O terceiro mês do ano foi o mais movimentado de 2022 até então. Entre perdas inestimáveis para o mundo da Música, o Brasil voltou a receber artistas nos palcos do Lollapalooza e o Oscar 2022 tomou parte, com destaque especial para as apresentações de Beyoncé, Billie Eilish e as do filme Encanto. Quem tomou as manchetes para si, entretanto, foi a morena misteriosa Anitta, que alcançou o posto de canção mais popular do mundo com Envolver. 

No dia 25 de março, a cantora se tornou a primeira artista latino-americana a alcançar o primeiro lugar da tabela do Spotify Global, que contabiliza os números de reprodução das músicas da plataforma em nível internacional. Desbancando o hit mais recente de Justin Bieber, a música-chiclete de Glass Animals e a nova sensação de Imagine Dragons, Anitta superou o próprio recorde, que anteriormente havia colocado Vai Malandra no top 50 posição da parada musical. Aos poucos, dia após dia, a ambição da conquista virou assunto nacional e juntou tudo quanto era dispositivo para reproduzir a canção da brasileira – e então, ela chegou lá.

Apesar dos motivos a serem celebrados, não há maneira de começar essa edição do Nota Musical sem lamentar a morte de Taylor Hawkins. No dia 25 de março, com apenas 50 anos, Taylor Hawkins partiu. Para muitos, essa é apenas a metade de uma vida, e, no caso dele, tratava-se de uma pequena fração de tempo em relação àquilo que ele, certamente, poderia fazer – por isso chamamos de “morte precoce”. Atrás da bateria, girando as baquetas, ele foi um símbolo de grandeza, e parecia consenso o fato do músico ser predestinado a fazer sucesso. 

A forma habilidosa de tocar, mesclando técnica e estilo, fizeram com que fosse lembrado como o grande baterista do Foo Fighters, mesmo que o vocalista da banda fosse Dave Grohl – o grande baterista do Nirvana; a verdade é que Taylor Hawkins foi o único capaz de nos fazer esquecer que haviam dois grandes bateristas na banda. Nos shows do grupo, era comum os momentos em que se levantava e deixava Grohl assumir o instrumento, enquanto ele dominava o microfone e demonstrava todo seu virtuosismo vocal em meio a total desenvoltura com o público. Foi um genuíno artista, daqueles que nos lembramos como memoráveis.

Por essa razão, tornou-se uma influência clara a todos que desejavam aprender a tocar bateria. Dono de um jeito muito particular – verdadeira definição de personalidade –, mantinha como principal característica o sorriso aberto, sem ressalvas em demonstrar a alegria, de modo que, mesmo enquanto tocava, o sorriso ainda estava presente. É essa imagem que manteremos em mente: o fantástico baterista do Foo Fighters, tocando o instrumento, sorrindo e rodando suas baquetas, enquanto tudo se apaga após um imenso clarão. 

O Foo Fighters teria encerrado os 3 dias do Lollapalooza 2022, que tomou o Anhembi de sexta a domingo, entre 25 e 27 de março. Retornando depois de dois anos de cancelamento por conta da pandemia, o evento trouxe nomes internacionais como Machine Gun Kelly, A$AP Rocky, The Strokes, Alessia Cara, MARINA, Jack Harlow, Kehlani, e nacionais como Jão, Jup do Bairro, Marina Sena, Pabllo Vittar e Gloria Groove. O destaque absoluto, no entanto, repousa nos ombros de Doja Cat e Miley Cyrus. Depois de terem shows cancelados na América Latina, as duas chegaram com bastante energia acumulada para o espetáculo no Brasil.

A rapper encantou com os hits virais e com a melhor peruca da turnê, enquanto a roqueira admitiu o cansaço e o luto frente à morte do baterista do Foo Fighters (que cancelou a apresentação no festival pelo luto de Taylor Hawkins). Cyrus pintou e bordou no palco, explorando todos os sucessos que a consolidam como um camaleão musical. Do pop rock de 7 Things ao country de The Climb e o pop trap de We Can’t Stop, a loira encontrou espaço para cantar Boys Don’t Cry com Anitta, abençoar o matrimônio de um jovem casal smiler e anunciar, de surpresa, um disco ao vivo.

Uma semana depois, a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas realizou a 94ª edição do Oscar. Houve discursos emocionantes, prêmios históricos e muita música. Depois de abandonar as canções ao vivo em 2021, dessa vez os números fizeram parte da cerimônia principal. Beyoncé abriu o show, diretamente do bairro de Compton, em uma das quadras onde as irmãs Venus e Serena Williams treinavam quando crianças. A artista performou Be Alive repleta de conceito para apresentar uma das faixas indicadas da noite, mas a única vitória do filme das tenistas foi na categoria de Melhor Ator para Will Smith.

Reba McEntire apareceu para agraciar o público com sua versão melancólica e esperançosa de Somehow You Do, canção proveniente do filme Four Good Days. Por parte de Encanto, Sebastián Yatra lamentou a dor de Dos Oroguitas cercado por um cenário simplório, e o elenco todo da animação se reuniu para performar o sucesso We Don’t Talk About Bruno, com o toque extra de Megan Thee Stallion, Luis Fonsi e Becky G. Para fechar o combo, Billie Eilish e FINNEAS arrasaram na interpretação de No Time To Die, a eventual vencedora da noite, fechando um ótimo ciclo para as aventuras de Daniel Craig como James Bond.

“Você costumava me conhecer, mas agora não mais”

Agora partindo para os lançamentos do mês, não teve ninguém mais aventureira que a britânica Charli XCX. No 6º álbum da carreira (e o último requerido obrigatoriamente com a gravadora que muito a podou), ela encapsula referências do pop, do hyperpop e da música eletrônica dos anos 1980. O conceito por trás de CRASH é a criação de uma “personagem” sedenta pelo sucesso, que acaba vendendo sua alma para o demônio, com referências ao filme Crash (1996), de David Cronenberg, baseado no livro homônimo de J.G. Ballard. 

Mas indo além do que a diva pop almeja, o CD se lambuza nas entranhas do gênero, com baladas mais lentas, rendições aceleradas e recheadas de composições sinceras e brutais, além de parcerias para tirar o chapéu. Junto de Rina Sawayama, Christine and the Queens, Caroline Polachek e A.G. Cook, Charli melhora a sinceridade de Charli (2019), a violência de Pop 2 (2016) e a vulnerabilidade de how i’m feeling now (2020). Não à toa, ela aparece toda estrupiada na capa, vítima de um acidente que tirou mais do que apenas algumas gotas da água da vida.

Quase que rebatizada, a popstar não encontra limites ou muros concretos demais que a impedem de demolir o cenário. Nas faixas extras, tão boas que mereciam já estar incluídas desde a versão padrão, Charli exorcizou essa relação que a levou do céu ao inferno. Primeiro nomeado como Sorry if I Hurt You, o conceito do disco mudou com a ideia da colisão da faixa inicial, mas o pensamento original ganha vida nas músicas especiais. 

“Ser uma popstar nunca dura”

Companheira de automobilismo, ROSALÍA finalmente concluiu sua corrida em direção ao seu terceiro disco. O veículo é MOTOMAMI, apresentado há alguns meses como a sua obra mais íntima até o momento, numa introdução que havia causado desconfiança do público que até então tinha apenas entrado em contato com os singles SAOKO e CHICKEN TERIYAKI. Mesmo em roupagens mais sombrias do que a sonoridade solar de El Mal Querer (o aclamado disco antecessor, de 2019), as músicas escolhidas para comercializar o disco ainda eram exímios hits da estrela pop espanhola, que em muito se aproximam da lírica do trap para suas composições mais bem-sucedidas. A surpresa, no entanto, veio quando os singles foram posicionados em meio ao resto da tracklist do disco.

Lá, tudo corresponde ao sentido arquitetado pela apurada concepção artística de ROSALÍA. Entre composições dadaístas (Abcdfg), que orientam as referências à sua cultura original (BIZCOCHITO), expressam a estética sonora do disco (CUUUUuuuuuute) e seus desabafos sinceros e doloridos (DIABLO), à mesma medida que exalam sua autoconfiança (COMO UN G), o disco não tem medo do maximalismo para representar a nova era de sua artista. À flor da pele e decepcionada com a fama, ela canaliza suas pulsões numa vontade ambiciosa de ir além. E com a força potencial de MOTOMAMI, ROSALÍA com certeza chegará ao seu destino final.

“Eu não preciso disso pois me machuca”

No lado dos meninos, Rex Orange County ostentou uma das capas mais singelas do ano, unido a um dos discos mais brandos. Vindo de um poderoso Pony (2019), resultando em uma turnê cancelada, encapsulada por Live at Radio City Music Hall (2020), o cantor joga muito mais seguro do que poderia em WHO CARES? e falha em se destacar. A parceria com Tyler, The Creator não ilumina o bastante do trabalho, que soa como um disco de descartes, longe de atingir a jugular da tristeza como Alex se acostumou a fazer no passado. 

Na soma positiva, a banda Wallows lançou Tell Me Tell Me That It’s Over, álbum que honra o legado sentimental do grupo comandando por Dylan Minnette, mas nunca repetindo as exatas batidas que os consolidaram em músicas como Are You Bored Yet? Aqui, as letras recaem nos temas de sempre: desilusão, amores enfraquecidos e a sensação latente de solidão; em Hurts Me, o lamento se transforma em cântico de guerra e a finalização em paralelo com Guitar Romantic Search Adventure teima a chutar o coração partido em direção à Lua. 

“Você nunca esteve no céu. Esteve?”

Antes de presentearem Olivia Rodrigo com um Grammy de Artista Revelação (mas, sobre os gramofones, você só lerá mês que vem!), a dupla Megan Thee Stallion e Dua Lipa serviu ao mundo a mais doce das tortas, entregando muita sensualidade e poder na mistura de pop e rap que guia o single Sweetest Pie. A música, por sinal, se tornou a melhor estreia na Billboard Hot 100 de toda a carreira de Lipa, e veio acompanhada de um clipe divertido, repleto de efeitos especiais.  O outro duo do mês, Camila Cabello e Ed Sheeran, transformou Bam Bam em mais uma  investida genérica da cubana, antecedendo o lançamento de Familia. 

Já GAYLE, uma das candidatas mais fortes à sucessão de Rodrigo no Grammy do ano que vem, também aproveitou o mês para sustentar sua caminhada até lá. A dona do viral abcdfu lançou seu EP de estreia no formato que promete a consolidar como o próximo fenômeno do pop. Em a study of the human experience volume one, a jovem estadunidense de apenas 17 anos segue os passos da voz de drivers license ao empregar influências do rock e punk nos seus desabafos adolescentes. Além do primeiro single e da mais recente música de trabalho ur just horny, o destaque vai para as baladas inéditas luv started e kiddie pool, que denotam o potencial vocal e musical de GAYLE.

O nome promete dar trabalho para Normani, que também vem aspirando seu lugar na premiação da Academia de Gravação e ensaiando o lançamento de seu disco de estreia solo. Quando deixou o Fifth Harmony, a artista investiu em colaborações com Sam Smith (em 2019) e Megan Thee Stallion (em 2020), sendo a mais recente com ninguém mais ninguém menos que Cardi B (de 2021). Sozinha, ela emplacou Motivation com um refrão pop chiclete há três anos, e agora retorna para o R&B sedoso de Fair. O novo single pode não ter o mesmo impacto do que o primeiro ato musical de Normani, mas com certeza amplia as possibilidades da artista para o seu futuro promissor.

“Lembra do que você pensava ser o luto antes de receber a ligação?”

Do desapontamento à meca do gênero, e como de costume quando o assunto é Stefani Germanotta, mais uma faixa unreleased  de Lady Gaga foi vazada na íntegra por meio da internet. O material da vez é Private Audition, música que flerta com a sonoridade do álbum de estreia The Fame e segue as fórmulas do sucesso do pop chiclete impulsionado nos anos 2000. Madonna, por outro lado, conseguiu elaborar o remix do remix de Frozen, hit do álbum Ray of Light e recente sucesso do TikTok, ao lado do rapper nigeriano Fireboy DML. Para a alegria de alguns fãs, Frozen (Fireboy DML Remix) ainda foi contemplado com um clipe bem bonito – embora seja um vídeo bastante simples.  

De surpresa, no último dia do mês, a Rainha do Pop ainda se juntou à rapper estadunidense 070 Shake para lançar um novo remix da faixa. Celebrando 40 anos de carreira, Madonna resolveu dar um protagonismo quase total à jovem cantora. A veterana, vale destacar, acaba investindo ainda mais na parte visual deste lançamento, divulgando um videoclipe em que as duas artistas aparecem deslumbrantes e, em momentos pontuais, dirigindo em alta velocidade.

“Só precisamos da sua conformidade”

O cenário do rock foi sacudido por In/Out/In, do Sonic Youth. Nas cinco canções (quase inteiramente) instrumentais – gravadas entre 2000 e 2010 – que compõem In/Out/In, o grupo estadunidense aprofundou e expôs sua química. Embora o disco possa soar como uma espécie de jam session, é perceptível o entrosamento dos integrantes, elevando o disco a algo maior – principalmente para a própria banda. Em entrevista ao TIDAL Magazine, o guitarrista Lee Ranaldo disse não se tratar de “jams”, mas sim de “extrapolações”. 

De qualquer forma, “jam” poderia realmente simplificar o que Sonic Youth fez nesse (quase) EP, pois, historicamente, a banda sempre extrapolou e investiu em experimentações – é exatamente o que faz pessoas ao redor do mundo amarem o grupo por sua criatividade e abordagem sonora ou afastarem-se, alegando tratar-se de uma barulheira desnecessária. Ou se ama ou se odeia, mas In/Out/In é para aqueles que amam. 

“Tão quieto que posso ouvir que a geladeira está ligada”

Mas os destaques no campo dos discos foram para as regravações e relançamentos. No Brasil, em comemoração aos 50 anos da obra-prima de Caetano Veloso, a cantora paulistana Graziela Medori resolveu revisitar o cultuado disco Transa, de 1972. Dessa imersão, surgiu Transando o Transa, releitura que transforma as canções de Caê em um rock revigorado e nada convencional.  Enquanto no exterior, o clássico álbum The Bed Is In The Ocean (1998), da banda estadunidense de jazz-rock Karate, foi relançado em março de 2022, e ganhou uma edição inédita em vinil; o grupo também anunciou sua primeira turnê desde 2005. 

Karate se consolidou na cena post-hardcore dos anos 1990, e misturou de forma bastante interessante elementos do jazz com o rock alternativo. As canções do álbum são atmosféricas porque mantêm uma certa tensão, como na primeira faixa, There Are Ghosts, que parece estar sendo construída pela primeira vez à medida em que escutamos. Até certo ponto, o trabalho de Karate lembra a Fugazi de Instrument Soundtrack (1999).

“Não seja indelicado” 

Para os singles, Março foi preenchido pelo retorno de vários nomes consolidados nas paradas. Poster Child foi o segundo lançamento do Red Hot Chili Peppers para promover Unlimited Love, álbum que chegou às plataformas em 1º de abril. A canção segue a cartilha Chili Peppers: guitarra que abusa do wah-wah, baixo funkeado e a bateria com notas fantasma na caixa, acompanhada pelo ritmo contínuo do hi-hat fechado. A voz de Anthony Kiedis vem na sequência, embalando todo esse instrumental. É um funk rock muito bem feito, mas nada demais em relação às outras canções do grupo.

O Pixies também deus as caras e lançou Human Crime, canção que veio acompanhada de um videoclipe melancólico, embalado por uma sensação de nostalgia e filmado em uma boate em Los Angeles, com direção da baixista Paz Lenchantin. A própria música tem um efeito hipnótico particular, que consiste na guitarra vibrante de Joey Santiago, do baixo conciso de Paz, dos vocais hipnóticos de Black Francis e das adoráveis ​​execuções de bateria de Dave Lovering. O refrão repete a letra don’t you be unkind (não seja indelicado), cujos trechos são retomados em áreas diversas ao longo da execução, criando uma espécie de transe. 

“Aproxime-se agora, deixe-me contar uma mentira”

Após ter lançado sua declaração de amor ao delta blues e ter feito um verdadeiro tratado sobre suas origens no ano passado, o The Black Keys retornou com o single Wild Child. A faixa antecede o lançamento de seu próximo álbum, Dropout Boogie – previsto para 13 de maio –, que dessa vez promete músicas originais e não com versões de clássicos do blues, como o antecessor. Com os vocais expressivos e dominantes de Dan Auerbach, e a guitarra mais funkeada que o normal, a música oscila entre apenas dois acordes, mas The Black Keys preenche cada momento com bastante energia na canção que remonta aos seus anos de ouro e de auge comercial, com Brothers (2010) e El Camino (2011).

Já com uma pegada mais “eletrônica”e bem menos pesada que o trabalho anterior, Compliance foi o segundo single divulgado pelo Muse para promover o próximo álbum do power trio, Will of the People, com lançamento previsto para 26 de agosto. No comunicado de divulgação, Matt Bellamy (vocalista da banda) escreveu: “Compliance é sobre a promessa de segurança e tranquilidade que as entidades poderosas tentam nos vender durante tempos de vulnerabilidade. Gangues, governos, demagogias, redes sociais, algoritmos e religiões nos seduzem com promessas falsas, mentiras e contos confortáveis. Eles querem que nos juntemos a sua visão fechada de mundo em troca de obediência, e que ignoremos nossas vozes internas da razão e compaixão. Eles só precisam da nossa Submissão.” 

As letras do Bellamy sempre são rodeadas de referências às teorias de conspiração, cenários pós-apocalípticos e pequenos grupos poderosos que dominam o mundo – basta ouvir MK Ultra, do álbum The Resistance (2009). Nesse quesito, a canção não soa inovadora, e na verdade, tudo vem indicando que o novo álbum da banda seguirá os mesmos caminhos do antecessor, Simulation Theory (2018), que continha canções falando sobre algoritmos e propaganda, além de uma estética cyberpunk. 

