Por mais impossível que pareça, até que dá para passar um ano inteiro sem ver filmes, ou até mesmo perder a temporada daquela única série que você assiste, mas experimenta ficar esse mesmo período sem Música? É praticamente impensável. E não há como fugir disso, se correr o bicho pega, se ficar o bicho come. Ela está lá, no carro da rua que passa tocando o hit do carnaval; no verão ensolarado é ela quem dá o clima; nos corações partidos, o primeiro ombro amigo vem de seus acordes e nas comemorações; é ela que intensifica a euforia.

Em 2024 não foi diferente, pra onde você olhava, havia Música, e melhor, ela fazia história. No ano marcado pela ‘treta’ de Drake e Kendrick, ponto para o rapper de Compton, que, além de fazer o mundo inteiro trucidar seu oponente, ainda teve as honrarias máximas reconhecidas pela indústria. Em outra briga, dessa vez, menos sanguinária, Taylor Swift e suas várias versões do antológico THE TORTURED POETS DEPARTMENT batia de frente com quem ameaçasse seu pódio nos charts.

Mas não há como negar que foi o ano delas. O mundo foi pintado de verde pela efervescência de Charli xcx. A própria Swift ampliou ainda mais seu império, mas foi outra ‘loirinha’ – mais irônica e com intenção de instigar – que mostrou seu lado curto e doce para os holofotes. Foi o ano das também das voltas; uma veio a galope para reivindicar a música country, enquanto outra saiu do crepúsculo de seu hiato para alvorecer com sua voz de fada e pop de gente grande; enquanto o terror dos primos nos almoços de família, Billie Eilish, chegou como quem não quer nada e nos afogou em suas questões e genialidade.

Como em todo ano e já de praxe nessa Arte, foi a diversidade que dominou. Enquanto POCAH reconta sua história através de todas as suas versões, Twenty One Pilots dava um fim (?) para a sua. Se o The Cure voltou depois de 16 anos para o reino da tristeza com um álbum de inéditas, Rachel Chinouriri estreou abordando a mesma tristeza quase que com uma autopiedade cômica. Tyler, The Creator voltou com o pé na porta, já Gracie Abrams chegou com tudo. Luan Santana cantou amor, enquanto Duda Beat cantou tesão. Linkin Park entoou novamente o gutural típico do nu metal, diferente de Adrianne Lenker, que murmurou sentimentos doloridos.

Mas uma coisa é certa, mais uma vez a já tradicional lista de Melhores Discos retorna do jeito que é. No ano em que perdemos Liam Payne, o Persona segue uma direção: usar da Música e das Artes no geral para lembrar quem somos e discutir quem podemos ser.

Doechii – Alligator Bites Never Heal

Cuidado! Swamp Princess mandou avisar que em Tampa, Flórida existem muitos pântanos e nós sabemos que mordidas de jacaré nunca curam, ya dig? Em Alligator Bites Never Heal, mixtape produzida e interpretada por Doechii, encaramos de frente a sua versatilidade. Sintetizando suas raízes no hip-hop old school e no R&B, a rapper explora temas sensíveis sobre a sua vida, como relacionamentos, revoltas e ascensão à fama. Em seu novo álbum, a artista apresenta uma narrativa tão sincera e por vezes brincalhona a respeito de si mesma, que as rimas guardam uma comicidade e originalidade única, dando match com a sua personalidade sagaz . 

O disco surge através da série Swamp Sessions, onde a cantora se desafiava com um cronômetro de uma hora para escrever suas músicas, que posteriormente eram publicadas semanalmente às sextas-feiras em seu canal do YouTube. Desse projeto nasceu as letras BULLFROG, CATFISH, FLORIDA WATA, SUNDAY’S BEST e NISSAN ALTIMA, canção indicada ao Grammy na categoria de Melhor Performance de Rap. Com seu lançamento, Alligator Bites Never Heal escancara o talento de Doechii, mostrando sua criatividade e língua afiada nas 19 faixas presentes no disco, evidenciando pra quem ouve, que isso é só um fragmento de suas habilidades e que os próximos lançamentos da artistas promete ser de alta qualidade. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: CATFISH, BULLFROG, DENIAL IS A RIVER 

St. Vincent – All Born Screaming

St. Vincent voltou com um disco inteiramente produzido por ela. All Born Screaming é um compilado das melhores características de uma das personalidades mais interessantes do rock contemporâneo. Em um misto de sonoridades que variam desde o rock progressivo até o dance pop, Annie Clark desafia a si mesma, criando um disco que, não surpreendentemente, acerta mais do que erra.

De fato, com exceção de Sweetest Fruit – faixa com intenção de homenagear SOPHIE, mas que acaba soando fora do tom em mais de um sentido –, All Born Screaming justifica a vitória do Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa por se tratar de um retrato flamejante de toda a artisticidade de St. Vincent. A produção ganhou até mesmo uma regravação em espanhol, intitulada Todos Nascen Gritando. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Hell Is Near; Big Time Nothing; Violent Times.

Melly – Amaríssima

Melly, cantora e compositora baiana, foi a artista revelação do Prêmio Multishow 2023, com seu  single Azul. No entanto, foi com o álbum Amaríssima que a intérprete  se destacou e abriu suas asas para voar ainda mais alto. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a jovem mistura ritmos de R&B e Soul com letras que exploram temas profundos como o amadurecimento, além de trazer participações especiais como Liniker e Russo Passapusso. 

Em Amaríssima, Melly explora diferentes fases de um relacionamento com a combinação de canções de diferentes gêneros, como samba-reggae e afropop. Os estilos musicais marcam o álbum, porém a cereja do bolo é o curta metragem incrível, idealizado pela cantora. Se amadurecer é desconfortável, Melly faz disso poesia e consegue estabelecer uma conversa com seus fãs da maneira mais pura.  O álbum é um convite para o mundo dela, sem deixar de conversar com os universos particulares de cada um, e isso não poderia ser mais perfeito. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Cacau, Paraíso e Bye Bye

Pabblo Vittar – Batidão Tropical Vol. 2

Quando lançou, em 2021, o primeiro volume do Batidão Tropical, projeto baseado em regravações de sucessos que ouviu durante a infância, clássicos amados pelos fãs ficaram de fora da tracklist final. Após três anos, Pabllo Vittar voltou com seu sexto álbum de estúdio e a continuação daquele que é um de seus melhores trabalhos. Ampliando a nostalgia e dando uma nova roupagem às versões já conhecidas, a drag queen mostrou o que sabe fazer de melhor: entregar um tecnobrega que reverencia o passado e, ao mesmo tempo, traz algo diferente, contribuindo para a sua produção.

Com um dos hits da banda Calypso, na faixa Pra Te Esquecer, passando pela homenagem à Banda Batidão, em Ai Ai Ai Mega Príncipe, a produção do disco – encabeçada por nomes como Rodrigo Gorky, Maffalda, Pablo Bispo, Ruxell, Zebu e Lux & Tróia – consegue dar um toque fresh às composições que ficaram famosas nos anos 2000. Em Não Desligue o Telefone com Maderito, por exemplo, a artista utiliza o drum and bass, gênero da música eletrônica marcado por batidas rápidas. Somando os dois volumes, o trabalho da performer é um teletransporte à história daqueles que cresceram com o brega e as suas performances de tirar o fôlego. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: Rubi, Hoje à Noite (Alone) e Ai Ai Ai Mega Príncipe

Charli xcx – BRAT

Houve uma época, no auge dos anos 2000, em que o pop era categoricamente mais fútil, sem isso se tornar um demérito. Sem dúvidas, reflexo de tempos um pouco menos complicados. Roupas extravagantes, personalidades exageradamente excêntricas, it girls e músicas milimetricamente pensadas para ecoar apenas nos clubes de dança, como uma espécie de refúgio que beira o distópico da sociedade. Com o passar dos anos, nota-se certo pragmatismo na Música e ela, ao invés de ser esse reduto, se tornou cada vez mais identificável para com a sociedade, com intérpretes que são basicamente um reflexo de seu público.

E é exatamente no meandro desses dois mundos que BRAT, sexto disco de estúdio de Charli xcx, se consagra. É notável que o intuito da cantora foi voltar as atenções para si, assim como qualquer garota pirralha – tradução mais apurada do termo título, mas o registro consegue fazer isso de diferentes formas. Expansivo e megalomaníaco, ele conquista com seu hyperpop conduzido pela intérprete em parceria com o produtor de longa data A.G Cook, mas também cativa o público mais atual com letras duras e nada romantizadas sobre calvários atuais como rivalidade feminina e insegurança com a própria imagem. Cômico em sua premissa, chamou atenção e viralizou; capaz de se sustentar, ele virou conceito, mas acima de tudo ele fez o que um bom disco do gênero precisa, ser transgressor e de quebra se transformou num dos registros mais icônicos do ano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Von dutch, Apple, Everything is romantic

Charli XCX – Brat and it’s completely different but also still brat

Quem aperta o play em brat and it’s completely different but also still brat custa a acreditar que esse é o primeiro álbum de remixes de Charli XCX. A cantora, que iniciou sua carreira atrás da mesa de DJ, elevou um clássico instantâneo com a ajuda de nomes inusitados, entre eles, Julian Casablancas e Bon Iver que, apesar de toda a melodramaticidade intrínseca de seus trabalhos, capturaram a essência BRAT com versos reflexivos por cima de muitas batidas por minuto – com direito a Casablancas cantando sobre um divórcio conturbado enquanto XCX evoca com orgulho o fato de ser uma ‘garota má’. 

No topo do mundo por grande parte de 2024, Charli XCX bebeu da cultura clubber para viver seu ‘momento Elvis’ em toda a glória que as casas noturnas podem oferecer. Em um ano em que a sonoridade feminina foi vendida de forma tão superficial pela indústria musical, coube à sósia de Lorde a tarefa de criar um dos melhores hinos de ‘inimizade’ de todos os tempos. Desde ‘dancinha’ viral no TikTok, passando por polêmicas e brigas entre fandoms até chegar em uma turnê conjunta com Troye Sivan, brat and it’s completely different but also still brat veio para consolidar o impacto cultural do disco que pintou o mundo de verde. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 360 featuring robyn & yung lean; Girl, so confusing featuring lorde; Mean girls featuring julian casablancas.

Adrianne Lenker – Bright Future

Talvez a marca mais forte da arte da Adrianne Lenker seja a sua capacidade de se despir emocionalmente por completo em suas composições. Bright Future é algo maior do que a cantora-compositora, é um pedaço de si que ela entrega ao mundo para assumir novas formas a cada ouvido que atravessa. O álbum dispensa rodeios, a voz da autora cede uma sinceridade tão crua e, por isso, familiar, que dói e conforta ao mesmo tempo. Lenker abre a obra com Real House, um relato de quase seis minutos no qual ela relembra memórias de sua infância. De cara, na primeira faixa, seu peito está aberto como um convite para que espiem e, inevitavelmente, virem o olhar para si mesmos.

A narrativa da obra brinca de alegorias com o trivial e ordinário, como pequenas crônicas que, ao falarem sobre o que parece nada, falam sobre tudo. As melodias imprevisíveis emulam fluxos de consciência que acompanham as letras. Os arranjos de folk, com um quê de country, sobre a base predominante de violão, piano e violino conferem ao álbum a sua atmosfera autêntica e intimista. Se Bright Future está nessa lista, deve-se destacar a faixa Sadness As A Gift, uma das maiores da carreira de Lenker e entre as melhores músicas de 2024. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Sadness As A Gift, Free Treasure e Fool

Liniker – CAJU

No gosto proeminente de um pseudofruto, Liniker se lambuza em frutose com CAJU. O álbum de 14 faixas é um verdadeiro passeio pela diversidade do sentir, contemplando desde a necessidade de um amor com intimidade ao respirar aliviado dos fins com tom de recomeço. Além das múltiplas facetas temáticas, o disco também encontra espaço para fazer um belo mix de ritmos musicais, trazendo o soul, o pop, a mpb e até o pagode para serem parte da construção da miscelânia.  

O tom angelical, dramático e ousado de CAJU ganha ainda mais cor com a presença de feats de peso, como o duo Anavitória, em Ao Teu Lado, BaianaSystem, em Negona dos Olhos Terríveis, e Melly, em Papo de Edredom. Entre muitos outros adjetivos possíveis, a produção é simplesmente encantadora e, de longe, um dos melhores trabalhos musicais do cenário nacional contemporâneo. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Caju, Veludo Marrom e Ao Teu Lado.

Trent Reznor and Atticus Ross – Challengers (Original Score)

Se, por um lado, partidas de tênis nunca foram tão interessantes quanto em Rivais (2024), por outro, a trilha sonora original certamente adicionou uma camada extra de tensão ao trio protagonista do filme de Luca Guadagnino. Com momentos que buscam inspiração nas raves da década de 1990 e no cenário da cultura techno de Berlim, Challengers (Original Score) apresentou 16 faixas impressionantes.

Apesar de ter sido esnobado pelas principais premiações do Cinema, o disco rendeu nas redes sociais, viralizando a sonoridade com memes e edits criados por admiradores. Fazendo jus ao convite de Guadagnino aos compositores e membros do Nine Inch Nails Trent Reznor e Atticus Ross – “Você quer participar do meu próximo filme? Vai ser super sexy” – Challengers (Original Score) brinca com os sintetizadores enquanto prepara o ambiente para a tensão (e o tesão) em cena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Stopper; Brutalizer 2.

Clairo – Charm

Se fosse possível dar uma boa olhada dentro do cérebro de Clairo, seria seguro presumir que o fluxo de consciência dela é semelhante ao de qualquer pessoa com 20 e poucos anos. Segundo a cantora, as experiências íntimas que ela aborda em seu terceiro álbum de estúdio têm a ver com “momentos fugazes (…) em que fui encantada ou encantadora” e as fantasias que esses momentos podem produzir. Quem nunca esteve nessa posição? E quem nunca precisou recorrer à Música para saber que não é a única pessoa do mundo a sentir tudo o que isso envolve?

Enquanto Immunity explora a juventude e Sling mergulha na complexidade que envolve o ato de crescer e amadurecer, Charm está no meio-termo, ao passo que se debruça sobre o sentimento de se apaixonar por alguém. São 38 minutos de jazz sussurrante, elementos do soft rock, toques orquestrais groovy e um calor aconchegante, com o lirismo de Claire Cottrill cantarolando junto com cada melodia descontraída. O álbum escancara o que a cantora e sua Arte sempre foram: um charme. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Second Nature, Juna e Add Up My Love

Tyler, The Creator – CHROMAKOPIA

Qualquer um que esteja em dia com o cenário do rap atual sabe que Tyler, The Creator é uma de suas jóias mais brilhantes, e CHROMAKOPIA evidencia esse fato. Em sua produção mais inventiva até o momento, o artista amplia um pouco mais seus limites criativos e aprimora sua habilidade como contador de histórias, demonstrando uma vasta maturidade artística ao longo de todo o processo.

O álbum é uma mistura de todos os temas que o artista já abordou em seus trabalhos anteriores sem parecer explicitamente com nenhum deles. A sensação é que as 14 faixas aqui presentes são as que mais se assemelham com o verdadeiro Tyler Okonma, ainda que não se pareçam com nada que ele já tenha feito. Essa é uma proposta empolgante para os fãs de longa data, uma vez que abre um mundo novo de possibilidades para um dos nomes mais relevantes da Música contemporânea. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Rah Tah Tah, Sticky (feat. GloRilla, Sexyy Red & Lil Wayne) e Take Your Mask Off (feat. Daniel Caesar & LaToiya Williams)

Twenty One Pilots – Clancy

Depois de quase 10 anos, o Twenty One Pilots encerra uma lore que dura quatro álbuns e que traz consigo não só uma legião de fãs como também todo o amadurecimento do duo. Clancy é a prova de que o grupo atingiu sua forma máxima e como resultado, promove uma revisitação a toda sua carreira, sem mirar em um álbum específico.

Em questão de gêneros, talvez seja o álbum mais diverso do grupo: as estrofes rimas estão lá, mas dividem espaço com uma bateria mais carregada que remete ao pop punk e elementos que descambam de vez para o rock. Essa miscelânea de estilos converge com um Tyler que consegue abordar a batalha mental – que sempre foi mote dos últimos trabalhos do Twenty One Pilots – através de diferentes metáforas, que no final das contas, funcionam como uma recompensa para os fãs que batalharam junto ao longo da última década. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Next Semester, Oldies Station, Paladin Strait

Beyoncé – COWBOY CARTER

De volta para as suas raízes texanas, Beyoncé fez de COWBOY CARTER a sua principal aposta de redenção. Flutuando pelo pop e R&B durante a maior parte de sua carreira, a artista finalmente se aventurou em um universo que não aprecia forasteiros: o country estadunidense. De fato, para a surpresa de poucos, o disco foi esnobado pela principal premiação do gênero, o Country Music Awards. No entanto, pode-se afirmar que a força das 27 faixas se somatizaram em outra grande cerimônia da indústria, o Grammy Awards, que, até o momento, ainda devia uma estatueta de Álbum do Ano à artista mais nomeada e vencedora de sua história.

Quase como um enorme trabalho em grupo sobre o country e os limites entre diferentes sonoridades, a segunda obra da trilogia produzida durante a pandemia de covid-19 apresentou colaborações, no mínimo, singulares. Em meio a veteranos e novatos, as parcerias variaram desde a Dolly Parton e Stevie Wonder até Miley Cyrus e Post Malone. O destaque, contudo, ficou sempre para a voz inconfundível de Beyoncé que, aqui, ecoou de forma ainda mais potente. Agora, é esperado que o encerramento do trio de discos venha acompanhado de uma pegada rock à la Tina Turner, uma das grandes inspirações da popstar. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: 16 CARRIAGES; BODYGUARD; DAUGHTER.

POCAH – Cria de Caxias

Em Cria de Caxias, POCAH celebra e relembra sua própria história. O disco mostra três momentos da cantora e suas canções são intercaladas por interlúdios, grafados de formas diferentes: MC POCAHONTAS, pocah e Viviane. Além dessa distinção estilística, o álbum traz uma ecleticidade interessante – indo do funk carioca, passando pelo 150 bpm, até músicas reflexivas, cada um dos atos traz um ritmo diferente, e mostra a versatilidade de POCAH. 

A definição perfeita de Cria de Caxias é mudança e amadurecimento. Diversos momentos importantes da vida da cantora estão presentes no trabalho, como troca do nome artístico – de Mc Pocahontas para somente POCAH – e o nascimento de sua filha Vitória. O primeiro e o segundo ato começam com a mesma batida – assim como Charli xcx fez com as canções 360 e 365 –, enquanto o último é repleto de calma e cheio de amor: a música Vitória se comporta como uma declaração e encerra o disco de forma tranquila. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: ASSANHADINHA, cria de caxias e Vitória

Ariana Grande – Eternal Sunshine

Ficando na lista dos cinco álbuns mais ouvidos de 2024, Eternal Sunshine tem seu valor registrado na história. O sétimo disco de Ariana Grande vem como um recomeço grandioso na carreira da artista, possuindo um vínculo profundo com o momento que a Grande passava em sua vida pessoal, após o término de seu relacionamento com  Dalton Gomez. Transformando a dor e a vontade de se reencontrar, e com um impulso da chegada aos 30 anos, Ariana entrega ao ouvinte 13 novas músicas, pelas quais passeia por ritmos e sensações em uma delicadeza e poder únicos. 

