“Você me disse que o medo sempre foi uma das minhas distrações favoritas. Essas loucuras minhas são das que você mais gosta, porque demonstram que ainda resta em mim algum resquício de infância. Não sou corajosa, mas em minha inconsciência jamais recuso o perigo, eu o busco para brincar com ele.”

– Silvina Ocampo

O final do ano se aproxima e o Clube do Livro não deixou a peteca cair. Se as relações humanas já permearam mais debates do que conseguimos contar em uma mão, a escolha do mês remexeu a abordagem do tema e desafiou os leitores do Persona. As convidadas, leitura selecionada para Outubro, tem as relações amorosas como ponto central da maioria de seus 44 contos de duração. O livro de Silvina Ocampo, porém, leva o absurdo a sério e o extrapola para explorar os tais relacionamentos.

Publicado no Brasil em 2022 pela Companhia das Letras, a coletânea de curtas histórias é tão surpreendente quanto é chocante. Ora sombria, ora cômica, Ocampo invade o costumeiro com o extraordinário e o inesperado. Na subjetividade de deixar seus pontos emaranhados em situações peculiares, escondidos sob o véu da interpretação de cada leitor, a escritora argentina rende material para teorias e debates através da lente do realismo mágico e da literatura fantástica, levando sua testemunha a apenas um passo de descobrir o que não pretende desvendar.

Assim como na obra, selecionada graças a parceria do Persona com a Companhia das Letras, Outubro talvez tenha sido o mês da antecipação no campo literário. Anunciada como convidada da Festa Literária Internacional de Paraty – tema garantido no próximo Estante -, a francesa Annie Ernaux recebeu o Nobel de Literatura pela “coragem e acuidade clínica com que descobre as raízes, os distanciamentos e as restrições coletivas da memória pessoal”. Uma das favoritas ao prêmio, Ernaux se tornou apenas a 17ª mulher a vencer a honraria, de 119 ganhadores desde 1901. Após a vitória, ela destacou que deve poder testemunhar “uma forma de equidade, justiça, em relação ao mundo”.

A mente por trás de Les Armoires Vides (1974), Os Anos (2008) e O Acontecimento (2000) – esse último, experienciado pelo Clube do Livro em Julho -, foi honrada pela forma com que mescla suas experiências de vida a temas de interesse coletivo, cunhado como “autosociobiografia”. Na primeira obra, por exemplo, a escritora reflete sobre classes sociais em uma inconstante França ao passo que narra seu próprio cotidiano no empreendimento da família no interior do país. A linguagem simples e direta, “cristalina”, de Ernaux também pode ser mencionada com um dos motivos do envolvimento arrebatador de seus textos.

Do âmbito global ao nacional, a antecipação se estendeu ao Prêmio Jabuti: um dos maiores reconhecimentos da Literatura e do mercado editorial brasileiro revelou seus finalistas na última semana do mês. Dentre os 10 concorrentes em cada categoria, divididas nos eixos de Literatura, Não Ficção, Produção Editorial e Inovação, a de Romance Literário se destacou. Com 8 dos 10 nomes que chegaram ao corte final sendo autoras mulheres, a lista dos 5 indicados ao troféu foi ainda mais positivo. Mas isso é tema para o próximo mês. Dentre as menções, Natalia Borges Polesso concorreu pela terceira vez (a segunda na categoria), agora com A extinção das abelhas. Andréa del Fuego, por A pediatra, e Aline Bei, por Pequena coreografia do adeus, ambas conhecidas do Persona, também integraram a lista.

Já na língua portuguesa como um todo, o Prêmio Camões 2022 laureou o ensaísta e poeta Silviano Santiago. Autor dos ensaios O entre-lugar do discurso latino-americano, O cosmopolitismo do pobre e As raízes e o labirinto da América Latina, o escritor mineiro levou seis vezes o Prêmio Jabuti e o prêmio Machado de Assis da Academia Brasileira de Letras. Agora, soma o Camões a sua estante, pelo conjunto de sua obra. Dentre os cotados do Brasil, Portugal e países africanos de língua portuguesa, Santiago é o 14º brasileiro a fazer parte da curta lista de vencedores; em 2021, quem recebeu a honraria foi Paulina Chiziane, de Moçambique.

Entre reconhecimentos e antecipações, o Clube do Livro segue atento aos próximos destaques vindos do Jabuti e aos debates fundamentais suscitados na Flip 2022, que pautarão a Literatura pelos próximos meses. Enquanto isso, é a Editoria do Persona quem indica as leituras do final do ano.

Livro do Mês

Silvina Ocampo – As convidadas (264 páginas, Companhia das Letras)

Embora historicamente sua fama tenha sido ofuscada de forma injusta por Adolfo Bioy Casares (seu marido) e Jorge Luis Borges (seu amigo) – dois autores que, além de próximos familiarmente, fizeram parte do mesmo movimento literário em Buenos Aires –, em diversos momentos Silvina Ocampo redige trabalhos plenamente superiores aos dos dois. Ao contrário dos seus contemporâneos – que utilizavam a fantasia em um ambiente totalmente imaginado, por vezes universos paralelos –, Ocampo infecta o doméstico com o estranho, sendo a precursora de algumas das autoras de maior renome na atualidade (Carmen Maria Machado, Mariana Enriquez e Samanta Schweblin são apenas alguns exemplos). Mas, no que se convencionou chamar de “Literatura Fantástica”, Silvina Ocampo é um nome imprescindível.

Talvez menos visceral que A fúria (1982) – em que os sonhos são convertidos em pesadelos e dão espaço ao cenário de Terror –, As convidadas é considerado emblemático por sua maturidade estilística, mesmo que ainda atravessado por elementos insólitos e perturbadores. Originalmente publicado em 1961, este é o segundo livro da autora argentina lançado no Brasil pela Companhia das Letras, e reúne 44 contos breves nos quais fantasmas emergem de fotos, crianças surdas-mudas criam asas e voam, cujo absurdo surge para acabar com a monotonia dos dias cotidianos (talvez uma maneira de dizer que a rotina é repleta de casos fantásticos). Contudo, a graça de ler seus contos está na composição: existem sempre duas histórias sendo contadas, a de fato escrita e a não-escrita, nas entrelinhas. O clímax é quando essas duas linhas narrativas colidem – mas Silvina Ocampo sempre adia esse acontecimento.

Dicas do Mês

Fiódor Dostoiévski – O idiota (944 páginas, Companhia das Letras)

Tido como um dos principais romances da chamada “fase de ouro” de Fiódor Dostoiévski – ao lado de Crime e castigo (1866), Os demônios (1871) e Os irmãos Karamazov (1880) –, O idiota (1869) ressurge no Brasil sob nova tradução de Rubens Figueiredo. Recebido pelo Persona através da parceria com a editora Companhia das Letras, o livro traz como protagonista o príncipe Míchkin – uma alegoria dos ideais cristãos –, como forma de se contrapor às concepções niilistas dominantes no período, que foram bem retratadas em Pais e filhos (1862) de Turgueniev ou no Raskólnikov, personagem mais famoso de Dostóievski.

Em parte romance de ideias, em parte romance de costumes, a obra mais autobiográfica do autor russo traz a trama de um jovem de 26 anos que acaba de retornar a São Petersburgo após permanecer vários anos em um sanatório na Suíça, para tratar sua epilepsia. O tema central de O idiota parece ser a problemática do indivíduo “puro”, superior, que acaba, numa sociedade com valores corrompidos, sendo visto como um idiota.

Da mesma forma como Dostoiévski, enquanto pensador político, coloca sempre a sua última esperança numa regeneração vinda do seio da comunidade popular, Míchkin é, por assim dizer, um herói – uma mescla de Jesus Cristo e Dom Quixote –, cuja compaixão sem limites se choca com o desregramento mundano de Rogójin e a “beleza enlouquecedora” de Nastácia Filíppovna. Sua bondade e o impacto da sua sinceridade revela ao leitor, de forma trágica, que sob um mundo obcecado por dinheiro, poder e conquistas materiais, o sanatório acaba sendo o único lugar para uma figura divina. – Bruno Andrade

 John Hersey – Hiroshima (176 páginas, Companhia das Letras)

Apenas um ano depois da primeira bomba atômica lançada pelos Estados Unidos deixar cerca de 70 mil mortos em Hiroshima, em 1945, John Hersey publica o artigo homônimo à cidade japonesa no conceituado The New Yorker. A matéria reconstituia o momento exato da explosão sob o ponto de vista de pessoas que a experienciaram. Pensado para ser veiculado em três partes, tamanho foi o sucesso do texto que os então editores da revista decidiram publicá-lo na íntegra, o que tomou todo o espaço daquela edição semanal. Após quarenta anos, Hersey retornou à cidade e completou Hiroshima.

O artigo se tornou um livro, publicado no Brasil pela editora Companhia das Letras em 2002. Na obra dividida em cinco partes, seis hibakushas – como eram chamados os sobreviventes da bomba atômica – dão nome, sobrenome e endereço às consequências do ataque à Hiroshima. O autor e jornalista estadunidense serve mais como mediador do que como contador da história e se afasta da estrutura do jornalismo para dar voz aos seus personagens: as divisões abordam o que os seis faziam antes da explosão; no momento exato da tragédia; no dia seguinte, com início da investigação e as primeiras notícias sobre o que havia acontecido; semanas após o ataque, com as pessoas dando os primeiros passos para seguir em frente; e quatro décadas depois do ocorrido, para acompanhar como os sobreviventes seguiram ao longo do tempo.

Com sua bagagem como repórter e também como escritor de não-ficção, que lhe rendeu o Prêmio Pulitzer em 1945, em Hiroshima John Hersey uniu Literatura e Jornalismo em uma das obras precursoras do New Journalism. A linguagem descritiva e tocante – na versão brasileira, mérito da tradução de Hildegard Feist -, cheia de adjetivos e estruturada de forma semelhante a um romance é também permeada pelas boas práticas profissionais do autor, com uma apuração profunda e um trabalho cuidadoso junto às fontes, e potencializou o jornalismo para contar a história intimamente. – Vitória Gomez

Kimberly Bradley – A guerra que salvou a minha vida (240 páginas, Editora Darkside)

Ambientado no cenário de destruição da Segunda Guerra Mundial, o livro A guerra que salvou a minha vida traz a visão fictícia de Ada, uma garota de apenas 10 anos, sobre um dos maiores acontecimentos históricos do século passado. Publicado há cinco anos no Brasil, o enredo da autora de obras infanto-juvenis, Kimberly Bradley, traça um desenvolvimento de personagem incomum para a categoria, por se tratar da junção entre caos e inocência, e do que o The Wall Street Journal afirma ser “Dolorosamente adorável”. 

Na narrativa que se constrói como um diário, os bombardeios a Londres se assemelham à trincheira interna da protagonista, habituada aos maus tratos e à prisão imposta por sua própria mãe, que nunca a deixou sair de casa. Caminhando pela linha tênue que divide a realidade cruel e a idealização de fatos nada fantasiosos, Bradley consegue captar toda a atenção para a sua escrita, ao mesmo tempo que revela uma diversidade de sentimentos para o leitor. – Nathalia Tetzner 

Saidiya Hartman – Vidas rebeldes, belos experimentos (432 páginas, Fósforo)

Na busca de firmar as memórias e experiências de pessoas pretas nas consequências da diáspora negra pelas Américas, a professora e autora estadunidense Saidiya Hartman constituiu um método próprio de reescrever essas tortuosas trajetórias. Vidas rebeldes, belos experimentos é a sua tentativa bem sucedida de historicizar narrativas queer, femininas e negras de liberdade no norte americano depois da abolição da escravatura. Utilizando de sua metodologia de ‘fabulação crítica’, Hartman realiza uma montagem de arquivos. Fotografias, documentos judiciais e recortes de jornais buscam por uma junção de histórias referentes a inúmeras pessoas dos cinturões negros da Filadéfia e de Nova York, traçar a revolucionária rebeldia das biografias de mulheres pretas no início do século XX. 

Da História da sobrevida da escravidão nos centros urbanos estadunidenses – contada a partir de corredores de moradas coletivas, escadas escuras e becos hostis –, à integração de nomes conhecidos, como Billie Holiday e W.E.B Du Bois, os relatos especulativos do livro fazem jus ao que movia essas vivências experimentais de sexualidade e gênero em um ambiente projetado, em sua ordem social e trabalhista, a ser uma continuidade do espaço das plantations sulistas. Na análise de fotografias – majoritariamente feitas por homens brancos –, Hartman procura rasgar a superfície falsamente imparcial da ciência e da etnografia com o intuito de ecoar a sinfonia de violências acometidas por detrás do momento fotográfico; imaginando o que faziam de suas vidas, como vieram parar ali e quais seriam os seus caminhos de vingança, subversão e reiteração de seus próprios corpos. 

Vidas rebeldes, nos ecos de um exercício transgressivo de escrita histórica feito anteriormente por Toni Morrison, procura pelo protagonismo de prostitutas, sapatonas, anônimas e andarilhas; mulheres que escapavam do olhar fotográfico, etnográfico e científico que as tornariam subalternas. A não-ficção de Saidiya Hartman é uma linha de fuga que engrandece a beleza dos vestígios de uma cartografia dos atos íntimos, que transformaram os mais despercebidos espaços em laboratórios de liberdade. – Enzo Caramori

Isabel Allende – Violeta (322 páginas, Bertrand Brasil)

Em Violeta, a autora chilena Isabel Allende escolhe nos mostrar a protagonista a partir das palavras que ela escreve em uma carta destinada ao amor de sua vida. O título, traduzido no Brasil por Ivone Benedetti, narra a história da personagem passando por diversos momentos históricos que mudaram os caminhos da sociedade. Violeta nasceu durante a ascensão da Gripe Espanhola em 1920, e sua morte escolheu chegar em um momento tão dramático quanto: a pandemia de Covid- 19 em 2020. A protagonista nasceu em uma família tradicional católica, mas se mostra um contraponto moldado pela perseverança, coragem e senso de justiça.

Enquanto passeia pelas facetas da própria vida, Violeta nos internaliza a personagens e experiências únicas que se passam em um lugar genérico – como se tivesse sido feito unicamente para abarcar os fascínios de seus 100 anos de vida. Apesar de não poder ser nomeado, vivem nesse país todas as verdades da sociedade, tendo destaque a luta pelos direitos das mulheres. Entre tantas multiplicidades sinceras, o texto é uma experiência única e apaixonante. Nas palavras de uma mulher que ama, Violeta nos compartilha em intimidade todos os segredos do mundo. – Jamily Rigonatto 

Raphael Montes – Jantar Secreto (368 páginas, Companhia das Letras)

Um homem entra em um restaurante que serve carne de gaivota porque tinha provado e gostado alguns anos antes. Ao finalizar a refeição, vai para casa e se suicida. Por que isso aconteceu? Esse é o enigma responsável pelo desenrolar da história incrível que é Jantar Secreto. Tratando-se de uma obra de Raphael Montes, é simples deduzir que o livro é imensamente inteligente, não falhando em explorar as diversas facetas do ser humano, seus limites de ética, sua ganância e hipocrisia.  

O livro pode não ter sido baseado em fatos reais, mas não deixa abordar algo que poderia acontecer a qualquer momento. O autor descreve o cenário de crise do Rio de Janeiro e a facilidade de instalar um sistema de corrupção em uma sociedade que é naturalmente desonesta, desigual e manipulável. É uma história de muitas camadas, com uma crítica social escancarada e personagens extremamente complexos. Para quem gosta de narrativas surpreendentes, com muitas reviravoltas e altos níveis de emoção, esse é o livro certo. Uma boa leitura e muito cuidado para não ser manipulado pela Equipe Carne de Gaivota. – Gabrielli Natividade 

Raíza Costa – Confeitaria Escalafobética: sobremesas explicadas tim-tim por tim-tim (378 páginas, Senac)

Adicione uma xícara de singularidade. Depois acrescente duas colheres de relatos pessoais. Misture com um trabalho gráfico deslumbrante e leve em fogo médio até infusionar. Assim que levantar fervura, o ganhador do prêmio Gourmand como Melhor Livro de Confeitaria estará pronto. Em síntese, tudo isso resume o que é a obra Confeitaria Escalafobética: sobremesas explicadas tim-tim por tim-tim, de autoria da artista visual e chef confeiteira, Raíza Costa.

