Gabrielli Natividade 

Para quem gosta de música, 2022 foi um ótimo ano, com diversos lançamentos incríveis de vários grandes artistas. Entre os novos projetos, está o segundo álbum do britânico Louis Tomlinson, Faith In The Future, que chegou ao público no dia 11 de Novembro. O disco é, desde de seu título até a última faixa, um exemplo de otimismo, esperança, mudança e maturidade, além de demonstrar perfeitamente que Louis finalmente se encontrou como artista solo, que sabe o que quer e está pronto para crescer cada vez mais como pessoa e como cantor.

O musicista precisou lidar com muita pressão para chegar onde está atualmente. Por ser ex-membro e o principal compositor de uma das maiores boybands do mundo, havia uma grande expectativa para que continuasse seu legado com suas grandes letras. Pode-se dizer que o cantor estava um pouco perdido para se inserir na indústria como solista, já que foi o último ex-One Direction a lançar um álbum – Walls foi ao ar somente em Janeiro de 2020, cinco anos após a pausa da banda. Os seus dois discos são muito distintos entre si: o primeiro é mais próximo do pop que fez parte de sua vida por cinco anos; o segundo, mais relacionado ao indie e ao alternativo. Apesar de Faith In The Future ser uma representação mais fiel de Tomlinson, ele não se arrepende de suas escolhas do passado. “Eu tenho muito orgulho do meu primeiro álbum. Eu não seria capaz de escrever Faith In The Future sem Walls, isso é parte do processo”, declarou para Lowkey Deep.

O trabalho foi um processo longo e digno de orgulho. Mesmo sendo o responsável por muitos hits pop, como Steal My Girl, Perfect, Back to You e Don’t Let It Break Your Heart, o britânico sempre demonstrou afinidade pelo estilo de música que está desenvolvendo recentemente. Na One Direction, o cantor compôs Little Black Dress, o mais distante que a banda chegou do gênero. Em seu disco de estreia, uma de suas faixas favoritas é Kill My Mind, sua primeira música a trazer a bateria e o baixo mais presentes. Já canções como Written All Over Your Face e The Greatest refletem perfeitamente a sonoridade desejada por Tomlinson em sua nova era. Ele pode ter demorado para se encontrar como artista solo, mas sua essência e estilo próprio sempre estiveram guardados em seu coração.

Além de Louis ter encontrado o estilo de música que realmente tem interesse em lançar individualmente, outro motivo que pode explicar a diferença entre seus dois álbuns é a mudança de gravadora. Durante a estreia de Walls, o músico era representado pela Syco Entertainment, a mesma gravadora responsável por toda a discografia da One Direction; já na era Faith In The Future, Tomlinson migrou para a Bertelsmann Music Group (BMG). Começar um novo ciclo com um time inédito foi ótimo para o cantor, ainda mais quando se considera os boatos de gestão abusiva envolvendo a Syco e o empresário Simon Cowell. As composições do segundo disco são mais profundas e isso não é à toa: Louis provavelmente conseguiu maior liberdade criativa em seu espaço de trabalho.

O novo projeto conta com 16 faixas e três singles, Bigger Than Me, Out Of My System e Silver Tongues. O britânico foi muito inteligente em escolher as três como representantes do álbum, uma vez que elas demonstram perfeitamente a ideia principal do disco, ou seja, recordar-se dos bons momentos do passado e desapegar do que for desnecessário para a jornada de seguir em frente com a consciência limpa. Em Bigger Than Me, Louis aceita que mudou, que todos mudam e que o mundo é maior do que ele. Em Out Of My System, ele percebe que já conquistou muito, mas que ainda tem muito para viver, e vai se livrar de todos os seus demônios para conseguir isso. Já em Silver Tongues, o cantor expõe como é muito mais fácil enfrentar o mundo com uma boa companhia ao seu lado. Tomlinson criou uma bela narrativa com seu novo trabalho, com todas as faixas conversando entre si e os singles carregando uma história linear e em comum que é muito especial.

Toda história precisa de um título, e Faith In The Future foi um grande acerto para a mensagem que o musicista quis passar. Tendo um histórico exemplar dentro de sua antiga banda, desprender-se da imagem de “Louis da One Direction” e recomeçar uma carreira praticamente do zero foi um desafio, mas o cantor se manteve de cabeça erguida na nova fase. Tomlinson tem obtido bons resultados, já que – com o novo álbum – conseguiu ocupar o primeiro lugar do official charts pela primeira vez. Além disso, ele irá começar uma turnê mundial com quase 80 shows já confirmados, e está planejando a terceira edição de seu festival de música, o The Away From Home Festival. “Meio que define minha própria jornada individual. Pessoalmente e profissionalmente, eu tive que ter fé no futuro“, disse o cantor em uma entrevista com Zach Sang.

Um ponto interessante no processo de criação do álbum é a forma como este foi divulgado. Os fãs do britânico sabem que ele adora enigmas e mensagens subliminares, e que nada do que é exposto ao público sobre seus trabalhos é por acaso – em Faith In The Future não seria diferente. Meses antes do disco ser lançado, Louis publicou em sua comunidade do YouTube 16 fotos com anagramas escondidos que formavam os títulos de todas as faixas do projeto. A jogada foi uma estratégia divertida e criativa de se promover e, ao mesmo tempo, aproximar-se da fanbase, que se empenhou em se reunir e solucionar o desafio.

Uma nova era começou para Louis Tomlinson e não é difícil perceber que grandes conquistas estão por vir. Com o otimismo mostrado no título, nos singles e em faixas como Chicago, The Greatest, Saturdays e Angels Fly, o britânico deixa claro que está preparado para explorar sua essência e seu estilo, e desenvolver cada vez mais sua musicalidade. O cantor pode ter mudado após os tempos de boyband, mas seu talento ainda é o mesmo, senão maior. “Esse é o tipo de álbum que eu sempre quis fazer, então sentar aqui agora com esse sentimento me dá muita confiança para o que está por vir“, afirmou para a Rolling Stone. Os fãs do cantor podem ter fé, porque o futuro da carreira de Louis ainda guarda grandes coisas.

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Gabrielli Natividade da Silva 

Stranger Things já está consolidada como um dos maiores sucessos da Netflix há muito tempo. Sua primeira temporada foi ao ar em 2016 e, agora, a quarta parte da história segue mantendo a boa recepção do público e consegue angariar ainda mais fãs, mesmo que seu lançamento tenha sido postergado pela pandemia. Esse ano, a série recebeu 13 indicações ao Emmy, sendo as principais Melhor Série de Drama e Melhor Elenco de Série de Drama – as outras nomeações figuram categorias técnicas. Um ponto ficou claro nesta última leva de episódios, o de que a aura infantil e sonhadora se foi e as sombras rondam os moradores de Hawkins. Os irmãos Duffer começaram um jogo brutal, mas, em alguns momentos, nota-se que desistiram de suas melhores jogadas.

É aparente que a temática geral da série se tornou mais sombria, a começar pelo próprio plot apresentado neste ano. O tão amado grupo de amigos retorna à escola após os eventos catastróficos do último quatro de julho, desta vez, com uma perspectiva nova: o Ensino Médio. Lidando com problemas considerados normais para a adolescência, como novas amizades, busca de uma identidade e até mesmo bullying, foi realmente uma surpresa para eles que corpos desconfigurados passassem a ser encontrados pela cidade, ainda mais quando uma das integrantes do bando poderia ser a próxima vítima. Essa narrativa se relaciona com o terror dos anos 1980, o que faz sentido e é muito interessante para quem consegue identificar referências nítidas no roteiro, com o principal exemplo sendo a inegável semelhança entre Vecna (Jaime Campbell Bower) e Freddie Krueger (Robert Englund até mesmo fazendo uma participação rápida na temporada). 

Toda a mudança de tom da produção leva a uma dúvida importante: Stranger Things perdeu sua coerência? A resposta não é certa. Ross e Matt Duffer se esforçaram para que todo o conteúdo se mantivesse interligado, mas não é difícil perceber que a série está quase irreconhecível. A linguagem macabra é, na verdade, muito bem-vinda. Porém, seria mais atrativo que os criadores dessem o próximo passo, já que eles não tem pena alguma de matar sem mais nem menos personagens secundários (e têm a fama de adicionarem-nos apenas para isso), contudo nunca tiveram coragem de tirar de cena um dos protagonistas. Will (Noah Schnapp), Hopper (David Harbour) e, agora, Max (Sadie Sink) chegaram perto, mas tiveram suas vidas salvas no último minuto, quebrando a expectativa do espectador e o deixando tranquilo quanto a uma possível grande morte – o que não é bom. Ver a morte da ruiva, por exemplo, teria sido mais intrigante do que assistí-la quebrada e cega em uma cama de hospital. 

Quanto a adição dos personagens novos, pode-se dizer que houve alguns acertos e muitos erros. Chrissy (Grace Van Dien) foi um raio de luz e conquistou o público rapidamente com seu jeito simpático, mas, infelizmente, sua presença não durou nem dois episódios. Pelo menos sua participação foi imortalizada com os vários remixes de Chrissy, Wake Up. Seu namorado Jason (Mason Dye), por outro lado, foi mantido até o último momento, mesmo que fosse inconveniente e minimamente carismático. A adição mais injusta foi a de Vickie: todo o talento incontestável de Amybeth McNulty acabou desperdiçado, uma vez que a personagem foi resumida a um interesse romântico e apareceu em pouquíssimos segundos de tela. Argyle (Eduardo Franco) teve uma trajetória parecida com a da paixão de Robin, tratado como um simples alívio cômico e tendo utilidade em alguns raros momentos. 

Eddie Munson, por outro lado, foi um sopro de ar fresco em meio ao caos da quarta temporada de Stranger Things. Joseph Quinn foi capaz de impor sua forte presença no minuto em que apareceu, mantendo-na até seu último suspiro. Com uma personalidade impossível de desgostar e uma coleção de momentos icônicos, o jovem adulto repetente trouxe uma química surreal com uma grande quantidade de personagens, especialmente com Dustin (Gaten Matarazzo), característica até então atribuída apenas para o ex bad boy Steve Harrington (Joe Keery). Eddie foi o típico jovem deslocado, a quem nunca foi dada uma oportunidade real de mostrar sua verdadeira face, e, mesmo que as teorias apontem que o metaleiro mais amado da Netflix ainda está vivo e no mundo invertido, as injustiças lhe ocorreram até mesmo depois de sua morte. 

O protagonismo neste quarto ano ficou por conta de Max e Eleven (Millie Bobby Brown). Mesmo que a súbita falta de poderes da última a tenha colocado em segundo plano, o resto da trupe foi obrigado a lidar com os problemas sem se apoiar em sua super-heroína. As duas personagens são próximas desde a temporada anterior e o fato de Max ser a última vítima de Vecna fez com que a ligação entre elas se estreitasse ainda mais. Eleven estava desesperada para retomar suas habilidades e salvar sua melhor amiga, assim como, mesmo se afogando em desespero, Max foi capaz de se acalmar com a proteção de sua aliada, até mesmo tentando ajudá-la no meio de um embate de gigantes. 

Mesmo que a volta de Max não seja tão interessante de se assistir, é emocionante notar que a personagem de Millie preza tanto pela garota que foi capaz de ressuscitá-la. Para a surpresa de muitos, nenhuma das atrizes foi indicada ao Emmy esse ano. A exclusão de Sadie foi a mais chocante, já que, após a sua performance no episódio Dear Billy, parecia óbvio que a jovem seria indicada ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama. 

Um fato curioso e, nesta altura do campeonato, um pouco incômodo, é o fato de que Eleven ainda não descobriu sua própria identidade, sempre se adaptando ao meio em que está inserida. Na primeira temporada, ela era influenciada por Brenner (Matthew Modine) e Mike (Finn Wolfhard), e na segunda, por Hopper e Kali (Linnea Berthelsen). Já na terceira, era Max quem desempenhava esse papel e, na quarta, Joyce (Winona Ryder) e Brenner novamente. De certa forma, faz sentido que a garota não saiba quem é por ter tido sua infância roubada de si, mas após quatro anos era de se esperar que houvesse um progresso em seu processo de descoberta, e não é o que aparenta. 

No início da trama dessa temporada, Eleven trava uma grande discussão com Mike, por sentir que não se encaixa em lugar algum e, pouco depois, demonstrou que seu antigo ‘papa’ ainda demonstrava muito poder sobre ela. Com o cientista morto e a jovem tendo descoberto a origem de seus problemas e seus novos poderes, aguarda-se que ela finalmente deixe desabrochar sua personalidade. Porém, tendo perdido uma batalha para Vecna, o futuro ainda é imprevisível.  

Já ficou claro que houve muita quebra de expectativa na mais recente temporada de Stranger Things, mas a maior delas envolve Mike e Will. Wheeler estava acostumado a ser o líder do grupo desde o primeiro ano da série, porém seu brilho foi ofuscado e ele foi rebaixado ao posto de namorado bobinho de Eleven e interesse romântico de Will. Byers, por sua vez, tem sido cada vez menos aproveitado: sua ligação intensa com o mundo invertido praticamente não foi abordada no novo plot e, com certeza, quase todo o público se sentiu enganado pela Netflix ter optado por prolongar o queerbating mais um pouco. Os sinais de que Will se assumiria gay e apaixonado por um de seus melhores amigos eram óbvios para muitos, mas, por algum motivo incompreensível, o último passo não foi dado. Só resta esperar que esses personagens tão importantes sejam melhor explorados na próxima trama. 

Um fator que passou longe de decepcionar no novo ano de Stranger Things foi, definitivamente, a trilha sonora. A inserção de Eddie na série realmente foi benéfica nesse sentido, já que o garoto agraciou a todos com referências ao rock e o metal dos anos 1980, além de trazer um dos melhores momentos da temporada: o solo de Master of Puppets, que faz todo o sentido com a narrativa. Mas a cereja do bolo é, sem surpresas, a música Running up That Hill. A faixa ficou na cabeça de todos por ter sido tocada tantas vezes, fazendo com que o espectador realmente se sentisse como a Max, agarrando-se à voz segura de Kate Bush nos momentos de alerta. A cantora obteve resultados muito positivos com a série, uma vez que a sua canção se popularizou novamente décadas depois de seu lançamento, alcançando até mesmo posições altas na Billboard Hot 100. É o que dizem, não dá para se competir com os clássicos. 

A última temporada da produção não é o que os fãs estavam esperando, mas todo o caos trouxe uma adrenalina necessária para quem lida com rotinas monótonas. Porém, o final deixa a desejar e quebra o ritmo frenético criado nos oito episódios. O erro começa com a divisão dos capítulos: desde o anúncio do quarto ano, foi divulgado que o lançamento seria feito em duas partes, no entanto, a segunda ‘metade’ era apenas dois episódios muito longos, diferente do formato comum das produções que recorrem a esse recurso. O fim quebra o clima de vez, já que, após altas emoções, só o que se vê é uma tela preta informando que dois dias haviam se passado e, em seguida, todos praticamente agem como se nada tivesse acontecido. 

Entre altos e baixos, a produção tem um longo histórico de participação no Oscar da TV, acumulando 51 indicações e 7 vitórias. Assim como neste ano, a maior parte do reconhecimento da série vai para as categorias técnicas, em especial as relacionadas à edição de som – Stranger Things já recebeu três estatuetas pelo seu desempenho nessa área e concorre a mais duas em 2022, Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora) e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora), ambas pelo sétimo episódio, Dear Billy. Quanto às principais categorias da noite, o título compete pela estatueta de Melhor Série de Drama pela quarta vez, porém nunca conseguiu levá-la para casa; para Melhor Elenco de Série de Drama, Stranger Things já está em sua terceira indicação, vencendo somente em seu segundo ano no evento, em 2017. Com o sucesso estrondoso da última temporada, pode ser que mais alguns prêmios entrem para a coleção.

Dentre os episódios dessa leva, o Querido Billy e O massacre no laboratório de Hawkins se destacaram no Emmy 2022, concorrendo a quatro categorias cada, e o final da série simplesmente não faz jus a isso. Carregando momentos inesquecíveis e outros que é melhor apagar da memória, Stranger Things já está confirmada para uma quinta e última temporada, e espera-se que os Duffer tenham a coragem de tirar seu público do escuro e entregar as melhores cartas no fim do jogo.

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“Um livro deve ser o machado que partirá os mares congelados dentro de nossa alma.”

— Franz Kafka

Julho foi o mês do Persona se infiltrar ainda mais nos entremeios literários: dos dias 2 ao 10, membros da nossa Editoria cobriram a Bienal Internacional do Livro de São Paulo, que ocorreu no Expo Center Norte. Dentre os destaques, a Homenagem a José Saramago – que completaria 100 anos em 2022 –, feita por Andréa Del Fuego, José Luís Peixoto e Jeferson Tenório, e a presença de Paulina Chiziane e Valter Hugo Mãe, marcaram a última edição do festival.

Neste ano, o evento teve dupla celebração: além do centenário do único escritor de língua portuguesa a receber o Prêmio Nobel de Literatura, 2022 também marca o bicentenário da Independência do Brasil. Assim, a celebração se deu na forma de reconhecimento da identidade linguística, que une continentes através do idioma em comum. O evento contou também com a presença do presidente de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa.

Contudo, Julho também foi um período de indigestas – porém necessárias – reflexões. Após a repercussão nacional dos absurdos que envolveram o direito ao aborto legal de uma menina de 11 anos em Santa Catarina, a questão ganhou ainda mais enfoque quando, ao final de Junho, a Suprema Corte dos Estados Unidos derrubou a decisão judicial de 1973 que garantia a legalidade do aborto em todo o território nacional. As discussões se nortearam no aspecto de direitos fundamentais que, a princípio, pareciam resguardados, mas que, a bem da verdade, precisam de constante vigilância. 

É nesse contexto que o filme dirigido por Audrey Diwan, com a mesma temática, chegou aos cinemas brasileiros integrando o Festival Varilux de Cinema Francês, em uma adaptação cinematográfica do marcante relato da francesa Annie Ernaux. Assim, não foi difícil escolher para o Clube do Livro do Persona a obra O Acontecimento.

Baseado em um episódio biográfico, o livro conta a história de uma jovem de 23 anos que engravida e, sem poder contar com o apoio do namorado ou da própria família, precisa fazer um aborto. Ilegal na França da época, ela vive praticamente sozinha o acontecimento que, quarenta anos depois, revive no livro.

Refletindo sobre a onipresença da lei e seu imperativo sobre os corpos femininos, Ernaux mostra uma faceta literária que mistura a ficção com a não-ficção. Agora, para fechar – ou ampliar – um importante momento de reflexões, deixamos as indicações de mais um Estante do Persona.

Livro do Mês

Annie Ernaux – O Acontecimento (80 páginas, Fósforo Editora)

Escrito com propósitos confessionais, O Acontecimento é a narrativa nua e crua da história biográfica de Annie Ernaux com o aborto clandestino. Prorrogado pelos 40 anos subsequentes de uma gravidez indesejada aos 23 anos, o tom do texto é dado em estalos urgentes que redesenham aquilo que a autora classifica como a “experiência completa da vida”. O texto, publicado pela primeira vez na França nos anos 2000, chegou ao Brasil em maio deste ano pela Fósforo, e ganhou tradução nas escolhas lexicais de Isadora de Araújo Pontes.

Vivendo em um momento em que o aborto era ilegal na França, a jovem Annie encontra na gravidez o desespero de ser ameaçada pela ruína de tudo que é e do que espera para o futuro. Vinda de uma família de trabalhadores de camada social baixa, ela é a primeira a adentrar uma universidade e carrega consigo todas as expectativas do sucesso. Para além das hipóteses, são as certezas que a assombram, sua natureza livre e ciente da própria autonomia não mensura riscos para devolver ao próprio corpo a integridade que o pertence. 

Apesar da longevidade entre o momento do acontecimento com o registro do mesmo nas páginas da publicação, a autora se mostra tão fiel a sua verdade que não são necessárias ressalvas. O fato se insere com uma legitimidade imponente, fazendo as marcas se gravarem nos leitores como se fossem capazes de transmitir partes das cicatrizes de Annie. Assim, O Acontecimento resiste em paradoxos: do tudo ao nada, do simples ao complexo, da superfície a profundidade… Na metonímia do corpo de uma mulher, fica difícil entender como tantas transgressões podem ganhar lar em apenas 80 páginas. – Jamily Rigonatto

Dicas do Mês

Casey McQuiston – Última parada (400 páginas, Seguinte)

Quando a cética August se mudou para Nova Iorque, o que ela menos esperava era criar laços. Ainda mais com uma garota presa ao metrô há 40 anos. Em seu segundo livro, Última Parada, a autora best-seller Casey McQuiston segue os passos da jovem de vinte e poucos anos em sua nova vida como adulta independente na cidade grande. À princípio desapegada e desconfiada, a jovem protagonista se permite se abrir e descobre que o companheirismo e amizade de seus companheiros de apartamento, Niko, Myla, Wes e o cão Noodles, são elos mais fortes do que imaginava. Também, percebe que Jane, a garota que sempre encontra no metrô e por quem tem uma quedinha, está, na verdade, impossibilitada de sair dali há décadas.

Misturando ficção científica e romance, o livro cria uma narrativa no mínimo divertida e intrigante. August passa seus dias entre a faculdade e trabalhar para pagar o aluguel, mas, nas horas vagas, dedica seu tempo a negar seus sentimentos por Jane e achar formas de como libertá-la do metrô. Mesmo a premissa peculiar permite McQuiston recriar situações comuns à nova juventude, em uma trama cheia de representatividade LGBTQIA+ e de um linguajar pop e atraente – afiadamente traduzidos por Guilherme Miranda -, que envolve o leitor principalmente pela abordagem dos laços de amizade modernos. Tendo seu ponto alto na forma como retrata as vivências e a cabeça da nossa geração, Última Parada vai querer te fazer não parar. – Vitória Gomez

Hilda Hilst – O caderno rosa de Lori Lamby (80 páginas, Companhia das Letras)

Hilda girando boates, Hilda fazendo chacrinha. Seja pelo abalo que sua presença provocava na cena paulistana ou pelo choque em sua decisão de isolar-se em um sítio no interior; olhar para a Hilda Hilst era entrar em um jogo. Um jogo de imprevisibilidades de uma escrita que apunhalava pelas costas todos os gêneros em que se aventurava. No entanto, mesmo com os elogios da crítica especializada, a obra da poeta não tinha um grande alcance entre os leitores brasileiros. Lida em banheiros, lida em trens, lida para passar o tempo, o desejo de Hilst era ser lida.

