Guilherme Veiga

Sem tempo para morrer, e com menos tempo ainda para estrear. Inicialmente planejado para vir ao mundo no longínquo último ano normal da terra, 2019, pelas mãos de Danny Boyle (Trainspotting, Quem Quer Ser um Milionário?), o último capítulo da era Craig sofreu de inúmeros adiamentos. Primeiro, Boyle abandonou o projeto por diferenças criativas e Cary Joji Fukunaga (Beasts of No Nation, True Detective) assumiu o longa, fazendo com que ele fosse jogado para 2020, e azaradamente fosse o primeiro a puxar a fila de adiamentos por conta da pandemia de covid-19. Isso fez com que o filme só conhecesse as salas de cinema em setembro de 2021, 6 anos depois do capítulo anterior, maior intervalo de tempo entre filmes do agente desde 007 contra GoldenEye.

Naturalmente em Hollywood, muitos adiamentos são um sinal de mal presságio, um exemplo recente é o terror (literalmente) que a Fox — em seu último projeto pré-venda — fez com Os Novos Mutantes. Sem Tempo Para Morrer felizmente não sofre dessa maldição, e isso se dá pela própria natureza da franquia Bond ao longo das décadas. Sinônimo de realeza, os filmes são recheados de pragmatismo e distinção, sem pressas ou sem correr riscos, assim como a corte britânica. E isso, com perdão do trocadilho, garantiu um comportamento espectral entre as obras, e nos longas de Daniel Craig isso fica bem mais nítido, onde os altos e baixos são visíveis e intercalados. E seguindo a ordem natural dessa curva, após o excelente 007 – Operação Skyfall e o nem tão excelente 007 – Contra Spectre, nada mais justo que se despedir de Daniel Craig em alta.

Se provando a Meryl Streep da categoria — além das já esperadas indicações ao BAFTA — Sem Tempo Para Morrer conseguiu sua cadeira cativa no Oscar mais uma vez com a indicação em Melhor Canção Original por No Time to Die, performada por outra queridinha das premiações, Billie Eilish (e composta, como sempre, em parceria com o irmão Finneas O’Connell). A faixa talvez seja uma das melhores dessa safra, perdendo somente para Skyfall na voz de Adele, e, se seguir o mesmo caminho dos títulos anteriores, certamente levará o careca dourado para casa. O longa também foi indicado na categoria Melhor Som e na de Melhores Efeitos Visuais, na qual o páreo é um pouco mais duro, e, se a tão pedida categoria de dublês saísse do papel, certamente seria o franco favorito.

Os 163 minutos de duração podem assustar no começo, porém, o longa entrega uma típica aventura episódica de James Bond e as mais de 2 horas e quarenta passam despercebidas em um filme que te prende do começo ao fim com sequências impecáveis de ação. A obra é uma ode ao legado tanto de Bond quanto de Craig, lotado de piadas internas para fãs e referências, como por exemplo, Bond se aposentar e ir para a Jamaica, local onde Ian Fleming escreveu os primeiros contos do agente. Porém, filmes de longa duração naturalmente evocam a reclamação de que se poderia tirar “uns 30 minutos” sem comprometer a obra, e nesse caso, tal protesto é válido. Fica nítido as barrigadas que o roteiro dá para preencher a obra e adiar a despedida.

Aliás, a despedida e a quase certa renovação da franquia se mostram necessárias aqui, pois é onde o desgaste da marca em seu processo de produção começa a ficar mais evidente. Os roteiristas, à frente das histórias desde 1999, mostram que não têm o mesmo tato para conduzir a narrativa, razão pela qual Phoebe Waller-Bridge (Fleabag) foi escalada, pelo próprio Craig, para revisar o texto. Sem conseguir arrumar a bagunça que eles mesmos fizeram em Spectre, a escrita se perde ao explicar a organização e suas consequências nesse filme, uma prova é o descaso que o texto tem com Blofeld (Christopher Waltz), praticamente jogando o personagem no lixo.

Outro exemplo é o vilão principal Safin, vendido como um dos mais inteligentes do universo Bond, e até tem uma construção interessante com a cena inicial de tirar o fôlego, mas no fim, é só um lunático que parece ser fã do Dr. No, ficando muito abaixo do excelente Silva de Javier Bardem em Skyfall e até mesmo de Blofeld, que também tinha sido maltratado pelo roteiro. A única coisa boa que esse vilão traz é a prova de que a estatueta para Rami Malek (Mr. Robot, Bohemian Rhapsody) em 2019 foi um dos maiores devaneios recentes da Academia. Aqui, entre suas forçadas de sotaque, ele constrói um antagonista extremamente caricato que não combina com esse Bond. Mais uma que deixa a desejar é a Madeleine Swann de Léa Seydoux, que desenvolve uma performance muito sem sal. Para efeito de comparação, em A Crônica Francesa, lançado no mesmo ano, ela se entrega muito mais, mesmo tendo menos espaço e fala, porém apoiada pela força do texto e da direção. Curiosamente, os dois piores personagens são os que mais o roteiro explora.

Porém, a escrita tem seus méritos e eles precisam ser lembrados. Alguns personagens são bem inseridos e funcionam bem na história, começando pelo próprio Bond. Aqui, o texto enfoca o lado humano do agente e o constrói através de bastante sentimentalismo, fazendo com que nesse filme ele esteja menos Bond e mais Craig, decepcionando alguns e conquistando outros. A nova 007, Lashana Lynch (que venceu a categoria popular de Estrela em Ascenção no BAFTA), mostrou lidar bem com o papel e desenvolveu uma ótima química com Bond, preenchendo em alguns momentos — e de forma diferente da convencional — a lacuna de uma bond girl não estabelecida na obra. Se não fosse pela pressão injusta que sofreu, Lashana seria uma 007 muito promissora. Por último e não menos importante, é válido o destaque para Ana de Armas, que aqui repete o trabalho ao lado de Daniel Craig depois de Entre Facas e Segredos. Mesmo com pouco tempo de tela comparado com a duração (um verdadeiro pecado) sua personagem Paloma rouba a cena.

E Daniel Craig é a personificação dessa mudança de ares. “Controverso”, “rústico”, “covarde”, “insosso”, “baixinho” e até mesmo “loiro”; esses foram os adjetivos usados para desqualificar a escalação de Craig em 2006. O próprio ator tinha desconfiança quanto ao papel, muito por não achar que a personalidade de Sean Connery e companhia poderiam ser replicadas atualmente, muito menos por ele. Para sorte de Craig, era intenção da dupla de roteiristas Neal Purvis e Robert Wade renovar a história antes mesmo do anúncio da mudança de ator. E essa decisão conjunta foi muito significativa pois atribuía a Bond agora um status de personagem do imaginário, e não mais um modelo de masculinidade ultrapassado.

Muito além de um smoking sob medida, um martíni, um sex appeal de falastrão e uma licença para matar, o Bond da era Craig consegue ser mais do que isso. A redoma de vidro que separava personagem do público foi quebrada e os cacos criaram feridas no agente secreto como questões com o luto, traumas de família, problemas com álcool e até mesmo frustrações amorosas, até então inimaginadas para a máquina de sedução criada por Fleming e representada pelos cinco atores anteriores. Mesmo estando mais realista do que nunca, outra renovação da franquia é iminente, e se, tanto esse último filme como todos os outros vão ficar à sombra de Skyfall, o próximo ator a vestir o manto vai permanecer na sombra do maior James Bond da história.

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Outubro é o mês mais amado pelo Persona. Cheios do espírito macabro do Halloween, agitamos nossas produções com o Mês do Horror e cobrimos com afinco a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Como comentar sobre tudo isso ainda é pouco, nós também demos vida ao Clube do Livro e as indicações da Estante do Persona. Para fechar nosso mês favorito com chave de ouro, chegamos para comentar as novidades da TV e do Cinema no Cineclube de Outubro.

Foram 31 dias recheados de lançamentos esperados. Começando com sequências do Terror para honrar o mês, Halloween Kills: O Terror Continua tenta dar sentido para as matanças de Michael Myers, mas garante a continuação da franquia graças aos atos horrendos do protagonista. Quem também voltou pela Paramount+ foi Atividade Paranormal 7, com traços da história original e inovando sua narrativa. Já a aposta da Netflix, Tem Alguém Na Sua Casa, degringolou como mais uma trama conhecida de jovens tentando descobrir a identidade do assassino. 

Ainda para os amantes do gênero slasher, o remake de Slumber Party Massacre acabou com os problemas do filme original e expandiu com irreverência a sua trama clássica dos anos 80. Com o mesmo sucesso, American Horror Story: Double Feature gastou tempo dividindo a décima temporada em duas histórias distintas, e foi destaque ao conquistar a aprovação total da crítica na primeira delas.

Enquanto isso, o Amazon Prime Video investiu mais na antologia de terror Welcome to the Blumhouse e trouxe ao mundo O Bingo Macabro e A Mansão, que deixaram os sustos de lado para trabalhar a relação entre a trama e seus personagens. Outro longa entre os lançamentos é Madres, Mães de Ninguém, com sua narrativa dramática e inspirada em fatos reais. O longa de Ryan Zagoga captura os horrores dos imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, por isso merecia um desenvolvimento como drama dedicado.

Sucessos da Netflix, Você e Maid, também partilham dessa pegada dos terrores da realidade com protagonistas femininas arrebatadoras. A terceira temporada de Você amadureceu seus conflitos e mostrou como psicopatas brincam de casinha, enquanto a estreia de Maid causou exaustão emocional pela sua trama complexa que fala de pobreza, trauma e agressão.

Outras queridinhas da plataforma tudum que lançaram novas temporadas foram Sintonia e On My Block. Coproduzida pelo KondZilla, Sintonia segue na sua caminhada em mostrar como o poder funciona dentro das favelas brasileiras. Por outro lado, o quarteto do subúrbio de Los Angeles se despediu com fraqueza, pois a última temporada de On My Block empobreceu os desfechos de seus personagens.

  Para os fãs de Round 6, My Name é a nova produção sul-coreana de grande destaque. Além da performance de Han So-hee como protagonista, a narrativa equilibrou ação e sensibilidade estando entre uma organização criminosa e a polícia. Os Muitos Santos de Newark também trabalhou a temática de organizações poderosas ao contar a vida de Tony Soprano antes de ser chefe da máfia italiana. No entanto, nenhuma das produções acima  fez tanto sucesso quanto a primeira temporada de Only Murders in the Building na mistura perfeita de um elenco brilhante, humor e mistério.

No gênero de Ação, o grandioso 007 – Sem Tempo Para Morrer era o mais esperado. Depois dos 15 anos de Daniel Craig e seu James Bond, a aposentadoria chegou em um filme empolgante, emotivo e explosivo que fez jus à saga. Duna também deu o que falar com Zendaya, Timothée Chalamet e Oscar Isaac no elenco. Baseado no livro homônimo de Frank Herbert, o longa exibiu a disputa de poder no universo intergalático à altura da obra. E como não poderia faltar a parceria Marvel e Sony, Venom: Tempo de Carnificina foi um recorde nas bilheterias brasileiras. Com Tom Hardy protagonizando o segundo filme ao lado de seu amigo alienígena, Venom 2 ficou entre ser engraçado e superficial.

As expectativas foram grandes na TV para a segunda temporada do premiado Ted Lasso. Seus episódios mais longos investiram ainda mais nos seus personagens, conseguindo marcar outros 3 pontos e ter um segundo volume ainda mais fenomenal. Quem também encantou foi a sitcom Pretty Smart e sua vibe Disney Channel em 2010, contando com a protagonização de Emily Osment – a nossa Lily de Hannah Montana. Com a mesma expectativa, The Walking Dead acendeu a chama da saudade no coração dos fãs de zumbis na primeira parte da sua temporada final.

Caminhando na contramão, a animação Injustiça: Deuses Entre Nós não foi digna dos Maiores Heróis da Terra da DC Comics. No Showtime, The L Word: Generation Q retoma The L Word depois de dez anos mas também segue presa ao passado, e mesmo com sua satisfatória repaginada, não retrata a vida da comunidade LGBTQIA+ nos dias de hoje.

E falando de vida real, Diana: O Musical estreou na Netflix mostrando o carisma e inteligência de Lady Di, mas esqueceu do drama necessário para falar de uma das maiores figuras do século XX. Já a coprodução entre Brasil e EUA do HBO Max, O Hóspede Americano, veio com um gosto amargo para contar a Expedição Científica Rondon-Roosevelt. Dando mais ênfase ao lado yankee, a minissérie lembrou a perda dos registros históricos brasileiros no incêndio do Museu Nacional de 2018.

