Marcela Jardim

Há dez anos, Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 2 chegava aos cinemas encerrando uma das distopias audiovisuais mais influentes do século XXI. Em 2015, o lançamento dividiu público e crítica, mas hoje, uma década depois, o filme se revela uma obra que só ganhou densidade com o tempo. A produção sintetiza o espírito de uma geração que cresceu vendo o colapso de instituições, a crise da democracia e o avanço das guerras por narrativas. Revisitar essas imagens agora, num mundo ainda mais fragmentado e polarizado, expõe a força atemporal da saga e sua capacidade de dialogar com cada novo ciclo de turbulência política. Katniss (Jennifer Lawrence), com sua mistura de heroísmo imperfeito e vulnerabilidade radical, permanece como um símbolo cultural que transcende a ficção e encontra eco nas discussões sobre poder, propaganda e resistência.

A morte de Prim (Willow Shields), talvez o momento mais devastador da franquia, envelheceu como um lembrete incômodo do custo humano dos conflitos. A abordagem da cena, marcada por uma frieza quase documental, ultrapassa o impacto emocional e revela um comentário sobre como governos, tanto no mundo real quanto na ficção, sacrificam inocentes sob o pretexto de uma estratégia maior’. Ver Katniss correr entre fumaça branca e gritos desesperados, apenas para testemunhar a perda de sua irmã, o que moldou toda sua jornada, reforça a dimensão trágica da personagem. 

Uma década depois, a sequência continua doendo não pela surpresa, mas pela inevitabilidade: desde o primeiro filme, a irmã da protagonista sempre foi a representação daquilo que não deveria ser tocado. E quando Panem toca, todo o restante desmorona, tudo isso agravado pelo fato de que Gale (Liam Hemsworth), outrora aliado íntimo da protagonista e moralmente firme, torna-se cúmplice desse mecanismo de destruição. Sua participação no desenvolvimento das bombas o coloca simbolicamente ao lado daqueles que ele jurava combater, ampliando a ferida emocional e revelando como as guerras transformam pessoas comuns em agentes de tragédias irreversíveis, como o oprimido se tornou o opressor.

Outro momento que se tornou icônico com o passar dos anos é a invasão aos túneis e o ataque dos mutts. A cena, filmada como um híbrido de terror e guerra urbana, traduz a lógica desumanizante que permeia todo o conflito, uma lógica que já havia sido aplicada sem piedade a personagens como Peeta (Josh Hutcherson) e Johanna (Jena Malone). O claustro e o ritmo sufocante ecoam diretamente a experiência deles, vítimas de tortura, manipulação psicológica e condicionamento neural que os transformaram em armas vivas da Capital. Quando Peeta entra nos túneis sem saber se é capaz de distinguir amigos de inimigos, sua instabilidade emocional adiciona uma tensão quase insuportável, lembrando o espectador de que guerras produzem traumas que continuam lutando mesmo quando o corpo tenta sobreviver. Johanna, marcada por choques, afogamentos e isolamento, é uma sombra dessa mesma violência institucional. 

 E, nesse cenário já saturado de dor, a morte brutal de Finnick (Sam Claflin) se impõe como uma síntese do horror físico e emocional da guerra. O impacto é ainda maior porque ele morreu pouco depois de se casar com Annie (Stef Dawson), deixando para trás não só uma relação recém-iniciada, como também uma esposa grávida que jamais verá esse filho crescer. Um personagem tão marcado pela exploração, pelas cicatrizes do abuso e pela constante exposição pública termina consumido pelo mesmo sistema que o destruiu na juventude, evidenciando, talvez mais do que qualquer outro momento, a crítica da saga ao uso de corpos, mentes e afetos como instrumentos políticos.

A cena do Túnel da Pedra, em que Katniss leva um tiro e tenta convencer o Distrito 2 a não cair na lógica de ódio disseminada tanto pela Capital quanto pela própria rebelião, ganhou novos significados com o passar dos anos. Assistida dez anos depois, ela se articula diretamente com o fato de que até os distritos mais altos e privilegiados estavam sendo destruídos pela revolução, concretizando a promessa que Katniss fizera no filme anterior: “Você pode nos bombardear, queimar nossos distritos até as cinzas. Mas está vendo isso? Está pegando fogo. E se nós queimarmos, você vai queimar com a gente!”. 

A devastação que atinge Panem inteira evidencia que, numa guerra, não existe lado imune às consequências, e que a retaliação irrestrita cobra seu preço mesmo entre aqueles que antes se julgavam protegidos pelo poder. Nesse contexto, o gesto da personagem no local deixa de ser apenas político e se torna ético: ela está tentando interromper um ciclo de violência que já contaminou o país de ponta a ponta. É uma sequência muitas vezes esquecida pelo grande público, porém que hoje, numa década marcada pela polarização extrema e pela normalização de discursos violentos, ressurge como uma das reflexões mais maduras da produção, uma recusa explícita a permitir que a revolução se torne tão destrutiva quanto o regime que combate.

A troca final entre Presidente Snow e Katniss no jardim, uma conversa calma, quase íntima, permanece como um dos diálogos mais inquietantes da franquia. Coriolanus (Donald Sutherland), revela as fissuras internas da rebelião e planta a semente da desconfiança que levará Katniss ao ato mais ousado da saga: matar Alma Coin. Esse momento, revisitado hoje, parece menos uma reviravolta e mais uma inevitabilidade política. O filme nos lembra que revoluções também se corrompem e que a figura do tirano pode mudar, mas a estrutura de poder tende a se repetir se não for radicalmente transformada. Isso mostra aos telespectadores que Coin e Snow são duas faces da mesma moeda.

Quando Katniss escolhe matar Coin (Julianne Moore) ao invés de Snow, a cena, que na época dividiu opiniões, tornou-se um marco narrativo que resiste ao desgaste do tempo. O ato é simbólico, político e profundamente humano. É Katniss rejeitando ser peça de propaganda, recusando um novo ciclo de violência e destruindo o mito da salvação fácil, além de deixar o ditador morrer nas mãos do povo que tanto destratou. Uma década depois, essa cena ecoa em discussões contemporâneas sobre líderes tiranos, manipulação ideológica e a dificuldade de imaginar sistemas verdadeiramente justos. É a prova de que A Esperança – Parte 2 nunca foi um final grandioso. Na verdade, um fim necessário e revolucionário.

Quando olha-se para trás, o epílogo, no qual Katniss e Peeta vivem em um campo silencioso, tentando costurar traumas com histórias, revela-se infinitamente mais corajoso do que parecia em 2015. Não é um ‘felizes para sempre’ de contos de fada. É um retrato honesto de sobreviventes que carregam feridas invisíveis de guerras que nunca permitiram vencedores, apenas sobreviventes marcados. Embora sigam em frente, criando filhos e cultivando novos rituais de vida, as memórias continuam assombrando, especialmente para a protagonista, cuja paz depende de narrar o passado como forma de domá-lo. 

O final, tão melancólico quanto necessário, dialoga hoje com debates sobre saúde mental, luto coletivo e pós-guerra, mostrando que a paz não apaga o que veio antes, e sim oferece um lugar para continuar respirando. É um encerramento que cresce junto com o espectador, sobretudo em um mundo no qual a noção de ‘recuperação total’ é tão ilusória quanto as promessas dos próprios Jogos. “Meus filhos, que não sabem que brincam sobre um cemitério”, cita Katniss Everdeen.

E talvez o fato de Jogos Vorazes continuar vivo seja o maior indicador de sua atemporalidade. A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (2023) ressaltou que Panem ainda pulsa como uma metáfora dolorosamente reconhecível, mergulhando nas origens do poder, do espetáculo e da manipulação, temas que permanecem centrais nas democracias contemporâneas. Continuando o legado dos primeiros filmes, Amanhecer na Colheita (2026), que explora a história de Haymitch Abernathy, um dos personagens mais traumatizados e politicamente lúcidos da saga, fica evidente que Suzanne Collins e Hollywood compreendem que este universo não é apenas ficção: é comentário social. 

Nesse sentido, a frase de Kendrick Lamar na performance do Super Bowl LIX halftime show: “The revolution is about to be televised, you picked the right time but the wrong guy” (“A revolução está prestes a ser televisionada, você escolheu a hora certa, mas o cara errado”), ecoa como uma espécie de síntese cultural dessa nova fase. Assim como em Panem, a revolução contemporânea não é silenciosa: ela é transmitida, performada e disputada em telas, narrativas e algoritmos, e nem sempre entregue aos líderes certos. No contexto político atual dos Estados Unidos, marcado pela radicalização partidária, pela desinformação e pela disputa feroz pelo domínio do imaginário público, a produção ganha força como leitura crítica. A saga revela como sociedades podem ser conduzidas por narrativas fabricadas, como inimigos podem ser construídos e desconstruídos conforme o interesse do poder, e como revolução pode se tornar espetáculo.

Dez anos depois, A Esperança – Parte 2 segue sendo um dos finais mais ousados do cinema blockbuster justamente porque rejeita a ilusão de um desfecho limpo. A obra insiste que vitórias políticas raramente são puras, que o espetáculo da violência pode corromper qualquer lado, e que o verdadeiro custo da luta não cabe em discursos heroicos. Se Jogos Vorazes continua retornando ao centro da cultura pop, não é somente por nostalgia, mas porque seu mundo distópico, tão brutal, tão humano e tão cheio de ambiguidades, ainda conversa com o nosso. Enquanto a política real continuar funcionando de arena de espetáculo, vigilância e propaganda, Panem permanecerá menos fantasiosa e mais como aviso sobre ditaduras, revolução e poder: ao que tudo indica seguirá urgente por muitas décadas.

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Marcela Jardim

Blank Space, Shake It Off e Bad Blood são apenas alguns hits de uma das eras mais icônicas da ‘loirinha’. Os clipes, a estética e as músicas do 1989 marcaram a transição de Taylor Swift do country para o pop, que mergulhou de cabeça nesse novo gênero – o que deu muito certo. Red (2012), o antecessor do álbum, já havia mostrado sinais de uma mudança estilística, mas 1989 foi a confirmação dessa transformação, apresentando um som claramente mais synth-pop e inspirado pela década de 1980.

Lançado em 2014, o álbum foi um fenômeno cultural e comercial. Taylor Swift quebrou recordes, vendendo mais de um milhão de cópias na primeira semana nos EUA e ultrapassando dez milhões de exemplares mundialmente. Nove anos depois, a relevância de 1989 foi reafirmada com o lançamento de 1989 (Taylor’s Version), que também atingiu números impressionantes, retificando a artista como uma potência na indústria musical. Swift se tornou a primeira a ter seis álbuns estreando com mais de um milhão de cópias vendidas, um feito que reflete não só sua habilidade como compositora e performer, mas também sua conexão inabalável com os fãs.

O 1989 marcou a revolução do pop na década de 2010, ajudando a consolidá-lo como o gênero dominante da época, com influência de artistas como Madonna, Cyndi Lauper e outros ícones dos meados de 1980. A cidade, o verão, as gaivotas e o ar nostálgico representados na arte do álbum ajudaram a moldar a cultura pop da época. A narrativa de 1989, que o torna um disco autêntico e pessoal, ressoou na forma como os artistas passaram a posicionar seus trabalhos. A busca pelo storytelling que equilibra intimidade e universalidade se tornou uma estratégia comum no pop, exemplificada por álbuns como 25, de Adele, e Melodrama, de Lorde. Musicalmente, o uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e uma produção minimalista não só inovaram, mas também influenciaram outros artistas, como Sabrina Carpenter e Olivia Rodrigo, e criaram tendências duradouras no gênero.

O disco é repleto de nostalgia e reflexões pessoais, com letras que lidam com amor, desamor, crescimento pessoal e a busca por identidade. Muitas das músicas do álbum são vistas como autobiográficas, com uma mistura de romance e introspecção. A crítica especializada foi bastante positiva, destacando a maturidade na escrita da artista, que passou a explorar questões de vulnerabilidade e empoderamento de maneira mais complexa. Assim, 1989 venceu em três categorias na edição de 2016 do Grammy Awards, incluindo Álbum do Ano, a principal da premiação.

O impacto de 1989 é visível no sucesso subsequente de Taylor Swift, ao passo que a evolução de sua carreira pode ser analisada à luz do que o disco representou para sua reinvenção artística. A recepção da era, em comparação com outras fases da carreira da ‘loirinha’, foi singular. Além do sucesso do álbum, durante o mesmo período ocorreu os conflitos entre Taylor Swift e Katy Perry, o que resultou na música Bad Blood, faixa em colaboração de Kendrick Lamar. O videoclipe contou com a participação de celebridades e amigas da cantora, como Selena Gomez, Gigi Hadid, Cara Delevingne, Zendaya e Hayley Williams.

O disco foi marcado por videoclipes singulares e hiper produzidos. A produção da faixa de Shake It Off mostra a ‘loirinha’ tentando se encaixar em diversos grupos sociais diferentes, como bailarinas, dançarinos de hip-hop e líderes de torcida. “Ao invés de escrever uma música que estivesse me vitimizando, eu quis escrever uma música alegre, que desse às pessoas uma maneira de aguentar qualquer quantidade de coisas ridículas que a vida está colocando no caminho deles. Mas que também os faça querer dançar”, declarou a artista em entrevista para iHeartRadio, explicando o significado da canção e sua representação visual, que conta com mais de 3.5 bilhões de visualizações no Youtube.

Em Blank Space, a cantora contracena com o modelo norte-americano Sean O’Pry, onde há uma sátira em que a namorada é possessiva, carente e dramática e, ao descobrir que está sendo traída, faz a vida do ex um inferno, afirmando que ele logo será substituído. Taylor Swift inspirou sua personagem a partir das críticas e suposições da mídia em relação a sua pessoa, como disse na entrevista para iHeartRadio. “Comecei a pensar em como este personagem é interessante, se ela fosse uma pessoa real com todas estas qualidades e atributos, qual música ela escreveria? E tenho quase certeza que seria assim”, conclui. Já o clipe de Wildest Dreams captura o tom emocional da música, unindo beleza visual e uma narrativa sobre a efemeridade do amor. Com uma estética deslumbrante e cinematográfica, ele evoca romantismo e saudade, apesar de enfrentar críticas por possíveis conotações colonialistas. Ainda assim, destaca-se como um marco visual na carreira de Swift.

Ao comparar as faixas You Are In Love e This Love, revela-se uma narrativa de amadurecimento e introspecção emocional, características do universo lírico de Taylor Swift. Em ambas as músicas, encontramos retratos poéticos do amor; a primeira destaca a serenidade e a cumplicidade de uma relação estável, enquanto a segunda aborda a ideia do amor que vai e volta, sendo moldado pelo tempo e pela aceitação de sua natureza cíclica. Esses temas se conectam à visão mais madura da artista sobre relacionamentos, presente no álbum 1989, onde ela reflete o impacto do tempo nas conexões emocionais. 

Porém, já em composições como How You Get the Girl e Wonderland, se oferece visões contrastantes sobre o amor e os desafios que o cercam, refletindo a habilidade de Taylor Swift em explorar nuances emocionais complexas. Em How You Get the Girl, ela adota um tom direto e quase didático, descrevendo como reconquistar um amor perdido, capturando a simplicidade e a vulnerabilidade dos relacionamentos juvenis. Wonderland utiliza a metáfora do clássico de Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas, para representar a sedução e o caos de um romance avassalador, onde a paixão desenfreada leva à perda de controle. Juntas, essas faixas mostram como Swift navega por diferentes dimensões do amor, equilibrando leveza e intensidade, e demonstram sua habilidade para transformar experiências pessoais em histórias que ressoam universalmente.

Abordando outro lado do amor, a música All You Had To Do Was Stay explora diferentes estágios de frustração e nostalgia que emergem em relacionamentos complicados, destacando a habilidade de Taylor Swift em capturar nuances emocionais universais. Há um lamento direto sobre a simplicidade de manter uma conexão que foi quebrada, expressando vulnerabilidade através de um refrão marcante inspirado por um sonho peculiar. Já Welcome To New York é uma das faixas que destacam temas de autodescoberta, liberdade e o impacto da mídia na vida pessoal, compondo uma narrativa coesa sobre como Taylor Swift lida com sua imagem pública e suas experiências pessoais. Há uma celebração da reinvenção, com a cidade simbolizando um espaço de liberdade e possibilidades, a música reflete otimismo e uma visão utópica, mas também pode ser vista como um comentário sobre a busca por autenticidade em meio à pressão da mídia.

Por fim, Clean, última faixa da primeira versão de 1989, foi escolhida pela artista para encerrar o álbum devido ao seu significado pessoal e emocional. Para ela, a canção representa a conclusão de um processo de superação que ela vivenciou nos últimos anos, especialmente em relação à exposição e críticas intensas sobre sua vida pessoal. Durante esse período, Swift sentiu que a atenção sobre sua vida fora da música havia ofuscado suas realizações artísticas, mesmo enquanto fazia shows lotados ao redor do mundo e conquistava sucesso com suas canções. No entanto, ao finalizar o disco, a compositora sentiu que havia recuperado o controle de sua narrativa, com a música novamente no centro das discussões. A música aborda a experiência de enfrentar a dor e, com o tempo, alcançar a superação, refletindo o momento em que Taylor se sentiu renovada e em paz com sua trajetória.

A The 1989 World Tour, que aconteceu em 2015 para promover o álbum, foi cuidadosamente elaborada para criar uma experiência imersiva. O palco principal possuía uma passarela extensa que aproximava a cantora do público, complementado por plataformas móveis, telões gigantes e um sistema de iluminação sincronizado com cada música. Os figurinos glamourosos e futuristas refletiam a estética arrojada e sofisticada do disco. Além das coreografias elaboradas e energizantes, um dos elementos mais inovadores foi a distribuição de pulseiras LED aos fãs, que piscavam em sincronia com a música, transformando a plateia em parte do espetáculo. 

A mensagem central da turnê foi o empoderamento feminino e a celebração da auto-descoberta. Em discursos entre as músicas, a cantora frequentemente compartilhava reflexões sobre sua jornada pessoal, destacando temas de força, superação e independência. Um dos aspectos mais comentados da turnê foi a presença de convidados especiais em quase todas as apresentações, como Mick Jagger, Justin Timberlake, Lorde e Serena Williams. Essas participações tornaram cada show único, adicionando um elemento de imprevisibilidade e encanto ao espetáculo. Considerada como a turnê mais lucrativa de 2015, a grandiosidade do espetáculo fez com que a The 1989 World Tour se tornasse um marco cultural e artístico, elevando os padrões para turnês pop.

Da mesma forma, o ato de 1989 na The Eras Tour é uma celebração vibrante e nostálgica de uma das eras mais transformadoras da carreira de Taylor Swift. Durante os shows, a cantora revive os hits como Blank Space, Shake It Off e Style, mas agora com uma energia renovada, que reflete não apenas seu crescimento como artista, mas também a ressignificação emocional dessas músicas uma década depois. Enquanto a era original de 1989 foi moldada pela estética clean e moderna, inspirada na década de 1980, com referências sutis à moda vintage e aos sintetizadores pulsantes que definiram o som do álbum, na The Eras Tour o ato se destaca por uma produção visual grandiosa. As roupas usadas por Taylor no palco são brilhantes e glamourosas, evocando um senso de espetáculo que ultrapassa a sofisticação discreta do passado. Os telões e cenografias utilizam tons vibrantes e luzes dinâmicas, complementando a energia contagiante das músicas e recriando o ambiente pop otimista que o disco trouxe ao cenário musical na época.

A regravação do álbum foi tão bem recebida pelos fãs da artista quanto a primeira versão. A produção do Taylor’s Version é fiel ao som cristalino e moderno da discografia original, com toques atualizados que refletem o amadurecimento vocal e técnico da cantora. Suas interpretações agora soam mais maduras, mas sem perder a energia e o frescor que tornaram 1989 tão impactante. As ‘faixas do cofre’, como Is It Over Now? e Now That We Don’t Talk complementam perfeitamente o restante do álbum, explorando temáticas de amor, saudade e superação com a profundidade lírica característica da compositora. Essas adições não apenas enriquecem a discografia, assim como também dão aos fãs novos vislumbres das histórias e emoções da era 1989. Assim como as regravações anteriores, 1989 (Taylor’s Version) reafirma a posição de Taylor como uma artista que luta pela autonomia e pelos direitos criativos, enquanto celebra sua própria evolução e relação com os fãs.

Uma década após seu lançamento, 1989 consolidou-se como um marco na história da música pop, redefinindo a trajetória de Taylor Swift e ampliando seu alcance artístico. O álbum apresenta letras que capturam com precisão as emoções e os dilemas de uma jovem adulta. Com hits atemporais, o disco não apenas dominou as paradas, mas também trouxe uma nova estética visual, minimalista e moderna, que influenciou profundamente a cultura popular. O sucesso de 1989 se refletiu em sua recepção crítica e comercial, incluindo múltiplos Grammys, além de recordes impressionantes de vendas e streaming. 1989 transcende o tempo e, mais do que apenas uma coletânea de músicas, o disco é um testemunho atemporal de reinvenção, relevância cultural e da capacidade da Arte em refletir e moldar uma geração.

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Henrique Marinhos

Black Panther: The Album, trilha sonora de Pantera Negra, é composto por 14 faixas e foi produzido pela Top Dawg Entertainment, mesma gravadora de Kendrick Lamar. A obra se consolidou como um dos aspectos mais elogiados do filme lançado cinco anos atrás, apresentando uma fusão de influências africanas e afro-americanas que resulta em uma sonoridade autêntica e independente da produção audiovisual. 

O compositor Ludwig Göransson é quem assina a trilha e recebe seus prêmios, destacando como a música tradicional africana, o pop moderno e elementos orquestrais foram as fontes primárias de inspiração para as composições e para o projeto como um todo. Enriquecido também pela participação de artistas como Kendrick Lamar, SZA, Travis Scott e Anderson Paak.

O hip-hop do trabalho assume um papel proeminente no conjunto de faixas, assim como Lamar, o produtor e protagonista do disco. Ainda assim, felizmente, mantém espaço para a diversidade de gêneros que conversam entre si. Além do rap, há influências de R&B, soul e funk, mesmo que em frações do que poderia ser. All The Stars, destaque e single do álbum que marca a colaboração de Kendrick Lamar e SZA, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original e um processo por plágio.

A trilha sonora é habilmente utilizada em diversas cenas do filme, amplificando as emoções e criando uma atmosfera única para passagens específicas – o que estranhamente não se traduz em toda obra audiovisual. All The Stars acompanha uma luta no cassino em Busan, na Coreia do Sul, enquanto Pray for Me preenche o fundo na invasão de Wakanda por Killmonger (Michael B. Jordan). Black Panther: The Album intensifica as emoções no retorno de T’Challa (Chadwick Boseman) ao país após a morte de seu pai, mas, de certa forma, todas parecem desconexas de uma narrativa única.

Apesar disso, é notável que Lamar não apenas produziu a soundtrack, mas também se inspirou nos personagens e nas temáticas do longa. Em várias faixas, ele se personifica como T’Challa e Killmonger, protagonistas e rivais da trama, explorando suas visões de mundo, conflitos e motivações. Ao menos, é o que ele tenta, o que nem todos os artistas convidados aparentam fazer, como no verso de PARAMEDIC!: “Eu sou um assassino / Ninguém é perfeito / Mas todos tem seu valor / Nós não merecemos tudo que o céu e a Terra são”.

Mesmo  que haja predominância de vários artistas do continente africano, como da África do Sul e da Nigéria, por exemplo, a mistura de elementos tradicionais africanos com batidas modernas soam sempre mais afro-americanas e ocidentais que as originárias. Em contrapartida a minoria de nomes consagrados do rap e do R&B estadunidense, como 2 Chainz, Schoolboy Q, Vince Staples e The Weeknd.

Esse conjunto de fatores propõe a plena validade da discussão sobre autenticidade quando os Estados Unidos premiam a trilha sonora de um filme estadunidense sobre um herói africano criado por eles mesmos. O que reflete na predominância de seus elementos em detrimento dos africanos, que são fragmentados, seja por não serem tão cativantes ao público alvo ou até estereotipados, em tempo que boa parte das faixas poderia tranquilamente ser confundida com alguma de DAMN. 

Essa observação suscita questionamentos sobre a representação autêntica da cultura africana no Cinema, além de pontuar o quão intrigante é o destaque do personagem de Michael B. Jordan como o antagonista Wakandiano – criado nos EUA – em defesa de sua cultura originária. Isso acontece em oposição ao herói da realeza, que segue uma trama não tão complexa e habitual de valores e narrativas culturais americanizada, mesmo sequer tendo conhecido a fundo o país de primeiro mundo pelo qual luta.

Em suma, Black Panther: The Album é uma obra musical impressionante que combina influências africanas e afro-americanas, de forma agradável e se mostrando um álbum completo. No entanto, sua conexão com o filme e a representação da cultura no audiovisual levantam questões interessantes sobre autenticidade e identidade.

Toda a complexidade dos personagens personificados no conjunto musical, especialmente o antagonista interpretado por Jordan, destaca a dualidade entre as duas narrativas ideológicas. Mais uma vez, o disco consolida a reflexão, ainda que não proposital, de que a representação da cultura para além do entretenimento ainda tem um longo caminho a percorrer.

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Enrico Souto

É possível que um mortal se torne messias? Sendo este o posto dado a Kendrick Lamar pelo hip-hop, a mensagem que fica ao subir no palco do Grammy para receber seu terceiro gramofone de Melhor Álbum de Rap, em Fevereiro de 2023, é que ele é indubitavelmente humano. Depois um longo hiato, em seu quinto projeto de estúdio, Mr. Morale & The Big Steppers, o artista se apossa desse complexo para mergulhar no mais oculto de seus traumas e, assim, celebrar a beleza de suas imperfeições. 

“Há 1855 dias, eu tenho passado por algo”. É com essa localização cronológica extremamente específica que Kendrick Lamar abre alas para o mais épico de seus contos. Esse é o intervalo exato entre a data de lançamento de Mr. Morale & The Big Steppers, de 2022, e DAMN., de 2017 – separados por cinco anos e todos os eventos apocalípticos imagináveis. Esse mapeamento minucioso é a primeira pista de um dos aspectos mais notáveis de seu projeto mais recente e, longe de uma afirmação trivial, intimista. Aqui, o artista contextualiza o espaço e tempo em que suas faixas se inserem, fazendo com que elas traduzam, para além de confissões individuais, conflitos palpáveis à nossa realidade.

Nessas circunstâncias, o álbum, promovido pouco depois da retomada de eventos presenciais no primeiro semestre de 2022, após dois anos de isolamento pela covid-19, foge da típica arte de escape e oferece um olhar clínico sobre eventos que tomaram conta do debate político nessa época. Movimentos antivacina, abuso sexual, violência geracional e outros temas indigestos são pautas constantes, obrigando o público, agora com a ferida aberta, a colocá-los em perspectiva.

Entretanto, nem mesmo tais comentários são gratuitos. Na verdade, esses cenários amplos cumprem, no grande esquema das coisas, o papel de refletir cada uma das ansiedades que assolam seu eu-lírico. Isso porque, assim como todos nós, o ambiente de absoluta vulnerabilidade instituído pela pandemia colocou Lamar diante de si mesmo, na iminência de enfrentar seus maiores demônios internos – ainda mais à vista de que, como o próprio reforça nos primeiros segundos de disco, os últimos anos, em que ele evitou ao máximo os holofotes, foram excruciantes.

E já vinham sendo, inclusive antes desse período. Em 2012, com good kid, m.A.A.d city, o artista foi coroado como a principal voz do hip-hop desta geração e, três anos depois, seja por uma pressão externa ou auto fabricada, ele atribuiu a si mesmo, em To Pimp a Butterfly, o compromisso de salvar o mundo com sua música. Porém, o rapper provou do próprio veneno e pagou o preço de sua jornada solitária em DAMN., descobrindo que, se a responsabilidade de denunciar todas as injustiças do nosso tempo são depositadas nas suas costas, ninguém sobra para orar por você. Uma incumbência individualista, que nos deixa nada além de uma persona trágica, quebrada e cheia de incertezas.

Contudo, Mr. Morale & The Big Steppers chega para encerrar ciclos. No último lançamento de K-Dot sob o respaldo da Top Dawg Entertainment, sua gravadora desde seu início de carreira, o dilema que assombra toda a sua discografia é enfim expurgado em uma viagem por 18 faixas, que totalizam quase uma hora e meia. O catalisador dessa mudança é retratado na forma de terapia, em que o rapper, acompanhado pelo professor espiritual Eckhart Tolle, abre a cabeça diante de nossos olhos.

Esse processo desvela duas facetas de Lamar. Se Mr. Morale, mais um para sua longa lista de alter egos, representa o complexo messiânico do artista, que ainda vê na sua ascensão social a obrigação moral de resgatar sua comunidade, The Big Steppers personifica os traumas que ainda o rodeiam e o oprimem, contraditoriamente isolando-o, da coletividade, para dentro de suas caixinhas pessoais. O disco brinca com esse conceito através das sonoras de sapateado, que surgem como fantasmas assim que alguma de suas angústias volta a acometê-lo.

Desse modo, as duas forças entram em constante disputa, como figuras pousadas em seus ombros, suplicando por sua perturbada atenção. Ambas são encarnadas por dois rappers proeminentes da nova geração: Kodak Black, que interpreta o passado de Kendrick Lamar, sempre o lembrando dos remorsos que ele leva do tempo das ruas; e Baby Keem, seu primo na vida real e, aqui, o porta-voz de seus afetos, responsável por retornar seus pés ao chão. Do íntimo, esse embate toma proporções homéricas, transformando cada um dos colaboradores em personagens primordiais à obra – dos vocais doces de Sam Dew, que ecoam as emoções de Kendrick entre as faixas, até sua esposa, Whitney Alford, que concede sua voz em interlúdios.

Colocar na mão de jovens rappers papéis tão pivotais à sua arte também evidencia uma abertura maior de Lamar para novas sonoridades. Ao passo que DAMN. adaptou as tendências da cena da época ao seu próprio estilo nos hits DNA. e HUMBLE., Mr. Morale & The Big Steppers assume o trap e o R&B contemporâneo por completo. Sounwave volta para a produção criativa do projeto e esculpe canções como N95 e Die Hard aos moldes dos charts, com refrões marcantes e ad-libs retirados diretamente de uma faixa dos Migos. Ao mesmo tempo, a presença de artistas consolidados como Ghostface Killah, do lendário coletivo de rap Wu-Tang Clan, e Beth Gibbons, a doce vocalista da banda Portishead, induz a um choque brutal entre passado, presente e futuro, essencial à diegese do álbum. 

Cumprida a profecia de seu álbum duplo, Kendrick Lamar estabelece uma relação não só de oposição, mas também de complementaridade entre as duas partes do projeto, que se espelham em âmbito narrativo, musical e lírico. As primeiras oito faixas, na metade The Big Steppers do disco, colocam o eu-lírico em processo de autoconhecimento através da terapia, em que ele compreende como as diferentes violências com que esteve exposto formaram sua autoimagem hoje. Identificada a fonte de suas aflições, K-Dot se vê preparado para entrar em paz com elas e consigo mesmo em Mr. Morale, desselando um cofre que, até então, esteve sempre lacrado.

Escutar Mr. Morale & The Big Steppers de uma ponta a outra pode soar repetitivo, mas isso é absolutamente proposital. Apesar de delimitado em dois segmentos isolados, Kendrick cria uma dinâmica cíclica entre eles, comunicando sua condição de mudança a partir de nuances. Um exemplo está nas faixas de abertura de ambas as partes: United in Grief e Count Me Out. Apesar de mutuamente dissertarem sobre os problemas que perseguem o artista no presente, à medida que a primeira traz uma lamentação sobre como a fama não curou suas feridas e, pelo contrário, trouxe novas; a segunda coloca esse tópico sob as lentes maduras de alguém que conhece a si mesmo e, agora, está pronto para seguir em frente. 

Acima de tudo, a autodescoberta demonstra-se um processo ainda mais desafiador quando, no entorno do disco, Lamar revela dinâmicas sociais muito mais profundas. Experiências traumáticas o formaram como indivíduo na mesma medida em que, conscientemente ou não, ele incita e reproduz essas violências nos afetos que cultivou ao longo da vida. Enquanto, em Father Time, o artista trata do relacionamento intrincado com seu pai e como o amor entre os dois rapidamente se transformou em distância, We Cry Together testemunha os danos disso em uma relação que normaliza sua toxicidade e a traduz em desejo, através de uma performance visceral junto da atriz Taylour Paige.

Afinal, se fomos criados através da violência, é assim que fatalmente nos comunicamos. Nossas percepções de amor, carinho, complacência e lealdade são contaminadas por uma lógica atroz fundada no capital e em opressões estruturais que, o tempo todo, colocam em inquérito as noções de moralidade que construímos. É nesse momento que, em um esforço inverso ao precedente, o artista vencedor do Pulitzer se mune de suas vivências particulares e depara-se com um plano muito maior do que ele.

O disco evoca, em diversas faixas, duas figuras emblemáticas: Oprah Winfrey e R. Kelly. Celebridades notáveis por causas diametralmente opostas, mas que compartilham histórias de profundos traumas na infância. Se a apresentadora precisou fazer voto de silêncio pela própria sobrevivência, escondendo suas dores do mundo e de si mesma, o cantor ressoou essa violência em níveis bárbaros, vitimando a vida de inúmeras mulheres. É um ciclo vicioso e perverso, que se alimenta pelo silenciamento das vítimas e pela formação de novos agressores por meio do abuso.

Kendrick Lamar não se isenta disso. Ao expor o cru de suas falhas e contradições, colocando-se no centro desse fenômeno, o rapper desconstrói sua imagem pública pedaço a pedaço, em uma autópsia que perpassa tanto o cenário interno da narrativa, quanto o contexto em que o projeto se insere. Seja calçando os sapatos de um artista como Kodak Black, que já apoiou Trump e declarou-se culpado por crime de violência sexual, ou pisando em ovos ao tratar sobre sua relação significativa com um tio transgênero em Auntie Diaries, K-Dot induz o erro e permite tornar-se alvo de críticas, se isso significa criar conversas e aprender com elas. Não há espaço para meias palavras: para que essas opressões sejam superadas e seus agentes responsabilizados, é necessário verbalizá-las.

Se for possível abstrair Mr. Morale & The Big Steppers em um único objetivo, seria este. Nossas cicatrizes não são novas e, na realidade, estão enraizadas em feridas que retroalimentam-se há gerações, mas são sistematicamente escondidas para preservar uma suposta estabilidade, enquanto escondem um cenário em que a desumanização é repetidamente injetada e naturalizada. Nessa tomada de consciência, Kendrick Lamar intercambia sua experiência como homem negro com a de outras pessoas que vivem a violência na pele e, em um exercício de pura empatia, propõe uma catarse coletiva, encontrando, na quebra do silêncio, o primeiro passo para interromper esses ciclos de uma vez por todas.

Porém, para tanto, Kendrick Lamar precisa libertar-se antes. E é então que ele, enfim, emancipa-se do título de profeta que lhe foi imputado, mostrando-se, assim como representa a coroa de espinhos de Jesus Cristo – utilizada paradoxalmente como signo na capa do disco –, um encargo santificado e maldito, prometido à trazer paz por meio de um caminho de sangue. No momento em que fazer música – à priori uma válvula de escape – o tornou mais uma vez refém dos tormentos que o afligiram até aqui, o artista nativo de Compton não pensa duas vezes antes de deixar a cultura para trás para cuidar de sua família e seguir o seu coração. 

Ao passo que, em To Pimp a Butterfly, K-Dot pedia por auxílio divino de 2Pac para encontrar o propósito de sua arte, hoje ele carrega o discernimento para declarar com todas as palavras: “Tupac está morto, pense por si mesmo”. Se antes o rapper questionava a lealdade dos fãs de forma apreensiva e angustiada, agora ele é capaz de fazer a mesma pergunta com a convicção de que não precisa da validação de mais ninguém. Para o público, ao final dessa odisséia, resta apenas uma proposta. Em um hino ao amor próprio, Kendrick escolher a si é um convite para que o ouvinte faça o mesmo.

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A Música é o tom indispensável da vida. No amor, na alegria, na tristeza, na solidão, as canções preenchem playlists embalando a vida e refletindo a alma. As composições são o espelho de como artista e ouvinte enxergam a existência, fazendo com as mudanças sejam necessárias e novidades refresquem o imaginário auditivo de quem aguarda ansiosamente por um single, quiçá um disco de seu intérprete favorito. É impossível me conformar com a potência transformadora da Música. Assim como é inevitável usar tanto floreio para introduzir esse que reúne o melhor do que foi feito em 2022.

Com o formato de vendas modificado pelas plataformas digitais, os álbuns se tornam cada vez mais inviáveis para cantores inseridos na indústria, que coage produções única e exclusivamente voltadas a músicas virais para o TikTok. Quebrando aquilo que parece ter virado regra, o Persona emerge os ossos do ofício e abocanha 73 produções que marcaram o ano na Música.

Dominando a tarefa de trazer um novo fôlego para sua arte, The Weeknd lançou a rádio Dawn FM, vislumbrando dias melhores. Coroando o topo dos rankings, ROSALÍA acelerou com muita autenticidade sua MOTOMAMI. Ao lado da catalã, montada em seu cavalo prata, a musa-mor do pop renasceu. Kendrick Lamar ficou entre a cruz e a espada, SZA pediu socorro, Björk celebrou os recomeços, Sabrina Carpenter finalmente enviou seus e-mails, Florence and the Machine renovou seu nome na lista das netas das bruxas e a loirinha mais querida cantou seus terrores noturnos.

A música haitiana foi lembrada em notas do Topical Dancer. Cruzando o oceano, no mundinho do k-pop, enquanto 2022 serviu para SEVENTEEN se consolidar de vez como uma das maiores boybands da Coreia, artistas de outros grupos tão grandes quanto embarcaram em viagem solo, com novas perspectivas, sonoridades exuberantes e trabalhos coesos que entregam turbilhões de sentimentos. No território russo a boa surpresa veio do metal vampiresco da dupla IC3PEAK.

Em solo brasileiro Acorda, Pedrinho caiu na boca do povo, Bala Desejo ganhou o grande público, Ludmilla mais uma vez provou que nasceu para interpretar pagode, Maria Rita cantou para Xangô, e os calos de Alaíde Costa a fizerem – merecidamente – a cantora nacional mais citada nos rankings. Em meio a isso, o amargo das perdas imperaram no território com os álbuns póstumos de Marilia Mendonça e Elza Soares, o adeus a Erasmo Carlos, e aquela que foi a despedida mais cruel do ano, Gal Costa, a Doce Bárbara, se encantou. 

O Melhores Discos de 2022 é dedicado a Gal Costa. Coisas sagradas permanecem!

Tinashe – 333

O álbum 333, produzido e interpretado por Tinashe, sintetiza R&B, eletrônica, pop e bass em uma produção experimental e inovadora. Através de uma trajetória minuciosa e sofisticada, a cantora combina batidas complexas com melodias cativantes e vocais emocionantes, tudo enquanto explora temas criativos e profundos, como amor, liberdade e auto-descoberta.

Sua voz é o principal instrumento do álbum, criando camadas e texturas sonoras que se misturam perfeitamente com os instrumentais. A colaboração com artistas, como Kaytranada, Chanel Tres, Kudzai e Quiet Child, adiciona uma profundidade e variedade únicas à produção. No entanto, algumas faixas podem não cativar tanto quanto outras, principalmente pela sonoridade experimental, 333 se dirige àqueles que buscam músicas que vão além do convencional, mas não deixam o mainstream de fora. 

Com seu lançamento, a artista mostra uma evolução impressionante, demonstrando sua habilidade de misturar gêneros e criar um timbre único e envolvente. Em suma, o álbum evidencia talento e  ousadia, além de seu significado através da numerologia como um símbolo de crescimento pessoal, confiança e inspiração. Para a cantora, o número representa um momento de renascimento e de conexão com sua espiritualidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Small Reminders, The Chase, X (feat. Jeremih)

5 Seconds of Summer – 5SOS5

Marcando a nova fase da banda australiana, 5 Seconds of Summer deixa de lado suas raízes punk rock e abre novas portas para o pop em seu novo disco, 5SOS5. Sendo seu quinto álbum, a obra é, senão, um dos trabalhos mais maduros que compõem a discografia dos meninos. Saindo da zona de conforto e brincando com novas maneiras de produzir arte, 5SOS5 demanda muito dos sintetizadores e das alternâncias instrumentais para abordar a clássica temática da juventude e dos relacionamentos amorosos que constituem suas composições. 

Após saírem da gravadora Interscope, 5SOS5 é o primeiro trabalho independente da banda em parceria com a BMG. Essa oportunidade dos integrantes conseguirem controlar a sua própria musicalidade foi benéfica e relevante para sua evolução musical em vários aspectos. Se libertando das amarras, o álbum explora o melhor de cada um dos membros. Contemplando com 19 faixas, as canções Take My Hand, BLENDER e Bloodhound, exemplificam inteiramente essa nova fase alternativa e fresh dos australianos. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Me Myself and I, BLENDER e Older

The Smile – A Light for Attracting Attention

Muito tempo se passou desde que Thom Yorke e Jonny Greenwood migraram seu som do post-punk para o experimental, mas o trabalho de ambos manteve algo reconhecível ainda sob o efeito do tempo. Juntos no Radiohead, os dois consolidaram os reflexos de uma cultura que tende a glorificar os inconstantes; agora, anos depois, a novidade surge de um projeto paralelo com Tom Skinner, cujo nome foi retirado de um poema de Ted Hughes. Com A Light for Attracting Attention, The Smile debutou de forma fantástica e tornou o ano de 2022 um marco musical.

You Will Never Work in Television Again talvez seja a música de protesto mais forte em todo o disco. Ao estilo de 2 + 2 = 5, ela parece ser uma ofensa direta ao degenerado Harvey Weinstein, desde seu título até sua letra. transcendência através do caos liga as 13 canções do disco, revestidas pelos dedilhados de guitarra, bases de violão e uma bateria limpa em meio aos ecos e sintetizadores. We Don’t Know What Tomorrow Brings – uma das melhores de todo o trabalho – se espelha em Jigsaw Falling Into Place e Bodysnatchers, de In Rainbows (2007), e, assim como todo o álbum, talvez seja melhor compreendida quando enxergamos suas capacidades negativas, cuja capacidade onírica de sintetizar ansiedades é interessante.

Talvez devido a produção de Nigel Godrich – que colabora com o Radiohead desde os anos 1990 e que se juntou a Yorke em Atoms for Peace –, a sonoridade do disco do power trio é familiar às primeiras produções do quinteto inglês. Nas letras, Thom Yorke reflete sobre algo maior, que nunca é de fato explanado, deixando o conteúdo sempre no campo da subjetividade. Os suspiros, sussurros e sintetizadores expansivos – como em A Hairdryer e Speech Bubbles – dão vida a um doppelgänger que parece habitar o trabalho, um tipo de espectro fantasmagórico que vaga por A Light for Attracting Attention. É possível que o prato principal servido por The Smile seja a concepção de uma Música efêmera, que ainda assim evoca sentimentos profundos enquanto escutamos. Se o “novo” Radiohead for Yorke, Skinner e Greenwood, estaremos todos bem. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Open The Floodgates, Thin Thing, Free In The Knowledge

Jovem Dionísio – Acorda, Pedrinho

2022 foi o ano da Jovem Dionísio e quem falar que não, está mentindo. A banda formada em 2019 pelos cinco amigos de infância, finalmente deixou o estreito bar do Dionísio em Curitiba e dominou todas as paradas do Brasil em seu álbum de estreia Acorda, Pedrinho. Os garotos não entregaram apenas um clipe para sua faixa-título, mas sim um curta-metragem, em uma narrativa marcante e original que engloba toda a identidade visual do álbum, compondo inúmeras referências da história dos integrantes. 

A banda indie pop explorou de ritmos especificamente brasileiros para compor em sua primeira discografia, arranjos conduzidos por batidas de funk em Tu Tem Jeito Se Quem Gosta, até os acordes de violão da bossa-nova em Ai De Mim. Marcando esse brasileirismo, o álbum alcançou no ano passado a marca de 6,7 milhões de ouvintes no Spotify e mais de 170 mil vídeos com a canção título no TikTok. Sendo um dos nomes em ascensão do pop atual, Jovem Dionísio deixou sua marca logo em seu primeiro disco, fazendo todos os ouvintes acordarem para os próximos lançamentos da banda. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Belnini, Cê me viu ontem, Não foi por mal

Kilo Kish – AMERICAN GURL

Reflections in Real Time, o primeiro álbum da multiartista Kilo Kish, é uma representação estilística e temática de amadurecimento pessoal e artístico — em um modelo de mixtape que abrange os mais variados gêneros de instrumentais e vocais —  que consegue ser um dos mais subestimados projetos da cena R&B contemporânea. Mesmo que mais conhecida por suas colaborações com Vince Staples, pouco muda em seu novo lançamento, não reverberado na cena crítica quanto deveria. A partir de memórias ressonantes da vida de consumo, da MTV e do eletropop de 2010, AMERICAN GURL também constrói tal marco, expandido para além de suas faixas e dos 40 minutos do álbum, no pop alternativo.

Kish estende um olhar satirizado e exagerado à cultura estadunidense, feito antes por Santigold e CSS, para construir um posicionamento sobre poder, escolha e identidade dentro das normas da indústria da música pop; um raciocínio ainda mais fortuito em sua condição independente, na qual é capturada pelo dilema de possuir controle acerca de sua própria narrativa enquanto artista ou de ter o necessário, dado por uma gravadora, para colocar sua Arte no mundo. Em faixas como AMERICAN GURL, DEATH FANTASY e TV BABY V.2 (LATCH KEY MARCH), a cantora pensa as definições que a revestem enquanto uma artista e um produto na indústria. Revestida por suas expectativas e pressupostos vindos de mulheridade, raça e idade, Kish busca subverter o sonho americano para atestar a validade de seu objetivo: estar completamente livre de si mesma.  — Enzo Caramori

Faixas Favoritas: AMERICAN GURL, NEW TRICKS: ART, AESTHETICS AND MONEY, SUPER KO LOVE

Aquino e a Orquestra Invisível – Aquino e a Orquestra Invisível

Depois do lançamento do disco Os Prédios Cinzas e Brancos da Av. Maracanã, a Aquino e a Orquestra Invisível faz seu retorno com um EP homônimo. No projeto, o trio carioca trouxe três singles lançados anteriormente, e duas canções inéditas: MTV e Eu e Ela. Indo de músicas cheias de brasilidades, que trazem notas de samba, MPB e bossa-nova, e chegando até sons oitentistas, com sintetizadores e batidas rápidas, os 14 minutos do Aquino e a Orquestra Invisível são como uma salada mista, funcionando muito bem juntas.

Representada pelo Bolo de Rolo, sub-selo do selo Rockambole, a banda entra em uma fase mais madura, mesmo que ainda trate temas joviais, como o amor e a vida na cidade. As composições do extended play, feitas pelos três integrantes, conseguem situar o ouvinte no tempo-espaço, falando sobre praias, varandas e interiores de casas. Com versos bem pensados, como “o tempo passou, mas nem tanto assim, sempre que eu me olho vejo um pouco de você em mim”, os cariocas conseguem descrever o crescer, e as mudanças que ocorrem entre épocas. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: MTV, Eu e Ela, 20 Anos e Meio.

Black Country, New Road – Ants From Up There

Em 31 de Janeiro, Black Country, New Road anunciou que Isaac Wood estava deixando o grupo para tratar questões de sua saúde mental. Apesar de toda a dúvida que se seguiu, Ants From Up There foi lançado em 4 de Fevereiro, e inevitavelmente foi visto como um álbum de despedida. Embora muito da estética da banda seja resumida no estilo vocal de Wood, soando como o Arcade Fire de Funeral (2004), o novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica.

Ainda assim, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, como se fizesse parte de um exercício de jam session no qual se mantém o maximalismo como força motriz. De forma surpreendente, porém, o segundo álbum da banda londrina traz canções explosivas, que conduzem o ouvinte em progressões enérgicas e culmina num disco que já nasceu obra-prima. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Chaos Space Marine, Bread Song, Concorde

Anná – BRASILEIRA

Há discos que fogem de qualquer imediatismo. Assim é BRASILEIRA, último lançamento da multiartista Anná: uma obra que nos conquista de escuta em escuta. Desenvolvido como movimento constante, que se desdobra em diversas camadas, o mais recente álbum da neta tropicalista consegue colocar presente, passado e futuro em único plano, sem soar desconexo, confuso ou inacabado. Anná abre os caminhos de uma viagem espiralada, respeitando e inovando as tradições para sintetizar um século inteiro de música nacional.  

Com a abertura perfeita, BRASILEIRA evidencia desde a primeira faixa que estamos diante de uma proposta bem diferente de Colar, incomparável álbum de estreia da cantora mocoquense. Assumindo coragens e riscos, Anná reitera seu potencial inventivo em um disco sintético, mas nada superficial. Fruto de novos experimentalismos – estes, sim, permanentes na artista -, BRASILEIRA comprova o que já parecia óbvio: Anná sabe se reinventar e dificilmente cairá na mesmice para agradar aos mercados e públicos. – Eduardo Rota Hilário

Faixas Favoritas: Rito de Passá, Valdineia e Somos Resistência   

The 1975 – Being Funny in a Foreign Language

Em Being Funny in a Foreign Language, Matty Healy não está interessado em excessos. O vocalista não quer utilizar metáforas que explicam como é difícil se relacionar na era digital, tampouco falar apenas sobre drogas, sexo ou niilismo, assuntos recorrentes em seus últimos trabalhos. Ele não quer falar sobre sinceridade, mas sim ser sincero da forma mais sucinta e direta possível e, para isso, ele decide falar sobre o amor. Apesar de seguir um caminho diferente do que a banda estava acostumada, o amor está no âmago de um registro honesto e terno que carrega muito da essência artística de The 1975, sintetizando-o em cativantes 44 minutos de duração.

Se fosse roteirizado, o álbum seria aquele momento alguns anos após o fim de filmes coming of age, nos dizendo que envelhecer é bom e simplifica a maioria das coisas pelas quais sofremos hoje. As composições de Healy, co-produzidas pelo onipresente Jack Antonoff, são levadas a novos patamares ao que ocorre uma elevação da intimidade no processo criativo de escrita do vocalista. Ao fazer isso, essa obra que dá ênfase não só na razão, mas principalmente na emoção, passa a ser uma experiência intensamente íntima e visceral para todos que a ouvem. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Oh Caroline, I’m In Love With You e About You

PVA – BLUSH

Tendo conquistado sua fanbase através de insanos sets ao vivo e seu EP de estreia, Toner, existia o grande desafio de aumentar a aposta com o lançamento do primeiro álbum do trio londrino de música eletrônica dance pop PVA, que recentemente produziu um gélido remix gótico industrial do hit ‘Welcome To My Island’, de Caroline Polachek. BLUSH é um impressionante disco de estreia, com uma abordagem emocional muito mais desenvolvida do que os trabalhos anteriores da banda, que consolida uma pulsante energia dançante, bruta e poderosa, além de revelar mais sobre os sentimentos do trio.

As 11 faixas de BLUSH esbanjam ácido, disco, sintetizadores latejantes, post punk, texturas ásperas, transições escorregadias, pistas de dança underground e melodias faladas, acompanhadas por uma identidade visual futurista, ousada e caótica. O álbum gera a visão de um ser humano dividido entre dois estados, preenchido com a sensação de estar preso e no processo de se libertar: “Você me deixou livre ontem/Eu me sinto como um bebê recém-nascido agora/Absorvendo todas as cores e formas e visões e cheiros/Como se fossem todos novos/Eu me sinto novo”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Untethered, Hero Man e Bunker

BLACKPINK – BORN PINK

Bem antes de articularem seu primeiro disco, Jennie, Jisoo, Lisa e Rosé já dominavam a arte de fechar o pop coreano para balanço, revisitando raízes e despejando uma pitada de identidade que impulsionou o sucesso de BLACKPINK além do oceano pacífico. Porém, se THE ALBUM tentava medir a cativação internacional do grupo mergulhando em milhares de ritmos, BORN PINK mostra que, em 2022, as garotas propagandas da YG Entertainment sabem exatamente a autoridade que possuem. Sondando seu passado multifacetado e cortando as colaborações externas, elas aposentam a exploração para mirar na consolidação de seu trabalho inconfundivelmente rico em vertentes do hip hop, trap e EDM.

A execução do LP repete as estratégias marketeiras de Teddy Park, produtor do girlgroup desde sua estreia e fator limitante do escopo criativo das artistas. Com isso, apesar de reter BLACKPINK à fórmula mediana de oito faixas, o conjunto consegue retratar vozes seguras de suas verdades e investidas na reafirmação desse poder transcendental. Recheando a era com trocadilhos e homenagens às fases que percorreram em seu espaçoso currículo, as quatro cantoras reúnem um sentimentalismo apaixonante, valorizando seu frescor consciente e, só para dar uma palhinha na experimentação, entregando primores no rap refinado por rock e música clássica. O veredito? Felizmente, as titãs do k-pop sempre estão pintando e bordando na nossa área. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Shut Down e The Happiest Girl.

Hyd – Clearing

Hayden Dunham ou Hyd, seu nome artístico, é uma estreante no electro pop internacional, mas desde seu primeiro álbum Hyd, em 2021, só vem lançando sucessos eletrizantes. Suas músicas passam a sensação de velocidade e Clearing nos traz muito desta energia, com letras que vão do amor próprio à desilusão romântica. Seu trabalho no álbum também consegue ser delicado e intimista.

Dunham vem trabalhando no disco há um tempo considerável. Desde 2014, ela planejava e tentava reunir artistas amigos como Alex Somers e Caroline Polachek. O resultado não poderia ser melhor, e 2022 trouxe a ela o sucesso merecido com uma turnê de apresentação e sua apresentação no Pitchfork Music Festival em Julho do mesmo ano – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Fallen Angel, Trust e Glass

Charli XCX – Crash

O álbum Crash da Charli XCX é um retorno triunfante à sonoridade pop que catapultou a cantora para o estrelato. Em um momento em que muitos artistas exploram sonoridades alternativas e experimentais, como ela mesma em seus últimos projetos, em Crash se destaca justamente por sua habilidade de criar um som vibrante e acessível que ainda se mantém atual e fresco.

Celebrando verdadeiramente o gênero, a obra é repleta de melodias chicletes e refrões contagiantes. A produção é refinada e polida, dando o espaço necessário para brilhar como vocalista e performer. As letras, apesar de em alguns momentos parecerem superficiais, mostram uma clara autoconsciência por parte da artista, revelando um lado vulnerável e emocional que adiciona profundidade ao álbum.

Embora possa ser criticado por sua falta de experimentação e risco, é inegável que Charli XCX é uma das melhores em criar um som pop que atinge o seu objetivo, when I wanna go pop, I’ll pop/I got them hits. O álbum oferece aos ouvintes uma dose saudável de diversão, energia e entusiasmo que pode ser difícil de encontrar em outros gêneros, e prova o talento e carisma da artista, mostrando que ela é capaz de conquistar os corações dos fãs e de manter-se relevante no mundo pop. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Baby, Used To Know Me, Move Me

Maria Rita – Desse Jeito

Dentro da música nacional, poucos artistas possuem um trabalho tão meticulosamente articulado, intensamente dedicado e iminentemente regenerador como o de Maria Rita. A cantora não faz mea culpa em afirmar o compromisso com seu trabalho e com o perfeccionismo, lançando apenas aquilo . E assim, quatro anos após Amor e Música, Maria Rita voltou às plataformas digitais com o refinado e poderoso Desse Jeito. O EP, que conta com seis faixas, passeia pelos territórios que a intérprete mais domina: amor e religião.

Sempre intima às canções, Maria vozeia paixões, desamores e fé, e de quebra marca sua estreia como compositora, nas faixas Por Vezes e Canção Pra Erê Dela. É a faixa-título, composta por Luiz Antônio Simas em parceria com Fred Camacho que norteia as sensações envolvidas em todo o processo do projeto. Desse Jeito denuncia a intolerância religiosa, traz a ancestralidade, a força e a simplicidade dos orixás, em vigorosos versos que coordenam as emoções do ouvinte, enquanto a cantora toma posse da letra com seu vocal inigualável: “Axé, mojubá, zambi, kolofé/Qual é? Cada um com a sua fé”. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: E Eu?, Desse Jeito, Canção Pra Erê Dela part. Teresa Cristina

The Weeknd – Dawn FM

Depois que The Weeknd foi retratado enfaixado e ensanguentado em After Hours, a capa de seu quinto álbum de estúdio o retrata precocemente envelhecido, como se seus exageros do passado o tivessem alcançado. Há múltiplas interpretações acerca do significado dessa imagem, e uma delas é a de que os temas que marcaram as composições do cantor canadense – dentre eles, autodestruição e relacionamentos tóxicos – passaram a soar tão antigos quanto ele aparenta. Dawn FM marca, talvez pela primeira vez, o vislumbre de “dias melhores” nas canções de Abel, realçando sua evolução dentro da indústria musical.

A rádio fictícia transmitida do além pouco se importa em ter grandes hits que agradam as rádios do mundo atual. É notório como, dessa vez, o álbum possui uma maior expressão da essência do artista, com faixas que aprofundam suas influências oitentistas deslumbrantemente. Passando pelas músicas mais elétricas às mais contemplativas e contando com a participação de grandes nomes como Swedish House Mafia, Tyler, the Creator e as ilustres presenças de Jim Carrey e Quincy Jones como uma espécie de narradores do programa, o mais recente trabalho de The Weeknd oferece o som de um artista que sabe que é um dos melhores de seu jogo. – Raquel Freire

Faixas Favoritas: Gasoline, Sacrifice e Here We Go… Again

Florence + the Machine – Dance Fever

Pode até soar inofensivo, mas nada é mais assustador do que existir, e Florence + the Machine parece entender muito bem sobre essa sensação. Dance Fever, quinto álbum da banda britânica de indie rock, se inspira em filmes de terror como Midsommar e Suspiria para invocar cada nota rebelde e libertária de um dos discos mais intensos e melódicos do ano.

Com uma discografia onde a essência mística de Florence Welch é presente, Dance Fever se destaca pelo profundo intimismo explícito em cada uma das faixas. É como se entrar numa viagem pelo córtex cerebral de Welch e ser recebido em um altar composto por velas, incensos, cristais, sal grosso e uma taça de vinho. Entre o frenético e o singelo, os instrumentos se mesclam entre canções formando uma verdadeira dança febril, que apenas Florence + the Machine poderia proporcionar nesse pós-apocalíptico 2022. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: King, Dream Girl Evil, Heaven Is Here

Sabrina Carpenter – emails i can’t send

“Você usou um garfo uma vez, acontece que eles estão por todos os lugares” talvez soe como a lírica mais banal para alegorizar um coração estraçalhado, mas Sabrina Carpenter não está afim de maximizar nada além das dores do crescimento. how many things é só uma confissão no meio da intensa sessão de terapia que estrutura emails i can’t send, quinto álbum de estúdio da artista e o primeiro da carreira disposto a derrubar sua típica armadura de autoconfiança. Priorizando o urgente processo de sentir colisões, naúseas e mudanças, a coletânea valoriza o conforto da música pop enquanto atravessa pianos, trompetes, batidas eletrônicas e outros ritmos que poderiam tranquilamente sair de Ariana Grande ou Kylie Minogue.

Entretanto, os ares familiares nem chegam perto de influenciar a narrativa que lidera o álbum: a de Carpenter, sozinha com seus próprios pensamentos. O divertido labirinto emotivo de Tornado Warnings logo é substituído pela afiada because i liked a boy, referência totalmente explícita às ameaças de morte que embalaram a vida da loira nos últimos dois anos. Confrontando quem lhe regala os títulos de puta e destruidora de lares, Sabrina se exorciza das amarras colocadas por um suposto triângulo amoroso, inclusive, em seu domínio criativo. Depois da revanche, vem a liberdade para encerrar ciclos e até curtir um sleeperhit inédito no currículo musical. Ela apertou o botão de envio, graças a Deus. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: Vicious, Fast Times e decode.

Elza Soares – Elza Ao Vivo No Municipal 

É difícil fugir do clichê: Elza Soares realmente cantou até o fim. Ao gravar o disco Elza Ao Vivo No Municipal dois dias antes de partir para a eternidade, a Mulher do Fim do Mundo encerrou sua carreira de forma brilhante. Como uma verdadeira lenda da música brasileira, Elza da Conceição Soares protagonizou um show extremamente simbólico, capaz de sintetizar e representar décadas ímpares de uma carreira incomparável. Abraçando desde Se Acaso Você Chegasse até Comportamento Geral, o álbum póstumo da Voz do Milênio é feliz ao registrar a trajetória viva de uma artista-fênix.  

Os mínimos detalhes tornam Elza Ao Vivo No Municipal um disco apoteótico. Há coroas e tronos no palco e nas canções do espetáculo. Elza aparece majestosa já na capa do álbum, com um olhar que nos convida a conhecer melhor sua grande despedida. Tudo é muito sublime e bem planejado, e a carreira de Elza Soares é nitidamente projetada diante dos nossos olhos. Encerrando o repertório com Mulher do Fim do Mundo, em uma escolha assustadoramente profética, Elza Ao Vivo No Municipal coroa o imenso legado de uma diva inesquecível. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Meu Guri, Volta por Cima e Mulher do Fim do Mundo

Deize Tigrona – Foi Eu Que Fiz

A ascensão de Deize Tigrona foi um grito estrondoso diante do silêncio que assombrava o território feminino do funk. Em outros termos, a artista carioca ousou desbravar biomas dominados por predadores os quais, acima de tudo, temem a extinção do conservadorismo. Na perspectiva histórica, há muitos mistérios a respeito da origem do universo e do desaparecimento de espécies. Todavia, na perspectiva musical, não há dúvidas: Deize Tigrona foi o Big Bang do universo explícito e feminino do funk e, ao mesmo tempo, o meteoro que aniquilou mentes caducas e quadradas.  

Foi Eu Que Fiz supera a definição limitante de álbum e se apresenta como um ato confessional de uma mulher que colocou a cara a tapa. Ademais, é válido enfatizar que a artista moradora da Cidade de Deus quebra, magistralmente, o contraste das ideias de sensibilidade e explicitude, e as torna quase que sinônimos. Tal fato fica nítido na faixa Monalisa na qual Deize convida o ouvinte a dançar com as incertezas e reviravoltas da vida que, no fim, podem ser boas companhias. A volta de Deize Tigrona é um pequeno passo para o funk carioca, mas um grande salto para a cena feminista sáfica da música brasileira.  – Ana Cegatti

Faixas Favoritas: Monalisa, Bondage, A Mãe Tá On

Marília Mendonça – Decretos Reais, vol. 1 & 2

Definitivamente o Brasil não estava pronto para perder de maneira tão trágica e tão precoce uma de suas maiores vozes. É como se o mundo tivesse ficado um tanto mais calado depois da morte de Marília Mendonça ser anunciada no fatídico 5 de Novembro. Coroada Rainha da Sofrência, a manutenção do legado da cantora, traduzido em Decretos Reais, é a comprovação concreta da imensidão da obra de Marília. 

O projeto póstumo conta com as faixas remasterizadas extraídas da live Serenata, realizada pela artista em maio de 2021. A saudade da cantora, misturada à excelência de seu trabalho, fizeram com que ambos volumes permanecessem por semanas no topo das paradas. Decretos Reais exibe um lado brega-romântico de Marília, que toma para si canções como Te Amo Demais e Morango do Nordeste. A grande notoriedade fica a cargo de Leão, faixa presente no volume 2. A música feita para o álbum Zodíaco do rapper Xamã, foi um dos últimos feats feitos pela cantora. Te Amo Demais, Marília. – Ana Júlia Trevisan

Faixas Favoritas: Te Amo Demais, Sendo Assim / Muito Estranho (Cuida Bem de Mim), Morango do Nordeste

Björk – Fossora

Björk comentou em entrevistas sobre como Fossora é seu álbum mais festivo, como uma rave pós-distanciamento social. No entanto, a obra se mostra mais densa e nebulosa que uma festa de techno, conforme a islandesa explora temas profundos de seu interior, como a morte de sua mãe, sua existência feminina, relações amorosas e familiares. Foi produzido durante um período de isolamento e luto, uma jornada que exigiu força, inovação e emoções. O 10º disco de Björk é uma união complexa, pesada, intensa e espinhosa de sonoridades, perdas, dores, e ao mesmo tempo, uma celebração da vida e de recomeços sensíveis.

As composições estreitam as relações da artista com diferentes colaboradores, como serpentwithfeet, Kasimyn, os experimentalistas eletrônicos indonésios Gabber Modus Operandi, que ajudaram Björk a criar um biological techno, e a própria filha, Ísadóra Bjarkardóttir Barney. Fossora não é uma obra acessível, ele necessita de tempo e atenção para nos conduzir por caminhos e sonoridades imprevisíveis, num fascinante universo de fungos e acalentadoras paisagens islandesas. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Atopos, Victimhood e Fossora

Terno Rei – Gêmeos

Em 2019, Terno Rei lançava o que seria seu maior sucesso de público até então. Com Violeta, o grupo testou novas sonoridades e flertou com o pop em músicas de versos poéticos e certeiros. Com a sinceridade que também esteve presente nos trabalhos anteriores da banda, Vigília (2014) e Essa Noite Bateu Como Um Sonho (2016), os quatro músicos alcançaram elogios da crítica e uma turnê de sucesso, que se desmanchou em 2020 com o isolamento, necessário em decorrência da pandemia da covid-19. Em um período de isolamento, de medos e inseguranças, refletindo sobre as mudanças sofridas durante os muitos anos de banda e em uma carta aberta sobre a juventude, Alê Sater, Bruno Paschoal, Greg Vinha e Luis Cardoso constroem, juntos, um novo álbum.

Assim como na capa, em Gêmeos o ouvinte é apresentado a um lado mais colorido, ainda mais pop na sonoridade que explora novos ambientes e letras que conversam com o ouvinte de maneira aberta, em canções ainda auto reflexivas. Em 12 músicas que embalam o público em uma nostalgia dos anos 2000, tanto sonora quanto visual, a essência da banda ainda pode ser captada, mas com um toque especial.

Observando tudo que já havia sido produzido e subindo o nível, o grupo aqui se apresenta ainda mais sutil, mais delicado e mais vulnerável. Em uma ambiguidade presente já no título, as composições passeiam entre as dúvidas que surgiram com tanta facilidade em um período onde o tempo hábil era muito e a inquietação, tão naturalizada em uma juventude que não se permite parar e contemplar, realmente ouvir. E que bom é poder ouvir Terno Rei de novo, mesmo que esse não seja exatamente o ano mais triste das nossas vidas – Aryadne Xavier.

Faixa Favorita: Olha Só, Difícil e Esperando Você

Steve Lacy – Gemini Rights

O segundo álbum de estúdio de Steve Lacy, Gemini Rights, segue as propostas de seu antecessor, Apollo XXI, ao dialogar com o inseparável R&B, porém, se diferencia na pluralidade de ritmos e melodias alcançadas em seu lançamento. Lacy mostra que consegue sair da zona de conforto e passear entre diversos gêneros, da bossa-nova perfeitamente encaixado em Mercury, ao neo-soul já conhecido de Static. Foi assim que o cantor conseguiu uma evolução clara de seu álbum de estreia. 

Assim como grande parte do repertório musical, Steve também fez uso de acontecimentos e sentimentos particulares para compor suas letras. E no resultado final, o artista tem a mistura perfeita: um disco com personalidade e com o toque singular do jovem cantor, capaz de deixar até mesmo um pop comum como o de Bad Habit único e cativante. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Mercury, Sunshine e Amber

yeule – Glitch Princess

A música de yeule apresenta uma perspectiva pós-humanista, conforme a artista explora a relação entre identidade e tecnologia através de melodias melancólicas de post-pop que constroem um labirinto no ciberespaço. Em seu segundo álbum, a artista avant-pop de Singapura, Nat Ćmiel, se autointitula Princesa do Glitch e conduz o ouvinte por um caminho sombrio e pixelado, cheio de códigos de computador quebrados e mensagens de erro.

Destacando-se de seus trabalhos antecedentes, Glitch Princess se desafia criativamente e é apresentado de forma marcante e estranhamente acessível, sendo capaz de transmitir sua essência com ambientações oníricas e texturas eletrônicas experimentais. A obra é repleta de vulnerabilidade e pessimismo, onde desastres pessoais são a principal catástrofe. Os versos são construídos de forma sensível e pessoal, e o uso das batidas e sintetizadores é calculado para ecoar e proporcionar a imersão dentro de uma dimensão cibernética que atua como um consolo e um vício: “Em volta do meu pescoço, uma máquina amigável/Finge limpar minha memória/Finge fazer tudo ir embora/Finge me fazer sentir muito bem”. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: My Name is Nat Cmiel, Don’t Be So Hard on Your Own Beauty e Bites on My Neck

FLETCHER – Girl Of My Dreams

Pegar um coração partido e transformá-lo em Arte não é tarefa das mais simples, mas o resultado é um dos que mais se aconchega junto a quem o compartilha com o artista. Se a dor é combustível para a criação e o meio artístico, uma via para externalização, FLETCHER transformou um término de relacionamento e o seu processo de superação em glória: fruto da sua jornada até aqui, surge Girl Of My Dreams, álbum de estreia da norte-americana.

Se em THE S(EX) TAPES, o fim era recente e Fletcher lidava como os novos sentimentos através da tristeza, da raiva e da recaída, como quem passa por uma fase de luto, o disco, lançado dois anos depois do EP, aproveita o tempo para deixar a ferida cicatrizar. Agora, o que predomina é a aceitação, a saudade, a nostalgia, o amor próprio e a esperança de seguir em frente. Ressoando com quem se identifica com o momento, Girl Of My Dreams segue o estilo musical da artista em faixas ora dançantes e animadas, ora lentas e melancólicas, provando os altos e baixos de qualquer momento. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Better Version, Becky’s So Hot, Serial Heartbreake

SUHO – Grey Suit – The 2nd Mini Album

Grey Suit continua a pintura impecável da trajetória musical solo de SUHO, integrante do grupo sul-coreano EXO. Valorizando as sensações e emoções como os artistas do movimento pós-impressionista, o cantor simula na sonoridade a mudança visual de tom encontrada nas telas da sua grande inspiração, Van Gogh. Se em Self-Portrait, a estreia de Kim Jun-myeon, um plano de fundo melancólico foi adotado nos instrumentais, o segundo mini álbum traz a tona cores quentes que iluminam e tornam leve a composição. Dos autorretratos confusos, ele surge em meio aos girassóis.

Com uma produção detalhista que, surpreendentemente, mira em riffs de guitarra que soam como as clássicas baladas românticas da banda Scorpions, Grey Suit coloca o k-pop em uma perspectiva inédita. De volta após o afastamento de dois anos dos palcos para servir o exército militar obrigatório, o disco celebra um novo ciclo ao lado dos fãs, para quem SUHO é a personificação do significado de seu nome artístico, guardião: “Bem onde você está/Você foi como um milagre que eu conheci em uma noite de verão/Como uma flor que desabrochou no final do inverno”. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Morning Star, Hurdle e Bear Hug

Bastille – Give Me The Future

Se a Bastille teve uma década para descobrir e redescobrir sua identidade musical, renová-la e depois inová-la novamente, a solução para a próspera carreira dos donos de Pompeii foi apostar no conceito. Logo no início da frutífera safra de discos de 2022, a veterana resolveu abraçar um universo distópico e futurístico, e traduziu a ficção científica no álbum Give Me The Future. O quarto trabalho de estúdio do grupo seguiu à risca o que se propuseram a fazer: com vozes de robôs durante as faixas e seguindo sua linha de videoclipes narrativos e imersivos, o quarteto também estendeu a experiência única do álbum para o âmbito audiovisual, corroborando com o universo conceitual. 

Evocando cores e luzes a partir de uma sonoridade sintética – se diferenciando do indie rock pelo qual a banda ganhou espaço na indústria musical -, a liricidade também é imaginativa, inventando situações e pipocando referências a obras da cultura pop e da ficção, como Thelma & Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos de Aldous Huxley. Com seu futuro ultra tecnológico e solitário, Give Me The Future alcança até o cyberpunk no que aborda sobre o cerceamento da liberdade e a linha divisória entre real e fictício, criando uma das experiências mais divertidas da Bastille desde Doom Days.

Faixas Favoritas: Thelma + Louise, Back To The Future e Future Holds

Harry Styles – Harry’s House

Em Harry ‘s House, o britânico convida o ouvinte para entrar em sua casa, deixando todas as gavetas abertas, molduras coloridas nas paredes e poeiras nos rodapés dos quartos. O disco, composto por treze faixas, traz uma tour completa pela morada do músico e faz questão de mostrar como esse está amadurecendo, por meio de referência aos seus ídolos dos anos oitenta, samples de autorias da década de setenta e uma estética sonora familiar, que remete ao confronto de um lar. Na porta de entrada, Harry recebe quem o visita com ritmos animados, nos singles Music for a Sushi Restaurant e Late Night Talking. Ao adentrar mais na casa, passando pelos corredores com as fotografias de família, são apresentadas as batidas e as letras melancólicas de Little Freak e Matilda, para então conduzir ao seu jardim, no quintal dos fundos, com baladas românticas como em Love of My Life.

Além do amadurecimento, o álbum trata de um Harry apaixonado, que quer transpassar para o mundo os prazeres e as desventuras dessa sua condição. Ainda que não tenha apresentado nada revolucionário para o mundo da música, o disco trouxe algo novo na carreira do artista. As It Was encontrou o equilíbrio dos singles de álbuns anteriores, entre a tristonha Sign of the Times e o verão despreocupado de Watermelon Sugar. Iniciando polêmicas, o disco acabou levando o prêmio de melhor do ano no Grammy 2023, escolha muito contestada pelo público, perante aos outros álbuns indicados na categoria. Contudo, mesmo que não seja “o” melhor, não fica de fora dos Melhores do Ano, afinal o disco diverte e aconchega, chegando em casa com segurança. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: Matilda, Keep Driving, Love of My Life

Urias – HER MIND, PT. 1

Para os fãs que têm acompanhado avidamente cada passo da era HER MIND, é até difícil imaginar que, ainda em 2022, Urias nos entregava a versão final do incrível FÚRIA, seu primeiro álbum de estúdio. Entretanto, pouco mais de quatro meses depois, a cantora enterrou o preto-e-branco para, ao invés, saturar suas cores ao limite. O azul e amarelo vibrantes da arte que estampa a primeira parte de HER MIND ilustram a sonoridade assumidamente psicodélica do EP, que une a música eletrônica e latina no mais próximo de um projeto de hyperpop que o mainstream brasileiro proporcionou até aqui.

No auge de sua criatividade e inventividade, Urias toma o caminho inverso do que propõe Linn da Quebrada em sua obra. Dona de uma identidade constantemente reduzida aos encargos do corpo, HER MIND extrapola a experimentação da artista para mergulhar no âmago de sua própria mente. Os versos que misturam inglês, espanhol e português – em uma progressão que preza pelo caos –, traduzem os processos intrincamente internos de uma mulher trans que, depois de tornar-se visível e adquirir acessos que nunca teve, enfim permite-se à individualidade. E ainda assim, ao invés do que poderia-se antecipar, a proposta íntima intensifica a personalidade combativa de Urias, reafirmando, através das faixas mais pujantes de sua carreira, que ninguém é capaz de copiar seu Je ne sais quoi. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: R.I.P., Je ne sais quoi, The way I drop

Rina Sawayama – Hold The Girl

Com uma estreia grandiosa em 2020, as expectativas para o segundo álbum da cantora e compositora Rina Sawayama eram altas, e através de treze faixas que percorrem do pop ao rock à eletrônica, ela não deixa a desejar. Com Hold The Girl, Sawayama abre feridas e muitas vezes canta para sua ‘eu’ mais nova, refletindo sobre sua inocência passada ao passo que busca se curar e se libertar de tudo aquilo que um dia a prendeu, dando um quê esperançoso à obra.

Na faixa de abertura, Minor Feelings, Rina atinge o limite de tudo que guarda para si e expressa a necessidade de tomar controle da própria vida. A canção é sequenciada pela faixa-título, onde ela se encontra falando com a criança que um dia foi, tentando confortá-la e aprender com seu passado. Os vocais e produções marcantes em cada música fazem de Hold The Girl um álbum espirituoso, que combinados com as canetadas sinceras de Rina Sawayama, a torna uma das artistas mais autênticas na cena pop atual. Por fim, a obra se encerra com To Be Alive, onde tudo aquilo que foi almejado ao longo da jornada é alcançado, e Sawayama finalmente encontra paz em todas as versões de si mesma. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Hold The Girl, Frankenstein e Phantom

King Princess – Hold On Baby

“Meu deus, é muito difícil ser amada, mas é a vida”, entoa King Princess em Too Bad, faixa integrante de Hold On Baby. Já na canção que fecha o álbum, ela admite que “Sabia que isso aconteceria/Você está brava e se sentindo presa/Eu sinto a pressão/Eu não sou sua captora/Eu odeio me sentir sem esperança”. Depois de Cheap Queen, disco de estreia da cantora indie nova iorquina, a êxtase do começo da carreira e do início de um relacionamento dão lugar a uma estabilidade em ambos sentidos, com letras maduras e afiadas acertando em cheio o que a compositora expõe. Estabilidade essa, porém, que é refletida em sua musicalidade só parcialmente: a certeza de alguns aspectos levanta dúvidas sobre outros, e dão espaço para a artista se questionar – e externalizar tais ponderamentos em sua personalidade musical. 

No trabalho, as 12 faixas perpassam os questionamentos que surgem em um relacionamento duradouro, a identidade enquanto musicista (agora) consolidada na indústria musical e as suas próprias inseguranças enquanto jovem adulta ansiosa, triste e sexy. Como um sinal claro de que Mikaela Straus se sente mais confiante musicalmente – no álbum, ela participa da produção de suas canções -, a artista abraça a mistura de estilos e sonoridades durante as faixas: longe da falta de uma única identidade, ela assume o seu caos. Misturando solos de guitarras indie a baladas com pianos melódicos, e ampliando o alcance de sua voz, Hold On Baby demonstra uma liberdade ainda inédita para a promissora carreira de King Princess. – Vitória Gomez

Faixas Favoritas: Cursed, Sex Shop, Let Us Die

Cults – Host B-Sides & Remixes

Em Host B Sides & Remixes  a banda de indie rock Cults, traz doçura e paixão a um 2022 de guerras e conflitos. Agrupando os singles My Window, Sleeping Through Sunshine e versões remixadas do álbum Host , a vocalista Madeline Follin e o guitarrista Brian Oblivion se mantêm entre as melhores “novas” bandas de indie, mesmo completando 12 anos de trajetória.

Artistas como Johnny Jewel e Tama Gucci conferem ao álbum uma roupagem eletrônica, mas que preserva a essência da banda que sempre remeteu ao frescor e a suavidade, além de um apego à juventude. Este já é o oitavo álbum de Cults se considerarmos os EPs, mas ainda sim há a preservação da qualidade que foi vista nos primeiros álbuns Cults e Static . – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Sleeping Through Sunshine, My Window e Trials (Johnny Jewel Remix)

Icarus – BK

Preso dentro de labirintos, BK almeja asas para voar. O quarto álbum de estúdio do rapper nos guia por uma jornada até nossa emancipação. Uma busca que esbarra em temas políticos, mas não deixa, é claro, de cantar sobre a droga mais perigosa e saborosa: o amor. Com referências da mitologia grega, o cantor explora em Icarus a crescente até sua libertação – vemos em cada faixa um pouco da esperança, das contradições, dos defeitos e dos sonhos do próprio BK mesclados com a trágica história de Ícaro e Dédalo. 

Para adicionar pluralidade, contraste e profundidade às faixas, o álbum contou com a colaboração de Marina Sena, L7NNON, Julia Mestre, Bebé Salvego e Luccas Carlos. A combinação trouxe lirismo, batidas e um ritmo não tão inovador, mas encantador no jeito BK. Entre passos e tropeços, acertos e erros, Abebe Bikala conseguiu entregar o equilíbrio que faltou para Ícaro, e contou com seu legado de Gigantes e O Líder em Movimento para conquistar ainda mais admiradores no cenário nacional e consolidar-se como um dos álbuns mais notáveis e viciantes de 2022. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Continuação de um sonho, Só me ligar e Músicas de amor nunca mais

Bazzi – Infinite Dream 

Em um passeio sonoro, construído por meio de sonhos, Bazzi lançou seu segundo álbum de estúdio, Infinite Dream. Antecedido por três singles – Will It Ever Feel The Same?, Miss America e Heaven –, o projeto possui uma mistura de sentimentos. O cantor continua seu trabalho com uma temática parecida com a do primeiro disco: viagens estratosféricas e noturnas, que levam ao amor, à dor, à decepção e à reflexão. 

Indo de sons de sintetizadores, vindos direto dos anos 80, para canções com uma pegada country, chegando até a um pop dançante, o álbum é cheio de melodias interessantes. Infinite Dream realmente parece ter saído dos sonhos de Bazzi, como se fosse uma trilha sonora para a imaginação do subconsciente. O disco consegue retratar diversas emoções que fazem parte da vida, como a sensação de estar apaixonado e de ter o coração partido. Além disso, a composição é inteligente, pois o cantor consegue se auto-referenciar durante as canções, por utilizar versos idênticos em diferentes contextos. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: Little Miss Sunshine, Uh Oh, Human (Cocaine)

TAEYEON – INVU – The 3rd Album

Sozinha, de cabelo descolorido e com o ego mais inflado do que nunca, TAEYEON transforma até os defeitos em qualidades com o disco INVU e estende o seu reinado no K-pop. Entre sintetizadores, batidas eletrizantes e vocais esplêndidos, a integrante do grupo Girls’ Generation abre alas para letras agressivas. Ao contrário da delicadeza de My Voice ou da sinceridade sutil de Purpose, o seu terceiro álbum de estúdio vai direto ao ponto: “Dias ruins estão se repetindo/Eu me sinto miserável, os sentimentos estão acabando/Girando como um anel solto”.

Investida em entregar um trabalho coeso, a veterana arremata algo difícil de se alcançar na atual indústria da Música, a união da sonoridade com uma construção visual marcante. Em 2022, INVU demonstrou ser uma verdadeira era do pop, traçando caminhos semelhantes ao de Future Nostalgia de Dua Lipa. Ainda que inserido no contexto sul-coreano em que as produções ocorrem de modo cada vez mais frenético, o disco parece envelhecer como vinho graças a iniciativa de TAEYEON em deixar as 13 faixas levarem o tempo necessário para causar a imersão plena do ouvinte. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: INVU, Heart e No Love Again

IC3PEAK – Kiss Of Death

KISS OF DEATH é o álbum de metal da vampiresca dupla IC3PEAK, formada pelos russos Nastya Kreslina e Nikolay Kostylev, que traz colaborações com vozes inusitadas, como Grimes, Oli Sykes, de Bring Me The Horizon, e Kim Dracula. O duo de ativistas, que sempre criticou o governo de Vladimir Putin de forma ácida e direta em seus visuais e canções, entrega novamente letras sombrias e ousadas com refrões cativantes, juntamente com sua estética ora urbana e militar, ora barroca e gótica. 

Apesar de deslizar em sua consistência, KISS OF DEATH é surpreendentemente mais diversificado e imprevisível que o notável trabalho anterior do grupo, o intenso До Свидания. O destaque é, certamente, a melodia e os vocais de Nastya, que vão de um belo ser angelical, com cantos folclóricos, a uma criação infernal cheia de ódio, com gritos estridentes e sons guturais. As melodias calmas e acústicas são quebradas com a percussão pesada e sintetizadores afiados, que soam como explosivos e abraçam uma produção sonora de witch house e trap metal industrial, familiar a Kostylev. – Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Kiss Of Death, Bad Night e I’m not evil, I’m sad

Gloria Groove – Lady Leste 

Quando surgiu em O Proceder, com o despontar de Gloriosa em um rap marcante, de batidas dançantes e um refrão que fica na memória, Gloria Groove se tornou uma promessa nas principais plataformas de música. Nos anos seguintes, após cada lançamento, a promessa foi se confirmando, se destacando e o público teve a oportunidade de acompanhar o nascimento de uma estrela. Em uma ode a vida, aos sonhos, aos medos e em um depoimento sincero, suas canções representam a realidade de milhares de brasileiros, que a reconheceram. Em Lady Leste, Gloria Groove se mostra ainda mais potente e versátil, exibindo, em sua voz e em seu corpo, toda a pluralidade que compõe as periferias (vide que Leste vem de Zona Leste) em suas diferentes camadas.

Em 13 grandes faixas, que vão do funk ao rock, passeando por diferentes gêneros de maneira confiante, Gloria Groove se reafirmou, mais uma vez, como um grande nome da cena musical brasileira na atualidade. Em uma carta de amor às mulheres de sua vida e com um gesto singelo e bonito de “Saber para onde está indo, mas sem se esquecer de onde veio”, o segundo álbum da drag queen explora suas principais influências e referências na música. Com a assinatura de Pablo Bispo e Ruxell na produção, a obra, como um todo, soa coesa, mas ainda mantém a disponibilidade de que canções brilhem sozinhas, criando diversos hits que marcaram 2022. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: LEILÃO, SFM E PISANDO FOFO

Tom Zé – Língua Brasileira

As obras de Tom Zé são certamente curiosas. O tempo passa e as nuances contidas na heterogênea discografia do último tropicalista ainda são descobertas com muito entusiasmo. Em Língua Brasileira, a realidade não poderia ser diferente: estamos diante de um disco que pode inquietar os fãs de música nacional por um bom tempo. Extremamente empenhado em suas criações, Tom Zé sabe bem o que faz. Com curiosidade nata, o veterano brasileiro pesquisa a fundo elementos naturalizados do cotidiano para poder dar vida a álbuns que muito têm a ensinar.  

Em relação ao repertório de Língua Brasileira, dez canções inéditas e a já conhecida música-título foram reunidas graças a um espetáculo homônimo de teatro, dirigido por Felipe Hirsch. Com um nascimento poderoso, o mais recente disco do tropicalista foi certeiro desde que tocou Os Clarins da Coragem em alto e bom som. Do primeiro single até aqui, muita coisa mudou – mas as inquietações provocadas pela criatividade de Tom Zé permanecem as mesmas. Contagiante como poucos, eis um veterano que merece nossa celebração. – Eduardo Rota Hilário    

Faixas Favoritas: Hy-Brasil Terra Sem Mal, A Língua Prova Que e Os Clarins da Coragem 

BIBI (비비) – Lowlife Princess: Noir

Uma mulher fina, que veste um longo vestido e saltos chiques, sentada sob um trono de sacos de lixo. É esse contraste absurdo que dita o tom colérico de Lowlife Princess: Noir, álbum de estreia de BIBI, uma das principais expoentes do R&B na Coreia. A cantora assimila-se às contradições da sociedade sul-coreana, não com uma pretensão política, mas para tecer uma série de contos urbanos que só adquirem o choque desejado pois emergem de uma mente que se apresenta no centro daquele cenário. A sujeira, a desigualdade e a luxúria são incorporadas em uma estética inebriante e uma lírica indecorosa, para, então, ratificar a manifestação de humanidade nessas profanações.

A voz leve e hipnotizante da artista contrapõe radicalmente a raiva pungente que traduz a essência da retaliação em BIBI Vengeance, ou a conversão ao lúdico da objetificação da mulher e da obsessão fálica masculina em Animal Farm, apenas para que os mesmos homens vejam-se castrados logo depois. Ainda que intrinsecamente violento, Lowlife Princess: Noir representa o trabalho mais pop de BIBI até então, que, ao beber da inesgotável fonte do k-pop, se apossa de inspirações de todos os cantos – do reggaeton ao rock – para criar uma sonoridade própria e instituir-se como a única e indistinguível rainha do submundo. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: BIBI Vengeance, MotoSpeed 24, Wet Nightmare

Jackson Wang – Magic Man

Vermelho é a cor que preenche a imaginação de quem escuta Magic Man, o segundo álbum de estúdio de Jackson Wang, nunca antes tão intenso, forte, calorento e apaixonado. Repetindo a dose de liberdade criativa encontrada em Mirrors, o selo próprio e independente da gravadora Team Wang Records novamente coloca a cultura chinesa em destaque para o mundo. Dessa vez, o integrante do grupo GOT7 arma um circo extremamente convidativo e, através de uma produção alucinante, constrói o seu próprio espetáculo decorado por performances artísticas surreais.

Wang deixa explícito o amadurecimento pessoal e profissional na composição audiovisual do disco. Se, antes, ele batalhou para encontrar a si mesmo entre instrumentais pesados e versos carregados, hoje, o artista transita sem medo desde o maior número de batidas por minuto até as passagens cadenciadas que valorizam o timbre de voz grave: “As paredes estão desmoronando de novo/Eu ouço você chamando meu nome”. Em Magic Man, Jackson Wang vocaliza emoções conflitantes, fantasmas do passado e, principalmente, a felicidade de se realizar por completo. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Come Alive, Drive It Like You Stole It e Go Ghost

Kendrick Lamar – Mr. Morale & The Big Steppers

Sucessor de um de seus álbuns mais aclamados, Damn , Mr. Morale & The Big Steppers é apresentado ao público como uma das produções mais pessoais de Kendrick Lamar. No disco duplo, o cantor é sincero sobre suas imperfeições e expõe seus traumas e dificuldades em melodias que tiram qualquer dúvida da humanidade do rapper que, pelos fãs, é visto como um deus. Essa pode ter sido a intenção ao vestir uma coroa de espinhos na capa do disco.

O disco conta com diversas colaborações – Summer Walker, Kodak Black e Ghostface Killah são alguns nomes que compõem a obra. Em Mother I Sober, que conta com a voz angelical de Beth Gibbons, fica claro que as parcerias não afetam a personalidade da faixa. Na citada, Kendrick revive abusos em seu relacionamento maternal e admite a repercussão que teve em sua vida, mostrando novamente a capacidade inigualável do artista de transformar suas questões particulares em arte. – Amábile Zioli

Faixas Favoritas: Purple Hearts, N95 e United In Grief

ROSALÍA – MOTOMAMI

Para quem nasceu remodelando os horizontes do flamenco e da música pop, se conformar com pouco nunca foi conveniente. Sendo esse fenômeno singular, que coloca o espanhol na boca e nos ouvidos do povo, ROSALÍA não criou MOTOMAMI apenas como um manifesto de suas crescentes intenções artísticas, mas convicta de que pode ser tudo, ao mesmo tempo e onde quiser, em completa contradição e constante metamorfose. Aqui, cantando e produzindo 24 faixas – contabilizando a edição deluxe do LP -, a catalã descasca os turbilhões que acompanharam sua ascensão à fama, confessa seu amor pela família e performa autenticamente numerosas versões de si. 

Com toques de Michael Uzowuru e Pharrell Williams, o estilo experimental que eletriza o álbum marcou presença nos shows da cantora e em tweets virais da era, enfatizando sua construção não-linear e extremamente magnetizante. Da bachata ao dembow, passando por distorções eletrônicas, boleros e até um samba brasileiro, a curadoria sonora é o coração de MOTOMAMI, nome que simboliza a agressividade e vulnerabilidade que, unidas, edificam ROSALÍA. Brincando entre pianos intimistas, evocações sensuais e sons de sintetizadores estratosféricos, em prol de um mosaico de experiências, ela se transforma, sob todas as cores, como a borboleta musical unânime de 2022. – Vitória Vulcano

Faixas Favoritas: CANDY, BULERÍAS e COMO UN G.

Taylor Swift – Midnights

Taylor nos mostra, mais uma vez, que sua invejável habilidade de dar brilho ao ordinário nunca irá sair do topo. Após agraciar com a genialidade da dupla folklore e evermore , Midnights chega como aquele abraço depois de um longo dia. O aconchego que encontramos no décimo álbum da cantora é quase que palpável. Em 20 faixas que exploram as falhas e interrogações que muitos de nós gostaríamos de esconder, contamos também com alguns velhos assuntos vistos por outra perspectiva – traição, justiça, amor, vingança e inseguranças adaptados para todo o conceito reflexivo da obra.

Poderíamos estar surpresos por Midnights quebrar recordes, virar assunto em todas as redes sociais e ter melodias que não saem da nossa cabeça, mas Taylor Swift consolidou-se de maneira tão memorável na indústria que seus altos padrões tornaram-se triviais. A cantora consegue, mesmo partindo de níveis elevados, surpreender a todos com a profundidade e reinvenção que alcança. A verdade é que foi um prazer acompanhar Swift em suas madrugadas melancólicas e perceber que, no fundo, não há muito que a distancie de todos nós. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: Karma, Lavander Haze e You’re On Your Own, Kid

Tim Bernardes – Mil Coisas Invisíveis

Tim Bernardes aspira à grandeza. Com simplicidade, domínio musical e simplesmente talento, Mil Coisas Invisíveis é um reflexo do que o cantor mostrou anos antes, na sua estreia com O Terno e com seu primeiro trabalho individual, Recomeçar (2017). Nesse projeto, a melancolia e o existencialismo são elementos fundamentais na composição, que olha para o passado em uma jornada filosófica – descrita em Fases e Meus 26. Contudo, não se engane: Mil Coisas Invisíveis é o melhor trabalho solo feito pelo artista.

Aos 31 anos, a visão musical de Tim Bernardes é extremamente sólida. O virtuosismo técnico – na execução das músicas no violão e guitarra – dão base para as suas preocupações atemporais e proféticas, entregues logo na faixa de abertura, Nascer, Viver, Morrer. Com uma aparente influência em Nick Drake, Beatles e Beach Boys, Bernardes conseguiu capturar em Mil Coisas Invisíveis uma tolice quase juvenil da vida, enxergando magia nela. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Fases; Nascer, Viver, Morrer; Meus 26

DPR IAN – Moodswings in To Order

Christian Yu, conhecido artisticamente como DPR IAN, iniciou sua carreira musical no grupo de K-Pop C-Clown em 2012, até o fim do grupo em 2015 Em seguida, o artista assumiu o papel de produtor e diretor criativo de sua própria empresa e gravadora, Dream Perfect Regime, a qual fundou ao lado de seus colegas DPR LIVE, CREAM e REM. Já tendo provado em seus trabalhos visuais a extensão de sua criatividade e a singularidade de sua visão artística, ele não deixou de impressionar quando deu partida em sua carreira solo, iniciando uma jornada espetacular repleta de produções marcantes, que tomaria proporções ainda maiores em 2022 com sua segunda obra de estúdio, Moodswings in To Order. 

MIITO, como o álbum é apelidado pelos fãs e pelo próprio artista, conta o passado de Mito, personagem construído por IAN, baseado em seus episódios maníacos de bipolaridade, tema constante em suas composições. O cantor eleva o nível da obra ao combinar 4 faixas e transformá-las em um curta. No processo, é utilizado todas as ferramentas a seu alcance para contar a história do personagem, da melhor forma possível, transmitindo para o espectador a paixão e genuinidade do trabalho. Christian Yu deixa o ouvinte de Moodswings in To Order comovido após encarar um álbum de forte vulnerabilidade, além de despertar curiosidade e antecipação pelos próximos passos de Mito. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Ballroom Extravaganza, Calico e Merry Go

Stromae – Multitude

Depressão, envelhecimento, masculinidade, colonialismo e violência de gênero são alguns dos temas que perpassam a discografia de Stromae, que podem passar despercebidos por ouvidos que não compreendem o francês de suas batidas eletrônicas, dançantes e contagiantes. Em seu novo projeto de estúdio, depois de nove anos de hiato, o cantor não apenas expande esses tópicos para uma infinidade de perspectivas, como também supera o típico EDM europeu de seus álbuns anteriores para resgatar suas raízes como imigrante e moldar uma Multitude de sons. Folk, funk carioca e afropop são algumas das inspirações que o cantor cita como formativas ao disco – sempre unidas a outros elementos inusitados, como corais búlgaros ou flautas chinesas.

O contido e o explosivo se convergem nas letras de Multitude, que unem com elegância humor e melodrama enquanto uma coleção de personagens antagônicos disputam território entre versos e faixas. Seja em um eu-lírico que enxerga no inferno uma alternativa mais plausível que a vida em L’enfer, ou na tentativa de um homem que trai sua esposa de relativizar sua infidelidade em Mon amour, Stromae coloca-se como agente de todas essas retóricas – não importa o quão contraditórias forem –, ao mesmo tempo que busca sua própria subjetividade no olho do furacão. Uma experiência desafiadora, mas que, em contrapartida, descobre nesta incitação o propósito de um artista singular por natureza. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: La solassitude, L’enfer, Pas vraiment

lalalaura – n sei usar excel

O primeiro EP de lalalaura, n sei usar excel, chegou aos ouvidos do público em Julho de 2022. Durante cinco faixas, a cantora reflete sobre os dramas presentes na vida de uma jovem adulta, como amor, inseguranças e relacionamentos. Com muitas referências espalhadas pelas músicas, como Alice no País das Maravilhas, Wonderwall do Oasis e muitas menções a John Mayer, o extended play é um mix de emoções, indo das mais gostosas e positivas, até as mais tristes e negativas.

A artista se expressa de uma forma em que outras pessoas conseguem se identificar com as canções. Em uma combinação de indie rock com pop rock, lalalaura se mostra como alguém que está tentando entender a vida, o cotidiano e as mudanças causadas pelo crescer. A musicalidade do EP possui guitarras, toques sonoros de WhatsApp, risadas e vocais melódicos, além de trazer letras bem-humoradas. Produzido pela Papaya Music, selo musical de Pe Lu, do Restart, em colaboração com Renato Frei, do Bloco do Caos, e com Fred Vieira, de SUBB, n sei usar excel é um mergulho no mundo jovem, formado pela Geração Z. – Laura Hirata-Vale

Faixas Favoritas: alice (só que sem as maravilhas), vc n é o john mayer (rlx), voltas (áudio de whatsapp)

New Jeans – New Jeans

Vestindo a musicalidade dos anos 90, o novo grupo feminino da ADOR, empresa subsidiária pela HYBE, chegou para alterar o mercado sul-coreano, impactando todo o cenário musical com o seu EP homônimo, New Jeans. Minji, Haerin, Hyein, Hanni e Danielle, presentearam os fãs com o lançamento surpresa de Attention no dia 22 julho, uma canção acompanhada de melodia, dança e identidade visual original e impactante, na qual o k-pop estava necessitando. 

Como um respiro em meio a leva do mais do mesmo que a indústria sul-coreana tem sofrido desde 2020, New Jeans simboliza o começo de uma nova tendência. Além de Attention, o EP também integra os hits Hype Boy, Hurt e Cookie, fora os singles de Ditto e OMG. Em menos de um ano de estreia, New Jeans deixou sua marca no k-pop sendo uma das maiores referências de 2022, ganhando o prêmio de canção do ano por Attention no Golden Disk Awards e a estatueta de Artista Revelação no Seoul Music Awards. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Hype Boy, Attention, Hurt

Bruno Berle – No Reino dos Afetos

‘‘(…) é preciso ter amor / Ter amor e ser amor’’. O imperativo de delicadeza e simplicidade das composições de Bruno Berle constrói, para sua carreira solo, um trabalho de estréia único, onde suas imperfeições — ruídos e dissonâncias — são a marca maior de sua sensibilidade. Tropical, noturno, vasto e quente, No Reino dos Afetos mostra-se também como um novo mergulho sonoro de um artista que, em suas palavras, quer se afastar do violão para aproximar-se ao eletrônico e, nesse desprendimento, dedicar-se ao máximo à sua própria expressão. Mesmo que as cordas do instrumento sejam ainda uma personagem na faixa Até Meu Violão, Berle, um jovem alagoano no olho do furacão emocional da metrópole paulistana, procura os beats lo-fi, com o encontro inesperado do ritmo de bossa nova e da vivacidade do high life — gênero musical oriundo de Gana e da Nigéria —, para traduzir seus sentimentos, sempre a flor da pele. 

O gesto íntimo das canções são, para além de uma marca da produção independente do cantor, que atreveu-se nas mais variadas ferramentas para a arquitetura do seu sentir — do atabaque ao piano! —, está também em sua poesia, permeada por imagens de afeto. O amor, o diálogo como uma torrente, o assimilar e a perda da individualidade de duas pessoas, presas em seu próprio mundo; estas são construções que estão presentes em canções como Quero Dizer, a lufada máxima dessa liricidade única, quase parente das canções mais melancólicas de Frank Ocean, em Blonde.

Já Só Nós Dois, devota ao ato de se estar junto, carrega a luminosidade de um violão tropical e dos sons de uma cidade para estender essa raridade da paixão à vida cotidiana. O que Bruno Berle atinge, em No Reino dos Afetos, não são sentimentos bem definidos com palavras certeiras, mas sim, algo de maior beleza: uma gagueira que entende que certas coisas não podem ser ditas e que, às vezes, o balbucio e a vontade de querer dizer, já basta. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: Até Meu Violão, Quero Dizer, Só Nós Dois

Shygirl – Nymph

O tão aguardado e aclamado álbum de estreia de Shygirl, Nymph, foi desenvolvido com um grupo familiar de amigos e colaboradores, incluindo Mura Masa, Sega Bodega e Arca, junto com produtores como Danny L Harle e BloodPop. Recentemente, Shygirl anunciou edição deluxe do álbum, Nymph_o, que contém remixes das faixas originais feitas por um grupo de artistas multifacetados como Björk, Tinashe e Sevdaliza.

Nymph mostra a jornada e a autorreflexão interior de Shygirl, que simultaneamente afirma seu poder e liberdade enquanto anseia por amor, e nos traz uma jornada de fantasias e desejos sexuais, frustrações românticas, e intimidade de uma mulher que é procurada e negligenciada ao mesmo tempo: “Gostosa demais para lidar”. As melodias suaves e etéreas da artista se entrelaçam e fluem perfeitamente com os sons de hip hop, melodias de dança descontruídas, batidas eletrônicas obscuras, juntamente com aspectos do pop clássico Y2K. –  Bruno Alvarenga

Faixas Favoritas: Shlut, Coochie (a bedtime story) e Poison

Ludmilla – Numanice #2

Ninguém poderia prever que Ludmilla, vindo do funk e do pop, faria não apenas um, mas dois álbuns de pagode. Numanice #2 é um compilado de 10 músicas que trouxe este gênero musical para o mainstream com influências do R&B, mostrando a artisticidade e versatilidade da cantora. No entanto, este projeto brilha mesmo em sua versão ao vivo. Disponível nas plataformas com 17 faixas e com participações especiais de outros artistas, além de Brunna Gonçalves, esposa da compositora, no hit Maldivas, ao dizer o desejo de muitos e muitas fãs: “Me bate, Ludmilla!”.

Um dos pilares deste disco, que o torna tão memorável, é a sua autenticidade. Cantores tentam entrar em novos gêneros como uma alternativa de aumentar seu sucesso comercial, o que acaba resultando em trabalhos superficiais. Aqui, não é o caso. Ludmilla cresceu nas ruas do Rio de Janeiro e aos oito anos já cantava para a família inteira ouvir os pagodes do momento. Essa naturalidade, somada a qualidade de suas canetadas, foi o que levou à criação com maestria desta obra, que merecidamente levou o Grammy Latino 2022 de Melhor Álbum de Samba/Pagode. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Meu Homem é Seu Homem, Fora de Si e 212

Alaíde Costa – O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim 

Ao completar 86 anos, uma das vozes mais marcantes que surgiu com o movimento da bossa nova é apresentada a uma geração com um dos álbuns mais elegantes do ano, digno de sua interpretação. Contando com a produção de Emicida e Marcus Preto, O Que Meus Calos Dizem Sobre Mim é uma história, um relato. Com letras escritas por nomes mais do que reconhecidos da música brasileira, cantando palavra por palavra em um ritmo espaçado e adornada por arranjos caprichados, misturando passado e presente. O novo projeto da compositora e cantora carioca é dotado de ritmo próprio, guardando em orquestrações sublimes que guiam o ouvinte a conhecer a história de vida de Alaíde Costa. 

Em sua beleza melancólica, a cantora ressignifica seus quase 70 anos de trabalho para a música brasileira, que por vezes estiveram à margem do público e não tiveram o reconhecimento merecido. Ao regravar “Aos Meus Pés”, composição de João Bosco e Francisco Bosco, Alaíde dita um novo tom, apropriando a canção em sua trajetória “O meu caminho eu mesma fiz / não foi ninguém que me apontou / eu me virei sozinha / comi o pão todinho / que o Diabo amassou”. A produção é de uma grandeza e delicadeza que reverenciam a cantora, demonstrando um resgate a uma referência da cultura negra de maneira respeitosa e admirável – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Turmalina Negra, Tristonho e Aos Meus Pés

Beach House – Once Twice Melody

Once Twice Melody  é o oitavo álbum da banda americana de dream-pop, Beach House. Com o mesmo vigor e psicodelia do seu álbum anterior, 7 , a vocalista Victoria Legrand mostra seu fôlego neste disco duplo, com 18 músicas e 1 hora e 24 minutos. Com músicas completamente alucinantes, que conseguem fazer qualquer um se sentir levemente embriagado no banco de carona enquanto vê as luzes de uma cidade, Once Twice Melody demonstra uma aproximação do rock.

Beach House tem cada vez mais assumido o papel de farol do dream-pop nas últimas duas décadas em que está em atividade. Entre os grandes trunfos do duo está a ótima química entre Legrand e o instrumentista e compositor Alex Scally, e o disco é a maior prova disso. Sucesso entre a crítica  especializada da música indie, a dupla de Baltimore alcança um público nichado porém espalhado pelo planeta, já que em 2022 eles estiveram em várias edições do Primavera Sound, incluindo o de São Paulo. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: Once Twice Melody, Pink Funeral e Masquerade

Beyoncé – RENAISSANCE

Lançado como primeiro ato em uma trilogia, o tão aguardado novo projeto após o aclamado Lemonade (2016) chegou flertando com os fãs, a crítica e tendo uma das recepções mais calorosas possíveis. Com seu novo lançamento, Beyoncé se consagrou como a artista com mais indicações ao Grammy na história. Ao chegar nos 40 anos, tendo passado três décadas dentro da indústria da música, a cantora já havia feito praticamente de tudo: abrangeu diferentes gêneros musicais, falou sobre diferentes pautas e levou suas canções a bilhões de ouvintes. Em seu novo trabalho, ela proporciona um renascimento, se entregando a uma jornada para criar coisas distintas do que já havia feito e comprovando, mais uma vez, sua habilidade de levar até o mais simples a perfeição. 

Em REINASSANCE, a cantora escreve sobre quem ela é, reafirma sua identidade e representa, com orgulho, suas influências. Indo da dance music ao r&b, utilizando diversos samples de cantores que a precederam e criando, com a participação de muitas mãos (aqui vale um enfoque ao time de co-compositores e produtores que tornaram palpável o trabalho), experiências sonoras ligadas por uma maestral sequência, que leva o ouvinte, entre uma música e outra, ditando um ritmo marcante em sua hora de duração. Em seu novo projeto, Beyoncé comprova como é possível criar música pop com densidade que chega convidativa aos ouvidos de quem decide dar play. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: ALIEN SUPERSTAR, VIRGO’S GROOVE E AMERICAN HAS A PROBLEM

Áurea Martins – Senhora das Folhas

Senhora das Folhas é um álbum para se ouvir na íntegra. Coeso, o disco de Áurea Martins desenvolve, no conjunto da obra, uma experiência de imersão e introspecção digna de enaltecimento. Buscando, na sacralidade e nos afetos, os caminhos para conectar suas canções, o lançamento da veterana brasileira alcança uma maturidade artística admirável, firmada em um repertório que não se divide em músicas de maior ou menor relevância. Cada palavra importa e cada som tem seu porquê. Cada escolha leva à cura e cada trajeto traz uma sensibilidade sem fim.

Moldando-se nos detalhes mais sutis, Senhora das Folhas dificilmente brilharia em singles isolados, embora faixas como A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim assinalem um possível ápice do disco. A graciosidade de Áurea Martins, no entanto, está presente desde O Ramo/Incelença da Chuva, faixa que abre o álbum com os traços únicos da voz da artista – além da atmosfera sagrada que percorre delicadamente toda a obra. A verdade é que Senhora das Folhas é uma jornada que toca o coração de quem se entrega por inteiro. – Eduardo Rota Hilário                  

Faixas Favoritas: O Ramo/Incelença da Chuva, A Rezadeira/Citação: Relampiano e Me Curar de Mim

Bala Desejo – SIM SIM SIM

SIM SIM SIM, o debut do coletivo Bala Desejo, é uma experiência sonora de parte da América Latina e da brasilidade carnavalesca de sol e mar. Sim, é possível sentir o calor das ruas e uma briza fresca ao longo das quatorze faixas do disco que misturam, nas letras e nos ritmos, o belo casamento do português com o espanhol. Esse trabalho foi fruto da investida dos quatro integrantes do coletivo, Dora Morelenbaum, Julia Mestre, Lucas Nunes e Zé Ibarra, de produzirem durante seu isolamento da pandemia. As músicas expressam justamente o anseio pelo fim do confinamento: é sobre o primeiro carnaval pós pandêmico, é o proposto ‘Recarnaval’.

A complexidade oferecida nas composições recebem um toque performático, como em um trio elétrico, que ao longo do desfile vai revelando suas diversas atrações. Em Baile de Máscaras (Recarnaval) está a premissa de todo o álbum, em uma pegada à la Rita Lee, seguido por Lua Comanche que remete ao samba dos anos setenta. Na faixa Lambe Lambe está presente o desejo e o carnal, que é equilibrado pelo frescor e independência de Passarinha. Toda essa conexão e câmbio de informações instrumentais e referências do SIM SIM SIM, convergem em um álbum conciso, ainda que experimental. Essa proposta rendeu o prêmio de Melhor Álbum em Língua Portuguesa no Grammy Latino de 2022. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Baile de Máscaras (Recarnaval), Dourado Dourado, Passarinha

Fontaines D.C. – Skinty Fia

Em Abril de 2022, Fontaines D.C. lançou seu disco mais exigente e experimental desde a explosão inicial de Dogrel (2019). Terceiro álbum do quinteto, Skinty Fia é uma aposta arriscada, trazendo referências de Literatura e camadas complexas de guitarra, afinadas às letras vocalizadas por Grian Chatten. Temas como solidão, alienação e conexão humana real podem até passar pelo tracklist de 10 faixas, mas o verdadeiro conceito reside no “não pertencimento”. Isso porque Fontaines D.C. propõe uma narrativa da condição dos imigrantes irlandeses numa Inglaterra que pode não ser tão receptiva quanto parece.

As referências do disco perpassam James Joyce, John Williams e Vladimir Nabokov, cujos singles Roman Holiday e Jackie Down the Line são facilmente destacáveis. As referências ao Joy Division – principalmente pela postura vocal de Chatten, em contraste com Ian Curtis – e ao Gang Of Four não passam despercebidas, mas a junção desses elementos resulta em um projeto original dentro do post-punk. Mergulhado nas referências internas de Fontaines D.C. – como estranhos em uma terra desconhecida –, vislumbramos medos comuns ganharem forma artística (a morte, o tédio, o envelhecimento e a tristeza). Skinty Fia, na verdade, é um álbum corajoso e maduro, que demonstra a evolução meteórica de uma banda que nunca fez menos que um execelente trabalho. – Bruno Andrade

Faixas Favoritas: Jackie Down the Line, Roman Holiday, Nabokov

SEVENTEEN – SECTOR 17

Em seu sétimo ano de carreira, o quarto álbum de estúdio do SEVENTEEN os consolida como gigantes do k-pop. O grupo, que em 2015 tinha apenas uma empresa à beira da falência e um sonho, mostra que o trabalho árduo ao longo dos anos, escrevendo e produzindo as próprias músicas, valeram a pena e resultaram em uma forte identidade musical. Em SECTOR 17 é evidente o amadurecimento dos treze integrantes, que levam seus ouvintes em uma jornada pelos altos e baixos da juventude através de sua discografia. 

O SEVENTEEN prova que ainda tem muito a oferecer, e que a química entre os integrantes é um dos ingredientes principais para seu sucesso e qualidade. Na faixa Circles, o membro Woozi, que também atua como produtor principal do grupo, entrega uma mensagem emotiva de união à seus colegas de grupo. A faixa _WORLD resgata as raízes do SEVENTEEN com seu tom alegre e leve, contrapondo a intensa HOT, a qual apresenta uma faceta inédita, e os entrega a chance de mostrar nos palcos que quem sabe faz ao vivo, não deixando dúvidas sobre sobre o lugar do SEVENTEEN na realeza do k-pop. – Ana Eloisa Leite

Faixas Favoritas: Circles, HOT, DON QUIXOTE

SZA – SOS

Após uma longa espera de 5 anos, devido a uma série de desentendimentos com a própria gravadora, SZA lançou seu segundo álbum de estúdio, SOS. O projeto foi um dos últimos lançamentos de 2022 e está dominando 2023. Seu tema principal já é revelado em seu nome e em sua capa, inspirada em uma fotografia da Princesa Diana no ano de sua morte. Este disco clama por ajuda em meio a solidão e melancolia, muito bem guiados pelo R&B da artista.

Esses temas não são novos na discografia de SZA. Em Ctrl, de 2017, a cantora já explorava os altos e, principalmente, os baixos de um relacionamento. Mas, em SOS, as composições são mais dramáticas e tudo é intensificado, ao passo que as emoções são exploradas com mais profundidade. Tudo isso pode ser percebido em uma música do álbum, Kill Bill, onde a compositora se sente tão sozinha que cogita cometer um crime: “Talvez eu mate meu ex/Mas, eu ainda o amo/Prefiro estar na cadeia do que sozinha”. – Arthur Caires

Faixas Favoritas: Snooze, Gone Girl e Nobody Gets Me

Arctic Monkeys – The Car

Em The Car fica claro que não há interesse em refazer o que já foi feito. No sétimo álbum de Arctic Monkeys é consolidada uma nova fase, sendo essa contida, lúdica e cinematográfica, ficando cada vez mais distante das memórias de uma banda de indie rock. A sonoridade presente no disco poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de espionagem, que acompanha um detetive na sua crise de meia idade. É apresentada uma grande potência sonora, mas dessa vez acompanha letras mais simples, de Alex Turner. Tudo isso espelha o novo momento que o vocalista vive, e apesar de não parecer se importar com a expectativa dos apegados ao A.M, reflete sobre a incapacidade de ser como um dia já foi, e assim  reconhece que isso não é algo ruim.

Na produção, os meninos de Sheffield transparecem seu crescimento e amadurecimento em arranjos orquestrados e vigorosos. Além dos riffs dos anos 60, há influências do jazz e do blues, que acertam no tom mais triste e melancólico. Do início com There’d Better Be A Mirror Ball, ao fim com Perfect Sense, o LP de dez faixas é perfeito para ser escutado quando restam poucas sombras nas ruas, logo depois que o bar fecha. Como cantando na faixa Big Ideas “De verdade, foi emocionante”, mas agora é hora de seguir em frente. Para muitos o álbum não atingiu as expectativas e portanto divide opiniões. Mas o que pode ter sido um pequeno passo para os fãs de R U Mine, acaba sendo um grande salto para aqueles que estão abertos às novas propostas da banda. – Costanza Guerriero

Faixas Favoritas: There’d Better Be A Mirrorball, Body Paint, Perfect Sense

JID – The Forever Story

Depois de despontar no mainstream graças a colaboração com Imagine Dragons na música tema de Arcane, o terceiro álbum de estúdio do rapper JID finca seu nome na nova safra do gênero. Apadrinhado pela gravadora de J Cole e tendo nomes como James Blake, BADBADNOTGOOD e Kaytranada na produção, The Forever Story é um sucessor espiritual de The Never Story, estreia do artista em 2017. Funcionando como uma “parte dois” de seu debut, o álbum é uma análise da vida e amadurecimento de JID pela ótica do próprio intérprete.

Dono de um flow com uma cadência rítmica inconfundível – do qual o rapper alterou incríveis 148 vezes durante a produção – The Forever Story abusa de samples extremamente urbanos para relatar a infância em Atlanta e cria beats nada convencionais, mas ainda sim, extremamente acessíveis ao público. Com uma produção extremamente coesa e um storytelling invejável, JID discorre sobre família, negritude, a violência das metrópoles e a separação que a fama provoca entre o artista e a pessoa. Em um ano rico para o gênero, o rapper coloca para sempre o álbum como um dos melhores registros (senão, o melhor) do ano e do estilo. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Raydar, Surround Sound e Money

Tame Impala – The Slow Rush B-Sides & Remixes

A já reconhecida e estonteante psicodelia de Kevin Parker, mas em versões completamente novas, definitivamente um dos presentes de 2022. Se a versão original, The Slow Rush  nos fez delirar em um vórtex de batidas eletrônicas, como nas músicas Is It True e Borderline, suas versões em remixes de artistas como Blood Orange e Lil Yachty parecem vir de outra dimensão.

The Slow Rush B-Sides & Remixes   traz também novas faixas como No Choice e The Boat I Row que mostram que a banda australiana iniciada em 2007 continua inovando e provavelmente assim deve ser por muito tempo, pois a mente de Parker parece ser uma fonte inesgotável de músicas criativas e eletrizantes e o sucesso já lhe rendeu vários prêmios. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas Favoritas: The Boat I Row, No Choice e Is It True (Four Tet Remix)

Eric Nam – There and Back Again

Dono de uma voz que parece ter sido criada justamente para acompanhar o mais leve toque de cordas em um violão, Eric Nam finalmente encontra o seu som em There and Back Again, o segundo álbum de estúdio da carreira. Cantando de modo que as letras soam como se derramassem exuberantemente os sentimentos de um coração partido, o artista estadunidense de descendência sul-coreana vai e volta no tema sem soar repetitivo.

“E se isso for algo que eu nunca vou superar?/Conversando com meus amigos e todos dizendo: “Eu avisei” “. Brutal na mesma intensidade que permite as emoções transbordarem, o disco tem o sabor refrescante do drama misturado com a realidade nada racional, o colocando em destaque em uma indústria facilmente movida pela superficialidade. A caminho dos 10 anos de trajetória musical, Eric Nam lançou uma versão reimaginada de There and Back Again em 2023. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: I Don’t Know You Anymore, Lost On Me e What If

Charlotte Adigéry, Bolis Pupul – Topical Dancer

Que o performativo sempre pertenceu às pistas não é nenhuma novidade. Mas o mix social, teatral e cômico — vindo de um ímpeto nascido diretamente da proposta de artistas como Grace Jones e Prince — feito pela dupla Charlotte Adigéry e Bolis Pupul é algo definitivamente refrescante no cenário da música pop, que necessita, como nunca, de uma nova linguagem crítica. Envolto pelo gênero da música disco, Topical Dancer apunhala o ouvinte de estranheza. O sentimento prevalece nos graves e sintetizadores dançantes de canções como Esperanto ou Blenda, que ardilosamente mascaram, em uma primeira impressão, os comentários ácidos e irônicos da dupla acerca do racismo, xenofobia e misoginia vividos no cotidiano de qualquer minoria social frente o histórico de países como a Bélgica, que ainda recusam-se a olhar seu passado colonial com os devidos intuitos de reparação. 

Em por seu próprio universo sonoro de referências, do funk dos anos 80 à música eletrônica do ínicio do século, faixas como It Hit Me, que se inicia dando espaço a um relato quase diarístico acerca de um episódio de assédio sexual, são amostras do tom da crítica de Adigéry e Pupul, que nega um didatismo que apenas postula o que é correto ou errado. Para além do conteúdo de suas canções, as percussões produzidas pelo duo também reverberam no contexto diaspórico tão estruturante do trabalho, em seu resgate de um rock que beira a David Byrne mas na carcaça de sons da música haitiana. No humor de HAHA — em que a cantora alcança o máximo de sua experimentação e performance — mora a consciência social dançante em que Topical Dancer, a partir do poder de movimento dos corpos, finca suas mensagens para muito além da epiderme. – Enzo Caramori

Faixas Favoritas: It Hit Me, Making Sense Stop, HAHA

Megan Thee Stallion – Traumazine

Depois de tocar por todos os rodeios de Houston com o viral Savage e ser presenteada com a voz de Beyoncé para o remix, Megan Thee Stallion também ganhou o olhar cuidadoso da gravadora Roc Nation de Jay-Z. Em 2022, a rapper texana entrou na justiça contra a sua distribuidora original, a 1501 Certified Entertainment, para conseguir rescindir um contrato por obra injusto que a manteve refém até o lançamento do disco Traumazine. Infelizmente, Stallion precisou enfrentar o sofrimento de mais um tribunal, refletido nas composições vulneráveis e que impactou a sua trajetória artística e pessoal: o crime cometido por Tory Lanez.

Repleto de versos cortantes rimados com a ajuda de um flow único e nunca tão voraz, o segundo álbum de estúdio da ‘hottie’ traz a Arte do freestyle, a intensidade de letras inspiradas e ainda deixa espaço para um house dançante tomar conta. Segundo o seu perfil para o The Cut, Traumazine seria “a substância química liberada no cérebro quando ele é forçado a lidar com emoções dolorosas causadas por eventos e experiências traumáticas”. Fazendo jus ao conceito, Megan Thee Stallion vem com sangue nos olhos e sede de vingança em uma produção que põe fim aos traumas e a consolida como uma das principais vozes da Música atual. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Plan B, NDA e Her

Baco Exu do Blues – QVVJFA? 

Quantas vezes você já foi amado? Essa é a pergunta que guia o terceiro álbum de estúdio de Baco Exu do Blues. Nesse projeto, o cantor  nos revela suas inseguranças e fracassos por meio de versos tão poéticos que nos fazem voar. Abrindo alas para abordar questões como objetificação do corpo negro, gordofobia, autoaceitação e a solidão do jovem preto, o rapper nos conquista pela coragem de mostrar-se tão frágil. Entre exaltar sua religiosidade e discutir como recebemos e damos afeto, mergulhamos no íntimo do cantor para não querer voltar. 

Formado por 12 faixas que trazem feats de peso como Gal Costa, Gloria Groove e Muse Maya, QVVFJA? consegue encontrar um equilíbrio entre o seu lado sexual explorado em Não tem Bacanal na Quarentena para músicas que mesclam, junto com lado erótico do álbum anterior, amor, medos e dúvidas. Com beats suaves, românticos e carregados no R&B, Baco retorna para o cenário brasileiro apostando em uma fórmula um pouco diferente, mas que, ainda sim, consegue prender nossa atenção. – Clara Sganzerla

Faixas Favoritas: 20 ligações, Samba In Paris, Mulheres Grandes e Lágrimas

Karol Conká – Urucum

Karol Conká sempre foi conhecida por suas parcerias de peso com grandes produtores. Entre Nave, Tropkillaz e Boss in Drama, essas colaborações fazem da discografia da rapper um verdadeiro arco-íris sonoro, que sempre carrega, independente de qualquer distinção, sua essência artística. Sendo assim, para Urucum, RDD assina a produção executiva. Cabeça criativa do coletivo ÀTTØØXXÁ, Rafa Dias une seus poderosos graves aos sons típicos de Salvador para fazer desse um dos projetos mais musicalmente diversos e interessantes da cantora curitibana. Um resultado espetacular para um disco que nasce em um contexto extremamente delicado.

Após um BBB 21 com rejeição histórica, Conká usa Urucum como ambiente de terapia e reflexão. O seu penteado alucinante da capa, em referência à lenda da Medusa, petrifica a ela mesma, aludindo que o narcisismo que feriu aqueles ao seu redor – em plena rede nacional – também a consome por dentro. Desse modo, a rapper olha para dentro para que, assim, entregue seu próprio diagnóstico do mundo. Afinal, do que Karol Conká é culpada? Se fosse outra pessoa, com vivências opostas à sua, tomando as mesmas atitudes, ela sofreria o mesmo linchamento virtual? É a partir destes questionamentos que Karol brinca com a contraste e reencontra seu icônico deboche em um movimento deliberadamente televisionado de autocura. – Enrico Souto

Faixas Favoritas: Fuzuê, Cê Não Pode, Vejo o bem

 Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Vencedor do Melhor Álbum de Música Urbana no Grammy Latino, topo nas paradas da Billboard por mais de dez semanas consecutivas e somando mais de oito bilhões de reproduções no Spotify, não seria exagero dizer que Bad Bunny fez história ao lançar seu novo projeto. Utilizando do reggaeton, que tem suas raízes na música caribenha – lugar de onde o cantor veio, e distinguindo o álbum em parte A (alegre e solar) e B (tranquila e reflexiva), o cantor separa ao ouvinte o melhor de sua produção musical. Levando sua cultura e influências a um nível global, com participações de conterrâneos em suas canções, Bad Bunny entrega um trabalho completo. 

Em seu quarto e mais recente trabalho, Un Veterano Sin Ti, o cantor trabalha temas de maior vulnerabilidade, falando sobre sentimentos e a relação entre dor e entrega. Se a proposta de cantar e trabalhar temas como saudade e o encontro de um novo amor desde seu álbum de lançamento, X 100pre (2018), nesse álbum elas estão ainda mais escancaradas e ainda melhores trabalhadas. O ouro está ali, disponível aos que se propõe a adentrar essa jornada – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Tarot, Otro Atardecer e Ojitos Lindos

Arcade Fire – WE

O Arcade Fire que nós queríamos e precisávamos está de volta. Com referência clara a obra distópica de mesmo nome do escritor russo Yevgeny Zamyatin, o sexto álbum de estúdio do grupo canadense retorna as origens da banda. Cinco anos após o divisivo Everything Now, WE é a amarração dos diferentes Arcade Fire que surgiram nesses quase 20 anos de estrada. O disco também marcou a saída de Will Butler (irmão do frontman Win) da banda.

Dessa vez, a crítica do álbum cai sobre uma sociedade totalmente exposta e incerta. Dentre suas faixas com várias partes, a obra é dividida em duas metades: I e We. A primeira trata de ansiedade, medo, distanciamento e solidão. O contexto fica ainda mais evidente ao perceber que o álbum foi maturado durante a pandemia de covid-19, o que faz com que faixas como Age of Anxiety I batam mais forte. Já a segunda metade, fala do desejo de união tratando-o como distópico, como pode ser percebido em Unconditional II (Race and Religion), que, repetindo uma característica do Arcade Fire de trazer grandes nomes para sua produção, conta com a participação do lendário Peter Gabriel.

A banda une o indie rock com o synthpop como ninguém, fazendo da produção uma experiência catártica que é consciente ao guiar as emoções dos ouvintes através de suas faixas. Por essa razão, o disco nos lembra e lembra o próprio grupo o potencial que eles têm como coletivo e banda de arena, sendo extremamente performáticos, experimentais e sensoriais, da mesma forma que os garantiu sucesso. Por isso, WE nos traz de volta o Arcade Fire que não tem medo de ser Arcade Fire. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Age of Anxiety I, Age of Anxiety II (Rabbit Hole) e Unconditional II (Race and Religion)

Red Hot Chili Peppers – Unlimited Love

Mais de uma década depois, o guitarrista John Frusciante retorna às origens californianas e quebra o silêncio de seis anos na fábrica dos Chili Peppers. O calouro Unlimited Love conquistou o primeiro lugar na Billboard 200 e atingiu a segunda estreia no topo desde o aclamado Stadium Arcadium (2006). O sucesso foi responsável por reacender o funk martelante de sua dinâmica original e alcançar o maior desejo dos fãs: trazer de volta o que faltava.

O disco é uma experiência gratificante, responsável por deixar aquele gostinho de quero mais A volta de Frusciante fez com que o quinteto californiano reencontrasse o dinamismo que supera o de bandas com metade de sua idade. Os Chili Peppers fazem as pazes com o passado e redescobrem sua química sonora de maneira intensa. A nostalgia do amor cura toda a saudade e acolhe com imensa familiaridade o som Ilimitado que apenas os californianos sabem produzir. – Leticia Stradiotto

Faixas Favoritas: She’s a Lover, Black Summer e Here Ever After

Wet Leg – Wet Leg

O (indie) rock não morreu! Em um gênero de dominação masculina, principalmente de sua vertente britânica, é da estreia do duo feminino que ecoa a revitalização do estilo. Naturais da Ilha de Wright, pequeno reduto da contracultura inglesa no século passado, Rhian Tisdale e Hester Chambers confirmam toda a expectativa depositada pela indústria quando Chaise Longue, primeiro single do projeto, despontou ainda em 2021. Não à toa, Wet Leg logo caiu nas graças da crítica e, replicando os expoentes do indie no início do século XXI, vem conquistando o público através do boca a boca.

Fusionando o que de melhor foi criado na cultura fonográfica britânica, o autointitulado Wet Leg cria contrastes interessantíssimos, resultando nas enérgicas e cativantes Chaise Longue, Too Late Now e Wet Dream; que dividem espaço perfeitamente com passagens mais íntimas como Loving You e Piece of Shit. Por mais rico que pareça, o ouro do álbum é justamente não estar preocupado com essa imagem. 

A postura despreocupada do grupo ganha forma em um produto que apresenta ótimas letras ironicamente irreverentes e recheadas de originalidade. Mesmo dentro da fórmula guitarra, baixo e bateria do garage rock, ele consegue passear e experimentar dentro dessa vertente. O resultado é um registro de um duo que não quer rebuscar conceitos ou ousar em questão de complexidade, mas somente fazer Música pela Música. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Wet Dream, Chaise Longue e Oh No

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Isabela D’Avila

Apesar de cedo já ter aberto espaço no mundo da Música com suas composições e seus vocais encantadores, ninguém tinha ideia do impacto que o primeiro álbum de Solána Rowe, ou, como é conhecida mundialmente, SZA, faria na indústria musical. Nem mesmo ela imaginava o que a esperava depois da estreia de Ctrl, disco lançado em 9 de junho de 2017. Disponibilizado pela RCA Records e Top Dawg Entertainment, gravadora de Kendrick Lamar, na qual a cantora foi a primeira mulher a entrar, o CD recebeu aclamação da crítica e estreou em terceiro lugar na Billboard 200. 

Ainda hoje, o álbum está nas playlists e nos fones de pessoas ao redor do mundo, e já alcançou o feito de ser um dos 10 discos femininos que mais permaneceu na Billboard 200 na História. Ele simplesmente nunca saiu de lá. Ultrapassando cantoras que estavam há anos nessa jornada, SZA, em poucos meses, se sentou no topo, e hoje é considerada a cantora de R&B com mais sucesso da última década. Mas já que sucesso não necessariamente significa boa Música, é necessário explicarmos o porquê de Ctrl ser um projeto fora da curva. 

O nome do CD significa controle, e traz uma pessoalidade admirável em suas letras, sejam sentimentos, temas difíceis ou coisas que até seriam erradas demais para serem ditas em voz alta. Para criar as letras das canções, SZA não restringiu nenhuma dessas coisas. As músicas parecem ter sido tiradas diretamente de seu diário secreto. Ou, parecem ter sido baseadas em uma conversa íntima na qual ela desabafa com uma amiga sobre seus problemas do dia a dia, suas relações conflituosas, seus medos e seus anseios. A artista não esconde suas cicatrizes; na verdade, as expõe de forma direta e, sinceramente, muito dolorosa.

Em um álbum que desafia as fronteiras do R&B, inserindo sons melancólicos junto com batidas de hip hop e boom bap, SZA canta sobre as experiências de uma garota negra de 20 e poucos anos e suas dores de crescimento. Ela coloca para fora, através de uma honestidade e sensibilidade absurda, vários momentos de sua vida desde o colegial e nos leva a crer na força enorme que possui. Ela abre um espaço para o sentir, e dá liberdade a si própria e às outras mulheres que vivem o mesmo que ela. É como se ela falasse para as ouvintes: fique à vontade, não se esconda, eu sei o que você está sentindo.

A imersão no universo construído por SZA se inicia com uma gravação telefônica de sua mãe, que é fragmentada na música Supermodel e em outras do álbum. As palavras manifestam de forma simples (e não por isso menos intensa) o conceito geral de Ctrl: “Esse é meu maior medo/Que, se eu perdesse o controle/Que se eu não tivesse controle, as coisas seriam… fatais”. A cantora parece estar em busca de ter o controle de sua vida e de ter em suas mãos o poder de escolha de seus caminhos. 

Em uma entrevista concedida à GQ, SZA afirmou que Supermodel era sua canção favorita do álbum, por ser diferente de tudo que ela já tinha feito. Com poucos acordes sendo tocados em uma solitária guitarra, a melodia criada é bem simples e tranquila. Mas, se prestar atenção, você vai perceber que não existe nada de manso no que está sendo transmitido. Aqui o ouvinte já começa a perceber a insegurança e os sentimentos confusos da cantora.

Apesar de claramente estar em uma relação que não a faz bem, ela diz na Música que precisa desse homem para se sentir confortável, não porque ele é bom, mas porque ela não aguenta se sentir sozinha. E acaba retornando para essa relação tóxica, dizendo: “Eu poderia ser sua supermodelo se você acreditar/Se você vê isso em mim, veja isso em mim, veja isso em mim/Eu não me vejo”.

Amor é amor, um lance é um lance. Seria bom se isso tudo não se confundisse no meio do caminho. Em Love Galore (feat. Travis Scott), SZA está se recuperando de um desses “casos” em que não existe amor. Ela está claramente bem decepcionada, e declara estar farta desses caras que a buscam, mesmo já sabendo que não a querem de verdade. Contudo, parece conseguir reagir a essa situação: “Dê-me uma toalha de papel, dê-me outro Valium/Dê-me mais uma ou duas horas, uma hora com você”. E apesar de estar ansiosa por uma oportunidade de encontrar esse homem nos finais de semana (fazendo referência à canção The Weekend), ela deixa claro o seu arrependimento em ter começado essa relação. Em uma das melhores participações do álbum, Travis Scott representa o traço masculino da história. 

Buscando respeito em relação ao seu corpo, ou aos corpos das mulheres de forma geral, Doves In The Wind (feat. Kendrick Lamar) traz SZA falando sobre pombas ao vento, a partir da ideia de pureza e paz. Ela canta sobre os homens nunca conseguirem olhar para além de um corpo e acrescenta que, aqueles que conseguem, merecem uma “caixa inteira de chocolates”. Assim, trazendo referências do Cinema, algo que SZA explora ao longo do CD, a cantora faz uma relação à figura de Forrest Gump.

Como uma das participações mais importantes no álbum, mas que até pode ser questionada, Kendrick Lamar enfatiza como os homens acabam fazendo de tudo para conseguir sexo; muitas vezes, coisas absurdas, ficando cegos com isso. Kendrick traz um ponto que faz sentido para a temática, mas direciona boa parte de suas falas aos homens, e reafirma alguns estigmas relacionados à mulher negra. 

É nesse sentido que sua participação traz certo incômodo, por gerar uma quebra da proposta de um CD sensível, com foco na perspectiva de uma mulher jovem negra. A participação é diferente das outras de Ctrl, que parecem ser mais controladas pela presença de SZA. Embora Kendrick sempre entregue participações muito boas, sua colaboração não foi a melhor do álbum.

Em um R&B lento, na música Drew Barrymore, a cantora narra uma situação nada confortável, em que o cara que ela estava interessado levou outra garota para a festa. Ela fica em um grande “vai e volta”, tentando ser agradável e, ao mesmo tempo, demonstrando ter muita raiva da situação e inveja por ele estar com uma garota “perfeita”. No refrão da música (“Suficientemente quente para você fora, baby/Diga-me que aqui está quente o suficiente para você/Está quente o suficiente para você dentro de mim?”), fazendo referência à sua aparência ou ao sexo, ela mostra a origem de sua insegurança e, de certa forma, questiona a pertinência desse sentimento. 

Criando de novo uma relação com o Cinema, a artista nomeia a música de Drew Barrymore, pois ela se conecta e se identifica com muitas das personagens que a atriz representou em filmes. SZA fala sobre esses papéis serem, muitas vezes, sobre garotas que não são compreendidas, mas que no final das contas só querem ser amadas. Na faixa, ela fala sobre se sentir sozinha e pede desculpas por não ser “boa o suficiente”: “Tenho tanta vergonha de mim mesmo que acho que preciso de terapia/Sinto muito, não sou mais atraente”. 

Em todo o disco, SZA relata momentos de sua adolescência e o começo de sua juventude. Em Prom, uma das canções mais destacadas pela crítica, em um pop estilo anos 70 ela traz as problemáticas de uma adolescente que está prestes a passar por uma mudança enorme em sua vida, e que parece estar triste por não ter amadurecido na mesma velocidade que a pessoa com quem está se relacionando. 

A solidão e o desespero da artista a levam a aceitar coisas que ela racionalmente não aceitaria. Em The Weekend, uma das faixas preferidas dos ouvintes, que traz a essência de um tradicional R&B, SZA está mais segura de suas ações, mas mesmo assim podemos perceber uma certa tristeza silenciosa na história. A música é uma das mais sólidas no sentido de produção. Em muitos momentos as batidas não têm nenhuma nota, e vez ou outra aparecem sons de piano. Os compassos se diferenciam ao longo da música (algo que SZA traz bastante no álbum), fazendo com que a escuta seja sempre inesperada. A melodia é uma das mais deliciosas do disco. 

No enredo da letra, ela divide o homem não só com uma garota, mas com duas. Ela afirma que não se importa, desde que ele esteja com ela no horário combinado. No trecho “Meu homem é meu homem, é o seu homem/Ouvi dizer que é o homem dela também”, e ainda em “Você pega quarta-feira, quinta-feira e depois manda-o para o meu caminho/Acho que tenho tudo sob controle para o fim de semana”, há essa ideia de liberdade feminina, em que elas não estão sendo enganadas, mas sim têm consciência do que está acontecendo e fazem dele o bobo na situação. É novamente uma das músicas que ela parece ter sentimentos confusos, mas, entre situações difíceis, toma certas posturas para que não sofra tanto; é um certo autocuidado, e não estamos falando aqui de skincare ou de yoga, mas sim de um ato radical de defesa. 

Em Go Gina, mais uma vez trazendo referências do audiovisual, SZA faz um trabalho sobre uma personagem da sitcom Martin. Na entrevista ao The Breakfast Club, ela explica que a canção fala sobre Gina (interpretada por Tisha Campbell no seriado). Na letra, a cantora pede para Gina levar uma vida mais tranquila, com menos rigidez e mais diversão. A batida é um pouco mais rápida do que a maioria das outras, e acaba ficando um pouco cansativa no final, mesmo que seja uma das menores canções do projeto.

Em Garden (Say It Like Dat), a artista entrega uma melodia e um vocal incrível. Na letra, ela é transparente sobre as inseguranças que tem com seu corpo e não se importa em deixar claro o quanto realmente é necessitada de afeto. Em uma das partes mais chocantes, SZA diz que ama o homem com quem está se relacionando do jeito que ele é, provavelmente mesmo com todos os seus erros, embora saiba que ele nunca vai amá-la, pois ele preferiria estar com outra garota com um corpo mais desejado. Em um ato desesperado por afeto, ela ainda pede “Você pode me abraçar quando ninguém estiver ao meu redor?”. Esse tipo de sinceridade não é de se encontrar em muitas músicas por aí. 

Depois de ouvirmos sobre todas essas experiências, em Broken Clocks (terceiro single do projeto) a cantora inicia a parte mais “esperançosa” do álbum, o que parece já ser compreendido antes mesmo da letra começar, já que, ao princípio, a melodia traz uma sensação de paz, quase que angelical. Ela fala sobre o quanto foi cansativo equilibrar seu trabalho com sua vida amorosa no passado, e diz não querer mais voltar à essa vida, demonstrando maturidade para seguir sozinha e levando um dia de cada vez. Ouvimos ela afirmar em um dos melhores refrões do álbum: “Tudo que eu tenho são estes relógios quebrados (talvez fazendo uma relação com o filme Peter Pan) /Eu não tenho tempo/Apenas perdendo tempo”. SZA aponta para o que continua a ajudando a encontrar propósito em sua vida: “Ainda é amor, e ainda é amor”.

SZA continua esse lado mais esperançoso em Anything e Wavy (Interlude) [feat. James Fauntleroy]. Em Normal Girl, uma das preciosidades do disco, ouvimos muitos boom baps e sons repetitivos, que vão ficando mais agudos e se repetem até o final da canção, e que são capazes de te anestesiar logo nos primeiros segundos. Aqui, SZA parece estar inundada por todos esses sentimentos descritos durante as canções. Ela sabe do quanto os rapazes sempre gostam de a ter em suas camas, mas está cansada dessas relações nunca avançarem. Ela gostaria de ser tratada como uma “garota normal”, a qual qualquer um teria orgulho de ter e de apresentar para seus pais. 

Mas ela sempre encontra uma saída. Em uma das pontes mais lindas do álbum, ela fala que continuará vivendo sua vida e que um dia não vai lembrar nem do nome desse cara. Em um último fôlego nessa enxurrada de experiências dolorosas, ela diz: “Neste momento, no próximo ano, estarei vivendo tão bem/Não me lembrarei de nenhuma dor, eu juro/Antes de você descobrir, que eu era apenas uma garota normal”.

Quando chega em Pretty Little Birds, SZA evoca a tradicional figura da fênix, um pássaro mítico que ressuscita após a morte. A sensação mítica está na canção, com uma leve bateria e vozes que parecem estar distantes em alguns momentos. Na letra, ela explica: “Você é apenas uma fênix entre as penas/Você está quebrado pelas ondas no meio do mar/Eles o deixarão morrer, eles o deixarão lavar/Mas você nada tão bem quanto você voa”. Um suave trompete introduz a participação de Isaiah Rashad, que traz sua linda voz rouca para compor a obra. Ao final, os dois concluem: “Minhas asas não se abrem como antes/Mas eu quero voar com você”.

Para fechar Ctrl com chave de ouro, 20 Something traz o acústico similar ao de Supermodel, na qual ela canta sobre uma certa separação que não estava preparada para lidar. Nesse amontoado de sentimentos de uma garota de “20 e poucos anos”, SZA percebe que nunca encontrou o amor, pelo contrário, ela só conhece o medo. 

Ela definitivamente ainda não tem o controle de sua vida, mas permanecerá buscando. Em uma tentativa de recorrer à Deus e ao que ainda possui de esperança, ela finaliza: “Mas que Deus abençoe esses 20 e poucos/Esperando que meus 20 e poucos não acabem/Esperando manter o resto de meus amigos/Rezando para que meus 20 e poucos não me matem”. 

Todos conhecem aquele sentimento de alívio quando alguém entende os problemas pelos quais você está passando. Aquela sensação de que você está mal, mas, pelo menos, está acompanhada. Conexão. Isso é algo que SZA consegue criar de forma majestosa em Ctrl. Entre temáticas sobre o amor, o desejo, a insegurança, traição, competição, ciúmes e baixa autoestima, ela expõe sua alma e todas as suas complexidades. Você se sente quase como invadindo sua privacidade, quase como se estivesse lendo seu diário secreto. Ela traz à tona dores enterradas em seu coração e desperta o mesmo movimento nas ouvintes. 

Muitos dizem que o sentir é o primeiro passo para a cura, para que depois seja pensado que é necessário se fazer. Outros talvez possam dizer que esse resgate de feridas não é tão saudável. Mas uma coisa todos podem concordar: SZA consegue criar essa conexão absurda entre as garotas que já passaram ou estão passando por essa fase, trazendo a sensação de naturalidade com sua voz e composições.

Ctrl é baseado em acontecimentos reais. Essas situações acontecem, e muito. Entre produções impecáveis, batidas eletrizantes, grooves deliciosos, melodias intensas e vocais absurdos, SZA sensibiliza para mandar a real. E continua mandando, em seus singles lançados posteriormente. Ela já deixou claro que o próximo álbum chega no próximo verão. E enquanto isso não acontece, seus fãs não tiram as músicas de Ctrl do repeat, voltando sempre para o ambiente confortável que foi criado desde a primeira vez que apertaram o play, 5 anos atrás, naquele 9 de junho de 2017. 

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Raquel Dutra

Como uma de suas metáforas musicais favoritas, o Grammy encerrou a caliginosa caminhada que o levou até a sua 64ª edição ao fim luminoso da noite do dia 3 de abril de 2022. Sob os holofotes da MGM Grand Garden Arena, no glamour de Las Vegas, cantores, compositores, produtores e instrumentistas se reuniram, junto da Academia de Gravação, para reconhecer “o melhor da Música” realizada entre o dia 1 de setembro de 2020 e 30 de setembro de 2021 e submetida à consideração da premiação. No palco, brilharam os nomes de Jon Batiste, Olivia Rodrigo, Doja Cat, SZA, Bruno Mars e Anderson .Paak, que com suas celebrações fervorosas e feições vitoriosas, encerraram um período que aconteceu exatamente de acordo com uma das leis mais fundamentais da natureza que produz tais fenômenos – antes da luz, vem a escuridão. 

E assim foi como tudo começou, quando o Grammy anunciou seus indicados da vez no dia 23 de novembro de 2021. Dentre os considerados para os títulos de maior prestígio da música mundial, a Academia de Gravação incluiu alguns dos mais infames nomes da Indústria: Louis CK e Lukasz Gottwald (vulgo Dr. Luke, já numa tentativa de se disfarçar) e Marilyn Manson, três homens que acumulam acusações e investigações graves e públicas de assédio, abuso e violência sexual contra mulheres. Diferentemente do que significou para boa parte do público da premiação, que questionou a atitude, a resposta apresentada pelo presidente da Academia não entendeu a situação como um problema.

“Não vamos restringir as pessoas que podem enviar seu material para consideração. Não analisaremos a história das pessoas, não analisaremos seus antecedentes criminais, não analisaremos nada além da legalidade dentro de nossas regras, se essa gravação para este trabalho é elegível com base na data e em outros critérios. Se for, eles podem enviar para consideração.”
– Harvey Mason Jr., CEO da Academia de Gravação, em entrevista ao The Wrap

Assim, o nome do agressor de Abby, Rebecca, Dana e Julia foi o vencedor do prêmio de Melhor Álbum de Comédia com Sincerely Louis CK, que faz piada das acusações já assumidas e confirmadas pelo mesmo; o agressor de Ke$ha (que inclusive já usou o espaço do próprio Grammy para ecoar suas denúncias) também esteve dentre os nomeados para a principal categoria da premiação, pela sua controversa participação em Planet Her, de Doja Cat; e o nome do agressor de Evan Rachel Wood apareceu dentre os indicados a Álbum do Ano e Melhor Álbum de Rap, pela sua participação no naturalmente polêmico Donda, de Kanye West.

Por coincidência, ali também estava mais um dos maiores problemas do ano para a premiação que procura, nos últimos 4 anos, ampliar o acesso de artistas mulheres em gêneros de predominância masculina. Depois do vexame de 2018, o Grammy realizou diversas mudanças nos sistemas de indicações e votos e entregou um 2019 repleto de marcos positivos e avanços importantes para o trabalho de mulheres na música. No rap, Cardi B foi a primeira mulher a vencer o prêmio de Melhor Álbum, mas a conquista não foi mantida nos próximos anos, restringindo o conhecimento das rappers às canções e deixando de notar seus trabalhos completos. 

Com a chance de fazer diferente em 2022, a Academia de Gravação não foi capaz de escolher um disco sequer para concorrer ao principal prêmio de rap. Das 4 mulheres nomeadas por suas canções e performances (Cardi B, Doja Cat, Megan Thee Stallion e Saweetie), nenhum foi chamado ao palco como vencedor. Nos fazendo agradecer a mínima atitude de não completar as honras do disco que atrela um dos nomes mais culturalmente relevantes da Música ao perturbador histórico de um dos maiores agressores da Indústria, o Grammy não só deixou de contemplar artistas mulheres como usou o espaço que tinha para tal a fim de reconhecer os homens que a agrediram.

Lá, alguns favoritismos foram superados e tendências foram criadas. O prêmio máximo não completou a história de Terror que envolvia os méritos de Kanye West em Donda, mas optou por honrar o nome de Tyler, The Creator. Com CALL ME IF YOU GET LOST, definido pela crítica não só como um dos melhores discos do ano, como também o melhor de sua carreira, o rapper de 31 anos agora tem uma sequência de três discos nomeados e dois premiados na honraria máxima do seu gênero. 

Já para os prêmios de canção e performance, a Academia aproveitou a ausência de Marilyn Manson para apreciar Kanye West, consolidando sua relação conturbada com o rapper que saiu como o maior vencedor do gênero da noite depois de ser proibido de se apresentar na premiação. As vitórias foram nas categorias de Melhor Canção de Rap (por Jail, ao lado do outro gigante Jay-Z) e Melhor Performance de Rap Melódico (com Hurricane, sua parceria com o veterano Lil Baby e o badalado The Weeknd). Na última, outro marco: a primeira vez em que o astro canadense é citado e premiado pelo Grammy depois dos eventos de 2021, quando a premiação desconsiderou completamente o impacto de After Hours como um dos discos mais vendidos do ano na hora de definir os nomeados. 

Completando as categorias do gênero, o novato Baby Keem venceu Melhor Performance de Rap com o apoio de seu primo Kendrick Lamar, um dos nomes mais fortes do gênero, que participou do single family ties, do elogiado álbum de estreia do rapper, impulsionando sua vitória no Grammy. A ascensão, no entanto, acarretou mais uma desconsideração pelas mulheres, na única categoria do Grammy 2022 com mais de uma indicada.

A forma como a Academia lidou com suas escolhas de 2022, obviamente, aprofundou a crise de imagem que questiona a sua legitimidade e relevância há pelo menos 5 anos. Depois das respostas nada satisfatórias do presidente, a organização se viu na necessidade de reproduzir uma auto-propaganda ao vivo, no meio da cerimônia de entrega dos prêmios. O significado de rostos como os de H.E.R. estampou o lema “eu sou a Academia”, como forma de tentar recuperar a imagem de quem realiza a premiação e ilustrar os avanços de representatividade do Grammy.   

Mas no nome de artistas como H.E.R., eles se mostraram, mais uma vez, vazios. Vista como uma das mais promissoras da música estadunidense, recordista de premiações mas também alvo de controvérsias (por dividir seus vocais com Chris Brown, agressor de Rihanna, em seu disco mais recente), a jovem de apenas 24 anos acumulou 8 indicações e venceu 1. Dentre nomeações à categoria principal, em R&B, trilhas sonoras e até música cristã, seu gramofone de 2022 veio pela vencedora do Oscar 2021 Fight For You, canção de Judas e o Messias Negro, na categoria de Mehor Performance de R&B Tradicional, numa vitória que não compensa seus esforços em limpar a barra da Academia e ressocializar artistas em favor à gravadora.

Ainda no R&B, existe outra evidência: Jazmine Sullivan e Heaux Tales. O grandioso quarto registro da artista, que é uma força do gênero norte-americano, foi eleito o Melhor Álbum de R&B, mas na condição de destaque da crítica dentre os discos de 2021, não foi considerada para o prêmio principal. Seu single, Pick Up Your Feelings, apareceu em Melhor Canção de R&B e venceu em empate a categoria de Melhor Performance de R&B, com quem os queridinhos do ano – que também foram a pedra no seu sapato na categoria -, Silk Sonic em Leave The Door Open. 

E de tanto Bruno Mars e Anderson .Paak cantarem para alguém deixar a porta aberta, o Grammy 2022 os recebeu como se fosse em casa. Com 100% de aproveitamento de sua estreia na premiação, Silk Sonic venceu as 4 categorias em que concorria. Nas principais, o duo levou Gravação do Ano, com sua produção à altura do título para um dos maiores hits de 2021. Mas em Canção do Ano, é preciso dizer que a dupla foi beneficiada pela preguiça dos votantes do Grammy em ponderar as diferenças das categorias que ele mesmo inventou de separar.

Afinal, são dois prêmios diferentes por uma razão. Enquanto a de canção ressalta os méritos dos compositores das letras musicais de destaque do ano, a de gravação contempla o conjunto da obra, para notar, além dos compositores e intérpretes, os produtores e demais profissionais que foram responsáveis pelo sucesso sonoro da música. Assim, as faixas que atendem os dois requisitos apresentam, essencialmente, propostas diferentes, e por isso, dificilmente contemplam as duas categorias de premiação ao mesmo tempo. 

Mas o Grammy não se importa. Para além da razão mais óbvia de aproveitar a oportunidade para premiar mais de um trabalho, a Academia simplesmente acreditou que versos como “O que você está fazendo?/Onde você está?/Oh, você tem planos?/Não diga isso” e “Eu estou bonito demais para ficar sozinho” eram o suficiente para suceder a força de I Can’t Breathe, a vencedora de 2021. As lamentações libidinosas de Mars e .Paak foram entendidas como superiores à algumas das verdadeiramente melhores composições do ano, expressas nas músicas de Brandi Carlile, Alicia Keys, Billie Eilish, e Lil Nas X.

No restante do Big 4, as coisas foram melhores – mas não por isso mais tranquilas. O título de Artista Revelação de 2022 parecia ser de Olivia Rodrigo junto com sua drivers license e a decepção amorosa que rasgou seu coração lá em janeiro de 2021, o que posteriormente se transformaria em sua estreia estrondosa através de SOUR. Sucessora natural de Billie Eilish e perfeita representação da tão desejada nova era do Grammy, agora muito mais aberto à nova geração e sensível ao espectro do trabalho musical de mulheres, Olivia angariou 7 indicações. Delas, fez bingo nas categorias principais, foi notada pelo clipe de good 4 u em Melhor Vídeo Musical e apareceu em 2 de pop, onde aconteceu seu maior – e mais controverso – triunfo. 

No meio de divas como Billie Eilish e Doja Cat, e veteranos como Justin Bieber e Ariana Grande, a novata ascendeu com o título de Melhor Álbum de Pop Vocal e Melhor Performance de Pop Solo. Aplaudida pelos seus companheiros de categoria, a questão foi na internet: o mesmo público que a jogou ao estrelato e aproveitou ao máximo seus singles enérgicos não se deu por satisfeito com as primeiras apresentações ao vivo da artista. Aos 18 anos, Olivia nunca fugiu de entoar suas músicas diante do público que a recebeu, inicialmente, com tanto carinho, apesar das dificuldades que encontrava em um início de carreira que exigiu tanto dela. Então, a jovem artista literalmente perdia o fôlego em suas primeiras performances, que agitavam os palcos e os públicos de suas estreias em premiações. 

Só que à medida que seus vídeos viralizavam com críticas ao seu desempenho, Rodrigo assumia de vez o pop-rock que expressou da melhor maneira possível seus desabafos adolescentes – e que exigia todo o ar de seus pulmões e toda a força de sua sustentação vocal. Mas quando ela encerrou o primeiro ato de sua carreira com uma dedicação expressiva para entregar o seu melhor no palco mais importante da música, sua primeira fanbase não soube reconhecer seus avanços e potencial de entrega à Arte que escolheu. Do outro lado, acontecia o que realmente merecia a nossa atenção, e a Academia, mais uma vez, recebia e identificava os méritos de uma nova artista para além de suas pompas, burocracias, tradições e preconceitos.

Outro exemplo disso será, felizmente, atrelado ao nome de Doja Cat e SZA. Representantes femininas e negras de grande importância no rap, pop e R&B, a dupla dona de um dos maiores sucessos de 2021 se consagrou com a segunda vitória de mulheres em Melhor Performance Pop em Duo/Grupo, desde que a recente categoria foi implementada no Grammy há 10 anos. Queridas sucessoras e companheiras do título alcançado por Lady Gaga e Ariana Grande pela primeira vez em 2021, as vozes de Kiss Me More também venceram seus primeiros Grammys na ocasião, transformando o momento um dos mais especiais da noite com a simpatia e espontaneidade de algumas das artistas mais bem-sucedidas da geração.

E se o assunto são os mais queridos do público e da crítica que finalmente tiveram seu reconhecimento devido no Grammy, 2022 também brilhou o nome de Jack Antonoff. A assinatura do produtor e compositor sempre aparece nos melhores trabalhos da Música pop e alternativa, mas estreou na premiação da Academia bem longe disso em 2013, premiado como Canção do Ano e Artista Revelação junto da banda fun.. Desde então, acumula 17 indicações, dentre as quais a de Álbum do Ano de 2018 por Melodrama, de Lorde, e de 2019 por Norman Fucking Rockwell!, de Lana Del Rey. Sua principal dupla, no entanto, é Taylor Swift, com quem venceu o prêmio máximo de 2017 e 2021 por 1989 e folklore.

Em 2022, seu trabalho incansável ao lado de Clairo, Del Rey e Lorde não teve uma recepção tão positiva na Academia e na crítica, mas trouxe sua vitória na categoria que era sua por direito. A comemoração não foi ao lado de Swift, sua companhia frequente na cerimônia, que sequer compareceu à premiação com sua indicação única para evermore, mas sim com St. Vincent, outra colaboradora frequente de Antonoff, A artista também saiu vencedora da noite, na categoria de Melhor Álbum de Música Alternativa por Daddy’s Home, repetindo a parceria de sucesso que levou o Grammy de Melhor Canção do gênero por Masseduction em 2019.

Já no rock, a predominância indiscutível foi de Foo Fighters, que apesar de vencer as 3 categorias do gênero (Melhor Álbum por Medicine at Midnight, Melhor Canção por Waiting On A War e Melhor Performance por Making a Fire) não compareceu à cerimônia. A banda passa pelo luto do baterista Taylor Hawkins, que faleceu no dia 25 de março. Fenômeno do rock que produziu o trabalho de mais destaque do gênero do último ano, a banda deu conta de suceder as honras de Fiona Apple em 2021 com Fetch the Bolt Cutters, mas se envolveu num cenário não muito bom em meio aos demais indicados da categoria, que vindo de uma igualdade para artistas mulheres indicadas do ano passado, não lembrou de nenhuma roqueira em 2022.

Mas as homenagens devidas foram prestadas, com destaque maior para a performance de Billie Elish. Na companhia fiel de seu irmão FINNEAS (controversamente indicado a Artista Revelação de 2022 depois de vencer tudo o que tinha direito com ela em 2020), a força do pop aproveitou o flerte com o rock manifesto em Happier Than Ever, seu disco mais recente, também honrado pela Academia nas categorias principais assim como foi seu álbum de estreia, para referenciar o trabalho de Hawkins com Foo Fighters. A grande vencedora de 2020 saiu de mãos abanando de 2022, mas sua passagem pela edição sempre será lembrada pela sua tremenda apresentação em que homenageou a estrela do rock.

É por movimentações complexas como essa que o Grammy 2022 surpreendeu as expectativas de uma edição desmotivada, e que a grande vitória da noite teve um brilho e um gosto especial. Afinal, quando o nome mais indicado da noite foi chamado ao palco para receber o prêmio de Álbum do Ano, a cerimônia ganhou um novo significado. Com a grandiosidade de WE ARE, Jon Batiste contrariou as apostas, venceu favoritismos e se transformou no primeiro artista negro a vencer o prêmio em 14 anos, e o 11º na história das 64 edições da premiação.

Em 2022, ele acumulou 11 indicações, das quais venceu 5. O seu desempenho nas nomeações era por si só impressionante, já que mesmo com uma carreira consistente no jazz, soul e R&B norte-americano, havia sido lembrado pela Academia apenas 3 vezes nos últimos 5 anos, bem longe das categorias principais. Mas sua habilidade em conduzir a premiada trilha sonora de Soul colocou o pianista em outro nível de visibilidade, impulsionando o seu oitavo disco nos ouvidos da Academia. 

Numa performance mágica e hipnótica, Jon Batiste parecia prenunciar sua própria vitória. Depois que ele transformou a cerimônia da Academia em uma festa ao som de FREEDOM, nenhuma outra reação foi possível ao artista e ao público quando que ele recebeu seu prêmio máximo: as lágrimas não tiveram espaço em meio à manifestação de alegria do seu mais sincero e brilhante sorriso – e que felicidade é imaginar que essa será a cena do Grammy 2022.

No protagonismo das principais vitórias de 2022, vê-se a necessidade da Academia de ampliar o acesso de artistas mulheres, jovens, não-brancos e fora dos Estados Unidos, e de preparação do público do Grammy, para saber apreciar o triunfo desses artistas ante aos nomes já devidamente considerados pela na premiação. Basta a Academia e seu público enxergarem, através do brilho de sorrisos como os de Jon Batiste, ou da alegria de presenças como a de SZA, ou do poder de personalidades como Jazmine Sullivan, ou da preciosidade do reconhecimento de artistas como Arooj Aftab, a luz que iluminou a 64ª edição da premiação – nada além de um reflexo.

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Nathalia Tetzner

Quando The Weeknd apareceu com o cabelo curto substituindo os seus icônicos dreadlocks, os fãs sabiam que a construção de uma nova identidade visual viria acompanhada de músicas inéditas. Afinal, ao contrário da grande parte dos artistas masculinos, Abel Tesfaye sempre soube compor grandes eras à la divas pop. Assim, no outono americano, com o lançamento do videoclipe do primeiro single e faixa-título do seu terceiro álbum de estúdio, Starboy (2016), o cantor literalmente assassinou a persona do Beauty Behind The Madness (2015) e deu início ao projeto mais mainstream de sua carreira.

Lançado em 25 de novembro, o disco, que conta com 18 faixas e 1h8min de duração, alcançou o topo da parada musical estadunidense Billboard 200 em sua estreia. Ao longo de quase um ano, 7 singles foram trabalhados e 6 videoclipes foram impecavelmente produzidos. Porém, a divulgação mais elaborada ficou por conta do curta-metragem M A N I A, dirigido por Grant Singer com o objetivo de preparar o público para o que estaria por vir.

Inspirado por David Bowie e Prince, The Weeknd se juntou a um time de produtores renomados para compor o seu novo alter ego. Conhecidos no cenário mainstream, Max Martin e Benny Blanco marcam presença em refrões chiclete como Love To Lay e nas baladinhas pop como True Colors. Entre os nomes já creditados desde o início de sua carreira, Doc Mckinney traz de volta a sensação da primeira mixtape do canadense, House Of Balloons (2011), em faixas como Party Monster e Sidewalks, sua colaboração emocionante com Kendrick Lamar.

Navegando por temas já explorados na carreira de Abel, o seu terceiro projeto em estúdio tem duas musas: a cocaína e a modelo Bella Hadid. O impasse com a fama e o materialismo entram em cena junto ao relacionamento que terminou pouco antes do lançamento de Starboy. Não por coincidência, a nova queridinha do TikTok, Die For You, foi a última composição a ser finalizada e é a redenção de Abel. “A distância e o tempo entre nós/Nunca vai me fazer mudar de ideia, pois amor/Eu morreria por você”.

Sem o compromisso de contar uma história, Starboy soa como um quebra-cabeça com peças diferentes, mas que incrivelmente faz sentido quando montado. No álbum, há formas peculiares para além do pop R&B – Nothing Without You, assinada por Diplo, acaba soando desinteressante pela não profundidade de um som dance repentino. E o que dizer de I Feel It Coming? Ao contrário do primeiro single, a parceria com a dupla francesa Daft Punk fez muito sucesso nos provadores de roupa sem algum traço da personalidade do intérprete. 

Algo diferente do The Weeknd habitual, mas que funciona em Starboy, é Secrets, a faixa com sample da banda de britânica Tears For Fears que teve como influência o country de Dolly Parton e Conway Twitty. Voltando para as colaborações, os vocais paranoicos de Lana Del Rey em Stargirl Interlude e os versos de Future em All I Know transformam o álbum em uma experiência única.

Uma era completa precisa de uma turnê digna, e, com a Starboy: Legend of the Fall Tour, The Weeknd realizou 95 shows em menos de um ano, incluindo uma passagem pelo Brasil no festival Lollapalooza. O repertório contava com uma mistura entre as faixas inéditas e os grandes hits que os fãs amam. Já a estrutura deslumbrante era formada por um enorme triângulo de origami que iluminava toda a pista enquanto se movia.

Vencedor do Grammy de Melhor Álbum Urbano Contemporâneo, Starboy deveria, segundo o próprio cantor, ter sido indicado nas categorias pop. Após ser esnobado com o seu projeto mais recente, After Hours (2020), o canadense expressou sua indignação para a Rolling Stone: “Colocar um álbum como Starboy e colocar um álbum como Beauty Behind the Madness na mesma categoria de alguns outros artistas, não é justo.” Pois é, como The Weeknd canta em Reminder, nenhum artista R&B é igual a ele, e Starboy é mais uma das mil faces dessa potência do pop com o seu próprio estilo.

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Juliana Silveira Pollato 

Às vésperas do Super Bowl LV, The Weeknd lançou o álbum The Highlights. Esse trabalho, como o próprio nome diz, relança ao público as músicas que marcaram a sua brilhante carreira musical. Abel – nome de batismo do canadense – compilou sucessos desde sua mixtape House of Balloons até seu último álbum After Hours, ainda contando com músicas de parcerias grandiosas com Ariana Grande e Kendrick Lamar.

Se há uma coisa que o cantor e sua equipe entendem é marketing. O show do intervalo do Super Bowl promove uma projeção gigantesca do artista devido a sua grande audiência, tanto nos Estados Unidos, quanto mundialmente. Para quem teve sede do cantor de Blinding Lights após o evento e procurou pelos últimos lançamentos dele, encontrou canções selecionadas de todas as suas eras em um único álbum.

The Weeknd se mantém fiel aos conceitos de cada trabalho. Mesmo trazendo músicas de anteriores ao After Hours, a capa deste novo álbum é composta por sua figura vestindo o icônico terno vermelho utilizado no clipe de Save Your Tears e na própria apresentação no intervalo do Super Bowl.

Abel pode até criar um curso de marketing para a colega de apresentação da passarela da Victoria ‘s Secret, Lady Gaga. Apesar de ser fã número 1 da cantora, entender toda sua relevância na indústria e admirar profundamente toda sua carreira, é importante reconhecer os pontos fracos existentes em suas estratégias de marketing.

Gaga, em menos de um ano do lançamento do primeiro single do Chromatica, já parece ter abandonado seu aclamado trabalho. Enquanto isso, o reizinho do Super Bowl LV está fazendo o impecável After Hours render desde novembro de 2019, quando lançou Heartless e dois dias depois, o maior sucesso do álbum: Blinding Lights.

Voltando ao primoroso The Highlights, entre as faixas há 5 músicas da era  After Hours, disco que traz referências dos anos 80, construindo assim a vibe R&B alternativa de Abel, a combinação perfeita que aquece o coração. Ao mesmo tempo que as canções passeiam por aspectos oitentistas por seus sintetizadores e efeitos, elas também tratam sobre dor, solidão, angústia e sofrimento amoroso. E o trabalho audiovisual, lapidado, serviu videoclipes com muito conceito, mostrando que The Weeknd não traz mais um álbum que resgata a estética dos anos 80, mas sim o  melhor do ano dentro dessa proposta, é incontestável!

Pray For Me e Love Me Harder apresentam uma versão um pouco diferente do cantor. A primeira é impossível de ser dissociada de Pantera Negra, até por essa parceria de peso com Kendrick Lamar fazer parte da trilha do filme e culminar de todas as formas, tanto em letra, vocal e instrumental às temáticas de perda, lealdade, sacrifício e redenção. Já a segunda se trata de uma colaboração de The Weeknd no álbum My Everything da cantora Ariana Grande . Essa parceria de grande sucesso trouxe à humanidade a harmonização perfeita de duas das maiores vozes da indústria musical.

Abel dá frescor às estéticas retrôs muito antes de After Hours. Em Can’t Feel My Face há um resgate do pop dos anos 90, e o cantor ainda teve seus vocais neste trabalho comparados aos de Michael Jackson. Além dessa canção, a coletânea de hits conta com mais 4 elegantes faixas do álbum Beauty Behind The Madness, 4 do sensacional Starboy, 1 do EP My Dear Melancholy, e 2 da mixtape House of Balloons.

“Estou com medo de sentir sua falta

Acontece toda vez

Eu não quero esse sentimento

Eu não consigo lidar com o amor

Tento encontrar razões para nos separar

Mas não está funcionando porque você é perfeita”

The Weeknd em Die For You

É espetacular a forma que The Weeknd imprime verdade em seus trabalhos.  Desde a escolha de seu nome artístico até o resultado final de seu álbum, incluindo até a forma que se expõe nas redes sociais. The Highlights traz uma diversidade de músicas que possuem a mais pura essência de Abel: um cara misterioso que nos dá material suficiente para criar 1001 teorias acerca de suas canções e vida, mas ao mesmo tempo, sensível às dores e melancolia da vida. Essa coletânea é como um suco feito por diferentes frutas, que trazem muitas vitaminas e nutrem a alma.

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Giovanne Ramos

O oitavo álbum de Rihanna, ANTI, completa seu quinto aniversário neste dia 28 de janeiro. Sob o selo da sua própria gravadora, Westbury Road Entertainment, o CD se tornou em pouco tempo um ícone musical, o que já é esperado da barbadiana que faz sucesso com tudo o que lança, desde a sua estreia no cenário. Marcado pela sua mistura de R&B contemporâneo com pop – e algumas outras influências -, o trabalho apresenta uma Rihanna madura, confiante e com mais controles de sua própria carreira.

Desde Music Of The Sun (2005), disco responsável pelo seu surgimento na indústria musical e pelos seus primeiros hits, Rihanna se mostrou uma cantora incansável, lançando praticamente um álbum por ano. De 2005 a 2012 foram um total de 7, mas isso nunca afetou seu desempenho nas paradas musicais, pelo contrário, fez com que o seu nome se mantivesse em alta constantemente com hits variados. No entanto, ao encerrar a era Unapologetic (2012) com a música de trabalho What Now, os fãs e admiradores experimentaram o sabor amargo de encarar pela primeira vez um intervalo de anos até um material inédito da cantora.

O período de espera durou quase 4 anos, e nesse tempo aconteceu de tudo! Começando pelo título provisório #R8, sendo o R de Rihanna e 8 do oitavo álbum, que marcou o trabalho misterioso durante o período em que ainda hão havia um nome confirmado. Em entrevista no tapete vermelho do Grammy em 2015, Kanye West revelou estar trabalhando como produtor executivo do tão aguardado álbum. Na época, o rapper também chegou a se apresentar com Rihanna e Paul McCartney com a parceria entre os três, FourFiveSeconds, e se cogitou na época que fosse uma das músicas presentes no álbum.

Em março do mesmo ano, Rihanna lançou Bitch Better Have My Money, que caiu no gosto popular pelo clipe polêmico e pela sua letra cativante, aumentando as expectativas do público para o futuro disco. Em março, foi a vez do single promocional American Oxygen, que assim como FourFiveSeconds, destoava dos lançamentos eletrônicos da cantora, dando assim os primeiros indícios do rumo que tomaria com o ANTI. O single ganhou um clipe com cenas de documentários que simbolizam a crítica ao ‘sonho americano’ contida nas letras da música.

Com o desempenho morno nas paradas musicais, em outubro do mesmo ano, durante uma festa no museu Mama em Los Angeles, foi revelada a capa e o título ANTI. Apesar dos detalhes, a data de lançamento não foi informada. Em novembro de 2015, a artista pegou os fãs de surpresa ao anunciar, em parceria com a Samsung, o ANTIdiary. A estratégia de marketing financiada pelo conglomerado sul-coreano consistiu em uma série de vídeos curtos revelando detalhes do álbum, e deixando subentendido que a tão aguardada espera poderia ter seu fim em meados do final de novembro e início de dezembro, com o álbum sendo disponibilizado direto no serviço de streaming do rapper Jay-Z, TIDAL.

Começando 2016 sem sinais do que já era considerado uma lenda, um novo contratempo: boatos surgiram de que Kanye West havia abandonado o seu até então envolvimento como produtor-executivo do disco. Rumores diziam que a cantora havia descartado um projeto que provavelmente já estaria pronto e teria começado uma nova produção do zero. Não se sabe se isso foi real, mas uma coisa é certa: os três lançamentos anteriores de 2015 não deram as caras no corte final do emblemático projeto.

Sem ninguém entender mais nada e quase crentes de que o ANTI nunca veria a luz do sol, no dia 27 de janeiro o hit Work foi inesperadamente disponibilizado nas plataformas de streaming e o assunto não foi outro: a era estava começando! Em parceria com Drake – com quem já havia trabalhado nas músicas What’s My Name e Take Care, por exemplo – o dancehall envolvente teve uma recepção melhor que os lançamentos anteriores e despontou como um grande sucesso comercial, atingindo o topo da Billboard Hot 100 e mantendo sua estadia por 9 semanas consecutivas.

O que ninguém contava é que no dia seguinte do lançamento do instigante single, o ANTI também seria oficialmente lançado no site do TIDAL e posteriormente em todas as outras plataformas. A primeira surpresa sem dúvidas foi a ausência das já conhecidas FourFiveSeconds, Bitch Better Have My Money e American Oxygen. Em seus lugares, 13 faixas inéditas – 3 adicionais na versão deluxe -, sendo uma delas uma colaboração com a cantora e compositora estadunidense SZA e uma regravação de New Person, Same Old Mistakes, da banda alternativa Tame Impala, que ficou contente com a versão pop.

A espera definitivamente valeu a pena. Deixando para trás o EDM (Electronic Dance Music) característico dos álbuns Unapologetic (2012), Talk That Talk (2011) e Loud (2010), a cantora escolheu o R&B contemporâneo e influências do hip-hop para construir a narrativa sonora do novo material sem deixar suas raízes pop de lado. O resultado não poderia ser mais do que satisfatório: além da boa aceitação pública, o disco não passou vergonha nas avaliações críticas, sendo destacado como um “trabalho intrigante”, “convincente”, “fascinante” e uma “curva artística” em sua carreira. É evidente como o novo som marca um amadurecimento da cantora como artista e como ela estava levando sua obra a sério.

Com dedo em praticamente todas as composições, o álbum é uma preciosidade de letras incisivas, que encarnam o seu lado ‘rapstar’ – como Consideration, Needed Me e Desperado –  e que abraçam sua persona polêmica em 420 e sensual como a curta James Joint, Woo, Pose e Sex With Me. Por fim, ANTI traz também as baladas românticas que destacam a sua voz única: Love On The Brain, Higher e Close To You. Todo esse conjunto mostra uma faceta ainda não vista de Rihanna, mas que talvez já esperássemos dela. Assim como Beyoncé fez com Lemonade no mesmo ano e com o Self-Titled anteriormente, a cantora natural de Barbados estava ousando e se aprofundando musicalmente numa sonoridade mais densa e longe do dance pop.

No entanto, a divulgação foi bem curta, tendo oficialmente quatro singles: Work, Needed Me, Kiss It Better e Love On The Brain, sendo que a última não ganhou um videoclipe. Apesar de na época estar subindo por si só nas paradas, sem divulgações e sem um vídeo musical, Fenty decidiu parar a era ali sem nenhuma explicação. Mas isso não impediu dos fãs produzirem uma própria versão audiovisual da música que se tornou queridinha, aliás, quem não ama uma música sobre sofrer por amor?

Em questão de performances, a escolha foi a dedo. Se apresentou ao vivo em premiações pontuais, sendo a mais marcante de todas no VMA de 2016, onde fez um medley de alguns de seus diversos sucessos no palco e recebeu o prêmio histórico Michael Jackson Vanguard Awards, honraria destinada a artistas que contribuíram com a indústria musical. Ainda compareceu ao BRIT Awards em 2016 com SZA para promover Consideration e com Drake para cantarem juntos o sucesso Work.

Pelo visto, o foco da barbadiana foi a sua turnê mundial Anti World Tour, na qual passou por diversos países entre março e novembro de 2016. Infelizmente, não foi marcada uma data em solos brasileiros, então seus fãs tiveram de se contentar com o que era disponibilizado da turnê financiada em parte pela Samsung. O que marcou o final da era foi definitivamente o seu aparecimento na premiação do Grammy 2017, onde foi indicada à 7 categorias e saiu de mãos vazias. Apesar da decepção pela falta de gramofones, a estrela deu um show de carisma e arrancou memes e momentos icônicos entre umas bebidas e fofoca com a sua amiga que a acompanhou.

A era ANTI também ficou marcada pelas participações paralelas da cantora em músicas de outros artistas. Entre os destaques, a eletrônica This Is What You Came For, do DJ Calvin Harris, matando a saudade de quem sentia falta da voz de Rihanna num som feito para as pistas de dança. A polêmica Famous de Kanye West que repercutiu pela sua rivalidade com Taylor Swift, a viciante Wild Thoughts de DJ Khaled, Loyalty com o renomado rapper Kendrick Lamar, entre outros lançamentos, todas foram parcerias de sucesso em que a cantora pode mostrar a sua versatilidade pelos gêneros musicais além do seu próprio. O intervalo enorme de espera para a era valeu a pena porque os anos de 2016 e 2017 foram todos da musa de Barbados, e não havia como escapar de sua voz nas rádios, nas baladas e em qualquer outro lugar.

Apesar do excelente material e da dedicação de Fenty, nem tudo foi mil e uma maravilhas durante a trajetória de ANTI. A demora de seu lançamento, o cancelamento da performance no Grammy 2016 por conta de sua bronquite e a recusa em performar no intervalo do Super Bowl do mesmo ano em apoio ao protesto do atleta Colin Kaepernick, foram alguns dos obstáculos da cantora. Mas ainda assim, Rihanna entregou mais uma jornada icônica e nos deixou aqui, no replay eterno de 5 anos do álbum sem sabermos quando a agora empresária e dona de um império poderoso de cosméticos e vestimentas nos dará o gostinho de ouvir novos lançamentos. É como se estivéssemos em 2015 novamente. Rihanna, volte!

“Eu às vezes temo ser incompreendida.

É simplesmente porque o que eu quero dizer,

o que eu preciso dizer, não será ouvido.

Ouvido da maneira que eu mereço.” 

– Trecho de “If They Let Us”, poema de Chloe Mitchell que compõe a capa do álbum

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