Dizem que ler é uma viagem capaz de alcançar mundos e planos além do físico. Nas páginas de um livro, a fantasia, a realidade, o suspense, a aventura, o grotesco, o romântico e muitas outras facetas se encontram e desembocam em linhas poéticas. O Estante do Persona de Abril vem para contemplar essa pluralidade com uma lista de exemplares recheados de possibilidades. 

Com o Dia Mundial do Livro  e do Direito de Autor tendo sido comemorado em 23 de Abril, fica uma reflexão sobre a importância do hábito da leitura. Além de necessário para o desenvolvimento cerebral e manutenção da boa memória em idades variadas, o consumo de livros é capaz de despertar emoções, suscitar a curiosidade e ainda se comportar como um aparato educacional. 

É também um momento oportuno para homenagear e reconhecer o trabalho de autores nacionais e internacionais, que, mesmo em um mercado desvalorizado, continuam se empenhando por um trabalho original e de qualidade. Em completa resistência diante da digitalização e da facilidade de distribuição de conteúdo pirata no universo online, os escritores seguem mantendo um legado admirável e extremamente humano.

Nas dicas na nossa editoria, você encontra um pouco mais do que essas produções culturais são capazes de causar nas pessoas que as leem. Em uma seleção de obras especiais e significativas, os gêneros, autores, formatos, histórias e demais elementos contemplados pelos escritos se tornam os grandes protagonistas. Escolha o seu favorito e boa leitura!

Dicas do Mês

O contador de histórias: Memórias de vida e música, do multi-instrumentista Dave Grohl – membro do Foo Fighters –, é um livro de vivências que mostra toda a sua vida sendo rodeada pela Música, principalmente pelo punk rock. Retalhando momentos como o descobrimento de seu estilo, suas primeiras viagens pelos Estados Unidos por causa dos shows, ainda adolescente ou quando formou suas famílias fora e dentro do meio artístico, a descrição dessas lembranças faz com que os leitores se sintam muito presentes na narrativa e experimentem um pouco dessas convivências.

Como destaque, Dave sempre exalta aqueles que vieram antes dele – e depois também. De uma forma bem simbólica e poética, o livro de memórias acaba sendo também um livro de exaltação para aqueles que Dave se inspirou e inspira até os dias de hoje. Percebemos Dave cultivando essa mistura entre o lado artístico e o lado família, dois ambientes que se retroalimentam. Dessa forma, o livro acaba sendo para aqueles que já o conhecem ou para quem quer conhecê-lo ainda mais, sendo bastante dinâmico entre os documentos pessoais que a obra apresenta. – Marcela Lavorato

Quase como um abraço apertado, a publicação notável da autora Hwang Bo-Reum é um conforto para aqueles que estão tentando encontrar o próprio lugar no mundo. Um livro para pessoas comuns que se equilibram entre a aceitação e a incerteza. E em meio a clientes, funcionários e amigos, Yeongju e sua livraria nos guiam numa viagem de introspecção pelo poder dos livros – afinal, “quanto mais livrarias abrem, mais sonhadores surgem”.

A obra inaugura uma nova fase da editora Intrínseca: a ficção de cura, que se tornou um fenômeno nos países asiáticos. Por meio de narrativas feitas para dialogar sobre os problemas que todo mundo enfrenta, envolvendo o leitor em um ambiente acolhedor. O gênero, também conhecido por healing fiction, nos guia em um mergulho nas relações humanas através de personagens complexos e seus desenvolvimentos; como  Minjun, o barista, que embarca em sua jornada pessoal enquanto tenta viver um dia de cada vez.

Com uma história que se desenvolve com calma, entre capítulos curtos e diálogos sinceros e profundos, Bem-vindos à Livraria Hyunam-dong é uma coletânea de conversas valiosas que faz ode aos amantes da literatura. E um lembrete para apreciarmos a jornada em busca dos nossos sonhos. – Agata Bueno

Grant Morrison – Novos X-Men – E de Extinção (204, Editora Panini)

Os X-Men são um dos grupos mais icônicos da Marvel Studios e queridos dos fãs de quadrinhos. Na saga E de Extinção, os mutantes precisam deter a doutora Cassandra Nova, que pretende liberar os sentinelas em direção aos heróis comandados por Charles Xavier. Durante 204 páginas, os leitores acompanham a luta entre os superdotados e os vilões clássicos desse universo.

No clima da mais nova série animada dos heróis, X-men ‘97, a leitura de E de Extinção é fluída e fácil de ser consumida. As ilustrações de Frank Quitely realçam ainda mais a trama, que é uma das mais interessantes do mundo mutante. Com inspirações dos filmes live-action dos anos 2000, os uniformes ganham uma cor mais neutra e não tão colorida como acontece nos quadrinhos clássicos dos heróis. – Guilherme Machado Leal

Jennie Godfrey – A lista de coisas suspeitas (352 páginas, Editora Paralela)

Situado no ano de 1979 em Yorkshire, Inglaterra, A lista de coisas suspeitas conta a história de Miv, uma adolescente que está prestes a se mudar, devido a uma onda de assassinatos misteriosos que assola a cidade. Ela não está contente com a mudança, principalmente pela pressão em deixar a melhor amiga Sharon. Assim, ambas começam a levantar suspeitas sobre quem pode estar por trás de tamanha barbárie. 

A autora Jennie Godfrey é sagaz em reconstruir o espírito da época, tendo em vista que o livro é baseado em memórias de sua infância na cidade. Além disso, sua escrita é capaz de mover o leitor, conforme nos leva a refletir sobre o poder da conexão humana e a empatia. No fundo, a verdade sobre tudo que está acontecendo ao redor de Miv está mais perto do que ela imagina. – Nathan Nunes

Clarice Lispector – Todos os Contos (656 páginas, Editora Rocco)

Todos os Contos é uma coletânea de escritos de Clarice Lispector, escritora, jornalista e um dos maiores nomes da literatura brasileira. Organizada por Benjamin Moser, biógrafo da autora, o volume único é capaz de viajar através da evolução de Clarice, desde seus primeiros esboços até sua última reflexão sobre a perspectiva humana, incluindo até mesmo contos nunca antes lançados em livros. 

Como de costume, Lispector tem prazer em passear sobre os sentimentos humanos e apreciar cada detalhe do minucioso questionamento do que é o ser. A cronologia não é um detalhe importante – acompanhar sua trajetória e relembrar as particularidades que tornam a escritora única é, talvez, o objetivo principal da coletânea. Memória e valorização são as palavras chaves quando se fala em Clarice Lispector. – Amabile Zioli

Rebecca Serle – Daqui a cinco anos (264 páginas, Editora Paralela)

A vida tem camadas múltiplas, relações complexas e sentimentos confusos. Com seu valor diante da finitude, cada um desses detalhes compõem a jornada com uma certeza: tudo é incalculável. Em Daqui a cinco anos, livro lançado em 2020 no Brasil sob a tradução de Alexandre Boide, a narrativa repousa na exploração da faceta que faz do existir uma espécie de roleta russa com possibilidades além da conta.

Protagonizado pela advogada Dannie Kohan, a obra nos leva pelos detalhes milimetricamente planejados por ela: um bom emprego, um casamento adequado e todos os outros elementos necessários para garantir o seu conceito de sucesso.  Nas idas e vindas do destino, um sonho confuso a atinge e, apesar de parecer tudo um devaneio desencontrado, cinco anos depois o que era previsível vira de cabeça para baixo.

A leitura fluida é com certeza um aspecto positivo, mas o ponto alto fica pelas sacadas impressionantes de Serle, que mantém tudo nas linhas do surpreendente e entrega plot twists constantemente.  Com um enredo que prende, vislumbrar Daqui é cinco anos é dar de cara com uma pequena amostra do quanto os caminhos se emaranham em nós que não somos capazes de – ou sequer queremos – desatar – Jamily Rigonatto

O post Estante do Persona – Abril de 2024 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Quando o assunto é Cinema, é difícil encontrar alguém que não tenha alguma memória relacionada a ele. Seja por uma trilha sonora que ganhou um lugar especial em nossos corações ou por um enredo que mudou completamente nossa visão de mundo, a Sétima Arte, assim como todas as outras, tem a incrível habilidade de movimentar as emoções do público. É por esse motivo que não deixamos de apreciar obras cinematográficas e, consequentemente, o Persona não deixa de trazer sua clássica lista dos Melhores Filmes do ano.

Essa conexão entre a Arte e a população é, também, um dos motivos pelo qual Hollywood parou em 2023 com a greve dos roteiristas. Más condições trabalhistas prejudicam qualquer criação, inclusive as do audiovisual, e não é preciso se alongar muito sobre como o aperfeiçoamento da inteligência artificial coloca em risco a integridade das obras. Ver o adiamento de produções tão aguardadas foi dolorido, mas os quatro meses de discussão foram essenciais para que o trabalho daqueles que dão vida a essas histórias fosse mais valorizado.

As obras que não foram afetadas pela greve e chegaram ao público, por outro lado, proporcionaram experiências que há muito o Cinema não vislumbrava. Não há dúvidas de que o contraste entre o mundo cor-de-rosa de Barbie e a mente perturbada de Oppenheimer ficará marcado como um dos principais – e mais divertidos – momentos do ano. O border collie Messi foi, de longe, o dono do espetáculo, e fomos presenteados com a melhor atuação da carreira de Emma Stone até então.

O mundo cinematográfico abre diversas portas, e tanto os membros da nossa Editoria quanto nossos colaboradores não pensam duas vezes antes de adentrá-las. As 55 obras que compõem essa lista falam de tudo um pouco: da denúncia de um genocídio aos encontros e desencontros do amor; das ruas de Recife às geleiras dos Andes; da esperança ao horror.

Ao reservar algumas horas para contemplar uma produção audiovisual, não importa se o fazemos com a intenção de nos educarmos sobre um determinado assunto ou se é apenas com o intuito de nos entreter. Criar essa conexão com o Cinema é, citando Scorsese, “algo que, por alguma razão, permanece”. Assim, no Melhores Filmes de 2023 do Persona, você confere todos os lançamentos que permaneceram em nós.

A Freira 2 (The Nun II)

Dando continuação em A Freira, o volume dois volta para assustar ainda mais seus fãs. Adentrando na história do universo de Invocação do Mal, A Freira 2 volta com as assombrações de Valak e a sua ligação com a Irmã Irene. Dado o contexto, é evidente a comparação que recai sobre o primeiro longa, que pecou em não ter cenas mais assombrosas e de gore – questão bastante comentada em relação aos demais filmes da franquia. Com isso, o diretor Michael Chaves, que dirigiu A Maldição da Chorona (2019) e Invocação do Mal 3 (2021) e não teve boas repercussões, concentra o sagrado e profano no mesmo nível, trazendo o ápice desse encontro nas atuações do elenco (ou naquilo que não podemos ver). Mesmo sendo um filme mais gráfico, o medo se insere no que não se vê e o diretor acerta em cheio nesses requisitos. 

Com Taissa Farmiga como a Irmã Irene e Storm Reid como a noviça Debra, as atuações dos atores são ótimas e em muitas das vezes sentimos o que estão passando. A Freira 2 passa antes por todo um descobrimento do que está acontecendo na região francesa para que o enredo, de fato, tenha corpo e se desenvolva. É um filme em que não se aventura em inovações, mas que não falha no propósito de se assustar com o Valak. Afinal, é evidente que você não vai querer assistir a ele de noite. – Marcela Lavorato

A Memória Infinita (La Memoria Infinita)

Para o famoso jornalista chileno Augusto Gongora, a memória é um elemento fundamental na construção da identidade, tanto de uma pessoa, como também de um país. A diretora Maite Alberdi (Agente Duplo) acredita nesse pensamento de tal forma que faz de A Memória Infinita um exercício de reflexão sobre o tema. Seu objeto de estudo é justamente Augusto, cujos últimos anos de vida serviram de base para esse belíssimo documentário, que foi indicado ao Oscar 2024. 

Com um olhar empático e melancólico, a diretora registra a rotina de cuidado domiciliar administrada por Paulina, esposa de Augusto e, assim como o marido, uma personalidade notória no Chile. Aliado a isso, Alberdi explora uma série de imagens de arquivo para compor um paralelo entre a vida pessoal do casal e a história política do país, ambas marcadas pela ditadura de Pinochet. Sua composição final é uma defesa da memória que, ao nos fazer lembrar de quem somos, justifica a sua importância. Em outras palavras, a memória que mostra porquê é infinita. – Nathan Nunes

A Sociedade da Neve (La Sociedad de la Nieve)

Baseado em uma história real de acidente aéreo, A Sociedade da Neve nos transporta a dias angustiantes que tornam nossa cama mais confortável e nossa comida mais saborosa. Nunca se sabe quando toda nossa vida será perdida em uma tragédia cujas consequências vão além da morte na concepção física. Em outros termos, o filme reflete sobre o tempo, assim como a falta dele. 

Durante grande parte do longa, sentimos uma vontade quase incontrolável de pular para o final e sanar a dúvida que qualquer espectador já teve: ficará tudo bem? Afinal, são sequências aparentemente infinitas de sofrimento cuja explicitação torna a produção espanhola angustiante. Em meio ao caos, A Sociedade da Neve também deposita sua força na relação entre os personagens que, diante do horizonte solitário e cheio de neve, não têm outra escolha senão fazer amigos no caminho. – Ana Cegatti

AIR: A História por Trás do Logo (Air)

Todos conhecem o nome Michael Jordan e todos já pelo menos ouviram falar dos tênis da Nike, Inc. Mas será que todos sabem como o maior jogador de basquete de todos os tempos consolidou a marca de moda esportista como é hoje? Em AIR: A História por Trás do Logo, vemos como nasceram os tênis Air Jordans e uma estratégia brilhante de marketing desenvolvida entre a Nike e o atleta. O filme é a mistura perfeita para quem gosta de esporte, moda e publicidade. As cenas vão dos escritórios da Nike, passam pelas quadras da NBA e retornam para os ateliês de design de calçados esportivos. Todos esses cenários são palco para atuações convincentes, roteiro fluído e certo humor cômico que nos remete aos filmes dos anos 80, década na qual o longa se ambienta.

A produção da Amazon Studios foi dirigida e estrelada por Ben Affleck, em um dos seus melhores momentos, e conta com Matt Damon interpretando Sonny, o protagonista da trama, que foi responsável por contratar Jordan como garoto propaganda da marca. Outros nomes conhecidos também fazem parte do elenco, como Viola Davis, Chris Messina e Jason Bateman. O grande motim da história é como o talento de um jogador pode inspirar uma marca a apostar tudo o que tem, e no final acertar em cheio a cesta. O mesmo acontece com o telespectador que se permite abraçar esse filme. – Costanza Guerriero

Anatomia de uma Queda (Anatomie d’une chute)

É consenso entre críticas e audiências: Anatomia de uma Queda está entre os melhores filmes de 2023. A direção e o roteiro de Justine Triet transformam o thriller de tribunal em um comentário afiado sobre relacionamentos, família e dinâmicas de gênero. A cineasta francesa já é conhecida por filmes como Sibyl (2019) e Na Cama com Victoria (2016), mas esse é, até então, o grande destaque de sua carreira. 

A protagonista do filme vê uma lupa sendo colocada não só sobre o incidente que a leva a julgamento, mas também sobre a sua vida, em seus detalhes mais íntimos e dolorosos. As sequências do tribunal são provocantes e te envolvem até o último minuto; entretanto, a investigação é o ponto menos interessante que Anatomia de Uma Queda tem a oferecer. A dissecação das relações dentro da família são invasivas e desconfortavelmente reais, acompanhando a queda de cada personagem individualmente e enquanto casal, ao ponto de que fica em segundo plano saber o que de fato aconteceu no dia do caso. – Giovanna Freisinger

Assassinos da Lua das Flores (Killers of the Flower Moon)

Máxima de David Grann em Assassinos da Lua das Flores, “a tarefa do diabo é não demorar muito em seu trabalho” se apequena diante da atmosfera trazida por Martin Scorsese ao adaptar o livro-reportagem para o cinema. Através da precisão participativa de uma carreira sexagenária em direção e roteiro, 206 minutos contam a história da nação Osage com a sustentação de um tripé narrativo, que se fixa no histórico de dor, impunidade e apagamento étnico envolto no genocídio de um dos principais povos originários dos Estados Unidos. 

Em primeiro plano, a esplêndida montagem de Thelma Schoonmaker dá ritmo a três atos calculados para mostrar a frieza do homem branco, investido em derramar quanto sangue nativo for preciso para tomar escrituras e ver o petróleo jorrar em seus pés. Os cortes de cena espantam ao emendar momentos rotineiros a assassinatos à plena luz do dia, além de aprofundarem os impactos mentais e as consequências sociais da barbárie sob a força da trindade formada pelos papéis de Robert De Niro (William Hale, magnata desprovido de alma), Leonardo DiCaprio (Ernest Burkhart, peão ingênuo e abominável) e Lily Gladstone (Mollie Burkhart, matriarca de nuances tão poderosas quanto a indicação da atriz ao Oscar 2024). 

Essa segunda base também vem acompanhada da imersão fotográfica de Rodrigo Pietro, visualmente sóbria e contemplativa, e da trilha sonora suspendida na trama por Robbie Robertson. Contudo, o último e maior pilar de sustentação da obra está no triunfo de reunir profissionais familiares ao comando de Scorsese e gêneros fílmicos caros ao cineasta para ser uma visão intensa e responsável sobre crimes que poderiam facilmente cair em espetacularização em outro lado da indústria. Se o diabólico mora nos detalhes, Killers of the Flower Moon (no original) não tem medo nem falta de compostura ao expurgar cada um deles. – Vitória Vulcano

Asteroid City

Condenado pelo tribunal das redes sociais, Asteroid City é uma das empreitadas mais desafiadoras da carreira do cineasta Wes Anderson. O roteiro escrito em parceria com Roman Coppola tem grandes estrelas de Hollywood interpretando atores que, por sua vez, dão vida a personagens de uma peça teatral. Por isso, os primeiros minutos do longa são um pouco confusos, se não exóticos. Ainda assim, é difícil querer tirar os olhos dessa pacata cidade no deserto afetada por as maiores esquisitices que testes nucleares podem atrair para um lugar: crianças assustadoramente inteligentes e alienígenas. 

Entre o preto e branco dos bastidores de uma peça teatral, a ambientação retrofuturista da década de 1950 explode em cores. O apreço visual de Anderson já é característica intrínseca de suas obras e, em Asteroid City, tal dicotomia de cenários também dialoga com o equilíbrio do trágico e do cômico na narrativa. Repleto de núcleos paralelos, algumas tramas se perdem ao longo do caminho, o que justifica o longa dividir opiniões. Na atuação, os papéis dos veteranos Jason Schwartzman e Scarlett Johansson, e dos jovens Jake Ryan e Grace Edwards são unanimidade por acertarem o tom exato das poucas expressões. – Nathalia Tetzner

Barbie

Em 2023, Barbie pintou o Cinema de rosa. Com a direção de Greta Gerwig e a ajuda de Noah Baumbach em um roteiro que sabe não se levar a sério ao mesmo tempo que traz profundidade para a trajetória da protagonista, Margot Robbie deu vida a uma boneca que sempre tudo pôde ser, exceto transcender a sua natureza de plástico. Até o lançamento do filme, a criação de Ruth Handler – desenvolvida para adotar múltiplas personalidades e atuar com excelência em todas as profissões possíveis –, ainda não havia convencido poder ser uma humana por inteiro, com suas alegrias e angústias. 

