A competição entre os streamings para conquistar o público no conforto de quatro paredes aumenta cada vez mais. Em 2022, não só assistimos às Melhores Séries, mas também o drama da perda bilionária da Netflix, a busca incessante pelo lucro com a introdução dos anúncios nas plataformas e a caminhada de ascensão da HBO até dentro das premiações. Talvez, no ano que vem, o Persona tenha que abarcar até os esportes que adentraram nesse mundo.

É nítido que a Netflix segue sendo a mandachuva: das 64 séries indicadas pela nossa Editoria, 25 pertencem à dona do tudum. Para além disso, a novela mexicana que a empresa vive após 200 mil assinantes pularem fora, e consequentemente as ações despencaram em 35%, nos alcançou. Se antes era divertido ver a vermelhinha fazer de tudo para que suas séries originais brigassem por prêmios, agora tivemos dor de cabeça ao descobrir a novidade polêmica e irritante de que o compartilhamento de conta na plataforma será cobrado.

Dentro desse cenário, vivemos um paradoxo: enquanto Wandinha, Heartstopper e Stranger Things foram as mais lembradas pelo Persona, mencionadas nove vezes cada uma, as melhores produções não são da nossa camarada Netflix. The Bear e Ruptura (Severance, em seu nome original) empataram na liderança dos rankings, ambas com três menções na primeira posição de melhor série do ano. Parece que estamos divididos ou que a competição das empresas tem resultado em produções mais esplêndidas? 

A coletânea da nossa Editoria também está alinhada com as maiores premiações da Televisão, mesmo sem ter a intenção. Enquanto aguardamos a lista de indicados ao Emmy 2023, fazemos nossas especulações. Desbancando suas concorrentes em uma competição interna, a HBO Max também preencheu um grande espaço na nossa lista. Com o lançamento estrondoso de A Casa do Dragão, o spin-off de Game Of Thrones enfiou o dedo na ferida de sua produção materna e foi mencionado oito vezes por nossos colaboradores. Em seu cangote está a segunda temporada de The White Lotus, com a mesma quantidade de menções e ganhando em número de troféus do Globo de Ouro deste ano por 2 a 1 da novela da família Targaryen.

Vale ressaltar que outras grandes produções premiadas ou aclamadas pelas críticas também foram lembradas, seja a polêmica história de Dahmer: Um Canibal Americano, a comédia de Hacks ou o terror genial de Yellowjackets. No entanto, não é isso que prezamos. Enquanto estiver despejando sua curiosidade e tempo na leitura de nossas indicações de Melhores Séries de 2022, saiba que priorizamos nos aventurar. Você encontrará produções nacionais extremamente políticas, como Rota 66, irá se deparar com romances britânicos, dois volumes de Atlanta muito esperados, e mais. Essa espontaneidade de obras é essencialmente quem somos, uma diversidade em construção. Aproveite, até Pantanal entrou na dança!

1ª temporada de A Casa Do Dragão (House Of The Dragon)

É muito difícil uma pessoa pensar em spin-off e achar uma boa ideia, mas A Casa do Dragão já chegou com os dois pés no peito dos viúvos de Game of Thrones. A continuação do universo não só agrada como surpreende ao trazer uma história e uma produção superiores à série original, escolhendo minuciosamente apenas suas partes boas e transformando em uma obra completa e redonda. Dividida em duas partes por um intervalo temporal, aqui o destaque na atuação fica por conta da dupla dinâmica Emma D’Arcy, que interpreta Rhaenyra Targaryen mais velha com imensa maestria, e Olivia Cooke no papel de Alicent Hightower adulta.

Diferentemente de Game of Thrones, A Casa do Dragão tem um foco menos universal e mais aprofundado no desenvolvimento dos personagens. Não há um Rei da Noite para se preocupar, logo, há muito mais espaço para conflitos internos com um maior complexidade de sentimentos. A clássica divisão entre bom e ruim não existe, e sim indivíduos com ações e atitudes controversas que cabem ao telespectador julgar. Além deste ponto positivo, a série nos leva de volta a lugares já conhecidos, como a Pedra do Dragão e Porto Real, trazendo um lugar reconfortante e nostálgico para os fãs. – Arthur Caires

1ª temporada de A Lenda de Vox Machina (The Legend of Vox Machina)

Como uma carta de amor para os amantes de RPG, A Lenda de Vox Machina transfere toda a magia dos jogos de tabuleiro para as telas do Amazon Prime Video. Adaptando a websérie do Critical Role, a trama acompanha o grupo de guerrilheiros não convencionais em busca de reconhecimento do título de heróis pelo reino de Exandria e de dinheiro para uma “breja” no fim da tarde. Igualmente a outras produções que constam no catálogo do streaming – como Invencível e  The Boys -, a animação também explora grandes clichês do audiovisual, satirizando com muito humor o modo que histórias medievais são construídas.  

Em poucos minutos de projeção, o seriado consegue imergir o espectador em uma narrativa obscura e intrigante, que a cada final de episódio nos arrebata em uma fervorosa sensação de querer mais daquela trama. O arco de Percival em busca de vingança pelos assassinos e cúmplices da morte de sua família, é sem dúvidas um dos grandes atos de toda animação, abarcando impetuosos momentos de violência, que mesmo angustiantes, também guardam desse lado comovente da história do personagem. O enredo é envolvente do inicio ao fim, saindo das obviedades, A Lenda de Vox Machina é um retrato irrepreensível da apreensão e do entusiasmo disseminado durante uma partida de role playing game. – Ludmila Henrique

1ª temporada de A Lição (The Glory)

A obsessão pela vingança pode ser algo destrutivo para si e para outros a seu redor, mas quando não há nada a se perder, talvez seja o único meio para a felicidade. É o que a protagonista de A Lição, Moon Dong-eun, interpretada por Song Hye-Kyo, sente: que há apenas um modo justo, e é o seu. Poderíamos julgar mal a atitude e os pensamento da personagem, contudo sua busca pela justiça passa a ser nossa assim que conhecemos seu passado.

Não apenas isso, mas os fins que justificam seus meios são também as personalidades de seus alvos. Atos horrendos nos fazem entender o quão ruim um deles pode ser. Portanto, para Moon, a intenção é clara: se vingar dos agressores e assediadores que a fizeram perder o pouco de dignidade que tinha em sua juventude. A primeira temporada de A Lição nos mostra a ação e reação que algo ou alguém pode ter contra nós. Aqui se colhe o que se planta.

As vidas das personagens só tendem a ficar mais instáveis à medida que Dong-eun as adentra. A primeira temporada se encerra nesse turbilhão construído não só por Moon Dong-eun, mas também pelas ações de seus colegas. Esperemos pelo desenrolar em uma próxima temporada, e veremos se todo o castelo construído na primeira não desmoronará. – Izadora Azevedo Albertini 

2ª temporada de A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls)

Drama adolescente não é nada de novo no mercado, porém A Vida Sexual Das Universitárias é uma ótima produção para assistir e não ter que pensar muito. Em sua primeira temporada, o caráter foi mais introdutório com uma história bem planejada. Já na segunda leva de episódios, o humor – sua principal qualidade – está bem mais elevado, mas com um enredo sem muito aprofundamento. A criação e o roteiro tem a assinatura de Mindy Kaling, nossa Kelly de The Office, que brilha na comédia e na construção de personagens fracassados e extremamente simpáticos.

Nesta temporada, ao passo que Kimberly (Pauline Chalamet) tem os holofotes desde o começo, Whitney (Alyah Chanelle Scott) é deixada de lado e fica limitada a pares românticos rasos. Dessa forma, sobra mais espaço para o desenvolvimento de Leighton (Reneé Rapp) e suas relações amorosas, e Bela (Amrit Kaur) com sua busca pelo reconhecimento de seus talentos na comédia. Além disso, embora a dinâmica imaculada entre as quatro garotas seja o brilho da série, isso se perde nos últimos episódios, junto com a profundidade da maioria do enredo. Apressados e superficiais, estes muitas vezes servem apenas como alívio cômico. – Arthur Caires

As Três Irmãs (Jag-eun Assideul)

Parte adaptação de Mulherzinhas, romance clássico de Louisa May Alcott, parte drama de suspense familiar, As Três Irmãs é uma série sul-coreana que já impressiona em sua apresentação. Em seu primeiro capítulo, somos introduzidos às complicadas vidas de In-joo (Kim Go-eun), In-kyung (Nam Ji-hyun) e In-hye (Park Ji-hu), três irmãs que, apesar de nascerem em uma família pobre, trabalharam para conquistar seu lugar no mundo. A vida delas muda quando uma delas acaba se envolvendo numa conspiração envolvendo a família mais poderosa do país — e uma quantia gigantesca de dinheiro.

Apesar de parecer estranho um livro de 1868 ser reinterpretado como um suspense criminal, fica logo claro que a série segue por seu próprio caminho, apresentando uma família bem longe do espírito caloroso de Alcott, dividida pela hierarquia social e econômica, mas que se mantém unida pelos sofrimentos que cada uma partilha. Com um mistério denso e complexo, a produção é elevada pelo texto rico e pelas performances estelares de suas atrizes, complementadas por uma estética elegante e voraz. — Gabriel Oliveira F. Arruda

2ª temporada de Alice in Borderland

Após uma primeira temporada eternizada pela violência e pelo mistério, Alice in Borderland retornou para traumatizar os fãs novamente, porém, para também surpreender com os últimos segundos de um desfecho antes tido como previsível pela existência do mangá de mesmo nome, responsável por originar a adaptação para a Televisão. No ano de 2022, a série da Netflix não poupou ninguém e tratou com fidelidade as sequências de ação.

Donos de uma química eletrizante, os protagonistas Ryōhei Arisu (Kento Yamazaki) e Yuzuha Usagi (Tao Tsuchiya) provaram que os seus destinos foram traçados juntos. Mas, se alguém dominou a arte de se expressar com o coração, este foi Shuntarō Chishiya (Nijirō Murakami) com a sua frieza calculista que o fez vencer o apelo emocional dos jogos e do enredo. Com o atraso nas gravações devido ao cenário de caos universal em 2020, Alice in Borderland fez valer a pena a espera. – Nathalia Tetzner

1ª temporada de All of Us Are Dead (지금 우리 학교는)

Nada de muito novo no universo zumbi. Um vírus voraz criado em laboratório, inúmeras perseguições e mordidas, sangue por toda parte, uma cidade rapidamente dominada pelos mortos-vivos, sobreviventes isolados tomando péssimas decisões e um governo incapaz de conter contágios, recorrendo apenas a bombardeios para exterminar as maiores hordas. A primeira temporada de All of Us Are Dead soube investir com inteligência nos clichês para atrair a atenção de um público vidrado em histórias apocalípticas, mesmo que isso trouxesse o risco de se criar uma narrativa monótona e consequentemente desinteressante.  

É claro que a série de Lee Jae-Kyoo não ignora as tecnologias e os dilemas do mundo contemporâneo, mas a inovação deixa de ser regra em uma obra que sabe valorizar seus momentos de reviravolta e tensão. Cenas sem sentido, com sobrevivências improváveis, passam despercebidas por fazerem parte de uma atmosfera agonizante, que mostra o quão difícil seria enfrentar um apocalipse zumbi estando preso em ambientes escolares. Mas nem tudo está perdido para quem exige originalidade. Afinal, os seres híbridos – apresentados como meio humanos, meio zumbis – são a cereja do bolo de uma série que nos cativa pela falta de tranquilidade. – Eduardo Rota Hilário 

1ª temporada de Andor

Andor, dirigida e roteirizada por Tony Gilroy e seu irmão Dan Gilroy, se trata de um Spin-off do filme Rogue One: Uma História Star Wars (2016). Na série, acompanhamos Cassian Andor (Diego Luna) em uma jornada para se tornar um guerreiro e espião da Aliança Rebelde, e assistimos a formação do grupo revolucionário e a escalada da opressão dentro do Império Galáctico.

Star Wars é, sem dúvidas, uma das franquias mais amadas do Cinema. Apesar de alguns produtos feitos pela gestão Disney da marca sofrerem críticas negativas, Andor vem em um bom momento, em que as infinitas possibilidades de histórias na “galáxia muito distante” vêm sendo melhor exploradas. De fato, o seriado se aprofunda tanto na vastidão de cenários como nas excentricidades de cada personagem.

O roteiro inova em trazer uma visão mais madura em relação aos filmes originais sobre o contexto político desse universo. Mostrar como figuras icônicas, como a líder da rebelião Mon Mothma (Genevieve O’Reilly), saíram de suas vidas cotidianas para se rebelar contra um sistema opressor enriquece a experiência com a franquia no geral e cria ligações quase íntimas entre telespectadores e personagens. – Guilherme Dias Siqueira

1ª temporada de Arquivo 81 (Archive 81)

As fitas VHS são hoje uma relíquia e um símbolo da cultura pop, sempre muito usadas em filmes, séries e jogos de terror como um recurso que se comunica com um passado não tão distante. As gravações são usadas como ferramenta documental, mas nunca se sabe o que realmente há na fita a menos que ela seja reproduzida. O medo nasce daí e Arquivo 81 questiona: o que há no passado é algo que o telespectador realmente quer assistir?

Dan, interpretado por Mamoudou Athie, não pode dizer não ao conteúdo das fitas: ele deve restaurá-las por 100 mil dólares. Para isso, o personagem é enviado a um complexo afastado, uma gigantesca casa onde passará os dias sozinho até sua última passagem. Nas filmagens, Melody (Dina Shihabi), uma jovem que morreu em 1994 durante sua estadia no hotel Vissel, aparece. Ela e Dan não pretendiam nada, mas encontraram um mistério de um culto satânico interligados através das gravações.

A narrativa da primeira temporada é crescente, resultado de um mistério perturbador que os aflige. O passado parece distante, mas fica cada vez mais próximo e ameaçador. Já o presente não é melhor, e sim apenas uma cerca que delimita nossas ações. Arquivo 81 explora muito bem essa proposta, contudo, infelizmente, foi cancelada. – Izadora Azevedo Albertini 

3ª temporada de Atlanta

A fase mais movimentada para Atlanta também foi a mais arrefecida desde 2016. Os quatro longos anos de hiato entre a segunda e terceira temporada afetaram tanto sua entrega – seja por questão de demanda ou distribuição, a série sequer foi transmitida no Brasil – quanto sua recepção, que dividiu a crítica e o público como nunca antes. Em um cenário tão turbulento para a produção, Donald Glover e sua equipe deram um passo maior do que as pernas, ao passo que é precisamente isso que faz do ano três de Atlanta o mais provocativo até então.

Nos afastamos não só do território comum da série, como também da própria noção de lógica como conceito tangível. Não havia forma mais certeira de suplantar as ansiedades de nossos protagonistas do que dando um passo para trás e observando o plano maior. Através de uma formação narrativa fabulosa, somos induzidos a desconstruir cada um dos temas que atravessam Atlanta, para que, então, possamos reconstruí-los em uma perspectiva renovada. Se esse é o resultado artístico de uma obra que rejeita a opinião pública, é disso que a televisão definitivamente precisa. – Enrico Souto

Para quem precisou esperar tanto pelo retorno, o desfecho chegou mais rápido que o esperado. Dois meses depois do fim de sua terceira leva, a quarta e última fase de Atlanta foi anunciada já para setembro de 2022. E, ainda que produzidas simultaneamente, ambas apresentaram uma diferença decisiva. Se a temporada três culmina os aspectos de seu afrossurrealismo, gerando uma experiência fora de toda e qualquer noção de concreto que pudéssemos antecipar, a temporada quatro volta à capital da Geórgia, nos EUA, e encerra o arco de seus protagonistas em seu momento mais sóbrio.

Seja mergulhando nos traumas mais profundos da vida de Earn (Donald Glover), dissecando a dicotomia inerente ao relacionamento do protagonista e Van (Zazie Beetz), ou aprofundando-se na busca intuitiva de Alfred (Brian Tyree Henry) em se isolar, a safra final de Atlanta se despe da sua comédia sagaz, suspense sutil ou de qualquer outro filtro para conceder caminho livre aos personagens, que finalmente podem preencher a tela em sua forma mais guarnecida. O que não os impede, é claro, de extrapolar todas as estribeiras no último episódio. Realidade ou fantasia, acompanhar a obra-prima de Glover foi um sonho. – Enrico Souto

6ª temporada de Better Call Saul 

Vince Gilligan tinha um desafio em suas mãos: amarrar todo o universo de Breaking Bad na última temporada de seu prequel, Better Call Saul. O spin-off acompanha a trajetória de Jimmy McGill, ou, para quem já o conhecia de outros carnavais, Saul Goodman (Bob Odenkirk), um advogado ‘porta de cadeia’ que dedicava sua carreira a defender criminosos, até chegar no trabalho da sua vida – Walter White. 

As seis temporadas da série dão ao telespectador a oportunidade de conhecer um pouco mais dos personagens que integram o universo do tráfico em Albuquerque, e, na season finale, a linha temporal ultrapassa os acontecimentos de sua antecessora e mostra a vida de McGill após os efeitos de Heisenberg. Dar um desfecho legítimo para um dos personagens mais importantes da trama não era uma tarefa fácil, mas pode-se dizer que o objetivo foi atingido com excelência. Os riscos que Gilligan assumiu ao criar o spin-off foram enormes; ele podia estragar um dos universos cinematográficos mais promissores já imaginados, ou desenvolvê-lo mais ainda. Foi o que aconteceu.  – Amábile Zioli

2ª temporada de Bridgerton

A água já está fervendo, e dentro da xícara tem fofocas, música clássica e muita paixão: é hora do chá da tarde na casa dos Bridgertons. A série da Netflix ganhou sua segunda temporada, que conta a história de Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey) e Kate Sharma (Simone Ashley). Durante os oito episódios, os dois têm encontros, desencontros, irritações e discussões, e vão lentamente se aproximando e se apaixonando. Porém, o casal possui um problema: a mão de Edwina Sharma (Charithra Chandran), irmã de Kate, já está prometida a Anthony, e assim, a dupla não pode agir de acordo com seus sentimentos.

Enquanto isso, na segunda temporada de Bridgerton, Eloise Bridgerton (Claudia Jessie) e a Rainha Carlota (Golda Rosheuvel), fazem uma aliança, e tentam descobrir a verdadeira identidade de Lady Whistledown (Julie Andrews, voz), responsável pelos panfletos que contam boatos, rumores e fofocas sobre a alta-sociedade de britânica. Em aventuras e peripécias, Eloise acaba encontrando várias pistas, chegando cada vez mais perto da pessoa por trás de Whistledown; e, ao mesmo tempo, acaba conhecendo Theo (Calam Lynch), e entende um pouco sobre paixão. – Laura Hirata Vale

2ª temporada de Bom dia, Verônica

É estranho se orgulhar de uma produção como Bom dia, Verônica dada sua narrativa avassaladora. Ainda que tenha e nutra suas raízes na investigação policial, a série mostra cada vez mais que suas garrinhas arranham muito mais. As cenas de ação policial ficaram na primeira temporada, e a sequência ganhou uma seara religiosa e política à la João de Deus, criando uma exímia progressão narrativa. O aprofundamento do enredo não só foi inteligente, mas também necessário, pois – spoiler alert – cada irmão tem seu próprio modus operandi. É como se a série ficasse cada vez mais real e brasileira, adentrando na complexidade social que permeia a violência contra a mulher no país. 

