Vitória Gomez

12 jurados participam de um julgamento relativamente simples nos Estados Unidos. Um funcionário versus uma empregadora que o acusa de destruir o patrimônio de sua empresa. Por lá, o júri é formado apenas por civis e é dever constitucional de cada um comparecer quando for convocado – então por que não filmar o processo? É assim que Ronald Gladden acaba entre o grupo de 12 pessoas da vez, com a promessa de participar de um documentário sobre esse rito da justiça no país. O que ele não sabe é que ele é o único que está lá com esse propósito: todo o resto, incluindo os outros 11 jurados, os agentes federais, o juiz, a acusadora e até o réu são uma mera armação para emboscá-lo nas situações mais constrangedoras possíveis.

Jury Duty já deixa o público ciente da grande pegadinha acontecendo ali desde o primeiro momento. Apesar de algo realmente estar sendo gravado naquela corte, não é nada parecido com um documentário. No entanto, ao invés de se escorar em um mero programa de chacotas que caçoa do protagonista desavisado, a série cresce justamente por causa da humanidade de Ronald. No estilo mockumentary, a estrela da produção (que sequer sabe que é o centro das atenções) encara o dia a dia do julgamento com a certeza de que tudo está sendo registrado, mas ignorante às reais intenções das câmeras.

Os mockumentaries não são uma novidade no ramo da comédia. O falso documentário já é conhecido de grandes produções, como The Office, Modern Family e What We Do in the Shadows, e mostram como a presença escancarada de uma câmera, a falsa sensação de participação e a dinâmica de depoimentos pode envolver o espectador e fazê-lo adentrar uma realidade. Em um cenário tão rígido como o julgamento de um crime, então, a risada é certa. 

Diferentemente das produções anteriores, que tinham no jogo de montagem e nas sacadas cômicas o seu auge, o trunfo de Na Mira do Júri (na versão traduzida) é seu protagonista. Ronald Gladden viu o anúncio da vaga para o documentário em um site de classificados e aceitou a proposta. Afinal, bastava participar de um julgamento simples e dar seu depoimento do processo. Com um elenco escolhido a dedo para viver personagens assumidamente caricatos, o charme dos episódios vem do contraste entre a naturalidade de Ron e as personalidades escrachadas de seus companheiros de júri, que não deixam dúvidas de que tudo aquilo é roteirizado para se tornar uma grande piada.

Os pés no chão de Gladden é que conquistam. Situações que poderiam rapidamente dar errado e se tornar odiosas de assistir viram um poço de doçura – e ainda mais comédia – graças às reações do jurado. Todd (David Brown), por exemplo, é um nerd obcecado por invenções e insiste em apresentá-las na hora errada, como levar uma cadeira vestível ao tribunal. Apesar dos olhares e risadas desconfortáveis de Ron e do resto da equipe de atores, o protagonista opta por acolhê-lo e incentivá-lo em suas criações sempre que possível.

Sem pesar a mão, o roteiro escrito a múltiplas mãos fabrica situações absurdas, certos de que Gladden fará jus à expectativa. Não por menos, o trabalho foi digno da indicação à categoria de Melhor Roteiro em Série de Comédia no Emmy – nesse caso, especificamente pelo episódio Ineffective Assistance, escrito por Mekki Leeper, que também atua na obra. A condução conta com a bondade, sabendo que Ron não caçoará de Noah (Leeper) quando o jovem entra em negação sobre estar sendo traído e o ajuda a lidar com Jeannie (Edy Modica), uma colega jurada que dá em cima dele; acalma Ken (Ron Song) sobre um dívida de jogo na casa dos milhares; e aconselha Ross (Ross Kimball) sobre seu divórcio. Mesmo que nada disso seja real, o personagem não sabe disso.

Alguns dos melhores momentos dos oitos episódios acontecem entre o protagonista e James Marsden – que, inclusive, foi mencionado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia do Oscar da TV ao interpretar ele mesmo. Quando a celebridade entra em cena (a princípio sem ser reconhecido) e é convocado para participar como jurado reserva, apesar das tentativas falhas de usar a fama para livrá-lo do dever, ele se mostra egocêntrico e desesperado por atenção. Desde momentos naturais, como Ron perguntando se ele havia atuado nos filmes de X-Men e lembrando que o live-action de Sonic não foi dos melhores, até os mais roteirizados, como o jurado tendo que levar a culpa por um vaso entupido do ator, as interações mostram dois personagens extremamente opostos e que rendem as reações mais improváveis em todos os capítulos.

É também no aprofundamento das relações de Gladden com o restante do elenco de atores que ele deixa de ser unilateral. Não é surpresa que reality shows se formam na base da colagem de filmagens, recortando momentos indesejados e priorizando os que servem ao propósito do produto final. Mesmo que a desconfiança não deixe de existir em Jury Duty – o que não foi mostrado? Ron realmente não sabia que tudo era armado? -, a série se dedica aos momentos em que a estrela da produção quebra expectativas, revela seus reais pensamentos acerca dos colegas (inclusive Marsden) e admite fraqueza diante da posição de liderança na qual foi colocado. Unidos, as peças que compõem o tabuleiro de Na Mira do Júri foram reconhecidos na indicação como Melhor Elenco em Série de Comédia no Emmys.

E para não deixar dúvidas acerca dos seus méritos e sanar a curiosidade daqueles que duvidam da veracidade das pegadinhas, o episódio final, The Veredict, mostra como Na Mira do Júri confeccionou o que vemos em cena. O posicionamento de câmeras milimetricamente ensaiado, as improvisações do elenco e as reações dos próprios atores quando algo dá errado provam que a comédia vem justamente da imprevisibilidade das situações cotidianas. Repetidamente, a série prova desse inusitado.

Se a ganância dos streamings pode tirar a essência da produção com uma continuação, a primeira temporada de Jury Duty surge como um respiro de originalidade. A série também foi reconhecida no Emmy na categoria de Melhor Série de Comédia, uma das mais notáveis da TV, e deve rezar por um milagre se quiser levar a melhor. Ainda assim, entre os oito nomes da modalidade este ano, o mockumentary conquista pelo inusitado e pela singularidade de seu protagonista, mostra que, se os realities shows não passam de uma grande mentira, essa é a mais engraçada delas.

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Costanza Guerriero

Há cinco anos, The Marvelous Mrs. Maisel nos conta como é ser uma mulher comediante nos anos sessenta. Não apenas uma mulher, mas uma mulher divorciada que decide trabalhar. Não apenas trabalhar, mas trabalhar com comédia. O fim da série confirma que a produção sempre tentou trazer uma mensagem para além do que é conviver com o machismo, sendo sobre a possibilidade de quebrar as regras que a sociedade nos impõe – não porque se deve, mas porque se deseja. A produção conta uma história sobre ter coragem de fazer o que deve ser feito, para chegar nos lugares que se deseja, mesmo carregando um enorme fardo: ser uma mulher ambiciosa. Vencedora de vinte Emmys, este ano a produção chegou mais uma vez na premiação concorrendo a quatorze prêmios, incluindo Melhor Série de Comédia, e tornando-se uma das preferidas pelo seu brilhante desfecho.

A quinta e última temporada é agridoce e tem seu início com a protagonista à beira da morte. Após enfrentar duras verdades ditas por Lenny Bruce (Luke Kirby) e uma nevasca que a leva a hipotermia, a jornada final de Miriam Maisel (Rachel Brosnahan), é, na verdade, aquela que determina o ponto de virada de sua carreira no stand up. Sem mais se esconder na casa de shows de strip-tease, a comediante trata de voltar a perseguir seu sonho, para dar aos fãs seu merecido final. Ao longo dos nove episódios, a produção da Amazon descarta clichês e se reinventa na maneira de conduzir a narrativa, que, apesar de possuir uma atmosfera bem diferente das anteriores, jamais perde seu charme característico.

A temporada trabalha com longos monólogos, e claro, diálogos rápidos e inteligentes, peculiaridades dos roteiros de Amy Sherman-Palladino e seu marido, Daniel Palladino. Diferentemente da conclusão que deu para as Gilmore Girls, em Gilmore Girls: Um Ano para Recordar, que além de desagradar o público deixou muitas pontas soltas, a roteirista escreve Mrs. Maisel com mais cautela, e procura amarrar o maior número de tramas possíveis. Para que todas as histórias fossem contadas a tempo, foi utilizado o recurso de salto temporal, permitindo que o público vislumbrasse, já logo no primeiro capítulo, o futuro renomado reservado à Midge Maisel. Sherman-Palladino faz questão de construir uma protagonista imperfeita e relacionável, que vive o drama da mulher que prioriza sua carreira acima dos seus relacionamentos familiares, mostrando ao público as consequências, tanto negativas quanto positivas, da escolha de tomar as rédeas da própria vida.

É claro que  diálogos tão complexos e ágeis não bastam apenas serem bem escritos, mas bem interpretados, coisa que Brosnahan continua fazendo sublimemente, rendendo sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Atriz em Série de Comédia. A evolução de Maisel é acompanhada pelo crescimento de outros personagens. Da conturbada relação de sua agente, Susie Myerson (Alex Borstein) com a máfia e seus novos clientes até as epifanias dos pais de Maisel, os relacionamentos vão se intensificando ao longo de uma temporada que dá bastante espaço para cada ator brilhar.

Um dos personagens que mais se desenvolve ao longo da série é o pai de Maisel, Abe Wiseman, interpretado pelo carismático Tony Shalhoub (Monk: Um Detetive Diferente). Sua trajetória passa do patriarca da família judaica do Upper West Side, para o jornalista de esquerda, que compreende as injustiças da vida. Shalhoub entrega um dos monólogos mais marcantes da temporada, no episódio A princesa e o pedido, no qual entende como uma paternidade machista o impediu de reconhecer, durante tanto tempo, o talento e as conquistas de sua filha. Infelizmente, dessa vez, o ator não conseguiu o que seria sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia, uma arbitrariedade da Academia, já que apenas o monólogo do episódio oito em si já deveria render uma menção.

Além da forte presença do pai, é revelado que muitos homens ainda fariam parte da vida de Maisel. Por meio dos flashforwards, vemos que a vida futura de fama e sucesso da personagem também seria acompanhada por cinco divórcios e muitos namorados. Nesse quesito, a série gosta de enganar o espectador, flertando sempre com a ideia de algum possível romance em sua vida. Um relacionamento que já tinha passado do prazo de validade, mas que os roteiristas continuaram a insistir, foi o da protagonista com Joel (Michael Zegen), o ex-marido, além da constante expectativa de que algo poderia surgir entre ela e o seu chefe, Gordon Ford (Reid Scott). Essa insistência servia apenas para confundir quem assistia, passando essa falsa sensação de que o desfecho final de Maisel também deveria resolver seus relacionamentos amorosos, quando na realidade a história nunca foi sobre isso.

Dentre os casos amorosos que tentaram forçar a Maisel, um que de fato ganhou espaço no coração do telespectador foi o slowburn com Lenny Bruce (Luke Kirby). O que encantou o público com essa dinâmica é a maneira como ele sempre reconheceu que a carreira de ambos era mais importante do que qualquer eventual relacionamento que poderia florescer entre eles. O personagem de Lenny serviu sempre como uma bússola para protagonista, o talento dele a impulsionava, enquanto a sua comédia o inspirava. Com toda certeza, as poucas cenas dedicadas aos dois deixaram todos com um gostinho de quero mais, contudo, é de se admirar como uma personagem com tão pouco tempo de tela, como foi com ele na última temporada, conseguiu deixar sua presença marcada por todos os episódios. Isso é dado ao inegável magnetismo de Kirby, indicado mais uma vez ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia.