Isso mudou com o longa que transformou um modelo de padrão inalcançável em algo que todos podem se identificar. Barbie, uma boneca da Mattel definitivamente não projetada para ter o coração quebrado ou lidar com decepções, ganha dimensão, enfrentando aquilo que todos passam ou passarão em algum momento: a fatídica sequência de acontecimentos em que o universo dos sonhos se prova uma fantasia irreal. Mas, mesmo diante de toda a amargura do nosso mundo, Barbie deixou espaço para o imaginário infantil nos detalhes do design de produção e na emocionante cena sobre mães e filhas.  

A magia desse ícone das brincadeiras de infância também não é perdida devido à dose de comédia cavalar que somente Ryan Gosling sabe entregar sem parecer uma esquete sem graça de quase duas horas. Nos atos musicais, o seu Ken brilha e consagra aquilo que todo estúdio almeja: a combinação explosiva entre um filme de sucesso e hits nas paradas musicais. Assim como descrito pelos primeiros trailers, Barbie é construída tanto para os amantes quanto para os haters da boneca, o que explica ter sido a maior bilheteria do ano, ultrapassando um bilhão de dólares. – Nathalia Tetzner

Bares, Bolos e Amizades (Sitting in Bars With Cake) 

Dirigido por Trish Sie, Sitting in Bars With Cake (no original) é uma comédia dramática inspirada no livro homônimo de Audrey Shulman. O filme conta a emocionante história das amigas Corinne (Odessa A’Zion) e Jane (Yara Shahidi) ao se aventurarem entregando bolos em diferentes bares de Los Angeles para conhecer pretendentes amorosos, antes que esse plano desmorone em virtude de uma fatalidade. O longa-metragem fala sobre a vida, como os vinte anos parecem ser eternos e como tudo isso pode acabar em instantes. 

Para aqueles que gostam de chorar por uma amizade em tela, aqui está o filme perfeito. Embora a temática girlhood não seja nenhuma novidade dentro do Cinema, Bares, Bolos e Amizades se diferencia de outras obras pelo seu elenco cativante – as atuações de A’Zion e Shahidi carregam quase toda a trama, que não é tão interessante como deveria ser. Além do talento das atrizes, a fotografia de Mateus Clark é essencial para embarcarmos na narrativa desejada. Com todas as cores, sabores e formatos, é quase impossível não desejar um pedaço de bolo após se debulhar em lágrimas pela jornada dessas amigas. – Ludmila Henrique

Batem à Porta (Knock at the Cabin)

Adaptação do livro O Chalé no Fim do Mundo, a obra Batem à Porta evoca as reflexões contemporâneas do fanatismo religioso sem perder a mão de seu thriller voraz e sobrenatural. Situado quase na totalidade em uma única locação, ficamos isolados em uma cabana remota quando um grupo de quatro estranhos toma como reféns uma criança e seus dois pais. Sem outra escolha, eles devem decidir quem irá se sacrificar para salvar o mundo do apocalipse. Neste frenesi caótico e claustrofóbico, o diretor M. Night Shyamalan utiliza de um drama ambíguo e politizado a favor de trabalhar suas imagens potentes sobre o caos presente na violência perpetuada em nossa sociedade.

Com nomes proeminentes no elenco, as excelentes atuações de Dave Bautista, Rupert Grint, Nikki Amuka-Bird e Abby Quinn como os quatro cavaleiros do apocalipse, atingem um nível de horror que invade cada cômodo em que se passa. Entretanto, Batem à Porta se destaca muito mais na maneira em que funciona como a união das diversas pautas do diretor, que representa naquele surto coletivo as alegorias que sempre focou: violência social, sobrenatural e a fé – por mais questionável que seja. Sua divisiva resposta aos males sociais surpreende na ambiguidade, mas ainda assim é suficientemente concisa em sua abordagem. – João Pedro Bronzoli

Clube da Luta para Meninas (Bottoms)

Clube da Luta Para Meninas explora em 90 minutos os temas propostos sem clichês e com bastante liberdade. Com a volta de Emma Seligman como diretora e Rachel Sennott como atriz e agora corroteirista, o trabalho das duas reflete o que já foi feito em conjunto em Shiva Baby (2020). Desenvolver enredos que saem fora da caixinha normativa hollywoodiana conhecida é um acontecimento cativante que podemos perceber em comum nos longas. Como destaque além da narrativa original, o filme conta com um elenco incrível que passa por nomes como Ayo Edebiri, Nicholas Galitzine e Havana Rose Liu.

A história gira em torno da criação de um clube falso por PJ (Rachel Sennott) e Josie (Ayo Edebiri), que são virgens, em uma tentativa de conquistar os líderes de torcida que gostam antes de ir para a faculdade. Com o cenário clássico de um filme estadunidense em um ambiente escolar, temos também um time de futebol americano que irá perturbar ainda mais a vida de Josie e PJ depois da criação do clube.

Por isso, é impossível dar errado quando é misturado todos os elementos de um clichê estadunidense com boas doses de ironia, queer e mulheres bonitas. Bottoms (no original) é um filme em que a amizade da dupla é muito bem trabalhada e gera um calorzinho no coração ao ver o amor que as duas têm entre si. Além de ter risadas garantidas, é certo que você terá inveja por não ter tido a ideia do clube antes. – Marcela Lavorato

Crescendo Juntas (Are You There God? It’s Me, Margaret.)

Religião é um dos temas mais traiçoeiros de se tratar nas telas. Por essa razão, Crescendo Juntas (que tem como título original Are You There God? It’s Me, Margaret) pode torcer o nariz daqueles que julgam um filme pelo poster. Porém, o longa, que veio após a diretora e roteirista Kelly Fremon Craig ganhar os holofotes de Hollywood com Quase 18, é o que trata do tema de forma mais singela e consegue conquistar do ateu ao crente.

Baseado no livro homônimo de Judy Blume – que negava uma adaptação de sua obra desde os anos 70 –, Crescendo Juntas conta a história de Margaret Simon, uma menina de onze anos, filha de uma mãe cristã e um pai judeu, que decidem não força-la a seguir nenhuma das duas religiões. Margaret sai da metrópole e se muda para uma cidade suburbana de Nova Jersey e, por conta de um trabalho escolar, decide estudar as crenças, a fim de se encontrar, não só na religião, mas no período mais transitório de sua vida. 

O principal acerto do longa é entender que coming of ages não se limitam ao período da adolescência em direção a vida adulta. Envoltos pela personagem central de Abby Ryder Foston, a obra consegue trabalhar a importância da mãe de Margaret, em uma atuação sincera e cativante de Rachel McAdams, ao mesmo tempo que também discorre os desafios da mãe em se tornar um porto seguro para a filha. Do mesmo modo, ele constrói a relação com a avó, interpretada por Kathy Bates, em cima da adaptação que a matriarca precisa ter, agora distante da neta. Ao conceber que amadurecimento não tem data de validade, Crescendo Juntas é o melhor do gênero no ano, e um dos melhores em anos. – Guilherme Veiga

Dentro (Inside)

Angustiante, perturbador e metafórico: assim podemos definir Dentro. Estrelado por Willem Dafoe, a trama gira em torno de Nemo, um ladrão de artes que fica preso dentro de uma cobertura em Nova York. A direção de Vasilis Katsoupis foca em uma fotografia imersiva e provocativa, o que permite que o ambiente criado transpasse a tela e chegue ao telespectador, enquanto o roteiro de Ben Hopkins deixa margens para que o público faça suas próprias interpretações da produção. É o tipo de filme que te instiga a participar da narrativa e criar teorias sobre tudo o que acontece.

Dafoe, por sua vez, apresenta-se impecável no papel. O nível de insanidade que o autor consegue alcançar é, ao mesmo tempo, exemplar e assustador, e boa parte da qualidade do filme é devida à sua atuação. O desenvolvimento do suspense quase todo em único espaço e com foco em um único personagem torna possível compreender a complexidade de Nemo – e apreciar a genialidade do ator por 1h45 – até seu ponto mais crítico, no ápice da produção cinematográfica. Com tempo de duração ideal, Dentro não se prolonga mais do que o devido e consegue estimular a curiosidade do telespectador, deixando um gostinho de quero mais. – Gabriela Bita

Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes (Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves)

Com Dugeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes, dá para sentir que a equipe criativa esbanja carinho pelo universo e seus personagens. A adaptação do famoso jogo de RPG D&D marca o retorno do bom Cinema medieval em Hollywood. A dupla de diretores, John Francis Daley e Jonathan Goldstein, que já tinham trabalhado juntos na comédia A Noite do Jogo (2018), carregam um humor inspiradíssimo. Alguns momentos de comédia, como a cena do cemitério e a do derretimento facial, são trash e lembram Army of Darkness (1922) de Sam Raimi. 

A mistura de CGI e efeitos práticos dão vida à fantasia e ajudam a ficção a se aproximar do momento em que o D&D foi criado e se popularizou, nas décadas de 70 e 80, além de tornar palpável e expressivo o remoto mundo medieval. Para se assemelhar ainda mais com o século XXI, os roteiristas acrescentam problemas verossimilhantes aos personagens e ao público, seja o sentimento de estar à margem da sociedade ou de ausência paterna.  

Lembrando um jogo de tabuleiro, a aventura conta com o resultado improvável dos planos criados pelo personagem Edgin (Chris Pine), tal como o resultado da rolagem de dados. Um dos objetivos do RPG é progredir e conquistar melhorias – dinheiro, equipamentos, subir de níveis – e, no longa, isto não é diferente. Conforme o enredo avança, os personagens ganham coragem, aprendem a usar suas habilidades e até abdicam de sonhos por um bem maior. Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes te deixa com gostinho de quero mais sem precisar de pontas soltas ou cena pós-créditos para isso, se garantindo unicamente em uma história muito bem contada. – Davi Marcelgo

Elementos (Elemental)

No universo Disney Pixar, aqueles que amam romances batidos com personagens de personalidades totalmente opostas foram presenteados com Elementos em 2023. No longa, Faísca se muda com sua família em busca de melhores condições de vida para a Cidade dos Elementos, onde se apaixona e vive um romance imprevisível com Gota.

A Pixar foca em construir um amor pautado em um contexto real. O filme traz à tona a questão da desigualdade social, onde os elementos do fogo sofrem uma considerável discriminação em meio aos demais. Por serem quem são, eles não podem acessar boa parte da cidade, e acabam se abrigando em grande maioria nas zonas periféricas. Ao longo de sua duração, a obra cria um contraste nítido com a beleza e a ostentação do centro da cidade, lugar em que os elementos do ar, água, e terra vivem confortavelmente. 

Apesar de todas as dificuldades, o objetivo do longa é representar o amor, tanto em contexto familiar, quanto na paixão dos personagens. Mesmo com a baixa adesão do público na estreia, Elementos deu a volta por cima e entregou bons resultados de bilheteria. Afinal, quem não gosta de assistir um clichêzinho emocionante no cinema? – Pâmela Palma

Fale Comigo (Talk to Me)

Que a A24 possui um catálogo de filmes invejáveis no currículo não é novidade alguma. Oferecendo liberdade criativa para seus diretores e impulsionando ao sucesso obras de alto nível, a produtora se mostrou um exemplo e ganhou cada vez mais a crítica e os telespectadores. Em 2023 não foi diferente: assim que adquiriram os direitos de distribuição de Fale Comigo, a A24 sabia que estava levando da Austrália para o mundo algo com potencial de se tornar um clássico. Dirigido pelos irmãos gêmeos Michael e Danny Philippou, o longa ganhou a alcunha de melhor terror de 2023 e tem muito a oferecer para quem decidir embarcar nessa jornada. 

A história conta a vida de Mia, uma personagem que perde a mãe e desde então vive desolada pelo luto. Sozinha, a garota é a isca perfeita para o ritual de possessão que acontece em festas de adolescentes com uma espécie de objeto místico macabro: uma mão embalsamada cheia de escritos. O momento de 90 segundos é como uma droga, que vicia aquele que pratica e torna factível para quem assiste. Ao fugir do óbvio no que se segue, o longa demonstra maturidade recriando aquilo que já se observou anteriormente no gênero e oferecendo algo novo, nos fazendo ouvir tudo aquilo que ele pode falar por 95 minutos e permitindo sempre uma reprise. – Aryadne Xavier

Fechar os Olhos (Cerrar los ojos)

Fechar os Olhos começa como um filme antigo, intitulado The Farewell Gaze. Nele, vemos o detetive Gardel (José Coronado, de Um Contratempo) ser contratado pelo misterioso milionário Sr. Levy (Josep Maria Pou, de O Candidato) para encontrar sua filha desaparecida Qiao Shu (Venecia Franco). O último registro da jovem é uma foto antiga, com as marcas do tempo impressas em seu aspecto sujo e gasto. Consequentemente, a cena é também o último registro de Júlio Arenas, ator que dá vida ao investigador e que desapareceu logo após as gravações. 

As marcas, nesse caso, são outras, como o grão estourado da película, por exemplo. No entanto, a situação não poderia ser menos parecida, pois, anos mais tarde, vemos um outro homem receber a missão de encontrar alguém. No caso, é o ex-cineasta Miguel (Manolo Solo, de O Bom Patrão), diretor do longa original, antes amigo pessoal de sua estrela desaparecida e agora incumbido por um programa de TV da tarefa de encontrá-lo. 

Para o diretor Victor Erice (O Espírito da Colmeia), essa relação de espelhamento metalinguístico dentro de seu filme entre a realidade e a ficção é apenas o começo. Seu objetivo, de fato, é explorar a memória como um meio de busca e reencontro da nossa identidade. Nesse sentido, um gesto simbólico, como um nó de marinheiro, tem o mesmo valor que o deslumbramento de um homem ao olhar para o seu rosto sendo projetado na tela de Cinema. O resultado se traduz em algumas das cenas mais bonitas e melancólicas do audiovisual em 2023, como essas e outras. – Nathan Nunes

Ferro’s Bar

Tamanho não é documento e disso Ferro’s Bar bem sabe. O curta-metragem, dirigido a oito mãos por Nayla Guerra, Aline A. Assis, Rita Quadros e Fernanda Elias, reconta em poucos minutos o levante do Ferro’s Bar, em 1983, pela visão de mulheres lésbicas que frequentavam o local antes da invasão policial. Na época, o espaço era ponto de encontro para discutir sexualidade e gênero, mas também para apenas encontrar amigas, se vestir como bem entendesse e flertar com outras mulheres.

O bar, no centro de São Paulo, jamais foi transformado em local de memória, como recomenda o relatório da Comissão da Verdade. Nisso, o documentário faz o papel de relembrar o que não pode ser esquecido, não só pela resistência organizada à opressão e ao preconceito, mas pelo que se tornou um marco do movimento lésbico no Brasil. Na voz das pioneiras que estiveram presentes nos momentos de paquera, de luta (inclusive, no nascimento do lendário ChanacomChana) e de violência policial, Ferro’s Bar cria seu próprio espaço de lembrança, resistência e ode às mulheres lésbicas que estruturaram as bases para as que vieram depois. – Vitória Gomez

Folhas de Outono (Kuolleet Lehdet)

Não há nada como assistir a um casal de coitados que deveriam focar mais em engolir suplemento de vitamina D do que em cuspir seus trejeitos solitários um no outro. Folhas de Outono é o nada em nenhum lugar e em nenhum momento, ou seja, o diretor Aki Kaurismaki constrói a cinematografia a partir de uma lógica observadora responsável por ver tudo e, ao mesmo tempo, perceber pouco. 

Quando não há coragem de chamar alguém de esquisito, opta-se por chamá-lo de peculiar. É o que faz as análises do filme finlandês cuja beleza disfuncional reside, sobretudo, na ressignificação da frieza. Europeus podem ser, sim, românticos, mesmo com tanta falta de molejo e empatia. Esta, aliás, parece ser um terceiro protagonista o qual não aparece fisicamente, mas sempre paira no ar gelado de uma narrativa que, no fim, vai muito além de um mero relacionamento, aventurando-se em declarações, na verdade, políticas, mais do que românticas. – Ana Cegatti

Guardiões da Galáxia Vol. 3 (Guardians of the Galaxy Vol. 3)

Guardiões da Galáxia Vol. 3 encerrou a trilogia de forma perfeita. O grupo de heróis teve a rara oportunidade no MCU de contar uma história isolada, sem a preocupação de sequências ou de apresentar conexões para a próxima grande saga do estúdio. Assim, James Gunn pôde desenvolver e aprofundar os seus personagens, dando um fim ideal ao arco do grupo que começou em 2014. O roteiro, escrito pelo próprio diretor, gira completamente em torno de seus protagonistas  no momento presente: o que importa é o agora. Todos eles têm um momento no filme, o que permite concluir suas jornadas com maior proximidade. O grande destaque do longa vai para Rocket (Bradley Cooper), o único personagem da trilogia que não teve sua história desenvolvida até então. 

James Gunn usou com maestria essa evolução, fazendo com que ela servisse de base para o argumento geral da trama. A jornada de Rocket é o fio condutor que permeia os arcos narrativos da equipe. Gunn consegue extrair sentimentos do público que há tempos não apareciam, graças às diversas histórias rasas e genéricas que pavimentaram os filmes de heróis nos últimos tempos. No entanto, os personagens de Adam Warlock (Will Poulter) e Gamora (Zoë Saldaña) compõem o ponto fraco da obra. Ambas as narrativas  são forçadas na trama apenas com o intuito de não deixar pontas soltas, fazendo com que eles não se encaixam muito bem com o restante. 

Guardiões da Galáxia Vol. 3 se mostra, enfim, como um dos grandes acertos da Marvel. Com o último filme, James Gunn fez uma carta de amor a esses personagens, que não eram conhecidos pelo público geral, e os transformou, dando novas personalidades e fazendo com que fossem amados como nunca foram. Tendo total liberdade para criar, Gunn fez um fechamento de ciclo que é todo coração, e é com um final lindo e emocionante que o diretor se despede da Marvel com um adeus digno aos heróis imperfeitos que tanto amamos. – Rafael Gomes

Godzilla Minus One

Depois do excelente Shin Godzilla (2016), as expectativas para o novo filme do Gojira feito pela produtora japonesa Toho eram altas. Os núcleos humanos em Godzilla (2014) e Godzilla vs Kong (2021), ambas produções estadunidenses, são desinteressantes e formam uma barriga colossal nas obras. Se o objetivo era fazer o espectador temer por alguma vida, o tiro saiu pela culatra e só serviu para causar tédio. Agora, dentre os ótimos elementos de Godzilla Minus One, a veia humana é, sem dúvidas, uma das melhores. Felizmente, os sete anos de espera valeram a pena e a obra se mostra como uma aula de como fazer filmes de monstros.

Kōichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) é um ex-kamikaze que pretende reconstruir a sua vida após ter tudo alterado pela Segunda Guerra Mundial. No entanto, tudo muda quando o Godzilla ressurge. Minus One acerta em fazer do kaiju uma alegoria para bomba atômica e todas as dificuldades que a sociedade japonesa enfrentou. Ele não é só um mero monstro, ele é a personificação de traumas e mazelas; então, enfrentar e vencer o Godzilla significa sair da escuridão. Por isso, é importante estabelecer vínculos entre os personagens e o espectador, porque Godzilla e o núcleo humano estão numa relação comensal. 

