Como todo 2021 até agora, Maio foi um mês difícil. Dentro de casa, é impossível medir o tamanho da perda que foi o falecimento do brilhante Paulo Gustavo e das tantas vítimas da pandemia, ainda descontrolada no país. Partiu também a atriz Eva Wilma, face marcante da arte nacional, em decorrência de um câncer de ovário. Outra presença marcante e histórica do mês foi o centenário de Ruth de Souza, a primeira brasileira indicada a um prêmio internacional de cinema (Melhor Atriz em Veneza, por Sinhá Moça) e primeira atriz negra a atuar no Theatro Municipal. 

Revelando o caráter frágil da manutenção da Arte no Brasil, a Suíça nos incluiu em um fundo para cineastas de países com democracia ameaçada, lado a lado com Sudão, Ucrânia, Irã, Iraque, Síria e Turquia. Enquanto o Governo tenta liquidar qualquer opinião que não concorde com a sua, o Cineclube Persona de Maio de 2021 segue na cruzada de defender a Arte e suas diversas manifestações. No texto abaixo, a Editoria e seus Colaboradores mergulharam no Cinema e na TV deste que é o último mês de elegibilidade para o Emmy, marcado para acontecer no meio de setembro.

Com fome do prêmio máximo das telinhas, a Netflix apostou em algumas frontes distintas. Halston retomou a parceria do streaming com Ryan Murphy, de praxe dando a Ewan McGregor o flamboyant necessário para elevar o drama histórico que entrelaça fama e Moda. Special finalizou sua sorridente trama, O Método Kominsky fechou as portas sem sua dupla dinâmica completa e Master of None deu um cavalo-de-pau e entregou uma trama diferente e ainda mais madura, com direito a subtítulo chique (Moments in Love) e um foco principal na personagem de Lena Waithe. 

No Amazon Prime Video, Barry Jenkins se dedicou à The Underground Railroad, uma minissérie exorbitante, polida e bem cuidada, encabeçada por uma novata de ouro e um elenco de apoio que sustenta a trama violenta e poética. A HBO apostou em Mare of Easttown, seu programa semanal de domingo, que finalizou sua rodagem no fim do mês. Tem Kate Winslet, Jean Smart e a receita para ficar na boca do povo por um bom tempo. O suprassumo da TV ainda investiu em Oslo, telefilme com o charmoso Andrew Scott, também de olho no Emmy.

A parte 2 da temporada cinco de Lucifer finalmente foi disponibilizada, reafirmando o poder da Netflix em explodir em audiência suas franquias mais famosas. O gênero do true crime encontrou novidades em Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração e The Circle US ganhou uma nova leva de capítulos Castlevania continua impressionando no quarto ciclo, e o Volume 2 de Love, Death + Robots foi menor que o esperado, mas sem perder a acidez característica da antologia. 

Na TV aberta dos Estados Unidos, This Is Us chutou a porta com o gancho que encerrou a quinta temporada, fazendo com que a audiência não pare de pensar em quem vai casar até 2022, data marcada para o retorno do sexto e último ano das crônicas da Família Pearson. Zoey e Sua Fantástica Playlist continua crescendo em audiência e falatório, carregada pelo talento de Jane Levy. O elenco de Friends se reuniu por quase duas horas, chorou o que tinha para chorar e deu adeus, ao lado dos mais diversos convidados, indo de Justin Bieber à BTS (vai entender).

Na parte de filmes, o Amazon Prime Video montou seu time de Vingadores do Rock em What Drives Us e reuniu Manu Gavassi e seus amigos em um drama nacional que transforma a quarentena em personagem principal. Dua Lipa levou a Nostalgia do Futuro para o Globoplay, Gia Coppola platinou o cabelo de Andrew Garfield e Michelle Pfeiffer jurou por Deus que o marido morto reencarnou em seu gato. 

O sucesso do mês foi a Cruella de Emma Stone, espevitada e elétrica, um show de qualidades e de looks icônicos. A Netflix acertou com o dramático Monstro, e errou feio com o Frankenstein A Mulher na Janela (Amy Adams, pisque duas vezes se você não estiver bem, por favor). Na correria de Maio, sobrou tempo para Zack Snyder brincar com zumbis e Angelina Jolie fugir de fogo.

No Brasil, teve produção excelente (Onde Está Meu Coração) e teve o fim do infinito Big Brother Brasil 21. O Persona dá um geral em tudo que teve de mais impactante nos últimos trinta e um dias, revelando os destaques e as bombas, com espaço reservado para o enaltecimento da melhor figura que 2021 nos deu: volte sempre, Gil do Vigor. 

Falecimento de Eva Wilma 

Mês de maio, com todas suas notícias e acontecimentos, me pegou de surpresa numa noite tranquila de sábado. Começou com um tweet, uma frase simples que me disparou o coração e me colocou em estado de alerta: “a Vivinha não, por favor!”. Aquilo me gelou a espinha e me fez revirar a internet atrás de mais informações da minha tão amada e querida Eva Wilma, até que em um post de um ator muito próximo à ela, tive a confirmação, através de uma foto lindíssima dela e Carlos Zara, com uma legenda ainda mais bonita: “agora você irá reencontrar seu grande amor”. Foram minutos de silêncio. 

Vivinha, como a chamavam carinhosamente, grande estrela, grande artista e uma inspiração como mulher, se foi. Fez sua viagem e então apagou-se a luz do palco iluminado de beleza e pura arte que foi sua vida. Tão forte em sua voz dócil, preciosa em suas emoções tão bem expressas em cenas memoráveis, dona de personagens inesquecíveis, reais e relevantes em todas as épocas. Se foi Eva Wilma e sua voz ecoou por todos os cantos, recitando o prólogo de Antígona, de surpresa, na plateia de uma peça de teatro, soando como um anjo de boas novas, trazendo esperança em cada palavra. 

Eva foi uma mulher de muita coragem, de luta e resistência. Nunca se calou perante a repressão e deu voz a personagens que jamais poderiam ser silenciadas. Parte de sua obra em novelas pode ser assistida no Globoplay, enquanto outra parte, sonhamos um dia, termos acesso, pois são papéis primorosos e tocantes do início da década de 70. Deixo aqui duas sugestões especiais para relembrar a atriz: A Indomada, de 1997, com sua inesquecível, maldosa e repugnante Maria Altiva, genial em cada cena que dava vida, e em parceria com grandiosos atores como Claudio Marzo e Eliane Giardini; e Roda de Fogo, de 1986, na pele de Maura Garcez, uma guerrilheira destemida, que lutou contra a ditadura militar e não perdeu suas ganas de justiça. Assim como todos os artistas, Eva Wilma será eterna enquanto sua obra não for esquecida pelas novas gerações. Assistir a essas obras, reverberar suas histórias e transmiti-las aos que virão depois é uma forma de manter viva não apenas a atriz, mas também a grandiosa arte brasileira em sua forma mais memorável e acessível. Viva Eva Wilma, e viva a cultura brasileira. – Marina Ferreira

Falecimento de Paulo Gustavo

A arte de criar felicidade é uma verdadeira bênção que nos traz o alívio necessário para seguir em frente na caminhada implacável da vida. Mas o que fazer quando uma das fontes de alegria é cessada para dar lugar a uma dor sufocante que representa o sofrimento de centenas de milhares de brasileiros nos últimos 15 meses? Essa é a pergunta que nós fazemos depois de sentir o número de 450 mil mortos pela pandemia de coronavírus no Brasil, montante que agora, além de roubar a existência dos nossos familiares e amigos, também sugou para si um dos nomes mais importantes da Arte, do Cinema e do Teatro brasileiro contemporâneo. 

Dona Hermínia, Valdo, Aníbal, e muitos outros personagens marcantes da comédia no Brasil foram embora junto de seu criador Paulo Gustavo, que nos deixou no dia 4 de maio de 2021, exatamente 15 anos depois de subir num palco pela primeira vez para encenar o seu maior sucesso. No início da sua carreira em 2006, estreando o espetáculo Minha Mãe É Uma Peça, ele era um jovem de 27 anos que perseguia o sonho incerto de ser artista no Brasil. Quando sua maior realização foi interrompida pelo agravamento da sua situação de saúde em decorrência da covid-19, Paulo Gustavo já tinha levado mais de dois milhões de pessoas aos teatros, 15 milhões aos cinemas, e mantinha a maior bilheteria da história do cinema brasileiro e a maior arrecadação de um filme de comédia transmitido no país.

Além de movimentar multidões em direção aos cinemas para assistirem suas personagens sempre cativantes e identificáveis explodindo seu talento, o artista também usou sua arte, visibilidade, admiração, popularidade e carinho do público em prol da população LGBTQIA+. Depois de bravamente lutar contra a doença – para qual já existe vacina, vale ressaltar -, resistindo pela vida enquanto internado num leito de UTI desde o dia 13 de março, o artista descansou, deixando sua arte, seu legado, seu público, seu esposo, seus dois filhos e tudo o que ainda existia pela frente. Ao contrário da comédia que protagonizou em sua vida toda, em seu último ato, Paulo Gustavo foi mais um personagem de uma enorme tragédia, representando de uma forma radicalmente triste e revoltosa o assalto ao nosso bem mais valioso que foi exponencialmente tomado de nós no último ano pela pandemia e pelo descaso do (des)governo brasileiro: a vida. – Raquel Dutra

Cinema

A Mulher na Janela (The Woman in the Window, Joe Wright)

Anos depois de sua concepção original, o thriller estrelado por Amy Adams (e último fantasma da Fox 2000 Pictures) chegou para apreciação do público. Amarrotado e socado de última hora no catálogo da Netflix, o filme passou por refilmagens, remendos no roteiro e ainda viu o autor da obra original se envolver em uma polêmica digna da ficção.

O resultado, como esperado, é uma desordem descomunal, um entra-e-sai de atores de alto calibre gritando uns com os outros por mais de duas horas. Nas mãos certas, Amy Adams teria suficiente material para a glória eterna da Academia, mas sob a tutela vergonhosa de Joe Wright, a ruiva cai no abismo do esquecimento.

O sucesso na plataforma de streaming apenas atesta como o público da Netflix não se importa com qualidade na hora de consumir qualquer suspense meia-boca com viradas de roteiro que seriam indignas até para a programação das tardes do SBT. – Vitor Evangelista 

Me sinto bem com você (Matheus Souza)

Como diria aquela canção: “Que amor tão grande tem que ser vivido a todo instante”. Mas o que fazer quando um surpreso isolamento social faz com que estejamos distantes do nosso amor? Ou, ainda, nos obriga a permanecer presos dentro de casa com nosso parceiro enquanto o relacionamento passa por crises? O diretor, roteirista e ator Matheus Souza consegue responder essas perguntas e traduzir todas essas emoções perfeitamente com o novo produto nacional do Amazon Prime Video, Me sinto bem com você. 

De maneira quase teatral, somos apresentados a 5 microcosmos diferentes que se ligam pela paixão, cumplicidade e a loucura de mentes que não aguentam mais ficar em casa. Matheus Souza mostra que o amor em tempos de quarentena pode se desdobrar de diversas formas, seja ele romântico ou não. Não mentiria se dissesse que, em algumas dessas histórias, você sentiria um estalo de “ei, eu já me senti assim antes”. Me sinto bem com você consegue destrinchar todo esse sentimento ora melancólico, ora radiante com naturalidade e isso que o torna extremamente instigante. 

Um elenco de nomes bem conhecidos pelo público, incluindo a cantora e ex-BBB Manu Gavassi (que também faz parte da produção), permite uma narrativa dramática e sensível, mais sobre relações humanas do que sobre os efeitos da pandemia no convívio social. Toda a construção do roteiro possui um tom de aconchego, sem minimizar ou escandalizar um lado ou outro da situação. No final das contas, não é o acolhimento o principal fundamento de um relacionamento saudável? Me sinto bem com você nos mostra cirúrgica, mas gentilmente que sim. – Júlia Paes de Arruda

Aqueles Que Me Desejam a Morte (Those Who Wish Me Dead, Taylor Sheridan)

O retorno de Angelina Jolie ao Cinema de Ação merecia muito mais do que Aqueles Que Me Desejam a Morte pode oferecer. Aqui, a atriz disfarça os anos longe dos serviços de espionagem, planejamento de investigações e rotas de fuga na serena-porém-profundamente-traumatizada Hannah, uma bombeira florestal que tenta se recompor após falhar em uma operação e perder 4 jovens para um incêndio. No processo, cai no colo dela um menino com segredos valiosíssimos perseguido por assassinos, e a heroína engole as mágoas ao mesmo tempo em que enfrenta seus traumas cara-a-cara.

A sinopse engana e o filme não entrega nenhuma jornada profunda sobre superação ou reviravoltas grandiosas como se espera e como ele bem poderia. O roteiro de Michael Koryta, Charles Leavitt e do próprio diretor, Taylor Sheridan, é adaptado de um romance homônimo e trabalha muito bem com diferentes linhas narrativas, surpreendendo ao encontrá-las. Mas não consegue entregar material para que seus atores e suas atrizes (Nicholas Hoult, Tyler Perry, Aidan Gillen e a brilhante Mendina Senghore), decolem das cenas muito bem coreografadas de ação para explorar suas outras dimensões. 

O que também prejudica o filme como um todo, já que seu tema inicial e aparentemente o central não tem resolução ou desenvolvimento, tirando as certezas que tínhamos sobre a trama sem colocar outras no lugar. Algo parecido com o que acontece com a própria Angelina. A veterana já não aparece nas nossas telas tanto quanto antes, e Aqueles Que Me Desejam a Morte parece esquecer completamente que um de seus nomes carrega um dos legados mais relevantes da indústria do Cinema. – Raquel Dutra

Army of the Dead: Invasão em Las Vegas (Army of the Dead, Zack Snyder)

Filmes de zumbi tem um espaço especial no coração do fã de terror, seja por bem ou por mal. Zack Snyder, a fonte dos clamores pelo Snyder Cut, guarda uma coleção de louros em casa por seu Madrugada dos Mortos, uma peça singular de 2004 que caminhou pelos tapetes de Cannes e premiações voltadas para o gênero. Reencontrando suas criaturas, o diretor surge na Netflix com Army of the Dead: Invasão em Las Vegas, que, apesar de contar com inovações pontuais para os mortos-vivos, não entrega absolutamente nada de chamativo para os personagens que ainda respiram.

Escalar Dave Bautista para o papel principal é mais que motivo para duvidar da carga dramática da trama, claro. Mesmo assim, o ator consegue surpreender e ser quase um pedaço de papelão com metralhadoras. A relação paterna que Snyder estabelece entre ele e sua filha é caótica e cansativa, não interessando o suficiente para causar algum pingo de sensibilidade. Inclusive, não é só entre os dois personagens que isso acontece – todas as interações entre o elenco são fracas. A única amizade com potencial é entre Dieter e Vanderohe, mas que não ganha a devida atenção e se perde entre os tiros e socos.

Agora, se tem algo que não podemos negar, é que os zumbis de Zack Snyder são maneiros para caramba. Mergulhando de vez na viagem da coisa, vemos uma relação afetiva entre o Alfa e sua Rainha grávida, uma organização tribal e hierárquica entre os errantes e até – pausa para respirar – um incrível tigre zumbi. Somos praticamente carregados para termos mais simpatia ao reino das criaturas do que a qualquer personagem humano da obra, que perdem todo o charme perto dos gritos revolucionários dos vilões. Zack Snyder, dessa vez, ficou devendo coesão, mas serviu diversão o suficiente para suas duas horas e meia de Army of the Dead. – Caroline Campos

Monstro (Monster, Anthony Mandler)

Todos são inocentes até que se prove ao contrário, é o que garante a lei americana. Mas quando o condenado é um garoto negro de 17 anos, essa ordem é mesmo aplicada? Esse é o questionamento abordado em Monster, longa de drama lançado na Netflix. O filme baseado no livro de Walter Dean Myers, escrito em 1999, nos conduz pelo julgamento de Steve Harmon, adolescente que foi acusado de um crime que alega não ter cometido. 

Estrelado por Kelvin Harrison Jr., a obra conta com grandes nomes: John David Washington, protagonista do aclamado Tenet, e Jennifer Hudson, ganhadora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante em 2007, fazem parte do elenco rico e cheio de boa atuação. Já a produção e direção ficou na mão de Anthony Mandler, profissional por trás de videoclipes de estrelas musicais como Taylor Swift, Rihanna e Beyoncé. 

E o que há de melhor e mais interessante no filme é a narrativa, que coloca o telespectador como juiz do crime. É que a história vai sendo contada aos poucos, intercalando os dias antes do ocorrido com o julgamento, e a verdade do que aconteceu naquela tarde de 12 de setembro só vem à tona nos minutos finais. Cabe a quem estiver assistindo decidir se acredita ou não nas palavras de defesa do protagonista. E se perguntar o que te levaria a acreditar que aquele garoto é, como foi chamado, um monstro. – Mariana Chagas

Cruella (Idem, Craig Gillespie)

A investida mais recente da Disney na passagem de animações para live-action não carece de estilo e visuais, mas perde força na construção de sua protagonista vilanesca. Nela, a vida de jovem Estella (Emma Stone) muda radicalmente depois que um terrível acidente a deixa sozinha nas ruas da Londres dos anos 60, podendo contar apenas com seus dois amigos, Jasper (Joel Fry) e Horace (Paul Walter Hauser) em sua busca de vingança na qual ela assume a temível personalidade de Cruella de Vil.

O prequel de 101 Dálmatas não tem medo de se afastar do material original, tanto no estilo quanto na caracterização de sua personagem titular. Emma Stone dá um show no papel da fashionista enlouquecida, dominando todas as cenas em que aparece. A estética punk rock londrina adotada por ela também ecoa na onerosa trilha sonora, que vem recheada dos grandes clássicos do pop e rock da época: The Doors, Blondie, The Clash e até mesmo Nina Simone fazem aparições memoráveis nessa história de origem.

No entanto, a estrutura do roteiro é bagunçada e pouco ousada, com uma reviravolta óbvia no segundo ato e outra insignificante no terceiro que complicam desnecessariamente as motivações de sua protagonista. O longa entretém, fazendo bom uso de sua estética e suas performances, certamente jogando seguro, mas por fim entregando uma obra sólida e bastante divertida. Porém, surge o questionamento: é possível que um dos maiores conglomerados de mídia do planeta produza uma obra realmente subversiva e rebelde, de espírito genuinamente punk? O tratamento dado a sua figurinista, Jenny Beavan (a grande estrela desse show), nos diz que não. – Gabriel Oliveira F. Arruda

French Exit (Idem, Azazel Jacobs)

O último feito de Michelle Pfeiffer finalmente chegou ao Brasil nos moldes daquelas dramédias charmosas que nos capturam pela abstração que oferecem. O trabalho de French Exit acontece a partir da socialite viúva Frances Price, que torrou a fortuna que recebeu de herança do marido e não vê motivos para continuar a vida sem o luxo que a cerca. Então, ela carrega o filho Malcolm (o indicado ao Oscar Lucas Hedges) para gastar o dinheiro que lhes resta numa temporada em Paris, onde outros personagens excêntricos passam a fazer parte da sua vida. 

A maior graça de French Exit está em suas figuras e nas situações criadas por elas. O destaque, no entanto, vai de fato para Pfeiffer, que se sente completamente à vontade na pele da caótica Frances, e Hedges, que sendo o personagem mais contido, consegue também ser o mais hilário e compreensível do roteiro pitoresco de Patrick deWitt, nascido do romance escrito pelo mesmo. A direção de Azazel Jacobs trabalha com uma história que está em personagens descolados da nossa realidade, então, o nosso lugar é mais de divertir com suas esquisitices do que tomar parte em seus (poucos, porém profundos) sofrimentos. Mais comédia do que drama, quer construção mais bem-vinda? – Raquel Dutra

Oslo (Idem, Bartlett Sher)

Oslo é uma cidade da Noruega que foi palco de uma série de acordos entre  Israel e a Organização para a Libertação da Palestina (OLP). O novo filme da HBO trata o início e as negociações que levaram à assinatura do Acordo de Paz em setembro de 1993. Andrew Scott, com sua expressão facial de afobação, intermedia o contato entre os líderes nacionais. Ao seu lado temos Ruth Wilson, interpretando Mona. Uma mulher centrada, capaz de ganhar a confiança de ambos os lados. O  casal de diplomatas usa de suas conexões pessoais para criarem uma mesa neutra e resolverem o conflito, de mais de quarenta anos, na base do diálogo.

