“Decididamente, eu sei ser animada, sei ser amável, agradável, afável. E esses são apenas os ‘As’. Só não me peça para ser simpática. Simpatia não tem nada a ver comigo.”

 — A menina que roubava livros

No universo dos livros, o feminino assume diversas formas e possibilidades. Seja através da histórica objetificação pelos autores homens, do ato de roubar a cena mesmo quando a narrativa é secundária ou da tão sonhada materialização como protagonista,  as personagens mulheres sempre trazem um dimensionismo inigualável para as tramas.

Em pleno mês de Março, período em que celebramos o Dia Internacional da Mulher – ainda marcado pelas lutas por direitos iguais em 2024 –, o Persona coloca em destaque as vozes femininas da Literatura atual.  Debatendo amor, autoconfiança, gênero, desejos e prazeres, os livros selecionados revelam o melhor das autoras mais influentes do século.

Partindo de romances leves, passando por estreias até obras que trazem perspectivas históricas sobre o feminismo, a Editoria ressalta a batalha por um mundo mais justo no maior estilo girl power. Confira abaixo a nossa curadoria de obras escritas por mulheres que engrandecem o debate nesse mês especial.

Dicas do Mês

Lynn Painter – Melhor do que nos filmes (340 páginas, Intrínseca)

Filmes de romance, roupas vintage, vizinho irritante, paixão de infância, playlists e enemies to lovers. Precisa de mais alguma coisa? Lynn Painter nos apresenta Elizabeth Buxbaum e seu vizinho e arqui-inimigo declarado, Wesley Bennett. Mas o que é uma briga pela única vaga de estacionamento na frente de suas casas perto de um plano mirabolante para conquistar uma antiga paixão de Painter?

Uma leitura leve e romântica, que nos mostra que nem tudo é o que parece e que a paixão pode estar onde menos se espera. Sucesso no TikTok, a história de Liz e Wes conquistou admiradores, muitos fãs de Taylor Swift e apreciadores de clássicos da comédia romântica. Uma aventura envolvente em busca do ‘felizes para sempre’. – Agata Bueno

Marcela Ceribelli – Aurora: O Despertar da Mulher Exausta (288 páginas, Harper Collins) 

Famosa pelos seus episódios semanais do Bom dia, Obvious e todas suas postagens aesthetic no Instagram sobre esportes, amor e até signos, Marcela Ceribelli não era novidade em nossa página inicial do Spotify. No entanto, ao aventurar-se pelo mundo literário, nos surpreendemos com suas palavras: assim como ouvi-la sempre foi um prazer, ler as páginas de Ceribelli foi incrivelmente familiar.

Denominado como auto-ajuda com uma pegada bem mais informal – quase uma conversa com uma melhor amiga ou irmã mais velha –, Aurora: O Despertar da Mulher Exausta divide-se em blocos para abordar o amor, a auto aceitação, confiança, personalidade e felicidade para mulheres modernas. Aqui, não importa se você é da década de 90 ou nasceu com a era Disney, todos os conselhos e capítulos fluem tão bem que você irá se sentir em um episódio de podcast.  – Clara Sganzerla

Simone de Beauvoir – A mulher desiludida (176 páginas, Nova Fronteira)

“Ninguém nasce mulher: torna-se mulher”. Essa célebre frase caracteriza não só o nome de Simone de Beauvoir, mas todo o trabalho dela. Considerada como uma das maiores teóricas do feminismo moderno, a escritora francesa abordou temas que, até então, eram menosprezados e vistos como não políticos, o que suscitou questionamentos e mostrou o caminho para a mudança. A mulher desiludida é uma de suas principais obras e um grande exemplo de como algumas situações nunca deixam de estar presentes na vida de uma mulher, seja na década de 1960 ou 2020.

A mulher desiludida reúne três histórias independentes e todas elas giram em torno de uma protagonista que lida com algum tipo de perda, literal ou simbólica. Com isso, elas também passam a sofrer com a perda de suas próprias identidades, refletindo sobre a condição da mulher e seu papel numa sociedade ainda dominada por homens. Sensível e visceral, essa é uma leitura que exige um coração aberto e empático para compreender a solidão dessas personagens que ainda vivem entre (e dentro de) nós. – Raquel Freire

Audre Lorde – Irmã Outsider (240 páginas, Autêntica)

“E quando eles aparecerem para me derrubar, não irá demorar a que apareçam para derrubar você” é o rasgo sutil de garganta expresso ao final de um dos textos presentes no compilado Irmã Outsider. Embora a linguagem escrita seja silenciosa aos ouvidos, é impossível não escutar um estrondo no córtex sinalizando o parto e o renascimento de memórias. Estas, aliás, compreendem vidas inevitavelmente revolucionárias de mulheres que rejeitaram ser uma coisa só.

Lançado em 2019 pela editora Autêntica, a coletânea de obras de Audre Lorde – mulher, negra, lésbica, feminista, socialista, poeta e mãe de duas crianças – é uma ode às diferenças que, sim, ocupam um espaço significativo em qualquer parágrafo. E a isso dizemos: amém. Cada palavra escrita, falada, cantada ou beijada é uma fração de histórias que estão sendo, enfim, contadas, seja na troca sugestiva de olhares, na conversa íntima noturna ou nas páginas de Irmã Outsider. Em terra de girl power, quem questiona a branquitude, o capitalismo e a heteronormatividade é rainha. – Ana Cegatti

Fernanda Torres – Fim (208 páginas, Companhia das Letras)

Fernanda Torres, que é aclamadíssima como atriz, também mostra o seu talento em Fim, seu primeiro romance lançado em 2013. O livro narra as histórias de vida e amizades cruzadas de cinco homens: Álvaro, Neto, Ciro, Ribeiro e Sílvio. Ambientado em diversas épocas do Rio de Janeiro – entre drogas, bebidas, desejos, confissões, traições e manipulações –, a obra é um drama reflexivo, ainda mais pelo diferencial do  início dos capítulos serem o último dia de vida dos personagens.

Adaptado como série original da Globoplay em 2023, o leitor se sente parte da obra porque tem toda essa ambientação próxima a ele pelos diferentes períodos retratados. Fernanda Torres escreve fluidamente e cria uma amarração na história em que, em algumas passagens, sentimos raiva pelos acontecimentos e logo depois compaixão. Com isso, Fim é uma criação bem interessante que, entre os diversos personagens que se encontram e desencontram, vale a pena a sua leitura. – Marcela Lavorato

Bianca Santana – Quando Me Descobri Negra (96 páginas, SESI-SP)

Ao retratar a sua história nestas noventa e seis páginas, Bianca Santana não fala apenas de si mesma, mas também sobre as vivências de grande parte das mulheres brasileiras no quesito das questões raciais. Permeando desde a sua infância, indo até o reconhecimento da própria negritude já na vida adulta, a autora questiona de que maneira tenta-se diminuir e apagar a memória de um povo injustiçado. 

Abordando temas como as micro agressões cotidianas, diferença salarial e violência policial, o racismo é escancarado por todas as partes. Apesar da dura realidade expressada em seus escritos, existe também uma beleza iminente em sua auto descoberta e aceitação, relembrando a enorme força e autenticidade de quem teve e ainda tem que se reinventar diariamente.  – Rebecca Ramos

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Gabrielli Natividade

Em 1986, cinco crianças encontram um corpo mutilado na floresta cercado por homens palito desenhados com giz, um crime que mudaria o rumo da cidade de Anderbury. Essa é a premissa de O Homem de Giz, livro de C. J. Tudor lançado há cinco anos, em 2018, que se tornou um título muito popular entre os amantes de mistério. A narrativa cheia de reviravoltas faz com que o leitor mergulhe com interesse nas páginas para desvendar o caso de assassinato. Como um bom exemplo do gênero, ninguém está a salvo – todos os personagens têm seus motivos para se tornarem suspeitos desse crime hediondo. 

The Chalk Man foi o primeiro livro publicado por Tudor. A britânica é, desde sempre, admiradora do sombrio e do mistério e, sendo fã de escritores como Stephen King e James Herbert, não foi realmente uma surpresa quando começou a lançar suas próprias histórias nesse estilo. O suspense que flerta com o sobrenatural de seus livros é uma referência direta de suas inspirações. Seus outros títulos, como O que aconteceu com Annie (2019), Garotas em chamas (2021) e As outras pessoas (2020) seguem essa mesma linha de crime, assassinato e desaparecimento. 

Apesar da obra ter estreado há cinco anos, é uma história atemporal que tem potencial para se tornar um clássico. O mistério é um gênero que nunca sai de moda e crianças que resolvem casos que parecem sem solução é um estilo com histórico de agradar o público. Conta Comigo (1986), It – A Coisa (2017) e Stranger Things (2016) são exemplos de que, independente do ano de lançamento, narrativas desse tipo ainda têm seu valor e influenciam novos projetos a todo tempo. Da mesma forma que Tudor se inspirou em outros artistas, seu trabalho pode se tornar exemplo para outras pessoas no futuro. 

Um fator que torna O Homem de Giz tão interessante é a narração em primeira pessoa em que Eddie conta toda a história sobre os acontecimentos. O que torna esse recurso atrativo é que o leitor deve escolher confiar ou não nos fatos relatados, considerando que podem estar distorcidos pela visão limitada. A obra tem apenas um ponto de vista, portanto não se sabe se tudo que é dito é verdade ou apenas suposições. Um narrador em primeira pessoa sempre pode mentir para favorecer a si mesmo, sendo uma aventura ler o que ele tem a dizer. Outros grandes clássicos usam essa ferramenta, como Jantar Secreto (2016) e Verity (2018). 

Outra característica importante do livro é a história dividida em duas linhas temporais intercaladas, uma se passando em 1986 e outra em 2016. Torna-se difícil se desprender da narrativa quando os capítulos não apresentam respostas lineares, ou seja, é uma estratégia que realmente atiça o interesse do leitor e o faz querer mergulhar cada vez mais. A dupla linha temporal também mostra claramente como o assassinato e os homens de giz tiveram impacto na vida dos personagens, que foram de crianças com sonhos e uma amizade forte para adultos traumatizados e com problemas. As pessoas mudam com o passar do tempo e isso fica claro na obra. 

Em cinco anos, O Homem de Giz não perdeu o seu charme e, até hoje, continua a conquistar fãs para si e para o gênero de mistério. Suas 334 páginas são bem desenvolvidas e, mesmo que o final seja um divisor de águas entre os que amam e os que odeiam, a obra vale a pena pela narrativa sombria e intrigante, além dos personagens que carregam suas complexidades cativantes. A história é capaz, ao longo de todos os capítulos, de fazer com que o leitor fique faminto por respostas e novas informações, e com medo de um inocente pedacinho de giz branco. 

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A edição do Clube do Livro de Abril marca o vigésimo encontro do grupo de leitores do Persona. Depois de caminharem por autores e, principalmente, autoras, que expandiram todos os limites das perspectivas, foi a vez de dar de cara com a marcante figura do rock brasileiro, Rita Lee, em Rita Lee: uma autobiografia. Falecida no dia 8 de Maio de 2023, a contemplação da obra da artista se formata em tons de saudosismo e admiração. 

Em pequenos relatos que caminham desde a infância até a vida adulta agitada, o texto encara a distinção das fases em períodos curtos, palavras estrangeiras e gírias paulistanas. Através da óptica completamente única, a autoria de cada termo quase grita Rita Lee. Direta e reta como sempre, seus afetos, vivências, tristezas e o que mais houver cantam em notas vibrantes e extremamente características. 

Além da voz da “padroeira da liberdade” – apelido pelo qual gostava de ser chamada –, o escrito conta com os pitacos do jornalista Guilherme Samora, representado pela aparição de um fantasma chamado Phantom. A figura aparece em determinados trechos para indicar algum detalhe ou data esquecidos pela artista, e contribui para aumentar a sensação de autenticidade dos capítulos. 

Publicada em 2016, a obra foi consagrada no mesmo ano com o título de Melhor Biografia do Prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Artes), a artista também foi lembrada por suas contribuições no universo musical durante a cerimônia. Em 2017, o livro apareceu entre os indicados da categoria de Melhor Biografia da estatueta oferecida pela Academia Brasileira de Letras (ABL), o Prêmio Jabuti. 

O relato é o primogênito da segunda autobiografia de Rita, intitulada Rita Lee: outra autobiografia. A caçula chegou ao mundo em Maio, pouco tempo depois da morte da autora, e carrega em 192 páginas memórias que contemplam os momentos da cantora com a descoberta do câncer de pulmão durante o período pandêmico. 

Mesmo se seu RG não estampasse a capa do livro, o escolhido do mês não poderia ter sua assinatura confundida com a de nenhuma outra literata. Marcado por originalidade e cheio de personalidade, o ato de ler e viver Rita Lee foi e sempre será um presente. Para homenagear as múltiplas sensações provocadas pela eterna Rainha, ficam nossas dicas literárias especialmente para os que têm cor de Tutti Frutti no Estante do Persona de Abril de 2023.

Livro do Mês

Rita Lee – Rita Lee: uma autobiografia (296 páginas, Globo Livros)

No dia 8 de maio de 2023, noites alienígenas ganharam, para a eternidade, um disco voador meio biruta – com um quê de estrela do rock – para sua imensidão de UFOs e objetos luminosos estranhos. A escolha do Clube do Livro do Persona convergiu, numa coincidência que só poderia acontecer a essa figura, com a partida intergalática de Rita Lee, depois de uma luta vencida contra o câncer, relatada em outra autobiografia. O primeiro relato que a artista compõe de si mesma, afastando de si um tanto da personagem ‘‘ritalee’’ dos grandes palcos e telas para expor a intimidade de sua infância e dos bastidores de sua carreira musical, é um enquadramento mais explícito e retrospectivo de si mesma. Da infância na Vila Mariana – tecendo ao leitor uma experiência imersiva de uma São Paulo nos anos 1960 – à caminhada ao estrelato, Lee Jones é modesta com sua própria história, um espaço garantido no cânone de revolucionários e agitadores dos costumes. 

Pisando no terreno das escritas de si, Rita Lee, como sempre, deixa os panos caírem e inverte o jogo. Em Rita Lee: uma autobiografia, a centralidade de tudo é a sua própria história, onde o si tem mais importância e mais corpo que o valor literário de tudo, que também é imenso. O ímpeto cômico e ultrajado que atravessa sua música é, também, um registro de sua escrita. Em seu característico humor ácido, cheio de sacadas inteligentíssimas, a artista se estabelece como canhota por escolha, alienígena de nascença e ovelha negra tingida. Gauche na vida, a artista relata sua experiência andando contra os sentidos pré-estabelecidos; seja do mundo da música – hibridizando o rock estadunidense à bossa nova e ao psicodélico da tropicália – ou no papel instituído às mulheres nesse cenário, que, por sinal, toma o centro da narrativa em seu relato dos bastidores do término de sua trajetória com Os Mutantes. Uma Maria Mole de uma revolução feita aos berros e aos acordes de guitarra, Lee Jones foi transeunte entre estilos, ideias e gerações: entre Pagu e Gil, nunca houve uma revolução como a de Rita.

Dicas do Mês 

C. J. Tudor – O Homem de Giz (334 páginas, Intrínseca)

Guiadas por desenhos de giz, quatro crianças encontram um corpo mutilado no bosque e suas vidas mudam para sempre. C. J. Tudor é um grande nome da literatura do gênero de mistério e O Homem de Giz é, com razão, um de seus títulos mais famosos. O primeiro livro da autora narra as dúvidas e as consequências que envolvem um assassinato que chocou a cidade de Anderbury. Ao longo da história, fica claro que qualquer pessoa guarda os seus segredos, alguns maiores e mais nocivos do que outros.

A trama é contada por Eddie Adams, um dos responsáveis por encontrar o corpo. Na sua narrativa, os fatos são contados em duas linhas temporais: uma em 1986 e outra em 2016. Esse é um recurso interessante capaz de prender a atenção do leitor até o final, além de explicitar como escolhas e acontecimentos do passado podem afetar o presente. Para quem é fã dos mistérios de Stephen King ou de Stranger Things, O Homem de Giz é uma ótima pedida. – Gabrielli Natividade

David Grann – Assassinos da Lua das Flores: Petróleo, morte e a criação do FBI (392 páginas, Companhia das Letras)

O jornalista e redator da The New Yorker, David Grann, já tem uma certa lista de obras que são aclamadas e migraram para a Sétima Arte. Porém, uma de suas maiores joias estava intocada até 2023: Assassino da Lua das Flores. A obra é uma incursão sobre a primeira grande investigação do que seria o FBI: uma série de assassinatos em 1920 no condado de Osage, Oklahoma. Dois pontos deixam o mistério ainda mais interessante: Osage, na época, abrigava as pessoas com maior renda per capita do mundo, devido à descoberta de petróleo na região; e essas pessoas eram nativos americanos, pois o nome da região remete ao nome da etnia.

Grann consegue atribuir uma linguagem western para o livro, ao mesmo tempo que o desmistifica e 0 mescla com um livro-reportagem – fruto de muita pesquisa. Aqui, o big-bang não é frenético e aventuresco, mas sim friamente calculado e vil. Abusando do grafismo, o autor retira o filtro que a América colocou em seu processo de formação e escancara como o dinheiro e o capitalismo estadunidense corromperam seu próprio território. – Guilherme Veiga

Ruy Castro – Estrela Solitária: Um Brasileiro Chamado Garrincha (536 páginas, Companhia das Letras)

Responsável por grandes contribuições ao jornalismo biográfico e literário, Ruy Castro reúne a mitologia e o drama particular que cercam o jogador de futebol Garrincha, uma das figuras mais idolatradas pelo Brasil durante a década de 60. Para realizar esse feito, o imortal da Academia Brasileira de Letras (ABL) cruzou informações de centenas de entrevistas que proporcionam uma imersão extremamente realista, capaz de unificar todos os cinco sentidos do leitor em uma única experiência.

