Arthur Caires

Desistir já foi sinônimo de fraqueza. Era o verbo da derrota, da frustração, daquilo que não deu certo. Mas, aos poucos, entendemos que tem coisas que simplesmente não merecem o nosso esforço. Tem causa que é melhor abandonar do que insistir. E tem relações, fases e até versões de nós mesmos que precisam ficar para trás. É nesse espírito que HAIM lança I quit, uma coleção de músicas que se recusa a dramatizar e escolhe simplesmente seguir em frente.

Em seu quarto álbum de estúdio, Danielle, Alana e Este se ancoram nas bases sólidas que o trio construiu ao longo da última década: um soft rock de raízes californianas, permeado por influências de bandas dos anos 1970, do pop dos anos 1980 e do R&B dos anos 1990. Dessa vez, a sonoridade vem acompanhada de um conceito bem definido e direto. Como a caçula explicou no material de divulgação, “toda faixa gira em torno da ideia de largar algo que não está mais funcionando para nós”. Em vez de buscar superação ou dar voltas em metáforas, as irmãs Haim optam por um registro sincero, que enxerga a desistência não como fraqueza, porém como ato de indiferença.

I quit marca também uma mudança importante nos bastidores da banda. Pela primeira vez desde o início da carreira, HAIM não conta com a produção de Ariel Rechtshaid – que, além de parceiro criativo, foi namorado de Danielle por nove anos. A ausência dele não significa um vazio, mas uma abertura para novas possibilidades. A irmã do meio também assina a produção ao lado de Rostam Batmanglij (Vampire Weekend) e do colaborador Buddy Ross, imprimindo um processo mais orgânico e intimista. 

O resultado é um disco com estética menos dependente dos reverbs que marcaram os trabalhos anteriores e mais atento às imperfeições, aos silêncios e às nuances do vocal sem filtros. Essa escolha se reflete também nas referências sonoras. O álbum cita Abraham Lincoln já na faixa de abertura, Gone, e brinca com samples emblemáticos, como Freedom! ’90 de George Michael e Numb de U2. É o trabalho mais silencioso e contido da banda, no melhor sentido – arranjos enxutos e um foco emocional que privilegia a vulnerabilidade ao exibicionismo.

Com o lançamento de Relationships como primeiro single de I quit, HAIM deixou claro que a nova fase seria menos sobre tentar entender e mais sobre deixar pra lá. A faixa abre com uma provocação direta: “O que é toda essa conversa sobre relacionamentos?” – e, a partir daí, desmonta com precisão melódica e produção impecável a ideia de que vínculos românticos são centrais ou obrigatórios para a existência. Funciona quase como um manifesto de identidade da banda. É a música que melhor sintetiza a razão de ser do trio – um grito de exaustão, mas também de alívio, como quem diz “cansei de tudo” e encontra liberdade exatamente aí.

No terceiro single, Down to be wrong, a reflexão é aprofundada com mais nuance. Em vez de seguir o caminho fácil da culpa unilateral, as irmãs reconhecem que, muitas vezes, o desgaste não vem só do outro – vem da fricção entre duas pessoas emocionalmente desalinhadas, tentando se entender sem saber como. Na composição, “aposto que você gostaria que fosse fácil para mudar de ideia” aponta para o desconforto de se sentir incompreendida e também inflexível. Já em The farm, o tom é ainda mais introspectivo: “Mas a distância continua aumentando entre o que me permito dizer e o que sinto”. No mundo emocional narrado por HAIM, não existe vilão ou vítima, só seres humanos fodidos da cabeça tentando fazer o melhor com o pouco que conseguem comunicar.

Apesar de Danielle seguir como o centro gravitacional da banda – com vocais mais presentes e letras afiadas que conduzem o tom confessional do disco – I quit abre um novo espaço para que cada irmã brilhe individualmente. Alana assume pela primeira vez os vocais principais em uma faixa completa, na dançante e melancólica Spinning e Este comanda os versos de Cry, uma balada synth-country em que sua fragilidade aparece de forma inédita. Ao permitir que cada uma tenha voz própria, o álbum ganha novas camadas de interpretação e mostra que, por trás da unidade que sempre marcou o HAIM, existem perspectivas e emoções que só agora estão vindo à tona com mais nitidez.

No âmbito do marketing, I quit seguiu uma linha cronicamente online liderada por Terrence O’Connor, o mesmo nome por trás da elogiada estratégia de divulgação de BRAT, de Charli XCX. Amigo próximo da cantora britânica e figura conhecida nos bastidores da cena pop alternativa, O’Connor ajudou HAIM a criar um universo visual e conceitual que brinca com a cultura digital, resgata momentos clássicos de paparazzi dos anos 2000 nas capas dos singles e convida os namoradinhos da internet – Will Poulter, Logan Lerman e Drew Starkey – para participar dos clipes. O resultado foi uma campanha que não só amplifica o senso de humor da banda como também reforça a identidade culturalmente antenada que as irmãs Haim têm cultivado ao longo dos anos.

Mesmo com uma discografia coesa, respeito da crítica e uma presença constante nos bastidores – seja Danielle tocando guitarra em Something Beautiful de Miley Cyrus, Este tocando tamborim no Joanne de Lady Gaga ou Alana brilhando em sua carreira de atriz –, HAIM parece ocupar um lugar curioso: reconhecidas, porém não exatamente populares em larga escala. Parte disso pode vir da escolha consciente de não adotar uma figura central como porta-voz ou ‘rosto oficial’ da banda. A irmã do meio, embora esteja à frente da produção, dos vocais e apareça com mais frequência nos holofotes, nunca se coloca como líder absoluta. A dinâmica do grupo, desde o início, é construída na ideia de irmandade e igualdade, o que pode soar libertador em termos artísticos, mas talvez mais desafiador para o público mainstream, que costuma se conectar com personalidades individuais com mais facilidade.

Esse modelo, que desafia estruturas convencionais de banda e rompe com a lógica do estrelato individual, pode ajudar a explicar por que o HAIM ainda circula em uma espécie de limbo entre o rock alternativo e o pop. A ausência de hierarquias explícitas dificulta a criação de uma narrativa tradicional, daquelas que vendem identificação ou impulsionam redes sociais. Enquanto isso, outras artistas que compartilham esse ethos coletivo, como boygenius ou MUNA, enfrentam desafios parecidos em termos de alcance. No entanto, no fim das contas, isso pouco importa: as irmãs Haim são interessantes demais para se preocupar e relevantes o suficiente onde realmente importa – como elas mesmas dizem na última faixa de I quit, Now it’s time: “Será que estou me abrindo só pra dizer que na verdade nunca dei a mínima?”.

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Isabella Lima

A maneira como lidamos com os sentimentos desencadeados pelo fim de um relacionamento diz muito sobre a nossa capacidade de adaptação. Muitas vezes, temos de lutar contra o desejo constante de voltar desesperadamente para alguém que não faz mais sentido manter ao redor. Mesmo estando cientes disso, ainda amamos aquela perigosa ideia de estar perto de algo familiar. Agora junte isso com momentos de epifania, com uma vontade de gritar para o mundo ‘quando esses sentimentos vão acabar?’, riffs de guitarra e o melhor do indie rock. Dessa combinação, temos  os elementos principais do álbum Tell Me That It’s Over, o novo trabalho da banda californiana Wallows. 

Formada por Dylan Minnette (sim, o protagonista da série 13 Reasons Why), Braeden Lemasters e Cole Preston, a banda lançou o seu segundo álbum de estúdio, composto por 10 faixas inéditas. Para este disco, o trio intérprete de Scrawny conta com a produção de Ariel Rechtshaid, um nome de peso na indústria: ele possui 3 Grammys em seu currículo e, anteriormente, já trabalhou com outros representantes da música indie, como Vampire Weekend e HAIM. Além disso, o fato dos três amigos já se conhecerem desde o início da adolescência traz muita familiaridade, leveza e facilidade ao trabalharem juntos no processo criativo de todas as músicas.

Wallows não decepciona ao transparecer a evolução musical, cultivada desde 2018 com o lançamento do Spring EP, seu primeiro EP assinado com a Atlantic Records. Logo depois, em 2019, veio o primeiro álbum de estúdio, Nothing Happens. Em 2020, os integrantes também não ficaram parados: durante a quarentena, o trio trabalhou no projeto mais experimental da carreira até então, o Remote EP. Agora, com o lançamento de Tell Me That It’s Over, observamos um retorno triunfal à essência da banda, que, mesmo incorporando novos elementos, consegue manter a originalidade e entregar composições muito além do hit viral do TikTok Are You Bored Yet?.

A jornada proposta pela Wallows no disco leva o ouvinte a refletir sobre a pressão que colocamos nos relacionamentos modernos, o medo de estarmos sozinhos e as inseguranças decorrentes de uma separação repentina. Nesse caminho, somos guiados através da perspectiva de uma pessoa que se sente deslocada na relação, e se perde em várias versões dela mesma para salvar  o romance. A partir disso, a história se inicia com a faixa Hard to Believe, passando por todos os estágios de um rompimento conturbado, até culminar no encerramento, com Guitar Romantic Search Adventure. 

Apesar das letras tratarem de assuntos românticos, a sonoridade é expressivamente enérgica, na maioria das músicas. Os arranjos remetem ao conceito nostálgico dos anos 80, que ganham tons mais modernos e característicos da Wallows. O primeiro single, I Don’t Want to Talk, marcou o retorno da banda com uma vibe retrô e tecnicolor, acompanhada de reflexões pertinentes sobre a juventude e vulnerabilidade, temas muito recorrentes em toda a discografia do grupo. “Percebi que quanto mais velho fico, fico mais inseguro/Se eu não tiver você ao meu lado, então não posso ter certeza”, o vocalista canta.

No processo de divulgação do álbum, a faixa escolhida para ser o segundo single foi Especially You. Aqui, a ênfase está na letra, que mira em retratar a mente de uma pessoa ansiosa, em um relacionamento no qual as incertezas e a falta de comunicação são persistentes: “Minha cabeça não pode compreender/Vivendo em segundo plano, imaginando o que você quis dizer”, os meninos cantam. Apesar de ter recebido uma divulgação expressiva e até um videoclipe, a canção é bem razoável, se comparada com as demais. Porém, é preciso admitir que o trio acertou no ponto e representou muitos de nós com o seguinte trecho: “Não consigo parar um humor que oscila/Vou ler qualquer coisa/Eu sei que não é isso que você quis dizer/Eu tenho o sentimento errado”.

Outra menção honrosa na nova fase da Wallows é a estética visual, repleta de imagens analógicas, luzes e um estilo que remete aos anos 90. As características estão presentes em todo o projeto, em especial no terceiro single, At the End of the Day, uma balada romântica que ganha traços melancólicos na voz suave de Braeden Lemasters. Na abertura da canção, já somos instigados a saber até onde vai a nostalgia despertada pela composição: “Por favor, deite sua cabeça aqui no meu ombro/A noite é jovem, mas ainda estamos envelhecendo/Você pode nos ver apaixonados assim para sempre?/Ou você tem medo de que seja muita pressão?”, o baixista canta. O clipe em si possui aspectos típicos de um curta-metragem indie, no qual viajamos em uma road trip, através da beleza do deserto até a cidade de Las Vegas.

Mas não é só de lamentos que a Wallows vive. A partir da metade de Tell Me That It’s Over, um momento de epifania nos faz entender, junto com a banda, algo muito importante: para superarmos, primeiro precisamos aceitar. A narrativa percebe que a energia gasta para tentar recuperar um amor perdido não vale a pena, se trata de um preço muito alto, que pagamos com o nosso tempo e até mesmo com a saúde mental. Esse tema está presente nas canções Permanent Price, Missing Out e  Hurts Me. Dentre essas três, a última merece um lugar especial. A melodia contagiante e o jogo de palavras estabelece um diálogo entre os intérpretes, que, juntos, concordam não precisarem estar nessa relação problemática. “Eu não me importo/(Eu vou ter que aceitar que eu)/Eu não preciso disso porque me machuca”, diz a letra.

Um fato curioso, também comentado pela banda em seu canal no YouTube, é em relação ao título do álbum: a frase “Tell me that it’s over” é repetida diversas vezes ao longo do disco. Por isso, Breaden sugeriu que esse fosse o nome do álbum, ao invés de escolherem uma música-título. Tanto no primeiro single quanto no encerramento, a sentença está presente, o que dá uma sensação de fechamento de ciclo: “Gostaria que pudéssemos cancelar o tempo/Ou deixe tudo voar/Apenas me diga que acabou agora”, canta o trio em Guitar Romantic Search Adventure, última faixa do CD.

Tell Me That It’s Over é um retrato do amadurecimento desses artistas, que possuem uma essência capaz de proporcionar um futuro promissor. Enquanto isso, continuam a retratar as inquietudes da juventude e estabelecem conexões com pessoas que, assim como eles, estão adentrando os conflitos da vida adulta. Dentre os dilemas dessa fase, a questão amorosa é apenas uma das ramificações. Porém, com maestria e sinceridade, a banda de Los Angeles mostra que está tudo bem em sentir – é preciso sentir. Para alguns, o álbum pode ser um conforto ou até mesmo um jeito de perceber que não estão sozinhos nessa situação. Ao final, uma coisa que a Wallows apresenta neste novo trabalho é certa: o caminho para superar ensina mais sobre nós mesmos do que o fim.

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Bruno Andrade

No início dos anos 1970, os Estados Unidos começaram a receber as primeiras respostas negativas à efervescência cultural que se deu na década anterior. Após as aberturas políticas e libertárias que se estabeleceram como força motriz da sociedade civil organizada – além de manifestações políticas profícuas e históricas –, o país começou a enfrentar uma diminuição do interesse público nas políticas liberais e de contracultura. Na esteira, ainda estava por vir a quebra da coletividade e do bem comum que nortearam os ideais hippies anos antes. O neoliberalismo ganhou força popular, Richard Nixon chegou à presidência (1969-1974) e o culto da imagem se estabeleceu – algo que Guy Debord já alertava em A Sociedade do Espetáculo (1967). Mas ao contrário do que se pode imaginar, quando nada pode acontecer, tudo é possível de novo.

Esse é o caótico cenário cultural de Licorice Pizza, 9º filme do diretor Paul Thomas Anderson (PTA), estrelado por Cooper Hoffman e Alana Haim, ambos estreantes em longa-metragens. Lançado nos EUA em novembro de 2021, a trama traz Gary Valentine (Hoffman), um jovem ator de 15 anos com verve de pequeno empreendedor, e Alana Kane (Haim), uma mulher de 25 anos perdida sobre o futuro, vivendo em meio aos conflitos sociais – e geracionais – de 1973. A obra concorre no Oscar 2022 como Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Roteiro Original – categoria em que é um dos favoritos à estatueta.

Licorice Pizza começa com uma pista falsa: Gary Valentine está na fila para tirar a foto de seu anuário escolar, e Alana Kane, que está trabalhando no local, surge como a idealizada mulher mais velha. O garoto então começa a puxar assunto, com a lábia de um malandro vendedor do tipo que te pega pela mão e não deixa mais ir embora, jogando elogios e a convidando para um jantar que ela não aceita imediatamente, mas comparece na hora marcada. A conversa é tão boa que nos esquecemos que Valentine tem apenas 15 anos de idade. Mas, novamente, essa é uma pista falsa. Primeiro porque Valentine, não muito tempo depois, se mostrará o que realmente é: um adolescente; segundo pois, diferente do que a cena inicial sugere, a verdadeira protagonista do filme é Kane.

Aliás, pistas falsas e referências engraçadinhas permeiam todo o filme. Em uma cena, na qual os dois personagens principais estão numa lanchonete, Gary lê um anúncio no jornal sobre um filme pornográfico chamado Garganta Profunda. No mesmo momento, Richard Nixon aparece na pequena televisão lateral anunciando o embargo que deu origem à Crise do Petróleo de 1973. “Garganta Profunda” foi o codinome usado pelo informante que revelou aos jornalistas do Washington Post o escândalo político de Watergate, que veio a derrubar Nixon.

Em outra cena, Jon Peters (Bradley Cooper) surge como “namorado de Barbara Streisand”. Na vida real, Peters foi produtor do musical Nasce Uma Estrela (1976), estrelado por Streisand, que recebeu um remake dirigido por Bradley Cooper em 2018, com Lady Gaga no papel principal. Por Licorice Pizza, o ator disputou somente o SAG Awards 2022, no qual concorreu como Melhor Ator Coadjuvante, mas não levou. Porém, rato das premiações, Cooper integra a produção de O Beco do Pesadelo, longa de Guillermo del Toro que concorre na categoria no Oscar 2022.

Mas a cena inicial diz bem mais do que parece dizer. Após o flerte quase juvenil, apesar da desenvoltura estonteante de Gary, tudo se rompe num ato de machismo, quando o fotógrafo passa a mão em Alana assim que o adolescente dá às costas. Logo no início o diretor transmite a mensagem explícita sobre a condição de aprisionamento a qual Alana vive. O encontro com Gary, um garoto de 15 anos, não parece algo tão ruim, afinal. 

É interessante notar, de qualquer forma, que esse relacionamento parece meio infantil desde o princípio, e os personagens não se beijam até os minutos finais – momento em que há o único beijo de todo o filme –, e sequer tocam suas mãos sem um leve constrangimento. O diretor foi esperto ao deixar esse relacionamento no campo platônico, visto que qualquer avanço em outro sentido poderia limitar demasiadamente – e até estragar – o filme.

Em 2022, as três indicações de Licorice Pizza ao Oscar giram em torno do diretor. Nenhum outro aspecto do longa foi contemplado pela Academia, diferentemente do BAFTA, que elencou o filme a 5 categorias, incluindo Melhor Montagem para Andy Jurgensen. Em seu trabalho anterior, Trama Fantasma (2017), Anderson foi indicado a Melhor Direção pela segunda vez, somado às outras 5 categorias em que o filme concorreu. Lá, as relações de poder se estabelecem em uma disputa quase violenta entre os diálogos de Reynolds (Daniel Day-Lewis) e Alma (Vicky Krieps). Já em Licorice Pizza, a relação entre Gary e Alana é branda, e mesmo nos momentos mais emotivos há uma percepção de empatia que ambos conservam entre si.

Paul Thomas Anderson se sagrou um dos grandes cronistas dos Estados Unidos ao retratá-los como nação despedaçada e cega pelo poder. Em Sangue Negro (2007) – longa adaptado do livro de Upton Sinclair, que rendeu o Oscar de Melhor Ator para Day-Lewis –, a relação sádica da busca do domínio através do petróleo é traçada primorosamente. Em Vício Inerente (2014), adaptação do excelente livro homônimo de Thomas Pynchon, a excitação cultural dos anos 1960 é jogada às telas com maestria. Mas olhando em retrospecto, Licorice Pizza soa como uma continuação do cenário explorado pelo diretor em Boogie Nights (1997), que além de se passar nos anos 1970, transcorre na mesma cidade, San Fernando Valley. Contudo, o que Anderson sabe fazer como ninguém é contar histórias – e boas histórias.

De certa forma, ao escolher a comédia romântica, PTA a subverte em seu roteiro original, dando protagonismo à personagem mais velha, e não ao jovem que se apaixona por uma versão idealizada do que seria a pessoa perfeita, como se convencionou a fazer em filmes do gênero. Alana Kane é autoconsciente o bastante para entender a situação esquisita a qual se meteu, e chega a questionar para a irmã, em determinada cena, se não é estranho que ela passe a maior parte do tempo com adolescentes de 15 anos (Valentine e seus amigos). Essa característica joga luz a mais uma brincadeira do diretor, que parece apontar para a alienação boba que outras comédias românticas trazem com protagonistas inconscientes das problemáticas básicas envolvendo a idade.

Em entrevista, o diretor revelou um certo caráter familiar que transpassa a obra, e não por acaso a personagem principal recebe o nome real da atriz que a interpreta. PTA já dirigiu clipes da banda indie HAIM, composta por Alana e suas irmãs – Este e Danielle –, que também atuam no longa-metragem, ao lado de seus verdadeiros pais, Mordechai e Donna. Pouco depois do filme estrear nos cinemas brasileiros, o power trio divulgou a canção Lost Track, que conta com mais um clipe dirigido por Anderson. Antes do lançamento oficial, o vídeo vinha sendo exibido em sessões de Licorice Pizza nos cinemas estadunidenses. Mas o fato é que, desde a idealização do roteiro, o diretor concebeu o filme com Alana Haim na pele de Alana Kane, e, ao assistir o longa, fica difícil imaginar outra atriz que casaria tão bem com o papel.

O complicado, na verdade, é tentar entender por qual razão a artista não está na lista do Oscar, após ter entregado uma atuação primorosa e verdadeira, figurando na disputa de Melhor Atriz no BAFTA e no Critics Choice Awards. Do outro lado, a estreia de Cooper Hoffman tem igualmente um valor sentimental. Seu pai, Philip Seymour Hoffman, além de ter sido um dos atores favoritos de Anderson, foi também um amigo íntimo, e, segundo o diretor, a estreia do jovem Cooper não foi tão estranha, tendo em vista que já o havia dirigido em pequenos filmes caseiros. O fato é que Alana Haim e Cooper Hoffman, juntos, operam em uma sincronia e compaixão tão genuína que, invariavelmente, só podemos sentir empatia por esse casal improvável – não se trata de uma história que aponta para vilões.

Apesar da relação de amor ser o mote de todo o roteiro, Paul Thomas Anderson consegue encapsular em pouco mais de 2 horas de filme uma época nostálgica, misturando-a com sua própria formação pessoal. O título do filme surge daí, em homenagem a uma clássica rede norte-americana de loja de discos que se popularizou nos anos 1970/80, e era frequentada por Lester Bangs e pelo próprio PTA quando jovem (a arte e grafia no título do filme são as mesmas utilizadas no logotipo da loja). Todavia, não é uma história autobiográfica. Segundo o diretor, Licorice Pizza foi concebido através de histórias muito específicas – majoritariamente de amigos, não especificamente dele – que possuem um fundo de verdade, mas que não as representam em sua totalidade. 