“As escolhas sempre foram um problema para você”

Para as mídias do visual, mais especificamente a série De Volta Aos 15, da Netflix, estrelada por Maisa Silva e Camila Queiroz, os artistas Pitty, Lúcio Maia e Rica Amabis lançaram Admirável Chip Novo (2022 Remix): uma verdadeira repaginação do hit dos anos 2000. Quem também entrou na TV foi Thom Yorke, com a linda canção que compôs para a sexta temporada do seriado Peaky Blinders. A faixa 5.17, que dura 4 minutos e possui somente 10 versos, é formada somente por voz e piano, algo muito característico das trilhas compostas pelo veterano. Imparável, Yorke continuou a todo vapor com Skrting On The Surface, o terceiro single divulgado por The Smile, seu projeto paralelo ao lado de Jonny Greenwood, do Radiohead, junto a Tom Skinner, baterista do Sons of Kemet. 

A música não é nova: ela já foi tocada ao vivo com Atoms for Peace, projeto de Yorke com Flea, do Chili Peppers; porém, sumiu por mais de uma década e voltou totalmente repaginada. Diferente da versão original, embalada somente por piano e a melancólica voz de Thom Yorke, a releitura vem acompanhada dos arpejos de guitarra de Jonny, junto à bateria limpa de Skinner. Essa poderosa junção faz relembrar o Radiohead de In Rainbows (2007), e a canção ainda ganhou um belo clipe em preto e branco, gravado em filme 16mm e dirigido por Mark Jenkin, vencedor do BAFTA pelo longa Bait (2019). 

E por falar em música antiga, Opiate² é a regravação da canção de 1992, lançada pelo TOOL em homenagem aos 30 anos do EP Opiate. Nessa “versão estendida”, com 9 minutos e 54 segundos de duração, a banda de metal alternativo dá um novo tratamento à canção. A faixa é atmosférica e psicodélica, cuja diferença em relação à primeira versão consiste principalmente na guitarra de Adam Jones, que aqui está muito mais encorpada e expansiva – na versão inicial, havia momentos que beiravam quase o silêncio; nesta, nada fica quieto nunca. Os demais instrumentos também ajudam a preencher o vácuo que se manteve na versão de 1992.

“Eu quero te lembrar dos dias da juventude”

No indie brasileiro, Gêmeos se consolida como o melhor álbum da Terno Rei até agora. É um disco retrô que explora a nostalgia, provavelmente aquela que reflete a adolescência dos seus integrantes, durante os anos 1990 – o que em alguns momentos soa como algo idealizado, mas se garante musicalmente. Ao mesmo tempo, o álbum questiona a pressa e o imediatismo contemporâneo, olhando para esse passado nem tão distante assim. Isso fica evidente nas canções Internet e Trailers. Embora seja um álbum com 12 músicas, ele dá a impressão de ser bastante curto, e dura pouco mais de 35 minutos. 

Gêmeos mantém diversos elementos que a banda trouxe em álbuns anteriores, como os sintetizadores – muito utilizados em Violeta (2019) –, que são quase os protagonistas de Sorte Ainda, abrindo espaço para um tratamento ainda mais indie e deixando um pouco o dream pop de lado (em trabalhos passados, a ordem foi contrária). Os clipes das faixas Dias da Juventude e Difícil recebem um filtro esverdeado, lembrando os clássicos filmes dos anos 1990 de Wong Kar-Wai – em especial Fallen Angels (1995) –, cuja câmera desorientada é uma das marcas registradas. 

“Sempre que tento, descubro que não consigo descrever você”

Econômico como Terno Rei, Zeeba trouxe poucas faixas inéditas para o repertório de seu novo álbum, Tudo ao Contrário. Por outro lado, é animador saber que esse é o primeiro trabalho em que o artista explora bastante suas habilidades com a língua portuguesa. Ao longo de 10 canções, ainda há espaço para colaborações com nomes como OUTROEU, Carol Biazin e Mallu Magalhães. 

E respeitoso como Zebba, o novo trabalho de Oso Oso é um disco de indie rock com pinta de experimental desde o início. Sore Thumb foi lançado exatamente um ano depois da morte do guitarrista, Tavish Maloney, e soa como uma homenagem. Devido à morte de Maloney, o projeto não foi finalizado, o que transforma o disco em um álbum inacabado – embora nunca soe incompleto. A capa do CD aponta essa perda, refletindo uma ausência de pessoas no ambiente. É uma sensação esquisita, mas que ganha vazão através da Arte.

“Mas eu nunca vou recuperar o que perdi”

Navegando a boa vida das premiações e do prestígio no mundo do Cinema, a banda HAIM movimentou Março. Com videoclipe dirigido por Paul Thomas Anderson, Lost Track foi lançada pelas irmãs no primeiro dia do mês. A canção possui um baixo envolvente, mas a estrela – musical e do clipe – é Danielle Haim, que transpassa emoção na sua forma de cantar, sempre verossímil. Antes de seu lançamento oficial, entretanto, o clipe foi transmitido em salas de cinema que exibiam Licorice Pizza, filme de PTA indicado a 3 Oscars e estrelado por Alana Haim. 

Além das roqueiras, o Arcade Fire lançou The Lightning I, II, uma amostra do que será encontrado no álbum WE. Prenunciando o lançamento previsto para 6 de maio, o single resgata o Arcade Fire espirituoso de Neon Bible (2007), em especial das canções Antichrist Television Blues e The Well and the Lighthouse. O piano e os sintetizadores dominam a música, em meio às vozes melódicas de Win Butler e Régine Chassagne, cantadas simultaneamente. The Lightning I, II também marca a saída de Will Butler, irmão do vocalista Win. 

“Então me diga onde depositar o meu amor, devo esperar o tempo fazer o que ele faz?”

Outro nome que não deixa a Música Alternativa sossegar, Phoebe Bridgers brindou os fãs com uma versão gravada em Sound City, da canção Chinese Satellite. Mas quando o assunto é mimo para os aficcionados, ninguém entrega recompensa mais proveitosa que a fada mística Florence Welch e suas Máquinas. Em fevereiro, o lançamento do single King levantou suspeitas de um novo álbum da banda, e o anúncio do quinto registro de estúdio, Dance Fever, veio acompanhado da canção Heaven Is Here. Três dias depois, My Love se juntou a tracklist, que contará com 15 faixas. 

Primeira música que Florence escreveu em confinamento, desde seus solenes versos ao seu poderoso instrumental, o single é a catarse mais intensa do interior de Welch. O clipe da canção, que se destaca pelo místico padrão performático, reforça o êxtase causado pela intensidade na qual a cantora se entrega à faixa. My Love, em contrapartida, remete a trabalhos passados da banda e explode num refrão dançante que combinado ao inigualável vocal de Florence deixa a sensação de que a alma sairá do corpo para seguir a canção. 

“Minha realidade não exige perfeição”

Embora seu disco tenha sido lançado no último dia de Março, o rap do mês tem como rainha a inigualável Karol Conká. Em seu novo álbum de estúdio, Urucum, a artista reuniu principalmente músicas escritas após a conturbada participação no BBB 21, mas não se limitou tematicamente às questões vivenciadas no reality show –  Dilúvio e Paredawn, por exemplo, ficaram de fora da tracklist definitiva. Na verdade, o mais recente trabalho da Mamacita, que mescla diferentes sonoridades, indo do soul ao baião, passando pelo afrobeat e o pagodão baiano, constrói uma jornada de autoconhecimento e cura, colocando em evidência as camadas complexas e humanas que atravessam a figura da artista. 

“Coloquei nessas músicas o que o meu coração falava. Muitas pessoas me perguntavam se eu viria com um rap ‘pesadão’, mas eu não sabia como seria a cara desse álbum. Nós produzimos sem planejamento, nome, tema, ritmo. Só fomos musicalizando de uma forma muito natural e improvisada. Nesse processo, eu pensava o quão natural é termos uma personalidade com várias camadas, então decidi que deixaria que elas transparecessem nas músicas”, revelou Karol ao jornal Estado de Minas.

Dando sequência a Zulu, Vol.1: De Onde Eu Possa Alcançar o Céu Sem Deixar o Chão (2019), Zudizilla chega agora com o álbum Zulu: de César a Cristo (Vol.2). No novo trabalho, o rapper narra sua vivência enquanto um homem preto, projetando também sonhos e possibilidades de futuro. As 12 faixas do projeto, vale destacar, são marcadas por um número expressivo de colaborações, trazendo nomes como Emicida, Cronista do Morro e B.art. Além dele, foi a vez de Edgar reunir três músicas inéditas e um remix no EP Ultravioleta. O artista é conhecido, dentre outros fatores, pela colaboração com Elza Soares no álbum Deus É Mulher (2018), e também apareceu dentre as atrações do Lollapalooza 2022, acompanhado de sua coletânea que tem um caráter extremamente político. 

Se o rap foi da Mamacita, o R&B do Mês da Mulher tem incrustado o nome de Nilüfer Yanya. PAINLESS é apenas o segundo álbum da britânica, mas já se consolida como um dos grandes projetos deste 2022 que mal começou. Um ponto forte do disco é a forma como Yanya reduz o caos ao íntimo e particular, de forma a construir melodias singelas, mas acompanhadas por letras avassaladoras. O título soa irônico, e é como se, após uma lista infindável de dores esmiuçadas ao longo das 12 canções, a cantora revelasse que tudo foi “indolor”. Diferente de seu ótimo álbum de estreia – Miss Universe (2019) –, PAINLESS parece ter ideias melhor resolvidas. 

Enquanto as canções oscilam entre o rock e o pop melódico, o projeto conta uma história com começo, meio e fim; é como se ela nos dissesse que para cada situação é necessário uma maneira diferente de narrar. Esses estilos alterados ganham uma unidade através da voz da londrina, que as embala em falsetes – sempre usados com moderação –, enquanto aponta para protagonistas que sucumbem a, talvez, um relacionamento complexo. Não parece ser por acaso que o álbum se encerra com a expansiva – e até “alto astral”, em comparação às demais – anotherlife, canção que lembra a Lorde de Solar Power (2021). Ao término de PAINLESS, paira a sensação de desejar um outro tipo de vida, mas é algo transposto de forma sutil, como todos os palpites que Nilüfer Yanya deixa no ar.

“Mas não era a intenção queimar meu filme na televisão” 

Passeando entre gêneros e estilos, na música Paredawn, Karol Conká narra, de forma totalmente descontraída, sua trajetória pela casa mais vigiada do Brasil – e até brinca com o bordão “qualquer coisa, me bota no paredão”. A princípio, a faixa não seria lançada, mas a rapper mudou de ideia: “Decidi disponibilizar ela pois acho justo e leal dividir com vocês que estão acompanhando a minha história depois do tombo”. E se o sarcasmo da curitibana fez surtir efeito, o mesmo não pode ser dito de algumas outras parcerias do pop nacional de Março. 

A junção de Jerry Smith, Mc Dricka, DG e Batidão Stronda deu origem a Saí Pro Rolê, single que é bastante genérico se levarmos em conta o perceptível potencial dos dois cantores – o que não significa, no entanto, que a música e o clipe sejam descartáveis ou irrelevantes. Preparando os ouvintes para o sétimo álbum de estúdio da carreira, Canicule Sauvage, Otto chegou com o single Peraí Seu Moço. E dando início à nova fase da carreira musical, Larissa Manoela se juntou ao cantor ZAAC – antigo MC Zaac – para lançar a canção Tenho o Poder, o terceiro single do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora.   

“E eu não vou mentir que até chorei, e procurei um pornô com algum ator que se pareça com você”

A aclamação caiu no colo dos artistas LGBTQIA+: Pabllo Vittar e Rina Sawayama estão juntas mais uma vez, agora com o single Follow Me, lançado no último dia do mês. A nova canção estará no repertório da turnê I AM PABLLO TOUR e já tinha sido cantada pela drag queen no Lollapalooza 2022. Já Clarissa se uniu ao veterano Di Ferrero para criar mais uma viral com a sua assinatura, agora na bateria marcada pela belíssima produção que Los Brasileiros dedicaram à faixa DESCANSA. 

Mas o destaque mesmo foi Number Teddie (estrela em ascensão e responsável por várias composições do disco de Urias), que uniu um raro senso de humor autodepreciativo e minúcias muito particulares de vingança e rancor na manufatura de EU DEVERIA TER COMIDO SEUS AMIGOS. Extremamente direta e específica, a faixa tira sarro de um ex que já superou a relação e dos arrependimentos daquele que teve o coração partido. Se concretiza, facilmente, como a melhor tirada de Março quando o assunto é dor de cotovelo e muito bom humor. 

“Por que será que Deus pôs ali o ser pra ser assim, sofredor?” 

Na Música Popular Brasileira, o cenário multifacetado colhe louros. Entre viagens entre o ontem e o hoje, o show realizado por Djavan no Festival de Jazz de Montreux de 1997, na Suíça, foi finalmente disponibilizado em forma de álbum. Graças a um acordo da gravadora Sony Music com o próprio evento, podemos agora nos deliciar com as 15 faixas de Ao Vivo no Montreux Jazz Festival 1997. Já Martinho da Vila resolveu mesclar diferentes estilos musicais, religiões e personalidades culturais no disco Mistura Homogênea. Reunindo de Zeca Pagodinho e Teresa Cristina à escritora Paulina Chiziane e Djonga, este trabalho é, provavelmente, o último álbum da carreira de Martinho.  

Ana Müller, por sua vez, ressurgiu suave e romântica no belo e breve álbum Ternura. Valorizando, no novo trabalho, o recurso voz e violão, que cria um clima muito cativante para a obra como um todo, a cantora capixaba também comemora, em 2022, os cinco anos de seu primeiro lançamento autoral: o EP Ana Muller.  Igualmente mergulhada em atmosferas amorosas, Simone retornou aos discos com o álbum Da Gente, trabalho que tem direção artística de Zélia Duncan e direção musical do pernambucano Juliano Holanda. Destacando principalmente compositores nordestinos – muitos, inclusive, da atualidade -, a nova obra da Cigarra da MPB apenas reitera a relevância dessa artista para a cultura nacional. No fim do mês, Haja Terapia, lead single do projeto, ainda ganhou um clipe dirigido por Pedro Colombo.

Depois de disponibilizarem, em Janeiro, o single Vermelho Esperança, Chico César e Laila Garin retornam, em Março, com todas as 16 faixas de O Canto de Macabéa ou a Hora da Estrela, disco concebido a partir do musical baseado na obra de Clarice Lispector. O álbum passeia por diferentes sonoridades, instigando a curiosidade do público em relação à peça de teatro. Também em Março, Vermelho Esperança ganhou um segundo videoclipe.

“Folha miúda que tem a natureza do amor, soberana no mundo, passeia por cima da dor”  

Lançado no Dia Internacional das Mulheres, o álbum Senhora das Folhas, da veterana Áurea Martins, é cuidadoso e, sobretudo, afetivo ao reunir sonoridades e temas ligados à ancestralidade, às questões ambientais, às culturas indígenas, às mais variadas fés e crenças e, claro, aos costumeiramente heterogêneos universos femininos. Se é verdade que o ano está apenas começando, também é certo que esse disco, idealizado pela produtora cultural Renata Grecco, já tem grandes chances de ser uma das obras musicais mais graciosas de 2022.       

Da mesma maneira, é seguro esperar o destaque de Lô Borges, que, desde 2019, lança um álbum de músicas inéditas por ano. Em 2022, o lançamento da vez é Chama Viva, disco com melodias e harmonias assinadas por Lô, e letras de Patricia Maês. Segundo o próprio cantor, o novo trabalho vai praticamente em direção oposta ao disco anterior, Muito Além do Fim, e os álbuns de 2023, 2024 e 2025 já estão garantidos. Em Chama Viva, Lô ainda canta junto de Milton Nascimento, Beto Guedes, Paulinho Moska e a própria Patricia.  

“Espera, que a noite já tá chegando”  

As peças solteiras da MPB também tiveram destaque. Primeiro, a canção Redescobrir, gravada por Marcos Valle em 2020, para o álbum Cinzento, ganha, agora, uma nova versão. No single de 2022, os dois compositores da faixa – o próprio Marcos, junto de Moreno Veloso (filho de Caetano) – são também intérpretes de uma jornada musical extremamente suave. Já a canção Ninho de Papel, lançada por Ana Lélia em 2021, originalmente em versão solo, também recebeu uma nova versão. 

Com a interpretação de Márcia Tauil e Sabrina Parlatore, a gravação de 2022 reúne performances únicas e deslumbrantes, além de um novo arranjo de Jonathas Pingo. A faixa mescla pop, soft jazz e bossa nova e conecta duas artistas que já colaboraram anteriormente com Tauil. O lançamento oficial foi no dia 31 de Março, mas o Persona ouviu a música com antecedência para incluí-la nas nossas indicações do mês. 

“Meu desejo é rio que corre pro mar e corresponde ao meu coração” 

Num mês produtivo para a MPB, o veterano Chico Lobo ainda se uniu à dupla Kleiton & Kledir para divulgar o single Rio e Mar, faixa que fará parte do vindouro álbum O Tempo é Seu Irmão. Na canção, a mistura da sonoridade popular brasileira com viola caipira constrói um caminho poético, conduzido por metáforas envolvendo o elemento água. Do outro lado, o nascido na Argentina, mas criado na Itália, Nicolás Farruggia se juntou à lenda viva brasileira Chico Buarque para lançar Tutto il Sentimento, quarto single do novo álbum do cantor estrangeiro – o ainda inédito Poema Livre. A música é uma versão em Italiano da faixa Todo o Sentimento, de Cristóvão Bastos e Chico, agora com letra de Stefano LaVia. 

Outra assinatura icônica da Música nacional, a banda Biquíni Cavadão comemorou os 20 anos de sucesso de Quando Eu Te Encontrar, faixa do álbum Escuta Aqui (2000), com uma regravação da canção. Por fim, o projeto Uma Onda Para Tom Zé, que está em construção desde 2021 e tem curadoria da jornalista Patricia Palumbo, teve continuação com Vanguart. O trio mato-grossense trabalhou no single Amar, regravação da música lançada pelo veterano tropicalista no álbum Brazil 5 – The Return of Tom Zé: The Hips of Tradition, de 1992. 

“Os filhos dos filhos dos filhos dos nossos filhos verão” 

Em mais um encontro da tradição da música brasileira com a sua contemporaneidade, Nando Reis se juntou ao fenômeno pop Jão para regravar a música Sim, originalmente disponível no álbum Sim E Não, de 2006. Trazendo novos detalhes para a canção, o dueto da vez não só evidencia o talento dos dois românticos como também dá sequência ao projeto Nando Hits, por meio do qual Nando promove alguns encontros musicais.  