O livro contempla inúmeras receitas com o passo a passo descrito minuciosamente para quem não domina técnicas de gastronomia ou busca se aprimorar nelas. Somado a isso, o design gráfico da peça e o quadro Errar é Humano, apresentado por Lancelote, o cachorro de Raíza, contribuem para a compreensão do leitor e imersão no universo lúdico da autora. Antes de explicar os preparos de uma sobremesa, a escritora de Confeitaria Escalafobética traz um relato pessoal, que demonstra seu lado afetivo com o mundo gastronômico.

A obra objetifica os trabalhos audiovisuais de Raíza, como o Rainha da Cocada, no GNT, e o Doulce Delight, o primeiro canal online dedicado exclusivamente a confeitaria. No livro, a autora apresenta algumas receitas originais e outras clássicas, como o famoso bolo molhadão. Além disso, o capítulo Matéria-prima ensina os aspirantes a confeiteiros a produzir queijo mascarpone, açúcar perolado, corantes naturais, entre outros tantos produtos utilizados na feitura dos doces, mas não tão fáceis de se encontrar nos mercados. – Gabriel Gatti

Quentin Tarantino – Era Uma Vez Em Hollywood (559 páginas, Intrínseca)

Próximo de chegar em seu derradeiro 10° filme, Quentin Tarantino começa a expandir sua área de atuação para além do Cinema. Claro que, depois de nove filmes e anos na indústria, seria difícil se desvencilhar dela tão rápido assim, por isso, sua primeira incursão na literatura é uma novelização de sua última produção, de mesmo nome. Era Uma Vez Em Hollywood é uma expansão do interessantíssimo cenário já explorado em tela, seguindo a história de Cliff Both, Sharon Tate e Rick Dalton, tendo como ponto de partida a decadência de Dalton na Los Angeles de 1969 que nos foi apresentada em 2019.

Servindo como uma versão mais aprofundada do roteiro, o livro tem o ritmo único que só Tarantino consegue ditar, além de ótimas pegadas de humor. É interessante notar como, aqui, o autor também consegue transformar ainda mais a própria Los Angeles em um personagem, explorando a influência dela em suas figuras, desde os principais até os hippies esquisitões que ficaram de lado no audiovisual. É uma leitura bem menos caótica que suas obras no Cinema, mas que compensa ao constantemente referenciar a Sétima Arte e a TV. Era Uma Vez em Hollywood, mais que um roteiro comercializado, é uma extensa carta de amor à indústria. – Guilherme Veiga

Tom King & Mitch Gerads – Senhor Milagre Vol. 1 e 2 (Panini, 308 páginas) 

Como sobreviver aos deveres de uma divindade, às mil e uma tarefas da paternidade e ainda lidar com uma saúde mental em frangalhos? É a partir dessa premissa que o roteirista Tom King, acompanhado da arte de Mitch Gerads, faz um excelente estudo de personagem focado no Senhor Milagre, o artista de fuga criado originalmente pelo fenomenal Jack Kirby, ao longo das 12 edições homônimas ao protagonista, que foram condensadas em 2 edições publicadas pela Panini no Brasil. 

A minissérie escrita por King consegue lidar com o trauma geracional carregado por seu personagem-título com grande empatia, conciliando esse tema tão sensível com humor e um romance de aquecer o coração. A arte de Gerads presta uma bela homenagem ao trabalho de Kirby e ainda faz um excelente uso dos glitches para mostrar quão deteriorada está a saúde mental de Scott Free. Emotiva, épica e bem-humorada, Senhor Milagre é uma das melhores obras publicadas pela DC Comics ao longo dos últimos anos. – Caio Machado 

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Caio Machado

O Cinema é capaz de mostrar mundos fantasiosos, realidades alternativas, novas perspectivas de grupos marginalizados da sociedade… As possibilidades são infinitas. No caso de Leonor Jamais Morrerá, produção filipina que faz parte da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, a Sétima Arte é utilizada como meio de reconciliação entre mãe e filho. 

Na trama, Leonor Reyes (Sheila Francisco) já foi uma figura consagrada do cinema de ação filipino, responsável pela criação de uma série de filmes de sucesso, mas agora sua família sofre com dificuldades para pagar as contas. Após ver o anúncio de um concurso de roteiros no jornal, ela decide continuar um esboço inacabado sobre a jornada de Ronwaldo (Rocky Salumbides), que busca vingança pelo assassinato de seu irmão. Enquanto a imaginação ajuda Leonor a escapar das dificuldades da vida real, um acidente envolvendo a queda de uma televisão a deixa em coma, transportando-a para dentro da obra inacabada. Agora, ela pode descobrir o melhor final para a história.  

O longa da estreante Martika Ramirez Escobar parte de uma abordagem cotidiana tão próxima do documentário para estabelecer a rotina de Leonor e seu filho, Rudi (Bong Cabrera), que não torna difícil se perguntar se aquelas pessoas exibidas em frente às câmeras existem mesmo ou estão interpretando personagens. O carteiro entrega a conta atrasada, Leonor canta enquanto cozinha, Rudi conversa com alguém ao telefone sobre seu desejo de sair de casa e a câmera de Martika capta tudo isso sem denunciar que está lá, estática. Desde o início, a fronteira entre realidade e ficção é quase inexistente. 

Em meio aos atritos de Rudi e Leonor, a tentativa de um homem para se eleger como líder comunitário e uma criança que vende DVDs piratas em uma banca, o Cinema está sempre presente, mais especificamente o de ação. O olhar sensível da cineasta mostra o poder que a arte tem para dar vazão à criatividade, ajudar na conexão com um ente querido e provocar sentimentos intensos em uma pessoa ou em multidões. De forma bem-humorada e emotiva, o longa reconhece que um filme nunca é “só” um filme. É algo trabalhoso, envolvendo muitas pessoas e, por ser uma atividade profundamente humana, é capaz de mexer com questões internas de um indivíduo, como o luto pela morte trágica de um filho. 

Leonor Jamais Morrerá se destaca por mergulhar na própria metalinguagem cada vez mais, depois que Leonor entra em coma. Até então, o longa mantinha os pés no chão, com um clima fácil de ser confundido com a realidade. Depois, a obra se liberta das amarras do convencional e se permite experimentar. Em dado momento, próximo do fim do filme, há três linhas narrativas: a de Rudi, no hospital, aguardando a mãe acordar do coma; a de Leonor, inserida em sua jornada como heroína dentro do produto de ação; e a de uma criança que possui o DVD do filme em que Leonor está inserida e assiste-o na TV. O espectador assiste a um longa-metragem, que possui outro dentro dele, enquanto um personagem também assiste a esse segundo. Se pareceu confuso, é porque realmente é. Tentar refletir sobre isso é um convite para se perder ainda mais no raciocínio e a produção sabe disso, convidando o público a aceitar e embarcar nessa reta final explosiva e sentimental.

Como fechar uma obra assim, tão imersa no próprio mundo? É difícil. A própria diretora faz uma pausa para refletir. O caminho optado é o da alegria e é impossível não terminar Leonor Jamais Morrerá com um sorriso no rosto, assim como a protagonista. A produção filipina, apesar de um pouco confusa, vale a pena de ser vista por apresentar um exercício inovador de metalinguagem, testando os limites entre real e ficcional. Com bom humor e sinceridade, a película mostra como a Sétima Arte mexe com cada ser humano, desde a infância à velhice, e serve como uma poderosa forma de conexão com outras pessoas. É um belo e mágico trabalho de estreia de Martika Ramirez Escobar. 

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Caio Machado

A produção eslovena Inventário, presente na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, possui uma premissa simples, mas instigante. E se, em um dia normal, alguém tentasse atirar em você, dentro da sua casa? É isso que acontece com Boris (Radoš Bolčina) em uma noite, enquanto lê um livro em seu escritório. Ele não se machuca, mas leva um grande susto. A partir daí, o homem de meia idade parte em uma jornada de obsessão, examinando todas as suas relações sociais para tentar descobrir quem foi o (ou a) responsável pelos tiros. 

Em seu primeiro longa de ficção, o cineasta Darko Sinko utiliza esse incidente inicial para colocar o protagonista em uma crise existencial agoniante. A busca pela pessoa que deu os tiros corrói Boris de tal forma que seu mundo perde a cor e a luminosidade, como refletido de maneira eficiente na fotografia de Marko Brdar. Enquanto a polícia investiga, o mistério se sustenta nas falas dos outros personagens, como na cena em que a mãe do personagem diz que sua esposa nunca gostou dele, e no que aparece fora de foco dentro do plano, como no momento em que o personagem principal sai da garagem com o carro e vê uma silhueta, bem no fundo do estacionamento.

Esse último questionamento é o que move Inventura (nome original, em esloveno) e faz seu personagem em crise realizar um exame de consciência perante todos com quem se relaciona, proporcionando momentos dramáticos, intensos e até surpreendentes, como exemplificado em uma cena em que uma conversa com um amigo de longa data revela uma mágoa há muito guardada. Assim, o trecho mostra como todo ser humano é capaz de ferir profundamente os sentimentos de outro, mesmo alguém tão comum quanto Boris. 

Paralelo a isso, há uma trama de obsessão que se inicia quando o personagem principal descobre que existe, na cidade, um homem com o mesmo nome que ele. Nisso, começa a segui-lo, observando sua rotina de longe. Se parece não encontrar as respostas em sua vida, Boris vê na do outro a possibilidade de esclarecimento. No entanto, após uma discussão com o outro Boris em um restaurante, ele percebe que ali não encontrará o que procura. 

Então, onde está a resposta? Quem foi o responsável pelos dois tiros, afinal? O longa faz um ótimo trabalho de criação de suspense e conduz o espectador a uma resposta, perto do final, que faz o protagonista achar que sua vida pode voltar ao normal. A aparência do filme até muda, ficando mais vivo e iluminado. Porém, na última cena, tudo volta à estaca zero. O que fazer? Alimentar a dúvida corrosiva outra vez ou tentar viver, como os outros fazem todos os dias? Depois de acompanhar o personagem em tantas conversas desagradáveis e descobertas infelizes, a falta de respostas se torna mais palatável. É mais fácil aceitar que a dúvida é a fundação da existência humana. Senão, a vida torna-se insuportável.  

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Caio Machado

A produção romena Cinema Almanac (Almanah Cinema, no original), presente na 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, é apresentada como uma coletânea de seis curtas de Radu Jude (Má Sorte no Sexo ou Pornô Acidental), que assina a direção e roteiro em algo semelhante a quando um escritor publica um volume de seus contos ou poesias. Por estarem reunidos em um mesmo conjunto, faz sentido pensar que possuem características em comum, além da mera aleatoriedade. Cinco dos curtas que a compõem, Caricaturana, Os Potemkinistas, Memórias do Front Oriental, As Duas Execuções do Marechal e Punir e Disciplinar, mostram que o cineasta busca refletir sobre as imagens do passado e o possível impacto que podem causar no observador contemporâneo. Porém, ele próprio mal consegue impactar, devido à forma como utiliza as fotografias. 

Em Memórias do Front Oriental e Punir e Disciplinar, a exploração dessas imagens é enfadonha, similar a uma apresentação de slides em um seminário interminável. O uso de planos estáticos exibe as fotos inteiras e raramente se aproxima delas para destacar alguma informação. Ao assisti-los, o espectador folheia um álbum cheio de imagens de estranhos. É inegável que as fotografias possuem seu valor histórico ou causam uma pequena comoção pela tristeza enraizada nas expressões faciais, como em Punir, mas os curtas não vão muito além disso. A força que o som poderia ter ao mostrar aquelas cenas estáticas é deixada de lado e somente o texto é capaz de forjar alguma conexão emocional com o espectador, como no caso de Memórias, em que os relatos dos soldados, transcritos na tela, servem para dar uma dimensão do horror da Segunda Guerra Mundial.

Caricaturana, filme que inaugura a antologia, tenta dar novo significado às ilustrações que expõe por meio de um humor irônico, capaz de provocar um sorrisinho de canto de boca e nada mais. Os Potemkinistas, produção na qual os personagens de Alexandru Dabija e Cristina Draghici discutem sobre uma estátua enquanto são inseridas cenas do clássico O Encouraçado Potemkin, traz belas imagens, mas torna-se desinteressante rapidamente ao utilizar seus personagens como mero veículo para vomitar informações históricas. 

Já em As Duas Execuções do Marechal, melhor curta do conjunto, Radu Jude alterna a filmagem real da execução de um marechal romeno com a dramatização do evento em um filme lançado décadas depois, para mostrar como a vida é muito mais dura do que a ficção. Por meio desse confronto entre as duas cenas, expõe o quão crua, triste e ridícula a realidade é, sem nada épico, e formada apenas por pessoas que cumprem ordens. 

A obra que fecha o longa, Plástico Semiótico, é a mais estranha das seis. Abandona o interesse pelas imagens do passado que as anteriores tinham e usa brinquedos em planos belíssimos para ilustrar a jornada turbulenta da vida humana, desde a infância até a velhice. É uma obra que usa os sons dos próprios brinquedos e a fotografia colorida de Marius Panduru para transmitir uma originalidade muito instigante, se apropriando de elementos do universo infantil para passear pelo passado, presente e futuro da humanidade. 

Ao final, Cinema Almanac, assim como várias outras antologias, é bastante irregular. Faz um uso pouquíssimo criativo das imagens históricas que têm em mãos e só consegue construir uma ideia em dois dos seis curtas que reuniu, nos quais o cineasta Radu Jude se lembra que está fazendo Cinema, com suas composições, cores e sons, e não uma mera apresentação de PowerPoint.

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Caio Machado

Em 1969, os membros do grupo musical The Beatles se reuniram para a produção do que viria a ser o álbum Let It Be. O cineasta estadunidense Michael Lindsay-Hogg foi chamado para filmar o processo de concepção do disco, o que deu origem ao documentário que leva o mesmo nome do álbum e contém também o famoso espetáculo no terraço, última aparição pública da banda. Mais de 5 décadas depois, foi lançada a série documental The Beatles: Get Back, dirigida e produzida por Peter Jackson (O Hobbit, King Kong), que se aproveita das imagens de arquivo produzidas em 1969 para dar origem a 3 episódios, totalizando aproximadamente 8 horas de duração. 

Indicada em 5 categorias do Emmy 2022, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, para Peter Jackson e Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, para Jabez Olssen, a produção impressiona por seu trabalho na reconstrução das filmagens e áudios.  As imagens apresentam uma nitidez quase assustadora e as conversas entre os presentes no estúdio, antes abafadas pelo som dos instrumentos musicais, agora são perfeitamente audíveis, graças a uma inovação trazida por Jackson. O diretor utilizou uma inteligência artificial criada para captar as vozes do quarteto e separá-las do som dos instrumentos.

O cuidado para evidenciar os diálogos entre os músicos pode passar despercebido na maior parte do tempo e só é evidenciado em uma cena logo no primeiro episódio, Parte 1: Dias 1-7, em que os membros da banda falam enquanto afinam suas guitarras e um dos técnicos ali presentes avisa que o som dos instrumentos está atrapalhando ouvi-los nos microfones. O diálogo funciona como um lembrete de que essa parte dos bastidores, antes deixada de lado por conta das limitações da época, só foi possível de ser mostrada aos fãs da banda agora por causa da tecnologia contemporânea. 

Ao longo dos 3 episódios de The Beatles: Get Back, Peter Jackson parece mais interessado em acompanhar o processo criativo de Paul, John, George e Ringo, como um fã apaixonado sentado num canto do estúdio sem atrapalhar, do que criar uma narrativa repleta de tensões entre os quatro, já perto do fim da banda. Os atritos existem, é claro, mas aparecem como consequência da divergência de opiniões que acompanha a produção de um álbum ao longo de 21 dias dentro do estúdio.

As discussões entre eles são mostradas da maneira mais honesta possível, exibindo-os como seres humanos que querem apenas entregar as melhores músicas, sem cair em nenhuma armadilha sensacionalista barata e cheia de intrigas para manter a atenção do espectador. Na verdade, o documentário assume que quem está disposto a enfrentar suas gigantescas 8 horas já gosta bastante do quarteto e não tem pressa em mostrar as dinâmicas dentro do estúdio. Seu foco está em mostrar o trabalho criativo sem romantizá-lo, com seus altos e baixos, seus momentos mágicos de pura sintonia e os períodos cansativos, em que ninguém parece sair do lugar.

Como resultado, a série joga seu holofote em cenas bastante especiais, como quando a banda consegue chegar na versão de Get Back que conhecemos hoje depois de ensaiar a canção por milhões de vezes ou mesmo quando os quatro estão tocando músicas que gostam apenas pelo prazer do ato, esquecendo um pouco o prazo que se aproximava. Por outro lado, também ocorre do documentário destacar momentos que se estendem demais, a exemplo do enorme debate tido entre Os Beatles e os produtores para decidir onde seria o show que pretendiam fazer. 