Tentando alegrar nosso espírito, What We Do in the Shadows volta com qualidade para a sua terceira temporada cheia de humor, terror e vampiros malucos. No entanto, se nos confortamos com a comédia da FX, Cenas de um Casamento veio para quebrar de vez nossos corações. Terminando ao som de Chico Buarque, a produção original da HBO é uma obra-prima que mostra um casamento fracassado da forma mais complexa possível. 

Enfim, todos esses lançamentos não aliviam a perda de Gilberto Braga para a TV brasileira no mês de outubro. De Escrava Isaura à Babilônia, o talento do escritor deixou um leque de novelas e memórias nas pessoas de todo o país. Uma dedicatória ao legado do dramaturgo e muito mais sobre o que rolou no Cinema e na TV você confere no Cineclube de Outubro de 2021, sob a curadoria da Editoria do Persona e de seus Colaboradores. E deixamos aqui a pergunta mais importante que permeia a memória de um noveleiro digno: Quem matou Odete Roitman?

Falecimento de Gilberto Braga

“Quem matou Odete Roitman?”. Todo noveleiro já ouviu a pergunta acerca da morte de uma das vilãs mais icônicas da dramaturgia. Roitman é um marco na Televisão brasileira e sua vilania inspirou outras duas grandes personalidades: Nazaré Tedesco e Carminha. O criador da história é nada mais nada menos que Gilberto Braga, autor de 22 telenovelas que marcaram a TV brasileira, e que transformaram o formato de construir personagens e fazer novelas. Braga estava internado em Copacabana desde o dia 22 de outubro, e faleceu no dia 26 devido a um quadro de infecção generalizada.

Gilberto Braga fugiu do comum e parou o país com suas criações. Todo seu brilhantismo e talento era convertido em espaço para que os atores pudessem evidenciar pautas urgentes da sociedade. Foi o escritor que deu a Zezé Motta o primeiro papel de destaque na TV em 1984, na novela Corpo a Corpo, discutindo o racismo em horário nobre. Além das tramas incessantes, outro talento de Braga estava na criação de vilãs, más por natureza que demonstravam reflexos de um Brasil socialmente doente e desigual.

Seu primeiro grande sucesso foi a adaptação de Escrava Isaura, que até hoje é uma das novelas mais mais importadas da Rede Globo. Criador unânime de personagens, Gilberto Braga sempre teve um tato único para acertar o tempo e o tema a entrar em exibição no horário de maior audiência. Em Anos Dourados, o autor não permitiu que o país esquecesse a tirania dos anos de chumbo. Em Vale Tudo, além da figura de Odete Roitman, Braga falou sobre ética e, embalado ao som de Gal Costa gritando Brasil, escancarou a falta de integridade e a corrupção política. Marcando para sempre a memória do público e moldando a Era Disco no Brasil, Dancin’ Days estreou em 1978 com a história da ex-presidiária Júlia Matos (Sônia Braga) e a socialite Yolanda Pratini (Joana Fomm). Sua última novela, Babilônia, foi ao ar em 2015, com o beijo entre as duas gigantes, Fernanda Montenegro e Nathalia Timberg. – Ana Júlia Trevisan

Cinema

O Bingo Macabro (Bingo Hell, Gigi Saul Guerrero)

Após a chegada de um empresário misterioso à vizinhança de Oak Springs e a súbita abertura de um cassino oferecendo prêmios absurdos, os laços entre seus residentes são testados das formas mais cruéis. Parte do selo Welcome to the Blumhouse, O Bingo Macabro não oferece muitos sustos, mas seu roteiro ardiloso consegue construir muito bem o senso de comunidade entre o grupo de idosos que se põe contra a chegada do sinistro Sr. Big (Richard Brake).

Liderados pela feroz Lupita (Adriana Barraza), eles terão de enfrentar suas tentações mais profundas se não quiserem ser consumidos pelas promessas atraentes do novo Bingo. O longa de Gigi Saul Guerrero funciona devido às performances comprometidas de seu elenco principal e secundário, construindo pacientemente as relações entre seus moradores e suas tramas. Contudo, isso significa que o elemento de terror é relegado a aparições esporádicas e pouco marcantes, impedindo que o final da experiência chegue com força total. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Os Muitos Santos de Newark (The Many Saints of Newark, Alan Taylor)

Família Soprano é uma série muito aclamada, criada por David Chase, que conta a história de familiares que trabalham na máfia. Mesmo com seis temporadas, ainda há outros fatos posteriores ao show que ficaram de fora, como os vários motivos que propiciaram a ascensão de Tony Soprano. É justamente esse o ponto central de The Many Saints of Newark, filme de drama policial dirigido por Alan Taylor. O longa exibe os percalços, desde a juventude de Anthony Soprano (Michael Gandolfini) e seus desafios com os gângsters.

A jornada de Tony Soprano, registrada em The Many Saints of Newark, traz uma percepção ampla sobre a vida do mafioso antes de se tornar o chefe da máfia, mas ainda assim o spin-off apresenta muitas falhas. O roteiro, assinado por David Chase e Lawrence Konner, que escreveram alguns episódios da série original, não é muito envolvente. Mas apesar disso, a película conta com boas atuações, como no caso de Vera Farmiga, que deu vida a personagem Livia Soprano. Mesmo com alguns defeitos na construção de sua narrativa, o longa se mostra como uma recordação nostálgica para os fãs de Família Soprano. – Gabriel Gatti

Tem Alguém Na Sua Casa (There’s Someone Inside Your House, Patrick Brice)

Depois de lançar a trilogia Rua do Medo em 3 sextas-feiras seguidas, a Netflix parece ter percebido a legião de fãs devotos do gênero slasher, caracterizado pela presença de um assassino que mata várias pessoas utilizando uma arma específica, como uma faca. Tem Alguém Na Sua Casa, adaptação do livro homônimo de Stephanie Perkins, é o novo filme do streaming nesse estilo sangrento. 

Na trama, Makani Young (Sydney Park) se mudou do Havaí para o Nebraska para morar com a avó e terminar o Ensino Médio. Faltando pouco tempo para a formatura, seus colegas de classe começam a ser perseguidos por um assassino misterioso que expõe seus maiores segredos para a cidade toda. Enquanto todos estão aterrorizados, Makani e seus amigos precisam descobrir a identidade do assassino antes deles mesmos se tornarem vítimas. 

Tem Alguém Na Sua Casa consegue estabelecer bem o ambiente onde acontecerá o terror e apresenta personagens jovens interessantes, mas tudo é desenvolvido de um jeito bem morno. O filme diverte e consegue entregar algumas cenas tensas, mas passa a sensação de que já vimos aquela história antes e contada de um jeito melhor. Não chega a ser ruim, mas também não é nada memorável. – Caio Machado  

Injustiça: Deuses Entre Nós (Injustice, Matt Peters)

Uma das narrativas modernas mais irreverentes da DC Comics, Injustice finalmente ganhou sua adaptação animada. Nascida no videogame e logo esmiuçada em uma aclamada série de histórias em quadrinhos, a revolta ditatorial do Superman segue alastrando seu alcance. Nesse universo, o Homem de Aço, dessa vez animado na voz do querido Justin Hartley de This Is Us, perde o controle depois do Coringa (Kevin Pollak) causar a morte de Lois Lane (Laura Bailey) e do bebê ainda não nascido do casal.

A partir daí, cabe ao Batman (Anson Mount) parar o Super-Homem, custe o que custar. Mais otimista e menos carrancuda que sua história-mãe, Injustiça: Deuses Entre Nós abaixa o nível elevadíssimo do catálogo animado da editora, ao mesmo tempo em que mantém estática uma trama que já fora empolgante. Sob o comando do operante diretor Matt Peters, Harley Quinn (Gillian Jacobs), Arqueiro Verde (Reid Scott) e Mulher Maravilha (Janet Varney) desempenham papéis de destaque, em meio a um elenco não tão digno de dar voz aos Maiores Heróis da Terra. – Vitor Evangelista

Halloween Kills: O Terror Continua (Halloween Kills, David Gordon Green)

Depois de ser adiado em 2020 para outubro deste ano, não tinha como o assassino mascarado favorito do Cinema pular mais um mês do terror. Assim como Halloween 2: O Pesadelo Continua!, Halloween Kills começa imediatamente após o final de seu antecessor, partindo do princípio de que a noite está bem longe de acabar. Segundo filme da trilogia comandada por David Gordon Green, Kills sofre com os típicos problemas de pacing e roteiro de capítulos do meio, lutando para achar propósito nas matanças de Michael Myers.

Protagonizado mais uma vez por Jamie Lee Curtis no papel de uma das final girls mais famosas da Sétima Arte, o longa volta a seguir três gerações diferentes de mulheres Strode enquanto elas tentam descobrir como dar cabo do assassino aparentemente sobrenatural que as persegue. Judy Greer e Andi Matichak contracenam bem com Curtis, reforçando a dinâmica familiar proposta em Halloween (2018), mas sofrendo pela falta de espaço que a trama oferece para que essas relações sejam aprofundadas.

A verdadeira ambição de Halloween Kills está no aprofundamento da figura de Michael Myers e como ela se fortalece após cada sangrenta morte. Para isso, o diretor introduz diversos elementos que parecem promissores, mas que atrapalham no ritmo da obra, que se sai melhor quando foca nos atos horrendos de seu assassino, ao invés de interrogar a razão por trás delas. Apesar disso, seu final engata em uma sequência de puro slasher, nos deixando sedentos por sua conclusão no vindouro Halloween Ends. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Venom: Tempo de Carnificina (Venom: Let There Be Carnage, Andy Serkis)

O sotaque britânico de Tom Hardy vivendo a pele do jornalista meio fracassado Eddie Brock, e o humor cômico do parceiro alienígena que vive dentro de seu personagem nunca foram tão Marvelísticos e bombaram tanto na estreia como no segundo volume da franquia de Venom. Quebrando recordes de bilheteria durante a pandemia, Venom: Tempo de Carnificina surpreendeu dentro e fora dos cinemas brasileiros. O personagem de Venom é irresistível dessa vez: busca ser independente de seu humano, vive experiências de amor próprio em festas com estranhos e seus comentários hilários surgem no tempo certo. As opiniões estão divididas entre o alívio de ver a dupla bobona de Eddie e Venom, e uma história superficial que só consegue arrebatar uma proporção fantástica na cena pós-créditos. 

O segundo filme de Venom conseguiu um desempenho melhor do que o primeiro. Faltou história e carnificina, pois quem esperava matança à beça continuou na espera, mas sobrou humor em um elenco extremamente improvável com Cletus Kasady (Woody Harrelson) e Frances Barrison (Naomie Harris) sendo o casal vilão e serial killer da vez. Junto com Tom Hardy, os três são uma super bomba de atuação, principalmente tendo Woody em um papel tão específico quanto um psicopata dentro de um filme tonto. Mas a coisa desanda muito com o alienígena de Cletus Kasady: Carnage é filho de Venom – sim, você leu isso – e grita como um dinossauro de Jurassic Park. – Nathália Mendes

A Mansão (The Manor, Axelle Carolyn)

Um dos mais divertidos filmes vindos da Blumhouse Television para o Amazon Prime Video, A Mansão é um terror leve e descomplicado, explorando um lar para idosos através de uma recém-chegada que revela os mistérios sinistros da residência titular. Ancorado na relação entre Judith (Barbara Hershey) e seu neto, Josh (Nicholas Alexander), o longa de Axelle Carolyn é, dos lançados sob o selo Welcome to the Blumhouse, aquele que mais consegue equilibrar a atmosfera de terror com a narrativa de filme B.

O filme faz bom uso de seu orçamento limitado, confinando a maioria das personagens em um único espaço e construindo suas sequências ao redor do conhecimento que eles obtêm. Apesar de se indulgir em diversos clichês do gênero, a escolha de centrar a narrativa na dupla de avó e neto revitaliza os conflitos geracionais que estamos acostumados a ver nessas histórias. Com um final surpreendente e a boa vontade de não se levar a sério demais, A Mansão entrega exatamente o que promete. – Gabriel Oliveira F. Arruda

007 – Sem Tempo Para Morrer (No Time To Die, Cary Fukunaga) 

Depois de 15 anos, chegou a hora de nos despedirmos de vez do James Bond romântico de Daniel Craig. O astro já tinha demonstrado sua vontade de abrir mão do papel em diversas entrevistas anteriores e, ao assistir Sem Tempo Para Morrer, ficamos com a sensação de que ele esperou para dar adeus no momento certo. É um fim catártico para a era que começou com o ótimo Cassino Royale.