Das vielas estreitas do município de Magé até os grandes palcos do esporte mundial, Castro segue os rastros deixados por um talento nato que, por ser fruto de um país historicamente quebrado, teve a sua própria tragédia pessoal. Através de sentenças que ecoam, Estrela Solitária: Um Brasileiro Chamado Garrincha expõe o fato de que “anjo das pernas tortas” é um apelido digno apenas dentro das quatro linhas, uma vez que, fora delas, nada impediu o seu tormento e de quem esteve a sua volta. – Nathalia Tetzner

Marguerite Duras – Moderato Cantabile (136 páginas, Relicário)

O arrebatamento. Talvez este seja um dos maiores temas que atravessam Moderato Cantabile, um dos primeiros romances da escritora e cineasta Marguerite Duras antes do roteiro de Hiroshima, Meu Amor e — seu ponto de virada ao cânone da literatura mundial — O Amante, publicado em 1980. Uma história de paixão, incomunicabilidade e pulsão, onde o ato máximo do amor é levado ao máximo das sensibilidades, liderando um texto que beira um thriller verborrágico. As tensões comumentes descritas por Duras, reflexiva sobre as relações de exterioridade e interioridade que compõe a complexidade do sentimento humano — numa seara mais radical que inspira, por exemplo, o método autobiográfico de Annie Ernaux —, anunciam, no romance até então esgotado no Brasil, a maior densidade psicológica que estruturam obras como A Dor. 

Por seus diálogos incessantes, construídos por personagens que parecem, em suas falas, mais falarem sozinhos que com si mesmos, desenvolve-se uma narrativa estranha. Em Moderato Cantabile, paira uma aura do erótico que precipita a sucumbir para a auto-destruição, personalizada pela paixão da personagem Anne Desbaresdes a um homem da classe trabalhadora, incitada por uma imagem específica: um assassinato em um café, do lado da sala de um prédio onde seu filho faz aulas de piano, ao som de navios em um porto. O que, inicialmente, é extremamente individual e psicológico efervesce enquanto um drama social, que alcança seu desenlace em um estridente final, como o de uma sinfonia nunca tocada certo; mas ainda sim, potencial em sua expressão. – Enzo Caramori

Kalynn Bayron – Cinderela está morta (294 páginas, Galera) 

Todos nós já ouvimos os clássicos dos contos de fadas e conhecemos as histórias de ponta-cabeça, são eles que ditam os famosos clichês e nada de novo pode surgir disso. Determinada a fazer essa afirmação se quebrar, Kalynn Bayron trouxe ao mundo Cinderela está morta. Criando um universo em que a Cinderela não só foi real, como é um parâmetro de comportamento para todas as mulheres, a autora nos apresenta à Sophia, uma protagonista cheia de representatividade e vontade de virar o jogo. 

Preparada para brigar pelas coisas nas quais acredita, a personagem levanta bandeiras e mostra que muitas vezes o tradicional é ultrapassado. De um jeito leve e encantador, o texto – traduzido por Karine Ribeiro e Érica Imenes – encara as faces do machismo em uma narrativa mais brilhante que um sapatinho de cristal. Estabelecendo a juventude como uma arma engatilhada contra a opressão, Cinderela está morta borda a subversão nos detalhes de um vestido azul. – Jamily Rigonatto 

Emmanuel Carrère – Ioga (272 páginas, Alfaguara)

Em vários trechos de Ioga, a mais recente obra publicada por Emmanuel Carrère, há a explanação, principalmente no primeiro capítulo, de seu desejo antigo de fazer “um livrinho simpático e perspicaz” sobre o ioga. Embora a primeira parte pareça realmente seguir essa receita, mesmo que alguns trechos viagem pelo interior do escritor-narrador, não demora para percebermos que o projeto precisou ser abortado. Isso porque, entre o final de 2014 e início de 2015, quando o escritor francês partiu para um retiro de meditação vipassana, um de seus amigos foi assassinado no trabalho – no escritório da revista Charlie Hebdo, em Paris –, interrompendo seu percurso espiritual. Soma-se a isso seu processo de divórcio e a morte de seu, até então, único editor literário, que ajudam Carrère a transformar o ioga em uma grande metáfora de suas próprias mudanças.

Ainda assim, a obra híbrida de ficção e não ficção – como outros trabalhos do autor – não deixa de ser uma descida ao inferno. Principalmente na parte dois, denominada 1825 dias, Carrère fala abertamente sobre sua depressão melancólica, quando precisou ser internado por quatro meses em um hospital psiquiátrico. De forma pessoal e reflexiva, Ioga não deixa de ser um trabalho de contemplação sobre o corpo e a mente, confrontados pelos medos e inseguranças de Emmanuel Carrère. Nas entrelinhas, trata-se de um livro que investiga o possível equilíbrio em um mundo agitado, frenético e francamente caótico. Longe de ser seu melhor trabalho, Ioga compartilha o modus operandi típico do escritor: mistura de reportagem, texto autobiográfico, pesquisa histórica e prospecções filosóficas, ligados pela linha condutora de uma escrita brilhante. – Bruno Andrade

O post Estante do Persona – Abril de 2023 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

No último ano, a editoria de Literatura foi uma das áreas que se consolidou no Persona. A parceria com a Companhia das Letras recebeu uma melhoria, nos tornando Parceiros Fixos. Como resultado, mais de 30 livros foram resenhados em 2022, e a grande maioria foram obras lançadas pela editora. Nós também ficamos de olho em eventos literários, como o Nobel de Literatura, e nosso Clube de Leitura e Estante do Persona se revitalizaram. Como um balanço do que foi o ano passado para o projeto – e para a Literatura no mundo –, chegamos com Os Melhores Livros de 2022.

Dos dias 2 ao 10 de Julho, membros da nossa Editoria cobriram a 26ª Bienal Internacional do Livro de São Paulo, que ocorreu no Expo Center Norte. Dentre os destaques, a Homenagem a José Saramago – que completaria 100 anos em 2022 –, feita por Andréa Del Fuego, José Luís Peixoto e Jeferson Tenório, e a presença de Paulina Chiziane e Valter Hugo Mãe, marcaram a última edição do festival.

O evento, na verdade, teve dupla celebração: além do centenário do único escritor de língua portuguesa a receber o Nobel de Literatura, 2022 também marcou o bicentenário da Independência do Brasil. Dessa forma, a celebração se deu na forma de reconhecimento da identidade linguística, que une continentes através do idioma em comum, e contou também com a presença do presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa.

Em Maio, a Companhia das Letras publicou a tradução O rei pálido, romance póstumo de David Foster Wallace, finalista do Pulitzer em 2012 e que estava em processo de tradução desde 2014. Pela mesma casa editorial, Sátántangó, do húngaro László Krasznahorkai, finalmente chegou ao mercado editorial brasileiro. Eterno favorito ao Nobel de Literatura, esse é o primeiro livro do autor publicado no país. 

E, falando da premiação, 2022 foi o ano de Annie Ernaux. A escritora francesa foi a grande vencedora do Nobel de Literatura, e foi tema do nosso Clube do Livro meses antes de sua consagração. Em Novembro, ela veio ao Brasil para participar da Festa Literária de Paraty (Flip), onde dividiu uma mesa com Geovani Martins, autor de Via Ápia. Além das entrevistas com os escritores Tobias Carvalho e Daniel Galera, o Persona também foi representado no podcast Clube Rádio Companhia, da Companhia das Letras, no papo sobre os 10 anos de lançamento de Barba ensopada de sangue, de Galera.

Abaixo, você confere a lista das obras que marcaram os membros da Editoria e nossos colaboradores no ano de 2022, com gêneros e estilos para todos os gostos. Seja qual for a sua escolha, o Persona segue defendendo a pluralidade, irreverência e emancipação propiciada pelos livros. Boa leitura!

Annie Ernaux – O Acontecimento

“O que vale é a qualidade e não a quantidade”. Essa frase serve para definir a ponta do iceberg da catarse que Annie Ernaux provoca com suas meras 80 páginas na obra O Acontecimento. Ambientado em 1963, o livro possui caráter autobiográfico, trazendo a passagem de quando, aos 23 anos, a autora engravidou, contra seu desejo, de seu namorado à época. Quarenta anos depois, Ernaux usa toda a força para destrinchar o capítulo de vida em que, sozinha, buscou meios para realizar o aborto de maneira clandestina.

Nenhuma mulher faz aborto sorrindo, e Ernaux, uma das principais vozes feministas da contemporaneidade, para esclarecer toda a profundeza de sentimentos envolvidos, se arma de seu bem maior: as palavras. Aqui não existe a intenção de criar um teatro ou trazer subjetividade em relação às escolhas feitas sob o próprio corpo; a autora é direta e honesta em contar publicamente sua história. Acima disso, a imersão criada pela análise de O Acontecimento leva o leitor a refletir sobre como as leis imperam nos corpos femininos. Esse dom e coragem de Annie Ernaux na produção de textos tão crus e carregados de uma verdade ímpar, ao mesmo tempo comum a sociedade, a tornou vencedora do Prêmio Nobel de Literatura de 2022. – Ana Júlia Trevisan

Bernardine Evaristo – Manifesto: Sobre nunca desistir

Consolidada autora de ficção e não-ficção, professora de escrita criativa e presidente da Royal Society of Literature, a principal organização literária da Grã-Bretanha, em 2019 Bernardine Evaristo se consagrou no mercado editorial com o troféu do Booker Prize, o maior prestígio da literatura inglesa, por Garota, Mulher, Outras. Muito antes da fama e dos louros, a escritora britânica era uma iniciante como qualquer autor, o que ela narra no livro de memórias Manifesto: Sobre nunca desistir.

Na obra, publicada pela Companhia das Letras, Evaristo percorre os caminhos que a levaram a sua literatura atual: seu modo de escrita, suas convicções acerca do mercado editorial e suas inspirações mudaram desde que saiu da casa de sua grande família, e a influenciaram a compor sua prosa como é hoje. Atingindo seu ápice ao mergulhar mais profundamente do que o leitor testemunha na leitura, a inglesa perpassa o que, antes de pegar o papel e caneta, a formou como pessoa.

Manifesto é, literalmente, o manifesto de Bernardine Evaristo. De origem nigeriana, a autora repassa seus anos de criança e adolescência, vivendo em uma casa com muitos irmãos e pouca individualidade, e descobrindo sua própria identidade – aqui, tanto como mulher negra, filha de mãe branca, quanto sua orientação sexual, ideologia política e social. Sensível, sincero e direto, Manifesto: Sobre nunca desistir oferece uma janela aberta a vida de uma das mais importantes e relevantes escritoras contemporâneas vivas. – Vitória Gomez

Annie Ernaux – A Vergonha

A criadora da autossociobiografia, Annie Ernaux, já se mostrou uma mestre em contar histórias da própria vida de um jeito cru e subversivo. Em A Vergonha, a autora não abandona esse viés e traduz milimetricamente os eventos que rodearam sua infância. Vivendo na Normandia com 12 anos, o livro começa com um evento traumático ocorrido em uma tarde de domingo na casa dela e, a partir disso, somos expostos a desenrolares absurdos. 

Tudo é contado com ritmo permanente e com uma clássica mistura de reflexão e literalidade, já conhecidas em outros textos de Annie, como O Acontecimento e O Lugar. Sem precisar de recursos dramáticos, a obra – traduzida por Marília Garcia – nos coloca no cerne das coisas que constróem a tal vergonha na forma de um constrangimento acerca do próprio existir. Assim, a leitura das 88 páginas nos dói, mesmo sem tal intenção. A Vergonha é um tiro, rápido e fatal. – Jamily Rigonatto

Daniel Galera – Barba ensopada de sangue (Edição Especial de 10 anos)

Barba Ensopada de Sangue conta a história de um professor de Educação Física sem nome, que viaja para Garopaba em busca de seu avô desaparecido, após o suicídio do pai. Essa história, porém, já possui mais de 10 anos. Em 2022, em comemoração a data, a obra recebeu uma edição especial comemorativa, com apresentação de Carol Bensimon e posfácio de Júlio Pimentel. O interessante é perceber que, uma década depois, continua a ser um livro instigante e potente.

Temas como identidade, família, memória e morte são amplamente abordados na trama, com Daniel Galera utilizando uma linguagem rica e poética para descrever as paisagens costeiras do sul do Brasil e a atmosfera opressiva e enigmática da história – seja com h minúsculo ou maiúsculo. Ao mesmo tempo, o romance também apresenta uma reflexão profunda sobre as relações humanas e as consequências do passado em vidas presentes. Leitura essencial para quem deseja se aprofundar na Literatura brasileira contemporânea. – Bruno Andrade

David Graeber & David Wengrow – O despertar de tudo

Nesse livro fascinante, escrito pelo antropólogo David Graeber e pelo arqueólogo David Wengrow, os autores propõem uma nova visão da história da humanidade. O despertar de tudo apresenta uma crítica às teorias convencionais sobre a evolução humana, que supõem uma trajetória linear e progressiva rumo à civilização. Segundo os autores, a história da humanidade é muito mais complexa e multifacetada do que se imagina. Eles argumentam que a noção de “primitivismo” é equivocada e que as sociedades “primitivas” possuem formas de organização social e conhecimento que são tão complexas quanto as sociedades ocidentais modernas. 

Além disso, Graeber e Wengrow defendem que as sociedades humanas possuem uma capacidade inata de inovação e criatividade, e que a história da humanidade é marcada por momentos de despertar coletivo, nos quais novas ideias e práticas surgem e transformam a sociedade. Por meio de uma análise profunda da história da humanidade, O despertar de tudo nos convida a repensar nossas concepções sobre a natureza humana e a sociedade. Com uma visão mais plural e diversa da história, que valoriza as contribuições de todas as sociedades humanas, o livro nos inspira a buscar novas formas de convivência e desenvolvimento. – Bruno Andrade

Dolly Alderton – Tudo o que eu sei sobre o Amor

Tudo o que eu sei sobre o Amor é a autobiografia de Dolly Alderton, escritora e jornalista britânica, que conta de forma divertida sua jornada de amadurecimento. O livro começa provocando a indagação “que vidas malucas são essas?”, mas, ao longo dos capítulos, desperta a mais profunda identificação com aqueles que já foram, ou ainda são, jovens perdidos e apaixonados. A leitura, que pode começar um pouco intrincada, adquire ritmo paulatinamente, até envolver o leitor numa história tão relacionável sobre as dores e as delícias de ser adulto.

A autora registra todos os seus vacilos, egoísmos e aprendizados ao longo de seus vinte e poucos anos, de maneira sincera e irreverente, tal qual a personagem Carrie Bradshaw, de Sex and the City. A obra também guarda semelhanças com o romance de Helen Fielding, O Diário de Bridget Jones (1996), cuja diferença consiste no diário de Alderton não ter nada fictício. As crônicas da britânica, além de registrarem o que ela sabe sobre o amor, expõe os medos que acompanham a chegada da vida adulta. Em determinado ponto da narrativa, a autora assume o papel de amiga do leitor e o consola com o seu melhor ensinamento: “pare de esperar as coisas acontecerem e preste atenção nas pessoas que já estão na sua vida”. O grande amor pelo qual você procura pode ser uma amizade, um parente, um trabalho e até mesmo o amor próprio. – Costanza Guerriero

Ali Hazelwood – A Hipótese do Amor

Muitas coisas são calculáveis, tem suas respostas numericamente exatas prontas para serem registradas rotineiramente em um bloco de notas. Com os sentimentos não funciona assim, e as reações químicas do cérebro atuam como um segredo só dele. Com isso em mente, Ali Hazelwood retoma o clichê do fake dating diretamente das fanfics e faz isso da maneira mais doce possível em A Hipótese do Amor. Com uma protagonista que não sabe afirmar o próprio potencial e um professor universitário em busca de aprovação, a conta dá resultados cientificamente surpreendentes.

Olive Smith é estudante de doutorado em Biologia em Stanford e vê a Ciência como uma cadeia pronta e totalmente presa às probabilidades. Em uma tentativa inocente de juntar a melhor amiga, Anh, e Jeremy, é feito um combinado com o jovem professor Adam Carlsen. O romance é narrado em terceira pessoa e nos conta as perspectivas da personagem, enquanto todo o seu controle é perdido e ela acaba completamente apaixonada. 

Apesar de soar previsível, Ali consegue impor toda a sua originalidade em uma narrativa escrita de forma leve e muito fluida. Olive é demissexual e isso torna sua trajetória uma experiência intimista e completa. Outro destaque da obra é o jeito de construir os laços entre os personagens, pois a autora escolhe os caminhos que tornam as relações mais firmes. A Hipótese do Amor é uma leitura animadora para os dias nublados, um jeito de reconfortar o imaginário de quem navegava no wattpad em 2015. – Jamily Rigonatto

Casey McQuiston – Última parada

Jovem, cética e recém-chegada a Nova Iorque, August é confrontada com seus colegas de quarto calorosos e espirituosos. Quando se afeiçoa por Jane, com quem diariamente divide o mesmo vagão de metrô, a vida da garota vira – ainda mais – de cabeça para baixo. Isso porque a conhecida está presa no subterrâneo desde os anos 1970, sem escapatória e sem lembranças de suas aventuras passadas. Em Última parada, histórias de amor não são só românticas, tampouco passageiras quanto o ritmo do metrô.

A narrativa de Casey McQuiston, responsável pelo sucesso Vermelho, Branco e Sangue Azul, repete o feito da autora na obra anterior: ainda que por caminhos intensos, conduz os pensamentos de August de forma leve e divertida, identificável com quem, jovem adulto como ela, encara o mundo e as adversidades à frente. Os toques de ficção científica dão um tom ainda mais renovador à trama: cheio de representatividade, a sexualidade e os modos de vida millennial dos personagens são subtextos animadores, que agregam à identificação com a Última parada para uma experiência ainda mais envolvente. – Vitória Gomez

Clara Alves – Romance real

A realeza está batida e já saturou todas as partes do mercado cultural com suas narrativas, mas quando se fala no universo LGBTQIA+ todos os clichês têm passe livre para tomar lugar na mente de um público cujas possibilidades de amar sempre foram restringidas. Assim, Clara Alves chegou às livrarias com Romance real e o chavão merecido pelos amores de contos de fadas. 