Quando se acredita que há alguma ponta solta, as amarras são feitas e a história mostra que, sim, você precisa disso agora para entender onde iremos chegar. Há, ainda, um precioso caráter dualista na criação de Raphael Montes e Ilana Casoy: o enredo se renova para mostrar que as questões são as mesmas em essência. A introdução do novo psicopata Matias (Reynaldo Gianecchini), sua filha Angela (Klara Castanho) e a permanência da incansável Verônica Torres (Tainá Müller) acrescentou dinamismo à coisa toda. São novos personagens dentro de uma faceta diferente da sociedade brasileira, mas não por acaso, o mesmo perigo mortal que espreita à porta de todas nós. E deixem às espectadoras o roer de unhas, a se questionar se há lugar no mundo em que estejamos minimamente livres. – Nathália Mendes

1ª temporada de Candy

Como já vimos em Don’t Worry, Darling, todo subúrbio americano possui segredos. Camuflados atrás de jardins impecáveis, piscinas largas e garagens com o carro do ano, a pequena cidade de Wylie, no Texas, era exatamente o conceito palpável do american dream – até todos descobrirem o que Candy Montgomery (Jessica Biel) fez. A série do Star+, em uma narrativa intrigante, abre as cortinas para assistirmos horrorizados o ruir das aparências e o terrível assassinato de Betty Gore (Melanie Lynskey). 

Baseada em fatos reais e seguindo o fluxo do true crime que inundou 2022, Candy é digna de maratona. A delicada construção do suspense, a impecável ambientação na década de 80 e a incrível atuação de Jessica e Melanie nos prende do começo ao fim. Entre levar e trazer as crianças da escola, a natação, preparar o jantar, as reuniões da igreja e o vôlei, Candance Lynn Montgomery arrumou um espaço na agenda para ser responsável por um dos assassinatos mais cruéis do Texas. O que fica, além da triste memória de um crime horrendo, é que no fundo, nada é realmente tão doce como aparenta ser. – Clara Sganzerla

1ª temporada de Cavaleiro da Lua (Moon Knight)

Diferentemente de She-Hulk e Ms. Marvel, Cavaleiro da Lua aproxima-se do lado mais sério da Marvel, em que o protagonista (ou os protagonistas) possuem defeitos condizentes com a vida real. O fato do personagem ser um herói com transtorno dissociativo de identidade, desordem em que o sujeito possui várias personalidades dentro de uma mesma pessoa, intriga o espectador a acompanhá-los e diferenciá-los a cada momento da série.

A representação da cultura egípcia em Cavaleiro da Lua não tem os estereótipos hollywoodianos de filtro amarelo ou uma ambientação caótica. M, muito disso se deve ao diretor Mohamed Diab e a escolha de um elenco apropriado para os papéis da etnia, assim como um cuidado com as referências às tradições da civilização egípcia e deuses do Egito Antigo.

A das adaptações que ocorreram dos quadrinhos para a obra audiovisual, os elementos não prejudicaram o andamento dos episódios. Além disso, a minissérie afasta os problemas do personagem principal de Nova York, a cidade em que tudo acontece dentro do universo Marvel, foge da fórmula do estúdio e apresenta histórias não ligadas constantemente ao roteiro batido diversas vezes em outras produções. – Júlia Aguiar

Dahmer: Um Canibal Americano (Monster)

O sucesso do gênero true crime pela Netflix não é algo que surgiu recentemente, como vimos em produções como Mindhunter. Porém, Dahmer: Um Canibal Americano ultrapassa os limites do grotesco. A série, ao mesmo tempo que aborda a crueldade do assassino em série, também mostra como o sistema penitenciário estadunidense possui muitas falhas e que deixa os criminosos impunes, principalmente para pessoas brancas, como é o caso de Jeffrey Dahmer.

A atuação de Evan Peters (e também sua coragem para interpretar o psicopata) foi um dos aspectos que mais chamou a atenção do público e o rendeu o Globo de Ouro de Melhor Ator, fazendo ele até mesmo dar um tempo nos papéis maldosos após as críticas. Além disso, algumas adaptações do seriado diferenciam-se dos fatos que ocorreram na realidade e que, embora dramatizem mais do que as ocorrências que realmente aconteceram, também fazem nos aproximarmos das vítimas, aumentando a empatia. 

Porém, nem toda a representação do produto deve ser elogiada. As polêmicas levantadas acerca de Dahmer: Um Canibal Americano sempre percorrerão o audiovisual. Este enfrenta o desafio de fazer produzir um true crime, pois os sujeitos que presenciaram a trama estão sendo, de certa forma, traumatizados novamente. Assim, apesar do produto ser cuidadoso com alguns elementos, peca em outros. – Júlia Aguiar

4ª temporada de Game Changer

“O único game show em que o game muda em todo show!” O conceito enfeitiçante da série do Dropout, serviço de streaming do canal CollegeHumor, não perde o seu encanto mesmo quatro temporadas mais tarde. De fato, parece que ele só fica mais forte: marcando o que talvez seja o conjunto mais forte de episódios da produção até então, o quarto ano de Game Changer, apresentado por Sam Reich, é marcado pela volta de velhos favoritos do programa, como Brennan Lee Mulligan, Ally Beardsley e Grant O’Brien, além de introduzir outros nomes recorrentes em outros seriados da plataforma.

O segredo para a diversão de Game Changer é muito simples: embora o conceito do jogo mude em todo episódio (apesar de algumas continuações terem se tornado frequentes – e até mesmo inspirado spin-offs), a graça está em conhecer os seus participantes e antecipar o que o cenário da vez vai tirar deles. Colocar três pessoas para bolar cantadas românticas por 30 minutos talvez ficasse cansativo se elas não fossem Jess Ross, Grant O’Brien e Mike Trapp. Rever os jogos acaba se tornando um prazer próprio, depois que a surpresa do primeiro contato se vai, ficamos ainda mais focados nas reações dos participantes e envolvidos na sua competição.

Terminando com uma paródia de Survivor dividida em duas partes, algumas das melhores ideias dessa temporada são: um musical improvisado pelos participantes; um “simples” jogo de “O mestre mandou”; a conclusão da saga de improvisos sonoros dos Noise Boys e, é claro, um jogo em que é proibido chorar — e que é impossível ver sem chorar. Se você tem oito reais sobrando na sua renda, é imperativo que você assine o CollegeHumor pelo YouTube, reserve uma tarde descomplicada, e passe algumas gloriosas horas gargalhando com as novas loucuras desse game show tão especial. — Gabriel Oliveira F. Arruda

2ª temporada de Hacks

Poucas pessoas dominam tão bem a atuação e fluem naturalmente entre camadas e variações de personagens como Jean Smart. A loira multivencedora de importantes prêmios da indústria sabe – como ninguém – deixar sua assinatura na Arte, entregando uma persona completa, convincente e ímpar. A coroa da atriz se dá em Hacks, produção original HBO Max, na qualonde ela interpreta a complexa Deborah Vance, uma comediante veterana de Las Vegas que está flertando com o ostracismo por suas piadas ultrapassadas. 

Após uma bem-sucedida primeira temporada, Hacks volta em seu segundo ano ainda mais segura da pérola que possui em mãos. Amenizando as ferozes críticas à indústria hollywoodiana, a produção de 2022 resolve focar mais no íntimo de sua estrela Deborah Vance. A autoconfiança dos diretores e roteiristas em usar tudo aquilo que já vinha sendo timidamente construído na temporada anterior como combustível é potencializado em episódios de road trip, que escancaram todo o humor inteligente da série. O marcante sabor agridoce presente nos oito episódios dessa temporada provam que Jean Smart é o maior ser humano vivo. – Ana Júlia Trevisan

1ª temporada de Heartbreak High: Onde Tudo Acontece (Heartbreak High)

Fôlego. Isso é tudo o que Heartbreak High soube devolver aos calejados assinantes da Netflix e carregar durante sua recheada leva de estreia. O reboot da série australiana de mesmo nome, que fez sua história nos anos 90, já nasceu viralizando no TikTok e renovando o compromisso de alimentar barulho, inclusão e sagacidade. Não à toa, o evento catalisador dos oito episódios é a escandalosa descoberta de um “mapa sexual” desenhado nas paredes de Hartley High, esqueleto que compila as relações mais íntimas e peculiares desenvolvidas entre seus alunos.

A tônica do sexo permanece forte ao longo da temporada, com a inserção de debates que vão do consentimento ao afeto, mas nunca vira máxima em um mundo conduzido pela identidade de seus ótimos personagens. Nesse quesito, a diversidade – teórica e prática – crava o primor da produção, que não pisa no freio nem cai no maniqueísmo falando sobre família, sexualidade, depressão, neurodiversidade, questões étnicas ou qualquer outro dilema que ultrapassa à adolescência. Polvilhando carisma até na dor, Heartbreak High se conhece o bastante para continuar alavancando suas muitas potências. – Vitória Vulcano

1ª temporada de Heartstopper

Ao pensar em um romance LGBTQIAP+ é comum vir à mente narrativas trágicas, como Carol e O Segredo de Brokeback Mountain. Com toda a certeza, a primeira temporada de Heartstopper quebra o estereótipo e entrega a comédia romântica clichê que a comunidade tem direito. A série é uma adaptação da graphic novel homônima de Alice Oseman e, dado que nem sempre as adaptações da Netflix são bem quistas pelo público, dessa vez foi um acerto de mão cheia. A parceria de Osman com o diretor Euros Lyn conduziu os oito episódios com todo  o cuidado necessários para contar a história de amor e amizade entre Charlie (Joe Locke) e Nick (Kit Connor). Além de Locke e Connor, que foram as escolhas perfeitas para os papéis dos protagonistas, o elenco conta com o rosto já renomado de Olivia Colman, cuja personagem emociona a todos na sua relação com o filho, Nick.

Como o próprio nome sugere, Heartstopper é sobre aquele friozinho na barriga, aquela paixão que arrebata as tais borboletas no estômago. É exatamente assim que o espectador se sente ao maratonar a série. O bullying é, sim, um tema abordado, mas não rouba o foco principal: a descoberta sobre quem se é, a importância de estar cercado de boas amizades e de pessoas amorosas no processo. O visual da produção acompanha super bem a temática, com cenas coloridas e efeitos gráficos que remetem às HQs. A série não foi apenas selecionada para a lista das Melhores do Ano, mas também saiu vitoriosa do Children’s and Family Emmy Awards de  2022, com os prêmios de melhores atuações, roteiro e série adolescente. A segunda temporada de Heartstopper já está confirmada e chega em 2023 no streaming. – Costanza Guerriero

3ª temporada de High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series

Na terceira temporada de High School Musical: A Série: O Musical, os estudantes do East High abandonam as quadras de basquete e finalmente estão livres para desfrutar das férias de verão. Após um inverno memorável, os alunos do clube de teatro deixam de ser Wildcats, para se tornarem campistas no acampamento Shallow Lake, transferindo todos os holofotes para uma nova adaptação nos palcos, Frozen: Uma Aventura Congelante. Embora a série tente desvincular seu script da obra original, nada é mais High School Musical do que a ilustre participação de Corbin Bleu no elenco. O ator que interpretou Chad Danforth na célebre trilogia dos filmes, é uma das grandes surpresas da temporada. 

Após o sucesso do álbum Sour, Olivia Rodrigo se despede do papel de Nini com muito carinho e com poucas aparições, praticamente como convidada na série teen. Apesar do clima de adeus, a vaga de protagonista ficou nas mãos de Sofia Wylie, atriz que interpreta Gina Porter. Deixando completamente o papel de antagonista, Gina é o grande destaque da temporada, não apenas no papel principal nos palcos do acampamento, mas também como interesse amoroso de E.J Caswell (Matt Cornett) e Ricky Bowen (Joshua Bassett), completando novamente o clichê dos triângulos amorosos da Disney. A renovação da série comprova que a trama está longe de ter um fim, presenteando novamente os telespectadores com muito romance, música e reviravoltas. – Ludmila Henrique

2ª temporada de Hunters

Hunters é tudo o que pode, mas nem perto de tudo que se propôs. Apesar de pontuar em tantos erros críticos, sua evolução em relação à primeira temporada é inegável. Mais profunda, desenvolvida, dramática e calorosa, seu segundo ato hipnotiza ao acertar o tom e a força de vontade com que seus protagonistas caçam nazistas.

Com a mais que ilustre presença de Al Pacino, indicado ao Globo de Ouro pela atuação no primeiro ano de Hunters, segue impressionando ao atuar em uma obra que impressiona ao fechar todas as portas que abriu. A série satisfaz= com seu encerramento e ao mesmo tempo deixa uma vontade insaciável de justiça inalcançável que enfrentamos na realidade, além da produção oferecer uma fotografia, roteiro e atuações ilustres.  – Henrique Marinhos

Irma Vep

O grande feito indie do diretor Olivier Assayas, que marcou o fim da década de 90 com seu retrato de um set de filmagem de um remake do clássico seriado francês de mistério Les Vampires, de Louis Feillaude, ganha mais uma camada de repetição. Pela produção do estúdio A24, a versão geração Z de Irma Vep emula o original na maneira em que, novamente, destrincha as tensões entre atores, diretores e assistentes na refilmagem, em uma série, da narrativa de Feillaude. Em diálogos deliciosamente bem construídos, a nova versão tem seu diferencial ao reconhecer as complexidades do fazer artístico na lógica dos blockbusters, além de trazer a própria história do diretor em relação a separação com a grandiosa atriz Maggie Cheung, que é protagonista e interpreta a si mesma na primeira versão da trama. 

Se na versão dos anos 90 a sequência de Cheung correndo em corredores escuros ao som de Sonic Youth conseguiu captar perfeitamente a essência daqueles tempos, o remake, com suas personagens blasé leitoras de Gilles Deleuze e flertes em redes sociais e mensagens de texto, também cumpre esse objetivo. Tanto que, se as inquietações que antes assolavam a equipe eram apenas nuances, capazes de serem captadas pelas falas de atores que conversavam casualmente durante a filmagem e em festas depois da gravação, agora os oito episódios exaltam esses conflitos. 

Desde a sexualidade da atriz interpretada por Alicia Vikander até os dilemas estéticos e psicológicos atravessados pelo diretor René Vidal (Vincent Macaigne) — um personagem quase autobiográfico de Assayas — adicionam complexidade e conseguem, pela fluidez de tudo, prender o espectador a uma série sem grandes reviravoltas ou cliffhangers. Em Irma Vep, são muitos os espectros que atormentam o universo do diretor a cada plano, mas nenhum mais evidente que seu casamento mal sucedido com a atriz Maggie Cheung e sua obsessão por um exercício de seus atores verdadeiro às interações humanas e à magia do Cinema. – Enzo Caramori

2ª temporada de Irmandade 

Todos nós amamos Seu Jorge, mas finalmente o protagonismo feminino ganhou uma força indescritível em Irmandade. Mesmo que Cristina (Naruna Costa) fosse um fio condutor consistente na temporada de estreia da série, a sequência explora a presença de mulheres dentro de facções, as comandando. De forma bem amarrada, o enredo se reparte: dentro do presídio, o personagem do cantor, Edson, se envolve com os mandachuvas do crime no Brasil, aqueles nos mais altos níveis de poder e controle estatal no país, enquanto duas mulheres estão do lado de fora, exemplificando de forma belíssima a fragilidade de parcerias diante da possibilidade irresistível de liderar. 

Deixamos para trás o cenário de Carandiru e a rebelião na prisão, e, conforme a trama se desenvolve, tudo é mais intenso, sem haver espaço para respiro. Violência, paixão, poder, tudo está em modo progressivo. Essa imersão na realidade sufocante é uma das artimanhas mais inteligentes da série de Pedro Morelli, que solta pelo caminho da narrativa as consequências de viver nesse limite insuportável. Seja com a história paralela do homossexual Faísca (William Costa) dentro da facção inimiga ou nas desconfianças corretas de Darlene (Hermila Guedes), as ações dos personagens da série sempre retornam para os assombrar. – Nathália Mendes

4ª temporada de Irmão do Jorel 

Em 2022, o cotidiano brasileiro desenhado por Irmão do Jorel alcançou novas ondas de nostalgia e diversão com o término de sua quarta temporada. Com cores ainda mais saturadas e cenários que parecem ter saído de um sonho maluco, o seriado continuou a propagar o seu legado entre o público infantil e a expandir o apego dos adultos com os elementos que moldaram as personalidades das crianças de décadas anteriores.

A produção conjunta entre Cartoon Network, TV Quase e Copa Studio abraçou de vez o streaming com a ida para a plataforma da HBO Max, na qual novos episódios foram lançados com exclusividade. Fato é que o futuro de O Irmão do Jorel é tão próspero quanto o seu passado e, ainda que os anos passem, o menino de cabelos enrolados e galochas amarelas mantém a voz que denota a sua ingenuidade encantadora. – Nathalia Tetzner

2ª temporada de Manhãs de Setembro

A expressão é absoluta e, em Manhãs de Setembro, Liniker é a prova disso. Comprometida nesse exercício de borrar os limites entre a expressão da Música e do exercício dramático em um elenco que conta com nomes como como Mart’nália, Seu Jorge e Ney Matogrosso, a segunda temporada da série expande a complexidade das relações e interioridades de Cassandra, uma mulher trans que se depara com seu passado na forma da volta de seu filho. Em um desenvolvimento extremamente coeso aos pontos soltos da primeira temporada, o roteiro expande seu universo de personagens, espaços e cenários, ao mesmo tempo que se intensifica o tensionamento de Cassandra consigo mesma. 

Se o primeiro ano se ocupava em introduzir as complexidades da personagem de Liniker, seu o filho e Leide, interpretada pela eletrizante Karina Telles, sua sequência já aproveita do terreno estabelecido dessas histórias para colocá-las frente a novos contextos, sendo o principal o passado da protagonista. Manhãs de Setembro aprende, em sua própria trama, a ser forte, sensível, dramática e leve, numa complexa simultaneidade dada por seus diálogos verossímeis que captam o poder máximo da expressão: tocar o outro. – Enzo Caramori

A quarta fase do Universo Cinematográfico Marvel foi marcada pelo lançamento de diversas séries em streaming. Uma delas é a jovial Ms. Marvel, que conta a história de Kamala Khan (Iman Vellani), uma adolescente de família paquistanesa, que adquire – sem querer – superpoderes. Durante os episódios, vemos diversos conflitos que a protagonista possui: desde os embates com sua mãe; a questionamentos do Islam, sua religião, até suas tentativas de balancear a vida de garota pakistani de 16 anos, da cidade de Nova Jersey, com a vida de super-heroína cheia de poderes.

A série é sinônimo de representatividade: boa parte do elenco é composto por atores e atrizes de ascendência paquistanesa. Além disso, alguns capítulos mostram, de forma tocante, o que aconteceu durante a divisão da Índia e do Paquistão, após o fim do Império Britânico. Kamala também serviu como símbolo de representação feminina na TV; o jeito que ela é retratada, como uma garota que ama super-heróis, quadrinhos e desenhos, faz com que essas coisas sejam normalizadas, e mostra que a cultura geek é para todos, e não para somente uma pequena parte da população. – Laura Hirata Vale

1ª temporada de Mulher-Hulk: Defensora de Heróis (She-Hulk: Attorney at Law)

Antes de qualquer coisa, vamos falar sobre o elefante na sala. Os efeitos especiais de Mulher-Hulk: Defensora de Heróis e, em especial, a modelagem da protagonista, não são bons. Porém, essa está longe de ser uma exclusividade da série. Outros lançamentos da Marvel Studios, como Viúva Negra, Cavaleiro da Lua e Ms. Marvel, sofrem do mesmo problema. No final, essa é uma questão estrutural do MCU e de uma lógica de produção capitalista que anda na corda bamba do colapso. E é curioso que tenha sido esse o debate central justamente sobre uma obra que toca em feridas tão específicas. Porque, a despeito do CGI, o texto de She-Hulk, com perdão ao trocadilho, é incrível.

