Ana Cegatti

As noitadas paulistanas sempre soaram como um chiado irritante para os que estão acostumados a levantar a cabeça e enxergar, sem dificuldades, o azul do céu. É como se as buzinas responsáveis por matutar uma pressa assídua nunca estivessem na mesma frequência das galinhas que cismam, ou melhor, ciscam incansavelmente diante de um tédio infinito. Afinal, aquilo que se escuta na metrópole é mero barulho ou pode ser tão íntimo quanto uma conversa entre crianças interioranas na sarjeta? Em 2019, a cantora e compositora YMA juntou o melhor dos dois mundos em seu álbum de estreia, Par de Olhos, ao criar um cenário no qual os sons artificiais da cidade grande são, literalmente, música para os ouvidos dos que temem sair da moita e se revelar demais diante das luzes vermelhas metropolitanas. 

“À noite de um jeito, de dia de outro” é a frase do clássico filme Shrek (2001) que possibilita caracterizar o disco lançado pelas gravadoras Matraca e YB Music por um único adjetivo: multifacetado. Quando o Sol faz ferver o asfalto das ruas de São Paulo, a musicista paulistana se apresenta como Yasmin Mamedio, porém, assim que a Lua obriga o bairro da Liberdade a ligar as lanternas, YMA brilha com elas. Seria medíocre discutir qual é a verdadeira identidade da musicista, até porque um ser humano com uma única cara é chato; com duas é falso e com três ou mais é artista. Diferentemente da animação da DreamWorks, o álbum não define o ato de assumir diferentes formas como um feitiço maligno, mas como um processo cuja magia está em abraçar a mutabilidade e, sobretudo, a incompletude.

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Estar dividido em pedaços não é estar quebrado. Na verdade, é movimentar-se na direção oposta à monotonia difundida por aqueles que não ficam bem de franja. Coproduzido por Fernando Rischbieter, Par de Olhos foi incluído na lista de discos do ano da Associação Paulista de Críticos de Arte de 2019 e, além disso, conquistou seu espaço na luta contra o pensamento caduca de que não se faz música nacional de qualidade como antigamente. Tal raciocínio, aliás, não passa de uma tentativa de vangloriar os costumes de uma época na qual a homossexualidade era doença e Roberto Carlos, grande nome da cena musical brasileira, era ficante sério da ditadura. No fim, YMA foi capaz de sustentar uma franja e trazer de volta somente as partes boas e arejadas dos anos 1980.

O sentimento de nostalgia parte, assim como quase tudo na vida, da noção de falta, e provocá-lo não é uma tarefa fácil, uma vez que demanda equilíbrio entre o desejo pela volta e a aceitação da partida. O primeiro álbum de Mamedio precisou de apenas 26 minutos para fazer o que muitos nunca conseguiram: despir-se, em vez de fechar-se, diante da perda. Pode-se dizer que a obra é uma passagem só de ida para um mundo onírico oitentista o qual não oprime minorias e, ainda por cima, não demoniza a intimidade, nem a vulnerabilidade. Pelo contrário, o disco crava uma estaca no coração, abrindo-o por completo. Essa ação, apesar da história tradicional discordar, não mataria um vampiro, mas o tornaria humano. 

YMA já se aventurava pelas tortuosidades dos ritmos minimalistas e das letras sensíveis antes mesmo de lançar seu primeiro álbum. Sabiá, single de 2017, e Summer Lover, fruto de uma colaboração com Gab Ferreira, forraram o estômago antes do banquete que, mesmo depois de anos, parece não ter sido totalmente digerido. É difícil engolir uma obra repleta de medos, angústias e confissões. Por outro lado, é impossível sequer experimentar um disco frio e sem sal, ou melhor, sem elementos que o aproxime até do mais chato dos paladares.

Composto por oito pratos temperados com arranjos de guitarra e sintetizadores, Par de Olhos é um choque, daqueles que arrepiam os cabelos e alteram a trajetória de um corpo cuja estaticidade era, até então, inabalável. A primeira faixa, Evaporar, é propositalmente traiçoeira: vai da timidez à explosão usando uma melodia com notas pautadas, a princípio, no marasmo. Este, no entanto, não passa de um truque praticado na medida certa para desmamar os acostumados a beber o puro suco da previsibilidade. Em outros termos, a entrada do álbum nos convida a sentir o sabor agridoce do incontrolável, responsável por transformar experiências aparentemente inofensivas em histórias dignas de nostalgia.

Análises reféns da materialidade e de verdades rigorosas não têm espaço em uma obra que é, acima de tudo, uma ode ao indescritível. A quinta música, Sun and Soul, evoca o almejo pelo transcendental, além de criar uma atmosfera na qual ter consciência da efemeridade das coisas não estraga o dia de ninguém, e sim o transforma em um palco pronto para receber um show de improvisos. YMA e Lauckson José, do projeto Lau e Eu, fazem da composição uma carta destinada ao amor ardente de verão que, assim como tudo, passa. Apesar disso, vale a pena se expor, tanto ao Sol, quanto às luzes artificiais encarregadas de iluminar quartos e testemunhar demonstrações de intimidade as quais acontecem, inclusive, na sempre nublada São Paulo. 

Além de Sun and Soul, outras duas faixas do álbum também têm letras inteiramente feitas em inglês. O uso de uma língua estrangeira pode acontecer por diversos motivos, a exemplo da superação do limite nacional, mas existe uma possível razão mais poética: a exposição em português é nua e crua, ou seja, possui uma força própria que arrebata o ouvinte sem sequer oferecer-lhe uma almofada para amenizar o baque. Portanto, a escolha pelo inglês serviria como um biquíni fio dental e deixaria as partes íntimas das músicas expostas somente até certo ponto. Tal fato acarreta em uma essência provocativa que torna o disco um ensaio sobre o olhar afetivo cujo panorama capta o oculto e o não dito.

No começo da festa organizada por YMA, a imprevisibilidade nos recepciona e apresenta suas companheiras de prefixo: incerteza e inconstância. As duas tagarelam sem parar em nossos ouvidos. Porém, quando a noite parecia perdida, a intimidade chega e nos puxa para longe. Logo depois, ela revela que pode ir embora da festa a qualquer momento, tornando em vão nosso contato. Diante da sequência de frustrações, um nó se cria na garganta. A língua inglesa até tentou desamarrá-lo, mas as lágrimas só sabiam português, e, portanto, protagonizaram Pequenos Rios, a despedida do álbum que é ironicamente inimigo do fim. 

Yasmin Mamedio teve o tato de transformar até o mais cético dos interioranos em alguém disposto a ouvir o que os sons da metrópole têm a dizer. “Não se acha a paz evitando a vida” é um tabefe dado por Virginia Woolf nos que se escondem atrás do silêncio. Este, por sua vez, não vê a hora de ser assassinado por sussurros eróticos, falas ambíguas e gritos melancólicos. Embora amores possam se esvair no piscar de um Par de Olhos, nenhuma invenção fantasiosa, como vampiros ou estabilidade emocional, supera o caráter onírico de encontros despretensiosos. O disco é uma homenagem ao acaso, protagonista da nossa jornada de altos e baixos à procura de coisas que, no fim, estão bem debaixo do nosso nariz. 

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Guilherme Veiga

O três, seja na numerologia ou não, é cheio de significados. A representação da trindade paira desde a Igreja Católica até mesmo à triforce de Zelda e carrega com si uma enorme carga, explicada ou não. Ele também simboliza um novo caminho, em que, na melhor de três, a inserção de um terceiro elemento ultrapassa a tirania do um e traz um novo horizonte para o impasse do dois. Da mesma forma em que juntamente significa o fechamento, quando é nesse conjunto ímpar que a maioria dos arcos, seja na literatura ou no audiovisual, se arranja em trilogias.

Na Música, porém, é difícil algo que fuja da unidade. Você deve estar pensando agora em milhares de bandas ou groups, estes últimos impulsionados pelo K-pop. Sim, eles existem, mas é de se analisar que, no caso das bandas, elas são personificadas muitas vezes em seu frontman e, com os boy ou girl groups, a persona criada para seus integrantes é tão forte que, às vezes, ultrapassa a própria organização da qual fazem parte. No entanto, é mais uma vez no três que as coisas funcionam de modo diferente. 

É dessa arrumação que surgiu o termo power trio, popularizado na década de 1960 e que difundiu a formação guitarra, baixo e bateria. Na lógica de que três cabeças pensam melhor do que uma, surgiram grandes nomes desde Nirvana à Tribalistas e, nesse sentido, o trio composto por Phoebe Bridgers, Julien Baker e Lucy Dacus já mostrou a que veio em seu primeiro disco, the record.

As boygenius se tornaram quem são por acaso. Bridgers e Dacus eram atos de abertura para Baker em 2016 e, de vez em quando, cada uma delas aparecia no show da outra ao longo do ano seguinte, o que resultou, em 2018, em uma turnê das três em que cada integrante cantava sua carreira com algumas músicas em conjunto. O fortalecimento da amizade resultou no EP autointitulado, que começou com a ideia de gravar uma ou duas canções para suprir os pedidos dos fãs, mas se transformou em um consistente trabalho de seis faixas que não só consolidou as três no cenário indie como também jogou um balde de água fria na forma em que a indústria, majoritariamente masculina, se voltava para intérpretes femininas.

De Ludmilla à Anitta, de Sabrina Carpenter à Olivia Rodrigo ou de Katy Perry à Taylor Swift, mulheres foram condicionadas a se degladiarem seja nos charts, nos fã-clubes ou nas páginas de fofoca, para que possam sobreviver no mundo da Música. Logo, três artistas do mesmo gênero, tamanho e temáticas como Lucy Dacus, Phoebe Bridgers e Julien Baker, naturalmente seriam induzidas – no melhor dos cenários – à competição. No entanto, a amizade das três e a criação do boygenius vem na contramão da indústria e é um movimento de resistência para a mesma.

Esse cenário só é possível pela existência de algo que as aproxima sem ser a Música, pois aqui ela é instrumento para externalizarem seus interiores. Dessa forma, o boygenius se tornou não só um espaço seguro para a feminilidade como também para a sexualidade, fazendo com que o grupo entendesse sua inserção e relevância na comunidade queer. Por isso, o projeto surge como esse reduto no qual as três podem maturar seus sentimentos e propósitos.

A discografia do grupo funciona, então, como um processo de reabilitação. O EP boygenius se afunda em desgraça enquanto the record já se reconhece no fundo do poço e cria uma imagem otimista e esperançosa para seus problemas. Isso fica muito claro no encerramento do projeto, Letter to and Old Poet que interpola Me & My Dog e mesmo com um verso final bem semelhante, a simples troca de “faminta” por “feliz” dita a enorme diferença entre as duas obras.

Só que diferente da imagem que comumente temos de centros de reabilitação, aqui não há aquele ‘oi, meu nome é fulana’ seguido de um ‘olá, fulana’, pois, para isso, é preciso levar em conta que estamos cercados de desconhecidos. Como o grupo é composto por velhas conhecidas, the record é o exercício que ótimas compositoras se propuseram para conhecer liricamente a si e a outra. Nesse sentido, o álbum se assemelha mais ao convite para a rehab – como um ‘oi, nós somos o boygenius e aqui você é livre para ser e sentir’.

Produzido por Catherine Marks (que já trabalhou com nomes como The Killers e Foals) e tendo a unanimidade feminina em seu processo, o álbum se inicia de forma crua e conjunta, com a angelicalmente harmônica Without You Without Them. Além de ser a única faixa sem uma distinção de estrofes para cada intérprete, ela também materializa esse convite nos versos “Quero ouvir sua história e fazer parte dela” e “Eu quero que você ouça minha história e seja parte dela”. Apesar da pouca duração, o disco tem o tempo necessário para evidenciar que preza muito pela competência lírica que as três têm de sobra.

O projeto então engata na trinca de singles $20, Emily I’m Sorry e True Blue. Eles servem para imprimir a marca de Baker, Bridgers e Dacus, respectivamente, na obra, mostrando que cada particularidade será respeitada e utilizada para enriquecer o produto final. O ato de as ouvir em sequência soa não-linear e inconsistente, o que para um álbum pode parecer prejudicial, mas aqui é totalmente proposital e necessário para diferenciar a personalidade de cada uma.

Porém, o lado A do registro faz questão de, mesmo com três personas únicas e gigantescas, mostrar como, ao invés de encapsula-las em um produto, o adapta para elas. Not Strong Enough, o smash hit do projeto, escancara isso ao conseguir inseri-las em um folk rock extremamente espirituoso e cativante, que não é marca registrada de nenhuma das três.

Após o terreno ser delimitado na primeira parte, o lado B aprofunda as intenções do grupo e suas referências. Mais melancólico do que seu começo, a obra retorna aos projetos solo de suas intérpretes e também evidencia que o registro é o resultado de quem as moldou na Música, indo de Simon & Garfunkel, Crosby, Still & Nash até Leonard Cohen. Os mais traumatizados com fan service, podem pensar que a inserção de muitas referências – algumas até literais – esvazia o projeto, só que o álbum contra-argumenta ao se mostrar a versão lapidada de três artistas extremamente ricas musicalmente.

Ainda no paralelo cinematográfico, the record pode ser, a grosso modo, definido como o Vingadores para pessoas tristes. E essa comparação faz ainda mais sentido ao analisar os moldes em que the record foi concebido. Após a ideia ser cogitada, cada uma optou por antes desenvolver sua carreira solo, seja em turnês, aprimorando a composição, colaborando com gente de alto nível ou conquistando indicações ao Grammy, e consequentemente, o respeito da indústria.

O retorno pode até ter demorado depois do sumiço de 2018, porém, hoje se mostrou necessário. Com o boygenius funcionando como o ponto de reflexão das três enquanto pessoas, não se podia ter a indefinição delas enquanto artistas. Tanto que o processo de criação se deu, principalmente, durante a pandemia, fazendo com que a reunião se torne uma válvula de escape em suas vidas, em que elas, sem perderem suas essências, deixam de ser Phoebe, Lucy e Julien, para se tornarem as boygenius.

Portanto, the record é o queijo com goiabada, o pão de queijo com doce de leite, a soneca após um almoço de domingo na praia, o tomar banho após limpar a casa. A obra é o conjunto de combinações que jamais imaginaríamos como necessárias, mas que dão sentido para aquele pequeno momento de nossa vivência. E o registro é coerente no recorte temporal em que ele se insere na vida das três, mostrando que tais momentos podem ser encontrados nos piores períodos, desde que saibamos conviver e extrair o melhor a partir deles – o que no caso das três, resulta em música.

Apesar dos cinco anos que separam as duas obras da discografia da banda, o registro começa exatamente onde o autointitulado parou. Dessa forma, o álbum representa uma ode ao tempo e sua implacabilidade, na qual , mesmo na continuidade dos acontecimentos, o seu correr promove uma enorme mudança em nós. E os 42 minutos de the record são um lembrete de que a melhor coisa a se fazer é deixá-lo passar.