Como um livro de contos interligados por um mesmo tema, a obra não se restringe ao romance. As cenas e os diálogos avançam sobre as ebulições sociais, e de certa forma apontam para uma narrativa que tem como enfoque o cenário e a ambientação. Todo o entorno está sempre em movimento, e os personagens se movimentam juntos. Por essa razão, o trabalho dos protagonistas de primeira viagem ganha ainda mais força, a considerar também o fato de Licorice Pizza contar com um elenco de peso, que vai de Sean Penn e Tom Waits à Mary Elizabeth Ellis e Benny Safdie, passando pelo infeliz papel de John Michael Higgins, que interpreta Jerry Frick, dono de uma rede de restaurantes especializados em comida japonesa que insiste em fazer a caricatura do que seria um sotaque japonês, soando bastante racista. São apenas duas cenas em que o personagem aparece – nas duas ele finge o sotaque –, e ambas não fazem muito sentido com o resto da história; se fossem cortadas na edição final, nada seria perdido.

Uma das marcas do diretor são as histórias que se interligam, além dos planos longos e os zoom-ins que possibilitam um estado de frenesi hipnótico. Isso se completa com a trilha sonora sempre acertada de Jonny Greenwood – que concorre no Oscar 2022 pela Música de Ataque dos Cães, além de ter feito os temas de Spencer –, guitarrista do Radiohead e amigo pessoal do diretor, cuja colaboração vem ocorrendo há anos. Em 2015, ambos fizeram uma viagem à Índia, dando origem ao documentário Junun. 

Entretanto, de todos os filmes na carreira do californiano, Licorice Pizza é o que menos retrata estágios de ansiedade e esgotamento mental – a exemplo de sua outra comédia romântica, Embriagado de Amor (2002), estrelada por Adam Sandler –, e isso se reflete nas canções – tanto nos temas originais de Greenwood quanto nas trilhas que ajudam na composição do ambiente, como Peace Frog do The Doors, Life on Mars? de David Bowie e Stumblin’ in, de Suzi Quatro e Chris Norman. 

Talvez um dos motivos para o diretor ter optado por deixar o filme mais “leve” seja, justamente, o entorno histórico que cerca Alana e Gary. Em meio a falência da contracultura e ao fiasco dos Estados Unidos na Guerra do Vietnã, o que mais pode dar errado? Enquanto Valentine aproveita qualquer oportunidade para tentar ganhar dinheiro – provavelmente porque entende isso como uma atitude adulta –, Kane se esforça em construir sentido e significado a uma vida que, aparentemente, não oferece nenhum. Embora ambos pareçam indivíduos tão diferentes, estão ligados pelo simples fato histórico de estarem vivos na mesma época. Isso é o que torna o jogo de olhar tão poderoso no longa, de modo que ambos conversam no silêncio e conseguimos entendê-los, como se o segredo fosse confiado a nós também. No fim, o eco é um só: Licorice Pizza desponta como um dos mais belos e otimistas tratados sobre o amadurecimento e os amores perdidos.

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O segundo semestre do ano finalmente chegou. No meio dos dias dolorosamente frios de Julho, o que faltou de calor teve de lançamentos – alguns ótimos, e outros nem tanto. As músicas e álbuns lançados no último mês já marcaram 2021, e com certeza vão entrar nas listas de playlists de quarentena. Então, para não deixar nada passar batido, o Persona lhes presenteia com mais um Nota Musical.

Se em Junho Doja Cat fugiu para seu próprio planeta, em Julho, foi a vez de Coldplay dar o fora da Terra em Coloratura. A música mais longa da banda, com 10 minutos de duração, já anima os ouvintes para sua próxima era que promete correr longe dos problemas mundanos. Outro fandom presenteado com um ótimo single foi o de Lorde. Com a melancólica faixa Stoned at the Nail Salon, a ex-sumida nos deixa cada vez mais ansiosos para Solar Power, seu novo disco a ser lançado no fim de agosto.

E entre os admiradores da neozelandesa está Conan Gray, que depois de anos cantando sobre a mesma pessoa, diz nunca ter se apaixonado em People Watching. Sério, Conan? Por outro lado, quem não esconde se sentir sufocada por um amor tão nocivo quantos seus vícios é Letrux. A artista bilíngue conta do ano mais difícil da sua vida no single I’m Trying To Quit. Ambos os cantores parecem concordar com a sueca Lykke Li quando ela diz que às vezes tudo que a gente precisa é chorar de noite em Wounded Rhymes (Anniversary Edition).

Enquanto isso, Jack Antonoff manda a tristeza embora em Take the Sadness Out of Saturday Night, o terceiro disco de seu projeto solo como líder do Bleachers. Fora do mainstream, o produtor queridinho do mundo indie pop libera toda a sua criatividade musical em álbuns ricos em referências, camadas, sentimentos e energia. Agora, para os que querem gritar no quarto às 3 da manhã, o álbum da WILLOW promete te fazer sentir tudo. O rock alternativo de lately i feel EVERYTHING é honesto em todas as suas faixas, que viajam entre seu coração partido e amadurecimento.

Além da filha do icônico Will Smith, Billie Eilish é outra jovem que liberta suas emoções para quem quiser ouvir. O impecável Happier Than Ever expressa mais sinceridade do que a cantora já fez em toda sua carreira, em um dos discos mais esperados de 2021. A queridinha do Grammy bem que merece um segundo Álbum do Ano, não é mesmo?

Já aqui no Brasil, que está mais unido do que nunca para assistir aos angustiantes jogos das Olimpíadas, nada como boa Música para celebrar o nosso país ganhando – ou perdendo. Luísa Souza comemorou seu aniversário lançando DOCE 22, tão bem recebido pelo público que entrou na lista dos Top 10 Debuts de sua semana de lançamento no Spotify Global. Mas entre acertos e bastante erros na internet, quem merece o seu título de mulher do ano é a inovadora e talentosa Linn da Quebrada. O quem soul eu? é perfeito para quem precisa viajar dentro de si mesmo, assim como todas as faixas intrigantes de Trava Línguas.

O radar de novidades nacionais do Persona também entrou na vibração do jazz de Amaro Freitas em Sankofa, curtiu o rock do novo EP de Ovedrive Saravá, e sentiu o Drama de Rodrigo Amarante. O destaque maior da música brasileira em julho, no entantanto, foi para Marisa Monte, que retorna abrindo as Portas do seu talento para que possamos entrar em seus universos e sermos abraçados por um pouco de otimismo em um ano tão infernal.

Emicida é outro que nos ilumina com sua versão ao vivo de AmarElo. Ouvir as faixas que foram gravadas em um São Paulo de 2019 nos deixa nostálgicos e ansiosos para poder logo voltar a cantar e dançar na companhia de uma multidão. Quando isso for possível, por favor, toquem Borogodó nas festas, pois todos precisamos rebolar ao som de MC Carol novamente.

Falando em festas, o Ander de Elite provou que como cantor é um ótimo ator. Torcemos para que Aron Piper perceba logo que deveria ficar apenas atrás das câmeras, e não do microfone. Ao lado do alemão na lista de decepções do mês, estão Camila Cabello e John Mayer, que pelos méritos de seus novos trabalhos, mostram que já podemos deixar seus lançamentos caírem no esquecimento.

Mas o que não dá e nem se deve esquecer é que ainda vivemos uma pandemia. E em um dos períodos mais dolorosos da humanidade, mais de 4 milhões de vidas foram perdidas. Vidas de parentes, de amigos e de pessoas amadas por outras pessoas. O sentimento tão solitário está, para o bem ou para o mal, juntando cantores e seus ouvintes em faixas que tentam explicar como é tenebroso passar pelo luto. 

Em julho, Imagine Dragons e Eliza Shaddad mergulharam em letras que confortam os corações de quem perdeu alguém. A banda estadunidense faz isso através de Wrecked, prenunciando seu novo álbum, enquanto a artista indie sente o luto em In the Morning (Grandmother Song), parte importante de The Woman You Want, disco que é uma das melhores descobertas do ano. 

Completando o sétimo mês de Nota Musical, a Editoria do Persona e nossos Colaboradores se uniram, ao lado dos recém-chegados na equipe de Redação, para entregar o apanhado de tudo que rolou em Julho. Para começar bem o segundo tempo desse jogo estressante que está sendo 2021 – não dava para não ter referências de esporte, sabe? -, pegue o lápis e o papel e se prepare para anotar muitas indicações musicais incríveis. 

CDs

Billie Eilish – Happier Than Ever

Dois anos depois de pintar e bordar, enfiar aranha na boca e chorar petróleo, Billie Eilish retorna, mais feliz que nunca. Só que essa felicidade, dissecada nos cinquenta e seis minutos de seu segundo álbum de estúdio, é fachada para o que a jovem de 19 anos realmente sente: medo, alívio, tensão, soberba, cansaço. Billie Eilish, enfim, se sente humana.

Menos interessada em cantar sobre caras maus e fazer referências à sua série favorita, agora é hora dela se abrir como nunca antes. Getting Older é simplista na ideologia, mas desdobra Eilish em uma camada inédita até então. A cantora, vencedora dos 4 grandes prêmios no Grammy 2020, se considera sábia na flor da juventude e, carambola, ela o prova incessantemente em Happier Than Ever, contando mais uma vez com a assinatura do talentoso irmão mais velho.

Os singles lançados ao longo dos meses não apontavam para a direção certeira e ousada da toada do registro, e quando ouvidos em conjunto às 16 faixas, a aura de Happier Than Ever pega pra valer. Das inéditas, crescem Billie Bossa Nova (trilha sonora de qualquer cena tropical do 007), Oxytocin (a canção que mais remete ao pesadelo escuro do CD anterior) e a faiscante e dúbia faixa-título, o melhor trabalho de sua carreira. Vem mais um Álbum do Ano por aí? – Vitor Evangelista

Abram alas – e portas – que Marisa Monte está de volta, cantando para nós meros mortais. Uma década após emplacar Depois e Ainda Bem com o álbum O Que Você Quer Saber de Verdade, a cantora retorna com sua sonoridade ímpar, nos fazendo olhar com menos afobação para o passado e ter esperanças no futuro. Não foi surpresa a calma e paz da cantora acolher de forma calorosa com uma sonoridade agradável aos ouvidos.

Se dedicando desde 2019 à produção do disco, Marisa acompanhou do quintal de sua casa o mundo inteiro se isolar. Todos os desafios, angústias, anseios e medos reformularam aquele trabalho já começado e se transformaram em 16 canções, mais uma vez comprovando que a arte salva e sempre está presente. Portas é um grito de otimismo nesse país caótico e desgovernado.

A melhor música do álbum, Língua dos Animais, é uma parceria entre Marisa e o tribalista Arnaldo Antunes, além dessa, eles dividem outras duas composições (Portas e Vagalumes). Mas, quem se destaca fortemente na lista de compositores é Chico Brown. O filho de Carlinhos Brown provou que o fruto não cai longe do pé, assinando, com a mesma dedicação do pai, cinco canções de Portas. O álbum ganha um respiro com Elegante Amanhecer, uma ode de amor à Portela e parceria com Pretinho da Serrinha, se destaca pela saudade do Carnaval e da Avenida. – Ana Júlia Trevisan

Linn da Quebrada – Trava Línguas

quem soul eu? Imerso em tom reflexivo, o novo álbum de Linn da Quebrada é diferente de todos os trabalhos anteriores dessa cantora da (re)invenção. Mas não se engane: “feito uma cobra rasteira”, esse disco vem para, sutilmente, nos conquistar. Diante de um novo território, que nos convida a “divagar mais, divulgar menos”, somos presenteados com os experimentalismos imprevisíveis de Linn. E antigos fãs não precisam se assustar, pois juntos de um novo público, serão banhados e capturados pela feitiçaria do contraditório.

Sofisticando a utilização costumeira de aliterações e paronomásias, as composições de Trava Línguas usam e abusam de palavras que se desdobram em novos termos, ou que adquirem novos significados. Se a preocupação com a linguagem é uma constante nas criações de Linn da Quebrada, esse novo CD conduz os ouvintes do “fundo do poço” à “profundidade do posso”. Isso porque, dos versos mais filosóficos às batidas mais repetitivas e dançantes, há espaço amplo, de 11 faixas, para refinamentos e branduras. 

Quer matar a saudade das pistas de dança? É só mergulhar em pense & dance. Quer sentir um último suspiro de Pajubá? mate & morra está aí para isso. Caso queira ainda descobrir nomes pouco difundidos da nossa literatura, temos, por sorte, a delicada medrosa – ode à Stella do Patrocínio. Seja sozinha, em companhia de Luísa Nascim ou de Ventura Profana, Linn está, neste álbum, mais múltipla do que nunca. E ao mesmo tempo unificada, em um trabalho coeso, que renova, do início ao fim, a sonoridade de uma artista-fênix misteriosa e autêntica. – Eduardo Rota Hilário 

Amaro Freitas – Sankofa

“O futuro é ancestral”. É a partir dessa premissa que Amaro Freitas desenvolve o seu terceiro álbum, bebendo de ritmos, histórias e filosofias do passado africano e do Brasil, misturando-os às suas habilidades virtuosísticas no piano. Amaro, que com menos de 30 anos já é um nome internacional do jazz, já tendo realizado turnês em vários países, além de colaborações de destaque como o EP Existe Amor, em parceria com Criolo e Milton Nascimento.

Desde a polirritmia fragmentada de Baquaqua, até a serenidade de Vila Bela, Amaro busca traduzir para a linguagem do instrumento de origem clássica européia, sensações afro-brasileiras que Chopin jamais ousaria conceber. Mesmo nos seus momentos mais intensos em Batucada e Malakoff, Amaro trabalha o ritmo ágil e pulsante e as harmonias dissonantes com tamanha leveza, que seus dedos mais parecem estar acariciando as teclas do que as pressionando de fato. O carinho de Amaro ultrapassa o toque das teclas e transparece aos nossos ouvidos com sua música. – João Batista Signorelli

Eliza Shaddad – The Woman You Want

As descobertas do Nota Musical seguem revelando alguns dos melhores trabalhos musicais de 2021. O achado da vez é o segundo álbum de Eliza Shaddad, que só precisa de 9 músicas para conquistar um lugar nos ouvidos de quem procura por boas novidades no rock alternativo. Agora definitivamente, já que a artista se colocou no radar indie depois de trabalhar com o grupo de música eletrônica Clean Bandit em New Eyes, de 2014. Os EPs Waters (2014) e Run (2016) precederam o primeiro álbum, que rolou em 2018. Mas em The Woman You Want, ela chega cheia de destreza para apresentar o que pode fazer quando se expressa livremente através da Música.

E o que a ‘multilinguista’, ‘formada em filosofia’ e ‘fundadora coletiva de artes liderada por mulheres’ diz em The Woman You Want é que ela tem as suas inseguranças e questões pessoais como qualquer outra jovem adulta do século 21. Sejam nos questionamentos do rock levemente inclinado para o country de Heaven – que seria a filha perfeita das HAIM com a Arlo Parks -, na segurança e charme harmoniosos de Fine & Peachy, ou na autoanálise melancólica da faixa-título – deliciosamente influenciada pelo som do Radiohead -, a coisa mais fácil do mundo é se render à maestria musical e simpatia sentimental de Eliza Shaddad.

Então, quando ela canta sobre o luto na poderosa In the Morning (Grandmother Song), a beleza de The Woman You Want se revela ainda mais universal. O melhor momento do álbum, no entanto, é quando ela brinca com elementos eletrônicos e com solos de guitarra delicados para criar uma atmosfera ao redor de Waiting Game, que ilumina uma musicista detalhista, diversa e habilidosa. Ao final, estamos ouvindo a maravilha de Blossom, vidrados na estonteante performance da artista e nos questionando: porque não falamos sobre Eliza Shaddad antes? – Raquel Dutra

Clairo – Sling

Abandonando o pop que marcou seu álbum de estreia, Clairo (nome artístico da cantora e compositora Claire Cottrill) está de volta com Sling, um disco marcado pelos instrumentos de corda e sopro e um clima intensamente doméstico. Elaborado no período de pandemia, o CD (co-produzido por Jack Antonoff) chega carregado de reflexões sobre maturidade e maternidade, criando uma narrativa forte, apesar de se distanciar da sonoridade anterior da artista.

Sling é, às vezes, uma obra entediante. Como um filme que passa cenas demais estabelecendo seus personagens e sua ambientação, Clairo passa algumas faixas além da conta esperando para introduzir suas melhores composições. Apesar disso, ela ainda consegue criar uma linha de narrativa forte graças ao maior destaque dado aos seus vocais silenciosos, e que persiste ao longo das 12 faixas, conseguindo emocionar com sua confiança e seu violão suave. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Genesis Owusu – Missing Molars (Swnt Deluxe)

O rapper de origem australiana retorna poucos meses depois de lançar Smiling with No Teeth, dessa vez com a versão deluxe do álbum. Mas, Genesis Owusu não ia cair no esperado e simplesmente adicionar um ‘dlx’ ao fim do título: ele expande o conceito da obra e batiza o CD irmão de Missing Molars.

São 5 novas canções, todas ainda na roupagem de pop-punk-rap que o mestre nos saudou com no disco original. “Essas são faixas que eu senti serem especiais da sua própria maneira e que mereciam ser compartilhadas. Isso é Música sem fronteiras”, ele declarou, junto do lançamento do clipe de The Fall. – Vitor Evangelista

Midwife – Luminol

Não tem material mais instigante para a Arte do que o âmago da experiência humana e todas as coisas que podem ser encontradas lá. Midwife, projeto experimental de Madeline Johnston, não perde tempo e se volta exatamente para essa profundidade vasta e por vezes incômoda até mesmo em seu trabalho mais notável, o álbum Forever, de 2020. Mas agora, depois de tudo o que aconteceu no mundo no último ano, os indivíduos que circulam por aí estão com suas questões especialmente afloradas, e o ímpeto analítico de Johnston captura todas elas em Luminol.

Como reflexo desse movimento, a primeira identidade de Midwife não dá as caras no novo disco. Antes no pop, a música de Johnston agora se desvia para um rock progressivo, muito sensorial e instrumental, mas que não se esquece da sua dimensão lírica. Em God Is a Cop, Enemy e Colorado, o principal aspecto de Luminol se mostra justamente o resultado da combinação dos elementos: partindo de uma experiência muito pessoal, o álbum ainda dialoga de uma forma muito direta e profunda com o ouvinte, porque a multi-instrumentista sabe como despertar os nossos sentidos e abrir a nossa compreensão. A começar pela capa composta por instigante uma fotografia da mãe da artista, editada para esconder seu rosto, que ao mesmo tempo transmite uma sensação de serenidade.

Apostando alto em seus acordes fortes, graves e obscuros que se misturam com vocais suaves e versos passivos e cíclicos, Luminol constrói uma verdadeira experiência sonora. Quando estendidas às seis longas faixas do disco, no entanto, essas sensações perdem a força, tornando-se incômodas para quem sai da imersão de do álbum por um segundo que seja, principalmente na última faixa, a mais pessoal da obra de Johnston. Mas até chegar lá, Luminol já atraiu e perturbou tudo o que tinha direito. – Raquel Dutra

Lykke Li – Wounded Rhymes (Anniversary Edition)

Após 10 anos de lançamento do intenso Wounded Rhymes, Lykke Li anuncia a nova edição de aniversário do segundo álbum da carreira. A rainha da melancolia traz na reedição as dez faixas originais do disco somadas a remixes que incluem Tyler, The Creator e o DJ The Magician, além de demos inéditas dos sucessos Youth Knows No Pain, Jerome e o hino da década de 2010, I Follow Rivers – não há quem não se renda as batidas da percussão catártica do single.

Em vocais que ecoam languidamente sobre a composição crua, Wounded Rhymes parece ter sido feito oportunamente para o presente: “Minhas rimas aflitas produzem choros silenciosos esta noite/E eu as manterei como uma queimadura/Ansiando de longe”, profere a artista sueca em Sadness Is a Blessing. Ao celebrar o passado de alguém que já foi, Lykke Li nos lembra por meio de versos cortantes que, principalmente em tempos tão sombrios de pandemia, instabilidade e descaso político, está tudo bem em aceitar a tristeza. – Ayra Mori

cajupitanga – Tradição/Tradução

Unindo duas das mais marcantes frutas originárias das terras brasileiras, o acústico à atmosfera eletrônica, a riqueza da tradição à ousadia daquilo no qual ela pode se transformar, além da criatividade de duas mentes originárias de Vitória da Conquista (BA), o primeiro álbum do duo cajupitanga é uma bela descoberta. A composição formada por botões, folhas e retalhos da capa já de cara revela o caráter artesanal do disco: uma produção inteiramente caseira utilizando celulares, aos moldes dos primeiros trabalhos da banda Boogarins.

Ao contrário do que poderia ser de se esperar, a limitação de recursos de em nenhum momento se traduz em limitação criativa ou de qualidade. A faixa O Homem abre o disco com versos reflexivos e estabelecendo um clima de serenidade e contemplação que predomina pelo resto do álbum. A canção em espanhol A Todos Nosotros e Quase Santo também se destacam dentre as músicas encontradas nessa pequena pérola que merece atenção. – João Batista Signorelli

Emicida – AmarElo – Ao Vivo

Impossível AmarElo ficar melhor, certo? Errado. Quando finalmente conseguimos processar e nos acostumar com a obra-prima musical mais recente de Emicida, ele vai lá e leva a coisa toda pra um outro nível. Agora, o artista nos presenteia com a versão ao vivo do disco, gravada na icônica apresentação no Theatro Municipal de São Paulo, que também rendeu material para o documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem. A tracklist naturalmente linda do disco ganha ainda mais encanto com outras canções significativas da Música brasileira e da carreira do artista, que foram entoadas pela harmonia deliciosa de Emicida, sua banda e seu público naquela noite maravilhosa do dia 27 de novembro de 2019.

A beleza de AmarElo – Ao Vivo é daquelas que só se compreende sentindo. Como explicar a energia de Quem Tem Um Amigo (Tem Tudo) correndo pelo ambiente ou o amor que preenche quem tem a chance de ver Alma Gêmea virando música diante de seus olhos? É a mesma impossibilidade que o arrepio de Hoje Cedo logo sucedido pelo êxtase de AmarElo guardam para quem tenta defini-los em palavras. Assim também é a poesia transcendental de Principia e a sonoridade milagrosa de Levanta e Anda, que vão além de suas próprias e mais belas palavras e notas musicais.

O instrumental catártico de Paisagem e a experiência visceral de Ismália ao vivo dizem muito mais do que qualquer tentativa mirabolante de significar as canções de Emicida. E é exatamente dessa forma que a Música trabalha. Não existe espetáculo mais lindo do que o que surge quando a Arte é celebrada em carne e osso e no coletivo. Por isso é que todos os elogios do mundo não compreendem a preciosidade que é sentir um pouquinho do que foi o momento de viver um dos melhores discos dos últimos tempos. Perdão se tiver falhado na missão de reportar AmarElo – Ao Vivo, mas o que eu tenho são só as palavras, e sobre ele, eu escrevo como quem manda cartas de amor. – Raquel Dutra

Pop Smoke – Faith

Morto em fevereiro de 2020, o jovem rapper Pop Smoke retorna aos holofotes com seu segundo álbum póstumo, Faith. A abertura Good News, que intercala uma mensagem de voz da mãe do artista com uma batida emocional e gravitante, já começa o trabalho da maneira errada.

Buscando uma falsa simetria entre a arte e a emoção, as vinte faixas se dividem entre demos, canções nada finalizadas e uma porrada de arranjos comerciais trabalhados sem qualquer zelo ou cuidado. Sem fé, senso artístico ou mesmo respeito pela memória de Pop Smoke, uma voz influente e enriquecedora à cultura do rap. Apenas com o almejo de fabricar hits, Kanye West, Pusha T, Kid Cudi, Pharrell e Chris Brown aparecem na tracklist, deixando espaço para uma desconfortável parceria com Dua Lipa. Com Faith, é melhor passar longe. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – Noturno

Com uma das capas mais fracas de toda a carreira de Maria Bethânia, Noturno é, ironicamente, um dos melhores álbuns da nossa Abelha Rainha. De aspecto extremamente minimalista, a porta de entrada desse CD primoroso até funciona em disco físico, mas perde força nas plataformas digitais, sem a companhia de atrativos como a textura e o encarte. E por ser toda branca, não expressa muito bem o jogo entre luzes e sombras que move as 12 faixas do novo trabalho de uma das maiores intérpretes do Brasil.

Dualidade constante, as trevas da vida já eram anunciadas no lead single A Flor Encarnada. Nessa composição de Adriana Calcanhotto, o desamparo de uma pessoa “afogada num sertão de lágrimas” dói fundo em cada nota e verso. Por outro lado, em Lapa Santa, segundo single do álbum, percorremos caminhos mais luminosos, em tom de celebração: “louvado seja o Velho Chico”, rio que banha o “arraial do Bom Jesus da Lapa”. Nesses conflitos duplos, típicos de nossos tempos, a saudade de sentir prazer e o medo da intensidade da dor são nossos inevitáveis companheiros. 

Sem dúvidas, um dos pontos mais altos de todo o repertório desse CD é a faixa Dois de Junho, também escrita por Calcanhotto. Nela, vemos que aquela Maria Bethânia mais política, de Carcará e Balada de Gisberta, ainda está atenta, denunciando um dos piores episódios do Brasil de 2020: o caso Miguel. Mas logo encontramos uma esperança certeira, alocada no lirismo da declamação que encerra o álbum. É diante da poesia de Jorge de Sena que, entre suspiros ou lágrimas, temos certeza de que estamos diante de uma obra muito mais significativa do que o último lançamento da diva baiana. – Eduardo Rota Hilário        

Giovani Cidreira – Nebulosa Baby

Desde o lançamento do mágico disco Japanese Food em 2017, Giovani Cidreira vêm se revelando uma das figuras mais versáteis e inclassificáveis da cena contemporânea nacional. Nebulosa Baby vem não apenas para provar isso, como também para expandir o leque de colaborações e sonoridades exploradas pelo cantor-compositor-instrumentista. Alice Caymmi e Luiza Lian são alguns dos nomes que despontam na tracklist, além da produção assumida por ninguém menos do que Benke Ferraz do Boogarins. Para completar o pacote, Gio também lança um álbum visual e uma websérie explorando as inspirações e os bastidores de Nebulosa Baby. 

Misturando as sonoridades acústicas de Japanese Food ao eletrônico explorado em seus trabalhos e colaborações mais recentes, Nebulosa Baby permanece embalado pela doce voz do cantor baiano, que ainda encontra espaço para o uso criativo do autotune e distorções vocais que só enriquecem a experiência. Solos explosivos de saxofone, batidas dançantes, harmonias vocais teclados, batidas eletrônicas, harmonias vocais misteriosas, Giovani Cidreira abraça um pouco de tudo. Sangue Negro, Saudade de Casa, Claridades e Luzes da Cidade são algumas amostras da pluralidade de Giovani Cidreira, que vem provar que ainda tem ainda muitos caminhos novos a trilhar. – João Batista Signorelli

Soda Blonde – Small Talk

Small Talk é o álbum de estreia da banda Soda Blonde. Estreia com algumas fofocas. Os integrantes da banda já são velhos conhecidos por Little Green Cars, onde um dos cinco membros resolveu dar disband. Soda Blonde estreia o novíssimo CNPJ em alta categoria e de forma transparente, com reflexões sobre a juventude e seus anseios. A faixa homônima ao disco é um aglomerado de perguntas que são respondidas ao longo do trabalho que se completa em ciclos.

A musicalidade de Small Talk soa como trilha sonora de filme. Os versos carregam um brilho e contam uma história cinematográfica sobre si próprios. Tiny Darkness, faixa de abertura, introduz à sombrias novas tentativas de recomeço. In the Heart of the Night mantém os sentimentos com mais peś no chão e The Dark Trapeze apresenta a solidão. Choices encerra o álbum como se voltasse para a primeira cena com as paisagens vivas. Small Talk é um álbum agridoce, que encanta com toda sua composição artística e garante seu lugar nos melhores do ano. – Ana Júlia Trevisan

Brittany Howard – Jaime Reimagined

O que Brittany Howard faz em Jaime Reimagined não é para qualquer artista. Criar uma nova versão de uma obra tão aclamada como seu debut é um risco que a genialidade da guitarrista do Alabama Shakes não só assume como transforma num completamente. Na releitura de Jaime, Howard reaquece o clamor pelas suas músicas de 2019 na companhia de um seleto grupo de colaboradores formado só por quem dá conta de manipular músicas daquele nível, que vai de Childish Gambino a Bon Iver.

Desde a abertura com 13th Century Metal, passando por faixas como Baby, Georgia e He Loves Me até finalização com Run to Me, a riqueza de Jaime Reimagined reinventa o repertório de Brittany, conhecido pelas composições íntimas musicadas no R&B, jazz, rap e blues. Na obra da vez, a artista ainda brinca com elementos da música clássica e efeitos eletrônicos, criando uma verdadeira experiência musical. Por favor, Brittany, imagine e reimagine o quanto quiser. – Raquel Dutra

Mariah The Scientist – RY RY WORLD

Além de cientista, Mariah Buckles é uma tremenda contadora de histórias. RY RY WORLD, seu segundo registro de estúdio, serve como reafirmação da estadunidense como uma das vozes mais potentes e calibradas dessa geração mais jovem, que sabe muito bem mesclar as influências múltiplas de R&B com o pop.

Como em um teatro de sombras, a cantora nos leva numa jornada emocional ao extremo. A capa, com uma flecha atravessada em seu peito se tornando motivo de riso, demonstra o potencial artístico de Mariah The Scientist. Agora, suas dores e traumas não incomodam tanto quanto antes, abrindo espaço para que suas composições se deliciem no ardor.

O breve disco se concentra em nos apresentar, ao longo de meia hora, apenas dez faixas. Entre parcerias com Young Thug e Lil Baby, Mariah brilha melhor sozinha. RIP é um hino do gênero e All For Me reafirma o caráter de cura que RY RY WORLD desempenha na discografia da cantora. Ouça sem moderação. – Vitor Evangelista

Half Waif – Mythopoetics

Por definição, mitopoética refere-se à procura da riqueza criadora, da poética dos mitos. Não tem nome melhor para batizar o lançamento mais recente da cantora Half Waif: Mythopoetics, o quinto álbum da artista, usa as suas 12 faixas de duração para abraçar a bagunça e a beleza interior – e o que vem no meio disso.

Se a sonoridade é repetitiva, as letras de Plunkett compensam. “Entrando no meu próprio caminho/Ninguém vai me salvar/E eu vou ficar desapontada”, ela desabafa em Take Away the Ache, a terceira faixa. Já em Sodium & Cigarretes, introspectiva e reflexiva, ela questiona: “Eu mereço o que vem para mim?”. Até a capa, com Half Waif gritando ao posar em frente a um céu azul e um jardim, é ao mesmo tempo catártica e acolhedora, como cada minuto dos quase quarenta de duração do Mythopoetics. – Vitória Lopes Gomez

Lightning Bug – A Color of the Sky

É curioso dizer que A Color of the Sky é inspirado pelo ato de soltar pipa, mas o que a vocalista Audrey Kang diz sobre o terceiro disco de Lightning Bug se prova uma verdade através das 10 canções do álbum. A história começa em 2019, quando a banda havia finalizado October Song, seu segundo trabalho de estúdio, num processo criativo exaustivo que durou cinco anos entre composição, gravação e finalização. Esgotados, cada um foi pro seu canto, e o destino de recuperação de Kang foi o Washington State International Kite Festival, o maior encontro de amantes de pipa da América do Norte. Lá, além de encontrar vazão para uma nova, aleatória e inocente obsessão, Audrey também descobriu seus próximos passos enquanto artista.

A magia por trás da pré-produção se materializa no disco logo de cara com a hipnotizante The Return, e quando o ouvinte de A Color of the Sky se dá conta, já está perdido no universo onírico do grupo. O voo é guiado apenas pela melodia, que permanece a mesma desde o início, mesmo com o crescimento da música que abraça muitos novos elementos em seus mais de seis minutos. Ali, se compreende que Lightning Bug procura tratar as dores e as delícias do autoconhecimento e do processo criativo em canções dialógicas, que se encaixam dentro de um art rock e abraçam uma das melhores criações do indie rock, o shoegaze.

Mas a amplitude sensorial de A Color of the Sky não se prende nas caixinhas de nenhum gênero, vide o single September Song, pt. ii, que mostra influências da música oriental, ao mesmo tempo em que complementa a penúltima faixa do fatídico álbum anterior. Ainda fiel à estética original, o disco muda um pouco os rumos da sua viagem em Song Of The Bell, que se aprofunda nas notas amargas do rock dos anos 70, e assim segue na seriedade suave de I Lie Awake e The Flash, misturando tudo o que fez no disco até o momento com um pouco de folk. O destaque vai também para a meditativa Wings of Desire, que mostra o desejo inspirado de Lightning Bug. De volta à metáfora da pipa, A Color of the Sky não quer só passear pelo céu, mas também desvendar e criar seus próprios elementos celestiais. – Raquel Dutra

Inhaler – It Won’t Always Be Like This 

It Won’t Always Be Like This, álbum de estreia da banda irlandesa Inhaler, é uma bela chegada. O quarteto reúne, em onze faixas, uma mistura de revolta juvenil com singles chiclete, com traços do indie e do pop rock. Não estranhe em se pegar cantarolando por aí.

Existem ecos de Arctic Monkeys, Stereophonics e Oasis em todo o CD, especialmente nas faixas My King Will Be Kind e Strange Time To Be Alive. A música que dá título ao álbum foi regravada, com sua primeira versão lançada em 2019. Na nova gravação, o baixo tornou-se mais potente, os sintetizadores ganharam espaço, e alguns ruídos foram retirados. No que parece ser uma adaptação de público alvo, a nova versão soa bem melhor.

Inhaler parece explorar diversos subgêneros nas canções, algumas mais lentas e outras mais agitadas — no melhor estilo música-para-tocar-em-rádio —, mas sem deixar de lado sua essência indie. O álbum é uma bela amostra do talento do grupo, provando, em sua melhor forma, que não são apenas aquela banda do filho do Bono Vox. – Bruno Andrade

WILLOW – lately i feel EVERYTHING

Não há lugar melhor para expressar sentimentos urgentes do que o rock. E quem sente TUDO como WILLOW sabe bem disso. Como diz o título, o quarto disco da artista é um compilado de viagens emocionais. Das experiências mais profundas às mais superficiais – se é que podemos assim definir – todas são dignas em lately i feel EVERYTHING. Na base geral do gênero, ora ela afoga as mágoas numa sonoridade mais punk, ora busca conforto numa musicalidade mais alternativa, que tem sido sua casa de experimentações desde sua estreia em 2015 com ARDIPITHECUS.

A identidade musical de WILLOW é intrinsecamente sentimental, desenhando uma estética um pouco mais serena em The 1st (2017), muito mais caótica no autointitulado de 2019 e completamente psicológica em THE ANXIETY, seu projeto de 2020 realizado em parceria com Tyler Cole cujo objetivo era investigar as dimensões da ansiedade. Então, a obra de 2021, nascida na pandemia, não poderia ser menos à flor da pele. Já na abertura de lately i feel EVERYTHING, a artista não mede suas palavras ao falar sobre as contradições das relações sociais ao lado de seu maior parceiro no disco, o baterista do blink-182 Travis Barker. Logo em seguida, ela grita com todos os pulmões um desejo de desgraça para quem quebrou seu coração e reflete sobre amadurecimento na companhia de Avril Lavigne.

A crueza sentimental não significa falta de cuidado, planejamento e organização quando tratadas na habilidade musical de WILLOW. Ela cria em lately i feel EVERYTHING os lugares perfeitos e necessários para que a sinceridade amarga das suas letras e a empatia doce dos seus sons se encontrem em faixas como 4ever. E mesmo nas músicas mais inflamadas como Gaslight, Come Home e ¡BREAKOUT!, o processo terapêutico da artista é concluído – mas é preciso entender que isso nem sempre significa um final pacífico ou feliz. O que importa é que sentimos TUDO e mais um pouco junto de WILLOW. – Raquel Dutra

MC Carol – Borogodó

Após cinco anos de Bandida, álbum de estreia que escancarou a majestosa MC Carol no cenário do funk brasileiro, a cantora, compositora e ativista lança seu novíssimo trabalho: Borogodó. A capa do disco faz alusão a pintura de Sandro Botticelli, O Nascimento de Vênus e o clipe de Mulher do Borogodó é repleto de referências ao mundo encantado da Disney. Todos elementos escolhidos por Carol para Borogodó são extremamente essenciais, é uma mulher negra e periférica levando o funk a um patamar onde os boys não a queriam ver. 

O funk não é o único a aparecer nesse álbum eclético em suas faixas. O trap, o pagode baiano e o bregafunk marcam presença em músicas como Meu Vizinho e Novinho de 17. Mais um vez, MC Carol usa de sua profissão para dar voz a sua vida e explorar o empoderamento feminino da sexualidade. O álbum também cumpre com sua proposta de levar a periferia além, contando MC Reino, CL no Beat e Cleytinho Paz e O Maestro, artistas jovens para contribuir no trabalho. Não vejo a hora de estar numa festa em república cantando Borogodó. – Ana Júlia Trevisan

Jxdn – Tell Me About Tomorrow

Sob a tutela de ninguém mais, ninguém menos do que o veterano do punk Travis Barker, o ex TikToker Jaden Hossler se enfia de vez na carreira musical com o lançamento de seu primeiro álbum, Tell Me About Tomorrow. As 18 faixas incluem um feat com Machine Gun Kelly e são produzidas pelo baterista da blink-182, algumas em parceria com o cantor blackbear e o produtor Andrew Goldstein, responsável por sucessos de bandas como All Time Low e Linkin Park: a estreia de Jxdn é permeada de bons nomes e referências.

Hossler é assumidamente o pupilo de Barker, que o assinou em seu selo musical após ver a estrela do TikTok na rede social. Muito provavelmente, é o dedo do padrinho e a influência de outras personalidades do gênero que fazem do álbum tão enérgico e impressionante como é. Não se pode dizer que Jxdn tenha virado somente um performer, já que ele tem participação nas letras: depressão, vício, decepções amorosas e a ascensão à fama são temas cantados por ele, que até nos vocais soa como uma versão mais nova de Machine Gun Kelly. 

Tell Me About Tomorrow não renova o gênero, como o padrinho musical apostou (Tickets To My Downfall, a qual Hossler aspira, não tem nem um ano) e é similar às referências do artista. Isso não é necessariamente é ruim: com um pop punk animado em todas as faixas, a estreia de Jxdn não precisa inventar a roda para ser promissora e divertida. – Vitória Lopes Gomez

John Mayer – Sob Rock

O novo álbum de John Mayer facilita muito o trabalho de quem tem a tarefa de opinar sobre ele. Como ele mesmo avisou em entrevista à Apple Music antes do lançamento, quando explicou suas intenções com o disco já na defensiva e com um pouco de arrogância provocativa, “chama-se Sob Rock porque é uma merda”. Bom, já defender algo que já tem sua integridade questionável graças ao histórico de seu criador, especialmente quando o próprio define o seu trabalho dessa forma. E tudo isso fica ainda mais incômodo quando combinado num álbum que é atrasado em suas referências e raso em todas as suas intenções.

A premissa de Sob Rock de deixar-se influenciar pelo rock da década 80 não poderia ser mais ultrapassada e preguiçosa, já que acontece no ano seguinte em que a dita cuja foi explorada e revirada pela indústria, e já que não se preocupa em apresentar sequer uma das muitas faces da Música de 40 anos atrás que valha a pena reviver. O tédio das escolhas de John Mayer compromete logo o início do disco, nas insignificantes Last Train Home e Shouldn’t Matter But It Does. Depois, o single que trabalha pelo álbum desde 2018, New Light, mostra um pouco de ânimo e originalidade, mas não dá conta de driblar a reação irritante que se desenvolve em quem tem que ouvir um homem de 40 e poucos anos cantando “Por que você não me ama?” no refrão de uma música chamada Why You No Love Me. 

O que daria pra salvar de Sob Rock está Wild Blue, mas nem mesmo ela justifica o play no disco. E nem deveríamos esperar algo diferente de John Mayer, que depois de ascender como um dos musicistas mais notáveis do rock nos anos 2000 e viver seu auge ali naqueles primeiros 10 anos, se mostrou alguém digno do ostracismo ao se sentir confortável em despejar racismo numa entrevista de 2010. Assim como os três álbuns que o precedem, Sob Rock é insuportavelmente leviano. E assim como seu nome sugere, está exatamente abaixo de algo digno dentro do gênero. E eu não sei porque ainda precisamos falar sobre o trabalho de John Mayer em 2021. – Raquel Dutra

Charlotte Day Wilson – Alpha

Nome já conhecido na cena R&B contemporânea, a cantora, produtora e compositora canadense, Charlotte Day Wilson, passou os últimos anos colaborando com representantes em ascensão do gênero – incluindo uma posição nas paradas da Billboard com What You Need em parceria com KAYTRANADA ou mesmo com seus poucos projetos autorais, como o incrível Work. A artista, contudo, não se limita a nenhuma sonoridade, orbitando entre o soul de Daniel Caesar ao PC Music em composições junto de Iglooghost.

Alpha foi produto de um longo processo de amadurecimento artístico de Wilson, trazendo influências claras de suas colaborações passadas mescladas à experiência pessoal. Em seu primeiro álbum solo, a artista de Toronto entrega ao público 11 faixas coesas entre si, que fluem como água. Através de sua voz poderosíssima, nos derramamos em confissões quase religiosas: “Oh-oh eu te banharia/Lavaria você dos pecados que te atormentam/Livraria-te dos fardos e você seria livre mais uma vez”, verso de If I Could.

Sem deslizes, Wilson aborda cada um de seus sentimentos de maneira muito imersiva, criando uma experiência cinematográfica épica intensificada com o uso de vocais como instrumento que garantem textura transcendental às faixas. Em meio aos muitos destaques, se sobressai o single Keep Moving acompanhado de seu videoclipe, uma carta de amor calorosa à comunidade LGBTQIA+. Inspirado nas lésbicas sêniores que inauguram muitas Paradas do Orgulho – Dykes on Bikes –, Keep Moving mostra um bando de gente dançando, amando e existindo sem desculpas. – Ayra Mori

Luísa Sonza – DOCE 22

Ame ou odeie, é fato que Luísa Sonza é uma das artistas nacionais que mais sofre com a misoginia expressa em ataques de ódio, que nascem no mundo virtual e se concretizam também no mundo real. Cercada pela mídia e julgada pelo tribunal da internet, a jovem viveu momentos difíceis no último ano desde que o fim de seu casamento com o comediante Whindersson Nunes deixou de ser assunto pessoal para se tornar uma questão de debate nacional. Depois de tentativas vãs de defesa e justificativas, Sonza entendeu que a situação era maior que ela, finalmente se blindou e prometeu trazer sua versão dos fatos através de seu ofício, que chega entre os altos e baixos irônicos e nem sempre simpáticos de DOCE 22.

O segundo disco de Luísa Sonza não carrega o peso de uma possível escolha da artista de calibrar suas palavras e disfarçar seus sentimentos, que são muito complexos a essa altura da sua carreira. Depois da estreia notável e promissora de Pandora, os singles sucessores já eram manchados pela opinião pública da artista, que se combinou à reação natural de exaustão diante da identidade reciclada. Assim, ela desabafa sobre tudo isso em DOCE 22, cada música à sua maneira. As coisas são mais diretas no pop absoluto e sarcástico de INTERE$$EIRA e MULHER DO ANO XD, enquanto as baladas penhasco. e melhor sozinha :-)-: exploram como as circunstâncias atingiram sua dimensão pessoal.

Repleto de referências e emoções, DOCE 22 estoura no paladar de seu ouvinte. O som da Princesa do Pop toma forma na voz de Sonza em 2000 s2, e na carona de MODO TURBO, ela também faz a festa das colaborações com 6LACK, Pabllo Vittar, Anitta, Jão e LUDMILLA. No meio de tantos elementos, o maior triunfo do álbum são as experimentações de Luísa em cima da base pop que ela conhece muito bem. Um gostinho de country surge nos últimos suspiros de DOCE 22, soltando a interpretação de Sonza no desabafo de o conto dos dois mundos (hipocrisia), que se emenda com o gracejo das gaitas de Lulu Santos em também não sei de nada , de longe uma das melhores surpresas do disco. Depois de cantar sobre tudo o que a aprisiona, Sonza cria o seu momento de ir além e libertar de vez sua vida e sua capacidade artística. – Raquel Dutra

The Kid LAROI – F*CK LOVE 3+: OVER YOU

O terceiro volume do F*CK LOVE, F*CK LOVE 3+: OVER YOU, fecha o projeto de mixtapes do artista australiano The Kid LAROI. As 13 faixas inéditas são reunidas às antigas, que vêm sendo lançadas desde 2020 em EPs separados, e finalizam o álbum em uma coletânea com 35 canções . Agora com apenas 17 anos, Charlton Howard, que adotou o nome artístico e assinou com o empresário Scooter Braun, ascende à fama com feats com Justin Bieber, Machine Gun Kelly e Miley Cyrus.

