINA traz em cena a representação de um estrela do cinema passando pelas várias eras de Hollywood, destacando os estereótipos femininos que surgiram ao longo da história do Cinema. Agora, neste novo remix, a canção tomou uma vibe mais dançante, com direito a adição de versos de Sunshine Kitty, álbum de Tove Lo. E a conclusão que temos, é de que Venus Fly Trap fica mais viciante a cada versão. – Gabriel Brito de Souza

Aly & AJ – I Need My Girl

Após o lançamento de seu novo álbum de estúdio em maio deste ano, as irmãs Michalka não demonstram sinais de querer parar. Depois de sua estreia no Lollapalooza, Aly & AJ disponibilizaram seu cover de I Need My Girl, da banda The National, que elas já haviam tocado ao vivo algumas vezes antes. A voz de Aly entra em primeiro plano, carregando a letra melancólica com poucas alterações da melodia, mas com a harmonia de AJ adicionando profundidade e peso à canção. – Gabriel Oliveira F. Arruda

AURORA – Cure For Me

O Mês do Orgulho pode ter acabado, mas a luta da comunidade LBGTQIA+ continua. Dentre tantas violências físicas e psicológicas que o grupo sofre diariamente, talvez uma das mais absurdas é a tentativa de criação de uma cura gay. E é contra esse crime que AURORA canta em Cure For Me. 

O single demorou dois anos para ser visto como uma música de potencial. Pronto desde 2019, foi apenas agora que a equipe da cantora achou que seria bom o lançamento. Mas a demora valeu a pena. A nova era, disse AURORA para a NME, será recheada de músicas políticas floreadas por uma batida leve, e Cure For Me carrega bem esse conceito. 

Quando questionada sobre a resposta do público, AURORA confessou não ter medo de perder seguidores que vão contra os direitos humanos. Mesmo assumida como parte da comunidade há anos, a cantora confessa que a música não é sobre ela, mas sobre aqueles que mais tiveram e têm que lutar para terem o direito de serem quem são. “Não há cura, e nunca deveria haver cura para quem você é e como nasceu”, comenta em entrevista. – Mariana Chagas 

ARON – Me Reces

Ok, acho que já posso parar de defender a carreira musical de Arón Piper. Após inúmeros erros e pouquíssimos acertos, é necessário perceber que ARON, como decidiu assinar, é preferível como ator (na maior parte do tempo) do que como músico. Ainda que as pausas dramáticas sejam positivas para introduzir o verso principal de Me Reces, o alemão sempre peca no mesmo ponto: o abuso de auto-tune. Não que o uso de tal ferramenta seja errada, mas sua exagerada aplicação desfavorece todo o trabalho que ele pretende construir. É como se enxergássemos duas personalidades extremamente contrastantes dentro de uma composição, vomitando emoções de forma ritmada. Desculpa Arón, mas acho que você deveria repensar suas concepções musicais. – Júlia Paes de Arruda 

Normani e Cardi B – Wild Side

Após quase dois anos do lançamento da finada Motivation, Normani se despede de vez do colorido pop de seu passado e reinventa sua identidade sonora com o seu mais novo single, Wild Side. Servindo como o carro-chefe de seu antecipadíssimo álbum de estreia, a canção canaliza a energia gloriosa de Aaliyah e consegue entregar, com ressalvas, um debut sólido de Normani no R&B. 

Financiado parcialmente pela cantora, o videoclipe eleva Wild Side para outro patamar, e a coreografia excepcional de Normani consegue chamar até mais atenção que a música em si. O que desencanta é o rap nada marcante de Cardi B. O flow desanimador da rapper não soa nem um pouco com nenhum dos versos icônicos de sua discografia, e também desacelera totalmente a construção da canção, que se torna esparsa e desajustada.

