Enrico Souto

Vivemos em um país em que os ecos da homofobia, institucionalizada e articulada pelas principais ferramentas de poder, podem afetar até mesmo a relação de uma mãe e um filho na periferia da Baixada Santista. Um discurso que está socialmente arraigado de tal forma, que é capaz de levantar entre eles uma barreira quase intransigível, em nome de uma luta que opera contra seus próprios interesses. Pedágio, filme nacional que chegou aos cinemas em Novembro, assume todas as facetas desse fenômeno, através de uma trama que não poderia irromper de outra forma, que não em um humor tragicamente mordaz. 

A diretora Carolina Markowicz já ostenta uma trajetória excepcional e uma carreira tão promissora quanto consolidada. Antes de peregrinar pelo universo de longas-metragens, ela dirigiu seis curtas que percorreram o mundo, entre 2007 e 2019, recebendo exibições em eventos como TIFF (Festival Internacional de Cinema de Toronto), SXSW (South by Southwest) e o Festival de Locarno. Sua maior premiação veio em 2018, quando conquistou o Queer Palm – prêmio do Festival de Cannes destinado ao audiovisual LGBTQIA+ – pelo curta-metragem O Órfão.

Lançando seu segundo longa-metragem, Markowicz aposta em mais uma narrativa queer, porém a partir de lentes antagônicas. Desta vez, acompanhamos Suellen (Maeve Jinkings), uma humilde cobradora de pedágio em Cubatão, São Paulo, que precisa conciliar suas longas jornadas de trabalho com os cuidados de seu filho adolescente, Tiquinho (Kauan Alvarenga). Contudo, prestes a completar 18 anos, o garoto apresenta cada vez mais comportamentos afeminados, desafiando a mentalidade ignorante da mãe, que decide ir até as últimas consequências para financiar sua ida a um exorbitante curso de um pastor gringo, com a ostensiva promessa de ‘cura gay’.

Com uma premissa centralizada em uma retórica tão abjeta, este drama familiar encontra porto-seguro na humanidade que transborda de seus atores. Não é à toa que a obra foi a mais premiada do Festival do Rio em 2023, levando três das quatro categorias de interpretação. Maeve Jinkings – que já havia trabalhado com a diretora em Carvão (2022) – dá vida a uma Suellen melindrosa, que apesar do incontestável amor que sente pelo filho, não consegue se desvencilhar de seus preconceitos. Por outro lado, a sensibilidade de Kauan Alvarenga – protagonista do curta O Órfão – faz com que o público sinta cada uma das frustrações de um garoto que, independentemente das tentativas, nunca será o suficiente para sua mãe. Uma premissa difícil, sim, mas inevitavelmente ordinária e profundamente identificável.

A direção de arte de Vicente Saldanha, também reconhecida pelo Festival do Rio, cria imagens belíssimas a partir de uma visão corriqueira no Cinema nacional independente, com composições secas em um tom melancólico, elevado por longos silêncios e cortes bruscos entre cenas. A fotografia de Luis Armando Arteaga brinca com imagens naturalistas, peliculares e uma gradação acinzentada, que passeia esporadicamente por cores vibrantes. O destaque, todavia, está em uma narrativa que demonstra como essa estética, aparentemente sóbria e realista, não passa de um cenário absolutamente patético.

Markowicz, que também assina o roteiro, foge da batida história queer calcada em violências para, em uma absoluta quebra de expectativas, entregar uma verdadeira sátira. A linguagem de Pedágio é cínica, amarga, espelhando a pós-ironia de uma geração que, ao se ver enfiada nos cenários mais apocalipticamente absurdos, não consegue parar de rir. Uma diegese que certamente bebe do afrossurrealismo, ao usar da própria realidade para expor o discurso homofóbico-religioso ao completo ridículo. É impossível assistir à cena de um grupo de jovens em roda moldando órgãos genitais com massinha colorida, por ordem de um pastor hippie de sotaque excessivamente português, e não se ver instantaneamente dentro de um episódio de Atlanta.

Entretanto, é a partir dessas caricaturas múltiplas que Pedágio dá vazão para que as nuances de seus dois protagonistas se manifestem. Como a própria Jinkings define, Suellen é um reflexo do brasileiro médio. Uma mulher que se agarra a uma religiosidade menos por convicções pessoais, e mais pela falta de contato com qualquer outra perspectiva. Uma mãe solo que, ao ver seu filho trilhar um caminho tão distinto do seu, acredita que errou. E, em busca da resolução de um problema estruturalmente fabricado, trilha um caminho de escuridão, até que se veja obrigada a pagar um preço que sequer lhe pertencia.

Em contrapartida, a esperança em meio a este contexto catastrófico se expressa em Tiquinho. Em paralelo e oposição a sua mãe, acompanhamos o amadurecimento do garoto que, mesmo com todas as probabilidades contra si, faz com que rosas floresçam do asfalto. Porém, mesmo assim, o longa rejeita a utopia. No seu momento de maior catarse, o personagem é arrebatado de volta à realidade, no mais ácido retrato de sua condição. Essa é a única alternativa honesta que Markowicz encontra para tratar de uma perversidade que vitima pessoas LGBTQIA+ até hoje. A superação é um processo e nossa disputa está longe de acabar.

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Vitor Evangelista

No ano em que a franquia Drag Race não tira nem uma mísera semana de folga, o número exorbitante de temporadas pode enfraquecer a marca, ou simplesmente levá-la à exaustão do público. Entre as corridas “mais importantes” (a americana e o All Stars), estreou Drag Race España, a primeira leva de capítulos em espanhol de DR. No fim das contas, o que a season teve de baixo orçamento, ela compensou no fator divertimento.

Era uma patifaria atrás da outra, cada perrengue causava mais riso que o anterior e na contramão de coroar uma vencedora paspalhona, España deu o título de Super Estrela Drag Espanhola para a contundente Carmen Farala, uma das drag queens mais completas a se montar no Ateliê (e que, sem dúvidas, colocaria uma porrada de competidora estadunidense para comer poeira).

Como virou costume das temporadas internacionais, 10 rainhas entraram na competição rosa-choque e azul-bebê na Espanha, prontas para ganhar, além do título, da Coroa e do Cetro, um cheque de 30 mil euros. Explorando sem dificuldades o carisma das drags, a produção desse spin-off não esbanjou nem de longe o orçamento avantajado que suas irmãs europeias, como o UK e o Holland o fizeram no passado. A saída foi abraçar o precário e não se estressar muito com isso.

Supremme de Luxe, uma drag conceituada no país, assumiu o posto de apresentadora, mas sua falta de preparo transpareceu nas muitas vezes que olhava para a câmera, aguardando direções dos produtores nos bastidores. A Mother desta edição conduziu sua Corrida das Loucas da melhor maneira que pôde, brincando e se emocionando pelo caminho. Entre os momentos marcantes de Supremme, vale a menção do embate com Inti no Ateliê e o chororô no episódio final, quando as competidoras agradeceram seu tato e cuidado sensível.

Além disso, a tradução das milhares de frases de efeito do programa de RuPaul tornaram a experiência de acompanhar Drag Race España um verdadeiro deleite. Era hora de desligar o cérebro e gargalhar com o “don’t fuck it up” transformado em “no la cagueis”, e com o afeto final de RuPaul sobre amor próprio se transmutar em um breve poema, gritado com emoção pelas queens restantes no episódio. Entre safras de temporadas mais potentes, como a de Symone e o All Stars 6, os nove episódios do España limparam o paladar de quem acompanha Drag Race desde o primeiro dia do ano.

A zona começou com a chegada das drags e a eliminação de The Macarena, uma das quatro participantes que se identificam com o não-binarismo. A queen era carismática, mas não impressionou o suficiente, perdendo a Dublagem para Dovima Nurmi, uma chata de galocha, que, infelizmente, durou muito. Drag Vulcano, natural das Ilhas Canárias, foi a segunda a dar adeus. No fim, nos lembraremos dela por seu salto plataforma, que transformava sua silhueta em um andaime de peruca. Além de mostrar a vibe local, os capítulos iniciais revelaram ao mundo que a Espanha preza muito mais por uma drag de ilusão feminina do que por uma assinatura artística.

Por essa razão, fica fácil entender o motivo da saída prematura de Inti, drag boliviana e residente da Bélgica, não-binária e super avançada em seus conceitos. Fosse essa qualquer outra temporada de Drag Race, Inti seria finalista e provavelmente coroada, mas as incessantes críticas injustas dos jurados (em especial da rata Ana Locking) fizeram-na desistir logo no episódio 3. Adendo a isso, a represália que a latina recebeu pelo visual de sua terra natal retorna a franquia à questão de racismo e do preconceito à qualquer manifestação fora do padrão europeu.

Além do didatismo pragmático na hora de julgar a arte drag, a precariedade da produção do show ficava clara de diversas maneiras. Supremme vira e mexe ajudava as competidoras em trabalhos técnicos, a trilha musical oscilava na edição e elementos novos eram inseridos ao longo da temporada (como gags sonoros), sem qualquer padronização na hora da montagem. Ademais, as Dublagens se estendiam pela canção completa, dando uma canseira do diabo nas queens e no espectador, obrigado a assistir mais de 1 hora semanal de episódio. 

A brilhante Arantxa Castilla-La Mancha foi a quarta eliminada, deixando o Ateliê mais triste e menos barulhento. A autodenominada Hannah Montana espanhola patinou na competição, mas seu carisma valeu mais que qualquer vitória nos desafios. O look usado na Final, em referência a Pânico, apenas reafirmou a mente avançada de Arantxa, umas das pérolas de Drag Race em 2021. Depois dela, o roubo do século mandou Hugáceo Crujiente embora.

Hugáceo, a drag queen com assinatura mais valorosa e destemida do ano, construiu uma narrativa de cansaço ao redor de sua jornada na Corrida. Depois de vencer o primeiro desafio (e esquecer desse fato, em uma cena digna da NBC), a artista foi tropeçando nas injustas avaliações dos jurados, pouco interessados em louvar um estilo drag que se localizava muito mais no campo da Arte abstrata do que na seção de lingerie da C&A. Hugáceo saiu exausta, mas sabendo que sua impressão, a là Sasha Velour, ficará por um bom tempo na cabeça de quem torrou o saco assistindo Sagittaria aparecer igual toda semana na passarela sem ouvir um ‘a’ à respeito.

Outro elemento que encheu o pacová do espectador foi a aspereza de Dovima Nurmi. Nada engraçada ou carismática, ela se recusava a sorrir e entrar na bobeira que foi o España. Seus visuais sustentavam um senso estético interessante, mas com uma personalidade daquela, era mais interessante colocar vestido em um manequim e assisti-lo desfilar. Dovima marcou a competição ao Dublar sozinha após a desistência de Inti, e, mais tarde, se recusar a Dublar contra sua amiga e ex-colega de casa, Sagittaria, em uma trama sem conclusão que os produtores aparentemente esqueceram de narrativizar. 

A última eliminada antes da final foi uma das maiores estrelas que a franquia Drag Race, começada lá em 2009, já apreciou: Pupi Poisson. Carismática, doida da cabeça, incapaz de segurar o riso e uma mocatriz completa. Pupi navegou semanas sendo elogiada e elevada, mas teimou em conseguir sua primeira e merecidíssima vitória. Infelizmente, a partir daí, a espanhola passou a desapontar com vestidos mal acabados, um rombo criativo em sua personalidade estática e apaixonante.

Pupi Poisson representou uma drag distinta da que o público domesticado com as acrobacias e as cinturas milimétricas dos EUA está acostumado. Palhaça de tudo, Pupi era o equivalente a um “tio de perucas”, primorosa em entreter, nem que para isso fizesse papel de tonta. Na verdade, ela adorava desempenhá-lo, fosse derrubando uma escova de cabelo diante de um momento tenso pré-Snatch Game, fosse afinando a voz no Jogo das Imitações ou pisando em uvas ao lado de Carmen no Mini-Desafio mais legal da história do programa.

Sua despedida, na semifinal, foi a mais dolorosa da temporada. Dublando contra Sagittaria e Killer Queen, o histórico positivo pouco importou, mandando Pupi embora, tristonha mas realizada. Sua narrativa só findou, entretanto, no reencontro das queens, quando recebeu o título e a faixa de Miss Simpatia. Afinal de contas, Pupi não poderia sair de Drag Race España sem algo único para chamar de seu.

Quem chegou à Final, ao lado de Carmen, foram duas drag queens competentes e estilosas. Killer Queen começou a temporada tímida e só brilhou para valer no Snatch Game, imitando uma política local que a levou ao pódio da semana e sacramentou sua vaga na finaleira. Em Drag Race España, o Jogo de Imitações, de maneira surpreendente, não foi um completo desastre.

Performances bem incorporadas e visuais certeiros fizeram do desafio um destaque morno da temporada. O grande problema para esse apagamento do Snatch foi justamente a distribuição logística da season, que, pela primeira vez na franquia, abriu um capítulo com o Desafio de Leitura, prosseguiu com o Jogo dos Pontinhos e finalizou com um Ball, mas sem o fator de construção das vestimentas. 

Sem narrativa, trama de superação ou qualquer êxito que a catapultasse para o olho do furação, Sagittaria passou semanas repetindo peruca loira e olhão preto, desinteressada em diversificar. Além disso, o fato de Carmen levantar a questão da falta de vulnerabilidade da colega, às vésperas do Desafio Final, acabou com qualquer hipotética chance de triunfar naquele cômodo lotado de 2 personalidades maiores e 2 tramas mais apetitosas do que a garota espanhola que se inspirou em Aquaria e parecia emular cada respirada da vencedora estadunidense.

Em uma temporada aparentemente aberta, Carmen Farala engrenou em uma subida invejável, acumulando 3 vitórias, além de ter exibido dotes na comédia, na atuação e na costura (quando deixou a convidada Envy Peru de queixo no chão). Sinto que, para sempre, serei acompanhado pela figura de Farala meio-zumbi comendo banana com cara de nojo (e digo isso de maneira positiva). Ela também se deliciou nas passarelas temáticas, com destaque para a homenagem à Veneno, a Noite de 1000 Rosalías e o Makeover de Sherlock Holmes. A parte mais engraçada dessa avalanche de talento? Carmen Farala revelou que nunca assistiu à Drag Race antes de ser escalada para o elenco do España.

Entre Desafios mal bolados, julgamentos idiotas (a imparcial e nada profissional Ana Locking merecia a represália sofrida por Jeffrey Bowyer-Chapman, e até pior), um elenco que babava carisma e uma vencedora inigualável, Drag Race España apresentou o mundo para uma fração da arte europeia ainda não explorada na franquia de RuPaul, além de nos matar de rir toda semana, no melhor estilo programa da Rede TV!. Obrigado Pupi, Hugáceo e Inti, obrigado Carmen, obrigado a todos.

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Vitor Evangelista

Os anos da adolescência são responsáveis pelo florescer dos mais ardentes sentimentos, para o bem e para o mal. Numa França utópica dos anos oitenta, Alexis (papel do travesso Félix Lefebvre) conhece David (Benjamin Voisin), e o resto é história. História essa contada no danado Verão de 85, filme dirigido por François Ozon e presente na reta final do Festival do Rio 2021.

Sem conseguir discernir com certeza a linha tênue entre a amizade e o amor romântico, o longa francês abusa das sutilezas e dos extravasos, funcionando em picos de adrenalina e tensão. No estopim de uma abertura vertiginosa, Verão de 85 passa de romance à thriller nos mostrando que, como os bons poetas insistem em dizer, tudo que é bom dura pouco.

As seis semanas compartilhadas na intimidade dos garotos logo se evaporam, quentes como fósforo que acabou de queimar. Mas, para transmitir com exatidão o fulgor do amor juvenil, o diretor adapta livremente o livro Dance on My Grave, lançamento original de Aidan Chambers em 1982, um marco para a literatura gay, mandando sinais precavidos e deliciosos ao seu espectador. Como audiência cativa, esperamos atentamente o desenrolar desse caso escondido, confeccionado sem qualquer nível de vergonha, constrangimento ou preconceito.

A utopia dessa estação do ano, tão calorosa nas praias quanto nos lençóis, é pano de fundo para uma jornada de autodescobrimento do protagonista. Alexis vira Alex nos polposos lábios de David, dando total liberdade para que Benjamin Voisin, o intérprete do sensível badboy, brinque, também, com o nosso coração. Nas armadilhas deixadas pelo olhar sensorial do diretor e roteirista, Verão de 85 nos coloca no conflito: não queremos que Alex se machuque, mas sabemos que esse baque é inevitável.

Premeditando o pior, os cem minutos de rodagem primeiro se inflam do doce ato de se apaixonar. A viagem de moto, que atenciosamente estampa o pôster, nada mais é que a realização de um sonho multifacetado. Para Alex e David, naquele microcosmo mágico e envelopado no veraneio adolescente, e para quem assiste e se identifica, uma comunidade há muito privada da liberdade de amar.

A virada da chave de Été 85, e que distancia a obra do eco de nomes repetidos e pêssegos deflorados, é a pegada de suspense que François Ozon injeta no longa. Passado e presente se conflitam no semblante de Alexis e em seus olhos, ora vivos e fogosos, ora tristes e melancólicos. O jovem ator é vitrine da emboscada em que se meteu. Onde já se viu esperar algo bom do ato de se apaixonar por alguém tão volátil e metamórfico quanto o jovem que o salvou de um naufrágio, sem mais nem menos? Mais perigoso ainda: onde já se viu se apaixonar?

Algo muito errado e drástico tomou parte no sombrio setembro de oitenta e cinco. Promessas são feitas, choros escorregadios quebram o silêncio da noite e até um romance é escrito. A luxúria chega rápido e logo parte. O Verão de 85 é marcante por ser doloroso e aniquilador. Se você soubesse o tamanho do rombo de um coração partido, se entregaria mesmo assim? Se soubesse quão profunda seria a queda, cederia suas vulnerabilidades da mesma maneira? A resposta certa não existe, mas os inconsequentes floreios do amor podem ser investigados naquela bendita praia de Normandia e naquele agridoce (porém abençoado) verão de 1985. 

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Vitor Evangelista

A tarefa de finalizar uma franquia é um tanto quanto ingrata. A trilogia-relâmpago Rua do Medo, lançada em doses homeopáticas na Netflix, chega ao ápice revisitando o passado da maldita Sarah Fier, bruxa, áspera, pecadora. Para isso, a diretora Leigh Janiak retorna ao século dezessete, lar do paganismo, da culpa católica e do núcleo base do terror psicológico: o medo do diabo. Entre a prosa arcaica e o ato de revisitar grandes filmes do gênero, a máquina do tempo de Rua do Medo: 1666 funciona à perfeição. O ontem é vital, mas é no hoje que a porrada come. 

O elenco de 1666 escala figurinhas repetidas de 94 e 78, dando espaço para que Kiana Madeira troque peles de Deena para Sarah. A atriz expressa medo e pavor pelos olhos e pelo corpo retraído, inserindo raiva nesse combo premiado. Sob os olhos da pagã da Shadyside, o público é apresentado à história real da maldição e de sua origem. A inspiração mais superficial é a de A Bruxa, filme de Robert Eggers que colocou a cultura colonial e o ato de cagar nas valas de volta ao eixo da cultura popular.

Longe do poético fecho narrativo que a inspira, Leigh Janiak usa e abusa de seu currículo televisivo, filmando sequências episódicas, como mini-capítulos de um grande todo. Essa pegada fragmentada faz a produção da Netflix vibrar em uma energia moderna, por mais que metade desse último filme se passe séculos atrás. Chega a ser recompensador que a diretora use do contexto antigo para contar uma história de amor entre duas mulheres, e as consequências do ato de amar. Rua do Medo: 1666 – Parte 3 caminha em direção ao núcleo conceptivo do horror e sua proximidade com a cultura queer.

Desde as origens literárias de Carmilla, o horror se mostrou fundamentado e correlacionado às pessoas da comunidade LGBTQIA+. Os exemplos são muitos, passando pela criação dos imortais Drácula e Frankenstein e ao Cinema que abraça o enclausurado Doutor Jekyll, chegando aos modernos A Pele que Habito e As Boas Maneiras. Parte do medo do futuro, do receio do mal e da culpa de se tornar um pecador vem da constante perseguição e angústia fomentada nas vivências desses indivíduos. Colocar em tela monstros e maldições como alegorias para o preconceito foi apenas uma das maneiras encontradas para transformar o trauma em arte.

Rua do Medo: 1666 não se enquadra propriamente como o mercado rotula seus ‘filmes LGBT’, mas usa questões clichês a fim de movimentar sua narrativa. O preconceito do século XVII é a força motriz da perseguição da Sarah e sua demonização, assim como a homofobia da mãe de Sam em 1994, o que faz sentido considerando as épocas de ambientação. Quer existisse um Rua do Medo: 2021, é provável que o roteiro de Phil Graziadei, Leigh Janiak e Kate Trefry não cairia na questão já exaustiva de aceitação e identidade, à exemplo de produções recentes como We Are Who We Are e genera+ion.

O simples e direto protagonismo da franquia, com duas mulheres envolvidas romanticamente no auge do preconceito e do descaso midiático e governamental, denota um ponto de destaque de Rua do Medo. Afinal, para a trilogia que se esbalda na homenagem e na memória, revisitando da máscara de Jason à faca ensanguentada de Pânico, e brincando com as convenções do horror, a cereja do bolo só poderia ser abraçar o núcleo da história em pessoas LGBTQIA+. Deena já era uma baita heroína, mas Kiana Madeira brilha mesmo na pele de Sarah Fier. Sem a preocupação em criar uma aura arcaica para a bruxa, a atriz emula a visão de uma para a outra.

O xerife Nick Goode (Ashley Zukerman) se transforma em Solomon na porção final da saga, mas o fedor de impostor permanece imutável. Enquanto o filme desmistifica o muquirano, o público se afeiçoa por Sarah Fier, solidificando sua figura de mártir e injustiçada. O esperado seria uma simples narrativa de limpeza espiritual e da imagem da bruxa, mas Fear Street: 1666 não tem interesse algum em soar esquecível. Fier é sim inocente, mas sua sede de sangue não é silenciada ou repensada como benévola. Puta da vida, a bruxa quer o sangue de quem a amaldiçoou.

Bruxa no sentido não-literal da palavra, já que de feiticeira a jovem não tinha nada. Seu caráter sobrenatural vem da figura de lenda e de maldita, perseguida por amar a filha do pastor, Hannah Miller (papel da apagada Olivia Scott Welch). A química entre Welch e Madeira é mínima quando comparada à das irmãs dos anos setenta, mas a forte presença de cena da protagonista dá conta do ritmo nunca se perder (e olha que a abrupta divisão entre 1666 e 1994 deixa o último filme com um rombo narrativo que jorra sangue demais). Quando retorna para os anos noventa é que Rua do Medo arquiteta a arapuca final.

A solução conclusiva é simples, mas bem realizada. O shopping manchado de sangue Thurman que abre a trilogia é revisitado em seu desfecho, colocando Gillian Jacobs (o destaque absoluto de toda essa empreitada da Netflix) frente a frente com o seu bendito passado. A atriz, conhecida por Community, Love e por dublar a Atom Eve em Invencível, é uma das vigas de sustentação de Rua do Medo, muito ao fato da escalação sublima de Sadie Sink para lufar vida à versão jovenzinha da ex-ruiva.

Entre maldições, mãos decepadas, homenagens às vísceras do horror e muita cultura queer em tela, a trilogia Rua do Medo entrega à 1666 uma conclusão sóbria, morna e nada alegórica: nunca duvide de mulheres fortes nem confie em alguém que tem ‘bem’ no nome! A cena pós-créditos instiga uma continuação, e, considerando que a série de livros de R.L. Stine se alonga além dessa viela amedrontada, não será uma surpresa se a Rua se transformar em Avenida, Cidade, Estado ou País do Medo. 

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Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira

Doja Cat – Planet Her

Doja Cat constrói seu próprio planeta e nos leva para visitá-lo em Planet Her. Lançado no dia 25, o mais novo álbum da cantora já nasceu com grandes expectativas. Depois de abalar a indústria musical com seu extremamente bem sucedido Hot Pink, era grande a espera por suas novas músicas. Seu primeiro single, Kiss Me More, estourou no TikTok e iniciou muito bem a nova era.

Dentre as 14 faixas, grandes nomes como Ariana Grande, The Weeknd e SZA participaram em feats que enriqueceram bastante a obra. Apesar dessas parcerias e algumas outras músicas com potencial de viralizarem, a outra metade do álbum não atingiu o nível que Doja é capaz de fazer com sua habilidade única de criar hits. Bem mais ou menos, Planet Her está dividido em composições completamente viciantes e outras nem mesmo divertidas de escutar. Em suma, um EP poderia ter sido uma escolha mais certeira da cantora, mas pelo menos recebemos canções ótimas para adicionar nas playlists de 2021. – Mariana Chagas

Lady Gaga – Born This Way The Tenth Anniversary

Quem imaginou que Lady Gaga poderia ficar mais gay ainda? Ou melhor, quem imaginou que o Born This Way poderia ficar ainda mais queer? Por incrível que pareça, a Mother Monster conseguiu. Em um relançamento mais que especial, comemorando os 10 anos do disco em pleno Mês do Orgulho LGBTQIA+, Gaga reuniu Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck para presentear o mundo com covers de algumas de suas melhores canções. 

Marry the Night, cantada pela lendária Minogue, e The Edge of Glory nos servem a energia do seriado Glee, no melhor dos sentidos. Highway Unicorn (Road to Love) e Yoü and I reimaginam a força das faixas em uma nova roupagem, sem perder o impacto e envolvimento. Born This Way (The Country Road Version) nos coloca para sentir a fivela gelada do cinto na barriga, dessa vez cantada por Peck. E Big Freedia fica com o melhor rework da compilação, uma insana e elétrica Judas, pulsante com sua fanfarra e a voz maravilhosamente grossa da artista. 

O maior defeito do álbum reimaginado é que tenhamos tão poucas faixas novas. Existem tantos cantores e produtores LGBTQIA+ talentosíssimos por aí que poderíamos receber um cover para cada música do Born This Way original. Infelizmente, só podemos sonhar com uma Scheiße refeita por Kim Petras, por exemplo, ou uma Bad Kids de Isaac Dunbar. Quem sabe no aniversário de 15 anos? – Jho Brunhara

Rostam – Changephobia

Ao contrário do que o nome do disco sugere, Rostam não tem medo das mudanças. Ex-integrante da banda Vampire Weekend e agora atuando como produtor e artista solo, Rostam tem em seu currículo grandes investidas da música indie de agora, desde seu debut de 2017, Half-Light, até a produção do recente e próximo-da perfeição Women in Music Pt. III, das HAIM.

Sua segunda aventura solo é Changephobia, um disco encorpado e difuso, no melhor sentido das palavras. Dessa vez, Rostam Batmanglij não hesita em mergulhar sem proteção em influências do rock e do jazz, filtradas por seu apurado senso estético e pelas ideias originais que imprime em todas as onze faixas. As guitarras sambam e as vozes se esgarçam, ao passo que temas como amor, medo e ilusão viram formas geométricas frente à criatividade do músico, sedimentando, de modo claro e simples, Changephobia como um dos destaques sonoros deste ano de 2021. – Vitor Evangelista

iris – love and other disasters

iris é uma cantora norueguesa que, desde 2019, vem trazendo singles e EPs sensíveis e com um toque pessoal. Agora, ela debuta com o álbum love and other disasters. Suas dezesseis músicas decorrem no tempo certo de 47 minutos, não deixando sua crescente sonoridade ficar maçante, ou até mesmo exaustiva. Mas, como nem tudo são flores, a qualidade do disco cai nos momentos em que a cantora tenta forçar a voz em melodias que poderiam ser simplistas.

push, don’t push, canção que abre love and other disasters, tem toda essência pop e já deixa o spoiler de um trabalho mais livre, sem amarras ou tabus. É em la petite mort que a cantora se entrega, sem medo, a falar de sua sexualidade. voodoo voodoo traz acordes e técnicas vocais complexas porém, sem falhas, e é um ótimo resumo de tudo que você pode esperar do disco. love and other disasters lida com produção extrema, do melhor ao pior. O equilíbrio faz do álbum apenas um trabalho mediano. – Ana Júlia Trevisan

Mallu Magalhães – Esperança

O quinto projeto solo de Mallu Magalhães não poderia carregar um nome mais propício. A esperança de dias melhores ronda o país há anos, por mais que a dura realidade contraste com a ideia de utopia. Mallu, agora com a maturidade da idade e da maternidade à seu favor, canta em Esperança sobre uma porção de temas sensíveis e alegres, refletindo com lentes de otimismo sua jornada e seu alcance.

As 12 faixas foram compostas pela artista, sozinha, mas a produção de Mario Caldato Jr. encorpa a narrativa do LP, cantado e versado em português, inglês e espanhol. A faixa que vale o stream é As Coisas, um louvor agudo que revela o ar de leveza que Magalhães guarda em seu timbre. Deixa Menina, dueto incomum com Preta Gil, coloca a filha de Mallu em foco, misturando samba e bossa nova. Esperança pode não renovar os ares da paulista de 28 anos, mas com certeza envereda sua Arte para ruelas mais floridas. – Vitor Evangelista

¿Téo? – Sol

A mistura de bossa nova com hip-hop de ¿Téo? em Sol vai marcar presença em algumas listas de melhores álbuns de 2021 por aí. O segundo disco do artista colombiano-americano continua os trabalhos do seu álbum de estreia homônimo de 2018, agora elevando a habilidade do artista de mesclar gêneros distintos e desenhando novas faces de sua identidade, que está exatamente nas diferentes influências culturais.

A abertura do disco nos apresenta o resultado exato dessas experimentações, muito bem-sucedido, vale ressaltar. E enquanto Pantera e Buena existem na interseção dos ritmos das diferentes Américas, a continuação de Sol também consegue se separar dentro dos gêneros que combina em suas 12 faixas. Para os ouvintes do raiz hip-hop, ¿Téo? reserva The Most e Americano, modernizando seu estilo com um pouco de reggaeton em Rrrrico e desenvolvendo o ritmo latino de forma mais suave em What’s On Ur Mind, I’ll Wait e Suplicar, esta última que acumulou milhões de streams e foi patrocinada por Justin Bieber.

Compreendendo as nuances da música latina desde seu aspecto global às suas raízes regionais, Sol ainda entrega a beleza do new flamenco em UNI2 e Buena. E a bossa nova? Está presente de forma mais pura em Do U Wanna Leave, mixada às batidas do funk e vocais de Mirella Costa em Assim, mas ela surpreende mesmo é em Buzzeed, resultado da colaboração de ¿Téo? com WILLOW. Eu sei, o conjunto de Sol é difícil de explicar e mais ainda de acreditar. Mas facinho de apreciar. – Raquel Dutra

Wesley Joseph – ULTRAMARINE

Rapper em ascensão, o jovem Wesley Joseph não cansa de inovar. Surgido com um single auto produzido, acompanhado de um videoclipe que esbanjava talento e visão artística, chegou a hora de Joseph lançar seu primeiro trabalho de estúdio completo. 

ULTRAMARINE aterrissa ciente do flow do cantor, que desata a rimar poeticamente, criando versos cinematográficos e que casam com o olho apurado que possui quando o assunto é complemento visual. Ecos de The Weeknd batem à porta enquanto ele convida a cantar sua conterrânea Jorja Smith na melhor canção do curto disco, Patience. – Vitor Evangelista

H.E.R. – Back of My Mind

Depois de ganhar não apenas um Oscar, mas também dois Grammys, H.E.R. consolidou seu nome como uma artista bem sucedida de 2021. Não tem como pensar em música nesse ano sem lembrar da jovem, e ao escutar seu álbum fica claro os motivos de tanto triunfo. 

Back of My Mind é uma viagem para, como o próprio nome diz, dentro da cabeça da artista. A obra é cheia de desabafos emotivos e profundos que, com tanta verdade, tocam nossos próprios sentimentos. Em My Own, Gabriella não tem vergonha em admitir que está carente e com saudade do seu amor. A maneira que fala abertamente da sua necessidade por afeto é a mesma que usa para rimar sobre seus traumas na terceira faixa da obra. 

Além dos solos, sete canções contam com feats que só elevaram ainda mais o potencial do álbum. Ty Dolla Sign, Lil Baby e outros grandes nomes se juntam a H.E.R. para cantar sobre suas emoções. De forma intimista, Back of My Mind vem para mostrar que a queridinha das premiações é apenas gente como a gente. – Mariana Chagas

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

“Você me dá vontade de chorar, mas de um jeito bom”, canta uma jovem de 23 anos em In A Good Way, a voz fina e anasalada se engrandece ao mesmo tempo em que confessa esse sentimento conflituoso. E o quarto disco de Faye Webster é recheado deles. A começar pelo título, sutilmente passivo-agressivo, que rememora as risadelas características do MSN, lol.

I Know I’m Funny haha engana pelo escopo de suas criações, por suas letras aparentemente simples e pelos vocais de Webster, que brincam com tons e com formas. Ela é despreocupada, carente, inteligente e ela está entediada. Qualquer tema escolhido ao longo dos quarenta minutos são tratados com o mesmo grau de seriedade, fazendo da integridade artística e da entrega sincera os pontos mais altos do trabalho. – Vitor Evangelista

Wolf Alice – Blue Weekend

O Fim de Semana Azul da banda Wolf Alice já é um dos álbuns mais prestigiados do ano, e com toda a razão. Em suas onze faixas, ouvimos uma história contada através das letras e da ambientação alcançada através da produção detalhista das músicas. Quase como uma experiência cinematográfica, somos conduzidos a sensações que crescem e culminam numa catarse musical, embalada pela voz de Ellie Rowsell. 

O rock alternativo e o shoegaze/dream pop já são conhecidos por esse poder de colocar o ouvinte quase num transe, e de transportar para uma atmosfera única e etérea, e Blue Weekend confirma a capacidade de Wolf Alice em acentuar essa força do gênero. Delicious Things com certeza tem Bowie nas suas veias, sendo uma das melhores faixas do disco. 