O amadurecimento da cantora e de seu público se torna palpável no disco; para o espectador, chega na nova forma de escutar e entender cada referência, melodia e letra, e, para a cantora, na forma com a qual se apresenta. Sempre guardando uma surpresa para os fãs, Ariana expõe ao mundo seu novo trabalho de forma sentimental e inteira, demonstrando como lidar com as memórias é importante para criar novas conexões e novos caminhos, e deixando a todos uma bela memória musical logo no início do ano, como uma carta de que mesmo nos momentos ruins, tudo vai melhorar.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: we can’t be friends (wait for your love), eternal sunshine, bye

Anavitória – Esquinas 

O que pode acontecer quando viramos uma esquina e não a outra? Em seu quinto álbum de estúdio, Anavitória não se dispõem a responder, mas a suscitar essa pergunta. Esquinas, lançado em Dezembro de 2024, encerra a era COR (2021), abusando do modo subjuntivo em um disco leve, grandioso e recheado de carga dramática.

Composto por 12 faixas, o trabalho representa as possibilidades em letras que tem como tema principal a vida; simples, contínua e incerta. O aspecto mais genial da obra é fazer com que quem escuta se sinta exatamente como as músicas interpretadas pelas artistas: longe de descobrir, mas como quem também “queria saber como seria”.  Seja no claro ou no escuro, a única certeza é que virar a rua em que se encontra Esquinas pelo caminho, é um doce presente. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Navio ancorado no ar, Espetáculo estranho e Água-viva.

Linkin Park – From Zero

O rock, nascido com a premissa de quebrar paradigmas, em uma relação inversamente proporcional, se tornou um dos gêneros mais conservadores – talvez só perdendo para a música clássica. O próprio Linkin Park já teve que lidar com certa rejeição quando veio ao mundo e, depois de provar seu talento, fincou seu nome na safra do início do século. Agora, sete anos após seu último álbum de estúdio e sem a cara principal da banda, Chester Bennington, o grupo precisou se provar mais uma vez.

Quando Emily Armstrong foi anunciada como a frontwoman escolhida para substituir Chester, a tarefa parecia ainda mais difícil. Mas o resultado foi um registro que, ao mesmo tempo em que preserva a história do Linkin Park, também coloca a banda como precursora nas mudanças do gênero. Mike Shinoda, agora com total controle da produção, conduz magistralmente o grupo de volta para um rock mais sujo e pesado instrumentalmente, para que a força vocal de Emily ecoe em um trabalho que agrada de gregos a troianos. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Heavy Is the Crown, The Emptiness Machine, Two Faced

Anitta – Funk Generation

Desde quando Anitta anunciou em 2017 que ia começar a apostar em sua carreira internacional e levar o funk para o mundo, diversas tentativas foram feitas: O projeto Checkmate e seus singles, o primeiro álbum trilíngue, Kisses (2019), várias colaborações com artistas globais e o polêmico Versions of Me (2022). Todos esses trabalhos tiveram seu valor, artístico e/ou estratégico, mas nenhum deles realmente transmitia nossa cultura. Porém, em 2024, a cria de Honório Gurgel finalmente fez o disco prometido, Funk Generation.

O álbum tem a coesão e a artisticidade que há muito tempo faltavam nas músicas da cantora. Produzido majoritariamente por artistas brasileiros, Funk Generation resgata elementos dos diversos subgêneros do funk como o carioca, o paulista, o melódico, o dos anos 2000, entre outros. A sensação é de estar em um bailão do início ao fim. Mesmo que cante na maior parte do tempo em inglês e espanhol, Anitta conseguiu entregar qualidade tanto para nós, quanto para os gringos que estão conhecendo cada vez mais o brazilian funk. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Lose Ya Breath e Savage Funk

Irmãs de Pau – Gambiarra Chic Pt. 1 

Gambiarra Chic caminha por experimentações frenéticas e dançantes que dominaram as pistas das baladas LGBTQIA+ do Brasil. Com a ajuda de DJs como: CyberKills, Clementaum, DJ Dayeh, Brunoso e MU540 que ajudaram na produção e levaram as músicas da dupla pelo país inteiro. Assim, elas conquistaram uma legião de fãs que adoram os seus beats e flows explosivos.

As experiências de mulheres trans são o ponto central das letras do projeto, ao abordar essa temática dentro do funk, Irmãs de Pau reivindicam o seu lugar nos bailes, baladas e pistas do Brasil todo.  – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Blossoms – Gary

A história por trás do nome Gary trás um toque especial a todo o conceito: se inspirando em uma figura conhecida do Reino Unido nomeada Gary, um gorila de fibra de vidro com mais de dois metros de altura, a faixa-título narra a história do desaparecimento do mesmo. E não era possível esperar a mesmice de tantos álbuns da atualidade dentro do novo trabalho da banda só de conhecer o que foi o pontapé para o trabalho.  Em seu quinto registro e estreando sob selo próprio, Blossoms surpreende positivamente com uma musicalidade que mescla tudo de melhor que a banda já ofereceu até hoje, com ritmos contagiantes, melodias gostosas de ouvir e uma escrita divertida – por vezes até irônica. 

A junção de tantas referências em um único trabalho, por vez, cria algo original e único, o que transforma o disco em uma experiência agradável e uma boa companhia para o dia a dia. Entre as dez novas músicas, nenhuma cai no limbo de “se sentir descartável”. Mais de uma década após sua criação e em um momento marcante de reinício, Blossoms se mostra atual, sólido e com muita força para continuar reinventando, além de ser um convite e tanto para uma nova parcela de ouvintes no outro lado do globo.  – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Perfect Me, Slow Down, I Like Your Look

Allie X – Girl With No Face

Ouvir Girl With No Face, lançado em fevereiro de 2024, é entrar nas discotecas dos anos 1980 e ferir os tímpanos com os sintetizadores típicos da música pop. Embora os ritmos façam o corpo querer dançar – com exceção da introspectiva e misteriosa faixa Saddest Smile – e os falsetes gritados da cantora contribuam para o estilo, as composições abordam temas sensíveis, como disforia, transtornos alimentares e padrões de beleza. Em Off With Her Tits, a repetição do refrão pedindo para retirar os seios, gruda na cabeça, assim como as imposições do sistema. A garota pode até não possuir rosto, mas esbanja personalidade.

Escrito majoritariamente pela própria Allie X, Girl With No Face foi uma das surpresas mais agradáveis de 2024. Os tons contraditórios entre conteúdo e música conseguem fisgar o público que, oriundo da internet, construiu uma personalidade ácida de fazer diversão com traumas e problemas. O disco é uma espécie de laboratório do que é ser uma mulher, e a canadense cria seu conceito – afinal, toda mulher pode vestir uma face. Infelizmente, Allie X ainda não explodiu nas paradas, nem virou trend no TikTok – o fato de não querer estar em festivais pode ter ajudado nisso –, mas com seu talento quem sabe no próximo ano. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Galina, Black Eye e Truly Dreams

Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft

À altura do terceiro álbum, é inegável o sucesso de Billie Eilish. Desde que lançou o debut  WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, já foram dois prêmios do Oscar e nove vitórias ao Grammy, maior premiação da indústria fonográfica. Com Hit Me Hard and Soft, a cantora abriu – ainda mais – o coração e chegou a locais que até então não eram sua marca, a exemplo de sua extensão vocal em BIRDS OF A FEATHER. A canção, aliás, finalizou o ano de 2024 como a mais tocada no Spotify e entrou na boca do povo como uma das faixas mais aclamadas de sua carreira.

A virada de Happier Than Ever se tornou uma sonoridade conhecida – e bem executada – da artista. Agora, há momentos iguais a esse no projeto. Em L’AMOUR DE MA VIE, a performer de 22 anos brinca com efeitos sonoros e mostra que sabe utilizar o autotune a seu favor a partir da mudança da música. Com influências de dance pop, nas 10 faixas que compõem o trabalho, a irmã de Finneas – seu produtor e membro da família — se firma como uma grande contadora de histórias, sejam elas trágicas ou animadas, mas sempre muito, muito bem interpretadas. – Guilherme Leal

Faixas Favoritas: BIRDS OF A FEATHER, BLUE E L’AMOUR DE MA VIE

Lvcas – Humanamente

Com fluidez similar à que produz conteúdo nas redes sociais há anos, o youtuber Lucas Inutilismo, utilizando o nome artístico de Lvcas, lança seu primeiro álbum Humanamente, que junta elementos de metalcore, funk e eletrônica. Com 16 composições autorais, Lucas é responsável por gravar vocais e todos os instrumentos das músicas, e co-assina a produção ao lado de Marcelo Braga, seu parceiro nos clássicos vídeos de releituras musicais de retrospectiva do artista.

O álbum apresenta apenas uma colaboração especial com Luana Victoria, a irmã do artista, na faixa Te Espero Aqui, que serve como um momento de tranquilidade no disco, composto por graves usados tanto para bate-cabeça quanto para dança. O metalcore é a principal inspiração, mas há alusões ao trap, hip-hop, pop, hardcore e djent enquanto traz reflexões sobre dilemas próprios do ser humano nas letras, mas sem ser conceitual demais a ponto de contar história através da música. Em 2025, Lvcas inicia a sua turnê em São Paulo com show caótico e é promessa no cenário de metal alternativo do Brasil. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Flores, Meu jeitinho e Te espero aqui

FLETCHER – In Search Of The Antidote

Desde que FLETCHER usou o nome da namorada de sua ex em uma música, ela tem sido considerada um ícone queer no setor por seu lirismo irônico que encapsula, com sucesso, a experiência do relacionamento amoroso entre mulheres. No entanto, ao invés de continuar na narrativa dos rompimentos angustiantes e inseguranças pessoais do primeiro álbum, In Search Of The Antidote oferece uma análise tumultuada de identidade e realização pessoal, englobando o lado sombrio do processo de cura.

Aqui, Cari Fletcher se mostra como uma mulher complexa, vulnerável, forte, sexy e sem pudor, deixando claro que este é um dos trabalhos mais honestos e consistentes de sua carreira. Envolvendo a bagunça das emoções pós-término em cortes pop que fogem às regras, a artista prova, mais uma vez, que ninguém faz hinos de corações partidos da mesma forma que ela. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Lead Me On, Pretending e Antidote

COIN – I’m Not Afraid Of Music Anymore

O sexto álbum de estúdio da banda COIN, intitulado I’m Not Afraid Of Music Anymore, chega após um período de bloqueio criativo do grupo. As ideias dos membros não convergiam entre si, mas um sentimento único as conectava: o medo. Foi a partir dessa inquietação que surgiu o disco mais coeso e maduro da carreira deles. Diferentemente de produções anteriores, em que Chase Lawrence, Ryan Winnen e Joe Memmel soavam como se estivessem compondo colagens musicais, este trabalho se destaca por construir um quebra-cabeça cuidadosamente montado do começo ao fim.

A sonoridade do álbum presta uma homenagem aos primeiros trabalhos da banda, resgatando o característico rock de garagem. No entanto, com a produção de Gabe Simon – conhecido por colaborações com Lana Del Rey e Noah Kahan –, os instrumentais ganham uma polidez que os torna mais equilibrados e harmônicos. Nesse clima nostálgico, o grupo aproveita para reconhecer a importância de seus fãs. Na delicada Sing Along, Lawrence canta: “Quantas tentativas posso encaixar em uma música/Esperando que você ainda cante junto?”. Essa conexão com o público é a maior conquista de COIN, e I’m Not Afraid Of Music Anymore não apenas reforça, mas também celebra essa história.  – Arthur Caires

Faixas favoritas: Problem e Sing Along

Role Model – Kansas Anymore

Não há nada melhor do que um álbum country de término de relacionamento escrito por um corno. Esse é Kansas Anymore, o segundo disco de estúdio de Tucker Pillsbury, mais conhecido como ROLE MODEL. Após terminar com uma das influenciadoras da Geração Z mais conhecidas, Emma Chamberlain, o cantor entrega seu trabalho mais coeso até então. Entre melodias contagiantes, sua marca registrada, e a autoconsciência de sua personalidade sedutora, é possível aproveitar 40 minutos de músicas íntimas e divertidas. 

Ao mesmo tempo que supera o fim de seu relacionamento, Pillsbury também se vê imerso na superficialidade de Los Angeles. As referências a drogas e tratamentos estéticos evidenciam um descontentamento crescente com o estilo de vida da cidade. A nostalgia por suas origens e o desejo de fuga explodem em faixas como The Dinner, onde o artista expressa o desejo de abandonar a futilidade da vida urbana e retornar para casa. Após seu primeiro álbum, Rx, não ter alcançado grandes destaques, Kansas Anymore é um passo na direção certa na carreira de ROLE MODEL. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Writing’s On The Wall e Slipfast

Luan Santana – LUAN AO VIVO NA LUA – CRESCENTE

O novo álbum de Luan Santana conta com mais uma fase da Lua: depois do  EP LUA – NOVA, veio a versão CRESCENTE, lançada em 21 de novembro de 2024. O disco mostra uma nova perspectiva sobre as turnês que Luan pretende construir. Além disso, o cantor permanece trazendo músicas que não perdem a originalidade do seu sucesso inicial. O álbum continua com o estilo das faixas românticas que o público costumava vibrar, como a famosa música Meteoro – o primeiro marco de sua carreira, lançada em 2009. 

A experiência é totalmente imersiva, de modo que a tecnologia de palco está sendo utilizada para trazer uma ideia de um show realizado no espaço: Luan esclarece isso na apresentação de CERTEZA. O cantor sempre procura oferecer novos ambientes para o seu público e LUA – CRESCENTE não foi diferente. De maneira geral, pode-se afirmar que o álbum marca uma divisão para os próximos projetos do cantor, que agora competem com os desafios do seu papel de paternidade. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: CERTEZA – Ao vivo, PARECE – Ao vivo, COISAS QUE EU NÃO VOU DEIXAR DE TER – Ao vivo

Céu – Novela

Novela é carinhoso e prazeroso. A primeira faixa, Raiou, já te transporta para o oásis do álbum, longe do mundo real, mas próximo da natureza. As melodias desapressadas conduzem uma experiência de transe ao ouvinte que, se deixar o corpo solto, acompanha os movimentos musicais sem perceber. É um álbum para ouvir e se deixar derreter nele. A sonoridade especial mescla com elegância MPB, reggae e soul, guiada pela voz de veludo de Céu, que é um espetáculo à parte. A cantora sabe transitar pelos gêneros, conferindo a cada um que cruza a sua impressão autoral única.

O álbum foi gravado ao vivo, de maneira orgânica, o que acentua ainda mais a intimidade instantânea do ouvinte com a obra. Novela só falta respirar, é vivo. Céu não tem dificuldade em amarrar à mesma obra conceitos independentes, o que a permite brincar com faixas como a divertida Cremosa e com o rock nostálgico de Lustrando Estrela. Nessa grande salada mista, ainda tem espaço para colaborações de ótimo gosto, que só elevam a qualidade para além da estratosfera. A cantora divide os vocais com convidados em três faixas bilíngues (Raiou, Gerando na Alta e Into My Novela). – Giovanna Freisinger

Faixas Favoritas: Into My Novela, Corpo e Colo e Gerando na Alta

Jovem Dionisio – Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais)

O nome do disco surge através da letra de Neste Contexto, canção apresentada ao público como o primeiro single dessa nova fase da banda. Agora, sem dúvida nenhuma, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais), simboliza a trajetória e a convicção de que esse é o caminho que a Jovem Dionisio pretende seguir nos próximos anos. Antes do lançamento oficial do álbum, os “meninos hidratados” entregaram um teaser filme, com um roteiro fantasioso digno do subgênero terrir sobre um chefe bagre, dono de uma cadeiraria e que vive assombrando seus funcionários. O curta-metragem também escapa alguns spoilers das canções presentes no disco, além da nova identidade visual da banda. 

O melhor de Acorda, Pedrinho volta com mais profundidade. Sendo o trabalho mais experimental produzido pela banda, o principal desafio na composição do disco foi, sem dúvidas, em como conduzir essa pluralidade de arranjos e histórias, de maneira coesa para a compreensão do ouvinte, sem que a narrativa se perdesse nela mesma. Algo que foi pensado em conjunto como um grupo e revisitado inúmeras vezes pelos integrantes, que chegou em seu resultado final: um dos melhores álbuns indie no cenário atual da música brasileira. Fora o sucesso de to bem, que dispensa apresentações, Ontem Eu Tinha Certeza (Hoje Eu Tenho Mais) também traz grandes parcerias, como o Grupo Menos É Mais, na canção sinto muito (demo) e de Arnaldo Antunes, em passeando do seu jeito, marcando o encontro de gêneros musicais presentes na segunda discografia da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Neste Contexto, sinto muito (demo), eu preciso te dizer que

Kali Uchis – Orquídeas

Amor, sedução, desejo e fertilidade costumam ser as associações que a flor orquídea recebe de muitas culturas. Orquídeas, de Kali Uchis, também pode ganhar esses significados – e sentimentos para quem ouve – através das canções sobre traições, pensamentos intrusivos que trazem lembranças de amantes e o amor incondicional de uma mãe para com o filho. A faixa Tu Corazón Es Mío… é dedicada ao nascimento do filho de Uchis com Don Toliver: a artista, grávida no clipe, preferiu resguardar a gestação dos holofotes.

Além disso, o álbum consegue transpassar o calor do amor por meio dos ritmos quentes do R&B e do reggaeton, assim como seu antecessor Red Moon in In Venus, porém mais enérgico e sem espaço para as músicas melódicas. Te Mata, canção sobre uma mulher que conseguiu se libertar de uma relação ruim, é uma experiência que se assemelha a assistir a um filme do Almodóvar. Embora a letra pareça um sertanejo universitário genérico, os arranjos e vocais de Uchis sobem a temperatura dos ouvidos de uma forma extremamente luxuosa. – Davi Marcelgo

Faixas Favoritas: Igual Que Un Ángel, Te Mata, Tu Corazón Es Mío…

Lil Tecca – Plan A 

Com apenas 16 anos, ainda no colegial, Tecca lançou Ransom, seu maior hit até hoje. Cinco anos depois, entre transições suaves e batidas de hip-hop melódicas, Tecca ainda consegue conquistar o coração dos fãs com seus novos projetos: não foi diferente com Plan A. Em seu quarto álbum de estúdio, o artista expressa que nunca teve outro plano para seu futuro, apenas o ‘plano A’. Taste, a faixa de abertura do álbum, recebe um destaque especial devido ao seu ritmo mais lento, trazendo uma coesão perfeita entre as rimas de Tecca por cima do instrumental cloud trap.

Com 18 faixas e apenas uma colaboração, sendo em I Can’t Let Go com Don Toliver, eram esperados mais participações especiais no álbum, porém a batida rage rap experimental não deixou a desejar na faixa. É relevante destacar que as fantásticas transições entre as músicas do projeto tornam a experiência de ouvir o álbum como um todo algo incrível e único. O disco demonstrou a grande maturidade adquirida pelo artista ao longo dos anos. Seja como pessoa e produtor, com apenas um plano em mente, Tecca está conseguindo concretizá-lo. – Leonardo Quinalha

Faixas favoritas: Taste, Bad Time e Number 2

Bring Me The Horizon – POST HUMAN: NeX GEn

Nos últimos anos, a banda britânica Bring Me The Horizon tem passado uma mensagem muito clara para o público: ‘não temos medo de mudanças e usamos nossa criatividade como bem entendemos’. Esse forte posicionamento fez com que os integrantes não se prendessem a um único gênero, algo que não costuma acontecer no meio em que estão inseridos, e é o que faz a banda crescer a cada lançamento – mesmo estando na indústria há duas décadas. POST HUMAN: NeX GEn, a segunda parte de um projeto que retrata uma sociedade pós-apocalíptica, é um dos álbuns que mais sustentam esse argumento.