Dayana é fã de One Direction e conhecer Londres é um dos seus sonhos, no entanto, as circunstâncias não são as melhores. A jovem acabou de perder a mãe e vai ter que fazer um reencontro com o pai que a abandonou 10 anos antes. Mas como a vida é uma caixa de surpresas, os caminhos ganham novos ares quando uma ruiva um tanto misteriosa chamada Diana cruza seu caminho e as duas passam a se desvendar. 

Longe da futilidade, abandono parental e luto são temáticas trabalhadas por toda a narrativa. Clara também explora em Dayana a representatividade negra, gorda e bissexual, partindo por um rumo que salienta a importância de que personagens de todas as características merecem seu final feliz. Leve e encantador, o livro é um presente para o cenário nacional e mostra que “real” tem mais de um significado. – Jamily Rigonatto

David Foster Wallace – O rei pálido

Quando se ouve que David Foster Wallace foi a voz de uma geração, há um fundo de verdade quase cientificamente provável. A obra de um escritor é, geralmente, resultado da mistura entre o talento individual e a sociedade que o produz. Essa é a forma como a Literatura é feita – talvez seja até mesmo a maneira como toda a Arte é produzida. O rei pálido, porém, romance póstumo do autor, guarda, naturalmente, semelhanças com Oblivion (2004), última coletânea de contos lançada por ele ainda em vida, em que explora a natureza da realidade, sonhos, traumas e a dinâmica da consciência. Dessa maneira, o livro de 2011 (que chegou às prateleiras brasileiras em Maio de 2022) também examina a atividade da mente. 

Finalista do Pulitzer em 2012, quatro anos depois do falecimento do autor, o robusto romance de 608 páginas narra a história de um grupo de pessoas que trabalham em um centro de processamento de declarações do imposto de renda em Illinois. Alguns dos personagens (Claude Sylvanshine, David Cusk, Lane Dean Jr. e Leonard Stecyk) se envolvem uns com os outros de várias maneiras, não obviamente consequentes. Dois deles se chamam David Wallace, e essa é toda a trama. Mas, embora seja previsível pensar que, tendo como ponto de partida uma investigação sobre o tédio, o romance possa oferecer um enredo tão tedioso, O rei pálido não é, propriamente, “sobre” nada, pois Wallace não escreve sobre seus personagens, mas “através” deles. Levando a empatia explorada em suas obras anteriores a outros níveis, o romance é uma das melhores coisas já escritas na Ficção. – Bruno Andrade

Eliana Alves Cruz – Solitária

Mulheres negras que trabalham como empregadas domésticas conquistam seu protagonismo em Solitária, de Eliana Alves Cruz. Eunice, que trabalha e mora em um condomínio de luxo, presenciou uma tragédia: a morte de uma criança. Com testemunho decisivo na solução do crime, ela conta com sua filha Mabel para colocar um ponto final no caso.

Escrita com força e esmero, as vivências das domésticas são o grande foco da trama. Eliana usa seu texto bem construído para debater temas atuais e históricos, como as relações trabalhistas, diferenças de classe e raça, e o papel de gênero. A autora não tem medo de ser direta, mas constrói uma narrativa doce quando necessário. Solitária traz não só uma boa história, como também amplia a reflexão. – Guilherme Dias Siqueira

Jarid Arraes – Corpo Desfeito 

Amanda vive em Juazeiro do Norte no interior do Ceará e faz parte da terceira geração de uma família cercada de abusos. Sua mãe Fabiana, a avó Marlene e o avô Jorge representam uma cadeia de processos violentos, capazes de afetar suas experiências por completo. Em Corpo Desfeito, publicado em 2022 pela editora Alfaguara, esses personagens compõem uma história dolorosa e cheia de eventos absurdos.

Se antes da morte da mãe a convivência já era ruim, depois da partida de Fabiana e Jorge as coisas ficam insustentáveis. Presa a uma ideia fanática da vida, Marlene passa a cultuar a filha morta como se fosse uma santa e, assim, as abstenções se tornam a regra. A matriarca passa a propor comportamentos distantes das características mundanas e obriga Amanda a estar na mesma caixa, tornando a vida da jovem um grande fardo cheio de pressão e medo. 

Jarid escreve a narrativa com destreza e prende o leitor em cada um dos trechos. Apesar de abordar tópicos sensíveis, a curiosidade para entender até onde isso vai se mantém constante. Ainda é possível encontrar a leveza e equilíbrio no texto com a relação entre a protagonista e a amiga Jéssica, um laço transformado em sentimentos amorosos que ensolaram o enredo. Passeando sobre as consequências da violência na infância e adolescência, o fanatismo religioso e os limites das relações familiares, Corpo Desfeito desmonta uma história fictícia que poderia estar estampada em qualquer manchete de jornal. – Jamily Rigonatto

Jennette McCurdy – Estou Feliz que Minha Mãe Morreu

Jennette McCurdy se inseriu no mundo da atuação aos seis anos de idade, na esperança de se tornar uma estrela e, assim, realizar o sonho de sua mãe. Tornando-se conhecida apenas anos mais tarde, por seu papel em iCarly (2007-2012), da Nickelodeon, sua vida atrás das telas era muito mais complicada do que qualquer pessoa que a visse brilhar como a personagem Sam Puckett pudesse imaginar.

Com esse contexto, Estou Feliz que Minha Mãe Morreu é um livro de memórias de uma vulnerabilidade surpreendente, destacando as lutas da autora com sua mãe abusiva, seus distúrbios alimentares, vícios e as dificuldades que acompanham o fato de ser uma estrela infantil. Ela revela sua criação perturbada em detalhes inabaláveis com um humor e tom encantador, fazendo com que a obra tenha uma leitura envolvente, embora difícil de ser digerida em muitos pontos. – Raquel Freire

Jessica Jung – Bright

Apenas 1 ano e meio depois do lançamento de Shine: Uma chance de brilhar; best-seller do New York Times de Jessica Jung, a cantora, escritora e vendedora de jóias nas horas vagas voltou com o sucessor Bright. Em 2022, a publicação foi responsável por dar continuidade ao frenesi causado na indústria da Música sul-coreana pelo seu romance de estreia, recheado de revelações pouco discretas acerca dos bastidores. 

Desta vez, a protagonista Rachel finalmente encara as decepções envolvendo a sua participação no grupo nada amigável Girls Forever, e o seu relacionamento com Jason, o maior babaca do K-pop. Entregando um desenvolvimento digno das melhores fanfics, Jung novamente não exitou em escrever a sua verdade por meio do disfarce da ficção e reviveu no público a empatia pelos momentos cruciais que passou durante a sua estadia nessa indústria tão letal. – Nathalia Tetzner

Juliana Leite – Humanos Exemplares

Para onde vão nossos testemunhos quando o gosto sombrio da morte chega aos nossos lábios? Por mais que não nos pergunte diretamente, essa é a questão por trás de Humanos Exemplares. Escrita por Juliana Leite e publicada pela Companhia das Letras em 2022, a obra nos apresenta Natália, uma mulher de 100 anos com muito a contar, mas sem plateia para ouvir.

A senhora guarda em si grandes relatos sobre o período ditatorial, o medo que a afligiu e os sonhos que construiu, entretanto, quando ela morrer as coisas vão acompanhá-la aos planos intocáveis. Enquanto trata da fragilidade da memória e gera reflexões sobre como isso afeta universos particulares e grandes eventos históricos, a autora também nos leva a um passeio sobre as angústias da terceira idade e o valor da velhice. 

Cheia de personagens bem desenvolvidos e diversas declarações valiosas, a narrativa é um deleite apaixonante, mas devastador. Natália e Vicente, seu marido já falecido, são resultados diretos de um país tomado pelas chamas de um golpe, e a forma como isso se reflete em seus comportamentos e desejos é explosiva. Entre as ruínas das lembranças, os arquivos perseguidos pelo tempo são os mais raros. – Jamily Rigonatto

László Krasznahorkai – Sátántangó

Embora escrito nos anos 1980, Sátántangó não está especificamente ancorado em sistemas ou governos da época. Na verdade, o húngaro László Krasznahorkai dá tratamentos “míticos” à obra, na qual o universo sombrio de uma pequena comunidade dá as formas desse romance monstruoso, que já nasceu clássico. Muito do que se conhece da obra vem de sua adaptação cinematográfica, feita pelo diretor Béla Tarr em 1996, com roteiro adaptado pelo próprio Krasznahorkai e mais de 7 horas de duração. Na história do livro – que está dividido em duas partes, primeiro de 1 a 6 e, depois, de 6 a 1, como no tango –,  há a chegada de um homem misterioso à vila. Chamado Irimias, ele pode ser um profeta, um cético ou o próprio diabo, visto que retorna após ser dado como morto.

A escrita de László – representada, aqui, na tradução de Paulo Schiller –, ao mesmo tempo em que alimenta o mistério, nos põe em um transe vertiginoso no qual somos embalados. Influenciado por Friedrich Nietzsche, Fiódor Dostoiévski e Franz Kafka, a quem pertence a epígrafe da obra, o escritor promove em Sátántangó uma discussão extremamente interessante sobre os falsos profetas e os sentidos da alienação. Em retrospecto, também se percebe um rigoroso cuidado na escolha das palavras – o que pode explicar a demora que o livro teve no processo de tradução –, visto que, para o autor, as palavras são tudo. A parte surpreendente deste livro é a mistura interessante entre o estilo “modernista” e “pós-modernista”. Em determinados trechos, László Krasznahorkai soa como um modernista clássico, mas o estilo fragmentado da obra, em que os capítulos começam com tramas subdesenvolvidas que vão se encorpando ao longo das páginas, dá ainda mais profundidade a Sátántangó. – Bruno Andrade

Guadalupe Nettel – A filha única

Doce e discreto. Não há melhor forma de descrever o texto de Guadalupe Nettel, cuja calma em descrever situações emocionalmente fortes é um dos grandes destaques da sua escrita. A maternidade, sem qualquer clichê, é o grande pilar desse livro: a narradora, Laura, não quer ter filhos, e desde o início contextualiza sua opção em não gerar um novo ser.

Alina e Doris compartilham com Laura o circuito central da trama, e exploram as múltiplas camadas em torno de “ser mãe”, apontando para a condição não como uma experiência, mas sim um mosaico de sensações que não podem ser descritas de modo raso. Para Nettel, não é um presente ou castigo, mas algo que transcende um ser e transborda para todos os lados. A filha única imerge os leitores em uma experiência que nem todos são capazes de viver. – Guilherme Dias Siqueira

Geovani Martins – Via Ápia

Após a forte repercussão nacional e internacional de O sol na cabeça (2018), a coletânea de contos que marcou sua estreia na literatura brasileira, Geovani Martins lançou seu primeiro romance, intitulado Via Ápia. A obra explora os impactos da instalação da UPP (Unidade de Polícia Pacificadora) na vida dos moradores da Rocinha, mais intimamente no cotidiano de cinco jovens negros, em três momentos diferentes: antes, durante e depois da ocupação.

O ponto mais tocante da ficção, sem dúvidas, é o quão real ela é. Martins cria um enredo que perpassa temas como violência, esperança, luto e amor análogo àquilo que é vivido fora das páginas. Com uma linguagem repleta de gírias e vícios de concordância, típicos da oralidade, o autor consegue construir a realidade da favela e desconstruir o imaginário da homogeneização de forma muito fluida. Via Ápia é uma leitura necessária em memória de todos que foram e são vítimas do sistema de segurança brasileiro, além de ser um livro que consagra Geovani Martins como um dos principais nomes da Literatura marginal. – Raquel Freire

Ian Fraser – A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê

Ian Fraser é um romancista nascido e criado em Salvador, na Bahia, e é conhecido por algumas de suas principais obras – Araruama, Noir Carnavalesco e seu mais recente lançamento, A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê. Todos os seus livros, apesar de divergirem no enredo, se assemelham na retratação do cenário nordestino brasileiro; no entanto, Fraser se supera ao representar o sertão das maneiras mais inusitadas.

No caso de A vida e as mortes de Severino Olho de Dendê, a narrativa acompanha Severino, um humano que trabalha como investigador em uma galáxia distante e que, no lugar do olho esquerdo, possui um artefato tecnológico que permite ver os últimos momentos de uma pessoa antes de morrer. Ao longo de sua jornada investigando um assassinato junto ao fiel companheiro Bonfim, Severino passa por elementos inspirados em Star Wars, Guardiões da Galáxia e Bacurau, unindo perfeitamente o pop com a vivência nordestina. – Amábile Zioli

Ilustralu – Arlindo

Arlindo, livro vencedor do CCXP Awards de 2022, traz a história de um rapaz homossexual que mora no interior do Rio Grande do Norte e que, como a maioria das histórias desse gênero, reflete sobre a descoberta e a aceitação, principalmente em cidades pequenas e religiosas. A obra, escrita por Ilustralu inicialmente como uma webcomic, mostra a vida do personagem homônimo, que é um menino ainda “no armário”, e que está passando pela experiência de primeiros amores. A pessoa mais próxima a ele, também queer, era sua tia, que, depois de criticada por ser uma mulher lésbica, decide se afastar da família e da cidade.

As histórias retratadas em Arlindo não focam apenas no personagem, mesmo que seja o protagonista, mas também comentam sobre outros adolescentes com outros problemas e que passam por dificuldades em casa ou com as tradições locais, muitas vezes inseridos em situações sufocantes. Mesmo que nem todos os personagens tenham ‘finais felizes’, a obra mostra que é necessário coragem e que a solidão queer não dura para sempre. – Dante Zapparoli

Mark Fisher – Fantasmas da minha vida

Em Fantasmas da minha vida, publicado originalmente em 2014 mas que chegou ao território brasileiro em 2022, Mark Fisher explora a relação entre a cultura, a política e a saúde mental. Fisher argumenta que a cultura popular, em particular a Música Eletrônica, é um reflexo dos sentimentos de alienação e desesperança que muitos jovens experimentam em uma sociedade neoliberal cada vez mais individualista e fragmentada. Ele também sugere que as possibilidades de futuro estão sendo dinamitadas por um presente contínuo, sendo a cultura popular um meio de resistência contra essas forças opressivas, mas apenas quando pensada de maneira crítica e consciente.

Ao longo do livro, Fisher utiliza sua própria experiência com a depressão para ilustrar seus argumentos sobre a saúde mental. Fantasmas da minha vida é também um livro de crítica cultural na forma mais ampla do termo: o filósofo britânico utiliza elementos da cultura pop para discutir sobre as condições de vida na contemporaneidade. De Arctic Monkeys e Joy Division a Drake e Christopher Nolan, Mark Fisher constrói um livro desafiador, sombrio e provocativo. – Bruno Andrade

Mariana Salomão Carrara – Não fossem as sílabas do sábado

Para morrer, basta estar vivo. É o que diz o senso comum, e se encaixa no caso de André, marido de Ana: bastou ele sair de casa no exato momento em que um homem (Miguel, marido de Madalena) caía da janela para que o seu fim chegasse. Não fossem as sílabas do sábado conta a história de duas mulheres que, para sempre, estarão unidas pelo trágico acidente que resultou na morte de seus maridos.

Assim, trata-se de um livro sobre o luto – e, portanto, sobre a vida. Mariana Salomão Carrara, nesta obra delicada e dura, aborda a dor ocasionada por uma morte que não deveria ocorrer, e por uma vida que deve ser encarada a partir de então. A luta e o luto, aqui, andam praticamente de mãos dadas, na tentativa de superar o inexplicável e de tentar entender a ausência de quem não deveria estar ausente. – Raquel Freire

Michelle Zauner – Aos prantos no mercado

Nas memórias de Michelle Zauner, ter uma dupla origem é como viver uma fratura. Sendo a comida sua principal ligação com a Coréia do Sul, é também nela que Zauner encontra uma das bases na educação sentimental, superando traumas da infância que dão lugar a uma nova responsabilidade sobre as escolhas da vida adulta. Em Aos prantos no mercado, a autora aborda o amor e a saudade.

Desenvolvido a partir de seu ensaio publicado na revista The New Yorker, o livro conta com uma linguagem poética e envolvente, que põe a vocalista de Japanese Breakfast em momentos marcantes de sua formação intelectual, como o relacionamento com seu pai e o processo de descoberta da Música, ao ganhar sua primeira guitarra da mãe. Aos Prantos no Mercado também traz reflexões importantes sobre a cultura coreana e o impacto da imigração na formação da identidade, mas tudo envolto em capítulos concisos e sentimentalmente potentes. – Bruno Andrade

Miguel Sanches Neto – O último endereço de Eça de Queiroz

Crítico, poeta, cronista, romancista e contista, Miguel Sanches Neto tem longa passagem pelas diferentes formas da Literatura. Em 2022, O último endereço de Eça de Queiroz trouxe o melhor de sua escrita com o uso excepcional da ironia para abordar os conflitos internos de um autor frustrado com a constante busca pelo sucesso comercial. No livro, o narrador é protagonista e assume o pseudônimo de Rodrigo S. M., nome que aparece em A hora da estrela (1977), de Clarice Lispector.

Para ilustrar a jornada peculiar de seu personagem, Miguel Sanches Neto contou com a ajuda dos fantasmas de clássicos da Literatura portuguesa. Fernando Pessoa, José Saramago e, obviamente, Eça de Queiroz, são algumas das personalidades que fazem parte do delírio. “Sobre a nudez forte da verdade, o manto diáfano da fantasia”, assim como o escritor de A Relíquia (1887), a narrativa do livro buscou o real através da ficção. – Nathalia Tetzner

Pagu – Parque Industrial

A seleção literária do ano que marca o centenário do Modernismo no Brasil guarda um lugar especial para as palavras daquela que é uma das principais referências do tema. Parque Industrial é o primeiro livro de Pagu, que escreveu sobre a transformação cultural que montava e desmontava o Brasil desde 1922 quando tinha exatamente 22 anos. Em 2022, então, a Companhia das Letras recuperou o clássico, que, desde o seu lançamento original em 1933, traça um caminho precursor na Literatura brasileira, sendo compreendido hoje como o marco inicial do gênero “Romance proletário”.