Em O caderno rosa de Lori Lamby, a autora dá seu xeque-mate. Ora complexa, ora louca, Hilst compõe, em Lori Lamby, um texto fácil e tão polêmico que não teria como não ser lido. No diário de uma garota de 8 anos que relata sua prostituição, com uma linguagem que chega a ser ridícula de tão infantil, ao mesmo tempo que enquadra as dificuldades de seu pai, um escritor falido, a conseguir atenção do mercado editorial, a escritora constrói o absurdo da prostituição infantil e de um pai neurótico como um recurso metafórico de sua própria situação, enquanto mulher no mercado editorial brasileiro. Em entrevistas, estranhamente frequentes na época de lançamento do livro, ainda mais para quem escolheu estar longe dos tablóides, Hilst brinca com o impacto moral do pornô para desafiar e dar uma banana ao mercado editorial, que a levava a sério demais para incentivar sua produção.

Ao parodiar grandes nomes da literatura erótica, como Henry Miller e Georges Bataille, a poeta constitui, com um humor muito característico  – quase que tirado de um filme camp de John Waters – um desafio para ser lida para além do que estava em suas páginas. O caderno rosa de Lori Lamby é uma bandalheira de uma escritora no ápice de sua irreverência, tudo para pegar nos nervos dos caretas. – Enzo Caramori

Benjamín Labatut – Quando deixamos de entender o mundo (176 páginas, Todavia)

Não seria loucura pensar a ciência como uma outra faceta do pensamento mágico? A bem da verdade, Theodor W. Adorno e Max Horkheimer defenderam a ideia em Dialética do Esclarecimento (1947), apontando para a “razão” como uma espécie de misticismo, na qual impera nos entremeios sociais um culto aos números e formas precisas. O que se mantém oculto, porém, é a forma como as mais exatas das ciências estão ancoradas no extraordinário: na ideia absurda e abstrata de provar uma hipótese. Quando deixamos de entender o mundo é composto por quatro narrativas, que são interligadas magistralmente por Benjamín Labatut ao apontarem para os sonhos e desejos místicos que nortearam grandes revoluções científicas.

O livro é vendido como um “romance de não-ficção” – uma contradição entre termos que soa absurda –, cuja principal característica é justamente a forma como aponta para a quantidade imaginativa e “mágica” que circunda o nosso mundo “real”. As descobertas científicas, muito bem estabelecidas e respeitadas por seus mecanismos técnicos, não se distanciam dos aparatos fantásticos: todas essas surgiram de uma hipótese, até mesmo de um sonho, e as verdadeiramente impactantes – como Schrödinger e sua mecânica quântica, o “Princípio da Incerteza” de Werner Heisenberg e os ideais matemáticos-anarquistas de Alexander Grothendieck – foram contra tudo o que se havia estabelecido como “ciência exata” até aquele momento. 

A possível “loucura” da obra não soa tão estranha aos leitores de Thomas Pynchon, que desenvolveu em seus livros – em especial O Arco-Íris da Gravidade (1973) – uma mistura pitoresca entre fato científico e invenção artística. Contudo, Quando deixamos de entender o mundo prova, assim como Adorno e Horkheimer fizeram, que as invenções científicas ancoradas na ideia de progresso estão sempre fadadas ao fracasso. Como escreveu Walter Benjamin, a técnica, por si só, é a junção da Arte e da Tecnologia. – Bruno Andrade

Jessica Jung – Shine: Uma chance de brilhar (368 páginas, Intrínseca)

Jessica Jung é uma artista sul-coreana conhecida por ter integrado o grupo feminino Girls Generation. Em 2021, ela estreou como escritora com Shine: Uma chance de brilhar, uma narrativa que reflete a sua trajetória pessoal na indústria do K-pop. A protagonista de Jung é Rachel Kim, uma jovem garota que sonha em ascender aos palcos e acaba descobrindo o quanto os bastidores do entretenimento são extremos e cruéis. São muitas as similaridades entre autora e obra: desde a xenofobia sofrida por Kim até a doçura de sua irmã mais nova, a história parece convergir para uma biografia não autorizada. 

Entre romances escondidos dos fãs, jornadas de trabalho exaustivas e colegas de trabalho malvadas, Jessica Jung ilumina a misoginia da Música sul-coreana e continua o debate sobre as condições nada humanas que as empresas de idols, celebridades asiáticas, impõem sobre os seus produtos: crianças e adolescentes ainda em fase de formação. Shine: Uma chance de brilhar não é uma fanfic, ficção criada por fãs, mas pode ser considerada uma idolfic, afinal, enquanto Jung não se sente confortável em contar a sua vida a partir da primeira pessoa do singular, os leitores podem decifrar Bright, a sequência lançada em 2022. – Nathalia Tetzner

Jean-Dominique Bauby: O Escafandro e a Borboleta (144 páginas, WMF Martins Fontes)

O que acontece quando as palavras, maior instrumento do seu trabalho, não podem mais ser vocalizadas? É assim que Jean-Dominique Bauby analisa sua história de vida. Após um derrame, Bauby, que era editor da revista francesa Elle, se encontra em uma condição chamada de Síndrome de Locked-in (ou Síndrome do Encarceramento), na qual perde o movimento de quase todo seu corpo, podendo apenas movimentar o olho esquerdo.

É apenas piscando o olho, e com a ajuda de uma fonoaudióloga, que Bauby cria O Escafandro e a Borboleta, uma sincera e tocante análise da vida pelos olhos de alguém que vê sua vida passar enquanto está preso dentro do próprio corpo. Mesmo nessa condição, o autor traz um humor sarcástico para a obra, sem deixar que a história caia no nicho da auto-ajuda. Porém, a história do Escafandro, armadura de mergulho pesada que dificulta seus movimentos (seu corpo) e a Borboleta, animal leve e que voa livre (sua mente) tem o poder de trazer uma nova perspectiva para como enxergamos nossa própria existência. – Guilherme Veiga

Katharine McGee – O Milésimo Andar (420 páginas, Rocco)

“Em apenas três minutos, ela iria colidir com o cimento implacável da East Avenue, mas agora, neste exato momento, ela estava mais linda do que nunca”. Assim se inicia O Milésimo Andar, obra lançada em 2018 e escrita por Katharine McGee, que aborda a vida, os segredos e os fardos de cinco jovens ー Avery Fuller, Leda Cole, Rylin Myers, Watt Bakradi e Eris Dodd-Radson ー no futuro distópico e tecnológico de Manhattan em 2118, pós aquecimento global, onde toda a população da cidade é obrigada a morar em um prédio de mil andares para viver em condições normais após o colapso da natureza.   

O livro possui uma leitura fluida e não muito complexa. Além disso, é muito interessante para quem gosta de histórias com diversos pontos de vista, já que cada capítulo é narrado por um dos personagens principais. O ponto alto da obra são os temas fortes que são abordados com muita maestria e cuidado, como incesto, pressão familiar, desigualdade social, depressão, vício em drogas e outros. Apesar da temática delicada, O Milésimo Andar não deixa de ser leve e divertido de se ler, e é impossível não ficar envolvido com o mistério apresentado, sendo sua única opção ler até o final para receber uma reviravolta surpreendente. E para quem gostar deste título, ainda há as sequências A Altura Deslumbrante e A Vista Infinita. – Gabrielli Natividade da Silva

Pedro Juan Gutiérrez – O Rei de Havana (184 páginas, Alfaguara)

Pedro Juan Gutiérrez escreve para os fortes de estômago, aqueles estupidamente curiosos em conhecer uma parte da vida em Cuba nos anos 1990. O Rei de Havana atravessa toda a triste clareza com que seu protagonista Reynaldo enxerga a vida marginalizada na capital cubana. De maneira brilhante e obscena, a obra não só enxerga o submundo do país, mas descreve as particularidades das pessoas que a ele pertencem com um objetivo: questionar até que ponto há dignidade na vida de um ser humano.

É maluco, né? Imaginar como alguém se acostuma tanto à margem da sociedade, à pobreza, à sujeira, que se sente intrínseco àquilo. É assim que o protagonista de Gutiérrez vê a si mesmo, sem compreender como alguém prefere água corrente na torneira e comida no prato todos os dias. Rey é só um adolescente despreocupado, com uma vida arruinada, um passado traumático, e a vontade de permanecer não pensando em nada, nunca. E só se sente um verdadeiro rei quando está transando bêbado, sujo, sem tomar banho, em um lugar qualquer que cheire a xixi. O rei de Havana. – Nathália Mendes

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Gabrielli Natividade da Silva 

Não é segredo que Harry Styles sabe fazer uma boa Música. Já tendo acumulado mais de cinco anos de carreira solo e alguns grandes prêmios (incluindo um Grammy), o cantor lançou, no dia 20 de maio, seu novo álbum, Harry’s House, formando sua santíssima trindade perfeita. Se Harry Styles narra um amor trágico e Fine Line é um equilíbrio entre quedas e acertos, o caçula é revigorante como a trilha sonora de um clássico filme romântico. São treze novas faixas muito empolgantes e aconchegantes que refletem otimamente que o britânico está em sua melhor fase, cada vez mais seguro de si, de sua vida e, claro, de sua Música. 

A ideia de casa e conforto foi muito bem pensada, apesar de reciclar uma estratégia de marketing do álbum lançado em 2019. Muitos fãs provavelmente se recordam do “surto” para desvendar os mistérios de Eroda. Para promover o clipe de Adore You, Harry escolheu vender a ilha fictícia como um verdadeiro destino turístico, sem revelar que estava por trás de toda a obra. O mesmo foi feito com Harry’s House: meses antes do anúncio do disco, foram criadas contas no Twitter e no Instagram para a suposta loja de decoração You Are Home – houve até anúncios em jornais locais. Tudo começou a ficar suspeito quando a marca passou a postar nada mais que frases no Twitter e imagens atrás de uma porta semiaberta no Instagram. Se confirmaram as teorias de que o terceiro álbum realmente estava vindo quando Styles seguiu todos os perfis nas redes sociais. 

Em entrevista para Zane Lowe, Harry comentou sobre a proposta geral para o álbum: “É sobre um dia na minha casa, pelo que eu passo. Um dia na minha mente. Na minha casa eu estou tocando músicas divertidas, músicas tristes, alegria, dor, um dia na minha vida”. De fato, o disco faz com que o ouvinte se sinta próximo e íntimo do cantor, como se estivesse acompanhando-o a um passeio com muita conversa. Não haveria título melhor para refletir essa ideia e, apesar de haver especulação sobre a sua origem ter relação com a música Harry’s House/Centerpiece, de Joni Mitchell, Harry disse, na mesma entrevista, que é uma referência ao cantor japonês Hosono, que lançou o álbum Hosono House. De qualquer forma, ambos os projetos foram lançados na década de 1970 e conversam bem com o estilo de acordes suaves e instrumentos de sopro utilizados por Harry.  

A tracklist, como um todo, é muito intrínseca e vulnerável. Grande parte das músicas dialoga entre si, demonstrando diversos ângulos de um grande amor que pode andar em círculos, até que os envolvidos tenham força para se adaptar às mudanças e aos desafios. Todavia, Matilda carrega uma fragilidade incomparável. A faixa é delicada ao máximo, sendo um conselho direto do próprio Harry para todos que cresceram sem receber o amor que deveriam e sentem a culpa por isso, incentivando a autocompaixão e a libertação de relações tóxicas. “Eu acho que as pessoas sentem muita culpa por coisas que elas não necessariamente deveriam sentir. É seu direito proteger o espaço ao seu redor e ser protetor consigo mesmo e cuidar de você mesmo”, declarou Styles para a NPR.

Para falar sobre as prováveis inspirações para o novo trabalho do britânico, é necessário apontar que Styles é muito influenciado por grandes artistas dos anos 1970 e 1980, como Queen, Fleetwood Mac e Mick Jagger. Esses exemplos sempre estiveram presentes nas músicas do ex-One Direction – especialmente em seu primeiro álbum, quando Harry ainda estava buscando seu próprio estilo e espaço – e não foi diferente com a leva mais recente. A referência oitentista ligada ao jazz, às baladas e ao rock clássico, misturados ao pop, funcionaram muito bem, apesar de não ser uma ideia totalmente inédita. Dua Lipa e The Weeknd, por exemplo, alcançaram o topo das paradas, em 2020, com essa mesma tática, e o mesmo é esperado para o britânico com Harry’s House. 

Daydreaming é outro exemplo da mistura entre o contemporâneo e as influências do final do século passado. A faixa é consolidada como uma das mais divertidas do álbum e isso pode ser explicado por ter feito uso do sample de Ain’t We Funkin’ Now, de autoria do The Brothers Johnson. Com a bateria, o baixo e o trompete bem característicos, a música de 1978 tem tudo o que é necessário para a de 2022 funcionar – Quincy Jones, produtor musical da dupla, elogiou Styles e agradeceu pelos créditos. Trazer esse estilo para as outras músicas ficou por conta de Harry e seu time, o cantor escolheu trabalhar novamente com Kid Harpoon e Tyler Johnson, além de seu guitarrista Mitch Rowland. O trio participou, junto ao cantor, no processo de criação dos dois álbuns lançados anteriormente e, novamente, fizeram um ótimo trabalho.   

Passando para a ordem das faixas, Harry expôs para a iHeart sobre os desafios para encontrar a sequência perfeita. “Sequenciamento é, provavelmente, a parte que eu acho mais estressante, porque está essencialmente finalizado e você só tem que ouvir de várias formas diferentes”. Bom, todo o esforço compensou, pois o álbum passa uma energia decrescente que é muito interessante de se ouvir, começando com a animação dos trompetes de Music For a Sushi Restaurant, até chegar nas batidas calmas de de Love Of My Life. Contudo, não dá para negar que o cantor está em sua era invertida, isso é visto na própria capa do álbum, no início de Boyfriends e até mesmo no vídeo promocional divulgado quase um mês antes do lançamento, que contém o áudio invertido da última música do disco. Levando tudo isso em conta, é possível concluir que, talvez, a sequência “correta” de Harry’s House também é invertida, mesmo fazendo sentido dos dois modos, sendo uma genialidade impressionante, como de costume para Styles.

“To boyfriends everywhere…fuck you!”, assim foi anunciada a 12ª faixa do álbum em pleno Coachella. Faltando pouquíssimos dias para o lançamento do álbum, Harry estreou Boyfriends em um dos maiores festivais de Música do mundo (diga-se de passagem, todo o seu show foi uma apresentação de ouro). A faixa, apesar de subestimada por muitos, é, provavelmente, uma das mais sinceras de todo o disco, seguindo o tempo todo um ritmo acústico e com enfoque total na voz do britânico, passando claramente a mensagem sofrida de uma pessoa que, apesar de se doar muito, foi magoada por um namorado ruim. Além dela, também foi performada Late Night Talking, a música, que só confirmou a vibe disco que o álbum teria, também narra sobre se doar inteiramente a alguém, sem pedir nada em troca. 

Harry sempre foi bom em se colocar no mapa com bons singles: em 2017 foi Sign Of The Times, em 2019 foi Watermelon Sugar e agora, em 2022, foi As It Was. A música, que alcançou números incríveis muito rápido, se sustenta como uma boa representação de todo o álbum, com uma batida nostálgica e uma letra reflexiva. “É sobre metamorfose, se perder e se encontrar. Abraçar o fato de que a vida te atinge em momentos diferentes, não quando você espera. Isso é maravilhoso, mas com essas coisas maravilhosas vêm algumas jornadas emocionais complexas”, disse Styles para a NPR. A coreografia do clipe, criada por Yoann Bourgeois e inspirada em um de seus trabalhos antigos, carrega perfeitamente a ideia de forçar um ciclo vicioso que já não funciona mais. O vídeo como um todo, porém, casa com a proposta de libertação e aceitação da mudança, a arte foi criada por um time inteiramente ucraniano, liderado pela diretora Tanu Muino. 

Com um disco muito empolgante e inspirador, Harry expõe mais umas vez seus amores e suas dores, de um jeito diferente de seus outros trabalhos, mas ainda sim muito coerente à sua essência original. O poder de Harry’s House, com certeza, foi reconhecido como merece. Todas as 13 faixas ocuparam um lugar na lista da Billboard Hot 100 na semana de lançamento do disco (contabilizando a semanada do dia 30 de julho, As It Was ocupa o pódio do chart por 16 semanas) e Styles chegou ao primeiro lugar da Hot 100 Songwriters. É previsto um caminho próspero para essa nova era, talvez até mesmo um segundo gramofone de ouro para a casa de Harry. 

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Passeamos pelos multiversos de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e The Umbrella Academy, exploramos o brilhantismo obscuro da terceira temporada de Barry e refletimos sobre o final provisório dos malditos Peaky Blinders. Foi assim que o mês popularmente mais calmo no audiovisual, quase uma preparação para o ápice da temporada de Summer Movies, conseguiu deixar sua marca como um dos capítulos mais interessantes do ano até então. Neste Cineclube de Junho, o Persona destrincha o que rolou no Cinema e na TV no Mês do Orgulho.

O período junino começou agitado logo no seu primeiro dia, com o resultado do desnecessariamente midiatizado julgamento entre Johnny Depp e Amber Heard. Depois de quase um mês de análise do processo, o júri decidiu o que o Twitter e o TikTok já haviam julgado há muito tempo: a “inocência” (entre muitas aspas) de Depp. Por mais que os dois tenham saído com condenações, o ator foi quem tirou mais proveito da situação. Apesar de seu caráter ser tão duvidoso quanto o de Heard, ele tomou um banho de imagem e hoje é visto como um injustiçado por uma base de fãs aficionados.

Partindo para notícias mais animadoras, Junho concedeu uma das maiores honras do Teatro para Jennifer Hudson. Graças a sua mais nova estatueta do Tony Awards pela produção do musical A Strange Loop, Hudson atingiu o status de EGOT — destinado aos ganhadores do Emmy, Grammy, Oscar e Tony — e se tornou a segunda mulher negra a receber a honraria, ao lado de Whoopi Goldberg. Falando em representatividade, o Mês do Orgulho separou uma surpresa quase em sua reta final. Nos últimos dias do mês, o lendário Pedro Almodóvar divulgou informações sobre seu próximo projeto, o curta-metragem western Extraña Forma de Vida. Segundo o diretor, a obra será uma resposta ao clássico contemporâneo O Segredo de Brokeback Mountain.

Adentrando as telonas do cinema e do streaming, o destaque vai para Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo. O filme foi vencedor do Festival de Sundance 2022, assim como CODA, seu irmão de plataforma no ano passado. A história gira em torno de um jovem, interpretado por Cooper Raiff – que também dirige o longa — que trabalha como anfitrião em bar mitzvás, onde conhece uma mãe (Dakota Johnson) e sua filha autista, criando um forte laço com elas. Por mais improvável que seja a obra seguir o mesmo premiado caminho de No Ritmo do Coração, o serviço da maçã mordida já provou que sabe nos surpreender.

Ainda nos lançamentos da plataforma dos iPhones, Liam Neeson estreia nas produções do streaming interpretando um velho conhecido: o porradeiro de meia idade do qual já está acostumado retorna em Assassino sem Rastro. A produção conta a história de um assassino de aluguel com Alzheimer que sofre as consequências de se recusar a matar uma criança. Sendo uma refilmagem do filme belga A Memory of a Killer, o longa entrega um plot genérico e não convence, principalmente ao focar na ação e deixar de lado a interessante premissa de um assassino lidando com essa condição médica.

Indo ao infinito e às salas de cinema, acompanhamos a jornada intergalática repleta de ação de Buzz (Chris Evans) e outros astronautas do Comando Estelar em Lightyear. Dentre eles, destacamos Alisha Hawthorne (Uzo Aduba), responsável pelo primeiro beijo homoafetivo da Pixar. Porém, o feito só ocorreu após uma onda de protestos contra a Disney, que, em pleno Mês do Orgulho, resolveu manter sua política do Don’t Say Gay ao originalmente censurar o casal sáfico. A obra tem a assinatura de Angus MacLane (Procurando Dory) e, apesar das críticas mistas, deve encantar os fãs do personagem, mesmo decepcionando nas bilheterias.

E a Disney decidiu investir no marketing do filme do astronauta para além dos cinemas. Isso nos deu Ao Infinito e Além: Buzz e sua Jornada para ser Lightyear, documentário original do Disney+, que desmembra a origem do emblemático personagem desde sua primeira aparição em Toy Story. O longa serve como um aquecimento para Lightyear, mostrando as etapas de produção da nova aventura da Pixar, e das mudanças estéticas para caracterizar o patrulheiro espacial.

Ainda no streaming do rato, temos A Extraordinária Garota Chamada Estrela Em Hollywood, sequência de A Extraordinária Garota Chamada Estrela. O longa, uma típica aventura adolescente dos anos 2000, mas dessa vez repaginada, continua acompanhando Stargirl Caraway (Grace VanderWaal), que sai da cidade de Mica e se muda para Los Angeles com o intuito de começar uma vida nova. A obra é baseada no livro Com Amor, A Garota Chamada Estrela, tem direção de Julia Hart e conta com nomes como Uma Thurman no elenco.

Para se afastar das polêmicas, a Disney decidiu se redimir produzindo alguns conteúdos LGBTQIA+, e um deles é Trevor: O Musical. Seguindo os moldes de Hamilton, o longa é uma versão filmada do musical off-Broadway de mesmo nome. Baseado no curta-metragem ganhador do Oscar em 1995, a trama acompanha a adolescência do jovem Trevor em 1981, e a descoberta de sua identidade enquanto tenta se encaixar em um mundo difícil. 

Ainda na mesma temática, só que dessa vez para o streaming adulto da empresa, o Star+, Fire Island: Orgulho e Sedução nos traz uma comédia romântica LGBTQIA+ inspirada no clássico Orgulho e Preconceito, de Jane Austen. Apesar do longa dirigido por Andrew Ahn e protagonizado por Bowen Yang ter um tom cômico, a obra traz várias alusões sobre camadas sociais, além de uma abordagem de aspectos culturais, raciais, de gênero e sexualidade. Entre piadas e clichês, Fire Island é um grito de resistência e representatividade.

