Ana Cegatti

Uma parede clara e uma camisa branca são componentes clássicos de vídeos gravados por subcelebridades que tentam se desculpar por algum erro. No entanto, a neozelandesa Ella Marija não usou tais componentes no clipe de Royals para limpar alguma defecação, mas para jogá-la no ventilador. Há uma década, as rádios anunciavam a transformação de Ella em Lorde e ecoavam melodias que fizeram da onda alternativa da época um tsunami. Naquele momento, a indústria musical precisava fazer uma escolha: se afogar ou aprender a surfar. Lançado pela Universal Music e produzido por Joel Little, Pure Heroine é um álbum que nunca precisou pedir desculpas, já que Lorde jamais sentiria remorso por um erro tão ingênuo: amar demais. 

“Você não acha entediante como as pessoas falam?” é a cartada que inaugura o disco. Aliás, é uma pergunta cuja resposta pode ser abrasileirada ao relembrar a famosa letra de Fala Mal de Mim escrita por Ludmilla: “Ô coisa escrota, pode falar à vontade”. Eis o primeiro ensinamento do álbum de estreia da neozelandesa: não bateis palma para maluco dançar. Afinal, não vale a pena passar noites em claro sendo uma plateia agradável para indivíduos medíocres que não deveriam sequer estar no palco. Inspirada pela efervescência mística de Stevie Nicks e pelos trejeitos desvairados revolucionários de Kate Bush, Lorde não só escreveu o próprio espetáculo, como também incentivou outros a fazer o mesmo.

Em vez de aproveitar a moral para se autointitular diferente das outras garotas, a nomeada Mulher do Ano pela MTV em 2013 preferiu convidá-las para se sentarem junto a ela na mesa do novo indie pop. Billie Eilish e Alessia Cara são alguns dos nomes que trocaram um banquete gourmet por um petisco caseiro, saboreando o principal tempero da receita difundida por Lorde: o minimalismo. Este, por si só, variou o cardápio de uma juventude cuja dieta era unicamente pautada em músicas com muitos ingredientes e pouco sabor. Assim, Pure Heroine provocou uma fome que só seria saciada caso outras artistas também colocassem a mão na massa e fizessem uma boa mistura de sensibilidade e intimidade com pitadas de female rage. 

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Apesar de grandes feitos como ganhar dois Grammys, atingir o topo da Billboard e sustentar um batom escuro, o legado de Ella Marija reside, na verdade, em uma luta incessante contra a frieza. Durante uma viagem à Antártida, a neozelandesa deu um passo significativo em sua jornada de autoconhecimento ao descobrir que definitivamente não é um pinguim. Enquanto este choca ovos, Lorde segue chocando a indústria musical ao contrariar a lógica mercadológica, isto é, ao insistir em colocar sua autenticidade, por mais disfuncional que seja, acima de vontades alheias. Diga-se de passagem: a artista só aceitaria se tornar tão fria quanto um iceberg se seu ex-namorado fosse o Titanic. 

Pure Heroine foi a primeira demonstração da voracidade da cantora, que viria a defender com unhas e dentes a descriminalização da existência de indivíduos popularmente conhecidos como emocionados. O segundo filho, Melodrama, nem tenta disfarçar a essência sensível e perturbada de Lorde, a qual transformou o rancor que sentia por um homem mal-apessoado em repertório e lucro, além de ter dado visibilidade às que sempre são taxadas de birutas intensas. Apesar das inúmeras tentativas dos próprios fãs de colocar um contra o outro, os dois discos vivem em harmonia. O primeiro, como um bom irmão mais velho, abriu caminho para o segundo que, embora seja mimado, não foi ingrato e aproveitou bem a deixa para ir além da estética subversiva, aventurando-se nos prazeres banais da juventude, tão temidos por Pure Heroine.

O primogênito de Marija despontou como uma homenagem aos filhos que choram quando a mãe não os vê. A voz açucarada de fumante e as batidas violentas presentes na faixa Glory and Gore, por exemplo, tentaram fazer do disco uma fonte inabalável de rebeldia, mas sem sucesso, já que ganhar uma discussão no grito não era do feitio de Lorde. Na verdade, ela se mostrou defensora dos que sentem nó na garganta quando expõem centímetros de vulnerabilidade, isto é, quando ousam dar uma chance ao imprevisível. Este, por sua vez, acaba coestrelando o álbum junto ao tom agridoce e empático da artista, a qual dedicou algumas músicas para nichos marginalizados, a saber: Buzzcut Season para calvos, 400 Lux para caipiras e Ribs para ex-sonhadores. 

Uma parede coberta de pôsteres e o mau cheiro de pacotes abertos de salgadinhos compõem o cenário do primeiro ato da história de pessoas que, antes de dormir, olham debaixo da cama com medo de encontrar o maior vilão das narrativas infantojuvenis: o tempo. Embora tenha o poder de evocar estéticas sinestésicas, escrever letras memoráveis e manter contato com Taylor Swift, Lorde não consegue voltar atrás e, muito menos, incentivar outros a fazer o mesmo. Assim, a quarta faixa de Pure Heroine, Ribs, é a trilha sonora perfeita para tirar os pés do chão ou começar a pular tão desesperadamente a ponto de levantar voo e ir para bem longe da realidade, a qual insiste em trazer à tona a pequenez e a impotência humana. 

O segundo ensinamento pode ser traduzido na letra de Só Depois do Grupo Revelação: “Que na vida o hoje tem que aproveitar/Porque/Eu não sei se o amanhã há de chegar”, uma vez que remoer o passado asfixia um processo doloroso, mas lindo, de valorizar o presente e aprender a sentir saudade, não falta, do que já passou. Pure Heroine expressa, sobretudo, uma gradual aceitação do fato de que não é possível se agarrar às mesmas ruas e às mesmas casas por muito tempo, ou seja, a familiaridade das cidades pequenas é inevitavelmente substituída pelas luzes brilhantes das noites metropolitanas que iluminam o começo do fim da adolescência. 

Depois de 10 anos, a letra de Buzzcut Season, “Eu sou a única para quem você conta seus medos”, ainda define a índole confiável de Lorde, mesmo que alguns a considerem dissimulada por ter simplesmente feito o que não conseguiram: crescer. De fato, há um abismo entre a garota rebelde de 16 anos que teimou em lutar contra o tempo e a mulher adulta cujo terceiro disco, Solar Power, expressou sua busca, não pela volta, mas pela memória das paredes cheias de pôsteres, do cheiro dos pacotes de salgadinhos e das ruas que testemunharam muitos papos furados, assim como caminhadas sem rumo. No entanto, essa diferença significativa entre as versões de Ella Marija não revela uma hipocrisia, mas uma coragem de, enfim, fazer as pazes com o tempo. 

Lorde talvez seja uma maluca cuja dança é digna de palmas. Dentre tantas denominações possíveis para a artista, a de David Bowie não deu trela para perreco: a neozelandesa é a voz do futuro. Além do mais, seu álbum de estreia é o único amigo que precisamos para nos ajudar a dizer adeus a quem um dia fomos. O coro de Ribs fez muitos se sentirem menos sozinhos e os acordes tímidos da última faixa, A World Alone, fez uma geração inteira perder a vergonha de dançar, mesmo sem um par. No fim, Pure Heroine foi uma das mais belas tentativas da língua inglesa de expressar o conjunto de sentimentos cujo nome é encontrado em pouquíssimos dicionários: saudade.

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Laura Hirata-Vale

Vivemos em um mundo rápido. Inconstante. Frenético. Instável, incerto, veloz, desordenado, apaixonado, desencantado. É sobre esse mesmo mundo que Rex Orange County reflete – de forma impessoal, sem se importar com outras opiniões – em WHO CARES?, seu quarto álbum, lançado em março. 

Construído em um período de dez dias, durante uma viagem do cantor à Amsterdam, o projeto de onze músicas nasceu de maneira espontânea em uma rapidez quase inconsciente: não houve tempo para pensar, repensar e refletir muito sobre as sonoridades, musicalidades e letras das canções. Co-produzido com o músico Benny Sings, o disco ainda possui a participação do rapper Tyler, The Creator. 

Na coletânea, o cantor consegue mostrar seu potencial melódico, com composições complexas e cheias de belos pequenos detalhes. Rex faz com que as canções se tornem laboratórios sonoros. É um experimentalismo impressionante e genial, misturando a musicalidade orquestral com batidas do indie pop e sons de sintetizadores, além dos vocais levemente anasalados e roucos, marca registrada de seu trabalho. O conjunto da obra se torna uma colagem, com várias texturas e materiais, que, quando juntos, funcionam em harmonia.

A carreira de Alexander O’Connor, o nome verdadeiro de Rex Orange County, ganhou destaque com hits e músicas virais, como Best Friend e Loving Is Easy, e por seu grandioso terceiro álbum de estúdio, Pony, lançado em 2019.  Durante a pandemia, o cantor ainda lançou o Live at Radio City Music Hall, um álbum ao vivo que reúne dez faixas escolhidas a dedo, para celebrar o fim abrupto da The Pony Tour, causado pela suspensão de shows e pelo lockdown.

Em WHO CARES?, o musicista questiona sentimentos específicos, como a paixão, o medo, a tristeza e a depressão, que estão presentes na vida de muitos jovens, principalmente durante o isolamento social causado pela covid-19. O britânico reflete sobre superação e mudanças, que também aconteceram no período pós 2020. Porém, mesmo com a variabilidade de emoções, as onze canções falham ao abordar temas muito parecidos com sonoridades similares: ainda que bem escrito e bem produzido, o álbum se torna repetitivo. 

A The Pony Tour foi a primeira, mas não a última turnê interrompida do músico. Junto com o anúncio de seu quarto álbum, em janeiro de 2022, Rex Orange County anunciou a The WHO CARES? Tour, que começou em maio e tinha como itinerário a América do Norte, a Europa e a Oceania. Em julho, o cantor anunciou que só realizaria os shows da América do Norte e do Reino Unido, suspendendo o resto das apresentações. Meses depois, o possível motivo do cancelamento da turnê veio à tona: o artista foi denunciado por seis casos de assédio sexual. No final de dezembro de 2022, após a revisão das provas, Rex foi inocentado, “por falta de mérito das acusações”.  

Durante WHO CARES?, Rex faz reflexões sobre elementos presentes em moradias, fazendo paralelos entre músicas. Em 7AM, o musicista diz  “Acho que eu deveria ter mantido as cortinas fechadas, eu vou ser um homem melhor algum dia”. Já em THE SHADE, ele canta “Eu estava fechando todas as cortinas para que você pudesse dormir a noite toda”. OPEN A WINDOW, a collab com Tyler, The Creator, por sua vez, fala sobre janelas e portas. Ao citar esses objetos, o cantor consegue construir – quase que literalmente – uma casa dentro do álbum.

Em WHO CARES?, Rex Orange County consegue manter seu estilo musical de costume, entregando um disco que satisfaz os amantes do indie pop. É um disco bom, mesmo que sem muitas surpresas ou mudanças. É um álbum que nos mostra que “realmente, não faz sentido viver com medo”; e que sentimentos ruins existem, mas que há algum meio de superá-los. Ele também nos mostra que não devemos ‘ligar tanto’ para algumas coisas, que a vida deve ser livre, leve e solta; e que não temos tempo a perder, somente a viver. No entanto, por causa das acusações de abuso sexual contra o cantor, o disco possui agora uma temática e um título irônicos, e, quando olhamos para os acontecimentos que cercam WHO CARES?, o trabalho acaba se tornando amargo e infeliz.

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Isabella Lima

A maneira como lidamos com os sentimentos desencadeados pelo fim de um relacionamento diz muito sobre a nossa capacidade de adaptação. Muitas vezes, temos de lutar contra o desejo constante de voltar desesperadamente para alguém que não faz mais sentido manter ao redor. Mesmo estando cientes disso, ainda amamos aquela perigosa ideia de estar perto de algo familiar. Agora junte isso com momentos de epifania, com uma vontade de gritar para o mundo ‘quando esses sentimentos vão acabar?’, riffs de guitarra e o melhor do indie rock. Dessa combinação, temos  os elementos principais do álbum Tell Me That It’s Over, o novo trabalho da banda californiana Wallows. 

Formada por Dylan Minnette (sim, o protagonista da série 13 Reasons Why), Braeden Lemasters e Cole Preston, a banda lançou o seu segundo álbum de estúdio, composto por 10 faixas inéditas. Para este disco, o trio intérprete de Scrawny conta com a produção de Ariel Rechtshaid, um nome de peso na indústria: ele possui 3 Grammys em seu currículo e, anteriormente, já trabalhou com outros representantes da música indie, como Vampire Weekend e HAIM. Além disso, o fato dos três amigos já se conhecerem desde o início da adolescência traz muita familiaridade, leveza e facilidade ao trabalharem juntos no processo criativo de todas as músicas.

Wallows não decepciona ao transparecer a evolução musical, cultivada desde 2018 com o lançamento do Spring EP, seu primeiro EP assinado com a Atlantic Records. Logo depois, em 2019, veio o primeiro álbum de estúdio, Nothing Happens. Em 2020, os integrantes também não ficaram parados: durante a quarentena, o trio trabalhou no projeto mais experimental da carreira até então, o Remote EP. Agora, com o lançamento de Tell Me That It’s Over, observamos um retorno triunfal à essência da banda, que, mesmo incorporando novos elementos, consegue manter a originalidade e entregar composições muito além do hit viral do TikTok Are You Bored Yet?.

A jornada proposta pela Wallows no disco leva o ouvinte a refletir sobre a pressão que colocamos nos relacionamentos modernos, o medo de estarmos sozinhos e as inseguranças decorrentes de uma separação repentina. Nesse caminho, somos guiados através da perspectiva de uma pessoa que se sente deslocada na relação, e se perde em várias versões dela mesma para salvar  o romance. A partir disso, a história se inicia com a faixa Hard to Believe, passando por todos os estágios de um rompimento conturbado, até culminar no encerramento, com Guitar Romantic Search Adventure. 

Apesar das letras tratarem de assuntos românticos, a sonoridade é expressivamente enérgica, na maioria das músicas. Os arranjos remetem ao conceito nostálgico dos anos 80, que ganham tons mais modernos e característicos da Wallows. O primeiro single, I Don’t Want to Talk, marcou o retorno da banda com uma vibe retrô e tecnicolor, acompanhada de reflexões pertinentes sobre a juventude e vulnerabilidade, temas muito recorrentes em toda a discografia do grupo. “Percebi que quanto mais velho fico, fico mais inseguro/Se eu não tiver você ao meu lado, então não posso ter certeza”, o vocalista canta.

No processo de divulgação do álbum, a faixa escolhida para ser o segundo single foi Especially You. Aqui, a ênfase está na letra, que mira em retratar a mente de uma pessoa ansiosa, em um relacionamento no qual as incertezas e a falta de comunicação são persistentes: “Minha cabeça não pode compreender/Vivendo em segundo plano, imaginando o que você quis dizer”, os meninos cantam. Apesar de ter recebido uma divulgação expressiva e até um videoclipe, a canção é bem razoável, se comparada com as demais. Porém, é preciso admitir que o trio acertou no ponto e representou muitos de nós com o seguinte trecho: “Não consigo parar um humor que oscila/Vou ler qualquer coisa/Eu sei que não é isso que você quis dizer/Eu tenho o sentimento errado”.

Outra menção honrosa na nova fase da Wallows é a estética visual, repleta de imagens analógicas, luzes e um estilo que remete aos anos 90. As características estão presentes em todo o projeto, em especial no terceiro single, At the End of the Day, uma balada romântica que ganha traços melancólicos na voz suave de Braeden Lemasters. Na abertura da canção, já somos instigados a saber até onde vai a nostalgia despertada pela composição: “Por favor, deite sua cabeça aqui no meu ombro/A noite é jovem, mas ainda estamos envelhecendo/Você pode nos ver apaixonados assim para sempre?/Ou você tem medo de que seja muita pressão?”, o baixista canta. O clipe em si possui aspectos típicos de um curta-metragem indie, no qual viajamos em uma road trip, através da beleza do deserto até a cidade de Las Vegas.

Mas não é só de lamentos que a Wallows vive. A partir da metade de Tell Me That It’s Over, um momento de epifania nos faz entender, junto com a banda, algo muito importante: para superarmos, primeiro precisamos aceitar. A narrativa percebe que a energia gasta para tentar recuperar um amor perdido não vale a pena, se trata de um preço muito alto, que pagamos com o nosso tempo e até mesmo com a saúde mental. Esse tema está presente nas canções Permanent Price, Missing Out e  Hurts Me. Dentre essas três, a última merece um lugar especial. A melodia contagiante e o jogo de palavras estabelece um diálogo entre os intérpretes, que, juntos, concordam não precisarem estar nessa relação problemática. “Eu não me importo/(Eu vou ter que aceitar que eu)/Eu não preciso disso porque me machuca”, diz a letra.

Um fato curioso, também comentado pela banda em seu canal no YouTube, é em relação ao título do álbum: a frase “Tell me that it’s over” é repetida diversas vezes ao longo do disco. Por isso, Breaden sugeriu que esse fosse o nome do álbum, ao invés de escolherem uma música-título. Tanto no primeiro single quanto no encerramento, a sentença está presente, o que dá uma sensação de fechamento de ciclo: “Gostaria que pudéssemos cancelar o tempo/Ou deixe tudo voar/Apenas me diga que acabou agora”, canta o trio em Guitar Romantic Search Adventure, última faixa do CD.