Porém, se as referências pop ou rap de The Kid LAROI o permitem explorar estilos, as batidas genéricas em que o cantor cai fazem da uma hora e dezoito minutos de duração total soar quase iguais. Apesar de uma ou outra canção destoar e desafogar do comum do álbum, ao final, a decisão de compilar as 35 faixas em uma sequência tornam F*CK LOVE 3+: OVER YOU mais do mesmo. – Vitória Lopes Gomez

Rodrigo Amarante – Drama

Drama é o segundo álbum da carreira solo do ex-Los Hermanos, Rodrigo Amarante. A faixa homônima, que abre o disco, é um conjunto de instrumentos, palmas e risadas armando o circo no qual estamos prestes a entrar. Amarante, que vive nos Estados Unidos, mistura a essência das musicalidades, compondo um trabalho bilingue. Drama é introspectivo e intimista, nos transportando entre lugares e amores.

Suas letras seguem o romantismo noventista que acalenta. Seu instrumental tem grande peso na obra, com os metais deixando ainda mais claro a assinatura de Rodrigo Amarante dentro do mundo da Música e conversando diretamente com o ouvinte. The End, a faixa que encerra Drama, surpreende por sua complexidade. A balada começa sutil e cresce dentro de seu próprio jogo melódico, conseguindo resumir em partes tudo aquilo que o cantor se permite aventurar sete anos após seu disco de estreia. – Ana Júlia Trevisan

Bleachers – Take the Sadness Out of Saturday Night

O tempo todo estamos ouvindo Jack Antonoff. O compositor e produtor de confiança de artistas como Taylor Swift e Lana Del Rey assina boa parte das obras favoritas do indie pop, e dispensa explicações sobre o seu trabalho expresso nos sucessos de folklore, Melodrama e Norman Fuckin Rockwell!. Mas se como produtor Antonoff se concentra em trabalhar na música do momento, como líder do Bleachers ele mostra um musicista que se permite influenciar pelo passado livremente, ao mesmo tempo em que segue admirando o presente e vislumbra o futuro. Strange Desire, o primeiro álbum do grupo, mostra a exata concretização dessa identidade, numa explosão de criatividade, referências e lirismo, que se estende de forma mais lapidada e madura no segundo disco, Gone Now. 

Dessa vez, o caminho é um pouco diferente, ainda mais vintage e menos eletrônico, mas fresco como nunca e livre como sempre. Em Take the Sadness Out of Saturday Night, Bleachers incorpora elementos da música clássica e deixa uma pontinha de country e blues crescer na essência indie pop rock do grupo. O primeiro cenário é formado pela épica 91, que joga as expectativas lá em cima ao abrir o disco. Já o segundo é expresso nos minutos livres, leves e soltos de How Dare You Want More e Stop Making This Hurt, canções impossíveis de não constarem nas trilhas sonoras daqueles filmes dos anos 2000 que estão na nossa lista de favoritos da vida. O terceiro, por sua vez, surge determinado na sonoridade de Big Life e tímido na serenidade complexa de Strange Behavior.

A vibe de Take the Sadness Out of Saturday Night ainda é brincar de ser boomer ao lado de Bruce Springsteen e voltar para as experiências jovens adultas de 2021 com Lana Del Rey. Junto dos vocais da diva indie, a melhor canção do álbum acalma os ânimos de quem se genuinamente gosta do que faz para saborear com mais tranquilidade a obra de Bleachers na companhia de 45 e What’d I Do With All This Faith?. Entre as guitarras, baterias, saxofones, teclados e sintetizadores, está uma música vivaz, única, criativa, temperamental e certeira, que varia conforme o momento e conforme seus membros. A âncora de tudo é a preciosa mente musical de Jack Antonoff, que longe da pompa do pop, nunca decepciona os que a compreendem. – Raquel Dutra

EPs

Samia – Scout

Como a própria cantora Samia Finnerty descreve, seu EP mais recente, Scout, é a irmã mais velha moral de The Baby, o álbum de estreia da norte-americana. Com sonoridades muito similares às do trabalho anterior, as quatro faixas inéditas se diferenciam pelas suas letras mais maduras.

As canções compostas por Samia exploram temas como amizade, vulnerabilidade, amadurecimento, sentimentos conflitantes, relações familiares e amorosas. Cantando os próprios sentimentos e experiências, citando até nomes nas faixas, a voz suave da norte-americana embala o melodrama atraente de Scout. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Dean – Growth

Reunindo os dois singles lançados em 2021, Olivia Dean traça um paralelo entre os seus cabelos e o seu crescimento pessoal no EP Growth. Produzido durante a pandemia, o novo trabalho da cantora capitaliza na sua bela voz e em instrumentos que a complementam, especialmente o piano.

Apesar de conter os ótimos singles Be My Own Boyfriend e Slowly, o grande destaque do disco vai para Cross My Mind, a terceira faixa, que parece liberar toda a tensão contida nas duas primeiras, dando voz ao crescimento de sua artista e finalmente deixando suas asas se abrirem. Juntando novos sons de jazz ao seu repertório, Olivia Dean cria uma adição forte à sua crescente discografia e reforça seu lugar como uma das vozes emergentes da cena indie britânica. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Yves Tumor – The Asymptotical World EP

Sempre com looks ousados e fugindo de rótulos, Yves Tumor é provavelmente um dos nomes mais significativos da música eletrônica experimental a ultrapassar o underground nos anos recentes. Com o EP The Asymptotical World, Tumor mantém a espacialidade e a energia que caracterizaram seus lançamentos recentes, mas com forte ênfase na guitarra. 

Por mais que o trabalho tropece ao se aproximar demasiadamente de um rock pouco inspirado, ainda há momentos energéticos voltados à experimentação pura como em Tuck, ou potência das cordas da guitarra elétrica em Katrina, faixa que encerra o EP. Mesmo não apresentando todo o potencial para o inusitado que transparece em sua carreira multifacetada até aqui, The Asymptotical World tem bons motivos para agradar os fãs– João Batista Signorelli

Overdrive Saravá – CIGARRA

A música brasileira contemporânea é perfeitamente contemplada no novo EP de Overdrive Saravá. Da mistura de ritmos produzida pelos vocais de Gregory Combat, baixo de Matheus Freire, guitarra de Thiago Henud e bateria de Caio Dalmacio, nasce um grupo  fundamentado nas tradições nacionais e influenciado pela atitude do rock, como o próprio nome da banda sugere ao misturar o imaginário da brasilidade com uma definição sonora do gênero.

Depois de demarcar essas premissas no álbum de estreia autointitulado, o grupo se aprofunda na estética com alguns encaminhamentos específicos em CIGARRA. Mais político, livre e encorpado, o trabalho de Overdrive Saravá agora procura alcançar novos espaços através. E através de O Mar, João do Amor Divino e Entrevero, assim o faz. – Raquel Dutra

Tkay Maidza – Last Year Was Weird, Vol. 3

O terreno explorado por Tkay Maidza desde o primeiro volume de sua trilogia de EPs foi vasto. A rapper australiana, nascida no Zimbábue, cria melodias próprias e transforma qualquer oportunidade de rima e composição em aventuras de exploração. A capa de Last Year Was Weird, Vol. 3 representa com exatidão a pegada do trabalho: futurista e frutífera, mas ainda sensível (é só dar play em Cashmere, logo ali embaixo, pra sentir o gostinho).

Enquanto reflete sobre a estranheza do “ano passado”, conceito que premeditou a pandemia que nos tranca em casa por bastante tempo, Tkay Maidza se desdobra em rimas catárticas e ácidas ao extremo. Kim, a faixa mais despojada do registro, é a melhor vitrine de seu talento. Cantando sobre a personagem Kim Possible, Maidza se coloca no centro da ação, e, entregando som foda atrás de som foda, por Deus, que ela continue exatamente lá. – Vitor Evangelista

Músicas

Lorde – Stoned at the Nail Salon

Segundo tira-gosto do vindouro Solar Power, o novo single de Lorde é um mergulho nas águas geladas da incerteza adulta. “Tem um ossinho da sorte no parapeito da janela da minha cozinha/Só para o caso de eu acordar e perceber que fiz a escolha errada”, ela canta em uma das aberturas mais fortes da carreira. A partir daí, a kiwi mais querida do mundo desata a desabafar sobre o período entre-safras de sua vida. Quando está em turnê, sente falta da vida pacata, e quando está no salão de manicure no terceiro copo de limonada, sente falta do alvoroço dos shows.

Como já é de praxe, Lorde relaciona questões muito particulares de sua vivência como uma super estrela com visões mundanas. Em Stoned at the Nail Salon, o rabo do foguete é mais metafórico que o usual, vale o ressalve. A batida calminha, acompanhada de cordas agradáveis, enfraquece o soco da composição, mas não é nada que oblitere o senso artístico de Lorde e Jack Antonoff, principal colaborador desde o longínquo Melodrama.

Cantando sobre a brevidade de tudo que nos cerca, Lorde muito mais aconselha do que divaga, e sempre que está prestes a tomar uma decisão, ela volta atrás e admite a incerteza, afinal, ela só poder estar chapada no salão de beleza, é óbvio. Para agora, é gratificante ouvir lembranças de Pearl, o cãozinho que faleceu e desestabilizou a concepção do álbum tantos meses atrás, em “Eu amo essa vida que tenho/A videira pendurada sobre a porta/E o cachorro que vem quando eu chamo”. Poucas semanas antes de Solar Power eclipsar o mundo, a minha cantora favorita me abraça e prova que a espera sempre valerá a pena. – Vitor Evangelista

Caroline Polachek – Bunny Is A Rider

Após o aclamado Pang (2019), Caroline Polachek criou um clima de ansiedade do que estaria por vir em seus próximos projetos solos. Com o single Bunny Is A Rider, Polachek retorna em meio a assobios, preenchendo todas as expectativas do público ao apostar no seguro. Contando com a co-produção de Danny L Harle – parceria frequente de trabalhos passados –, a artista não foge dos conceitos cunhados no primeiro álbum mas não deixa de entregar um delicioso hit, prévia do que vem em seguida.

Nas palavras da própria Polachek: “‘Bunny Is A Rider’ é uma jam de verão sobre não estar disponível. Bunny é escorregadio, impossível de segurar. Talvez seja uma fantasia, talvez seja uma atitude ruim. Mas qualquer um pode ser Bunny, pelo menos por três minutos e dezessete segundos.” – Ayra Mori

Angel Olsen – Gloria e Safety Dance

Depois da melancolia no álbum All Mirrors, e de remoer ainda mais aqueles sentimentos ao reinterpretar as mesmas canções em Whole New Mess, já passava da hora de Angel Olsen voltar a trazer algumas cores para sua vida. E essa parece ser justamente a proposta de seu próximo EP, trazendo covers de hits dançantes dos anos 80. Em Gloria e Safety Dance, os dois singles do EP divulgados no último mês, ela faz uso de sintetizadores e pesa fortemente no efeito reverb, do mesmo modo que fez em All Mirrors. Com a mesma beleza épica, mas sem os anseios e as lágrimas, as releituras de Olsen anunciam uma nova fase menos monocromática na carreira da cantora-compositora. – João Batista Signorelli

CHVRCHES – Good Girls

Completando tematicamente a trilogia de singles do disco Screen Violence antes do seu lançamento em agosto, Lauren Mayberry está de volta para afirmar que não é boa moça. O novo single de CHVRCHES, Good Girls, é o mais energético dos três, captando toda a frustração de sua vocalista contra a erradicação da “menina má” em narrativas de terror.

Adicionando uma pitada de explicitude em sua letra (“Matar seus ídolos é tão chato/Entediante pra caralho/Mas não precisamos mais deles”), CHVRCHES entrega o melhor single de Screen Violence até agora, dando voz a sentimentos intensos e reflexivos. A pista final dos temas a serem explorados na próxima geração de sintetizadores da banda, Good Girls marca a discografia dos escoceses da melhor maneira possível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Letrux – I’m Trying To Quit

I’m Trying To Quit é o single de abertura do mais novo projeto de Letrux, que trará composições antigas da cantora e nunca antes gravadas. A música foi escrita em 2013 – anos que Letícia disse ter sido o mais insano de sua vida. A letra bilíngue é carregada de emoções que explodem no vocal de Letrux. A guitarra elétrica adiciona uma angústia I’m Trying To Quit, mostrando a dimensão do quão fundo é o buraco dos vícios. O single também ganhou um clipe dirigido por Clara Cosentino, que elucida toda abstratividade da solidão e acende o alerta de perigo. – Ana Júlia Trevisan

Troye Sivan – could cry just thinkin about you (Full Version)

O sucesso artístico e salto emocional do EP In A Dream colocou as composições de Troye Sivan em outro nível. O australiano, que cada vez mais se abre e se permite explorar territórios distintos em suas canções, agora lança a versão completa de could cry just thinkin about you, o hinário de sofrimento que aparecia como interlude no trabalho de 2020. Disponibilizada após um show ao vivo de Sivan, a música machuca em todos os pontos certos, e até quem nunca traiu o parceiro sente a dor ensanguentada do par de chifres que Troye botou no namô. – Vitor Evangelista

BTS – Butter / Permission to Dance

O mundo do k-pop não para. A temporada está lotada de ótimos lançamentos, então é claro que os queridinhos da Coreia – e do mundo – não poderiam ficar de fora. Com duas músicas e suas versões instrumentais, BTS cria um mini-álbum bem colorido para pintar a vida de seus ouvintes, mais uma vez.

Butter, lançada originalmente em junho, segue uma temática mais romântica, e as piscadinhas dos membros para as câmeras são de deixar qualquer um sem fôlego. Quando o clipe começa, todos bem estilosos em seus ternos, é possível entender o porquê uma grande legião de adolescentes se apaixonou pelo grupo. Realmente, Taehyung, BTS é quente como o verão.

A beleza dos garotos, porém, não é a única coisa que cativa. A letra positiva de Permission to Dance traz esperança para quem estiver ouvindo. Na coreografia do music video, símbolos da língua de sinais foram incluídos levando palavras sobre alegria e paz. BTS quer – e vai – levar sua mensagem para todos. – Mariana Chagas 

Shakira – Don’t Wait Up

Um dos retornos mais esperados aconteceu em julho de 2021. E infelizmente, não foi como o esperado. O single Don’t Wait Up traz um vislumbre do 12º disco de Shakira prometendo novidades para o mercado mundial, uma vez que a artista tem se concentrado na música latinoamericana nos últimos anos. Pois bem, aí aconteceu que, tirando as teias de aranha dos seus estúdios, Shakira caiu num deprimente refrão de balada hétero, dá pra acreditar? E mais infelizmente ainda, isso é tudo o que precisamos saber sobre sua nova música. – Raquel Dutra

Coldplay – Coloratura

Chris Martin definitivamente cansou do planeta terra. Depois de uma viagem por diversas culturas no álbum Everyday Life, tudo indica que para o próximo CD ele estará levando o Coldplay para bem longe do cotidiano e dos problemas mundanos, o que fica claro no segundo single para o nono trabalho de estúdio da banda, que será intitulado Music Of The Spheres. Se Higher Power, a canção anterior, parecia apenas mais daqueles hinos pop repetidos pela banda à exaustão, Coloratura é uma faixa ambiciosa que expande os horizontes de Martin e sua trupe, ou melhor, vai para onde não há horizontes. Literalmente. 

A faixa mais longa já gravada pelo Coldplay, com 10 minutos de duração, nos leva de balão a uma jornada entre as estrelas, luas de neon, e além. Segmentada em diversas sessões instrumentais além dos versos da canção, Coloratura remete diretamente às longas peças de rock progressivo eternizadas por grupos como Pink Floyd e Yes; não à toa, as cordas do refrão ecoam Comfortably Numb da primeira à última nota. De qualquer modo, da harpa ao glockenspiel, Coloratura mostra que o Coldplay está disposto a explorar além de sua zona de conforto, e torçamos para que as próximas faixas, inclusive as com títulos impronunciáveis, façam o mesmo. – João Batista Signorelli

Alessia Cara – Sweet Dream e Shapeshifter

A cantora canadense Alessia Cara vem experimentando diversas sonoridades através de EPs e parcerias desde seu segundo álbum de estúdio, The Pains Of Growing, onde abordava o contraste entre a dor de amadurecer e a suposta alegria da juventude. O novo disco, ainda sem título anunciado, pretende ampliar ainda mais a discussão sobre dualidades como indica as duas músicas lançadas como singles: Sweet Dream e Shapeshifter.

Em Sweet Dream, a cantora narra as dificuldades que tem com a insônia e como isso transforma o período onde deveria descansar em um caos existencial. O clipe lançado junto com a música estabelece uma atmosfera de sonho com pitadas de pesadelo, enquanto a sonoridade une melodias de canções de ninar ao pop com traços de trap que vem dominando a rádio nos últimos anos. Uma mistura inusitada que só funciona por conta da composição sagaz e do carisma da cantora.

Já em Shapeshifter, ela entrega a canção mais sofisticada de sua carreira. Ao lado do produtor Salaam Remi, que trabalhou em várias músicas de Amy Winehouse (artista da qual Alessia se declara fã), ela não esconde suas influências, ao contrário, Alessia as transborda. A letra explora os sentimentos conflitantes após uma decepção amorosa onde o rancor é tanto que a linha entre repulsa e desejo se confunde, assim como a percepção sobre quem a pessoa amada é. – G. H. Oliveira

Conan Gray – People Watching 

Que Conan Gray é um hopeless romantic já ficou bem claro. Mas depois de uma longa temporada gostando da mesma pessoa – o que rendeu um EP, um álbum e alguns singles -, o cantor parece ter finalmente desapegado. Conan poderia aproveitar as férias e descansar um pouco seu coração sofrido, mas o garoto já está pronto para mais uma jornada no mundo perigoso e incrível dos romances. 

Em People Watching, o artista volta a se reunir com Dan Nigro para cantar sobre querer se apaixonar. A letra começa narrando o relacionamento de sua melhor amiga, Ashley, que inclusive apareceu no clipe. A surpresa dos fãs foi tanta que levou o nome da jovem para os assuntos do momento. Em um namoro há muitos anos, Ash é apenas uma das pessoas que o cantor assiste enquanto sofre sozinho. Se até Conan Gray se sente carente, quem somos nós para não nos sentirmos também? – Mariana Chagas

Thom Yorke e Radiohead – Creep (Very 2021 Rmx)

Mesmo tendo sido a grande responsável por emplacar o Radiohead no cenário do rock alternativo no início da década de 90, Creep não levou muito tempo para deixar a banda cansada a ponto de se recusar a tocá-la por anos. Talvez seja pelo fato de que, apesar do que diz a canção, Creep não era “esquisita” o suficiente para competir com qualquer coisa que o conjunto tenha feito nos anos seguintes. Quase 30 anos depois, o vocalista Thom Yorke vem finalmente fazer jus à letra nesse novo remix da canção. Ao literalmente deformar o indesejado hit, estaria ele fazendo as pazes com o passado? Ou apenas zombando das expectativas dos fãs?

Intitulado como Very 2021 Rmx (algo como “Remix muito 2021”), Yorke nesse lançamento obviamente não quis dar ares de Olivia Rodrigo ou Lil Nas X para Creep, pelo contrário. A partir da versão acústica da música (a melhor delas), ele a destitui de qualquer característica que possa tê-la transformado em um sucesso. O tempo aqui é estendido a ponto de distorcer a qualidade do áudio original ao longo de 9 minutos carregados por uma atmosfera melancólica. O grande momento fica a cargo da entrada dos sintetizadores a partir no segundo verso, que dão sustentação para o resto desta estranha versão. Thom Yorke finalmente resolveu voltar ao seu passado, mas só para acabar com ele de vez. – João Batista Signorelli

Silk Sonic – Skate

Para o bem ou para o mal, estamos finalmente diante de um sucessor para Leave The Door Open. Depois do sucesso estratosférico de seu primeiro single, Silk Sonic volta a se divertir pela música dos anos 80 por iniciativa de Bruno Mars e Anderson .Paak. A estética de Skate é exatamente a mesma que bombou em todos os últimos meses (também, para o bem ou para o mal, considerando que essa é a intenção, mas precisa realmente ser sempre assim?). Agora, a dupla talvez só esteja menos manhosa. Todo o resto, no entanto, é como sempre: despojados e românticos até demais, os músicos seguem apegados aos seus instrumentos e babando nas mulheres que cruzam seu caminho. – Raquel Dutra

Imagine Dragons – Wrecked 

Passar pela fase de luto, com certeza, é uma das piores sensações que já vivenciei. Parece que, quando somos menores, esse sentimento agonizante consegue se dissipar (ou pelo menos, enfraquecer) com mais facilidade. Falando de uma pessoa que recentemente passou por isso, é difícil visualizar uma luz no fim do túnel numa dor que é impossível mensurar. Dizem que extravasar emoções, seja por lágrimas, gritos e afins, é a maneira mais fácil de amenizar a perda. Dan Reynolds decidiu atenuar sua tristeza em uma canção para Imagine Dragons e o resultado não podia ser mais impressionante. 

Sendo a música um subterfúgio para artistas puderem demonstrar seus sentimentos, Reynolds usou melodias dramáticas para tentar lidar com a perda da cunhada por um câncer. Seguido de uma percussão incessante e ritmada, o refrão é quase um suplício, um grito de angústia e sofrimento. É quase impossível não se emocionar quando ele pergunta, como é que eu vou seguir em frente? Sim Dan, dizem que o tempo cura, que a dor vai embora, mas a inquietude e a amargura estão presentes, ainda que existam momentos em que elas adormeçam. 

Depois de uma pausa na carreira, a banda soltou duas músicas em março deste ano que devem fazer parte do novo álbum Mercury – Act 1, com previsão de lançamento para setembro. Tendo Wrecked como terceiro single, essa nova produção não deve falhar no quesito sucesso, algo difícil de acontecer para Imagine Dragons. – Júlia Paes de Arruda

PVRIS – Monster

Após a notícia de que entrariam em uma nova era e dariam uma repaginada em seu visual, o duo PVRIS nos presenteou com um novo single no fim de julho, com a promessa de mais duas novas músicas durante seu tour nos Estados Unidos em agosto. Se apoiando ainda na batida eletrônica pesada e sombria que marcou seu último álbum, Monster faz um ótimo uso dos vocais de Lynn Gunn, criando uma melodia cadenciada, misturando hard rock rock com dark pop. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Cazuza – Mina

Sem dúvidas, Cazuza é um dos poetas mais geniais que o Brasil já teve o prazer em chamar de filho. Partindo cedo, em 1990, com apenas 32 anos, suas músicas ainda são cultuadas por todo bom amante de música nacional. Agora, mais de três décadas após sua morte, uma nova gravação foi descoberta no fundo do baú da imortal obra, e relançada no dia que o cantor faria aniversário. 

Mina bebe da mesma fonte de Garota de Bauru. A música conta com a parceria de George Israel e Nilo Romero, e é inspirada em uma briga de bar em Minas Gerais. A faixa foi gravada para o álbum Só se for a dois, mas não chegou a versão final e ganhou novos arranjos refeitos por Nilo. Mina é viciante, diferente do que estamos acostumados a ouvir de Cazuza, mas ainda assim com a forte assinatura do gênio. Para completar a comemoração, Mina também ganhou um clipe animado para acompanhar a saudosa voz de Cazuza. – Ana Júlia Trevisan

Violet Chachki & Allie X – Mistress Violet

Entre vencer a sétima temporada de RuPaul’s Drag Race e se tornar um ícone da moda, a drag queen Violet Chachki mostrou que não está para brincadeira. A empreitada da vez é na Música, ao lado da musa canadense Allie X, na sedutora Mistress Violet. A batida retrô-futurista nos transporta para a pista de dança, enquanto o visual extravagante e camp é brindado pela pompa que apenas uma superstar como Chachki possui. – Vitor Evangelista

Isaac Dunbar – celebrate

Para quem ama pop alternativo, a discografia de Isaac Dunbar está cheia de faixas imperdíveis. E a coleção de músicas boas não para pois, desde o início de 2021, o cantor vem trazendo novidades. Depois do EP evil twin ser lançado em fevereiro, Isaac volta com um alegre single: celebrate. 

Em um momento de tantas desgraças acontecendo, Isaac quer dar a volta por cima. O ritmo dos anos 80 se casa com a voz forte do artista e constrói uma canção perfeita para, em um mundo utópico onde a pandemia não existe, cantar bem alto em uma festa e se deixar levar pela melodia. 

Em versos que parecem quase pessimistas, o cantor conta alguns desabafos e desculpas já usados por ele mesmo para continuar em um lugar ruim de sua vida. A reviravolta vem no refrão, onde Isaac convida seus ouvintes a celebrar suas dores, ao invés de se afundar nelas. Apesar de estar sendo difícil achar motivos para comemorar ultimamente, a canção pode plantar um pouco de esperança em nossas cabeças exaustas. – Mariana Chagas

Julho foi mês de celebrar o primeiro aniversário do melhor feito de Taylor Swift nos últimos anos. No dia 24, folklore completou um ano de lançamento, e o presente da artista para os amantes de seu oitavo álbum foi a versão original de the lakes, faixa bônus do disco que acabou se transformando numa das que melhor representa a identidade maravilhosa de folklore. Muito mais acústica e retrô do que a que integra a tracklist da versão Deluxe do disco, a canção ainda representa a habilidade de sua compositora e intérprete, que transformou seu período de isolamento social numa obra repleta de beleza e criatividade. Sejam em antros espirituais de de poetas, uma infância na Pensilvânia ou em amores adolescentes de verão, o desejo para o primeiro aniversário de folklore é que Taylor Swift continue nos levando para onde suas histórias forem. – Raquel Dutra 

MARINA e Tove Lo – Venus Fly Trap (Kito Remix)

Com o sucesso que seu quinto álbum gravado em estúdio tem atingido, a cantora e compositora britânica MARINA lançou um novo remix do single Venus Fly Trap. Uma das aclamadas faixas do disco Ancient Dreams In A Modern Land agora ganhou uma versão produzida pela DJ e produtora australiana Kito, que também contou com a participação vocal da cantora sueca Tove Lo. Vale relembrar que este não é o primeiro remix do hit, anteriormente MARINA trabalhou em parceria com Blossom em uma outra versão que foi lançada logo depois da estreia da música original.

Conhecida por seu estilo que mistura indie-pop e new wave, neste novo álbum não foi diferente, que ainda veio com letras carregadas de tons críticos. Inclusive no clipe original de Venus Fly Trap, MARINA traz em cena a representação de um estrela do cinema passando pelas várias eras de Hollywood, destacando os estereótipos femininos que surgiram ao longo da história do Cinema. Agora, neste novo remix, a canção tomou uma vibe mais dançante, com direito a adição de versos de Sunshine Kitty, álbum de Tove Lo. E a conclusão que temos, é de que Venus Fly Trap fica mais viciante a cada versão. – Gabriel Brito de Souza

Aly & AJ – I Need My Girl

Após o lançamento de seu novo álbum de estúdio em maio deste ano, as irmãs Michalka não demonstram sinais de querer parar. Depois de sua estreia no Lollapalooza, Aly & AJ disponibilizaram seu cover de I Need My Girl, da banda The National, que elas já haviam tocado ao vivo algumas vezes antes. A voz de Aly entra em primeiro plano, carregando a letra melancólica com poucas alterações da melodia, mas com a harmonia de AJ adicionando profundidade e peso à canção. – Gabriel Oliveira F. Arruda

AURORA – Cure For Me

O Mês do Orgulho pode ter acabado, mas a luta da comunidade LBGTQIA+ continua. Dentre tantas violências físicas e psicológicas que o grupo sofre diariamente, talvez uma das mais absurdas é a tentativa de criação de uma cura gay. E é contra esse crime que AURORA canta em Cure For Me. 

O single demorou dois anos para ser visto como uma música de potencial. Pronto desde 2019, foi apenas agora que a equipe da cantora achou que seria bom o lançamento. Mas a demora valeu a pena. A nova era, disse AURORA para a NME, será recheada de músicas políticas floreadas por uma batida leve, e Cure For Me carrega bem esse conceito. 

Quando questionada sobre a resposta do público, AURORA confessou não ter medo de perder seguidores que vão contra os direitos humanos. Mesmo assumida como parte da comunidade há anos, a cantora confessa que a música não é sobre ela, mas sobre aqueles que mais tiveram e têm que lutar para terem o direito de serem quem são. “Não há cura, e nunca deveria haver cura para quem você é e como nasceu”, comenta em entrevista. – Mariana Chagas 

ARON – Me Reces

Ok, acho que já posso parar de defender a carreira musical de Arón Piper. Após inúmeros erros e pouquíssimos acertos, é necessário perceber que ARON, como decidiu assinar, é preferível como ator (na maior parte do tempo) do que como músico. Ainda que as pausas dramáticas sejam positivas para introduzir o verso principal de Me Reces, o alemão sempre peca no mesmo ponto: o abuso de auto-tune. Não que o uso de tal ferramenta seja errada, mas sua exagerada aplicação desfavorece todo o trabalho que ele pretende construir. É como se enxergássemos duas personalidades extremamente contrastantes dentro de uma composição, vomitando emoções de forma ritmada. Desculpa Arón, mas acho que você deveria repensar suas concepções musicais. – Júlia Paes de Arruda 

Normani e Cardi B – Wild Side

Após quase dois anos do lançamento da finada Motivation, Normani se despede de vez do colorido pop de seu passado e reinventa sua identidade sonora com o seu mais novo single, Wild Side. Servindo como o carro-chefe de seu antecipadíssimo álbum de estreia, a canção canaliza a energia gloriosa de Aaliyah e consegue entregar, com ressalvas, um debut sólido de Normani no R&B. 

Financiado parcialmente pela cantora, o videoclipe eleva Wild Side para outro patamar, e a coreografia excepcional de Normani consegue chamar até mais atenção que a música em si. O que desencanta é o rap nada marcante de Cardi B. O flow desanimador da rapper não soa nem um pouco com nenhum dos versos icônicos de sua discografia, e também desacelera totalmente a construção da canção, que se torna esparsa e desajustada.

No entanto, a faixa ainda consegue retornar majestosamente no último minuto, com direito a uma deliciosa outro e a belíssimos adlibs. Wild Side não deixa dúvidas: Normani tem tudo para se tornar um dos grandes nomes do R&B. Agora, o que resta é esperar para ver se ela finalmente vai levar a era adiante. – Laís David 

Khalid – New Normal

Uma semana antes de lançar New Normal em todas as plataformas digitais, Khalid a pré-estreou ao vivo, no primeiro voo da aeronave Unity 22 Virgin Galactic em 12 de julho, quando o fundador da Virgin Galactic, Richard Branson, voou por cerca de 20 minutos. Para a Rolling Stone, o músico contou que o single era a forma de contar a ansiedade do último ano pandêmico. 

O single, que saiu oficialmente – com clipe – no dia 21 de julho, é a entrada do 4º álbum de Khalid, Everything Is Changing. New Normal desenha o trabalho que virá: um melodrama de vocais baixos, o mínimo de beat possível, e arranjos doces. É como um belo dia de primavera, muito bem explorado pela voz de Khalid. Letra e clipe não conversam bem, ambos abordam a mudança tecnológica e a era do “novo normal” pós pandemia, mas enquanto o clipe é estático e confortável, a letra causa desesperança. – Nathália Mendes

HAIM – Cherry Flavored Stomach Ache

Parte da trilha sonora do novo filme da Netflix que provavelmente poucas pessoas viram apesar dos nomes grandes no elenco, Cherry Flavored Stomach Ache é uma adição curiosa à discografia das irmãs Haim. Começando mais acelerada que as faixas mais recentes da banda, o novo single parece ansioso para acabar antes mesmo de começar, custando para fazer com que o ritmo engate, apesar do som surpreendente de uma gaita surgir para acompanhar os vocais excelentes de Danielle. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melim e Alok – Somos 

Fugindo das notas acústicas que definem Melim, o trio se reuniu com o DJ Alok para conduzir o ritmo de Somos. Criado para beneficiar o projeto Criança Esperança, o single tem uma mensagem positiva a respeito de união e amor, ensinamentos inseparáveis da banda. Com as batidas de Alok, a canção ganha um compasso mais coreografado, ganhando passinhos espontâneos ao ouvi-la. Por isso, além de apreciar uma música animada e otimista, cada play equivale a um valor doado ao projeto da Globo. Está esperando o que para ouvir? – Júlia Paes de Arruda

Big Red Machine e Taylor Swift – Renegade 

Aaron Dessner e Taylor Swift já provaram ser uma ótima dupla meses atrás, quando um álbum recheado de música dos compositores ganhou a maior categoria no Grammy. A química entre os artistas foi tão boa que, dessa vez, Aaron chamou a loirinha para cantar no álbum de sua banda com Justin Vernon. 

How Long Do You Think It’s Gonna Last? vai sair em agosto e Big Red Machine já deu um gostinho do que está por vir. O indie rock na voz de Taylor desabafa sobre amar alguém que nem mesmo se ama, e as dificuldades que transformam um relacionamento em desastroso. Acompanhada pelo instrumental da banda, a letra é agressiva mas também divertida. Mesmo sem apelo comercial, Renegade debutou na 73ª posição da Billboard Hot 100. – Mariana Chagas

Lil Nas X & Jack Harlow – INDUSTRY BABY

Não é de hoje que Lil Nas X mostra para o que veio à indústria musical, e o quão caricata é a sua imagem. Em sequência do sucesso de MONTERO (Call Me By Your Name), ele quer mais com o lançamento de INDUSTRY BABY, single em parceria com o rapper Jack Harlow e produção de Kanye West. Todo o trabalho tem sido coeso com seu estilo, criando expectativas para o primeiro álbum Montero, ainda sem data de estreia e com um possível vazamento das faixas na internet. 

Desde Old Town Road até aqui, Lil Nas segue o caráter sexual, a batida de rap com backgrounds variados e a audácia em fazer mais do que Música. Em INDUSTRY BABY, a letra e o fundo são complementares, já que o rap enfatiza os prêmios do cantor e o back é uma sinfonia acompanhando a batida. No single que quebrou a internet na madrugada do dia 23 de julho, o rapper diz que avisou “on the road” – na estrada – que ele era o que a indústria precisava. Com razão.

O clipe é revolucionário. Um presídio masculino com uniforme rosa pink, muitas críticas sociais e conotação sexual performam uma provocação. Todo o dinheiro arrecadado nas plataformas irá para o Bail X Fund, um fundo criado na organização The Bail Project para tirar negros presos nos Estados Unidos por infrações leves. Assim, Nas constrói sua música fielmente ao que é e o que vive, do processo da Nike ao racismo diário, afinal, ele não corre de nada, cachorro. – Nathália Mendes

Adriana Calcanhotto – Veneno Bom

A pandemia aflorou composições em muitos artistas, afinal, apenas a arte para nos livrar desse inferno. No Brasil, o destaque para álbuns de quarentena, sem dúvidas, fica com Adriana Calcanhotto que lançou Só em 2020, com nove canções. Esse mês, a cantora revelou que uma música ficou de fora da tracklist a pedido de Maria Bethânia. Adriana conta que enviou todas as composições para a menina de Oyá, que comentou uma delas usando a expressão Veneno Bom. Apenas essa frase foi suficiente para que no outro dia a cantora usasse seu dom melódico para escrever uma letra que traduz a dualidade de romances lancinantes, sendo batizada com a expressão de Bethânia. – Ana Júlia Trevisan

Camila Cabello – Don’t Go Yet

No mês de julho, Camila Cabello retornou de um longo hiatus para lançar o primeiro single de seu terceiro álbum de estúdio, Familia. Numa tentativa cansativa de homenagear suas raízes latinas, Don’t Go Yet não replica o sucesso de Havana ou o romantismo dinâmico de Never Be The Same, e também falha ao entregar vocais desajustados e uma produção extremamente tumultuosa.

No entanto, ela conseguiu tornar a faixa pior. Na performance de estreia de Don’t Go Yet para o The Tonight Show, Cabello provou que, além de péssima, ela continua problemática. Para tentar entrar no conceito estereotipado da apresentação, um dos dançarinos da cantora fez uso de blackface, que é o ato racista de pintar a pele para satirizar pessoas negras. Para piorar, ela tentou amenizar a situação com uma declaração mal feita no Twitter, alegando que a performance tentava “satirizar brancos excessivamente bronzeados” dos anos 80.

Racismo não é nem minimamente justificável, e é absurdo que, ao invés de escutar propriamente as observações da comunidade negra e se desculpar pelo feito, ela preferiu legitimar suas ações problemáticas em uma mísera justificativa no app de notas do iPhone. A partir de hoje, é melhor deixar Camila Cabello no passado. – Laís David 

Luke Hemmings – Motion

Mal superamos a chegada de seu primeiro single, e Luke Hemmings nos surpreendeu com mais uma música de seu próximo álbum solo. Totalmente contrastante com Starting Line e similarmente aos trabalhos de Troye Sivan, Motion tem um ar mais psicótico, mais alucinante, como se os sentimentos estivessem à mercê da loucura. Trabalhando com a desconfiança, as melodias traduzem uma incerteza do eu-lírico, como se o corpo funcionasse apenas por inércia. O movimento dos pensamentos é tão rápido que tudo acaba se tornando um borrão. Será o suficiente? Também não sei dizer, Luke. – Júlia Paes de Arruda  

Anná – Tico-tico no Fubá

Exagero, muito exagero! Um dos símbolos que a multiartista Anná herdou de Carmen Miranda é, com certeza, a extravagância. E isso está nítido em Tico-tico no Fubá, repaginação do clássico de Zequinha de Abreu, originalmente imortalizado na voz da Pequena Notável. Se as cores escandalosas da capa do single já davam pistas do que estava por vir, o videoclipe repleto de figurinos, adereços e maquiagens em cores neon chegou para comprovar que estamos diante de uma arte de excessos.

Com produção musical de Ubunto, a recriação de Anná mescla, com maestria, chorinho, pagodão baiano e música eletrônica. Mas as misturas não param por aí. Extrapolando o nível sonoro de criação, a cantora mocoquense funde também a coreografia dos braços de Carmen Miranda com o TikTok, em um diálogo criativo e frutífero entre tradição e vanguarda. Ainda sob a missão da música de colagem, o novo lead single da neta tropicalista prepara curioso solo para o álbum Bra$ileyrah, previsto para sair ainda neste ano. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone – Motley Crew

Premeditando um quarto álbum, Malone voltou em julho com o single e o clipe de Motley Crew, dois anos depois de sua última aparição. Sugerindo rimas pesadas para o futuro e apreciando a banda de heavy metal dos anos 80 Mötley Crüe, o single é um tributo. Além de reforçar a caminhada do rapper com sua gangue de grandes nomes, dentro e fora da indústria, que amam correntes brilhantes.

Uma rima clara e um refrão recheado de referências retoma o rap de beat forte de Malone, um pouco apagado no seu último álbum, Hollywood’s Bleeding. Mas os traços do pop permaneceram, e a batida bem feita – influência do metal de Mötley Crüe, é quebrada em um pré-refrão melodioso. A música, letra e clipe casam muito bem, todos erguendo o pedestal da gangue de Malone no topo do mundo. – Nathália Mendes

Jennifer Hudson – (You Make Me Feel Like A) Natural Woman

E a Aretha Franklin dos cinemas não cansa de alimentar as expectativas sobre a cinebiografia da diva do soul. Mais uma vez, estamos maravilhados com a performance de Jennifer Hudson nas canções sagradas de Franklin, que agora, interpreta um dos maiores sucessos da artista. Aretha ficou marcada na história com (You Make Me Feel Like A) Natural Woman, e Hudson se sente como uma verdadeira estrela da música na trilha sonora de Respect, que finalmente chega até nós neste mês de agosto. – Raquel Dutra

Clipes

Twenty One Pilots – Saturday

Que a Twenty One Pilots gosta de inovar não é novidade. Dessa vez, direto de um submarino em uma paisagem gelada, o duo norte-americano levou o título Scaled and Icy a sério no videoclipe de Saturday. Da festa neon submersa seguida de um monstro aquático às guitarras animadas lado a lado de pianos calmos nas faixas do CD, o single renova a mistura contrastante entre o colorido e o sombrio que marca a nova era da dupla.

Também não é novidade que Josh Dun e Tyler Joseph não costumam casar as letras das canções com as histórias dos vídeos, o que já rendeu clipes dos mais performáticos aos mais cinematográficos. Com as referências ao universo fictício criado por eles mais tímidas do que em Trench, mas igualmente instigantes e sempre divertidos, o melhor single do álbum até agora, a dançante e animada Saturday ganha um clipe à altura. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless (Official Alternate Ending Video)

Se tem alguém que não cansa de inovar em seus trabalhos, essa alguém é Madison Beer. Depois de uma era futurista com clipes recheados de tecnologias e até viagens espaciais, Beer volta à Terra e se perde na natureza. O clipe original de Reckless foi lançado junto à música em junho, e, um mês depois, a artista deu mais um gostinho do vídeo ao liberar sua versão alternativa. 

Em Reckless (Official Alternate Ending Video), Madison traz um final menos dramático do que antes. Passeando entre diferentes ambientes, o clipe é tão visualmente agradável que ver apenas uma vez não é o suficiente. Dirigido por Amber Park junto da própria cantora, Reckless é uma das melhores produções visuais da carreira de Madison Beer. – Mariana Chagas

Paul McCartney e Beck – Find My Way

Um jovem Paul McCartney nos leva por uma viagem psicodélica entre os corredores de um hotel à medida que os ambientes se transformam gradualmente, tornando-se cada vez mais inusitados e adoidados. Essa poderia facilmente ser uma cena de Magical Mistery Tour, ou de alguma outra das outras aventuras audiovisuais psicodélicas que os Beatles embarcaram ao longo de sua carreira. Mas na realidade, se trata do novíssimo videoclipe lançado para acompanhar a versão de Beck de Find My Way para o álbum McCartney III – Imagined, uma coletânea de releituras de canções do último disco do cantor feitas por convidados ilustres. 

A versão de Beck para a canção é dançante, estranha e divertida, combinando perfeitamente com os corredores que mudam de cor, e com as distorções de imagem alucinantes. A estranheza é ressaltada pelos vocais que em nada parecem combinar com o sósia de McCartney, o que acaba sendo bem justificado pela surpresa do twist ao final do clipe. Find My Way diverte os fãs, e ainda abre brechas para tornar as teorias da conspiração de que Paul está morto ainda mais interessantes. Em resumo, vale a pena. – João Batista Signorelli

Luke Hemmings – Starting Line 

Depois de Ashton Irwin, Luke Hemmings decidiu dar a largada num novo trabalho musical solo. De acordo com o vocalista do 5 Seconds of Summer, seu álbum surgiu depois do ano de confinamento forçado, tentando compreender os últimos anos da sua vida até o presente momento. Coincidentemente ou não, sua linha de partida se deu no dia 30 de junho com a chegada de Starting Line. 

Similarmente aos trabalhos de 5SOS, Starting Line é magnética e teatral. Cada palavra que o músico canta é perceptível sua emoção. No verso estou perdendo todas essas memórias, talvez elas nunca foram minhas, conseguimos enxergar a raiva, a solidão e a agonia que o eu-lírico exalta pelas ruas de Los Angeles. Num clipe simplista estilo Harry Styles, Luke caminha, corre e sobrevoa as avenidas tentando seguir em frente, libertando-se de sentimentos torturantes. Sendo um extraordinário cantor e um excelente compositor, não restam dúvidas de que os próximos passos de sua carreira serão vitais para enfrentar as coisas as quais nos afastamos. – Júlia Paes de Arruda 

Alec Benjamin – The Way You Felt

Alec Benjamin, compositor do sucesso Let Me Down Slowly, também não tem nada para fazer na pandemia. O último ano deixou todo mundo um pouco doido e muito introspectivo. Passar tanto tempo sem poder ir para fora nos faz viajar para dentro de si mesmos, e foi no meio dessa jornada interior que Alec escreveu sua história. Em The Way You Felt: The Story, o cantor nos permite ler toda a sua verdade. 