E o remake de Pantanal está aí provando a tendência do encontro das gerações. Para a abertura da novela, Maria Bethânia aplicou sua voz inigualável à já conhecida música-título, composta por Marcus Viana para a versão original – e clássica – do sucesso da TV brasileira. Adentrando, com respeito e glória, o “coração do Brasil”, a Abelha Rainha se destaca na faixa ao lado de Almir Sater, nome responsável pela viola caipira e pelo charango da canção. 

Também no audiovisual, guiada por Iemanjá e preocupada com questões ambientais, Daniela Mercury entregou ao mundo o deslumbrante videoclipe de As Rendas do Mar, com direção assinada por Jana Leite; e Bemti retornou com maestria no clipe de Do Outro Lado (Mantra Tornado Grito), faixa do primoroso álbum Logo Ali, de 2021. Gravado com o cantor português Murais, o vídeo foi dirigido pelo duo Couple of Things. 

“De amizade eu já tô cheia, agora eu quero é sacanagem”

Não tem como encerrar o panorama de março sem pontuar os eventos dedicados ao Dia Internacional das Mulheres. Com o mesmo objetivo do especial do Persona, a Deezer lançou o EP exclusivo Icônicas – Deezer Originals. Reunindo verdadeiros sucessos nacionais e internacionais do mundo da Música, tais como My Favorite Things, A Loba e Pagu, o projeto potencializa mulheres artistas bastante relevantes na atualidade, a exemplo de Luedji Luna, Tulipa Ruiz e Jup do Bairro. Indo além das escolhas maravilhosas de repertório e intérpretes, Icônicas – Deezer Originals ainda foi parar na Times Square. 

No funk, e iniciando as comemorações de 10 anos de carreira, Ludmilla revisitou sua fase MC Beyoncé para criar o EP Back to Be. Formado por seis faixas autorais – sendo algumas criadas com outros compositores e outras exclusivamente pela artista -, o novo trabalho consegue, ao mesmo tempo, resgatar o funk que impulsionou a trajetória artística de Lud e trazer novos ares para a discografia da cantora. Fora isso, ainda merecem destaque as presenças de Akon, DJ 2F e Mc Don Juan no EP. 

“Fala que é sem sentimento, mas quando eu sento apaixona”

Diferente da entrega de Lud, o comeback de Kaya Conky foi uma das melhores surpresas nacionais chiclete de Março. Com bastante irreverência e humor, a música PODE DALE não só evidencia sua qualidade para as pistas de dança, como também vem acompanhada de um clipe maravilhoso, que ilustra a narrativa da letra autoral e foi dirigido por Gabriel Riccieri. 

Porém, foi sentaDONA (Remix) s2 que Luísa Sonza se destacou, mais uma vez, no pop nacional. Seguindo os passos de Anitta nas paradas musicais internacionais, a artista emplacou a música de Davi Kneip, Mc Frog e o Dj Gabriel do Borel protagonizando a coreografia viral desenvolvida por Flávio Verne para o videoclipe do novo single.  

“Eu não quero passar outro dia procurando por alguém que eu sei que não posso substituir”

No sertanejo, o lançamento do single 50 por cento vem fervilhando em polêmicas. Gravado em 2020, a música em parceria com Marília Mendonça fazia parte do projeto Juntas, um DVD feito durante a pandemia e que contava apenas com duetos de Naiara e mulheres do sertanejo. A faixa que sairia em 2021 não foi lançada pois, segundo a família de Marília, ela não aprovou a versão gravada e não queria ter seu nome associado ao de Naiara, após a cantora participar do almoço com o inominável que ocupa o cargo maior do poder executivo.

Sem uma conversa prévia com a família Mendonça, o lançamento foi planejado para acontecer durante a estadia de Azevedo na casa mais vigiada do Brasil, publicidade que gerou revolta em João Gustavo, irmão de Marília. A equipe de Naiara chegou a informar que a música não seria mais lançada, mas, ao fim, Naiara ficou pouquíssimo tempo no BBB e 50 por cento chegou às plataformas digitais, trazendo uma sonoridade comum ao sertanejo e uma letra que é mais do mesmo dentro da discografia de Naiara Azevedo.

O mês de Março ainda foi prestigiado com a performance de Pabllo Vittar e Ivete Sangalo, que arrasaram nos vocais de Lovezinho (I AM PABLLO LIVE), versão ao vivo da faixa apresentada originalmente no álbum 111, de 2020. Machine Gun Kelly arrancou suspiros e elogios nos palcos do Lollapalooza e aproveitou para quebrar tudo ao som de mainstream sellout, seu manifesto pop punk recheado de risadinhas. Do sorriso às lágrimas, The Weather Station estraçalhou o folk ao lado de seu How Is It That I Should Look at the Stars, disco-irmão de Ignorance, um dos destaques de 2021. 

“Você me beijou só para me beijar, não para me fazer chorar”

A festa do Grammy 2022 sacudiu a indústria do entretenimento assim que Março acabou, então é seguro aguardar por grandes nomes retornando do sossego para disputar o próximo posto de Álbum do Ano. Entre as certezas, Abril nos reserva um rock apimentado, um pop familiar e caseiro e, com certeza, mais um punhado de achados e descobertas de brilhar os olhos. Até lá, fique de olho no Persona e na curadoria musical mais afiada e precisa do jornalismo cultural brasileiro. 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário e Raquel Dutra

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Da ficção da Pixar aos documentários da Netflix, da comédia de Taika Waititi ao drama de Ryûsuke Hamaguchi, fomos presenteados com produções nacionais e internacionais para os amantes da Sétima Arte em Março de 2022. Tudo isso regado com a cobertura do caótico Oscar e muitas outras movimentações nas premiações de Cinema. Teve de tudo, mas não se estresse a ponto do panda vermelho se libertar! Entre a cozinha de Sebastian Stan, a caverna de Robert Pattinson e os aposentos nobres de Jonathan Bailey, o Cineclube de Março esmiuça a TV e o Cinema do Mês da Mulher. 

Março começou agitado com o último dos prêmios do Cinema independente, o Spirit Awards. Lá, A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal fez a festa, como de praxe. Na semana seguinte, foi a vez do BAFTA e do Critics Choice Awards dividirem o mesmo domingo e incendiarem ainda mais a corrida para os prêmios da Academia. Mas nada saiu do planejado, com vitórias para os eventuais campeões do dia 27 de março. O que aconteceu depois que mudou o jogo: depois de triunfar no SAG, No Ritmo do Coração (CODA) acabou por vencer os outros dois Sindicatos, primeiro o dos Produtores, que usa o mesmo método preferencial do Oscar, e depois o dos Roteiristas, onde seu adversário Ataque dos Cães estava inelegível. Para quem computou as informações e leu nas estrelas o caminho até Melhor Filme, a coroação da produção da Apple TV+ não foi surpresa.

Na premiação da Academia, o filme foi o vencedor máximo de 2022. Além do principal troféu da noite, a roteirista – e também diretora – Siân Heder saiu premiada pela sua adaptação audiovisual de A Família Bélier. Ainda na cerimônia do último dia 27, o nome de CODA foi lembrado uma terceira vez, quando Troy Kotsur venceu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, em um dos momentos mais marcantes da edição. Agora, ele figura nas melhores atuações da temporada ao lado de Ariana DeBose, coadjuvante de Amor, Sublime Amor, Jessica Chastain, pelo seu protagonismo em Os Olhos de Tammy Faye, e Will Smith, o centro de King Richard: Criando Campeãs e símbolo do 94º Oscar pelos motivos errados.

O momento mais comentado da premiação precedeu – além de uma demonstração de reações racistas – uma das vitórias mais importantes da noite: Melhor Documentário para Summer of Soul. Para completar a dupla de ouro do Oscar, Drive My Car foi brilhantemente eleito o Melhor Filme Internacional de 2022. E para completar o Encanto da temporada, a produção da Disney confirmou os favoritismos e saiu como a Melhor Animação, assim como Billie Eilish não decepcionou quem apostou em No Time To Die, sua composição para 007 – Sem Tempo Para Morrer, para a estatueta de Melhor Canção Original. Nos curtas, Riz Ahmed se tornou oscarizado, The Queen of Basketball foi coroada, o romance artístico de The Windshield Wiper foi celebrado. 

Mas mesmo com a comemoração do finalmente primeiro Oscar de Kenneth Branagh (pelo Roteiro Original de Belfast) nenhum outro filme festejou a noite como Duna, o mais premiado pela Academia em 2022. Dentre suas 6 estatuetas, o filme de Denis Villeneuve gabaritou as categorias técnicas de Fotografia, Trilha Sonora, Montagem, Design de Produção e Som, fazendo a obra mais indicada da temporada, Ataque dos Cães, comer sua poeira. O longa de Jane Campion só não perdeu seu prêmio garantido e vitória mais importante – Melhor Direção, na terceira vez na história e segunda consecutiva em que uma mulher saiu vitoriosa da categoria, e primeira a ser indicada mais de uma vez. 

O mês, que se encerrou com as confusões do Oscar, nos presenteou com alguns documentários, como Olivia Rodrigo: dirigindo até você (OLIVIA RODRIGO: driving home 2 u (a SOUR film). O filme do Disney+ se apresenta com uma narrativa repleta de depoimentos sobre as faixas em que a artista expõe como se sentiu com um primeiro disco tão bem-sucedido. Além disso, o longa também apresenta novas versões das canções de 2021, que valorizam bastante a influência do rock e devem ser lançadas em formato de álbum em breve. 

Outro documentário de destaque é Lucy e Desi (Lucy and Desi), dirigido por Amy Poehler. A película sobre Lucille Ball, a estrela da série de grande sucesso nos EUA, I Love Lucy, explora sua relação com o marido Desi Arnaz, que dividia o protagonismo do show ao lado da esposa. Sua estreia ocorreu por meio do Festival de Sundance em janeiro de 2022 e chega agora ao Amazon Prime Video, mesma casa do ficcional Apresentando os Ricardos, que também trabalha a relação do power couple. A obra relata por meio de depoimentos e fitas que o casal costumava gravar falando sobre os mais diversos assuntos, o longa apresenta um tom intimista acerca da vida do casal.

Além de documentários, março nos proporcionou diversos filmes de ficção científica, como After Yang, um drama de sci-fi que apresenta a jornada de uma família em busca do concerto de Yang (Justin H. Min), um robô adotado para auxiliar a filha biológica do casal (Colin Farrell e Jodie Turner-Smith) a se adaptar à cultura norte-americana. Com o tempo todos acabam se afeiçoando ao familiar androide e não conseguem mais viver sem ele. O novo longa da A24, que foi lançado no Festival de Cannes de 2021, trouxe o cineasta sul-coreano Kogonada para assumir o papel de roteirista e diretor desse sci-fi, que se assemelha a A.I. – Inteligência Artificial, por sua relação familiar envolvendo seres biônicos. 

Outro destaque de ficção científica do mês de março é O Projeto Adam (The Adam Project). O longa escalou Ryan Reynolds para viver uma viagem do tempo em que  tenta salvar o mundo, voltando para o ano de 2022 e se deparando com o seu eu mais jovem. Apesar do roteiro clichê, o longa apresenta uma narrativa descolada e divertida, com grandes atores, como Jennifer Garner e Mark Ruffalo. Com esse novo sci-fi, o ator de Deadpool é agora o único com 3 filmes no Top 10 da Netflix.

Ainda com o pezinho na ficção científica, mas puxando para o lado do romance, Nossos Sonhos de Marte (Moonshot) entrelaça esses elementos em um clichê adolescente, feel good e coming-of-age, em que dois amigos muito diferentes embarcam em uma aventura e percebem novos sentimentos um pelo outro. O longa, disponível no HBO Max, não se diferencia das demais produções do gênero, apesar de contar com nomes conhecidos do ramo, como Lana Condor (Para Todos os Garotos que Amei) e Cole Sprouse (Riverdale). 

Outro romance lançado em março está disponível no HBO Max. A produção brasileira selecionada para representar o país no Oscar 2022, Deserto Particular narra uma das histórias de amor mais lindas de 2021, sob comando de Aly Muritiba e guiado pelas performances de Antonio Saboia e Pedro Fasanaro. A narrativa acompanha Daniel, um policial dedicado que acaba cometendo um erro gravíssimo e, após o incidente, acaba indo atrás de  Sara, sua namorada virtual que mora no outro lado do país.

Também no gênero do romance, A Pior Pessoa do Mundo (Verdens verste menneske) finalmente chegou ao Brasil. Com direito a indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional e Melhor Roteiro Original, a obra de Joachim Trier, que desconstrói as comédias românticas, apresenta quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), sua turbulenta vida amorosa e sua jornada de autoconhecimento em um mundo que não para por um segundo. O filme norueguês descreve, ao longo de seus frames, a sensação de estar perdido na vida aos 20 e poucos anos e como alguns relacionamentos nos marcam ao longo do caminho. 

Encerrando os lançamentos dos indicados ao Oscar, Drive My Car também aterrissou oficialmente em solo brasileiro. O longa, que foi dirigido por Ryûsuke Hamaguchi e roteirizado por ele ao lado de Takamasa Oe, é uma adaptação do conto homônimo do escritor japonês Haruki Murakami. A adaptação audiovisual também se inspirou em outros dois textos do autor, todos da coletânea Homens sem mulheres, que foi a leitura de março do Clube do Livro Persona. A história acompanha Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), um ator de teatro viúvo de meia idade que contrata Misaki Watari (Toko Miura) como sua motorista particular. A partir do cotidiano, os dois estabelecem uma relação e compartilham seus sentimentos de solidão. Depois de uma breve passagem pelos cinemas, chegou agora, no dia 1º de abril, na plataforma da MUBI.

Além dos filmes conceituais, março trouxe o aguardado lançamento do blockbuster Batman (The Batman) de Matt Reeves (Planeta dos Macacos: A Guerra). Na nova trama, o Cavaleiro das Trevas (Robert Pattinson) está em seu segundo ano de luta contra o crime e investiga o submundo de Gotham, na busca pela verdadeira identidade do Charada (Paul Dano), um serial killer que está matando figuras políticas importantes na cidade. 

A narrativa, apresentada ao longo de três horas de duração, utiliza bem o tempo para dar espaço para todos os seus personagens – com destaque para a Selina Kyle de Zoë Kravitz – e conduzir a investigação do Homem-Morcego de um jeito que prende o espectador. Além do roteiro, a fotografia de Greig Fraser (vencedor do Oscar 2022 por Duna) e a trilha sonora de Michael Giacchino intensificam os elementos da obra.

Nas telonas dos cinemas, também está disponível outra produção de ação, Morbius. Depois do sucesso comercial de Venom, a Sony continua a investida de trabalhar vilões do universo do Homem-Aranha em projetos soltos, que agora traz o protagonismo do Vampiro Vivo, vivido por Jared Leto. Amargando aprovações negativas de crítica e audiência, o filme conta a direção de Daniel Espinosa, e coroa uma semana relativamente péssima do ator principal, reconhecido como o pior ator coadjuvante do ano no Framboesa de Ouro por Casa Gucci e, dias depois, sendo massacrado pela aventura da Marvel. No fim das contas, o filme parece precisar de água benta. Queime e não volte para uma sequência. 

Mudando o gênero das produções, Fresh foi destaque dentre os lançamentos do mês como um suspense cômico. A trama nos apresenta a realidade de Noa (Daisy Edgar-Jones), uma jovem já cansada de se aventurar por aplicativos de namoro que decide dar uma chance a Steve (Sebastian Stan), a quem conheceu em um supermercado. No entanto, logo no primeiro encontro, o amante começa a apresentar apetites peculiares.  Ao longo da narrativa, a cineasta busca pela inovação, mas acaba pecando pela obviedade. Sua estreia ocorreu no Festival de Sundance e logo foi adquirido pelo Hulu, chegando ao Brasil pelo streaming mais adulto da Disney, o Star+.

Ainda falando em suspense, Águas Profundas (Deep Water) chamou atenção no mês. Com direção de Adrian Lyne (Atração Fatal, Flashdance), o longa é uma adaptação do romance homônimo de Patricia Highsmith e conta com Ben Affleck e Ana de Armas no elenco, atuando como o casal protagonista. Filmado na época em que os atores ainda eram namorados na vida real, o filme tem uma primeira hora interessante, onde estabelece um clima de desconfiança intrigante, porém não explora isso tanto quanto poderia e o resultado é decepcionante. 

O filme seria lançado nos cinemas em janeiro de 2022, mas foi removido do calendário de lançamentos da Disney e acabou indo para o Amazon Prime Video. Outro streaming que também lançou um suspense em março foi a Netflix, com Sorte de Quem? (Windfall). Lily Collins, Jason Segel e Jesse Plemons estrelam a narrativa sobre um homem que invade a casa de férias de um casal bilionário mas é surpreendido pela chegada dos dois. O clima de tensão aumenta ao decorrer do filme prendendo o espectador mais a cada cena.

Então, chegamos nas produções para deixar os telespectadores tensos. Master é um terror psicológico dirigido por Mariama Diallo e estrelado por Regina Hall, que acompanha a vida de três mulheres em uma universidade de prestígio no Estado da Nova Inglaterra. Aos poucos, elas percebem que o ambiente elitista e frio esconde algo sombrio. O longa estreou no Festival de Sundance, integrou a programação do Festival South By Southwest em 2022 e, agora, está disponível no Amazon Prime Video.

Outro destaque do mês foi Ambulância – Um Dia de Crime (Ambulance), dirigido e produzido por Michael Bay (Transformers). No thriller, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II) precisa de dinheiro para pagar as contas de hospital de sua mulher. Para isso, ele aceita realizar o maior assalto a banco na história de Los Angeles ao lado de seu irmão adotivo, o carismático Danny (Jake Gyllenhaal). O elenco da nova produção explosiva de Bay conta também com Eiza González (Em Ritmo de Fuga), Moses Ingram (A Tragédia de Macbeth) e Garret Dillahunt (Army of the Dead: Invasão em Las Vegas). 