O tamanho da falta de importância dada à necessidade de Maisel ter o seu ‘felizes para sempre’ com um marido foi equivalente à importância atribuída à amizade entre ela e Susie. Os altos e baixos dessa relação são mais bem explorados no episódio zombenagem, inteiramente dedicado a aprofundar como seria essa amizade no futuro, e não à toa, a última cena de toda a série é reservada a apenas elas duas. A combinação explosiva de Brosnahan e Alex Borstein consegue tanto nos arrancar lágrimas quanto gargalhadas histéricas, e são juntas o núcleo da narrativa, nas suas potencialidades femininas, cada uma à sua maneira, e ‘peitos empinados’. No Emmy 2023, Borstein recebeu sua quinta indicação a Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Comédia, fato importante para o ano no qual finalmente recebemos a confirmação de que Susie é, de fato, uma personagem queer.

Dessa forma, a maioria das trajetórias são bem finalizadas. O enredo de Rose Weisman (Marin Hinkle), mãe de Maisel, já estava encaminhado nas temporadas anteriores, nas quais a personagem teve maior desenvolvimento. Com certa inspiração na filha, perseguiu seus sonhos e conquistou uma carreira que desejava no ramo das casamenteiras. O núcleo que ainda teve bastante tempo em tela foi o de Moishe (Kevin Pollak) e Shirley Maisel (Caroline Aaron), ex-sogros da protagonista, que alegram a série com suas trapalhadas na loja de tecidos e vivências matrimoniais. Contudo, enquanto tantos arcos foram tão bem pensados, outras participações não foram nem ao menos desenvolvidas, como a conclusão da comediante Sophie Lennon (Jane Lynch) e a breve e esquecida participação do personagem interpretado por Milo Ventimiglia (This is Us).

Como é perceptível, The Marvelous Mrs. Maisel coleciona indicações ao Emmy 2023 e arrebata a todos com qualidade de roteiro, atuações, design de produção, e claro, figurino. Este último ponto, assinado por Donna Zakowski, sempre foi muito potente na série, e a evolução de Maisel é espelhada nas suas vestimentas. Na temporada final, ela já abandonou há muito tempo os robes e bobs na cabeça para agradar o marido. A relação que Maisel tem com a moda sempre foi bem explícita, mostrando como seus vestidos rodados e conjuntos vibrantes são elementos fundamentais para que a comediante consiga se expressar e se sentir confiante. No episódio final são dedicados bons minutos a respeito do vestido perfeito, que ela planeja usar nos seus grandes quatro minutos no show televisivo de Gordon Ford.

Four Minutes é o último dos nove episódios e o mais bem construído de todas as temporadas – e quem sabe de toda a produção. Após tentar e tentar, Maisel finalmente consegue sua tão aguardada aparição no programa de TV que trabalha. A atmosfera do palco do The Gordon Ford Show é palpável dos sofás de nossas salas. Vemos a mesma tensão entre Maisel e o microfone que existiu no primeiro capítulo da série, quando ela fez seu primeiro show no speak easy. Cada segundo arrepia na expectativa de assistir ao último ato de stand up de Midge Maisel. Em meio às piadas inteligentes e afiadas, o monólogo fala daquilo que guiou toda narrativa da protagonista: a independência. A comediante discorre, ali nos seus quatro minutos, sobre o que isso significa para ela, para sua filha e para todas as mulheres daquele auditório. 

The Marvelous Mrs. Maisel se encerra deixando um grande legado para as produções da Amazon, não apenas pela sua presença marcada em todas as edições do Emmy desde 2018, mas pela bela mensagem que nos deixa. “Ser covarde só e fofo no Mágico de Oz”. Enquanto a sociedade, não a dos anos sessenta, mas a atual, impõe todo tipo de regras para dominar as mulheres, cabe a nós termos a ambição como estrela guia de nossas escolhas, sejam elas quais forem. A série também deixa uma difícil tarefa para suas sucessoras, ao tentarem equiparar com a qualidade da produção, em todos os aspectos. Mesmo que a última temporada não tenha sido a mais memorável, o último “thank you and good night” de Mrs. Maisel perdurará por muito tempo. 

Senhoras e senhores, fazendo sua primeira, mas não última, aparição, eu apresento a magnífica, a mágica, a maravilhosa Sra. Maisel

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Guilherme Veiga

O início da história do Cinema, na exibição de A Chegada do Trem na Estação em 1895, foi caracterizado pela fuga do público da sala, em função da novidade daquela tecnologia aliada com a perspectiva de filmagem do trem. A partir daí, iniciava-se uma jornada duradoura e, a princípio, inabalável. A Arte de fazer filmes superou as duas grandes guerras, inclusive servindo como ferramenta de propaganda, a grande depressão, a Guerra Fria, as ditaduras do século XX e até mesmo a greve de roteiristas de 2008. Sempre de portas abertas e salas lotadas.

Se a pandemia da covid-19 alterou a forma como encaramos o mundo, com a Sétima Arte não foi diferente. Dessa vez, as pessoas não fugiram das salas, pois sequer entraram. Além das consequências econômicas – que aqui no Brasil, segundo o Sistema de Controle de Bilheteria (SCB), representou uma queda de 77,5% no faturamento dos espaços de projeção em 2020, comparando com o ano anterior – viu-se também a ascensão do streaming para além de uma ferramenta distribuidora. Mas essa veia de distribuição desses serviços foi ainda mais impulsionada com o período de isolamento, sendo uma válvula de escape das produtoras nesse período de incerteza. Com as plataformas online nascendo da morte da Blockbuster, pela primeira vez em tempos, surgiu a dúvida sobre a próxima vítima ser o Cinema como o conhecemos.

O cenário era caótico no mundo, e mais ainda no audiovisual. A conjunção dos astros resultou em uma tempestade perfeita para a Sétima Arte, que, mesmo antes do período de pandemônio, via o streaming calcando cada vez mais espaço. Com a consolidação da Netflix, proliferou-se o número de plataformas vigentes, algumas até como derivadas dos próprios estúdios hollywoodianos, caso do Paramount+, Disney+ e HBO Max (empresa da Warner). Não só isso, viu-se também o aporte de grandes empresas de outras vertentes do mercado nesse segmento, caso da Amazon, com o Prime Video, e a Apple, com o AppleTV+.

Isso atraiu atores, como no caso de Adam Sandler que está tendo e ainda terá seu rosto vinculado na Netflix graças a um contrato multimilionário com a locadora vermelha. Ela também foi responsável por começar a movimentar o mercado de diretores – algo inédito até então – e teve como suas primeiras aquisições, a exclusividade de Alfonso Cuarón, que rendeu o brilhante Roma, e Martin Scorsese, responsável pela obra prima O Irlandês (hoje, os dois também tem parceria com a Apple). As duas colaborações resultaram em indicações ao streaming para o careca dourado.

Scorsese inclusive, é um ferrenho defensor da experiência cinematográfica no espaço Cinema (vale lembrar que é dele a carta de amor A Invenção de Hugo Cabret). Em um primeiro momento, as telas se mostram, assim como o lendário diretor, relutantes. Tanto que, um filme original das plataformas, para concorrer ao Oscar, precisava estrear no circuito comercial. Isso demonstrava que, por mais ameaçado, o Cinema ainda se mantinha no topo da hierarquia audiovisual. Porém, os dois anos de pandemia foram responsáveis por virar o mundo ao contrário sem que ninguém reparasse.

As salas físicas deixaram de ser unanimidade e receptáculo de uma forma de Arte, para agora desenvolver uma relação de competição sem ao menos desenvolver um produto próprio para competir. A própria Academia, sinônimo de conservadorismo, desenvolveu um streaming próprio para driblar o período pandêmico e a burocracia de enviar cópias aos votantes. Ainda no formato antigo da categoria de Melhor Filme, com seus oito indicados, filmes originais de plataformas começaram a figurar na principal disputa a partir de 2019 com Roma, que também integrou – e venceu – a categoria de Melhor Filme Internacional daquele ano.

Esse cenário é um legado bom da chegada das plataformas digitais na indústria. Com um mercado mais globalizado e tais serviços com frentes fora do eixo americanizado, a visibilidade da categoria internacional aumentou, muito também em função da renovação dos votantes. O reflexo pode ser visto na edição de 2023 do Oscar, com Nada de Novo no Front sendo altamente reconhecido e RRR se tornando uma esnobada sentida pelo público.

O case da indústria internacional esperava ser replicado na produção local americana. As expectativas ficaram ainda mais altas após No Ritmo do Coração se tornar o primeiro filme de streaming a conquistar a estatueta mais importante da noite no Oscar 2022. O longa apresentava sinais de um eventual domínio dos serviços, principalmente por ter sido adquirido em Sundance, festival em que os grandes estúdios disputam as obras exibidas e, mesmo com a alta demanda, caiu nas mãos de uma iniciante como a AppleTV+, demonstrando a força dessas plataformas para além do conteúdo próprio. Porém, as coisas saíram dos trilhos muito rápido.

Uma decolagem demorada e uma queda relâmpago

Apesar das recentes vitórias, é fato que o streaming nadou contra a maré para se estabelecer na indústria. O conservadorismo do entretenimento, em especial da Academia, sem dúvidas foi um dos maiores dificultadores. Beasts of No Nation, por exemplo, foi uma das primeiras esnobadas de produtos originais das plataformas ainda em 2016, e nesse início era deliberadamente desenvolvido todo um lobby contra Netflix e derivados. Com a proliferação dessas produções, chegou em um ponto em que ficou impossível esquecê-los, mas mesmo assim, de alguma forma, eles ainda eram prejudicados pela associação.

Mas é aí que entra um problema: os serviços digitais não sabem e não têm malícia para fazer campanha. A Apple, por exemplo, não se arriscou e após a vitória decidiu apostar no irmão espiritual de CODA, resultando no esquecível Cha Cha Real Smooth como seu filme da temporada. A Netflix, mesmo com ótimos nomes no catálogo, focou erroneamente no tardio Glass Onion. O caso mais absurdo é o da Amazon. A empresa do calvo que quer ser astronauta tinha o ouro incontestado Argentina, 1985 em mãos, mas moveu mundos e fundos para a campanha de Treze Vidas. “Qual?” você deve estar pensando. Exatamente.

Porém, o que botou a pá de cal em um 2022 tenebroso nos streamings foi a volta dos cinemas com os dois pés na porta. Depois de muito ensaiar (e falhar) seu retorno, como assistimos na empreitada desastrosa de Nolan com Tenet ou no despercebido Velozes e Furiosos 9, a Sétima Arte parecia se tornar uma das sequelas da pandemia no pós-isolamento e provavelmente passaria a ser regida pelas plataformas de VoD.

No entanto, o que aconteceu fugiu do roteiro imaginado. No berço de Hollywood, o crescimento de bilheteria em 2022, comparado a 2021, foi de 65%, tornando a América do Norte novamente o maior mercado consumidor de Cinema, com uma arrecadação de U$S 25 bilhões. Já no Brasil, o agora ano de retomada representou um aumento de 485% no público somente no primeiro semestre, de acordo com a Ancine. A volta foi capitaneada por Top Gun: Maverick, o retorno da Marvel (apesar de suas críticas) às grandes telas e contou também com Steven Spielberg e James Cameron, pai e padrasto do blockbuster, respectivamente.