Em entrevista à Rolling Stone, Lucy Dacus contou que uma das composições surgiu enquanto Phoebe Bridgers, para mostrar uma música às amigas na estrada, errou o caminho. No mesmo sentido, o próprio boygenius é esse desvio de rota em suas carreiras. Exaltando a passagem do tempo do mesmo modo que o disco de estreia, elas mostram que desvios não são um desperdício, e sim parte da jornada. E, se a vida não tem GPS, the record não precisou de três chances para nos convencer de que é um ótimo companheiro de viagem nesse curto trajeto de nossas vidas.

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No meio de 2022, antes de lançar o então recente SOS, Solána Rowe comemorou os 5 anos de Ctrl, seu potente trabalho de estreia. Em meio às festividades, SZA impressionou novamente ao lançar, em 9 de junho, a versão deluxe do CD, provando que mesmo em obras aclamadas ainda há como melhorar. Relembrando um dos melhores álbuns de 2017, sua nova versão é composta por mais sete faixas até então inéditas, trazendo uma completude ao álbum como se sempre estivessem ali, prolongando a melancólica experiência de R&B que deu tão certo meia década atrás.

Antes de liberar Ctrl, seu mais íntimo e primeiro disco, após o lançamento do EP Z (2014), SZA se distanciou das produções autorais para focar em seu trabalho como compositora, sendo co-escritora de Feeling Myself, parceria entre Beyoncé e Nicki Minaj, além de Consideration, escrita para Rihanna em 2016. No ano seguinte ao seu debut, o álbum conquistou cinco indicações ao Grammy, incluindo Melhor Álbum Urbano Contemporâneo e Melhor Artista Revelação. Pela faixa intitulada The Weekend, recebeu a indicação de Melhor Performance de R&B, e por Love Galore, canção com Travis Scott, a indicação de Melhor Performance de Rap/Sung. Supermodel, faixa de abertura de Ctrl, rendeu a indicação de Melhor Canção de R&B.

This is JUST a gift for camp ctrl . Nothing more nothing less . if u family you get it . 5 yrs is a long time . Thank you for changing my life I love you . Happy anniversary #HAPPYCTRLANNIVERSARY

— SZA (@sza) June 9, 2022

“Este é só um presente para o ‘camp’ Ctrl. Nada mais nada menos. Se você é da família você entende. 5 anos é muito tempo. Obrigado por mudar minha vida. Amo vocês. Feliz aniversário ”

É de um consenso absurdo a intimidade que Ctrl traz, das canções mais longas aos interlúdios. SZA realizou um trabalho completo, como se abrisse seu diário e seu coração a nós. Trazendo R&B, soul, Música Eletrônica, indie e hip-hop, seu debut não surpreende ao ter sido indicado a tantos prêmios, além de justificar plenamente sua permanência por 270 semanas na Billboard 200. Em entrevista à Apple Music, ela relatou que realizou um sonho de infância ao escrever Supermodel junto a Pharrell Williams, e celebrou sua finalização. A faixa é uma carta direta a alguém que ela precisa, revelando toda sua necessidade e apego em versos que dizem: “Por que não consigo ficar sozinha comigo mesma?/Queria estar confortável só comigo/Mas preciso de você”.

Já a segunda canção do disco, intitulada Love Galore, foi feita em parceria com Travis Scott, artista que SZA colaborou também em Power is Power, canção que integra o álbum For The Throne (Music Inspired by the HBO Series Game of Thrones). Na faixa de 2017, ela questiona seu amor sobre os motivos que o fazem recorrer a ela, já que possui outra mulher. Mas, além disso, suas letras conversam com a calma melodia e batidas clássicas do R&B sobre a importância de amar tanto quanto conseguimos: “Love long as we got”. Ao término, SZA finaliza com uma das várias interações que realiza com a mãe ao telefone, a alertando para falar por si mesma e não permitindo que a tomem como idiota.

Em entrevista ao The Guardian, a artista revelou que, devido a intimidade exposta nas letras de Ctrl, sua mãe provavelmente se sente mortificada, mas ainda assim a ama demais. Em comparação com o seu disco, ela completa com uma fala de sua mãe, referindo-se ao trabalho de Beyoncé: “Sinto-me nua ao ouvir o seu álbum. Sinto que há coisas que não se devem dizer ao mundo“. Trata-se de um provável sentimento compartilhado com milhares de pessoas, e que, talvez, não expresse suas opiniões sobre o álbum da filha.

Na produção, SZA demonstra uma aberta e dolorosa experiência na qual revela que nunca esteve no controle e que precisa disso de maneira geral. Seu trabalho não é específico, mas sim uma carta aberta a todas as suas relações interpessoais. A cantora relaciona, em muitos momentos, a rigidez de seus pais e o controle que tiveram sobre si, além de crescer em uma família estritamente religiosa. Solana acrescenta que os progenitores eram rigorosos, mas que ela simplesmente não se importava pois “era descolada”, se distanciando de seu pai e de suas origens muçulmanas ainda na adolescência.

Seguindo em Doves In the Wind, colaboração com Kendrick Lamar lançada horas antes do álbum ser disponibilizado, a combinação dos artistas prova seu peso e relevância. O sucesso se repetiu um ano depois, em 2018, com a faixa All the Stars, que integrou a trilha sonora de Pantera Negra e alcançou dois certificados de platina nos Estados Unidos. Nesse terceiro single, a cantora rebate versos românticos com Kendrick e a produção de seu clipe oficial, por Cam O’bi, a faz flutuar no surrealismo de lutas ao estilo Mortal Kombat, potencializando as relações conturbadas que ela mostra ao longo do projeto.

Prom e The Weekend, por sua vez, mostram a cantora ainda dedicada ao amor, suplicando paciência e prometendo melhorar, tentando entender suas dores e atitudes, e calorosamente aceitando as condições impostas a ela. Nos populares versos da 6ª canção do disco, cinco vezes certificada como platina nos Estados Unidos, SZA entoa: “Meu homem é meu homem/É seu homem/Ouvi dizer que é o homem dela também/Terça e Quarta, Quinta e Sexta/Eu apenas o mantenho satisfeito durante o fim de semana”.

Ctrl segue com a faixa Go Gina, se distanciando da premissa do resto do álbum – dessa vez por expor desejos e ambições que não necessariamente são verdadeiros. Admitindo culpa em Garden (Say It Like That), seu quinto e último single que, novamente, inclui um diálogo ao fim. Em Broken Clocks, SZA leva um dia de cada vez. “Que hoje seja melhor que ontem”, canta.

Voltando a ter si mesma como foco e pensando se talvez em outra dimensão as coisas fossem diferentes, Anything traz uma lição, cantada no verso “Você sabe ao menos se eu estou viva?”. Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy], o único interlúdio do álbum, mantém uma melodia animada, que contrasta com a brutal honestidade das letras: “Dê aquilo que você recebe/Perdoe tanto quanto você odeia/Ou dê o fora/Eu estive em um abrigo/Procurando uma saída”.

Na sequência, SZA sonha em ser o tipo de garota que apresentariam aos pais e amigos: uma garota normal. Finalizando a primeira versão de seu álbum com calmas melodias, Pretty Little Birds (feat. Isaiah Rashad) e 20 Something se envolvem em versos sobre sua atual fase: uma mulher apaixonada, que como um “lindo passarinho” acerta a janela em algumas tentativas e deseja voar ao céu. Na canção, na verdade, SZA apresenta sua vulnerabilidade em uma das faixas mais sentimentais como compositora, considerando o falecimento de sua avó pouco tempo depois de seu lançamento. Novamente, finaliza com uma ligação entre ela e sua mãe.

Ao fim de sua primeira versão e com dificuldade de escolher entre 150 e 200 músicas, a artista só lançou Ctrl porque sua gravadora tirou seu HD, já que era tão criteriosa: “Eu faço freestyle em tudo, em todo processo. E eu escuto e penso, que merda é essa? E se algo estiver muito ruim eu não posso colocar meu dedo nisso, e eu penso, uau, isso é uma droga, então eu fico muito frustrada, e geralmente descarto a música”, disse a cantora em entrevista à Genius.

Unreleased songs from 2017 to celebrate 5 .. me thinks .

— SZA (@sza) June 6, 2022

“Músicas inéditas de 2017 para celebrar 5… eu acho”

A versão Deluxe do álbum tem como primeira faixa adicional uma versão alternativa da faixa Love Galore, intitulada Love Galore (Alt Version). Basicamente, a cantora substitui os versos de Travis na canção original por outros versos autorais, mas ainda mantém sua voz em algumas partes da faixa. A substituição das linhas principais é abrupta, principalmente aos acostumados com a faixa original, mas de maneira alguma escapam da música em si, tanto em melodia quanto em sua letra. Vez que a visão que Travis encenava mostravam a partir de seu ponto de vista sexual sobre sua relação, enquanto os versos de SZA admitem que ela realmente o induziu e por isso o deixou seu ego inflar o deixando sair com os amigos. “Mas você fica excitado e eu amo isso/Então eu deixo você segurar um pouco/Saia com seus amigos, eleve seu ego’’.

Em seguida com 2AM, a cantora atribui totalmente o significado de sentimentos de madrugada aos versos e a desesperadora calma da melodia, explicitando a falta que seu parceiro faz na cama, toda a complexidade e pensamentos avulsos que facilmente se transformam em mensagens apagadas pela manhã. Confissões que logo deixarão de fazer sentido, mas que às 2 da manhã nos dominam completamente: “por que você  nunca vem me ver?”. A faixa também conta com uma segunda parte em outro ritmo, que a exonera da culpa de precisar dele e seguem em uma animada melodia de R&B que o questiona se ele a vê e precisa dela da mesma forma.

Ainda que não tenham “Interlude” no nome, como em Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy], as faixas seguintes são as mais curtas entre as novas adicionadas. Em Miles, de 1:09 minutos, a cantora reflete novamente a decorrência do tempo sem sua vida, como fez em Broken Clocks, mas, dessa vez, associa sua maturidade ao passar do tempo. Ele não para, mas ela ainda tem medo de seguir em frente e continuar como ele, e gostaria de ser mais madura em relação a isso. A faixa é calma e introduz a próxima canção de maneira majestosa e paciente.

Em Percolator, outra faixa de curta duração, as coisas são diferentes de Miles. Com um tom parecido com Wavy, a canção segue ritmos mais agitados com os desejos de aproveitar o tempo com seu parceiro, com SZA ainda expressando que quer manter seu emocional seguro, não levando as coisas rápido demais mas mantendo a esperança. É notável que as letras do álbum começam a focar mais nas perspectivas, desejos e reflexões da artista, em vez de suas agonias e problemas. Com o tempo (ao decorrer do CD), sua sutil maturidade se desenvolve gradualmente, e, como também na vida real, pode regredir em algum momento.

Tratando da regressão, Tread Carefully começa com suas novas decisões e atitudes, aceitando novamente que as coisas estão fora de seu controle enquanto progridem. Com novas urgências e prioridades, SZA aponta os estranhamentos de seu parceiro quanto ao cenário que tinham se acostumado, e, mantendo o ritmo, logo volta ao que era anteriormente. Antes que possamos perceber, seus versos seguem de “Tenho diferentes urgências agora/Com medo de ver minha vida ir pelo ralo/Não posso deixar que esteja você no meu caminho, então eu ando com cuidado […]”, para “estou vivendo e eu gosto disso/Estamos presos no sentimento/Nunca tendo ninguém”.

SZA admite que mesmo que as coisas mudem, tudo bem que haja recaídas; de certa forma, são inevitáveis, atestando novamente que a busca por controle é interminável. Mas, ao amadurecer, ainda que os problemas estejam fora de suas mãos, as mudanças que carregamos nos permitem lidar melhor, e, ao fim, aproveitar mais a vida.

Nela, tudo aquilo que se complica, que passa de uma amizade e, em algum momento, simplesmente fica estranho e desconfortável, é retratado. Seus versos dizem o que queremos dizer, mas que talvez não tenhamos coragem: “Vamos deixar estranho/Acho que estamos prontos pra isso/Sei que eu estou pronta/Ainda podemos nos amar?”. Tudo que SZA expressou emplaca naquilo que é o não dito. O desconfortável. É isso que torna o disco uma das obras mais pessoais e aclamadas do R&B. Assim como sua mãe, nos sentimos incomodados com tudo que é falado, mas, ainda assim, há uma sensação boa. A sinceridade de Ctrl (Deluxe) é libertadora.

Por fim, Jodie encerra o álbum reafirmando a passagem de tempo que é a vida, com uma analogia à queima de um cigarro que um dia chega ao fim. “Dias ao vento/Árvores ao vento/Queime e passe”. Injusta, a vida a faz questionar: “Por que eu?”. Sentimentos que talvez todos já tenhamos sentido, além da sensação de preferir estar presa do que começar mais uma semana, quando, na verdade, já estaria realmente presa em alguma rotina. Ao término, SZA também fala sobre não precisar de um namorado e ser bonita demais para isso. Ainda que se refira a outra pessoa, a mensagem se dirige à própria cantora e aos pensamentos racionais que tem. Mas, nem sempre consegue – ou conseguimos – segui-los.

Ctrl (Deluxe) representa uma das fases que SZA passou – agora marcada por seu segundo álbum, SOS -, e que todos passamos ao longo da vida. É sobre amadurecimento, reconhecimento do controle que não temos e aceitação, com regressões, aprendizados, lições e desejos. Representando uma trajetória que não podemos nos livrar: a síntese da própria vida.

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Vitor Evangelista

Trabalhar o conceito da memória na Arte é uma artimanha e tanto. Para evocar o sentimento que viveu há cerca de duas décadas, é atrás das lembranças que vai a cineasta Charlotte Wells na confecção de Aftersun. A trama reflete um episódio experienciado pela irlandesa no fim dos anos noventa: uma viagem de férias à Turquia ao lado do pai, e seu apreço pela imagem como instrumento de ternura e captura do tempo.

A pequena Sophie (Frankie Corio) é a bússola do longa de estreia de Wells, parte da Competição Novos Diretores da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e eleito o Melhor Filme pelo Júri com o Troféu Bandeira Paulista. Ao lado do pai Calum (Paul Mescal), ela comemora o aniversário de 11 anos entre o quarto de hotel, a piscina, o oceano e as muitas caminhadas pelo ensolarado país euro-asiático, gravando as aventuras por meio de uma filmadora miniDV.

O aspecto vintage das gravações caseiras é o que aclima Aftersun, com destaque imediato para o trabalho de mescla que o diretor de fotografia Gregory Oke realiza ao longo dos quase cem minutos. Aliado ao som etéreo de Jovan Ajder e a montagem sentimentalmente carregada de Blair McClendon, o texto e a direção de Wells tomam forma pela veia nostálgica da infância.

No tempo em que virou moda o exercício de transformar em filmes de ‘prestígio’ os  anos formadores da adolescência, tendência refletida no arrojado Roma e no enfadonho Belfast, Charlotte realiza um trabalho de afeto nada gratuito. Para analisar sua guinada artística e o papel que ocupa aos 30 anos e em emergente estado de ebulição criativa, ela revisita as férias na Turquia, um conjunto isolado de eventos banais e corriqueiros.