Em função das finais da NBA, uma das apostas dos streamings para esse mês foi o conteúdo voltado para um dos esportes mais amados pelos americanos, o basquete. É isso que Rise, produção do Disney+, buscou. A obra, dirigida por Akin Omotoso, conta a história dos irmãos Antetokounmpo, o primeiro trio de irmãos a se tornarem campeões do campeonato. O elenco conta com Dayo Okeniyi (Fresh), Yetide Badaki (This Is Us), Uche Agada e Ral Agada e teve uma recepção positiva por parte da crítica, com 95% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Porém, o que conseguiu mais holofotes ainda foi a aposta da Netflix, Arremessando Alto, derivado da parceria com Adam Sandler. Depois de Joias Brutas, o longa é mais uma prova que Sandler leva muito mais jeito para a veia dramática do que para a comédia. Porém, aqui, o veterano consegue mesclar suas duas personas em uma dramédia esportiva bem gostosa. 

No filme, o ator interpreta um olheiro do Philadelphia 76ers disposto a mudar de vida, até que descobre, na Espanha, o talento Bo Cruz (Juancho Hernangomez). Com um elenco composto em sua maioria por jogadores e lendas da NBA, a atuação de Sandler é um destaque, pois entrega algo muito acima da maioria de seus trabalhos. Mas os méritos precisam ser dados aos atletas, que desempenham seu papel sem prejudicar o longa. Aqui, um destaque para Juancho, jogador do Utah Jazz, que coestrela a obra.

Outra que deu as caras  também, mas dessa vez em um gênero específico, foi Megan Fox. Até a Morte, longa de Scott Dale, marca a volta da atriz (que já vive o terror de ser casada com Machine Gun Kelly) ao cinema de Horror. A história, uma espécie de Jogo Perigoso, narra a história de uma mulher que tenta sobreviver à investida de dois assassinos enquanto está algemada a seu marido morto. Esse jogo de gato e rato conquistou a crítica, que destaca a atuação convincente de Fox.

As duas maiores surpresas tinham que ficar para o final. Os destaques a seguir rapidamente perderam o status de filme e conquistaram o de experiência, ora pela sua qualidade, ora pelo seu apelo. Essa última opção é justamente o caso de Minions 2: A Origem de Gru. Hoje, a internet tem o poder de mudar o rumo dos filmes, como aconteceu com Sonic, recentemente com Morbius e, num futuro próximo, com Barbie, de Greta Gerwig. No presente, o escolhido da vez é o prelúdio de Gru (Steve Carell), em meio a história dos seres amarelos favoritos do Cinema.

Recebido com uma pompa e circunstância a princípio descabidos, o longa traz uma estética setentista para a história da (tentativa de) ascensão do malvado favorito dos Minions. A direção tem a assinatura de Kyle Balda e a trilha sonora tem como grande nome o de Jack Antonoff, responsável por trazer nomes como St. Vincent, Phoebe Bridgers, Kali Uchis e H.E.R. para a produção de covers, com destaque para uma canção original assinada por Diana Ross e Tame Impala. Leve e divertido, Minions 2: A Origem de Gru tem tudo para ser mais um (se não o maior) acerto da franquia.

Fechando com chave de ouro, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo veio decretar seu lugar na Sétima Arte. Totalmente fora dos radares, o longa já chamava a atenção quando lançava seus trailers, mas nem a pessoa mais empolgada com o material poderia esperar a experiência que o filme é. Dirigido por Daniel Scheinert e Daniel Kwan, que carinhosamente assinam como Os Daniels, a obra é somente a segunda aventura conjunta dos diretores em longas, que tiveram sua estreia com o já intrigante Um Cadáver para Sobreviver.

Aqui, os dois replicam o que deu certo no projeto anterior, e vão muito além. Narrando a história de Evelyn (Michelle Yeoh), uma imigrante chinesa que descobre o acesso ao multiverso enquanto presta contas de sua lavanderia para a Receita Federal, o filme é extremamente despretensioso e sem compromisso. Porém, o roteiro, em sua maioria propositalmente pastelão, guarda um subtexto muito comovente, o que é capaz de te levar às lágrimas com um diálogo entre duas pedras (sim). Em qualquer realidade possível, Everything Everywhere All at Once com certeza é o filme do ano.

Passando para o universo das séries, a Netflix geralmente é ousada em suas produções, mas, em Junho, escolheu apostar no seguro. La Casa de Papel: Coreia entrega exatamente o que promete: um remake de um dos maiores sucessos da plataforma. Levando em conta que a série original espanhola se manteve no topo do streaming por cinco anos, e que as produções coreanas trouxeram um impacto estrondoso recentemente, não foi uma surpresa que os dois universos tenham se unido. 

A série, no entanto, pode ser mais aproveitada por aqueles que não têm familiaridade com o time espanhol, já que não há grandes alterações nos personagens e na trama. Mas, para os fãs que sentem saudade da antiga produção, pode ser interessante ver a história com um contexto novo: um assalto à Casa da Moeda de uma Coreia unificada. Uma segunda temporada deve chegar ainda esse ano.

Seguindo o plot fora da lei, A Escada, obra de ficção baseada no crime que virou documentário em 2004, investiga o assassinato de Kathleen (Toni Collette) pelas mãos de seu marido Michael (Colin Firth). Com um buzz interessante e bem-vindo para as produções do HBO Max, a produção pode surpreender nas vindouras premiações. A plataforma também investiu em Barry, que retorna após uma espera de 3 anos. Mais intensa e sombria, a história sobre o assassino de aluguel que quer mudar de vida chega em seu melhor ano e se consolida como uma das mais originais da atualidade. Bill Hader, protagonista e criador, prova que sua escrita só evoluiu, assim como suas habilidades na direção.

No Hulu e em breve no Star+, Under the Banner of Heaven, série baseada no best seller de mesmo nome, segue a cartilha de um bom American Crime. Estrelada por Andrew Garfield, a obra acompanha um crime real dos anos 80, cometido em nome de Deus por dois irmãos mórmons. Tanto a obra como Garfield, que interpreta um detetive religioso, conseguem conduzir bem o dilema religioso e mesclá-lo em um thriller criminal extremamente envolvente, com lampejos que lembram os melhores anos de True Detective.

Marcando o retorno dos heróis desajustados mais queridos da Netflix, The Umbrella Academy chega ao seu terceiro ano com uma base sólida de fãs, que, infelizmente, se decepcionou. É evidemte que a produção chegou em um nível de conforto: as temporadas anteriores foram tão grandiosas a ponto da mais recente não conseguir dar conta de seu próprio tamanho, e grandes ganchos do segundo ato acabaram se desperdiçando. Mesmo assim, a obra ainda entrega uma boa aventura com muitos pontos positivos, com destaque para as dinâmicas entre Klaus (Robert Sheehan) e Número 5 (Aidan Gallagher), e para a transição de Viktor (Elliot Page), que apesar de singela, foi executada com carinho.

Em relação aos super-heróis do HBO Max, a quarta temporada de Young Justice, intitulada de Phantons, traz de volta os poderosos adolescentes e suas missões desafiadoras. Com a produção ocorrendo durante o auge da pandemia, em 2020, algumas das etapas de desenvolvimento foram diferentes das demais séries de animação, como a dublagem feita individualmente. Dentre as tramas principais da temporada estão a viagem de Miss Marte, Superboy e Mutano para o casamento de M’gann e Conner em Marte, onde os personagens se deparam com um assassinato e com o preconceito racial, que se desenvolvem junto a outros eventos no planeta vermelho.

Indo para os heróis das estrelas, no Disney+, Obi-Wan Kenobi narra os acontecimentos após a queda e corrupção de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) para o lado sombrio da força. O personagem principal interpretado por Ewan McGregor, que deu nome a produção, lida com as consequências da perda de um amigo e do fracasso como Mestre Jedi. A minissérie apela para a nostalgia dos fãs de Star Wars, mas, ao mesmo tempo, se mostra ousada em tentar expandir a trama original e apresentar outras facetas dos personagens já popularmente conhecidos. 

Queer as Folk, reboot da série britânica de mesmo nome, é comandada por Stephen Dunn e acompanha um grupo diverso em Nova Orleans, que encontra apoio na comunidade queer da cidade após uma tragédia. Russell T. Davies, criador da produção original, atua como produtor executivo, e o elenco conta com nomes como Devin Way, Fin Argus, Jesse James Keitel e Kim Cattrall.

A comunidade queer também marcou presença nos reality shows. A segunda temporada de Drag Race España se encerrou com a vitória de Sharonne. A competição para nomear a próxima Super Estrela Drag da Espanha foi acirrada, mas a apresentadora Supremme de Luxe decidiu coroar a rainha de Barcelona por seu desempenho invejável nos desafios. Além da grande vencedora, Estrella Xtravaganza e Venedita Von Däsh chegaram até a final, e Samantha Ballentines conquistou o título de Miss Simpatia. 

Legendary, o reality de voguing do HBO Max, retorna sem o glamour da segunda temporada e sem uma grande estrela no painel de jurados. A saída de Megan Thee Stallion para a entrada de Keke Palmer foi uma troca inicialmente injusta com o público, mas que ao longo dos dez episódios exibidos em quase dois meses, se mostrou eficiente para a competição de 2022 – além da participação especial de Anitta e do retorno da lendária Dominique Jackson, que deram o que falar. No geral, com elencos nada inspirados e desafios repetitivos, Legendary se tornou apenas ordinária.

A plataforma também apostou em A Ponte – The Bridge Brasil, reality original que foi a grande surpresa do mês e reúne um grupo de anônimos e famosos para construir uma ponte e chegar a um prêmio recheado. Sendo tudo que a nova versão de No Limite sonhou em se tornar, a produção escalou nomes como Pepita e Dani Winits, servindo drama, confusão e a diversão mais genuína que o mundo das competições de realidade ofereceu no ano até agora.

Falando sobre o reality da família mais amada e odiada dos Estados Unidos, a 1ª temporada de The Kardashians chegou ao fim, mas logo deve voltar para um segundo ano. O programa que acompanha o clã trouxe menos episódios do que o falecido Keeping Up with the Kardashians, porém, a premissa continou a mesma: dramatizar os eventos que acontecem na intimidade dos ricaços. Nas redes sociais, o programa viralizou com momentos como o relacionamento de Kim com Pete Davidson e a maneira peculiar com que Kendall corta pepino.

Mudando os ares, o Paramount+ trouxe um pouco de política em Junho. Em The First Lady, Viola Davis, Michelle Pfeiffer e Gillian Anderson interpretam as primeiras damas mais memoráveis da História dos Estados Unidos, sob a direção da vencedora do Oscar Susanne Bier. A Primeira-Dama tinha tudo para arrebatar a audiência e a aclamação dos críticos: antes da estreia, somente as imagens promocionais de Davis na pele de Michelle Obama foram o suficiente para causar um frenesi nas redes sociais. No entanto, a produção caricata quebrou a expectativa e fez a 1ª temporada da série se tornar alvo de deboche do público. Até o momento, o futuro da obra é incerto.

A política estadunidense também foi abordada em Gaslit, que deu uma nova perspectiva ao livro escrito por Bob Woodward e Carl Bernstein, Todos os Homens do Presidente. Se na obra original há a visão dos jornalistas sobre o evento polêmico que levou à renúncia de Richard Nixon, na adaptação, dirigida por Matt Ross, a narrativa é tratada pelos olhos do grupo de corruptos que compunham a equipe então presidente. 

Ao acompanhar os bastidores das manipulações cometidas pelos homens do presidente, o resultado são cenas cômicas de um planejamento tão meticuloso que fica difícil acreditar que se trata de uma história real. O destaque fica para as interações do procurador-geral, John Mitchell (Sean Penn), e seu improvável contratempo, a esposa Martha Mitchell (Julia Roberts). A minissérie, criada por Robbie Pickering, difunde um roteiro extremamente original e bem pensado. Abusando de um suspense político misturado a um humor bastante peculiar, Gaslit remonta a história com um descaramento libertino tão fiel que parece piada.

O Poderoso Chefão é, provavelmente, uma das maiores produções cinematográficas da História, posta em um patamar tão alto que qualquer obra que tente retratá-la acaba se tornando alvo de críticas. Dessa vez quem reviveu o longa foi The Offer, minissérie do Paramount+ que propõe mostrar os bastidores da criação do clássico. A série não é excepcional e nem revolucionária, mas a metalinguagem explícita já a torna interessante o suficiente para uma maratona. 

Peaky Blinders também traz a atmosfera derivada do Cinema de Coppola de forma bem perceptível. Mesmo sendo a sexta e última temporada da série, a história da família Shelby tem um desfecho temporário, uma vez que um filme fechando a história está para sair do papel. Porém, o final que a trama entrega condiz muito com o caminho que o próprio show tomou. Girando em torno do legado dos Shelby, a obra não perde tempo tentando redimir seus personagens, e a escrita de Steven Knight é bem mais sútil ao tratar de seus temas. 

Elevar o nível de uma temporada inaugural recheada de méritos não é simples, mas o time criativo de Hacks deu conta do recado. Pouco tempo depois de vencer 3 importantes prêmios da Academia, a comédia de Jean Smart e Hannah Einbinder retorna com a sagacidade que impregna seu DNA rebelde. No novo ano, Deborah entra em turnê ao mesmo tempo em que descobre uma traição de Ava. Entre a viagem de ônibus, um cruzeiro de lésbicas e um show televisivo, Hacks sobe cada vez mais no pódio de grandes comédias sobre o ato de se fazer comédia. Com um final com cara de desfecho de novela, uma terceira temporada já foi anunciada e só nos resta aguardar o que as megeras preparam a seguir.

A comédia também ficou por conta do segundo ano do revival de iCarly, que retomou o clima de amizade entre os personagens principais após a série de desilusões amorosas na 1ª temporada. Com participações especiais como a de Josh Peck, a sitcom continuou a acompanhar a jornada de Carly e seus amigos em aumentar o alcance do seu canal na web. A renovação ainda não foi anunciada, mas, com o clamor dos fãs, tudo indica que a produção deverá ser retomada.

A Mulher do Viajante do Tempo, adaptação do romance homônimo de Audrey Niffenegger, mistura o romance com a ficção científica e acompanha o casal formado por Henry (Theo James) e Claire (Rose Leslie). Apesar de sua relação ser vista como perfeita pelos outros, o casamento dos dois enfrenta um grande problema: Henry tem um distúrbio que o permite viajar no tempo. Criada por Steven Moffat, que é bem familiarizado com o conceito de viagem no tempo, a série conta com Everleigh McDonell, Desmin Borges e Kate Siegel e já foi cancelada pela HBO após péssima recepção do público.  

Também pincelando o romance e em clima de despedida, a 3ª e última temporada de Com Amor, Victor, disponibilizada no Star+, entrega o fim do arco de seus personagens com a maturidade necessária. Desde seu lançamento em 2020, a série spin-off do filme Com Amor, Simon criou uma narrativa sobre evolução e autoconhecimento, principalmente de pessoas da comunidade LGBTQIA+. 

Entre reviravoltas e crises de identidade, a temporada escolhe se distanciar do que é exatamente previsível e deixar os romances com “felizes para sempre” em segundo plano. Com foco no crescimento, Victor (Michael Cimino) e seus amigos passam por problemas nos relacionamentos, nas famílias e, essencialmente, consigo mesmos. Love, Victor mostra a adolescência como um período de transição, em que os sentimentos, mesmo que verdadeiros, não são mais importantes que o desenvolvimento e o cuidado pessoal. 

Em um mês lotado de lançamentos no Cinema e na TV, os concorrentes às premiações começam a aparecer. Abrindo a temporada de competição e se cansando da rivalidade entre streamings, a Academia de Televisão anunciou seus indicados ao Primetime Emmys de 2022 no último dia 12, sem dar de bandeja quais foram as plataformas e canais que mais tiveram seus nomes anunciados. Com 17 nomeações, é improvável Hacks não reaparecer no Cineclube nos próximos meses – dentre as modalidades, a série figura em todas as categorias de atuação feminina em Série de Comédia, algumas com mais de uma atriz concorrendo, além de disputar o troféu principal.

Na publicação mensal do Persona, Barry é outra que tem chances de pipocar de novo por aqui, e The Staircase torce para ser lembrada na edição de Setembro, quando os vencedores do Emmy 2022 serão anunciados. Andrew Garfield, que garantiu a aparição de Under the Banner of Heaven na lista de indicados do Oscar da TV, pode não voltar a representar a série por aqui, mas seu nome com certeza será lembrado de outras produções. Sem apresentador anunciado, a cerimônia do Emmy 2022 será realizada em 12 de Setembro, mas antes disso, o mês 7 reserva espaço para Os Garotos do Prime, a super-heroína da Disney e até o Rei do Rock de Baz Luhrmann. 

Texto: Gabrielli Natividade da Silva e Guilherme Veiga

Pesquisa e Pauta: Caio Machado, Gabriel Gatti, Jamily Rigonatto, Nathalia Tetzner e Vitor Evangelista

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Gabrielli Natividade da Silva 

Depois de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) ter apagado a memória da existência de Peter Parker (Tom Holland), em Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, e Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) ter libertado a cidade de Westview de sua manipulação, em WandaVision, ambos se encontraram para uma batalha intensa que atravessou universos. Em maio de 2022, foi lançado Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, um filme com muita ação e adrenalina, como é de se esperar de uma produção Marvel. A obra, porém,  deixa a desejar, quebrando as expectativas de fãs que estavam ansiosos por esse momento. 

Por dar continuidade ao filme e à série que dominaram o público no ano passado, o longa carrega muita responsabilidade e, por todo o hype criado, não foi difícil arrecadar uma boa bilheteria até agora. No entanto, a nova produção não acompanha o ritmo de suas antecessoras. Enquanto os diretores Jon Watts e Matt Shakman foram capazes de mesclar muito bem a ação necessária a uma história de super-heróis e o desenvolvimento interno de seus protagonistas, o mesmo não pode ser dito sobre Sam Raimi. O cineasta escolheu investir tanto em um visual interessante, sombrio e impressionante ao espectador, que quase não sobrou espaço para os personagens serem apreciados, e suas mudanças de tom acabaram se apresentando de forma rasa e apressada. 

Raimi dirigiu a primeira trilogia do Homem-Aranha e também ficou conhecido por trabalhar em filmes de terror, como O Dom da Premonição, Arraste-me para o Inferno e Uma Noite Alucinante. Toda a bagagem no horror pode ser percebida nas sequências de Doutor Estranho, desde a Feiticeira Escarlate se mostrando uma bruxa quase satânica, até Strange ressuscitando uma variante sua dos mortos e lutando com demônios. Esse apoio no gênero ajuda na aplicação de um tom mais macabro, mas não é realmente necessário e se desloca do perfil da Marvel, sempre eletrizante e contagiante, sem deixar os momentos sérios de lado. O CGI (imagens geradas por computador) também deixou a desejar, o que é um tanto incomum para o MCU – Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, por exemplo, chegou a ser indicado ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais. O longa de 2022 apresentou erros grotescos e amadores, que dificilmente serão esquecidos, com o principal deles sendo o terceiro olho de Strange, sem esforço nenhum para parecer real. 

Talvez o ponto mais empolgante de todo o roteiro escrito por Michael Waldron seja a inserção da personagem America Chavez (Xochitl Gomez) no universo Marvel. Contudo, seu potencial não foi explorado como era esperado. A garota, vinda do Paralelo Utópico, tem o poder de se teletransportar por universos paralelos. Porém, ter sido separada de suas mães causou um trauma tão grande que ela se sente incapaz de controlar seu dom. Doutor Estranho no Multiverso da Loucura é uma pequena jornada de descoberta para ela, mas, novamente, o ritmo é tão frenético que America só demonstrou algum controle aos quarenta e cinco do segundo tempo, e sua presença foi ofuscada pelo embate entre a Feiticeira Escarlate e o Doutor Estranho. Só nos resta esperar Chavez retornar em uma próxima produção e brilhar como merece.  

Vale lembrar, ainda, que a introdução de America carrega o peso de apresentar uma das primeiras heroínas canonicamente lésbicas do Universo Cinematográfico Marvel. Ela fala abertamente sobre suas duas mães e carrega orgulhosamente um broche com a bandeira LGBTQIA+ durante todo o filme, gerando ataques homofóbicos por parte do público conservador. O filme chegou a ser banido em alguns países, após a Disney ter se recusado a retirar as cenas em que America se abre sobre a sexualidade da família. Apesar da negatividade, Xochitl Gomez não se abalou e segue muito feliz por ser o rosto de uma personagem tão importante. “É muito importante que a America esteja neste filme. É simplesmente enorme. E estou tão feliz que a Marvel se apegou a isso e manteve a cena lá, e é muito louco que eu seja aquela que interpreta a America”, disse a atriz em entrevista para o AsiaOne.

Apesar do longa levar o nome de Strange, quem foi responsável por roubar a cena foi Wanda. Depois de perder seu irmão gêmeo, matar o amor de sua vida e sacrificar sua família, a mulher se perdeu em uma depressão profunda que a transformou. Wanda se tornou a Feiticeira Escarlate, mas entrou em conflito interno entre ser uma super-heroína e uma vilã digna de filme de terror. Ela estava disposta a matar uma variante sua e America, com o auxílio do Darkhold (livro de magia obscura), para se reunir com seus filhos em outro universo, uma consequência de tudo que sofreu. Multiverso da Loucura seguiu a linha de WandaVision e explorou os limites de ética e do maquiavelismo da personagem. Novamente, a Feiticeira abriu mão de suas vontades para fazer o que é certo no último segundo, o que decepcionou quem esperava um desfecho diferente do apresentado na série, mas não deixou de ser interessante de se assistir. O destino de Wanda ainda é um mistério e vale a pena aguardar e ver o que essa figura tão polêmica e complexa vai fazer a seguir. 