O ciclo sem fim

Claro que isso refletiria na maior premiação do Cinema. Quando o streaming começou a figurar na disputa de Melhor Filme no Oscar, em 2019, Roma foi o único representante dos serviços. Gradativamente, a aparição dessas produções foi aumentando, com 2021 e 2022 apresentando a maior cota, com três filmes cada edição. O que se esperava era que, para o ano de 2023, ainda como reflexo do final do isolamento, o número se mantivesse, ou se superasse. Porém, a principal categoria voltou ao patamar de 2019: apenas um indicado, mais uma vez pela Netflix e com um filme internacional. Só que a nomeação desse ano é mais mérito próprio de Nada de Novo no Front (que nem tem tantos méritos, é só mais um filme de guerra) do que da Tudum.

Mas é importante ressaltar que essa não é uma história de vilão contra mocinho. Babilônia explicita que a indústria é um ninho nefasto de cobra engolindo cobra, e nessa narrativa toda não há distinção polarizada e muito menos bem contra o mal: o Cinema como produto é a vítima, o acusado e a testemunha. Outro aspecto que a obra de Chazelle também nos mostrou é que essa não foi a primeira vez que a Sétima Arte foi posta contra a parede, e provavelmente não será a última. Portanto, ela sabe se moldar às adversidades que naturalmente criará à medida que for se desenvolvendo e também as que forem impostas à ela. E na lei do mais forte, mais uma vez o Cinema prova sua força conquistada em seus mais de 120 anos de história.

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Raquel Dutra

“Não haverá, nos Estados Unidos ou em qualquer lugar sujeito à sua jurisdição, nem escravidão, nem trabalhos forçados”, diz a 13ª Emenda à Constituição dos Estados Unidos, que ‘aboliu’ a escravidão no país em 1865. Um dos maiores marcos da Terra da Liberdade, no entanto, guardou uma ressalva em seu texto, definindo logo em seguida que “os devidamente condenados por um crime” eram a sua exceção, criando em si mesma uma condição que permitia a prática do que acabava de extinguir. A conclusão da premissa da Emenda é literal e simples: quando você é condenado, você se torna um escravo do Estado.

Não à toa, o termo que se usa para definir a quem luta pelo fim do sistema carcarário vigente é o mesmo que se usava para se referir a quem lutava pelo fim da escravidão. A longo prazo, o que o governo de Abraham Lincoln fez com o que deveria ser um avanço na garantia do direito à liberdade, à vida e à igualdade foi permitir o desencadear de um fenômeno social denominado por estudiosos como o sistema escravista moderno. No país que abriga 5% da população mundial, está 25% da população carcerária do planeta. Assim, a cada quatro presidiários ao redor do mundo, um está encarcerado nos Estados Unidos. Como diz sua própria lei, essas são as pessoas submetidas à escravidão no século 21, e essa é a provocação de Time.

O tema já é conhecido nos debates provocados pelo Cinema. A estrutura de servidão que se fundamenta no sistema prisional dos Estados Unidos foi desenhada por A 13ª Terceira Emenda (13th, no original, de 2016) e alastrada pelo mainstream com o seu reconhecimento no Oscar 2017. Cinco anos depois e numa estrutura narrativa oposta e complementar à obra precursora, Time volta a clamar por atenção e resolução para uma das situações mais urgentes da América através da Sétima Arte, mais uma vez com um reconhecimento considerável da elite cultural norte-americana.

O diálogo com o documentário de Ava DuVernay é direto e integra o raciocínio proposto pela cineasta em 2016. Enquanto A 13ª Emenda retoma a história dos Estados Unidos para construir um debate completo, profissional, profundo e teórico – ótimo, inclusive, para quem quiser compreender a fundo a história dos direitos civis norte-americanos, tema comum em algumas das principais produções dessa temporada (como Judas e o Messias Negro, Estados Unidos vs. Billie Holiday, Uma Noite em Miami… e Os 7 de Chicago) -, Time se volta para o micro, no retrato que a diretora Garrett Bradley captura de vidas atravessadas pela política do encarceramento em massa.

Aqui, estamos dentro da família Richardson, iniciada através daquele casal do Ensino Médio completamente apaixonado e sonhador que prioriza seu amor acima de tudo. Tão logo como eles juntam os sobrenomes e frutificam a árvore genealógica, surgem os desafios da vida que começam a tirar as coisas do eixo, mostrando que o sonho americano não é pra todo mundo e transformando medidas desesperadas que normalmente seriam inimagináveis como uma – e talvez a única – opção. Então, numa tentativa de assalto a um banco, a matriarca Sibil Fox Rich e seu amado Robert Rich são pegos. Ela, pilotando o carro de fuga, é condenada a 3 anos e meio de detenção enquanto grávida de gêmeos. Ele, liderando a ação que não teve desdobramentos violentos, deve 60 anos severos à justiça, inicialmente sem direito à condicional ou redução de pena. 

Só que essa situação não é contextualizada ao pé da letra nos primeiros minutos. O que se vê na abertura do documentário (disponível no Amazon Prime Video) são gravações curtas, caseiras e íntimas de uma mulher apaixonada e desolada que registra os momentos de sua família para um dia mostrá-los à quem a formou junto dela, que não está presente. Até que ela acaricia e divide com a câmera o ventre que abriga dois bebês, solenemente apresentados como Justus e Freedom, e revela a condição de sua família. Ali, no detalhe, Time revela a que veio, colocando-nos diante de uma história sobre um amor radical, uma urgência de justiça e uma promessa de liberdade.

O centro de tudo é Fox Rich, que conduz a narrativa, gerencia e mantém a família, luta pela liberdade de seu marido e é a principal colaboradora de Time, que de início, seria apenas um curta sobre a história de sua família. A ideia se transformou quando Rich apresentou à Bradley um material de 100 horas de vídeos caseiros que ela havia gravado nos últimos 18 anos como forma de dividir seus momentos com os filhos com o seu marido encarcerado. Reconhecendo a riqueza sentimental e subjetiva da história registrada dos Richardson, a jovem diretora mergulhou no passado e presente da família para debater os impactos do encarceramento em massa e pautar uma discussão sobre o abolicionismo penal.

O poder de Time, aliás, está exatamente na mistura borrada do tempo, livre de qualquer progressão linear. Primeiro, vê-se as crianças brincando em parque de diversões, depois, elas estão se formando na faculdade, depois, estão de volta à infância indo para o primeiro dia na escola, e depois, são adultos acompanhando o dia a dia agitado da mãe no negócio da família. Em qualquer um dos momentos, o pai não está. O tempo é distorcido, incerto, sugado pelo buraco negro da ausência, intensificado pela dor da injustiça perversa e pela energia drenada para a resistência na luta pela liberdade, sempre acompanhado pela tremulação do arrependimento e pelos silêncios oferecidos à quem espera anos por respostas.

E quando o nosso entendimento ameaça cair em algo romantizado, estagnado numa admiração ao poder e à força do amor e adorador de um arco de redenção, Time calibra sua mensagem na voz firme e desperta de sua principal figura através dos termos “pessoas pobres“, “pessoas de cor” e “pessoas brancas”. Logo, Fox (e às vezes sua mãe implacável) dá nome aos bois com a expressão “sistema moderno de escravidão” no meio de suas narrações em off ou nas palestras que ela ministra enquanto ativista abolicionista, assistidas majoritariamente por outras mulheres negras e pelas lentes observativas de Zac Manuel, Justin Zweifach e Nisa East. Com plena consciência de seus atos e das consequências deles para todos ao seu redor, ela também entende muito bem o seu contexto, dominado por estruturas de poder que fizeram dela e sua família uma demonstração do classismo e racismo institucional.

Com uma temática densa nas mãos, a direção de Garrett Bradley – premiada no Festival de Cinema de Sundance, onde também concorreu ao Grande Prêmio do Júri antes de passar pelo Critics Choice Documentary Awards, Independent Spirit Awards até chegar na seleção diversificada dos Melhores Documentários do Oscar 2021 – vai pelo caminho oposto ao da criminalização para alcançar uma linguagem poderosa de humanização. Time é uma obra de escuta – tanto pelo verbal quanto pelo não-verbal, tanto para quem o fez quanto para quem o acompanha. Tocar nesse assunto é incitar polêmicas e opiniões inflamadas e todo filme demonstra saber disso. Então, ele conta com a abertura de quem o assiste, que esteja disposto a ir até ele sem preconceitos, permitindo-se desmontar e bagunçar suas noções morais para enxergar e compreender uma realidade que não é distante de nós como pode parecer.

O filme faz isso através de uma montagem e roteirização atenta, calma e compassiva, e de uma fotografia que procura pelos olhos de seus personagens, olha devagar e observa todos os detalhes. Nessa direção, cria-se também um contraste estético inteligentíssimo: os registros antigos de Rich são repletos de texturas, mas as imagens do presente são chapadas, um tanto esmaecidas e etéreas, casadas na ausência de cor preenchida pelos tons de preto e branco. Ao contrário do que se esperaria de uma obra que retrata o passar do tempo, Time não deixa suas marcas visíveis objetivamente, forçando-nos a ouvir e observar com atenção. 

Essa é a forma que Time encontra para dizer que não busca explicações, justificativas ou dicotomias morais. O filme não sangra a ferida do arrependimento, não espetaculariza, não alarma nem discute a legitimidade do crime ou da punição. O apontamento desses aspectos fica de fora da tela, exaustivamente julgados pela sociedade que, em contrapartida, não parecem ser importantes nem mesmo para a própria justiça, que aparelhada e viciada, tem uma outra finalidade no lugar de ser de fato justa. O que ocorre é um gesto de devolver o olhar humano para pessoas que só são vistas atrás das grades, quando não como apenas números, destacando sua existência para além de estereótipos e retratos rasos.

A delicadeza de Time, entretanto, não o faz ser algo menos firme, preciso ou seguro, vide a forma como ele escolhe suas palavras e nomeia seus objetos: a vivência da família fala sobre um sistema organizado, não só de uma ação dentre muitas outras sintomáticas de uma sociedade desigual. A intenção da diretora (que também assina a produção junto de Kellen Quinn e Lauren Domino) segue sua identidade de investigar em suas obras as tramas que compõem o tecido social norte-americano: entender as dinâmicas por trás do sistema prisional, que comprometem muito além da vida de quem é preso, e alertar para os seus efeitos de marginalização de populações específicas e propagação de estruturas de poder.

Ao fim, surge o óbvio: muito se reflete sobre o tempo em Time. Uma família que tem uma relação tão complexa com ele apresenta visões otimistas e pessimistas, esperançosas e revoltadas, age diante dele de muitas formas diferentes. “O tempo é o que você faz dele”, conclui um dos filhos em um dado momento, antes da luta de duas décadas encontrar sua resolução. Para eles, tempo é vida, tempo é resistir, tempo é esperança e também decepção. E a vida não acaba, a luta não acaba, o amor não acaba, o tempo não acaba. Dentre todos os devaneios filosóficos que podem surgir da sutileza do filme, a reflexão sobre o tempo entre os 20 anos mais severos da história da família Richardson se transforma em algo dialógico à toda a história dos últimos 200 anos na América: iniciados com uma promessa de liberdade e inseridos num tempo que muda vidas em anos, dias e até minutos, mas que também é parte de um sistema que não mudou em dois séculos.

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Leandro Oliveira

Upload, a esperada nova série de Greg Daniels vem para nos dizer que no céu tem Mcdonald’s. Carregando o nome por trás de sucessos como a versão americana de The Office (2005-2013), Parks and Recreation (2009-2015) e a atual Space Force (2020) da Netflix, a série teve todo o seu marketing em torno do seu criador, deixando os fãs com altas expectativas para a comédia do Amazon Prime Video, que estreou em maio. Recheado de críticas sociais, novas tecnologias e debates sobre os rumos das relações humanas, o show nos assusta e nos conforta nessa primeira temporada.

