Sinara Martins 

Durante a noite da primeira segunda-feira de Maio, o Museu de Arte Moderna (MOMA), em Nova Iorque, deu espaço a cerimônia do Met Gala, um dos eventos mais aclamados do universo fashion. Para este ano, o dandismo negro se destaca como uma construção estética e política. 

O código de vestimenta também é estabelecido anualmente e está sempre em harmonia com o tema da nova mostra do museu. O dress code da vez foi o Tailored For You (“sob medida para você”, em tradução literal) e o tema da exposição é Superfine: Tailoring Black Style” (em português, “Superfino: O Estilo Negro na Alfaiataria”).  A temática surgiu pelo livro da co-curadora Monica Miller, chamado Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity, que aborda a arte de se vestir com Arte, política e empoderamento. 

O dandismo é marcado pela sofisticação e elegância, aliadas à autenticidade e ao senso de pertencimento. No caso do dandismo negro, essa expressão ganha um sentido ainda mais profundo: ela se torna uma forma de contestação social, em que homens negros, historicamente marginalizados, utilizam o vestuário como instrumento de afirmação identitária e conquista simbólica de liberdade.

Durante o tapete vermelho, esperava-se que os convidados usassem da interpretação criativa para transformar figurinos com autenticidade, de maneira a expressar a identidade e o estilo pessoal. O foco estaria nas alfaiatarias reinterpretadas, lado a lado de silhuetas ousadas e acessórios. 

Os figurinos sofisticados marcaram presença no tapete azul e cumpriram o papel esperado de estética refinada. Mas algo inédito aconteceu neste ano: os convidados homens tiveram a oportunidade não tão comum de se sobressair no tapete, com a tarefa desafiadora de transformar um terno em algo memorável. 

Os homens tiveram a oportunidade de transformar ternos simples em elegância e os co-anfitriões Colman Domingo e Pharrell Williams conseguiram com precisão. Khaby Lame e Tyler Perry também foram destaques masculinos e favoritos, e parte memorável da noite foi estrelada por Damson Idris, que chegou vestido com trajes da Fórmula 1 e revelou por baixo do macacão um deslumbrante traje marsala. 

O preto e branco prevaleceram durante a cerimônia e foram muito bem usados por Zuri Hall, Sarah Snook e Mona Patel. Acessórios como chapéus, bengalas e lenços de bolso também foram aliados da elegância em figurinos como o de Doechii, e das caudas de Diana Ross e Lauryn Hill.

Silhuetas, ao lado da sensualidade, foram o carro chefe de figurinos clássicos e bem executados como o de Kendall Jenner, Laura Herrier e Zoe Saldana. Enquanto a ousadia de Janelle Monáe, Ayo Edebiri, Alton Maison e Doja Cat também tiveram seu reconhecimento.

Em meio ao clássico refinado, o destaque da noite se deu em meio ao vermelho marsala, exalando poder quando alinhado aos acessórios de Teyana Taylor, que conseguiu o fascínio do público, junto dos figurinos luxuosos utilizados por Jodie Turner-Smith e Damson Idris. 

Sem grandes performances, os momentos que ganharam destaque nas redes sociais foram o anúncio da gravidez de Rihanna e o lançamento inédito do novo álbum de André 3000, diretamente da cerimônia — com o artista vestindo o mesmo figurino da capa do disco como look do evento.

O dress code seguiu o padrão esperado, sem muitos convidados fugindo do tema. A ousadia e o vermelho marsala foram o passaporte fashion dos que se destacaram aos olhos do público, junto dos acessórios que compõem a essência do dandismo negro, que foi muito bem representado. 

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Sinara Martins

A primeira segunda-feira de Maio é sempre marcada pela cerimônia do Met Gala, que simboliza a abertura da exposição anual do Metropolitan Museum Of Art (MOMA), em Nova Iorque. Todo ano há um código de vestimenta para os convidados, sempre relacionado a exibição. Para o tapete vermelho de 2024, o tema estabelecido foi Jardim do Tempo.

A temática surgiu do conto de J. G. Ballard, de 1962, que retrata um casal vivendo em uma propriedade rodeada de muralhas – para os defender da multidão que se aproxima –, e repleta de “flores do tempo” que, quando colhidas, retrocedem algumas horas e impedem o avanço da massa. Chega um momento em que não há mais flores para colher e, então, a muralha é invadida pelo povo que, ao adentrá-la, encontra uma vila em ruínas e uma estátua do Conde e da Condessa que ali moravam.

Em uma analogia à passagem do tempo, distopia e beleza, era esperado que, durante a cerimônia, fossem utilizadas peças de arquivo vintage, elementos representativos de um jardim que remetessem também o transcorrer do tempo. Portanto, os stylings eram cheios de possibilidades e amplos na interpretação: de peças floridas a vestidos de arquivo que há muito tempo não eram usados – se é que algum dia já foram vestidos.

Dentre as personalidades de Hollywood que marcaram presença, o destaque da noite se deu pela co-anfitriã Zendaya, que usou dois figurinos maravilhosos. O primeiro – da marca Maison Margiela e assinado por John Galliano –, com silhuetas inspiradas no trabalho de 1930 da fotógrafa Madame Yevonde, em um cenário da Grécia Antiga, estava impecável e conversou perfeitamente com a maquiagem, feita por Pat McGrath.

Surpreendendo a todos, quase no fim do tapete vermelho, a atriz trocou de vestido e apareceu usando um figurino all black da Givenchy, em uma estética gótica, e ousou utilizando um adorno de buquê de flores.
Vestidos florais já eram esperados e foram muito bem usados pelas atrizes Jessica Serfaty, Cynthia Erivo e Rebecca Hall, e as cantoras Nicki Minaj e Dove Cameron. Todas elas combinaram perfeitamente o tema da noite com vestidos impecáveis das marcas Dolce & Gabbana, Thom Browne, Danielle Frankel, Francesco Risso e Diesel, respectivamente.

Outro destaque se deu por vestidos neutros que acentuam as silhuetas e se completam com o cabelo e a maquiagem simples, que ganharam espaço no baile desse ano e foram apostas de inúmeras famosas. A exemplos de Ariana Grande, com um lindo vestido da Loewe, Bruna Marquezine de Tory Burch, Kylie Jenner de Oscar de La Renta e Madeleine Clyne usando Tommy Hilfiger.

A sensualidade se deu em rendas – apostas de Kendall Jenner, Emma Chamberlain e Sarah Jessica Parker – e na transparência, muito bem utilizada por FKA Twigs, Doja Cat e Elle Fanning. O metálico também teve seu espaço, mesmo que pequeno, em vestidos como os usados por Me Hanani, Simone Ashley, Amanda Seyfried e pela co-anfitriã Jennifer Lopez. Em uma mistura desses dois elementos, Kim Kardashian também apresentou um fantástico figurino.

Neste ano, Tyla fez sua primeira aparição no Met Gala e não poderia ter sido mais espetacular. Usando uma linda peça da Balmain, a cantora surpreendeu ao aparecer com um vestido feito de areia que destacava as suas silhuetas e remetia a passagem do tempo, juntamente com sua bolsa em formato de ampulheta. Além dela, o destaque da noite também se deu através da cantora Lana Del Rey, que estava de tirar o fôlego em um impecável vestido de galhos, em uma produção melancólica de um vestido customizado por Alexander McQueen.

As cores vibrantes perderam espaço para os tons pastéis, como utilizado por Donatella Versace, mas ainda sim tiveram aparições notáveis. A marca Swarovski apresentou um time perfeito de convidadas e soube valorizar de maneira sensacional todas elas. A modelo Anok Yai estava perfeita, assim como em todos os anos que frequentou o evento, usando um macacão de tons azulados personalizado com 98.000 safiras e um colar de diamantes de 156.62 quilates. Ainda representando a marca, Karlie Kloss usou um lindo vestido rosa incorporado de flores e cristais.

Durante o evento, o destaque realmente ficou para a moda feminina. Vestidos focados na valorização da silhueta, de cores neutras com toques de sensualidade e delicadeza marcaram presença ao longo da cerimônia. Enquanto isso, na moda masculina, o de sempre: ternos básicos de cores neutras sem toques de glamour foram predominantes, com exceção dos convidados Alton Maison, Wisdom Kaye, Bad Bunny e membros da comunidade queer, como Harris Reed, Lil Nas X, Cole Escola e Jaden Smith, que fizeram suas apostas em figurinos que saíram do convencional.

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Clara Sganzerla e Guilherme Machado Leal

Para uma geração, o MTV Video Music Awards foi um grande acontecimento. Mobilizou votações, foi palco de grandes anúncios e era uma das premiações mais aguardadas do ano, sendo prestigiada por diversos nomes de peso da indústria musical. Madonna, Michael Jackson, Whitney Houston, Spice Girls, Britney Spears, Eminem, Beyoncé, Lady Gaga e diversos ícones se apresentaram no palco ao longo das décadas, disputando as estatuetas do Homem na Lua e fazendo história em Nova York ou Los Angeles. No entanto, ao olharmos para o presente, não podemos afirmar que o evento tem o mesmo brilho, mas, aos trancos e barrancos, tenta recuperar os tempos de glória de um passado não tão distante.

A edição de 2023 foi realizada em Nova Jersey, no Prudential Center, e foi comandada por Nicki Minaj, vencedora do Vanguard Award de 2022. A rapper cantou Last Time I Saw You – música presente no seu quinto álbum, Pink Friday 2 –, envolta de brilhos e fumaça roxa. A apresentadora também ganhou uma estatueta na categoria Melhor Videoclipe de Hip-Hop com Super Freak Girl.

A ideia era celebrar os 50 anos do hip-hop ao lado de figuras importantes do gênero, como Darryl “D.M.C.” McDaniels, Grandmaster Flash and the Furious Five, Doug E. Fresh, LL Cool J e Lil Wayne. Diddy Sean, no entanto, roubou a cena ao se apresentar com as músicas I’ll Be Missing You, Bad Boys For Life, I Need a Girl e ao receber o prêmio Global Icon, uma honraria para a lenda do hip-hop.

Apesar de muitos famosos de alto nível não frequentarem mais o evento, Taylor Swift continua fiel. Desde 2008 marcando presença, a loirinha do momento elevou as expectativas: depois de ser indicada em 11 categorias pelo videoclipe e música Anti-Hero, a artista voltou para casa com oito prêmios e o título de maior vencedora da noite, além de ter dominado os melhores memes pela internet – que movimentaram mais o Twitter do que o próprio VMA’s em si. 

Como se não bastasse esse título vitorioso ao fim da noite, Swift abriu a cerimônia com a maior das honras dentro do mundo pop. Na apresentação da primeira categoria, o grupo NSYNC reuniu-se oficialmente após uma década separados para entregar a estatueta de Melhor Pop para a artista. Ao anunciá-la, Justin Timberlake a definiu muito bem: “a imparável Taylor Swift“. 

Outra figura que retornou depois de seis anos ao VMA’s foi Demi Lovato. Com um medley de seus hits em uma nova versão rock, Heart Attack, Sorry Not Sorry e Cool For The Summer foram performados com maestria pela cantora, que dividiu o palco com sua banda composta apenas por mulheres. Além de ter sido indicada nas categorias de Melhor Pop e Videoclipe com uma Mensagem Social, Lovato mostrou que sua nova era chegou para ficar.

O grande destaque da noite foi Shakira, vencedora do Vanguard Award de 2023. A cantora realizou uma grande performance de 10 minutos com diversos hits de sua carreira, entre eles Whenever, Whenever, Hips Don’t Lie, She Wolf e até Bzrp Music Sessions #53. Com muito carisma e talento, ela apenas confirmou que seu lugar de referência nunca será ocupado e que a homenagem foi mais do que merecida.

Seguindo para outra loira de sucesso, precisamos falar sobre Sabrina Carpenter. Marcando presença na The Eras Tour e conquistando corações por onde passa, a artista performou no pré-show os sucessos Nonsense – que viralizou no TikTok e levou a canção ao palco da premiação da MTV –, e Feather, presente na edição deluxe do álbum emails i can’t send.  

No entanto, parece que não há um critério definitivo acerca de quem vai ocupar os holofotes da noite, algo que pode ter relação com o vasto número de apresentações que preenchem as três horas. É importante frisar que a voz de Nonsense, pelo seu talento e dedicação, merecia mostrar o que tem de melhor no palco principal: Carpenter cantou ao vivo e dançou, enquanto outros artistas usaram autotune.  

Quem também arrasou com a sua apresentação foi a cantora Olivia Rodrigo. Performando dois dos três singles da era Guts, a mais nova princesa do pop rock norte-americano entregou ao público duas versões de sua persona. A primeira, com a balada Vampire, mostrando um lado mais sentimental da garota, enquanto a segunda, em Get Him Back, Rodrigo evoca toda a raiva que possui ao cantar sobre um homem babaca que partiu seu coração. 

Comparando em relação à última vez da artista no VMA’s, o crescimento é notável. Na sua apresentação de estreia, ao cantar Good 4 u, ela foi criticada pela falta de fôlego. Agora, após 10 meses no período de criação do novo álbum, a ‘MC Detran’ chega com os dois pés na porta e confirma, de uma vez por todas, que não é dona de um hit só e veio para ficar. 

E quanto ao território nacional, o funk brasileiro finalmente chegou às premiações estadunidenses – e não poderíamos estar mais felizes. Seria um erro ter a presença de um ritmo musical apenas em seu país de origem, então, ao exportar o gênero para o mundo, os artistas têm a possibilidade de levá-lo a um novo tipo de público.

Por esse lado, as influências brasileiras do gênero apareceram no VMA’s não só uma, como três vezes. Tudo começou quando Anitta se apresentou com o mashup das músicas Used To Be e Funk Rave – que, aliás, ganhou o prêmio na categoria Melhor Videoclipe Latino – além de encerrar com um break-dance da canção Grip, ainda não lançada. 

Não foi apenas a ‘Girl From Rio’ que levou o funk brasileiro. A colombiana Karol G também nos presenteou com o gênero ao cantar as músicas Oki/Doki – faixa do seu último projeto, MAÑANA SERÁ BONITO (BICHOTA SEASON) – e o remix de Tá Ok,  de Kevin o Chris. A artista parece ter tido uma boa experiência com a nossa cultura, já que virá ao Brasil em 2024 com a turnê homônima. 

Com uma performance visualmente perfeita e toda trabalhada nas cores verde e rosa, o momento latino do MTV Video Music Awards foi um dos pontos altos da premiação. Por fim, Megan The Stallion e Cardi B voltaram aos palcos da MTV e apresentaram Bongos, a nova colaboração entre as artistas e que, sem dúvidas, traz referências do contato da voz de Bodak Yellow com cantores brasileiros, a exemplo de Ludmilla.

O intercâmbio entre culturas não se restringiu ao gênero musical: Anitta e o grupo de K-pop TXT estrearam a sua parceria, Back For More. O fruto dessa colaboração resultou em uma faixa deliciosa e diferente do que os meninos costumam fazer. Na parte da cantora, por exemplo, o funk tem destaque e consegue combinar as influências latinas com o som produzido pelo grupo coreano. Os fãs do gênero leste asiático, sempre muito fiéis, receberam a brasileira com gritos acalourados no momento em que ela dançou com um dos membros do Tomorrow X Together. 

Um dos motivos que ainda fazem o público se importar com o VMA’s é a performance de artistas comprometidos com o seu trabalho, como a icônica apresentação de Britney Spears na cerimônia de 2001. Nesse sentido, toda vez que Doja Cat é anunciada na lista de shows da premiação, há a curiosidade em torno do que a rapper irá entregar ao público.

A voz de Say So, na edição desse ano, cantou três músicas do novo projeto, o Scarlet, quarto álbum da sua carreira. Tendo a cor vermelha como conceito do recente trabalho, a artista começou com Attention ao lado da plateia, depois cantou Paint The Town Red, sucesso na Billboard Hot 100, e finalizou com Demons já em cima do palco da MTV. 

Metida em polêmicas, como a sua associação a grupos neonazistas, é triste ver que a sua Arte perde fôlego diante de suas atitudes. Não só isso, mas nos últimos tempos a cantora foi devidamente julgada pela forma como trata os seus fãs. Infelizmente, o histórico problemático de Doja Cat apenas a distancia daqueles que a acompanham e torcem pelo seu sucesso.

Os saudosistas da participação de Reneé Rapp em A Vida Sexual das Universitárias podem ficar tranquilos: a cantora e atriz é o novo nome da indústria musical que precisa da sua atenção. Ela cantou Pretty Girls, faixa do seu primeiro álbum de estúdio Snow Angel e Too Well, presente no EP Everything To Everyone. Infelizmente, Rapp não levou a melhor na categoria em que concorria, a de Artista Revelação, mas com certeza, apenas pela indicação, sua campanha para obter uma nomeação no Grammys 2024 será potente.

Atualmente, os artistas estrangeiros  comandam a premiação. O grupo Stray Kids se apresentou com a faixa S-Class e levou o público à loucura. A performance, que contava com um jogo de câmeras característico das apresentações de K-pop, evidenciou ainda mais o talento dos ganhadores, pelo segundo ano consecutivo, na categoria Melhor K-pop. Além disso, os figurinos dos meninos, estilizados de preto e tons amarronzados, se destacaram aos olhos de quem acompanhou tanto no conforto de casa quanto na plateia do VMA’s. É sempre bom ver a excelência sul-coreana em ação. 

Além da comemoração dos 50 anos do hip-hop, que levou diversos artistas ao palco do evento, o rapper Metro Boomin fez uma performance de cinco minutos com a presença de Future, Swae Lee, A Boogie Wit da Hoodie e NAV. Dessa maneira, todos tiveram o seu momento de brilhar e puderam mostrar o seu trabalho. Juntos, eles cantaram Superhero e a faixa Calling, da trilha-sonora do segundo filme do homem-aranha de Miles Morales. Vale destacar também que  Boomin foi quem fez a curadoria do álbum de Homem Aranha: Através do Aranhaverso, o retrato mais aclamado do teioso nos últimos anos. 

Sem contar com os grandes prêmios da noite, como Videoclipe do Ano, Artista do Ano e Canção do Ano (todos para Taylor Swift), tivemos Ice Spice como ganhadora da categoria Artista Revelação, SZA em Melhor Videoclipe R&B por Shirt e Karol G e Shakira em Melhor Parceria pela música TQG. Nos outros gêneros, tivemos Maneskin como ganhador de Melhor Videoclipe de Rock por The Loneliest, Lana Del Rey e Jon Batiste em Melhor Videoclipe de Música Alternativa por Candy Necklace e nossa querida Selena Gomez com Rema em Melhor Videoclipe de Afrobeats por Calm Down.

Em resumo, o VMA’s de 2023 não alcançou outras edições da premiação e não entrou para nenhuma lista das melhores apresentações de todos os tempos, mas trilha um caminho bonito até seu lugar de origem e relevância. Dessa vez, com novos nomes, estilos, gostos e hits, que bebem das referências de um passado brilhante e adorado. 

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Mariana Nicastro e Vitória Vulcano

Como se dá a ascensão de uma estrela? E sua queda? Representar uma figura real respeitando seus contrastes não é uma tarefa simples, nem contar uma história desse calibre com originalidade. Baz Luhrmann poderia facilmente ter encaixado Elvis nos moldes narrativos típicos do gênero: lineares, focados na perspectiva do artista e, como se isso garantisse um selo de aprovação, investindo em uma homenagem. Mas o longa – que disputa oito estatuetas no Oscar 2023 – se inspira no próprio ídolo ao procurar problemas. Revelando conflitos profundos, perspectivas que fogem do unidimensional e muita identidade, a cinebiografia avessa do rei do Rock n’ Roll constrói seu espetáculo entre linhas dramáticas, sensíveis e indiscutivelmente musicais.

Lançado nos cinemas em Julho do ano passado, o filme empresta o tom extravagante e por vezes teatral de outras criações famosas de Luhrmann, como O Grande Gatsby, Romeu + Julieta e Moulin Rouge – Amor em Vermelho. Entretanto, em Elvis, toda a pompa criativa do diretor permanece atrelada à história inalterável, mas ainda indecifrada em sua totalidade, de Presley, fator que estimula o tato diversificado e a progressão frenética encontrados no texto de Baz, Sam Bromell, Craig Pearce e Jeremy Doner.