As cenas de destruição da cidade e perseguição são relativamente curtas, mas abrigam uma posição amedrontadora no peito de quem assiste. O som da rajada radioativa, das explosões e dos rugidos são produzidos com alto profissionalismo. A morte é temida não só pelos laços humanos, mas também pela magnitude do poder a ser enfrentado. Godzilla Minus One foi indicado em apenas uma categoria no Oscar, mas, chutando baixo, deveria estar em pelo menos cinco – o que é pedir muito da premiação americana. – Davi Marcelgo

Homem-Aranha: Através do Aranhaverso (Spider-Man: Across the Spider-Verse)

Depois de Homem-Aranha: No Aranhaverso, muitos se perguntaram se seria possível se igualar a um filme tão ilimitadamente criativo e estilisticamente ousado. O maior receio do público era a possibilidade de que uma sequência não fizesse jus ao frescor, à energia e à vivacidade visual do filme. Por sorte, Homem-Aranha: Através do Aranhaverso aceitou o desafio e triunfou – não há um único momento dessa animação rica e caleidoscopicamente detalhada que não seja deslumbrante. 

A sequência utiliza os temas básicos do primeiro filme e constrói mundos inteiros com eles. Muitos longas que abordam o multiverso usam o conceito simplesmente como um meio para atingir um fim, um dispositivo de contar histórias que pode burlar as regras narrativas para trazer personagens de volta à vida ou para transportá-los para novos mundos. Em outras obras, no entanto, o dispositivo narrativo tem o grande objetivo de explorar a raiz do que torna uma pessoa única quando há infinitas versões dela em universos paralelos. Através do Aranhaverso faz parte desse grupo, e não é exagero dizer que Joaquim dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson fizeram um trabalho excepcional. – Raquel Freire

How to Have Sex

Longe de soar didática ou performática ao retratar um dos considerados ritos de passagem da adolescência, a estreia de Molly Manning Walker na direção de longa-metragens até se aproveita de sensos comuns, como as noitadas regadas a álcool e libertinagem dos spring breaks americanos, mas não se blinda da crueza – diversas vezes revestida de crueldade – da experiência. Em How to Have Sex, três amigas embarcam em uma viagem à Malai, no litoral grego, para celebrar o fim do ensino médio. A expectativa é ainda maior em Tara, protagonista lapidada por Mia McKenna-Bruce que sente a tão sonhada perda de sua virgindade se transformar em um lento emaranhado de microagressões.

Nas entrelinhas do texto, também elaborado por Walker, contrasta-se o caráter que o sexo assume para meninas e garotos; enquanto a visão feminina fantasia com uma primeira vez prazerosa e terna, o ângulo masculino é atravessado pela violência da pornografia e do patriarcado desde sempre. Mas, conforme os abusos implícitos e verbalizados avançam através dos maneirismos de Mc-Kenna Bruce, o clima festivo da cidade segue inabalável. A luz solar não esconde seus antagonistas da dimensão emocional dada pela edição de Fin Oates, nem as cores vibrantes da fotografia de Nicolas Canniccioni obscurecem para deixar o trauma criar raízes. Isso porque, fora da ficção, histórias similares acontecem todos os dias, debaixo de nossos narizes e dentro de nossos círculos pessoais, e o mundo não paralisa para abraçar o vazio inexorável dessas vítimas. – Vitória Vulcano

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes)

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes narra a história da juventude de Coriolanus Snow. O contexto se passa 64 anos antes dos primeiros jogos de Katniss (Jennifer Lawrence) e Peeta (Josh Hutcherson), apenas algum tempo após a grande guerra entre a Capital e os distritos. O filme conta com um elenco de peso, como Viola Davis e Peter Dinklage e alguns nomes emergentes como Rachel Zegler e Hunter Schafer. Mas o grande destaque do filme foi Tom Blyth, que deu vida ao futuro presidente Snow. Suas expressões, sua postura e seu desenvolvimento foram ótimos e deixaram os fãs impressionados. 

A produção tinha um grande desafio: ser uma adaptação tão boa quanto as outras que vieram antes dela. Como a obra de Suzanne Collins é bem extensa, com quase quinhentas páginas, houve o debate sobre dividir ou não o longa em duas partes, já que a separação de A Esperança não agradou a todos. No final, o filme foi uma ótima adaptação; um pouco acelerado, mas bastante satisfatório. A mudança que se sobressai são os próprios Jogos, que se tornaram muito mais dinâmicos do que eram no livro, entrando no modelo do Cinema e agradando os espectadores. – Gabrielli Natividade

John Wick 4: Baba Yaga

Neon, tiros, coreografias de luta e música eletrônica vibrante se tornaram marcas registradas da saga John Wick, fruto da criatividade estilosa de Chad Stahelski. O primeiro filme da série já veio como um marco para o Cinema de ação; depois dele, os filmes do gênero abandonaram de vez o excesso de câmeras tremidas, as shaky cams, e voltaram a apreciar ao máximo os contrastes das luzes noturnas. O quarto filme poderia apenas reproduzir o que foi bem sucedido nos anteriores, mas os roteiristas colocaram quatro vezes mais zelo.

A trama do filme escrita por Shay Hatten e Michael Finch introduziu diversos personagens instigantes, quase alheios ao protagonista de Keanu Reeves e focados nas próprias histórias, que tem uma profundidade incomum a muitos filmes de ação. A cinematografia de Dan Laustsen é extremamente sagaz ao explorar a luz do sol e reflexos de espelhos, além do vários tons de neon da noite. John Wick 4: Baba Yaga marcou o ano com muita elegância e criatividade. – Guilherme Dias Siqueira

La Chimera

O Cinema quase rural e fantasioso da diretora italiana Alice Rohrwacher sempre busca uma perspectiva profundamente sentimental sobre a leitura da alma humana, seja da bondade do homem ou de suas contradições. Assim, como já havia feito maravilhosamente em Lazzaro Felice (2018), ela reitera ao denotar o caráter político do não pertencimento em La Chimera. Além disso, ela aprofunda essa sensação ao teor romântico com o personagem de Arthur, que se vê sem rumo após perder sua amada. Nessa perspectiva, o trabalho artístico da obra recai na delicadeza de encontrar o caminho dos andarilhos ou expressar os percalços da jornada deles, algo que Rohrwacher alcança duplamente.

Com a participação de Carol Duarte como a personagem Itália e Isabella Rossellini como Flora, os diversos vínculos de Arthur fazem o protagonista repensar as suas relações com a vida e as memórias. Ademais, o trabalho do personagem como caçador de tesouros perdidos demonstra a ambiguidade de quem deve escolher entre renegar o passado ou persegui-lo. Para mais do que essa busca, de quem precisa aprender a viver novamente. O acerto da diretora em se aprofundar na psique dos sem-rumo nos alcança com uma estética avassaladora. – João Pedro Bronzoli

Los Colonos

O longa de estreia de Felipe Gálvez Haberle pode não ter feito barulho nos cinemas brasileiros, mas encantou o júri da seção Um Certo Olhar do Festival de Cannes, onde saiu vencedor do Prêmio da Crítica, e da 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, que o recebeu com uma sessão lotada. As 200 e poucas pessoas que, naquela noite, experienciaram Los Colonos ficaram imóveis nas poltronas enquanto a herança chilena era coberta de sangue em nome da colonização.

No filme, três homens são contratados por um cruel senhor de terras para abrir caminho da Patagônia chilena ao Atlântico, aniquilando o que houver pelo caminho. A travessia vira um show de horrores já que, ainda em 1901, com a independência do Chile recém-conquistada, partes mais remotas do país ainda eram habitadas por povos nativos, ocupando seus locais de origem antes de serem aniquilados por mãos estrangeiras. 

Para além de acompanhar a matança pelo caminho, a própria dinâmica do trio deixa qualquer um angustiado, esperando pela próxima tragédia: um imprudente cowboy americano e um tenente britânico sanguinário trocam farpas, enquanto vigiam um indígena ‘mestiço’ contratado para ajudá-los a desbravar as terras de seus descendentes. O conflito de interesses do protagonista, vivido por Camilo Arancibia, personifica a construção do Chile, da matança em nome da civilização, e aprofunda a reflexão sobre uma colonização tão presente na América Latina. – Vitória Gomez

Monster (Kaibutsu)

Há muitas discussões a respeito do posto de maior vilão do Cinema. No meio de criaturas fantasmagóricas, psicopatas e homens amorosamente frustrados, o verdadeiro ser maligno é, na verdade, o sistema. Este, por sua vez, é a cola que gruda os pedaços do fragmentado Monster, um filho muito bem criado por Hirokazu Koreeda. 

Assistir ao filme é uma experiência na qual dualidades – bem e mal, certo e errado – são colocadas em xeque. A tradição hollywoodiana difunde uma passividade entre os espectadores que os torna carentes de neurônios funcionais. Por conseguinte, treina-se um olhar o qual irá sempre buscar pelas mesmas fórmulas. Apesar disso, há ainda filmes cujo objetivo não é estar nos telões da Time Square, mas honrar os que, em vez de preferirem o quebra-cabeça pronto, almejam acompanhar sua montagem, peça por peça. 

A vida pode ser resumida a uma gigantesca coleção de recortes. Muitas vezes olhamos pela janela e vemos apenas momentos cabíveis dentro de uma forma retangular. No entanto, quando abrimos a porta, descobrimos toda uma realidade invisível a olhos carentes de consciência de classe. O longa japonês nos convida a nadar em um rio mais fundo do que parece. No fim, ficamos imersos em uma narrativa a qual questiona: com quantas verdades se faz uma memória? – Ana Cegatti

Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1 (Mission Impossible: Dead Reckoning Part One)

Se há uma certeza na franquia de Missão Impossível é que, desde a sua origem De Palmiana nos anos 90, os percalços da série passaram por altos e baixos, mas a variedade de abordagens autorais está presente em todos os filmes. Nesse sentido, com o envolvimento de Christopher McQuarrie na produção dos longas desde 2017, a jornada de Hunt encontra uma direção ao espetáculo cinematográfico que tem seu elo inevitável na visão de De Palma com a presença de uma das abordagens mais potentes na ação. Em uma obra movida por um Macguffin, Ethan precisa encontrar a chave que vai destruir Gabriel na primeira parte dessa nova missão, junto com um profundo confronto com seu passado e suas vivências.

Longe de vícios a um puro saudosismo, McQuarrie reafirma as estruturas da franquia alinhado com um senso de espetáculo que retoma boa parte do que consolidou Missão Impossível. Com as proporções da obra aumentando, a dinâmica de Ethan com seus parceiros se consolida nessa disputa interna que coloca em risco sua carreira e sua vida. – João Pedro Bronzoli

Nimona

Sofrendo mais que muitos para poder sair do papel, o projeto de animação de Nimona, originalmente uma graphic novel de ND Stevenson, chegou aos streamings em 2023 após longos oito anos de espera. Se distanciando em vários aspectos da original, a obra aproveita muito do meio audiovisual e se garante no básico bem feito. A história narra a vida de uma figura metamorfa, Nimona, que tem seus caminhos cruzados com Ballister Boldheart, um soldado do reino procurado por um crime que não cometeu. Em uma aventura que causa risadas e prende a atenção, o longa se desenrola em um tom amigável e em um ritmo agradável. 

Ao tratar da pergunta “O que é você?” no decorrer de toda a obra, a animação cria uma segunda camada de interpretação muito mais profunda, que dialoga com aquilo que há de mais íntimo em se descobrir alguém fora dos padrões socialmente aceitos. Ao final, Nimona pode ter diferentes interpretações de cada um, mas acerta em cheio ao se tornar identificável e uma afirmação de grande carisma que está tudo bem em ser diferente e está tudo bem não se limitar apenas em uma caixinha; o universo é gigante e a gente pode ser tudo aquilo que a gente quiser. – Aryadne Xavier

Nuovo Olimpo

Com uma fotografia de brilhar os olhos, desenvolvida por Gian Filippo Corticelli, Nuovo Olimpo retrata um romance, inspirado em eventos verídicos, entre dois jovens na década de 70 em Roma. Envoltos por manifestações e contradições, Enea Monte (Damiano Gavino) e Pietro Gherardi (Andrea Di Luigi) se encontram em um set de filmagens nas ruas da cidade italiana. A metalinguagem é um aspecto muito explorado pelo filme – afinal, Enea é estudante de cinema, o que torna a narrativa ainda mais interessante para os amantes de filmes e para aqueles que sonham em encontrar seu par perfeito em uma sala de projeção. 

O drama romântico de Ferzan Özpetek teve sua estreia no Festival Internacional de Cinema de Roma e tem sua narrativa formada por passagens entre o passado e o futuro. O desenrolar da trama emociona o telespectador e o roteiro de Özpetek e Gianni Romoli encontra o melhor final para a história, apesar de não ser o mais esperado. Abordando questões sensíveis que vão além do relacionamento do protagonistas, Nuovo Olimpo se configura como um filme de encontros, desencontros e destinos, além de ser uma adição de sucesso para o catálogo da Netflix. – Gabriela Bita

O Assassino (The Killer)

A notória meticulosidade de David Fincher é quase satirizada pelo próprio diretor em um filme que esbanja perfeccionismo e detalhismo, ao mesmo tempo que o observa como algo que não é necessariamente alcançável. O Assassino tem uma estética marcante, quase como se fosse feita por um autômato. Esse estilo robótico orna perfeitamente com o personagem de Michael Fassbender, um assassino frio e calculista mas que não pode escapar de uma realidade baseada no acaso e na falta de controle sobre os acontecimentos.

Apesar de uma participação modesta, a atriz brasileira Sophie Charlotte interpreta um importante papel na trama, que apesar de não ter muitos detalhes, conta com discussões e dilemas profundos. Ainda que o protagonista não queira de modo algum se desviar do seu propósito, seus próprios pensamentos o dominam, acabando por ser levado da posição de controlador à de controlado. O Assassino é um neo noir marcante que deveria ser visto como símbolo de seu subgênero. – Guilherme Dias Siqueira

O Livro dos Sonhos (La Chambre des Merveilles) 

A narrativa francesa de O Livro dos Sonhos, dirigido por Lisa Azuelos, é o tipo de clichê que aquece os corações. O filme conta a história de Thelma (Alexandra Lamy), uma mãe que faz o possível e o impossível para realizar os sonhos de seu filho Louis, enquanto ele está em coma devido a um acidente. Apesar de parecer sem propósito, o roteiro, de Fabien Suarez e Juliette Sales, tem como objetivo maior falar sobre perda, descobertas, libertação e muito mais dos temas sensíveis que rodeiam a vida e a morte. 

Além dos acontecimentos muito bem construídos, vale destacar a presença de Maria Fernanda Cândido como Paula, uma personagem com pouco tempo de tela, mas muita coisa a dizer. A atuação magnífica da atriz brasileira é responsável por grande parte das reflexões da trama e é um dos pontos mais emocionantes do longa-metragem. Entre busca, esperança, renascimento e outros efeitos causados por acontecimentos drásticos, assistir O Livro dos Sonhos é uma experiência apreensiva e linda. – Jamily Rigonatto 

O Menino e a Garça (Kimitachi wa Dou Ikiru ka)

Após a trágica morte de sua mãe no cenário de guerras, Mahito Maki precisa se mudar para o campo, onde seu pai trabalha para uma família fabricante de aviões para o exército japonês. Nem tão sozinho assim, o menino lida com a perda em contato com a natureza e uma garça, que posteriormente revela o fato de que sua mãe ainda está viva.

Após a notícia, os personagens partem em busca da mãe em uma aventura ilustrada e imersa na animação 2D tradicional do Estúdio Ghibli. Sob a direção de Hayao Miyazaki, famoso por A Viagem de Chihiro e Meu Amigo Totoro, O Menino e a Garça relembra metáforas clássicas de suas obras: o vôo significando a liberdade e a guerra trazendo o panorama histórico e pessoal de Miyazaki. O filme é embriagante para qualquer um que ame animações, e a tradicionalidade e beleza nos movimentos tornam a obra hipnotizante. – Amábile Zioli

Os Rejeitados (The Holdovers)

Filmes coming of age, aqueles que se concentram em desenvolver um personagem que está nos primeiros estágios da vida adulta, são um dos subgêneros do Cinema mais legais de acompanhar. Em Os Rejeitados, o incompreendido Angus Tully passa o recesso do final do ano com o professor Paul Hunham e a cozinheira Mary Lamb em um internato. Como diz o próprio título do longa, a narrativa é contada por meio da rejeição que cada um dos três personagens principais passa em suas respectivas vidas. 

No futuro, espera-se que o filme dirigido por Alexander Payne se torne um clássico do Natal, já que se passa nessa época e subverte um feriado marcado por amor em dias infinitos de solidão por meio de três gerações. Sendo o primeiro trabalho do novato Dominic Sessa, Os Rejeitados faz jus à carreira do veterano Paul Giamatti e, com o roteiro de David Hemingson (um dos maiores destaques), entrega à Da’Vine Joy Randolph (The Idol) cenas de tirar o fôlego. O longa-metragem é o encontro perfeito entre histórias de amadurecimento e tramas natalinas, se tornando um deleite para qualquer um que ame essas narrativas. – Guilherme Machado Leal

Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante (Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe)

Inspirado no best seller de Benjamin Alire Sáenz, a produção audiovisual Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante é um retrato sensível de um dos romances LGBTQIA+ mais aclamados dos últimos tempos. O longa-metragem, dirigido por Aitch Alberto, adapta com bastante verossimilhança a história dos dois jovens de ascendência latina e nome peculiar que se apaixonam, mas com algumas alterações necessárias ao tempo de tela que tinha disponível. 

O filme traz Ari (Max Pelayo) e Dante (Reese Gonzales) bem caracterizados a apropriados para a idade que representam ter. Ainda assim, existem mudanças consistentes e importantes no roteiro, com o corte de cenas mais íntimas que não teriam como fazer sentido com o amadurecimento mais veloz dos protagonistas nas telas. Além disso, o polêmico discurso transfóbico presente em uma das páginas do livro não ganha espaço, o que é essencial para a integridade ética da obra. Em suma, o enredo continua emocionante como o esperado e, se não descobrimos os segredos do universo, com certeza desvendamos os da doçura da autodescoberta. – Jamily Rigonatto

Oppenheimer

Filmes biográficos caminham por diversas linhas tênues, necessitando cuidados relacionados com a precisão dos fatos narrados, formas de trabalhar a história para torná-la interessante, escolha de elenco, entre outros pontos. Especialmente um filme de guerra, pois o gênero sofre, por vezes, com o problema de ‘ser mais do mesmo’. No entanto, quando bem feitos, os dois gêneros podem brilhar e contar histórias fascinantes, e esse é o caso de Oppenheimer, de Christopher Nolan.

O filme conta a história do físico teórico Robert Oppenheimer (interpretado por Cillian Murphy), conhecido como o ‘pai da bomba atômica’. A obra de Nolan se inicia com a trajetória acadêmica do cientista, quando estudou na Europa e achou sua paixão: a física quântica. O filme, então, vai até ao ponto alto (e terrível) da carreira de Oppenheimer, quando lidera o Projeto Manhattan, responsável pelas bombas que destroem as cidades japonesas de Hiroshima e Nagasaki.

