Gabriel Diaz

Antes mesmo do primeiro teaser ser lançado, os fóruns da internet fervilhavam com muitas teorias. Entusiastas de longa data do encanador bigodudo, que cresceram com os diversos jogos da franquia, esperavam com ansiedade o que a Nintendo e a Illumination teriam para oferecer como continuação de Super Mario Bros (2023). E quando as imagens chegaram, a euforia tomou conta. 

A apresentação de Super Mario Galaxy trouxe as galáxias coloridas, o adorável Yoshi e a tão aclamada Princesa Rosalina – elementos clássicos de todo o universo do game. Assim como no primeiro filme, a história aposta na expansão e não se enquadra fielmente ao enredo tradicional dos jogos, especialmente a inspiração que levou o nome do título, lançado em 2007 na plataforma do Nintendo Wii. 

Se está funcionando, não há razão para arriscar e decepcionar um público fiel, seja de sua maioria infantil ou apenas quem goste dos jogos. Então, a técnica de seguir uma narrativa própria, misturando referências de diferentes títulos da franquia Mario para reinterpretá-las para o Cinema, se mantém. A proposta não é adaptar diretamente o jogo, mas executar uma releitura de uma experiência mais ampla. Além disso, o longa marca os 40 anos de um dos personagens mais icônicos da história dos videogames. A expectativa era de uma celebração à altura. O que poucos perceberam, porém, é que essa celebração tem um destinatário muito específico; e talvez não seja quem você imagina.

O longa propõe a missão de continuar o legado da primeira aventura de Mario (Chris Pratt) e Luigi (Charlie Day), porém a trama parte por outra premissa: Bowser Jr. (Ben Safdie), filho do grande vilão Bowser (Jack Black), sequestra Rosalina (Brie Larson) em busca de poder suficiente para impressionar o pai. Além dos irmãos principais, Peach (Anya Taylor-Joy), Toad (Keegan-Michael Key) e o recém-chegado Yoshi (Donald Glover) partem numa missão de resgate que os conduz por planetas aquáticos, desertos estelares e cidades espaciais.

Rosalina, que no game exerce um papel mais independente e enigmático, passa a ocupar a posição de ‘princesa a ser resgatada’, alterando significativamente a condução da história. Em paralelo, Peach assume uma postura mais ativa ao lado de Toad, reforçando uma abordagem mais dinâmica e atualizada dos personagens clássicos. 

Matthew Fogel escreveu o roteiro com a clareza objetiva de quem entende que seu público-alvo tem entre seis e dez anos de idade, pois entrega começo, meio e fim com uma eficiência quase mecânica. Entretanto, entrega alusões de jogos para os mais antigos fãs, como de Super Mario Odyssey (2017), Super Mario Bros. 2 (1988) e até do Super Mario Sunshine (2002), na forma como Bowser Jr. empunha seu icônico pincel mágico. E diferente do primeiro filme, a sequência demonstra contenção narrativa, o que, paradoxalmente, tanto é um avanço quanto a raiz de suas frustrações mais profundas.

A direção de Aaron Horvath e Michael Jelenic, os mesmos responsáveis pelo primeiro longa, encontra neste segundo capítulo uma versão de si mesma amplificada em confiança técnica. As sequências de ação são fluidas e vertiginosas, com uma câmera que mergulha na gravidade invertida dos planetas como se o espectador estivesse ele mesmo com um controle de Wii na mão. 

Talvez seja importante ressaltar que a Illumination sempre opera com orçamentos notavelmente enxutos: cerca de 100 milhões de dólares, metade do que Pixar e Disney costumam investir em suas produções; e entrega resultados que desafiam e superam essa lógica financeira. A direção de arte, que inclui o brasileiro Renan Porto na equipe, é, sem exagero, o ápice cinematográfico do longa: os planetas têm identidades visuais distintas, as paletas de cores mudam de galáxia para galáxia com uma coerência que sugere um trabalho meticuloso de design que vai muito além do decorativo.

É possível ver numa única pincelada do pincel mágico de Bowser Jr. que ali possui uma textura quase tátil, e os fantoches, que emergem em uma das cenas de ação mais inventivas do filme, revelam uma produção disposta a experimentar materiais e estilos sem medo do estranhamento. É um comportamento comum de produções de animação, mas que conseguiu superar a si próprio e atingiu cenários genuinamente impressionantes.

Brian Tyler, o mesmo do primeiro longa, é o nome da trilha sonora e ela foi reaproveitada em arranjos que transitam entre o sinfônico e o eletrônico, sempre encaixada com precisão cirúrgica nos momentos de ação. Se há uma crítica a fazer ao uso, é essa conexão entre música e emoção narrativa. Se no primeiro era tão marcante, com seus momentos de clímax sonoro que arrepiavam, aqui parece ligeiramente enfraquecida, como se a trilha estivesse a serviço da experiência sensorial mais do que da jornada emocional dos personagens. 

O que a obra faz de melhor, e de forma absolutamente consciente, é funcionar como uma espécie de Super Mario Maker (2015) cinematográfico. Para quem não conhece, este jogo era a materialização de um sonho coletivo: dar ao jogador as ferramentas de criação do próprio Shigeru Miyamoto e deixá-lo construir seus mundos livremente. No cinema, opera-se numa lógica semelhante: pega o arsenal de 40 anos de franquia e o distribui generosamente pela tela, convidando o espectador apaixonado a caçar referências como se cada quadro fosse um nível a ser explorado.

Dentre as menções, Pikmins aparecem em cantos discretos, Fox McCloud (Glen Powell) chega com sua Arwing numa entrada épica, Birdo e Wart ressurgem como antagonistas clássicos e o guarda-chuva de Peach remete diretamente a Super Princess Peach (2005). Nenhum desses elementos pertencia originalmente ao universo Galaxy, e por isso a decisão divide opiniões.

Para quem vê o filme como extensão da franquia, acaba soando generoso. Para quem esperava uma transposição mais fiel ao jogo de 2007, é uma diluição. Felizmente, parece que a Nintendo entendeu isso e realizou um projeto de longo prazo que consegue funcionar de maneira orgânica na maior parte do tempo, sem um caos indigesto de citações sem contexto.

A verdade é que quem não construiu memórias afetivas com esses personagens ao longo de décadas encontrará uma narrativa apressada, personagens subdesenvolvidos e uma quantidade de informações visuais que atordoa sem necessariamente emocionar. Pode-se usar a Rosalina, ausente no filme até o clímax, como um símbolo de desperdício desconcertante de uma personagem cuja história de origem é uma das mais tocantes de toda a franquia. A relação entre ela e Peach, reveladas como irmãs numa das maiores surpresas narrativas do longa, é esboçada com um flashback e depois praticamente abandonada.

Os cortes abruptos entre registros emocionais muito distintos também comprometem a imersão, pois, em um arco mais melancólico e potencialmente rico do roteiro como o de Bowser e seu filho Bowser Jr., não há espaço para respirar entre um power-up e outro, mesmo que a cena em que Bowser conta ao filho uma lição de moral paterna. Apesar disso tudo, a dinâmica entre Yoshi e Luigi é comédia e afeto puro, funcionando no nível humano mais simples. Que bom que existe, porém que pena que o filme passa rápido demais por ela.

No fim, Super Mario Galaxy se define justamente por esse equilíbrio instável entre nostalgia e inovação, nada diferente do que se esperava. Ao escolher expandir em vez de adaptar fielmente, cria-se uma identidade própria que encanta parte do público e desafia outra. Ele não é feito para quem vai ao cinema buscando a densidade de um Studio Ghibli; é feito para quem, ao ouvir o tema principal da série, sente imediatamente o peso afetivo de uma infância inteira guardada naquelas notas e para as crianças que ainda estão construindo as suas

A obra conclui mais uma etapa dentro do universo, que aparentemente está nem perto de ser finalizado. A Nintendo conseguiu se fantasiar de Marvel e criou extensões do universo, dando a entender que outros jogos poderiam estar presentes numa versão cinematográfica. Será que um possível filme da série de Super Smash Bros estará nas telonas nos próximos anos? Se faz sentido? Talvez não, porém o que predomina é o sentimento de fã, então seria sensacional.

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Davi Marcelgo

Scott Derrickson possui uma filmografia interessante, seja dirigindo um blockbuster como Doutor Estranho (2016) ou um excelente Terror, O Telefone Preto (2021).  Apesar de ser um diretor regular, nada poderia preparar os assinantes do Apple TV+ para o desastroso Entre Montanhas (2025), a obra mais genérica do cineasta, que parece, inclusive, um embutido das sobras de um filme que nunca aconteceu. Estrelada por Anya Taylor-Joy (Drasa) e Miles Teller (Levi), a produção passeia por gêneros e não consegue acertar em nenhum. 

Drasa e Levi são dois atiradores designados à missão de impedir que algo misterioso saia de um desfiladeiro, cada um fica responsável por um dos lados das montanhas, proibidos de interagir. No entanto, a paixão é mais poderosa que as orientações do trabalho, ambos os profissionais mantêm contato por distância e se apaixonam. Os primeiros 30 minutos da história dão um tom sisudo e misterioso por meio de dúvidas sobre qual o objetivo da guarda e qual ameaça habita o local. Ali, o espectador testemunha um suspense, que logo será substituído por um romance que iguala a algo escrito pelo John Green. Drasa é o tropo narrativo da ‘garota especial’, possui senso de humor diferente, é sarcástica e tem habilidades associadas ao gênero masculino: boa mira e combate. Levi, que é considerado descartável para os militares, já que não possui família ou vínculos, é o homem solitário e traumatizado que terá suas qualidades afloradas ao se envolver com uma mulher. 

Quando os protagonistas estão se conhecendo, a montagem de Frédéric Thoraval, antes densa, contemplativa e com respiros entre um take e outro, ganha ares de romance barato, quando quer demonstrar passagem de tempo, aplica intensidade e cortes rápidos, conforme acompanha a câmera hiperativa, ao som de Blitzkrieg Bop, dos Ramones. Em outro momento, a canção Spitting Off the Edge of the World é a escolhida para ser tema da primeira noite de amor do casal — Derrickson tem inspiração para filmar a cena, que começa com uma dança, onde a lente faz parte da coreografia, parando de se mexer nos trechos mais calmos da trilha. 

A estrutura de videoclipe soa como uma escolha para dar dinamismo ao enredo de quase 120 minutos de duração e fruto do contexto de velocidade dos aparelhos tecnológicos. Mas o pior ainda estava por vir: se já não bastasse a inconsistência narrativa, a última hora se transforma em uma experiência gamificada, que visa o estímulo e a imersão do público na ação, ao invés da composição imagética, por meio dessa direção que age como personagem, se movendo a cada soco tomado, a cada giro da arma para mirar em outro objeto. Há uma sequência que faltou pouco para pedir a quem assiste para apertar intensamente no botão círculo para impedir que Drasa fosse atacada. Esse Cinema nos moldes de algoritmo precisa captar a atenção do espectador pela frenesia. 

O visual das criaturas que vivem na garganta parecem ter os visuais descartados das artes conceituais da sequência de Doutor Estranho, que seria encabeçada por Derrickson, até que os conflitos com a Marvel finalizaram a passagem dele pelo herói. Assim como remetem ao visual dos infectados de The Last Of Us (2013), o design dos Homens Ocos é mais um elemento genérico, além da aparência amadora da fotografia para um filme caro, seja no desfiladeiro com as luzes artificiais coloridas ou nas locações reais, em que a iluminação é chapada, tal como já foi (e ainda é) criticado em produções de Hollywood.

Sigourney Weaver interpreta uma empresária mesquinha que visa lucro e prefere ameaçar a existência de vida na Terra… você já ouviu essa história. Entre Montanhas é um emaranhado de tropos e clichês de fitas de ação, aventura, romance e todos os gêneros possíveis que ele tenta incorporar, sem conseguir desfrutar dos códigos de pelo menos um deles. A ambição em criar uma trama híbrida — assim como criaturas que são uma mistura de plantas, animais e humanos — e até a existência de elementos batidos na história não é um problema declarado, tudo depende, sempre, da forma como eles se relacionam em cada longa.

A sua presença no Emmy 2025 é mais um argumento de que o evento não é vitrine alguma para o que há de melhor na televisão. A produção perdeu para a ótima sequência de Bridget Jones — o vencedor da categoria de Melhor Filme para TV é anunciado uma semana antes da transmissão da cerimônia — e diferente dos elogios de Scott Derrickson à Apple TV+ e ao roteiro de Zach Dean, seu novo trabalho não é original e tampouco ousado, é, na verdade, uma costura de muitas coisas que não se conversam e repetem fórmulas. Nem parece uma obra feita por um profissional que abandonou outro projeto por diferenças criativas, mas por um peão que aceita as condições de um estúdio, porque é isto que Entre Montanhas é: um produto de uma empresa de tecnologia. 

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Davi Marcelgo

Em 2019, enquanto o mundo se encantava com Vingadores: Ultimato durante o verão americano, em Janeiro daquele mesmo ano, Vidro de M. Night Shyamalan chegava aos cinemas, porém com a recepção bem menos calorosa em comparação ao apogeu do MCU. Sem pirotecnia ou confrontos de seres megalomaníacos, a terceira parte da trilogia encabeçada pelo ‘novo Spielberg’ se manteve no cerne da filosofia de super-heróis e regressou às origens das histórias infantis. Distraídos pela viagem no tempo de Capitão América e equipe, o público não soube ‘dar muita corda’ ao filme, mas por quê?  

Ora, Ultimato era o assunto mais comentado e o Universo Cinematográfico Marvel já tinha seu alicerce. A resposta que parece fácil, não é. Os filmes da ‘Casa das Ideias’ foram, sim, o principal fator para o ofuscamento de outras produções de heróis na época, principalmente o da conclusão de uma história que não era uma adaptação iniciada em 2000 e esquecida nas prateleiras pelos amantes da nona Arte. Shazam! também foi afetado, estreou junto de Vingadores e não alcançou nem 400 milhões de dólares em bilheteria contra mais de dois bilhões de Ultimato. Entretanto, há outra ‘pedra no sapato’: os motivos para Vidro não ter agradado aos paladares de, até mesmo, os aficionados pelo subgênero de super-heróis. Essa resposta é um pouco mais complexa e envolve muitos nomes. 