É na mecânica industrial de São Paulo na década de 1930 que Patrícia Galvão retrata as transformações que definiram o início do século XX no país, contraditoriamente iniciada na capital paulista, e irregularmente desenvolvida pelos demais centros do Brasil. Ao contrário das perspectivas abstraídas que originam boa parte das reflexões sobre o Modernismo no Brasil, porém, Pagu encarna seu olhar intrínseco à crítica sócio-cultural no ponto de vista singular de quem sempre está, simultaneamente, ao centro e às margens da sociedade: a mulher. 

Assim, o Parque Industrial pintado pelo pseudônimo Mara Lobo é completamente entrelaçado e fragmentado pelas dinâmicas das relações vivenciadas por mulheres nos âmbitos de gênero e classe. Pagu viu de perto o momento em que o tempo se transformou em dinheiro. A reação daquela jovem, sempre tão perto e embora ainda longe de todos os méritos revolucionários que a história recente do país lhe atribuiria, foi criar uma obra urgente e perene, como uma denúncia do capitalismo em avanço que mudou a vida no Brasil para sempre. – Raquel Dutra

Sarah Pearse – O sanatório

A história de O sanatório se passa em um hotel nos alpes suíços que, em um passado sombrio, foi um hospital psiquiátrico. O protagonista Elin Wagner vai ao encontro do irmão, Isaac, que está comemorando um noivado. Desde o início, ele sente a tensão ao se encontrar na hospedagem, e o desaparecimento da noiva de seu irmão serve como um catalisador de seu desespero.

O livro de estreia de Sarah Pearce tem uma escrita instigante que prende até o leitor mais distraído. Já comparado às obras de suas inspirações literárias – Agatha Christie e Stephen King -, o suspense de Pearce é intenso desde a primeira página, refletido na personalidade e nos comportamentos de seus sujeitos. É definitivamente uma experiência eletrizante. – Guilherme Dias Siqueira

Shirley Jackson – Sempre vivemos no castelo

Importante expoente do Horror, as obras de Shirley Jackson influenciaram grandes nomes da Literatura e do Audiovisual, como Stephen King, Neil Gaiman e Mike Flanagan. Suas vastas produções, porém, não são tão conhecidas quanto as de seus pares de gênero: apesar da falta de reconhecimento, o Terror de Jackson inspira o medo através do próprio  cotidiano, tornando o real, sobrenatural. Em Sempre vivemos no castelo, que ganhou uma nova edição pela editora Alfaguara, a dúvida se mistura ao macabro, com um toque de humor tenso e envolvente.

Na história, originalmente publicada em 1962, as irmãs Blackwood vivem isoladas em uma residência com o tio, após a morte de todos os familiares e os rumores de um assassinato dentro da própria família. Pelos olhos de Merricat, a caçula, os eventos do dia a dia ganham um tom místico, ao mesmo tempo que mágico e infantil, e as suspeitas quanto a veracidade da narração são constantes. Com a chegada de um primo da família e o mistério acerca do que realmente aconteceu na propriedade, o Horror desponta justamente a partir da dúvida e da falta de confiança na narradora de Sempre vivemos no castelo. – Vitória Gomez

Simon Stålenhag – Estado elétrico

Indicado ao Prêmio Arthur C. Clarke em 2019, Estado elétrico (ou Passagen, no original da língua sueca) fica no limiar entre o livro ilustrado e o romance gráfico, com grandes painéis que nem sempre vêm acompanhados de textos claros. A bem da verdade, o livro parece ser um artefato quase contemplativo, retirado diretamente da distopia que pretende retratar, embora essa aura distópica das ilustrações de Simon Stålenhag dialogue com os universos de “tecnologia sucateada” do cyberpunk.

As artes de Estado elétrico são cheias de detalhes, e a temática do autor combina suas próprias impressões da infância às inspirações da ficção científica, resultando em um cenário estereotipado da Suécia com itens futuristas agregados. Stålenhag cria suas imagens utilizando uma mesa gráfica, valendo-se de técnicas e configurações específicas para simular pinturas a óleo, que se unem ao seu talento para narrar. – Bruno Andrade

Stephen King – Conto de Fadas 

Escrito na voz do adolescente Charlie Reade, Conto de Fadas é fiel ao título e, literalmente, performa uma narrativa encantada. Aos 75 anos, Stephen King não cansa de inovar e, com suas próprias referências, isso não é diferente. Disposto a se aventurar por novas possibilidades literárias, o autor dos clássicos do terror It: a Coisa e Carrie, a Estranha,  agora escolhe se aprofundar na fantasia. O protagonista é um jovem normal com uma vida irritantemente comum: vive em uma pacata cidade fictícia, cuida de casa, tem uma boa relação em casa e vai para a faculdade. Mas, como o comodismo não é um dos favoritos do autor, tudo isso muda até chegar no inacreditável. 

O ponto de transição é o acidente doméstico do vizinho. Com o misterioso Howard Bowditch machucado, Charlie passa a cuidar dele e da cachorra Radar. Nessa interação, um carinho muito bonito se desenvolve entre os personagens, o sentimento é descrito de uma forma tão bem ritmada que até nos faz esquecer do vindouro lado surrealista. Essas ligações encaixadas também são algo que frequentemente vemos entre o garoto e o pai. Os paralelos começam a aparecer quando o senhor morre e o jovem encontra os motivos dos boatos sobre ele.

Um poço que liga o mundo humano com um universo repleto de seres mitológicos de todas as categorias é encontrado atrás da casa e, a partir disso, o cotidianismo dá lugar ao surreal. Apesar de deixar o horror para segundo plano, King mantém seus característicos elementos nos seres que vivem nesse outro espaço. Entretanto, o que toma conta são os efeitos iluminados e as motivações puras da narrativa. Aos poucos Charlie ganha um tom de herói, e a leitura de Conto de Fadas se torna mágica. – Jamily Rigonatto 

Syundei – Força, Nakamura!!

Ganbare! Nakamura-kun!!, ou, como conhecido no Brasil, Força, Nakamura!!, é um mangá que possui representatividade LGBTQIA+, publicado pela editora NewPOP. Sua fama se consolidou, entre outros fatores, através das paródias que sua capa colorida recebeu, fazendo com que o conhecimento da história logo se tornasse de fácil acesso. A obra retrata, de forma leve e divertida, as descobertas amorosas de Nakamura, um jovem de 16 anos que é tímido e não consegue se expressar muito bem. Essa característica é contrastada com Hirose, o rapaz animado pelo qual se apaixona.

A obra traz consigo um ar gostoso de aceitação e entendimento dos primeiros romances, ampliando a vontade de viver um amor, por mais difícil que seja dar o primeiro passo ou, até mesmo, passar por uma primeira rejeição. Em tempos nos quais discursos de ódio a minorias foram proferidos, a falta de histórias com personagens queer que vivem finais felizes faz falta, e conteúdos como o apresentado por Syundei acabam refrescando e dando esperança para que mais obras com bons finais surjam no futuro, mesmo que retratem um relacionamento queer platônico. – Dante Zapparoli

Paulina Chiziane – Balada de Amor ao Vento 

A prosa poética é a melhor amiga da língua portuguesa – e ao compreender tudo o que significa existir sob uma influência colonialista, Paulina Chiziane sabe contornar os limites da Literatura assim como todos os outros autores que se consagraram por desenvolver a língua para além da concepção europeia. Influenciada pela lírica de Mia Couto, iniciada à autocrítica inventiva de José Saramago e perturbada pela mesma entidade feminina de Lygia Fagundes Telles, a escritora moçambicana alcançou o prêmio mais importante da Literatura de língua portuguesa em 2021, com a mesma audácia espiritual que a fez a primeira mulher a publicar um livro no país em 1990 com Balada de Amor Ao Vento.

“Tudo começa no dia mais bonito do mundo”, quando a história de Sarnau e Mwando se inicia com os suspiros mais apaixonados da protagonista narradora. O desenrolar, no entanto, acontece na sociedade que não só recusa às mulheres o seu direito à autonomia, como também ameaça sua mera sobrevivência. O amor, para Chiziane, é a coisa mais bela e a arma mais violenta. Assim, a autora se mistura às brisas de verão, festividades religiosas, tradições locais e laços de família e amizade para descascar as camadas de violência, desamparo, solidão e privilégios que sustentam os sistemas em que vivemos, cuja complexidade se dá na exata relação existente entre o tradicionalismo e a modernidade. 

Desta forma, Balada de Amor ao Vento é a semente de todo o pioneirismo e revolução que consagra o nome de Paulina Chiziane na língua portuguesa de origem não-europeia. Para além de sua estreia precursora no que diz respeito à história das mulheres na Literatura africana, o livro é também floresce todos os temas que a autora aborda com mais ferocidade em Niketche: uma história de poligamia. Publicada originalmente em 2001, a obra de maior visibilidade de Chiziane foi difundida mundo afora depois de sua vitória no Prêmio Camões, propagando também as discussões mais contemporâneas sobre a condição da mulher no mundo globalizado. – Raquel Dutra

PEYO – Boy meets Maria

Com tons pastéis em sua capa, Boy meets Maria retrata a juventude, a autodescoberta e a tentativa de superação de abusos passados. O mangá, que pertence ao gênero Boys Love, apresenta a visão de Taiga, um rapaz que acaba de se mudar para uma escola nova para começar seus estudos de ensino médio, e que tem uma grande admiração por heróis. O ideal do menino, até certa forma, se enquadra nos padrões de gênero que são esperados de pessoas do sexo masculino.

Em contrapartida, temos Maria, pessoa que ele conhece e se apaixona à primeira vista, após vê-la dançando em um palco. Para a surpresa de Taiga, há a descoberta de que Maria, na verdade, é um homem, o que o deixa confuso sobre seus sentimentos e sobre o uso de nomes e pronomes que pessoas optam por usar. Toda a trama gira ao redor do “ser um homem” ou, de certa forma, do que é não se identificar em um corpo que é seu.

Mesmo com seus traços delicados e cores claras, Boys meets Maria traz assuntos como abuso sexual, infantil e negligência familiar de forma brutal. Trata-se de um mangá coming-of-age que tenta reforçar mensagens de apoio a vítimas de abusos passados, representadas na trama por Maria. Além de trazer uma forte representação não-binária, o mangá problematiza o sentir nos moldes binários que muitas vezes a sociedade nos coloca. – Dante Zapparoli

Taylor Jenkins Reid – Carrie Soto Está de Volta

Taylor Jenkins Reid já provou ser mestre quando o assunto é criar personagens tão reais que chegamos a ser tentados a buscar os nomes na internet e encontrar textos jornalísticos sobre eles. Em Carrie Soto Está de Volta a escritora retorna com toda a excelência e nos leva a mais uma aventura pela complexidade humana, apresentando a atleta Carrie Soto e seu desejo de se mostrar inabalável. 

Depois de 5 anos longe das quadras, a protagonista vê Nicki Chan bater seu recorde de vinte títulos Grand Slam no tênis e se sente prontamente ameaçada. Assim, ela passa a retomar a rotina esportiva com a ajuda do pai, o também ex-tenista Javier. Carrie já havia aparecido em outro escrito da autora, intitulado Malibu Renasce, e se em um primeiro momento a ideia que tivemos dela era negativa, aqui a humanidade reforça sua dualidade. 

Ao longo das páginas o texto, traduzido por Alexandre Boide, caminha pelas complexidades da personalidade e esmiúça seus desejos e vivências. A tenista é uma personagem apaixonante e extremamente forte, ler sua história é um grande prazer. Com diversas facetas plurais, o esforço é uma de suas características mais marcantes. Já que Carrie Soto Está de Volta, vale a pena conhecê-la. – Jamily Rigonatto

Torquemada – A Mandíbula de Caim

Escrito originalmente em 1934 por Edward Powys Mathers, compilador de palavras cruzadas do jornal britânico The Observer, sob o pseudônimo de Torquemada, A Mandíbula de Caim é o suspense policial mais intrigante que você já viu. Ao longo de 100 páginas, são descritos seis assassinatos, todos cometidos por assassinos diferentes, e o objetivo atribuído ao leitor é solucionar o crime. 

No entanto, as possibilidades são quase infinitas, e é por isso que, até o momento de sua edição mais atual, de 2022, apenas quatro pessoas teriam conseguido resolver o enigma. Recentemente o livro viralizou no BookTok e fez com que milhares de leitores assíduos se mobilizassem para resolver o mistério proposto pelo escritor britânico. – Amábile Zioli

Warsan Shire – Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça

Lançada ao sucesso por Beyoncé, Warsan Shire publicou o seu primeiro livro em 2022. Intitulado Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça, o conjunto de poemas trouxe à tona a vivência de Shire como uma mulher negra. O resultado final fez jus a expectativa deixada por ela ao colaborar com escolhas brutais de palavras no aclamado álbum Lemonade (2016), e, através de uma sensibilidade única, colocou o leitor para refletir sobre tudo e todos.

“A manicure empurra minhas cutículas, vira minha mão, estica a pele da palma e diz: eu vejo suas filhas e as filhas delas”. Poeta mais jovem a integrar a Sociedade Real da Literatura, Warsan Shire nasceu no Quênia e foi criada em Londres. Autêntica e dona de um movimento próprio, ela fez de Bendita seja a filha criada por uma voz em sua cabeça uma obra completa, coesa e que não deixa nenhuma ponta solta para trás. – Nathalia Tetzner

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“Um livro deve ser o machado que partirá os mares congelados dentro de nossa alma.”

— Franz Kafka

Julho foi o mês do Persona se infiltrar ainda mais nos entremeios literários: dos dias 2 ao 10, membros da nossa Editoria cobriram a Bienal Internacional do Livro de São Paulo, que ocorreu no Expo Center Norte. Dentre os destaques, a Homenagem a José Saramago – que completaria 100 anos em 2022 –, feita por Andréa Del Fuego, José Luís Peixoto e Jeferson Tenório, e a presença de Paulina Chiziane e Valter Hugo Mãe, marcaram a última edição do festival.

Neste ano, o evento teve dupla celebração: além do centenário do único escritor de língua portuguesa a receber o Prêmio Nobel de Literatura, 2022 também marca o bicentenário da Independência do Brasil. Assim, a celebração se deu na forma de reconhecimento da identidade linguística, que une continentes através do idioma em comum. O evento contou também com a presença do presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa.

Contudo, Julho também foi um período de indigestas – porém necessárias – reflexões. Após a repercussão nacional dos absurdos que envolveram o direito ao aborto legal de uma menina de 11 anos em Santa Catarina, a questão ganhou ainda mais enfoque quando, ao final de Junho, a Suprema Corte dos Estados Unidos derrubou a decisão judicial de 1973 que garantia a legalidade do aborto em todo o território nacional. As discussões se nortearam no aspecto de direitos fundamentais que, a princípio, pareciam resguardados, mas que, a bem da verdade, precisam de constante vigilância. 

É nesse contexto que o filme dirigido por Audrey Diwan, com a mesma temática, chegou aos cinemas brasileiros integrando o Festival Varilux de Cinema Francês, em uma adaptação cinematográfica do marcante relato da francesa Annie Ernaux. Assim, não foi difícil escolher para o Clube do Livro do Persona a obra O Acontecimento.

Baseado em um episódio biográfico, o livro conta a história de uma jovem de 23 anos que engravida e, sem poder contar com o apoio do namorado ou da própria família, precisa fazer um aborto. Ilegal na França da época, ela vive praticamente sozinha o acontecimento que, quarenta anos depois, revive no livro.

Refletindo sobre a onipresença da lei e seu imperativo sobre os corpos femininos, Ernaux mostra uma faceta literária que mistura a ficção com a não-ficção. Agora, para fechar – ou ampliar – um importante momento de reflexões, deixamos as indicações de mais um Estante do Persona.

Livro do Mês

Annie Ernaux – O Acontecimento (80 páginas, Fósforo Editora)

Escrito com propósitos confessionais, O Acontecimento é a narrativa nua e crua da história biográfica de Annie Ernaux com o aborto clandestino. Prorrogado pelos 40 anos subsequentes de uma gravidez indesejada aos 23 anos, o tom do texto é dado em estalos urgentes que redesenham aquilo que a autora classifica como a “experiência completa da vida”. O texto, publicado pela primeira vez na França nos anos 2000, chegou ao Brasil em maio deste ano pela Fósforo, e ganhou tradução nas escolhas lexicais de Isadora de Araújo Pontes.

Vivendo em um momento em que o aborto era ilegal na França, a jovem Annie encontra na gravidez o desespero de ser ameaçada pela ruína de tudo que é e do que espera para o futuro. Vinda de uma família de trabalhadores de camada social baixa, ela é a primeira a adentrar uma universidade e carrega consigo todas as expectativas do sucesso. Para além das hipóteses, são as certezas que a assombram, sua natureza livre e ciente da própria autonomia não mensura riscos para devolver ao próprio corpo a integridade que o pertence. 