Trazendo para si a consagrada atmosfera Black Mirror, os conhecidos rostos de Robbie Amell de The Flash e a cantora Andy Allo, a narrativa se passa no futuro não tão distante em 2033, onde existe a possibilidade de fazermos upload de nossas consciências para um pós vida virtual. Logo, através de planos e mensalidades, as grandes empresas de tecnologia controlam os felizes para sempre de seus usuários nestes paraísos high tech. Não se assuste pela premissa dos perigos das tecnologias aumentadas e como os seres humanos não estão preparados para isso ainda, Upload não é sobre isso, ou pelo menos não é só sobre isso.

O relacionamento não muito estável de Nathan (Robbie Amell), um jovem desenvolvedor de aplicativos, e Ingrid Kannerman (Allegra Edwards), uma patricinha que deixaria Sharpay Evans com inveja, é transformado após um suspeito acidente de carro nos primeiros minutos da série (algo não tão usual nesse futuro onde todos os carros são controlados por inteligências artificiais). E de forma inesperada, Nathan vê sua vida acabar e recomeçar nesse novo espaço, bancado por sua namorada, que o permite assistir seu próprio velório, conversar com seus entes queridos ou simplesmente comprar um Big Mac.

A escolha de Robbie Amell para o papel do homem branco privilegiado e exageradamente narcisista é certeira, porque ele é o estereótipo vivo. A atuação sem muitos aspectos marcantes e com claras limitações cai perfeitamente para o personagem que ainda está tentando se encontrar, rendendo ótimos momentos de identificação. Porém, quem realmente se destaca é Nora (Andy Allo), funcionária da empresa que faz a passagem entre os mundos e assistente pessoal de Nathan. A série engrena assim que eles começam a interagir.

A conexão entre os dois personagens cativa. O desenvolvimento da relação deixa a série ao mesmo tempo instigante e confortável de assistir. Seja eles cantando Uptown Funk ou fazendo brincadeiras à beira do lago, a interpretação sem exageros dos atores nos leva para uma realidade virtual menos plástica. Conforme o romance dos dois se desenvolve, o mundo que à primeira vista é estranho, transforma-se em algo tão verdadeiro, divertido e esquisito quanto a vida real. 

Muitas questões e poucas respostas

Os envolvidos e o possível assassinato de Nathan são as principais fontes dos maiores mistérios da série, e os suspeitos vão de sua namorada à seu melhor amigo, levantando perguntas que permeiam toda a primeira temporada. Sem maiores aprofundamentos e com muitas pontas soltas, a série deixa as dúvidas centrais para os próximos anos.  Mas, o que falta de respostas para os mistérios, é compensado com o romance e a apresentação dos personagens e do universo, abrindo espaço para as coadjuvantes e as tecnologias brilharem. Destaque para a incrível Aleesha (Zainab Johnson) colega de trabalho de Nora e Luke (Kevin Bigley) residente de Upload e veterano de uma guerra que ainda não aconteceu.

O humor em Upload parece não ter encontrado sua forma ainda, vagando entre sutis momentos engraçados para piadas escancaradas (ou que pelo menos tentam ser), abusa dos momentos já esperados vindos de personagens mortos e das alusões aos dias atuais. O que mais funciona é a relação do trisal de protagonistas que entrega ótimos momentos (como a primeira noite de amor dos namorados), personalidades naturalmente engraçadas como Ingrid e Aleesha sempre se destacam também. A série entrega um ambiente muito mais de comédia romântica futurista do que o cotidiano de um paraíso genuinamente engraçado, e mesmo assim não decepciona.

Bebeste da mesma fonte divina?

É natural reconhecer as similaridades de Upload com The Good Place, a série queridinha pelo público teve seu fim em 2020 e já podemos notar seu legado em produções não tão distantes. Criada por Michael Schur, também roteirista de The Office e Parks and Recreation, é evidente que a estilística dos criadores pode ser uma das explicações para os tantos pontos parecidos dos programas, indo de personagens que parecem sair do mesmo molde (sim! Upload tem sua própria Janet, com a metade do carisma, mas tem) à piadas sobre questões existencialistas. É impossível assistir uma sem lembrar da outra.

Ambas se passam nesses lugares sem limites aparentes, que tornam a realidade maleável, dando a impressão de que o enredo pode ir para qualquer caminho. Novos artifícios são apresentados episódio a episódio e as soluções entregues (às vezes fáceis até demais) para os eventuais problemas e imprevistos. Sendo assim, duas séries atuais, de criadores com estilísticas parecidas, estruturas de produção semelhantes, onde a maior diferença está justamente nos caminhos para a chamada vida após morte? Sim! É nos caminhos que reside o maior acerto de Upload.

Diferente da série da NBC que segue o caminho de um céu fundamentado nas virtudes das pessoas em seu período na Terra, a da Amazon vai em outra direção e as ações e as intenções não importam tanto, na verdade não importam nada. O conceito de pós vida existe para aqueles que podem pagar por ele, fim. E com isso estabelecido, cada cena dentro desse paraíso se torna mais densa e mesquinha. Propondo uma olhada no paraíso do lugar que estamos agora, a série nos convida a imaginar as tecnologias extrapoladas sem compromisso total com a realidade e deixando claras as intenções. Upload não é sobre o futuro e não se preocupa em ser.

O presente é tão assustador quanto qualquer futuro que uma narrativa inocente de uma sitcom (comédia de situação) pode nos apresentar, e a série brinca com isso a todo momento. A desigualdade social e os malefícios do capitalismo tem impacto direto no universo e nas trajetórias dos personagens, nos fazendo repensar (e por que não) nos precaver do futuro. Como, por exemplo, a ala dos uploads mais pobres, denominada 2 gigas, composta por pessoas que possuem apenas uma quantidade pequena de internet. Quando o pacote de dados é esgotado, as pessoas ficam paralisadas até a renovação no próximo mês (alô companhias de telefonia), a ala rende um dos momentos mais tristes da temporada.

Vale o play?

O novo mundo tecnológico de Greg Daniels mais acolhe do que nos faz rir, e sem dúvida isso não é um dos pontos negativos. Upload é uma série consciente, que nos faz repensar a tecnologia e o problema do destino das pessoas nas mãos de grandes empresas. Esse universo nos faz olhar para as nossas próprias relações e reimaginar um futuro particular a partir de personagens agradáveis e paisagens bonitas.

A série, porém, tem um difícil caminho para trilhar agora, na sua já confirmada segunda temporada, visto que com mundo apresentado e as suas tecnologias também, deixa a pergunta se a narrativa se manterá viva apenas com os mistérios propostos e não desenvolvidos da primeira temporada. Mas uma coisa é certa, Upload foi um dos uploads mais surpreendentes do catálogo de 2020 da Amazon Prime, e que definitivamente merece o seu play.

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Caroline Campos

Em Esquadrão Suicida (2016), Dexter Tolliver questiona o que aconteceria se o Superman resolvesse arrancar o teto da Casa Branca e levar o presidente embora. Até então, conhecendo o Homem de Aço, nós sabemos que é um cenário pouco provável, afinal, ele sempre esteve do nosso lado. Mas e se não estivesse? Como seria viver em um mundo com uma criatura tão poderosa e tão descontrolada ao mesmo tempo? A segunda temporada de The Boys, série da Amazon Prime Video, conseguiu nos dar doses cavalares dessa sensação assustadora ao amadurecer ainda mais o Capitão Pátria, uma versão insana e desequilibrada do último filho de Krypton.

Assim, continuamos a acompanhar a árdua jornada de nossos Rapazes para derrubar a Vought, corporação bilionária responsável por criar e licenciar super-humanos através do Composto V. Responsável pelos Sete, a empresa é a grande antagonista nas duas temporadas da série baseada nos quadrinhos de Garth Ennis e Darick Robertson. Dessa vez, os donos da narrativa não são apenas Hughie Campbell e Billy Butcher, já que, neste ano, vemos um aprofundamento maior nos nossos coadjuvantes Frenchie, Kimiko e Mother’s Milk (Leitinho da Mamãe, para nós brasileiros). Ainda mais sangrentos, os oito novos capítulos conseguiram alavancar o status da obra, consagrando-a como um dos dramas mais interessantes entre os serviços de streaming atuais.

Kimiko (Karen Fukuhara) ganhou, devidamente, um pouco mais de história para chamar de sua. A Fêmea, que foi sequestrada e teve o Composto V injetado a força por guerrilheiros, encontra seu irmão mais novo, Kenji, que também havia sido recrutado. Com ele, descobrimos o motivo do seu silêncio, desenvolvendo ainda mais seu relacionamento com Frenchie (Tomer Kapon). Enquanto isso, conhecemos a trajetória do francês e como foi recrutado para trabalhar ao lado de Butcher e Milk (Laz Alonso), em uma cena hilária envolvendo o recém-apresentado Facho de Luz, o manipulador de fogo interpretado por Shawn Ashmore (que, ironicamente, dava vida ao Homem de Gelo, em X-Men). Um trio que se conhece há tempos e divide as mesmas cicatrizes de batalha.

No entanto, o carro-chefe de The Boys, é, definitivamente, o Capitão Pátria. Antony Starr alcança um nível absurdo, beirando a psicopatia em cada movimento e feição estampada no rosto do “protetor” dos Estados Unidos. Nessa temporada, Homelander, no original, surge ainda mais desorientado após o assassinato de Madelyn Stillwell – que, por sinal, ele mesmo cometeu – e desesperado por apego emocional com alguém, que seja o mínimo. O líder dos Sete é grotesco, sádico e instável, gerando pavor e apreensão em todos ao seu redor, incluindo seus companheiros de equipe. Sempre sorrindo para as câmeras, ele vê seu mundo oscilar quando o público se volta contra sua figura – seu fandom é a única coisa que ele possivelmente valoriza, a única coisa capaz de mantê-lo sob controle.

E essa necessidade de afeto é o que o leva voando até Ryan, o filho resultado do estupro que cometeu contra Becca (Shantel VanSanten), esposa de Billy Butcher. Se na primeira temporada acompanhamos Butcher, o Bruto, na sede de vingança contra Capitão Pátria por acreditar na morte da companheira, agora ele concentra seus esforços em encontrar o esconderijo supervisionado pela Vought, onde ela e Ryan se mantêm longe do mundo dominado pela obsessão em super-heróis. Billy ainda é um grande cão raivoso, incapaz de ocultar os demônios que coexistem dentro dele, e Karl Urban consegue manipular essa ira a seu favor enquanto dá vida ao líder dos rapazes foragidos. O anti-herói continua a enfrentar traumas do seu passado – conhecemos Lenny e seus pais, sua tia Judy e até seu buldogue Terror – e a lidar com as consequências no presente, principalmente em seu reencontro com Becca.

A nova temporada trouxe o que achávamos ser impossível: alguém tão desprezível quanto o Capitão Pátria. Tempesta, interpretada friamente por Aya Cash, era o que nossos protagonistas não precisavam para sobreviver mais um ano nas telas. Junto dela, surgiram temas que, infelizmente, não nos são estranhos. Tempesta manipula o ódio na internet, gerando ainda mais violência através da ameaça velada de super-terroristas. E a abertura excepcional do episódio 7, O Bruto, o Belo e a Estrela, mostra a consequência direta de tal manipulação. Tocando na ferida do problema estadunidense com a imigração e do reaparecimento de grupos neonazistas, The Boys foi cirúrgica ao dar à Tempesta a importância midiática que receberia fora do set, assim como sua relação disfuncional com o Capitão. “As pessoas adoram o que eu tenho a dizer. Elas acreditam nisso. Só não gostam da palavra ‘nazista’”.