A trajetória de Jessica Walter (Tatiana Maslany), centrada no esforço de conciliar a vida pessoal com seus novos poderes, é típica de todo super-herói. Entretanto, ela não só é apresentada pelo olhar único de uma comédia de trabalho, como também sob um tratamento de personagem atencioso, que compreende as inquietações da protagonista, sua posição em um corpo social predominantemente masculino, e tece um comentário metalinguístico – para além das já perspicazes quebras da quarta parede – sobre a recepção da própria série por seu público misógino. Sem medo de incomodar pelos motivos certos, She-Hulk é a melhor série da Marvel até aqui. – Enrico Souto

3ª temporada de Mythic Quest

Apesar de não se reinventar no seu terceiro ano, Mythic Quest continua produzindo personagens cativantes em sua ruindade, apresentando conflitos que passeiam alegremente entre risadas e lágrimas nessa encantadora sitcom sobre uma desenvolvedora de jogos e sua equipe problemática. Após Poppy (Charlotte Nicdao) e Ian (Rob McElhenney) deixarem a MQ no final da temporada anterior, os dois são obrigados a redefinir sua parceria para abrir o próprio estúdio, enquanto seus antigos colegas são colocados em novas posições e têm de arcar com crescentes responsabilidades.

A vibrante Nicdao é a que mais brilha na nova leva de episódios, expandindo a já querida Poppy para direções que, mesmo previsíveis, seguem firmes e determinam o curso da temporada. Sua dinâmica com o personagem de McElhenney só cresce e se diversifica, atingindo seu ápice no devastador oitavo capítulo, intitulado “To Catch a Mouse”, dirigido por Ashly Burch, que complementa sua participação no elenco da produção e é outro dos destaques da temporada. As sátiras da indústria do videogame são sagazes, capitalizando em tendências modernas como NFTs, criptomoedas e adaptações para o cinema, mas sem nunca perder o charme ou o bom humor. — Gabriel Oliveira F. Arruda

Adaptada da história em quadrinhos de mesmo nome, Naomi chegou com uma proposta diferente da explorada em sua versão original. Focada em um público jovem, a série é um conto de origem sobre a jovem Naomi McDuffie (Kaci Walfall), uma fã obcecada pelo Super Homem. Após um episódio envolvendo o herói, até então ficcional, acontecer em sua cidade, as coisas começam a tomar um rumo estranho e é introduzido o jogo de perguntas e respostas. 

Apesar de parecer uma fórmula comum no universo dos heróis, a produção de Ava DuVernay foge da versão heróica da protagonista. Powerhouse não é o arco que importa, mas sim os elementos normais que compõem a personalidade, insegurança e afirmação social da adolescente. Entre os muitos temas abordados, a série traz o racismo, a adoção e a influência da instabilidade vivida por ela como tópicos importantes. Longe de grandes cenas de ação, Naomi nos mostra as faces íntimas de núcleos menos conhecidos da DC Comics. – Jamily Rigonatto 

1ª temporada de O Clube da Meia-noite (The Midnight Club)

Um mistério leve e que vale a pena assistir pouco a pouco é o que define O Clube da Meia-noite. Apesar das questões das personagens serem bastante sérias – todos estão em uma instituição onde jovens com câncer vão para morrer com dignidade – toda a abordagem é feita de modo a acompanhar um fator principal, além da doença: a própria juventude.

A jovialidade implica em alguns sendo esperançosos, outros radicais e alguns alienados. Porém, todos andam numa constante metamorfose, e nos fazem desejar ter tanta perseverança quanto eles em suas batalhas. O mistério que envolve a primeira temporada de O Clube da Meia-noite está envolto na possibilidade de se livrar do câncer através de um antigo ritual. Será que alguém poderia mesmo ter tido sucesso? Ou será que tudo não passa de imaginação? A série brinca conosco até o último segundo. – Izadora Azevedo Albertini 

O Gabinete de Curiosidades de Guillermo del Toro (Guillermo del Toro’s Cabinet of Curiosities)

Em um 2022 levemente distante das salas de cinema, a mente de Guillermo del Toro manteve a compostura e confeccionou dois trabalhos impressionantes, lançados exclusivamente na Netflix. Antes de emocionar multidões com sua versão irretocável e indicada ao Oscar de Pinóquio, o cineasta testou enredos em um universo aterrorizante e magnífico, acolhendo a monstruosidade que, segundo ele, “permite e abraça a possibilidade de errar e viver”. Nessa onda, criaturas noturnas e mistérios surgem como metáforas que acenam às catástrofes do caráter humano, em um Gabinete de Curiosidades que homenageia dos giallos a H.P. Lovecraft.

A antologia compila oito histórias distintas, todas filtradas e supervisionadas pelo próprio mexicano. Tendo um novo diretor a cada episódio, o foco narrativo se estabelece na criação de experimentações abrangentes e imersivas, como o Terror tem que ser. Tão notável quanto o arrojado design de produção, que transita entre as pretensões de bizarrice e a pura brutalidade, são algumas feições estampadas nele: F. Murray Abraham (Scarface), Glynn Turman (Gremlins) e Sofia Boutella (Climax), além de Ben Barnes e Rupert Grint, das sagas As Crônicas de Nárnia e Harry Potter, respectivamente. Esse é um banquete de arregalar os olhos que só poderia ser preparado por del Toro, amigo íntimo e fiel do gênero sangrento. – Vitória Vulcano

4ª temporada de O Príncipe Dragão (The Dragon Prince)

A quarta temporada de O Príncipe Dragão continua a história de Callum, Rayla, Ezran e seus amigos em sua luta para restaurar a paz entre os humanos e elfos em Xadia. A temporada aprofunda os conflitos entre raças, além de apresentar novos personagens, como Nyx e Aaravos, em sua trama principal como antagonistas, trazendo cenas emocionantes de batalha e belas paisagens de fantasia. 

Apesar de alguns episódios serem menos empolgantes, a produção continua mantendo o padrão de alta qualidade estabelecido, sendo uma adição impressionante à história épica de Dragon Prince. E embora seja uma animação, apresenta temas e conflitos complexos que a tornam adequada para um público diverso, e não apenas infantil. – Henrique Marinhos

1ª temporada de O Senhor dos Anéis: Os Anéis de Poder (The Lord of the Rings: The Rings of Power)

O universo de J.R.R Tolkien ganha uma nova constelação na qual os discursos proféticos e dramáticos continuam sendo as estrelas. No entanto, elas não brilham tanto quanto os discursos progressistas que Os Anéis do Poder decidiu abraçar. Produzida peloa Amazon Prime Video, a série se passa milhões de anos antes dos eventos clássicos de Frodo e O Anel e pode ser considerada a tataravó arejada de O Senhor dos Anéis. 

É válido ressaltar que Os Anéis do Poder foi alvo de diversos comentários racistas por parte de indivíduos cuja única conquista na indústria vital foi ter atingido a marca de 1.000 amigos no Facebook. Ainda assim, nenhum destes foi capaz de avisar que criticar a existência de um elfo negro é, no mínimo, constrangedor. Dessa forma, o Prime Video revigora as esferas da Terra Média e entrega uma obra que mistura valores tradicionais e contemporâneos a fim de despertar todos os orgulhos, menos o nerd. – Ana Cegatti

1ª temporada de O Verão que Mudou Minha Vida (The Summer I Turned Pretty)

O mundo inteiro se curva à potência de uma boa história de amor. Entretanto, The Summer I Turned Pretty não quer entregar de bandeja que, junto às descobertas românticas de sua protagonista, estão emaranhadas as inúmeras raízes e faíscas que proporcionam a ternura à vida em si. Baseada na trilogia literária de Jenny Han, que também assinou a adaptação, a série dao Amazon Prime Video acompanha Isabel Conklin (Lola Tung) de volta a Cousins Beach, seu destino anual nas férias de verão. Prestes a completar 16 anos, ela sente e, munida de toda a sutileza e intimidade presente nos oceanos e ganchos da trama, reflete cada aspecto agridoce do amadurecimento.

Abusando de textos contemplativos, gravações amistosamente solares e trilha sonora piegas, a produção engrandece os clichês juvenis dando a Belly o poder de narrar o simbolismo de conflitos pessoais e de seus familiares. O voiceover sem onisciência amarra os núcleos da série pelo dom da imersão, ainda que todos os arcos existam sozinhos e tenham força para além da garota – sobretudo a amizade transcendental entre as matriarcas de Jackie Chung e Rachel Blanchard. Fazendo mágica com sua constante delicadeza, O Verão que Mudou Minha Vida já tem segunda temporada confirmada e uma eterna obrigação de cultivar mais declarações entre Isabel e Conrad (Christopher Briney) ao som de Taylor Swift. – Vitória Vulcano

Obi-Wan Kenobi

“Hello there”. Longe de ser uma produção estratosférica, Obi-Wan Kenobi é uma espécie de redenção necessária ao próprio personagem desde o surgimento da segunda trilogia de Star Wars. Alec Guinness nunca precisou disso, mas Ewan McGregor sim. O problema é que a Disney não consegue largar o osso dos lucros no streaming, e, aos poucos, empurra o universo da saga para a beira do precipício. Na decisão controversa de não expandir a narrativa, foi a chegada de Joby Harold no roteiro que colocou o enredo de volta aos trilhos, acertando – e muito – no cuidado com a história de nosso herói. 

Ainda que se trate de uma aposta segura após a desgraça de O Livro de Boba Fett, a sensibilidade da série envolve, e o sofrimento latente de Kenobi arrebata o coração por completo. Os efeitos especiais são lindos, a ação tem exímia coreografia, tudo como deve ser dentro de Star Wars. Além disso, a cinematografia vem ganhando novo olhar desde que a turma do Mickey assumiu. Em Obi-Wan, é Chung-hoon Chung que expõe a genialidade dos momentos de escuridão que envolvem o protagonista. As emoções complexas do jedi se tornam as nossas emoções, até ficarmos frente a frente com Hayden Christensen no seu momento de redenção sob o traje do maior vilão do Cinema de todos os tempos. – Nathália Mendes

33ª Temporada de Os Simpsons (The Simpsons) 

Para uma série capaz de se manter no ar após 33 temporadas, não é preciso muito para se destacar. Os Simpsons surgiram em 1989 e, desde então, seguem marcando o imaginário popular com personagens bem construídos e piadas inteligentes. Em seu trigésimo terceiro ano, as coisas não foram diferentes. Alguns roteiros e fórmulas aparecem desgastados, como episódios em que a Lisa busca uma amiga ou que algum membro da família se torna alucinado por algum equipamento tecnológico, mas ainda assim a sitcom se mantém forte.

Essa força se mostra presente nos episódios A Serious Flanders parte 1 e 2, em que o vizinho da família amarela, Ned Flanders, encontra uma maleta cheia de dinheiro, que o beato decide doar para o orfanato local. Porém, os verdadeiros donos da grana não ficam nada contentes com o destino das verdinhas e vão atrás do morador de Springfield. Os dois capítulos não se destacam pelo humor tão característico dos Simpsons, mas sim por sua narrativa eletrizante pouco explorada pelos roteiristas da série até então. – Gabriel Gatti

2ª temporada de Only Murders in the Building

Depois de uma excepcional e surpreendente primeira temporada, Only Murders in the Building retornou com um novo mistério, novos personagens e, principalmente, uma nova aventura para nos concentrar nas jornadas de Charles (Steve Martin, de Roxanne), Oliver (Martin Short, de Três Amigos) e Mabel (Selena Gomez, de Hotel Transilvânia). O resultado final é extremamente positivo e continua mantendo muito bem a qualidade da série. 

Apesar de alguns deslizes no que diz respeito às longas e confusas voltas do roteiro com intenção de ludibriar o espectador, o show continua se sustentando na base de uma ótima comédia situacional, principalmente quando as piadas envolvem a inaptidão de Charles e Oliver para o ramo da investigação. A obra também se sustenta no aprofundamento de personagens já bem estabelecidos, como Mabel e Teddy Dimas (Nathan Lane, de Os Produtores); e na invejável parte técnica, do requinte do design de produção do Arconia até a elegância da trilha sonora de Siddharta Khosla, que compõem uma experiência muito boa e prazerosa no geral. – Nathan Nunes

1ª temporada de Pachinko

Pachinko é um dorama, ou seja, uma série dramática coreana, lançada pela Apple TV+ e baseada em um livro de mesmo nome da escritora Mi Jin Lee. Dirigido por Kogonada e roteirizada por Soo Hugh, o seriado narra uma saga familiar que tem origem em Busan, durante a ocupação japonesa na Coréia ao longo da primeira metade do século XX, quando Kim Sunja sobrevive a pobreza e a violência vivenciada pelos coreanos no período.

A série tem uma direção de fotografia espetacular liderada por Florian Hoffmeister e Ante Cheng, que entrega beleza e carrega muitos significados para a história. As atuações são outro grande destaque de Pachinko, principalmente pela protagonista Yo Yuh-jung, conhecida e premiada internacionalmente pelo seu papel em Minari: Em Busca da Felicidade (2020). Kim Min-ha e Lee Min-ho também ajudam a trazer a profundidade dramática da série. – Guilherme Dias Siqueira

Pantanal

Na boca do povo, o remake de Pantanal repetiu o sucesso alcançado pela versão original, exibida no início da década de 90 pela extinta Rede Manchete. Em 2022, a trama adaptada por Bruno Luperi, neto do consagrado dramaturgo Benedito Ruy Barbosa, conseguiu unir o público do sofá e os jovens acorrentados à tela do celular. Assim, resgatando não somente a nostalgia de uma história que marcou gerações, como também a tradição que mantém viva a cultura da novela no Brasil.

Com personagens icônicos interpretados por um elenco afiado, bordões facilmente reconhecíveis e um ótimo equilíbrio entre humor e drama, Pantanal superou os desafios impostos pelo avanço das plataformas de streaming ao levantar a audiência da TV Globo após uma série de fracassos movidos, principalmente, pela pandemia e pela tentativa frustrada de alguns diretores em mudar o tom de um gênero já consolidado entre os noveleiros. – Nathalia Tetzner

6ª temporada de Peaky Blinders

Um homem violento e emocionalmente comprometido, que quer uma vida maior do que aquela em que nasceu, Thomas Shelby (Cillian Murphy) sempre esteve e sempre estará dividido entre os dois lados de sua própria natureza e os dois tipos de futuro que eles representam. São raras as vezes em que seus demônios não triunfam sobre seus anjos e, por mais que nos questionamos se algum dia ele vai parar, é a certeza de que sua ambição só se tornará maior que faz com que acompanhemos sua história ano após ano em Peaky Blinders.

É o fim de uma era – mas nem tanto. Mesmo sendo a sexta e a última temporada da série, os malditos Peaky Blinders ganham um desfecho temporário, já que um filme sobre a produção promete colocar um ponto final em suas histórias. Ainda assim, a conclusão que Steven Knight nos entregou condiz muito com o que ele construiu ao longo dos anos. É uma espécie de auto-realização para Tommy, pois dessa vez ele consegue ver claramente seu futuro para além do fogo, das cinzas e do sangue que o têm assombrado. Ele é mortal, mas imortal em muitos aspectos.

Naquele que talvez seja o tributo mais adequado à Helen McCrory, que interpretou Polly Gray e faleceu no começo de 2021, não é exagero dizer que as mulheres são o grande espetáculo da temporada. Ada (Sophie Rundle) e Lizzie (Natasha O’Keeffe) tiveram muitas oportunidades de brilhar à medida que cada uma luta com a dor, a raiva e a frustração aparentemente interminável de carregar o peso de ser uma Shelby. Por outro lado, ambas tiveram a chance de tomar seu próprio poder de uma forma que nunca vimos, e esse é um lembrete adequado de que a figura feminina foi, é e será responsável por evitar a ruína dessa família. – Raquel Freire

Pretendente Surpresa (Sanae Matseon)

Não há ferida que uma comédia romântica boa não possa curar. Nesse gênero, fica até difícil competir com as produções sul-coreanas que vêm explodindo no mercado graças às para plataformas de streaming. De fato, com o fenômeno de Round 6, não é de se espantar que a Netflix tenha apostado várias fichas nesse tipo de conteúdo. Pretendente Surpresa, adaptação do webtoon The Office Blind Date, é uma dessas exportações, narrando a série de desventuras amorosas que seguem Shin Ha-ri (Kim Se-jeong) depois que ela aceita ir num encontro às cegas no lugar de uma amiga e acaba dando de cara com o novo CEO da empresa em que trabalha, Kang Tae-moo (Ahn Hyo-seop).

Química é apelido para o elenco de Business Proposal. Mesmo além do casal principal, todos os personagens possuem entrosamento e repertório dignos de série própria, roubando a cena por diversas vezes. Destaque precisa ser dado para Kim Min-gue e Seol In-ah, responsáveis por interpretar os melhores amigos dos protagonistas e, durante seu próprio relacionamento, adquirindo protagonismo e carisma próprios. É difícil pensar em um único aspecto do seriado que fique devendo, já que em todas as suas facetas ele parece estar decidido a providenciar a comédia romântica definitiva de sua geração. 

A única palavra capaz de descrever o conjunto de clichês e convenções do gênero presentes em todos os 12 capítulos da produção não é nenhuma outra senão majestosa. Com um elenco de personagens carismáticos e memoráveis, não há um segundo só em que a série se esqueça de entreter, divertir e emocionar. Pode não ser a produção mais impressionante ou revolucionária de 2022, mas é muito difícil pensar em outra que faz o que ela fez com tamanha excelência e sinceridade. Se você precisa de mais romance na vida, não olhe além de Pretendente Surpresa. — Gabriel Oliveira F. Arruda

1ª temporada de Promotor do Mal (Bad Prosecutor) 

Irreverente e malandro, mas também dono de um senso forte de justiça. Este é Jin Jeong, o promotor nada conveniente de Bad Prosecutor, drama da KBS exibido em 2022. A direção de Kim Seong-ho e Choi Yeon-soo se juntou ao roteiro de Im Young-bin para marcar o retorno triunfal do ator Doh Kyung-soo frente às tramas sul-coreanas que arrematam o coração do público. Ao seu lado, a atriz veterana Lee Se-hee deu vida a apaixonante promotora sênior Shin A-ra.

Depois de interpretar o príncipe ríspido de 100 Days My Prince, o integrante do grupo EXO adotou um tom mais leve e, nem por isso, menos intenso. A presença quase sufocante de D.O foi responsável por segurar o desenvolvimento até o clímax. Em meio a um cenário universal de desigualdade, Bad Prosecutor teve a proeza de retratar na ficção o caso excepcional de um promotor que ajuda os menos privilegiados e pune a corrupção. – Nathalia Tetzner

1ª temporada de Rota 66 – A Polícia que Mata 

Penetre na trajetória investigativa que marcou a carreira de uma das maiores figuras do jornalismo brasileiro: Rota 66: A Polícia que Mata. Inspirado no livro homônimo de Caco Barcellos, Rota 66: A História da Polícia que Mata, o seriado produzido pela Globoplay, em parceria com a Boutique Filmes, se tornou um sucesso na plataforma de streaming por dar vida aos relatos descritos no prestigiado livro-reportagem de Barcellos. Baseada em fatos reais, a série consegue contextualizar como ocorreu o levantamento de dados explorado na obra do jornalista, bem como traz um panorama da repressão policial nos tempos da Ditadura Militar.

