Henrique Marinhos

Black Panther: The Album, trilha sonora de Pantera Negra, é composto por 14 faixas e foi produzido pela Top Dawg Entertainment, mesma gravadora de Kendrick Lamar. A obra se consolidou como um dos aspectos mais elogiados do filme lançado cinco anos atrás, apresentando uma fusão de influências africanas e afro-americanas que resulta em uma sonoridade autêntica e independente da produção audiovisual. 

O compositor Ludwig Göransson é quem assina a trilha e recebe seus prêmios, destacando como a música tradicional africana, o pop moderno e elementos orquestrais foram as fontes primárias de inspiração para as composições e para o projeto como um todo. Enriquecido também pela participação de artistas como Kendrick Lamar, SZA, Travis Scott e Anderson Paak.

O hip-hop do trabalho assume um papel proeminente no conjunto de faixas, assim como Lamar, o produtor e protagonista do disco. Ainda assim, felizmente, mantém espaço para a diversidade de gêneros que conversam entre si. Além do rap, há influências de R&B, soul e funk, mesmo que em frações do que poderia ser. All The Stars, destaque e single do álbum que marca a colaboração de Kendrick Lamar e SZA, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original e um processo por plágio.

A trilha sonora é habilmente utilizada em diversas cenas do filme, amplificando as emoções e criando uma atmosfera única para passagens específicas – o que estranhamente não se traduz em toda obra audiovisual. All The Stars acompanha uma luta no cassino em Busan, na Coreia do Sul, enquanto Pray for Me preenche o fundo na invasão de Wakanda por Killmonger (Michael B. Jordan). Black Panther: The Album intensifica as emoções no retorno de T’Challa (Chadwick Boseman) ao país após a morte de seu pai, mas, de certa forma, todas parecem desconexas de uma narrativa única.

Apesar disso, é notável que Lamar não apenas produziu a soundtrack, mas também se inspirou nos personagens e nas temáticas do longa. Em várias faixas, ele se personifica como T’Challa e Killmonger, protagonistas e rivais da trama, explorando suas visões de mundo, conflitos e motivações. Ao menos, é o que ele tenta, o que nem todos os artistas convidados aparentam fazer, como no verso de PARAMEDIC!: “Eu sou um assassino / Ninguém é perfeito / Mas todos tem seu valor / Nós não merecemos tudo que o céu e a Terra são”.

Mesmo  que haja predominância de vários artistas do continente africano, como da África do Sul e da Nigéria, por exemplo, a mistura de elementos tradicionais africanos com batidas modernas soam sempre mais afro-americanas e ocidentais que as originárias. Em contrapartida a minoria de nomes consagrados do rap e do R&B estadunidense, como 2 Chainz, Schoolboy Q, Vince Staples e The Weeknd.

Esse conjunto de fatores propõe a plena validade da discussão sobre autenticidade quando os Estados Unidos premiam a trilha sonora de um filme estadunidense sobre um herói africano criado por eles mesmos. O que reflete na predominância de seus elementos em detrimento dos africanos, que são fragmentados, seja por não serem tão cativantes ao público alvo ou até estereotipados, em tempo que boa parte das faixas poderia tranquilamente ser confundida com alguma de DAMN. 

Essa observação suscita questionamentos sobre a representação autêntica da cultura africana no Cinema, além de pontuar o quão intrigante é o destaque do personagem de Michael B. Jordan como o antagonista Wakandiano – criado nos EUA – em defesa de sua cultura originária. Isso acontece em oposição ao herói da realeza, que segue uma trama não tão complexa e habitual de valores e narrativas culturais americanizada, mesmo sequer tendo conhecido a fundo o país de primeiro mundo pelo qual luta.

Em suma, Black Panther: The Album é uma obra musical impressionante que combina influências africanas e afro-americanas, de forma agradável e se mostrando um álbum completo. No entanto, sua conexão com o filme e a representação da cultura no audiovisual levantam questões interessantes sobre autenticidade e identidade.

Toda a complexidade dos personagens personificados no conjunto musical, especialmente o antagonista interpretado por Jordan, destaca a dualidade entre as duas narrativas ideológicas. Mais uma vez, o disco consolida a reflexão, ainda que não proposital, de que a representação da cultura para além do entretenimento ainda tem um longo caminho a percorrer.

O post Os cinco anos de Black Panther: The Album e a narrativa sob o olhar norte-americano apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner

Das raízes do imperialismo inglês, a ocupação, exploração e opressão floresceram em uma árvore de tronco imponente. Neste cenário, a violência permitiu o sequestro da cultura de comunidades nativas, porém, incoerentemente, os frutos venenosos dos caules suculentos alimentaram a Revolta, Rebelião e Revolução indiana que colocou fim ao período conhecido como o “Raj Britânico” na primeira metade do século XX. 

Da luta pela independência, líderes se tornaram seres mitológicos para o povo e, em 2022, dois deles ganharam as telas do Cinema com RRR. O longa tollywoodiano dirigido por S. S. Rajamouli não somente surpreendeu pela leitura épica de um evento histórico, como também fez história ao emplacar a indicação de Melhor Canção Original no Oscar 2023, dádiva alcançada pelo feito de M.M Keeravaani e Chandrabose em colocar o colonialismo para dançar com a eletrizante Naatu Naatu.

Divididos entre dois mundos, os libertadores Komaram Bheem e Alluri Sitarama Raju, ainda que que tenham existido na mesma época, se encontraram pela primeira vez na ficção de V. Vijayendra Prasad. Através das interpretações vorazes de N. T. Rama Rao Jr. e Ram Charan, o roteiro mirabolante do diretor Rajamouli conseguiu unir duas figuras destoantes pelo mesmo propósito e, por incrível que pareça, as três horas que eles demoram para descobrir isso passam voando.

De um lado, um originário da floresta em busca de sua irmã sequestrada pelos membros do alto escalão britânico e, do outro, um indiano defendendo a farda do exército da Inglaterra. Bheem e Raju foram, respectivamente, como água e fogo, fazendo da união fantástica dos seus elementos em RRR algo que nem mesmo a ciência explicaria. Tamanha audácia refletiu também nos efeitos especiais de Prakash Kotha, nada preocupados com uma aparência realista, mas investidos na grandiosidade plástica.

Diferentemente da utopia de George Orwell, a revolução do longa não foi dos bichos, porém, eles participaram ativamente das cenas que arrancaram o fôlego do público e dos imperialistas. Entre lobos e tigres selvagens, o homem branco foi quem mais ansiou pelo sangue: Ray Stevenson e Alison Doody foram brutais o suficiente como o governador Scott Buxton e Catherine, a esposa fascinada pelo canto da menina Malli (Twinkle Sharma) a ponto de arrancá-la a força de sua mãe.

Dinâmica, a fotografia assinada por K.K. Senthil Kumar atingiu o ápice com o embate entre animal e humano, em especial, quando os colonizadores são devorados durante o belo banquete de uma festa aristocrática. Encarando a Arte como instrumento de Revolta, Rebelião e Revolução, toda a composição audiovisual da obra é sentida como uma ode aos movimentos de independência e ao próprio Cinema.

De fato, em entrevista à revista American Cinematographer, Senthil exprimiu o sentimento evocado por RRR: “Quando as pessoas vão assistir filmes, elas querem que as estrelas se pareçam com estrelas. Elas querem que o Cinema seja Cinema”. Em um ano marcado pelo retorno do grande público para filmes que não sejam blockbusters de super-heróis como Top Gun: Maverick e Avatar: O Caminho da Água, a produção indiana arrecadou uma das maiores bilheterias da Índia. 

Donas de parte fundamental da narrativa, as mulheres ditaram o ritmo da montagem de A. Sreekar Prasad com atuações esplêndidas. Se Twinkle Sharma transmitiu toda a angústia da menina Malli, longe de sua família e presa em um castelo, Olivia Morris deu o ar da graça como Jenny, a única pessoa com alma da família Buxton e interesse amoroso de Komaram Bheem. Personagem destacada, a noiva de Alluri Sitarama Raju, Sita, conduziu os minutos finais com a sensibilidade de Alia Bhatt.

Disponível na Netflix, RRR transita pelos diferentes gêneros. Em meio ao drama dos momentos de sofrimento, a ação das sequências de combate e a comédia das entregas pontuais de falas que beiram a sátira, nada se tornou tão característico do filme do que a trilha sonora adornada por coreografias. Por isso, tido principalmente como um musical, o conjunto da obra proporcionou que a sensação de contagia da luta pela independência de seus protagonistas ultrapassasse as telas.  

Deixando os seus heróis atirarem no final, a direção de S. S. Rajamouli construiu um rumo atraente para RRR que, após levar para a Índia um Globo de Ouro e arrematar uma indicação ao Oscar, já tem uma sequência confirmada. Ao som da premiada canção Naatu Naatu, a Revolta, Rebelião e Revolução fez o colonialismo dançar, tropeçando em seus próprios pés e provando do veneno que alimentou a sua derrota. 

O post RRR faz o colonialismo dançar ao som da Revolta, Rebelião e Revolução indiana apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner

36 anos após tirar o fôlego de uma geração inteira com Top Gun: Ases Indomáveis, Tom Cruise está de volta na direção dos aviões de caça, dessa vez, apontando o alvo da trama diretamente para si na pele do protagonista e dono de um dos codinomes mais conhecidos do Cinema, Maverick. A sequência do clássico coloca nas lentes de Joseph Kosinski a missão de dar continuidade ao legado do falecido diretor Tony Scott. Assim, com quase 1,5 bilhão de dólares arrecadados em bilheteria mundial e 6 indicações ao Oscar 2023, Top Gun: Maverick revive os tempos de glória do audiovisual e prova que ainda queremos voar com Cruise.

A fim de novamente “pilotar para a zona de perigo”, o longa se destaca na temporada como a principal ode a Hollywood. Isto mesmo, nem a crítica de Não! Não Olhe! (Jordan Peele) ou a extravagância de Babilônia (Damien Chazelle) conseguem tamanha glória. Incoerentemente, foi necessário alguns truques de enredo batidos, um romance barato, grandes efeitos visuais e um toque de propaganda militar para o público voltar a buscar o que Martin Scorsese classifica como a experiência cinematográfica de encher as salas e encarar as grandes telas. Isso, em meio a uma indústria dominada pelo avanço dos streamings, que se aproveitam do conforto do sofá de casa. 

Em uma inversão de papéis, Pete ‘Maverick’ Mitchell passa de um aluno da escola naval Top Gun apaixonado por sua instrutora para o comandante de uma missão quase impossível. Habituado a altas pressões, ele se vê frente a uma classe de pilotos diversificada. Porém, é a presença do filho de Goose, seu melhor amigo morto durante uma simulação de combate, que cria o conflito interno de Mav. Teimoso como o pai, Bradley ‘Rooster’ Bradshaw é o coadjuvante que perfeitamente auxilia a jornada do herói graças a atuação de Miles Teller, responsável pelas cenas mais emocionantes da obra.

Fato é que Top Gun: Maverick chegou para esgotar a saudade de quem clamava por uma obra sem medo de ser o que é. Com direito a todos os aspectos que caracterizam o gênero de ação, os minutos iniciais simulam a série de créditos da primeira versão e deixam um sentimento de nostalgia tão forte que faz o público questionar se a sessão está certa ou se, por obra do divino, foram transportados para os anos 80; época em que o filme arrebatou 4 indicações ao Oscar e levou para casa a estatueta dourada de Melhor Canção Original pela melodia atemporal de Take My Breath Away, entoada pela vocalista Terri Nunn da banda Berlin.

A diferença essencial entre o primeiro e segundo filme reside na representatividade. Aqui, incorporada pela atriz Monica Barbaro, escalada para viver a pilota pioneira Natasha ‘Phoenix’ Trace. Este ano, a nova estruturação que traz sentido para a aventura pôde ser indicada à categoria de Melhor Roteiro Adaptado, por se tratar da sequência de uma produção já existente. Notável, a escrita de Ehren Kruger, Justin Marks e Christopher McQuarrie se une à história precisa de Eric Warren Singer e Peter Craig, mas alcançando poucas chances junto as outras nomeadas: Living, Glass Onion: um Mistério Knives Out, Nada de Novo no Front e Entre Mulheres.

Indicada a Melhor Canção Original, a belíssima Hold My Hand, de Lady Gaga, toca com esplendor para finalizar a trama. Por isso, a vitória não é óbvia e a concorrência vem forte, com faixas como Lift Me Up, do blockbuster Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, e Naatu Naatu, do longa indiano RRR (Revolta, Rebelião, Revolução). Já em Melhor Som, Al Nelson é magnífico e se coloca entre os títulos Elvis, Nada de Novo no Front, Batman e Avatar: O Caminho da Água. Entretanto, nada marcou tanto quanto OneRepublic com I Ain’t Worried, trilha sonora da partida de futebol americano na praia que viralizou nas redes sociais.  

O loiro antagonista da vez é Jake ‘Hangman’ Seresin que, através das expressões de Glen Powell, replica o frenesi causado por Val Kilmer como o rival de Maverick, Tom ‘Iceman’ Kazansky. Powell traz para a sua interpretação as características centrais do papel, tornando a sua presença não menos tocante que o reencontro entre Kilmer e Tom Cruise. O ator da primeira exibição do clássico teve a sua voz recriada por inteligência artificial devido às consequências da luta contra um câncer de garganta, e agora assume os postos de almirante e conselheiro de Mav nas horas vagas. 

No entanto, nem só de galãs vive Top Gun: Maverick. A fotografia, surpreendentemente esnobada pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, também é irresistível. Assinada por Claudio Miranda, a composição visual é deslumbrante e acaba com a ambiguidade da ambientação construída pelo roteiro com o intuito de suavizar abordagens políticas. Afinal, se a escrita borra as margens, a imagem não deixa dúvida de qual é o país extremamente gelado que a marinha dos Estados Unidos tenta a todo custo derrotar. 

Parte fundamental do trabalho de Miranda reflete no editor Eddie Hamilton, peça essencial para a formação da sensação de grandiosidade que o longa transmite. Por isso, ele enfrenta Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Tár na corrida pelo Oscar de Melhor Montagem. Igualmente capazes de abrir a boca do espectador, os profissionais criativos Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson e Scott R. Fisher reúnem toda a magia da tecnologia para competirem ao lado de Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Batman e Pantera Negra: Wakanda Para Sempre por Melhores Efeitos Visuais. 