As atuações brilhantes de Emily Blunt como Katherine ‘Kitty’ Oppenheimer, Matt Damon como Leslie Groves, Robert Downey Jr. como Lewis Strauss e Florence Pugh como Jean Tatlock deixam tudo ainda melhor. Sem contar com a belíssima e inquietante trilha sonora composta por Ludwig Göransson. – Marina Barrelli de Carvalho

Pânico 6 (Scream VI)

A saga Pânico marcou o cinema de terror quando foi lançado nos anos 1990 e, desde então, novos capítulos são adicionados a essa história envolvente. Em Pânico 6, Sam (Melissa Barrera) e Tara (Jenna Ortega) – que, novamente, se destacaram por suas atuações – lidam com as consequências do último massacre e tentam uma nova vida em Nova York. O filme segue a mesma fórmula dos anteriores, mas tem os novos avanços tecnológicos e uma ousadia que agrada quem assiste. O mais novo lançamento eleva a violência típica, sendo um ótimo representante do gênero slasher. 

Seguindo o quinto filme da franquia, fantasmas do passado são trazidos de volta. Todos já esperavam o retorno de Gale Weathers (Courteney Cox), mas o que deixou os fãs chocados foi a volta de Kirby (Hayden Panettiere), que teve um final aberto em Pânico 4. A personagem é bastante carismática e foi uma ótima adição ao roteiro. Outro retorno interessante foi o do personagem que iniciou toda essa trajetória, Billy Loomis (Skeet Ulrich), que está presente no longa como uma visão de Sam, sendo essencial para o seu desenvolvimento e sua batalha interna com a sua própria ética. – Gabrielli Natividade

Passagens (Passages)

O diretor Ira Sachs construiu uma carreira sobre o tema comum de relacionamentos amorosos, em suas inúmeras formas. Em Passagens, o americano se uniu ao roteirista brasileiro Maurício Zacharias para a quinta colaboração da dupla. O filme acompanha o triângulo amoroso confuso que se conecta pelo protagonista, Tomas, um homem impulsivo e indeciso sobre o que quer. 

O filme compreende que o processo de autodescoberta não é sempre agradável, muito menos linear. É um respiro assistir um protagonista que não é restrito a ser compreendido ou sequer perdoável. Como na vida real, sua trajetória pode te colocar como o vilão na história de outros. Passagens explora isso: como as nossas relações impactam as vidas de outras pessoas, aqueles que passam pelas nossas vidas e por cujas vidas nós passamos. – Giovanna Freisinger

Perdida

Fãs de Orgulho e Preconceito, Jane Austen, Bridgerton e afins, uni-vos: Perdida chegou às telas brasileiras em 2023 para surfar no nosso hype e saudade de Anthony e Edwina. Aqui, misturamos a correria de São Paulo, os amores efêmeros, a época das redes sociais e da pressa de viver da cidade com os campos, o passado, vestidos de época e cortejos do século 19. 

Apossando-se do discurso ‘eu nasci na época errada’, Sofia (Giovanna Grigio) se vê em dúvida dessa afirmação quando, de fato, é transportada para bem longe de tudo aquilo que ela conhece para ficar perto dos charmes do gentleman Ian (Bruno Montaleone).

É inegável que temos muitos clichês e poucas surpresas, mas não podemos deixar que eles ofusquem todos os detalhes e beleza do longa. Em uma produção que não fica para trás das internacionais, Perdida é um ótimo presságio para um futuro de adaptações brasileiras ainda mais brilhantes. – Clara Sganzerla

Pobres Criaturas (Poor Things)

Banhado em uma estética surrealista (e colorida em sua maioria), Pobres Criaturas conta a história de Bella Baxter (Emma Stone) e sua jornada de autodescoberta, em busca do que realmente significa ser humano. O nono filme do diretor grego Yorgos Lanthimos – conhecido por suas obras excêntricas, como Dente Canino (2009) –, baseado no romance homônimo de Alasdair Gray, apresenta um retrato cru e explícito da natureza humana desde seu estado mais primitivo até o amadurecimento e independência. Contornando essa narrativa, o filme também propõe reflexões relevantes que exploram os inúmeros lados da moeda humana, sempre de forma atemporal e intransigente.

Os momentos e diálogos provocativos são regados por performances impecáveis em personagens como a própria protagonista Bella, o charlatão Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo) e o cientista Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), sendo que cada figura possui uma personalidade única – e imperfeita, como o filme faz questão de nos mostrar. A trilha sonora abstrata e dissonante de Jerskin Fendrix casa perfeitamente com o visual absurdo da obra. Além disso, os cenários e figurinos cativam os olhos de qualquer espectador ao longo do filme, muitas vezes contrastando com os temas ásperos tratados acerca do desprendimento de quaisquer normas e padrões que a sociedade impõe a si própria. – Leandro Santhiago

Priscilla

Nas cores pastéis de Priscilla, conhecemos a história da ingênua jovem que se apaixonou por Elvis Presley. Indo de uma inocência pueril para uma maturidade adulta, Cailee Spaeny faz uma Priscilla Presley com muito louvor: a evolução marcada por mudanças no cabelo, nas roupas e na maquiagem quase nos fazem esquecer que a personagem era uma criança quando conheceu o astro do rock and roll. O filme ainda contou com a atuação divertida e levemente assustadora de Jacob Elordi como Elvis Presley. Cheio de energia e sex appeal, Elordi arrasou corações dentro e fora do longa.

Depois de On The Rocks (2020), Sofia Coppola fez seu retorno às telonas com Priscilla. Após sua estreia no 80º Festival Internacional de Cinema de Veneza e no Festival do Rio, o filme foi lançado no final de 2023 nos cinemas brasileiros. A diretora – que tem como marca registrada contar histórias sobre mulheres – traz novamente visuais graciosos, uma trilha sonora bem-pensada e uma fotografia que nos transporta para os anos 60. – Laura Hirata-Vale

Propriedade

Exibido no Festival do Rio, Propriedade traz os ecos do passado colonial brasileiro para os dias atuais. Na trama, a estilista Tereza (Malu Galli) e o marido vão para a fazenda da família e se deparam com um motim em curso. Os funcionários da propriedade ilustram uma situação de escravidão moderna: trabalham para pagar a moradia e alimentação na própria terra dos patrões, sem nenhum tipo de segurança e com os documentos confiscados até quitarem suas dívidas impossíveis. A centelha da rebelião é o anúncio de que serão despejados porque o local será vendido – mas não sem antes pagar o que devem.

Como lembra Dona Antônia, personagem vivida intensamente por Zuleika Ferreira, os trabalhadores estão naquelas terras há mais tempo que o dono atual. A tomada do controle da propriedade vem seguida de mortes e brigas internas, já que a própria abordagem dos funcionários não é um consenso entre eles. O ápice da tensão é a presença de Tereza no meio: ela conseguiu escapar da casa e ficou trancada dentro do próprio carro blindado, mas sem conseguir tirá-lo de lá.

O diretor Daniel Bandeira (de Vinil Verde) não propõe soluções fáceis. O diálogo é na base da paulada, mostrando que cada lado quer, acima de tudo, sua própria sobrevivência e liberdade. É tão fácil torcer para Tereza sair ilesa de lá quanto para as famílias que vivem na fazenda finalmente se livrarem das garras escravocratas de seus patrões. A oposição vira uma caçada e a conclusão é longe de unânime, deixando a moral da história a cargo de quem quiser pensar. – Vitória Gomez

Que Horas Eu Te Pego? (No Hard Feelings)

Há tempos que a nostalgia tem tido protagonismo quando falamos de comédias românticas, seja pelos atuais roteiros rasos, atuações fracas ou pela falta de capas icônicas com fundos brancos que ditaram sucessos atemporais. Felizmente, Que Horas Eu Te Pego? prova que ainda temos sinais de vida no gênero – e mais que isso, fazem doer a barriga!

Com uma progressão fantástica e um clímax muito bem construídos, a leveza do longa amplia todas as emoções de uma atriz veterana (Jennifer Lawrence) quando contracena com o novato Andrew Barth, além de criar uma química surpreendentemente tensa e engraçada. Em um domingo à tarde, não há escolha melhor. – Henrique Marinhos

Retratos Fantasmas

Depois de Bacurau, especulou-se muito sobre o que seria o próximo projeto de Kleber Mendonça Filho. No filme Retratos Fantasmas, o diretor volta à cidade natal e conta, pelas lentes de alguém que vive da Sétima Arte, a história dos cinemas de rua no centro de Recife. Ao mesmo tempo em que é considerado um longa-metragem, o pernambucano utiliza algumas técnicas usadas em documentários, e é aqui que ocorre o triunfo da trama. Servindo como uma forma de acervo para o próprio diretor, é através do conhecimento amplo de Mendonça Filho que o espectador avalia o desmantelamento do cinema como espaço cultural.

História, Geografia, suspense e comédia definem o sentimento após o encerramento de Retratos Fantasmas, uma vez que o diretor situa o público acerca dos pontos principais de Recife, bem como a história que ali ocorre. Fora isso, KMF também brinca com o suspense por meio da comédia e a escolha de sons que remetem ao slasher, subgênero do terror. Infelizmente, o longa não conseguiu uma vaga na disputa de Melhor Filme Internacional no Oscar 2024, mas a conversa em torno dele será imortalizada, assim como o amor pelo Cinema, que preenche e dá sustentação às obras do nordestino. – Guilherme Machado Leal

Rye Lane – Um Amor Inesperado (Rye Lane)

Rye Lane é o primeiro longa-metragem da diretora Raine Allen-Miller e conta a história de Dom e Yas, um jovem casal que passa um dia juntos aprendendo a lidar com as suas emoções após seus respectivos términos com outras pessoas. Discutindo relações e amores passados, os personagens quebram estereótipos de gênero de forma sensível e envolvente.

Remetendo também a Antes do Pôr do Sol, o filme é prazeroso e verdadeiramente apaixonante. A complexidade do relacionamento dos personagens é cativante, uma vez que pode-se observar como os dois estão dispostos a adentrar o mundo um do outro, ainda que de maneira efêmera, não tendo ao menos a certeza de que ficarão juntos no final. – Rebecca Ramos

Saltburn

Nada é notório ou exato. A obsessão de uma vida fantasiada desfruta da aparência inocente e não tem nada além de um desatino exuberante e uma cobiça em conquistar ainda mais. O glamour da aristocracia inglesa passada de pais para filhos, futuros sucessores de uma riqueza geracional, adentram o íntimo de Oliver Quick (Barry Keoghan). Oliver, calouro na Universidade de Oxford e sem relevância na esfera milionária dos outros estudantes, encontra em Felix Cotton (Jacob Elordi) uma rachadura permeável na qual ele se molda, sem dó e nem piedade, para tomar tudo que deseja. 

Em Saltburn, acompanhamos a insanidade da mente em ação, um conflito pessoal sobre se apaixonar por pessoas que detestamos. Sendo o segundo longa-metragem de Emerald Fennell, o thriller psicológico se desenrola durante o verão onde todos da elite abraçaram o delírio. Cada personagem garante uma personalidade única, camadas de luxo e uma fascinação pelo excêntrico. Acentuando com mais profundidade essa admiração pelo bizarro, a fotografia de Linus SandGren é, sem dúvidas, um dos pontos mais altos do filme. Um espetáculo entre o gótico e a estética barroca, que sustenta inteiramente a sátira macabra das diferenças de classes roteirizados por Fennell. – Ludmila Henrique

Segredos de Um Escândalo (May December)

Quando você vê a assinatura de Todd Haynes em uma produção, pode saber que é coisa boa. Se reformulando em sua filmografia, o diretor dessa vez aborda a história real de Mary Kay Letourneau e Vili Fualaau, que engataram um relacionamento quando tinham 36 e 13 anos, respectivamente. Aqui eles viram Gracie e Joe, e após as polêmicas submersas numa vida de subúrbio, tem seu passado desenterrado por Elizabeth Barry, uma atriz que passa um tempo na família para estudar Gracie, papel que ela desempenhará em um filme independente.

Com uma atmosfera de novela, muito familiar a nós brasileiros, Haynes constrói, assim como na tortura chinesa, um suspense latente que goteja em nossa cabeça até se tornar insuportável, culminando num desmoronamento daquele castelo de farsas construído por Gracie. Isso se dá, em grande parte, nas atuações do trio. Julianne Moore dá vida a uma esposa meticulosamente calculista que controla a todos em um misto de ingenuidade e poder. Natalie Portman imprime uma atriz que se deixa levar até demais pelo método e rompe barreiras éticas, enquanto Charles Melton saiu dos esgotos de Riverdale para ressurgir como um Joe atado a um escândalo, carregado de traumas que nem ele mesmo reconhece.

Segredos de Um Escândalo definitivamente merecia mais reconhecimento, seja nas premiações ou até mesmo em sua distribuição (lá fora ele é da Netflix, mas aqui chegou de maneira tímida aos cinemas para cumprir tabela na temporada). Mas isso é entendível por ser uma produção feita naturalmente para incomodar, traçando uma crítica 360º da indústria acerca de casos reais, seja pelo consumo dos telespectadores ou pelo sensacionalismo dos idealizadores, capaz de girar a faca ainda mais nos estômagos das vítimas. – Guilherme Veiga

Sem Coração

Das cinebiografias ao terror, o Brasil não deve nada ao Cinema estrangeiro. Com Sem Coração, o audiovisual nacional ganha um coming of age delicioso para chamar de seu. A trama acompanha Tamara (Maya de Vicq) em suas últimas semanas na vila pesqueira onde mora antes de se mudar para estudar em Brasília. Por lá, ela ouve falar de uma menina apelidada de Sem Coração (Eduarda Samara), que, envolta em mistério, mexe com a cabeça dela e dos amigos.

Os acontecimentos enigmáticos que envolvem a interação das duas são curiosos de se assistir, mas escondem algo ainda mais profundo por trás: o nascimento de uma conexão inexplicável, algo tão incompreensível quanto descobrir a própria sexualidade ao se apaixonar pela primeira vez. Com os cenários paradisíacos da praia alagoana ao fundo, o grupo de adolescentes aproveita o mar, invade casas alheias ao som de risadas e provocações, discutem seus futuros, medos e esperanças, e defendem uns aos outros com a própria vida, se for necessário – um companheirismo que dá saudade dos dias intensos de infância. – Vitória Gomez

Todos Menos Você (Anyone But You)

Sem Tinder, sem Instagram, sem um blind date arranjado pela melhor amiga e sem flertes por mensagem, Todos Menos Você consegue resgatar o clichê do acaso como o brilho especial para o romance de Bea (Sidney Sweeney) e Ben (Glen Powell). Aproveitando-se também da famosa e adorada fórmula enemies to lovers (ou seria lovers to enemies to lovers?), a direção de Will Gluck  fez sucesso não só por preencher a falta de romcoms de qualidade do catálogo, mas pela química e tensão sexual entre os protagonistas.

Para viralizar dentro e fora das redes e resgatar a magia de um bom romance em tela, bastou adicionar ao roteiro uma viagem internacional, um casamento na praia, um quarteto amoroso, algumas cenas vergonhosas (que só quem assistiu Cassie Howard conseguiu sobreviver sem tantos arranhões) e uma trilha sonora chiclete para que o assunto do momento fosse, ao som de Unwritten, Todos Menos Você. – Clara Sganzerla

Todos Nós Desconhecidos (All Of Us Strangers)

A produção de Andrew High, Todos Nós Desconhecidos, ganhou notoriedade principalmente pelos outros trabalhos dilacerantes, mas indiscutivelmente encantadores, dos protagonistas. Lançado em Dezembro de 2023, o longa criou um imaginário coletivo sem muitos precedentes. 

A princípio, acompanharíamos o nascer do relacionamento de um escritor de meia idade solitário, Adam (Andrew Scott), e seu novo vizinho Harry (Paul Mescal). Mas, sem qualquer aviso prévio, tudo começa a fazer sentido enquanto nossas expectativas se quebram em mil pedaços.

Desde a fotografia (Jamie D. Ramsay) à montagem (Jonathan Alberts), a veia artística  e representativa é muito forte. Nos imaginamos em seus lugares e vivemos um amor recente em seu impulso mais primitivo. Em ambientações noturnas e dramáticas, Todos Nós Desconhecidos vale cada segundo de emoção, dúvida e lástima. – Henrique Marinhos

Um Pacto de Amizade (Prom Pact)

Mandy Yang (Peyton Elizabeth Lee) tem um sonho: ir para Harvard. Porém… ela foi para a lista de espera. E agora? Seguindo a recomendação de Ms. Chen (Margaret Cho), sua conselheira escolar, a estudante vai atrás de uma carta de recomendação. Usando um método ambicioso e – no mínimo – curioso, a menina resolve se aproximar do garoto mais popular da escola, o jogador de basquete Graham Lansing (Blake Draper), cujo pai é senador e ex-aluno da faculdade mais desejada pela protagonista. Enquanto isso, Yang firma um pacto com seu melhor amigo, Ben Plunkett (Milo Manheim): ir ao baile de formatura juntos.

Um Pacto de Amizade é, de várias formas, uma ode à nostalgia. Com muitas referências aos famosos filmes sobre o Ensino Médio americano, como a querida trilogia High School Musical, podemos retornar à infância recheada pela Sessão da Tarde e pelo Disney Channel por meio do Disney+. Além disso, o longa ainda homenageia os anos 80: a década foi o tema escolhido pelos alunos para o prom, o famoso baile de formatura estadunidense. – Laura Hirata-Vale

Vermelho, Branco e Sangue Azul (Red, White & Royal Blue)

Baseado no livro homônimo de Casey McQuiston, o filme Vermelho, Branco e Sangue Azul mergulha em um romance LGBTQIA+ entre o filho da presidente dos Estados Unidos, Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez), e o príncipe da Inglaterra, Henry (Nicholas Galitzine). A adaptação, dirigida por Matthew López, acerta em cheio ao satisfazer o novo desejo de Hollywood à volta das comédias românticas, ainda mais com a inclusão queer que tanto ansiamos.

O longa captura com detalhe as delicadezas e intensidades do início de uma relação, explorando o desenvolvimento do relacionamento entre Alex e Henry, desde a inimizade até o amor. As cenas sensuais, bastante intensas até para o Prime Video e bem dirigidas, contribuem para a química inegável entre os protagonistas. Outro ponto positivo é a fotografia de Stephen Goldblatt, que, apesar de sofrer com algumas telas verdes, captura muito bem as emoções dos personagens e o contraste de seus sentimentos.

Além disso, a adaptação consegue superar o livro original em alguns aspectos, principalmente na construção dos diálogos, na dinâmica do relacionamento entre Alex e Henry e a pitada de humor e energia feminina evocadas por Uma Thurman no papel de presidenta dos EUA e por Sarah Shahi como chefe de gabinete. Considerando a produção como um todo, Vermelho, Branco e Sangue Azul é um filme divertido que acalenta o coração, com algumas falhas apressadas, mas que não impedem que seja uma experiência agradável e memorável. – Arthur Caires

Vidas Passadas (Past Lives)

Felizmente, ao menos uma vez por ano, o Cinema passa pelo momento em que uma nova estrela entra em cena. Isso aconteceu em 2022 com o célebre Aftersun, de Charlotte Wells, e em 2023 com o terno Vidas Passadas, de Celine Song. O longa acompanha a trajetória de dois amigos de infância ao longo dos anos através de reencontros e separações. É uma história melancólica e significativa sobre duas pessoas, as crianças que foram e os adultos que se tornaram.