Qual é o modus operandi da polícia mais assassina do Brasil nos tempos da Ditadura? Essa é a pergunta que motiva Caco Barcellos, interpretado pelo ator Humberto Carrão, a investigar um sistema brutal, repressivo e racista instalado nas forças de segurança pública do Estado de São Paulo. Baseada nos capítulos abordados no livro, a série constrói uma narrativa que irá apresentar tanto a figura dos envolvidos responsáveis pelos homicídios, quanto as vítimas que, em sua maioria, são marginalizadas pela sociedade. Com um rico levantamento de dados elaborado pelo jornalista e seus fiéis ajudantes, a reportagem serve como prova dos centenas de depoimentos que atestam para o abuso das forças policiais.

Além de Carrão como protagonista no papel de Caco, a trama conta com as ilustres atuações de Ailton Graça, Naruna Costa, Adriano Garib, Rômulo Braga, Adriana Lessa e grande elenco. Vale destacar que Graça foi o ator que deu vida ao icônico Majestade, personagem do filme Carandiru, que representa o estereótipo cômico do malandro boêmio encarcerado no maior presídio da América Latina. É incrível observar a maturidade cênica do ator, agora no papel de um policial da Rota que tem uma conduta contrastante com a metodologia aplicada por seus colegas de equipe. – Gabriel Gomes Santana

7ª Temporada de RuPaul’s Drag Race: All Stars

A 7ª temporada de RuPaul’s Drag Race: All Stars podia ser igual a todas as outras, com uma seleção de queens que se destacaram em edições anteriores e voltam para tentar alcançar um lugar no sonhado Drag Race Hall of Fame. Mas diferentemente do habitual, desta vez há apenas vencedoras de anos passados em uma corrida alucinante pelo título de Queen of All Queens. O modelo renovado permitiu que nenhuma participante fosse eliminada até a grande final, em que apenas quatro seguiram para o lipsync rumo a coroa, enquanto as outras de menos destaque dublaram para descobrir quem seria a Queen of She Done Already Done Had Herses.

Ao longo da jornada não havia grande surpresa de quem seria a grande vencedora: Jinkx Monsoon sempre se destacou entre as outras participantes com seu carisma, singularidade, coragem e talento. A queen se mostrou muito mais madura desde a 5ª temporada e acabou levando a melhor na maioria dos desafios com as outras vitoriosas que participavam de All Stars 7. Além dela, outras participantes também tiveram chance de brilhar, como Monét X Change, que teve sua coroa dividida com Trinity The Tuck, e The  Vivien, que participou originalmente do Drag Race UK.  – Gabriel Gatti

1ª temporada de Ruptura (Severance)

“Quem é você?” pode ser considerada uma das perguntas mais difíceis de se responder. O diretor Ben Stiller e o roteirista Dan Erickson, no entanto, decidem inserir o questionamento nos minutos iniciais de Ruptura, série da Apple TV+ que intriga e fomenta curiosidade do espectador por meio da estranheza. A noção clara de que existe algo fora do lugar desde os primeiros instantes, com a personagem que aparece sem explicações e a composição desconfortável, indicam a aflição que guiará o rumo da série. 

O nome da série é preciso ao ser parte da trama: Ruptura é o nome do procedimento cirúrgico que os personagens sofrem, no qual, com a inserção de um chip em seus cérebros, eles se tornam capazes de separar as memórias do que acontece dentro e fora de seu expediente. O que parecia uma bênção no imaginário, torna-se uma maldição da realidade, criando duas versões do indivíduo. Com um roteiro muito esperto e uma direção de câmera tão minuciosa que pode ser tratada como obsessiva, Severance é um material denso, que revela temas humanos, tratando com os anseios e torcidas do espectador, que torna-se uma parte do todo. – Aryadne Xavier

1ª temporada de Sandman

A obra inadaptável finalmente ganhou uma representação genuína no streaming. Com o autor do quadrinho Neil Gaiman na criação, a Netflix lançou quase que na surdina a adaptação do Sonho dos Perpétuos, depois de muita tentativa falha de transmitir a história para as telas. Sandman conta a história de Morpheus enquanto é aprisionado no mundo humano por um mago. Após isso, com o Sonho preso, a humanidade é condenada a permanecer acordada, o que provoca um colapso do reino humano enquanto o Reino dos Sonhos também está colapsando pela falta de seu líder. Esse vácuo de poder nos dois mundos promove uma guerra fantástica entre o misto de mitologias que o texto original incorpora.

Sendo um exercício de adaptação, a série faz respeito tanto ao telespectador como ao material de origem. A obra é uma ode à Neil Gaiman e cada frame é um impossível jogo dos sete erros com as páginas dos quadrinhos. Sandman é extremamente competente na difícil tarefa de trazer a fantasia para o mundo real e consegue destrinchar a riquíssima mitologia de Gaiman em todos seus aspectos, seja pela estranheza de seus personagens ou nas metáforas filosóficas brilhantemente trabalhadas. – Guilherme Veiga

Desde sua primeira temporada, Sintonia ganhou destaque por representar a periferia paulistana da forma mais fiel possível. Jogando o caricato para escanteio, a série chega ao seu terceiro ano com amadurecimento e estabilidade. Depois de deixar as pontas soltas, chegou a hora de prendê-las e a produção idealizada por Konrad Dantas  – conhecido como Kondzilla – ganhou novos cenários e ciclos. 

Os protagonistas Nando (Christian Malheiros), Doni (Jotapê) e Rita (Bruna Mascarenhas) têm suas vivências elevadas a outro nível e suas escolhas levam a consequências e questionamentos. Tratando sobre o uso de drogas, a insatisfação pessoal, política e igreja, o roteiro – conduzido pelo diretor em parceria com Guilherme Moraes Quintella e Felipe Braga – tece críticas e reflexões acerca da estrutura social e diversos outros fantasmas que assombram pessoas oriundas da periferia. 

A exploração do contexto político é um dos maiores acertos da temporada. Com Rita se candidatando a vereadora, a narrativa abre espaço para reflexões sobre o papel dos representantes e a capacidade da democracia afetar a população. O funk também se mantém como um ser quase personalizado, e sua representação reafirma a ideia de resistência. Entre colares de prata e pregações, Sintonia continua sendo do povo e para o povo. – Jamily Rigonatto

25ª Temporada de South Park 

Após um ano dedicado inteiramente aos impactos da Covid-19, South Park retornou para sua 25ª temporada nos mesmos moldes conhecidos pelos fãs da série. O humor ácido da animação se mantém presente, ainda que em apenas seis episódios, deixando de lado o tom melancólico do Especial de Pandemia. Infelizmente, o personagem Randy Marsh, pai do Stan, ainda tem grande protagonismo com a Tegridy Farms, que toma grande espaço da trama com piadas fracas.

Apesar disso, Eric Cartman continua se destacando com seu humor grosseiro marcante em episódios antigos de South Park. Na 25ª temporada, o destaque foi em City People, em que o jovem fica possesso quando sua mãe conta a ele sobre seu novo emprego. Como de costume, o protagonista faz de tudo para que ela abra mão de seu trabalho para se dedicar exclusivamente a cuidar do filho. – Gabriel Gatti

4ª temporada de Stranger Things 

Stranger Things é um sucesso desde seu lançamento em 2016. Desde então, ela se reinventa e aprimora sua qualidade a cada sequência, sem nunca perder a essência da narrativa ou o fio condutor da trama principal. Por isso, expectativas rondavam a quarta temporada, que se não simplesmente as cumpriu, as superou. Com os mesmos personagens queridos do público e outros novos, tão adorados quanto, ela dá início a uma conclusão para o Horror de Hawkins – com ênfase nesse Horror. Nostálgica, frenética e divertida, desta vez a ficção científica também dá espaço para elementos do suspense e terror sobrenatural, devido a origem misteriosa e ações perturbadoras do vilão. Visualmente e em roteiro, essa temporada amadurece junto das crianças cuja história acompanha. 

A nova leva se difere das demais ao mergulhar em uma atmosfera sombria, com cenas impressionantes e violentas, além de ligar pontos criados em anos anteriores. Alternando entre núcleos de personagens, ela permeia entre traumas, responsabilidades e ações heróicas de seus protagonistas, com destaques para Eleven (Mille Bobby Brown), Max (Sadie Sink), o aclamado Eddie (Joseph Quinn) e o macabro Vecna (Jamie Campbell). Com uma trilha sonora marcante dos anos 80 e cenários e figurinos da época, a série ainda garante uma imersão completa.

As qualidades técnicas e narrativas de Stranger Things a fez liderar o recorde de audiência da Netflix, com 335 milhões de horas assistidas. Sua liderança foi mantida até o lançamento de Wandinha, que a superou com 341,2 milhões. Mesmo assim, a temporada foi prestigiada e consagra-se como uma das melhores de 2022 –  e de toda a série.  – Mariana Nicastro

1ª temporada de The Afterparty

O que acontece depois da festa? Em The Afterparty, uma morte cercada de suspeitos. Desenvolver uma narrativa em torno do assassinato inesperado de um personagem com quê de protagonista é comum, dificil é tornar isso motivo de risos. Aqui o resultado é hilariante e querer mais é praticamente inevitável. Sob a direção de Christopher Miller, a série faz o que a primeira temporada de The White Lotus tentou fazer. 

Xavier (Dave Franco) era o nerd da escola, mas no reencontro com seus ex-colegas de Ensino Médio, sua superação envolve ter se tornado uma celebridade. Agora é sua vez de dar a festa e convidar todos para um after. No entanto, ele não esperava ser a vítima da vez. Em um movimento de nos colocar como detetives, a série começa a desmontar os convidados sob a perspectiva de cada um: o resultado são capítulos completamente parciais e extremamente singulares. 

Entre musicais, drama e comédia, não ter um narrador comum é o caminho para uma viagem pela aleatoriedade em sua forma mais cômica. Longe do previsível, fica fácil esquecer as motivações mórbidas desse mistério. Os personagens são muito diferentes uns dos outros, e isso torna as interações curiosas e cheias de possibilidades. Entre referências e diversidade, The Afterparty prova que a sobremesa é melhor que o prato principal. – Jamily Rigonatto 

1ª temporada de The Bear

A produtora FX tinha a faca e o queijo na mão e conseguiu fazer um prato cheio para os amantes de histórias cruas. The Bear pode, a princípio, parecer inofensiva ao retratar o cotidiano de um chefe de cozinha, mas, eventualmente, revela-se como um ensaio sobre a complexa interioridade humana. A série garante um ótimo dinamismo por sequências frenéticas de gritarias e discussões as quais fazem da obra um making-of  do cenário comercial opressor de Chicago.

Jeremy Allen White entrega uma performance excepcional como Carmen, o chefe de cozinha o qual lida com os perrengues de um ambiente de trabalho sem o charme de um cabelo loiro e o carisma de um boneco de papagaio. A série ainda conta com a atriz Ayo Edebiri dando vida à Sydney, uma personagem cuja desenvoltura sarcástica permite o rótulo de Tati Quebra Barraco estadunidense. Diante de um elenco poderoso e de um roteiro exuberante escrito por Christopher Storer, The Bear é a comprovação de que a existência de direitos trabalhistas é a maior lenda urbana dos Estados Unidos. – Ana Cegatti

3ª temporada de The Boys

Por mais que ainda siga a principal regra de não haver regras, o terceiro ano dos heróis que amamos odiar de The Boys se mostra mais consciente. Isso pode ter frustrado alguns que esperavam a loucura destrambelhada dos outros dois anos, principalmente após o anúncio da adaptação do arco Herogasm. Porém, o show evidencia um enorme amadurecimento de sua produção e personagens. Acompanhando o enlouquecimento do Capitão Pátria após o desdobramento de explodir cabeças do segundo ano, a produção se mostra a par da sátira que o mundo atual já é, e, em cima disso, constrói críticas muito pontuais.

A série tira sarro de uma sociedade pós-trumpista em que o extremismo ainda está latente, além de ainda ironizar a indústria do entretenimento. Sem abrir mão do humor sanguinolento e perverso, o foco do terceiro ano é aprofundar seus personagens, nos recompensando com uma das melhores versões do Capitão Pátria (Antony Starr). Temos junto ao elenco a ótima adição do Soldier Boy de Jensen Ackles, repetindo a parceria de Supernatural com o criador Eric Kripke, e também mais tempo de tela para o incrível Giancarlo Esposito. Se despindo de todos os tabus que faltavam (quase que literalmente), o ápice de The Boys é entender que ela jamais ultrapassará o mundo real. Mas, sendo cínica do jeito que é, não liga para isso. – Guilherme Veiga 

3ª temporada de The Umbrella Academy 

A cada vez que os irmãos Hargreeves da The Umbrella Academy saltam no espaço-tempo, seus personagens encaram novas facetas de desenvolvimento narrativo. De certa forma, parece mais do mesmo, visto que a equipe está presa num looping irritante de iminente fim do mundo. Como salvar a humanidade é sempre o objetivo final, mas os meios para tal, o que cada um deles é capaz de fazer para o atingir, aí que a história se complica. Entre o apocalipse e os problemas de família, na terceira temporada chega a hora de encarar uma versão alternativa deles próprios, a Sparrow Academy, e de seu pai, Sir Reginald (Colm Feore).

O roteiro cômico, as primorosas batalhas, efeitos visuais bem feitos e uma cinematografia de cores fortes que contrastam a destruição do mundo e sua vida pulsante, tudo está mais apurado do que nunca. Em mais uma temporada, é nítido o quão divertido The Umbrella Academy consegue ser, sem soltar a complexidade de seu enredo. Muito pelo contrário, a separação dos Hargreeves no volume anterior construiu narrativas individuais fortes, bases sólidas para que os personagens chegassem aqui com histórias próprias. Na linha de que na verdade os meios justificam os fins, a família enfrenta tudo, a ponto de nos perguntarmos como diabos a Netflix irá encerrar suas tramas no último capítulo, que vem por aí. – Nathália Mendes

2ª temporada de The White Lotus 

Repetindo o sucesso estrondoso do ano anterior, a segunda temporada de The White Lotus entregou a mesma acidez, ousadia e deboche que a primeira. Dessa vez, o hotel de luxo idealizado por White White, diz arrivederci ao ‘aloha’ e abre uma franquia na paradisíaca ilha italiana da Sicília, cenário tão atrativo quanto o próprio enredo. As personagens que se apresentam neste novo panorama possuem camadas complexas e fascinantes, cujo os intérpretes entregam atuações muito convincentes. 

Dos grandes destaques dessa temporada estão F. Murray Abraham (Amadeus), Aubrey Plaza (Black Bear), Meghan Fairly (The Bold Type) e, é claro, a brilhante Jennifer Coolidge que retorna mais uma vez como a cômica e melancólica Tania. Além da temática que já é conhecida dessa produção da HBO Max, a respeito da sátira dos ricaços e os misteriosos assassinatos, o ponto central que conduz a narrativa de sete episódios é o adultério, carregado pela lenda das testa di mora.

Considerada por muitos a melhor temporada da série, o roteiro e direção carregou o segundo ano da Lótus Branca com um pouco mais (mas apenas um pouco) de empatia com o espectador que não gosta de ser escandalizado. Talvez essa seja a razão do favoritismo. Para além da aprovação do público, a série ganha destaque nas premiações levando o Emmy de Melhor Roteiro e Direção. Todo esse prestígio é dado a incrível capacidade de White de contar histórias absurdas e, ao mesmo tempo que cria personagens desprezíveis, traz a humanidade necessária para que haja pessoas torcendo por elas. Como arremate, cabe uma menção honrosa à trilha sonora da minissérie, Renaissance de Cristobal Tapia de Veer, que expressa a exata tônica na qual a trama se desenrola. – Costanza Guerriero

6ª temporada de This Is Us

Depois de mais de cem episódios e muitos lenços de papel para acompanhar, chegou a hora de se despedir de This Is Us. Tendo passado pelas principais premiações da televisão – dentre elas, Emmy e Globo de Ouro –, o hit da emissora NBC coloca um ponto final na história da família Pearson com o lançamento de sua sexta temporada. Conhecida por sua capacidade de emocionar em todos os seus episódios, um dos raros produtos de TV aberta que manteve sua popularidade ao longo dos anos nunca foi sobre grandes acontecimentos, mas sobre encontrar beleza e catarse no que a vida tem de mais simples, e o roteiro manteve-se fiel a si mesmo até o fim.

Além de uma equipe de criação e elenco talentosos, um formato criativo e uma recepção esmagadora do público, uma das coisas que sempre fizeram de This Is Us uma produção tão grandiosa foi sua capacidade de celebrar e buscar o significado inesperado – e muitas vezes escondido – da vida no corriqueiro. A série se destacou em meio ao mar de produções que temos nos dias de hoje por ser uma simples celebração do viver. O final deixou Jack (Milo Ventimiglia) resumir os seis anos do seriado em uma única linha, dizendo a seus filhos adolescentes que a vida é sobre “colecionar estes pequenos momentos”, o tipo de coisa cuja importância é muitas vezes perdida em nós. – Raquel Freire

1ª temporada de Uma Advogada Extraordinária (이상한 변호사 우영우)

Uma Advogada Extraordinária é uma produção coreana que traz uma narrativa bem construída sobre a advocacia e a busca por justiça. A personagem principal se enquadra no espectro autista e é interpretada de forma cativante por Park Eun-bin, que transmite toda a complexidade e nuances da com muita habilidade.

A primeira temporada série é envolvente e apresenta cenas emocionantes que demonstram resiliência diante das adversidades. Além disso, traz questões relevantes da sociedade coreana, como a corrupção e o abuso de poder, em uma abordagem singela e realista. Apesar de alguns momentos previsíveis na narrativa e da falta de desenvolvimento de alguns personagens secundários, a excelente atuação de Park Eun-bin e a série de reviravoltas em torno de sua vida hipnotiza o público. – Henrique Marinhos

1ª temporada de Wandinha (Wednesday)

Em um cenário global de romantização de práticas perfeccionistas as quais envolvem o indivíduo em um ciclo infinito de (auto)cobranças e aumentam o número de usuários do Letterboxd, Wandinha é um porto seguro. Em outras palavras, a série produzida pela Netflix e protagonizada por Jenna Ortega serve de zona de conforto, não só para pseudo-emos, como também para todos os amantes de uma alienação saudável. A primeira temporada é, acima de tudo, uma homenagem às pessoas que encaram a Família Addams como parentes indispensáveis na ceia de Natal. 

Apesar da existência de reviravoltas interessantes dentro do enredo, nada foi tão surpreendente quanto a presença de personagens negros diante da assinatura de Tim Burton. É seguro dizer que Wandinha protagonizou discussões nas redes sociais de diversas formas, seja por atos de vangloriação à atuação de Ortega, por menções a um suposto queer bait ou por críticas a Burton. De qualquer maneira, a série representa o apontamento, ainda relevante, feito por MC Melody: “fale bem ou fale mal, mas fale de mim”.  – Ana Cegatti

4ª temporada de What We Do in the Shadows 

É difícil uma comédia manter a qualidade depois de certo tempo. Porém, What We Do in the Shadows, assim como um vampiro, parece não envelhecer e a cada ano se renova, superando o próprio ápice. Sendo um spin-off do filme homônimo de 2014, idealizado por Jemaine Clement e Taika Waititi, a obra expande seu próprio cosmos ao desdobrar os acontecimentos dos anos anteriores e trazer novos ares para a produção de forma extremamente inteligente e sarcástica.