Ao adicionar electronica e hiperpop à mistura usual de metalcore, nu metal, pop rock e emo, a banda produz um disco diversificado, mas que ainda carrega a personalidade e o talento lírico que sempre teve. NeX GEn é um álbum que está em contato com o passado, ciente do presente e idealizando o futuro – algo que pouquíssimos artistas chegaram perto de realizar em 2024. – Raquel Freire

Faixas favoritas: YOUtopia, Top 10 staTues tHat CriEd bloOd e DArkSide

The Last Dinner Party – Prelude To Ecstasy 

Com o passar dos anos, cada vez mais expoentes femininas estão conquistando seu lugar no rock, principalmente vindos da vertente britânica do gênero. Nesse ano, foi a vez do The Last Dinner Party alçar os holofotes de uma forma bastânte única e cheia de excêntricidade, colocando a banda como um dos maiores achados desta década.

O quinteto gótico, que seu conheceu nos pubs enquanto cursavam a faculdade, não reinventa a roda. Pelo contrário, ele usa de referências muito distantes uma da outra e as canaliza e um pop barroco repleto de glam rock. Como qualquer obra de origem feminina, Prelude to Ecstasy vem carregado de críticas a masculinidade e a percepção feminina da sociedade, que são intesificadas por cinco artistas que fazem questão de ir contra a forma com que a humanidade imagina e idealiza uma mulher. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Nothing Matters, Ceasar on a TV Screen, Beautiful Boy

ZAYN – ROOM UNDER THE STAIRS

Escolher deixar uma parte sua para trás requer boas doses de sanidade e de falsos começos. Para ZAYN, essa mudança começa através de insights que ecoam em seu íntimo e que ganham pulsação através das 15 faixas presentes em seu novo disco, ROOM UNDER THE STAIRS. Sendo uma expressão de seus anseios e inquietações, o álbum representa um recomeço próprio para o cantor e para a sua música. 

Três anos separam o trabalho atual do seu último registro, Nobody Is Listening (2021), um disco também introspectivo, mas que demandava de uma grande produção para alcançar o rhythm & blues moderno pensado e desejado pelo artista. Diferente disso, o quarto álbum é mais cru e intimista em sua composição, se aproximando das sonoridades do country e do blues original. Com apenas voz e violão – e a little bit of soul –, Zayn aproxima suas letras de seus ouvintes, atingindo a maturidade que faltava em sua discografia. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: False Stars, The Time, Alienated

Gloria Groove – Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) 

Lançado em maio de 2024, Serenata da GG, Vol.1 (Ao Vivo) fez Gloria Groove sair do funk e do pop brasileiro. A chegada da cantora no pagode, por meio de músicas inéditas e regravações de clássicos dos anos 2000, mostra que a voz de Groove recebeu um toque surpreendente. O disco conta com 13 faixas, com participação de Ferrugem, em Câmera Frontal – Ao Vivo, e o cantor Belo, em Eu Era Feliz – Ao Vivo. 

A drag queen inovou o estilo que está acostumada a cantar, de modo que o álbum traz mais romance para sua música, ao contrário de LADY LESTE, que possui faixas voltadas para o pop e o hip hop. Em Serenata da GG, Vol. 1, Gloria Groove preocupa-se em trazer um pouco mais do ritmo típico brasileiro, além de misturar sua música com ícones do Brasil, como Alcione, na faixa A Loba – Ao Vivo. Essa nova visão da cantora, com certeza, deixa qualquer um em dúvida sobre qual será sua próxima aposta. – Maria Fernanda Beneton

Faixas Favoritas: Nosso Primeiro Beijo – Ao Vivo , Eu Odeio Dia 12 – Ao Vivo, Radar – Ao Vivo

MC Luanna – Sexto Sentido

Nome marcante da cena feminina do Rap, Mc Luanna cresce sem medo e, em 2024, provou novamente que não à toa. Com o lançamento de Sexto Sentido, a cantora mostrou que a menina de 44 (2022) amadurece a cada dia com rimas mais críticas e beats complexos, se tornando a mulher que sabe o quão contra a corrente nada.

Longe de achar graça nessa realidade de ser um nome entre poucos quando se trata de mulheres negras com visibilidade na Música, a artista trata de destacar a insatisfação com essa realidade: “sou uma mulher negra falam pra ser mais forte/pra correr duas vezes porque a gente é sem sorte/pra que expor sentimento se não vou ganhar flores?”.  Da vulnerabilidade e dor de não poder sequer aparentar fraqueza, Luanna mostra que sua força está em ser a inspiração de tantas mostrando exatamente o que o mundo a fez achar errado expor: humanidade.  – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Ainda Sinto Muito, Rotina 2 e Cartas a Uma Garota Negra.

Sabrina Carpenter – Short n’ Sweet

Cafeinado, pequeno e doce, Short n’ Sweet mostra ainda mais o lado sedutor e apaixonado de Sabrina Carpenter. Por meio de trocadilhos e piadinhas levemente sexuais, a cantora consegue ainda mais se distanciar da imagem de atriz mirim da Disney e se aproximar do estrelato do mundo pop – e mostra que já atingiu a maioridade. Carpenter apresenta um disco enérgico e divertido, flerta com o synth pop e o country, além de afirmar que mulheres podem sim demonstrar a sexualidade e a sensualidade de formas positivas, sem sentirem vergonha.

Por meio de um pop chiclete, Sabrina Carpenter evolui ainda mais seu trabalho com a Island Records – que acompanha a pequena loirinha desde o emocional emails i can’t send –, e se estabelece na cena musical. Com singles viciantes – Espresso com sua cafeína, Please Please Please com suas repetições e Taste com suas fofocas – e músicas ainda mais gostosas de ouvir, Carpenter mostra que a sua Música possui tons alegres e cômicos, e que sempre pode retornar para temas reflexivos – como em Dumb & Poetic. – Laura Hirata-Vale 

Faixas favoritas: Good Graces, Taste, Don’t Smile

The Cure – Songs Of A Lost World

Canções De Um Mundo Perdido (em tradução livre) marca o retorno – e a despedida – da banda britânica comandada pelo vocalista, guitarrista e compositor Robert Smith. O novo álbum, embora melancólico, é sobretudo potente, e questiona o mundo atual através da forma e conteúdo. Com os celulares, rádios, streaming e músicas aceleradas, o disco de oito músicas e 49 minutos de duração vai na contramão das tendências e exige do ouvinte um momento de contemplação para as cargas dramáticas de The Cure. Introduzido por Alone com guitarra e bateria, a voz de Smith só entra depois de três minutos, assim como as outras canções – a faixa Endsong de dez minutos só apresenta letra aos seis.

“Esse é o final de todas as canções que já cantamos”, anuncia a banda. O disco reflete sobre a experiência de luto que Robert Smith passou ao longo dos anos, com a morte do irmão, da mãe e do pai. É um homem que se encontra desconcerto sobre o lugar que vive. Songs Of A Lost World é incrível e faz você sentir cada sentimento através das cordas e da voz de Smith – que nada envelheceu. O mais interessante é que, mesmo aos 65 anos, o mundo do líder da banda não está deteriorando pelas pautas raciais ou de sexualidade – como de costume com os ‘rebeldes’ do rock -, mas sim pela sua íntima experiência com o fim da vida, das relações e de sua banda. – Davi Marcelgo 

Faixas Favoritas: Alone, Fragile Thing e I Can Never Say Goodbye  

The Marías – Submarine

Submarine, o segundo álbum da banda indie-pop The Marías, é um mergulho sonoro que confirma a identidade única do grupo de Los Angeles. Formada pela vocalista porto-riquenha María Zardoya, criada no estado de Geórgia, pelo baterista e produtor Josh Conway, pelo guitarrista Jesse Perlman e pelo tecladista Edward James, os membros continuam a navegar entre momentos de introspecção e explosões de energia em suas músicas.

O título ‘Submarino’ é uma descrição precisa da atmosfera do álbum, que nos transporta para um mundo aquático onde a música flui como uma correnteza suave. O dream pop característico do grupo envolve o ouvinte em camadas de melodias etéreas, como se a música oscilasse entre a superfície e as profundezas. O encanto de Submarine reside na combinação de vocais delicados, sintetizadores hipnotizantes e linhas de baixo marcantes. As letras, muitas vezes introspectivas, giram em torno das frustrações e desconexões em relacionamentos, um tema central que confere unidade ao álbum. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Love You Anyway e Run Your Mouth

DUDA BEAT – Tara e Tal

Em Tara e Tal, DUDA BEAT explora uma sonoridade mais frenética do que nunca e flerta com o pop, rock e EDM. Ao longo do ano de 2024, a artista embarcou em uma turnê que promoveu o disco e colocou multidões para dançar muito em faixas como: NiGHT MARé e SAUDADE DE VOCÊ. O trabalho foi reconhecido por suas referências não-convencionais e a habilidade de DUDA em transformar seu repertório em um disco coeso e competente. 

A habilidade de conseguir mais uma vez ter um trabalho admirado pelo seu público e crítica especializada, fez com que mesmo com a falta de grandes hits comerciais, Tara & Tal fosse lembrado como um lançamento essencial para a indústria musical nacional no ano de 2024. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: NiGHT MARé, SAUDADE DE VOCÊ, q prazer

Duquesa – Taurus, Vol. 2

Taurus, Vol. 2 narra o desenvolvimento da carreira de Duquesa através do olhar da artista, explorando os sentimentos que a fama trouxe para a vida dela. Durante 2024, o álbum foi responsável por colocar a rapper em uma lugar de destaque na cena do rap brasileiro, junto de outras mulheres como: Ebony e a dupla Tasha & Tracie. 

O álbum foi bem recebido pelo público e crítica especializada, explorando gêneros como rap, R&B e house music, sendo consumido por diversos públicos, posicionando ele como um trabalho que transcende as barreiras do gênero no país. – João Pedro do Nascimento Fontes

Faixas favoritas: Voo 1360 e Disk P@#$%&!

Gracie Abrams – The Secret of Us

The Secret of Us, segundo álbum de Gracie Abrams, destaca-se como uma das melhores produções de 2024 por sua profundidade emocional e evolução artística. Lançado pela Interscope Records, o disco apresenta uma colaboração notável com Taylor Swift na faixa us. (feat. Taylor Swift), evidenciando o reconhecimento de Abrams na indústria musical.  A produção de Aaron Dessner e Jack Antonoff contribui para a sonoridade expansiva e narrativa envolvente, refletindo o crescimento da jovem artista como compositora e vocalista. 

Desde seu lançamento, The Secret of Us recebeu uma versão deluxe, incluindo quatro novas faixas.  O álbum também rendeu a Abrams uma indicação ao Grammy de Melhor Artista Revelação, além de uma nomeação conjunta com Taylor Swift na categoria de Melhor Performance Pop em Dupla ou Grupo pela colaboração em uma das faixas do disco. A artista lançou videoclipes para faixas como I Love You, I’m Sorry, demonstrando sua versatilidade e conexão com o público, além de versões acústicas das canções de maior sucesso do disco. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: I Love You, I’m Sorry, us. (feat. Taylor Swift), That’s So True

Taylor Swift – The Tortured Poets Department

Com o álbum The Tortured Poets Department, Taylor Swift conquistou um lugar de destaque em 2024 por sua abordagem inovadora, que mistura poesia contemporânea com sonoridades experimentais. Trata-se de uma obra que transcende a simples classificação de gênero, apresentando letras carregadas de significados profundos, narrativas densas e um apelo emocional raro. A complexidade lírica da cantora e compositora  e a riqueza instrumental dialogam de forma brilhante, criando um equilíbrio entre o introspectivo e o compartilhado. O álbum lançado pela Universal Republic Records explora temas como dor, redenção e a tristeza de um término de relacionamento, oferecendo uma experiência que convida à reflexão e à imersão. Essa originalidade foi amplamente reconhecida pela crítica e pelo público, consolidando o projeto como um marco da música contemporânea.

Desde o lançamento, The Tortured Poets Department não apenas cumpriu, mas superou expectativas, quebrando recordes de streaming em plataformas digitais e sendo amplamente celebrado em premiações importantes da indústria musical, como os Grammys e o VMA. O videoclipe de Fortnight (feat. Post Malone), em conjunto com o rapper Post Malone, e a versão deluxe, The Tortured Poets Department – The Anthology, que conta com 15 faixas adicionais refletem o sucesso iminente do disco da loirinha. Os dois trabalhos, , aliados ao impacto cultural que a obra gerou, reafirmam a relevância e a influência de Taylor Swift no cenário musical atual. – Marcela Jardim

Faixas Favoritas: My Boy Only Breaks His Favorite Toys, Guilty as Sin?, Who’s Afraid of Little Old Me?

Rachel Chinouriri – What a Devastating Turn of Events 

O sinônimo de casa pode ter significados diferentes para quem o procura. A busca por pertencimento nos faz questionar sobre a nossa trajetória como indivíduo e quando se é uma mulher na indústria musical, esse sentimento é quase sucessivo. Em What a Devastating Turn of Events, produzido e interpretado por Rachel Chinouriri, ouvimos sobre a série de eventos devastadores que uma artista negra, nascida na Inglaterra, precisou passar até lidar com as adversidades e encontrar a sua própria maneira de fazer arte.

Assinado pela gravadora Parlophone Records, o álbum de debut conta com 14 faixas que combinam pop e indie rock, com uma lírica sensível e representativa. Mergulhando em narrativas difíceis sobre solidão, decepções e autocrítica, o disco representa, com muita sinceridade, o processo de aceitação vivenciado por Chinouriri, sobre ela mesma e o seu trabalho. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Never Need Me, All I Ever Asked, So My Darling

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Costanza Guerriero

No dia 15 de Agosto, o Twitter ficou polvoroso com o lançamento de Campo de Morango, o lead single do terceiro álbum de Luísa Souza, Escândalo Íntimo. Tanto o videoclipe quanto a música em si pareciam ser uma confirmação de que a cantora só sabe compor letras vulgares e superficiais. Contudo, aqueles que estavam bem atentos sabiam que essa pequena prévia serviria para provar um ponto, que é uma das premissas do novo projeto: Luísa Sonza, como antes se conhecia, é uma fraude. Nesse lançamento, a artista potencializa sua voz e traz sua trajetória de amadurecimento como o centro da narrativa. Ela elabora conceitos visuais e sonoros acurados, apresentando referências explícitas e cristalinas, para que até mesmo aqueles que não querem possam enxergar. 

Escândalo Íntimo brinca com a expectativa e a falácia do público, na sua estratégia de lançamento, e ao decorrer de suas 24 faixas, das quais seis foram lançadas posteriormente. Segundo a própria artista, o álbum conta a história de um relacionamento, desde o momento do flerte inicial, passando por noites tórridas, decepções e a superação dos traumas. Porém, seria mais interessante entender o disco como o processo de autoanálise da cantora, sob a ótica do contraste entre como a definiram e como ela se vê. O disco é dissecado em quatro blocos, que revelam momentos diferentes de um relacionamento, ou ainda, diferentes faces da Luísa Sonza, mostrando sua versatilidade e disposição de explorar diferentes ritmos e gêneros, desde o pop até a bossa nova. 

É de se admirar o quanto foi feito em um tempo relativamente curto. O álbum foi produzido em cerca de três meses em estúdios em Los Angeles, na Califórnia, e contou com Douglas Moda, Roy Lenzo e Tommy Brown como diretores musicais. A produção ganha uma índole plurinacional, não apenas por ter músicas cantadas em português, inglês e espanhol, mas também pelo envolvimento de diversos colaboradores de nacionalidades distintas. A artista contratada para fazer a arte da capa e contracapa do projeto, por exemplo, é a russa Olga Fedorova. Ainda para a parte visual, Sonza contou com auxílio da artista plástica e psicanalista Nathalie Nery, responsável pela exploração do conceito lúdico de sonhos versus realidade, que o disco tanto trata.

O trabalho é marcado por diversas colaborações com artistas como Marina Sena, Banco Exu do Blues, Duda Beat e até mesmo Demi Lovato. Ainda assim, a característica mais marcante do álbum é a maneira como reúne um grande número de samples e referências a outros músicos, o que por um lado pode beirar o exagero, por outro pode ser visto como uma carta de amor aos ídolos de Sonza, como Rita Lee, Alcione, Cazuza, The Beatles e Queen. 

Escândalo Íntimo é aberto pela faixa homônima, um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini, trilha sonora do filme A Virgem de Saint Tropez, do diretor polonês Zygmunt Sulistrowski. A faixa expressa a melancolia de se sentir as inseguranças e as angústias, que as letras a seguir irão abordar, mas sem deixar de, ao final, se misturar a uma agitação e batidas mais eufóricas, a chamada para o primeiro bloco.

As músicas iniciais, como Carnificina, pintam a Luísa Souza já bem conhecida, a BRABA, a MULHER DO ANO, provocadora e sensual. Essa apresentação mostra como a personagem criada pela artista se sustenta e é vista por parte do público. Apesar de todo o hate, a Dona Aranha continua a subir, numa pegada femme fatale. Contudo, o miolo do álbum nos revela uma Sonza apaixonada, romântica e que depende emocionalmente de um relacionamento. Curiosamente, é nesse bloco que se encontra Campo de Morango, a polêmica faixa em 150 BPM, que é, na verdade, a mais metafórica. Enquanto carrega uma letra extremamente explícita e frívola, faz referência à música Strawberry Fields Forever, dos The Beatles, que diz “nada é real (…)/ viver de olhos fechados é fácil/ não compreender o que você vê”. A canção seria, então, um sonho, no qual ela se boicota, contaminada com aquilo que o público projeta dela. 

Desde o lead single, Escândalo Íntimo é apresentado com um álbum visual. Junto de seu diretor criativo, Flávio Verne, Sonza buscou integrar no visual seus sonhos e a ludicidade, somados aos elementos das fazendas interioranas do Rio Grande do Sul, local no qual a artista cresceu. No terceiro bloco do disco, se faz presente uma estética de ‘fazenda dos pesadelos’, onde a gaúcha precisa vivenciar seus traumas e se reconhece em um relacionamento abusivo, seja com o parceiro ou parceira, com a mídia ou consigo mesma. Em músicas como Penhasco2 e Outra Vez, ela se despede da ‘cachorrinha artista pop’ e são revelados medos e inseguranças, mostrando que a imagem da ‘braba’ era pura encenação, uma fraude.

A última e quarta parte do álbum vem traduzida no alívio de conseguir sair da ansiedade e na libertação da expectativa alheia e autocobrança, como é cantado em Principalmente Me Sinto Arrasada, música estilo boneca russa que dá a sensação de haver várias dentro de uma só. Outro grande destaque é a faixa Lança Menina, uma clara referência e reverência a Rita Lee, em uma explosão de positividade e esperança, a qual muitos jovens artistas podem se identificar. Nessa última etapa, Sonza se enxerga e se apresenta como realmente é: nem boa, nem má, uma mulher que gosta de fazer música, suscetível a erros e acertos, que pode ser amada e odiada. 