Tell Me That It’s Over é um retrato do amadurecimento desses artistas, que possuem uma essência capaz de proporcionar um futuro promissor. Enquanto isso, continuam a retratar as inquietudes da juventude e estabelecem conexões com pessoas que, assim como eles, estão adentrando os conflitos da vida adulta. Dentre os dilemas dessa fase, a questão amorosa é apenas uma das ramificações. Porém, com maestria e sinceridade, a banda de Los Angeles mostra que está tudo bem em sentir – é preciso sentir. Para alguns, o álbum pode ser um conforto ou até mesmo um jeito de perceber que não estão sozinhos nessa situação. Ao final, uma coisa que a Wallows apresenta neste novo trabalho é certa: o caminho para superar ensina mais sobre nós mesmos do que o fim.

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A gente piscou, 2021 passou, e o fim do ano chegou. Mas antes de cantar hinos natalinos e adentrar no ano da mais aguardada e temida eleição da história do país, o Persona processa o mês de novembro, marcado pela já tradicional alta da inflação, pela pertinente reflexão sobre o racismo despertada pelo Dia da Consciência Negra, e pela discussão em busca de encontrar formas de combater as mudanças climáticas na COP-26. Não podemos deixar de notar também o ressurgimento dos cinemas, que voltam em peso com os lançamentos de Eternos, Marighella e Encanto. 

Para o mundo da Música, o mês começou com o gosto amargo de duas terríveis tragédias. A primeira foi o acidente aéreo no dia 5 de novembro, que levou a vida da mulher que revolucionou a Música Sertaneja. Marília Mendonça será sempre lembrada por abrir as portas para as mulheres dentro do gênero musical, fundando o movimento batizado de Feminejo, e conquistando milhões de brasileiros. Da Rainha da Sofrência, jamais seremos capazes de esquecer. 

Ainda no mesmo dia, um tumulto durante um show de Travis Scott realizado em Houston, no Texas, causou 10 mortes, dentre as quais a de um menino de 9 anos, além de várias outras vítimas terem sido hospitalizadas. O rapper, que já tinha um histórico de incentivar tumultos em seus shows, e a organização do festival são alvo de dezenas de processos que já somam bilhões de dólares, e a situação pareceu ainda mais indigesta com o lançamento de ESCAPE PLAN no mesmo dia da tragédia, uma canção que parece estranhamente falar sobre o caos que ele ajudou a criar. 

Outro destaque musical de novembro foi, claro, a divulgação da lista de indicados ao Grammy 2022, que fez Olivia Rodrigo ter seu nome nas 4 categorias principais, e Jay-Z tornar-se o artista mais indicado na história da premiação, com 83 nomeações. Mas quem se sobressaiu este ano foi Jon Batiste, que depois de vencer o Oscar pela trilha sonora de Soul, ficou à frente de nomes como Justin Bieber, H.E.R. e Doja Cat ao acumular indicações em 11 categorias. Billie Eilish, Kanye West e Lil Nas X também se destacaram, enquanto Lana Del Rey, Miley Cyrus e Lorde ficaram de fora.

Com um olho no Grammy 2022 e outro no de 2023, o último mês também trouxe um primoroso trabalho que já tem grandes chances de se destacar entre as obras que serão indicadas no ano que vem. Estamos falando de 30, o quarto álbum de estúdio de Adele, que após 6 anos de espera, finalmente volta para mais uma vez emocionar nossos corações. E se pouco mais de meia década pareceu muito tempo, imagina os 40 anos que separavam o disco anterior do ABBA de Voyage? O álbum marca o retorno do quarteto sueco, dando fim a um dos mais longos hiatos da história da Música. 

O retorno das vozes por trás de Dancing Queen e Waterloo não foi o único destaque de artistas da velha guarda no último mês. A Rainha da Voz Dalva de Oliveira e o camaleão do rock David Bowie também foram relembrados, através dos lançamentos póstumos de Rio Claro Diva e Toy. Além desses, outros artistas mais recentes resolveram revisitar sua carreira com relançamentos e compilações, reunindo materiais antigos já conhecidos com faixas inéditas, como é o caso de Radiohead, Little Mix e The Wanted.

Como se as 27 faixas e quase duas horas de Donda não fossem suficientes, Kanye West volta agora com a versão Deluxe, ainda mais extensa. Mas quem vai realmente ficar pra história ao retrabalhar sua obra é Taylor Swift, que vem realizando uma série de regravações de seus primeiros trabalhos com o objetivo de recuperar os direitos sobre as canções, e quebrou o recorde de canção mais longa a atingir o primeiro lugar do Hot 100 da Billboard, com a versão de 10 minutos de All Too Well.

E por falar em recordes, outro nome que aparece nas conquistas do mês é Summer Walker, que vem chamando a atenção na cena do R&B. A cantora, com seu disco STILL OVER IT, tornou-se a segunda artista feminina a ter 18 canções simultaneamente na mesma lista da Billboard, alcançando a própria Taylor Swift com seu Red (Taylor’s Version).

Outro destaque do gênero foi o disco do supergrupo Silk Sonic, que reúne Bruno Mars e Anderson .Paak. Enquanto isso, FKA twigs canta para o lançamento do próximo filme da série Kingsman, em uma parceria com o rapper londrino Central Lee, e Beyoncé para o filme King Richard com Be Alive, que pode lhe render uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original no próximo ano. Ainda no mundo do pop, Avril Lavigne volta às suas raízes do pop punk em Bite Me, e Christina Aguilera ofusca as polêmicas recentes com seu novo single Somos Nada, em que volta a cantar em espanhol.

FLETCHER se junta a Hayley Kiyoko, enquanto Charli XCX se alia a Christine and the Queens e Caroline Polachek em duas parcerias chamativas da Música pop. Paralelamente, The Weeknd disputa com Post Malone quem dois dois sofre mais por amor em One Right Now, e brilha ao lado de ROSALÍA em mais uma colaboração bem-sucedida com a espanhola. Explorando a faceta mais indie do pop, Foxes prepara o terreno para o seu novo álbum com um clima de festa-em-casa, a dinamarquesa MØ faz o mesmo com Brad Pitt / Goosebumps, e Gracie Abrams é sincera sobre seus sentimentos em seu disco de estreia, This Is What It Feels Like. 

Ainda no indie, vimos os sentimentos dilacerantes de Snail Mail, e Mitski fugindo do indie rock, abraçando uma instrumentação oitentista para falar de um amor trágico. Mas quem não vai abandonar o rock é a banda IDLES, que esmaga novamente em um trabalho mais pessoal e denso. Para fechar os artistas internacionais, Aminé traz seu rap com toques de hyperpop, e dois lançamentos ao vivo chamam a atenção: a insanidade de black midi em Live-Cade, e as reinvenções de Twenty One Pilots em Scaled and Icy (Livestream Version).

Pulando do exterior para o território nacional, o pop dominou os lançamentos do último mês, com singles de várias das grandes divas do país: IZA e Pabllo Vittar abraçam a estética futurista cyberpunk em Sem Filtro e Number One. Se estiver buscando uma sonoridade um pouco mais experimental, a produtora e agora cantora BADSISTA chega detonando com seu disco Gueto Elegance, cheio de colaborações de peso e ritmos hipnotizantes.

Manu Gavassi segue os passos de Taylor Swift e Billie Eilish, lançando seu novo disco acompanhado de um filme no Disney+. GRACINHA teve ainda participações especiais de Tim Bernardes, Amaro Freitas, Alice et Moi, dentre outros. E o que não faltou foram parcerias de peso entre os lançamentos nacionais: Lagum se juntou a Emicida e Josyara formou um supergrupo com Anná, Obinrin Trio e Sara Donato. 

Depois de cancelar nossa felicidade, a banda Fresno vai ter que se virar indo além do estilo de seu eterno rótulo, enquanto Tiago Iorc volta para falar mais dele mesmo do que sobre Masculinidade. Tivemos também singles de Ana Gabriela e Jade Baraldo, além dos videoclipes de Sandra Pêra e Ney Matogrosso, que vasculharam o armário para resgatar aquela Velha Roupa Colorida, e de Marina Sena, grande revelação do pop nacional do ano, e que dá agora um tratamento audiovisual para o seu hit Por Supuesto. 

Se encaminhando para o final do ano, a indústria da Música já vai assentando o seu número de lançamentos, mas nem por isso o Persona deixou de mergulhar fundo em tudo que rolou para apresentar o que o mês trouxe de mais significativo. Bem vindo à décima primeira edição do Nota Musical, onde a Editoria do Persona, em conjunto com os colaboradores, traz o que, por bem ou por mal, bombou no mundo da Música em Novembro de 2021, somado ao que pode ter passado despercebido, mas que com certeza merece uma atenção especial.

Falecimento de Marília Mendonça

Ai, Natal. Em 5 de novembro de 2021 o mundo chorou, inundado pela dor que os brasileiros compartilharam ao perder Marília Mendonça. Podemos descrevê-la como ícone musical, compositora extraordinária, artista ativa politicamente, dona de uma personalidade distinta, alegre, avassaladora, potente, e mulher revolucionária no Sertanejo e no Brasil. É tudo verdade, mas nada parece suficiente para falar sobre ela. 

Poderíamos também fazer um tributo apenas com versos de suas músicas, porque ela compunha extraordinariamente, nesse nível. Afinal, Marília, você virou saudade aqui dentro de casa. Ou optar pelas letras cômicas que a deram o nome de Rainha da Sofrência, digna de fazer até quem não gosta do gênero arrastar o chifre no asfalto, porque o cupido é gari e só traz lixo. Entre tudo isso, escolho lembrar de Flor e o Beija-Flor: a delicada música com os amigos Henrique e Juliano que mostrou sua arte para o mundo.  

Acidentes realmente acontecem e uma tragédia tirou a crescente carreira de Marília, o amor da vida de Murilo Huff e a mãe do pequeno Leo. Ela continuará sendo lembrada musicalmente, ou pelos amigos sertanejos, até nas gravações que deixou no meio do caminho. No entanto, me sustento com a imaginação de que a menina que nasceu em Flor e o Beija-Flor encerrou a carreira levando o termo “feminejo” até o The New York Times, pois tão grande assim foi seu trabalho. Obrigado querida Rainha, jamais seremos capazes de esquecê-la. – Nathália Mendes

CDs

Com mais de vinte anos de estrada, a banda Fresno já aprendeu a não se limitar e a não só repetir o que a levou ao sucesso. Depois da mudança de ares e temas que foi sua alegria foi cancelada, o introspectivo, reflexivo e – até à época – inovador projeto anterior do grupo, o nono álbum da banda, Vou Ter Que Me Virar, segue colocando em prática a vontade da Fresno de se arriscar. O lançamento, concebido durante a pandemia, não escolhe um só conceito, gênero musical ou assunto, mas passeia entre eles sem perder a unidade e o fio da meada que tornam seus quase quarenta e quatro minutos uma sequência coesa. 

Por mais que a Fresno seja – e sempre será – uma das maiores referências emo brasileiras, a banda foi além do estilo no seu eterno rótulo. Se, por exemplo, Vou Ter Que Me Virar, canção que abre o álbum e dá nome a ele, reflete sobre como estamos sozinhos e aceita que a vida é o que é em uma mistura de rock com batidas eletrônicas, FUDEU!!! relata a sobrevivência em meio a um cenário caótico (como a do Brasil no presente) e expressa a indignação da banda com o governo atual, em uma pegada mais punk. Já Casa Assombrada lembra trabalhos anteriores da banda, mas nem chega perto de soar repetida ou reciclada, enquanto 6h34 (NEM LIGA GURIA) muda completamente o rumo e experimenta um inédito samba e MPB.

Não só a sonoridade como também os temas também já não são parte de um só conceito: medo do futuro, inseguranças pessoais, saúde mental, relacionamentos familiares, receios e o sentido da vida são temas que tornam o álbum um exercício de olhar para dentro. Com exceção de uma canção, Vou Ter Que Me Virar também foi inteiramente composto por Lucas Silveira, mas, mesmo que as reflexões e medos sejam todos dele, as letras cruas e melancólicas ressoam e se fazem sentir para além das palavras performadas pela Fresno. – Vitória Lopes Gomez

KID A MNESIA – Radiohead

Na virada do século, o Radiohead reinventou o seu próprio som, e ajudou a consolidar os novos caminhos da Música Alternativa. Com uma diferença de oito meses de lançamento entre Kid A (2000) e Amnesiac (2001), ambos agora ressurgem como um único álbum, lançado em comemoração dupla de seus 20 anos, sob o título KID A MNESIA, cuja junção não soa nem um pouco estranha. Os dois discos sempre foram vistos como irmãos, tendo em vista que foram gravados ao mesmo tempo, durante as mesmas sessões, e lançados separadamente para evitar um álbum duplo. Devido ao sucesso estrondoso do antecessor — e do curto intervalo de lançamento entre eles —, Amnesiac ficou marcado como um depósito das canções que sobraram em Kid A, embora a história real não seja bem assim.

Três anos antes do lançamento de Kid A, o Radiohead lançou OK Computer (1997), álbum que já flertava com as novas sonoridades que o grupo aprofundou anos mais tarde. Enquanto a banda explorava novos timbres em seus instrumentos, Jonny Greenwood começava a deixar a guitarra de lado, apostando em sintetizadores — instrumento que, posteriormente, tornou-se seu principal aliado nas composições de trilhas sonoras. A canção Everything In Its Right Place, que abre o disco, demonstra essa característica, bem como In Limbo, gravada sob três camadas de guitarra — que possibilitam o ‘limbo’ da faixa — e uma bateria em tempo 4/4, também de forma repetitiva. Pyramid Song, uma das mais belas canções do grupo, possui o piano executado por Yorke como protagonista, sendo acompanhada pela guitarra de Jonny, que é tocada com um arco de violino, ao estilo Sigur Rós.

KID A MNESIA chegou às plataformas digitais como um álbum triplo, e também foi disponibilizado através do jogo Kid A Mnesia: Exhibition, desenvolvido pelo grupo e disponível gratuitamente na Epic Games, que mescla, de forma revolucionária, Videogames, Artes Visuais e Música. A primeira parte do álbum é composta por gravações de Kid A, seguido de Amnesiac e sendo encerrado por versões remixadas de algumas faixas de ambos os discos, que traz ainda duas canções inéditas: If You Say the Word e Follow Me Around. O projeto é uma homenagem ao ponto de virada do Radiohead, e reafirma o grupo como uma das maiores bandas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Taylor Swift – Red (Taylor’s Version)

O álbum da carreira de Taylor Swift é vermelho. Ele é pulsante, vulnerável, resiliente e extremamente comprido. No segundo árduo labor de regravar sua discografia na íntegra, a artista chega ao suprassumo do que seria sua investida rumo ao pop, e em Red (Taylor’s Version), as garras estão à mostra. No que tange às canções originais, a voz madura e a experiência de quase uma década acaba por refinar notas, revisitar passagens e aquecer o coração daqueles que rasgavam o peito gritando que nunca, em hipótese alguma, veriam o ex novamente.

Do grupo de inéditas, Swift repetiu a parceria com Ed Sheeran, cantou sobre um homem melhor, homenageou o garotinho Roman e ainda convidou Blake Lively para dirigir o videoclipe de I Bet You Think About Me, com direito a ator anti-vacina e festa de casamento fictícia. Entretanto, o melhor da nova versão de Red está repousado no último terço das 30 canetadas. Em Nothing New, Phoebe Bridgers se desmancha quando o assunto é a sensação de insuficiência e chegada de sangue novo no pedaço.

No encerramento, Taylor Swift aumenta seu repertório e finalmente concretiza sua paixão desmedida por All Too Well, uma querida faixa que se tornou favorita absoluta dos fãs e, por acaso, também da cantora. Duplicando a duração padrão da lenda de corações partidos, cachecóis afanados e atores de Cinema, All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version) (From The Vault) chegou junto de um curta-metragem, divulgação massiva, quebra de protocolo no Saturday Night Live e uma tirada que vai cutucar Jake Gyllenhaal até a chegada da próxima regravação. Mais do que uma retomada financeira dos trabalhos de sua vida, a jornada de Swift diz muito sobre sua perseverança e seu alcance. Não tem jeito, ela estava lá e se lembra muito bem. – Vitor Evangelista

Adele – 30

Vai com calma aí, Adele, porque o nosso coração não é de ferro! O tão aguardado novo álbum da cantora britânica foi lançado em novembro desse ano e, como já era de se esperar, abalou as estruturas das críticas, dos fãs e da indústria musical. Sob o título de 30, o CD trouxe alguns arranjos que não estávamos acostumados a escutar na voz de Adele, como o hip-hop, mas também não deixou de lado seus clássicos ritmos como o jazz e o soul. 

Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um álbum de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, é muito perceptível que este traz uma complexidade bem maior para as suas emoções. Desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que ela canta. Não é uma surpresa, já que ela declarou várias vezes que esta seria a forma de se comunicar com seu filho sobre o divórcio e o que a levou tomar essa decisão. As faixas My Little Love e Hold On parecem mais do que suficientes para responder às dúvidas do pequeno Angelo. 