Inclusive, não foi apenas esse tema que o showrunner Eric Kripke e o time de roteiristas introduziram que condiz com nossos traumas da realidade. Profundo, o assediador de mulheres interpretado por Chace Crawford, está no ápice do seu ridículo até encontrá-la: a Igreja da Coletividade. Em uma vibe meio cientologia, a Igreja promete que vai colocá-lo de volta aos Sete quando ele terminar os cursos caríssimos disponibilizados pelo messias. Assim, ele poderá encontrar a redenção que o fará ser aceito novamente pela sociedade e pela equipe, expurgando todos os seus pecados – independente de quantas vidas femininas ele destruiu. Profundo passa por uma reabilitação visual, para mostrá-lo como um homem agora mais maduro, casado e respeitoso com quem o cerca. Erguemos as mãos ao céu, pois o arrependimento chegou – parcelado em 12 vezes e a troco de sua conta bancária.

Luz-Estrela (Erin Moriarty), talvez uma das únicas heroínas de fato da série, caminhou a passos lentos, mas, finalmente, passou a ditar seu próprio jogo na Torre da Vought. Annie se vê em alerta constante cercada de inimigos no seu local de trabalho, mas as idas e vindas na relação com Hughie ajudam-na a manter os pés no chão na tentativa secreta de desmascarar Stan Edgar (Giancarlo Esposito) e seus contratantes. A garota vai criando cada vez mais rivais e faz malabarismos para passar a imagem de membro dos Sete que caminha ao lado de Deus. O amor que sente pelo Hughie de Jack Quaid é o nosso único suspiro para além da violência e das entranhas jogadas para todo lado, e, se o magricela simpático que acompanhamos desde a primeira temporada quer ser mais livre, com certeza vai dividir essa liberdade com sua estrela.

Uma coisa da qual o segundo ano da série se empanturrou foram as chantagens. A todo momento, surgia alguém com um novo vídeo proibido na ameaça de divulgar e conseguir o que queria. Rainha Maeve (Dominique McElligott) também tirou uma casquinha dessa saída contra Capitão Pátria, num confronto que queríamos ter visto há muito tempo. Depois de viver subjugada pelo líder, Maeve, que foi tirada do armário a força em rede nacional, consegue seu triunfo. Enquanto a Vought tentava vender lasanhas vegetarianas da #GayMaeve, a nossa rainha perdia a companheira Elena e se afundava na própria revolta. O que acaba levando-a a salvar a pele dos mocinhos diversas vezes e gerando a cena mais satisfatória da série: ver uma suástica virando catavento. O episódio final, em meio a um turbilhão de grandes cenas, mostrou que as garotas realmente dão conta.

Apesar de The Boys ser marcada por personagens bem trabalhados e complexos, quando se trata de Black Noir (Nathan Mitchell), a frustração é inevitável. Ainda não temos nenhum indício de quem é ele, por que faz o que faz, ou outra mísera sugestão de existência do seu arco. O único avanço na segunda temporada é que descobrimos sua alergia a nozes. Bem, nenhum personagem vive só de alergias e cenas de luta – se os produtores estão tramando seu arco, melhor se apressarem, porque já passaram do ponto. Mesmo com uma participação um pouco maior neste ano, a curiosidade de conhecermos melhor o personagem, não apenas como mais um dos super-cachorrinhos da Vought, pode até prejudicar um pouco o apego com o mascarado.

O formato desse novo ciclo também foi novidade: ao invés de liberar a temporada completa, a Amazon se arriscou e decidiu disponibilizar apenas um episódio por semana. O modelo não agradou muito aos fãs, mas, com certeza, gerou um bom suspense para a geração imediatista das redes sociais. Finais como o do episódio 7 (sim, esse episódio foi tão bom) são passíveis de cabelos arrancados, e a espera de mais uma semana deixa o espectador ainda mais ansioso. Além disso, a trilha sonora, cheia de Billy Joel e clássicos do rock como The Rolling Stones, embala as viagens de carro como uma forma de nos levar lado a lado com nossos Rapazes.

No fim das contas, a salvação vem de vários lugares. Trem-Bala, que passa os oito episódios brincando de gato e rato com a onipresente Vought, resolve dar a força necessária para enterrar Tempesta. Jessie Usher deixa o velocista mais carismático do que o roteiro talvez exija, mas, por mais rápido que ele corra, o personagem tem dificuldades em sair do lugar. Junto com Profundo, ele se vê nas entranhas da Igreja da Coletividade, só que a representatividade do marketing da Vought opta por trazê-lo de volta ao palco, mostrando como o amigo dos peixes, no melhor estilo Aquaman, era apenas mais um brinquedo sem utilidade.

Entre revoltas populares, ataques de ódio e experimentos em hospícios, a segunda temporada de The Boys amadureceu sua trama, dosando as cenas gráficas para encaixarem mais na narrativa do que chocar a audiência. Com uma terceira temporada e uma série derivada já confirmadas, Eric Kripke garantiu ao TVLine que Tempesta está viva, mesmo esturricada no chão durante sua última cena. Victoria Neuman (Claudia Doumit) e os miolos espalhados são as grandes apostas para a continuação, ao lado de um Ryan Butcher tentando não se tornar uma sombra do pai – e, com certeza, veremos ainda mais insanidade de Capitão Pátria, já que seus momentos finais não são nem um pouco tranquilizadores.

The Boys é, provavelmente, o retrato mais realista de um mundo com super-heróis. Claro que o capitalismo não ia se contentar em vender apenas bonequinhos e fantasias, mas, sim, criar uma própria empresa que monopolizasse onde e por quanto tempo esses supers dedicariam sua proteção. Fazer com que o mundo inteiro reconheça os rostos que estampam a sua marca, colocando-os no exército, na política, nas igrejas. Deixemos os bons valores para os Vingadores e a Liga da Justiça. Nossos Sete querem mesmo é ver cabeças explodindo – contanto que não percam pontos de aprovação com o público.

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A pandemia de coronavírus, que paralisou gravações e embaralhou a janela de lançamentos no cinema, não foi páreo para o Emmy 2020. A 72ª edição da cerimônia que premia o melhor do ‘horário nobre’ da TV vai acontecer virtualmente. Com apresentação de Jimmy Kimmel, os atores, atrizes, diretores e roteiristas participarão da festa à distância, dando seus discursos e agradecimentos do conforto de casa.

Num ano tão conturbado política e socialmente, com as pessoas presas no isolamento social, a TV foi mais importante que nunca. Além, é claro, de entreter sua audiência, as produções que disputam a estatueta dourada têm muito a dizer. E, enquanto o Oscar estipula regras e diretrizes para a inclusão de diversidade, o Emmy 2020 estabeleceu um recorde de artistas negros indicados. Fator que reafirma a maior receptibilidade da TV para com histórias ímpares e das ditas minorias. Tudo está longe do ideal, nem precisamos dizer, mas o futuro parece promissor.

É interessante de sublinhar que a cerimônia do Emmy que acontece no domingo, 20 de setembro, representa apenas uma parcela dos prêmios entregues. Existe, também, o chamado Emmy Criativo (Creative Arts Emmys), que dá atenção às categorias técnicas, como figurino, direção de arte e direção de elenco. Excepcionalmente, por conta da pandemia, o Creative Arts aconteceu ao longo da semana, e os indicados todos gravaram com antecedência discursos de agradecimento. Num ano comum e livre do coronavírus, a premiação secundária acontece na semana anterior à principal, mas não é televisionada. Além das técnicas, o Creative premia as categorias de Atuação Convidadas.

A Editoria do Persona se reuniu para criar essa postagem especial e inédita, reunindo numa lista o resumo das principais indicadas da noite. Contando com informações suculentas das séries, minisséries e telefilmes, mas com a qualidade clássica do site. Aliás, as obras com textos individuais estão assinaladas com os devidos links.

Agora só nos resta esperar a cerimônia começar e, enquanto isso, relembrar tudo do Emmy 2020 junto com o Persona.

DRAMA

The Handmaid’s Tale

O prestígio de The Handmaid’s Tale foi diluindo com o passar das temporadas. Para a série que foi coroada Melhor Drama na folga de Game of Thrones, em 2017, a produção do Hulu enfrenta um período de vacas magras. É certo que a indicação à categoria principal do Emmy 2020 denota um carinho da Academia pelo Conto da Aia, mas de migalhas que vivam os pombos.

Sem sua protagonista Elisabeth Moss nomeada, a série arrecadou 10 indicações esse ano. Em atuação se destacam as antigas vencedoras Samira Willey (Coadjuvante) e Alexis Bledel (Convidada). O queridinho Bradley Whitford, que ganhou como Guest em 2019, agora passou para a categoria de coadjuvante. A terceira temporada de The Handmaid’s Tale foi um sofrimento que só, principalmente para quem assistiu os tediosos 13 capítulos, aguardando a história finalmente começar. A espera é que o novo ano, previsto para 2021, dê um choque na trama, ou a mate de vez. – Vitor Evangelista

Stranger Things

Muito provavelmente a série mais querida e de maior audiência da Netflix, Stranger Things atrai todos os públicos, sempre movimenta a plataforma de streaming e faz barulho nas redes sociais. Neste terceiro ano, acompanhamos as crianças de Hawkins entrando na adolescência durante as férias de verão, num cenário leve e divertido que rapidamente se transforma quando as ameaças do Mundo Invertido se manifestam. Sem muita força de narrativa, a temporada foi morna e ocupou o lugar de outras de maior qualidade nesta edição do Emmy.

Entretanto, o encerramento deixou pretextos para a série ir além da cidadezinha do interior, graças aos seus problemas que se revelam cada vez maiores e mais complexos. Assim, o futuro de Stranger Things é ambicioso e as expectativas para os próximos anos são altas. Se a produção dos irmãos Duffer vai continuar captando o interesse e o engajamento do público, somente a 4ª temporada (com previsão de lançamento para o ano que vem) dirá. Enquanto isso, podemos relembrar a temporada que, de forma controversa, levou a série a competir pelo título de Melhor Drama no Emmy 2020, aqui. – Raquel Dutra

Ozark

Com o fim de Dark, Ozark é facilmente a melhor série da Netflix. Cheia de manejo e pompa, a terceira temporada foi o ápice de tudo, pelo menos até agora. Empatada com a favorita Succession, alcançando 18 indicações, Ozark germina sua jornada para uma merecida vitória num futuro não tão distante. Em 2020, o lobby da HBO pode anestesiar a série de Jason Bateman, mas a renovação do novelão para uma quarta e última temporada muito favorece Ozark.

Bateman, que ganhou um prêmio de Direção ano passado, comemorou sua terceira indicação seguida por interpretar Marty Byrde. Sua esposa em tela, Laura Linney, é uma das favoritas para levar para casa o Emmy de Atriz. A atual vencedora da categoria coadjuvante, Julia Garner, acumula um momentum perfeito para ganhar novamente. Não perca seu tempo e assista Ozark enquanto ainda não acabou, ou pelo menos, leia o texto completo sobre a brilhante 3ª temporada aqui. – Vitor Evangelista

Pose

Em um ano que completa 30 anos do lançamento de Paris is Burning, icônico documentário que retrata a vivência de gays e mulheres trans nos balls nova-iorquinos dos anos 90, Pose é ainda mais relevante. Mas não para os votantes do Emmy 2020. A série de Ryan Murphy foi esnobada, mesmo entregando uma segunda temporada impecável em todos os sentidos, recebendo uma única indicação principal (mas merecida) para Billy Porter, vencedor do ano passado.