Como todo filme de acontecimentos históricos, assistimos com a nuvem do spoiler pairando sob nossa cabeça. O conflito entre israelenses e palestinos passa por um de seus momentos mais violentos. Pensar nos ataques em Jerusalém e bombardeios em Gaza, que deixaram mais de 200 mortos, nos deixa aflitos com o caminhar do longa. As negociações avançam com dificuldades, mas com a promessa de um consenso final. Pouco sobre a burocracia da documentação é falado, a direção de Bartlett Sher foca na relação de seus personagens, construindo assim o diferencial de Oslo.

É observando os trâmites que vemos a imponência dos Estados Unidos nas discussões. O longa se encerra em sua glória: pelo telefone, ouvimos o choro dos oficiais da OLP, que não imaginavam viver tempo suficiente para aquele momento, esperamos um aperto de mão, mas a História não permite mentir. Antes de subirem os créditos, vemos a reação de extremistas israelenses que se opuseram, julgando como uma ameaça à segurança do país. Oslo é um drama que tenta humanizar seus agentes, e em momento algum pode ser categorizado como um documentário. – Ana Júlia Trevisan

Mainstream (Idem, Gia Coppola)

Sim, esse nome é mesmo familiar. Gia Coppola é neta de Francis Ford, sobrinha de Sofia e agora continua sua jornada como diretora de Cinema. Depois de trabalhar em Palo Alto quase dez anos e se aventurar por clipes musicais, Gia retorna com Mainstream. Depois de ter estreado em Veneza ano passado, a sátira chegou às locadoras digitais em maio.

A trama é doida, relacionando um maltrapilho e seduzente Andrew Garfield, loiro e esbelto, e a cultura do imediatismo online. Coppola escreve o roteiro ao lado de Tom Stuart, a partir de uma ideia dela própria, e orbita o ecossistema inconsistente de Mainstream com um elenco de jovens talentos.

Maya Hawke estende a vibe que emulou em Stranger Things, enquanto Nat Wolff é subaproveitado. A estrela, não tem jeito, é Garfield e seu influencer anti-tecnologia, embriagado pela fama. Falta foco e coesão em Mainstream, mas sobra virilidade e vivacidade. Que Gia continue atrás das câmeras (e que contrate Andrew Garfield em mais tons de loiro no futuro). – Vitor Evangelista

Studio 2054 (Idem, Liz Clare)

“Bem vindos a boate Future Nostalgia” é algo que todos nós gostaríamos de ter ouvido no ano de Dua Lipa. Infelizmente, a concretização do potencial dançante do segundo álbum da artista foi engolido pelo ano pandêmico, mas ela não deixou seu disco ser esquecido pelos clubes de dança. No auge das lives-espanta-tédio-da-pandemia, a princesa disco criou sua experiência virtual construindo sua própria boate com tudo o que imaginou para Future Nostalgia: muitas batidas, luzes neon e coreografias, entregando o que ela ambiciosamente prometeu no início de 2020 agora em Studio 2054..

O filme é o registo do show que Dua Lipa planejou e transmitiu universalmente em novembro do ano passado. Finalmente disponibilizado no Brasil pelo Globoplay, agora podemos assistir também o documentário Por Trás do Studio 2054, que mostra os bastidores da superprodução da artista, também no mesmo streaming. Dentre as participações de Elton John, Angèle, Kylie Minogue e FKA twigs, a vertiginosa tracklist de Future Nostalgia, os sucessos anteriores de Dua e recordes de vendas, o show faz jus ao sucesso estrondoso da artista – e também demonstra a razão do apelido que surgiu para ela nos últimos meses. – Raquel Dutra

What Drives Us (Idem, Dave Grohl)

Dave Grohl resolveu fuxicar a lista de contatos do celular e selecionou um elenco de peso e muito som para compor seu mais novo documentário, What Drives Us. Pegando, literalmente, carona em Nomadland, o líder do Foo Fighters dedica os 88 minutos de tela no Amazon Prime Video para saudar as rodas que movimentaram as turnês explosivas de grandes bandas da história da Música. Todos os entrevistados confidenciam experiências similares, se unindo em torno do amor pelo rock e sendo guiados em conversas sensíveis com Grohl, que enlaça os relatos com intimidade, simpatia e um entendimento único do assunto.

Assim, podemos sentar em círculo e bater um papo com estrelas como Brian Johnson, Ringo Starr, Slash, Duff McKagan, Flea, The Edge, D.H. Peligro, Kira Roessler, St. Vincent, os meninos do Radkey, Steven Tyler e nomes ainda mais variados que reforçam o ponto de seu diretor: o rock não morreu, ele foi se transmutando. Não há espaço para saudosismo barato – mesmo que Flea ganhe um tempinho em cena para bater nessa tecla -, nem para roqueiros que se acham a última pedra preciosa dos anos 90. Nova e velha geração se unem para discorrer a ligação poderosa com os palcos, as situações inusitadas que dois meses em um carro com um bando de desconhecidos podem gerar e a relação tumultuada com a estrada.

Juntando tantas pessoas, era inevitável que alguns fossem apagados da narrativa e fizessem apenas pequenas pontas, mas o carinho de Dave Grohl por aqueles músicos é o que o firma como o condutor desse ônibus de loucos viajantes. O artista, inclusive, comprou novamente a primeira van em que entrou em turnê com o Foo Fighters, deixando aquele gostinho de nostalgia na boca do espectador – que também é forçado a assistir momentos de shows espetaculares e lembrar que ainda vive no Brasil e tais apresentações estão longe de voltarem a acontecer. What Drives Us é como o próprio Dave descreve: “uma carta de amor a cada músico que já entrou em uma velha van com seus amigos e deixou tudo para trás pela simples recompensa de tocar música”. – Caroline Campos

TV

Big Brother Brasil 21 (Rede Globo)

O Big dos Bigs! Desde seu início, essa foi a promessa da edição de 2021 do reality show mais comentado do Brasil. Aos modos do ano anterior, o Big Brother trouxe seu elenco diverso, misturando camarotes e pipocas na casa mais vigiada. Manu Gavassi – em 2020 – fez o programa parecer fácil ao lado da fama, assim, abrindo portas para que nomes como Karol Conká, Projota e Fiuk topassem os cem dias de desafio. A edição com mais jogadores negros da história eliminou seus participantes escurraçados com recordes de rejeição e consagrou vitoriosa a advogada branca.

De entretenimento a terror psicológico, o BBB 21 foi recheado de polêmicas, surpresas e desgostos. Lumena, que era uma das favoritas do Twitter, se envolveu com o lado errado da Força. Projota, que foi a grande surpresa das chamadas, logo conquistou o público com seu jeitinho fofoqueiro, mas foi questão de tempo para ele se enterrar no próprio jogo. Viih Tube, que já entrou cancelada, foi longe na casa graças a sua manipulação. Gilberto, que era apenas um pipoca, dominou o Brasiiiiil com sua cachorrada. 

Contra a tortura da Mamacita Jaque Patombá, o G3 parecia ser a única solução. Sarah foi nossa espiã favorita, mas entregou o 1,5 milhão ao se declarar Miss Cloroquina e buscar apoio na bancada ruralista. Após o primeiro beijo entre dois homens na história do Big Brother, Lucas Koka desistiu do programa e assim iniciou a nova temporada no reality show. Foi nessa época que Juliette se tornou a namoradinha do Brasil. Conquistando uma avalanche de seguidores e criando uma milícia virtual de cactos, ficou claro que ela sairia milionária. – Ana Júlia Trevisan

A vitória de Juliette Freire (BBB 21, Rede Globo)

A revelação do nome da campeã do Big Brother Brasil 21 não foi uma surpresa para ninguém. Desde que entrou pela porta da casa mais vigiada do Brasil, Juliette Freire não saiu da boca do público, nem dos dedos de quem comentava o reality nas redes sociais. No início, por sua aparente tentativa em engatar um casal com o Fiuk; depois, por ser excluída da casa em função de pessoas arrogantes que se recusavam a entendê-la; mais tarde, por integrar o G4 (formado também por Gil, Sarah e Lucas), e por aí vai. 

A narrativa da paraibana dentro do jogo se assemelhava muito com outras histórias já observadas em edições anteriores. Como, por exemplo, a de Marcela Mc Gowan, do BBB 20, a rainha das fadas sensatas, que iniciou a marcante revolta das mulheres da casa contra os homens, buscando, por muito tempo, que as pessoas da casa ouvissem a sua verdade. Uma das grandes favoritas no início a levar o prêmio, mas que acabou se perdendo (e também se revelando) com suas alianças dentro da casa. No entanto, Juliette ainda conseguiu se diferenciar de tudo isso, por ter sustentado um único aspecto durante toda a sua jornada: a honestidade. Mesmo sendo criticada e tendo seus defeitos apontados por seus colegas a todo momento, a maquiadora nunca deixou de manter sua essência, de honrar suas raízes, ser fiel a seus aliados e de cumprir com aquilo que acreditava. Poderia ter tentado se favorecer no jogo de diversas formas, comprando brigas e afins, mas assumiu sempre a postura de dialogar e mostrar seus posicionamentos, por mais excessivos que fossem às vezes. 

Por esses e outros motivos, a vitória do BBB 21 não poderia ter sido de outra pessoa, sendo justo perder apenas para Gil do Vigor, que fez história no programa e continua escrevendo-a aqui fora. Juliette foi um fenômeno desde o primeiro minuto, fato que se reflete na onda crescente de seguidores em suas redes sociais. Essa conquista também teve grande apoio da equipe de marketing que ela contava (sem nem saber), mas não teria sido suficiente sem a sua honestidade dentro da casa, fosse assim Manu Gavassi teria levado o primeiro lugar do BBB anterior sem nem titubear. Entre seus erros e acertos, a paraibana trouxe uma força necessária em meio a pessoas que precisavam olhar para além do seu próprio umbigo e parar de se escorar em alternativas convenientes. E, dessa forma, construiu um lindo caminho de excluída do jogo para campeã. Agora, ela, de fato, nunca mais vai se sentir sozinha. – Vitória Silva

O 4º lugar de Gilberto Nogueira (BBB 21, Rede Globo)

“Quanto vale entrar para a história? Quanto vale não ser esquecido jamais?” Questionou Tiago Leifert na noite mais triste do BBB 21: a eliminação de Gil. O próprio apresentador adiantou antes de revelar o resultado do último paredão da edição: “quando eu der o resultado, alguém lá fora vai achar muito, muito, muito injusto”, enquanto o eliminado da vez segurava as mãos da libriana nascida sob o Sol da justiça Camilla de Lucas, que por sua vez, entrelaçava os dedos com a advogada-campeã Juliette. Mas para o maior sensitivo e conspirador da edição, o resultado logo ficou claro, e auxiliado pelo discurso elogioso de Leifert, Gil do Vigor soube que, pela primeira vez, seus sonhos premonitórios sobre seus paredões estavam corretos e caiu num choro emocionado. Porque como o apresentador pontuou, pensando em sua história dentro e fora do reality, ele “ganhou seu prêmio”. 

Gilberto Nogueira foi quem viveu e se entregou de corpo e alma aqueles 100 dias junto do Brasil. A maior graça de ligar na Globo todos os dias por volta das 22h30 era assistir o respeito que o maior fã de BBB que já se viu conservava pelo público e pela oportunidade que lhe havia sido concedida. Num momento tão difícil e dolorido para o povo brasileiro, acompanhar Gil através da TV era, como ele mesmo fazia questão de definir, participar da realização de um sonho e a consumação de um processo lindo e dolorido de libertação e aceitação. Para nós, os espectadores, estar junto de Gil foi vislumbrar uma vibração que há tempos não acompanhamos de perto e enxergar a dor e a delícia de alguém corajoso o suficiente para assumir sua própria existência diante de todo o Brasil em toda a sua completude: nos surtos, erros, arrependimentos e celebrações. 

A saída precoce e a impossibilidade de viver a tão merecida final do programa não apagaram seu brilho. Ao fim da noite do dia 2 de maio, Gil do Vigor era o protagonista das redes sociais, da programação da Globo e dos níveis de audiência da emissora. Desde então, segue um sucesso graças ao carinho que o público construiu pela sua autenticidade: de participante homem mais seguido da história do BBB, a aluno de pós-doutorado no exterior e expoente de mudança no tratamento que instituições religiosas reservam às pessoas LGBTQIA+, a existência de Gil do Vigor é muito maior do que a grandiosidade que ele trouxe para o programa que o revelou. – Raquel Dutra

Friends: The Reunion (Episódio Especial, HBO Max)

Friends é a grande série do século XX. Uma reunião, um revival, uma migalha dos astros para os fãs foi adiada por quase duas décadas desde que Monica e Chandler se despediram da moldura da porta e seguiram com suas vidas, longe do Central Perk mas perto dos amigos que tornaram-se família. Após os atrasos causados pela pandemia, o Especial de Friends chegou à plataforma da HBO Max, unindo a nostalgia, a homenagem e a publicidade massiva em quase duas horas de rodagem. 

De fato, Friends: The Reunion tem um pouco de tudo: entre o esperado reencontro frente às câmeras no antigo cenário, passando por uma entrevista no sofá laranja e uma porrada de esquetes e entrevistas de famosos e anônimos, o diretor Ben Winston não tinha escolha se não condensar o máximo possível naquele momento que, como tudo indica, deve ser o primeiro e último que ressuscite a aura de Friends. Todavia, não há qualquer problematização ou ponto que leve a discussões sobre representatividade ou preconceitos dos anos 90, tornando a experiência de ‘reviver’ Friends por um dia apenas como um fator de extravaso e não de crescimento. 

A sinceridade dos abraços e do choro cria a sensação de familiaridade e de amor, afinal, estamos cara-a-cara com as versões envelhecidas desses ícones da comédia, arquétipos do que significava ser adulto naquela época, que conseguiram traduzir para muita gente os percalços de ser solteiro e desempregado mas acompanhado, nunca abandonado. Se focasse apenas nisso, The Reunion concentraria o que de melhor Friends nos entregou por 10 temporadas: o riso fácil. As diversas intromissões de celebridades, como BTS e até Malala Yousafzai, quebram o clima e o ritmo, sem contar o carisma negativo de James Corden conduzindo a entrevista na fonte. No geral, o quase-filme é um torrencial de lágrimas por uma hora e quarenta e três minutos, mas poderia ser muito mais. Fica a felicidade de ter tido a chance de apreciar esse alinhamento das estrelas, mas, vinte e sete anos e um Reunion depois, já podemos parar de falar sobre Friends. – Vitor Evangelista 

The Circle US (2ª temporada, Netflix)

Em tempos de Big Brother reinando na televisão brasileira, precisamos valorizar o reality show da Netflix. The Circle consegue, diferentemente do famoso programa da Rede Globo desde 2001, representar a sociedade da década de 2020. Não só pelas redes sociais totalmente construtora das nossas vidas atuais, mas também por mostrar como construímos relações no último ano apenas através de uma tela. 

A segunda temporada, então, veio para mostrar um novo cenário da rede social ‘Circle’. Enquanto a estreia do reality show mostrou mais como se escondemos atrás de uma tela e isso nos afeta, River, Emily, Lance Bass (sim, do *NSYNC) e o grande vencedor, ou melhor vencedora, Trevor mostraram como um catfish pode ser seu maior aliado. Não porque você não queira evidenciar quem você realmente é, como anteriormente, mas sim porque é ele quem traz a melhor de suas qualidades. 

River, assim, é o personagem que mais representou isso dentro do reality, se tornando quase como a personificação da mensagem dessa temporada. O escritor gay Lee conseguiu viver através da imagem do jovem amigo, aquilo que a sociedade norte-americana não o deixou viver durante sua juventude devido aos preconceitos. Mas, ainda assim, The Circle mostrou como pessoas verdadeiras, ingênuas e totalmente abertas, como Chloe, Courtney e Mitchell, podem ser o melhor de si mesmas. – Larissa Vieira

Mare of Easttown (Minissérie, HBO)

Que delícia é poder acompanhar um drama investigativo original, bem atuado e com total ciência de onde quer chegar e como fazê-lo. Se em teoria Mare of Easttown cumpre todos os requisitos para ser considerado um baita ‘programa de domingo’, na prática a coisa se eleva. Kate Winslet encarna um sotaque estadunidense da Pensilvânia, protagonizando o melhor papel de sua carreira. Sua detetive Mare é astuta, brutamontes, sensível e adoidada, tudo na mesma faceta, que a inglesa domina com astúcia. Ela viaja entre os humores da personagem com a facilidade que lhe garante elogios desde Titanic até o recente Steve Jobs, que voltou a indicá-la ao Oscar, e Mildred Pierce, quando ganhou seu primeiro Emmy. 

Mas Winslet não está sozinha. Nessa cruzada sentimental e arisca de 7 longos capítulos, Jean Smart faz a contraparte ideal para que a sisuda Mare soe, de fato, real. Interpretando a mãe da protagonista, Smart é um deleite que só, com deixas até para comédia física, veja só. Evan Peters vive um detetive adulto e maduro na superfície, mas com suficiente espaço para desconstrução, longe dos arquétipos preguiçosos em que Ryan Murphy o prende por quase uma década. Ainda brilham Guy Pearce, charmoso e gostosão, Angourie Rice, em uma louvável representatividade queer que foge de qualquer facilitação narrativa e David Denman, ator conhecido pelo papel de noivo da Pam em The Office, e que agora tem a oportunidade de, finalmente, não dar vida a um babaca ficcional.

Ao passo que as investigações progridem e a criação de Brad Ingelsby afunila a narrativa escrita pelo próprio, Julianne Nicholson se arrasta em cena, clamando para si a atenção que a resiliente Lori é obrigada a vestir. Mare of Easttown é tudo isso e muito mais pela direção precisa e nada oscilante de Craig Zobel, mestre em criar tensão e moldá-la de acordo com as expectativas de quem sintonizou na HBO pelos últimos sete domingos. Kate Winslet se recusou usar maquiagem, foi contra a edição que queria esconder sua barriga numa cena de sexo e bateu o pé quanto aos retoques no pôster: ela queria verdade e honestidade (e, ao fim do choroso Sacrament, percebemos que ela conseguiu). Unindo drama familiar de cidade pequena, crimes não-resolvidos e um elenco que é sinônimo de aclamação e bom trabalho, Mare of Easttown é a melhor minissérie de 2021. – Vitor Evangelista

Zoey e Sua Fantástica Playlist (Zoey’s Extraordinary Playlist, 2ª temporada, NBC)

Pode-se dizer que a segunda temporada de Zoey e Sua Fantástica Playlist era o que estávamos precisando para uma época tão turbulenta: um show que aquece o coração. Uma mistura de comédia, drama, números musicais de alta qualidade, novos personagens, participações especiais, uma história mais desenvolvida do que em sua primeira temporada, muito romance e uma escolha de repertório, como afirma o próprio título, fantástica. Se você está precisando de uma série para mexer com seu psicológico ao som de boas músicas, essa é a sua oportunidade.

Com apenas 13 episódios, a aposta musical da NBC em sua segunda parte possui um enfoque maior na vida pessoal, profissional e amorosa da protagonista. Acompanhamos Zoey em uma nova fase: a luta em continuar a viver depois de uma grande perda e a de entender que relacionamentos amorosos nem sempre são fáceis, mas que no fim, eles sempre valem a pena. Se você leu essas últimas linhas e pensou “será que eles finalmente vão revelar com quem a ruiva termina?”, fico feliz em lhe dizer que a resposta é sim, e sinceramente, não tinha como ser outro final.

Outro ponto positivo de Zoey são os personagens. Apesar de nos despedirmos de alguns, também temos a sorte de conhecer alguns novos, como o lindo vizinho australiano Aiden (Felix Mallard), Rose (Katie Findlay), amiga de infância de Max, o bombeiro e namorado de Mo, Perry (David St. Louis) e os novos funcionários da SPQR POINT: Mckenzie (Morgan Taylor Campbell) e George (Harvey Guillén). Zoey e Sua Fantástica Playlist é uma lição de empatia, respeito e muita qualidade vocal, com destaque a Mo (Alex Newell), que deu show de apresentação musical em todos os episódios. Em resumo, a nova aposta da NBC mais uma vez nos mostrou que veio para ficar. – Milena Pessi

A fórmula parece ser simples: amor + morte + robôs = sucesso! Mas, como todo elemento secreto, ele nunca é revelado – pelo menos não até agora. Uma pitada de animações que nos fazem perguntar “aquilo é uma pessoa de verdade ou apenas CGI?” é o que torna Love, Death + Robots único no vasto catálogo de séries da Netflix. A segunda temporada, lançada no dia 14 de maio, veio para matar a ansiedade dos fãs que esperavam há mais de 2 anos por uma continuação.