Na trama, James Bond finalmente se aposentou e agora vive na Jamaica. Sua paz desaparece quando um antigo amigo, Felix (Jeffrey Wright), retorna e pede ajuda para encontrar um cientista desaparecido. Relutante, o agente entra no caso e, rapidamente, a busca se torna uma corrida para salvar o mundo. 

007 – Sem Tempo Para Morrer é um filme tão empolgante que consegue até apagar a grande decepção que foi 007 Contra Spectre. A direção de Cary Fukunaga (True Detective, Beasts of No Nation) traz um novo olhar para as cenas de ação, utilizando da câmera na mão para deixá-las mais tensas e frenéticas. É um filme emotivo e explosivo, com direito a tudo que os fãs do personagem amam: romance, os gadgets, o vilão megalomaníaco, o mundo em perigo e o martini batido, não mexido. – Caio Machado 

Madres, Mães de Ninguém (Madres, Ryan Zaragoza)

Provavelmente o mais ambicioso da segunda leva de filmes chegando sob o selo Welcome to the Blumhouse, Madres é uma narrativa de terror dramática inspirada em casos reais dos anos 70. Graças a um elenco excelente encabeçado por Ariana Guerra e Tenoch Huerta e a uma fotografia expressiva, a obra captura o terror de imigrantes mexicanos recém-chegados aos Estados Unidos, enquanto a direção de Ryan Zaragoza explora as complexidades da linguagem como conectora e separadora de comunidades.

A impressão que fica é que Madres teria sido melhor desenvolvido como um drama dedicado do que uma história de terror baseada na realidade. Do jeito que está, o longa de apenas 1h20min peca em seu segundo ato, não se aprofundando o suficiente em sua atmosfera para que seus sustos atinjam efeito máximo, sofrendo com o pouco tempo de tela e impedindo que a performance de Guerra como a valente protagonista se aprofunde na personagem. Porém, o filme acha sua mensagem no clímax e consegue impactar com horrores piores do que qualquer fantasia. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Duna (Dune, Denis Villeneuve)

Duna exibe uma realidade em que os seres humanos do ano de 10.191 d.C, postos sob o domínio de um império espacial, vivem diante de uma disputa entre três famílias pelo planeta Arrakis. Nele, há a única fonte da cobiçada Especiaria, uma substância preciosa que permite as viagens intergalácticas. Nesse cenário, Paul Atreides (Timothée Chalamet), um jovem da aristocracia, recebe a missão de uma mulher misteriosa para embarcar em uma jornada ao planeta longínquo para manter a soberania do seu povo. A partir dessa trajetória épica, diversos obstáculos se instauram até a redefinição do cosmos.

Essa trama de ficção científica se baseia no livro homônimo de Frank Herbert. A narrativa ganhou uma adaptação no ano de 1984 sob a direção de David Lynch. No entanto, o filme foi produzido sem que o cineasta tivesse liberdade criativa no desenvolvimento da película, resultando em um desastre de crítica e bilheteria. Para esconder a identidade da autoria, algumas das versões foram creditadas a Alan Smithee, um pseudônimo empregado por diretores que renegam suas obras.

Após essa experiência catastrófica nas telonas, Duna retorna agora sob direção de Denis Villeneuve. A produção se iniciou em 2016, após o estúdio Legendary adquirir os direitos autorais do livro. A partir daí, houve um investimento pesado de US$ 165 milhões para o desenvolvimento do filme. Além disso, foi escalado um elenco com nomes como Javier Bardem, Zendaya, Oscar Isaac, incluindo ainda Timothée Chalamet como o protagonista da trama. Todo esse trabalho permitiu uma releitura interessante que faz jus à obra de Frank Herbert. – Gabriel Gatti

The Velvet Underground (Idem, Todd Haynes) 

Ao tratar da história de uma banda, vários documentários seguem o caminho tradicional: usar ordem cronológica, inserindo depoimentos dos membros ou de pessoas próximas e algumas filmagens de arquivo para ilustrar o que está sendo falado. Nesse sentido, The Velvet Underground, filme sobre a icônica banda de rock que dá nome ao título, opta por seguir um caminho fora do comum diante de outros filmes do gênero. 

O que mais chama a atenção no filme dirigido por Todd Haynes (Carol e O Preço da Verdade) é sua abordagem experimental ao se aprofundar na história do grupo e no contexto de grande efervescência cultural onde estavam inseridos: a Nova York do fim da década de 1960. Essa experimentação acontece principalmente na forma como o filme organiza as imagens exibidas, alterando sua posição ou sua velocidade. Passa uma sensação de agilidade que combina muito bem com o período que busca retratar. 

Não é só outro filme sobre a vida de artistas que marcaram época: é uma ode à experimentação. The Velvet Underground mostra como não ter medo de inovar é essencial para o desenvolvimento de qualquer arte. Aqueles que arriscam ficam para a história, e os membros do grupo liderado por Lou Reed com certeza ficaram. Além disso, o documentário também é uma linda homenagem às personalidades famosas que viviam na Nova York daquela época, como o artista Andy Warhol, o poeta Allen Ginsberg e o cineasta experimental Jonas Mekas. É um trabalho sensacional até mesmo para quem não conhece nada da banda. – Caio Machado

Diana: O Musical (Diana: The Musical, Christopher Ashley)

Princesa Diana, uma das figuras mais icônicas da cultura popular, tem sua história contada em formato de musical. A peça passeia por momentos, dos mais grandiosos aos mais íntimos, da vida da Princesa de Gales, explorando as diversas faces que ela precisou explorar ao conviver com a realeza inglesa desde o início de seu envolvimento com o Príncipe Charles. 

Com o fechamento da Broadway devido a pandemia de covid-19, a obra foi gravada sem plateia, explorando a apresentação de uma forma diferente de outros musicais que tem suas peças transmitidas para as telas, e teve sua estreia na Netflix antes de entrar nos teatros de Nova Iorque. As câmeras exploram diferentes ângulos e enquadramentos que trazem o espectador quase que para dentro da história.

Diana é retratada com carisma e inteligência, além de mostrar novos aspectos que são muitas vezes abafados por momentos polêmicos de sua vida, sem deixar de trazer os momentos que todos esperamos quando falamos da princesa. Porém, o filme falha em suas composições e suas performances deixam a desejar, especialmente considerando que é um produto sobre uma das maiores figuras da atualidade adaptada para um dos modelos mais espalhafatosos de produções audiovisuais. Com certeza, era de se esperar mais drama em um musical sobre Lady Di. – Marcela Zogheib

O Culpado (The Guilty, Antoine Fuqua)

Jake Gyllenhaal tem talento para um suspense psicológico, mas O Culpado o desafiou a narrar a história do começo ao fim apenas pela perspectiva de seu próprio personagem. O ator vive o policial Joe Baylor, recentemente afastado das ruas e preso em um trabalho que julga entediante como atendente do serviço de emergência. Ele é um homem agitado, ansioso e rude com um drama próprio misteriosamente relevante, enquanto atende as chamadas de uma Los Angeles caótica e que arde com incêndios destruidores. Até que recebe um pedido de ajuda de uma mulher em perigo, sequestrada pelo ex-marido e fingindo falar com a filha para tentar se salvar. 

A ansiedade de Joe é constante na sua tentativa em achar uma forma de identificar onde a mulher que atendeu está para socorrê-la. Ele vive um labirinto composto unicamente por ligações de voz, por isso o maior destaque do filme de Antoine Fuqua é o ponto de vista restrito ao protagonista. Só conhecemos os personagens que trabalham com ele e toda a trama conflituosa adjacente é narrada auditivamente. Cabe ao espectador imaginar a partir do que ouve nos atendimentos de Joe. O diretor fez um bom trabalho em seus únicos 11 dias de gravações e adotando essa perspectiva, mas nem Gyllenhaal por si só consegue fazer o longa ser de tirar o fôlego. As reviravoltas são meia boca, mesmo que imprevisíveis, e o desempenho do ator é o que carrega O Culpado como um filme interessantemente mediano. – Nathália Mendes

Slumber Party Massacre (Idem, Danishka Esterhazy) 

No remake do clássico cult de 1982, acompanhamos Dana (Hannah Gonera), que embarca numa viagem com as amigas para uma casa alugada, onde pretendem fazer uma festa do pijama. Quando o carro delas dá problema no motor, são obrigadas a ficar em uma casa isolada no meio de uma floresta, e o que era para ser uma noite de diversão, se transforma em terror enquanto elas precisam lutar para não serem mortas por Russ Thorne, serial killer famoso na região por utilizar uma furadeira enorme como arma. 

Slumber Party Massacre é uma ótima reimaginação contemporânea do slasher dos anos 1980. O filme retira tudo considerado problemático no filme original, como a presença exacerbada de nudez feminina, e ainda expande um pouco mais a trama, e faz uma inversão dos papéis de gênero muito divertida de assistir, onde os homens são ingênuos e bobos o suficiente para irem atrás do assassino. É um filme que não se leva a sério, mas parece apressado demais para mostrar os assassinatos e quase não desenvolve suas personagens. – Caio Machado

Exército de Ladrões: Invasão da Europa (Army of Thieves, Matthias Schweighöfer)

Exército de Ladrões conta a história de Ludwig Dieter (Matthias Schweighöfer), um banqueiro de vida pacata que tem sua rotina virada de cabeça para baixo quando Gwendoline (Nathalie Emmanuel) o convida para participar da sua organização de criminosos mais procurados do mundo, em uma missão de arrombar e roubar a famosa série de cofres criada pelo serralheiro Hans Wagner. Ludwig, que até então era apenas um amador na arte de resolver enigmas de cofres, agora embarca em perigos e situações que nunca imaginaria.

O derivado de Army of the Dead veio como uma prequela e deixou os fãs da franquia com a esperança de entender a origem dos acontecimentos do primeiro filme. No entanto, o longa traz mais dúvidas e foca em uma história paralela sobre roubo em um universo que, coincidentemente, está passando pelo início de um vírus zumbi. Mas a animação Army of the Dead: Lost Vegas promete acabar com a curiosidade do público sobre a origem do apocalipse. – Marcela Zogheib

Atividade Paranormal 7 (Paranormal Activity: Next of Kin, William Eubank)

A franquia que reviveu e assassinou o subgênero do found footage está de volta mais metalinguística do que nunca. Dessa vez, sob o comando de William Eubank, e com o roteiro creditado à Christopher Landon (que trabalhou nos filmes originais) e Oren Peli (idealizador do primeiro longa), a história sai de uma casa assombrada e passa para uma comunidade amish.

Lançamento exclusivo do Paramount+, Atividade Paranormal 7 tem inspirações bem dosadas de A Bruxa de Blair, mas peca pela predileção do clichê. As melhores sequências vem da imaginação do diretor, que brinca com a tecnologia câmera lenta das diversas lentes com que trabalha. A trama, centrada no retorno de Margot (Emily Bader) para a comunidade da mãe que a abandonou, tem traços da origem da franquia, mas sabe inovar a narrativa.

Misturando religião e terror, o subtítulo Next of Kin casa com a ideia de família e proteção que o filme prega. Na verdade, desconstruindo a concepção do que significa um lar. Em um outubro recheado de novas versões de clássicos antigos e de lançamentos apimentados, o novo Atividade Paranormal é uma boa pedida. – Vitor Evangelista

TV

The L Word: Generation Q (2ª temporada, Showtime)

Depois de dez anos, The L Word retornou à grade da emissora americana Showtime com a repaginada The L Word: Generation Q. Além das veteranas Bette (Jennifer Beals), Shane (Katherine Moennig) e Alice (Leisha Hailey), o reboot apresenta e acompanha a vida de personagens de uma nova geração – afinal, uma década depois, a série não poderia simplesmente retomar de onde a original parou. Nisso, a atual Generation Q conseguiu corrigir alguns dos erros de sua antecessora, como a falta de representatividade no elenco e a má representação de algumas minorias da própria comunidade LGBTQIA+, e, cheia de dramas, romance e vivências, rapidamente foi renovada para uma segunda leva de episódios.