Junto de Corpo Fechado, os X-Men ganharam seu primeiro filme também no início do século, diferente do longa protagonizado por Bruce Willis, o diretor Bryan Singer renunciou as cores salteadas e o espírito infantil dos quadrinhos dos mutantes. Ao invés do colã colorido, optou pelo couro preto a lá Matrix (1999). Não só ele como Demolidor – O Homem sem Medo (2003) beberam muito das ideias das irmãs Wachowski. O maior nome que nadou contra a tendência ‘emo vestindo preto’ foi a trilogia do ‘Teioso’ de Sam Raimi que, curiosamente, ironizou a moda em Homem-Aranha 3. Tudo bem, eram outros tempos, o público desse tipo de filme ainda não tinha se consolidado e, para retorno financeiro, apostar em abordagens semelhantes do contexto Hollywoodiano era o caminho seguro.

Christopher Nolan e Zack Snyder também têm certa culpa na escalada do Cinema de heróis se afastar cada vez mais da sua origem colorida e infantil. O vencedor do Oscar com sua trilogia do Cavaleiro das Trevas (2005-2012) preferiu ser um thriller policial, deu um uniforme tático ao ‘Morcegão’ e jogou fora qualquer aspecto circense do Coringa. Snyder, que já tinha dirigido o ‘sombrio’ Watchmen (2009), fez de tudo para ser um diferencial no mercado e, em oposição à Marvel, dirigiu O Homem de Aço (2013) e Batman vs Superman: A Origem da Justiça (2016). O ex-publicitário, para não soar juvenil, emendou filosofia, religião e frases densas para soar sério, o tiro saiu pela culatra e acabou sendo púbere ao não conseguir lidar com tantas questões. O subgênero, tanto no cinema quanto fora dele, ficou mais sisudo: de gibi, passou-se a chamar rebuscadamente de graphic novel.

Não há problema algum em querer ser sério, ter uma abordagem mais ‘adulta’ e se afastar da estética quadrinho (até a própria indústria das comics fez isso com Frank Miller e Alan Moore quando escreveram Demolidor e Watchmen, respectivamente, na década de 1980). A Marvel nos cinemas, por mais que se aproximasse de uma abordagem mais espalhafatosa, cheia de ‘piadinhas’, segurava (e muito) o freio. Tudo era programado, uniformes comedidos e pouco criativos visualmente, diga-se de passagem, o clímax de Vingadores: Ultimato, que seguiu na paleta acinzentada dos irmãos Russo, poderia ter ‘despirocado’ e ser uma explosão de cores.

No começo da ‘empreitada’, até houve uma certa vontade de algo antiquado por parte de Joss Whedon em Vingadores (2012), porém nada que fosse a caricatura de uma história infantil. Em suas 20 e tantas histórias, a Marvel se preocupou com a saga e não com uma linguagem ‘quadrinesca’. Seria exagero dizer que o filme de Shyamalan foi uma borboleta colorida da ficção pré-MCU, até porque o uniforme de David Dunn é uma capa de chuva verde-escura. Contudo, seria petulância dizer que não transborda a alma de gibi em seus 106 minutos de duração. O ponto é que Unbreakable (no original), Fragmentado (2016) e Vidro (2019) não são filmes de heróis de histórias em quadrinhos, mas sobre elas. 

Durante muito tempo, os quadrinhos da Marvel e DC Comics foram destinados ao público infantil com tramas sem muita elaboração, dotados de ‘verborragia’ incessante, mesmo assim esbanjava criatividade para fazer crianças desejarem vestir capa e máscara. O roteiro escrito por M. Night Shyamalan está longe de ser desprovido de requinte, ele aproveita os detalhes inerentes às décadas de 1960 e 1980 nas HQs e faz um pastiche coerente com a proposta. 

Há três elementos bem definitivos dos quadrinhos que estão presentes na trindade: nome, cores e a infância. O nome do protagonista David Dunn é inspirado em muitos personagens que também possuem nome e sobrenome com a mesma inicial, recurso chamado de aliteração. São eles: Reed Richard, Bruce Banner, Peter Parker, Susan Storm, Stephen Strange, Lois Lane e Matt Murdock, a lista é longa. Stan Lee, co-criador de muitos desses personagens, já revelou em entrevista que o real motivo para isso era só sua fraca memória. Porém, a figura de linguagem também pode ser utilizada para criar ritmo e é utilizada na educação infantil. Para as crianças, memorizar palavras com sons parecidos também é mais fácil. 

As cores de Dunn e Elijah Price (Samuel L. Jackson) são secundárias e se complementam, não no sentido de cores complementares, mas sim na dinâmica das HQs. Muitos vilões têm como cor o verde e o roxo, associadas ao nojo, ganância e veneno, características más. O Homem-Aranha tem uma vasta lista de antagonistas com fantasias dessas tonalidades: Duende Verde, Mysterio, Lagarto, Abutre, Escorpião e Homem-Areia. Claro que, na época, havia uma questão envolvendo as limitações de impressão, bem como se trata de  um detalhe narrativo. Tanto que são cores em oposição às primárias que os heróis usam, como o azul e vermelho.  

São poucos heróis que usam tons de roxos, o maior exemplo é a Ravena dos Jovens Titãs, ela tem relações com um lado sombrio, portanto foge do comum em protagonistas de quadrinhos. Já o verde é mais presente em célebres: Lanterna Verde, Hulk e Arqueiro Verde. Tudo isso está presente em filmes das lendas, porém, mais como uma repetição do material original do que realmente uma escolha pensada para contar o que quer ser contado. Shyamalan busca, em páginas de nanquim, a forma da sua trilogia. David Dunn usa verde e o vilão Sr.Vidro (Samuel L. Jackson) veste roxo, eles estão conectados por lados opostos de uma balança, o indestrutível e o frágil. Então, é cabível que eles utilizem as cores vistas em uniformes.  

Já os personagens interpretados por James McAvoy (Kevin Wendell, suas outras personalidades e a Fera), são contornados pelo amarelo, tanto na calça utilizada por ele quanto nos pôsteres de divulgação de Vidro. Dá para atribuir muitos significados a ela: perigo por representar uma ameaça física a Dunn ou por ser a cor da conscientização à saúde mental e, até mesmo, o amarelo ser complementar ao roxo. Os inimigos aliados vestem cores que rimam. 

Os três personagens usam suas cores até em roupas que não são os seus uniformes. Em grande parte da obra, eles vestem peças do hospital psiquiátrico em que foram presos e os tons correspondem aos protagonistas. Parece uma ideia retirada direto da série de TV dos Power Rangers, lembrando quando Jason usava ‘regatinha’ vermelha em todo canto. 

Se nas ‘revistinhas’ as crianças eram influenciadas pelos personagens, nestes filmes, quem são influenciados por elas e pela infância, ou ausência dela, são os protagonistas. Vidro retoma a ideia perdida de que heróis são para crianças. A motivação do Sr. Vidro é criar um grande confronto no ponto mais alto da cidade para provar que sobrehumanos existem e que as histórias que ele cresceu lendo existem de verdade. David Dunn é motivado e se torna herói pela aproximação com o filho, que, mais velho, passa a ser o ‘nerd da cadeira’ dele. As personalidades de Kevin Wendell aparecem depois da morte do pai e os frequentes abusos da mãe, são elas que o protegem. No caso de Elijah, os personagens de gibi são sua proteção num mundo perigoso para ele, em que uma simples brincadeira é motivo dos seus ossos serem moídos. 

Fragmentado (2016) é um suspense que se disfarça de filme de ‘super-vilão’ em seus últimos minutos, quando a Fera desperta e M. Night Shyamalan o grava de costas, na altura do ombro, como se estivesse filmando o Hulk. Como também nas cenas de demonstração de força que abrem um abismo em comparação à capacidade física das reféns de Kevin Wendell. Porém, o ‘pulo do gato’ está na conexão entre um filme e outro. Só dá para saber que o thriller é uma sequência do longa de 2000 quando David Dunn aparece na última cena. 

Revisitando, nota-se que o diretor faz alguns elos, seja na própria apresentação da força da Fera, que está à altura de Dunn, ou na cena final de Kevin, que aparece conversando em frente a um espelho – a primeira cena de Corpo Fechado, introduzindo Elijah, é filmada através de um reflexo. Enquanto a Marvel enchia de menções e aparições, Shyamalan foi mais sutil. 

A vilã de Vidro, Dra. Ellie Staple (Sarah Paulson) faz parte de uma organização que apaga da existência pessoas com habilidades especiais. Foi isso que muitos idealizadores acabaram por fazer ao longo dos 20 anos de ‘boom’ do subgênero: apagaram as origens do mundo da invenção das crianças, histórias feitas para elas terem alter-egos. 

A trilogia de M. Night Shyamalan é uma reflexão sobre o gênero, a mídia e os arquétipos. Ela se distancia do que estava sendo feito no Cinema de heróis antes, depois e agora. O público ficou acostumado com a estética Nolan-Snyder e com os enlatados do MCU que, no piloto automático, esqueceu de pensar um pouco mais em toda unidade de Vidro. O filme é a conclusão perfeita para uma trilogia e um manifesto apaixonado por gibis. Para aqueles que ainda não viram ou não revisitaram desde 2019, vale abrir de novo a janela, agora com menos alvoroço por joias do infinito, referências e histórias “grandes demais para mentes pequenas”. 

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Nathalia Tetzner 

Salpique uma jovem fumante sem apetite, ferva um ator latino esquecido, cozinhe alguns empresários corruptos, tempere um fanático por gastronomia, corte uma crítica sem papas na língua e adoce um chef de cozinha assombrado pelo próprio trabalho, faça todas as etapas no desconforto de um restaurante rodeado pelo mar e pronto: a receita de terror psicológico está servida. Na direção do seu primeiro filme de grande investimento, Mark Mylod prepara para as telas do Cinema o sabor transformador da sátira unida ao suspense com O Menu.

Lançado em Dezembro de 2022 no Brasil, em meio a um cardápio audiovisual recheado por opções para satisfazer todos os gostos durante o ano, o longa é uma sobremesa deliciosa que surpreende ao fazer o público reservar um espaço no estômago para degustá-lo. Ralph Fiennes, na pele do renomado chef de cozinha Slowik, apresenta os dez atos que compõem o menu através de palmas estridentes e discursos teatrais que logo irritam a protagonista deslocada Margot, interpretada pela nova queridinha de Hollywood, Anya Taylor-Joy.

O roteiro assinado por Seth Reiss e Will Tracy se apoia no humor amargo para satirizar o capitalismo, o egocentrismo da geração que não consegue se alimentar sem fotografar os pratos para postar nas redes sociais e, até mesmo, a crítica especializada. Sim, o Persona teria altas chances de receber um convite para jantar no infame Hawthorne, afinal, a equipe de profissionais da culinária são extremamente enfáticos com a clientela: “você irá comer menos do que deseja e mais do que merece”.

As atuações de O Menu não destoam da sagacidade presente na apresentação dos pratos, Anya Taylor-Joy e Ralph Fiennes demonstram em cena o motivo pelo qual foram os escolhidos para protagonizar o suspense. Por outro lado, com um fundo de comédia, os momentos reservados para o riso são tarefa da garçonete ácida Elsa (Hong Chau) e do admirador exorbitante de iguarias Tyler (Nicholas Hoult). Tentadores em seus papéis, Janet McTeer, John Leguizamo, Rob Yang e Reed Birney são os demais nomes de destaque da lista de convidados do chef Slowik.

Christopher Tellefsen, responsável pela montagem, ou melhor, pelo mise en place do longa, acerta as quantidades e o tempo exato de misturar os ingredientes, assim, colocando os palpites do espectador em xeque a quase todo o instante. Visualmente saborosa, a fotografia de Peter Deming incoerentemente abre o apetite para o clima inóspito que se instaura pela sala de jantar do restaurante. A trilha sonora é um dos poucos aspectos técnicos que azeda o paladar, Colin Stetson não inova e falha na tentativa de eternizar a trama ao som de alguma melodia marcante.

Entre os adjetivos que caracterizam a obra de Mark Mylod, atraente e violento sumarizam a experiência gastronômica transformadora que abocanha o terror psicológico e não deixa nada no prato. Se classificado pelos moldes Michelin, O Menu certamente é um hambúrguer irresistível que merece as 5 estrelas, já no campo cinematográfico, a sua estreia no 47º Festival Internacional de Cinema de Toronto é um alento em meio ao cenário de desvalorização do suspense e da comédia, o que justifica a falta de indicações aos prêmios tradicionais do Cinema.

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Nathan Nunes

Poucos nomes são tão aclamados dentro do Cinema atual como o do diretor Robert Eggers. Seu primeiro filme, A Bruxa, foi um interessante sleeper hit, isto é, aquele caso onde o sucesso é construído no boca a boca. Tendo também revelado ao mundo a excepcional atriz Anya Taylor-Joy, o debute de Eggers fez em bilheteria o equivalente a dez vezes do seu orçamento de modestos quatro milhões de dólares, colocando-o no mapa e deixando altíssimas expectativas para o seu próximo projeto. Felizmente, ele superou todas elas com O Farol, onde já trabalhou com atores mais conhecidos como Willem Dafoe e Robert Pattinson. Notório pela fotografia em preto e branco e aspecto 4×3, o segundo longa do cineasta foi mais um sucesso de crítica, mas nem tanto de público. 

Agora, três anos depois de seu último lançamento, Eggers retornou às telas com O Homem do Norte (The Northman), de uma forma que não poderia ser melhor e mais significativa. Eggers, discípulo de uma geração de diretores independentes catapultada pela produtora queridinha dos cinéfilos A24, chega em seu épico viking ostentando um orçamento de noventa milhões de dólares, do qual ele se apropria para contar uma história nos mesmos moldes do Cinema autoral dessa mesma geração. Em outras palavras, o filme, que é sobre vingança, é também uma vingança ao sistema atual de produção dos grandes estúdios de Hollywood. 

Baseado nas histórias da mitologia nórdica de Amleto (que acredita-se terem servido de inspiração para Hamlet, de Shakespeare), o filme acompanha o príncipe viking Amleth (Alexander Skarsgård) em sua jornada para vingar seu pai Aurvandill (Ethan Hawke), resgatar sua mãe Gudrún (Nicole Kidman) e matar seu tio Fjölnir (Claes Bang), que usurpou o trono de seu irmão quando Amleth ainda era criança. Em seu caminho, o protagonista ainda vai cruzar com a feiticeira Olga (Anya Taylor-Joy), que lhe ajudará em sua busca por vingança. 