Elizabeth Olsen realmente tomou os holofotes para si, mas suas polêmicas envolvendo racismo poderiam ter afundado de vez o projeto. Em entrevistas, a atriz se referiu mais de uma vez à sua personagem como uma “gypsy” (cigana), e o problema está no fato de que o termo racista é utilizado de forma pejorativa para ofender o povo nômade Romani. Vale apontar que Wanda só tem origem Romani nos quadrinhos: o MCU a apresenta como vinda de Sokovia, país fictício no leste europeu. Portanto, não havia motivos concretos para Olsen ter utilizado o termo. Muitos alegam que a artista simplesmente não sabia o peso da palavra quando a usou, porém não foi a única vez que Elizabeth fez discursos preconceituosos na mídia. Após as acusações polêmicas, a atriz excluiu suas redes sociais e declarou que jamais retornaria a usá-las. Com os números de bilheteria do filme, não dá para considerar que o caso foi relevante para boicotar a produção, mas fica o alerta para o tipo de pessoa que a Marvel mantém em seus projetos.  

Infelizmente, a atriz não é o único exemplo desse universo de heróis que apresentou ações problemáticas. Em 2021, Hawkeye se tornou um grande sucesso, mas, além dos fãs indignados, poucos realmente se importaram com o protagonista, Jeremy Renner, retornando ao papel após as acusações de agressão física contra sua ex-esposa. Chris Pratt, estrela de Guardiões da Galáxia, foi outro que se envolveu em polêmicas, a principal delas sendo seu envolvimento com a igreja anti-LGBTQIA+, Hillsong Church, chegando a ser criticado pelo ator Elliot Page. Também estão na lista Letitia Wright, com seu discurso anti-vacina, Paul Bettany, que ameaçou a vida de Amber Heard, Sebastian Stan e seu posicionamento racista e outros. O MCU tem um peso absurdo na indústria dos blockbusters e a maioria (se não todos) os atores introduzidos nas produções se tornam, automaticamente, queridos pelo público. É realmente uma pena que a Marvel continue compactuando com atitudes como essas. 

O último Homem-Aranha lançado foi épico por trazer o encontro entre Tobey Maguire, Andrew Garfield, Tom Holland e seus vilões. O longa foi um acerto no fan service e, sendo assim, não foi inesperado que o segundo Doutor Estranho seguisse a mesma estratégia – mas os resultados não foram tão positivos. As participações especiais ficaram por conta do conselho dos Illuminati, composto por Professor Xavier (Patrick Stewart), Senhor Fantástico (John Krasinski), Capitã Carter (Hayley Atwell), Capitã Marvel (Lashana Lynch), Raio Negro (Anson Mount) e Mordo (Chiwetel Ejiofor), heróis com reputações de ouro e muito queridos.

Infelizmente, a sua presença foi desperdiçada, já que os personagens tiveram pouco tempo de tela antes de serem massacrados a sangue frio pela Feiticeira Escarlate. Foram muitas mortes brutais em sequência e nenhuma delas convence o espectador. É difícil crer que figuras tão emblemáticas cometeriam tantos erros amadores, demonstrando um roteiro preguiçoso e pouco condizente com o que a Marvel trouxe no passado. 

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura entra para a coleção de grandes produções Marvel, com um orçamento extravagante e cenas mais ainda. Apesar de não ser tão aclamado como os anteriores, o longa ainda é interessante para ser assistido numa noite de fim de semana – em junho de 2022, a produção foi adicionada ao catálogo da Disney+. Com alguns acertos e muitos erros, o filme não entra para a história como deveria, então o que resta para os fãs é aguardar que o MCU trabalhe em uma continuação digna e espetacular para realmente levá-los à loucura. 

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Da viagem do Doutor Estranho pelo Multiverso da Loucura ao experimentalismo da 3ª temporada de Atlanta, passando pelo faroeste de Outer Range e o épico viking de Robert Eggers em O Homem do Norte, Maio foi um verdadeiro presente para aqueles que procuram um bom entretenimento. No mês que sediou um dos maiores festivais de Cinema do mundo, o Cineclube de Maio veio para, mais uma vez, mostrar o que rolou na Sétima Arte e nas telinhas da TV. 

Entre os aviões de Top Gun: Maverick e a ostentação glamourosa de Elvis, o Festival de Cannes celebrou um retorno aos cinemas premiando Triangle of Sadness com a Palma de Ouro. A vitória máxima é a segunda na carreira do diretor Ruben Ostlund, que já havia faturado com The Square. Melhor Direção ficou com Park Chan-Wook e seu Decision to Leave, enquanto em Roteiro deu Tarik Saleh e Boy From Heaven. O sul-coreano Song Kang-Ho foi o Melhor Ator por Broker e Sahra Amir Ebrahimi, a Melhor Atriz com Holy Spider. O Grand Prix foi dividido por Close e Stars at Noon, e o Prêmio do Júri marcou o empate entre EO e The Eight Mountains.  

Dentre os destaques do mês, temos A Vilã (Aknyeo), um filme sul-coreano disponível no Star+. A trama do longa conta a história de Sook-hee (Kim Ok-bin), uma assassina que foi treinada para matar. Seu ensinamento se iniciou durante a infância, na China, e sua ida à Coreia do Sul ocorreu após a morte de seu mentor. A viagem ao novo país veio com a promessa de uma vida diferente, em que a jovem serviria como agente do governo, vivendo como outra pessoa. No começo tudo ocorre conforme o planejado, até a chegada de Joong-sang (Shin Ha-kyun) e Hyun-soo (Sung Jun) que acabam com a paz da jovem. A película desenvolve uma narrativa repleta de ação e suspense, mas acabou resultado em uma avaliação morna no Rotten Tomatoes.

Navegando por mares gelados, o Persona aterrissou em terras nórdicas, onde se passa O Homem do Norte (The Northman) nas telonas dos cinemas. O filme narra a longa jornada de vingança do príncipe Amleth (Alexander Skarsgård), que durante de duas décadas, assumiu a missão de salvar a mãe e matar o tio, responsável pelo assassinato de seu pai quando o príncipe ainda era uma criança. Robert Eggers (de O Farol) apresentou uma composição grandiosa para retratar o povo viking, mas acabou pegando no tempo de desenvolvimento da trama. A obra ainda se destaca pelas atuações de Skarsgård e Anya Taylor-Joy, além das curtas aparições de Willem Dafoe, Ethan Hawke e Björk, que mesmo com pouco tempo  roubam a cena. 

Outras franquias de filmes deram continuidade a suas narrativas, como é o caso de Os Opostos Sempre se Atraem (Loin du Périph), da Netflix. O longa chega para dar sequência a Os Opostos se Atraem uma década depois, trazendo de volta Ousmane (Omar Sy) e François (Laurent Lafitte) para uma nova aventura policial: um caso de tráfico de drogas com muitas reviravoltas. O filme parecia promissor com a direção de Louis Leterrier (Lupin), porém a obra deixou a desejar em alguns aspectos. Com um plot twist fraco e tardio e um desenvolvimento superficial, Os Opostos Sempre se Atraem tem uma ideia muito boa que passou longe de ser bem aproveitada.

Quebrando a sequência de obras fictícias, Maio chegou com O Soldado que Não Existiu (Operation Mincemeat), baseado em uma história real e no livro de mesmo nome do escritor Ben Macintyre. O filme da Netflix narra a operação secreta, criada pela inteligência britânica, para enganar o exército nazista na Segunda Guerra Mundial, fazendo-o pensar que a Grécia seria o próximo alvo de tomada, quando, na verdade, o interesse real era Sicília. Com o propósito interessante de não se apoiar em cenas de ação repetitivas, a película apresentou uma premissa alarmante, mas acabou não se sustentando, o que tornou a narrativa maçante e sem emoção.

Seguindo por outros ares, Top Gun: Maverick retorna após longas décadas para dar continuidade a trama de Pete “Maverick” Mitchell como o piloto que sempre desafiou os limites. Mas, dessa vez, o seu principal obstáculo é provar que o fator humano ainda é necessário em um mundo dominado pela tecnologia. Enfrentando drones para além dos caças, o longa aproveita as novas funções dos efeitos visuais da atualidade e traz para a tela de Cinema um cenário espetacular e mais vivido em relação a versão de 1986. A direção exitosa de Joseph Kosinski (Oblivion), fez com que a história do piloto recebesse vastas críticas positivas e caminha para se tornar a maior bilheteria de estreia da carreira de Cruise.

Enquanto uns filmes voam, outros sofrem uma queda vertiginosa. Chamas da Vingança (Firestarter) é a segunda adaptação do romance homônimo de Stephen King e acompanha a jovem Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) em uma busca para descobrir como ela adquiriu o poder de incendiar as coisas com sua mente. O longa dirigido por Keith Thomas também conta com Zac Efron (Ted Bundy: A Irresistível Face do Mal), Sydney Lemmon (Succession) e Kurtwood Smith (That ‘70s Show). Apesar da adaptação ser inspirada em uma obra do Rei do Terror, a obra tem recebido muitas críticas negativas, com 11% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Saindo do clima quente do incêndio e passando para o universo do samba, O Pai da Rita é uma comédia dramática sobre dois compositores da escola de samba Vai-Vai e a curiosidade em descobrir o parentesco da filha da passista que ambos já se apaixonaram. O longa nacional de Joel Zito Araújo (A Negação do Brasil) chega finalmente aos cinemas após participar da última Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e do Festival do Rio. Além disso, a obra conta com grandes nomes no elenco, como Ailton Graça e Paulo Betti, incluindo a participação mais que especial de Chico Buarque, artista que inspirou a obra.

Seguindo pela mesma linha tragicômica, o Amazon Prime Video lançou Emergency. Dirigido por Carey Williams, o longa acompanha três estudantes universitários, sendo dois deles negros e um latino, que voltam para casa e encontram uma mulher branca desconhecida inconsciente no chão de seu apartamento. A partir daí, eles tentam levá-la para um local seguro sem levantar suspeitas. O filme, que teve sua estreia no Festival de Sundance em 2022, conta com RJ Cyler (Eu, Você e a Garota que Vai Morrer), Sabrina Carpenter (Crush À Altura) e Donald Elise Watkins (The Underground Railroad) para dar vida aos personagens da história.

Outro filme divulgado no mês de maio que busca arrancar um sorriso dos telespectadores é De Volta ao Baile (Senior Year), disponível na Netflix. O longa é uma boa comédia sobre Stephanie (Rebel Wilson), que com 17 anos, sofreu um acidente e entrou em um coma de duas décadas, acordando disposta a se tornar a rainha do baile. O longa é divertido e recheado de referências aos anos 2000, desde a trilha sonora e a caracterização de Steph, até a rápida participação da patricinha que marcou uma era, Alicia Silverstone.

Mesclando a animação do live-action, Tico e Teco: Defensores da Lei (Chips n’ Dale: Rescue Rangers) foi uma grande surpresa deste mês, até mesmo para a Disney. Jogado na plataforma do Disney+ sem muito alarde, o filme, aos velhos moldes do boca a boca, foi conquistando seu público e crítica, e hoje é o live-action original do streaming de melhor colocação no Rotten Tomatoes, com seus 82%. Trazendo nomes como Andy Samberg, John Mulaney, J.K. Simmons e Seth Rogen, o longa é um poço de referências, inclusive fazendo justiça à primeira (e feia) versão do Sonic dos cinemas.

E Tico e Teco não foi a única animação que se destacou ao longo de maio. Após anos como uma série, Bob’s Burgers finalmente ganha um longa-metragem para chamar de seu. A trama se inicia com o rompimento de um cano que bloqueia a entrada da lanchonete. O incidente fracassou com os planos da família de lucrar durante o verão. Desse modo, Bob (H. Jon Benjamin) e Linda (John Roberts) se encarregam de manter os negócios funcionando enquanto as crianças tentam resolver os problemas do restaurante.

No universo das séries, a Netflix apostou novamente nas produções espanholas e obteve um bom resultado com Bem-Vindos ao Éden. A narrativa sobre cinco jovens que foram convidados para uma grande festa em uma ilha e se tornam prisioneiros no local é pouco surpreendente, mas é uma boa pedida para os amantes de mistério e já foi renovada para a segunda temporada. 

Em maio, o streaming também recebeu a terceira temporada de Love, Death + Robots, a antologia produzida por Tim Miller (Deadpool) e David Fincher (Garota Exemplar). O novo ano deixou de lado a contemplação característica de temporadas anteriores e focou suas forças na violência e na ação para dizer que a humanidade, graças ao seu ego e ambição, tende a ir de mal a pior. Com contos em sua maioria extremamente viscerais, a série é um prato cheio para os fãs de animação, com episódios excelentes como Viagem Ruim (Bad Travelling), a estreia de Fincher na direção da série, e o intrigante Fazendeiro (Jibaro). 

Na comédia, Mike Myers voltou à frente das câmeras em O Pentavirato (The Pentaverate). Mais escrachado e politicamente incorreto do que nunca, Myers faz uma espécie de Borat misturado com Casseta & Planeta, abordando um universo à la Dan Brown e criticando em cheio a sociedade atual – tanto a americana, que é o foco da piada, como até mesmo a brasileira. 

Mantendo a temática polêmica, a minissérie sueca Clark chegou à Netflix protagonizada pelo talentoso Bill Skarsgård, que interpreta o gângster celebridade Clark Olofsson. Com uma narrativa baseada na autobiografia do criminoso, a produção explora, de forma surreal e fantasiosa, a personalidade do homem que inspirou o termo Síndrome de Estocolmo. 

Também envolvendo crimes, O Poder e a Lei (The Lincoln Lawyer) é outro lançamento do gênero na Netflix. Na adaptação do livro The Brass Verdict, de Michael Connelly, o advogado Mickey Haller, famoso por trabalhar no banco de trás de seu carro, volta a desvendar casos de assassinato após se recuperar de um acidente de surfe e de seu vício em remédios para dor. Mesmo sendo um pouco clichê, a produção é cheia de casos e reviravoltas interessantes, o ideal para uma boa maratona. 

E é claro que Stranger Things não podia ficar de fora do Cineclube de maio. Nos 7 episódios do volume 1, os irmãos Duffer não se apressaram ao desenvolver a história para o quarto ano. Mais madura e aterrorizante, a história dos acontecimentos de Hawkins foca bastante na questão sobrenatural na nova temporada, indo para vertentes como a possessão demoníaca e casas mal-assombradas. 

As escolhas de homenagem tão características dos Duffer se provaram como as mais acertadas em todos esses anos de série. Desde a trilha sonora impecável (e que ressuscitou Kate Bush nas paradas musicais) até a inspiração no clássico A Hora do Pesadelo, tudo foi muito bem pensado para entregar a temporada mais memorável da série até aqui. 

No Prime Video, Outer Range misturou faroeste, thriller e ficção científica em uma narrativa que acompanha um fazendeiro, interpretado por Josh Brolin, na luta por sua terra e família quando descobre um mistério no deserto do Wyoming. Com 8 episódios de duração em torno de 1 hora cada, o elenco também conta com Imogen Poots (Vivarium), Lili Taylor (Invocação do Mal) e Will Patton (Yellowstone). 

No HBO Max, Naomi, série da CW inspirada no quadrinho de mesmo nome, trouxe a representatividade, ou melhor, a normalização para as garotas que ainda não se enxergavam no universo da DC na Televisão estadunidense e no streaming. Protagonizada por uma jovem heroína negra com superpoderes extraordinários, vivida por Kaci Walfall, a produção de Ava DuVernay, cineasta conhecida por abordar os direitos civis em obras como Selma: Uma Luta Pela Igualdade (2014) e Olhos Que Condenam (2019) e indicada ao Oscar por A 13ª Emenda (2016), refrescou a narrativa de super-heróis, mas infelizmente não conquistou o grande público e o final do seriado foi decretado ainda em sua primeira temporada. 

Mas a diretora ascendeu como uma das participações especiais do ano três de A Black Lady Sketch Show, que é tão mágico quanto os anteriores. Ao lado do time de protagonistas, a nova temporada da série da HBO também contou com Raven-Symoné e Michaela Jaé Rodriguez como convidadas. Para os fãs de esportes, Lakers: Hora de Vencer (Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty) chegou ao fim aclamada pela crítica especializada, mas esquecida pela audiência de fora dos EUA. Com produção de Adam McKay, o drama esportivo que narra a ascensão dos Lakers é uma das apostas da emissora para a temporada de premiações e tem promessa confirmada de uma nova temporada vindo aí. 

Maio também foi o mês do retorno do time de The Wire para contar uma nova história na Televisão em A Cidade É Nossa (We Own This City). A trama de corrupção e crime, adaptada do livro de Justin Fenton, tem Jon Bernthal e Wunmi Mosaku como destaques no elenco e conta com direção de Reinaldo Marcus Green (King Richard) em todos os 6 episódios. 

Quem também retornou foi a distopia futurista Made for Love, que se mantém relevante pela interpretação magnética de Cristin Milioti na segunda temporada (mas não conseguiu driblar o cancelamento pela rede), e The Flight Attendant, em um segundo ano não tão bom quanto o esperado. Trazendo de volta uma trama policial, a nova temporada narra a vida de Cassie em Los Angeles, sóbria há um ano e vivendo a vida dupla de comissária de bordo e espiã. A produção clichê e surreal deixa a desejar em vários aspectos, mas Kaley Cuoco ainda entrega uma ótima atuação, se dedicando totalmente a todas as facetas dela mesma. 

O mês também marcou a volta de Atlanta, 4 anos depois da segunda temporada, em uma nova leva de aventuras que chega com gosto e cheiro de antologia. Dessa vez em turnê pela Europa, o grupo de amigos enfrenta poucas e boas, mas não sem o time criativo, comandado pelo criador, roteirista, diretor, produtor e ator Donald Glover, salpicar tramas paralelas, episódios isolados e um surrealismo que soa cada vez mais suburbano. Entre os destaques do penúltimo ano da premiada produção do FX, sobra espaço para o brilhantismo de Brian Tyree Henry, Zazie Beetz e do próprio Glover, além de participações de tirar o fôlego, que vão de Liam Neeson a Alexander Skarsgård. 

No Disney+, Cavaleiro da Lua (Moon Knight) chegou ao fim de forma modesta. Protagonizada por muitas versões de Oscar Isaac, a série do MCU não procurou se integrar à força do restante do Universo Compartilhado. Em uma trama onde um funcionário de museu é atormentado por visões e logo se vê refém de um deus egípcio, uma investigação mortal e uma persona super-heróica que enche as telas, a minissérie teve seu episódio final exibido na mesma semana de estreia do novo Doutor Estranho, resultando em uma repercussão menor que o esperado. Na balança, a investida da Marvel na mitologia egípcia rendeu momentos deleitosos da interpretação de Isaac, que escorregava precisamente entre a rigidez e a leveza, acompanhado pela presença sempre eletrizante de Ethan Hawke e da cativante May Calamawy.

O streaming também foi palco para o reboot de Anos Incríveis (The Wonder Years), que traz uma nova perspectiva brilhante. Ainda no contexto dos Estados Unidos dos anos 1960, a produção recente conta a história de uma família negra de classe média pelos olhos de uma criança de 12 anos, o pequeno Dean, interpretado por Elisha Williams. A série, que começou a ser lançada semanalmente em setembro de 2021, mistura perfeitamente a comédia com críticas e pautas raciais importantíssimas, sem perder a leveza. O sucesso foi tanto que os fãs podem esperar uma segunda temporada.  

Em maio, Ellen DeGeneres colocou um ponto final no seu tradicional bate-papo vespertino, The Ellen DeGeneres Show. Envolvida em inúmeras acusações de assédio moral e racismo, a apresentadora encerrou o programa em sua 19ª temporada e contou com convidados especiais no comando do show, além de trazer de volta Sophia Grace e Rosie, 11 anos depois do cover icônico de Super Bass da Nicki Minaj. 

Seguindo a onda intragável de ficções baseadas em crimes reais, a minissérie The Girl From Plainview chegou inspirada na história do caso de “suicídio por mensagem de texto”. Irreconhecível na maquiagem de Michelle Carter, Elle Fanning brilha ao lado de uma costumeiramente eficaz Chloë Sevigny, mas, fora do âmbito das atrizes, a produção parece não decolar, soterrada por outras opções mais interessantes do gênero. 

No Star+, a 2ª temporada de Dollface finalmente chegou aos fãs brasileiros depois de quase 3 anos de adiamento devido a pandemia de covid-19. Porém, junto com os novos episódios, veio a notícia do encerramento da série estrelada por Kat Dennings e que acompanha a protagonista Jules Wiley e seu desejo em reatar as amizades femininas esquecidas pelo caminho. 

O serviço também recebeu as 15 temporadas de It’s Always Sunny In Philadelphia, sitcom que até então estava no limbo das comédias esquecidas pelos streamings brasileiros. Crua, politicamente incorreta e escrachada, a série acompanha 4 amigos que são as pessoas mais desprezíveis (e, por isso, mais humanas) e que tentam tocar um pub na Filadélfia, antes de receberem a valiosa adição de Danny DeVitto ao elenco. 

Neste mês, depois de 6 anos, as crônicas da família Pearson deixaram de chegar até nós – mas não de existir, conforme a última temporada de This Is Us procurou deixar bem claro. Como de costume, a temporada apresentou uma maioria de episódios carregados emocionalmente, mas a sobriedade do último surpreende os espectadores mais sensíveis com uma escolha muito bem sucedida para finalizar a história. Com o cuidado de sempre para com os seus personagens e a sua história – o que seguiu destacando os preciosos roteiros da série como a parte de maior sucesso da produção até o seu fim -, a temporada final do sucesso da ABC deixou seus fãs com a paz de saber que a nossa família Pearson ficaria em boas mãos, com seus passados, presentes e futuros curados, concluindo o processo que a série iniciou em 2016.

No Hulu, a minissérie Conversas Entre Amigos (Conversations with Friends) assumiu o difícil trabalho de apresentar mais uma história millennial de Sally Rooney para quem tomou o romance de Marianne e Connel em Normal People como uma das melhores coisas de 2020. O resultado, evidentemente, não foi o mesmo da primeira adaptação. Com avaliações baixas em agregadores de críticas, a série ficou mais no boca a boca de quem acompanha o mundinho – e isso não é um defeito, já que uma parte significativa da ala de criação da série é composta pelas mesmas pessoas que realizaram Normal People no audiovisual, incluindo a própria autora no roteiro. 

A produção acabou unindo todo o universo Sally Rooney, com uma canção original de Phoebe Bridgers na trilha sonora e o protagonismo de Joe Alwyn (sim, o possivelmente noivo de Taylor Swift), que contracena com Alison Oliver, Sasha Lane e Jemima Kirke. E para aqueles que gostam de programas musicais, Katy Perry, Lionel Richie e Luke Bryan finalizaram o quinto ano seguido do trio na bancada do American Idol. O tradicional reality estadunidense completou duas décadas no ar e teve Noah Thompson, um jovem cantor de 20 anos, como grande vencedor da 20ª temporada. 