O show é um respiro da nova safra de mockumentaries e tira sarro não só da mitologia de monstros como também da inserção dela na cultura pop. Consolidando de vez o quarteto de vampiros no mundo moderno, a série abraça com louvor a tosquice nesse choque de mundos, sem abrir mão de toda sua inteligência que calcou ao longo dos anos. Sabendo tirar proveito da ótima química entre os atores e de um roteiro afiadíssimo, What We Do in the Shadows entrega seu melhor e mais divertido ano, seguindo todos os caminhos dos falsos documentários de sucesso: desconhecidos, mas imperdíveis. – Guilherme Veiga

1ª temporada de Willow

Levando os telespectadores para a Terra da Magia, Willow é o resgate do filme homônimo de 1988. Na nova produção, são introduzidas narrativas frescas misturadas a atores e personagens da trama original. 34 anos depois, Willow Ufgood é vivido por Warwick Davis, assim como Joanne Whalley vive Sorsha e Kevin Pollak volta no papel de Rool. Além dos veteranos, somos apresentados a novas gerações, com destaque para Dove (Ellie Bamber), uma jovem tomada por ingenuidade e pronta para ir rumo ao autoconhecimento e maturidade. A personagem traz um ponto de equilíbrio entre as partes rústicas do enredo escrito por Jon Kasdan, George Lucas, Wendy Mericle, John Bickerstaff e Bob Dolman.

Com uma linha bastante horizontal, a série sabe trabalhar com a mistura de épocas sem deixar dúvidas em quem nunca assistiu o primogênito. Suas facetas cronológicas explicam as relações entre os personagens e na primeira brecha investe nos elementos de aventura, fazendo uma expansão progressiva do universo. Entre os timings de ação, há também a inserção de desenvolvimento e interpessoalidade necessária para manter as coisas relevantes e nada superficiais. 

A pitada de veracidade da produção conta com raízes nos efeitos visuais e na caracterização – responsabilidade de Sarah Young –, tão bem feitos que solidificam a sensação de estar distante do conceito mundano. Essa ideia de se afastar do contexto humano se reflete no enredo e, em muitos momentos, os personagens ganham princípios heróicos como a coragem e a bondade, tornando as motivações puras. Assim, Willow chega às nossas telas com autenticidade e potencial para fazer de um dos pioneiros do gênero de Fantasia, novamente um mestre. – Jamily Rigonatto

1ª temporada de Yellowjackets 

Sobrevivência, sangue e assassinatos. Na primeira temporada de Yellowjackets, o time de futebol feminino do título se vê preso na selvageria após a queda do avião que as transportava para a final do campeonato. 19 meses na selva e longe da civilização é mais do que suficiente para mudar o grupo de meninas – e de três meninos – para o resto da vida. Isso é, para aqueles que conseguiram escapar.

A estreia da série rendeu sete indicações ao Emmy 2022, destacando apenas alguns dos muitos pontos altos da produção. Com um elenco intenso e feroz tanto em sua versão mais nova quanto adulta, que impulsiona uma narrativa misteriosa e envolvente, Yellowjackets abocanhou a nomeação de Melhor Direção de Elenco em Série de Drama e Christina Ricci, no papel da curiosa Misty, concorreu como Melhor Atriz Coadjuvante. 

A direção da série, responsabilidade dos showrunners Ashley Lyle, Bart Nickerson e do roteirista Jonathan Lisco, também ganhou destaque, com duas menções na mesma categoria. Sob o olhar e as lentes dos três, a narrativa de Yellowjackets – que, diga-se de passagem, não é das mais inovadoras – ganha tons sombrios e cheios de horror. Com uma condução e roteiro alinhados ao Terror e sem medo de recorrerem ao macabro, o elenco poderoso da série só impulsiona uma das melhores séries em exibição atualmente. – Vitória Gomez

2º temporada de Young Royals 

Young Royals retorna ao catálogo da Netflix com muito mais do drama e do romance que fez os fãs se apaixonarem em 2021. Na nova temporada da série sueca, Wilhelm (Edvin Ryding) e Simon (Omar Rudberg) foram obrigados a amadurecer e a lidar com seus demônios internos. O herdeiro do trono enfrenta sua batalha de escolher entre a coroa e seu amor, enquanto o estudante bolsista debate entre tentar mais uma vez e seguir em frente. Em comparação com o lançamento de estreia, os novos episódios carregam muito mais esperança de dias melhores. 

Apesar da grande vilã da série ainda ser a monarquia, a nova fase da produção se mostrou mais focada no grupo de adolescentes. Foi desenvolvido ainda mais o lado cruel de Augustus (Malte Gårdinger), a ingenuidade de Sara (Frida Argento), a personalidade amiga de Felice (Nikita Uggla) e outros alunos da escola Hillerska. Essa atitude é uma escolha bem pensada, uma vez que demonstra perfeitamente como a pressão do mundo e da sociedade pode afetar uma pessoa – ainda mais um jovem –, tornando-o vulnerável e impulsivo. Young Royals ainda tem muito o que dizer e muitas respostas para dar, a terceira e última temporada já está confirmada e promete um final intenso para o príncipe e o plebeu. – Gabrielli Natividade 

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Mariana Nicastro

A juventude é a fase da intensidade. De dramas, sensações, desejos e sonhos. Nela, as amizades são eternas, os amores são infinitos num dia, efêmeros no outro, e os problemas são o fim do mundo. É a fase da rebeldia e das descobertas. Há 15 anos, Skins (UK), ou Juventude à Flor da Pele, explorou tudo isso de forma intimista, sob perspectivas de distintos jovens ingleses que tinham uma coisa em comum: a consciência de que crescer não é fácil, mas que amizades, família e empatia tornam o processo menos cruel.

Skins (UK) é uma série britânica de drama adolescente lançada em 2007 no canal inglês E4. No Brasil, ela foi transmitida pela HBO, VH1, MTV e Multishow e, atualmente, se encontra disponível na Netflix. Criada por Bryan Elsley e seu filho Jamie Brittain, suas 7 temporadas apresentam três gerações de grupos de amigos. Cada um deles com características únicas, personalidades, desafios e problemas diários para lidar. O grupo de roteiristas para os episódios também era de jovens, e Elsey dizia que “é tudo sobre a escrita. […] Nosso objetivo é deixar nossa audiência saber que eles não estão sozinhos”.

Meu filho havia acabado de largar a faculdade, então ele se uniu ao time de roteiristas, junto de todos os membros do seu flat estudantil”, diz Elsey sobre o surgimento de Skins. Brittain sugeriu que o pai criasse uma série sobre adolescentes, mas uma que realmente significasse algo. Escrita e atuada, de fato, por jovens, diferentemente de outras produções do gênero. Assim, atendendo a seu pedido, o diretor encaminhou a ideia ao canal E4, que a abraçou e deu andamento ao projeto. 

Por se tratar de uma obra escrita por e para jovens, lançada nos anos 2000, Skins rompia com qualquer conservadorismo ao tratar dos mais diversos assuntos sem pudor ou moderação. Problemas familiares, doenças mentais, sexualidade, questões de gênero, abusos de substâncias, bullying e até mesmo a morte e o luto eram evidenciados pelos personagens em tela, revelando atitudes destrutivas e situações delicadas – muito antes de Elite (2018) ou Euphoria (2019) surgirem. 

Os temas da série nunca foram leves, mas contrastavam com seus personagens verdadeiros, cômicos, divertidos, imaturos e ingênuos. “Não me ocorreu que Skins era sombria, mas é claro que era. Eu assumi que se você está fazendo um drama, tem que incluir coisas obscuras, ainda que também tenha muita luz em Skins”, disse Jamie Brittain para o The Guardian. 

Cada episódio é focado em um indivíduo do grupo principal de amigos, evidenciando seus problemas pessoais, desafios e paixões. Eles podiam ser desajustados, populares, novatos ou veteranos, mas todos tinham demônios próprios e histórias para contar. Essas narrativas e personalidades tão variadas muitas vezes rompiam com estereótipos da adolescência na TV, tornando inevitável a identificação com um ou mais deles, além da sensação de representação na trama.

Tudo começou com Tony (Nicholas Hoult), um garoto manipulador e popular que tenta ajudar seu melhor amigo Sid (Mike Bailey), cujos problemas de autoestima não permitem que ele perca a virgindade. Sid secretamente tem uma queda por Michelle (April Pearson), namorada de Tony, enquanto é o crush de Cassie (Hannah Murray), uma garota excêntrica que enfrenta distúrbios alimentares. 

Completam o grupo: o carismático – e viciado nas mais diversas substâncias – Chris, a musicista Jal (Larissa Wilson), os melhores amigos Maxxie (Mitch Hewer) e Anwar (Dev Patel), e a irmã mais nova de Tony, Effy (Kaya Scodelario). Suas tramas funcionam isoladamente, mas também se entrelaçam e permitem interações agradáveis de acompanhar ao longo das duas primeiras temporadas, as quais são ocupadas pela primeira geração de personagens. 

O grupo introduziu o formato e a essência da série, e seu elenco se tornou icônico e marcante, sendo por vezes lembrado como favorito pelos fãs. Mesmo assim, a série retornou em uma terceira e quarta temporadas, com novos enredos e personagens tão interessantes e envolventes quanto seus antecessores.

Do elenco original, apenas Effy continua presente no segundo grupo. Não mais como a retraída garota da primeira temporada, agora ela é a líder rebelde no meio de um triângulo amoroso – afinal, séries teen adoram um triângulo amoroso. Nas outras pontas estão o desajustado Cook (Jack O’Connell) e Freddie (Luke Pasqualino, muito antes da sua participação em Sombra e Ossos), atormentado por transtornos familiares. Naomi (Lily Loveless) ganha destaque com sua busca por autoconhecimento, personalidade forte, e seu romance com Emily (Kathryn Prescott), que é um dos pontos principais da temporada. 

Além delas, Thomas (Merveille Lukeba), Pandora (Lisa Backwell), Katie (Megan Prescott) e JJ (Ollie Barbieri) fazem parte da nova fase, com temáticas que alternam entre o trágico e o cômico. A instabilidade é uma constante. Todos estão sujeitos a falhas e acertos, e os jovens permeiam entre a busca por diversão e amor, e as infelicidades no meio familiar, escolar ou emocional.

Skins aborda muitos distúrbios psicológicos e revela seus densos efeitos, assim como a recorrência às drogas e demais atitudes danosas à saúde. Muitos personagens enfrentam uma jornada semelhante a de Rue Bennet (Zendaya) em Euphoria, pois alguns chegam ao fundo do poço, ascendem, com a ajuda certa, e se encontram novamente. Outros têm destinos caóticos e funestos, partindo o coração do espectador com seus declínios desastrosos ou encontros com um acaso letal.

Definitivamente, seus temas podem ser pesados e desencadear gatilhos, por isso a série não é indicada para pessoas que se encontram vulneráveis. Ainda assim, ela consegue sempre contextualizar essas abordagens. Mesmo os momentos mais obscuros não existem sem motivo ou sem propósito, mantendo Skins firme à mensagem que deseja passar. Ainda que a faça de maneira fúnebre e exorbitante, seus personagens são humanos, lidam com altos e baixos, e buscam desenvolvimento, redenção e crescimento.

Prudente, Skins sabia misturar e equilibrar os arcos dramáticos de cada um dos jovens com suas boas doses de humor ácido e sarcástico. Essa característica também pode ser evidenciada na recente –  e também inglesa – Sex Education, ainda que a produção original da Netflix aborde seus temas sensíveis com maior cautela e leveza, pendendo mais para o humor do que para o drama.

Essa diferença, contudo, não torna a criação de Elsley e Brittain inferior, e sequer diminui a importância de sua abordagem. Muito pelo contrário, Skins é extremamente intensa e reproduz toda a fragilidade, urgência e complexidade dessa fase da vida que é a adolescência. Ela explora as camadas de cada indivíduo, suas qualidades, defeitos, fraquezas e virtudes, permitindo que o telespectador adentre pensamentos e perspectivas de forma sensível. Sua representação é instável, oscilante e profunda, assim como a vivência da juventude, reforçando, assim, a identidade e o espírito da série.

A produção ainda conduz uma imersão em uma Inglaterra dos anos 2000 e, mesmo para quem não era adolescente, de fato, em 2007, a série transmite a sensação de nostalgia. Seja nas relações entre os amigos e suas rotinas – em um período menos dominado pela tecnologia -, nos figurinos, músicas, ou nas enérgicas cenas de festas. Até as naturais e espontâneas interações banais entre os personagens transbordam as telas e permitem identificação e afinidade do público.

Trabalhar com jovens têm seus desafios e exige normas específicas. Uma grande crítica feita, não apenas a esta série, como a outras criações da época, é a falta de cuidado e proteção a adolescentes, assim como ao uso de suas imagens. Afinal, a identificação dos telespectadores também se dá pela representatividade, aceitação, e pelo rompimento de padrões estéticos, tão presentes nas ficções. April Pearson, que interpretou Michelle nas primeiras temporadas, e Laya Lewis, que deu vida a Liv nas últimas, declararam recentemente a pressão para que o elenco feminino se encaixasse em um padrão de beleza – essa que envolvia dietas restritivas e coerção psicológica.

Pearson e Lewis também criticaram a ausência de instruções e acompanhamentos durante cenas de sexo com coreógrafos de intimidade, função essencial para que atores sintam-se seguros e confortáveis nas cenas gravadas. As declarações foram dadas durante o podcast de Pearson (Are you Michelle, from Skins?), em que ela diz que se sentia muito jovem e desprotegida. “O fato de que hoje em dia você tem um coordenador de intimidade, que é uma norma como parte de gravar cenas de nudez e cenas íntimas… Isso simplesmente não existia”, completa a atriz.

Desde 2018 essa profissão se tornou fundamental em cena. É um cargo essencialmente feminino e ganhou força após o movimento #MeToo, em que diversas mulheres do meio artístico relataram casos de abusos, assédios e desconfortos enquanto trabalhavam. Algumas ações tomadas por essas coordenadoras incluem esvaziar o set em cenas íntimas, garantir que atores e atrizes possam se despir com privacidade e receber orientações técnicas.

A terceira e última geração – que domina a quinta e sexta temporadas – é a menos querida pela maioria dos fãs. Ela apresenta forte subjetivismo, angústia e drama amoroso, sem trazer de volta nenhum personagem já existente no universo de Skins, tendo atores completamente novos. Aqui, destacam-se Mini (Freya Mavor), que rompe com o estereótipo da garota popular e mimada, e Alo (Will Merrick) e seu melhor amigo Rich, cujo visual punk contrasta com a doce e graciosa Grace (Jessica Sula), por quem ele se apaixona. 

Há também a novata e controversa Franky (Dakota Blue Richards), o caótico Matty (Sebastian de Souza), Nick (Sean Teale) e a já citada Liv, interpretada por Lewis. A geração ainda apresentou o antagonista Luke, vivido por Joe Cole (Peaky Blinders). Por mais que a quinta temporada tenha um foco maior em discussões sobre sexualidade, conflitos entre amigos e família, e seja conhecida por ser mais tranquila e branda, sua sucessora conseguiu finalizar o legado de Skins com drama intenso. O casal Rich e Grace se consagrou como um dos mais sinceros e queridos da série, e o gosto amargo no fim se dá pelo desejo de um final feliz que não se estendeu a todos os amigos do grupo.

Os episódios especiais que marcam a sétima temporada da série, denominada Skins Redux, mostram o futuro de Effy, Cassie e Cook, e são intitulados “Fire”, “Pure” e “Rise”, respectivamente. De início, eles tiveram aproximadamente duas horas de duração cada um. Agora, adaptados ao formato da série, todos se encontram no catálogo da Netflix, divididos entre parte 1 e 2. Skins ganhou o público e também as críticas, estando entre as favoritas de muitos, até os dias atuais. Contudo, foi durante as primeiras temporadas que ela venceu o BAFTA de Melhor Série Dramática em 2008 e de Audiência, em 2009.

Diversas outras produções com foco no coming-of-age, assim como Skins, desabrocharam a fim de continuar gerando representatividade para jovens no meio audiovisual. São esses, filmes e séries que abordam desafios e vivências de jovens prestes a encararem a vida adulta, como Lady Bird (2017) e As Vantagens de Ser Invisível (2012) nos cinemas e, Atypical (2017), Young Royals (2021), Eu Nunca… (2020), Anne With an E (2017) e as já citadas Euphoria e Sex Education, além de muitas outras, que estão dominando os streamings.

Obras como essas ajudam jovens a crescerem conscientes de que não estão sozinhos e de que mais adolescentes enfrentam problemas similares aos seus. Skins também demonstra como as trajetórias humanas são marcadas por fases passageiras e que, por mais assustador que alguns momentos possam parecer, eles não duram para sempre. No final das contas, a mensagem da série inglesa, após seus 15 anos, mantém-se a mesma: a vida é feita de inconstâncias e montanhas-russas, não só de momentos alegres ou tristes, e sim da mistura entre ambos. É isso que permite as memórias inesquecíveis, mas também o amadurecimento.

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Thuani Barbosa

Escândalos na realeza, desde uso de drogas, romances escondidos, crises financeiras e familiares até preconceito e morte. Todas essas vertentes você vai ver em Young Royals, o novo romance LGBTQIA+ queridinho da Netflix. Seguindo a linha de raciocínio de outros seriados como The Crown, a obra mostra o lado difícil de ser parte da monarquia e, ainda assim, nos contempla com a aventura da adolescência muito similar a Elite. Dever, status, lealdade e amor é tudo que esperamos do romance sueco. 

Lançado em 2021, o seriado acompanha uma onda de crescimento nas produções suecas, ao lado do romance Amor & Anarquia de Helena Bergström, e do drama queer Dancing Queens de Lisa Langseth. A estreia da primeira temporada de Young Royals não teve a recepção avassaladora que merecia do público, portanto ainda não se sabe sobre a produção de uma segunda parte. Assim, a Netflix vem trazendo a diversidade que frequentemente falta no catálogo, e a exibição da obra teen ajuda na credibilidade, uma vez que chegou arrasando.

A trama se inicia com um escândalo envolvendo o Príncipe Wilhelm (Edvin Ryding), que é enviado pela família para o famoso colégio interno Hillerska. Lá, ele conhece Simon (Omar Rudberg), com quem vive um romance ardente e divide suas incertezas em relação à monarquia. Em certos momentos o relacionamento deles se assemelha com o romance Me Chame Pelo Seu Nome dirigido por Luca Guadagnino. No longa-metragem, os jovens Elio (Timothée Chalamet) e Oliver (Armie Hammer) vivem uma paixão ardente; o filme e a série se assemelham quando você sente que a tensão sexual entre eles está palpável no ar e o casal tenta evitá-la, ambos tratam de temas queer, e o final feliz não chega tão fácil, mas ainda assim, são abordagens extremamente diferentes. 

Young Royals se passa “no agora”, tem personagens mais jovens, ainda no colegial e em busca de uma certa aceitação social, já Me Chame Pelo Seu Nome acontece em 1983 e mostra um estilo de vida, modo de vestir e se comportar oposto ao que vivemos na atualidade. A condução dos dois também é inegavelmente divergente, começando pelo ponto que uma se passa em Estocolmo, Suécia e tem uma paleta de cores mais neutras, optando por tons mais sombreados, mornos, exibindo as florestas e castelos antigos e em alguns casos cintilantes, e a outra em Crema, Itália e possui uma paleta mais vibrante, alegre e de tons fortes, exaltando os raios de sol e longos momentos a beira rio.