Apesar da longevidade entre o momento do acontecimento com o registro do mesmo nas páginas da publicação, a autora se mostra tão fiel a sua verdade que não são necessárias ressalvas. O fato se insere com uma legitimidade imponente, fazendo as marcas se gravarem nos leitores como se fossem capazes de transmitir partes das cicatrizes de Annie. Assim, O Acontecimento resiste em paradoxos: do tudo ao nada, do simples ao complexo, da superfície a profundidade… Na metonímia do corpo de uma mulher, fica difícil entender como tantas transgressões podem ganhar lar em apenas 80 páginas. – Jamily Rigonatto

Dicas do Mês

Casey McQuiston – Última parada (400 páginas, Seguinte)

Quando a cética August se mudou para Nova Iorque, o que ela menos esperava era criar laços. Ainda mais com uma garota presa ao metrô há 40 anos. Em seu segundo livro, Última Parada, a autora best-seller Casey McQuiston segue os passos da jovem de vinte e poucos anos em sua nova vida como adulta independente na cidade grande. À princípio desapegada e desconfiada, a jovem protagonista se permite se abrir e descobre que o companheirismo e amizade de seus companheiros de apartamento, Niko, Myla, Wes e o cão Noodles, são elos mais fortes do que imaginava. Também, percebe que Jane, a garota que sempre encontra no metrô e por quem tem uma quedinha, está, na verdade, impossibilitada de sair dali há décadas.

Misturando ficção científica e romance, o livro cria uma narrativa no mínimo divertida e intrigante. August passa seus dias entre a faculdade e trabalhar para pagar o aluguel, mas, nas horas vagas, dedica seu tempo a negar seus sentimentos por Jane e achar formas de como libertá-la do metrô. Mesmo a premissa peculiar permite McQuiston recriar situações comuns à nova juventude, em uma trama cheia de representatividade LGBTQIA+ e de um linguajar pop e atraente – afiadamente traduzidos por Guilherme Miranda -, que envolve o leitor principalmente pela abordagem dos laços de amizade modernos. Tendo seu ponto alto na forma como retrata as vivências e a cabeça da nossa geração, Última Parada vai querer te fazer não parar. – Vitória Gomez

Hilda Hilst – O caderno rosa de Lori Lamby (80 páginas, Companhia das Letras)

Hilda girando boates, Hilda fazendo chacrinha. Seja pelo abalo que sua presença provocava na cena paulistana ou pelo choque em sua decisão de isolar-se em um sítio no interior; olhar para a Hilda Hilst era entrar em um jogo. Um jogo de imprevisibilidades de uma escrita que apunhalava pelas costas todos os gêneros em que se aventurava. No entanto, mesmo com os elogios da crítica especializada, a obra da poeta não tinha um grande alcance entre os leitores brasileiros. Lida em banheiros, lida em trens, lida para passar o tempo, o desejo de Hilst era ser lida.

Em O caderno rosa de Lori Lamby, a autora dá seu xeque-mate. Ora complexa, ora louca, Hilst compõe, em Lori Lamby, um texto fácil e tão polêmico que não teria como não ser lido. No diário de uma garota de 8 anos que relata sua prostituição, com uma linguagem que chega a ser ridícula de tão infantil, ao mesmo tempo que enquadra as dificuldades de seu pai, um escritor falido, a conseguir atenção do mercado editorial, a escritora constrói o absurdo da prostituição infantil e de um pai neurótico como um recurso metafórico de sua própria situação, enquanto mulher no mercado editorial brasileiro. Em entrevistas, estranhamente frequentes na época de lançamento do livro, ainda mais para quem escolheu estar longe dos tablóides, Hilst brinca com o impacto moral do pornô para desafiar e dar uma banana ao mercado editorial, que a levava a sério demais para incentivar sua produção.

Ao parodiar grandes nomes da literatura erótica, como Henry Miller e Georges Bataille, a poeta constitui, com um humor muito característico  – quase que tirado de um filme camp de John Waters – um desafio para ser lida para além do que estava em suas páginas. O caderno rosa de Lori Lamby é uma bandalheira de uma escritora no ápice de sua irreverência, tudo para pegar nos nervos dos caretas. – Enzo Caramori

Benjamín Labatut – Quando deixamos de entender o mundo (176 páginas, Todavia)

Não seria loucura pensar a ciência como uma outra faceta do pensamento mágico? A bem da verdade, Theodor W. Adorno e Max Horkheimer defenderam a ideia em Dialética do Esclarecimento (1947), apontando para a “razão” como uma espécie de misticismo, na qual impera nos entremeios sociais um culto aos números e formas precisas. O que se mantém oculto, porém, é a forma como as mais exatas das ciências estão ancoradas no extraordinário: na ideia absurda e abstrata de provar uma hipótese. Quando deixamos de entender o mundo é composto por quatro narrativas, que são interligadas magistralmente por Benjamín Labatut ao apontarem para os sonhos e desejos místicos que nortearam grandes revoluções científicas.

O livro é vendido como um “romance de não-ficção” – uma contradição entre termos que soa absurda –, cuja principal característica é justamente a forma como aponta para a quantidade imaginativa e “mágica” que circunda o nosso mundo “real”. As descobertas científicas, muito bem estabelecidas e respeitadas por seus mecanismos técnicos, não se distanciam dos aparatos fantásticos: todas essas surgiram de uma hipótese, até mesmo de um sonho, e as verdadeiramente impactantes – como Schrödinger e sua mecânica quântica, o “Princípio da Incerteza” de Werner Heisenberg e os ideais matemáticos-anarquistas de Alexander Grothendieck – foram contra tudo o que se havia estabelecido como “ciência exata” até aquele momento. 

A possível “loucura” da obra não soa tão estranha aos leitores de Thomas Pynchon, que desenvolveu em seus livros – em especial O Arco-Íris da Gravidade (1973) – uma mistura pitoresca entre fato científico e invenção artística. Contudo, Quando deixamos de entender o mundo prova, assim como Adorno e Horkheimer fizeram, que as invenções científicas ancoradas na ideia de progresso estão sempre fadadas ao fracasso. Como escreveu Walter Benjamin, a técnica, por si só, é a junção da Arte e da Tecnologia. – Bruno Andrade

Jessica Jung – Shine: Uma chance de brilhar (368 páginas, Intrínseca)

Jessica Jung é uma artista sul-coreana conhecida por ter integrado o grupo feminino Girls Generation. Em 2021, ela estreou como escritora com Shine: Uma chance de brilhar, uma narrativa que reflete a sua trajetória pessoal na indústria do K-pop. A protagonista de Jung é Rachel Kim, uma jovem garota que sonha em ascender aos palcos e acaba descobrindo o quanto os bastidores do entretenimento são extremos e cruéis. São muitas as similaridades entre autora e obra: desde a xenofobia sofrida por Kim até a doçura de sua irmã mais nova, a história parece convergir para uma biografia não autorizada. 

Entre romances escondidos dos fãs, jornadas de trabalho exaustivas e colegas de trabalho malvadas, Jessica Jung ilumina a misoginia da Música sul-coreana e continua o debate sobre as condições nada humanas que as empresas de idols, celebridades asiáticas, impõem sobre os seus produtos: crianças e adolescentes ainda em fase de formação. Shine: Uma chance de brilhar não é uma fanfic, ficção criada por fãs, mas pode ser considerada uma idolfic, afinal, enquanto Jung não se sente confortável em contar a sua vida a partir da primeira pessoa do singular, os leitores podem decifrar Bright, a sequência lançada em 2022. – Nathalia Tetzner

Jean-Dominique Bauby: O Escafandro e a Borboleta (144 páginas, WMF Martins Fontes)

O que acontece quando as palavras, maior instrumento do seu trabalho, não podem mais ser vocalizadas? É assim que Jean-Dominique Bauby analisa sua história de vida. Após um derrame, Bauby, que era editor da revista francesa Elle, se encontra em uma condição chamada de Síndrome de Locked-in (ou Síndrome do Encarceramento), na qual perde o movimento de quase todo seu corpo, podendo apenas movimentar o olho esquerdo.

É apenas piscando o olho, e com a ajuda de uma fonoaudióloga, que Bauby cria O Escafandro e a Borboleta, uma sincera e tocante análise da vida pelos olhos de alguém que vê sua vida passar enquanto está preso dentro do próprio corpo. Mesmo nessa condição, o autor traz um humor sarcástico para a obra, sem deixar que a história caia no nicho da auto-ajuda. Porém, a história do Escafandro, armadura de mergulho pesada que dificulta seus movimentos (seu corpo) e a Borboleta, animal leve e que voa livre (sua mente) tem o poder de trazer uma nova perspectiva para como enxergamos nossa própria existência. – Guilherme Veiga

Katharine McGee – O Milésimo Andar (420 páginas, Rocco)

“Em apenas três minutos, ela iria colidir com o cimento implacável da East Avenue, mas agora, neste exato momento, ela estava mais linda do que nunca”. Assim se inicia O Milésimo Andar, obra lançada em 2018 e escrita por Katharine McGee, que aborda a vida, os segredos e os fardos de cinco jovens ー Avery Fuller, Leda Cole, Rylin Myers, Watt Bakradi e Eris Dodd-Radson ー no futuro distópico e tecnológico de Manhattan em 2118, pós aquecimento global, onde toda a população da cidade é obrigada a morar em um prédio de mil andares para viver em condições normais após o colapso da natureza.   

O livro possui uma leitura fluida e não muito complexa. Além disso, é muito interessante para quem gosta de histórias com diversos pontos de vista, já que cada capítulo é narrado por um dos personagens principais. O ponto alto da obra são os temas fortes que são abordados com muita maestria e cuidado, como incesto, pressão familiar, desigualdade social, depressão, vício em drogas e outros. Apesar da temática delicada, O Milésimo Andar não deixa de ser leve e divertido de se ler, e é impossível não ficar envolvido com o mistério apresentado, sendo sua única opção ler até o final para receber uma reviravolta surpreendente. E para quem gostar deste título, ainda há as sequências A Altura Deslumbrante e A Vista Infinita. – Gabrielli Natividade da Silva

Pedro Juan Gutiérrez – O Rei de Havana (184 páginas, Alfaguara)

Pedro Juan Gutiérrez escreve para os fortes de estômago, aqueles estupidamente curiosos em conhecer uma parte da vida em Cuba nos anos 1990. O Rei de Havana atravessa toda a triste clareza com que seu protagonista Reynaldo enxerga a vida marginalizada na capital cubana. De maneira brilhante e obscena, a obra não só enxerga o submundo do país, mas descreve as particularidades das pessoas que a ele pertencem com um objetivo: questionar até que ponto há dignidade na vida de um ser humano.

É maluco, né? Imaginar como alguém se acostuma tanto à margem da sociedade, à pobreza, à sujeira, que se sente intrínseco àquilo. É assim que o protagonista de Gutiérrez vê a si mesmo, sem compreender como alguém prefere água corrente na torneira e comida no prato todos os dias. Rey é só um adolescente despreocupado, com uma vida arruinada, um passado traumático, e a vontade de permanecer não pensando em nada, nunca. E só se sente um verdadeiro rei quando está transando bêbado, sujo, sem tomar banho, em um lugar qualquer que cheire a xixi. O rei de Havana. – Nathália Mendes

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Depois de acompanhar os relatos cruéis de Carolina Maria de Jesus e seu Quarto de despejo, o Clube de Leitura do Persona chegou em Março inspirado pela quase onipresente cerimônia do Oscar 2022, e decidiu reunir-se para debater a coletânea de contos Homens sem mulheres, do escritor japonês Haruki Murakami. 

Drive My Car, história que abre Homens sem mulheres, foi incrivelmente adaptada para o Cinema pelo diretor Ryûsuke Hamaguchi, em um filme de quase três horas com trechos inspirados em mais dois contos da mesma obra, Sherazade e Kino. Após suas quatro indicações no Oscar, vencendo na categoria de Melhor Filme Internacional, o tão aguardado longa chegou ao Brasil no dia 1º de abril, através da plataforma MUBI. 

No único encontro do mês, os membros do Clube do Livro debateram as nuances da obra, observando sua melancolia – que perpassa as sete histórias do livro –, a maneira a qual o autor reproduz homens quebrados e falidos em seus textos, e, principalmente, a forma como Murakami retrata o gênero feminino em seus contos. 

Além do escritor japonês, outro nome que se destacou no meio literário em Março foi o de Abdulrazak Gurnah. Ao final do mês, a Companhia das Letras lançou Sobrevidas, a primeira obra lançada no Brasil do tanzaniano vencedor do Prêmio Nobel de Literatura em 2021. A publicação dá início a uma série de quatro lançamentos do autor que a editora deve entregar futuramente. Entre eles, além de Sobrevidas, estão Paradise (finalista do Booker Prize de 1994), By the Sea e Desertion. 

A editora também montou uma campanha de arrecadação de fundos, junto ao Comitê Internacional da Cruz Vermelha (CICV), para as vítimas na Guerra da Ucrânia; por esse motivo, o livro Contos de Odessa, do ucraniano Isaac Bábel, passou a ser vendido no site da editora com mais de 65% de desconto, sem a cobrança de frete, cujo valor integral das vendas será entregue ao CICV. A obra clássica do autor captura o dia a dia na Ucrânia do século XX.

Como uma despedida de viagem – mas com o retorno breve e já agendado –, você fica agora com as dicas de leitura que os membros do Clube do Livro deixaram no Estante do Persona, as quais se pode ler no carro, deitado, no smartphone, ou como bem entender.

Livro do Mês

Haruki Murakami – Homens sem mulheres (240 páginas, Alfaguara)

Lançado em 2014, Homens sem mulheres, do japonês Haruki Murakami, tem seu título inspirado em um conto de Ernest Hemingway, e é composto por sete narrativas que mesclam elementos oníricos e melancólicos, sempre deixando em aberto a dimensão sentimental dos personagens. A coletânea se abre com Drive My Car, conto que inspirou o laureado filme homônimo de Ryûsuke Hamaguchi, e conta a história de um ator e diretor de teatro que contrata uma mulher para dirigir seu carro. Esse mesmo personagem está adaptando Tio Vânia, de Tchékhov, em uma peça, e as questões levantadas ao longo da história – por que ele não dirige? O que aconteceu com a sua esposa? – são respondidas de forma lenta, como uma uma viagem tranquila de carro.

No conto Sherazade, Murakami narra uma história com evidentes referências ao Livro das Mil e uma noites, mas a subverte e transpõe seu ar fantástico na banal vida cotidiana. Kino, o mais longo conto da coletânea, tem semelhanças com outras de suas obras – principalmente Kafka à beira-mar (2002) –, e retrata um episódio no qual o protagonista homônimo encontra sua esposa dormindo com o melhor amigo. Depois desse evento, abandona sua vida pregressa e decide abrir um bar; no entanto, os clientes estranhos que passam a frequentar o lugar forçam com que Kino desobedeça as regras estabelecidas por ele próprio, e sua jornada solitária de reclusão se transforma.

O conto que dá título ao livro fecha a coletânea, e tem seu início com um telefonema, no qual o homem que a recebe ouve de outro indivíduo que “a mulher dele” se suicidou, e por esse motivo entrou em contato para informá-lo. A mulher em questão era sua amante, e o homem que ligou era o real marido da mulher. A partir desse momento, o protagonista começa a rememorar como a conheceu. O mais interessante é a forma como todos os contos do livro se interligam pelo sentimento de solidão, transposto inclusive na forma lenta de narrar. “Um dia, de repente, você vai ser um dos homens sem mulheres”.

Dicas do Mês

André Aciman – Me Chame Pelo Seu Nome (288 páginas, Intrínseca)

Em uma Itália fumegante em clima e desejo, o jovem Elio é encantado por Oliver, um estudante que vem passar as férias na casa de sua família. O homem será instruído pelo pai do jovem, um acadêmico de renome que, sazonalmente, recebe novas mentes para auxiliá-lo com os livros e sua pesquisa. De supetão, o franzino e contemplativo adolescente acaba se entregando a uma troca intensa com o recém-chegado, que chega para chacoalhar sua visão de mundo e seus sentimentos em efervescência.

Pelas palavras do egípcio André Aciman, ficamos tão enamorados e em transe quanto os protagonistas dessa combustão de verão. A adaptação cinematográfica, que tem em seu miolo o envolvimento de Luca Guadagnino, Timothée Chalamet e Armie Hammer, resgata o máximo que consegue da obra, mas quem se aventura pelas menos de trezentas páginas, embrenhadas em luxúria, encontra uma visão pouco esmiuçada do que significa o ato de estar apaixonado, de se ver entregue de corpo, alma e pêssego. – Vitor Evangelista

Louisa May Alcott – Mulherzinhas  (592 páginas, Companhia das Letras)

Em 1868, Louisa May Alcott lançou uma das obras mais influentes e queridas da história da Literatura mundial, com uma roupagem que pressupunha exatamente o contrário para o contexto da época: um romance escrito por uma mulher, apresentando uma narrativa sobre mulheres, e intitulado Mulherzinhas (Little Women, no original em inglês). Para superar as expectativas e preconceitos, o livro mergulha no carisma de Meg, Jo, Beth e Amy, as irmãs March. Elas vivem, cada uma à sua própria maneira, entre os delicados anos de 1861 e 1865, marcados pela Guerra Civil Americana, que requisitou a presença de seu pai, precisando, assim, equilibrar as responsabilidades junto da mãe, Marmee, para manter a família e a casa em ordem. 

O cenário caoticamente familiar é o lugar que Alcott encontra para provocar reflexões sobre os padrões sociais que interferem na vida e liberdade das mulheres. Assim, através da observação de Meg, a obstinação de Jo, a mansidão de Beth e confiança de Amy, a autora desenhou – com contornos autobiográficos – uma analogia atemporal da vastidão feminina em eterno conflito com o mundo que tenta domá-la. De tão rica, a história de Mulherzinhas transcende a manifestação artística em que nasceu, destacando, entre diversas adaptações das mais variadas naturezas, o filme de Gillian Armstrong (Adoráveis Mulheres, de 1994) e, mais recentemente e principalmente, o de Greta Gerwig (mesmo título, de 2019), que foi indicado a seis Oscars em 2020, incluindo o de Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado. – Raquel Dutra

Caio Fernando Abreu – Pequenas Epifanias (240 páginas, Nova Fronteira)

Pequenas Epifanias é, antes de tudo, uma seleção de crônicas publicadas pelo escritor Caio Fernando Abreu entre as décadas de 1980 e 1990, nos jornais O Estado de São Paulo e Zero Hora. Afastando-se, no entanto, das coletâneas literárias mais convencionais, a primeira edição desse livro só foi desenvolvida em 1996, poucos meses após a morte do excepcional contista brasileiro. Mais do que uma publicação póstuma, a obra em questão é a escolha perfeita para quem quer ter um primeiro contato com os textos de Caio, já que ela compila elementos muito agradáveis aos mais diversos tipos de amantes dos livros, tais como a proximidade com o leitor, um constante tom de confissão, pessoalidade e subjetividade intensas, além de uma perceptível diversidade temática. 