Já como um lançamento mais inusitado, Terror no Estúdio 666 (Studio 666) mostra a banda de rock Foo Fighters vivendo a sua experiência mais assustadora ao se mudar para uma mansão para gravar seu décimo álbum de estúdio. Com o tempo, os integrantes do grupo musical passam a vivenciar experiências sobrenaturais assustadoras e cômicas. De forma boba e despretensiosa, o longa brinca com clichês do gênero thriller e com a ideia de rock ser “coisa do demônio”. A história foi criada por Dave Grohl, vocalista do Foo Fighters, roteirizada por Jeff Buhler e dirigida por BJ McDonnell, sem nenhuma pretensão em criar algo inovador ou que contemple um público além dos fãs da banda.  

Além de terror, o que não faltou em março foram produções de comédia, começando por Jackass Para Sempre (Jackass Forever). O novo capítulo da franquia estreia 11 anos depois de Jackass 3.5. Dessa vez, o grupo retorna para realizar mais manobras malucas que não devem ser testadas em casa de jeito nenhum. O filme conta, ainda, com as participações de Tyler, The Creator e Machine Gun Kelly. A película seria lançada nos cinemas no Brasil, mas teve sua estreia cancelada e está disponível apenas na internet.

Já nas produções nacionais, o gênero sempre se destaca, e esse mês, através de  Me Tira da Mira. O filme narra a história de Roberta (Cleo), uma funcionária da Polícia Civil do Rio de Janeiro que passa a trabalhar como agente secreta infiltrada na Clínica Bianchini de Realinhamento Energético para investigar a morte da atriz Antuérpia Fox (Vera Fischer). A espiã também conta com a ajuda de sua terapeuta (Bruna Ciocca) para solucionar o caso. O longa tem como diretor Hsu Chien Hsin, um cineasta nascido em Taiwan naturalizado brasileiro e, ainda, conta com um elenco de peso, de nomes Gessica Kayane (Gkay), Fiuk e Fábio Júnior. Mesmo recheado de rostos conhecidos, as piadas pastelão não sustentam a narrativa. 

Outro destaque dos cinemas brasileiros é Vale Night, uma comédia dirigida por Luis Pinheiro e roteirizado por Caco Galhardo. O filme acompanha o casal Daiana, interpretada por Gabriela Dias, e Vini, interpretado por Pedro Ottoni, que saem para se divertir em uma noite e acabam perdendo o seu filho. A película tem, ainda, a participação de Linn da Quebrada e Yuri Marçal no elenco. Entre as risadas, a obra traz um retrato da cultura da favela e traça muito levemente e de forma básica algumas críticas de gênero, visto que é escrito e dirigido por dois homens. 

Pensando em comédias voltadas para o público infantil, o Disney+ lançou Doze é Demais (Cheaper by the Dozen), um remake dos filmes de 1950 e 2003. Nele, os atores Gabrielle Union e Zach Braff estrelam nos papéis dos pais de uma grande família. A produção renovou a trama, atualizando-a com discussões sobre pautas que estão em alta, mas ainda assim sem abrir mão da comédia pastelão.

De lá, também veio outro destaque infantil do mês – e do ano. Red: Crescer é uma Fera (Turning Red) narra a história de Mei (Rosalie Chiang), uma menina de 13 anos que se transforma em um panda vermelho toda vez que fica muito animada. O longa revisita a cultura asiática para apresentar uma relação de mãe e filha durante a fase da adolescência, valendo-se dos mesmos clichês de fofura e comoção emocional dos demais filmes da Pixar. Sob a direção da vencedora do Oscar Domee Shi, Red é a primeira produção do estúdio com comando feminino. 

Mas nem só de Cinema foi feito o mês de março. Ao longo dos últimos 31 dias, acompanhamos o spin-off de Big Mouth, Recursos Humanos (Human Resources), uma nova série focada nos monstros do universo e seu ambiente de trabalho. A produção é uma mistura ideal entre a obra original e The Office, e então, você adiciona loucuras, atores de renome dublando personagens asquerosos e hilários e uma trama simples mas competente. Do time original da série da Boca Grande, retornam para a nova produção da Netflix quase todos. Dentre os novos rostinhos, estão Aidy Bryant, Randall Park, Rosie Perez, Harvey Guillén, Ariana DeBose, Helen Mirren e Lupita Nyong’o. 

E esse não foi o único spin-off do mês. A 1ª temporada de Como Eu Conheci Seu Pai (How I Met Your Father) terminou sua exibição no Star+ com uma energia  bem parecida com a de How I Met Your Mother: personagens bastante carismáticos, mas o timing de comédia não muito afiado, com piadas um pouco batidas. Apesar disso, a série, que contou com Hilary Duff e Kim Cattrall no mesmo papel em idades diferentes, já foi renovada para a segunda temporada, que terá uma quantidade maior de episódios.

Mas uma série já conhecida que retornou agora para sua 4ª temporada é The Marvelous Mrs. Maisel. Depois do que pareceu ser uma eternidade, a Maravilhosa Sra. Maisel está de volta (e mais triste do que esperávamos). Após o desastre e a demissão que fecharam o ano anterior, Midge (Rachel Brosnahan) precisa lidar com o fracasso e passa a trabalhar contando piadas em um clube de strip-tease. Lá, a mulher bota ordem no pedaço e acaba revolucionando o local, assim como costuma fazer por onde passa. 

Dessa vez, a nova fase da comédia vencedora do Emmy está menos envolvente em quesito progressão da narrativa, ao apenas posicionar suas peças frente ao vindouro e já anunciado ano final. Em contrapartida, a produção do Amazon Prime Video deu mais espaço para personagens não-brancos e para mulheres trans, Amy Sherman-Palladino e Daniel Palladino reservam piadas certeiras, e a participação mais que especial de alguns rostinhos conhecidos de Stars Hollow. No fim, resta à Lenny Bruce (Luke Kirby) colocar juízo na cabeça de Miriam e, se tudo der certo, sua jogada foi positiva.

Os risos de março não pararam por aí. Depois da Festa (The Afterparty), criada por Phil Lord e Chris Miller, dupla responsável pelos dois Anjos da Lei e por Uma Aventura LEGO,  é uma série que conta a história de um assassinato que ocorreu durante o reencontro de colegas da escola. Tiffany Haddish, Sam Richardson, Zoë Chao, Ben Schwartz e Dave Franco compõem o elenco da 1ª temporada da produção da Apple TV+, que se mostra muito divertida ao fundir investigação com humor, assim como Only Murders in the Building. Cada um dos episódios brinca com um gênero cinematográfico diferente de acordo com o ponto de vista de quem narra, demonstrando a criatividade de Miller na direção. 

Além das risadas, março também nos proporcionou alguns sustos. O lançamento da Netflix, Ninguém Pode Saber (Pieces oh Her), com a ganhadora do Emmy Toni Collette como a protagonista Laura, não atingiu o nível de qualidade esperado. O piloto dá um tom muito bom de suspense, mas rapidamente tudo se transforma em uma trama insossa. A série utiliza flashbacks com lembranças da protagonista para contar a história, formando os “pedaços” dela, mas tudo isso se perde com o desenrolar da história.

Já na Apple TV+, a 3ª e penúltima temporada de Servant, produzida por M. Night Shyamalan (Tempo), acompanha o casal formado por Dorothy (Lauren Ambrose) e Sean Turner (Toby Kebbell) lidando com forças ainda mais sinistras, três meses depois do final do segundo ano da série. Nell Tiger Free e Rupert Grint também retornaram para seus respectivos papéis como Leanne e Julian Pearce, e nova adição ao elenco fica por conta de Sunita Mani (Mr. Robot).

Com uma pegada assustadora e invocando elementos da ficção científica, Expresso do Amanhã (Snowpiercer) retorna para mais 10 episódios. O novo ano do thriller apocalíptico da Netflix é dirigido por Christoph Schrewe, Erica Watson e Leslie Hope, com base no filme homônimo lançado em 2013 sob a direção de Bong Joon-Ho, que por sua vez, se inspirou no romance gráfico Le Transperceneige (1982). Sua trama se passa num futuro distópico, onde os últimos habitantes da Terra tentam sobreviver dentro de um trem que está em constante movimento enquanto o mundo foi totalmente congelado. Com o agrado da série, a 4ª temporada já está confirmada e, dessa vez, terá um novo showrunner. 

Seguindo para outras produções de sci-fi, o segundo ano de Raised by Wolves, produzida por Ridley Scott para o HBO Max, continua a narrativa dos desafios existenciais vividos pelos androides Mãe (Amanda Collin) e Pai (Abubakar Salim) para criar seus filhos humanos longe da Terra.  A temporada possui 8 episódios ao todo e conta com atores, como Travis Fimmel (Vikings), James Harkness (Macbeth: Ambição e Guerra) e Kim Engelbrecht (The Flash) no elenco.

Ainda com esse lado da ficção científica, Upload concluiu seu segundo ano repleto de viagens por realidades alternativas. A série do Amazon Prime Video, criada por Greg Daniels (de The Office e Parks and Recreation), acompanha a jornada de Nathan (Robbie Amell) em um mundo em que as pessoas podem escolher uma realidade para viverem após a morte.

Ainda tivemos algumas produções de super-herói para agradar o público geek. DC’s Legends of Tomorrow finaliza sua sétima temporada com um ano em que Sara Lance (Caity Lotz), Ava Sharpe (Jes Macallan) e os membros da tripulação estiveram presos no passado, em um lugar cada vez mais suspeito. Perseguidos por um inimigo que viaja no tempo e ameaçados pelo espaço temporal, a equipe se une para tentar manter a paz na Terra em um de seus trabalhos mais arriscados. A peça da CW conta com Tala Ashe, Nick Zano, Shayan Sobhian, Lisseth Chavez e Olivia Swann no elenco, e movimentou a equipe para introduzir um personagem querido das HQs no final do ano 7. 

E enquanto o Morcegão se pendura pelo Cinema, sua aliada faz o mesmo na TV – só que com menos orçamento. Na 3ª temporada de Batwoman, a protagonista (Javicia Leslie) trabalha para manter as ruas de Gotham seguras e Batwing (Camrus Johnson) se junta ao combate ao crime. Na produção do HBO Max, além de Leslie, Rachel Skarsten retorna no papel de Alice e as novas adições ao elenco são Bridget Regan e Victoria Cartagena, que interpretam Hera Venenosa e Renee Montoya.

Tem super-herói em desenho também: The Boys Apresenta: Diabólico (The Boys Presents: Diabolical). A 1ª temporada da antologia do Amazon Prime Video é composta por 8 curtas, desenhados em estilos diferentes, que contam histórias soltas dentro do universo da Vought. Ora resgatando traços e construções dos quadrinhos originais, ora emocionando com tramas marcantes e singulares, o experimento criativo faz valer sua investida. O elenco de voz manda muito bem, com destaque para Youn Yuh-Jung, Antony Starr, Ben Schwartz, Michael Cera, Elisabeth Shue, Nasim Pedrad, Awkwafina, Jason Isaacs, Kieran Culkin, Simon Pegg, Andy Samberg, só para citar alguns.

Saindo dessa realidade fictícia e mergulhando em um universo mais sóbrio, março nos proporcionou uma porção de minisséries documentais, a começar por Renascendo das Cinzas (Phoenix Rising). Na produção, realizada para o HBO Max, somos guiados pela história da atriz Evan Rachel Wood e sua trajetória como ativista pelo fim da violência contra mulher, desde que tornou públicas as suas denúncias contra Marilyn Manson. Na direção tivemos Amy Berg, com o papel de comandar essa narrativa tão perversa pela qual a figura feminina enfrenta na sociedade.

Infelizmente compartilhando as vivências da atriz estadunidense,  Elza Soares foi protagonista de Elza e Mané – Amor em Linhas Tortas, que relata várias eras de seu relacionamento com Mané Garrincha. Mas o documentário do Globoplay apresenta foco na história do jogador de futebol, um dos melhores do país que teve um fim trágico por alcoolismo, uso de drogas e assédio midiático. Além disso, o atleta também agredia a cantora, ponto que é tratado na série, de forma meio deslocada diante da adoração à memória do futebolista. A produção é composta por quatro episódios dirigidos por Caroline Zilberman, editora do Globo Esporte, e já se tornou o maior sucesso do streaming deste ano. O roteiro é de Rafael Pirrho, que combina 30 entrevistas, entre Chico Buarque, Caetano Veloso, Sandra de Sá e Lobão, além dos ex-jogadores Gerson, Rivelino, Jairzinho e Pepe. 

Dentre outras produções do grupo Globo, está o encerramento de Um Lugar ao Sol. A novela das 9 não foi bem recebida pelo público, que ficou aguardando por uma reviravolta na trama do personagem Christian (Cauã Reymond), mas deixou os telespectadores apenas no desejo. A narrativa de Lícia Manzo também sofreu muito com a ausência de um horário fixo estipulado pela emissora e, ainda, acabou sendo encurtada de sua duração inicialmente planejada. 

O terceiro mês do ano também proporcionou uma produção sobre o artista por trás da obra das latas de sopas Campbell. Diários de Andy Warhol (The Andy Warhol Diaries) é uma minissérie documental em 6 episódios que utiliza os diários do pintor como base para retratar a vida pública e íntima de Warhol, conhecido como ícone da pop art. Produzida por Ryan Murphy, a série da Netflix conta com relatos de artistas como a cantora Debbie Harry, o ator Rob Lowe e o diretor John Waters.

Um artista polêmico que também teve sua história narrada por meio de uma produção da Netflix é Kanye West, com Jeen-yuhs: Uma Trilogia Kanye. A minissérie sobre o rapper que revolucionou a indústria do rap e do hip-hop se divide em 3 episódios/atos (Visão, Propósito e Despertar), narrados com uma linguagem bem próxima e bastante íntima, sob a direção de Clarence Simmons. O documentário começou a ser exibido semanalmente no dia 16 de fevereiro e não se desvia dos momentos polêmicos e controversos da vida do artista, como o apoio que manifestou a Donald Trump nas eleições para presidência dos EUA e sua candidatura em 2020. 

Entre uma narrativa e outra, assistimos à minissérie Pam & Tommy. Antes mesmo de acompanhar a trama que envolve o vazamento da sex tape do casal titular, a produção já se faz notar pela escolha de Sebastian Stan para encarnar Tommy Lee, o protagonista que vive um relacionamento com a atriz Pamela Anderson, interpretada na série disponível no Star+ por Lily James. Apresentada com uma estética nostálgica para referenciar os anos 90, a história não complementa o trabalho visual desenvolvido. Talvez buscando agradar Anderson, que não autorizou a produção da minissérie, a direção se perde em não conseguir equilibrar as facetas das personagens, ora complexos, ora travados na mesmice. 

Com esse mesmo enquadramento de minissérie, tivemos One Perfect Shot, que apresenta composições visuais de filmes e séries, dando origem a produção narrada em capítulos de meia-hora com o intuito de convidar cineastas famosos para desvendarem suas próprias cenas. Recebida de forma morna pela audiência, a série do HBO Max surgiu como conta nas redes sociais, e tem narração de Ava Duvernay, com a participação dos  diretores Aaron Sorkin, Patty Jenkins, Jon M. Chu, Kasi Lemmons, Malcolm D. Lee e Michael Mann.

E não foi apenas One Perfect Shot que desagradou. A rede Peacock teimou em transformar em ficção as tramas de Tiger King, sucesso de 2020 da Netflix, e lançar Joe vs Carole em forma da sátira. Batizada com o nome mais inventivo e criativo do mês, a série limitada tem como protagonistas John Cameron Mitchell, na pele de Joe Exotic, e Kate McKinnon encarnando Carole Baskin. Ao longo de 8 episódios, os dois se mastigam em cena, mas nada sai do supérfluo e o pedido fica para que, se for para fazer algo do gênero mais uma vez, é melhor McKinnon continuar restrita aos sets do Saturday Night Live.

Guiando para outras direções, somos apresentados a eventos históricos narrados de forma peculiar. A 1ª temporada de Nossa Bandeira é a Morte (Our Flag Means Death) une ação e comédia para narrar a vida de Stede Bonnet, um famoso pirata do século XVIII. Para a produção, foi recrutado o ator Rhys Darby para desempenhar esse papel a bordo do navio Revenge, no qual o navegador cruza com o conhecido Barba Negra (Taika Waititi). Criada por David Jenkins e produzida por Taika Waititi, a série do HBO Max revisita eventos históricos de modo cômico e surpreendente.

Navegando por outros mares, The Last Kingdom chegou ao fim. Iniciada em 2015, a jornada de Uhtred (Alexander Dreymon) concluiu sua narrativa após cinco temporadas, alimentando os fãs apaixonados por tramas nórdicas, muita sujeira e muitas espadas enferrujadas sendo degradadas em campos de batalhas.

Passando dos vikings para um período pré-vitoriano, a 2ª temporada de Bridgerton demorou, mas a continuação dos contos de amor dos irmãos Bridgerton finalmente chegou. Dessa vez sem o Duque Simon (o indicado ao Emmy Regé-Jean Page), mas com relances da Duquesa Daphne (Phoebe Dynevor), a série de Chris Van Dusen e Shonda Rhimes adapta o segundo livro de Julia Quinn, O Visconde Que me Amava. Na história, Anthony (Jonathan Bailey) decide se casar ao mesmo tempo em que duas jovens vindas da Índia retornam à Londres da Rainha e de Lady Whistledown. 

Seguindo a cartilha de emoção e tensão, dessa vez o foco recai na exímia paixão proibida e em performances mais internalizadas. Destaque absoluto, Kate Sharma (Simone Ashley) é o diamante da temporada. Com desenvolvimento nas narrativas particulares dos irmãos mais próximos à idade do matrimônio, a produção da Netflix se distancia um pouco da obra literária, mas mantém com a vibração de humor e fervor, com direito, é claro, às canções modernas reimaginadas para a época, de Robyn e Miley Cyrus à RIhanna e Madonna.

Do outro lado do oceano, vemos os eventos da 1ª temporada de A Idade Dourada (The Gilded Age). Inspirada em eventos reais, a série conta a história da jovem Marian Brook (Louisa Jacobson), que se muda, após a morte de seu pai, da vida rural na Pensilvânia para a cidade de Nova Iorque para viver com suas tias ricas (Christine Baranski e Cynthia Nixon). Em seu novo lar, Marian começa a questionar os valores e princípios da sociedade. Criada por Julian Fellowes, o mesmo de Downton Abbey, a nova série original da HBO, e disponível no HBO Max, já foi renovada para a segunda temporada.