Mesmo depois de 6 anos, a cantora não conseguiu cair no esquecimento, e  este vai ter que esperar bastante por Adele. Ela conseguiu entregar um amadurecimento e hits implacáveis que tocam a alma de qualquer um, em qualquer momento ou situação. Quem diria que um álbum de divórcio iria atingir e tocar até os casais mais sólidos e firmes no amor? Oh My God, I Drink Wine e To Be Loved exemplificam muito bem esse sentimento, como faixas que interagem com ideias musicais mais modernas, e mostram como ela está usando sua voz com novas multidões. No auge dos seus 30, Adele revela ser ousada o suficiente para compartilhar tudo o que passou de forma tão vulnerável, com o mundo inteiro escutando. – Vinícius Santos

Dalva de Oliveira – Rio Claro Diva

Este é mais um daqueles álbuns que não sabemos de onde vem, para onde vai e até que ponto é oficial. O lado póstumo da carreira de Dalva de Oliveira está repleto desses lançamentos aleatórios e curiosos, para dizer o mínimo. Rio Claro Diva, no entanto, está disponível em grandes plataformas de streaming, como é o caso do YouTube e do Spotify. Além disso, por ser de uma das maiores cantoras que o Brasil já teve em toda sua História, é um disco que merece ser comentado, por mais que algumas informações fujam das apurações mais atentas e cautelosas.

Na verdade, Rio Claro Diva é basicamente uma reedição do álbum Boleros, de 1959. Formado por 12 faixas, como costumavam ser muitos LPs da Rainha da Voz, este novo – e velho – trabalho agora homenageia, em pleno título, a cidade onde Dalva de Oliveira nasceu. Além do mais, trata-se de uma obra que exerce uma bela função de memória, relembrando uma mulher que arrastava multidões e estampava várias capas de revistas – mas que, injustamente, é pouco lembrada nos dias de hoje, tendo em vista o sucesso que obteve no passado.

Por um instante, peço licença para usar a primeira pessoa do singular. Isso porque, tendo como foco qualquer tipo de qualidade, não sou capaz de selecionar destaques nos álbuns dessa diva eterna. Menciono, assim, três músicas de maneira aleatória. Sabias Palavras, Se Ao Menos Eu Sonhasse e Convite são, portanto, ótimas portas de entrada para quem tiver alguma curiosidade em torno desse disco “misterioso”. E que sejam também um primeiro passo para o acesso à discografia preciosa da grande Estrela Dalva, corpo sempre reluzente neste céu nacional. – Eduardo Rota Hilário

Summer Walker – Still Over It

Amargo. Assim se inicia o melodrama lírico de Still Over It, segundo álbum da cantora e compositora natural de Atlanta, Summer Walker, aconselhada por Cardi B a “Colocar o drama em sua Música/Porque se as vadias querem sugar sua energia, que você sugue a delas”.  Com apenas 25 anos de idade, acompanhada de figuras representantes do gênero R&B, Walker traz colaborações que vão de SZA à Pharrell Williams à Ciara, fincando-se como narradora exímia das emoções mais universais que perpassam os relacionamentos interpessoais de sua vida.

Com um catálogo que coleciona uma sucessão de parcerias poderosas, as expectativas acima de sua carreira promissora partiu de Over It – estreia da artista em 2019, que contou com a participação de Usher, PARTYNEXTDOOR, Drake e Jhéne Aiko –, posicionando-a como evidência do cenário R&B/trap contemporâneo. Agora, são 20 longas faixas que traçam a separação nociva entre ela e seu ex-parceiro, também pai de seu filho e produtor de pelo menos metade do novo projeto. As emoções são intensamente caóticas, proporcionais à jovialidade divertida das canções.

O single principal Ex For A Reason é leve, ressaltando a autoria vocal de Walker, bem como a maior faixa do álbum, Unloyal, um blues elegante que combina sua voz com a de Ari Lennox, ambas conduzidas por um solo sensual do saxofone. Contudo, apesar de cativar, seja com o ritmo suave de Screwin, seja com o duro 4th Baby Mama, Still Over It luta para não se manter monótono em mais de 1 hora. E ele falha. Principalmente em seus últimos minutos com Ciara’s Prayer – “Oro para que o próximo homem de minha vida se torne meu marido/Oro para que ele me ame, me guie, me oriente” –, um apelo antiquado para um fechamento fraco. – Ayra Mori

David Bowie – Toy

David Bowie deixou este planeta em 2016, transformando seu último disco, Blackstar, lançado na mesma semana, em uma impactante carta de despedida e uma das maiores criações de sua carreira. Desde então, vários baús foram revirados, e muito material inédito do camaleão do rock foi sendo disponibilizado. É o caso de Toy, um disco nunca antes lançado, gravado por Bowie no ano de 2000, e que finalmente está disponível para os fãs junto a uma coletânea que agrupa quase uma década de gravações do artista, chamada de Brilliant Adventure (1992-2001).

Reunindo canções do início da carreira de Bowie, e marcando o retorno de sua colaboração com o produtor Tony Visconti, Toy não é o grande testamento com a missão de coroar o legado de uma carreira prolífica (Blackstar já indiscutivelmente ocupa este posto), mas o disco não deixa de ser um interessante achado e uma animadora nota de rodapé. Em Toy, vemos Bowie fazendo da Música seu brinquedo, em uma coleção de faixas alegres e descompromissadas. Não chega ao patamar de suas grandes obras, mas é um bem-vindo lembrete de que, apesar de sua trágica despedida, David Bowie passou por momentos felizes. – João Batista Signorelli

Twenty One Pilots – Scaled and Icy (Livestream Version)

Acompanhando a chegada de Scaled and Icy, a banda Twenty One Pilots promoveu uma performance do seu recém-lançado álbum, o sexto de estúdio do duo americano, e agraciou os fãs com a transmissão on-line do evento. Na Twenty One Pilots Livestream Experience, as canções do (até então) novo projeto foram apresentadas pela primeira vez no show televisionado dirigido por Jason Zada, que já comandou videoclipes e curtas-metragens. Agora, cinco meses depois do evento e do lançamento do álbum, as versões ao vivo das faixas foram disponibilizadas nas plataformas de música como Scaled and Icy (Livestream Version), o Deluxe do mais recente projeto da banda.

À frente de uma banda completa, diferente do que estão acostumados, Josh Dun e Tyler Joseph unem as onze canções do último lançamento com outras mais antigas, em mashups e medleys que renovam as faixas. Por exemplo, Choker, do Scaled and Icy, se junta a Morph, do álbum Trench, ao hit Stressed Out, Migraine e Holding on to You, as três últimas presentes na tracklist do Vessel, para formar Choker/ Stressed Out/ Migraine/ Morph/ Holding on to You – Livestream Version, de quase dez minutos de duração. O fôlego do vocalista, Tyler, também é posto à prova em Saturday/ Level of Concern/ Ride/ Car Radio – Livestream Version, que ultrapassa os doze minutos, e Lane Boy/ Redecorate/ Chlorine – Livestream Version, ambas conciliando sucessos dos três últimos álbuns do duo.

Não é novidade que a Twenty One Pilots procura sempre inovar, seja nos ritmos, instrumentos e estilos musicais, seja nos conceitos e charadas que criam para seus projetos, que nunca vêm só com um simples anúncio de lançamento. Com a performance que culminou no Scaled and Icy (Livestream Version), as versões repensadas de canções já consolidadas reanimam para a discografia antiga da banda, além de fazer o mesmo para o Scaled and Icy – agora com cinco meses de idade -, que ganha arranjos novos, visuais e até trompetes ao fundo. – Vitória Lopes Gomez

Snail Mail – Valentine

É comum descrever Arte como “de partir o coração”, mas é singularmente difícil achar peças que parecem sangrar de verdade, numa obra capaz de examinar a ferida não só como uma caricatura do passado, mas como um retrato do aqui e do agora, com toda a feiura que isso invoca. Em Valentine, segundo trabalho com o nome Snail Mail, Lindsey Jordan prova ser uma artista capaz de tal, pulsando de emoção em emoção. Com a precisão de músicos que tem o dobro de sua experiência e repertório, ela abraça a maioria de suas contradições com tanta força que se torna impossível prestar atenção em qualquer outra coisa.

Na delicada Light Blue, Jordan canta “Nada vai me impedir agora” com a fúria de alguém que conhece profundamente o desespero, enquanto na inesperadamente animada Ben Franklin ela parte com qualquer sinal de seu antigo som, se escorando na culpa ao confessar: “Eu nunca devia ter te machucado/Tenho o diabo em mim”. A precisão de suas letras só encontra par em seus vocais roucos e machucados, faixa após faixa, culminando na explosão silenciosa e sinfônica de Mia, na qual a tese do disco vem à tona entre lágrimas e violinos: “Não, não posso continuar me segurando a você/Mia, eu ainda sou sua”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi – GRACINHA

Quatro anos depois de lançar Manu, a melhor ex-BBB retorna ao mundo da Música com um disco de inéditas. Mas não se engane, o título e o semblante ameno de Gavassi na capa do trabalho são antítese do comportamento da jovem. Ao lado de Amaro Freitas e do timbre etéreo de Tim Bernardes, a faixa-título denuncia os ânimos exaustos de quem tentou de tudo por todos, e chegou na hora de se recolher.

O sentimento de solidão volta e meia pipoca pelas nove faixas, sendo estudado pela ótica da tristeza (na chique Eu nunca fui tão sozinha sozinha assim, ao lado de Voyou), da ironia (em Reggaeton triste, com Vic Maralhas) e da desolação, em (não te vejo meu), momento em que Manu deixa o céu desabar. Sobra espaço para a artista abrir o coração para a irmã em Catarina, denunciar um romance ruim em Tédio e abraçar seus “defeitos” em sub.ver.si.va.

Compartilhando emoções vulneráveis, CANSEI grita o óbvio: depois de tanto levar cacetada, não tem como se manter no mesmo lugar. Manu Gavassi, acostumada a soltar a voz em melodias alegres e letras com trocadilhos espertos, dessa vez se ali a bem bolada produção de Lucas Silveira, entregando seu melhor trabalho, recheado de opiniões fortes, refrães pegajosos e um complemento visual no Disney+. – Vitor Evangelista

Jonny Greenwood – Spencer

Quem foi Diana Frances Spencer? Desvenda Pablo Larraín em Spencer (2021), longa estrelado por Kristen Stewart, no auge de sua carreira, que dá dimensão à uma Lady Di para além da figura intocável da princesa de Gales: uma mulher solitária que enfrenta os traumas internos ao mesmo tempo que lida com os escândalos públicos de uma imprensa imoderada. Da chegada à partida, acompanhamos claustrofobicamente o fatídico fim de semana do Natal de 1991, quando princesa Diana pede divórcio do príncipe Charles, compenetrados por uma instrumentação magnificamente delirante.

Assinada por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, a trilha sonora clássica barroca é combinada com um free jazz que gradativamente aguça a ansiedade da protagonista (junto da nossa), através do crescimento latejante da percussão, do piano desvairado, do saxofone pedante ou, ainda, do contrabaixo sufocante, transformando tudo numa experiência lindamente traumatizante. Há quase duas décadas colaborando com diretores – Sangue Negro (2007), O Mestre (2012), Vício Inerente (2014) e Trama Fantasma (2018), todos de Paul Thomas Anderson –, em Spencer, Greenwood preenche os espaços por entre os grandes cômodos vazios, os trajes impecáveis e a frieza imaterial de uma realeza apática. E que venha o Oscar! – Ayra Mori

ABBA – Voyage

O clamor pela década de 80 que correu mundo afora nos últimos anos parecia ter atingido seu auge em 2020, mas a vibração oitentista foi tão forte que trouxe em 2021 um dos eventos mais especiais de toda a história da Música. Aqui vamos nós de novo: ABBA está de volta. Depois de 40 anos em hiato, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus e Benny Andersson retornam na plenitude de seus 70 anos para reformar um dos grupos musicais de maior sucesso de todos os tempos.

O efeito grandioso é consequência da própria magnitude do quarteto pop sueco. Boa parte dos sobreviventes de 2021 deve conhecer pelo menos um refrão de ABBA, transmitido através das lembranças sonoras e formação musical de pais, mães, avós e avôs que viveram na pele a era disco, impossível de ser esquecida e desejada até mesmo pelas novas gerações, que foi embalada pelos hits do quarteto. Assim, a obra que marca o retorno histórico do grupo seria, necessariamente, uma experiência envolvida em uma viagem pelo passado, pelo presente, e também pelo futuro. E isso é exatamente o que ABBA criou em Voyage. 

É fato que as harmonias altas que ocuparam as paradas entre os anos de 1972 e 1982 e as coreografias enérgicas que tomavam as pistas de dança de 40 anos atrás não seriam reproduzidas em 2021, mas isso não significa de forma alguma a ausência identidade do grupo. Dentre as 10 músicas do novo disco, ABBA demonstra saber o que foi (Keep An Eye On Dan), o que é (Just A Notion) e o que será (No Doubt About It). Com louvor, Ode to Freedom encerra Voyage confirmando o significado do retorno para o imaginário de um mundo que conhece ABBA em qualquer recorte do espaço-tempo: enquanto há vida, há Música. E nós ainda temos fé em vocês. – Raquel Dutra

IDLES – CRAWLER

Ácida, irreverente e cheia de energia contagiante, IDLES é uma das principais bandas da recente revitalização da cena punk na Música britânica. Engajado em causas sociais, o frontman Joe Talbot sempre buscava colocar o dedo na ferida do conservadorismo britânico, até perceber que em toda essa história, alguém permanecia isento de críticas: ele mesmo. CRAWLER  é um álbum mais denso, sério, e que mostra Talbot pela primeira vez baixando a guarda e lidando com seus demônios, muitos surgidos de sua difícil relação com as drogas. 

O disco se abre com a sóbria e minimalista MMT 420 RR, que já surpreende ao se desviar da sonoridade usual da banda. “Você está pronto para a tempestade?” prenuncia o vocalista pelo que está por vir, na canção que nunca libera a tensão que constrói. Em seguida, vem a tempestade: Car Crash esmaga o ouvinte tal qual a bola cor-de-rosa da capa de Ultra Mono, Stockholm Syndrome explora as contradições humanas, The Beachland Ballroom é um pedido de socorro, Meds mistura imagens religiosas ao consumo de drogas, e Progress lida com suas tentativas de recuperação. – João Batista Signorelli

Gracie Abrams – This Is What It Feels Like

Se o trabalho de Gracie Abrams lembra a sonoridade de ninguém mais, ninguém menos que Olivia Rodrigo, é porque o caminho foi o contrário: a artista em ascensão foi uma das inspirações da indicada ao Grammy. Assim como na discografia desta última e de outros nomes do pop e indie pop atual, como Phoebe Bridgers ou as novatas Maisie Peters e ella jane, as baladas ao piano e as letras brutalmente honestas também surtem efeito em This Is What It Feels Like, o primeiro álbum de Abrams. Depois de alguns singles lançados ao longo de 2021, incluindo uma colaboração com o produtor musical benny blanco, o projeto segue o EP de estreia da cantora, minor.

Enquanto o anterior era uma resposta ao término de um relacionamento vivido por Gracie, e também seu primeiro grande trabalho profissional, This Is What It Feels Like explora as emoções e sentimentos da artista de uma forma mais madura, indo desde as relações de amizade e românticas até as mudanças e conflitos pessoais durante o período de isolamento, no qual o álbum foi produzido. Longe de serem negativas, as doze canções são sinceras e emocionais até quando ela avisa que vai te levar para o fundo do poço, e refletem o interior que a artista coloca à mostra. Em Camden, por exemplo, ela se abre quanto às suas inseguranças com a própria imagem e sua necessidade de validação. Já em For Real This Time, ela revela estar pronta para tocar em frente depois de uma relação que deu errado.

No novo lançamento, a cantora e compositora reafirma o ponto alto de minor: o seu talento em compor exatamente sobre o que sente e pensa, de forma que as letras ressoem para além dela. Alguns anseios dos jovens de vinte e tantos anos até podem ser parecidos, mas Gracie consegue inspirar a identificação ao dar o seu toque especial às canções, incluindo referências próprias, nomes e lugares específicos. Os versos são potencializados pela voz suave e melódica dela e elevam This Is What It Feels Like para um mergulho no diário de Gracie Abrams. – Vitória Lopes Gomez

BADSISTA – Gueto Elegance

Gueto Elegance é um álbum que provavelmente não será absorvido por completo com apenas alguns primeiros contatos ou imersões. Por mais que essa seja, de modo geral, a realidade de todos os discos do mundo, há algo de diferente neste caso específico, o que torna o referido fato ainda mais evidente e marcante. Existe, aqui, uma espécie de complexidade – no sentido de ser uma obra construída em várias camadas, com alguns graus de sofisticação – bem sucedida, porque não impede que um público mais amplo e diverso tenha contato com o CD e seus desdobramentos.

Artista elogiada, ao lado das companheiras Linn da Quebrada e Jup do Bairro, pelo jornal inglês The Guardian, BADSISTA embarca agora em uma carreira solo por meio de um trabalho bastante – e explicitamente – colaborativo. As parcerias, inclusive, não se limitam ao Brasil, e essa é uma observação bem perceptível, já que o som da rapper queniana MC Yallah nos é apresentado logo na terceira faixa do disco: a enigmática Farse. Em sua completude, aliás, Gueto Elegance nos oferece uma experiência de difícil descrição – motivo pelo qual este texto é um tanto quanto abstrato.