Ao longo do LP, nos deparamos com sintetizadores ecoantes, guitarras calmas, e até mesmo um rock mais convencional, e tudo se encaixa, numa síntese sobre como manter um álbum coeso sem que se torne monótono. Não se assuste quando Blue Weekend aparecer nas listas de melhores do ano por aí, eles merecem isso e muito mais. – Jho Brunhara

Alicia Keys – Songs In A Minor (20th Anniversary Edition)

Em 2001, o mundo admirava a estreia aclamada e promissora de Alicia Keys. Hoje, celebramos junto dela seus maravilhosos 20 anos de carreira. A comemoração acontece através de Songs In A Minor (20th Anniversary Edition), edição especial do primeiro álbum da artista. Na época, o disco foi sucesso absoluto de público e de crítica, vencedor do Grammy de Artista Revelação, Melhor Álbum de R&B e Música do Ano, e o motivo por trás da fama da novata que ficou conhecida como “a próxima rainha do soul”.

O fenômeno partiu de uma jovem de apenas 20 anos que flutuava com completa liberdade criativa pelo soul, R&B, hip-hop, jazz, música clássica e gospel, em canções escritas e idealizadas durante a adolescência e no início da vida adulta, simbolizando, de forma pessoal e histórica, um amadurecimento em meio a um novo mundo e um novo momento da indústria musical. Assim, Songs In A Minor é onde a origem do piano clássico de Alicia se encontra com a sua existência enquanto mulher moderna, suas referências musicais dentro dos gêneros urbanos contemporâneos e sua habilidade enquanto compositora, arranjadora e produtora. 

O trabalho abriga uma parte importantíssima da música dos anos 2000, como Rock wit U, que representa como nenhuma outra o R&B da época, em contraste com as juvenis Butterflyz, Troubles e Caged Bird. A tracklist original vem acompanhada de Foolish Heart, Crazy (Mi Corazon) e I Won’t (Crazy World), três faixas inéditas das sessões de gravação do disco em 2001. Parafraseando a música que é o carro-chefe do álbum, um dos destaques de sua discografia e considerada sua assinatura musical, 20 anos depois, nós continuamos a nos apaixonar por Alicia Keys. – Raquel Dutra

EPs

Cavetown – Man’s Best Friend

Apesar do isolamento, muitos sentimentos causados pela pandemia são, também, globais. Raiva, solidão, tristeza, carência… Tudo o que transformou o último um ano e meio em um dos momentos mais complicados se tornou tema do último lançamento de Cavetown, Man ‘s Best Friend.

Não é a primeira vez que saúde mental é discutida nas faixas de Robbie. Tema bastante comum, ele contou em entrevista que usa a escrita de músicas para aliviar o que está sentindo, e dessa vez não foi diferente. O EP nasceu em um momento bem conturbado de sua vida, o que pode ser refletido nas letras amarguradas e passivo-agressivas. Em Ur Gonna Wish U Believed Me, Let Me Feel Low, Guilty e Sharpener, o ruivo constantemente se refere a alguém, com uma certa hostilidade, como culpado de seus problemas. Já Idea of Her, que ele confessou ser sua favorita entre as faixas, traz mais à tona sua carência e saudades de uma certa pessoa.

A produção continua simples como sempre. Além de escrever, Robin também produziu todas as músicas, seguindo seu estilo mais clean. O objetivo, segundo o cantor, é fazer com que o ouvinte se sinta acolhido, como se ele estivesse cantando ao seu lado. O que funciona muito bem, ainda mais com a voz tão calorosa de Cavetown. E é a junção de todos esses elementos que ajudam na construção de um EP perfeito para servir de companhia em uma tarde solitária de pandemia. – Mariana Chagas

Griff – One Foot In Front Of The Other

Chamada por muitos críticos como a grande revelação do pop de 2021, haja visto seu prêmio na categoria homônima do BRIT Awards 2021, Griff prova merecer o título com o lançamento do seu primeiro EP, One Foot In Front Of The Other. Podendo ser vista como um suspiro de inovação em meio a um gênero musical que muitas vezes se repete, a cantora não faz nada incrivelmente surpreendente, apenas tem a ousadia de não se prender em clichês, assumindo sua identidade sonora de forma confiante mesmo em seu início de carreira.

Com vocais e estilos que lembram muito as composições de Julia Michaels, Griff é um pouco mais ousada ao adicionar pitadas de jazz e R&B em faixas como o single de abertura Black Hole. E uma vez que conseguimos comparar seu estilo com os primeiros singles de Dua Lipa, podemos esperar um futuro tão brilhante quanto para a nova revelação do pop. Outro destaque que precisa ser dado é para Shade of Yellow, canção que poderia muito bem fazer parte do arsenal de Taylor Swift, combinando perfeitamente em sonoridade e letra com a construção do álbum reputation. 

Entretanto, por mais que estejamos falando em comparações, é muito difícil definir Griff de forma tão simples, uma vez que mesmo com apenas 7 faixas, seu registro consegue nos mostrar a versatilidade da cantora, que caminha entre as variáveis de seu gênero, indo desde de um pop eletrônico até uma batida oitentista em Walk. Sabendo como construir sua mistura perfeita, One Foot In Front Of The Other é um disco que não merece apenas ser escutado, mas sim reproduzido repetidas vezes, de forma que sua complexidade, humildemente disfarçada, possa ser um chamado para que apreciemos a abundância de sua construção. – Ana Laura Ferreira

Overcoats – Used To Be Scared Of The Dark

Pouco tempo depois de lançarem o tocante The Fight, disco que debatia o fim de um relacionamento, o duo Overcoats dá uma prévia do futuro com o rápido mas marcante Used To Be Scared Of The Dark, um EP que reúne apenas quatro canções. Entre elas, as artistas convidam vozes proeminentes do cenário folk, pop e rock para falar de cura e renascimento.

Antes escondidas na escuridão dos sentimentos negativos, elas agora se banham na luz que emana da superação. Para isso, Overcoats vai do Céu ao Inferno, da culpa à redenção e da infância à velhice. A abertura, na faixa-título em parceria com Middle Kids, regurgita o medo, e o encerramento, Blame It On Me, ao lado de Lawrence Rothman, saúda a inocência em busca do futuro. E nós mal podemos esperar por ele. – Vitor Evangelista

Olivia O’Brien – Episodes: Season 1

Depois de centenas de buzz singles e mini-mixtapes, Olivia O’Brien finalmente entrega um trabalho completo com seu divertido segundo álbum de estúdio, Episodes: Season 1. Dividido em dois extended plays, a primeira temporada de Episodes traz seis faixas recheadas de versatilidade e irreverência. Marcada por letras melodramáticas e sonoridade up-tempo, Episodes é um dos melhores lançamentos da carreira de Olivia.

Numa época que a Geração Z trouxe o pop rock de volta para as paradas, No More Friends é um dos maiores acertos da tracklist, e Oli Sykes eleva a faixa com seu icônico vocal metalcore. Também fica impossível não se emocionar com a realidade hollywodiana em Call Mom ou mergulhar em nostalgia com What Happens Now?. Episodes: Season One abre novos horizontes para O’Brien e deixa expectativas para a segunda parte do disco. – Laís David 

boy pablo – wachito’s self-care tape

Fazendo jus ao título, as cinco faixas de wachito’s self-care tape são a trilha sonora perfeita para só relaxar. Depois de tuck me in e dancing by myself, também lançados em 2021, o quarto EP da carreira do boy pablo, nome artístico do chileno-norueguês Nicolás Pablo Muñoz, dá sequência e finaliza a proposta de fragmentar trabalhos anteriores e rearranjá-los em extended plays.

Selecionando gravações menos frenéticas e dançantes, diferente das do disco de estreia Soy Pablo e de singles como Dance, Baby! e Losing You, o cantor, compositor e produtor usa a última parte da trilogia para abaixar o tom e focar nas melodias calmas. A guitarra agitada dá lugar ao violão e ao piano, como nas declarações de amor de i <3 u e nowadays, e a solos mais contidos, como na revigorante come home e na encantadora honey. Até a animada hey girl ganha uma versão acústica, que, mesmo sem comparação com a original, encaixa na vibe proposta no EP.

Não só as melodias acolhedoras, mas as letras suaves e delicadas também se distanciam da ansiedade e das desilusões amorosas de anteriormente e tornam o trabalho praticamente uma playlist romântica e reconfortante. Mesmo sem nenhuma canção inédita, wachito´s self-care tape reúne faixas espalhadas em uma mini-coletânea coesa do início ao fim, que, como o próprio boy pablo descreve, é pensada para seus momentos de autocuidado. – Vitória Lopes Gomez

beabadoobee – Our Extended Play EP

beabadoobee se junta a Matty Healy e George Daniel, membros do The 1975, em Our Extended Play EP, uma rápida parceria colaborativa. Unindo o melhor do bedroom pop da cantora com a megalomania que borbulha da banda de Manchester. 

Em apenas quatro faixas, ela ouve sua voz distorcida e abafada por guitarras tagarelas, marca registrada dos donos de hits como Girls e Somebody Else. A finalização do EP, centrada na bobalhona He Gets Me So High, deixa um saboroso gostinho de quero mais. – Vitor Evangelista

Clarissa – Clarissa

Atriz, influencer e agora cantora. O currículo de Clarissa Müller cresce graciosamente com seu primeiro lançamento musical, Clarissa. O EP de estreia da artista aconchega cinco canções num bedroom pop que promete cair no gosto dos amantes do pop nacional. Com O Vento Leva, O Vento Traz e Bem Me Quer, Mal Me Quer, Clarissa embarca pelos caminhos tortuosos, cantando com suavidade os altos e baixos das narrativas românticas.  

Estética que se estende à Pro Nosso Azar e Ela, dando lugar à algo mais marcado em Xodó. Entre as composições íntimas e os sons charmosos, o ouvinte de Clarissa está avisado: não tem como não falar de amor em tempos de carência coletiva e não tem como não se render à leveza da música em tempos universalmente difíceis. E Clarissa Müller sabe muito bem disso. – Raquel Dutra

K.Flay – Inside Voices

Chegando dois anos após o álbum Solutions, o novo trabalho da rapper americana K.Flay é um grito de guerra e agressão que externaliza as vozes internas da artista em cinco faixas potentes que misturam pop-rock, indie e hip-hop. O apropriadamente nomeado Inside Voices representa, como muitos dos discos lançados em 2021, um processo de introspecção inevitavelmente causado pela pandemia e o período de isolamento social, revelando novas faces de sua artista e reinventando outras.

Como já diz o seu título, Inside Voices revela uma voz mais profunda da rapper, mas também é um episódio sobre as frustrações mais tangíveis de K.Flay como artista e pessoa. Seja na visceral Four Letter Words, em que ela confronta o término de um relacionamento ou na vibrante TGIF, uma insana e fantástica colaboração com o guitarrista Tom Morello, do Rage Against The Machine, em que ambos confrontam a glorificação das sextas-feiras e da semana de trabalho

Outras faixas que se sobressaem são Good Girl, um indie pop que parece saído diretamente de uma cena de filme adolescente dos anos 2000 e Dating My Dad, uma inteligente sátira de relacionamentos e famílias que conta com a bateria de Travis Barker, do Blink-182. Infelizmente o EP perde um pouco de força no final, apostando na introspectiva e sombria My Name Isn’t Katherine, mudando subitamente as engrenagens de suas músicas, mas não o suficiente para tirar o brilhantismo de suas letras instigantes e vorazes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Jensen McRae – Who Hurt You?

A biografia de Jensen McRae no Spotify resume com maestria a energia da cantora: ela tem 23 anos, é virginiana, chorou durante Homem-Aranha no Aranhaverso e nunca negou uma sobremesa. Ela canta sobre doenças mentais, sobre ser negra, sobre ter medo da vida adulta e sobre se apaixonar por qualquer cara que é gentil com ela. Ela provavelmente está escrevendo sobre você em seu diário. Who Hurt You?, seu EP de estreia, é uma boa vitrine dessa personalidade. 

Suas influências de R&B se misturam à calmaria do pop melódico, ao passo que uma aveludada voz de clamor invade o espaço sonoro. Seria fácil e simplório comparar suas canções ao repertório de SZA, mas isso seria diminuir McRae à moldes pré-concebidos. 6 músicas e 21 minutos são suficientes para nos apaixonarmos. Wolves modula seu choro dolorido, enquanto canta sobre o animal selvagem e seu derradeiro encontro. Cansou de ouvir o SOUR e está em busca de algo no mesmo espectro de sofrência? Dê play em Who Hurt You? – Vitor Evangelista

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING 

Momentos de hiatus são comuns no mundo do K-pop, mas é impossível deixar de sentir saudades do seu grupo favorito quando param por dois anos. Por isso, o mini-álbum do EXO foi um presente de aquecer os corações dos fãs que não tinham novidades desde OBSESSION, lançado em 2019. Afastados por estarem servindo ao exército, os membros Baekhyun, Chanyeol, D.O., Kai, Sehun e Xiumin se reuniram para trazer à vida o DON’T FIGHT THE FEELING. 

No clipe do single, o grupo embarca em uma excursão animada para o espaço, acompanhados pelo otimismo da letra escrita por Kenzie, compositora já antiga na gravadora SM Entertainment. Liricamente, o álbum também faz uma grande viagem, explorando diversos sentimentos e temas do cotidiano. Bem dividido, há um equilíbrio entre faixas tristes e felizes na obra. Depois de tanto tempo afastados, EXO não poderia ter feito um comeback melhor. – Mariana Chagas

Kali Uchis – sin miedo // acoustic

No apocalíptico ano de 2020, Kali Uchis gravou seu nome no cenário musical sem medo de amores e demônios. A cantora colombiana-americana abraçou suas origens latinas naquele que foi um dos melhores álbuns do ano passado: Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios). Em Março, foi vez de telepatía ganhar um caloroso clipe, transbordando talento. Agora, Sin Miedo continua com sua produção de frutos, entregando um EP acústico com telepatía, fue major, vaya con dios.

O acústico reforça toda a sensualidade da cantora em seu cavalo branco. Com apenas três músicas, Kali consegue facilmente envolver quem escuta seu trabalho. É a fascinante vaya con dios que fecha o EP e merece ser o centro das atenções. Com sua sonoridade latina que nos transporta para o ambiente cinematográfico de cabarés, a música imprime toda energia excêntrica de Kali Uchis e merece um lugar especial em sua playlist. – Ana Júlia Trevisan

TWICE – Taste of Love

Enquanto no Brasil sofremos com as baixas temperaturas e muitas camadas de roupa, TWICE esbanja o verão da Coreia do Sul em nossas caras. Uma mistura de bebidas, flores e praias servem como cenário para Alcohol-Free, e durante os 3 minutos de clipe quase dá para sentir o calor saindo da tela e aquecendo um pouco o friozinho deste inverno.

O mini-álbum conta com 5 faixas liricamente românticas e sensuais. A produção tem uma picada tropical que deixa Taste of Love ainda mais gostoso de se ouvir. Sendo ou não fã de K-pop, a batida de Fist Time consegue te conquistar. E ao escutar Baby Blue Love, o sentimento é de estarmos dançando na noite de verão que as garotas cantam sobre. Sendo essa época do ano uma temporada onde os grupos de K-pop lutam por seu espaço nas paradas, TWICE apostou certo em lançar músicas que casam tão perfeitamente com a estação. – Mariana Chagas

Rebecca Black – Rebecca Black Was Here

Uma década depois de sofrer com Friday, Rebecca Black está de volta. A cantora reúne inspirações eletrônicas no EP que carrega seu nome e sua atual situação. Rebecca Black Was Here dura mais do que sua curta duração se propõe, e a versão 2021 da artista é mais despojada e, também, mais potente.

Better in My Memory é o ápice do trabalho, mas todas as faixas passeiam por características positivas, soando, em sua melhor instância, como sons dignos da produção avantajada de Charli XCX. A PC Music vira tendência aqui, provando que a represália sofrida pela música sobre a sexta-feira não foi nada justa. – Vitor Evangelista

Músicas

Clairo – Blouse

Dois anos depois de seu último lançamento, o unânime álbum de estreia Immunity, a cantora e compositora norte-americana Clairo volta a dar as caras com o single Blouse. Longe do gênero pop (e suas variações) que marcou seu brilhante início de carreira, a artista agora explora o folk, em uma canção acolhedora, ainda que tediosa.

Os vocais suaves de Clairo cantam uma homenagem à sua cachorrinha, Joanie, e são o grande destaque na faixa, enquanto a domesticidade da melodia, que a artista tanto procurava, é mais sonolenta do que emocionante. Blouse, produzido por Jack Antonoff, o requisitado produtor de Taylor Swift e Lorde, é o primeiro single do segundo álbum da artista – e da colaboração entre os dois. Como anunciado pela cantora, seu novo projeto chama-se Sling e será lançado em 16 de julho. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless 

Depois de um hiatus de 3 anos entre o seu EP e o seu debut album, os fãs de Madison Beer não esperavam algo novo tão cedo. Porém, menos de quatro meses depois do lançamento de Life Support, a cantora volta com um single que inicia sua próxima era da forma mais linda possível. Se na capa Madison parece estar entre as páginas de um livro, ouvir Reckless é como um convite para viajar com ela para esse capítulo triste de sua história.

Com a melancolia de ser trocada por outro alguém, tema também do sucesso traitor de Olivia Rodrigo, Reckless é um desabafo honesto da vivência de Madison. Logo no primeiro verso, a cantora confessa que contar tal história pode quebrá-la, mas que escolheu contá-la do mesmo jeito. A produção de Leroy Clampitt e Tim Sommers, seus antigos parceiros, usa sons do cotidiano e tantos detalhes que ouvir de fone de ouvido se transforma em uma experiência quase mágica. 

Com mais de 700 mil de streams no Spotify, a faixa ultrapassou Good in Goodbye e se tornou a maior estreia de Beer. A hashtag RECKLESS IS OUT NOW, organizada pelo Madison Beer Brasil, ficou nos assuntos do momento na noite do dia 3. A cantora está crescendo e promete ir muito bem nessa nova fase. Se os próximos capítulos forem tão bons quanto este, não há dúvidas que Madison irá entregar outro álbum incrível. – Mariana Chagas

Marisa Monte – Calma

Após uma década sem inéditas, Marisa Monte nos pede Calma, como um sopro de esperança para não temer o futuro. O single é o primeiro lançamento do álbum Portas, que vem ao mundo em julho. Composição de Marisa em parceria com Chico Brown, a canção tem letra e melodia fáceis, que entram na mente capazes de se repetirem por horas. A música é um spoiler do que podemos esperar de Portas: o reforço na confirmação que cada dia mais a arte de faz necessária, que o som é um dos melhores escapes do mundo apocalíptico em que estamos vivendo. – Ana Júlia Trevisan

Bimini – God Save This Queen

Grande destaque da segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK, Bimini Bon-Boulash escolheu o Mês do Orgulho para dar partida em sua carreira musical. God Save This Queen, faixa selecionada para o pontapé além das passarelas, aumenta o alcance da drag queen, dando ao público mais nuances de sua multifacetada persona, vegana, não-binária e doida. Os versos permanecem fiéis ao que Bimini já cantou no programa, uma expansão de sua visão artística. Agora que a fera está solta, o mundo é um lugar melhor. – Vitor Evangelista 

Jottapê, Kevinho e ARON – Errada Ela Não Tá 

Arón Piper está arriscando no mundo musical aos trancos e barrancos. Depois do lançamento de seu EP no começo do ano, o astro de Elite se aventurou em terras brasileiras para um feat com MC Jottapê e Kevinho, surgindo então Errada Ela Não Tá. Quem dá o tom é o ator de Sintonia numa batida conhecida pelas festas antes da pandemia, vibrante e enérgica. A voz anasalada de Kevinho vem logo em seguida sem grandes novidades, nos mesmos moldes que suas outras músicas. Até aí, o match perfeito. 

Contudo, Arón aparece e desgasta o funk, abusando do auto-tune. Sua voz modulada além do limite diminui os compassos introduzidos pelos MCs e só volta quando ele canta em espanhol o verso introdutório do refrão. Mesmo assim, há aqueles que aprovaram a parceria já que Errada Ela Não Tá entrou no top 200 do Spotify Brasil. Pessoalmente, ainda fico no aguardo de novas produções de Arón que engrandeçam sua voz marcante. – Júlia Paes de Arruda

Jessie J – I Want Love

Há alguns anos a Claudia Leitte do Reino Unido vem tentando repetir seus feitos do início da carreira, seja através de uma abordagem mais pop ou conceitual. E, bom, quem conhece Jessie J sabe que esse é exatamente o problema da cantora: tentar demais. Abençoada com uma voz poderosa, J já foi até mesmo competir na China em uma programa de talentos na TV, e venceu, provando que anos de carreira e alguns hits não te impedem de fazer o caminho contrário da fama. 

Em I Want Love, J usa de todos os artifícios para fazer uma canção viciante, e consegue. A estrutura convencional cumpre seu papel, o refrão é chiclete, as firulas vocais impressionam, e a letra super identificável (afinal, quem não quer amor?) e as influências disco, que estavam em alta, completam o pacote. A mudança de tom no final é a cereja do bolo, quase como uma paródia do próprio gênero, algo que Ed Sheeran usaria sempre se tivesse a ambição e potência vocal de Jessie. Infelizmente, tudo que é muito doce e emperequetado enjoa fácil. – Jho Brunhara

blackbear e Tate McRae – u love u

A nova era de blackbear começou! Em 23 de março, o cantor anunciou em suas redes sociais seu próximo projeto, o EP misery lake, e três meses depois, o single finalmente foi lançado.  Com a participação de Tate McRae, a produção ficou na mão de Andrew Goldstein, que já trabalha com o cantor há muito tempo.

A música é sobre estar em um relacionamento mas continuar se sentindo sozinho, mas é tão animada que quase dá para esquecer da triste letra. Bear desabafa sobre amar alguém que não parece o amar de volta tanto assim. Já a capa ficou na mão de Harley Wrecks, parceiro antigo do cantor, que escolheu uma animação que combinasse com o conceito da era. “Decidi fazer ele (blackbear) e Tate se afogando no misery lake”, contou o artista em entrevista. – Mariana Chagas

IZA – Gueto

Que IZA é uma potência todo mundo sabe, mas o novo single da artista e primeiro vislumbre de seu segundo disco é para elevar todas as expectativas a respeito de seu trabalho. Em Gueto, um dos maiores nomes do pop nacional faz jus ao espaço de importância que ocupa enquanto artista, exaltando a cultura da periferia e suas raízes do subúrbio do Rio de Janeiro. Usando de um dancehall e afrobeat carismáticos, o conjunto da obra de Gueto ainda conta com a direção criativa de IZA e entrega um dos vídeos mais lindos do ano, onde brilha forte uma artista confiante, que diz “sim, eu sei o que está reservado pra mim”. – Raquel Dutra

CHVRCHES e Robert Smith – How Not To Drown 

O trio escocês CHVRCHES voltou esse mês com mais uma amostra de seu novo álbum, Screen Violence, programado para sair ao final de agosto, marcando assim 10 anos desde a formação da banda em 2011. O novo single, How Not To Drown, conta com a ilustre colaboração de Robert Smith, do The Cure, nos vocais e na letra.

Escrita em um momento em que a vocalista Lauren Mayberry pensava em deixar a banda de synthpop, a música serve como uma reflexão sobre desistência, ansiedade e depressão: “Me diga como/É melhor se eu não fizer som/Eu nunca vou escapar dessas dúvidas/Eu não estava morta quando me encontraram, olhe como me me afundam”. Adicionando seus vocais fantasmagóricos ao refrão sombrio, Robert Smith só agrega ao ar de mistério e violência proposto na nova fase do trio.

Além da música, Junho também trouxe um vídeoclipe psicodélico seguindo as novas estéticas do grupo, assim como um novo remix de 7 minutos criado pelo próprio Robert Smith. Descrita por Martin Doherty como “o momento mais orgulhoso dele como músico”, How Not To Drown marca mais uma forte adição à discografia da banda e aquece os ouvidos dos fãs até o lançamento de Screen Violence em 27 de agosto. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Michaela Jaé – Something to Say

A mãe tá on! Depois de acalentar nossos corações como a chefe da família Evangelista e na pele de uma das personagens mais queridas da TV, MJ Rodriguez estreia na música como Michaela Jaé em Something to Say, seu primeiro single. A artista já mostrava indícios dos seus dons musicais através em alguns episódios de Pose, e agora, com os trabalhos na série devidamente finalizados, ela se joga numa mistura triunfante de pop, R&B, soul e funk para provar um fato: Michaela Jaé tem muito o que dizer. – Raquel Dutra

Megan Thee Stallion – Thot Shit

Megan encerrou a bem-sucedida era Good News e agora é a hora de Tina Snow brilhar. Alter ego da rapper, essa versão loira é quem dá as caras em Thot Shit (em inglês, Thot é sigla para ‘that hoe over there’, uma maneira de menosprezar as mulheres). O clipe abre com um político branco e idoso comentando barbaridades em um dos vídeos de Meg, para logo depois abrir o zíper da calça e “aproveitar” o que assiste.

Saindo do prédio, ele logo é atropelado por um veículo em alta velocidade. No banco do motorista está a cavalona, empoleirada e rebolando. Ela segue essa máxima todo tempo e não há lugar ruim para o remelexo do bumbum: uma lanchonete e até uma sala de cirurgia são palcos para o twerk. A letra também é lugar seguro para Stallion, que rima sobre sexo e seu sucesso e estrelato, sem tabus ou quaquer vergonha do que diz. Thot Shit abre alas para o futuro dessa que é uma das maiores estrelas que temos. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – A Flor Encarnada

“Haste fina que qualquer brisa verga mas nenhuma espada corta”. Essa é a definição completa de Bethânia, pura e irrestrita. A cantora, que pegou todos de surpresa no dia de seu aniversário, lançou em junho a música A Flor Encarnada – composição de Adriana Calcanhotto. A letra forte combina com toda a história da discografia traçada pela inconfundível voz de Maria Bethânia. A forma poética da cantora em interpretar canções traz profundidade para A Flor Encarnada e nos deixa ansiosa para trabalhos futuros que a menina de Oyá, isolada na mata, possa estar preparando. – Ana Júlia Trevisan

Danna Paola – MÍA

Depois da sua era K.O., Danna Paola enaltece uma nova fase da sua vida, abusando de uma maturidade musical admirável em tão pouco tempo. Sem deixar de celebrar sua notoriedade na música latina, MÍA retrata a transição da inocência à independência, deixando despertar uma mulher preparada para enfrentar o mundo somente com a sua companhia. 

No clipe, a patricinha de Elite simula um funeral, desprendendo dessa fase monótona de corações partidos e relacionamentos imaturos, para renascer cheia de cores e felicidade. Resumindo em suas próprias palavras, bem-vindo ao novo eu de Danna Paola. A versatilidade de sua voz encanta pela energia e as danças bem coreografadas são vitais para traduzir essa intensidade. Seu renascer estilo Bela Adormecida só reforça seu papel de empoderamento e de amor próprio nas próximas gerações de meninas que a viram no uniforme de Las Encinas. Prometendo uma continuação dessa história, a mexicana nos dará a honra de prestigiar performances incríveis em um novo álbum. – Júlia Paes de Arruda

FLETCHER – Healing

O término público do relacionamento igualmente público de Fletcher rendeu bons sofrimentos à artista – e a seus fãs. Com direito até a videoclipe com a ex, a cantora e compositora recompensou os fãs com o EP The S(ex) Tapes, que reflete sobre o fim e o que vem com ele, do sofrimento à expectativa para o próximo amor. Entre outros lançamentos e versões no meio do caminho, o novo single de Fletcher, Healing, retoma a narrativa da onde a artista parou.

Semelhante a canções anteriores, a faixa combina as letras pessoais e honestas ao ritmo pop animado. Álbum, EP ou single, o próximo lançamento ainda não foi anunciado, mas, com uma turnê pela Europa com datas marcadas, o processo continua: em Healing, Fletcher ainda não se curou, mas está no caminho. – Vitória Lopes Gomez

Bad Bunny – YONAGUNI

A nova fase de Bad Bunny já mostra seus primeiros sinais com YONAGUNI. Depois de se despedir de EL ULTIMO TOUR DEL MUNDO na companhia de ROSALÍA, e vencer um Grammy com YHLQMDLG, a expectativa para os trabalhos do artista em 2021 era alta, e a recepção do lançamento foi à altura: quebrando recordes, o single estreou em 3º lugar na parada global do Spotify, com 7,1 milhões de streams em 24 horas, na maior estreia de uma música em espanhol na história da plataforma de streaming. No reggaeton sensual, versos apaixonados e estética extravagante de sempre, Bad Bunny segue um fenômeno. – Raquel Dutra

Bleachers – How Dare You Want More

Quando uma banda constrói seu estilo baseado em fortes e imponentes influências, como é o caso do Bleachers, é fácil se perder entre as mesmices disfarçadas de homenagens em suas construções, sejam líricas ou sonoras. Mas para a alegria dos nossos ouvidos, a banda de Jack Antonoff sabe equilibrar sua personalidade e sua nostalgia, criando a mistura perfeita para nos entregar um single que combina tanto com eles em pleno século XXI quanto combinaria com The Beatles em plenos anos 1960. Animada do jeito certo para disfarçar o peso de sua letra, How Dare You Want More é o passado e o presente que pavimentam o futuro da banda. – Ana Laura Ferreira

Pó de Café e Maria Rita – Tantas Mães

Sou, de longe, a pessoa mais suspeita do site para falar da dona cantora Maria Rita. A filha de Elis Regina não lança um trabalho solo desde 2018, mas nesse longo período de tempo vem colaborando com outros cantores e grupos, e também se arriscando por aí como compositora. Sua voz inebriante marca presença no single Tantas Mães do grupo de jazz Pó de Café.

A música sobre Iemanjá escancara a religiosidade de Maria Rita. Sua entrega na canção demonstra um respeito que transcende as relações musicais, há uma verdade pessoal impressa em seu vocal. Com um instrumental marcante mas que não se sobrepõe à voz da cantora, Tantas Mães nos lembra a sonoridade do Segundo, entrelaçada com a fé do Amor e Música. O single é a junção do melhor dos dois mundos de Maria Rita. – Ana Júlia Trevisan

Ed Sheeran – Bad Habits 

Depois de mais de um ano de uma pausa incessante, mesmo com aparições para notícias maravilhosas e um lançamento sem compromisso, Ed Sheeran está de volta com sua primeira canção solo desde o álbum Divide. Ansiosamente esperando por esse momento e, como sempre, ele nunca decepciona. 

Conhecido por compor letras maravilhosas, Ed canta sobre as decisões erradas tomadas na madrugada, especialmente depois das duas da manhã (uma referência a How I Met Your Mother, talvez?). O britânico se arrisca em algo não visto em outros trabalhos, uma música dançante estilo The Weeknd com vibes eletrônicas de Alok. Ainda processando o lançamento, o ruivo performou seus maus hábitos numa versão acústica no TikTok UEFA EURO 2020. Depois da sua trilogia matemática +, x e ÷, será que estamos próximos do –? Ed Sheeran dá indícios que sim. – Júlia Paes de Arruda

Marina Sena – VOLTEI PRA MIM

VOLTEI PRA MIM, segundo single da carreira solo de Marina Sena, resgata elementos do som pré-setentista da Tropicália e os insere no que há de mais contemporâneo da música pop alternativa brasileira. O som, com destaque para guitarra ritmada, é dançante e esbanja sensualidade, irreverência e leveza. Sensações com as quais os fãs da cantora mineira estão acostumados desde os trabalhos na A Outra Banda da Lua, onde Marina tocou os vocais por 5 anos, até a empreitada Rosa Neon, que acabou em março deste ano e foi a grande responsável por projetar a artista no cenário nacional: seja acumulando mais de 2 milhões de acessos entre Spotify e YouTube, fazendo feat com Djonga, ou figurando turnê na Europa (tá bom?!).

“Amor eu te deixei/Pra ir atrás do que eu sonhei”, são os primeiros versos a ecoar no single. Enquanto a música narra quem prioriza a própria caminhada com clima atmosférico e visual marcante e minimalista ao mesmo tempo, os tons quentes e abafados no clipe transpiram latinoamérica, e Marina lembra uma sereia folclórica. Tudo isso somado ao seu jeito de cantar agudo, envolvente e anasalado, que remetem a Gal, Marisa Monte e Céu, são detalhes que traduzem de maneira cristalina a fase e escolhas profissionais da cantora. O ano de 2021 marca a estreia solo com ME TOCA, precursor de VOLTEI PRA MIM. Lançados com um intervalo de 5 meses, os singles, além de sinais do álbum previsto para agosto deste ano, são produzidos e arranjados por Iuri Rio Branco e contam com realização do selo A QUADRILHA – comandado pelo parceiro e conterrâneo, Djonga.

Marina compõe, canta, toca e dança. Em cima de uma moto, ou no meio de duas delas em círculos, com cabelos soltos e volumosos, como aparece no clipe, a mineira de voz potente e manhosa consegue voltar para o que já vem dando certo, sem ainda soar cansativa e trilha uma trajetória cada vez mais consistente na MPB. “Eu tenho o dom de ir além”, ela canta na faixa, e é bom ficar de olho. – Andrezza Marques

King Princess – House Burn Down

Qualquer lançamento de King Princess tem a difícil tarefa de fazer jus ao nível altíssimo de seu EP de estreia, Make My Bed. Sem erro, o novo single da cantora e compositora já era unânime entre os fãs até antes de ser gravado: House Burn Down era tocada em shows e só foi parar no estúdio depois de incessantes pedidos por uma versão oficial.

Com o lançamento da gravação, os riffs de guitarra e a pegada rock da faixa provam que incendeiam tudo não só no ao vivo. Seguindo PAIN e Only Time Makes Human, a canção é a terceira que integrará o novo álbum da artista, que, segundo ela, está a caminho e será “muito mais rock and roll”. Com a prévia do que vem aí, é de se esperar que o próximo trabalho de King Princess faça jus, afinal, ao seu insuperável EP. – Vitória Lopes Gomez

Billie Eilish – Lost Cause

Pouco mais de um mês antes do lançamento de seu novo álbum, Happier Than Ever, Billie Eilish revelou mais um single dessa nova era. Quase oposto a Your Power, que traz uma letra profunda sobre um tema de extrema delicadeza, em Lost Cause a jovem canta de forma bem descontraída e debochada sobre um antigo relacionamento que teve, enquanto curte uma festa do pijama com algumas amigas – o que não poderia ser um programa melhor. 

Mesmo sem dar nome aos bois ao longo da letra, a tal causa perdida que é nomeada diversas vezes pode se associar muito ao rapper Brandon Quention Adams, com quem Billie teve um relacionamento conturbado, apresentado no seu documentário The World’s A Little Blurry. Ela menciona a falta de atenção e maturidade do tal ex, e também as decepções que teve ao longo e ao fim do namoro. 

Além da música ser um hit de mão cheia, algo que não é novidade quando se trata de Billie Eilish, também é ótimo poder assistir a cantora exalar autoconfiança enquanto se diverte com suas amigas. Como notado até agora, seu próximo álbum tem tudo para mostrar um lado ainda mais pessoal e sincero de Billie, e não poderíamos estar mais ansiosos para ouvir o resultado disso. – Vitória Silva

Nando Reis e Pitty – Um Tiro no Coração

Essa não é a primeira vez que falamos de Nando Reis num post mensal.  O Infernal não lançou nenhum disco solo esse ano ainda, mas se uniu a outros nomes da MPB para contribuir cada vez mais com a cultura nacional. Primeiro DUDA BEAT, depois seu filho Sebastião e agora a fabulosa baiana Pitty se junta ao ruivo. Diferente dos primeiros, a roqueira faz parceria em apenas um single, o que não diminui a química musical entre os dois astros.

A música escolhida por ambos foi Um Tiro no Coração. Cássia Eller deu voz à essa canção há 20 anos e se tratando dela, é óbvio dizer que foi feito um trabalho inconfundível. Com base nisso, a nova gravação tem força para quebrar barreiras temporais. Os vocais se mesclam com a guitarra de Walter Villaça, revelando muita afinidade entre o duo. Não sabia que precisava de Nando Reis e Pitty juntos até ouvir eles nessa faixa. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – The Devil

Dois anos após o sensível III e um EP de versões acústicas, a californiana Jillian Rose Banks, conhecida mononimamente como BANKS, retorna com um single que revela sua produção intrincada e sua musicalidade sofisticada. No demoníaco The Devil, ela canta sobre renascimento e tentação em meio a gritos agonizantes e sussurros sensuais.

Começando intimamente a faixa com tais sussurros, ela orgulhosamente declara seu novo nome: “Eu sou o diabo, te disseram que eu sou o diabo?/Ponha sua fé em outra vida passada (Ha-ha-ha)”. Os detalhes caprichosos e peculiares do single, co-produzido pela própria cantora, são o que fazem da música uma das mais marcantes do ano. Seja por sua batida sombria e sensual ou por seus versos intrusivos e intimidadores, BANKS chega em 2021 marcando presença.

O vídeoclipe, co-dirigido também por ela e inspirado em clássicos como Drácula de Bram Stoker (1992) e A Morte lhe Cai Bem (1992), expressa deliciosamente esse renascimento e transformação, com a cantora se tornando mais forte que seus demônios e resistindo aos seus charmes. Apesar de curta, BANKS nos enfeitiça com sua voz e seu som na primeira amostra de seu novo álbum ainda não nomeado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Liniker – Baby 95

Declaro que Junho é o mês de Liniker. Além da série original Prime Vídeo – Manhãs de Setembro -, a cantora disponibilizou a canção Baby 95 junto ao clipe. Não é atoa que Liniker é atualmente uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+. A letra da música mistura português e inglês, MPB e R&B, e cria uma expressiva história de amor que nos envolve no íntimo do casal. Lançado na semana dos namorados, as cores e luzes do clipe colaboram para o sentimento de acalanto e nos faz acreditar de novo no amor. É sempre caloroso prestigiar a Liniker. – Ana Júlia Trevisan

Jonas Brothers – Remember This

Depois de novos rumores que os Jonas Brothers se separariam mais uma vez, o trio surpreendeu os fãs da forma mais amorosa possível através de Remember This. O ritmo não é diferente de outros trabalhos que eles já produziram antes, porém conta com uma energia muito mais valiosa.

Esse tom de aconchego vem das fotos de seus fãs que já tiveram o privilégio de ouvi-los ao vivo. A ausência das performances físicas dos três carrega esse sentimentalismo e, ao fechar os olhos, é como se estivéssemos presentes em um de seus shows. O compasso de violão com a percussão acompanha o refrão como se fosse uma prece: “Costumava rezar por um momento assim”. Contudo, não somos afortunados o suficiente para experienciar essa emoção tão cedo, já que a turnê de mesmo nome não passará pelo Brasil. Remember This é tudo que temos por agora e, a princípio, parece ser o suficiente. – Júlia Paes de Arruda

Jeremy Zucker – 18

Depois de um álbum sobre amadurecimento e relacionamentos sérios, Jeremy Zucker embarca em uma viagem no tempo com ponto de chegada no ensino médio. Narrado por um garoto de 16 anos, 18 é a perspectiva encantada e inocente de um adolescente que se apaixona por uma menina mais velha. 

Depois de apagar todas as fotos do seu Instagram para preparar o seu comeback, Jeremy voltou completamente entusiasmado em relação ao início de sua nova era. Escrita junto a Mikael Temrowski, Alexander O’Neill e Thomas Michel, o single escolhido parece contrastar com seus últimos trabalhos, mas sem perder a essência jovial e divertida que o cantor carrega em seus maiores hits all the kids are depressed e comethru. – Mariana Chagas

Linn Da Quebrada – I míssil

Conceito, coesão e aclamação. Tem forma melhor de definir o trabalho de Linn Da Quebrada? Não tem. E quando pensamos que sua habilidade com as palavras chegou ao seu ápice, ela mostra que ainda pode ir além. É o caso de seu novo álbum, Trava línguas, que tem o lançamento planejado para julho e um caminho perfeitamente preparado pelos singles mate & morra e quem soul eu, de 2020, e oficialmente descrito por I míssil, seu lançamento mais recente. Na canção, Linn brinca com os sentidos de sua composição junto de produção e direção musical de BadSista e da percussionista Dominique Vieira. Ela, mestra com as palavras, segue, como sempre, nos deixando sem elas. – Raquel Dutra

Hayley Kiyoko – Chance

Hayley Kiyoko começou Junho com single novo e, sofrendo por mulher de novo, pondera sobre suas chances e riscos em Chance. Sem medo de cantar sobre suas vivências, experiências e inseguranças como mulher lésbica, a letra honesta e identificável é embalada por uma batida calma e contagiante e gruda na cabeça: “Eu sempre fui um “não”, nunca um “talvez”/Eu sei que ela nunca me daria uma chance”. Para melhorar, o lançamento foi em dobro e Chance acompanha um videoclipe, que contraria a letra e dá o final feliz que Kiyoko – e quem se identifica – merece. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Rodrigo – The Rose Song 

Olivia Rodrigo conseguiu entregar a metafórica ‘rosa aprendida pelo vidro da Fera’ de maneira brilhante, mais uma vez. Apesar de ser criada para a trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series, série que garantiu o sucesso a cantora de SOUR, a metáfora trazida para inserir sua personagem Nini na peça teatral do East High que produz A Bela e A Fera nesse ano dois, a música serviu também para a cantora por trás das câmeras. 

A série é conhecida por seu brilhantismo de permitir que os protagonistas escrevam suas próprias letras para a produção do Disney+, o que garante que elas deixem de ser mais do que uma música infanto-juvenil e conseguem, de fato, representar o ator nos bastidores da composição. E esse é o caso de The Rose Song que, de maneira perfeita, se encaixa tanto com a trajetória de SOUR, mas também com o drama do relacionamento da protagonista e Ricky (Joshua Bassett). 

Como sua personagem para a peça, a então Rosa, Olivia Rodrigo conta sobre os aprisionamentos de um relacionamento conturbado, assim como a Fera e a maldição que o mantém dessa forma, no conhecido conto de fadas da Disney. Além disso, sem novidade, a cantora entrega vocais e uma performance impactante, que fecham de maneira brilhante o 6º episódio da série e, possivelmente, o estilo melodramático de SOUR. – Larissa Vieira

Garbo – Presente

Foi aqui que pediram um típico astro teen vindo diretamente do Tumblr para embalar o inverno pandêmico brasileiro? O Presente de Garbo está aqui para servi-los. O primeiro lançamento do ano do artista independente Gabriel Soares sucede seu último single, espaço-tempo, lançado em 2019, e seu último álbum, jovens inseguros vivendo no futuro, de 2018. Agora, Garbo apresenta um melodrama dançante e doído, em batidas oníricas de softpop e levemente eletrônicas. Numa identidade precisa da nossa juventude, é impossível ser mais presente que Garbo. – Raquel Dutra

Morat e Danna Paola – Idiota

Morat é um nome em ascensão no mercado musical latino. Aliado à belíssima voz de Danna Paola, outra personalidade crescendo nesse meio, não podia surgir algo ruim. Idiota é a representação da sensualidade e da calmaria das músicas latinas. A voz da patricinha de Elite traz a potência feminina que Idiota precisava, junto com a suavidade das vozes masculinas. Apesar da letra sofrer por amor, a batida dançante e sedutora nos cativa dançar no mesmo ritmo. Afinal, um amor como esse não aparecerá outra vez. – Júlia Paes de Arruda

Lorde – Solar Power

Quando a Pantone anunciou que as cores de 2021 seriam Cinza e Amarelo, Lorde com certeza riu em sua casa, ou melhor, na beira da praia. Depois de cantar as melhores músicas sobre se sentir triste no imaculado Melodrama, agora, finalmente, chegou a vez de enxergarmos o espectro oposto da cor azul: a cor do sol. Solar Power evoca o reencontro com a natureza e o banho de luz solar, enquanto Lorde guia a geração não queria crescer e que não queria mais amar para um novo estado mental, de restauração e reencontro.

Em 2021, mais do que nunca, a canção parece cair como uma luva para o Hemisfério Norte e os países sortudos do Sul, onde os recursos abastados permitiram uma compra de vacinas em grande quantidade ou não foram impactados de forma tão severa pela pandemia, por uma boa gestão governamental. Lá, a vida de verdade já voltou, e Solar Power faz ainda mais sentido em convocar seus ouvintes para sair de casa e redescobrir a felicidade que reside no mundo. O Brasil, infelizmente, não divide as mesmas alegrias e conquistas.

Lorde é culpada pelo caos e incompetência no território brasileiro? Não. É culpada pela concentração da compra de boas vacinas por países da América do Norte e Europa que prejudicam os Estados emergentes? Também não. Mas é muito difícil ouvir Solar Power e se entregar da forma que a cantora pede. Ainda não conseguimos esquecer as lágrimas que choramos, Lorde. Por aqui, ainda não acabou. Esperamos que num futuro próximo as palavras que você escreveu, finalmente, possam fazer sentido de verdade para nós. Por enquanto, só podemos usar de escape para sonhar com uma realidade melhor. – Jho Brunhara

Jennifer Hudson – Here I Am (Singing My Way Home)

A aguardada cinebiografia de uma das maiores estrelas da história da música ganha seu tom na voz de Jennifer Hudson e Here I Am (Singing My Way Home). A canção tema do filme traz tudo o que pode da vida de Aretha Franklin para o aspecto que é um dos mais preciosos da produção e da vida da artista, pela autoria de Carole King, compositora do clássico (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, de 1967, um sucesso na voz de Aretha. Assim, a música só aumenta as expectativas para o público que aguarda Respect e o dia 12 de agosto, quando finalmente assistiremos surgir em Jennifer Hudson a maior cantora de todos os tempos. – Raquel Dutra 

Clipes

Dua Lipa – Love Again

Mostrando que ainda não está preparada para deixar a era Future Nostalgia, Dua Lipa entrega um clipe para mais uma faixa do seu álbum. Depois de Don’t Start Now, Physical, Levitating, Break My Heart e We’re Good – da versão moonlight do CD, a escolhida da vez foi Love Again. O clipe foi gravado entre os ensaios para o BRIT Awards e teve diversas trocas de looks e uma coreografia que a cantora precisou aprender em menos de uma hora.

O conceito do vídeo pode parecer confuso de primeira, mas tudo se encaixa quando combinado a letra da música. Na letra, Dua Lipa confessa que depois de jurar não se apaixonar outra vez, ela acaba por conhecer alguém que a faz ir contra sua promessa. E isso é retratado visualmente no clipe. O ovo representa a cantora renascida, depois de finalmente se curar das dores do último amor. Os palhaços tentam a todo custo a prender para si e, quando conseguem, ela aparece também com a cara pintada.

Apesar das suas tentativas, Dua acaba por amar novamente, e a ironia é estampada na sua cara de palhaça. O music video ficou nos trends do YouTube em 88 países, e a cantora usou seu Instagram para agradecer o apoio dos fãs. Mesmo com mais de um ano de lançamento, o álbum continua entre os mais escutados no Spotify, e a era de sucesso de Dua não parece que vai acabar tão cedo. – Mariana Chagas

DUDA BEAT – Nem Um Pouquinho

Mais uma vez, DUDA BEAT veio provar que boas produções não são exclusividade de artistas internacionais. Depois de lançar o seu aclamado Te Amo Lá Fora, a cantora presenteia mais uma faixa com um clipe, sendo a vez do seu feat com Trevo. Após excluir suas redes sociais, encheu os fãs de ansiedade para anunciar o lançamento do vídeo de Nem Um Pouquinho.

Com direção da dupla Alaska, que voltou para o Brasil depois de uma temporada nos Estados Unidos, o clipe é cheio de referências  cinematográficas. Uma delas é a inesquecível cena de ET, com as bicicletas passando pela frente da lua, como acontece no minuto 2 e 45. Junto com a estética cyberpunk e sua habilidade de metamorfose, o vídeo é um presente para quem gosta de destrinchar as camadas de uma boa obra do pop. – Mariana Chagas

Performances

Ariana Grande – pov 

Desde o lançamento de positions, pov se tornou uma das favoritas do fandom. Apesar de não ter recebido clipe, foi essa a faixa que Ariana Grande cantou em sua apresentação para a VEVO. Recém-casada, a cantora está tomada pela paixão, e isso transparece na sua voz emocionada e olhar brilhante. Sempre encantadora, dessa vez Ari está ainda mais. 

Em um gramado recheado de flores, a artista passeia pelo palco, iluminada por uma luz roxa e azul suave. O cenário é bem simples, mas ainda assim elegante. A tranquilidade do ambiente acompanha a leveza da letra que Ariana canta. Mesmo lançada a pouco tempo, a performance já se tornou a mais assistida do ano. – Mariana Chagas

Olivia Rodrigo – SOUR prom: the concert film

Continuando a expandir o conceito do amor juvenil, Olivia Rodrigo montou a sua própria festa de formatura (online, é claro!). Depois de ter se formado longe dos amigos e dos corredores do high school, Rodrigo trouxe SOUR para as salas do Ensino Médio, em um show online/experiência de catarse. 

Dirigido por Kimberly Stuckwisch e Toby L, SOUR prom: the concert film bebe em fontes que partem de Carrie e homenageiam até os filmes da Disney. Ela abre a cantoria com um mashup de deja vu e happier de dentro da limusine, seguindo pelo repertório envolvente do álbum de estreia. 

Merecem destaque a versão prolongada da chiclete jealousy, jealousy, o acústico sincero de enough for you e o quebra-pau de good 4 u, acompanhada por uma banda escolar e uma renca de líderes de torcida. Sobrou espaço para Conan Gray e demais amigos de Rodrigo fazerem uma pontinha. A festa de formatura do álbum SOUR parece ticar as caixinhas das músicas ‘juvenis’, limpando o caminho para que o caminho da artista seja de crescimento e exploração de novos ares. – Vitor Evangelista

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Vitor Evangelista

Os meios podem até justificar os fins, mas a primeira temporada de RuPaul’s Drag Race Down Under demorou a sedimentar sua narrativa. O spin-off do show americano foi filmado na Nova Zelândia durante a pandemia, colocando australianas e kiwis na Corrida pelo título de Super Estrela Drag e por trinta mil dólares. O custo foram oito enfadonhos e alongados capítulos, um elenco nada cativante e uma porção de polêmicas racistas, tanto dentro do Ateliê quanto fora dele.

Começando pela chamada das queens, pela primeira vez não submetendo suas próprias fitas de inscrição, e sendo escaladas à dedo. O resultado demonstrou a falta de preocupação da produção, que colocou na competição apenas 2 artistas não-brancas, nenhuma maori e outras 2 com histórico de racismo e blackface na carreira. Jojo Zaho, drag de ascendência aborígene, foi a primeira eliminada, depois de ouvir críticas ao senso estético da passarela inaugural, representada por sua origem e terra natal.

A merda fedeu mais quando Art Simone, franca favorita ao título, levou a bota no pior Snatch Game da história, mas foi trazida de volta dois capítulos depois, sem mais nem menos. O histórico de RuPaul com queens que retornam não é bom, mas o status de Art com a produtora World of Wonder pareceu pesar na decisão, visto que ela já era contratada da casa e se manteve até a Final. 

A outra drag não-branca era Coco Jumbo, também parte da leva inicial de eliminadas mas, diferente de Art Simone, Jumbo e Zaho não foram nem consideradas para receber o ato de redenção e a chance de competir mais um pouco em Down Under. Quando outras favoritas estrangeiras foram mal, como Asttina Mandela no Reino Unido e Tynomi Banks no Canadá, não houveram botes salva-vidas, segundas chances, ou algo do tipo. É de suma importância relembrar que tanto Mandela quanto Banks são negras, ao contrário de Art Simone, mas que, no fim das contas, não teve culpa nenhuma da supérflua decisão de RuPaul.

De fato, as deliberações de Mama Ru na Oceania foram para lá de questionáveis. Scarlet Adams acumulou 3 vitórias, mas foi chamada atenção na passarela do quinto episódio, a respeito dos casos de black e brownface, em shows onde a drag pintou o rosto para satirizar outras raças e lucrar em cima disso. A dona do império foi enfática no discurso de condenação aos atos de Adams, mas pareceu insegura do que fazer a respeito do assunto, reiterando que não era seu o papel de ‘cancelar’ alguém.

Os sinais mistos se mantiveram ao longo dos outros episódios. O pior Snatch Game da história viu em Anita Wig’lit sua vencedora inquestionável, em uma imitação caricata mas eficaz e segura da Rainha Elizabeth II. Pela primeira vez em mais de dez anos, RuPaul enfatizou a vantagem de Anita sob suas competidoras (“você é, sem dúvidas, a vencedora dessa semana”) para, dois episódios depois, mandá-la embora em uma Batalha contra Karen From Finance (outra queen envolvida em casos de racismo, mas ignorados pelo programa). Onde é que faz o mínimo sentido a “hands down, winner” do Snatch sequer chegar ao top 5 da temporada?

Karen permaneceu na competição depois de vencer a estreia e navegar em mares seguros, sem apresentar visuais interessantes ou uma performance digna das 4 melhores do ano. Além disso, Karen se escondeu e não abriu a boca ao ver o racismo de Scarlet ser cobrado, provando sua covardia suprema. A Final de RuPaul’s Drag Race Down Under não é a pior do programa apenas por reunir duas artistas desinteressantes e indignas de tal posição, mas principalmente por ter racistas na briga pela Coroa. Se Adams seria cobrada por seu passado, por que então dar a ela 3 vitórias em uma temporada com apenas 7 desafios? Se Karen performou tão aquém do esperado para o histórico recente da série, por que então mantê-la em uma Dublagem quádrupla pelo prêmio?

A resposta, assim como sua justificativa, é simples: RuPaul não tinha saída. A escalação ciente do racismo de Adams e Karen eliminou-as da real disputa, mas impossibilitar a drag com o melhor histórico de Dublar seria um vexame e um chute no saco do próprio reality, que preza pela excelência semanal das competidoras. Deixar de fora a menina da firma, Art Simone, mesmo após seu calculado retorno, ofuscado pela ausência de uma mísera vitória, também não seria a saída mais acertada. Coube a Kita Mean não poupar o humor na hora de interpretar a Physical original, caminhando sem percalços até o título máximo de Drag Race na Oceania.

Kita Mean se junta ao ótimo escalão de winners estrangeiras (The Vivienne e Envy Peru), e também se coloca ao lado das formidáveis queens que triunfaram em 2021 (Lawrence Chaney e Symone). A melhor amiga de Anita Wig’lit vingou o legado neozelandês das competidoras, colocando no bolso uma porção de australianas convencidas, e o fez com humor, visuais camp renovados e muita honestidade nos confessionários. Seus desabafos sobre a perda de peso e a relação com o pai rechearam Down Under com drama e amor, lágrimas e suficiente material para que o público vibrasse com sua coroação.

É óbvio que Kita pode não ter sido a favorita de cara, mas considerando as opções que RuPaul selecionou para a Final, a queen foi a única boa escolha, encontrando a luz no fim do tenebroso túnel que a temporada se tornou. Mas nem tudo começou perdido, por mais que a falta de um ensaio promocional tenha sinalizado um atenção em letras garrafais para a qualidade do que estaríamos próximos de acompanhar. Na contramão das seasons regulares e seus conceitos de apresentação (como o pastel que rondou o ano 13, o arco-íris do UK e o laranja celofane do All Stars 6), Down Under reaproveitou os visuais de entradas no pôster de anúncio, que também usou um vestido repetido de RuPaul. Na Oceania, aparentemente, não há senso de originalidade por parte da produção.

A montagem do programa pareceu insegura do formato que gostaria de seguir, abusando de cortes rápidos e cenas emboladas, tornando a experiência de acompanhar Down Under um teste para cardíacos. Os jurados convidados foram poucos, dando espaço para convidados especiais, como Taika Waititi e Kylie Minogue, em aparições relâmpagos pelo Zoom, só para bater ponto na inauguração de Drag Race por lá. Rhys Nicholson assumiu a terceira cabeça fixa da bancada, mas o charme do comediante se dissipou antes da temporada chegar à metade, considerando que todo seu humor era baseado em pobres trocadilhos sexuais.

Os desafios e as passarelas não impressionaram, combinando com o arsenal de drags escaladas para competir. Jojo Zaho saiu rápido demais para deixar qualquer impressão. Art Simone trollou, mas o ar ranzinza acabou diluído e revelou uma persona resiliente e grata ao papel que a arte drag prestou à ela, e não é por acaso que Art leva o título de drag mais proeminente da cena da Oceania. Coco Jumbo não ouviu o conselho passado de queen para queen e inventou de imitar uma cantora pop no Snatch Game. O resultado foi uma Lizzo nada engraçada, que acarretou em duas Dublagens seguidas, e uma merecida eliminação.

A prematura saída de Anita Wig’lit ainda dói no coração, e não há qualquer justificativa para tal ação, senão o favorecimento descarado de Karen From Finance. Anita era uma clara candidata à Coroa, era destemida e maluca, exibia em seu olhar o grau correto de vulnerabilidade e talento para não apenas destruir a competição, mas ganhar o público, ansioso para torcer por alguém do bem e sem passado racista. Sua eliminação no quarto episódio denota o papel gigantesco que ela desempenhou na Corrida, deixando um vácuo de carisma e singularidade, não preenchido por qualquer uma das finalistas.

Chegando com a promessa da juventude, Etcetera Etcetera viu a falta de preparo tomar conta de seu lado artista. Em uma temporada inaugural e cheia de cães treinados na arte drag, Etcetera ousou em uma polêmica imitação de Linda Chamberlaim no Snatch Game mas depois murchou, se apequenou, e foi embora na virada da season, em uma inspirada Dublagem contra Maxi Shield, essa que sacou um microfone de dentro da roupa e, pela segunda vez na franquia, fez uso dele como apetrecho do Lip Sync.

Etcetera ainda discutiu os papéis de gênero no mundo das queens, denunciou preconceitos que sofreu quanto a sua identidade (desmontada, ela usa pronomes neutros, se considerando uma pessoa não-binária), reafirmando o caráter educacional que, à essa altura do campeonato, Drag Race carrega. No mesmo ano em que Bimini e Gottmik arrasaram tanto nas passarelas quanto em se tornarem ícones para a comunidade trans, o papel de Etcetera na Oceania é de grande impacto; também sentido em Drag Race España, nos ombros de queens como Inti e Hugaceo Crujiente. 

Chega a ser terrivelmente cômico que uma temporada recheada de discussões sociais tenha caído na defesa do racismo e na fuga de qualquer punição por tal crime. Karen From Finance teve seu passado revirado nas redes sociais, com fotos e declarações asquerosas, além de uma grotesca fascinação por bonecos Golliwog, representação pejorativa e preconceituosa do povo negro. Karen mantinha uma coleção deles, chegando até a marcar na pele essa ‘paixão’, em uma tatuagem atualmente coberta. Fato é que a produção de Down Under, ciente dos acontecimentos, manteve tanto Adams quanto Karen na competição até o último momento possível. 

Depois de Etcetera deixar o Ateliê, foi a vez de Maxi Shield dar seu adeus. A drag gorda e peituda entrou muda e saiu calada, aparentemente deslumbrada e até um pouco assustada para com o ecossistema de Drag Race. Seu visual final no Desafio do Makeover (quando as queens recriam alguém à sua imagem) pareceu uma desculpa esfarrapada, feito sem esmero ou qualquer dedicação. O episódio, todavia, teve como protagonistas um time gay de rugby do continente, rendendo bons momentos sobre a homofobia no esporte e como esses homens se portam diante dos demais. 

Uma das protagonistas de Down Under sequer chegou à Final, mas Elektra Shock merece todos os louros possíveis. A construção da narrativa da ‘excluída’ foi evidente quando ela se viu acuada em um Ateliê cheio de piranhas famintas por sangue fresco. Seu status de subordinação, por trabalhar no clube comandado por Kita e Anita, pareceu ter gritado mais alto que o talento da artista, por mais que os visuais e as maquiagens apresentados não vivessem à altura de sua entrega emocional e de carisma.

A imitação cartunesca de Catherine O’Hara no Snatch Game colocou Elektra injustamente numa posição baixa, mas a volta por cima, dada depois de Dublar 2 vezes em 3 episódios e ser feita de gato e sapato por Scarlet e cia, vingou em uma vitória merecida no Desafio dos Comerciais. Os olhos gentis de Shock assistiram queens racistas chegarem mais longe que ela, e também queens piores chegarem à Final. Quando, enfim, ouviu seu Sashay, Away, ela previu o futuro e a Coroa de Kita, dentre todas, a única que conseguiria eliminá-la depois de um Show de Talentos digno das noites do SBT.

RuPaul’s Drag Race Down Under não funciona como boa narrativa televisiva, tampouco se sustenta como um derivado decente da grande franquia norte-americana. Down Under também se afoga nas decisões ruins e ignora o bom senso e a moralidade na hora de julgar e ranquear suas competidoras. Vale a pena passar por 8 estafantes capítulos de uma hora de duração? Eu seria louco se dissesse que sim. 

Kita Mean ganhou o Cetro, a Coroa e o cheque, mas deve querer colocar para trás a experiência do público com sua temporada vitoriosa. A esperança é que Elektra, Anita, Art, Coco, Jojo, Maxi e Etcetera voltem em um hipotético All Stars International, e que RuPaul dê o ultimato na Oceania, relegando-a ao ostracismo e ao esquecimento, assim como deveria ter feito com as duas racistas que competiram na Corrida. 

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Vitor Evangelista

Uma coisa é certa: a experiência da pandemia no Brasil é diferente de qualquer outro lugar do globo. Seja pelo descaso governamental ou pelo descuido populacional, enfrentar o isolamento social em CEP nacional é doloroso, desolador e qualquer antônimo de alegria que comece com a letra D. É claro que Matheus Souza não ia deixar esse caos coletivo viver apenas no mundo real, resolvendo catapultar a angústia de estar quarentenado e, para piorar, apaixonado, desapaixonado e em algum lugar perdido entre os dois.

Me sinto bem com você, assim, direto, é o título que abrange 5 microcontos, relacionando o afeto, o desafeto e a neurose que habita a mente de quem não sai de casa desde março do ano passado. O próprio diretor e roteirista protagoniza o mais sincero dos excertos, ao lado da produtora, cantora, ex-BBB e musa Manu Gavassi. Eles vivem um não-casal, separados há anos, mas ligados por aquele fio invisível tema de tantos poemas e poesias de adoração que lemos por aí.

A artista já é acostumada com a bregueira do amor eterno, compondo desde muito moça sobre Garotos Errados, áudios de desculpas e até sobre a ausência sentida na hora de acordar longe do bem amado. Sua escalação no papel de Adriana cabe perfeitamente, visto que ela emula uma característica persona online quando desata a explicar os monstros que saem de seus pesadelos e fazem morada no bloco de papel. O brega é artifício para polir o emocional: são as metáforas de Instagram que ganham vida pelos lábios e telas de Me sinto bem com você.

Filmado em apenas um mês, com os atores socialmente distanciados e montado com telas divisórias do mundo virtual, o longa de Matheus Souza abusa e pesa a mão no roteiro, espremendo sentimento e emoção de si mesmo e de Gavassi. Ela, loira descolorida e com toques de sua ‘personagem’ da casa do Projac, não se deixa ser anulada ao admitir o frágil estado mental de sua Adriana, uma jovem de vinte e tantos anos, perdida, deslocada e que sente falta do ex, fã da DC que tem o sonho de dirigir um filme do Lanterna Verde.

Esse tal DCzete tem uma relação próxima com a mãe, personagem de Priscilla Rozenbaum, que só aparece nas chamadas cortadas pelo Wi-Fi ruim, mas rouba a cena e imprime o ar millennial que os filmes de Matheus Souza pulverizam. Não se engane, os demais núcleos gritam ‘BINGO!’ no teste do jovem adulto, mas é a mãe idosa de Tom, recém-assumida bissexual, que oferece os conselhos mais modernos de Me sinto bem com você.

Falando na modernidade, Souza reescala Clarissa Müller, depois da jovem martelar sem dó o coração do mundo na pele da descuidada Cecília, de Ana e Vitória. A atriz, ainda surfando na onda de ser complicada e perfeitinha, interpreta uma influencer em um relacionamento com outra mulher. Muito mais que apenas representatividade barata, o núcleo das garotas é o menos carregado emocionalmente, servindo a leveza necessária para que a mais de uma hora e quarenta não se prolongue emocionalmente.

Entre amor líquido, relacionamento aberto e litrão, há espaço para que Thuany Parente e Bel Moreira lidem com o luto. As irmãs, profissionalmente frustradas, se animam em chamadas de vídeo que vão desde jogos de mímica, passando por ideias de filmes que a irmã cineasta joga para o ar, chegando até as lembranças da falecida mãe. O sensível tato provido ao delicado tema é conforto para a dor da pandemia. Me sinto bem com você consegue encapsular a série de emoções que submergem àqueles isolados, e distribui bons arcos para seus personagens, laçando um misto de representação fidedigna ao mundo real com a sensação de ser ouvido, mesmo que esse ouvinte seja o layout preguiçoso do Prime Video.

Diluindo o clima com o humor do casal Thati Lopes, cria do Porta dos Fundos, e Victor Lamoglia, outro ator reescalado de Ana e Vitória, a direção de Matheus Souza não reduz os comediantes à piadas vazias, entregando sequências abarrotadas de ressentimento e de uma familiaridade que vem daqui de fora. Cheia da intimidade que dá veracidade à relação, a dupla (que namora na vida real) está de saco cheio um do outro. A quarentena potencializou a ideia do término, mas pensar é uma coisa e fazer é outra! 

Quando ele, Fernando, sugere à ela, Dora, a ideia de ir embora de casa e colocar ponto final na relação de três anos, a mulher tem uma verdadeira epifania. Muitos dos questionamentos dos personagens de Me sinto bem com você rimam com problemas simples de quem assiste, e a aventura romântica de Matheus Souza atua no limiar da sessão de autoavaliação com aquela sensação de ler, ou ouvir, a frase que satisfaz todos seus demônios. A frase que doma inseguranças, que alivia dores de crescimento. 

“Você se contenta com pouco”, ri Helena (a resiliente Amanda Benevides), quando Eduardo (o impulsivo Richard Abelha) se anima com a quase-namorada perguntando-lhe sobre seu dia. Ele não se esquiva: “de você, pouco é o bastante”. A relação do casal, estritamente carnal para a garota, passa pelo maior desenvolvimento ao longo dos cento e tantos minutos. Eduardo é um bobo apaixonado, ele se presta aos papéis necessários para receber o mínimo de afeto dela.

“As coisas que eu fiz, só para poder te chamar de meu”, canta uma esmaga Olivia Rodrigo no que teria sido a trilha sonora do namoro de Edu e Helena, não fosse o roteiro otimista de Souza. SOUR, álbum de Rodrigo que divide a data de nascimento com o filme de Matheus Souza, detalha uma porção de inseguranças da cantora, refletidas com virtuosismo em Me sinto bem com você, tamanha a identificação propiciada por sentimentos usuais. 

A vida real não costuma ser doce como Me sinto bem com você. Na verdade, a realidade antagoniza a Arte. A Adriana de Manu Gavassi admite amar o Tom de Matheus Souza, mas não tanto nem da maneira que ele gostaria que ela o fizesse. Ela quer que eles sejam amigos. Eles ainda são a pessoa favorita um do outro. Nada mudou, mas tudo mudou. 

Eduardo vence na vida, conquista a garota e fecha seu arco com um sorriso que contorna o rosto. Priscilla e Giovanna dão tchau cantando uma para a outra. Dora e Fernando tiram sarro do futuro, se abraçando no sofá da espaçosa casa que dividem. Adriana e Tom se amam, mas não é o tipo de amor que os fará dar o próximo passo. 

Enquanto a realidade for povoada pela distância e pela frieza, a ficção recria os mesmos moldes, aquecendo a amargura. Enquanto Manu Gavassi protagonizar produções que tenham decorado o telefone fixo do nosso coração, assistiremos com afinco. Na verdade, Manu, eu é que me sinto bem com você.

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Vitor Evangelista

Ano Novo, Nova Ru. Não contente em apenas estrear a 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race junto da virada para 2021, Mama Ru fez a sorte operar à seu favor: com 16 episódios, um especial dos bastidores e mais dublagens do que nunca, o seriado manteve o público vidrado na TV toda sexta-feira, até que, finalmente, Symone da House of Avalon fosse coroada a Nova Super Estrela Drag da América.

Ela já havia nos avisado logo de cara, “não deixe o sabor suave te enganar, baby”. Dito e feito, a drag queen de Arkansas botou para quebrar, dominando desafios, passarelas e marcando a história do programa. Foram escolhas ousadas, revigorantes e extremamente particulares. Partindo do durag traduzido em um ‘train’ (uma longa cauda), até as referências à RuPaul no vestidinho preto e o visual ‘foxy lady’, Symone não deixou espaço para ninguém.  

Symone, entretanto, não seguiu uma caminhada impecável até a Coroa e os cem mil dólares, muito pelo contrário. Quando ela era boa, era um triunfo que só, rendendo o sonhado (e até então amaldiçoado) recorde de 4 vitórias. Mas, nos momentos de dúvida e deslize, Symone dublou em 2 ocasiões nas Piores da Semana, mais vezes do que qualquer outra vencedora passada do programa.

Suas principais críticas eram simples: a residente de L.A. se prendia nos próprios pensamentos, escondendo o potencial avassalador da persona Symone, muitas vezes diminuída pela insegurança de Reggie, o jovem negro, afeminado e excluído por toda a vida antes de encontrar a arte drag. Ademais, o visual da queen, que bebe em uma porção de fontes dos anos 90, poderia desagradar pela ‘falta de marca pessoal’, se não fosse tão escasso o numero de referências múltiplas para jovens negros e gays.

Ponto já debatido em Drag Race UK na passarela do Ícone Gay do Reino Unido, quando Tayce e Asttina, duas drags negras, acabaram referenciando Naomi Campbell pela falta de figuras representativas para elas enquanto cresciam. Symone é uma amálgama de uma variedade de inspirações e estilos, e, mais importante ainda, é modelo para todos que se parecem com ela e nunca assistiram alguém assim na TV.

Quando o assunto é representatividade, a protagonista da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race é Gottmik. Primeiro homem trans a competir no show de RuPaul, Mik desafiou os estigmas antigos das concepções da arte drag, era um homem criando ilusões femininas, era um ‘ele’ constantemente referido como ‘ela’, era a candidata perfeita para ostentar o título de Next Drag Superstar, não fosse a qualidade de estrela de Symone.

E Drag Race nos enganou direitinho, estrategicamente desfocando Symone na segunda metade da temporada, e levitando Gottmik numa narrativa de campeã. A começar por suas significativas vitórias no Baile das Bolsas e no Snatch Game, duas das Joias do Infinito de Drag Race. Quem ganha esses episódios inevitavelmente chega à Final com chances reais de levantar o caneco (ou nesse caso, a Coroa e o cetro).

A própria RuPaul desenvolveu um carinho afável pela competidora, interessada em ouvir suas vivências e extrair o melhor de seu potencial de ouro. Mik passou por leves percalços logo no início da Corrida, quando se sentiu acuada por ser uma pessoa trans em um programa que nunca havia tido alguém trans-masculino no elenco. O medo durou pouco, a partir do momento que ela percebeu que não tinha a obrigação de representar toda uma comunidade, Mik se libertou. E foi sendo assim, contando somente sua história e construindo sua narrativa, que a artista se divertiu.

Sem aterrissar nas Piores da Semana, ela serviu looks atemporais (o alfinete na cabeça sangrando ficará marcado para sempre na mente dos jovens espectadores de RuPaul’s Drag Race) e surpreendeu na comédia. Muito mais que uma queen maquiadora, ela matou a competição imitando uma verossímil Paris Hilton no Snatch Game e arrasou no Roast das Miss Simpatias. O melhor de tudo foi sua leveza enquanto ganhava e recebia os louros. Gottmik saiu sem a Coroa mas venceu em autoconfiança, e deve chegar ao All Stars pegando fogo.

Se Symone oscilou entre altos e baixos, e Gottmik deslizou se divertindo pela competição, Rosé começou sua jornada em Drag Race um bocado surpresa. A única das finalistas que perdeu a dublagem inicial, sendo mandada para o Porkchop Lounge, a drag queen de Nova York demorou a se provar, tanto a si mesma quanto aos jurados. Outra que, depois que encontrou a métrica correta, apenas ascendeu até à Final, Rosé era ‘perfeita’ demais para roubar a Coroa para si.

Ela dublou 3 vezes (mas nunca esteve no Bottom) e perdeu cada uma delas, venceu 3 desafios, não teve uma única performance ruim ao longo do programa, mas não tinha a chama que nasceu em cada uma das 12 vencedoras antigas de Drag Race. Nem a narrativa ‘do lixo ao luxo’ de Rosé se firmou, visto que logicamente as escolhas de RuPaul na estreia foram deliberativas, distribuindo drags boas e ruins entre os grupos (isso explica a ida de Lala Ri e Olivia Lux para o grupo das vencedoras). Uma boa temporada precisa igualar suas competições e preparar pré-concepções.

Quando RuPaul mandou Kandy Muse embora depois de perder a dublagem para Symone, e logo voltou atrás, salvando a nova-iorquina, ela carimbou o passaporte de Muse para a Final. Os Double Shantays (quando ninguém é eliminado) viraram rotina, e significam que Mama Ru definiu suas finalistas de antemão. Vejamos o histórico: Kameron e Eureka na temporada 10, Yvie e Brooke Lynn na 11 e Symone e Kandy na 13. O caso de Kandy Muse é mais interessante ainda, revivendo uma narrativa de favoritismo de Drag Race que RuPaul manteve adormecida por alguns anos. Todos sabiam que Kandy não ganharia a temporada, mas sua desenvoltura e poder de narração alimentaram na drag o chamariz de atenção necessário para que ela chegasse onde chegou. 

Veja bem, Muse fracassou em desafios de música (ConDragulations, Social Media: The Unverified Rusical), em desafios de comédia (Snatch Game, Henny, I Shrunk The Drag Queens) e também nas passarelas (o visual dos bolsos é o pior look do ano) e mesmo assim chegou ao Top 2 da temporada. Isso foi possível graças a uma única letra do termo definidor das vencedoras: o Carisma de C.U.N.T. foi tatuado na testa de Kandy e toda vez que RuPaul espiava seu desajeitado estilo drag virar a esquina da passarela, era apenas esse C que ela enxergava.

Kandy, em instância alguma, poderia ser eliminada da 13ª temporada de Drag Race antes de seu fim. Sua participação ficou mais fácil de digerir quando Olivia Lux, a clara candidata à quarta vaga na Final, passou a ser criticada pelas mesmas ações que fizeram-na chegar onde chegou: sua leveza, sorriso e pinta de Miss Simpatia. Lux venceu 2 Desafios seguidos, estrategicamente selecionados para criar seu momentum, logo aniquilado pelas performances repetitivas.

A pianista de Nova York com maneirismos de Mariah é uma ‘baby queen’, trabalhando como drag há poucos anos, e ainda sem encontrar a maturidade e o senso de identidade necessários para vencer Drag Race. Com a popularização massiva do reality, cada vez mais são inscritas competidoras jovens e com pouco tempo de experiência no ramo, resultando em performances aquém, e que, num ecossistema nocivo como o da Corrida das Loucas, necessita de tempo para modelagem e sustentação. Drag queen, para vencer os 100 mil dólares, precisa ser madura.

Isso na maioria das vezes, mas nem sempre. Puxando, mais uma vez, o histórico recente, Aquaria não tinha a maturidade artística de Eureka, mas sustentava suficiente noção de si mesma, entregando visuais e comédia, sem esforço algum. O mesmo para Yvie Oddly, fiel à marca de ‘esquisita’, e agora Symone, insegura em momentos, mas constantemente bufante e assertiva. Sy tem espaço para crescimento, é óbvio, mas seu nível atual foi o suficiente para vencer e crescer longe de nossos televisores, como as vencedoras das temporadas 10 e 11 antes dela.

A 13ª temporada de Drag Race revelou ainda mais o caráter ‘produzido’ do reality, com os executivos puxando palitinhos por trás das câmeras, moldando suas próprias narrativas e o encaminhamento da Corrida. Foi comum ver as drags sendo criticadas na deliberação dos jurados, mas nunca ouvindo os comentários, tudo para que não houvesse mudança e elas pudessem ser eliminadas por conta disso.

Utica era chamada a atenção pelas caras e bocas, Tina Burner abusava de uma única (e horrenda) paleta de cores e Denali voava abaixo do radar de quem julgava, semana após semana. Mesmo a veterana Tamisha Iman era constantemente apontada como ‘distante e travada’ nas coreografias, propositalmente editada dessa forma, para que ouvisse um amargo Sashay Away contra sua arquirrival Kandy Muse.

Tamisha foi a luz da 13ª temporada. Originalmente escalada para a décima segunda, ela foi diagnosticada com câncer no mesmo fim de semana que recebeu o telefonema do reality. A solução foi se tratar e voltar curada para competir no ciclo seguinte, entretanto, ainda não estando 100% recuperada, a mãe da Dinastia Iman performou aquém do que a própria esperava. Vivendo com uma bolsa de colostomia no estômago, ela não abriu mão de usar espartilhos, dançar e honrar sua carreira e legado.

A maneira como Tamisha foi tratada na temporada expôs o pouco caso que a série faz com drag queens mais velhas. Iman, com cinquenta anos de idade, 3 filhos biológicos e uma Dinastia de queens sob seu nome, foi a terceira eliminada em uma temporada com competidoras pouco merecedoras de durarem mais que a veterana. A ordem de eliminações contribuiu para o marasmo da competição, quando Denali escreveu com batom no espelho ensebado, pudemos enxergar com clareza que RuPaul prefere sabotar drags e trazê-las de volta no All Stars ao invés de explorar um potencial completo na rodagem comum.

E essa foi uma longa rodagem. Por mais de 4 meses no ar, a temporada demorou a eliminar suas competidoras, esperando o quarto episódio para mandar a atrasada (mas belíssima) Kahmora Hall embora. O chacoalhão no formato comum e a inserção da dublagem divisiva na estreia soaram interessantes no trailer, mas ter 6 introduções repetidas foi mais cansativo do que deveria. 

As limitações da pandemia renderam um episódio especial, exibido no breve hiato após Kandy ser salva. Foi uma manobra ciente do ódio gerado pela decisão de RuPaul e que colocou panos quentes na situação, mostrando os processos de criação da temporada na era do covid-19 e os protocolos seguidos pelas competidoras. Corona Can’t Keep A Good Queen Down se misturou entre os bastidores, vídeos caseiros das drags e entrevistas sóbrias, fotografadas com um filtro terroso e nada favorável ao visual delas. Repare nos lábios laranjas dos takes de Gottmik.

A Reunião, assim como no ano passado, foi em formato virtual. Nada instigante e divertido de acompanhar, o episódio dividiu as drags na ordem de eliminação, fazendo chamadas em duplas com perguntas dos fãs e uma forçação de intimidade. A parte boa desse bolo de rolo foi a criação de clipes para cada uma das queens, dublando tanto músicas originais quanto covers, e mostrando ao mundo o poder da arte drag nesses tempos sombrios. Não há nada melhor do que ser entretido por 5 Joey Jays fantasiados de NSYNC e uma porção de drags nova-iorquinas vestidas de Tina Burner, simplesmente não tem preço.

A Final, o décimo sexto episódio da temporada (ufa!), voltou ao formato pós-Sasha Velour, em um grande palco e com as queens dando mortal e tirando coelho da peruca para impressionar uma sorridente RuPaul. O capítulo abriu com a própria dona do império em uma rotina de coreografia acompanhada de dançarinos sarados. Mostrando que ainda pode fazer o que bem der na sua cabeça, RuPaul inaugurou um Baile da Final, com cada uma das finalistas servindo 3 visuais doidos, malucos, de explodir miolos e que custaram mais que 1 ano de aluguel aqui no bairro de Cesar de Souza.

Gottmik deu o nome. Começando por um visual inspirado em Hellraiser (e que a fez raspar a cabeça para polir ainda mais a composição), ela seguiu com um David Bowie de calças longas em vermelho e finalizou com o melhor roupa de uma Final de RuPaul’s Drag Race desde o retorno de Violet Chachki na 8ª temporada. Kandy Muse deve ter mordido as costas de raiva por suceder Mik, servindo um poético vestido grafado com BLM (Black Lives Matter), um tubinho vermelho cheio de acessórios e uma composição escura, usando penas de pavão para dar o tchan.

Rosé referenciou Minha Bela Dama, recriou raízes carmins (mas desde quando uma árvore vermelha traduz bem Rosé?) e honrou o legado escocês da sua família. Symone, para variar, destruiu a competição. Ela iniciou o Baile com uma peruca que desafia as leis da Física, prosseguiu com um vestido todo formado por unhas postiças vermelhas e finalizou sua jornada artística em Drag Race se dividindo ao meio, do lado esquerdo era uma guerreira e do direito, uma deusa. Nada poderia ter traduzido melhor a rainha do que essa dicotomia do belo e do bruto. Symone se pôs à prova a temporada toda, colocando-se para baixo, mas subiu e ascendeu.

Antes da definição da vitória da temporada, vimos vislumbres das participantes: Kahmora apareceu deslumbrante, Joey Jay continua uma incógnita, alguém divertido, mas com o senso estético de uma maçã. Tamisha Iman é a dona do mundo e nós apenas vivemos nele. Lala Ri ostentou sua fantasia Dora Milaje e nos fez sentir saudades de seu poder narrativo nos confessionários. Elliott With 2 Ts apareceu em um cenário chique, ainda provando seu fator básico na composição da temporada. Sem contar a escolha de escalar dançarinos negros em seu clipe do Reunited, abafando os casos de falas racistas. Elliott passou de perseguida para esquecida pela produção, ocupando a vaga de alguém mais merecedor de se manter na Corrida.

Denali serviu um visual desértico, marcando o coração de quem assistiu a temporada como a promessa que foi sabotada cedo demais (todos sabiam que Olivia merecia ouvir o Sashay Away no terrível Desafio do Makeover). Tina Burner nasceu com promessa mas morreu na praia, talvez intimidada pelo triunfo de drags mais novas e menos experienciadas que ela, agora nos resta esperar o All Stars. Utica continuou exibindo seus dotes artísticos, mas depois dos vexames no Snatch Game e no problemático Roast, ninguém ficou com dó de sua partida. 

 Seguindo a onda do movimento #FreeBritney, RuPaul escolheu 3 músicas de Spears para a Grande Final. A primeira dublagem, entre Kandy e Rosé, reafirmou o cansaço do formato de Dublar pela Coroa. O número foi engessado, cheio de revelações anticlimáticas, e sem a energia necessária para que o espetáculo se sustentasse. Mik e Symone se enfrentaram na sequência, novamente, sem inspiração ou criatividade. Agora é só tirar o casaco, jogar peruca para o alto e cair no chão girando.

Sasha Velour inaugurou o show de horrores dos Reveals (as revelações) na 9ª temporada, fazendo de seu número de So Emotional um farol de inspiração para todas que vieram depois. Entretanto, olhando para quem venceu a Coroa no passado, é possível notar um padrão nas ‘revelações’. Fora Velour, que elevou o conceito unindo a letra da música com a coreografia, as demais campeãs escolheram minúcias que potencializam a canção, e não apenas usar 3 casacos e despir-se enquanto uma Britney Spears sussurra de forma sensual.

Aquaria soltou fogos no refrão de Bang Bang, afinal o momento pedia uma devida explosão. Yvie Oddly escondeu um adorno na peça da cabeça, rodando à beira da glória e enfim, alcançando-a. Jaida Essence Hall abriu as asas, declarando-se uma Sobrevivente, com S maiúsculo mesmo. Coube a Symone soltar confetes estáticos ao implorar para que fosse agarrada até que o mundo acabasse.

A sorte da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race veio à tona um pouco antes da merecida vitória de Symone. Mostrando que o histórico importa sim, senhora, RuPaul coroou a competidora que melhor se saiu na Corrida das Loucas, a competidora com a melhor narrativa de perda e ganho e a drag queen com qualidade de estrelato, logo apontada no episódio 2. O número de Lucky, antes da Final, já dava as cartas: “Você está com tanta sorte esta noite, porque eu estou te dando o show que você quer”. Com Symone campeã, não há qualquer outro show no mundo que eu prefira ver.

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Vitor Evangelista

Não é piada, mas sim um fato, que a segunda temporada de Drag Race UK é a melhor que a competição de RuPaul viu em muitos anos. Dez episódios e uma coroação inédita depois, podemos apreciar os vários altos e poucos baixos do reality. Nessa nova leva teve de tudo, desde eliminações chocantes, desistências icônicas e uma pausa nas gravações por causa da pandemia. Lawrence Chaney ganhou, e o padrão britânico do cenário drag aumentou, e muito.

O sucesso moderado da temporada anterior, lançada em 2019 e que coroou The Vivienne, foi o suficiente para que a BBC Three tivesse liberdade o bastante para pintar e bordar sob a marca milionária de RuPaul. Com os capítulos lançados direto no streaming às quintas, não existia limite de tempo para caber na programação da tevê. Por isso, cada episódio se estendia muito além do padrão norte-americano, beirando os 70 minutos.

O que serviu para o bem e para o mal. Os mini desafios descontraídos eram exibidos na íntegra, fator curioso e instigante a princípio, porém se tornou arrastado lá para o meio da temporada. Os desafios principais também não renderam tanto quanto poderiam, mas o elenco explodindo de talento não encontrou problema em nos entreter. A vencedora Lawrence Chaney encabeçou a lista de queens, evidenciado o frescor que a cena europeia tem no quesito Drag Race.