O fator decisivo de Aftersun é a contratação de Paul Mescal no protagonismo e as escolhas de atuação que o astro irlandês opta por seguir na pele de Calum. Silencioso, extremamente observativo e calmo, também na casa dos trinta, ele transmite no olhar e na linguagem corporal retraída todo o medo que acumula.

Para a filha Sophie, Calum é farol de segurança, austeridade e companheirismo. Ela, que vive em um mundo constantemente povoado por figuras masculinas, enxerga na ternura e na amizade dele o exato oposto do que sua mãe viu. Presente em linhas rápidas do roteiro de Wells e numa sequência singela gravada no estiloso telefone público cor de tomate, a mãe do filme é ausente de espaço físico, mas presente na aura.

Quando questionado pela garota o motivo de trocar alguns “eu te amo” com a ex-esposa, Calum justifica que, independente da separação, ela faz parte de sua família. Sentimento conjurado pela afetuosidade que Charlotte Wells dirige Paul Mescal, um profissional recente do mundo cinematográfico, mas que descolou em Normal People uma vitrine de seus talentos e alcance, e mesmo com pinta de astro comercial, ainda pensa com carinho e cuidado a respeito dos papéis que escolhe dedicar seu tempo e ofício.

As memórias da diretora, que perdeu o pai quando tinha dezesseis anos, não se curam com facilidade, tal qual o gesso molhado que Mescal empunha como armadura. Ele não se preocupa em mergulhar o braço no cloro da piscina ou nem mesmo liga de dar braçadas na água salgada do mar. A restauração da ferida, nebulosa nas explicações quando Sophie pergunta como aconteceu, se dá por meio da persistência e do esquecimento.

Uma hora, ele corta a branquidão dura com uma tesoura sem ponta; na outra, o machucado sumiu, por mais que o aspecto cru da pele sem o calor do sol apareça. Aftersun é assim: como maré branda, começa algo, termina outro, não se atenta a linearidade assim como evoca os flashes temporais nas sequências noturnas de uma espécie de balada. Entre as luzes da boate, Calum e uma Sophie adulta (Celia Rowlson-Hall) se misturam como água e açúcar. 

Assistir a essa experimentação com 20 anos é prova do poder do filme de Wells. Aos 11, Sophie enxerga o pai como uma figura de autoridade e amparo. Aos 31, Calum vê na filha alguém a ser guiada e defendida, com muito a aprender na jornada. No meio termo entre as duas caminhadas da vida, Aftersun brinca com as expectativas e com os pontos de vista de um espectador no limiar entre a juventude e a vida adulta em sua complexa integridade.

Talvez, por isso, evocar um enjoo emocional seja a maneira mais compatível para definir o sentimento. É como viajar de carro com os vidros fechados e sentir o estômago embrulhar, mas ao invés do motivo ser um sanduíche de presunto duvidoso, o mal-estar nasce de uma situação não resolvida, um amor esfarelado ou a mera sensação de crescer para além dos moldes em que nos encontramos.

Sophie não ressente propriamente o pai, mas entende que o homem que conhece não é Calum em sua totalidade. Mas, quando confessa para ele as artes que aprontou no local, desde a troca de primeiros beijos até uma pulseira com créditos infinitos no bar, a garota espera essa troca mútua de confidências. Ou, por mais que a menina do filme não espere, a mulher que dirige essa quase biografia o faz. 

Forma de examinar o não tão distante ontem e compreender o muito ascendente hoje, o trabalho de Charlotte Wells em Aftersun é digno de menção nas proficiências que executa com ilustre e célebre aptidão. Um drama de amadurecimento, uma história sensorial sobre um pai e uma filha em constante processo de conexão e apego, uma aventura europeia com pique de verão e um estudo sobre o luto e o que fazer com todo o amor que não possui mais remetente físico. O que vem depois do sol é tudo isso e um bocado mais, e fica a congratulação de Sophie: que mágico e virtuoso é poder viver tudo isso e, no processo, dividir com nossos queridos o mesmo céu.

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Isabella Lima

A maneira como lidamos com os sentimentos desencadeados pelo fim de um relacionamento diz muito sobre a nossa capacidade de adaptação. Muitas vezes, temos de lutar contra o desejo constante de voltar desesperadamente para alguém que não faz mais sentido manter ao redor. Mesmo estando cientes disso, ainda amamos aquela perigosa ideia de estar perto de algo familiar. Agora junte isso com momentos de epifania, com uma vontade de gritar para o mundo ‘quando esses sentimentos vão acabar?’, riffs de guitarra e o melhor do indie rock. Dessa combinação, temos  os elementos principais do álbum Tell Me That It’s Over, o novo trabalho da banda californiana Wallows. 

Formada por Dylan Minnette (sim, o protagonista da série 13 Reasons Why), Braeden Lemasters e Cole Preston, a banda lançou o seu segundo álbum de estúdio, composto por 10 faixas inéditas. Para este disco, o trio intérprete de Scrawny conta com a produção de Ariel Rechtshaid, um nome de peso na indústria: ele possui 3 Grammys em seu currículo e, anteriormente, já trabalhou com outros representantes da música indie, como Vampire Weekend e HAIM. Além disso, o fato dos três amigos já se conhecerem desde o início da adolescência traz muita familiaridade, leveza e facilidade ao trabalharem juntos no processo criativo de todas as músicas.

Wallows não decepciona ao transparecer a evolução musical, cultivada desde 2018 com o lançamento do Spring EP, seu primeiro EP assinado com a Atlantic Records. Logo depois, em 2019, veio o primeiro álbum de estúdio, Nothing Happens. Em 2020, os integrantes também não ficaram parados: durante a quarentena, o trio trabalhou no projeto mais experimental da carreira até então, o Remote EP. Agora, com o lançamento de Tell Me That It’s Over, observamos um retorno triunfal à essência da banda, que, mesmo incorporando novos elementos, consegue manter a originalidade e entregar composições muito além do hit viral do TikTok Are You Bored Yet?.

A jornada proposta pela Wallows no disco leva o ouvinte a refletir sobre a pressão que colocamos nos relacionamentos modernos, o medo de estarmos sozinhos e as inseguranças decorrentes de uma separação repentina. Nesse caminho, somos guiados através da perspectiva de uma pessoa que se sente deslocada na relação, e se perde em várias versões dela mesma para salvar  o romance. A partir disso, a história se inicia com a faixa Hard to Believe, passando por todos os estágios de um rompimento conturbado, até culminar no encerramento, com Guitar Romantic Search Adventure. 

Apesar das letras tratarem de assuntos românticos, a sonoridade é expressivamente enérgica, na maioria das músicas. Os arranjos remetem ao conceito nostálgico dos anos 80, que ganham tons mais modernos e característicos da Wallows. O primeiro single, I Don’t Want to Talk, marcou o retorno da banda com uma vibe retrô e tecnicolor, acompanhada de reflexões pertinentes sobre a juventude e vulnerabilidade, temas muito recorrentes em toda a discografia do grupo. “Percebi que quanto mais velho fico, fico mais inseguro/Se eu não tiver você ao meu lado, então não posso ter certeza”, o vocalista canta.

No processo de divulgação do álbum, a faixa escolhida para ser o segundo single foi Especially You. Aqui, a ênfase está na letra, que mira em retratar a mente de uma pessoa ansiosa, em um relacionamento no qual as incertezas e a falta de comunicação são persistentes: “Minha cabeça não pode compreender/Vivendo em segundo plano, imaginando o que você quis dizer”, os meninos cantam. Apesar de ter recebido uma divulgação expressiva e até um videoclipe, a canção é bem razoável, se comparada com as demais. Porém, é preciso admitir que o trio acertou no ponto e representou muitos de nós com o seguinte trecho: “Não consigo parar um humor que oscila/Vou ler qualquer coisa/Eu sei que não é isso que você quis dizer/Eu tenho o sentimento errado”.

Outra menção honrosa na nova fase da Wallows é a estética visual, repleta de imagens analógicas, luzes e um estilo que remete aos anos 90. As características estão presentes em todo o projeto, em especial no terceiro single, At the End of the Day, uma balada romântica que ganha traços melancólicos na voz suave de Braeden Lemasters. Na abertura da canção, já somos instigados a saber até onde vai a nostalgia despertada pela composição: “Por favor, deite sua cabeça aqui no meu ombro/A noite é jovem, mas ainda estamos envelhecendo/Você pode nos ver apaixonados assim para sempre?/Ou você tem medo de que seja muita pressão?”, o baixista canta. O clipe em si possui aspectos típicos de um curta-metragem indie, no qual viajamos em uma road trip, através da beleza do deserto até a cidade de Las Vegas.

Mas não é só de lamentos que a Wallows vive. A partir da metade de Tell Me That It’s Over, um momento de epifania nos faz entender, junto com a banda, algo muito importante: para superarmos, primeiro precisamos aceitar. A narrativa percebe que a energia gasta para tentar recuperar um amor perdido não vale a pena, se trata de um preço muito alto, que pagamos com o nosso tempo e até mesmo com a saúde mental. Esse tema está presente nas canções Permanent Price, Missing Out e  Hurts Me. Dentre essas três, a última merece um lugar especial. A melodia contagiante e o jogo de palavras estabelece um diálogo entre os intérpretes, que, juntos, concordam não precisarem estar nessa relação problemática. “Eu não me importo/(Eu vou ter que aceitar que eu)/Eu não preciso disso porque me machuca”, diz a letra.

Um fato curioso, também comentado pela banda em seu canal no YouTube, é em relação ao título do álbum: a frase “Tell me that it’s over” é repetida diversas vezes ao longo do disco. Por isso, Breaden sugeriu que esse fosse o nome do álbum, ao invés de escolherem uma música-título. Tanto no primeiro single quanto no encerramento, a sentença está presente, o que dá uma sensação de fechamento de ciclo: “Gostaria que pudéssemos cancelar o tempo/Ou deixe tudo voar/Apenas me diga que acabou agora”, canta o trio em Guitar Romantic Search Adventure, última faixa do CD.

Tell Me That It’s Over é um retrato do amadurecimento desses artistas, que possuem uma essência capaz de proporcionar um futuro promissor. Enquanto isso, continuam a retratar as inquietudes da juventude e estabelecem conexões com pessoas que, assim como eles, estão adentrando os conflitos da vida adulta. Dentre os dilemas dessa fase, a questão amorosa é apenas uma das ramificações. Porém, com maestria e sinceridade, a banda de Los Angeles mostra que está tudo bem em sentir – é preciso sentir. Para alguns, o álbum pode ser um conforto ou até mesmo um jeito de perceber que não estão sozinhos nessa situação. Ao final, uma coisa que a Wallows apresenta neste novo trabalho é certa: o caminho para superar ensina mais sobre nós mesmos do que o fim.

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Guilherme Veiga

Quando o mais novo álbum do alt-J, The Dream, estava prestes a ser lançado, muito se esperava que a banda britânica voltasse às suas raízes, mais especificamente as de uma década atrás. A razão disso é que seu registro de 2012, An Awesome Wave, vencedor do Mercury Prize, prêmio de Melhor Álbum Britânico daquele ano, é irretocável e até hoje é o cartão de visitas do grupo, que naquela época se tornou um expoente do indie britânico.

Sendo intitulada como o “novo Radiohead” no início, a banda, desde sua formação em 2008, pouco ligava para tais rótulos da indústria. O resultado foi um álbum de estreia que a princípio é dissonante entre si, mas que conversa de forma uníssona com a proposta de alt-J: fazer Música. Essa falta de uniformidade fez com que o disco levasse o ouvinte para navegar pelos diferentes tipos de mar e pela profundidade de seus intérpretes, que ora é mais calma, ora mais revolta.

E por mais simples que pareça, é a partir disso que o grupo mostra sua versatilidade ao passear por vertentes do indie como o electro indie, o pop folk e a psicodelia baseados nessa configuração nada ortodoxa, e ainda sim, imprimir seu DNA na obra. Momentos mais carregados e enérgicos, como Fitzpleasure e sua linha de baixo estridente de Gwil Sainsbury — que deixou a banda dois anos depois —, conseguem viver em consonância com passagens mais doces, como em Ms, ou melodias mais alegres, caso de Dissolve Me. E todas elas cabem muito bem no conjunto da obra, podendo até mesclar suas características vez ou outra.

As letras também são outro ponto alto do disco. Por mais que as composições  superficialmente apresentem temáticas até simples, que não fogem muitos dos términos de relacionamentos e que vez ou outra abrem brechas para assuntos mais sérios, como suicídio, a escrita desenvolve camadas. E a forma como essas esferas são tratadas demonstram um certo surrealismo, que fonética e melodicamente funciona muito bem. Outro ponto das letras desembocam para o lado mais nerd da banda. Além de todo o simbolismo, o álbum é recheado de referências, começando com próprio nome do disco, que remete a uma passagem de Psicopata Americano. Já Breezeblocks faz homenagem a literatura de Onde Vivem os Monstros, enquanto Matilda é baseada na personagem do filme de Luc Besson, O Profissional (1994).

Aliás, essas duas músicas são a prova de como o som do grupo em seu debut envelheceu como vinho. A súplica enérgica de Breezeblocks faz dobradinha com Fitzpleasure e as duas volta e meia retornam como trilha sonora de alguma trend no TikTok. Já a poesia travestida de referência de uma obra noventista deu o ar da graça recentemente — também fazendo dobradinha com a envolvente e um pouco menos conhecida Bloodflood — na trilha internacional de Amor de Mãe. Mas até as que não figuraram no radar do mainstream, caso da triangular Tessellate e da singela e tocante faixa sobre a fotógrafa de guerra Gerda Taro, obtiveram sucesso no cruel teste do tempo e não se dataram.

Isso se dá por já naquela época a banda ser desprendida de qualquer tipo de rótulo imposto, o que fez o álbum se destacar na imensidão quase que homogênea do indie britânico dos anos 2010. Som mais limpo, sonoridade mais intimista, uma identidade que mora em um limbo entre o rock de garagem e o indie pop, músicas carregadas de significado. Tudo isso está presente no alt-J e ditou certo movimento nessa vertente, que foi seguido por nomes que vão de Bombay Bicycle Club à The xx, por exemplo.

Sendo o ponto alto de suas carreiras, é lógico e natural definir os trabalhos posteriores como o começo de uma queda, e isso é real. A forte pressão da indústria e o sucesso de An Awesome Wave trouxe para o grupo fez com que as obras seguintes fossem reféns da expectativa alcançada, e consequentemente não desempenhassem tão bem em público e crítica. Por isso, o aguardo para o último álbum voltar às origens, na esperança de um alt-J que não ficasse mais preso dentro de suas próprias formas geométricas; cujo seu único objetivo, assim como no primeiro registro, seja apenas fazer Música e não ser parte dela.

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Frederico Tapia

Nascida em 1985 na cidade de Riyadh, na Arábia Saudita, mas criada em Lahore, no atual Paquistão, e atualmente radicada em Nova York, nos Estados Unidos, Arooj Aftab começou a ser conhecida durante os anos 2000 com rendições de músicas de outros artistas, como por exemplo Hallelujah, de Leonard Cohen. Ela se formou no Berklee College of Music em Produção Musical, Engenharia de Som e Composição de Jazz após se mudar para os EUA em 2005. Em 2021, ela lançou seu terceiro álbum de estúdio, Vulture Prince, e conquistou duas indicações ao Grammy 2022, tornando-se a primeira mulher paquistanesa a ser indicada à premiação estadunidense. Uma das indicações é como Artista Revelação, uma das principais categorias do prêmio, e a outra como Melhor Performance de Música Global por Mohabbat.