Em relação ao repertório do álbum, Chega Nas Ideia é um dos primeiros destaques das 12 faixas que o compõem, consolidando com grande estilo as significativas trocas já feitas entre BADSISTA e Jup do Bairro. Logo em seguida, Soca, gravada com Rey Sapienz e Lord Spikeheart, soa irresistivelmente dançante e atraente. Amor Que Não Posso Inventar, por sua vez, é um dos mais belos feats deste gueto, dividido com a também contemporânea cantora Ventura Profana. Por fim, e Sem Dar Tchau, a dona deste trabalho encerra sua jornada com chave de ouro. – Eduardo Rota Hilário 

Aminé – TWOPOINTFIVE

Espécie de piada interna de Aminé, o projeto POINTFIVE parece ser um espaço de aberturas criativas, no qual o humor se sobressai e deixa em aberto qualquer abordagem que pareça necessária para a canção. O primeiro disco do projeto foi ONEPOINTFIVE, de 2018, que originou a turnê intitulada TOURPOINTFIVE. Nele, o artista deixou evidente a maneira pela qual sua abordagem de som ganharia forma. Depois de Limbo (2020), o rapper decidiu retomar a liberdade criativa do trabalho, e lançou o ainda irreverente — porém mais maduro e bem resolvido — TWOPOINTFIVE.

Dentre as faixas excelentes do disco — todas seguem um mesmo alto nível, em que as piadas e o humor ácido não deixam a desejar em comparação às melodias e inovações propostas pelo músico —, Van Gogh, Between The Lines e NEO se sobressaem (essa última parece ter saído de Certified Lover Boy, de Drake). É interessante notar que nenhuma das canções possuem mais que dois minutos e cinquenta segundos de duração, pois o disco funciona como um apanhado de pequenas situações interligadas pela voz de Aminé — às vezes disfarçada com personas —, quase como um livro de contos.

TWOPOINTFIVE é uma explosão de cores e texturas, como sua capa já demonstra. Essa mistura dificulta a classificação do disco — e talvez isso seja proposital. Charmander, single principal do álbum, sinalizou para a inovação logo quando foi lançado, flertando abertamente com o não convencional (inclusive no clipe). Numa entrevista à Billboard, Aminé disse: “Eu não queria fazer nada muito introspectivo e triste com esse projeto. Isso era mais para eu realmente me divertir e dançar, e me divertir muito”. Aparentemente, ele conseguiu. – Bruno Andrade

Kanye West – Donda (Deluxe)

Ninguém esperava que Kanye West lançasse mais músicas depois das 27 de Donda – que teve direito à polêmica com cortes em faixas. Pois ele decidiu dar uma versão ainda mais longa com o Deluxe de seu décimo álbum, que tem 5 músicas a mais. Acumulando 4 indicações ao Grammy 2022 com o Standard – que levou o agressor denunciado Marilyn Manson a ser nomeado no palco mais importante da indústria da Música -, a motivação para não parar sua produção só pode estar entre seu narcisismo genial e na tentativa de se despedir espiritualmente da mãe. Assim, o segundo é o resultado do trabalho inacabado de um rapper atormentado demais para conseguir terminar.

As novas Remote Control pt 2 e Keep My Spirit Alive pt 2 são segundas partes de faixas existentes, e isso é uma construção que já vinha do Donda. Agora, ao todo são 6 músicas com continuação no mesmo álbum, ilustrando a necessidade de Kanye em mais minutos para cantar tudo o que sua complexidade artística grita. Nas novas, a diferença está nas edições ou em partes que haviam sido cortadas, como o verso de Kid Cudi recolocado em Remote Control 2. Never Abandon Your Family também voltou à tracklist junto com a composição controversa sobre o casamento com Kim Kardashian. E Up From The Ashes é a inclusão mais satisfatória por sua união com o coro do Sunday Service Choir em um gospel singelo.

O fato é que a confusão predominou: todas as faixas trocaram de ordem, e por vezes a part 2 veio antes da primeira. Mas, talvez, o Deluxe seja exatamente a mente conflituosa de um homem revolucionário no rap mundial tentando se despedir. Sua mãe Donda West motivou até os convidados dessa super produção, por isso, é um alívio que Life Of The Party – uma obra de arte de Andre 3000 – finalmente faça parte dele oficialmente. No meio de tanta picuinha, Drake nos fez um favor em vazá-la e Kanye em lançar outro álbum para incluí-la. – Nathália Mendes

Dijon – Absolutely

Não é tarefa fácil ultrapassar a superficialidade dos estilos musicais sem soar genérico, quem dirá mesclar gêneros. No entanto, com o álbum de estreia Absolutely, Dijon – cantor, compositor e multi-instrumentista californiano –, alinha acertadamente uma gama de sonoridades em um só registro que vão do pop, R&B, hip-hop, singer-songwriter, bedroom pop até o country. Reunindo um conjunto de musicistas, o projeto soa como uma sessão improvisada euforicamente caótica, capturando uma atmosfera quase surreal que transporta o ouvinte a um sonho quente que uma vez já tivera.

Integrado por doze faixas condensadas dentro de curtos 31 minutos, Dijon conduz uma série de frustrações amorosas liricamente versadas por meio de sua voz rouca. Como se lutasse contra uma dor na garganta, aqui, o polimento é evitado, conferindo tom orgânico a tracklist que não se amarra estruturadamente ao longo do álbum. A sensação é de algo não planejado, mas é exatamente a espontaneidade de Absolutely que o caracteriza tão bem. E entre intervalos que se perdem, destacam-se verdadeiros primores.

Many Times é o exemplo perfeito. Construído por uma instrumentação intensa, a canção discorre sobre a ruptura de um relacionamento, crescendo aceleradamente através de uma lista de itens esquisita – “Morango, framboesa, luz de velas, satélite/Televisão, raios-X/O que vai ser preciso para você ouvir?”. Já The Dress é a trilha perfeita aos romances nostálgicos, digno de uma comédia romântica dos anos 80. São teclados cintilantes, um groove suave e a lembrança da paixão de um novo amor. Assim, mesmo sofrendo cercado pelo breakbeat noventista de Talk Down, felizmente, Dijon parece sempre estar se divertindo. – Ayra Mori

Beach Fossils – The Other Side of Life: Piano Ballads

Doze anos e algumas mudanças de formação depois, a banda Beach Fossils comemora seu tempo de existência rememorando sua discografia. Com o mais recente lançamento, o álbum The Other Side of Life: Piano Ballads, o trio americano revisita faixas desde seu primeiro grande projeto, o homônimo Beach Fossils, de 2010, até o seu terceiro e penúltimo, Somersault, de 2017, incluindo também canções presentes em EPs, como o What A Pleasure, de 2011. O quarto álbum de Beach Fossils, porém, vai além do compilado de sucessos e, trocando o indie rock pelo jazz, a banda entrega versões alternativas das faixas antigas.

Abrindo com This Year (Piano), originalmente presente em Somersault, o álbum já começa positivo com a nova roupagem sonora: até a letra se iniciar, a canção verdadeiramente soa diferente da original e eleva as expectativas. As músicas são antigas, mas The Other Side of Life: Piano Ballads é novidade. Só que, nas que seguem, a banda não sai da zona de conforto o suficiente para explorar as possibilidades. Algumas das faixas, como Youth (Piano) e Sleep Apnea (Piano), trocam os vocais desfocados e distantes, característicos da Beach Fossils, pela melodia e profundidade na voz de Dustin Payseur, mas essa é a maior inovação até então.

Com os enérgicos riffs de guitarra dando lugar aos saxofones e o piano fazendo jus ao nome do álbum, se impondo como o fio condutor e o elemento central do disco, as novas versões soam sentimentais, imersivas e melancólicas. E, no geral, o projeto acaba ficando por isso mesmo, uma homenagem à discografia da Beach Fossils, sem muitas novidades. Ao final, apesar da banda ser literal demais, The Other Side of Life: Piano Ballads entrega justamente o que propõem: canções em sua versão piano, nada mais, nada a menos. – Vitória Lopes Gomez

Davi Moraes – Pelo Celular 

No começo de 2021, Davi Moraes lançou Todos Nós, o EP em homenagem ao seu pai Moraes Moreira, falecido em abril de 2020. Agora, o guitarrista lança o álbum Pelo Celular. Mais experimental do que seus outros três discos, o trabalho trafega bastante pelos instrumentais que são o ponto forte de Davi, e o título do disco não é acaso. Com o computador quebrado, o músico gravou cinco das oito faixas com seu aparelho telefônico. As outras três faixas foram gravadas no estúdio Savalla Records.

Acompanhado por violão, guitarra e percussão, Davi construiu um disco intimista. Os destaques do trabalho ficam com Maria Rita, composição de César Camargo Mariano em homenagem à sua filha com Elis Regina, e com o instrumental de Wave, grande clássico de Tom Jobim. Iracema, que conta com o piano de Fernando Moura, também brilha e reluz na tracklist. As músicas autorais contam com Cainã Cavalcante, Fausto Nilo e Luiz Caldas nas composições. – Ana Júlia Trevisan

Lorde – Solar Power (Deluxe Edition)

Depois do aclamado e introspectivo Melodrama (2017), Lorde surgiu sorridente em Solar Power, seu mais recente disco, lançado em agosto de 2021. O álbum apresentou uma nova faceta da cantora, na qual sua típica voz ganhou leveza e desenvoltura, sem a carga dramática de canções anteriores, além de trazer participações mais que especiais de Clairo e Phoebe Bridgers. Quatro meses depois, a cantora decidiu nos presentear com uma edição de luxo do projeto, trazendo duas canções inéditas, descritas pela artista como as “ovelhas negras” do disco.

Solar Power (Deluxe Edition) foi divulgado após o lançamento do videoclipe da canção Fallen Fruit, e a primeira faixa bônus que compõe o disco é Helen of Troy, chamando atenção pela brincadeira estabelecida entre o refrão cantado por Lorde e o sintetizador alternado, além de manter uma aura de música improvisada que a completa com maestria. Hold No Grudge inicia-se com acordes de guitarra, e funciona como um retrato de relacionamentos que se esgotam com o tempo. Embora as canções não tenham integrado a versão final de Solar Power, são ainda grandes músicas e não deixam nada a desejar em relação a tracklist do álbum. – Bruno Andrade

Ladyhawke – Time Flies

O tempo voa e Ladyhawke – alter ego de Pip Brown –, aterrissa no ano de 2021 ainda amarrada ao passado. No quarto álbum de estúdio, a cantora, compositora e streamer (sim), bebe da mesma fonte de sua última coletânea, o despretensioso Wild Things (2016). Seu catálogo impressiona pela variedade de texturas sintéticas combinadas à tecnologia vintage de microfones antigos que exploram a natureza flamboyant dos anos 80. Mais destemida do que nunca, Time Flies (2021) é pura nostalgia.

Produzido por um grupo de colaboradores expressivos, o álbum conta com a participação de Tommy English (compositor e produtor que trabalhou com Carly Rae Jepsen, Kacey Musgraves, Adam Lambert e outros), Josh Fountain, Jeremy Toy, Chris Stracey e Jono Sloan. A composição é registro do amadurecimento pessoal de Brown durante o período de cinco anos no qual lidou com a maternidade, depressão e uma doença grave; contudo, sem ser literal. Transformando o clima sombrio em ritmo cativante, a neozelandesa confere leveza à assuntos pesados, refletidos ao longo das onze faixas, coesamente interligadas entre si.

Inaugurado pela irresistível My Love, Ladyhawke clarifica as razões de ter sido um dos expoentes do renascimento do synth-pop indie no final da década de 2000. Da guitarra distorcida de Mixed Emotions à delicadeza dos sintetizadores de Take It Easy Mama – hino que invoca as baladas cristalinas de Fleetwood Mac –, para Brown, a Música é terapêutica. Ela escapa da tristeza por meio dos arranjos sinestésicos, perdendo-se através deles. – Ayra Mori

Céu – Um Gosto de Sol

Para quem está entrando em contato com um álbum de Céu na íntegra pela primeira vez, como é o meu caso, Um Gosto de Sol sustenta uma ótima primeira impressão. Por meio de 12 faixas e dois interlúdios, a cantora paulista regrava, nesse disco, algumas das músicas de suas principais referências artísticas, conferindo-lhes um ar muito orgânico e suave. Mais do que isso, Céu dá brilho a algo bastante arriscado, tendo em vista que elaborar covers pode ser uma tarefa mais difícil do que gravar composições autorais ou exclusivas – ainda mais quando eles estão associados a nomes como Jimi Hendrix e Milton Nascimento.

Na escolha de repertório, a artista surpreende por misturar canções mais óbvias com as seleções mais inusitadas. E, em relação a como escutar corretamente Um Gosto de Sol, o melhor caminho talvez seja aquele apontado lucidamente pelo jornalista Mauro Ferreira – que, grosso modo, sugere não colocar em confronto as novas versões com os registros originais de cada composição. Para além do modo de apreciá-la, é justo e necessário reconhecer o talento de Céu como intérprete, posição relativamente nova para quem chegou aos discos com o homônimo álbum de 2005.

Por fim, e quase como uma tradição, algumas faixas merecem destaque. Seja na bela Ao romper da Aurora, que abre o CD, seja em Deixa acontecer, colaboração com Emicida, Céu mostra-se bem eclética em suas inspirações sonoras. Chega Mais, composta pelo maravilhoso casal Rita Lee e Roberto de Carvalho, continua sendo um dos auges de todo o disco. E não mencionar a faixa-título seria impossível, já que, além de nomear a obra inteira, essa música é assinada por Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Como podemos notar, só nomes de responsabilidade, não? – Eduardo Rota Hilário

Silk Sonic – An Evening with Silk Sonic 

Aconteceu, silk-fãs! Bruno Mars e Anderson .Paak finalmente deram luz a um disco de 9 faixas e muito soul. An Evening With Silk Sonic começou a ganhar forma lá em março, quando a dupla lançou a deliciosa Leave The Door Open, dando uma palhinha do que viria a seguir. Agora, com o projeto completo em mãos, é de se entender o motivo de tanto burburinho – enérgico e nostálgico na medida certa, com espaço de sobra para a veia criativa dos músicos pulsar livremente.

Cantando os anos 1970 sem deixar de lado os 2010, Silk Sonic embala seu ouvinte em um groove único que sai diretamente dos contornos da bateria de .Paak e da voz derretida de Mars. O romantismo é inevitável – já sabíamos disso desde o primeiro single –, mas, com menos de 32 minutos, An Evening with Silk Sonic entrega um disco de R&B sólido, cativante e coeso, que ainda conta com a participação do músico Thundercat e do baixista Bootsy Collins, anunciado na capa como “convidado-anfitrião especial”.

A estética retrô, inclusive, já se tornou marca da dupla, que é entrosada o suficiente para nos fazer sonhar com mais gravações futuras. E é esse tipo de química que Bruno Mars e Anderson .Paak compartilham, nascida em uma turnê de 2017, que surge como o maior catalisador do álbum de estreia da banda. Não acredita? Então dê play em Put On A Smile e confira a harmonia catártica que apenas Silk Sonic consegue alcançar. – Caroline Campos

EPs

Holly Humberstone – The Walls Are Way Too Thin

“Eu sei que eu sou jovem/mas não sou a porra de uma idiota” canta Holly Humberstone em Please Don´t Leave Just Yet. Parte do EP The Walls Are Way Too Thin, o segundo da artista britânica em ascensão, a canção traduz os anseios da cantora, comuns às seis faixas do trabalho, e refletem o período em que foram concebidas. Se o projeto anterior, Falling Asleep At The Wheel, era como um coming-of-age de Humberstone lidando com o fim da adolescência, o mais recente marca sua entrada na vida adulta. 

A mudança de fases não é didática, mas aparece no que a artista expõe em suas composições: seus medos, inseguranças, relações pessoais, tanto amorosas quanto de amizade, visões e perspectivas são temas que aparecem espalhados entre os vinte minutos do EP, em uma abordagem mais madura e sincera do mundo e de si mesma, assim como de seus sentimentos. Por exemplo, na introspectiva e profunda Thursday, ela olha para trás e canta “Eu pensei que, se eu tingisse meu cabelo/Eu me sentiria mais independente/Mas não ficou nada como a foto na caixa/E agora eu me arrependo”. 

Já em The Walls Are Way Too Thin, faixa que dá nome ao EP, Holly Humberstone usa metáforas para desabafar sobre suas experiências. “A casa está cheia, mas eu estou sozinha/Com todas as coisas que precisam ser consertadas, fora do meu controle”, ela reflete. Como a artista revelou, ela compôs o trabalho quando tinha acabado de se mudar para um apartamento em Londres e se sentia claustrofóbica, perdida e fora de controle por lá. Transpassando seus sentimentos turbulentos para o EP, Humberstone, com suas composições tocantes e seu ritmo indie pop acolhedor, fazem o íntimo de The Walls Are Way Too Thin ressoarem para além das intenções dela. – Vitória Lopes Gomez

Lingua Ignota – EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART

Funcionando quase como um anexo ao poderoso disco SINNER GET READY, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART, lançado na página do bandcamp da artista Lingua Ignota, é composto por 4 faixas, além de um acompanhamento visual em vídeo. A partir de cartas direcionadas ao pregador norte-americano Jimmy Swaggart, que já havia aparecido em um sample na canção THE SACRED LINAMENT OF JUDGEMENT, a artista se aprofunda nas temáticas religiosas do disco, exorcizando e processando as dúvidas e traumas do passado. 