No entanto, a faixa ainda consegue retornar majestosamente no último minuto, com direito a uma deliciosa outro e a belíssimos adlibs. Wild Side não deixa dúvidas: Normani tem tudo para se tornar um dos grandes nomes do R&B. Agora, o que resta é esperar para ver se ela finalmente vai levar a era adiante. – Laís David 

Khalid – New Normal

Uma semana antes de lançar New Normal em todas as plataformas digitais, Khalid a pré-estreou ao vivo, no primeiro voo da aeronave Unity 22 Virgin Galactic em 12 de julho, quando o fundador da Virgin Galactic, Richard Branson, voou por cerca de 20 minutos. Para a Rolling Stone, o músico contou que o single era a forma de contar a ansiedade do último ano pandêmico. 

O single, que saiu oficialmente – com clipe – no dia 21 de julho, é a entrada do 4º álbum de Khalid, Everything Is Changing. New Normal desenha o trabalho que virá: um melodrama de vocais baixos, o mínimo de beat possível, e arranjos doces. É como um belo dia de primavera, muito bem explorado pela voz de Khalid. Letra e clipe não conversam bem, ambos abordam a mudança tecnológica e a era do “novo normal” pós pandemia, mas enquanto o clipe é estático e confortável, a letra causa desesperança. – Nathália Mendes

HAIM – Cherry Flavored Stomach Ache

Parte da trilha sonora do novo filme da Netflix que provavelmente poucas pessoas viram apesar dos nomes grandes no elenco, Cherry Flavored Stomach Ache é uma adição curiosa à discografia das irmãs Haim. Começando mais acelerada que as faixas mais recentes da banda, o novo single parece ansioso para acabar antes mesmo de começar, custando para fazer com que o ritmo engate, apesar do som surpreendente de uma gaita surgir para acompanhar os vocais excelentes de Danielle. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melim e Alok – Somos 

Fugindo das notas acústicas que definem Melim, o trio se reuniu com o DJ Alok para conduzir o ritmo de Somos. Criado para beneficiar o projeto Criança Esperança, o single tem uma mensagem positiva a respeito de união e amor, ensinamentos inseparáveis da banda. Com as batidas de Alok, a canção ganha um compasso mais coreografado, ganhando passinhos espontâneos ao ouvi-la. Por isso, além de apreciar uma música animada e otimista, cada play equivale a um valor doado ao projeto da Globo. Está esperando o que para ouvir? – Júlia Paes de Arruda

Big Red Machine e Taylor Swift – Renegade 

Aaron Dessner e Taylor Swift já provaram ser uma ótima dupla meses atrás, quando um álbum recheado de música dos compositores ganhou a maior categoria no Grammy. A química entre os artistas foi tão boa que, dessa vez, Aaron chamou a loirinha para cantar no álbum de sua banda com Justin Vernon. 

How Long Do You Think It’s Gonna Last? vai sair em agosto e Big Red Machine já deu um gostinho do que está por vir. O indie rock na voz de Taylor desabafa sobre amar alguém que nem mesmo se ama, e as dificuldades que transformam um relacionamento em desastroso. Acompanhada pelo instrumental da banda, a letra é agressiva mas também divertida. Mesmo sem apelo comercial, Renegade debutou na 73ª posição da Billboard Hot 100. – Mariana Chagas

Lil Nas X & Jack Harlow – INDUSTRY BABY

Não é de hoje que Lil Nas X mostra para o que veio à indústria musical, e o quão caricata é a sua imagem. Em sequência do sucesso de MONTERO (Call Me By Your Name), ele quer mais com o lançamento de INDUSTRY BABY, single em parceria com o rapper Jack Harlow e produção de Kanye West. Todo o trabalho tem sido coeso com seu estilo, criando expectativas para o primeiro álbum Montero, ainda sem data de estreia e com um possível vazamento das faixas na internet. 

Desde Old Town Road até aqui, Lil Nas segue o caráter sexual, a batida de rap com backgrounds variados e a audácia em fazer mais do que Música. Em INDUSTRY BABY, a letra e o fundo são complementares, já que o rap enfatiza os prêmios do cantor e o back é uma sinfonia acompanhando a batida. No single que quebrou a internet na madrugada do dia 23 de julho, o rapper diz que avisou “on the road” – na estrada – que ele era o que a indústria precisava. Com razão.