A estreia de Celine Song na direção vai além de qualquer expectativa ao passo que ela tece, com muita habilidade, uma vasta combinação de emoções que é, ao mesmo tempo, sutil e profundamente sincera. Past Lives (no original) é, em sua essência, uma ode ao amor que se esvai. Uma narrativa assombrada pelas milhares de possibilidades daquilo que nunca aconteceu, mas que, ainda assim, consegue enxergar a beleza e o valor do tempo e das lembranças. – Raquel Freire

Wonka

Revisitar o passado de uma personalidade tão marcante no universo cinematográfico pode ter seus desafios. Sendo um prequel de A Fantástica Fábrica de Chocolate (1971), Wonka apresenta as primeiras aventuras de Willy, antes de se tornar o incrível chocolateiro metade mágico que conhecemos. Dos mesmos diretores de Paddington (2014), Paul King se dedicou em contar uma boa e açucarada história, mantendo a essência das outras adaptações, mas construindo uma narrativa nova e criativa. 

A composição da obra não poupou em parecer exagerada – do enredo até os efeitos visuais permeia-se o fantástico, brincando com o imaginário e resgatando nosso lado sonhador. A cereja do bolo foi Timothée Chalamet como protagonista. O ator, além de cantar, entregou um lado mais inocente e amigável do personagem, distanciando-se totalmente da imagem enigmática promovida por Tim Burton e executada por Johnny Depp em 2005. – Ludmila Henrique

O post Os Melhores Filmes de 2023 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O último ano foi para a Literatura rico em experimentações. Com obras de gêneros distintos e um movimento de mais espaço para possibilidades, os resultados foram páginas cobertas por amor, descobertas, dores e muito mais do que o sentir pode proporcionar. Assim, chegamos a lista selecionada pela Editoria do Persona, que compõem as escolhas para representar Os Melhores Livros de 2023. 

É importante que lembremos que além de propícia para  novas ideias, a temporada marcou eventos importantes para a representatividade no meio literário. Em Outubro, tivemos o primeiro indígena eleito como imortal pela Academia Brasileira de Letras (ABL), o autor Ailton Krenak, que assina sucessos como Ideias para Adiar o Fim do Mundo e Futuro Ancestral. 

Outro marco foi a presença de autores negros em espaços de reconhecimento. Na Festa Literária de Paraty (Flip) do último ano, o principal nome da programação era o de uma das autoras negras mais faladas do Brasil na atualidade, Conceição Evaristo. Além de discursos essenciais e uma contribuição literária notável, a presença da escritora no evento literário inspira e carrega muito significado. 

Muitos centenários também foram comemorados no período, como o de nascimento da autora Wislawa Szymborska, vencedora do Prêmio Nobel de Literatura de 1996. Além dela, Eugénio de Andrade (As Mãos e os Frutos), o poeta surrealista Mário Henrique Leiria, o ensaísta Eduardo Lourenço e Mário Cesariny fizeram parte da lista de centenários e foram celebrados. 

Entre tantos marcos, fica a esperança de um momento ainda mais doce para o mundo dos livros está por vir. Enquanto isso, você confere a lista dos textos que se destacaram para o Persona no ano de 2023 e aproveita dicas de leitura variadas. Para todas as preferências, fica o gosto de obras plurais e extremamente ricas em cultura, liberdade e a vontade de transformar cada capítulo. Boa leitura!

Ana Martins Marques – De uma a outra ilha

Escrito pela poetisa brasileira Ana Martins Marques, De uma a outra ilha coloca em palavras a cartografia de um lugar: a ilha de Lesbos. A obra, que foi lançada em Julho de 2023, se comporta como um manifesto político contra a morte de imigrantes e a crueldade das fronteiras estabelecidas entre os territórios. O escrito é sensível, mas mantém a força de suas afirmações e posicionamentos a cada linha, estabelecendo uma relação entre o que é autoral e o que é retomado do conjunto de Poemas e fragmentos, de Safo. 

Lesbos é um ambiente conhecido pelo alto fluxo de imigração européia de pessoas que estão tentando passar pela Grécia. No entanto, diante da política indiferente quanto a essa população, o espaço se tornou uma espécie de purgatório de vivos, além de testemunhar mortes recorrentes das pessoas tentando se deslocar pelo oceano. Assim, a literatura de Marques se coloca a repreender o cenário lamentável através de escolhas lexicais delicadas e bem marcadas. Nas linhas suaves de um poema extenso, o livro sangra em águas turbulentas. – Jamily Rigonatto 

Annie Ernaux – Paixão Simples

Annie Ernaux se tornou uma das figuras mais influentes da Literatura nos últimos anos. Com seus textos destrincha coisas complexas em vocábulos diretos e brutos, mas Paixão simples, que chegou ao Brasil pela Fósforo em 2023, tem algo de diferente. O livro relata uma paixão que a autora teve por um homem um pouco mais jovem e casado, chamado de A.. 

O apaixonar-se soa obsessivo e dá origem a uma Ernaux fora das linhas, que dispensa seus livros em nome de assistir novelas junto com o homem. É como se seu cérebro funcionasse de forma completamente irracional e isso se reflete no ritmo da leitura, no qual as páginas são caóticas e mais rápidas que o habitual de seus escritos. Assim, a ganhadora do Nobel de Literatura é, mais uma vez, sensacional, quando descreve as dores, tensão, o desespero e o desejo que ultrapassam qualquer limite. A paixão continua um sentimento complexo, mas Annie Ernaux prova simples é deixá=lo pulsar. – Jamily Rigonatto

bell hooks – Irmãs do Inhame: mulheres negras e autorrecuperação 

No seu tempo como educadora em universidades norte-americanas na década de noventa, bell hooks entendeu rapidamente a necessidade de existir um grupo de apoio que acolhesse as dores e preocupações singulares de suas alunas negras, dessa maneira, surgiram as Irmãs do Inhame. Inspirada pelo romance The Salt Eaters de Toni Bambara, o nome do coletivo nasceu da importância do tubérculo nas comunidades negras, que além de atuar na alimentação e nutrição do corpo, também é um símbolo das conexões diaspóricas. 

Distanciando da terapia convencional, que em grande parte desconsidera ‘raça’ como um fator importante na autorrecuperação e no entendimento da saúde mental de pessoas negras, as Irmãs do Inhame miravam no afastamento do auto-ódio canalizado pela baixa autoestima e priorizavam o bem-estar por meio do diálogo. Em Irmãs do Inhame: mulheres negras e autorrecuperação, a autora registra que ao externalizar suas feridas com pessoas que compreendem das mesmas dores, assim como todo o ato de pessoas negras procurando ajuda sobre o seu interior pessoal, passam a fazer parte de uma prática de política libertária. 

O livro é um compilado dos ensinamentos desenvolvidos durante anos entre bell hooks e suas discentes. Interligando acontecimentos pessoais da própria autora com contextos históricos que envolvem o racismo e a pessoa mais afetada por ele: a mulher negra. Uma obra que lida com o humano, uma humanidade que possui feridas abertas nos corpos, mentes e espíritos, e que ainda não conquistou serenidade plena com o seu próprio eu. – Ludmila Henrique

Britney Spears – A mulher em mim

Após incontáveis documentários sobre a sua trajetória, inúmeras suposições em torno de sua vida particular e idas mais do que suficientes para a corte estadunidense na luta pelo fim de sua tutela, Britney Spears decidiu que estava pronta para contar a sua versão dos fatos na autobiografia A mulher em mim. Exatamente como está acostumada nos palcos, o livro é a versão mais poderosa da artista, mesmo com os seus momentos mais vulneráveis sendo revelados.

É nos registros mais desafiadores que Spears assume e liberta essa força feminina dentro dela, que lidou com tantos obstáculos que atravessam a existência das mulheres. Partindo desde as mazelas de existir em uma sociedade historicamente patriarcal, passando pelas distintas experiências com a ideia de maternidade até, em seu caso em específico, ser uma superstar em uma indústria musical que se alimenta da queda de suas estrelas.

A mulher em mim tem o essencial de uma boa autobiografia: segredos, polêmicas e uma contextualização que já atrai, logo de cara, a opinião pública para o lado de Britney Spears; invertendo um cenário de hostilização de décadas. Por vezes, a escrita é tão familiar que mais parece um compilado das legendas da Princesa do Pop no Instagram, felizmente, sem a quantidade desconcertante de emojis. – Nathalia Tetzner

Elisa Lucinda – Parem de Falar Mal da Rotina

Parem de Falar Mal da Rotina, em nova edição, evoca o palco de teatro e as poesias de sucesso que Elisa Lucinda faz há mais de 20 anos com o seu monólogo de mesmo nome. Nesta versão, a atriz evoca novamente o projeto da peça de tremendo sucesso: enxergar a beleza da vida – o nascer do sol, o pôr do sol – nos momentos em que, muitas vezes, a gente desdenha por ser rotineiro.

Elisa Lucinda, que tem uma destreza magnífica ao escrever – é uma autora (uma das muitas coisas que Elisa é com grande brilho) que nos emociona em um verso e no outro nos faz rir logo em seguida. Parem de Falar Mal da Rotina, é certo, comunica com todos que aqui estão presente – como a peça faz também -, entretanto, para quem ainda não teve a oportunidade de experimentar o espetáculo ao vivo, o livro nos dá um gostinho de querer mais. A narração dos fatos, do cotidiano, da rotina, sem dúvidas, não fica chato quando a maravilhosa Elisa Lucinda nos conta. – Marcela Lavorato

Felipe Charbel – Saia da Frente do Meu Sol 

Felipe Charbel, romancista brasileiro, imerge em mais uma história que se desenvolve entre segredos familiares no recente Saia da Frente do Meu Sol. Caracterizado pelo vazio de informações totalmente proposital, Tio Ricardo levantava diversas questões sobre sua vida misteriosa após seu falecimento e enterro, onde poucas pessoas compareceram.

Com um desenvolvimento leve e coerente, Charbel não pula etapas ao mostrar para o leitor sobre cada detalhe que descobre a respeito da vida do tio. O público é outro personagem, e se choca ao mesmo tempo que o protagonista do livro. Contagiante e madura são as palavras que definem a leitura fluida que o carioca consegue passar em suas obras, e Saia da Frente do Meu Sol é mais uma prova. – Amabile Zioli

Georges Perec – Ellis Island

A ausência não deixa de ser uma personagem recorrente na literatura do autor francês Georges Perec. A falta de um caractere, de um enredo sólido ou de respostas a perguntas que, além de conduzirem a construção histórica e poética de Ellis Island, existem para reconstituir os arquivos e acontecimentos de um espaço que ergue-se pela amnésia. Em uma escrita objetiva, o escritor traça a genealogia da imigração e os múltiplos sentidos dessa ilha – nas palavras de Perec um ‘‘lugar de ausência de lugar, o não lugar, o lugar nenhum’’ – onde se criou os Estados Unidos da América: um espaço de trânsito e despersonalização no qual emigrantes tornaram-se imigrantes; onde as histórias de pessoas de todos os cantos do mundo – italianos, judeus, porto riquenhos e cambojanos – eram submetidas a análise para, então, darem força e trabalho ao que viria se tornar a maior nação do mundo.

Os inquéritos de Perec – ‘‘como descrever?/ como contar?/ como olhar? (…) como ler esses rastros?’’, que mais soam como lamentos, diferentemente dos agentes de imigração que articulavam o futuro de pessoas em clausura no espaço da ilha – são, em si, formas de retratar um tema caro também a artistas como Meredith Monk e inseri-lo, a partir do poema, em um tempo não linear e constante. Ellis Island não existe mais enquanto um centro de detenção e inspeção de imigrantes a qual a Estátua da Liberdade já anunciava paradoxos e mentiras, mas na condição de um monumento histórico que ainda inquieta a quem procura respostas a uma ancestralidade pautada na diáspora, vasta em meio a dezesseis milhões de histórias individuais. O inquietante poema de Perec, no entanto, faz da ruína e do vazio uma memória potencial à pequeneza perdida e encontra sua própria identidade nessa busca. – Enzo Caramori

Gilberto Gil e Daniel Kondo – Nós, a gente 

Nós, a gente, livro organizado por Guilherme Gontijo Flores, é a materialização em artes visuais das poesias belíssimas compostas por Gilberto Gil. Com ilustrações de Daniel Kondo nas 40 músicas selecionadas, as canções escolhidas têm em comum a temática do amor à família. A obra foi concebida na época em que o cantor estava comemorando seus 80 anos, em 2022, e saindo pela Europa com a turnê Nós, A Gente – nome homônimo ao do escrito -, sendo tudo registrado no documentário Viajando com os Gil. 

Em Nós, a gente, além de ser uma ótima experiência escutar as músicas à medida em que analisa as artes das canções, também é possível ter acesso às entrevistas conduzidas por Guilherme e Daniel com Gilberto Gil e Flora Gil. Com sua calma e leveza, Gil nos mostra toda a sua bagagem – principalmente o núcleo familiar – que constituiu durante seus 80 anos de vida. Não sendo diferente, Flora também nos mostra a felicidade de ter uma família unida. 

No geral, o livro é uma grande celebração de vida de Gilberto Gil. Tudo o que foi construído e feito merece essa cerimônia literária e visual, ainda mais quando se está acompanhado de familiares. Por fim, temos acesso à grandiosa árvore genealógica do artista e também a algumas fotos, com legendas de sua neta, Flor Fil, dos bastidores da turnê europeia. É uma escrita deliciosa de se saborear. – Marcela Lavorato

Hayley Kiyoko – Girls Like Girls

Hayley Kyoko marcou a juventude de uma geração de pessoas lgbtqia+ quando começou a cantar sobre o amor entre meninas, especialmente, com o lançamento de Girls Like Girls em 2015. A música, que acompanhava um clipe adorável, alimentou fanfics sáficas por anos, e agora, as teorias se concretizam nas páginas de Girls Like Girls: Uma história de amor entre garotas

O livro aprofunda a relação entre as protagonistas do videoclipe, Coley e Sonya, duas jovens em idade escolar com diferentes desafios a enfrentar, mas uma conexão inexplicável em comum. Ao passar das páginas, a história mescla os clichês que ensolaram a alma com os desafios da autodescoberta, fazendo tudo ser doce, lindo e, ainda assim, extremamente próximo dos medos da vida real. Traduzidas por Helen Pandolfi, as palavras de Hayley nos transportam de volta à adolescência e restauram o desejo de viver um amor tão sincero como o de Gilrs Like Girls. – Jamily Rigonatto 

Itamar Vieira Júnior – Salvar o fogo

Em Salvar o fogo, Itamar Vieira Junior novamente nos apresenta uma história difícil de engolir e com muita verossimilhança em relação à sociedade brasileira. Contando as narrativas de uma família agricultora no interior da Bahia – que acaba sendo dividida pelas violências direcionadas aos familiares -, o autor nos oferece um processo de escrita muito arrebatador e necessário, evidenciando as inúmeras agressões da realidade brasileira. O livro, dessa maneira, acaba se tornando uma manifestação de denúncia contra as hostilidades que agridem exclusivamente às pessoas negras, indígenas, mulheres, crianças, pobres, agricultores e de religiões de matriz africana ou indígena. 

Em 320 páginas, Vieira Junior sintetiza, de forma adequada e avassaladora, a história desse Brasil invadido há 500 anos. Exaltando a natureza e seu poder, o romancista brinca com as palavras ao associar as passagens das personagens com os elementos naturais, trazendo um lirismo muito bonito e interessante de se pensar, já que a destruição da natureza reflete diretamente a destruição também da humanidade. Com isso, Moisés, Luzia, Alzira, Mundinho, entre outros, não serão as últimas personagens que denunciam essa realidade perversa e racista – assim como não foram as primeiras -, entretanto é certo que a prosa criada por Itamar traz consigo, não só dessa forma, mas uma das mais potentes no enredo, a denúncia através do resgate dos saberes ancestrais afro indígenas no combate à essa realidade da necropolítica. – Marcela Lavorato

Mariana Enriquez – Os perigos de fumar na cama

Durante 12 contos de Horror, Mariana Enriquez faz de Os perigos de fumar na cama um pesadelo violento, impossível de ser digerido facilmente. Aqui, essa é justamente a intenção. Entre becos de uma Barcelona assombrada a ruas de uma Argentina que se lembra, a autora argentina trabalha o terror a partir do rotineiro, da barbaridade de pessoas contra elas e as próximas, e da memória de uma nação frente os horrores do passado.

A descritividade é bruta, o retrato pintado por Enriquez é visceral em um terror tão social quanto político. Os preconceitos são expostos com todas as palavras, sem disfarces, para mostrar que o aterrorizante acontece no dia a dia. Com uma dose de sobrenatural e fantasia, Os perigos de fumar na cama deixa a experiência ainda mais tensa com seus 12 finais em aberto, livres para a imaginação do leitor vagar solta. – Vitória Gomez

Mark Kermode – O Exorcista: Segredos e Devoção

Não se engane: O Exorcista: Segredos e Devoção não é uma reedição do livro original de 1971, tampouco do clássico O Exorcista, de 1973 (ou de qualquer uma de suas versões). Na verdade, a edição é uma obra comemorativa aos 50 anos do lendário filme do Horror, mostrando como a recepção do público ao lançamento e o contexto social dos Estados Unidos da década de 1970 o tornaram um fenômeno capaz de fazer pessoas desmaiarem nas salas de cinema.

No livro, Kermode, crítico cultural aficionado pelo romance de William Peter Blatty – que deu origem ao roteiro do longa-metragem homônimo -, revela os bastidores das gravações, os atritos entre Blatty e William Friedkin (diretor de O Exorcista) e como algumas das cenas mais memoráveis da Sétima Arte foram confeccionadas. Entrelaçando o imaginário popular às intenções da obra e do livro, O Exorcista: Segredos e Devoção compartilha segredos com os fãs de Horror, em uma experiência visual deslumbrante nas páginas tão famosas da Darkside. – Vitória Gomez

Matthew Perry – Amigos, Amores e Aquela Coisa Terrível

A sentença “Eu devia estar morto” pode parecer muito forte para qualquer um que inicie Amigos, Amores e Aquela Coisa Terrível no escuro. A autobiografia do ator e escritor norte-americano conta de forma crua os altos e baixos de sua carreira e toda a sua trajetória, envolvendo momentos marcantes na infância, conquistas profissionais que um dia eram impensáveis, e o fundo do poço, onde ele se enxergou em vários momentos.

Não precisa ser fã de Friends para apreciar cada parágrafo do livro, que, ao mesmo tempo que parece uma confissão do artista, também soa como um diário extremamente íntimo. É claro que para quem viu Matthew crescer e evoluir com a sitcom, tudo se torna ainda mais pessoal: após seu trágico falecimento, Amigos, Amores e Aquela Coisa Terrível eterniza o legado inesquecível de Matthew Perry. – Amabile Zioli

Milly Lamcobe – O ano em que morri em Nova York

Romance autobiográfico de Milly Lacombe, O Ano em que Morri em Nova York: Um romance sobre amar a si próprio trabalha com o conceito de morte em vida. No texto, a protagonista termina um relacionamento de mais de dez anos com sua esposa por conta de uma traição, descobre que a melhor amiga está com câncer de mama e retorna a uma versão que há muito não encarava em seu país de origem, o Brasil. Rodeada pelas migalhas deixadas por tudo que já foi inteiro, a jornada se torna ressuscitar em si. 