Fincando o pé em terra firme, a 4ª temporada de F1: Dirigir Para Viver (F1: Drive to Survive) veio bem dramatizada, para combinar com a própria temporada da F1 de 2021.  Nela, a Netflix segue focada em equipes específicas, como a Haas e McLaren, mas os chefes da Mercedes e Red Bull renderam muito procurando o drama mesmo. É um universo para quem não vê a Fórmula 1 tecnicamente, mas é isso que torna a série tão empolgante. 

Nesse mesmo ambiente sobre rodas, nós viajamos para a 1ª temporada de O Turista (The Tourist), protagonizada por Jamie Dornan. Nela, um homem que, após se envolver em um acidente de carro, acorda no hospital, com amnésia. Com a ajuda de uma policial australiana (Danielle Macdonald), ele tenta descobrir quem é e o que aconteceu, enquanto é perseguido por pessoas de seu passado que o querem morto. O elenco da produção disponível no HBO Max também conta com Shalom Brune-Franklin e Damon Herriman, de Mindhunter. O thriller de 6 episódios, que conta com os mesmos produtores de Fleabag, Harry e Jack Williams, já foi renovado para a segunda temporada. 

Já com a pegada de La Casa de Papel, temos a minissérie 3 Tonelada$: Assalto ao Banco Central, que tenta recriar o que aconteceu em 2005, quando ladrões cavaram um túnel de 75 metros, com uma estrutura bem profissional, e roubaram quase 170 milhões de reais do Banco Central em Fortaleza. Para a produção nacional, o caminho subterrâneo realizado pelos bandidos foi reproduzido em estúdio. A série também manteve na trama a teoria do “dinheiro maldito” pela corrupção da PF.

Do Brasil para o mundo, finalizamos nossa lista de indicações com a 1ª temporada de RuPaul’s Drag Race UK vs. the World. O tão esperado All Stars Internacional reuniu 9 drags de diversas franquias. Dos Estados Unidos, tivemos Jujubee (em sua quarta disputa pela Coroa) e Mo Heart (a artista anteriormente conhecida como Monique Heart); do Canadá, retornaram Jimbo e Lemon; do Reino Unido, o time de três era formado por Baga Chipz, Cheryl Hole e Blu Hydrangea; da Holanda, veio Janey Jacké e, da Tailândia, a jurada Pangina Heals estreou como competidora. 

A temporada resgatou o formato original do All Stars 2, e contou com apenas 6 episódios exibidos originalmente pela rede BBC Three na TV. Entre eliminações chocantes, passarelas abaixo do esperado e uma confusão narrativa que deixou um gosto amargo na boca, a drag queen irlandesa Blu Hydrangea foi coroada Queen of the Mother-Tucking World. Assim como no Oscar 2022, os naturais de Belfast tiraram a sorte grande (ou, o mais próximo disso, já que o prêmio da temporada é um remix gravado ao lado de RuPaul). 

Com essa lista esmagadora de produções recém-saídas do forno escolhidas a dedo pela equipe do Persona, o que não falta são opções de filmes e séries para agradar os mais diferentes gostos. E esse é só o fim do primeiro trimestre de 2022, que continuará sendo observado por nós em cada movimento do ano. Até abril, onde nos aguardam a chegada dos Animais Fantásticos, a segunda aventura do ouriço azul e a nova Super Estrela Drag da América.

Texto: Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Caio Machado, Marcela Zogheib, Nathália Mendes, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.

Não poderíamos nos esquecer, ainda, da preciosidade em forma de EP que Selena Gomez entregou ao colocar em pauta toda a sonoridade latina em músicas na língua espanhola. Bem como é bom ficar de olho no mais novo compilado de Joshua Bassett, que com seu pop frenético trouxe a íntegra de sua versão da conturbada história com Olivia Rodrigo e Sabrina Carpenter. E é em meio a uma polêmica indicação ao gramofone de ouro – merecidamente perdido – que Justin Bieber lança seu sexto álbum, intitulado Justice.

Assim, em um mês de altos e baixos, no qual completamos um ano presos em casa, a Música conseguiu transparecer todos os sentimentos que gritamos entre quatro paredes. Da campanha #fuckthegrammys à realidade distorcida confidenciada por Demi Lovato, Março de 2021 conseguiu ser alvo de altos e baixos intensos que serão lembrados por muito tempo. Por isso, a Editoria do Persona, ao lado de seus colaboradores, comenta tudo isso e ainda mais sobre o que aconteceu no mundo da Música entre os CDs, EPs, singles, clipes e performances que mais marcaram os últimos 31 dias.

CDs

Genesis Owusu – Smiling with No Teeth

O australiano Genesis Owusu não está para brincadeira. Nascido em Gana, o rapper se mudou para a Oceania na infância, inserido num ambiente majoritariamente branco e nada parecido com suas raízes. A saída? Encarar tudo de cabeça erguida e, no processo, transformar sua dor em arte. Ele começou escrevendo contos, depois poesias, até finalmente chegar na Música.

Misturando suas diversas influências no debut Smiling with No Teeth, o cantor modula o rap, o punk e toques de pop para narrar as aventuras dos tais dois cães pretos que latem por quase uma hora. A alegoria, como ele esclareceu, é cultivada pela figura da depressão e do racismo. Buscando fugir dos estereótipos comuns e ter uma voz própria, Owusu evoca melodias quase sagradas no disco de estreia. “Eu sou o Prince, se ele fosse rapper e morasse na Austrália”, disse ao The Guardian. O sorriso desdentado pode nos fazer começar a acreditar nele. – Vitor Evangelista

Nick Jonas – Spaceman

A criatividade bateu na porta de Nick Jonas e o fez entregar obras-primas em formato de álbuns. Dessa vez, o cantor resolveu oferecer algo realmente intimista e profundo sobre seus sentimentos, principalmente por ser uma explícita declaração para sua esposa, Priyanka Chopra Jonas. A junção de euforia e agonia é traduzida ao longo de todas as músicas, especialmente por se tratar de um trabalho feito durante a pandemia. 

Desde Give Love a Try em JONAS, Nick sempre deixou claro que a música é a maneira mais sincera com que consegue se comunicar e transmitir suas emoções. É nítido essa expressão no álbum, usando diversos ritmos para se declarar para Priyanka. Ele transita entre o pop romântico usual em Deeper Love (num compasso muito parecido com I Feel It Coming, de The Weeknd) e versos mais sensuais e maliciosos de uma vibe anos 70 em Delicious. 

O alcance vocal do texano é o que o torna ainda mais admirável, cruzando notas baixas e altas em uma única canção. Não importa se estamos na calmaria ou no entusiasmo, todas as faixas do álbum nos presenteiam com um calor no coração. Não há como discordar que o querido irmão Jonas tem um talento imensurável em mãos. – Júlia Paes de Arruda

Black Honey – Written & Directed

Segundo as regras de distanciamento social, ainda não é seguro realizar grandes concertos musicais, mas isso não parece ter impedido Izzy B. Phillips e o resto da banda inglesa Black Honey de ter lançado um disco que implora para ser ouvido ao vivo. Written & Directed chega três anos depois do álbum de estreia do grupo, e os encontra mais amadurecidos musicalmente, mas ainda com o mesmo entusiasmo adolescente e contagiante pelas suas próprias melodias.

Black Honey está de volta e à procura de sangue. A vocalista confronta diversos adversários no decorrer das dez músicas que se seguem, desde o patriarcado e o conservadorismo até si mesma, ampliando a aura punk rock que já havia sido apresentada casualmente em Black Honey (2018), ecoando a estética punk britânica, mas mantendo uma musicalidade diversificada e ousada. Acompanhada pela guitarra eclética de Chris Ostler, o baixo venenoso de Tommy Taylor e a bateria discreta de Alex Woodward, a voz de Phillips é o que fecha os instrumentos em uma sinfonia rebelde e caótica que não perde nenhum momento do início ao fim.

Com uma abertura incrível composta por alguns dos singles já lançados, é em Run for Cover que Black Honey mostra a que veio: uma música alta, energética e feroz sobre sexualidade feminina em primeiro plano e escancarada. Descrito e cunhado pela banda como “vagina rock” (em oposição ao subgênero cock rock), as faixas de Written & Directed são a exaltação da perspectiva feminina sobre o rock’n’roll, ampliadas por um som amadurecido, mas nem um pouco interessado em se tornar previsível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Djonga – NU

No sentido metafórico ou no regional, Djonga está nu em seu novo álbum. O artista mineiro conhecido pelas letras combativas descasca seus sentimentos pessoais em seu quinto LP, expressando seus receios, alívios e satisfações, assim como o termo do título sugere no mineirês. Nada disso significa discursos suavizados ou letras desconexas do nosso contexto social. Os últimos meses sinistros que atingem com mais força uma parcela específica da população e as razões disso são elementos que continuam muito bem refletidos nas canções fortes de Djonga, acompanhados de sua riqueza lírica e metafórica de sempre e de influências de outros nomes e gêneros da música brasileira. 

Entre reflexões sobre o sucesso, solidão, racismo e desigualdade social, NU encontra contraste ao começar com a grandiosidade de Nós e terminar com o impacto de Eu, marcando também o retorno do rapper que nunca baixa a guarda em Ó Quem Chega. As narrativas são costuradas com suas referências musicais, que dão as caras no flerte com o rock brasileiro contemporâneo combinado à uma levada do samba que o disco mostra em Xapralá. O mesmo é com Vírgula, que cria um intertexto com o samba da década de 60 pensando na desigualdade social atravessada pelas questões raciais, tema aprofundado na cinematográfica Ricô.

A produção de seu fiel companheiro Coyote Beatz desacelera na confessional Me Dá a Mão, e dela nasce a íntima e romântica Dá Pra Ser?, lovesong que dança entre o R&B e trap com a participação doce de Budah. Entre si, todas as oito faixas funcionam muito bem, mas perto da marcante discografia do artista, a repetição temática e sonora pode alimentar críticas à produção. Lembrando do contexto delicado do artista, NU é familiar e modesto, sem novidades arriscadas e sem exageros. Quer dizer, nada de excedente além do peso da arte do trabalho, que pode ter marcado o último 13 de março em que ouvimos ineditamente uma coletânea de Djonga. – Raquel Dutra

AJR – OK ORCHESTRA

O terceiro álbum do trio de irmãos Adam, Jack e Ryan saiu no dia 26 de março desse ano, dando continuidade ao tom intimista, pessoal, autobiográfico e metalinguístico do segundo, Neotheater. Com um caráter ainda mais experimental musicalmente do que este, o álbum brinca, por exemplo, com uma sucessão de diferentes instrumentos que tocam a mesma melodia em faixas como Bummerland ou World’s Smallest Violin. Ele também experimenta efeitos que lembram músicas dos anos 40 e 50, como em 3 O’Clock Things ou The Trick. Tudo isso misturado com uma mixagem bastante eletrônica, dando origem a um tipo único de música, que funciona como a assinatura da banda.

Os temas variam entre experiências pessoais dos músicos que se traduzem em temas universais, como My Play, que trata de uma criança afetada pelo divórcio dos pais; estilos inspiradores, como em Adventure is Out There e Way Less Sad; e o tom metalinguístico que citei, que aparece aqui em Christmas in June e Bang!. Outras músicas de destaque que também tratam de temas universais são Ordinaryish People (o único feat do álbum, feito em parceria com o Blue Man Group), Joe e Humpty Dumpty. Esta última considero a mais fraca delas, não porque não tem seu valor, mas porque as outras são excepcionais em comparação.

É um álbum de música pop, que trata de problemas cujos adolescentes tendem a se identificar mais. As várias referências às vivências dos adolescentes no século XXI (e até breves menções indiretas à pandemia, que permeou o desenvolvimento do álbum) deixam claro o público-alvo, que recebe um prato cheio. Para aqueles que não se identificam com a estética mais adolescente e despojada, os experimentos musicais e as melodias enérgicas valem o play. E para não esquecer: a música de abertura do álbum, OK Overture, é genial, porque junta várias das peças do álbum em uma só. -Flora Vieira

Lana Del Rey – Chemtrails Over The Country Club

A forma mais simples de definir o novo álbum de Lana Del Rey é sufocante. Durante suas 11 faixas, somos levados por um caminho monótono na melancolia da cantora, que reutiliza a mesma sonoridade branda e densa em todas as músicas que montam a coletânea. Nos sentimos presos em uma interminável sequência de cópias dos demais trabalhos de Lana, que dessa vez peca por se afogar demais em um sofrimento lírico, o qual ao invés de ser belo e tocante, se torna indigesto e tedioso.

É claro que em meio a várias faixas, um tanto chatas, algumas se destacam positivamente por escaparem, mesmo que pouco, da identidade em tons de cinza do álbum. A voz de Nikki Lane é o suspiro que tanto queríamos. Ao lado de Del Rey, as cantoras entoam Breaking Up Slowly, trazendo uma sensibilidade sonora que faz falta nas demais canções. Chemtrails Over The Country Club, que dá nome ao disco, é outra que merece destaque por conseguir imprimir a identidade vocal de Lana, escondida atrás de tanto sofrimento em suas outras faixas.

O álbum é cansativo e, assim como sua capa, é cinza. Nem preto, nem branco. Numa tentativa de se manter no meio do caminho e agradar a todos, Lana Del Rey se perdeu e deixou levar por uma perspectiva pouco convidativa. Sua voz, tão encantadora quanto um canto de uma sereia, nos puxa para as profundezas, afogando os marinheiros que se atreveram a navegar nas águas de Chemtrails Over The Country Club. – Ana Laura Ferreira

Pitty – Matriz Ao Vivo Na Bahia (Ao Vivo Deluxe Edition)

Não faltam adjetivos para descrever a brilhante carreira de um dos maiores nomes do rock brasileiro: Pitty. A baiana é dona de músicas que você pode não saber o nome, mas basta um acorde para cantar toda letra. Atemporal, começou 2021 com o Deluxe do disco gravado ao vivo na Bahia antes da pandemia. Com um repertório que caminha desde os primeiros CDs até o álbum de 2019 que também batiza esse trabalho, Matriz, o registro conta com duas faixas novas: Para o Grande Amor e Serpente.

Pitty não estava sozinha em cima do palco. As faixas Noite Inteira e Te Conecta / Tudo Me Faz Sentido são divididas com uma das vozes mais importantes da Bahia, Lazzo Matumbi, Roda conta com a presença do grupo BaianaSystem, e Larissa Luz faz feat em Máscara / Bonecas Pretas. Ao fim do espetáculo, eles voltam ao show para juntos ecoar a poderosa Sol Quadrado, que deixa uma mensagem de persistência e resistência. As canções que encerram Matriz Deluxe, apesar de antagônicas, são o viés da proposta musical da cantora, deixando aquele gostinho de quero sempre mais.

Quem acompanha a discografia de Pitty sabe toda a dor e delícia que suas músicas causam. Quem nunca se pegou cantando Na Sua Estante em alto e bom som que atire a primeira pedra. Presente também neste trabalho, vemos a história ficar ainda melhor com sua seguinte faixa: Motor. Canção ressuscitada por Gal em A Pele do Futuro, a música parece ter sido composta para a voz de Pitty, sendo o nó certeiro que amarra todos os sabores presentes no disco. Matriz é um prato cheio de talento e sonoridade, que imprime seus 20 anos de carreira solo. –  Ana Júlia Trevisan

Elis Regina – Elis (Remastered)   

Neste 17 de março, dia quase sagrado para milhões de pessoas, Elis Regina – a maior cantora brasileira de todos os tempos, diga-se de passagem –  completaria seus 76 anos de vida. Já faz quase 40 anos daquele traumático 19 de janeiro em que Elis se concretizou como estrela no sentido literal da palavra. A saudade dela cresce cada dia mais no coração e na memória de todos nós, amantes de seu trabalho e admiradores de sua pessoa.

Para saciar a saudade dos fãs da gaúcha, seu filho João Marcelo Bôscoli nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do disco Elis (1972). Já não é a primeira vez que ele utiliza sua arte de produção musical para relembrar e exaltar a carreira e a vida de sua mãe. Essa tarefa nada fácil é feita com imensa maestria e nos comprova, mais uma vez, todo o talento da cantora, presente não só na sua voz, mas também no DNA.

O álbum conta com os clássicos Nada Será Como Antes, Atrás da Porta, Casa no Campo e Águas de Março. Além de músicas como Olhos Abertos, Me Deixa Em Paz e Boa Noite Amor, que nos trás um “lado B” pouco conhecido de Elis. Esse primor em formato de álbum, disponível em vinil e CD, está em todas as plataformas digitais para o deleite dos fãs. – Guilherme Teixeira

The Weeknd – House of Balloons (Original)

Jamais poderemos negar o talento de The Weeknd. Trazendo sempre uma sonoridade única que o caracteriza, o cantor consegue unir o pop mainstream a sua personalidade, dosando pitadas eletrônicas e às vezes até mesmo de rock em seus projetos. O estouro que seu trabalho deu em 2020 com o álbum After Hours lhe abriu portas e, melhor do que isso, nos abriu caminhos para que retornássemos às origens do cantor, a fim de acompanhar esse delicioso amadurecimento.

House of Balloons, primeiro disco de The Weeknd, foi disponibilizado neste mês de março nas plataformas de streaming. Retornando à sua estreia em 2011, somos agraciados com músicas intensas que nos fazem se perder em meio a um universo sonoro mágico criado por ele, sendo as principais representantes High For This e aquela que dá nome ao álbum. Sempre muito atento aos detalhes, tudo no disco parece se encaixar perfeitamente, pedindo para que a coletânea seja colocada no repeat e reproduzida eternamente. Nós não nos importarmos com isso. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Justice

Depois de retornar para o mundo musical com o abominável Changes, não se podia esperar muito de Justin Bieber. E, curiosamente, ele conseguiu nos surpreender. Enterrando de vez sua relação delirante com o R&B, o canadense resgata suas raízes com o pop em Justice. Apesar de conceitos falhos, que vão desde o título do álbum até um discurso de Martin Luther King entre as faixas, a produção consegue entregar toda a musicalidade leve e contagiante que esperamos por tanto tempo.