Um dos aspectos que mais chamam atenção é a autenticidade para com a cultura nórdica retratada, tanto técnica quanto simbolicamente. No primeiro sentido, design de produção e figurinos são extremamente ricos em detalhes da época, além de estarem sempre muito mais a serviço da história do que a frente dela. Já no segundo, as tradições mitológicas são muito valorizadas, como tudo que envolve a ritualística e as línguas faladas naquele período. O esforço é visível e aumenta ainda mais a credibilidade do filme como um todo. 

Ainda assim, é interessante notar como Eggers, juntamente com o roteirista Sjón, subverte as narrativas medievais tradicionais. Um exemplo está no arco narrativo do protagonista, que sofre uma virada na metade da rodagem e é levado a se questionar sobre seu propósito naquele mundo, onde honra e glória somente eram conquistadas na morte. Nesse sentido, o filme se alia bem a outro conto medieval recente e igualmente sensacional: A Lenda do Cavaleiro Verde, de David Lowery. Tanto o Amleth de Skarsgård quanto o Gawain de Dev Patel são homens que lidam com o fato de terem seus caminhos predestinados e a ausência de escolha como consequência disso, o que somente enriquece a profundidade de ambos enquanto personagens.

Outro fator que se encaixa dentro da visão subversiva do diretor é a participação das personagens femininas na narrativa, que estão sempre à frente dos homens e nunca à mercê deles. Olga, por exemplo, funciona como contraponto ao impulso de sacrifício masculino pungente na cultura da época, ao colocar seus objetivos de vingança em segundo plano e a preservação da sua própria vida e futuro em primeiro lugar. Já a rainha Gudrún representa bem a astúcia necessária para se sobreviver enquanto mulher na sociedade intrinsecamente machista e opressora da época, em uma interpretação fenomenal de Nicole Kidman, embebida de uma malícia enigmática. 

Tecnicamente falando, Eggers busca um sentimento imersivo na maneira como dirige, algo que só é potencializado pela experiência de se assistir ao filme nos cinemas. A movimentação de câmera adotada pelo diretor em conjunto com o diretor de fotografia Jarin Blaschke é suave, retilínea e clínica, com as tomadas sempre se alongando na intenção de hipnotizar o espectador sensorialmente, em que se destacam também o design de som estridente e a trilha sonora berrante de Robin Carolan e Sebastian Gainsborough. 

Chama atenção também a maneira como o diretor explora a violência de forma crua e sem glamour. Mesmo na tangente do sadismo, ele ainda consegue dar as dimensões de seu impacto psicológico, como em uma cena onde primeiro são mostradas as reações das pessoas de horror e espanto e somente depois o objeto de brutalidade ao qual elas estão reagindo, fruto de um excepcional trabalho de efeitos práticos. 

No que diz respeito ao elenco, é impossível não falar da fantástica performance de Skarsgård, repleta de uma fúria bestial surpreendentemente gritante e introspectiva, ao mesmo tempo. Tudo recai sob a sua linguagem corporal animalesca, sua fala sempre carregada e sussurrada e a selvageria de seus momentos de ação. Claes Bang também não deixa barato na pele de seu nêmesis, com uma impenetrabilidade e uma crueldade que nunca deixam de impressionar. Por fim, temos participações marcantes e bem interpretadas de Ethan Hawke e Willem Dafoe. 

Dito todos os elogios, nem tudo é perfeito em O Homem do Norte, e o maior problema do filme é o seu ritmo lento e por vezes vagaroso demais. São duas horas e dezessete minutos de duração marcadas por um começo e um ato final muito fortes, mas um período específico na metade (definido pela participação de Björk na trama) que é particularmente estafante de se acompanhar. Contudo, esse elemento também é um símbolo da autoralidade que Eggers imprime em cena e carrega da sua experiência pregressa no Cinema independente. 

Ao priorizar essas escolhas menos comerciais em um filme de escopo tão massificado, Eggers também está se aproveitando da máquina de produção dos grandes estúdios para expor sua voz, utilizando todos os milhões de seu orçamento, criando um produto de extremo requinte nos mínimos detalhes e vendendo-o como mais um blockbuster de ação, apenas para subverter a expectativa do público casual. Em resumo, o cineasta dos ovos fez uma jogada de mestre, além de mais uma excelente obra para ser adicionada ao seu currículo, um dos melhores da atualidade. 

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Mariana Nicastro

Apenas escute a melodia do trânsito na cidade! Carros e táxis passam o tempo todo, grupos diversos de pessoas riem e conversam em voz alta, e música ecoa de bares, pubs e casas de shows. As luzes dos teatros e das lojas iluminam as ruas largas. O título de um filme clássico pisca no letreiro do cinema. Quantos sonhos, promessas e ilusões vivem nos grandes – e famosos – centros urbanos, repletos de cultura, moda e fama? Bom, Noite Passada em Soho evidencia o que acontece quando alguns desses sonhos são arruinados, confrontados com uma realidade que pode ser cruel, brutal e assustadora. 

Dirigido por Edgar Wright e roteirizado por ele, em parceria com Krysty Wilson-Cairns, o longa chegou aos cinemas brasileiros em 18 de novembro de 2021. Antes disso, foi exibido nos Festivais de Veneza, Toronto e Londres, chegando ao Brasil pela 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. O diretor, conhecido por seu estilo ágil, astuto e criativo, revelado em obras como Em Ritmo de Fuga (2017), aqui apresenta o gênero abordado como novidade: um suspense psicológico e retrô, com toques de inspiração do Terror dos anos 60 e 70. Esse fator, somado a uma temática instigante, curiosa e com uma premissa original, joga holofotes sobre Last Night in Soho, que, como resposta, entrega ao espectador uma experiência assombrosa, envolvente e singular.

Essa experiência é contada sob a perspectiva de Eloise (Thomasin McKenzie) – ou Ellie –, uma jovem que deixa sua cidadezinha no interior da Inglaterra para viver o sonho de estudar Moda em Londres. Ao chegar na capital, porém, as coisas se revelam muito mais complicadas do que ela imaginava. Sentindo-se solitária, desconfortável e nem um pouco acolhida em seu novo lar, a garota encontra refúgio em uma pensão, que ganha sua simpatia com uma localização agradável e uma decoração tirada diretamente dos anos 60. 

Como se a estética não fosse suficiente por si só, em sua primeira noite no ambiente ela é surpreendida ao ser, de fato, transportada para a época em questão: uma Soho sessentista, perfeitamente reconstruída, em sonho vívido. Lá, ela se enxerga no corpo de Sandie (Anya Taylor-Joy), uma aspirante a cantora, cuja beleza, determinação e sede por fama despertam sua admiração e inspiração.

As visões logo se tornam recorrentes, se repetindo todas as noites, e passam a confundir a jovem a respeito do que é real e do que não é. O que se inicia de forma inocente e divertida, logo se torna um pesadelo, quando, aos poucos, Ellie percebe que está presenciando uma história triste, apavorante e real, que se mistura com a sua própria e passa a assombrá-la com fantasmas do passado. 

A trama é construída de forma que o suspense envolvendo a trajetória de Sandie em busca de reconhecimento, nos anos 60, é intercalado com a adaptação de Eloise à mesma Londres, cerca de sessenta anos depois. A diferença é que, enquanto a cantora precisou enfrentar seus desafios completamente só, Ellie, agora, os repassa junto dela, investigando seus passos e tentando descobrir quais foram seus desfechos, junto ao público. 

A história progride satisfatoriamente no Terror psicológico e nos dramas do passado, enquanto ambos se misturam. Em mãos erradas, essa alternância de foco poderia se tornar confusa, artificial e desencadear uma ruptura no ritmo do filme. Em Noite Passada em Soho, porém, a direção de Wright acerta ao desenvolver crescentes acontecimentos bizarros, assumidamente surrealistas. Eles criam vida para além dos pesadelos de Eloise e geram questionamentos cativantes quanto à origem daquele mal e quais serão as suas consequências. 

Dentro de um roteiro tão recheado de detalhes e ideias, nem tudo recebe a mesma atenção e desenvolvimento, como é o caso de alguns aspectos que envolvem Eloise. As visões que a garota tem de sua mãe e as dúvidas acerca de sua sanidade são alguns desses pontos, que rapidamente acabam em segundo plano. No lugar, Noite Passada em Soho abraça completamente a investigação da vida de Sandie, quase como se admirasse esses novos fatos com o mesmo interesse de sua protagonista, já que são eles que movem o enredo.

As boas ideias e o olhar criativo de Wright, contudo, prevalecem. Seja no uso de técnicas que divagam entre o horror psicológico e o físico, ou na inventividade para criar revelações e reviravoltas surpreendentes nos momentos certos, o longa é repleto de cenas angustiantes e sufocantes, e o desespero de Eloise para interferir na realidade de Sandie se faz crível e compartilhado por quem assiste. Os fantasmas dos anos 60, que reverberam no presente, tornam-se mais ameaçadores, violentos e macabros, conforme as explicações são gradativamente fornecidas.

Todas as sensações provocadas pelo filme são intensificadas com elementos sonoros e visuais, minuciosamente pensados. A recriação dos anos 60 é bela, desde os cenários até os figurinos. As intensas luzes coloridas geram contraste entre os dois períodos e são usadas, principalmente, em momentos de perigo e tensão. Esse recurso é bastante oportuno, considerando as referências de época, e muito utilizado nos giallos do horror italiano, como em Suspiria (1977), de Dario Argento. 

A fotografia, dirigida pelo sul-coreano Chung-hoon Chung, é impecável e, sem dúvidas, um dos maiores destaques da obra. O trabalho dele contribui para a construção do terror, é imaginativo – como pede a direção de Wright – e extremamente habilidoso ao criar cenas perfeitas, nas quais as atrizes principais são simultaneamente representadas. Jogos de espelhos, sets duplicados, cenas coreografadas e a alternância ágil entre planos garante um espetáculo visual que enriquece Noite Passada em Soho.

Dentre a lista de méritos do filme, as atuações são um show à parte. Os destaques são, sem dúvidas, as duas protagonistas, que representam papéis opostos. McKenzie simboliza medo, curiosidade e simplicidade com excelência. É fácil sentir empatia pela tímida Ellie. A personagem apresenta vitalidade e sua presença em cena é maior quando ela se sente segura e confortável, situação que oscila diante dos dramas enfrentados, e exige versatilidade da atriz.

Em contrapartida, a maravilhosa Taylor-Joy entrega uma Sandie determinada, corajosa e confiante, aos poucos revelando sua complexidade, conforme lida com o caos de seus dias. Ela, como sempre, brilha e esbanja elegância em sua atuação, e revela todas as camadas de seu papel com maestria. Anya mostrou habilidade até mesmo cantando, em sua icônica versão da canção Downtown (1965), de Petulia Clarke, para o filme. A música carrega um otimismo a respeito da vida em uma grande cidade, o que dialoga de forma irônica com os acontecimentos do longa.  

As demais atuações também são dignas de elogios, mesmo quando os personagens recebem menos tempo de tela. Miss Collins, interpretada por Diana Rigg, brilha em um papel póstumo, já que a veterana atriz faleceu antes do lançamento do longa. Matt Smith (o Doctor, mas dessa vez não o viajante do tempo da história) entrega uma representação certeira de um Jack detestável e assustador, que engana a Sandie, Ellie e a nós, ao se apresentar como simpático e atencioso, em um primeiro momento.

Quanto às suas revelações e ao desfecho, o filme carrega uma crítica social, com forte temática de violência, esta vivenciada por Sandie. A obra evidencia a triste realidade de abusos, manipulações e ameaças enfrentadas pela personagem quando jovem, enquanto buscava construir sua carreira musical. Para isso, se utiliza da sugestividade ao apresentar esses acontecimentos através de diálogos entre a cantora e Jack, ou representando através de fantasmas com rostos borrados, os homens para quem ele a oferecia e vendia.

O longa remete a sensações de desânimo, dor, agonia e confusão vividas por ela, enquanto vítima. Para isso, se usa de câmeras trêmulas e inquietas focadas no rosto de Sandie, em diversas ações da personagem. Noite Passada em Soho, entretanto, é ousado e imprevisível. Ao se encaminhar para sua resolução, a produção surpreende com uma reviravolta de vingança, sob uma perspectiva inesperada. 

A partir disso, a obra tenta responder às questões levantadas ao longo de seu desenvolvimento e peca pelo excesso, já que são muitas. Pontas soltas, por vezes, permanecem dessa forma. A conclusão dada à Sandie a respeito dos crimes cometidos por ela acaba sendo rasa e incoerente comparada à complexidade de seu desenvolvimento e da personagem em si. 

Trata-se, afinal, da origem dos traumas que a tornaram fria, violenta e sanguinária. A perspectiva de uma vítima que se torna a assassina. Uma dualidade que permitiria discussões melhor aproveitadas e um final mais marcante e impactante para Sandie, se bem trabalhada. A relação entre ela e Eloise também carece de maiores explicações, e a conexão entre elas se resume, de forma insuficiente, à tendência da segunda a uma sensibilidade ao sobrenatural. 

Edgar Wright de fato acerta ao criar um suspense curioso e atrativo, repleto de personalidade. Em sua ânsia e ambição de elaborar diversas situações complexas, o diretor entrega resultados finais razoáveis, porém discretos e limitados, que destoam do desenvolvimento deslumbrante e detalhista do longa. No entanto, em momento algum, isso prejudica a experiência como um todo: não afeta o encanto e originalidade da obra, apenas sugere que ela teria muito potencial para um desfecho mais satisfatório, completo e engenhoso. 

Dialogando com o surrealismo, com referências de um Terror psicológico de décadas passadas e uma elegante reconstrução de outra época, o filme é muito mais do que aparenta em sua superfície. A obra apresenta diversas camadas interessantes e sequências imersivas, que ocorrem sobre um nostálgico plano de fundo de viagem temporal. Noite Passada em Soho evidencia a forma como uma tragédia do passado desencadeia uma série de eventos traumatizantes e é capaz de criar fantasmas eternos, no sentido alegórico e também literal. 