Batendo de frente com dores não vistas antes, o momento é doloroso e cheio de dúvidas, mas essenciais para que a personagem, que representa a própria Lacombe, adentre o seu interior e redescubra quem ela é, independente de suas relações, trabalho ou demais definições. As 256 páginas são um verdadeiro liquidificador emocional, tudo gira o tempo todo e não dá espaço para monotonia, afinal, se trata de uma trajetória linear. Assim, a obra deixa reflexões sobre nós mesmos e como deixamos nossa principal prioridade de lado: o eu. – Jamily Rigonatto

Olivie Blake – Nós dois sozinhos no éter

Sob o pseudônimo de Olivie Blake, Alexene Farol Follmuth presenteia o público jovem adulto com Nós dois sozinhos no Éter. O texto conta a história de Aldo Damiani e Charlotte Regan, duas personalidades opostas que no magnetismo de sentir não conseguem mais se afastar. Apesar de, à primeira vista, soar como um grande clichê enemies to lovers, a obra é muito mais que isso. 

Em 336 páginas, Blake se dispõe a uma missão: desenvolver cada faceta dos personagens. Assim, conseguimos entender seus bastidores para nos apaixonarmos pelo relacionamento. Trabalhando com traumas, questões psicológicas e familiares, a obra traduzida por Carlos César da Silva mostra tudo em corações desarmados. O doce de Nós dois sozinhos no Éter vive na complexidade de testemunhar ruínas individuais compartilhando uma mesma construção. – Jamily Rigonatto

Príncipe Harry – O que sobra

Vazamentos e declarações polêmicas frente a um contexto nada favorável para a monarquia britânica culminam em O que sobra, a autobiografia do Príncipe Harry. Acostumado a estampar os tabloides mais sensacionalistas no começo do século, o livro que traz a perspectiva do ‘patinho feio’ é, possivelmente, o último ato culturalmente relevante de algum membro da Família Real; fadada ao enfraquecimento gradual devido a perda de apoio popular a cada ano. 

Não há nada tão humano quanto simpatizar com aquele que consideramos ser o injustiçado da história e, na mesma medida, a satisfação em assisti-lo fazer a sua justiça é extremamente prazerosa. A narrativa de O que sobra se encaixa perfeitamente nesse cenário, afinal, ainda que Príncipe Harry não seja, de fato, um pobre menino largado à sorte pelo mundo, até as passagens mais fúteis de sua trajetória são escritas muito bem, facilmente transitando pelo gênero de autoajuda. 

A autobiografia chegou às livrarias já com um certo cansaço por parte do público, irritado com as centenas de declarações espalhadas pelas redes sociais ou que já não aguentava mais ouvir falar sobre Harry e Meghan Markle, dado que a série documental do casal havia estreado há poucas semanas. Embora falhe em alguns sentidos, O que sobra apresenta uma linha de raciocínio que cativa fácil, sendo um dos retratos mais importantes dos últimos anos. – Nathalia Tetzner

Rita Lee – Outra Autobiografia

Perder Rita Lee em Maio de 2023 foi doloroso e deixou para os fãs a saudade de alguém insubstituível para a Música e para o mundo. No entanto, o lançamento de Rita Lee: Outra autobiografia alguns dias depois, na comemoração de Santa Rita de Cássia, chegou como um abraço caloroso. O texto trabalha os seus dois últimos anos de vida, mas não é nada melancólico. Cruel, irônico e verdadeiro seriam adjetivos melhores para definir, afinal, a Rainha do Rock nunca foi de chorar pitangas. 

Os desafios enfrentados pela cantora não ficam de lado do relato, são bastante fortes e cheios de detalhes. Ainda assim, somos capazes de sentir como a mulher que pelo amor roubaria os anéis de saturno estava pronta para lutar e lidar com tudo, consciente como alguém que teve uma vida extensa e muito bem resolvida. Rita não tinha autopiedade no coração e nos faz acreditar que realmente estava com sua missão cumprida quando partiu, e é claro, tudo isso com a personalidade única marcada a cada trecho. Ler Rita Lee: Outra autobiografia coloca o luto em segundo plano mesmo com a inevitável companhia da morte. – Jamily Rigonatto 

Tobias Carvalho – Quarto Aberto

Em lentes almodovarianas, talvez o primeiro romance do premiado Tobias Carvalho daria centro ao fato de seus personagens poderem ser descritos como gays a beira de um ataque nervos ou até mesmo ao labirinto da lei do desejo que, em suas diversas complexidades individuais e uns com os outros, são desafiados a atravessar. Mas longe de qualquer uma dessas descrições melodramáticas, Quarto Aberto partilha do um realismo que marca a escrita do autor e que, diferentemente dos contos de seu antecessor Visão Noturna e mais próximo do vencedor do prêmio Sesc de Literatura As Coisas, parte do ímpeto da ficcionalização de um determinado recorte da realidade de experiências de homens gays, sem que tal exercício comprometa a maestria literária de sua escrita.

Em um universo muito próprio da realidade íntima de seus personagens – homens gays que lidam com suas interioridades e suas próprias trajetórias ao mesmo tempo que habitam a cidade afora em aplicativos de sexo ou como drag queens – Carvalho constrói uma análise dos relacionamentos que distancia-se do usual em algo que poderia ser chamado de uma gay-lit; sem colocar como centro apenas a relação de seu protagonista com indecisões e triângulos e quadriláteros amorosos. – Enzo Caramori

Olivia Pilar – Um traço até você

Apaixonante, Um traço até você de Olívia Pilar, trouxe para as jovens negras sáficas o que elas precisavam para se sentir representadas em um clichê que não ignora os desafios do contexto social. Protagonizada por Lina, a narrativa detalha os choques de uma menina que sempre viveu com privilégios financeiros ao se deparar com um contexto racista que a impede de ocupar todos os lugares em nome da discrimação.

Em meio a autodescoberta, que já seria suficiente para construir uma obra completa, surge Elza. O relacionamento entre as personagens é doce e inspirador, mas, principalmente, essencial para a evolução e crescimento das duas, que se ensinam, compreendem e crescem juntas. O ritmo gradual faz com que tudo se encaixe e, ao final, tenhamos uma Lina mais forte e rodeada por maturidade. Em suma, a cumplicidade de amar em Um traço até você é muito maior que as borboletas no estômago. – Jamily Rigonatto

Won-pyung Sohn – Amêndoas

Amêndoas, livro de estreia da diretora e romancista sul-coreana Won-pyung Sohn, conta a história de Yunjae, um jovem que possui uma condição neurológica chamada alexitimia. Suas amígdalas cerebelosas – chamadas de ‘amêndoas’ pelo protagonista por conta da semelhança física entre elas – são subdesenvolvidas e, por isso, ele é incapaz de identificar e expressar sentimentos.

Com capítulos curtos, uma história diferente daquelas que geralmente são oferecidas e uma linguagem simples, é difícil deixar a leitura de lado. A obra explora a adolescência, o significado das emoções, a diversidade da vida e da trajetória de cada um, mas seu foco principal é a importância de criar laços. Amêndoas é um coming of age extremamente sensível, que destaca como o amor é capaz de fazer “de alguém um ser humano, assim como o que faz de alguém um monstro”, como descreve a autora. – Raquel Freire

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Muitos dos que se propõem a maratonar a lista dos indicados ao Oscar se esquecem dos curtas-metragens. O desinteresse pela categoria as impede de experienciar histórias valiosas e marcantes em diferentes temáticas e formatos – animação, live-action ou documentário. Os curtas são capazes de explorar qualquer assunto em um tempo limitado sem parecer superficial, te fazem rir, chorar, se inspirar, apaixonar e, às vezes, tudo isso ao mesmo tempo. 

Na ficção, as produções selecionadas pela Academia para a 96ª edição da premiação abordam desde temas coletivos como aborto, abuso infantil e o holocausto, até questões subjetivas e individuais como o luto e memórias da infância. Na categoria documental, as obras retratam, além da vida pacata de duas senhoras e do impacto da música no desenvolvimento de estudantes, denúncias sociais sobre a proibição de livros em escolas, a disparidade econômica-racial e questões diplomáticas. Mesmo que de forma breve, não falham em se aprofundar em temáticas complexas.

Os curtas não ficam para trás dos longas-metragens, nem em qualidade da história, relevância ou impacto emocional. Apesar de serem desvalorizados em relação aos principais prêmios da noite, você só tem a ganhar dando uma chance para essas narrativas. O Cineclube de curtas do Persona vem com essa finalidade: valorizar as produções indicadas e, quem sabe, te incentivar a conhecer um pouco mais sobre essas histórias. – Amabile Zioli e Giovanna Freisinger

Melhor Curta-metragem Live-action

A Incrível História de Henry Sugar 

Em parceria com a Netflix, Wes Anderson lançou uma série de quatro curtas na plataforma – A Incrível História de Henry Sugar, O Cisne, O Caçador de Ratos e Veneno. O primeiro, indicado ao Oscar de Melhor Curta-Metragem Live-Action, é a representação fiel do livro homônimo de Roald Dahl que conta a história do mágico paquistanês Kuda Bux, vivo durante os Anos 1990. 

As características marcantes da direção de Anderson estão presentes mais uma vez no curta. A centralização perfeccionista e a atuação teatral tornam o live-action  contagiante e fazem 40 minutos parecerem 10. Para fãs do diretor, essa é sua volta triunfante para o mundo das adaptações. O elenco e roteiro são peças-chave para esse sucesso: com a quebra da quarta parede em diversos momentos, o espectador se sente mais próximo da cativante história de Henry Sugar. – Amabile Zioli

The After 

The After aborda um tema sensível ao qual estamos expostos em nosso dia a dia. Sempre  acostumados com a rotina, qual seria nossa reação diante de uma tragédia inesperada? O que poderia ser só mais um dramalhão vira um curta com um grande exemplo de reflexão e resiliência, uma obra sobre a empatia e o desconhecimento da jornada individual de cada um. 

Em decorrência do trauma, a vida de Dayo, interpretado por David Oyelowo (Selma: Uma Luta Pela Igualdade, 2014) muda completamente após uma morte na família. Sua carreira bem-sucedida foi para o espaço: o protagonista vai de um executivo de sucesso a um motorista de aplicativo. Tentando se reconstruir, mas com o peso do passado ao seu lado, durante uma viagem, o encontro com uma passageira o obriga a encarar sua jornada de dor. The After vai além da dor do personagem principal e entrega um curta-metragem sobre o próximo, sua história e seu legado. A abordagem, o roteiro e personagens, todos são levados a encarar o luto, em uma aula de amor que toma poucos minutos do seu tempo e irá te emocionar e refletir. – Rafael Gomes

Invincible 

Inspirado na trágica história real do amigo de infância do diretor Vincent René-Lortie, Invincible é um conto devastador sobre a juventude. Em sua primeira cena, o curta define o tom da história que caminha para um final inevitável, acompanhando como o protagonista, Marc, um garoto de 14 anos, chega até esse ponto. A direção conquista uma conexão emocional com o personagem e a história, tornando impossível para o espectador não se envolver.

O menino está sob a tutela de um centro de detenção juvenil, mas a história escolhe focar no indivíduo e seus sentimentos, ao invés das ações que o levaram por esse caminho. A performance do jovem Léokim Beaumier-Lépine é o destaque da obra: o ator consegue comunicar emoções complexas e conflitantes apenas com suas expressões, como uma janela para o que ocupa a mente do personagem durante as 48 horas em que se passa o filme. – Giovanna Freisinger

Knight of Fortune 

Knight of Fortune é uma representação comovente e realista de pessoas passando por dores inimagináveis e, mesmo assim, encontrando do que rir. O curta-metragem de Lasse Lyskjær Noer ilumina as inexplicáveis nuances e ironias do luto. Karl, recém viúvo, visita uma capela para se despedir de sua falecida esposa, mas não consegue reunir a coragem para vê-la daquele jeito e pela última vez. 

O diretor encontra o humor no absurdo das coisas trágicas que não tem razão. Durante seus 25 minutos de duração, o curta é igualmente engraçado e arrebatador, conquistando ambos por sua honestidade brutal. As atuações são de uma sensibilidade ímpar e o que faz a história funcionar. Leif Andrée como Karl e Jens Jørn Spottag como Torben, outro viúvo que cruza o caminho do protagonista no momento em que ele mais precisa, compreendem como a dor compartilhada conecta as pessoas. – Giovanna Freisinger

Red, White and Blue

Embora nenhum curta-metragem deva desbancar o favoritismo de A Incrível História de Henry Sugar, Red, White and Blue chega o mais próximo possível. Na história, uma mãe solo de duas crianças (Brittany Snow), passando por dificuldades financeiras e para criar os filhos, viaja pelo país para realizar um aborto. Ao chegar no destino, a descoberta da real motivação da protagonista é desestabiliza qualquer espectador.

Com performances tocante de Snow e da jovem Juliet Donenfeld, que interpreta a filha mais velha, o curta envolve ao apresentar uma relação de parceria entre mãe e filha que, diante de uma adversidade, se aprofunda ao som das músicas no rádio e das paradas no caminho da viagem. Apesar da conclusão dilacerar o coração, a direção e roteiro de Nazrin Choudhury arriscam a subjetividade e sensibilidade de Red, White and Blue em nome de um plot twist didático demais. – Vitória Gomez

Melhor Curta-metragem Documental

The ABCs of Book Banning

Partindo de uma premissa interessante – combater a restrição de livros nas escolas dos Estados Unidos através das opiniões dos leitores, as crianças —, The ABCs of Book Banning consegue falhar tanto na execução que o grande destaque acaba sendo o depoimento de Grace Linn, uma senhora de 100 anos, e não uma fala de algum ser pequeno apaixonado pelo universo das palavras. Indicado ao Oscar 2024 de Melhor curta-metragem documental, o filme usa algumas cartas extremamente estadunidenses, como a constante menção à suposta liberdade incondicional do país e a construção de uma atmosfera que parece querer dizer, a todo o momento, o quanto as suas novas gerações serão as responsáveis por transformar o futuro em um mundo melhor.

Além de cair nessas ilusões que ignoram completamente contextos político-sociais adversos – afinal, nem todas as crianças são criadas em lares liberais –, a direção do trio Trish Adlesic, Nazenet Habezghi e Sheila Nevins é confusa e mal-sabe aproveitar as entrevistas com os escritores dos livros banidos, incluindo Maia Kobabe de Gênero Queer: Memórias, o título mais ameaçado nos EUA dos últimos anos. Já a Montagem de Gladys Mae Murphy chega a ser grotesca por alternar tenebrosamente entre frases rápidas, narrações de trechos sem contexto das obras e animações que explodem em cores, além de unir pensamentos que excluem um ao outro; como a jovem que acredita ser o que é hoje pelos livros que leu e Nikki Giovanni refutando o poder das palavras sobre as pessoas. No fim, a sensação que fica é a de que o conteúdo, naturalmente profundo e complexo, realmente não cabe em um curta-metragem. – Nathalia Tetzner

The Barber of Little Rock 

Na categoria de Melhor Curta-Metragem Documental, o Oscar já não esconde que volta seus olhares para histórias pessoais, movidas pela paixão de um protagonista. Como Cuidar de um Bebê Elefante, vencedor de 2023, por exemplo, mostra um casal indiano dedicado a cuidar e proteger elefantes bebês órfãos. Um dos favoritos na categoria este ano não foge da proposta: The Barber of Little Rock se inicia com quadros fechados em Arlo Washington dirigindo por sua cidade natal, Little Rock, enquanto reflete sobre a desigualdade entre os bairros negros e brancos.

Foi pensando nisso que ele decidiu abrir sua própria barbearia, onde, aos finais de semana, ensina jovens a seguir na profissão e empreender para conquistar a segurança financeira. Washington também é conselheiro em uma instituição que ajuda pessoas que precisam de dinheiro a se organizar financeiramente e recuperar o poder de cuidar das próprias vidas, para que não dependam de políticas públicas americanas, muitas vezes carentes ou que não alcançam uma determinada parcela da população.

Apesar do nome, o documentário não é sobre a barbearia em Little Rock e sim sobre as desigualdades sociais americanas que levaram a população negra do país a morar em regiões desassistidas, onde os empregos e o acesso a instituições bancárias e de ensino financeiro são escassas, e as oportunidades de crescer na vida são desiguais aos bairros brancos. As cenas mais emocionantes não são os monólogos inspirados do protagonista, mas são os momentos em que se presencia o quanto pequenas ações têm um significado enorme em uma comunidade tão unida. – Vitória Gomez

Island in Between

Island in Between concorre na categoria Melhor Curta-Metragem Documental no Oscar 2024. A produção busca retratar as tensões entre China e Taiwan a partir de Kinmen, uma ilha que faz parte do território taiwanês, mas fica localizada ao lado do território chinês. Ao longo da passagem da obra, cada vez mais, fica claro que Kinmen sofre, sim, com os impasses ideológicos das duas nações, porém, se expressa em uma cultura singular. 

As gravações foram feitas durante a pandemia de Covid-19 e são dirigidas por S. Leo Chiang, que escolheu a ilha justamente por ter sido o lugar onde seu pai serviu no exército muitos anos antes. No entanto, conforme passa pela experiência no lugar, alguns dos ideais que cultivou a vida toda vão se dissolvendo. Afinal, a ilha do meio cria sua própria história. 

O curta não se dispõe a responder qual lado é certo ou errado, apenas contrapõe os efeitos da dualidade entre os países e seus efeitos na população, como o capitalismo e o comunismo das políticas econômicas ou os próprios resquícios da independência de Taiwan. Em imagens amadoras, o meio é o resultado do imprevisível; um mix no qual os filhos não concordam com os pais. – Jamily Rigonatto

A Última Loja de Consertos (The Last Repair Shop)

Nos instrumentos de cordas eruditas, há uma pequena peça feita em madeira de, no máximo, 35 centímetros chamada alma. Ela é cuidadosamente e matematicamente colocada em um local dentro dos violinos, violas, violoncelos e contrabaixos e garante toda a sustentação do corpo desses instrumentos. Em A Última Loja de Consertos, disponível no Disney+ e que concorre a Melhor Curta-metragem Documental no Oscar, a alma também é abordada, mas dessa vez, a humana.

O curta conta a história de quatro luthiers responsáveis pelos reparos dos instrumentos de um distrito educacional de Los Angeles. A produção acerta ao, mesmo envolta no cenário musical, optar por colocá-lo em segundo plano para subir o som quando necessário, provando entender a máxima de Mozart, que dizia que a Música não está nas notas, mas no silêncio entre elas. Aqui, são as histórias de Dana e sua sexualidade, Paty e a imigração, Duane e sua trajetória louca seguindo Elvis Presley, e Steve e sua situação de refugiado após o conflito Armênia-Azerbaijão nos anos 1990 que ecoam e mostram o quanto Música e vida se complementam e são imprescindíveis entre si. – Guilherme Veiga

Nai Nai & Wai Pó 

Nai Nai & Wài Pó é um dos apaixonantes indicados ao Oscar de Melhor Curta-metragem Documental, e acompanha o dia a dia de duas avós que dividem, além da vida, uma casa e um neto, Sean Wang, o diretor do curta. Com um tom extremamente pessoal e íntimo, Wang coloca em foco a rotina simples, mas adorável, de duas taiwanesas. 