A trama por si só foge de convenções documentais ao priorizar a perspectiva do empresário de Elvis, Coronel Tom Parker (Tom Hanks). Visto como manipulador, ambicioso e calculista aos olhos da própria ex-esposa do agenciado, o antagonista assume a narração do longa evocando o leque de emoções que sua “galinha dos ovos de ouro” causava nele mesmo e nos outros habitantes do planeta, desconhecedores do que existia por trás da magia do showbusiness: um garoto humilde, natural de Memphis, no Tennessee, que descobriu no rock a oportunidade de extrapolar sua voz e embalar uma presença de palco surreal.

Ao mergulhar nesse recorte, Luhrmann abandona o detalhamento de alguns aspectos pessoais da vida de Presley, como seu conturbado matrimônio e o uso desenfreado de drogas e remédios – ainda que esses fatores sejam representados em cena. O foco é na relação codependente, problemática e extremamente destrutiva entre artista e agente. E em como a mesma pessoa que impulsionou a carreira em questão às alturas pode ser aquela que fez o castelo ruir. 

Elvis conduz esse atrito de maneira astuta e até irônica, sem se afetar com a cronologia exata dos fatos e da discografia do cantor. Podemos estar no apartamento colorido de seus pais ou nas noites envolvidas pela poderosa Música da Beale Street: não importa. A licença artística fala mais alto, abusando de dúvidas, acessos de raiva e curiosidades depositados pelo trabalho arrojado de Matt Villa e Jonathan Redmond, que garantem espaço nos indicados a Melhor Montagem, apesar de terem poucas chances contra o multifavorito Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo.

Aqui, as cenas têm inúmeros cortes dissolvidos, bruscos ou que se dividem em quatro telas simultâneas, chocando informações internas e externas destinadas às personas que formavam o astro tenessiano. Recurso excessivo no filme e clichê para o diretor, o bombardeamento cinematográfico de Elvis sabe reproduzir os efeitos que Presley tinha sobre os padrões sociais e cidadãos de sua época, período que, na verdade, se estendeu com uma atemporalidade já vista em vida.

O rockeiro confeccionou sua carreira – dos palcos a Hollywood – durante diferentes fases e momentos da história dos Estados Unidos, começando na segregação racial, passando pelo surgimento da Guerra Fria e chegando até a ascensão e morte de várias personalidades públicas, como Sharon Tate, Martin Luther King Jr. e Robert Kennedy. Paralelamente, Luhrmann usa o terreno para escancarar a questionável consciência política do ídolo, que quase nunca chegou a se colocar na linha de frente por causas ou ativismos, mesmo propagando um gênero musical enraizado e desenvolvido na cultura negra.

Embora o autorretrato seja uma constância, o balanço da trama para além do alter ego de Elvis, brincando com os antagonismos do artista e de Parker, preenche seu elenco geral de motivações cada vez mais escalares. O ex-Disney Austin Butler não exita em abraçar a potência necessária para ser Presley, ao fidelizar os trejeitos característicos do Rei de forma emblemática nos palcos, porém, também representar com vulnerabilidade seu backstage. Buscando humanidade nas provações do universo da fama, o californiano estreia nas nomeações a Melhor Ator, podendo, inclusive, vencer a ilustre concorrência de Colin Farell (Os Banshees de Inisherin) e Brendan Fraser (A Baleia).

Do outro lado da turnê, Tom Hanks acena à caricatura sem repelir a expressividade que seu papel exige. Constantemente tocado pela aura contagiante do astro, o veterano torna o parasitismo do Coronel um dilema existencial complexo, que seria capaz de estampar qualquer filme de Terror ou florear o melhor dos dramas. Introjetados no meio tóxico ou assistindo suas inervações, Olivia DeJonge (de The Society), Helen Thomson (de Canguru Jack), Richard Roxburgh (de Até O Último Homem) e Kelvin Harrison Jr. (de Os 7 de Chicago) incorporam arduamente o amor a Presley e a gastura física e sentimental experimentada pelos mais próximos ao sistema.

Planejando o cenário adequado para tratar sua gama de conteúdos, o longa acerta em definitivo com as decisões visuais. A cargo de Mandy Walker, a composição traduz a essência particular do cantor estadunidense e, na velocidade crescente, imprime as feridas que as décadas abriram e expuseram. As nuances entre o colorido Elvis, novato no mundo dos acordes, e o homem despedaçado e quase desprovido de perspectivas nos anos 1970 são desenhadas através dos avanços tecnológicos, capturando os impactos gerados pelo som e pela imagem desde os aparelhos analógicos. Notavelmente ancorado no realismo das caracterizações de personagens, o trabalho recebeu merecido destaque na categoria de Melhor Fotografia – em que bate de frente com Tár e Nada de Novo no Front – e tem pé quente para levar Melhor Figurino e Melhor Cabelo e Maquiagem. 

Já os jogos de câmera e luz são lúdicos ao extremo e seguem confundindo a biografia com um eterno show. A estratégia martelada pela direção de arte – lembrada na disputa pelo careca dourado de Melhor Design de Produção – não se perde nos holofotes, deixando os temas corriqueiros segurarem o rojão da fluidez de Elvis, seja no falecimento da matriarca Presley, nas desilusões do ícone musical no pós-Cinema ou na constatação de que seu casamento acabou.

Em certa altura do campeonato, fica claro que Elvis não é um herói. Luhrmann está interessado em homenageá-lo, aclamando seu talento e sucesso, mas se preocupa mais ainda em não ultrapassar as restrições que o próprio ídolo impôs a seu legado. Nas lentes do cineasta, Presley contracena com artistas negros sempre entregando que, independentemente de ter trazido o rock à superfície, o povo fundador do gênero continuou sofrendo no anonimato e sendo cruelmente apagado da História. O longa também não inventa a roda ao ilustrar como era bem mais fácil para um jovem branco vender os mesmo discos que alguém racializado poderia produzir, conseguindo popularizar a Música criada, não para ele, mas como instrumento de fé e resistência.

O ponto se repete nas cenas que sucedem a polêmica apresentação de Trouble, na qual Elvis responde à problematização conservadora de seu estilo musical. Conforme os protestos surgem, o longa aproveita para pincelar que as consequências dadas ao cantor sondado por Parker não são nem de longe tão graves quanto as vivenciadas por um artista negro, em semelhantes condições. 

Evidenciando a crua verdade do passado, Elvis, então, repagina canções tomadas por Presley da Música negra, tece novas versões de clássicos e elabora outros feitos pela junção de estilos, a exemplo de Vegas, performance enérgica de Doja Cat que mistura um jazz tradicional ao proficiente rap atual. Apesar da inclusão de diversidade exibida, a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas não considerou as submissões do carro-chefe do filme nem sua vasta trilha sonora, por ambos não atenderem aos critérios de originalidade da premiação.

Sem guia explicativo para o apelo simbólico de Presley ou teses cegadas pelo fenômeno que o estadunidense significou, Elvis parece mais uma compilação de cada elemento artístico, social, político e individual que fez de seu protagonista um ícone unânime, capaz de ser assimilado quase 50 anos após sua morte e retratado como se fosse a primeira vez. Sob essa ótica, é fácil entender porque a captura mais recente aparece na lista de indicados ao Oscar de Melhor Filme. Não queremos deixar nossos ídolos se desintegrarem e, de certa forma, nem podemos, se considerarmos a habilidade do Cinema em regenerar as copiosas visões de uma vida.

Em volta da sede por prestígio e das influências de um empresário controlador e calculista, Presley teve o ápice de sua existência na singularidade contraditória: propensa ao erro, presa ao fantasma da apropriação cultural, deslumbrada por promessas incoerentes e terminantemente apaixonada pelos solos de guitarra. No saldo final, Elvis cativa por essa explosão de circunstâncias, embrulhada no espetáculo cinematográfico de uma estrela, que, no frenesi da rotina, muito esbarra nas delícias de amar; o mundo, as pessoas e especialmente a Música.

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Raquel Dutra

Como uma de suas metáforas musicais favoritas, o Grammy encerrou a caliginosa caminhada que o levou até a sua 64ª edição ao fim luminoso da noite do dia 3 de abril de 2022. Sob os holofotes da MGM Grand Garden Arena, no glamour de Las Vegas, cantores, compositores, produtores e instrumentistas se reuniram, junto da Academia de Gravação, para reconhecer “o melhor da Música” realizada entre o dia 1 de setembro de 2020 e 30 de setembro de 2021 e submetida à consideração da premiação. No palco, brilharam os nomes de Jon Batiste, Olivia Rodrigo, Doja Cat, SZA, Bruno Mars e Anderson .Paak, que com suas celebrações fervorosas e feições vitoriosas, encerraram um período que aconteceu exatamente de acordo com uma das leis mais fundamentais da natureza que produz tais fenômenos – antes da luz, vem a escuridão. 

E assim foi como tudo começou, quando o Grammy anunciou seus indicados da vez no dia 23 de novembro de 2021. Dentre os considerados para os títulos de maior prestígio da música mundial, a Academia de Gravação incluiu alguns dos mais infames nomes da Indústria: Louis CK e Lukasz Gottwald (vulgo Dr. Luke, já numa tentativa de se disfarçar) e Marilyn Manson, três homens que acumulam acusações e investigações graves e públicas de assédio, abuso e violência sexual contra mulheres. Diferentemente do que significou para boa parte do público da premiação, que questionou a atitude, a resposta apresentada pelo presidente da Academia não entendeu a situação como um problema.

“Não vamos restringir as pessoas que podem enviar seu material para consideração. Não analisaremos a história das pessoas, não analisaremos seus antecedentes criminais, não analisaremos nada além da legalidade dentro de nossas regras, se essa gravação para este trabalho é elegível com base na data e em outros critérios. Se for, eles podem enviar para consideração.”
– Harvey Mason Jr., CEO da Academia de Gravação, em entrevista ao The Wrap

Assim, o nome do agressor de Abby, Rebecca, Dana e Julia foi o vencedor do prêmio de Melhor Álbum de Comédia com Sincerely Louis CK, que faz piada das acusações já assumidas e confirmadas pelo mesmo; o agressor de Ke$ha (que inclusive já usou o espaço do próprio Grammy para ecoar suas denúncias) também esteve dentre os nomeados para a principal categoria da premiação, pela sua controversa participação em Planet Her, de Doja Cat; e o nome do agressor de Evan Rachel Wood apareceu dentre os indicados a Álbum do Ano e Melhor Álbum de Rap, pela sua participação no naturalmente polêmico Donda, de Kanye West.

Por coincidência, ali também estava mais um dos maiores problemas do ano para a premiação que procura, nos últimos 4 anos, ampliar o acesso de artistas mulheres em gêneros de predominância masculina. Depois do vexame de 2018, o Grammy realizou diversas mudanças nos sistemas de indicações e votos e entregou um 2019 repleto de marcos positivos e avanços importantes para o trabalho de mulheres na música. No rap, Cardi B foi a primeira mulher a vencer o prêmio de Melhor Álbum, mas a conquista não foi mantida nos próximos anos, restringindo o conhecimento das rappers às canções e deixando de notar seus trabalhos completos. 

Com a chance de fazer diferente em 2022, a Academia de Gravação não foi capaz de escolher um disco sequer para concorrer ao principal prêmio de rap. Das 4 mulheres nomeadas por suas canções e performances (Cardi B, Doja Cat, Megan Thee Stallion e Saweetie), nenhum foi chamado ao palco como vencedor. Nos fazendo agradecer a mínima atitude de não completar as honras do disco que atrela um dos nomes mais culturalmente relevantes da Música ao perturbador histórico de um dos maiores agressores da Indústria, o Grammy não só deixou de contemplar artistas mulheres como usou o espaço que tinha para tal a fim de reconhecer os homens que a agrediram.

Lá, alguns favoritismos foram superados e tendências foram criadas. O prêmio máximo não completou a história de Terror que envolvia os méritos de Kanye West em Donda, mas optou por honrar o nome de Tyler, The Creator. Com CALL ME IF YOU GET LOST, definido pela crítica não só como um dos melhores discos do ano, como também o melhor de sua carreira, o rapper de 31 anos agora tem uma sequência de três discos nomeados e dois premiados na honraria máxima do seu gênero. 

Já para os prêmios de canção e performance, a Academia aproveitou a ausência de Marilyn Manson para apreciar Kanye West, consolidando sua relação conturbada com o rapper que saiu como o maior vencedor do gênero da noite depois de ser proibido de se apresentar na premiação. As vitórias foram nas categorias de Melhor Canção de Rap (por Jail, ao lado do outro gigante Jay-Z) e Melhor Performance de Rap Melódico (com Hurricane, sua parceria com o veterano Lil Baby e o badalado The Weeknd). Na última, outro marco: a primeira vez em que o astro canadense é citado e premiado pelo Grammy depois dos eventos de 2021, quando a premiação desconsiderou completamente o impacto de After Hours como um dos discos mais vendidos do ano na hora de definir os nomeados. 

Completando as categorias do gênero, o novato Baby Keem venceu Melhor Performance de Rap com o apoio de seu primo Kendrick Lamar, um dos nomes mais fortes do gênero, que participou do single family ties, do elogiado álbum de estreia do rapper, impulsionando sua vitória no Grammy. A ascensão, no entanto, acarretou mais uma desconsideração pelas mulheres, na única categoria do Grammy 2022 com mais de uma indicada.

A forma como a Academia lidou com suas escolhas de 2022, obviamente, aprofundou a crise de imagem que questiona a sua legitimidade e relevância há pelo menos 5 anos. Depois das respostas nada satisfatórias do presidente, a organização se viu na necessidade de reproduzir uma auto-propaganda ao vivo, no meio da cerimônia de entrega dos prêmios. O significado de rostos como os de H.E.R. estampou o lema “eu sou a Academia”, como forma de tentar recuperar a imagem de quem realiza a premiação e ilustrar os avanços de representatividade do Grammy.   

Mas no nome de artistas como H.E.R., eles se mostraram, mais uma vez, vazios. Vista como uma das mais promissoras da música estadunidense, recordista de premiações mas também alvo de controvérsias (por dividir seus vocais com Chris Brown, agressor de Rihanna, em seu disco mais recente), a jovem de apenas 24 anos acumulou 8 indicações e venceu 1. Dentre nomeações à categoria principal, em R&B, trilhas sonoras e até música cristã, seu gramofone de 2022 veio pela vencedora do Oscar 2021 Fight For You, canção de Judas e o Messias Negro, na categoria de Mehor Performance de R&B Tradicional, numa vitória que não compensa seus esforços em limpar a barra da Academia e ressocializar artistas em favor à gravadora.

Ainda no R&B, existe outra evidência: Jazmine Sullivan e Heaux Tales. O grandioso quarto registro da artista, que é uma força do gênero norte-americano, foi eleito o Melhor Álbum de R&B, mas na condição de destaque da crítica dentre os discos de 2021, não foi considerada para o prêmio principal. Seu single, Pick Up Your Feelings, apareceu em Melhor Canção de R&B e venceu em empate a categoria de Melhor Performance de R&B, com quem os queridinhos do ano – que também foram a pedra no seu sapato na categoria -, Silk Sonic em Leave The Door Open. 

E de tanto Bruno Mars e Anderson .Paak cantarem para alguém deixar a porta aberta, o Grammy 2022 os recebeu como se fosse em casa. Com 100% de aproveitamento de sua estreia na premiação, Silk Sonic venceu as 4 categorias em que concorria. Nas principais, o duo levou Gravação do Ano, com sua produção à altura do título para um dos maiores hits de 2021. Mas em Canção do Ano, é preciso dizer que a dupla foi beneficiada pela preguiça dos votantes do Grammy em ponderar as diferenças das categorias que ele mesmo inventou de separar.

Afinal, são dois prêmios diferentes por uma razão. Enquanto a de canção ressalta os méritos dos compositores das letras musicais de destaque do ano, a de gravação contempla o conjunto da obra, para notar, além dos compositores e intérpretes, os produtores e demais profissionais que foram responsáveis pelo sucesso sonoro da música. Assim, as faixas que atendem os dois requisitos apresentam, essencialmente, propostas diferentes, e por isso, dificilmente contemplam as duas categorias de premiação ao mesmo tempo. 

Mas o Grammy não se importa. Para além da razão mais óbvia de aproveitar a oportunidade para premiar mais de um trabalho, a Academia simplesmente acreditou que versos como “O que você está fazendo?/Onde você está?/Oh, você tem planos?/Não diga isso” e “Eu estou bonito demais para ficar sozinho” eram o suficiente para suceder a força de I Can’t Breathe, a vencedora de 2021. As lamentações libidinosas de Mars e .Paak foram entendidas como superiores à algumas das verdadeiramente melhores composições do ano, expressas nas músicas de Brandi Carlile, Alicia Keys, Billie Eilish, e Lil Nas X.

No restante do Big 4, as coisas foram melhores – mas não por isso mais tranquilas. O título de Artista Revelação de 2022 parecia ser de Olivia Rodrigo junto com sua drivers license e a decepção amorosa que rasgou seu coração lá em janeiro de 2021, o que posteriormente se transformaria em sua estreia estrondosa através de SOUR. Sucessora natural de Billie Eilish e perfeita representação da tão desejada nova era do Grammy, agora muito mais aberto à nova geração e sensível ao espectro do trabalho musical de mulheres, Olivia angariou 7 indicações. Delas, fez bingo nas categorias principais, foi notada pelo clipe de good 4 u em Melhor Vídeo Musical e apareceu em 2 de pop, onde aconteceu seu maior – e mais controverso – triunfo. 

No meio de divas como Billie Eilish e Doja Cat, e veteranos como Justin Bieber e Ariana Grande, a novata ascendeu com o título de Melhor Álbum de Pop Vocal e Melhor Performance de Pop Solo. Aplaudida pelos seus companheiros de categoria, a questão foi na internet: o mesmo público que a jogou ao estrelato e aproveitou ao máximo seus singles enérgicos não se deu por satisfeito com as primeiras apresentações ao vivo da artista. Aos 18 anos, Olivia nunca fugiu de entoar suas músicas diante do público que a recebeu, inicialmente, com tanto carinho, apesar das dificuldades que encontrava em um início de carreira que exigiu tanto dela. Então, a jovem artista literalmente perdia o fôlego em suas primeiras performances, que agitavam os palcos e os públicos de suas estreias em premiações. 

Só que à medida que seus vídeos viralizavam com críticas ao seu desempenho, Rodrigo assumia de vez o pop-rock que expressou da melhor maneira possível seus desabafos adolescentes – e que exigia todo o ar de seus pulmões e toda a força de sua sustentação vocal. Mas quando ela encerrou o primeiro ato de sua carreira com uma dedicação expressiva para entregar o seu melhor no palco mais importante da música, sua primeira fanbase não soube reconhecer seus avanços e potencial de entrega à Arte que escolheu. Do outro lado, acontecia o que realmente merecia a nossa atenção, e a Academia, mais uma vez, recebia e identificava os méritos de uma nova artista para além de suas pompas, burocracias, tradições e preconceitos.

Outro exemplo disso será, felizmente, atrelado ao nome de Doja Cat e SZA. Representantes femininas e negras de grande importância no rap, pop e R&B, a dupla dona de um dos maiores sucessos de 2021 se consagrou com a segunda vitória de mulheres em Melhor Performance Pop em Duo/Grupo, desde que a recente categoria foi implementada no Grammy há 10 anos. Queridas sucessoras e companheiras do título alcançado por Lady Gaga e Ariana Grande pela primeira vez em 2021, as vozes de Kiss Me More também venceram seus primeiros Grammys na ocasião, transformando o momento um dos mais especiais da noite com a simpatia e espontaneidade de algumas das artistas mais bem-sucedidas da geração.

E se o assunto são os mais queridos do público e da crítica que finalmente tiveram seu reconhecimento devido no Grammy, 2022 também brilhou o nome de Jack Antonoff. A assinatura do produtor e compositor sempre aparece nos melhores trabalhos da Música pop e alternativa, mas estreou na premiação da Academia bem longe disso em 2013, premiado como Canção do Ano e Artista Revelação junto da banda fun.. Desde então, acumula 17 indicações, dentre as quais a de Álbum do Ano de 2018 por Melodrama, de Lorde, e de 2019 por Norman Fucking Rockwell!, de Lana Del Rey. Sua principal dupla, no entanto, é Taylor Swift, com quem venceu o prêmio máximo de 2017 e 2021 por 1989 e folklore.