Os anos passam, os tempos mudam, a diversidade chega e, mesmo assim, o público-alvo do filme permanece intacto. A verdade é que ninguém nunca se identificará tanto com Pete ‘Maverick’ Mitchell quanto aqueles meninos estadunidenses que parecem ter saído direto de um comercial de margarina. Mas, eternizado como um clássico, o longa obviamente possui diferentes aspectos que atraem as demais audiências. Seja pela representação de valores morais, pela nostalgia ou pelo próprio Tom Cruise trajado como um herói tão ideológico quanto o Super-Homem, toda geração merece assistir a sua versão de Top Gun. 

Ponto no mínimo questionável da produção é a troca da atriz que se relaciona com o protagonista. Kelly McGillis foi a astrofísica Charlie Blackwood em 1986 e não retorna para o papel. Pelo contrário, é substituída pela bartender Penny Benjamin, que embala o público, movido pelo saudosismo, na falta de algo que eternize o enlace com a personagem interpretada por Jennifer Connelly, 13 e 8 anos mais nova que McGillis e Tom Cruise, respectivamente. Em entrevista para o Entertainment Tonight, a loira que tirou o chão de Maverick explicou o motivo pelo o que acredita não ter sido convidada para a sequência: “Eles não entraram em contato comigo, e nem achei que iriam. Eu estou velha, estou gorda, e tenho uma aparência apropriada para a minha idade.” 

Provando que ainda queremos voar com Tom Cruise, a sequência faz o seu nome na categoria de Melhor Filme, na qual compete com Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, Os Fabelmans, Tár, Triângulo da Tristeza e Entre Mulheres. Com ambição e grandiosidade, o diretor Joseph Kosinski ficou de fora das indicações ao Oscar de Melhor Direção, contudo, o seu maior desafio se transformou em realidade; as qualidades do clássico de Tony Scott se repetem e alçam novos ares em Top Gun: Maverick.

O post Top Gun: Maverick prova que ainda queremos voar com Tom Cruise apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Veiga

Solidão. Substantivo feminino. Estado de quem está só, retirado do mundo ou de quem se sente desta forma mesmo estando rodeado por outras pessoas; isolamento. Solitude. Substantivo feminino. Condição de quem se isola propositalmente ou está em um momento de reflexão e de interiorização. Popularmente usada em oposição à solidão para indicar que estar sozinho não implica obrigatoriamente estar em sofrimento. Associada à alegria de estar sozinho.

Se tudo é algo, então nada é algo. A relação entre preenchimento e vazio sempre bailou mais junta do que se imagina. Por mais que esses dois extremos estejam bastante próximos, a jornada para percepção dessa curta distância é bem trabalhosa. É essa via-crúcis que Na Natureza Selvagem (2007), filme que completa quinze anos em 19 de Outubro de 2022, busca percorrer.

Baseado na obra homônima de Jon Krakauer, que vem virando um queridinho dos roteiristas de Hollywood, o longa acompanha a verdadeira história da “morte” – social, por assim dizer – de Christopher McCandless, e o “nascimento e vida” de Alexander Supertramp. Na trama e na vida real, Chris largou sua vida promissora de jovem prodígio para buscar a completude no meio do nada. Aqui, Sean Penn, em sua espaçada carreira de diretor, dirige uma de suas melhores obras cinematográficas, garantindo duas indicações no Oscar de 2008, além do Prêmio do Público de Melhor Longa Estrangeiro de Ficção na 31ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, em 2007.

Henry Thoreau, um dos intelectuais que serve de estopim para o roteiro e referenciado diretamente ao longo da obra, defende o abandono das ilusões de uma vida repleta de coisas supérfluas para, daí sim, sabermos o que realmente é essencial. Seguindo radicalmente esse conceito, Supertramp enxerga a própria existência em sociedade como banal, e, assim como em Walden (1854), um dos livros mais célebres de Thoreau, busca a contemplação de sua vida rasgando o contrato social de John Locke, a fim de viver livremente sua própria natureza.

Mas seria muito simplista dizer que Into the Wild é apenas uma nova roupagem desse conceito. Abraçando o gênero de road movie, a obra, além da trajetória “do ponto a ao ponto b”, convida o espectador a embarcar em uma viagem reflexiva sobre o quanto estamos enraizados em nossas próprias ideias de sociedade. Isso começa com a percepção que temos de Supertramp no início, sendo muito fácil identificá-lo como um egoísta dissimulado – mesmo que, em partes, ele seja. Porém, nós e o próprio Supertramp estamos tão imersos nos ritos sociais que não é possível enxergá-lo como um desprezível desvio dessa constante, mas sim como um erro grotesco, que não se encaixa no padrão.

Isso é muito bem colocado pelo roteiro no momento da construção do personagem de McCandless. Por ser adaptado de um livro que narra fatos, é esperado que a escrita tenha maior liberdade poética, tornando-se algo perceptível a partir do “nascimento” de Supertramp. Claro que a jornada até o Alasca é o pano de fundo, mas a história – que além da direção, tem o roteiro assinado por Sean Penn – usa da jornada do andarilho para traçar um estudo sobre a inserção (ou não) do indivíduo no mundo contemporâneo, e faz isso de forma muito tocante.

O Cinema, historicamente, aborda a solidão e a solitude. Claro que a solidão é muito mais prática de ser transmitida, devido a sua familiaridade e violência de impacto. Podemos tirar ótimos exemplos das telas, como Taxi Driver (1976), Amores Expressos (1994) e Her (2013). Já com a solitude, o trabalho é mais minucioso, pois é um conceito embaralhado dentro de nós mesmos. Ainda assim, é possível traçar paralelos, como a simples ida ao cinema em Cinema Paradiso (1988) ou o azar de ser esquecido em outro planeta em Perdido em Marte (2015).

“Para chamar cada coisa pelo seu devido nome

 pelo seu devido nome”

E é aí que está o valor de Na Natureza Selvagem: ele não é um ótimo expoente de uma dessas vertentes, mas sim das duas ao mesmo tempo, e consegue destrinchar os meandros desse nebuloso meio termo. McCandless pensa que é descolado da sociedade que o cerca, mas não. Desde a burocracia para ser reconhecido como pessoa até os momentos que ele exala euforia ao estar completamente isolado e, por conta do seu inconsciente, grita para ser ouvido por ninguém; é nesse lugar que mora a linha tênue entre solidão e solitude.

Porém, é inegável que a solitude de Supertramp preenche toda a obra de cabo a rabo, graças à primorosa atuação de Emile Hirsch (Speed Racer, Os Reis de Dogtown). Por isso, a escrita é muito inteligente ao explorar a solidão e suas infinitas formas de dor através dos personagens secundários, com as também brilhantes atuações de, entre outros, Vince Vaughn (Os Estagiários), Kristen Stewart pré-Crepúsculo, William Hurt (O Beijo da Mulher Aranha) e a tocante relação com Hal Holbrook (Todos os Homens do Presidente) no papel de Ron Franz.

Mais do que um filme sobre a auto-descoberta, Na Natureza Selvagem esconde a discussão sobre o auto-perdão e como este é importante para tal descoberta. Cada pessoa com quem Supertramp cruza, até o memorável ônibus 142, desperta esse sentimento no protagonista, em diferentes aspectos, como relacionamento, trabalho, traumas e amor familiar. A produção peca um pouco ao escancarar tanto essa virada de chave que McCandless dá nos outros personagens – salvo alguns momentos que isso é benéfico, como no diálogo com Ron -, deixando a mudança de percepção de Supertramp cozinhando na subjetividade para conseguir encaixá-la no excelente final da obra.

Direção e roteiros afiados, ou um elenco impecável, não são capazes de garantir a sustentação de uma boa obra. É nessa hora que brilham alguns aspectos técnicos do longa, a começar pela sua fotografia. Embora Sean Penn tenha trazido um caráter contemplativo e carregado de filosofia para o texto, foi com Eric Gautier, experiente com road movies pela jornada de Che Guevara em Diários de Motocicleta (2004), que a escrita conseguiu ser traduzida para o gênero. A mudança entre os planos abertos nas locações, que transmitem um Estados Unidos diferente do habitual, e os planos extremamente fechados nas personas, quase que uma quebra da quarta parede simulada, mostram a ambiguidade que a história carrega.

Outro aspecto é a brilhante contribuição de Eddie Vedder para a trilha sonora do longa, que por si só merecia um texto à parte. Mesmo indo totalmente ao oposto do que apresenta no Pearl Jam, com o icônico dedilhado do violão, que mesmo sem assistir a obra é provável que você conheça, Vedder entrega uma das obras mais singelas e concisas de toda sua discografia. As músicas conversam totalmente com a ideia do filme e amplificam a mensagem da produção. A trilha, digna de Oscar, não garfou o careca dourado e levou somente o Globo de Ouro de Melhor Canção Original daquele ano para as mãos de Vedder.

O longa é muito consciente ao enriquecer filosoficamente a história de Supertramp, sem correr o perigo de ser o principal difusor da imprudente decisão do andarilho. Claro que ele, de certa forma, espalha essa ideia; é inevitável, e com a obra tornando o ato algo mais mainstream, pessoas se inspiraram a partir dele. A questão é que o filme tem muito mais material além disso, e o problema está longe de residir no conteúdo da mensagem, mas sim em como ele é recepcionado pelos diferentes tipos de público.

Aos 15 anos, ao assistir pela primeira vez, Na Natureza Selvagem se tornou um dos meus favoritos, pois as concepções sobre a mensagem chegavam em alguém tão idealista e dissimulado quanto Supertramp. Revendo a obra, 15 anos depois de seu lançamento, tal visão mudou, pela única razão de que a ótica da vida também mudou. Nietzsche, outro autor que o longa chega a citar, tinha o conceito de amor fati, amor ao fado (destino), ao pé da letra, cujo significado é aceitar as coisas que chegam até sua efêmera vida – o final já está decretado. E se parte da jornada é o fim, apenas aproveitar a vista seria muito clichê, então, por que não adaptar o olhar para saber quando contemplá-la, nos mais diferentes sentidos da palavra contemplar? Por que não identificar e chamar cada coisa pelo seu devido nome?

O post 15 anos de Na Natureza Selvagem: a felicidade compartilhada com a totalidade do nada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitor Evangelista

Na Colômbia, uma família mágica vive de forma próspera, ajudando a comunidade que a cerca e mantendo a infraestrutura do local em perfeito funcionamento. Tudo muda, porém, quando a única neta sem poderes se encontra em uma sinuca de bico: se não remendar os buracos internos da fundação, todo o alicerce desabará. O principal obstáculo, obviamente, se encontra próximo demais do coração, na figura de uma Abuela impassível e imperturbável. Nasce assim Encanto, 60º filme da Disney, nada envergonhado em enfrentar o trauma geracional. 

Não é segredo para ninguém que o setor de animações da Disney é expert em criar histórias envolventes, chamativas e terrivelmente identificáveis. Após a retomada dos contos de princesas, ao lado da sagacidade de Rapunzel em Enrolados, a empresa tem investido para além do maniqueísmo. Se em Frozen, Elsa e Anna precisam passar por cima de Hans, o grande vilão daquela história parece ser muito mais o monstro que habita a mente da loura gélida, e não apenas o cavaleiro em armadura brilhante.

O mesmo vale para a aventureira Moana, personagem que não se acanha frente aos temores de uma deusa de lava que outrora já atendeu por Mãe Natureza, porém só ascende ao título de vitoriosa quando entende que será necessário repensar toda sua conduta. Zootopia foge dos contos de fadas, mas desmascara a desigualdade sendo o grande capataz da paz e da prosperidade. Assim como Raya e o Último Dragão, longa que divide a categoria de Melhor Animação com Encanto no Oscar 2022, e se constrói mais na ideia da desinformação como mal do mundo do que qualquer outra coisa.

Também não é surpresa que com Encanto, primeiro filme ambientado em uma arejada e arbórea América do Sul, a casa do Mickey tenha decidido turbinar sua aparentemente simplória trama com requintes da dualidade que domina o Cinema nessa virada de século. De cara, conhecemos a simpática Mirabel (Stephanie Beatriz), uma jovem com sede de ajudar a família Madrigal, composta por indivíduos extraordinários, todos abençoados com dons provenientes de uma vela mágica que salvou a vida da avó anos atrás. 

A primeira problemática é que Mirabel, diferente de sua mãe, seus tios, irmãs e primos, não recebeu presente divino nenhum. Pelo contrário, quando completou a idade padrão para a cerimônia, a chama que queima a mágica da casa não hesitou em negar Mirabel à porta que lhe daria, além de um quarto irado, a possibilidade de se provar à Abuela Alma (María Cecilia Botero) e aos demais que vivem junto dela. Com esse fardo nas costas, a protagonista de Encanto já inicia sua jornada com um pesar gigantesco no peito, e uma espécie de bolor encardido que, não importa quantas esfregadas de sabão leve, insiste em continuar ali.

Mas não se acanhe, Encanto não tem nada de lúgubre ou baixo astral. Tanto é que o prólogo musical, ao som da vibrante The Family Madrigal, faz questão de nos apresentar a cada um dos rostinhos da vez. Da avó estátua-viva ao atrevido primo Camilo, à bondosa mãe Julieta, ao desastrado pai Agustín (Wilmer Valderrama) e ao misterioso tio Brun… Não! Não falamos do Bruno! (Pelo menos, ainda não). Comandada pela dicção atropelada e quase impossível de entender sem uso das legendas de Mirabel, a canção que abre Encanto dá o tom da empreitada.

A periculosidade de pisar fora das linhas delimitadas e desapontar a família ronda a personagem, e o ápice desse sentimento ruim acontece na cerimônia de iniciação do pequeno Antonio, o Madrigal caçula. Afoito e ligado à prima, o filho mais novo de Pepa (Carolina Gaitán) e Félix (Mauro Castillo) acaba com o dom de falar com os animais, mas ao passo que a casa toda vibra em celebração da continuidade do encanto, Mirabel sobe e desce as escadas, pedindo aos céus e à vela um milagre. Nesse momento, Stephanie Beatriz mostra a que veio e solta a amargura e a pitada de inveja dormente que a garota cultiva em Waiting on a Miracle, que como boa balada para chorar as pitangas, serve de catalisadora para a jornada da heroína de Mirabel pelo filme. 