O espectador, alguém vivendo no mundo atual onde os Beatles já se tornaram uma memória no mundo da música, sabe que esse concerto foi realizado no terraço da Apple Corps, mas, para chegar nele, precisa acompanhar uma discussão demorada, cheia das ideias mais absurdas possíveis, o que prejudica no ritmo do documentário como um todo. Quando a ideia do terraço surge, é um alívio para os músicos, os técnicos e para quem assiste. Além de mostrar os Beatles como seres humanos normais que discutem, comem, bebem, fumam e fazem brincadeiras em frente às câmeras, a produção de Peter Jackson também serve para mostrar como é difícil tomar decisões em conjunto. 

A ideia de acompanhar tudo, incluindo os lados negativos, se mantém quando chega a hora da última aparição pública da banda. A obra opta por dividir a tela em 3 partes, na tentativa de acompanhar a apresentação do grupo em vários ângulos e a reação do povo londrino. O documentário insere o espectador bem no centro da ação e mostra depoimentos de pessoas maravilhadas por estarem presenciando um momento histórico, pessoas que não fazem ideia do que está acontecendo e aqueles que estão completamente descontentes com o barulho que os músicos estão fazendo, além de mostrar a chegada dos policiais no prédio do concerto. 

Parece muita informação para acompanhar ao mesmo tempo e realmente é. A escolha da divisão da tela em 3 quadrados torna a experiência ainda mais confusa e é difícil escolher para qual lado olhar. Porém, quando os olhos se acostumam àquele frenesi, é algo maravilhoso de assistir. É o momento mais catártico dos 3 episódios, capaz de causar arrepios pelo fato da banda estar em perfeita sintonia depois de longas horas de ensaios e pelo olhar empolgado do público, nos telhados e na rua. É o canto do cisne de um grupo que já havia deixado sua marca no mundo e decidiu entrar para a história em sua terra natal uma última vez, num terraço, para que qualquer um pudesse ouvir. 

The Beatles: Get Back é grandioso como a banda que acompanha ao longo de semanas de gravação. O documentário compreende o processo criativo como algo que demanda tempo, não é belo a todo momento e tem sim seus pontos baixos. Ao mesmo tempo, encanta por humanizar Paul, John, George e Ringo e mostrar momentos bastante especiais entre eles, sejam quando estão tocando alguma música ou fazendo alguma brincadeira para as câmeras que os rodeavam. Apesar de ser um pouco intimidadora em um primeiro momento, por conta de sua duração, assistir à produção é uma experiência extremamente recompensadora para qualquer um que decidir se aventurar nessa odisseia que deu origem a Let It Be. 

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Passeamos pelos multiversos de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e The Umbrella Academy, exploramos o brilhantismo obscuro da terceira temporada de Barry e refletimos sobre o final provisório dos malditos Peaky Blinders. Foi assim que o mês popularmente mais calmo no audiovisual, quase uma preparação para o ápice da temporada de Summer Movies, conseguiu deixar sua marca como um dos capítulos mais interessantes do ano até então. Neste Cineclube de Junho, o Persona destrincha o que rolou no Cinema e na TV no Mês do Orgulho.

O período junino começou agitado logo no seu primeiro dia, com o resultado do desnecessariamente midiatizado julgamento entre Johnny Depp e Amber Heard. Depois de quase um mês de análise do processo, o júri decidiu o que o Twitter e o TikTok já haviam julgado há muito tempo: a “inocência” (entre muitas aspas) de Depp. Por mais que os dois tenham saído com condenações, o ator foi quem tirou mais proveito da situação. Apesar de seu caráter ser tão duvidoso quanto o de Heard, ele tomou um banho de imagem e hoje é visto como um injustiçado por uma base de fãs aficionados.

Partindo para notícias mais animadoras, Junho concedeu uma das maiores honras do Teatro para Jennifer Hudson. Graças a sua mais nova estatueta do Tony Awards pela produção do musical A Strange Loop, Hudson atingiu o status de EGOT — destinado aos ganhadores do Emmy, Grammy, Oscar e Tony — e se tornou a segunda mulher negra a receber a honraria, ao lado de Whoopi Goldberg. Falando em representatividade, o Mês do Orgulho separou uma surpresa quase em sua reta final. Nos últimos dias do mês, o lendário Pedro Almodóvar divulgou informações sobre seu próximo projeto, o curta-metragem western Extraña Forma de Vida. Segundo o diretor, a obra será uma resposta ao clássico contemporâneo O Segredo de Brokeback Mountain.

Adentrando as telonas do cinema e do streaming, o destaque vai para Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo. O filme foi vencedor do Festival de Sundance 2022, assim como CODA, seu irmão de plataforma no ano passado. A história gira em torno de um jovem, interpretado por Cooper Raiff – que também dirige o longa — que trabalha como anfitrião em bar mitzvás, onde conhece uma mãe (Dakota Johnson) e sua filha autista, criando um forte laço com elas. Por mais improvável que seja a obra seguir o mesmo premiado caminho de No Ritmo do Coração, o serviço da maçã mordida já provou que sabe nos surpreender.

Ainda nos lançamentos da plataforma dos iPhones, Liam Neeson estreia nas produções do streaming interpretando um velho conhecido: o porradeiro de meia idade do qual já está acostumado retorna em Assassino sem Rastro. A produção conta a história de um assassino de aluguel com Alzheimer que sofre as consequências de se recusar a matar uma criança. Sendo uma refilmagem do filme belga A Memory of a Killer, o longa entrega um plot genérico e não convence, principalmente ao focar na ação e deixar de lado a interessante premissa de um assassino lidando com essa condição médica.

Indo ao infinito e às salas de cinema, acompanhamos a jornada intergalática repleta de ação de Buzz (Chris Evans) e outros astronautas do Comando Estelar em Lightyear. Dentre eles, destacamos Alisha Hawthorne (Uzo Aduba), responsável pelo primeiro beijo homoafetivo da Pixar. Porém, o feito só ocorreu após uma onda de protestos contra a Disney, que, em pleno Mês do Orgulho, resolveu manter sua política do Don’t Say Gay ao originalmente censurar o casal sáfico. A obra tem a assinatura de Angus MacLane (Procurando Dory) e, apesar das críticas mistas, deve encantar os fãs do personagem, mesmo decepcionando nas bilheterias.

E a Disney decidiu investir no marketing do filme do astronauta para além dos cinemas. Isso nos deu Ao Infinito e Além: Buzz e sua Jornada para ser Lightyear, documentário original do Disney+, que desmembra a origem do emblemático personagem desde sua primeira aparição em Toy Story. O longa serve como um aquecimento para Lightyear, mostrando as etapas de produção da nova aventura da Pixar, e das mudanças estéticas para caracterizar o patrulheiro espacial.

Ainda no streaming do rato, temos A Extraordinária Garota Chamada Estrela Em Hollywood, sequência de A Extraordinária Garota Chamada Estrela. O longa, uma típica aventura adolescente dos anos 2000, mas dessa vez repaginada, continua acompanhando Stargirl Caraway (Grace VanderWaal), que sai da cidade de Mica e se muda para Los Angeles com o intuito de começar uma vida nova. A obra é baseada no livro Com Amor, A Garota Chamada Estrela, tem direção de Julia Hart e conta com nomes como Uma Thurman no elenco.

Para se afastar das polêmicas, a Disney decidiu se redimir produzindo alguns conteúdos LGBTQIA+, e um deles é Trevor: O Musical. Seguindo os moldes de Hamilton, o longa é uma versão filmada do musical off-Broadway de mesmo nome. Baseado no curta-metragem ganhador do Oscar em 1995, a trama acompanha a adolescência do jovem Trevor em 1981, e a descoberta de sua identidade enquanto tenta se encaixar em um mundo difícil. 

Ainda na mesma temática, só que dessa vez para o streaming adulto da empresa, o Star+, Fire Island: Orgulho e Sedução nos traz uma comédia romântica LGBTQIA+ inspirada no clássico Orgulho e Preconceito, de Jane Austen. Apesar do longa dirigido por Andrew Ahn e protagonizado por Bowen Yang ter um tom cômico, a obra traz várias alusões sobre camadas sociais, além de uma abordagem de aspectos culturais, raciais, de gênero e sexualidade. Entre piadas e clichês, Fire Island é um grito de resistência e representatividade.

Em função das finais da NBA, uma das apostas dos streamings para esse mês foi o conteúdo voltado para um dos esportes mais amados pelos americanos, o basquete. É isso que Rise, produção do Disney+, buscou. A obra, dirigida por Akin Omotoso, conta a história dos irmãos Antetokounmpo, o primeiro trio de irmãos a se tornarem campeões do campeonato. O elenco conta com Dayo Okeniyi (Fresh), Yetide Badaki (This Is Us), Uche Agada e Ral Agada e teve uma recepção positiva por parte da crítica, com 95% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Porém, o que conseguiu mais holofotes ainda foi a aposta da Netflix, Arremessando Alto, derivado da parceria com Adam Sandler. Depois de Joias Brutas, o longa é mais uma prova que Sandler leva muito mais jeito para a veia dramática do que para a comédia. Porém, aqui, o veterano consegue mesclar suas duas personas em uma dramédia esportiva bem gostosa. 

No filme, o ator interpreta um olheiro do Philadelphia 76ers disposto a mudar de vida, até que descobre, na Espanha, o talento Bo Cruz (Juancho Hernangomez). Com um elenco composto em sua maioria por jogadores e lendas da NBA, a atuação de Sandler é um destaque, pois entrega algo muito acima da maioria de seus trabalhos. Mas os méritos precisam ser dados aos atletas, que desempenham seu papel sem prejudicar o longa. Aqui, um destaque para Juancho, jogador do Utah Jazz, que coestrela a obra.

Outra que deu as caras  também, mas dessa vez em um gênero específico, foi Megan Fox. Até a Morte, longa de Scott Dale, marca a volta da atriz (que já vive o terror de ser casada com Machine Gun Kelly) ao cinema de Horror. A história, uma espécie de Jogo Perigoso, narra a história de uma mulher que tenta sobreviver à investida de dois assassinos enquanto está algemada a seu marido morto. Esse jogo de gato e rato conquistou a crítica, que destaca a atuação convincente de Fox.

As duas maiores surpresas tinham que ficar para o final. Os destaques a seguir rapidamente perderam o status de filme e conquistaram o de experiência, ora pela sua qualidade, ora pelo seu apelo. Essa última opção é justamente o caso de Minions 2: A Origem de Gru. Hoje, a internet tem o poder de mudar o rumo dos filmes, como aconteceu com Sonic, recentemente com Morbius e, num futuro próximo, com Barbie, de Greta Gerwig. No presente, o escolhido da vez é o prelúdio de Gru (Steve Carell), em meio a história dos seres amarelos favoritos do Cinema.

Recebido com uma pompa e circunstância a princípio descabidos, o longa traz uma estética setentista para a história da (tentativa de) ascensão do malvado favorito dos Minions. A direção tem a assinatura de Kyle Balda e a trilha sonora tem como grande nome o de Jack Antonoff, responsável por trazer nomes como St. Vincent, Phoebe Bridgers, Kali Uchis e H.E.R. para a produção de covers, com destaque para uma canção original assinada por Diana Ross e Tame Impala. Leve e divertido, Minions 2: A Origem de Gru tem tudo para ser mais um (se não o maior) acerto da franquia.

Fechando com chave de ouro, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo veio decretar seu lugar na Sétima Arte. Totalmente fora dos radares, o longa já chamava a atenção quando lançava seus trailers, mas nem a pessoa mais empolgada com o material poderia esperar a experiência que o filme é. Dirigido por Daniel Scheinert e Daniel Kwan, que carinhosamente assinam como Os Daniels, a obra é somente a segunda aventura conjunta dos diretores em longas, que tiveram sua estreia com o já intrigante Um Cadáver para Sobreviver.

Aqui, os dois replicam o que deu certo no projeto anterior, e vão muito além. Narrando a história de Evelyn (Michelle Yeoh), uma imigrante chinesa que descobre o acesso ao multiverso enquanto presta contas de sua lavanderia para a Receita Federal, o filme é extremamente despretensioso e sem compromisso. Porém, o roteiro, em sua maioria propositalmente pastelão, guarda um subtexto muito comovente, o que é capaz de te levar às lágrimas com um diálogo entre duas pedras (sim). Em qualquer realidade possível, Everything Everywhere All at Once com certeza é o filme do ano.

Passando para o universo das séries, a Netflix geralmente é ousada em suas produções, mas, em Junho, escolheu apostar no seguro. La Casa de Papel: Coreia entrega exatamente o que promete: um remake de um dos maiores sucessos da plataforma. Levando em conta que a série original espanhola se manteve no topo do streaming por cinco anos, e que as produções coreanas trouxeram um impacto estrondoso recentemente, não foi uma surpresa que os dois universos tenham se unido. 

A série, no entanto, pode ser mais aproveitada por aqueles que não têm familiaridade com o time espanhol, já que não há grandes alterações nos personagens e na trama. Mas, para os fãs que sentem saudade da antiga produção, pode ser interessante ver a história com um contexto novo: um assalto à Casa da Moeda de uma Coreia unificada. Uma segunda temporada deve chegar ainda esse ano.

Seguindo o plot fora da lei, A Escada, obra de ficção baseada no crime que virou documentário em 2004, investiga o assassinato de Kathleen (Toni Collette) pelas mãos de seu marido Michael (Colin Firth). Com um buzz interessante e bem-vindo para as produções do HBO Max, a produção pode surpreender nas vindouras premiações. A plataforma também investiu em Barry, que retorna após uma espera de 3 anos. Mais intensa e sombria, a história sobre o assassino de aluguel que quer mudar de vida chega em seu melhor ano e se consolida como uma das mais originais da atualidade. Bill Hader, protagonista e criador, prova que sua escrita só evoluiu, assim como suas habilidades na direção.

No Hulu e em breve no Star+, Under the Banner of Heaven, série baseada no best seller de mesmo nome, segue a cartilha de um bom American Crime. Estrelada por Andrew Garfield, a obra acompanha um crime real dos anos 80, cometido em nome de Deus por dois irmãos mórmons. Tanto a obra como Garfield, que interpreta um detetive religioso, conseguem conduzir bem o dilema religioso e mesclá-lo em um thriller criminal extremamente envolvente, com lampejos que lembram os melhores anos de True Detective.

Marcando o retorno dos heróis desajustados mais queridos da Netflix, The Umbrella Academy chega ao seu terceiro ano com uma base sólida de fãs, que, infelizmente, se decepcionou. É evidemte que a produção chegou em um nível de conforto: as temporadas anteriores foram tão grandiosas a ponto da mais recente não conseguir dar conta de seu próprio tamanho, e grandes ganchos do segundo ato acabaram se desperdiçando. Mesmo assim, a obra ainda entrega uma boa aventura com muitos pontos positivos, com destaque para as dinâmicas entre Klaus (Robert Sheehan) e Número 5 (Aidan Gallagher), e para a transição de Viktor (Elliot Page), que apesar de singela, foi executada com carinho.

Em relação aos super-heróis do HBO Max, a quarta temporada de Young Justice, intitulada de Phantons, traz de volta os poderosos adolescentes e suas missões desafiadoras. Com a produção ocorrendo durante o auge da pandemia, em 2020, algumas das etapas de desenvolvimento foram diferentes das demais séries de animação, como a dublagem feita individualmente. Dentre as tramas principais da temporada estão a viagem de Miss Marte, Superboy e Mutano para o casamento de M’gann e Conner em Marte, onde os personagens se deparam com um assassinato e com o preconceito racial, que se desenvolvem junto a outros eventos no planeta vermelho.

Indo para os heróis das estrelas, no Disney+, Obi-Wan Kenobi narra os acontecimentos após a queda e corrupção de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) para o lado sombrio da força. O personagem principal interpretado por Ewan McGregor, que deu nome a produção, lida com as consequências da perda de um amigo e do fracasso como Mestre Jedi. A minissérie apela para a nostalgia dos fãs de Star Wars, mas, ao mesmo tempo, se mostra ousada em tentar expandir a trama original e apresentar outras facetas dos personagens já popularmente conhecidos. 

Queer as Folk, reboot da série britânica de mesmo nome, é comandada por Stephen Dunn e acompanha um grupo diverso em Nova Orleans, que encontra apoio na comunidade queer da cidade após uma tragédia. Russell T. Davies, criador da produção original, atua como produtor executivo, e o elenco conta com nomes como Devin Way, Fin Argus, Jesse James Keitel e Kim Cattrall.