Não acho que eu seja nem boa, nem má
Se todos caíram na minha laia
Falando a verdade, não me importa mais
Eu só faço o que todo mundo faz

Eu acho legal essa coisa de artista
E sei que não sou nenhuma especialista
Mas se me der um palco pra eu cantar
Desmonto e derrubo todo esse lugar

Ao fazer um paralelo de Escândalo Íntimo com DOCE 22, o último álbum da artista, vê-se como ela vem construindo uma trajetória coerente. No trabalho anterior, a cantora já havia mostrado ser capaz de sair da superficialidade das letras de Pandora e arriscar-se em melodias mais densas e pessoais. No novo lançamento, ela consolida ainda mais esse retrato e se lança em conceitos sonoros e visuais, preocupada em trazer uma narrativa coesa, que deveria dispensar grandes explicações. Com toda certeza, o álbum se torna um marco na carreira de Luísa Sonza, que adentra uma nova era, vivendo em um dos maiores momentos do pop nacional.

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Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira

Doja Cat – Planet Her

Doja Cat constrói seu próprio planeta e nos leva para visitá-lo em Planet Her. Lançado no dia 25, o mais novo álbum da cantora já nasceu com grandes expectativas. Depois de abalar a indústria musical com seu extremamente bem sucedido Hot Pink, era grande a espera por suas novas músicas. Seu primeiro single, Kiss Me More, estourou no TikTok e iniciou muito bem a nova era.

Dentre as 14 faixas, grandes nomes como Ariana Grande, The Weeknd e SZA participaram em feats que enriqueceram bastante a obra. Apesar dessas parcerias e algumas outras músicas com potencial de viralizarem, a outra metade do álbum não atingiu o nível que Doja é capaz de fazer com sua habilidade única de criar hits. Bem mais ou menos, Planet Her está dividido em composições completamente viciantes e outras nem mesmo divertidas de escutar. Em suma, um EP poderia ter sido uma escolha mais certeira da cantora, mas pelo menos recebemos canções ótimas para adicionar nas playlists de 2021. – Mariana Chagas

Lady Gaga – Born This Way The Tenth Anniversary

Quem imaginou que Lady Gaga poderia ficar mais gay ainda? Ou melhor, quem imaginou que o Born This Way poderia ficar ainda mais queer? Por incrível que pareça, a Mother Monster conseguiu. Em um relançamento mais que especial, comemorando os 10 anos do disco em pleno Mês do Orgulho LGBTQIA+, Gaga reuniu Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck para presentear o mundo com covers de algumas de suas melhores canções. 

Marry the Night, cantada pela lendária Minogue, e The Edge of Glory nos servem a energia do seriado Glee, no melhor dos sentidos. Highway Unicorn (Road to Love) e Yoü and I reimaginam a força das faixas em uma nova roupagem, sem perder o impacto e envolvimento. Born This Way (The Country Road Version) nos coloca para sentir a fivela gelada do cinto na barriga, dessa vez cantada por Peck. E Big Freedia fica com o melhor rework da compilação, uma insana e elétrica Judas, pulsante com sua fanfarra e a voz maravilhosamente grossa da artista. 

O maior defeito do álbum reimaginado é que tenhamos tão poucas faixas novas. Existem tantos cantores e produtores LGBTQIA+ talentosíssimos por aí que poderíamos receber um cover para cada música do Born This Way original. Infelizmente, só podemos sonhar com uma Scheiße refeita por Kim Petras, por exemplo, ou uma Bad Kids de Isaac Dunbar. Quem sabe no aniversário de 15 anos? – Jho Brunhara

Rostam – Changephobia

Ao contrário do que o nome do disco sugere, Rostam não tem medo das mudanças. Ex-integrante da banda Vampire Weekend e agora atuando como produtor e artista solo, Rostam tem em seu currículo grandes investidas da música indie de agora, desde seu debut de 2017, Half-Light, até a produção do recente e próximo-da perfeição Women in Music Pt. III, das HAIM.

Sua segunda aventura solo é Changephobia, um disco encorpado e difuso, no melhor sentido das palavras. Dessa vez, Rostam Batmanglij não hesita em mergulhar sem proteção em influências do rock e do jazz, filtradas por seu apurado senso estético e pelas ideias originais que imprime em todas as onze faixas. As guitarras sambam e as vozes se esgarçam, ao passo que temas como amor, medo e ilusão viram formas geométricas frente à criatividade do músico, sedimentando, de modo claro e simples, Changephobia como um dos destaques sonoros deste ano de 2021. – Vitor Evangelista

iris – love and other disasters

iris é uma cantora norueguesa que, desde 2019, vem trazendo singles e EPs sensíveis e com um toque pessoal. Agora, ela debuta com o álbum love and other disasters. Suas dezesseis músicas decorrem no tempo certo de 47 minutos, não deixando sua crescente sonoridade ficar maçante, ou até mesmo exaustiva. Mas, como nem tudo são flores, a qualidade do disco cai nos momentos em que a cantora tenta forçar a voz em melodias que poderiam ser simplistas.

push, don’t push, canção que abre love and other disasters, tem toda essência pop e já deixa o spoiler de um trabalho mais livre, sem amarras ou tabus. É em la petite mort que a cantora se entrega, sem medo, a falar de sua sexualidade. voodoo voodoo traz acordes e técnicas vocais complexas porém, sem falhas, e é um ótimo resumo de tudo que você pode esperar do disco. love and other disasters lida com produção extrema, do melhor ao pior. O equilíbrio faz do álbum apenas um trabalho mediano. – Ana Júlia Trevisan

Mallu Magalhães – Esperança

O quinto projeto solo de Mallu Magalhães não poderia carregar um nome mais propício. A esperança de dias melhores ronda o país há anos, por mais que a dura realidade contraste com a ideia de utopia. Mallu, agora com a maturidade da idade e da maternidade à seu favor, canta em Esperança sobre uma porção de temas sensíveis e alegres, refletindo com lentes de otimismo sua jornada e seu alcance.

As 12 faixas foram compostas pela artista, sozinha, mas a produção de Mario Caldato Jr. encorpa a narrativa do LP, cantado e versado em português, inglês e espanhol. A faixa que vale o stream é As Coisas, um louvor agudo que revela o ar de leveza que Magalhães guarda em seu timbre. Deixa Menina, dueto incomum com Preta Gil, coloca a filha de Mallu em foco, misturando samba e bossa nova. Esperança pode não renovar os ares da paulista de 28 anos, mas com certeza envereda sua Arte para ruelas mais floridas. – Vitor Evangelista

¿Téo? – Sol

A mistura de bossa nova com hip-hop de ¿Téo? em Sol vai marcar presença em algumas listas de melhores álbuns de 2021 por aí. O segundo disco do artista colombiano-americano continua os trabalhos do seu álbum de estreia homônimo de 2018, agora elevando a habilidade do artista de mesclar gêneros distintos e desenhando novas faces de sua identidade, que está exatamente nas diferentes influências culturais.

A abertura do disco nos apresenta o resultado exato dessas experimentações, muito bem-sucedido, vale ressaltar. E enquanto Pantera e Buena existem na interseção dos ritmos das diferentes Américas, a continuação de Sol também consegue se separar dentro dos gêneros que combina em suas 12 faixas. Para os ouvintes do raiz hip-hop, ¿Téo? reserva The Most e Americano, modernizando seu estilo com um pouco de reggaeton em Rrrrico e desenvolvendo o ritmo latino de forma mais suave em What’s On Ur Mind, I’ll Wait e Suplicar, esta última que acumulou milhões de streams e foi patrocinada por Justin Bieber.

Compreendendo as nuances da música latina desde seu aspecto global às suas raízes regionais, Sol ainda entrega a beleza do new flamenco em UNI2 e Buena. E a bossa nova? Está presente de forma mais pura em Do U Wanna Leave, mixada às batidas do funk e vocais de Mirella Costa em Assim, mas ela surpreende mesmo é em Buzzeed, resultado da colaboração de ¿Téo? com WILLOW. Eu sei, o conjunto de Sol é difícil de explicar e mais ainda de acreditar. Mas facinho de apreciar. – Raquel Dutra

Wesley Joseph – ULTRAMARINE

Rapper em ascensão, o jovem Wesley Joseph não cansa de inovar. Surgido com um single auto produzido, acompanhado de um videoclipe que esbanjava talento e visão artística, chegou a hora de Joseph lançar seu primeiro trabalho de estúdio completo. 

ULTRAMARINE aterrissa ciente do flow do cantor, que desata a rimar poeticamente, criando versos cinematográficos e que casam com o olho apurado que possui quando o assunto é complemento visual. Ecos de The Weeknd batem à porta enquanto ele convida a cantar sua conterrânea Jorja Smith na melhor canção do curto disco, Patience. – Vitor Evangelista

H.E.R. – Back of My Mind

Depois de ganhar não apenas um Oscar, mas também dois Grammys, H.E.R. consolidou seu nome como uma artista bem sucedida de 2021. Não tem como pensar em música nesse ano sem lembrar da jovem, e ao escutar seu álbum fica claro os motivos de tanto triunfo. 

Back of My Mind é uma viagem para, como o próprio nome diz, dentro da cabeça da artista. A obra é cheia de desabafos emotivos e profundos que, com tanta verdade, tocam nossos próprios sentimentos. Em My Own, Gabriella não tem vergonha em admitir que está carente e com saudade do seu amor. A maneira que fala abertamente da sua necessidade por afeto é a mesma que usa para rimar sobre seus traumas na terceira faixa da obra. 

Além dos solos, sete canções contam com feats que só elevaram ainda mais o potencial do álbum. Ty Dolla Sign, Lil Baby e outros grandes nomes se juntam a H.E.R. para cantar sobre suas emoções. De forma intimista, Back of My Mind vem para mostrar que a queridinha das premiações é apenas gente como a gente. – Mariana Chagas

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

“Você me dá vontade de chorar, mas de um jeito bom”, canta uma jovem de 23 anos em In A Good Way, a voz fina e anasalada se engrandece ao mesmo tempo em que confessa esse sentimento conflituoso. E o quarto disco de Faye Webster é recheado deles. A começar pelo título, sutilmente passivo-agressivo, que rememora as risadelas características do MSN, lol.

I Know I’m Funny haha engana pelo escopo de suas criações, por suas letras aparentemente simples e pelos vocais de Webster, que brincam com tons e com formas. Ela é despreocupada, carente, inteligente e ela está entediada. Qualquer tema escolhido ao longo dos quarenta minutos são tratados com o mesmo grau de seriedade, fazendo da integridade artística e da entrega sincera os pontos mais altos do trabalho. – Vitor Evangelista

Wolf Alice – Blue Weekend

O Fim de Semana Azul da banda Wolf Alice já é um dos álbuns mais prestigiados do ano, e com toda a razão. Em suas onze faixas, ouvimos uma história contada através das letras e da ambientação alcançada através da produção detalhista das músicas. Quase como uma experiência cinematográfica, somos conduzidos a sensações que crescem e culminam numa catarse musical, embalada pela voz de Ellie Rowsell. 

O rock alternativo e o shoegaze/dream pop já são conhecidos por esse poder de colocar o ouvinte quase num transe, e de transportar para uma atmosfera única e etérea, e Blue Weekend confirma a capacidade de Wolf Alice em acentuar essa força do gênero. Delicious Things com certeza tem Bowie nas suas veias, sendo uma das melhores faixas do disco. 

Ao longo do LP, nos deparamos com sintetizadores ecoantes, guitarras calmas, e até mesmo um rock mais convencional, e tudo se encaixa, numa síntese sobre como manter um álbum coeso sem que se torne monótono. Não se assuste quando Blue Weekend aparecer nas listas de melhores do ano por aí, eles merecem isso e muito mais. – Jho Brunhara

Alicia Keys – Songs In A Minor (20th Anniversary Edition)

Em 2001, o mundo admirava a estreia aclamada e promissora de Alicia Keys. Hoje, celebramos junto dela seus maravilhosos 20 anos de carreira. A comemoração acontece através de Songs In A Minor (20th Anniversary Edition), edição especial do primeiro álbum da artista. Na época, o disco foi sucesso absoluto de público e de crítica, vencedor do Grammy de Artista Revelação, Melhor Álbum de R&B e Música do Ano, e o motivo por trás da fama da novata que ficou conhecida como “a próxima rainha do soul”.

O fenômeno partiu de uma jovem de apenas 20 anos que flutuava com completa liberdade criativa pelo soul, R&B, hip-hop, jazz, música clássica e gospel, em canções escritas e idealizadas durante a adolescência e no início da vida adulta, simbolizando, de forma pessoal e histórica, um amadurecimento em meio a um novo mundo e um novo momento da indústria musical. Assim, Songs In A Minor é onde a origem do piano clássico de Alicia se encontra com a sua existência enquanto mulher moderna, suas referências musicais dentro dos gêneros urbanos contemporâneos e sua habilidade enquanto compositora, arranjadora e produtora. 

O trabalho abriga uma parte importantíssima da música dos anos 2000, como Rock wit U, que representa como nenhuma outra o R&B da época, em contraste com as juvenis Butterflyz, Troubles e Caged Bird. A tracklist original vem acompanhada de Foolish Heart, Crazy (Mi Corazon) e I Won’t (Crazy World), três faixas inéditas das sessões de gravação do disco em 2001. Parafraseando a música que é o carro-chefe do álbum, um dos destaques de sua discografia e considerada sua assinatura musical, 20 anos depois, nós continuamos a nos apaixonar por Alicia Keys. – Raquel Dutra

EPs

Cavetown – Man’s Best Friend

Apesar do isolamento, muitos sentimentos causados pela pandemia são, também, globais. Raiva, solidão, tristeza, carência… Tudo o que transformou o último um ano e meio em um dos momentos mais complicados se tornou tema do último lançamento de Cavetown, Man ‘s Best Friend.

Não é a primeira vez que saúde mental é discutida nas faixas de Robbie. Tema bastante comum, ele contou em entrevista que usa a escrita de músicas para aliviar o que está sentindo, e dessa vez não foi diferente. O EP nasceu em um momento bem conturbado de sua vida, o que pode ser refletido nas letras amarguradas e passivo-agressivas. Em Ur Gonna Wish U Believed Me, Let Me Feel Low, Guilty e Sharpener, o ruivo constantemente se refere a alguém, com uma certa hostilidade, como culpado de seus problemas. Já Idea of Her, que ele confessou ser sua favorita entre as faixas, traz mais à tona sua carência e saudades de uma certa pessoa.

A produção continua simples como sempre. Além de escrever, Robin também produziu todas as músicas, seguindo seu estilo mais clean. O objetivo, segundo o cantor, é fazer com que o ouvinte se sinta acolhido, como se ele estivesse cantando ao seu lado. O que funciona muito bem, ainda mais com a voz tão calorosa de Cavetown. E é a junção de todos esses elementos que ajudam na construção de um EP perfeito para servir de companhia em uma tarde solitária de pandemia. – Mariana Chagas

Griff – One Foot In Front Of The Other

Chamada por muitos críticos como a grande revelação do pop de 2021, haja visto seu prêmio na categoria homônima do BRIT Awards 2021, Griff prova merecer o título com o lançamento do seu primeiro EP, One Foot In Front Of The Other. Podendo ser vista como um suspiro de inovação em meio a um gênero musical que muitas vezes se repete, a cantora não faz nada incrivelmente surpreendente, apenas tem a ousadia de não se prender em clichês, assumindo sua identidade sonora de forma confiante mesmo em seu início de carreira.

Com vocais e estilos que lembram muito as composições de Julia Michaels, Griff é um pouco mais ousada ao adicionar pitadas de jazz e R&B em faixas como o single de abertura Black Hole. E uma vez que conseguimos comparar seu estilo com os primeiros singles de Dua Lipa, podemos esperar um futuro tão brilhante quanto para a nova revelação do pop. Outro destaque que precisa ser dado é para Shade of Yellow, canção que poderia muito bem fazer parte do arsenal de Taylor Swift, combinando perfeitamente em sonoridade e letra com a construção do álbum reputation. 

Entretanto, por mais que estejamos falando em comparações, é muito difícil definir Griff de forma tão simples, uma vez que mesmo com apenas 7 faixas, seu registro consegue nos mostrar a versatilidade da cantora, que caminha entre as variáveis de seu gênero, indo desde de um pop eletrônico até uma batida oitentista em Walk. Sabendo como construir sua mistura perfeita, One Foot In Front Of The Other é um disco que não merece apenas ser escutado, mas sim reproduzido repetidas vezes, de forma que sua complexidade, humildemente disfarçada, possa ser um chamado para que apreciemos a abundância de sua construção. – Ana Laura Ferreira

Overcoats – Used To Be Scared Of The Dark

Pouco tempo depois de lançarem o tocante The Fight, disco que debatia o fim de um relacionamento, o duo Overcoats dá uma prévia do futuro com o rápido mas marcante Used To Be Scared Of The Dark, um EP que reúne apenas quatro canções. Entre elas, as artistas convidam vozes proeminentes do cenário folk, pop e rock para falar de cura e renascimento.

Antes escondidas na escuridão dos sentimentos negativos, elas agora se banham na luz que emana da superação. Para isso, Overcoats vai do Céu ao Inferno, da culpa à redenção e da infância à velhice. A abertura, na faixa-título em parceria com Middle Kids, regurgita o medo, e o encerramento, Blame It On Me, ao lado de Lawrence Rothman, saúda a inocência em busca do futuro. E nós mal podemos esperar por ele. – Vitor Evangelista

Olivia O’Brien – Episodes: Season 1

Depois de centenas de buzz singles e mini-mixtapes, Olivia O’Brien finalmente entrega um trabalho completo com seu divertido segundo álbum de estúdio, Episodes: Season 1. Dividido em dois extended plays, a primeira temporada de Episodes traz seis faixas recheadas de versatilidade e irreverência. Marcada por letras melodramáticas e sonoridade up-tempo, Episodes é um dos melhores lançamentos da carreira de Olivia.

Numa época que a Geração Z trouxe o pop rock de volta para as paradas, No More Friends é um dos maiores acertos da tracklist, e Oli Sykes eleva a faixa com seu icônico vocal metalcore. Também fica impossível não se emocionar com a realidade hollywodiana em Call Mom ou mergulhar em nostalgia com What Happens Now?. Episodes: Season One abre novos horizontes para O’Brien e deixa expectativas para a segunda parte do disco. – Laís David 

boy pablo – wachito’s self-care tape

Fazendo jus ao título, as cinco faixas de wachito’s self-care tape são a trilha sonora perfeita para só relaxar. Depois de tuck me in e dancing by myself, também lançados em 2021, o quarto EP da carreira do boy pablo, nome artístico do chileno-norueguês Nicolás Pablo Muñoz, dá sequência e finaliza a proposta de fragmentar trabalhos anteriores e rearranjá-los em extended plays.

Selecionando gravações menos frenéticas e dançantes, diferente das do disco de estreia Soy Pablo e de singles como Dance, Baby! e Losing You, o cantor, compositor e produtor usa a última parte da trilogia para abaixar o tom e focar nas melodias calmas. A guitarra agitada dá lugar ao violão e ao piano, como nas declarações de amor de i <3 u e nowadays, e a solos mais contidos, como na revigorante come home e na encantadora honey. Até a animada hey girl ganha uma versão acústica, que, mesmo sem comparação com a original, encaixa na vibe proposta no EP.

Não só as melodias acolhedoras, mas as letras suaves e delicadas também se distanciam da ansiedade e das desilusões amorosas de anteriormente e tornam o trabalho praticamente uma playlist romântica e reconfortante. Mesmo sem nenhuma canção inédita, wachito´s self-care tape reúne faixas espalhadas em uma mini-coletânea coesa do início ao fim, que, como o próprio boy pablo descreve, é pensada para seus momentos de autocuidado. – Vitória Lopes Gomez

beabadoobee – Our Extended Play EP

beabadoobee se junta a Matty Healy e George Daniel, membros do The 1975, em Our Extended Play EP, uma rápida parceria colaborativa. Unindo o melhor do bedroom pop da cantora com a megalomania que borbulha da banda de Manchester. 

Em apenas quatro faixas, ela ouve sua voz distorcida e abafada por guitarras tagarelas, marca registrada dos donos de hits como Girls e Somebody Else. A finalização do EP, centrada na bobalhona He Gets Me So High, deixa um saboroso gostinho de quero mais. – Vitor Evangelista

Clarissa – Clarissa

Atriz, influencer e agora cantora. O currículo de Clarissa Müller cresce graciosamente com seu primeiro lançamento musical, Clarissa. O EP de estreia da artista aconchega cinco canções num bedroom pop que promete cair no gosto dos amantes do pop nacional. Com O Vento Leva, O Vento Traz e Bem Me Quer, Mal Me Quer, Clarissa embarca pelos caminhos tortuosos, cantando com suavidade os altos e baixos das narrativas românticas.  

Estética que se estende à Pro Nosso Azar e Ela, dando lugar à algo mais marcado em Xodó. Entre as composições íntimas e os sons charmosos, o ouvinte de Clarissa está avisado: não tem como não falar de amor em tempos de carência coletiva e não tem como não se render à leveza da música em tempos universalmente difíceis. E Clarissa Müller sabe muito bem disso. – Raquel Dutra

K.Flay – Inside Voices

Chegando dois anos após o álbum Solutions, o novo trabalho da rapper americana K.Flay é um grito de guerra e agressão que externaliza as vozes internas da artista em cinco faixas potentes que misturam pop-rock, indie e hip-hop. O apropriadamente nomeado Inside Voices representa, como muitos dos discos lançados em 2021, um processo de introspecção inevitavelmente causado pela pandemia e o período de isolamento social, revelando novas faces de sua artista e reinventando outras.

Como já diz o seu título, Inside Voices revela uma voz mais profunda da rapper, mas também é um episódio sobre as frustrações mais tangíveis de K.Flay como artista e pessoa. Seja na visceral Four Letter Words, em que ela confronta o término de um relacionamento ou na vibrante TGIF, uma insana e fantástica colaboração com o guitarrista Tom Morello, do Rage Against The Machine, em que ambos confrontam a glorificação das sextas-feiras e da semana de trabalho

Outras faixas que se sobressaem são Good Girl, um indie pop que parece saído diretamente de uma cena de filme adolescente dos anos 2000 e Dating My Dad, uma inteligente sátira de relacionamentos e famílias que conta com a bateria de Travis Barker, do Blink-182. Infelizmente o EP perde um pouco de força no final, apostando na introspectiva e sombria My Name Isn’t Katherine, mudando subitamente as engrenagens de suas músicas, mas não o suficiente para tirar o brilhantismo de suas letras instigantes e vorazes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Jensen McRae – Who Hurt You?

A biografia de Jensen McRae no Spotify resume com maestria a energia da cantora: ela tem 23 anos, é virginiana, chorou durante Homem-Aranha no Aranhaverso e nunca negou uma sobremesa. Ela canta sobre doenças mentais, sobre ser negra, sobre ter medo da vida adulta e sobre se apaixonar por qualquer cara que é gentil com ela. Ela provavelmente está escrevendo sobre você em seu diário. Who Hurt You?, seu EP de estreia, é uma boa vitrine dessa personalidade. 

Suas influências de R&B se misturam à calmaria do pop melódico, ao passo que uma aveludada voz de clamor invade o espaço sonoro. Seria fácil e simplório comparar suas canções ao repertório de SZA, mas isso seria diminuir McRae à moldes pré-concebidos. 6 músicas e 21 minutos são suficientes para nos apaixonarmos. Wolves modula seu choro dolorido, enquanto canta sobre o animal selvagem e seu derradeiro encontro. Cansou de ouvir o SOUR e está em busca de algo no mesmo espectro de sofrência? Dê play em Who Hurt You? – Vitor Evangelista

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING 

Momentos de hiatus são comuns no mundo do K-pop, mas é impossível deixar de sentir saudades do seu grupo favorito quando param por dois anos. Por isso, o mini-álbum do EXO foi um presente de aquecer os corações dos fãs que não tinham novidades desde OBSESSION, lançado em 2019. Afastados por estarem servindo ao exército, os membros Baekhyun, Chanyeol, D.O., Kai, Sehun e Xiumin se reuniram para trazer à vida o DON’T FIGHT THE FEELING. 

No clipe do single, o grupo embarca em uma excursão animada para o espaço, acompanhados pelo otimismo da letra escrita por Kenzie, compositora já antiga na gravadora SM Entertainment. Liricamente, o álbum também faz uma grande viagem, explorando diversos sentimentos e temas do cotidiano. Bem dividido, há um equilíbrio entre faixas tristes e felizes na obra. Depois de tanto tempo afastados, EXO não poderia ter feito um comeback melhor. – Mariana Chagas

Kali Uchis – sin miedo // acoustic

No apocalíptico ano de 2020, Kali Uchis gravou seu nome no cenário musical sem medo de amores e demônios. A cantora colombiana-americana abraçou suas origens latinas naquele que foi um dos melhores álbuns do ano passado: Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios). Em Março, foi vez de telepatía ganhar um caloroso clipe, transbordando talento. Agora, Sin Miedo continua com sua produção de frutos, entregando um EP acústico com telepatía, fue major, vaya con dios.

O acústico reforça toda a sensualidade da cantora em seu cavalo branco. Com apenas três músicas, Kali consegue facilmente envolver quem escuta seu trabalho. É a fascinante vaya con dios que fecha o EP e merece ser o centro das atenções. Com sua sonoridade latina que nos transporta para o ambiente cinematográfico de cabarés, a música imprime toda energia excêntrica de Kali Uchis e merece um lugar especial em sua playlist. – Ana Júlia Trevisan

TWICE – Taste of Love

Enquanto no Brasil sofremos com as baixas temperaturas e muitas camadas de roupa, TWICE esbanja o verão da Coreia do Sul em nossas caras. Uma mistura de bebidas, flores e praias servem como cenário para Alcohol-Free, e durante os 3 minutos de clipe quase dá para sentir o calor saindo da tela e aquecendo um pouco o friozinho deste inverno.

O mini-álbum conta com 5 faixas liricamente românticas e sensuais. A produção tem uma picada tropical que deixa Taste of Love ainda mais gostoso de se ouvir. Sendo ou não fã de K-pop, a batida de Fist Time consegue te conquistar. E ao escutar Baby Blue Love, o sentimento é de estarmos dançando na noite de verão que as garotas cantam sobre. Sendo essa época do ano uma temporada onde os grupos de K-pop lutam por seu espaço nas paradas, TWICE apostou certo em lançar músicas que casam tão perfeitamente com a estação. – Mariana Chagas

Rebecca Black – Rebecca Black Was Here

Uma década depois de sofrer com Friday, Rebecca Black está de volta. A cantora reúne inspirações eletrônicas no EP que carrega seu nome e sua atual situação. Rebecca Black Was Here dura mais do que sua curta duração se propõe, e a versão 2021 da artista é mais despojada e, também, mais potente.

Better in My Memory é o ápice do trabalho, mas todas as faixas passeiam por características positivas, soando, em sua melhor instância, como sons dignos da produção avantajada de Charli XCX. A PC Music vira tendência aqui, provando que a represália sofrida pela música sobre a sexta-feira não foi nada justa. – Vitor Evangelista

Músicas

Clairo – Blouse

Dois anos depois de seu último lançamento, o unânime álbum de estreia Immunity, a cantora e compositora norte-americana Clairo volta a dar as caras com o single Blouse. Longe do gênero pop (e suas variações) que marcou seu brilhante início de carreira, a artista agora explora o folk, em uma canção acolhedora, ainda que tediosa.

Os vocais suaves de Clairo cantam uma homenagem à sua cachorrinha, Joanie, e são o grande destaque na faixa, enquanto a domesticidade da melodia, que a artista tanto procurava, é mais sonolenta do que emocionante. Blouse, produzido por Jack Antonoff, o requisitado produtor de Taylor Swift e Lorde, é o primeiro single do segundo álbum da artista – e da colaboração entre os dois. Como anunciado pela cantora, seu novo projeto chama-se Sling e será lançado em 16 de julho. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless 

Depois de um hiatus de 3 anos entre o seu EP e o seu debut album, os fãs de Madison Beer não esperavam algo novo tão cedo. Porém, menos de quatro meses depois do lançamento de Life Support, a cantora volta com um single que inicia sua próxima era da forma mais linda possível. Se na capa Madison parece estar entre as páginas de um livro, ouvir Reckless é como um convite para viajar com ela para esse capítulo triste de sua história.

Com a melancolia de ser trocada por outro alguém, tema também do sucesso traitor de Olivia Rodrigo, Reckless é um desabafo honesto da vivência de Madison. Logo no primeiro verso, a cantora confessa que contar tal história pode quebrá-la, mas que escolheu contá-la do mesmo jeito. A produção de Leroy Clampitt e Tim Sommers, seus antigos parceiros, usa sons do cotidiano e tantos detalhes que ouvir de fone de ouvido se transforma em uma experiência quase mágica. 

Com mais de 700 mil de streams no Spotify, a faixa ultrapassou Good in Goodbye e se tornou a maior estreia de Beer. A hashtag RECKLESS IS OUT NOW, organizada pelo Madison Beer Brasil, ficou nos assuntos do momento na noite do dia 3. A cantora está crescendo e promete ir muito bem nessa nova fase. Se os próximos capítulos forem tão bons quanto este, não há dúvidas que Madison irá entregar outro álbum incrível. – Mariana Chagas

Marisa Monte – Calma

Após uma década sem inéditas, Marisa Monte nos pede Calma, como um sopro de esperança para não temer o futuro. O single é o primeiro lançamento do álbum Portas, que vem ao mundo em julho. Composição de Marisa em parceria com Chico Brown, a canção tem letra e melodia fáceis, que entram na mente capazes de se repetirem por horas. A música é um spoiler do que podemos esperar de Portas: o reforço na confirmação que cada dia mais a arte de faz necessária, que o som é um dos melhores escapes do mundo apocalíptico em que estamos vivendo. – Ana Júlia Trevisan

Bimini – God Save This Queen

Grande destaque da segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK, Bimini Bon-Boulash escolheu o Mês do Orgulho para dar partida em sua carreira musical. God Save This Queen, faixa selecionada para o pontapé além das passarelas, aumenta o alcance da drag queen, dando ao público mais nuances de sua multifacetada persona, vegana, não-binária e doida. Os versos permanecem fiéis ao que Bimini já cantou no programa, uma expansão de sua visão artística. Agora que a fera está solta, o mundo é um lugar melhor. – Vitor Evangelista 

Jottapê, Kevinho e ARON – Errada Ela Não Tá 

Arón Piper está arriscando no mundo musical aos trancos e barrancos. Depois do lançamento de seu EP no começo do ano, o astro de Elite se aventurou em terras brasileiras para um feat com MC Jottapê e Kevinho, surgindo então Errada Ela Não Tá. Quem dá o tom é o ator de Sintonia numa batida conhecida pelas festas antes da pandemia, vibrante e enérgica. A voz anasalada de Kevinho vem logo em seguida sem grandes novidades, nos mesmos moldes que suas outras músicas. Até aí, o match perfeito. 

Contudo, Arón aparece e desgasta o funk, abusando do auto-tune. Sua voz modulada além do limite diminui os compassos introduzidos pelos MCs e só volta quando ele canta em espanhol o verso introdutório do refrão. Mesmo assim, há aqueles que aprovaram a parceria já que Errada Ela Não Tá entrou no top 200 do Spotify Brasil. Pessoalmente, ainda fico no aguardo de novas produções de Arón que engrandeçam sua voz marcante. – Júlia Paes de Arruda

Jessie J – I Want Love

Há alguns anos a Claudia Leitte do Reino Unido vem tentando repetir seus feitos do início da carreira, seja através de uma abordagem mais pop ou conceitual. E, bom, quem conhece Jessie J sabe que esse é exatamente o problema da cantora: tentar demais. Abençoada com uma voz poderosa, J já foi até mesmo competir na China em uma programa de talentos na TV, e venceu, provando que anos de carreira e alguns hits não te impedem de fazer o caminho contrário da fama. 

Em I Want Love, J usa de todos os artifícios para fazer uma canção viciante, e consegue. A estrutura convencional cumpre seu papel, o refrão é chiclete, as firulas vocais impressionam, e a letra super identificável (afinal, quem não quer amor?) e as influências disco, que estavam em alta, completam o pacote. A mudança de tom no final é a cereja do bolo, quase como uma paródia do próprio gênero, algo que Ed Sheeran usaria sempre se tivesse a ambição e potência vocal de Jessie. Infelizmente, tudo que é muito doce e emperequetado enjoa fácil. – Jho Brunhara

blackbear e Tate McRae – u love u

A nova era de blackbear começou! Em 23 de março, o cantor anunciou em suas redes sociais seu próximo projeto, o EP misery lake, e três meses depois, o single finalmente foi lançado.  Com a participação de Tate McRae, a produção ficou na mão de Andrew Goldstein, que já trabalha com o cantor há muito tempo.

A música é sobre estar em um relacionamento mas continuar se sentindo sozinho, mas é tão animada que quase dá para esquecer da triste letra. Bear desabafa sobre amar alguém que não parece o amar de volta tanto assim. Já a capa ficou na mão de Harley Wrecks, parceiro antigo do cantor, que escolheu uma animação que combinasse com o conceito da era. “Decidi fazer ele (blackbear) e Tate se afogando no misery lake”, contou o artista em entrevista. – Mariana Chagas

IZA – Gueto

Que IZA é uma potência todo mundo sabe, mas o novo single da artista e primeiro vislumbre de seu segundo disco é para elevar todas as expectativas a respeito de seu trabalho. Em Gueto, um dos maiores nomes do pop nacional faz jus ao espaço de importância que ocupa enquanto artista, exaltando a cultura da periferia e suas raízes do subúrbio do Rio de Janeiro. Usando de um dancehall e afrobeat carismáticos, o conjunto da obra de Gueto ainda conta com a direção criativa de IZA e entrega um dos vídeos mais lindos do ano, onde brilha forte uma artista confiante, que diz “sim, eu sei o que está reservado pra mim”. – Raquel Dutra

CHVRCHES e Robert Smith – How Not To Drown 

O trio escocês CHVRCHES voltou esse mês com mais uma amostra de seu novo álbum, Screen Violence, programado para sair ao final de agosto, marcando assim 10 anos desde a formação da banda em 2011. O novo single, How Not To Drown, conta com a ilustre colaboração de Robert Smith, do The Cure, nos vocais e na letra.

Escrita em um momento em que a vocalista Lauren Mayberry pensava em deixar a banda de synthpop, a música serve como uma reflexão sobre desistência, ansiedade e depressão: “Me diga como/É melhor se eu não fizer som/Eu nunca vou escapar dessas dúvidas/Eu não estava morta quando me encontraram, olhe como me me afundam”. Adicionando seus vocais fantasmagóricos ao refrão sombrio, Robert Smith só agrega ao ar de mistério e violência proposto na nova fase do trio.

Além da música, Junho também trouxe um vídeoclipe psicodélico seguindo as novas estéticas do grupo, assim como um novo remix de 7 minutos criado pelo próprio Robert Smith. Descrita por Martin Doherty como “o momento mais orgulhoso dele como músico”, How Not To Drown marca mais uma forte adição à discografia da banda e aquece os ouvidos dos fãs até o lançamento de Screen Violence em 27 de agosto. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Michaela Jaé – Something to Say

A mãe tá on! Depois de acalentar nossos corações como a chefe da família Evangelista e na pele de uma das personagens mais queridas da TV, MJ Rodriguez estreia na música como Michaela Jaé em Something to Say, seu primeiro single. A artista já mostrava indícios dos seus dons musicais através em alguns episódios de Pose, e agora, com os trabalhos na série devidamente finalizados, ela se joga numa mistura triunfante de pop, R&B, soul e funk para provar um fato: Michaela Jaé tem muito o que dizer. – Raquel Dutra

Megan Thee Stallion – Thot Shit

Megan encerrou a bem-sucedida era Good News e agora é a hora de Tina Snow brilhar. Alter ego da rapper, essa versão loira é quem dá as caras em Thot Shit (em inglês, Thot é sigla para ‘that hoe over there’, uma maneira de menosprezar as mulheres). O clipe abre com um político branco e idoso comentando barbaridades em um dos vídeos de Meg, para logo depois abrir o zíper da calça e “aproveitar” o que assiste.

Saindo do prédio, ele logo é atropelado por um veículo em alta velocidade. No banco do motorista está a cavalona, empoleirada e rebolando. Ela segue essa máxima todo tempo e não há lugar ruim para o remelexo do bumbum: uma lanchonete e até uma sala de cirurgia são palcos para o twerk. A letra também é lugar seguro para Stallion, que rima sobre sexo e seu sucesso e estrelato, sem tabus ou quaquer vergonha do que diz. Thot Shit abre alas para o futuro dessa que é uma das maiores estrelas que temos. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – A Flor Encarnada

“Haste fina que qualquer brisa verga mas nenhuma espada corta”. Essa é a definição completa de Bethânia, pura e irrestrita. A cantora, que pegou todos de surpresa no dia de seu aniversário, lançou em junho a música A Flor Encarnada – composição de Adriana Calcanhotto. A letra forte combina com toda a história da discografia traçada pela inconfundível voz de Maria Bethânia. A forma poética da cantora em interpretar canções traz profundidade para A Flor Encarnada e nos deixa ansiosa para trabalhos futuros que a menina de Oyá, isolada na mata, possa estar preparando. – Ana Júlia Trevisan

Danna Paola – MÍA

Depois da sua era K.O., Danna Paola enaltece uma nova fase da sua vida, abusando de uma maturidade musical admirável em tão pouco tempo. Sem deixar de celebrar sua notoriedade na música latina, MÍA retrata a transição da inocência à independência, deixando despertar uma mulher preparada para enfrentar o mundo somente com a sua companhia. 

No clipe, a patricinha de Elite simula um funeral, desprendendo dessa fase monótona de corações partidos e relacionamentos imaturos, para renascer cheia de cores e felicidade. Resumindo em suas próprias palavras, bem-vindo ao novo eu de Danna Paola. A versatilidade de sua voz encanta pela energia e as danças bem coreografadas são vitais para traduzir essa intensidade. Seu renascer estilo Bela Adormecida só reforça seu papel de empoderamento e de amor próprio nas próximas gerações de meninas que a viram no uniforme de Las Encinas. Prometendo uma continuação dessa história, a mexicana nos dará a honra de prestigiar performances incríveis em um novo álbum. – Júlia Paes de Arruda

FLETCHER – Healing

O término público do relacionamento igualmente público de Fletcher rendeu bons sofrimentos à artista – e a seus fãs. Com direito até a videoclipe com a ex, a cantora e compositora recompensou os fãs com o EP The S(ex) Tapes, que reflete sobre o fim e o que vem com ele, do sofrimento à expectativa para o próximo amor. Entre outros lançamentos e versões no meio do caminho, o novo single de Fletcher, Healing, retoma a narrativa da onde a artista parou.

Semelhante a canções anteriores, a faixa combina as letras pessoais e honestas ao ritmo pop animado. Álbum, EP ou single, o próximo lançamento ainda não foi anunciado, mas, com uma turnê pela Europa com datas marcadas, o processo continua: em Healing, Fletcher ainda não se curou, mas está no caminho. – Vitória Lopes Gomez

Bad Bunny – YONAGUNI

A nova fase de Bad Bunny já mostra seus primeiros sinais com YONAGUNI. Depois de se despedir de EL ULTIMO TOUR DEL MUNDO na companhia de ROSALÍA, e vencer um Grammy com YHLQMDLG, a expectativa para os trabalhos do artista em 2021 era alta, e a recepção do lançamento foi à altura: quebrando recordes, o single estreou em 3º lugar na parada global do Spotify, com 7,1 milhões de streams em 24 horas, na maior estreia de uma música em espanhol na história da plataforma de streaming. No reggaeton sensual, versos apaixonados e estética extravagante de sempre, Bad Bunny segue um fenômeno. – Raquel Dutra

Bleachers – How Dare You Want More

Quando uma banda constrói seu estilo baseado em fortes e imponentes influências, como é o caso do Bleachers, é fácil se perder entre as mesmices disfarçadas de homenagens em suas construções, sejam líricas ou sonoras. Mas para a alegria dos nossos ouvidos, a banda de Jack Antonoff sabe equilibrar sua personalidade e sua nostalgia, criando a mistura perfeita para nos entregar um single que combina tanto com eles em pleno século XXI quanto combinaria com The Beatles em plenos anos 1960. Animada do jeito certo para disfarçar o peso de sua letra, How Dare You Want More é o passado e o presente que pavimentam o futuro da banda. – Ana Laura Ferreira

Pó de Café e Maria Rita – Tantas Mães

Sou, de longe, a pessoa mais suspeita do site para falar da dona cantora Maria Rita. A filha de Elis Regina não lança um trabalho solo desde 2018, mas nesse longo período de tempo vem colaborando com outros cantores e grupos, e também se arriscando por aí como compositora. Sua voz inebriante marca presença no single Tantas Mães do grupo de jazz Pó de Café.

A música sobre Iemanjá escancara a religiosidade de Maria Rita. Sua entrega na canção demonstra um respeito que transcende as relações musicais, há uma verdade pessoal impressa em seu vocal. Com um instrumental marcante mas que não se sobrepõe à voz da cantora, Tantas Mães nos lembra a sonoridade do Segundo, entrelaçada com a fé do Amor e Música. O single é a junção do melhor dos dois mundos de Maria Rita. – Ana Júlia Trevisan

Ed Sheeran – Bad Habits 

Depois de mais de um ano de uma pausa incessante, mesmo com aparições para notícias maravilhosas e um lançamento sem compromisso, Ed Sheeran está de volta com sua primeira canção solo desde o álbum Divide. Ansiosamente esperando por esse momento e, como sempre, ele nunca decepciona. 

Conhecido por compor letras maravilhosas, Ed canta sobre as decisões erradas tomadas na madrugada, especialmente depois das duas da manhã (uma referência a How I Met Your Mother, talvez?). O britânico se arrisca em algo não visto em outros trabalhos, uma música dançante estilo The Weeknd com vibes eletrônicas de Alok. Ainda processando o lançamento, o ruivo performou seus maus hábitos numa versão acústica no TikTok UEFA EURO 2020. Depois da sua trilogia matemática +, x e ÷, será que estamos próximos do –? Ed Sheeran dá indícios que sim. – Júlia Paes de Arruda

Marina Sena – VOLTEI PRA MIM

VOLTEI PRA MIM, segundo single da carreira solo de Marina Sena, resgata elementos do som pré-setentista da Tropicália e os insere no que há de mais contemporâneo da música pop alternativa brasileira. O som, com destaque para guitarra ritmada, é dançante e esbanja sensualidade, irreverência e leveza. Sensações com as quais os fãs da cantora mineira estão acostumados desde os trabalhos na A Outra Banda da Lua, onde Marina tocou os vocais por 5 anos, até a empreitada Rosa Neon, que acabou em março deste ano e foi a grande responsável por projetar a artista no cenário nacional: seja acumulando mais de 2 milhões de acessos entre Spotify e YouTube, fazendo feat com Djonga, ou figurando turnê na Europa (tá bom?!).

“Amor eu te deixei/Pra ir atrás do que eu sonhei”, são os primeiros versos a ecoar no single. Enquanto a música narra quem prioriza a própria caminhada com clima atmosférico e visual marcante e minimalista ao mesmo tempo, os tons quentes e abafados no clipe transpiram latinoamérica, e Marina lembra uma sereia folclórica. Tudo isso somado ao seu jeito de cantar agudo, envolvente e anasalado, que remetem a Gal, Marisa Monte e Céu, são detalhes que traduzem de maneira cristalina a fase e escolhas profissionais da cantora. O ano de 2021 marca a estreia solo com ME TOCA, precursor de VOLTEI PRA MIM. Lançados com um intervalo de 5 meses, os singles, além de sinais do álbum previsto para agosto deste ano, são produzidos e arranjados por Iuri Rio Branco e contam com realização do selo A QUADRILHA – comandado pelo parceiro e conterrâneo, Djonga.

Marina compõe, canta, toca e dança. Em cima de uma moto, ou no meio de duas delas em círculos, com cabelos soltos e volumosos, como aparece no clipe, a mineira de voz potente e manhosa consegue voltar para o que já vem dando certo, sem ainda soar cansativa e trilha uma trajetória cada vez mais consistente na MPB. “Eu tenho o dom de ir além”, ela canta na faixa, e é bom ficar de olho. – Andrezza Marques

King Princess – House Burn Down

Qualquer lançamento de King Princess tem a difícil tarefa de fazer jus ao nível altíssimo de seu EP de estreia, Make My Bed. Sem erro, o novo single da cantora e compositora já era unânime entre os fãs até antes de ser gravado: House Burn Down era tocada em shows e só foi parar no estúdio depois de incessantes pedidos por uma versão oficial.

Com o lançamento da gravação, os riffs de guitarra e a pegada rock da faixa provam que incendeiam tudo não só no ao vivo. Seguindo PAIN e Only Time Makes Human, a canção é a terceira que integrará o novo álbum da artista, que, segundo ela, está a caminho e será “muito mais rock and roll”. Com a prévia do que vem aí, é de se esperar que o próximo trabalho de King Princess faça jus, afinal, ao seu insuperável EP. – Vitória Lopes Gomez

Billie Eilish – Lost Cause

Pouco mais de um mês antes do lançamento de seu novo álbum, Happier Than Ever, Billie Eilish revelou mais um single dessa nova era. Quase oposto a Your Power, que traz uma letra profunda sobre um tema de extrema delicadeza, em Lost Cause a jovem canta de forma bem descontraída e debochada sobre um antigo relacionamento que teve, enquanto curte uma festa do pijama com algumas amigas – o que não poderia ser um programa melhor. 

Mesmo sem dar nome aos bois ao longo da letra, a tal causa perdida que é nomeada diversas vezes pode se associar muito ao rapper Brandon Quention Adams, com quem Billie teve um relacionamento conturbado, apresentado no seu documentário The World’s A Little Blurry. Ela menciona a falta de atenção e maturidade do tal ex, e também as decepções que teve ao longo e ao fim do namoro. 

Além da música ser um hit de mão cheia, algo que não é novidade quando se trata de Billie Eilish, também é ótimo poder assistir a cantora exalar autoconfiança enquanto se diverte com suas amigas. Como notado até agora, seu próximo álbum tem tudo para mostrar um lado ainda mais pessoal e sincero de Billie, e não poderíamos estar mais ansiosos para ouvir o resultado disso. – Vitória Silva

Nando Reis e Pitty – Um Tiro no Coração

Essa não é a primeira vez que falamos de Nando Reis num post mensal.  O Infernal não lançou nenhum disco solo esse ano ainda, mas se uniu a outros nomes da MPB para contribuir cada vez mais com a cultura nacional. Primeiro DUDA BEAT, depois seu filho Sebastião e agora a fabulosa baiana Pitty se junta ao ruivo. Diferente dos primeiros, a roqueira faz parceria em apenas um single, o que não diminui a química musical entre os dois astros.

A música escolhida por ambos foi Um Tiro no Coração. Cássia Eller deu voz à essa canção há 20 anos e se tratando dela, é óbvio dizer que foi feito um trabalho inconfundível. Com base nisso, a nova gravação tem força para quebrar barreiras temporais. Os vocais se mesclam com a guitarra de Walter Villaça, revelando muita afinidade entre o duo. Não sabia que precisava de Nando Reis e Pitty juntos até ouvir eles nessa faixa. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – The Devil

Dois anos após o sensível III e um EP de versões acústicas, a californiana Jillian Rose Banks, conhecida mononimamente como BANKS, retorna com um single que revela sua produção intrincada e sua musicalidade sofisticada. No demoníaco The Devil, ela canta sobre renascimento e tentação em meio a gritos agonizantes e sussurros sensuais.

Começando intimamente a faixa com tais sussurros, ela orgulhosamente declara seu novo nome: “Eu sou o diabo, te disseram que eu sou o diabo?/Ponha sua fé em outra vida passada (Ha-ha-ha)”. Os detalhes caprichosos e peculiares do single, co-produzido pela própria cantora, são o que fazem da música uma das mais marcantes do ano. Seja por sua batida sombria e sensual ou por seus versos intrusivos e intimidadores, BANKS chega em 2021 marcando presença.

O vídeoclipe, co-dirigido também por ela e inspirado em clássicos como Drácula de Bram Stoker (1992) e A Morte lhe Cai Bem (1992), expressa deliciosamente esse renascimento e transformação, com a cantora se tornando mais forte que seus demônios e resistindo aos seus charmes. Apesar de curta, BANKS nos enfeitiça com sua voz e seu som na primeira amostra de seu novo álbum ainda não nomeado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Liniker – Baby 95

Declaro que Junho é o mês de Liniker. Além da série original Prime Vídeo – Manhãs de Setembro -, a cantora disponibilizou a canção Baby 95 junto ao clipe. Não é atoa que Liniker é atualmente uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+. A letra da música mistura português e inglês, MPB e R&B, e cria uma expressiva história de amor que nos envolve no íntimo do casal. Lançado na semana dos namorados, as cores e luzes do clipe colaboram para o sentimento de acalanto e nos faz acreditar de novo no amor. É sempre caloroso prestigiar a Liniker. – Ana Júlia Trevisan

Jonas Brothers – Remember This

Depois de novos rumores que os Jonas Brothers se separariam mais uma vez, o trio surpreendeu os fãs da forma mais amorosa possível através de Remember This. O ritmo não é diferente de outros trabalhos que eles já produziram antes, porém conta com uma energia muito mais valiosa.

Esse tom de aconchego vem das fotos de seus fãs que já tiveram o privilégio de ouvi-los ao vivo. A ausência das performances físicas dos três carrega esse sentimentalismo e, ao fechar os olhos, é como se estivéssemos presentes em um de seus shows. O compasso de violão com a percussão acompanha o refrão como se fosse uma prece: “Costumava rezar por um momento assim”. Contudo, não somos afortunados o suficiente para experienciar essa emoção tão cedo, já que a turnê de mesmo nome não passará pelo Brasil. Remember This é tudo que temos por agora e, a princípio, parece ser o suficiente. – Júlia Paes de Arruda

Jeremy Zucker – 18

Depois de um álbum sobre amadurecimento e relacionamentos sérios, Jeremy Zucker embarca em uma viagem no tempo com ponto de chegada no ensino médio. Narrado por um garoto de 16 anos, 18 é a perspectiva encantada e inocente de um adolescente que se apaixona por uma menina mais velha. 

Depois de apagar todas as fotos do seu Instagram para preparar o seu comeback, Jeremy voltou completamente entusiasmado em relação ao início de sua nova era. Escrita junto a Mikael Temrowski, Alexander O’Neill e Thomas Michel, o single escolhido parece contrastar com seus últimos trabalhos, mas sem perder a essência jovial e divertida que o cantor carrega em seus maiores hits all the kids are depressed e comethru. – Mariana Chagas

Linn Da Quebrada – I míssil

Conceito, coesão e aclamação. Tem forma melhor de definir o trabalho de Linn Da Quebrada? Não tem. E quando pensamos que sua habilidade com as palavras chegou ao seu ápice, ela mostra que ainda pode ir além. É o caso de seu novo álbum, Trava línguas, que tem o lançamento planejado para julho e um caminho perfeitamente preparado pelos singles mate & morra e quem soul eu, de 2020, e oficialmente descrito por I míssil, seu lançamento mais recente. Na canção, Linn brinca com os sentidos de sua composição junto de produção e direção musical de BadSista e da percussionista Dominique Vieira. Ela, mestra com as palavras, segue, como sempre, nos deixando sem elas. – Raquel Dutra

Hayley Kiyoko – Chance

Hayley Kiyoko começou Junho com single novo e, sofrendo por mulher de novo, pondera sobre suas chances e riscos em Chance. Sem medo de cantar sobre suas vivências, experiências e inseguranças como mulher lésbica, a letra honesta e identificável é embalada por uma batida calma e contagiante e gruda na cabeça: “Eu sempre fui um “não”, nunca um “talvez”/Eu sei que ela nunca me daria uma chance”. Para melhorar, o lançamento foi em dobro e Chance acompanha um videoclipe, que contraria a letra e dá o final feliz que Kiyoko – e quem se identifica – merece. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Rodrigo – The Rose Song 

Olivia Rodrigo conseguiu entregar a metafórica ‘rosa aprendida pelo vidro da Fera’ de maneira brilhante, mais uma vez. Apesar de ser criada para a trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series, série que garantiu o sucesso a cantora de SOUR, a metáfora trazida para inserir sua personagem Nini na peça teatral do East High que produz A Bela e A Fera nesse ano dois, a música serviu também para a cantora por trás das câmeras. 

A série é conhecida por seu brilhantismo de permitir que os protagonistas escrevam suas próprias letras para a produção do Disney+, o que garante que elas deixem de ser mais do que uma música infanto-juvenil e conseguem, de fato, representar o ator nos bastidores da composição. E esse é o caso de The Rose Song que, de maneira perfeita, se encaixa tanto com a trajetória de SOUR, mas também com o drama do relacionamento da protagonista e Ricky (Joshua Bassett). 

Como sua personagem para a peça, a então Rosa, Olivia Rodrigo conta sobre os aprisionamentos de um relacionamento conturbado, assim como a Fera e a maldição que o mantém dessa forma, no conhecido conto de fadas da Disney. Além disso, sem novidade, a cantora entrega vocais e uma performance impactante, que fecham de maneira brilhante o 6º episódio da série e, possivelmente, o estilo melodramático de SOUR. – Larissa Vieira

Garbo – Presente

Foi aqui que pediram um típico astro teen vindo diretamente do Tumblr para embalar o inverno pandêmico brasileiro? O Presente de Garbo está aqui para servi-los. O primeiro lançamento do ano do artista independente Gabriel Soares sucede seu último single, espaço-tempo, lançado em 2019, e seu último álbum, jovens inseguros vivendo no futuro, de 2018. Agora, Garbo apresenta um melodrama dançante e doído, em batidas oníricas de softpop e levemente eletrônicas. Numa identidade precisa da nossa juventude, é impossível ser mais presente que Garbo. – Raquel Dutra

Morat e Danna Paola – Idiota

Morat é um nome em ascensão no mercado musical latino. Aliado à belíssima voz de Danna Paola, outra personalidade crescendo nesse meio, não podia surgir algo ruim. Idiota é a representação da sensualidade e da calmaria das músicas latinas. A voz da patricinha de Elite traz a potência feminina que Idiota precisava, junto com a suavidade das vozes masculinas. Apesar da letra sofrer por amor, a batida dançante e sedutora nos cativa dançar no mesmo ritmo. Afinal, um amor como esse não aparecerá outra vez. – Júlia Paes de Arruda

Lorde – Solar Power

Quando a Pantone anunciou que as cores de 2021 seriam Cinza e Amarelo, Lorde com certeza riu em sua casa, ou melhor, na beira da praia. Depois de cantar as melhores músicas sobre se sentir triste no imaculado Melodrama, agora, finalmente, chegou a vez de enxergarmos o espectro oposto da cor azul: a cor do sol. Solar Power evoca o reencontro com a natureza e o banho de luz solar, enquanto Lorde guia a geração não queria crescer e que não queria mais amar para um novo estado mental, de restauração e reencontro.

Em 2021, mais do que nunca, a canção parece cair como uma luva para o Hemisfério Norte e os países sortudos do Sul, onde os recursos abastados permitiram uma compra de vacinas em grande quantidade ou não foram impactados de forma tão severa pela pandemia, por uma boa gestão governamental. Lá, a vida de verdade já voltou, e Solar Power faz ainda mais sentido em convocar seus ouvintes para sair de casa e redescobrir a felicidade que reside no mundo. O Brasil, infelizmente, não divide as mesmas alegrias e conquistas.

Lorde é culpada pelo caos e incompetência no território brasileiro? Não. É culpada pela concentração da compra de boas vacinas por países da América do Norte e Europa que prejudicam os Estados emergentes? Também não. Mas é muito difícil ouvir Solar Power e se entregar da forma que a cantora pede. Ainda não conseguimos esquecer as lágrimas que choramos, Lorde. Por aqui, ainda não acabou. Esperamos que num futuro próximo as palavras que você escreveu, finalmente, possam fazer sentido de verdade para nós. Por enquanto, só podemos usar de escape para sonhar com uma realidade melhor. – Jho Brunhara

Jennifer Hudson – Here I Am (Singing My Way Home)

A aguardada cinebiografia de uma das maiores estrelas da história da música ganha seu tom na voz de Jennifer Hudson e Here I Am (Singing My Way Home). A canção tema do filme traz tudo o que pode da vida de Aretha Franklin para o aspecto que é um dos mais preciosos da produção e da vida da artista, pela autoria de Carole King, compositora do clássico (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, de 1967, um sucesso na voz de Aretha. Assim, a música só aumenta as expectativas para o público que aguarda Respect e o dia 12 de agosto, quando finalmente assistiremos surgir em Jennifer Hudson a maior cantora de todos os tempos. – Raquel Dutra 

Clipes

Dua Lipa – Love Again

Mostrando que ainda não está preparada para deixar a era Future Nostalgia, Dua Lipa entrega um clipe para mais uma faixa do seu álbum. Depois de Don’t Start Now, Physical, Levitating, Break My Heart e We’re Good – da versão moonlight do CD, a escolhida da vez foi Love Again. O clipe foi gravado entre os ensaios para o BRIT Awards e teve diversas trocas de looks e uma coreografia que a cantora precisou aprender em menos de uma hora.

O conceito do vídeo pode parecer confuso de primeira, mas tudo se encaixa quando combinado a letra da música. Na letra, Dua Lipa confessa que depois de jurar não se apaixonar outra vez, ela acaba por conhecer alguém que a faz ir contra sua promessa. E isso é retratado visualmente no clipe. O ovo representa a cantora renascida, depois de finalmente se curar das dores do último amor. Os palhaços tentam a todo custo a prender para si e, quando conseguem, ela aparece também com a cara pintada.

Apesar das suas tentativas, Dua acaba por amar novamente, e a ironia é estampada na sua cara de palhaça. O music video ficou nos trends do YouTube em 88 países, e a cantora usou seu Instagram para agradecer o apoio dos fãs. Mesmo com mais de um ano de lançamento, o álbum continua entre os mais escutados no Spotify, e a era de sucesso de Dua não parece que vai acabar tão cedo. – Mariana Chagas

DUDA BEAT – Nem Um Pouquinho

Mais uma vez, DUDA BEAT veio provar que boas produções não são exclusividade de artistas internacionais. Depois de lançar o seu aclamado Te Amo Lá Fora, a cantora presenteia mais uma faixa com um clipe, sendo a vez do seu feat com Trevo. Após excluir suas redes sociais, encheu os fãs de ansiedade para anunciar o lançamento do vídeo de Nem Um Pouquinho.

Com direção da dupla Alaska, que voltou para o Brasil depois de uma temporada nos Estados Unidos, o clipe é cheio de referências  cinematográficas. Uma delas é a inesquecível cena de ET, com as bicicletas passando pela frente da lua, como acontece no minuto 2 e 45. Junto com a estética cyberpunk e sua habilidade de metamorfose, o vídeo é um presente para quem gosta de destrinchar as camadas de uma boa obra do pop. – Mariana Chagas

Performances

Ariana Grande – pov 

Desde o lançamento de positions, pov se tornou uma das favoritas do fandom. Apesar de não ter recebido clipe, foi essa a faixa que Ariana Grande cantou em sua apresentação para a VEVO. Recém-casada, a cantora está tomada pela paixão, e isso transparece na sua voz emocionada e olhar brilhante. Sempre encantadora, dessa vez Ari está ainda mais. 

Em um gramado recheado de flores, a artista passeia pelo palco, iluminada por uma luz roxa e azul suave. O cenário é bem simples, mas ainda assim elegante. A tranquilidade do ambiente acompanha a leveza da letra que Ariana canta. Mesmo lançada a pouco tempo, a performance já se tornou a mais assistida do ano. – Mariana Chagas

Olivia Rodrigo – SOUR prom: the concert film

Continuando a expandir o conceito do amor juvenil, Olivia Rodrigo montou a sua própria festa de formatura (online, é claro!). Depois de ter se formado longe dos amigos e dos corredores do high school, Rodrigo trouxe SOUR para as salas do Ensino Médio, em um show online/experiência de catarse. 

Dirigido por Kimberly Stuckwisch e Toby L, SOUR prom: the concert film bebe em fontes que partem de Carrie e homenageiam até os filmes da Disney. Ela abre a cantoria com um mashup de deja vu e happier de dentro da limusine, seguindo pelo repertório envolvente do álbum de estreia. 

Merecem destaque a versão prolongada da chiclete jealousy, jealousy, o acústico sincero de enough for you e o quebra-pau de good 4 u, acompanhada por uma banda escolar e uma renca de líderes de torcida. Sobrou espaço para Conan Gray e demais amigos de Rodrigo fazerem uma pontinha. A festa de formatura do álbum SOUR parece ticar as caixinhas das músicas ‘juvenis’, limpando o caminho para que o caminho da artista seja de crescimento e exploração de novos ares. – Vitor Evangelista

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Ana Júlia Trevisan e Laís David

Por vezes amada, e em outros momentos odiada, a Nova MPB é um inegável acontecimento no cenário musical nacional. Diariamente surgem artistas novos, trazendo sonoridade contemporânea nas infinitas possibilidades que existem dentro do gênero. O que ninguém poderia imaginar era que uma mera estudante de Ciências Políticas iria se tornar uma das referências do pop independente brasileiro. Em 2018, ela assumiu o nome artístico de DUDA BEAT e lançou seu aclamado álbum de estreia, Sinto Muito. Após três anos de espera, ela se aventura novamente entre fusões rítmicas e composições românticas com seu segundo disco, Te Amo Lá Fora.

Foi limpando pisos e pintando paredes que a artista custeou, com muito sufoco, seu álbum de estreia. Com o sucesso do debut, ela não precisou dos antigos bicos para garantir a elaboração de Te Amo Lá Fora, mas continuou com o selo independente. Lux Ferreira, grande amigo de DUDA, e , seu namorado, são as geniais mentes por trás da produção do disco. Conhecidos como Lux & Tróia, a dupla de produtores conseguiu evoluir drasticamente desde Sinto Muito.

Os preparativos para o que seria o segundo trabalho de DUDA BEAT começaram com a mais pura delicadeza da pernambucana em nos dar um tapa da cara, pegar no ombro, sacudir e ainda gritar: ACORDA! – e isso foi com o carro-chefe de Te Amo Lá Fora, Meu Pisêro. Respeitando seu regionalismo, DUDA referencia a pisadinha nordestina, gênero musical que vem ganhando cada vez mais destaque nos últimos anos. Além de ser bem radiofônica, ela tem uma ótima construção de versos e uma quebra de expectativa no último refrão, que nos coloca a par do sentimentalismo da cantora.

O álbum inicia esbanjando brasilidade. Tu e Eu abre o disco com os vocais da figura pernambucana e cantora Cila de Coco. Sob os samples dos inesquecíveis sambas Lá Vem Ela Chorando e Coração de Papel, Tu e Eu é a homenagem certeira à terra natal da artista, Pernambuco. O samba de coco guia a canção, que, logo em seu começo, mostra a intenção de DUDA BEAT com o trabalho. É impossível continuar parado, afinal, quem não se arrepia ao ouvir as palmas ritmadas em forma de roda? 

A exploração rítmica da cantora é feita por completo. Te Amo Lá Fora não se apega só a instrumentos elétricos ou sintetizadores, mas também inova ao utilizar sons diversos e pouco trabalhados em produções de estúdio. Mais Ninguém tem a participação marcante da flautista Aline Gonçalves em um solo cativante, e a faixa Melô de Ilusão carrega um certo sabor psicodélico. O compasso minimalista contrasta com um lirismo melancólico, sensual e quase assustador: ‘‘Queria controlar os seus pensamentos/Para não ter dúvidas se você gosta de mim’’.

As músicas conversam entre si e DUDA conversa com seus convidados. O cantor baiano Trevo é participação mais que especial em Nem um Pouquinho, uma mistura irresistível de trap e o pagode baiano. Em uma das melhores composições do LP, ela lastima: ‘‘Quando eu vi/Eu fui piada/Você ria/E eu chorava”. Enquanto isso, 50 Meninas é um caldo do deboche brasileiro combinado com um reggae intrigante. Seguindo a vibe do sofrimento adolescente, DUDA BEAT cria de forma lúcida a velha história da ilusão amorosa com o garoto popular. Com um olhar maduro, o difícil é não reconhecer, ou até mesmo se identificar, com a narrativa.

O disco explora quase todas as vertentes do pop possíveis: GAME é um sucesso electropop imediato. A pernambucana traduz muito bem o jogo de desinteresse que ocorre dentro de relacionamentos amorosos: ‘‘Eu perguntei por que o amor não conquista o amor/Eu perguntei por que o desprezo conquista o amor’’. Parece que DUDA BEAT está decidida a desestabilizar o psicológico do ouvinte, e ela faz isso com destreza. Já Tocar Você é a fantástica imersão da cantora dentro do house, em um som que parece mais uma viagem rápida até Chromatica. 

Nem tudo é sofrência: Decisão de Te Amar consegue conquistar, com maestria, logo em suas primeiras notas. Entre respingos de reggae, a coprodução do baterista Patrick Laplan quebra os vícios composicionais da tracklist e mostra uma DUDA mais vulnerável e apaixonada. Romântica, ela se declara: ‘‘Te digo mil vezes/Que o nosso amor/ultrapassou as estrelas’’. Quem comove também é a balada Meu Coração, que leva um eu-lírico masculino e é o maior destaque de evolução da dupla Lux & Tróia, que já havia experimentado o desapego ao lado da cantora.

A produção de um segundo disco é sempre desafiadora, principalmente quando músicas do primeiro se tornam hits. A pernambucana mergulha de cabeça e sem medo de se afogar em uma mistura de culturas e sons: Te Amo Lá Fora é uma carta de amor à música brasileira. Coeso, ele atinge todas as expectativas, não decepcionando nem em suas faixas mais inconsistentes. Assim como Jaloo, MC Tha e Johnny Hooker, ela consegue mesclar pop e MPB de uma forma majestosa, fazendo com que até os mais céticos ao gênero comprem o trabalho.

Em relação a seu primeiro álbum, Te Amo Lá Fora só se compara à originalidade. DUDA BEAT consegue se renovar, mantendo sua destra essência e integridade. A cantora é uma caixinha de boas surpresas dentro de seu mundo musical – após seu recente trabalho com Nando Reis. O LP tem ela por completo, com um disco linear, palpável e memorável. Ouvir as faixas nos faz sentir amigas próximas de DUDA, que responde a qualquer dúvida que ainda poderia ter ficado sobre sua posição dentro da Nova MPB. 

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Remixes de músicas consagradas são muito polêmicos. Imagine então uma coletânea de novas versões para as canções imortais de Rita Lee, qual a chance de dar certo? Spoiler: deu e muito. Em Abril, fomos presenteados com o interessante Rita Lee & Roberto – Classix Remix Vol. l, idealizado pelo filho do casal, João Lee. É claro que as novas roupagens nem se comparam com a genialidade original da cantora, mas não é nenhum desastre, e sim um disco muito divertido de se ouvir. 

Falando em clássicos, esse é um instantâneo: DUDA BEAT, tesouro nacional, está de volta com o maravilhoso Te Amo Lá Fora. A pernambucana queridinha do Brasil com certeza estará em muitas listas de melhores do ano. Os donos do sertanejo universitário também trouxeram novidades em Tudo em Paz, mostrando que 15 anos de carreira não foram suficientes para esgotar a arte da dupla Jorge & Mateus, que segue encantando os fãs com sua música. 

Por aqui também tivemos POCAH descobrindo durante uma festa enquanto ainda estava no BBB que sua música com Lia Clark, Eu Viciei, tinha sido lançada. O funk, assinado pelo trio Hitmaker, entra para a lista de músicas que teriam bombado em todas as festas se não fosse a pandemia. Ludmilla e Xamã também colocaram no mundo uma ótima parceria: Gato Siamês deixa claro que Lud também nasceu para cantar R&B. Em Abril, rolou até uma colaboração internacional: Luísa Sonza e Bruno Martini foram convidados para um remix de Cry About It Later, de Katy Perry.

Nos States, assistimos Demi Lovato colocar seu coração nas canções de Dancing With The Devil… The Art of Starting Over, e estabelecer o disco como o melhor trabalho de sua carreira, com viciantes faixas pop e um desabafo sincero de alguém que quase nos deixou mas conseguiu recuperar sua vida. Taylor Swift também fez história em sua carreira ao lançar a primeira das regravações de seus álbuns antigos, que estão encaminhadas para sair nos próximos meses. Depois de ter sido impedida de comprar os masters de suas músicas, a artista decidiu voltar ao estúdio e regravar cada um de seus discos. Fearless (Taylor’s Version) já está entre nós, e que venham os outros!

Doja Cat finalmente foi libertada do cativeiro Say So e já começou a divulgar seu novíssimo álbum, Planet Her. O primeiro single escolhido é a contagiante Kiss Me More, ao lado de SZA. Twenty One Pilots também fez seu comeback cor-de-rosa e azul bebê. Choker e Shy Away são uma indicação que teremos uma era mais pop ainda do duo, e com uma vibe retrô. BROCKHAMPTON retornou iluminando toda sua criatividade em seu novo disco, enquanto Rina Sayama e Elton John se juntaram para uma parceria e regravaram Chosen Family, de Rina. No ano passado, Elton John declarou que SAWAYAMA era seu álbum favorito de 2020.

No Reino Unido, ao lado das drag queens A’Whora, Tayce e Bimini Bon-Boulash, que participaram da segunda temporada de Drag Race UK, as meninas do Little Mix lançaram seu primeiro trabalho em formação de trio. A nova versão de Confetti também contou com a colaboração da rapper Saweetie. Falando em girlbands, as sucessoras naturais do Little Mix nos apresentaram seu primeiro EP. As integrantes da Boys World estão apenas começando a trilhar seu caminho, e aos poucos estão construindo uma discografia promissora e empolgante, como a perfeita Girlfriends. 

Olivia Rodrigo, o rostinho da Geração Z, continua fazendo muito barulho mesmo tendo apenas duas músicas lançadas em sua carreira solo. Dessa vez foi deja vu que explodiu no streaming e viralizou no TikTok. O debut da cantora, SOUR, nem viu a luz do dia ainda, mas já acumula mais de 1 bilhão de streams. Billie Eilish também está se preparando para lançar seu segundo álbum. As faixas que já pudemos ouvir, my future, Therefore I Am e, agora, Your Power, só aumentam as expectativas desse próximo trabalho de Billie. Com uma atmosfera mais adulta sem perder a essência Eilish, a pergunta que já começa a aparecer é: será que vem mais um AOTY aí? 

No assunto bedroom pop, temos Ryan Woods. O jovem cantor alternativo é também produtor de suas canções, e colocou no mundo seu primeiro EP, King of the Basement. Nos distanciando um pouco mais do mainstream, dois trabalhos se destacaram com aclamação da crítica. O primeiro é Vulture Prince, obra-prima de Arooj Aftab que encontra um lugar entre a tradição da música oriental e a contemporaneidade dos sons do ocidente para atingir a universalidade da experiência do luto e processamento da dor. Longe da serenidade da musicista paquistanesa radicada em Nova York, está o barulho do hardcore divertido de The Armed em ULTRAPOP.

Abril também foi o mês de celebrar o maior evento do Cinema que encontra uma graça especial em suas performances musicais. No terraço do Museu da Academia, quatro das músicas indicadas a Melhor Canção Original foram brilhantemente entoadas, mas a honra da dimensão musical do Oscar foi dela, literalmente. Aos 26 anos, H.E.R. já tem estatuetas do Grammy e Oscar na prateleira de casa, e seu novo disco, com lançamento previsto para o segundo semestre de 2021, promete.

Para um mês recheado de novidades, retornos e expectativas, a Editoria e os colaboradores do Persona prepararam o seu guia mensal que abriga tudo o que rolou no mundo da música num só lugar. Conecte seus fones de ouvido para passear conosco pelos sons que nos encontraram através dos CDs, EPs, singles, clipes e performances no Nota Musical de Abril de 2021.

CDs

Demi Lovato – Dancing With The Devil… The Art of Starting Over

Desabafo é a palavra que descreve o novo álbum de Demi Lovato. Em toda a sua carreira, ela nunca se arriscou dessa forma e o resultado não poderia não ser espetacular. Tudo aquilo que estava preso na garganta, ela soltou em Dancing With The Devil… The Art of Starting Over. 

Seu pedido de socorro já começa na primeira faixa, Anyone, a qual ela declama com todas as palavras que ela precisa de alguém. Ela percorre seus sentimentos mais sinceros por todas as faixas, desde o complicado relacionamento com o pai até sobre seus transtornos alimentares. Agora, revigorada e com uma voz de dar inveja, sua sobriedade californiana está “cansada de ser conhecida pela minha doença” e pronta para mostrar seu devido valor. – Júlia Paes de Arruda

Rita Lee é um fenômeno inegável da Música Popular Brasileira. A cantora, dona de pelo menos um hit em cada década desde dos anos 60, é estrondosa desde sua banda Os Mutantes, mas conquistou seu maior reconhecimento e o auge de sua carreira ao lado de seu glorioso marido Roberto de Carvalho. Juntos, eles tiveram três filhos e marcaram toda uma geração com suas polêmicas e dançantes músicas. Idealizado pelo filho do casal, João Lee, o Classix Remix é uma releitura feita por DJs, das maiores canções da dupla.

Mania de Você, a música mais marcante da discografia de Rita, ganhou um delicioso remix de Dubdogz & Watzgood e outro mais noturno de Harry Romero. Lança Perfume foi assinada pelo francês The Reflex, que soube aproveitar a sonoridade original do clássico. Tropkillaz também está presente no projeto, trazendo um som mais contemporâneo pra inigualável Saúde. Trabalhar com remix é sempre um tiro no escuro, mas o tato de João Lee fez com que o alvo fosse acertado em cheio. – Ana Júlia Trevisan

Charlotte Cardin – Phoenix

É hora de conhecer Charlotte Cardin. A cantora e compositora canadense surgiu nos holofotes da música como uma das finalistas do La Voix (versão do programa de calouros The Voice de Québec) em 2013, aos 19 anos. Seu primeiro EP, intitulado Big Boy, foi lançado em 2016, seguido por Main Girl, em 2017. Com esses trabalhos, a artista recebeu duas indicações para o Juno Awards, o ‘Grammy canadense’, em 2018, como Artista Revelação do Ano e Compositora do Ano. Desde então, muitos singles nasciam vez ou outra preparando o terreno para seu primeiro álbum, que depois de dois anos de produção, chega até nós com o nome de Phoenix.

A inauguração da discografia da artista de 26 anos conserva suas raízes e influências culturais e musicais passeando entre o inglês e o francês, o pop, electro e jazz. O resultado impresso em Phoenix é de um electro-jazz e pop-soul que flerta com um R&B carregado de contemporaneidade, já que das canções mais dançantes às baladas, Cardin está à vontade na plenitude da energia da juventude, tanto em seus pontos de celebração, quanto de frustração. Mesmo trabalhando com a obviedade das desilusões amorosas, autoconhecimento e desabafos enraivecidos de quem busca entender a si mesmo e seu lugar no mundo, Phoenix ainda é vertiginoso e enigmático. 

Existe a segurança e o preço de se trabalhar com clichês, mas se Cardin ainda ensaia o acabamento de suas composições, como intérprete não guarda hesitação alguma. O vozeirão da vocalista de Phoenix é plenamente valorizado junto da arquitetura sonora do disco. Ouça os singles Passive Aggressive e Meaningless para se compreender o potencial de seu pop e Sex To Me para se viciar nele, Anyone Who Loves Me para topar com seu controle vocal excepcional, Je quitte para se embalar no jazz francês, e Sad Girl para conhecer a identidade de Charlotte Cardin e não esquecer mais dela. – Raquel Dutra

Taylor Swift – Fearless (Taylor’s Version)

Taylor Swift sempre foi dona de suas próprias narrativas, e nem mesmo a venda de sua discografia a impediu de tentar. Após quase dois anos de espera, ela reconquista seus direitos autorais com seu décimo álbum de estúdio, Fearless (Taylor’s Version). Além das 20 faixas da obra original, ela traz seis novas canções como parte do side de inéditas chamado The Vault. Mr. Perfectly Fine é a cartada clássica de Swift sobre um término abrupto e That’s When (feat. Keith Urban) é a colaboração masculina essencial que seus primeiros álbuns nunca tiveram. 

É quase impossível colocar em palavras o impacto de Fearless (Taylor’s Version). O disco consegue trazer as mesmas emoções que criou no imaginário popular treze anos antes, seja no universo shakespeariano de Love Story ou no romance adolescente de You Belong With Me. Poucos artistas conseguem se conectar com sua audiência de forma tão gloriosa como Taylor Swift – a longevidade de suas composições é imensurável. Escutar Fearless é uma jornada cheia de anacronismos que nos leva aos lugares que, junto com Taylor, já visitamos antes. – Laís David

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE

JOBA, um dos vocalistas da boyband BROCKHAMPTON, ao ser perguntado em vídeo promocional qual seria o lugar ideal para ouvir ROADRUNNER, responde algumas coisas: em um parque, parado no acostamento de uma estrada à noite, olhando para as estrelas, “apenas em algum lugar aí fora”. É curioso como, em um disco como ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE – que tem como principal proposta a fuga de uma existência afligente, ao encontro de uma utopia, ou senão, à procura de uma catarse –, a banda nos convide a também exercer essa fuga, a absorver a obra fora da rotina, em um ambiente que realce nosso aspecto absorto, longe de qualquer coisa que remeta à realidade impiedosa em que vivemos.