Aftab dedicou o álbum a Maher, seu irmão mais novo que faleceu durante o processo criativo do disco. Inicialmente, ela estava buscando trabalhar com uma sonoridade mais ousada e alegre antes desta tragédia pessoal. Mas no processo de produção do novo álbum, ela agora estava lidando com a morte de seu irmão, e por isso, ela retornou à sonoridade de seu primeiro disco, Bird Under Water (2015). Ela foi em busca dos Ghazals (poemas islâmicos, muito comuns no subcontinente indiano) em Urdu e da Poesia Sufi para criar uma declaração sobre a sua jornada, da dor e do luto até a aceitação. Ela disse que o álbum é sobre revisitar lugares que um dia ela chamou de seus, “lugares que não necessariamente ainda existem”. É sobre pessoas, amizades, e alguns relacionamentos que acabaram de forma abrupta, e como lidar com eles.

Como dito na página do disco no bandcamp, os dois álbuns se comunicam como se fossem dois capítulos. Além dos dois nomes serem ligados a aves, também há o ritual Parse, chamado de Dakhma ou Torre do Silêncio, que acontece quando deixavam os entes queridos após morrer para serem consumidos por abutres, como gesto para retomar o ciclo da vida. Aftab disse que ficou pensando neste ritual, o quão belo e ao mesmo tempo sombrio é, além do papel que os abutres têm no ciclo da vida.

Em Vulture Prince, ela infunde os Ghazals, o Thumri (estilo de canto usual no norte da India) e o Qawwali (uma forma de canto devocional islâmico, mais comum no subcontinente indiano) com o minimalismo de Terry Riley (um dos pioneiros na escola do minimalismo musical). Ela abre mão de alguns instrumentos tradicionais, como o Sitar e o Bansuri. Além disso, das sete músicas do álbum, cinco não contam com qualquer tipo de percussão, com as exceções sendo Last Night e Mohabbat. Por isso, Aftab usa sua voz como um instrumento, sendo este provavelmente o mais proeminente ao longo dos 46 minutos que o disco percorre. 

A maior parte das canções são releituras. Por exemplo, Suroor, que ficou conhecida na voz do grande Nusrat Fateh Ali Khan, um dos maiores cantores de Qawwali e considerado por alguns como o maior cantor Sufi nas línguas Punjabi e Urdu, chamado muitas vezes como “Shahenshah-e-Qawwali” (“O rei dos reis do Qawwali”). Outro exemplo é Last Night, a única música cantada em inglês do disco. A canção se trata de um poema de Rumi, poeta persa do século XIII que, apesar de ser um dos mais vendidos no Ocidente, tem seu contexto religioso retirado de seu trabalho na maior parte das traduções.

O disco é iniciado com Baghon Main, uma regravação de um Ghazal que Arooj já havia interpretado em seu primeiro álbum, mas que aqui assume uma influência sonicamente minimalista. O álbum segue com Diya Hai, que foi a última música que ela cantou para seu irmão em vida, e que conta com a participação da brasileira Badi Assad. A canção é uma interpretação de um poema de Mirza Ghalib, no qual Aftab demonstra sua voz etérea junto ao virtuosismo de Assad no violão. Nos versos finais, ela canta sua sensação de estar sem palavras e isso diz muito sobre o próprio disco. Afinal, o álbum, de forma até proposital, talvez não diga tanto de forma sônica, e também talvez, nem precise dizer mais do que isso.

Seguindo, a próxima canção é Inayaat, um Ghazal de Sudarshan Fakir que pode ser traduzido como “Gentileza”, e a própria cantora traduziu a letra na página da música no site Genius. O único momento em que ela não canta em sua língua nativa é em Last Night, canção que evoca repetidamente a imagem da Lua, que na poesia Sufi, tende a vir de um lugar tanto de esclarecimento quanto de transcendência. Ao citar que seu amado é como a Lua, Aftab encontra uma forma para os seus sentimentos nesta situação específica. Aqui, assim como em outros momentos do disco, ela repete suas palavras várias vezes, e a cada vez que isso acontece, a artista encontra uma forma de fazer os versos chegarem até nós de uma forma diferente.

Mohabbat, um dos singles e que gerou uma de suas indicações ao Grammy, é um poema de Hafeez Hoshiarpuri escrito na década de 1920. Existem outras versões feitas por cantores paquistaneses, como Mehdi Hassan, mas Aftab toma outra direção em sua interpretação. Sem o uso do harmônio ou da tabla, ela alonga as palavras, evocando o sentimento de tristeza da separação. 

“A tristeza disso é igual a tristeza de todo o mundo”, ela canta, evocando algo que poderia ter vindo de Abida Parveen. Apesar de nunca chegar em um clímax propriamente dito, a canção cria camadas e camadas de sentimentos como algo que queima lentamente, e segundo as palavras da própria artista, ela quer que sua música traga sentimentos da poesia Sufi, como calma, paz, paciência, simplicidade, e depois anseio, tristeza, procura, unidade, e compreensão.

A penúltima canção, Saans Lo, é um poema composto por Annie Ali Khan, amiga da cantora que faleceu em 2018, no mesmo ano que o irmão de Aftab. Aqui, a canção nos aconselha a respirar e olhar pra frente antes de chegar ao encerramento do disco, que acontece com Suroor. A música nasce de outro clássico Qawwali, mas dessa vez, ela o leva para a direção do jazz e sintetiza a ideia de Vulture Prince:  mesmo retornando às suas origens, Arooj Aftab demonstra toda sua personalidade e sua identidade criativa, no fim das contas trazendo algo único.

Aftab disse que esse é um álbum sobre revisitar, reviver lugares e relacionamentos que não necessariamente existem. Indubitavelmente, é um álbum extremamente pessoal, mas ao mesmo tempo, ele ultrapassa barreiras, sendo elas tanto linguísticas quanto musicais, e consegue passar sua mensagem de forma brilhante. Desta forma, Vulture Prince traz um pouco de ar fresco ao Grammy, extremamente dominados pelos mesmos gêneros e sempre cantados em inglês.

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Quando as canções natalinas não preenchem mais o ambiente e Mariah Carey libera o topo das paradas musicais, é sinal de que o último mês do ano acabou. Ao longo dos últimos 12 meses, o Persona acompanhou cada movimento do mundo da Música nas edições do Nota Musical, e para encerrar o ciclo embalado pelas mais diversas trilhas sonoras de 2021, é hora de ouvir o que o mês de dezembro tem a nos dizer.

Que o ano apelidado de 2020.2 seria repleto de ironias, nós já sabíamos. Mas quando Olivia Rodrigo explodiu suas decepções românticas nos ouvidos do mundo inteiro com o maior hit de 2021 logo em janeiro, ninguém poderia imaginar que terminaríamos o ano em dezembro ouvindo o outro lado da história. O trio de canções Crisis / Secret / Set Me Free parece ser a maneira que Joshua Bassett encontrou para se livrar das maldições liberadas por drivers license, e deixar a confusão com a nova estrela pop no passado.

Enquanto alguns aproveitaram dezembro para resolver suas últimas pendências do ano, outros usaram o mês para iniciar novos projetos e vislumbrar 2022. Este é o caso de Angèle, a artista belga que ganhou repercussão global depois de cantar Fever junto de Dua Lipa, e seu segundo disco, Nonante-Cinq. Em um synth-pop gracioso, fresco e melancólico, Angèle mostra o porquê é um dos nomes francófonos mais populares da atualidade – e porque pode ir muito além disso.

Na mesma direção, Arca continua com sua música ambiciosa e intensa. Em dezembro, a venezuelana indicada ao Grammy colocou no mundo não um, não dois, não três, mas quatro discos, que dão sequência ao seu aclamadíssimo KiCk i. Os admiradores de SASAMI também têm material para iniciar o novo ano, já que a promessa do metal norte-americano continua a preparar o lançamento de seu segundo disco, que vai suceder sua estreia homônima muito bem recebida pela crítica, com o single Say It.

Falando nos jovens, a estreia de No Rome, pupilo de Matty Healy, o frontman do The 1975, é parada obrigatória dos textos abaixo. O artista filipino começou a espalhar suas canções lo-fi pelo SoundCloud e hoje ecoa por aí o que ele chama de “shoegaze R&B” em It’s All Smiles, contando com a produção mais famosa da Música alternativa contemporânea. Outro destaque é a nova música de Ruel, que reflete sobre amadurecimento em GROWING UP IS ____. Enquanto isso, SZA terminava o ano com raiva de alguém e Khalid embarcou em uma viagem suave.

A atmosfera retrospectiva de dezembro também nos levou à memória daquele fatídico 29/12/2001, que levou a voz mais marcante do rock brasileiro alguns dias depois da data destinada à celebrar a sua vida. Cássia Eller é dona de uma presença muito poderosa para desfazer-se entre nós, e os 20 anos de sua morte e 59 de vida foram marcados por Espírito do Som. Ainda resgatando a memória da Música brasileira, nos lembramos de que completaremos 40 anos sem uma das nossas maiores estrelas. A inauguração das homenagens ao legado da eterna Elis Regina começou através do lançamento de Elis, essa saudade, disco que reúne gravações feitas pela artista entre 1979 e 1981.

Mas hoje, temos o prazer de apreciar e valorizar Maria Gadú. Um dos principais nomes da MPB contemporânea completou 35 anos no último dia 4 e celebrou a data através de Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor, álbum que traz regravações de grandes sucessos da Música Popular Brasileira e principais influências para a identidade musical da artista. Já para a banda de destaque no pop-rock brasileiro atual, falar de memórias é só mais um pretexto para manifestar sua típica descontração. É que o terceiro álbum da Lagum segue naquele antro de sinceridade, ironia e irreverência, características fortes da música do grupo mineiro. 

Um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil também tomou parte das comemorações de dezembro. Pabllo Vittar encerrou um ano de ouro em 2021, marcado pelo sucesso de Batidão Tropical, com I AM PABLLO, seu primeiro registro ao vivo, que ficou responsável por iniciar as celebrações de seus meteóricos cinco primeiros anos de carreira. Lá fora, o aniversário foi de 5 Seconds of Summer, que exatos 10 anos depois de seu primeiro show, festejou seus 10 anos de existência com a canção 2011, que relembra a história e reverência a amizade do quarteto australiano.

Só estava faltando o encerramento dos 20 anos de carreira de Alicia Keys, perfeitamente concluídos por KEYS. O novo álbum da rainha do neo-soul sucede o colorido ALICIA (2020) com muita ambição: como um disco duplo, 26 músicas as levam de volta às suas origens que construíram o sucesso absoluto de seu primeiro disco em 2001, para desbloquear sua criatividade e reimaginar suas próprias canções. Entre os lados intitulados Originals e Unlocked, o ouvinte de Alicia Keys pode entrar em contato com a cantora, compositora, pianista e produtora que foi um dos maiores fenômenos musicais do século – e que nunca saiu de perto de nós.

Quem também esteve presente foi Black Country, New Road. Enquanto o novo disco da banda britânica, que foi destaques do mês de janeiro, não é lançado, ela aparece aqui com o EP Never Again, apresentando quatro covers inusitados. Também na lista das melhores revelações do ano, Arooj Aftab convenceu até o Grammy com a preciosidade de seu álbum lançado em abril e nos abençoou em dezembro com sua performance no Tiny Desk. E para os brasileiros, a conquista do mês foi ver MC Dricka, que brilhou no lançamento de seu álbum em maio até na Times Square, apresentando o hino Gadinho de Faz Tempo no palco do projeto musical internacional COLORS.

Há sete meses, Luísa Sonza abalava o pop nacional com DOCE 22, e agora, foi vez de encerrar os lançamentos do projeto com ANACONDA *o*~~~. Já em junho, foi a vez de Doja Cat colocar em órbita Planet Her, e em dezembro, a novidade foi o clipe de Woman, o single da vez que aquece sua corrida até as premiações. Na mesma função, está a nova favorita do Grammy Billie Eilish, promovendo sua campanha para Happier Than Ever, com o vídeo de Male Fantasy. A esnobada do ano, infelizmente, foi Lorde, que segue sob o poder do sol desde agosto, e agora traz uma narrativa visual para Leader of a New Regime.

Assim, o que mais teve em dezembro foi presente de fim de ano. A Música brasileira ganhou o lançamento do disco de Elza Soares & João de Aquino, uma releitura de Nara Leão feita por Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia, e a descoberta de Lucidayz, o projeto solo indie-rock do artista sergipano Samuel Elijah. De fora, Moses Sumney, artista ganês-americano que aparece vez ou outra na trilha de Euphoria, trouxe a experiência espiritual de seu primeiro álbum ao vivo; Katy Perry e Alesso entregaram uma boa canção para uma noite animada; e Art School Girlfriend, pseudônimo da galesa Polly Mackey que apareceu por aqui pela primeira vez em setembro, realizou um tributo a Prince.

Seguindo com os mimos para os sobreviventes de 2021, Tame Impala apresentou a inédita No Choices, introduzindo a edição comemorativa de The Slow Rush, o quarto disco de estúdio da banda, indicado a Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020. Superchunk aproveitou os últimos dias do ano para fazer seu retorno com a canção Endless Summer, e Rostam remixou o seu segundo disco solo. Por último, a maior se fez presente: dois dias antes do Natal, Joni Mitchell presenteou o mundo com um vídeo especial de River, para encerrar a comemoração aos 50 anos de Blue.

Os votos finais do ano partiram de Rodrigo Alarcon, que em Rivotril e a Fé traz uma mensagem descontraída de compreensão para com quem viveu os momentos difíceis dos últimos dois anos. Da mesma forma, Anná e Flaira Ferro refletem resumem o espectro emocional dos últimos dois meses em Ô Ano Doido. E para mais um futuro fevereiro sem Carnaval, Ivete Sangalo e Carlinhos Brown nos servem música nova pra festejar em casa.

Sobre a vida em sociedade, BK’, como sempre, empresta sua música cirúrgica para analisar as relações que mantemos com o mundo ao nosso redor. A obra da vez é Cidade do Pecado, que traz uma identidade ainda mais urbana para o trabalho do rapper carioca. Precisa de um refresco depois disso? Pois aqui está a dupla Arnaldo Antunes & Vitor Araújo com o paradisíaco Lágrimas no Mar.

Por fim, restou à Mitski aumentar as expectativas para Laurel Hell, seu sexto álbum e um dos mais esperados de 2022 com Heat Lightning. Phoebe Bridgers – também conhecida por aqui como uma das artistas que mais trabalhou em 2021 – deu continuidade à sua tradição anual de direcionar os lucros de seus lançamentos natalinos à instituições humanitárias. A música do ano foi Day After Tomorrow, numa releitura do sucesso de Tom Waits.