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Mariana Nicastro

Plena Idade Média. Um casal de camponeses e suas crianças curiosas. Um lenhador. Uma casinha ao lado de um bosque e uma bruxa que o habita. Parece mais um conto de fadas dos Irmãos Grimm, certo? Bom, na verdade trata-se de A Bruxa, lançado no Brasil em março de 2016. Inventivo, misterioso e incômodo, o filme de terror utiliza da temática das bruxas para compor uma trama bem elaborada e assustadora. Com isso, ele tornou-se capaz de se destacar notoriamente no gênero e ainda ser alvo de discussões e elogios 5 anos após sua estreia.

Escrito e dirigido por Robert Eggers, também conhecido pela sua obra mais recente O Farol (2019), A Bruxa é um filme incomum, que divide opiniões desde sua aparição nos cinemas. Esse fator ocorre devido a escolha de Eggers em fugir de histórias de terror convencionais e optar por uma trama lenta, que intriga com sua estranheza e depende da imersão do telespectador para total aproveitamento. Dessa forma, ela pode decepcionar quem recorre à obra em busca de um terror físico, repleto de sangue e sustos. 

Contudo, mesmo que desvie das convenções do gênero que entregam um terror mais óbvio e instantâneo, o cineasta ainda consegue desenvolver excepcionalmente bem uma atmosfera aterrorizante. Assim, o filme flui de forma misteriosa, alimentando aos poucos o medo de quem o assiste. Ele, de fato, sempre sugere muito mais do que expõe, mas elabora crescentes situações bizarras, que se encaminham para um desfecho arrepiante.

Ambientado em uma Nova Inglaterra do século XVII – com direito a cenários e figurinos realistas da época, que contribuem para a imersão na história –, o filme retrata o deslocamento forçado de uma família para um novo lar. Ela é composta por William (Ralph Ineson), Katherine (Kate Dickie) e seus filhos Caleb (Harvey Scrimshaw), Mercy (Ellie Grainger), Jonas (Lucas Dawson), o bebê Samuel e a filha mais velha (e protagonista) Thomasin (Anya Taylor-Joy). Anya, antes mesmo de viver Beth Harmon no sucesso da Netflix O Gambito da Rainha, já brilhava em sua estreia em longas-metragens como A Bruxa. 

Após uma breve ambientação e introdução dos personagens e do local onde a história acontecerá, a obra embarca em uma sequência de eventos perturbadores que jamais entregam o que está por vir, tornando inesperado e imprevisível o futuro da trama. The Witch aborda os pavores e crenças da época, na qual a bruxaria era fortemente temida e combatida pela religião cristã e pelas autoridades. Por sua vez, a baixa saturação na fotografia de Jarin Blaschke, os cenários escuros da floresta e da casa, e o isolamento dos personagens constroem com maestria um ambiente inquietante e desconfortável, que se perpetua por todo o longa. 

Além desses fatores, há também diversas referências em segundo plano e mensagens subentendidas que permitem interpretações diversas e dão uma identidade única ao filme. Algumas podem passar despercebidas e assim valem uma nova assistida à obra, sob outras perspectivas. Sem entregar demais e sem estragar a experiência de quem ainda não o assistiu: A Bruxa se torna ainda mais rico ao inserir alguns detalhes que remetem a histórias antigas de bruxas, contadas através dos séculos, e outros que aludem à Bíblia e simbologias cristãs.

Quanto às interpretações que surgem diante desse olhar mais aprofundado sobre o filme, cabe citar suas críticas ao comportamento da sociedade baseado em dogmas religiosos e às intolerâncias decorrentes disso. Isso é feito ao representar a repressão de desejos e vontades de alguns membros da família em contraste com a heresia, ousadia e liberdade do paganismo, que ganham destaque no terceiro ato. 

Assim, A Bruxa fornece elementos marcantes e rios de pequenos acontecimentos macabros que deságuam em um mar de tensão e medo conforme ele avança. O filme se consagra como uma memorável criação do gênero, fornecendo 93 minutos de inquietação, curiosidade e horror. Logo, torna-se essencial na lista de quem é um admirador do terror e de histórias de bruxas, e merece ser lembrado como um clássico.

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O prêmio dos Sindicato dos Atores de Hollywood foi um bocado diferente em 2021. Começando pelos atrasos, consequência da pandemia, a premiação teve sua data inicial roubada pelo Grammy. A Academia de Música clamou para si aquele 14 de março, jogando o SAG para a primeira semana de abril.

Depois da exibição virtual do Globo de Ouro, o Sindicato decidiu que não faria sua entrega de troféus ao vivo, e sim gravaria com alguns dias de antecedência. No Dia da Mentira, começaram a rolar listas de supostos vencedores do ‘Actor’, como é apelidada a honraria. A singela cerimônia tomou parte na noite de domingo, 4 de abril, e rendeu 7 troféus à Netflix, destaque máximo de 2021. Com apenas uma hora de duração, a 27ª edição do SAG foi corrida, carente do charme característico do evento ao vivo e, no fim das contas, sem nenhum momento realmente marcante.

O palco do SAG é o local para a história ser feita. Ano passado, o elenco de Parasita foi ovacionado e aplaudido de pé. Pantera Negra foi celebrado em alto e bom tom. Spotlight continuou sua corrida ao Oscar lá e Três Anúncios para um Crime sonhou com um troféu que não veio.

Esse ano, o Elenco majoritariamente branco e exclusivamente masculino de Os 7 de Chicago venceu o maior prêmio da noite. Batendo as equipes etnicamente diversas de Minari, A Voz Suprema do Blues, Destacamento Blood e Uma Noite em Miami…, o filme de Aaron Sorkin finalmente venceu algo grande, depois de ver o Sindicato dos Roteiristas premiar Bela Vingança, o dos Produtores chamar ao palco (virtual) Nomadland e o nome do diretor não aparecer na lista final do Oscar.

Se os pálidos de Chicago vigoraram na categoria principal, pela primeira vez na história os ganhadores de atuação foram apenas atores não-brancos. A dupla dinâmica de A Voz Suprema do Blues venceu Ator e Atriz. Chadwick continuou sua varredura até a noite do Oscar, mas o prêmio de Viola Davis foi uma baita surpresa. A veterana, que encarna Ma Rainey com uma eficácia divina, não havia ganhado nenhum precursor até agora, e bota lenha na categoria. O próximo passo até o Oscar é o BAFTA, onde apenas Frances McDormand e Vanessa Kirby (das nomeadas à Academia) podem vencer.

Outro que continuou na onda dos prêmios vencidos foi Daniel Kaluuya. O Melhor Ator Coadjuvante do ano foi agraciado por sua atuação no visceral Judas e o Messias Negro, onde interpreta Fred Hampton, um das figuras mais importantes do movimento dos Panteras Negras. Em Atriz Coadjuvante, foi a vez de Yuh-Jung Youn se colocar com força na corrida para o Oscar. A vovó de Minari bateu sua principal concorrente, Maria Bakalova por Borat 2, e agora tem a vantagem para 25 de abril. Continuando a onda dos filmes de heróis perseverando na categoria de Dublês, Mulher Maravilha 1984 ganhou em 2021.

Na parte da TV, a Netflix confirmou uma porção de favoritismos. The Crown venceu Melhor Elenco em Drama pelo segundo ano consecutivo, se colocando na ponta da lista de apostas para o Emmy de setembro. Em Atriz, as 5 nomeadas representavam apenas 2 séries, é claro, da Netflix. Gillian Anderson colocou a competição no bolso, botando a Rainha, Lady Di e a dupla de Ozark para comer poeira. E falando em Ozark, Jason Bateman também comemorou um bicampeonato, vencendo o SAG de Ator em Drama.

As categorias de Comédia continuaram o jogo de batata-quente que Schitt’s Creek e Ted Lasso vem fazendo por todo o ano. A série canadense venceu Elenco e Atriz para Catherine O’Hara, enquanto a original da Apple TV+ coroou Jason Sudeikis como o Melhor Ator em Série de Comédia. O Screen Actor Guild Awards foi o último dos prêmios de Schitt’s Creek, que se despede da temporada vencendo tudo que teve chance.

Anya Taylor-Joy, por O Gambito da Rainha, continua sua caminhada até o Emmy de Atriz em Minissérie, enquanto Mark Ruffalo finaliza sua longa jornada. O Hulk já havia vencido o Emmy e o Globo de Ouro por sua performance em dose dupla em I Know This Much Is True. Ruffalo agora abre alas para outro ator dominar a categoria em setembro, na maior premiação da TV. Na parte de Dublês em Série, campo dominado por Game of Thrones na última década, The Mandalorian foi coroado. 

Premiando apenas categorias de atuação individual, elencos e equipes de coreografias, o SAG tenta abrir espaço para o reconhecimento dos Dublês no Oscar, mas a burocracia impossibilita a agilidade do processo. A edição de 2021 reuniu seus indicados por formato (comédia, minissérie, drama), misturando homens e mulheres na mesma conferência online. Os discursos não passavam de 90 segundos, e os próprios atores apresentavam uns aos outros, reacendendo a chama de proximidade do Sindicato dos Atores.

O SAG 2021 foi pouco memorável, mas rendeu a distribuição mais justa dos prêmios até agora. Acendendo o fogo para o Oscar no fim do mês e pavimentando favoritos até o longínquo Emmy, o Sindicato dos Atores rendeu um Cineclube Especial, assinado pela Editoria do Persona, discutindo os indicados, os vencedores, as tendências e os novos recordes. Vida longa ao SAG, o prêmio com a estatueta mais bonita dos Estados Unidos da América.

Filmes

Melhor Elenco em Filme: Os 7 de Chicago

Termômetro do Oscar, o SAG Awards tem seu diferencial na categoria de Melhor Elenco, que substituí a sonhada e aguardada Melhor Filme, comum em todas as outras premiações. Acertando em cheio que Parasita levaria pra casa a estatueta dourada ano passado, o sindicato trouxe as indicações à Minari e Os 7 de Chicago iguais a da premiação do tapete vermelho. Os excepcionais Destacamento Blood, A Voz Suprema do Blues e Uma Noite em Miami… completam a lista de indicados e nos deixaram sonhar com uma vitória de mesmo sabor que teve a de Pantera Negra em 2019.

Com elencos diversos – e injustiçados – em gênero e etnia, o SAG Awards premiou o único filme com produção majoritariamente branca: Os 7 de Chicago. O trabalho da Netflix traz personagens sagazes em meio a um julgamento político, que conseguem manter um bom ritmo durante suas duas horas, e também garante o recorde de Michael Keaton, que se tornou a primeira pessoa a ganhar três SAGs na categoria Melhor Elenco. O grotesco erro que faz enojar da vitória está em sua ridícula campanha que divulgou fotos das mulheres do filme para mostrar a diversidade, mas não creditou nenhuma delas na indicação.

Seria lindo ter visto Uma Noite em Miami… ganhar o troféu. Trama que traz os imortais Muhammad Ali, Malcolm X, Sam Cooke e Jim Brown discutindo seus papéis na revolução cultural da década de 1960, teve a brilhante direção de Regina King, esnobada no Oscar. Minari também seria uma vitória de encher os olhos. Cativante, a simplicidade da história encanta até o último segundo, e coloca o longa como um dos favoritos da temporada. Já A Voz Suprema do Blues, apesar de não ter levado a principal, foi destaque em outras grandes categorias da noite. – A.J.T. 

Melhor Atriz em Filme: Viola Davis (A Voz Suprema do Blues)

Uma das maiores surpresas da noite foi, sem dúvidas, a vitória de Viola Davis. Nossa eterna Annalise Keating ganhou um dos prêmios de atuação mais importantes da cerimônia, por sua interpretação da cantora Ma Rainey em A Voz Suprema do Blues. Esse já é o sexto SAG da atriz, sendo o segundo na categoria. 

Até o prêmio do Sindicato, Davis havia sido deixada de escanteio nas premiações anteriores, e conquistou só agora a sua primeira vitória na temporada. Além do fato de concorrer com outras performances esplêndidas, muito disso pode se justificar por sua personagem disputar o protagonismo da produção da Netflix com a brilhante atuação de Chadwick Boseman. No entanto, independente da quantidade de tempo de tela, Viola Davis é magnífica em tudo que se propõe, e reconhecer seu trabalho nunca será demais. 

E, se a categoria de Melhor Atriz no Oscar 2021 já estava em aberto, a premiação do Sindicato dos Atores a deixou ainda mais indefinida. A conquista de Davis superou Carey Mulligan, por Bela Vingança, que conquistou vários prêmios da crítica, incluindo o Critics Choice; além de deixar para trás as atuações de Frances McDormand, por Nomadland, e Vanessa Kirby, por Pieces of a Woman. A vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, não foi indicada por sua atuação em Estados Unidos vs. Billie Holiday, mas concorre ao prêmio da Academia. Dessa forma, a intérprete de Ma Rainey se torna uma das favoritas na disputa, que promete trazer resultados imprevisíveis para qualquer bolão. – V.S.

Melhor Ator em Filme: Chadwick Boseman (A Voz Suprema do Blues)

Infelizmente Chadwick Boseman não esteve presente, fisicamente, para receber o prêmio por sua atuação em A Voz Suprema do Blues. A sua interpretação deixou um legado sobre seu talento que será impossível de esquecer. Com sua performance e história, esse prêmio foi merecidíssimo. Porém, o prêmio de Melhor Ator do SAG 2021 foi disputadíssimo. Anthony Hopkins surpreendeu mais uma vez no seu papel em Meu Pai. É um trabalho arrebatador com uma sutileza incrível para interpretar esse personagem.

Ainda temos o excepcional Riz Ahmed, que cativou em todos os momentos em O Som do Silêncio e também possuía grandes chances. Outro que se destacou perfeitamente em seu filme foi Steven Yeun no perfeito Minari. Interpretando Jason, com uma dose de talento imprescindível para uma história tão delicada e especial. Já Gary Oldman foi a salvação essencial para o tedioso e confuso Mank, mas apenas o que já conhecemos de homens brancos em filmes. – A.B.R.

Melhor Atriz Coadjuvante em Filme: Yuh-Jung Youn (Minari)

Das 4 categorias de atuação, a vitória de Yuh-Jung Youn em Atriz Coadjuvante foi a mais significante. A vovó de Minari se tornou a primeira mulher sul-coreana a vencer um SAG individual, fazendo história um ano depois do elenco de Parasita ganhar a honraria máxima do Sindicato. 