Após uma perda na família, Wilhelm se torna o príncipe herdeiro e o primeiro na linhagem de sucessão ao trono sueco, o que deixa sua relação com Simon ainda mais complicada. A morte de um membro da realeza mostra um lado sensível dos pais de Wilhelm, ainda que a Coroa sueca pareça sempre mais importante que qualquer coisa. Além disso, um evento tão marcante como o luto não tem o impacto esperado, até porque é uma morte tão importante, o que deixa o enredo fraco em relação à convivência da família real. Para completar a lista de drama parental, a família de outros personagens demonstra certa instabilidade, como os Arnas, que além de lidar com a perda do patriarca enfrentam a falência.

Os familiares de Simon também tem adversidades mal desbravadas no roteiro, dado que a relação com o pai sempre se mostra problemática devido ao álcool e uso de drogas, mas o assunto é sempre vago e deixa o espectador com a impressão de não saber exatamente o que se passou para o corte de laços acontecer. E há a os pais de Felice, que tem para a filha expectativas que ela não consegue cumprir, deixando a relação pessoal da família defasada. 

Os personagens secundários, como August (Malte Gardinger) e Sara (Frida Argento), vem pra trazer altas emoções, algumas boas, outras terríveis. A beleza e o jeito melindroso de August deixa o quase vilão ainda mais interessante, mas a imaturidade e impulsão fazem com que suas atitudes afetem o casal principal negativamente. Mas, ainda assim, é fácil ver o quão necessários são os conflitos para o desenvolver da história. 

Diferentemente de Sara, que parece sempre confusa mas, quando é conveniente, sabe ser ousada e favorecer a si mesma. Já Felice (Nikita Uggla) traz a dose exata de  simpatia para se tornar a preferida do público, é uma personagem gente como a gente! Para todos, ela parece perfeita e intocável, mas tem problemas com o próprio corpo, conflitos com os pais, e o melodrama adolescente que toda produção teen pede, mas isso não a impede de sempre empenhar para melhor e ajudar quem precisa dela. Young Royals tem o tipo de trama que te deixa com vontade de viver o que se passa na tela, onde você gosta de alguns personagens e odeia outros.

Com cenários de perder o fôlego, a série dirigida por Rojda Sekersöz e Erika Calmeyer exala sofisticação, diante de rios vastos e castelos antigos, que fazem com que o telespectador seja teletransportado para a Suécia e sinta o frescor do vento e o frenesi de ser um jovem da realeza vivendo um romance proibido. Ambientada com tons neutros e espaços amplos, Young Royals dá a sensação de quietação e liberdade, entretanto a autonomia dos personagens está sempre reduzida ao terreno do colégio e, raramente, à cidade mais próxima. E a quietação comumente é preenchida pelos burburinhos dos estudantes nos corredores e as festas organizadas às escondidas pelos veteranos.

O seriado, criado por  Lisa Ambjörn, Lars Beckung e Camilla Holter, mostra de maneira extremamente realista e calma os problemas que muitos adolescentes têm enfrentado na atualidade. Um exemplo é August, que frequentemente usa entorpecentes para manter seu alto desempenho nos esportes, outro é Wilhelm, que se droga após um grande abalo emocional. Felice, que por mais que seja popular e considerada perfeita por todos, ainda tem problemas com sua autoestima, enquanto Sara precisa lidar diariamente com a pressão social e o preconceito acerca do Asperger que convive e não a permite se encaixar perfeitamente entre outros jovens.

Esbanjando delicadeza e romantismo, o enredo também tem sua pitada de crítica social, já que traz um príncipe, presença que tem forte influência política em vários países até os dias atuais, em um relacionamento homoafetivo. O que é de extrema importância para a visibilidade da comunidade LGBTQIA+ no mundo; por mais que o casal não fique junto “pelo bem da realeza”, ato que demonstra o quão antiquado e preconceituoso tem sido o tratamento de certos governos em relação a relacionamentos gays, o drama de Young Royals é uma das formas de fazer a sociedade olhar ao redor é perceber o quão doce e suave é o amor, independente de como é.

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A Netflix acertou em cheio ao testar um novo formato de disponibilização de filmes. Apostando no bom slasher, o streaming produziu uma trilogia que foi lançada durante três sextas-feiras. Rua do Medo teve tudo que os clássicos filmes de terror podem oferecer: reviravoltas, clichês, sexo, casal queer, acampamentos e muito sangue.

A queridinha ainda nos presenteou com o show AmarElo do Emicida, eternizando toda energia positiva daquela noite de 2019. Quem também registrou todo seu amor pela Música brasileira foi a cantora Gloria Estefan, que trouxe, para os assinantes do HBO Max, Sangue Iorubá, um documentário explicando todo seu encanto e inspiração pelos nossos ritmos. Além deles, música e documentário também se mesclaram no mais novo – e delirante – trabalho de St. Vicent, que tenta captar a essência de Annie Clark.

Imagina postar uma thread em seu Twitter e ela se transformar num filme? Pois, o que parece absurdo funcionou muito bem com as atuações Riley Keough e Taylour Paige. Incrivelmente, as viagens de Zola agradaram mais que as de Jolt. O filme de baixo orçamento do Prime Video até traz uma premissa interessante, mas faz com que seu roteiro seja uma sucessão de erros. O aviso que fica é: Nunca Confie em Homens!

A Disney foi liberal na economia e conservadora nos costumes. Com o preço da assinatura do streaming mais 70 reais (Não, Mickey, jamais te perdoarei por isso) pudemos abraçar a tradição e assistir Jungle Cruise, uma típica aventura nos parques do mundo encantado. Ainda na exploração capitalista, nos despedimos de Natasha Romanoff da maneira mais frustrante possível. Não que Viúva Negra seja ruim, mas ele deveria ter aparecido no Cineclube de 2013. E não, Marvel, jamais te perdoaremos por isso.

Esse mês, remakes e continuações ganham espaço especial entre os lançamentos. O aguardado Space Jam: Um Novo Legado chegou sem muitas inovações mas carregado de nostalgia para os amantes dos Looney Tunes. Velozes & Furiosos 9 manteve a qualidade da franquia no patamar elevado e Um Lugar Silencioso – Parte II, ajuda a amarrar as pontas que ficaram soltas no filme anterior. Já Caçadores de Trolls: A ascensão dos Titãs, mais cansa o cinéfilo do que cumpre com sua promessa.

Na TV, o resultado foi mais positivo. A salada de frutas da Netflix atirou para todos os lados: Outer Banks voltou tão apetitosa quanto antes, enquanto Resident Evil: No Escuro Absoluto não esquentou o suficiente. Atypical deu tchau deixando saudade, Mestres do Universo: Salvando Eternia chegou com pé na porta e Beastars retornou com potencial.

A querida e estimada Eu Nunca… continua sua jornada como uma das comédias mais importantes da atualidade, esbanjando o frisson juvenil que muito nos conforta em tempos de pandemia. Young Royals nos serviu o suco da aclamação: Suécia, uma família real cheia de problemas e um romance LGBTQIA+ proibido. 

No HBO Max, chegou a primeira produção nacional, Os Ausentes. Além disso, a joia rara genera+ion finalmente foi disponibilizada aqui, dando vasta visibilidade para essa turminha do barulho, que navega em problemas adolescentes do jeito mais identificável possível: quebrando a cara.

Na casa do rato, Loki adiou suas conclusões a fim de nos apresentar o Multiverso, em adição ao maior personagem da Marvel de 2021, o Loki Jacaré. A segunda temporada de High School Musical: A Série: O Musical (ufa) acabou meio sem pé nem cabeça, totalmente incerta da história que queria contar. 

Na Rede Globo, acabou No Limite e nem a merecida vitória de Paula ganhou as manchetes. Na internet, o xodó The Bold Type encerrou sua jornada na TV de maneira tímida, e a versão espanhola da competição de drags de RuPaul, Drag Race España, divertiu mais que qualquer outra coisa.

Pulando de streaming em streaming, a Editoria do Persona passeia pelos grandes lançamentos de Julho de 2021 e dá as dicas imperdíveis do que de melhor está borbulhando no meio audiovisual. Se prepara para mergulhar em animações instigantes, filmes de terror imperdíveis e até mesmo em uma das melhores produções do ano passado (spoiler: envolve uma vaquinha chegando nos Estados Unidos).

Cinema

Rua do Medo: 1994 – Parte 1 (Fear Street: 1994, Leigh Janiak)

A primeira parte da trilogia de filmes de terror da Netflix inspirados na série de livros de R.L. Stine chegou no início do mês e nos apresentou à realidade sombria de Shadyside, uma pequena cidade do interior americano assombrada por assassinos seriais aparentemente inexplicáveis e que deram à ela a sombria alcunha de Killer Capital, USA. Seus adultos vivem em estado de alerta enquanto juventude ou quer fugir ou já aceitou seu destino sombrio.

É em 1994 que a história começa – e quase termina – no início da trilogia da diretora Leigh Janiak: quando a rixa entre Shadyside e Sunnyvale, a cidade vizinha incrivelmente bem sucedida, leva a um acidente que perturba o espírito de uma infame bruxa e coloca um grupo de adolescentes na luta contra forças sobrenaturais (e seus próprios traumas).

Por mais que a ambientação seja clichê e os sustos não fujam do esperado, 1994 é uma ótima homenagem a clássicos do gênero como Halloween: A Hora do Terror e A Hora do Pesadelo. Com uma reviravolta maravilhosamente queer no seu elenco desafortunado de jovens, propelindo a trama (e consequentemente a trilogia) com uma história de romance frágil e doce. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Rua do Medo: 1978 – Parte 2 (Fear Street: 1978, Leigh Janiak)

Apostando ainda mais alto em reavivar o subgênero slasher, a Netflix nos oferece a segunda parte de Rua do Medo, sua nova franquia de terror. A sequência pode até permanecer com direção e roteirização guiadas por Leigh Janiak, mas a construção e execução dos crimes do serial killer à la Jason Voorhees, a reconfiguração no timing dos sustos, bem como a renovação do apelo dado a mitos sobrenaturais, superam as frustrações atribuídas ao primeiro filme da trilogia pela falta de sangue e profundidade enigmática. 

O retorno à Shadyside? Mais brutal que Olivia Rodrigo. Apimentada, em sua maior parte, pelo choque de personalidades e pela inegável conexão entre as irmãs Ziggy (Sadie Sink) e Cindy (Emily Rudd), a narrativa cria vida (ou morte) em um típico acampamento juvenil. No entanto, surpreende ao jogar a comicidade para escanteio e se entregar a uma versão mais aterrorizante, visceral e violenta do cenário desesperador instalado no decorrer da trama. A ambientação, comum em dezenas de slashers de sucesso, obtém êxito em honrar clássicos do terror bem mais que o início da tríade – tudo sem perder de vista a originalidade gore que o horror espera, atualmente, de seus filmes.

Por fim, o aprofundamento dos massacres e o magnetismo de uma final girl de respeito se unem às metas mal definidas dos impactos sombrios que a bruxa Sarah Fier (Elizabeth Scopel) insiste em causar. Esse é o tripé responsável por manter o fôlego que a trilogia precisava encontrar antes de seu término. Assim, a história instiga horripilantemente seus espectadores a concluírem o cerne de tantas maldições em Rua do Medo: 1666 – Parte 3. – Vitória Vulcano

Rua do Medo: 1666 – Parte 3 (Fear Street: 1666, Leigh Janiak)

A Maldição de Shadyside chega ao fim (por enquanto) junto da trilogia Rua do Medo, que garantiu a diversão em três sextas-feiras seguidas na Netflix. Depois de sermos apresentados às assombrações esporádicas que assolam a cidade no promissor Rua do Medo: 1994, e revisitarmos o Massacre de Nightwing no nostálgico e excitante Rua do Medo: 1978, na parte final da sequência, Rua do Medo: 1666, voltamos à origem da lenda da bruxa Sarah Fier.

Através dos olhos de Deena (Kiana Madeira), os eventos que levaram à maldição da marginalizada cidadezinha se revelam diferentes do que as más línguas contam. Em uma primeira parte menos sangrenta mas igualmente surpreendente, o slasher dos anos 70 e o colorido dos anos 90 dão lugar à uma amedrontadora e tensa paisagem bucólica, impossível de não ser comparada ao da icônica A Bruxa, e o sangue ketchup é substituído pelo suspense. 

Com o passado desvendado e um plot twist que reengata onde a narrativa parou, 1666 corrige a história de Sarah Fier e, em um desfecho rápido e cheio de cenas eufóricas e divertidas, encerra a trilogia idealizada pela diretora Leigh Janiak. Agora, cabe à Netflix decidir se o final feliz de Shadyside vai durar ou não… e esperamos que não. – Vitória Lopes Gomez

Ar Condicionado (Idem, Fradique)

Ar: o fluido que respiramos. Condicionar: tornar dependente de condição, acondicionar. É a partir da contradição entre o natural e o artificial, da condicionalização daquilo que é essencial que Ar Condicionado tem seu ponto de partida. O filme do diretor angolano Fradique tem uma premissa inusitada: os ar-condicionados (apelidados de ACs) dos prédios de Luanda começam a cair sem razão aparente. Em meio ao mistério, Matacedo tem a missão de trazer o AC de seu chefe consertado, o que o leva a uma estranha jornada pela capital angolana. 

A trama ganha camadas de realismo fantástico quando percebermos que saber a razão dos incidentes frequentes talvez não seja a pergunta mais importante a ser feita. Os ar-condicionados passam de meros resfriadores a causadores de fatalidades, armazenadores da memória humana, tornando-se até razão para o luto. Mesmo com o frescor de descobrir o Cinema de outras partes do mundo, Ar Condicionado por vezes pode cansar com seu protagonista vagando no labirinto urbano, sem levar a história para uma direção evidente. Ainda assim, a multiplicidade de interpretações gerada pela imagem dos ar-condicionados torna o filme emblemático, levando-nos a aceitar que na selva de pedra, ninguém consegue respirar. – João Batista Signorelli

Caçadores de Trolls: A ascensão dos Titãs (Trollhunters: Rise of the Titans, Johanne Matte, Francisco Ruiz-Velasco e Andrew L. Schmidt)

A conclusão da série de histórias criada por Guillermo del Toro chega na forma de um longa com a cruel tarefa de unir todas as tramas apresentadas nos Contos de Arcadia e levá-las a um fim com o esperado embate contra a Ordem Arcana. Infelizmente, A ascensão dos Titãs não suporta o peso de seu enredo estufado e se arruína na hora de entregar um final satisfatório para aqueles que vinham acompanhando seus personagens desde 2016.

A qualidade da animação é um dos poucos pontos fortes do filme que, junto com a fotografia, elevam a batalha dos defensores de Arcadia contra os gigantescos Titãs em lutas espetaculares que ecoam Pacific Rim. No entanto, há tantos personagens e subtramas inconsequentes que fica até difícil prestar atenção quando algo genuinamente divertido acontece.

São os personagens de Caçadores de Trolls que mais sofrem na transição de formato, sendo relegados ou à piadas recorrentes ou apenas aparecendo para cumprir tabela, sem relação direta com os eventos que se desenrolam. A única parte épica do longa está na escala da decepção que seu final causa: não só desperdiça todo restante do filme como também todas as séries que o precederam em uma decisão final verdadeiramente deplorável. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Quando St. Vincent decide fazer um documentário, é certo que sua abordagem não será convencional. Em The Nowhere Inn, a artista nos carrega junto nos bastidores da turnê de MASSEDUCTION, onde conhecemos a verdadeira cara por trás do pseudônimo enigmático dos palcos, Annie Clark – ou pelo menos achamos que sim. Ficção e autobiografia se entrelaçam num pseudo-documentário à la David Lynch, nos levando conscientemente a não entender nada.

A premissa inicial do longa é de documentar a essência da real Annie Clark ao lado da amiga e cineasta Carrie Brownstein. Juntas, as amigas iriam criar um relato metaficcional sobre a essência artística de Clark, mas que rapidamente revela divergências criativas. O que começa de maneira clara, logo se transforma num delírio delicioso. A realidade é fragmentada e não é mais possível distinguir o que é autêntico e o que é espetáculo em meio à cores vibrantes, figurinos deslumbrantes, uma trilha sonora com versões inéditas das canções de St. Vincent e cowboys.

Para quem é fã, a diversão é garantida. Contudo, aos não familiarizados, a experiência pode se tornar desapegada quando o foco narrativo do longa não é a história em si. Entre bizarrices divertidíssimas, nos deleitamos ao ver uma St. Vincent totalmente diferente de suas personas performáticas, como nerd jogando Nintendo Switch ou até mesmo contracenando como namorada da atriz Dakota Johnson. Com proposta óbvia de não ser levada a sério, Annie Clark nos convida a adentrar numa fantasia surrealista e embarca quem quer. – Ayra Mori

Jungle Cruise (Idem, Jaume Collet-Serra)

A pandemia fez com que todos os estúdios precisassem se adaptar. No caso da Disney, a empresa optou por vender seus lançamentos no formato de Premier Access no Disney+, além da tradicional exibição nos cinemas. Jungle Cruise, nova aventura lançada nesse formato híbrido, diverte e cativa de tal forma que nos faz relembrar da força das histórias que viajam pelo desconhecido. 

Baseado no parque temático da Disney, o filme conta a história da Dra. Lily Houghton (Emily Blunt), que pede ajuda ao capitão Frank Wolff (Dwayne Johnson) para levá-la à Amazônia em seu barco caindo aos pedaços. Juntos, procuram por uma árvore ancestral que pode curar qualquer doença.

Jungle Cruise não tem medo de abraçar a fantasia. O diretor Jaume Collet-Serra aproveita as possibilidades dos efeitos especiais para construir uma jornada colorida e vibrante como a natureza. Em tempos que parecem valorizar demais o realismo, é bom ver o retorno de aventuras mais tradicionais e escapistas como essa. – Caio Machado

Um Clássico Filme de Terror (A Classic Horror Story, Roberto De Feo e Paolo Strippoli)

Quando uma obra-prima cinematográfica vem à vida, logo nos vem à mente a seguinte pergunta: o que o diretor não faria para alcançar tamanha perfeição? Talvez Um Clássico Filme de Terror não seja uma obra-prima, mas dizer que seu “diretor” deu o sangue para alcançar esse mesmo objetivo é inegável. O longa italiano lançado pela Netflix mescla um pouco do terror clichê (como já propõe o próprio nome) com um toque moderno e, infelizmente, batido.

Começando pela fórmula reciclada, o plot twist e sua intenção inovadora já não é mais um plano de ação fresco no mundo do Cinema, mesclar elementos demoníacos com o controle humano já não causa mais a mesma surpresa. Porém, é o cenário da não tão Santíssima Trindade mafiosa que cria o melhor elemento do filme: a metalinguagem. Dentro do ambiente cinematográfico onde há outro ambiente cinematográfico, perdemos a noção de quem está no comando e o que é real ou não. Ao final, no melhor estilo Casamento Sangrento, nossa bambina se despede da maneira mais satisfatória possível. – Vitor Tenca

Space Jam: Um Novo Legado (Space Jam: A New Legacy, Malcolm D. Lee)

A onda de remakes de filmes dos anos 1990 continua com a atualização do clássico Space Jam, e mais do que nunca é de se questionar se isso é uma boa ideia. Space Jam: Um Novo Legado conta a história da maior estrela do basquete atual: LeBron James, em uma aventura no mundo cibernético em que precisa derrotar uma Inteligência Artificial em um jogo de basquete, ao lado dos Looney Tunes, para salvar seu filho. 