Em faixas breves, e com instrumentação simples, não se trata de um trabalho propriamente musical, uma vez que Lingua Ignota/Kristin Hayter não chega a cantar de fato. Recitando seu texto, ela explora um diálogo entre linguagem e imagem e as mudanças de sentido que um texto adquire dependendo do meio. Sequer lançado em plataformas de streaming, EPISTOLARY GRIEVING FOR JIMMY SWAGGART é um pequeno projeto artístico inteiramente realizado por Hayter, de uma artista que vem fazendo de sua arte uma forma de processar seus traumas e de borrar as fronteiras entre o sagrado e o profano. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 1

Desde 2006, a dupla de dream pop intitulada Beach House, composta por Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores), conduz um cenário onírico, repleto de camadas expansivas e devaneios. A essência do duo parece ser a indução aos desejos indefiníveis, cujo flerte com o universo cinematográfico — ensaiado desde sua estreia e visível em seus shows à contraluz — ganha novas proporções com Once Twice Melody, EP com 4 canções lançado em 10 de novembro. O mini-disco é o primeiro capítulo do oitavo álbum da dupla, composto por quatro partes separadas.

No projeto, Beach House avança por caminhos mais surrealistas e psicodélicos, já apresentados no antecessor 7, de 2018. A abertura do disco fica a cargo da faixa-título, que soa como um teaser evocativo ao estilo música-de-viagem, e deixa bastante claro que nossos devaneios permanecem mesmo após uma viagem psicodélica, pois, ao término da canção, há uma sensação esquisita de esquecimento daquilo que acabamos de ouvir, e ficamos reféns de nossas próprias confusões mentais — talvez isso seja proposital, considerando as diversas camadas inseridas na faixa. Enquanto Superstar ilumina-se através de sintetizadores brilhantes, Pink Funeral dá o contraponto melancólico. Com o primeiro capítulo de Once Twice Melody, Beach House reafirma seu protagonismo na trilha sonora dos sonhos. – Bruno Andrade

K.Flay – Outside Voices

Do hip-hop do álbum Life as a Dog, ao alt-rock de Every Where Is Some Where, ao pop de Solutions, K.Flay vive passeando entre os gêneros musicais. Os EPs de Kristine Flaherty, nome real da artista, também seguem essa linha: ela experimenta diferentes sonoridades, mas sempre com pontos semelhantes entre eles, que não parecem reciclados quando a maior parte do que é apresentado é novo e diferente. Em seu mais recente lançamento, o EP Outside Voices, a musicista se distancia do estilo que a rendeu uma indicação a Melhor Música de Rock no Grammy 2018 e se volta ao alt-pop. 

Como a segunda parte de um projeto de dois EPs complementares, as cinco canções vêm cinco meses depois das cinco da primeira parte, Inside Voices. Diferente do pop punk de seu irmão, o gênero escolhido para Outside Voices não cai tão bem para a artista, mas, novamente, ressalta a sua habilidade de diversificar. E apesar das constantes mudanças, o caráter pessoal se mantém: em Nothing Can Kill Us, por exemplo, ela sofre pelo fim de um relacionamento romântico e por seu coração partido, enquanto em Maybe There’s a Way e Weirdo, pensa na própria identidade e inseguranças. Já em I’m Afraid of the Internet, volta um olhar crítico à internet e aos efeitos negativos da vida on-line e do capitalismo. Ao final, como a própria K.Flay afirma, Outsides Voices serve para refletir “o caos do mundo e dela mesma”. – Vitória Lopes Gomez

black midi – Live-Cade

Depois da enorme demonstração de talento vista em Cavalcade, a banda de rock experimental black midi volta para fechar 2021 com este EP que reúne 5 gravações ao vivo, realizadas no Soup Studios em Londres, o mesmo onde gravaram sua performance para a KEXP. O lançamento não chegou às plataformas de streaming no Brasil, mas veio acompanhado de vídeos mostrando 4 das performances registradas no EP.

John Hell faz jus ao seu novo nome, e é uma versão ainda mais veloz e insana do que a gravação original que abria Cavalcade. Chondromalacia Patella traz a mesma carga de energia, e Marlene Dietrich traz uma leveza bem-vinda após tanto caos. A surpresa fica por conta da serena Despair, que havia sido lançada apenas acompanhando o single de John L, e ganha aqui seu merecido espaço. – João Batista Signorelli

KAYTRANADA – Intimidated

KAYTRANADA é com certeza o epítome do bom ritmo. Batidas viciantes, arranjos dançantes e produção futurista são marcas registradas do universo musical do DJ haitiano-canadense, que reuniu três colaborações profícuas no primeiro lançamento desde BUBBA, álbum vencedor de um Grammy 2021 na categoria Melhor Álbum de Dance/Eletrônica. Intitulado Intimidated, no mais recente EP, o artista acentua impecavelmente as qualidades de cada vocalista convidado, ao mesmo tempo que conserva sua própria identidade versátil.

Aberto por Intimidated, a faixa-título conta com a participação ilustre de H.E.R., que desliza suavemente sobre o padrão de uma percussão compassada, apoiando-se por um house agradável que preenche a canção. Interrompendo a atmosfera anterior, Be Careful logo se inicia pelo pulsar de uma batida densa acompanhada do falsete sedoso de Thundercat. Por fim, encerrando a breve trilogia com chave de ouro, $payforhaiti combina os versos bilíngues do rapper haitiano Mach-Hommy, que ostenta sua ancestralidade com orgulho enquanto desliza sem esforços através do set enérgico de KAYTRANADA. – Ayra Mori

Músicas

Avril Lavigne – Bite Me

Avril Lavigne finalmente voltou às suas raízes pop punk. Com o single Bite Me, a artista dá o pontapé inicial na era de seu próximo álbum, que, como ela antecipou, será marcado pelo gênero musical. A canção vem depois do último álbum da cantora, o pop Head Above Water, de 2019, e foi produzida por MOD SUN, John Feldmann e Travis Barker, três nomes recorrentes e de peso na cena do punk. Inclusive, a parceria com Barker não é de agora e Bite Me é a estreia de Avril Lavigne na DTA Records, gravadora comandada pelo baterista da blink-182, com a qual ela assinou para a realização do seu sétimo álbum. Com participação do veterano na percussão, a sonoridade ‘quebra-tudo’, os vocais afiados, que cantam sobre não dar uma segunda chance a quem não merece, e os visuais rebeldes fazem do primeiro single de Avril um retorno e tanto. – Vitória Lopes Gomez

IZA – Sem Filtro

Para quem está de antenas em pé desde 2016, graças à nem sempre lembrada canção Quem Sabe Sou Eu, ver o sucesso de IZA hoje, e a notável evolução da artista em Sem Filtro, é uma explosão de alegria e orgulho. IZA é assim mesmo: merecedora de todas as hipérboles, crescendo dia após dia. E se a situação pandêmica tentou travar suas criações em um primeiro momento, a veia artística dessa mulher multiplamente incrível logo falou mais alto, para o bem geral da Música brasileira.

Sem Filtro, IZA não fica de fora da tão amada estética futurista e cyberpunk, há décadas recorrente na cultura pop. Assumindo uma narrativa que lembra um pouco Open Your Heart, de Madonna, a artista protagoniza, para este novo single, um videoclipe bastante sensual e totalmente mergulhado em liberdade. Dirigido por Felipe Sassi, o vídeo que ilustra a composição de Carol Marcilio, Luccas Carlos e Rafinha RSQ pode facilmente ser considerado um dos melhores lançamentos audiovisuais do ano – e é totalmente páreo para obras estrangeiras. – Eduardo Rota Hilário

Charli XCX, Christine and the Queens e Caroline Polachek – New Shapes

DJ, solta o batidão que a Charli chamou a Christine e a Caroline para mais uma música do caralho! O trio de Cs lança uma parceria gostosa de ouvir e de dançar, cantando sobre as novas formas de um amor já existente. Com a composição se moldando dentro do estilo de cada uma das intérpretes, a faixa apenas cresce. Charli abraça a persona de cantora pop fodona, Christine internaliza vocais poderosos e Caroline grita melancolia. Sem dúvidas, New Shapes merece espaço na lista de melhores de 2021. – Vitor Evangelista

A cantora britânica Foxes retornou em novembro com mais um single de seu aguardado terceiro álbum, The Kick. Assim como Sister Ray e Dance Magic, Sky Love mantém o ritmo dançante e o clima de festa-em-casa que parecem marcar a nova era da artista. Mais ainda do que em Glorious, seu primeiro disco, aqui ela parece se entregar de corpo e alma ao pop, nos dando mais uma faixa elétrica e reconfortante, com um refrão instantaneamente reconhecível que implora para ser sussurrado enquanto você a escuta. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Ana Gabriela – Não Me Chama de Sua

Ana Gabriela apagou todas as fotos de seu Instagram para anunciar seu novo single, Não Me Chama de Sua, o segundo da artista depois do seu último álbum. Enquanto o lançamento anterior, Capa de Revista, falava de um relacionamento de um jeito glamouroso e com letras bem pensadas, o recente é mais simples, mas soa como um grito entalado na garganta da cantora, que escreveu a faixa com mais outros três compositores. E ainda que repetitiva, a animação na voz da artista, o ritmo agitado e as batidas do violão, ao invés do dedilhado de sempre, contagiam. Não Me Chama de Sua, assim como o single anterior, ainda não foi anunciada como parte de um grande projeto, mas já indica que a nova fase de Ana Gabriela veio com uma guinada de energia. – Vitória Lopes Gomez

Josyara, Anná, Obinrin Trio e Sara Donato – Afetou-me

Precisamos agradecer imensamente ao Sonora Festival São Carlos. Para ser mais específico, devemos gratidão direta ao seu Laboratório Sonora. Com muito afeto, essa iniciativa reuniu uma equipe de responsabilidade e talento para criar Afetou-me: um single e seu respectivo videoclipe. Com música composta e cantada por Josyara, Obinrin Trio, Anná e Sara Donato, esta obra tem produção musical assinada por Luana Flores. E o resultado de “uma criação coletiva” tão diversa não poderia ser mais rico.

Curiosamente, esta não é a primeira vez que Anná e Luana Flores brilham em um mesmo Nota Musical. Em setembro, ambas receberam destaque por aqui, graças a dois lançamentos distintos. Agora, para a felicidade geral, elas estão juntinhas em uma mesma música. E a situação só melhora: se Afetou-me já é um deleite sonoro e poético, o clipe que esse single ganhou, dirigido por Joyce Prado, consegue ser múltiplo e repleto de liberdade criativa, podendo fascinar muita gente. – Eduardo Rota Hilário

ROSALÍA e The Weeknd – LA FAMA

A união de ROSALÍA e The Weeknd não tem erro. Depois do remix da bombada Blinding Lights, a dupla assina LA FAMA, canção que ostenta um luxuoso pop com referências à bachata em um conto sobre as seduções perigosas do sucesso. Segura e repleta de metáforas e mensagens, o maior triunfo da música é a lembrança das habilidades artísticas de ROSALÍA, que sempre se dedica a ricas narrativas sonoras e visuais. E é assim que a artista nos apresenta a primeira faixa oficial de seu tão esperado próximo álbum, responsável por suceder o magistral EL MAL QUERER (2018), que até então atende por MOTOMAMI e tem o lançamento planejado para 2022. – Raquel Dutra

FLETCHER e Hayley Kiyoko – Cherry

Duas artistas de destaque no cenário pop LGBTQIA+, FLETCHER e Hayley Kiyoko uniram seus talentos e vozes em Cherry, uma colaboração mais do que esperada. A estrela em ascensão e a “Lesbian Jesus”, como Kiyoko ficou conhecida, não têm medo de cantar sobre sexualidade e sobre amar mulheres e, depois de superarem o marketing da revelação, entregaram um single que não poderia ser diferente: divertido, sedutor e ousado, as duas brincam e flertam na canção, que teve sua data anunciada dois antes do lançamento. Em apenas dois minutos e meio, Cherry expressa a curiosidade de se tornar íntima de alguém em um ritmo dançante e animado que, como outros trabalhos das artistas, grudam na cabeça e dão vontade de dançar. – Vitória Lopes Gomez

Jade Baraldo – Believe (Acústico) 

Leandro Buenno não é o único ex-The Voice Brasil e membro do novo elenco de Cazas de Cazuza presente nesta edição do Nota Musical. Isso porque, além dele, uma de nossas brasas artísticas contemporâneas nacionais também esteve de single novo em novembro. Regravando, para tanto, o hit Believe, da cantora-deusa estadunidense Cher, Jade Baraldo ressignifica bastante a composição estrangeira, de autoria múltipla, dando identidade própria à música que está na trilha sonora da novela Quanto Mais Vida, Melhor!, recém-lançada pela TV Globo.   

Deixando de lado o Auto-Tune, marca registrada da gravação original, a cantora brasileira agora dá lugar à suavidade orgânica de um projeto acústico muito belo. E os elementos mais bonitos do single não se restringem à sua sonoridade, já que a capa da canção, foto escolhida por meio de uma votação no Instagram, é, no mínimo, maravilhosa. No fim, esse conjunto de sensibilidade e bom gosto faz com que o brilho de uma artista de qualidade, que já cantou ao lado de Chico César, seja irradiado em nível nacional. – Eduardo Rota Hilário

Black Country, New Road – Bread Song

Black Country, New Road, o septeto britânico que despontou no início deste ano com o magistral álbum For the first time, não conseguiu esperar um ano sequer para continuar a nos surpreender. O segundo single para o aguardado álbum Ants From Up There, que só será lançado ano que vem, foge do caos explosivo de Sunglasses, mas com a mesma carga emocional crescente provocadora de arrepios no corpo inteiro. Bread Song é a coisa mais sensível que o grupo já lançou até o momento.

Na primeira metade da música, não há qualquer tipo de tempo determinado por uma marcação de compasso. Movida por uma temporalidade subjetiva, que ainda assim de alguma forma conecta todos os membros da banda, a canção constrói expectativa conforme mais e mais instrumentos se juntam, até que a entrada do ritmo na metade da música é delicada, aliviando a tensão, mas mantendo a elevação crescente que parece nos ascender até o céu. Não parecem haver limites para a criatividade de Black Country, New Road, e não poderíamos estar mais agradecidos por isso. – João Batista Signorelli

Beyoncé – Be Alive (Original Song from the Motion Picture “King Richard”)

Enquanto o novo disco de Beyoncé não vem, a artista pode ser apreciada na trilha de King Richard: Criando Campeãs. No novo filme Reinaldo Marcus Greene, ela assina Be Alive, canção que embala poderosamente a história de Richard Williams, mais conhecido como o pai de Serena e Venus Williams, duas das melhores atletas da história e vetores de transformação profunda no mundo do Tênis. Você já deve saber o que esperar de uma das apostas para o Oscar de Melhor Canção Original de 2022: a junção de uma narrativa tão significativa com a perfeição de Beyoncé não poderia resultar em outra coisa além de uma beleza monumental. – Raquel Dutra

Leandro Buenno – Contra Corrente

Apresentações no Programa Raul Gil, destaque no The Voice Brasil 2014, um percurso como DJ e, mais recentemente, a experiência de ser um dos atores do musical Cazas de Cazuza. Se o histórico artístico de Leandro Buenno já é rico e vasto, tudo indica que ele tende a crescer cada vez mais. Seja pela habilidade vocal, pela liberdade com o público ou, mais provavelmente, pelo conjunto de qualidades que possui, Leandro pode alcançar lugares que ainda nem imaginamos. Mesmo que, para isso, ele tenha que nadar Contra Corrente algumas vezes.

Com composição autoral, o novo single de Buenno tem produção musical assinada pelo próprio artista, ao lado de Dinho Alves, e mostra um lado bastante experimental do cantor paulista. Trata-se de uma sonoridade que até apresenta algumas semelhanças com outras criações nacionais, a exemplo do Café Preto de Davi Sabbag. Mas é, sobretudo, uma obra que introduz algo novo em nosso cenário criativo, diferente daquilo que está no atual mainstream brasileiro. Um “strike a pose!” antropofagicamente reinventado. Ou quase isso. – Eduardo Rota Hilário  

Mitski – The Only Heartbreaker

Mitski é (ou melhor, continua sendo) o fogo e a floresta e a única testemunha do próprio incêndio. Com The Only Heartbreaker, a artista dá sequência a prévia de singles que integrará Laurel Hell, próximo álbum desde o primoroso Be The Cowboy, considerado um dos melhores de 2018. Previsto para fevereiro de 2022, o registro foi produzido pelo parceiro de longa data, Patrick Hyland, além de ser co-composto junto de Dan Wilson, vocalista da banda Semisonic que trabalhou com nomes potentes como Taylor Swift e Adele.

Se afastando da moderação comum de seu indie rock, Mitski conduz The Only Heartbreaker por uma instrumentação oitentista densa. Contudo, apesar do ritmo dançante, a melancolia ainda se faz amargamente presente. Tudo que é tocado por ela imediatamente se queima pelo fogo, num prenúncio infeliz do fim de um amor. E quando já não há mais ninguém ao seu lado, ela processa o sentimento angustiante de ser a única parte apaixonada de um relacionamento, aceitando a catástrofe, nem que isso signifique invocar deliberadamente a dor. Ela rebate, ela canta, ela grita. Ela aceita o título de destruidora de corações, restando nada mais do que dançar, dançar sobre as cinzas através do frenesi das batidas de um sintetizador à moda Take On Me. – Ayra Mori

TIAGO IORC – Masculinidade

Então, é isso: onde Tiago Iorc quer chegar? Após o segundo hiato da carreira, o cantor ressurge das cinzas com a canção Masculinidade, single que veio acompanhado de um clipe controverso, no qual o artista tenta desenvolver uma imersão em autoconhecimento. Ao longo de seus 6 minutos de duração, ouvimos Iorc recitar trechos nos quais levanta paradigmas sociais e problemas de gênero, acompanhado de batidas eletrônicas bastante destoantes da típica fórmula voz e violão de seus hits anteriores.

Mas a música, em si, não é boa. É como ouvir um diário cantado, no qual o artista evoca suas próprias memórias e arquétipos para confrontar problemas sociais profundos, como a misoginia e o machismo — basta enxergar o clipe, co-dirigido pelo próprio cantor, em que sua figura performa uma dança solitária, o alçando ao protagonismo de seus questionamentos sociais —, e reduzindo-os a estereótipos. É fato que se trata de uma canção pessoal, e, a bem da verdade, não há nenhuma novidade em apresentar uma visão particular sobre o todo, abarcando rachaduras sociais em sua composição. Esse geralmente é o ponto de partida de diversos artistas, principalmente no rap e no hip-hop.

Entretanto, a presença individual do cantor põe em voga uma representatividade, na qual Iorc fala por todos os outros — ou talvez tente dar voz a uma geração —, o que joga todo o clipe e música (lembre-se: ela se chama Masculinidade) em uma viagem egocêntrica cisheteronormativa. É também interessante destacar que essa é uma canção divergente do restante da carreira do músico, sendo algo totalmente fora do radar de qualquer fã do cantor — é só compará-la aos versos e melodias da ritmada Amei Te Ver, de 2015. Aparentemente, houve a tentativa de transmitir algo aqui, uma mensagem particular que fazia — e talvez fez — muito mais sentido na cabeça de Tiago Iorc, alguma coisa que forçou o musicista a deixar de lado aquilo que o levou às paradas de sucesso; porém, o resultado é um clichê polêmico e raso, insustentável sem qualquer mérito da canção. – Bruno Andrade

Romero Ferro e Lucy Alves – Essa Paixão

Expectativas foram superadas no novo single de Romero Ferro. Nessa parceria com Lucy Alves, a dupla de cantores nordestinos não só interpreta, como também assina a composição super passional de Essa Paixão. Abraçando o tema ligado ao coração, que é bem recorrente na linha do tempo da Música nacional, Romero e Lucy dão vida e brilho a um som brasileiríssimo, que mistura, por exemplo, o pop tropical com forró e piseiro. Nessa combinação genuína de vozes e personalidades, tudo é, então, pura química, e nada soa forçado.        

O clipe da canção, por sua vez, é um deslumbramento à parte. Dirigido pelo próprio Romero Ferro, em conjunto com Marionaldo Júnior, que já trabalhou com o cantor em Pra Te Conquistar, o lado visual de Essa Paixão busca estabelecer diálogos com a obra de Pedro Almodóvar, ao mesmo tempo em que entrega figurinos apaixonantes. Indo além, trata-se de uma criação com combinações visuais radiantes, extremamente prazerosas  do ponto de vista estético – e que podem facilmente atrair os mais diferentes públicos. – Eduardo Rota Hilário

FKA twigs e Central Cee – Measure of a Man

Trajando-se da narrativa de uma Maria de Madalena emancipada, há dois anos FKA twigs atestou sua genialidade pop experimental com MAGDALENE, um dos melhores discos de 2019. A cantora, compositora e produtora britânica é tudo, menos comum. Seus registros são carregados por uma teatralidade autoral excepcionalmente enigmática. São sintetizadores eletrônicos acompanhados pela voz angelical de twigs, que dão luz a um som verdadeiramente divino. Com Measure of a Man, contudo, ela desce dos céus pelo pole, pousando lascivamente sobre a terra.

Composto especialmente para a franquia do filme King’s Man: A Origem (2021), o último single conta com a participação do rapper londrino Central Cee, indo de desencontro com a proposta sonora do álbum passado da cantora – o que não significa que seja algo negativo, apenas diferente. A faixa é construída por batidas trap que pincelam a base de uma orquestra épica digna de um filme de James Bond, agraciados pela sensualidade registrada dos vocais twignianos, que canta como se dançasse armada de sua katana afiada, o que ela faz. – Ayra Mori

Gloria Groove – LEILÃO

É fato que Gloria Groove está no melhor momento de sua carreira. Em outubro, a drag foi parar na parada global da Billboard com A QUEDA, e agora, em novembro, ela ficou em alta nas redes sociais e plataformas musicais com LEILÃO. Seguindo a proposta artística maximalista desta nova era inaugurada com BONEKINHA, a música reside no pop estrondoso de Groove e é acompanhada das narrativas super produzidas, que agora ainda brilha sua habilidade lírica influenciada pelo hip-hop. O lançamento é o terceiro single do vindouro disco Lady Leste, que promete arrematar essa onda de sucessos em breve, criando expectativas cada vez mais altas. – Raquel Dutra

Márcia Tauil – Quem Disse Que Não

Márcia Tauil assume um eu lírico completamente apaixonado em seu novo single, Quem Disse Que Não. Nessa composição de Geraldo Brito e Cliff Villar, até mesmo as imperfeições da pessoa amada são encaradas com fascínio pela figura que narra toda a música. E o trabalho de “uma turma da pesada”, com músicos indicados a ou vencedores de edições passadas do Grammy Latino, dá o suporte perfeito para uma letra que é pura poesia, merecedora das audições mais cautelosas e atentas.   

Não foi por acaso que, em 2013, a cidade de Mococa criou o Troféu Márcia Tauil, em homenagem à cantora. Natural de Guaxupé, município do interior de Minas Gerais, Márcia provoca nos ouvintes um encanto digno de verdadeiras lendas, como uma Marisa Monte, ou uma Gal Costa. E para acompanhar uma voz tão bela, ideal para o deleite poético que é Quem Disse Que Não, nada melhor do que um videoclipe suave, que torna todo esse universo ainda mais belo. – Eduardo Rota Hilário

Post Malone e The Weeknd – One Right Now

One Right Now é uma junção do mais pop possível que Post Malone e The Weeknd conseguem se atrever a ser. Se esperávamos que a parceria inédita entre esses dois artistas de peso na Música viria com um single sombrio e complexo, a surpresa é que ele parece ter vindo direto de MONTERO. O clipe não largou a pegada badass dos dois – principalmente porque eles dão tiros um no outro enquanto disputam quem sofre mais por amor. E o resultado não é ruim, pelo contrário, é diferente, muito bom, e até cômico por mostrar mais uma de suas facetas artísticas.

Post Malone sempre flertou com gêneros variados, mas os hits Sunflower e Saint-Tropez que mostram o seu pop parecem brincadeira perto de One Right Now. Isso vale também para The Weeknd, que mesmo já fazendo parte do gênero, gosta de resgatar os anos 80 e 90 para intensificar o que produz. A parceria entre ambos foi inesperada, mas é justamente na letra que eles se unem, resgatando o sofrimento melancólico para falar de um amor tóxico. E isso, combinado em uma melodia animada, resultou em ambos cantarolando que suas amadas provavelmente irão transar com todos os seus amigos. – Nathália Mendes

Zezé Motta e César Lacerda – Desprotegidos Pela Sorte

Seria totalmente injusto escrever poucos parágrafos para uma música da dimensão de Desprotegidos Pela Sorte. Pelo peso e responsabilidade que carrega, pelas mensagens que emite e pela complexidade que encarna, não é de se espantar que esse single tenha passado por um processo de gravação no mínimo delicado. É por tudo isso, inclusive, que o melhor caminho para este texto será reportar detalhes comuns, deixando os infinitos desdobramentos provenientes da obra em questão a cargo de quem já diz tudo sozinha: a própria música.

Com certeza, é muita sorte poder ver Zezé Motta além das telas, dividindo uma mistura de hip-hop e pop com César Lacerda. Composta por Ronaldo Bastos, Leo Pereda e o próprio César, Desprotegidos Pela Sorte é uma canção sobretudo política. Humana do início ao fim, porque é altruísta, lúcida em suas denúncias, mas também esperançosa. E, por estar repleta de acertos, talvez passe despercebido seu único descuido: utilizar a cegueira como metáfora para algo a ser combatido, numa espécie de vício que perpetuamos ao longo dos anos. Fora isso, trata-se de uma obra que pode ecoar por muito tempo em nossa História. – Eduardo Rota Hilário

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

“Como posso enxergar a morte somente de maneira negativa quando alguém que eu amo está morto?”, revelou Jenny Hollingworth ao lado de Rosa Walton, amiga de infância e parceira de banda, a respeito de Two Ribbons, faixa-título do terceiro álbum de Let’s Eat Grandma, previsto para abril de 2022. E se no passado a prodigiosa dupla britânica explorou texturas caleidoscópicas de um synth-pop policromático, dessa vez, as cores são ausentes. Caminhamos pelos tons acinzentados que permeiam o preto e o branco do luto e dos desfechos em geral.

Segundo Hollingworth, a faixa é uma carta às duas pessoas mais próximas de sua vida: Walton, a amiga, e Billy Clayton, namorado que faleceu precocemente devido ao agravamento de um câncer raro nos ossos. Assim, o ritmo de Two Ribbons é ameno, reduzido à guitarra acústica melancólica que preenche os versos confessionais de alguém que encara o sentimento de impotência à vista da morte, à vista da dissolução gradual de uma amizade que não faz mais sentido. Sua voz soa cansada. Como se finalmente entendesse que certas coisas devem chegar ao fim, lado a lado, ambas assistem a chuva levar embora as dores, aceitando-as de coração apertado. – Ayra Mori

Pabllo Vittar e Rennan da Penha – Number One

Grande parte da internet tem sido injusta com Pabllo Vittar e Rennan da Penha. Number One pode até não ser a melhor música da carreira de Vittar, mas isso não justifica a nítida falta de bom senso no descontentamento do público. Até mesmo alguns fãs ignoram que o novo single é inovador para a discografia da cantora – descaso que, na verdade, não surpreende muito. É sempre assim: toda vez que Pabllo tenta romper com um modelo musical específico, principalmente com os mais queridos por seus ouvintes, a única conduta que falta é crucificarem a artista e seus parceiros.

Musicalmente, Number One transforma-se o tempo todo – e esse é o grande atrativo da canção assinada por várias mãos. Com traços de K-pop, funk, trap e afro house, o novo single de Vittar e da Penha adquire uma maior relevância em seu videoclipe, dirigido por ninguém menos que João Monteiro, parceiro de longa data da drag queen. Em um aspecto mais amplo, Number One celebra antecipadamente os cinco anos de sucesso de uma carreira alavancada pelo álbum Vai Passar Mal. E não se trata do primeiro contato entre os dois artistas, já que MODO TURBO veio ao mundo em 2020. – Eduardo Rota Hilário

Travis Scott – ESCAPE PLAN / MAFIA

Uma das primeiras vezes que Travis Scott mostrou ESCAPE PLAN ao mundo foi durante o fashion show da sua collab com Kim Jones, a Cactus Jack, para a Dior. Isso aconteceu antes das polêmicas sobre seus shows se intensificarem e implodirem em pura tragédia, por isso, naquele momento o single marcava o momento épico da participação integral do rapper em uma coleção tão importante. No entanto, o lançamento oficial da música junto com MAFIA aconteceu justamente um dia antes da monstruosa aglomeração do público no show ASTROWORLD em 5 de novembro resultar em 10 mortes, e ele nada ter feito para interromper.

A dúvida paira sobre seu histórico de encorajar a violência em shows, e a referência “Estou tentando não voltar no meu caminho, não consigo reverter” em ESCAPE PLAN parece falar do caos que ele mesmo causou. Ela e MAFIA são amostras de sua próxima mixtape, Distopia, e desde já imaginamos se ela será marcada por versos agressivos. Ambas falam sobre até onde o dinheiro nos leva e o que somos capazes de fazer para alcançá-lo. Sexo e a ânsia pelo topo também aparecem, mas perdendo as amarras da influência de Kanye West. Em resumo, o futuro de Travis é incerto, pois entre a sua evolução musical, qualquer lançamento se torna indigesto depois dessa tragédia tão séria. – Nathália Mendes

Christina Aguilera – Somos Nada

Enquanto figura pública, a imagem de Christina Aguilera anda frágil depois de ter se recusado a dizer algumas palavras sobre o fim da tutela de Britney Spears. Decepcionar a Princesa do Pop e reacender desentendimentos de longa data foram, nesse contexto, dois deslizes caros para a carreira de Aguilera. Por outro lado, a cantora continua artisticamente incrível. Isso é explícito na balada Somos Nada, que entrega uma letra de boa qualidade, assinada por Federico Vindver, Mario Domm, Sharlene Taule e a própria Christina Aguilera, além de belos vocais – embora a sonoridade de alguns versos, como “Y ahogándome en silencio”, cause estranhamento.

O videoclipe da canção, por sua vez, é bem simples, mas também muito bonito. Dirigido por Alexandre Moore, o lado visual de Somos Nada carrega, principalmente em seu desfecho, uma narrativa consideravelmente dramática. E esta, aliás, não é a primeira vez que Christina Aguilera canta em Espanhol. Em 2000, por exemplo, a cantora lançou Mi Reflejo, álbum construído inteiramente na referida língua. Agora, passados os primeiros lançamentos de uma nova era, que já marcaram presença até mesmo no Grammy Latino 2021, resta aguardar o que Christina ainda tem a nos oferecer – e o que ela fará com suas mais recentes polêmicas. – Eduardo Rota Hilário

Lagum e Emicida – DESCOBRIDOR

“Deixa ir, tudo bem/Não teria graça se soubesse onde ia dar”. Em DESCOBRIDOR, novo single da Lagum, a banda mineira se junta a Emicida para aproveitar as memórias ainda por vir. A música é a quinta faixa do terceiro álbum do grupo a ser disponibilizada e teve o clipe lançado poucas horas depois. Com a calma e relaxada nova canção, que prioriza o violão a guitarra ora ritmada, ora agitada da Lagum, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) ganha mais um single positivo e reforça a diversidade de temas e sonoridades do próximo projeto. E como reforça a Emicida, que se juntou a DESCOBRIDOR depois da canção estar finalizada, esta “é sobre as possibilidades que podem surgir de um encontro, partindo de uma tela em branco e, juntos, poder criar novas paisagens, memórias e histórias”. – Vitória Lopes Gomez

DJ Batata, Tati Quebra Barraco e Bárbara Labres – É Por Isso Que Sofre

Após participar do reality show A Fazenda 13, a cantora Tati Quebra Barraco resolveu dar continuidade à sua carreira musical com o single É Por Isso Que Sofre. Com produção de DJ Batata, e composição assinada pelos três intérpretes da canção, o lançamento da funkeira carioca provavelmente será lembrado pelos versos chicletes “Homem é pra sentar/Vocês Querem Amar”. E, em uma perspectiva temporal, É Por Isso Que Sofre sucede os lançamentos Desce o Tom! e Dançar, além da chegada recente às plataformas digitais do álbum Boladona, de 2004.        

Em relação ao videoclipe da nova música, os grandes destaques são, sem dúvida, o look original da marca Versace, utilizado anteriormente, e mais de uma vez, pela cantora estadunidense Lady Gaga, além de algumas participações especiais, como é o caso de Jojo Todynho. De modo geral, trata-se de um vídeo que, embora tenha uma abertura peculiar, dá alguma dimensão extra à canção relativamente breve, colocando o DJ Batata e Bárbara Labres, as duas parcerias do single, também em evidência. – Eduardo Rota Hilário

MØ – Brad Pitt e Goosebumps

Para MØ, o agora é um novo capítulo. Retornando das aventuras inconsistentes de Forever Neverland (2018), a dinamarquesa lançou mais dois novos singles inéditos que dão sequência às previsões de Motordrome, seu quarto álbum de estúdio, previsto para janeiro de 2022. O título é inspirado no truque de dødstrome – a volta perfeita em 360º dentro de um globo da morte –, uma analogia à luta da artista contra as oscilações da ansiedade: “Representa uma enorme mudança em minha vida. […] Uma era da minha vida chegou ao fim e estou adentrando uma nova. Isso é assustador, mas também é libertador.”

Brad Pitt é um hino romântico anti-Shania Twain. E se a fama não foi o bastante para impressionar a cantora country-pop canadense, para MØ, com ou sem popularidade, o amante é suficiente para ser o Brad Pitt de sua Julieta. “Você não precisa nascer sob o sucesso para fazer o sangue bombear por debaixo do meu vestido de verão”, ela canta de peito aberto, cercada por um rock sintético cintilantemente caloroso. Enquanto isso, Goosebumps recorre à melodia acústica do piano para relembrar as emoções do passado, ansiando-as. A voz rouca de MØ reafirma memórias passadas, mas a artista está sempre olhando para frente. – Ayra Mori

Clipes

Sandra Pêra e Ney Matogrosso – Velha Roupa Colorida

É hora de vasculhar o armário e resgatar aquela nossa Velha Roupa Colorida. Não importa se ficamos frenéticos ou não com a ideia de regravar os clássicos. O que interessa é que Sandra Pêra e Ney Matogrosso, já pelos nomes que carregam, dão relevância a qualquer tipo de lançamento. E neste videoclipe minimalista, com fundo quase sempre branco, a história não é diferente. Focado nos dois intérpretes, Velha Roupa Colorida obviamente destaca figurinos, sem deixar de lado o brilho da interação espontânea entre cantores, ou entre artista e câmera.