A música, escrita em abril, só agora ganhou clipe. Nele, o cantor nos leva para todos os cantos de sua cidade e de sua casa que fizeram parte do seu falho romance. Mesmo sem citar nomes, a descrição tão detalhista da sua ex-namorada nos faz sentir saudade da garota. Esse talvez seja o resultado de tanta sinceridade colocada no vídeo. “Este clipe é o primeiro que eu fiz que me sinto 100% representado’’, comentou o artista em seu Twitter. – Mariana Chagas

Performance

Lucy Dacus no Tiny Desk

O melhor lugar para cantar músicas de um disco sobre a adolescência é uma sala de aula do Ensino Médio, pode acreditar. Lucy Dacus, então, aceita o convite do Tiny Desk e revive os traumas e temores e amores de Home Video, sentada à mesa marrom e cheia de livros e janelas nubladas ao seu redor, em sua alma mater em Richmond, Virginia. 

O repertório é curto, mas incrivelmente potente. O pontapé vem com Brando, a canção mais alto astral do CD, mas que esconde em sua composição traços da vulnerabilidade que fazem de Home Video um registro tão singular e vistoso. Ao lado da banda, Dacus ainda revisita VBS, sobre primeiras vezes e a juventude queer, e Going Gone Gone, uma ópera distante, mas profunda. 

Sozinha, a artista logo anuncia que Thumbs, a saideira da performance, é dolorosa. Cantando sobre abuso e relações familiares quebradas, ela grita em silêncio que, se a parceira quisesse, ela bem poderia enfiar os dedões nos olhos daquela figura malévola do outro lado da mesa. Entre o belo e o bruto, que bom que Home Video vive. – Vitor Evangelista

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Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.

Não poderíamos nos esquecer, ainda, da preciosidade em forma de EP que Selena Gomez entregou ao colocar em pauta toda a sonoridade latina em músicas na língua espanhola. Bem como é bom ficar de olho no mais novo compilado de Joshua Bassett, que com seu pop frenético trouxe a íntegra de sua versão da conturbada história com Olivia Rodrigo e Sabrina Carpenter. E é em meio a uma polêmica indicação ao gramofone de ouro – merecidamente perdido – que Justin Bieber lança seu sexto álbum, intitulado Justice.

Assim, em um mês de altos e baixos, no qual completamos um ano presos em casa, a Música conseguiu transparecer todos os sentimentos que gritamos entre quatro paredes. Da campanha #fuckthegrammys à realidade distorcida confidenciada por Demi Lovato, Março de 2021 conseguiu ser alvo de altos e baixos intensos que serão lembrados por muito tempo. Por isso, a Editoria do Persona, ao lado de seus colaboradores, comenta tudo isso e ainda mais sobre o que aconteceu no mundo da Música entre os CDs, EPs, singles, clipes e performances que mais marcaram os últimos 31 dias.

CDs

Genesis Owusu – Smiling with No Teeth

O australiano Genesis Owusu não está para brincadeira. Nascido em Gana, o rapper se mudou para a Oceania na infância, inserido num ambiente majoritariamente branco e nada parecido com suas raízes. A saída? Encarar tudo de cabeça erguida e, no processo, transformar sua dor em arte. Ele começou escrevendo contos, depois poesias, até finalmente chegar na Música.

Misturando suas diversas influências no debut Smiling with No Teeth, o cantor modula o rap, o punk e toques de pop para narrar as aventuras dos tais dois cães pretos que latem por quase uma hora. A alegoria, como ele esclareceu, é cultivada pela figura da depressão e do racismo. Buscando fugir dos estereótipos comuns e ter uma voz própria, Owusu evoca melodias quase sagradas no disco de estreia. “Eu sou o Prince, se ele fosse rapper e morasse na Austrália”, disse ao The Guardian. O sorriso desdentado pode nos fazer começar a acreditar nele. – Vitor Evangelista

Nick Jonas – Spaceman

A criatividade bateu na porta de Nick Jonas e o fez entregar obras-primas em formato de álbuns. Dessa vez, o cantor resolveu oferecer algo realmente intimista e profundo sobre seus sentimentos, principalmente por ser uma explícita declaração para sua esposa, Priyanka Chopra Jonas. A junção de euforia e agonia é traduzida ao longo de todas as músicas, especialmente por se tratar de um trabalho feito durante a pandemia. 

Desde Give Love a Try em JONAS, Nick sempre deixou claro que a música é a maneira mais sincera com que consegue se comunicar e transmitir suas emoções. É nítido essa expressão no álbum, usando diversos ritmos para se declarar para Priyanka. Ele transita entre o pop romântico usual em Deeper Love (num compasso muito parecido com I Feel It Coming, de The Weeknd) e versos mais sensuais e maliciosos de uma vibe anos 70 em Delicious. 

O alcance vocal do texano é o que o torna ainda mais admirável, cruzando notas baixas e altas em uma única canção. Não importa se estamos na calmaria ou no entusiasmo, todas as faixas do álbum nos presenteiam com um calor no coração. Não há como discordar que o querido irmão Jonas tem um talento imensurável em mãos. – Júlia Paes de Arruda

Black Honey – Written & Directed

Segundo as regras de distanciamento social, ainda não é seguro realizar grandes concertos musicais, mas isso não parece ter impedido Izzy B. Phillips e o resto da banda inglesa Black Honey de ter lançado um disco que implora para ser ouvido ao vivo. Written & Directed chega três anos depois do álbum de estreia do grupo, e os encontra mais amadurecidos musicalmente, mas ainda com o mesmo entusiasmo adolescente e contagiante pelas suas próprias melodias.

Black Honey está de volta e à procura de sangue. A vocalista confronta diversos adversários no decorrer das dez músicas que se seguem, desde o patriarcado e o conservadorismo até si mesma, ampliando a aura punk rock que já havia sido apresentada casualmente em Black Honey (2018), ecoando a estética punk britânica, mas mantendo uma musicalidade diversificada e ousada. Acompanhada pela guitarra eclética de Chris Ostler, o baixo venenoso de Tommy Taylor e a bateria discreta de Alex Woodward, a voz de Phillips é o que fecha os instrumentos em uma sinfonia rebelde e caótica que não perde nenhum momento do início ao fim.

Com uma abertura incrível composta por alguns dos singles já lançados, é em Run for Cover que Black Honey mostra a que veio: uma música alta, energética e feroz sobre sexualidade feminina em primeiro plano e escancarada. Descrito e cunhado pela banda como “vagina rock” (em oposição ao subgênero cock rock), as faixas de Written & Directed são a exaltação da perspectiva feminina sobre o rock’n’roll, ampliadas por um som amadurecido, mas nem um pouco interessado em se tornar previsível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Djonga – NU

No sentido metafórico ou no regional, Djonga está nu em seu novo álbum. O artista mineiro conhecido pelas letras combativas descasca seus sentimentos pessoais em seu quinto LP, expressando seus receios, alívios e satisfações, assim como o termo do título sugere no mineirês. Nada disso significa discursos suavizados ou letras desconexas do nosso contexto social. Os últimos meses sinistros que atingem com mais força uma parcela específica da população e as razões disso são elementos que continuam muito bem refletidos nas canções fortes de Djonga, acompanhados de sua riqueza lírica e metafórica de sempre e de influências de outros nomes e gêneros da música brasileira. 

Entre reflexões sobre o sucesso, solidão, racismo e desigualdade social, NU encontra contraste ao começar com a grandiosidade de Nós e terminar com o impacto de Eu, marcando também o retorno do rapper que nunca baixa a guarda em Ó Quem Chega. As narrativas são costuradas com suas referências musicais, que dão as caras no flerte com o rock brasileiro contemporâneo combinado à uma levada do samba que o disco mostra em Xapralá. O mesmo é com Vírgula, que cria um intertexto com o samba da década de 60 pensando na desigualdade social atravessada pelas questões raciais, tema aprofundado na cinematográfica Ricô.

A produção de seu fiel companheiro Coyote Beatz desacelera na confessional Me Dá a Mão, e dela nasce a íntima e romântica Dá Pra Ser?, lovesong que dança entre o R&B e trap com a participação doce de Budah. Entre si, todas as oito faixas funcionam muito bem, mas perto da marcante discografia do artista, a repetição temática e sonora pode alimentar críticas à produção. Lembrando do contexto delicado do artista, NU é familiar e modesto, sem novidades arriscadas e sem exageros. Quer dizer, nada de excedente além do peso da arte do trabalho, que pode ter marcado o último 13 de março em que ouvimos ineditamente uma coletânea de Djonga. – Raquel Dutra

AJR – OK ORCHESTRA

O terceiro álbum do trio de irmãos Adam, Jack e Ryan saiu no dia 26 de março desse ano, dando continuidade ao tom intimista, pessoal, autobiográfico e metalinguístico do segundo, Neotheater. Com um caráter ainda mais experimental musicalmente do que este, o álbum brinca, por exemplo, com uma sucessão de diferentes instrumentos que tocam a mesma melodia em faixas como Bummerland ou World’s Smallest Violin. Ele também experimenta efeitos que lembram músicas dos anos 40 e 50, como em 3 O’Clock Things ou The Trick. Tudo isso misturado com uma mixagem bastante eletrônica, dando origem a um tipo único de música, que funciona como a assinatura da banda.

Os temas variam entre experiências pessoais dos músicos que se traduzem em temas universais, como My Play, que trata de uma criança afetada pelo divórcio dos pais; estilos inspiradores, como em Adventure is Out There e Way Less Sad; e o tom metalinguístico que citei, que aparece aqui em Christmas in June e Bang!. Outras músicas de destaque que também tratam de temas universais são Ordinaryish People (o único feat do álbum, feito em parceria com o Blue Man Group), Joe e Humpty Dumpty. Esta última considero a mais fraca delas, não porque não tem seu valor, mas porque as outras são excepcionais em comparação.

É um álbum de música pop, que trata de problemas cujos adolescentes tendem a se identificar mais. As várias referências às vivências dos adolescentes no século XXI (e até breves menções indiretas à pandemia, que permeou o desenvolvimento do álbum) deixam claro o público-alvo, que recebe um prato cheio. Para aqueles que não se identificam com a estética mais adolescente e despojada, os experimentos musicais e as melodias enérgicas valem o play. E para não esquecer: a música de abertura do álbum, OK Overture, é genial, porque junta várias das peças do álbum em uma só. -Flora Vieira

Lana Del Rey – Chemtrails Over The Country Club

A forma mais simples de definir o novo álbum de Lana Del Rey é sufocante. Durante suas 11 faixas, somos levados por um caminho monótono na melancolia da cantora, que reutiliza a mesma sonoridade branda e densa em todas as músicas que montam a coletânea. Nos sentimos presos em uma interminável sequência de cópias dos demais trabalhos de Lana, que dessa vez peca por se afogar demais em um sofrimento lírico, o qual ao invés de ser belo e tocante, se torna indigesto e tedioso.

É claro que em meio a várias faixas, um tanto chatas, algumas se destacam positivamente por escaparem, mesmo que pouco, da identidade em tons de cinza do álbum. A voz de Nikki Lane é o suspiro que tanto queríamos. Ao lado de Del Rey, as cantoras entoam Breaking Up Slowly, trazendo uma sensibilidade sonora que faz falta nas demais canções. Chemtrails Over The Country Club, que dá nome ao disco, é outra que merece destaque por conseguir imprimir a identidade vocal de Lana, escondida atrás de tanto sofrimento em suas outras faixas.

O álbum é cansativo e, assim como sua capa, é cinza. Nem preto, nem branco. Numa tentativa de se manter no meio do caminho e agradar a todos, Lana Del Rey se perdeu e deixou levar por uma perspectiva pouco convidativa. Sua voz, tão encantadora quanto um canto de uma sereia, nos puxa para as profundezas, afogando os marinheiros que se atreveram a navegar nas águas de Chemtrails Over The Country Club. – Ana Laura Ferreira

Pitty – Matriz Ao Vivo Na Bahia (Ao Vivo Deluxe Edition)

Não faltam adjetivos para descrever a brilhante carreira de um dos maiores nomes do rock brasileiro: Pitty. A baiana é dona de músicas que você pode não saber o nome, mas basta um acorde para cantar toda letra. Atemporal, começou 2021 com o Deluxe do disco gravado ao vivo na Bahia antes da pandemia. Com um repertório que caminha desde os primeiros CDs até o álbum de 2019 que também batiza esse trabalho, Matriz, o registro conta com duas faixas novas: Para o Grande Amor e Serpente.

Pitty não estava sozinha em cima do palco. As faixas Noite Inteira e Te Conecta / Tudo Me Faz Sentido são divididas com uma das vozes mais importantes da Bahia, Lazzo Matumbi, Roda conta com a presença do grupo BaianaSystem, e Larissa Luz faz feat em Máscara / Bonecas Pretas. Ao fim do espetáculo, eles voltam ao show para juntos ecoar a poderosa Sol Quadrado, que deixa uma mensagem de persistência e resistência. As canções que encerram Matriz Deluxe, apesar de antagônicas, são o viés da proposta musical da cantora, deixando aquele gostinho de quero sempre mais.

Quem acompanha a discografia de Pitty sabe toda a dor e delícia que suas músicas causam. Quem nunca se pegou cantando Na Sua Estante em alto e bom som que atire a primeira pedra. Presente também neste trabalho, vemos a história ficar ainda melhor com sua seguinte faixa: Motor. Canção ressuscitada por Gal em A Pele do Futuro, a música parece ter sido composta para a voz de Pitty, sendo o nó certeiro que amarra todos os sabores presentes no disco. Matriz é um prato cheio de talento e sonoridade, que imprime seus 20 anos de carreira solo. –  Ana Júlia Trevisan

Elis Regina – Elis (Remastered)   

Neste 17 de março, dia quase sagrado para milhões de pessoas, Elis Regina – a maior cantora brasileira de todos os tempos, diga-se de passagem –  completaria seus 76 anos de vida. Já faz quase 40 anos daquele traumático 19 de janeiro em que Elis se concretizou como estrela no sentido literal da palavra. A saudade dela cresce cada dia mais no coração e na memória de todos nós, amantes de seu trabalho e admiradores de sua pessoa.

Para saciar a saudade dos fãs da gaúcha, seu filho João Marcelo Bôscoli nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do disco Elis (1972). Já não é a primeira vez que ele utiliza sua arte de produção musical para relembrar e exaltar a carreira e a vida de sua mãe. Essa tarefa nada fácil é feita com imensa maestria e nos comprova, mais uma vez, todo o talento da cantora, presente não só na sua voz, mas também no DNA.

O álbum conta com os clássicos Nada Será Como Antes, Atrás da Porta, Casa no Campo e Águas de Março. Além de músicas como Olhos Abertos, Me Deixa Em Paz e Boa Noite Amor, que nos trás um “lado B” pouco conhecido de Elis. Esse primor em formato de álbum, disponível em vinil e CD, está em todas as plataformas digitais para o deleite dos fãs. – Guilherme Teixeira

The Weeknd – House of Balloons (Original)

Jamais poderemos negar o talento de The Weeknd. Trazendo sempre uma sonoridade única que o caracteriza, o cantor consegue unir o pop mainstream a sua personalidade, dosando pitadas eletrônicas e às vezes até mesmo de rock em seus projetos. O estouro que seu trabalho deu em 2020 com o álbum After Hours lhe abriu portas e, melhor do que isso, nos abriu caminhos para que retornássemos às origens do cantor, a fim de acompanhar esse delicioso amadurecimento.

House of Balloons, primeiro disco de The Weeknd, foi disponibilizado neste mês de março nas plataformas de streaming. Retornando à sua estreia em 2011, somos agraciados com músicas intensas que nos fazem se perder em meio a um universo sonoro mágico criado por ele, sendo as principais representantes High For This e aquela que dá nome ao álbum. Sempre muito atento aos detalhes, tudo no disco parece se encaixar perfeitamente, pedindo para que a coletânea seja colocada no repeat e reproduzida eternamente. Nós não nos importarmos com isso. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Justice

Depois de retornar para o mundo musical com o abominável Changes, não se podia esperar muito de Justin Bieber. E, curiosamente, ele conseguiu nos surpreender. Enterrando de vez sua relação delirante com o R&B, o canadense resgata suas raízes com o pop em Justice. Apesar de conceitos falhos, que vão desde o título do álbum até um discurso de Martin Luther King entre as faixas, a produção consegue entregar toda a musicalidade leve e contagiante que esperamos por tanto tempo.

Junto com as serenatas românticas de sempre, Bieber traz letras mais sinceras e pessoais, tratando sobre seu problema com as drogas (Off My Face) e as dificuldades do estrelato (Lonely). E também se mostrou cada vez mais aberto sobre sua espiritualidade, algo que já era previsto após o lançamento do single Holy. Outra novidade de sua nova fase é a valorização de seus vocais, ainda mais reforçados pela série de performances ao vivo que vem realizando. 

O sucesso do álbum também se deve ao seu time de peso, que conta com nomes como Skrillex, FINNEAS e Josh Gudwin na produção, além dos brilhantes feats como Daniel Caesar, Burna Boy e Khalid. Uma curiosidade é que a faixa Hold On tem o cantor Gotye creditado, por utilizar samples da música Somebody That I Used To Know, que, por sua vez, usou samples de Seville, do brasileiro Luiz Bonfá, que também recebeu os devidos créditos. Bieber conseguiu explorar e se divertir por novas tonalidades do pop, mas sem sair da atmosfera musical que o consagrou como o artista que é hoje. Justice é, de fato, o seu retorno triunfal. – Vitória Silva

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Um tempo longe dos holofotes da indústria musical parece ter feito bem para Rico Dalasam. Depois de sofrer com linchamentos virtuais em 2017 devido a polêmicas judiciais, o rapper retorna amadurecido em Dolores Dala Guardião do Alívio, um álbum menos pop, menos comercial, porém bem mais intimista e sincero, provando que sua arte transcende qualquer estereótipo ou rótulo. Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, sua premissa é agora potencializada para tornar-se uma narrativa alegórica, cativante e imersiva que passeia pelas vivências do poeta nos últimos três anos, mergulhando em temas como negritude, homossexualidade, colonialismo e relacionamentos inter-raciais.

Sendo assim, Rico aborda suas experiências individuais para comentar temáticas sociais coletivas, porém sem nunca soar redundante ou reducionista: ele sabe que sua bagagem pessoal não resume um fenômeno sociopolítico complexo. Visto isso, ele universaliza esses eventos, tornando-os relacionáveis para o ouvinte, entretanto ainda depositando a eles um caráter único e particular que só ele poderia dar, encontrando no caminho o equilíbrio perfeito entre o amplo e o singular. Usando tais ferramentas, Dalasam costura sua fábula através de distintas sonoridades afro latinas das mais diversas origens, inevitavelmente atravessando também a história do continente latino-americano.

Com uma tracklist potente e plural, explora desde as intempéries de um romance inter-racial em Braille, vendo-o evoluir para um relacionamento abusivo que fatalmente reproduz opressões raciais e coloniais em Mudou Como?, o enfrentamento de uma situação de abandono em Última Vez, uma revisita nostálgica a um tempo e lugar distantes em Vividir, até o fatídico término, seguido de uma reconciliação pacífica, ainda que não menos crítica, em Estrangeiro. Rico Dalasam apresenta com Dolores Dala Guardião do Alívio uma obra tanto reconfortante e consoladora quanto autoconsciente, difundindo sua mensagem através de uma plataforma que ele mesmo construiu. E, acredite, nós definitivamente deveríamos estar prestando atenção. – Enrico Souto

Evanescence – The Bitter Truth

Se você teve a oportunidade de escutar o melhor do rock que estava sendo produzido no início dos anos 2000, é certo que conheça pelo menos uma música da banda Evanescence. Popular entre todos os estilos graças a Bring Me To Life, do álbum Fallen de 2003, o grupo liderado por Amy Lee entrega no mês de março seu sétimo disco original. Inteiramente construído de forma a contar uma história sonora, somos engolidos pelos vocais de Lee e pela bateria de Will Hunt, que juntos dançam uma valsa no melhor estilo punk.

Não deixa de ser clichê falar que Evanescence entregas músicas poderosas, mas haveria então outra forma de definir Broken Pieces Shine do que como o poder em sua forma mais bruta? O que encontramos na coletânea de The Bitter Truth é uma cadência de emoções intensas, mas extremamente alinhadas. Não estamos falando aqui de gritos jogados ao vento ou uma potência sonora sem propósito, mas sim de um trabalho inteligente que consegue prender, até mesmo aqueles avessos a esse gênero, em uma incessante busca de saber como será a próxima faixa.

O refrão de The Game Is Over nos leva diretamente para o rock mais emo consagrado na primeira década deste século. Já Wasted On You nos agracia com uma suavidade tão aguda que fica impossível não fechar os olhos para simplesmente sentir os vocais de Amy. Orgânico, o disco constrói sua heterogeneidade em meio a um crescente de emoções que nunca se abalam, produzindo assim um dos melhores álbuns da carreira de Evanescence. – Ana Laura Ferreira

Zara Larsson – Poster Girl

Dentro do nicho do pop, vira e mexe o termo “música de playlist da Renner” é utilizado para se referir a canções que combinam com a vibe loja de departamento. Sendo bem direto, Zara Larsson é exatamente isso. É algo ruim? Não exatamente. Quem nunca ouviu uma música enquanto dava uma olhada nas camisetas moderninhas e pegou o celular para descobrir qual era pelo Shazam? Porém, é algo que indica o maior problema de Zara: a falta de uma identidade definida que a diferencie. Poster Girl não é ruim, mas a maioria de suas músicas poderia ser de qualquer um tentando fazer um pop que hite nas playlists do Spotify. 

O maior problema do disco é justamente que a ideia da garota-sonhando-em-ser-estrela-pop-de-pôster é levada um pouquinho a sério demais. Zara não assina metade das canções, sendo uma das exceções a maravilhosa (ufa!) Love Me Land. Ou seja, parte do que ela canta ali não veio dela mesma. E até o que veio teve dedo de outros trocentos compositores. A polêmica de artista vs. intérprete pode levar a discussões, mas aqui é inegável que se torna uma problemática. No fim do dia, quem é realmente Zara Larsson? Ela é a garota do pôster para quem podemos olhar e nos identificar? – Jho Brunhara

EPs

ARON e MYGAL – Nieve

Enquanto a quarta temporada de Elite não sai do forno, os atores tentam engatar sua carreira na música. A primeira foi Danna Paola, com a chegada de K.O.. Agora, foi a vez do favorito dos fãs, o apaixonante Arón Piper. Sua voz rouca marcante somada às letras alcóolicas não poderiam trazer outra imagem a não ser a sua à nossa mente. 

Em 2020, Arón já havia lançado singles soltos, como Todo e Friends, provando que seu talento não fica restrito à Ander Muñoz. Neste ano, o alemão se arriscou e lançou um EP com apenas cinco músicas, em sua grande maioria, acompanhado de parcerias. Entretanto, as duas primeiras canções são as que mais se destacam. A primeira, a faixa-título, traz um som parecido com chocalhos que a tornam mais calma, transmitindo a preocupação e a frustração do eu lírico. Já a segunda, Cielo Morao, tem aquele ar caótico de uma festa baseada em doses de bebida e drogas ilícitas. Seus primeiros minutos remetem à We Can’t Stop, de Miley Cyrus. 

Apesar delas terem ritmos totalmente diferentes, são as mais difíceis de caírem no esquecimento. A falta de uma divulgação mais engajada e uma batida mais grave em todas as canções (aquelas que fazem vibrar o coração), tornam o EP facilmente ignorável. Por enquanto, fica a torcida para que o sotaque memorável de Arón firme mais no meio musical. – Júlia Paes de Arruda

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Charlotte Lawrence – Charlotte 

Charlotte Lawrence foi uma ótima descoberta para o nicho pop da internet em 2017. Com sua sonoridade brilhante e personalidade sincera, a modelo conquistou um número considerável de seguidores nas redes, além de conseguir um contrato vantajoso com a Atlantic Records. Em março ela lançou seu segundo extended play, Charlotte, que mistura mid-tempos irritantes e infusões pop rock que amargam ainda no primeiro play. O single promocional Talk You Down insiste, mas soa mais como um descarte de Selena Gomez. Nem as guitarras do renomado Ryan Tedder conseguem salvar o projeto.

A obra só chama atenção no final: Why Do You Love Me é um pop rock direto dos anos 80, com a sarcástica narrativa de Lawrence e a produção eletrizante de Charlie Puth, que remete a grandes sucessos do produtor, como Attention e How Long. Longe de seu ótimo antecedente Young, Charlotte é vazio e desanimador – a energia adolescente e encantadora que ela trouxe no início de sua carreira parece ter sido apagada por completo. A composição detalhista da musicista não combina com a produção datada e irritante da obra – por enquanto, é melhor ela ficar pelas passarelas. – Laís David

“Há algo especial sobre Knebworth”, aponta o baterista Nick Manson, em comunicado à imprensa, ao relembrar apresentação histórica do Pink Floyd em um dos palcos mais importantes da Inglaterra. Três décadas após juntar forças com Paul McCartney, Eric Clapton, Genesis, Robert Plant e outros vencedores do Silver Clef Award, a banda disponibilizará (em CD, LP e streaming) o show completo no álbum ao vivo Live at Knebworth 1990. 

Previsto para ser lançado no dia 30 de abril, o álbum traz a setlist modesta daquela noite, mas que carrega os maiores hits da banda. A parte A do LP já está disponível no Spotify com as célebres The Great Gig in the Sky e Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5). A faixa de The Dark Side of the Moon tem como convidada Clare Torry, vocal original que tornou a música conhecida por usar sua voz apenas como instrumento, sem cantar uma palavra sequer.

Já a composição de cinco partes, que conta com a participação da saxofonista holandesa Candy Dulfer, abre o concerto de forma majestosa fazendo jus a atmosfera da história que assombra essa faixa. A música é um tributo a Syd Barrett, mente criativa e perturbada dos primeiros anos do Pink Floyd, que foi afastado por problemas com drogas e logo substituído por David Gilmour. Anos após a separação conturbada, Barrett fez uma visita inesperada aos estúdios justamente enquanto a banda trabalhava na música que o eterniza (Shine on You Crazy Diamond). Este ano, a morte de Syd Barrett completa 15 anos. – Maria Carolina Gonzalez

Joshua Bassett – Joshua Bassett

Parece um tanto piegas dizer, mas às vezes o menos é realmente mais, e no caso de Joshua Bassett o mais é um exagero de ritmos e sonoridades que, ao invés de se complementarem, apenas nos desorientam. É muita informação saltando aos nossos ouvidos ao mesmo tempo e nos vemos perdidos, sem saber em que prestar atenção. Tentando atirar para todos os lados, o cantor mistura inúmeros estilos, acertando em cheio em alguns e errando o alvo em outros, como se estivesse fazendo isso de olhos vendados.

As grandes estrelas do EP, que leva o mesmo nome de Joshua, são Do It All Again e Only a Matter of Time, isso por serem também as músicas mais contidas e centradas. Em contrapartida, Sorry abre o álbum como um tsunami sonoro que nos atordoa e anestesia para seguirmos o disco. Saltando entre o eu lírico do apaixonado e o do passivo-agressivo, Bassett mostra que sabe fazer música, mas se vê cego por sua ânsia de ser certificado com esse talento.

Joshua Bassett era uma boa oportunidade de destaque para o músico que tem seu nome crescendo na boca das pessoas. Contudo, o tiro saiu pela culatra ao entregar um material sufocante que chama mais atenção por seu turbilhão do que pela técnica ou valor sentimental. Talvez, se fosse diluído entre outras faixas mais simples e contidas, o EP poderia ser bem digerido, mas infelizmente teremos de esperar os próximos trabalhos de Joshua para descobrir se essa intensidade é naturalmente sua ou parte de um belo pé na porta para apresentá-lo à indústria da música. – Ana Laura Ferreira

O que mais chamou a atenção no EP foi a estética impecável (Foto: Reprodução)

Selena Gomez – Revelación

Selena Gomez está de volta com mais um projeto e, dessa vez, uma promessa de uma década: o álbum em espanhol. Há muito tempo a cantora quer fazer um trabalho que reflita sua ascendência latina paterna e finalmente aconteceu. O EP Revelación nasceu e está incrível. Com singles que chamaram a atenção, o álbum coleciona faixas interessantes a serem exploradas.

A cantora aproveitou a oportunidade e se mostrou confiante do início ao fim em um campo pouco explorado por ela. Em todas as músicas, Selena não deixa a desejar na pronúncia do idioma, mesmo que seu espanhol não seja mais fluente. Vicio, Adiós e Buscando Amor são o top 3 desse trabalho, as músicas reúnem letras desinibidas e independência emocional. O projeto conquistou o recorde de EP solo com maior número de #1s ao redor do mundo e a maior estreia de um EP feminino no Spotify. 

Em meio à polêmica de se aposentar da música, o disco foi um sucesso. Um trabalho confiante, sensual e de extremo amor próprio. Selena deu o que o público sempre esperou dela, e a esperança é que ela continue assim para proporcionar mais trabalhos como esses. O que tinha tudo para ser um apanhado de reggaetons, se tornou uma virada de chave na atualidade musical da texana. Revelación é o primeiro passo para Selena não querer mais desistir da música. – Giovana Guarizo

Drake – Scary Hours 2

Drake passou por maus bocados nos últimos meses. Depois de se hospedar um tempo numa clínica de reabilitação, o canadense cancelou o lançamento de seu futuro disco, enfrentou o período da recuperação da cirurgia no joelho e sumiu desde então. Boatos apontam que o rapper já está com seu próximo sucesso pronto, gravando clipes e tudo mais. Mas, por agora, conhecemos a parte 2 do projeto Scary Hours.

O material da vez, com uma faixa a mais que o EP de 2018, não arremata Drake longe de sua zona de conforto, mas também nem deveria. What’s Next agita o clima, que será suavizado ao lado de Lil Baby com Wants and Needs. Lemon Pepper Freestyle fecha Scary Hours 2 na melhor nota do trabalho, performada junto de Rick Ross por mais de seis minutos. Drake comemorou os recordes quebrados, e bem que poderia usar essa energia para finalmente nos mostrar o que aprontou para o Certified Lover Boy. – Vitor Evangelista

Músicas

Elza Soares – Nós 

Março é um mês marcado pela comemoração do Dia Internacional da Mulher. Data, essa, usada para lembrar a importância dos direitos e igualdade feminina. No dia em que lutamos para nossa voz ecoar mais forte, a mulher do fim do mundo lançou a regravação do single Nós em homenagem a data. Além da canção, Elza Soares também apareceu no especial Falas Femininas da Rede Globo, depondo sobre ser mulher nos tempos de hoje e dando voz à O Que Se Cala, do álbum Deus é Mulher.

Inédita na voz da cantora, a música já mostrou sua potência no fim do segundo milênio com gravação de Cássia Eller mas, dessa vez, tem uma força diferente vindo da intérprete, uma força de 90 anos de luta. A canção ainda conta com um belíssimo videoclipe repleto de fotos da cantora e com a letra nas manchetes do jornal. Elza Soares é resistência e acerta em cheio tudo aquilo que se propõe a fazer. Nós é o primeiro lançamento musical da carioca em 2021 e prepara o campo para brilhantes trabalhos durante o ano. – Ana Júlia Trevisan 

Ashe e FINNEAS – Till Forever Falls Apart

Em março, completamos um ano de quarentena. Um ano trancados em nosso isolamento e tendo nas artes o principal amparo. Em meio a tantas emoções intensas, a música ganhou novos patamares conseguindo imprimir todo esse drama em melodias embaladas solenemente. E é desse caos controlado e dos gritos modulados que Ashe e FINNEAS entregam Till Forever Falls Apart, como uma trilha de sensações exorbitantes que nos submergem na intensidade de sua composição.

A cantora que ganhou destaque depois de sua participação na trilha de Para Todos Os Garotos: P.S. Ainda Amo Você, mostra ser muito mais do que apenas uma one-hit wonder ao se juntar a FINNEAS, que aos poucos vem perdendo o cargo de “irmão da Billie Eilish” para traçar seu próprio legado. E se não bastasse todo o poder emocional que melodia e letra transmitem, o single veio acompanhado de um clipe igualmente melancólico e belo. A fotografia apagada em contraste com os tons amarelados e azulados criam uma atmosfera cinematográfica que nos impede de piscar enquanto o assistimos.

Talvez seja muita pretensão colocar a canção, bem como todos seus elementos visuais e sonoros, no mesmo patamar de grandes obras milenares. Mas de que outra forma teríamos de classificar Till Forever Falls Apart senão como um exemplo cru e óbvio de excelência artística? O single, que merecia um lugar em museus de todo o mundo, é a evocação do poder que a música tem sobre nós. – Ana Laura Ferreira

Foxes – Kathleen

Em abril, a britânica Louisa Rose Allen, conhecida pelo nome artístico Foxes, quebra seu hiato com o lançamento do EP Friends in the Corner, seu primeiro disco desde 2016. Ele reúne todos os singles lançados desde a volta da cantora ao cenário do pop em 2020, incluindo o recém-lançado Kathleen. Inspirado em uma conversa que ela teve com sua avó, Kathleen Allen, a música é uma homenagem simples e melódica à ela.

Apesar de começar com versos simples e diretos, um refrão breve e energético revela as raízes pop da artista, que repete animadamente as palavras de Kathleen sobre amor, término e a não se prender ao passado. Foxes usa as mesmas técnicas dos últimos singles para criar composições que não necessariamente se distanciam de seus trabalhos anteriores, mas que parecem dar outro tom às suas canções.

O videoclipe de Kathleen acompanha bem as palavras da musicista, mostrando uma bela dança de balé que traduz visualmente o diálogo na letra e a admiração da cantora por essa figura que claramente significa tanto para ela. Apesar do ritmo acabar se tornando repetitivo na parte final, há uma bela inserção do áudio original da conversa que consegue terminar belamente essa homenagem. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Urias – Foi Mal

Urias já foi modelo, drag queen, assistente pessoal de Pabllo Vittar e agora é artista musical. No final de 2019, a mineira de 25 anos estreou na cena pop nacional através do EP homônimo, já se consagrando como uma promessa de sucesso pelo seu estilo único e inovador, e assim ela segue em seu novo single. Imersa na sonoridade da música brasileira dos anos 90, Foi Mal é uma nova faceta de Urias, que até então conhecida pela sua atitude e poder, agora faz um desabafo íntimo e vulnerável sobre as dores e delícias do fim de um amor ruim.

Seu glamour característico, no entanto, não é sufocado pelo sofrimento. Foi Mal pode até soar melodramático – e isso não é necessariamente um defeito, vale destacar -, mas Urias vive a fossa como uma exímia diva no videoclipe charmoso da canção. Com produção da Brabo Muisc Team – assinatura comum em grandes sucessos do pop brasileiro que surgem na voz de Anitta, Iza e Luísa Sonza -, o single é poderoso na profundidade do eu-lírico da artista e prepara o terreno para seu novo e primeiro disco, que deve ser lançado ainda no primeiro semestre de 2021. – Raquel Dutra

Bebe Rexha – Sacrifice

Elevando os patamares de femme fatale para sua proposta mais literal possível, Sacrifice entrega as batidas agitadas do fim dos anos 1990 e início dos 2000 com uma roupagem própria que mostra a influência das grandes divas da época, como Christina Aguilera, sem perder personalidade. Bebe Rexha sabe como contrastar sua voz particular com um ritmo agitado próprio para as festas pós-pandemia. Entretanto, toda essa estética baseada no sobrenatural que cerca a canção é apenas uma roupagem que esconde sua mesmice.

Com um clipe empolgante e visualmente bonito, Sacrifice na verdade se mantém na mesma temática, ritmo e sonoridade de tantas outras produções anteriores da cantora. Entrando em um ciclo vicioso, Rexha cria expectativas monumentais que são quebradas com músicas que passam aquela sensação de “já escutei isso antes”. O que torna tudo mais triste é saber do poder e da potência da cantora, que tem qualidades mais do que suficientes para entregar produções monumentais, mas se mantém na segurança de sua estagnação. – Ana Laura Ferreira

ROSÉ – On The Ground  

Atingindo o novo recorde de artista solo de k-pop com mais visualizações no YouTube, em seu primeiro projeto a parte do grupo BLACKPINK, ROSÉ obteve aproximadamente 42 milhões de views no período de 24 horas pós-lançamento de seu single On The Ground. O sucesso de sua composição é mais uma conquista para a carreira da cantora neozelandesa, que agora investiu em um projeto individual, paralelo ao seu trabalho como integrante de uma das girl group de k-pop mais famosas da indústria musical até o momento.

Alcançando tanto sucesso, percebemos que toda a dedicação de ROSÉ em seu primeiro single álbum está sendo compensada tanto a ela, quanto também para nós, admiradores do grupo e suas integrantes. O debut solo R, contém duas faixas, Gone e On The Ground, uma canção sobre amadurecimento, amores e desilusões, que já chegou aclamada com um clipe que intercala entre explosões e campos floridos. Além de uma produção audiovisual impecável, essa música é uma demonstração do potencial da artista, que deixou todos nós ansiosos para saber quais serão os próximos passos de sua carreira. – Gabriel Brito de Souza

Kylie Minogue, Dua Lipa e Initial Talk (Studio 2054) – Real Groove Remix 

A sensação reconfortante da nostalgia pode ser por vezes traiçoeira, pois nos cega de comodidade enquanto aproveita para reproduzir em uma mesmice desnecessária. Entretanto, não é isso que acontece no remix de Real Groove. Kylie Minogue traz toda a sua estética sonora, que se consolida a anos, com uma nova pitada de frescor ao lado da mais recente ganhadora do Grammy de Melhor Álbum Pop Vocal, Dua Lipa, tendo como bônus o nome de Initial Talk no time.

Intensa é a melhor palavra para definir essa música que é empolgante e ao mesmo tempo saudosa. As tradicionais batidas oitentistas de Minogue se misturam com o tecnopop dos anos 90 e com todo o respiro de inspiração que vimos surgir em 2020 com nomes como The Weeknd e a própria Lipa. Tudo se torna ainda mais gratificante de se escutar nessa, que é a segunda versão do remix, por trazer ainda mais inovação e distinção a uma canção que já era, por si só, imponente. – Ana Laura Ferreira

Jão – AMOR PIRATA  

O cantor Jão, que não possuía novas músicas desde 2019, parece que chegou neste ano com sua nova era. Coringa, lançada em fevereiro, foi o pontapé inicial, e em março, AMOR PIRATA vem para acrescentar no repertório do paulista. As composições destes novos trabalhos parecem casar e não fogem de um amor mais desapegado. Jão sofre mais uma vez, mas agora parece estar aproveitando algum lado positivo dessa história. Com uma letra e uma melodia alegre, ele pode alcançar lugares diferentes com essas novas canções. 

O cantor lançou também um clipe que possui uma vibe que se conecta muito bem com a melodia. O vídeo apresenta o Jão como um marinheiro que é encantado por uma sereia e levado ao fundo do mar. Com isso, o nome da música revela um duplo sentido. Um que se conecta com a letra e o outro com a história retratada no clipe. Com esses novos trabalhos, a gente não se apaixona por Jão só na sexta-feira. – Ana Beatriz Rodrigues

Silk Sonic, Bruno Mars e Anderson .Paak – Leave the Door Open

Quando se trata da indústria da música muito se fala sobre renovação, criação de eras e reinvenções constantes. Artistas como Taylor Swift, Lady Gaga e Beyoncé ilustram magnificamente cada uma de suas fases criando estéticas próprias e singulares, sempre trazendo novidades por vezes inimagináveis, afinal, quem se quer sonhou que Swift passaria de Lover para folklore em tão pouco tempo? Contudo, essa pressão da indústria que pede por recriações se restringe apenas às musicistas, que são taxadas de “folgadas” ou “sem graça” quando ousam reutilizar um estilo, enquanto músicos, como Bruno Mars, são aclamados como inovadores ao entregarem mais do mesmo.

Leave the Door Open é suave, gostosa de se escutar e um tanto cativante, isso não podemos negar. Mas onde está a inovação? Não seria essa apenas uma réplica barata de canções já entregues pelo cantor? Isso definitivamente não precisaria ser um problema caso sua aprovação pela crítica não fosse embasada em uma suposta revolução no som de Mars.

Empregando uma estética visual e sonora que data do fim da década de 70 e início da de 80, o músico decepciona em seu tão aguardado comeback, ao lado de .Paak e Silk Sonic. O que nos resta agora é aguardar pelo mais novo álbum do cantor, prometido para os próximos meses, e torcer para que o primeiro single seja apenas um desvio de sua criatividade. Sabemos do potencial de Bruno e por isso rezamos para que ele seja usado. – Ana Laura Ferreira

Aly & AJ – Pretty Places

Com o lançamento do novo álbum a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se aproximando, o duo pop Aly & AJ revelou seu terceiro single no início de março. Pretty Places, que chega após as batidas românticas de Slow Dancing e do pop rock 2000 de Listen!!!, complementa os ritmos ecléticos do novo disco das irmãs Michalka. Inspirado pelo rock dos anos 60 e 70, Pretty Places captura a sensação de uma road trip através das planícies californianas que as irmãs chamam de lar.

O violão é o instrumento mais marcante da nova faixa, ecoando o ritmo e o compasso do country rock americano, deixando claro que o novo ciclo delas é pautado na diversidade de estilos musicais. Apesar do recente sucesso da regravação explícita de Potential Breakup Song, as duas já confirmaram não querer repetir seus sucessos, optando por aumentar cada vez mais seu repertório instrumental e se manterem fiéis às suas letras.

O sentimento é de sair em busca de novos começos e deixar o passado para trás: “Todos os lugares lindos/Nos tiram de onde a dor está/Esse céu aberto/Deixando o passado para trás/Eu iria, por todos os lugares lindos”. O videoclipe que acompanha a música reflete esses temas em sua estética, mostrando elas viajando num conversível enquanto a melodia country dá ritmo às suas experiências. Descrita pelo próprio duo como “a música que elas mais gostaram de ter escrito”, Pretty Places é um ode às grandes e simples jornadas que fazemos em busca da felicidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Convidada mais que especial, Maria Rita fez a festa no Quintal dos Prettos (Foto: Reprodução)

Quintal dos Prettos e Maria Rita – Num Corpo Só / Coração em Desalinho (Ao Vivo)

O Quintal dos Prettos é um roda de samba na qual, diga-se de passagem, é um dos primeiros lugares que pretendo ir pós-vacina. Um dos melhores pagodes de São Paulo, o quintal mantém o formato clássico das rodas acústicas, referenciando grandes nomes da música brasileira. Em 2019, os irmãos Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira convidaram Maria Rita, Emicida, Arlindinho e Salgadinho para esquentar a tarde fria de São Paulo com a gravação de um DVD no Maria Zélia.

Esse mês foi disponibilizado nas plataformas digitais a gravação feita em participação da grandiosa Maria Rita. O single é a junção de dois grandes clássicos na voz da cantora: Num Corpo Só / Coração em Desalinho. A primeira é composição de um dos maiores mestres do samba, Arlindo Cruz, e acompanha Maria desde seu primeiro disco de samba, o Samba Meu. A segunda já foi trilha de novela e é composta por Monarco, baluarte da Portela que é a escola de coração da cantora. 

A emoção da gravação está na voz do povo. Maria Rita puxa Num Corpo Só / Coração em Desalinho sem fazer o uso de microfone, tendo seu vocal abafado pelo calor do público. A  cantora, que é dona da voz mais potente do Brasil, mostra sua forte presença de palco enquanto se diverte com a cantoria da roda. O single é produzido levando a ferro e fogo o ditado repetido por Maria em todo show: “A voz do povo é a voz de Deus”. – Ana Júlia Trevisan

Maroon 5 e Megan Thee Stallion – Beautiful Mistakes

Não é sempre que bons artistas entregam boas músicas, e esse é o caso do mais novo single do Maroon 5, Beautiful Mistakes, em parceria com Megan Thee Stallion. A canção chiclete, que parece mais o resgate de um pop dos anos 2000 negado pela banda em oportunidades anteriores, irrita com suas batidas genéricas e enjoativas. Talvez a melhor forma de nos referirmos a essa música é como preguiçosa, afinal, repetir incansavelmente os mesmos três beats não é sinônimo de grandes produções.

E se já não bastasse a escolha duvidosa, o clipe que acompanha o single é a cereja desse bolo que nos dá náuseas. No mínimo estranha, a escolha por uma estética psicodélica acabou por cair na breguice. Nem mesmo a voz aveludada de Adam Levine, que parece melhorar com o tempo, ou o rap recitado pela maravilhosa Stallion conseguem salvar a produção. A combinação dos timbres é interessante, se encaixa como luva e, definitivamente, merecia mais do que a bizarrice de Beautiful Mistakes. – Ana Laura Ferreira

No Rome, Charli XCX e The 1975 – Spinning

Não tem ninguém que goste tanto de trabalhar na pandemia quanto Charli XCX (ok, talvez apenas Taylor Swift). A bola da vez é a formação de um supergrupo, ao lado de seus amigos do The 1975 e de No Rome. Ao que parece, o projeto gerará um álbum de estúdio completo e cheio das milhões de influências e peculiaridades de cada um dos artistas. O tira-gosto é Spinning, onde Matty Healy e Charli dividem os vocais, deixando No Rome no comando da mesa de som, e os meninos da banda ao fundo. 

A faixa não é inspiradora, irreverente ou propriamente refrescante. A união destes 3 talentos pode ensurdecer pelo barulho excessivo e a criatividade aflorada, e o material disponível é aquém das expectativas. Healy e Charli parecem distantes demais do microfone, e os instrumentos engolem suas belas vozes britânicas. Em formato animado pelo isolamento social, o clipe não empolga. O supergrupo, ainda sem nome (mas será que vai ter nome?), tem mais coisas no forno. Dedos cruzados para ser melhor que Spinning. – Vitor Evangelista

Demi Lovato – Dancing With The Devil

Demi Lovato teve seu comeback. Dancing With The Devil, homônimo do documentário da cantora, é uma canção que reflete a dor que ela sentiu no momento em que passou por uma overdose em 2018. A situação que quase levou a morte aconteceu 3 dias após a cantora escrever Anyone, a composição que marcou o retorno de Demi ao mundo da música no Grammy 2020.

A canção é uma carta aberta de dor da cantora e um relato reflexivo sobre como o mundo da música pode ser horrível. Nos seus 4 minutos de duração, a composição é chocante e extremamente comovente. Sem dúvidas do seu talento, Demi passa as suas emoções para essa produção com a sua voz que atravessa as barreiras de sentimentos. A realidade distorcida, citada na música, é, infelizmente a triste vivência de Lovato que não tínhamos ideia da dimensão. – Ana Beatriz Rodrigues

Taylor Swift e Maren Morris – You All Over Me (From The Vault) (Taylor’s Version)

Vem sendo meses realmente bons para os fãs de Taylor Swift, em especial para aqueles que se apaixonaram pela cantora ainda em seu começo de carreira. Retornando ao seu lado mais country, a musicista lançou a inédita You All Over Me, ao lado de Maren Morris. Essa, que é a primeira faixa inédita das 6 que irão compor a regravação do disco Fearless, resgata a sonoridade mais tradicional de Swift em moldes vocais atuais e bem mais maduros.

Seria fácil escutar essa canção ao lado de willow ou cardigan. Por mais que não tragam a mesma sonoridade, uma vez que as músicas dos últimos álbuns de Taylor puxem para uma pegada pop e folk, a mais recente canção consegue imprimir uma estética que dá continuidade a sua discografia, mudando mas nunca destoando de sua proposta. Assim como migrou aos poucos do country para a sonoridade que escutamos em Lover, agora vemos a mais recente vencedora do Álbum do Ano no Grammy retornando a suas origens também de forma gradual, nos encantando ainda mais, se é que isso é possível. – Ana Laura Ferreira

Lil Nas X – MONTERO (Call Me By Your Name)

Blasfêmia vende, e todo mundo sabe disso. Madonna já usou, Lady Gaga também, assim como muitos outros artistas. Mas desde o início dos anos 2010, fazia tempo que alguém não utilizava do artifício com tanto primor, e gerava tamanho estardalhaço. Talvez Gaga saturou a heresia e demorou uns 10 anos para as pessoas se chocarem novamente? Ou a geração TikToker nem lembra de Alejandro e Judas, e quem dirá Like a Prayer? Não dá para saber. A verdade é que Lil Nas X além de saber escrever boas canções, é um gênio do marketing. Sua própria carreira surgiu dos memes: ele colocava Old Town Road em vídeos engraçados e espalhava nas redes sociais, e a música estourou após o ‘yeehaw challenge’ no Tico e Teco.

A antecipadíssima MONTERO (Call Me By Your Name) cumpriu totalmente sua promessa. Anunciada meses atrás por Nas e tendo seu lançamento enrolado ao máximo para gerar hype, fez valer a espera. Deixando o clipe de lado, vemos aqui mais uma vez o talento do artista com palavras e melodias, e sua força como cantor negro e gay, uma raridade no pop e mais ainda no rap. Para os que achavam que Old Town Road seria sua coroação como one-hit wonder, MONTERO prova exatamente o contrário. – Jho Brunhara

Clipes

Doja Cat – Streets  

Além da sua recente performance como uma das atrações do Grammy Awards 2021, a rapper norte-americana Doja Cat tem alavancado sua carreira cada vez mais com seus hits de sucesso no TikTok, como é o caso da música Streets, de seu último álbum, Hot Pink. Próximo de sua apresentação em uma das maiores premiações musicais do mundo, a cantora lançou o tão esperado clipe da faixa, depois do hype que a composição recebeu através do ‘silhouette challenge’, que invadiu as redes sociais nos últimos meses, além dos muitos pedidos de seus seguidores.

A nova produção audiovisual da artista inicia com a mesma, como um manequim na vitrine de uma loja em frente a uma rua congestionada, mas que ao decorrer da cena e a forma como o outro personagem a observa muda totalmente o clima da história. A transição de um ritmo instrumental para uma mistura de pop eletrônico e R&B, torna a música, junto a cena, em um ritmo mais sensual e atraente que nos cativa a continuarmos envolvidos pelo encanto de Doja Cat. Esse mais atual lançamento é um presente ao olhos e ouvidos dos amantes de seus trabalhos, além de um mimo para seu aclamado álbum, Hot Pink. – Gabriel Brito de Souza

SZA – Good Days

Lançada no dia de Natal de 2020, aniversário da falecida avó da cantora, Good Days fez muito mais sucesso do que SZA ou sua gravadora inicialmente projetaram. Tanto que o clipe só veio agora, meses depois da chegada da faixa. Cantando sobre as expectativas colocadas em si mesma, a artista é menos pontiaguda do que vimo-nas ser no debut, mas as composições elevam o grau de qualquer inspiração mundana ou simplória.

O clipe, dirigido pela própria, assinando como Solana, mistura o lúdico com a dança. Deslumbrada pelo mundo dos sonhos, SZA se move ao som de seus pensamentos e motivações, ela desliza num pole dance na biblioteca. Explorando cada vez mais sua gama de talentos, a artista finaliza Good Days com um trecho de Shirt, próximo single da era. Anuncia o CD logo, SZA, tem criança doente esperando aqui! – Vitor Evangelista

Miley Cyrus – Angels Like You

Miley Cyrus fez de seu novo clipe um meio para reforçar a mensagem mais importante do momento. O lançamento do mês da artista é o vídeo da graciosa Angels Like You, novo single de seu álbum mais recente, Plastic Hearts. Entre o rock e o country, a música é sua casa perfeita, e Cyrus usa seu espaço para rolar no gramado, expressar a saudade que sente de viver a música ao vivo, enaltecer o trabalho de quem enfrentou a pandemia na linha de frente e reforçar a importância da prevenção à doença e da vacinação.

Co-dirigido pela própria, o vídeo não abusa da sorte em tempos pandêmicos e aproveita as gravações da apresentação que Miley fez no pré-show do SuperBowl 2021 para uma plateia de profissionais da saúde já vacinados contra a covid-19. É claro que o vídeo é pouco para quem já nos entregou obras icônicas como Wrecking Ball, mas, contextualizando a situação atual que é muito mais importante que qualquer capricho, Cyrus acerta em cheio mais uma vez ao honrar os verdadeiros anjos dos últimos doze meses. – Raquel Dutra

Kali Uchis – telepatía

A pandemia limitou os recursos, mas despertou o senso de exploração de novos talentos, e colocou Kali Uchis para dirigir o clipe de telepatía, destaque máximo de Sin Miedo, o álbum em espanhol que saiu meses atrás mas continua fresco e cheio de sensualidade. Com o sucesso da faixa no TikTok, Kali resolveu capitalizar ainda mais em cima da canção, e o resultado final é digno de seus trabalhos anteriores.

Respeitando o núcleo da música (a falta de contato humano) e o isolamento social, a colombiana espreme o suco do desejo sexy, nunca tocando seu objeto de afeto e fantasia. O sentimento é transmitido pelo filtro açucarado do vídeo, pelos takes de Uchis honrando um cabaré latino e pelos próprios figurinos provocantes da cantora. – Vitor Evangelista

Performances

Justin Bieber no Tiny Desk

O que Justin Bieber faz deveria ser crime. É tortura o que se sente ao ouvir os últimos registros sonoros do artista conhecendo seu potencial enquanto musicista. No ao vivo, Justin voa. Interpretação, arranjo, repertório… Tudo se transforma em ouro quando ele se entrega e sente prazer no que está fazendo. Um pouco disso é recuperado em seu álbum recém-lançado, Justice, e tudo é provado em sua apresentação no Tiny Desk, que traz versões ao vivo das principais canções do disco. 

Ele começa brando, com a bateria – sempre um de seus instrumentos favoritos – flutuando no hino de Holy e acompanhando as melodias de sua voz, limpa e equilibrada. Em seguida, somos presenteados com uma versão maravilhosa de Peaches, seu novo single que já se destaca dentre a tracklist do álbum. Na performance, o hit se transforma num R&B delicioso – muito longe do que ele fez em Changes – liderado pelos teclados de Bieber, que ainda protagonizam um jamming com um toque de jazz junto dos outros instrumentos de sua ‘banda incrível’, como ele mesmo elogia.

Uma das melhores faixas de Justice se transforma em algo ainda melhor na versão que ele apresenta no Tiny Desk. Iniciada como um pop acústico, Hold On cresce em direção a um rock perfeito para cantar bem alto num festival de música. O mesmo é com Anyone, que encerra com louvor os melhores 15 minutos de Justin Bieber em anos. Ficamos aqui, esperando que ele encontre o caminho maravilhoso que está bem debaixo de seu nariz e entenda que nasceu para fazer aquilo, exatamente daquele jeito. E boa parte dos mais de 11 mil comentário do vídeo concordam comigo. – Raquel Dutra

Harry Styles no Grammy 2021

Responsável por abrir o Grammy de 2021 com sua voz, Harry Styles performou, novamente, a canção Watermelon Sugar, que mais tarde venceu a categoria de Melhor Performance Solo de Pop na noite. No mínimo peculiar, a apresentação chamou a atenção por ir contra as últimas aparições do cantor. Apresentando uma versão muito mais sensual do single, com pitadas bem dosadas de jazz, Styles conseguiu dar uma cara nova ao hit chiclete.

Se apoiando em uma estética glam rock à la Freddie Mercury, sua roupa de couro e o boá de plumas verdes foram o real destaque. Mesmo com o desgaste que a música de seu mais recente álbum, Fine Line, sofre, é inegável que algo diferente surgiu no palco da premiação. Claro que preferíamos ter escutado outra das inúmeras canções de Styles, mas para não chorar pelo que nunca teremos, é mais vantajoso aproveitar o frescor dessa performance que foi no mínimo icônica.  – Ana Laura Ferreira

DaBaby no Grammy 2021

O rapper que iniciou sua carreira sob o nome de Baby Jesus transformou sua apresentação no Grammy 2021 numa celebração espirituosa. Com direito a coral gospel, instrumentos clássicos e uma cenografia celestial, DaBaby performou ROCKSTAR ao lado de seu colaborador, Roddy Ricch, e com participação especial do veterano do soul Anthony Hamilton, que conduziram a performance quando o artista deixou o microfone no centro do palco para reger seu coro.

A música foi indicada a Melhor Canção de Rap, Gravação do Ano e Melhor Colaboração de Rap, é um dos singles do álbum mais recente do artista, BLAME IT ON BABY, que dentre muitas colaborações com nomes de peso, como Quavo, Future e Ashanti, traz também uma canção em parceria com Artista Revelação do ano, Megan Thee Stallion. Na noite do dia 15 de março, DaBaby não levou nenhum gramofone pra casa, mas deixou sua marca gloriosa no palco mais importante da indústria da música. – Raquel Dutra 

Post Malone no Grammy 2021

Apesar de sair de mais um Grammy Awards com as mãos vazias, Post Malone não deixou de registrar sua evolução musical na premiação. Trazendo uma atmosfera gótica e medieval, que também compõe a estética de seu último álbum, o rapper optou por performar a faixa que também dá nome a ele, Hollywood’s Bleeding. E, que, ironicamente, contém uma letra que denuncia as mazelas do meio artístico, e foi cantada em um dos eventos mais problemáticos da indústria da música. 

Quase isolado no palco, Malone apostou por completo nos seus próprios vocais, beirando à rouquidão. Como apoio, ele contou com um coral ao seu redor, que sustentaram ainda mais o conceito da performance. Ficou faltando apenas emendar com uma entrada de Ozzy Osbourne cantando Take What You Want, para entregar uma apresentação tão memorável quanto sua parceria com o Red Hot Chilli Peppers no Grammy 2019. – Vitória Silva

BTS no Grammy 2021

O sucesso do k-pop chegou até os palcos da mais importante premiação da música. Concorrendo por Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, os astros sul-coreanos, BTS, não levaram nenhum gramofone para casa, mas marcaram a noite com uma apresentação dinâmica e eletrizante, digna de quero mais. Trazendo toda a estética de seu estilo musical, o grupo dançou, cantou e brincou com todo o espaço do evento com o single Dynamite.

A apresentação que começou um tanto simples se tornava, passo a passo, mais complexa e empolgante conforme seus sete membros deslizavam, com toda a propriedade do mundo, pelos quatro cantos da cerimônia. Até mesmo quem não gosta de k-pop tem que admitir estar no mínimo cativado pela performance que uniu o som aveludado da banda à agitação e dinamismo que o Grammy pedia. Encerrando no topo do prédio, com a vista panorâmica de L.A., o BTS provou que mesmo sem seu gramofone eles não estão para brincadeiras e que, em 2022, é bem capaz de os vermos ainda mais na premiação. – Ana Laura Ferreira

Megan Thee Stallion e Cardi B no Grammy 2021

A primeira vez de Megan Thee Stallion no Grammy foi memorável. Transbordando confiança, a artista brilhou em sua performance de Body e do hit premiado como Melhor Canção e Performance de Rap e indicado a Gravação do Ano, Savage Remix. Infelizmente, Beyoncé não nos agraciou com sua participação na apresentação enquanto parceira na canção de Megan, mas o espaço da insubstituível Queen B não ficou no negativo.

A Artista Revelação de 2021 foi acompanhada pela icônica e querida Cardi B, que intervalou a performance da novata com seu single mais recente, Up. Então, as duas se encontraram numa apresentação enérgica e grandiosa de outro sucesso que provocaram juntas nos últimos meses, WAP. O melhor, no entanto, ficou para o final. Cardi e Megan incluíram na canção um sample de funk de Pedro Sampaio e colocaram a cultura popular brasileira para todo o mundo ouvir na premiação mais importante da música. O que dizer sobre isso? Apenas lendárias. – Raquel Dutra

HAIM no Grammy 2021

Os amantes de rock sentiam falta de um poder feminino aos moldes de Stevie Nicks, entregando segurança vocal com ritmo e melodias sonoras mais do que bem construídas, sem precisar apelar para falsetes exagerados. E foi exatamente com isso que HAIM nos presenteou em sua performance no palco do Grammy de 2021. As irmãs se preocuparam mais em entregar um espetáculo sonoro do que um visual, e acertaram em cheio na sua aposta ao cantarem The Steps.

Sem grandes elementos, mudanças de roupas ou cenários monumentais, a banda se destaca por tocar, e trocar, seus instrumentos ao vivo. Mostrando que são mais do que capazes de deixarem sua marca na música, HAIM abriu caminho para novas indicações e apresentações na premiação, exibindo todo o seu talento que merece ser exaltado. Para quem não as conhecia, essa foi a oportunidade perfeita de entrar em contato com seu nível de qualidade extraordinário, e para os fãs devotos, a apresentação mais aqueceu os corações. – Ana Laura Ferreira

Black Pumas no Grammy 2021

Black Pumas explodiu suas cores na noite do Grammy 2021. O duo apresentou seu o soul psicodélico através de Colors, single principal de seu disco homônimo de estreia, junto de uma banda apaixonada e de um backing vocal divino. O centro das atenções, no entanto, não teve como fugir do casamento dos agudos perfeitos do vocalista Eric Burton, com os solos de guitarra de Adrian Quesada. 

Os dois nomes passaram de indicados a Artista Revelação de 2020 para concorrentes a Álbum e Gravação do Ano em 2021 com a versão Deluxe do disco que os revelou no ano passado. Mesmo que este não seja mais uma vez o ano de Black Pumas, a riqueza do som da dupla é um fato, que não deixou nada a desejar em sua performance. – Raquel Dutra

Taylor Swift no Grammy 2021

Trazendo uma floresta mágica para os palcos do Grammy, Taylor Swift nos entregou um compilado de algumas das principais músicas de seus dois últimos álbuns. Sedentos por uma apresentação ao vivo da cantora, fomos agraciados com todo o encanto e beleza do folclore criado por ela. Ao unir o fantasioso à mistura do pop, country e folk, Swift ofereceu um prato cheio de emoções para aqueles que a acompanham há uma década e meia e um convite para quem se aventura agora por sua sonoridade.

O nome da musicista foi marcante em 2020 ao lançar dois álbuns surpresas – folklore e evermore – um documentário pela Netflix e uma apresentação comentada, a the long pond studio sessions, pelo Disney+. Apesar do distanciamento e do recente cancelamento de sua turnê, que seria a primeira a passar pelo Brasil, Swift fez seu ano cheio de altos e trouxe tudo isso para o palco da premiação. Ao lado dos músicos Jack Antonoff e Aaron Dessner, Taylor embalou a noite ao trazer as canções cardigan, august e willow.

Vencendo a categoria de Álbum do Ano por folklore no fim da noite, a cantora mostrou para quem quisesse ver que ela merece o título. Muito mais do que apenas um compilado de músicas bem interpretadas ao vivo, o que Swift fez foi nos imergir em seu mundo fantasioso ao ponto de nos esquecermos de que ela não era a única a performar na noite. Chamativa por sua delicadeza e marcante por sua comoção, Taylor pôde provar, mais uma vez, que ela é a própria indústria da música. – Ana Laura Ferreira

Bruno Mars e Anderson .Paak no Grammy 2021

É difícil resistir aos encantos do som 80s de Bruno Mars e ao charme que essa característica ganhou junto de Anderson .Paak. Sob um fundo estrelado e docemente vestidos em tons caramelo, os artistas flutuaram nas melodias e harmonias de Leave the Door Open, novo single que promoveu o projeto da dupla junto da banda Silk Sonic no Grammy 2021.

Há quem diga que Bruno nasceu para fazer aquilo e que a mudança no estilo de .Paak é um acerto, há também os que se incomodam com a brincadeira de Michael Jackson, e ainda há quem use o exemplo dos músicos para nos relembrar do privilégio dos artistas masculinos. Entre as opiniões divididas, Bruno se sente em casa no passado e Anderson .Paak pareceu amar viajar no tempo junto de Mars no palco da premiação. – Raquel Dutra

Dua Lipa no Grammy 2021

Podemos dizer que estamos acostumados a esperar por performances no mínimo extravagantes quando se trata de Dua Lipa, e no Grammy não seria diferente. Iniciando o espetáculo, que teve a participação de DaBaby com uma versão imponente do single Levitating, a cantora conseguiu nos prender e manteve todos os holofotes sobre si, migrando entre diferentes roupas, cenários e danças. Sempre cheia de brilho, é unânime dizer que essa foi uma das apresentações mais marcantes da noite.

Seguindo para a música que fez dela a estrela de 2020, Don’t Start Now ganhou um suspiro de inovação ao ser mixado em uma nova linha sonora. Puxando influências claras do pop disco da década de 1990, Dua Lipa conseguiu trazer inovação, fanservice e diversão para a noite. Talvez seja sua excentricidade, no melhor sentido da palavra, ou talvez sua dualidade, que migra da delicadeza para a femme fatale, mas seja o que for, é certo que a cantora sabe como elevar os patamares de nossas expectativas e ainda ultrapassá-los. – Ana Laura Ferreira

Bad Bunny e Jhay Cortez no Grammy 2021

¡El mundo es latino! O grandioso Bad Bunny quer passar. Antes de vencer na categoria Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop com YHLQMDLG, Benito nos apresentou a deliciosa DÁKITI, ao lado de Jhay Cortez.

A enérgica performance brilhou a essência da música e o talento da dupla. No final, teve direito até mesmo a uma revelação: o elemento do palco que eles estavam caminhando era um grande olho. Mensagem secreta para o Persona? A gente finge que sim. – Jho Brunhara

Billie Eilish no Grammy 2021

Uma das primeiras performances da premiação foi de everything i wanted, de Billie Eilish, que mais tarde seria coroada com o Grammy de Gravação do Ano. Em um cenário que remete ao videoclipe da faixa, Eilish cantou em cima de um carro que parece estar afundando, tendo como companhia os vocais do seu irmão e fiel escudeiro FINNEAS, que também estava ao teclado. 

Com uma presença de palco diferente do comum, acostumada com performances movimentadas, a cantora não deixou de entregar o ideal para essa que é uma de suas músicas mais profundas. E ainda favoreceu a demonstração do seu controle e potência vocal invejáveis, que vão muito além dos sussurros que muitos costumam debochar. Mais uma prova de que nunca será demais premiar a grandiosidade de Billie Eilish. – Vitória Silva

Doja Cat no Grammy 2021

Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, e isso é fato. Mas isso não desanima as performances, não: no Grammy, Doja mostrou mais uma vez sua capacidade de entregar números de encher os olhos.

Se preparando para começar a nova era do álbum Planet Her, ela já nos deixa ansioso pelos próximos hits que vão suceder Streets. Já Say So, podemos combinar que deu o que tinha que dar. – Jho Brunhara

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No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.