No mês, os noveleiros tiveram que dar adeus à Quanto Mais Vida, Melhor!, que resgatou o espírito despretensioso das novelas da sete na TV Globo e terminou em uma nota alta. Com uma trama simples, onde quatro desconhecidos são presenteados com uma segunda chance da Morte após morrerem em uma queda de avião, o roteiro de Mauro Wilson soube contornar suas lacunas com precisão, como na fase da troca de corpos, responsável direta pela guinada do folhetim nas redes sociais. No elenco, Giovanna Antonelli, Mateus Solano, Valentina Herszage e Vladimir Brichta se entregaram de corpo e alma a seus personagens. 

Na Apple TV+, os fãs de espionagem foram presenteados com a 1ª temporada de Slow Horses. Adaptação do romance homônimo de Mick Herron, o drama acompanha um grupo formado por agentes da inteligência britânica que cometeram erros no passado e atuam no departamento de despejo do MI5, apelidado de Slough House. Entre os destaques do elenco, estão Gary Oldman (O Destino de uma Nação), Olivia Cooke (O Som do Silêncio), Kristin Scott Thomas (Quatro Casamentos e um Funeral) e Jack Lowden (Dunkirk). Apesar da segunda temporada ainda não ter estreado, a série teve sua 3ª e 4ª temporadas confirmadas. 

Para Junho, teremos a estreia de uma Ms. Marvel efervescente em poder e juventude, uma incursão pelo multiverso mágico e nada óbvio em Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo (Everything Everywhere All at Once), o retorno dos dinossauros mais queridos do mundo em Jurassic World: Domínio e muito, muito mais. No Persona, você acompanha tudo o que rolou no mundo do audiovisual, sempre acompanhado das melhores dicas que esse meio tem a oferecer. Até a próxima! 

Texto: Caio Machado e Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Maio de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O quarto mês de 2022 nos trouxe muitos motivos para comemorar junto de um carnaval fora de época. Como de costume para o amplo espectro da Redação do Persona, estivemos seguindo os lançamentos, eventos, notícias e celebrações do mundo da Música, dentro e fora do Brasil, durante os últimos 30 dias. Então, acompanhados de uma Rita Lee curada, Anitta internacionalizada e Harry Styles emplacado, sonhamos com uma São Paulo primaveril e apresentamos o Nota Musical de Abril. 

E tem coisa melhor do que começar o balanço do mês com notícia boa? Porque Abril trouxe uma das melhores: Rita Lee está totalmente curada do câncer que tinha em seu pulmão esquerdo. Diagnosticada com a enfermidade em maio de 2021, a Rainha do Rock Brasileiro precisou passar por sessões de imunoterapia, radioterapia e quimioterapia até finalmente receber a confirmação de remissão da doença.  Celebrando a lenda viva da MPB, o Persona canta, com muita alegria e respeito “quero mais saúde!”, e se despede do tumor nomeado de “Jair” como uma profecia para outubro de 2022.

Na avenida de um ano atípico que celebrou o Carnaval depois da Páscoa, algumas das referências musicais não poderiam passar despercebidas. O trono vazio da Mocidade Independente de Padre Miguel foi uma forma de homenagear a eterna Elza Soares no lugar onde a cantora desfilou pela última vez, em 2020. Aquele assento simbólico nos trouxe duas grandes certezas: a Voz do Milênio é insubstituível e estará sempre presente em todos os ramos da Cultura nacional. 

Ao lado de Elza no hall das imortais brasileiras, não podemos deixar de mencionar o centenário de Dona Ivone Lara. Aqui, a comemoração ao legado da primeira mulher a compor um samba-enredo no Brasil conseguiu ser ainda mais especial: por desejo assertivo do destino, a celebração da memória da sambista revolucionária nascida em 13 de abril de 1922 foi, mais uma vez, sucedida pela magnitude do carnaval

Lá, o nome de Dalva de Oliveira brilhou. Homenageando Arlindo Rodrigues, carnavalesco responsável por levar a escola ao primeiro de seus oito campeonatos, a Imperatriz abriu os desfiles do Grupo Especial do Rio sob o samba-enredo Meninos, Eu Vivi… Onde Canta O Sabiá, Onde Cantam Dalva E Lamartine, do compositor Gabriel Mello. Além de estar vivíssima nos versos “sonhei com Dalva e fui morar com Deus”, a artista também marcou presença na interpretação da atriz paranaense Lana Rhodes, honrada em representar a Rainha da Voz em plena comissão de frente. 

Fora do Brasil, também rolou o equivalente ao nosso ‘bolo e guaraná’, com a celebração do trabalho de Laurie Anderson através dos 40 anos de Big Science. De forma a transcender a si mesma, a Música de uma das musas e mães do Alternativo parece situar-se em um tempo e espaço nunca vivido, se não até mesmo extraterrestre às concepções que temos de humanidade e arte como um todo. Em abril de 1982, a proposta da artista, que até então se dedicava à pintura e à performance (junto de sua amiga de longa data Marina Abramovic), abriu-se na música O Superman, atingindo o topo das paradas britânicas com uma maneira própria de fazer música pop. 

Construindo suas canções a partir do ato de contar histórias, suas composições assemelham-se a fusões de contos de fadas com um misticismo quase xamânico. Suas performances, que envolvem a corporalidade e as constantes dicotomias do biológico e tecnológico, reafirmaram o espaço do artista enquanto um generalista da expressão, numa constante contemporaneidade que se mostra até em suas reinvenções atuais, como no remix feito por Arca em janeiro de 2022.

As boas notícias também se colocaram no presente com direção ao futuro. Em 2022, a cidade de São Paulo vai receber a primeira edição do Primavera Sound, que preparou um line up dos sonhos para a sua grandiosa estreia em solo brasileiro. Se quiser conferir os shows de Björk, Arctic Monkeys, Beach House, Gal Gosta, Interpol, Mitski, Lorde, Travis Scott, Arca, Charli XCX, Phoebe Bridgers, Caroline Polachek, MC Dricka e muito – mas muito – mais entre os dias 31 de outubro e 6 de novembro, se prepare para o investimento e corra para garantir os seus ingressos, disponíveis com um preço não tão amigo para o Brasil de Bolsonaro e esgotando desde o dia 26 de abril. 

Nesse cenário complexo para a manifestação e promoção da nossa própria Arte e Cultura, os artistas brasileiros têm almejado e conquistado os palcos internacionais, com destaque para o maior festival de Música do mundo. No Coachella 2022, Anitta brilhou com um dos melhores shows da edição, com direito a palco principal, cenografia da Disneylândia, MPB e convidados como Snoop Dogg e Saweetie. Esse ano, o deserto californiano recebeu como os nomes principais de seus dois finais de semana Harry Styles, Billie Eilish, The Weeknd e Swedish House Mafia. Mas entre 15 e 24 de abril, nossa Pabllo Vittar fez história como a primeira drag queen a se apresentar no festival, consagrando seu lugar dentre as melhores performances do ano ao lado de Rina Sawayama, Wallows, Phoebe Bridgers, Conan Gray, girl in red e Emo Nite, só para citar alguns destaques além dos headliners.

O assunto festival também rendeu para Miley Cyrus, que aproveitou o buzz da sua turnê pela América Latina para anunciar um disco ao vivo logo no fim de seu show no Lollapalooza São Paulo. ATTENTION: MILEY LIVE foi majoritariamente gravado durante o Super Bowl Fest Concert, trazendo uma setlist feita para agradar os fãs da artista, com duas faixas inéditas e uma série de covers e medleys que já se tornaram clássicos em seu timbre rebelde.

Assim como sua colega, Anitta usou a repercussão do festival ao seu favor. Depois de dominar o Autódromo de Interlagos com Cyrus no dia 26 de março e atrair a atenção do Coachella nos dias 15 e 22 de abril, ela emplacou o lançamento de Versions of Me. Como o aguardado oitavo trabalho da carreira da estrela pop brasileira, o disco definitivamente  estabelece seu vínculo com o cenário internacional. 

Em 15 faixas que misturam influências do pop, R&B e funk com letras em português, inglês e espanhol, Anitta traz uma mistura das suas fases já exploradas. Chencho Corleone, Khalid e YG são algumas das participações presentes no disco, que como o esperado, soa mais uma playlist. Mas o triunfo de Versions of Me é outro: com sua ousadia e pioneirismo, Anitta transforma a indústria em um jogo e faz de suas músicas uma grande comemoração de vitória.

Agora, a brasileira se aloca nos lançamentos do pop internacional, onde esse mês esteve acompanhando os discos de Labrinth, Let’s Eat Grandma, Alec Benjamin e Camila Cabello. Começando pelo álbum dedicado à trilha sonora original da segunda temporada de Euphoria, se a condução de Sam Levinson no novo ano da série da HBO tem suas dúvidas, a liderança de Labrinth no âmbito musical segue inerrante. Em 24 faixas que permeiam o pop, o rap, a eletrônica e o gospel, com a presença de Zendaya, Dominic Fike e Angus Cloud, o CD entrega o complemento sensível na atmosfera caótica de Euphoria, sem deixar de acompanhar o desenvolvimento dramático dos personagens.

Ao lado da trilha do drama adolescente que conquistou a nata da TV, Alec Benjamin se coloca também para falar sobre amadurecimento. (Un)Commentary é o terceiro álbum da carreira do artista estadunidense, sendo o segundo gravado em estúdio. Nas composições, são encontradas parcerias com o vencedor do Grammy Dan Wilson, e com Charlie Puth, e nas avaliações, surgem muitos elogios da crítica. Poético entre esperança e desilusão, Alec Benjamin estabelece sua marca em canções suaves e cativantes, cuja coletânea foi definida pelo cantor como: “uma versão mais madura de si mesmo”.

Para as pistas de dança, quem trouxe material foi Let’s Eat Grandma. O duo de synth-pop do Reino Unido retorna com um disco enxuto que brinda o público com a chance de se extravasar, não importam as dores carregadas nas costas. Em Two Ribbons, a dupla retrata as fissuras de sua amizade, pela primeira vez escrevendo e compondo as canções de forma individual.

No meio termo entre a celebração externa e a reflexão interna, está Familia de Camila Cabello. Em seu terceiro álbum de estúdio solo, a cantora arrancou elogios da crítica se entregando às suas origens e apresentando fortes influências de ritmos do pop latino. São 12 canções em que a cubana explora uma mistura de espanhol e inglês com marcas clássicas do pop estadunidense – talvez mérito de suas colaborações com Willow Smith, Ed Sheeran e a cantora argentina Maria Becerra.

O cenário do pop, como de costume, foi mais agitado nos singles, sendo o maior destaque da vez para a dupla Harry Styles e Lizzo. Iniciando sua terceira era, o mais bem-sucedido ex-One Direction lançou o single As It Was no primeiro dia do mês. Para começar a promoção do álbum seguinte a Fine Line, Styles apostou alto em um ritmo viciante e uma letra levemente melancólica, que encontra vazão no clipe dirigido pela ucraniana Tanu Muino e coreografado pelo francês Yoann Bourgeois.  

Como primeiro ato do disco intitulado Harry’s House, o cantor apresentou uma estética mais alternativa, embora ainda pop, e conseguiu novamente conquistar o público: As It Was bateu o recorde de maior número de streams em 24 horas para um artista masculino, e ficou três semanas na lista da Hot 100 (ocupando o primeiro lugar em duas delas). Mas do outro lado, a bff de Harry – com direito até a participação especial no seu segundo show no Coachella – não atingiu as mesmas expectativas comerciais com o lançamento da vez.

Três anos após o devidamente louvado Cuz I Love You, finalmente temos nome e data de nascimento prevista para o novo álbum de Lizzo. Special deve chegar aos nossos ouvidos no dia 15 de julho, agora oficialmente apresentado através de About Damn Time. Enquanto reafirma o discurso de auto aceitação frequentemente explorado pela artista, o single chegou prometendo novos sucessos carregados de influências do soul, desta vez com experimentações mais ousadas – o que não agrada muito as paradas que ela conheceu em 2018.

De maneira similar, Chlöe chegou em seu novo single. Desde que finalizou sua era bem-sucedida ao lado de sua irmã e dupla musical, Halle Bailey, com Ungodly Hour, a cantora vem investindo em sua carreira solo. A bola da vez é Treat Me, que sucede Have Mercy mantendo a estética sensual e poderosa e discursando sobre amor próprio – elementos que constituem sua assinatura oficial e definitiva. A canção é, provavelmente, parte de seu primeiro álbum, anunciando como já foi finalizado mas ainda sem data de lançamento. 

Em outras duas menções de nomes queridinhos do pop, Shawn Mendes usou o hall dos lançamentos musicais de abril para desabafar sobre as dores de um término em When You’re Gone e 5 Seconds Of Summer reflete – dois dias antes de embarcar em turnê – sobre as mudanças da vida e da banda com o eu-lírico de Take My Hand. Já nem tão querida assim, Noah Cyrus apresentou I Burned LA Down, a primeira música de seu álbum de estreia, The Hardest Part, que será lançado em julho. 

De acordo com a cantora, a composição foi escrita durante os incêndios florestais que tomaram a Califórnia em 2021, estabelecendo um vínculo entre as emoções de um término de relacionamento e a força das mudanças climáticas. Precedido pelas polêmicas que envolvem a caçula dos Cyrus, o lançamento cria expectativas de que o álbum traga uma era dramática e explosiva.

A maior novidade do pop, no entanto, é que o gênero recebe uma migração. Do punk para cá, WILLOW prova mais uma vez que sabe trabalhar em equipe como ninguém e aparece em duas parcerias do mês. Primeiro, PURGE aproveita as influências do rock e do metal radicalmente aplicadas em lately I feel EVERYTHING para uma colaboração com Siickbrain, agora apresentando a estética da artista com faces futuristas que compõem uma atmosfera noturna e distopicamente fascinante.

Já ao lado de PinkPantheress, a caçula dos Smith é movida pela ambição de construção de uma nova nostalgia – tá feliz, Dua Lipa? –.  Em Where you are, a dupla extravasa uma emoção coletiva e extratemporal, convergindo os perfis musicais das artistas, baseados na reinvenção de gêneros como o garage, o punk rock e o pop, com a produção mestra de Skrillex e Mura Masa. Os vocais sempre delicados da musa do TikTok são logo cortados pelas entoações quase que guturais da nova diva do rock, estabelecendo um contraste que, surpreendentemente, consegue ser um espaço de conforto e emoção.

Mas foi essa mesma referência ao passado que vitimou mxmtoon. Para preparar o lançamento de seu novo disco, Rising, a artista viajou pelas narrativas de amadurecimento no single victim of nostalgia, onde ela suplica por tempo e sabedoria. As lembranças também perturbaram Conan Gray em Memories, o lead single do próximo álbum do artista, intitulado Superache. Na canção, ele abraça as ruínas de um relacionamento, revelando o seu amadurecimento sem deixar para trás o que há de marcante em sua Música, que promete uma identidade ainda mais visceral do que a apresentada em Kid Krow.

Entre os tantos desejos do pop em abril, também houve espaço para Justin Bieber vislumbrar seu próximo conceito a ser perseguido na era pós-Justice. Pelo visto, a palavra da vez é honestidade, como sugere seu novo single do hitmaker feito em parceria com Don Oliver. Já do lado mais alternativo, Florence + the Machine pediram por liberdade às vésperas do lançamento de seu novo disco, Fever Dream. Dessa vez, o ator Bill Nighy foi convidado para dar vida à personificação da ansiedade da frontwoman em Free, enfim aceitando-a no belo clipe dirigido por Autumn de Wilde.

Por outro lado, o mundinho alt pop esbanja energia. A principal representante disso é Ava Max, que se joga em batidas oitentistas e dá nítidos sinais de amadurecimento artístico em Maybe You’re The Problem. Ela até flerta com o universo gamer no vídeo assinado por Joseph Kahn – nome por trás de clipes clássicos do pop como Toxic, de Britney Spears, e Look What You Made Me Do, de Taylor Swift. A protegida de Charli XCX por sua vez, traz instrumentações construídas na influência do melhor que o synthpop pode trazer para revelar uma declaração de amor. Ela acontece nos moldes de uma paixão típica da música pop que, sem pretensões de sucesso interestelar, é movida apenas pelo sentimento de descontração e liberdade da emoção de ELIO.

Para o bem e para o mal, o amor também sempre está relacionado com o trabalho de Troye Sivan. Agora, o príncipe australiano lançou a versão acústica do single Angel Baby, provável carro-chefe do vindouro terceiro registro de estúdio. Já Trixie Mattel vai por outra direção em C’mon Loretta. Em antecipação para seu novo álbum de estúdio, a drag queen apresenta uma canção que mescla country e pop e se inspira na vida da estrela Loretta Lynn, referência do gênero e uma das musas da vencedora de Drag Race.

Nos clipes do mês, o pop alternativo seguiu dando o seu nome. A começar por Charli XCX, que trouxe mais uma das experimentações da era CRASH para o visual de Used to Know Me. Com inúmeros looks e cenários, a direção de Alex Lill, que já esteve também presente em vídeos de The Weeknd e BTS, é tudo o que a britânica necessita para compor seu universo açucarado de pop star comercial ao mesmo tempo em que confirma: realmente, é impossível prever seus próximos passos. 

A sua conterrânea FKA twigs também segue com a proposta de CAPRISONGS na hora de criar os produtos audiovisuais da era, acompanhando integralmente o sentimento das canções da mixtape. Assim, os chamados ‘caprivids’ não passam de rápidos lapsos da visão de twigs sobre amor, sexo, vida urbana e, principalmente, sobre o estar e sentir-se bem. E assim é papi bones: intercalado por vertigens do ballroom, o clipe mostra twigs e Shygirl transitando em uma Londres presa entre a sensualidade e a espontaneidade que anuncia as referências da dance music presentes na canção.

E não tem como falar de alt pop sem citar a princesa dele, ROSALÍA. O clipe da faixa homônima do mais novo álbum da espanhola consegue ser o produto que mais sintetiza as pretensões de MOTOMAMI – sendo também o vídeo mais esperado pelo público, principalmente por ter sido usado como teaser para o anúncio do disco. Utilizando-se do simbolismo das borboletas, presente em quase todo o projeto, e do contraste dos takes e colorações, o clipe é resultado das inúmeras tensões que cercam o mundo da artista – exatamente como ela disse que MOTOMAMI seria.

Para completar, a mais nova dupla do pop alternativo completou sua colaboração – e não, não estamos falando delas juntinhas no palco do Coachella. No vídeo de Follow Me, Pabllo Vittar e Rina Sawayama assumem a passarela como as divas que são. E para somar ao time dos meninos, The Weeknd lançou o clipe de Out of Time, que dá continuidade à busca de Abel pela sua tão desejada luz no fim do túnel. Apesar de ainda ser fiel a narrativa criada para o álbum Dawn FM, o vídeo que acompanha essa balada é bem menos turbulento do que os outros dessa nova era.

O pop nacional agora divide Anitta com o resto do mundo, mas isso não quer dizer que o gênero esteja menos frequentado. O que não falta, na verdade, são nomes promissores, a exemplo de Jade Baraldo. Depois de passear pelos versos icônicos do hit internacional Believe, da deusa-veterana do pop, Cher, a semifinalista do The Voice Brasil ressurgiu extremamente sincera e intensa na sonoridade viciante de Desapaixonar. Atualizada nas tendências, a faixa ainda veio acompanhada de um lo-fi remix, além de um visualizer sensual e intimista. 

Os veteranos não ficaram para trás. Rody Martinez, recorrente parceiro de Gretchen, embarca em mais uma jornada solo com o single – e quase EP, já que possui duas vinhetas – Flashback. Misturando sons das décadas de 1980 e 1990 com os da atualidade, o artista finalmente disponibilizou o material criado “no auge da pandemia”, que recebe outras dimensões com um videoclipe muito interessante. Já o duo OUTROEU prepara o seu novo álbum com ninguém mais ninguém menos que Lulu Santos através do single Praia. E Chico César, sempre uma parceria requisitada nas produções nacionais, esteve com Felipe Cordeiro para unir os sons das regiões Norte e Nordeste do Brasil na eletrizante De Amor, Amor.

Para o campo dos discos, o destaque foi Canicule Sauvage, sétimo registro de estúdio de Otto que finalmente está entre nós. O novo álbum do pernambucano é influenciado pela obra de Serge Gainsbourg, nome influente da música popular francesa, e aposta na experimentação, reunindo participações de nomes como Tulipa Ruiz, Nina Miranda e Ana Cañas. O toque final do novo disco vem de uma lembrança do início da carreira de Otto, que traz de volta a assinatura de Apollo Nove, seu primeiro produtor.

Sempre entre o passado e o presente, a MPB tem, mais uma vez, a compreensão única de Rodrigo Alarcon. Para lançar um de seus trabalhos mais consistentes até o momento, o artista flerta com as criações mais tradicionais do gênero ao mesmo tempo em que brinca com os sons atualíssimos que vêm surgindo no Brasil. Assim, nasce Rivo III e a Fé, que além de conter os seus singles mais recentes (Rivotril e a Fé e Garota da Linha Azul), pode ser classificado como um álbum visual, já que os clipes de todas as faixas formam, juntos, um filme dividido em 10 capítulos. Elaborado de maneira muito talentosa, Rivo III e a Fé nos deixa com a forte sensação de que Alarcon ainda contribuirá bastante com as novas vertentes da Música brasileira.

Novidade é o que não falta, entretanto, algumas são mais surpreendentes que outras. É o caso de Alexandre Nero, que agora sai das telinhas para se aventurar pelo universo musical com seu primeiro disco, Quarto, Suítes, Alguns Cômodos e Outros Nem Tanto. O trabalho é surpreendente desde o princípio, já que a faixa de abertura, Virulência, tem Aldir Blanc envolvido nos bastidores – e a canção esteve presente no disco Aldir Blanc Inédito, lançado em Setembro de 2021. Assim, a nova obra do ator deve chamar a atenção principalmente por conta das participações nas interpretações. Cantando ao lado de Milton Nascimento e Elza Soares, Nero conquista um privilégio que se destaca logo de cara, antes mesmo de termos contato com essas duas colaborações sonoras.