Entre as lamentações, ela nota rachaduras na fundação da Casita (uma versão mágica, em terapia e medicada da Casa Monstro). O terror, que antes era sinônimo de monstros e de rocas de fiar, agora se materializa na literal demolição de tudo que foi construído no passado. O medo do hoje é pior que o de ontem, pois vilões podem ser derrotados com espadas cintilantes e poções cozidas, mas a falta de uma casa não pode ser combatida com super poderes. 

De onde vem esse medo de perder o lar, se não de dentro de si? Como sutilmente nos apresenta entre o número de abertura e o comportamento dos coadjuvantes, o filme da Disney concentra sua figura antagônica na Abuela. Ela não é propriamente uma vilã, mas nessa era dúbia e cinza das aventuras animadas, a idosa serve como antítese ao que Mirabel crê como correto e justo. O trauma geracional, passado como uma canção de ninar por essa família, é co-protagonista da história. 

Em Julieta (Angie Cepeda), encontramos a proatividade de sempre estar a postos e acudir qualquer um que precise de ajuda. Em Pepa está a força da natureza em metamorfose: emotiva, a mulher enfrenta tempestades e nevascas para ter seus sentimentos validados. À maneira como criou seus filhos, sem pai e sem o auxílio de ninguém, Abuela traumatizou e implantou sensações de sabotagem, pavor e desonra frente a qualquer mínimo erro ou confusão.

E, sendo parte fundamental da infância dos netos, o mesmo se repetiu. Isabela (Diane Guerrero) repele qualquer ação fora do comum, Luisa (Jessica Darrow) precisa da validação contínua, Dolores (Adassa) escuta todo mundo mas ninguém a ouve de verdade, Camilo (Rhenzy Feliz) muda tanto de forma que mal reconhece a seu eu verdadeiro no espelho, e Antonio (Ravi Cabot-Conyers), o mais sortudo do bando, provavelmente não precisará encontrar em seu dom uma maldição interna, já que o filme trata de sanar, pelo menos por ora, a passagem constante de abalo emocional.

Claro que muitas dessas suposições são exatamente isso, ideias germinadas ou sugeridas pelo texto de Charise Castro Smith, Jared Bush, Byron Howard, Jason Hand, Nancy Kruse e Lin-Manuel Miranda, mas que não se encarregam de tomar forma, com ação, reação e consequência. O charme de Encanto, talvez até mesmo o grande e valoroso dom do filme, seja a economia: instigar a curiosidade quanto às motivações de personagens coadjuvantes, suscitar pequenas discussões e focar no plano maior, o que envolve o tio, a avó e a neta. 

No momento em que tudo da cultura pop é potencializado à enésima vez, as ambições de Encanto são, por incrível que pareça, mundanas. Com os X-Men latinos da Disney em mãos, o foco foi mínimo nos poderes. O enfoque é a história, é o seguimento dos atos que resultam no coro de All Of You. Por enquanto, tirar o leite das habilidades de Pepa, Julieta ou Camilo não é prioridade. Mas, se tratando da empresa que deu sinal verde a uma série focada no Gastón, podemos esperar mudanças nebulosas no futuro.

Quando o assunto é Oscar, Encanto chegou com força de campeão. Além de figurar em uma lista de Melhor Animação com três quintos de representantes da Disney, o filme atravessou a barreira do formato e se firmou na disputa de Melhor Trilha Sonora Original, com créditos à compositora Germaine Franco, primeira latina a disputar o prêmio e primeira mulher a compor canções para um filme do estúdio. Quando desafiada a encontrar a Música que moveria a trama, ela relata que buscou “o som do realismo mágico”. 

Indo em total concordância ao tema do filme, é realmente notável a construção de mundo aqui. Partindo do barulho emitido pelos pisos e telhas de uma Casita em constante estado de euforia até o bater das asas de uma borboleta recém-nascida e o farfalhar de mãos de ratos maquiavélicos, o ecossistema de Encanto respira o ar livre da Colômbia e o transmite com eficácia a quem assiste atônito as cores e as flores. Em What Else Can I Do?, epítome narrativo de Isabela, a tela fica pequena para o campo áureo e afrodisíaco produzido pelos impulsos da garota.

A ambiguidade de “Que Mais Vou Fazer?”, que pende para o lado do mistério para o futuro (uma contemplação e dúvida do que o amanhã guarda para si e seus poderes) e também para uma aceitação do âmbito atual (afinal, não há nada mais a ser feito além do que já foi), a canção de Diane Guerrero se presta a libertar, de uma vez por todas, a filha dos sonhos de uma prisão de expectativas e deveres. Ela não quer casar com o Mariano, por mais aveludada que a voz de Maluma possa soar. Nem mesmo continuar a florescer flores rosas com detalhes em amarelo.

Mais cedo, no almoço que pretende selar o destino de Isabela, ela, com medo e receio do que virá por aí, produz uma única flor branca. Um broto invisível e logo descartado pela Abuela, em mais uma das sutilezas de Encanto. Mais tarde, ao lado de uma Mirabel com avidez em resolver os problemas da família, Isa não hesita em se lambuzar nas imperfeições. Mais suja do que universitária em festa da atlética, a menina abraça a imprevisibilidade do que poderá cultivar.

E o medo de sair dos padrões acaba afetando todos ao redor da avó. Na música de Luisa, Surface Pressure, a irmã forte chega a tremer de medo e nervoso, apenas considerando a hipotética possibilidade de não ser boa ou forte o suficiente. Tudo isso enquanto carrega uma porção de burros e luta contra o cachorro que guarda o Inferno e o iceberg que afundou o Titanic. 

Para os Madrigal, é mais fácil descer a lenha em vilões de Cinema do que questionar a Abuela e pedir que ela não seja tão autoritária quanto o é. A sabedoria do filme, que em momento algum se esquece do seu rótulo da Disney, é salpicar esses momentos de emoção bruta com humor: está mentindo quem não esboçou um risinho com Luisa dançando coreografias mirabolantes ao lado dos burros que leva nas costas. 

A Música de Encanto, partindo das composições originais de Germaine Franco até as canetadas precisas de Lin-Manuel Miranda, é o que torna o filme vivo em sua plateia. Embora a disputa no Oscar conte com a melancólica Dos Oroguitas, canção em espanhol que nos apresenta a visão de Abuela da tragédia que acendeu a vela do encanto, quem estourou nas paradas foi We Don’t Talk About Bruno. O ocorrido foi o seguinte: com data marcada para chegar às salas em novembro do ano passado, período em que as variantes castigavam os cinemas, a equipe criativa do filme decidiu campanhar em cima da balada das lagartas, uma aposta segura quando o assunto é reconhecimento.

Alguns anos atrás, notas semelhantes eram entoadas na vencedora do Oscar Remember Me, de Viva: A Vida é uma Festa (e quem leu o nome dos vencedores, foi, por acaso, Miranda). O inesperado veio na forma ascendente do TikTok, e seus desafios virais com o coral de Encanto. Da noite para o dia, todos estavam indo contra os Madrigal e explicitamente falando sobre o tio Bruno (John Leguizamo). Afinal, depois de anos trancados em casa, distantes da família e dos amigos, o mundo precisava de um ritmo envolvente, criativo e que simbolizasse com afinco a força dos musicais. 

Quando um grupo se reveza entre os versos de Mirabel, Pepa, Dolores e Camilo, é criado um sentimento de pertencimento, uma sensação de vínculo que só uma arte em pulsação como a Música pode oferecer. Não falamos do Bruno, não, não, não… A não ser que seja na forma da canção que quebrou recordes históricos, reviveu a Disney nas paradas de sucesso, onde o último triunfo havia vindo na forma de uma poderosa Let It Go. Claro que, com as redes sociais e uma pandemia a seu favor, Bruno foi muito afortunado pelas condições de seu lançamento e repercussão. Mas, mesmo assim, não é o bastante para ganhar o Oscar (uma performance ao vivo, no entanto, já está confirmadíssima).

Tanto pela força de Billie Eilish cantando sobre tempo perdido em timbre de 007, quanto pelo protagonismo de Dos Oroguitas. Mas Miranda, o compositor, diretor, roteirista, criador e artista mais influente dos últimos ciclos, não vê demérito nenhum nisso. Ele acredita que a balada expressa com verdade a mística de Encanto, e sente orgulho da única composição que realizou em sua língua materna. O nova-iorquino tem experienciado uma avalanche de aclamação e prestígio, partindo do arrasa-quarteirões Hamilton (que lhe rendeu 3 letras do EGOT), e agora, depois do envolvimento em Em Um Bairro de Nova York, Vivo e tick, tick… BOOM!, chega ao Oscar 2022 sob a bandeira dos Madrigal.

Guiada pela voz de Sebastián Yatra, ator que interpreta o avô Pedro, Mirabel enfim reconhece os sacrifícios da Abuela, uma mulher muito machucada pela vida. Na sequência, vemos Alma e o marido se conhecendo, se apaixonando e contentes da vida com a gravidez de trigêmeos. A tragédia a seguir muito provavelmente faz referência à Guerra dos Mil Dias, conflito civil armado que tomou parte entre 1899 e 1902, causando a morte de muitos cidadãos da Colômbia, e dando aos sobreviventes o status de refugiados. Preocupação da Disney nascida em Mulan e Tarzan, a inserção de elementos culturais que moldaram uma civilização se seguiu com Moana e agora atravessa Encanto com a voracidade necessária para que a cristalização de uma Abuela impenetrável e ímpia soe condizente com sua história de origem. 

De fato, os paralelos são claros entre a cena de abertura, quando o filme apresenta o conceito e os primórdios do encanto, com a revelação crua do assassinato de Pedro e o sofrimento de Abuela Alma. Se no começo assistimos a avó chorar comedida, no final ela desaba e aceita a força do luto e da grande desgraça que foi obrigada a viver. Apenas ao lado de uma igualmente confiante e temerosa Mirabel, a idosa aceita que o trauma que a gerou acabou sendo injustamente transmitido em forma de condição genética aos seus descendentes. Como boa protagonista moderna que é, Mirabel Madrigal não se detém a impactar uma única jornada pessoal, se debruçando sobre uma revolução em micro. Graças a ela, todos os familiares mudaram. 

“O milagre não é alguma mágica que você tem, o milagre é você”, canta o coro que finaliza Encanto. Foram necessários traumas, rachaduras, um terremoto interno e outro externo. Foram precisos fugas, mentiras e perdão. No fim, o encanto não era a super força, as flores mágicas ou a nuvem acima da cabeça: Abuela entende seu novo papel, Mirabel aprecia seu dom, Bruno é recolhido e acolhido pela família. 

Quando ressurge, o tio é recebido com os olhares assustados e satisfeitos das irmãs Julieta e Pepa, que o abraçam como se ele nunca tivesse sumido. Embargada, a avó canta para sua amada família, mas também para a civilização que os acolhe, como Bruno acabou de ser acolhido. Ciclos precisavam ser partidos e despedaçados, o vidente previu e fez disso sua sina de prisioneiro. Dito e feito, para resolver esse pepino, Mirabel resgatou a esperança dessa Colômbia realisticamente mágica, convidativa, relacionável e sedutora de tão multifacetada. 

O post O dom de Encanto é a economia apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Veiga

Sem tempo para morrer, e com menos tempo ainda para estrear. Inicialmente planejado para vir ao mundo no longínquo último ano normal da terra, 2019, pelas mãos de Danny Boyle (Trainspotting, Quem Quer Ser um Milionário?), o último capítulo da era Craig sofreu de inúmeros adiamentos. Primeiro, Boyle abandonou o projeto por diferenças criativas e Cary Joji Fukunaga (Beasts of No Nation, True Detective) assumiu o longa, fazendo com que ele fosse jogado para 2020, e azaradamente fosse o primeiro a puxar a fila de adiamentos por conta da pandemia de covid-19. Isso fez com que o filme só conhecesse as salas de cinema em setembro de 2021, 6 anos depois do capítulo anterior, maior intervalo de tempo entre filmes do agente desde 007 contra GoldenEye.

Naturalmente em Hollywood, muitos adiamentos são um sinal de mal presságio, um exemplo recente é o terror (literalmente) que a Fox — em seu último projeto pré-venda — fez com Os Novos Mutantes. Sem Tempo Para Morrer felizmente não sofre dessa maldição, e isso se dá pela própria natureza da franquia Bond ao longo das décadas. Sinônimo de realeza, os filmes são recheados de pragmatismo e distinção, sem pressas ou sem correr riscos, assim como a corte britânica. E isso, com perdão do trocadilho, garantiu um comportamento espectral entre as obras, e nos longas de Daniel Craig isso fica bem mais nítido, onde os altos e baixos são visíveis e intercalados. E seguindo a ordem natural dessa curva, após o excelente 007 – Operação Skyfall e o nem tão excelente 007 – Contra Spectre, nada mais justo que se despedir de Daniel Craig em alta.

Se provando a Meryl Streep da categoria — além das já esperadas indicações ao BAFTA — Sem Tempo Para Morrer conseguiu sua cadeira cativa no Oscar mais uma vez com a indicação em Melhor Canção Original por No Time to Die, performada por outra queridinha das premiações, Billie Eilish (e composta, como sempre, em parceria com o irmão Finneas O’Connell). A faixa talvez seja uma das melhores dessa safra, perdendo somente para Skyfall na voz de Adele, e, se seguir o mesmo caminho dos títulos anteriores, certamente levará o careca dourado para casa. O longa também foi indicado na categoria Melhor Som e na de Melhores Efeitos Visuais, na qual o páreo é um pouco mais duro, e, se a tão pedida categoria de dublês saísse do papel, certamente seria o franco favorito.

Os 163 minutos de duração podem assustar no começo, porém, o longa entrega uma típica aventura episódica de James Bond e as mais de 2 horas e quarenta passam despercebidas em um filme que te prende do começo ao fim com sequências impecáveis de ação. A obra é uma ode ao legado tanto de Bond quanto de Craig, lotado de piadas internas para fãs e referências, como por exemplo, Bond se aposentar e ir para a Jamaica, local onde Ian Fleming escreveu os primeiros contos do agente. Porém, filmes de longa duração naturalmente evocam a reclamação de que se poderia tirar “uns 30 minutos” sem comprometer a obra, e nesse caso, tal protesto é válido. Fica nítido as barrigadas que o roteiro dá para preencher a obra e adiar a despedida.