Em 2022, seu trabalho incansável ao lado de Clairo, Del Rey e Lorde não teve uma recepção tão positiva na Academia e na crítica, mas trouxe sua vitória na categoria que era sua por direito. A comemoração não foi ao lado de Swift, sua companhia frequente na cerimônia, que sequer compareceu à premiação com sua indicação única para evermore, mas sim com St. Vincent, outra colaboradora frequente de Antonoff, A artista também saiu vencedora da noite, na categoria de Melhor Álbum de Música Alternativa por Daddy’s Home, repetindo a parceria de sucesso que levou o Grammy de Melhor Canção do gênero por Masseduction em 2019.

Já no rock, a predominância indiscutível foi de Foo Fighters, que apesar de vencer as 3 categorias do gênero (Melhor Álbum por Medicine at Midnight, Melhor Canção por Waiting On A War e Melhor Performance por Making a Fire) não compareceu à cerimônia. A banda passa pelo luto do baterista Taylor Hawkins, que faleceu no dia 25 de março. Fenômeno do rock que produziu o trabalho de mais destaque do gênero do último ano, a banda deu conta de suceder as honras de Fiona Apple em 2021 com Fetch the Bolt Cutters, mas se envolveu num cenário não muito bom em meio aos demais indicados da categoria, que vindo de uma igualdade para artistas mulheres indicadas do ano passado, não lembrou de nenhuma roqueira em 2022.

Mas as homenagens devidas foram prestadas, com destaque maior para a performance de Billie Elish. Na companhia fiel de seu irmão FINNEAS (controversamente indicado a Artista Revelação de 2022 depois de vencer tudo o que tinha direito com ela em 2020), a força do pop aproveitou o flerte com o rock manifesto em Happier Than Ever, seu disco mais recente, também honrado pela Academia nas categorias principais assim como foi seu álbum de estreia, para referenciar o trabalho de Hawkins com Foo Fighters. A grande vencedora de 2020 saiu de mãos abanando de 2022, mas sua passagem pela edição sempre será lembrada pela sua tremenda apresentação em que homenageou a estrela do rock.

É por movimentações complexas como essa que o Grammy 2022 surpreendeu as expectativas de uma edição desmotivada, e que a grande vitória da noite teve um brilho e um gosto especial. Afinal, quando o nome mais indicado da noite foi chamado ao palco para receber o prêmio de Álbum do Ano, a cerimônia ganhou um novo significado. Com a grandiosidade de WE ARE, Jon Batiste contrariou as apostas, venceu favoritismos e se transformou no primeiro artista negro a vencer o prêmio em 14 anos, e o 11º na história das 64 edições da premiação.

Em 2022, ele acumulou 11 indicações, das quais venceu 5. O seu desempenho nas nomeações era por si só impressionante, já que mesmo com uma carreira consistente no jazz, soul e R&B norte-americano, havia sido lembrado pela Academia apenas 3 vezes nos últimos 5 anos, bem longe das categorias principais. Mas sua habilidade em conduzir a premiada trilha sonora de Soul colocou o pianista em outro nível de visibilidade, impulsionando o seu oitavo disco nos ouvidos da Academia. 

Numa performance mágica e hipnótica, Jon Batiste parecia prenunciar sua própria vitória. Depois que ele transformou a cerimônia da Academia em uma festa ao som de FREEDOM, nenhuma outra reação foi possível ao artista e ao público quando que ele recebeu seu prêmio máximo: as lágrimas não tiveram espaço em meio à manifestação de alegria do seu mais sincero e brilhante sorriso – e que felicidade é imaginar que essa será a cena do Grammy 2022.

No protagonismo das principais vitórias de 2022, vê-se a necessidade da Academia de ampliar o acesso de artistas mulheres, jovens, não-brancos e fora dos Estados Unidos, e de preparação do público do Grammy, para saber apreciar o triunfo desses artistas ante aos nomes já devidamente considerados pela na premiação. Basta a Academia e seu público enxergarem, através do brilho de sorrisos como os de Jon Batiste, ou da alegria de presenças como a de SZA, ou do poder de personalidades como Jazmine Sullivan, ou da preciosidade do reconhecimento de artistas como Arooj Aftab, a luz que iluminou a 64ª edição da premiação – nada além de um reflexo.

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Se a edição de 2022 da premiação mais importante da Música mundial apresenta um cenário interessante para as mulheres, é como o resultado árduo de uma longa caminhada. Em 2019, o Grammy inaugurou um marco para as artistas reconhecidas pela Academia de Gravação sediada na Califórnia: vindo de um controverso 2018, onde era possível contar nos dedos de uma mão as artistas consideradas para as 4 categorias principais da premiação, assim como as dos gêneros de mais destaque, como rap, rock, R&B e country, a premiação se envergonhou de seu conservadorismo e atraso em se adaptar ao novo ambiente musical. Para trabalhar a situação, a premiação mudou sua forma de reconhecer “o melhor da Música”, ampliando o número de indicados em suas categorias centrais (o chamado ‘Big 4’: Álbum do Ano, Gravação do Ano, Canção do Ano e Artista Revelação) e instaurando comitês específicos para acompanhar as nomeações nichadas.

O reflexo das mudanças foi positivo: na edição de três anos atrás, a premiação honrou Cardi B como a primeira rapper a vencer um gramofone de Melhor Álbum de Rap, e entregou o título de Álbum do Ano para a artista country de maior destaque na atualidade, figura marcante também no que diz respeito à representatividade feminina no gênero predominantemente masculino. E como a mais indicada da temporada, Brandi Carlile fez o título ser destinado a uma mulher assumidamente lésbica e aprofundou seu compromisso e pioneirismo com os acessos da comunidade LGBTQIAP+.  

Já em 2020, foi a vez de Billie Eilish fazer história aos 18 anos com seu amargo disco de estreia, que não precisou das produções grandiosas da Academia para quebrar recordes e consolidar uma nova identidade para o futuro da Indústria da Música. E do ano passado, nasceram dois marcos: Taylor Swift se tornou a primeira mulher a vencer a principal categoria da premiação por três vezes, em três décadas diferentes e em três gêneros musicais distintos; e Beyoncé se fez recordista, como a mulher mais premiada da história do Grammy.

Mas, em 2022, que considerou como elegíveis à premiação as obras lançadas entre 1/09/2020 e 30/09/2021, o cenário é um pouco mais complexo. De um lado, a tendência de 2019 segue colocando como aposta mais certeira a vitória de mulheres nas quatro categorias principais (e para te ajudar no bolão, o nome da vez é o de Olivia Rodrigo, sucessora natural de Billie Eilish). De outro, os avanços do passado não se mantêm nas nomeações nichadas, com destaque para as de rap, cujas artistas foram lembradas apenas pelos seus hits e não pelas suas obras completas, o que desconsiderou, por exemplo, Little Simz em um dos melhores álbuns de 2021.

Até no pop, gênero que não costuma sofrer com a presença predominante masculina, a competição foi difícil. O impacto do terceiro disco de Lorde – que já é uma das figuras mais injustiçadas do Grammy há quase 10 anos -, passou completamente despercebido pelos votantes. A dona das paradas Ariana Grande ficou restrita às nomeações nichadas, e a queridinha da Academia Taylor Swift foi lembrada com uma indicação de consolação à categoria principal. Já a veterana Lady Gaga, que dedicou seu 2021 ao Cinema, esteve ao lado de Tony Bennett no último disco de sua carreira, trabalho que os levou a 5 indicações, incluindo Álbum e Gravação do Ano.

O problema maior foi no rock. De um 2021 com 50% de indicadas mulheres, o Grammy veio para um 2022 sem *nenhuma* roqueira nomeada em nenhuma das 3 categorias destinadas ao gênero, que já tem resistência aos novatos, que dirá às mulheres. E falta de opção é o que não foi: WILLOW brilhou no topo das paradas musicais com sua referência ao punk, Miley Cyrus entregou o melhor disco de sua carreira homenageando as guitarras dos anos 70 e 80, e a vencedora Brittany Howard poderia, mais uma vez, acrescentar canções maravilhosas à seleção. 

Por outro lado, a ala do alternativo manteve os avanços. A maioria feminina no ano passado foi expandida para o Grammy 2022, tornando-se unânime na categoria até mesmo em trabalhos coletivos, como Shore, de Fleet Foxes, e Jubilee, de Japanese Breakfast. A última, inclusive, chegou ao páreo do disputado título de Artista Revelação, graças à liderança magistral de Michelle Zauner, onde compete com sua dupla parceira de categoria, Arlo Parks, por sua estreia brilhante em Collapsed In Sunbeams. Completando as honras do meio que celebrou Fiona Apple, ao lado de Phoebe Bridgers e Brittany Howard no ano passado, estão Daddy’s Home e If I Can’t Love, I Want Power, que poderiam muito bem levar os nomes de St. Vincent e Halsey para mais indicações.

O gênero mais frequentado pelas mulheres também deixou um gostinho de quero mais para a seleção de 2022. Sem entregar o devido reconhecimento para a obra mais recente de Tinashe, a Academia colocou (devidamente) Jazmine Sullivan como maior destaque R&B ano, mas ainda restringiu o disco, que poderia perfeitamente figurar dentre os nomeados para Álbum do Ano, em Melhor Canção, Performance e Álbum do gênero. A única que conseguiu ir além foi SZA, que mesmo sem um disco para promover, chegou às categorias de Gravação e Canção do Ano junto de Doja Cat pelo hit Kiss Me More. Enquanto isso, o título de uma das veteranas favoritas do Grammy ostentado por Alicia Keys não foi o suficiente para que a premiação notasse a grandiosidade de seu projeto de 2021, figurando nessa temporada apenas pela sua colaboração com Brandi Carlile.

Completando o triste hall das esnobadas do ano, Rina Sawayama não conseguiu seu almejado lugar dentre as consideradas para Artista Revelação, e a maravilhosa estreia da já premiada Yebba não recebeu a atenção devida dos votantes de 2022. Lana Del Rey, uma das artistas mais aclamadas dos últimos anos, ainda sonha com o próprio gramofone, mas sequer poderá chegar perto de um esse ano. E o prêmio de maior vacilo de da temporada vai para a forma como a Academia agiu com Kacey Musgraves, cujo nome saiu do lugar de maior prestígio da premiação para se envolver nas tradicionais polêmicas do Grammy, que a impediu de concorrer nas categorias de seu gênero pelas avaliações conservadoras do seu último disco, alocado como pop e não como country. 

Já nas categorias reservadas à Música latina, os problemas continuam. Selena Gomez é a única mulher considerada para o prêmio de Melhor Álbum de Pop, e, dentre muitos méritos indiscutíveis, o principal deles é: seu berço estadunidense. Na dificuldade de ocupar o lugar que é delas por direito, as chicas encontram outros espaços, como a ala de Melhor Álbum Latino de Rock ou Alternativo, onde a argentina Nathy Peluso chegou com seu disco de estreia, e Melhor Álbum de Música Urbana, que nomeou a diva do reggaeton KAROL G e a raiz colombiana de Kali Uchis.  

O alcance do Grammy também se amplia nas categorias de Música Global, que passaram por uma reformulação recente a fim de se tornarem mais inclusivas, plurais e representativas. Lá, o destaque do ano é todo de Arooj Aftab, detentora de uma experiência de mais de 15 anos na Indústria musical americana, que só agora foi notada pela Academia. O vetor do reconhecimento foi o magnífico terceiro disco da artista, que criou a oportunidade de ter o seu nome considerado para o título de Artista Revelação de 2022, sendo a primeira vez em que uma artista paquistanesa chega na premiação estadunidense.

Assim, não há nada mais justo do que exaltar, reconhecer e visibilizar as histórias, carreiras e obras dessas artistas, que enfrentaram muitos obstáculos para chegar até aqui. Por isso, o Persona selecionou os 12 nomes mais importantes do ano para entender o passado, presente e futuro da música feminina mundial. Abaixo, você conhece Arlo Parks, Arooj Aftab, Billie Eilish, Brandi Carlile, Doja Cat, H.E.R., Kali Uchis, KAROL G, Nathy Peluso, Olivia Rodrigo, Saweetie e Yebba – As Mulheres do Grammy 2022.

Arlo Parks por Raquel Dutra

Bem antes de triunfar em 2022 e apresentar ao mundo sua poesia musicada em seu primeiro disco, Arlo Parks já era uma das mais importantes promessas para o futuro da Música britânica. E assim foi: em janeiro de 2021, quando, apenas aos 20 anos, realizou sua estreia musical refletindo sobre amadurecimento amor, vida e amizade nas melodias solares de Collapsed In Sunbeams, ela tirou elogios de artistas consolidadas como Lily Allen e Phoebe Bridgers, e encontrou um apoio especial de quem entende como ninguém o que significa ser uma jovem artista em ascensão, que, posteriormente, seria sua companhia entre as categorias principais do Grammy 2022, sendo apadrinhada por ninguém mais ninguém menos do que Billie Eilish.

Mas, por trás de uma das melhores revelações musicais de 2021, existe a personalidade branda e introspectiva de Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho. Nascida em Londres, no dia 9 de agosto de 2000, a artista que popularmente atende pelo seu pseudônimo teve uma infância prodígio e uma adolescência solitária. De ascendência nigeriana e francesa, o inglês foi a última língua que ela se preocupou em aprender, o que não prejudicou, de forma alguma, sua familiaridade e identificação com (teoricamente) seu idioma materno, de onde surgem algumas de suas maiores referências dentro das suas expressões artísticas favoritas: Sylvia Plath, Otis Redding e Jacques Brel.

Então, aos 14 anos, Parks iniciou sua trajetória como musicista e poeta, aprendendo a tocar guitarra e escrevendo suas primeiras letras. Em 2018, ela começou a tentar a sorte pelas rádios até chamar a atenção do produtor Ali Raymond, que logo promoveu seu primeiro single, Cola. Para suceder seus dois primeiros EPs, Super Sad Generation e Sophie (ambos de 2019), seu disco de estreia era planejado para o primeiro trimestre de 2020, mas os planos da artista foram adiados em um ano devido à pandemia de covid-19. Ao longo daquele ano, então, ela lançou Eugene e Black Dog, apresentando um neo-soul com traços de bedroom pop em composições delicadamente sinceras, a combinação perfeita para os contextos de isolamento. Quando a identidade musical de Arlo Parks foi perfeitamente expressa através de Collapsed In Sunbeans, não restou outra alternativa ao mundo se não permitir-se desabar em seus raios de sol. 

Arooj Aftab por Raquel Dutra

A Música de Arooj Aftab sempre pareceu um tesouro prestes a ser descoberto. Fiel na missão de referenciar suas influências modernas com sua tradição musical original do sul da Ásia, primeiro, em Bird Under Water (2015), ela estreou com uma alquimia de jazz com o qawwali, para depois transformar o ambiente ao seu redor com os sintetizadores combinados ao lirismo urdu em Siren Islands (2018). O caminho dos dois primeiros discos parecia preparar a artista para o que impactaria sua música nos anos seguintes, que, agora, quando encontrada pelo público mainstream, está justamente num contexto emocional completamente diferente da vibração misteriosa convidativa que imperava em seus discos anteriores. Em seu terceiro álbum, ela está no terreno hostil de quem procura processar um momento de profunda dor, em sua caminhada pelo luto que a levou até Vulture Prince.

O produto, no entanto, não poderia ser diferente, já que surge de uma artista cujas vivências são tão vastas quanto a riqueza de seu trabalho. Arooj Aftab cresceu em Riad, capital da Arábia Saudita, e por lá viveu até seus 10 anos, quando retornou à cidade natal de seus pais, anteriormente expatriados de Lahore, no Paquistão. Almejando viver da Música desde a adolescência, ela foi aceita para estudar no Berklee College of Music e se mudou para Boston, nos Estados Unidos. Depois da formatura em uma das universidades artísticas mais respeitadas do mundo, iniciou sua carreira como engenheira de áudio e produtora musical em Nova Iorque, se mesclando à cena do novo jazz e da música alternativa da cidade durante os últimos 15 anos.

Mas nenhum elemento externo à Arooj Aftab parece ser suficiente para ancorar uma interpretação de Vulture Prince. A obra mais recente da artista é dedicada ao seu irmão mais novo, falecido recentemente no seu país natal, que passava por uma onda violenta de conflitos e depois precisou lutar para lidar com a pandemia de covid-19. Assim, ela toma como centro o ghazal, gênero sul asiático que recebe pulsões existenciais e declamações de poesia para formar as sete canções completamente únicas do disco. “Faço parte desta indústria há tanto tempo que não mereço mais ser vista como diferente”, ela diz em entrevista ao Los Angeles Times. E, quando a instituição mais importante da Música ocidental finalmente parou para reconhecer Arooj Aftab, percebeu que sua música é radicalmente muito mais familiar do que boa parte das canções que costumeiramente preenchem o seu palco. 

Billie Eilish por Vitória Silva

Se vamos falar da ascensão de jovens artistas, Billie Eilish já se tornou referência no assunto, que carrega em sua essência. Nascida em 18 de dezembro de 2001, na cidade de Los Angeles, a californiana começou a desenvolver sua musicalidade aos 11 anos, compondo suas primeiras letras ao lado do irmão mais velho, Finneas O’Connell, que já criava suas próprias canções junto a banda que possuía. Em 2016, a faixa Ocean Eyes foi tomando o redor do globo terrestre de forma silenciosa. Pronto, foi o suficiente para que o nome de Billie passasse a ser para sempre lembrado. 

Quando tinha apenas 15 anos, revelou o seu primeiro EP, dont smile at me, com faixas que até hoje continuam memoráveis. Não saindo de cena até então, o disco WHEN WE ALL FALL ASLEEP WHERE DO WE GO? foi o que fez com que Eilish mostrasse à indústria musical para que veio, estreando no topo da Billboard 200. A partir disso, a tenra idade da cantora também se tornou o sinônimo de seu sucesso, em que ela virou a primeira artista nascida nos anos 2000 a ter um álbum número 1 nos Estados Unidos. Em 2019, foi nomeada para 6 Grammys, já aos 17 anos, também conquistando o título de artista mais jovem a ser indicada nas quatro principais categorias da premiação, e, após a cerimônia, também somou o de vencedora.

Em 2020, com o início da pandemia de covid-19, a promissora turnê do disco teve que ser interrompida, mas não foi o suficiente para que Billie Eilish se recolhesse de vez. Nesse período, com um documentário lançado, chegou o tempo de revelar ao mundo o primordial Happier Than Ever. Aqui, a jovem californiana faz não apenas jus a todo o seu triunfo, mas exalta a preciosidade de sua juventude junto a ele. E, se já não o havia feito anteriormente, crava de vez a marca como uma das artistas mais grandiosas de sua geração. 

Brandi Carlile por Raquel Dutra

O Grammy de 2019 foi histórico para o avanço de artistas mulheres em gêneros predominantemente masculinos. Na mesma noite em que Cardi B se tornava a primeira mulher a vencer a categoria de Melhor Álbum de Rap, Kacey Musgraves consolidava sua importância no country com o Álbum do Ano, e Brandi Carlile chegava com toda a sua versatilidade musical carregando o título de mulher mais indicada da temporada. Três anos depois, no entanto, o cenário é um pouco diferente: nenhuma artista foi nomeada para seguir os avanços no rap e no country, mas o marco de Carlile fez o que pôde para emplacar o seu nome no Grammy 2022.

É que seu disco mais recente, In These Silent Days, fugiu à regra das submissões da temporada, sendo lançado em uma data posterior à limite de elegibilidade para o prêmio. Restou, então, aproveitar os singles previamente lançados. Nesse sentido, Brandi não foi esquecida, aparecendo em três categorias diferentes com a mesma música (Right On Time) e duas vezes entre as nomeações para Canção do Ano (com a primeira citada e A Beautiful Noise, parceria com Alicia Keys) – mais uma vez, a única a realizar tal feito na temporada. A Academia ainda encontrou espaço para uma nomeação a Melhor Performance de Raízes Americanas por Same Devil, e se não fossem os pesares, ainda leríamos o seu nome entre muitas outras nomeações da vez. 