De modo geral, a Literatura de Caio F. não é homogênea e, exatamente por causa disso, ela não assume um tom único, fugindo com maestria da mesmice. Em sintonia com essa constatação, Pequenas Epifanias consegue captar muito bem as nuances de uma escrita intensa, devota, artisticamente honesta, precisamente lapidada e, às vezes, até mesmo provocativa. Não é de se espantar, portanto, que algumas das crônicas presentes neste livro se aproximem demasiadamente daquilo que, por convenção, conhecemos como conto. Afinal, mesmo estampando páginas de jornais, Abreu pertencia de fato às artes literárias – e as minúcias do cotidiano nunca mais serão as mesmas para quem se apaixonar por essa figura artística tão encantadora. – Eduardo Rota Hilário

Thomas Harris – O Silêncio dos Inocentes (318 páginas, Record)

Poucos são os filmes que se consagraram Big Five na cerimônia de premiação do Oscar, mais incomum ainda é uma produção de Terror sair com a estatueta do maior prêmio da noite. O Silêncio dos Inocentes conseguiu o duplo feito se baseando na obra homônima de Thomas Harris. O livro de 1988 é o segundo na trilogia protagonizada por Lecter e responsável por introduzir a ávida Clarice Starling, uma das melhores alunas da turma do FBI. Explorando o processo de investigação e suas burocracias, a leitura fluida é um auxílio para entender toda glorificação da obra. 

Diferente de seu antecessor, Dragão Vermelho, a obra foca menos na mentalidade doentia de seu assassino e mais na sádica perspicácia de Hannibal e em sua relação com Clarice. Ela, por sua vez, é peça chave para os momentos de maior deleite de O Silêncio dos Inocentes. A construção da personagem abarca o machismo e o sexismo da área pericial e toda força de Starling no desafio de se encontrar com Lecter, mesmo que para isso precise passar pelos imundos corredores da cadeia, causando as cenas de maior desconforto no leitor. A maior responsabilidade de Harris nessa publicação foi esclarecer que Buffalo Bill não é um personagem transsexual, livrando o produto de um beco de problemáticas, principalmente pela época na qual foi escrita. – Ana Júlia Trevisan

Javier Marías – Coração tão branco (272 páginas, Companhia das Letras)

A sequência de eventos que compõem nossas vidas e se sucedem ao longo dos dias parece ser uma causalidade esquisita. Essa é uma das obsessões de Javier Marías, que de alguma forma suspeita não existirem causalidades, pois tudo depende de nossa forma arbitrária de recortar o presente e transformá-lo em alguma mensagem oculta. Em Coração tão branco (1992), o escritor espanhol traça uma história através do fluxo da consciência de seu protagonista, Juan, um tradutor e intérprete que, desde o dia de seu casamento, começa a sentir “pressentimentos de desastre” – sem ter conhecimento que essa sensação é um tipo infortúnio de herança –, agravados durante a viagem de núpcias com Luisa, em Havana. Até então, ele ainda não sabia que sua tia, Teresa, havia se suicidado assim que regressou de sua própria lua de mel (o suicídio é, literalmente, a abertura do romance).

O que chama atenção na obra é a maneira a qual Marías reproduz as incertezas dos segredos, os mesmos que, apesar de longínquos, guardam reações explosivas quando revelados. Cada personagem em Coração tão branco reage de forma diferente às confissões descobertas, e o mote das histórias fica evidente desde o início: o título é uma referência a Macbeth, de Shakespeare, e é proferido na obra clássica quando Lady Macbeth apunhala o já morto rei Duncan – para dividir o peso do assassinato –, mas se envergonha por agora possuir um “coração tão branco”. A forma envolvente que Javier Marías desenvolve a história vale todo o esforço de leitura; ao terminar o livro, é muito difícil esquecer todas as revelações que nos foram confiadas. – Bruno Andrade

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Raquel Dutra

“As coisas mais difíceis de falar são as que nós mesmos não conseguimos entender“, define muito bem Elena Ferrante no que vem a ser o prólogo de seu terceiro romance. Lançado no Brasil em 2016 pela editora Intrínseca, A filha perdida traz o pseudônimo italiano, aclamado por suas  personagens femininas e reverenciado por sua honestidade cortante, numa proposta de encarar com honestidade o que talvez seja um dos principais aspectos da experiência da mulher na sociedade – e também um dos assuntos mais intocáveis desde o início dos tempos -: a maternidade. 

O pretexto para uma análise do lugar mais comum da formação da sociedade também deveria ser simples e acessível, numa direção completamente inversa à que sua complexidade pode sugerir. Então, assim A filha perdida (La figlia oscura, no original) o faz: o livro nos coloca para acompanhar a história de uma mãe e suas filhas, que recai também sobre a sua história com sua própria mãe e sua experiência enquanto filha. O recorte e o objeto escolhidos surgem de um período de férias de Leda, uma professora universitária de meia idade, divorciada e mãe de Bianca e Marta, de 22 e 24 anos, que procura descanso no litoral sul da Itália, próxima da cidade onde nasceu e cresceu, depois que as filhas vão morar com o pai em outro país.

Mas Elena Ferrante não permite que o mergulho da personagem fique apenas nas águas pacificamente salgadas e agradavelmente ondulosas. O que deveria ser um momento de repouso para Leda se transforma num processo intenso de autorreflexão, desencadeado a partir do momento em que a personagem repara uma família também de férias pela região. Ela estabelece uma identificação singular com Nina, a jovem mãe de Elena, que sempre se mostra um tanto deslocada do resto daquele grupo de pessoas – exceto quando exercendo passionalmente a sua maternidade.

Ao observar as cenas protagonizadas pela família napolitana e deixar-se afetar pela maresia enquanto sozinha e longe de casa, a protagonista de A filha perdida acaba em memórias que remexem sentimentos profundos sobre sua família, infância, casamento e, principalmente, o início de sua vida como mãe. Impulsionada pela imersiva escrita em primeira pessoa, Elena Ferrante é dolorosamente sincera sob o pretexto de verbalizar as emoções de Leda, dedicando-se quase compulsivamente a um livro repleto de ‘canetadas’ sobre seu complexo tema central, que é marcado por vivências profundas de quem o experiencia, mas também alvo de uma sacralização histórica vinda de quem o observa de fora. 

Por consequência – muito bem calculada, vale ressaltar -, a única coisa que não pode ser encontrada na protagonista é o estereótipo do amor de mãe. Leda está completamente à vontade conversando consigo mesma, e nada esconde de quem toma parte de suas emoções, mostrando-se uma personagem que, muito longe de ser agridoce, é acidamente amarga. Mas ao contrário do que todas as suas camadas podem sugerir, a protagonista de A filha perdida é profundamente relacionável, como o resultado de um estudo preciso da mulher que é marcada pela inevitabilidade de pelo menos uma das duas vias trabalhadas pelo romance: a experiência de uma mulher como filha e como mãe.

Seguindo o caminho de forte oposição aos polidos padrões patriarcais, a linguagem de Elena Ferrante não procura atender nada que não seja a verdade de quem vive além de todas as expectativas impossíveis de benevolência, controle e sabedoria. A filha perdida não nos deixa enganar: a sinceridade de sua protagonista pode parecer autodepreciativa, mas Leda é austera demais até para o nível mais complexo de autopiedade e distanciamento da realidade. Vide os momentos mais críticos de sua história, onde é comum encontrar uma reação viciada da personagem, que como forma de se defender dos julgamentos, tentar compreender seu próprio comportamento e/ou até mesmo como forma de expressar a confusão mental que surge após relembrar memórias tão emocionalmente atribuladas, desabafa fria e sinceramente um “Não sei o que aconteceu”.

“Bianca uma vez gritou para mim, aos prantos: você sempre se acha superior. E Marta: por que você quis nos ter se não faz outra coisa além de se queixar de nós? Pedaços de palavras, sílabas apenas. Sempre chega o momento em que os filhos dizem com raiva e tristeza: por que você me deu a vida?”

Mas se a narrativa recusa completamente o principal aspecto dos padrões maternais, outro elemento fundamental da experiência é o que mais transborda das vivências de Leda – e incomoda o leitor de A filha perdida. Ela nutre uma consciência concreta de tudo, desde o que recebeu da mãe, seus traumas, até o que deixou para as filhas e os padecimentos das garotas. Para encerrar o panorama emocional do livro, Ferrante orienta tudo isso para desencadear o sentimento mais silencioso de suas páginas reflexivamente barulhentas. E quanto à emoção mais ingrata para uma mulher que exerce o papel de mãe, não há o que ser discutido além da própria expressão da personagem: “Era o sentimento de culpa: eu achava que todo sofrimento que atingisse as minhas filhas era fruto do já comprovado fracasso do meu amor”.

É assim que A filha perdida compõe o retrato complexo do relacionamento mãe-e-filha, aprofundando uma análise sobre relações intergeracionais. Uma menina rigidamente criada em padrões de gênero se transforma em uma mulher que cria duas garotas em uma nova época, ciente dos comportamentos maternos que lhe foram traumáticos, mas que, ao mesmo tempo, ainda carrega marcas teimosas de estereótipos sexistas e misóginos. Não por acaso, a personagem carrega como certeza a ideia de que o que mais ama em suas filhas é o que é estranho à sua própria personalidade. Assim, Leda é indiscutivelmente uma filha machucada e uma mãe que machuca. 

Entre comparações, intromissões e julgamentos que orientam sua interação com Marta e Bianca, Leda constrói sua autopercepção através da visão que as filhas têm dela – ou mais precisamente, a que acredita que elas têm. Entre ser aterrorizada pela possibilidade de infelicidade das garotas e manifestar comportamentos destrutivos para aspectos importantes da vida das duas, a relação paradoxal entre as mães e as filhas se mostra cada vez mais longe de ser um ideal. E enquanto isso, a trama de A filha perdida se mostra cada vez mais próxima da realidade.

“Nas conversas com as minhas filhas, ouço palavras ou expressões omitidas. Às vezes, elas ficam com raiva e dizem “mamãe, eu nunca falei isso, é você que está dizendo, você inventou isso”. Mas eu não invento nada, só escuto, o não dito fala mais que o não dito.”

Em momento algum, porém, a escrita de Elena Ferrante coloca a sua protagonista em vestes vilanescas. É para aprofundar ainda mais a humanidade da personagem, aliás, que existe o gatilho da história, quando a imagem de Nina atrai o olhar de Leda. Ela já tem um histórico de encantamento por mulheres jovens manifestando felicidade e liberdade, como os devaneios do livro e algumas figurantes introduzem muito bem, mas encontrar alguém em seus vinte e poucos anos (aparentemente) contente com a própria maternidade é demais para aquele psicológico, que foi pego de surpresa por um ser crescendo dentro de si quando tinha 23 anos. 

É que a autora de A filha perdida respeita demais suas personagens e nem mesmo a jovem-segunda-protagonista está ali apenas como um alvo de projeção. Não há como fugir da perspectiva das mães da história, afinal. Então, Nina também tem espaço para revelar suas questões à medida em que se aproxima de Leda. Oscilando radicalmente entre ilustrar uma mãe ideal e exemplificar a maternidade compulsória – que apreende as meninas desde o momento em que elas passam a existir neste mundo -, a relação das duas segue complexa. Assim, Ferrante traz fôlego narrativo ao livro, mais como história e menos como análise social, ao mesmo tempo em que funde as duas perspectivas. 

“E cadê o pai dessas crianças?”, alguém que lê um texto sobre A filha perdida pode se perguntar. Aqui está mais um estalo genial de Elena Ferrante: a completa desnecessidade de mencionarmos o homem que concebeu as garotas junto de Leda diz muito sobre o tipo de história encontrada em A filha perdida. Sem precisar da representação de uma figura de paternidade totalmente ausente, o livro mostra que pouco importa sua ação dentro da narrativa. E num retrato fiel de quem absorve a ideia social de que é a principal responsável pelos filhos numa série de cuidados tidos como impossíveis de serem divididos, a amargura de Leda não o tem entre seus principais alvos.

“Assim, aos vinte e poucos anos, qualquer outra brincadeira havia acabado para mim. O pai corria mundo afora, uma oportunidade atrás da outra. Não tinha nem tempo de reparar o que fora copiado do seu corpo, como havia resultado a reprodução. Mal olhava as duas meninas, mas dizia com ternura verdadeira: são iguaizinhas a você. Gianni é um homem gentil, nossas filhas gostam dele. Ele cuidou pouco ou nada delas, mas, quando foi necessário, fez tudo o que podia, agora também faz tudo o que pode.”

Para uma história totalmente fundamentada na densidade emocional de idas e vindas de sua protagonista, A filha perdida se organiza num ritmo regular. Trazendo ordem ao caos, os capítulos de Elena Ferrante parecem seguir um padrão muito bem disfarçado, sempre desenrolando um momento presente que logo desencadeará uma reflexão íntima na personagem que narra a história. Entretanto, a maestria da autora não permite conclusões precipitadas: em momento algum, essa construção se transforma num defeito do romance, já que a progressão de sua trama é tão imprevisível quanto o caminho da mente desenfreada de Leda.

Quanto às polêmicas sobre a identidade por trás de um dos nomes de maior sucesso da Literatura contemporânea, A filha perdida estreita as possibilidades. A facilidade com que a autora arquiteta as digressões de Leda só pode surgir de um lugar radical de identificação e análise. E é fato que a universalidade do tema faz com que a tradução do livro não seja um ponto de complicação para Marcello Lino, mas é de se questionar porque a edição brasileira não apostou numa transcrição que tivesse mais proximidade com as experiências que Elena Ferrante decidiu retratar. A impressão é de que a pessoa por trás do pseudônimo tem completa ciência de que isso poderia acontecer com as suas traduções pelo mundo, porque a objetividade de A filha perdida ancora suas leituras mais profundas em representações concretas – a boneca, a pinha, o ventre, a agulha e quem sabe até a personagem que compartilha o mesmo nome da autora.

“As línguas, para mim, têm um veneno secreto que de vez em quando aflora e para o qual não há antídoto.”

É preciso ressaltar, no entanto, que a obra não se sufoca numa narrativa monotemática, mas ainda provoca reflexões sobre o próprio processo de formação de uma família, a cultura italiana e até observações linguísticas. A filha perdida em nada é o que parece. Muito mais do que ancorar um suspense ou melodrama, o romance, de forma quase metalinguística ao trabalho de sua autora, está em algo além: o maior trabalho que se pode ter na vida enquanto em uma das posições mais difíceis que se pode estar dentro da sociedade. 

Para suceder o aclamado Dias de Abandono (2002), visto por boa parte da crítica literária como o seu melhor romance, Elena Ferrante voltou o seu olhar para a complexidade deste processo, envolto em estereótipos de gênero, padrões históricos de comportamento, expectativas enormes de coisas que são muito maiores do que nós. Em seus caminhos para tal, A filha perdida conclui uma observação: todas nós somos a filha perdida em algum aspecto. Menos a criação de Elena Ferrante, que é plenamente consciente de tudo isso, sabe onde está, e certamente saberá onde te encontrar.

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“Contamos histórias a nós mesmos a fim de viver.”

– Joan Didion

Pois é, 2021 chegou ao fim. Depois de 12 meses envolto em cada movimento do universo cultural, o Persona inicia as despedidas do ano ao pé de sua Estante e conclui a terceira edição de seu Clube do Livro. Este que, no mês de dezembro, teve a oportunidade de conhecer a Literatura de uma das autoras mais relevantes da atualidade, e de admirar o legado deixado por duas das mais importantes escritoras dos últimos tempos. É que em meio à leitura coletiva de A filha perdida e ao mistério aclamado que existe ao redor do nome best-seller de Elena Ferrante, o Persona se juntou ao resto do mundo para a despedida de bell hooks e Joan Didion. 

No dia 15, eternizamos bell hooks como a artista, professora, teórica, pesquisadora e escritora, que dedicou mais de 50 anos de sua vida a estudos e políticas interseccionais sobre educação, gênero, raça, classe e economia. Referência do feminismo negro, ativista antirracista e estudiosa do amor, o pseudônimo de Gloria Jean Watkins nasceu no interior de um Estados Unidos segregacionista e morreu num planeta que ainda tem muito o que superar, mas que, através de sua existência, tem muito mais conhecimento sobre como fará suas revoluções.

Já no dia 23, o mesmo era lembrado sobre Joan Didion, quando reconhecemos a necessidade de compreender o mundo em que vivemos e os humanos que o habitam. Ao usar seu olhar e suas palavras para registrar e interpretar as transformações culturais e políticas da sociedade norte-americana na segunda metade do século XX, a californiana construiu uma carreira de mais de 60 anos, que entre muitos ensaios, alguns romances e outros roteiros, transformou o Jornalismo e a Literatura para todo o sempre.

Assim, o contexto literário de dezembro se tornou grandioso, mas Elena Ferrante deu conta de o acompanhar. No embalo do lançamento da adaptação cinematográfica – já muito celebrada pela direção da estreante Maggie Gyllenhaal, que chegou à Netflix no último dia do mês -, o Clube do Livro do Persona decidiu mergulhar nas praias do sul da Itália junto de Leda (vivida no Cinema por Olivia Colman) e nos dramas profundos de A filha perdida.