O clipe é revolucionário. Um presídio masculino com uniforme rosa pink, muitas críticas sociais e conotação sexual performam uma provocação. Todo o dinheiro arrecadado nas plataformas irá para o Bail X Fund, um fundo criado na organização The Bail Project para tirar negros presos nos Estados Unidos por infrações leves. Assim, Nas constrói sua música fielmente ao que é e o que vive, do processo da Nike ao racismo diário, afinal, ele não corre de nada, cachorro. – Nathália Mendes

Adriana Calcanhotto – Veneno Bom

A pandemia aflorou composições em muitos artistas, afinal, apenas a arte para nos livrar desse inferno. No Brasil, o destaque para álbuns de quarentena, sem dúvidas, fica com Adriana Calcanhotto que lançou Só em 2020, com nove canções. Esse mês, a cantora revelou que uma música ficou de fora da tracklist a pedido de Maria Bethânia. Adriana conta que enviou todas as composições para a menina de Oyá, que comentou uma delas usando a expressão Veneno Bom. Apenas essa frase foi suficiente para que no outro dia a cantora usasse seu dom melódico para escrever uma letra que traduz a dualidade de romances lancinantes, sendo batizada com a expressão de Bethânia. – Ana Júlia Trevisan

Camila Cabello – Don’t Go Yet

No mês de julho, Camila Cabello retornou de um longo hiatus para lançar o primeiro single de seu terceiro álbum de estúdio, Familia. Numa tentativa cansativa de homenagear suas raízes latinas, Don’t Go Yet não replica o sucesso de Havana ou o romantismo dinâmico de Never Be The Same, e também falha ao entregar vocais desajustados e uma produção extremamente tumultuosa.

No entanto, ela conseguiu tornar a faixa pior. Na performance de estreia de Don’t Go Yet para o The Tonight Show, Cabello provou que, além de péssima, ela continua problemática. Para tentar entrar no conceito estereotipado da apresentação, um dos dançarinos da cantora fez uso de blackface, que é o ato racista de pintar a pele para satirizar pessoas negras. Para piorar, ela tentou amenizar a situação com uma declaração mal feita no Twitter, alegando que a performance tentava “satirizar brancos excessivamente bronzeados” dos anos 80.

Racismo não é nem minimamente justificável, e é absurdo que, ao invés de escutar propriamente as observações da comunidade negra e se desculpar pelo feito, ela preferiu legitimar suas ações problemáticas em uma mísera justificativa no app de notas do iPhone. A partir de hoje, é melhor deixar Camila Cabello no passado. – Laís David 

Luke Hemmings – Motion

Mal superamos a chegada de seu primeiro single, e Luke Hemmings nos surpreendeu com mais uma música de seu próximo álbum solo. Totalmente contrastante com Starting Line e similarmente aos trabalhos de Troye Sivan, Motion tem um ar mais psicótico, mais alucinante, como se os sentimentos estivessem à mercê da loucura. Trabalhando com a desconfiança, as melodias traduzem uma incerteza do eu-lírico, como se o corpo funcionasse apenas por inércia. O movimento dos pensamentos é tão rápido que tudo acaba se tornando um borrão. Será o suficiente? Também não sei dizer, Luke. – Júlia Paes de Arruda  

Anná – Tico-tico no Fubá

Exagero, muito exagero! Um dos símbolos que a multiartista Anná herdou de Carmen Miranda é, com certeza, a extravagância. E isso está nítido em Tico-tico no Fubá, repaginação do clássico de Zequinha de Abreu, originalmente imortalizado na voz da Pequena Notável. Se as cores escandalosas da capa do single já davam pistas do que estava por vir, o videoclipe repleto de figurinos, adereços e maquiagens em cores neon chegou para comprovar que estamos diante de uma arte de excessos.

