Mariana Bezerra 

Desde o início da história do cinema, as adaptações se tornaram um ponto marcante das produções audiovisuais. Os livros nunca pararam de virar filmes – ou séries, como vem acontecendo nas últimas décadas. No entanto, o surgimento de outros suportes midiáticos também passaram a chamar atenção dos criadores de produções seriadas. Grandes serviços de streaming como Apple TV e Amazon Studios, começaram a transformar os podcasts em seriados. Em 2025, quem ganhou destaque e garantiu presença no Emmy foi Morrendo por Sexo (Disney +), com nove indicações, incluindo as categorias de Melhor Atriz, Melhor Ator em Série Limitada e Melhor Série Limitada. 

O cinema surgiu oficialmente na França em 1895, pouco tempo depois, o romance de George du Maurier,  Trilby e o Pequeno Billy (1896), se tornou o primeiro título a ser adaptado para as grandes telas. Depois desse, outros clássicos literários também se tornaram filmes, como: As Viagens de Gulliver Entre os Liliputianos e os Gigantes (1902), O vento levou (1939) e Branca de neve (1937). Esse projeto adaptativo se formou com o objetivo de propiciar ao público o contato com grandes histórias de modo que pudessem conhecê-los despertando outros sentidos. Ou seja, era apenas uma questão de tempo até que histórias feitas para os nossos ouvidos, despertassem os interesses dos nossos olhos.

O advento dos podcasts faz parte de uma sociedade extremamente apegada a velocidade e a ideia da multitarefa, ou seja, a tentativa de realizar várias atividades ao mesmo tempo. No livro Sociedade do Cansaço, o filósofo coreano, Byung Chul-Han, essa realidade é um retrocesso, uma vez que o ser humano não consegue se dedicar plenamente a mais de uma função. A sociedade se revela contraditória: ao mesmo tempo em que são criadas séries no formato de podcasts, esses ganham imagem e viram videocasts como se fossem programas de televisão. De qualquer forma, uma única tarefa que exija a ativação de mais de um sentido, é capaz de forçar uma maior concentração e de despertar diferentes possibilidades para um conteúdo. E a verdade é que o público está comprando essa ideia. 

Assim surge Dying for Sex (no original), uma série de oito episódios inspirada no podcast homônimo de 2018, narrado pelas amigas Molly Kochan e Nikki Boyer. Molly foi diagnosticada com câncer de mama em 2011 e passou por um longo processo de quimioterapia até a sua cura. Quando, quatro anos depois, recebeu a notícia de que seu câncer havia voltado em forma de metástase (espalhado por todo corpo), Molly decide deixar o marido e começar o seu despertar sexual com 41 anos e câncer estágio IV. 

As duas amigas viveram o inimaginável juntas, desde o desabafo sobre experiências sexuais, às consultas médicas desconfortáveis até verdades difíceis de encarar sobre o quadro de Molly. Essa história dolorosa, aventureira e, principalmente, prazerosa, de uma mulher que decidiu seguir viva até seu último segundo, levou a criação do podcast com os relatos intimistas da dupla, que, certamente, inspiraram muitas outras mulheres. 

A narrativa em primeira pessoa é uma ótima oportunidade para a adaptação de uma história tão particular. Ainda mais quando se fala, literalmente, da voz dessa pessoa. Além disso, Morrendo por Sexo chegou ao streaming com as incríveis performances de Michelle Williams e Jane Slate, que interpretam Molly e Nikki respectivamente. O roteiro não precisou ousar, porque Kochan e Boyer já o fizeram suficientemente. Sem tabus, ao mesmo tempo que, sem a necessidade de criar a imagem de uma super-heroína em um pedestal, a produção consegue emocionar e entreter com uma história que subverte os padrões por si só. 

A adaptação concede ao público mais uma chance de entrar em contato com relatos fascinantes sob uma perspectiva diferente. No entanto, é preciso expandir e ir além de uma simples reprodução. Aproveitar material original, mas saber adicionar e aproveitar com excelência os elementos necessários para uma boa produção audiovisual. Até porque, a variedade de estilos de podcasts é enorme e, enquanto uns são pautados em uma narrativa linear, quase teatral, com efeitos sonoros elaborados – como em A mulher da Casa Abandonada (2022) –, outros se estruturam de forma espontanea, a partir de um bate-papo entre amigas, a exemplo de Morrendo por Sexo. 

A nova era exige – e ao mesmo tempo propicia – um exercício criativo dos produtores, que podem ampliar o leque de sua curadoria. A pesquisa realizada pela Associação Brasileira de Podcasters (Abpod) estima que, no Brasil, há 31,94 milhões de ouvintes de podcast. Diante disso, os estúdios podem se aproveitar de públicos já consolidados para as novas produções, o que pode não garantir, mas possibilita um engajamento prévio significativo. Esse foi o caso da série documental A mulher da casa abandonada (2025), que aborda o caso investigado e apresentado pelo jornalista Chico Felitti em uma narrativa sonora de mesmo nome. 

Os nove episódios contam a história de Margarida Bonetti, procurada pela justiça estadunidense por ter, juntamente com seu marido, submetido uma brasileira a trabalho análogo à escravidao enquanto morava nos Estados Unidos. A produção de 2022 foi um sucesso. No entanto, por ser um caso criminal que não gerou penalização, o documentário foi ainda mais longe – literalmente, para os Estados Unidos – e trouxe informações e relatos não explorados no podcast. Em coletiva de imprensa, Chico Felitti afirmou que “só faria sentido [ a série ] se fosse além do podcast”. 

Pensando em podcasts como ‘materiais’, é importante discutir como eles se inserem no universo digital. A ideia de que a internet é ‘terra de ninguém’ deixa de fazer sentido à medida que a legislação avança. Assim, esse formato pode ser registrado como marca e considerado propriedade intelectual. Diante disso, é preciso pontuar que o ímpeto do ser humano em se comunicar, bem como o seu talento, vem abrindo portas e gerando inovações. 

Em 2023, aconteceram as greves dos roteiristas e atores em Hollywood, que questionavam a desvalorização e precarização do trabalho na indústria do entretenimento. O período atual também é marcado por discussões sobre a possível substituição de funções pela inteligência artificial. Com o advento de mais uma forma de fazer Arte, fica claro que a força criativa humana está está mais viva do que nunca e pronta para usar novas tecnologias ao seu favor.

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Nathalia Tetzner

Em 2024, a mensagem “Enviado do meu Iphone” – que, normalmente, acompanha os e-mails dos usuários de dispositivos da ‘marca da maçã’ – passou a aterrorizar as pessoas. O motivo é a minissérie britânica Bebê Rena, sucesso da Netflix que disputa 11 categorias no Emmy 2024. A trama, inspirada no caso verídico de stalking ocorrido com o ator Richard Gadd, esbarra em temas extremamente sensíveis e coloca em discussão o modo como a obsessão corrompeu a nossa sociedade, principalmente com o avanço da tecnologia e a consequente deturpação do limite que separa o real do virtual.

Vivemos em um universo volátil. A cada dia que passa, novas oportunidades e evoluções florescem frente a nós. No começo da década de 2020, em especial, a inteligência artificial generativa deu ‘pano para manga’ no tópico do questionamento da realidade e das fronteiras éticas da relação entre homem e robô. Com isso, para além da banalização do termo ‘hiperfoco’ pelas redes sociais, é fácil ficarmos obcecados por qualquer coisa e, até mesmo, por pessoas – desde aquelas que conhecemos até as que nunca encontramos nem nos nossos sonhos mais fantasiosos, porém, que estão ali, há um click de nós.

No entanto, há quem desafie as leis dos direitos fundamentais e, por motivos psíquicos ou de má índole, interfira no cotidiano e nas relações dos seres humanos. Essa é a premissa de Bebê Rena, um retrato tão desconfortável que obriga a audiência a assistir todos os sete episódios o mais rápido possível, a fim de acabar logo com o sofrimento de acompanhar a trajetória de um alvo de stalking. Com altos e baixos dignos de um seriado de streaming – há momentos de dramatização excessiva –, a produção original do ‘Tudum’ faz valer a indicação de Melhor Série Limitada ou Antologia pela premiação mais tradicional da Televisão estadunidense. 

A relação de Donny (Richard Gadd) com sua stalker ultrapassa tempo e espaço. Em Baby Reindeer (no original), Martha (Jessica Gunning), não coincidentemente  tem muitas horas livres e mora na mesma cidade de sua vítima. O roteiro, escrito pelo próprio Gadd, faz um trabalho praticamente inédito em relação a abordagem do ‘stalking’; termo popularizado pelas produções hollywoodianas e criminalizado pela Lei brasileira 14.132/21, sendo definido como a perseguição e ameaça à liberdade comportamental da vítima em ir e vir. Assim, o humorista mostra as nuances da condição humana em um texto que não recai no maneirismo da vilã e do ‘mocinho’.

Justamente por não limitar o enredo a uma dualidade de perspectivas, a obra disputa a estatueta do Emmy de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Com chances de vitória significativas, os diálogos e linhas de raciocínio, ambos bem elaborados, são explorados pela visão invasiva e nem um pouco contemplativa de Weronika Tofilska e Josephine Bornebusch, que se dividem no comando dos capítulos. O modo nada delicado que elas adentram o mundo de Donny e o cercam com o enquadramento fechado, quando Martha se aproxima dele, também garantiu a nomeação de Tofilska e Bornebusch como Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

“Stalking, na Televisão, tende a ser muito sexualizado. Tem um ar místico. É alguém em um beco escuro. É alguém que é muito sexy, muito normal, mas depois fica estranho aos poucos. Mas a perseguição é uma doença mental. Eu realmente queria mostrar as camadas disso de uma forma humana que eu nunca tinha visto em uma produção”.

– Richard Gadd em entrevista ao Tudum, da Netflix.

Já no campo das atuações, o elenco entrega uma performance impecável, capaz de despertar empatia e repulsa nos momentos certos. Cientes de que interpretam personagens redondas, os atores se alternam entre expressões faciais e corporais completamente diferentes, seguindo o ritmo da descoberta das fases distintas da vida do protagonista. Richard Gadd revive nas telas o que podem ser considerados os piores momentos de sua vida com uma coragem invejável, que o coloca no páreo pelo título de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Ao seu lado, Jessica Gunning se entrega para viver Martha, deixando para o telespectador uma entrega à Arte de mestre.

No papel de uma stalker sem escrúpulos, Gunning não mede esforços para destruir qualquer relação íntima do protagonista de Bebê Rena. Nesse caso, Teri (Nava Mau), interesse amoroso de Donny, é uma pedra em seu sapato. Os encontros entre as duas são tensos e extasiantes, deixando nítido que as atrizes realmente merecem as vagas em Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Não menos genial, Tom Goodman-Hill – indicado como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme – interpreta Darrien, um indivíduo desprezível, que funciona no roteiro como a personificação da maldade intrínseca à farsa da fama e status, um ideal que a indústria do entretenimento mundial sempre vendeu aos jovens artistas.

Ainda que a obra apresente algumas falhas de concepção, que justifiquem o fato de não agradar a todos os públicos, ela tenta vencer a superficialidade do meio em que se reproduz. Isso, por si, é um esforço notável e digno de reconhecimento. Apresentando os mesmos ‘erros’ que seu protagonista, como a representação um tanto quanto clichê das mulheres trans e a exposição pouco cuidadosa de temas sensíveis, Bebê Rena consegue abrir a discussão sobre questões fundamentais que percorrem a sociedade atual, entre elas, a urgência da obsessão, fator que nos corrompe como nunca antes. Afinal, pouco tempo após a viralização da produção nas redes sociais, a mídia logo voltou a atenção à mulher que inspirou Martha; uma prova do quanto estamos longe de compreendermos coletivamente o perigo do stalking, embora a minissérie tenha contribuído para colocar em xeque o imaginário popular, acostumado com abordagens levianas do tema.

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Costanza Guerriero

Se você escolhe se esquecer de algumas coisas, isso é o mesmo que mentir? Girando em torno dessa indagação, a minissérie The Dropout: A História de uma Fraude conta a história da fraude da empresária americana Elizabeth Holmes (Amanda Seyfried) e sua startup de biotecnologia, a Theranos. A produção mostra o absurdo do mundo corporativo das startups, ao mesmo passo que satiriza a cultura dos investidores do Vale do Silício. Como cereja do bolo, ainda aponta uma problemática contemporânea muito real, que é a tendência das pessoas acreditarem e apostarem nas aparências, apenas porque as agrada.

The Dropout é uma produção original do Hulu, exibida no Brasil pelo Star+. Antes mesmo de chegar à plataforma digital, a história de Elizabeth Holmes já era conhecida pelos fãs de true crime, por meio do documentário do HBO Max, A Inventora. Contudo, a minissérie criada pela produtora executiva Elizabeth Meriwether (New Girl) foi baseada no podcast homônimo, gravado em 2019 pela ABC News. Assim, a obra entra para a lista das ficções baseadas em crimes reais, juntando-se a Dopesick na categoria de fraudes envolvendo a indústria médica, e que parecem bizarras demais para serem verdade.

O propósito de Elizabeth Holmes sempre foi claro: se tornar uma empresária de sucesso por meio de uma grande invenção, tal qual ocorreu com o homem do pôster em seu quarto, Steve Jobs. Desta forma, ela nunca foi uma jovem comum: aos dezenove anos, desistiu da sua graduação em Engenharia Química na Universidade de Stanford, para investir na Theranos (junção das palavras “Terapia” e “Diagnóstico” em inglês). A startup prometia uma tecnologia que executasse cerca de duzentos exames de diagnóstico com apenas uma gota de sangue. O grande problema dessa ideia, que assegurava render bilhões de dólares, era não ser cientificamente possível, mesmo após os treze anos nos quais a empresa prosperou como uma das mais promissoras do Vale do Silício.

Suco verde após suco verde, a narrativa segue narrando como a jovem Elizabeth conseguiu chegar no topo do mundo das startups e sua queda, que ocorreu tão rapidamente quanto sua ascensão. A minissérie, dividida em oito episódios, parece apresentar duas partes distintas. A primeira, nos mostra o começo da jornada de Holmes, no formato de uma drama biográfico. Situada nos corredores de Stanford e nos laboratórios de engenharia biomédica, conhecemos a protagonista como uma jovem verdadeiramente interessada na ciência e com ideias revolucionárias. Também é abordada a estranha relação da personagem com Sunny Balwani (Naveen Andrews), um homem milionário que tinha idade para ser seu pai, e que mais tarde viria a ser o COO da Theranos.