Junto com as serenatas românticas de sempre, Bieber traz letras mais sinceras e pessoais, tratando sobre seu problema com as drogas (Off My Face) e as dificuldades do estrelato (Lonely). E também se mostrou cada vez mais aberto sobre sua espiritualidade, algo que já era previsto após o lançamento do single Holy. Outra novidade de sua nova fase é a valorização de seus vocais, ainda mais reforçados pela série de performances ao vivo que vem realizando. 

O sucesso do álbum também se deve ao seu time de peso, que conta com nomes como Skrillex, FINNEAS e Josh Gudwin na produção, além dos brilhantes feats como Daniel Caesar, Burna Boy e Khalid. Uma curiosidade é que a faixa Hold On tem o cantor Gotye creditado, por utilizar samples da música Somebody That I Used To Know, que, por sua vez, usou samples de Seville, do brasileiro Luiz Bonfá, que também recebeu os devidos créditos. Bieber conseguiu explorar e se divertir por novas tonalidades do pop, mas sem sair da atmosfera musical que o consagrou como o artista que é hoje. Justice é, de fato, o seu retorno triunfal. – Vitória Silva

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Um tempo longe dos holofotes da indústria musical parece ter feito bem para Rico Dalasam. Depois de sofrer com linchamentos virtuais em 2017 devido a polêmicas judiciais, o rapper retorna amadurecido em Dolores Dala Guardião do Alívio, um álbum menos pop, menos comercial, porém bem mais intimista e sincero, provando que sua arte transcende qualquer estereótipo ou rótulo. Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, sua premissa é agora potencializada para tornar-se uma narrativa alegórica, cativante e imersiva que passeia pelas vivências do poeta nos últimos três anos, mergulhando em temas como negritude, homossexualidade, colonialismo e relacionamentos inter-raciais.

Sendo assim, Rico aborda suas experiências individuais para comentar temáticas sociais coletivas, porém sem nunca soar redundante ou reducionista: ele sabe que sua bagagem pessoal não resume um fenômeno sociopolítico complexo. Visto isso, ele universaliza esses eventos, tornando-os relacionáveis para o ouvinte, entretanto ainda depositando a eles um caráter único e particular que só ele poderia dar, encontrando no caminho o equilíbrio perfeito entre o amplo e o singular. Usando tais ferramentas, Dalasam costura sua fábula através de distintas sonoridades afro latinas das mais diversas origens, inevitavelmente atravessando também a história do continente latino-americano.

Com uma tracklist potente e plural, explora desde as intempéries de um romance inter-racial em Braille, vendo-o evoluir para um relacionamento abusivo que fatalmente reproduz opressões raciais e coloniais em Mudou Como?, o enfrentamento de uma situação de abandono em Última Vez, uma revisita nostálgica a um tempo e lugar distantes em Vividir, até o fatídico término, seguido de uma reconciliação pacífica, ainda que não menos crítica, em Estrangeiro. Rico Dalasam apresenta com Dolores Dala Guardião do Alívio uma obra tanto reconfortante e consoladora quanto autoconsciente, difundindo sua mensagem através de uma plataforma que ele mesmo construiu. E, acredite, nós definitivamente deveríamos estar prestando atenção. – Enrico Souto

Evanescence – The Bitter Truth

Se você teve a oportunidade de escutar o melhor do rock que estava sendo produzido no início dos anos 2000, é certo que conheça pelo menos uma música da banda Evanescence. Popular entre todos os estilos graças a Bring Me To Life, do álbum Fallen de 2003, o grupo liderado por Amy Lee entrega no mês de março seu sétimo disco original. Inteiramente construído de forma a contar uma história sonora, somos engolidos pelos vocais de Lee e pela bateria de Will Hunt, que juntos dançam uma valsa no melhor estilo punk.

Não deixa de ser clichê falar que Evanescence entregas músicas poderosas, mas haveria então outra forma de definir Broken Pieces Shine do que como o poder em sua forma mais bruta? O que encontramos na coletânea de The Bitter Truth é uma cadência de emoções intensas, mas extremamente alinhadas. Não estamos falando aqui de gritos jogados ao vento ou uma potência sonora sem propósito, mas sim de um trabalho inteligente que consegue prender, até mesmo aqueles avessos a esse gênero, em uma incessante busca de saber como será a próxima faixa.

O refrão de The Game Is Over nos leva diretamente para o rock mais emo consagrado na primeira década deste século. Já Wasted On You nos agracia com uma suavidade tão aguda que fica impossível não fechar os olhos para simplesmente sentir os vocais de Amy. Orgânico, o disco constrói sua heterogeneidade em meio a um crescente de emoções que nunca se abalam, produzindo assim um dos melhores álbuns da carreira de Evanescence. – Ana Laura Ferreira

Zara Larsson – Poster Girl

Dentro do nicho do pop, vira e mexe o termo “música de playlist da Renner” é utilizado para se referir a canções que combinam com a vibe loja de departamento. Sendo bem direto, Zara Larsson é exatamente isso. É algo ruim? Não exatamente. Quem nunca ouviu uma música enquanto dava uma olhada nas camisetas moderninhas e pegou o celular para descobrir qual era pelo Shazam? Porém, é algo que indica o maior problema de Zara: a falta de uma identidade definida que a diferencie. Poster Girl não é ruim, mas a maioria de suas músicas poderia ser de qualquer um tentando fazer um pop que hite nas playlists do Spotify. 

O maior problema do disco é justamente que a ideia da garota-sonhando-em-ser-estrela-pop-de-pôster é levada um pouquinho a sério demais. Zara não assina metade das canções, sendo uma das exceções a maravilhosa (ufa!) Love Me Land. Ou seja, parte do que ela canta ali não veio dela mesma. E até o que veio teve dedo de outros trocentos compositores. A polêmica de artista vs. intérprete pode levar a discussões, mas aqui é inegável que se torna uma problemática. No fim do dia, quem é realmente Zara Larsson? Ela é a garota do pôster para quem podemos olhar e nos identificar? – Jho Brunhara

EPs

ARON e MYGAL – Nieve

Enquanto a quarta temporada de Elite não sai do forno, os atores tentam engatar sua carreira na música. A primeira foi Danna Paola, com a chegada de K.O.. Agora, foi a vez do favorito dos fãs, o apaixonante Arón Piper. Sua voz rouca marcante somada às letras alcóolicas não poderiam trazer outra imagem a não ser a sua à nossa mente. 

Em 2020, Arón já havia lançado singles soltos, como Todo e Friends, provando que seu talento não fica restrito à Ander Muñoz. Neste ano, o alemão se arriscou e lançou um EP com apenas cinco músicas, em sua grande maioria, acompanhado de parcerias. Entretanto, as duas primeiras canções são as que mais se destacam. A primeira, a faixa-título, traz um som parecido com chocalhos que a tornam mais calma, transmitindo a preocupação e a frustração do eu lírico. Já a segunda, Cielo Morao, tem aquele ar caótico de uma festa baseada em doses de bebida e drogas ilícitas. Seus primeiros minutos remetem à We Can’t Stop, de Miley Cyrus. 

Apesar delas terem ritmos totalmente diferentes, são as mais difíceis de caírem no esquecimento. A falta de uma divulgação mais engajada e uma batida mais grave em todas as canções (aquelas que fazem vibrar o coração), tornam o EP facilmente ignorável. Por enquanto, fica a torcida para que o sotaque memorável de Arón firme mais no meio musical. – Júlia Paes de Arruda

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Charlotte Lawrence – Charlotte 

Charlotte Lawrence foi uma ótima descoberta para o nicho pop da internet em 2017. Com sua sonoridade brilhante e personalidade sincera, a modelo conquistou um número considerável de seguidores nas redes, além de conseguir um contrato vantajoso com a Atlantic Records. Em março ela lançou seu segundo extended play, Charlotte, que mistura mid-tempos irritantes e infusões pop rock que amargam ainda no primeiro play. O single promocional Talk You Down insiste, mas soa mais como um descarte de Selena Gomez. Nem as guitarras do renomado Ryan Tedder conseguem salvar o projeto.

A obra só chama atenção no final: Why Do You Love Me é um pop rock direto dos anos 80, com a sarcástica narrativa de Lawrence e a produção eletrizante de Charlie Puth, que remete a grandes sucessos do produtor, como Attention e How Long. Longe de seu ótimo antecedente Young, Charlotte é vazio e desanimador – a energia adolescente e encantadora que ela trouxe no início de sua carreira parece ter sido apagada por completo. A composição detalhista da musicista não combina com a produção datada e irritante da obra – por enquanto, é melhor ela ficar pelas passarelas. – Laís David

“Há algo especial sobre Knebworth”, aponta o baterista Nick Manson, em comunicado à imprensa, ao relembrar apresentação histórica do Pink Floyd em um dos palcos mais importantes da Inglaterra. Três décadas após juntar forças com Paul McCartney, Eric Clapton, Genesis, Robert Plant e outros vencedores do Silver Clef Award, a banda disponibilizará (em CD, LP e streaming) o show completo no álbum ao vivo Live at Knebworth 1990. 

Previsto para ser lançado no dia 30 de abril, o álbum traz a setlist modesta daquela noite, mas que carrega os maiores hits da banda. A parte A do LP já está disponível no Spotify com as célebres The Great Gig in the Sky e Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5). A faixa de The Dark Side of the Moon tem como convidada Clare Torry, vocal original que tornou a música conhecida por usar sua voz apenas como instrumento, sem cantar uma palavra sequer.

Já a composição de cinco partes, que conta com a participação da saxofonista holandesa Candy Dulfer, abre o concerto de forma majestosa fazendo jus a atmosfera da história que assombra essa faixa. A música é um tributo a Syd Barrett, mente criativa e perturbada dos primeiros anos do Pink Floyd, que foi afastado por problemas com drogas e logo substituído por David Gilmour. Anos após a separação conturbada, Barrett fez uma visita inesperada aos estúdios justamente enquanto a banda trabalhava na música que o eterniza (Shine on You Crazy Diamond). Este ano, a morte de Syd Barrett completa 15 anos. – Maria Carolina Gonzalez

Joshua Bassett – Joshua Bassett

Parece um tanto piegas dizer, mas às vezes o menos é realmente mais, e no caso de Joshua Bassett o mais é um exagero de ritmos e sonoridades que, ao invés de se complementarem, apenas nos desorientam. É muita informação saltando aos nossos ouvidos ao mesmo tempo e nos vemos perdidos, sem saber em que prestar atenção. Tentando atirar para todos os lados, o cantor mistura inúmeros estilos, acertando em cheio em alguns e errando o alvo em outros, como se estivesse fazendo isso de olhos vendados.

As grandes estrelas do EP, que leva o mesmo nome de Joshua, são Do It All Again e Only a Matter of Time, isso por serem também as músicas mais contidas e centradas. Em contrapartida, Sorry abre o álbum como um tsunami sonoro que nos atordoa e anestesia para seguirmos o disco. Saltando entre o eu lírico do apaixonado e o do passivo-agressivo, Bassett mostra que sabe fazer música, mas se vê cego por sua ânsia de ser certificado com esse talento.

Joshua Bassett era uma boa oportunidade de destaque para o músico que tem seu nome crescendo na boca das pessoas. Contudo, o tiro saiu pela culatra ao entregar um material sufocante que chama mais atenção por seu turbilhão do que pela técnica ou valor sentimental. Talvez, se fosse diluído entre outras faixas mais simples e contidas, o EP poderia ser bem digerido, mas infelizmente teremos de esperar os próximos trabalhos de Joshua para descobrir se essa intensidade é naturalmente sua ou parte de um belo pé na porta para apresentá-lo à indústria da música. – Ana Laura Ferreira

O que mais chamou a atenção no EP foi a estética impecável (Foto: Reprodução)

Selena Gomez – Revelación

Selena Gomez está de volta com mais um projeto e, dessa vez, uma promessa de uma década: o álbum em espanhol. Há muito tempo a cantora quer fazer um trabalho que reflita sua ascendência latina paterna e finalmente aconteceu. O EP Revelación nasceu e está incrível. Com singles que chamaram a atenção, o álbum coleciona faixas interessantes a serem exploradas.

A cantora aproveitou a oportunidade e se mostrou confiante do início ao fim em um campo pouco explorado por ela. Em todas as músicas, Selena não deixa a desejar na pronúncia do idioma, mesmo que seu espanhol não seja mais fluente. Vicio, Adiós e Buscando Amor são o top 3 desse trabalho, as músicas reúnem letras desinibidas e independência emocional. O projeto conquistou o recorde de EP solo com maior número de #1s ao redor do mundo e a maior estreia de um EP feminino no Spotify. 

Em meio à polêmica de se aposentar da música, o disco foi um sucesso. Um trabalho confiante, sensual e de extremo amor próprio. Selena deu o que o público sempre esperou dela, e a esperança é que ela continue assim para proporcionar mais trabalhos como esses. O que tinha tudo para ser um apanhado de reggaetons, se tornou uma virada de chave na atualidade musical da texana. Revelación é o primeiro passo para Selena não querer mais desistir da música. – Giovana Guarizo

Drake – Scary Hours 2

Drake passou por maus bocados nos últimos meses. Depois de se hospedar um tempo numa clínica de reabilitação, o canadense cancelou o lançamento de seu futuro disco, enfrentou o período da recuperação da cirurgia no joelho e sumiu desde então. Boatos apontam que o rapper já está com seu próximo sucesso pronto, gravando clipes e tudo mais. Mas, por agora, conhecemos a parte 2 do projeto Scary Hours.

O material da vez, com uma faixa a mais que o EP de 2018, não arremata Drake longe de sua zona de conforto, mas também nem deveria. What’s Next agita o clima, que será suavizado ao lado de Lil Baby com Wants and Needs. Lemon Pepper Freestyle fecha Scary Hours 2 na melhor nota do trabalho, performada junto de Rick Ross por mais de seis minutos. Drake comemorou os recordes quebrados, e bem que poderia usar essa energia para finalmente nos mostrar o que aprontou para o Certified Lover Boy. – Vitor Evangelista

Músicas

Elza Soares – Nós 

Março é um mês marcado pela comemoração do Dia Internacional da Mulher. Data, essa, usada para lembrar a importância dos direitos e igualdade feminina. No dia em que lutamos para nossa voz ecoar mais forte, a mulher do fim do mundo lançou a regravação do single Nós em homenagem a data. Além da canção, Elza Soares também apareceu no especial Falas Femininas da Rede Globo, depondo sobre ser mulher nos tempos de hoje e dando voz à O Que Se Cala, do álbum Deus é Mulher.

Inédita na voz da cantora, a música já mostrou sua potência no fim do segundo milênio com gravação de Cássia Eller mas, dessa vez, tem uma força diferente vindo da intérprete, uma força de 90 anos de luta. A canção ainda conta com um belíssimo videoclipe repleto de fotos da cantora e com a letra nas manchetes do jornal. Elza Soares é resistência e acerta em cheio tudo aquilo que se propõe a fazer. Nós é o primeiro lançamento musical da carioca em 2021 e prepara o campo para brilhantes trabalhos durante o ano. – Ana Júlia Trevisan 

Ashe e FINNEAS – Till Forever Falls Apart

Em março, completamos um ano de quarentena. Um ano trancados em nosso isolamento e tendo nas artes o principal amparo. Em meio a tantas emoções intensas, a música ganhou novos patamares conseguindo imprimir todo esse drama em melodias embaladas solenemente. E é desse caos controlado e dos gritos modulados que Ashe e FINNEAS entregam Till Forever Falls Apart, como uma trilha de sensações exorbitantes que nos submergem na intensidade de sua composição.

A cantora que ganhou destaque depois de sua participação na trilha de Para Todos Os Garotos: P.S. Ainda Amo Você, mostra ser muito mais do que apenas uma one-hit wonder ao se juntar a FINNEAS, que aos poucos vem perdendo o cargo de “irmão da Billie Eilish” para traçar seu próprio legado. E se não bastasse todo o poder emocional que melodia e letra transmitem, o single veio acompanhado de um clipe igualmente melancólico e belo. A fotografia apagada em contraste com os tons amarelados e azulados criam uma atmosfera cinematográfica que nos impede de piscar enquanto o assistimos.

Talvez seja muita pretensão colocar a canção, bem como todos seus elementos visuais e sonoros, no mesmo patamar de grandes obras milenares. Mas de que outra forma teríamos de classificar Till Forever Falls Apart senão como um exemplo cru e óbvio de excelência artística? O single, que merecia um lugar em museus de todo o mundo, é a evocação do poder que a música tem sobre nós. – Ana Laura Ferreira

Foxes – Kathleen

Em abril, a britânica Louisa Rose Allen, conhecida pelo nome artístico Foxes, quebra seu hiato com o lançamento do EP Friends in the Corner, seu primeiro disco desde 2016. Ele reúne todos os singles lançados desde a volta da cantora ao cenário do pop em 2020, incluindo o recém-lançado Kathleen. Inspirado em uma conversa que ela teve com sua avó, Kathleen Allen, a música é uma homenagem simples e melódica à ela.

Apesar de começar com versos simples e diretos, um refrão breve e energético revela as raízes pop da artista, que repete animadamente as palavras de Kathleen sobre amor, término e a não se prender ao passado. Foxes usa as mesmas técnicas dos últimos singles para criar composições que não necessariamente se distanciam de seus trabalhos anteriores, mas que parecem dar outro tom às suas canções.

O videoclipe de Kathleen acompanha bem as palavras da musicista, mostrando uma bela dança de balé que traduz visualmente o diálogo na letra e a admiração da cantora por essa figura que claramente significa tanto para ela. Apesar do ritmo acabar se tornando repetitivo na parte final, há uma bela inserção do áudio original da conversa que consegue terminar belamente essa homenagem. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Urias – Foi Mal

Urias já foi modelo, drag queen, assistente pessoal de Pabllo Vittar e agora é artista musical. No final de 2019, a mineira de 25 anos estreou na cena pop nacional através do EP homônimo, já se consagrando como uma promessa de sucesso pelo seu estilo único e inovador, e assim ela segue em seu novo single. Imersa na sonoridade da música brasileira dos anos 90, Foi Mal é uma nova faceta de Urias, que até então conhecida pela sua atitude e poder, agora faz um desabafo íntimo e vulnerável sobre as dores e delícias do fim de um amor ruim.

Seu glamour característico, no entanto, não é sufocado pelo sofrimento. Foi Mal pode até soar melodramático – e isso não é necessariamente um defeito, vale destacar -, mas Urias vive a fossa como uma exímia diva no videoclipe charmoso da canção. Com produção da Brabo Muisc Team – assinatura comum em grandes sucessos do pop brasileiro que surgem na voz de Anitta, Iza e Luísa Sonza -, o single é poderoso na profundidade do eu-lírico da artista e prepara o terreno para seu novo e primeiro disco, que deve ser lançado ainda no primeiro semestre de 2021. – Raquel Dutra

Bebe Rexha – Sacrifice

Elevando os patamares de femme fatale para sua proposta mais literal possível, Sacrifice entrega as batidas agitadas do fim dos anos 1990 e início dos 2000 com uma roupagem própria que mostra a influência das grandes divas da época, como Christina Aguilera, sem perder personalidade. Bebe Rexha sabe como contrastar sua voz particular com um ritmo agitado próprio para as festas pós-pandemia. Entretanto, toda essa estética baseada no sobrenatural que cerca a canção é apenas uma roupagem que esconde sua mesmice.

Com um clipe empolgante e visualmente bonito, Sacrifice na verdade se mantém na mesma temática, ritmo e sonoridade de tantas outras produções anteriores da cantora. Entrando em um ciclo vicioso, Rexha cria expectativas monumentais que são quebradas com músicas que passam aquela sensação de “já escutei isso antes”. O que torna tudo mais triste é saber do poder e da potência da cantora, que tem qualidades mais do que suficientes para entregar produções monumentais, mas se mantém na segurança de sua estagnação. – Ana Laura Ferreira

ROSÉ – On The Ground  

Atingindo o novo recorde de artista solo de k-pop com mais visualizações no YouTube, em seu primeiro projeto a parte do grupo BLACKPINK, ROSÉ obteve aproximadamente 42 milhões de views no período de 24 horas pós-lançamento de seu single On The Ground. O sucesso de sua composição é mais uma conquista para a carreira da cantora neozelandesa, que agora investiu em um projeto individual, paralelo ao seu trabalho como integrante de uma das girl group de k-pop mais famosas da indústria musical até o momento.

Alcançando tanto sucesso, percebemos que toda a dedicação de ROSÉ em seu primeiro single álbum está sendo compensada tanto a ela, quanto também para nós, admiradores do grupo e suas integrantes. O debut solo R, contém duas faixas, Gone e On The Ground, uma canção sobre amadurecimento, amores e desilusões, que já chegou aclamada com um clipe que intercala entre explosões e campos floridos. Além de uma produção audiovisual impecável, essa música é uma demonstração do potencial da artista, que deixou todos nós ansiosos para saber quais serão os próximos passos de sua carreira. – Gabriel Brito de Souza

Kylie Minogue, Dua Lipa e Initial Talk (Studio 2054) – Real Groove Remix 

A sensação reconfortante da nostalgia pode ser por vezes traiçoeira, pois nos cega de comodidade enquanto aproveita para reproduzir em uma mesmice desnecessária. Entretanto, não é isso que acontece no remix de Real Groove. Kylie Minogue traz toda a sua estética sonora, que se consolida a anos, com uma nova pitada de frescor ao lado da mais recente ganhadora do Grammy de Melhor Álbum Pop Vocal, Dua Lipa, tendo como bônus o nome de Initial Talk no time.

Intensa é a melhor palavra para definir essa música que é empolgante e ao mesmo tempo saudosa. As tradicionais batidas oitentistas de Minogue se misturam com o tecnopop dos anos 90 e com todo o respiro de inspiração que vimos surgir em 2020 com nomes como The Weeknd e a própria Lipa. Tudo se torna ainda mais gratificante de se escutar nessa, que é a segunda versão do remix, por trazer ainda mais inovação e distinção a uma canção que já era, por si só, imponente. – Ana Laura Ferreira

Jão – AMOR PIRATA  

O cantor Jão, que não possuía novas músicas desde 2019, parece que chegou neste ano com sua nova era. Coringa, lançada em fevereiro, foi o pontapé inicial, e em março, AMOR PIRATA vem para acrescentar no repertório do paulista. As composições destes novos trabalhos parecem casar e não fogem de um amor mais desapegado. Jão sofre mais uma vez, mas agora parece estar aproveitando algum lado positivo dessa história. Com uma letra e uma melodia alegre, ele pode alcançar lugares diferentes com essas novas canções. 

O cantor lançou também um clipe que possui uma vibe que se conecta muito bem com a melodia. O vídeo apresenta o Jão como um marinheiro que é encantado por uma sereia e levado ao fundo do mar. Com isso, o nome da música revela um duplo sentido. Um que se conecta com a letra e o outro com a história retratada no clipe. Com esses novos trabalhos, a gente não se apaixona por Jão só na sexta-feira. – Ana Beatriz Rodrigues

Silk Sonic, Bruno Mars e Anderson .Paak – Leave the Door Open

Quando se trata da indústria da música muito se fala sobre renovação, criação de eras e reinvenções constantes. Artistas como Taylor Swift, Lady Gaga e Beyoncé ilustram magnificamente cada uma de suas fases criando estéticas próprias e singulares, sempre trazendo novidades por vezes inimagináveis, afinal, quem se quer sonhou que Swift passaria de Lover para folklore em tão pouco tempo? Contudo, essa pressão da indústria que pede por recriações se restringe apenas às musicistas, que são taxadas de “folgadas” ou “sem graça” quando ousam reutilizar um estilo, enquanto músicos, como Bruno Mars, são aclamados como inovadores ao entregarem mais do mesmo.

Leave the Door Open é suave, gostosa de se escutar e um tanto cativante, isso não podemos negar. Mas onde está a inovação? Não seria essa apenas uma réplica barata de canções já entregues pelo cantor? Isso definitivamente não precisaria ser um problema caso sua aprovação pela crítica não fosse embasada em uma suposta revolução no som de Mars.

Empregando uma estética visual e sonora que data do fim da década de 70 e início da de 80, o músico decepciona em seu tão aguardado comeback, ao lado de .Paak e Silk Sonic. O que nos resta agora é aguardar pelo mais novo álbum do cantor, prometido para os próximos meses, e torcer para que o primeiro single seja apenas um desvio de sua criatividade. Sabemos do potencial de Bruno e por isso rezamos para que ele seja usado. – Ana Laura Ferreira

Aly & AJ – Pretty Places

Com o lançamento do novo álbum a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se aproximando, o duo pop Aly & AJ revelou seu terceiro single no início de março. Pretty Places, que chega após as batidas românticas de Slow Dancing e do pop rock 2000 de Listen!!!, complementa os ritmos ecléticos do novo disco das irmãs Michalka. Inspirado pelo rock dos anos 60 e 70, Pretty Places captura a sensação de uma road trip através das planícies californianas que as irmãs chamam de lar.

O violão é o instrumento mais marcante da nova faixa, ecoando o ritmo e o compasso do country rock americano, deixando claro que o novo ciclo delas é pautado na diversidade de estilos musicais. Apesar do recente sucesso da regravação explícita de Potential Breakup Song, as duas já confirmaram não querer repetir seus sucessos, optando por aumentar cada vez mais seu repertório instrumental e se manterem fiéis às suas letras.

O sentimento é de sair em busca de novos começos e deixar o passado para trás: “Todos os lugares lindos/Nos tiram de onde a dor está/Esse céu aberto/Deixando o passado para trás/Eu iria, por todos os lugares lindos”. O videoclipe que acompanha a música reflete esses temas em sua estética, mostrando elas viajando num conversível enquanto a melodia country dá ritmo às suas experiências. Descrita pelo próprio duo como “a música que elas mais gostaram de ter escrito”, Pretty Places é um ode às grandes e simples jornadas que fazemos em busca da felicidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Convidada mais que especial, Maria Rita fez a festa no Quintal dos Prettos (Foto: Reprodução)

Quintal dos Prettos e Maria Rita – Num Corpo Só / Coração em Desalinho (Ao Vivo)

O Quintal dos Prettos é um roda de samba na qual, diga-se de passagem, é um dos primeiros lugares que pretendo ir pós-vacina. Um dos melhores pagodes de São Paulo, o quintal mantém o formato clássico das rodas acústicas, referenciando grandes nomes da música brasileira. Em 2019, os irmãos Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira convidaram Maria Rita, Emicida, Arlindinho e Salgadinho para esquentar a tarde fria de São Paulo com a gravação de um DVD no Maria Zélia.

Esse mês foi disponibilizado nas plataformas digitais a gravação feita em participação da grandiosa Maria Rita. O single é a junção de dois grandes clássicos na voz da cantora: Num Corpo Só / Coração em Desalinho. A primeira é composição de um dos maiores mestres do samba, Arlindo Cruz, e acompanha Maria desde seu primeiro disco de samba, o Samba Meu. A segunda já foi trilha de novela e é composta por Monarco, baluarte da Portela que é a escola de coração da cantora. 

A emoção da gravação está na voz do povo. Maria Rita puxa Num Corpo Só / Coração em Desalinho sem fazer o uso de microfone, tendo seu vocal abafado pelo calor do público. A  cantora, que é dona da voz mais potente do Brasil, mostra sua forte presença de palco enquanto se diverte com a cantoria da roda. O single é produzido levando a ferro e fogo o ditado repetido por Maria em todo show: “A voz do povo é a voz de Deus”. – Ana Júlia Trevisan

Maroon 5 e Megan Thee Stallion – Beautiful Mistakes

Não é sempre que bons artistas entregam boas músicas, e esse é o caso do mais novo single do Maroon 5, Beautiful Mistakes, em parceria com Megan Thee Stallion. A canção chiclete, que parece mais o resgate de um pop dos anos 2000 negado pela banda em oportunidades anteriores, irrita com suas batidas genéricas e enjoativas. Talvez a melhor forma de nos referirmos a essa música é como preguiçosa, afinal, repetir incansavelmente os mesmos três beats não é sinônimo de grandes produções.

E se já não bastasse a escolha duvidosa, o clipe que acompanha o single é a cereja desse bolo que nos dá náuseas. No mínimo estranha, a escolha por uma estética psicodélica acabou por cair na breguice. Nem mesmo a voz aveludada de Adam Levine, que parece melhorar com o tempo, ou o rap recitado pela maravilhosa Stallion conseguem salvar a produção. A combinação dos timbres é interessante, se encaixa como luva e, definitivamente, merecia mais do que a bizarrice de Beautiful Mistakes. – Ana Laura Ferreira

No Rome, Charli XCX e The 1975 – Spinning

Não tem ninguém que goste tanto de trabalhar na pandemia quanto Charli XCX (ok, talvez apenas Taylor Swift). A bola da vez é a formação de um supergrupo, ao lado de seus amigos do The 1975 e de No Rome. Ao que parece, o projeto gerará um álbum de estúdio completo e cheio das milhões de influências e peculiaridades de cada um dos artistas. O tira-gosto é Spinning, onde Matty Healy e Charli dividem os vocais, deixando No Rome no comando da mesa de som, e os meninos da banda ao fundo. 

A faixa não é inspiradora, irreverente ou propriamente refrescante. A união destes 3 talentos pode ensurdecer pelo barulho excessivo e a criatividade aflorada, e o material disponível é aquém das expectativas. Healy e Charli parecem distantes demais do microfone, e os instrumentos engolem suas belas vozes britânicas. Em formato animado pelo isolamento social, o clipe não empolga. O supergrupo, ainda sem nome (mas será que vai ter nome?), tem mais coisas no forno. Dedos cruzados para ser melhor que Spinning. – Vitor Evangelista

Demi Lovato – Dancing With The Devil

Demi Lovato teve seu comeback. Dancing With The Devil, homônimo do documentário da cantora, é uma canção que reflete a dor que ela sentiu no momento em que passou por uma overdose em 2018. A situação que quase levou a morte aconteceu 3 dias após a cantora escrever Anyone, a composição que marcou o retorno de Demi ao mundo da música no Grammy 2020.

A canção é uma carta aberta de dor da cantora e um relato reflexivo sobre como o mundo da música pode ser horrível. Nos seus 4 minutos de duração, a composição é chocante e extremamente comovente. Sem dúvidas do seu talento, Demi passa as suas emoções para essa produção com a sua voz que atravessa as barreiras de sentimentos. A realidade distorcida, citada na música, é, infelizmente a triste vivência de Lovato que não tínhamos ideia da dimensão. – Ana Beatriz Rodrigues

Taylor Swift e Maren Morris – You All Over Me (From The Vault) (Taylor’s Version)

Vem sendo meses realmente bons para os fãs de Taylor Swift, em especial para aqueles que se apaixonaram pela cantora ainda em seu começo de carreira. Retornando ao seu lado mais country, a musicista lançou a inédita You All Over Me, ao lado de Maren Morris. Essa, que é a primeira faixa inédita das 6 que irão compor a regravação do disco Fearless, resgata a sonoridade mais tradicional de Swift em moldes vocais atuais e bem mais maduros.

Seria fácil escutar essa canção ao lado de willow ou cardigan. Por mais que não tragam a mesma sonoridade, uma vez que as músicas dos últimos álbuns de Taylor puxem para uma pegada pop e folk, a mais recente canção consegue imprimir uma estética que dá continuidade a sua discografia, mudando mas nunca destoando de sua proposta. Assim como migrou aos poucos do country para a sonoridade que escutamos em Lover, agora vemos a mais recente vencedora do Álbum do Ano no Grammy retornando a suas origens também de forma gradual, nos encantando ainda mais, se é que isso é possível. – Ana Laura Ferreira

Lil Nas X – MONTERO (Call Me By Your Name)

Blasfêmia vende, e todo mundo sabe disso. Madonna já usou, Lady Gaga também, assim como muitos outros artistas. Mas desde o início dos anos 2010, fazia tempo que alguém não utilizava do artifício com tanto primor, e gerava tamanho estardalhaço. Talvez Gaga saturou a heresia e demorou uns 10 anos para as pessoas se chocarem novamente? Ou a geração TikToker nem lembra de Alejandro e Judas, e quem dirá Like a Prayer? Não dá para saber. A verdade é que Lil Nas X além de saber escrever boas canções, é um gênio do marketing. Sua própria carreira surgiu dos memes: ele colocava Old Town Road em vídeos engraçados e espalhava nas redes sociais, e a música estourou após o ‘yeehaw challenge’ no Tico e Teco.

A antecipadíssima MONTERO (Call Me By Your Name) cumpriu totalmente sua promessa. Anunciada meses atrás por Nas e tendo seu lançamento enrolado ao máximo para gerar hype, fez valer a espera. Deixando o clipe de lado, vemos aqui mais uma vez o talento do artista com palavras e melodias, e sua força como cantor negro e gay, uma raridade no pop e mais ainda no rap. Para os que achavam que Old Town Road seria sua coroação como one-hit wonder, MONTERO prova exatamente o contrário. – Jho Brunhara

Clipes

Doja Cat – Streets  

Além da sua recente performance como uma das atrações do Grammy Awards 2021, a rapper norte-americana Doja Cat tem alavancado sua carreira cada vez mais com seus hits de sucesso no TikTok, como é o caso da música Streets, de seu último álbum, Hot Pink. Próximo de sua apresentação em uma das maiores premiações musicais do mundo, a cantora lançou o tão esperado clipe da faixa, depois do hype que a composição recebeu através do ‘silhouette challenge’, que invadiu as redes sociais nos últimos meses, além dos muitos pedidos de seus seguidores.

A nova produção audiovisual da artista inicia com a mesma, como um manequim na vitrine de uma loja em frente a uma rua congestionada, mas que ao decorrer da cena e a forma como o outro personagem a observa muda totalmente o clima da história. A transição de um ritmo instrumental para uma mistura de pop eletrônico e R&B, torna a música, junto a cena, em um ritmo mais sensual e atraente que nos cativa a continuarmos envolvidos pelo encanto de Doja Cat. Esse mais atual lançamento é um presente ao olhos e ouvidos dos amantes de seus trabalhos, além de um mimo para seu aclamado álbum, Hot Pink. – Gabriel Brito de Souza

SZA – Good Days

Lançada no dia de Natal de 2020, aniversário da falecida avó da cantora, Good Days fez muito mais sucesso do que SZA ou sua gravadora inicialmente projetaram. Tanto que o clipe só veio agora, meses depois da chegada da faixa. Cantando sobre as expectativas colocadas em si mesma, a artista é menos pontiaguda do que vimo-nas ser no debut, mas as composições elevam o grau de qualquer inspiração mundana ou simplória.

O clipe, dirigido pela própria, assinando como Solana, mistura o lúdico com a dança. Deslumbrada pelo mundo dos sonhos, SZA se move ao som de seus pensamentos e motivações, ela desliza num pole dance na biblioteca. Explorando cada vez mais sua gama de talentos, a artista finaliza Good Days com um trecho de Shirt, próximo single da era. Anuncia o CD logo, SZA, tem criança doente esperando aqui! – Vitor Evangelista

Miley Cyrus – Angels Like You

Miley Cyrus fez de seu novo clipe um meio para reforçar a mensagem mais importante do momento. O lançamento do mês da artista é o vídeo da graciosa Angels Like You, novo single de seu álbum mais recente, Plastic Hearts. Entre o rock e o country, a música é sua casa perfeita, e Cyrus usa seu espaço para rolar no gramado, expressar a saudade que sente de viver a música ao vivo, enaltecer o trabalho de quem enfrentou a pandemia na linha de frente e reforçar a importância da prevenção à doença e da vacinação.

Co-dirigido pela própria, o vídeo não abusa da sorte em tempos pandêmicos e aproveita as gravações da apresentação que Miley fez no pré-show do SuperBowl 2021 para uma plateia de profissionais da saúde já vacinados contra a covid-19. É claro que o vídeo é pouco para quem já nos entregou obras icônicas como Wrecking Ball, mas, contextualizando a situação atual que é muito mais importante que qualquer capricho, Cyrus acerta em cheio mais uma vez ao honrar os verdadeiros anjos dos últimos doze meses. – Raquel Dutra

Kali Uchis – telepatía

A pandemia limitou os recursos, mas despertou o senso de exploração de novos talentos, e colocou Kali Uchis para dirigir o clipe de telepatía, destaque máximo de Sin Miedo, o álbum em espanhol que saiu meses atrás mas continua fresco e cheio de sensualidade. Com o sucesso da faixa no TikTok, Kali resolveu capitalizar ainda mais em cima da canção, e o resultado final é digno de seus trabalhos anteriores.

Respeitando o núcleo da música (a falta de contato humano) e o isolamento social, a colombiana espreme o suco do desejo sexy, nunca tocando seu objeto de afeto e fantasia. O sentimento é transmitido pelo filtro açucarado do vídeo, pelos takes de Uchis honrando um cabaré latino e pelos próprios figurinos provocantes da cantora. – Vitor Evangelista

Performances

Justin Bieber no Tiny Desk

O que Justin Bieber faz deveria ser crime. É tortura o que se sente ao ouvir os últimos registros sonoros do artista conhecendo seu potencial enquanto musicista. No ao vivo, Justin voa. Interpretação, arranjo, repertório… Tudo se transforma em ouro quando ele se entrega e sente prazer no que está fazendo. Um pouco disso é recuperado em seu álbum recém-lançado, Justice, e tudo é provado em sua apresentação no Tiny Desk, que traz versões ao vivo das principais canções do disco. 

Ele começa brando, com a bateria – sempre um de seus instrumentos favoritos – flutuando no hino de Holy e acompanhando as melodias de sua voz, limpa e equilibrada. Em seguida, somos presenteados com uma versão maravilhosa de Peaches, seu novo single que já se destaca dentre a tracklist do álbum. Na performance, o hit se transforma num R&B delicioso – muito longe do que ele fez em Changes – liderado pelos teclados de Bieber, que ainda protagonizam um jamming com um toque de jazz junto dos outros instrumentos de sua ‘banda incrível’, como ele mesmo elogia.

Uma das melhores faixas de Justice se transforma em algo ainda melhor na versão que ele apresenta no Tiny Desk. Iniciada como um pop acústico, Hold On cresce em direção a um rock perfeito para cantar bem alto num festival de música. O mesmo é com Anyone, que encerra com louvor os melhores 15 minutos de Justin Bieber em anos. Ficamos aqui, esperando que ele encontre o caminho maravilhoso que está bem debaixo de seu nariz e entenda que nasceu para fazer aquilo, exatamente daquele jeito. E boa parte dos mais de 11 mil comentário do vídeo concordam comigo. – Raquel Dutra

Harry Styles no Grammy 2021

Responsável por abrir o Grammy de 2021 com sua voz, Harry Styles performou, novamente, a canção Watermelon Sugar, que mais tarde venceu a categoria de Melhor Performance Solo de Pop na noite. No mínimo peculiar, a apresentação chamou a atenção por ir contra as últimas aparições do cantor. Apresentando uma versão muito mais sensual do single, com pitadas bem dosadas de jazz, Styles conseguiu dar uma cara nova ao hit chiclete.

Se apoiando em uma estética glam rock à la Freddie Mercury, sua roupa de couro e o boá de plumas verdes foram o real destaque. Mesmo com o desgaste que a música de seu mais recente álbum, Fine Line, sofre, é inegável que algo diferente surgiu no palco da premiação. Claro que preferíamos ter escutado outra das inúmeras canções de Styles, mas para não chorar pelo que nunca teremos, é mais vantajoso aproveitar o frescor dessa performance que foi no mínimo icônica.  – Ana Laura Ferreira

DaBaby no Grammy 2021

O rapper que iniciou sua carreira sob o nome de Baby Jesus transformou sua apresentação no Grammy 2021 numa celebração espirituosa. Com direito a coral gospel, instrumentos clássicos e uma cenografia celestial, DaBaby performou ROCKSTAR ao lado de seu colaborador, Roddy Ricch, e com participação especial do veterano do soul Anthony Hamilton, que conduziram a performance quando o artista deixou o microfone no centro do palco para reger seu coro.

A música foi indicada a Melhor Canção de Rap, Gravação do Ano e Melhor Colaboração de Rap, é um dos singles do álbum mais recente do artista, BLAME IT ON BABY, que dentre muitas colaborações com nomes de peso, como Quavo, Future e Ashanti, traz também uma canção em parceria com Artista Revelação do ano, Megan Thee Stallion. Na noite do dia 15 de março, DaBaby não levou nenhum gramofone pra casa, mas deixou sua marca gloriosa no palco mais importante da indústria da música. – Raquel Dutra 

Post Malone no Grammy 2021

Apesar de sair de mais um Grammy Awards com as mãos vazias, Post Malone não deixou de registrar sua evolução musical na premiação. Trazendo uma atmosfera gótica e medieval, que também compõe a estética de seu último álbum, o rapper optou por performar a faixa que também dá nome a ele, Hollywood’s Bleeding. E, que, ironicamente, contém uma letra que denuncia as mazelas do meio artístico, e foi cantada em um dos eventos mais problemáticos da indústria da música. 

Quase isolado no palco, Malone apostou por completo nos seus próprios vocais, beirando à rouquidão. Como apoio, ele contou com um coral ao seu redor, que sustentaram ainda mais o conceito da performance. Ficou faltando apenas emendar com uma entrada de Ozzy Osbourne cantando Take What You Want, para entregar uma apresentação tão memorável quanto sua parceria com o Red Hot Chilli Peppers no Grammy 2019. – Vitória Silva

BTS no Grammy 2021

O sucesso do k-pop chegou até os palcos da mais importante premiação da música. Concorrendo por Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, os astros sul-coreanos, BTS, não levaram nenhum gramofone para casa, mas marcaram a noite com uma apresentação dinâmica e eletrizante, digna de quero mais. Trazendo toda a estética de seu estilo musical, o grupo dançou, cantou e brincou com todo o espaço do evento com o single Dynamite.

A apresentação que começou um tanto simples se tornava, passo a passo, mais complexa e empolgante conforme seus sete membros deslizavam, com toda a propriedade do mundo, pelos quatro cantos da cerimônia. Até mesmo quem não gosta de k-pop tem que admitir estar no mínimo cativado pela performance que uniu o som aveludado da banda à agitação e dinamismo que o Grammy pedia. Encerrando no topo do prédio, com a vista panorâmica de L.A., o BTS provou que mesmo sem seu gramofone eles não estão para brincadeiras e que, em 2022, é bem capaz de os vermos ainda mais na premiação. – Ana Laura Ferreira

Megan Thee Stallion e Cardi B no Grammy 2021

A primeira vez de Megan Thee Stallion no Grammy foi memorável. Transbordando confiança, a artista brilhou em sua performance de Body e do hit premiado como Melhor Canção e Performance de Rap e indicado a Gravação do Ano, Savage Remix. Infelizmente, Beyoncé não nos agraciou com sua participação na apresentação enquanto parceira na canção de Megan, mas o espaço da insubstituível Queen B não ficou no negativo.

A Artista Revelação de 2021 foi acompanhada pela icônica e querida Cardi B, que intervalou a performance da novata com seu single mais recente, Up. Então, as duas se encontraram numa apresentação enérgica e grandiosa de outro sucesso que provocaram juntas nos últimos meses, WAP. O melhor, no entanto, ficou para o final. Cardi e Megan incluíram na canção um sample de funk de Pedro Sampaio e colocaram a cultura popular brasileira para todo o mundo ouvir na premiação mais importante da música. O que dizer sobre isso? Apenas lendárias. – Raquel Dutra

HAIM no Grammy 2021

Os amantes de rock sentiam falta de um poder feminino aos moldes de Stevie Nicks, entregando segurança vocal com ritmo e melodias sonoras mais do que bem construídas, sem precisar apelar para falsetes exagerados. E foi exatamente com isso que HAIM nos presenteou em sua performance no palco do Grammy de 2021. As irmãs se preocuparam mais em entregar um espetáculo sonoro do que um visual, e acertaram em cheio na sua aposta ao cantarem The Steps.

Sem grandes elementos, mudanças de roupas ou cenários monumentais, a banda se destaca por tocar, e trocar, seus instrumentos ao vivo. Mostrando que são mais do que capazes de deixarem sua marca na música, HAIM abriu caminho para novas indicações e apresentações na premiação, exibindo todo o seu talento que merece ser exaltado. Para quem não as conhecia, essa foi a oportunidade perfeita de entrar em contato com seu nível de qualidade extraordinário, e para os fãs devotos, a apresentação mais aqueceu os corações. – Ana Laura Ferreira

Black Pumas no Grammy 2021

Black Pumas explodiu suas cores na noite do Grammy 2021. O duo apresentou seu o soul psicodélico através de Colors, single principal de seu disco homônimo de estreia, junto de uma banda apaixonada e de um backing vocal divino. O centro das atenções, no entanto, não teve como fugir do casamento dos agudos perfeitos do vocalista Eric Burton, com os solos de guitarra de Adrian Quesada. 

Os dois nomes passaram de indicados a Artista Revelação de 2020 para concorrentes a Álbum e Gravação do Ano em 2021 com a versão Deluxe do disco que os revelou no ano passado. Mesmo que este não seja mais uma vez o ano de Black Pumas, a riqueza do som da dupla é um fato, que não deixou nada a desejar em sua performance. – Raquel Dutra

Taylor Swift no Grammy 2021

Trazendo uma floresta mágica para os palcos do Grammy, Taylor Swift nos entregou um compilado de algumas das principais músicas de seus dois últimos álbuns. Sedentos por uma apresentação ao vivo da cantora, fomos agraciados com todo o encanto e beleza do folclore criado por ela. Ao unir o fantasioso à mistura do pop, country e folk, Swift ofereceu um prato cheio de emoções para aqueles que a acompanham há uma década e meia e um convite para quem se aventura agora por sua sonoridade.

O nome da musicista foi marcante em 2020 ao lançar dois álbuns surpresas – folklore e evermore – um documentário pela Netflix e uma apresentação comentada, a the long pond studio sessions, pelo Disney+. Apesar do distanciamento e do recente cancelamento de sua turnê, que seria a primeira a passar pelo Brasil, Swift fez seu ano cheio de altos e trouxe tudo isso para o palco da premiação. Ao lado dos músicos Jack Antonoff e Aaron Dessner, Taylor embalou a noite ao trazer as canções cardigan, august e willow.

Vencendo a categoria de Álbum do Ano por folklore no fim da noite, a cantora mostrou para quem quisesse ver que ela merece o título. Muito mais do que apenas um compilado de músicas bem interpretadas ao vivo, o que Swift fez foi nos imergir em seu mundo fantasioso ao ponto de nos esquecermos de que ela não era a única a performar na noite. Chamativa por sua delicadeza e marcante por sua comoção, Taylor pôde provar, mais uma vez, que ela é a própria indústria da música. – Ana Laura Ferreira

Bruno Mars e Anderson .Paak no Grammy 2021

É difícil resistir aos encantos do som 80s de Bruno Mars e ao charme que essa característica ganhou junto de Anderson .Paak. Sob um fundo estrelado e docemente vestidos em tons caramelo, os artistas flutuaram nas melodias e harmonias de Leave the Door Open, novo single que promoveu o projeto da dupla junto da banda Silk Sonic no Grammy 2021.

Há quem diga que Bruno nasceu para fazer aquilo e que a mudança no estilo de .Paak é um acerto, há também os que se incomodam com a brincadeira de Michael Jackson, e ainda há quem use o exemplo dos músicos para nos relembrar do privilégio dos artistas masculinos. Entre as opiniões divididas, Bruno se sente em casa no passado e Anderson .Paak pareceu amar viajar no tempo junto de Mars no palco da premiação. – Raquel Dutra

Dua Lipa no Grammy 2021

Podemos dizer que estamos acostumados a esperar por performances no mínimo extravagantes quando se trata de Dua Lipa, e no Grammy não seria diferente. Iniciando o espetáculo, que teve a participação de DaBaby com uma versão imponente do single Levitating, a cantora conseguiu nos prender e manteve todos os holofotes sobre si, migrando entre diferentes roupas, cenários e danças. Sempre cheia de brilho, é unânime dizer que essa foi uma das apresentações mais marcantes da noite.

Seguindo para a música que fez dela a estrela de 2020, Don’t Start Now ganhou um suspiro de inovação ao ser mixado em uma nova linha sonora. Puxando influências claras do pop disco da década de 1990, Dua Lipa conseguiu trazer inovação, fanservice e diversão para a noite. Talvez seja sua excentricidade, no melhor sentido da palavra, ou talvez sua dualidade, que migra da delicadeza para a femme fatale, mas seja o que for, é certo que a cantora sabe como elevar os patamares de nossas expectativas e ainda ultrapassá-los. – Ana Laura Ferreira

Bad Bunny e Jhay Cortez no Grammy 2021

¡El mundo es latino! O grandioso Bad Bunny quer passar. Antes de vencer na categoria Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop com YHLQMDLG, Benito nos apresentou a deliciosa DÁKITI, ao lado de Jhay Cortez.

A enérgica performance brilhou a essência da música e o talento da dupla. No final, teve direito até mesmo a uma revelação: o elemento do palco que eles estavam caminhando era um grande olho. Mensagem secreta para o Persona? A gente finge que sim. – Jho Brunhara

Billie Eilish no Grammy 2021

Uma das primeiras performances da premiação foi de everything i wanted, de Billie Eilish, que mais tarde seria coroada com o Grammy de Gravação do Ano. Em um cenário que remete ao videoclipe da faixa, Eilish cantou em cima de um carro que parece estar afundando, tendo como companhia os vocais do seu irmão e fiel escudeiro FINNEAS, que também estava ao teclado. 

Com uma presença de palco diferente do comum, acostumada com performances movimentadas, a cantora não deixou de entregar o ideal para essa que é uma de suas músicas mais profundas. E ainda favoreceu a demonstração do seu controle e potência vocal invejáveis, que vão muito além dos sussurros que muitos costumam debochar. Mais uma prova de que nunca será demais premiar a grandiosidade de Billie Eilish. – Vitória Silva

Doja Cat no Grammy 2021

Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, e isso é fato. Mas isso não desanima as performances, não: no Grammy, Doja mostrou mais uma vez sua capacidade de entregar números de encher os olhos.

Se preparando para começar a nova era do álbum Planet Her, ela já nos deixa ansioso pelos próximos hits que vão suceder Streets. Já Say So, podemos combinar que deu o que tinha que dar. – Jho Brunhara

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Natália Santos, Vitor Evangelista

A sétima arte entrou de luto no fim de março. A cineasta Agnès Varda morreu na noite do dia 28, em consequência de um câncer, aos 90 anos.  Fotógrafa, cineasta, documentarista, e formada em psicologia e literatura, ela é hoje o principal nome a lembrar quando se fala em cinema autoral francês de qualidade, a novelle vague – precursora do movimento e uma das raras figuras femininas a compô-lo.

A diretora de clássicos como Cléo das 5 às 7 (1962) e Os Catadores e eu (1999, um dos seus muitos filmes-ensaios documentários) foi assunto da última edição da nossa newsletter (se não assinou, assine já) e não poderíamos deixar de fora na retomada do cineclube, com os destaques do cinemas brasileiros no último mês.

Sem mais delongas, confira abaixo nossa seleção!

A Cinco Passos de Você (2019, Justin Baldoni)

Longa dirigido por Justin Baldoni é só mais um romance teen que tem o tratamento de doença como o ponto central da trama, mas com um clímax e personagens pouco explorados

A história se concentra no relacionamento de Stella (Haley Lu Richardson) e Will (Cole Sprouse), um casal loucamente apaixonado que possui fibrose cística. Uma das restrições dessa doença é que aos portadores devem manter seis passos de distância de outros pacientes com a doença, evitando o toque, a fim de não agravar o estado clínico com infecções, podendo levar a morte. Sim, eu disse seis passos! Sim, o filme chama ‘a cinco passos’!

O longa não foge da receita de filme teen, mensurando de gota em gota momentos de alegria e de tristeza até atingir os créditos. Até esse ponto, o best-seller de John Green, A Culpa é Das Estrelas, também segue o mesmo formato. Além disso, os dois longas aproveitam a montanha-russa de incertezas que uma doença oferece aos seus pacientes para criarem histórias que são imprevisíveis com momentos pontuais de clímax.

O sucesso adolescente de 2014, protagonizado por Ansel Elgort (Baby Driver)  opta por oferecer algumas certezas aos espectadores, já neste aqui, vemos um conjunto de personagens que ousam mais viver intensamente mesmo com as restrições da doença. Dessa forma, apresenta apenas incertezas durante todo o longa, fato que o transforma no preferidinho e ao mesmo tempo no odiado dos fãs do gênero. – Natália Santos

Dumbo (2019, Tim Burton)

Fora de tom, Dumbo só decepciona

Dumbo nunca foi lá essas coisas. E não seria agora a hora de mudar. Mais um dos live-actions da Disney, a trama circense de abandono e libertação foi adaptada pelo bola-murcha Tim Burton. O cineasta também nunca foi lá essas coisas, mas isso já são outros quinhentos.

Servindo-se da versão original de 1941 como um argumento inicial, o diretor usa das figuras infantis do filme para erguer uma lona enorme, que no fim não se sustenta por nada, caindo por terra antes mesmo de tentar se firmar no solo arenoso dos Estados Unidos pós-Primeira Guerra Mundial.

Danny DeVito e Eva Green fazem o possível para não se soarem caretas demais. Colin Farrell sofre com os clichês de superação. Michael Keaton está péssimo. As crianças, tenebrosas. O único membro do elenco que (quase) fez valer os nove reais do ingresso nem ao menos era real. O elefante de computação gráfica é identificável e consegue maravilhar os olhos em sequências separadas.

Quanto ao plano geral, é melhor ver a Capitã Marvel mais uma vez. – Vitor Evangelista

Outros destaques que passaram pelo site

Nós (2019, Jordan Peele)

Após o sucesso de Get Out, Jordan Peele e a audiência permaneceram em silêncio durante 2 anos na espera de um lampejo em sua mente criativa. Meses atrás, chegaram os pôsteres, trailers e a trilha sonora e junto deles, a expectativa aumentando. E então, a estréia mundial de Us finalmente  aconteceu, quebrando recordes de audiência e novamente reacendeu os debates sobre o gênero do horror no cinema. – Egberto Santana Nunes

Capitã Marvel (2019, Anna Boden, Ryan Fleck)

A Capitã é uma ótima primeira protagonista para as super-heroínas. O filme manteve o ar debochado das histórias em quadrinhos, refinando seu humor sarcástico; nada de piadinhas bobas. A construção da personagem foi esmagando estereótipo a torto e à direito. – Lara Ignezli

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