Infelizmente, nem mesmo os mais saudosistas podem admitir que esse Volume 2 foi um sucesso. A decepção vem logo de cara quando vemos míseros oito episódios em comparação com os 18 anteriores. Ainda por cima, o telespectador não fica com a sensação de dever cumprido após o término, visto que não existe aquele episódio, marcante o suficiente como a temporada anterior se especializou. O mais próximo que chegamos de um Zima Blue é uma analogia humanizada em O Gigante Acordado.

Independente dos erros, ainda assim Love, Death + Robots merece muitos elogios. Os gráficos e visuais singulares que cada episódio opta por adotar, a história mirabolante, a trama violenta ou sensível, todos esses são fatores que fazem o espectador assistir cada minuto sem pensar duas vezes, nos mantendo fantasiosos no universo ficcional que cada equipe desenvolve com maestria. A naturalidade que cria a humanidade em robôs é o resultado mágico que apenas essa série consegue formular. – Vitor Tenca

Castlevania (4ª temporada, Netflix)

Sangue e ação. Essas com certeza são as duas palavras que definem o desfecho de Castlevania. Não que os dois substantivos não estivessem presentes nas outras temporadas. Eu diria até que são características esperadas de uma animação sobre vampiros, baseada em um jogo de videogame focado em combate. E porque não abusar de algo que o estúdio Powerhouse Animation faz tão bem? De fato, há alguns deslizes quanto ao detalhamento dos personagens em alguns takes mais ativos, mas a alta qualidade de todo o restante, torna isso irrelevante. As cenas de ação dispensam comentários porque te deixam sem palavras, mas ainda assim, aqui vão mais alguns elogios: as trocas de soco, magia e cortes de espada são muito bem coreografadas, os ângulos pelos quais acompanhamos a luta são espetaculares e imersivos, e a movimentação fluida da animação só nos prende mais à tela. 

Entretanto, é preciso dizer que, às vezes, as cenas de luta cansam um pouco. Mesmo que todas funcionem como um caminho para algum desfecho importante, há momentos em que você só se encontra tão ansioso para mais desenrolares da história que a ação parece um empecilho. O que não a desqualifica, apenas contribui como mais um elogio à história. História essa que, por mais que te deixe de boca aberta por vários minutos depois do plot twist ou te faça chorar com as cenas dramáticas, não é perfeita. A gente chega de uma terceira temporada que construiu ansiedade para o que a corte da Carmilla – com suas cinco rainhas inteligentes e astutas – faria com a humanidade. Mas encontra, já nos primeiros episódios, o declínio do arco. E o mesmo acontece com Isaac, destaque em reflexões e cenas da temporada passada, que nem aparece nos capítulos finais.

Castlevania é uma narrativa riquíssima na construção dos seus personagens onde todos têm sua dose de profundidade. E depois da emoção de terminar logo a temporada, o que fica é uma melancolia por perceber que muitos finais poderiam ter sido melhor trabalhados antes de ganhar um ponto que soou rápido e fácil. Isso me faz adicionar outra expressão à dupla inicial: Sangue, ação e quebra de expectativa. Sim, eu esperava desfechos mais grandiosos à simplicidade que foi entregue a alguns. Mas no fim, é um acalanto ver uma história tão embebida em poder e ambição, com personagens intrigantes, cruéis e traidores que te fazem torcer por seus planos terríveis, terminar com calma, perdão, diálogos amorosos e segundas chances merecidas, até mesmo aos vilões. – Lorrana Marino

Halston (Minissérie, Netflix)

Ame-as ou odeie-as, as criações de Ryan Murphy sempre chegam fazendo barulho na televisão. A mais recente é em dose dupla: além da assinatura do produtor, Halston se insere num cenário naturalmente polêmico na história da moda norte-americana ao trazer a história de Roy Halston, um dos estilistas mais influentes dos Estados Unidos da década de 70. Na tela ficcional da Netflix, ele é vivido brilhantemente pelo camaleão Ewan McGregor, que passa pela ascensão de uma infância difícil para se transformar num designer conceituado, antes de assistir a diluição de seu império, a perdição de seu próprio nome e a tragédia de sua morte precoce. 

Baseada no livro Simply Halston, de Steven Gaine, a minissérie flui das mãos de Sharr White (Genera+ion), ganha graça com Rebecca Dayan na pele da top model e designer de joias Elsa Peretti, e com Krysta Rodriguez e sua radiante Liza Minnelli. O drama nasce da personalidade instável e geniosa de Halston, que também encara vícios em drogas e um romance desequilibrado com Victor Hugo, interpretado por Gian Franco Rodriguez. Halston também ganha riqueza com a fotografia, que explora os cenários nova-iorquinos, as cores setentistas e luxuosas do lifestyle dos personagens, e com a trilha, que se joga nas pistas de dança de 1970.

Em cinco episódios estilosos repletos de altos e baixos narrativos e criativos, a produção guarda seu ápice no trabalho admirável de Ewan McGregor, que nos fazer esquecer que o ator um dia viveu a serenidade de Obi-Wan Kenobi em Star Wars antes de trazer vida à personalidade de Roy Halston. Quanto ao desempenho de Ryan Murphy, que ultimamente vem sendo questionado, Halston talvez não seja capaz de agradar completamente a crítica. Mas o carisma de seu elenco e a beleza de suas construções técnicas pode entreter muito bem o público, e de quebra, iluminar a importância do estilista costumeiramente apagada da história da moda estadunidense. – Raquel Dutra

This Is Us (5ª temporada, NBC) 

Caminhando para sua última temporada, This Is Us viveu um ano conturbado; não só dentro da série, mas também na produção, que foi por algumas vezes adiada por conta da pandemia e encurtada, para evitar mais atrasos. Porém, além de se reinventarem por trás das câmeras, os Pearson tiveram que incluir máscaras, vacinas e a falta de contato da família para o enredo. 

A 5ª temporada, então, caminhou, em grande parte, a partir da história do primeiro irmão, Kevin (Justin Hartley). O plot final do ano anterior trouxe um grande sonho do famoso ator de Hollywood, se tornar pai. Mas, o início do relacionamento com Madison (Caitlin Thompson) trouxe a tona umas das maiores características do primogênito: a inconsistência e a impulsividade; o astro deixou seu grande filme para acompanhar o nascimento de seus filhos, além disso, uma pequena ligação de sua namorada de infância fez com que ele reconsiderasse o casamento com a mulher que ele admira a família que construíram.

Além do primogênito, então, This Is Us entregou as respostas que faltavam para Randall entender sua origem. Não só suas raízes genealógicas, mas trouxe o seu entendimento sobre o racismo que viveu dentro da própria adorável família Pearson. Dentro de seu enredo, ainda, Tess (Eris Baker) viveu momentos conturbados em sua adolescência, ao conhecer seu parceiro não-binário Alex (Presley Alexander). Por fim, a temporada trouxe o maior choque para o relacionamento da irmã Pearson, Kate (Chrissy Metz), que nos últimos minutos do último episódio traz uma reviravolta enorme para sua vida consistente e perfeita com Toby (Chris Sullivan), deixando, assim, os fãs ansiosos para o que está por vir no futuro do último ano de This Is Us. – Larissa Vieira 

Special (2ª temporada, Netflix)

A preciosa Special foi lançada em 2019, apostando em episódios curtíssimos e que ficcionalizavam a vida de seu criador, Ryan O’Connell, um homem gay com paralisia cerebral. A produção usava dessa representatividade muito bem-vinda para colocar na mídia pessoas com deficiência, seus amores, temores e suas rotinas, tirando o estigma preconceituoso que ronda essa comunidade no Cinema e na TV.

Para o segundo, e infelizmente último, ano da comédia, O’Connell consegue dobra a duração de seus capítulos, inserindo doses cavalares de humor e drama nas vivências de toda essa galera. Partindo das incertezas e das aventuras do protagonista, que divide o nome com o criador, até a amiga Kim (papel da hilária Punam Patel) e a doce mãe Karen, que encontra na atuação de Jessica Hecht sensibilidade e emoção. É uma pena que esse seja o fim prematuro de uma série, perdão o trocadilho, tão especial. – Vitor Evangelista

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração (The Sons of Sam: A Descent Into Darkness, Minissérie, Netflix)

Entre 1976 e 1977, seis pessoas foram mortas e sete ficaram feridas em atentados a tiros de calibre .44 pelos bairros da cidade de Nova Iorque. A população ficou apavorada enquanto a polícia seguia para múltiplos becos sem saída na busca pelo assassino, que se comunicou com as autoridades e com a imprensa para se batizar de Filho de Sam. Foi através de uma multa de trânsito que, finalmente, chegaram em um nome: David Berkowitz, um jovem carteiro, ex-militar e vizinho amigável. Os gritos exigiam sangue, vingança e justiça para um dos mais notórios serial killers dos Estados Unidos, que, por sua vez, insistia na história de que uma entidade de seis mil anos possuiu o cachorro do seu vizinho e o obrigou a matar. Berkowitz foi preso, sentenciado à prisão perpétua, os agentes da polícia foram condecorados e a cidade dormia em paz. Viva! Bem… isso até ouvirem de Maury Terry.

Os Filhos de Sam: Loucura e Conspiração foi a nova aposta de true crime da Netflix para destrinchar não a história de David, mas, justamente, a investigação do jornalista Maury Terry na tentativa de provar que o carteiro não agiu sozinho. De início, os mais céticos não caem no papo de teoria da conspiração envolvendo cultos satânicos que a produção de Joshua Zeman tenta reforçar. No entanto, o trabalho de recuperação de documentos da minissérie e o esforço em reviver a pesquisa de Terry não deixam dúvidas: o Filho era, na verdade, Filhos. Terry se aprofundou no assunto; escreveu o livro The Ultimate Evil, que ligava a cientologia, a igreja O Processo, David Berkowitz e até Charles Manson em uma única rede satânica responsável por todos os assassinatos – e tudo isso é provado em tela, por vídeos, entrevistas, documentos e declarações.

Maury Terry, que ganhou uma narração em off de suas anotações por Paul Giamatti, dedicou a vida para convencer a justiça a reabrir o caso de Berkowitz e procurar pelos outros suspeitos. No caminho, o jornalista contou com a ajuda de policiais, vítimas, testemunhas e entrevistou duas vezes o assassino, que confirmou todas as suas teorias. Surpreendentemente, somos convencidos. As provas estavam lá. Joshua nos mostra todas as conexões, ignoradas na época pelo jogo político. Maury pode ter perdido a mão no processo, mas, no fim das contas, estava certo. E ganhou uma minissérie para reforçar seu legado. – Caroline Campos

Lucifer (Parte 2 da 5ª temporada, Netflix)

Por vezes profunda, outras vezes caricata, Lucifer é um dos maiores sucessos dos últimos anos na Netflix. Em maio, a adaptação televisiva do famoso anjo caído de Neil Gailman retornou para seu quinto ano na plataforma. Entre guerras celestiais, investigações policiais e brigas familiares, Lucifer repete a fórmula corriqueira de dramas procedurais sem deixar de divertir com sua própria irreverência. 

Com a premissa da batalha pelo posto de Deus, que está se aposentando, a temporada se desenrola em conflitos eletrizantes e antagonismos previsíveis. Mesmo que a narrativa de irmão gêmeo do mal esteja extremamente saturada em Hollywood, Tom Ellis impressiona com sua construção de maneirismos e particularidades dos irmãos Lúcifer e Michael. Quem também chama a atenção é o estreante Dennis Haysbert, que se equilibra entre a rigidez e a benevolência em sua caracterização de Deus. Haysbert humaniza o Todo-Poderoso de forma extraordinária, ao mesmo tempo que eleva o personagem a seu próprio patamar. 

A série emociona na dualidade ríspida de Lúcifer e Deus e no romance afeito do diabo com a detetive Decker, enquanto passeia por enredos novelescos e fillers monótonos. Não é perfeita, e nem tenta ser: mais que um guilty pleasure, Lucifer é a prova que nem todo programa precisa de muito para funcionar. Com apenas oito episódios, a segunda parte da 5ª temporada entretém sem exagerar e ainda deixa o gostinho de quero mais. – Laís David

Onde Está Meu Coração (1ª temporada, Globoplay)

Desde o seu lançamento, o Globoplay vem investindo cada vez mais em produções originais. O nome da vez é Onde Está Meu Coração, de George Moura e Sergio Goldenberg. Protagonizada por Letícia Colin, a série retrata a história da médica Amanda, pertencente a uma família de classe média alta, e que se vicia em crack. Com o objetivo de trazer uma narrativa sobre a dependência dessa droga em uma camada da sociedade diferente da que estamos acostumados a observar, a obra acompanha o vício da doutora e todas as complicações que isso traz para a sua vida pessoal e a de seus familiares. 

Além de contar com a direção impecável de Luísa Lima, com supervisão de José Luiz Villamarim, dono de obras como Amor de Mãe, Onde Está Meu Coração carrega um elenco de peso. Fábio Assunção interpreta o pai de Amanda, David, que também é um ex-alcoólatra. A história de seu personagem se encontra com sua vida pessoal em alguns aspectos, em que já passou por tratamento em função da dependência química, e isso se reflete na sua forte atuação, ao ver sua filha da ficção ser levada por um  caminho semelhante. A atriz Mariana Lima, que interpreta sua esposa, também carrega um histórico de uso de drogas na vida real, e entrega tudo no desespero de uma mãe em salvar sua filha a qualquer custo. 

Mesmo com algumas escolhas narrativas que desprezam um pouco o arco de personagens secundários, a série faz jus a história recorrente de diversas famílias que são atingidas e destruídas pela dependência química, sem exagerar na dose dramática. Letícia Colin atravessa todos os estágios da dependência e da árdua recuperação de forma avassaladora e necessária. A potência de Onde Está Meu Coração se fortalece com sua trilha sonora, composta por nomes como Frank Sinatra, Gal Costa e Nick Cave & The Bad Seeds. – Vitória Silva

O Método Kominsky (The Kominsky Method, 3ª temporada, Netflix)

A terceira e última temporada de O Método Kominsky já se inicia em tom de despedida. Alan Arkin, intérprete do velho e sarcástico amigo de Sandy Kominsky, não retornou à série, fazendo com que a personagem tivesse o caminho mais óbvio dentro do roteiro e do encaminhamento da produção. A família que ele deixou foi um apêndice inflamado, terminando sem final. A sitcom que acompanha um preparador de atores já em sua melhor idade, mistura tragédia e comédia para fazer suas abordagens. Em relação aos atores, Emily Osment volta para mais um ano de figuração de luxo. Já Nancy Travis faz falta durante os seis episódios.

Com o protagonista lidando com o luto, temos uma temporada bem menos pautada na comédia. A graça perde espaço para a dor, que se faz mais presente a cada episódio. A linha tênue entre a vida e a morte não leva o telespectador às lágrimas, mas causa um comovente desconforto. Com a participação mais recorrente da ex-esposa de Sandy, as tragédias seguem firmes até os últimos momentos da série.

Vemos ainda um Kominsky menos egoísta e mais centrado em sua filha. A produção repete um dos maiores acertos de sua primeira temporada, que são os episódios contínuos, como um grande filme. É no final que ele realiza seu grande sonho de participar de uma adaptação cinematográfica de sucesso. Dentro das telas, o Emmy veio para o protagonista e uma de suas alunas. Agora, nos resta esperar até setembro para ver se a vida irá imitar a arte, garantindo alguma estátua pelo fim de O Método Kominsky. – Ana Júlia Trevisan

Master of None Presents: Moments in Love (3ª temporada, Netflix)

A jornada de Master of None pela TV não foi simples. Depois da estreia em 2015, e a segunda temporada dois anos mais tarde, os elogios ao brilhante trabalho de Aziz Ansari e Alan Yang não foram poucos, rendendo dois Emmys de Roteiro e uma subida invejável à fama. Tudo mudou quando Ansari foi acusado de abuso, afastado dos holofotes e colocado na geladeira. E as proporções tomadas foram maiores do que em casos onde os denunciados são homens brancos. Tempos depois, novas informações vieram à luz, explicando a natureza do episódio de denúncia. 

Fato é que o nome do comediante manchou qualquer obra e ele vinculada. Em meio aos anúncios de Maio de 2021, a Netflix deixou de fora a terceira temporada de Master of None, então lançada quatro anos após a despedida entre Dev e Francesca na triste Nova Iorque invernal, e inclusive soltando os episódios em um domingo, fora do habitual calendário que reserva grandes obras às sextas-feiras. Sem o personagem de Aziz no posto de protagonista, a nova (e menor) leva de capítulos colocou Denise, a brilhante Lena Waithe, como pivô da trama, reservando ao criador o posto de diretor e roteirista, com a própria Waithe coescrevendo os textos. 

Denise e sua esposa Alicia, papel da expressiva Naomi Ackie, são o foco de Master of None Presents: Moments in Love, uma jornada dramática pela relação do casal, desde os momentos felizes na fazenda afastada do centro da Grande Maçã, até os percalços que mulheres negras e lésbicas enfrentam ao tentarem ter um bebê. A comédia fica no passado, com os episódios se estendendo entre vinte e cinquenta e tantos minutos, sem respiro para as habituais gargalhadas que eram sinônimo do seriado. Para dar cabo ao primoroso produto que nutriu até que lhe fosse tirada a oportunidade, Aziz Ansari inverte expectativas e oxigena o núcleo cômico de Master of None, mantendo a essência da busca pela felicidade e da autorrealização, dessa vez pela ótica dos trintões. – Vitor Evangelista

The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade (Minissérie, Amazon Prime Video)

As palavras que eu conheço se mostram insuficientes para compreender The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade. O novo lançamento do Amazon Prime Video é a primeira produção seriada do brilhante Barry Jenkins (Moonlight e Se a Rua Beale Falasse), que agora leva sua arte audiovisual para as telas do serviço de streaming, fazendo valer, mais uma vez, o clamor de seu trabalho. A obra da vez é adaptada de um premiado livro homônimo, baseado numa história real dos tempos pré-Guerra Civil nos Estados Unidos a partir de um olhar próximo que, como o próprio diretor pontuou, calibra a perspectiva da história da escravidão na América.

Mas é um erro tamanho assumir essa narrativa como monotemática. The Underground Railroad acompanha a jornada de Cora Randall (Thuso Mbedu, um talento absoluto encontrado por Jenkins) em busca de sua liberdade e autonomia, tanto em relação à sua condição de escrava, quanto às suas questões pessoais de identidade num tempo de apagamento da humanidade de seu povo. Os longos e vagarosos 10 episódios trabalham para não reduzir seus personagens (com destaque para as interpretações de Joel Edgerton, William Jackson Harper, Aaron Pierre e Sheila Atim), seus arcos, seus assuntos e seus debates. Muito pelo contrário, toda a dimensão das suas existências são abarcadas.

Assim, não é fácil acompanhar a história e a trama não busca simplificar seus caminhos em momento algum. Entre violências sufocantes e belezas ofegantes, a minissérie marca a identidade de seu criador, que bem sabe que existem coisas que alguns de nós jamais iremos compreender. Mas o que é o trabalho de um artista se não manejar as nossas percepções? Diálogos, ações, cenas, olhares, enquadramentos, sons e até canções… Nada está ali à toa. The Underground Railroad: Os Caminhos Para a Liberdade é um trabalho livre, e é um trabalho de Arte. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Maio de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O ano se aproxima da metade e já podemos dizer que ele tem seus nomes. Ninguém vai conseguir lembrar de 2021 sem cantarolar a melodia de drivers license e imaginar o lilás da capa do primeiro disco de Olivia Rodrigo. O primeiro hit do ano colocou a adolescente sob os holofotes de todo o mundo, assinalando o seu nome em diversos recordes nas plataformas de streaming e criando uma expectativa gigantesca em cima de seu álbum de estreia.

Experiências adolescentes universais, muito estilo, atitude, talento, hype e aquela pontinha de nostalgia combinada com o jeitinho único da geração Z foram os artifícios de Rodrigo para construir em SOUR a melhor estreia que poderia ter feito. O recado é simples: com sua carteira de motorista em mãos e desabafos juvenis devidamente finalizados, todos os caminhos estão livres para o futuro da estrela Olivia.

Ao lado da princesa do Detran no hall de condecorados de 2021, possivelmente estará Lil Nas X. O primeiro álbum do nosso pequeno já tem nome, data de nascimento e muita identidade, conforme aponta o novo single. Se antes ele causou o terror de fundamentalistas religiosos ao descer até o Inferno numa barra de pole dance e sensualizar com o diabo, agora ele chega até o Céu através de uma canção íntima e sincera sobre suas vivências enquanto jovem gay negro.

E se o assunto é gente promissora, os trabalhos de chloe moriondo, ELIO, Alfie Templeman, girlhouse, Ashe e dodie também encontram um bom lugar em 2021 e nesta edição do Nota Musical. No núcleo teen, também está a chegada estrondosa do verão amanteigado do BTS, sinais da nova era de Conan Gray, novidade dos Jonas Brothers e de Niall Horan.

As amadas gravidinhas do Little Mix juntaram fôlego para acompanhar David Guetta em Heartbreak Anthem e fazer história no prêmio mais importante da música britânica. Na cerimônia do BRIT Awards 2021, o trio foi a primeira girlband a vencer a estatueta de Melhor Grupo, e não deixou o momento passar em branco no palco da premiação: “Vimos homens dominando, misoginia, sexismo e pouca diversidade. Estamos orgulhosas por termos permanecido juntas, nos cercado de mulheres fortes e agora usando mais do que nunca as nossas vozes”. 

Lá, Olivia Rodrigo também dominou o momento em sua primeira performance em uma premiação e Dua Lipa seguiu acalmada. Elton John aproveitou para mais uma vez demonstrar seu apoio à nova geração da Música, agora ao lado de Olly Alexander com a política It’s a Sin, na véspera do mês reservado para a celebração do Orgulho LGBTQIA+.

Os contemporâneos favoritos da Terra da Rainha, no entanto, não cumpriram as promessas de 2019. Coldplay chegou no BRIT Awards 2021 com um terrível novo single, que definha as tantas possibilidades para o futuro da banda construídas com o último disco no pop enjoativo que o quinteto britânico insiste em praticar. 

Erro esse que não foi cometido por Twenty One Pilots. A migração de sua mistura única e obscura de rock alternativo/hip-hop para os tons doces de um pop/rock vintage foi de início duvidosa, mas muito bem assimilada quando finalmente chegou aos nossos ouvidos. Fato é que os ouvintes mais apegados podem estranhar a sonoridade de Scaled and Icy, mas a nova era de Josh Dun e Tyler Joseph é rica em significados como sempre.

E o rock por si mesmo segue em boas mãos. Maio nos presenteou com o encontro épico de Sharon Van Etten e Angel Olsen e o retorno tão esperado de St. Vincent, que chegou em 2021 através de narrativas autobiográficas profundas e com a estética da década de 70. Mas o destaque do gênero vai mesmo é para o novo trabalho da banda dinamarquesa Iceage e o EP de PRETTY., paradas obrigatórias dentre a vastidão de obras pontuadas aí abaixo.

No folk, fomos embalados pelo novo CD do grupo Lord Huron e pelo quinto e belíssimo disco de Jon Allen. O blues também foi perfeitamente celebrado junto aos 20 anos de The Black Keys no décimo álbum do duo, e os amantes de country devem dar uma chance para a delicada influência do gênero na música de Aly & AJ. Já no R&B, Maio trouxe as preciosidades dos trabalhos de Sinead Harnett, Erika de Casier e Jorja Smith.

O saldo do mês no rap também foi o melhor possível. O retorno de Nicki Minaj com o lançamento de sua mixtape reformulada nas plataformas digitais é um aquecimento para o futuro da rapper, enquanto J. Cole segue um sucesso nas paradas mesmo quando respira entre suas safras. Aqui no Brasil, BK’ estreia o selo de sua produtora e Tasha e Tracie flertam com o funk em seu primeiro single do ano.

Na poética que só a rima permite, o rap do novo álbum de McKinley Dixon flutua em seus pensamentos sobre a vida numa das obras mais lindas de Maio e talvez de 2021, destinado à sua mãe, e a todos que se parecem com ela. As reflexões do jovem estadunidense acontecem de uma forma parecida com o trabalho de Jup do Bairro, que segue em Sinfonia do Corpo como uma das vozes mais relevantes na música nacional. 

Chegando em sons brasileiros, é impossível não gostar de pelo menos uma coisa que nosso pop vem produzindo. Depois de soltar a voz com Emicida na maravilhosa e icônica AmarElo, Majur inaugura sua carreira com louvor com Ojunifé. A promessa de Urias também é grande e a expectativa só cresce com o que ela libera para degustação de seu disco, que ganhou nome este mês. 

O novo trabalho da Tuyo, por sua vez, desenha para quem tinha dúvidas o porquê a beleza do som da banda chamou a atenção do The New York Times. Essa serenidade que permeia nossos artistas desaguou em Karol Conká, que retorna decidida a superar a sua curta porém intensa passagem pelo Big Brother Brasil.

Pabllo Vittar, de fato, não para. O lançamento da vez é uma volta às suas raízes, num forró com o drama de uma novela mexicana, que serve muito, como sempre, em marketing e complementos visuais. Próximo e longe da drag, está Gabeu, que como uma exímia cria do sertanejo e um legítimo orgulhoso de si mesmo, agrega mais um single em sua carreira, fortalecendo sua posição de precursor do queernejo no Brasil. 

Maio também nos permitiu apreciar Tim Maia em espanhol e Nando Reis em família, além de reforçar uma mensagem muito importante através de Martinho da Vila. O assassinato de George Floyd completa um ano, e a Arte não deixa de exercer sua função social e defender que Vidas Negras Importam.

Um mês de ganhos preciosos também foi um mês de perdas irreparáveis. Nelson Sargento, mestre do samba e parceiro de Cartola, MC Kevin, uma das vozes mais bonitas do funk, e Cassiano, rei do soul brasileiro e letrista de Tim Maia, foram alguns dos nomes que deixaram a vida nos últimos trinta dias. O Persona reúne a Editoria e os colaboradores no Nota Musical de Maio, em memória à importância de cada um deles para a música brasileira.

Falecimento de Nelson Sargento

O samba agoniza, mas não morre. Não morre, mas chora rios de lágrimas quando alguém que dedicou a vida para vivê-lo parte desse plano para tocar ao lado das estrelas. Nelson Sargento, a história viva do ritmo negro, forte e destemido, partiu em uma manhã de quinta-feira, no meio desse complicado maio de 2021. Aos 96 anos, Nelson tinha vida de sobra, uma carreira de encher os olhos e o respeito de toda a Estação Primeira, que perdeu uma de suas raízes verde-e-rosa mais brilhantes. O Brasil, mais uma vez, fica órfão. 

Nelson, que era Mattos, só virou Sargento depois dos quatro anos no Exército. Uma função só não bastou – o carioca era cantor, compositor, pesquisador, artista plástico, ator e escritor. Acima de tudo isso, era incomparável. Vascaíno de coração, guiou os rumos da Mangueira como baluarte e presidente de honra, foi parceiro de Cartola, Carlos Cachaça, Paulinho da Viola, Zé Keti, e outras lendas que, assim como ele, cravaram seu nome na história da Música Popular Brasileira. 

Nas suas mãos, samba virou resistência; virou grito de guerra. É impossível relatar quem foi Nelson em um texto de três parágrafos. O buraco de sua perda é gigantesco. Angenor já cantava que, em Mangueira, quando morre um poeta, todos choram – novamente, os lamentos descem até o asfalto e inundam todo o território nacional. Nelson Sargento não existiu, foi um sonho que a gente teve. – Caroline Campos

CDs

MC Kevin – Passado e Presente

É sempre muito triste a morte de um artista tão jovem. Kevin tinha apenas 23 anos e uma carreira consolidada que se iniciou em 2013 e se findou em 16 de maio de 2021 . As escolhas pessoais podem e devem ser questionadas, mas a ascensão de um adolescente que já foi traficante de drogas e se tornou um MC milionário, chegando a abrir sua própria produtora também, são fatos que demonstram o potencial do funkeiro.

Inclusive, o álbum póstumo Passado e Presente foi o primeiro lançamento da Revolução Records, que continuará na ativa. O trabalho conta com 10 faixas que transitam entre o funk e o trap e diversas participações, como Ryan SP, Hariel, Magal, PH e Vulgo FK. Além disso, Kevin cita algumas referências, os MCs Felipe Boladão e Daleste, a banda Charlie Brown Jr. e até o jogador Neymar. 

A mixtape traz muito sentimento nas músicas, como se fosse um desabafo do artista. O sofrimento na infância, entrada para a vida do crime e a reviravolta com o funk, tudo em um curto espaço de tempo. Junto disso, vemos uma grande maturação nas letras, Kevin faz críticas sociais e fala também sobre a mudança de postura de algumas pessoas após seu sucesso. Se tivesse que resumir toda a trajetória em uma frase, seria uma épica do próprio MC: O menino encantou a quebrada. – Elder John

Patrick Paige II – If I Fail Are We Still Cool? 

Atenção passageiros, o piloto Patrick Paige II avisou que vai decolar e se preparem, pois essa será uma viagem para ficar na história. As aeromoças que interrompem a progressão das faixas nunca chegam a dizer exatamente essas palavras, mas o sentimento não é antagônico. Patrick Paige II, membro da badalada The Internet, arrisca um segundo voo solo em If I Fail Are We Still Cool?, LP robusto e exotérico, que rememora parcerias com nomes proeminentes do rap, assim como com seus companheiros de banda Syd e Steve Lacy.

O rapper é modesto no passeio entre as 17 faixas, soando menos interessado em ser incisivo ou repetitivo em seu repertório. A própria decisão de nomear o disco com uma frase tão sincera e genuína já descasca a índole de Paige II, cantando ferozmente no single promocional Whisper (Want My Luv), que puxa referências do funk. Curfew é a melhor experimentação solo do cantor, ao passo que a colaboração com Syd decola o potencial da dupla. Sobra espaço para aclamação de Good Grace e mais espaço ainda para encher a bola do artista, que não importa se está sozinho ou acompanhado, nunca decepciona. – Vitor Evangelista 

J. Cole – The Off-Season

The Off-Season. O nome do disco foi a primeira coisa que me chamou a atenção. Off-Season pode ser traduzido do inglês como entressafra, na agricultura, o período de intermédio entre o fim de uma colheita e o início de outra. Um momento de planejamento, em que organiza-se o rendimento da última safra, e prepara-se o plantio da próxima. No universo dos esportes, off-season define o período entre temporadas esportivas, em que o atleta segue uma rigorosa sequência de treinos, juntamente à uma dieta de grande aporte calórico, com o intuito de alcançar um alto rendimento corporal em curto tempo. Da mesma forma, esse é um álbum de transição, em que Cole decide aperfeiçoar-se como músico, compositor e produtor, enquanto prepara-se para seu grande lançamento, que promete ser o aguardadíssimo The Fall Off. Desse modo, J. Cole, ao mesmo tempo que tenta se aprimorar, mantém-se em uma zona segura.

O rapper agrupou para esse trabalho um elenco absurdo de colaboradores, que vão de Timbaland, T-Minus, Boi-1da e Frank Dukes na produção, até Bas, 6LACK, Morray e Lil Baby emprestando suas vozes. Sua entrega lírica, como sempre, é excepcional, contudo, em alguns momentos, suas ideias tendem a cair no senso comum. Ao mesmo tempo que encontraremos músicas como a p p l y i n g . p r e s s u r e, que expõe comentários mordazes sobre a cena atual do hip-hop e suas tendências nocivas, conforme alguém que sabe que está entre os melhores e não hesita na hora de falar isso, também passaremos por faixas como m y . l i f e, que tenta assiduamente reproduzir a fórmula de a lot, inclusive reprisando o feat de 21 Savage, porém de forma bem menos convincente que o primeiro. 

O que eu sinto é que, apesar de um álbum conciso, está longe do período de auge do Cole. E, talvez, isso seja proposital, visto que esse é um lançamento que já nasce de uma expectativa externa. Essa relação de dependência com o prometido The Fall Off, de que ele seria somente uma prévia ou um prelúdio de algo maior, acaba por podar a sua autonomia como obra isolada, o que pode, mesmo com os números absurdos que o álbum tem conquistado nos charts da Billboard, reduzir consideravelmente sua vida útil a longo prazo. Mas isso, no fim das contas, não passa de achismo meu. De qualquer forma, The Off-Season não deixa de ser um acerto, e desvenda um pouco mais do que a nomeada The Fall Off Era ofereceu e ainda tem a nos oferecer. – Enrico Souto

St. Vincent – Daddy’s Home 

St. Vincent é mestra na metamorfose artística, mas dessa vez ela foi além. Seu sétimo registro de estúdio carrega, no nome e na realização, um conceito familiar muito singular e marcante: a prisão de seu pai. “Eu queria contar isso não como uma grande fofoca, mas como uma história humana, com amor e compaixão”, ela revela, se referindo ao encarceramento que aconteceu em 2010, depois do patriarca dar um golpe financeiro avaliado em 43 milhões de dólares.

Como a arte de Annie Clark, nome por trás da fachada exotérica, não é nada simplória, ela foi além das obviedades que rondam o cenário mainstream, ao não apenas pescar referências históricas e musicais dos anos 70 e 80, mas recriar estilos, formato e abordagem. Daddy’s Home soa como um produto do século passado, em seus inúmeros acertos e poucos deslizes. Depois de cantar sob camadas eletrônicas no Grammyzado MASSEDUCTION, St. Vincent prolonga as sílabas e versos do trabalho atual, demorando mais que o esperado para chegar ao ponto de destino.

Quando cria essa persona da filha perdida em contraponto do pai ausente, Daddy’s Home não se preocupa em situar seu ouvinte ao passado conturbado da cantora, e ela, ao lado do produtor Jack Antonoff, manufaturou o disco para além de suas referências. Mesmo quem nem imagina que o pai da artista foi para o xilindró aproveitará as 14 faixas. É claro que a singularidade do tema obstrui um pouco da relação cantor e fã, sedimentando o disco como um trabalho nada atrativo para ouvintes de primeira viagem. Os destaques sonoros são quase todos, desde a deliciosa e convidativa The Melting Of The Sun, até a prazerosa faixa-título e a despirocada Down. Os repetitivos interlúdios embananam Daddy’s Home, mas a desenvoltura de St. Vincent, assumindo o título de Papai e com as pernas cruzadas à la Sharon Stone, toma as rédeas e não deixa ponto sem nó. – Vitor Evangelista 

Aly & AJ – a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun

Quase 14 anos depois de Insomniatic e o legado duradouro de músicas como Potential Breakup Song e Like Whoa, o duo pop Aly & AJ volta com seu mais novo álbum de estúdio, gravado no famoso estúdio Sunset Sound em Los Angeles e lançado através de sua própria gravadora. a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se apresenta logo de cara como um projeto extremamente pessoal das irmãs Michalka e, mais do que um comeback, uma culminação da jornada delas até aqui.

Abrindo logo de cara com o single Pretty Places, elas introduzem as influências country pop que fundam a base para o resto do disco. É uma mudança bem-vinda que ajuda a diferenciar as novas músicas dos EPs anteriores, apesar de significar a ausência dos excelentes singles Attack of Panic e Joan of Arc on the Dance Floor. A partir daí, a dupla nos guia pelas suas experiências mais pessoais, do desejo de se reinventar em Break Yourself até a valorização do amor na suave Slow Dancing, oferecendo algumas de suas melhores faixas.

Apesar do disco se caracterizar por faixas animadas e confiantes como Paradise, Listen!!! e Don’t Need Nothing, seu momento definitivo vem ao final, composto pelo soco de três partes que é Stomach, Personal Cathedrals e Hold Out. Essas canções diminuem o ritmo elevado do álbum e exploram sentimentos negativos de maneira intimista e impactante, terminando a touch of the beat não como um hino, mas como uma resposta sincera e vulnerável à pergunta: “Você vai me segurar?/Vai estender seu braço e me segurar?/Você se acha forte o suficiente?”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Lord Huron – Long Lost 

O novo disco do grupo de folk Lord Huron continua investigando a tristeza sob a ótica da melancolia americana, mas dessa vez o processo nos afoga junto deles. A imagem da capa metafórica se estende para além do figurativo, quando o som de Long Lost, oscilando entre lamentos e desabafos, recria a experiência de um concerto de verdade. Ou, nesse caso em especial, com o máximo de fidelidade possível.

Um túnel do tempo é cavado pelos donos da poderosíssima The Night We Met e que, em 2021, usam contextos de turnês recentes para dar o toque do trabalho. Interlúdios simplórios climatizam o ambiente norte-americano, ao passo que a banda não economiza nas guitarras, por vezes cobrindo a voz de seus vocalistas sob camadas de sons altos.

I Lied, ao lado da novata Allison Ponthier, recria diálogos de casais exaustos, credibilizando um amor que já passou da validade. Not Dead Yet é uma conversa de espelho, e What Do It Mean abrange a solidão de uma vida de fama. Long Lost finaliza sua jornada com Time’s Blur, um instrumental de mais de 14 minutos. A transição de cantar sobre a tristeza e mostrar a tristeza através de sons é gradual e objetiva, fazendo com que o retorno da banda daqui algum tempo brade mais alto o posto de reis do folk alternativo que carregam com tanto vigor. – Vitor Evangelista 

chloe moriondo – Blood Bunny

Passamos da fase dos ídolos adolescentes fabricados: uma nova geração de artistas toma as rédeas do próprio trabalho, das composições aos conceitos, e exercem sua liberdade para garantir produções criativas e cheias de personalidade. Cria do YouTube, a cantora estadunidense Chloe Moriondo soma à leva dos bedroom pops que usam da plataforma para divulgar suas criações e agora, com mais de 3 milhões de inscritos por lá, lança seu segundo álbum, Blood Bunny – tudo isso com apenas 18 anos.

Na mistura de influências da artista, que ela lista na divertida Favorite Band e incluem Paramore, All Time Low e Simple Plan, Chloe ora se inspira, ora se afasta da sonoridade de seus ídolos. De cara, a abertura traz o pop rock com Rly Don´t Care, uma das melhores do álbum, mas muda o tom nas seguintes, como nos singles pop I Eat Boys e Manta Rays. Ao longo das 13 faixas, canções animadas e puxadas para o rock, como Take Your Time, I Want To Be With You, Bodybag e What If It Doesn´t End Well, são intercaladas de outras com pegadas misturadas, como Samantha e Strawberry Blonde, e outras quase esquecíveis, como as parecidíssimas Slacker e Vapor. 

Ao final, as alternâncias de estilos e tons contrastam bem em Blood Bunny, lembrando trabalhos de artistas como Beach Bunny e mxmtoon. Mas se ritmos podem enjoar ou parecerem repetidos, as letras das faixas imprimem a personalidade da artista: Chloe mostra que sabe ser sincera e reflexiva, como na identificável GIRL ON TV, mas também imaginativa e inovadora, até quando canta sobre temas comuns e batidos. Com muitos altos e alguns baixos, Blood Bunny é promissor e, com dois álbuns apenas aos 18 anos, Chloe Moriondo ainda vai fazer muito. – Vitória Lopes Gomez

McKinley Dixon – For My Mama and Anyone Who Look Like Her

O rapper McKinley Dixon encara a música com a leveza e o desprendimento da perfeição. Não que seu som seja sinônimo de bagunça ou desleixo, nada disso, mas o fim de sua trilogia, gestada desde 2016, encontra em suspiros de improviso e na constatação do infinito o trunfo master de uma carreira que nasceu mesclando o rap e a poesia, a literatura e a Arte. São muitas as influências que constroem esse misto de jazz, rap, pop, samba e qualquer outro gênero musical com que Dixon teve contato e decidiu incrementar o toque de ouro.

Em recentes entrevistas do artista para os mais diversos portais, uma máxima se sobressai: o cantor vive ligado no duzentos e vinte. Ele encara essa realidade com óculos especiais, ligando ideias, misturando o passado e o presente. Seus trabalhos são íntegros e multifacetados. Ele inicia com a discussão sobre o papel do homem negro em Who Taught You To Hate Yourself?, e sucede cantando um ode às mulheres negras e sua importância na comunidade com The Importance of Self Belief. O ponto final vem em For My Mama and Anyone Who Look Like Her. Frase essa dita por sua sobrinha Elizabeth no CD anterior, que revela o caráter intrínseco da Arte de Dixon, que nunca se afasta de suas raízes para, então, prosperar junto delas.

Em terna conversa com o Post Trash, McKinley Dixon fala tanta coisa bonita que seria um desserviço escolher um ou dois trechos para condensar o papo. Por cima, ele compara o rap com viagem no tempo, discute fins e começos, afirma que nada é definitivo e revela a inspiração de seu fecho artístico, que caminha da Divina Comédia até Cowboy Bebop. O artista potencializa sons, esmiúça amores e faz isso vestindo uma armadura de vulnerabilidade que faz falta no mundo da Música. For My Mama and Anyone Who Look Like Her não é apenas um dos melhores discos de Maio de 2021, mas também o trabalho que melhor capta e envelopa a dor de um homem preso no presente, mas que, em suas composições, já vive no futuro. – Vitor Evangelista 

Lupe de Lupe – Lula

O novo disco da Lupe de Lupe não é um grande tratado sobre a sociedade, muito menos uma torrente de críticas ao governo Bolsonaro. Apesar (ou por causa) do título, Lula versa principalmente sobre amor: o amor monogâmico (Coromandel, Fortaleza), o amor falho (Sorocaba, Natal), o amor nostálgico (Cabo Frio).

Isso faz com que este seja o disco menos explicitamente político e o mais versátil da banda. O quinteto experimenta com ritmos variados, como o forró em Pelotas, a bossa nova em Contagem e o reggae em Maceió, trazendo novos elementos à mistura típica da autoproclamada banda mais barulhenta do Brasil.

As raízes no rock alternativo persistem, com destaque especial para Goiânia, cuja virulência da letra relembra os momentos mais raivosos do grupo. Mas é exceção: a Lupe de Lupe de 2021 está mais reflexiva do que nunca. – Gabriel Leite Ferreira

Olivia Rodrigo – SOUR

Os caminhos de Olivia Rodrigo já vinham sendo bem pavimentados desde de sua estreia, no começo deste ano, com a viral drivers license. Contando sua versão de uma história de amor no fim desastrosa, a cantora conquistou nossos corações com sua voz soprada e dolorosa e suas letras extremamente emotivas. Agora, no seu álbum de estreia, SOUR, vemos a continuação de sua narrativa, desta vez com todos os capítulos inclusos.

É fácil identificar as influências sonoras que circulam o disco, já que logo em sua entrada, com brutal, somos imersos em um universo típico dos anos 2000, o que torna simples imaginar como todas suas 11 faixas se encaixariam bem em um filme desta época, provavelmente com Lindsay Lohan no papel principal. E isso jamais seria uma crítica negativa, afinal quem não ama Confissões de Uma Adolescente em Crise ou Sexta-Feira Muito Louca? O ponto é que Rodrigo conseguiu resgatar tal estética, sonora e visual – haja visto seus clipes – de uma forma totalmente própria.

Claro que não poderíamos deixar de citar o quanto Taylor Swift também está presente, afinal a semelhança entre 1 step forward, 3 steps back e New Year’s Day é bem óbvia, mas mais uma vez esse é apenas um complemento que nos deixa cada vez mais próximos do íntimo de Olivia. Conforme escutamos SOUR, somos puxados para um mundo único, no qual nos sentimos vivendo a história da cantora. Desde de seus sentimentos mais profundos, até seu processo de cura e superação, fomos convidados a entrar de cabeça nesta narrativa. – Ana Laura Ferreira

Sinead Harnett – Ready Is Always Too Late

O álbum novo de Sinead Harnett é envolvente desde sua capa. A foto da cantora combinada com um jogo de luz cria um ambiente clássico que instiga a ouvir o trabalho. Ready Is Always Too Late entrega sua motivação logo no título, a música homônima que abre o disco traz uma letra real com uma melodia R&B sentimental. É como se Sinead cantasse de coração aberto olhando bem na nossa cara a história vivida por nós. E não é tarde demais, Sinead Harnett.

O trabalho passa a impressão de ser metodicamente organizado e com canções lineares, mas surpreende positivamente. As faixas fogem dos achismos iniciais sendo ritmadas conforme os sentimentos passados pela letra, sem preocupação de seguir um caminho de começo, meio e fim. O álbum pode ser ouvido tanto em sua ordem normal quanto no aleatório, a voz da cantora entra aveludada pelos ouvidos, nos deixando entregues para a melodia.

Os feats também ganham seu destaque. Take Me Away segue a vibe intimista, e a dupla de hip-hop EARTHGANG vem para acrescentar dualidade na música, nos aproximando ainda mais do disco. Sticking, que conta com as participações do cantor Masego e da dupla nigeriana VanJess, explora o mais cativante do R&B, tornando a faixa uma composição difícil de ser esquecida. Mas o prêmio vai para Anymore. Em parceria com Lucky Daye, a canção é uma das mais fortes e marcantes do álbum. – Ana Júlia Trevisan

Erika de Casier – Sensational

Após assinar com o selo 4AD, a cantora portuguesa criada na Dinamarca lançou neste mês seu segundo álbum de estúdio, Sensational, sucessor do excelente Essentials (2019). No registro, Erika volta a explorar a paixão pelo R&B dos anos 90 e início dos 2000, que embalou seu crescimento através da MTV. Produzido pelo parceiro Natal Zaks, o trabalho retoma o minimalismo do cancioneiro da artista – que de simples não tem nada. O instrumental típico do gênero formador de Erika ganha cordas e madeiras sintetizadas, que, somados aos seus vocais sussurrados e sensuais, trazem à tona uma obra atmosférica, que remonta a discografia de Sade. 

As letras também denotam todo o amor de De Casier ao rhythm and blues. Em entrevista a Crack Magazine ela afirma que ama o aspecto direto da composição típica do gênero, na qual prevalece um diálogo intenso e honesto com o interlocutor. Canções como Drama e No Butterflies, No Nothing abusam do tom confessional, mas conseguem se valer de um magnetismo letárgico, no qual não há outra opção senão mergulhar no universo envolvente criado pela cantora. – Carlos Botelho 

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ELIO – ELIO and Friends: The Remixes

Minha lista de arrependimentos de 2021 não é tão longa, mas perder a oportunidade sobre o EP de estreia de ELIO, Can You Hear Me Now?, no Nota Musical de Janeiro, com certeza ocupa um lugar alto. Para o bem da nação, ela resolveu relançar as faixas, acompanhada de seus amigos, em ELIO and Friends: The Remixes, que melhora o que já era ótimo e ainda me dá a oportunidade de destrinchar um dos trabalhos mais polidos e cheios de identidade do ano.

Para a fantasiosa Jackie Onassis, ELIO convida os vocais de Nolie, confabulando sobre jantares em Paris e uma das primeiras-damas estadunidenses. A melhor parceria é também a maior do disco de remixes, ao lado da musa Charli XCX, CHARGER, um ‘simples’ conto sobre carregadores de celular e inseguranças mundanas, é agigantada pelas personas robóticas da dupla, elevando o potencial de cantar gritando a letra que repete suas rimas de modo incessante. A pegada PC Music engrandece a Arte, mostrando que o futuro é hoje. 

hurts 2 hate somebody recebe um up de Chase Atlantic e de No Rome, provando que, quando bem idealizado, um álbum de releituras pode muito bem funcionar a parte da versão original. ELIO já chegou chegando, e nos faz ansiar pelo amanhã. Sem me embananar tentando definir e qualificar as subsequentes faixas, deixo a cargo de quem ler dar play na íntegra, aproveitando cada batida. É libertador, eu garanto. – Vitor Evangelista

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The Black Keys – Delta Kream

A celebração dos 20 anos do duo The Black Keys é um prato cheio para os amantes de blues. Desde 2001, a dupla vem explorando as sonoridades do gênero em seus nove álbuns, mas agora, no décimo disco, presta uma homenagem de primeira aos trabalhos e artistas clássicos e precursores do blues que os influenciaram durante toda a vida, muito antes de produzirem música em conjunto. O compilado de covers Delta Kream carrega em seu nome, em sua capa, em seus criadores e em sua base a música da região norte do estado do Mississippi, berço do blues americano, com foco para o hill country blues.

A intimidade e respeito da dupla com suas inspirações é algo a ser apreciado. Nas 12 faixas do disco, o vocalista e guitarrista Dan Auerbach e o baterista e produtor Patrick Carney dançam elegantemente na familiaridade confortável e na liberdade criativa que fundamenta Delta Kream. O gosto especial da espontaneidade e experiência do trabalho dos músicos surge da própria forma de gravação, planejada com apenas alguns dias de antecedência e sem qualquer ensaio. Apenas dez horas e duas tardes foram suficientes para The Black Keys registrar as canções, ao mesmo tempo em que encerrava sua última turnê com o disco Let’s Rock. 

Outro elemento especial de Delta Kream é a presença dos músicos Kenny Brown e Eric Deaton, membros de bandas lendárias como as de R.L. Burnside e David Kimbrough Jr. Esse encontro de gerações abre o álbum de forma perfeita com Crawling Kingsnake, enquanto Mellow Peaches traz o foco no groove e no ritmo que marcam os estilos referenciados, e a charmosa e livre Do the Romp pincela a irreverência e psicodelia que definem trabalhos mais recentes da dupla. Celebrando um gênero riquíssimo, Delta Kream é o creme do blues contemporâneo, perfeitamente ligado às obras icônicas dos precursores do gênero que o inspira, fazendo com que The Black Keys se aproxime cada vez mais das lendas que tanto admira. – Raquel Dutra

Ashe – Ashlyn 

O longa-metragem estadunidense Para Todos os Garotos: P.S. Ainda Amo Você pode não ter agradado muito a crítica especializada, mas presenteou o público com uma trilha sonora excelente. Dentre as faixas apresentadas, a melancólica Moral of the Story ganhou destaque nas paradas americanas e colocou a californiana Ashe em ascensão – em 2021, ela lança seu emocionante primeiro álbum de estúdio, Ashlyn. Com a ajuda do produtor Leroy James Clampitt, a artista conseguiu construir um trabalho sólido e coeso. O álbum colore suas 13 faixas com violinos, cordas e harmonias distintas, passeando por folk, pop e indie com destreza. 

A composição do disco é intensa em todas as suas faces. Encarando o luto, Ryne’s Song detalha o tumultuado relacionamento de Ashe com seu irmão, que faleceu de overdose no último ano; a terapêutica Save Myself traduz o arrependimento iminente de se envolver em um casamento desastroso. Brutalmente honesto, Ashlyn soa como um coming-of-age tardio que agracia com sua própria delicadeza. – Laís David

Bailey Bryan – Fresh Start

“Eu acho que você pode ser uma vadia má e sensível… saber seu valor, mas ainda poder admitir que seus sentimentos podem ser feridos”, disse Bailey Bryan quando discutindo sua recente discografia. Fresh Start chega como o trabalho de estreia de uma artista surgida em 2016, que coleciona selos de jovem promissora, eclodindo a partir de relacionamentos ruins e sem medo de perder a pose de durona ao lamentar as desilusões.  

O renascimento ocorre perante nossos ouvidos, enquanto Bryan se destroça por vinte e sete minutos, indo da selvageria de play w/ me até a questionadora Anymore, a tão-sincera-que-dói Sober e a carregada de angústia Roster. Por via das dúvidas, Fresh Start e seu som carregado de batidas provindas do R&B e de interludes com pinta de sinceridade, apresenta todas as arestas de Bailey Bryan, doa a quem doer. – Vitor Evangelista 

Tim Maia – Yo Te Amo

Quem diria que 23 anos depois de sua morte, Tim Maia voltaria a surpreender puxando discos de sua cartola. Yo Te Amo chegou nesse mês nas plataformas de streaming para provar que o síndico do Brasil não poderia estar mais vivo no imaginário nacional. O álbum, na verdade, foi descoberto por seu filho, Carmelo Maia, e é o primeiro gravado inteiramente em espanhol pelo Maia-pai. Datado de 1970, foram necessários mais de 50 anos para ouvirmos a beleza da língua hermana na voz retumbante de Sebastião, contando com releituras dos clássicos de seu primeiro CD, Tim Maia (1970), produzidas com o carinho que só um filho do cantor conseguiria alcançar. 

As canções estavam em fitas, arquivadas em formato analógico no fundo da gravadora Vitória Régia, e precisaram passar por um processo de restauração pelas mãos do engenheiro de som André Dias. No entanto, trechinhos de conversa foram mantidos – responsáveis por apertar nosso coração de saudades do carioca e reforçar a sua devoção em estúdio. O trabalho final foi dedicado ao gênio do soul Cassiano, que faleceu em maio deste ano, e foi responsável pela composição dos maiores sucessos de Tim Maia, como Primavera e Eu Amo Você.

Yo Te Amo é pulsante e arrebatador. É a junção de anos de sofrimento sem Tim e mais anos ainda de admiração pelo que ele foi. Coroné Antônio Bento e Padre Cícero são pérolas regionais que se adaptam com naturalidade à língua estrangeira; Azul Color Del Mar é o lamento revitalizado com a mesma potência da antecessora; e o resultado dessa empreitada hispânica é um acalento em tempos tão difíceis. Obrigada, Carmelo. ¡Llama el Síndico! – Caroline Campos

Prepara aí o bloco de notas para um dos melhores álbuns de 2021. O nome dele é Seek Shelter e quem o fez é a banda dinamarquesa Iceage. Anotou? Então agora corre no Spotify ou no YouTube e dá play no disco para conversarmos sobre ele. Você vai encontrar um punk vintage harmônico e perfeitamente diluído num rock clássico que quase todo mundo adora. Ele é liderado por um legítimo vocalista dos gêneros, equilibrado entre a rouquidão da revolta e o charme da paixão pela música, que se junta à sua banda lindamente confortável e confiante nos sons que emanam.

A essa altura eu já espero ter te convencido e que você  tenha pelo menos iniciado a faixa de abertura Shelter Song, que nos apresenta tudo isso. A primeira e imperdível canção é responsável por nos introduzir a um álbum que junta a revolta que os tempos atuais nos causam com o conforto da familiaridade, que é um item básico de sobrevivência desde 2020. Então, ao decorrer das 8 músicas restantes, os vocais de Elias Rønnenfelt, que também adivide as guitarras com Casper Morilla e Johan Wieth, se junta ao baixo de Dan Nielsen e à bateria de Jakob Pless para explorar essas duas bases, sempre destacando suas referências musicais, e sem medo de verbalizar o que pensam sobre a vida. É o que Iceage faz com o fundo de jazz e blues na sofisticada Drink Rain, ou na pincelada de country e da estética de Bruce Springsteen de Gold City, ou em Dear Santa Cecilia, que reproduz com uma originalidade nostálgica o que existe de melhor no punk. 

A vontade é destacar as qualidades de cada uma das canções, e é quase isso o que eu vou fazer. O disco ainda abriga a bela e vagarosa Love Kills Slowly, o equilíbrio de High & Hurt, a forte e amigável Vendetta e o evento milagroso de The Holding Hand. O Toque de Midas é a influência leve do precioso post-britpop misturado ao rock alternativo (saudades, bons tempos do Coldplay), algo que cria uma sensação duvidosa em quem compara os primeiros álbuns da banda, marcados por uma atitude pesada afogada no post-punk, com o de agora, que brinca com o rock. Mutável e glorioso, o calor de Seek Shelter derrete a banda em ondas sonoras para dar um recado que subverte as aparências: Iceage não tem nada de frio. – Raquel Dutra

Nicholas Britell – Cruella (Original Score) 

Reconhecido por seu trabalho em Moonlight: Sob a Luz do Luar e Se a Rua Beale Falasse, não deveria esperar menos que um serviço brilhante de Nicholas Britell para compor a musicalidade de uma produção da Disney. Ainda mais se tratando de uma vilã tão icônica quanto Malévola e Úrsula, a rainha dos dálmatas Cruella De Vil. 

Britell constrói arcos singulares às cenas, transitando de uma carga dramática de um acidente catastrófico para uma euforia divertida de um novo corte de cabelo. Demarcando o rock progressivo e o punk característico da década de 70, a trilha sonora consegue arquitetar o apático cenário londrino daquela época. 

Não só compõe a paisagem fria e nublada, mas também a dualidade das personalidades da protagonista. Notas mais sombrias se misturam com ritmos mais enérgicos, assim como a transformação de Estella em Cruella. Tudo se encaixa na maneira mais certeira, arquitetando a maleficência e astúcia que as cenas precisam para segurar a imagem da vilã. Na verdade, apenas a chame de Cruella De Vil. – Júlia Paes de Arruda

Nicki Minaj – Beam Me Up Scotty 

No dia 14 de maio, Nicki Minaj anunciou uma live em seu Instagram que gerou alvoroço entre os seus fãs. Após um período afastada dos holofotes pela maternidade, com exceção de alguns featurings habituais, era esperado que a rapper trouxesse informações sobre o lead single do sucessor de seu quarto álbum de estúdio, o robusto Queen de 2018. Porém, para a surpresa dos mais de um milhão de espectadores de sua transmissão ao vivo, Onika anunciou o lançamento de sua mixtape, Beam Me Up Scotty (2009), nas plataformas de streaming pela primeira vez. O relançamento contou com a atualização da divertida capa e adição de duas músicas inéditas e um remix.

A mixtape, que conta com clássicos como Itty Bitty Piggy e I Get Crazy, ganhou novos ares com a inclusão na tracklist das faixas Seeing Green, com os amigos de longa data Lil Wayne e Drake, e Fractions. Outro ponto alto do relançamento foi a aparição do hit viral Boss Ass Bitch (Remix). Por mais que sirva como um aquecimento para o novo álbum e série documental ainda sem datas definidas, Beam Me Up Scotty reafirma o maior trunfo da carreira de Nicki: seu talento descomunal para o rap. O tom mais descontraído da mixtape permite que a artista explore seus diferentes flows, alter egos e rimas freestyles ao longo do trabalho. A falta de polidez na produção é compensada pela oportunidade de ouvir uma das maiores rappers de todos os tempos, em pleno exercício de suas habilidades ímpares. – Carlos Botelho 

Alfie Templeman – Forever Isn’t Long Enough

O para sempre pode não ser tempo o bastante, mas os trinta minutos do segundo álbum de Alfie Templeman cumprem com primazia o papel de situar seus ouvintes para o tipo de som produzido pelo cantor. Nascido em 2003, o britânico vem de uma crescente na carreira, anualmente lançando trabalhos promissores e com bastante fúria interna.

O disco em questão não reinventa a roda, mas serve ao propósito de revitalizar e nomear os desejos do jovem artista. A faixa-título nos embala em uma balada contagiante, implorando para ser dançada no ambiente interno de uma festa quinta à noite. Hideaway derrete um bate-bola romântico e Wait, I Lied conquista pelo teor escorregadio da índole de Alfie Templeman. – Vitor Evangelista

Bebe Rexha – Better Mistakes

Better Mistakes é o segundo álbum da cantora Bebe Rexha, que mais uma vez se mostrou uma ótima compositora, mas foi desmerecida pela gravadora Warner Records, fazendo com que disco tivesse um desempenho ridículo ficando em 140° na Billboard 200. O disco traz uma nova estética para a cantora que havia se destacado com seus cabelos vermelhos. Com a capa em tons de azul com a caligrafia verde fluorescente, Bebe entrega tudo mesmo em seu clipe Break My Heart Myself – a faixa viciante que deveria ter virado single – com seu look caótico e icônico, tal qual a música.

O que impulsionou o boicote da gravadora foi o precoce lançamento de Baby, I’m Jealous,  feat com Doja Cat que chegou ao streaming em outubro de 2020 e sozinho não teve fôlego pra aguentar os meses de pós-produção do álbum. Em Better Mistakes, o single faz parte do único ponto negativo do disco: sua cansativa sequência de feats idênticos. O que seria facilmente resolvido durante o processo de montagem, invertendo faixas e construindo uma melhor linha do tempo, pode ser amenizado pelo ouvinte que der stream no modo aleatório.

Sacrifice é uma das melhores do disco. Apesar da música trazer um tema comum de relacionamentos, a intensidade de Bebe a transforma em um momento eletropop único na melodia de Better Mistakes. O trabalho também mostra uma Bebe Rexha mais vulnerável, com composições autobiográficas como Sabotage, que tem uma balada melancólica. A cantora não mostrou receio em suas letras e elevou a potência delas com sua performance. O álbum merece ser ouvido por inteiro pelo menos uma vez. – Ana Júlia Trevisan

Thalía – desAMORfosis

A Rainha do Pop Latino está de volta. 30 anos de carreira na Música ainda são insaciáveis para Thalía, que mantém um dos processos de renovação de imagem mais bem-sucedidos de sua geração. Se a familiaridade com a super estrela não surge de seus hits de sucesso que lhe renderam prêmios de nível internacional, ele com certeza nasce de seu trabalho marcante como atriz na febre da Trilogia das Marias, com seu protagonismo nas telenovelas Maria Mercedes, Marimar e Maria do Bairro.

Agora, Thalía é assunto pelo trabalho que é avaliado como o mais inovador de sua vasta carreira até o momento. Seu décimo quinto álbum de estúdio se delicia numa união de desamor, amor e metamorfose através de narrativas íntimas e criativas no que ela chama de desAMORfosis. Como o próprio nome sugere, a artista coloca o centro e o elo de tudo num elemento universalmente experienciado que também é a matéria-prima favorita da arte com o toque de alguns dos produtores mais notáveis da música latina atual, como Tainy, Edgar Barrera e Trooko. A fórmula era quase impossível de dar errado.

Entre seu DNA pop e latino, a contemporaneidade dos ritmos do reggaeton de faixas como Mojito e Mal Y Bien, Thalía passeia pelos seus sentimentos como a legítima amante do amor, artista de alto calibre e íntima das novelas mexicanas que é. Suas baladas ainda emanam um charme especial, vide Empecemos, enquanto as mais viciantes tem como ingrediente principal a refrescância da nova geração da música latina, como Sofía Reyes na juvenil TICK TOCK, Myke Towers na moderninha La Luz e Jhay Cortez na ousada Secreto. É só passar longe de ouvir a cafonice de Por Qué e Bolsito Caro que a maioria das outras 12 faixas de desAMORfosis vão te lembrar do porquê o mundo fez de Thalía uma absoluta estrela. – Raquel Dutra 

dodie – Build A Problem

Muitos jovens carregam o sonho de uma carreira musical, mas nem sempre as oportunidades aparecem, o que faz com que a luta por esse espaço na indústria seja longa e complexa. Dodie Clark começou a compartilhar suas composições com o mundo em 2011, no entanto, parecia que ninguém percebia o lirismo de suas letras ou o potencial de suas interpretações. Amaldiçoada pela sina dos EPs independentes, parecia que ela nunca conseguia reunir canções suficientes para a construção de um álbum, e por isso, só foi capaz de debutar com Build A Problem dez anos após sua estreia na internet.

Seu debut dividiu opiniões entre os críticos, o amor entre os que veem os versos de dodie como suficientes para a construção de um bom disco, e as notas medianas entre os que suas metáforas são vagas e que a produção musical é crua. Independente do ponto de vista, há um acordo de que esse álbum acerta o alvo quando se propõe a ser a essência mental da compositora. Além de gravar suas músicas no YouTube, ela sempre manteve vlogs que falavam abertamente sobre assuntos aleatórios, como chá, saúde mental, gatos, política e bissexualidade. Ela ganhou muitos seguidores por sua personalidade, e Build A Problem é sobre isso.

A primeira parte do disco, composta por doze canções e dois interlúdios instrumentais, conta uma história que é uma versão estendida de I Kissed Someone (It Wasn’t You), lançado em abril. De Air So Sweet à Boys Like You, é possível sentir a vulnerabilidade de uma jovem mulher que é honesta quanto a seus sentimentos, mas que ainda tem medo de como suas opiniões serão recebidas. É assim que dodie cria laços entre sua insegurança e as incertezas dos ouvintes e desse modo, tornam-se fãs por sentirem que há uma empatia mútua entre artista e receptor. De fato, ? e . são tão obscuras que somem no meio das demais, e as oito demos da segunda parte do disco não foram sequer produzidas. Entretanto, ao olhar para esse conjunto como alguém que acompanha dodie desde o princípio, vemos que isso é um regresso ao que ela sempre foi: uma garota dentro do próprio quarto, tentando transformar seus pensamentos em arte. A prova disso é a presença de When, lançada em seu primeiro EP, porque tudo isso terá acabado, e dodie ainda estará se perguntando “quando?”. – Carol Dalla Vecchia

Twenty One Pilots – Scaled And Icy

O retorno vibrante do Twenty One Pilots não poderia ser mais inesperado. Sua nova produção, Scaled And Icy, abandona toda a estética de tons e sonoridade sombrios, que já haviam se tornado característica da banda. Lançado no dia 21 de maio, o álbum aposta em um pop nostálgico, algo que vem se tornando tendência no meio, com um visual retrô e batidas oitentistas. 

Se arriscar por estilos diversos está na essência do duo formado por Tyler Joseph e Josh Dun, que nunca se definiu por uma única sonoridade, e sim uma mistura insana de todas elas. Mas essa nova escolha não se deu à toa. Além de adotar um tom mais alegre para destoar do momento difícil que o mundo inteiro enfrenta nos últimos tempos, a obra serviu para dar continuidade ao universo que vem sendo criado desde o lançamento do Blurryface, como se a banda estivesse sendo controlada pela cidade de Dema para produzir músicas mais felizes.

Ainda que a superfície da produção pareça diferente, o conteúdo das letras continua com a mesma profundidade que Tyler sempre trouxe, tratando sobre suas questões mentais, mas com um tom aparentemente mais otimista. Mesmo com essa mudança repentina, Twenty One Pilots mantém sua unicidade e talento admiráveis, de quem não precisa se limitar no meio musical para continuar fazendo história. – Vitória Silva

Kaonashi – Dear Lemon House, You Ruined Me: Senior Year 

Quantas vezes você já teve vontade de chorar de medo depois de ouvir um disco na íntegra? A sensação de escutar o refinado trabalho do grupo de punk e metal Kaonashi é essa, sem tirar nem pôr. Dear Lemon House, You Ruined Me: Senior Year narra a rotina escolar de um jovem andrógino pelo Ensino Médio, regado a gritos e mais gritos, de dor, prazer e libertação.

Na breve descrição que acompanha o perfil da banda no Spotify, eles salientam que o disco tem a função de causar ansiedade no ouvinte. Esse que, munido dessa experiência de ouvir as horripilantes experiências do jovem adolescente, se sentirá intimidado a mudar o mundo e não deixar que isso ocorra de verdade. A simplicidade não é sinônimo do trabalho da banda Kaonashi, que aparece coberta de sangue na foto destaque no aplicativo.

Sangue que também capta a índole da capa do CD, íntimo e avassalador na mesma moeda. Ao passo que os gritos nos assustam e nos jogam para o canto do quarto, Dear Lemon House, You Ruined Me: Senior Year soa melhor na desaceleração. Os destaques mais calmos nesse terremoto emocional são Broad Street (Take Me Home) e The Underdog II: Fight on the 40 Yard Line, What’s That in Kilometers? Ouça com cautela, ouça com ciência e ouça com compaixão. – Vitor Evangelista

Tuyo – Chegamos Sozinhos em Casa

“Vim aqui pra te avisar/Que o futuro já acabou/E a gente é sobrevivente”, declarou Tuyo em seu single no ano passado em um dos versos mais marcantes de Chegamos Sozinhos em Casa. Na ocasião do lançamento, a banda antecipou de forma indireta qual seria a sua forma de continuar seus trabalhos na companhia de novos elementos, e ela é, definitivamente, Sem Mentir. Como de costume, o trio tem sim seus floreios musicais – belíssimos e preciosos, diga-se de passagem – , mas quando o assunto é a sinceridade de sua expressão artística, ela é direta, e permanece com uma parte importante da sua identidade.

Mas logo em seguida, eles complementam: “Não precisa se assustar/Eu caminho com você/Nesse inferno permanente”, graciosamente nos lembrando do carinho e amizade que sempre acompanham as duras verdades que Tuyo às vezes joga na nossa cara. E para Chegamos Sozinhos em Casa, os ingredientes não poderiam ser diferentes, já que sua circunstância de concepção se dava exatamente no meio dessas duas coisas: a dureza da realidade e do amadurecimento, que tornam-se processos mais leves quando realizados em conjunto, num contexto íntimo dos integrantes da banda, que moravam juntos e decidiram se mudar cada um para uma casa diferente.

Nesse contexto, Chegamos Sozinhos em Casa compreende todos os pontos positivos e negativos dos sentimentos que retrata. Eles poderiam se transformar em algo doído demais e quase insuportável, se não fosse pela capacidade imaginativa e gentil da banda, que transforma a crueza das emoções confusas em canções flutuantes entre folk, soul e dreampop. No mundo íntimo, eles recebem alguns convidados, como a energia de Jaloo na chora-enquanto-dança Pra Curar, e a melancolia de Lucas Silveira (Fresno) em Pronta Pra Cair. Mas entre Lio, Lay e Jean, os vocais suaves, as batidas oníricas e as letras poéticas de O Jeito É Ir Embora, Vitória Vila Velha e Tem Tanto Deus seguem confirmando: ouvir Tuyo é como estar nas nuvens. – Raquel Dutra

Jon Allen – …meanwhile

…meanwhile é o quinto álbum do cantor britânico Jon Allen. Ele começa sendo uma das coisas mais bonitas e coesas que já ouvi na vida. A primeira música tem um valor imensurável, e seu instrumental a deixa ainda mais poderosa. Assumi a culpa em cada verso e tive vontade de gritar isso para os quatro cantos. Entretanto, a magia do disco vai se esvaindo aos poucos e ele perde o gás conforme as canções avançam. 

Can’t Hold Back the Sun não é a composição mais marcante do álbum, mas nem por isso deixa de ser extremamente boa. A melodia casa com a voz de Jon Allen e abre caminho para o disco seguir um rumo mais lento, que impressiona pela combinação de bateria, piano e voz. As composições são tocantes e se entrelaçam, fazendo com que o conjunto da obra tenha sentido.

Apesar de sua dramática e carregada de tristeza, o arranjo de Suzanne reenergiza o álbum. O feat com Sharon Shannon atribui características mais elementares para o arranjo de Western Shore, elevando um dos pilares mais fortes de …meanwhile: o instrumental. O disco viaja pelo mais profundo de Jon Allen e se encerra quase saindo do mundo criado. A lentidão de Wrong abre grande espaço para o violão, mas sem perder o vocal marcante. Com todos seus altos e baixos, …meanwhile merece ser ouvido e a voz de Jon Allen agraciada. – Ana Júlia Trevisan

EPs

MC Dricka – Acompanha

Ninguém representa a mulher no funk paulista como MC Dricka. Num gênero musical dominado pelo sexo masculino, ela consegue destaque com suas letras audaciosas e beats efervecentes. Depois de conquistar os bailes funk de todo o país com as faixas E Nós Tem Um Charme Que é Dahora e Empurra Empurra, ela volta mais irreverente do que nunca com seu segundo EP, Acompanha. Feita especialmente para os paredões, a obra tem sete faixas de autoria total de Dricka, e é a representação completa da sonoridade do fluxo de rua e do mandelão.

A produção da obra ficou por conta do produtor DJ Dozabri, conhecido por trabalhar nos hits Um Sabadão Desse Uma Lua Dessa e Tá Com Saudade Quer TBT. Com a ajuda de Dozabri, Dricka se mostra explosiva, extravagante e sarcástica. Ela aborda diversos temas no trabalho, como sexo, divórcio e traição. Medley Pras Talarica é um sucesso instantâneo, e Três Movimentos Que Te Conquistam Fácil tem tudo para dominar os bailes com a composição animada e coreografia ditada. O EP Acompanha prova que MC Dricka é, de fato, a rainha dos fluxos. – Laís David

Sarcastic Sounds – say goodbye

Produtor e vocalista do Canadá, Sarcastic Sounds começou produzindo beats na internet, chegou a trabalhar com Lil Wayne até que foi notado e contratado pela Columbia. Seu recente EP, say goodbye, abraça o lo-fi e entrelaça a tendência com o bedroom pop, logo estampado na capa azulada do trabalho, que retrata literalmente um quarto perfeitamente organizado.

Singelo e promissor, o som nada sarcástico do artista acalma e gera reflexões. Ele está cansado de ficar em casa, está cansado de um relacionamento, está cansado e ponto. “Estou cansado de cantar sobre depressão”, ele deixa claro no destaque do Spotify. A tentativa melhor sucedida dos menos de 10 minutos que compõem o EP é change ur mind, acompanhada dos vocais de Claire Rosinkranz e Clinton Kane. – Vitor Evangelista

Nando Reis e Sebastião Reis – Nando e Sebastião

É indiscutível que tudo que Nando Reis toca vira ouro. Seu tato absurdo para talentos combinado a seu coração gigante lhe permitiu assinar parcerias com Cássia Eller, ANAVITÓRIA e DUDA BEAT. O filho do ex-Titãs não poderia ficar de fora da boa safra de talentos do cantor. O EP Nando e Sebastião nasce de uma produção em isolamento social, sendo os dois artistas responsáveis pelo brilhante trabalho realizado.

Resposta é de longe a música mais bonita desse EP. Composta por Nando como um pedido de desculpas à Marisa Monte, a releitura do clássico chega em sentimentos ainda não explorados, tocando profundamente – e emocionando – desde a introdução do violão. Sem músicas inéditas e todas de autoria de Nando Reis, a tracklist também destaca Luz Antiga pela harmoniosa disputa de vozes entre pai e filho. Todos os duetos são feitos na medida certa, os timbres se entrelaçam e Sebastião Reis não nega sua origem. – Ana Júlia Trevisan

boy pablo – tuck me in

Norueguês de origem chilena, boy pablo foi sorteado na loteria do algoritmo alguns anos atrás, quando o YouTube fez o clipe de Everytime estourar. O jovem de quase 23 anos retorna, depois de passar pelo Brasil no Festival Popload 2019, com o singelo EP independente, tuck me in. 

Multi-instrumentalista, fã dos Beatles e comparado a Rex Orange County, Nicolás Pablo Rivera Muñoz já venceu o Grammy norueguês e continua experimentando com seus doces e melódicos sons, comumente associado ao bedroom pop. Ele admite que costuma focar nas notas, rimando palavras que se encaixem nos moldes sonoros.

rest up é o destaque de tuck me in, com o músico exausto da rotina em que vive, implorando por uma pausa para descanso e recarregar as pilhas. people segue a narrativa do coração iludido de pablo, que se enxerga escanteado em toda e qualquer relação que faz parte. Longe do cenário reciclado estadunidense, a sinfonia da sofrência de boy pablo nos abraça como cobertor recém-lavado. – Vitor Evangelista

Jorja Smith – Be Right Back

Jorja Smith não é apenas um dos rostos mais bonitos do cenário musical inglês. A cantora britânica, que lançou seu álbum de debut Lost & Found em 2018, continua provando que é dona de um vocal potente e inquestionável. Após colaborações em trabalhos de Drake e Kali Uchis, foi a vez de Be Right Back chegar à indústria. O EP traz canções que mostram necessidade de Jorja em compor, conversa intimamente com os fãs e faz um belíssimo preparo de terreno para um projeto futuro e maior da cantora.

Os singles Addicted e Gone seguem tendo espaço calculado e essencial nesse trabalho. Addicted, que luxuosamente abre Be Right Back, nos faz passar por uma montanha russa de emoções em apenas três minutos, e Jorja sabe muito bem o destino dessa viagem. O controle que a artista tem em seu disco é supremo, passeamos pelas músicas sem perceber o tempo passar. Ela ainda consegue acertar em cheio seu feat com a Shaybo em Bussdown. Depois desse EP, me declaro viciada em mulheres cantando rap e ansiosa pelo futuro de Jorja. – Ana Júlia Trevisan

PRETTY. – Honey, It Was Paradise 

Outro achado precioso do Nota Musical de Maio, os angelenos da PRETTY. cantam com a veracidade que bandas de rock new wave o fizeram no pasado. A combinação de elementos de The Smiths com The Killers atua a favor do grupo, que vai além do presente e denomina seu som como um NEW New Wave. 

Composto de apenas 3 faixas, Honey, It Was Paradise é recheado de batidas chicletes, identidade instigante e letras profundamente melódicas e relacionáveis. In A Place (The Bends) vai morar no meu repeat e, de tão boa que é, eu nem vou fazer questão de cobrar aluguel. – Vitor Evangelista

girlhouse – the girlhouse ep

Cantora e compositora, girlhouse lançou seu EP carregando o próprio nome artístico. the girlhouse é um álbum fácil. Suas músicas, que misturam a melancólica suavidade do indie com os metais do rock, chamam a atenção desde o começo. A trajetória lírica pela história de Lauren é como acompanhar um filme dos anos 80. Uma garota alegre, sonhadora, curiosa sobre o mundo e mergulhada em seus dramas.

pretty girl in la, faixa que abre o trabalho, é a mais intimista do EP. A acústica vibrante revela uma composição nostálgica sobre a vida da cantora em Los Angeles. Todo o disco gira em torno dessa mudança de girlhouse para Los Angeles. the fatalist e loaded gun são as músicas que mais hipnotizam. A primeira nos faz olhar pra dentro de nós mesmos com seu ritmo acelerado. Já a segunda, nos faz explorar inconscientemente os sentimentos descobertos na anterior. Batemos de frente com conflitos pessoais e melódicos, experimentando as descobertas da cantora. O terreno para um álbum eufórico já está preparado. – Ana Júlia Trevisan

fanclubwallet – Hurt Is Boring

Enquanto Olivia Rodrigo canta sobre sua carteira de motorista e o The Black Keys coloca um veículo na capa do CD novo, fanclubwallet decide girar seu EP de estreia ao redor do próprio carro. A capa mostra o dito cujo, estacionado na neve, enquanto as faixas variam entre discutir as chaves e até um acidente envolvendo o bem material.

Outra jovem do Canadá que arrasa nas composições pessoais e na pegada de pop do quarto, Hannah cria um universo particular de melancolia e cumplicidade nas 5 faixas que, agrupadas, somam menos de quinze minutos. A procura de cantoras diferentes mas que te lembram uma sensação familiar? Ouça C’Mon Be Cool e Flew Away e volte aqui para contar o que achou. – Vitor Evangelista

Urias – FÚRIA PT1

O primeiro álbum de Urias está cada vez mais próximo e a expectativa é cada vez maior. Agora, a artista atiçou nossa curiosidade com FÚRIA PT1, o EP que forma a primeira parte do disco. Compilando seus dois singles (Foi Mal, de março, e Racha, de 2020) e três inéditas, o trabalho já determina seu conceito, que nas palavras da própria artista, é “sobre a relação que a sociedade tem com o corpo, o sexo e a figura da mulher”.

A força principal de FÚRIA PT1 está na união de Urias com Monna Brutal e Ebony em Maserati, que dilui a atitude do rap das artistas convidadas com a sonoridade que já foi definida como o foco dela nesta nova era pelos lançamentos passados. A mistura entre os gêneros é também o que origina Cadela e Peligrosa, completando as novidades do EP produzido por Maffalda, Gorky e pela Brabo Music Team.

A estratégia de lançamento em duas partes pode ser questionada, considerando que todas as anteriores já deram muito certo e o hype de FÚRIA já é grande o suficiente para que o disco faça muito barulho quando finalmente chegar aos nossos ouvidos. De todo modo, a experiência de Urias sabe o que faz com seu precioso trabalho e não decepcionou até aqui. Ela promete cada vez mais, e nós seguimos confiando. – Raquel Dutra

salem ilese – (L)only Child 

Antes de qualquer coisa, já adianto que não tenho irmãos ou irmãs, então tenho prioridade no assunto. (L)only Child, EP de salem ilese, gira em torno da temática de ser filha única. As faixas desse trabalho dão sequência à Mad At Disney, que hitou no TikTok e criou a imagem da cantora como a de uma princesa iludida. A capa é uma mistura de Kelly Key e TV Colosso, com uma pitada de qualquer outra loira adolescente de sucesso. E, se tudo que falei até agora parece coisa de gente mimada, a tendência é piorar.

Forgiveness tem uma melodia bem estruturada, com melodia e ritmo que agradam aos ouvidos, mas sua letra não agrega em absolutamente nada. O mesmo acontece na música homônima ao disco. Nela, salem ilese mostra toda sua potência vocal – que é altíssima, por sinal -, mas entrega uma composição rasa, que apenas se preocupa com rimas e não com significados. As músicas que acertam os versos, pecam no ritmo, como se houvesse um esforço para deixar o álbum fútil. Apesar de tudo, (L)only Child ainda pode agradar os mais emocionados. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Karol Conká – Dilúvio

Mostrando que os momentos mais difíceis da vida são os melhores catalisadores artísticos, Karol Conká desce um tom e apresenta uma versão diferente de si com Dilúvio. O single pós-confinamento da rapper na vigésima primeira edição do Big Brother Brasil espelha em sua melodia uma Mamacita serena e expõe liricamente uma figura em busca de superação. Poucos esperavam num lançamento tão cedo após o seu cancelamento, mas a artista não se deixou abalar e mostrou que a música é a melhor maneira de se expressar. A canção exala arrependimento e redenção.

Produzida pelo DJ e produtor carioca Leo Justi, fundador do núcleo Heavy Baile, Dilúvio é uma reciclagem de versos escritos pelos artistas no ano passado e calhou que a temática refletia num momento atual da curitibana, só precisou de algumas adaptações relatando as recentes experiências. Sonoramente, a criação da dupla segue a onda de um R&B semelhante ao da estadunidense Doja Cat, que faz muito sucesso lá fora e em território nacional.

Mas o que cativa mesmo na música é a sua letra. Além de identificável, conseguimos enxergar nela a trajetória da artista. “Completando ciclos, refletindo sobre o que eu digo/E tudo o que eu digo é baseado no que eu vivo/Se pra vencer, tem que superar o sofrer/Supero sem esquecer do real motivo pra viver”. Ao mesmo tempo que uma vulnerabilidade é exposta, vemos também na mesma narrativa uma garra para seguir em frente guiada pela paixão em sua arte. Não são muitos que dão a cara a tapa nesse nível, e Karol merece respeito por isso. – Giovanne Ramos

Alaska Thunderfuck – ROY G BIV BBT

Em comemoração ao mês do Orgulho LGBT+, a lendária drag queen Alaska Thunderfuck resolveu liberar um novo hino para Junho de 2021. ROY G BIV BBT bebe das batidas eletrônicas que a RuGirl tem experimentado em trabalhos mais recentes, se contrapondo ao lado pop de Poundcake. A vencedora do All Stars 2 cria esse personagem chamado Roy para cantar sobre representatividade e amor. 

Roy se identifica como pessoa não-binária, com bem aponta a composição, que usa o pronome neutro ‘them’ para se referir a elu. Alaska ainda atualiza a bandeira do Orgulho, adicionando azul claro, rosa e branco (representando a bandeira trans) e marrom e preto (representando as pessoas não-brancas da comunidade). No colorido videoclipe, Roy se veste com as cores da bandeira, celebrando o momento. Cantando sobre a diversidade, muitas vezes escanteada na comunidade queer, o lema de Alaska se mantém, anusthing is possible! – Vitor Evangelista

Conan Gray – Astronomy

O queridinho da Taylor Swift voltou! Depois de começar o ano de forma agitada com Overdrive e seu clipe um tanto caótico, Conan volta a suas origens melancólicas e presenteia os fãs com Astronomy. Escrita por ele e produzida pelo seu companheiro de anos, Dan Nigro, Conan constrói uma narrativa romântica com os mesmos acordes de Heather, maior hit de sua carreira.

Mas se por um lado o cantor ainda estava perdidamente apaixonado em sua última era, agora ele parece ter finalmente desencanado. Ao anunciar o lançamento da música no Instagram, Conan contou que a escreveu sobre alguém que amou por muitos anos, até perceber que já estavam distantes demais para ter algo. E essa distância é metaforizada na faixa com o uso de conceitos astronômicos, como a morte de uma estrela e o espaço entre dois planetas.  

Sem notícias de um novo álbum, a única coisa que o fandom sabe que pode esperar da nova fase de Conan é sua libertação de dores e inseguranças que carregou por tanto tempo. Tanto Overdrive quanto Astronomy passam uma mensagem: um novo capítulo se inicia na história de Conan Gray. – Mariana Chagas

Sharon Van Etten e Angel Olsen – Like I Used To

Poucos meses após lançar a edição comemorativa de dez anos de seu terceiro álbum de estúdio, intitulado epic Ten, Sharon Van Etten chocou o cenário musical alternativo com o lançamento de Like I Used To, single em dueto com Angel Olsen. A balada poderosa com toques de Bruce Springsteen foi produzida por John Congleton, colaborador em comum das duas artistas. Além de um toque country, a faixa traz o casamento majestoso das vozes de Sharon e Angel, que, mesmo harmonizando-as perfeitamente, consegue manter a identidade vocal de cada uma. 

Em uma entrevista com as duas cantoras para a Interview Magazine, Van Etten revela à Olsen que escreveu a canção em 2020 na primeira onda da pandemia do coronavírus, como um esforço para manter suas habilidades de composição em um período difícil. A letra começou com Sharon constatando que estava retomando velhos hábitos com o isolamento, que resultou no poderoso verso que dá título e estrutura a canção. Após terminar de compor, ela percebeu que a música lembrava o estilo de Angel Olsen e a enviou a demo. O resultado foi uma das melhores faixas do ano até agora, que conta ainda com um belíssimo videoclipe dirigido por Kimberly Stuckwisch. – Carlos Botelho

Bleachers – Stop Making This Hurt

A inspiração oitentista cresce a cada dia e toma todas as áreas da cultura, desde produções audiovisuais, como Stranger Things, até álbuns completos com Euphories. Porém, muitas vezes elas são usadas como muletas criativas que justificam obras pouco abrangentes, sob o pretexto de serem sustentadas pelas batidas características da década. Entretanto, alguns poucos casos, como Stop Making This Hurt, nos fazem olhar para essa aura nostálgica de outras formas, ao usufruir de tudo – e mais um pouco – que poderia da época, sem abrir mão da originalidade.

É fato que se não soubéssemos que o single é um lançamento certamente o confundiriam com alguma balada antiga. Contudo, é através dessa temporalidade bem marcada que os Bleachers conseguem imprimir sua personalidade. Eles abrem mão de aspectos contemporâneos e embarcam de cabeça na proposta de criar uma faixa que poderia fazer sucesso tanto hoje como 40 anos atrás. Mantendo as inspirações que construíram o último álbum da banda, Gone Now, podemos ver que eles continuam neste caminho de descoberta e exploração de novas possibilidades para sonoridades passadas.

E por mais contraditório que possa soar, Stop Making This Hurt é uma inovação datada, uma novidade nostálgica e uma contemporaneidade saudosa. Assim, enquanto aproveitamos o mais recente lançamento da banda, temos a oportunidade de aproveitar uma época que muitos não viveram, de forma muito mais imersiva do que uma simples playlist com a-ha e Whitney Houston poderiam nos entregar. Ao focar na atualidade e espelhar o passado, Bleachers torna sua estética sonora marcante e atemporal. – Ana Laura Ferreira

BK’ – Dinheiro, Poder, Respeito

Abebe Bikila lançou sua primeira música pelo selo do próprio artista. A Gigantes surge como produtora e já teve um grande lançamento. Dinheiro, Poder, Respeito abre um horizonte de possibilidades e gera uma boa expectativa para o público.

Na faixa, BK’ apresenta um drill bem contundente, demonstrando mais uma vez a versatilidade do rapper, passeia com tranquilidade pelas vertentes do gênero e se sente à vontade em todas. O beat encaixando impecavelmente, mostrando novamente que BK’ e JXNXS é o casamento perfeito.

Uma característica interessante da música é a referência do nome com a faixa Money Power Respect, de Travis Scott. Além disso, temos a produção do clipe que está em alto nível, gravado nas ruas da Lapa, com carros e motos de luxo e cenas que expressam um pouco da vivência na cidade. – Elder John 

Pabllo Vittar – Ama Sofre Chora

No final de abril, a cantora Pabllo Vittar performou em uma festa no Big Brother Brasil 21, e ao encerrar a apresentação, mostrou uma aliança em seu dedo. O público foi ao delírio e logo começou a se especular que a drag queen mais querida e amada do país iria se casar. A encenação, no entanto, não passava de uma divulgação do primeiro single do quarto álbum da artista, Ama Sofre Chora. A música foi lançada com o clipe no dia 7 de maio e mostra uma Pabllo Vittar devastada e abandonada no altar.

Para quem conhece a carreira da artista, sabe muito bem a sua capacidade de transitar entre diversos ritmos com facilidade, e o mais importante, com qualidade. Na nova música, Pabllo resgata novamente o forró utilizado nas músicas Amor de Que e Seu Crime. Não chega ser impactante como as anteriores, mas o refrão é tão grudento quanto. Produzida pela Brabo Music, a música definitivamente não é a melhor entrada para uma nova era, mas está longe de ser ruim.

O destaque, no entanto, vai para o vídeo dirigido por Flávio Verne – coreógrafo de Bandida e Modo Turbo – e a própria intérprete. Nele, a cantora realiza o seu sonho de ser uma noiva no maior estilo de novela mexicana. Nossa dama trai o seu noivo momentos antes do casamento, é desmascarada e abandonada no altar. A narrativa torna a música curta e mais dinâmica. Digamos que Ama Sofre Chora foi um aperitivo. O prato principal mesmo é a dona do instrumental que fecha o clipe, dando a entender que se trata de um pedaço da próxima música de trabalho. – Giovanne Ramos

J Balvin – 7 De Mayo

Este foi o mês de comemorar o aniversário de um dos nomes mais importantes da Música latina. No dia 7 de maio, J Balvin celebrou seus 36 anos com um single intitulado com sua data de nascimento. Diferente do que se espera da estrela do reggaeton, 7 de Mayo traz uma produção simples, destacando a habilidade letrista do artista com uma pincelada de rap.

O que condiz perfeitamente com a característica autobiográfica e íntima da canção, que integra trilha sonora do seu documentário The Boy From Medellín. Abençoado pelo ícone da música latinoamericana Daddy Yankee, o nome de peso da indústria musical mundial abre portas para muitos outros artistas fora do domínio estadunidense e merece ser devidamente celebrado. Viva J Balvin! – Raquel Dutra

Anitta e DaBaby – Girl From Rio

Recentemente, Anitta lançou o remix do single Girl From Rio, uma nova versão em parceria com o rapper norte-americano DaBaby, conhecido por seus sucessos RockStar, BOP e Suge, e por trabalhar com outras grandes artistas, como Megan Thee Stallion e Dua Lipa. Buscando uma vibe diferente para a música, a cantora apostou em uma pegada mais hip hop, além, é claro, de investir na produção de um videoclipe. Gravado em estúdio, o vídeo apresenta os artistas cantando em frente a um telão, projetando o clipe da versão original da música, o que combina perfeitamente com o estilo bem descolado e ousado da cantora.

A breve releitura que Anitta faz no início, da clássica canção Garota de Ipanema, logo sai dos tons de bossa nova e misturam-se com as batidas de funk e trap, que contempla a nova imagem refeita da Garota, no contexto do Rio de Janeiro atual. Além de trechos mais voltados para o rap, o remix ainda ganhou versos inéditos cantados pelo norte-americano, o que deu um toque a mais para essa nova versão. Visando um maior alcance para o single, Anitta não apenas deseja com esse projeto o crescimento de sua carreira internacional, mas também levar a música brasileira para o mundo. – Gabriel Brito de Souza

Oneohtrix Point Never e ROSALÍA – Nothing’s Special

Não existe palavra melhor para definir o mais recente lançamento de Oneohtrix Point Never e ROSALÍA, Nothing’s Special, do que dor. Isso porque podemos perceber tal emoção rasgante na voz da cantora, tanto quanto conseguimos sentir isso em nossos próprios ouvidos. A mistura de um pop underground com uma influência um tanto lo-fi, acaba por criar um single que nos tortura e angustia, das formas mais negativas possiveis.

É realmente triste descrever uma obra de ROSALÍA como dolorosa nestes termos, mas aqui sua lamentação e pungência, tão bem trabalhadas em produções anteriores como em El Mal Querer, fogem de controle para se perderem. E mesmo puxando essa influência da estética sonora conflitante, já consolidada por Oneohtrix Point Never que ainda traz influências de instrumentos clássicos asiáticos para a composição, isso não a torna mais tragável. Podendo, assim, ser vista não como uma falha de percurso na carreira de ambos, mas simplesmente como uma tentativa, que valeu a pena ser testada, mas acabou não saindo como o planejado. – Ana Laura Ferreira

Marshmello e Jonas Brothers – Leave Before You Love Me

Dono de um currículo de parcerias com ex-estrelas Disney, como Selena Gomez e Demi Lovato, o DJ Marshmello se apoia no retorno do Jonas Brothers para lançar uma música espetacular, daquelas que a gente nem sabia que precisava desse feat até ouvi-lo. Depois de uma apresentação majestosa no Billboard Music Awards, foi divulgado de surpresa o clipe de Leave Before You Love Me. 

Marcado pela mudança de arranjos e de inspirações, o trio mostra o amadurecimento de suas canções. Juntamente com as batidas mais eletrônicas de Marshmello (bem próximo à Circles, de Post Malone), os vocais de Joe são o clímax de toda a música. Sem deixar de ser influenciado pela brilhante e marcante voz de Nick, Joe mostra seu merecido potencial que tem se aprimorado com seus anos de carreira (orgulho!). 

O diretor Christian Breslauer traz aquela recente sensação oitentista dentro de uma estação de metrô, cenário já visto em outro clipe de ex-companheiros da Disney. A falta de originalidade bateu na porta e o vídeo acabou sendo uma reciclagem de fórmulas de sucesso. Além disso, acaba sendo irônico (até mesmo engraçado) os irmãos cantarem sobre falta de compromisso de um amor de uma noite qualquer enquanto todos estão casados, construindo uma família. Mesmo assim, a música remete aquele sentimento de playlists de viagem: dançante e contagiante, combo que oferece grandes feitos para os Jonas Brothers. – Júlia Paes de Arruda

AURORA – Runaway (Lvl.2)

Em 2016, a jovem cantora AURORA estreou no cenário musical com seu primeiro álbum gravado em estúdio, All My Demons Greeting Me As A Friend. Levando sua voz angelical para além das terras norueguesas, AURORA continua até hoje encantando o público com suas composições que sempre buscam trazer um toque mais sentimental, e a importância da ligação humana com a natureza. Recentemente, a cantora tem caminhado para a produção de seu quarto álbum, mas nessa procura por inspiração, AURORA viu em seu disco debut uma oportunidade de reencontrar as conexões que criou ao longo de suas produções.

Trazendo pequenos projetos musicais em comemoração aos 5 anos de lançamento do álbum, não somente a cantora está renovando suas energias, como também seus fiéis ouvintes. Um dos atuais projetos, foi o lançamento de novas versões acústicas do single Runaway, que neste ano completa 6 anos desde seu lançamento. Outra novidade também foi o clipe de Runaway – Tik Tok Fan Edition, que é um compilado de gravações feitas por usuários da rede social usando o efeito que a faixa recebeu no aplicativo. Mesmo sem o lançamento de novas músicas, poder lembrar os maiores sucessos da cantora tem sido uma experiência incrível. – Gabriel Brito de Souza

Tasha e Tracie – Perfil #86 MPIF – Mulher Preta Independente de Favela

MPIF – Mulher Preta Independente de Favela, é o que dá nome e cara ao primeiro single das gêmeas Tasha e Tracie de 2021,  além de ser também o título do coletivo de empresárias co-idealizado por elas. A música e o clipe, fazem parte do projeto Perfil, da PineappleStormTV no YouTube. Em linha com todo o seu  trabalho dentro e fora da cena musical, desde o movimento Expensive $hit que incorpora blog, discotecagem e brechó, e começou em 2014, até o pesadíssimo EP ROUFF, no qual estrearam no rap em 2019, o single com produção de MU540, lançado em 12 de maio, figura como mais uma pedrada da dupla.

Em MPIF, as gêmeas transitam pelo rap funk com pinceladas de drill, sem desperdiçar uma linha, e fazem o refrão “Gosto de whisky, de Buchanan’s, gosto de lupa e lente roxa/Gosto de baile, de unha branca, culpa, eu gosto na minha conta”, grudar na mente. Agressivas como sempre e afiadas como nunca,  à medida que o beat do single evolui, Tasha e Tracie narram a sua trajetória: falam da família, dos haters, do Jardim Peri, bairro periférico da Zona Norte de SP onde cresceram, e acima de tudo do seu sucesso, com razão.

A habilidade de carregar as letras de indiretas e alusões nem sempre explícitas, e transicionar por diferentes flows, sem perder a essência, dureza e o impacto nas rimas, é algo que Tasha e Tracie sempre fizeram, mas que fica absurdamente evidente em MPIF. A música começa sombria e lenta, mas deslancha depois do segundo verso, que antecede a ponte no beat clássico do funk paulista e referência brilhante ao MC Zóio de Gato, “Eu não quero buchicho, eu só quero dinheiro /E se a base colar”. No clipe, as gêmeas dançam, fazem careta e saem de cena, mas seguem tranquilas, ao explodir nas linhas: “Nós escreve as rima que esses cara fala: “Por que eu não escrevi?”/Tasha e Tracie mais uma vez tranquilas/Desempregando, desempregando fracos MC’s”.  No primeiro single do ano, Tasha e Tracie provam que estão só começando, e não vão pedir desculpas por trilhar esse caminho. – Andrezza Marques

Coldplay – Higher Power

Altos e baixos e surpresas boas e decepções constroem a vida do público de Coldplay. Se o último álbum da banda possibilitou muitos caminhos promissores, conexões com o contexto social atual e um sinal ao retorno de suas raízes tão preciosas, o primeiro single da nova era não poderia ser mais frustrante. Higher Power chega em vestes futuristas, sonoridade eletrônica e enfeitado com hologramas, quando a última coisa que os sobreviventes do último ano desejam é estabelecer qualquer tipo de contato intermediado por tecnologias. 

E num tempo bom, Coldplay produziu arte sincera que olha no olho como ninguém, mas agora insiste em se esbaldar na megalomania quando a sensibilidade, proximidade, sinceridade e as coisas mais simples possíveis são nossas maiores carências. Higher Power é mais uma triste mancha na carreira da banda que joga pela janela tudo o que Coldplay construiu com Everyday Life, provocando um tombo estratosférica para a confiança que a banda conquistou de seus fãs nos últimos meses. – Raquel Dutra

Gabeu – Cowboy Fora da Lei

Ao longo de sua infância e adolescência, Gabriel Felizardo tentou fugir o quanto pode do sertanejo. Sendo filho de um dos maiores nomes do gênero, o cantor Solimões, da dupla com Rio Negro, o jovem enxergava o fato de ser gay como um empecilho, por conta do preconceito e falta de representação que há nesse cenário. Mas, em certo momento, foi tamanha a indignação de Gabriel, que o motivou a buscar essa revolução pela presença de vozes LGBTQI+ no sertanejo. Hoje, aos 21 anos, Gabeu, nome artístico do cantor, é um dos grandes precursores do chamado queernejo, um movimento musical sertanejo que pretende trazer representatividade e transformação em toda a indústria musical brasileira.

Estando na produção do primeiro álbum de sua carreira, Gabeu recentemente acaba de lançar um cover de uma das clássicas canções do cantor Raul Seixas, Cowboy Fora da Lei. A releitura do artista ganhou um toque diferenciado graças a mistura de elementos do sertanejo, country e leves batidas do rock, que tomam ainda mais destaque com o figurino e cenário usados no videoclipe. Já contando com dois hits, Amor Rural e Sugar Daddy, Gabeu veio mais uma vez mostrar que através da música podemos ultrapassar barreiras e quebrar paradigmas impostos pela sociedade que perpetuam preconceitos e discriminações. – Gabriel Brito de Souza

Joshua Bassett – Feel Something

A impulsividade pulsa Feel Something, single de Joshua Bassett que parece esquecer o recém-lançado EP. O cantor escolheu liberar a música na janela em que High School Musical: The Musical: The Series exibe a segunda temporada, ajudando no hype do artista, além de sua curta duração ser sinônimo de mais repetições nos aplicativos de streams.  

Muito mais marcante que as canções que compõem o Extended Play, Feel Something mostra o lado brincalhão e imaturo de Bassett, comumente obscurecido pelo garoto faminto de amor. No mesmo mês em que se assumiu queer (e foi questionado sobre o episódio), Joshua nos agracia com o melhor trabalho desde Anyone Else. – Vitor Evangelista

Anne-Marie e Niall Horan – Our Song

A mais recente parceria de Anne-Marie, conhecida por músicas como FRIENDS e Clean Bandit, pode ser descrita como uma bela e sedutora nativa ao melhor estilo Bonnie e Clyde. Ao lado de Niall Horan, a cantora equilibra história, eu-lírico e sonoridade, nos deixando sempre com um gostinho de quero mais. Através de uma música pop chiclete e uma estética bem marcada por sua inspiração já citada, somos cativados por Our Song como se a música fosse realmente nossa.

Não é nem preciso falar que as vozes de Horan e Anne-Marie combinam, pois parece que foram feitas para estarem juntas. Sendo sinceros em manter os estilos próprios impressos na faixa, que caberia perfeitamente no último álbum de qualquer um dos dois, nos vemos viciados em sua construção que se torna ainda mais preciosa com o clipe que a acompanha. E é cometendo crimes que o single rouba um lugar em nossas playlists. – Ana Laura Ferreira

Onze:20 – Mil Vidas

Quem não anseia por um ponto de esperança em meio a esse caos, não é mesmo? Sentar à beira da praia com os amigos, ouvir o mar a uma distância de pés de você, comemorar uma nova fase da sua vida. Essa sensação de calmaria e de leveza é o que acompanha Mil Vidas da banda Onze:20, uma serenidade acústica que muitos precisam ultimamente. 

Seguindo a mesma linha de Meu Lugar, mas permanecendo num reggae ritmado, Mil Vidas compartilha o companheirismo, o amor e a leveza que Onze:20 sempre demonstrou com seus clipes. Mantendo aquele ar de vídeos caseiros e mais íntimos, sem grandes feitos cinematográficos, os integrantes constroem harmonias que correspondem à mansidão de uma música bem praieira. Num clima bem ensolarado, cantam mensagens positivas, acerca de amor e acolhimento. Nada mais efetivo para os momentos introspectivos e difíceis que passamos por esses meses. – Júlia Paes de Arruda

aespa – Next Level

O grupo de k-pop aespa debutou em novembro do ano passado pela SM Entertainment, uma das maiores empresas sul-coreanas e responsável por uma série de pioneirismos no gênero. Como esperado, o quarteto carrega o experimentalismo musical que a empresa propagou anteriormente em outros grupos como f(x), Red Velvet e NCT, e com Next Level, sucessor do single de estreia das meninas, não foi diferente. A música faz com que os outros grupos novatos pareçam básicos.

A canção não é totalmente original, na verdade, se trata de uma regravação adaptada exclusivamente para o grupo. Originalmente, Next Level é interpretada por A$ton Wyld e faz parte da Trilha Sonora de Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw. No entanto, o toque do produtor Yoo Young-jin remodelou a música, fazendo dela uma viagem mesclada em hip-hop dance e upbeat-jazz. Literalmente, é como se fossem várias músicas em uma só e com transições bem definidas.

Não é a primeira vez que algo assim acontece no k-pop. As suas veteranas da mesma empresa, Girls’ Generation, há 8 anos eram elogiadas pela crítica por I Got a Boy. A música mescla no mínimo três gêneros e seções diferentes e foi nomeada como “alegremente caótica”. Next Level não superou a genialidade das antecessoras, mas certamente deu um passo à frente saindo da mesmice que domina os grupos femininos. A partir de hoje, um gênero por música é pouco. – Giovanne Ramos

Martinho da Vila – Vidas Negras Importam

O assassinato de George Floyd em 25 de maio por um policial de Minneapolis despertou um dos maiores movimentos sociais nos Estados Unidos e no mundo. O Black Lives Matter, que já existia, ganhou força como debate contra a violência e morte de pessoas negras. E, aqui no Brasil, o sambista Martinho da Vila se junta ao compositor Noca da Portela para trazer o tão importante assunto à tona na música Vidas Negras Importam, lançada no dia 13.

Em seu Facebook, Martinho contou que gravou a música em capela, batucando em uma caixa de fósforos. Ainda em um período de pandemia, o cantor percebeu que não havia a necessidade de ir ao estúdio. Então mandou a gravação para seus produtores, que harmonizaram e adicionaram violão. Mesmo de longe, a equipe conseguiu construir uma faixa coerente e completamente necessária. 

No Lyric Video postado em seu YouTube, assim como na capa do single, desenhos mostram a diversidade de tons, cabelos e características do povo preto. Todos os detalhes visuais junto a uma letra simples discutem o racismo de uma forma que apenas o escritor e compositor engajado em causas negras há anos conseguiria fazer. – Mariana Chagas

Galantis, David Guetta e Little Mix – Heartbreak Anthem 

Os dias de glória do Little Mix estão de volta! Depois do brilhante lançamento da nova versão de Confetti, elas fizeram história ao se tornar a primeira girlgroup britânica ao levar para casa o machista troféu do BRIT Awards. Além disso, as futuras mamães britânicas se personificaram mais uma vez em busca do single do verão. 

Dessa vez, dando voz a parceria dos renomados DJs David Guetta e Galantis, Jade Thirlwall, Leigh-Anne Pinnock e Perrie Edwards mostram o talento vocal em Heartbreak Anthem, porém dentro de uma composição eletrônica já conhecida. A batida da música é característica do francês, porém com algumas inovações dos suecos. A música, portanto, está dentro da fórmula perfeita para bombar no verão do Hemisfério Norte, porém ainda decai quando o assunto é a divulgação da girlgroup dentro do país norte-americano. 

Apesar da música “comum”, porém, o Little Mix trouxe a inovação no clipe. Mesmo com ⅔ grávidas, elas conseguiram entregar um visual impecável para o vídeo. Ao trazer a estética circense, elas surpreenderam com as extravagantes perucas e roupas, no estilo dos habitantes da capital de Jogos Vorazes. Heartbreak Anthem, está pronto para abrir, portanto, aquilo que Confetti iniciou: uma nova era renovada e brilhante das misturinhas. – Larissa Vieira

Jup do Bairro – Sinfonia do Corpo

A obra de Jup do Bairro trata muito da experiência do corpo, e nem poderia ser diferente. Quando se habita um corpo como o que Jup habita, um que é constantemente julgado, violentado, marginalizado, sentenciado e hostilizado, não há como ignorá-la. E ela não ignora. Em 2020, recebemos o apoteótico EP CORPO SEM JUÍZO, em que a rapper toma conta de suas narrativas, retoma o poder sobre seu corpo e o reafirma da forma mais transgressora possível. A capa é um close em seu corpo, suas marcas e suas cicatrizes, evidenciando o caráter vulgar do trabalho. O resultado é um grito de autoafirmação e autoestima, individual e coletiva, que ecoa e confronta rígidas estruturas de poder. Além disso, o EP é uma das peças musicalmente mais interessantes do ano passado. A produção da BadSista experimenta desde uma ambiência cinematográfica de timbres eletrônicos em TRANSGRESSÃO até instrumentais de punk rock na poderosa PELO AMOR DE DEISE. Sonoridade diversa e múltipla, assim como as vivências corpóreas que Jup desvela.

Agora, em 2021, ela toma o caminho inverso. Se CORPO SEM JUÍZO mostrava uma Jup afrontosa e resiliente, em seu último single, Sinfonia do Corpo, ela abre suas feridas e se permite vulnerável quanto aos seus conflitos com seu corpo. BadSista retorna para produzir essa faixa, entregando um instrumental minimalista, que trabalha com pouquíssimos elementos sonoros, para assim dar liberdade para que a voz carregada da artista preencha os espaços vazios com sua poesia visceral. Na letra, ela aborda lírica e alegoricamente as dores de sua experiência particular como mulher preta, trans e gorda, e o fardo, que ela inevitavelmente carregará, da luta de todas que vieram antes. Por muitas vezes ela abraça a contradição, demonstrando fraqueza e desesperança, ao passo que nunca deixa de levantar e se posicionar ativamente: mesmo que ela sinta fome, ela vai falar que está com fome, não importa o quanto incomode. Como a própria Jup do Bairro admite, essa talvez seja a composição mais íntima de sua discografia até aqui. 

Além disso, a canção ainda acompanhou o lançamento de, como a Jup decidiu nomear, um clipe-poesia, onde ela retrata de forma crua, intimista e artística a sua rotina habitual, em contraste à sua figura pública. Ela confronta esses signos, os colocando lado a lado e questionando a veracidade de nossas imagens dentro dos espaços das redes sociais. Sendo assim, a cantora também tece uma crítica às expectativas desumanizantes depositadas a corpos periféricos: não é permitido fragilidade, tristeza, instabilidade; é necessário que o tempo todo você transpareça força, ânimo, empoderamento; não lhe é permitido errar, aprender; lhe resta apenas a perfeição ou o abandono. E como essa lógica é extremamente violenta para corpos que já sofrem imposições e opressões sistemáticas, e que ainda precisam lidar com os mesmos problemas com aqueles que deveriam ser amparo e socorro. Por fim, Sinfonia do Corpo apresenta nuances que dois ou três parágrafos escritos por um homem cis jamais conseguiriam suprir. Então, eu finalizo dizendo: ouçam Jup do Bairro, apenas. – Enrico Souto

Katy Perry – Electric 

Tudo bem, talvez seja hora de assumir: Katy Perry não é mais relevante como antes. Depois de anos de baixo desempenho comercial e álbuns decepcionantes, a baby blue nem existe mais no imaginário do público. Apesar disso, Katy ainda tenta garantir seu espaço na cultura pop – e dessa vez, é com o primeiro single da Trilha Sonora de aniversário de Pokémon, Electric. Junto com os veteranos The Monsters & Strangerz, ela repete sua fórmula nesse eletropop mediano.

Caindo facilmente na categoria de faixas pop acessíveis para a família, Electric pode não impressionar, mas entrega o que propõe: uma faixa comercial sobre positividade e superação. A canção não encanta como How Far I’ll Go ou Into the Unknown, mas também não é intragável como Happy ou Can’t Stop the Feeling. Assim como os últimos anos da carreira de Katy, Electric é interessante, mas não o suficiente. – Laís David

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

É com um pop que passa raspando pelo country tradicionalmente americano que Faye Webster entrega o single I Know I’m Funny haha. Simples mas ainda assim muito imersiva, a música consegue nos conquistar por ser uma balada despretensiosa que se mantém com uma personalidade forte, fazendo com que ela se destaque em meio a tantas mesmices que escutamos por aí. E isso se dá graças a cantora, que consegue nos trazer para sua perspectiva e contar sua fração da história sem que tudo pareça uma simples narração impessoal.

Trazendo um lirismo ácido, que anda pela linha tênue entre a tragédia e a comédia, Webster nos incentiva a rir dos inconvenientes e simplesmente gritar um sonoro f***-se para as desgraças da vida. Como quando ela canta “Acho que suas irmãs são tão bonitas/Ficaram bêbadas e esqueceram que me conheceram”. Pois é flutuando entre esses dois extremos do drama que I Know I’m Funny haha consegue entregar sua sinceridade. – Ana Laura Ferreira

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land 

Para os órfãos do The Family Jewels e do FROOT, o novo lançamento de MARINA (ex-and The Diamonds) é um prato cheio. Ancient Dreams In A Modern Land também dá nome ao mais novo álbum da artista, que será lançado em 11 de junho, e é um exemplar do melhor que a britânica tem a oferecer. Aqui, ela combina suas letras ácidas recheadas de crítica social com uma sonoridade pop com elementos de rock, e o passeio em uma progressão de notas fora do convencional. 

MARINA é singular justamente por seu ‘pop político’. Algumas de suas melhores faixas seguem exatamente essa linha, em que as rimas costuram questões sociais com uma sonoridade chiclete. Para os que pensam que é a primeira vez que a cantora está navegando nessas águas, sugiro que ouçam seu debut, The Family Jewels. Canções sobre amor e juventude tem grandessíssimo valor, mas é um alívio ouvir alguém entoar versos que causem estranhamento por seu teor de problematização. E nisso, MARINA é excelente. – Jho Brunhara

Lil Nas X – SUN GOES DOWN

Pole dance, som devasso e lapdance para Satanás? Isso ficou lá atrás com o hit que colocou todos para dançar e sensualizar. O novo single de Lil Nas X que estará em seu tão aguardado álbum vai de contramão de MONTERO (Call Me By Your Name). Com SUN GOES DOWN, o rapper se abre e expõe suas antigas inseguranças e pensamentos autodepreciativos que perseguiram-no em sua adolescência. Como uma pessoa negra e LGBTQIA+, o pequeno Nas X passou traumas e questionamentos que, ao som riff característico – desta vez com sample de iann dior -, deu vida à uma canção tocante e pessoal.

Com versos fortes, SUN GOES DOWN, produzida por Take a Daytrip, Omer Fedi e Roy Lonzo, expõe solidão e revela um artista que já esteve em conflito. O videoclipe também é emocionante. Co-dirigido pelo próprio cantor em parceria com a Psycho Films, narra parte de sua adolescência com easter eggs da vida do artista – como o trecho do vídeo de Panini, e uma conta antiga do Twitter que polemizou.

Talvez a música não seja um grande sucesso como a sua antecessora, mas definitivamente mostrou uma nova faceta do astro que é relativamente novo no mainstream e está conseguindo manter uma consistência qualitativa em seus trabalhos. Menos do hip-hop do que as obras anteriores, Lil mostrou ser também competente quando se trata de um pop melancólico. – Giovanne Ramos

O meme “chega a manteiga derrete” se encaixa perfeitamente no mais novo hit do BTS. Isso porque o grupo sul-coreano lançou recentemente a música Butter, que já derreteu diversos recordes como: faixa mais rápida da história a atingir 100 milhões de reproduções no Spotify (em apenas 7 dias), videoclipe com mais visualizações em 24h no YouTube (108.2 milhões) e #1 da Billboard Hot 100, tornando-se o grupo mais rápido (em apenas 9 meses) a conquistar quatro músicas em primeiro lugar nos charts desde 1970. 

Butter é o segundo single em inglês do BTS e tem influências de disco, EDM e pop de uma forma refrescante e madura, com um ritmo em 110 BPM, sintetizadores e uma linha do baixo que relembra um pouco Good Times (Chic) e Another One Bites the Dust (Queen). RM, um dos integrantes, afirma que a canção é ideal para o verão e foi criada para que todos pudessem dançar e aproveitar o momento. 

Diferentemente de suas outras canções lançadas ano passado como Life Goes On (do álbum BE), Shadow e Black Swan (de Map of the Soul: 7), que abordavam temas mais introspectivos como a relação deles com a arte e um retrato do que sentiram durante o isolamento social, desta vez, o BTS decidiu trazer uma faixa que exaltasse uma mensagem leve e que demonstrasse a personalidade e carisma de cada integrante. Independentemente do gênero musical ou idioma, o grupo manteve seu estilo próprio e versatilidade, experimentando melodias e misturando trechos de vocais com rap. – Rafaela Thimoteo

Lukas Graham – Happy For You

Lukas Graham está feliz por você em seu novo single. Com a dimensão emocional e identidade musical de sempre, o primeiro lançamento 100% autoral do ano da banda dinamarquesa constrói um hino aos corações partidos e relacionamentos findados. Diferente da artista que possui todas as licenças para tratar desses temas na música pop de 2021, em Happy For You, o vocalista encontra vazão para os seus sentimentos de uma forma mais positiva, mas ainda dolorida.

E ainda bem que existem os momentos para ambos os comportamentos e perspectivas, porque assim, sempre seremos acalentados independentemente da forma de encarar a decepção amorosa. O time de Olivia Rodrigo já está formado, mas se você não está no momento da revolta e de se perder entre seus desejos para o ex-alvo de seu amor, corra para a calmaria e sinceridade de Lukas Graham. – Raquel Dutra

Clipes

Ashnikko e Princess Nokia – Slumber Party

A cada dia que passa, a carreira da rapper norte-americana Ashnikko tem alcançado ainda mais o estrelato. Depois de seu single Stupid ter viralizado no TikTok em 2019, no início deste ano a cantora lançou seu primeiro mixtape intitulado DEMIDEVIL, onde sem pudor algum traz mensagens feministas e críticas ao patriarcado e o machismo enraizados em nossa sociedade. Com o sucesso do disco, Ashnikko continua atraindo ainda mais seguidores, principalmente no TikTok, onde sempre conquistou grande visibilidade, mas agora a música da vez foi Slumber Party, parceria com a também rapper Princess Nokia.

Nos últimos meses a música tem sido muito usada em vídeos da rede social, e para nossa alegria Ashnikko lançou um clipe para uma das faixas mais ouvidas de DEMIDEVIL. Com uma letra ousada, as cantoras não hesitam em exaltar a feminilidade e explorarem seus lados mais sensuais, o que também não faltou na produção do clipe. Apesar de sua fama na demora de novos lançamentos, já justificado pela artista devido seu aspecto perfeccionista, que a impede de lançar algo sem antes passar por muitas revisões que a deixem contente. Mas, como já esperado, recebemos uma produção impecável aos olhos e ouvidos. – Gabriel Brito de Souza

Performances

Olivia Rodrigo no BRIT Awards

Poucas são as carreiras que já começam estourando, mas Olivia Rodrigo vem fazendo o impossível e alcançando recordes com um álbum antes mesmo dele ser lançado. Entre eles, foi a sua apresentação na noite de 11 de maio. O palco onde cantou pela primeira vez o seu single de estreia foi, nem mais nem menos, o do BRIT Awards. Na plateia, nomes como Taylor Swift, Dua Lipa e Harry Styles a assistiam. Não é um público fraco para um primeiro show, certo? 

Mas a garota arrasou mesmo assim. Com um vestido da Dior, feito pela estilista Anna Hughes-Chamberlain, Olivia usava vermelho para combinar com a letra de seu hit (red lights/stop signs). O palco contava com um fundo cheio de borboletas que voavam ao seu redor, dando um ar mágico para o espetáculo. Junto a sua voz magnífica, porém um pouco tensa, apenas uma harpa e piano a acompanhavam. A jovem não precisou de nada mais para garantir uma linda apresentação. Mais uma vez, Olivia Rodrigo provou que veio para ficar. – Mariana Chagas

Elton John e Years & Years no BRIT Awards

O BRIT Awards de 2021 foi recheado de performances incríveis, mas nenhuma com o potencial de se eternizar tanto quanto a apresentação de Elton John e Olly Alexander, vocalista do Years & Years, com a impecável regravação de It’s a sin do Pet Shop Boys. O clássico oitentista ganhou uma nova roupagem, mais moderna e eletrônica, mas ainda fiel ao estilo da sua época de origem. Mas, apesar de todas as mudanças benéficas, o que a torna um hino é a combinação perfeita dos vocais de Alexander e John, que juntos criam camadas e mais camadas ao clássico.

A música, que teve como pontapé de sua regravação a série britânica homônima de Russell T Davies, é uma chamada de atenção para assuntos importantes como a epidemia de HIV/Aids que tomou o mundo nos na década de oitenta e foi escondida sob os tapetes de todos os governos, atingindo principalmente a comunidade LGBTQ+ da época. Como uma forma de relembrar o passado para que não cometamos os mesmos erros no futuro, a performance da premiação foi feita para chamar a atenção, chocar e nos marcar. Mais do que poderíamos prever, It’s a sin precisa, e merece, ser revisitada, exposta e divulgada por todos para que cada vez mais possamos entender que música é também uma forma efetiva de protesto. – Ana Laura Ferreira

Dua Lipa no BRIT Awards

Se um dia Dua Lipa foi julgada por suas performances fracas e pouca habilidade em dança, atualmente ela faz questão de ir contra todos os comentários negativos e deixar o público de boca aberta quando sobe no palco. E não foi diferente no BRIT Awards de 2021, onde a cantora não só se destacou levando prêmios de grandes categorias para casa, mas também com um dos – se não o melhor – show da noite.  

Começando a cantar dentro de um metrô, Dua desembarcou no palco e cantou 5 faixas de seu último álbum, Future Nostalgia. As escolhidas foram Don’t Start Now, Physical, Hallucinate, Pretty Please e Love Again. Com um grupo de dançarinos e diversas mudanças de cenário, Dua Lipa fez valer sua participação na maior premiação musical do Reino Unido.

O look foi uma homenagem a sua origem britânica, vestindo a bandeira da Grã-Bretanha como saia e uma camisa branca. A foto que a cantora postou usando a roupa foi considerada, pela revista Vogue, uma das Melhores Postagens de Moda do Instagram da semana. A artista que vem dominando as paradas e premiações nos últimos anos mostrou, mais uma vez, que seu talento merece cada uma de suas conquistas. – Mariana Chagas

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