Entre danças descontraídas, afetos emocionantes e nada de tão interessante acontecendo, Nai Nai & Wài Pó vem para mostrar que a monotonia da vida não é um problema. Repleto de diálogos improvisados e genuínos, o diretor – e neto – não precisa elaborar perguntas específicas para torná-los interessantes. O curta-metragem é a aposta da Disney+ para levar a estatueta de ouro. – Amabile Zioli

Melhor Curta-metragem de Animação

Letter to a Pig 

Sob traços que misturam realismo e esboços em preto e branco, Letter to a Pig, concorrente a Melhor Curta- Metragem de Animação no Oscar 2024, é conflitante. Dirigida por Tal Kantor, a produção se debruça sobre a herança dolorosa e o abismo entre as gerações pós Segunda Guerra Mundial. No filme, um homem idoso lê para uma turma de alunos uma carta de agradecimento a um porco que o salvou durante o holocausto. As reações são inesperadamente debochadas e é aqui que os papéis se invertem e a identidade se líquida em contradições. 

Levados pela alucinação de uma das garotas, os estudantes encontram a antiga casa que abriga a história do homem. Dentro dela, está o porco, tachado como nojento. Ali o grupo hostiliza o animal e a cena enoja, nos fazendo automaticamente pensar em como é possível um nicho social que carrega as marcas de tanta opressão tratar alguém com tamanho desprezo. Em um ciclo vicioso no qual a violência é protagonista, fica a reflexão de que o ódio é herdado e perpassa o ritmo racional. 

O curta-metragem é sinceramente desconfortável e, ao mesmo tempo, extremamente reflexivo. As linhas do macabro se inflam diante da trilha sonora voltada ao suspense, uma responsabilidade de Pierre Oberkampf. Em uma reviravolta sensível, é na mesma garota que protagoniza o sonho que conseguimos encontrar o elemento faltante: empatia. Ao fim, CLetter to a Pig culmina em uma espécie de epifania sobre a linha tênue que separa a humanidade do grotesco. – Jamily Rigonatto

Ninety-five Senses 

Confinado em uma penitenciária, o prisioneiro Coy (Tim Blake Nelson) reflete sobre o seu passado de boas e más escolhas. Ao revisitar essas lembranças, ele relaciona os cinco sentidos, responsáveis pela percepção do meio interno e externo do corpo humano, para narrar os principais acontecimentos de sua vida desordenada. Em Ninety-five Senses, somos apresentados para uma linda e obscura história sobre decisões compulsivas, que, embora estejam presentes em todos nós, também são determinantes para a nossa destruição. 

A animação norte-americana foi a primeira dirigida pela dupla Jerusha e Jared Hess, notáveis no universo cinematográfico pela produção de comédias como Nacho Libre (2006), protagonizada pelo ator Jack Black. Composta por uma explosão de tonalidades, a arte foi idealizada por seis equipes diferentes de artistas estadunidenses e latino-americanos. Cada sentido manifestado por Coy é representado por paletas de cores diferentes, que começam por tons alegres e regressam para sombreados mais escuros enquanto descobrimos o destino do protagonista. O curta-metragem é um soco emocional do início ao fim, como o lamento de um indivíduo explorando pela última vez a sensação de estar vivo. – Ludmila Henrique

Our Uniform 

“Ser mulher em Teerã é uma ocupação de tempo integral”. Roteirizado e dirigido pela cineasta Yegane Moghaddam, Our Uniform combina tinta e tecido para narrar uma história de força política e denunciar a imposição do governo iraniano às meninas durante o período escolar. Rascunhando pelo seu antigo uniforme, visitamos as memórias de uma jovem estudante, que sonhava com um futuro melhor e sem amarras para todas as mulheres. 

Acompanhada de uma equipe pequena e um orçamento baixo, Moghaddam dispensa as telas digitais e abraça as texturas dos uniformes para integrar a animação, proporcionando uma conexão direta com a mensagem desenvolvida durante os sete minutos de exibição. Our Uniform traz uma técnica que permite explorar a imaginação, uma viagem entre as costuras, bolsos e dobras, que renova o campo artístico. – Ludmila Henrique

Pachyderme

O curta-metragem francês, aparentemente sereno à primeira vista, chama a atenção por seu visual, com uma animação delicada de pinceladas que parecem feitas à mão. A história é contada principalmente através da imagem, com fortes simbologias e montagens marcantes em cena. O curta provoca sensações antes de expor o que está sob a superfície. 

O enredo acompanha uma garota de nove anos passando o período de 10 dias na casa rural dos avós, sem os seus pais. A diretora Stéphanie Clément constrói uma atmosfera nostálgica tátil através do olhar da protagonista. A história aborda temas maiores que si com uma sutilidade devastadora que, ao rolar dos créditos, te faz rever tudo o que pode ter passado batido na narrativa. – Giovanna Freisinger 

War is Over! Inspired by the Music of John & Yoko

War is Over! Inspired by the Music of John & Yoko tem pouco mais de dez minutos e pode te deixar pensativo por uns cinco a mais. Disputando a categoria de Melhor Curta-metragem animado do Oscar de 2024, o roteiro de Dave Mullins e Sean Lennon funciona muito bem se admitirmos que tudo não se passa de uma realidade alternativa completamente irreal, que ganha contornos belíssimos da empresa de computação gráfica Wētā FX de Peter Jackson.

O enredo do filme gira em torno dos versos de Happy Xmas (War Is Over), canção de protesto produzida por John Lennon e Yoko Ono que narra um jogo de xadrez entre soldados de países em guerra. Ao longo do desenrolar da trama, fica nítido que a pomba mensageira é o verdadeiro guerreiro da história que, para os saudosistas, arrepia com os acordes do casal. War is Over! não faz milagre, é o que pode ser, tão simplista quanto os discursos embalados por alucinógenos da dupla na década de 1970 e que pouco faz por eles para além de um videoclipe da canção natalina icônica. – Nathalia Tetzner

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Amabile Zioli

Adaptar a história de uma tragédia real para o audiovisual sempre envolve muita responsabilidade. Depois de reduzir os acontecimentos catastróficos da Tailândia de 2004 a um clichê dramático hollywoodiano em O Impossível,  J. A. Bayona se redimiu com A Sociedade da Neve, trazendo para as telas, mais uma vez, mas sob outra perspectiva, a tragédia ocorrida nos Andes em 1972. A produção espanhola foi aclamada internacionalmente, o que rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional e Melhor Maquiagem e Penteados.

Em 13 de Outubro daquele ano, o voo que levava a equipe amadora de rugby e seus familiares de Montevidéu, no Equador, para Santiago, no Chile, colidiu com uma geleira e caiu na Cordilheira dos Andes. No momento da queda, alguns passageiros morreram imediatamente, e, os que sobreviveram, teriam que lutar pelas suas vidas pelos próximos 72 dias à espera do resgate. No total, 29 pessoas faleceram e 16 foram resgatadas com vida.

O que diferencia a obra mais recente das outras adaptações do fato pode ter sido a escolha do protagonista: ao invés de contar a história pelo ponto de vista de um sobrevivente, Bayona prefere seguir Numa Turcatti (Enzo Vogrincic), falecido no dia 11 de Dezembro, 11 dias antes do resgate. O uruguaio era retratado como uma figura corajosa e pacífica, e, para quem não está familiarizado com o caso, sua morte é um baque e completamente inesperada, afinal, na fórmula de Hollywood, o narrador nunca morre.

O símbolo do protagonista é o ponto de equilíbrio entre a sociedade de sobreviventes formada nos Andes. No dia a dia hostil e inóspito do ambiente em que se encontravam, havia aqueles que nunca perdiam as esperanças – e Numa era um deles. Se alojando na fuselagem do avião e sobrevivendo à base de restos de comida que trouxeram nas malas, um sistema de coleta de água e aflição, agonia e medo, o desafio enfrentado pelo grupo é desesperador de acompanhar.

Sem forçar um apelo gráfico, A Sociedade da Neve tem justificativa para as cenas agonizantes. Um dos momentos mais torturantes do longa é a colisão do avião: ossos quebrando sendo o único vestígio de trilha sonora, partes da lataria e passageiros se desprendendo e voando violentamente para o mar branco e cegante, feições aflitas, desesperadas e angustiadas tomam conta da tela e fazem o espectador ter vontade de cobrir os olhos.

Bayona não cai na tentação do sensacionalismo propagado pela imprensa e foge da explicitação ao representar um dos pontos mais comentados sobre o caso: o canibalismo praticado pelo grupo em busca de conservação. São os elementos ao fundo das cenas que trazem sentido à narrativa, apenas ver o embolado de meias onde a carne está armazenada é suficiente para o estômago se embrulhar. A relutância dos membros da sociedade, inclusive de Numa, para aderirem à ideia, se justificando, além dos próprios ideais, no catolicismo, reforça a agonia que sentiram quando perceberam que era sua última chance de sobreviver. 

Após acompanhar a jornada incompreensível dos 16 sobreviventes, é reconfortante assistir o momento em que descobrem que foram localizados. A forma com que, mesmo após a perda de peso quase fatal, a falta de higiene pessoal e cuidados básicos, o pensamento de que encontrarão suas famílias novamente dá forças para que eles escovem os dentes, penteiem os cabelos e arrumem suas roupas. A humanidade volta aos seus corpos. O resgate é catártico e libertador; é um milagre.

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Amabile Zioli

Quem nunca achou que sua vida amorosa não tinha mais salvação? Fresh abraça esse sentimento, junto com a tensão, angústia e aflição comumente provocados pelo suspense e cria uma atmosfera diferente da que estamos acostumados: o terror vem acompanhado de uma comédia leve e usa o romance como seu coadjuvante.

Em seu longa de estreia, Mimi Cave dirige um verdadeiro show de horrores. Mantendo a fotografia e edição como cúmplices, a diretora monta um thriller sem ter tanta coisa nova para contar. Já saturados, o roteiro e o encaminhamento sofrem alguns ajustes nas mãos de Cave. Afinal, quem quer ver mais uma história sobre a vítima indefesa nas mãos de um homem perverso? 

O enredo principal segue Noa (Daisy Edgar-Jones), uma jovem que, em uma busca exaustiva por um relacionamento bem-sucedido, acaba encontrando um possível pretendente no local mais inusitado possível: no hortifruti de um supermercado. A partir desse momento, a trama se desenrola conforme a protagonista descobre, junto com a audiência, os segredos mais bizarros de Steve (Sebastian Stan), o ‘cara do mercado’.

De primeira, Fresh parece não inovar, mas, no final, o filme traz uma nova perspectiva sobre a relação entre os gêneros. Estrelado por dois grandes nomes, Edgar-Jones e Stan, a obra tem grande prestígio agregado à impecável escolha de elenco; nisso, Cave não errou. Os protagonistas têm tanta química quanto seus personagens, o que fez toda a diferença no desenvolvimento da trama. Além dos principais, o longa não deixa a desejar na escalação de coadjuvantes. Jonica T. Gibbs e Charlotte Le Bon vivem Mollie e Ann, respectivamente, e não falham ao representar caricaturas complexas e profundas.

Fresh não teria o mesmo impacto sem os frames de bocas mastigando ou carnes sendo cortadas sob uma iluminação difusa e avermelhada, fruto da fotografia, cúmplice de Cave. Tudo isso dá sentido visual ao que está sendo abordado no longa, e, disso, Pawel Pogorzelski entende muito bem. Com experiência na direção fotográfica de outros suspenses, como Midsommar e Hereditário, o cineasta coloca na tela o sentimento de estranheza e anormalidade ambientados até em um supermercado.

A premissa da produção já é revelada ao telespectador na campanha de divulgação, mas, felizmente, a película não fica dependente disso para fluir. Com o plot twist já familiar, o roteiro de Lauryn Kahn precisa focar em outros aspectos para prender a atenção do público. É aí que entra Mollie, a quem acompanhamos durante todo o clímax na tentativa de tentar solucionar o desaparecimento de Noa. Em várias partes, temos a impressão de que aquela busca terminará de uma forma diferente e não mais um clichê hollywoodiano. No entanto, a reviravolta dos bonzinhos e o final (meio) feliz e nauseante acontecem e quebramos a cara esperando alguma inovação.

De forma sorrateira, o filme trata sobre a maneira com que os relacionamentos estão se formando na atualidade. Noa é retratada como alguém que tem problemas para encontrar pessoas e se relacionar, acabando por se render a aplicativos de namoro. Tal particularidade influencia a jovem a se arriscar e dar seu número para alguém que acabou de conhecer.

Entre os pontos que Mimi Cave consegue diferenciar, destaca-se a criação de laços entre o telespectador e os personagens. A capacidade de gerar apego em figuras que nós nunca sequer vimos o rosto é algo assustador e muito bem executado. Nos momentos em que Noa interage com Penny (Andrea Bang), a voz atrás da parede, cultivamos simpatia pela mulher, que só é apresentada oficialmente ao público nas cenas finais.

Além disso, a direção faz um excelente trabalho na ambientação da película. Nos primeiros trinta minutos, o cenário elaborado é típico de romance e a iluminação e trilha sonora pensada por Alex Somers, principalmente, evidenciam muito isso. Após a introdução do título, da água para o vinho, a obra se torna um suspense, carregado de tensão com entrecortes de comédia.

No final, Fresh entrega o que promete: não muita coisa. É um produto que diverte nas cenas cômicas, como quando o protagonista fatia a carne de um ser humano como se fosse apenas um açougueiro em horário de trabalho, ou nos momentos em que Steve prepara refeições como um chef gastronômico e, junto com Noa, fazem uma degustação acompanhada de vinho e luz de velas. E não passa disso: um longa que entretém, mas que, depois de um tempo, você sequer vai lembrar das suas particularidades. 

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Amábile Zioli

O mix de gêneros, ritmos e estilos pode ser uma ferramenta muito utilizada no meio musical. Encontrar o equilíbrio e não pender para o exagero, no entanto, é uma tarefa que poucos conseguem alcançar. Em 2013, Donald Glover, sob o pseudônimo de Childish Gambino, lançava seu segundo álbum de estúdio, Because the Internet, e mostrava ao mundo que entendia de tudo um pouco.

Dois anos depois de Camp, o disco debut, o cantor retornou aos charts para se consagrar como uma potência emergente no cenário musical. Glover já estava presente em outros veículos: na TV, como Troy Barnes na série estadunidense Community; por trás das câmeras, roteirizou 30 Rock, seriado protagonizado por Tina Fey; e nos palcos também fez comédia, com shows de stand up que refletiam o humor em sua trajetória de carreira.

Dominado pelos instrumentais que soam como a marca registrada de Gambino, Because the Internet conta com uma produção majestosa. Mesmo que não seja lotado de colaborações, é isso que dá espaço para o cantor colocar sua genialidade nas faixas. Contando apenas com Chance The Rapper, Jhené Aiko e Azealia Banks para trazer novas vozes ao álbum, os feats se adaptam ao estilo do colaborador, sem perder a essência do jazz contemporâneo e bem trabalhado.

Com melodias agressivas, como vemos em I. Crawl, é possível enxergar o que hoje Tyler The Creator é famoso por fazer: transformar uma grande gritaria em Arte na sua mais pura forma. Os versos gentilmente cantados pela voz firme de Alessia De Gasperis, conhecida pela premiada, Mind, de Jack Ü, contrastam da forma mais inusitada possível com as exclamações incompreensíveis de Gambino ao fundo, amarrando toda a produção e garantindo uma harmonia surpreendente. 

2013 foi um ano difícil para se destacar no mundo do rap. Tendo nomes como Kanye West, com Yeezus, e Drake, com Nothing Was The Same, no topo dos lançamentos mais esperados, era presunçoso esperar que o segundo álbum de um artista em ascensão ia chegar longe. Mas chegou. Because the Internet estreou em sétimo lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos e foi indicado ao Grammy de Melhor Álbum de Rap, trazendo o impulso que o cantor precisava para alavancar sua carreira musical de uma vez por todas. 

Guiando as faixas como se fossem um stand up cantado, Childish Gambino se sente em casa e faz jus ao nome do disco, usando a internet como personagem principal de seus atos. Ele a atribui papel de responsável por todos os recentes acontecimentos de sua vida pessoal e profissional. Tudo é graças à internet. Cheia de gírias, trocadilhos e algumas referências, a obra se torna uma extensão da personalidade marcante e conquistadora do carismático cantor e produtor norte-americano. 

Because the Internet foi um divisor de águas para a carreira de Donald Glover enquanto Childish Gambino. Aqueles que se encontravam no seu flow energético e, em outra parte do tempo, igualmente pacífico, passaram a admirar ainda mais a versatilidade do cantor. Isso não acabou no segundo álbum. Todo o seu trabalho contribuiu para a evolução de suas percepções musicais e o encontro do que mais combinava com a persona, sendo importante para o que muitos críticos chamam de sua obra prima: Awaken, My Love!, quarto álbum de estúdio do artista, que só seria lançado oficialmente em 2016. 

Mesmo após 10 anos do lançamento, Because the Internet ainda reflete na indústria musical de forma perceptível. Trazendo um hip-hop cru, mas longe de incompleto, Gambino brinca com os interlúdios como se fossem acessórios de um produto maior, o que realmente são. É assim que o cantor se consolida como uma força em ascendência sem perder o foco de todos os outros projetos, o que o torna um dos artistas mais completos da atualidade.

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Amábile Zioli

Como superar o insuperável? É uma questão que Joaquim dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson levaram muito a sério ao dirigirem Através do Aranhaverso. Homem-Aranha no Aranhaverso (2018) aumentou os padrões de produção no mundo dos heróis e estabeleceu metas inalcançáveis para sua sequência, que chegaria aos cinemas apenas em Junho de 2023. 

O segundo filme da confirmada trilogia segue Miles Morales e Gwen Stacy na contínua busca e descoberta do multiverso, cada vez mais amplo e, paradoxalmente, desconhecido. Nessa jornada, a história dos protagonistas recebe mais aprofundamento e, mesmo com mais de 280 Homens-Aranhas no universo cinematográfico, o foco no desenvolvimento de cada personagem não foi deixado de lado.

A trinca de diretores conseguiu um dos maiores feitos da indústria audiovisual: fazer com que a continuação seja melhor do que seu antecessor. Com uma animação tão complexa e mais fiel aos quadrinhos do que nunca, a obra te deixa imerso em sua vastidão de cores e formas. Cada cena possui uma paleta diferente, cada universo tem um tom específico e todo personagem tem um contorno que o diferencia de todas as outras centenas de pessoas-aranhas.

Nisso, Gwen Stacy se destaca. Sua Terra, 65, é tomada pelos tons pastéis e frios, imergida em um visual melancólico e sensível, o que combina perfeitamente com o momento que a Mulher-Aranha vive. Entre segredos, solidão e culpa pelos acontecimentos canônicos de ser uma aranha, a jovem ainda precisa lidar com a falta de seu melhor amigo, que está há muitos universos de distância.

O roteiro, elaborado pelo mesmo trio responsável por Homem-Aranha no Aranhaverso, Phil Lord, Christopher Miller e Dave Callaham, também não deixa a desejar, e muito se deve ao novo vilão apresentado. Mancha é um dos vários destaques da trama: após o primeiro ato do filme, ele deixa de ser o “vilãozinho da vez” ao se tornar um ser ultradimensional, sem quebrar o repertório de vilões fantásticos já derrotados em trilogias anteriores. 