Aliás, a despedida e a quase certa renovação da franquia se mostram necessárias aqui, pois é onde o desgaste da marca em seu processo de produção começa a ficar mais evidente. Os roteiristas, à frente das histórias desde 1999, mostram que não têm o mesmo tato para conduzir a narrativa, razão pela qual Phoebe Waller-Bridge (Fleabag) foi escalada, pelo próprio Craig, para revisar o texto. Sem conseguir arrumar a bagunça que eles mesmos fizeram em Spectre, a escrita se perde ao explicar a organização e suas consequências nesse filme, uma prova é o descaso que o texto tem com Blofeld (Christopher Waltz), praticamente jogando o personagem no lixo.

Outro exemplo é o vilão principal Safin, vendido como um dos mais inteligentes do universo Bond, e até tem uma construção interessante com a cena inicial de tirar o fôlego, mas no fim, é só um lunático que parece ser fã do Dr. No, ficando muito abaixo do excelente Silva de Javier Bardem em Skyfall e até mesmo de Blofeld, que também tinha sido maltratado pelo roteiro. A única coisa boa que esse vilão traz é a prova de que a estatueta para Rami Malek (Mr. Robot, Bohemian Rhapsody) em 2019 foi um dos maiores devaneios recentes da Academia. Aqui, entre suas forçadas de sotaque, ele constrói um antagonista extremamente caricato que não combina com esse Bond. Mais uma que deixa a desejar é a Madeleine Swann de Léa Seydoux, que desenvolve uma performance muito sem sal. Para efeito de comparação, em A Crônica Francesa, lançado no mesmo ano, ela se entrega muito mais, mesmo tendo menos espaço e fala, porém apoiada pela força do texto e da direção. Curiosamente, os dois piores personagens são os que mais o roteiro explora.

Porém, a escrita tem seus méritos e eles precisam ser lembrados. Alguns personagens são bem inseridos e funcionam bem na história, começando pelo próprio Bond. Aqui, o texto enfoca o lado humano do agente e o constrói através de bastante sentimentalismo, fazendo com que nesse filme ele esteja menos Bond e mais Craig, decepcionando alguns e conquistando outros. A nova 007, Lashana Lynch (que venceu a categoria popular de Estrela em Ascenção no BAFTA), mostrou lidar bem com o papel e desenvolveu uma ótima química com Bond, preenchendo em alguns momentos — e de forma diferente da convencional — a lacuna de uma bond girl não estabelecida na obra. Se não fosse pela pressão injusta que sofreu, Lashana seria uma 007 muito promissora. Por último e não menos importante, é válido o destaque para Ana de Armas, que aqui repete o trabalho ao lado de Daniel Craig depois de Entre Facas e Segredos. Mesmo com pouco tempo de tela comparado com a duração (um verdadeiro pecado) sua personagem Paloma rouba a cena.

E Daniel Craig é a personificação dessa mudança de ares. “Controverso”, “rústico”, “covarde”, “insosso”, “baixinho” e até mesmo “loiro”; esses foram os adjetivos usados para desqualificar a escalação de Craig em 2006. O próprio ator tinha desconfiança quanto ao papel, muito por não achar que a personalidade de Sean Connery e companhia poderiam ser replicadas atualmente, muito menos por ele. Para sorte de Craig, era intenção da dupla de roteiristas Neal Purvis e Robert Wade renovar a história antes mesmo do anúncio da mudança de ator. E essa decisão conjunta foi muito significativa pois atribuía a Bond agora um status de personagem do imaginário, e não mais um modelo de masculinidade ultrapassado.

Muito além de um smoking sob medida, um martíni, um sex appeal de falastrão e uma licença para matar, o Bond da era Craig consegue ser mais do que isso. A redoma de vidro que separava personagem do público foi quebrada e os cacos criaram feridas no agente secreto como questões com o luto, traumas de família, problemas com álcool e até mesmo frustrações amorosas, até então inimaginadas para a máquina de sedução criada por Fleming e representada pelos cinco atores anteriores. Mesmo estando mais realista do que nunca, outra renovação da franquia é iminente, e se, tanto esse último filme como todos os outros vão ficar à sombra de Skyfall, o próximo ator a vestir o manto vai permanecer na sombra do maior James Bond da história.

O post 007 – Sem Tempo Para Morrer entrega uma missão impossível para próximo James Bond apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Sabrina G. Ferreira

A narrativa de Four Good Days tinha tudo para ser óbvia e seguir o roteiro clássico de um filme com essa abordagem, entretanto o que se vê é um show de atuações, e um recorte instigante do problema apresentado. Baseado em fatos reais, o longa dirigido por Rodrigo García (Em Terapia, Questão de Vida), mostra a trajetória de Molly (Mila Kunis), uma mulher jovem viciada em drogas, que retorna para a casa da sua mãe, Deb (Glenn Close), em busca de ajuda para vencer sua dependência química. Após levar a filha à reabilitação, pela 15ª vez, elas descobrem um método novo e intensivo de cura para o vício, mas para iniciar o tratamento, Molly precisa ficar quatro dias sem usar nenhum tipo de droga.

Esta é a premissa de Four Good Days, que fez sua pré-estreia no Festival de Sundance em 2020, e agora concorre ao Oscar 2022 na categoria de Melhor Canção Original com Somehow You Do, composta por Diane Warren, mulher mais nomeada aos prêmios da Academia sem nunca ter ganho. Graças ao trabalho de longa data na área de trilhas sonoras, com as faixas icônicas There You’ll Be de Pearl Harbor, e I Don’t Want To Miss A Thing de Armagedom; até o momento foram 13 indicações, e infelizmente, nenhuma vitória.

Apesar da trama previsível e sem grandes surpresas, o destaque mesmo é a dupla de protagonistas. Mila Kunis e Glenn Close desempenham seus papéis de forma impecável, recriando uma dinâmica familiar repleta de emoções, que vão desde o passado até o presente, envolvendo decisões, erros e perdão por parte das duas, enfatizando o relacionamento de ambas e criando várias cenas comoventes de mãe para filha (e vice-versa).

Enquanto temos Glenn Close interpretando uma mãe traumatizada pelas ações de sua filha no passado – é perceptível pela sua casa, que é toda é acionada por alarmes – e até mesmo culpada por ter abandonado a família quando as filhas eram adolescentes e necessitavam de uma figura materna, Mila Kunis vive a filha que tinha tudo para ter um futuro promissor. Mas, após um acidente esportivo, se vê submetida a um tratamento à base de opióides e agora, se encontra dependente e totalmente destruída pelas drogas, em uma circunstância que lhe arruinou a vida e o casamento, e que a afastou dos dois filhos, e frequentemente, culpa a mãe pela falta de apoio e seu vício na adolescência.

Para quem está acostumado com o semblante de Mila Kunis em outros trabalhos como em Cisne Negro, é assustadora a imagem da atriz, que com o auxílio de maquiagem, e um corpo exageradamente magro e curvado, na condição de alguém que já não consegue suportar o peso de seu próprio esqueleto, parece realmente uma pessoa devastada pela dependência química. Fica evidente o sofrimento da protagonista quando o ex-marido, papel de Joshua Leonard, traz seus filhos para uma visita e vemos um vislumbre da vida que ela poderia ter tido se tivesse seguido outros rumos.

Quanto ao roteiro do vencedor do Prêmio Pulitzer em 2014, Eli Saslow, e do próprio García, o texto não é nem um pouco diferente de outras produções recentes que tratam desta mesma temática, muitas vezes exagerando ao mostrar a verdade nua e crua de uma família que vive inúmeros problemas por ter um filho viciado em drogas. As situações são quase sempre as mesmas, e qualquer pessoa com conhecimento deste tipo de comportamento já deduz tudo o que virá no decorrer da narrativa. Entretanto, não deixa de ser um tema complicado e pesado e ao mesmo tempo importante de ser sempre lembrado e exposto.

No desfecho, após as várias tentativas e a irredutível crença de Deb na recuperação da filha quando mais ninguém acreditava, temos por fim a concretização de um final feliz. Depois de uma recaída e uma overdose, Molly consegue se desintoxicar das drogas e ter a chance de lutar pelo seu futuro como filha e como mãe. Four Good Days é sobre a impaciente amargura de que tudo o que foi conquistado poderá acabar assim, do nada. O milagre da cura para o vício seria a espera durar um pouco mais, e os dias tornarem-se meses, e anos. As mães continuarão acreditando, e os filhos seguirão tentando.

O post A esperança é o antídoto para o vício em Four Good Days apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Lopes Gomez

“Belfast ainda estará aqui quando você voltar”. Dito e feito: o bom filho à casa torna e o ator, diretor, roteirista e produtor Kenneth Branagh usou seu espaço na Sétima Arte para reviver a infância na sua familiar vizinhança. Irlandês, o cineasta se mudou para a Inglaterra aos nove anos de idade, em um período em que seu país e cidade natal enfrentavam os conflitos entre católicos e protestantes. Branagh, um dos principais entusiastas shakespearianos da indústria cinematográfica, entre outras diversas produções no currículo, se voltou, agora, à sua própria história. Com um molde autobiográfico, Belfast relembra os dias de seu idealizador na cidade, mesmo que a nostalgia não seja tão simples.

No filme, também roteirizado por Kenneth Branagh, acompanhamos o desenrolar dos ataques e o cotidiano de uma família através da perspectiva de Buddy (Jude Hill). Assim como a narrativa, o garoto, de cerca de nove anos, é inspirado no diretor e funciona como sua versão mais nova. É pelos olhos dele que Belfast se desenrola. Sem contextualização prévia, os eventos do The Troubles, como ficou conhecido o movimento separatista étnico-religioso que aterrorizou a Irlanda do Norte dos anos 60 aos 90, somos tão inocentes quanto a criança em presenciar a mudança daquela vizinhança, de pacífica e aconchegante a hostil e ameaçadora.

Belfast não tem pretensão de entregar um drama de época. A brusca virada na vida de seus personagens, que reflete no dia a dia e pauta o desenrolar da obra, é significativa para contar a história e o olhar de Buddy, não para dar aula ou conscientizar acerca de um evento histórico. Nisso, o filme tem seu ponto alto. Somado a direção e a visão de Branagh, que imprime pessoalidade e carinho a cada um dos 98 minutos, o ator mirim Jude Hill cria um Buddy mais do que capaz de nos convencer que sua paixão de infância, interpretada pela adorável Olive MacDonald, e seu dever de casa de matemática são tão importantes quanto as explosões e batalhas porta afora.

Afinal, para ele – e para um Kenneth Branagh de nove anos – talvez sejam. O roteiro de Belfast foi uma carta cheia de afeto não só à cidade do título, que aparece primeiro em cores vivas, nos dias de hoje, mas também à beleza da infância. Até os ângulos de filmagem – incomuns, a princípio – expõe a forma como o garoto enxerga o mundo, com a inocência, ingenuidade e esperança de uma criança. A maneira com que Buddy vê os pais também explicita isso: apesar de ausente, o pai é quase um herói para ele, nobre, corajoso e sempre simpático com os outros. Já a Mãe/Ma de Caitriona Balfe, apesar de estar sobrecarregada com a criação dele e do irmão, Will (Lewis McAskie), raramente quebra a postura de forte e nem por um momento aparece desarrumada, mas sempre bonita e elegante aos olhos do filho.

Brannagh, com seu visível amor pelo Cinema, aproveitou a oportunidade para rechear o filme com as delicadezas e os toques atenciosos de quem conta a própria história. A admiração pela beleza da cinematografia, inclusive, se estende por diferentes gêneros e por produções diversas, na longa lista de trabalhos do irlandês. O artista já passeou pela cena dos heróis, no comando de Thor, a estreia do Rei do Trovão nos cinemas, e até pelo mundo da magia, interpretando Gilderoy Lockhart, o professor pilantra de Hogwarts, em Harry Potter e a Câmara Secreta. Agora, além de Belfast, também está em cartaz com Morte no Nilo, filme adaptado do livro homônimo de Agatha Christie, que dirigiu e em que segue interpretando o detetive Hercule Poirot.

Para recriar sua própria trajetória, Kenneth Branagh, o coração por trás de Belfast, investiu em seu elenco. Jamie Dornan, o intérprete do Pai/Pa, realmente encarna a postura de corajoso e protetor, esbanjando carisma. Em algumas cenas, inclusive, a visão de Buddy coloca o progenitor em situações (muito provavelmente) ficcionais, que surgiram mais da admiração da criança do que de um acontecimento real. Quando o personagem salva a família da gangue local, em uma cena à la faroeste, a idealização da figura paterna destoa. O mesmo acontece com os avós. O Avô/Pop de Ciarán Hinds e Avó/Granny de Judi Dench são compreensíveis, aconchegantes e familiares, servindo o tempo todo como o apoio e o conforto de Buddy – e do telespectador. Em meio às incertezas da vida do garoto, ambos, junto dele, protagonizam os momentos mais memoráveis e emocionantes do filme.

Não por menos, o elenco de Belfast foi reconhecido. No Hollywood Critics Association, organização formada por críticos cinematográficos, os integrantes do filme saíram vitoriosos como Melhor Elenco, além do troféu de Melhor Ator Estreante para o pequeno Jude Hill. No Globo de Ouro e no BAFTA Awards, outras importantes premiações do Cinema, Balfe, Dornan e Hinds também foram considerados, todos nas categorias de atores coadjuvantes. Já no Oscar, tido como uma das maiores honrarias do meio, o Avô foi indicado como Melhor Ator Coadjuvante e a Avó como Melhor Atriz Coadjuvante. Judi Dench, inclusive, já tem outras passagens pela premiação e esse troféu não seria o primeiro: ela venceu como Melhor Atriz por seu trabalho em Shakespeare Apaixonado, em 1999.

Apesar de seu peso, o elenco, formado exclusivamente por pessoas brancas e europeias, não é uma novidade em uma indústria cinematográfica que sempre os reconhece, no lugar de profissionais tão bons – ou ainda melhores – de outras etnias, nacionalidades e minorias sub-representadas. No SAG Awards, em que foi indicado na mesma categoria, o filme perdeu para No Ritmo do Coração, com o Sindicato dos Atores de Hollywood reconhecendo um elenco principal majoritariamente surdo.