Com o desesperador final em aberto da temporada anterior, Sophie (Rosanny Zayas), Dani (Arienne Mandi) e Finley (Jacqueline Toboni) rendem ao início da nova leva uma envolvente remexida, mas que rapidamente cai em um vai e volta interminável. Felizmente, o conflito perde força para histórias e personagens secundários, que garantem o fôlego ao longo dos dez episódios: alguns acabaram novamente injustiçados e deixados de lado, como Micah (Leo Sheng), Maribel (Jillian Mercado) e Nath (Stephanie Allynne), já outros finalmente ganharam seu devido e merecido holofote, como Gigi (Sepideh Moafi), Tess (Jamie Clayton) e Angie (Jordan Hull).

Porém, apesar dos rostos inéditos do reboot serem revigorantes, The L Word: Generation Q ainda tem dificuldade em desapegar do passado. Reviver personagens conhecidos é divertido, cenas de sexo são empolgantes (e fazem parte!), as D.R.s são entretenimento puro, mas quando se trata de retratar as vivências da comunidade LGBTQIA+ para além dos relacionamentos românticos, Generation Q ainda não avança. O novo ano até dá palhinhas de discussões importantes e necessárias, como a maternidade entre casais homoafetivos e o mercado de trabalho, mas, nisso, fica ainda mais tímida do que sua antecessora. Que uma terceira temporada continue com todo o dramalhão, porque ele existe, mas que vá além. – Vitória Lopes Gomez

Ted Lasso (2ª temporada, Apple TV+)

Naquela noite de 19 de setembro, não foi surpresa pra ninguém quando anunciaram Ted Lasso como vencedora do Emmy de Melhor Série de Comédia. Entre os inúmeros motivos pela justa vitória, está a jogada de marketing em lançarem a segunda temporada na mesma janela de tempo que os votantes tinham para escolherem seus favoritos à premiação. O segundo ano do bigodudo (não tão) bom de bola iniciou-se em julho, alegrando e emocionando o público até meados de outubro.

Se o primeiro ano de Ted Lasso foi bom, o segundo é fenomenal. O roteiro não economiza linhas quando se trata de gerar debates, o que ocasionou um aumento na duração do episódio e o reflexo de que o “futebol é vida” em cada um de seus personagens. Falando neles, os membros do AFC Richmond têm seu devido espaço na temporada, não precisando mais girar em torno da persona de Lasso. Ele, por sua vez, ganhou mais camadas nessa temporada, mostrando viver na linha tênue entre o infalível e o fragilizado.

Ted Lasso, que nunca foi uma série sobre ganhar ou perder, mas sim sobre acreditar, perde um de seus personagens mais queridos nesse ano. Se em 2020 o desenvolvimento de Nate foi um dos pontos altos da produção, em 2021 a crescente não para, mas, para a infelicidade do público, o arco dele tomou um rumo inesperado – inegavelmente instigante e que traz combustível para o próximo ano, mas ainda assim, infeliz e inesperado. Com treino e jogada ensaiada, Ted Lasso marca mais três pontos nessa temporada. – Ana Júlia Trevisan

Você (You, 3ª temporada, Netflix)

Outra vez Joe Goldberg (Penn Badgley) consegue escapar de seus assassinatos e pular para outra cidade. Uma nova vizinhança para ser um stalker obcecado com um padrão específico de mulheres. Ele tenta se enganar – e nos enganar – arrastando o enredo da segunda temporada ao trazer sua “alma gêmea” Love, grávida de seu filho, e amadurecer suas atitudes, ou viver em prol da família. E surpreendentemente, não é que essa história cola? A terceira temporada de Você é uma demonstração – das boas – de como dois psicopatas brincam de casinha, e Love é a peça mais fabulosa disso tudo, com o desenvolvimento da personagem e uma atuação esplêndida de Victoria Pedretti. 

No novo volume da Netflix, o humor vem mais ácido do que nunca, principalmente dentro da narração de Joe e Love ao guiarem a história por seus pensamentos e conclusões existenciais. Eles vivem o impasse de como criar um filho, sobreviver em um bairro de vizinhos insuportáveis e tentar não matar um ao outro. A princípio, a narrativa parece pintar Love como mais uma mulher impulsiva que mata a vizinha que deu mole para seu marido – logo no primeiro episódio. Mas o enredo, na verdade, é sustentado pela personagem e sua complexidade. Joe é deixado em segundo plano – ainda bem – até certo ponto, só para nos lembrar ao final de que o casal é uma união de psicopatas perfeitos, até demais, um para o outro.

A premissa da série parece não colar mais. Quando Joe aparece fazendo mais do mesmo, ou seja perseguindo mulheres que ele jura amar, o episódio fica insosso e difícil de engolir. Se respira, pisca e o coração bate, Joe tem certeza absoluta de que está flertando com ele. Mas há uma brincadeira não proposital da série nessa chatice. Esse narcisismo – que também aparece na justificativa incansável de Love em salvar seu casamento – demonstra uma característica específica de um bom doido varrido para o público: você regularmente concorda, entende seus impulsos, têm a mesma impressão sobre as coisas. Afinal, como discordar de Love ao apagar um anti-vacina com um rolo de massa? Um psicopata não vem com um rótulo na testa, e, definitivamente, o estilo Ted Bundy não ficou no século passado. – Nathália Mendes

Maid (Minissérie, Netflix)

Todo episódio de Maid parece impossivelmente longo. Mas não de uma maneira maçante ou lenta, diga-se de passagem, mas da maneira como cada um de seus dez capítulos se debruça tão intensamente sobre a vida de suas personagens e as captura com tanta vividez, por vezes tornando-a uma experiência quase difícil demais de se ver. Tanto uma odisseia pessoal quanto o retrato de um mundo frio e indiferente, a minissérie baseada no livro autobiográfico de Stephanie Land não é nada menos do que completa, em cada um de seus aspectos.

Já sendo considerada uma das grandes apostas da Netflix para a próxima temporada de premiações, a performance central de sua protagonista é o que carrega a produção de Molly Smith Meltzer. Margaret Qualley brilha na intimidade sutil de Alex, uma mãe que foge das agressões de seu namorado (Nick Robinson) junto de sua filha, Maddy (Rylea Nevaeh Whittet). Por mais que a interpretação de suas dores seja profunda e intensa, nunca cai no reino da auto-paródia ou do “misery porn”, capturando tão vivamente sua alegria quanto seu sofrimento. Qualley contracena com sua própria mãe, a atriz Andie MacDowell, que interpreta a mãe talvez categoricamente insana de Alex, e a relação problemática entre elas faz ótimo uso da química familiar entre as duas.

A direção e o roteiro de Maid são versáteis o suficiente para dar espaço a seus atores para trabalharem em cima dessas personagens em cenas emocionalmente complexas, maduras e envolventes, construindo um drama sobre pobreza, trauma e agressão em que cada episódio importa e se sobressai. Infelizmente, por conta do modelo de streaming da Netflix, parte desse impacto é perdido pela minissérie ser lançada de uma vez, não oferecendo tempo para respirar entre seus momentos mais dramáticos, incentivando uma maratona exaustiva ao invés da reflexão empática e compassada que sua trama implora para que você cultive. Mas, caso você esteja disposto a encarar essa exaustão, a obra mais do que recompensa o tempo que você coloca nela. – Gabriel Oliveira F. Arruda

American Horror Story: Double Feature (10ª temporada, FX)

Ryan Murphy anunciou a décima temporada de American Horror Story como a primeira a contar duas histórias ao invés de apenas uma. Intitulado de Double Feature, o show separa seis episódios para Red Tide, que se passa em uma cidade litorânea, e outros quatro para Death Valley, situado em um deserto. Junto com o formato novo, o programa contou com atores que nunca haviam participado nos anos anteriores, como Macaulay Culkin e Neal McDonough, além do retorno dos veteranos Sarah Paulson, Frances Conroy e Evan Peters.

Desse modo, American Horror Story inicia Red Tide com a mudança de uma família para Cape Code, uma cidade pacata e mórbida, motivada pelo emprego de Harry (Finn Wittrock). Logo, Doris (Lily Rabe) e a filha Alma (Ryan Kiera Armstrong) se deparam com os monstros que rondam as ruas em busca de sangue. No local, Harry enfrenta problemas com o bloqueio criativo, que o impede de desenvolver seu roteiro. A partir desse impasse, surge Belle (Frances Conroy) e Austin (Evan Peters) que o oferecem uma milagrosa pílula preta capaz de despertar o talento adormecido, porém acaba tornando seu usuário sedento por sangue. Por meio dessa história de terror, Ryan Murphy busca horrorizar seus telespectadores para o medo da mediocridade.

Após a conclusão de Red Tide, Death Valley se inicia com imagens em branco e preto como recurso para delimitar as duas épocas em que a história está situada. Uma delas se passa durante a década de 1950, quando os extraterrestres se apropriam da Terra como forma de perpetuar sua espécie. Após diversos conflitos diplomáticos com os seres interplanetários, os alienígenas acabam se instaurando nos Estados Unidos para desenvolver um ser híbrido entre humano e ET. E, assim, a trama pula para os anos atuais, em que a humanidade passa a ser engravidada pelos invasores. – Gabriel Gatti

The Premise (1ª temporada, FX)

Depois de anos no forno, a série criada, produzida e idealizada por B.J. Novak finalmente viu a luz do dia. A antologia The Premise é direta logo de cara, já que vemos o próprio criador como anfitrião, nos dando uma prévia do que irá acontecer. Em capítulos de meia hora, premissas diferentes são propostas e exploradas a fundo.

Sem quaisquer ligações entre si, as tramas envolvem fitas de sexo, plugs anais e o trauma que um tiroteio pode deixar em alguém. Brindada pelo humor muito característico de Novak (uma das mentes pensantes por trás de The Office), The Premise sabe escalar suas estrelas, com destaque para Ben Platt, Tracee Ellis Ross, Kaitlyn Dever, Lucas Hedges, Jon Bernthal, Lola Kirke e Daniel Dae Kim. A vibe Black Mirror de absurdismo é só a pontinha dessa curta comédia do FX. – Vitor Evangelista

What If…? (1ª temporada, Disney+)

Há historiadores que dizem amar a pergunta “e se?”, por se sentirem desafiados a olhar os mesmos aspectos por outros ângulos. Há outros que vão na contramão, e declaram a História como algo imutável e que é perda de tempo imaginarmos o que poderia ter acontecido. Inspirada nos quadrinhos, o Universo Marvel mostra que não apenas podemos sonhar com destinos diferentes, como nos dá os instrumentos para isso. Após WandaVision, Falcão e o Soldado Invernal e Loki, What If…? é a mais nova série da Marvel para o Disney+.

Em formato de desenho animado, a produção explora as diversas possibilidades dentro do MCU. Somos guiados pelo Vigia (Jeffrey Wright) para imaginarmos cenários desde se o primeiro Super Soldado na verdade fosse a Peggy Carter e até derrapar por um Thor completamente contrário do que conhecemos. Entre capítulos neutros e descontraídos, What If…? encontra espaço para emocionar e discutir o luto com a história do Doutor Estranho. Com o último episódio empolgante do começo ao fim, as expectativas pela segunda temporada permanecem altas. – Ana Júlia Trevisan

My Name (마이 네임, 1ª temporada, Netflix)

Provando que o sucesso meteórico de Round 6 não foi ponto fora da curva, My Name é mais uma produção sul-coreana que merece se destacar não só entre as melhores séries do mês, mas também do ano. Com uma trama de vingança simples que vai se complicando emocionalmente conforme as identidades de suas personagens vão se revelando, a narrativa é ancorada tanto pela excelente performance de sua protagonista quanto pelas coreografias das lutas expressivas e violentas.

Após testemunhar a morte de seu pai, Jiwoo (Han So-hee) se alia à organização criminosa da qual ele fazia parte a fim de encontrar seu assassino. Sob a tutela do carismático Choi Mujin (Park Hee-soon), ela se infiltra na polícia e assume uma identidade falsa, enganando todos ao seu redor, e talvez até ela mesma. Por mais que se inicie com um enredo de vingança básico, o roteiro da série eleva seus personagens e explora temas de identidade e confiança, construindo um ímpeto narrativo forte o suficiente para carregar facilmente seus oito capítulos, e quem sabe até uma segunda temporada.