Para o último mês de 2021, reverenciamos o trabalho de mulheres que tanto fizeram pelo nosso passado, presente e futuro, e introduzimos a edição de dezembro do Estante do Persona. Entre as indicações literárias da nossa Editoria e o comentário sobre a leitura do mês, vibra a honestidade visceral de uma história cuja autora tem coragem de dizer o que nós não temos – em perfeita harmonia com o poder revolucionário das vozes que vieram antes dela.

“O coração da justiça é dizer a verdade, vermos a nós mesmos e ao mundo como somos, em vez de como gostaríamos que fôssemos.”

– bell hooks

Livro do Mês

Elena Ferrante – A filha perdida (174 páginas, Intrínseca)

Se há um nome a ser perseguido na Literatura contemporânea, este é o de Elena Ferrante. A assinatura da escritora italiana vendeu mais de 30 milhões de exemplares pelo mundo nos últimos 10 anos, sucesso atribuído, principalmente, à sua saga conhecida como Tetralogia Napolitana e ao mistério que cerca a identidade por trás de seu pseudônimo. Sua história mais vendida é a série de 4 livros iniciada com A Amiga Genial, que narra uma longa amizade entre duas garotas nascidas em Nápoles na década de 40. O clamor da crítica, no entanto, é direcionado aos seus romances singulares, que sempre investigam camadas profundas de personagens femininas visceralmente verdadeiras.

É este caminho que nos leva até A filha perdida. O quarto romance de Ferrante, lançado na Itália em 2006, traduzido para o inglês em 2008 e publicado no Brasil em 2016, reflete sobre dilemas profundos da maternidade a partir de uma protagonista agridoce. Ela é Leda, uma professora universitária de meia idade que está de férias no litoral sul da Itália. Lá, distante da vida cotidiana e próxima de memórias de infância, ela conhece Nina, a jovem mãe de Elena e parte meio deslocada de uma barulhenta família napolitana. O encontro das desconhecidas logo engata um processo de reflexão íntima em Leda, gerando uma onda de pensamentos que vão desde sua relação com a sua mãe, até os laços que mantém com as suas filhas.

O maior traço da história é justamente a honestidade de Elena Ferrante ao tratar dos dramas de suas personagens. Sem se preocupar com qualquer juízo de valor ou corresponder ideais que aprisionam mães e mulheres nos polidos padrões patriarcais, as palavras da autora, traduzidas para o português brasileiro por Marcellino Lino, são completamente livres para criar o panorama psicológico de A filha perdida. Desta forma, o impacto da narrativa é generalizado e muito bem arquitetado, como uma grande digressão investigativa e sentimental que não perde o fio nem em seus momentos mais subjetivos. Para isso, ela nos alerta desde o primeiro capítulo do livro: “As coisas mais difíceis de falar são as que nós mesmos não conseguimos entender.”

Dicas do Mês

Daniela Arbex – Todo dia a mesma noite (248 páginas, Intrínseca)

Ao ligar a TV naquele 27 de janeiro de 2013, ninguém imaginava que a dor daquele dia ficaria marcada para sempre na alma dos brasileiros. Isso porque, entre às 2h e 2h30, um incêndio na Boate Kiss, em Santa Catarina (RS), vitimou 242 pessoas e feriu outras 636. Em 2018, Daniela Arbex (a mesma autora de Holocausto Brasileiro e Cova 312) concluiu a missão de verbalizar toda a angustia e sofrimento que as famílias ainda passam sobre a infindável tragédia. O resultado é o livro-reportagem Todo dia mesma noite.

Entrevistando familiares e profissionais que trabalharam no resgate das vítimas, Daniela se coloca ao lado das pessoas envolvidas e mostra seu respeito escrevendo o livro em terceira pessoa. Cada capítulo de Todo dia é a mesma noite é doloroso: “Apesar do preparo emocional para esse tipo de trabalho, o incêndio na Kiss fugia a qualquer parâmetro.” O cenário era de guerra e os detalhes precisamente escritos por Daniela Arbex não deixam o sentimento de luto passar ileso. – Ana Júlia Trevisan

Emily M. Danforth – O Mau Exemplo De Cameron Post (448 páginas, HarperCollins Brasil)

“Quando os pais de Cameron Post morrem em um acidente de carro, a primeira coisa que ela sente, para sua própria surpresa, é alívio. Alívio que eles nunca vão precisar saber que, algumas horas antes, ela estava beijando uma menina”. Como a sinopse de O Mau Exemplo de Cameron Post já adianta, o alívio não dura muito tempo. No primeiro livro de Emily M. Danforth, que ganhou uma adaptação cinematográfica estrelada por Chloë Grace Moretz, Cameron Post é uma adolescente descobrindo e explorando sua sexualidade. Depois de ser flagrada aos beijos com uma menina pela tia religiosa e conservadora com quem mora desde a morte dos pais, Cameron é enviada para o acampamento Promessa de Deus para ser curada de suas “tendências homossexuais”.

Narrado pela Cameron Post em primeira pessoa, O Mau Exemplo de Cameron Post embarca no presente e no passado de sua protagonista: a culpa e a angústia dela – e de outros adolescentes do acampamento, que passam pelo mesmo abominável processo de “cura” – se fazem sentir quando os experienciamos juntos da própria. Ela vai do desalento ao cinismo de fingir que se tornou “ex-gay” até a esperança de que talvez, se tentar o suficiente, ela realmente consiga mudar sua sexualidade e finalmente sair de lá. Na pele de Cameron Post, o livro é doloroso ao abordar os abusos psicológicos, emocionais e, por vezes, físicos da terapia de conversão, que era comum nos Estados Unidos dos anos 80, quando a história se passa.

Como um bom coming-of-age, porém, O Mau Exemplo de Cameron Post alivia as dores do agora lembrando do que já passou, e mescla a estadia no Promessa de Deus com a nostalgia das memórias da infância e da adolescência de Cameron, dela crescendo e descobrindo mais de si mesma. E no lugar onde a esperança da protagonista morre, é também onde ela encontra, finalmente, seu lugar: junto de Adam e Jane, amigos que conheceu e de quem se aproximou no acampamento, O Mau Exemplo de Cameron Post – e Cameron Post – se abrem para o futuro, com um final em aberto otimista e cheio de possibilidades. – Vitória Lopes Gomez

Adam Silvera – Os Dois Morrem no Final (416 páginas, Intrínseca)

Fazendo uso de um delicioso artifício de realismo mágico, o nova-iorquino Adam Silvera encanta em Os Dois Morrem no Final, lançamento LGBTQIA+ de 2017 que só chegou ao Brasil no ano passado, sob tradução de Vitor Martins. Na trama, o mundo divide espaço com a Central da Morte, uma espécie de call center que, assim que o relógio bate meia-noite, liga para as pessoas que vão morrer naquele dia e avisam do futuro ceifado. 

Nesse ambiente, conhecemos dois garotos, Rufus e Mateo, adolescentes com personalidades opostas, mas complementares, que se conhecem no último dia da vida de cada um. A história, que se espreguiça pela duração dessas derradeiras vinte e quatro horas, vai mostrando pequenas missões e desejos cumpridos dos agora amigos. Misturando aventura, romance e um bocado de drama, They Both Die at the End, infelizmente, não mente no título. É recomendado comprar uma caixinha de lenços de papel na hora de devorar esse sucesso literário. – Vitor Evangelista

Drauzio Varella – Estação Carandiru (368 páginas, Companhia das Letras)

Lançado em 1999, Estação Carandiru é considerado um dos maiores fenômenos editoriais brasileiros. Nessa espécie de livro-reportagem, Drauzio Varella conta sua experiência como médico voluntário no Carandiru (então maior presídio da América Latina), de 1989 – quando chegou com um projeto de prevenção à AIDS – até seu respectivo fechamento, em 2002. A obra é composta pelas diversas histórias dos presidiários, contadas a Drauzio Varella, nas quais são relatadas as dificuldades e motivos que os levaram ao cárcere. Essas histórias também se misturam com a própria visão e trajetória do narrador, que tenta colocar uma perspectiva humana sobre os problemas sociais expostos dentro da cadeia, sem os típicos paradoxos e preconceitos envolvidos no tema, prevalecendo sua visão de médico, na qual há um diagnóstico sem o tom de denúncia. 

Na obra, enxergamos o presídio como um microcosmo da sociedade brasileira, deixando em evidência problemas de saúde pública, as desigualdades e a violência social. Percebe-se na leitura que, no Carandiru, todos seguem um código penal não escrito, inclusive os carcereiros, de forma a preencher o vácuo de poder que dificilmente permanece vazio. Há uma ordem mais ou menos cronológica das histórias, e seus capítulos finais relatam o Massacre do Carandiru, ocorrido em 1992, onde 111 presos foram assassinados pela Polícia Militar no Pavilhão 9 da cadeia – local onde ficavam, majoritariamente, os presos de primeira viagem. Drauzio dá o início, chamado de “O Levante”, o desenrolar da confusão e o seu fim trágico, angariando depoimentos dos presos que conseguiram sobreviver. O livro recebeu o Prêmio Jabuti em 2000, na categoria Livro do Ano, e foi adaptado para o cinema em 2003, no filme Carandiru, dirigido por Héctor Babenco. – Bruno Andrade

Ferenc Molnár – Os meninos da rua Paulo (264 páginas, Cosac Naify)

Escrita pelo húngaro Ferenc Molnár, e publicada, pela primeira vez, em 1907, Os meninos da rua Paulo é uma das histórias mais adultas sobre a infância. Ambientado no ano de 1889, na cidade de Budapeste, a narrativa trata sobre a rivalidade entre dois grupos de meninos: os da Sociedade do Betume contra os camisas-vermelhas. Ambos disputam pelo poder de um terreno baldio da rua que dá nome ao livro, considerado um espaço sagrado para suas brincadeiras.

Com tradução de Paulo Rónai, a obra já foi literatura obrigatória em diversas escolas do Brasil (inclusive na que eu estudei). O que poderia ser uma história facilmente abordada em tirinhas da Turma da Mônica, acaba por trazer uma perspectiva interessante sobre a transição da infância para a vida adulta, além de falar sobre a falta de espaço para os jovens na sociedade e a violência psicológica que esses meninos eram submetidos no contexto histórico da Hungria da época. Não à toa, Os meninos da rua Paulo se tornou um dos livros húngaros mais conhecidos ao redor do mundo, ganhou diversas adaptações para o Cinema e conversa com produções mais recentes, como o filme A Cidade das Crianças. Apesar da dificuldade em lembrar dos complicados nomes dos personagens, até hoje não me esqueço da profunda história do pequeno Nemecsek. – Vitória Silva

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“Há livros escritos para evitar espaços vazios na estante.”

–  Carlos Drummond de Andrade

Para poder valorizar cada vez mais a Literatura, parte tão importante e fundamental da cultura do nosso e de qualquer outro país, o Persona começa, agora, a preencher sua própria estante. 

O mês de outubro marcou o início do nosso Clube do Livro, formado por membros da Editoria, que tem o intuito de promover a leitura compartilhada e encontros para discussão de alguma obra sugerida. Ao final do mês, o Clube ainda se reúne para montar o Estante do Persona, com um comentário que sintetize as ideias sobre a leitura realizada e uma playlist de músicas que se relacionem com a mesma, além de uma indicação de cada membro sobre algum livro marcante ou que mereça ser compartilhado.

Como primeira leitura, o Clube do Livro teve a honra de poder prestigiar uma das maiores autoras da Literatura brasileira. A Paixão segundo G.H., de Clarice Lispector, é narrado em primeira pessoa pela personagem que tem suas duas iniciais presentes no título da obra. Uma mulher, moradora do Rio de Janeiro, que, ao desempenhar a tarefa de limpar o “quartinho dos fundos” de seu apartamento, mergulha em um fluxo de pensamento contínuo simbolizado por um monólogo de reflexões existencialistas, uma das grandes marcas da escrita da autora. 

E nada mais simbólico do que estrear essa publicação especial num mês com acontecimentos tão marcantes para o meio literário. Além de no dia 29 de outubro ser celebrado o Dia Nacional do Livro, as semanas anteriores também foram marcadas por grandes eventos. No dia 7, ocorreu a cerimônia de entrega do Nobel de Literatura 2021, que foi concedido ao autor Abdulrazak Gurnah. Nascido na ilha de Zanzibar, atual Tanzânia, em 1948, o escritor é especialista em Literatura pós-colonial e na temática de refugiados, colecionando em sua carreira títulos como Paradise e Afterlives. 

Mais ao final do mês, no dia 20, foi realizada a entrega do Prêmio Camões, para a moçambicana Paulina Chiziane. Tão simbólica quanto a vitória de Gurnah, Chiziane é a primeira mulher a publicar um romance em Moçambique, Balada de Amor ao Vento, em que o fez depois da independência. Com a figura da mulher moçambicana e africana no centro de sua escrita, a autora dedica-se a explorar os problemas enfrentados pela mesma no meio social, e tem como uma de suas obras de maior prestígio Niketche: Uma História de Poligamia, em que uma mulher decide conhecer as outras esposas de seu marido.

No clima desse mês repleto de grandes feitos na Literatura, você confere as indicações do Clube do Livro na primeira edição do Estante do Persona.

Livro do Mês

Clarice Lispector – A Paixão segundo G.H. (175 páginas, Rocco)

Publicado em 1964, A Paixão segundo G.H. é um passeio pelo mais profundo íntimo do ser humano. Em seu apartamento no Rio de Janeiro, a protagonista, reconhecida apenas pelas duas iniciais, decide limpar o quarto da empregada, logo após demitir a mesma. O que parece ser uma tarefa banal como tirar pó do armário, desencadeia uma série de reflexões existencialistas e contestações sobre decisões passadas, ao ponto que, ao esmagar uma barata em meio ao processo, G.H. engata em um relato sobre a perda da sua individualidade. 

Conhecida por utilizar recursos como análise psicológica e monólogo interior, o presente livro é o mais puro suco que poderíamos ter da Literatura de Clarice Lispector, que ainda se encontra com o teor de obras de Virginia Woolf e até mesmo A Metamorfose, de Franz Kafka. Os capítulos não possuem marcações definidas, mas funcionam como sequências sistemáticas, em que cada um se inicia com a frase que encerrou o anterior. Esse aspecto cíclico também é notório no início e final do livro, em que a protagonista termina a narrativa chegando ao mesmo ponto que a desencadeou inicialmente, em um retrato perfeito do que é o complexo processo do pensar humano.

Apesar de lançada no século passado, a obra de Clarice também dialoga com produções do presente, como, por exemplo, a série Fleabag, que tem uma protagonista que enfrenta dilemas e conflitos internos na mesma proporção e, coincidentemente, também não tem seu nome revelado para o público. Por mais que, às vezes, seja um pouco repetitiva ou até mesmo de difícil compreensão em certas passagens, é impossível não se encontrar com pelo menos um trecho de A Paixão segundo G.H.. Com grandes sacadas de gênia da autora, pensamentos até então nunca questionados são transpostos em simples palavras ou frases, que encontram-se poeticamente e se tornam tudo que precisávamos ler, mas ainda não sabíamos. “Todo momento de achar é um perder-se a si próprio”.

Dicas do Mês

J.M. Coetzee – Desonra (248 páginas, Companhia das Letras)

Desonra foi publicado em 1999, e é considerado o grande clássico de J.M. Coetzee, escritor sul-africano que recebeu o Nobel de Literatura em 2003. A obra foi tão impactante que fez o autor levar o prêmio Man Booker pela segunda vez — ele já havia recebido em 1983, pelo livro Vida e Época de Michael K —, sendo o único a ter recebido duas vezes a honraria. O título original é Disgrace, porém o tradutor José Rubens Siqueira optou por um caminho mais amplo e, talvez, mais poético. Mas, afinal, do que se trata o livro? No mais puro sentido, trata-se de um homem que cai em desgraça. 

Estamos situados em uma África do Sul pós-apartheid, e enxergamos esse cenário sob a visão de David Lurie, professor de Literatura na Universidade da Cidade do Cabo. A percepção afiada de Coetzee nos faz vislumbrar como ninguém a sociedade fraturada que se desenvolveu no país, na qual qualquer relação afetiva verdadeira está fadada ao fracasso. Após uma sucessão de acontecimentos dramáticos, abalando profundamente a vida do professor Lurie, ele se vê obrigado a retornar à propriedade rural da filha, Lucy, a fim de encontrar um ponto de equilíbrio entre a sua formação humanista e as normas sociais pré-estabelecidas. 

Somente nesse cenário precário, muito distante da pacata vida acadêmica que estava habituado, ele entende o verdadeiro significado de brutalidade e sofrimento. Com uma narrativa envolvente, através de capítulos curtos — que mostram a habilidade do escritor na escolha das palavras —, o livro nos mantém presos e estimulados do começo ao fim. Desonra foi adaptado ao Cinema pelo diretor Steve Jacobs, no filme homônimo de 2008, e traz John Malkovich no papel de David Lurie. No Brasil, a editora Companhia das Letras publica a obra completa de J.M. Coetzee. – Bruno Andrade

Stephen Chbosky – Amigo Imaginário (767 páginas, Record)

Se Christopher não construir uma casa da árvore no bosque da cidade antes do Natal, sua mãe e os moradores de Mill Grove morrerão. Pelo menos é o que diz a voz na cabeça do menino, que começou a acompanhá-lo desde que ele desapareceu na mata e retornou seis dias depois, intacto e sem memória do que havia acontecido. Nas quase 800 páginas de Amigo Imaginário, as histórias de Christopher e sua mãe, Kate, se entrelaçam a dos moradores do local e do caso não resolvido que intriga a cidade há décadas.

Do mesmo autor de As Vantagens de Ser Invisível, as semelhanças entre as obras de Stephen Chbosky acabam por aí. Diferente do sensível best-seller, em Amigo Imaginário, o escritor cria uma narrativa assombrosa, cheia de suspense, terror psicológico e fantasia, com muitas metáforas e um forte simbolismo religioso. O excesso de reviravoltas prolonga o livro mais do que o necessário e faz com que o calhamaço se arraste nas páginas finais, mas a habilidade do autor em enganar o leitor, assim como faz com o protagonista, torna os caminhos de Amigo Imaginário surpreendentes e envolventes do início até (quase) o fim. – Vitória Lopes Gomez

Gabriel García Marquez – Cem Anos de Solidão (448 páginas, Record)

O colombiano Gabriel García Marquez é um dos escritores mais traduzidos no mundo, e, em outubro de 1982, ganhou o Prêmio Nobel de Literatura pelo conjunto de sua obra. Entre seus manuscritos que refletem sobre os rumos políticos e sociais da América Latina, Cem Anos de Solidão é o livro mais monumental, sendo também considerado o mais importante de sua coleção. Cem Anos de Solidão é muito mais que uma simples narrativa, é uma experiência imersiva nas sete gerações da família Buendía. 

Ambientada em Macondo, acompanhamos a formação, ascensão e queda da cidade fundada por José Arcádio e Úrsula Iguarán, os pais da família Buendía. O apego pelo livro acontece exponencialmente, o passar do tempo nos faz reconhecer os fatos vividos pela estirpe condenada a cem anos de solidão. Denso de informações e acontecimentos, a obra mostra seus personagens relegados à solidão construindo um paralelo indireto com a América Latina.

Cem Anos de Solidão tem um início mais realista que se reflete na última metade mais fantástica, tudo construído com o empenho do autor em não perder a essência em que sua avó materna lhe contava histórias, tornando cada objeto ainda mais vivo. Seu final mostra que a solidão, em todos seus dobramentos, é cíclica e intrínseca ao ser humano. Cien Años de Soledad é, com certeza, um dos melhores livros já escritos. – Ana Júlia Trevisan

Victor Hugo – Os Miseráveis (1511 páginas, Martin Claret)

Os Miseráveis é um dos maiores clássicos da Literatura francesa. Publicada em 1862, a narrativa percorre a vida de várias pessoas pobres financeiramente ou de espírito, como forma de Victor Hugo denunciar a injustiça social tão presente na civilização humana. Como protagonista desta trama histórica temos Jean Valjean, um ex-presidiário condenado a 19 anos de reclusão por roubar um pão. Nesse mesmo plano temporal está Cosette, uma menina que vive em um estado deplorável na moradia dos Thénardier, um casal grotesco que extorque as economias da mãe da criança que não pode criá-la.

Após presenciar a morte de Fantine, mãe de Cosette, Jean Valjean parte em busca da residência dos Thénardier para resgatar a menina. A partir daí, o ex-presidiário assume a paternidade da criança. Anos depois, a realidade dos personagens vira de cabeça para baixo. O casal avarento perde todas as suas economias, enquanto que Valjean e Cosette ascendem socialmente. No meio dessa trama de classes, eclodem diversas manifestações sociais.

Inspirado por revoluções como o evento de Junho de 1832 e a Batalha de Waterloo, Victor Hugo relata em seu romance diversos eventos históricos marcantes e simbólicos. Os Miseráveis apresenta como ponta pé inicial personagens em situações de vida deploráveis, que se desdobram em diversas manifestações sociais. Essa teia de narrativas profundas permitiu com que fossem realizadas diversas adaptações da obra, como filmes, peças de teatro e paródias literárias. – Gabriel Gatti

Jessica Bruder – Nomadland – Sobrevivendo na América no século XXI (304 páginas, Rocco)

Pelas palavras de Jessica Bruder, nasce a Terra Nômade. Resultado de um trabalho extenso e vivido na pele pela jornalista, o livro de não-ficção se centra nas pessoas que vivem à margem da sociedade, desamparadas pelo governo e invisíveis para o mundo. Sem apontar soluções ou culpados diretos, Nomadland – Sobrevivendo na América no século XXI ruma pelas estradas norte-americanas, na companhia de Linda May, uma senhora de idade que encontra subsídio em empregos braçais e temporários. Sem casa, mas não sem lar, a nômade moderna é um dos inúmeros objetos de estudo da autora, que chegou a viver em uma van, para ter a experiência completa de sua história.

Publicado originalmente em 2017, o livro-reportagem chegou ao Brasil alguns meses atrás, traduzido por Ryta Vinagre e com a célebre frase “Livro que baseou o vencedor do Oscar de Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Atriz de 2021”. Sensível e carregado visual e tematicamente, Nomadland é leitura obrigatória para quem almeja encontrar o meio-termo entre a Literatura e o Jornalismo, usufruindo de conhecimento dos dois campos e, na jornada, criando uma linguagem muito única e singular que não apenas denuncia a irresponsabilidade do Estado para com seus idosos, mas também celebra o senso de comunidade que as dificuldades podem fazer nascer nos indivíduos. Se Chloé Zhao conseguiu emocionar com a vida real ficcionalizada, Jessica Bruder foi a primeira a encontrar esse tesouro. – Vitor Evangelista

Kurt Vonnegut – Café da Manhã dos Campeões (400 páginas, Intrínseca) 

Kilgore Trout é um escritor de ficção científica que descobre que Dwayne Hoover, um vendedor de carros aparentemente normal, está ficando maluco por causa de um de seus livros. Essa é a premissa inicial de Café da Manhã dos Campeões, a obra-prima de Kurt Vonnegut, que aproveita sua história nada convencional para fazer uma crítica bem-humorada e ácida dos comportamentos da sociedade norte-americana. 

Com a presença dos famosos desenhos do autor, é uma leitura extremamente divertida, fluida e repleta de metalinguagem. Kurt Vonnegut escreve com um senso de humor e uma sagacidade tão apaixonantes que é impossível parar de ler. Café da Manhã dos Campeões insere a ampla criatividade da ficção científica em um contexto familiar, aproveitando para mostrar o quanto algumas ideias que tomamos como “inquestionáveis” na sociedade são, na verdade, bem absurdas. Não é engraçado? – Caio Machado 

G. Willow Wilson – Alif, o invisível (349 páginas, Fantástica Rocco)

Antes de ficar conhecida como uma das co-criadoras da primeira heroína muçulmana da Marvel Comics, G. Willow Wilson já havia se provado uma das autoras de ficção mais indispensáveis da atualidade. Em Alif, o invisível, seu talento para criar mundos complexos e irresistíveis se faz presente na junção entre o moderno e o místico, na caracterização de uma distopia cyberpunk tão palpável que desafia as distinções entre o real e o imaginário, visível e invisível.

Caçado pelo censor de um estado de exceção não-nomeado do Oriente Médio, o jovem hacker Alif guarda consigo as chaves para a criação do aparato de repressão máximo, fruto da mágoa de seu coração partido. Após sua amada, Intisar, revelar que havia sido prometida a outro homem, Alif cria um programa para ocultar sua presença, na esperança de que ela nunca mais possa vê-lo ou contatá-lo pela internet. Intisar, então, envia um livro misterioso que abre seus olhos para o mundo oculto dos djinn, expandindo o escopo da luta de Alif contra sua própria dor.

Graças à perspectiva única de Wilson, a ficção do livro se transforma junto com seu protagonista desafortunado, assumindo as muitas facetas de um mundo destinado a não se conhecer até que esteja preparado para entender suas muitas diferenças. Seu mundo é construído como um castelo de areia no meio de um deserto, na abundância de detalhes em meio ao desconhecido e na fragilidade da vida de suas personagens, capazes de serem apagadas com um sopro do destino. Alif, o invisível é uma ficção madura e envolvente, e o trabalho de uma escritora no pico de sua criatividade e habilidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Virginia Woolf – Mrs. Dalloway (235 páginas, Penguin Companhia)

A Literatura de Clarice Lispector sabe como ninguém apreciar a companhia de Virginia Woolf. Então, farei as honras de aproximá-las na primeira Estante do Persona. A obra escolhida para figurar ao lado da voz marcante do Modernismo no Brasil é precursora do movimento na Literatura, que ostenta as palavras da autora inglesa como uma das suas maiores e mais importantes obras. Primeiro grande sucesso de Woolf, Mrs. Dalloway não poderia ficar de fora da seleção guiada pela genialidade de Lispector em A Paixão segundo G.H. 

A referência de Virginia em Clarice já deve sugerir o que esperar do romance, que, como toda boa obra moderna, não tem medo de seguir seu próprio caminho. Estamos falando de uma Literatura radical, que extrai tudo o que pode das palavras através de técnicas narrativas como o fluxo de consciência, discurso indireto livre e narração onisciente, originando assim precisas análises sociais, perfeitos registros históricos e potentes ensaios filosóficos. Para realizar tudo isso, Virgina Woolf precisou de apenas um dia da vida de Clarissa Dalloway na cidade de Londres em 1925. O resto, é história. – Raquel Dutra

Casey McQuiston – Vermelho, Branco e Sangue Azul (392 páginas, Seguinte)

A vida não deveria ser feita só de leituras sérias, e Vermelho, Branco e Sangue Azul se encaixa perfeitamente nessa categoria. Em suas quase quatrocentas páginas, a narrativa que Casey McQuiston desenvolve é extremamente ágil e dinâmica. A história parte de encontros puramente diplomáticos entre Alex Claremont-Diaz, o filho da presidenta dos Estados Unidos, e Philip, o príncipe britânico, que acabam se transformando em um gato e rato enemies to lovers (de inimigos para amantes).

A relação entre Alex e Philip é igualmente insuportável e viciante, e – entre o emaranhado de romance, sexo, drama e a burocracia desse relacionamento – acompanhamos a campanha de reeleição da mãe de Claremont-Diaz e toda a política envolvida em um movimento dessa magnitude. Ao mesmo tempo, Philip precisa se entender com uma família real extremamente tradicional e conservadora. Apesar de se encaixar como uma leitura LGBTQIA+, Vermelho, Branco e Sangue Azul é muito mais que apenas uma história de amor entre a Casa Branca e o Palácio de Buckingham, é uma trama completa e instigante de sentimentos humanos tentando encontrar espaço no cenário diplomático mundial. – Jho Brunhara

Jenny Lawson – Alucinadamente Feliz: Um Livro Engraçado Sobre Coisas Horríveis (352 páginas, Intrínseca)

Alucinadamente Feliz: Um Livro Engraçado Sobre Coisas Horríveis é o que acontece quando uma pessoa completamente pirada (no melhor sentido da palavra) decide escrever um livro. Jenny Lawson, autora best-seller do The New York Times, teve uma das ideias mais geniais para lidar com seus diversos distúrbios mentais e desgraças do dia a dia: compartilhá-los com o resto do mundo. Pode se esperar que a vida de alguém depressiva altamente funcional com transtorno de ansiedade grave, depressão clínica moderada, distúrbio de automutilação brando, transtorno de personalidade esquiva e um ocasional transtorno de despersonalização, além de tricotilomania (que é a compulsão de arrancar os cabelos), seja um fardo impossível de carregar, mas Jenny consegue como ninguém fazer uso do bom e velho ditado rir para não chorar.

Publicado em 2015, e traduzido para o português por Andrea Gottlieb de Castro Neves, o livro traz em cada capítulo uma história diferente sobre o cotidiano da autora. Abordando desde questões pessoais até o seu casamento, trabalho, família, afeição esquisita por animais empalhados ou qualquer outro puro e simples episódio banal da sua vida, todos carregam uma mesma característica: finais trágicos, ou no mínimo vergonhosos. Isso tudo narrado com um tom irônico e autodepreciativo medido em doses exatas, que transformam qualquer acontecimento horrível em um bom entretenimento. 

O grande prazer de Alucinadamente Feliz é lembrar a cada segundo que se tratam de relatos puramente reais. E, por mais específicos que sejam cada um deles, e por mais particular que seja a mente conturbada de Jenny, é quase natural se encontrar com as maluquices que ela descreve em um mundo em que a cada dia estamos mais malucos. Dessa forma, a moral final da história é apenas uma: você não está sozinho. – Vitória Silva

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Vitor Evangelista

O termo cultura do cancelamento é tão novo quanto as pessoas que o levam a sério. Atribuído à atitudes consideradas erradas, o ato de cancelar alguém busca anular sua voz, e apagar quaisquer de suas contribuições. O que fazer, entretanto, quando o indivíduo digno de ser cancelado está morto há 83 anos? Para Matt Ruff, autor de Território Lovecraft, o certo é não fazer nada que se assemelhe ao cancelamento. Eis o impensável: ele raciocina e entende, adivinhem só, que nem tudo é simples como dois mais dois são quatro.

Howard Phillips Lovecraft é considerado o pai do horror cósmico, ‘gênero’ que o próprio cunhou, escrevendo contos e novelas que misturavam o medo do desconhecido com figuras de fora deste planeta. Além disso, Lovecraft era um racista de primeira. Crescido no período de ascensão do fascismo e do nazismo, não é surpresa que ele se identificou com os ideais de Adolf Hitler, fazendo isso refletir em suas obras. E é aí que entra outro escritor, desta vez, Matt Ruff, que teve a brilhante ideia de ressignificar tudo que o falecido racista criou, colocando pessoas negras no centro de narrativas essencialmente lovecraftianas.

Assim nasce Território Lovecraft (Lovecraft Country, no original), publicado em 2016 nos Estados Unidos e esse ano no Brasil, com tradução de Thais Paiva. Narrando a fantástica jornada de Atticus em busca do pai, que está mantido refém numa região da América segregada dos anos 50, o tal Território Lovecraft, onde se passam a maioria das histórias do autor. Ressaltando o fator metalinguístico da obra, logo de cara o tio de Atticus, ou Tic, pontua o racismo do escritor, mesmo sendo dono de obras revolucionárias para o gênero.

É necessário exercitar o bom senso, e o livro de Ruff pinga seus is logo de cara. Não podemos apagar o trabalho de alguém ou anular seus feitos. O que podemos (e devemos) fazer, é entender as problemáticas. A trama em momento algum relativiza ou passa a mão na cabeça sebosa do defunto, mas faz algo muito mais avassalador: coloca as ‘minorias’ que ele tanto desprezava como heróis de suas jornadas. 

Quer trama mais atual que isso? Não à toa, a HBO adaptou para a TV a história e, assim, surgiu a (até então) série dramática Lovecraft Country, que exibiu o capítulo final no último domingo. Muito mais incisiva e bem sucedida que o material original, a produção comandada com a astúcia de Misha Green carrega o legado de Watchmen, outra arrebatadora série com forte temática racial.

A própria contracapa do livro da Intrínseca entrega o fator incomum de sua construção: ‘estruturado ao mesmo tempo como uma coletânea de contos e um romance’. As nove histórias seguem uma linha narrativa principal, dessa jornada de Atticus enfrentando Deus e o mundo, ainda que foque em distintas figuras desse rico ecossistema. Conhecemos a família de Tic, seus amigos e inimigos. A prosa de Matt Ruff se empodera de uma fluidez líquida, tornando a leitura corrida, mas em momento algum atropelada ou esbaforida. 

Outro ponto de destaque é que Matt Ruff é um homem branco, que acaba escrevendo sobre o racismo nos anos 50. Todavia, a abordagem escolhida nas palavras e situações parece inserir um comentário sutil e direto, mas nunca tomando para si uma discussão que não lhe cabe. O que, inevitavelmente, alavanca o fator mais agressivo na abordagem televisiva da trama, encabeçada por profissionais negros. 

A escrita de Ruff é uma mão cheia para a adaptação. Os contos são curtos e deixam muito em aberto. Não na trama em si, mas em quesito narrativo, descritivo e temático. Ele lança ideias ao ar, denota os pontos de pressão mas nunca ata os nós, o laceio fica na cabeça de quem lê, ou, o mais comum, de quem sintonizou na HBO nas últimas dez noites de domingo.

Por mais que Território Lovecraft seja recheados de histórias que ficam na cabeça mesmo após suas finalizações, o livro não se redime na hora de realmente vitaminar seus acontecimentos. Ainda mais pelo formato episódico da narrativa, existem lacunas temporais que, à primeira vista, incomodam o leitor apaixonado por detalhes minuciosos. Isso até Ruff revelar exatamente sobre o que está escrevendo.

Atticus é o Sol desse sistema. O personagem, por vezes pedante e desinteressante, carrega nas costas todas as profecias e escolhas de Território Lovecraft. O que é uma pena, considerando a riqueza de seus coadjuvantes. Esse efeito de potencial desperdiçado grita alto quando lemos excelentes contos de Letitia (A Casa Assombrada dos Sonhos) e Ruby (Jekyll em Hyde Park), para depois sermos sugados na atmosfera bunda mole de Tic.

O comando de Misha Green na adaptação da HBO, aliado à produção de Jordan Peele, remendou esses furos de excitação narrativa. Lovecraft Country soube uniformizar seus moldes e, por mais que Tic ainda seja central ao todo, Leti, Ruby, Hippolyta e Montrose ganham as camadas e momentos que deveriam ter recebido nas 352 páginas do livro. O drama de TV foi mais além, transformando Horace em Diana (ainda bem), e investindo na excelente figura de Ji-Ah (no melhor episódio da série). Chega a ser curioso encontrar um livro que não seja melhor sucedido que sua versão adaptada..

A mera existência, e sucesso, de Território Lovecraft coloca uma pulga atrás de nossas orelhas para uma importante questão: será que isso vira tendência? O que não falta atualmente são figuras consolidadas que, num mundo de conto de fadas, seriam, enfim, canceladas. Matt Ruff pode ter aberto portas para, quem sabe, daqui algumas décadas, alguém publicar o Território Rowling, com os bruxos enfrentando os males de Hogwarts e os medos da homofobia e da transfobia, que sua infeliz autora tanto suscita e sublinha.

Por enquanto, nos resta a especulação e a problematização. Essa investida do livro, saindo da bolha do cancelar e esquecer, e usando a modernidade como arma de evolução e prosperidade, veio em hora certa. Enquanto dentro das páginas Território Lovecraft se beneficia da riqueza dos contos episódicos que homenageiam o horror cósmico e o gênero pulp, fora delas nós nos beneficiamos de uma leitura interessante no âmbito de entretenimento e do conhecimento. Me parece uma troca justa.

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