Dentre os materiais novos, também há de se destacar Grito, de Manuela Rodrigues. Assumindo a função de instrumentista, relembrando o período em que foi vítima da Paralisia de Bell e reunindo cinco composições autorais, a cantora e compositora baiana retorna ao mercado fonográfico com um EP instigante. Fruto, em grande parte, de um “mestrado profissional em música” feito entre 2017 e 2018, o novo trabalho de Rodrigues se distancia de sua persona costumeiramente solar e alegre para revelar o “outro lado” que existe em todos nós. 

A mesma impressão promissora se aplica a Leila Maria – destaque da primeira edição do The Voice+, transmitida nacionalmente em 2021 –, que se evidencia entre os lançamentos de álbuns de MPB do mês de abril. Disponibilizado na última sexta-feira do mês, Ubuntu traz novas nuances para as composições de Djavan, mergulhando também em elementos fascinantes de culturas africanas. Colaborando com artistas desse continente tão diverso e artisticamente rico – como o maestro maliano Ahmed Fofana, que já trabalhou com nomes como Björk -, Leila constrói caminhos encantadores e instantaneamente admiráveis. Além disso, em pleno desfecho do álbum, a cantora ainda firma laços com ninguém menos que Maria Bethânia.  

Para quem se interessa por documentos históricos da MPB – mais especificamente, do Pessoal do Ceará –, o disco Sarau Vox 72, de Ednardo, é uma imersão obrigatória. Compilando raridades da Música brasileira, originalmente registradas em fita cassete, a obra foi gravada em uma sala comercial do Edifício Parente, localizada acima da loja de discos Vox, no centro de Fortaleza (CE). E se o assunto é história, Rico Ayade aparece certeiro com sua versão de Negue, canção imortalizada na voz de Maria Bethânia que ganha dimensões LGBTQIA+ na repaginação do multiartista baiano. Essa nova perspectiva aparece principalmente no videoclipe, que foi elaborado em plano-sequência e exibe cenas de tirar o fôlego, gravadas entre o próprio Ayade e Barroso.

Ainda no retrospecto da Música Popular Brasileira, Fafá de Belém celebrou os 81 anos de Roberto Carlos com um single duplo, formado por duas composições da bem-sucedida dupla Roberto e Erasmo: O Portão e Ilegal, Imortal ou Engorda. Acompanhada pelo piano de Jonas Dantas, Fafá consegue reforçar – mais uma vez – a admiração que nutre pelo amigo e parceiro musical de longa data, que ainda recebe o popular título de Rei no cenário heterogêneo da Música brasileira. 

A veterana Claudya não ficou de fora da onda de regravações de abril. Preparando território para o álbum A Nossa Bossa Sempre Jovem, a mãe de Graziela Medori lançou o single Aquele Beijo Que Te Dei, composição de Edson Ribeiro que ficou conhecida nacionalmente na voz de Roberto Carlos. Acompanhada de um videoclipe simples, em preto e branco, a canção é a primeira amostra do trabalho que pretende “transformar em bossa as canções da Jovem Guarda”. 

Por falar em bossa, Diogo Nogueira e Hamilton de Holanda resgataram o projeto Bossa Negra (2014) por meio do single Fim do Horizonte, cuja composição é dos próprios intérpretes junto de Marcos Portinari e Seu Jorge. Enquanto isso, Carlinhos Brown registra em sua voz pela primeira vez a canção Na Estrada, composição que divide com Marisa Monte e Nando Reis, popularizada pela cantora em 1994. Apresentada em versão inédita, agora em espanhol, a faixa é dividida com a cantora, compositora e atriz colombiana Juliana.

Seguindo o movimento atual da MPB, Hyldon também olhou para trás a fim de vislumbrar o que existe na sua frente. Celebrando colaborações importantes feitas ao longo da carreira, principalmente no ramo da composição, o cantor e compositor baiano pode até não trazer muitas gravações e regravações inéditas em Parceiros, tendo em vista que quase todo o repertório do disco foi disponibilizado por meio de singles nos últimos tempos. No entanto, a reunião de nomes como Tim Maia, Mano Brown, Caetano Veloso, Arnaldo Antunes e Céu em uma mesma tracklist certamente comprova a relevância desse novo trabalho. Seja como for, a parceria firmada com Nando Reis, Chuva e Saliva, é o grande material inédito do álbum, para a alegria de quem é ávido por novidades.

Esses também serão satisfeitos por Alceu Valença. Dando sequência aos trabalhos gerados durante a pandemia, o veterano da Música Popular Brasileira lançou o disco Alceu Valença e Paulo Rafael, que sucede a trilogia Sem Pensar No Amanhã, Saudade e Senhora Estrada, lançada inteiramente em 2021. Além de trazer na capa uma xilogravura até então inédita do artista pernambucano J. Borges, o novo álbum de Valença reúne regravações de músicas já conhecidas – tais como Girassol e o hino Anunciação -, dando também espaço para uma canção inédita, a encantadora Fada Lusitana. Mas o maior destaque do disco se encontra, com toda certeza, na presença eterna de Paulo Rafael, parceiro musical de longa data do cantor pernambucano que faleceu no ano passado.

Os baús de Tom Zé também foram remexidos. De lá, surgiu Os Clarins da Coragem, canção finalizada há cerca de quatro anos que seria lançada em outro disco, mas mudou de percurso e chega finalmente ao mercado fonográfico como primeira amostra do álbum Língua Brasileira. Misturando português com expressões do tupi-guarani e termos relacionados à Inconfidência Mineira, o single foi disponibilizado nas plataformas de streaming exatamente na data que marca a chegada das embarcações portuguesas ao Brasil. Assim, a faixa ainda provoca a curiosidade acerca do novo disco, previsto para o primeiro semestre de 2022 com a promessa de discutir o conceito de brasilidade e a formação das identidades nacionais.

Inventiva que só, Iara Rennó começou a apresentação de um projeto fonográfico que está em preparação há 13 anos, cujo lançamento será dividido entre 2022 e 2023, por meio de dois discos. O marco inicial é a canção Babá Ori, que para oficializar a primeira amostra do álbum Oriki, ultrapassa seis minutos de duração e traz a colaboração com a cantora e atriz Thalma de Freitas. Para encerrar o mês, a multiartista ainda saudou o orixá Oxóssi ao lado do seu grande parceiro musical, Curumin. Sendo o segundo single do álbum em questão, Uma Flecha (Òkè Aró) também opta por uma longa duração – tendo pouco mais de cinco minutos – e apresenta uma composição igualmente baseada em textos preexistentes.

Também em dose dupla, o abril de Chico Lobo primeiro deu sequência aos lançamentos do álbum ainda inédito O Tempo é Seu Irmão. Primeiro, homenageando o povo nordestino, ela afirma Indagorinha é uma letra que o artista compartilha com o compositor e poeta Carlos Di Jaguarão. A interpretação, por sua vez, é dividida com Sérgio Andrade, membro da Banda de Pau e Corda – veterana criada em 1972. Não deixando o público sem material inédito, Lobo ainda dividiu o single Lua e Sol com a cantora Tetê Espíndola, de quem é fã confesso. Transitando entre as nuances do dia e da noite, a dupla dá vida a um trabalho que é pura poesia. 

Uma das maiores responsabilidades do mês ficou aos cuidados do talentoso Nobat. Ao lado do carioca BNegão, o cantor e compositor mineiro foi quem resgatou o canto imortal de Elza Soares ao lançar o single Me Deixa Sambar, parceria inédita entre os três artistas. Preparando território para o vindouro álbum MESTIÇO, Nobat assina letra e música do lançamento, e também presenteia o mundo com os versos “A vida aconteceu/e a gente nem se conheceu” – trecho que, na voz da Mulher do Fim do Mundo, chega a ser até mesmo doloroso, devido à recente morte da cantora.

A sua presença, no entanto, ainda é sentida em meio a música nacional – exatamente como deve ser pelo tempo em que nossas canções ecoarem pelo nosso país. Em sua terceira aparição dentre os lançamentos de abril, o nome da Rainha aparece aqui pela última vez com Meu Guri. Canção já apresentada nos álbuns Trajetória, Beba-Me Ao Vivo e Elza Soares & João de Aquino, agora retorna à discografia da Voz do Milênio em gravação feita no Salão Nobre do Theatro Municipal de São Paulo, apenas dois dias antes da sua morte. Com toda a sua habilidade em adaptar-se à realidade artística de cada momento, Elza consegue atribuir novas nuances à composição de Chico Buarque ao lado do pianista Fábio Leandro, utilizando os sentimentos para desviar magistralmente de possíveis limitações técnicas da idade numa interpretação que é, sobretudo, revestida de emoção.

Para animar um pouco os ares, Gigante César e Maria Alcina se encontram com os foliões apaixonados por Carnaval em Língua Lôka. A canção é extremamente calorosa e atenta aos sons da atualidade: basta perceber – e aproveitar – a animada mistura de instrumentos tradicionais com uma sonoridade explicitamente eletrônica em pouco mais de quatro minutos de faixa. “Ela chupa fruta, lambe picolé/É trans, bicha, homem e mulher”, canta Maria Alcina, reafirmando a deliciosa irreverência que permeia sua carreira acompanhada do imperdível videoclipe da canção.

Falando em folia, Emílio Dantas se uniu a Helton Alves para comemorar os 40 anos de Barão Vermelho com uma uma regravação de Bete Balanço, sucesso da banda brasileira. Transportando a música de 1984 para o atual universo carnavalesco, e acrescentando nela alguns toques de funk, o single de 2022 dá continuidade a uma recente tradição do grupo festivo: transformar as canções de Cazuza em obras com abordagens foliãs.

O nome da estrela do rock nacional foi lembrado em mais um lançamento de abril. Afinal, mais de 30 anos se passaram desde o lançamento do álbum O Tempo Não Para – Cazuza Ao Vivo, e agora, finalmente podemos ouvir na íntegra o show gravado por Caju no Canecão, Rio de Janeiro, em 1988. Disponibilizado nas plataformas de streaming no dia 4 de abril, data em que Cazuza completaria 64 anos, O Tempo Não Para – O Show Completo (Ao Vivo) resgata as sete faixas que, por critério artístico e falta de espaço no LP, ficaram de fora da primeira versão do disco. 

Além das canções extra, a nova edição do trabalho ao vivo de Agenor traz takes alternativos de músicas já apresentadas no lançamento original, acompanhados de pequenos discursos do cantor e compositor brasileiro – fora a nova mixagem dos áudios, feita por Walter Costa, e uma remasterização assinada por Ricardo Garcia. Na ordem exata do repertório apresentado no show, o destaque é a faixa Blues Da Piedade, que recebeu um videoclipe oficial construído principalmente com fotografias de Cazuza se apresentando ao vivo. 

Então, é hora de amplificar as guitarras: o Red Hot Chili Peppers ressurgiu com Unlimited Love, álbum que marca o retorno triunfal de John Frusciante. Com 17 músicas distribuídas em 73 minutos de duração, o disco deixa claro, através dos solos de guitarra, que este álbum pertence a Frusciante, misturando elementos eletrônicos com sons orgânicos. Um dia antes do lançamento do disco, a banda recebeu uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. 

E falando em veteranos do gênero, lendas do grunge se juntaram para dar vida ao projeto 3rd Secret, cujo disco homônimo marca a estreia do grupo, composto por Krist Novoselic, ex-baixista do Nirvana, Matt Cameron (baterista do Pearl Jam e do Soundgarden), Kim Thayil (guitarrista do Soundgarden), Jon “Bubba” Dupree, Jennifer Johnson e Jillian Raye (vocalista do Giants In The Trees, projeto que compõe junto a Novoselic). 

Todavia, diferente do que se possa imaginar, o disco não é uma tentativa dos veteranos de alcançar o topo novamente – isso se reflete na ausência de qualquer publicidade acerca do disco, reivindicando os ideais que nortearam as origens do grunge como movimento –, mas sim um reflexo de uma roda de conversa entre amigos, relembrando os velhos tempos de estrada. As canções refletem sobre o amor, perdas e vingança, e o resultado é um disco moderado, bem longe daquilo que o grunge sempre foi: barulhento, em todos os sentidos.

Sob o aspecto de sons moderados e explosivos na medida certa, os irlandeses da Fontaines D.C. chegaram com Skinty Fia, terceiro álbum da carreira. No novo trabalho do grupo pós-punk, há o detalhamento da sensação de viver em uma terra semelhante à de origem, mas cujas dificuldades residem nos detalhes, prevalecendo divagações sobre a condição de expatriados irlandeses, falando a mesma língua da cultura dominante da Inglaterra – os integrantes da banda se mudaram para Londres em 2019 –, porém sendo instantaneamente identificados e subjugados a categoria de “estrangeiros” no momento em que seus sotaques são revelados.

O título da obra deriva de um insulto irlandês arcano, que se traduz como “condenação do cervo” – que, para os propósitos de Fontaines, funciona como uma metáfora vívida de mutação e degradação cultural. Skinty Fia é um disco sobre ambientar um lugar que se transveste de lar, mas que no fundo reafirma sua distância. Esse sentimento de indefinição perpassa o álbum, e permite que o quinteto explore diferentes formatos nas canções, se reinventando faixa a faixa.

Como reflexo, os paralelos entre Dublin – cidade em que a banda se formou em 2017 – e Londres transcorrem todo o CD, refletindo em uma cidade de origem idealizada e num destino assombrado. A canção Bloomsday, por exemplo, faz referência ao homônimo feriado irlandês no qual se comemora o livro Ulysses, de James Joyce, cujo nome faz referência ao personagem Leopold Bloom. Na canção final do disco, Nabokov, as referências são menos claras, mas ainda assim presentes: o escritor Vladimir Nabokov foi um russo que fez carreira nos Estados Unidos, escrevendo magistralmente em inglês. É, portanto, dono de uma obra composta por um expatriado, tal qual Fontaines D.C. faz em Skinty Fia.

Abrindo a porta do “gizzverso”, os hiper-prolíficos King Gizzard & The Lizard Wizard divulgaram Omnium Gatherum, seu 20º disco de estúdio e o primeiro álbum duplo. Ao longo de 80 minutos, o disco expansivo mistura as influências do grupo, como o garage rock, o rock psicodélico e o rock progressivo. O trabalho funciona como a trilha sonora de um sonho, e por essa razão há diversas extrapolações dentro do Rock, pois um único gênero não poderia abarcar toda a complexidade e fragmentação onírica, dando origem a diversas experimentações musicais, do heavy metal ao indie mais melódico.

Já com Wet Leg, grupo britânico de indie rock liderado por Rhian Teasdale e Hester Chambers – que estreiam com seu álbum autointitulado –, não há limitação em referenciar todo pedaço de Arte da terra da Rainha de maneira arbitrária e pontiaguda. Na verdade, as cantoras buscam subterfúgio em suas inspirações, mas triunfam na confecção de um microverso muito autoral e muito próprio. 

O deboche vira regra na composição, ao passo que o escrutínio e o ar despojado dominam os vocais. Elas cantam sobre sexo, sobre amor, sobre namorados ruins e pais caretas, sem espaço para frear entre temas cabeludos e bem-humorados. Em tempos de reconstrução de ambientes sonoros e de criação de mundos diversos, as novatas do Wet Leg manipulam sua realidade, dando luz e espaço para o caos arquitetado e carismático do fim do mundo na idade dos vinte e poucos anos.

Thom Yorke, incapaz de parar de trabalhar – como ele próprio revelou em entrevista –, chegou em dose dupla (ou tripla) em abril: assinou três canções autorais, sendo duas com seu novo projeto The Smile, o qual compõe com Jonny Greenwood e Tom Skinner. That’s How Horses Are, canção de 2 minutos e 23 segundos, que faz parte da trilha sonora composta pelo britânico para a nova temporada de Peaky Blinders, é uma faixa instrumental, cujo piano e os sintetizadores se cruzam para criar uma atmosfera melancólica, trazendo referências de Sigur Rós e Brian Eno. Já Free In The Knowledge e Pana-vision – que também deve entrar na trilha do seriado inglês – foram as duas novas canções divulgadas para promover A Light For Attracting Attention, disco novo do trio o qual Yorke faz parte, lançado no dia 13 de Maio.

Na energia emanada pelo Primavera Sound, Interpol lançou duas novas canções, Toni e Something Changed, que possuem clipes complementares (parte 1 e parte 2), dirigidos por Van Alpert. Os estadunidenses anunciaram um novo álbum para o dia 15 de julho, The Other Side of Make-Believe, e acompanharão os Arctic Monkeys nos shows avulsos no Brasil, inclusive integrando o line up do Festival que ocorre no Brasil entre o fim de Outubro e começo de Novembro.

Por fim, outro nome que apareceu no anúncio do festival espanhol em solo brasileiro e no meio dos lançamentos de abril foi Father John Misty, de carona em seu quinto disco – o primeiro projeto completo do artista desde God’s Favorite Customer (2018). Com Chloë and the Next 20th Century, o título artístico que existe para apresentar a música de Josh Tillman se aloca confortavelmente no seu rock suave e clássico que traz um toque de folk, criando contos referenciados pela sua cinematografia de sempre.

As paisagens aconchegantes formadas por uma musicalidade imaginativa e sentimental são as mesmas qualidades de Lizzy McAlpine, destaque indie desde 2020 pelo seu disco de estreia, Give Me A Minute. Agora, ela vislumbra um acesso mais amplo com five seconds flat, seu segundo disco que traz participações dos indicados ao Grammy Jacob Collier e FINNEAS para vislumbrar diferentes aspectos de um coração quebrado – e não estamos falando apenas de um término de relacionamento. 

Quando o assunto é a sinestesia visual, não tem como não citar a roteirista musical Phoebe Bridgers. Incansável em seus lançamentos mês a mês em 2021, ela descansou até o abril de 2022 para começar seus trabalhos inéditos com Sidelines. A canção é parte da trilha original composta para Conversas entre Amigos, minissérie do Hulu baseada no livro homônimo de Sally Rooney, e parece ser o único material inédito que ouviremos da artista esse ano. 

A linguagem cinematográfica também é a forma de expressão do novo trabalho de Faye Webster. Em sessões acompanhadas de uma orquestra liderada por Trey Pollard, ela produziu um EP de regravações – com exceção da faixa título e de músicas dos outros dois álbuns da artista, que no passado enveredou-se justamente pelo country e pelo folk. Quando une sua típica expressividade ao meio orquestral mágico, a artista fala de suas inseguranças e fragilidades num som que quase parece o tema de um conto de fadas.

Mas nem tudo foi um mar de rosas para o indie de abril de 2022. Mais próximo do fervor do rock, a banda estadunidense Built To Spill trouxe Gonna Lose para anunciar seu novo álbum, When the Wind Forgets Your Name, a ser lançado no dia 9 de setembro. O disco será o primeiro álbum de músicas autorais desde 2015, quando o grupo lançou Untethered Moon. 

Soccer Mommy também rompe com a sua atmosfera delicada para trazer algo como um nightmare pop no segundo single de seu futuro segundo álbum, Sometimes, Forever. Contando com a produção de Oneohtrix Point Never, que produziu, esse ano, músicas para The Weeknd e Charli XCX, ela não abandona completamente seus toques oníricos, mas investe em um instrumental agressivo para acompanhar sua composição sombria.

O movimento mais recente de MUNA foi na mesma direção, embora um pouco menos surpreendente visto a estética comum da banda. Investindo numa narrativa de empoderamento e amor próprio, o trio indie rock de Los Angeles adiciona Kind Of Girl à seleção de seu futuro terceiro disco autointitulado, que recentemente apresentou Silk Chiffon (uma colaboração eletrizante com a madrinha Phoebe Bridgers).

Agora para os lançamentos mais barulhentos, o principal destaque foi a rotineira ousadia de 10000 gecs em Doritos & Fritos, o segundo single do seu futuro álbum autointitulado. Ainda construindo uma identidade sonora acerca de um instinto maníaco e questionador das convenções de bom gosto e estética, o duo aventura-se em uma sonoridade muito mais puxada ao nonsense, com riffs de guitarras pós-produzidos eletronicamente. Nessa mesma ambição de superar os padrões do hyperpop, gênero em que 100 gecs fora tão encaixado, reside a escolha de Laura Les de não distorcer seus vocais. Antes fortemente baseados na aguda entonação do autotune, agora a artista reinventa a si mesma ao aceitar sua própria voz, ainda mais sendo uma pessoa trans.

E o que seria da música alternativa sem a voz de Arca? Com o som mágico que é ecoado pelas suas cordas vocais remanescentes de self titled, a multiartista apresenta uma estreante das inúmeras sessões de livestreaming pandêmicas: Cayó. Aproveitando da colaboração de Tim Hecker para a construção de uma sonoridade ambient, a canção partilha de um quê cinematográfico, vinda direto de um filme de mistério ou terror. Finalmente integrada dentro do universo dos kicks, série de álbuns lançada anteriormente pela cantora, a canção também é acompanhada de um vídeo, formado por resquícios de gravações de clipes não lançados e do anúncio do set de vinis do projeto.

Agora, se o assunto é polêmica, o Brasil, mais uma vez, pode se destacar. Abril foi o mês de Valéria Almeida, a impersonator de Selena Gomez viral da internet brasileira, expandir seu público. É que a partir de peças de spoken word sobrepostas a instrumentais que promovem desencontros harmônicos com os vocais, os seguidores da personalidade produziram um disco intitulado Secrets. Sabe-se lá como, a gringa se interessou pelo trabalho e o disco debutou no top 5 da rede social Rate Your Music. O final da história não foi tão promissor quanto o esperado, mas é fato que o projeto de Valéria Almeida conseguiu colocá-la além do estatuto de meme para firmá-la no território do som alternativo brasileiro.

Nas lembranças da instrumentação agressiva de SOPHIE, Vince Staples retorna para seu quinto álbum.Em RAMONA PARK BROKE MY HEART, o rapper se debruça sobre as experiências contrastantes de violência e amor, sob óticas do futuro e passado, criando um mosaico de emoções acerca da sua vida e criação. Na mesma abordagem de self titled, lançado ano passado, ele envolve-se em trajetórias mais íntimas e, musicalmente, minimalistas. As faixas exploram instrumentais muito mais delicados e surreais, próximos a uma atmosfera quase que onírica que é o voltar-se ao passado, mesmo nas canções que se identificam pela sua curta duração, como AYE! (FREE THE HOMIES).