O produtor e roteirista Javier Grillo-Marxuach (Lost e Cowboy Bebop) disse, em um painel sobre conflitos internos e externos no Austin Film Festival: “Cenas de luta, cenas de sexo, cenas de música, são todas a mesma coisa: elas acontecem quando o diálogo não é mais o suficiente.” Em My Name, esse princípio é utilizado com eficiência total, potencializando suas cenas de ação e combates, assim como seus momentos mais tenros e sensíveis. A interpretação visceral de So-hee como uma mulher dividida entre dois mundos impulsiona todo soco, chute e corte que ela dá, de maneiras que a Televisão americana ainda sonha em conseguir fazer. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sintonia (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Sintonia é uma ilustração da tríplice de poderes dentro das favelas brasileiras. Doni, Nando e Rita estão cada vez mais envolvidos com o funk, o crime organizado e a Igreja, cada um mostrando que a realidade não é dualista, mas que o ser humano precisa de âncoras para conseguir se manter vivo dentro de uma sociedade cruel. Além de escancarar todas as lacunas do Estado, a proposta da série é fazer muito mais do que isso: é representar quem costumeiramente não é visto com cada vez mais afinco. Não só a problemática foi aprofundada no segundo volume, mas também as características de seus personagens se aproximaram cada vez mais com o que é a população da favela em essência. 

O fato de ser coproduzida pela Kondzilla e estar numa plataforma de streaming influente como a Netflix é um marco para a representatividade. Mesmo que isso pareça clichê, a presença da produtora – que já é um fenômeno por si só – na posição de idealizadora de Sintonia ilustra a saída do funk para um amplo mercado, e tudo isso por um gênero que canta puramente o que vive, o que entende e na honestidade de como as coisas acontecem. Seguindo o caminho da segunda temporada, a série precisa – e deve – crescer mais, adentrar os conflitos emocionais de seus personagens, como tem feito com a vida de Nando no crime, mesmo que para isso Sintonia adote um enredo mais forte. – Nathália Mendes

Only Murders in the Building (1ª temporada, Hulu/Star+)

Only Murders in the Building conta a história de três moradores do prédio Arconia, em Nova York: Charles-Haden Savage (Steve Martin), Oliver Putnam (Martin Short) e Mabel Mora (Selena Gomez). A princípio, os três parecem não ter nada em comum, mas se conectam através do amor que têm pelo podcast criminal All is Not OK in Oklahoma, o que os inspira a investigar um homicídio no prédio onde residem e criar um programa autoral sobre o ocorrido. 

Ao decorrer da série, conhecemos um pouco mais sobre a história de cada um dos personagens e entendemos suas motivações por trás do interesse pela investigação. E o que parecia ser um prédio tradicional do Upper West Side se revela muito muito mais intrigante, mostrando que realmente pouco se sabe sobre as pessoas que cruzam caminhos nos corredores todos os dias.

Com um elenco que vai além da atuação brilhante dos protagonistas, trazendo participações  de Amy Ryan, Tina Fey e Sting, o show criado por Steve Martin e John Hoffman mistura perfeitamente o mistério com o humor, deixando todos os espectadores ansiosos para a segunda temporada, que já foi confirmada. Além do público, a crítica também aclamou o sucesso de Only Murders in the Building, que foi extremamente elogiada desde seu lançamento. – Marcela Zogheib

The Walking Dead (Parte 1 da 11ª temporada, AMC)

Comumente agendada para começar a ser transmitida em outubro, The Walking Dead resolveu fazer as coisas diferentes em seu ano final. Com mais episódios encomendados do que os habituais dezesseis, a longeva série de zumbis decidiu por lançar a primeira de três levas começando em agosto e terminando à tempo do Halloween.

Entre os destaques da décima primeira temporada estão o ínicio inspirado em Invasão Zumbi, com direito a trem infestado; a dinâmica avassaladora entre Maggie (Lauren Cohan) e Negan (Jeffrey Dean Morgan); e o retorno de Connie (Lauren Ridloff), depois de gravar Eternos. Além, é claro, da aguardada apresentação de Commonwealth.

A ideia de separar os personagens em uma porção de núcleos não é novidade nem boa notícia, mas considerando o desgaste da produção que lança episódios desde 2010, o saldo até que é positivo. Terminando com um gancho para lá de desnecessário, o começo do fim de The Walking Dead acende a chama da saudade no coração dos fãs e levanta algumas questões: veremos Rick e Michonne ano que vem? Por enquanto, não há resposta. – Vitor Evangelista

Mr. Corman (1ª temporada, Apple TV+) 

“Te deixa maluco envelhecer…” canta Lorde em Ribs, canção do álbum Pure Heroine. Além da música, o tema da passagem do tempo já foi abordado em diversos filmes, livros e séries. Em Mr. Corman, série produzida, roteirizada e estrelada por Joseph Gordon-Levitt (Entre Facas e Segredos e (500) Dias Com Ela), reconhecer o próprio envelhecimento é um dos temas centrais. 

Durante os 10 episódios da comédia dramática do Apple TV+, acompanhamos a vida de Josh Corman (Levitt), um homem frustrado que dá aula para as crianças da 5ª série em uma escola pública de Los Angeles. Ele poderia ter sido um astro do rock, mas acabou deixando a Música de lado e agora vive uma vida normal, dividindo apartamento com seu amigo, Victor (Arturo Castro). 

O início de Mr. Corman é lento e deixa uma dúvida: o que ela tem de tão especial assim para que continuemos assistindo aos próximos episódios? Conforme a trama se desenvolve, descobrimos a resposta: a produção chama a atenção em sua criatividade para representar as angústias de seus personagens, como quando transforma uma conversa entre mãe e filho em um musical. Sua habilidade em trazer cor e imaginação para a frieza da rotina é encantadora. É uma pena que tenha sido cancelada devido à baixa audiência. – Caio Machado

O Hóspede Americano (Minissérie, HBO Max)

Coprodução entre Brasil e EUA, a série dirigida por Bruno Barreto acompanha a Expedição Científica Rondon-Roosevelt, liderada pelo ex-presidente estadunidense Theodore Roosevelt (Aidan Quinn), e o Marechal Cândido Rondon (Chico Díaz). Seguindo o curso inexplorado do então chamado Rio da Dúvida, a narrativa apresenta os perigos da viagem, o choque entre natureza e civilização, e os embates culturais entre duas visões de mundo tão distintas como as de Roosevelt e Rondon. 

Seguindo um formato televisivo padrão sem tomar grandes riscos, a série tem méritos ao resgatar um episódio significativo da história brasileira, mas escorrega ao direcionar toda a ênfase na perspectiva do tal hóspede americano. Por outro lado, a recriação dos eventos históricos vêm com um gosto amargo. Ao longo dos episódios, vemos sempre uma equipe de filmagem registrando a expedição. Tristemente, grande parte do acervo original de registros das expedições de Rondon se perdeu no incêndio do Museu Nacional em 2018. A ficção é importante, mas nunca é o bastante para preservar a História. – João Batista Signorelli

On My Block (4ª temporada, Netflix)

É frustrante perceber que a última temporada de On My Block, uma das peças mais divertidas e carismáticas no catálogo da Netflix, tenha sido dolorosamente fraca. Depois de quatro temporadas, a finalização da trajetória do quarteto residente da periferia multiétnica de Los Angeles não encontrou o tom certo para dar um desfecho decente aos plots anteriores e, para piorar, descaracterizou a parte mais interessante de cada um de seus personagens.

Entre os protagonistas, apenas Cesar (Diego Tinoco), atual líder dos Santos, foi tratado com o mínimo de coerência, ainda preso entre a vida que queria e a vida que foi obrigado a ter. O relacionamento extremamente marcante com Oscar (Julio Macias) e o fato de ter sido colocado cara a cara com criminosos aposentados rechearam a história de Cesar com a carga dramática necessária, ressaltando a vulnerabilidade do personagem e finalizando o arco dos irmãos Díaz com muita tragédia e realismo.

No entanto, Jamal (Brett Gray) foi de bizarro encantador para misógino insuportável e a coitada da Monse (Sierra Capri) não recebeu nada além de um arco reaproveitado da temporada passada. Já Ruby (Jason Genao), de longe o personagem mais bem construído de On My Block, foi reduzido a namorado infantilizado e todos os seus traumas, imprescindíveis para o personagem, foram esquecidos no churrasco. Se o diferencial da série sempre foi equilibrar o sério e o surreal, o final parece ter sido escrito com as mãos amarradas, deixando de lado todo o charme que deu vida às três temporadas passadas. Mesmo assim, o quarteto (e seu elenco!) vai deixar saudades. – Caroline Campos

Pretty Smart (1ª temporada, Netflix)

A nova sitcom da Netflix mostra que a plataforma continua sabendo conduzir suas experimentações. Depois de misturar sua superprodução mais madura com o seu sucesso juvenil mais ousado no campo do drama, a produtora do streaming trouxe a energia dos anos 2010 do Disney Channel para atrair o público jovem adulto ao seu catálogo de comédia.

É essa a sensação que existe depois do primeiro episódio de Pretty Smart. Com o protagonismo de Emily Osment (Hannah Montana), a série está dentro do dia a dia de Chelsea, que foi de garota prodígio à gênia recém-formada na universidade, mas terminou com seus planos todos frustrados. Ela encontra abrigo na casa da irmã mais nova Claire (Olivia Macklin), e de seus amigos Grant (Greg Sulkin, de Os Feiticeiros de Waverly Place), Solana (Cinthya Carmona) e Jayden (Michael Hsu Rosen), todos vivendo de forma bem diferente do que a acadêmica tinha como ideal.

O tempo que Chelsea passa junto de sua nova família improvável a faz refletir sobre a forma como conduziu a sua vida até ali, refletindo em meio às palhaçadas do grupo sobre seus relacionamentos e a sua própria felicidade. Quase abobalhada demais, a criação de Jack Dolgen e Doug Mand conversa diretamente com o público cujo primeiro contato com sitcoms foi através das estrelas da Disney, e que hoje pode conservar algumas decepções para com a realidade que a geração dos 20 e poucos anos vive em 2021. – Raquel Dutra

Cenas de um Casamento (Scenes from a Marriage, Minissérie, HBO)

Adaptada da minissérie de 1973 do roteirista sueco Ingmar Bergman, Scenes from a Marriage é a obra-prima mais recente da HBO. Em cinco episódios, a série apresenta um casamento fracassado de maneira profunda, pessoal e complexa. Nada no roteiro é quadrado ou fácil: diálogos, atos e até mesmo o movimento das câmeras constroem a rede de dependência que um tem pelo outro e os machucados que o relacionando deixou em ambos.

Os protagonistas são Jessica Chastain e Oscar Isaac. A química entre os dois é forte a ponto de deixar o roteiro mais condizente com a realidade, e a atuação impecável faz com que o episódio de uma hora passe rápido, mesmo com a trama seguindo a passos lentos. Não há vilões na história, apenas duas pessoas agindo de forma irracional, emocionalmente fragilizadas com o casamento, inseguras e que precisam de ajuda profissional.

Oscilando entre capítulos menos intensos e devastadores, Scenes from a Marriage chega ao se encerra ao som de Chico Buarque. Retrato Em Branco E Preto foi uma escolha irretocável como trilha sonora, que casa em cada ponto apresentado na minissérie de Hagai Levi. Dentre os acertos, o maior para a releitura da obra de Bergman é a inversão de papéis que dá um fôlego mais atual na trama. – Ana Júlia Trevisan

What Do We Do in the Shadows (3ª temporada, FX)

Os maiores vampiros da cultura pop estão de volta! A terceira temporada de What We Do in the Shadows mergulha ainda mais na psique maluca dessas criaturas imortais, oferecendo capítulos ricos em risadas e em fantasia e terror. Enquanto Guillermo (Harvey Guillén) começa sendo julgado pelos assassinatos do ano anterior, Nandor (Kayvan Novak) e Nadja (Natasia Demetriou) se tornam colíderes do clã.

Colin Robinson (Mark Proksch) e Laszlo (Matt Berry) criam um vínculo de amizade nunca antes visto e a Guia (Kristen Schaal) faz o possível para manter todos eles na linha. Com os habituais dez episódios, Shadows aumenta o nível de qualidade e humor, provando que essa série tem espaço para crescer e conquistar mais audiências. Até ano que vem, meus queridos vampiros, e, por Deus, cuidem bem do bebê. – Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

A cerimônia do Grammy Awards 2021 foi delas. Beyoncé quebrou o recorde de artista feminina com mais gramofones ao receber o prêmio de Melhor Performance de R&B, pela importantíssima BLACK PARADE, somando 28 estatuetas no total. Taylor Swift também quebrou um recorde ao receber o prêmio de Álbum do Ano, por folklore, ao se tornar a primeira mulher com três gramofones na categoria.