As outras estrelas e grandes nomes do show, como MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson e Angelica Ross, foram completamente ignoradas nas categorias de atuação, e Pose também ficou sem indicação para Melhor Série de Drama. No seu lugar, entraram temporadas mixurucas, como Killing Eve e Stranger Things, mostrando que a trama sempre esteve certa: o mundo continua extremamente injusto para mulheres trans. Você pode ler mais sobre essa série essencial aqui. – Jho Brunhara

Better Call Saul

O spin-off de Breaking Bad sempre foi adorado, mas nunca recebeu um Emmy para chamar de seu. Esse ano, chegando na 5ª e penúltima temporada, a série da AMC se surpreendeu, mas de um jeito ruim.

A ausência de Rhea Seehorn em Atriz Coadjuvante já era esperada, ela ainda espera sua indicação inédita pelo papel. Todavia, a lista de Melhor Ator sem Bob Odenkirk soou quase ofensiva para o mundo da TV. Giancarlo Esposito foi o único sobrevivente do massacre, competindo em Ator Coadjuvante. Fora isso, Better Call Saul conseguiu 2 nomeações para Roteiro e uma vaga na maior categoria da noite, mesmo que a vitória esteja longe de se tornar real. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

Euphoria

A primeira temporada de Euphoria foi como um presente da HBO para seu público. Mas vale lembrar que a série vai além de maquiagens bonitas e luzes coloridas. Comandada por Sam Levinson, o drama trata de assuntos corriqueiros de séries adolescentes, como álcool, drogas e sexo. Só que no caso de Euphoria, tudo ganha mais crédito ao ser demonstrado de uma forma diferente cheia de efeitos e técnica impecáveis.

Com isso, a série foi a mais indicada nas categorias do Creatives e chegou a receber o Emmy de Melhor Música e Letra Original por All For Us, para o cantor Labrinth. Com grande surpresa, Zendaya, que interpreta a protagonista Rue, está concorrendo ao prêmio de Melhor Atriz em Série de Drama junto com Jennifer Aniston e Olivia Colman. Para saber mais sobre a história da série é só clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

The Crown

The Crown parece ajustar cada vez mais suas peças no tabuleiro de xadrez da Realeza Britânica. De caras novas pela troca de elenco, a série da Netflix cria capítulos-ensaios na terceira temporada, evoluindo suas melhores proezas. Olivia Colman abraça as mágoas da Rainha Elizabeth e faz jus ao premiado trabalho de Claire Foy. Mas o foco agora deve ir todo para a hipnotizante Helena Bonham Carter.

Deslizando com facilidade para a pele da rancorosa Princesa Margaret, a atriz pode finalmente ter um Emmy para chamar de seu. A série de Peter Morgan mantém o status de prestígio, mas se viu acuada quando não ouviu o nome de Tobias Menzies (o Duque de Edimburgo) nem o de Josh O’Connor (o Príncipe Charles) no dia do anúncio das indicações. Mas, tudo bem, acontece, e a quarta temporada chega em novembro para um vislumbre final de Colman e compania em palácios reais. Você pode ler mais sobre o ano 3 clicando aqui. – Vitor Evangelista

The Outsider

A primeira temporada de The Outsider balançou as investigações policiais no mundo sobrenatural. O suspense da HBO, baseado na obra de Stephen King, é responsável por momentos de arrepiar até o último fio do cabelo envolvendo roubos de identidade, assassinato de criancinhas e incriminação de inocentes.

Infelizmente, apenas Jason Bateman foi indicado ao Emmy 2020 por seu papel no primeiro episódio da série, mas, lendo aqui, você pode entender como grandes atuações foram injustiçadas na nova e aterrorizante série do Mestre do Terror. – Caroline Campos

Killing Eve

A terceira temporada de Killing Eve mostrou o que todos nós já sabíamos: os showrunners não tem a menor ideia do que fazer com a série. Em seu terceiro ano, a dupla de inimigas-para-amantes continua seu jogo de gato e rato, mas, enquanto Villanelle surta sobre seus objetivos de vida, Eve é jogada para o canto da sala de roteiros e recebe pouco destaque. E coitada de Sandra Oh, que esbanja talento mesmo nas eternas voltas que é forçada a dar.

Aliás, a atuação é o único pilar que ainda sustenta o show (além das belíssimas roupas de Villanelle), e foi responsável por três das quatro principais indicações ao Emmy 2020. Sandra e Jodie Comer (vencedora do ano passado) disputam Melhor Atriz em Drama, e Fiona Shaw concorre em Atriz Coadjuvante. O que é absurdo aqui, é uma temporada meia-boca roubando a vaga de títulos mais importantes em Melhor Série de Drama, como a maravilhosa Pose. Killing Eve está sangrando muito e, se seu quarto ano não for seu fim, tenho más notícias: vamos ver uma morte muito mais lenta e trágica do que os assassinatos cometidos pela vilã. – Jho Brunhara

How To Get Away With Murder

A sexta temporada de How To Get Away With Murder é desastrosa. Com um roteiro completamente mal pensado, a série dá diversas voltas sobre a mesma história, e tenta a todo custo resgatar o tom de suspense que a fez ser tão aclamada em sua origem. De quebra, os personagens do núcleo principal tomam atitudes contraditórias a cada segundo, e conseguem perder todo o seu carisma, se é que eles já tiveram algum.

Em meio a esse show de horrores, Viola Davis continua impecável na pele de Annalise Keating, fazendo jus ao Emmy de Melhor Atriz que conquistou em 2015, pelo primeiro ano da série. Infelizmente, não foi o suficiente para ganhar uma indicação na premiação deste ano. Por outro lado, a incrível Cicely Tyson, mãe de Davis na ficção, foi, mais uma vez, nomeada na categoria de Atriz Convidada em uma Série de Drama, e era uma das grandes apostas a levar a estatueta. – Vitória Silva

Orange is the New Black

A silenciosa sétima e última temporada de Orange is the New Black estreou em 2019 e Laverne Cox angariou a indicação solitária para a produção ao Emmy 2020. Pelo papel da ex-detenta Sophia Burset, Cox foi nomeada quatro vezes ao prêmio máximo da TV, mas nunca ouviu seu nome chamado ao palco.

Esse ano, no anúncio dos indicados, a atriz era uma das apresentadoras e foi surpreendida ao vivo com a notícia de sua indicação na categoria de Atriz Convidada em Drama. Era esperado que Laverne não vencesse, tanto pelo desprestígio que Orange sofre há alguns anos, quanto pelo buzz de séries mais recentes, como Succession. Todavia, sua lembrança por Sophia é um prêmio por si só, mas como seria bom vê-la premiada. Nos resta sonhar e, enquanto isso, ler mais sobre o emocionante desfecho do seriado aqui. – Vitor Evangelista

The Mandalorian

Quase ninguém previu a indicação de The Mandalorian na categoria principal do Emmy 2020. O histórico da premiação escancara o desamor por produções mais ‘sci-fi’, além de ser de uma plataforma nova, o Disney+, e figurar um protagonista que não mostra o rosto. A primeira série live-action de Star Wars transformou as fraquezas em armadura e clamou 15 nomeações.

Além do banho que deu nas categorias do Creative Emmy (os prêmios técnicos), a produção indicou Giancarlo Esposito à Melhor Ator Convidado numa Série de Drama. Acostumado a interpretar vilões, na galáxia muito, muito distante não seria diferente, na pele de Moff Gideon. Esposito chega prestigiado ao Emmy 2020, nomeado também na categoria de Ator Coadjuvante, por Better Call Saul. O texto completo sobre The Mandalorian pode ser lido aqui. – Vitor Evangelista

Succession

Succession venceu em 2019 a importante categoria de Roteiro em Drama. Num momento onde os votantes ainda estavam intoxicados pela fumaça dos dragões de Daenerys, a série de Jessie Armstrong já mostrou que não estava para brincadeira.

Em 2020, competindo pelo ano 2, a série empata com Ozark como Drama mais indicado: foram 18 nomeações. Com quase todo o elenco carimbando as categorias de atuação, além de acenos em Direção e Roteiro, Succession é a franca favorita ao troféu mais importante da noite. Quem sabe agora, com o burburinho do Emmy, o público finalmente dê atenção a essa preciosidade do horário nobre. – Vitor Evangelista

The Morning Show

Acumulando 8 indicações ao Emmy no seu primeiro ano, The Morning Show traz as problematizações de um programa matinal estadunidense após polêmicas envolvendo um dos âncoras. A produção do streaming da Apple consegue mostrar uma Jennifer Aniston diferente da que se conhece em Friends, aqui vemos uma mulher poderosa e ambiciosa, mas também com problemas profundos e uma vida complicada. Essa atuação rendeu a indicação de Aniston ao Emmy de Melhor Atriz em Série Dramática. 

A série também concorre em Melhor Ator com Steve Carell como Mitch Kessler e duas indicações na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com Billy Crudup favorito à estatueta. Mesmo que tenha sido uma temporada bagunçada e com alguns episódio bem tediosos, o final conseguiu chocar qualquer um, prometendo uma segunda temporada do mesmo nível. Se você quer descobrir como abuso de poder e outros assuntos foram retratados nessa série, pode clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

Westworld

Prometendo se livrar da amarras dos parques temáticos, o novo ano de Westworld desapontou semana após semana. Os longos oito capítulos pareceram durar mais e, ao fim da 3ª temporada, a sensação era de potencial desperdiçado e fogo de palha do material promocional e das promessas dos criadores Lisa Joy e Jonathan Nolan.

A Academia de TV fez certo ao desprezar a nova leva de episódios. Apenas Jeffrey Wright e Thandie Newton competem, ambos nas categorias de Coadjuvante. Newton, aliás, venceu em 2018, pelo deslumbrante segundo ano. Em 2020, a megaprodução futurista da HBO foi ofuscada, e deve acordar na segunda-feira sem prêmio nenhum chegando pelo correio. Leia mais detalhes sobre Westworld 3 nesse link. – Vitor Evangelista

Big Little Lies

Big Little Lies é um caso e tanto. A primeira temporada foi o fenômeno de 2017, fazendo a limpa na categoria de Série Limitada em toda premiação que concorreu. Baseada no livro de Liane Moriarty, a produção esgotou o material fonte e, depois do sucesso, resolveu encomendar outra leva de capítulos.

Passando para a categoria de Drama, o ano 2 teve uma recepção mais apática que o esperado. A entrada de Meryl Streep no elenco esquentou o dramalhão já fervoroso de antes, e o arco de Laura Dern fez valer a renovação. No Emmy 2020, apenas as duas marcam presença nas indicações. Uma vitória é improvável, tanto pela divisão de votos, quanto pelo balde de água fria que Big Little Lies despejou na cabeça do público. Você pode ler mais sobre a série aqui. – Vitor Evangelista

This Is Us

Nenhuma série consegue retratar as dores e as delícias da vida com a sensibilidade e beleza de This Is Us. Depois de três anos emocionando, construindo laços com sua audiência através de roteiros deliciosos e muito bem pensados e marcando presença entre as categorias principais do Emmy, a produção da NBC já cansou de provar sua qualidade. E ainda bem, porque, assim os danos provocados pela queda de nível que a série apresentou em sua quarta temporada não são tão graves.

E isso não foi só o público que notou. A Academia Televisiva também não gostou muito do que foi apresentado no último ano e castigou a trama, mantendo-a apenas na categoria de Melhor Ator com o brilhante Sterling K. Brown, que também foi indicado nos últimos três anos e venceu o prêmio em 2017. A genialidade do ator é tamanha que ele muda da água para o vinho e também é indicado, como aconteceu este ano pelo seu trabalho como coadjuvante na comédia The Marvelous Mrs. Maisel. Entretanto, sua parceira no Drama, Susan Kelechi Watson, permanece sendo esnobada e até hoje não foi reconhecida pela sua incrível e amada Beth Pearson na categoria de Melhor Coadjuvante. Ron Cephas Jones venceu em Convidado em Drama, pela segunda vez. Enquanto torcemos pelo nosso Randall e esperamos por dias melhores ao lado da família Pearson, podemos relembrar os anos anteriores de This Is Us e os pontos altos da quarta temporada aqui. – Raquel Dutra

Black Mirror

Black Mirror não vive de padrões. As ótimas primeiras temporadas (originais do Channel 4) foram ofuscadas pela compra da Netflix, que comanda a minissérie a partir dali. Depois de vencer a categoria de Filme para a TV 3 anos seguidos, a criação de Charlie Brooker levou uma rasteira da Academia de Televisão.