Belchior parece estar cada vez mais em alta, e, embora seja difícil superar Elis Regina na interpretação das músicas do artista cearense, é importante dar novos ares ao que já é imortal. Nesse sentido, e com certa leveza arriscada, Sandra Pêra se aventurou deliciosamente ao lado de Ney. Reservando um fragmento de Sandra Pêra Em Belchior para o ex-Secos & Molhados, a atriz e ex-integrante do grupo As Frenéticas garante holofotes para um trabalho que, grandioso ou não, terá espaço no acervo audiovisual da Música brasileira. – Eduardo Rota Hilário

Jão – Santo (Ao Vivo)

Desde o anúncio de seu terceiro álbum, o badalado PIRATA, Jão não tirou um dia de folga. Teve audição exclusiva para os fãs, clipe super produzido, performance ao vivo, turnê anunciada e esgotada em um dia, live no TikTok… e mais uma performance ao vivo. O cantor e compositor escolheu duas das melhores canções de seu mais recente projeto para gravar a apresentação e, depois de Idiota (Ao Vivo), disponibilizou de surpresa Santo (Ao Vivo). Assim como na anterior, o jogo de câmeras dinâmico captura a performance animada de Jão, que, à frente da banda completa, dá uma palhinha do que pode fazer no palco. – Vitória Lopes Gomez

Bemti e Fernanda Takai – Quando o Sol Sumir

A nostalgia do universo infantil e a diversão de um dinossauro com um astronauta são o prelúdio do fim do mundo no novo videoclipe de Bemti. Nesse sentido, o lado audiovisual de Quando o Sol Sumir dialoga muito bem com os versos que o cantor mineiro compôs na companhia de Roberta Campos. Afinal, o término do dia logo se transforma também em cenário apocalíptico, e o aproveitamento da vida – e seus amores – é uma das saídas possíveis, tanto na letra quanto no clipe deste destacado fragmento do sensibilíssimo álbum Logo Ali.     

Com formação em Audiovisual pela USP, Bemti assina roteiro e montagem do vídeo dirigido por Kleber Bassa e Thálita Motta. Já Fernanda Takai, voz que divide a canção com o artista, e também a responsável pela utilização de um dinossauro inflável na obra, é peça fundamental para a concretização de possíveis surpresas. Sem dúvida, mesmo que a ideia original do videoclipe não tenha nascido, a adaptação para o mundo real do que seria antes uma animação mostrou-se, desde o início, um delicado respiro nesta realidade às avessas – e mais um sinal do talento indiscutível de Bemti. – Eduardo Rota Hilário

Lorde – Fallen Fruit

O poder do Sol continua influenciando a Arte de Lorde. Além de presentear as plataformas digitais com as faixas extras do terceiro disco esse mês, a cantora ainda lançou o clipe do mais novo single do projeto: Fallen Fruit. Dessa vez, os lados sagrado e místico da praia, visitados em Solar Power e Mood Ring, dão lugar para um campo de guerra, em chamas, desolado.

Lorde não perde tempo. No vídeo, ela xispa de lá o mais rápido que pode, no que parece ser o mesmo veículo que a transportava pela cidade iluminada de Green Light. A letra, que se inspira no Fruto Proibido e segue na linha enigmática e extraterrestre do álbum, reflete a posição de Lorde frente ao mundo devastado em que vivemos. – Vitor Evangelista

Em homenagem aos cinco anos de lançamento de Starboy, um dos discos fundamentais na carreira do canadense The Weeknd, a canção Die For You — presente também no compilado The Highlights, que contém apenas os grandes sucessos do artista — ganhou um clipe super-produzido, trazendo referências a Stranger Things, que também completou 5 anos em 2021. 

No clipe, vemos um garoto — espécie de The Weeknd jovem — dotado de poderes telecinéticos, fugindo de oficiais do governo e refugiando-se na casa de uma família suburbana, na qual encontra uma jovem garota. Esnobado no Grammy Awards deste ano, em que denunciou o racismo e corrupção dos votantes do prêmio, The Weeknd segue a todo vapor, consolidando seu nome na lista dos titãs da Música Pop. – Bruno Andrade

Marina Sena – Por Supuesto

2021 foi o ano de Marina Sena, não há o que dizer. Revelação do ano, a mineira subiu ao pódio ao conquistar o primeiro lugar no Top Viral Global do Spotify, ultrapassando 20 milhões de cliques com Por Supuesto, single do aclamado álbum De Primeira, que ganhou videoclipe no mês de novembro. E se a estreia triunfal da carreira solo de Sena não foi suficiente para conquistar os corpos mais frígidos, o flerte cinematográfico prova, mais uma vez, a artista completa por trás de um dos maiores álbuns nacionais do ano.

“Hoje eu olhei pra você/E vi à beça/O gozo, a ginga, a luz/O som, a festa”, canta Sena enquanto desfila pelo groove suave de uma guitarra elétrica como noiva abandonada no altar. A cena é um Brasil tropical, um salão vazio, um tempo desconhecido. Vestida de rendas espalhafatosas, destruindo um bolo de aniversário coberto por glacê colorido, típico das festas oitentistas, ou, ainda, cercada por arranjos florais datados, a noção cronológica dos fatos é deturpada: ela cria o próprio universo sensual. 

O videoclipe conta com a direção de Vito Soares, direção criativa responsável por Marcelo Jarosz, figurino por Leandro Porto e maquiagem por Sasa Ferreira. Assim, a cantora reúne acertadamente uma equipe que confere sua identidade autoral como artista singular. Entre gingados sedutores e olhares maliciosos – referenciando o filme dirigido por Sam Mendes, Beleza Americana (1999) –, Sena finaliza excepcionalmente sua performance, caindo esplendidamente sobre um mar de rosas, como num sonho feliz. – Ayra Mori

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Carlos Botelho

“Parece que o mundo é dividido em dois tipos diferentes de pessoas, as que já experimentaram a dor e as que ainda vão experimentar.” Não conheceria uma maneira mais acertada de começar a falar de Michelle Zauner e seu Japanese Breakfast que não fosse através desse trecho de seu livro de memórias, Crying in H Mart: A Memoir (Knopf Publishing Group, 2021), que virou verso da canção Posing In Bondage, de seu último álbum de estúdio, Jubilee. Michelle teve sua vida adulta marcada pela tragédia pessoal que foi perder a mãe por um câncer, e a dor desse trauma reverberou em todo o catálogo de seu projeto musical, o Japanese Breakfast.

Apesar do luto ainda ser um tema importante em seu processo de criação, Zauner optou por buscar novas perspectivas para o seu terceiro registro de inéditas. A própria artista considera esse estágio da carreira como um momento decisivo de amadurecimento, citando em entrevistas referências como a obra-prima Homogenic, de Björk, Summerteeth, do Wilco e Teen Dream, do Beach House. O resultado dessa progressão artística de Jubilee é um disco mais pop, caloroso e com maior variedade lírica e sonora.

O álbum já se abre com a instigante Paprika, faixa que ganhou esse nome por incorporar instrumentais típicos de bandas marciais, que trouxeram à artista a lembrança da trilha sonora do filme de ficção científica japonesa de mesmo nome. A canção nasceu de uma viagem a Poconos regada a cogumelos e Kate Bush. O tom surrealista da letra é inspirado na própria Kate, que serviu para Michelle como um exemplo de caminho menos óbvio para sua transição a uma sonoridade mais pop em Jubilee.

Seguindo a tracklist, nos deparamos com um rosto familiar, a já conhecida Be Sweet, primeira amostra do disco antes de seu lançamento. Oitentista e contagiante, a faixa tem uma história curiosa, visto que emergiu de um desencontro de Zauner em uma sessão de gravação com Jack Tatum, do Wild Nothing. Após os dois descobrirem já dentro do estúdio que ninguém ali estava interessado em trabalhar no próprio repertório, decidiram então por escrever uma música pop que pudessem vender depois. O resultado foi uma canção açucarada que casou perfeitamente com os vocais carismáticos da frontwoman do Japanese Breakfast.

Duas faixas que se destacam por um denominador comum em Jubilee são Kokomo, IN e Savage Good Boy, pois ambas composições que partem de outra perspectiva que não a pessoal da cantora. Enquanto na primeira temos o ponto de vista agridoce de um jovem garoto cuja namorada está se ausentando para um intercâmbio, na segunda ela encarna uma persona oposta, um homem rico de ambição desenfreada. Experimentações líricas mostram um acerto dentro de um registro que busca novos ares. 

Todavia, a já familiar exploração da dor pessoal enquanto manifestação artística genuína é evidenciada na balada Tactics. A canção embalada por belíssimos arranjos de cordas fala sobre se afastar definitivamente de uma relação que não é saudável, no caso da artista com seu pai. Ela descreve a atual situação dos dois como uma segunda morte em sua vida, uma orfandade escolhida. Seguindo a temática recorrente do luto presente em Jubilee, In Hell trata do delicado momento em que Zauner teve que sacrificar o seu cachorro infância. “O inferno é encontrar alguém para amar e eu não posso te ver de novo”, ela afirma na música com retrogosto amargo e propriedade que só alguém íntimo do ato de perder consegue alcançar.

Descrever todas as nuances de Michelle Zauner e sua obra Jubilee não cabe em uma simples crítica musical. Também não cabe em seu livro que trata de toda a relação de conflitos geracionais e culturais com a mãe e com a experiência de perdê-la. Certamente não caberá no filme que está será adaptado do livro e terá trilha sonora assinada pela autora. O que cabe é apreciar uma carreira em pleno funcionamento, onde cada novo aprendizado trazido pela dor é compartilhado com o público na forma de um trabalho artístico detalhado e sincero.

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Gabriel Brito de Souza

A dona da voz suave e encantadora que nos acompanha em MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE é Aurora Aksnes, mais conhecida apenas por AURORA. A cantora, compositora e produtora norueguesa, iniciou sua carreira em 2012 com seu primeiro single Puppet, mas foi em 2015 que realmente estreou na indústria musical com Runaway, alcançando um milhão de streams no Spotify do Reino Unido, e Runaway with The Wolves, que após seu lançamento disparou nas rádios locais, recebendo atenção principalmente pela BBC Radio. Agora em seu atual projeto, AURORA está complementando sua discografia com o mais novo EP de compilados de sua trajetória.

Após seus primeiros singles emplacados, a cantora chegou a participar de grandes festivais musicais como Lollapalooza e Coachella. Além de já ter lançado três álbuns gravados em estúdio e que foram bem recebidos pelas críticas dentro do gênero indie, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), quais os dois últimos fazem parte de um mesmo projeto, mas que foram divididos em títulos diferentes. Fora esses grandes feitos, AURORA conta ainda em sua carreira com seis prêmios e participações em trilhas sonoras, como para a novela brasileira Deus Salve o Rei em 2018, com o cover da música tema Scarborough Fair, e em Frozen II, onde cantou junto com Idina Menzel a faixa Into The Unknown.

Em 2020, a cantora lançou o single Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção. Porém, em meio aos processos criativos para seu próximo disco, com previsão para lançamento em 2021, a artista está trazendo ao seu público um novo projeto que conta com EPs temáticos organizados pela mesma. Segundo AURORA, o compilado de suas produções estão seguindo um vínculo que há entre elas, são como músicas irmãs, que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O EP MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE é a primeira coleção feita por AURORA e descrita em live como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. O primeiro single, Soulless Creatures, é uma das músicas favoritas da cantora, onde retrata a mãe Terra pedindo para a humanidade a chance de prosperar novamente após tanta exploração, o que a cada batida nos faz sentir sua súplica ficar mais intensa e tocante. A próxima canção, In Bottles, é uma continuação da história contada em In Boxes, que relata a vivência incompreendida de uma mulher solitária em busca de companhia, questionando sobre a tristeza e a solidão que há em nós.

A faixa seguinte, Soft Universe, discute sobre as dores de viver nesse mundo, mas que com o amor podem ter seus pesos sobre nós aliviados, transformando-se em um universo suave e adorável. Já em The Seed, AURORA nos alerta em uma melodia forte e agressiva sobre a ganância do homem e de como a Terra está morrendo a cada dia mais, impactando com o refrão que faz referência ao provérbio indígena: “quando a última árvore for cortada, o último peixe pescado, o último rio envenenado, só então perceberemos que não se pode comer dinheiro”. Ainda em tom de crítica, o single Churchyard fala sobre alguém poderoso que usou seu poder de forma errada fazendo mal às pessoas, mas que assim como todos nós em vida, no final terá que lidar com o karma de suas ações, nos lembrando que o mal é um péssimo caminho a ser seguido.

Para finalizar esse compilado, a faixa All is Soft Inside é um depoimento pessoal da cantora, onde descreve um momento da vida em que se sentiu indefesa, mas que, com apoio e ajuda, as barreiras do medo foram quebradas revelando seu  verdadeiro interior e entendendo sua vulnerabilidade. Essa música, em principal, é uma das características que ela sempre buscou trazer para seu público, pois pensamos que as pessoas que admiramos são sempre fortes, mas às vezes nos esquecemos que elas também são humanas e tem suas dores. Ao longo deste projeto de EPs, AURORA expande ainda mais a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando que cada música tem para si um significado pessoal e que nos auxiliará como guia para a luz e o amor.

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Ettory Jacob

Desde sua primeira apresentação na televisão aberta estadunidense no programa The Voice, Melanie Adele Martinez ganhou fãs e espaço na comunidade indie. Performando  a música Toxic de Britney Spears com um ritmo mais lento, a jovem de 17 anos mostrou-se uma futura aposta para o sucessos (apesar de ter sido eliminada do programa logo nas primeiras fases). Hoje, oito anos depois, a artista já conta com dois álbuns extremamente bem avaliados pela crítica e público e agora com o lançamento do novo EP After School traz mais histórias.

Depois do sucesso de Cry Baby, a artista se dedicou ao seu primeiro álbum visual, o K-12, contando logo em seu lançamento com um filme composto por todas as músicas performadas, além de uma canção extra durante os créditos finais. Entre o período do lançamento de seu novo EP e seu álbum anterior, a cantora lançou mais dois novos singles: Fire Drill e Copy Cat, que respectivamente foram a faixa extra no filme de lançamento do K-12 e uma parceria com a rapper Tierra Whack. 

Assim, After School vem com a narrativa de continuação do álbum da cantora, mantendo sua sonoridade e estética. O disco possui sete faixas totalmente novas, circulando em assuntos da vida de um jovem-adulto, como relacionamentos, pressão familiar e vida sexual.

O EP começa com a faixa Notebook, que com uma sonoridade linear apresenta a mensagem de um relacionamento onde uma das partes é pouco cuidadosa. A música, apesar de curta, é extremamente divertida e uma das mais chicletes de todo o trabalho. Em seguida, Melanie aborda flertes e demonstrações de interesse através de metáforas em Test Me. A canção acaba por não prender muito e parece pouco profunda por sua pequena duração, já que a cantora é conhecida por músicas com mais de quatro minutos.

Brain & Heart continua o EP e trabalha com a temática de não separar emoções e razão, tornando-se um alguém extremamente frio e calculista ou emocional e manipulável. Assim, a música explica a importância do trabalho em conjunto de cérebro e coração na vida adulta, e com uma sonoridade mais próxima do álbum K-12. O single se aproxima de uma balada calma e fofa, mas que transmite uma importante mensagem. 

Chegando a metade do disco temos Numbers, a música mais complexa e profunda de todo o EP. Abordando pressão familiar, cobrança por sucesso financeiro e abandonar sonhos por bens materiais, a faixa conta com quase cinco minutos em um estilo trap-rap, sobrepondo palavras, aparentando a falta de ar que sofremos com todas as cobranças diárias. No meio para o final, Melanie chega trocando o ritmo e adicionando distorções na própria voz, tornando-a macabra. Assim, Numbers é a faixa mais crítica do EP, e provavelmente uma das favoritas de muitos.

Em seguida temos Glued abordando a imaginação e o escapismo do mundo real, onde muitas vezes acaba por nos deprimir. Melanie conta que, mesmo com as dores da vida, é importante nos libertar dessa cola que nos prende na imaginação. Com uma sonoridade condizente com as demais faixas do disco, a canção é uma excelente mensagem para dias que tentamos fugir dos problemas do mundo, nos relembrando a importância de enfrentá-los. 

Field Trip é a penúltima faixa de After School. A música dançante conta uma história sobre brigas em uma relação tóxica. Apesar de interessante, a canção acaba por ser apagada pelas demais por trazerem mais ideias e contarem com uma sonoridade mais atraente. Finalizando o EP, The Bakery é a única faixa até o momento trabalhada com clipe. Criticando a indústria da música e a padronização dos artistas, é um encerramento ótimo, tanto pela sonoridade agradável quanto pela crítica. O clipe aposta numa estética fofa e obscura, típica da cantora, e mostra toda a evolução e amadurecimento da artista.

After School peca apenas pela sua pouca originalidade. O EP encontra-se muito próximo sonora e esteticamente do último álbum, aparentando ser o lado B do disco, tanto que vem sendo distribuído nos serviços de streaming na versão deluxe de K-12. Mas mesmo assim, Melanie Martinez traz ao mundo mais um excelente trabalho. Com certeza menos comercial que seus últimos dois álbuns, mas com uma série de críticas à sociedade e relatos sobre a vida adulta.

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Jamily Rigonatto 

Em agosto de 2015, Melanie Adele Martinez lançou seu primeiro grande trabalho de estúdio. O álbum indie pop Cry Baby é um conjunto de treze faixas principais que contam a trágica história da personagem de mesmo nome a partir de um ponto de vista lúdico e assustador. Recheado de críticas sociais e metáforas, o álbum é um conto sobre negligência e abandono afetivo.