Junto de seus inquestionáveis méritos musicais, que vão do country ao pop e do rock ao folk, o feito é reflexo do impacto cultural que Carlile tem na como mulher lésbica. Assumida desde a juventude em que aprendeu a tocar e começou a compor, a experiência de Brandi num mundo hostil começou por volta de seus 20 anos, e sua maturidade apenas aprofundou o seu compromisso com a comunidade LGBTQIAP+. Redefinindo gêneros e inaugurando espaços desde sua estreia no disco autointitulado de 2005 até o seu penúltimo mais aclamado, ela chega em seu sétimo álbum de estúdio, conservando todo o respeito que lutou para conquistar ao longo dos seus quase 20 anos de carreira.

Doja Cat por Vitória Silva

Ela é o momento! Amala Ratna Zandile Dlamini nasceu no ano de 1995, na cidade de Los Angeles, fruto de origens judias e sul-africanas por parte de seus pais. Com uma infância agitada e constantes mudanças de moradia, aos 8 anos de idade, se mudou com sua mãe e irmão para uma comuna nas montanhas de Santa Mônica, onde praticou o hinduísmo por 4 anos. De volta para a Califórnia, a jovem era alvo de um racismo severo por conta de sua origem mestiça, o que a levou a se afastar cada vez mais da escola, que abandonou de vez aos 16 anos, fato que ela também atribui às suas lutas contra o TDAH. 

Na nova e conturbada realidade, Doja passou a se dedicar a navegar na internet em busca de elementos sonoros para compor suas primeiras músicas. Nesse deslumbrante universo, lançou, ao final de 2012, So High, que chamou a atenção do produtor musical Yeti Beats e, mais tarde, a levaria a assinar com a Kemosabe Record. Seu EP de estreia, intitulado Purrr!, apresentou as raízes da rapper no R&B para o restante do mundo. Após essa derrocada, ela passou por uma fase de bloqueio criativo, o que a levou a até mesmo recusar aparecer no single bellyache, da jovem Billie Eilish, em 2017. Sem receber muita atenção de sua gravadora, e também envolvida em questões pessoais, acabou se afastando do meio musical.

De volta ao cenário, em 2018, Doja Cat lançou diferentes faixas, entre elas o sucesso Candy, que a levou a entrar pela primeira vez na parada da Billboard Hot 100. Seu primeiro álbum de estúdio, intitulado Amala, veio no mesmo ano. Mas foi só com o Hot Pink que a cantora definitivamente subiu as escadarias do sucesso, e não saiu de nossos ouvidos até então. A máquina de hits movimentada por Doja já virou a dona de praticamente tudo que viraliza nas redes sociais, com títulos como Say So, Juicy e Like That. Colecionando grandes parcerias com outras artistas femininas, Doja Cat sabe oscilar muito bem entre sua identidade como rapper e diva pop, que são o que a tornam única no meio artístico. Após 3 indicações no Grammy de 2021 e dominar o mundo que conhecemos, ela precisou criar uma nova dimensão espacial para sua musicalidade, com o incomparável Planet Her.

H.E.R. por Vitória Silva

Filha de mãe filipina e pai afro-americano, Gabriella Wilson é um fenômeno desde sua infância. Nascida em 1997 na cidade de Vallejo, brilhou os olhos do público pela primeira vez aos 12 anos de idade, quando performou Alicia Keys no piano no programa The Today Show, e, pouco depois, competiu em um concurso da Radio Disney. Dois anos mais tarde, ela assinou um contrato com a Sony e lançou sua música de estreia, intitulada Something To Prove, quando ainda utilizava seu nome verdadeiro.

Para separar sua identidade pessoal da artística, Gabriella se autodenominou como H.E.R., que é um acrônimo para Having Everything Revealed (“Tendo Tudo Revelado” em tradução livre). De acordo com a própria, a escolha de se apresentar de forma misteriosa seria uma metáfora de sua existência. Após assinar com a RCA Records, em 2016, a cantora lançou seus primeiros EPs, movimentando a cena do R&B desde então. Em 2019, conquistou seus primeiros Grammys pelo álbum H.E.R., e tornou-se figurinha carimbada da premiação. Sua musicalidade sempre foi símbolo de luta, em que, em 2020, lançou a faixa I Can’t Breathe, com referência à frase dita por George Floyd antes de morrer brutalmente, e conquistou o gramofone dourado de Canção do Ano por ela, em 2021. 

Provando essa máxima, no mesmo ano foi a vez de dar as caras no Oscar, em que levou para casa a estatueta de Melhor Canção Original por Fight For You, parte da trilha sonora de Judas e o Messias Negro. Mais recentemente, com Back Of My Mind, assegurou ainda mais o seu talento perante a indústria musical, totalizando 8 indicações no Grammy 2022, incluindo a de Álbum do Ano. H.E.R. pode ainda não ter alçado a popularização completa no meio, mas precisamos aguardar para podermos descobrir tudo o que ela ainda tem a nos revelar. 

Kali Uchis por Vitória Silva

Karly-Marina Loaiza nasceu em 17 de julho de 1994 em Alexandria, Virgínia. Com pais de origem colombiana, desde cedo já oscilava entre as realidades dos dois países. De volta aos Estados Unidos, foi na escola que Kali deu seus primeiros passos no meio musical, onde participou de uma banda de jazz. Em 2012, lançou sua primeira mixtape, intitulada Drunken Babe, já mostrando sua afinidade pela mistura de diferentes gêneros musicais. A faixa What They Say chamou a atenção do rapper Snoop Dogg, com quem colaborou na música On Edge. O primeiro EP viria em 2015, Por Vida, que passou pela mão de produtores como Tyler, the Creator e Diplo. Nesse mesmo período, conquistou seu primeiro sucesso na parceria com Daniel Caesar, que lhe rendeu sua primeira indicação ao Grammy.

As parcerias sempre foram importantes degraus para Kali Uchis, que atuou em faixas de nomes como Gorillaz, Jorja Smith e Mac Miller. Aos poucos, foi configurando seu rosto para o mundo, e seu primeiro álbum, Isolation, veio em 2018, seguido de uma grande aclamação da crítica. Mas se hoje a cantora é conhecida mundialmente da maneira que é, grande parte do mérito se deve a Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios), lançado em 18 de novembro de 2020, que teve a faixa telepatía no topo das paradas da Billboard. Em 2021, conquistou seu primeiro Grammy, na categoria de Melhor Gravação de Dança, pela faixa 10%, de KAYTRANADA. 

Apesar de não hesitar em mostrar suas raízes latinas em sua obra, esse lado de Kali ainda é muito ignorado na indústria, em que é completamente deixada de lado em categorias do gênero nas premiações, não sendo nem lembrada no Grammy Latino de 2021. Apenas um dos indícios que mostra que ainda falta muito para que o meio musical tenha a devida consideração pelo talento e grandiosidade de Kali Uchis.

KAROL G por Raquel Dutra

Pela primeira vez, o Grammy se depara com a maior diva do reggaeton. O título é a melhor forma de apresentar KAROL G, que ascendeu em um ambiente musical predominantemente masculino renovando a imagem do gênero latino para o mundo. Livre em letras sobre experiências femininas com a sexualidade, trabalho, vida amorosa e tudo mais que aparecer no caminho da compositora de 31 anos, a contribuição de Carolina Giraldo Navarro para a música latinoamericana é simplesmente impossível de ser compreendida pela premiação estadunidense.

Vamos à história: nascida e criada em Medellín, capital da Colômbia, a artista iniciou sua carreira ainda adolescente, no The X Factor colombiano, quando tinha apenas 14 anos. Sua breve aparição no programa foi o suficiente para chamar a atenção da indústria musical local, logo assinando seus primeiros contratos e entrando no círculo de grandes nomes da Música latina, como J Balvin. Ao longo dos anos seguintes, ela trabalhou em músicas esporádicas, até viajar para os Estados Unidos a fim de encontrar novas oportunidades – mas acabou, na verdade, topando com mais preconceito por ser uma mulher almejando trabalhar com reggaeton. KAROL G permaneceu lutando pelo seu trabalho até 2014, quando finalmente assinou com uma gravadora que teve coragem de assumir os seus projetos. 

Em 2017, ela estourou em uma colaboração com Bad Bunny, que se transformou no primeiro single de seu álbum de estreia, Unstoppable (2017). Em 2018, ganhou o Grammy Latino de Melhor Artista Revelação. Em 2019, consolidou seu lugar no reggaeton ao lado do precursor do gênero mundo afora, Daddy Yankee, preparando o lançamento de seu segundo disco, Ocean (2019). Com uma nova estética, ela se juntou à Nicki Minaj para Tusa, que se transformou em um de seus maiores hits e preparou o caminho para KG0516 (2021), lançado como o projeto mais ambicioso – e igualmente bem-sucedido – de sua carreira. Tudo isso para dizer que a passagem de KAROL G pelo mundo está só começando. 

Nathy Peluso por Raquel Dutra

O ano de 2022 marca a ascensão de uma das artistas mais interessantes da atualidade. Nathy Peluso, cantora, compositora, produtora e escritora argentina, está só em seu primeiro disco e já virou a cena musical da América Latina de cabeça para baixo. Depois de estrear de forma independente através da mixtape intitulada Esmeralda, em 2017, ela se colocou no radar da crítica pela sua originalidade e criatividade artística em gêneros comerciais como trap, pop e hip-hop. Dois anos depois, em seu primeiro EP, La  Sandunguera, a graça era contornar o soul e o R&B numa estética ainda mais lapidada, o que acabou por definir o gênero de fusão como sua principal linguagem musical.     

Influenciada por uma variedade de artistas, que vão dos clássicos Ella Fitzgerald, Ray Charles e Nina Simone até os mais importantes da música sul-americana, como João Gilberto, Ray Barretto e Atahualpa Yupanqui, ela começou a se apresentar em hotéis e restaurantes depois de migrar com a família para a Espanha em 2005. Depois de se formar em Comunicação Visual, e Artes Visuais e Dança na Europa, passou pela Literatura com o lançamento de Deja Que te Combata em 2019, mas o foco mesmo foi engatar no ramo musical e não parar mais. 

Assim, para o seu primeiro disco, em 2021, ela não buscou nada além dos maiores paradoxos sonoros e líricos para finalizar o seu primeiro ato na Música. O choque provocado pelo som da jovem de 26 anos foi tamanho que Calambre – cãibra, numa tradução direta e literal do espanhol – levou a estreante até o Grammy Latino 2021, dentre os indicados a Melhor Artista Revelação e Melhor Canção Alternativa pelo single BUENOS AIRES. Por fim, seu primeiro disco entrou para consideração ao prêmio de Melhor Álbum Latino de Rock ou Alternativo do Grammy Awards 2022. Não se engane pelo novo rosto: experiência e vontade de ir além é o que Natalia Beatriz Dora Peluso tem de sobra.

Olivia Rodrigo por Vitória Silva

O nominável rostinho da geração Z. Em tão pouco tempo, Olivia Rodrigo já conseguiu subverter por completo qualquer expectativa que o público possa ter de uma artista adolescente, ainda mais criada na velha e conhecida escola da Disney. Iniciada nos programas de televisão infanto-juvenis, a jovem estadunidense da cidade de Murrieta começou a ganhar o mundo recentemente com o seu papel como Nini em High School Musical: The Musical: The Series – quer representação melhor para a adolescência da geração 2000? Nos bastidores do seriado, nasceu seu namoro com o galã Joshua Bassett, que, mais tarde, culminou em um coração partido. Daí Rodrigo tirou todo o combustível para o nascimento de SOUR.

Se aos 20 anos Billie Eilish já deixou os delírios da adolescência de lado para encarar a vida adulta, Olivia ainda se depara com toda a efusão de sentimentos capaz de ser sentida por uma jovem no abismo dos 18 anos de idade. Seu disco de estreia se tornou hinário para todo o restante do mundo, que, junto com os desabafos da artista, foi capaz de retornar à doce confusão sentimental que caracteriza o ápice da juventude. Com isso, Rodrigo ilustrou sua carreira iniciante não apenas pela coleção de hits que já acumula, mas pela ousadia de não precisar se provar mais madura do que é, nos presenteando com seu doce clichê adolescente.

O resultado de tudo isso está estampado na principal premiação do meio musical. Olivia Rodrigo é a grande aposta das categorias principais do prêmio, incluindo a sempre bem disputada Álbum do Ano. O passado pode ter sido azedo para a jovem de origens filipinas, mas o futuro parece ser mais doce do que ela é capaz de imaginar.

Saweetie por Raquel Dutra

A estrela de Saweetie brilha tão forte que a promessa do rap nem precisou apresentar um disco ao Grammy para figurar dentre os indicados de 2022. Para convencer os votantes de que merecia um lugar dentre os nomeados a Artista Revelação, bastou sua presença contundente entre os nomes mais badalados do momento e nos frequentes hits da Billboard. Bombando desde 2018 com seu primeiro single, a artista mostrou ser muito mais do que um nome das paradas de sucesso com os EPs que sucederam a sua estreia grandiosa. 

Primeiro, High Maintenance (2018) definiu as ambições da artista e acompanhou a fundação de sua própria gravadora, e, depois, ICY (2019) cravou seu nome nas tabelas musicais. Mas desde os 13 anos a rapper nascida Diamonté Quiava Valentin Harper se aventura nas composições. O gosto artístico e criativo a levou até a conclusão de seu Bacharelado em Artes na Universidade do Sul da Califórnia, antes de concentrar sua dedicação no rap. Ela começou nas redes sociais, publicando suas rimas em seu perfil do Instagram. Foi lá que nasceu a ideia inicial do seu primeiro hit: a partir do ritmo de My Neck, My Back (Lick It), de Khia, Saweetie criou a melodia de ICY GIRL, canção lançada no SoundCloud, em 2017, que viralizou na internet.

Antes mesmo de completar 30 anos e realizar sua estreia oficial, Saweetie acumula colaborações com Dua Lipa, Jhené Aiko e Doja Cat, com quem divide uma de suas indicações ao Grammy 2022 por Best Friend, na única presença feminina na categoria de Melhor Canção de Rap. O single já integra a tracklist de seu álbum de estreia, Pretty Bitch Music, um dos lançamentos mais aguardados do ano, que mantém também a promessa de garantir sua presença na premiação de 2023.

Yebba por Raquel Dutra

O nome de Yebba veio a estampar um disco autoral só em 2021, mas, muito antes disso, já era conhecido pelo universo musical e no hall de vencedores do Grammy. A artista é um prodígio declarado há pelo menos cinco anos, construindo seu caminho na Música junto de veteranos como PJ Morton (com quem dividiu um gramofone em 2019), Mark Ronson, Sam Smith, Chance The Rapper e Ed Sheeran. O que encheu os olhos da indústria foi a sua preciosa versatilidade experiente, que compreende desde as suas interpretações, definidas pelo seu timbre marcante e muito bem referenciado pelo soul, R&B, gospel e folk, até as suas composições, que expressam letras muito bem trabalhadas pela sua profundidade emocional.

E não era para menos. Nascida e criada numa igreja protestante de Memphis, Abbey Smith aprendeu a cantar com a comunidade pastoreada pelo pai, e nunca se distanciou da música, até viralizar com uma apresentação de My Mind no canal do projeto Sofar Sounds, YouTube em 2016. O hit atraiu os holofotes e a prometeu uma carreira profissional, mas, apenas algumas semanas depois, sua mãe faleceu por suicídio. O momento pediu a reclusão de Yebba e aguçou ainda mais a sua necessidade de refúgio na música, que se tornou também uma forma de homenagear a sua figura materna. Primeiro através do nome artístico, que nasceu de um apelido carinhoso criado pela sua mãe desde sua infância, e depois, dedicando o seu nome para batizar o seu primeiro disco, Dawn.

Assim, o conjunto da obra não poderia ser mais significativo. Somando a sua experiência a de colaboradores como Questlove, A$AP Rocky, KAYTRANADA, Smino e James Francies, ela transformou sua dor íntima numa das melhores obras musicais do último ano, que foi envolvida também numa campanha promovida pela artista para conscientização sobre saúde mental. Infelizmente, o Grammy 2022 não tomou parte do belíssimo trabalho como deveria, deixando-o de fora das categorias principais e dos gêneros contemplados por Dawn, lembrando da artista apenas para Melhor Engenharia de Álbum Não-Clássico e em suas magistrais interpretações, que aparecem mais uma vez dentre as nomeadas à Melhor Performance de R&B Tradicional. Que não sejamos iguais a eles, então: cada segundo sob o amanhecer de Yebba deve ser apreciado.

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Enrico Souto

Lil Nas X surgiu em 2019 já transgressor, explodindo com um hit chiclete que mesclou country e hip-hop, dois gêneros praticamente antagônicos, e ainda reivindicando-se como parte de ambos, apesar da insistente relutância da indústria. Old Town Road, sua primeira empreitada musical, desafiou as fronteiras arbitrárias impostas entre gêneros e enfrentou uma tradição racista e homofóbica que domina a música country até hoje. Ao mesmo tempo, claro, que tornou-se um viral instantâneo. 

Ainda que críticos tenham alegado que não passava de uma moda passageira, o artista provou que tinha muito mais a oferecer. Depois de sair do armário no seu auge de popularidade, sua proposta disruptora só se fortaleceu. Desde então, quanto mais o desprezam e deslegitimam por sua sexualidade, mais ele faz questão de enviadescer aos holofotes. O ápice dessa rebeldia é MONTERO, o álbum de estreia de Nas X, revelando já no título, que carrega seu nome real, o caráter íntimo e autoral da obra, atravessada por temas como amor, sexo, homofobia, depressão e autoestima.

O início dessa era do rapper se deu em março de 2021, com o lançamento da faixa-título do disco, um trap com temperos de flamenco à la ROSALÍA. O seu subtítulo Call Me By Your Name, que alude ao livro e filme homônimo, uma das principais referências recentes de representação LGBTQIA+ na cultura pop, já antecipa a abordagem da canção. Lil Nas X decide se munir de signos bíblicos e estereótipos pejorativos relacionados a pessoas gays para reafirmar a própria identidade como tal. 

Se propagam que gays estimulam depravação e são todos pervertidos, em vez de tentar rebater tais argumentos, ele veste a carapuça. O resultado é um deleitoso exercício estético e uma obra que deliberadamente choca a sociedade conservadora. Essa mensagem é reforçada no videoclipe, no qual Nas X transforma o conto de Adão e Eva em um épico camp, em que é julgado por suas libidinagens e desce por uma longa barra de pole até o inferno, onde faz lap dance para o diabo, o assassina e toma o seu lugar nas profundezas.

Como resposta, o artista passou a sofrer uma série de ataques e boicotes de grupos reacionários. O que, é óbvio, não impediu que Call Me By Your Name se tornasse mais uma febre em sua carreira. Evidentemente, Lil Nas X já antecipava essa investida e não arredou o pé. Pelo contrário, decidiu se divertir um pouco mais com a polêmica e lançou, em parceria com o coletivo de arte MSCHF, uma coleção de 666 pares de tênis da Nike, customizados com um pentagrama e literalmente sangue humano nas solas. Apesar dos problemas jurídicos que se seguiram, os pares esgotaram em menos de um minuto.

De todo modo, essa não é a única ocasião do álbum em que o rapper ressignifica rótulos violentos para erigir sua persona. SCOOP, com Doja Cat, é um culto ao corpo. Ao afirmar durante a faixa que “vem malhando” e que não se importa com papo, pois só está atrás de uma foda, ele se apropria de fetiches e estereótipos de virilidade, utilizados para hiperssexualizar e objetificar o homem negro, e toma o poder pleno de exerção de sua sexualidade. Sim, Lil Nas X é um ser sexual, cheio de desejos e muito tesão, mas agora é ele quem segura as rédeas.