Apesar de uma trama não muito inovadora, o filme traz algumas diferenças em comparação a sua versão anterior, especialmente em relação às motivações por trás dos acontecimentos. O vilão, o jogo, os problemas, todos são consequências apresentadas pelo mundo de James, diferente da versão de 1996, em que Michael Jordan é apenas mais um personagem no mundo dos Looney Tunes. E isso em partes tira um pouco da alma do filme, tornando-o um tanto corrido em alguns momentos e arrastado em outros, parecendo não saber muito no que focar. Se é na história de um pai e filho com interesses diferentes que tentam se conectar, ou só em um jogo de criaturas lunáticas com motivações lunáticas.

É difícil assistir Space Jam: Um Novo Legado sem comparar pelas lentes da nostalgia, mas quando removidas temos um filme bem feito, um pouco repetitivo, mas que agrada em sua proposta de divertir o público e que vale a pena assistir. Nem que só pelas referências ao universo da televisão que é trazido ao longo do filme. – Marcela Zogheib

Um Lugar Silencioso – Parte II (A Quiet Place Part II, John Krasinski)

Um Lugar Silencioso – Parte II se encarregou de explicar como o apocalipse alienígena – e que os Demogorgons com super audição vieram de meteoro – do primeiro filme aconteceu, e dar continuidade na história ao mesmo tempo. Agora com um bebê e a descoberta de como matar os alienígenas, o que sobrou da família Abbott explora o mundo fora de sua fazenda. Com uma fotografia mais clara e a mesma boa dose de sustos, o thriller mantém a ótima performance. 

É na sonoplastia que mora o segredo, ainda que não seja O Som do Silêncio. Nas mãos de Krasinski, o som norteia o filme, na mesma proporção em que a não-audição de Regan (Millicent Simmonds) o faz. Há um jogo de cenas espetacular entre sons nítidos de todas as movimentações, literalmente até troca de sinal no semáforo, e a quietude do mundo da menina. Após a morte de seu pai, interpretado pelo ator e diretor Krasinski, só ela é necessária para o andamento da história. Mas Cillian Murphy co-protagoniza o filme, mantendo o clichê de uma figura masculina heróica. – Nathália Mendes

Jolt: Fúria Fatal (Jolt, Tanya Wexler)

Parte filme de ação de baixo orçamento, parte comédia romântica de roteiro duvidoso, há poucas cenas em Jolt: Fúria Fatal que fazem jus ao potencial farofeiro do longa de Tanya Wexler. Lançado pelo Amazon Prime Video em julho e estrelado por Kate Beckinsale, a trama segue Lindy, uma mulher que usa um sistema de eletrochoque para evitar impulsos de violência súbitos. Quando seu namorado de dois dias é misteriosamente assassinado, ela vai contra os desejos de seu terapeuta (Stanley Tucci) e decide punir os culpados com as próprias mãos.

Embora o carisma de Kate Beckinsale seja capaz de suportar bastante coisa, ele não basta para que a uma hora e meia de filme se passe num ritmo minimamente agradável. Com cenas de ação e cenários genéricos, fica difícil se conectar com os traumas de sua protagonista irritável, mesmo que em alguns momentos a sua falta de paciência seja genuinamente engajante e divertida de se ver (talvez porque seja o mesmo sentimento do espectador).

No aspecto de comédia romântica, o filme obtém melhores resultados, graças à boas interpretações de um elenco que claramente merecia mais com o que trabalhar. No entanto, o final destrói qualquer chance de uma boa lembrança, entregando conflitos clichês e um plot twist que sacrifica a construção de personagem pelo shock value e, incrivelmente, acha de bom tom dar pistas para uma sequência. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Zola (Idem, Janicza Bravo)

É comum ver filmes baseados em livros, peças, jogos, acontecimentos marcantes… mas nunca em algo feito nas redes sociais. Zola chama a atenção nesse aspecto: é o primeiro filme baseado numa thread que viralizou no Twitter, escrita pela norte-americana Aziah Wells em 2015.

Na trama, a garçonete Zola (Taylour Page) concorda em acompanhar a amiga, Stefani (Riley Keough), numa viagem à Flórida. O que deveria ser um final de semana com festas e curtição rapidamente se transforma numa jornada absurda de 48 horas.

Com um visual limpo e agradável digno de filtro dos stories do Instagram, Zola prende a atenção por causa de sua sequência de acontecimentos tão malucos que suscitam o questionamento de “será que isso aconteceu mesmo?” em várias cenas. É uma aventura igualmente tensa e cômica que consegue incorporar, de maneira criativa, elementos característicos das redes sociais, como o som de notificações do Twitter e o recurso da rolagem infinita presente na timeline do Instagram. – Caio Machado

Viúva Negra (Black Widow, Cate Shortland)

Viúva Negra é frustrante. Não ruim, nem fraco, muito menos entediante. Mas, depois de 11 anos desde sua aparição inicial no MCU, assistir o primeiro filme protagonizado por Natasha Romanoff sabendo o futuro injusto que a aguarda é frustrante. A primeira Vingadora a aparecer nas telas da Marvel precisou sofrer com a sexualização extrema, a falta de um arco relevante, um relacionamento meia-bomba com Bruce Banner e uma morte horrenda em Ultimato para finalmente ganhar um longa solo que se preze, minimamente, a dar os contornos vivos e lúcidos que a personagem de Scarlett Johansson merecia – verbo conjugado no passado, infelizmente.

Enriquecendo a folha de pagamento do estúdio com Florence Pugh, David Harbour e Rachel Weisz, Viúva Negra volta no tempo e se norteia logo após os acontecimentos de Guerra Civil, pondo em foco o período em que Natasha estava foragida e precisou se reencontrar com a família falsa que a botou entre os dentes asquerosos de Dreykov e sua iniciativa de Viúvas. Se você esperava um desenvolvimento sólido sobre o período de treinamento da agente ou do que ela precisou fazer como Viúva, o filme de Cate Shortland apenas pincela esse passado, deixando a impressão de que, na verdade, estamos assistindo Viúva Negra 2: A Volta da Sala Vermelha, sucessor de um hipotético filme de origem da heroína.

A trama se sustenta, claro. A relação de Natasha com Yelena é caótica e divertida, e seu acerto de contas com a jovem Antonia suga o que há de mais dramático na bagagem de Johansson. Apesar de pouco explorados, os traumas causados pelo terror da Sala Vermelha deixam a atmosfera densa, complementando a atuação de Ray Winstone como um dos vilões mais repulsivos – e relâmpagos – da Marvel. No fim das contas, Viúva Negra é um tapa-buracos para os anos de descaso cinematográfico que a personagem teve que aturar. E isso, com certeza, afeta a despedida da Vingadora. – Caroline Campos

First Cow – A Primeira Vaca da América (First Cow, Kelly Reichardt)

Em First Cow, somos transportados para um oeste norte-americano bem diferente daquele que Hollywood está acostumada a mostrar. Não é o lugar de heróis corajosos, de grandes jornadas, ou de conquistas históricas. Muito menos o cenário para a corrupção e a violência do faroeste revisionista. O estado de Oregon é um lugar de simplicidade, onde a chegada de uma vaca ao território é um evento, onde botões são usados como moedas de troca, e o prato para o jantar é colhido diretamente dos arbustos ou pescado no rio. 

O mais aclamado e premiado longa da diretora e roteirista Kelly Reichardt acompanha o encontro entre o cozinheiro Cookie (John Magaro) e o imigrante chinês King-Lu (Orion Lee), e a sincera amizade que se desenvolve entre os dois. Motivados pela possibilidade de fazer dinheiro com as habilidades culinárias de Cookie, a dupla passa a ordenhar clandestinamente a vaca do homem mais rico da região. O retrato de dois homens buscando se realizar e estabilizar através de seu pequeno negócio torna-se também um retrato naturalista e sem idealizações da construção do sonho americano.

O ritmo lento e contemplativo pode parecer um obstáculo, mas aos moldes de Guimarães Rosa, superados os desafiadores minutos (ou páginas) iniciais, a experiência se torna enormemente recompensadora. A simplicidade de seus personagens é traduzida para a luz natural, os cenários rústicos e o jogo de câmera sutil. Aos moldes dos bolinhos feitos por Cookie, é um filme construído de forma artesanal, quase do mesmo modo que 200 anos atrás, aqueles homens haviam construído com suas próprias mãos, suas vidas e as das gerações futuras, em um lugar onde sequer a História havia chegado. – João Batista Signorelli

Sangue Iorubá: Uma Jornada Musical Através de África, Brasil e Cuba (Idem, Lourival Rodriguez)

Gloria Estefan é uma cantora cubana naturalizada estadunidense. Multigrammyada, ela é uma das maiores representantes da Música latina, e o Brasil é um dos itens da inúmera lista de inúmeras influências que compõem a artista. Para homenagear a Música brasileira, mais precisamente o samba, Gloria gravou um álbum de inéditas intitulado Brazil305. A imersão audiovisual da cantora foi complementada com o documentário Sangue Iorubá, onde ela fala das semelhanças da sonoridade trazida pelos africanos.

O documentário acompanha a viagem de Gloria por São Paulo, Rio de Janeiro e Salvador, e também traz cenas da cantora no Estados Unidos. Para contar a história do samba, há participações especiais de produtores e grandes nomes da música como Maria Rita, e os maiores sambistas da velha guarda como Alcione, Jorge Aragão, Zeca Pagodinho e Ubirany do Grupo Fundo de Quintal. Todos esses encontros mostram a admiração de Gloria por nossa música e seu encantamento por nossos instrumentos.

De todos os encontros, os mais marcantes aconteceram na quadra da Portela e em Salvador ao lado de Carlinhos Brown. Na Portela, a conversa acontece com o baluarte Monarco acompanhado da velha guarda da escola. Gloria usou do santuário carnavalesco para gravar o brilhante clipe de Samba. Já em Salvador, a cantora visitou o Candeal, local onde Carlinhos foi criado. O ex-Tribalista, que exala ancestralidade, foi ponto chave no documentário Iorubá, ele apresenta toda história e magia da musicalidade brasileira. – Ana Júlia Trevisan

Velozes & Furiosos 9 (F9: The Fast Saga, Justin Lin) 

O oitavo filme da franquia Velozes e Furiosos impressionava por seu nível de loucura, com cenas envolvendo um submarino no gelo e até uma chuva de carros. Depois dele, ficou difícil imaginar como poderiam se superar na continuação. Felizmente, Velozes & Furiosos 9 consegue esse feito com facilidade. 

Na trama, o passado de Dominic Toretto (Vin Diesel) volta a assombrá-lo quando seu irmão, Jakob (John Cena), retorna e passa a trabalhar com a hacker Cipher (Charlize Theron). Então, cabe a Dom reunir sua equipe novamente para derrotá-los. 

Tentar descrever a experiência de ver Velozes & Furiosos 9 é um esforço complexo diante de tantas cenas malucas, que vão desde carros com foguetes até uma ida ao espaço para destruir um satélite. O que importa é que isso tudo é unido por um senso de amizade e respeito que aproveita tão bem o espetáculo que o Cinema é capaz de oferecer que você nem se importa com as leis da física quebradas por eles durante as mais de duas horas de duração. – Caio Machado

Emicida: AmarElo – Ao Vivo (Fred Ouro Preto)

Depois de um documentário sensível e autoral sobre a construção do Brasil, Emicida pintou novamente o vermelho da Netflix com seu AmarElo – Ao Vivo. O show histórico no Theatro Municipal, retratado pela criatividade de Fred Ouro Preto, entrou na íntegra no catálogo do serviço e espalhou pelos quatro cantos a genialidade de um dos maiores rappers do país. 

Mesclando canções de sua discografia, a apresentação harmoniza uma sinfonia perfeita entre artistas e plateia, todos pulsando no ritmo inigualável daquela noite de 2019 em São Paulo. Ao lado de Majur, Pabllo Vittar, MC Tha, Drik Barbosa e Jé Santiago, Leandro Roque de Oliveira balança a fundação do Municipal e entrega um concerto que dialoga com a ancestralidade e com o poder da cultura negra. Emicida, você fez o Sol levantar. – Caroline Campos

A primeira cobertura do Persona ainda influencia o que fazemos hoje. Quando Lorelei surgiu dentre os lançamentos audiovisuais do mês, não poderíamos deixar passar uma das obras que ficou de fora da nossa cobertura da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Em outubro do ano passado, o filme de Sabrina Doyle chamou a atenção dentre a vasta curadoria do festival pela sua promessa de um drama sincero sobre sonhos, amor e família à margem da sociedade. E em julho de 2021, ele tem sua chance de cumprir o que prometeu.

O longa parte de Wayland (Pablo Schreiber), que acaba de cumprir 15 anos na prisão por um assalto à mão armada. Quando preso, ele interrompeu o relacionamento juvenil movido pela paixão e sonhos que cultivava junto de Lola (Jena Malone), que depois de todos aqueles anos, também seguiu a vida como podia sendo mãe solo de 3 filhos. O pretexto de Lorelei é simples e até clichê, mas a delicadeza de sua diretora estreante, que também assina o roteiro, transforma a narrativa em algo quase mágico de tão singelo.

Além de trabalhar bem com a raiz do filme, Doyle também desenvolve perfeitamente seus personagens principais, seguindo o trabalho fantástico de seus atores. Malone trabalha na pele de uma mulher que viu sua vida mudar completamente de uma forma muito rápida, e que embora cheia de amor, é marcada pela dor de engavetar seus sonhos. Já em Wayland, Schreiber é melancolicamente hesitante nas tentativas de se colocar de volta no mundo depois de uma década e meia longe de tudo. O encontro dos dois é uma colisão de dois corações em pedaços, um pelo outro e também pela vida, e assim, Lorelei cria sua própria maneira de tratar o que já sabemos sobre segundas, terceiras, quartas e muitas outras novas chances. – Raquel Dutra

TV

genera+tion (Parte 2 da 1ª temporada, HBO Max)

O charme de genera+ion, a comédia dramática mais subestimada de 2021, é a habilidade dúbia de construir tramas igualmente patéticas e sérias. Seja nas peripécias amorosas de Chester (Justice Smith, em um papel definidor de sua carreira), ou nas bruxarias feministas de Arianna (uma hipnotizante Nathanya Alexander) e até mesmo nas caras e bocas que Megan (Martha Plimpton) projeta frente à modernidade da vida dessa garotada: a série sabe que não precisa se levar a sério.

A leva final de capítulos da primeira e, por enquanto, única temporada, transporta o roteiro de maneira menos incisiva que o começo, mas a criação da jovem Zelda Barnz e seu pai Daniel engrena a partir do momento que entende o coração de genera+ion: o complicado enlace de Greta (Haley Sanchez) e Riley (Chase Sui Wonders). O casal passa por todo perrengue imaginável e, dentre todo o elenco, é quem melhor encerra esse ciclo.

É uma pena que o HBO Max não tenha confirmado o retorno dos queers, e o andar da carruagem sugere que a festa escorregadia da finale seja realmente o adeus dos amigos mais diversos da TV atual. A jornada foi muito proveitosa, nada cringe, esbanjou o carisma de Naomi (Chloe East, um destaque da série) e a apaixonante Delilah (Lukita Maxwell) e ainda dedicou um momento especial para que a super estrela Gigi Goode fizesse uma pontinha. Quer mais o que? – Vitor Evangelista

Os Ausentes (1ª temporada, HBO Max)

Cerca de 80 mil pessoas desaparecem no Brasil a cada ano, em uma média de oito pessoas por hora. Essa é uma das premissas que leva Os Ausentes adiante, cuja trama gira em torno de Raul (Erom Cordeiro) e Maria Julia (Maria Flor). Na história — distribuída em 10 episódios de 45 minutos —, Raul é um investigador particular e ex-delegado, que é motivado a procurar pessoas desaparecidas após o sumiço, sem solução, de sua filha. Sua agência em São Paulo, chamada Ausentes, lida com casos em que as pessoas não podem ou não querem recorrer à polícia.

Os Ausentes é a primeira série brasileira original no catálogo do HBO Max, e a produção teve como consultor Barry Schkolnick, roteirista da série The Good Wife e Law & Order. Essa informação fica em evidência no desenvolvimento dos capítulos, que parecem remeter diretamente aos seriados norte-americanos do gênero policial. Os episódios ocorrem de forma independente — com uma história de investigação em cada um deles —, e a ligação entre eles está na trama pessoal de Raul e Maria Julia, personagem misteriosa que também procura por um desaparecido. Esse tipo de produção não restringe o número de episódios, pois, de forma livre, eles são desenvolvidos isoladamente e trazem flashbacks para contextualizar possíveis questões. A série traz um importante recorte socioeconômico e coloca em evidência regiões que ainda são deixadas de lado em questões de segurança pública. – Bruno Andrade

Atypical (4ª temporada, Netflix)

Embora nunca tenha sido um imã de premiações, Atypical sempre foi uma das queridinhas dos assinantes da Netflix desde sua estreia em 2017. Mesmo com sua perda pesando nos corações daqueles que se apaixonaram pelas pequenas aventuras da família Gardner ao longo dos anos, sua temporada final chega não como um adeus, mas um trabalho caloroso.

A série criada por Robia Rashid sempre se beneficiou de um tato sensível para lidar com seus personagens e suas falhas e aqui não é diferente: seja acompanhando os planos para o futuro de Sam (Keir Gilchrist) ou tropeçando junto com Casey (Brigette Lundy-Paine) na sua vida esportiva, cada episódio se supera ao humanizar os conflitos externos e internos das personagens e nunca dá-los por certos. Jennifer Jason Leigh continua dando uma das melhores performances de sua carreira no papel de Elsa, e é genuinamente prazeroso ver até onde a personagem chegou desde a primeira temporada.

O ritmo meio da temporada é prejudicado por algumas tramas que parecem estagnar, e é triste ver antigos personagens recorrentes sendo jogados de lado para abrir espaço para novas narrativas. O final, no entanto, engata de volta e fecha a série com a conclusão de uma trama aberta desde o seu início e que com certeza irá emocionar aqueles que a acompanharam até aqui. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Bold Type (5° temporada, Freeform)

Enquanto as quatro primeiras temporadas de The Bold Type fazem sucesso na Netflix, a série encerra sua exibição e se despede no quinto ano. O anúncio do cancelamento foi uma surpresa, já que o seriado tinha um bom desempenho de público e crítica, mas foi prejudicado pela pandemia, que inclusive forçou a conclusão precoce da quarta temporada, e pela redução recente na audiência. Com um último ano bem menor do que os anteriores, Jane (Katie Stevens), Kat (Aisha Dee) e Sutton (Meghann Fahy) dão adeus aos fãs que conquistaram.