As vitórias de San Junipero, USS Callister e Bandersnatch criaram um padrão que os votantes não queriam que continuasse. A regra de submissão de telefilme foi mudada, agora sendo necessário uma duração de ao menos 75 minutos, matando qualquer chance de indicar Smithereens com seus 71. Sem ter lugar pra competir, Andrew Scott se enfiou em Convidado de Drama.  Era a chance do Emmy premiar o ator, depois do assalto à mão armada do ano passado, por Fleabag. – Vitor Evangelista

COMÉDIA

Brooklyn Nine-Nine

E mais um ano Brooklyn Nine-Nine é menosprezada pela Academia de TV. A sitcom recebeu uma indicação técnica na categoria Melhor Coordenação de Acrobacias e, pela quarta vez, o destaque fica com Andre Braugher, indicado a Melhor Ator Coadjuvante de Comédia por sua performance como Raymond Holt. 

Brooklyn Nine-Nine prepara a próxima temporada no momento em que a violência policial é pauta dos protestos antirracistas nos EUA. O próprio intérprete do Capitão Holt (policial negro e gay) acredita que a série deva adotar um tom ainda mais crítico e menos fantasioso acerca dessa instituição polêmica. O personagem de Braugher se destacou nas últimas temporadas pelo seu lado mais cômico e descontraído, mas o ator concorre com outros nomes de destaque como Daniel Levy (Schitt’s Creek) e o vencedor de 2019 Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel). Confira a crítica completa do 7º ano aqui. – Maria Carolina Gonzalez

The Marvelous Mrs. Maisel

Comandada pela incrível Amy Sherman-Palladino (Gilmore Girls), The Marvelous Mrs. Maisel é cativante desde a primeira cena exibida lá em 2017. A terceira temporada, que estreou ano passado, ainda conquista e estabelece a série como uma das melhores comédias atuais. Além dos diálogos, rápidos e impressionantes, e a construção impecável dos anos 60, a terceira temporada contou com participações que roubam a cena em muitos momentos.

Já veterana do Emmy em anos anteriores, The Marvelous Mrs. Maisel continua uma forte candidata na premiação. Como uma das favoritas da premiação, a série está presente em vinte categorias. Entre elas constam: Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz, na qual Rachel Brosnahan, interpretando a carismática Midge, merece ganhar por cada piada contada. As atuações brilhantes e o roteiro ágil ainda são discutidos aqui. – Isabella Siqueira 

Insecure

Insecure é a joia rara do catálogo da HBO. Além de ostentar a melhor trilha sonora da TV, a comédia é genial nas tramas, abordagens e no discurso que passa ao público. Issa Rae é a estrela do momento e todo seu ecossistema da produção tem todo o espaço para crescer e ser aclamado.

Se você gosta de SZA, de Chloe x Halle e de série boa, assista Insecure. Já morri de amores nesse texto e, se depois de ler, você não estiver convencido a dar uma chance à série, eu não sei mais o que fazer. – Vitor Evangelista

O Método Kominsky

Com apenas duas temporadas, O Método Kominsky já é uma figura garantida nas premiações. A célebre dramédia, que tem Michael Douglas e Alan Arkin como protagonistas, se revigora nesse novo ano trazendo arcos dramáticos mais bem construídos e desenvolvidos. Sem a necessidade de apresentar as características que moldam as personagens, o roteiro se dedica cada vez mais às preocupações e vivências da senilidade.

Fugindo do formato comumente adotado pelo criador Chuck Lorre – de The Big Bang Theory – a série, que acumula 3 indicações, se aventura pelos conflitos da paternidade e da velhice de forma mais trágica do que havíamos acompanhando anteriormente. Mantendo o padrão de qualidade e de comédia que nos cativou, o segundo ano de O Método Kominsky se apoia no desenvolvimento de relações mais maduras para entregar quase toda a sua potencialidade. Porém, a série insiste em cometer o erro da temporada passada e não aproveita tudo o que poderia de seus coadjuvantes. Você pode conferir a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Modern Love

O amor tem muitas faces. Em Modern Love, exploramos algumas delas em histórias sensíveis, frustrantes, inesperadas, acolhedoras, e até meio bizarras – tudo o que o amor pode ser. Com grandes nomes da atuação, a série da Amazon foi inspirada em histórias verdadeiras retiradas de uma coluna do jornal The New York Times. A qualidade das histórias varia de episódio para episódio, mas a obra possui um charme inegável. Dev Patel foi indicado ao Emmy 2020 pelo seu papel no segundo relato, uma escolha mais que certa, de um desenvolvedor de um aplicativo de relacionamentos que perdeu o seu próprio.

Entretanto, teríamos ficado ainda mais satisfeitos se Anne Hathaway, com seu papel delicado e emocionante como uma mulher com bipolaridade, tivesse conquistado uma indicação. A atriz está estonteante, mesmo no pouco tempo de tela que o episódio permite. A série é um retrato encantador sobre o amor em suas diferentes formas, com idas e vindas, recomeços e aceitações. Para quem quer esquentar o coração das dores da pandemia, Modern Love é uma boa pedida. – Caroline Campos

Disque Amiga para Matar

Disque Amiga Para Matar foi uma singela tentativa da Netflix que deu certo. Com a tímida indicação de Applegate pelo ano 1, agora em 2020 a produção abocanhou vagas para suas protagonistas e entrou na corrida de Melhor Comédia.

Divertida, incômoda às vezes, mas cheia de garra e paixão, Dead To Me (o título original) já anunciou uma terceira e última temporada para o futuro próximo. Pode ser que passe batida pelo Emmy, mas já ganhou o prestígio que merece em nossos corações. Leia mais sobre a loucura de 20 episódios nesse texto aqui. – Vitor Evangelista

The Good Place

A Netflix é responsável pela distribuição de grandes séries americanas ao redor do mundo, e entre elas está The Good Place. Originalmente exibida pela NBC, a sitcom foi encerrada em sua quarta temporada, fechando um ciclo bem delimitado e pensado em todos os seus detalhes. Tendo como plano de fundo a grande questão filosófica do que acontece quando morremos, a série recria a jornada do herói de maneira astuta e muito divertida.

Em sua quarta temporada, acompanhamos personagens mais maduros e desenvolvidos, entregues a sua verdade e que, consequentemente, dão uma continuidade mais gostosa para a narrativa. Consertando erros dos anos anteriores, o encerramento não perde tempo e usufrui de seus 13 episódios de forma a construir um cuidadoso final para todos os seus arcos, sejam eles primários ou não. Indicada a seis diferentes categorias no Emmy 2020, incluindo Melhor Comédia, você pode ler a crítica completa de The Good Place aqui. – Ana Laura Ferreira

Glow

Glow é uma das séries mais subestimadas do catálogo da Netflix. A falta de divulgação e um certo desprestígio do público auxiliam a solidificar a imagem de uma comédia ‘menor’. O que, em momento algum, é verdadeiro ou justificável.

Betty Gilpin acumula 3 indicações em 3 temporadas e, mesmo que sua vitória em Coadjuvante de Comédia seja improvável, o pequeno amor da Academia pela série pode alavancar sua posição no futuro. Glow está renovada para um quarto e último ano, e você pode ler mais sobre a produção de Jenji Kohan (criadora de OITNB) nesse texto. – Vitor Evangelista

Ramy

Se tem alguém que pode surpreender no Emmy 2020, esse alguém é Ramy Youssef. Criador, roteirista, diretor e estrela de sua semi-autobiografia, Ramy, o astro conseguiu duas nomeações pela segunda temporada. Bom lembrar que Youssef já nos pegou de surpresa quando venceu o Globo de Ouro, no início do ano, pela estreia dessa comédia do Hulu em parceria com a A24.

Na temporada 2, ele contracena com o suprassumo do cinema, Mahershala Ali, que interpreta a figura religiosa que guia o desastrado e desatencioso Ramy pela vida adulta. A série une religião e liberdade e, mesmo que nunca pareça mergulhar à fundo nos temas que apresenta, é uma boa porta de entrada para discussões futuras. Ali escolheu o episódio Little Omar para representá-lo em Ator Coadjuvante e Ramy submeteu na categoria principal a finale, Are You Naked in Front of Your Sheikh, além de ter sido indicado por dirigir Miakhalifa.mov. Não estranhe se o jovem talento vencer um dos troféus que concorre. – Vitor Evangelista

What We Do in the Shadows

A volta dos excêntricos e bizarros vampiros de Staten Island rendeu oito indicações ao Emmy 2020 – batendo de frente com grandes nomes da Netflix, NBC e HBO. Uma das comédias mais bem escritas da televisão atual, What We Do in the Shadows com certeza não merece uma estaca de madeira no coração durante a premiação. O estilo “documentário de ficção” faz o espectador gargalhar ainda mais em sua segunda temporada, com grandes momentos de Nadja, Nandor, Laszlo e Colin Robinson – sem esquecer, claro, de Guillermo, o “serviçal” que todos nós queríamos.

Já renovada para mais um ano, seu humor desaforado e secular conquistou a Academia, rendendo seis indicações a mais do que no ano anterior. Baseada no filme homônimo de 2014, a série também foi escrita por Taika Waititi e Jemaine Clement, provando que seus roteiristas não perderam a mão desde o longa – visto que a obra possui 3 indicações por Roteiro no Emmy 2020. Se nossos imortais vão levar o prêmio, fica o mistério. Mas você pode ler mais sobre essa temporada aqui. – Caroline Campos

Schitt’s Creek

É uma pena que quase ninguém assista e exalte Schitt’s Creek. O hit canadense ganhou atenção da Academia ano passado, logo que a série aterrissou despretensiosamente no catálogo americano da Netflix. De lá pra cá, a comédia exibiu sua sexta e última temporada, e chega na corrida como favorita ao prêmio.

O humor pontiagudo e caloroso é o que mais engrandece a criação de Eugene e Daniel Levy, pai e filho tanto dentro, quanto fora das telas. A chuva que desaba no final de Schitt’s Creek é mais que simples manifestação da natureza, é, acima de tudo, um agradecimento pela existência de uma comédia tão pura e tão sentimental. Você pode matar a curiosidade sobre a futura vencedora do Emmy 2020 aqui. – Vitor Evangelista

The Politician

Do mesmo criador de Glee, The Politician foi uma das séries mais aguardadas de 2019, por prometer trazer todas as divergências e disputas do meio político para uma esfera mais simples. Usando como cenário as eleições para a presidência do corpo estudantil, somos apresentados ao ambicioso Payton Hobart (Ben Platt) que está disposto a tudo para vencer essa corrida. Seus conflitos, que parecem irrelevantes em um primeiro momento, ganham grandes proporções ao contextualizar o cenário político norte-americano em um núcleo pequeno, mas bem desenvolvido.