Yuh-Jung dá um belo passo até o careca dourado, mostrando que os Atores votantes da Academia adoraram Minari e pretendem continuar votando nela para a noite de 25 de abril. O BAFTA, na semana que vem, deve dar um melhor direcionamento do futuro da categoria, seja indo para a veterana ou para Maria Bakalova.

Visivelmente surpresa com a vitória, Yuh-Jung Youn agradeceu o reconhecimento do Sindicato, feliz da vida com essa importante honraria para o belíssimo filme de Lee Isaac Chung, e que merecia também o SAG de Melhor Elenco. Youn venceu sua maior concorrente, Bakalova, além das brilhantes Helena Zengel, Olivia Colman e Glenn Close. – V.E.

Melhor Ator Coadjuvante em Filme: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

O Oscar de Daniel Kaluuya está cada vez mais próximo, se o destino permitir. Mesmo com uma campanha tardia da Warner, a atuação absurda de Kaluuya vem rendendo a ele todos os principais prêmios que concorreu como Ator Coadjuvante. No SAG não foi diferente: pelo papel preciso e extremamente importante como Fred Hampton em Judas e o Messias Negro, Daniel superou todos os seus concorrentes.

No ano passado, quem venceu foi Brad Pitt por seu papel em Era Uma Vez Em… Hollywood, que também rendeu um Oscar ao ator semanas depois. Em 2019, Mahershala Ali foi outro que recebeu um SAG e um Oscar pelo mesmo papel, o que indica que a premiação é um ótimo termômetro nessa categoria.

Em 2021, também disputavam em Melhor Ator Coadjuvante no SAG: Sacha Baron Cohen por seu papel em Os 7 de Chicago; Chadwick Boseman, que venceu na categoria Melhor Ator, por Destacamento Blood; Jared Leto por Os Pequenos Vestígios; e Leslie Odom, Jr. por Uma Noite em Miami…. – J.B.

Melhor Equipe de Dublês em Filme: Mulher Maravilha 1984

Um dos resultados já previstos para a cerimônia foi a vitória de Mulher Maravilha 1984 por Melhor Equipe de Dublês em Filme. As lutas bem coreografadas são um dos pontos altos da produção, e o ideal de se esperar de qualquer filme de super-herói. O vencedor anterior da categoria compartilhava a mesma temática, mas pertencia ao universo de heróis concorrente, o grandioso Vingadores: Ultimato. 

A narrativa de Diana deixou para trás a produção do Disney+, da também heroína Mulan. Outro filme que poderia ter surpreendido na disputa é Destacamento Blood, de Spike Lee, por suas épicas cenas de batalha. Já as demais produções da Netflix que estavam concorrendo, Os 7 de Chicago e Relatos do Mundo, não chegaram nem perto de levar a estatueta para casa. – V.S.

Séries

Melhor Elenco em Série de Drama: The Crown

The Crown é imbatível, e no que tange aos atores e atrizes que sustentaram uma das melhores temporadas da série não seria diferente. No SAG Awards 2021, a superprodução da Netflix começou levando o prêmio de Melhor Elenco em Série de Drama pela dinâmica existente entre os personagens de Olivia Colman, Emma Corrin, Josh O’Connor, Gillian Anderson (até aqui, todos indicados nas categorias de atuação individuais), Tobias Menzies, Helena Bonham-Carter, Marion Bailey e Emerald Fennell.

Nem mesmo o fenômeno de Shonda Rhimes firmando no elenco queridíssimo de Bridgerton ou a força das interpretações de Lovecraft Country foram capazes de barrar a coroação do 4º ano da realeza britânica, que venceu a categoria pela segunda vez consecutiva. Carimbando a soberania da Netflix nas premiações, quem quase sempre chega lá é Ozark, presença frequente dentre os indicados que mais uma vez ficou na sombra de The Crown. – R.D.

Melhor Atriz em Série de Drama: Gillian Anderson (The Crown)

A hegemonia de The Crown é um fato, mas ninguém esperava que o Sindicato dos Atores direcionaria suas honrarias reservadas para a Melhor Atriz em Série de Drama à quem viveu Margaret Thatcher ao invés de Lady Di ou Rainha Elizabeth. Não que não existisse mérito, já que outra verdade sobre a série é sua absoluta excelência, em especial nas atuações dessa temporada. Mas a coadjuvante de Gillian Anderson ofuscou as queridinhas – provavelmente numa divisão entre os votantes – e redistribuiu os prêmios da superprodução da Netflix com sua vitória no SAG Awards 2021. 

Em sua terceira vitória na premiação (a primeira foi em 1996 e a segunda em 1997, ambas por Arquivo X), Anderson concorria, como de costume, com atrizes de altíssimo calibre. Além de suas parceiras de cena Olivia Colman e Emma Corrin (que levou o Globo de Ouro e o Critics Choice Awards dessa temporada), figuravam também entre as indicadas Laura Linney e Julia Garner, ambas por Ozark, outra produção da plataforma de streaming que deve encontrar seu espaço assim que a geração mais aclamada da realeza britânica da TV sair de cena. Por ora, o efeito The Crown ainda não se dissipou. – R.D.

Melhor Ator em Série de Drama: Jason Bateman (Ozark)

Desbancando não só os favoritos dos fãs, mas também os favoritos da crítica, Jason Bateman levou para casa o troféu de Melhor Ator em Série de Drama para casa. O protagonista de Ozark, da Netflix, venceu sob o queridíssimo do público Regé-Jean Page, de Bridgerton e o amado pelo sindicato, Sterling K. Brown, de This Is Us.  

O ator levou seu segundo troféu na categoria, após sua 3ª indicação, pela terceira temporada da série, que foi marcada por reviravoltas e um enredo emocionante sobre o comércio das drogas, agora na mão da família de Marty, ao longo de seus 10 episódios lançados em 2020. A vitória ainda foi surpreendente já que o ator desbancou o grande favorito Josh O’ Connor, de The Crown, ainda que a série levou os outros 2 prêmios de Drama da noite e o príncipe da Inglaterra já tinha ganho o Globo de Ouro e o Critics Choice da temporada. 

A estreia de Bridgerton foi um grande sucesso da Netflix e poderosa para os fãs, mas a indicação de Regé-Jean foi inesperada dentro das categorias do SAG, já que a série ainda não tinha tido nenhuma indicação em outras premiações. A competição ainda contava com Bob Odenkirk, pela 5ª temporada de Better Call Saul, que não levou o prêmio pela terceira vez. Além das novas indicações, Jason concorria com o favorito do sindicato, Sterling K. Brown, de This Is Us, indicado todos os anos na categoria desde 2016, ano de estreia da série, e vencedor do prêmio em 2017. – L.V.

Melhor Elenco em Série de Comédia: Schitt’s Creek

A categoria de Melhor Elenco de Comédia adora um repeteco. The Office, Modern Family, Orange is the New Black, todas essas venceram mais de 1 troféu no passado. Dos indicados de 2021, entretanto, o Sindicato estava impossibilitado de repetir a tripla coroação de Mrs. Maisel, que não lançou temporada nova por conta da pandemia.

A saída foi repetir a Comédia que nesse ano ganhava até picolé com palito premiado, tamanha sua maré de sorte (e talento). Schitt’s Creek se despede da corrida dos prêmios vencendo sua máxima no SAG, rendendo também um Actor individual para Catherine O’Hara. Ainda disputavam o caneco de Elenco Ted Lasso (que vai brilhar no Emmy), Disque Amiga para Matar, The Great e The Flight Attendant. – V.E.

Melhor Atriz em Série de Comédia: Catherine O’Hara (Schitt’s Creek)

A Categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia do SAG Awards costuma ser bem frequentada e reflete o melhor que a televisão teve a nos oferecer nos últimos tempos. Vencida pela maravilhosa e impecável Phoebe Waller-Bridge, por sua atuação em Fleabag, no ano de 2020, nessa edição vemos nomes do mesmo calibre concorrendo pelo prêmio. Com apenas três programas na disputa, dos quais um também se faz presente entre os indicados à Melhor Ator em Série de Comédia, o que podemos adiantar é que a qualidade das atuações esteve superconcentrada durante a última temporada.

Diretamente da Netflix, Linda Cardenilli e Christina Applegate, as protagonistas de Disque Amiga para Matar, disputaram o título com interpretações sinceras e engraçadas, responsáveis por salvarem o roteiro preguiçoso da segunda temporada da série. Outro nome de peso que disputou o título foi Kaley Cuoco. A eterna Penny de The Big Bang Theory entrega uma personagem muito mais madura e complexa em The Flight Attendant, mostrando que a atriz ainda tem muitas camadas para nos oferecer. 

Entretanto, podemos dizer que a disputa esteve o tempo todo entre as estrelas de Schitt’s Creek. Annie Murphy roubou a cena por mais de uma vez dentre os numerosos episódios da série, nos cativando com sua atuação brilhante ao encarnar Alexis. Ainda assim, não tinha para ninguém. Quando falamos em qualidade e excelência em atuação cênica no SAG Awards de 2021 é impossível se desvincular do nome de Catherine O’Hara. Sua excêntrica Moira Rose nos presenteou com um show de dinamismo e presença com suas falas improvisadas, levando, mais do que merecidamente, a categoria. Assim, a atriz completa os 5 prêmios principais de televisão, sendo eles o Emmy, SAG, Globo de Ouro, Critics Choice Awards e o TCA com o seu papel em Schitt’s Creek. Feito esse conquistado por Waller-Bridge e Michelle Williams no ano passado. – A.L.F.

Melhor Ator em Série de Comédia: Jason Sudeikis (Ted Lasso)

Vivemos na era do bigodinho e dos fones sem fio de Jason Sudeikis, só nos resta aceitar. O astro de Ted Lasso desbancou a família Levy de Schitt’s Creek e venceu mais uma estatueta, somando um SAG à sua estante, já abarrotada com um Globo de Ouro e um Critics Choice, e guardando espaço para o Emmy.

Sem o clássico hoody, ou capuzinho, que o consagrou na internet nos últimos meses, Sudeikis foi sucinto em seu discurso, agradecendo ao elenco do seriado. Elenco esse que abriu o SAG 2021 numa esquete cômica digna do escopo da produção futebolística. Sudeikis venceu Dan e Eugene Levy, Ramy Youssef e Nicholas Hoult nesta edição. – V.E.

Melhor Atriz em Minissérie ou Telefilme: Anya Taylor-Joy (O Gambito da Rainha)

Parece que nessa temporada de premiações, Anya Taylor-Joy é realmente uma das preferidas. A atriz teve mais uma vitória, agora no SAG Awards 2021. Indicada por seu papel no sucesso da Netflix, O Gambito da Rainha, ela interpretou a complicada enxadrista Beth Harmon. Mas, não dá pra negar que a competição mais justa era com a sensacional Michaela Coel, que encantou por uma performance incrível na melhor série do ano, I May Destroy You, a qual também foi criadora.

Já a veterana Cate Blanchett, que inclusive já foi vencedora da categoria Melhor Atriz no SAG 2014 por Blue Jasmine, estava esse ano indicada por sua interpretação da ativista conservadora Phyllis Schlafly, na série Mrs. America, produção da emissora FX. Por seu desempenho em Pequenos Incêndios por Toda Parte, produção da Hulu, a atriz Kerry Washington foi outro destaque.

A atriz já foi indicada ao prêmio em anos anteriores por seus papéis em Scandal (2012-2018), Confirmation (2016) e no filme Ray (2004). Outro nome forte na disputa era a experiente Nicole Kidman, indicada por seu papel na série da HBO, The Undoing. Vale lembrar que a atriz possui outras indicações no SAG, sendo a mais recente em 2020 por sua atuação no filme Bombshell. – I.S.

Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme: Mark Ruffalo (I Know This Much Is True)

E o imaginado aconteceu: a interpretação magnífica de Mark Ruffalo como os gêmeos Dominick e Thomas Birdsey levou a estatueta do Sindicato dos Atores. Garantindo mais um prêmio para o hall de séries incríveis da HBO, I Know This Much Is True é um drama angustiante que consagra Ruffalo como muito, muito além de um monstro verde e um par de comédias românticas. Já estava escrito, claro, mas que a competição de Mark em Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme era boa, isso é fato. Bill Camp conseguiu a indicação por uma mínima participação no sucesso da Netflix, O Gambito da Rainha, como Sr. Shaibel, o mentor de Anya-Taylor Joy – a atriz levou o prêmio para casa na categoria feminina.

Hugh Grant também garantiu a participação na corrida por seu Dr. Jonathan Fraser, em The Undoing. Também acostumado com romances, Grant só topou o papel para ser o vilão assassino e dissimulado, companheiro de Nicole Kidman em tela. Mais um veterano conquistou a indicação para o SAG: Ethan Hawke viveu o abolicionista John Brown em The Good Lord Bird. A barba bagunçada e os olhares caóticos de Hawke nos sete episódios da produção, também assinada pelo ator, o transformaram em uma força da natureza, provando a potência absurda do 4-vezes-indicado-ao-Oscar. 

Por fim, o único indicado por um telefilme foi o incrível Daveed Diggs, pela performance dupla em Hamilton. O ator rouba a cena tanto como seu revolucionário Marquês de Lafayette quanto pelo afrontoso Thomas Jefferson nas batalhas de rima do musical do Disney+. Quando Diggs está no palco, não há como desviar o olhar. Mas, apesar da categoria de 2021 gritar talento, no fim das contas só sobrou para ele: Mark Ruffalo foi o vencedor da noite. – C.C.

Melhor Elenco de Dublês em Série: The Mandalorian 

A categoria de Dublês (ou Melhor Equipe De Coreografias em Séries Dramáticas ou Cômicas) teve um domínio exclusivo da trifecta Lannister, Stark e Targaryen nos últimos dez anos. Quando Game of Thrones tirou a rápida folga entre temporadas, foi Glow (descanse em poder) quem venceu. Agora, sem Westeros na jogada, os Atores continuaram honrando a ficção científica, dessa vez a espacial.

As acrobacias de Mando e Baby Yoda na segunda temporada de The Mandalorian não deram trégua para nenhum dos outros competidores. A dupla dinâmica de Star Wars venceu a terrível Westworld, a superestimada Cobra Kai, a querida Lovecraft Country e a vencedora moral, The Boys. – V.E.