O roteiro, a direção e a produção também receberam suas piscadelas da premiação, estabelecendo um novo recorde para Kenneth Branagh, que se torna o artista mais indicado em diferentes categorias no Oscar – são 7 ao longo da carreira, mas até agora sem nenhuma vitória. É claro, a narrativa de Belfast não foge muito do que atrai a Academia, sendo um dos mais tradicionais da edição: o filme está cotado para levar o careca dourado em Melhor Roteiro Original, Melhor Filme e Melhor Direção, todos para Brannagh. Além dos prêmios tradicionais, que levarão os artistas aos palcos do Teatro Dolby em Los Angeles, a obra também foi nomeada na categoria Melhor Som. Entre os creditados pela sonoplastia, a vitória na categoria entregaria o totem dourado a uma mulher negra, Denise Yarde, que também é apenas uma das duas mulheres concorrendo na modalidade.

Com os poucos avanços de Belfast, e seguido de um ano que concedeu o troféu máximo a uma obra sul-coreana com críticas ao capitalismo e ao imperialismo, e uma edição que premiou uma cineasta chinesa explorando as rachaduras do sonho americano, quão relevante é um drama sobre a infância na Europa, por mais difícil que esta pode ter sido? Entre alguns de seus concorrentes a Melhor Filme no Oscar 2022, tampouco o filme é um destaque. Ataque dos Cães, faroeste que explora masculinidade tóxica e é dirigido por uma mulher (ninguém mais, ninguém menos que a brilhante Jane Campion); Drive My Car, drama japonês e o único em uma língua não-inglesa a disputar na categoria; CODA, outra produção com uma história sobre família, mas protagonizado por pessoas com deficiência auditiva; e King Richard: Criando Campeãs, com um elenco majoritariamente negro, são melhores opções para uma premiação tradicional que se comprometeu em avançar na representatividade de seus indicados.

Ainda assim, Belfast não deixa de ser tocante. O carinho que Kenneth Branagh imprime na obra é indiscutível e os dias de menino de Buddy, a versão ficcionalizada do diretor, revelam a beleza da infância até em preto e branco. Para além da memória afetiva da vizinhança irlandesa, o filme também homenageia o Cinema, uma constante na vida do menino. Em algumas das cenas mais emocionantes do longa, a família protagonista se diverte e se impressiona com o poder da Sétima Arte, e traduzem a influência desta na vida do cineasta, que, hoje, trabalha como ator, diretor, roteirista e produtor. Ao final, tanto Buddy quanto Branagh deixaram Belfast, mas voltaram melhores do que saíram, como sua avó avisou. Bastava ir e não olhar para trás.

O post Belfast: vá agora e não olhe para trás apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

“Se você fracassar em planejar, planeje-se para o fracasso”. Richard Williams começou o planejamento do sucesso para suas filhas dois anos antes delas nascerem, e se fosse necessário resumi-lo em uma palavra, seria “determinação”. King Richard: Criando Campeãs foi produzido pela Warner Bros. Pictures, e chegou às salas de cinema e ao HBO Max no final de 2021. O filme biográfico sobre o pai de Venus e Serena Williams, grandes sucessos do tênis, proporciona ao público a chance de entender como uma família do subúrbio de Compton conseguiu produzir duas das maiores jogadoras de um esporte ainda tão elitista. De olho no Oscar 2022, a obra garantiu indicações nas principais categorias, incluindo Melhor Filme e Melhor Ator.

Treinos debaixo de chuva, incansáveis entrevistas para a imprensa e controle total sob as carreiras de suas duas filhas. O drama joga luz sobre o verdadeiro Richard Williams, o pai humano e complexo de Venus e Serena, não apenas um herói ou vilão, e expõe ao telespectador o belo e o feio da trajetória do personagem principal para criar campeãs. É quase impossível não pensar em outras figuras paternas que fizeram de tudo para os filhos alcançarem o estrelato, e exemplos como os de Michael Jackson, Britney Spears e Beyoncé mostram quanto a relação pai/empresário pode ser conturbada.

Para quem nunca acompanhou uma partida de tênis, o filme faz um ótimo trabalho em não tentar explicar as regras e, talvez por isso, acaba despertando o interesse pelo esporte. O vai e vem das bolas verdes batendo nas raquetes prende a atenção e traz um pouco de ritmo para a tela. Quem assiste não tem a menor dificuldade em torcer pelas meninas quando elas estão competindo, mesmo sem ter a mínima ideia do que está acontecendo. Ao contrário do extremamente técnico Rick Macci, que ganha vida com a atuação de Jon Bernthal, aqui a forma caricata faz justiça à persona excêntrica do treinador que levou a família Williams para a Flórida.

Como o ator consagrado que se tornou, Will Smith transita com fluidez pela esfericidade do seu personagem. Seja em um momento de bravura, ao impor o seu plano de 78 páginas, seja em sua fraqueza, ao tentar defender as filhas da violência urbana, o ator representa com fidelidade a figura que Richard Williams foi para o esporte. É certo afirmar que Smith se jogou de cabeça no projeto, afinal, além de ganhar peso, ele também se comprometeu em usar um shorts relativamente pequeno para a sua estatura.

É incrível ver, nas cenas reais que compõem os créditos, como Smith conseguiu, em essência, se transformar em Richard, através da maneira de andar, dos trejeitos e das expressões faciais, mas essa não é a única cópia perfeita. A atenção aos detalhes, presente na ambientação, como a Kombi da família e os vídeos que Richard gravou, deve-se ao diretor Reinaldo Marcus Green e Isha Prince, produtora e irmã de Serena e Venus Williams. Em entrevista para a Warner Channel Brasil, Green disse: “conseguimos essa riqueza porque Isha estava ao meu lado”. Independentemente de ser uma grande produção, a família Williams esteve presente em todos os momentos, dando acesso livre para o elenco conhecê-los melhor, o que fez total diferença.

Na pele de Venus, Saniyya Sidney, indicada ao Critics Choice Awards como Melhor Revelação, atrai os olhares para ascensão de uma jovem tenista, com destaque para o nervosismo do primeiro torneio de sua carreira, em uma disputa contra a segunda melhor tenista do mundo na época. Já Demi Singleton, quando entra em cena, capta o fogo no olhar de Serena, que desde a infância almejava o topo do mundo no tênis. A trama tem a irmã mais velha como foco, porém, em uma das cenas finais, Richard Williams fala abertamente para a filha mais nova que Venus será a número um, enquanto ela será a melhor de todos os tempos.

Os Estados Unidos são um dos países mais violentos contra a população negra no mundo, em decorrência do racismo enraizado no país, e isso também afeta os esportes. No longa, é possível ver a maneira com que agentes e outros pais desacreditam do talento das jovens tenistas, tendo em vista que esse é  um esporte majoritariamente branco, o que deixa Richard e as meninas desconfortáveis. Na vida real, durante os protestos antirracistas em 2020, Venus se solidarizou e compartilhou, em suas redes sociais, um texto sobre como o ideal racista afetou negativamente a vida no mundo esportivo.

Richard e Oracene (Aunjanue Ellis) chegaram a enfrentar problemas com o conselho tutelar por sua rigidez e exigência com as filhas, mas o desejo de criar pessoas bem sucedidas e respeitadas, como eles nunca puderam ser, é admirável, uma vez que é um sentimento muito comum em pais que sofreram com as dificuldades da vida quando jovens, criando uma sensação de pertencimento do espectador com a história da família Williams. Assim, o longa trilha um caminho de dificuldades e inseguranças junto com Richard e sua família, e isso deixa os momentos de vitórias ainda mais significativos, criando a atmosfera de amor fraternal e presenteando o público com o sabor do sucesso.

Na rota das premiações, o longa provou o seu sucesso com a Academia ao garantir 6 indicações ao Oscar. King Richard: Criando Campeãs arrebatou vagas desde as categorias mais técnicas como Melhor Roteiro Original, para Zach Baylin e Melhor Montagem, para Pamela Martin, até a mais reverenciada de Melhor Filme (com créditos de produção para Tim White, Trevor White e Will Smith). Aunjanue Ellis, indicada ao Emmy 2021 pela sua atuação essencial em Lovecraft Country, é forte concorrente ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Amiga de Serena Williams, a cantora Beyoncé participa da trilha sonora do filme com a faixa Be Alive e pode levar a estatueta dourada de Melhor Canção Original para casa ao lado do compositor Dixson. 

Dono de um Globo de Ouro e de um SAG Awards pela sua interpretação de Richard Williams, resta-nos esperar pelo tão ansiado Oscar de Melhor Ator para Will Smith. Afinal, ao levar os principais prêmios da temporada, ele vem forte para a competição pela terceira vez em sua carreira. Ele já havia sido indicado na categoria por incorporar o boxeador Muhammad Ali no filme Ali (2002) e pela sua entrega na pele do empresário Christopher Gardner em À Procura da Felicidade (2007). Interessante notar que os três filmes tratam de personalidades da vida real e Smith disputa o prêmio ao lado de Denzel Washington pela segunda vez. 

O personagem principal do filme biográfico está vivo e não é segredo que o projeto contou com a curadoria de sua família, ou parte dela: Sabrina Williams, filha abandonada por ele, afirmou que o retrato nas telas do cinema é uma idealização de Richard Williams. Se esquivando de polêmicas ou não, a narrativa de um pai sonhador, uma mãe guerreira e quatro pequenas leoas que vivem a vida com êxito espalha um rastro de esperança para os que já a perderam. King Richard: Criando Campeãs deixa o recado de que planejamento nunca é demais quando se quer vencer.

O post King Richard: o manual para criar campeãs apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Perante à situação de uma celebração do Oscar na pandemia, a equipe de produtores de 2021 prometeu que transformaria a experiência em um filme. Eles não mentiram. Começando pela triunfal entrada de Regina King, brilhante como os deuses e confiante como só ela pode ser, caminhando sem pressa pela Union Station, arejada, aberta, com raios solares implorando invadir essa quebra de padrões em formato de cerimônia.

Mas algo soava estranho. Não tinha orquestra, não tinha o filtro plastificado que abraçava as telas dos televisores sintonizados na TNT (ou no Globoplay, ou onde quer que seja) e as bordas pretas, clássicas das telonas, esgueiravam a imagem de uma King lendo no teleprompter um verdadeiro roteiro na hora de premiar, bem, as categorias de Roteiro. Colocando as tradições no bolso do paletó, o Oscar 2021 não nos agraciou com a presença de um de seus atuais Atores Coadjuvantes para premiar sua contraparte deste ano logo de cara.

Ao invés disso, inaugurando essa leva mais moderninha da Academia, subiu ao palco uma bufante e estonteante Emerald Fennell, feliz que sua dita Bela Vingança foi coroada com o prêmio de Roteiro Original. Ela não preparou um discurso, já adiantou a intérprete de Camilla Parker Bowles, previamente se desculpando com Soderbergh (Steven, diretor responsável pela produção de 2021, aquele que prometeu que essa seria uma experiência de Cinema, e não apenas simples TV).

Regina King continuou fazendo graça e esbanjando talento ao apresentar os nomeados em Roteiro Adaptado, prêmio esse que acabou nas mãos de Christopher Hampton e Florian Zeller, escritores de Meu Pai. Vale a menção de que tanto Fennell quanto Zeller acabaram de estrear no Cinema, e já garantiram a honraria que fez Aaron Sorkin sair de casa apenas para anunciar um relacionamento novo, já que seu Os 7 de Chicago foi o único dos grandes indicados da noite a sair sem Oscar nenhum (e olha que a 93ª edição dividiu muito bem seus 23 prêmios).

E foi sendo assim, dois carecas dourados eram entregues por vez, ocasionalmente misturando uma categoria ‘grande’ com uma ‘nem-tão-grande-assim’. O que, a princípio, é muito bem-vindo, considerando que independente da área de atuação, todo e qualquer Oscar distribuído em 25 de abril de 2021 é importante e merece tal reconhecimento. Mas, quando Chloé Zhao subiu ao palco para receber a estatueta de Direção, precedida pela categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action, o efeito não foi o mesmo.

Zhao se tornou a segunda diretora, a primeira não-branca e a primeira chinesa, a vencer a honraria, 11 anos depois de Kathryn Bigelow quebrar o paradigma masculino, por Guerra ao Terror. Mal posso esperar para o Oscar 2032, quando a terceira mulher diretora subir ao palco. Quem leu o envelope com o nome de Zhao foi um socialmente distante Bong Joon-Ho, campeão do ano passado, diretamente de Seul, falando em coreano num segmento que usou da intimidade dos próprios cineastas nomeados para o anúncio.

Os discursos de agradecimento se alongaram mais que o comum, grande acerto da produção de 2021, evitando a terrível orquestra de subir lentamente o tom dos instrumentos para que a pessoa pare de falar o mais rápido possível. Até mesmo o jogo de câmeras, alocadas em lugares não-convencionais, limpou a lente da premiação. Os discursos variaram entre o tocante (Thomas Vinterberg homenageando a jovem filha que morreu pouco antes de estrelar Druk, vencedor de Filme Internacional) e o cômico (Daniel Kaluuya feliz da vida, agradecendo aos pais por terem concebido-no, enquanto ganhava o prêmio de Ator Coadjuvante). 

Yuh-Jung Youn conseguiu fazer os dois. “Eu sou mais sortuda que vocês”, começou a vovó de Minari e a Melhor Atriz Coadjuvante do ano. A atriz, primeira sul-coreana e segunda asiática a vencer por atuação, agradeceu a Brad Pitt (produtor de Minari) e ficou feliz de finalmente tê-lo conhecido pessoalmente. De longe, a temporada de 2021 vai lembrar com carinho das aparições de Youn, desde a surpresa no SAG, o shade no BAFTA e o riso solto no Oscar.

A Netflix saiu com 7 prêmios entre suas 35 indicações, mas mantém a sombra de nunca ter ganhado Melhor Filme. A Voz Suprema do Blues venceu categorias técnicas, assim como Mank, 2 Oscars para cada. Os curtas Dois Estranhos e Se Algo Acontecer… Te Amo saíram com os louros. Nas categorias de Documentário, Colette surpreendeu, e Professor Polvo triunfou, repetindo uma máxima do ano passado: mais uma vez, o pior dos 5 filmes saiu vencedor.