Com produção musical de Ubunto, a recriação de Anná mescla, com maestria, chorinho, pagodão baiano e música eletrônica. Mas as misturas não param por aí. Extrapolando o nível sonoro de criação, a cantora mocoquense funde também a coreografia dos braços de Carmen Miranda com o TikTok, em um diálogo criativo e frutífero entre tradição e vanguarda. Ainda sob a missão da música de colagem, o novo lead single da neta tropicalista prepara curioso solo para o álbum Bra$ileyrah, previsto para sair ainda neste ano. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone – Motley Crew

Premeditando um quarto álbum, Malone voltou em julho com o single e o clipe de Motley Crew, dois anos depois de sua última aparição. Sugerindo rimas pesadas para o futuro e apreciando a banda de heavy metal dos anos 80 Mötley Crüe, o single é um tributo. Além de reforçar a caminhada do rapper com sua gangue de grandes nomes, dentro e fora da indústria, que amam correntes brilhantes.

Uma rima clara e um refrão recheado de referências retoma o rap de beat forte de Malone, um pouco apagado no seu último álbum, Hollywood’s Bleeding. Mas os traços do pop permaneceram, e a batida bem feita – influência do metal de Mötley Crüe, é quebrada em um pré-refrão melodioso. A música, letra e clipe casam muito bem, todos erguendo o pedestal da gangue de Malone no topo do mundo. – Nathália Mendes

Jennifer Hudson – (You Make Me Feel Like A) Natural Woman

E a Aretha Franklin dos cinemas não cansa de alimentar as expectativas sobre a cinebiografia da diva do soul. Mais uma vez, estamos maravilhados com a performance de Jennifer Hudson nas canções sagradas de Franklin, que agora, interpreta um dos maiores sucessos da artista. Aretha ficou marcada na história com (You Make Me Feel Like A) Natural Woman, e Hudson se sente como uma verdadeira estrela da música na trilha sonora de Respect, que finalmente chega até nós neste mês de agosto. – Raquel Dutra

Clipes

Twenty One Pilots – Saturday

Que a Twenty One Pilots gosta de inovar não é novidade. Dessa vez, direto de um submarino em uma paisagem gelada, o duo norte-americano levou o título Scaled and Icy a sério no videoclipe de Saturday. Da festa neon submersa seguida de um monstro aquático às guitarras animadas lado a lado de pianos calmos nas faixas do CD, o single renova a mistura contrastante entre o colorido e o sombrio que marca a nova era da dupla.

Também não é novidade que Josh Dun e Tyler Joseph não costumam casar as letras das canções com as histórias dos vídeos, o que já rendeu clipes dos mais performáticos aos mais cinematográficos. Com as referências ao universo fictício criado por eles mais tímidas do que em Trench, mas igualmente instigantes e sempre divertidos, o melhor single do álbum até agora, a dançante e animada Saturday ganha um clipe à altura. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless (Official Alternate Ending Video)

Se tem alguém que não cansa de inovar em seus trabalhos, essa alguém é Madison Beer. Depois de uma era futurista com clipes recheados de tecnologias e até viagens espaciais, Beer volta à Terra e se perde na natureza. O clipe original de Reckless foi lançado junto à música em junho, e, um mês depois, a artista deu mais um gostinho do vídeo ao liberar sua versão alternativa. 

Em Reckless (Official Alternate Ending Video), Madison traz um final menos dramático do que antes. Passeando entre diferentes ambientes, o clipe é tão visualmente agradável que ver apenas uma vez não é o suficiente. Dirigido por Amber Park junto da própria cantora, Reckless é uma das melhores produções visuais da carreira de Madison Beer. – Mariana Chagas

Paul McCartney e Beck – Find My Way

Um jovem Paul McCartney nos leva por uma viagem psicodélica entre os corredores de um hotel à medida que os ambientes se transformam gradualmente, tornando-se cada vez mais inusitados e adoidados. Essa poderia facilmente ser uma cena de Magical Mistery Tour, ou de alguma outra das outras aventuras audiovisuais psicodélicas que os Beatles embarcaram ao longo de sua carreira. Mas na realidade, se trata do novíssimo videoclipe lançado para acompanhar a versão de Beck de Find My Way para o álbum McCartney III – Imagined, uma coletânea de releituras de canções do último disco do cantor feitas por convidados ilustres. 