Para o ano ou para esse post, se você chegou aqui, merece os parabéns e a nossa bonificação. É hora de colocar os fones para ouvir o último mês de 2021 e apreciar a última edição do Nota Musical como conhecemos hoje. Um novo ciclo está começando, e o Persona guarda muitas novidades para o próximo ano. O que não muda é nosso compromisso com a valorização da Arte, da Cultura e do Jornalismo, que só podem existir se a vida também for preservada. Cuide-se, pois contamos com a sua companhia para um grandioso 2022!

CDs

Pabllo Vittar – I AM PABLLO (Live)

A gente piscou e Pabllo Vittar começou a comemorar cinco anos de carreira. É isso mesmo: do single Open Bar ao álbum Batidão Tropical, muita coisa já mudou, e Pabllo conseguiu se consolidar como um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil e no mundo. Mas, depois de lançar quatro discos de estúdio, três CDs de remixes e dois Extended Plays, a drag queen mais popular do planeta ainda não preenchia todos os tópicos disponíveis em uma possível ‘lista universal de afazeres dos cantores’, e o espaço reservado a um álbum ao vivo permanecia vazio.         

Foi então que nasceu o curioso trabalho I AM PABLLO (Live), disponibilizado na internet no último mês de 2021. Parte de um projeto audiovisual gravado no pavilhão Oca, em Ibirapuera, São Paulo, o primeiro registro ao vivo de Vittar dá pistas de uma turnê que promete ser a grande aposta internacional da cantora a partir de agora. Não parando por aí, ao mesclar os elementos água, fogo, terra e ar, que adquirem atmosferas próprias, com algumas influências absorvidas do K-pop, o espetáculo da artista maranhense também pretende inovar os formatos de shows realizados em solo nacional.       

De qualquer forma, está mais do que certo que alguns dos registros comemorativos, como o do próprio Open Bar, são nostalgia pura – e repaginada. Fora isso, o que mais se destaca no lado sonoro de I AM PABLLO são os vocais nitidamente bem trabalhados para a realização desse projeto bastante ambicioso. Para quem passou os últimos cinco anos criticando a voz da drag queen, será difícil sustentar as mesmas críticas com esse novo disco. “Não é à toa que eu sou a number one”: de fato, parece que Pabllo Vittar sempre soube do próprio potencial. – Eduardo Rota Hilário         

Angèle – Nonante-Cinq

Angèle é popstar. Um dos nomes mais populares entre as estrelas francófonas, a carreira da artista belga ganhou repercussão global após o dueto de Fever com Dua Lipa. Suas vozes, em contraste, destacam a melancolia inerente do timbre de voz aerado de Angèle, que parece enfeitiçar a mais dançante das faixas. Essa habilidade, por sua vez, se corporifica em seu segundo álbum, Nonante-Cinq, conduzindo a efervescência do synth-pop para uma atmosfera agridoce, enquanto versa sobre as desventuras do amor.

Encabeçado pelo single principal Bruxelles je t’aime – uma carta de amor sentimental para sua cidade natal –, Angèle rodopia pelas batidas à la Daft Punk ao longo dos acertos que compõem as doze canções do álbum, incluindo Libre e On s’habitue. Algumas referências, contudo, de tão óbvias, soam quase como imitação: Démons, que conta com a colaboração do rapper belga-congolês Damso, poderia facilmente ter saído diretamente do universo Astroworld de Travis Scott.

Como uma montanha-russa de emoções, aqui, tudo oscila. Entre o dançante e o emotivo do projeto, paira Solo, junto de seus sintetizadores glaciais, atingindo o máximo de melodrama na teatralidade de Taxi, construída pelas baladas de um piano acústico. Apesar do aparente otimismo dos singles divulgados anteriormente a sua estreia, é tecendo o drama que Nonante-Cinq ganha dimensão. – Ayra Mori

Arca – KICK ii, KicK iii, kick iiii e kiCK iiiii

Depois de no mesmo ano de 2020 ter sido indicada ao Grammy por seu álbum Kick i, publicado uma música de 62 minutos, além de 100 remixes de uma mesma faixa criados com uma Inteligência Artificial, a cantora e produtora venezuelana Arca resolveu encerrar 2021 mantendo o mesmo nível de ambição. O que quer dizer que ela resolveu colocar no mundo não um, mas quatro discos de uma só vez, todos numerados em sequência ao KiCk i, misturando espanhol com inglês e expressando toda a versatilidade dessa artista que desafia as convenções dos gêneros e de gênero. 

Dando o pontapé inicial, KICK ii é o mais acessível dos quatro, pelo menos em sua primeira metade, onde explora, a seu próprio modo, um dos ritmos latinos mais populares da atualidade, o reggaeton. Mas se engana quem espera que daí surja um trabalho convencional: o ritmo dançante vira música avant-garde nas mãos de Arca, dando espaço para as o rap frenético de Tiro, ou arrepiantes vozes lamentosas de Luna Llena. A segunda metade, inaugurada pelas vozes bizarras de Aranã, segue por caminhos mais abstratos e experimentais. E é no mesmo experimentalismo em que mergulha KicK iii, o mais insano da série, recheado de ritmos descompassados, frenético ao extremo, e que sequer dá um mínimo segundo para o ouvinte respirar. Conciliando as batidas caóticas à voz humana em texturas distorcidas, KicK iii se destaca com as faixas Bruja, Incendio, Skullqueen, e Rubberneck.

Seguindo caminhos bem mais amenos e oníricos, kick iiii aposta em uma atmosfera carregada de mistério. Lento e menos chamativo, o quarto volume da série acaba sendo ofuscado pela energia pulsante dos anteriores, mas encontra bons momentos atmosféricos em Boquifloja, em uma faceta mais pop na faixa Queer, e na arrepiante Hija. Surpreendentemente, o último volume, segue caminhos ainda mais minimalistas, encerrando a sequência de discos abandonando completamente o maximalismo dos primeiros volumes e explorando a música ambiente. kick iiiii evita o meio termo do disco anterior, criando atmosferas mais imersivas e abrindo espaço para uma faceta mais meditativa de Arca. Pu, Estrogen e Fireprayer se destacam além de Tierno, uma bela peça onde Arca é despida de todas as distorções vocais, finalmente revelando suas habilidades naturais. Do mais gritante ao mais sutil, do primeiro ao último volume, o projeto Kick é um raio-x das múltiplas camadas que compõem esse complexo ser chamado Arca. – João Batista Signorelli

Descontração já é a marca registrada da banda Lagum. No seu terceiro álbum de estúdio, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui), o grupo mineiro repete os feitos de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração (os dois primeiros) e cria uma experiência leve, bem humorada e divertida. Agora com alguns anos a mais de experiência, a Lagum encontra a dose certa entre o comercial e a liberdade para experimentar, e, ao longo das dez faixas, não abre mão da sua espontaneidade característica.

Das canções, cinco são inéditas. Enquanto duas das previamente lançadas, NINGUÉM ME ENSINOU e EU E MINHAS PARANOIAS, são elétricas e estimulantes ao refletirem sobre as angústias da identidade e da juventude, outras abaixam o tom para pensarem nas memórias ainda por vir, como na calma DESCOBRIDOR, para declararem os desejos em uma relação, como na curta PLAYGROUND, ou para revelarem o fim da mesma, como na dançante VEJA BABY. Das frenéticas guitarras e baterias aos calmos violões e vocais, do pop à MPB, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) transita entre sonoridades e temas, e a falta de um conceito só torna o álbum ainda mais espontâneo.

No novo lançamento, um dos pontos mais altos da Lagum se repete: a banda diz na lata o que tem para dizer. Sem rodeios, metáforas ou muitas figuras de linguagem, as composições do vocalista Pedro Calais são até literais, o que, se não impressionam pelas letras trabalhadas, encantam pela sinceridade. Como ele mesmo afirmou, a banda só deixa as coisas fluírem e que “se dava vontade de falar coisas engraçadas, trágicas, a gente falava”. Ao final, além de genuinamente divertido e animador, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) também foi uma bela homenagem ao trabalho de Tio Wilson, percussionista da banda que faleceu em 2020: o álbum foi a última participação do baterista, que teve suas partes, gravadas na pré-produção, mantidas e respeitadas. – Vitória Lopes Gomez

No Rome – It’s All Smiles

Nascido Guendoline Rome Viray Gomez, em seus 24 anos de idade, No Rome é cantor, compositor, produtor e pupilo de Matty Healy. Das Filipinas até o Reino Unido, foi compartilhando faixas lo-fi no SoundCloud que a colaboração entre ambos surgiu, logo levando Rome a assinar com a gravadora independente de Healy, Dirty Hit – casa de beabadoobee, Rina Sawayama, The Japanese House e Wolf Alice, espécie de meca da Música alternativa contemporânea. Para ele, contudo, a fabricação do álbum de estreia foi produto de anos, consumado, por fim, durante o isolamento do musicista em sua cidade natal, Manila.

Nos primeiros segundos da faixa de abertura, Space-Cowboy, Rome revela o que ele nomeia de “shoegaze R&B”. Como o próprio nome diz, o gênero combina precisamente os dois opostos numa hibridização camaleônica das distorções texturizadas ao groove suave. As influências são ambiciosas, dando caráter ao melodrama emocional simples da composição que ganha dimensão através da produção excelsa. São dez músicas co-produzidas com BJ Burton (Bon Iver, Kanye West e The Japanese House), conferindo resquícios de seu trabalho passado, familiar em ITS *N0T* L0V33 (Winter In London).

A mentoria de Healy se reflete por todo álbum – por vezes, mais pontuais do que deveriam. Apesar da habilidade inegável de Rome, por trás de muitas referências devotas, alguns curtos instantes soam genéricos, como em I Want U, onde até a harmonia vocal dos companheiros é similar. Adentrando uma paisagem noturna carregada de sintetizadores, explodem Issues (After Dark) e Remember November / Bitcrush*Yr*Life, como experiência cinematográfica que It’s All Smiles é. E bom, a espera valeu a pena. – Ayra Mori

Maria Gadú – Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor 

O novo álbum de Maria Gadú já traz em sua apresentação um título estrondoso. O impacto é ainda maior com a informação que Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor é o nome da canção de Márcio e Lô Borges, e o carro chefe de Pietá – importante álbum de Milton Nascimento. A aposta da cantora foi grande e a expectativa para o quarto disco de estúdio era maior ainda.

Contando apenas com regravações de outros gigantes da Música Popular Brasileira, Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor foi lançado na véspera do aniversário de Gadú e veio moldando a personalidade da artista. Isso porque, mesmo lidando com conhecidas da grande plateia, Gadú deixa sua assinatura em cada faixa e permite que o trabalho esteja mais próximo do autoral do que de covers. 

Um móbile no furacão de Paulinho Moska, Abololô de Marisa Monte e a indiscutível Lindo Lago do Amor de Gonzaguinha ganham destaque entre as 12 músicas. Mas, o absolutismo fica, de longe, por conta de Admirável Mundo Novo e Faroeste Caboclo. A primeira de Zé Ramalho vem para reforçar a posição política da artista e sua produção individual concretiza as crenças da cantora. Já a maior (e desafiadora) música de Renato Russo chama a atenção em qualquer contexto que se insira por conta de seus quase dez minutos de duração. O diferencial na atual gravação vem pelo tom no qual a história do João de Santo Cristo é apresentada. – Ana Júlia Trevisan

Elza Soares & João de Aquino – Elza Soares & João de Aquino

De voz inigualável, repertório inquestionavelmente rico e expressão artística arrebatadora: assim é – e sempre foi – Elza Soares. Mas esses traços bem definidos conseguem se acentuar ainda mais quando a Mulher do Fim do Mundo se entrega de corpo e alma à Música. Desse modo é Elza Soares & João de Aquino, disco gravado na década de 1990 ao lado do violonista que também dá nome à obra, em sessão única feita no extinto estúdio carioca Haras. Agora disponível pela gravadora Deck, o mais recente lançamento da eterna Deusa-Mãe esperou cerca de 25 anos para ver a luz do mundo.    

No fim, toda espera valeu a pena! Desde Drão, composição de Gilberto Gil que assume o posto de abertura elevada, quase divina, somos fisgados por uma química inventiva arquitetada de maneira fabulosa entre Elza e João. Em alguns casos, como Hoje, as habilidades vocais da Cantora do Milênio atingem em cheio os ouvidos – e corações – mais sensíveis. E, em faixas como Devagar Com a Louça, a liberdade interpretativa digna de grandes nomes torna-se, talvez, o maior motivo para uma inevitável fascinação do público – o que não ofusca, no entanto, o talento de João de Aquino.

Ainda nos destaques, a escolha do imortal Meu Guri, de Chico Buarque, mesclado com a Ave Maria No Morro, de Herivelto Martins, com certeza merece alguma atenção. Já em Juventude Transviada, o nome de Nilo Chagas pode surpreender os observadores mais atentos, já que essa faixa traz também um pouco de Lamento da Lavadeira, música composta por ele ao lado de Monsueto e João Vieira Filho. Mas nada, enfim, é capaz de substituir a experiência de ouvir na íntegra um álbum de tamanha qualidade. Certo é que, Como Uma Onda, João de Aquino e Elza Soares podem nos dominar.  – Eduardo Rota Hilário 

“Obrigado por sintonizar em Scenic Drive, estamos aqui hoje à noite para fornecer a vibração para sentar, relaxar e aproveitar o passeio”. Depois de ouvirmos um motor de carro ligando e uma rádio sendo sintonizada, a voz de Alicia Keys surge na primeira faixa do disco, e anuncia o início de Scenic Drive (The Tape), terceiro álbum na carreira de Khalid. Com apenas 23 anos, o artista demonstra uma grande ambição musical, e desde o início Scenic Drive (The Tape) é enquadrado como uma experiência musical e uma experimentação de sentimentos na escuta. Mas em alguns momentos, nas faixas Voicemail (feat. Kiana Ledé) e Backseat, o disco se deixa levar por sua suavidade, permanecendo calmo demais, e beira um fim de viagem.

Apesar dessa abertura conceitual e de uma perfeita ligação das canções durante suas transições, o disco esbarra em suas próprias referências, nas quais Khalid satura as metáforas sobre bancos de carros, estradas e viagens solitárias – mas, no fim, o álbum não deixa de ser sobre isso também. O ponto alto do disco está em Brand New (feat. QUIN) e Present. Ainda assim, se você procura algo para relaxar ou que sirva de trilha sonora para uma viagem tranquila, Scenic Drive (The Tape) é uma boa pedida. – Bruno Andrade

Moses Sumney – Live From Blackalachia

“Isolamento vem de ‘insula’ que significa ilha”, nos recebe uma voz robotizada à experiência espiritual de Live From Blackalachia, terceiro álbum de Moses Sumney. Gravado ao vivo nas montanhas de Blue Ridge, no verão de 2020, o palco do cantor foi nada menos que as colinas de uma paisagem verde solitária. Junto de sua banda, Sumney encontra na vastidão da natureza a liberdade. E como é linda a liberdade.