Por outro lado, na segunda metade de The Dropout, a trama se transforma quase em um thriller corporativo, e ficamos a par de como Elizabeth se tornou uma farsante. Assim como a sua empresa, tudo sobre ela era uma mentira, a qual se sustentava apenas pelas aparências. No seu escritório amplo, grande e iluminado, a empresária construiu sua persona caricata de CEO. Sempre se espelhando no seu ídolo Steve Jobs, o guarda-roupas do personagem é composto apenas de trajes executivos e blusas de gola alta pretas. Nesse figurino solene, ela proferia frases de efeito sobre empreendedorismo, ao invés de vestir seu antigo jaleco e ir para os laboratórios tentar fazer seu produto funcionar. Em determinado momento, a jovem altera até mesmo o seu jeito de falar, forçando um esquisito e quase vergonhoso engrossamento da voz, na tentativa de ser mais respeitada como mulher na indústria farmacêutica.

É aqui que a minissérie aproveita para tirar sarro da cultura dos CEOs. Elizabeth se torna especialista no linguajar do engodo corporativo e consegue conquistar todos os investidores, que antes duvidavam dela, com muita ‘puxa saquice’ e apelando para o frágil ego dos homens brancos e velhos do ramo tecnológico e farmacêutico. Assim, a Theranos se torna uma empresa de 9 bilhões de dólares, sem nunca ter apresentando ao menos uma prova concreta da eficácia do seu modelo de diagnóstico.

O ritmo de The Dropout: A História de uma Fraude é bom, a trama rapidamente engata e envolve o espectador no caso, tão absurdo que nem parece ser real. Ao acompanharmos as mentiras de Elizabeth e Sunny, também vemos a ex-universitária cheia de sonhos e ambições se converter em uma golpista que de nada entende sobre a sua própria tecnologia – e honestamente parece nem  se importar. O único ponto que vale para a farsante é sua auto imagem de empresária, que, como ela tanto quis, chegou a ser comparada a ‘versão feminina’ de Steve Jobs. 

Inclusive, o criador da Apple serve como uma marca temporal na trama. Ao passo que os episódios se desenrolam em elipses temporais, o crescimento da Theranos é situado no tempo da série por meio dos lançamentos dos modelos de iPhones e pela própria vida de Jobs. Quando a morte do magnata acontece, é justamente quando se inicia a investigação do jornalista John Carreyrou (Ebon Moss-Bachrach) sobre a startup, que dá início ao fim da farsa de Elizabeth.

Sem dúvidas, o ponto forte da produção é a atuação excepcional da indicada ao Oscar Amanda Seyfried (Mank), que dá um show de emoções, ou expressa a falta delas na pele da estranha e obcecada empresária. Seyfried compreende Elizabeth desde suas danças esquisitas, até o jeito desengonçado de correr e o engrossamento da voz. A atriz se baseia nos trejeitos e maneiras falsas de falar da personagem, mas, em determinado momento, se apropria desta de tal forma que quase nos convence da legitimidade de Elizabeth – isto é, se não fôssemos cúmplices das suas mentiras desde o primeiro episódio, Estou com pressa. O olhar compenetrado e alucinado, juntamente com a escolha da direção de utilizar frequentes close-ups na personagem, são momentos nos quais ela quase quebra a quarta parede e nos remete ao consagrado “Kubrick Gaze”, coroando a atuação da atriz como uma das melhores de sua carreira.

Além de Seyfried, The Dropout também conta com atuações relevantes dos demais atores escalados, que, ao longo da trama, ganham mais espaço. Visto que a farsa de Elizabeth por si só não seria capaz de sustentar uma série com oito episódios de aproximadamente cinquenta minutos cada, a direção investe em se aprofundar nos arcos dos personagens secundários, contribuindo com a sua valorização. Entre os nomes de destaque temos Naveen Andrews (O Paciente Inglês), que entrega um complexo Sunny na parceria de romance e esquemas com a personagem principal, e William H. Macy (Fargo), como o vizinho inflexível e vingativo, uma das principais fontes da denúncia da fraude da Theranos. Entre outros nomes conhecidos na produção estão Dylan Minnette (13 Reasons Why), Stephen Fry (V de Vingança), Michaela Watkins (Casual), Sam Waterston (Grace e Frankie) e Kurtwood Smith (Robocop).

A direção dos capítulos está distribuída entre três diretores, que deixam transparecer as marcas dos seus outros trabalhos. Os primeiros episódios ficaram nas mãos de Michael Showalter, ainda fresco do seu último projeto, Os Olhos de Tammy Faye. Showalter traz para The Dropout a experiência de ter trabalhado com outra história baseada em fatos reais, na mescla de acompanhar o desenrolar da vida de uma mulher protagonista e expor uma fraude americana para o mundo. Francesca Gregorini (Killing Eve), por sua vez, se encarrega de encaminhar a história da queda de Theranos e direciona o cair das máscaras de Elizabeth e Sunny. Por fim, Erica Watson (Expresso do Amanhã) toma frente do desfecho da narrativa, entregando, no capítulo final, uma das cenas mais reveladoras e viscerais da minissérie, quando vemos o momento exato no qual a personagem de Seyfried se dá conta de sua ruína.

Um ponto negativo da produção é o desaparecimento repentino de alguns rostos, os quais em determinado momento foram importantes para a trama. Diferentemente do arco de Ian Gibbons (Fry), químico chefe dos laboratórios da Theranos e cujo trágico arco é bem amarrado, a história de outros personagens acaba sumindo, sem ganhar uma devida finalização. Esse é o caso de personagens como Rakesh (Utkarsh Ambudkar) e Don Lucas (Michael Ironside), o primeiro investidor que Elizabeth consegue ludibriar. 

The Dropout conseguiu marcar presença no Emmy 2022 com as indicações a Melhor Série Limitada ou Antologia, um dos principais troféus da premiação, e, é claro, pela atuação marcante de Amanda Seyfried, sendo a primeira indicação da atriz ao prêmio, na categoria de Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Além disso, o belo mosaico de atores coadjuvantes rendeu a nomeação a Melhor Direção de Elenco em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, fruto do trabalho de Alison Goodman, Jeanie Bacharach e Mark I. Rutman. Por fim, dois dos três diretores apareceram na categoria Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Michael Showalter, pelo episódio Suco verde, e Francesca Gregorini, por As irmãs de ferro.

Lançado no mesmo ano que a produção da Netflix Inventando Anna, igualmente uma mistura de realidade e ficção, The Dropout: A História de uma Fraude tinha a missão de trazer algo novo para o gênero do true crime, para que não se tornasse uma obra repetitiva no mar de ‘baseado em fatos reais’. Apesar da minissérie não ter conseguido abordar a narrativa de uma forma completamente original, a história por si só já é tão inacreditável e instigante que configura um bom entretenimento, sobretudo para aqueles que gostam de passar nervoso com a cara de pau e picaretagem dos personagens. Ainda que não tão cirúrgica e prestigiada quanto Dopesick, o potencial é bem aproveitado. Afastando-se de Anna Delvy, a série se diferencia e envolve o telespectador por conta da fraude da Theranos envolver a saúde e a vida das pessoas, enquanto a golpista da Netflix ter brincado ‘apenas’ com bancos bilionários. 

Ao final dos oito capítulos de The Dropout, fica claro que Elizabeth só prosperou na sua mentira por tanto tempo porque ela própria também era uma. A produção escancara a realidade de um mundo corporativo, que, cego pela ganância, acaba se deixando enganar pelas aparências do que seria um bom negócio. Em uma realidade na qual startups surgem e se dissolvem como areia ao vento, basta surgir uma ideia aparentemente promissora, vinda de uma pessoa bem apresentada e de belas palavras, para que bilhões sejam movimentados. No final das contas, escolher se esquecer de certas coisas é sim o mesmo que mentir. Porém, em uma realidade no qual fraudes como a de The Dropout se tornam cada vez mais corriqueiras, a minissérie indica como a sociedade não reconhece tal sentença como verdadeira.

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Vitória Gomez

Em Fevereiro de 1995, a estrela da série Baywatch, Pamela Anderson, e o baterista fundador da banda Mötley Crüe, Tommy Lee, se casam após 4 dias juntos. A dupla se conheceu na virada do ano de 1994 e, nem dois meses depois, o músico perseguiu a atriz até Cancún, onde passaram os dois pares de dias que terminariam com seu noivado e casamento. Luxuosos, imprudentes e apaixonados, o relacionamento ganhou os holofotes e paparazzis da Hollywood da época. Também, revirou a vida de ambos: o que começou intensamente, evoluiu para uma das histórias mais indignantes do mundo dos famosos, que, mesmo desbotada na troca de gerações, ecoa na indústria cultural até hoje.

O ponto inicial da muvuca foi o vazamento da sex tape do casal. Daí para frente, o relacionamento se tornou ainda mais turbulento, e os desdobramentos e o processo judicial que seguiram o acontecido escancararam ainda mais o sexismo da época. É o que a minissérie Pam & Tommy recria. A produção do Hulu encena o encontro inicial e a vida a dois de Lee (Sebastian Stan) e Anderson (Lily James), assim como a descoberta da fita vazada. A produção também inclui o ponto de vista de Rand Gauthier (Seth Rogen), o eletricista faz-tudo que trabalhava na mansão do casal, e, por vingança, foi o responsável por roubar e distribuir o registro íntimo dos artistas.

A série foi encomendada no final de 2020 e os burburinhos ao seu redor começaram ainda em 2021, com a divulgação das primeiras imagens dos atores nos personagens. Caracterizados, Sebastian Stan, na pele do rockeiro, e Lily James, como a atriz e modelo, se assemelhavam até fisicamente com as pessoas reais que encarnavam. James teve de se submeter a uma rotina de maquiagem de quatro horas de duração diariamente e, ainda mais que Stan, lembrava Pamela Anderson até nos traços de seu rosto – a produção não poupou esforços para recriar as figuras em que se inspirou. Quando os episódios começaram a ser lançados semanalmente na plataforma do Hulu, os intérpretes provaram que a caracterização com as maquiagens, figurinos e tatuagens, porém, foi superficial. Eles iriam além. 

Ambos mergulharam na história de Pam & Tommy e adotaram os maneirismos, trejeitos e linguagem corporal dos artistas. O ator romeno-americano dá vida a um personagem complexo e multifacetado como é o Tommy Lee da minissérie, e, com uma filmografia recente indo do aterrorizante Fresh ao policialesco Falcão e o Soldado Invernal, prova ser um dos atores mais versáteis de sua geração. Já a britânica, com uma extensa e diversificada carreira na TV e no Cinema, tomou as dores de Pam, mas não foi sortuda o suficiente para ganhar um roteiro aprofundado com o qual trabalhar. Isso porque a preocupação dos produtores em respeitar a imagem de Anderson foi tanta que eles não ousaram retratá-la como algo além de um ser angelical. Ainda assim, não ter a autorização da figura real envolvida na história – pior, tendo o seu repúdio à série – não foi o suficiente para impedi-los.

No elenco da série, fruto do trabalho de Mary Vernieu e Lindsay Graham Ahanonu, e reconhecido na categoria Melhor Direção de Elenco em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, Rogen fica com a responsabilidade de retratar a pessoa que supostamente começou todo o escândalo em primeiro lugar. Como mostra a produção logo em seu episódio piloto, Rand está trabalhando em uma reforma na casa do baterista e da atriz quando é demitido, junto de sua equipe, sem pagamento. Ele volta para recuperar suas ferramentas e é recebido por Lee com uma arma apontada para sua cara. Quando decide colocar em prática um plano de vingança e assaltar o cofre do casal, o eletricista encontra, sem pretensão, a fita que mudou seus planos.

Pam & Tommy foi inspirada no artigo Pam and Tommy: The Untold Story of the World’s Most Infamous Sex Tape, da jornalista Amanda Chicago Lewis para a revista Rolling Stone. Na matéria, de 2014, a repórter detalha como aconteceu o antes, durante e depois do roubo e do vazamento da sex tape, incluindo como Rand Gauthier invadiu a mansão do casal, os processos judiciais e depoimentos de pessoas envolvidas no caso durante os anos. Os showrunners e roteiristas da minissérie, Robert Siegel e DV DeVicentis, revelaram que a produção se baseou nos acontecimentos destrinchados na reportagem, e, segundo eles, as partes ficcionalizadas foram somente os diálogos e algumas interações entre os personagens. A produção também se aproveitou dos depoimentos de Tommy Lee, presentes em sua autobiografia Tommyland, de 2005.

Como conta Siegel, ao ler o artigo, ele se surpreendeu que o acontecimento ainda não tivesse se tornado um filme ou uma minissérie. A história de Pamela Anderson e Lee, astros desde os anos 1980, se tornou ainda mais tumultuada e glamurosa com a união dos dois, na década seguinte – uma narrativa aparentemente ideal para ser recontada nas telas. Além do apelo dos anos 90, o recorte temporal dos acontecimentos também coincidiu com a popularização da internet. A ascensão da world wide web e os paparazzis que constantemente assediavam o casal já abriam alas para o que viria em Hollywood nos próximos anos.

Tommy Lee, baterista da Mötley Crüe, já tinha seis álbuns de estúdio lançados com o grupo de metal e mais de 100 milhões de cópias vendidas mundialmente quando conheceu Pamela Anderson. O músico também já havia se casado outras duas vezes e se envolvido em polêmicas – os extremos da vida de Lee iam além das performances musicais. No topo das paradas, a banda viveu seu auge nos anos 80 e, durante a década, gravou, lançou e saiu em turnê com quatro discos. Ao mesmo tempo que aproveitava o sucesso, o quarteto ganhou fama de barra pesada, destruindo hotéis e bares em que passava, se envolvendo em brigas e episódios de violência, acidentes e abusando de álcool e substâncias químicas, ao ponto de um dos membros da banda ser declarado morto por overdose a caminho do hospital.

Já Pamela Anderson começou como garota propaganda para uma marca de cerveja canadense, até ser convidada para posar nua na revista Playboy. O trabalho como modelo alavancou sua fama e a levou à atuação: entre 1992 e 1998, foi a estrela do seriado Baywatch (S.O.S. Malibu, no Brasil), entre outros papéis na TV e no Cinema desde então. Já marcada como sex symbol desde o começo da carreira, Anderson fazia o caminho oposto do marido. Ao invés de se beneficiar da imagem de rebelde e revoltado com a qual Lee conseguia se safar, a atriz tinha que se comportar com polidez e inocência para crescer em uma indústria do entretenimento machista, que ganhava audiência ao sexualizar mulheres.