Já no mainstream, o nome segue sendo o de Megan Thee Stallion. Depois de performar Plan B de maneira inédita no Coachella, a rapper lançou oficialmente essa que é uma de suas canções mais ousadas, explícitas e robustas. A faixa é uma diss track que descasca um antigo amante – boatos de que seria o cara que atirou no pé dela e rendeu a poderosa Shots Fired, abertura do disco Good News. 

Um tanto mais romântico, Jack Harlow dominou as paradas do gênero com seu novo single, First Class, que traz samples de Glamorous, hit de Fergie em 2006 e a participação de Anitta no clipe. No topo da Billboard pela primeira vez como artista solo – já que anteriormente havia alcançado o posto ao lado de Lil Nas X por INDUSTRY BABY, o rapper emplacou o lançamento de seu segundo disco, Come Home the Kids Miss You, previsto para maio de 2022, como ele mesmo cantou: “E eu posso colocar você na primeira classe, lá no céu…”.

No Brasil, a cena do rap também foi movimentada no último mês. O principal destaque é o trabalho de Rap Plus Size, que aparece com muito vigor nos quase 20 minutos de Revoada. Depois de participar do reality Sobe Junto e marcar presença no Lollapalooza 2022, o duo transita entre rap, trap, brega funk e mandelão para brilhar a presença de nomes como BADSISTA, Mc Xuxú e Doralyce. Liricamente, o EP também vai bem, ecoando mensagens essenciais à diversidade humana, tais como o direito que todo corpo dissidente tem de existir e viver a vida livremente.

O veterano Emicida usou o mês para revisitar seis canções de sua trajetória, formando uma espécie de linha do tempo da carreira no EP autointitulado cujas faixas foram repaginadas pelo produtor Damien Seth. Já caminhando em territórios inéditos, Negra Li misturou rap e pop no cativante single Era Uma Vez Liliane, que encaminha a artista para o seu novo álbum. Inspirada na história de vida da própria artista, a canção vem acompanhada de um clipe para lá de especial. Isso porque os filhos de Liliane de Carvalho, Noah Malik e Sofia Kymani, participam da obra audiovisual.

E antes que você pergunte, Baco Exu do Blues também segue na atividade. Em ação  para comemorar a chegada de The Batman ao canal de streaming HBO Max, a canção Gotham É Aqui introduz uma letra crítica que relaciona a cidade do crime fictícia ao Brasil. Os versos falam de corrupção, criminalidade e injustiça social, trazendo questionamentos sobre os heróis e vilões nacionais que reconstroem com destreza a imagem real de um país em ruínas.

Os ares do R&B, sempre dominados pela dona do gênero mundo afora, ecoou o lançamento de City of Gods (Part II) desta vez junto de alguns rostinhos novos. O principal deles talvez seja Omar Apollo, que aos seus 24 anos, emplaca suas raízes latinas em seu primeiro disco recém-lançado, Ivory. Na companhia dos gigantes Daniel Caesar e Kali Uchis, o novato firma seu nome no estilo que é conhecido por conservar alguns dos melhores músicos do século.

O novo trabalho de Syd busca justamente essas referências. Cinco anos depois de sua estreia solo com Fin, a artista segue sua entrega completa aos seus sentimentos expressos em música nas 13 faixas de Broken Hearts Club, agora explorando a influência da música oitentista de ídolos como Prince e Michael Jackson. Dentre as colaborações, aparecem os nomes de peso de Lucky Daye, Smino e Kehlani – que também teve um disco para chamar de seu entre os lançamentos do mês, nos últimos suspiros de abril.

Para a galera de caubói, as novidades vieram da rainha Miranda Lambert, que finalizou o mês com o lançamento de Palomino. Precedido pelo single If I Was a Cowboy, o nono álbum da lenda country é marcado pela sua produção, realizada ao lado de Luke Dick e Jon Randall, e pela sua composição, que assina 14 das 15 faixas. E ali é que está a maior preciosidade do trabalho que reflete (e às vezes se perde) numa viagem conceitual pela vida norte-americana.

Mas para a galera do Persona, a melhor aquisição do mês foi Bronco. Lançado a conta-gotas, o novo trabalho de Orville Peck chega na íntegra provando que o cantor, ícone gay da música country, fez com clareza e precisão sua passagem do nicho para o popular. O CD marca sua contratação com a Sony Records e é recheado por 15 faixas que somam quase uma hora de rodagem, narrando contos cinematográficos do Velho Oeste.

Assim como fez com Pony, disco anterior que o sacramentou na cena três anos atrás, o artista segue enigmático (sempre com a máscara franjuda ocultando o alter ego humano do ex-cantor de punk), mantendo a máxima de esconder o rosto enquanto canta sobre perdição, amor e um faroeste espaguete digno do primoroso século passado. Vindo de um artista queer inserido em um gênero conhecido pelo machismo e pelo preconceito, o Bronco de Orville Peck se prostra como uma figura de admiração e, mais do que tudo, de mudança e progresso.

Se Abril deu o que falar, Maio promete muito mais. Quando o novo disco de Harry Styles chegar, depois do tão esperado retorno de Kendrick Lamar e do finalmente completo trabalho de Florence + the Machine, te esperamos junto do próximo trabalho aclamado de Bad Bunny nesse mesmo persona-canal, para acompanhar cada nota do cenário musical que vai se colocar para tocar diante de nós. Até lá!

Texto: Raquel Dutra

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário, Enzo Caramori, Gabrielli Natividade da Silva, Jamily Rigonatto, Laura Hirata-Vale, Nathália Tetzner e Vitor Evangelista

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Se o mês passado esquentou as telonas com a versão em couro e tesão do Batman de Robert Pattinson, Abril foi marcado pelo verdadeiro estopim de múltiplos lançamentos imperdíveis. Mas, antes de destrinchar o amor perfeito de Heartstopper, as tragédias de Ozark, a potência de Medida Provisória e a resiliência de RuPaul’s Drag Race, é hora de nos despedirmos do Blue Sky Studios, propriedade adquirida pela Disney no ano passado e agora oficialmente extinto. Responsável por sucessos que iam de Rio à Era do Gelo, os animadores da empresa atingiram a jugular do público quando, no tchau, recompensaram o esquilo Scrat com a sonhada noz que movimentou uma saga de filmes jurássicos e gélidos. 

Ainda nos eventos que moldaram o quarto mês de 2022, o Festival de Cannes anunciou a programação de sua 75ª edição, com direito a destaque históricos para as mulheres cineastas, retorno de nomes consagrados da Sétima Arte e até um aceno importantíssimo para o sertão marítimo do Brasil de ontem, com a exibição em qualidade 4K de Deus e o Diabo na Terra do Sol, clássico de Glauber Rocha já exibido em terras francesas mais de 50 anos atrás. 

De fato em terras nacionais, a vigésima segunda edição do Big Brother Brasil chegou ao fim longe do apelo e da relevância de suas antecessoras. Coroando o ator Arthur Aguiar como o campeão do ano, o reality se escorou no apelo dos fãs do artista nas redes sociais, tudo arquitetado por uma esposa expert no marketing digital e em um elenco que não viveu à altura do legado da turma de Thelma e Juliette. Se quem venceu o prêmio de 1 milhão e meio saiu desgostado pelo público, os eliminados prematuramente sorriram alegres no Carnaval de Abril.

 De Jade Picon a Lucas Bissoli, de Gustavo Beats à Dra. Laís Caldas, passando pelas comadres Naiara Azevedo, Jessilane Alves e Natalia Deodato, o nome máximo do BBB 22 é Lina Pereira. A Linn da Quebrada, que não deixa de ser Linda Quebrada e Linda Que Brada, tomou o Brasil de supetão, conquistando pela simpatia, pelo ar da graça e pela presença nunca antes sentida por entre as quatro paredes da casa mais vigiada. Além da cantora, atriz e agitadora cultural, Pedro Scooby, Douglas Silva e Paulo André ganharam status de queridos da audiência, com direito a desfile de modelitos fashion no Baile da Vogue, que esse ano brindou a brasilidade fantástica. 

Na ficção, após uma leva de projetos menores que sucederam Boyhood (2014), Richard Linklater está de volta à ativa na nova aposta da Netflix, Apollo 10 e Meio. E Linklater não só voltou a boa forma mas também aos campos em que domina: as crônicas da vida comum, principalmente da infância e adolescência e a rotoscopia. O filme, que é uma espécie de semi-autobiografia do diretor, conta a história de Stan, um jovem que, após um erro de cálculo da NASA que faz com que a cabine do futuro Apollo 11 fosse pequena demais para um adulto, é recrutado para a agora Apollo 10 e Meio.

O diretor prefere se abster de uma crítica política mais ácida ao período da época para dar foco em como a Guerra do Vietnã e a contracultura interferiram na visão que o jovem Stan tem do mundo durante seu processo de amadurecimento. Vale ressaltar que, além da técnica de rotoscopia, outros méritos de Apollo 10 ½: A Space Age Adventure vão também para as atuações, incluindo a deliciosa narração do Jack Black; e para a trilha sonora psicodélica dos anos sessenta que casa perfeitamente com o estilo de animação.

Longe do sucesso crítico do novo trabalho de Linklater, o diretor Judd Apatow decidiu satirizar um set de filmagens em período de pandemia em A Bolha (The Bubble). Ainda na Netflix, misturando a leveza e a pegada despojada, o cineasta Peter Sollett dirigiu o roteiro de D. B. Weiss (um dos produtores de Game of Thrones) e deu vida a Metal Lords, que narra a jornada de três adolescentes deslocados que têm paixão pela Música, especialmente pelo heavy metal, gênero homenageado com as participações de Kirk Hammett (Metallica), Rob Halford (Judas Priest), Scott Ian (Anthrax) e Tom Morello (Rage Against the Machine, que atua como produtor executivo).

O filme possui protagonistas que estão em seu próprio caminho de autodescobrimento e autoaceitação: Kevin (Jaeden Martell), que inicia a trama sem saber muito sobre o gênero musical e sua relação com ele; Hunter (Adrian Greensmith), que tem problemas para lidar com emoções e interações sociais; e Emily (Isis Hainsworth), tímida, mas propensa a ataques de fúria. Juntos, o trio se torna a banda Skull Fucker (posteriormente Skull Flower) e enfrenta a banda pop Mollycoddle, liderada por Clay (Noah Urrea). 

Asa Butterfield pode até estampar o material promocional de Escolha ou Morra (Choose or Die), mas a estrela de Sex Education fica na sombra de Lola Evans, a verdadeira protagonista do terror dirigido por Toby Meakins. Mais catastrófico que ele foi a estreia de 365 Dias: Hoje. Continuando o fracasso de crítica mas sucesso de público 365 dni, o longa romantiza questões problemáticas e se vende com um pornô estiloso demais para os sites gratuitos. 

Meses depois de hipnotizar o público do Festival de Berlim, Pequena Mamãe (Petite Maman) chegou ao Brasil através do Amazon Prime Video. Munido do realismo fantástico único com o qual Céline Sciamma tem assinado suas últimas obras, o filme mais recente da diretora francesa carrega, desde sua estreia na capital alemã em 2021, a difícil tarefa de suceder o espetáculo de Retrato de Uma Jovem em Chamas – e aqui vai um spoiler amigo: tudo o que a história de Marion (Gabrielle Sanz) e Nelly (Josephine Sanz) deseja e concretiza é existir por si mesma.

Isso é quase uma alegoria para o próprio filme, que trabalha uma narrativa de amadurecimento de forma objetivamente simples e subjetivamente complexa. Ao viver o luto de sua avó, a pequena Marion guarda em seus olhares tímidos e curiosos a necessidade de entender um dos momentos mais delicados da vida de sua família aos oito anos. Na condução gentil e firme de Sciamma, Pequena Mamãe relaciona dimensões emocionais intergeracionais sem qualquer pretensão de extrair uma exaustiva análise psicológica de suas personagens naturalmente encantadoras – definitivamente, a habilidade nata do Cinema de Céline Sciamma.  

Enquanto não chegava ao fim da exibição de Cavaleiro da Lua, o streaming do Mickey presenteou os fãs de musicais. Primeiro com Apresentando, Nate (Better Nate Than Ever), que tem Joshua Bassett no elenco. Depois, com Os Simpsons: Quando Billie Eilish Encontra Lisa (The Simpsons: When Billie Met Lisa). A obra narra a busca da filha do meio da família de seres amarelos por um ambiente tranquilo para tocar saxofone, quando acaba se deparando com a cantora. Apesar da duração de quatro minutos, não faltou tempo para a trama fazer piadas com a Disney, com o produtor musical Finneas O’Connell e, até mesmo, com a própria Eilish.

Em Abril, a MUBI foi palco de duas notórias produções estrangeiras. Com a Itália como cenário do longa, O Conto do Caranguejo Rei (The Tale of King Crab), filme dirigido por Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis, narra uma história de conflitos entre Luciano, um aldeão que vive na Tuscia, e o príncipe da região. Essa intriga resulta no exílio do plebeu, que passa a viver em Tierra del Fuego com escavadores de ouro. 

White Building, o escolhido a representante cambojano na disputa pela vaga de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, também marca a estreia do diretor Neang Kavich em longas. O filme conta a história de Samnang, um aspirante a dançarino de 20 anos que vive com seus dois amigos e familiares em um prédio fadado à demolição na capital Phnom Penh. Para lidar com o estrangulamento que uma cidade em constante mudança causa em um jovem também em mudança, o diretor aposta na contemplação e nos planos longos, fazendo do filme, mais um expoente do slow cinema.

Entre os grandes lançamentos de terror de 2022, X tinha um lugar especial no pódio das expectativas. O slasher distribuído pela A24 é dirigido por Ti West (A Casa do Demônio) e acompanha uma equipe que decide fazer um filme adulto na região rural do Texas, no final da década de 1970. Quando seus anfitriões reclusos os pegam no flagra, o grupo passa a lutar desesperadamente por suas vidas. Aguardado pelos fãs de filmes do gênero, X tem um ritmo lento, utilizado para estabelecer bem a dinâmica entre os personagens e o ambiente rural inóspito. 

No entanto, a demora para que a violência exploda de vez e a repetição excessiva de temas ligados à religião mostram que o filme não aproveita todo o potencial para o terror que estabelece na maior parte de sua duração. É fato que o longa entrega uma dose considerável de sangue nos últimos 20 minutos, mas poderia ter ido mais fundo na luta pela sobrevivência que os personagens estavam experienciando. O grande destaque vai para Mia Goth (Emma.) e Jenna Ortega (Pânico), que se entregam completamente aos seus respectivos papéis e exibem atuações viscerais perfeitas para o gênero no qual estão inseridas. 

Algumas semanas antes de comemorar os 20 anos de Homem-Aranha e mergulhar na loucura de Doutor Estranho 2, o diretor Sam Raimi produziu outro terror de Abril: Umma. Estrelado por Sandra Oh, a obra narra a história de Amanda e sua filha, que vivem uma vida pacata em uma fazenda americana. Quando os restos mortais da mãe ausente da primeira chegam da Coreia do Sul, ela passa a ser assombrada pelas memórias e pelo medo de se transformar na própria mãe. Apesar da premissa promissora, Umma não caiu no gosto da audiência, marcando o quarto mês de 2022 de maneira negativa para Oh, que também deu adeus a uma nada inspirada temporada final de Killing Eve.

Se a ex-médica de Grey’s Anatomy se encontra numa maré de azar, Nicolas Cage deu um cavalo de pau na carreira e agora surfa na aclamação. Após uma série de projetos extremamente duvidosos, surgiu a piada em Hollywood de que Cage aceitava qualquer papel por 1 milhão de dólares, tanto que, ele virou a personificação de ator com boleto para pagar (ou com dívida de jogo, como já diria Isabela Boscov). É justamente a partir dessa premissa que O Peso do Talento se desenvolve. 

Mesmo sendo uma comédia baseada em uma piada, The Unbearable Weight of Massive Talent é uma ode a um dos atores mais excêntricos, carismáticos e adorados do Cinema. Ele aqui abraça a piada e desenvolve uma química fenomenal com Pedro Pascal ao longo da história, que propositalmente é desenvolvida como se fosse um dos filmes mais mirabolantes do qual o ator aceitou participar. O longa é muito consciente ao misturar a comédia encarnada na carreira do vencedor do Oscar ao mesmo tempo que o homenageia com seus momentos de ternura, dando a Cage o que é de Cage.

Mais movimentadas do que nunca, as salas de cinema receberam grandes nomes de Hollywood e do Brasil no mês. A começar por Medida Provisória, primeiro longa dirigido por Lázaro Ramos, que nos apresenta a um futuro distópico em que um governo tirano promove medidas para deportar os cidadãos brasileiros negros para o continente africano. A ideia absurda desencadeia uma série de protestos e movimentos de resistência pelo território nacional. O filme, que apresenta um tom crítico semelhante ao de Bacurau, escalou grandes nomes para compor o elenco, como Taís Araújo, Adriana Esteves, Seu Jorge, Emicida, Renata Sorrah e Alfred Enoch.

Em alta por seu papel na majestosa Pantanal, Dira Paes protagoniza Pureza. O filme estreou no 52º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, fez campanha para o Oscar 2021 e percorreu várias premiações até chegar aos cinemas, após dois anos de pandemia. A história, como esperado, é dolorosa e nada fácil de encarar: no começo da década de 90, uma mãe dava início a busca por seu filho, que havia saído de casa para tentar a vida nos garimpos da Amazônia.

Munida apenas da roupa do corpo e do amor de mãe, Pureza Lopes Loiola descobriu que ele provavelmente estaria trabalhando em condições análogas a escravidão. Até resgatá-lo, ela mergulhou na realidade brasileira que ainda possui raízes no trabalho escravo. Responsável direta pela criação do Grupo Especial de Fiscalização Móvel, Pureza deu o nome e a história para o longa de Renato Barbieri, cineasta de Atlântico Negro – Na Rota dos Orixás (1998) e Cora Coralina – Todas as Vidas (2015), que toma uma certa liberdade criativa para sustentar o drama biográfico. 

Com passagem pela 44ª Mostra de SP, outro título que passou por festivais antes de chegar às salas comerciais foi Mar de Dentro. Daiana Toffoli, a diretora de Manhãs de Setembro (2021) e De Volta Aos 15 (2022) assina um longa-metragem pela primeira vez na carreira, mergulhando Monica Iozzi nas profundezas de uma gravidez não planejada. Na pele de Manuela, uma publicitária bem sucedida, a atriz encara e escancara a complexidade de uma gestação.

Grande título internacional do mês, e após quatro anos de jejum da saga, Animais Fantásticos retorna para o seu terceiro filme, dessa vez com uma história centrada entre a Alemanha e o Butão. Os Segredos de Dumbledore apresenta uma história muito mais política do que mágica, com as eleições para a Confederação Internacional dos Bruxos como holofote da narrativa, o que deixa os segredos do diretor de Hogwarts de lado.

The Secrets of Dumbledore conta com o retorno de David Yates na cadeira de direção, com um roteiro assinado por J. K. Rowling e Steve Kloves (chamado às pressas depois do fracasso colossal do volume anterior). Também reprisam seus papéis Eddie Redmayne, Jude Law e Dan Fogler, com alguns atores novos adicionados à franquia, como William Nadylam e a incrível Maria Fernando Cândido. Importante ressaltar a presença quase nula de Katherine Waterson, atriz que bateu de frente aos comentários transfóbicos de Rowling e, mesmo sendo o par do protagonista, mal aparece no filme.

Não tem jeito, não importa o charme de Jude Law ou os números pífios de bilheteria que podem acabar com a chance da série ganhar mais filmes, todas as manchetes se voltam para o elenco problemático da franquia. Em julgamento por abuso e violência doméstica, Johnny Depp foi demitido e substituído por Mads Mikkelsen no papel do vilão Grindelwald. A escolha, acertada em gênero, número e grau, denota o talento do norueguês, que não tenta imitar o americano, dando ao bruxo suas próprias características e nuances. 

Figurinha carimbada das comédias românticas, Sandra Bullock revisita o seu passado pela direção dos irmãos Aaron e Adam Nee em Cidade Perdida, o novo longa de aventura da Paramount Pictures para o Cinema. Bullock interpreta Loretta Sage, uma autora que é raptada durante a turnê de divulgação do seu mais novo romance. Ao lado de Channing Tatum na pele de Alan, o modelo de capa do livro, a satirização de clichês tenta a todo custo tirar a risada de quem assiste.

Em uma participação especial que faz o público pedir bis, Brad Pitt não tem medo do ridículo e encara a melhor versão do agente desastrado Jack Trainer. O cargo de vilão é trabalho para Daniel Radcliffe, o sequestrador Abigail Fairfax. The Lost City é despretensiosa na mesma medida que genial. Com um elenco de peso, o blockbuster deve arrecadar o suficiente em bilheteria para cobrir o seu custo de 68 milhões de dólares.

Outro sucesso do mês pascoal foi o ouriço azul mais veloz do planeta. Em Sonic 2 – O Filme, as aventuras do personagem titular, dublado por Ben Schwartz, mais uma vez se cruzam com o super vilão Dr Robotnik (Jim Carrey) e recebem a benção de Knuckles (Idris Elba) e Tails (Colleen O’Shaughnessey). Aqui está o escolhido do mês como o filme-para-toda-a-família: inspirando o revival do ícone dos anos 90 no imaginário da geração Z, a sequência entrega o carisma que promete com o seu elenco e faz a saga caminhar em direção à superação dos percalços passados. 

No campo das animações, uma das maiores bilheterias na história dos animes e dono de um selo Fresh no Rotten Tomatoes, Jujutsu Kaisen 0 é o filme inspirado no mangá de mesmo nome que antecede o quadrinho de sucesso Jujutsu Kaisen. O Volume 0 narra as aventuras sobrenaturais de Yuta Okkotsu, um jovem assombrado pela sua amiga de infância e paixão platônica Rika Orimoto. Ambientado em Tóquio, o desenvolvimento da trama toma forma quando Okkotsu acaba se matriculando em um Colégio Técnico de Jujutsu repleto de mistérios. 

Para fechar os filmes prestigiados nas salas, a coprodução ítalo-brasileira, O Traidor recebeu aplausos e elogios desde sua estreia no Festival de Cannes em 2019, se tornando um dos mais premiados filmes do Cinema italiano recente. Anos depois, o público geral finalmente poderá assistir Marco Bellocchio em toda a sua glória.