O que, é claro, não significa que o grupo de rap não encare essa realidade em momento algum no álbum. Junto a momentos agitados e vívidos, mas que sempre carregam também um ar de confusão, questionamento e incômodo, nos deparamos com verdadeiros manifestos trágicos e indigestos, que escancaram com crueza os tormentos pessoais de cada um dos integrantes como em THE LIGHT e THE LIGHT PT. II, e com statements potentes sobre a violência institucionalizada dos Estados Unidos contra grupos raciais e LGBTQ+ em DON’T SHOOT UP THE PARTY. Sua sonoridade é colorida, diversa e dinâmica, atravessando desde momentos mais poderosos e afrontosos como BUZZCUT, BANKROLL e CHAIN ON, até músicas mais brandas que remetem a aspectos clássicos de boyband como COUNT ON ME, OLD NEWS e I’LL TAKE YOU ON, e experimentações mais ousadas como o coral gospel de DEAR LORD e o indie rock guiado por guitarras inspiradas de WHAT’S THE OCCASION?.

Enquanto a trilogia SATURATION, trabalho que consolidou a banda no mainstream, abraça a contradição ao se apropriar de características e elementos do status quo para assim criticá-lo, ROADRUNNER se afasta ao máximo de qualquer coisa que possa aludir à normalidade ou à ordem vigente e, mesmo que não ofereça a solução para todas essas opressões e violências, ele dá o primeiro passo. Encara a realidade como ela é, com o fim de libertar-se dela. Pode até ser que o novo lançamento da BROCKHAMPTON não lhe entregue todas as respostas que precisa, mas com certeza será um espaço de acolhimento. É a proposta de um exercício de identificação e empatia que, talvez, seja exatamente o que estamos precisando. – Enrico Souto

DUDA BEAT – Te Amo Lá Fora

Se você vive no Brasil, com certeza já ouviu Bixinho em algum momento nos últimos três anos, seja numa festinha, na rádio ou até cantado pelos protagonistas do BBB21. DUDA BEAT é um fenômeno nacional: se lançou independente, entregou conceito, poesia pop e ritmos brasileiros em seu debut e em pouco mais de um ano já estava até abrindo show para a gigante britânica Lily Allen. 

Em Te Amo Lá Fora, DUDA prova mais uma vez ser um tesouro nacional. Se Barões da Pisadinha fosse synthpop, eles com certeza teriam lançado Meu Pisêro. A primeira faixa de trabalho do disco já mostrou qual seria o propósito desse CD, misturar a sonoridade que explodiu no Nordeste com um pop puxado para o alternativo, tudo isso em uma embalagem visualmente impecável. O resultado é surpreendente e absolutamente delicioso, e já torna o segundo álbum de DUDA um dos melhores de 2021. – Jho Brunhara

The Armed – ULTRAPOP

A capa colorida e o título enganam: ULTRAPOP não é um álbum espirituoso e/ou facilmente digesto e The Armed não é próximo grupo a estourar nas rádios e dancinhas do TikTok. Trata-se do quarto disco da misteriosa e mutável banda de hardcore punk, que faz sim uso de efeitos vibrantes e divertidos, mas que não deixa de se jogar no peso das guitarras, sintetizadores, baterias, guturais e críticas políticas agudas.

A quebra de expectativa para quem não conhece o trabalho do grupo já acontece nos primeiros minutos. A abertura com a faixa-título apresenta elementos de pop melódico misturados ao caos arquitetado do post-hardcore que explode no single ALL FUTURES e na seguinte MASUNAGA VAPORS. Nessa mistura, o álbum não se torna em momento algum algo obscuro, vide a jovialidade de WHERE MAN KNOWS I WANT e a loucura de REAL FOLK BLUES. 

ULTRAPOP também guarda algo para os punks mais tranquilos. AN ITERATION e AVERAGE DEATH são rocks mais limpos e BAD SELECTION é a mais básica da tracklist – e aqui isso não é de forma alguma um defeito. Ao final, tudo parece se encontrar em THE MUSIC BECOMES A SKULL, que segue mais leve mas não perde a urgência e ensaia algo mais dark em looping com a primeira faixa, confirmando que ULTRAPOP é coisa de doido e uma experiência e tanto. – Raquel Dutra

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Os instrumentos de apoio levitam Jenn Wasner, a voz por trás do Flock of Dimes, ao longo de quarenta minutos, oscilando o miraculoso eu-lírico da americana pelo segundo disco do projeto. Nada novata no meio, Wasner, que coleciona créditos com a banda Wye Oak, com o grupo Bon Iver e também em registro solo, dessa vez se banha nas dores de um término amoroso, criando melodias angustiantes, mas belamente adornadas pelo processo criativo da pandemia e do isolamento social.

Ouvir Head of Roses é como entrar em um quadro histórico, imagine molhar os pés no lago de Ophelia, de John Everett Millais. A cantora modela o Universo nas próprias cordas vocais. A faixa de abertura, 2 Heads, começa com uma Wasner perdida, sem saber justificar sua reflexiva e difusa voz. O trabalho encerra em Head of Roses, com a artista relegada a nunca encontrar sua bússola moral. “Eu não posso te contar o que não sei”, ela declama, e nós sentimos cada sílaba desse ardor. – Vitor Evangelista

Febem – JOVEM OG

Em seu novo álbum, Felipe Desiderio, o Febem, relata como é ser mais um JOVEM OG na Vila Maria, Zona Norte de São Paulo. O artista paulistano que é ex-integrante do extinto grupo de rap ZRM, é conhecido por ter um estilo diferenciado no meio do rap nacional, trazendo referências do grime,  rap old school, trap e até funk, uma mistura que faz com que Febem seja um dos rappers mais versáteis do cenário. Nesse álbum, o músico expressa seus sentimentos, vivências, reflexões e satisfações da forma mais pura possível. Suas letras destacam-se pelas temáticas e se diferenciam em cada música, com linhas sarcásticas, críticas e combativas. Ao ouvir cada faixa do disco, você percebe as diferentes vertentes do rap presentes, músicas que causam o sentimento de nostalgia, outras com um estilo moderno e outras que você quer até dançar. 

As histórias contadas sobre vivências na rua como em Crime e Vai Pensando se completam, a faixa Jovem traz um aprofundamento ainda maior nas questões sobre abuso policial e discriminação, mas também empodera o próprio cantor. O que é de se destacar são as incríveis participações desse álbum. Na faixa Área de Risco as gêmeas Tasha e Tracie foram impecáveis em cada rima, com empoderamento e sarcasmo. Na música Balla, Kyan e Febem deram um show de trocadilhos. Em Sem Tempo, Jean Tassy conseguiu entrar num grande contraste com Febem, mesmo tendo um estilo de canto bem diferente. Na faixa Marcha, Vulgo FK tem muito destaque por conta de sua incrível voz. Na última música do álbum, Me Paga, a participação ficou por conta do mineiro Djonga que casa muito com o estilo do Febem, ao mesmo tempo que a letra traz um sentido de combate e protesto, também engrandece as conquistas deles.

A versatilidade do disco não se dá só sobre as letras e participações, mas também por seu fiel produtor CESRV, que produziu  nove das dez faixas do álbum em que entram em destaque OG e México com temáticas e efeitos totalmente diferentes. O álbum traz diversas reflexões, abordagens e diferentes tipos de entendimento para o ouvinte, que fica com cada vez  mais vontade de escutar. JOVEM OG mostra a nítida evolução de Febem ao decorrer dos anos e comparado à seus antigos álbuns, esse é o mais brilhante. – Matheus Braga 

Vulture Prince é tão lindo quanto sua capa, quanto sua criadora e quanto seu nome. O terceiro disco da musicista paquistanesa radicada em Nova York é uma peça musical delicada e forte sobre luto, dor e superação dedicada ao seu irmão mais novo, falecido recentemente no seu país natal, que passava por “onda crescente de ódio e conflito” e agora, como todo o resto do mundo, luta “para lidar com uma pandemia global” e seus efeitos, como a própria Arooj Aftab diz.

Assim, a partir de suas vivências pessoais, Aftab transcende qualquer barreira para nos convidar a visitar processos que têm sido universalmente experienciados nos últimos meses. Mergulhada nas cordas e sopros da música oriental combinadas a influências contemporâneas do jazz, soul e rock clássico, a artista encontra vazão para seus sentimentos de forma tão sincera e bem organizada que uma única coisa sobre Vulture Prince é certa: a música do álbum é capaz de te atingir. E é bom estar preparado. 

O centro de Vulture Prince é o ghazal, gênero do sul da Ásia que se aproxima do que conhecemos por blues. Na música de Aftab, o som tem pulsões existenciais em composições íntimas e declamações de poesia que formam sete canções, mais que suficientes para a artista fazer sua mágica acontecer. Todas têm mais de cinco minutos e a maioria delas não tem percussão, deixando a condução musical apenas para o sentimento de sua intérprete, que mesmo suave, ainda é carregada de sentimento. Não ouso nomear destaques e fragmentar a beleza da obra completa de Vulture Prince, apenas recomendo que ouça. – Raquel Dutra

Birdy – Young Heart

A passarinha está de volta com Young Heart. Quem conhece Birdy sabe que as melodias calmas e aconchegantes da cantora estão sempre presentes, e nesse novo disco somos relembrados disso. A poesia das canções se funde às cordas e somos embalados em uma viagem por seus sentimentos e confissões. 

Aqui, Young Heart encanta mas infelizmente cansa. As 16 faixas não ajudam na certa monotonia do disco, e parece que não houve um crivo mais assertivo de quais músicas deveriam ou não entrar para a tracklist. Mesmo assim, esse não é, de longe, um trabalho ruim. O que escancara o talento da britânica, que não comete erros, apenas meio-acertos. – Jho Brunhara

Jorge & Mateus – Tudo em Paz

Finalizando abril com chave de ouro, Jorge & Mateus lançaram seu novo álbum, intitulado Tudo em Paz. Depois de 15 anos de carreira, a dupla só comprova que cada vez mais seu talento se aprimora e alcança degraus inestimáveis dentro do sertanejo. Cinco músicas já haviam sido apresentadas em janeiro num EP de mesmo nome, só para dar um gostinho do que estava por vir. De imediato, era perceptível que Lance Individual seria o single desse recente trabalho, o qual detém cerca de 100 milhões de reproduções no Spotify. 

Uma novidade deste projeto é uma parceria com a rainha da sofrência, mas seu poderoso e marcante alcance vocal acaba não sendo destacado. Contudo, a serenidade acústica é o que predomina na grande parte das faixas, tendo as notas do violão como a base segura da emoção. Eu que achava que já tinha visto de tudo, só sei sentir amor por essa nova fase que Jorge & Mateus tem construído. – Júlia Paes de Arruda

girl in red – if i could make it go quiet

3 anos, 2 EPs e muitos singles depois do sucesso de i wanna be your girlfriend, a cantora e multi-instrumentista girl in red coloca as cartas na mesa e reflete sobre as próprias expectativas e inseguranças, relacionamentos e fama em seu álbum de estreia if i could make it go quiet. Na onda das produções caseiras e selos independentes do bedroom pop, a norueguesa continua a compor, produzir e cantar sobre a juventude em seus diferentes perrengues e sentimentos, mas, mais madura e sincera, não cai na repetição de sucessos anteriores.

As letras menos românticas e metafóricas e mais diretas revelam uma evolução na mensagem e até nos sentimentos da artista: já se falou sobre as primeiras paixões e sobre a aceitação da sexualidade, agora é a hora das desilusões, desejos e vacilos no amor, como em Did You Come?, midnight love e .; da solidão e das consequências da fama, como em hornylovesickmess; e dos sentimentos confusos e inseguranças com que estamos familiarizados, como em Serotonin, Body and Mind e Apartment 402. A sonoridade também é uma evolução: as guitarras indie pop das canções já são conhecidas, mas não ficam repetitivas acompanhadas de pianos e batidas eletrônicas. Ao mesmo tempo em que a artista mantém uma identidade, ela explora ritmos e instrumentos.

É complicado ser jovem e lidar com tantos sentimentos e contradições e o primeiro álbum da girl in red, assim como seus trabalhos anteriores, mostra que tem mais alguém lidando com essa imensidão e essa bagunça que existe dentro da gente. if i could make it go quiet funciona como um desabafo tão identificável que é como encontrar as palavras para os nossos próprios desabafos. – Vitória Lopes Gomez

Sharon Van Etten – epic Ten

A cantora Sharon Van Etten é o nome certo para aqueles dias onde a calma e sensibilidade são necessárias. Famosa por sua atuação na série The OA, sua nova produção epic Ten possui a dose certa de ousadia e tranquilidade, características marcantes da artista americana, mesmo que o destaque do trabalho não seja ela própria. O álbum traz releituras corajosas de canções importantes em sua carreira, semelhante à proposta de Adriana Calcanhotto em Nada Ficou no Lugar (2019), Sharon optou por convidar outros artistas a interpretarem suas palavras.

O destaque do trabalho ficou a cargo da última faixa, Love More, cantada por ninguém menos que Fiona Apple, sendo essa uma boa oportunidade para lembrar dela antes de mais um desaparecimento iminente. Mas, outros nomes igualmente entregaram interpretações incríveis das músicas originais de Van Etten, a experiente Lucinda Williams trouxe um belo cover de Save Yourself. Enquanto St. Panther oferece uma versão moderna de One Day, a banda britânica IDLES optou por recriar a poderosa Peace Signs numa versão completamente diferente da original, trazendo um pouco de rock à canção.

Onze anos após o lançamento de Epic, seu segundo álbum de estúdio, a cantora e compositora teve a humildade de nos oferecer novas vozes em letras tão especiais para ela. Mas, apesar dos novos lançamentos serem maravilhosos por si só, é difícil desapegar das músicas na tonalidade agradável e tranquila de Sharon. Para aqueles que não conheciam o trabalho da artista, como eu, vale a recomendação de gastar uma tarde ouvindo a produção original de 2010, e aproveitando a onda de bons pensamentos e emoções evocadas sem nenhuma pretensão pela obra. – Isabella Siqueira

Julia Michaels – Not In Chronological Order

Você com certeza conhece Julia Michaels. Ou pelo menos, uma parte dela. Antes mesmo da artista viver a recepção positiva de Not In Chronological Order, seu primeiro álbum, ela já passou pelos lugares mais badalados do pop através de suas palavras. No passado, a compositora colaborou com Justin Bieber no hit absoluto Sorry, escreveu alguns dos maiores sucessos de Selena Gomez, está na boca de Demi Lovato em seu novo e grandioso disco e já teve suas letras cantadas também por Britney Spears, Dua Lipa, Ed Sheeran, Lady Gaga, dentre muitos outros artistas.

Assim, o primeiro álbum de Michaels (que já produziu dois EPs: Nervous System, de 2017, e Inner Monologue Part 2, de 2019) era um evento muitíssimo aguardado. A expectativa só cresceu com os singles promocionais extremamente bem acertados que já traduziam a identidade da artista em Not In Chronological Order: All Your Exes é um pop rock divertido, chiclete e crescente de um indie folk que encontra a interpretação perfeita na voz rouca de Julia; Love Is Weird, por sua vez, trabalha com a mesma base para explorar um pouco mais seus vocais e a capacidade de identificação de suas letras.

Dedilhados de violão, storytelling e um fundinho bem leve de country que às vezes dá espaço para mais instrumentos acústicos (oi, Taylor Swift) se estendem a History, Little Did I Know e That’s The Kind Of Woman, enquanto o pop melódico atraente de Michaels se mostra num timbre a là Lorde em Wrapped Around e brinca com os sons da música dos anos 90 em Orange Magic. O que significa tudo isso? Que, mesmo com os contratempos narrativos do amor em Not In Chronological Order, tem tudo o que a gente gosta no primeiro álbum de Julia Michaels. – Raquel Dutra

London Grammar – Californian Soil 

O terceiro registro de estúdio do trio de trip hop London Grammar representa uma passagem de bastão. Na verdade, Californian Soil serve para colocar a vocalista Hannah Reid como a representante do grupo. Tomando seu espaço de direito, ela o faz graciosamente. Muito mais maduro que em seus trabalhos anteriores, o som dos músicos alcança a plenitude que a capa do disco reflete.

Sozinha e iluminada, Reid canta sobre a força da feminilidade e sobre vivências próprias enquanto mulher. Baby It’s You brinca com o destino, I Need The Night cresce em cima da figura feminina. Lord It’s A Feeling evoca o lirismo de Florence Welch, ao passo que a arte do London Grammar se eleva, flutua e alcança os Céus. – Vitor Evangelista

Paul McCartney – McCartney III Imagined

Depois de se isolar numa fazenda e dar a luz ao McCartney III no meio da pandemia, há quem pense que Paul McCartney estaria satisfeito. No auge de seus 78 enérgicos anos, o beatle gosta mesmo é de se atualizar nas tendências e reinventar seu próprio som, e foi daí que Macca resolveu convidar artistas da nova geração para criarem releituras das músicas que ele mesmo compôs e produziu em 2020. McCartney III Imagined reúne covers e remixes de Dominic Fike, EOB, Phoebe Bridgers, Anderson .Paak e outros nomes na indústria musical – o terror dos fãs da velha guarda que insistem que Paul deve manter a essência, mesmo que esta esteja parada no tempo.

O disco ganha traços alternativos e contemporâneos, provando que, enquanto o roqueiro respirar, ainda estará vivo como músico. Paul cede os vocais para Fike na romântica The Kiss of Venus e ganha um rearranjo por Beck em Find My Way. Se Bridgers assume Seize The Day, Women And Wives se torna uma experiência psicodélica nas mãos de St. Vincent. Brincando com riffs e explorando as próprias letras, as onze faixas de McCartney III Imagined assumem a identidade de seus convidados e a mesclam com a unicidade que só a carreira de meio século de Paul possui. – Caroline Campos

DJ Khaled – KHALED KHALED

Another one! de DJ Khaled. O 12º álbum de estúdio do rapper, produtor, hitmaker e orquestrador de encontros dos sonhos conhecidíssimo na música mainstream é a essência mais pura de seu trabalho: vibrante, maximalista e repleto de colaborações grandiosas. Nas 14 faixas de KHALED KHALED, pode-se ouvir, prenunciadas pela sua assinatura, as vozes de Drake, JAY-Z, Cardi B, Post Malone, Lil Wayne, H.E.R., Justin Bieber, Roddy Richh, Lil Baby, Megan Thee Stallion, Justin Timberlake, dentre muitas outras das mais conhecidas da música norte-americana.

O que eleva KHALED KHALED é também o que o derruba e a farra sonora do artista impressiona pelo que oferece e decepciona pelo que entrega. A dificuldade em amarrar tantas participações diferentes era esperada, mas parecia o trabalho perfeito para um dos nomes mais versáteis da indústria da música, que não deu conta de combinar toda a sua agenda de contatos no disco. Com tanto potencial impossível de ser explorado, o resultado é uma coletânea de canções rápidas e pouco memoráveis assinadas por artistas de peso que são capazes de entregar muito mais. 

Assim, as faixas menores acabam por salvar a tracklist de KHALED KHALED. O rap solo de Drake é bem-sucedido em POPSTAR e GREECE, Cardi B voa em BIG PAPER e Justin Bieber trabalha bem com 21 Savage em LET IT GO. A aglomeração só funciona com a experiência de JAY-Z que traz uma pontinha de Beyoncé em SORRY NOT SORRY, cantada junto de Nas e James Fauntleroy. De resto, Khaled não deu conta de organizar a galera. – Raquel Dutra