Apresentada com uma personalidade doce, sentimental e inocente, Melanie é como o próprio nome diz: um bebê chorão. As músicas são interligadas e passeiam pelas experiências e traumas da personagem, que se iniciam na falta de estrutura que ela enfrenta dentro de casa. Refletindo sobre os problemas e comportamentos da família, ela encara e critica a chamada ‘sociedade de plástico’, que imersa em aparências, atua enquanto rui.

Nesse cenário, Cry Baby assiste a mãe assassinando o pai e lida  com os pedaços de uma família cada vez mais suja e desestruturada. A carência e a necessidade de ter alguém se importando – ou pelo menos fingindo que se importa -, fazem com que ela se entregue a relacionamentos vazios e sem reciprocidade.  Estes que, depois de um tempo, voltam a fazer com que ela se sinta sozinha e insuficiente.  A construção dos clipes, a mudança na paleta de cores e os elementos sonoros como gritos e choros nos fazem sentir cada vez mais próximos da história e de sentir toda a dor e o vazio que ela sente.

Sequestro, abuso, assassinato e mais tentativas de implorar por amor são parte da temática que rodeia o enredo, e enfim a padronização estética volta a ser abordada em Mrs. Potato Head, que gosto classificar como a melhor música do albúm. Criticando a ditadura da beleza, o clipe e a música abordam os extremos de sacrificar singularidades e saúde em prol de corpo e rosto perfeitos. Reprovando uma sociedade que não aceita defeitos e fragilidade, a obra sintetiza e critica os valores deturpados que a sustentam. Ela também expõe de forma explícita esse sistema, que grita que o importante é ser de plástico, porque “Ninguém irá te amar se você não for atraente”. 

Depois de tanta exposição ao sofrimento, o que resta em Baby é um psicológico quebrado que, em referência a obra ‘Alice no País das Maravilhas’, de Lewis Carroll, a leva à loucura. E como um desfecho perfeito, as batidas firmes e ritmo agitado transmitem toda a euforia e carga de sentimentos para quem escuta Mad Hatter, a última faixa da versão padrão, ou standart, de Cry Baby.

Na versão deluxe, mais três canções são adicionadas e esse é um dos pontos fracos da obra. Cake, Teddy Bear e Play Date são as faixas bônus e são sim letras bastante interessantes com melodias harmoniosas. Mas quando se fala do conjunto, as músicas ficam perdidas em meio a história e até parecem desconectadas da personagem.

Quando o assunto é a estética, Melanie tem um estilo excêntrico.  Os clipes e as fotos publicadas no Instagram são marcados por roupas e elementos vintage – provavelmente dos anos 30 – e cenários carregados de itens infantis. O cabelo colorido meio a meio também é uma característica da cantora e contribui para a ambientação no universo fantasioso. A fotografia das filmagens e os efeitos especiais não são impressionantes, mas cumprem seu papel e são suficientes para ambientar e complementar bem as melodias. 

Os cenários macabros misturados com a ingenuidade podem não agradar alguns, mas a cantora soube amarrar tudo muito bem. Tão bem que as falhas se tornaram irrelevantes e incapazes de a sinceridade e o significado  desse conto, que continua em construção e foi aprofundado no filme musical K-12.

No papel de Cry Baby, Melanie encarna frustrações e aspectos pessoais enquanto encena a própria criação, leva o público numa viagem a um espaço que, apesar de fantástico, é muito verdadeiro. Se identificar com qualquer parte da narrativa é fácil. Afinal, quem nunca se machucou ou se sentiu insuficiente?

Cry Baby é a representação de um melodrama de alguém que é de verdade. E com muita dor, assume suas imperfeições, indo na contramão de uma sociedade que esconde suas falhas atrás de máscaras.

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Raquel Dutra

Visuais rústicos e paisagens bucólicas fotografadas em preto e branco mas que ocasionalmente revelam verdes úmidos e marrons aconchegantes. Foi com essa serenidade que Taylor Swift surgiu nas redes sociais no dia 24 de julho para anunciar seu novo álbum, folklore, apenas 24 horas antes de seu lançamento. 

Para um conhecedor dos trabalhos da artista, essas características podem soar levemente familiares, assim como as batidas pop que surgem timidamente na primeira faixa do disco. Mas no primeiro verso da música em questão, the 1, Taylor afirma que está “tentando algumas coisas novas” e aos poucos vai demonstrando que, em seu novo álbum, nada é 100% novo, nem 100% reciclado. Por isso, não é algo que soa totalmente desconhecido e, curiosamente, também não é mais do mesmo. Na verdade, ele está em algum lugar no meio dessas duas características e, ao mesmo tempo e de alguma forma, também está longe de ambas.

Assim, uma coisa já é clara: o novo álbum de Taylor Swift é instigante. Ele não se entrega à dualidades superficiais e nem atende às expectativas de ser necessariamente “isso ou aquilo”. A dinâmica aqui é outra: fruto de uma profunda liberdade criativa, é brincando com esses limites e misturando essas noções que a artista desenvolve a forma e o conteúdo do disco. Seguindo com firmeza suas próprias determinações, ela viaja por um caminho sinuoso cercado por histórias, memórias,  referências e melodias para cumprir com maestria seus objetivos. Isto é, registrar sua identidade, sua cultura, e assim, construir seu próprio ‘folklore’.

Aqui, Taylor não se preocupa em se definir dentro de um único estilo nem tenta se encaixar em alguma caixinha. Mais uma vez, ela faz justamente o contrário e navega entre diversos gêneros e referências de outros artistas. De início, um caminho como esse pode parecer arriscado, propício para a artista se perder e não estabelecer uma identidade coerente. Mas se tem uma coisa que uma das maiores artistas da indústria não faz em seu oitavo álbum de estúdio é cometer erros de principiante.

Além de olhar para fora para identificar possíveis caminhos e referenciar outros trabalhos, ela também mergulha profundamente em si mesma. Assim, Taylor não procura identidade e originalidade em ambientes externos, mas as constrói a partir do que tem essencialmente dentro de si. E consciente do caminho que escolheu, inteligentemente também opta por não inventar demais fora da sua zona de conforto e aproveitar ao máximo seus pontos fortes.

A mistura, que ainda contou com a majestosa participação de Aaron Dessner (The National e Big Red Machine) nas composições e produções de quase todas as músicas, resultou numa combinação única: um álbum que não é tão fechado no folk/country quanto imaginamos que seria quando foi anunciado; nem que permanece abrigando sua essência no pop, como podemos pensar ao ler o nome de Jack Antonoff nos créditos de algumas faixas ou ao ouvir a primeira música. E ainda bem, porque partir disso, com suavidade e consistência, Swift nos convida a ir além com folklore. Além até mesmo do que a própria fez e nos apresentou em seus últimos trabalhos, nas super definidas e contrastantes personas de Lover (2019) e reputation (2017).

Neste cenário, Taylor estabelece um porto seguro infalível: suas letras. Conhecedora da habilidade que tem nas mãos, ela sempre nos presenteou com composições extraordinárias. Mas aqui, ela explora ainda mais sua escrita e volta no tempo para relembrar junto de nós detalhes da sua infância, como faz na melodiosa seven, e conta histórias em 3ª pessoa, como faz na inteligente e divertida the last great american dynasty. Ela também cria universos e dá vida à personagens, às vezes até  inter-relacionando as histórias, como é feito em august, betty e no primeiro single do álbum, cardigan.

Apresentando a história de um triângulo amoroso adolescente – parte de sua matéria-prima de sempre -, estas três últimas faixas são exemplos do que a artista faz quando alguma canção ameaça cair na mesmice. Além de explorar as perspectivas individuais dos seus personagens, ela também muda um pouco seu estilo de escrita. É assim que a compositora escreve os versos soltos e ousados de cardigan, canção que também poderia facilmente ter nascido das mãos de Lana Del Rey. 

Outra saída que Taylor encontra junto de seus produtores é incrementar nos outros elementos que constituem as canções, principalmente os instrumentais. Com suavidade, pianos, violinos, violas, gaitas, guitarras e arranjos vocais trabalhados abraçam as músicas, graciosamente dando o rumo exato que elas precisavam. E além de agregar mais riqueza ao álbum, é através desse suporte instrumental que a artista também consegue explorar suas raízes country, dosando o que conhece do gênero em faixas como betty. Arranjos eletrônicos e modulações de voz – costumeiramente fundamentais no pop de Swift – são ainda mais delicados e pontuais, como ouvimos em august. Assim, o precioso e aconchegante caráter acústico de folklore é preservado.

As narrativas são construídas por viagens que Swift faz pelo tempo, sem linearidades e dominadas pelo gosto agridoce da nostalgia. Mas ocasionalmente, mesmo ainda relembrando o passado, nos refrescamos – ainda emocionados – voltando ao presente. É o que acontece em faixas como a impecável exile, resultado da colaboração de Swift com a banda Bon Iver.

A letra é de Taylor e Justin Vernon, vocalista da banda com quem a cantora também divide o protagonismo dos vocais, e apresenta uma epifania desencadeada no momento em que o eu lírico olha para um antigo amor. Embebida em melodias de um piano pesado e contracantos atmosféricos, a canção soa como uma irmã mais dramática e robusta do delicioso hino folk de 2006, Falling Slowly. 

E falando das referências e letras de folklore, a ultra-metafórica my tears ricochet é a que mais intriga e chama a nossa atenção. Numa interpretação literal, a faixa compara o término de um namoro a um enterro numa intensidade à la Melodrama de Lorde, e pode ser difícil de engolir, soando exagerada demais até mesmo para os amores de Taylor Swift. Aí, explicações e teorias surgem: possivelmente, a partir de uma analogia, a faixa trata sobre o que a artista viveu nos últimos anos com sua ex-gravadora, relacionando-se também com outras canções. 

Se algumas intenções de folklore ficam subentendidas, outras Taylor entrega de primeira, e como ela alertou no encarte do álbum – e exatamente como um folclore deve ser -, nem tudo seria especulação e história ficcional. Ela continua cantando sobre seus processos internos, que dessa vez parecem se abrigar na séria e imponente mad woman, e abordar de forma mais explícita a situação delicada que viveu com sua ex-gravadora.

Com a voz pesada, Taylor relata: “Estou dando meu tempo, dando meu tempo/Porque você tirou tudo de mim/Vendo você ascender, vendo você ascender/Sobre pessoas como eu”. Sem rodeios, dá o recado: “Eles dizem: siga em frente, mas você sabe que eu não vou” e se permite verbalizar com gosto um “Vai se foder, para sempre”.

Nesta mesma faixa, Swift também encontra espaço para retratar situações e criticar esteriótipos sexistas recorrentes na sua/nossa existência enquanto mulher – que, fazendo um recorte, recaem com ainda mais peso sobre as mulheres negras. Afinal, quem de nós nunca ouviu algo parecido com “Ninguém gosta de uma mulher louca/Que pena que ela enlouqueceu” ao se impor com um pouco mais de veemência? E diante disso, numa tentativa de legitimar seus próprios sentimentos e defender a racionalidade de suas reações, respondeu, às vezes mentalmente, com um “Você fez ela ficar assim”?

Os temas que Taylor aborda e a forma como ela aborda são o que fazem folklore ser tudo o que é. Eles pedem profundidade, e Swift se dispõe construí-la, criando mais um aspecto fantástico no disco: a verossimilhança, que se manifesta especialmente nos retratos sinceros que faz das muitas reações e comportamentos que podemos apresentar diante do amor.

Em canções íntimas, que nos aproximam e abraçam nossas vulnerabilidades, complexidades e contradições, nos identificamos. Seja com a persona um pouco insegura quando apaixonada que é apresentada na charmosa mirrorball, com a saudosista e romântica que canta invisible string, ou ainda com a personagem racional, autoconsciente mas ainda disposta a vivenciar a completude do amor que é retratada em peace.

Você pode se enxergar também no eu lírico da envolvente this is me trying, que busca perdão e recuperação. Ou na melindrosa, nervosa e arrependida illicit affairs. Ou na personagem intensa mesmo conformada que canta junto ao piano de hoax. Ou com mais de uma ao mesmo tempo. Ou até mesmo com todas elas.

Isso porque não há superficialidades preguiçosas nos amores do folklore de Taylor Swift. Com um realismo suave e gentil, eles nos lembram que mesmo as relações mais maduras ainda são complexas, acompanhadas de arrependimentos, desencontros, tentativas e decepções. As mais saudáveis também são permeadas por (quebra de) expectativas, perdões, esperanças e, às vezes, até mesmo pontos finais – exatamente como é na vida real.

Tamanha identidade e profundidade que folklore apresenta é resultado de uma alquimia. Entre as 16 faixas, encontramos um pouco de cada aspecto da experiência que a artista adquiriu nos últimos anos: o amadurecimento ainda apaixonado de Lover, pinceladas da ousadia de reputation, composições e produções tão boas quanto as de 1989, e uma sonoridade que refina o que existe de melhor em RED. E à isso se deve a sensação curiosa de familiaridade que o álbum traz, mesmo em meio a novas posturas, intenções, territórios e aspectos que a artista nos apresenta.

É por essas construções também que nos envolvemos e nos emocionamos, ainda que às vezes não tenhamos vivenciado pessoalmente aquilo que está sendo retratado na canção. Também identificamos sentimentos, que sequer repararíamos que tínhamos ou que não saberíamos descrever. Mas Taylor sabe, e aponta gentilmente.

Ainda brincando com opostos, é mais ou menos assim a experiência com o folklore de Taylor Swift: mesmo com o frio na barriga vindo da imprevisibilidade do crescimento, do autoconhecimento, da descoberta de um novo lugar, novas pessoas e novos sentimentos, sentimos uma ponta acolhedora de paz e conforto. Sabemos que estamos acompanhados por alguém que reconhece nossas complexidades e, talvez o mais importante: nos sentimos em casa.

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Isabelle Tozzo

As cordas ressoam por vinte e cinco segundos. Em seguida entra o piano. Suave, ele guia o restante da música. Na letra, Lana Del Rey canta sobre um homem que se acha demais. É com essa dualidade entre composição direta e melodia elegante que a americana de trinta e quatro anos abre Norman Fucking Rockwell!, seu novo álbum lançado no dia 30 de agosto.

A faixa homônima, que dá início a obra, sintetiza bem o que virá ao longo do disco. Elegante e mais maduro que os anteriores, Lana se reafirma aqui como uma excelente compositora. O piano que norteia e percorre todas as faixas, traz precisão e contrapõe as letras diretas, ácidas e sem tantas metáforas. O homem que dá título ao álbum, Norman Rockwell, foi um pintor e ilustrador estadunidense. Ao nomear o álbum assim, Lana Del Rey cria uma persona que representa os homens sempre presentes em suas músicas e que a acompanha novamente neste álbum.

Em abril deste ano já tínhamos a notícia de que o álbum estava pronto e as expectativas eram de que fosse lançado em maio. No entanto, em entrevista a rádio KROQ Lana explicou o atraso e contou que resolveu dar uns toques finais antes de lançá-lo ao público. É a primeira vez que Del Rey trabalha com o produtor Jack Antonoff, que já trabalhou com cantoras como Lorde e Taylor Swift.

Se tivéssemos que escolher uma estação para Norman Fucking Rockwell! definitivamente seria o verão. O clima fresco de uma Califórnia antiga carrega uma aura nostálgica de uma época na qual nem a própria Del Rey viveu. Mas mesmo assim nos faz sentir saudades de algo que não conhecemos. Essa atmosfera se aproxima das melodias feitas anteriormente em Ultraviolence, mas dessa vez buscando um lado menos obscuro da costa oeste americana. 

Por falar em obscuridade, algumas músicas carregam um teor político, como é o caso de The Greatest, mais crua e delicada, e hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but i have it. Em Lust for Life, seu álbum anterior, a política já fazia parte de algumas letras e aqui isso se repete. Em uma era Trump com aumento de crimes de ódio e problemas climáticos, Lana reforça a importância da música de protesto e de se posicionar. 

Na musicalidade do álbum há uma união entre um instrumental orgânico e sons eletrônicos. Venice Bitch, por exemplo, que tem nove minutos de duração, mistura cordas com um longo solo de sintetizadores. A faixa é vista como desnecessariamente longa por muitos críticos. Porém, é inegável a ousadia em produzir algo que vai de oposto ao que é feito no mercado de música atual. 

Além disso, Venice Bitch traz uma psicodelia devido as camadas de voz levemente esganiçada da cantora, presente também na faixa California. Sussurros e o som com grãos dão a sensação de que estamos ouvindo a música de um vinil e todos esses elementos nos presenteia com um universo ainda mais intimista de Lana Del Rey.

Para completar essa intimidade os clipes possuem cenas caseiras e filtro vintage, remetendo a época de Video Games, ou até mesmo antes disso, quando era Lizzy Grant. Os clipes de Venice Bitch e Mariners Apartment Complex possuem cenas parecidas e contribuem para reforçar o saudosismo presente nas músicas. Já Fuck it I Love You e The Greatest dispõem de uma produção maior, mesmo assim sem perder o clima.

Norman Fucking Rockwell! é provavelmente a obra mais verdadeira e madura de Lana Del Rey. A melancolia já conhecida pelo público está presente aqui, mas agora a cantora está no controle dela. Os Estados Unidos decadente serve de pano de fundo para o desejo de uma outra América. Mais do que nunca Lana revisita suas antigas praias e deixa em nós a aspiração de conhecê-las também.

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