O post Cineclube Persona – Os Vencedores do SAG 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nós damos valor demais ao Globo de Ouro. Esse ano, o grupo votante lamenta a morte de seu antigo presidente, Lorenzo Soria, ao mesmo tempo que enfrenta acusações de fraude e uma investigação que revelou o óbvio: a Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood (HFPA) não tem diversidade alguma. Reportagens no Los Angeles Times e no The New York Times estouraram poucos dias antes da 78ª edição do prêmio. Além de descobrirem que a HFPA não tem membros negros, foi escancarado um lobby poderosíssimo ao redor de Emily em Paris, uma das questionáveis indicadas ao Globo de Série de Comédia ou Musical.

É de suma importância relembrar que o GG não é prévia do Oscar de maneira nenhuma. Em questões de marketing e campanha, uma vitória no Globo alavanca sua visibilidade, mas o corpo votante da Academia é composto por mais de 7 mil membros, todos trabalhadores da indústria. A HFPA, por outro lado, é formada por 87 jornalistas, residentes de Los Angeles e que não têm ligação com o Oscar. 

Todavia, o que acontece é o Globo de Ouro tentando ditar tendências na temporada. Às vezes, as coisas dão ‘certo’: Green Book e Bohemian Rhapsody começaram ganhando aqui e percorreram solenes seu caminho até as estatuetas douradas e carecas. Ano passado, o amor por 1917 e por Sam Mendes caiu por terra quando Parasita e Bong Joon-ho saíram com os louros.

Ano após ano, o Globo de Ouro é feito de chacota, mas a audiência não para de subir. É a festa da indústria, como comumente é definido. O aspecto open bar é um fervoroso atrativo, tanto para quem frequenta e se senta às amarrotadas mesas, quanto para quem sintoniza todo começo de ano na TNT para conferir os discursos felizes que crescem ao passo que as garrafas de champanhe esvaziam. 

Mas 2021 não é um ano comum. A pandemia atrasou um bocado o início da temporada de premiações, e o Globo de Ouro, normalmente alocado na primeira semana de janeiro, dessa vez aconteceu na última de fevereiro. Amy Poehler e Tina Fey retornam ao papel de apresentadoras, mas cada uma estava numa costa diferente dos Estados Unidos. Adotando o formato híbrido semelhante ao bem sucedido Emmy, que rolou em setembro, o Globo de Ouro apostou na tecnologia como aliada nesse período de distanciamento. 

Quanto aos vencedores, o grupo foi diverso. Na TV, The Crown fez a rapa, ganhando 4 prêmios. Em Comédia, Schitt’s Creek deu espaço para Ted Lasso brilhar um pouco em Ator, mas clamou para si Atriz e Série. Na parte das Limitadas, Small Axe coroou John Boyega e Anya Taylor-Joy botou pra ferver, garantindo sua vitória solo e também a do conjunto por O Gambito da Rainha. Mark Ruffalo repetiu o feito do Emmy e venceu Ator em Minissérie pelo trabalho visceral que fez protagonizando I Know This Much Is True em dobro.

Na parte de Cinema, Borat 2 fez bonito, ganhando Filme e Ator, dois prêmios que Sacha Baron Cohen já havia recebido pelo filme original. Rosamund Pike passou a perna na vencedora moral Maria Bakalova, mas compensou no discurso. Minari venceu Filme em Língua Estrangeira. O maior indicado da noite, Mank, saiu vazado (ainda bem). Daniel Kaluuya começou sua jornada ao Oscar por Judas e o Messias Negro, e Jodie Foster surpreendeu ganhando por um filme apagado. Em Roteiro, perseverou o texto de Aaron Sorkin, e em Direção, Chloé Zhao se tornou a segunda diretora premiada na história. Melhor Ator ficou como prêmio póstumo ao genial Chadwick Boseman e Andra Day venceu Atriz, mesmo sendo a indicada menos hypada da noite. Nomadland foi consagrado Melhor Filme de Drama e nós dormimos felizes.

A Editoria do Persona se reúne num Cineclube Especial, comentando os méritos, deméritos, prós e contras dos indicados e vencedores do Globo de Ouro 2021. Dessa vez, falamos não dos filmes indicados, mas das categorias da premiação, chances de vencer, campanhas na imprensa e, no caso de injustiças, quem merecia ter ganho. Fique por dentro do início de temporada de premiações e, junto do Persona, se prepare para o Oscar.

Filmes

Melhor Filme – Drama: Nomadland

A aposta garantida para a noite foi o longa Nomadland, grande vencedor da categoria principal. Baseado na obra homônima escrita por Jessica Bruder, que além de possuir um bom elenco encabeçado pela talentosa Frances McDormand e direção da brilhante Chloé Zhao, encanta como um retrato da solidão envolta nas belas paisagens descobertas na estrada, acabando como a escolha sensata e justa para levar o prêmio.

Com dois nomes emplacados, a Netflix até poderia ter levado a melhor com o emocionante Os 7 de Chicago, filme histórico que conta a jornada de um emblemático julgamento político em meio a comentários sagazes de personalidades cativantes. No lado oposto, estava o tediante e pretensioso Mank, apesar do agradável estilo preto e branco, continua se limitando a agradar exclusivamente o público fã de cinema. 

Já o pop Bela Vingança (Promising Young Woman), que estrela a maravilhosa Carey Mulligan muito confortável no papel, leva a cultura do estupro com doses certas de drama, humor e violência, terminando com chave de ouro em um final decepionantemente bom. Mas, vale ressaltar que apesar de ser a melhor indicação, o longa acaba perdendo força perante os outros. Meu Pai (The Father), baseado na peça homônima de Florian Zeller, não possuía grandes chances de vencer, apesar da performance incrível do veterano Anthony Hopkins junto à já querida da premiação, Olivia Colman, ambos indicados também individualmente pela atuação na obra.  – I.S.

Melhor Atriz em Filme – Drama: Andra Day (Estados Unidos Vs Billie Holiday)

À exceção de Viola Davis, que brilhantemente divide o estrelato do filme A Voz Suprema do Blues com Chadwick Boseman, tínhamos mulheres praticamente donas de seus respectivos trabalhos concorrendo a categoria de Melhor Atriz em Drama. Contando histórias densas de maneira única, nenhuma indicada passa despercebida ao telespectador que dificilmente consegue escolher sua favorita ao prêmio

Para surpresa de muitos, o Globo de Ouro foi para a estante da cantora Andra Day, que protagonizou Estados Unidos Vs Billie Holiday. Andra, que já havia emocionado o público com a performance de abertura do festival One World: Together At Home, comoveu os espectadores entregando excelente atuação em cenas pesadas que exigiam um profundo mergulho sentimental da protagonista. A artista mostrou ter presença de personagem diante das câmeras que foi muito além das cenas musicais.

Outras grandes atuações merecem menção honrosa, como a visceral Vanessa Kirby que entrega todas as dores e sentimentos do luto em Pieces of a Woman. Vencedora do Coppa Volpi de Melhor Atriz em Veneza, a ex-The Crown não surpreenderia a todos se levasse o prêmio pra casa. A veterana de premiações Frances McDormand, que precisou de apenas olhares para entregar cenas profundas. Uma das minhas favoritas, certamente levará Nomadland ao Oscar. E Carey Mulligan que foi minha grande aposta da noite pelo marcante papel de Cassandra Thomas  – A.J.T.

Melhor Ator em Filme – Drama: Chadwick Boseman (A Voz Suprema do Blues)

Um dos maiores prêmios de atuação da noite não poderia ter ido para outra pessoa senão Chadwick Boseman. O falecimento do ator em agosto do ano passado tomou o mundo por um choque, pela perda de um dos maiores rostos em ascensão no meio cinematográfico. Boseman deixou um legado não só como o rei de Wakanda mas com outras grandes produções, entre elas, A Voz Suprema do Blues. Sua performance conseguiu tirar todo o protagonismo de Viola Davis, tarefa nem um pouco fácil, e deixou cravada a preciosidade de seu talento. 

Outro nome que poderia ter surpreendido seria o do veterano Anthony Hopkins, que, com seus gloriosos anos no ramo, ainda não foi consagrado com um Globo por atuação, e teve, mais uma vez, um trabalho excelente no melancólico Meu Pai. O queridinho Riz Ahmed também teria justamente subido ao palco para receber sua estatueta por seu trabalho em O Som do Silêncio, que narra a história de um baterista que descobre estar perdendo a audição.

Desta vez, o camaleão Gary Oldman e vencedor de um Globo por O Destino de Uma Nação acabou ficando para trás na corrida pelo controverso Mank, uma das grandes apostas da Netflix. O ofuscamento da divulgação de The Mauritanian também não conseguiu garantir a estatueta da primeira indicação de Tahar Rahim. – V.S.

Melhor Atriz Coadjuvante em Filme: Jodie Foster (The Mauritanian)

Jodie Foster ganhou o Globo de Ouro por Atriz Coadjuvante em Filme. De fato, sua interpretação no apagado The Mauritanian foi a grande surpresa entre as indicações, tomando a vaga de Ellen Burstyn ou de Yuh-Jung Youn. Importante apontar que Maria Bakalova, umas das mais badaladas coadjuvantes da temporada, foi movida para Melhor Atriz em Comédia ou Musical, onde perdeu, mesmo sendo a melhor da seleção de indicadas. 

Glenn Close concorria pelo massacrado Era uma Vez um Sonho, Olivia Colman estava no páreo por Meu Pai, Amanda Seyfried foi indicada por seu papel em Mank e a jovem prodígio Helena Zengel, estrela de Relatos do Mundo. É improvável que Jodie Foster sustente sua campanha até a eventual noite do Oscar, mas sua vitória aqui, sem dúvidas, remexe e bagunça a ordem de apostas na categoria. Interessante pontuar que, antes da noite de 28 de fevereiro de 2021, Colman tinha 3 indicações e 3 vitórias no Globo de Ouro e, mesmo nomeada duplamente esse ano, a britânica saiu chupando o dedo. – V.E.

Melhor Ator Coadjuvante em Filme: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

Sacha Baron Cohen, o Borat, é a prova viva de que um ator excelente em comédia nem sempre é inferior em papéis dramáticos. Em Os 7 de Chicago (Netflix), o outro lado da moeda da atuação floresce e Sacha mostra precisão em transmitir as emoções de um réu revolucionário. Porém, não foi o suficiente para lhe render um Globo de Ouro: Daniel Kaluuya é o vencedor da categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Filme. O britânico nos mostrou excelência em Judas e o Messias Negro (Warner) ao apresentar outro revolucionário, Fredrick Allen Hampton. 

Leslie Odom, Jr. também brilhou ao interpretar um ícone negro em Uma Noite em Miami… (Amazon). Seu maravilhoso Sam Cooke passeou por uma gama de expressões e sentimentos facilmente captados pelo espectador, e sua voz nos encantou com o cover de A Change is Gonna Come e a original Speak Now, cotada para Melhor Canção no Oscar. Quem tinha pouquíssimas chances mesmo era Bill Murray em On The Rocks (Apple) e o terrível Jared Leto em Os Pequenos Vestígios (Warner). – J.B.

Melhor Direção em Filme: Chloé Zhao (Nomadland)

Atenção, mulheres. Hollywood está mudando! Tínhamos um total de 3 diretoras concorrendo nessa categoria. Três! Acreditem se quiser. E, mesmo assim, a disputa estava fechada nas mãos dos dois outros homens. Afinal, a diversidade tem seus limites. Agora a HFPA estará com a consciência tranquila para passar os próximos quatro anos sem indicar mulher alguma. Obrigada aos envolvidos. 

No entanto, os louros vieram. Chloé Zhao, diretora de Nomadland, o filme mais sensível, completo e avassalador da temporada, venceu Melhor Direção. Até então, Barbra Streisand havia sido a única mulher a ganhar na categoria, pelo filme Yentl em 1984 – categoria essa que foi criada em 1944 e só contou com oito mulheres indicadas em sua história. A escolha era óbvia: Chloé Zhao merece todas as estatuetas que concorrer. A chinesa não era a única mulher extraordinária concorrendo. Regina King, com seu único Uma Noite em Miami…, e Emerald Fennell, com o delicioso Bela Vingança, foram escolhas sensacionais para disputar o globinho com Zhao. 

David Fincher concorria por Mank, um filme restrito e pretensioso, e Aaron Sorkin com o inflado Os 7 de Chicago, uma obra de homens brancos estadunidenses para homens brancos estadunidenses. Ambos fizeram um bom trabalho, com todos os seus méritos. Mas ninguém conseguiu fazer o que Chloé Zhao fez. Quem sabe não podemos sonhar com a segunda mulher vencendo a categoria de Melhor Direção no Oscar? – C.C.

Melhor Roteiro em Filme: Aaron Sorkin (Os 7 de Chicago)

Favorito entre as principais categorias, Nomadland não era o mais forte aqui. Sem divisão entre os roteiros originais e os adaptados, o filme baseado no livro homônimo de Jessica Bruder foi ofuscado pelos textos inéditos indicados a Melhor Roteiro em Filme, como o magistral Bela Vingança. Estreando no cinema, Emerald Fennell roteirizou e dirigiu um drama marcado por pontas de humor ácido que era uma aposta forte e o mais justo para ser premiado dentre as indicações. 

As apostas, contudo, iam para a vitória do afrontoso Os 7 de Chicago. E quem marcou o trabalho de Aaron Sorkin no bolão, acertou. Escrito pelo roteirista que é considerado um dos melhores da atualidade – e que e venceu da mesma categoria do Globo de Ouro em 2011 (por A Rede Social) e 2015 (com Steve Jobs) -, o roteiro vencedor tem seus aspectos questionáveis, como a falta de conclusão para o arco de alguns personagens, mas ainda é mais digno, preciso, bem acabado e melhor situado do que a terceira opção, Mank, na indicação mais questionável da categoria.

O roteiro do filme de David Fincher foi escrito pelo seu pai, o jornalista Jack Fincher, na década de 90 e só vingou agora, 18 anos depois de sua morte. Nascido das mãos de um amante do cinema que desvalidava a importância de Orson Welles na obra-prima Cidadão Kane, as intenções de Mank são perigosas e até mesmo desonestas. Assim, o peso maior do filme acaba por ser o elenco de alto calibre, seu tema principal – o favorito da comunidade cinematográfica, que é a própria Hollywood -, além da questão emocional e familiar do filme, onde o aclamado diretor dá vida à um roteiro – cheio de problemas – que seu pai fez sobre a paixão de sua vida. – R.D.