Sobrecarregado pelo “culto à personalidade” linkado à vida artística de Los Angeles, foi em 2017 que Sumney se refugiou em Asheville, uma cidade na Carolina do Norte. Atraído pelos arredores naturais do novo lar, debaixo do céu limpo, da floresta e da fauna, ele reencarnou quatorze faixas selecionadas de seus álbuns anteriores, Aromanticism (2017) e græ (2020). Há uma continuação orgânica dos temas já explorados por esses registros, permeando gênero, raça e identidade. Quem somos, como somos e como somos vistos pelo mundo: “Minhas asas são produzidas/E, e eu também”.

Despido das harmonias vocais de fundo, na segunda metade de Live From Blackalachia, Sumney soa como a pessoa mais solitária do mundo. Doomed é conduzida pelo jazz cósmico dos saxofones chorosos de Serena Wiley e Brian Horton, somados ao trombone melancólico de Derrick Johnson. Cada sopro suscita uma dor. Uma sensibilidade dolorosa que cresce gradativamente no peito, até se tornar inconsolável na pureza da voz de Sumney. – Ayra Mori

Elis Regina – Elis, essa saudade

Elis Regina é uma das maiores saudades que um país pode ter. É por isso que, às vésperas dos 40 anos de morte da eterna Pimentinha, as já aguardadas homenagens à imortal artista brasileira davam seus primeiros passos a todo vapor – e a coletânea Elis, essa saudade, lançada em pleno dezembro, é prova óbvia dessa realidade. Com produção executiva e repertório assinados pelos jornalistas Danilo Casaletti e Renato Vieira, o lançamento da Warner Music reúne gravações feitas entre 1979 e 1981, e com certeza receberá a atenção dos fãs mais ferrenhos. 

Não que sucessos como O bêbado e a equilibrista, ou versões ao vivo de Águas de março e Upa, neguinho, por exemplo, sejam motivo do entusiasmo puro da novidade, mas alguns elementos ‘novos’ acabam se tornando, sem dúvida, bastante animadores. É o caso de uma versão menos conhecida de Alô! Alô! Marciano, anteriormente indisponível nas plataformas digitais, ou do carro-chefe Pequeno exilado, música de 1980 gravada com o cantor gaúcho Raul Ellwanger, e até então inédita em formato digital. Seja como for, o CD – físico ou on-line – já vale a pena por conta dessas duas pérolas.

Unindo os títulos dos álbuns Essa Mulher e Saudade do Brasil, Elis, essa saudade é, antes de tudo, celebração e memória. Ou, quem sabe, uma forma de ilustrar os versos “Ah, como essa coisa é tão bonita/Ser cantora, ser artista/Isso tudo é muito bom” – que, um pouco descontextualizados neste texto, cabem com maestria na figura de Elis. Na verdade, a compilação recém-lançada é também um sinal de que nenhuma homenagem basta para as lendas infinitamente humanas, mas simbolicamente infindáveis. Sendo assim, que Elis Regina cante sempre, profunda e íntima, ao pé do ouvido de nossos corações. – Eduardo Rota Hilário  

Rostam – Changephobia Remixes: Part I + II

Após seis meses do sensível “pop torto” de Changephobia, Rostam Batmanglij, ex-integrante e fundador da banda Vampire Weekend, divulgou na íntegra a coletânea de remixes do segundo álbum de sua carreira solo. Dividido em duas partes, sobrevive, nas reinterpretações, a aura mágica das versões originais, que continuam evocando um ambiente agridoce, quente e colorido. As colaborações do projeto contam com nomes potentes, fruto da relação estreita do próprio Rostam com a cena indie pop de Los Angeles – o multi-instrumentista tem no catálogo a recente produção de Immunity (2019), de Clairo, e Women in Music Pt. III, das HAIM.

Lançada em 1º de dezembro de 2021, a primeira parte da coletânea conta com a remixagem de A. G. Cook (que produziu faixas de Charli XCX, Caroline Polachek e SOPHIE) na cinética Kinney, até a versão reducionista de A. K. Paul, que desacelera o tempo em These Kids We Knew. Já a segunda parte inclui a interpretação vibrante de 4Runner por EASYFUN, que é conduzida pelas batidas metálicas comuns do hyperpop, e o suave sintetizador de From the Back of a Cab por Ben Böhmer. Ao passar pelas nove faixas alternativas, o impulso para se ouvir Changephobia mais uma vez, cresce. – Ayra Mori

Arnaldo Antunes e Vitor Araújo – Lágrimas no Mar 

Em 2020, Arnaldo Antunes não poupou em colocar o dedo na ferida com seu potente O Real Resiste. O show deste trabalho criou um vínculo entre o cantor e o pianista Vitor Araújo – pernambucano de 32 anos. O encontro entre a juvenil musicalidade e a experiência de ex-Titã tomou forma no êxtase de Lágrimas no Mar.

O resultado é um álbum que beira o paradisíaco. Com o potente instrumental que atravessa feito lança cada verso, e com canções intimistas que remetem ao mar, o duo apostou numa apresentação mais cinzenta para intensificar a transversalidade do disco. O repertório vai de gravações conhecidas pelo público, como a unânime Como 2 e 2 (Caetano Veloso); música que já fizeram parte de shows do Arnaldo, como Fora de Si (1995) e Longe (2009); e inéditas batizadas de Enquanto Passa Outro Verão, Lágrimas no Mar, Umbigo e A Não Ser. – Ana Júlia Trevisan

Alicia Keys – KEYS

Ao completar 20 anos de carreira, Alicia Keys decidiu revisitar suas raízes e brincar com as suas possibilidades contemporâneas em KEYS, seu oitavo disco. Para a maioria dos espectros musicais, essas intenções podem parecer completamente inconciliáveis, mas para o da experiência de Alicia Keys, foi a ideia mais natural de projeto para a atual etapa de sua vasta carreira como cantora, compositora, produtora e pianista. O disco é duplo e suas divisões são muito bem definidas: no lado A, ela relembra suas matérias-primas originais em canções inéditas, e no lado B, desbloqueia lampejos criativos ao reimaginar a produção de suas próprias músicas. 

Assim, Originals apresenta faixas do disco totalmente fundamentado nas influências Alicia, como o gospel e o soul, que quando percorrem o piano junto de suas mãos, criam uma música essencialmente contemporânea e fresca. Em diálogo direto com a artista que conhecemos em 2001 através da estreia aclamada de Songs In A Minor, ela apresenta sua habilidade em criar o R&B mais atual e bem referenciado da atualidade (mantendo o posto que é seu desde o início do novo milênio) com primor em Love When You Call My Name. Já em Is It Insane, ela nos lembra de seus talentos como vocalista e intérprete, enquanto Daffodils e seu fundo folk constroem a demonstração perfeita de uma musicista plena. Além disso, ela também traz colaborações de nomes como Kanye West para Plentiful, e expressa sua amizade com Brandi Carlile em Paper Flowers – um dos melhores destaques de KEYS. 

Quando chegamos em Unlocked, obviamente, o impacto não é o mesmo. Mas a segunda parte de KEYS também guarda as suas próprias inéditas, músicas que Alicia concebeu já na identidade imaginada para o segundo disco, ao invés de passarem pelo processo contrário. Nestas, estão o destaque das produções originais de LALA – primeiro single do álbum que traz a participação de Swae Lee – e Come For Me – resultado grandioso de uma colaboração entre Keys, Khalid e Lucy Daye. Ao final das 26 faixas, o impacto de Alicia Keys se mostra o mesmo que encantou o mundo há 20 anos atrás: não existe uma porta que suas chaves não possam abrir. – Raquel Dutra

EPs

Joshua Bassett – Crisis / Secret / Set Me Free

Por ironia do destino, se em janeiro ocorreu o nascimento do fenômeno Olivia Rodrigo, dezembro fecha com o lançamento de seu ex-namorado Joshua Bassett, o suposto remetente das cartas de coração partido de SOUR. O jovem artista, que além de cantar é um dos protagonistas da série de High School Musical, liberou Crisis / Secret / Set Me Free, com direito a três clipes, poucos meses depois de seu EP autointitulado.

Pela primeira vez se referindo diretamente ao espetáculo de horror que vivenciou seguido do lançamento de drivers license, Bassett cria uma narrativa de maturidade no novo e curto trabalho. Abrindo com Crisis, ele canta sobre como sua ex-amada nunca desperdiçou uma crise, aproveitando para capitalizar por cima do namoro que acabou. Além das trivialidades que se tornaram clichês do pop, ele denuncia seu estado de saúde, revelando que sofreu ameaças de morte.

A sequência com Secret é o máximo de sacana que o EP se permite ser, na insinuação de que a pessoa sobre a qual ele canta esconde um segredo, e talvez tudo que ela cantou não seja a mais absoluta das verdades. O fim, pelos versos da saudosista Set Me Free, é o momento de Joshua respirar e implorar por conclusões. “Você não pode levar tudo de mim (me liberte)/E não preciso das suas desculpas (me deixe em paz)”, ele canta, com verdade na voz. – Vitor Evangelista

Black Country, New Road – Never Again

Enquanto o aguardado disco Ants From Up There não chega, a banda britânica Black Country, New Road resolveu lançar, com exclusividade para os compradores de discos de vinil (mas que pode ser encontrado no YouTube), um EP reunindo quatro inusitados covers de canções populares. A trupe que concilia a guitarra ao saxofone e ao violino levou ao estúdio suas próprias versões de duas canções do ABBA, uma do MGMT e outra da Adele, que já vinham realizando em suas apresentações ao vivo de um tempo para cá. 

Mamma Mia e Chiquitita compõe o lado A do disco, trazendo toda a energia e as firulas instrumentais já tão características do grupo. A empolgação e a total dedicação do vocalista Isaac Wood em Mamma Mia compensam as suas limitações vocais ao deixar seu estilo mais falado de cantar para uma canção mais melódica, e Chiquitita traz a mesma serenidade e a carga emocional crescente dos singles recentes, Bread Song e Concorde. O mesmo vale para Time to Pretend, primeira faixa do lado B, seguida de uma Someone Like You simples de voz e piano, mas que ao trazer vários dos membros do grupo cantando juntos, transmite a agradável sensação de uma boa confraternização entre amigos. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 2

Que tudo chega ao fim é certo – mas nem sempre. No segundo capítulo do álbum Once Twice Melody, dividido por 4 partes, a finitude das ordinariedades parece ser usurpada através da repetição. São quatro faixas inéditas que sucedem o plano metafísico criado pela dupla de dream pop Beach House, integrada por Victoria Legrand e Alex Scally, no primeiro EP lançado em novembro de 2021. Conjura-se uma confusão psicodélica conduzida por devaneios coloridamente cinematográficos que se materializam somente através do som. Ainda, nada é palpável.

O capítulo se inicia com o Éden futurista de Runaway, orientado pela voz transumana de Legrand sob efeito do vocoder. Em sequência, a atmosfera de ESP evoca um sonho tranquilo acompanhado pelas notas clássicas da guitarra elétrica, enquanto New Romance carrega consigo as reminiscências sintéticas de My Bloody Valentine. Over and Over encerra o EP através de uma experiência sinestésica que entranha o lirismo da composição junto a reverberação dos vocais que se fundem caleidoscopicamente com os sintetizadores, tornando-os em coisa única – é impossível distinguir o orgânico do robotizado. São brilhos, imagens quentes e sons que se entregam inteiramente a um cenário fantástico, “E então/Esses dias se vão (de novo e de novo)”. – Ayra Mori

BK’ – Cidade Do Pecado

Em Grande Sertão: Veredas (1956), João Guimarães Rosa questiona, através do personagem Riobaldo, a existência do diabo, e escreve a seguinte sentença: “O diabo não há! É o que eu digo, se for… Existe é homem humano”. Na obra O mestre e Margarida – terminada em 1940, porém publicada postumamente em 1966 –, o russo Mikhail Bulgakov também questiona a existência do diabo, mas dessa vez o insere fisicamente na União Soviética, fazendo alusões a um mundo tão cruel que já ocupa o lugar do próprio inferno. Agora BK’ também entra na lista: debruçando-se sobre os pecados que rodeiam a civilização, Cidade Do Pecado é uma pequena viagem de pouco mais de 16 minutos, distribuídos em 5 canções nas quais somos apresentados a sensação aniquiladora de submissão, imposta pela metrópole aos indivíduos.

Na canção Último Baile Antes da Guerra, BK’ se une a MC Marcelly e ao rapper Nochica para contar a história de um indivíduo envolvido com a criminalidade, sem perspectivas de vida, e mescla afrobeat com batidas típicas do hip-hop. Com produção de JXNV$ (nome artístico do DJ e produtor Jonas Profeta, colaborador frequente nos trabalhos do rapper), Cidade Do Pecado traz, ainda, participações da cantora Mayra Andrade e do rapper niLL. Sobre o disco, BK’ disse: “Eu vejo o EP Cidade Do Pecado com muito foco no desejo e nas formas como você se perde na vida urbana, no que se deixa levar por ela e em como, ao tentar existir, você deixa de existir”. – Bruno Andrade

Músicas

5 Seconds of Summer – 2011

Exatos 10 anos depois de seu primeiro show, a banda 5 Seconds of Summer comemora sua década de existência com 2011. Na canção, o quarteto formado por Luke Hemmings, Michael Clifford, Calum Hood e Ashton Irwin relembram os sentimentos e as dificuldades no início e durante os anos de carreira, e se agradecem por chegarem até aqui unidos. O grupo australiano tem cinco álbuns juntos – Luke e Ashton também lançaram trabalhos solo -, e, mesmo depois de terem amadurecido cada vez mais sua sonoridade, culminando no adulto CALM, o single se assemelha às faixas de 5 Seconds of Summer, álbum de estreia da banda, de 2014. Não só na letra, mas também em sua essência, 2011 celebra o aniversário, o progresso e as conquistas pessoais e profissionais de 5 Seconds of Summer com muito carinho e nostalgia. – Vitória Lopes Gomez

Anná e Flaira Ferro – Ô Ano Doido

Assumir a função de ‘cronista de seu tempo’ costuma ser uma decisão bastante inteligente para muitos artistas. Em alguns casos, trata-se até mesmo de uma necessidade. Seja como for, dentro dessas e outras possibilidades, Anná soube expressar muito bem, em forma de Música, uma sensação quase coletiva de quem vivenciou e, a propósito, sobreviveu ao bizarro ano de 2021: “ô ano doido que mexeu fundo com a gente/ô ano doido que meteu fundo na gente”. Sendo uma composição autoral da multiartista mocoquense, Ô Ano Doido ainda ganhou a calorosa companhia da cantora recifense Flaira Ferro em sua gravação.