Porém, é claro que não é apenas isso. Empregar essa estratégia à exaustão poderia banalizar esses signos e alienar o ouvinte a tais debates. Lil Nas X sabe disso e, portanto, decide tomar outro caminho. SCOOP antagoniza diretamente THATS WHAT I WANT, um pop açucarado guiado pela melodia viciante de um violão. Aqui, ao contrário de sua opositora, aborda-se um eu-lírico apaixonado clamado por viver uma história de amor. O videoclipe, que o mostra se relacionando com um homem comprometido, arremata tragicamente essa narrativa, expondo a frustração de Nas X e a iminente sensação de que alguém como ele estará para sempre destinado à solidão.

Na tracklist, ambas as canções tocam sequencialmente, e isso não é por acaso. Muito menos é por acaso o skit que convenientemente separa as duas. ART OF REALIZATION serve ao papel de contextualizar esse cenário, em que Lil Nas X se vê questionando a genuinidade de seus sentimentos, e revelando que essas não são emoções desagregadas, e sim que, pelo contrário, coexistem em um mesmo espaço e tempo. Isso posto, ele vai além de determinar-se unicamente como romântico ou devasso, mas como um ser humano multidimensional lidando com sentimentos complexos e muitas vezes contraditórios. E então, ao invés de tentar frustradamente racionalizar essa contradição, um exercício fadado ao fracasso, ele a abraça e transforma em poesia. 

Nesse interlúdio, o cantor também pondera sobre o rumo que trilhou em sua carreira. Se tomou as decisões corretas e se essa de fato é a felicidade que ele almeja. Logo, em MONTERO, Lil Nas X versa reiteradamente sobre sua relação com a fama e as pressões da indústria. O momento que melhor encapsula essa angústia é ONE OF ME, com participação de Elton John – o que é simbólico por si só –, entregando seus teclados deslumbrantes como sempre. A faixa é inteira cantada sob o olhar dos haters de Nas X – uma maneira muito prática de traduzir suas ansiedades sem necessariamente verbalizá-las.

Aqui, ele demonstra bastante insegurança sobre algumas crenças a seu respeito que surgiram no início de sua popularidade. Como, por exemplo, que o sucesso de Old Town Road não passou de sorte, ou que seu trabalho não passa de uma piada, de um meme. Questões que Lil Nas X inclusive brinca e ridiculariza em outras ocasiões na obra, o que comprova que toda aquela pompa e convicção talvez não fosse tão sincera assim. Ou, porventura, fosse uma tentativa de velar suas inquietações.

De um jeito ou de outro, esses takes ousados, em que o rapper transmite maior confiança, formam, sem dúvidas, os momentos mais divertidos de MONTERO. Em DOLLA SIGN SLIME, à título de exemplo, Lil Nas X convoca Megan Thee Stallion para ostentar sua vida de luxo e os frutos de seu sucesso, em um trap estruturalmente básico, mas conciso. A personalidade aterradora dessas duas fortes figuras transborda por um beat enérgico e tônico conduzido por samples de trombetas, outorgando à faixa um aspecto quase heróico.

Seguindo a mesma harmonia de trombetas, agora em um caráter mais triunfante e celebratório, o hit imediato INDUSTRY BABY se encontra no apogeu da petulância de Nas X. Contrapondo-se a ONE OF ME, o rapper firma-se como fruto do atual cenário musical algorítmico e, desse modo, impõe suas vitórias sobre quem o deprecia. Assinada por Kanye West na produção, a faixa apresenta uma colaboração do rapper Jack Harlow, que até consegue se encontrar no beat e soltar versos decentes, porém fica difícil ignorar o quanto a sua postura exageradamente heterossexual destoa de forma drástica do cenário indecorosamente gay que Lil Nas X cria, tanto na música em si quanto no videoclipe. 

Toda a divulgação dessa faixa enquanto single reforça a natureza responsiva de MONTERO, sempre reagindo ao seu contexto da maneira mais irreverente possível. No clipe, o artista é condenado por vender os tais “tênis do diabo” mencionados anteriormente. Depois de 3 meses preso, ele trama um plano para fugir, reúne um exército de presidiários gays e, com eles, se livra dos policiais e ocupa a penitenciária. Tal qual uma analogia do papel de Lil Nas X na indústria, ele bane a heteronormatividade branca literal e figurativamente para poder fazer música em seus próprios termos.

Contudo, apesar de Kanye West ser creditado em INDUSTRY BABY, é DEAD RIGHT NOW que parece buscar maiores inspirações em sua discografia, soando como uma versão abreviada de algo que Ye teria feito nos cortes mais extraordinários de My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Lil Nas X cria sua própria epopeia musical, trazendo um coral de apoio e mesclando elementos de soul e gospel para originar uma sonoridade de escala incalculável e divina. Provavelmente a magnum opus do cantor, e com certeza a faixa mais intensa do álbum, tanto musical quanto tematicamente.

Isso porque, abrindo o LP junto a Call Me By Your Name e INDUSTRY BABY, DEAD RIGHT NOW introduz conflitos devastadores que serão pivotais ao cerne emocional do projeto. É aqui que Lil Nas X revela sua luta contra a depressão, e ouvimos diretamente de sua boca que seu sucesso foi a única coisa que o impediu de cometer suicídio. Além disso, ele também aborda batalhas que teve de travar dentro de casa ao se assumir gay para sua família. Apesar disso ter fortalecido seu relacionamento com o pai, não é possível dizer o mesmo sobre sua mãe. Nas X coloca em xeque a legitimidade do amor de sua progenitora que, já sofrendo de alcoolismo e abusando física e psicologicamente do filho, se voltou contra ele e declarou, de acordo com a canção, que Deus jamais o perdoaria.

A relação tortuosa de Lil Nas X com sua mãe é objeto de frequente abordagem em MONTERO, retratando ela como essa figura opressiva que, apesar do rapper nutrir um ódio e ressentimento justificados, ainda não consegue deixar de buscar validação nela. Esses atritos ganham forma em TALES OF DOMINICA, onde Nas X medita sobre o quão sufocante é estar no centro de uma família disfuncional e seu desespero em apenas esquecer tudo e deixar essa vida para trás – esforço, é claro, frustrado. A faixa destaca-se por um tratamento lírico mais emblemático e alegórico, sem se ater a tantas minúcias e mais preocupado em propiciar, por meio de uma sonoridade bucólica e idílica, uma experiência sensorial que possa transmitir suas emoções em sua íntegra crueza.

TALES OF DOMINICA ainda compõe um momento crucial de MONTERO quando, na segunda metade do disco, o artista vence seu medo e decide desbravar diferentes facetas e estágios de sua vida, abrindo e desvelando feridas antes encobertas – no que provavelmente é a demonstração de fragilidade mais visceral de sua carreira. Logo após essa faixa, somos transportados à SUN GOES DOWN, que descreve um Lil Nas X no princípio da adolescência, entrando em contato com sentimentos novos e confusos, enquanto também lida com o bullying e racismo, e, por não conseguir entendê-los, cultivando sobre si uma imensa culpa e auto-ódio.

Embora discorra aqui sobre temas extremamente pesados e delicados, a faixa tenta carregar uma mensagem de esperança. Ao contrário do resto da canção, o refrão é cantado a partir de sua perspectiva atual, já crescido e amadurecido, revisitando seu eu do passado e tentando lhe trazer fé, garantindo por sua própria experiência que as coisas hão de melhorar e que, mesmo nos tempos mais difíceis, a dor nunca dura para sempre. Leitura essa que confirma-se com o videoclipe, que exibe um Lil Nas X mais jovem sofrendo por estar sozinho no baile da escola, e uma versão celestial sua descendo dos céus para confortá-lo.

Algo parecido ocorre em VOID, a faixa seguinte. Ela inicia com uma declaração, como a abertura de uma carta, onde Lil Nas X refere-se a uma versão pregressa sua, quando ainda começava a apostar suas fichas na música. Porém, ao evidenciar esse eu-lírico desesperançoso, emocionalmente em frangalhos, a música soa dúbia sobre qual ponto de vista ela parte. Sobre se esse sentimento de vazio descrito aqui diz respeito ao seu eu do passado ou do presente – talvez a ambos. Por isso mesmo esse é o recorte mais sincero e vulnerável de todo o disco. Pois é nesse ponto que Nas X confessa que essas não são feridas pretéritas: são dores vívidas que, querendo ou não, ele continua lutando para superar. 

Depois de um testemunho tão lastimoso e desolador, e se aproximando da finalização de MONTERO, é difícil imaginar como Lil Nas X concluiria seu arco. Se ele partiria para uma resolução otimista, ou se ele seguiria por um caminho mais trágico. Bom, sendo coerente com o conceito dualístico do álbum, ele faz os dois. O primeiro indicador de um ultimato é a frenética e poderosa DONT WANT IT, onde Nas X exorciza seus demônios, entra em paz com suas imperfeições e entoa que, independente do quão sombrio esteja, “tudo vai ficar bem”. Seria uma conclusão potente, catártica e absolutamente apropriada para a obra.

Mas não. Lil Nas X decide cavar mais fundo em LIFE AFTER SALEM, a contribuição do disco para a música emo. Tematicamente semelhante a DONT WANT IT, mas nascendo de um princípio totalmente oposto, essa faixa é um verdadeiro grito de angústia, em que o cantor parece dirigir-se diretamente aos seus traumas, implorando aos berros para que eles vão embora. O instrumental de rock soturno, invadido no final pela melodia tensa dos violinos arranhados, manifesta um estado de espírito excruciante e verdadeiramente apocalíptico.

No entanto, sem valorizar nenhum dos dois pólos, MONTERO finaliza com um banho de água fria. AM I DREAMING, mais um ponto para Lil Nas X no bingo de colaborações com a família Cyrus, fecha o disco em um tom melancólico, porém ambíguo. Ele não tem a firmeza para declarar que não haverão mais infortúnios na vida, nem consegue comprovar que realmente tudo está perdido. Portanto, o que lhe resta é a dúvida. O que há do outro lado? Nem ele, nem nós sabemos. Mas o cantor se voluntaria a segurar nossa mão para que possamos, assim, descobrirmos juntos. É um desfecho digno e glorioso, com a presença da voz austera de Miley e seu histórico controverso na Música acrescentando novas e ricas camadas à faixa.

Verdade seja dita, MONTERO é um projeto alicerçado em seu conceito estético. Desde a capa vibrante, que mistura surrealismo com uma linguagem visual renascentista, até os excêntricos videoclipes, pautados em uma estética queerfuturista cheia brilho, glamour e purpurina, referenciando ícones recentes da cultura queer, de Brokeback Mountain a Love, Simon. Seu audiovisual impactou toda a indústria e lapidou imagens que estão entre as mais icônicas de 2021, sendo finalmente recompensado no Grammy 2022 com uma indicação a Melhor Videoclipe para o grandioso vídeo de MONTERO (Call Me By Your Name).

A musicalidade do LP é sem dúvidas um destaque também. No caso, coube ao duo de DJs novaiorquinos Take A Daytrip a função de produção executiva – seu maior desafio até então. E o resultado aqui é sublime. Sua produção é colorida, misturando um espectro extenso de sons em uma ecleticidade nunca antes vista pela dupla. Seguindo a lógica de abolição de barreiras musicais definida em outros projetos de Nas X, eles exploram gêneros completamente distintos – do flamenco na faixa-título ao punk rock de LOST IN THE CITADEL – e, entretanto, continuam capazes de constituir um padrão sonoro facilmente discernível. 

Visto isso, talvez justamente por essa negação de rótulos do projeto, tornando consequentemente – e propositalmente – seu processo de categorização mais complicado, que apesar de ter sido reconhecido pela academia do Grammy e incluído na maioria das categorias principais neste ano – Álbum, Canção e Gravação do Ano –, o disco MONTERO não recebeu nenhuma indicação em categorias de gênero. Salvo a única exceção de INDUSTRY BABY, citado em Melhor Performance de Rap Melódico. Dito isso, é incontestável o evento cultural que o disco promoveu e seu decorrente sucesso comercial, emplacando 11 de suas faixas na Billboard Hot 100 em sua primeira semana de lançamento.  

É um reconhecimento merecido para um projeto único e autêntico, com um apelo inegavelmente pop, mas que ainda assim carrega uma autoralidade e assinatura característica de Lil Nas X. Em MONTERO, o cantor decide se despir ao público, apresentado-nos, desta vez, Montero Hill, em todas as suas falhas e defeitos. Retrata-se não um processo concluído de cura, mas a alçada por ela, propiciando então, através de suas experiências com opressões estruturais, o início de uma poética metamorfose coletiva. É o mais honesto que uma obra artística pode alcançar e, mesmo que relate cenários pessoais, é fácil se identificar com qualquer um deles, porque Nas X assume em seu manifesto paradoxos e contradições inerentes à experiência humana. 

Trata-se de um álbum divertido e contagiante, embora simultaneamente trágico e comovente. Repleto de dores, mas que não ignora os prazeres quando surgem. Fato é que não somos nem inteiramente formados por nossas alegrias, muito menos definidos apenas por nossos traumas. Somos quem somos, instáveis, turbulentos, e permitidos à mudança. MONTERO acolhe essa ideia com muita extravagância e ternura, instituindo-se como uma das obras mais sensíveis que o pop e o rap proporcionaram em 2021. E a única conclusão que pode-se chegar ao fim é que, não importa o quanto tentem boicotá-lo ou reduzi-lo, Lil Nas X é exatamente o que a indústria precisa.

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Quando as canções natalinas não preenchem mais o ambiente e Mariah Carey libera o topo das paradas musicais, é sinal de que o último mês do ano acabou. Ao longo dos últimos 12 meses, o Persona acompanhou cada movimento do mundo da Música nas edições do Nota Musical, e para encerrar o ciclo embalado pelas mais diversas trilhas sonoras de 2021, é hora de ouvir o que o mês de dezembro tem a nos dizer.

Que o ano apelidado de 2020.2 seria repleto de ironias, nós já sabíamos. Mas quando Olivia Rodrigo explodiu suas decepções românticas nos ouvidos do mundo inteiro com o maior hit de 2021 logo em janeiro, ninguém poderia imaginar que terminaríamos o ano em dezembro ouvindo o outro lado da história. O trio de canções Crisis / Secret / Set Me Free parece ser a maneira que Joshua Bassett encontrou para se livrar das maldições liberadas por drivers license, e deixar a confusão com a nova estrela pop no passado.

Enquanto alguns aproveitaram dezembro para resolver suas últimas pendências do ano, outros usaram o mês para iniciar novos projetos e vislumbrar 2022. Este é o caso de Angèle, a artista belga que ganhou repercussão global depois de cantar Fever junto de Dua Lipa, e seu segundo disco, Nonante-Cinq. Em um synth-pop gracioso, fresco e melancólico, Angèle mostra o porquê é um dos nomes francófonos mais populares da atualidade – e porque pode ir muito além disso.

Na mesma direção, Arca continua com sua música ambiciosa e intensa. Em dezembro, a venezuelana indicada ao Grammy colocou no mundo não um, não dois, não três, mas quatro discos, que dão sequência ao seu aclamadíssimo KiCk i. Os admiradores de SASAMI também têm material para iniciar o novo ano, já que a promessa do metal norte-americano continua a preparar o lançamento de seu segundo disco, que vai suceder sua estreia homônima muito bem recebida pela crítica, com o single Say It.

Falando nos jovens, a estreia de No Rome, pupilo de Matty Healy, o frontman do The 1975, é parada obrigatória dos textos abaixo. O artista filipino começou a espalhar suas canções lo-fi pelo SoundCloud e hoje ecoa por aí o que ele chama de “shoegaze R&B” em It’s All Smiles, contando com a produção mais famosa da Música alternativa contemporânea. Outro destaque é a nova música de Ruel, que reflete sobre amadurecimento em GROWING UP IS ____. Enquanto isso, SZA terminava o ano com raiva de alguém e Khalid embarcou em uma viagem suave.

A atmosfera retrospectiva de dezembro também nos levou à memória daquele fatídico 29/12/2001, que levou a voz mais marcante do rock brasileiro alguns dias depois da data destinada à celebrar a sua vida. Cássia Eller é dona de uma presença muito poderosa para desfazer-se entre nós, e os 20 anos de sua morte e 59 de vida foram marcados por Espírito do Som. Ainda resgatando a memória da Música brasileira, nos lembramos de que completaremos 40 anos sem uma das nossas maiores estrelas. A inauguração das homenagens ao legado da eterna Elis Regina começou através do lançamento de Elis, essa saudade, disco que reúne gravações feitas pela artista entre 1979 e 1981.

Mas hoje, temos o prazer de apreciar e valorizar Maria Gadú. Um dos principais nomes da MPB contemporânea completou 35 anos no último dia 4 e celebrou a data através de Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor, álbum que traz regravações de grandes sucessos da Música Popular Brasileira e principais influências para a identidade musical da artista. Já para a banda de destaque no pop-rock brasileiro atual, falar de memórias é só mais um pretexto para manifestar sua típica descontração. É que o terceiro álbum da Lagum segue naquele antro de sinceridade, ironia e irreverência, características fortes da música do grupo mineiro. 

Um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil também tomou parte das comemorações de dezembro. Pabllo Vittar encerrou um ano de ouro em 2021, marcado pelo sucesso de Batidão Tropical, com I AM PABLLO, seu primeiro registro ao vivo, que ficou responsável por iniciar as celebrações de seus meteóricos cinco primeiros anos de carreira. Lá fora, o aniversário foi de 5 Seconds of Summer, que exatos 10 anos depois de seu primeiro show, festejou seus 10 anos de existência com a canção 2011, que relembra a história e reverência a amizade do quarteto australiano.

Só estava faltando o encerramento dos 20 anos de carreira de Alicia Keys, perfeitamente concluídos por KEYS. O novo álbum da rainha do neo-soul sucede o colorido ALICIA (2020) com muita ambição: como um disco duplo, 26 músicas as levam de volta às suas origens que construíram o sucesso absoluto de seu primeiro disco em 2001, para desbloquear sua criatividade e reimaginar suas próprias canções. Entre os lados intitulados Originals e Unlocked, o ouvinte de Alicia Keys pode entrar em contato com a cantora, compositora, pianista e produtora que foi um dos maiores fenômenos musicais do século – e que nunca saiu de perto de nós.

Quem também esteve presente foi Black Country, New Road. Enquanto o novo disco da banda britânica, que foi destaques do mês de janeiro, não é lançado, ela aparece aqui com o EP Never Again, apresentando quatro covers inusitados. Também na lista das melhores revelações do ano, Arooj Aftab convenceu até o Grammy com a preciosidade de seu álbum lançado em abril e nos abençoou em dezembro com sua performance no Tiny Desk. E para os brasileiros, a conquista do mês foi ver MC Dricka, que brilhou no lançamento de seu álbum em maio até na Times Square, apresentando o hino Gadinho de Faz Tempo no palco do projeto musical internacional COLORS.

Há sete meses, Luísa Sonza abalava o pop nacional com DOCE 22, e agora, foi vez de encerrar os lançamentos do projeto com ANACONDA *o*~~~. Já em junho, foi a vez de Doja Cat colocar em órbita Planet Her, e em dezembro, a novidade foi o clipe de Woman, o single da vez que aquece sua corrida até as premiações. Na mesma função, está a nova favorita do Grammy Billie Eilish, promovendo sua campanha para Happier Than Ever, com o vídeo de Male Fantasy. A esnobada do ano, infelizmente, foi Lorde, que segue sob o poder do sol desde agosto, e agora traz uma narrativa visual para Leader of a New Regime.

Assim, o que mais teve em dezembro foi presente de fim de ano. A Música brasileira ganhou o lançamento do disco de Elza Soares & João de Aquino, uma releitura de Nara Leão feita por Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia, e a descoberta de Lucidayz, o projeto solo indie-rock do artista sergipano Samuel Elijah. De fora, Moses Sumney, artista ganês-americano que aparece vez ou outra na trilha de Euphoria, trouxe a experiência espiritual de seu primeiro álbum ao vivo; Katy Perry e Alesso entregaram uma boa canção para uma noite animada; e Art School Girlfriend, pseudônimo da galesa Polly Mackey que apareceu por aqui pela primeira vez em setembro, realizou um tributo a Prince.