O dinamismo criado nesse micro campo é sustentado por um elenco capaz de nos prender a tela. Ainda com uma estética bem demarcada, a paleta em tons de laranja e verde – que remetem ao Estado da Califórnia, onde a 1ª temporada se passa – contrasta com as cores azuis acinzentadas do último episódio e da segunda temporada, que já aborda a temática sob um viés mais maduro e geopolítico. Mesmo com a solitária indicação de Bette Midler na categoria de Convidada, The Politician é uma das dramédias de melhor desenvolvimento de 2020. – Ana Laura Ferreira

Modern Family

A última temporada de Modern Family foi exibida no meio da pandemia. Além disso, o catálogo nacional de 3 streamings disponibilizou a comédia da ABC, transformando-a na febre do isolamento social. O público descobre agora a produção que venceu por 5 anos consecutivos Melhor Comédia no Emmy, entre 2010 a 2014.

O melodramático 11º ano recebeu indicações apenas para Direção em Comédia, pelo último capítulo da série, e uma nomeação póstuma de Fred Willard, em Ator Convidado. Para a produção que rendeu 6 Emmys para o elenco principal (Phil, Claire e Cam ganharam duas vezes cada), essa despedida esquecida da Academia é tão triste quanto o desfecho dessa família muito moderna. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

MINISSÉRIE

Watchmen

Watchmen tem tudo para ser a grande vencedora do Emmy 2020. O roteiro de Damon Lindelof conseguiu ressignificar a famosa HQ em uma minissérie de nove episódios, trazendo a narrativa para a forte temática racial dos dias atuais. Unido a uma direção e produção magníficas, se originou a melhor série de super-heróis já feita.

O resultado de todo esse trabalho se observa nas suas 26 indicações ao Oscar da Televisão. Regina King e Jeremy Irons são favoritos a levar os prêmios de Melhor Ator e Atriz em Minissérie, assim como Jean Smart é na categoria de Atriz Coadjuvante. A disputa fica mais séria em Ator Coadjuvante, com Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. concorrendo, o que pode levar a uma divisão de votos. As categorias de Roteiro e Direção, pelo episódio This Extraordinary Being, também já estão no papo. Para desvendar outros significados e questionamentos dessa grandiosa produção, acesse aqui. – Vitória Silva

Nada Ortodoxa

Presente em oito categorias no Emmy 2020, Nada Ortodoxa não foi uma grande estreia da Netflix, contudo, é uma das obras mais encantadoras da plataforma. Baseada numa história real, a jovem Esty Shapiro (Shira Haas) embarca numa jornada de autoconhecimento após fugir de uma prisão em que esteve desde seu nascimento.

Entre flashbacks e cenas atuais, a produção não exagera no drama e trabalha com muito respeito as nuances do extremismo religioso. Com uma narrativa envolvente que toma o cuidado de não demonizar seus personagens, Nada Ortodoxa merece destaque. Mais sobre a minissérie e suas particularidades, você pode ler aqui. – Isabella Siqueira

Normal People

Normal People traz o romance na sua forma mais intrínseca e realista possível. Sem relações idealizadas, o namoro de Connell (Paul Mescal) e Marianne (Daisy Edgar-Jones) esbarra nos mesmo desencontros que enfrentamos na vida real. A narrativa do livro de Sally Rooney foi adaptada para a tela de modo simples e apaixonante. 

A atuação impecável de Paul Mescal rendeu ao irlandês uma indicação ao Emmy 2020, na categoria de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, mas a magnífica Daisy Edgar-Jones foi deixada de lado na premiação. A série também concorre por Melhor Elenco, Direção e Melhor Roteiro. Você pode ler mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

Unbelievable

A primeira das 5 minisséries a ser exibida, Unbelievable pode estar fraca na memória dos votantes do Emmy, mas isso em momento algum diminui sua força narrativa. A produção da Netflix revisita uma vítima desacreditada de estupro, e as negligências da polícia da época.

Entram em cena duas detetives fodonas (essas da foto), que fazem o necessário para resolver o crime. Toni Collette pode ganhar na categoria de Atriz Coadjuvante, mas na corrida principal Unbelievable parece ter ficado para trás. Você pode entender mais sobre a minissérie nesse texto. – Vitor Evangelista

Hollywood

Todo o glamour da boêmia Hollywood dos anos 50 ganha uma nova perspectiva social na minissérie de Ryan Murphy. Emotiva e esperançosa, Hollywood não poupa licenças poéticas para pôr em prática uma justiça histórica que ainda não vimos nas premiações. Trazendo para as telas bem fotografadas da série a discussão do apagamento de importantes artistas por conta de sua raça, o drama não dispensa alfinetadas remetendo à manifestação #OscarsSoWhite.

Acumulando diversas indicações, a produção, que trabalha com o imaginário hollywoodiano, se apoia em um elenco bem escalado e potente, capaz de nos fazer relevar as inúmeras facilitações do roteiro. Tendo em seu ponto mais forte a direção de arte, somos rapidamente ambientados naquela que seria a Era de Ouro do cinema. Jim Parsons e Dylan McDermott concorrem ao prêmio de Ator Coadjuvante. Vale lembrar que a série ainda faz uma justa homenagem à atriz Hattie McDaniel, primeira mulher negra a receber um Oscar. Você pode ler a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Mrs. America

Se não fosse pela grandiosidade e impacto de Watchmen, Mrs. America com certeza seria a favorita para o título de Melhor Minissérie do Emmy 2020. A produção da FX abocanhou 10 indicações com sua reconstituição do cenário político e social dos Estados Unidos na década de 70, marcado pela efervescência do movimento feminista, que se articulava para a aprovação da Emenda dos Direitos Iguais, e pela resposta contundente dos movimentos conservadores da época.

Importantes feministas norte-americanas foram mencionadas pela Academia Televisiva na hora de escolher as indicadas à Melhor Atriz Coadjuvante do Emmy 2020, como a deputada Shirley Chisholm, vivida pela atriz Uzo Aduba; a líder Bella Abzug da veterana Margo Martindale; e a polêmica Betty Friedan, interpretada por Tracey Ullman. Contudo, para Melhor Atriz, quem representa a minissérie é a majestosa Cate Blanchett, na pele da líder conservadora Phyllis Schlafly. Além das atuações e caracterizações excepcionais, dos roteiros robustos e das informações históricas perfeitamente combinadas com o entretenimento que a série proporciona, o que mais surpreende em Mrs. America é sua atemporalidade. E você pode entender mais sobre esse aspecto clicando aqui. – Raquel Dutra

Self Made

Self Made, inspirada na vida e legado de Madame C. J. Walker, é uma bagunça sem tamanho. Não fosse o carisma imensurável da protagonista Octavia Spencer, a minissérie da Netflix cairia no merecido esquecimento.

Recheada de atuações robóticas, viradas imbecis na trama e uma gastura em finalizar a trajetória da primeira mulher negra a ficar milionária por conta própria, Self Made se daria muito melhor como um telefilme de 90 minutos. Você pode ler mais aqui. – Vitor Evangelista

Little Fires Everywhere

Seguindo o caminho de outras aclamadas séries da produtora Hello Sunshine, como Big Little Lies, Pequenos Incêndios por Toda Parte concorre em cinco categorias, incluindo Melhor Minissérie. Ao trazer como tema central a maternidade e as relações raciais no ‘pacífico’ bairro de Shaker Heights, a construção das personagens é o que mais encanta. Profundas e multifacetadas, as protagonistas dividem opiniões ao expor todos os seus lados, sejam eles bons ou ruins.

Sem reduzir suas personagens a meras mães, a narrativa se constrói em meio às rachaduras da maternidade, seus vieses e a sua perspectiva mais obscura. O drama, carregado de simbolismos, utiliza da arte, em especial da fotografia, para criar um ambiente ao mesmo tempo crível e poético. A crítica completa de Little Fires Everywhere pode ser lida aqui. – Ana Laura Ferreira

I Know This Much Is True

Assista I Know This Much is True por sua conta e risco. A produção, dirigida e roteirizada por Derek Cianfrance, é um desafio preciso de ser encarado. O famoso livro de Wally Lamb, que se centra na vida dos irmãos Birdsey, foi revitalizado da melhor forma possível, com uma narrativa devastadora e poética sobre reconstrução.

Apesar da grandiosidade da obra não ter sido reconhecida pela Academia de Televisão, o protagonista Mark Ruffalo recebeu seu devido prestígio. Indicado à Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, esta pode ser a noite que ele irá levar seu segundo Emmy da carreira. Leia mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

FILME PARA A TV

American Son

Como a própria Netflix denomina, American Son é um evento. Lançado no ano passado, o suspense de Kenny Leon, indicado a Melhor Filme Para a TV no Emmy 2020, se desenrola a partir do desaparecimento do filho adolescente de um casal inter-racial. No cenário de uma delegacia, o filme aborda racismo e violência policial, discussões que tardiamente tornaram-se tema principal neste ano, depois de um levante de apoio mundial ao movimento #BlackLivesMatter.

No papel principal, Kerry Washington (mais uma vez!) se entrega a dor e preocupação de sua personagem, protagonizando cenas longas com picos de tensão que sustentam uma atmosfera de profunda aflição durante os 90 minutos do filme. Com pouco movimento, American Son escancara privilégios e nos aprisiona em realidades cotidianas e universais, que são atravessadas por todo terror que as estruturas racistas provocam. – Raquel Dutra

Bad Education

Bad Education tinha, a princípio, um lançamento cinematográfico planejado. Vendido em festivais de cinema, a produção acabou indo parar nas telas da HBO, sendo elegível apenas para o Emmy. Baseado num caso verídico, a trama ronda a persona de Frank Tassone, um diretor envolvido no maior desvio de dinheiro escolar na história dos Estados Unidos.

Hugh Jackman, oxigenando a imagem de Wolverine, assume o papel principal, acompanhado de um elenco que vive à altura da emissora. O telefilme angariou indicações para Jackman em Ator Principal, além de uma na categoria Melhor Filme Para a TV, que venceu, como foi anunciado no sábado, dia 19. Má Educação, o título nacional, discute com propriedade a linha tênue entre culpa e infortúnio, e sua performance principal funciona em perfeita sintonia com a canalhice do filme. – Vitor Evangelista 

El Camino – A Breaking Bad Movie

El Camino, a continuação direta de uma das séries mais celebradas do século XXI, vem contar uma história que na visão de muitos parecia desnecessária ante ao final irretocável de Breaking Bad. Porém, Vince Gilligan conseguiu construir um drama à altura de sua obra-prima. Dessa vez, focado totalmente na psique de Jesse Pinkman, explorando os diversos traumas acumulados pelo personagem durante as cinco temporadas que viveu ao lado do químico Walter White.

O roteiro é bem inventivo, colocando um Pinkman traumatizado tentando por fim encontrar a liberdade de seus demônios, enquanto os mostra de perto. Aaron Paul (infelizmente não indicado ao Emmy) encarna novamente o papel, e sem o peso que o ator traz na performance, certamente o longa sofreria bastante. El Camino consegue somar à nostalgia de Breaking Bad, e mostra que Vince Gilligan ainda tem algumas coisas para dizer sobre Jesse, e faz isso com a mesma maestria de sempre. Leia a crítica completa da obra indicada ao Emmy de Melhor Filme Para a TV aqui. – Gabriel Soldeira

Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend

A ausência de indicações para Ellie Kemper e Jane Krakowski denota um defeito no Emmy: a falta de uma categoria à parte para as atuações em telefilme. O evento interativo da série Unbreakable Kimmy Schmidt só conseguiu se enfiar em dois bolões: o de Melhor Filme para a TV e o de Ator Coadjuvante, em mais uma nomeação de Tituss Burgess.

Num mundo ideal, tanto a protagonista quanto Krakowski estariam no páreo, e poderiam muito bem vencer. Mas, na realidade em que vivemos, o que resta é dar play em Kimmy vs. The Reverend e brincar com todas as possibilidades. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

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