Melhor Animação: Soul

Infelizmente, Wolfwalkers e toda sua história emocionante não levou o Globo de Ouro. Mesmo com uma animação 2D impecável e uma trama um pouco diferente, o grande sucesso desse ano é Soul. Não que isso seja ruim, pois o filme é excelente em vários sentidos, inclusive sua trilha sonora. Com um toque de Divertida Mente e reflexões que nos deixaram extasiados, o novo filme da Pixar foi o premiado esse ano. 

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica também seria uma ótima opção como Melhor Animação. Porém o seu lançamento no início de 2020 e o grande hype de Soul fizeram com que a produção da Disney ficasse um pouco esquecida.

A Caminho da Lua é um ótimo filme e uma bela homenagem a sua roteirista Audrey Wells, mas não tão bom para ganhar um prêmio como melhor do ano. A continuação de Croods sofre com esse mesmo problema. A Nova Era da família das cavernas não é tão cativante como a primeira parte e poderia ser facilmente deixada de lado. – A.B.R.

Melhor Filme em Língua Estrangeira: Minari

Melhor Filme em Língua Estrangeira foi a categoria mais polêmica do prêmio que já é polêmico por si só. Minari, o favorito dentre os indicados e uma grande aposta para o Oscar, foi alocado aqui pela justificativa de ter mais de 50% dos diálogos em língua estrangeira, mesmo com uma produção 100% estadunidense. De forma prática, tudo estava nos conformes, mas o problema é que esses não foram os mesmos critérios aplicados, por exemplo, em Bastardos Inglórios, que fez Quentin Tarantino ser indicado em 2010 nas categorias principais mesmo que a produção tivesse a mesma questão das línguas faladas no filme e com uma coprodução entre Estados Unidos e Alemanha. 

O desdém racista do Globo de Ouro criou ainda mais atenção em cima da produção, já que sua direção, roteiro e elenco são completamente dignos de figurarem entre as categorias principais, com muitas performances que, se não no mesmo nível, chegam a ser superiores às de alguns indicados. Se as coisas com Minari tivessem sido justas, o favoritismo iria para a segunda opção, Druk, que traz Mads Mikkelsen (o Hannibal da NBC) numa atuação fantástica, e quem sabe, a produção latinoamericana La Llorona teria encontrado um espacinho. Ambos são fortes na corrida para a categoria de Filme Internacional do Oscar 2021. – R.D.

Melhor Trilha Sonora em Filme: Soul

Os filmes O Céu da Meia Noite, Tenet, Relatos do Mundo, Mank e Soul disputaram a categoria de Melhor Trilha Sonora. Composta pelo ganhador do Oscar, Alexandre Desplat, a trilha de O Céu da Meia Noite contou músicas dramáticas e lentas que combinaram com o ambiente espacial e trágico da obra. Em contraste, as faixas que deram vida a Tenet contêm um tom agitado e até mesmo confuso. Usando elementos do longa de Christopher Nolan, como o som de armas e a ventania, as composições barulhentas foram criadas por Ludwig Göransson, ganhador do Oscar de Melhor Trilha Sonora por Pantera Negra, e do Emmy por The Mandalorian.

Em Mank, o objetivo dos compositores Trent Reznor e Atticus Ross era criar a composição mais autêntica possível. Eles conseguiram alcançar tal meta com músicas que possuem um tom divertido e diferente, casando perfeitamente com a época em que o filme se passa. Já em Relatos do Mundo, as faixas compostas pelo indicado ao Oscar James Newton Howard possuem a vibe mais tranquila entre os indicados. A trilha sonora é bonita e envolvente, assim como o filme de Tom Hanks.

Mas quem levou o prêmio para casa foi Soul, a única animação que estava concorrendo na categoria. Também composta por Trent Reznor e Atticus Ross, junto ao pianista Jon Batiste, a trilha se destacou por ser tão tocante e bela quanto o filme, que também ganhou como Melhor Animação da noite. Em uma história sobre música, a obra dos compositores fez justiça ao enredo. – M.C.

Melhor Canção em Filme: Io Sì (Rosa e Momo)

A música é responsável por dar o tom de um longa e a categoria Melhor Canção em Filme diz muito sobre cada uma das cinco histórias concorrentes. Começando pela que era a maior aposta da crítica, Speak Now, interpretada por Leslie Odom, Jr., embala Uma Noite em Miami… com sua força em contraste com a suavidade da melodia. A oração entoada por Odom, Jr. ganha ainda mais destaque com a atuação do cantor no filme, que poderia fazer dela a queridinha para o prêmio por unir sinceridade, inflamação e significados que perpassam toda sua narrativa.

Entretanto, se formos falar de força, quem poderia superar a estrela em plena ascensão nas premiações, seria H.E.R., e seu grito de guerra Fight For You. A música de Judas e o Messias Negro fala por si só com a estética sonora da black music dos anos 1960, trazendo a batida para a contemporaniedade perfeitamente. Na sequência, Os 7 de Chicago apostou na novata Celeste para cantar seu tema, Hear My Voice. A canção é suave e ainda marcante, com uma letra de resistência que combina perfeitamente com o tema de seu filme e com a situação política americana na época de seu lançamento.

Andra Day aparece em sua primeira vez como atriz e também como cantora do tema principal de Estados Unidos Vs Billie Holiday com Tigress & Tweed. A canção que usa de batidas datadas em união a uma letra envolvente e ritmos modernos poderia ser a surpresa da noite por ostentar a fascinante voz de Day além de sua atuação. Dentre todas indicações, a canção vencedora surpreendeu. A única estrangeira na categoria, Io Sì é entregue por Laura Pausini para embalar Rosa e Momo, que também concorreu a Melhor Filme em Língua Estrangeira. O tom aveludado da melodia nos conduz para a imensidão emocional da história que o acompanha. – A.L.F.

Melhor Filme – Comédia ou Musical: Borat: Fita de Cinema Seguinte

A distinção entre “drama” e “comédia ou musical” é exclusiva do Globo de Ouro para indicar uma maior quantidade de filmes e premiar longas que a Academia do Oscar talvez não leve tão a sério. Em 2020, as 5 obras concorrentes mantinham um nível elevado de prestígio e, críticas à parte, Era Uma Vez em… Hollywood foi o grande vencedor. Esse ano, no entanto, podemos discordar em relação ao prestígio. 

Para falar dessa categoria, é extremamente necessário ressaltar que 4 filmes tão interessantes e diversos concorriam com Music, uma obra de mau caráter, desconexa, ofensiva e pavorosa. A indicação do filme dirigido pela cantora Sia é um desrespeito com a comunidade neurodivergente e uma afronta de mau gosto a todas as outras obras na categoria. Não era falta de musicais – A Festa de Formatura e Hamilton faziam parte dos escolhidos. Chamar Music de “comédia” também infere que em algum momento o filme é engraçado ou atrai o menor dos risos; não para ambas as situações. Palm Springs é engraçado, Borat: Fita de Cinema Seguinte é hilário. Music, além de ser ruim, é nocivo.

Pelo menos, nosso vencedor foi outro. A continuação de Borat levou o globinho dourado merecidamente pelo seu humor ácido e pela genialidade absurda de Sacha Baron Cohen reprisando o jornalista cazaque. A vitória de Borat: Fita de Cinema Seguinte constitui o primeiro filme sequência a ganhar a categoria desde Toy Story 2 e o primeiro filme de uma plataforma de streaming a também vencer. Afinal, seu maior concorrente era Hamilton, e apesar da peça filmada por Thomas Kail ser magnífica, não possui chances de chegar ao Oscar por ter estreado exclusivamente no Disney+. Chenquieh! – C.C.

Melhor Atriz em Filme – Comédia ou Musical: Rosamund Pike (Eu Me Importo)

Anya Taylor-Joy não foi indicada somente pelas suas produções televisivas. A atriz também concorreu ao seu primeiro Globo de Ouro com sua atuação em Emma. Apesar do excelente talento de Anya para interpretar a personagem infame de Jane Austen, ela não é o destaque da temporada. Com a sequência de Borat após 14 anos, conhecemos Maria Bakalova. A atriz búlgara é uma das melhores partes da continuação do pseudodocumentário de Sacha Baron Cohen e seria uma honra o prêmio pertencer a ela. Mas o sonho não se realizou desse jeito. 

Com mais uma indicação para conta da Netflix, Rosamund Pike ganhou nessa categoria com o filme I Care a Lot (Eu Me Importo). Roubando idosos e vivendo um romance, Pike possuía grandes chances de ganhar esse prêmio. Infelizmente não foi nenhuma surpresa já que ela é sempre indicada em papéis avulsos, como por A Private War em 2019, e a HFPA possui um certo favoritismo pela Rosamund. 

Em French Exit, Michelle Pfeiffer é uma ex-milionária em Paris que possui um gato falante, porém não possui um prêmio para chamar de seu. Já a última indicação dessa categoria é um grande erro. Com a atuação de Kate Hudson, o péssimo filme com a direção da Sia, Music acumulou mais uma nomeação ao Globo de Ouro. – A.B.R.

Melhor Ator em Filme – Comédia ou Musical: Sacha Baron Cohen (Borat: Fita de Cinema Seguinte)

É difícil bater de frente com Sacha Baron Cohen quando se trata de comédia. Até no premiado Os 7 de Chicago, vencedor de Melhor Roteiro nesta edição do Globo de Ouro, Sacha brilha sarcasticamente. E esse brilho foi o responsável por dar o segundo prêmio da noite para o ator, por Borat: Fita de Cinema Seguinte. Seu maior concorrente era Lin-Manuel Miranda, pela performance em Hamilton que, apesar de boa, é indiscutivelmente inferior ao que Cohen faz com seu personagem. 

Lin e sua peça, infelizmente, saíram de mãos vazias dessa edição. Dev Patel, figurinha carimbada com suas atuações impecáveis, concorria por The Personal History of David Copperfield; James Corden, odiado por muitos, estava indicado pelo fraco e divertido A Festa de Formatura; Andy Samberg, nosso Jake Peralta, conseguiu a indicação por Palm Springs, uma das boas surpresas do Globo de Ouro. A categoria estava recheada com atores de primeira linha, mas nenhum reproduziu ⅓ do que Sacha Baron Cohen nos ofereceu. – C.C.

Séries

Melhor Série – Drama: The Crown

Não tinha pra ninguém: a Coroa da Inglaterra não deixou espaço para seus concorrentes sequer respirarem na categoria de Melhor Série Dramática. A quarta temporada de The Crown estourou a boca do balão, e o fim de 2020 concentrou nas redes sociais um falatório incessante sobre os dramas da Rainha e o começo da triste ruína da Lady Di. The Crown já havia ganhado esse prêmio em 2017, pelo ano de estreia.

Os coitados que perderam para The Crown também são ótimas aventuras. Bem, pelo menos 3 deles são. Ozark é a joia subestimada da Netflix, carregada do perigo e da tensão do plot de lavagem de dinheiro, o ano 3 da produção de Jason Bateman brilhou com vigor. O mesmo vale para a segunda temporada de The Mandalorian, a garota dos olhos da Disney. Lovecraft Country, representante solo da HBO aqui, perdeu força pela ausência de indicações do elenco. E a quinta vaga ficou com Ratched, “por quê?”, você me pergunta, e eu respondo: eu também não sei. – V.E.

Melhor Atriz em Série – Drama: Emma Corrin (The Crown)

O Globo de Ouro também caiu nos encantos da Princesa Diana, e disso realmente não tinha muito como fugir. Interpretar uma das figuras mais queridas do século XX era um trabalho dificílimo, mas Emma Corrin transcendeu todas as expectativas ao encarnar Lady Di. Fascinante e graciosa à mesma medida em que é genial e profunda, a personagem é uma força da natureza na melhor temporada da superprodução da Netflix – até agora, já que The Crown só surpreende cada vez mais. 

O triunfo da Princesa significou a queda da Rainha. Campeã da categoria até então, pela primeira vez, Olivia Colman perdeu um Globo de Ouro. E a situação não poderia ser mais excepcional, já que a vencedora, embora carregasse todo o encanto, repercussão e atenção da temporada, não era a atriz principal da trama. 

Jodie Comer, a melhor parte Killing Eve, indicada pela segunda vez consecutiva na categoria, e Sarah Paulson, vivendo Ratched, foram ofuscadas pelas estrelas. No fim das contas, essa situação é favorável para Laura Linney, pois com os grandes nomes de The Crown devidamente reconhecidos e saindo de cena para dar espaço às próximas gerações, a atriz pode, nos próximos anos, finalmente assumir seu posto de favorita e ser premiada pelo trabalho igualmente fantástico que faz no outro fenômeno da Netflix, Ozark. – R.D.

Melhor Ator em Série – Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A vitória aqui ficou com Josh O’Connor e sua performance como o melindroso e monstruoso Príncipe Charles em The Crown. A evolução do homem, sua relação com Diana e o lado frio do personagem florescem nas nuances que O’Connor imprime na série de Peter Morgan. Sabemos que o Globo de Ouro não costuma premiar quem merece, mas nesse caso, Josh fez valer a vitória.

Ele não tinha muita competição, para falar a verdade. Jason Bateman brilha muito mais atrás das câmeras de Ozark do que propriamente à frente delas. Matthew Rhys sustentou uma indicação solitária à Perry Mason, o mesmo aconteceu com Al Pacino e seu papel ardente em Hunters, original do Prime Video. Bob Odenkirk foi indicado muito mais pelo prestígio de seu figura e de Better Call Saul do que como alguém com chances de vencer o Globo de Ouro. Quem sabe ano que vem ele ouça seu nome chamado, quando o spin-off de Breaking Bad chegar ao fim. – V.E.

Melhor Atriz Coadjuvante em Série: Gillian Anderson (The Crown)

A hegemonia de The Crown seguiu até aqui. Quem levou o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante foi a favorita Gillian Anderson, que se superou interpretando a peculiar Margareth Thatcher. A concorrência era alta e mesmo com o favoritismo das apostas, o prêmio da Dama de Ferro poderia ter ido para Annie Murphy como forma de expressar reconhecimento pela comédia queridinha da vez, Schitt’s Creek.

Outra possibilidade de vitória para a categoria era a parceira de cena de Anderson, Helena Bonham-Carter, que mais uma vez chegou perto mas não conquistou o Globo de Ouro próprio e perdeu a última chance de ser premiada enquanto Princesa Margaret. Não foi dessa vez também que assistimos a vitória merecida de Julia Garner por Ozark, mas o futuro da atriz, que nessa temporada também estrelou com maestria o drama A Assistente e ainda é um nome em aberto para uma zebra no Oscar, é um dos mais promissores de sua geração. – R.D.

Melhor Ator Coadjuvante em Série: John Boyega (Small Axe – Red, White and Blue)

A corrida de Ator Coadjuvante em TV normalmente recai para produções dramáticas ou limitadas. Em 2021, o Globo de Ouro não fez diferente. John Boyega triunfou na única indicação de Small Axe fora da categoria de Minissérie. O astro de Star Wars protagonizou Red, White and Blue, o terceiro dos cinco longas da antologia de Steve McQueen. Seu papel como um jovem policial, além de fresco na temporada de premiações, recompensa a cultura negra num ano de maioria branca disputando os troféus.

Boyega superou sua maior competição, Daniel Levy, por Schitt’s Creek, que já havia ganhado o Emmy em setembro. As chances estavam contra Levy, já que a última vez que o Globo de Ouro premiou uma performance cômica aqui foi com Glee, muitos anos atrás. Ainda concorriam Jim Parsons pela longínqua Hollywood, Donald Sutherland pela espalhafatosa The Undoing e Domhnall Gleeson pela apagada The Comey Rule. – V.E.

Melhor Série – Comédia ou Musical: Schitt’s Creek

Polêmica desde que anunciou seus indicados, a categoria de Melhor Série de Comédia ou Musical surpreendeu ao ter Emily em Paris no meio das nomeações; o sucesso pop da Netflix apareceu ao lado de grandes nomes como Schitt’s Creek e Ted Lasso, da Apple TV+. O universo parisiense glamoroso da trama fez sucesso na plataforma de streaming, porém não agradou a crítica – muito menos os franceses. O clichê erra nos estereótipos ao trazer o pior lado da cultura parisiense. 

Em contraponto, The Great, a trama do império russo do Hulu, conquistou a crítica e o público desde as primeiras cenas, com suas piadas escrachadas e ironia a todo vapor, ao mesmo tempo que acompanha as durezas e dificuldades da vida na corte russa, enriquecida com o show de atuação de Elle Fanning e Nicholas Hoult. A categoria ainda contava com o peso da fascinante última temporada da comédia canadense, Schitt’s Creek, que era a favorita na corrida pelo troféu, e acabou vencendo, após levar sete prêmios para casa no Emmy 2020. 

Já a produção da Apple TV+, conta com a tradicional personagem cômica do interior estadunidense; no entanto, os 10 episódios de Ted Lasso desenvolvem camadas que mostram que a comicidade na verdade se baseia nas sensibilidades do ser humano, balanceando na dosagem certa o humor e o drama. The Flight Attendant fechou a seleção de indicados, após a adaptação do livro surpreender não só a crítica mas também agradar o público da HBO Max, tornando a então minissérie, agora uma série renovada para segunda temporada, com a maior audiência do serviço de streaming. –  L.V.

Melhor Atriz em Série – Comédia ou Musical: Catherine O’Hara (Schitt’s Creek)

Catherine O’Hara é a força da natureza da temporada de premiações. A protagonista de Schitt’s Creek tem os melhores discursos, o melhor guarda-roupa e, agora, o Globo de Ouro 2021 de Melhor Atriz em Série de Comédia ou Musical. Nesse ano, apenas Lily Collins já havia sido indicada, com o restante da lista sendo formado por novatas. Aliás, por mais que essa sexta temporada tenha sido a última do seriado canadense, essa foi a primeira vez que a HFPA deu atenção à produção.

O’Hara superou Jane Levy, única indicação da TV aberta, por Zoey e Sua Fantástica Playlist. Além dela, também ficaram de mãos vazias a intransigente Elle Fanning (The Great), a inocente Lily Collins (Emily em Paris) e a eletrizante Kaley Cuoco (The Flight Attendant). Mas há algo bom para as perdedoras: O’Hara encerra agora sua temporada de prêmios e, no Emmy, tudo vai mudar. – V.E.

Melhor Ator em Série – Comédia ou Musical: Jason Sudeikis (Ted Lasso)

Essa era uma corrida de dois cavalos. Eugene Levy tinha nas costas a varredura que sua Schitt’s Creek causou no Emmy, concorrendo com a vivacidade e o otimismo de Jason Sudeikis, que interpreta um técnico esportivo yankee que se muda para Londres a fim de treinar futebol. Ted Lasso, original da Apple TV+, saiu com a vantagem e deixou Creek sem o troféu de Ator.

Fora a dupla, ainda estavam no páreo Don Cheadle, Nicholas Hoult e o vencedor do ano passado, Ramy Youssef. Por mais que a série de Hoult, The Great, estivesse presente na categoria principal, o lançamento do Hulu não juntou forças suficientes. O mesmo vale para Black Monday, esquenta-banco todo ano, e Ramy, outra comédia do Hulu que brilha mais no protagonista do que no quadro completo. – V.E.

Melhor Minissérie ou Filme para TV: O Gambito da Rainha

Com alguns nomes presos à sombra de seus concorrentes, o Globo de Ouro deste ano optou por sucessos consideráveis para compor a lista para  Melhor Minissérie ou Filme Feito para TV. A sensível e azarada Normal People, lançada pela Hulu como adaptação do fenômeno de mesmo nome escrito por Sally Rooney, levou duas indicações na premiação, mas infelizmente não chegou forte na disputa.

Small Axe, dirigida por Steve McQueen e concorrendo em duas categorias, era outra boa aposta da noite. A antologia de filmes contando histórias sobre a luta racial em Londres em diferentes décadas é composta por cinco obras, que em ordem de lançamento são: Mangrove; Lovers Rock; Red, White and Blue; Alex Wheatle e Education. Já a queridinha da Netflix e do público e adaptação do romance de Walter Tevis, O Gambito da Rainha, além de ter levado emoção e discutido o machismo no mundo do xadrez, já era praticamente campeã nas apostas e acabou levando a categoria. 

Emplacada pela HBO no final do ano passado, e contando com grandes nomes como Nicole Kidman, Hugh Grant e Donald Sutherland, The Undoing provou ir além de ser apenas uma história com clichês típicos de tramas de assassinato e mistério. Por fim, Nada Ortodoxa, segunda concorrente da Netflix indicada na categoria, apesar de comovente passou a ser a segunda favorita com o sucesso da produção estrelada por Taylor-Joy no ano passado. – I.S.

Melhor Atriz – Minissérie ou Filme para TV: Anya Taylor-Joy (O Gambito da Rainha)

2020 foi o ano de Anya Taylor-Joy. Indicada em duas categorias de atuação, a atriz de apenas 24 anos competia pelo seu trabalho em O Gambito da Rainha ao lado de grandes nomes como Cate Blanchett, que conduziu a narrativa poderosa de Mrs. America, e Nicole Kidman, estrelando The Undoing, o mais recente sucesso da HBO. As novatas também mantinham o alto nível das atuações indicadas, sendo Shira Haas com sua personagem surpreendente de Nada Ortodoxa, e a metade do romance encantador de Normal People vivida por Daisy Edgar-Jones. 

Das indicadas de alto calibre, Blanchett com sua personagem marcante, e Haas, com sua interpretação de forte apelo emocional, eram os nomes de mais força para levar o prêmio na ausência do favoritismo de Anya, ambas indicadas à mesma categoria do Emmy 2020. Mas nada foi páreo para o xeque-mate da protagonista da série mais assistida do ano da Netflix. – R.D.

Melhor Ator – Minissérie ou Filme para TV: Mark Ruffalo (I Know This Much Is True)

Repetindo figurinhas carimbadas pelo Emmy 2020, Mark Ruffalo levou a estatueta de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para TV. Mais do que justo, pois sua brilhante performance em I Know This Much Is True merece muitas estatuetas para segurar o peso de seu talento. O Hulk dos cinemas conseguiu desbancar o já vencedor Hugh Grant, uma das maiores apostas da noite por sua atuação na aclamada The Undoing, da HBO. Mas o trabalho do britânico não foi total em vão, já que com certeza terá sua presença marcada no Emmy deste ano.

No páreo, estavam outros grandes nomes como Bryan Cranston, já premiado com uma estatueta por seu papel como Walter White, e que concorria pela minissérie Your Honor, do Showtime. Parceiro de emissora e com sua segunda nomeação ao Globo, Ethan Hawke não levou a melhor por sua performance em The Good Lord Bird, drama racial aclamado pela crítica. A curiosa sátira dramática das crises do governo Trump, The Comey Rule, também não foi suficiente para dar a volta por cima e finalmente coroar Jeff Daniels, que coleciona nomeações de longa data na premiação. – V.S.

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Isabella Siqueira

Não é surpresa para ninguém que Anya Taylor-Joy é uma das atrizes mais promissoras da nossa época desde que estrelou A Bruxa. Uma das séries queridinhas de 2020, O Gambito da Rainha reafirma o talento da jovem que conquistou o público e a crítica, assim, a semelhança entre a protagonista da minissérie e de sua intérprete está justamente na característica de prodígio que ambas possuem. Com a implacável Beth Harmon nos mostrando como os jogos de xadrez podem ser tão interessantes quanto as lutas em Rocky (1976) ou Karate Kid (1984).

A produção da Netflix, que estreou no final de outubro, já é umas das mais assistidas de toda a plataforma, e não é por menos. Visto que, a jornada da protagonista leva ação e emoção para o que imaginamos serem partidas chatas de xadrez, sendo impossível não torcer para a jovem que prova seu talento contra todas as expectativas que atuam contra ela.

Logo no primeiro episódio já fica claro o inimigo da trama e de Beth: ela mesma. A prodígio de alguma forma consegue ser o empecilho em sua carreira, mas ainda sim o buraco é mais embaixo. Após o que parece uma cena da jovem de ressaca e atrasada para uma importante partida em Paris, somos levados ao passado conturbado da menina, que após a morte da mãe é enviada para um orfanato em meados de 1950. Sendo apenas mais uma entre várias meninas que esperam uma adoção, Beth logo começa a se esgueirar para praticar xadrez no porão do lugar.

Após essa primeira fase da série, a protagonista adentra mais um espaço familiar desestruturado, mas que ao mesmo tempo a permite ter liberdade para explorar seu talento nato. Adotada por um pai calado e que desaparece rapidamente, a protagonista estabelece uma relação de cumplicidade com sua mãe adotiva e aspirante a empresária, Alma Wheatley (Marielle Heller). A relação entre Anya e Heller é, inclusive, um dos pontos mais agradáveis da obra, mesmo que inicialmente reunidas por conveniência, com a junção desses indivíduos que enfrentam a solidão e o abandono comovendo pela sensibilidade.

Com muitas vitórias e uma certa arrogância, essa bem justificada, a trama acompanha Beth em uma jornada onde ela derrota e contesta todos que duvidam dela. E mesmo que a personagem recuse ser retratada pelo diferencial de ser mulher, o machismo clássico dos anos 60 se encontra em cada olhar dos que debocham da prodígio. Logo que começa uma tour por campeonatos pelo país todo, ela concorda em abrir mão de sua juventude e da realidade comum do colegial.

Ao longo dessas partidas e com a descoberta do desejo de derrotar o clássico inimigo russo, considerando claro o contexto da Guerra Fria, alguns nomes bem carismáticos vão ganhando caminho na vida da enxadrista. A exemplos dos jogadores Harry Beltik (Harry Melling) e Benny Watts (Thomas Brodie-Sangster), que apesar de tentarem entrar no mundo e coração fechado da moça, acabam frustrados pela verdadeira obsessão dela: o xadrez.

Contudo, apesar do caminho brilhante que traça em cada partida, O Gambito da Rainha mostra que a derrocada da personagem é inevitável. Os vícios que a acompanham também são o que garantem, na cabeça dela, suas vitórias. Para a protagonista, é impossível vencer sem a bebida ou as pílulas verdes, uma espécie de calmante que surge logo na infância como uma rotina para ela. Mas, o que ela não percebe é o quanto a situação vai se tornando insustentável ao passar do tempo, e como o preço da genialidade não é justo ou gentil.

A solidão da personagem se acentua pela negação em pedir ajuda e se conectar com outros, apesar dela superar as questões da adolescência como as crises de autoestima e a descoberta do sexo, as barreiras emocionais continuam sendo o demônio de Beth Harmon. Contudo, apesar da impressão de estar sempre sozinha, algumas figuras amigáveis adentram carinhosamente sua vida, como o Sr. Schaibel (Bill Camp), que foi quem lhe ensinou xadrez e por sua vez apostou em seu futuro, e Jolene (Moses Ingram), amiga do orfanato, que ressurge justo no fundo do poço em que a moça se encontrava.

Apesar da trama em si ser muito interessante e vitoriosa em prender quem assiste, a maestria de Anya Taylor-Joy é impecável. A atriz encara uma personagem muito peculiar, com jeitos e maneirismos característicos nas partidas e também momentos dançantes que exalam charme. Ao mesmo tempo chama a atenção a caracterização convincente dos anos 60, desde as roupas mais simples até os vestidos elegantes que ela ostenta na Europa, o amadurecimento da personagem é visível e claro, muito estiloso.

Por mais que O Gambito da Rainha se passe em suma nos Estados Unidos, curiosamente as gravações aconteceram em Berlim e no Canadá. O cenário deprimente do orfanato e as imponentes salas que abrigam as tensas partidas de xadrez também não passam despercebidas. Baseada na obra homônima de Walter Davis lançada em 1983, a adaptação da Netflix acerta também na fotografia e direção, realizada por Scott Frank e Allan Scott, que se complementam bem com o roteiro afiado e figurino belíssimo da produção.

Até para quem não entende nada de xadrez e desse mundo complicado de regras e estratégias, The Queen’s Gambit torna emocionante assistir cada partida. Os olhos da focada Beth Harmon são o destaque em diversas cenas, mesmo que não intencionalmente, e a expressão da atriz é um deleite para o público, que vibra a cada movimento, suspiro e por fim, vitória. Histórias sobre amadurecimento nunca saem de moda, e se tiverem a presença de Anya Taylor-Joy elas ficam melhores ainda.

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