Lembra da promessa dos produtores de fazer o Oscar 2021 ser um filme? Eles cumpriram-na, para o bem e para o mal. O sorrisão de Riz Ahmed não cabia em seu belo rosto quando leu o envelope de Melhor Som, premiando, adivinhem, O Som do Silêncio, protagonizado pelo próprio. Esse que também triunfou em Montagem, colocando a competição para comer poeira. Soul se enquadrou nas expectativas, recebendo Animação e Trilha Sonora Original. H.E.R., um mês depois de vencer o Grammy de Canção do Ano, ganhou o Oscar de Canção Original. E Tenet, mesmo sem o apoio da Warner, levou a melhor em Efeitos Visuais. 

Durante a cerimônia, 2 prêmios Humanitários Jean Hersholt foram entregues. O primeiro homenageou a Motion Picture & Television Fund. Enquanto o segundo, apresentado por Viola Davis em sua única aparição no palco do Oscar, foi dado à Tyler Perry. Importante apontar as mudanças estruturais da premiação deste ano, que viu seus convidados sem máscara frente às câmeras, dividiu a galera entre os Estados Unidos, Londres e Paris e esbanjou um ar mais descontraído que a habitual sisuda entrega de prêmios no Dolby Theatre. Sem os habituais pares de artistas entregando os Oscars e com as músicas indicadas sendo performadas antes da cerimônia, essa edição ficará marcada na história. Foi uma senhora mudança de ares, que ainda precisa de melhorias no futuro.

Quando foi anunciado que a categoria de Melhor Filme não seria a última da noite, um gosto estranho já nos subiu à boca. Rita Moreno apareceu majestosa, citou Amor, Sublime Amor e relembrou os velhos tempos, onde ela própria venceu um Oscar pelo filme. Assim como a divina aparição de Jane Fonda ano passado para premiar Parasita, Moreno leu o nome de Nomadland no envelope colorido. Chloé Zhao, recebendo o segundo prêmio da noite, agradeceu aos nômades da vida real, acompanhada de Frances McDormand, vencendo o terceiro Oscar da carreira e o primeiro por produção. A veterana uivou no palco, homenageando Michael Wolf Snyder, editor de som de Nomadland falecido em março.

O comercial que sucedeu Melhor Filme pareceu mais anticlimático que o necessário. Começando pela aparição de Zhao em Melhor Direção no meio do nada, Nomadland saiu sem o triunfo que grandes vencedores do passado, como Moonlight e o próprio Parasita, puderam saborear. Melhor Atriz desempatou bolões, premiando Frances McDormand, em seu terceiro Oscar na categoria, quarto na carreira, se aproximando mais do recorde de Katharine Hepburn. 

Então, chegou a hora de Melhor Ator. Depois de um ‘In Memorian’ de qualidade questionável, batida agitada, ausências notáveis e aparição relâmpago dos homenageados, a categoria para honrar Chadwick Boseman acabou sendo entregue para outra pessoa. É claro que a vitória de Anthony Hopkins, por Meu Pai, é mais que merecida e merece ser aplaudida, benzida e santificada. A questão não é mérito, não é cota ou homenagem. 

O Oscar 2021 se rearranjou por completo para que acabasse em nota de sensibilidade e felicidade, para que a esposa de Boseman, Taylor Simone Ledward, agradecesse da maneira que fez no Globo de Ouro, no Critics Choice e no SAG. Era o momento do Oscar, depois de ter capitalizado em cima da morte do jovem talento, finalmente premiar atores negros nas categorias principais, era a hora de marcar na história aquele que já seria eterno de qualquer modo, mas merecia a honraria do troféu.

Joaquin Phoenix leu o nome de Hopkins, a tela cortou para uma foto do ator, que não estava presente e o Oscar acabou. No susto, sem comemoração, sem homenagem, sem ter valido o rearranjo de categorias. Foi dito que Olivia Colman subiria ao palco em caso de vitória do companheiro de tela, mas nada aconteceu. O temido anticlímax do filme. 29 anos depois de sua vitória por O Silêncio dos Inocentes, Anthony Hopkins se tornou o ator mais velho a vencer o Oscar. Chadwick morreu sem nenhum.

Concluindo a extensa cobertura do Oscar 2021, o Persona prepara o texto final da edição. A Editoria se juntou aos colaboradores para discutir, de uma vez por todas, o que rolou na 93ª edição dos prêmios da Academia, os recordes, as loucuras, a Glenn Close rebolando e as esnobadas que ficarão para a história. Seja bem-vindo ao Cineclube Especial dos Vencedores do Oscar 2021.

Melhor Filme: Nomadland

A comemoração pelo maior prêmio da noite nas mãos de Zhao e seu Nomadland só não foi melhor por conta da atrocidade organizacional que o Oscar desse ano, idealizado por Steven Soderbergh, cometeu. Quem diabos não deixa por último a categoria mais esperada de uma premiação? Contando com uma vitória que não veio para Chadwick Boseman, Melhor Filme foi anunciado antes de Melhor Ator e Atriz, fazendo com que a revelação pela boca de Rita Moreno perdesse a força. O que antes finalizava a cerimônia com gritos de alegria e discursos emocionantes, acabou ficando perdido em um agradecimento rápido que nem de longe parecia aquele Oscar.

Apesar das falhas e do anticlímax, não há como medir a alegria de assistir Chloé Zhao e Frances McDormand subindo ao palco ao lado de Swankie e Linda May para receberem a honraria suprema da Academia. Batendo outros sete longas – Mank, Judas e o Messias Negro, Os 7 de Chicago, Bela Vingança, Minari, Meu Pai e O Som do Silêncio -, Nomadland fez história ao se tornar o filme menos lucrativo a ganhar Melhor Filme, arrecadando cerca de US$ 2,5 milhões nos EUA até hoje. A obra já estava consagrada como favorita e saiu para casa com 3 homenzinhos dourados, mas não há Oscar sem o medo de injustiças (imagine só, Mank roubando essa estatueta).

“A todos os corações e mãos que se uniram para fazer esse filme (…) Obrigada por nos ensinar o poder da resiliência e esperança. E sobre o que é a gentileza”. O discurso de Zhao foi breve e cheio de agradecimentos a comunidade nômade e aos seus produtores Peter Spears, Mollye Asher, Dan Janvey e a própria McDormand, que logo assumiu o microfone para pedir que a audiência assistisse no cinema todos os filmes representados na noite. Com uma homenagem a Michael Wolf Snyder, editor de som do filme que faleceu neste ano, Frances terminou sua fala uivando no microfone e angariando uma série de aplausos dos convidados. A noite foi delas. – Caroline Campos

Melhor Direção: Chloé Zhao (Nomadland)

Ninguém acima dela! Chloé Zhao, a maior vencedora da noite do dia 25 de abril, também se consolidou como a primeira mulher não-branca e segunda mulher na história a receber em mãos o prêmio de Melhor Direção. Depois de ter vencido o Globo de Ouro, o BAFTA e o Sindicato dos Diretores por Nomadland, o envelope do Oscar com o nome da chinesa já estava pronto e embalado para ser anunciado por Bong Joon-Ho, vencedor do ano passado pelo imbatível Parasita, primeira produção em língua não-inglesa a levar Melhor Filme. 

Zhao estava acompanhada por Emerald Fennell, de Bela Vingança, na categoria, que, pela primeira vez, possuía duas mulheres na corrida pela estatueta – um histórico infeliz de uma premiação que ignora minorias há quase um século. No fim das contas, não só Fennell, como também David Fincher, de Mank, Lee Isaac Chung, de Minari e Thomas Vinterberg, de Druk – Mais uma Rodada foram deixados para trás pela diretora, que fez sua parte em perpetuar o Oscar de Melhor Direção nas mãos de cineastas não-estadunidenses pelos últimos anos.

“As pessoas, ao nascer, são boas”. Em seu discurso de agradecimento, Chloé relembra que ela e o pai costumavam memorizar poemas clássicos chineses para recitarem juntos e utiliza a frase de Three Character Classic, texto clássico da China. “Esse Oscar é para qualquer pessoa que tem a coragem de se manter boa e ver o que há de bom nos outros”. Apesar do destaque da diretora, a imprensa de sua terra natal se recusou a noticiar a conquista, depois de Zhao ter sido alvo de nacionalistas chineses que encontraram antigas entrevistas em que ela critica o país. Vida longa a Chloé Zhao e sua carreira! Agora, só nos resta esperar mais onze anos para a próxima diretora subir ao palco. – Caroline Campos

Melhor Atriz: Frances McDormand (Nomadland)

O mistério da corrida para a estatueta de Melhor Atriz finalmente foi desvendado. Pela terceira vez, Frances McDormand venceu o Oscar na categoria, sendo a única atriz viva a atingir esse feito. E ainda teve uma conquista dobrada, logo após Nomadland ter sido anunciado como Melhor Filme, do qual ela é produtora. Com isso, a atriz já soma quatro carecas dourados em sua prateleira, fazendo jus ao seu talento e trajetória, de alguém que começou como uma outsider no Cinema e hoje fornece apoio para projetos de várias mulheres, tanto é que a mesma desencadeou o nascimento da obra dirigida por Zhao. 

A disputa entre as atrizes costuma variar no quesito surpresa ao longo das edições. Ano passado, não se hesitava em dizer que Renée Zellweger ganharia a estatueta, após ter levado a melhor sucessivamente durante toda a temporada de premiações. Diferente de 2019, em que Glenn Close estava destinada a ganhar o seu primeiro Oscar, mas foi pega de surpresa pelo furacão Olivia Colman. Neste ano, o embate foi um pouco diferente. A temporada foi variando suas vencedoras desde o início: Andra Day venceu o Globo de Ouro; Carey Mulligan, o Critics Choice; Viola Davis conquistou o SAG, e, por fim, Frances ficou com o BAFTA e, agora, o Oscar. A única que saiu de mãos abanando nessa caminhada foi Vanessa Kirby.

E essa alternância não se deu à toa, tendo em vista o peso e entrega do papel de cada uma das indicadas, a concorrência não poderia ser mais acirrada. Mas superando todo e qualquer bolão que apostou na vitória de Davis ou Mulligan, Frances McDormand foi a vencedora final, lado a lado de sua companheira de estrada Chloé Zhao. A única lamentação que podemos tirar disso tudo é que, mais uma vez, a Academia perdeu a oportunidade de reconhecer o trabalho de uma mulher negra em sua categoria principal de atuação. – Vitória Silva

Melhor Ator: Anthony Hopkins (Meu Pai)

Disputada entre Riz Ahmed, Chadwick Boseman, Anthony Hopkins, Gary Oldman e Steven Yeun, a categoria de Melhor Ator – que pela primeira vez contava com a maioria dos indicados não-brancos – foi escolhida para encerrar a grande noite, e tinha o sabor agridoce de uma homenagem emocionante e mais do que merecida. Após um in memorian que fez com que os os mortos se revirassem no túmulo com a música agitada, parecia certo que o Rei de Wakanda seria premiado encerrando o tapete vermelho com choro coletivo pela precoce partida.

Mas não foi dessa vez que a Academia elegeu seu terceiro ator póstumo. O prêmio ficou nas brilhantes mãos de Anthony Hopkins. É quase cômico se surpreender com a vitória de Anthony, em Meu Pai ele entrega a maior atuação da carreira, interpretando com maestria um personagem homônimo. A atuação de Hopkins é inegável e indiscutível, seu segundo Oscar é esplendoroso e merecido, mas isso não basta para acalmar a revolta do resultado. Esse prêmio tinha dono e seu nome era Chadwick Boseman.

A noite mais aguardada da Sétima Arte foi encerrada sem brilho apesar do merecimento do genial vencedor. Joaquin Phoenix não expressou nenhum sentimento de interesse ao anunciar o ganhador, que por sua vez, não fez o discurso pois o ‘grupo de risco’ não compareceu ao tapete vermelho. A premiação terminou em silêncio e a Academia perdeu a chance de fazer um encerramento memorável, perdeu a chance de agraciar o público com um discurso de Taylor Simone, e o mais grave, perdeu sua última chance de premiar o eterno Chadwick. O que nos resta é aplaudir em pé ambos atores. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Atriz Coadjuvante: Yuh-Jung Youn (Minari)

Na categoria que esbanjava recordes, não havia outra maneira de selar a disputa senão premiando a inigualável joia rara Yuh-Jung Youn. Vencendo sua maior competição, uma Maria Bakalova abatida depois das derrotas no Sindicato e no BAFTA, a vovó mais querida de 2021 subiu ao palco daquele jeitinho. Ela agradeceu (e alfinetou) Brad Pitt, ficou perdida por onde começar seu discurso e então desatou a falar. Agradeceu ao primeiro diretor com quem trabalhou, mandou um recado para os filhos, e perdoou todos os americanos por errarem a pronúncia de seu nome.

Veterana na Coreia do Sul, Youn fez sua estreia estadunidense com Minari, e se tornou a segunda atriz asiática, e primeira sul-coreana, a vencer o troféu de atuação. Suas palavras demarcaram a alegria de ser celebrada e celebrar junto. E ela estava em ótima companhia, além da já citada Bakalova, primeira búlgara nomeada e destaque cômico do ano, ainda figuravam na lista Glenn Close (em sua oitava derrota), Olivia Colman (que venceu em 2019) e Amanda Seyfried (indicada pela primeira vez).

Close foi homenageada pela própria Youn, que disse ser impossível ‘vencer Glenn Close’. A veterana saiu mais uma vez com a mão no bolso, mas continua na esperança de um dia ouvir seu nome chamado ao palco. Yuh-Jung Youn venceu o único Oscar de Minari, mas essa vitória não poderia ser mais sensacional. “Eu só ganhei pois sou um pouco mais sortuda que vocês”, declarou sorrindo. Maravilhoso, maravilhoso minari! – Vitor Evangelista

Melhor Ator Coadjuvante: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

Não tinha para mais ninguém. Judas e o Messias Negro passou por cima de todos indicados como um rolo compressor. A performance Daniel Kaluuya rendeu a ele os prêmios de Melhor Ator Coadjuvante no BAFTA, Globo de Ouro, SAG, Critics Choice, e na noite do dia 25, no Oscar. O filme, que foi o primeiro na história indicado com equipe de produção totalmente negra, conta a história do revolucionário Fred Hampton, interpretado por Kaluuya. Hampton era um dos líderes do movimento Panteras Negras nos EUA, e foi brutalmente assassinado em uma ação da polícia de Chicago em conjunto com o FBI. 

Daniel foi o primeiro ator britânico negro a vencer na categoria. Judas e o Messias Negro também quebrou mais um recorde: pela primeira vez na história, dois atores negros de um mesmo filme foram indicados na categoria de Ator Coadjuvante. O outro nomeado foi Lakeith Stanfield, que também teve uma performance espetacular no longa, mas infelizmente não possuía chance suficiente de vitória. Quem também disputava a categoria era Sacha Baron Cohen, por seu papel em Os 7 de Chicago; Leslie Odom, Jr., por Uma Noite em Miami…; e Paul Raci, por O Som do Silêncio. – Jho Brunhara

Melhor Roteiro Original: Emerald Fennell (Bela Vingança)

A Vingança veio e foi realmente Bela. Na primeira premiação do histórico Oscar 2021, as mãos da única mulher indicada com destaque na categoria receberam a estatueta de Melhor Roteiro Original. Repetindo o feito do Critics Choice Awards, BAFTA e do valiosíssimo prêmio do Sindicato dos Roteiristas, Emerald Fennell foi imbatível com a perfeição de sua estreia no Cinema e se tornou a oitava roteirista a ser premiada na categoria.

Ela deixou para trás até mesmo um dos roteiristas favoritos de Hollywood, que voltou a aparecer entre os indicados ao Oscar. O texto de Aaron Sorkin é a grande qualidade de Os 7 de Chicago e o único que poderia roubar o mérito de Emerald Fennell na premiação da Academia, mas diferente das avaliações instáveis do drama de tribunal da Netflix, a aclamação do trabalho corajoso e pontiagudo da britânica estava concentrada em seu texto.

Na categoria que premiou o texto de Parasita em 2020 através dos nomes de Bong Joon-ho e Han Jin-won, concorriam também a maravilha da escrita íntima que cultiva o Minari de Lee Isaac Chung, a poderosa e igualmente determinada de Shaka King e Will Berson em Judas e o Messias Negro, e a estreia também primorosa de Darius Mader em O Som do Silêncio. Mas Emerald Fennell estava determinada em sua Bela Vingança e é a dona do Melhor Roteiro Original de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Roteiro Adaptado: Florian Zeller e Christopher Hampton (Meu Pai)

O fato mais interessante na categoria de Roteiro Adaptado, à parte da merecida vitória de Meu Pai, é a vasta gama de diferenciações criativas entre os 3 ‘favoritos’. Começando pelo vencedor, a adaptação da peça teatral do próprio Zeller usava das nuances dos palcos para iluminar as melhores qualidades da telona. Ele e seu co-roteirista Hampton se esbaldam naquele apartamento chiquérrimo em que Hopkins dá seus chiliques, transformando o cenário único no coração da narrativa. É louvável, é marcante e merecedor do prêmio que ano passado condecorou a sátira politizada Jojo Rabbit, de Taika Waititi.

Quem disputava com o drama familiar era o campeão Nomadland, mais uma vez representado pela figura mítica, divina e benevolente da artista Chloé Zhao. A diretora adaptou o livro de Jessica Bruder, uma não-ficção jornalística que percorre a América nômade, focando em uma porção de comunidades às escuras, e dando voz para pessoas esquecidas pelo país. Zhao escalou os personagens reais do livro para seu filme, costurando uma narrativa poderosa e íntima, que demonstra a força de seu Cinema.

O vencedor do Sindicato dos Roteiristas, foi Borat: Fita de Cinema Seguinte, onde tanto Meu Pai quanto Nomadland estavam inelegíveis. O filme protagonizado por Sacha Baron Cohen e escrito pelo mesmo e uma equipe de 8 roteiristas, se sustenta pelo improviso para a sedimentação de sua história doida. Sequência de um Roteiro já indicado ao prêmio da Academia, Borat 2 cria esquetes soltas para introduzir uma porção de questões relevantes para os Estados Unidos que, até ano passado, digladiava com o governo Trump e a pandemia do coronavírus em dose máxima. Competiam ainda, Uma Noite em Miami… e O Tigre Branco, mas sem qualquer chance de levar. Depois da vitória de Zeller e Hampton no BAFTA, esse trunfo no Oscar não espanta, ainda mais considerando a qualidade notável do trabalho da dupla. – Vitor Evangelista

Melhor Documentário: Professor Polvo 

É difícil engolir o que a Academia faz com a categoria que abriga muitas das melhores obras das seleções do Oscar. Nos últimos anos, os votantes da premiação tem se comportado de forma duvidosa e até desrespeitosa com seus indicados a Melhor Documentário. Até as indicações, eles sempre apresentam obras interessantes com técnicas inovadoras e temas relevantes, mas quando é hora de escolher quem vai ficar marcado como o vencedor, todas as instâncias que determinam o valor de um documentário parecem ser deixadas de lado.

Essa era a postura esperada para este ano, e infelizmente, não fomos surpreendidos. Sabemos que independentemente da qualidade técnica do filme, debater política do encarceramento em massa e abolicionismo penal e celebrar a beleza do Cinema latino-americano é demais para a Academia. Mas em 2021, o Oscar sequer se dispôs a apreciar uma história otimista de revolução e inclusão documentada junto do casal Obama, que imerecidamente vencedores na categoria no ano passado, encontrariam uma vitória justa com a produção deste ano. Muito menos reconheceu a qualidade cinematográfica do Cinema europeu fora do núcleo de sempre duplamente indicada. 

Mais uma vez, o documentário de menor valor dentre os cinco indicados de altíssimo nível vence o Oscar. Sem passar pelo circuito da crítica e dos festivais, o grande campeão confiou na Netflix e em suas imagens aquáticas belíssimas do habitat natural do polvo-fêmea (sim, ainda fizeram o favor de traduzir uma informação errada no título em português), que não eram páreo para os outros indicados, mas a Academia acreditou que sim. Encorpando a hegemonia da plataforma de streaming na categoria, Professor Polvo (não) é o Melhor Documentário de 2021. – Raquel Dutra

Melhor Filme Internacional: Druk – Mais uma Rodada [Dinamarca]

Se historicamente os reconhecidos pela categoria mais interessante e heterogênea (e injustiçada) do Oscar estão concentrados na Europa Ocidental – os maiores vencedores são Itália e França, respectivamente -, a tendência de fugir desse eixo repetitivo continua. Mesmo esnobando o íntimo Babenco: Alguém Tem Que Ouvir O Coração e Dizer: Parou, submissão do Brasil, e produções latinas como o guatemalteco La Llorona, reconhecido no Globo de Ouro, o mexicano I’m No Longer Here e o chileno Agente Duplo , que participou em Documentário, os nomeados de 2021 dão visibilidade às mais diversas narrativas, do Leste Europeu, à Ásia e à África.

Dos indicados, a Romênia e a Tunísia aparecem pela primeira vez com Colectiv, documentário duplamente nomeado que expõe as falhas no sistema de saúde romeno, e O Homem que Vendeu Sua Pele, inspirado em uma história impressionantemente real de um homem que vendeu suas costas para serem tatuadas. Com Better Days e seu debate sobre o bullying e suas consequências, Hong Kong garante sua segunda nomeação. A Dinamarca tem em Druk – Mais uma Rodada sua 13ª indicação e a Bósnia e Herzegovina, que já levou o prêmio em 2002, participa com o poderoso Quo Vadis, Aida?. Ainda que todas as produções estejam à altura, acumulando elogios, indicações e vitórias em outras importantes premiações e categorias, o favorito já saia na frente bem antes da noite de entrega do troféu.

E não teve surpresa: o badalado Druk se sobressaiu e garantiu o quarto Oscar da Dinamarca. O longa divertido e reflexivo de Thomas Vinterberg, que já havia sido indicado em 2014 por A Caça, explora os benefícios, os malefícios e as consequências do álcool sem moralismo, como ele mesmo destaca. Reafirmando a proximidade à história, o diretor subiu ao palco para aceitar a estatueta e fez um dos discursos mais emocionantes da noite, em que lembrou da filha falecida que estrelaria no filme: “Se alguém acredita que ela está aqui de alguma forma, vai poder vê-la celebrando e aplaudindo conosco. Acabamos fazendo este filme para ela, como seu monumento. Então, Ida, este é um milagre que aconteceu. E você é parte dele”. Mais um motivo para a vitória do filme, ainda que previsível, ser celebrada. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Cabelo e Maquiagem: A Voz Suprema do Blues

Após muitas reclamações de que a Academia não honrava o trabalho dos maquiadores, foi criada em 1982, a categoria nomeia as melhores maquiagens e cabelos. Até 2019, apenas três filmes, no máximo, concorriam à estatueta, diferentemente da maioria das categorias que nomeiam cinco filmes. Em 2020 isso mudou, com o mesmo número de indicados das outros grupos, O Escândalo levou a melhor. O filme teve a maquiagem assinada por Kazuhiro Tsuji a pedido da própria atriz Charlize Theron.

Em 2021, filmes como Emma. e Pinóquio, que não tiveram fôlego para indicações principais, foram lembrados aqui. Pinóquio aliás, com suas maquiagens em fantoches dirigidas por Mark Coulier, poderia ter sido a zebra do ano e levado essa pra casa. Além deles, Era uma vez um sonho e os super indicados Mank e A Voz Suprema do Blues compunham a seleção de Melhor Cabelo e Maquiagem. Ao total haviam quinze profissionais disputando o prêmio, sendo onze deles mulheres.

O resultado não poderia ser diferente daquele que todos aguardavam. A equipe de A Voz Suprema do Blues venceu o Oscar 2021. Jamika Wilson e Mia Neal subiram ao palco ao lado de Sergio Lopez-Rivera, maquiador pessoal de Viola Davis, para receberem a estatueta. Elas foram as primeiras artistas negras a concorrerem na disputa e Mia Neal utilizou do lugar de fala para reivindicar espaço para mulheres negras, trans e latinas na premiação. “Eu sei que um dia não será incomum ou inovador, será apenas normal.” – Ana Júlia Trevisan

Melhor Design de Produção: Mank 

Um dos prêmios previstos da noite, virtualmente ninguém se surpreendeu quando a voz de Halle Berry anunciou Mank, com sua recriação meticulosa da Velha Hollywood, como vencedor da estatueta de Melhor Design de Produção. O designer de produção Donald Graham Burt (colaborador frequente de David Fincher) e a decoradora de set Jan Pascale subiram ao palco para dividir o prêmio e agradecer suas equipes e seus familiares pela honra.

Esse já é o segundo Oscar da carreira de Burt, que venceu em 2009 pel’O Curioso Caso de Benjamin Button, e o primeiro da de Pascale. Essa vitória ecoa o favoritismo da Academia por filmes de época e especialmente por aqueles que retratam a própria indústria cinematográfica, como Era Uma Vez em… Hollywood, que levou o mesmo prêmio na cerimônia de 2020 

Apesar de Mank ter sido o filme mais indicado da noite, esse era um dos únicos prêmios que todos esperavam que fosse ganhar. Mesmo depois de A Voz Suprema do Blues ter surgido como um possível concorrente após vencer as categorias de Melhor Figurino e Melhor Maquiagem e Penteado, havia pouco espaço para dúvida, principalmente levando em conta a vitória do longa de David Fincher nessas categorias ao longo da temporada de premiação, conquistando anteriormente o BAFTA de Design de Produção. Mank também se tornou o primeiro filme em preto e branco a ganhar a categoria desde A Lista de Schindler, em 1993. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Figurino: A Voz Suprema do Blues 

Cabelo e Maquiagem são grandes influenciadores nesta categoria de Melhor Figurino, por esse motivo os concorrentes quase não diferem. Aqui temos Era uma vez um sonho golpeado pela soldada Mulan. A regra para embolsar essa estatueta é recriar com fidelidade a época histórica retratada, o que foi uma passagem garantida para Emma. e garantiu o Oscar de Adoráveis Mulheres no ano anterior. Antes disso, o imbatível figurino de Pantera Negra saiu vencedor. Dentre os cinco indicados, quatro eram mulheres e a vencedora fez história na premiação.

Surpreendendo um total de zero pessoas, a estatueta foi para a conta de A Voz Suprema do Blues, que já havia levado os termômetros do Oscar. Com suas roupas exuberantes, o figurino faz jus a divindade de Viola Davis. Todo o guarda-roupa de Ma Rainey’s Black Bottom é grandioso, assim como sua estilista Ann Roth. Cinco vezes indicada ao Oscar, ela se tornou a mulher mais velha a ganhar o prêmio, conquistando essa que foi sua segunda estatueta, aos 89 anos. O primeiro Oscar de Ann foi em 1997 por O Paciente Inglês. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Animação: Soul

Não fomos surpreendidos e Soul foi o ganhador da noite como Melhor Animação. O filme que tem o poder de deixar qualquer um reflexivo parece que também mexeu na cabeça dos membros da Academia. Essas reflexões, nas quais a Pixar transforma seus filmes infantis em verdadeiras questões para pessoas adultas, acompanhada de muito jazz, levou a melhor da noite como prevista para muitas pessoas. Soul realmente exalava seu poder e conquistou muito público, transformando o filme em um sucesso absoluto. Porém, a Academia tem essa tradição de premiar os maiores triunfos. 

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica, outro filho da Pixar, é uma daquelas produções emocionantes que conta sobre as relações familiares. Muito mais tocante que Soul, esse filme foi prejudicado nos cinemas com o início da pandemia. Mesmo sem a sua grande divulgação, Dois Irmãos também pode ter cativado. Já a aposta da Netflix, a rainha das indicações, foi o fofo A Caminho da Lua. A forma que o filme aborda o luto é realmente linda e o longa é uma obra espetacular para as crianças. As músicas e as cores são especiais na construção da obra que não superou as outras produções. 