Praticamente ninguém saiu de mãos abanando: diferentemente do ano passado, quando Billie Eilish rapou as quatro categorias principais de uma vez – fato que só tinha acontecido uma vez na história até então, em 1981 –, em 2021 assistimos uma diversidade maior de premiados. Eilish levou para a casa a estatueta de Gravação do Ano pela segunda vez consecutiva, e em uma surpresa muito positiva, H.E.R. venceu o gramofone de Canção do Ano, com a tocante e política I Can’t Breathe.

Megan Thee Stallion derrotou as fortes competidoras Doja Cat e Phoebe Bridgers e foi consagrada a Artista Revelação de 2021, de forma muito merecida. A dança da chuva de Lady Gaga e Ariana Grande deu certo e as queridinhas do pop venceram a categoria Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, se tornando a primeira dupla feminina a alcançar tal feito. E Dua Lipa, que perdeu AOTY, ROTY e SOTY pelo menos pôde levar o gramofone de Melhor Álbum de Pop Vocal para a casa.

Fiona Apple, ao vencer o gramofone de Melhor Álbum de Música Alternativa por Fetch the Bolt Cutters, se tornou a terceira mulher na história a realizar tal feito. Nas categorias Melhor Álbum de Country e Melhor Canção de Rock também assistimos mulheres fazerem história: pela primeira vez mais da metade dos indicados eram artistas femininas.

Porém, competições também dão margem para injustiças: infelizmente alguns grandes nomes não levaram para casa nem um mísero gramofone. É impossível não citar The Weeknd, que nem indicado foi e denunciou a corrupção e racismo dos votantes do Grammy. Mesmo com quatro indicações, a genial Phoebe Bridgers perdeu todas as estatuetas que concorria. Jhené Aiko, Chloe x Halle e Doja Cat, com três cada, também perderam tudo. As talentosíssimas irmãs da banda HAIM também foram embora da cerimônia principal só com os salgadinhos do buffet no estômago.

Pelo menos o quesito apresentação compensou a ida das três irmãs ao Centro de Convenções de Los Angeles. Elas cantaram a excelente The Steps, que concorria a Melhor Performance de Rock. Assistimos também Dua Lipa entregar um eletrizante medley de Levitating (com o rapper DaBaby) e Don’t Start Now. Taylor Swift, Megan Thee Stallion e Cardi B também apostaram no modelo. A loirinha cantou as suaves cardigan, august e willow, com participação especial de Jack Antonoff e Aaron Dessner. Já a dupla Megan e Cardi colocou todo mundo para dançar com Body, Savage (Remix), Up e a lendária WAP, que ganhou trecho especial com o remix do brasileiro Pedro Sampaio.

Outro representante da América Latina que cantou e encantou no Grammy foi o maravilhoso Bad Bunny, com DÁKITI, que contou com participação de Jhay Cortez. Do outro lado do mundo, os meninos do BTS explodiram o palco com o hit Dynamite. Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, mas ainda sim entregou tudo em sua apresentação. Harry Styles e Billie Eilish abriram a premiação com performances individuais de Watermelon Sugar e everything i wanted, e os Black Pumas transbordaram talento com Colors.

Também assistimos apresentações de Silk Sonic, DaBaby, Roddy Rich, Anthony Hamilton, Mickey Guyton, Miranda Lambert, Maren Morris, John Mayer, Post Malone, Lil Baby, Tamika Mallory e Killer Mike. E as homenagens para os que já nos deixaram ficaram na voz de Lionel Ritchie, Brandi Carlile, Brittany Howard e Chris Martin.

A Editoria do Persona se reúne num Nota Musical Especial, e comenta os méritos, deméritos, prós e contras dos principais indicados e vencedores do Grammy 2021, em forma de resumão. Falamos das categorias da premiação, chances de vencer, campanhas na imprensa e, no caso de injustiças, quem merecia ter ganho. Fique por dentro do que rolou na premiação mais importante do mundo da música com o Persona.

Álbum do Ano: Taylor Swift – folklore

É difícil defender o Grammy. A forma como a premiação conduz suas principais categorias todos os anos é marcada por inconsistências, favoritismos e esnobadas injustas. O impacto disso é tão grande que prejudica até mesmo o reconhecimento sincero dos méritos de alguns indicados, que mesmo com trabalhos de qualidade, se tornam contestáveis pelas circunstâncias. Em 2021, a categoria que mais evidenciou isso tudo foi a de Album Of The Year. O vencedor era a aposta mais provável, digna e controversa, porque mesmo com toda a excelência de folklore, não tem como falar de Taylor Swift na Academia de Gravação sem reconhecer o favoritismo da artista e sem tocar em polêmicas que se transformaram em discussões seríssimas e importantes no mundo da música. 

Dentre os oito indicados, a experimentação um tanto quanto purificada de Coldplay em Everyday Life foi surpresa para uns, mas não para a Academia, que só deixa a banda passar em branco quando o trabalho é de fato muito terrível, como foi em 2016, quando pela primeira vez um álbum do grupo não recebeu nenhuma indicação na premiação. Post Malone é figurinha carimbada e um fenômeno do pop/trap, e Hollywood’s Bleeding justifica o porquê disso, mas o álbum poderia facilmente ser substituído por algum outro trabalho de mais qualidade e impacto – e The Weeknd e After Hours sempre serão mencionados quando o assunto for as principais categorias do Grammy 2021. O mesmo é com Jacob Collier e Djesse Vol.3, que cumpre a cota dos artistas jovens reconhecidos pela Academia com um trabalho que está longe de ocupar o mesmo espaço que Billie Eilish ocupou com seu primeiro álbum em 2020.

A nata da categoria estava na ponta de diversidade que o Grammy apresentou em 2021, depois de muita insistência do público e dos artistas. O disco de estreia homônimo do duo Black Pumas, que foi indicado em Artista Revelação em 2020, foi relançado numa versão deluxe para competir este ano, tomado por funk, R&B e soul maravilhosos. O trabalho de Jhené Aiko em Chilombo dança num R&B divino, a banda HAIM faz de Women In Music Pt. III uma obra de rock alternativo leve e encantador e o pop de Dua Lipa em Future Nostalgia dispensa apresentações. Entretanto, com o Grammy finalmente olhando para fora e entendendo a importância da arte se relacionar com as movimentações da do mundo externo (como bem defendeu Beyoncé em seu discurso histórico na premiação), era esperado que o Álbum do Ano refletisse o que foi 2020, com uma produção intimista, reclusa e fruto do isolamento social. Junte isso ao nome, letras e produções de Taylor Swift, Aaron Dessner e Jack Antonoff e pronto, temos toda a beleza de folklore e o Álbum do Ano do Grammy 2021. – R.D.

Gravação do Ano: Billie Eilish – everything i wanted

Billie Eilish já é queridinha da Academia: em 2020 levou os quatro prêmios principais de uma vez (Álbum do Ano, Canção do Ano, Gravação do Ano e Artista Revelação), feito que tinha sido realizado apenas em 1981. Em 2021, mesmo com pouquíssimas chances, foi a grande vitoriosa da categoria Gravação. Também concorrendo em Record of The Year estavam as favoritas Dua Lipa, com Don’t Start Now e Beyoncé, com BLACK PARADE, mas infelizmente não foi dessa vez.

A própria Billie ficou muito surpresa ao ouvir seu nome, e já com o gramofone na mão deu a entender que estava esperando a vitória de Megan Thee Stallion por Savage (Remix). Que o Grammy é imprevisível nós já sabíamos, porém, Billie vencer por everything i wanted, uma música que não teve forte apelo comercial e também não era a favorita da crítica especializada, é apenas um dos sinais que a Academia realmente gosta da artista e provavelmente continuará a premiar a estadunidense no futuro, mesmo que desagrade o público geral. – J.B.

Canção do Ano: H.E.R – I Can’t Breathe

Uma das categorias mais esperadas da noite, Song of The Year contou com faixas que conseguiram conquistar o público em uma época sem shows ou festas por conta do isolamento social. As composições The Box, cardigan, everything i wanted, If The World Was Ending, BLACK PARADE, I Can’t Breath, Don’t Start Now e Circles encantaram, emocionaram e animaram seus ouvintes, garantindo seu lugar na corrida para o prêmio tão aguardado.   

As obras de Beyoncé e H.E.R. entraram na história, onde pela primeira vez duas músicas sobre questões raciais concorreram à categoria. BLACK PARADE entrou na contagem que levou Beyoncé a ser a artista mais indicada da edição. I Can’t Breath, que nasceu dos protestos de Black Lives Matter do ano passado, garantiu a segunda indicação de música do ano para H.E.R..

E dentre os favoritos da noite pelo público, Don’t Start Now, cardigan e everything i wanted estavam com uma torcida gigante pelos fãs das cantoras. Apesar disso, foi H.E.R. que levou a estatueta e, ao subir no palco completamente emocionada, terminou seu discurso dizendo que devemos ser a mudança que queremos ter no mundo. – M.C.

Artista Revelação: Megan Thee Stallion

A categoria Artista Revelação, é, sem dúvidas, uma das mais polêmicas do Grammy. Desde as suas mudanças de regras ao longo dos anos influenciadas por artistas que não puderam ser indicados, como Lady Gaga e Lorde, até as críticas pela falta de diversidade entre os ganhadores. Nos últimos 10 anos da categoria, apenas dois dos vencedores eram pessoas negras. Mas na cerimônia de ontem a situação mudou um pouquinho: merecidamente, Megan Thee Stallion contrariou as estatísticas e recebeu o gramofone de Best New Artist. *Ahh!* 

Com uma campanha excelente de Megan e dois hits, WAP (com Cardi B) e Savage (Remix) [com Beyoncé], a rapper dona de um Body-ody-ody tão icônico quanto seu talento levou a estatueta para a casa com orgulho. Fosse em outro ano, talvez poderíamos ter assistido a também favorita e talentosíssima Phoebe Bridgers receber a categoria, ou até mesmo Doja Cat. Mas 2021 nos deixa satisfeitos, pelo menos nesse sentido, e esperançosos por um futuro que não esnobe tanto pessoas não brancas. – J.B.

Melhor Performance de Pop Solo: Harry Styles – Watermelon Sugar

A brisa da melancia foi o que fez um dos artistas mais idolatrados de 2020 não sair de mãos abanando do Grammy 2021. Com Watermelon Sugar, Harry Styles venceu Don’t Start Now de Dua Lipa, numa categoria que só tinha hit, como Say So, da revelação Doja Cat, e nomes fortes, como Billie Eilish com a maravilhosa everything i wanted e Taylor Swift com o lead single do Álbum do Ano, cardigan. 

A vitória caiu bem para o ex-One Direction, que foi o primeiro dos egressos da boyband a ser indicado e vencer um Grammy. Já para a Academia, uma indicação de Best Pop Solo Performance caiu muito mal, forçando um dos trabalhos mais preguiçosos de Justin Bieber com a terrível Yummy numa categoria que poderia reconhecer muitas outras performances louváveis de um ano tão rico para a música pop como 2021. – R.D.

Melhor Performance de Pop Duo/Grupo: Lady Gaga & Ariana Grande – Rain On Me

A categoria de Best Pop Duo/Group Performance do Grammy desse ano foi recheada de ídolos pop e era como se estivéssemos vendo a premiação de alguns anos atrás. Uma mulher que já fez nome no Grammy e concorreu nessa categoria foi Taylor Swift, junto de Bon Iver, com a canção exile, de seu álbum premiado folklore. A loirinha, que não saiu de cena nesse ano, entregou essa canção em um tom um pouco mais alternativo, e é a que mais se difere da fórmula das outras da categoria. 

Continuando na saga de cantores que amamos (ou amávamos), Justin Bieber esteve presente em Melhor Performance de Pop Duo/Grupo. Após vermos o canadense com Quavo em I’m The One, a colaboração dos dois na canção Intentions felizmente não ganhou o Grammy desse ano. Nessa mesma categoria, J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny e Tainy terão que esperar UN DIA (ONE DAY) para ter um prêmio com essa canção. 