Mas as colaborações não param por aí. Isso porque a produção musical, as programações e o coro do terceiro single do vindouro álbum Bra$ileyrah também carregam o nome de Amanda Magalhães, cantora com quem Anná dividiu a faixa Me Cuidar em setembro de 2021. Não satisfeito, Ô Ano Doido cria ainda diálogos com Tom Zé, Valesca Popozuda e Claudinho & Buchecha, dentre outros artistas que inspiraram essa curiosa mistura de frevo com funk. No fim, os divertidos versos de Anná lembram inclusive a “esperança equilibrista”, que sempre soube “que o show de todo artista/tem que continuar”. – Eduardo Rota Hilário       

Phoebe Bridgers – Day After Tomorrow

Enfim, o Natal chegou (e já passou). Com ele, como uma espécie de Papai Noel magrela e de cabelos platinados, Phoebe Bridgers lança sua rendição natalina de Day After Tomorrow, sucesso de Tom Waits em 2004. A canção dá continuidade à tradição anual da cantora que restitui o lucro dos lançamentos natalinos a instituições humanitárias. Os covers incluem If We Make It Through December (2020) de Merle Haggard, 7 O’Clock News / Silent Night (2019) de Simon & Garfunkel, Christmas Song (2018) de McCarthy Trenching e Have Yourself a Merry Little Christmas (2017).

Produzida em conjunto com Tony Berg e Ethan Gruska, toda a receita do último cover foi destinada ao Local Integration & Family Empowerment Division of the International Institute of Los Angeles, que presta assistência a imigrantes, refugiados e sobreviventes de tráfico humano em suas novas vidas no sul da Califórnia. “Eu não estou lutando por justiça/Eu não estou lutando por liberdade/Eu estou lutando pela minha vida/E mais um dia neste mundo aqui”, canta Bridgers com sua melancolia autoral, amplificando as dores de uma festividade que pode ser tão solitária quanto feliz. – Ayra Mori

Superchunk – Endless Summer

Superchunk está de volta, e com um novo álbum na praça. O quarteto de indie rock formado em 1989 lançou o single Endless Summer, faixa que compõe Wild Loneliness, o novo disco da banda. Quase como uma versão alegre dos Pixies – ou talvez uma versão expandida dos Pixies de Here Comes Your Man –, Superchunk mantém em Endless Summer as guitarras cruas, com poucos efeitos, e dá à letra um tom cantarolável, ao mesmo tempo envolta de uma aura que abraça indivíduos desconfortáveis, abandonados com o fim da onda punk dos anos 1970. 

Mantendo-se fiel ao que sempre foi desde o início – Superchunk (1990) –, o grupo parece manter as letras evocativas, carregadas de críticas muito bem direcionadas – essa, sim, uma herança deixada pelo punk rock –, como na canção What a Time to Be Alive, faixa-título do álbum anterior, carregada de piadas sarcásticas sobre a era Trump.

Wild Loneliness trará diversas participações especiais – incluindo Owen Pallett e Mike Mills, do R.E.M. –, e tem seu lançamento previsto para 25 de fevereiro de 2022. No refrão do novo single, ouvimos Mac McCaughan perguntar: “Este é o ano em que as folhas não perdem a cor?”. Não sei, veremos. – Bruno Andrade

Ruel – GROWING UP IS ____

Como qualquer artista sob os holofotes desde cedo, Ruel precisou crescer também em frente a eles. O cantor britânico-naturalizado-australiano, agora com seus 19 anos, lançou seu primeiro single aos 15 e amadureceu sua sonoridade desde então. Não precisa nem olhar tanto assim para trás, a mudança é perceptível já nos últimos projetos do artista: do primeiro álbum, Free Time, de 2019, até seu lançamento seguinte, o EP Bright Lights, Red Eyes, de 2020, a evolução na musicalidade é perceptível. Não só profissionalmente, mas Ruel também teve de crescer e se entender como pessoa, e, no single GROWING UP IS ____, reflete sobre esse processo.

A canção é o primeiro lançamento do cantor desde o EP de 2020. Ele, no ano distante, usou seu tempo para “descobrir o tipo de pessoa que ele quer ser” e o questionamento acerca do amadurecimento se estende na faixa. “Crescer é estranho, dormir com amigos, quebrar um coração/Questionar tudo que você achava”, ele canta, acompanhado do ritmo intenso da canção. Passando da adolescência para a fase adulta, GROWING UP IS ____  ilumina essa fase de Ruel. – Vitória Lopes Gomez

Ivete Sangalo e Carlinhos Brown – Mexe a Cabeça

Diante de tantas incertezas, esperar por um carnaval à la tempos passados em 2022 parece ser, antes de qualquer coisa, uma ilusão muito ingênua e utópica. Mas isso não quer dizer que precisamos ficar desprovidos de lançamentos musicais característicos, já que festejar sozinhos, em casa, pode se tornar uma necessidade preventiva e um escapismo temporário. É, portanto, totalmente compreensível que Ivete Sangalo e Carlinhos Brown tenham lançado, em dezembro, a parceria Mexe a Cabeça, de qualidade tão boa quanto o sucesso Cadê Dalila, de 2009 – que teve Brown como um dos compositores, e Veveta como intérprete.  

Destacando agora a voz dos dois artistas, o novo single dos cantores baianos foi composto por Ivete Sangalo, Gigi, Ramon Cruz, Radamés Venâncio e Samir Trindade, e adota um espírito genuinamente carnavalesco. Ao lado de Sorte Grande, Flor do Reggae e Festa, por exemplo, Mexe a Cabeça provavelmente carregaria consigo a nostalgia de outros carnavais, mesmo sendo uma música extremamente nova e de repercussão ainda limitada. De qualquer forma, o que nos resta hoje é imaginar como ficaria essa canção no meio de confetes, serpentinas e a muvuca eufórica de um trio elétrico, ou de um salão bem lotado. – Eduardo Rota Hilário 

Lucidayz – Abstinência

Se, por alguma razão, misturassem O Terno com Jorge Ben Jor, não seria difícil afirmar que um de seus possíveis resultados seria algo próximo da canção Abstinência, de Lucidayz. Esse é o nome que recebe o projeto solo do sergipano Samuel Elijah, cujo single marca uma nova fase, mergulhada em referências ao indie rock nacional, e ainda trazendo elementos circenses. Tanto a canção quanto seu videoclipe complementam a narrativa evocada por Elijah, na qual ambos destacam-se pela mistura de expressões artísticas.

Em Abstinência, enxergamos um artista que sabe fazer música, elencando elementos poéticos com certa naturalidade. Seu lado teatral resplandece na própria letra da música, onde ouvimos: “Então ela o seduzia/E o derrotava/Então passavam os dias/Não regenerava”. A grande ironia é que o single, embora esteja recheado de sentido lírico e carregado de referências retrô – o próprio ambiente circense já evoca uma certa marcação temporal –, soe extremamente contemporâneo. – Bruno Andrade

Tame Impala – No Choices

A banda Tame Impala é fã das edições comemorativas e The Slow Rush, quarto registro de estúdio e indicado como Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020, já tem data marcada para ganhar sua versão Deluxe. The Slow Rush Deluxe será lançado dias após o aniversário de dois anos de seu antecessor e incluirá, além das canções originais, versões estendidas, remixes e duas faixas inéditas. Uma dessas b-sides já chegou com antecedência: descartada da edição original do álbum, No Choice lembra as primeiras sonoridades do grupo australiano, como a do álbum de estreia Innerspeaker, e atualiza a essência inicial da Tame Impala. Fazendo a ponte entre as eras da banda, o single, com sua aura envolvente e psicodélica, dialoga também com The Slow Rush. – Vitória Lopes Gomez

Art School Girlfriend – I Would Die 4 U

Por trás do pseudônimo Art School Girlfriend, está Polly Mackey, cantora, compositora, produtora e multi-instrumentista galesa que navega entre a melancolia sufocante de sintetizadores sônicos que imergem o lirismo entranhado de suas composições. “Eu morreria por você”, ela murmura em seu tributo atmosférico de I Would Die 4 U, canção original de Prince. Mas mesmo homenageando o legado real do príncipe da opulência, ela reverte completamente a sonoridade da primeira versão, transfigurando-a numa Purple Rain densa, não mais enérgica.

O primeiro lançamento desde o álbum de estreia Is It Light Where You Are, a faixa carrega as memórias góticas da formação musical de Mackey, introduzida pelo shoegaze e new wave. Sua voz baixa é acompanhada pelos vocais de Marika Hackman, ambos afogados pelos toques eletrônicos de sintetizadores emotivamente sombrios. Ela não se acomoda na sombra do insuperável, igualando-se, com um fascínio etéreo. – Ayra Mori

Rodrigo Alarcon – Rivotril e a Fé

Começar um videoclipe com livros de Hilda Hilst, Angela Davis, Gabriel García Márquez e outros nomes notórios da humanidade não é para qualquer um. Quando essa obra retrata, então, uma música que lembra intensamente a fase mais pop de Rita Lee, a situação acaba melhorando ainda mais. Essa é a realidade de Rivotril e a Fé, novo single solo de Rodrigo Alarcon e também sucessor de Taquetá Vol.1, EP lançado na primeira metade de 2021, ao lado das cantoras Ana Müller e Mariana Froes.   

Com uma letra que faz referências a Gilberto Gil, o mais recente lançamento de Alarcon com certeza recorda que ninguém atravessa a pandemia de modo neutro e intacto. “Me acostumar com a tragédia acima da média/É o novo normal, vão dizer/Eu só queria um abraço, o mais simples contato/Mas nem isso eu tô podendo ter”, diz a composição assinada por Rodrigo, Luiz Bellini e Niela Moura. Curioso é que seu clipe retrô, em formato de propagandas, nem parece retratar as angústias de alguém que viveu um caos inesquecível – o que talvez seja pura ironia. – Eduardo Rota Hilário    

Cássia Eller – Espírito do Som

A Música brasileira nunca mais foi a mesma desde que a voz transcendental de Cássia Eller emudeceu. O fatídico 29 de dezembro de 2001 é lembrado com dor por todos os admiradores da malandra garotinha do rock, que nos deixou no auge de seus 39 anos. Mas, o último mês do ano tem sabor agridoce quando se trata da cantora, isso porque ela também completava sua revolução solar no dia 10. Inesquecível e insuperável, Cássia é diariamente homenageada por sua legião de fãs e seu mês doze não passa despercebido.

Em celebração aos 59 anos da artista, o engenheiro de som Bruno Giorgi restaurou a canção Espírito do Som. A gravação inédita do blues aconteceu em Brasília no ano de 1985, a música integrava o setlist do show Dose Dupla. Junto à voz e ao violão de Cássia está o novo arranjo feito por Chico Chico, filho da cantora e cabeça do projeto. Além do primogênito, Rodrigo Garcia e Pedro Fonseca também fazem parte da banda que acompanha a saudosa Cássia Eller. – Ana Júlia Trevisan

Bad Suns – Peachy

Com o lançamento do quarto álbum da banda Bad Suns se aproximando, Apocalypse Whenever, o título do trabalho, ganhou sua quinta prévia: Peachy é o último dos cinco singles, que vêm sendo disponibilizados desde setembro de 2020. Neste, a banda mantém a aura animada e vivaz das outras faixas do álbum e os destaques são as bases e riffs das guitarras elétricas, que despontam na canção e lembram musicalidades anteriores do grupo, que não estavam tão presentes no último projeto. A estética anos 80 da sonoridade também é refletida no clipe e na capa de Peachy, que, como a Bad Suns anunciou, já é a do Apocalypse Whenever. – Vitória Lopes Gomez

Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia – Amor Nas Estrelas

Para poder realizar a releitura de um sucesso de Nara Leão, um artista precisa ter muito talento, confiança e coragem – e isso é o que não falta para este trio musical super habilidoso. Unidos em novo single, Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia dão brilho próprio a Amor Nas Estrelas, composição inegavelmente bela de Roberto de Carvalho e Fausto Nilo. E isso ocorre em grande parte por conta do “arranjo inusitado” de Jonatas Pingo, além de alguns versos traduzidos para o Inglês: conjunto de elementos que dá roupagem expressiva e única à canção.           

Sem dúvida, as trocas coesas feitas entre Ana e Márcia transmitem uma suavidade e elegância que nos cativam do início ao fim. Já a participação de Roberto Menescal, nome por trás da guitarra do single, é com certeza um destaque à parte, tendo em mente a inquestionável relevância e contribuição desse artista para grande parte da Música brasileira. Com tantos acertos acumulados, Amor Nas Estrelas torna-se, então, uma dádiva de fim de ano – e ouvir essa obra em primeira mão é um privilégio que agradeço aqui, agora, publicamente e de coração. – Eduardo Rota Hilário

SASAMI – Say It

“Sinto que, quando ouço a música, visualizo uma hot femme com um lança-chamas místico envolto por chamas azuis emocionais, dançando sozinha em uma discoteca industrial no espaço sideral”, é a definição de Sasami Ashworth (a.k.a. SASAMI) sobre Say It, um hino furiosamente dançante que dá sequência às prévias do álbum Squeeze, a ser lançado em fevereiro de 2022. E se na estreia homônima a cantora, compositora e produtora norte-americana já apresentava inclinações sutis ao noise rock, as três faixas do sucessor, anteriormente compartilhadas – The Greatest, Skin a Rat e Sorry Entertainer –, mergulham de cabeça nas distorções claustrofóbicas do metal.

Ashworth se designa como uma divindade folclórica japonesa, Nure-onna, uma serpente com cabeça de mulher sedenta por sangue humano, que reage violentamente contra aqueles que a incomodam. Cresce a atmosfera industrial da percussão estourada sobre a base de uma guitarra suja, construindo uma fúria apocalíptica intensificada por seus vocais sussurrados. “Não quero agonizar, apenas diga”, efervesce Ashworth que proclama uma raiva abismal justa diante da incomunicabilidade de uma outra pessoa. Ela grita, ela quebra o silêncio, ela exige respostas. – Ayra Mori

Alesso e Katy Perry – When I’m Gone

Em uma publicação no Twitter, Katy Perry prometeu dar tudo o que seus fãs queriam em sua nova canção. Com uma pegada eletrônica e dançante, se a cantora cumpriu com o ‘tudo’ ou não, ela certamente garantiu a trilha sonora para uma noite animada. O single, intitulado When I’m Gone, é uma parceria com Alesso e faz parte do repertório de Play, seu show em residência. Junto do DJ e produtor musical e com um videoclipe lançado duas semanas depois, a mistura entre o pop e o EDM do single faz Katy Perry se entregar – com direito a coreografia, troca de figurinos e estética futurista – e entregar uma faixa eletrizante e divertida. – Vitória Lopes Gomez

SZA – I Hate U

Aparentemente, SZA está com raiva de alguém. Aos 32 anos de idade, Solána Imani Rowe, conhecida pelo seu nome artístico, figura no topo das paradas desde sua estreia com Z (2014), seguido pelo aclamado CTRL (2017). Depois de algumas participações especiais em álbuns de colegas – além de possuir uma canção na trilha sonora de Querido Evan Hansen (2021) –, SZA surge com a música I Hate U, single inédito lançado em 3 de dezembro de 2021. 

I Hate U analisa as dificuldades de um término, através de passagens musicais relativamente obscuras. Mas nada soa sombrio – é quase como um desabafo. As afirmações contraditórias (“Eu me sinto tão comum, triste, quando você está perto de mim/Trate-me como veludo cotelê, me desgaste”) mostram a complexidade da voz narrativa – não sabemos ao certo se essa é uma canção totalmente autobiográfica ou apenas uma colcha de retalhos de diversos momentos, vividos ou não por SZA – em entender sua própria condição dentro do relacionamento. A cantora utiliza uma cadência de rap que põe em evidência um fluxo de consciência, novamente acenando para a dificuldade de seus pensamentos. A canção é uma viagem sentimental, e às vezes soa brutalmente sincera. – Bruno Andrade

Mitski – Heat Lightning

Assistimos o retorno de Mitski se debatendo num teatro vazio, vimos toda uma floresta queimar no pulsar nostálgico de sintetizadores eletrônicos e, agora, testemunhamos sua rendição aos relâmpagos das 4 horas. Terceiro single de Laurell Hell, Heat Lightning sustenta a alta expectativa sobre o aguardado sexto álbum. A cada novo lançamento fica mais declarado que o sucessor de Be The Cowboy tem tudo para ser um dos maiores registros de 2022 – assim como seu antecessor em 2018.

Co-escrito com Dan Wilson, a composição de Heat Lightning é um cântico à madrugada. Da insônia, os sentimentos afloram-se, junto da culpa. Aqui, Mitski encontra a maneira de se redimir dessas angústias, flutuando pela instrumentação crepuscular da faixa: “Eu precisava de canções de amor sobre relacionamentos reais que não são lutas de poder a serem vencidas ou perdidas. Eu precisava de músicas que pudessem me ajudar a perdoar os outros e a mim mesmo. Eu cometo erros o tempo todo. Não quero colocar uma fachada de que sou um modelo, mas também não sou uma pessoa ruim. Eu precisava criar esse espaço, principalmente para mim”. – Ayra Mori

Luísa Sonza e Mariah Angeliq – ANACONDA *o* ~~~

Luísa Sonza e seu Doce 22 apareceram em inúmeras – mas inúmeras mesmo – listas de melhores álbuns de 2021. Não à toa, afinal o disco desnuda a montanha-russa que é a compositora. A produção ainda trouxe uma novidade para o cenário fonográfico brasileiro. Ao invés de preparar o terreno com singles e depois lançar o álbum completo, Luísa (gênia!) optou por liberar o álbum com algumas faixas a menos, para serem lançadas mês a mês e ainda render muito açúcar nesse doce.

A faixa da vez foi ANACONDA *o* ~~~. A música, que conta com a participação da norte-americana Mariah Angeliq, foi composta na mesma época que Sonza escreveu Braba. Após um período de maturação, a letra provocativa ganhou espaço na revolução de sentimentos e palavras da cantora. Um dia depois do lançamento de ANACONDA *o* ~~~, foi disponibilizado um videoclipe da mesma no YouTube. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Doja Cat – Woman

Somando 8 indicações ao Grammy 2022 para o aclamado terceiro disco de sua carreira, Planet Her, a cantora e rapper Doja Cat volta para reivindicar seu trono no videoclipe da faixa de abertura do álbum lançado em junho. Depois de 6 meses de espera, Woman, um dos maiores hits do disco, finalmente recebeu merecidamente o seu acompanhamento visual, que traz visuais arrojados para a canção que celebra a feminilidade. 

Reunindo referências afrofuturistas com um toque do Egito Antigo, o clipe abre com um clima seco e escaldante, com direito a cores quentes, luzes alaranjadas e areia. Mas logo na metade, a chegada do rap também marca a chegada da cor azul, da água, e de tons mais escuros. O clipe incorpora bem seus figurinos criativos envolvendo as tranças de Doja, e até raízes de árvores, além da narrativa enigmática, amargada por um discreto mas inconveniente product placement da Beats. – João Batista Signorelli

Joni Mitchell – River

Em 2021, o disco Blue, de Joni Mitchell – cantora oito vezes vencedora do Grammy –, completou 50 anos de existência. Não é exagero afirmar que Blue é um dos álbuns mais marcantes dos anos 1970, e certamente um dos maiores de todos os tempos. Como comemoração ao meio século de vida, a música River ganhou um clipe especial, lançado dois dias antes do Natal. O videoclipe é composto por animações em preto e branco, com passagens que lembram uma tinta em aquarela, que começa a ganhar cor conforme o vídeo se aproxima do fim.

No comunicado que acompanhou o lançamento do single – reproduzido ao final do clipe também –, Mitchell escreveu: “River expressa arrependimento pelo fim de um relacionamento… mas também é sobre estar sozinho na época de Natal. Uma canção de Natal para as pessoas que estão sozinhas no Natal! Precisamos de uma música como essa”. Embora River tenha sido interpretada como uma canção de Natal moderna, retrata, também, o término de um relacionamento, na forma mais singela e íntima possível, de modo que somente Joni Mitchell poderia ter feito. – Bruno Andrade

Billie Eilish – Male Fantasy

Ainda bem que Billie Eilish descobriu outra face da sua arte e, novamente, dirigiu o clipe de Male Fantasy. É incrível que ela viva suas letras, principalmente uma tão melancólica quanto essa, o que deixa a letra em uníssono com a performance desde o primeiro verso. Billie está presa sob o estereótipo social de que mulheres devem satisfazer as fantasias dos homens. 

E esse é um lugar de pura solidão onde qualquer meio de se distrair também reafirma a opressão: Sozinha em casa, tentando não comer/Me distrair com pornografia. Cada canto da casa em que ela senta para refletir seu sofrimento simboliza os becos sem saída que a nossa mente encontra ao tentar escapar das exigências masculinas que alcançam qualquer pedacinho das mulheres. Não há saída. Há apenas a tristeza de existir dessa forma. – Nathália Mendes

Lorde – Leader of a New Regime

California? Secrets from a Girl? The Path? Nada disso! De surpresa, Lorde lançou o curto videoclipe (dirigido pela própria ao lado de Joel Kefali) de Leader of a New Regime, espécie de interlúdio que compõe seu Solar Power, um dos discos mais divisivos de 2021. Não havia maneira melhor de fechar o ano senão presenteando os fãs com imagens luxuosas e contemplativas, à beira-mar.

Na letra, Ella sussurra: “Ninguém, ninguém mesmo, vai ser líder de um novo regime?/Liberte os guardiões do cenário de esgotamento psicológico”. Como o terceiro trabalho de estúdio provou, a figura de Messias divino não cabe mais à Lorde de hoje em dia, mas ela continua sua jornada introspectiva de transformar poesia em melodia. – Vitor Evangelista

Performances

MC Dricka – Gadinho de Faz Tempo – A COLORS SHOW

O último mês do ano também é tempo de conquistas, e uma prova disso é que MC Dricka se consagrou como a primeira funkeira a participar do projeto internacional de Música intitulado COLORS. Para sua apresentação na plataforma musical que divulga talentos e novos artistas de todo o globo, a dona do EP Acompanha resolveu cantar Gadinho de Faz Tempo, single que aborda a inutilidade do sofrimento durante términos de relações – ou, como canta a própria Dricka, “sofrer é coisa de momento”.        

Gravada em estúdio minimalista, de fundo alaranjado, a performance da MC, como era de se esperar, dá destaque total à canção que é apresentada. E não resta dúvida de que ver a sétima personalidade brasileira a ocupar esse espaço é motivo de muita esperança para as Artes nacionais, que merecem atingir o mundo inteiro. No fim, gostando ou não, esta acaba sendo mais uma das inúmeras provas de que o funk brasileiro toma proporções cada vez mais globais – e, por que não, de respeito. – Eduardo Rota Hilário             

Arooj Aftab no Tiny Desk

Dentro das ruínas de um antigo convento no Brooklyn, a voz de Arooj Aftab ecoa como um choro doloroso. A performance conta com a seleção de três canções que integram Vulture Prince, último álbum da paquistanesa radicada em Nova York – listado como um dos melhores do ano de 2021. A voz da musicista, sua banda e, claro, uma mesinha, são suficientes no cenário intimista criado para uma das mais sublimes apresentações do Tiny Desk.

O dedilhar das cordas inauguram Suroor, sem jamais descentralizar os vocais derramados de Aftab. Acompanham-na a harpa celta de Maeve Gilchrist, o violão clássico de Gyan Riley, o violino de Darian Donovan Thomas e Shahzad Ismaily no baixo e sintetizador. Em sequência, Mohabbat se redireciona do groove melancólico anterior, explorando a dor da separação que arde lentamente sobre a delicadeza dos instrumentos: “Essa tristeza se iguala a toda tristeza do mundo”, canta  em urdu.

Aftab conclui sua performance com maestria, entrelaçando a nostalgia tradicional do ghazal às feridas contemporâneas de uma nova geração como uma prece. Saans Lo é sua pungente rendição final. Sua voz ressoa mesmo após os últimos minutos da canção, quando a tela já está preta, em silêncio. Cresce uma solidão estranhamente reconfortante. – Ayra Mori

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Bruno Andrade

É comum ouvir dizer que Alex Turner interpreta um personagem diferente em cada álbum, e que isso pode ser visto de forma mais visceral em Tranquility Base Hotel & Casino (2018) – o mais recente trabalho do Arctic Monkeys –, no qual ele realmente transforma-se em uma persona. Mas em Suck It and See, quarto álbum de estúdio do grupo, que completou 10 anos em junho deste ano, não é somente Turner que assume uma nova identidade. No disco, o quarteto inglês assumiu a influência do rock estadunidense – principalmente dos anos 1960 –, e deixou transcorrer por todas as faixas suas referências, dando ao projeto um ar de álbum conceitual. 

O que consolidou o grupo e os alçou às paradas de sucesso é visível desde os primeiros discos, porém ganha um enfoque gradual em Suck It and See: as letras ágeis de Alex Turner, a cozinha muito bem trabalhada de Matt Helders (bateria) e Nick O’Malley (baixo), e a guitarra espalhafatosa de Jamie Cook. Gravado no icônico estúdio Sound City, famoso pelo lançamento de Nevermind (1991) do Nirvana, e produzido por James Ford – parceiro de Turner e Miles Kane em The Last Shadow Puppets –, o álbum dá voz ao estilo provocativo, colocando no centro das interpretações a própria irreverência, cuja capa do projeto também reivindica esse tipo de insolência. 

Apesar do título ser uma provocação mal interpretada, algo que soaria como “dê uma chance” ou “tente algo novo” na gíria inglesa (e não o que a tradução literal pode sugerir), não deixa de ser uma polêmica premedita. O simples escrito Suck It and See em um fundo creme levou o disco a ser censurado em algumas lojas de departamentos nos Estados Unidos – “lojas das grandes”, segundo Alex Turner –, sendo coberto com uma faixa preta.

O fato é que o Arctic Monkeys cresceu rápido demais. Seu álbum de estreia, o prolixo Whatever People Say I Am, That’s What I Am Not (2006), chegou ao topo das paradas como uma avalanche, sendo, até hoje, o disco estreante mais vendido da história do Reino Unido – título que o Oasis carregava anteriormente, com Definitely Maybe (1994). Posteriormente, com Favourite Worst Nightmare (2007), clássicos como Fluorescent Adolescent e Do Me a Favour surgiram, já apontando para o lado mais sentimental que encontramos nas letras mais à frente.

Porém, desde 2009, com o lançamento de Humbug, a banda deixou as versões rápidas e passou a apostar em canções mais lentas e expansivas, e nem por isso menos ruidosas. Além de parecer a trilha sonora de um conto de Edgar Allan Poe, Humbug também marcou o início da colaboração de Josh Homme, do Queens of the Stone Age – uma das principais influências dos Monkeys – nos trabalhos do grupo. Todavia, Suck It and See aposta em algumas canções mais psicodélicas, com ecos de guitarra se encontrando ao fundo, com uma boa dose de humor sombrio. 

É o caso, por exemplo, de The Hellcat Spangled Shalalala, canção que, mesmo com um refrão inventado – “shalalala” –, consegue nos manter imersos em sua sonoridade desde o começo. Também é interessante contrapor as músicas I Bet You Look Good on the Dancefloor, do álbum de estreia, com a canção That’s Where You’re Wrong. Além do fato de serem, possivelmente, duas das melhores canções dos respectivos álbuns, elas são, essencialmente, faixas que mantém uma espécie de ruído de guitarra; entretanto, enquanto a primeira está mais próxima de versões pesadas de Black Sabbath, a segunda aproxima-se do ruído melódico, e não do caos total. Há uma expansão, ocasionada pelas notas soltas da guitarra base de Cook, elevando a música a um tom mais espiritual do que pesado.

Outra alusão que dá sustentação a ideia de um álbum conceitual são as referências do disco aos filmes de faroeste norte-americanos, declaradas pelo próprio Alex Turner, cujas insinuações perpassam, inclusive, os videoclipes de algumas músicas (todos protagonizados pelo baterista Matt Helders). Os clipes de Black Treacle, Suck It and See e de sua canção b-side, Evil Twin, formam uma trilogia, na qual Helders dá vida a um motoqueiro estadunidense, procurado pela polícia após fugir da prisão. 

Curiosamente, o primeiro single lançado para o projeto foi Brick By Brick, faixa cantada inteiramente pelo próprio Helders. Como primeiro contato do público com a obra, esse fato incomum deixou em evidência que este não seria um álbum para provar nada a ninguém – a não ser para os próprios integrantes, que deixaram o CD repleto de piadas internas ao longo de suas 12 canções.

Outra influência silenciosa no disco é Nick Cave & The Bad Seeds, uma espécie de aura que caminha pela sonoridade específica de Suck It and See. O próprio Nick Cave, mesmo sendo australiano, carrega a forte influência do rock estadunidense, principalmente Lou Reed e Iggy Pop. É verdade que os membros do Arctic Monkeys vieram de um subúrbio de Sheffield, na Inglaterra. Porém, neste álbum, essas características transformam o disco dos ingleses em uma bela peça de rock referencial aos anos 1960, visível em canções como All My Own Stunts, que ecoa um misto de The Velvet Underground e Johnny Cash desde o início. 

Também é curioso saber que, 10 anos depois, Suck It and See segue como um dos álbuns menos vendidos do grupo, pelo menos em números absolutos. Quando se emplaca um recorde logo na estreia, desbancando os gigantes do Oasis, naturalmente cria-se um nível muito alto a ser batido. Mas esse disco em específico parece dialogar com muitas questões pertinentes na indústria musical, como, por exemplo, a soberania de canções provenientes dos Estados Unidos no topo das paradas e premiações.

Essa parece ser a gênese de toda a sátira interessante que o grupo expôs no álbum. No próprio clipe de Evil Twin, em seus segundos iniciais, Matt Helders desfila com uma camiseta do Arctic Monkeys que carrega a bandeira dos EUA. O título e a censura que o disco recebeu no país também apontam para esse dialogismo, pois, mesmo sendo a mesma língua, pequenas nuances e gírias não compreendidas colocam em evidência que não há somente um predomínio da cultura de língua inglesa, mas da cultura estadunidense, especificamente.

De qualquer forma, sendo o melhor álbum do grupo ou não, Suck It and See marca o amadurecimento de seus quatro integrantes, trazendo um projeto mais coeso e entrosado entre voz e instrumentos, sem a típica sobreposição ruidosa de alguns singles que marcaram seus anos de formação. No fim, é por isso que soa como um álbum conceitual: trata-se de uma enorme piada do que aconteceria se o Arctic Monkeys fosse uma banda de rock estadunidense.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez