A Música é o tom indispensável da vida. No amor, na alegria, na tristeza, na solidão, as canções preenchem playlists embalando a vida e refletindo a alma. As composições são o espelho de como artista e ouvinte enxergam a existência, fazendo com as mudanças sejam necessárias e novidades refresquem o imaginário auditivo de quem aguarda ansiosamente por um single, quiçá um disco de seu intérprete favorito. É impossível me conformar com a potência transformadora da Música. Assim como é inevitável usar tanto floreio para introduzir esse que reúne o melhor do que foi feito em 2022.

Com o formato de vendas modificado pelas plataformas digitais, os álbuns se tornam cada vez mais inviáveis para cantores inseridos na indústria, que coage produções única e exclusivamente voltadas a músicas virais para o TikTok. Quebrando aquilo que parece ter virado regra, o Persona emerge os ossos do ofício e abocanha 73 produções que marcaram o ano na Música.

Dominando a tarefa de trazer um novo fôlego para sua arte, The Weeknd lançou a rádio Dawn FM, vislumbrando dias melhores. Coroando o topo dos rankings, ROSALÍA acelerou com muita autenticidade sua MOTOMAMI. Ao lado da catalã, montada em seu cavalo prata, a musa-mor do pop renasceu. Kendrick Lamar ficou entre a cruz e a espada, SZA pediu socorro, Björk celebrou os recomeços, Sabrina Carpenter finalmente enviou seus e-mails, Florence and the Machine renovou seu nome na lista das netas das bruxas e a loirinha mais querida cantou seus terrores noturnos.

A música haitiana foi lembrada em notas do Topical Dancer. Cruzando o oceano, no mundinho do k-pop, enquanto 2022 serviu para SEVENTEEN se consolidar de vez como uma das maiores boybands da Coreia, artistas de outros grupos tão grandes quanto embarcaram em viagem solo, com novas perspectivas, sonoridades exuberantes e trabalhos coesos que entregam turbilhões de sentimentos. No território russo a boa surpresa veio do metal vampiresco da dupla IC3PEAK.

Em solo brasileiro Acorda, Pedrinho caiu na boca do povo, Bala Desejo ganhou o grande público, Ludmilla mais uma vez provou que nasceu para interpretar pagode, Maria Rita cantou para Xangô, e os calos de Alaíde Costa a fizerem – merecidamente – a cantora nacional mais citada nos rankings. Em meio a isso, o amargo das perdas imperaram no território com os álbuns póstumos de Marilia Mendonça e Elza Soares, o adeus a Erasmo Carlos, e aquela que foi a despedida mais cruel do ano, Gal Costa, a Doce Bárbara, se encantou. 

O Melhores Discos de 2022 é dedicado a Gal Costa. Coisas sagradas permanecem!

Tinashe – 333

O álbum 333, produzido e interpretado por Tinashe, sintetiza R&B, eletrônica, pop e bass em uma produção experimental e inovadora. Através de uma trajetória minuciosa e sofisticada, a cantora combina batidas complexas com melodias cativantes e vocais emocionantes, tudo enquanto explora temas criativos e profundos, como amor, liberdade e auto-descoberta.

Sua voz é o principal instrumento do álbum, criando camadas e texturas sonoras que se misturam perfeitamente com os instrumentais. A colaboração com artistas, como Kaytranada, Chanel Tres, Kudzai e Quiet Child, adiciona uma profundidade e variedade únicas à produção. No entanto, algumas faixas podem não cativar tanto quanto outras, principalmente pela sonoridade experimental, 333 se dirige àqueles que buscam músicas que vão além do convencional, mas não deixam o mainstream de fora. 

Com seu lançamento, a artista mostra uma evolução impressionante, demonstrando sua habilidade de misturar gêneros e criar um timbre único e envolvente. Em suma, o álbum evidencia talento e  ousadia, além de seu significado através da numerologia como um símbolo de crescimento pessoal, confiança e inspiração. Para a cantora, o número representa um momento de renascimento e de conexão com sua espiritualidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Small Reminders, The Chase, X (feat. Jeremih)

5 Seconds of Summer – 5SOS5

Marcando a nova fase da banda australiana, 5 Seconds of Summer deixa de lado suas raízes punk rock e abre novas portas para o pop em seu novo disco, 5SOS5. Sendo seu quinto álbum, a obra é, senão, um dos trabalhos mais maduros que compõem a discografia dos meninos. Saindo da zona de conforto e brincando com novas maneiras de produzir arte, 5SOS5 demanda muito dos sintetizadores e das alternâncias instrumentais para abordar a clássica temática da juventude e dos relacionamentos amorosos que constituem suas composições. 

Após saírem da gravadora Interscope, 5SOS5 é o primeiro trabalho independente da banda em parceria com a BMG. Essa oportunidade dos integrantes conseguirem controlar a sua própria musicalidade foi benéfica e relevante para sua evolução musical em vários aspectos. Se libertando das amarras, o álbum explora o melhor de cada um dos membros. Contemplando com 19 faixas, as canções Take My Hand, BLENDER e Bloodhound, exemplificam inteiramente essa nova fase alternativa e fresh dos australianos. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Me Myself and I, BLENDER e Older

The Smile – A Light for Attracting Attention

Muito tempo se passou desde que Thom Yorke e Jonny Greenwood migraram seu som do post-punk para o experimental, mas o trabalho de ambos manteve algo reconhecível ainda sob o efeito do tempo. Juntos no Radiohead, os dois consolidaram os reflexos de uma cultura que tende a glorificar os inconstantes; agora, anos depois, a novidade surge de um projeto paralelo com Tom Skinner, cujo nome foi retirado de um poema de Ted Hughes. Com A Light for Attracting Attention, The Smile debutou de forma fantástica e tornou o ano de 2022 um marco musical.

You Will Never Work in Television Again talvez seja a música de protesto mais forte em todo o disco. Ao estilo de 2 + 2 = 5, ela parece ser uma ofensa direta ao degenerado Harvey Weinstein, desde seu título até sua letra. transcendência através do caos liga as 13 canções do disco, revestidas pelos dedilhados de guitarra, bases de violão e uma bateria limpa em meio aos ecos e sintetizadores. We Don’t Know What Tomorrow Brings – uma das melhores de todo o trabalho – se espelha em Jigsaw Falling Into Place e Bodysnatchers, de In Rainbows (2007), e, assim como todo o álbum, talvez seja melhor compreendida quando enxergamos suas capacidades negativas, cuja capacidade onírica de sintetizar ansiedades é interessante.

Talvez devido a produção de Nigel Godrich – que colabora com o Radiohead desde os anos 1990 e que se juntou a Yorke em Atoms for Peace –, a sonoridade do disco do power trio é familiar às primeiras produções do quinteto inglês. Nas letras, Thom Yorke reflete sobre algo maior, que nunca é de fato explanado, deixando o conteúdo sempre no campo da subjetividade. Os suspiros, sussurros e sintetizadores expansivos – como em A Hairdryer e Speech Bubbles – dão vida a um doppelgänger que parece habitar o trabalho, um tipo de espectro fantasmagórico que vaga por A Light for Attracting Attention. É possível que o prato principal servido por The Smile seja a concepção de uma Música efêmera, que ainda assim evoca sentimentos profundos enquanto escutamos. Se o “novo” Radiohead for Yorke, Skinner e Greenwood, estaremos todos bem. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Open The Floodgates, Thin Thing, Free In The Knowledge

Jovem Dionísio – Acorda, Pedrinho

2022 foi o ano da Jovem Dionísio e quem falar que não, está mentindo. A banda formada em 2019 pelos cinco amigos de infância, finalmente deixou o estreito bar do Dionísio em Curitiba e dominou todas as paradas do Brasil em seu álbum de estreia Acorda, Pedrinho. Os garotos não entregaram apenas um clipe para sua faixa-título, mas sim um curta-metragem, em uma narrativa marcante e original que engloba toda a identidade visual do álbum, compondo inúmeras referências da história dos integrantes. 

A banda indie pop explorou de ritmos especificamente brasileiros para compor em sua primeira discografia, arranjos conduzidos por batidas de funk em Tu Tem Jeito Se Quem Gosta, até os acordes de violão da bossa-nova em Ai De Mim. Marcando esse brasileirismo, o álbum alcançou no ano passado a marca de 6,7 milhões de ouvintes no Spotify e mais de 170 mil vídeos com a canção título no TikTok. Sendo um dos nomes em ascensão do pop atual, Jovem Dionísio deixou sua marca logo em seu primeiro disco, fazendo todos os ouvintes acordarem para os próximos lançamentos da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Belnini, Cê me viu ontem, Não foi por mal

Kilo Kish – AMERICAN GURL

Reflections in Real Time, o primeiro álbum da multiartista Kilo Kish, é uma representação estilística e temática de amadurecimento pessoal e artístico — em um modelo de mixtape que abrange os mais variados gêneros de instrumentais e vocais —  que consegue ser um dos mais subestimados projetos da cena R&B contemporânea. Mesmo que mais conhecida por suas colaborações com Vince Staples, pouco muda em seu novo lançamento, não reverberado na cena crítica quanto deveria. A partir de memórias ressonantes da vida de consumo, da MTV e do eletropop de 2010, AMERICAN GURL também constrói tal marco, expandido para além de suas faixas e dos 40 minutos do álbum, no pop alternativo.

Kish estende um olhar satirizado e exagerado à cultura estadunidense, feito antes por Santigold e CSS, para construir um posicionamento sobre poder, escolha e identidade dentro das normas da indústria da música pop; um raciocínio ainda mais fortuito em sua condição independente, na qual é capturada pelo dilema de possuir controle acerca de sua própria narrativa enquanto artista ou de ter o necessário, dado por uma gravadora, para colocar sua Arte no mundo. Em faixas como AMERICAN GURL, DEATH FANTASY e TV BABY V.2 (LATCH KEY MARCH), a cantora pensa as definições que a revestem enquanto uma artista e um produto na indústria. Revestida por suas expectativas e pressupostos vindos de mulheridade, raça e idade, Kish busca subverter o sonho americano para atestar a validade de seu objetivo: estar completamente livre de si mesma.  — Enzo Caramori

Faixas Favoritas: AMERICAN GURL, NEW TRICKS: ART, AESTHETICS AND MONEY, SUPER KO LOVE

Aquino e a Orquestra Invisível – Aquino e a Orquestra Invisível

Depois do lançamento do disco Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, a Aquino e a Orquestra Invisível faz seu retorno com um EP homônimo. No projeto, o trio carioca trouxe três singles lançados anteriormente, e duas canções inéditas: MTV e Eu e Ela. Indo de músicas cheias de brasilidades, que trazem notas de samba, MPB e bossa-nova, e chegando até sons oitentistas, com sintetizadores e batidas rápidas, os 14 minutos do Aquino e a Orquestra Invisível são como uma salada mista, funcionando muito bem juntas.

Representada pelo Bolo de Rolo, sub-selo do selo Rockambole, a banda entra em uma fase mais madura, mesmo que ainda trate temas joviais, como o amor e a vida na cidade. As composições do extended play, feitas pelos três integrantes, conseguem situar o ouvinte no tempo-espaço, falando sobre praias, varandas e interiores de casas. Com versos bem pensados, como “o tempo passou, mas nem tanto assim, sempre que eu me olho vejo um pouco de você em mim”, os cariocas conseguem descrever o crescer, e as mudanças que ocorrem entre épocas. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: MTV, Eu e Ela, 20 Anos e Meio.

Black Country, New Road – Ants From Up There

Em 31 de Janeiro, Black Country, New Road anunciou que Isaac Wood estava deixando o grupo para tratar questões de sua saúde mental. Apesar de toda a dúvida que se seguiu, Ants From Up There foi lançado em 4 de Fevereiro, e inevitavelmente foi visto como um álbum de despedida. Embora muito da estética da banda seja resumida no estilo vocal de Wood, soando como o Arcade Fire de Funeral (2004), o novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica.

Ainda assim, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, como se fizesse parte de um exercício de jam session no qual se mantém o maximalismo como força motriz. De forma surpreendente, porém, o segundo álbum da banda londrina traz canções explosivas, que conduzem o ouvinte em progressões enérgicas e culmina num disco que já nasceu obra-prima. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Chaos Space Marine, Bread Song, Concorde

Anná – BRASILEIRA

Há discos que fogem de qualquer imediatismo. Assim é BRASILEIRA, último lançamento da multiartista Anná: uma obra que nos conquista de escuta em escuta. Desenvolvido como movimento constante, que se desdobra em diversas camadas, o mais recente álbum da neta tropicalista consegue colocar presente, passado e futuro em único plano, sem soar desconexo, confuso ou inacabado. Anná abre os caminhos de uma viagem espiralada, respeitando e inovando as tradições para sintetizar um século inteiro de música nacional.  

Com a abertura perfeita, BRASILEIRA evidencia desde a primeira faixa que estamos diante de uma proposta bem diferente de Colar, incomparável álbum de estreia da cantora mocoquense. Assumindo coragens e riscos, Anná reitera seu potencial inventivo em um disco sintético, mas nada superficial. Fruto de novos experimentalismos – estes, sim, permanentes na artista -, BRASILEIRA comprova o que já parecia óbvio: Anná sabe se reinventar e dificilmente cairá na mesmice para agradar aos mercados e públicos. – Eduardo Rota Hilário

Faixas Favoritas: Rito de Passá, Valdineia e Somos Resistência   

The 1975 – Being Funny in a Foreign Language

Em Being Funny in a Foreign Language, Matty Healy não está interessado em excessos. O vocalista não quer utilizar metáforas que explicam como é difícil se relacionar na era digital, tampouco falar apenas sobre drogas, sexo ou niilismo, assuntos recorrentes em seus últimos trabalhos. Ele não quer falar sobre sinceridade, mas sim ser sincero da forma mais sucinta e direta possível e, para isso, ele decide falar sobre o amor. Apesar de seguir um caminho diferente do que a banda estava acostumada, o amor está no âmago de um registro honesto e terno que carrega muito da essência artística de The 1975, sintetizando-o em cativantes 44 minutos de duração.

Se fosse roteirizado, o álbum seria aquele momento alguns anos após o fim de filmes coming of age, nos dizendo que envelhecer é bom e simplifica a maioria das coisas pelas quais sofremos hoje. As composições de Healy, co-produzidas pelo onipresente Jack Antonoff, são levadas a novos patamares ao que ocorre uma elevação da intimidade no processo criativo de escrita do vocalista. Ao fazer isso, essa obra que dá ênfase não só na razão, mas principalmente na emoção, passa a ser uma experiência intensamente íntima e visceral para todos que a ouvem. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Oh Caroline, I’m In Love With You e About You

PVA – BLUSH

Tendo conquistado sua fanbase através de insanos sets ao vivo e seu EP de estreia, Toner, existia o grande desafio de aumentar a aposta com o lançamento do primeiro álbum do trio londrino de música eletrônica dance pop PVA, que recentemente produziu um gélido remix gótico industrial do hit ‘Welcome To My Island’, de Caroline Polachek. BLUSH é um impressionante disco de estreia, com uma abordagem emocional muito mais desenvolvida do que os trabalhos anteriores da banda, que consolida uma pulsante energia dançante, bruta e poderosa, além de revelar mais sobre os sentimentos do trio.

As 11 faixas de BLUSH esbanjam ácido, disco, sintetizadores latejantes, post punk, texturas ásperas, transições escorregadias, pistas de dança underground e melodias faladas, acompanhadas por uma identidade visual futurista, ousada e caótica. O álbum gera a visão de um ser humano dividido entre dois estados, preenchido com a sensação de estar preso e no processo de se libertar: “Você me deixou livre ontem/Eu me sinto como um bebê recém-nascido agora/Absorvendo todas as cores e formas e visões e cheiros/Como se fossem todos novos/Eu me sinto novo”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Untethered, Hero Man e Bunker

BLACKPINK – BORN PINK

Bem antes de articularem seu primeiro disco, Jennie, Jisoo, Lisa e Rosé já dominavam a arte de fechar o pop coreano para balanço, revisitando raízes e despejando uma pitada de identidade que impulsionou o sucesso de BLACKPINK além do oceano pacífico. Porém, se THE ALBUM tentava medir a cativação internacional do grupo mergulhando em milhares de ritmos, BORN PINK mostra que, em 2022, as garotas propagandas da YG Entertainment sabem exatamente a autoridade que possuem. Sondando seu passado multifacetado e cortando as colaborações externas, elas aposentam a exploração para mirar na consolidação de seu trabalho inconfundivelmente rico em vertentes do hip hop, trap e EDM.

A execução do LP repete as estratégias marketeiras de Teddy Park, produtor do girlgroup desde sua estreia e fator limitante do escopo criativo das artistas. Com isso, apesar de reter BLACKPINK à fórmula mediana de oito faixas, o conjunto consegue retratar vozes seguras de suas verdades e investidas na reafirmação desse poder transcendental. Recheando a era com trocadilhos e homenagens às fases que percorreram em seu espaçoso currículo, as quatro cantoras reúnem um sentimentalismo apaixonante, valorizando seu frescor consciente e, só para dar uma palhinha na experimentação, entregando primores no rap refinado por rock e música clássica. O veredito? Felizmente, as titãs do k-pop sempre estão pintando e bordando na nossa área. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Shut Down e The Happiest Girl.

Hyd – Clearing

Hayden Dunham ou Hyd, seu nome artístico, é uma estreante no electro pop internacional, mas desde seu primeiro álbum Hyd, em 2021, só vem lançando sucessos eletrizantes. Suas músicas passam a sensação de velocidade e Clearing nos traz muito desta energia, com letras que vão do amor próprio à desilusão romântica. Seu trabalho no álbum também consegue ser delicado e intimista.

Dunham vem trabalhando no disco há um tempo considerável. Desde 2014, ela planejava e tentava reunir artistas amigos como Alex Somers e Caroline Polachek. O resultado não poderia ser melhor, e 2022 trouxe a ela o sucesso merecido com uma turnê de apresentação e sua apresentação no Pitchfork Music Festival em Julho do mesmo ano – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Fallen Angel, Trust e Glass

Charli XCX – Crash

O álbum Crash da Charli XCX é um retorno triunfante à sonoridade pop que catapultou a cantora para o estrelato. Em um momento em que muitos artistas exploram sonoridades alternativas e experimentais, como ela mesma em seus últimos projetos, em Crash se destaca justamente por sua habilidade de criar um som vibrante e acessível que ainda se mantém atual e fresco.

Celebrando verdadeiramente o gênero, a obra é repleta de melodias chicletes e refrões contagiantes. A produção é refinada e polida, dando o espaço necessário para brilhar como vocalista e performer. As letras, apesar de em alguns momentos parecerem superficiais, mostram uma clara autoconsciência por parte da artista, revelando um lado vulnerável e emocional que adiciona profundidade ao álbum.

Embora possa ser criticado por sua falta de experimentação e risco, é inegável que Charli XCX é uma das melhores em criar um som pop que atinge o seu objetivo, when I wanna go pop, I’ll pop/I got them hits. O álbum oferece aos ouvintes uma dose saudável de diversão, energia e entusiasmo que pode ser difícil de encontrar em outros gêneros, e prova o talento e carisma da artista, mostrando que ela é capaz de conquistar os corações dos fãs e de manter-se relevante no mundo pop. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Baby, Used To Know Me, Move Me

Maria Rita – Desse Jeito

Dentro da música nacional, poucos artistas possuem um trabalho tão meticulosamente articulado, intensamente dedicado e iminentemente regenerador como o de Maria Rita. A cantora não faz mea culpa em afirmar o compromisso com seu trabalho e com o perfeccionismo, lançando apenas aquilo . E assim, quatro anos após Amor e Música, Maria Rita voltou às plataformas digitais com o refinado e poderoso Desse Jeito. O EP, que conta com seis faixas, passeia pelos territórios que a intérprete mais domina: amor e religião.

Sempre intima às canções, Maria vozeia paixões, desamores e fé, e de quebra marca sua estreia como compositora, nas faixas Por Vezes e Canção Pra Erê Dela. É a faixa-título, composta por Luiz Antônio Simas em parceria com Fred Camacho que norteia as sensações envolvidas em todo o processo do projeto. Desse Jeito denuncia a intolerância religiosa, traz a ancestralidade, a força e a simplicidade dos orixás, em vigorosos versos que coordenam as emoções do ouvinte, enquanto a cantora toma posse da letra com seu vocal inigualável: “Axé, mojubá, zambi, kolofé/Qual é? Cada um com a sua fé”. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: E Eu?, Desse Jeito, Canção Pra Erê Dela part. Teresa Cristina

The Weeknd – Dawn FM

Depois que The Weeknd foi retratado enfaixado e ensanguentado em After Hours, a capa de seu quinto álbum de estúdio o retrata precocemente envelhecido, como se seus exageros do passado o tivessem alcançado. Há múltiplas interpretações acerca do significado dessa imagem, e uma delas é a de que os temas que marcaram as composições do cantor canadense – dentre eles, autodestruição e relacionamentos tóxicos – passaram a soar tão antigos quanto ele aparenta. Dawn FM marca, talvez pela primeira vez, o vislumbre de “dias melhores” nas canções de Abel, realçando sua evolução dentro da indústria musical.

A rádio fictícia transmitida do além pouco se importa em ter grandes hits que agradam as rádios do mundo atual. É notório como, dessa vez, o álbum possui uma maior expressão da essência do artista, com faixas que aprofundam suas influências oitentistas deslumbrantemente. Passando pelas músicas mais elétricas às mais contemplativas e contando com a participação de grandes nomes como Swedish House Mafia, Tyler, the Creator e as ilustres presenças de Jim Carrey e Quincy Jones como uma espécie de narradores do programa, o mais recente trabalho de The Weeknd oferece o som de um artista que sabe que é um dos melhores de seu jogo. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Gasoline, Sacrifice e Here We Go… Again

Florence + the Machine – Dance Fever

Pode até soar inofensivo, mas nada é mais assustador do que existir, e Florence + the Machine parece entender muito bem sobre essa sensação. Dance Fever, quinto álbum da banda britânica de indie rock, se inspira em filmes de terror como Midsommar e Suspiria para invocar cada nota rebelde e libertária de um dos discos mais intensos e melódicos do ano.

Com uma discografia onde a essência mística de Florence Welch é presente, Dance Fever se destaca pelo profundo intimismo explícito em cada uma das faixas. É como se entrar numa viagem pelo córtex cerebral de Welch e ser recebido em um altar composto por velas, incensos, cristais, sal grosso e uma taça de vinho. Entre o frenético e o singelo, os instrumentos se mesclam entre canções formando uma verdadeira dança febril, que apenas Florence + the Machine poderia proporcionar nesse pós-apocalíptico 2022. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: King, Dream Girl Evil, Heaven Is Here

Sabrina Carpenter – emails i can’t send

“Você usou um garfo uma vez, acontece que eles estão por todos os lugares” talvez soe como a lírica mais banal para alegorizar um coração estraçalhado, mas Sabrina Carpenter não está afim de maximizar nada além das dores do crescimento. how many things é só uma confissão no meio da intensa sessão de terapia que estrutura emails i can’t send, quinto álbum de estúdio da artista e o primeiro da carreira disposto a derrubar sua típica armadura de autoconfiança. Priorizando o urgente processo de sentir colisões, naúseas e mudanças, a coletânea valoriza o conforto da música pop enquanto atravessa pianos, trompetes, batidas eletrônicas e outros ritmos que poderiam tranquilamente sair de Ariana Grande ou Kylie Minogue.

Entretanto, os ares familiares nem chegam perto de influenciar a narrativa que lidera o álbum: a de Carpenter, sozinha com seus próprios pensamentos. O divertido labirinto emotivo de Tornado Warnings logo é substituído pela afiada because i liked a boy, referência totalmente explícita às ameaças de morte que embalaram a vida da loira nos últimos dois anos. Confrontando quem lhe regala os títulos de puta e destruidora de lares, Sabrina se exorciza das amarras colocadas por um suposto triângulo amoroso, inclusive, em seu domínio criativo. Depois da revanche, vem a liberdade para encerrar ciclos e até curtir um sleeperhit inédito no currículo musical. Ela apertou o botão de envio, graças a Deus. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Vicious, Fast Times e decode.

Elza Soares – Elza Ao Vivo No Municipal 

É difícil fugir do clichê: Elza Soares realmente cantou até o fim. Ao gravar o disco Elza Ao Vivo No Municipal dois dias antes de partir para a eternidade, a Mulher do Fim do Mundo encerrou sua carreira de forma brilhante. Como uma verdadeira lenda da música brasileira, Elza da Conceição Soares protagonizou um show extremamente simbólico, capaz de sintetizar e representar décadas ímpares de uma carreira incomparável. Abraçando desde Se Acaso Você Chegasse até Comportamento Geral, o álbum póstumo da Voz do Milênio é feliz ao registrar a trajetória viva de uma artista-fênix.  

Os mínimos detalhes tornam Elza Ao Vivo No Municipal um disco apoteótico. Há coroas e tronos no palco e nas canções do espetáculo. Elza aparece majestosa já na capa do álbum, com um olhar que nos convida a conhecer melhor sua grande despedida. Tudo é muito sublime e bem planejado, e a carreira de Elza Soares é nitidamente projetada diante dos nossos olhos. Encerrando o repertório com Mulher do Fim do Mundo, em uma escolha assustadoramente profética, Elza Ao Vivo No Municipal coroa o imenso legado de uma diva inesquecível. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Meu Guri, Volta por Cima e Mulher do Fim do Mundo

Deize Tigrona – Foi Eu Que Fiz

A ascensão de Deize Tigrona foi um grito estrondoso diante do silêncio que assombrava o território feminino do funk. Em outros termos, a artista carioca ousou desbravar biomas dominados por predadores os quais, acima de tudo, temem a extinção do conservadorismo. Na perspectiva histórica, há muitos mistérios a respeito da origem do universo e do desaparecimento de espécies. Todavia, na perspectiva musical, não há dúvidas: Deize Tigrona foi o Big Bang do universo explícito e feminino do funk e, ao mesmo tempo, o meteoro que aniquilou mentes caducas e quadradas.  

Foi Eu Que Fiz supera a definição limitante de álbum e se apresenta como um ato confessional de uma mulher que colocou a cara a tapa. Ademais, é válido enfatizar que a artista moradora da Cidade de Deus quebra, magistralmente, o contraste das ideias de sensibilidade e explicitude, e as torna quase que sinônimos. Tal fato fica nítido na faixa Monalisa na qual Deize convida o ouvinte a dançar com as incertezas e reviravoltas da vida que, no fim, podem ser boas companhias. A volta de Deize Tigrona é um pequeno passo para o funk carioca, mas um grande salto para a cena feminista sáfica da música brasileira.  – Ana Cegatti

Faixas Favoritas: Monalisa, Bondage, A Mãe Tá On

Marília Mendonça – Decretos Reais, vol. 1 & 2

Definitivamente o Brasil não estava pronto para perder de maneira tão trágica e tão precoce uma de suas maiores vozes. É como se o mundo tivesse ficado um tanto mais calado depois da morte de Marília Mendonça ser anunciada no fatídico 5 de Novembro. Coroada Rainha da Sofrência, a manutenção do legado da cantora, traduzido em Decretos Reais, é a comprovação concreta da imensidão da obra de Marília. 

O projeto póstumo conta com as faixas remasterizadas extraídas da live Serenata, realizada pela artista em maio de 2021. A saudade da cantora, misturada à excelência de seu trabalho, fizeram com que ambos volumes permanecessem por semanas no topo das paradas. Decretos Reais exibe um lado brega-romântico de Marília, que toma para si canções como Te Amo Demais e Morango do Nordeste. A grande notoriedade fica a cargo de Leão, faixa presente no volume 2. A música feita para o álbum Zodíaco do rapper Xamã, foi um dos últimos feats feitos pela cantora. Te Amo Demais, Marília. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Te Amo Demais, Sendo Assim / Muito Estranho (Cuida Bem de Mim), Morango do Nordeste

Björk – Fossora

Björk comentou em entrevistas sobre como Fossora é seu álbum mais festivo, como uma rave pós-distanciamento social. No entanto, a obra se mostra mais densa e nebulosa que uma festa de techno, conforme a islandesa explora temas profundos de seu interior, como a morte de sua mãe, sua existência feminina, relações amorosas e familiares. Foi produzido durante um período de isolamento e luto, uma jornada que exigiu força, inovação e emoções. O 10º disco de Björk é uma união complexa, pesada, intensa e espinhosa de sonoridades, perdas, dores, e ao mesmo tempo, uma celebração da vida e de recomeços sensíveis.

As composições estreitam as relações da artista com diferentes colaboradores, como serpentwithfeet, Kasimyn, os experimentalistas eletrônicos indonésios Gabber Modus Operandi, que ajudaram Björk a criar um biological techno, e a própria filha, Ísadóra Bjarkardóttir Barney. Fossora não é uma obra acessível, ele necessita de tempo e atenção para nos conduzir por caminhos e sonoridades imprevisíveis, num fascinante universo de fungos e acalentadoras paisagens islandesas. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Atopos, Victimhood e Fossora

Terno Rei – Gêmeos

Em 2019, Terno Rei lançava o que seria seu maior sucesso de público até então. Com Violeta, o grupo testou novas sonoridades e flertou com o pop em músicas de versos poéticos e certeiros. Com a sinceridade que também esteve presente nos trabalhos anteriores da banda, Vigília (2014) e Essa Noite Bateu Como Um Sonho (2016), os quatro músicos alcançaram elogios da crítica e uma turnê de sucesso, que se desmanchou em 2020 com o isolamento, necessário em decorrência da pandemia da covid-19. Em um período de isolamento, de medos e inseguranças, refletindo sobre as mudanças sofridas durante os muitos anos de banda e em uma carta aberta sobre a juventude, Alê Sater, Bruno Paschoal, Greg Vinha e Luis Cardoso constroem, juntos, um novo álbum.

Assim como na capa, em Gêmeos o ouvinte é apresentado a um lado mais colorido, ainda mais pop na sonoridade que explora novos ambientes e letras que conversam com o ouvinte de maneira aberta, em canções ainda auto reflexivas. Em 12 músicas que embalam o público em uma nostalgia dos anos 2000, tanto sonora quanto visual, a essência da banda ainda pode ser captada, mas com um toque especial.

Observando tudo que já havia sido produzido e subindo o nível, o grupo aqui se apresenta ainda mais sutil, mais delicado e mais vulnerável. Em uma ambiguidade presente já no título, as composições passeiam entre as dúvidas que surgiram com tanta facilidade em um período onde o tempo hábil era muito e a inquietação, tão naturalizada em uma juventude que não se permite parar e contemplar, realmente ouvir. E que bom é poder ouvir Terno Rei de novo, mesmo que esse não seja exatamente o ano mais triste das nossas vidas – Aryadne Xavier.

Faixa Favorita: Olha Só, Difícil e Esperando Você

Steve Lacy – Gemini Rights

O segundo álbum de estúdio de Steve Lacy, Gemini Rights, segue as propostas de seu antecessor, Apollo XXI, ao dialogar com o inseparável R&B, porém, se diferencia na pluralidade de ritmos e melodias alcançadas em seu lançamento. Lacy mostra que consegue sair da zona de conforto e passear entre diversos gêneros, da bossa-nova perfeitamente encaixado em Mercury, ao neo-soul já conhecido de Static. Foi assim que o cantor conseguiu uma evolução clara de seu álbum de estreia. 

Assim como grande parte do repertório musical, Steve também fez uso de acontecimentos e sentimentos particulares para compor suas letras. E no resultado final, o artista tem a mistura perfeita: um disco com personalidade e com o toque singular do jovem cantor, capaz de deixar até mesmo um pop comum como o de Bad Habit único e cativante. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Mercury, Sunshine e Amber

yeule – Glitch Princess

A música de yeule apresenta uma perspectiva pós-humanista, conforme a artista explora a relação entre identidade e tecnologia através de melodias melancólicas de post-pop que constroem um labirinto no ciberespaço. Em seu segundo álbum, a artista avant-pop de Singapura, Nat Ćmiel, se autointitula Princesa do Glitch e conduz o ouvinte por um caminho sombrio e pixelado, cheio de códigos de computador quebrados e mensagens de erro.

Destacando-se de seus trabalhos antecedentes, Glitch Princess se desafia criativamente e é apresentado de forma marcante e estranhamente acessível, sendo capaz de transmitir sua essência com ambientações oníricas e texturas eletrônicas experimentais. A obra é repleta de vulnerabilidade e pessimismo, onde desastres pessoais são a principal catástrofe. Os versos são construídos de forma sensível e pessoal, e o uso das batidas e sintetizadores é calculado para ecoar e proporcionar a imersão dentro de uma dimensão cibernética que atua como um consolo e um vício: “Em volta do meu pescoço, uma máquina amigável/Finge limpar minha memória/Finge fazer tudo ir embora/Finge me fazer sentir muito bem”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: My Name is Nat Cmiel, Don’t Be So Hard on Your Own Beauty e Bites on My Neck

FLETCHER – Girl Of My Dreams

Pegar um coração partido e transformá-lo em Arte não é tarefa das mais simples, mas o resultado é um dos que mais se aconchega junto a quem o compartilha com o artista. Se a dor é combustível para a criação e o meio artístico, uma via para externalização, FLETCHER transformou um término de relacionamento e o seu processo de superação em glória: fruto da sua jornada até aqui, surge Girl Of My Dreams, álbum de estreia da norte-americana.

Se em THE S(EX) TAPES, o fim era recente e Fletcher lidava como os novos sentimentos através da tristeza, da raiva e da recaída, como quem passa por uma fase de luto, o disco, lançado dois anos depois do EP, aproveita o tempo para deixar a ferida cicatrizar. Agora, o que predomina é a aceitação, a saudade, a nostalgia, o amor próprio e a esperança de seguir em frente. Ressoando com quem se identifica com o momento, Girl Of My Dreams segue o estilo musical da artista em faixas ora dançantes e animadas, ora lentas e melancólicas, provando os altos e baixos de qualquer momento. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Better Version, Becky’s So Hot, Serial Heartbreake

SUHO – Grey Suit – The 2nd Mini Album

Grey Suit continua a pintura impecável da trajetória musical solo de SUHO, integrante do grupo sul-coreano EXO. Valorizando as sensações e emoções como os artistas do movimento pós-impressionista, o cantor simula na sonoridade a mudança visual de tom encontrada nas telas da sua grande inspiração, Van Gogh. Se em Self-Portrait, a estreia de Kim Jun-myeon, um plano de fundo melancólico foi adotado nos instrumentais, o segundo mini álbum traz a tona cores quentes que iluminam e tornam leve a composição. Dos autorretratos confusos, ele surge em meio aos girassóis.

Com uma produção detalhista que, surpreendentemente, mira em riffs de guitarra que soam como as clássicas baladas românticas da banda Scorpions, Grey Suit coloca o k-pop em uma perspectiva inédita. De volta após o afastamento de dois anos dos palcos para servir o exército militar obrigatório, o disco celebra um novo ciclo ao lado dos fãs, para quem SUHO é a personificação do significado de seu nome artístico, guardião: “Bem onde você está/Você foi como um milagre que eu conheci em uma noite de verão/Como uma flor que desabrochou no final do inverno”. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Morning Star, Hurdle e Bear Hug

Bastille – Give Me The Future

Se a Bastille teve uma década para descobrir e redescobrir sua identidade musical, renová-la e depois inová-la novamente, a solução para a próspera carreira dos donos de Pompeii foi apostar no conceito. Logo no início da frutífera safra de discos de 2022, a veterana resolveu abraçar um universo distópico e futurístico, e traduziu a ficção científica no álbum Give Me The Future. O quarto trabalho de estúdio do grupo seguiu à risca o que se propuseram a fazer: com vozes de robôs durante as faixas e seguindo sua linha de videoclipes narrativos e imersivos, o quarteto também estendeu a experiência única do álbum para o âmbito audiovisual, corroborando com o universo conceitual. 

Evocando cores e luzes a partir de uma sonoridade sintética – se diferenciando do indie rock pelo qual a banda ganhou espaço na indústria musical -, a liricidade também é imaginativa, inventando situações e pipocando referências a obras da cultura pop e da ficção, como Thelma & Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos de Aldous Huxley. Com seu futuro ultra tecnológico e solitário, Give Me The Future alcança até o cyberpunk no que aborda sobre o cerceamento da liberdade e a linha divisória entre real e fictício, criando uma das experiências mais divertidas da Bastille desde Doom Days.

Faixas Favoritas: Thelma + Louise, Back To The Future e Future Holds

Harry Styles – Harry’s House

Em Harry ‘s House, o britânico convida o ouvinte para entrar em sua casa, deixando todas as gavetas abertas, molduras coloridas nas paredes e poeiras nos rodapés dos quartos. O disco, composto por treze faixas, traz uma tour completa pela morada do músico e faz questão de mostrar como esse está amadurecendo, por meio de referência aos seus ídolos dos anos oitenta, samples de autorias da década de setenta e uma estética sonora familiar, que remete ao confronto de um lar. Na porta de entrada, Harry recebe quem o visita com ritmos animados, nos singles Music for a Sushi Restaurant e Late Night Talking. Ao adentrar mais na casa, passando pelos corredores com as fotografias de família, são apresentadas as batidas e as letras melancólicas de Little Freak e Matilda, para então conduzir ao seu jardim, no quintal dos fundos, com baladas românticas como em Love of My Life.

Além do amadurecimento, o álbum trata de um Harry apaixonado, que quer transpassar para o mundo os prazeres e as desventuras dessa sua condição. Ainda que não tenha apresentado nada revolucionário para o mundo da música, o disco trouxe algo novo na carreira do artista. As It Was encontrou o equilíbrio dos singles de álbuns anteriores, entre a tristonha Sign of the Times e o verão despreocupado de Watermelon Sugar. Iniciando polêmicas, o disco acabou levando o prêmio de melhor do ano no Grammy 2023, escolha muito contestada pelo público, perante aos outros álbuns indicados na categoria. Contudo, mesmo que não seja “o” melhor, não fica de fora dos Melhores do Ano, afinal o disco diverte e aconchega, chegando em casa com segurança. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: Matilda, Keep Driving, Love of My Life

Urias – HER MIND, PT. 1

Para os fãs que têm acompanhado avidamente cada passo da era HER MIND, é até difícil imaginar que, ainda em 2022, Urias nos entregava a versão final do incrível FÚRIA, seu primeiro álbum de estúdio. Entretanto, pouco mais de quatro meses depois, a cantora enterrou o preto-e-branco para, ao invés, saturar suas cores ao limite. O azul e amarelo vibrantes da arte que estampa a primeira parte de HER MIND ilustram a sonoridade assumidamente psicodélica do EP, que une a música eletrônica e latina no mais próximo de um projeto de hyperpop que o mainstream brasileiro proporcionou até aqui.

No auge de sua criatividade e inventividade, Urias toma o caminho inverso do que propõe Linn da Quebrada em sua obra. Dona de uma identidade constantemente reduzida aos encargos do corpo, HER MIND extrapola a experimentação da artista para mergulhar no âmago de sua própria mente. Os versos que misturam inglês, espanhol e português – em uma progressão que preza pelo caos –, traduzem os processos intrincamente internos de uma mulher trans que, depois de tornar-se visível e adquirir acessos que nunca teve, enfim permite-se à individualidade. E ainda assim, ao invés do que poderia-se antecipar, a proposta íntima intensifica a personalidade combativa de Urias, reafirmando, através das faixas mais pujantes de sua carreira, que ninguém é capaz de copiar seu Je ne sais quoi. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: R.I.P., Je ne sais quoi, The way I drop

Rina Sawayama – Hold The Girl

Com uma estreia grandiosa em 2020, as expectativas para o segundo álbum da cantora e compositora Rina Sawayama eram altas, e através de treze faixas que percorrem do pop ao rock à eletrônica, ela não deixa a desejar. Com Hold The Girl, Sawayama abre feridas e muitas vezes canta para sua ‘eu’ mais nova, refletindo sobre sua inocência passada ao passo que busca se curar e se libertar de tudo aquilo que um dia a prendeu, dando um quê esperançoso à obra.

Na faixa de abertura, Minor Feelings, Rina atinge o limite de tudo que guarda para si e expressa a necessidade de tomar controle da própria vida. A canção é sequenciada pela faixa-título, onde ela se encontra falando com a criança que um dia foi, tentando confortá-la e aprender com seu passado. Os vocais e produções marcantes em cada música fazem de Hold The Girl um álbum espirituoso, que combinados com as canetadas sinceras de Rina Sawayama, a torna uma das artistas mais autênticas na cena pop atual. Por fim, a obra se encerra com To Be Alive, onde tudo aquilo que foi almejado ao longo da jornada é alcançado, e Sawayama finalmente encontra paz em todas as versões de si mesma. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Hold The Girl, Frankenstein e Phantom

King Princess – Hold On Baby

“Meu deus, é muito difícil ser amada, mas é a vida”, entoa King Princess em Too Bad, faixa integrante de Hold On Baby. Já na canção que fecha o álbum, ela admite que “Sabia que isso aconteceria/Você está brava e se sentindo presa/Eu sinto a pressão/Eu não sou sua captora/Eu odeio me sentir sem esperança”. Depois de Cheap Queen, disco de estreia da cantora indie nova iorquina, a êxtase do começo da carreira e do início de um relacionamento dão lugar a uma estabilidade em ambos sentidos, com letras maduras e afiadas acertando em cheio o que a compositora expõe. Estabilidade essa, porém, que é refletida em sua musicalidade só parcialmente: a certeza de alguns aspectos levanta dúvidas sobre outros, e dão espaço para a artista se questionar – e externalizar tais ponderamentos em sua personalidade musical. 

No trabalho, as 12 faixas perpassam os questionamentos que surgem em um relacionamento duradouro, a identidade enquanto musicista (agora) consolidada na indústria musical e as suas próprias inseguranças enquanto jovem adulta ansiosa, triste e sexy. Como um sinal claro de que Mikaela Straus se sente mais confiante musicalmente – no álbum, ela participa da produção de suas canções -, a artista abraça a mistura de estilos e sonoridades durante as faixas: longe da falta de uma única identidade, ela assume o seu caos. Misturando solos de guitarras indie a baladas com pianos melódicos, e ampliando o alcance de sua voz, Hold On Baby demonstra uma liberdade ainda inédita para a promissora carreira de King Princess. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Cursed, Sex Shop, Let Us Die

Cults – Host B-Sides & Remixes

Em Host B Sides & Remixes  a banda de indie rock Cults, traz doçura e paixão a um 2022 de guerras e conflitos. Agrupando os singles My Window, Sleeping Through Sunshine e versões remixadas do álbum Host , a vocalista Madeline Follin e o guitarrista Brian Oblivion se mantêm entre as melhores “novas” bandas de indie, mesmo completando 12 anos de trajetória.

Artistas como Johnny Jewel e Tama Gucci conferem ao álbum uma roupagem eletrônica, mas que preserva a essência da banda que sempre remeteu ao frescor e a suavidade, além de um apego à juventude. Este já é o oitavo álbum de Cults se considerarmos os EPs, mas ainda sim há a preservação da qualidade que foi vista nos primeiros álbuns Cults e Static . – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Sleeping Through Sunshine, My Window e Trials (Johnny Jewel Remix)

Icarus – BK

Preso dentro de labirintos, BK almeja asas para voar. O quarto álbum de estúdio do rapper nos guia por uma jornada até nossa emancipação. Uma busca que esbarra em temas políticos, mas não deixa, é claro, de cantar sobre a droga mais perigosa e saborosa: o amor. Com referências da mitologia grega, o cantor explora em Icarus a crescente até sua libertação – vemos em cada faixa um pouco da esperança, das contradições, dos defeitos e dos sonhos do próprio BK mesclados com a trágica história de Ícaro e Dédalo. 

Para adicionar pluralidade, contraste e profundidade às faixas, o álbum contou com a colaboração de Marina Sena, L7NNON, Julia Mestre, Bebé Salvego e Luccas Carlos. A combinação trouxe lirismo, batidas e um ritmo não tão inovador, mas encantador no jeito BK. Entre passos e tropeços, acertos e erros, Abebe Bikala conseguiu entregar o equilíbrio que faltou para Ícaro, e contou com seu legado de Gigantes e O Líder em Movimento para conquistar ainda mais admiradores no cenário nacional e consolidar-se como um dos álbuns mais notáveis e viciantes de 2022. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Continuação de um sonho, Só me ligar e Músicas de amor nunca mais

Bazzi – Infinite Dream 

Em um passeio sonoro, construído por meio de sonhos, Bazzi lançou seu segundo álbum de estúdio, Infinite Dream. Antecedido por três singles – Will It Ever Feel The Same?, Miss America e Heaven –, o projeto possui uma mistura de sentimentos. O cantor continua seu trabalho com uma temática parecida com a do primeiro disco: viagens estratosféricas e noturnas, que levam ao amor, à dor, à decepção e à reflexão. 

Indo de sons de sintetizadores, vindos direto dos anos 80, para canções com uma pegada country, chegando até a um pop dançante, o álbum é cheio de melodias interessantes. Infinite Dream realmente parece ter saído dos sonhos de Bazzi, como se fosse uma trilha sonora para a imaginação do subconsciente. O disco consegue retratar diversas emoções que fazem parte da vida, como a sensação de estar apaixonado e de ter o coração partido. Além disso, a composição é inteligente, pois o cantor consegue se auto-referenciar durante as canções, por utilizar versos idênticos em diferentes contextos. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: Little Miss Sunshine, Uh Oh, Human (Cocaine)

TAEYEON – INVU – The 3rd Album

Sozinha, de cabelo descolorido e com o ego mais inflado do que nunca, TAEYEON transforma até os defeitos em qualidades com o disco INVU e estende o seu reinado no K-pop. Entre sintetizadores, batidas eletrizantes e vocais esplêndidos, a integrante do grupo Girls’ Generation abre alas para letras agressivas. Ao contrário da delicadeza de My Voice ou da sinceridade sutil de Purpose, o seu terceiro álbum de estúdio vai direto ao ponto: “Dias ruins estão se repetindo/Eu me sinto miserável, os sentimentos estão acabando/Girando como um anel solto”.

Investida em entregar um trabalho coeso, a veterana arremata algo difícil de se alcançar na atual indústria da Música, a união da sonoridade com uma construção visual marcante. Em 2022, INVU demonstrou ser uma verdadeira era do pop, traçando caminhos semelhantes ao de Future Nostalgia de Dua Lipa. Ainda que inserido no contexto sul-coreano em que as produções ocorrem de modo cada vez mais frenético, o disco parece envelhecer como vinho graças a iniciativa de TAEYEON em deixar as 13 faixas levarem o tempo necessário para causar a imersão plena do ouvinte. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: INVU, Heart e No Love Again

IC3PEAK – Kiss Of Death

KISS OF DEATH é o álbum de metal da vampiresca dupla IC3PEAK, formada pelos russos Nastya Kreslina e Nikolay Kostylev, que traz colaborações com vozes inusitadas, como Grimes, Oli Sykes, de Bring Me The Horizon, e Kim Dracula. O duo de ativistas, que sempre criticou o governo de Vladimir Putin de forma ácida e direta em seus visuais e canções, entrega novamente letras sombrias e ousadas com refrões cativantes, juntamente com sua estética ora urbana e militar, ora barroca e gótica. 

Apesar de deslizar em sua consistência, KISS OF DEATH é surpreendentemente mais diversificado e imprevisível que o notável trabalho anterior do grupo, o intenso До Свидания. O destaque é, certamente, a melodia e os vocais de Nastya, que vão de um belo ser angelical, com cantos folclóricos, a uma criação infernal cheia de ódio, com gritos estridentes e sons guturais. As melodias calmas e acústicas são quebradas com a percussão pesada e sintetizadores afiados, que soam como explosivos e abraçam uma produção sonora de witch house e trap metal industrial, familiar a Kostylev. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Kiss Of Death, Bad Night e I’m not evil, I’m sad

Gloria Groove – Lady Leste 

Quando surgiu em O Proceder, com o despontar de Gloriosa em um rap marcante, de batidas dançantes e um refrão que fica na memória, Gloria Groove se tornou uma promessa nas principais plataformas de música. Nos anos seguintes, após cada lançamento, a promessa foi se confirmando, se destacando e o público teve a oportunidade de acompanhar o nascimento de uma estrela. Em uma ode a vida, aos sonhos, aos medos e em um depoimento sincero, suas canções representam a realidade de milhares de brasileiros, que a reconheceram. Em Lady Leste, Gloria Groove se mostra ainda mais potente e versátil, exibindo, em sua voz e em seu corpo, toda a pluralidade que compõe as periferias (vide que Leste vem de Zona Leste) em suas diferentes camadas.

Em 13 grandes faixas, que vão do funk ao rock, passeando por diferentes gêneros de maneira confiante, Gloria Groove se reafirmou, mais uma vez, como um grande nome da cena musical brasileira na atualidade. Em uma carta de amor às mulheres de sua vida e com um gesto singelo e bonito de “Saber para onde está indo, mas sem se esquecer de onde veio”, o segundo álbum da drag queen explora suas principais influências e referências na música. Com a assinatura de Pablo Bispo e Ruxell na produção, a obra, como um todo, soa coesa, mas ainda mantém a disponibilidade de que canções brilhem sozinhas, criando diversos hits que marcaram 2022. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: LEILÃO, SFM E PISANDO FOFO

Tom Zé – Língua Brasileira

As obras de Tom Zé são certamente curiosas. O tempo passa e as nuances contidas na heterogênea discografia do último tropicalista ainda são descobertas com muito entusiasmo. Em Língua Brasileira, a realidade não poderia ser diferente: estamos diante de um disco que pode inquietar os fãs de música nacional por um bom tempo. Extremamente empenhado em suas criações, Tom Zé sabe bem o que faz. Com curiosidade nata, o veterano brasileiro pesquisa a fundo elementos naturalizados do cotidiano para poder dar vida a álbuns que muito têm a ensinar.  

Em relação ao repertório de Língua Brasileira, dez canções inéditas e a já conhecida música-título foram reunidas graças a um espetáculo homônimo de teatro, dirigido por Felipe Hirsch. Com um nascimento poderoso, o mais recente disco do tropicalista foi certeiro desde que tocou Os Clarins da Coragem em alto e bom som. Do primeiro single até aqui, muita coisa mudou – mas as inquietações provocadas pela criatividade de Tom Zé permanecem as mesmas. Contagiante como poucos, eis um veterano que merece nossa celebração. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Hy-Brasil Terra Sem Mal, A Língua Prova Que e Os Clarins da Coragem 

BIBI (비비) – Lowlife Princess: Noir

Uma mulher fina, que veste um longo vestido e saltos chiques, sentada sob um trono de sacos de lixo. É esse contraste absurdo que dita o tom colérico de Lowlife Princess: Noir, álbum de estreia de BIBI, uma das principais expoentes do R&B na Coreia. A cantora assimila-se às contradições da sociedade sul-coreana, não com uma pretensão política, mas para tecer uma série de contos urbanos que só adquirem o choque desejado pois emergem de uma mente que se apresenta no centro daquele cenário. A sujeira, a desigualdade e a luxúria são incorporadas em uma estética inebriante e uma lírica indecorosa, para, então, ratificar a manifestação de humanidade nessas profanações.

A voz leve e hipnotizante da artista contrapõe radicalmente a raiva pungente que traduz a essência da retaliação em BIBI Vengeance, ou a conversão ao lúdico da objetificação da mulher e da obsessão fálica masculina em Animal Farm, apenas para que os mesmos homens vejam-se castrados logo depois. Ainda que intrinsecamente violento, Lowlife Princess: Noir representa o trabalho mais pop de BIBI até então, que, ao beber da inesgotável fonte do k-pop, se apossa de inspirações de todos os cantos – do reggaeton ao rock – para criar uma sonoridade própria e instituir-se como a única e indistinguível rainha do submundo. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: BIBI Vengeance, MotoSpeed 24, Wet Nightmare

Jackson Wang – Magic Man

Vermelho é a cor que preenche a imaginação de quem escuta Magic Man, o segundo álbum de estúdio de Jackson Wang, nunca antes tão intenso, forte, calorento e apaixonado. Repetindo a dose de liberdade criativa encontrada em Mirrors, o selo próprio e independente da gravadora Team Wang Records novamente coloca a cultura chinesa em destaque para o mundo. Dessa vez, o integrante do grupo GOT7 arma um circo extremamente convidativo e, através de uma produção alucinante, constrói o seu próprio espetáculo decorado por performances artísticas surreais.

Wang deixa explícito o amadurecimento pessoal e profissional na composição audiovisual do disco. Se, antes, ele batalhou para encontrar a si mesmo entre instrumentais pesados e versos carregados, hoje, o artista transita sem medo desde o maior número de batidas por minuto até as passagens cadenciadas que valorizam o timbre de voz grave: “As paredes estão desmoronando de novo/Eu ouço você chamando meu nome”. Em Magic Man, Jackson Wang vocaliza emoções conflitantes, fantasmas do passado e, principalmente, a felicidade de se realizar por completo. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Come Alive, Drive It Like You Stole It e Go Ghost

Kendrick Lamar – Mr. Morale & The Big Steppers

Sucessor de um de seus álbuns mais aclamados, Damn , Mr. Morale & The Big Steppers é apresentado ao público como uma das produções mais pessoais de Kendrick Lamar. No disco duplo, o cantor é sincero sobre suas imperfeições e expõe seus traumas e dificuldades em melodias que tiram qualquer dúvida da humanidade do rapper que, pelos fãs, é visto como um deus. Essa pode ter sido a intenção ao vestir uma coroa de espinhos na capa do disco.

O disco conta com diversas colaborações – Summer Walker, Kodak Black e Ghostface Killah são alguns nomes que compõem a obra. Em Mother I Sober, que conta com a voz angelical de Beth Gibbons, fica claro que as parcerias não afetam a personalidade da faixa. Na citada, Kendrick revive abusos em seu relacionamento maternal e admite a repercussão que teve em sua vida, mostrando novamente a capacidade inigualável do artista de transformar suas questões particulares em arte. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Purple Hearts, N95 e United In Grief

ROSALÍA – MOTOMAMI

Para quem nasceu remodelando os horizontes do flamenco e da música pop, se conformar com pouco nunca foi conveniente. Sendo esse fenômeno singular, que coloca o espanhol na boca e nos ouvidos do povo, ROSALÍA não criou MOTOMAMI apenas como um manifesto de suas crescentes intenções artísticas, mas convicta de que pode ser tudo, ao mesmo tempo e onde quiser, em completa contradição e constante metamorfose. Aqui, cantando e produzindo 24 faixas – contabilizando a edição deluxe do LP -, a catalã descasca os turbilhões que acompanharam sua ascensão à fama, confessa seu amor pela família e performa autenticamente numerosas versões de si. 

Com toques de Michael Uzowuru e Pharrell Williams, o estilo experimental que eletriza o álbum marcou presença nos shows da cantora e em tweets virais da era, enfatizando sua construção não-linear e extremamente magnetizante. Da bachata ao dembow, passando por distorções eletrônicas, boleros e até um samba brasileiro, a curadoria sonora é o coração de MOTOMAMI, nome que simboliza a agressividade e vulnerabilidade que, unidas, edificam ROSALÍA. Brincando entre pianos intimistas, evocações sensuais e sons de sintetizadores estratosféricos, em prol de um mosaico de experiências, ela se transforma, sob todas as cores, como a borboleta musical unânime de 2022. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: CANDY, BULERÍAS e COMO UN G.

Taylor Swift – Midnights

Taylor nos mostra, mais uma vez, que sua invejável habilidade de dar brilho ao ordinário nunca irá sair do topo. Após agraciar com a genialidade da dupla folklore e evermore , Midnights chega como aquele abraço depois de um longo dia. O aconchego que encontramos no décimo álbum da cantora é quase que palpável. Em 20 faixas que exploram as falhas e interrogações que muitos de nós gostaríamos de esconder, contamos também com alguns velhos assuntos vistos por outra perspectiva – traição, justiça, amor, vingança e inseguranças adaptados para todo o conceito reflexivo da obra.

Poderíamos estar surpresos por Midnights quebrar recordes, virar assunto em todas as redes sociais e ter melodias que não saem da nossa cabeça, mas Taylor Swift consolidou-se de maneira tão memorável na indústria que seus altos padrões tornaram-se triviais. A cantora consegue, mesmo partindo de níveis elevados, surpreender a todos com a profundidade e reinvenção que alcança. A verdade é que foi um prazer acompanhar Swift em suas madrugadas melancólicas e perceber que, no fundo, não há muito que a distancie de todos nós. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Karma, Lavander Haze e You’re On Your Own, Kid

Tim Bernardes – Mil Coisas Invisíveis

Tim Bernardes aspira à grandeza. Com simplicidade, domínio musical e simplesmente talento, Mil Coisas Invisíveis é um reflexo do que o cantor mostrou anos antes, na sua estreia com O Terno e com seu primeiro trabalho individual, Recomeçar (2017). Nesse projeto, a melancolia e o existencialismo são elementos fundamentais na composição, que olha para o passado em uma jornada filosófica – descrita em Fases e Meus 26. Contudo, não se engane: Mil Coisas Invisíveis é o melhor trabalho solo feito pelo artista.

Aos 31 anos, a visão musical de Tim Bernardes é extremamente sólida. O virtuosismo técnico – na execução das músicas no violão e guitarra – dão base para as suas preocupações atemporais e proféticas, entregues logo na faixa de abertura, Nascer, Viver, Morrer. Com uma aparente influência em Nick Drake, Beatles e Beach Boys, Bernardes conseguiu capturar em Mil Coisas Invisíveis uma tolice quase juvenil da vida, enxergando magia nela. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Fases; Nascer, Viver, Morrer; Meus 26

DPR IAN – Moodswings in To Order

Christian Yu, conhecido artisticamente como DPR IAN, iniciou sua carreira musical no grupo de K-Pop C-Clown em 2012, até o fim do grupo em 2015 Em seguida, o artista assumiu o papel de produtor e diretor criativo de sua própria empresa e gravadora, Dream Perfect Regime, a qual fundou ao lado de seus colegas DPR LIVE, CREAM e REM. Já tendo provado em seus trabalhos visuais a extensão de sua criatividade e a singularidade de sua visão artística, ele não deixou de impressionar quando deu partida em sua carreira solo, iniciando uma jornada espetacular repleta de produções marcantes, que tomaria proporções ainda maiores em 2022 com sua segunda obra de estúdio, Moodswings in To Order. 

MIITO, como o álbum é apelidado pelos fãs e pelo próprio artista, conta o passado de Mito, personagem construído por IAN, baseado em seus episódios maníacos de bipolaridade, tema constante em suas composições. O cantor eleva o nível da obra ao combinar 4 faixas e transformá-las em um curta. No processo, é utilizado todas as ferramentas a seu alcance para contar a história do personagem, da melhor forma possível, transmitindo para o espectador a paixão e genuinidade do trabalho. Christian Yu deixa o ouvinte de Moodswings in To Order comovido após encarar um álbum de forte vulnerabilidade, além de despertar curiosidade e antecipação pelos próximos passos de Mito. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Ballroom Extravaganza, Calico e Merry Go

Stromae – Multitude

Depressão, envelhecimento, masculinidade, colonialismo e violência de gênero são alguns dos temas que perpassam a discografia de Stromae, que podem passar despercebidos por ouvidos que não compreendem o francês de suas batidas eletrônicas, dançantes e contagiantes. Em seu novo projeto de estúdio, depois de nove anos de hiato, o cantor não apenas expande esses tópicos para uma infinidade de perspectivas, como também supera o típico EDM europeu de seus álbuns anteriores para resgatar suas raízes como imigrante e moldar uma Multitude de sons. Folk, funk carioca e afropop são algumas das inspirações que o cantor cita como formativas ao disco – sempre unidas a outros elementos inusitados, como corais búlgaros ou flautas chinesas.

O contido e o explosivo se convergem nas letras de Multitude, que unem com elegância humor e melodrama enquanto uma coleção de personagens antagônicos disputam território entre versos e faixas. Seja em um eu-lírico que enxerga no inferno uma alternativa mais plausível que a vida em L’enfer, ou na tentativa de um homem que trai sua esposa de relativizar sua infidelidade em Mon amour, Stromae coloca-se como agente de todas essas retóricas – não importa o quão contraditórias forem –, ao mesmo tempo que busca sua própria subjetividade no olho do furacão. Uma experiência desafiadora, mas que, em contrapartida, descobre nesta incitação o propósito de um artista singular por natureza. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: La solassitude, L’enfer, Pas vraiment

lalalaura – n sei usar excel

O primeiro EP de lalalaura, n sei usar excel, chegou aos ouvidos do público em Julho de 2022. Durante cinco faixas, a cantora reflete sobre os dramas presentes na vida de uma jovem adulta, como amor, inseguranças e relacionamentos. Com muitas referências espalhadas pelas músicas, como Alice no País das Maravilhas, Wonderwall do Oasis e muitas menções a John Mayer, o extended play é um mix de emoções, indo das mais gostosas e positivas, até as mais tristes e negativas.

A artista se expressa de uma forma em que outras pessoas conseguem se identificar com as canções. Em uma combinação de indie rock com pop rock, lalalaura se mostra como alguém que está tentando entender a vida, o cotidiano e as mudanças causadas pelo crescer. A musicalidade do EP possui guitarras, toques sonoros de WhatsApp, risadas e vocais melódicos, além de trazer letras bem-humoradas. Produzido pela Papaya Music, selo musical de Pe Lu, do Restart, em colaboração com Renato Frei, do Bloco do Caos, e com Fred Vieira, de SUBB, n sei usar excel é um mergulho no mundo jovem, formado pela Geração Z. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: alice (só que sem as maravilhas), vc n é o john mayer (rlx), voltas (áudio de whatsapp)

New Jeans – New Jeans

Vestindo a musicalidade dos anos 90, o novo grupo feminino da ADOR, empresa subsidiária pela HYBE, chegou para alterar o mercado sul-coreano, impactando todo o cenário musical com o seu EP homônimo, New Jeans. Minji, Haerin, Hyein, Hanni e Danielle, presentearam os fãs com o lançamento surpresa de Attention no dia 22 julho, uma canção acompanhada de melodia, dança e identidade visual original e impactante, na qual o k-pop estava necessitando. 

Como um respiro em meio a leva do mais do mesmo que a indústria sul-coreana tem sofrido desde 2020, New Jeans simboliza o começo de uma nova tendência. Além de Attention, o EP também integra os hits Hype Boy, Hurt e Cookie, fora os singles de Ditto e OMG. Em menos de um ano de estreia, New Jeans deixou sua marca no k-pop sendo uma das maiores referências de 2022, ganhando o prêmio de canção do ano por Attention no Golden Disk Awards e a estatueta de Artista Revelação no Seoul Music Awards. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Hype Boy, Attention, Hurt

Bruno Berle – No Reino dos Afetos

‘‘(…) é preciso ter amor / Ter amor e ser amor’’. O imperativo de delicadeza e simplicidade das composições de Bruno Berle constrói, para sua carreira solo, um trabalho de estréia único, onde suas imperfeições — ruídos e dissonâncias — são a marca maior de sua sensibilidade. Tropical, noturno, vasto e quente, No Reino dos Afetos mostra-se também como um novo mergulho sonoro de um artista que, em suas palavras, quer se afastar do violão para aproximar-se ao eletrônico e, nesse desprendimento, dedicar-se ao máximo à sua própria expressão. Mesmo que as cordas do instrumento sejam ainda uma personagem na faixa Até Meu Violão, Berle, um jovem alagoano no olho do furacão emocional da metrópole paulistana, procura os beats lo-fi, com o encontro inesperado do ritmo de bossa nova e da vivacidade do high life — gênero musical oriundo de Gana e da Nigéria —, para traduzir seus sentimentos, sempre a flor da pele. 

O gesto íntimo das canções são, para além de uma marca da produção independente do cantor, que atreveu-se nas mais variadas ferramentas para a arquitetura do seu sentir — do atabaque ao piano! —, está também em sua poesia, permeada por imagens de afeto. O amor, o diálogo como uma torrente, o assimilar e a perda da individualidade de duas pessoas, presas em seu próprio mundo; estas são construções que estão presentes em canções como Quero Dizer, a lufada máxima dessa liricidade única, quase parente das canções mais melancólicas de Frank Ocean, em Blonde.

Já Só Nós Dois, devota ao ato de se estar junto, carrega a luminosidade de um violão tropical e dos sons de uma cidade para estender essa raridade da paixão à vida cotidiana. O que Bruno Berle atinge, em No Reino dos Afetos, não são sentimentos bem definidos com palavras certeiras, mas sim, algo de maior beleza: uma gagueira que entende que certas coisas não podem ser ditas e que, às vezes, o balbucio e a vontade de querer dizer, já basta. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: Até Meu Violão, Quero Dizer, Só Nós Dois

Shygirl – Nymph

O tão aguardado e aclamado álbum de estreia de Shygirl, Nymph, foi desenvolvido com um grupo familiar de amigos e colaboradores, incluindo Mura Masa, Sega Bodega e Arca, junto com produtores como Danny L Harle e BloodPop. Recentemente, Shygirl anunciou edição deluxe do álbum, Nymph_o, que contém remixes das faixas originais feitas por um grupo de artistas multifacetados como Björk, Tinashe e Sevdaliza.

Nymph mostra a jornada e a autorreflexão interior de Shygirl, que simultaneamente afirma seu poder e liberdade enquanto anseia por amor, e nos traz uma jornada de fantasias e desejos sexuais, frustrações românticas, e intimidade de uma mulher que é procurada e negligenciada ao mesmo tempo: “Gostosa demais para lidar”. As melodias suaves e etéreas da artista se entrelaçam e fluem perfeitamente com os sons de hip hop, melodias de dança descontruídas, batidas eletrônicas obscuras, juntamente com aspectos do pop clássico Y2K. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Shlut, Coochie (a bedtime story) e Poison

Ludmilla – Numanice #2

Ninguém poderia prever que Ludmilla, vindo do funk e do pop, faria não apenas um, mas dois álbuns de pagode. Numanice #2 é um compilado de 10 músicas que trouxe este gênero musical para o mainstream com influências do R&B, mostrando a artisticidade e versatilidade da cantora. No entanto, este projeto brilha mesmo em sua versão ao vivo. Disponível nas plataformas com 17 faixas e com participações especiais de outros artistas, além de Brunna Gonçalves, esposa da compositora, no hit Maldivas, ao dizer o desejo de muitos e muitas fãs: “Me bate, Ludmilla!”.

Um dos pilares deste disco, que o torna tão memorável, é a sua autenticidade. Cantores tentam entrar em novos gêneros como uma alternativa de aumentar seu sucesso comercial, o que acaba resultando em trabalhos superficiais. Aqui, não é o caso. Ludmilla cresceu nas ruas do Rio de Janeiro e aos oito anos já cantava para a família inteira ouvir os pagodes do momento. Essa naturalidade, somada a qualidade de suas canetadas, foi o que levou à criação com maestria desta obra, que merecidamente levou o Grammy Latino 2022 de Melhor Álbum de Samba/Pagode. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Meu Homem é Seu Homem, Fora de Si e 212

Alaíde Costa – O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim 

Ao completar 86 anos, uma das vozes mais marcantes que surgiu com o movimento da bossa nova é apresentada a uma geração com um dos álbuns mais elegantes do ano, digno de sua interpretação. Contando com a produção de Emicida e Marcus Preto, O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim é uma história, um relato. Com letras escritas por nomes mais do que reconhecidos da música brasileira, cantando palavra por palavra em um ritmo espaçado e adornada por arranjos caprichados, misturando passado e presente. O novo projeto da compositora e cantora carioca é dotado de ritmo próprio, guardando em orquestrações sublimes que guiam o ouvinte a conhecer a história de vida de Alaíde Costa. 

Em sua beleza melancólica, a cantora ressignifica seus quase 70 anos de trabalho para a música brasileira, que por vezes estiveram à margem do público e não tiveram o reconhecimento merecido. Ao regravar “Aos Meus Pés”, composição de João Bosco e Francisco Bosco, Alaíde dita um novo tom, apropriando a canção em sua trajetória “O meu caminho eu mesma fiz / não foi ninguém que me apontou / eu me virei sozinha / comi o pão todinho / que o Diabo amassou”. A produção é de uma grandeza e delicadeza que reverenciam a cantora, demonstrando um resgate a uma referência da cultura negra de maneira respeitosa e admirável – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Turmalina Negra, Tristonho e Aos Meus Pés

Beach House – Once Twice Melody

Once Twice Melody  é o oitavo álbum da banda americana de dream-pop, Beach House. Com o mesmo vigor e psicodelia do seu álbum anterior, 7 , a vocalista Victoria Legrand mostra seu fôlego neste disco duplo, com 18 músicas e 1 hora e 24 minutos. Com músicas completamente alucinantes, que conseguem fazer qualquer um se sentir levemente embriagado no banco de carona enquanto vê as luzes de uma cidade, Once Twice Melody demonstra uma aproximação do rock.

Beach House tem cada vez mais assumido o papel de farol do dream-pop nas últimas duas décadas em que está em atividade. Entre os grandes trunfos do duo está a ótima química entre Legrand e o instrumentista e compositor Alex Scally, e o disco é a maior prova disso. Sucesso entre a crítica  especializada da música indie, a dupla de Baltimore alcança um público nichado porém espalhado pelo planeta, já que em 2022 eles estiveram em várias edições do Primavera Sound, incluindo o de São Paulo. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Once Twice Melody, Pink Funeral e Masquerade

Beyoncé – RENAISSANCE

Lançado como primeiro ato em uma trilogia, o tão aguardado novo projeto após o aclamado Lemonade (2016) chegou flertando com os fãs, a crítica e tendo uma das recepções mais calorosas possíveis. Com seu novo lançamento, Beyoncé se consagrou como a artista com mais indicações ao Grammy na história. Ao chegar nos 40 anos, tendo passado três décadas dentro da indústria da música, a cantora já havia feito praticamente de tudo: abrangeu diferentes gêneros musicais, falou sobre diferentes pautas e levou suas canções a bilhões de ouvintes. Em seu novo trabalho, ela proporciona um renascimento, se entregando a uma jornada para criar coisas distintas do que já havia feito e comprovando, mais uma vez, sua habilidade de levar até o mais simples a perfeição. 

Em REINASSANCE, a cantora escreve sobre quem ela é, reafirma sua identidade e representa, com orgulho, suas influências. Indo da dance music ao r&b, utilizando diversos samples de cantores que a precederam e criando, com a participação de muitas mãos (aqui vale um enfoque ao time de co-compositores e produtores que tornaram palpável o trabalho), experiências sonoras ligadas por uma maestral sequência, que leva o ouvinte, entre uma música e outra, ditando um ritmo marcante em sua hora de duração. Em seu novo projeto, Beyoncé comprova como é possível criar música pop com densidade que chega convidativa aos ouvidos de quem decide dar play. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: ALIEN SUPERSTAR, VIRGO’S GROOVE E AMERICAN HAS A PROBLEM

Áurea Martins – Senhora das Folhas

Senhora das Folhas é um álbum para se ouvir na íntegra. Coeso, o disco de Áurea Martins desenvolve, no conjunto da obra, uma experiência de imersão e introspecção digna de enaltecimento. Buscando, na sacralidade e nos afetos, os caminhos para conectar suas canções, o lançamento da veterana brasileira alcança uma maturidade artística admirável, firmada em um repertório que não se divide em músicas de maior ou menor relevância. Cada palavra importa e cada som tem seu porquê. Cada escolha leva à cura e cada trajeto traz uma sensibilidade sem fim.

Moldando-se nos detalhes mais sutis, Senhora das Folhas dificilmente brilharia em singles isolados, embora faixas como A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim assinalem um possível ápice do disco. A graciosidade de Áurea Martins, no entanto, está presente desde O Ramo/Incelença da Chuva, faixa que abre o álbum com os traços únicos da voz da artista – além da atmosfera sagrada que percorre delicadamente toda a obra. A verdade é que Senhora das Folhas é uma jornada que toca o coração de quem se entrega por inteiro. – Eduardo Rota Hilário                  

Faixas Favoritas: O Ramo/Incelença da Chuva, A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim

Bala Desejo – SIM SIM SIM

SIM SIM SIM, o debut do coletivo Bala Desejo, é uma experiência sonora de parte da América Latina e da brasilidade carnavalesca de sol e mar. Sim, é possível sentir o calor das ruas e uma briza fresca ao longo das quatorze faixas do disco que misturam, nas letras e nos ritmos, o belo casamento do português com o espanhol. Esse trabalho foi fruto da investida dos quatro integrantes do coletivo, Dora Morelenbaum, Julia Mestre, Lucas Nunes e Zé Ibarra, de produzirem durante seu isolamento da pandemia. As músicas expressam justamente o anseio pelo fim do confinamento: é sobre o primeiro carnaval pós pandêmico, é o proposto ‘Recarnaval’.

A complexidade oferecida nas composições recebem um toque performático, como em um trio elétrico, que ao longo do desfile vai revelando suas diversas atrações. Em Baile de Máscaras (Recarnaval) está a premissa de todo o álbum, em uma pegada à la Rita Lee, seguido por Lua Comanche que remete ao samba dos anos setenta. Na faixa Lambe Lambe está presente o desejo e o carnal, que é equilibrado pelo frescor e independência de Passarinha. Toda essa conexão e câmbio de informações instrumentais e referências do SIM SIM SIM, convergem em um álbum conciso, ainda que experimental. Essa proposta rendeu o prêmio de Melhor Álbum em Língua Portuguesa no Grammy Latino de 2022. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Baile de Máscaras (Recarnaval), Dourado Dourado, Passarinha

Fontaines D.C. – Skinty Fia

Em Abril de 2022, Fontaines D.C. lançou seu disco mais exigente e experimental desde a explosão inicial de Dogrel (2019). Terceiro álbum do quinteto, Skinty Fia é uma aposta arriscada, trazendo referências de Literatura e camadas complexas de guitarra, afinadas às letras vocalizadas por Grian Chatten. Temas como solidão, alienação e conexão humana real podem até passar pelo tracklist de 10 faixas, mas o verdadeiro conceito reside no “não pertencimento”. Isso porque Fontaines D.C. propõe uma narrativa da condição dos imigrantes irlandeses numa Inglaterra que pode não ser tão receptiva quanto parece.

As referências do disco perpassam James Joyce, John Williams e Vladimir Nabokov, cujos singles Roman Holiday e Jackie Down the Line são facilmente destacáveis. As referências ao Joy Division – principalmente pela postura vocal de Chatten, em contraste com Ian Curtis – e ao Gang Of Four não passam despercebidas, mas a junção desses elementos resulta em um projeto original dentro do post-punk. Mergulhado nas referências internas de Fontaines D.C. – como estranhos em uma terra desconhecida –, vislumbramos medos comuns ganharem forma artística (a morte, o tédio, o envelhecimento e a tristeza). Skinty Fia, na verdade, é um álbum corajoso e maduro, que demonstra a evolução meteórica de uma banda que nunca fez menos que um execelente trabalho. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Jackie Down the Line, Roman Holiday, Nabokov

SEVENTEEN – SECTOR 17

Em seu sétimo ano de carreira, o quarto álbum de estúdio do SEVENTEEN os consolida como gigantes do k-pop. O grupo, que em 2015 tinha apenas uma empresa à beira da falência e um sonho, mostra que o trabalho árduo ao longo dos anos, escrevendo e produzindo as próprias músicas, valeram a pena e resultaram em uma forte identidade musical. Em SECTOR 17 é evidente o amadurecimento dos treze integrantes, que levam seus ouvintes em uma jornada pelos altos e baixos da juventude através de sua discografia. 

O SEVENTEEN prova que ainda tem muito a oferecer, e que a química entre os integrantes é um dos ingredientes principais para seu sucesso e qualidade. Na faixa Circles, o membro Woozi, que também atua como produtor principal do grupo, entrega uma mensagem emotiva de união à seus colegas de grupo. A faixa _WORLD resgata as raízes do SEVENTEEN com seu tom alegre e leve, contrapondo a intensa HOT, a qual apresenta uma faceta inédita, e os entrega a chance de mostrar nos palcos que quem sabe faz ao vivo, não deixando dúvidas sobre sobre o lugar do SEVENTEEN na realeza do k-pop. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Circles, HOT, DON QUIXOTE

SZA – SOS

Após uma longa espera de 5 anos, devido a uma série de desentendimentos com a própria gravadora, SZA lançou seu segundo álbum de estúdio, SOS. O projeto foi um dos últimos lançamentos de 2022 e está dominando 2023. Seu tema principal já é revelado em seu nome e em sua capa, inspirada em uma fotografia da Princesa Diana no ano de sua morte. Este disco clama por ajuda em meio a solidão e melancolia, muito bem guiados pelo R&B da artista.

Esses temas não são novos na discografia de SZA. Em Ctrl, de 2017, a cantora já explorava os altos e, principalmente, os baixos de um relacionamento. Mas, em SOS, as composições são mais dramáticas e tudo é intensificado, ao passo que as emoções são exploradas com mais profundidade. Tudo isso pode ser percebido em uma música do álbum, Kill Bill, onde a compositora se sente tão sozinha que cogita cometer um crime: “Talvez eu mate meu ex/Mas, eu ainda o amo/Prefiro estar na cadeia do que sozinha”. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Snooze, Gone Girl e Nobody Gets Me

Arctic Monkeys – The Car

Em The Car fica claro que não há interesse em refazer o que já foi feito. No sétimo álbum de Arctic Monkeys é consolidada uma nova fase, sendo essa contida, lúdica e cinematográfica, ficando cada vez mais distante das memórias de uma banda de indie rock. A sonoridade presente no disco poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de espionagem, que acompanha um detetive na sua crise de meia idade. É apresentada uma grande potência sonora, mas dessa vez acompanha letras mais simples, de Alex Turner. Tudo isso espelha o novo momento que o vocalista vive, e apesar de não parecer se importar com a expectativa dos apegados ao A.M, reflete sobre a incapacidade de ser como um dia já foi, e assim  reconhece que isso não é algo ruim.

Na produção, os meninos de Sheffield transparecem seu crescimento e amadurecimento em arranjos orquestrados e vigorosos. Além dos riffs dos anos 60, há influências do jazz e do blues, que acertam no tom mais triste e melancólico. Do início com There’d Better Be A Mirror Ball, ao fim com Perfect Sense, o LP de dez faixas é perfeito para ser escutado quando restam poucas sombras nas ruas, logo depois que o bar fecha. Como cantando na faixa Big Ideas “De verdade, foi emocionante”, mas agora é hora de seguir em frente. Para muitos o álbum não atingiu as expectativas e portanto divide opiniões. Mas o que pode ter sido um pequeno passo para os fãs de R U Mine, acaba sendo um grande salto para aqueles que estão abertos às novas propostas da banda. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: There’d Better Be A Mirrorball, Body Paint, Perfect Sense

JID – The Forever Story

Depois de despontar no mainstream graças a colaboração com Imagine Dragons na música tema de Arcane, o terceiro álbum de estúdio do rapper JID finca seu nome na nova safra do gênero. Apadrinhado pela gravadora de J Cole e tendo nomes como James Blake, BADBADNOTGOOD e Kaytranada na produção, The Forever Story é um sucessor espiritual de The Never Story, estreia do artista em 2017. Funcionando como uma “parte dois” de seu debut, o álbum é uma análise da vida e amadurecimento de JID pela ótica do próprio intérprete.

Dono de um flow com uma cadência rítmica inconfundível – do qual o rapper alterou incríveis 148 vezes durante a produção – The Forever Story abusa de samples extremamente urbanos para relatar a infância em Atlanta e cria beats nada convencionais, mas ainda sim, extremamente acessíveis ao público. Com uma produção extremamente coesa e um storytelling invejável, JID discorre sobre família, negritude, a violência das metrópoles e a separação que a fama provoca entre o artista e a pessoa. Em um ano rico para o gênero, o rapper coloca para sempre o álbum como um dos melhores registros (senão, o melhor) do ano e do estilo. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Raydar, Surround Sound e Money

Tame Impala – The Slow Rush B-Sides & Remixes

A já reconhecida e estonteante psicodelia de Kevin Parker, mas em versões completamente novas, definitivamente um dos presentes de 2022. Se a versão original, The Slow Rush  nos fez delirar em um vórtex de batidas eletrônicas, como nas músicas Is It True e Borderline, suas versões em remixes de artistas como Blood Orange e Lil Yachty parecem vir de outra dimensão.

The Slow Rush B-Sides & Remixes   traz também novas faixas como No Choice e The Boat I Row que mostram que a banda australiana iniciada em 2007 continua inovando e provavelmente assim deve ser por muito tempo, pois a mente de Parker parece ser uma fonte inesgotável de músicas criativas e eletrizantes e o sucesso já lhe rendeu vários prêmios. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: The Boat I Row, No Choice e Is It True (Four Tet Remix)

Eric Nam – There and Back Again

Dono de uma voz que parece ter sido criada justamente para acompanhar o mais leve toque de cordas em um violão, Eric Nam finalmente encontra o seu som em There and Back Again, o segundo álbum de estúdio da carreira. Cantando de modo que as letras soam como se derramassem exuberantemente os sentimentos de um coração partido, o artista estadunidense de descendência sul-coreana vai e volta no tema sem soar repetitivo.

“E se isso for algo que eu nunca vou superar?/Conversando com meus amigos e todos dizendo: “Eu avisei” “. Brutal na mesma intensidade que permite as emoções transbordarem, o disco tem o sabor refrescante do drama misturado com a realidade nada racional, o colocando em destaque em uma indústria facilmente movida pela superficialidade. A caminho dos 10 anos de trajetória musical, Eric Nam lançou uma versão reimaginada de There and Back Again em 2023. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: I Don’t Know You Anymore, Lost On Me e What If

Charlotte Adigéry, Bolis Pupul – Topical Dancer

Que o performativo sempre pertenceu às pistas não é nenhuma novidade. Mas o mix social, teatral e cômico — vindo de um ímpeto nascido diretamente da proposta de artistas como Grace Jones e Prince — feito pela dupla Charlotte Adigéry e Bolis Pupul é algo definitivamente refrescante no cenário da música pop, que necessita, como nunca, de uma nova linguagem crítica. Envolto pelo gênero da música disco, Topical Dancer apunhala o ouvinte de estranheza. O sentimento prevalece nos graves e sintetizadores dançantes de canções como Esperanto ou Blenda, que ardilosamente mascaram, em uma primeira impressão, os comentários ácidos e irônicos da dupla acerca do racismo, xenofobia e misoginia vividos no cotidiano de qualquer minoria social frente o histórico de países como a Bélgica, que ainda recusam-se a olhar seu passado colonial com os devidos intuitos de reparação. 

Em por seu próprio universo sonoro de referências, do funk dos anos 80 à música eletrônica do ínicio do século, faixas como It Hit Me, que se inicia dando espaço a um relato quase diarístico acerca de um episódio de assédio sexual, são amostras do tom da crítica de Adigéry e Pupul, que nega um didatismo que apenas postula o que é correto ou errado. Para além do conteúdo de suas canções, as percussões produzidas pelo duo também reverberam no contexto diaspórico tão estruturante do trabalho, em seu resgate de um rock que beira a David Byrne mas na carcaça de sons da música haitiana. No humor de HAHA — em que a cantora alcança o máximo de sua experimentação e performance — mora a consciência social dançante em que Topical Dancer, a partir do poder de movimento dos corpos, finca suas mensagens para muito além da epiderme. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: It Hit Me, Making Sense Stop, HAHA

Megan Thee Stallion – Traumazine

Depois de tocar por todos os rodeios de Houston com o viral Savage e ser presenteada com a voz de Beyoncé para o remix, Megan Thee Stallion também ganhou o olhar cuidadoso da gravadora Roc Nation de Jay-Z. Em 2022, a rapper texana entrou na justiça contra a sua distribuidora original, a 1501 Certified Entertainment, para conseguir rescindir um contrato por obra injusto que a manteve refém até o lançamento do disco Traumazine. Infelizmente, Stallion precisou enfrentar o sofrimento de mais um tribunal, refletido nas composições vulneráveis e que impactou a sua trajetória artística e pessoal: o crime cometido por Tory Lanez.

Repleto de versos cortantes rimados com a ajuda de um flow único e nunca tão voraz, o segundo álbum de estúdio da ‘hottie’ traz a Arte do freestyle, a intensidade de letras inspiradas e ainda deixa espaço para um house dançante tomar conta. Segundo o seu perfil para o The Cut, Traumazine seria “a substância química liberada no cérebro quando ele é forçado a lidar com emoções dolorosas causadas por eventos e experiências traumáticas”. Fazendo jus ao conceito, Megan Thee Stallion vem com sangue nos olhos e sede de vingança em uma produção que põe fim aos traumas e a consolida como uma das principais vozes da Música atual. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Plan B, NDA e Her

Baco Exu do Blues – QVVJFA? 

Quantas vezes você já foi amado? Essa é a pergunta que guia o terceiro álbum de estúdio de Baco Exu do Blues. Nesse projeto, o cantor  nos revela suas inseguranças e fracassos por meio de versos tão poéticos que nos fazem voar. Abrindo alas para abordar questões como objetificação do corpo negro, gordofobia, autoaceitação e a solidão do jovem preto, o rapper nos conquista pela coragem de mostrar-se tão frágil. Entre exaltar sua religiosidade e discutir como recebemos e damos afeto, mergulhamos no íntimo do cantor para não querer voltar. 

Formado por 12 faixas que trazem feats de peso como Gal Costa, Gloria Groove e Muse Maya, QVVFJA? consegue encontrar um equilíbrio entre o seu lado sexual explorado em Não tem Bacanal na Quarentena para músicas que mesclam, junto com lado erótico do álbum anterior, amor, medos e dúvidas. Com beats suaves, românticos e carregados no R&B, Baco retorna para o cenário brasileiro apostando em uma fórmula um pouco diferente, mas que, ainda sim, consegue prender nossa atenção. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: 20 ligações, Samba In Paris, Mulheres Grandes e Lágrimas

Karol Conká – Urucum

Karol Conká sempre foi conhecida por suas parcerias de peso com grandes produtores. Entre Nave, Tropkillaz e Boss in Drama, essas colaborações fazem da discografia da rapper um verdadeiro arco-íris sonoro, que sempre carrega, independente de qualquer distinção, sua essência artística. Sendo assim, para Urucum, RDD assina a produção executiva. Cabeça criativa do coletivo ÀTTØØXXÁ, Rafa Dias une seus poderosos graves aos sons típicos de Salvador para fazer desse um dos projetos mais musicalmente diversos e interessantes da cantora curitibana. Um resultado espetacular para um disco que nasce em um contexto extremamente delicado.

Após um BBB 21 com rejeição histórica, Conká usa Urucum como ambiente de terapia e reflexão. O seu penteado alucinante da capa, em referência à lenda da Medusa, petrifica a ela mesma, aludindo que o narcisismo que feriu aqueles ao seu redor – em plena rede nacional – também a consome por dentro. Desse modo, a rapper olha para dentro para que, assim, entregue seu próprio diagnóstico do mundo. Afinal, do que Karol Conká é culpada? Se fosse outra pessoa, com vivências opostas à sua, tomando as mesmas atitudes, ela sofreria o mesmo linchamento virtual? É a partir destes questionamentos que Karol brinca com a contraste e reencontra seu icônico deboche em um movimento deliberadamente televisionado de autocura. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Fuzuê, Cê Não Pode, Vejo o bem

 Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Vencedor do Melhor Álbum de Música Urbana no Grammy Latino, topo nas paradas da Billboard por mais de dez semanas consecutivas e somando mais de oito bilhões de reproduções no Spotify, não seria exagero dizer que Bad Bunny fez história ao lançar seu novo projeto. Utilizando do reggaeton, que tem suas raízes na música caribenha – lugar de onde o cantor veio, e distinguindo o álbum em parte A (alegre e solar) e B (tranquila e reflexiva), o cantor separa ao ouvinte o melhor de sua produção musical. Levando sua cultura e influências a um nível global, com participações de conterrâneos em suas canções, Bad Bunny entrega um trabalho completo. 

Em seu quarto e mais recente trabalho, Un Veterano Sin Ti, o cantor trabalha temas de maior vulnerabilidade, falando sobre sentimentos e a relação entre dor e entrega. Se a proposta de cantar e trabalhar temas como saudade e o encontro de um novo amor desde seu álbum de lançamento, X 100pre (2018), nesse álbum elas estão ainda mais escancaradas e ainda melhores trabalhadas. O ouro está ali, disponível aos que se propõe a adentrar essa jornada – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Tarot, Otro Atardecer e Ojitos Lindos

Arcade Fire – WE

O Arcade Fire que nós queríamos e precisávamos está de volta. Com referência clara a obra distópica de mesmo nome do escritor russo Yevgeny Zamyatin, o sexto álbum de estúdio do grupo canadense retorna as origens da banda. Cinco anos após o divisivo Everything Now, WE é a amarração dos diferentes Arcade Fire que surgiram nesses quase 20 anos de estrada. O disco também marcou a saída de Will Butler (irmão do frontman Win) da banda.

Dessa vez, a crítica do álbum cai sobre uma sociedade totalmente exposta e incerta. Dentre suas faixas com várias partes, a obra é dividida em duas metades: I e We. A primeira trata de ansiedade, medo, distanciamento e solidão. O contexto fica ainda mais evidente ao perceber que o álbum foi maturado durante a pandemia de covid-19, o que faz com que faixas como Age of Anxiety I batam mais forte. Já a segunda metade, fala do desejo de união tratando-o como distópico, como pode ser percebido em Unconditional II (Race and Religion), que, repetindo uma característica do Arcade Fire de trazer grandes nomes para sua produção, conta com a participação do lendário Peter Gabriel.

A banda une o indie rock com o synthpop como ninguém, fazendo da produção uma experiência catártica que é consciente ao guiar as emoções dos ouvintes através de suas faixas. Por essa razão, o disco nos lembra e lembra o próprio grupo o potencial que eles têm como coletivo e banda de arena, sendo extremamente performáticos, experimentais e sensoriais, da mesma forma que os garantiu sucesso. Por isso, WE nos traz de volta o Arcade Fire que não tem medo de ser Arcade Fire. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Age of Anxiety I, Age of Anxiety II (Rabbit Hole) e Unconditional II (Race and Religion)

Red Hot Chili Peppers – Unlimited Love

Mais de uma década depois, o guitarrista John Frusciante retorna às origens californianas e quebra o silêncio de seis anos na fábrica dos Chili Peppers. O calouro Unlimited Love conquistou o primeiro lugar na Billboard 200 e atingiu a segunda estreia no topo desde o aclamado Stadium Arcadium (2006). O sucesso foi responsável por reacender o funk martelante de sua dinâmica original e alcançar o maior desejo dos fãs: trazer de volta o que faltava.

O disco é uma experiência gratificante, responsável por deixar aquele gostinho de quero mais A volta de Frusciante fez com que o quinteto californiano reencontrasse o dinamismo que supera o de bandas com metade de sua idade. Os Chili Peppers fazem as pazes com o passado e redescobrem sua química sonora de maneira intensa. A nostalgia do amor cura toda a saudade e acolhe com imensa familiaridade o som Ilimitado que apenas os californianos sabem produzir. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: She’s a Lover, Black Summer e Here Ever After

Wet Leg – Wet Leg

O (indie) rock não morreu! Em um gênero de dominação masculina, principalmente de sua vertente britânica, é da estreia do duo feminino que ecoa a revitalização do estilo. Naturais da Ilha de Wright, pequeno reduto da contracultura inglesa no século passado, Rhian Tisdale e Hester Chambers confirmam toda a expectativa depositada pela indústria quando Chaise Longue, primeiro single do projeto, despontou ainda em 2021. Não à toa, Wet Leg logo caiu nas graças da crítica e, replicando os expoentes do indie no início do século XXI, vem conquistando o público através do boca a boca.

Fusionando o que de melhor foi criado na cultura fonográfica britânica, o autointitulado Wet Leg cria contrastes interessantíssimos, resultando nas enérgicas e cativantes Chaise Longue, Too Late Now e Wet Dream; que dividem espaço perfeitamente com passagens mais íntimas como Loving You e Piece of Shit. Por mais rico que pareça, o ouro do álbum é justamente não estar preocupado com essa imagem. 

A postura despreocupada do grupo ganha forma em um produto que apresenta ótimas letras ironicamente irreverentes e recheadas de originalidade. Mesmo dentro da fórmula guitarra, baixo e bateria do garage rock, ele consegue passear e experimentar dentro dessa vertente. O resultado é um registro de um duo que não quer rebuscar conceitos ou ousar em questão de complexidade, mas somente fazer Música pela Música. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Wet Dream, Chaise Longue e Oh No

O post Os Melhores Discos de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira

Doja Cat – Planet Her

Doja Cat constrói seu próprio planeta e nos leva para visitá-lo em Planet Her. Lançado no dia 25, o mais novo álbum da cantora já nasceu com grandes expectativas. Depois de abalar a indústria musical com seu extremamente bem sucedido Hot Pink, era grande a espera por suas novas músicas. Seu primeiro single, Kiss Me More, estourou no TikTok e iniciou muito bem a nova era.

Dentre as 14 faixas, grandes nomes como Ariana Grande, The Weeknd e SZA participaram em feats que enriqueceram bastante a obra. Apesar dessas parcerias e algumas outras músicas com potencial de viralizarem, a outra metade do álbum não atingiu o nível que Doja é capaz de fazer com sua habilidade única de criar hits. Bem mais ou menos, Planet Her está dividido em composições completamente viciantes e outras nem mesmo divertidas de escutar. Em suma, um EP poderia ter sido uma escolha mais certeira da cantora, mas pelo menos recebemos canções ótimas para adicionar nas playlists de 2021. – Mariana Chagas

Lady Gaga – Born This Way The Tenth Anniversary

Quem imaginou que Lady Gaga poderia ficar mais gay ainda? Ou melhor, quem imaginou que o Born This Way poderia ficar ainda mais queer? Por incrível que pareça, a Mother Monster conseguiu. Em um relançamento mais que especial, comemorando os 10 anos do disco em pleno Mês do Orgulho LGBTQIA+, Gaga reuniu Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck para presentear o mundo com covers de algumas de suas melhores canções. 

Marry the Night, cantada pela lendária Minogue, e The Edge of Glory nos servem a energia do seriado Glee, no melhor dos sentidos. Highway Unicorn (Road to Love) e Yoü and I reimaginam a força das faixas em uma nova roupagem, sem perder o impacto e envolvimento. Born This Way (The Country Road Version) nos coloca para sentir a fivela gelada do cinto na barriga, dessa vez cantada por Peck. E Big Freedia fica com o melhor rework da compilação, uma insana e elétrica Judas, pulsante com sua fanfarra e a voz maravilhosamente grossa da artista. 

O maior defeito do álbum reimaginado é que tenhamos tão poucas faixas novas. Existem tantos cantores e produtores LGBTQIA+ talentosíssimos por aí que poderíamos receber um cover para cada música do Born This Way original. Infelizmente, só podemos sonhar com uma Scheiße refeita por Kim Petras, por exemplo, ou uma Bad Kids de Isaac Dunbar. Quem sabe no aniversário de 15 anos? – Jho Brunhara

Rostam – Changephobia

Ao contrário do que o nome do disco sugere, Rostam não tem medo das mudanças. Ex-integrante da banda Vampire Weekend e agora atuando como produtor e artista solo, Rostam tem em seu currículo grandes investidas da música indie de agora, desde seu debut de 2017, Half-Light, até a produção do recente e próximo-da perfeição Women in Music Pt. III, das HAIM.

Sua segunda aventura solo é Changephobia, um disco encorpado e difuso, no melhor sentido das palavras. Dessa vez, Rostam Batmanglij não hesita em mergulhar sem proteção em influências do rock e do jazz, filtradas por seu apurado senso estético e pelas ideias originais que imprime em todas as onze faixas. As guitarras sambam e as vozes se esgarçam, ao passo que temas como amor, medo e ilusão viram formas geométricas frente à criatividade do músico, sedimentando, de modo claro e simples, Changephobia como um dos destaques sonoros deste ano de 2021. – Vitor Evangelista

iris – love and other disasters

iris é uma cantora norueguesa que, desde 2019, vem trazendo singles e EPs sensíveis e com um toque pessoal. Agora, ela debuta com o álbum love and other disasters. Suas dezesseis músicas decorrem no tempo certo de 47 minutos, não deixando sua crescente sonoridade ficar maçante, ou até mesmo exaustiva. Mas, como nem tudo são flores, a qualidade do disco cai nos momentos em que a cantora tenta forçar a voz em melodias que poderiam ser simplistas.

push, don’t push, canção que abre love and other disasters, tem toda essência pop e já deixa o spoiler de um trabalho mais livre, sem amarras ou tabus. É em la petite mort que a cantora se entrega, sem medo, a falar de sua sexualidade. voodoo voodoo traz acordes e técnicas vocais complexas porém, sem falhas, e é um ótimo resumo de tudo que você pode esperar do disco. love and other disasters lida com produção extrema, do melhor ao pior. O equilíbrio faz do álbum apenas um trabalho mediano. – Ana Júlia Trevisan

Mallu Magalhães – Esperança

O quinto projeto solo de Mallu Magalhães não poderia carregar um nome mais propício. A esperança de dias melhores ronda o país há anos, por mais que a dura realidade contraste com a ideia de utopia. Mallu, agora com a maturidade da idade e da maternidade à seu favor, canta em Esperança sobre uma porção de temas sensíveis e alegres, refletindo com lentes de otimismo sua jornada e seu alcance.

As 12 faixas foram compostas pela artista, sozinha, mas a produção de Mario Caldato Jr. encorpa a narrativa do LP, cantado e versado em português, inglês e espanhol. A faixa que vale o stream é As Coisas, um louvor agudo que revela o ar de leveza que Magalhães guarda em seu timbre. Deixa Menina, dueto incomum com Preta Gil, coloca a filha de Mallu em foco, misturando samba e bossa nova. Esperança pode não renovar os ares da paulista de 28 anos, mas com certeza envereda sua Arte para ruelas mais floridas. – Vitor Evangelista

¿Téo? – Sol

A mistura de bossa nova com hip-hop de ¿Téo? em Sol vai marcar presença em algumas listas de melhores álbuns de 2021 por aí. O segundo disco do artista colombiano-americano continua os trabalhos do seu álbum de estreia homônimo de 2018, agora elevando a habilidade do artista de mesclar gêneros distintos e desenhando novas faces de sua identidade, que está exatamente nas diferentes influências culturais.

A abertura do disco nos apresenta o resultado exato dessas experimentações, muito bem-sucedido, vale ressaltar. E enquanto Pantera e Buena existem na interseção dos ritmos das diferentes Américas, a continuação de Sol também consegue se separar dentro dos gêneros que combina em suas 12 faixas. Para os ouvintes do raiz hip-hop, ¿Téo? reserva The Most e Americano, modernizando seu estilo com um pouco de reggaeton em Rrrrico e desenvolvendo o ritmo latino de forma mais suave em What’s On Ur Mind, I’ll Wait e Suplicar, esta última que acumulou milhões de streams e foi patrocinada por Justin Bieber.

Compreendendo as nuances da música latina desde seu aspecto global às suas raízes regionais, Sol ainda entrega a beleza do new flamenco em UNI2 e Buena. E a bossa nova? Está presente de forma mais pura em Do U Wanna Leave, mixada às batidas do funk e vocais de Mirella Costa em Assim, mas ela surpreende mesmo é em Buzzeed, resultado da colaboração de ¿Téo? com WILLOW. Eu sei, o conjunto de Sol é difícil de explicar e mais ainda de acreditar. Mas facinho de apreciar. – Raquel Dutra

Wesley Joseph – ULTRAMARINE

Rapper em ascensão, o jovem Wesley Joseph não cansa de inovar. Surgido com um single auto produzido, acompanhado de um videoclipe que esbanjava talento e visão artística, chegou a hora de Joseph lançar seu primeiro trabalho de estúdio completo. 

ULTRAMARINE aterrissa ciente do flow do cantor, que desata a rimar poeticamente, criando versos cinematográficos e que casam com o olho apurado que possui quando o assunto é complemento visual. Ecos de The Weeknd batem à porta enquanto ele convida a cantar sua conterrânea Jorja Smith na melhor canção do curto disco, Patience. – Vitor Evangelista

H.E.R. – Back of My Mind

Depois de ganhar não apenas um Oscar, mas também dois Grammys, H.E.R. consolidou seu nome como uma artista bem sucedida de 2021. Não tem como pensar em música nesse ano sem lembrar da jovem, e ao escutar seu álbum fica claro os motivos de tanto triunfo. 

Back of My Mind é uma viagem para, como o próprio nome diz, dentro da cabeça da artista. A obra é cheia de desabafos emotivos e profundos que, com tanta verdade, tocam nossos próprios sentimentos. Em My Own, Gabriella não tem vergonha em admitir que está carente e com saudade do seu amor. A maneira que fala abertamente da sua necessidade por afeto é a mesma que usa para rimar sobre seus traumas na terceira faixa da obra. 

Além dos solos, sete canções contam com feats que só elevaram ainda mais o potencial do álbum. Ty Dolla Sign, Lil Baby e outros grandes nomes se juntam a H.E.R. para cantar sobre suas emoções. De forma intimista, Back of My Mind vem para mostrar que a queridinha das premiações é apenas gente como a gente. – Mariana Chagas

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

“Você me dá vontade de chorar, mas de um jeito bom”, canta uma jovem de 23 anos em In A Good Way, a voz fina e anasalada se engrandece ao mesmo tempo em que confessa esse sentimento conflituoso. E o quarto disco de Faye Webster é recheado deles. A começar pelo título, sutilmente passivo-agressivo, que rememora as risadelas características do MSN, lol.

I Know I’m Funny haha engana pelo escopo de suas criações, por suas letras aparentemente simples e pelos vocais de Webster, que brincam com tons e com formas. Ela é despreocupada, carente, inteligente e ela está entediada. Qualquer tema escolhido ao longo dos quarenta minutos são tratados com o mesmo grau de seriedade, fazendo da integridade artística e da entrega sincera os pontos mais altos do trabalho. – Vitor Evangelista

Wolf Alice – Blue Weekend

O Fim de Semana Azul da banda Wolf Alice já é um dos álbuns mais prestigiados do ano, e com toda a razão. Em suas onze faixas, ouvimos uma história contada através das letras e da ambientação alcançada através da produção detalhista das músicas. Quase como uma experiência cinematográfica, somos conduzidos a sensações que crescem e culminam numa catarse musical, embalada pela voz de Ellie Rowsell. 

O rock alternativo e o shoegaze/dream pop já são conhecidos por esse poder de colocar o ouvinte quase num transe, e de transportar para uma atmosfera única e etérea, e Blue Weekend confirma a capacidade de Wolf Alice em acentuar essa força do gênero. Delicious Things com certeza tem Bowie nas suas veias, sendo uma das melhores faixas do disco. 

Ao longo do LP, nos deparamos com sintetizadores ecoantes, guitarras calmas, e até mesmo um rock mais convencional, e tudo se encaixa, numa síntese sobre como manter um álbum coeso sem que se torne monótono. Não se assuste quando Blue Weekend aparecer nas listas de melhores do ano por aí, eles merecem isso e muito mais. – Jho Brunhara

Alicia Keys – Songs In A Minor (20th Anniversary Edition)

Em 2001, o mundo admirava a estreia aclamada e promissora de Alicia Keys. Hoje, celebramos junto dela seus maravilhosos 20 anos de carreira. A comemoração acontece através de Songs In A Minor (20th Anniversary Edition), edição especial do primeiro álbum da artista. Na época, o disco foi sucesso absoluto de público e de crítica, vencedor do Grammy de Artista Revelação, Melhor Álbum de R&B e Música do Ano, e o motivo por trás da fama da novata que ficou conhecida como “a próxima rainha do soul”.

O fenômeno partiu de uma jovem de apenas 20 anos que flutuava com completa liberdade criativa pelo soul, R&B, hip-hop, jazz, música clássica e gospel, em canções escritas e idealizadas durante a adolescência e no início da vida adulta, simbolizando, de forma pessoal e histórica, um amadurecimento em meio a um novo mundo e um novo momento da indústria musical. Assim, Songs In A Minor é onde a origem do piano clássico de Alicia se encontra com a sua existência enquanto mulher moderna, suas referências musicais dentro dos gêneros urbanos contemporâneos e sua habilidade enquanto compositora, arranjadora e produtora. 

O trabalho abriga uma parte importantíssima da música dos anos 2000, como Rock wit U, que representa como nenhuma outra o R&B da época, em contraste com as juvenis Butterflyz, Troubles e Caged Bird. A tracklist original vem acompanhada de Foolish Heart, Crazy (Mi Corazon) e I Won’t (Crazy World), três faixas inéditas das sessões de gravação do disco em 2001. Parafraseando a música que é o carro-chefe do álbum, um dos destaques de sua discografia e considerada sua assinatura musical, 20 anos depois, nós continuamos a nos apaixonar por Alicia Keys. – Raquel Dutra

EPs

Cavetown – Man’s Best Friend

Apesar do isolamento, muitos sentimentos causados pela pandemia são, também, globais. Raiva, solidão, tristeza, carência… Tudo o que transformou o último um ano e meio em um dos momentos mais complicados se tornou tema do último lançamento de Cavetown, Man ‘s Best Friend.

Não é a primeira vez que saúde mental é discutida nas faixas de Robbie. Tema bastante comum, ele contou em entrevista que usa a escrita de músicas para aliviar o que está sentindo, e dessa vez não foi diferente. O EP nasceu em um momento bem conturbado de sua vida, o que pode ser refletido nas letras amarguradas e passivo-agressivas. Em Ur Gonna Wish U Believed Me, Let Me Feel Low, Guilty e Sharpener, o ruivo constantemente se refere a alguém, com uma certa hostilidade, como culpado de seus problemas. Já Idea of Her, que ele confessou ser sua favorita entre as faixas, traz mais à tona sua carência e saudades de uma certa pessoa.

A produção continua simples como sempre. Além de escrever, Robin também produziu todas as músicas, seguindo seu estilo mais clean. O objetivo, segundo o cantor, é fazer com que o ouvinte se sinta acolhido, como se ele estivesse cantando ao seu lado. O que funciona muito bem, ainda mais com a voz tão calorosa de Cavetown. E é a junção de todos esses elementos que ajudam na construção de um EP perfeito para servir de companhia em uma tarde solitária de pandemia. – Mariana Chagas

Griff – One Foot In Front Of The Other

Chamada por muitos críticos como a grande revelação do pop de 2021, haja visto seu prêmio na categoria homônima do BRIT Awards 2021, Griff prova merecer o título com o lançamento do seu primeiro EP, One Foot In Front Of The Other. Podendo ser vista como um suspiro de inovação em meio a um gênero musical que muitas vezes se repete, a cantora não faz nada incrivelmente surpreendente, apenas tem a ousadia de não se prender em clichês, assumindo sua identidade sonora de forma confiante mesmo em seu início de carreira.

Com vocais e estilos que lembram muito as composições de Julia Michaels, Griff é um pouco mais ousada ao adicionar pitadas de jazz e R&B em faixas como o single de abertura Black Hole. E uma vez que conseguimos comparar seu estilo com os primeiros singles de Dua Lipa, podemos esperar um futuro tão brilhante quanto para a nova revelação do pop. Outro destaque que precisa ser dado é para Shade of Yellow, canção que poderia muito bem fazer parte do arsenal de Taylor Swift, combinando perfeitamente em sonoridade e letra com a construção do álbum reputation. 

Entretanto, por mais que estejamos falando em comparações, é muito difícil definir Griff de forma tão simples, uma vez que mesmo com apenas 7 faixas, seu registro consegue nos mostrar a versatilidade da cantora, que caminha entre as variáveis de seu gênero, indo desde de um pop eletrônico até uma batida oitentista em Walk. Sabendo como construir sua mistura perfeita, One Foot In Front Of The Other é um disco que não merece apenas ser escutado, mas sim reproduzido repetidas vezes, de forma que sua complexidade, humildemente disfarçada, possa ser um chamado para que apreciemos a abundância de sua construção. – Ana Laura Ferreira

Overcoats – Used To Be Scared Of The Dark

Pouco tempo depois de lançarem o tocante The Fight, disco que debatia o fim de um relacionamento, o duo Overcoats dá uma prévia do futuro com o rápido mas marcante Used To Be Scared Of The Dark, um EP que reúne apenas quatro canções. Entre elas, as artistas convidam vozes proeminentes do cenário folk, pop e rock para falar de cura e renascimento.

Antes escondidas na escuridão dos sentimentos negativos, elas agora se banham na luz que emana da superação. Para isso, Overcoats vai do Céu ao Inferno, da culpa à redenção e da infância à velhice. A abertura, na faixa-título em parceria com Middle Kids, regurgita o medo, e o encerramento, Blame It On Me, ao lado de Lawrence Rothman, saúda a inocência em busca do futuro. E nós mal podemos esperar por ele. – Vitor Evangelista

Olivia O’Brien – Episodes: Season 1

Depois de centenas de buzz singles e mini-mixtapes, Olivia O’Brien finalmente entrega um trabalho completo com seu divertido segundo álbum de estúdio, Episodes: Season 1. Dividido em dois extended plays, a primeira temporada de Episodes traz seis faixas recheadas de versatilidade e irreverência. Marcada por letras melodramáticas e sonoridade up-tempo, Episodes é um dos melhores lançamentos da carreira de Olivia.

Numa época que a Geração Z trouxe o pop rock de volta para as paradas, No More Friends é um dos maiores acertos da tracklist, e Oli Sykes eleva a faixa com seu icônico vocal metalcore. Também fica impossível não se emocionar com a realidade hollywodiana em Call Mom ou mergulhar em nostalgia com What Happens Now?. Episodes: Season One abre novos horizontes para O’Brien e deixa expectativas para a segunda parte do disco. – Laís David 

boy pablo – wachito’s self-care tape

Fazendo jus ao título, as cinco faixas de wachito’s self-care tape são a trilha sonora perfeita para só relaxar. Depois de tuck me in e dancing by myself, também lançados em 2021, o quarto EP da carreira do boy pablo, nome artístico do chileno-norueguês Nicolás Pablo Muñoz, dá sequência e finaliza a proposta de fragmentar trabalhos anteriores e rearranjá-los em extended plays.

Selecionando gravações menos frenéticas e dançantes, diferente das do disco de estreia Soy Pablo e de singles como Dance, Baby! e Losing You, o cantor, compositor e produtor usa a última parte da trilogia para abaixar o tom e focar nas melodias calmas. A guitarra agitada dá lugar ao violão e ao piano, como nas declarações de amor de i <3 u e nowadays, e a solos mais contidos, como na revigorante come home e na encantadora honey. Até a animada hey girl ganha uma versão acústica, que, mesmo sem comparação com a original, encaixa na vibe proposta no EP.

Não só as melodias acolhedoras, mas as letras suaves e delicadas também se distanciam da ansiedade e das desilusões amorosas de anteriormente e tornam o trabalho praticamente uma playlist romântica e reconfortante. Mesmo sem nenhuma canção inédita, wachito´s self-care tape reúne faixas espalhadas em uma mini-coletânea coesa do início ao fim, que, como o próprio boy pablo descreve, é pensada para seus momentos de autocuidado. – Vitória Lopes Gomez

beabadoobee – Our Extended Play EP

beabadoobee se junta a Matty Healy e George Daniel, membros do The 1975, em Our Extended Play EP, uma rápida parceria colaborativa. Unindo o melhor do bedroom pop da cantora com a megalomania que borbulha da banda de Manchester. 

Em apenas quatro faixas, ela ouve sua voz distorcida e abafada por guitarras tagarelas, marca registrada dos donos de hits como Girls e Somebody Else. A finalização do EP, centrada na bobalhona He Gets Me So High, deixa um saboroso gostinho de quero mais. – Vitor Evangelista

Clarissa – Clarissa

Atriz, influencer e agora cantora. O currículo de Clarissa Müller cresce graciosamente com seu primeiro lançamento musical, Clarissa. O EP de estreia da artista aconchega cinco canções num bedroom pop que promete cair no gosto dos amantes do pop nacional. Com O Vento Leva, O Vento Traz e Bem Me Quer, Mal Me Quer, Clarissa embarca pelos caminhos tortuosos, cantando com suavidade os altos e baixos das narrativas românticas.  

Estética que se estende à Pro Nosso Azar e Ela, dando lugar à algo mais marcado em Xodó. Entre as composições íntimas e os sons charmosos, o ouvinte de Clarissa está avisado: não tem como não falar de amor em tempos de carência coletiva e não tem como não se render à leveza da música em tempos universalmente difíceis. E Clarissa Müller sabe muito bem disso. – Raquel Dutra

K.Flay – Inside Voices

Chegando dois anos após o álbum Solutions, o novo trabalho da rapper americana K.Flay é um grito de guerra e agressão que externaliza as vozes internas da artista em cinco faixas potentes que misturam pop-rock, indie e hip-hop. O apropriadamente nomeado Inside Voices representa, como muitos dos discos lançados em 2021, um processo de introspecção inevitavelmente causado pela pandemia e o período de isolamento social, revelando novas faces de sua artista e reinventando outras.

Como já diz o seu título, Inside Voices revela uma voz mais profunda da rapper, mas também é um episódio sobre as frustrações mais tangíveis de K.Flay como artista e pessoa. Seja na visceral Four Letter Words, em que ela confronta o término de um relacionamento ou na vibrante TGIF, uma insana e fantástica colaboração com o guitarrista Tom Morello, do Rage Against The Machine, em que ambos confrontam a glorificação das sextas-feiras e da semana de trabalho

Outras faixas que se sobressaem são Good Girl, um indie pop que parece saído diretamente de uma cena de filme adolescente dos anos 2000 e Dating My Dad, uma inteligente sátira de relacionamentos e famílias que conta com a bateria de Travis Barker, do Blink-182. Infelizmente o EP perde um pouco de força no final, apostando na introspectiva e sombria My Name Isn’t Katherine, mudando subitamente as engrenagens de suas músicas, mas não o suficiente para tirar o brilhantismo de suas letras instigantes e vorazes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Jensen McRae – Who Hurt You?

A biografia de Jensen McRae no Spotify resume com maestria a energia da cantora: ela tem 23 anos, é virginiana, chorou durante Homem-Aranha no Aranhaverso e nunca negou uma sobremesa. Ela canta sobre doenças mentais, sobre ser negra, sobre ter medo da vida adulta e sobre se apaixonar por qualquer cara que é gentil com ela. Ela provavelmente está escrevendo sobre você em seu diário. Who Hurt You?, seu EP de estreia, é uma boa vitrine dessa personalidade. 

Suas influências de R&B se misturam à calmaria do pop melódico, ao passo que uma aveludada voz de clamor invade o espaço sonoro. Seria fácil e simplório comparar suas canções ao repertório de SZA, mas isso seria diminuir McRae à moldes pré-concebidos. 6 músicas e 21 minutos são suficientes para nos apaixonarmos. Wolves modula seu choro dolorido, enquanto canta sobre o animal selvagem e seu derradeiro encontro. Cansou de ouvir o SOUR e está em busca de algo no mesmo espectro de sofrência? Dê play em Who Hurt You? – Vitor Evangelista

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING 

Momentos de hiatus são comuns no mundo do K-pop, mas é impossível deixar de sentir saudades do seu grupo favorito quando param por dois anos. Por isso, o mini-álbum do EXO foi um presente de aquecer os corações dos fãs que não tinham novidades desde OBSESSION, lançado em 2019. Afastados por estarem servindo ao exército, os membros Baekhyun, Chanyeol, D.O., Kai, Sehun e Xiumin se reuniram para trazer à vida o DON’T FIGHT THE FEELING. 

No clipe do single, o grupo embarca em uma excursão animada para o espaço, acompanhados pelo otimismo da letra escrita por Kenzie, compositora já antiga na gravadora SM Entertainment. Liricamente, o álbum também faz uma grande viagem, explorando diversos sentimentos e temas do cotidiano. Bem dividido, há um equilíbrio entre faixas tristes e felizes na obra. Depois de tanto tempo afastados, EXO não poderia ter feito um comeback melhor. – Mariana Chagas

Kali Uchis – sin miedo // acoustic

No apocalíptico ano de 2020, Kali Uchis gravou seu nome no cenário musical sem medo de amores e demônios. A cantora colombiana-americana abraçou suas origens latinas naquele que foi um dos melhores álbuns do ano passado: Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios). Em Março, foi vez de telepatía ganhar um caloroso clipe, transbordando talento. Agora, Sin Miedo continua com sua produção de frutos, entregando um EP acústico com telepatía, fue major, vaya con dios.

O acústico reforça toda a sensualidade da cantora em seu cavalo branco. Com apenas três músicas, Kali consegue facilmente envolver quem escuta seu trabalho. É a fascinante vaya con dios que fecha o EP e merece ser o centro das atenções. Com sua sonoridade latina que nos transporta para o ambiente cinematográfico de cabarés, a música imprime toda energia excêntrica de Kali Uchis e merece um lugar especial em sua playlist. – Ana Júlia Trevisan

TWICE – Taste of Love

Enquanto no Brasil sofremos com as baixas temperaturas e muitas camadas de roupa, TWICE esbanja o verão da Coreia do Sul em nossas caras. Uma mistura de bebidas, flores e praias servem como cenário para Alcohol-Free, e durante os 3 minutos de clipe quase dá para sentir o calor saindo da tela e aquecendo um pouco o friozinho deste inverno.

O mini-álbum conta com 5 faixas liricamente românticas e sensuais. A produção tem uma picada tropical que deixa Taste of Love ainda mais gostoso de se ouvir. Sendo ou não fã de K-pop, a batida de Fist Time consegue te conquistar. E ao escutar Baby Blue Love, o sentimento é de estarmos dançando na noite de verão que as garotas cantam sobre. Sendo essa época do ano uma temporada onde os grupos de K-pop lutam por seu espaço nas paradas, TWICE apostou certo em lançar músicas que casam tão perfeitamente com a estação. – Mariana Chagas

Rebecca Black – Rebecca Black Was Here

Uma década depois de sofrer com Friday, Rebecca Black está de volta. A cantora reúne inspirações eletrônicas no EP que carrega seu nome e sua atual situação. Rebecca Black Was Here dura mais do que sua curta duração se propõe, e a versão 2021 da artista é mais despojada e, também, mais potente.

Better in My Memory é o ápice do trabalho, mas todas as faixas passeiam por características positivas, soando, em sua melhor instância, como sons dignos da produção avantajada de Charli XCX. A PC Music vira tendência aqui, provando que a represália sofrida pela música sobre a sexta-feira não foi nada justa. – Vitor Evangelista

Músicas

Clairo – Blouse

Dois anos depois de seu último lançamento, o unânime álbum de estreia Immunity, a cantora e compositora norte-americana Clairo volta a dar as caras com o single Blouse. Longe do gênero pop (e suas variações) que marcou seu brilhante início de carreira, a artista agora explora o folk, em uma canção acolhedora, ainda que tediosa.

Os vocais suaves de Clairo cantam uma homenagem à sua cachorrinha, Joanie, e são o grande destaque na faixa, enquanto a domesticidade da melodia, que a artista tanto procurava, é mais sonolenta do que emocionante. Blouse, produzido por Jack Antonoff, o requisitado produtor de Taylor Swift e Lorde, é o primeiro single do segundo álbum da artista – e da colaboração entre os dois. Como anunciado pela cantora, seu novo projeto chama-se Sling e será lançado em 16 de julho. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless 

Depois de um hiatus de 3 anos entre o seu EP e o seu debut album, os fãs de Madison Beer não esperavam algo novo tão cedo. Porém, menos de quatro meses depois do lançamento de Life Support, a cantora volta com um single que inicia sua próxima era da forma mais linda possível. Se na capa Madison parece estar entre as páginas de um livro, ouvir Reckless é como um convite para viajar com ela para esse capítulo triste de sua história.

Com a melancolia de ser trocada por outro alguém, tema também do sucesso traitor de Olivia Rodrigo, Reckless é um desabafo honesto da vivência de Madison. Logo no primeiro verso, a cantora confessa que contar tal história pode quebrá-la, mas que escolheu contá-la do mesmo jeito. A produção de Leroy Clampitt e Tim Sommers, seus antigos parceiros, usa sons do cotidiano e tantos detalhes que ouvir de fone de ouvido se transforma em uma experiência quase mágica. 

Com mais de 700 mil de streams no Spotify, a faixa ultrapassou Good in Goodbye e se tornou a maior estreia de Beer. A hashtag RECKLESS IS OUT NOW, organizada pelo Madison Beer Brasil, ficou nos assuntos do momento na noite do dia 3. A cantora está crescendo e promete ir muito bem nessa nova fase. Se os próximos capítulos forem tão bons quanto este, não há dúvidas que Madison irá entregar outro álbum incrível. – Mariana Chagas

Marisa Monte – Calma

Após uma década sem inéditas, Marisa Monte nos pede Calma, como um sopro de esperança para não temer o futuro. O single é o primeiro lançamento do álbum Portas, que vem ao mundo em julho. Composição de Marisa em parceria com Chico Brown, a canção tem letra e melodia fáceis, que entram na mente capazes de se repetirem por horas. A música é um spoiler do que podemos esperar de Portas: o reforço na confirmação que cada dia mais a arte de faz necessária, que o som é um dos melhores escapes do mundo apocalíptico em que estamos vivendo. – Ana Júlia Trevisan

Bimini – God Save This Queen

Grande destaque da segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK, Bimini Bon-Boulash escolheu o Mês do Orgulho para dar partida em sua carreira musical. God Save This Queen, faixa selecionada para o pontapé além das passarelas, aumenta o alcance da drag queen, dando ao público mais nuances de sua multifacetada persona, vegana, não-binária e doida. Os versos permanecem fiéis ao que Bimini já cantou no programa, uma expansão de sua visão artística. Agora que a fera está solta, o mundo é um lugar melhor. – Vitor Evangelista 

Jottapê, Kevinho e ARON – Errada Ela Não Tá 

Arón Piper está arriscando no mundo musical aos trancos e barrancos. Depois do lançamento de seu EP no começo do ano, o astro de Elite se aventurou em terras brasileiras para um feat com MC Jottapê e Kevinho, surgindo então Errada Ela Não Tá. Quem dá o tom é o ator de Sintonia numa batida conhecida pelas festas antes da pandemia, vibrante e enérgica. A voz anasalada de Kevinho vem logo em seguida sem grandes novidades, nos mesmos moldes que suas outras músicas. Até aí, o match perfeito. 

Contudo, Arón aparece e desgasta o funk, abusando do auto-tune. Sua voz modulada além do limite diminui os compassos introduzidos pelos MCs e só volta quando ele canta em espanhol o verso introdutório do refrão. Mesmo assim, há aqueles que aprovaram a parceria já que Errada Ela Não Tá entrou no top 200 do Spotify Brasil. Pessoalmente, ainda fico no aguardo de novas produções de Arón que engrandeçam sua voz marcante. – Júlia Paes de Arruda

Jessie J – I Want Love

Há alguns anos a Claudia Leitte do Reino Unido vem tentando repetir seus feitos do início da carreira, seja através de uma abordagem mais pop ou conceitual. E, bom, quem conhece Jessie J sabe que esse é exatamente o problema da cantora: tentar demais. Abençoada com uma voz poderosa, J já foi até mesmo competir na China em uma programa de talentos na TV, e venceu, provando que anos de carreira e alguns hits não te impedem de fazer o caminho contrário da fama. 

Em I Want Love, J usa de todos os artifícios para fazer uma canção viciante, e consegue. A estrutura convencional cumpre seu papel, o refrão é chiclete, as firulas vocais impressionam, e a letra super identificável (afinal, quem não quer amor?) e as influências disco, que estavam em alta, completam o pacote. A mudança de tom no final é a cereja do bolo, quase como uma paródia do próprio gênero, algo que Ed Sheeran usaria sempre se tivesse a ambição e potência vocal de Jessie. Infelizmente, tudo que é muito doce e emperequetado enjoa fácil. – Jho Brunhara

blackbear e Tate McRae – u love u

A nova era de blackbear começou! Em 23 de março, o cantor anunciou em suas redes sociais seu próximo projeto, o EP misery lake, e três meses depois, o single finalmente foi lançado.  Com a participação de Tate McRae, a produção ficou na mão de Andrew Goldstein, que já trabalha com o cantor há muito tempo.

A música é sobre estar em um relacionamento mas continuar se sentindo sozinho, mas é tão animada que quase dá para esquecer da triste letra. Bear desabafa sobre amar alguém que não parece o amar de volta tanto assim. Já a capa ficou na mão de Harley Wrecks, parceiro antigo do cantor, que escolheu uma animação que combinasse com o conceito da era. “Decidi fazer ele (blackbear) e Tate se afogando no misery lake”, contou o artista em entrevista. – Mariana Chagas

IZA – Gueto

Que IZA é uma potência todo mundo sabe, mas o novo single da artista e primeiro vislumbre de seu segundo disco é para elevar todas as expectativas a respeito de seu trabalho. Em Gueto, um dos maiores nomes do pop nacional faz jus ao espaço de importância que ocupa enquanto artista, exaltando a cultura da periferia e suas raízes do subúrbio do Rio de Janeiro. Usando de um dancehall e afrobeat carismáticos, o conjunto da obra de Gueto ainda conta com a direção criativa de IZA e entrega um dos vídeos mais lindos do ano, onde brilha forte uma artista confiante, que diz “sim, eu sei o que está reservado pra mim”. – Raquel Dutra

CHVRCHES e Robert Smith – How Not To Drown 

O trio escocês CHVRCHES voltou esse mês com mais uma amostra de seu novo álbum, Screen Violence, programado para sair ao final de agosto, marcando assim 10 anos desde a formação da banda em 2011. O novo single, How Not To Drown, conta com a ilustre colaboração de Robert Smith, do The Cure, nos vocais e na letra.

Escrita em um momento em que a vocalista Lauren Mayberry pensava em deixar a banda de synthpop, a música serve como uma reflexão sobre desistência, ansiedade e depressão: “Me diga como/É melhor se eu não fizer som/Eu nunca vou escapar dessas dúvidas/Eu não estava morta quando me encontraram, olhe como me me afundam”. Adicionando seus vocais fantasmagóricos ao refrão sombrio, Robert Smith só agrega ao ar de mistério e violência proposto na nova fase do trio.

Além da música, Junho também trouxe um vídeoclipe psicodélico seguindo as novas estéticas do grupo, assim como um novo remix de 7 minutos criado pelo próprio Robert Smith. Descrita por Martin Doherty como “o momento mais orgulhoso dele como músico”, How Not To Drown marca mais uma forte adição à discografia da banda e aquece os ouvidos dos fãs até o lançamento de Screen Violence em 27 de agosto. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Michaela Jaé – Something to Say

A mãe tá on! Depois de acalentar nossos corações como a chefe da família Evangelista e na pele de uma das personagens mais queridas da TV, MJ Rodriguez estreia na música como Michaela Jaé em Something to Say, seu primeiro single. A artista já mostrava indícios dos seus dons musicais através em alguns episódios de Pose, e agora, com os trabalhos na série devidamente finalizados, ela se joga numa mistura triunfante de pop, R&B, soul e funk para provar um fato: Michaela Jaé tem muito o que dizer. – Raquel Dutra

Megan Thee Stallion – Thot Shit

Megan encerrou a bem-sucedida era Good News e agora é a hora de Tina Snow brilhar. Alter ego da rapper, essa versão loira é quem dá as caras em Thot Shit (em inglês, Thot é sigla para ‘that hoe over there’, uma maneira de menosprezar as mulheres). O clipe abre com um político branco e idoso comentando barbaridades em um dos vídeos de Meg, para logo depois abrir o zíper da calça e “aproveitar” o que assiste.

Saindo do prédio, ele logo é atropelado por um veículo em alta velocidade. No banco do motorista está a cavalona, empoleirada e rebolando. Ela segue essa máxima todo tempo e não há lugar ruim para o remelexo do bumbum: uma lanchonete e até uma sala de cirurgia são palcos para o twerk. A letra também é lugar seguro para Stallion, que rima sobre sexo e seu sucesso e estrelato, sem tabus ou quaquer vergonha do que diz. Thot Shit abre alas para o futuro dessa que é uma das maiores estrelas que temos. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – A Flor Encarnada

“Haste fina que qualquer brisa verga mas nenhuma espada corta”. Essa é a definição completa de Bethânia, pura e irrestrita. A cantora, que pegou todos de surpresa no dia de seu aniversário, lançou em junho a música A Flor Encarnada – composição de Adriana Calcanhotto. A letra forte combina com toda a história da discografia traçada pela inconfundível voz de Maria Bethânia. A forma poética da cantora em interpretar canções traz profundidade para A Flor Encarnada e nos deixa ansiosa para trabalhos futuros que a menina de Oyá, isolada na mata, possa estar preparando. – Ana Júlia Trevisan

Danna Paola – MÍA

Depois da sua era K.O., Danna Paola enaltece uma nova fase da sua vida, abusando de uma maturidade musical admirável em tão pouco tempo. Sem deixar de celebrar sua notoriedade na música latina, MÍA retrata a transição da inocência à independência, deixando despertar uma mulher preparada para enfrentar o mundo somente com a sua companhia. 

No clipe, a patricinha de Elite simula um funeral, desprendendo dessa fase monótona de corações partidos e relacionamentos imaturos, para renascer cheia de cores e felicidade. Resumindo em suas próprias palavras, bem-vindo ao novo eu de Danna Paola. A versatilidade de sua voz encanta pela energia e as danças bem coreografadas são vitais para traduzir essa intensidade. Seu renascer estilo Bela Adormecida só reforça seu papel de empoderamento e de amor próprio nas próximas gerações de meninas que a viram no uniforme de Las Encinas. Prometendo uma continuação dessa história, a mexicana nos dará a honra de prestigiar performances incríveis em um novo álbum. – Júlia Paes de Arruda

FLETCHER – Healing

O término público do relacionamento igualmente público de Fletcher rendeu bons sofrimentos à artista – e a seus fãs. Com direito até a videoclipe com a ex, a cantora e compositora recompensou os fãs com o EP The S(ex) Tapes, que reflete sobre o fim e o que vem com ele, do sofrimento à expectativa para o próximo amor. Entre outros lançamentos e versões no meio do caminho, o novo single de Fletcher, Healing, retoma a narrativa da onde a artista parou.

Semelhante a canções anteriores, a faixa combina as letras pessoais e honestas ao ritmo pop animado. Álbum, EP ou single, o próximo lançamento ainda não foi anunciado, mas, com uma turnê pela Europa com datas marcadas, o processo continua: em Healing, Fletcher ainda não se curou, mas está no caminho. – Vitória Lopes Gomez

Bad Bunny – YONAGUNI

A nova fase de Bad Bunny já mostra seus primeiros sinais com YONAGUNI. Depois de se despedir de EL ULTIMO TOUR DEL MUNDO na companhia de ROSALÍA, e vencer um Grammy com YHLQMDLG, a expectativa para os trabalhos do artista em 2021 era alta, e a recepção do lançamento foi à altura: quebrando recordes, o single estreou em 3º lugar na parada global do Spotify, com 7,1 milhões de streams em 24 horas, na maior estreia de uma música em espanhol na história da plataforma de streaming. No reggaeton sensual, versos apaixonados e estética extravagante de sempre, Bad Bunny segue um fenômeno. – Raquel Dutra

Bleachers – How Dare You Want More

Quando uma banda constrói seu estilo baseado em fortes e imponentes influências, como é o caso do Bleachers, é fácil se perder entre as mesmices disfarçadas de homenagens em suas construções, sejam líricas ou sonoras. Mas para a alegria dos nossos ouvidos, a banda de Jack Antonoff sabe equilibrar sua personalidade e sua nostalgia, criando a mistura perfeita para nos entregar um single que combina tanto com eles em pleno século XXI quanto combinaria com The Beatles em plenos anos 1960. Animada do jeito certo para disfarçar o peso de sua letra, How Dare You Want More é o passado e o presente que pavimentam o futuro da banda. – Ana Laura Ferreira

Pó de Café e Maria Rita – Tantas Mães

Sou, de longe, a pessoa mais suspeita do site para falar da dona cantora Maria Rita. A filha de Elis Regina não lança um trabalho solo desde 2018, mas nesse longo período de tempo vem colaborando com outros cantores e grupos, e também se arriscando por aí como compositora. Sua voz inebriante marca presença no single Tantas Mães do grupo de jazz Pó de Café.

A música sobre Iemanjá escancara a religiosidade de Maria Rita. Sua entrega na canção demonstra um respeito que transcende as relações musicais, há uma verdade pessoal impressa em seu vocal. Com um instrumental marcante mas que não se sobrepõe à voz da cantora, Tantas Mães nos lembra a sonoridade do Segundo, entrelaçada com a fé do Amor e Música. O single é a junção do melhor dos dois mundos de Maria Rita. – Ana Júlia Trevisan

Ed Sheeran – Bad Habits 

Depois de mais de um ano de uma pausa incessante, mesmo com aparições para notícias maravilhosas e um lançamento sem compromisso, Ed Sheeran está de volta com sua primeira canção solo desde o álbum Divide. Ansiosamente esperando por esse momento e, como sempre, ele nunca decepciona. 

Conhecido por compor letras maravilhosas, Ed canta sobre as decisões erradas tomadas na madrugada, especialmente depois das duas da manhã (uma referência a How I Met Your Mother, talvez?). O britânico se arrisca em algo não visto em outros trabalhos, uma música dançante estilo The Weeknd com vibes eletrônicas de Alok. Ainda processando o lançamento, o ruivo performou seus maus hábitos numa versão acústica no TikTok UEFA EURO 2020. Depois da sua trilogia matemática +, x e ÷, será que estamos próximos do –? Ed Sheeran dá indícios que sim. – Júlia Paes de Arruda

Marina Sena – VOLTEI PRA MIM

VOLTEI PRA MIM, segundo single da carreira solo de Marina Sena, resgata elementos do som pré-setentista da Tropicália e os insere no que há de mais contemporâneo da música pop alternativa brasileira. O som, com destaque para guitarra ritmada, é dançante e esbanja sensualidade, irreverência e leveza. Sensações com as quais os fãs da cantora mineira estão acostumados desde os trabalhos na A Outra Banda da Lua, onde Marina tocou os vocais por 5 anos, até a empreitada Rosa Neon, que acabou em março deste ano e foi a grande responsável por projetar a artista no cenário nacional: seja acumulando mais de 2 milhões de acessos entre Spotify e YouTube, fazendo feat com Djonga, ou figurando turnê na Europa (tá bom?!).

“Amor eu te deixei/Pra ir atrás do que eu sonhei”, são os primeiros versos a ecoar no single. Enquanto a música narra quem prioriza a própria caminhada com clima atmosférico e visual marcante e minimalista ao mesmo tempo, os tons quentes e abafados no clipe transpiram latinoamérica, e Marina lembra uma sereia folclórica. Tudo isso somado ao seu jeito de cantar agudo, envolvente e anasalado, que remetem a Gal, Marisa Monte e Céu, são detalhes que traduzem de maneira cristalina a fase e escolhas profissionais da cantora. O ano de 2021 marca a estreia solo com ME TOCA, precursor de VOLTEI PRA MIM. Lançados com um intervalo de 5 meses, os singles, além de sinais do álbum previsto para agosto deste ano, são produzidos e arranjados por Iuri Rio Branco e contam com realização do selo A QUADRILHA – comandado pelo parceiro e conterrâneo, Djonga.

Marina compõe, canta, toca e dança. Em cima de uma moto, ou no meio de duas delas em círculos, com cabelos soltos e volumosos, como aparece no clipe, a mineira de voz potente e manhosa consegue voltar para o que já vem dando certo, sem ainda soar cansativa e trilha uma trajetória cada vez mais consistente na MPB. “Eu tenho o dom de ir além”, ela canta na faixa, e é bom ficar de olho. – Andrezza Marques

King Princess – House Burn Down

Qualquer lançamento de King Princess tem a difícil tarefa de fazer jus ao nível altíssimo de seu EP de estreia, Make My Bed. Sem erro, o novo single da cantora e compositora já era unânime entre os fãs até antes de ser gravado: House Burn Down era tocada em shows e só foi parar no estúdio depois de incessantes pedidos por uma versão oficial.

Com o lançamento da gravação, os riffs de guitarra e a pegada rock da faixa provam que incendeiam tudo não só no ao vivo. Seguindo PAIN e Only Time Makes Human, a canção é a terceira que integrará o novo álbum da artista, que, segundo ela, está a caminho e será “muito mais rock and roll”. Com a prévia do que vem aí, é de se esperar que o próximo trabalho de King Princess faça jus, afinal, ao seu insuperável EP. – Vitória Lopes Gomez

Billie Eilish – Lost Cause

Pouco mais de um mês antes do lançamento de seu novo álbum, Happier Than Ever, Billie Eilish revelou mais um single dessa nova era. Quase oposto a Your Power, que traz uma letra profunda sobre um tema de extrema delicadeza, em Lost Cause a jovem canta de forma bem descontraída e debochada sobre um antigo relacionamento que teve, enquanto curte uma festa do pijama com algumas amigas – o que não poderia ser um programa melhor. 

Mesmo sem dar nome aos bois ao longo da letra, a tal causa perdida que é nomeada diversas vezes pode se associar muito ao rapper Brandon Quention Adams, com quem Billie teve um relacionamento conturbado, apresentado no seu documentário The World’s A Little Blurry. Ela menciona a falta de atenção e maturidade do tal ex, e também as decepções que teve ao longo e ao fim do namoro. 

Além da música ser um hit de mão cheia, algo que não é novidade quando se trata de Billie Eilish, também é ótimo poder assistir a cantora exalar autoconfiança enquanto se diverte com suas amigas. Como notado até agora, seu próximo álbum tem tudo para mostrar um lado ainda mais pessoal e sincero de Billie, e não poderíamos estar mais ansiosos para ouvir o resultado disso. – Vitória Silva

Nando Reis e Pitty – Um Tiro no Coração

Essa não é a primeira vez que falamos de Nando Reis num post mensal.  O Infernal não lançou nenhum disco solo esse ano ainda, mas se uniu a outros nomes da MPB para contribuir cada vez mais com a cultura nacional. Primeiro DUDA BEAT, depois seu filho Sebastião e agora a fabulosa baiana Pitty se junta ao ruivo. Diferente dos primeiros, a roqueira faz parceria em apenas um single, o que não diminui a química musical entre os dois astros.

A música escolhida por ambos foi Um Tiro no Coração. Cássia Eller deu voz à essa canção há 20 anos e se tratando dela, é óbvio dizer que foi feito um trabalho inconfundível. Com base nisso, a nova gravação tem força para quebrar barreiras temporais. Os vocais se mesclam com a guitarra de Walter Villaça, revelando muita afinidade entre o duo. Não sabia que precisava de Nando Reis e Pitty juntos até ouvir eles nessa faixa. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – The Devil

Dois anos após o sensível III e um EP de versões acústicas, a californiana Jillian Rose Banks, conhecida mononimamente como BANKS, retorna com um single que revela sua produção intrincada e sua musicalidade sofisticada. No demoníaco The Devil, ela canta sobre renascimento e tentação em meio a gritos agonizantes e sussurros sensuais.

Começando intimamente a faixa com tais sussurros, ela orgulhosamente declara seu novo nome: “Eu sou o diabo, te disseram que eu sou o diabo?/Ponha sua fé em outra vida passada (Ha-ha-ha)”. Os detalhes caprichosos e peculiares do single, co-produzido pela própria cantora, são o que fazem da música uma das mais marcantes do ano. Seja por sua batida sombria e sensual ou por seus versos intrusivos e intimidadores, BANKS chega em 2021 marcando presença.

O vídeoclipe, co-dirigido também por ela e inspirado em clássicos como Drácula de Bram Stoker (1992) e A Morte lhe Cai Bem (1992), expressa deliciosamente esse renascimento e transformação, com a cantora se tornando mais forte que seus demônios e resistindo aos seus charmes. Apesar de curta, BANKS nos enfeitiça com sua voz e seu som na primeira amostra de seu novo álbum ainda não nomeado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Liniker – Baby 95

Declaro que Junho é o mês de Liniker. Além da série original Prime Vídeo – Manhãs de Setembro -, a cantora disponibilizou a canção Baby 95 junto ao clipe. Não é atoa que Liniker é atualmente uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+. A letra da música mistura português e inglês, MPB e R&B, e cria uma expressiva história de amor que nos envolve no íntimo do casal. Lançado na semana dos namorados, as cores e luzes do clipe colaboram para o sentimento de acalanto e nos faz acreditar de novo no amor. É sempre caloroso prestigiar a Liniker. – Ana Júlia Trevisan

Jonas Brothers – Remember This

Depois de novos rumores que os Jonas Brothers se separariam mais uma vez, o trio surpreendeu os fãs da forma mais amorosa possível através de Remember This. O ritmo não é diferente de outros trabalhos que eles já produziram antes, porém conta com uma energia muito mais valiosa.

Esse tom de aconchego vem das fotos de seus fãs que já tiveram o privilégio de ouvi-los ao vivo. A ausência das performances físicas dos três carrega esse sentimentalismo e, ao fechar os olhos, é como se estivéssemos presentes em um de seus shows. O compasso de violão com a percussão acompanha o refrão como se fosse uma prece: “Costumava rezar por um momento assim”. Contudo, não somos afortunados o suficiente para experienciar essa emoção tão cedo, já que a turnê de mesmo nome não passará pelo Brasil. Remember This é tudo que temos por agora e, a princípio, parece ser o suficiente. – Júlia Paes de Arruda

Jeremy Zucker – 18

Depois de um álbum sobre amadurecimento e relacionamentos sérios, Jeremy Zucker embarca em uma viagem no tempo com ponto de chegada no ensino médio. Narrado por um garoto de 16 anos, 18 é a perspectiva encantada e inocente de um adolescente que se apaixona por uma menina mais velha. 

Depois de apagar todas as fotos do seu Instagram para preparar o seu comeback, Jeremy voltou completamente entusiasmado em relação ao início de sua nova era. Escrita junto a Mikael Temrowski, Alexander O’Neill e Thomas Michel, o single escolhido parece contrastar com seus últimos trabalhos, mas sem perder a essência jovial e divertida que o cantor carrega em seus maiores hits all the kids are depressed e comethru. – Mariana Chagas

Linn Da Quebrada – I míssil

Conceito, coesão e aclamação. Tem forma melhor de definir o trabalho de Linn Da Quebrada? Não tem. E quando pensamos que sua habilidade com as palavras chegou ao seu ápice, ela mostra que ainda pode ir além. É o caso de seu novo álbum, Trava línguas, que tem o lançamento planejado para julho e um caminho perfeitamente preparado pelos singles mate & morra e quem soul eu, de 2020, e oficialmente descrito por I míssil, seu lançamento mais recente. Na canção, Linn brinca com os sentidos de sua composição junto de produção e direção musical de BadSista e da percussionista Dominique Vieira. Ela, mestra com as palavras, segue, como sempre, nos deixando sem elas. – Raquel Dutra

Hayley Kiyoko – Chance

Hayley Kiyoko começou Junho com single novo e, sofrendo por mulher de novo, pondera sobre suas chances e riscos em Chance. Sem medo de cantar sobre suas vivências, experiências e inseguranças como mulher lésbica, a letra honesta e identificável é embalada por uma batida calma e contagiante e gruda na cabeça: “Eu sempre fui um “não”, nunca um “talvez”/Eu sei que ela nunca me daria uma chance”. Para melhorar, o lançamento foi em dobro e Chance acompanha um videoclipe, que contraria a letra e dá o final feliz que Kiyoko – e quem se identifica – merece. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Rodrigo – The Rose Song 

Olivia Rodrigo conseguiu entregar a metafórica ‘rosa aprendida pelo vidro da Fera’ de maneira brilhante, mais uma vez. Apesar de ser criada para a trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series, série que garantiu o sucesso a cantora de SOUR, a metáfora trazida para inserir sua personagem Nini na peça teatral do East High que produz A Bela e A Fera nesse ano dois, a música serviu também para a cantora por trás das câmeras. 

A série é conhecida por seu brilhantismo de permitir que os protagonistas escrevam suas próprias letras para a produção do Disney+, o que garante que elas deixem de ser mais do que uma música infanto-juvenil e conseguem, de fato, representar o ator nos bastidores da composição. E esse é o caso de The Rose Song que, de maneira perfeita, se encaixa tanto com a trajetória de SOUR, mas também com o drama do relacionamento da protagonista e Ricky (Joshua Bassett). 

Como sua personagem para a peça, a então Rosa, Olivia Rodrigo conta sobre os aprisionamentos de um relacionamento conturbado, assim como a Fera e a maldição que o mantém dessa forma, no conhecido conto de fadas da Disney. Além disso, sem novidade, a cantora entrega vocais e uma performance impactante, que fecham de maneira brilhante o 6º episódio da série e, possivelmente, o estilo melodramático de SOUR. – Larissa Vieira

Garbo – Presente

Foi aqui que pediram um típico astro teen vindo diretamente do Tumblr para embalar o inverno pandêmico brasileiro? O Presente de Garbo está aqui para servi-los. O primeiro lançamento do ano do artista independente Gabriel Soares sucede seu último single, espaço-tempo, lançado em 2019, e seu último álbum, jovens inseguros vivendo no futuro, de 2018. Agora, Garbo apresenta um melodrama dançante e doído, em batidas oníricas de softpop e levemente eletrônicas. Numa identidade precisa da nossa juventude, é impossível ser mais presente que Garbo. – Raquel Dutra

Morat e Danna Paola – Idiota

Morat é um nome em ascensão no mercado musical latino. Aliado à belíssima voz de Danna Paola, outra personalidade crescendo nesse meio, não podia surgir algo ruim. Idiota é a representação da sensualidade e da calmaria das músicas latinas. A voz da patricinha de Elite traz a potência feminina que Idiota precisava, junto com a suavidade das vozes masculinas. Apesar da letra sofrer por amor, a batida dançante e sedutora nos cativa dançar no mesmo ritmo. Afinal, um amor como esse não aparecerá outra vez. – Júlia Paes de Arruda

Lorde – Solar Power

Quando a Pantone anunciou que as cores de 2021 seriam Cinza e Amarelo, Lorde com certeza riu em sua casa, ou melhor, na beira da praia. Depois de cantar as melhores músicas sobre se sentir triste no imaculado Melodrama, agora, finalmente, chegou a vez de enxergarmos o espectro oposto da cor azul: a cor do sol. Solar Power evoca o reencontro com a natureza e o banho de luz solar, enquanto Lorde guia a geração não queria crescer e que não queria mais amar para um novo estado mental, de restauração e reencontro.

Em 2021, mais do que nunca, a canção parece cair como uma luva para o Hemisfério Norte e os países sortudos do Sul, onde os recursos abastados permitiram uma compra de vacinas em grande quantidade ou não foram impactados de forma tão severa pela pandemia, por uma boa gestão governamental. Lá, a vida de verdade já voltou, e Solar Power faz ainda mais sentido em convocar seus ouvintes para sair de casa e redescobrir a felicidade que reside no mundo. O Brasil, infelizmente, não divide as mesmas alegrias e conquistas.

Lorde é culpada pelo caos e incompetência no território brasileiro? Não. É culpada pela concentração da compra de boas vacinas por países da América do Norte e Europa que prejudicam os Estados emergentes? Também não. Mas é muito difícil ouvir Solar Power e se entregar da forma que a cantora pede. Ainda não conseguimos esquecer as lágrimas que choramos, Lorde. Por aqui, ainda não acabou. Esperamos que num futuro próximo as palavras que você escreveu, finalmente, possam fazer sentido de verdade para nós. Por enquanto, só podemos usar de escape para sonhar com uma realidade melhor. – Jho Brunhara

Jennifer Hudson – Here I Am (Singing My Way Home)

A aguardada cinebiografia de uma das maiores estrelas da história da música ganha seu tom na voz de Jennifer Hudson e Here I Am (Singing My Way Home). A canção tema do filme traz tudo o que pode da vida de Aretha Franklin para o aspecto que é um dos mais preciosos da produção e da vida da artista, pela autoria de Carole King, compositora do clássico (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, de 1967, um sucesso na voz de Aretha. Assim, a música só aumenta as expectativas para o público que aguarda Respect e o dia 12 de agosto, quando finalmente assistiremos surgir em Jennifer Hudson a maior cantora de todos os tempos. – Raquel Dutra 

Clipes

Dua Lipa – Love Again

Mostrando que ainda não está preparada para deixar a era Future Nostalgia, Dua Lipa entrega um clipe para mais uma faixa do seu álbum. Depois de Don’t Start Now, Physical, Levitating, Break My Heart e We’re Good – da versão moonlight do CD, a escolhida da vez foi Love Again. O clipe foi gravado entre os ensaios para o BRIT Awards e teve diversas trocas de looks e uma coreografia que a cantora precisou aprender em menos de uma hora.

O conceito do vídeo pode parecer confuso de primeira, mas tudo se encaixa quando combinado a letra da música. Na letra, Dua Lipa confessa que depois de jurar não se apaixonar outra vez, ela acaba por conhecer alguém que a faz ir contra sua promessa. E isso é retratado visualmente no clipe. O ovo representa a cantora renascida, depois de finalmente se curar das dores do último amor. Os palhaços tentam a todo custo a prender para si e, quando conseguem, ela aparece também com a cara pintada.

Apesar das suas tentativas, Dua acaba por amar novamente, e a ironia é estampada na sua cara de palhaça. O music video ficou nos trends do YouTube em 88 países, e a cantora usou seu Instagram para agradecer o apoio dos fãs. Mesmo com mais de um ano de lançamento, o álbum continua entre os mais escutados no Spotify, e a era de sucesso de Dua não parece que vai acabar tão cedo. – Mariana Chagas

DUDA BEAT – Nem Um Pouquinho

Mais uma vez, DUDA BEAT veio provar que boas produções não são exclusividade de artistas internacionais. Depois de lançar o seu aclamado Te Amo Lá Fora, a cantora presenteia mais uma faixa com um clipe, sendo a vez do seu feat com Trevo. Após excluir suas redes sociais, encheu os fãs de ansiedade para anunciar o lançamento do vídeo de Nem Um Pouquinho.

Com direção da dupla Alaska, que voltou para o Brasil depois de uma temporada nos Estados Unidos, o clipe é cheio de referências  cinematográficas. Uma delas é a inesquecível cena de ET, com as bicicletas passando pela frente da lua, como acontece no minuto 2 e 45. Junto com a estética cyberpunk e sua habilidade de metamorfose, o vídeo é um presente para quem gosta de destrinchar as camadas de uma boa obra do pop. – Mariana Chagas

Performances

Ariana Grande – pov 

Desde o lançamento de positions, pov se tornou uma das favoritas do fandom. Apesar de não ter recebido clipe, foi essa a faixa que Ariana Grande cantou em sua apresentação para a VEVO. Recém-casada, a cantora está tomada pela paixão, e isso transparece na sua voz emocionada e olhar brilhante. Sempre encantadora, dessa vez Ari está ainda mais. 

Em um gramado recheado de flores, a artista passeia pelo palco, iluminada por uma luz roxa e azul suave. O cenário é bem simples, mas ainda assim elegante. A tranquilidade do ambiente acompanha a leveza da letra que Ariana canta. Mesmo lançada a pouco tempo, a performance já se tornou a mais assistida do ano. – Mariana Chagas

Olivia Rodrigo – SOUR prom: the concert film

Continuando a expandir o conceito do amor juvenil, Olivia Rodrigo montou a sua própria festa de formatura (online, é claro!). Depois de ter se formado longe dos amigos e dos corredores do high school, Rodrigo trouxe SOUR para as salas do Ensino Médio, em um show online/experiência de catarse. 

Dirigido por Kimberly Stuckwisch e Toby L, SOUR prom: the concert film bebe em fontes que partem de Carrie e homenageiam até os filmes da Disney. Ela abre a cantoria com um mashup de deja vu e happier de dentro da limusine, seguindo pelo repertório envolvente do álbum de estreia. 

Merecem destaque a versão prolongada da chiclete jealousy, jealousy, o acústico sincero de enough for you e o quebra-pau de good 4 u, acompanhada por uma banda escolar e uma renca de líderes de torcida. Sobrou espaço para Conan Gray e demais amigos de Rodrigo fazerem uma pontinha. A festa de formatura do álbum SOUR parece ticar as caixinhas das músicas ‘juvenis’, limpando o caminho para que o caminho da artista seja de crescimento e exploração de novos ares. – Vitor Evangelista

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