Lady Gaga, que até hoje não trouxe a continuação de Telephone  com a Beyoncé, ganhou nessa categoria com a colaboração de Ariana Grande, que foi esnobada no Grammy passado.  Assim, a parceria do pop foi a primeira colaboração feminina ganhar essa categoria na história da premiação. Rain On Me fez parte da primeira (e única)  performance do Chromatica e fez chover felicidade dos fãs das cantoras com uma música que mexeu com tudo nesse ano. Gaga também não deixou os meninos do BTS brilharem com seu Dynamite dessa vez e os fãs dos coreanos também ficaram surpresos. E agora, o que esperar das Armys em relação aos próximos Grammy? – A.B.R.

Melhor Álbum de Pop Vocal: Dua Lipa – Future Nostalgia

Na categoria Best Pop Vocal Album concorrem aqueles que apresentaram obras como mais de 51% de seu foco na sonoridade vocal dos artistas, e entre os nomes que disputam esse ano temos vários veteranos, alguns novatos e uma grande incógnita de merecimento. Começando pelo que não deveria concorrer, Changes e Justin Bieber colocam interrogações em nossas cabeças com a indicação. Afinal, sua vaga pertencia claramente ao maior ícone musical de 2020: The Weeknd.

Mas decepções a parte, Lady Gaga, indicada apenas em duas categorias esse ano, disputou com o caloroso Chromatica e sua fantasia de cores. Ela, assim como Taylor Swift e Bieber, já concorreram a Melhor Álbum Pop Vocal em anos anteriores, sendo ele o único que nunca venceu. Contudo, entre os veteranos, Taylor competiu com o aclamado folklore, empregando a magia pop folk que perpassa o álbum e fez dele um dos favoritos da noite.

Por fim, migrando para os novatos, Harry Styles recebeu suas primeiras indicações ao gramofone dourado nessa edição, concorrendo com Fine Line na categoria. O álbum que equilibra delicadeza e poder se destaca por ser um suspiro de personalidade entre obras masculinas clichês como Changes. Mas entre todos, foi Dua Lipa que dominou as rádios e corações no ano de 2020, o que torna mais do que justa sua vitória com Future Nostalgia. A britânica, que embalou a sonoridade oitentista em moldes contemporâneos, foi contemplada por oferecer carisma, diversão, autenticidade e qualidade em um único pacote. – A.L.F.

Melhor Álbum de Dance/Eletrônica: KAYTRANADA – BUBBA

Se ARCA, que também estava indicada, tivesse ganhado essa categoria com seu intenso KiCk i, ela seria a segunda mulher trans na história a receber uma indicação para o gramofone e a primeira a vencer. SOPHIE, produtora talentosíssima que perdemos no começo do ano, já havia sido indicada em 2018 por OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES. Porém, não foi dessa vez que a venezuelana fez história. 

A vitória de KAYTRANADA em Best Dance/Electronic Album não é de nenhuma forma decepcionante ou negativa, muito pelo contrário: o haitiano-canadense é uma força como artista negro e LGBTQ+. Seu álbum, BUBBA, transborda energia e sensibilidade, e ele também foi o grande vencedor da categoria Melhor Gravação de Dance com 10%, parceria com Kali Uchis. Na categoria também estavam indicados Disclosure, com o disco Energy; Madeon, com Good Faith; e Baauer, com Planet’s Mad. – J.B.

Melhor Performance de Rock: Fiona Apple – Shameika

Antes mesmo de premiar uma das seis performances indicadas, a categoria de Best Rock Performance fez história por incluir apenas artistas mulheres ou bandas comandadas por mulheres nomeadas. Enquanto Stay High de Brittany Howard perseverou em Canção, Performance apenas repetiu o discurso mais potente da música em 2020: Fiona Apple é uma força da natureza e deve ser reconhecida como tal, e mesmo que a vencedora Shameika passe longe do que a cantora oferece de melhor em Fetch the Bolt Cutters, sua vitória é um aceno da Academia para a excelência técnica de Apple, que transformou isolamento em rotina antes da OMS decretá-lo como norma. 

O caminho mais interessante, entretanto, seria premiar cantoras realmente ligadas no Grammy e que iriam apreciar uma vitória significativa, ainda mais nesse ano comandado por mulheres roqueiras. Um agrado para Kyoto, da excepcional Phoebe Bridgers, calharia aqui. Sem falar que premiar a melhor música de 2020, The Steps da banda HAIM, seria a justiça divina. Mas o Grammy raramente liga para o que é certo. – V.E.

Melhor Canção de Rock: Brittany Howard – Stay High 

Esse é um gramofone dado aos compositores, como o VT de Best Rock Song ilustra de maneira enfática. Quem saiu vitoriosa, então, foi Brittany Howard, vocalista do Alabama Shakes e dessa vez indicada por seu trabalho solo no disco Jaime. Indicada também em Performance de Rock, onde perdeu para Fiona Apple, a canção Stay High venceu aqui. Numa categoria usualmente dominada por homens, Howard já havia sido premiada em 2016, ainda sob o manto do Alabama Shakes. Ela perdeu esse prêmio ano passado, concorrendo com History Repeats.

A letra de Stay High é uma homenagem ao pai da cantora, K.J. Howard, e narra a importância do homem para a família, de maneira sensível e poderosa. Brittany venceu a favorita Shameika, de Apple, e a monumental Kyoto, de Phoebe Bridgers. Ainda concorriam canções das bandas Tame Impala e Big Thief. É especialmente notável que, num ano dominado por mulheres em Canção e Performance de Rock, foram elas mesmo que saíram vitoriosas. – V.E.

Melhor Álbum de Música Alternativa: Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters

Dado para artistas do gênero música alternativa, a categoria Best Alternative Music Album esse ano foi concorrido por Fiona Apple com Fetch the Bolt Cutters, Beck com Hyperspace, Phoebe Bridges com Punisher, Brittany Howard com Jaime e Tame Impala com The Slow Rush. Cada um dono de suas particularidades, os destaques ficaram com Fetch the Bolt Cutters, no qual a artista se desnudou para falar de traumas passados e entregou um verdadeiro clássico; e Punisher com seus arranjos complexos e perfeitamente dominados pela entrega da cantora.

O resultado não poderia ser outro. Fiona Apple que já concorreu ao lado da divindade Bjork em 2013 com The Idler Wheel…, seu quarto álbum de estúdio, ganhou o merecido gramofone, minimizando um pouco a injustiça após não ter sido indicado em Album of The Year, mesmo sendo um disco aclamado pela crítica especializada e consagrado o melhor de 2020. Produzido na própria casa da artista, o barulho do dia a dia se mescla com o instrumental das faixas, fazendo com que as biográficas letras se tornem ainda mais envolventes. O prêmio de Melhor Álbum de Música Alternativa não foi surpresa pra ninguém, o vitorioso Fetch the Bolt Cutters nasceu para ficar marcado na história. – A.J.T.

Melhor Performance de R&B: Beyoncé – BLACK PARADE 

As músicas de Beyoncé, Jhené Aiko, Jacob Collier, Brittany Howard e Emily King concorreram na categoria de Best R&B Performance. Goat Head, que discute colorismo e miscigenação, levou Brittany Howard a uma das suas 5 indicações na cerimônia. 

Jacob Collier, que já possuía 4 prêmios, entrou na disputa com seu feat junto a Mahalia e Ty Dolla Sign, All I Need. O outro collab que concorreu na categoria foi de Jhené que, com seu trabalho em parceria a John Legend, Lightning & Thunder, garantiu sua segunda indicação da noite.

E sendo a mais indicada da edição, Bey foi favorita pelo público para ganhar a estatueta com BLACK PARADE. A música também concorreu em Song of The Year, uma das maiores categorias do Grammy. Ao ser anunciada como vencedora, Beyoncé se tornou a artista feminina com mais prêmios em toda a história da premiação, e foi aplaudida de pé pelos outros convidados. – M.C.

Melhor Canção de R&B: Robert Glasper, H.E.R. & Meshell Ndegeocello – Better Than I Imagined

Em Melhor Canção de R&B, a mais indicada da noite competia com suas apadrinhadas e com a grande vencedora do disputadíssimo Grammy de Canção do Ano. Beyoncé e Chloe x Halle eram as favoritas com suas respectivas canções, BLACK PARADE e Do It. No entanto, Bey perdeu e a dupla das irmãs Bailey que entregaram em Ungodly Hour um dos melhores álbuns do ano não foram premiadas nem pelo lead single do disco.

O que brilhou forte foi o nome de H.E.R.. Além de ser reconhecida em uma das categorias principais, artista aparecia duas vezes em Best R&B Song, indicada por Slow Down, sua colaboração com Skip Marley, e na vencedora, Better Than I Imagined, levada graciosamente por H.E.R, Robert Glasper e Meshell Ndegeocello. A última indicação era Collide, de Tiana Major9 e EARTHGANG, que amarra uma das categorias mais consistentes do Grammy 2021. Cada uma delas vale muito o play. – R.D.

Melhor Álbum de R&B Progressivo: Thundercat – It Is What It Is 

Diferente do que as previsões apontavam, já entregando o gramofone para o aclamado álbum Chilombo, de Jhené Aiko, foi Thundercat que acabou levando a melhor. Cinco anos após sua primeira indicação e vitória no Grammy Awards, o estadunidense Stephen Lee Bruner conseguiu revirar todos os bolões ao ganhar o prêmio de Best Progressive R&B Album com seu melódico It Is What It Is. 

Outra surpresa na categoria foram as irmãs Bailey terem ficado para trás. A dupla criadora do Ungodly Hour, e uma das grandes revelações de 2020, também era uma das principais apostas ao prêmio. Suas indicações em categorias de R&B ainda causaram polêmica por se tratar de um álbum majoritariamente pop, e que poderia ter simplesmente trocado de lugar com outros artistas. – V.S.

Melhor Performance de Rap: Megan Thee Stallion & Beyoncé – Savage (Remix)

Quando Beyoncé está na área, não tem pra ninguém! Pelo nas categorias de gênero, a Queen B sempre se mostra presente e vitoriosa. Em 2021, o remix de Savage ganhou o prêmio de Best Rap Performance. Megan Thee Stallion, a sensação do ano passado, pareceu surpresa na hora de agradecer a Academia mas, convenhamos, não existia um mísero cenário onde a colaboração mais quente do rap pudesse perder o gramofone.

As únicas mulheres indicadas, Stallion e Beyoncé bateram nomes em ascensão e consolidados do cenário norte-americano, como DaBaby, Lil Baby e o falecido Pop Smoke. Não havia música mais badalada que Savage, mas os votantes poderiam homenagear de forma póstuma Pop Smoke, que foi baleado poucas semanas depois de lançar seu disco e estourar nas paradas. É uma pena que o brilhante trabalho do rapper tenha sido reconhecido apenas nas categorias de nicho e não se alastrado para as gerais, como Artista Revelação, onde uma indicação seria justa e bem-vinda. – V.E.

Melhor Performance de Rap Melódico: Anderson .Paak – Lockdown

O que diabos é Rap Melódico? Vamos começar por aí, então. A categoria de Best Melodic Rap Performance ganhou esse novo nome recentemente, na tentativa de abraçar o crescimento e a evolução do gênero. Em inglês, além de se referir ao estilo da música, a palavra rap é um verbo, o ato de cantar rap, normalmente de forma rápida, com beats intensos e pouco espaço para respiro. Então, são indicadas aqui canções do nicho que usam de elementos de fora dele. Para ajudar a entender, podemos olhar para os antigos vencedores: Crazy in Love, Umbrella, Empire State of Mind, All of the Lights e This Is America.

Em 2021, concorreram HIGHEST IN THE ROOM, de Travis Scott, Laugh Now Cry Later, parceria de Drake e Lil Durk e das 6 nomeações de Roddy Ricch, duas foram aqui, solo por The Box (injustiçada e vencedora moral), e acompanhado de DaBaby em ROCKSTAR (outra merecedora do gramofone). Quem venceu foi Anderson .Paak, queridinho da Academia e que performou algumas canções ao lado de Bruno Mars e a recém-nascida banda Silk Sonic. .Paak subiu ao palco para agradecer o prêmio pela melódica Lockdown. – V.E.

Melhor Canção de Rap: Megan Thee Stallion & Beyoncé – Savage (Remix)

Real Hot Girl Shit! Eu poderia muito bem repetir os argumentos escritos nos parágrafos acima, na seção de Performance de Rap, mas, assim como os diversos discursos que Megan Thee Stallion deu quando subiu ao palco do Grammy, vou ser versátil. Esse gramofone é especial por uma série de motivos: primeiro de tudo, pelo fato de Beyoncé ter dado as caras e feito história como a pessoa com mais prêmios na história da premiação. Segundo, por ser a primeira parceria feminina a vencer na categoria dominada por homens. Terceiro, pelas palavras de Stallion, visivelmente emocionada de receber a honraria ao lado da Queen B.