A versão de Beck para a canção é dançante, estranha e divertida, combinando perfeitamente com os corredores que mudam de cor, e com as distorções de imagem alucinantes. A estranheza é ressaltada pelos vocais que em nada parecem combinar com o sósia de McCartney, o que acaba sendo bem justificado pela surpresa do twist ao final do clipe. Find My Way diverte os fãs, e ainda abre brechas para tornar as teorias da conspiração de que Paul está morto ainda mais interessantes. Em resumo, vale a pena. – João Batista Signorelli

Luke Hemmings – Starting Line 

Depois de Ashton Irwin, Luke Hemmings decidiu dar a largada num novo trabalho musical solo. De acordo com o vocalista do 5 Seconds of Summer, seu álbum surgiu depois do ano de confinamento forçado, tentando compreender os últimos anos da sua vida até o presente momento. Coincidentemente ou não, sua linha de partida se deu no dia 30 de junho com a chegada de Starting Line. 

Similarmente aos trabalhos de 5SOS, Starting Line é magnética e teatral. Cada palavra que o músico canta é perceptível sua emoção. No verso estou perdendo todas essas memórias, talvez elas nunca foram minhas, conseguimos enxergar a raiva, a solidão e a agonia que o eu-lírico exalta pelas ruas de Los Angeles. Num clipe simplista estilo Harry Styles, Luke caminha, corre e sobrevoa as avenidas tentando seguir em frente, libertando-se de sentimentos torturantes. Sendo um extraordinário cantor e um excelente compositor, não restam dúvidas de que os próximos passos de sua carreira serão vitais para enfrentar as coisas as quais nos afastamos. – Júlia Paes de Arruda 

Alec Benjamin – The Way You Felt

Alec Benjamin, compositor do sucesso Let Me Down Slowly, também não tem nada para fazer na pandemia. O último ano deixou todo mundo um pouco doido e muito introspectivo. Passar tanto tempo sem poder ir para fora nos faz viajar para dentro de si mesmos, e foi no meio dessa jornada interior que Alec escreveu sua história. Em The Way You Felt: The Story, o cantor nos permite ler toda a sua verdade. 

A música, escrita em abril, só agora ganhou clipe. Nele, o cantor nos leva para todos os cantos de sua cidade e de sua casa que fizeram parte do seu falho romance. Mesmo sem citar nomes, a descrição tão detalhista da sua ex-namorada nos faz sentir saudade da garota. Esse talvez seja o resultado de tanta sinceridade colocada no vídeo. “Este clipe é o primeiro que eu fiz que me sinto 100% representado’’, comentou o artista em seu Twitter. – Mariana Chagas

Performance

Lucy Dacus no Tiny Desk

O melhor lugar para cantar músicas de um disco sobre a adolescência é uma sala de aula do Ensino Médio, pode acreditar. Lucy Dacus, então, aceita o convite do Tiny Desk e revive os traumas e temores e amores de Home Video, sentada à mesa marrom e cheia de livros e janelas nubladas ao seu redor, em sua alma mater em Richmond, Virginia. 

O repertório é curto, mas incrivelmente potente. O pontapé vem com Brando, a canção mais alto astral do CD, mas que esconde em sua composição traços da vulnerabilidade que fazem de Home Video um registro tão singular e vistoso. Ao lado da banda, Dacus ainda revisita VBS, sobre primeiras vezes e a juventude queer, e Going Gone Gone, uma ópera distante, mas profunda. 

Sozinha, a artista logo anuncia que Thumbs, a saideira da performance, é dolorosa. Cantando sobre abuso e relações familiares quebradas, ela grita em silêncio que, se a parceira quisesse, ela bem poderia enfiar os dedões nos olhos daquela figura malévola do outro lado da mesa. Entre o belo e o bruto, que bom que Home Video vive. – Vitor Evangelista