Os 6 episódios finais têm um clima de despedida: depois de acompanharmos as meninas em seus perrengues, sucessos, falhas e descobertas, de conhecermos seus sonhos, medos, ambições e questionamentos, dizer tchau para as três e para a revista que as acolheu é emotivo. Agora, ainda e sempre unidas mesmo em diferentes momentos de vida, as meninas refletem sobre o quão longe chegaram desde suas entradas na Scarlett e o que querem para o futuro. The Bold Type encerra sua trajetória por aqui, mas Jane, Kat e Sutton ainda têm muito pela frente. – Vitória Lopes Gomez

No Limite (5ª temporada, TV Globo) 

O BBB20 reviveu o amor do brasileiro por reality show, e na carona desse sucesso, o diretor de televisão Boninho decidiu ressuscitar, também, o primeiro reality da Globo: No Limite. Desde 2009 sem novas temporadas, a edição de 2021 contou com um diferencial, um elenco formado inteiramente por ex-BBBs. A decisão foi acertada para chamar o público, mas não suficiente para segurá-lo, e semana após semana o programa agonizou em audiência. Nem Rafael Infante fazendo cosplay de Rafael Portugal num CAT BBB improvisado foi capaz de salvar, e, aliás, essa ‘adição’ só terminou de destruir o reality. 

Tudo que podia dar errado, deu: a começar por André Marques, que é um apresentador horroroso, e não foi capaz de dar tom ao jeito que queria conduzir seu programeco. As provas eram entediantes e davam canseira nos participantes e no telespectador, que esperava desafios de sobrevivência ao ar livre de assistir na ponta da cadeira e recebeu um playground de crossfit extremo. O programa ir ao ar apenas na terça-feira também foi um erro gigantesco, já que no resto da semana se falava sobre qualquer outra coisa, menos No Limite, e era fácil esquecer que o reality existia.

Os ex-BBBs, que foram vendidos como um atrativo, no fim se mostraram um problema: tirando um ou outro ali, o resto não servia carisma nenhum e o fato de já terem uma vida confortável de subcelebridade atrapalhava a conexão do público com os participantes. Na reta final, ficou mais interessante acompanhar o MasterChef Brasil no ao vivo e assistir o terrível No Limite depois, já que nem spoiler na internet dava para pegar, afinal, ninguém estava comentando o acampamento fitness de Boninho. A 6ª temporada ainda é incerta, mas, seguindo a tradição, é bem provável que ela só venha em 2029. – Jho Brunhara

Outer Banks (2° temporada, Netflix)

Lançada no meio de 2020, Outer Banks foi um escape do caótico mundo real para uma ilha paradisíaca cheia de adolescentes desocupados e engraçados. A série começou simples, foi crescendo e terminou sua primeira temporada de forma estrondosa, conquistando um público que aguardou bastante pela sua volta.

E em apenas um ano, no meio das dificuldades causadas pela pandemia, a segunda temporada foi produzida. Parecia impossível que, em tais situações, algo realmente bom pudesse vir. Mas, para surpresa de muitos, a retomada de OBX não foi apenas boa, e sim sensacional. 

Os novos episódios não deixaram faltar nada, trazendo drama, comédia e suspense nas doses certas. O único defeito dessa temporada é que acaba. Por favor, Netflix, agilize logo, pois já estamos morrendo de saudade do nosso quinteto favorito. – Mariana Chagas

Resident Evil: No Escuro Absoluto (Resident Evil: Infinite Darkness, 1ª temporada, Netflix)

Continuando o aniversário de 25 anos da franquia após o bem recebido Resident Evil Village, a nova tentativa da Netflix de adaptar videogames para um formato seriado chega na forma de Resident Evil: No Escuro Absoluto. Nos moldes de Castlevania, a primeira temporada tem apenas quatro episódios, focando principalmente em apresentar seus personagens e formar a base para possíveis histórias futuras.

Com um dos grandes chamativos da série sendo a reunião do icônico duo de Resident Evil 2, é decepcionante ver quão poucas cenas Leon Kennedy (Nick Apostolides) e Claire Redfield (Stephanie Panisello) dividem. Situado após o final de Resident Evil 4, a série começa com Leon entrando para o serviço secreto e tendo que lidar com uma invasão de zumbis à Casa Branca, enquanto Claire persegue os detalhes de uma conspiração para ocultar um novo surto de mortos-vivos. Apesar dos cenários centrados e animações realistas, a nova série não esquece de fazer piada consigo mesma e trazer aquela farofa que os fãs dos games já esperam da franquia.

No Escuro Absoluto age como uma perfeita tradução visual do jogo para série, capturando o sentimento de fases, ambientação e o terror grotesco da franquia (com direito até a boss final), mas falha em contar uma história engajante para sustentar essa adaptação. A trama política ao redor das armas biológicas já foi contada e recontada vezes suficientes para saber como termina, e o final em aberto para mais temporadas frustra mais do que empolga. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime (Minissérie Documental, Netflix)

A minissérie documental que revisita os fatos envolvendo o assassinato do empresário Marcos Matsunaga, produzida por Gustavo Mello, é a primeira aposta da Netflix para produções envolvendo crimes reais nacionais. Apresentada em quatro episódios, narra e discute desde o relacionamento de Marcos e Elize, passando pelo  julgamento e pelas visões da condenada pelo caso neste período em que a mesma se encontra cumprindo a pena. Entrevistas com amigos, jornalistas que acompanharam o desenrolar da investigação, advogados, o promotor e o delegado envolvidos no fato também foram utilizadas.

“Ela vivia uma vida de princesa”. A escolha da produção foi brincar e problematizar com essa fala que era corriqueira da acusação, do delegado, de amigos e familiares de Marcos. O que faria uma mulher que aparentemente tem uma vida perfeita matar e esquartejar o marido? Por meio deste questionamento, a minissérie vai trazendo as falas dos personagens envolvidos com o caso para discutir temas como: midiatização de casos criminais, julgamento moral e criminal por parte da imprensa, machismo, misoginia judicial e violência contra a mulher.

A minissérie documental não pretende refazer o julgamento de Elize, mas trazer certas nuances sobre o crime de modo que o telespectador possa se questionar acerca de algumas questões sociais e morais. Entretanto, a produção peca na escolha de alguns caminhos narrativos, como a caricatura de alguns envolvidos, a tentativa de justificação dos atos de Elize e mesmo o tom cômico com que algumas questões são abordadas, não havendo a seriedade necessária ao tratamento deste caso como exigem tais produções. – Ma Ferreira

Loki (1ª temporada, Disney+)

É claro que a Marvel não ia perder a oportunidade de dar uma série para o vilão mais amado e charmoso do Universo Cinematográfico. Mesmo assim, trazer de volta o Loki assassino e conquistador de Vingadores depois de uma evolução visível ao longo de 13 anos de estúdio foi uma jogada que poderia ter dado muito certo ou muito errado. Felizmente, os que apostaram na última opção ainda não perceberam que, quando se trata de Tom Hiddleston, consegue-se abrir uma indústria de leite de pedra.

Logo no primeiro episódio, Loki pega toda a Saga do Infinito, corta em mil pedacinhos e manda diretamente para os lixões de Sakaar. Depois de assistirmos a morte de personagens queridos por conta daquelas malditas Joias do Infinito, é impossível conter o choque de ver montes delas sendo utilizados como peso de papel pela Autoridade de Variação Temporal. Finalmente, o Deus da Trapaça fica cara a cara com o maior poder do universo.

Acima de tudo isso, o glorioso propósito de Loki foi nos apresentar a ela: Sophia Di Martino. A química que atravessa o espaço-tempo entre Sylvie e Loki manteve unidos os alicerces da série da Disney+ e abriu um mundo (ou muitos) de possibilidades para o futuro pós-pandemia dos cinemas. Seja bem-vindo, multiverso. – Caroline Campos

Mestres do Universo: Salvando Eternia (Masters of the Universe: Revelation, 1ª Parte, Netflix)

Ele tem a força! A primeira parte da nova iteração de Mestres do Universo chegou na Netflix em julho e, apesar de modernizar a narrativa e dar o foco para as personagens femininas da franquia, ainda mantém toda a estranheza clássica dos anos 80 e os designs gloriosamente cafonas de seus personagens. Comandada por Kevin Smith, essa nova narrativa busca reinventar o que esperamos da franquia ao mesmo tempo que a homenageia e, graças às animações excepcionais do estúdio Powerhouse, ela consegue.

Embora tenha apenas cinco capítulos, a primeira parte da nova série estabelece maravilhosamente bem o seu universo e é extremamente convidativa para novos espectadores, apesar de não poupar referências aos seus antecessores. Escolhendo focar não na luta imortal de He-Man (Chris Wood) contra o maléfico Esqueleto (Mark Hamill), mas em sua parceira, Teela (Sarah Michelle Gellar) e sua relação com os outros personagens, Salvando Eternia evita as tentações comuns à reboots e remakes de repetir histórias que já foram contadas e, ao invés disso, traz novas e ousadas interpretações para seus personagens.

Com um capítulo final que se move talvez um pouco rápido demais para o seu próprio bem e atropela algumas das relações mais interessantes entre seus personagens, Mestres do Universo: Salvando Eternia termina com um gancho poderoso para sua segunda parte, ainda sem data marcada. Com um elenco estelar e uma direção moderna, os poderes de Grayskull nunca foram tão fortes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Young Royals (1ª temporada, Netflix)

A Netflix não tem limites. Agora, ela inventou de juntar elementos de sua maior produção e seu maior sucesso de crítica com a sensação teen mais quente do momento. Imagina uma mistura de The Crown com Elite? Ela existe e atende por Young Royals. A produção sueca chegou na plataforma de streaming junto do jovem príncipe Wilhelm (Edvin Ryding), que é enviado para um colégio interno depois de deixar sua família real de cabelo em pé com episódios típicos de um adolescente em crise. Lá, ele conhece o apaixonante Simon (Omar Rudberg), e o resto é história.

A série de Rojda Sekersöz e Erika Calmeyer aborda os mais variados aspectos das vidas de seus personagens com muito ritmo e muito estilo. O acerto maior das diretoras, no entanto, é colocar adolescentes para viver seus adolescentes, pressuposto básico que parece ser demais para as produções juvenis tradicionais, que se preocupam mais em criar um ideal em torno de suas histórias do que de fato contemplar os que se propõem a retratar.

Assim, os jovens reais de Young Royals fazem com que seus arcos básicos sejam extremamente atraentes. As personagens vivem suas descobertas sexuais, encaram seus dilemas pessoais, lidam com suas questões emocionais e psicológicas e sentem os conflitos de classe em cada um dos seis episódios, com destaque para a atuação dos coadjuvantes Sara (Frida Argento) e August (Malte Gårdinger). A energia da juventude que falta no palácio da Rainha Elizabeth com o refino que falta nos causos de Las Encinas. Tem como dar errado? – Raquel Dutra

Good Girls (4° temporada, NBC)

Em sua quarta temporada, Good Girls entra na longa lista de séries descartadas pela NBC. A história de três mulheres que entram no mundo do crime começou divertida e viciante, mas decepcionou em seus episódios finais. Apesar de deixarem saudades, já estava na hora de dizermos adeus para as mamães mais delinquentes da televisão. 

É uma pena, então, que a despedida tenha sido tão fraca. Com 16 episódios que não pareciam sair do lugar, a temporada final do seriado mal parecia ter uma narrativa definida. O que seria aceitável se, pelo menos, os atores dessem conta de anular esse problema. Mas com uma Beth (Christina Hendricks) mais egoísta do que nunca, ficou difícil de engolir. A protagonista conseguiu irritar não um ou dois, mas praticamente todos os outros personagens.

E Rio (Manny Montana), o badboy tão amado, perdeu um pouco de seu charme e poder. Em uma tentativa de humanizar mais o traficante, ele acabou se tornando um pouco sem graça. No meio dessa bagunça, o trio principal acaba por caminhar em diferentes sentidos, com uma finalização um tanto aberta para novas possibilidades, mas que vão existir apenas na imaginação dos telespectadores. – Mariana Chagas

Beastars (2ª temporada, Netflix)

Os animais antropomorfizados de Beastars estão de volta para fazer você se perguntar se não é realmente um furry. A segunda temporada da adaptação do mangá de Paru Itagaki volta com ainda mais dramas adolescentes e mistérios noir, junto com a animação em CGI característica do estúdio Orange. O aspecto 3D ajuda a capturar o escopo e os movimentos de seus personagens em lutas eletrizantes, assim como em cenas mais íntimas.

Enquanto o lobo Legoshi (Chikahiro Kobayashi) continua sua jornada para superar seus próprios instintos e tornar-se protetor dos herbívoros (e também poder passar tempo com sua namorada coelha), o veado Louis (Yuuki Ono) toma uma direção inesperada, tomando o controle de sua vida através de uma integração surpreendente com o mundo dos carnívoros. O anime continua adicionando diversos temas à sua narrativa, interpretando problemas humanos em uma sociedade animalesca em oposição inerente.

Alguns personagens secundários sofrem com o novo foco da série, especialmente os estudantes da escola Cherryton. Haru (Sayaka Senbongi) recebe poucos momentos para brilhar, e deixa saudades de sua narrativa na primeira temporada. É triste não ver tanto desses personagens, já que trabalho realizado com outros continua excepcional e, com a confirmação recente da produção de sua terceira temporada, Beastars termina seu segundo ano nos dando esperanças de que, apesar de difícil, um futuro melhor é possível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Eu Nunca… (Never Have I Ever, 2ª temporada, Netflix)

Foi quase criminoso o tempo que tivemos que esperar para descobrir se Devi Vishwakumar iria escolher o fofo-porém-egocêntrico Ben Gross ou o lindo-porém-esnobe Paxton Hall-Yoshida. De cara, o primeiro episódio da segunda temporada de Eu Nunca… já acabou com as dúvidas e carimbou a decisão mais Devi possível: por que não namorar… os dois? E foi aí que os problemas começaram.

Para quem amou e odiou a protagonista interpretada por Maitreyi Ramakrishnan no ano anterior, a boa notícia é que ela continua nos oferecendo as mesmas doses cavalares de vergonha alheia enquanto despeja um carisma tão grande que é impossível não simpatizar com as loucuras de sua vida. Devi ainda não sabe lidar com seu temperamento e seu luto segue ditando cada decisão que toma, mas a personagem vai se tornando mais consciente e aberta à mudanças conforme os episódios seguem seu ritmo.

Pérola adolescente da Netflix, Eu Nunca… explora perfeitamente seu elenco repleto de diversidade e talento. Paxton finalmente deixa de ser apenas um sex-appeal e ganha um episódio sensível para chamar de seu, enquanto Eleanor e Fabíola embarcam em suas jornadas amorosas opostas, cada uma articulada para levantar uma nova discussão dentro do panorama da série criada por Mindy Kaling. Depois de mais dez episódios, a conclusão é clara – sem espaço para #TeamBen ou #TeamPaxton; por aqui, somos #TeamDevi. – Caroline Campos

High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series, 2ª temporada, Disney+)

Após o sucesso estrondoso de Olivia Rodrigo ao redor do globo, e o burburinho de indiretas musicais com seu ex-namorado Joshua Bassett, a segunda temporada de High School Musical: A Série: O Musical era mais do que aguardada. Além da ansiedade em continuar acompanhando a produção que trouxe o gostinho da nostalgia para toda uma geração de Wildcats, a trama também teve como gancho final o destino incerto do relacionamento entre Nini e Ricky, interpretados respectivamente pelo casal já mencionado. Mas o clima tenso foi capaz de casar perfeitamente com a narrativa prevista, resultando em uma relação desgastante e num exagero de drama adolescente que supera até mesmo o dueto de Troy (Zac Efron) e Gabriela (Vanessa Hudgens) em Gotta Go My Own Way. 

Em paralelo ao romance em ruínas, o segundo ano da série segue o mesmo objetivo da realização de um musical, que se desvencilha completamente da proposta até então dependente da trilogia de filmes ambientada no colégio East High. Agora, o clube de teatro prepara uma adaptação de A Bela e a Fera, enquanto fornece um terreno propício para o desenvolvimento de narrativas de personagens secundários – e um milhão de vezes mais interessantes que o casal protagonista. Nisso, outros relacionamentos tomam os holofotes, como Carlos (Frankie A. Rodriguez) e Seb (Joe Serafini), que, mesmo na razoabilidade, manifestam uma importante discussão sobre suas identidades e a questão de serem o único casal gay da escola. Ashlyn (Julia Lester) forma uma dupla e tanto com Big Red (Larry Saperstein), recebendo a atenção que o seu talento merece e protagonizando uma importante narrativa sobre aceitação. 

Mas quem rouba o devido destaque na temporada é Gina (Sofia Wylie). A trama faz mais do que obrigação ao não deixar a dançarina presa ao papel de vilã levantado no ano anterior, erro imperdoável cometido com a brilhante Sharpay Evans (Ashley Tisdale) na obra original. Assim, em meio à superação de um romance frustrado, ela desenvolve uma grande amizade com E. J. (Matt Cornett) e até com Nini, abandonando narrativas fáceis de disputa feminina. Mesmo com o ambiente bem preparado para essas outras histórias,  High School Musical: A Série: O Musical deixa de explorar a trama principal da rivalidade com o colégio North High, ganhando um desfecho preguiçoso e que desmoraliza todo o trabalho realizado ao longo dos seus 12 episódios. Com poucas pontas soltas em seu encerramento, a despedida de Olivia Rodrigo é quase certa, em que sua personagem parece seguir seus passos da vida real e estar cada vez mais preparada para ganhar o mundo a fora com seu talento único. – Vitória Silva

Drag Race España (1ª temporada, ATRESplayer)  

Ninguém aguenta mais Drag Race, mas a gente continua assistindo mesmo assim. O reality atual com a maior capacidade de se reinventar andou explorando novos países e novas línguas nos últimos anos, e chegou a vez da Espanha mostrar o que há de melhor (e pior) por lá. No lugar de RuPaul, conhecemos Supremme de Luxe, uma mistura de Silvetty Montilla e Adriane Galisteu, que se mostrou a melhor apresentadora substituta da franquia até agora. A exausta Michelle Visage virou Ana Locking, que ainda tem muito a aprender; e a dupla robótica purpurinada Ross e Carson deu lugar para o casal de Javiers, Calvo e Ambrossi, criadores da imperdível minissérie Veneno. 

Não tem outra definição, Drag Race España é uma bagunça. Com uma energia direto dos programas brasileiros dos anos 90, a corrida das locas parecia produzida e editada no susto. A montagem era levemente caótica, e a edição final dos episódios não tentava esconder a equipe de primeira viagem no assunto Drag Race, seja na escolha da trilha sonora incomum ou nos cortes secos. Porém, para o espectador que conseguiu enxergar além dessas questões, vimos uma temporada estreante extremamente divertida e uma leva de queens memoráveis e talentosas. Aliás, diversão, essa, que parece cada vez mais podada na versão americana em prol da qualidade técnica, o que também se torna um problema.

Foi nessa bagunça que assistimos Pupi Poisson, uma palhaça de peruca, brilhar. Em primeiro momento, seus vestidos questionáveis fazem franzir a testa, mas sua personalidade compensa e nos lembra do lema original da arte drag: divertir quem assiste. E isso, Pupi faz com êxito. Inti serviu visuais impecáveis e discussões importantíssimas, que o programa deixou escapar de suas mãos quando não foi capaz de respeitar as referências culturais da queen quechua; Hugáceo Crujiente também foi incompreendida. Killer Queen lutou até o último segundo e conquistou sua posição no top 3, enquanto Sagittaria deslizou até o pódio repetindo sua estética copiada toda semana. Quem levou a melhor foi Carmen Farala, que agora senta no Olimpo de Drag Race como uma das melhores participantes (e vencedoras) da história do programa. – Jho Brunhara

O post Cineclube Persona – Julho de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.