O lindíssimo Wolfwalkers foi certeiro em expressar suas intenções com sua incrível animação 2D. A fantasia abordada na história não foi seu ponto central muitas vezes, assim mostrando que o longa era muito mais de expectativas. As realidades encontradas nessa obra mereciam um pouco mais de atenção. O último concorrente Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca aumentou a conta de filmes em stop motion esnobados pelo Oscar. Essa técnica só foi premiada em 2006 com a animação Wallace & Gromit: A Batalha dos Vegetais. Mas a sua história nostálgica não foi nem capaz de chegar ao supremo sucesso do premiado. – Ana Beatriz Rodrigues

Melhor Trilha Sonora Original: Soul

Que Trent Reznor e Atticus Ross subiriam ao palco do Oscar 2021 para receber o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original não havia a menor dúvida. Mesmo que Soul já estivesse predestinado à vitória depois de o filme ter varrido as principais premiações, com destaque para o BAFTA e o Critics Choice Awards, os dois compositores ainda tinham uma certa concorrência que era ninguém menos do que eles próprios, pela trilha de Mank. A dupla indicação da dupla desbancou a presença de alguns veteranos queridinhos da academia que estavam na shortlist, como Thomas Newman por Os Pequenos Vestígios e Alexandre Desplat por O Céu da Meia-Noite. Trent Reznor, que também é vocalista e cabeça da banda de rock industrial Nine Inch Nails, já trabalha com Atticus Ross em trilhas sonoras há mais de uma década, já tendo vencido o Oscar da categoria pela música de A Rede Social, o que fez com que a dupla continuasse trabalhando com David Fincher em seus trabalhos seguintes, até Mank no último ano. 

Mas seria injusto falar da Trilha Sonora Original de Soul sem exaltar a fonte de sua verdadeira alma, que são as composições de jazz do compositor, cantor, pianista e bandleader triplamente indicado ao Grammy, Jon Batiste. A música para a animação da Pixar foi o primeiro trabalho de trilha sonora para cinema do músico, que assumiu o microfone para a entrega do prêmio agradecendo a Deus pelas 12 notas musicais, sempre as mesmas 12, utilizadas tanto por Bach, quanto por Duke Ellington e Nina Simone. A colaboração entre Jon Batiste, que deu vida ao jazz no mundo real de Soul, servindo inclusive de referência para a animação do protagonista Joe Gardner tocando piano, e Reznor e Ross, que ficaram responsáveis pela trilha eletrônica onírica do pós vida, cria o balanço perfeito entre as duas realidades, e é um trabalho mais do que merecedor de reconhecimento.

Em meio a um histórico com diversas mudanças em nomenclatura e subdivisões da categoria de Trilha Musical no Oscar, que já foi dividida entre drama e comédia ou musical e já teve um prêmio próprio para trilhas adaptadas, Soul é o nono filme de animação a ser reconhecido pela Academia. Todas os vencedores anteriores foram da Disney: Pinocchio (1940), Dumbo (1941), A Bela e a Fera (1991), Aladdin (1992), O Rei Leão (1994), Pocahontas (1995), e por fim o primeiro e até há pouco único da Pixar, Up – Altas Aventuras (2009). Neste ano, além da concorrência da trilha de Mank, muito inspirada nos trabalhos de Bernard Herrmann, competiam a trilha orquestral com instrumentalização antiga de Relatos do Mundo, por James Newton Howard, a delicadíssima e espirituosa música de Minari por Emile Mosseri, e por fim as solenes composições do ignorado Destacamento Blood, por Terence Blanchard. Mesmo que seja um ano forte para as trilhas sonoras, nada mais justo do que o filme mais movido  pela música em sua narrativa levar o prêmio. – João Batista Signorelli

Melhor Som: O Som do Silêncio 

Essa não tinha como fugir ou como errar no bolão, o vencedor estava no título. O Som do Silêncio venceu o Oscar 2021 na categoria de Melhor Som, dã, é claro que venceu. Assim como em anos anteriores, onde filmes riquíssimos e com temas delimitados concorrem em categorias técnicas específicas (Trama Fantasma, um filme sobre vestidos, venceu Figurino; Soul, sobre música, venceu Trilha Sonora), Sound of Metal estava destinado a levar essa.

A categoria, de fato, foi ‘criada’ esse ano, depois da junção de Edição e Mixagem de Som em uma única disputa. Essa distinção entre os dois ramos é datada da era pré-tecnológica, quando era mais simples denotar qual trabalho se sobrepõe a outro. A Edição de Som era responsável pela criação deles, como o toque da bateria, enquanto a Mixagem modelava a Edição com a Trilha, casando diálogos, barulho e música. 

O Som do Silêncio venceu a categoria híbrida, premiando uma equipe muito competente e um filme astuto e merecedor de todo e qualquer louro. Sempre ótimo ressaltar a presença de Michelle Couttolenc, mexicana e única mulher latina concorrendo ao prêmio, numa categoria de predominância masculina. Para melhorar o momento, só mesmo o sorriso de orelha-a-orelha de Riz Ahmed lendo o envelope. – Vitor Evangelista

Melhor Montagem: O Som do Silêncio 

O nome Mikkel E. G. Nielsen pode soar familiar para você por causa de Dark (2017), mas aqui estamos falando de outro Mikkel Nielsen. O montador de O Som do Silêncio, xará do personagem da Netflix, foi responsável pela vitória do filme na categoria Melhor Montagem na noite do dia 25. O longa, que conta a história do processo de perda de audição de um baterista de heavy metal, interpretado por Riz Ahmed, já havia vencido o BAFTA e o Critics Choice, e sua vitória no Oscar era esperada.

Na categoria também estavam indicados: Chloé Zhao, por Nomadland, o grande vencedor da noite; Yorgos Lamprinos, por Meu Pai; Frédéric Thoraval, por Bela Vingança; e Alan Baumgarten, por Os 7 de Chicago. Montagem costuma ser uma das categorias mais importantes para que um filme vença Melhor Filme, e dois terços dos vencedores na categoria de Filme também venceram Melhor Montagem. A relação não ocorreu esse ano, já que Nomadland saiu vitorioso, mas Zhao perdeu por sua edição. – Jho Brunhara

Melhor Fotografia: Mank 

O superestimado filme de David Fincher não chegou nem perto de levar as categorias principais, mas até que acabou surpreendendo nas técnicas. Logo na sequência em que Jen Pascale subiu ao palco para levar a estatueta de Melhor Design de Produção, Mank foi anunciado por Melhor Fotografia, pelo trabalho de Erik Messerschmidt, rendendo uma das infelizes reviravoltas da noite. 

No ano passado, a Academia se recusou a premiar os tons em preto-e-branco de O Farol para somar mais uma conquista na conta de 1917. Mas, nesta edição, foi a tonalidade sem graça de Mank que conseguiu derrubar a possível vitória das lindas paisagens de Nomadland, que vinha levando todas ao longo da temporada. Além de superar os planos abertos e o trabalho com luzes naturais brilhantemente executados por Joshua James Richards, a fotografia marcante de Judas e o Messias Negro também passou batida. E se Relatos do Mundo tinha como única esperança vencer nas técnicas, acabou ficando para trás, ao lado do derrotado Os 7 de Chicago. – Vitória Silva

Melhores Efeitos Visuais: Tenet

Em um ano em que a maioria das superproduções da Marvel teve que ser adiada por conta da pandemia do covid-19, o caminho estava aberto para que o desafortunado blockbuster de Christopher Nolan levasse para casa pelo menos uma das estatuetas douradas. Com o resto da equipe de Tenet fora do país, coube à Scott Fisher aceitar o prêmio de Melhores Efeitos Visuais em nome de seus colegas, em um discurso no qual ele agradeceu ao trabalho e o apoio de toda equipe ao longo do projeto e finalizou citando a importância do diretor no processo.

Com Tenet, a preferência de Nolan por efeitos práticos ao invés de computação gráfica prova mais uma vez sua eficácia, produzindo cenas intensas que se tornam ainda mais impressionantes depois que seus bastidores são revelados (eles realmente explodiram um avião comercial em um armazém). E essa preferência parece ter dado certo, pelo menos para os membros da Academia, já que Tenet é o terceiro longa do cineasta a ser premiado nessa categoria, seguido por Interestelar e A Origem. Todos os filmes tiveram seus efeitos produzidos pelo estúdio britânico DNEG, que vem colaborando com o diretor desde a trilogia do Cavaleiro das Trevas.

Os efeitos visuais de Tenet, ora espalhafatosos, ora sutis, formam talvez a parte mais coesa de sua trama desconjuntada, e talvez por isso sejam a parte mais impressionante do longa, que certamente cativou nesse aspecto mais do que as acrobacias de Mulan e o cenário pós-apocalíptico de O Céu da Meia-Noite. Essa vitória marca o fim de uma temporada de premiações decepcionante para a carreira de Nolan, mas que não deixa de ser merecido. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Canção Original: Fight For You (Judas e o Messias Negro) 

Na parte de sonora da premiação, a categoria de Melhor Canção Original premia os compositores de músicas escritas especialmente para algum filme. Diversos nomes que levaram esse prêmio para casa vieram a se tornar grandes clássicos, como Somewhere Over the Rainbow, que ganhou em 1940, Baby, It’s Cold Outside, vencedora uma década depois e Let It Go, de 2014. Esses hinos atemporais conquistaram a Academia e, em 2021, outras 5 canções tentaram conquistar também.

Husavik (My Hometown), de Molly Sandén, é a única da categoria que não foi indicada também para o Globo de Ouro. A vencedora da premiação vizinha foi Io sì, de Laura Pausini e Diane Warren, para Rosa e Momo. Além delas, Speak Now, de Uma Noite em Miami…, escrita por Leslie Odom, Jr. e Hear My Voice, de um dos filmes mais indicados da noite, Os 7 de Chicago, disputaram a estatueta. 

Mas a vencedora da noite foi H.E.R., que coleciona seu segundo prêmio do ano. Depois de levar uma das categorias principais do Grammy, a cantora recebeu o prêmio de Melhor Canção Original com Fight For You, seu trabalho feito para ambientar o drama Judas e o Messias Negro. A música discute questões sociais e raciais, tema que foi apontado algumas vezes durante a cerimônia. – Mariana Chagas

Melhor Curta-Metragem de Animação: Se Algo Acontecer… Te Amo 

O favorito de grande parte do público levou a estatueta dourada para casa. Se Algo Acontecer… Te Amo foi um sucesso após sua história viralizar no TikTok e o Curta-Metragem de Animação ganhar grande reconhecimento na Netflix, que impulsionou mais ainda, com sua influência no Cinema atual, a vitória de seu representante. A trama, que percorre a dor e o luto, também foi muito sensível ao desenhar seus detalhados traços pretos e brancos, que parecem ainda mais abraçar o dolorido enredo. 

O curta-metragem conseguiu por sua vez desbancar a Pixar, sempre uma das favoritas quando a categoria é de Animação, mas que deixou a desejar em seus 6 minutos de tela de Toca (Burrow), já que explorou, de forma rasa o tema do trabalho em equipe, já abordado em outras produções do estúdio. If Anything Happens… I Love You venceu também sobre o favorito da crítica e das premiações internacionais, Genius Loci; a produção francesa era um ápice de animação, com todas suas cores, traços e sua história pela viagem psicodélica da personagem principal Reine, que talvez tenha soado como muito alternativa para a tradicional Academia. 

Seu outro concorrente, Opera, também era um dos favoritos por parte do público, mas o enredo do dinamismo do funcionamento da máquina-sociedade não foi o suficiente para conquistar o Oscar 2021, já que carregava a sensação de que faltava algo a mais para ficar marcada na premiação. O mesmo aconteceu com a islandês Yes-People, que passava uma mensagem interessante sobre o ser humano, mas dentre o sucesso nos traços e detalhes de todas as animações concorrentes ficava para trás na lista de muitos. – Larissa Vieira

Melhor Curta-Metragem em Live Action: Dois Estranhos

A categoria de Melhor Curta-Metragem em Live Action já parecia decidida antes mesmo de começar. Sem maiores surpresas, as grandes chances de Dois Estranhos sair vencedor na competição se concretizaram e, com isso, Travon Free e Martin Desmond Roe, diretores do curta, subiram ao palco para receber a tão sonhada estatueta dourada e discursar com o intuito de conscientizar, agradecer e alertar. 

“Hoje um policial matará 3 pessoas, amanhã um policial matará 3 pessoas, depois de amanhã um policial matará 3 pessoas”. Assim se iniciou o discurso de Free, e de forma sucinta o diretor apenas pediu para que não sejamos indiferentes a uma ferida aberta. A dupla não precisaria nem se preocupar com a finada música-que-interrompe-discursos, já que não foi necessário mais do que 2 minutos para Martin citar nome atrás de nome seguido de um “thank you”.

No geral, a categoria compartilhou de temas que não se distanciaram muito – violência policial, preconceito étnico, problemas sociais -, utilizando de minorias até então sub representadas na história da cerimônia para encarar essas realidades da maneira mais singular possível. O resultado não podia ser diferente. Apesar de 5 ótimas produções indicadas, Two Distant Strangers (título original em inglês) já saiu na disputa com alguns passos a frente dada a urgência da situação que retrata, aliada ao importante movimento Black Lives Matter. – Vitor Tenca

Melhor Documentário em Curta-Metragem: Colette 

Entre as viradas de jogo da noite, a categoria de Melhor Documentário em Curta-Metragem com certeza foi a mais inesperada. Se já estávamos cantando a bola para Uma Canção para Latasha ganhar, que poderia ser no máximo surpreendida por A Concerto Is a Conversation, foi Colette que acabou passando por cima de todos, mesmo vindo com pouca força ao longo da temporada. 

Mas, de fraca, a produção do The Guardian não tem nada. O breve curta atinge pela emoção de sua história, ao apresentar Colette Marin-Catherine, integrante da resistência francesa durante a Segunda Guerra Mundial, em uma visita ao campo de concentração em que seu irmão foi morto. O impacto do resultado final da obra, é claro, não chega nem perto da lembrança da injusta morte da jovem Latasha, ou do retrato dos ardentes protestos em Hong Kong em Do Not Split. No entanto, fica ao lado do apagado Hunger Ward, no quesito de ser um importante capítulo a se rememorar.

Ao receber o prêmio, o discurso do diretor Anthony Giacchino fez questão de celebrar a importância das narrativas de cada um dos indicados, ressaltando o poder de se produzir documentários. A produtora Alice Doyard ainda acrescentou uma dedicatória essencial: “Esse prêmio e esse filme são uma homenagem às mulheres de todos os lugares do mundo, de todas as idades, que estão dando as mãos e lutando por justiça”. A verdadeira força e representatividade de Colette. – Vitória Silva

O post Cineclube Persona – Os Vencedores do Oscar 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.