Do mesmo diretor de De Punhos Cerrados (1965) e Vincere (2009), não é de se estranhar o cunho crítico com o qual O Traidor trata a política italiana. O filme é baseado na vida de Tommaso Buscetta, mafioso da Cosa Nostra que posteriormente colaborou com a justiça para delatar o esquema de corrupção. A atriz brasileira Maria Fernanda Cândido, em dose dupla nos cartazes do Cinema em abril, interpreta a esposa de Buscetta, Maria Cristina de Almeida Guimarães.

A Televisão de Abril pode muito bem ser dividida entre estreias empolgantes e conclusões aguardadas. Na Netflix, Ozark se despediu menos emaranhada do que de costume. Depois de respirar à beira do precipício com o sétimo episódio, a parcela final da quarta temporada movimenta os personagens entre o cartel, o FBI e a ascensão política. Marty (Jason Bateman) solta a embreagem e permite pequenas explosões, ao passo que Ruth (Julia Garner) tem material suficiente para marcar a História das telinhas.

Melhor e mais destemida do que antes, Wendy (Laura Linney) usa a loucura como carta magna nos momentos de escrever seu futuro. Depois de 44 episódios recheados de tensão, filtro azul e muitos sotaques caipiras, o veículo mais sóbrio da Netflix desata seus nós versando sobre o legado, o amor familiar e a falta de consequências para os abastados. O mundo é dos privilegiados, mas isso Ozark já havia nos dito desde 2017. Meia década depois, a lembrança é amarga, mas nunca surpreendente. 

Três anos depois de dobrar o tempo com a primeira temporada de Boneca Russa, Natasha Lyonne retorna. O ano dois, que dessa vez se envereda para viagens no tempo e um bocado de trauma familiar, é ainda mais inventivo que a estreia, por mais que a ideia de dar continuidade a algo tão único e singular como Russian Doll possa soar profano. E para quem ainda bate o pé sem vontade de mergulhar em 7 novos capítulos, a participação hiper-especial de Annie Murphy é o bastante para o convencimento. 

Grace and Frankie acabou na 7ª temporada, se tornando a produção original da Netflix com o maior número de episódios lançados. Ainda no tudum, David E. Kelley pulou da HBO para criar e escrever Anatomia de um Escândalo (Anatomy of a Scandal), um mistério que toma de base o livro de Sarah Vaughan. E se os assinantes do streaming esperavam melhorias para a quinta temporada de Elite, eles se decepcionaram mais uma vez. O quinto ano da série continua se apoiando em um plot reciclado, que alterrna entre um caso de assassinato e muitas cenas de sexo apelativas. 

Entre os personagens originais, ficaram apenas Samuel (Itzan Escamilla) e Omar (Omar Ayuoso), que aparecem com personalidades e uma amizade que nada têm a ver com o início da produção. Já entre rostinhos novos estão Isadora (Valentina Zenere), Iván (o brasileiro André Lamoglia), Bilal (Adam Nouru) e Cruz (Carloto Cotta), mas nem mesmo a adição deles conseguiu movimentar a história maçante. Toda a trama se desenvolve de forma superficial e repetitiva, e, apesar de abordar assuntos importantes (como discussões que perpassam os tabus do estupro, pedofilia, abuso psicológico e vício), a maioria é tratada de forma irresponsável e irreal. Uma sexta temporada já foi confirmada, e só o que resta para os fãs é rezar por uma luz no fim do túnel. 

Para os românticos de plantão, Abril findou a espera pela adaptação de Heartstopper. Com o envolvimento da autora Alice Oseman, a saga de Charlie e Nick foi levada às telinhas com a leveza das HQs, incrementada pelas performances deliciosas de Joe Locke, Kit Connor e companhia. Ainda sem confirmação de uma bem-vinda temporada dois, a história do encontro entre dois garotos borbulha nas redes sociais e fumega para além das telas, dando à comunidade queer um amor idealizado, perfeito e impossível de largar.

Na contramão das borboletas no estômago da paixão juvenil, a Apple TV+ chegou com duas pedradas. Depois de desbancar gigantes do streaming no último Oscar, a produtora resolveu iniciar a temporada com os dois pés na porta com a postulante a melhor série do ano, Ruptura (Severance). Com um elenco que tem nomes como Adam Scott, Christopher Walken, John Turturro e a queridinha da Televisão Patricia Arquette, a produção é um deleite de ficção científica. Seu roteiro, que mistura toques de Black Mirror, O Show de Truman e David Lynch, foi milimetricamente escrito e faz com que os mistérios da trama e seus vislumbres de surrealismo se desenvolvam de forma muito engenhosa e cativante. 

A isso junta-se um primor técnico, desde sua direção concisa, cargo dividido entre Ben Stiller e Aoife McArdle, até outros aspectos como uma montagem e design de produção e som agonizantes, que dão o tom daquele ambiente de trabalho nada ortodoxo (mas que faria muito sucesso no LinkedIn). Diferentemente da premissa, onde se é possível separar seu “eu” do trabalho de sua vida pessoal e esquecer esses ambientes num piscar de olhos, é impossível tirar Ruptura da cabeça.

O HBO Max viu a consagração de Queen Stars, reality que envolve drag e cantoria, com a apresentação de Pabllo Vittar e Luisa Sonza. Além disso, Minx: Uma Para Elas fez barulho o suficiente para ter uma segunda temporada anunciada. A comédia criada por Ellen Rapoport acompanha Joyce (Ophelia Lovibond), uma jovem feminista que une forças com o editor Doug Renetti (Jake Johnson) para criar a primeira revista erótica voltada ao público feminino. A série, que possui 10 episódios com duração de aproximadamente meia hora, tem Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento, Caça Fantasmas) como um dos produtores, e um elenco que esbanja os nomes de Michael Angarano (Quase Famosos), Sofia Gonzalez (Grace and Frankie) e Amy Landecker (Transparent). 

Ainda no aplicativo roxinho, e inspirada no livro reportagem Tóquio Proibida, de Jake Adelstein, a série Tokyo Vice se consolida como um envolvente drama policial, nos mostrando o submundo da cidade de Tóquio no final dos anos 1990 e o funcionamento da Yakuza – vista de perto pelo autor do livro . Em 2013, a produção foi concebida como um filme, e Daniel Radcliffe chegou a ser contratado para dar vida ao protagonista Jake. No entanto, seis anos depois, o projeto foi reformulado para uma série em 8 episódios, e o ator Ansel Elgort (Baby Driver, A Culpa é das Estrelas) assumiu o lugar de Radcliffe, dando vida ao primeiro jornalista estrangeiro a ser contratado no prestigioso jornal The Yomiuri Shimbun. 

A Tóquio Proibida de Jake Adelstein é capturada por alguns takes que fazem lembrar Encontros e Desencontros (Lost in Translation) – talvez pelo jogo de luz e pelo próprio cenário de Tóquio –, mas em alguns trechos parecem haver referências à Miami Vice, e isso não é por acaso. Embora a maioria dos episódios tenham sido dirigidos por Josef Kubota Wladyka, é Michael Mann quem dirige o piloto – o diretor do filme de 2006. 

Sua ambientação é tão poderosa que quase podemos sentir o cheiro de nicotina invadir nosso quarto enquanto tentamos desvendar os rostos escuros que perambulam pelas ruas obscurecidas de Tóquio. O desenvolvimento da série é lento, e foca no amadurecimento pessoal dos personagens. Além disso, a produção mostra a força que a máfia japonesa detinha no Japão, mantendo uma censura não declarada nos jornais locais, em que não se podia noticiar nenhum homicídio. “Não existe homicídio no Japão se nenhum policial falar que foi homicídio”, Jake ouve após tentar noticiar um assassinato visto com seus próprios olhos.

Streaming mais adulto do grupo Disney, o Star+ recebeu a megalomania de The Dropout, minissérie com fome de Emmy que coloca Amanda Seyfried numa sinuca de bico. A história, que se baseia em eventos reais, mostra a tentativa da fundadora da Theranos, Elizabeth Holmes, de revolucionar o setor de saúde após abandonar a faculdade e iniciar uma empresa de tecnologia. Entre fraudes, performances memoráveis e reviravoltas de arrepiar os cabelos, a produção do Hulu tem tudo para crescer ao longo dos próximos meses. 

Enquanto alguns emergem, The Walking Dead caminha para o fim. A série de Televisão da AMC voltou a ser exibida no começo de 2022 e, agora, com a segunda parte da última temporada finalizada, o gran finale deverá acontecer em outubro. Prometendo entregar uma despedida digna para os fãs, os episódios da parte 2 da 11ª temporada tiveram como o principal evento a dominação de Alexandria, Hilltop e Oceanside pela Commonwealth, elevando as expectativas para uma guerra liderada por Daryl (Norman Reedus) e Maggie (Lauren Cohan) contra o Império.

Também no bonde da despedida, e após 176 episódios exibidos, chegou o momento de black-ish dar adeus aos fãs. Estrelada por Anthony Anderson e Tracee Ellis Ross, a sitcom do casal de protagonistas, Dre e Bow, tem a felicidade de ser encerrada com o sentimento de dever cumprido: a família Johnson conseguiu manter e fazer presente a sua identidade cultural negra, mesmo vivendo em um bairro branco de classe média alta.

Em 2022, os últimos episódios contaram com muito humor e emoção, além das participações especiais do ex-jogador de basquete Magic Johnson e da ginasta Simone Biles. A série exibida pela ABC possui incontáveis indicações aos principais prêmios da Televisão estadunidense. Entre eles, o BET Awards, o SAG e o Emmy Awards, o último segue devendo duas estatuetas de Melhor Ator e Atriz em Série de Comédia para Anderson e Ross. Com o fim, fica a dúvida: a 8ª temporada irá quebrar esse jejum?

O remake de Um Maluco no Pedaço, batizado apenas de Bel-Air, encerrou sua jornada inicial na TV, levantando elogios pelo tom mais dramático e pela acertada escalação de Jabari Banks no papel que deu o estrelato ao vencedor do Oscar Will Smith. Também amparada pelo apoio crítico e do público, na Itália, a HBO deu fim ao terceiro ano de A Amiga Genial, drama de amadurecimento que se baseia na obra mais famosa de Elena Ferrante. 

Em Abril de 2022, o público queer comeu o pão que o diabo amassou com a temporada final de Killing Eve. Apressada, nada concisa ou mesmo certa da história que gostaria de detalhar antes de encerrar o jogo de gato e rato, a produção demorou a engatar e, quando encontrou a marcha ideal para os sacrifícios de Eve (Sandra Oh) e Villanelle (Jodie Comer), já era tarde demais. Isso, e claro, a conclusão cretina que além de matar o amor menos saudável da atualidade, também assassinou a esperança dos fãs.

E para os que sobreviveram à amargura que o drama impregnou no paladar, foi vez de limpar a garganta com a 14ª temporada de RuPaul’s Drag Race. Ela foi longa, e dos 14 episódios competitivos, 7 deles não encontraram eliminação alguma. O senso de estagnação na Corrida das Loucas foi eclipsado pelo melhor elenco de drags desde os tempos de ouro de Sasha e Shea, além de diversificar suas competidoras. Pela primeira vez na histórias, 5 mulheres trans foram escaladas (e três delas se revelaram ao mundo como parte da comunidade trans durante a exibição do programa).

Entre o primeiro competidor homem cis hétero, o truque das barras de ouro, uma eliminação precoce e o pior Snatch Game em quase quinze anos, a temporada 14 coroou Willow Pill, drag queen que se identifica como pessoa trans feminina, filha/irmã de Yvie Oddly e uma das figuras mais marcantes da mitologia do show. Ao lado dela, que impressionou desde o Show de Talentos dadaísta até se tornar a primeira trans a vencer o programa principal, subiu ao trono Kornbread “The Snack” Jeté, a primeira Miss Simpatia trans de Drag Race. No fim, 16 extensos capítulos foram a quantia certa para a história ser mudada, graças aos deuses drag e ao talento de Pill, Jeté, Bosco, Lady Camden, Daya Betty, Angeria e companhia. 

Foi difícil compilar o melhor e o pior de Abril de 2022 entre as telonas e as telinhas, o que parece se tornar rotina, considerando que, com a volta ao novo normal, o Cinema e a TV se rearranjam, tiram o atraso da pandemia e despejam lançamentos semanalmente. É tanto filme e série que fica difícil para qualquer um acompanhar os movimentos do mundo cultural. Mas, para os que procuram um seriado com garra e audácia cômica, a dica da vez é Abott Elementary. A trama segue um grupo de professores reunidos numa das piores escolas públicas do país, simplesmente porque adoram ensinar, e tem no elenco a criadora do show Quinta Brunson, que se destaca junto de Tyler James Williams, Janelle James e Sheryl Lee Ralph.

Para Maio, resta um Multiverso da Loucura, um Homem do Norte, um Cavaleiro da Lua e muito, mas muito mais. No aquecimento para a tempestuosa e movimentada corrida do Emmy 2022, acontece também o 75º Festival de Cannes. No Persona, você acompanha os pormenores e as engrenagens do audiovisual, sempre banhado pelas dicas mais deliciosas e suculentas do mercado. Até lá! 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Caio Machado, Gabriel Gatti, Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner e Raquel Dutra

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Gabrielli Natividade da Silva 

O primeiro episódio de La Casa de Papel veio ao ar em 2017, e agora, 5 anos depois, uma das séries mais conhecidas e adoradas da Netflix chega ao fim. A quinta temporada foi dividida em dois volumes (o primeiro lançado no dia 3 de setembro, e o segundo exatos três meses depois), e seguiu a narrativa deixada pela anterior: a gangue ainda estava no Banco da Espanha, depois do assassinato de Nairóbi e da chegada conturbada de Lisboa ao assalto, enquanto o Professor lutava com a fúria da inspetora Sierra e do coronel Tamayo. Só a menção desses pequenos fatos leva à conclusão de que coisas grandes estariam prestes a acontecer para finalizar a produção com chave de ouro e, de fato, aconteceram.

Juntamente com a última temporada, foi lançado o documentário La Casa de Papel: De Tóquio a Berlim (também dividido em dois volumes), que mostra um pouco da rotina por trás das câmeras e a visão das pessoas envolvidas na série. Nele, Álex Pina (produtor executivo) contou um pouco sobre os desafios de criar todo o ambiente de guerra da nova fase, que surpreendeu e agradou o público: “Precisávamos fazer algo maior, mas não sabíamos como abordar o gênero de guerra, nem como filmar, pois é extremamente complicado”. O diretor, Jesús Colmenar, completou falando sobre a pressão de finalizar a trama do jeito certo: “Entrei nisso com uma imensa sensação de responsabilidade […] temos que tornar esta temporada maior, temos que torná-la mais épica”. Felizmente, o resultado não deixou a desejar e entregou um final realmente inesquecível.

Afinal, não dá para falar sobre a última temporada de La Casa de Papel sem mencionar o roubo do ouro. Observando o plano de Berlim e Palermo, a única palavra que vem à mente é “impossível”, mas, na verdade, o roubo realizado no Banco da Espanha seria parcialmente possível, e isso foi explicado no documentário De Tóquio a Berlim. A produção da série contratou um engenheiro naval que fizesse todos os cálculos essenciais para que o plano de extração do ouro desse certo, desde o tempo mínimo necessário, até a pressão, o atrito e todos os outros conceitos de física complexos demais para meros mortais. Então, com a equipe e o material certo, roubar o Banco da Espanha poderia funcionar, exceto talvez pela parte de convencer o governo a substituir a reserva nacional por latão.  

Fazendo uma retrospectiva da série como um todo, não é difícil perceber como ela adquiriu cada vez mais ação em seu enredo, ganhando nesse último momento um tom quase sombrio. As primeiras duas temporadas retrataram o assalto à Casa da Moeda, o qual, apesar de toda a ação e até mesmo as mortes envolvidas, foi muito mais simples quando comparado ao assalto ao Banco da Espanha, mostrado nos últimos três anos. É importante ressaltar, no entanto, que o segundo caso já teve início como uma guerra, quando a gangue começou o crime apenas para resgatar Rio das mãos da polícia, e a equipe policial, que já estava furiosa por não ter tido sucesso em interromper a retirada do dinheiro na primeira vez, não queria errar de novo. Tudo apenas se intensificou no decorrer da série para algo imenso e totalmente inesperado.

Uma possível razão para essa mudança de tom em La Casa de Papel é a modificação sutil na equipe de criação da série. A primeira temporada contava com cinco diretores, sete roteiristas e cinco produtores, enquanto a última contou com apenas dois diretores, quatro roteiristas e o acréscimo de um produtor. A alteração certamente trouxe alterações perceptíveis no curso da trama (como já foi comentado anteriormente), mas a permanência de quase todos os membros da equipe – em especial o produtor Álex Pina e o diretor Jesús Colemar – não permitiu que a essência tão especial da série se perdesse ou que pontas soltas fossem criadas. La Casa de Papel se comprometeu e entregou tudo até o fim. 

Grande parte da emoção da última fase de La Casa de Papel também se deve ao fato de que, diferente da primeira parte da série, o grupo de assaltantes não tem mais a necessidade de evitar criar qualquer tipo de laço afetivo entre si, já que todos se tornaram uma grande família. Nessa temporada final, em vários momentos, era evidente o quanto cada membro da gangue lutou com unhas e dentes para proteger os outros. Mesmo em uma grande guerra contra o governo e o exército espanhol, toda a equipe ainda conseguiu demonstrar amor, apoio e lealdade, passaram por cada vitória e derrota juntos. É também interessante notar como a vulnerabilidade do time foi explorada ao máximo até nos pequenos detalhes, e um grande exemplo disso é a falta da proteção trazida pelas máscaras de Dalí e pelos reféns, experienciada pela primeira vez na história de La Casa de Papel. 

Falando sobre o desenvolvimento das relações interpessoais no novo assalto, é inevitável mencionar como o romance se manteve presente. Na quinta temporada, Estocolmo (Esther Acebo) e Denver (Jaime Lorente) permaneceram como um dos casais principais, mesmo com o desenvolvimento rápido e superficial de um triângulo amoroso envolvendo Julia (Belén Cuesta). Mas o título de casal que tirou o ar dos espectadores uma última vez ficou para Rio (Miguel Herrán) e Tóquio (Úrsula Corberó). Logo de cara, na primeira temporada, La Casa de Papel ofereceu aos espectadores uma paixão ardente entre os dois personagens que faziam tudo um pelo outro. A bolha de amor foi estourada a partir da terceira – após o sequestro de Rio -, mas, nesse último momento, o arco romântico foi encerrado de forma heroica e com muito amor envolvido, como deveria ser.  

A história de Tóquio também foi explorada ao máximo e de todos os ângulos possíveis na última temporada, trazendo uma construção perfeita para o grande momento de redenção da personagem que ficará marcado na história de La Casa de Papel. Quem se recorda da narradora apenas como a responsável por muitos dos problemas da série, desde a primeira temporada, não imaginaria que ela seria capaz de um sacrifício tão grande para salvar sua família. Os últimos episódios do primeiro volume da quinta temporada trouxeram com muita clareza os motivos de Tóquio ter a personalidade explosiva que todos amam (ou odeiam). Sua vida antes de entrar para a gangue foi finalmente contada, e sua importância para outros personagens (principalmente Rio, Denver e o próprio Professor) ficou explícita. Tóquio disse adeus da melhor forma que podia, e todos pararam para ouvir. 

Outro ponto alto da temporada foi o desenvolvimento da relação entre o Professor e a inspetora Sierra, através de uma narrativa imprevisível e muito interessante (é claro que a química entre Álvaro Morte e Najwa Nimri foi o ponto chave para o ótimo resultado). Sierra, desde a sua chegada, se mostrou uma mulher forte e impenetrável que faz de tudo para conseguir o que quer, e não foi diferente quando foi passada para trás por Tamayo na quarta temporada, o que a deixou empenhada em fazer o impossível para encontrar o Professor e entregá-lo para conseguir sua reputação de volta. No entanto, a personagem foi levada ao limite e foi possível notar toda a vulnerabilidade que ela carrega; o Professor, por sua vez, teve um papel essencial na jornada de reconstrução e redescoberta de Sierra. Analisar a forma como a dupla saiu de inimigos para parceiros de sobrevivência, chegando enfim a uma relação de respeito mútuo, foi muito reconfortante.

De todos os arcos que aconteceram ao mesmo tempo na quinta temporada, aquele que deixou os fãs da série mais confusos no primeiro volume foi de longe o de Berlim (Pedro Alonso) e seu filho, Rafael (Patrick Criado). Não é mistério para ninguém que o personagem de Pedro Alonso é um dos mais queridos pelo público desde o início de La Casa de Papel, tanto que suas aparições foram indispensáveis mesmo depois de sua morte na segunda temporada. Porém, nos capítulos lançados em setembro, sua participação foi uma incógnita, com narrativa de introdução ao seu filho (nunca mencionado antes), sem nenhuma relação aparente com a trama principal. Houve muita especulação sobre a participação de Rafael na parte final da série, e o motivo da introdução de um roubo paralelo, mas mais uma vez a série espanhola não deixou de impressionar na perspicácia de um bom plot twist, já que tudo só fez realmente sentido no último episódio. 

La Casa de Papel se despede com uma temporada épica, cheia de emoção e nostalgia, relembrando a todos os espectadores o motivo para terem se apaixonado por ela em primeiro lugar. O final pode ter sido irreal e utópico, mas era o necessário para fechar esse ciclo de forma perfeita e deixar todos com o coração quentinho e com lágrimas nos olhos. Todos os personagens caminharam e celebraram o final juntos, e todos os fãs também. Uma última vez: Oh Bella Ciao, Ciao, Ciao e obrigada pelos anos intensos e recheados de momentos incríveis.

Para todos que já estão chorando de saudade, vale mencionar que a Netflix confirmou no dia 30 de novembro um spin-off focado totalmente no queridinho Berlim, a nova trama leva o nome do personagem e deve chegar em 2023; não parando por aí, a plataforma ainda anunciou o remake sul-coreano La Casa de Papel: Coreia – Área de Economia Conjunta, com um teaser lançado no dia 18 de janeiro, é esperado que o projeto chegue ao serviço de streaming ainda em 2022.

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