Longe de ser as mil maravilhas de um casal apenas intensamente apaixonado, Pam & Tommy mostra os conflitos na vida a dois dos artistas. Apesar dos limites entre real e ficção se mesclarem na trama da série, depois do vazamento da fita íntima ficou escancarado o caráter abusivo do relacionamento. A atriz pediu divórcio do baterista assim que Tommy deixou a cadeia por violência doméstica, tendo agredido a esposa enquanto, grávida do segundo filho dos dois, ela segurava o primogênito. Em uma produção de 2022, já não cabe romantizar um relacionamento abusivo em nome da “maior história de amor já vendida”.

Além da vida dos próprios Tommy Lee e Pamela Anderson gritar “invasão de privacidade”, é justamente na minissérie do Hulu que mora o problema. Como Pam & Tommy mostra ao longo de seus 8 episódios, dirigidos por Craig Gillespie, Lake Bell, Gwyneth Horder-Payton e Hannah Fidell, o terror com o roubo da sex tape foi só o começo. O casal só descobriu os itens furtados dois meses depois, tempo o suficiente para que Gauthier já tivesse vendido os objetos de valor e rodado Hollywood em busca de meios de comercializar a fita. Foi nesse processo que a internet entrou no jogo. Ao lado de Milton Ingley (na série, interpretado por Nick Offerman), um produtor de filmes pornográficos, os dois bateram de porta em porta nos estúdios adultos em Los Angeles, mas receberam a mesma resposta: sem a autorização dos envolvidos na gravação, o material não poderia ser distribuído.

Recorrendo à máfia, Gauthier e Ingley pegaram dinheiro emprestado, o suficiente para criarem um website e arcarem com os custos de vender a fita por lá, de maneira independente. Em pouco tempo, o filme caseiro se espalhou e cópias ilegais estavam sendo feitas, vendidas a torto e a direito. Apesar de Pamela Anderson e Tommy Lee terem contratado investigadores particulares e descoberto o culpado pelo roubo, a gravação já tinha se espalhado e, quanto mais eles tentavam pará-la, mais conhecida se tornava. Um ano depois do assalto à mansão do casal em Malibu e da sex tape estar disponível para ser comprada por qualquer um, os boatos de que uma famosa revista pornográfica da época tinha conseguido fotos polaroid do casal fez com que eles abrissem um processo, antes mesmo da liberação do material. O tiro saiu pela culatra e a situação continuou escalando.

Tommy Lee e Pamela Anderson, indiscutivelmente o casal mais falado de Hollywood na época, se viram envolvidos em julgamentos e processos judiciais. Primeiro, a ação contra a revista Penthouse ganhou um dos veredictos mais cruéis e machistas da indústria do entretenimento: com um julgamento que expôs e ridicularizou a atriz, o júri decidiu que a comercialização das fotos não era crime, já que a modelo havia posado nua mais de uma vez para a revista Playboy. Nesse ponto, a série recria o doloroso processo e discute consentimento. Mais uma vez, porém, não segue seu próprio ensinamento.

Depois de perder a ação, o casal foi novamente abordado por conta da fita, agora com uma proposta. Naquele momento, ambos já estavam esgotados, sem energia para conter um registro íntimo que já havia se espalhado mundialmente e lucrado 77 milhões de dólares, como conta o artigo da Rolling Stone. Pam & Tommy também mostra o que facilmente deduzimos da vida real: a carreira de Pamela foi criticamente mais afetada do que a de Tommy. Os dois foram expostos contra suas vontades, mas, enquanto ela perdia credibilidade na sua escalada como atriz, ele era parabenizado. Foi quando o produtor Seth Warshavsky, dono de um site pornográfico, propôs ao casal que vendessem a sex tape. O dono da página pornô já havia transmitido o vídeo e sido processado por isso, mas o número de visualizações e a notícia do processo que Lee e Anderson abriram contra ele só movimentaram ainda mais o seu negócio. Assim, ele decidiu que compraria a fita.

Para Pam e Tommy, que, legalmente, tinham perdido seus direitos de lutarem pelas suas imagens, a venda do material para alguém que não fosse eles significaria que o novo dono poderia, então, processar e impedir outras pessoas de comercializarem sem autorização. Na série, o embate moral da decisão foi rapidamente sanado e o casal, ao invés de negociar a fita, a cedeu ao produtor. Na vida real, de uma forma ou de outra, a gravação terminou nas mãos de Warshavsky. Agora com dono e com o selo do site pornográfico para o qual foi vendido, a gravação passava a ser liberada somente para aqueles que a compravam ou tinham a assinatura do canal, e as cópias ilegais poderiam ser derrubadas. 

Hoje, o roubo e vazamento de fotos íntimas de famosos é levado mais a sério do que foi nos anos 90. Quando a fita de Pamela Anderson e Tommy Lee foi publicada, a internet engatinhava e a aplicação de leis a ela ainda não havia sido regulamentada. Passado nem uma década, outras personalidades hollywoodianas passaram pela mesma situação: em 2004, uma sex tape da atriz e socialite Paris Hilton e seu então namorado Rick Salomon foi lançada nas redes. Anos depois, a assistente de Hilton, Kim Kardashian, foi a vítima da vez, mas a mãe da então subcelebridade reverteu o vazamento em sucesso para a filha. Não só a gravação de Lee e Anderson foi a primeira de muitas que viriam à tona nos próximos anos: o casal também afetou a forma com que a indústria do entretenimento consumia seu conteúdo. 

É claro, os dois ascenderem à fama por seu talento, seus álbuns de sucesso e seus papéis de destaque na TV, mas seguiram na mira dos holofotes pelo estilo de vida que levavam. Os paparazzis seguiam a dupla não só por seus dotes nas suas respectivas áreas de atuação, mas justamente para conseguir fofocas acerca da fita, e os dois foram um dos precursores da fama pela personalidade, simplesmente pelo ato de ser uma celebridade. Pam & Tommy, inclusive, destaca que Lee estava decaindo em popularidade antes de se casar com Anderson e mal era reconhecido em Hollywood, até voltar a ser um dos rockeiros mais famosos após a distribuição da gravação.

Porém, apesar da minissérie se preocupar tanto em contar o lado da história de Pamela – e até de Rand Gauthier – e frisar que, diferentemente dos trabalhos da modelo para a Playboy, a distribuição da fita não foi consentida, a produção ignora sua mensagem principal. Nem Tommy Lee e nem Pamela Anderson estiveram envolvidos de qualquer forma na série. O músico chegou a declarar não se importar e desejou boa sorte a Sebastian Stan, mas a atriz repudiou ver sua história recontada e seu trauma revivido. Sem a autorização de sua figura principal, a qual a minissérie clama por vingar, Pam & Tommy representa mais uma das violações decorrentes da sex tape pela qual a artista teve que passar.

Os tapinhas que Pam & Tommy dá em suas próprias costas não funcionam e o feminismo que a série afirma pregar se revela uma causa vazia. Não que a história de Pamela Anderson não seja emblemática: desde o vazamento da fita, passando pela decisão judicial que a negou seus direitos à imagem e privacidade, e indo até sua reputação e carreira consideravelmente afetadas, o que a atriz passou representa claramente o machismo e o sexismo de Hollywood. Agora, mesmo quase duas décadas depois dos acontecimentos, se a atriz continua não querendo reviver seus traumas em prol do entretenimento ou da Arte da TV, o que isso faz da produção?

No Emmy 2022, o nome de Pamela Anderson, que não queria ser novamente associada à sex tape, será anunciado ao menos dez vezes entre os indicados. Só na noite principal, com o evento transmitido pela emissora norte-americana NBC, serão quatro menções: além das três nomeações para o elenco principal, a série da Hulu também foi indicada como Melhor Série Limitada ou Antologia, um dos prêmios principais. Não só a atriz e modelo terá de presenciar sua imagem sendo atrelada a um evento que ela gostaria de apagar – ou melhor, que nem tivesse acontecido -, mas, agora, o evento em questão será associado ao nome da maior premiação da TV dos Estados Unidos. Pam & Tommy clama por fazer jus a Anderson. Se verdadeiramente a respeitassem, a série, por mais bem executada que possa ser, não existiria em primeiro lugar. Agora cabe à Academia Internacional de Artes e Ciências Televisivas decidir: quantos prêmios vale mais uma violação?

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O segundo Emmy em tempos pandêmicos chegou e já foi embora. Com a retomada das atividades presenciais, sem máscaras à vista e com muitas vacinas no braço, o prêmio da Academia de TV adotou um formato mais intimista em 2021, coroando os melhores do ano sob a apresentação do rapper Cedric the Entertainer. A festa começou com um karaokê bem animado, na paródia de Just a Friend, em tributo a Biz Markie, falecido alguns meses atrás. O anfitrião puxou a canção, que foi entoada por uma porção dos nomeados da noite, incluindo os sempre estonteantes Anthony Anderson e Billy Porter.

Longe das reuniões em salas do Zoom e dos troféus entregues por funcionários vestidos como sobreviventes de um apocalipse nuclear, a edição de 2021 recebeu seus nomeados em dois lugares. Nos Estados Unidos estava a concentração de estrelas, enquanto o Reino Unido abrigava as joias da Coroa: boa parte do elenco de The Crown que, alerta de spoiler, quebrou uma porrada de recordes.

No ano em que uma maoria de artistas negros apareceu nas categorias de atuação, a Academia de Artes e Ciências da Televisão premiou 12 pessoas brancas, entre atores principais e coadjuvantes, nos campos de Drama, Comédia e Série Limitada. O retrocesso de diversidade acontece uma edição após a performance gloriosa de Watchmen, e no mesmo ano em que produções como Lovecraft Country, I May Destroy You, black-ish e The Underground Railroad se destacaram pela excelência técnica e artística.

Em Drama, The Crown se junta ao grupo de Angels in America e Schitt’s Creek, que agora são as três únicas séries a vencerem todas as categorias em uma noite. O episódio War, o final da quarta temporada, rendeu um prêmio de Roteiro (para o criador Peter Morgan) e outro de Direção (para Jessica Hobbs, em uma vitória histórica para as mulheres). Gillian Anderson (que foi perguntada, depois de vencer, se havia conversado com Margaret Thatcher sobre o papel na série) saiu como a Melhor Atriz Coadjuvante, enquanto a avalanche da Rainha premiou também o Ator Coadjuvante Tobias Menzies. 

O grande favorito na disputa, entretanto, era Michael K. Williams, que morreu no começo do mês e entregou em Lovecraft Country uma das interpretações mais fortes do ano passado. Antes de anunciar o destino, Kerry Washington honrou o amigo, lembrando de sua luz e presença com amor e saudade. Sua derrota evidencia uma frequente nada positiva: depois do Oscar fazer uso da imagem de Chadwick Boseman para atrair audiência e, na sequência, premiar um ator branco em seu lugar, o Emmy faz igual.

O segmento In Memoriam, apresentado pela ternura de Uzo Aduba e guiado pelas cordas sensíveis de Jon Baptiste e Leon Bridges, finalizava-se com um depoimento em vídeo de Williams, discursando sobre a sustentação que atores negros criam um para o outro. No fim das contas, a diversidade da lista de 2021 foi propaganda enganosa. Tobias Menzies venceu um Emmy pelo papel quase imperceptível do Duque de Edimburgo na 4ª temporada de The Crown. Michael K. Williams viveu Montrose Freeman com a garra de um campeão, e morreu sem prêmio algum da Academia.

A categoria de Ator, que deveria reconhecer Billy Porter pelo ano final de Pose (que só venceu na cerimônia técnica), acabou chamando o nome de Josh O’Connor, que deu vida ao monstruoso Príncipe Charles. Seu par, a Lady Di de Emma Corrin, foi surpreendida pela zebra Olivia Colman, a Toda-Poderosa-Rainha. Assustada, surpresa, emocionada e galante, Colman discursou com o magnetismo que virou sua marca registrada, mas a amargura de não poder assistir Mj Rodriguez fazer história no palco da Academia é grande demais para sorrir do “Michaela Coel, fuck yeah!”, que Colman soltou logo após homenagear o pai, vítima da pandemia.

Na semana anterior, The Crown havia vencido um importante indicativo do apoio da Academia: o Emmy de Atriz Convidada, para Claire Foy, que retornou em um flashback como a jovem Rainha (o episódio em questão, 48:1, também rendeu o prêmio de Olivia Colman). Contrariando especialistas, Charles Dance perdeu a categoria de Ator, que premiou Courtney B. Vance, na única lembrança “grande” de Lovecraft Country.

Melhor Série de Drama, que ano após ano fecha a cerimônia, foi a penúltima das categorias anunciadas em 2021. Na acertada decisão de reconhecer o prestígio das Séries Limitadas, o Emmy finalmente se curvou à Netflix e chamou a equipe de The Crown ao palco britânico, rendendo à pioneira do streaming seu primeiro prêmio de Série. Viu? Só precisou de uma pandemia, de atrasos gigantescos de produção e da HBO quase que de folga, para a Netflix ganhar os prêmios grandes. De fato, a emissora do ‘Tudum’ conseguiu 44 estatuetas e se igualou a um recorde da CBS, que venceu o mesmo número em 1974.

A categoria de Série Limitada dividiu mais suas honras que a de Drama, mas ainda assim houve uma aglomeração na cidadezinha de Easttown. Kate Winslet, Julianne Nicholson e Evan Peters subiram ao palco, agradeceram à HBO e ao elenco formidável de Mare of Easttown, sensação de 2021. Winslet venceu uma década depois de triunfar por Mildred Pierce, outra original da HBO com quem ela faz par romântico com Guy Pearce. Nicholson e Peters, nas categorias de Coadjuvante, venceram os primeiros Emmys da carreira.

A zebra veio em Ator, com o Visão levando rasteira do estilista mais sexy da Netflix: o próprio Halston. Em mês de Met Gala, Ewan McGregor foi recompensado por sua atuação extravagante e deliciosa na minissérie de Ryan Murphy. Com apenas essa nomeação na noite principal, McGregor exibiu seu charme inebriante, e na quarta nomeação, adicionou um Emmy à estante.

O prêmio de Roteiro em Série Limitada nos mostrou que ainda há bem no mundo. Michaela Coel, que sangrou suas dores em toda a concepção de I May Destroy You, confirmou um dos favoritismos mais merecidos do ano, e discursou sua poesia bruta e sincera. A festa parecia estar indo muito bem, até que Scott Frank foi chamado para receber o troféu de Direção, por seu trabalho milimetricamente calculado na desgastada O Gambito da Rainha. 

O discurso do diretor, que também criou e escreveu a série, se estendeu por três minutos e meio, e sua falta de carisma tornou a leitura do papel uma das experiências mais desgastantes de acompanhar na noite. Na mesma semana em que a Netflix é processada por uma enxadrista por difamação, Frank achou de bom tom evidenciar a força feminina da produção. 

Quando um produtor subiu ao palco, no fim da noite, para receber o Emmy de Melhor Série Limitada ou Antologia, ninguém aguentava o homem branco falando de diversidade, além de reduzir a atriz principal, dizendo que “Anya Taylor-Joy trouxe o sexy de volta ao xadrez”. Que sonho seria se Beth Harmon estivesse ali presente, para de uma vez por todas, dar, a mais um de seus adversários machistas, um xeque-mate.

Nos prêmios fora dos gêneros grandes, Last Week Tonight with John Oliver venceu Programa de Entrevistas e Variedades e Roteiro no segmento. O Saturday Night Live ficou, para surpresa de ninguém, com a categoria de Série de Esquetes, enquanto o programa eleitoral de Stephen Colbert triunfou na categoria de Especial de Variedades (Ao Vivo). Na parte de Variedades (Pré-Gravado), não deu outra: Alexander Hamilton! O musical filmado do Disney+ adicionou o Emmy à prateleira que já conta com 11 Tonys, 1 Grammy e 1 Pulitzer. 

Em Programa de Competição, RuPaul’s Drag Race venceu. RuPaul, premiado com seu 11º Emmy, se tornou a pessoa negra com mais estatuetas, e agradeceu à juventude, ao lado de Gottmik e Symone, os grandes destaques da décima terceira temporada do reality. A grandiosa Debbie Allen, atriz, diretora, coreógrafa e lenda da Televisão, foi homenageada com o Governors Award, prêmio que honra a excelência em carreiras. Allen se tornou a segunda pessoa negra a receber tal honraria, depois de Tyler Perry no ano passado, e a primeira mulher negra. No discurso, ela foi enfática: o futuro está na juventude.

Chegando, enfim, na parte de Comédia, o Emmy 2021 dividiu seus prêmios principais entre duas fortes produções. Hacks, original do HBO Max, ficou com Roteiro e Direção (marcando a primeira vez em 73 anos que diretoras vencem juntas em Comédia e Drama), além da vitória de Jean Smart como Melhor Atriz. Ovacionada, aplaudida de pé e feliz da vida com o reconhecimento de sua outra “família” (Mare of Easttown), Smart dedicou o Emmy ao marido, falecido meses atrás, no processo de filmagens da produção.

O resto dos troféus do gênero foi para Ted Lasso. Abrindo a noite, Hannah Waddingham e Brett Goldstein não esconderam o sorrisão ao ouvirem seus nomes chamados como os Melhores Coadjuvantes de 2021. O senso de companheirismo reinou na equipe esportiva da Apple TV+, que ainda foi celebrada em Melhor Ator (para o majestoso Jason Sudeikis) e em Melhor Série de Comédia, com direito a abraços e lágrimas, e claro, muito amor pelo AFC Richmond.

Com a promessa da diversidade, que ia da maioria negra em atuação principal de Drama à ascensão dos heróis, o Emmy 2021 jogou seguro. O conservadorismo dos votantes resultou na ausência de vitórias significativas para The Boys, The Mandalorian e WandaVision, expoentes da fantasia que lotaram a lista de indicados, para saírem com quase nada embaixo do braço. 

A oportunidade de fazer história com vitórias de Billy Porter, Mj Rodriguez, Michael K. Williams e I May Destroy You não foi páreo para a familiaridade da Coroa britânica ou do olhar masculino que hipnotiza uma partida de xadrez. Que o Emmy melhore, que o Emmy evolua e que o Emmy mostre, na prática, que as minorias que eles insistem em chamar para perder, enfim merecem a vitória. Abaixo, você lê tudo que aconteceu na 73ª edição do Oscar da TV pelas palavras da Editoria do Persona, que mergulha no passado, presente e futuro da televisão, comemorando recordes e lamentando injustiças. Até logo, Emmy 2021.

Melhor Série de Comédia: Ted Lasso 

Desde que a Maravilhosa Senhorita Maisel subiu ao palco do Emmy em 2018, a categoria de Melhor Comédia não repete um vencedor. E é esperado que os reconhecidos no prêmio máximo do gênero sejam as produções destaques de cada cerimônia da Academia. Fleabag sucedeu Maisel, e foi sucedida por Schitt’s Creek. Na onda das produções que nos fazem sentir bem, não tinha nome mais forte no Emmy 2021 do que os titãs de Ted Lasso.

Com 20 nomeações (se tornando a série de estreia mais nomeada da história), a original da Apple TV+ venceu em 7 categorias, incluindo 3 técnicas e 3 de atuação. Quem esperava uma surpresa de Hacks na disputa maior, acabou assistindo a um chocolate do time de Lasso, que só perdeu em Roteiro e Direção pela infame divisão de votos.

Sem susto na prorrogação ou falta para cartão vermelho, Ted Lasso se sagrou como a Comédia com C maiúsculo de 2021, condecorando os talentosos nomes de Brendan Hunt, Joe Kelly, Bill Lawrence e, claro, Jason Sudeikis. Visivelmente emocionado, o treinador mais querido desde o Felipão na Copa de 2002, o criador, roteirista e Melhor Ator em Comédia repetiu o que faz toda sexta, por meia-hora: escalou suas estrelas para brilharem. – Vitor Evangelista

Melhor Ator em Comédia: Jason Sudeikis (Ted Lasso) 

Na disputa menos tumultuada da noite, Jason Sudeikis jogou com o time reserva e mesmo assim goleou na categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Astro máximo da sitcom futebolística, Sudeikis recebeu as primeiras nomeações ao Emmy da carreira apenas esse ano, e das 4 menções, acabou premiado em duas. A derrota em Melhor Roteiro, onde concorria em dose dupla, foi causada, além da força descomunal de Hacks, pela divisão de votos.

Em seu discurso, Sudeikis aproveitou para agradecer à equipe por trás de Ted Lasso e também à Apple TV+, que, com menos de três anos de vida, já conseguiu vencer um prêmio de Melhor Série, tudo graças ao otimismo do técnico norte-americano. Cria do Saturday Night Live, Jason Sudeikis tirou sarro do lendário Lorne Michaels, esse que prometeu um futuro promissor para o querido Lasso no programa de esquetes (será que vem uma indicação como Convidado no Emmy 2021?). Sejamos como um peixinho dourado, pois se Ted Lasso deixou uma lição valiosa, é a de que devemos acreditar. – Vitor Evangelista

Melhor Atriz em Comédia: Jean Smart (Hacks) 

Se não fosse dela algo estaria errado. Jean Smart! A atriz que já era favorita na categoria cumpriu a sina de subir ao palco receber a estatueta de Melhor Atriz em Série de Comédia. Smart chegou sorrateiramente ao catálogo do HBO Max em junho, tirando todo e qualquer favoritismo de Kaley Cuoco, que era cotada por The Flight Attendant. A vitória pelo papel de Deborah Vance é a quarta da atriz, que na década passada também foi premiada por suas atuações em séries de comédia.

Jean Smart, que também estava indicada como Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada, foi aplaudida de pé pelos presentes na premiação – e por mim na sala de casa – e iniciou seu discurso aplaudindo os colegas de Mare of Easttown. O prêmio foi emocionalmente dedicado ao marido de Smart, que faleceu durante as gravações do último episódio de Hacks. Jean Smart você mereceu esse prêmio, merecia o do ano passado por Watchmen e merece os que virão. Quebre a perna, Jean Smart. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Comédia: Lucia Aniello – There Is No Line (Hacks) 

A noite do Emmy foi agitada para as produções de Comédia. Quando seu adversário está entre os esperados para marcar todos os gols da noite, como era o caso de Ted Lasso, é difícil ter muita esperança. Mas indo contra as especulações, a série Hacks conquistou seu espaço e levou o troféu por Melhor Direção em Comédia. Quem diria? Nem mesmo o cancelamento de Ava impediu a vitória. 

A responsável por garantir essa estatueta para o HBO Max foi Lucia Aniello. A diretora e roteirista, que criou a série junto com Paul W. Downs e Jen Statsky, vem recebendo indicações na premiação mais famosa da televisão desde 2014, e finalmente pode respirar aliviada sabendo que, dessa vez, ganhou. – Mariana Chagas

Melhor Ator Coadjuvante em Comédia: Brett Goldstein (Ted Lasso) 

Na sequência de golaços de Ted Lasso no Emmy 2021 não poderia faltar ele, que está em todo lugar. Brett Goldstein, o rosto amigável por trás do carrancudo Roy Kent, deu um carrinho já aguardado nos concorrentes do Saturday Night Live e até nos seus colegas de elenco – mas pelo menos garantiu uma estatueta para os Diamond Dogs. 

Na primeira indicação de sua carreira na premiação, o ator e também roteirista honrou a trajetória do seu personagem no primeiro ano da série, que deixa sua marca na narrativa e já é o rabugento que mais amamos no mundo. Ao subir ao palco para receber o prêmio, Goldstein não poupou agradecimentos para Jason Sudeikis e o restante do elenco de Ted Lasso, além de, é claro, não economizar nos palavrões. Afinal, Roy Kent não é Roy Kent sem falar ao menos 2 fuckings por minuto. – Vitória Silva

Dando o pontapé inicial às premiações da noite (e aos muitos YEEEEEEAHs de Ted Lasso), Hannah Waddingham foi reconhecida por seu trabalho como a antagonística dona do AFC Richmond na primeira temporada da série de comédia, recebendo a estatueta de Atriz Coadjuvante das mãos de Seth Rogen. Emocionadíssima com sua primeira vitória, a atriz agradeceu profusamente aos roteiristas da produção e seus colegas de elenco, deixando claro que se pudesse dividir a estatueta com Juno Temple, o faria num piscar de olhos.

A vitória marcou o início da noite glamourosa para o elenco de Ted Lasso, que prosseguiu para vencer todas as categorias de atuação nas quais estavam indicados. Embora Waddingham tivesse ficado de fora do Globo de Ouro, sua vitória na premiação inaugural da Associação de Críticos de Hollywood já dava sinais da vinda do Emmy para as mãos da britânica, que competia junto de Temple com outras cinco atrizes pelo prêmio: além de Aidy Bryant, Kate McKinnon e Cecily Strong, indicadas recorrentes por Saturday Night Live, Hannah Einbinder de Hacks e Rosie Perez de The Flight Attendant formavam uma categoria bem arredondada por novatas e veteranas da modalidade, em que a única certeza era a de que o otimismo contagiante de Ted Lasso vingaria. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Comédia: Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky – There Is No Line (Hacks) 

Mesmo com a queridinha Ted Lasso indicada duas vezes na categoria pelo episódio piloto e por Make Rebecca Great Again, foi Hacks quem levou o troféu por Melhor Roteiro em Comédia pelo episódio There Is No Line. 

Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky subiram ao palco para receber o prêmio diretamente das mãos de Dan Levy, Eugene Levy, Catherine O’Hara e Annie Murphy, atores de Schitt’s Creek, série que surpreendeu a todos ao levar 7 prêmios no Emmy de 2020. – Caio Machado

Melhor Ator Convidado em Comédia: Dave Chappelle (Saturday Night Live) 

Quando o assunto é programa de comédia, Saturday Night Live se garante. O seriado vem recebendo indicações desde 2010, e seus prêmios não são possíveis de contar nas mãos. A produção conseguiu, nesta edição do Emmy, bater 81 prêmios no total. Haja estante para guardar tudo isso. 

Quem garantiu o nome do programa na lista de vitoriosos desse ano foi Dave Chappelle. O comediante e ator já era conhecido por participação em outras obras como seu papel em Nasce Uma Estrela e seu Stand-up Chappelle’s Show. Sua comédia no episódio de SNL, com certeza, é outro marco na carreira do talentoso artista. – Mariana Chagas

Melhor Atriz Convidada em Comédia: Maya Rudolph (Saturday Night Live) 

Ganhar Melhor Ator Convidado em Comédia talvez não fosse o suficiente, então Saturday Night Live resolveu se garantir e levar também o de Melhor Atriz Convidada em Comédia. A comediante e cantora Maya Rudolph ganhou a categoria e se juntou a Dave Chappelle a atores negros que tiveram seu espaço por participações especiais. 

Vale lembrar que esta foi a oitava indicação de Maya, que antes já havia ganhado dois prêmios no Emmy, um por sua dublagem em Big Mouth e outra participação anterior no SNL. Assim como o programa que representou, a artista vem colecionando estatuetas. – Mariana Chagas

Melhor Programa de Competição: RuPaul’s Drag Race

Não teve para mais ninguém! Sem The Masked Singer na categoria – a única ameaça possível ao reinado de RuPaul –, a vitória era certeira. O reality de Mama Ru, fenômeno mundial, venceu pela quarta vez consecutiva o troféu de Melhor Programa de Competição, por sua 13ª temporada. 

Para receber a estatueta no palco, a Queen of Drag convidou sua amiga e fiel escudeira Michelle Visage, e as queens Symone, a vencedora mais recente do formato principal, e Gottmik, o top 2 moral. Concorriam com a corrida das loucas os programas The Amazing Race, Nailed It!, Top Chef, e The Voice. – Jho Brunhara

Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado): Hamilton 

Para a categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), concorriam obras excelentes, como o melancólico Inside, do comediante Bo Burnham, e o magnífico David Byrne’s American Utopia, onde o músico fez um show incrível que refletia sobre o período atribulado no qual estamos inseridos, mas com esperança num futuro melhor.

No fim, o premiado foi Hamilton, a versão filmada do musical criado por Lin-Manuel Miranda e que foi inspirado na vida de um dos Pais Fundadores dos Estados Unidos. Ao subir no palco, o elenco do musical aceitou o troféu em nome de Lin, que não pôde estar presente na ocasião. Mesmo depois de seis anos de sua estreia nos palcos, a obra continua se mostrando relevante, sem nunca desperdiçar suas oportunidades. – Caio Machado

Melhor Série Limitada ou Antologia: O Gambito da Rainha 

Para a tristeza de alguns e felicidade de outros, O Gambito da Rainha deu a jogada final da noite e se consagrou como Melhor Série Limitada ou Antologia no Emmy 2021. A grande favorita da categoria conseguiu derrubar nomes de peso: Mare of Easttown, I May Destroy You, WandaVision e The Underground Railroad. Mas não chegou a surpreender ninguém de fato, por já ter levado a melhor nas categorias técnicas e ganhado a estatueta de Melhor Direção pouco antes.

Em seu discurso de agradecimento, o produtor executivo William Horberg parabenizou a protagonista Anya Taylor-Joy: “Você inspirou toda uma geração de meninas e jovens que perceberam que o patriarcado não tem como se defender das nossas rainhas”. Ironicamente, sua fala evidencia a maior contradição presente na obra, que se apoia em uma narrativa aparentemente feminista mas que em momento algum apresenta as dificuldades que uma mulher enfrentaria em um ambiente majoritariamente dominado por homens. 

Os méritos da série se devem quase por completo à atuação de Anya como Beth Harmon – e quem merece de fato todos os aplausos -, além de voltar os holofotes para um jogo pouco retratado na mídia. Apesar de somar 11 vitórias na premiação, O Gambito da Rainha facilmente se ofusca ao lado das concorrentes, e não carrega nem metade da força necessária para sustentar o legado deixado por Watchmen, sua antecessora na categoria. – Vitória Silva

Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Ewan McGregor (Halston) 

E a maior zebra da noite é toda dele: Ewan McGregor, senhoras e senhores. Se enganou muito quem subestimou a força do eterno Obi-Wan Kenobi, que conseguiu derrotar o favoritismo de Paul Bettany e Hugh Grant. Até quem achou que a aclamação de Hamilton iria reverberar na vitória de Lin-Manuel Miranda ou Leslie Odom, Jr. errou feio. 

Levando o primeiro Emmy da carreira, e também o único da série na premiação, a conquista não poderia ser mais que merecida. McGregor assume não só o protagonismo de Halston, mas também sustenta a produção de Ryan Murphy nas costas, com uma narrativa que não condiz com o brilho de seu talento. E repete o feito semelhante ao de Mark Ruffalo em 2020, por conseguir dar a volta por cima e conquistar a estatueta da única indicação da série na cerimônia principal. – Vitória Silva

Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Kate Winslet (Mare of Easttown) 

Diferente de Drama e Comédia que já tinha seus vencedores previstos, Série Limitada trouxe as categorias mais recheadas, incertas e aguardadas de 2021. As atuações femininas foram um espetáculo à parte. Com o favoritismo dividido entre Kate Winslet e Anya Taylor-Joy; Michaela Coel, Elizabeth Olsen e Cynthia Erivo também tinham motivos de sobra para se consagrarem na noite de 19 de setembro.

Agradando os fãs da HBO e fazendo jus a performance, foi o nome de Kate Winslet que saiu da boca de Sarah Paulson e Beanie Feldstein. A eterna Rose foi uma leoa dentro e fora das telas, defendendo minuciosamente cada traço de sua personagem. A atriz interferiu na construção visual de Mare Sheehan, potencializando ainda mais a força e os dramas da detetive. Aplaudida de pé, Kate também foi agraciada nos discursos de Julianne Nicholson e Evan Peters e em seu discurso falou sobre a importância de as mulheres apoiarem mulheres. De todos da noite, esse prêmio com certeza foi um dos que chegou em melhores mãos. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Scott Frank (O Gambito da Rainha)

Não teve jeito de contornar o xeque-mate da Netflix. Prenunciando que alcançaria também a maior vitória da noite, O Gambito da Rainha garantiu primeiro o Emmy de Melhor Direção, coroando aquele que direcionou uma das séries mais assistidas da história do streaming. Dali em diante, a distribuição dos prêmios de Série Limitada ou Antologia foi equilibrada em sua obviedade, dividindo as honrarias entre o fenômeno protagonizado por Anya Taylor-Joy e a favorita da HBO Mare of Easttown, que venceu a adversária em todas as categorias de atuação.

Então, na segunda metade da premiação, um antipático Scott Frank subiu ao palco para agradecer o prêmio, que num mundo ideal, seria de Barry Jenkins, pelo trabalho magistral entregue em The Underground Railroad. Mas se nem a relevância do diretor de Moonlight foi suficiente para tirar os olhos da Academia de TV do jogo de xadrez de Beth Harmon, não seriam também os feitiços de WandaVision dirigidos por Matt Shakman ou a força de I May Destroy You nascida de Michaela Coel. É uma chatice: nenhuma direção da seleção mais rica do Emmy 2021 foi considerada diante do favoritismo exaustivo que a temporada conserva por O Gambito da Rainha. Todos caíram direitinho na maior jogada da Netflix. – Raquel Dutra

Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Evan Peters (Mare of Easttown)

Quem acredita sempre alcança: desde 2004 nas telinhas e oito temporadas de American Horror Story depois, Evan Peters finalmente abocanhou seu primeiro Emmy. Sair do cativeiro de Ryan Murphy fez bem para Peters, e foi na HBO, por seu papel em Mare of Easttown, que o Detetive Colin Zabel rendeu uma estatueta para ele como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

O ator já é um ícone da cultura pop há muito tempo, e esse é mais um caso de uma estatueta não só para o papel na série indicada, mas também por sua carreira memorável. Também concorriam na categoria Thomas Brodie-Sangster, por seu papel em O Gambito da Rainha; Daveed Diggs, por Hamilton; Paapa Essiedu, por I May Destroy You; Jonathan Groff, por Hamilton; e Anthony Ramos, também por Hamilton. – Jho Brunhara

Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Julianne Nicholson (Mare of Easttown) 

Kathryn Hahn, Renée Elise Goldsberry, Julianne Nicholson, Phillipa Soo, Moses Ingram e Jean Smart: as indicadas a Melhor Atriz Coadjuvante deste ano eram gigantes. Essa foi a categoria que mais dividiu entre razão e emoção. O Gambito da Rainha havia levado muitas categorias técnicas na semana anterior, Jean Smart já imaginava que sairia vitoriosa por Hacks em Comédia, Renée e Phillipa fazem parte do queridíssimo cast de Hamilton que poderia ser a zebra deste ano, mas a torcida estava mesmo entre a adorável e vilanesca Kathryn Hahn e o pilar de estruturação Julianne Nicholson.

A indicada de WandaVision tinha toda a torcida do coração e chances reais de garantir um Emmy para a Marvel. Mas, pensando racionalmente, essa estatueta foi para as mãos certas. Ela é, e tinha que ser de Nicholson, desde o início. Dona de uma das melhores cenas do ano, Lori Ross é uma personagem complexa e cheia de camadas, todas muito bem dominadas pela entrega da atriz. Mare of Easttown venceu a trinca em atuação e Nicholson ganhou o primeiro – espero que seja de muitos – Emmy da carreira. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme: Michaela Coel (I May Destroy You) 

I May Destroy You já dava sinal de pelo menos uma vitória no Emmy 2021, tendo recebido 4 troféus no BAFTA deste ano. Michaela Coel era vista, de longe, como a favorita nessa categoria — tinha que ser dela, e não tem discussão. Baseado no caso de estupro que Coel sofreu em 2015, o seriado levou para casa o troféu de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme. Com o prêmio, Coel tornou-se a primeira mulher negra a receber o Emmy nesta categoria. 

Em 2017, Michaela Coel recusou a oferta de 1 milhão de dólares da Netflix por I May Destroy You, pois a plataforma não permitia que a atriz, roteirista e produtora retivesse qualquer porcentagem dos direitos autorais, mesmo sendo um projeto autobiográfico. A série acabou indo para a HBO, e o Emmy também. O seriado ainda concorreu em outras 8 categorias na premiação, levando a estatueta de Melhor Supervisão Musical no dia das premiações técnicas, e encerrou essa edição com 2 troféus. – Bruno Andrade

Melhor Telefilme: Natal com Dolly Parton

Na categoria de Melhor Telefilme do Emmy 2021, deu zebra. Entre os indicados, Oslo, adaptação da HBO sobre as negociações secretas do Acordo de Paz da capital de Noruega, Uncle Frank, um drama independente sobre aceitação e pertencimento, adquirido pelo Amazon Prime Video, e Sylvie´s Love, o romance sessentista estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha, também comprado pela Amazon, figuravam entre os favoritos. Até o azarão Robin Roberts Presents: Mahalia, biografia da cantora gospel Mahalia Jackson (interpretada pela fenomenal Danielle Brooks), apresentava melhores chances do que o ganhador: Dolly Parton´s Christmas on the Square, o musical natalino da Netflix com a estrela country Dolly Parton.

A modalidade que condecorou Bad Education em 2020 premia os filmes lançados diretamente na TV e ganhou regras que levam em conta o Oscar: se a produção foi considerada na disputa de Cinema, não entra na de TV. Além disso, a categoria já passou por outras mudanças desde sua criação em 1992, como alterações de nomes e quando, em 2011, virou uma só com a junção com a de Minisséries. A decisão foi revertida em 2014. Já a edição de 2021 reflete o ano fraco: enquanto as Séries Limitadas estão em um de seus melhores e mais competitivos anos, a entrega dos troféus para os filmes televisivos foi do evento principal para a segunda noite do Emmy. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Série de Drama: The Crown

Deus salve a Rainha porque The Crown levou a estatueta de Melhor Série de Drama, e deu à Netflix seu primeiro troféu de Melhor Série — O Gambito da Rainha foi a segunda série da plataforma a receber a honraria, ficando com o principal prêmio da noite. Introduzindo Lady Di (Emma Corrin) na trama, a temporada mesclou aspectos históricos com ficção, construindo uma narrativa envolvente e episódios esteticamente ricos. 

Em seu 4º ano, The Crown entregou a melhor temporada até aqui, não deixando dúvidas sobre os méritos dessa vitória. Explorando aspectos interessantes da realeza britânica, com Gillian Anderson interpretando brilhantemente a Dama de Ferro, Margaret Thatcher, a 4ª temporada do seriado emplacou todo o elenco principal em suas respectivas categorias, e a série levou para casa todos os prêmios em Drama, mantendo a hegemonia já antecipada no Globo de Ouro e no SAG Awards deste ano.

A série ainda proporcionou a vitória do brasileiro Adriano Goldman, que já havia sido indicado ao Emmy na 3ª temporada de The Crown, e ficou com a estatueta de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora) pelo episódio Fairytale, no dia das premiações técnicas. Depois das 11 vitórias no Emmy 2021, incluindo Olivia Colman como Melhor Atriz em Drama por interpretar a Rainha Elizabeth II, não é errado afirmar que The Crown, realmente, é a rainha do Drama. – Bruno Andrade

Melhor Ator em Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A categoria de Melhor Ator em Drama contava com atores premiados anteriormente. Sterling K. Brown recebeu a estatueta em 2017, pela primeira temporada de This Is Us, e Billy Porter venceu em 2019 pela primeira temporada de Pose. 

Neste ano, quem subiu ao palco para receber o troféu diretamente das mãos da atriz Catherine Zeta-Jones foi Josh O’Connor, por sua atuação excepcional como Príncipe Charles na quarta temporada de The Crown. Levando em conta que a série já tinha sido coroada com cinco estatuetas em categorias anteriores, era de se esperar. – Caio Machado

Tinha como Olivia Colman sair de The Crown sem ser premiada pela sua Rainha Elizabeth? Não tinha. Em seu segundo ano como o centro da superprodução da Netflix, Colman sai das indicações do Oscar para entrar na corrida do Emmy mais uma vez, e como a mais silenciosa em meio às mais prováveis, venceu a estatueta de Melhor Atriz em Drama de 2021.

A expectativa para a noite do dia 19 de setembro, no entanto, era de que a Princesa vencesse a Rainha, já que o encanto e maestria de Emma Corrin como Lady Di roubaram todas as atenções do quarto ano de The Crown e algumas das premiações precursoras da temporada. Ou então, que o Emmy honrasse todo o significado de Pose ao reconhecer o mérito de Mj Rodriguez na última temporada de uma das produções mais importantes da história da TV. Até Elisabeth Moss poderia surpreender e repetir sua vitória de 2017 por de The Handmaid’s Tale, mas a força do nome e do trabalho de Olivia Colman é imparável, e numa possível divisão de votos entre as duas mais próximas da estatueta, ficou ainda mais forte. 

Assim, a Academia de TV perdeu a chance de coroar sua primeira mulher trans numa categoria principal de atuação, justo no ano em que notou o trabalho de uma maioria de atores e atrizes negros nas categorias de Drama. E por isso, um gosto amargo sempre vai acompanhar a apreciação do trabalho inquestionável de Olivia Colman em 2021. – Raquel Dutra

Melhor Direção em Drama: Jessica Hobbs – War (The Crown)

The Crown varreu o Emmy 2021. Se a Netflix rezava para conseguir a tão sonhada estatueta de Melhor Série de Drama, com certeza Jessica Hobbs acendeu todas as velas de sua casa para atrair o prêmio de Melhor Direção em Drama. E deu certo. A neozelandesa dirigiu os dois últimos episódios da quarta temporada, Avalanche e War, vencendo pelo segundo.

Essa é a quarta vitória da Netflix na categoria desde que começou a concorrer, em 2013, e a segunda vitória de The Crown. O ano atípico causado pelas consequências da pandemia no audiovisual pode ter favorecido a gigante do streaming, mas, agora, mais do que nunca, é melhor sempre ficar de ouvidos bem abertos no tudum. Na categoria também concorriam Julie Anne Robinson, Benjamin Caron, Liz Garbus, Jon Favreau e Steven Canals. – Jho Brunhara

Melhor Ator Coadjuvante em Drama: Tobias Menzies (The Crown) 

Depois de um belo discurso de Kerry Washington em homenagem a Michael K. Williams, ator falecido em 6 de setembro e que concorria na categoria por sua atuação avassaladora  em Lovecraft Country, a sensação era de que o prêmio já era dele. Seria a maneira perfeita de honrar a carreira de um ator brilhante que se foi cedo demais. 

No entanto, numa surpresa decepcionante, quem acabou levando a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante em Drama foi Tobias Menzies, por sua atuação como Príncipe Philip na quarta temporada de The Crown. Foi o quarto prêmio seguido dado à série, numa noite histórica para a Netflix. 

Ao lado dele, também concorriam O-T Fagbenle, Max Minghella e Bradley Whitford por The Handmaid’s Tale, John Lithgow por Perry Mason, Chris Sullivan por This Is Us e Giancarlo Esposito por The Mandalorian. Pelo visto, nenhum deles foi páreo para o poder da família real britânica. – Caio Machado

Melhor Atriz Coadjuvante em Drama: Gillian Anderson (The Crown) 

Depois de Jessica Hobbs e Peter Morgan terem recebido as estatuetas de Direção e Roteiro, foi a hora dos intérpretes da terra da Rainha receberem o que lhes era devido pela quarta temporada de The Crown. Na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante não deu outra, e Gillian Anderson subiu ao palco para receber o segundo Emmy de sua carreira (a atriz já havia sido reconhecido por seu papel como a querida Dana Scully de The X Files), agradecendo à Netflix e aos realizadores da série, mas dedicando o prêmio à sua colaboradora e amiga de longa data, Connie Freiberg.

A categoria estava claramente dividida entre The Crown e The Handmaid’s Tale, cada qual contando com três e quatro atrizes na disputa pela estatueta, com apenas Aunjanue Ellis competindo solitariamente por seu papel em Lovecraft Country. Interpretando uma das figuras mais infames da política britânica, a Margaret Thatcher de Anderson já estava no caminho para vencer desde que conquistou o Globo de Ouro e o SAG mais cedo na temporada de premiações. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Drama: Peter Morgan – War (The Crown) 

Peter Morgan, premiado roteirista britânico — que já recebeu um BAFTA pelo roteiro do filme O Último Rei da Escócia (2006) —, levou a estatueta de Melhor Roteiro em Drama por War, 10º e último episódio da 4ª temporada de The Crown. A série era uma das favoritas para levar o prêmio, e, como fez em toda a categoria de Drama, não deixou espaço para a concorrência.

 Morgan, que também é o criador da série, é conhecido no cenário das artes dramáticas como um dos principais roteiristas sobre histórias da realeza britânica, e roteirizou o filme The Queen, de 2006, que lhe rendeu uma indicação como Melhor Roteiro no Oscar, além da vitória na mesma categoria no Globo de Ouro de 2007. O episódio War — uma respeitosa Season Finale —, em tom sombrio, se inicia em 1º de novembro de 1990, data que marcou o fim da carreira política de Margaret Thatcher, e mostra a Princesa Diana como o principal rosto da família real. – Bruno Andrade

Melhor Ator Convidado em Drama: Courtney B. Vance (Lovecraft Country)

No primeiro domingo do Emmy 2021, quem levou a melhor como Melhor Ator Convidado em Drama foi Courtney B. Vance, por seu papel como George Freeman na cancelada Lovecraft Country. Vance ficou com o troféu nas duas vezes em que foi indicado: ele já tinha uma estatueta de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme na estante, por The People v. O.J. Simpson: American Crime Story em 2016.

Em 2021, a competição estava entre ele, Charles Dance, indicado por Lord Mountbatten em The Crown; Don Cheadle, por sua participação de 98 segundos como James Rhodes em Falcon and the Winter Soldier; Carl Weathers, por Greef Karga, em um episódio de The Mandalorian dirigido por ele mesmo; e Timothy Olyphant, pelo xerife Cobb Vanth, também em The Mandalorian.

Courtney B. Vance não enrolou para subir ao palco e agradecer à família, a HBO e a toda equipe de Lovecraft Country. Ele aproveitou as palavras da showrunner da série, Misha Green, a quem também agradeceu, para prestar homenagem ao seu colega de elenco falecido recentemente, o ator Michael K. Williams. “Michael fez tudo de coração aberto, com seu espírito infinito e com muito estilo. Que ele descanse em poder e nos deixe honrar o seu imenso legado sendo um pouco mais amoroso, um pouco mais infinito em pensamentos e um pouco mais ‘swaggy’ em ações”. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Atriz Convidada em Drama: Claire Foy (The Crown)

Entre nomes recorrentes nas indicações de Melhor Atriz Convidada em Drama, foi Claire Foy quem fez história no Emmy 2021. A vitória da intérprete da Rainha Elizabeth II a consagrou como a primeira atriz a levar o prêmio em duas categorias diferentes pelo mesmo papel, tendo aparecido em Principal e Convidada. Foy já havia sido nomeada como Melhor Atriz em Drama pela primeira e segunda temporada de The Crown, em 2017 e 2018 respectivamente, e levou o troféu em 2018. 

A Rainha encerrou sua participação como protagonista na série da Netflix há duas temporadas, mas reviveu sua personagem em um flashback no episódio 48:1, no quarto ano da produção. O 1 minuto e 49 segundos de participação da atriz foi suficiente para desbancar performances marcantes das outras concorrentes, entre elas veteranas como Phylicia Rashad e Alexis Bledel. Rashad, indicada por três anos seguidos como Carol Clarke em This Is Us, saiu mais uma vez só com o reconhecimento da nomeação. Bledel, lembrada por Emily em The Handmaid´s Tale e uma das favoritas no ano, já havia sido indicada na categoria em 2017 e 2020, além da nomeação como Melhor Atriz Coadjuvante em 2018, mas continuou só com o troféu de 2017.

Das indicadas de primeira viagem, a injustiçada Sophie Okonedo recebeu um aceno por Charlotte, em uma performance que salvou Ratched, mas sequer figurou entre as favoritas. Por último, a jovem Mckenna Grace, que apareceu pela primeira vez na lista do Emmy aos 15 anos, foi reconhecida por seu papel como Esther em The Handmaid´s Tale e apresentou uma categoria na segunda noite da premiação. Ao final, a coroada foi a familiar Rainha. – Vitória Lopes Gomez

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Vitor Evangelista

Quando um premiado cineasta decide migrar para as telinhas, é sinal de que sua Arte está em expansão. Não apenas no escopo narrativo, já que a TV abre espaço para histórias volumosas e intrincadas, mas também no campo da linguagem, considerando também que o formato seriado testa limites, que vão desde a criação de personagens e ritmo até sua inevitável conclusão. Por isso, o deleite de assistir Barry Jenkins anunciar seu envolvimento em The Underground Railroad apenas premeditou aquele que seria o trabalho mais coerente, sufocante e crucial de 2021.

Os Caminhos Para a Liberdade é um livro escrito por Colson Whitehead, em 2016, e vencedor do Pulitzer no ano seguinte. Essa é a base para o projeto imprescindível de Jenkins, que vem trabalhando para que grandes autores negros tenham suas obras adaptadas para o audiovisual. A estreia de Jenkins no Cinema mainstream, em Moonlight, usa a peça de teatro de Tarell Alvin McCraney como ponto de partida para discursar sobre escolhas e sobre o amor, quando se é negro e não se tem muitas possibilidades. Moonlight venceu 3 Oscars, entre eles, Roteiro Adaptado e Melhor Filme.

Se a Rua Beale Falasse é a adaptação do livro homônimo do lendário James Baldwin, e mostra um Jenkins mais seguro no posto de diretor, guiando suas cenas não por simples diálogos ou ações, mas deixando que a emoção da trágica história de um romance interrompido dê as batidas narrativas que levaram o longa ao palco do Oscar, vencendo a estatueta de Melhor Atriz Coadjuvante para Regina King. Com The Underground Railroad, entretanto, o caminho não será o mesmo. A Série Limitada original do Amazon Prime Video não foi reconhecida da maneira que deveria no Emmy 2021, portanto, tornando impossível que sua coroação aconteça da mesma maneira que trabalhos anteriores do cineasta o fizeram.

Foram apenas 7 menções para a produção, que já perdeu cinco delas no fim de semana do Emmy Técnico, e não tem muita chance de vencer na noite principal do Emmy. A falta de campanha por parte do Prime Video é o primeiro fator que desemboca na miséria e na ausência do prestígio, mas o buraco é mais embaixo.

Comandado pela novata Thuso Mbedu, o elenco não escalou nomes grandes da indústria. Isso, em adição a um ano extremamente tumultuado na corrida das Séries Limitadas, resultou em seu reconhecimento na categoria principal e também de Jenkins pelo conjunto da obra em Melhor Direção. Mas que falta faz uma menção para Mbedu como Atriz, ou para os exímios coadjuvantes Aaron Pierre, William Jackson Harper, Joel Edgerton e a inacreditável Sheila Atim.

Ao longo de dez episódios, todos dirigidos por Jenkins, acompanhamos a jornada de Cora (Mbedu), uma escrava fugitiva, que parte em busca da ferrovia do título. Ao longo das tempestuosas aventuras, descobrimos ao lado dela que esses trilhos são tão reais quanto metafóricos. Ela se apaixona, se frustra, teme e não esconde sua personalidade. Por ser uma jovem de pouca idade e muito trauma, os silêncios se tornam rotina e a minissérie usa e abusa deles, tornando a linguagem da ausência uma das mais importantes ferramentas na hora de contar essa história.

The Underground Railroad foi o primeiro trabalho de visibilidade maior de Thuso, que tem no currículo produções televisivas de nicho. Sob a tutela de Jenkins, a atriz sul-africana cria metamorfoses em tela, eclodindo de uma cápsula protetora para a seguinte e, no caminho, protege aqueles a seu redor, em especial as duas jovens escravas com quem encontra na trama. Mbedu engrandece a minissérie, dá-lhe vida, potência e magnetismo. Sua performance evoca dor e perdão, ao mesmo tempo em que lida com a culpa e com a saudade da mãe Mabel (Sheila Atim).

Sheila rouba a cena mesmo figurando em poucos vislumbres da produção. Seu holofote é aceso quase no fim do túnel, em Chapter 10: Mabel, que rebobina as ações de Cora e nos transporta para o período em que ela não passava de uma criança e ainda vivia na fazenda escravocrata junto da família. Sem muito espaço para expandir essa narrativa conclusiva, Barry Jenkins decide pausar o avanço de Cora para que entendamos a raiz de suas questões de desconfiança e desamparo. Mabel é tão benevolente como a filha, e paga caro por cultivar esse senso materno de empatia.

Esse é mais um dos limites traçados pelo roteiro do time comandado por Jihan Crowther: a linha tênue entre o cruel e o sensível, entre a morte e a vida, entre a poesia de partir e a amargura da incerteza. A cena que conclui cruelmente a jornada de Mabel traduz com clareza o âmago de The Underground Railroad. Sequência carinhosas divididas entre Cora e Caesar (Aaron Pierre) são pontuadas pela dor do contexto, quando Jenkins se importa o suficiente com os personagens para lhes amenizar com doses cavalares de afeto, mas se importa mais ainda com a veracidade desse excruciante conto, que se passa alguns anos antes da Guerra Civil.

O papel de Caesar é catalisador de emoções na primeira trinca de episódios, mas sua ausência é logo suprida por outros dois homens. Primeiro, somos apresentados ao caçador de escravos Ridgeway, interpretado com a tenacidade de Joel Edgerton. Acompanhado do escravo Homer (Chase W. Dillon), uma mera criança que tem suas noções deturpadas pelo racista a quem pertence, Ridgeway caça Cora ao longo de toda a temporada, não dando sossego para ninguém no caminho. 

A história acontece por ele e através dele, e muito da personagem Cora é resultado desse jogo doentio. O quarto episódio, The Great Spirit, onde a narrativa se transmuta de uma mera “antologia” para o golfo magnético de permissão e aflição, é focado no jovem Ridgeway, que testa os limites humanos para que sua sede de carne seja devidamente saciada. No fim, não importa quantos chicotes estalassem ou quantos grilhões selasse, ele nunca estaria satisfeito.

A segunda figura masculina, e que agracia a parcela final da série, é o personagem de William Jackson Harper (The Good Place), Royal. Maduro e nada inconsequente, é ele quem apresenta Cora ao “paraíso”, e ao conceito de liberdade dentro desse ambiente escravocrata e permeado pelos limites de felicidade e prazer. A indecisão de Cora fala mais alto, ao passo que os episódios destinados às estações de Indiana pavimentam o suspense que explode na pragmática cena do tiroteio da igreja. Os conceitos cristãos cruzam um sobre os outros, a casa de Deus é palco de uma carnificina e, honrando as escrituras sagradas, os sonhos morrem, o sangue escorre e o Céu cai.

O resultado da falência divina é a vingança tardia. Cora enfrenta seu captor, seu bicho-papão e seu demônio pessoal. Ridgeway é engrandecido pelo trabalho de Edgerton, que brilha como outros atores brancos já o fizeram no exercício de dar vida a monstros racistas. Não é coincidência que, quando as primeiras reações à série saíram, o comum acordo era reconhecer a brutalidade do ator em cena. Nessa leva, Barry Jenkins, acompanhado de uma equipe técnica formosa, não dá tanta atenção ao barulhento, preferindo iluminar as performances mais singelas e internas de suas mulheres.

No Emmy 2021, nenhuma delas foi reconhecida. Thuso ficou de fora da disputa de Atriz, assim como seus colegas coadjuvantes. As nomeações vieram coroando os trabalhos das equipes de Mixagem e Edição de Som, além da direção de elenco e a fotografia de James Laxton. Também citada, a trilha sonora mística de Nicholas Britell, parceiro de Jenkins desde Moonlight, é o grande feitiço da produção, que honra e enobrece as composições visuais e artísticas filmadas em cada uma das impressionantes locações. 

Na toada de transmitir a dor e a perda de maneira nada gratuita ou agressiva à toa, The Underground Railroad não quer que sua trama seja um espetáculo dos horrores. 2021 já nos amaldiçoou com Them, produção também do Amazon Prime Video, que vê graça no sofrimento de pessoas negras. Comandado pela mente digna de um homem destinado (e já desfrutando) da grandeza e das honras, Os Caminhos para a Liberdade são imersivos, árduos, recompensadores e memoráveis. A receita perfeita para a construção de um clássico.

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Vitória Silva

Não há isca melhor para prender o telespectador do que uma boa história de suspense. Crie uma morte inesperada e um núcleo de possíveis suspeitos, ainda por cima, ambiente-a em uma cidade interiorana pequena. Pronto, tem aí a fórmula perfeita para causar um burburinho necessário. Mas não o suficiente para, de fato, ter uma narrativa interessante, em meio a tantas outras que utilizam os mesmos ingredientes, e muitas que acabam se perdendo. 

Mare of Easttown se apoia no gênero para criar sua trama. Ambientada na pequena cidade da Pensilvânia presente no título da série, a obra acompanha Mare Sheehan (Kate Winslet), uma policial durona de meia-idade, que se ocupa diariamente com a solução de diversos crimes que atingem a população local. Entre ter que resolver pequenos problemas de demais habitantes, como a implicância da senhora Carroll (Phyllis Somerville) com seu vizinho delinquente, a detetive também lida com a investigação do desaparecimento da jovem Katie Bailey (Caitlin Houlahan), caso até então não solucionado.

Mas o roteiro da produção não se limita apenas à realidade difícil na delegacia, e somos levados para dentro da casa da protagonista. Descobrimos que, além de policial, ela também é filha, mãe, divorciada e avó. Em um retrato claro de que, quando se é mulher, se carrega muito mais do que o peso de um distintivo. Além de conviver com uma mãe de forte personalidade, Helen, interpretada pela genial Jean Smart; compartilhar a vizinhança com seu ex-marido Frank (David Denman) – bem menos babaca que o Roy de The Office -, suportar a adolescência da filha Siobhan (Angourie Rice), Mare também enfrenta nas entrelinhas o luto pela morte de seu filho Kevin (Cody Kostro).

A protagonista de Kate Winslet não é fácil de se gostar. Sheehan é durona, egoísta, carrancuda e pouquíssimo afetuosa. Ainda sim, vamos nos aproximando cada vez mais da realidade da personagem e de sua jornada. Mare se posiciona como uma salvadora da cidade de Easttown, capaz de mover montanhas para resolver desde questões mínimas dos habitantes até outras maiores e mais complexas, com o único objetivo de trazer para a comunidade a estabilidade que falta em sua vida. Afinal, ela é a Miss Lady Hawk. 

Mas isso não a torna nenhuma espécie de Mulher Maravilha, e nem é isso que ela procura. Nem mesmo a adoração popular ou os calorosos braços de Richard – representados com todo o charme de Guy Pearce – seriam capazes de acalentar a maré de turbulências presente no cotidiano da detetive. Nada melhor para suportar a luta pela guarda do neto, questões mal resolvidas com a morte do pai e um vazio irreparável no coração de uma mãe do que tentar solucionar o que parece insolucionável, nem que para isso seja necessário quebrar todas as partes do corpo ou colocar sua credibilidade profissional em jogo, dando um espetáculo de anti-heroísmo. 

Por mais empoderador que possa ser ver uma mulher incorporar uma figura historicamente associada a personagens masculinos, não há nenhuma forçação de barra nesse sentido, Mare é fodona sem precisar se empenhar muito para isso. Devido a essas e outras, Winslet conseguiu uma indicação ao Emmy 2021 como Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. 

Enquanto somos ambientados no ar da cidade e na rotina dos habitantes, também acompanhamos a vida de Erin McMenamin (Cailee Spaeny), uma jovem mãe solo, que tem uma rotina solitária e uma relação complicada com o pai alcoólatra e o ex-namorado abusivo. O pontapé inicial da trama, de fato, é o seu assassinato, nos minutos finais do primeiro episódio, que rende uma cena quase teatral. 

Assim surge mais um crime para ser resolvido na conta de Sheehan. Em uma cidade pequena onde as vidas de todos os habitantes se cruzam, ninguém ali deixa de ser um suspeito. E ela sabe bem disso, e embarca nessa empreitada ao lado de Colin Zabel, interpretado por Evan Peters, que finalmente saiu do cativeiro do Ryan Murphy para dar vida a um detetive extremamente bobão e carismático – e que também apresenta uma idade relacionável a do ator -, tendo como resultado nada mais nada menos do que sua primeira indicação ao Oscar da Televisão, como Melhor Ator Coadjuvante. 

Mesmo com um roteiro para lá de instigante – e que devidamente recebeu sua nomeação ao Emmy para o criador Brad Ingelsby – o arco da investigação do assassinato e da onda de sumiços de jovens garotas em Easttown fica facilmente em segundo plano. Por mais que o interesse pelo desfecho da trama seja grande, nos tornamos ainda mais obcecados e apegados à história de Mare, a forma que ela se agarra ao trabalho para não ter que enfrentar as batalhas da sua vida pessoal, sem perceber que se encontra numa situação que é uma via de mão dupla. 

De maneira alguma isso aumenta a densidade da narrativa ou a dosagem dramática, que é perfeitamente balanceada com a relação bem-humorada com sua mãe, que ainda rendeu uma indicação para Jean Smart como Melhor Atriz Coadjuvante, concorrendo na premiação também por Hacks. Não só no âmbito familiar, mas também na amizade, Mare forma um laço perfeito com sua colega de longa data Lori, em uma performance estonteante de Julianne Nicholson, que se garantiu ao lado de Smart na disputa pela estatueta de ouro. O balanço entre a sensatez e a inconsequência da dupla é o guia perfeito para nortear a descabida Mare of Easttown. 

E se tem uma coisa que a produção da HBO sabe fazer é criar laços. Os diversos rostos que aparecem de forma despretensiosa na trama podem parecer apenas uma distração ou mais um na extensa lista de possíveis criminosos, mas todos se posicionam perfeitamente na rede completa que constrói o arco final da série, com camadas e camadas de desenvolvimento. Nada é por acaso, nem mesmo os cortes aparentemente grosseiros, ou os enquadramentos peculiares da direção, que nos enganam de forma minuciosa e nada exagerada, devidamente executada por Craig Zobel, que, adivinha, disputa o Emmy por Melhor Direção.

Em meio a uma jornada tão profunda da nossa anti-heroína, a última coisa que Mare of Easttown precisava era nos dar uma reviravolta surpreendente, e ainda sim o faz de forma magistral. O desfecho da investigação – arriscado, quase absurdo e todos os outros adjetivos que você possa imaginar – é a peça final do quebra-cabeça que vem sendo construído desde o primeiro episódio, e sobre o que a série de Ingelsby realmente se trata: um encontro perfeito entre a maternidade e o luto. Ao final, a perda de Mare conecta-se com a de Lori, de Judy, de Dawn e de Erin. A conclusão é apenas uma, e é a mais bela que poderíamos ter. 

Mare of Easttown é a série do ano, da década, ou de qualquer outro recorte  temporal possível, e sua forte aposta no Emmy 2021 como Melhor Série Limitada ou Antologia é apenas um dos indícios disso. Não é todo dia que se reinventa um gênero que atravessa gerações, e ainda dá aula sobre como trabalhar uma narrativa com a profundidade e o significado que merece. Isso tudo em apenas sete episódios, que são muito mais que suficientes.

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Vitor Evangelista

Antes mesmo de lançar sua primeira série de TV, o Universo Cinematográfico da Marvel já usava a estrutura da telinha para contar histórias. Kevin Feige, a mente por trás do império, ligava os filmes entre si, como capítulos na grade semanal. Por conta disso, ao anunciarem a migração do início da Fase 4 para o Disney+, a empresa suscitou a curiosidade: como eles se comportariam frente ao formato propriamente dito? A Marvel seria capaz de sustentar uma narrativa difusa e não condensada nas duas horas e meia que acostumou o público a assistir, com óculos 3D e um baldão de pipoca com manteiga? O fim de WandaVision responde algumas dessas questões.

Foram oito semanas de exibição, passeando entre as eras da Televisão. Cada capítulo ganhava um título sugestivo de seu papel metalinguístico, e os créditos comiam boa parte da duração. As seis horas de conteúdo, prometidas no modelo Marvel televisivo, não passaram de balela. Essa foi a primeira mentira. A direção de Matt Shakman, de cara, soube extrair o ouro das inspirações cômicas na qual o cerne de cada episódio era construído em volta. I Love Lucy, A Feiticeira, The Brady Bunch, não havia maneira melhor de inserir o MCU na TV que não fosse homenageando esse meio.

Algo que Kevin Feige sempre teve em mente enquanto revolucionava o cinema blockbuster com a Saga do Infinito era a ciência de quais fontes beber. Os filmes da Marvel dosaram a mão para, na mesma medida, homenagear e criar cenas memoráveis o bastante para se tornarem referência no futuro. Nesta década de construção da tensão e do clímax de Thanos, a Televisão americana passava por sua própria ascensão. O apreço pelas minisséries tomou Hollywood de solavanco, grandes nomes das telonas fizeram TV e foram reconhecidos e premiados por isso. Estrelas do próprio hall dos Vingadores, como Mark Ruffalo, tiveram performances desafiadoras e ovacionadas. 

WandaVision começou como uma estranha sitcom que homenageava as sitcoms do passado. Cada capítulo mudava completamente o formato, a linguagem, a abertura e até o cenário. Era uma aula de história com personagens da Marvel, algo inédito para o Universo que já fez de tudo, desde romances shakespearianos até óperas especiais e comédias no Ensino Médio. Então, quando saímos do ambiente do Hex, o misterioso domo que abrigava Westview, para entender o que rolou no mundo de fora, a minissérie perdeu o fôlego e nunca mais conseguiu recuperá-lo.

Para quem estava investido em Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e no Visão (Paul Bettany), de nada importava a quantas andavam as coisas depois do Blip. Mas, mesmo assim, o roteiro encheu a tela com a presença de Monica Rambeau, Jimmy Woo e Darcy Lewis. Coadjuvantes bons? Sem dúvidas! Mas no que eles agregariam à série de origem da Feiticeira Escarlate? Volta à nossa mente, então, que a Marvel já fazia TV e enfiava personagens onde podia para dar o nó narrativo e suspirar no fim: “olha aí, estava na nossa cara sempre”. Quando o último capítulo sobe as letrinhas, e nenhum desses rostos periféricos tem o mínimo de desfecho, WandaVision decepciona.

Uma cena entre créditos de Monica encontrando alguém que pode guiá-la à Capitã Marvel 2 ou à Invasão Secreta não é o suficiente para quem acompanhou sua jornada aqui. A Darcy (Kat Dennings, subaproveitada), coitada, que passa O Grande Final sumida e aparece atropelando o grande chefão do mal, nem ganhou segundos a mais de tela para criar uma ponte com Thor 4. Falando no vilão, que é bunda mole o bastante para nunca representar ameaça alguma, Hayward é o cuspe de todos os generais que a Marvel já usou de antagonistas: sem primeiro nome, sem carisma e sem motivação. Ele queria parar a Wanda, pois! Mas, e o motivo? Ah, porque sim.

Todo o enredo da corrupção da S.W.O.R.D. já foi feito melhor em Soldado Invernal. Os momentos fora do Hex e longe da série da Wanda ajudaram a tornar enfadonha a experiência de acompanhar uma história honesta sobre perda e dor, protagonizada pela personagem mais interessante da Marvel. No episódio 8, Wanda participa do Arquivo Confidencial do Faustão ao lado de Agnes, e a bruxa revê uma de suas primeiras interações com o futuro marido, logo após a morte de Pietro em Era de Ultron.

Quando expressa o vazio que sente, Wanda ouve um Visão, ainda confuso com as emoções humanas, declarar em forma de dúvida, “o que é o luto, se não o amor que persevera?”. A Marvel nunca antes havia mergulhado com vontade em temas inerentes ao comportamento social dos heróis. Essa fala do robô acontece uma semana depois da minissérie homenagear Modern Family para mostrar o estado depressivo da protagonista. A mudança das décadas entre sitcoms ajudou a denotar a fricção do modelo de família americana que os Estados Unidos representava.

O que começa com os anos 50, a esposa de saia rodada e com a capacidade de cozinhar uma refeição enorme em poucos minutos, se tornou uma desconstrução do papel das narrativas televisivas na vida de quem assistia. Ninguém é perfeito no mundo real, então isso não deveria ser feito na ficção. A casa muda de tamanho, os bebês nascem e crescem. O protagonismo é compartilhado. Quando chegamos nos anos 2010 e Modern Family vira o papel-carbono da semana na Marvel, eles falam sobre depressão, sobre medicamentos e sobre como aceitar essa condição é o primeiro passo para a melhora, por menor que seja.

Super-herói tem direito a terapia? A minissérie tinha tudo para responder isso, fugir do clichezão das lutas aéreas e justificar seu papel como precursora televisa, abrir a Fase 4 e reapresentar a Feiticeira nesse contexto pós-Thanos, sem irmão, sem marido e completamente instável. Ela vivia sua própria e autoinduzida quarentena, enquanto o mundo fazia o mesmo, mas sem o poder de escolha. Wanda Maximoff, uma mutante nos quadrinhos, era peça central das histórias dos X-Men, a minoria que lutava por respeito. O que é WandaVision, senão a Marvel finalmente adereçando temas sensíveis e usando heróis de collant e látex no processo?

Não houve equívoco maior. A razão está ligada ao vício da série em querer se justificar e explicar cada frase e cada cena. O Arquivo Confidencial do episódio 8 foi eficiente por revisitar os traumas em favor do desenvolvimento de Wanda. Assistimos o momento onde sua infância mudou para sempre. O passatempo da família em Sokovia era devorar séries americanas (a-há!), até que uma bomba explodiu os pais dos gêmeos, que passaram dias esperando um míssil Stark ser acionado e finalmente acabar com o sofrimento dos Maximoff, matando-os. 

A bomba nunca fez o seu trabalho. Agnes revelou que Wanda usou magia de probabilidade para salvar sua pele e a de Pietro. A Joia da Mente, na verdade, apenas despertou uma parte dormente dos poderes da jovem Wanda. Um artifício de retcon interessante e pertinente, colocando a jovem mulher como um receptáculo muito maior do que os filmes da Marvel nos mostraram. Numa conferência da S.W.O.R.D., Hayward pergunta enfaticamente se Maximoff tem algum ‘apelido engraçado’, para o que algum coadjuvante nega. WandaVision cai nas armadilhas que a própria Marvel tem feito de piada nas produções recentes, jogando a isca para Wandinha ser chamada do que sabemos que ela será chamada.

O que resulta no pensamento e terrível constatação que as personagens femininas necessitam de tramas engessadas e momentos de batismo clichês, pelo fato dos homens terem feito isso oito anos atrás, e, agora, essas batidas narrativas soam tão fracas e gratuitas (uma pausa para falar que a cena de Agnes nomeando Wanda é sensacional e não deve nada aos heróis babões dos Vingadores). Capitã Marvel, primeira mulher a ganhar um filme solo, só conseguiu o feito 2 anos atrás. Viúva Negra morreu e só terá história própria agora. Wanda era até anteontem pintada como a deusa, louca e feiticeira do grupo, sem personalidade própria ou tempo de tela suficiente para ganhar apelo para além do carisma de Olsen. 

Precisou uma pandemia mundial e o desgaste monstruoso do cinema para as mulheres ganharem o protagonismo e fugirem do arquétipo do par romântico, da maluca ou da personagem poderosa demais, mas estranhamente sem minutos suficientes para trabalhar com essas habilidades. E querer usar a Feiticeira como arma clichê do gênero não representa algo maléfico, mas WandaVision fez representar. A escolha de exibir semanalmente os curtos capítulos abriu espaço para um alvoroço e para a criação das mais mirabolantes teorias.

E elas foram a bênção e a maldição da série criada por Jac Schaeffer. Tudo começa com a notícia de que a trama WandaVision desembocaria diretamente em Doutor Estranho 2, que tem Multiverso no título. O que vem de antes, considerando a compra da Fox pela Disney, e lê-se aqui que os X-Men agora podem aparecer no MCU. Eis que, no meio de uma discussão entre o casal principal, alguém bate à porta. Ding-Dong. É um homem branco, jeito de moleque e de cabelos intencionalmente prateados. Evan Peters, que fez o Mercúrio na saga dos Mutantes anos atrás, dá as caras aqui vivendo o mesmo personagem, velocista alado e irmão da Wanda.

As pessoas perderam a cabeça. Dúvidas e teorias se multiplicaram como coelhos no inverno. A interpretação de Evan Peters remete ao ar jocoso do Pietro da Fox, mas toda sua origem é a da versão que morreu em Era de Ultron. Quais são os planos da Marvel? No fim, o estúdio apenas confirmou o receio já latente de que a simplicidade comanda o Universo. Esse Mercúrio, que era ponto central da história de WandaVision e uma demonstração física da estranheza proposital do seriado, some e nunca mais é dedicado a ele tempo para se justificar ou, ao menos, para existir ali

O que foi repetido pela presença de Agnes. A vizinha enxerida passa o começo da série citando seu marido Ralph e fazendo piadas de duplo sentido com o Inferno e o Diabo, mas nada evolui. Parece que o time de roteiristas tinha ideias, mas elas morreram no processo de solução dos mistérios e mesmo assim foram mantidas. Foi a Agatha o tempo todo! Ainda bem, pois o que não precisávamos era de mais um vilão genérico homem e sem qualquer carisma ou singularidade. A presença iluminada de Kathryn Hahn, acostumada ao formato de sitcoms na carreira, é o fator determinante do saldo positivo de WandaVision.

Um saldo positivo que a cada semana ia extraindo tudo de bom e focando nos fatores mais prejudiciais da série como série. A simplicidade ter reinado por 8 semanas não era um bom sinal. O que não significa que WandaVision precisava de cameos malucas, teorias confirmadas ou a aparição do Quarteto Fantástico, nada disso. A cultura da teoria tem reivindicado esse lugar de barulho, onde algo só é bom e vale a pena se o Luke Skywalker aparecer de surpresa e salvar o Baby Yoda de todo o mal.

A revelação da Agatha sozinha funciona por influenciar a jornada de Maximoff sem soar gratuita. A série da Feiticeira e do Visão não precisava de nada além da Feiticeira e do Visão. O que nasceu com a promessa de desvendar o luto, os traumas e as consequências da tristeza em alguém super humano, acabou renegando esse caráter de sensibilidade e força. Qual a solução que fica? O luto é passageiro e tudo vai dar certo porque seu marido robô ainda pode viver e os filhos mágicos estão em algum lugar por aí? WandaVision começa com Wanda sem controle dos poderes e buscando maneiras de controlar seus sentimentos, e acaba com ela tendo feito exatamente isso, mas pulando o momento de viver com a perda e entender o papel eterno e duradouro das ações de Thanos. 

A metamorfose das décadas televisivas em WandaVision não teve papel na narrativa, fora a estética e a graça de piscar para os nerds da TV. Se o Visão voltou, as crianças têm chance de retornar, e ninguém de Westview se revoltou contra a bruxa, então de que serviu a jornada dela por 9 episódios? Passar de superpoderosa descontrolada para superpoderosa controlada não é um arco narrativo satisfatório, e foi feito mesmo assim. E a parte triste é que a mente por trás dessa escolha tinha total ciência das consequências. Agora, aguardemos para ver Wanda ao lado do Doutor Estranho, torcendo para a Marvel não decidir jogar tão baixo novamente.

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Isabella Siqueira

Não é surpresa para ninguém que Anya Taylor-Joy é uma das atrizes mais promissoras da nossa época desde que estrelou A Bruxa. Uma das séries queridinhas de 2020, O Gambito da Rainha reafirma o talento da jovem que conquistou o público e a crítica, assim, a semelhança entre a protagonista da minissérie e de sua intérprete está justamente na característica de prodígio que ambas possuem. Com a implacável Beth Harmon nos mostrando como os jogos de xadrez podem ser tão interessantes quanto as lutas em Rocky (1976) ou Karate Kid (1984).

A produção da Netflix, que estreou no final de outubro, já é umas das mais assistidas de toda a plataforma, e não é por menos. Visto que, a jornada da protagonista leva ação e emoção para o que imaginamos serem partidas chatas de xadrez, sendo impossível não torcer para a jovem que prova seu talento contra todas as expectativas que atuam contra ela.

Logo no primeiro episódio já fica claro o inimigo da trama e de Beth: ela mesma. A prodígio de alguma forma consegue ser o empecilho em sua carreira, mas ainda sim o buraco é mais embaixo. Após o que parece uma cena da jovem de ressaca e atrasada para uma importante partida em Paris, somos levados ao passado conturbado da menina, que após a morte da mãe é enviada para um orfanato em meados de 1950. Sendo apenas mais uma entre várias meninas que esperam uma adoção, Beth logo começa a se esgueirar para praticar xadrez no porão do lugar.

Após essa primeira fase da série, a protagonista adentra mais um espaço familiar desestruturado, mas que ao mesmo tempo a permite ter liberdade para explorar seu talento nato. Adotada por um pai calado e que desaparece rapidamente, a protagonista estabelece uma relação de cumplicidade com sua mãe adotiva e aspirante a empresária, Alma Wheatley (Marielle Heller). A relação entre Anya e Heller é, inclusive, um dos pontos mais agradáveis da obra, mesmo que inicialmente reunidas por conveniência, com a junção desses indivíduos que enfrentam a solidão e o abandono comovendo pela sensibilidade.

Com muitas vitórias e uma certa arrogância, essa bem justificada, a trama acompanha Beth em uma jornada onde ela derrota e contesta todos que duvidam dela. E mesmo que a personagem recuse ser retratada pelo diferencial de ser mulher, o machismo clássico dos anos 60 se encontra em cada olhar dos que debocham da prodígio. Logo que começa uma tour por campeonatos pelo país todo, ela concorda em abrir mão de sua juventude e da realidade comum do colegial.

Ao longo dessas partidas e com a descoberta do desejo de derrotar o clássico inimigo russo, considerando claro o contexto da Guerra Fria, alguns nomes bem carismáticos vão ganhando caminho na vida da enxadrista. A exemplos dos jogadores Harry Beltik (Harry Melling) e Benny Watts (Thomas Brodie-Sangster), que apesar de tentarem entrar no mundo e coração fechado da moça, acabam frustrados pela verdadeira obsessão dela: o xadrez.

Contudo, apesar do caminho brilhante que traça em cada partida, O Gambito da Rainha mostra que a derrocada da personagem é inevitável. Os vícios que a acompanham também são o que garantem, na cabeça dela, suas vitórias. Para a protagonista, é impossível vencer sem a bebida ou as pílulas verdes, uma espécie de calmante que surge logo na infância como uma rotina para ela. Mas, o que ela não percebe é o quanto a situação vai se tornando insustentável ao passar do tempo, e como o preço da genialidade não é justo ou gentil.

A solidão da personagem se acentua pela negação em pedir ajuda e se conectar com outros, apesar dela superar as questões da adolescência como as crises de autoestima e a descoberta do sexo, as barreiras emocionais continuam sendo o demônio de Beth Harmon. Contudo, apesar da impressão de estar sempre sozinha, algumas figuras amigáveis adentram carinhosamente sua vida, como o Sr. Schaibel (Bill Camp), que foi quem lhe ensinou xadrez e por sua vez apostou em seu futuro, e Jolene (Moses Ingram), amiga do orfanato, que ressurge justo no fundo do poço em que a moça se encontrava.

Apesar da trama em si ser muito interessante e vitoriosa em prender quem assiste, a maestria de Anya Taylor-Joy é impecável. A atriz encara uma personagem muito peculiar, com jeitos e maneirismos característicos nas partidas e também momentos dançantes que exalam charme. Ao mesmo tempo chama a atenção a caracterização convincente dos anos 60, desde as roupas mais simples até os vestidos elegantes que ela ostenta na Europa, o amadurecimento da personagem é visível e claro, muito estiloso.

Por mais que O Gambito da Rainha se passe em suma nos Estados Unidos, curiosamente as gravações aconteceram em Berlim e no Canadá. O cenário deprimente do orfanato e as imponentes salas que abrigam as tensas partidas de xadrez também não passam despercebidas. Baseada na obra homônima de Walter Davis lançada em 1983, a adaptação da Netflix acerta também na fotografia e direção, realizada por Scott Frank e Allan Scott, que se complementam bem com o roteiro afiado e figurino belíssimo da produção.

Até para quem não entende nada de xadrez e desse mundo complicado de regras e estratégias, The Queen’s Gambit torna emocionante assistir cada partida. Os olhos da focada Beth Harmon são o destaque em diversas cenas, mesmo que não intencionalmente, e a expressão da atriz é um deleite para o público, que vibra a cada movimento, suspiro e por fim, vitória. Histórias sobre amadurecimento nunca saem de moda, e se tiverem a presença de Anya Taylor-Joy elas ficam melhores ainda.

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Giovanne Ramos

Em 2018, a atriz, roteirista, poeta, cantora, compositora e – ufa! – dramaturga britânica, Michaela Coel, revelou enquanto palestrava no Festival de Televisão de Edimburgo ter sido estuprada em 2015. O relato chamou ainda mais atenção por ter ocorrido durante as filmagens de Chewing Gum, comédia lançada em 2016 no Brasil pela Netflix e, em parte, responsável pela popularização do seu nome no mundo do entretenimento. De acordo com os relatos, Coel tirou um intervalo do trabalho para se encontrar com uma amiga que estava por perto para um drinque. Quando se deu conta, estava novamente em frente ao computador, sem lembrar do que ocorreu na última noite. Após um flashback, a atriz lembrou de ter sido violentada por um grupo de homens.

O episódio foi pontapé para I May Destroy You (“Eu Posso Te Destruir”), a categorizada comédia-drama lançada em 2020 pela BBC UK, onde Michaela Coel volta como criadora, roteirista, co-diretora e produtora executiva, mas também protagonizando a escritora excêntrica Arabella. A personagem carrega em si muito de sua intérprete, sendo notável alguns momentos em que podemos assimilar com Michaela e até mesmo com a caricata Tracey, personagem que interpretou em Chewing Gum. No trailer e ao decorrer do primeiro episódio, somos introduzidos a uma escritora com bloqueio criativo que sai para a noite se distrair com os amigos, mas que ao amanhecer, não possui nenhuma lembrança da noite passada, apenas flashbacks e uma ferida na testa. O que de imediato nos leva associar ao relato de Coel.

Arabella, que já é conhecida por escrever um livro retratando a relação dos millennials com as redes sociais, é pressionada constantemente pelos seus agentes a lançar o sucessor do seu best-seller. Quem acompanha a personagem durante o desenrolar da trama são seus amigos íntimos Kwame (Paapa Essiedu) e Terry (Weruche Opia). Kwame, instrutor aeróbico, dá tom aos jovens homossexuais apegados em aplicativos de relacionamento, enquanto Terry, aspirante a atriz, tenta segurar o astral do trio apesar de possuir as suas próprias inseguranças. O grupo dá vazão a uma imensidão de temas complexos que são discutidos com sensibilidade e suavidade, sem tornar a série massante ou dolorosa para quem está assistindo – como The Handmaid’s Tale, que já sofreu críticas pela espetacularização excessiva da violência -, e com uma sensação de que poderia ocorrer com qualquer um.

Mas se engana quem pensa que o drama é centrado apenas no estupro que Arabella sofre. A série se torna ambiciosa ao retratar as mais diversas e múltiplas formas do abuso sexual. Fora o episódio da trama principal, Bella sofre mais uma ocorrência e Kwame protagoniza dois grandes momentos em que faz o espectador se questionar que, o que ocorreu, foi de fato violência sexual e, caso tenha sido, quem foi o culpado? Dúvidas que são recorrentes quando as vítimas tornam suas experiências públicas e vão atrás de justiça. I May Destroy You não deixa de fora nenhum processo da cicatrização desse trauma. Retrata com respiros cômicos necessários, o desafio da denúncia, o escape da realidade, o longo caminho de superação e as marcas deixadas em todos aqueles em volta da vítima.

Nenhum ponto é dado sem nó no universo construído por Michaela em apenas 30 minutos por episódio. Embora seja a história de Arabella em jogo, temas como exposição nas redes sociais, a afetividade em tempos líquidos, bullying escolar e a lógica mercadológica de movimentos sociais quebram a parede da ficção e em um determinado momento já não se sabe o que são sátiras hiperrealistas e o que é o espelho fidedigno da realidade que estamos inseridos. Porém, esses momentos são relâmpagos e secundários, tendo em vista o tanto a desenvolver e o pouco tempo de exibição. Inclusive uma boa decisão, já que Coel correria o risco de desviar muito do seu ponto central.

A série, ainda, vem em um momento político importante. Em 25 de maio deste ano, George Floyd, um afro-americano, foi brutalmente assassinado por um policial em Minnesota. O caso reacendeu o movimento #BlackLivesMatter (Vidas Negras Importam), e a discussão do antirracismo. Uma série em que todos os núcleos são compostos em sua maioria por personagens afro-britânicos, é, de fato, um ato político. Ainda mais quando visualizados dentro de temas como carreira, sexualidade, gênero, veganismo, drogas, amizade e relacionamento. Além de preencher com riqueza a narrativa, mostra que personagens negros não são resumidos apenas a questões raciais, inclusive, esse é um fator de menos destaque na trama.

A criação de Coel é, sem dúvidas, uma candidata para aparecer na próxima temporada de premiações. Seu reconhecimento é necessário em um ambiente em que a representatividade em grandes produções é cobrada. Talvez ainda faça justiça à estadunidense Pose, série da FX que chamou atenção pela diversidade em seu elenco e o protagonismo dado para mulheres trans. Ao não aparecer entre as listas de indicadas, as atrizes MJ Rodriguez, Angelica Ross e Dominique Jackson – que deram um show de atuação -, escancararam uma indústria relutante em derrubar seus preconceitos e olhar para além de produções normativas e embranquecidas.

Mesmo que não tenha dado brecha para uma possível segunda temporada, I May Destroy You cumpriu o seu papel em todos os pontos em que se propôs a tocar. A combinação da qualidade fotográfica da produção – que em alguns momentos se assemelha com o ludismo da série adolescente Euphoria, da HBO -, com a excelente trilha sonora, proporcionam uma boa experiência imersiva. O roteiro não fica atrás. Com equilíbrio entre o cômico e o trágico, todas as pontas da série se fecham, trazendo consigo uma ampliação de perspectivas da realidade.

Michaela ter compartilhado as suas experiências e ter se colocado no drama, trouxe uma profundidade que talvez ainda demore para vermos ser unânime entre diretores e roteiristas da cena convencional. Ainda mais quando o assunto é violência sexual, que é tratada com muita romantização na indústria cultural. Mas o brilhantismo da série é justamente esse, a visão de quem entende a dor. E isso é notório em todos os momentos em que a intérprete de Arabella não deixa os acontecimentos de I May Destroy You destruir, com banalizações, quem está assistindo.

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