Ainda concorriam uma porrada de músicas escritas e cantadas por homens, a maioria presente nas outras categorias de rap da noite. O remix de Savage vencer Best Rap Song ajudou a pavimentar o estrelato de Megan, seu status de estrela não apenas em ascensão, mas agora completamente suspensa e brilhante. Além de ter turbinado a jornada de Bey como recordista do Grammy. É verdade que a maioria de suas estatuetas estão nas categorias secundárias, mas essa é uma pequena vitória digna de celebração. – V.E.

Melhor Álbum de Country: Miranda Lambert – Wildcard

Para dizer o mínimo, podemos classificar as indicações de Best Country Album no ano de 2021 como sendo revolucionárias. Pela primeira vez na história da premiação, apenas mulheres concorreram pela categoria deste gênero, que é majoritariamente masculino e machista. A favorita da noite era, sem dúvida, Miranda Lambert e sua obra Wildcard. Ela, que acumula 5 indicações no Grammy, já venceu a categoria em 2015 por seu álbum Platinum, entretanto, nesse ano ela concorreu com nomes mais poderosos e emergentes.

Apesar de não poderem ser chamadas exatamente de novatas no ramo Country, Ingrid Andress com Lady Like e Brandy Clark com Your Life Is Like a Record chamaram a atenção pela excelência que apresentam mesmo com pouco tempo de carreira, nos dando esperanças de em breve vê-las novamente na premiação. Mas entre todas, se pudéssemos entregar o gramofone da noite a quem realmente merecia, Ashley McBryde e sua obra Never Will seriam a escolha perfeita. A cantora que concorreu pela segunda vez na categoria continua a construir álbuns coesos e poderosos. Entretanto, a vitória ficou mesmo com Lambert, que com certeza entregou uma das melhores produções do ano, mas não a melhor ou a mais completa. – A.L.F.

Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop: Bad Bunny – YHLQMDLG

Apesar da criação do Grammy Latino em 2000, para premiar as produções de destaque da indústria fonográfica da América Latina, o Grammy Awards não descartou o reconhecimento de trabalho da região em sua premiação, ou melhor, o reggaeton que se inspira na música latina, caribenha e europeia, influenciada pelo hip hop, pela salsa e pelo eletrônico. Sendo Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop a única televisionada desta seção. Entre os indicados deste ano – Bad Bunny, Ricky Martin, Camilo, Kany García e Debi Nova – apenas Martin tem histórico glorioso na categoria, levando duas vezes o gramofone pra casa (1999 e 2016).

Esse ano, quem levou o prêmio foi um dos maiores nomes da América Latina da atualidade, o porto-riquenho Bad Bunny por seu álbum YHLQMDLG. O Grammy foi mais que merecido para o artista que já havia se destacado no Grammy Latino e o que mais acumulou streams globais em 2020. Momentos antes de receber seu gramofone, ele se apresentou de maneira grandiosa ao lado de Jhay Cortez com o hit DÁKITI. Para encerrar com chave de ouro a vitoriosa noite, Bad Bunny acertou em discursar em espanhol, fazendo jus a sua categoria de Best Latin Pop or Urban Album. – A.J.T.

Melhor Álbum de Música Global: Burna Boy – Twice As Tall

Melhor Álbum de Música Global é uma categoria recém-criada do Grammy que busca “celebrar a diversidade musical e inclusão cultural”, derivando-se da extinta Melhor Álbum de Música do Mundo. Segundo a Academia, essa modificação visa uma maior inclusão de gêneros menos recorrentes na premiação, e para marcar a inauguração de Best Global Music Album, os escolhidos foram Fu Chronicles, do grupo nova-iorquino de afro-beat Antibalas, Love Letters, da britânica-indiana Anoushka Shankar, e o blues africano profundo de Amadjar, da banda Tinariwen.

A música brasileira também foi lembrada e muito bem representada por Agora, de Bebel Gilberto. O condecorado da nova categoria foi Twice As Tall, a mistura deliciosa de afro-beat, pop, dancehall e hip-hop do nigeriano Burna Boy. Novos ares parecem estar mudando as concepções da Academia e o Grammy não tem mais como fugir das demandas por diversidade e inclusão. Veremos como isso seguirá. – R.D.

Melhor Trilha Sonora Compilada para Mídia Visual: Taika Waititi – Jojo Rabbit

A categoria de Best Compilation Soundtrack for Visual Media abarca os formatos de Cinema e TV mas, como veremos a seguir, a maioria dos indicados vieram de filmes. Vencido em 2020 pela dupla dinâmica Bradley Cooper e Lady Gaga por Nasce Uma Estrela, dessa vez a sátira Jojo Rabbit e seu diretor Taika Waititi foram agraciados com o gramofone.

Por conta da janela maluca de elegibilidade, longas que participaram da temporada passada só aparecem no Grammy um ano depois. Jojo Rabbit, que já havia vencido o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, bateu filmes de 2020 como Frozen II e Um Lindo Dia na Vizinhança, bem como obras que figuram na temporada atual, caso de Eurovision e Bill & Ted 3. Diretamente do set do novo Thor, o diretor neozelandês apareceu para agradecer o Grammy e declarou que fica feliz com o máximo de prêmios que consegue ganhar com a história de Jojo e seu amigo imaginário Hitler. – V.E.

Melhor Trilha Sonora para Mídia Visual: Hildur Guðnadóttir – Coringa

Novamente sem reconhecimento para TV, a categoria de Best Score Soundtrack for Visual Media repetiu a vencedora do ano anterior. A magnânima Hildur Guðnadóttir, que fez história sendo a primeira mulher a ganhar esse gramofone sozinha, não contente com um recorde, foi lá e venceu mais uma vez. Em 2020, o prêmio veio por Chernobyl, série pela qual a islandesa também ganhou o Emmy. Dessa vez, a Academia reconheceu a Trilha de Coringa, que já havia lhe rendido um Oscar.

Diferente da categoria anterior, que premia músicas vocais, esse prêmio é dado para os compositores do instrumental. Hildur usou sua força musical para ilustrar de maneira límpida e crua a evolução e a queda do personagem que deu o Oscar à Joaquin Phoenix. Falta apenas um Tony para a mulher virar EGOT e, pelo seu aclamado currículo recente, isso não vai demorar para acontecer.

No Grammy 2021, ela venceu o recordista de prêmios e indicações da categoria John Williams, desta vez representado por Star Wars IX: A Ascensão Skywalker. Fora ele, Hildur bateu Thomas Newman, indicado ao Oscar por 1917 ao lado dela, Max Richter por Ad Astra e Kamasi Washington, responsável por Becoming. Daqui para a frente, nunca aposte contra Hildur Guðnadóttir. – V.E.  

Melhor Canção Escrita para Mídia Visual: Billie Eilish & Finneas – No Time To Die

A Academia do Grammy adora premiar os desenhos da Disney aqui, mas em 2021 o furacão Billie Eilish conseguiu vencer por um filme que sequer foi lançado. No Time To Die, canção original do próximo 007, perseverou numa categoria dividida entre obras da temporada passada e da atual e fez história. O prêmio foi recebido com surpresa e felicidade por Billie e seu irmão Finneas O’Connel, parceiro da jovem cantora. Bom lembrar que 2020 foi o ano deles na premiação, onde ganharam tudo que puderam e mais um pouco.

Sem Tempo Para Morrer ainda não saiu por conta da pandemia mas a canção foi agraciada com o prêmio que Lady Gaga havia ganhado duas vezes nos últimos dois anos, primeiro por Shallow e depois por I’ll Never Love Again, do hit Nasce Uma Estrela. É provável que Eilish siga os passos de Gaga e chegue até o Oscar com sua música, mas isso só poderá acontecer em 2022, quando, e se, o filme do James Bond estiver elegível. 

Ainda competiam pelo Grammy de Best Song Written for Visual Media: Taylor Swift por Beautiful Ghosts, de Cats; a composição original de Dois Irmãos; e duas das indicadas ao careca dourado em 2020: Stand Up, que faz parte de Harriet, e Into the Unknown, carro-chefe de Frozen II. Billie não tinha muita competição aqui, visto que a maioria das canções não eram destaques dos filmes, além do lobby ao redor da marca Billie Eilish ser gigantesco e a Academia claramente adorar ela. – V.E.

Produtor do Ano, Não-Clássico: Andrew Watt

O que Break My Heart (Dua Lipa), Midnight Sky (Miley Cyrus), Ordinary Man (Ozzy Osbourne & Elton John) e Take What You Want (Post Malone, Ozzy Osbourne & Travis Scott) tem em comum? Todas têm pelo menos algum dedo da produção de Andrew Watt, que costuma assinar como watt. O estadunidense ganhou o gramofone de Producer Of The Year, Non-Classical pela qualidade de suas produções, criatividade e pela campanha realizada. 

Outro favorito que saiu sem prêmio foi Jack Antonoff, que estava indicado por august, mirrorball e this is me trying (Taylor Swift); Gaslighter (The Chicks) e holy terrain (FKA twigs & Future). Aliás, horas depois Jack subiu no palco da premiação principal para receber sua estatueta como produtor do Álbum do Ano, após Swift vencer com folklore. Quem sabe ano que vem o queridinho das cantoras pop finalmente recebe o gramofone que merece? – J.B.

Melhor Vídeo Musical: Beyoncé, Blue Ivy e WizKid – BROWN SKIN GIRL

Na categoria em que a sétima arte encontra a música, os indicados do ano buscaram trazer inovação e espiritualidade para suas produções. E entre tantas obras de alta qualidade, a vencedora foi aquela que uniu o sentimento de pureza ao melhor que a música pode oferecer. Beyoncé, levou o prêmio de Best Music Video com BROWN SKIN GIRL, recebendo o seu segundo gramofone dourado nessa categoria, a qual já havia vencido em 2017 com Formation.

Apaixonante, poderosa e delicada, a obra da cantora se destacou em meio aos nomes masculinos que concorriam com ela. Entre eles Future e Drake com Life Is Good, e Woodkid com Goliath. Para a alegria de todos, a controversa premiação decidiu agraciar merecidamente o curta-metragem que explora o poder materno e deu a Blue Ivy o título de segunda pessoa mais jovem a vencer o Grammy, atrás apenas de Leah Peasall que conseguiu o feito com 7 anos de idade. Vale ressaltar ainda que o produtor Nathan Scherrer venceu ao lado da cantora, mas concorria por outros dois clipes na categoria, sendo eles Adore You de Harry Styles e Lockdown de Anderson .Paak. – A.L.F.

Melhor Filme Musical: Linda Ronstadt: The Sound of My Voice

Decepcionada, mas não surpresa. Como a Beyoncé não ganhou essa categoria com Black is King eu também não sei, mas conhecendo o Grammy e em especial a forma como ele trata a recordista Beyoncé, não é de se surpreender. A Academia até tentou se inteirar dos debates sociais e melhorar sua representatividade, mas perdeu feio uma das melhores oportunidades de premiar um trabalho grandioso em significado, beleza e relevância. 

A obra-prima que exalta o continente africano enquanto berço da humanidade, recaindo sobre um dos assuntos de maior relevância na atualidade e coordenado pela artista que também é uma das de maior impacto perdeu para o documentário sobre a vida de Linda Ronstadt, grande nome do rock, country, blues e folk estadunidense que se aposentou em 2011. Concorriam também ZZ Top: That Little Ol’ Band From Texas, contando a história da banda de blues-rock ZZ Top, Beastie Boys Story, documentário dirigido por Spike Jonze que se debruça sobre memória do Beastie Boys, e We Are Freestyle Love Supreme, musical que relembra a origem do grupo de hip-hop fundado por Lin-Manuel Miranda.

Não quero discutir os méritos de The Sound of My Voice nem de qualquer outro indicado em Best Music Film porque cada um carrega sua importância e singularidade dentro de seu nicho. Prefiro usar o espaço para reforçar a importância de se apreciar Black is King, que carrega uma riqueza inestimável em cada canto da produção e transcende qualquer barreira de espaço, tempo, língua, gênero e cultura. – R.D.

Você pode acessar a lista completa com os vencedores das 83 categorias clicando aqui.

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