Seguindo com os mimos para os sobreviventes de 2021, Tame Impala apresentou a inédita No Choices, introduzindo a edição comemorativa de The Slow Rush, o quarto disco de estúdio da banda, indicado a Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020. Superchunk aproveitou os últimos dias do ano para fazer seu retorno com a canção Endless Summer, e Rostam remixou o seu segundo disco solo. Por último, a maior se fez presente: dois dias antes do Natal, Joni Mitchell presenteou o mundo com um vídeo especial de River, para encerrar a comemoração aos 50 anos de Blue.

Os votos finais do ano partiram de Rodrigo Alarcon, que em Rivotril e a Fé traz uma mensagem descontraída de compreensão para com quem viveu os momentos difíceis dos últimos dois anos. Da mesma forma, Anná e Flaira Ferro refletem resumem o espectro emocional dos últimos dois meses em Ô Ano Doido. E para mais um futuro fevereiro sem Carnaval, Ivete Sangalo e Carlinhos Brown nos servem música nova pra festejar em casa.

Sobre a vida em sociedade, BK’, como sempre, empresta sua música cirúrgica para analisar as relações que mantemos com o mundo ao nosso redor. A obra da vez é Cidade do Pecado, que traz uma identidade ainda mais urbana para o trabalho do rapper carioca. Precisa de um refresco depois disso? Pois aqui está a dupla Arnaldo Antunes & Vitor Araújo com o paradisíaco Lágrimas no Mar.

Por fim, restou à Mitski aumentar as expectativas para Laurel Hell, seu sexto álbum e um dos mais esperados de 2022 com Heat Lightning. Phoebe Bridgers – também conhecida por aqui como uma das artistas que mais trabalhou em 2021 – deu continuidade à sua tradição anual de direcionar os lucros de seus lançamentos natalinos à instituições humanitárias. A música do ano foi Day After Tomorrow, numa releitura do sucesso de Tom Waits.

Para o ano ou para esse post, se você chegou aqui, merece os parabéns e a nossa bonificação. É hora de colocar os fones para ouvir o último mês de 2021 e apreciar a última edição do Nota Musical como conhecemos hoje. Um novo ciclo está começando, e o Persona guarda muitas novidades para o próximo ano. O que não muda é nosso compromisso com a valorização da Arte, da Cultura e do Jornalismo, que só podem existir se a vida também for preservada. Cuide-se, pois contamos com a sua companhia para um grandioso 2022!

CDs

Pabllo Vittar – I AM PABLLO (Live)

A gente piscou e Pabllo Vittar começou a comemorar cinco anos de carreira. É isso mesmo: do single Open Bar ao álbum Batidão Tropical, muita coisa já mudou, e Pabllo conseguiu se consolidar como um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil e no mundo. Mas, depois de lançar quatro discos de estúdio, três CDs de remixes e dois Extended Plays, a drag queen mais popular do planeta ainda não preenchia todos os tópicos disponíveis em uma possível ‘lista universal de afazeres dos cantores’, e o espaço reservado a um álbum ao vivo permanecia vazio.         

Foi então que nasceu o curioso trabalho I AM PABLLO (Live), disponibilizado na internet no último mês de 2021. Parte de um projeto audiovisual gravado no pavilhão Oca, em Ibirapuera, São Paulo, o primeiro registro ao vivo de Vittar dá pistas de uma turnê que promete ser a grande aposta internacional da cantora a partir de agora. Não parando por aí, ao mesclar os elementos água, fogo, terra e ar, que adquirem atmosferas próprias, com algumas influências absorvidas do K-pop, o espetáculo da artista maranhense também pretende inovar os formatos de shows realizados em solo nacional.       

De qualquer forma, está mais do que certo que alguns dos registros comemorativos, como o do próprio Open Bar, são nostalgia pura – e repaginada. Fora isso, o que mais se destaca no lado sonoro de I AM PABLLO são os vocais nitidamente bem trabalhados para a realização desse projeto bastante ambicioso. Para quem passou os últimos cinco anos criticando a voz da drag queen, será difícil sustentar as mesmas críticas com esse novo disco. “Não é à toa que eu sou a number one”: de fato, parece que Pabllo Vittar sempre soube do próprio potencial. – Eduardo Rota Hilário         

Angèle – Nonante-Cinq

Angèle é popstar. Um dos nomes mais populares entre as estrelas francófonas, a carreira da artista belga ganhou repercussão global após o dueto de Fever com Dua Lipa. Suas vozes, em contraste, destacam a melancolia inerente do timbre de voz aerado de Angèle, que parece enfeitiçar a mais dançante das faixas. Essa habilidade, por sua vez, se corporifica em seu segundo álbum, Nonante-Cinq, conduzindo a efervescência do synth-pop para uma atmosfera agridoce, enquanto versa sobre as desventuras do amor.

Encabeçado pelo single principal Bruxelles je t’aime – uma carta de amor sentimental para sua cidade natal –, Angèle rodopia pelas batidas à la Daft Punk ao longo dos acertos que compõem as doze canções do álbum, incluindo Libre e On s’habitue. Algumas referências, contudo, de tão óbvias, soam quase como imitação: Démons, que conta com a colaboração do rapper belga-congolês Damso, poderia facilmente ter saído diretamente do universo Astroworld de Travis Scott.

Como uma montanha-russa de emoções, aqui, tudo oscila. Entre o dançante e o emotivo do projeto, paira Solo, junto de seus sintetizadores glaciais, atingindo o máximo de melodrama na teatralidade de Taxi, construída pelas baladas de um piano acústico. Apesar do aparente otimismo dos singles divulgados anteriormente a sua estreia, é tecendo o drama que Nonante-Cinq ganha dimensão. – Ayra Mori

Arca – KICK ii, KicK iii, kick iiii e kiCK iiiii

Depois de no mesmo ano de 2020 ter sido indicada ao Grammy por seu álbum Kick i, publicado uma música de 62 minutos, além de 100 remixes de uma mesma faixa criados com uma Inteligência Artificial, a cantora e produtora venezuelana Arca resolveu encerrar 2021 mantendo o mesmo nível de ambição. O que quer dizer que ela resolveu colocar no mundo não um, mas quatro discos de uma só vez, todos numerados em sequência ao KiCk i, misturando espanhol com inglês e expressando toda a versatilidade dessa artista que desafia as convenções dos gêneros e de gênero. 

Dando o pontapé inicial, KICK ii é o mais acessível dos quatro, pelo menos em sua primeira metade, onde explora, a seu próprio modo, um dos ritmos latinos mais populares da atualidade, o reggaeton. Mas se engana quem espera que daí surja um trabalho convencional: o ritmo dançante vira música avant-garde nas mãos de Arca, dando espaço para as o rap frenético de Tiro, ou arrepiantes vozes lamentosas de Luna Llena. A segunda metade, inaugurada pelas vozes bizarras de Aranã, segue por caminhos mais abstratos e experimentais. E é no mesmo experimentalismo em que mergulha KicK iii, o mais insano da série, recheado de ritmos descompassados, frenético ao extremo, e que sequer dá um mínimo segundo para o ouvinte respirar. Conciliando as batidas caóticas à voz humana em texturas distorcidas, KicK iii se destaca com as faixas Bruja, Incendio, Skullqueen, e Rubberneck.

Seguindo caminhos bem mais amenos e oníricos, kick iiii aposta em uma atmosfera carregada de mistério. Lento e menos chamativo, o quarto volume da série acaba sendo ofuscado pela energia pulsante dos anteriores, mas encontra bons momentos atmosféricos em Boquifloja, em uma faceta mais pop na faixa Queer, e na arrepiante Hija. Surpreendentemente, o último volume, segue caminhos ainda mais minimalistas, encerrando a sequência de discos abandonando completamente o maximalismo dos primeiros volumes e explorando a música ambiente. kick iiiii evita o meio termo do disco anterior, criando atmosferas mais imersivas e abrindo espaço para uma faceta mais meditativa de Arca. Pu, Estrogen e Fireprayer se destacam além de Tierno, uma bela peça onde Arca é despida de todas as distorções vocais, finalmente revelando suas habilidades naturais. Do mais gritante ao mais sutil, do primeiro ao último volume, o projeto Kick é um raio-x das múltiplas camadas que compõem esse complexo ser chamado Arca. – João Batista Signorelli

Descontração já é a marca registrada da banda Lagum. No seu terceiro álbum de estúdio, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui), o grupo mineiro repete os feitos de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração (os dois primeiros) e cria uma experiência leve, bem humorada e divertida. Agora com alguns anos a mais de experiência, a Lagum encontra a dose certa entre o comercial e a liberdade para experimentar, e, ao longo das dez faixas, não abre mão da sua espontaneidade característica.

Das canções, cinco são inéditas. Enquanto duas das previamente lançadas, NINGUÉM ME ENSINOU e EU E MINHAS PARANOIAS, são elétricas e estimulantes ao refletirem sobre as angústias da identidade e da juventude, outras abaixam o tom para pensarem nas memórias ainda por vir, como na calma DESCOBRIDOR, para declararem os desejos em uma relação, como na curta PLAYGROUND, ou para revelarem o fim da mesma, como na dançante VEJA BABY. Das frenéticas guitarras e baterias aos calmos violões e vocais, do pop à MPB, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) transita entre sonoridades e temas, e a falta de um conceito só torna o álbum ainda mais espontâneo.

No novo lançamento, um dos pontos mais altos da Lagum se repete: a banda diz na lata o que tem para dizer. Sem rodeios, metáforas ou muitas figuras de linguagem, as composições do vocalista Pedro Calais são até literais, o que, se não impressionam pelas letras trabalhadas, encantam pela sinceridade. Como ele mesmo afirmou, a banda só deixa as coisas fluírem e que “se dava vontade de falar coisas engraçadas, trágicas, a gente falava”. Ao final, além de genuinamente divertido e animador, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) também foi uma bela homenagem ao trabalho de Tio Wilson, percussionista da banda que faleceu em 2020: o álbum foi a última participação do baterista, que teve suas partes, gravadas na pré-produção, mantidas e respeitadas. – Vitória Lopes Gomez

No Rome – It’s All Smiles

Nascido Guendoline Rome Viray Gomez, em seus 24 anos de idade, No Rome é cantor, compositor, produtor e pupilo de Matty Healy. Das Filipinas até o Reino Unido, foi compartilhando faixas lo-fi no SoundCloud que a colaboração entre ambos surgiu, logo levando Rome a assinar com a gravadora independente de Healy, Dirty Hit – casa de beabadoobee, Rina Sawayama, The Japanese House e Wolf Alice, espécie de meca da Música alternativa contemporânea. Para ele, contudo, a fabricação do álbum de estreia foi produto de anos, consumado, por fim, durante o isolamento do musicista em sua cidade natal, Manila.

Nos primeiros segundos da faixa de abertura, Space-Cowboy, Rome revela o que ele nomeia de “shoegaze R&B”. Como o próprio nome diz, o gênero combina precisamente os dois opostos numa hibridização camaleônica das distorções texturizadas ao groove suave. As influências são ambiciosas, dando caráter ao melodrama emocional simples da composição que ganha dimensão através da produção excelsa. São dez músicas co-produzidas com BJ Burton (Bon Iver, Kanye West e The Japanese House), conferindo resquícios de seu trabalho passado, familiar em ITS *N0T* L0V33 (Winter In London).

A mentoria de Healy se reflete por todo álbum – por vezes, mais pontuais do que deveriam. Apesar da habilidade inegável de Rome, por trás de muitas referências devotas, alguns curtos instantes soam genéricos, como em I Want U, onde até a harmonia vocal dos companheiros é similar. Adentrando uma paisagem noturna carregada de sintetizadores, explodem Issues (After Dark) e Remember November / Bitcrush*Yr*Life, como experiência cinematográfica que It’s All Smiles é. E bom, a espera valeu a pena. – Ayra Mori

Maria Gadú – Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor 

O novo álbum de Maria Gadú já traz em sua apresentação um título estrondoso. O impacto é ainda maior com a informação que Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor é o nome da canção de Márcio e Lô Borges, e o carro chefe de Pietá – importante álbum de Milton Nascimento. A aposta da cantora foi grande e a expectativa para o quarto disco de estúdio era maior ainda.

Contando apenas com regravações de outros gigantes da Música Popular Brasileira, Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor foi lançado na véspera do aniversário de Gadú e veio moldando a personalidade da artista. Isso porque, mesmo lidando com conhecidas da grande plateia, Gadú deixa sua assinatura em cada faixa e permite que o trabalho esteja mais próximo do autoral do que de covers. 

Um móbile no furacão de Paulinho Moska, Abololô de Marisa Monte e a indiscutível Lindo Lago do Amor de Gonzaguinha ganham destaque entre as 12 músicas. Mas, o absolutismo fica, de longe, por conta de Admirável Mundo Novo e Faroeste Caboclo. A primeira de Zé Ramalho vem para reforçar a posição política da artista e sua produção individual concretiza as crenças da cantora. Já a maior (e desafiadora) música de Renato Russo chama a atenção em qualquer contexto que se insira por conta de seus quase dez minutos de duração. O diferencial na atual gravação vem pelo tom no qual a história do João de Santo Cristo é apresentada. – Ana Júlia Trevisan

Elza Soares & João de Aquino – Elza Soares & João de Aquino

De voz inigualável, repertório inquestionavelmente rico e expressão artística arrebatadora: assim é – e sempre foi – Elza Soares. Mas esses traços bem definidos conseguem se acentuar ainda mais quando a Mulher do Fim do Mundo se entrega de corpo e alma à Música. Desse modo é Elza Soares & João de Aquino, disco gravado na década de 1990 ao lado do violonista que também dá nome à obra, em sessão única feita no extinto estúdio carioca Haras. Agora disponível pela gravadora Deck, o mais recente lançamento da eterna Deusa-Mãe esperou cerca de 25 anos para ver a luz do mundo.    

No fim, toda espera valeu a pena! Desde Drão, composição de Gilberto Gil que assume o posto de abertura elevada, quase divina, somos fisgados por uma química inventiva arquitetada de maneira fabulosa entre Elza e João. Em alguns casos, como Hoje, as habilidades vocais da Cantora do Milênio atingem em cheio os ouvidos – e corações – mais sensíveis. E, em faixas como Devagar Com a Louça, a liberdade interpretativa digna de grandes nomes torna-se, talvez, o maior motivo para uma inevitável fascinação do público – o que não ofusca, no entanto, o talento de João de Aquino.

Ainda nos destaques, a escolha do imortal Meu Guri, de Chico Buarque, mesclado com a Ave Maria No Morro, de Herivelto Martins, com certeza merece alguma atenção. Já em Juventude Transviada, o nome de Nilo Chagas pode surpreender os observadores mais atentos, já que essa faixa traz também um pouco de Lamento da Lavadeira, música composta por ele ao lado de Monsueto e João Vieira Filho. Mas nada, enfim, é capaz de substituir a experiência de ouvir na íntegra um álbum de tamanha qualidade. Certo é que, Como Uma Onda, João de Aquino e Elza Soares podem nos dominar.  – Eduardo Rota Hilário 

“Obrigado por sintonizar em Scenic Drive, estamos aqui hoje à noite para fornecer a vibração para sentar, relaxar e aproveitar o passeio”. Depois de ouvirmos um motor de carro ligando e uma rádio sendo sintonizada, a voz de Alicia Keys surge na primeira faixa do disco, e anuncia o início de Scenic Drive (The Tape), terceiro álbum na carreira de Khalid. Com apenas 23 anos, o artista demonstra uma grande ambição musical, e desde o início Scenic Drive (The Tape) é enquadrado como uma experiência musical e uma experimentação de sentimentos na escuta. Mas em alguns momentos, nas faixas Voicemail (feat. Kiana Ledé) e Backseat, o disco se deixa levar por sua suavidade, permanecendo calmo demais, e beira um fim de viagem.

Apesar dessa abertura conceitual e de uma perfeita ligação das canções durante suas transições, o disco esbarra em suas próprias referências, nas quais Khalid satura as metáforas sobre bancos de carros, estradas e viagens solitárias – mas, no fim, o álbum não deixa de ser sobre isso também. O ponto alto do disco está em Brand New (feat. QUIN) e Present. Ainda assim, se você procura algo para relaxar ou que sirva de trilha sonora para uma viagem tranquila, Scenic Drive (The Tape) é uma boa pedida. – Bruno Andrade

Moses Sumney – Live From Blackalachia

“Isolamento vem de ‘insula’ que significa ilha”, nos recebe uma voz robotizada à experiência espiritual de Live From Blackalachia, terceiro álbum de Moses Sumney. Gravado ao vivo nas montanhas de Blue Ridge, no verão de 2020, o palco do cantor foi nada menos que as colinas de uma paisagem verde solitária. Junto de sua banda, Sumney encontra na vastidão da natureza a liberdade. E como é linda a liberdade.

Sobrecarregado pelo “culto à personalidade” linkado à vida artística de Los Angeles, foi em 2017 que Sumney se refugiou em Asheville, uma cidade na Carolina do Norte. Atraído pelos arredores naturais do novo lar, debaixo do céu limpo, da floresta e da fauna, ele reencarnou quatorze faixas selecionadas de seus álbuns anteriores, Aromanticism (2017) e græ (2020). Há uma continuação orgânica dos temas já explorados por esses registros, permeando gênero, raça e identidade. Quem somos, como somos e como somos vistos pelo mundo: “Minhas asas são produzidas/E, e eu também”.

Despido das harmonias vocais de fundo, na segunda metade de Live From Blackalachia, Sumney soa como a pessoa mais solitária do mundo. Doomed é conduzida pelo jazz cósmico dos saxofones chorosos de Serena Wiley e Brian Horton, somados ao trombone melancólico de Derrick Johnson. Cada sopro suscita uma dor. Uma sensibilidade dolorosa que cresce gradativamente no peito, até se tornar inconsolável na pureza da voz de Sumney. – Ayra Mori

Elis Regina – Elis, essa saudade

Elis Regina é uma das maiores saudades que um país pode ter. É por isso que, às vésperas dos 40 anos de morte da eterna Pimentinha, as já aguardadas homenagens à imortal artista brasileira davam seus primeiros passos a todo vapor – e a coletânea Elis, essa saudade, lançada em pleno dezembro, é prova óbvia dessa realidade. Com produção executiva e repertório assinados pelos jornalistas Danilo Casaletti e Renato Vieira, o lançamento da Warner Music reúne gravações feitas entre 1979 e 1981, e com certeza receberá a atenção dos fãs mais ferrenhos. 

Não que sucessos como O bêbado e a equilibrista, ou versões ao vivo de Águas de março e Upa, neguinho, por exemplo, sejam motivo do entusiasmo puro da novidade, mas alguns elementos ‘novos’ acabam se tornando, sem dúvida, bastante animadores. É o caso de uma versão menos conhecida de Alô! Alô! Marciano, anteriormente indisponível nas plataformas digitais, ou do carro-chefe Pequeno exilado, música de 1980 gravada com o cantor gaúcho Raul Ellwanger, e até então inédita em formato digital. Seja como for, o CD – físico ou on-line – já vale a pena por conta dessas duas pérolas.

Unindo os títulos dos álbuns Essa Mulher e Saudade do Brasil, Elis, essa saudade é, antes de tudo, celebração e memória. Ou, quem sabe, uma forma de ilustrar os versos “Ah, como essa coisa é tão bonita/Ser cantora, ser artista/Isso tudo é muito bom” – que, um pouco descontextualizados neste texto, cabem com maestria na figura de Elis. Na verdade, a compilação recém-lançada é também um sinal de que nenhuma homenagem basta para as lendas infinitamente humanas, mas simbolicamente infindáveis. Sendo assim, que Elis Regina cante sempre, profunda e íntima, ao pé do ouvido de nossos corações. – Eduardo Rota Hilário  

Rostam – Changephobia Remixes: Part I + II

Após seis meses do sensível “pop torto” de Changephobia, Rostam Batmanglij, ex-integrante e fundador da banda Vampire Weekend, divulgou na íntegra a coletânea de remixes do segundo álbum de sua carreira solo. Dividido em duas partes, sobrevive, nas reinterpretações, a aura mágica das versões originais, que continuam evocando um ambiente agridoce, quente e colorido. As colaborações do projeto contam com nomes potentes, fruto da relação estreita do próprio Rostam com a cena indie pop de Los Angeles – o multi-instrumentista tem no catálogo a recente produção de Immunity (2019), de Clairo, e Women in Music Pt. III, das HAIM.