A comunidade queer também marcou presença nos reality shows. A segunda temporada de Drag Race España se encerrou com a vitória de Sharonne. A competição para nomear a próxima Super Estrela Drag da Espanha foi acirrada, mas a apresentadora Supremme de Luxe decidiu coroar a rainha de Barcelona por seu desempenho invejável nos desafios. Além da grande vencedora, Estrella Xtravaganza e Venedita Von Däsh chegaram até a final, e Samantha Ballentines conquistou o título de Miss Simpatia. 

Legendary, o reality de voguing do HBO Max, retorna sem o glamour da segunda temporada e sem uma grande estrela no painel de jurados. A saída de Megan Thee Stallion para a entrada de Keke Palmer foi uma troca inicialmente injusta com o público, mas que ao longo dos dez episódios exibidos em quase dois meses, se mostrou eficiente para a competição de 2022 – além da participação especial de Anitta e do retorno da lendária Dominique Jackson, que deram o que falar. No geral, com elencos nada inspirados e desafios repetitivos, Legendary se tornou apenas ordinária.

A plataforma também apostou em A Ponte – The Bridge Brasil, reality original que foi a grande surpresa do mês e reúne um grupo de anônimos e famosos para construir uma ponte e chegar a um prêmio recheado. Sendo tudo que a nova versão de No Limite sonhou em se tornar, a produção escalou nomes como Pepita e Dani Winits, servindo drama, confusão e a diversão mais genuína que o mundo das competições de realidade ofereceu no ano até agora.

Falando sobre o reality da família mais amada e odiada dos Estados Unidos, a 1ª temporada de The Kardashians chegou ao fim, mas logo deve voltar para um segundo ano. O programa que acompanha o clã trouxe menos episódios do que o falecido Keeping Up with the Kardashians, porém, a premissa continou a mesma: dramatizar os eventos que acontecem na intimidade dos ricaços. Nas redes sociais, o programa viralizou com momentos como o relacionamento de Kim com Pete Davidson e a maneira peculiar com que Kendall corta pepino.

Mudando os ares, o Paramount+ trouxe um pouco de política em Junho. Em The First Lady, Viola Davis, Michelle Pfeiffer e Gillian Anderson interpretam as primeiras damas mais memoráveis da História dos Estados Unidos, sob a direção da vencedora do Oscar Susanne Bier. A Primeira-Dama tinha tudo para arrebatar a audiência e a aclamação dos críticos: antes da estreia, somente as imagens promocionais de Davis na pele de Michelle Obama foram o suficiente para causar um frenesi nas redes sociais. No entanto, a produção caricata quebrou a expectativa e fez a 1ª temporada da série se tornar alvo de deboche do público. Até o momento, o futuro da obra é incerto.

A política estadunidense também foi abordada em Gaslit, que deu uma nova perspectiva ao livro escrito por Bob Woodward e Carl Bernstein, Todos os Homens do Presidente. Se na obra original há a visão dos jornalistas sobre o evento polêmico que levou à renúncia de Richard Nixon, na adaptação, dirigida por Matt Ross, a narrativa é tratada pelos olhos do grupo de corruptos que compunham a equipe então presidente. 

Ao acompanhar os bastidores das manipulações cometidas pelos homens do presidente, o resultado são cenas cômicas de um planejamento tão meticuloso que fica difícil acreditar que se trata de uma história real. O destaque fica para as interações do procurador-geral, John Mitchell (Sean Penn), e seu improvável contratempo, a esposa Martha Mitchell (Julia Roberts). A minissérie, criada por Robbie Pickering, difunde um roteiro extremamente original e bem pensado. Abusando de um suspense político misturado a um humor bastante peculiar, Gaslit remonta a história com um descaramento libertino tão fiel que parece piada.

O Poderoso Chefão é, provavelmente, uma das maiores produções cinematográficas da História, posta em um patamar tão alto que qualquer obra que tente retratá-la acaba se tornando alvo de críticas. Dessa vez quem reviveu o longa foi The Offer, minissérie do Paramount+ que propõe mostrar os bastidores da criação do clássico. A série não é excepcional e nem revolucionária, mas a metalinguagem explícita já a torna interessante o suficiente para uma maratona. 

Peaky Blinders também traz a atmosfera derivada do Cinema de Coppola de forma bem perceptível. Mesmo sendo a sexta e última temporada da série, a história da família Shelby tem um desfecho temporário, uma vez que um filme fechando a história está para sair do papel. Porém, o final que a trama entrega condiz muito com o caminho que o próprio show tomou. Girando em torno do legado dos Shelby, a obra não perde tempo tentando redimir seus personagens, e a escrita de Steven Knight é bem mais sútil ao tratar de seus temas. 

Elevar o nível de uma temporada inaugural recheada de méritos não é simples, mas o time criativo de Hacks deu conta do recado. Pouco tempo depois de vencer 3 importantes prêmios da Academia, a comédia de Jean Smart e Hannah Einbinder retorna com a sagacidade que impregna seu DNA rebelde. No novo ano, Deborah entra em turnê ao mesmo tempo em que descobre uma traição de Ava. Entre a viagem de ônibus, um cruzeiro de lésbicas e um show televisivo, Hacks sobe cada vez mais no pódio de grandes comédias sobre o ato de se fazer comédia. Com um final com cara de desfecho de novela, uma terceira temporada já foi anunciada e só nos resta aguardar o que as megeras preparam a seguir.

A comédia também ficou por conta do segundo ano do revival de iCarly, que retomou o clima de amizade entre os personagens principais após a série de desilusões amorosas na 1ª temporada. Com participações especiais como a de Josh Peck, a sitcom continuou a acompanhar a jornada de Carly e seus amigos em aumentar o alcance do seu canal na web. A renovação ainda não foi anunciada, mas, com o clamor dos fãs, tudo indica que a produção deverá ser retomada.

A Mulher do Viajante do Tempo, adaptação do romance homônimo de Audrey Niffenegger, mistura o romance com a ficção científica e acompanha o casal formado por Henry (Theo James) e Claire (Rose Leslie). Apesar de sua relação ser vista como perfeita pelos outros, o casamento dos dois enfrenta um grande problema: Henry tem um distúrbio que o permite viajar no tempo. Criada por Steven Moffat, que é bem familiarizado com o conceito de viagem no tempo, a série conta com Everleigh McDonell, Desmin Borges e Kate Siegel e já foi cancelada pela HBO após péssima recepção do público.  

Também pincelando o romance e em clima de despedida, a 3ª e última temporada de Com Amor, Victor, disponibilizada no Star+, entrega o fim do arco de seus personagens com a maturidade necessária. Desde seu lançamento em 2020, a série spin-off do filme Com Amor, Simon criou uma narrativa sobre evolução e autoconhecimento, principalmente de pessoas da comunidade LGBTQIA+. 

Entre reviravoltas e crises de identidade, a temporada escolhe se distanciar do que é exatamente previsível e deixar os romances com “felizes para sempre” em segundo plano. Com foco no crescimento, Victor (Michael Cimino) e seus amigos passam por problemas nos relacionamentos, nas famílias e, essencialmente, consigo mesmos. Love, Victor mostra a adolescência como um período de transição, em que os sentimentos, mesmo que verdadeiros, não são mais importantes que o desenvolvimento e o cuidado pessoal. 

Em um mês lotado de lançamentos no Cinema e na TV, os concorrentes às premiações começam a aparecer. Abrindo a temporada de competição e se cansando da rivalidade entre streamings, a Academia de Televisão anunciou seus indicados ao Primetime Emmys de 2022 no último dia 12, sem dar de bandeja quais foram as plataformas e canais que mais tiveram seus nomes anunciados. Com 17 nomeações, é improvável Hacks não reaparecer no Cineclube nos próximos meses – dentre as modalidades, a série figura em todas as categorias de atuação feminina em Série de Comédia, algumas com mais de uma atriz concorrendo, além de disputar o troféu principal.

Na publicação mensal do Persona, Barry é outra que tem chances de pipocar de novo por aqui, e The Staircase torce para ser lembrada na edição de Setembro, quando os vencedores do Emmy 2022 serão anunciados. Andrew Garfield, que garantiu a aparição de Under the Banner of Heaven na lista de indicados do Oscar da TV, pode não voltar a representar a série por aqui, mas seu nome com certeza será lembrado de outras produções. Sem apresentador anunciado, a cerimônia do Emmy 2022 será realizada em 12 de Setembro, mas antes disso, o mês 7 reserva espaço para Os Garotos do Prime, a super-heroína da Disney e até o Rei do Rock de Baz Luhrmann. 

Texto: Gabrielli Natividade da Silva e Guilherme Veiga

Pesquisa e Pauta: Caio Machado, Gabriel Gatti, Jamily Rigonatto, Nathalia Tetzner e Vitor Evangelista

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“Contar uma história significa levar as mentes no voo da imaginação e trazê-las de volta ao mundo da reflexão.”

– Paulina Chiziane

Em meio à euforia das celebrações do Orgulho, o simbólico mês de junho também deu abertura para importantes reflexões acerca da comunidade LGBTQIA+. O Clube do Livro do Persona sediou uma edição especial aberta aos nossos colaboradores para observar a produção literária da população trans latino-americana. Saindo da Literatura nacional, partimos em uma viagem para conhecer O Parque das Irmãs Magníficas, de Camila Sosa Villada.

Já conhecida nos palcos, telinhas e telões ao redor do país, o primeiro passo da autora em sua caminhada na Literatura ocorreu em 2015, com La Novia de Sandro. Na coletânea de poemas, Camila se propõe a investigar “os mistérios do amor travesti”, temática que se tornaria um dos braços condutores de toda a sua obra. Em 2019, foi a vez de revelar a então leitura do nosso Clube do Livro, um relato semi-biográfico, em que a autora narra seus anos de prostituição no Parque Sarmiento, em Córdoba. Traduzido para mais de 10 idiomas, o livro foi vencedor de prêmios internacionais, como o Finestres de Narrativa (Espanha, 2020) e o Grand Prix de l’Héroïne Madame Figaro (França, 2021). 

Construindo uma fortaleza ao lado de um grupo de amigas, fator representativo de uma comunidade que aprendeu a ancorar-se em si mesma, Camila Sosa Villada apresenta um relato cruel do que é ser travesti, em um país que ainda não se equipara à carnificina diária que é essa realidade no Brasil. E se apoia em doses necessárias de realismo fantástico, que, ao invés de amenizar, aprofundam ainda mais as feridas ali expostas. Se for possível resumir bem, a sinopse da narrativa assim o faz: “O romance O Parque da Irmãs Magníficas é isso tudo: um rito de iniciação, um conto de fadas ou uma história de terror, o retrato de uma identidade de grupo, um manifesto explosivo, uma visita guiada à imaginação da autora”. 

Ainda entre os feitos literários do nosso especial do Mês do Orgulho LGBTQIA+, o Persona Entrevista abriu as portas para Tobias Carvalho, autor de Visão Noturna e As Coisas, obra que se aprofunda sobre as relações homoafetivas e vencedora do Prêmio Sesc de Literatura, em 2018. Também foi tempo de condecorar um dos protagonistas da expansão da Literatura no projeto, no dia 7 de junho, o autor Mia Couto recebeu o título de Doutor Honoris Causa pela Universidade Estadual Paulista Júlio de Mesquita Filho. Essa constitui a mais elevada honraria concedida pela Unesp, que tem o objetivo de prestigiar o trabalho de personalidades nacionais e internacionais, que se destacaram por suas contribuições para a arte, a cultura, a sociedade e a promoção dos direitos humanos. 

O clima festivo para o meio literário tende a se prolongar no mês de Julho, que teve seu início marcado pelo retorno da Bienal Internacional do Livro de São Paulo. Mas, para fechar o importante ciclo que passou, fique com as indicações de autores LGBTQIA+ dos integrantes da Editoria em mais um Estante do Persona. 

Livro do Mês

Camila Sosa Villada – O Parque das Irmãs Magníficas (208 páginas, Tusquets Editores)

O abismo que existe entre a beleza e a violência é um lugar onde a Arte adora se jogar, mas há expressões que buscam ser ainda mais radical do que isso – e esse é o caso de Camila Sosa Villada, que encontra ali naquela interseção o local perfeito para estabelecer O Parque das Irmãs Magníficas. No caso da escritora argentina, esse lugar pode ser metaforicamente entendido como o Parque Sarmiento, que ao mesmo tempo em que acolhe a sua família travesti de Córdoba (fã de novelas e Gal Gosta e colorida pelo melhor rosa de mundo enquanto vive sete anos em um), é também o local que materializa toda gravidade do que significa estar no extremo da margem da sociedade.

Lá, ela floresce a brutalidade honesta de sua história num realismo fantástico que consegue ser muito mais verdadeiro do que o ideal de verossimilhança perseguido por muitas ficções. Las Malas, no original lançado em 2019, toma forma a partir dos registros que Camila manteve em um blog a partir do momento em que chegou na cidade para cursar a faculdade e conheceu as travestis do parque, o livro passeia por reflexões de identidade, pertencimento, amor e família sem se esquivar dos muitos momentos em que a dor, desamparo e solidão vindos do preconceito e da pobreza cruzam o caminho de suas personagens. Assim, ela define seu lar travesti: “Nessa casa, até a morte pode ser bela.”

Dicas do Mês

Maria Freitas – Cartas para Luísa (186 páginas, Se Liga Editorial)

Cartas para Luísa é uma obra epistolar que nos convida a conhecer Rafaela por meio das palavras grafadas em suas cartas. A personagem dedica suas mensagens à mulher que amava quando era adolescente e – entre lembranças e assinaturas – sentimentos que nunca disseram adeus transbordam em páginas datadas. A cada carta, uma peça da narrativa protagonizada por elas dez anos antes vem à tona acompanhada das frustrações, dores e arrependimentos da remetente. 

O livro tem autoria de Maria Freitas e ganhou o prêmio Mix Literário do ano de 2020, além de fazer parte da série Amor Entre Garotas junto dos títulos A Grande Chance de Ana Luna e Amélia Sem Filtro. O texto aborda de maneira sincera a vivência da bissexualidade, o entendimento das injustiças criadas pelo racismo, as relações familiares e a pauta da saúde mental. Cartas para Luísa despeja emoções com todo o melodrama que as controvérsias do amor merecem, mostrando como os clichês podem ser tão emo quanto uma música da Fresno. – Jamily Rigonatto

John Green e David Levithan – Will e Will (352 páginas, Galera)

Em uma noite fria, numa improvável esquina de Chicago, Will Grayson encontra… Will Grayson. Os dois adolescentes dividem o mesmo nome e a dor do coração partido. Um Will é amigo de um garoto gay de sua escola. O outro precisa abrir o jogo com a própria mãe a respeito de sua orientação sexual. Até que Tiny, o melhor amigo gay do primeiro Will, acaba se tornando o possível amor do outro Will. Esquecendo momentaneamente os romances heterossexuais que povoam sua Literatura, John Green se junta a David Levithan para escrever a quatro mãos a trama de dois homônimos em ebulição. 

E, por mais que Will e Will, que no Brasil ganhou o subtítulo Um Nome, um destino, junto da tradução de Raquel Zampil, passeie por temas comuns do mundo adolescente e esbarre em alguns clichês evitáveis, a inserção de um Grayson queer dá o tom de frescor que uma obra escrita pelo criador de Hazel Grace e Augustus Waters precisa. Fato é que, depois da parceria, Green e Levithan seguiram por seus caminhos individuais, mas o encontro atmosférico de 2010 marcou o período. – Vitor Evangelista

Elayne Baeta – Oxe, baby (213 páginas, Galera)

Em seu segundo lançamento sob o selo Galera, da Editora Record, a autora baiana Elayne Baeta leva suas histórias sobre vivências de mulheres lésbicas ainda além do que em sua obra de estreia, O amor não é óbvio. Oxe, baby é o primeiro livro de poemas da escritora e, neste, a pessoa que expõe suas experiências é ela mesma: a coletânea de textos, imagens, escritos, fotografias, colagens e rabiscos formam o diário de Elayne. E há melhor jeito de entender as vivências de alguém do que (literalmente) lendo o documento mais pessoal e íntimo dela?

A obra, descrita como “um caderno roubado de poesias de uma garota que ama garotas”, retrata a perspectiva da própria autora através de poemas e outras expressões artísticas. Oxe, baby aborda temas como aceitação da sexualidade e homofobia, orgulho, amores correspondidos e não correspondidos, paixões, sexo e solidão, construindo um quadro completo do que é ser uma mulher lésbica – pelo menos para Elayne Baeta. As vivências expostas ao longo das 213 páginas, porém, são inconfundíveis e ressoam profundamente nas leitoras que se identificam.

Ao contrário de O amor não é óbvio, no qual a escritora se debruça sobre os mesmos assuntos sutilmente durante uma narrativa ficcionalizada, Oxe, baby os traz com a dureza, a honestidade e também a beleza de quem os presenciou e sabe do que fala. Na obra, a personagem principal não é inventada ou adaptada, não tem um arco de desenvolvimento planejado e nem ações premeditadas por um autor segurando uma caneta. Aqui, a protagonista é a própria Elayne Baeta, mulher lésbica contando sua história. Através de analogias e metáforas, que tornam situações específicas em vivências quase universais de outras garotas sáficas, as leitoras viram, também, as protagonistas junto da autora. – Vitória Lopes Gomez

Paul B. Preciado – Um apartamento em Urano: Crônicas da travessia (320 páginas, Zahar)

O nome de Paul B. Preciado não é novo para quem já mergulhou nas profundas águas da teoria queer, tão contaminadas pelo pensamento pós-estruturalista e bebida pelas políticas pós-pornô. Sua filosofia, em que as experimentações misturam-se tanto ao seu próprio corpo quanto o do texto, são um convite às maneiras que identidades dissidentes podem ser manejadas no sistema cisgênero e heterossexual. No entanto, a novidade das crônicas de Um apartamento em Urano, é a pulsão do autor em criar novas utopias para serem sonhadas por pessoas LGBTQIA+. 

Em seus textos, Gilles Deleuze, Jean Genet, Virginia Woolf e Ursula K. Le Guin se encontram no que é um marco inaugural de uma nova maneira de se pensar a gênero e sexualidade. Ao se situar em um estado migrante, uma representação da transição social e hormonal de sua transsexualidade, Preciado envolve o leitor em sua viagem de gênero que tem como destino final Urano, um espaço proposto a ser ocupado por aqueles que rompem com a norma e que, consequentemente, negam os territórios da cisheteronormatividade.

Com temáticas que vão desde Julian Assange e as políticas estatais de informação até reflexões acerca da importância de dildos no sexo queer, o autor desmobiliza as estruturas da política e da cultura com sua disruptividade. Nas crônicas, Preciado submete Marx a uma oficina eco-socialista, olha criticamente para Lars Von Trier, sempre com suas lentes feministas, mas, antes de tudo, se volta com amor para aqueles sistematicamente negados desse sentimento. – Enzo Caramori

Ali Smith – Hotel mundo (232 páginas, Companhia das Letras)

Em uma cidade não especificada, uma camareira cai de um elevador de carga. Ela morre na primeira página. Esta é a história, “começa pelo fim”. Mas a bem da verdade, o fim, aqui, é puramente o começo. Desde o título de Hotel mundo (2009), a escocesa Ali Smith propõe um diálogo com o universo dos mortos: o Hotel Mundo, administrado pela rede internacional Hotel Global, é uma maravilhosa metáfora para a transitoriedade da vida, a qual se segmenta através de linhas tênues que nos unem à experiência dos mortos.

Essa visão periférica do todo só pode ser atestada por aqueles que observam de longe, de fora, quase como uma visão completa da História. Porém, Smith tem consciência de que é sempre difícil enxergar de dentro dos acontecimentos; por essa razão, interliga a trama de cinco mulheres – incluindo Sara, a camareira morta que continua vagando pelo mundo como o espectro de Hamlet – à historicidade e à passagem da vida através do tempo (como um hotel que passamos uns dias e depois partimos). Primeiro livro da autora a ser finalista do Booker Prize (em 2001), o livro chegou ao Brasil oito anos depois, sob tradução de Caetano W. Galindo.

Contudo, da mesma forma que a escritora constrói uma obra literariamente inventiva e filosoficamente instigante, Hotel mundo se consolida como uma meditação sobre os fios invisíveis que nos unem enquanto seres vivos, em uma trama meticulosamente interligada entre nós e nossos antepassados. A presença e a ausência daqueles que amamos moldam os momentos que constroem nosso mundo? Mais do que indagar, Ali Smith mostra que todos que passaram pela Terra – conhecidos, desconhecidos, vivos, mortos – estão intrinsecamente ligados a nossa própria História, pois habitavam o mesmo lugar que habitamos hoje, e em breve estaremos deixando: o Hotel Mundo. – Bruno Andrade

Álvares de Azevedo – Noite na Taverna (96 páginas, L&PM Editores)

Gótico e pessimista, Álvares de Azevedo é a entidade por trás do pseudônimo Job Stern que assina uma das obras mais instigantes da Literatura Brasileira, a póstuma antologia de contos Noite na Taverna. O representante maior do movimento ultrarromântico entrega a narração para Solfieri, Bertram, Gennaro, Claudius Hermann e Johann, cinco sujeitos que se reúnem em uma taverna para relatar as suas fúnebres desilusões amorosas. Publicado em 1855, o livro aborda tópicos sensíveis, entre eles, o canibalismo e a necrofilia, como uma forma de desafiar a sociedade da época.

Através de uma prosa carregada de sentimentalismo e angústia, Azevedo, um ser noturno, quase um vampiro, consegue fazer de Noite na Taverna uma das grandes conquistas artísticas da geração apelidada de mal-do-século. Tuberculoso quando não havia cura, ele deixou a vida como deixou o tédio com apenas 20 anos, mas não partiu antes de deixar uma carta para o seu confidente: “Adeus, meu Luiz. A beleza do espiritualismo é o amor das almas”. O fascínio pela relação motivou o historiador Jandiro Adriano Koch a escrever O crush de Álvares de Azevedo, texto que procura desvendar a homossexualidade do autor. – Nathalia Tetzner

Jeanne Callegari – Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável (192 páginas, Seoman)

Porque estou prestes a divulgar um relato pessoalíssimo, escrevo em primeira pessoa. Não como uma forma preguiçosa de facilitar a narrativa, mas como um recurso de aproximação entre aquilo que me resta do que já vivi e a tarefa confusa, mas curiosa de recomendar um livro que me marcou há alguns anos. Busco ser breve: Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável foi uma obra essencial para minha paixão turbulenta pela Literatura brasileira. Por meio dessas quase 200 páginas, ultrapassei o fascínio inicial dos Morangos Mofados recém-degustados e fui atrás de outras possibilidades heterogêneas de Caio, além das Anas Cristinas Césares e Hildas Hilsts que me acompanham até hoje.      

Biográfico, o texto de Jeanne Callegari rapidamente me conquistou. Aos poucos, fiquei instigado. Enfeitiçado. Ávido por um repertório que ainda não possuía: essa busca incessante pelas vias mais amplas. No calor do momento, a intensidade de leitura foi tamanha que aquela experiência mais parecia uma espécie de ambição utópica – a tentativa ingênua de manter contato com alguém que já se foi. No fim, Caio Fernando Abreu: inventário de um escritor irremediável foi a confirmação de que Caio F. não seria companheiro momentâneo nesta travessia imprevisível que apelidamos de vida.

Atualmente, pouco me lembro do que de fato li na biografia escrita por Callegari. O tempo não apagou todos os nomes, relatos e dados, mas o que definitivamente me resta é a sensação nostálgica daquela primeira imersão sedutora. Um sentimento que não deve voltar em futuras revisitações, mas que se perpetua aqui, em um texto breve e, talvez, até elíptico demais. Trata-se de uma dica baseada principalmente na emoção. Da paixão por um escritor brasileiro fundamental à cultura deste país à importância de se conhecer a vida de artistas LGBTQIAP+: assim se construiu – ou, quem sabe, foi construída – esta indicação. – Eduardo Rota Hilário

bell hooks – Ensinando a transgredir: A educação como prática da liberdade (288 páginas, Martins Fontes)

Dentre os muitos debates que constroem um Mês do Orgulho LBGTQIA+, um em especial é muito bem contemplado pela sabedoria de bell hooks em Ensinando a transgredir: A educação como prática da liberdade. A partir de suas experiências como professora em um contexto entendido como o centro do mundo globalizado e contemporâneo, a pensadora questiona as concepções tradicionais de educação, retirando cirurgicamente os reducionismos que cercam uma das esferas mais importantes e poderosas da nossa sociedade. 

No ensaio, a educação é entendida como o vetor das transformações que tanto buscamos em um mundo regido por um sistema que aprisiona singularidades – daí a relação do tema com a liberdade e a coisa mais preciosa do mundo para bell hooks, a revolução. Assim, Ensinando a transgredir vai muito além do nicho específico da pedagogia crítica, se revelando como o beabá de uma prática social humanista e se colocando num lugar de referência fundamental para tudo o que refletimos e reivindicamos durante esse mês: o direito fundamental à liberdade de existência. – Raquel Dutra

Oscar Wilde – O Retrato de Dorian Gray (223 páginas, Via Leitura) 

Causador de polêmica na sociedade inglesa ao ser lançado no final do século XIX, o único romance escrito por Oscar Wilde é uma verdadeira obra-prima que fascina pela beleza de sua prosa e por sua narrativa hipnótica, onde explora as consequências de uma vida hedonista desenfreada. A escrita de Wilde não é só bela como também é sensual, com um rico teor homoerótico que permeia toda a obra, destacando-se especialmente nas passagens onde Dorian interage com o pintor Basil Hallward. 

Ao discutir sobre arte e a obsessão estética pela juventude eterna de seu protagonista, o livro ainda permanece extremamente atual, servindo como reflexo de um contexto midiático permeado por celebridades que parecem não envelhecer nunca graças às milhares de cirurgias que o dinheiro possibilita. Até que ponto a beleza deixa de encantar as multidões e passa a ser macabra, trágica? Leia O Retrato de Dorian Gray e descubra. – Caio Machado

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Caio Machado

A primeira divisão binária que um ser humano encontra ao chegar no mundo é a de gênero. Menino e menina. O primeiro brinca de carrinho, a segunda brinca de casinha. Um veste azul, outra usa rosa, como disse uma figura execrável em Brasília certa vez. Mas por que essa divisão existe? Quem foi que a criou? Deus ou o ser humano? São todos questionamentos que permeiam Hedwig: Rock, Amor e Traição (Hedwig and the Angry Inch), filme que quebra esse muro tão precário com ousadia, Música e revolta.  

Na trama, acompanhamos Hedwig (John Cameron Mitchell), uma mulher transgênero que lidera uma banda de punk rock, a The Angry Inch. Enquanto percorrem os Estados Unidos, seguindo a turnê do astro Tommy Gnosis (Michael Pitt), temos um vislumbre do passado da protagonista, passando pela infância vivida na Berlim Oriental, sua cirurgia de redesignação de gênero forçada (e mal-sucedida) e a vinda aos EUA.  

Assim como Todd Haynes fez em Velvet Goldmine, em Hedwig, o ator e diretor John Cameron Mitchell compreende a Música, especificamente o rock, como um meio de acolhimento para vidas queer. Em flashbacks carregados de delicadeza e humor, o filme mostra a importância que figuras importantes do gênero, como Lou Reed e Iggy Pop, tiveram na formação da protagonista e seu autodescobrimento. O sentimento de identificação com essas personalidades foi fundamental para que se aceitasse como alguém fora do padrão heteronormativo. 

Através de uma cena curta, onde Hedwig ainda criança dança na cama enquanto “we are freaks” ecoa do rádio, o filme consegue demonstrar a melhor sensação que a Música é capaz de proporcionar: a de pertencimento. Sentir que você não está só no mundo e que aqueles versos, naquela melodia, estão conversando diretamente contigo. É um sentimento tão poderoso que devolve cor e força para vidas cinzentas e monótonas. 

A própria vida de Hedwig não foi nada fácil. Desde a infância, o sofrimento e a decepção sempre se mantiveram presentes. Mesmo assim, ela colocava a peruca, passava a maquiagem e seguia em frente, com a cabeça em pé e liderando sua banda. Nenhum personagem precisa falar para ela o quanto é forte pois qualquer momento onde Hedwig canta já diz isso. Performa sempre com uma intensidade capaz de mover multidões, mas seu público é pequeno. O filme faz questão de ressaltar o quanto ela e a banda destoam do ambiente e de quem frequenta o lugar onde se apresentam, mas não entende isso como motivo para chacota. Pelo contrário, vê como símbolo de força, de resistência. Não só Hedwig, mas todos do grupo têm uma confiança que é muito inspiradora. 

Esse espírito tão vibrante, tão corajoso permeia os 93 minutos da produção. Nela, as diferenças, sejam elas de aparência, comportamento ou o que for, são vistas como algo mágico. A magia, repleta de glitter, está presente tanto na vivacidade da fotografia quanto nas cenas onde a obra abraça seu lado fantasioso, como na inserção das letras de uma das músicas para que o espectador cante junto, igual a um karaokê, e nas animações, cheias de personalidade e que servem para ilustrar  as canções e histórias de vida da protagonista. 

Entre essas histórias, está o relacionamento conturbado com Tommy Gnosis. Há uma inocência muito bonita que acompanha as cenas no início da relação dos dois, onde o amor dela faz com que descubra mais sobre ele. À medida que Gnosis desbrava a própria sexualidade e não a aceita, o clima das interações entre os dois se torna profundamente melancólico e o filme se aproveita do drama gerado para ressaltar a ironia: é o que Tommy carrega no nome artístico, o conhecimento (gnosis), que causou a ruína de seu relacionamento com Hedwig. Mais uma vez, dor e decepção passaram pela vida da protagonista.  

À medida que a narrativa avança, a cantora e a banda têm seu instante de fama. A própria montagem do filme fica mais frenética para acompanhar a maior atenção que o grupo passa a receber. O ambiente onde apresentam muda, o antigo amor de Hedwig retorna, desta vez para pedir desculpas pelo erro do passado. A linearidade da trama é abandonada e a obra toma para si o caos, cheio de guitarras raivosas e ruído de amplificadores, para representar outra metamorfose da protagonista. 

Sem a peruca loira e sem roupas, a aceitação desta nova fase é chocante, mas também traz a liberdade. Agora, é um homem? Mulher? Nenhum dos dois e ambos. Definir sua existência nesses termos é muito simplista. De qualquer forma, continua caminhando. No Mês do Orgulho, sua história é uma incrível fonte de inspiração para todos que fazem parte da comunidade LGBTQIA+. É um incentivo maravilhoso para ser quem você é, sem medo, porque viver de acordo com as divisões que a sociedade impõe desde a infância só traz angústia. Somente abandonando esses “padrões” do século passado é que seremos livres de verdade. 

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Da viagem do Doutor Estranho pelo Multiverso da Loucura ao experimentalismo da 3ª temporada de Atlanta, passando pelo faroeste de Outer Range e o épico viking de Robert Eggers em O Homem do Norte, Maio foi um verdadeiro presente para aqueles que procuram um bom entretenimento. No mês que sediou um dos maiores festivais de Cinema do mundo, o Cineclube de Maio veio para, mais uma vez, mostrar o que rolou na Sétima Arte e nas telinhas da TV. 

Entre os aviões de Top Gun: Maverick e a ostentação glamourosa de Elvis, o Festival de Cannes celebrou um retorno aos cinemas premiando Triangle of Sadness com a Palma de Ouro. A vitória máxima é a segunda na carreira do diretor Ruben Ostlund, que já havia faturado com The Square. Melhor Direção ficou com Park Chan-Wook e seu Decision to Leave, enquanto em Roteiro deu Tarik Saleh e Boy From Heaven. O sul-coreano Song Kang-Ho foi o Melhor Ator por Broker e Sahra Amir Ebrahimi, a Melhor Atriz com Holy Spider. O Grand Prix foi dividido por Close e Stars at Noon, e o Prêmio do Júri marcou o empate entre EO e The Eight Mountains.  

Dentre os destaques do mês, temos A Vilã (Aknyeo), um filme sul-coreano disponível no Star+. A trama do longa conta a história de Sook-hee (Kim Ok-bin), uma assassina que foi treinada para matar. Seu ensinamento se iniciou durante a infância, na China, e sua ida à Coreia do Sul ocorreu após a morte de seu mentor. A viagem ao novo país veio com a promessa de uma vida diferente, em que a jovem serviria como agente do governo, vivendo como outra pessoa. No começo tudo ocorre conforme o planejado, até a chegada de Joong-sang (Shin Ha-kyun) e Hyun-soo (Sung Jun) que acabam com a paz da jovem. A película desenvolve uma narrativa repleta de ação e suspense, mas acabou resultado em uma avaliação morna no Rotten Tomatoes.

Navegando por mares gelados, o Persona aterrissou em terras nórdicas, onde se passa O Homem do Norte (The Northman) nas telonas dos cinemas. O filme narra a longa jornada de vingança do príncipe Amleth (Alexander Skarsgård), que durante de duas décadas, assumiu a missão de salvar a mãe e matar o tio, responsável pelo assassinato de seu pai quando o príncipe ainda era uma criança. Robert Eggers (de O Farol) apresentou uma composição grandiosa para retratar o povo viking, mas acabou pegando no tempo de desenvolvimento da trama. A obra ainda se destaca pelas atuações de Skarsgård e Anya Taylor-Joy, além das curtas aparições de Willem Dafoe, Ethan Hawke e Björk, que mesmo com pouco tempo  roubam a cena. 

Outras franquias de filmes deram continuidade a suas narrativas, como é o caso de Os Opostos Sempre se Atraem (Loin du Périph), da Netflix. O longa chega para dar sequência a Os Opostos se Atraem uma década depois, trazendo de volta Ousmane (Omar Sy) e François (Laurent Lafitte) para uma nova aventura policial: um caso de tráfico de drogas com muitas reviravoltas. O filme parecia promissor com a direção de Louis Leterrier (Lupin), porém a obra deixou a desejar em alguns aspectos. Com um plot twist fraco e tardio e um desenvolvimento superficial, Os Opostos Sempre se Atraem tem uma ideia muito boa que passou longe de ser bem aproveitada.

Quebrando a sequência de obras fictícias, Maio chegou com O Soldado que Não Existiu (Operation Mincemeat), baseado em uma história real e no livro de mesmo nome do escritor Ben Macintyre. O filme da Netflix narra a operação secreta, criada pela inteligência britânica, para enganar o exército nazista na Segunda Guerra Mundial, fazendo-o pensar que a Grécia seria o próximo alvo de tomada, quando, na verdade, o interesse real era Sicília. Com o propósito interessante de não se apoiar em cenas de ação repetitivas, a película apresentou uma premissa alarmante, mas acabou não se sustentando, o que tornou a narrativa maçante e sem emoção.

Seguindo por outros ares, Top Gun: Maverick retorna após longas décadas para dar continuidade a trama de Pete “Maverick” Mitchell como o piloto que sempre desafiou os limites. Mas, dessa vez, o seu principal obstáculo é provar que o fator humano ainda é necessário em um mundo dominado pela tecnologia. Enfrentando drones para além dos caças, o longa aproveita as novas funções dos efeitos visuais da atualidade e traz para a tela de Cinema um cenário espetacular e mais vivido em relação a versão de 1986. A direção exitosa de Joseph Kosinski (Oblivion), fez com que a história do piloto recebesse vastas críticas positivas e caminha para se tornar a maior bilheteria de estreia da carreira de Cruise.

Enquanto uns filmes voam, outros sofrem uma queda vertiginosa. Chamas da Vingança (Firestarter) é a segunda adaptação do romance homônimo de Stephen King e acompanha a jovem Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) em uma busca para descobrir como ela adquiriu o poder de incendiar as coisas com sua mente. O longa dirigido por Keith Thomas também conta com Zac Efron (Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal), Sydney Lemmon (Succession) e Kurtwood Smith (That ‘70s Show). Apesar da adaptação ser inspirada em uma obra do Rei do Terror, a obra tem recebido muitas críticas negativas, com 11% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Saindo do clima quente do incêndio e passando para o universo do samba, O Pai da Rita é uma comédia dramática sobre dois compositores da escola de samba Vai-Vai e a curiosidade em descobrir o parentesco da filha da passista que ambos já se apaixonaram. O longa nacional de Joel Zito Araújo (A Negação do Brasil) chega finalmente aos cinemas após participar da última Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e do Festival do Rio. Além disso, a obra conta com grandes nomes no elenco, como Ailton Graça e Paulo Betti, incluindo a participação mais que especial de Chico Buarque, artista que inspirou a obra.

Seguindo pela mesma linha tragicômica, o Amazon Prime Video lançou Emergency. Dirigido por Carey Williams, o longa acompanha três estudantes universitários, sendo dois deles negros e um latino, que voltam para casa e encontram uma mulher branca desconhecida inconsciente no chão de seu apartamento. A partir daí, eles tentam levá-la para um local seguro sem levantar suspeitas. O filme, que teve sua estreia no Festival de Sundance em 2022, conta com RJ Cyler (Eu, Você e a Garota que Vai Morrer), Sabrina Carpenter (Crush À Altura) e Donald Elise Watkins (The Underground Railroad) para dar vida aos personagens da história.

Outro filme divulgado no mês de maio que busca arrancar um sorriso dos telespectadores é De Volta ao Baile (Senior Year), disponível na Netflix. O longa é uma boa comédia sobre Stephanie (Rebel Wilson), que com 17 anos, sofreu um acidente e entrou em um coma de duas décadas, acordando disposta a se tornar a rainha do baile. O longa é divertido e recheado de referências aos anos 2000, desde a trilha sonora e a caracterização de Steph, até a rápida participação da patricinha que marcou uma era, Alicia Silverstone.

Mesclando a animação do live-action, Tico e Teco: Defensores da Lei (Chips n’ Dale: Rescue Rangers) foi uma grande surpresa deste mês, até mesmo para a Disney. Jogado na plataforma do Disney+ sem muito alarde, o filme, aos velhos moldes do boca a boca, foi conquistando seu público e crítica, e hoje é o live-action original do streaming de melhor colocação no Rotten Tomatoes, com seus 82%. Trazendo nomes como Andy Samberg, John Mulaney, J.K. Simmons e Seth Rogen, o longa é um poço de referências, inclusive fazendo justiça à primeira (e feia) versão do Sonic dos cinemas.

E Tico e Teco não foi a única animação que se destacou ao longo de maio. Após anos como uma série, Bob’s Burgers finalmente ganha um longa-metragem para chamar de seu. A trama se inicia com o rompimento de um cano que bloqueia a entrada da lanchonete. O incidente fracassou com os planos da família de lucrar durante o verão. Desse modo, Bob (H. Jon Benjamin) e Linda (John Roberts) se encarregam de manter os negócios funcionando enquanto as crianças tentam resolver os problemas do restaurante.

No universo das séries, a Netflix apostou novamente nas produções espanholas e obteve um bom resultado com Bem-Vindos ao Éden. A narrativa sobre cinco jovens que foram convidados para uma grande festa em uma ilha e se tornam prisioneiros no local é pouco surpreendente, mas é uma boa pedida para os amantes de mistério e já foi renovada para a segunda temporada. 

Em maio, o streaming também recebeu a terceira temporada de Love, Death + Robots, a antologia produzida por Tim Miller (Deadpool) e David Fincher (Garota Exemplar). O novo ano deixou de lado a contemplação característica de temporadas anteriores e focou suas forças na violência e na ação para dizer que a humanidade, graças ao seu ego e ambição, tende a ir de mal a pior. Com contos em sua maioria extremamente viscerais, a série é um prato cheio para os fãs de animação, com episódios excelentes como Viagem Ruim (Bad Travelling), a estreia de Fincher na direção da série, e o intrigante Fazendeiro (Jibaro). 

Na comédia, Mike Myers voltou à frente das câmeras em O Pentavirato (The Pentaverate). Mais escrachado e politicamente incorreto do que nunca, Myers faz uma espécie de Borat misturado com Casseta & Planeta, abordando um universo à la Dan Brown e criticando em cheio a sociedade atual – tanto a americana, que é o foco da piada, como até mesmo a brasileira. 

Mantendo a temática polêmica, a minissérie sueca Clark chegou à Netflix protagonizada pelo talentoso Bill Skarsgård, que interpreta o gângster celebridade Clark Olofsson. Com uma narrativa baseada na autobiografia do criminoso, a produção explora, de forma surreal e fantasiosa, a personalidade do homem que inspirou o termo Síndrome de Estocolmo. 

Também envolvendo crimes, O Poder e a Lei (The Lincoln Lawyer) é outro lançamento do gênero na Netflix. Na adaptação do livro The Brass Verdict, de Michael Connelly, o advogado Mickey Haller, famoso por trabalhar no banco de trás de seu carro, volta a desvendar casos de assassinato após se recuperar de um acidente de surfe e de seu vício em remédios para dor. Mesmo sendo um pouco clichê, a produção é cheia de casos e reviravoltas interessantes, o ideal para uma boa maratona. 

E é claro que Stranger Things não podia ficar de fora do Cineclube de maio. Nos 7 episódios do volume 1, os irmãos Duffer não se apressaram ao desenvolver a história para o quarto ano. Mais madura e aterrorizante, a história dos acontecimentos de Hawkins foca bastante na questão sobrenatural na nova temporada, indo para vertentes como a possessão demoníaca e casas mal-assombradas. 

As escolhas de homenagem tão características dos Duffer se provaram como as mais acertadas em todos esses anos de série. Desde a trilha sonora impecável (e que ressuscitou Kate Bush nas paradas musicais) até a inspiração no clássico A Hora do Pesadelo, tudo foi muito bem pensado para entregar a temporada mais memorável da série até aqui. 

No Prime Video, Outer Range misturou faroeste, thriller e ficção científica em uma narrativa que acompanha um fazendeiro, interpretado por Josh Brolin, na luta por sua terra e família quando descobre um mistério no deserto do Wyoming. Com 8 episódios de duração em torno de 1 hora cada, o elenco também conta com Imogen Poots (Vivarium), Lili Taylor (Invocação do Mal) e Will Patton (Yellowstone). 

No HBO Max, Naomi, série da CW inspirada no quadrinho de mesmo nome, trouxe a representatividade, ou melhor, a normalização para as garotas que ainda não se enxergavam no universo da DC na Televisão estadunidense e no streaming. Protagonizada por uma jovem heroína negra com superpoderes extraordinários, vivida por Kaci Walfall, a produção de Ava DuVernay, cineasta conhecida por abordar os direitos civis em obras como Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2014) e Olhos Que Condenam (2019) e indicada ao Oscar por A 13ª Emenda (2016), refrescou a narrativa de super-heróis, mas infelizmente não conquistou o grande público e o final do seriado foi decretado ainda em sua primeira temporada. 

Mas a diretora ascendeu como uma das participações especiais do ano três de A Black Lady Sketch Show, que é tão mágico quanto os anteriores. Ao lado do time de protagonistas, a nova temporada da série da HBO também contou com Raven-Symoné e Michaela Jaé Rodriguez como convidadas. Para os fãs de esportes, Lakers: Hora de Vencer (Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty) chegou ao fim aclamada pela crítica especializada, mas esquecida pela audiência de fora dos EUA. Com produção de Adam McKay, o drama esportivo que narra a ascensão dos Lakers é uma das apostas da emissora para a temporada de premiações e tem promessa confirmada de uma nova temporada vindo aí. 

Maio também foi o mês do retorno do time de The Wire para contar uma nova história na Televisão em A Cidade É Nossa (We Own This City). A trama de corrupção e crime, adaptada do livro de Justin Fenton, tem Jon Bernthal e Wunmi Mosaku como destaques no elenco e conta com direção de Reinaldo Marcus Green (King Richard) em todos os 6 episódios. 

Quem também retornou foi a distopia futurista Made for Love, que se mantém relevante pela interpretação magnética de Cristin Milioti na segunda temporada (mas não conseguiu driblar o cancelamento pela rede), e The Flight Attendant, em um segundo ano não tão bom quanto o esperado. Trazendo de volta uma trama policial, a nova temporada narra a vida de Cassie em Los Angeles, sóbria há um ano e vivendo a vida dupla de comissária de bordo e espiã. A produção clichê e surreal deixa a desejar em vários aspectos, mas Kaley Cuoco ainda entrega uma ótima atuação, se dedicando totalmente a todas as facetas dela mesma. 

O mês também marcou a volta de Atlanta, 4 anos depois da segunda temporada, em uma nova leva de aventuras que chega com gosto e cheiro de antologia. Dessa vez em turnê pela Europa, o grupo de amigos enfrenta poucas e boas, mas não sem o time criativo, comandado pelo criador, roteirista, diretor, produtor e ator Donald Glover, salpicar tramas paralelas, episódios isolados e um surrealismo que soa cada vez mais suburbano. Entre os destaques do penúltimo ano da premiada produção do FX, sobra espaço para o brilhantismo de Brian Tyree Henry, Zazie Beetz e do próprio Glover, além de participações de tirar o fôlego, que vão de Liam Neeson a Alexander Skarsgård. 

No Disney+, Cavaleiro da Lua (Moon Knight) chegou ao fim de forma modesta. Protagonizada por muitas versões de Oscar Isaac, a série do MCU não procurou se integrar à força do restante do Universo Compartilhado. Em uma trama onde um funcionário de museu é atormentado por visões e logo se vê refém de um deus egípcio, uma investigação mortal e uma persona super-heróica que enche as telas, a minissérie teve seu episódio final exibido na mesma semana de estreia do novo Doutor Estranho, resultando em uma repercussão menor que o esperado. Na balança, a investida da Marvel na mitologia egípcia rendeu momentos deleitosos da interpretação de Isaac, que escorregava precisamente entre a rigidez e a leveza, acompanhado pela presença sempre eletrizante de Ethan Hawke e da cativante May Calamawy.

O streaming também foi palco para o reboot de Anos Incríveis (The Wonder Years), que traz uma nova perspectiva brilhante. Ainda no contexto dos Estados Unidos dos anos 1960, a produção recente conta a história de uma família negra de classe média pelos olhos de uma criança de 12 anos, o pequeno Dean, interpretado por Elisha Williams. A série, que começou a ser lançada semanalmente em setembro de 2021, mistura perfeitamente a comédia com críticas e pautas raciais importantíssimas, sem perder a leveza. O sucesso foi tanto que os fãs podem esperar uma segunda temporada.  

Em maio, Ellen DeGeneres colocou um ponto final no seu tradicional bate-papo vespertino, The Ellen DeGeneres Show. Envolvida em inúmeras acusações de assédio moral e racismo, a apresentadora encerrou o programa em sua 19ª temporada e contou com convidados especiais no comando do show, além de trazer de volta Sophia Grace e Rosie, 11 anos depois do cover icônico de Super Bass da Nicki Minaj. 

Seguindo a onda intragável de ficções baseadas em crimes reais, a minissérie The Girl From Plainview chegou inspirada na história do caso de “suicídio por mensagem de texto”. Irreconhecível na maquiagem de Michelle Carter, Elle Fanning brilha ao lado de uma costumeiramente eficaz Chloë Sevigny, mas, fora do âmbito das atrizes, a produção parece não decolar, soterrada por outras opções mais interessantes do gênero. 

No Star+, a 2ª temporada de Dollface finalmente chegou aos fãs brasileiros depois de quase 3 anos de adiamento devido a pandemia de covid-19. Porém, junto com os novos episódios, veio a notícia do encerramento da série estrelada por Kat Dennings e que acompanha a protagonista Jules Wiley e seu desejo em reatar as amizades femininas esquecidas pelo caminho. 

O serviço também recebeu as 15 temporadas de It’s Always Sunny In Philadelphia, sitcom que até então estava no limbo das comédias esquecidas pelos streamings brasileiros. Crua, politicamente incorreta e escrachada, a série acompanha 4 amigos que são as pessoas mais desprezíveis (e, por isso, mais humanas) e que tentam tocar um pub na Filadélfia, antes de receberem a valiosa adição de Danny DeVitto ao elenco. 

Neste mês, depois de 6 anos, as crônicas da família Pearson deixaram de chegar até nós – mas não de existir, conforme a última temporada de This Is Us procurou deixar bem claro. Como de costume, a temporada apresentou uma maioria de episódios carregados emocionalmente, mas a sobriedade do último surpreende os espectadores mais sensíveis com uma escolha muito bem sucedida para finalizar a história. Com o cuidado de sempre para com os seus personagens e a sua história – o que seguiu destacando os preciosos roteiros da série como a parte de maior sucesso da produção até o seu fim -, a temporada final do sucesso da ABC deixou seus fãs com a paz de saber que a nossa família Pearson ficaria em boas mãos, com seus passados, presentes e futuros curados, concluindo o processo que a série iniciou em 2016.

No Hulu, a minissérie Conversas Entre Amigos (Conversations with Friends) assumiu o difícil trabalho de apresentar mais uma história millennial de Sally Rooney para quem tomou o romance de Marianne e Connel em Normal People como uma das melhores coisas de 2020. O resultado, evidentemente, não foi o mesmo da primeira adaptação. Com avaliações baixas em agregadores de críticas, a série ficou mais no boca a boca de quem acompanha o mundinho – e isso não é um defeito, já que uma parte significativa da ala de criação da série é composta pelas mesmas pessoas que realizaram Normal People no audiovisual, incluindo a própria autora no roteiro. 

A produção acabou unindo todo o universo Sally Rooney, com uma canção original de Phoebe Bridgers na trilha sonora e o protagonismo de Joe Alwyn (sim, o possivelmente noivo de Taylor Swift), que contracena com Alison Oliver, Sasha Lane e Jemima Kirke. E para aqueles que gostam de programas musicais, Katy Perry, Lionel Richie e Luke Bryan finalizaram o quinto ano seguido do trio na bancada do American Idol. O tradicional reality estadunidense completou duas décadas no ar e teve Noah Thompson, um jovem cantor de 20 anos, como grande vencedor da 20ª temporada. 

No mês, os noveleiros tiveram que dar adeus à Quanto Mais Vida, Melhor!, que resgatou o espírito despretensioso das novelas da sete na TV Globo e terminou em uma nota alta. Com uma trama simples, onde quatro desconhecidos são presenteados com uma segunda chance da Morte após morrerem em uma queda de avião, o roteiro de Mauro Wilson soube contornar suas lacunas com precisão, como na fase da troca de corpos, responsável direta pela guinada do folhetim nas redes sociais. No elenco, Giovanna Antonelli, Mateus Solano, Valentina Herszage e Vladimir Brichta se entregaram de corpo e alma a seus personagens. 

Na Apple TV+, os fãs de espionagem foram presenteados com a 1ª temporada de Slow Horses. Adaptação do romance homônimo de Mick Herron, o drama acompanha um grupo formado por agentes da inteligência britânica que cometeram erros no passado e atuam no departamento de despejo do MI5, apelidado de Slough House. Entre os destaques do elenco, estão Gary Oldman (O Destino de uma Nação), Olivia Cooke (O Som do Silêncio), Kristin Scott Thomas (Quatro Casamentos e um Funeral) e Jack Lowden (Dunkirk). Apesar da segunda temporada ainda não ter estreado, a série teve sua 3ª e 4ª temporadas confirmadas. 

Para Junho, teremos a estreia de uma Ms. Marvel efervescente em poder e juventude, uma incursão pelo multiverso mágico e nada óbvio em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All at Once), o retorno dos dinossauros mais queridos do mundo em Jurassic World: Domínio e muito, muito mais. No Persona, você acompanha tudo o que rolou no mundo do audiovisual, sempre acompanhado das melhores dicas que esse meio tem a oferecer. Até a próxima! 

Texto: Caio Machado e Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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Se o mês passado esquentou as telonas com a versão em couro e tesão do Batman de Robert Pattinson, Abril foi marcado pelo verdadeiro estopim de múltiplos lançamentos imperdíveis. Mas, antes de destrinchar o amor perfeito de Heartstopper, as tragédias de Ozark, a potência de Medida Provisória e a resiliência de RuPaul’s Drag Race, é hora de nos despedirmos do Blue Sky Studios, propriedade adquirida pela Disney no ano passado e agora oficialmente extinto. Responsável por sucessos que iam de Rio à Era do Gelo, os animadores da empresa atingiram a jugular do público quando, no tchau, recompensaram o esquilo Scrat com a sonhada noz que movimentou uma saga de filmes jurássicos e gélidos. 

Ainda nos eventos que moldaram o quarto mês de 2022, o Festival de Cannes anunciou a programação de sua 75ª edição, com direito a destaque históricos para as mulheres cineastas, retorno de nomes consagrados da Sétima Arte e até um aceno importantíssimo para o sertão marítimo do Brasil de ontem, com a exibição em qualidade 4K de Deus e o Diabo na Terra do Sol, clássico de Glauber Rocha já exibido em terras francesas mais de 50 anos atrás. 

De fato em terras nacionais, a vigésima segunda edição do Big Brother Brasil chegou ao fim longe do apelo e da relevância de suas antecessoras. Coroando o ator Arthur Aguiar como o campeão do ano, o reality se escorou no apelo dos fãs do artista nas redes sociais, tudo arquitetado por uma esposa expert no marketing digital e em um elenco que não viveu à altura do legado da turma de Thelma e Juliette. Se quem venceu o prêmio de 1 milhão e meio saiu desgostado pelo público, os eliminados prematuramente sorriram alegres no Carnaval de Abril.

 De Jade Picon a Lucas Bissoli, de Gustavo Beats à Dra. Laís Caldas, passando pelas comadres Naiara Azevedo, Jessilane Alves e Natalia Deodato, o nome máximo do BBB 22 é Lina Pereira. A Linn da Quebrada, que não deixa de ser Linda Quebrada e Linda Que Brada, tomou o Brasil de supetão, conquistando pela simpatia, pelo ar da graça e pela presença nunca antes sentida por entre as quatro paredes da casa mais vigiada. Além da cantora, atriz e agitadora cultural, Pedro Scooby, Douglas Silva e Paulo André ganharam status de queridos da audiência, com direito a desfile de modelitos fashion no Baile da Vogue, que esse ano brindou a brasilidade fantástica. 

Na ficção, após uma leva de projetos menores que sucederam Boyhood (2014), Richard Linklater está de volta à ativa na nova aposta da Netflix, Apollo 10 e Meio. E Linklater não só voltou a boa forma mas também aos campos em que domina: as crônicas da vida comum, principalmente da infância e adolescência e a rotoscopia. O filme, que é uma espécie de semi-autobiografia do diretor, conta a história de Stan, um jovem que, após um erro de cálculo da NASA que faz com que a cabine do futuro Apollo 11 fosse pequena demais para um adulto, é recrutado para a agora Apollo 10 e Meio.

O diretor prefere se abster de uma crítica política mais ácida ao período da época para dar foco em como a Guerra do Vietnã e a contracultura interferiram na visão que o jovem Stan tem do mundo durante seu processo de amadurecimento. Vale ressaltar que, além da técnica de rotoscopia, outros méritos de Apollo 10 ½: A Space Age Adventure vão também para as atuações, incluindo a deliciosa narração do Jack Black; e para a trilha sonora psicodélica dos anos sessenta que casa perfeitamente com o estilo de animação.

Longe do sucesso crítico do novo trabalho de Linklater, o diretor Judd Apatow decidiu satirizar um set de filmagens em período de pandemia em A Bolha (The Bubble). Ainda na Netflix, misturando a leveza e a pegada despojada, o cineasta Peter Sollett dirigiu o roteiro de D. B. Weiss (um dos produtores de Game of Thrones) e deu vida a Metal Lords, que narra a jornada de três adolescentes deslocados que têm paixão pela Música, especialmente pelo heavy metal, gênero homenageado com as participações de Kirk Hammett (Metallica), Rob Halford (Judas Priest), Scott Ian (Anthrax) e Tom Morello (Rage Against the Machine, que atua como produtor executivo).

O filme possui protagonistas que estão em seu próprio caminho de autodescobrimento e autoaceitação: Kevin (Jaeden Martell), que inicia a trama sem saber muito sobre o gênero musical e sua relação com ele; Hunter (Adrian Greensmith), que tem problemas para lidar com emoções e interações sociais; e Emily (Isis Hainsworth), tímida, mas propensa a ataques de fúria. Juntos, o trio se torna a banda Skull Fucker (posteriormente Skull Flower) e enfrenta a banda pop Mollycoddle, liderada por Clay (Noah Urrea). 

Asa Butterfield pode até estampar o material promocional de Escolha ou Morra (Choose or Die), mas a estrela de Sex Education fica na sombra de Lola Evans, a verdadeira protagonista do terror dirigido por Toby Meakins. Mais catastrófico que ele foi a estreia de 365 Dias: Hoje. Continuando o fracasso de crítica mas sucesso de público 365 dni, o longa romantiza questões problemáticas e se vende com um pornô estiloso demais para os sites gratuitos. 

Meses depois de hipnotizar o público do Festival de Berlim, Pequena Mamãe (Petite Maman) chegou ao Brasil através do Amazon Prime Video. Munido do realismo fantástico único com o qual Céline Sciamma tem assinado suas últimas obras, o filme mais recente da diretora francesa carrega, desde sua estreia na capital alemã em 2021, a difícil tarefa de suceder o espetáculo de Retrato de Uma Jovem em Chamas – e aqui vai um spoiler amigo: tudo o que a história de Marion (Gabrielle Sanz) e Nelly (Josephine Sanz) deseja e concretiza é existir por si mesma.

Isso é quase uma alegoria para o próprio filme, que trabalha uma narrativa de amadurecimento de forma objetivamente simples e subjetivamente complexa. Ao viver o luto de sua avó, a pequena Marion guarda em seus olhares tímidos e curiosos a necessidade de entender um dos momentos mais delicados da vida de sua família aos oito anos. Na condução gentil e firme de Sciamma, Pequena Mamãe relaciona dimensões emocionais intergeracionais sem qualquer pretensão de extrair uma exaustiva análise psicológica de suas personagens naturalmente encantadoras – definitivamente, a habilidade nata do Cinema de Céline Sciamma.  

Enquanto não chegava ao fim da exibição de Cavaleiro da Lua, o streaming do Mickey presenteou os fãs de musicais. Primeiro com Apresentando, Nate (Better Nate Than Ever), que tem Joshua Bassett no elenco. Depois, com Os Simpsons: Quando Billie Eilish Encontra Lisa (The Simpsons: When Billie Met Lisa). A obra narra a busca da filha do meio da família de seres amarelos por um ambiente tranquilo para tocar saxofone, quando acaba se deparando com a cantora. Apesar da duração de quatro minutos, não faltou tempo para a trama fazer piadas com a Disney, com o produtor musical Finneas O’Connell e, até mesmo, com a própria Eilish.

Em Abril, a MUBI foi palco de duas notórias produções estrangeiras. Com a Itália como cenário do longa, O Conto do Caranguejo Rei (The Tale of King Crab), filme dirigido por Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis, narra uma história de conflitos entre Luciano, um aldeão que vive na Tuscia, e o príncipe da região. Essa intriga resulta no exílio do plebeu, que passa a viver em Tierra del Fuego com escavadores de ouro. 

White Building, o escolhido a representante cambojano na disputa pela vaga de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, também marca a estreia do diretor Neang Kavich em longas. O filme conta a história de Samnang, um aspirante a dançarino de 20 anos que vive com seus dois amigos e familiares em um prédio fadado à demolição na capital Phnom Penh. Para lidar com o estrangulamento que uma cidade em constante mudança causa em um jovem também em mudança, o diretor aposta na contemplação e nos planos longos, fazendo do filme, mais um expoente do slow cinema.

Entre os grandes lançamentos de terror de 2022, X tinha um lugar especial no pódio das expectativas. O slasher distribuído pela A24 é dirigido por Ti West (A Casa do Demônio) e acompanha uma equipe que decide fazer um filme adulto na região rural do Texas, no final da década de 1970. Quando seus anfitriões reclusos os pegam no flagra, o grupo passa a lutar desesperadamente por suas vidas. Aguardado pelos fãs de filmes do gênero, X tem um ritmo lento, utilizado para estabelecer bem a dinâmica entre os personagens e o ambiente rural inóspito. 

No entanto, a demora para que a violência exploda de vez e a repetição excessiva de temas ligados à religião mostram que o filme não aproveita todo o potencial para o terror que estabelece na maior parte de sua duração. É fato que o longa entrega uma dose considerável de sangue nos últimos 20 minutos, mas poderia ter ido mais fundo na luta pela sobrevivência que os personagens estavam experienciando. O grande destaque vai para Mia Goth (Emma.) e Jenna Ortega (Pânico), que se entregam completamente aos seus respectivos papéis e exibem atuações viscerais perfeitas para o gênero no qual estão inseridas. 

Algumas semanas antes de comemorar os 20 anos de Homem-Aranha e mergulhar na loucura de Doutor Estranho 2, o diretor Sam Raimi produziu outro terror de Abril: Umma. Estrelado por Sandra Oh, a obra narra a história de Amanda e sua filha, que vivem uma vida pacata em uma fazenda americana. Quando os restos mortais da mãe ausente da primeira chegam da Coreia do Sul, ela passa a ser assombrada pelas memórias e pelo medo de se transformar na própria mãe. Apesar da premissa promissora, Umma não caiu no gosto da audiência, marcando o quarto mês de 2022 de maneira negativa para Oh, que também deu adeus a uma nada inspirada temporada final de Killing Eve.

Se a ex-médica de Grey’s Anatomy se encontra numa maré de azar, Nicolas Cage deu um cavalo de pau na carreira e agora surfa na aclamação. Após uma série de projetos extremamente duvidosos, surgiu a piada em Hollywood de que Cage aceitava qualquer papel por 1 milhão de dólares, tanto que, ele virou a personificação de ator com boleto para pagar (ou com dívida de jogo, como já diria Isabela Boscov). É justamente a partir dessa premissa que O Peso do Talento se desenvolve. 

Mesmo sendo uma comédia baseada em uma piada, The Unbearable Weight of Massive Talent é uma ode a um dos atores mais excêntricos, carismáticos e adorados do Cinema. Ele aqui abraça a piada e desenvolve uma química fenomenal com Pedro Pascal ao longo da história, que propositalmente é desenvolvida como se fosse um dos filmes mais mirabolantes do qual o ator aceitou participar. O longa é muito consciente ao misturar a comédia encarnada na carreira do vencedor do Oscar ao mesmo tempo que o homenageia com seus momentos de ternura, dando a Cage o que é de Cage.

Mais movimentadas do que nunca, as salas de cinema receberam grandes nomes de Hollywood e do Brasil no mês. A começar por Medida Provisória, primeiro longa dirigido por Lázaro Ramos, que nos apresenta a um futuro distópico em que um governo tirano promove medidas para deportar os cidadãos brasileiros negros para o continente africano. A ideia absurda desencadeia uma série de protestos e movimentos de resistência pelo território nacional. O filme, que apresenta um tom crítico semelhante ao de Bacurau, escalou grandes nomes para compor o elenco, como Taís Araújo, Adriana Esteves, Seu Jorge, Emicida, Renata Sorrah e Alfred Enoch.

Em alta por seu papel na majestosa Pantanal, Dira Paes protagoniza Pureza. O filme estreou no 52º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, fez campanha para o Oscar 2021 e percorreu várias premiações até chegar aos cinemas, após dois anos de pandemia. A história, como esperado, é dolorosa e nada fácil de encarar: no começo da década de 90, uma mãe dava início a busca por seu filho, que havia saído de casa para tentar a vida nos garimpos da Amazônia.

Munida apenas da roupa do corpo e do amor de mãe, Pureza Lopes Loiola descobriu que ele provavelmente estaria trabalhando em condições análogas a escravidão. Até resgatá-lo, ela mergulhou na realidade brasileira que ainda possui raízes no trabalho escravo. Responsável direta pela criação do Grupo Especial de Fiscalização Móvel, Pureza deu o nome e a história para o longa de Renato Barbieri, cineasta de Atlântico Negro – Na Rota dos Orixás (1998) e Cora Coralina – Todas as Vidas (2015), que toma uma certa liberdade criativa para sustentar o drama biográfico. 

Com passagem pela 44ª Mostra de SP, outro título que passou por festivais antes de chegar às salas comerciais foi Mar de Dentro. Daiana Toffoli, a diretora de Manhãs de Setembro (2021) e De Volta Aos 15 (2022) assina um longa-metragem pela primeira vez na carreira, mergulhando Monica Iozzi nas profundezas de uma gravidez não planejada. Na pele de Manuela, uma publicitária bem sucedida, a atriz encara e escancara a complexidade de uma gestação.

Grande título internacional do mês, e após quatro anos de jejum da saga, Animais Fantásticos retorna para o seu terceiro filme, dessa vez com uma história centrada entre a Alemanha e o Butão. Os Segredos de Dumbledore apresenta uma história muito mais política do que mágica, com as eleições para a Confederação Internacional dos Bruxos como holofote da narrativa, o que deixa os segredos do diretor de Hogwarts de lado.

The Secrets of Dumbledore conta com o retorno de David Yates na cadeira de direção, com um roteiro assinado por J. K. Rowling e Steve Kloves (chamado às pressas depois do fracasso colossal do volume anterior). Também reprisam seus papéis Eddie Redmayne, Jude Law e Dan Fogler, com alguns atores novos adicionados à franquia, como William Nadylam e a incrível Maria Fernando Cândido. Importante ressaltar a presença quase nula de Katherine Waterson, atriz que bateu de frente aos comentários transfóbicos de Rowling e, mesmo sendo o par do protagonista, mal aparece no filme.

Não tem jeito, não importa o charme de Jude Law ou os números pífios de bilheteria que podem acabar com a chance da série ganhar mais filmes, todas as manchetes se voltam para o elenco problemático da franquia. Em julgamento por abuso e violência doméstica, Johnny Depp foi demitido e substituído por Mads Mikkelsen no papel do vilão Grindelwald. A escolha, acertada em gênero, número e grau, denota o talento do norueguês, que não tenta imitar o americano, dando ao bruxo suas próprias características e nuances. 

Figurinha carimbada das comédias românticas, Sandra Bullock revisita o seu passado pela direção dos irmãos Aaron e Adam Nee em Cidade Perdida, o novo longa de aventura da Paramount Pictures para o Cinema. Bullock interpreta Loretta Sage, uma autora que é raptada durante a turnê de divulgação do seu mais novo romance. Ao lado de Channing Tatum na pele de Alan, o modelo de capa do livro, a satirização de clichês tenta a todo custo tirar a risada de quem assiste.

Em uma participação especial que faz o público pedir bis, Brad Pitt não tem medo do ridículo e encara a melhor versão do agente desastrado Jack Trainer. O cargo de vilão é trabalho para Daniel Radcliffe, o sequestrador Abigail Fairfax. The Lost City é despretensiosa na mesma medida que genial. Com um elenco de peso, o blockbuster deve arrecadar o suficiente em bilheteria para cobrir o seu custo de 68 milhões de dólares.

Outro sucesso do mês pascoal foi o ouriço azul mais veloz do planeta. Em Sonic 2 – O Filme, as aventuras do personagem titular, dublado por Ben Schwartz, mais uma vez se cruzam com o super vilão Dr Robotnik (Jim Carrey) e recebem a benção de Knuckles (Idris Elba) e Tails (Colleen O’Shaughnessey). Aqui está o escolhido do mês como o filme-para-toda-a-família: inspirando o revival do ícone dos anos 90 no imaginário da geração Z, a sequência entrega o carisma que promete com o seu elenco e faz a saga caminhar em direção à superação dos percalços passados. 

No campo das animações, uma das maiores bilheterias na história dos animes e dono de um selo Fresh no Rotten Tomatoes, Jujutsu Kaisen 0 é o filme inspirado no mangá de mesmo nome que antecede o quadrinho de sucesso Jujutsu Kaisen. O Volume 0 narra as aventuras sobrenaturais de Yuta Okkotsu, um jovem assombrado pela sua amiga de infância e paixão platônica Rika Orimoto. Ambientado em Tóquio, o desenvolvimento da trama toma forma quando Okkotsu acaba se matriculando em um Colégio Técnico de Jujutsu repleto de mistérios. 

Para fechar os filmes prestigiados nas salas, a coprodução ítalo-brasileira, O Traidor recebeu aplausos e elogios desde sua estreia no Festival de Cannes em 2019, se tornando um dos mais premiados filmes do Cinema italiano recente. Anos depois, o público geral finalmente poderá assistir Marco Bellocchio em toda a sua glória.

Do mesmo diretor de De Punhos Cerrados (1965) e Vincere (2009), não é de se estranhar o cunho crítico com o qual O Traidor trata a política italiana. O filme é baseado na vida de Tommaso Buscetta, mafioso da Cosa Nostra que posteriormente colaborou com a justiça para delatar o esquema de corrupção. A atriz brasileira Maria Fernanda Cândido, em dose dupla nos cartazes do Cinema em abril, interpreta a esposa de Buscetta, Maria Cristina de Almeida Guimarães.

A Televisão de Abril pode muito bem ser dividida entre estreias empolgantes e conclusões aguardadas. Na Netflix, Ozark se despediu menos emaranhada do que de costume. Depois de respirar à beira do precipício com o sétimo episódio, a parcela final da quarta temporada movimenta os personagens entre o cartel, o FBI e a ascensão política. Marty (Jason Bateman) solta a embreagem e permite pequenas explosões, ao passo que Ruth (Julia Garner) tem material suficiente para marcar a História das telinhas.

Melhor e mais destemida do que antes, Wendy (Laura Linney) usa a loucura como carta magna nos momentos de escrever seu futuro. Depois de 44 episódios recheados de tensão, filtro azul e muitos sotaques caipiras, o veículo mais sóbrio da Netflix desata seus nós versando sobre o legado, o amor familiar e a falta de consequências para os abastados. O mundo é dos privilegiados, mas isso Ozark já havia nos dito desde 2017. Meia década depois, a lembrança é amarga, mas nunca surpreendente. 

Três anos depois de dobrar o tempo com a primeira temporada de Boneca Russa, Natasha Lyonne retorna. O ano dois, que dessa vez se envereda para viagens no tempo e um bocado de trauma familiar, é ainda mais inventivo que a estreia, por mais que a ideia de dar continuidade a algo tão único e singular como Russian Doll possa soar profano. E para quem ainda bate o pé sem vontade de mergulhar em 7 novos capítulos, a participação hiper-especial de Annie Murphy é o bastante para o convencimento. 

Grace and Frankie acabou na 7ª temporada, se tornando a produção original da Netflix com o maior número de episódios lançados. Ainda no tudum, David E. Kelley pulou da HBO para criar e escrever Anatomia de um Escândalo (Anatomy of a Scandal), um mistério que toma de base o livro de Sarah Vaughan. E se os assinantes do streaming esperavam melhorias para a quinta temporada de Elite, eles se decepcionaram mais uma vez. O quinto ano da série continua se apoiando em um plot reciclado, que alterrna entre um caso de assassinato e muitas cenas de sexo apelativas. 

Entre os personagens originais, ficaram apenas Samuel (Itzan Escamilla) e Omar (Omar Ayuoso), que aparecem com personalidades e uma amizade que nada têm a ver com o início da produção. Já entre rostinhos novos estão Isadora (Valentina Zenere), Iván (o brasileiro André Lamoglia), Bilal (Adam Nouru) e Cruz (Carloto Cotta), mas nem mesmo a adição deles conseguiu movimentar a história maçante. Toda a trama se desenvolve de forma superficial e repetitiva, e, apesar de abordar assuntos importantes (como discussões que perpassam os tabus do estupro, pedofilia, abuso psicológico e vício), a maioria é tratada de forma irresponsável e irreal. Uma sexta temporada já foi confirmada, e só o que resta para os fãs é rezar por uma luz no fim do túnel. 

Para os românticos de plantão, Abril findou a espera pela adaptação de Heartstopper. Com o envolvimento da autora Alice Oseman, a saga de Charlie e Nick foi levada às telinhas com a leveza das HQs, incrementada pelas performances deliciosas de Joe Locke, Kit Connor e companhia. Ainda sem confirmação de uma bem-vinda temporada dois, a história do encontro entre dois garotos borbulha nas redes sociais e fumega para além das telas, dando à comunidade queer um amor idealizado, perfeito e impossível de largar.

Na contramão das borboletas no estômago da paixão juvenil, a Apple TV+ chegou com duas pedradas. Depois de desbancar gigantes do streaming no último Oscar, a produtora resolveu iniciar a temporada com os dois pés na porta com a postulante a melhor série do ano, Ruptura (Severance). Com um elenco que tem nomes como Adam Scott, Christopher Walken, John Turturro e a queridinha da Televisão Patricia Arquette, a produção é um deleite de ficção científica. Seu roteiro, que mistura toques de Black Mirror, O Show de Truman e David Lynch, foi milimetricamente escrito e faz com que os mistérios da trama e seus vislumbres de surrealismo se desenvolvam de forma muito engenhosa e cativante. 

A isso junta-se um primor técnico, desde sua direção concisa, cargo dividido entre Ben Stiller e Aoife McArdle, até outros aspectos como uma montagem e design de produção e som agonizantes, que dão o tom daquele ambiente de trabalho nada ortodoxo (mas que faria muito sucesso no LinkedIn). Diferentemente da premissa, onde se é possível separar seu “eu” do trabalho de sua vida pessoal e esquecer esses ambientes num piscar de olhos, é impossível tirar Ruptura da cabeça.

O HBO Max viu a consagração de Queen Stars, reality que envolve drag e cantoria, com a apresentação de Pabllo Vittar e Luisa Sonza. Além disso, Minx: Uma Para Elas fez barulho o suficiente para ter uma segunda temporada anunciada. A comédia criada por Ellen Rapoport acompanha Joyce (Ophelia Lovibond), uma jovem feminista que une forças com o editor Doug Renetti (Jake Johnson) para criar a primeira revista erótica voltada ao público feminino. A série, que possui 10 episódios com duração de aproximadamente meia hora, tem Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento, Caça Fantasmas) como um dos produtores, e um elenco que esbanja os nomes de Michael Angarano (Quase Famosos), Sofia Gonzalez (Grace and Frankie) e Amy Landecker (Transparent). 

Ainda no aplicativo roxinho, e inspirada no livro reportagem Tóquio Proibida, de Jake Adelstein, a série Tokyo Vice se consolida como um envolvente drama policial, nos mostrando o submundo da cidade de Tóquio no final dos anos 1990 e o funcionamento da Yakuza – vista de perto pelo autor do livro . Em 2013, a produção foi concebida como um filme, e Daniel Radcliffe chegou a ser contratado para dar vida ao protagonista Jake. No entanto, seis anos depois, o projeto foi reformulado para uma série em 8 episódios, e o ator Ansel Elgort (Baby Driver, A Culpa é das Estrelas) assumiu o lugar de Radcliffe, dando vida ao primeiro jornalista estrangeiro a ser contratado no prestigioso jornal The Yomiuri Shimbun. 

A Tóquio Proibida de Jake Adelstein é capturada por alguns takes que fazem lembrar Encontros e Desencontros (Lost in Translation) – talvez pelo jogo de luz e pelo próprio cenário de Tóquio –, mas em alguns trechos parecem haver referências à Miami Vice, e isso não é por acaso. Embora a maioria dos episódios tenham sido dirigidos por Josef Kubota Wladyka, é Michael Mann quem dirige o piloto – o diretor do filme de 2006. 

Sua ambientação é tão poderosa que quase podemos sentir o cheiro de nicotina invadir nosso quarto enquanto tentamos desvendar os rostos escuros que perambulam pelas ruas obscurecidas de Tóquio. O desenvolvimento da série é lento, e foca no amadurecimento pessoal dos personagens. Além disso, a produção mostra a força que a máfia japonesa detinha no Japão, mantendo uma censura não declarada nos jornais locais, em que não se podia noticiar nenhum homicídio. “Não existe homicídio no Japão se nenhum policial falar que foi homicídio”, Jake ouve após tentar noticiar um assassinato visto com seus próprios olhos.

Streaming mais adulto do grupo Disney, o Star+ recebeu a megalomania de The Dropout, minissérie com fome de Emmy que coloca Amanda Seyfried numa sinuca de bico. A história, que se baseia em eventos reais, mostra a tentativa da fundadora da Theranos, Elizabeth Holmes, de revolucionar o setor de saúde após abandonar a faculdade e iniciar uma empresa de tecnologia. Entre fraudes, performances memoráveis e reviravoltas de arrepiar os cabelos, a produção do Hulu tem tudo para crescer ao longo dos próximos meses. 

Enquanto alguns emergem, The Walking Dead caminha para o fim. A série de Televisão da AMC voltou a ser exibida no começo de 2022 e, agora, com a segunda parte da última temporada finalizada, o gran finale deverá acontecer em outubro. Prometendo entregar uma despedida digna para os fãs, os episódios da parte 2 da 11ª temporada tiveram como o principal evento a dominação de Alexandria, Hilltop e Oceanside pela Commonwealth, elevando as expectativas para uma guerra liderada por Daryl (Norman Reedus) e Maggie (Lauren Cohan) contra o Império.

Também no bonde da despedida, e após 176 episódios exibidos, chegou o momento de black-ish dar adeus aos fãs. Estrelada por Anthony Anderson e Tracee Ellis Ross, a sitcom do casal de protagonistas, Dre e Bow, tem a felicidade de ser encerrada com o sentimento de dever cumprido: a família Johnson conseguiu manter e fazer presente a sua identidade cultural negra, mesmo vivendo em um bairro branco de classe média alta.

Em 2022, os últimos episódios contaram com muito humor e emoção, além das participações especiais do ex-jogador de basquete Magic Johnson e da ginasta Simone Biles. A série exibida pela ABC possui incontáveis indicações aos principais prêmios da Televisão estadunidense. Entre eles, o BET Awards, o SAG e o Emmy Awards, o último segue devendo duas estatuetas de Melhor Ator e Atriz em Série de Comédia para Anderson e Ross. Com o fim, fica a dúvida: a 8ª temporada irá quebrar esse jejum?

O remake de Um Maluco no Pedaço, batizado apenas de Bel-Air, encerrou sua jornada inicial na TV, levantando elogios pelo tom mais dramático e pela acertada escalação de Jabari Banks no papel que deu o estrelato ao vencedor do Oscar Will Smith. Também amparada pelo apoio crítico e do público, na Itália, a HBO deu fim ao terceiro ano de A Amiga Genial, drama de amadurecimento que se baseia na obra mais famosa de Elena Ferrante. 

Em Abril de 2022, o público queer comeu o pão que o diabo amassou com a temporada final de Killing Eve. Apressada, nada concisa ou mesmo certa da história que gostaria de detalhar antes de encerrar o jogo de gato e rato, a produção demorou a engatar e, quando encontrou a marcha ideal para os sacrifícios de Eve (Sandra Oh) e Villanelle (Jodie Comer), já era tarde demais. Isso, e claro, a conclusão cretina que além de matar o amor menos saudável da atualidade, também assassinou a esperança dos fãs.

E para os que sobreviveram à amargura que o drama impregnou no paladar, foi vez de limpar a garganta com a 14ª temporada de RuPaul’s Drag Race. Ela foi longa, e dos 14 episódios competitivos, 7 deles não encontraram eliminação alguma. O senso de estagnação na Corrida das Loucas foi eclipsado pelo melhor elenco de drags desde os tempos de ouro de Sasha e Shea, além de diversificar suas competidoras. Pela primeira vez na histórias, 5 mulheres trans foram escaladas (e três delas se revelaram ao mundo como parte da comunidade trans durante a exibição do programa).

Entre o primeiro competidor homem cis hétero, o truque das barras de ouro, uma eliminação precoce e o pior Snatch Game em quase quinze anos, a temporada 14 coroou Willow Pill, drag queen que se identifica como pessoa trans feminina, filha/irmã de Yvie Oddly e uma das figuras mais marcantes da mitologia do show. Ao lado dela, que impressionou desde o Show de Talentos dadaísta até se tornar a primeira trans a vencer o programa principal, subiu ao trono Kornbread “The Snack” Jeté, a primeira Miss Simpatia trans de Drag Race. No fim, 16 extensos capítulos foram a quantia certa para a história ser mudada, graças aos deuses drag e ao talento de Pill, Jeté, Bosco, Lady Camden, Daya Betty, Angeria e companhia. 

Foi difícil compilar o melhor e o pior de Abril de 2022 entre as telonas e as telinhas, o que parece se tornar rotina, considerando que, com a volta ao novo normal, o Cinema e a TV se rearranjam, tiram o atraso da pandemia e despejam lançamentos semanalmente. É tanto filme e série que fica difícil para qualquer um acompanhar os movimentos do mundo cultural. Mas, para os que procuram um seriado com garra e audácia cômica, a dica da vez é Abott Elementary. A trama segue um grupo de professores reunidos numa das piores escolas públicas do país, simplesmente porque adoram ensinar, e tem no elenco a criadora do show Quinta Brunson, que se destaca junto de Tyler James Williams, Janelle James e Sheryl Lee Ralph.

Para Maio, resta um Multiverso da Loucura, um Homem do Norte, um Cavaleiro da Lua e muito, mas muito mais. No aquecimento para a tempestuosa e movimentada corrida do Emmy 2022, acontece também o 75º Festival de Cannes. No Persona, você acompanha os pormenores e as engrenagens do audiovisual, sempre banhado pelas dicas mais deliciosas e suculentas do mercado. Até lá! 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Caio Machado, Gabriel Gatti, Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner e Raquel Dutra

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