Ano passado, a versão holandesa do reality serviu talento, fugindo dos arquétipos tediosos que o show americano tem televisionado por anos. De fato, Drag Race UK foi tão bom que acabamos nos referindo à temporada regular como Drag Race US, algo inédito até então. A convergência de exibição dupla, com o UK marcado para as quintas e a 13ª temporada para as sextas, causou a inevitável comparação entre os dois produtos com RuPaul no título.

Algo na concepção das temporadas regulares de Drag Race soa fabricado demais. A equipe de produção, já acostumada com os trâmites do meio, guia narrativas e força coincidências pelo bem do drama, assim favorecendo competidoras ruins e eliminando boas no meio do caminho, visando o retorno futuro no All Stars. Aconteceu com Widow Von’Du ano passado, aconteceu com Denali neste ano, e acontecerá com mais alguém no ano que vem. É assim que o jogo é jogado. No UK, nada disso é válido.

Por mais que, olhando a cronologia da franquia, a 2ª temporada do UK seja a décima e vai lá cacetada do programa de RuPaul, ela ainda é o ano 2 de um spin-off em outro continente. Os fãs podem encarar o legado de The Vivienne, e agora Lawrence Chaney, como a continuação de Yvie Oddly e Jaida Essence Hall, mas não é bem assim. RuPaul preside e apresenta, Michelle Visage continua como sua fiel escudeira e a dupla Graham Norton e Alan Carr substitui bem Ross e Carson, mas a equipe por trás das câmeras é outra.

Não existe necessidade de futricar e inventar injustiças para eliminar a concorrente A e salvar a B. Drag Race UK surpreendeu a todos quando começou a mandar para casa queens aparentemente consolidadas no Reino Unido. Provando, mais uma vez, que ser uma boa drag queen é diferente de ser boa na competição Drag Race. Roxxxy Andrews nunca se deu bem no cenário do reality, mas isso não prova nada além de que ela não se deu bem no cenário do reality.

A eliminação precoce de Joe Black chocou pelo burburinho e pelas expectativas colocadas em cima da rainha do cabaré. Um adendo para a imagem de Joe, que clama ter anos e anos de carreira e parece um pouco com Glenn Close, mas possui a mesma idade de Tia Kofi. Black acabou retornando na volta do covid, mas sua participação no RuRuvision não serviu para nada além de renovar o hall de memes da competição. E, falando no chilique da escolha visual de Joe Black, o momento serviu também para escancarar a confusão de RuPaul.

Logo na estreia, Asttina Mandela venceu o primeiro desafio usando uma jaqueta simplória e ‘tirada do cabide do shopping’. Corta para Joe Black vestindo H&M e a apresentadora dando a bronca das broncas, o que rendeu até um inédito pedido de desculpas. Para colocar em termos nacionais, seria como RuPaul amando e dando a vitória para alguém vestindo um modelito da Riachuelo, mas se rasgando de ódio quando outra pessoa vestiu Renner na passarela.

Quem também se emaranhou nas eliminações prematuras foi Cherry Valentine. A queen, que é enfermeira, foi mandada embora no fenomenal Rats – The Rusical, um dos melhores desafios do gênero na franquia. Cherry esteve no páreo para retornar pós-covid, mas as competidoras foram suficientemente ingratas ao não escolher uma profissional da saúde que lutou na linha de frente para voltar à competição.

A segunda temporada de Drag Race UK conseguiu iluminar uma porção de temas interessantes e discuti-los com propriedade na TV britânica. Algo muito semelhante rolou no Canada’s Drag Race, quando BOA abriu o coração e falou sobre violência doméstica e relacionamentos abusivos. Na Terra da Rainha, foi trazida à mesa a questão do não-binarismo por Ginny Lemon (um ícone da porra) e Bimini Bon-Boulash (talentosa, brilhante, incrível, sensacional, de cair o queixo, espetacular, nunca igual, totalmente única, completamente revigorada, uma estrela).

2021 parece ser o ano das discussões de gênero rechearem o núcleo de RuPaul’s Drag Race. Existe um histórico de competidoras trans no show, mas a nova safra de queens oferece representatividade mais aparente, com conversas abertas e até mesmo composições para os desafios explorando suas identidades de gênero. Gottmik é o primeiro homem trans a batalhar pela Coroa no US, e tanto Bimini quanto Ginny chegaram balançando a bandeira do não-binarismo, expandindo noções pré-concebidas da comunidade e dando força ao movimento

E se tinha um lugar para isso ser feito, seria em um programa como RuPaul’s Drag Race. RuPaul manteve essa figura impeditiva de pessoas trans competirem em seu show, o que só vem mudando nos últimos anos. Bimini perder a Coroa pode significar que a condecoração de uma queen trans fique guardada até o fim da 13ª temporada, mas também corrige um ‘erro’ gritante na franquia, de nunca ter premiado uma drag queen gorda. A escolha de Lawrence como a UK Drag Superstar diz mais sobre RuPaul não querer fazer uma demonstração forte o bastante do futuro, mas retornar e remendar o passado.

Também não é como se Lawrence fosse a primeira big girl a chegar perto da Coroa, nada disso. Ginger Minj e Eureka perderam suas temporadas justamente para drags do mundo da moda e que exibiam visuais corporais e recheados de nudez. Violet Chachki e Aquaria são dignas de suas Coroas, assim como Bimini seria no Reino Unido. Mas Drag Race resolveu mudar. Lawrence Chaney pode não ter sido a competidora com o melhor histórico de vitórias mas, sem dúvidas, ela é alguém com a narrativa de campeã.

Com a temporada dividida em duas, antes e depois da pausa do covid, Lawrence se sagrou como o destaque do início. Ela acumulou 2 importantes vitórias, e o retorno das queens chegou com a sensação latente que a Coroa era de Chaney para perder. E ela quase o fez. A paralisação de 7 meses revigorou as competidoras restantes na Corrida das Loucas de RuPaul. A rotina de quarentena foi documentada no especial Queens on Lockdown, exibido na mesma semana da volta das gravações.

Assistimos as vivências e os percalços de cada uma. Ellie Diamond teve problemas financeiros e se mudou de volta para a casa dos pais. Tayce e A’Whora viraram colegas de apartamento (e algo mais). Veronica Green sofreu com a depressão mas encontrou maneiras de contornar a tristeza e a melancolia. Infelizmente, aconteceu que a queen foi positivada para a doença logo que as gravações retornaram, eliminando-a da competição, mas com um convite para voltar na 3ª temporada.

Do grupo que retornou, a mudança veio por duas drags: a terrível Sister Sister repaginou o visual, rendendo muito material para as meninas tirarem sarro dela, e Bimini Bon-Boulash renasceu. Apagada da primeira metade da competição, foi Bimini Babes quem eliminou Joe Black, dublando na estreia do show. Nunca antes em Drag Race alguém que esteve nas Piores da Semana no começo chegou a disputar a Coroa.

Muito disso se vale do talento imensurável de Bimini. Seus visuais arrojados e desafiadores, seu senso de humor diferente do blasé americano e o fator singular de sua personalidade e visão de mundo. Some isso ao fato de Bimini ter se mudado para uma casa com quintal, luz de sol, e muitos lugares para reflexão na pandemia. Sobrou tempo e espaço até para ensaiar death drops de bancos altos. Bimini foi sortuda da quarentena ter beneficiado seu processo criativo e controle pessoal, favorecendo suas escolhas e seu desempenho na volta.

E a narrativa de Drag Race UK nos enganou direitinho, praticamente colocando a londrina com a Coroa na cabeça e o cetro nos braços (no Reino Unido, a vencedora não ganha os 100 mil dólares, e sim uma web série produzida pela World of Wonder). O fato é que a derrota de Bimini não significa sua queda ou fracasso. A drag queen tem assinado com agências de modelo e logo estampará uma porção de campanhas. Chegar à Final engrandeceu sua imagem. 

Perder Drag Race raramente significa uma derrota fora da competição. Olhando em retrospecto os últimos anos da versão americana: Gigi Goode conseguiu uma porção de contratos de desfile, Brooke Lynn Hytes ganhou seu próprio painel de jurados e Eureka virou apresentadora na HBO. Na 9ª temporada, das 3 finalistas perdedoras, duas retornaram e ganharam sua Coroa de All Star. Com a notícia de uma possível edição Internacional, Bimini pode retornar na onda de seu sucesso e falatório e logo conseguir essa grande vitória.

Tia Kofi começou como uma queen ‘de sobra’, mas acabou se tornando a Miss Simpatia moral da temporada. Seu carisma e singularidade compensaram os visuais aquém, e seus discursos na passarela ficarão marcados na herstory do programa. Ginny Lemon viveu à altura do título do ícone e se tornou a única competidora a não ouvir um Sashay Away. A eliminação de A’Whora doeu na alma, mas veio por um sólido motivo: não é possível montar uma Final de 3 competidoras disputando com chances reais a Coroa.

A ascensão de Bimini posicionou-a como clara favorita, ao lado da já consolidada Lawrence. Por isso, o talento e o sangue nos olhos de A’Whora precisaram ser mandados embora o mais rápido possível. Ellie Diamond era peso morto, e Tayce, tendo dublado 4 vezes antes da Batalha pela Coroa, não tinha chance alguma de sair com os louros. Dito isso, A’Whora foi injustamente posicionada nas Piores, sendo criticada pela boca suja (o que nunca incomodou ninguém em Drag Race) e forçada a Dublar contra sua amiga. 

O drama venceu. Tayce foi mantida na competição por suas performances sanguinárias e, novamente, pelo carisma galês que encanta qualquer um. Além disso, seria feio montar uma Final apenas de drags brancas, considerando o número alto de queens negras talentosas que foram mandadas embora ao longo da temporada. Tayce assinou com a Coca-Cola e tem tudo para se manter relevante, elevar seu guarda-roupa e voltar ao ateliê mais sarcástica e deslumbrante do que nunca.

A segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK teve de tudo. Desafios novos e intrigantes (Who Wore It Best?), competidoras inigualáveis sendo excelentes em tudo que podiam (como esquecer a Katie Price no Snatch Game), competidoras doidas achando que estavam arrasando (o terror que foi o visual de Sister Sister no desafio das heroínas), recordes quebrados nas paradas musicais e a lendária Tia Kofi nos fazendo rir toda quinta à noite.

A temporada teve defeitos também: chamar Jessie Ware como jurada e desperdiçar a chance de uma Batalha de Dublagem do What’s Your Pleasure? I don’t think! Manter Ellie Diamond até a Final? Pelo amor! Editar a parcela final da temporada, resultando em Lawrence Chaney soando vilanesca e peçonhenta com o desafio do Stand-Up? Não precisava!

Lawrence sentiu o ódio dos fãs e saiu das redes sociais pouco antes da Final ser exibida. Para um show que prega tanto o amor, Drag Race é infestada de intolerância, preconceito e discursos criminosos de ódio. A torcida é para que, daqui para frente, isso mude. Para agora, enxergamos o além no Reino Unido, Drag Race UK é o futuro da franquia de RuPaul, e é como todos dizem: os mamilos são os olhos do rosto.

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Ana Júlia Trevisan

O ano era 2019 e os fãs da série One Day at a Time se revoltavam no Twitter por conta do cancelamento feito pela Netflix. Após muitos pedidos para a renovação, foi entregue uma bem sucedida terceira temporada mostrando que o streaming ainda tinha força e conteúdo para continuar produzindo a queridinha dos assinantes. O cancelamento parecia improvável pois, além dos motivos já citados, o terceiro ano se finaliza com um gancho perfeito para uma nova temporada da série que foi abandonada.

Em meio a tantos pedidos, o canal americano de televisão, Pop TV, se encarregou da missão de dar continuidade ao seriado que traz de forma leve assuntos como imigração, homofobia, ansiedade, depressão e religião. Não era possível prever as mudanças, apenas aguardá-las na torcida para que a série não entrasse num trem descontrolado rumo ao abismo e ao esquecimento característicos das séries salvas.

A quarta temporada se inicia com transformações gritantes, que vão desde a abertura até a iluminação do seriado. A primeira, um dos traços mais viciantes da série, ganha cara nova e completamente diferente da original. A vinheta repleta de fotos do cast era cantada pela divina cantora cubana, Gloria Estefan, que conseguia trazer a essência do programa. Já a nova abertura tem poucos segundos de duração, com cores vibrantes, quase neon, que não contrastam com a trama. A iluminação ganhou brilho, deixando de lado aquelas cores de tons mais terrosos, típico de representação latina, trazendo mais vida à série.

A redução na duração dos episódios desagradou apenas os entusiastas do programa que querem sempre mais e mais conteúdo. Em relação ao roteiro, o tempo foi bem utilizado, evitando que a série se arrastasse em alguns plots de cenário único, como o carro que foi utilizado. Os apreciadores também foram surpreendidos com a periodicidade semanal. Renovada para 13 episódios, eles foram exibidos um por um ao decorrer das semanas, diferente de sua antiga casa, Netflix, que disponibilizava toda a temporada para ser maratonada em um único dia.

Conhecida por sua sagacidade e suas piadas inteligentes, One Day at a Time mantém a forma e tem sua grande sacada já nos primeiros segundos. Alex, filho mais novo de Penélope e um dos protagonistas da série, abre a season alfinetando o streaming onde a série era exibida: “There’s nothing good on Netflix anymore” (É como se não tivesse mais nada que presta na Netflix). O caçula também se destacou por ter a melhor evolução. O seguimento de Papito se faz de maneira interessante, além da evolução da personagem, acompanhamos também seu crescimento, vemos ele iniciar um namoro e cometer pequenos erros comuns de adolescentes. Assistir aquele personagem que a gente possui o sentimento de ter pego no colo traz a sensação que One Day at a Time está envelhecendo como vinho.

De forma não invasiva, é tratada a solidão de Penélope e como isso a atormenta. A linha tênue entre não precisar de homens e adorar estar na companhia deles, ver os filhos crescendo, entrando em relacionamentos e planejando sair de casa para cursar a faculdade. Ela e Lydia conseguem roubar toda a quarta temporada. Dizer que Rita Moreno brilhou é óbvio, porém necessário. A maneira que a atriz encarna a Abuelita torna a personagem ainda mais viva e atemporal, garantindo a indicação da atriz ao Critics Choice Awards. Lydia, nossa queridíssima Abuelita, com seus comentários infames e precisos mantém o favoritismo de muitos pela irretocável personagem, ¡Dale!

Penélope com sua narrativa concisa, consegue construir um episódio inteiro praticamente sozinha, como o segundo, que mostra a engraçada jornada na compra de um novo sofá. Há prós e contras sobre o estrelato de seu papel em One Day at a Time. O maior pró, sem dúvidas, foi a oportunidade de mostrar ela como uma mulher mais forte, com tempo de tela merecido para atuação. O contra foi que não conseguiram equilibrar esse tempo, deixando outras personagens importantes para o enredo de escanteio, não sendo aproveitadas em sua totalidade. Como foi o caso de Elena, minimizada a um relacionamento e com a personalidade pautada, de maneira fútil, em ser LGBT+, a personagem perdeu seus importantes discursos.

A temporada quatro trouxe plots que já haviam mostrado ter potencial mas tinham sido esquecidos por seus criadores, como é o caso do Schneider e seu namoro com Avery que seguia  a passos lentos na temporada anterior, mas prosperou de forma concreta e planejada esse ano. Uma pena One Day at a Time ter sido cancelada antes de ser finalizada e a evolução do casal pausar pela metade. A produção ainda conserva personagens importantes como o Berto, companheiro já falecido por quem Lydia ainda dedica, por vezes de forma cômica, todo seu amor.

A Pop TV não seguiu exatamente aquilo que foi proposto na temporada anterior, certamente pela verba reduzida, mas isso não impediu uma continuidade otimizada. Tudo que não foi exportado da Netflix foi explicado o porquê no enredo, assim não deixando pontas soltas na história. Citações e miragens com o Max fazem público torcer para a previsível volta dele. E é graças ao acerto do canal em criar o plot da volta, que os encontros que Penélope teve com outros caras se tornam completamente esquecíveis.

Acostumados a assistir tudo de uma vez, tivemos que esperar episódios semanais até vir a bomba. One Day at a Time foi cancelada antes dos 13 prometidos irem ao ar, deixando de novo o seriado sem um final digno e pra piorar, dessa vez, sem um final para as histórias que já estavam em andamento no ano. O cancelamento foi um choque, ainda mais vindo da produção que conseguiu administrar a pandemia, criando a versão animada para continuar mesmo com gravações interrompidas por conta do vírus.

O episódio do desenho foi uma saída genial para o contexto de distanciamento social. Com narração feita pelos próprios atores, a série trouxe os primos já conhecidos pelo público, mas que talvez não fosse mais aparecer por conta dos cachês. Lançado em junho, saiu com um bom timing  para as eleições presidenciais dos Estados Unidos, tema do episódio, que foi um dos acontecimentos mais comentados pelo mundo. O discurso final de Penélope é importante e de arrepiar, os 20 minutos são deliciosos de assistir, porém não é um final para a série.

Apesar de terem produzido uma temporada recheada de altos e baixos, One Day at a Time não perdeu sua essência que entra em casa, senta no sofá e faz parte da família. Talvez a quarta temporada não tenha trazido aquele fascínio que víamos na Netflix, mas as diferenças foram em suma proveitosas e agregaram no enredo. Sem dúvidas foi entregue um material superior ao esperado, com diálogos familiares que conversam com o público, ajudando na identificação da vida cotidiana do telespectador.

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