Miguel O’Hara, o Homem-Aranha 2099, também soube transmitir medo e tensão em cada aparição na tela de cinema. O teioso foi um dos pontos altos da película, que, juntamente com um visual único e uma trilha sonora original e característica, consagrou-se como o vilão coadjuvante, mas muito memorável.

Quando dito que Homem-Aranha: Através do Aranhaverso dá um salto de quase um universo de distância de seu antecessor, é impossível não responsabilizar as composições incomparáveis de Daniel Pemberton. O que já era um ponto de destaque no primeiro longa, Metro Boomin ajudou para que ficasse ainda melhor: cada melodia se mostrou perfeitamente pensada para todo acontecimento. A capacidade de encaixar o som com o movimento e a animação surreal tornou a experiência minuciosamente cativante para qualquer um que estivesse assistindo.

Indo contra o comum pensamento de que animações são produtos voltados apenas ao público infantil, Através do Aranhaverso traz, em um ambiente acolhedor e familiar, a confirmação de que o filme animado tem tanto potencial quanto qualquer live-action. É claro que o desenho ímpar do longa é seu diferencial: sem a possibilidade de brincar com as cores e tons, expressões faciais e corporais, e estilizações de design, grande parte de seu valor excepcional seria perdido em atuações simplórias e em uma fotografia mediana.

Essa perda de valor tem sido observada com frequência no Cinema norte-americano. A onda de live-actions incentivada pela Disney fez com que diversos clássicos perdessem suas particularidades ao serem trazidos para o mundo real. É o caso de Rei Leão, que, com uma computação gráfica fraca, não sustenta o mesmo apelo emocional proporcionado pelo original de 1994, vivo em cores e emoções. 

Através do Aranhaverso não se preocupa em não emocionar, afinal, só a narrativa de Miles em busca de mudar a trajetória canônica de sua vida já é o suficiente para encontrar empatia em qualquer espectador. A comoção é levada até o último minuto, quando, ao usar a ferramenta de cliffhanger explorada em Guerra Infinita, deixa até o mais desinteressado com o sentimento de quero mais.

O lançamento de Homem-Aranha: Além do Aranhaverso, terceiro e último filme da trilogia, estava previsto para Março de 2024, mas foi adiado por tempo indeterminado por conta da greve dos roteiristas, que, apesar de já ter acabado, afetou o início das produções. A excepcionalidade do desenvolvimento da saga do Aranhaverso nos leva a acreditar que seu fechamento não decepcionará: personagens bem explorados, uma narrativa envolvente e a animação característica transformam a história em um produto único.

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Amabile Zioli e Guilherme Machado Leal 

Ao assistirmos a uma obra cultural, esquecemos de todo o processo por trás de sua criação. Engana-se quem resume o papel da Arte somente ao conteúdo que ela traz, já que, no final do dia, empresários enxergam filmes e séries como fontes de renda. Ver um conteúdo sendo adiado mexe com o coração dos fãs, mas antes disso, não ter o seu trabalho reconhecido também atrapalha o amor de quem tem o audiovisual como emprego. Afinal, a indústria hollywoodiana foi construída nos moldes da sociedade capitalista e, dessa forma, o dinheiro faz parte desse meio. Por isso, entender as demandas exigidas na greve dos roteiristas, mesmo que ela já tenha sido encerrada, é fundamental para que a conversa sobre o tema seja compreendida da melhor forma, até para blindar um futuro mais sólido para o setor.     

No dia 2 de Maio de 2023, o Sindicato dos Roteiristas da América (o Writers Guild of America ou WGA) entrou em greve. As principais exigências da categoria contra a Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), associação comercial que representa os estúdios de Hollywood, eram melhores condições de trabalho e um aumento salarial. A remuneração residual também foi pauta, principalmente no que se refere aos serviços de streaming, que não possuem tanto controle das reproduções quanto as TVs.

A paralisação de 2023 não foi a primeira da categoria: em 2007, o WGA pausou suas atividades em busca de melhorias salariais e ganhos residuais – também citados na greve mais recente, porém, com enfoque na venda de DVDs. O ato durou 100 dias e teve seu fim em Fevereiro de 2008, após um prejuízo de quase U$2 Bilhões na economia de Los Angeles. Ainda, antes, os roteiristas pararam por 153 dias em 1988, se caracterizando como a maior greve já realizada pela classe.

Mas, afinal, o que são os residuais? 

Uma demanda que marcou tanto a greve dos roteiristas quanto a dos atores (também já concluída com sucesso para a categoria) é o pagamento dos residuais. Eles funcionam como royalties do trabalho exercido pelos profissionais a cada exibição de uma série ou um filme. Um caso que ilustra bem a dinâmica desse assunto é a comédia Friends: o canal Warner Channel Brasil, detentor dos direitos do programa na televisão fechada, paga uma taxa pela presença do conteúdo e, assim, os envolvidos – escritores, produtores executivos e atores – ganham essa participação.

No entanto, quando se trata dos streamings, a situação é diferente: os contratos desse tipo de mídia são outros, já que os serviços de assinatura, como a Netflix, licenciam determinados conteúdos por um tempo definido. Nesse sentido, embora tenha atualizado o seu sistema de contabilização de horas no ano de 2023, com o uso do site da própria plataforma, o streaming não deixa claro como funciona o recebimento dos residuais em relação ao método utilizado. Agora, o número de horas assistidas é dividido pela duração do produto analisado, dentro de um período de 28 dias, para que, assim, se tenha uma verificação mais justa do que realmente foi consumido. Ainda assim, a polêmica dos ganhos residuais também afeta as obras originais de um catálogo online.

O exemplo mais notável é Orange is The New Black. Em meio aos protestos, as atrizes da série contaram que a compensação pelas sete temporadas de um dos maiores sucessos do catálogo – de acordo com Cindy Holland, ex vice-presidente da área de conteúdo original da Netflix, em conversa com a  revista Variety – foi ínfima. Em entrevista ao The New Yorker, Kimiko Glenn, intérprete da personagem Brook Soso, revelou a quantia paga pelos 44 episódios atuados: a incrível bagatela de US$ 27,30, equivalente a R$ 130 reais. Com isso, o pouco dinheiro recebido tornou o segundo trabalho como uma fonte de renda alternativa e escancarou ainda mais as injustiças do modelo atual dos residuais.

Inteligência Artificial: uma faca de dois gumes

Diferente do ocorrido de 16 anos atrás, a discussão atual girou em torno da inteligência artificial e o seu uso na produção de obras audiovisuais, uma vez que, a partir da ferramenta, o trabalho dos roteiristas seria dispensável. No contexto da Terceira Revolução Industrial, a mecanização da mão de obra é inevitável, mas quando se trata da escrita, é inconcebível a ideia de que narrativas de personagens sejam desconsideradas em detrimento da rapidez que a IA fornece. Isso também tem relação com o alto número de produções feitas em um curto período de tempo, a exemplo dos filmes de super-heróis.

A Marvel Studios, conhecida pelo seu vasto universo de personagens icônicos e queridos, utilizou do recurso para a criação da abertura da série Invasão Secreta. Por esse lado, a atitude da empresa é conivente com os defensores da tecnologia, mostrando um descompasso entre as inúmeras etapas de produção da sua arte. Imagine o quanto perderíamos se a abertura de WandaVision, que homenageava as décadas da comédia televisiva a cada episódio lançado, fosse entregue a uma simples ferramenta. Assim, vale a pena se perguntar: precisamos mesmo da IA?

É impossível comparar a capacidade humana de criar e desenvolver histórias capazes de tocar tão profundamente outro indivíduo com a de uma inteligência artificial, que não possui qualquer tipo de emoção. Atualmente, a discussão principal foca no treinamento desautorizado de tais tecnologias com roteiros já existentes e produzidos por pessoas, a fim de prepará-las ainda mais para assumir totalmente o posto desses trabalhadores. 

Com a greve, Hollywood teve ainda mais certeza de que a classe é sua parte vital. Sem os roteiristas, diversas produções foram adiadas: Stranger Things, The Last Of Us, The White Lotus, Duna 2 e Challengers são alguns exemplos que trouxeram prejuízo para a indústria. A TV não ficou de fora, com alguns programas semanais também sendo afetados, como o The Tonight Show com Jimmy Fallon.  

Os atores não ficaram de fora

Como forma de apoio aos roteiristas, o Sindicato de Atores da América, o SAG-AFTRA, aderiu à greve em Julho deste ano, marcando a primeira vez em que ambas as classes interromperam suas atividades ao mesmo tempo desde 1960. A partir do dia 13 daquele mês, os atores foram vetados de divulgar quaisquer estreias, assim como paralisar as filmagens de produções futuros.

Não haveria melhor forma para anunciar a adesão ao movimento: durante a première de Oppenheimer que acontecia em Londres, na Inglaterra, o elenco renomado deixou o evento antes da exibição do longa. Mais tarde, Christopher Nolan, diretor do filme, explicou a motivação da iniciativa. Outros artistas também levantaram a pauta, como Mark Ruffalo, intérprete do Hulk; Bob Odenkirk, o Saul Goodman; e até mesmo Bruna Marquezine, que estreava em Hollywood com Besouro Azul.

Como tudo isso acabou?

Como qualquer tipo de greve, as reivindicações de classe só são ouvidas após um prejuízo significativo. Durante os 148 dias de paralisação, estima-se que US$ 5 bilhões deixaram de ser movimentados na indústria audiovisual, fazendo com que a pressão sobre a AMPTP fosse cada vez maior. O resultado se deu na ratificação do acordo entre o sindicato e os estúdios, representando mudanças significativas para os roteiristas, como melhorias salariais ajustadas à inflação e novas exigências de níveis mínimos de profissionais em salas de roteiro na TV.

Quanto ao uso de inteligência artificial, a ferramenta não poderá ser utilizada para escrever ou reescrever materiais. Além disso, todo conteúdo escrito pela IA não poderá ser creditado aos roteiristas. No caso de materiais já elaborados, é dever da empresa informar a participação da tecnologia no processo de criação.

Quem recebeu a notícia de que sua série ou filme favorito seria adiado entende, a essa altura, que o trabalho da classe é uma parcela significativa para nossos pequenos momentos de lazer do dia-a-dia. Reconhecer que o produto que você assiste precisa passar por muitas etapas até chegar no conforto da sua casa é crucial para a valorização do trabalho árduo daqueles que sustentam a base das produções que amamos. Para além das telas, a história dos roteiristas e seus direitos vem sendo reescrita em tempo real e impacta diretamente no futuro do entretenimento.

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Em Setembro de 2023, o Estante do Persona se despede de um velho amigo, o amado por muitos, Clube do Livro. Mas a separação não termina um ciclo e, sim, inicia dois novos. A partir desta edição, as nossas publicações seguem caminhos diferentes em busca de um mesmo propósito: expandir os horizontes da Literatura no Persona. 

A nossa seleção mensal de dicas literárias continua aqui para atender todos os apaixonados pelos mistérios da escrita e suas óticas, sejam elas encantadoras ou grotescas. Com muito cuidado e caminhando pela pluralidade do espaço-tempo, os membros da Editoria seguem indicando mensalmente obras capazes de despertar mistos de emoção e marcar trajetórias. 

Enquanto isso, o Clube do Livro vai reunir nossos leitores e colaboradores em datas mais que especiais para debates impactantes, trocas de experiências e o melhor da aventura que é ler e compartilhar. Nos nossos encontros, agora abertos ao público que nos acompanha, mora o convite para uma oportunidade de vivenciar a livre expressão fora das linhas de um texto corrido. 

Agora, como costume bom vira tradição, deixamos títulos selecionados a dedo para quem quer apreciar os doces de uma boa escrita. Nos próximos meses, nossa estante ganha autores novos e muita informação sobre um universo que nunca vai se prender ao limite das páginas.

Dicas do Mês

Virginia Woolf e Vita Sackville-West – Virginia Woolf & Vita Sackville-West: cartas de amor.  (320 páginas, Morro Branco)

Os historiadores provavelmente definiriam a relação de Virginia Woolf e Vita Sackville-West como uma amizade extremamente próxima. No entanto, seria ingênuo e covarde duvidar da intensidade de um amor tão íntimo quanto lírico entre duas mulheres que souberam fugir do esquecimento e, assim, viverem como lembranças da valentia sáfica. Esta, por sua vez, foi registrada em cartas trocadas por Woolf e Sackville-West ao longo de 20 anos, comprovando, inclusive, o fato de que o relacionamento à distância é uma moda antiga da vivência lésbica. 

Com tradução de Camila von Holdefer e prefácio de Alison Bechdel, Virginia Woolf & Vita Sackville-West: cartas de amor é uma coletânea das principais correspondências escritas pelas duas autoras que exploraram um território até então temido: o da intimidade. Além disso, o livro é uma ressignificação do ato de se apaixonar, ou seja, é uma investigação a respeito de um sentimento cujo despertar é tudo, menos racional. Woolf e Sackville-West não estavam preocupadas em selecionar minuciosamente cada palavra que colocariam nos pedaços de papel. Na verdade, elas optavam por colocar qualquer frase e qualquer assunto que viesse à cabeça para evitar o confronto com a mais forte das palavras: amor. Eventualmente, as entrelinhas e a gradual explicitação as entregaram, assim como as transformaram em revolucionárias. – Ana Cegatti

Elif Batuman – A idiota (488 páginas, Companhia das Letras)

A idiota, de Elif Batuman, se desenvolve a partir da entrada de Selin, filha de imigrantes turcos, em Harvard, no ano de 1995. Como todo jovem que ainda se sente perdido em meio a transição da adolescência para a vida adulta, Selin tenta encontrar o seu lugar em todos os caminhos que a vida a leva – ela se matricula em matérias das quais nunca ouviu falar, redescobre a amizade em uma colega sérvia e encontra o amor na troca de “e-mails juvenis e pseudo-intelectuais-que-servem-de-flerte” com um estudante húngaro.

O finalista do prêmio Pulitzer, traduzido no Brasil por Odorico Leal, entra para a lista de livros cujas sinopses são ‘sobre nada’: não possui acontecimentos marcantes, reviravoltas ou grandes dramas. Por outro lado, ele é capaz de captar a essência de uma fase que não é extraordinária, e é nisso que sua beleza se encontra. Com uma escrita leve, engraçada e, ao mesmo tempo, impactante e pungente, a obra de Batuman representa, de forma despretensiosa, honesta e real, toda a banalidade do que é ser jovem, deslocada, interessada e apaixonada. – Raquel Freire

Adam Silvera – História é tudo que me deixou (336 páginas, Hoo Editora)

O autor Adam Silvera se consagrou, nos últimos anos, como um dos escritores mais notáveis pertencentes ao sub-gênero Young Adult – histórias para jovens adultos. Em seus livros, o foco é a dinâmica da população LGBTQIAPN+ com os sentimentos de aceitação, luto e amor. Em História É Tudo Que Me Deixou, Griffin recebe a notícia de que seu ex-namorado, Theo, morreu em um acidente. Esse é o ponto de partida que leva o protagonista a embarcar em uma trama de superação da tragédia vivida pelo seu primeiro amor. 

Com uma premissa apoiada na perda de um ente querido, o segundo livro do nova-iorquino fala, nas mais de 300 páginas, sobre como ocupamos diversos papéis na vida de uma pessoa. Nesse sentido, Theo, antes de morrer, não estava mais com Griffin, mas com Jackson, seu namorado da época em que o acidente aconteceu. Ao longo da narrativa, o ex precisa entender que o seu finado amor, queira ele ou não, encontrou outra pessoa que mudou o seu mundo. Por esse lado, a narrativa foca em unir os dois amores no processo de cura do amor que ambos possuíam pelo garoto.

Dessa forma, História é tudo que me deixou, traduzido por Cristina Lasaitis aqui no Brasil, se destaca pelo cuidado do autor ao tocar em temas delicados. Emocionante do começo ao fim, a história de dois meninos que precisam passar, juntos, pelo doloroso processo de um luto, se afirma como um dos retratos mais crus de um sentimento universal. Embora haja um pano de fundo devastador, a obra não cai no estereótipo de histórias trágicas da comunidade LGBTQIAPN+. Muito pelo contrário, Adam Silvera consegue cativar o público com a profundidade de seus personagens, ganhando a empatia do leitor a partir do primeiro contato com o mundo criado pelo escritor.  – Guilherme Machado Leal

Franz Kafka – O Processo  (192 páginas, Via Leitura)

Em O Processo, no começo de um dia aparentemente comum, o bancário Josef K. é detido em seu quarto por um grupo de guardas que o informam de um processo, no qual ele é acusado, não por um tribunal comum, mas por um misterioso tribunal que funciona em um sótão abafado. A partir deste ponto, a vida relativamente pacata de K. é tomada pela paranóia e pelas inúmeras tentativas de desenrolar o novelo de burocracia e relações pouco transparentes que envolvem seu processo.

O livro é um dos mais famosos de Franz Kafka, tendo sido publicado em 1925, ano seguinte à morte do autor. A obra – traduzida no Brasil por Modesto Carone – harmoniza com o que se tornaram temas-chave dos séculos XX e XXI, como a distopia, a violência física e psicológica, o abuso de autoridade e a opressão, que proporcionou ao romance uma sobrevida para além de seu tempo, explorando a relação entre o ser humano e o poder. – Guilherme Dias Siqueira

Toshikazu Kawaguchi – Antes que o café esfrie (208 páginas, Editora Valentina)

Quem você encontraria pela última vez se fosse possível viajar no tempo? O que teria feito de diferente? O presente não muda, mas as pessoas, sim. Em um pequeno e misterioso café nas ruas de Tóquio existe uma lenda urbana de que é possível retornar ao passado, porém, com apenas uma condição: é preciso voltar antes que o café esfrie.Em Antes que o café esfrie, quatro histórias são contadas e, embora sejam bem distintas, o laço que as une é a vontade de mudança e inquietação com o presente.

As profundas reflexões trazidas pelo livro são incontáveis, mas certamente baseadas na noção de que não se há controle absoluto sobre os eventos passados e, sim, de que forma pode-se moldar quem queremos ser no presente. A universalidade desta ideia no imaginário popular apenas conecta diversas pessoas de múltiplas histórias e vivências, reforçando, desta forma, a relevância do livro num contexto geral. A partir disso, basta nos contentarmos com a viagem e aproveitarmos a nossa experiência atual antes que o café realmente esfrie.– Rebecca Ramos

Jennifer Egan – A visita cruel do tempo (336 páginas, Intrínseca)

Durante um bloqueio criativo, Jennifer Egan quis fugir da regularidade de suas histórias e assim nasceu A visita cruel do tempo, ganhador do Pulitzer de 2011. O romance é dividido em 13 capítulos e segue a vida de diversas pessoas diferentes em anos completamente isolados. O que no começo pode parecer uma bagunça, mais tarde nos acostuma e passamos a gostar do caos cronológico e do amontoado de personagens.

Como em seu nome, o livro mostra que o tempo carrega uma crueldade inerente a si, e não há como escapar. Ao longo da trama, vemos amigos se separando, vidas sendo destruídas e ciclos se encerrando, tudo por interferência do personagem principal de Egan: a cronologia abstrata, impiedosa e insensível. – Amábile Zioli

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