Lançada em 1º de dezembro de 2021, a primeira parte da coletânea conta com a remixagem de A. G. Cook (que produziu faixas de Charli XCX, Caroline Polachek e SOPHIE) na cinética Kinney, até a versão reducionista de A. K. Paul, que desacelera o tempo em These Kids We Knew. Já a segunda parte inclui a interpretação vibrante de 4Runner por EASYFUN, que é conduzida pelas batidas metálicas comuns do hyperpop, e o suave sintetizador de From the Back of a Cab por Ben Böhmer. Ao passar pelas nove faixas alternativas, o impulso para se ouvir Changephobia mais uma vez, cresce. – Ayra Mori

Arnaldo Antunes e Vitor Araújo – Lágrimas no Mar 

Em 2020, Arnaldo Antunes não poupou em colocar o dedo na ferida com seu potente O Real Resiste. O show deste trabalho criou um vínculo entre o cantor e o pianista Vitor Araújo – pernambucano de 32 anos. O encontro entre a juvenil musicalidade e a experiência de ex-Titã tomou forma no êxtase de Lágrimas no Mar.

O resultado é um álbum que beira o paradisíaco. Com o potente instrumental que atravessa feito lança cada verso, e com canções intimistas que remetem ao mar, o duo apostou numa apresentação mais cinzenta para intensificar a transversalidade do disco. O repertório vai de gravações conhecidas pelo público, como a unânime Como 2 e 2 (Caetano Veloso); música que já fizeram parte de shows do Arnaldo, como Fora de Si (1995) e Longe (2009); e inéditas batizadas de Enquanto Passa Outro Verão, Lágrimas no Mar, Umbigo e A Não Ser. – Ana Júlia Trevisan

Alicia Keys – KEYS

Ao completar 20 anos de carreira, Alicia Keys decidiu revisitar suas raízes e brincar com as suas possibilidades contemporâneas em KEYS, seu oitavo disco. Para a maioria dos espectros musicais, essas intenções podem parecer completamente inconciliáveis, mas para o da experiência de Alicia Keys, foi a ideia mais natural de projeto para a atual etapa de sua vasta carreira como cantora, compositora, produtora e pianista. O disco é duplo e suas divisões são muito bem definidas: no lado A, ela relembra suas matérias-primas originais em canções inéditas, e no lado B, desbloqueia lampejos criativos ao reimaginar a produção de suas próprias músicas. 

Assim, Originals apresenta faixas do disco totalmente fundamentado nas influências Alicia, como o gospel e o soul, que quando percorrem o piano junto de suas mãos, criam uma música essencialmente contemporânea e fresca. Em diálogo direto com a artista que conhecemos em 2001 através da estreia aclamada de Songs In A Minor, ela apresenta sua habilidade em criar o R&B mais atual e bem referenciado da atualidade (mantendo o posto que é seu desde o início do novo milênio) com primor em Love When You Call My Name. Já em Is It Insane, ela nos lembra de seus talentos como vocalista e intérprete, enquanto Daffodils e seu fundo folk constroem a demonstração perfeita de uma musicista plena. Além disso, ela também traz colaborações de nomes como Kanye West para Plentiful, e expressa sua amizade com Brandi Carlile em Paper Flowers – um dos melhores destaques de KEYS. 

Quando chegamos em Unlocked, obviamente, o impacto não é o mesmo. Mas a segunda parte de KEYS também guarda as suas próprias inéditas, músicas que Alicia concebeu já na identidade imaginada para o segundo disco, ao invés de passarem pelo processo contrário. Nestas, estão o destaque das produções originais de LALA – primeiro single do álbum que traz a participação de Swae Lee – e Come For Me – resultado grandioso de uma colaboração entre Keys, Khalid e Lucy Daye. Ao final das 26 faixas, o impacto de Alicia Keys se mostra o mesmo que encantou o mundo há 20 anos atrás: não existe uma porta que suas chaves não possam abrir. – Raquel Dutra

EPs

Joshua Bassett – Crisis / Secret / Set Me Free

Por ironia do destino, se em janeiro ocorreu o nascimento do fenômeno Olivia Rodrigo, dezembro fecha com o lançamento de seu ex-namorado Joshua Bassett, o suposto remetente das cartas de coração partido de SOUR. O jovem artista, que além de cantar é um dos protagonistas da série de High School Musical, liberou Crisis / Secret / Set Me Free, com direito a três clipes, poucos meses depois de seu EP autointitulado.

Pela primeira vez se referindo diretamente ao espetáculo de horror que vivenciou seguido do lançamento de drivers license, Bassett cria uma narrativa de maturidade no novo e curto trabalho. Abrindo com Crisis, ele canta sobre como sua ex-amada nunca desperdiçou uma crise, aproveitando para capitalizar por cima do namoro que acabou. Além das trivialidades que se tornaram clichês do pop, ele denuncia seu estado de saúde, revelando que sofreu ameaças de morte.

A sequência com Secret é o máximo de sacana que o EP se permite ser, na insinuação de que a pessoa sobre a qual ele canta esconde um segredo, e talvez tudo que ela cantou não seja a mais absoluta das verdades. O fim, pelos versos da saudosista Set Me Free, é o momento de Joshua respirar e implorar por conclusões. “Você não pode levar tudo de mim (me liberte)/E não preciso das suas desculpas (me deixe em paz)”, ele canta, com verdade na voz. – Vitor Evangelista

Black Country, New Road – Never Again

Enquanto o aguardado disco Ants From Up There não chega, a banda britânica Black Country, New Road resolveu lançar, com exclusividade para os compradores de discos de vinil (mas que pode ser encontrado no YouTube), um EP reunindo quatro inusitados covers de canções populares. A trupe que concilia a guitarra ao saxofone e ao violino levou ao estúdio suas próprias versões de duas canções do ABBA, uma do MGMT e outra da Adele, que já vinham realizando em suas apresentações ao vivo de um tempo para cá. 

Mamma Mia e Chiquitita compõe o lado A do disco, trazendo toda a energia e as firulas instrumentais já tão características do grupo. A empolgação e a total dedicação do vocalista Isaac Wood em Mamma Mia compensam as suas limitações vocais ao deixar seu estilo mais falado de cantar para uma canção mais melódica, e Chiquitita traz a mesma serenidade e a carga emocional crescente dos singles recentes, Bread Song e Concorde. O mesmo vale para Time to Pretend, primeira faixa do lado B, seguida de uma Someone Like You simples de voz e piano, mas que ao trazer vários dos membros do grupo cantando juntos, transmite a agradável sensação de uma boa confraternização entre amigos. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 2

Que tudo chega ao fim é certo – mas nem sempre. No segundo capítulo do álbum Once Twice Melody, dividido por 4 partes, a finitude das ordinariedades parece ser usurpada através da repetição. São quatro faixas inéditas que sucedem o plano metafísico criado pela dupla de dream pop Beach House, integrada por Victoria Legrand e Alex Scally, no primeiro EP lançado em novembro de 2021. Conjura-se uma confusão psicodélica conduzida por devaneios coloridamente cinematográficos que se materializam somente através do som. Ainda, nada é palpável.

O capítulo se inicia com o Éden futurista de Runaway, orientado pela voz transumana de Legrand sob efeito do vocoder. Em sequência, a atmosfera de ESP evoca um sonho tranquilo acompanhado pelas notas clássicas da guitarra elétrica, enquanto New Romance carrega consigo as reminiscências sintéticas de My Bloody Valentine. Over and Over encerra o EP através de uma experiência sinestésica que entranha o lirismo da composição junto a reverberação dos vocais que se fundem caleidoscopicamente com os sintetizadores, tornando-os em coisa única – é impossível distinguir o orgânico do robotizado. São brilhos, imagens quentes e sons que se entregam inteiramente a um cenário fantástico, “E então/Esses dias se vão (de novo e de novo)”. – Ayra Mori

BK’ – Cidade Do Pecado

Em Grande Sertão: Veredas (1956), João Guimarães Rosa questiona, através do personagem Riobaldo, a existência do diabo, e escreve a seguinte sentença: “O diabo não há! É o que eu digo, se for… Existe é homem humano”. Na obra O mestre e Margarida – terminada em 1940, porém publicada postumamente em 1966 –, o russo Mikhail Bulgakov também questiona a existência do diabo, mas dessa vez o insere fisicamente na União Soviética, fazendo alusões a um mundo tão cruel que já ocupa o lugar do próprio inferno. Agora BK’ também entra na lista: debruçando-se sobre os pecados que rodeiam a civilização, Cidade Do Pecado é uma pequena viagem de pouco mais de 16 minutos, distribuídos em 5 canções nas quais somos apresentados a sensação aniquiladora de submissão, imposta pela metrópole aos indivíduos.

Na canção Último Baile Antes da Guerra, BK’ se une a MC Marcelly e ao rapper Nochica para contar a história de um indivíduo envolvido com a criminalidade, sem perspectivas de vida, e mescla afrobeat com batidas típicas do hip-hop. Com produção de JXNV$ (nome artístico do DJ e produtor Jonas Profeta, colaborador frequente nos trabalhos do rapper), Cidade Do Pecado traz, ainda, participações da cantora Mayra Andrade e do rapper niLL. Sobre o disco, BK’ disse: “Eu vejo o EP Cidade Do Pecado com muito foco no desejo e nas formas como você se perde na vida urbana, no que se deixa levar por ela e em como, ao tentar existir, você deixa de existir”. – Bruno Andrade

Músicas

5 Seconds of Summer – 2011

Exatos 10 anos depois de seu primeiro show, a banda 5 Seconds of Summer comemora sua década de existência com 2011. Na canção, o quarteto formado por Luke Hemmings, Michael Clifford, Calum Hood e Ashton Irwin relembram os sentimentos e as dificuldades no início e durante os anos de carreira, e se agradecem por chegarem até aqui unidos. O grupo australiano tem cinco álbuns juntos – Luke e Ashton também lançaram trabalhos solo -, e, mesmo depois de terem amadurecido cada vez mais sua sonoridade, culminando no adulto CALM, o single se assemelha às faixas de 5 Seconds of Summer, álbum de estreia da banda, de 2014. Não só na letra, mas também em sua essência, 2011 celebra o aniversário, o progresso e as conquistas pessoais e profissionais de 5 Seconds of Summer com muito carinho e nostalgia. – Vitória Lopes Gomez

Anná e Flaira Ferro – Ô Ano Doido

Assumir a função de ‘cronista de seu tempo’ costuma ser uma decisão bastante inteligente para muitos artistas. Em alguns casos, trata-se até mesmo de uma necessidade. Seja como for, dentro dessas e outras possibilidades, Anná soube expressar muito bem, em forma de Música, uma sensação quase coletiva de quem vivenciou e, a propósito, sobreviveu ao bizarro ano de 2021: “ô ano doido que mexeu fundo com a gente/ô ano doido que meteu fundo na gente”. Sendo uma composição autoral da multiartista mocoquense, Ô Ano Doido ainda ganhou a calorosa companhia da cantora recifense Flaira Ferro em sua gravação.

Mas as colaborações não param por aí. Isso porque a produção musical, as programações e o coro do terceiro single do vindouro álbum Bra$ileyrah também carregam o nome de Amanda Magalhães, cantora com quem Anná dividiu a faixa Me Cuidar em setembro de 2021. Não satisfeito, Ô Ano Doido cria ainda diálogos com Tom Zé, Valesca Popozuda e Claudinho & Buchecha, dentre outros artistas que inspiraram essa curiosa mistura de frevo com funk. No fim, os divertidos versos de Anná lembram inclusive a “esperança equilibrista”, que sempre soube “que o show de todo artista/tem que continuar”. – Eduardo Rota Hilário       

Phoebe Bridgers – Day After Tomorrow

Enfim, o Natal chegou (e já passou). Com ele, como uma espécie de Papai Noel magrela e de cabelos platinados, Phoebe Bridgers lança sua rendição natalina de Day After Tomorrow, sucesso de Tom Waits em 2004. A canção dá continuidade à tradição anual da cantora que restitui o lucro dos lançamentos natalinos a instituições humanitárias. Os covers incluem If We Make It Through December (2020) de Merle Haggard, 7 O’Clock News / Silent Night (2019) de Simon & Garfunkel, Christmas Song (2018) de McCarthy Trenching e Have Yourself a Merry Little Christmas (2017).

Produzida em conjunto com Tony Berg e Ethan Gruska, toda a receita do último cover foi destinada ao Local Integration & Family Empowerment Division of the International Institute of Los Angeles, que presta assistência a imigrantes, refugiados e sobreviventes de tráfico humano em suas novas vidas no sul da Califórnia. “Eu não estou lutando por justiça/Eu não estou lutando por liberdade/Eu estou lutando pela minha vida/E mais um dia neste mundo aqui”, canta Bridgers com sua melancolia autoral, amplificando as dores de uma festividade que pode ser tão solitária quanto feliz. – Ayra Mori

Superchunk – Endless Summer

Superchunk está de volta, e com um novo álbum na praça. O quarteto de indie rock formado em 1989 lançou o single Endless Summer, faixa que compõe Wild Loneliness, o novo disco da banda. Quase como uma versão alegre dos Pixies – ou talvez uma versão expandida dos Pixies de Here Comes Your Man –, Superchunk mantém em Endless Summer as guitarras cruas, com poucos efeitos, e dá à letra um tom cantarolável, ao mesmo tempo envolta de uma aura que abraça indivíduos desconfortáveis, abandonados com o fim da onda punk dos anos 1970. 

Mantendo-se fiel ao que sempre foi desde o início – Superchunk (1990) –, o grupo parece manter as letras evocativas, carregadas de críticas muito bem direcionadas – essa, sim, uma herança deixada pelo punk rock –, como na canção What a Time to Be Alive, faixa-título do álbum anterior, carregada de piadas sarcásticas sobre a era Trump.

Wild Loneliness trará diversas participações especiais – incluindo Owen Pallett e Mike Mills, do R.E.M. –, e tem seu lançamento previsto para 25 de fevereiro de 2022. No refrão do novo single, ouvimos Mac McCaughan perguntar: “Este é o ano em que as folhas não perdem a cor?”. Não sei, veremos. – Bruno Andrade

Ruel – GROWING UP IS ____

Como qualquer artista sob os holofotes desde cedo, Ruel precisou crescer também em frente a eles. O cantor britânico-naturalizado-australiano, agora com seus 19 anos, lançou seu primeiro single aos 15 e amadureceu sua sonoridade desde então. Não precisa nem olhar tanto assim para trás, a mudança é perceptível já nos últimos projetos do artista: do primeiro álbum, Free Time, de 2019, até seu lançamento seguinte, o EP Bright Lights, Red Eyes, de 2020, a evolução na musicalidade é perceptível. Não só profissionalmente, mas Ruel também teve de crescer e se entender como pessoa, e, no single GROWING UP IS ____, reflete sobre esse processo.

A canção é o primeiro lançamento do cantor desde o EP de 2020. Ele, no ano distante, usou seu tempo para “descobrir o tipo de pessoa que ele quer ser” e o questionamento acerca do amadurecimento se estende na faixa. “Crescer é estranho, dormir com amigos, quebrar um coração/Questionar tudo que você achava”, ele canta, acompanhado do ritmo intenso da canção. Passando da adolescência para a fase adulta, GROWING UP IS ____  ilumina essa fase de Ruel. – Vitória Lopes Gomez

Ivete Sangalo e Carlinhos Brown – Mexe a Cabeça

Diante de tantas incertezas, esperar por um carnaval à la tempos passados em 2022 parece ser, antes de qualquer coisa, uma ilusão muito ingênua e utópica. Mas isso não quer dizer que precisamos ficar desprovidos de lançamentos musicais característicos, já que festejar sozinhos, em casa, pode se tornar uma necessidade preventiva e um escapismo temporário. É, portanto, totalmente compreensível que Ivete Sangalo e Carlinhos Brown tenham lançado, em dezembro, a parceria Mexe a Cabeça, de qualidade tão boa quanto o sucesso Cadê Dalila, de 2009 – que teve Brown como um dos compositores, e Veveta como intérprete.  

Destacando agora a voz dos dois artistas, o novo single dos cantores baianos foi composto por Ivete Sangalo, Gigi, Ramon Cruz, Radamés Venâncio e Samir Trindade, e adota um espírito genuinamente carnavalesco. Ao lado de Sorte Grande, Flor do Reggae e Festa, por exemplo, Mexe a Cabeça provavelmente carregaria consigo a nostalgia de outros carnavais, mesmo sendo uma música extremamente nova e de repercussão ainda limitada. De qualquer forma, o que nos resta hoje é imaginar como ficaria essa canção no meio de confetes, serpentinas e a muvuca eufórica de um trio elétrico, ou de um salão bem lotado. – Eduardo Rota Hilário 

Lucidayz – Abstinência

Se, por alguma razão, misturassem O Terno com Jorge Ben Jor, não seria difícil afirmar que um de seus possíveis resultados seria algo próximo da canção Abstinência, de Lucidayz. Esse é o nome que recebe o projeto solo do sergipano Samuel Elijah, cujo single marca uma nova fase, mergulhada em referências ao indie rock nacional, e ainda trazendo elementos circenses. Tanto a canção quanto seu videoclipe complementam a narrativa evocada por Elijah, na qual ambos destacam-se pela mistura de expressões artísticas.

Em Abstinência, enxergamos um artista que sabe fazer música, elencando elementos poéticos com certa naturalidade. Seu lado teatral resplandece na própria letra da música, onde ouvimos: “Então ela o seduzia/E o derrotava/Então passavam os dias/Não regenerava”. A grande ironia é que o single, embora esteja recheado de sentido lírico e carregado de referências retrô – o próprio ambiente circense já evoca uma certa marcação temporal –, soe extremamente contemporâneo. – Bruno Andrade

Tame Impala – No Choices

A banda Tame Impala é fã das edições comemorativas e The Slow Rush, quarto registro de estúdio e indicado como Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020, já tem data marcada para ganhar sua versão Deluxe. The Slow Rush Deluxe será lançado dias após o aniversário de dois anos de seu antecessor e incluirá, além das canções originais, versões estendidas, remixes e duas faixas inéditas. Uma dessas b-sides já chegou com antecedência: descartada da edição original do álbum, No Choice lembra as primeiras sonoridades do grupo australiano, como a do álbum de estreia Innerspeaker, e atualiza a essência inicial da Tame Impala. Fazendo a ponte entre as eras da banda, o single, com sua aura envolvente e psicodélica, dialoga também com The Slow Rush. – Vitória Lopes Gomez

Art School Girlfriend – I Would Die 4 U

Por trás do pseudônimo Art School Girlfriend, está Polly Mackey, cantora, compositora, produtora e multi-instrumentista galesa que navega entre a melancolia sufocante de sintetizadores sônicos que imergem o lirismo entranhado de suas composições. “Eu morreria por você”, ela murmura em seu tributo atmosférico de I Would Die 4 U, canção original de Prince. Mas mesmo homenageando o legado real do príncipe da opulência, ela reverte completamente a sonoridade da primeira versão, transfigurando-a numa Purple Rain densa, não mais enérgica.

O primeiro lançamento desde o álbum de estreia Is It Light Where You Are, a faixa carrega as memórias góticas da formação musical de Mackey, introduzida pelo shoegaze e new wave. Sua voz baixa é acompanhada pelos vocais de Marika Hackman, ambos afogados pelos toques eletrônicos de sintetizadores emotivamente sombrios. Ela não se acomoda na sombra do insuperável, igualando-se, com um fascínio etéreo. – Ayra Mori

Rodrigo Alarcon – Rivotril e a Fé

Começar um videoclipe com livros de Hilda Hilst, Angela Davis, Gabriel García Márquez e outros nomes notórios da humanidade não é para qualquer um. Quando essa obra retrata, então, uma música que lembra intensamente a fase mais pop de Rita Lee, a situação acaba melhorando ainda mais. Essa é a realidade de Rivotril e a Fé, novo single solo de Rodrigo Alarcon e também sucessor de Taquetá Vol.1, EP lançado na primeira metade de 2021, ao lado das cantoras Ana Müller e Mariana Froes.   

Com uma letra que faz referências a Gilberto Gil, o mais recente lançamento de Alarcon com certeza recorda que ninguém atravessa a pandemia de modo neutro e intacto. “Me acostumar com a tragédia acima da média/É o novo normal, vão dizer/Eu só queria um abraço, o mais simples contato/Mas nem isso eu tô podendo ter”, diz a composição assinada por Rodrigo, Luiz Bellini e Niela Moura. Curioso é que seu clipe retrô, em formato de propagandas, nem parece retratar as angústias de alguém que viveu um caos inesquecível – o que talvez seja pura ironia. – Eduardo Rota Hilário    

Cássia Eller – Espírito do Som

A Música brasileira nunca mais foi a mesma desde que a voz transcendental de Cássia Eller emudeceu. O fatídico 29 de dezembro de 2001 é lembrado com dor por todos os admiradores da malandra garotinha do rock, que nos deixou no auge de seus 39 anos. Mas, o último mês do ano tem sabor agridoce quando se trata da cantora, isso porque ela também completava sua revolução solar no dia 10. Inesquecível e insuperável, Cássia é diariamente homenageada por sua legião de fãs e seu mês doze não passa despercebido.

Em celebração aos 59 anos da artista, o engenheiro de som Bruno Giorgi restaurou a canção Espírito do Som. A gravação inédita do blues aconteceu em Brasília no ano de 1985, a música integrava o setlist do show Dose Dupla. Junto à voz e ao violão de Cássia está o novo arranjo feito por Chico Chico, filho da cantora e cabeça do projeto. Além do primogênito, Rodrigo Garcia e Pedro Fonseca também fazem parte da banda que acompanha a saudosa Cássia Eller. – Ana Júlia Trevisan

Bad Suns – Peachy

Com o lançamento do quarto álbum da banda Bad Suns se aproximando, Apocalypse Whenever, o título do trabalho, ganhou sua quinta prévia: Peachy é o último dos cinco singles, que vêm sendo disponibilizados desde setembro de 2020. Neste, a banda mantém a aura animada e vivaz das outras faixas do álbum e os destaques são as bases e riffs das guitarras elétricas, que despontam na canção e lembram musicalidades anteriores do grupo, que não estavam tão presentes no último projeto. A estética anos 80 da sonoridade também é refletida no clipe e na capa de Peachy, que, como a Bad Suns anunciou, já é a do Apocalypse Whenever. – Vitória Lopes Gomez

Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia – Amor Nas Estrelas

Para poder realizar a releitura de um sucesso de Nara Leão, um artista precisa ter muito talento, confiança e coragem – e isso é o que não falta para este trio musical super habilidoso. Unidos em novo single, Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia dão brilho próprio a Amor Nas Estrelas, composição inegavelmente bela de Roberto de Carvalho e Fausto Nilo. E isso ocorre em grande parte por conta do “arranjo inusitado” de Jonatas Pingo, além de alguns versos traduzidos para o Inglês: conjunto de elementos que dá roupagem expressiva e única à canção.           

Sem dúvida, as trocas coesas feitas entre Ana e Márcia transmitem uma suavidade e elegância que nos cativam do início ao fim. Já a participação de Roberto Menescal, nome por trás da guitarra do single, é com certeza um destaque à parte, tendo em mente a inquestionável relevância e contribuição desse artista para grande parte da Música brasileira. Com tantos acertos acumulados, Amor Nas Estrelas torna-se, então, uma dádiva de fim de ano – e ouvir essa obra em primeira mão é um privilégio que agradeço aqui, agora, publicamente e de coração. – Eduardo Rota Hilário

SASAMI – Say It

“Sinto que, quando ouço a música, visualizo uma hot femme com um lança-chamas místico envolto por chamas azuis emocionais, dançando sozinha em uma discoteca industrial no espaço sideral”, é a definição de Sasami Ashworth (a.k.a. SASAMI) sobre Say It, um hino furiosamente dançante que dá sequência às prévias do álbum Squeeze, a ser lançado em fevereiro de 2022. E se na estreia homônima a cantora, compositora e produtora norte-americana já apresentava inclinações sutis ao noise rock, as três faixas do sucessor, anteriormente compartilhadas – The Greatest, Skin a Rat e Sorry Entertainer –, mergulham de cabeça nas distorções claustrofóbicas do metal.

Ashworth se designa como uma divindade folclórica japonesa, Nure-onna, uma serpente com cabeça de mulher sedenta por sangue humano, que reage violentamente contra aqueles que a incomodam. Cresce a atmosfera industrial da percussão estourada sobre a base de uma guitarra suja, construindo uma fúria apocalíptica intensificada por seus vocais sussurrados. “Não quero agonizar, apenas diga”, efervesce Ashworth que proclama uma raiva abismal justa diante da incomunicabilidade de uma outra pessoa. Ela grita, ela quebra o silêncio, ela exige respostas. – Ayra Mori

Alesso e Katy Perry – When I’m Gone

Em uma publicação no Twitter, Katy Perry prometeu dar tudo o que seus fãs queriam em sua nova canção. Com uma pegada eletrônica e dançante, se a cantora cumpriu com o ‘tudo’ ou não, ela certamente garantiu a trilha sonora para uma noite animada. O single, intitulado When I’m Gone, é uma parceria com Alesso e faz parte do repertório de Play, seu show em residência. Junto do DJ e produtor musical e com um videoclipe lançado duas semanas depois, a mistura entre o pop e o EDM do single faz Katy Perry se entregar – com direito a coreografia, troca de figurinos e estética futurista – e entregar uma faixa eletrizante e divertida. – Vitória Lopes Gomez

SZA – I Hate U

Aparentemente, SZA está com raiva de alguém. Aos 32 anos de idade, Solána Imani Rowe, conhecida pelo seu nome artístico, figura no topo das paradas desde sua estreia com Z (2014), seguido pelo aclamado CTRL (2017). Depois de algumas participações especiais em álbuns de colegas – além de possuir uma canção na trilha sonora de Querido Evan Hansen (2021) –, SZA surge com a música I Hate U, single inédito lançado em 3 de dezembro de 2021. 

I Hate U analisa as dificuldades de um término, através de passagens musicais relativamente obscuras. Mas nada soa sombrio – é quase como um desabafo. As afirmações contraditórias (“Eu me sinto tão comum, triste, quando você está perto de mim/Trate-me como veludo cotelê, me desgaste”) mostram a complexidade da voz narrativa – não sabemos ao certo se essa é uma canção totalmente autobiográfica ou apenas uma colcha de retalhos de diversos momentos, vividos ou não por SZA – em entender sua própria condição dentro do relacionamento. A cantora utiliza uma cadência de rap que põe em evidência um fluxo de consciência, novamente acenando para a dificuldade de seus pensamentos. A canção é uma viagem sentimental, e às vezes soa brutalmente sincera. – Bruno Andrade

Mitski – Heat Lightning

Assistimos o retorno de Mitski se debatendo num teatro vazio, vimos toda uma floresta queimar no pulsar nostálgico de sintetizadores eletrônicos e, agora, testemunhamos sua rendição aos relâmpagos das 4 horas. Terceiro single de Laurell Hell, Heat Lightning sustenta a alta expectativa sobre o aguardado sexto álbum. A cada novo lançamento fica mais declarado que o sucessor de Be The Cowboy tem tudo para ser um dos maiores registros de 2022 – assim como seu antecessor em 2018.

Co-escrito com Dan Wilson, a composição de Heat Lightning é um cântico à madrugada. Da insônia, os sentimentos afloram-se, junto da culpa. Aqui, Mitski encontra a maneira de se redimir dessas angústias, flutuando pela instrumentação crepuscular da faixa: “Eu precisava de canções de amor sobre relacionamentos reais que não são lutas de poder a serem vencidas ou perdidas. Eu precisava de músicas que pudessem me ajudar a perdoar os outros e a mim mesmo. Eu cometo erros o tempo todo. Não quero colocar uma fachada de que sou um modelo, mas também não sou uma pessoa ruim. Eu precisava criar esse espaço, principalmente para mim”. – Ayra Mori

Luísa Sonza e Mariah Angeliq – ANACONDA *o* ~~~

Luísa Sonza e seu Doce 22 apareceram em inúmeras – mas inúmeras mesmo – listas de melhores álbuns de 2021. Não à toa, afinal o disco desnuda a montanha-russa que é a compositora. A produção ainda trouxe uma novidade para o cenário fonográfico brasileiro. Ao invés de preparar o terreno com singles e depois lançar o álbum completo, Luísa (gênia!) optou por liberar o álbum com algumas faixas a menos, para serem lançadas mês a mês e ainda render muito açúcar nesse doce.

A faixa da vez foi ANACONDA *o* ~~~. A música, que conta com a participação da norte-americana Mariah Angeliq, foi composta na mesma época que Sonza escreveu Braba. Após um período de maturação, a letra provocativa ganhou espaço na revolução de sentimentos e palavras da cantora. Um dia depois do lançamento de ANACONDA *o* ~~~, foi disponibilizado um videoclipe da mesma no YouTube. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Doja Cat – Woman

Somando 8 indicações ao Grammy 2022 para o aclamado terceiro disco de sua carreira, Planet Her, a cantora e rapper Doja Cat volta para reivindicar seu trono no videoclipe da faixa de abertura do álbum lançado em junho. Depois de 6 meses de espera, Woman, um dos maiores hits do disco, finalmente recebeu merecidamente o seu acompanhamento visual, que traz visuais arrojados para a canção que celebra a feminilidade. 

Reunindo referências afrofuturistas com um toque do Egito Antigo, o clipe abre com um clima seco e escaldante, com direito a cores quentes, luzes alaranjadas e areia. Mas logo na metade, a chegada do rap também marca a chegada da cor azul, da água, e de tons mais escuros. O clipe incorpora bem seus figurinos criativos envolvendo as tranças de Doja, e até raízes de árvores, além da narrativa enigmática, amargada por um discreto mas inconveniente product placement da Beats. – João Batista Signorelli

Joni Mitchell – River

Em 2021, o disco Blue, de Joni Mitchell – cantora oito vezes vencedora do Grammy –, completou 50 anos de existência. Não é exagero afirmar que Blue é um dos álbuns mais marcantes dos anos 1970, e certamente um dos maiores de todos os tempos. Como comemoração ao meio século de vida, a música River ganhou um clipe especial, lançado dois dias antes do Natal. O videoclipe é composto por animações em preto e branco, com passagens que lembram uma tinta em aquarela, que começa a ganhar cor conforme o vídeo se aproxima do fim.

No comunicado que acompanhou o lançamento do single – reproduzido ao final do clipe também –, Mitchell escreveu: “River expressa arrependimento pelo fim de um relacionamento… mas também é sobre estar sozinho na época de Natal. Uma canção de Natal para as pessoas que estão sozinhas no Natal! Precisamos de uma música como essa”. Embora River tenha sido interpretada como uma canção de Natal moderna, retrata, também, o término de um relacionamento, na forma mais singela e íntima possível, de modo que somente Joni Mitchell poderia ter feito. – Bruno Andrade

Billie Eilish – Male Fantasy

Ainda bem que Billie Eilish descobriu outra face da sua arte e, novamente, dirigiu o clipe de Male Fantasy. É incrível que ela viva suas letras, principalmente uma tão melancólica quanto essa, o que deixa a letra em uníssono com a performance desde o primeiro verso. Billie está presa sob o estereótipo social de que mulheres devem satisfazer as fantasias dos homens. 

E esse é um lugar de pura solidão onde qualquer meio de se distrair também reafirma a opressão: Sozinha em casa, tentando não comer/Me distrair com pornografia. Cada canto da casa em que ela senta para refletir seu sofrimento simboliza os becos sem saída que a nossa mente encontra ao tentar escapar das exigências masculinas que alcançam qualquer pedacinho das mulheres. Não há saída. Há apenas a tristeza de existir dessa forma. – Nathália Mendes

Lorde – Leader of a New Regime

California? Secrets from a Girl? The Path? Nada disso! De surpresa, Lorde lançou o curto videoclipe (dirigido pela própria ao lado de Joel Kefali) de Leader of a New Regime, espécie de interlúdio que compõe seu Solar Power, um dos discos mais divisivos de 2021. Não havia maneira melhor de fechar o ano senão presenteando os fãs com imagens luxuosas e contemplativas, à beira-mar.

Na letra, Ella sussurra: “Ninguém, ninguém mesmo, vai ser líder de um novo regime?/Liberte os guardiões do cenário de esgotamento psicológico”. Como o terceiro trabalho de estúdio provou, a figura de Messias divino não cabe mais à Lorde de hoje em dia, mas ela continua sua jornada introspectiva de transformar poesia em melodia. – Vitor Evangelista

Performances

MC Dricka – Gadinho de Faz Tempo – A COLORS SHOW

O último mês do ano também é tempo de conquistas, e uma prova disso é que MC Dricka se consagrou como a primeira funkeira a participar do projeto internacional de Música intitulado COLORS. Para sua apresentação na plataforma musical que divulga talentos e novos artistas de todo o globo, a dona do EP Acompanha resolveu cantar Gadinho de Faz Tempo, single que aborda a inutilidade do sofrimento durante términos de relações – ou, como canta a própria Dricka, “sofrer é coisa de momento”.        

Gravada em estúdio minimalista, de fundo alaranjado, a performance da MC, como era de se esperar, dá destaque total à canção que é apresentada. E não resta dúvida de que ver a sétima personalidade brasileira a ocupar esse espaço é motivo de muita esperança para as Artes nacionais, que merecem atingir o mundo inteiro. No fim, gostando ou não, esta acaba sendo mais uma das inúmeras provas de que o funk brasileiro toma proporções cada vez mais globais – e, por que não, de respeito. – Eduardo Rota Hilário             

Arooj Aftab no Tiny Desk

Dentro das ruínas de um antigo convento no Brooklyn, a voz de Arooj Aftab ecoa como um choro doloroso. A performance conta com a seleção de três canções que integram Vulture Prince, último álbum da paquistanesa radicada em Nova York – listado como um dos melhores do ano de 2021. A voz da musicista, sua banda e, claro, uma mesinha, são suficientes no cenário intimista criado para uma das mais sublimes apresentações do Tiny Desk.

O dedilhar das cordas inauguram Suroor, sem jamais descentralizar os vocais derramados de Aftab. Acompanham-na a harpa celta de Maeve Gilchrist, o violão clássico de Gyan Riley, o violino de Darian Donovan Thomas e Shahzad Ismaily no baixo e sintetizador. Em sequência, Mohabbat se redireciona do groove melancólico anterior, explorando a dor da separação que arde lentamente sobre a delicadeza dos instrumentos: “Essa tristeza se iguala a toda tristeza do mundo”, canta  em urdu.

Aftab conclui sua performance com maestria, entrelaçando a nostalgia tradicional do ghazal às feridas contemporâneas de uma nova geração como uma prece. Saans Lo é sua pungente rendição final. Sua voz ressoa mesmo após os últimos minutos da canção, quando a tela já está preta, em silêncio. Cresce uma solidão estranhamente reconfortante. – Ayra Mori

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Gabriel Brito de Souza

Planet Her é o terceiro álbum da carreira de Doja Cat e sucede o aclamado Hot Pink, disco que alavancou o nome da rapper norte-americana nos últimos tempos. Pelas suas redes sociais, a cantora anunciou o lançamento do disco que estreou em grande estilo no cenário pop, atingindo a 2ª posição no ranking das paradas da Billboard. E em menos de uma semana, o crescente número de streams no Spotify garantiu a Doja Cat o título de rapper feminina com maior número de reproduções em um debut, além das faixas Kiss Me More e Need To Know terem proporcionado a artista emplacar mais dois hits no Top 100 Mundial da plataforma.

Após sua performática apresentação no Grammy deste ano, Doja Cat finalizou a era Hot Pink, e deu o pontapé inicial em seu novo trabalho. O single Kiss Me More, em parceria com SZA, fez um tremendo sucesso nas grandes paradas pelo mundo, ficando em 5ª posição do Top 10 na Hot 100 da Billboard por duas semanas consecutivas. Ao decorrer do período pré-lançamento, a cantora não dispensou o hype de suas músicas no TikTok e usou da rede social, assim como seu Instagram, para lançar diversos teasers dos próximos singles, o que motivou ainda mais o anseio de seus ouvintes para a nova era da cantora.

Tamanho sucesso logo na pré-estreia e lançamento do álbum era esperado, já que Doja Cat é um dos nomes de maior destaque na indústria musical atualmente. Em Planet Her, a cantora explorou sua versatilidade musical aventurando-se em novos ritmos, e para essa viagem, apostou em boas companhias. O álbum possui 14 faixas, que incluem participações de Ariana Grande, The Weeknd, e dos rappers Young Thug e JID. Já na versão Deluxe foram adicionadas mais 5 faixas, com um total de 19 singles, o que é bem longo comparado às produções anteriores, mas ainda válido, já que foram incluídas versões estendidas e outras colaborações, como da rapper estadunidense Eve.

Realmente, o álbum é bem diverso em termos de ritmo, como a cantora se comprometeu. Temos músicas que vão mais próximas do estilo dancehall, um gênero popular jamaicano parecido com o reggaeton, composto por ritmos mais envolventes como o que sentimos em Woman e Naked. Outras canções vão mais para o lado trap, como Been Like This, e até mesmo Need To Know, que se mistura um pouco com uma vibe mais eletrônica também. Uma curiosidade é que no clipe de Need To Know temos a participação da cantora Grimes, que também colaborou como um tipo de backing vocal auxiliando nos efeitos musicais da composição, entrando como mais uma das parcerias do disco.

Em outros momentos da tracklist, Doja Cat permaneceu em seu estilo principal, o rap. E os títulos Options, parceria com JID, e Get Into It (Yuh) são uma prova disso, com a segunda possuindo uma letra incrível, onde a cantora comenta as constantes comparações que sofre em relação a outras rappers femininas, e ao final, agradece a Nicki Minaj, umas de suas grandes inspirações. Love To Dream e Alone são músicas com uma sensação de mais tranquilidade, que poderiam ser facilmente adicionadas a uma playlist de remix lo-fi, enquanto Imagine e Ain’t Shit nos conquistam com suas sonoridades mais suaves e sem deixar de lado o tom de hip-hop. 

Seguindo a onda de experimentações das vertentes dos  estilos musicais, Doja Cat acertou muito bem em investir em colaborações com vozes típicas do R&B, como em You Right, parceria com The Weeknd, que traz um tom mais sensual a mente, além, é claro, de vozes conhecidas do pop. A faixa I Don’t Do Drugs, com Ariana Grande, foi um pérola para o álbum, explorando o melhor de ambas as cantoras e tendo um resultado maravilhoso. Assim como Kiss Me More, o hit pop que chegou abrindo portas para o disco, ao lado de SZA, que é uma combinação perfeita e um doce suculento para os amantes do pop.

As produções audiovisuais do álbum possuem uma estética futurista e intergaláctica, tendo inspirações do mundo gamer, como do jogo Cyberpunk 2077, relevando os gostos da cantora com a cultura pop e geek. Vindo como uma proposta para a continuação da prosperidade de Doja Cat em sua carreira, Planet Her tem uma produção impecável junto a colaboração dos produtores Yeti Beats, Tizhimself e Dr. Luke, conhecido por hits como, TiK ToK de Kesha e California Gurls de Katy Perry. Um fato dessa parceria com o Dr. Luke, é que depois das acusações de abuso sexual por artista com quem trabalhou, o produtor tornou-se uma persona non grata no cenário musical, adotando então o costume de usar pseudônimos, como foi no caso de Say So. 

É de se admirar o esforço e disposição da artista ao tentar novos ares, tanto em sonoridade quanto no visual, nos mostrando as muitas partes de todo o seu potencial, que diga-se de passagem, é imenso. Planet Her deve ser apreciado com um novo olhar. Ao explorar sua versatilidade, Doja Cat nos convida para uma viagem a fim de conhecermos seu mundo, que vai além dos padrões de estilos musicais. Nesta nova produção, somos contemplados por toda a sua construção sonora, repleta de criatividade e brilho que transcendem a próxima era que se inicia em sua carreira. E seguindo com sua forma autêntica de fazer música, Planet Her espera atingir muitas expectativas e ultrapassar novos limites, como Doja Cat já tem feito.

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Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira