Se despedindo do frio intenso do mês passado, Agosto passou correndo, nos lembrando que faltam somente quatro meses para o fim de um ano que mais pareceu mentira do que verdade. Atingindo o número de 122 milhões de vacinados com a primeira dose, o futuro parece clarear. Mas mesmo sob perspectivas mais otimistas, a realidade é de que a pandemia ainda perdura e devemos (!) nos cuidar. Com a esperança de que tudo passe logo, o Persona continua isolado dentro de casa e traz a oitava edição do Nota Musical.

Abrindo o mês com chave de ouro, Lorde finalmente lança na íntegra o aguardadíssimo Solar Power, após quatro anos de muita espera e cobrança dos fãs. E carregada da difícil tarefa de superar o insuperável Melodrama, a neozelandesa se despe do fardo de salvadora deixando claro que essa nunca foi sua intenção. Assim, entre idas melancólicas à manicure e discussões sobre mudanças climáticas, Ella Yelich-O’Connor – para os mais chegados – celebra as banalidades da vida sob o Sol, convidando, quem quiser, a se derramar junto.

Outro retrato mais pessimista da vida pós-covid-19 é Pressure Machine, dos veteranos The Killers, que conta com a colaboração invejosa de Phoebe Bridgers na faixa Runaways Horses. Com título de um dos melhores discos de 2020, a queridinha do indie rock contemporâneo também revisitou o aclamado Punisher com três remixes inéditos de Kyoto. E semelhante à colega de banda (boygenius), Lucy Dacus entrega ao público uma nova versão de Going Going Gone, que originalmente integra o sensível autorretrato da cantora-compositora em Home Video.

Além das revisitações de registros já conhecidos, Agosto trouxe junto de si estreias empolgantes. O vocalista do sucesso juvenil 5 Seconds of Summer, Luke Hemmings, lança o primeiro trabalho solo da carreira com When Facing the Things We Turn Away From, encarando de frente o passado através de um processo empático de autoconhecimento. Igualmente, Orla Gartland surpreende com Woman on the Internet. Em seu álbum inaugural, a irlandesa refuta todos os estigmas criados em cima do passado como youtuber, abraçando aqui quem ela realmente é.

Já se despedindo, Iggy Azalea dá adeus ao mundo da música com The End of an Era, último ato da carreira, cheio de batidas encorpadas do funk carioca. Infelizmente, contrário à rapper australiana, algumas figuras parecem nunca dizer o tão necessário ciao! Em meio aos singles forçosos do mês, destacam-se o insosso Summer of Love de Shawn Mendes & Tainy e HIT IT do calejado Black Eyed Peas, com feats inusitados de influencers latinos. J. Balvin, por outro lado, continua influente no reggaeton internacional, divulgando Que Locura, prévia do álbum a ser lançado em Setembro.

Outra figura querida pelo público é Tinashe, que presenteou os fãs com o esperadíssimo 333. No seu melhor trabalho até o momento, a artista toma conta da criação narrativa do álbum recheado de sentimentalismo comum do R&B. Enquanto isso, The Weeknd continua bebendo da fonte oitentista da nova era, com direito a muito sintetizador no mais recente Take My Breath. E, o imitador oficial de After Hours, Ed Sheeran dá novamente as caras com Visiting Hours – coincidência? Dessa vez, sem a fantasia arlequina, o britânico aposta no usual violão acústico, assim como FINNEAS em A Concert Six Months From Now.

Na efervescência de exaltações nostálgicas, o trio de synthpop CHVRCHES mergulha de cabeça nas influências que inspiraram o terceiro álbum, criando uma narrativa quase cinematográfica. Trazendo “A” participação de Robert Smith, Screen Violence já nasce digno de um filme de terror slasher dos anos 80, carregado de sangue, sintetizador e uma final girl de respeito. Evocando a mesma década, Angel Olsen exalta o período com covers de hits oitentistas em Aisles, uma prévia vibrante do que vem a seguir. Já para quem busca sonoridades mais experimentais, o imersivo SINNER GET READY de Lingua Ignota e as faixas sombriamente atmosféricas de Cruising da banda black midi são garantias certas de uma experiência original, com um quê de sinistro.

Ainda em Agosto, a hashtag #fleabagiscoming causou comoção nos trendings do Twitter, mas infelizmente não pelos motivos que gostaríamos. Com o mesmo nome da incrível Fleabag – série criada pela gênia Phoebe Waller-Bridge –, YUNGBLUD lançou nesse mês um novo single, ostentando fortes referências grunge. Machine Gun Kelly traz as mesmas veias noventistas em papercuts, produzido em conjunto com Travis Baker e Nick Long. Ao se afastar da sonoridade de seus registros passados, MGK não agradou todos os ouvidos e respondeu às críticas com um “STFU”. Crescentemente aparecendo em produções pop-rock alternativas do ano, o baterista do nostálgico Blink-182, Travis Baker, é incluído mais uma vez no último EP misery lake de Blackbear.

Guns N’ Roses também alvoroçou sua fanbase com ABSUЯD, primeira música da banda após treze anos sem novos materiais. E de fãs sêniores à fãs Gen Z devotos, Red Velvet entrega ao público Queendom, mais um sucesso comercial adicionado à lista do grupo de k-pop. Agora comemorando parcerias de longa data, a amizade fofíssima entre Tony Bennett e Lady Gaga dá as graças com a versão enérgica da dupla de I Get A Kick Out Of You, bem como o retorno de Skrillex com Justin Bieber e Don Toliver em Don’t Go.

Falando em duplas de respeito, Lizzo retorna após dois longos anos em Rumors ao lado da rapper Cardi B como deusas do Olimpo banhadas a ouro. Ambas encaram juntas as críticas ligadas ao corpo, avisando: todos os boatos são verdadeiros! E em meio à voltas triunfantes, Kacey Musgraves ressurge das cinzas com justified, anunciando o próximo álbum intitulado star-crossed, que desde sua revelação, já se tornou um dos mais esperados do ano. A musa country-pop se debruça sobre as dores do fim de um relacionamento, entregando um single perfeito para se chorar sozinhos no carro enquanto sofremos por desilusões amorosas.

Saindo direto de um conto épico medieval, If I Can’t Have Love, I Want Power exibe, logo de cara, Halsey em todo seu poder como matriarca sentada sobre um trono de ferro – ou melhor, o seu trono de ouro. Marcando o pop internacional com muito conceito, o álbum inclui em sua produção a improvável colaboração da cantora com os membros de Nine Inch Nails, Trent Reznor e Atticus Ross, se tornando uma declaração soberba sobre maternidade, auto-sabotagem e emancipação feminina.

Em clima saudosista, o querido Zeca Pagodinho marcou presença com Meu Partido É Alto!, evocando alegrias distantes. Vento nos cabelos, fim de tarde e cerveja gelada são lembranças afloradas pelo pagodeiro ao longo das faixas do álbum, assim como na performance descontraída de Eita Menina em versão pagode por Lagum. No sertanejo, Gabeu ressignifica o gênero tradicional através de uma reinterpretação queer com o bem-humorado AGROPOC.

Seguindo no Brasil, Marina Sena faz jus ao título do álbum de estreia, De Primeira, ultrapassando a marca de 3 milhões de streams no Spotify. Com produção e direção de arte impecáveis, a mineira entrega um pop recheado de brasilidades, seguindo como uma das promessas da música brasileira, ao lado de nomes como Jup do Bairro, um dos mais relevantes da cena musical nacional atual, e Manu Gavassi em seu desabafo internacional – diferente de Vitão e seu TAKAFAYA. Ao mesmo tempo, o cearense Matuê alcança com “Quer Voar” parada global na Billboard, se consolidando como um dos principais nomes do trap nacional.

Dando continuidade, de Madu à Supercombo, se destaca Ney Matogrosso, que como um dos maiores intérpretes da música brasileira, continua fazendo o que bem entender em Nu Com a Minha Música. Na comemoração dos 80 anos de sua deliciosa existência, quem é presenteado são os fãs. E entre reboladas e presentinhos, a funkeira Valesca Popozuda retorna despirocada como sempre.

Assim, somado às fragilidades e ameaças aos direitos das mulheres no Afeganistão e no mundo, o episódio serve como um lembrete urgente de que a luta contra a misoginia deve ser diária e tomada como um compromisso sério. No oitavo mês do Nota Musical, o Persona reúne a Editoria e os Colaboradores em apoio a todas as vítimas de violência contra a mulher, antes de analisar os acertos e deslizes musicais de Agosto.

CDs

Lorde – Solar Power

Escondam os pré-adolescentes diferentões e os jovens de coração partido, porque a nova estação artística de Lorde muito provavelmente vai desagradar qualquer um com expectativas e noções prévias do que a musa kiwi faria após babar por diamantes e desaparecer no Sol depois de um explosivo término. O Sol, de fato, é parte central do terceiro trabalho de estúdio de Lorde. Em Solar Power, a mensagem é menos pontiaguda que no passado, mas o recado está dado: o mundo não é local de certezas e permissões, e Lorde, nessa emboscada de envelhecer e perceber que ocasionalmente se enxerga como “um Jesus mais bonito”, aceita a efemeridade das coisas.

Qualquer texto que se sujeite a definir o disco como uma coisa ou outra já começa jogando em desvantagem visto que, mais do que nunca, Solar Power é mutável com o astro que o nomeia. O mormaço presente em canções como a faixa-título e Oceanic Feeling, encerramento alongado da versão Standard, representam as duas pontas de pensamento da jovem, agora, de vinte e poucos anos. Ela não sabe a quem recorrer, mas adoraria que nos puséssemos em seus sapatos, como moradora de um país quase místico, coordenado e bem gerido. É óbvio que Lorde cantará sobre o que bem entender e, se encontrar felicidade num passeio à praia ou numa sátira à comunidade das joias mágicas, isso será sua verdade e seu mantra. O que Solar Power carece em poder de fogo (como Ribs e The Louvre no passado), compensa em maturidade e autossuficiência. 

As composições de Ella, majoritariamente acompanhada pelo produtor de aluguel Jack Antonoff, revitalizam ideais tidos como imutáveis tanto no PH quanto no Melodrama. Ao lado da messiânica participação de Robyn, Secrets é uma viagem à canção das costelas; Big Star se alinha a um rock melódico e mergulha de cabeça na traumática perda do cãozinho Pearl; e Dominoes, embora curta demais, aproveita cada segundo de batuque irônico para grudar na cabeça. Ela guardou as mitológicas Helen of Troy e Hold No Grudge para o vinil, mas independente do fechamento de SP, uma coisa é certa: o Sol brilha, a água refresca e, para além da meia dúzia de números verdes e amarelos, Lorde é eterna. – Vitor Evangelista

Kanye West – Donda

Depois de ser adiado duas vezes, o aguardado disco de Kanye West finalmente chegou, e, segundo o artista, foi lançado sem sua permissão. Levando o nome de sua mãe, falecida em 2007, Donda é um épico cristão de mais de uma hora, e dá continuidade a JESUS IS KING (2019), vencedor do Grammy na categoria de Melhor Álbum de Música Cristã. Embora algumas das 27 faixas do disco tragam a voz de sua mãe, o álbum é composto majoritariamente por obsessões antigas de Kanye West: Kim Kardashian (recente ex-esposa do artista), achar que é perseguido pela indústria e Jesus Cristo. O álbum ainda faz, nas faixas Jesus Lord e Jesus Lord pt 2, um tributo a Larry Hoover — preso desde 1973 —, e as duas músicas juntas somam quase 20 minutos. Nas canções, ouvimos o filho de Hoover, em uma mensagem gravada, questionando as rachaduras do sistema judiciário norte-americano. Para a gravação do álbum, West mudou-se para um quarto no estádio Mercedes-Benz, em Atlanta, e fez uma audição pública do disco, transmitida ao vivo pelo Apple Music. 

O álbum conta com diversas participações, que vão de The Weeknd a Ojivolta, e segundo os créditos oficiais do álbum, Brian Warner — conhecido como Marilyn Manson — é compositor e letrista em Jail e Jail pt 2. O músico apareceu em uma das transmissões ao vivo de Donda, após ter o contrato com sua gravadora cancelado devido as reveladoras acusações que recebeu de diversas mulheres, que vão de violência doméstica a agressão sexual. 

A visibilidade gerada para o artista, no momento em que diversas mulheres posicionaram-se diante do fato, abre espaço para questionarmos se Kanye West é sem noção, provocador ou ambos. O disco ainda conta com a participação de Chris Brown e do rapper DaBaby, também creditado como compositor e letrista de Jail pt 2. O músico proferiu falas LGBTfóbicas em um show recente, e recebeu críticas de Madonna, Elton John e Dua Lipa. Curiosamente, Donda não possui palavrões — algo que era recorrente até a chegada de JESUS IS KING. No que parece ser uma escolha totalmente pessoal de Kanye West, gravar com assediadores não é tão ruim quanto falar que é a porra de um monstro. – Bruno Andrade

Gabeu – AGROPOC

A música sertaneja e a comunidade LGBTQIA+ tem relações opostas. Com o cenário musical dominado pelos ditos universitários, não há identificação da comunidade com todo o machismo e misoginia mascarada como um louco amor, que é cantado por muitas duplas. Gabeu e sua rádio AGROPOC vêm para renovar as águas do moinho sertanejo, trazendo representatividade para o mundo da viola.

Gabeu é filho de Solimões – sim, o próprio na sola da bota – e inevitavelmente a música é presença diária em sua vida. Várias questões são colocadas em cheque: ser do interior, filho de um grande ícone e gay. Como se reconhecer dentro do atual sertanejo? Ser pop? Mesmo vivenciando o ambiente caipira? É assim que Gabeu une o melhor dos dois mundos, dando vida ao queernejo.

AGROPOC é um álbum destemido, que em 10 músicas trabalha o melhor da sonoridade do sertanejo, dando um grande espaço para os instrumentos de corda. Com canções que referenciam até fim de noite Fio de Cabelo, Gabeu traz faixas inteligentes como o encerramento, Amor Rural que aposta em sacadas e jogos de palavras, Bailão que dá vontade de colocar um chapéu e uma fivela e Boiadeiro e Atacante que nos coloca numa fazenda e mesmo com um gostinho tradicional, sabe inovar na proposta do queernejo. AGROPOC é de longe um dos melhores lançamentos de 2021, e junto com ele o sonho de dançar as músicas na festa junina da escola. – Ana Júlia Trevisan

The Killers – Pressure Machine

Os integrantes do The Killers engrenaram nas gravações de Imploding The Mirage (2020), e como resultado dessa sequência de inspiração e confinamento devido a covid-19 — que adiou a turnê que a banda havia planejado —, surge o conceitual Pressure Machine, versão mais reflexiva e melancólica do antecessor. Quase todas as faixas começam com narrações que parecem ser de pessoas comuns do interior dos Estados Unidos — especificamente a cidade de Nephi, em Utah —, e essas vozes diferentes auxiliam na narrativa que os The Killers tentam construir para contar a história dos desconhecidos. 

A faixa Runaways Horses conta com participação de Phoebe Bridgers, e as faixas se mantêm coerentes em todo o álbum. Algumas trazem apenas voz e violão, pequenos sintetizadores e a bateria se mantém leve em quase todo o disco — algo inovador para o The Killers, que tem Ronnie Vannucci na bateria —, com as exceções In The Car Outside e In Another Life, as melhores do trabalho. Essas características marcam o propósito do álbum de criar algo mais intimista.

O álbum é uma bela fotografia da cidade em que Brandon Flowers cresceu, e soa como uma homenagem às vítimas da covid-19. Pressure Machine ainda marca o retorno do guitarrista Dave Keuning, que havia deixado o grupo em 2017. – Bruno Andrade

Zeca Pagodinho – Meu Partido É Alto!

Depois de quase matar o Brasil do coração com uma súbita internação por covid-19, Zeca Pagodinho se recupera tranquilamente em sua casa. Para comemorar a melhora do cantor mais família desse país, a dica é escutar sua nova compilação de sambas estilo partido alto. Em Meu Partido É Alto!, Zeca consegue dar uma sobrevida no ânimo de quem o escuta, sempre garantindo um punhado de alegria e uma cerveja bem gelada na vida tão sofrida do brasileiro.

Com sua capa amarelo-vibrante que exalta o sorriso dessa lenda da Música nacional, é através de músicas como Delegado Chico Palha e Pagode Da Dona Didi que Zeca Pagodinho relembra hits tão marcantes na sua carreira, reverenciando a beleza do partido alto saída diretamente das periferias cariocas. Imperdível, assim como toda a discografia do cantor, Meu Partido É Alto! aperta o coração de saudades de uma roda de samba. Vida longa ao rei! – Caroline Campos

The Weeknd – Thursday 

The Weeknd decidiu comemorar o aniversário de uma década das mixtapes que o lançaram no mundo da Música em 2011, e disponibilizá-las em edição original e completa nos serviços de streaming. O álbum da vez é Thursday, que fez 10 anos em 11 de agosto, e também uma drop em parceria com o artista japonês MR. Moletons, tênis e um vinil exclusivo fazem parte da coleção, que foi inspirada em animes.  

O relançamento de Thursday trouxe de volta o mais intenso R&B da obra de Abel, característico do seu início. O amor, vida e sexo cantados com melancolia é sua Música em essência, e esse sofrimento só é curado- ou expandido – pelo hype das drogas. As faixas Lonely Star, Thursday e The Zone, música com o Drake, são destaque e contam a história do álbum: a relação amorosa e obscura com uma menina que ele só vê às quintas-feiras. Thursday é, definitivamente, um dos melhores trabalhos de The Weeknd.

House of Balloons e Echoes of Silence completam a trilogia de mixtapes lançadas em 2011 e que foram remasterizadas e compiladas para formar Trilogy, álbum de 2012. Com House of Balloons já nas plataformas digitais, é óbvio que o aniversário de Echoes of Silence seguirá o mesmo caminho para ganhar uma edição original, mas apenas em dezembro. – Nathália Mendes

Bnny – Everything

Logo de cara, Everything é introduzido por uma guitarra estranhamente suave e melancólica. Da mesma maneira, a vocalista, Jess Viscius, quase sussurrando à moda Mazzy Star, soa como um produto vindo diretamente de uma garagem grunge noventista. Gravitando sob uma atmosfera niilista, a banda de Chicago, Bnny, trouxe no álbum de estreia a experiência íntima de Viscius com a morte, tema central do registro.

Ao ter que lidar com o vazio deixado pelo falecimento do companheiro, Viscius, junto do restante de Bnny, concebe quatorze faixas preenchidas por uma carga emocional bastante vulnerável. Os versos breves, os acordes simples, os instrumentais crus e os vocais lânguidos marcam presença constante ao longo dos 37 minutos do álbum, criando uma espécie de loop infinito. Everything é um projeto minimalista, fruto da tristeza encarada pela cantora durante um período extenso de luto, sendo composto em sessões espaçadas desses vários anos passados. As músicas são familiares, assim como o sentimento de perda. E vagueando pelo espaço, sem saber o que sentir, somos observadores distantes da crônica de amor criada pela banda. – Ayra Mori

Marina Sena – De Primeira

A maior revelação do pop nacional de 2021 atende por Marina Sena. Já conhecida por seu timbre adocicado que protagonizava os hits da banda Rosa Neon e A Outra Banda da Lua, a mineira de 24 anos agora assume de vez sua autonomia musical em seu primeiro trabalho solo. Combinando a experiência de estrada com sua identidade única, a artista cria um sabor tropical nos ares mais frescos que a música pop brasileira pode ter. E como a própria avisou no título do disco, caímos nas graças do som De Primeira.

A expectativa em Marina Sena existe desde o charme irresistível de Me Toca, o primeiro single do álbum. Mas quando ela emplacou o refrão chiclete de Voltei Pra Mim, o cenário não teve outra escolha senão aguardar ansiosamente pela sua estreia. E nela, a artista serve tudo e mais um pouco. Como todo bom disco pop, De Primeira não tem medo de se influenciar por outros gêneros, colocando o ouvinte para dançar reggae junto de Sena em Temporal, acompanhar a conversa dela com o pagode em Tamborim, e beirar o R&B no groove de Por Supuesto.

Ao mesmo tempo em que abraça a música do mundo, Marina se encontra em casa no que é essencialmente brasileiro. Os ritmos de percussão, dedilhados de violão e melodias vocais tão familiares da nossa música são perfeitamente valorizados em cada uma das 10 faixas do disco. Seja no coração doído que chora a saudade em Amiúde, na energia digna de um hit de Carnaval que vibra de forma imersiva em Cabelo, ou na pontinha de funk que se mostra em meio ao lirismo de Seu Olhar, ou na reverência à MPB que aparece em Santo, ela tem razão: seu trabalho é De Primeira. – Raquel Dutra

Halsey – If I Can’t Have Love, I Want Power

Irreverente, parte da realeza, dourada e imponente. Halsey senta no trono que uma vez pertenceu ao velho,  agora exibindo o futuro no colo, na figura do bebê que carregou no ventre durante toda a concepção do quarto álbum de estúdio. Por mais que a criança da capa não seja, de fato, o bebê da cantora, a representação imagética do poder e do ideal de maternidade não abre espaço para qualquer questionamento quanto à qualidade conceitual de If I Can’t Have Love, I Want Power.

Também, com um título desse, Halsey dá o tom do CD: muito punk rock, melodias pop e raiva engarrafados pela produção cuidadosa e taciturna da dupla que venceu seu segundo Oscar poucos meses atrás. Trent Reznor e Atticus Ross dosam a mão no obscuro em harmonia com o mágico, dando palco para que Halsey seja vulnerável, da mesma maneira que o fez anos atrás, no suprassumo, até então, de sua trajetória musical, com a estreia jovem adulta de BADLANDS. IICHLIWP ainda chegou acompanhado de um filme homônimo e, sem qualquer single promocional, foi escondido do público até o momento do lançamento, na semana que fechou Agosto. 

As faixas, concisas, conversam entre si pela aura medieval da cantora, que atende por pronomes femininos ou neutros, e em 2019 revelou ao mundo seu diagnóstico de bipolaridade. No ponto de virada e no melhor momento de sua carreira na Música, Halsey deposita no CD algumas das melhores composições que já cantou: Easier than Lying, Lilith, Girl is a Gun, honey e o encerramento com Ya’aburnee. Não faltam destaques ou inspirações (até Dave Grohl aparece nos créditos), e a bagunça criativa que HFK e Manic carregavam, finalmente, se perde de vista. – Vitor Evangelista

Villagers – Fever Dreams

Em seu quinto álbum, Villagers traz músicas delirantes para escapar da realidade (algo muito procurado em tempos pandêmicos). No que parece ser uma mistura inusitada entre Pavement, Neutral Milk Hotel e Elliott Smith — na qual melancolia e fantasia ganham protagonismo —, o resultado é o surpreendente e profundo Fever Dreams.

O primeiro single do disco, The First Day — espécie de epopeia da condição humana — demonstra a intenção do grupo com o álbum, trazendo à canção diversas camadas que vão da sensibilidade misteriosa à euforia espalhafatosa. Mantendo a aura de ilusão e realidade, So Simpatico é uma mistura luxuosa de elementos, com os backings vocals dividindo protagonismo com o saxofone. Momentarily é uma das mais intimistas do disco, priorizando teclado, sintetizadores e voz, e desconstruindo toda a complexidade do disco; porém, sem soar menos convincente. A desconstrução soa como um relaxamento para os que chegaram à metade do álbum, quase como um prelúdio a sua segunda parte. 

Fever Dreams é denso e repleto de ambição. Com solos de saxofone, sintetizadores que acompanham praticamente todas as músicas — construindo um cenário onírico muito bem trabalhado — e um clima de filme do David Lynch, o álbum nos ambienta na fantasia melancólica da banda indie fundada em 2008. O disco parece a trilha sonora de um sonho, mas um sonho lúcido. – Bruno Andrade

Lingua Ignota – SINNER GET READY

Em 2019, o álbum Caligula fazia os pesadelos de Billie Eilish em bury a friend parecerem um passeio até a casa da vovó. A mistura de black metal com música erudita, elaborada por Kristin Hayter sob o nome de Lingua Ignota, era brutal e perturbadora, a ponto de eu nunca ter conseguido passar da segunda faixa. Mesmo duvidando de minhas condições físicas e psicológicas para tal, resolvi encarar os 55 minutos de seu terceiro álbum de estúdio, e para minha surpresa, SINNER GET READY é menos tenebroso, mas não menos impactante, encontrando, ainda, momentos de pura beleza em meio à visceralidade.

Afastando-se da música industrial e do black metal, Kristin Hayter mantém-se voltada para a influência da música sacra, além de acrescentar instrumentos folclóricos apalaches para explorar o passado cultural e religioso da Pensilvânia rural, e encontrar em meio a isso seus próprios demônios. Fruto de um intenso trabalho quase acadêmico de pesquisa histórica, as letras resgatam trechos de antigos escritos cristãos, incorporados pela experiência pessoal da artista, que cresceu em um lar católico, além de ter recebido uma educação musical clássica e passado por uma carreira acadêmica que resultou em seu primeiro disco. Os referenciais tradicionais pouco fazem desta uma obra familiar que, pelo contrário, foge de qualquer tentativa de classificação. 

Ao longo de suas nove faixas, o álbum se transfigura da crueza infernal de THE ORDER OF SPIRITUAL VIRGINS, passando por muitos momentos intensos, alguns outros quase delicados em comparação como PENNSYLVANIA FURNACE, até tomar sua forma final após as texturas hipnóticas de MAN IS LIKE A SPRING FLOWER na derradeira redenção solitária de THE SOLITARY BRETHREN OF EPHRATA. Em SINNER GET READY, Lingua Ignota caminha por territórios cinzentos entre o sagrado e o profano, a arte e a religião, o físico e o espiritual. É uma experiência crua, assustadora, poderosa, e que não se parece com nada que seja deste mundo. Talvez de fato, não seja. – João Batista Signorelli

Nas – King’s Disease II 

Após finalmente conquistar um Grammy de Melhor Álbum de Rap em 2021, Nas alongou sua obra King’s Disease em uma segunda parte. Lançado em 6 de agosto, King’s Disease II é uma boa continuação, mas que declina. Com menos participações e mantendo Hit-Boy na produção, a rima premiada, e que lembrava seu lendário trabalho dos anos 90 Illmatic, chegou tropeçando em King’s Disease II. 

Os backgrounds seguem diversificados, com a maioria das batidas mais leves e animadas. Já as rimas do cantor se voltaram em auto afirmar ser dono de um legado na história do rap, exemplificado nos versos de Rare, e Nas Is Good – uma das melhores músicas do álbum. Com quase 30 anos de carreira, não é estranho que Nas continue o trabalho que lhe garantiu um troféu, e consequentemente rime sobre sua própria vitória. No entanto, se distanciar dos versos pesados e críticos não foi a melhor escolha para King’s Disease II. – Nathália Mendes

Iggy Azalea – The End of an Era

Infelizmente, ficaremos sem Iggy Azalea na Música por alguns anos. Com The End of an Era, a rapper australiana dá uma pausa de tempo indeterminado na carreira musical, passando a focar em outros projetos criativos. Portanto, era de se esperar que algo grandioso fosse lançado com a finalidade de encerrar uma carreira relativamente longa. E foi. Pelo menos na extensão do trabalho, foi. O terceiro álbum de Iggy, na versão disponível nas plataformas digitais, é composto por 14 faixas, e conta com quase 39 longos minutos. Perto de outros lançamentos, isso até seria considerado pouco tempo, mas a dinâmica do disco não ajuda muito nessa questão.

Ao menos nas primeiras impressões, The End of an Era é morno ao entregar pouca variedade sonora e um repertório exagerado – apesar de serem canções curtas, elas são muito parecidas entre si. Na verdade, talvez seja necessário mais tempo para uma melhor compreensão e apreciação do CD. Independentemente de qualquer coisa, algumas pérolas, como Brazil, Iam The Stripclub e Sex on the Beach, se garantem desde já. Sem dúvidas, é uma pena que Iggy não tenha conseguido grandes colaborações para esse álbum – por enquanto, participam apenas BIA, Sophia Scott e Ellise. Mas ainda há certa esperança: The End of an Era ganhará uma versão deluxe, com capa já divulgada pela artista. E resta também uma dúvida: será que Iggy atingiu o objetivo de agradar aos fãs gays com o novo álbum? – Eduardo Rota Hilário

Still Woozy – If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is

If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is soa como um dia quente e ensolarado nas férias. O primeiro álbum de Still Woozy, nome artístico do norte-americano Sven Gamsky, transforma até as inseguranças em descontração, as desilusões em melodia. Composto e produzido por ele mesmo, o bedroom pop saído de seu estúdio de garagem na Califórnia nos transporta para aqueles dias de verão dos filmes.

Still Woozy brinca com os gêneros musicais, experimenta instrumentos, passeia por ritmos e estilos. As 13 canções são aleatórias e divertidas na despreocupação de soarem coesas. Como ele descreveu, “cada música expressa uma parte diferente da minha paleta (…). Isso me deu liberdade e confiança para explorar mais do que nunca”. A descontração de quem explora cria o encanto e a jovialidade que If This Isn’t Nice, I Don’t Know What Is exala, em uma euforia sublime em tons de amarelo. – Vitória Lopes Gomez

Mouse Rat – The Awesome Album 

Para relembrar o aniversário de dez anos do falecimento de Lil Sebastian, a fictícia banda Mouse Rat lançou, finalmente, seu disco de estreia. Criação atemporal de Parks and Recreation, o grupo musical é encabeçado por um amável Andy Dwyer (papel do estúpido Chris Pratt que, desde o fim da série, se mostrou uma pessoa com caráter de papelão).

Como quem canta é o personagem da comédia, é mais fácil desligar a imagem do Senhor das Estrelas do paspalhão de voz rouca que ele interpretou com primazia durante toda a rodagem da sitcom. The Awesome Album conta com faixas imortalizadas pela série de Michael Schur, em especial a abertura 5,000 Candles in the Wind (Bye, Bye Lil Sebastian), cantada em homenagem ao cavalinho que partiu.

Compõem a tracklist o sucesso chiclete The Pit e a medonha-mas-adorável Sex Hair. Um cover de I Get A Kick Out Of You ainda está na seleção, que se bandeia para pitadas de jazz quando o lendário Duke Silver dá as caras e mostra os dotes no saxofone. Sem notícias de qualquer revival de Parks and Rec para além do frutífero encontro pandêmico de 2020, o legado da série perdura através do trabalho de uma banda chamada Camundongo Rato. E isso me parece certo. – Vitor Evangelista

Tom Rosenthal – Denis Was a Bird

A perda de um pai com certeza não é um processo fácil, mas todo tipo de dor pode se transformar em Arte. Foi o que fez Tom Rosenthal após ver, em 2019, a figura paterna partir “depois de uma longa batalha contra o Mal de Parkinson e, em seguida, a demência”. Provavelmente, nem seria necessário afirmar que o álbum Denis Was a Bird assume uma atmosfera melancólica em muitos pontos – Denis, por sinal, era o nome do pai de Tom. Logo na primeira faixa, Now You Know, somos informados da despedida e da dor.

A morte, aliás, retorna em faixas como Half An Orphan e Uncontrollably. Por outro lado, Tom também se depara com a vida nesses momentos de tristeza. Então, ele consegue criar verdadeiros refúgios de felicidade, tal como as canções I Went To Bed and I Loved You e Little Joys. De modo geral, o álbum transita a todo momento no contraste entre celebração e ausência, sendo sincero ao revelar as descobertas feitas diante da finitude. Delicado, doloroso e afetuosamente belo, Denis Was a Bird encara a morte sem qualquer tabu. – Eduardo Rota Hilário

Luke Hemmings – When Facing the Things We Turn Away From

Após 10 anos do início da banda de pop rock 5 Seconds of Summer, o vocalista Luke Hemmings lança seu primeiro álbum solo, que transborda em sentimentos. “Quando o mundo desligou no ano passado, eu tive muito tempo para refletir sobre minha juventude e sobre a pessoa que fui, quem me tornei, e quem quero ser. Aconteceu que, a melhor maneira, para mim, de encarar essas coisas e processar meus pensamentos foi escrevendo músicas”, disse Luke, para a Apple Music. Em When Facing the Things We Turn Away From, o artista australiano aborda arrependimentos, medos, angústias e a vontade que sente, por vezes, de escapar da realidade, indo para um Wonderland, ou “país das maravilhas”, como ele descreve em Baby Blue. 

O projeto é alternativo e tem fortes influências de rock e indie. Ele se utiliza muito de sintetizadores em praticamente todas as faixas, e a maioria delas também contêm uma forte presença da guitarra que, por vezes, dá lugar a suaves timbres de piano e violão. Starling Line é a primeira das 12 faixas. Nela, o ritmo e a emoção vão crescendo aos poucos e a letra é de fato um ponto de partida para o que será abordado no álbum, falando da passagem inquietante do tempo e de lacunas na memória, geradas pela urgência e velocidade da vida. 

Algumas músicas são mais vibrantes e enérgicas, ainda que todas abordem versos pessoais e sentimentais, como Saigon, Motion, Baby Blue e Diamonds. Outras, valorizam o acústico e a voz do artista, de forma tocante, como é o caso de Place In Me, Repeat, Slip Away, A Beautiful Dream, Bloodline e Comedown. Mum é descrita por Luke como uma carta aberta à sua mãe, e evidencia toda a sensibilidade e delicadeza da obra. As faixas conversam muito bem entre si e o projeto apresenta uma unidade. Luke despejou todas suas emoções no papel e no estúdio. Encarando, como diz o título do álbum, as coisas para as quais viramos as costas, e lidando com as questões vividas por ele, nessa última década, através da música. O resultado? Um álbum intimista, marcante, sensível, que reflete sua criatividade e seu talento. – Mariana Nicastro

Jake Bugg – Saturday Night, Sunday Morning

Quando Jake Bugg surgiu no cenário musical, em meados de 2012, não faltaram comparações com Bob Dylan e os irmãos Gallagher, do Oasis. Ele trouxe levadas de guitarras que misturavam o folk com o pop rock, embaladas em letras ácidas e revoltadas. Acontece que, depois do lançamento de seu primeiro álbum, Jake Bugg (2012), e de seu sucessor, Shangri La (2013), Bugg parece ter entrado em conflito com suas influências, misturando nos dois (e agora três) álbuns seguintes várias referências entre gêneros. Em meio a esse cenário, chega o ambicioso Saturday Night, Sunday Morning. 

O disco não é totalmente incoerente, mas soa confuso. A faixa que abre o álbum, All I Need, lembra um The Kooks com a presença de um coro gospel, e tem uma levada dance, muito diferente do habitual folk que alçou Bugg às paradas de sucesso. Scene e Hold Tight são as faixas que mais se aproximam do ‘velho Jake Bugg’, trazendo voz e violão às letras sobre despedidas mal resolvidas. As canções são bem trabalhadas, com diversas camadas muito bem elaboradas, mas talvez fosse melhor apostar na típica voz e violão, ou na guitarra/baixo/bateria explorada em Shangri La. Talvez a melhor faixa do disco seja Screaming, que lembra o Kasabian em seus melhores dias.

Mesmo depois de seus comentários contra a música pop, Bugg trouxe muito do gênero em Saturday Night, Sunday Morning, e parece abraçar os holofotes sem querer falar isso abertamente. Como ele anuncia na abertura de All I Need, podemos chamá-lo de cínico, mas também de original. Porém, nesse pop de Jake Bugg, falta um pouco mais de diversão. – Bruno Andrade

Jaden – CTV3: Day Tripper’s Edition

Quando um cantor anuncia a versão Deluxe de seu álbum é sempre bom, mas quando essa vem com mais músicas novas do que antigas é melhor ainda. Das 19 faixas do seu último lançamento, CTV3: Day Tripper’s Edition, apenas seis já eram do Cool Tape Vol, 3. Os fãs de Jaden realmente tem muito o que comemorar.

Diferente das batidas de rock de sua irmã, o cantor explora melodias mais calmas e até mesmo tristes. Na obra, Jaden canta sobre nostalgia, romance e verão. O single BYE anunciou bem a estética sentimentalista que acompanha todas as outras canções, e escutar Summer é como ver o sol se pôr depois de um dia animado com os amigos. É com a leveza de um verão chegando ao fim que o artista conclui mais uma era de sua carreira. – Mariana Chagas

Great Silkie – Dawn Chorus

Algo meio Beatles, mas também muito original. Longe de ser uma cópia de qualquer outro grupo, a banda Great Silkie acumula acertos no álbum de estreia Dawn Chorus. Observação não menos importante, há algo de singular desde a capa desse disco. Afinal, uma atmosfera misteriosa ronda a imagem dos artistas: podem ser os aspectos visuais, a sonoridade, ou simplesmente as dúvidas ao redor de todo início de discografia. Certo é que existe alguma coisa diferente, algo difícil de se expressar em palavras. 

Se é possível compará-los com o quarteto de Liverpool, isso está totalmente nítido em I Don’t Know How to Say (These Days). Já a abertura de How Could this Happen carrega, de certo modo, traços de Under Pressure. Forçando um pouco, podemos até observar semelhanças entre Great Blondell e Joanne. Como seria impossível não mencioná-la, é justo afirmar que So Silent finaliza o CD com uma extensão homérica: são mais de 9 minutos de pura reflexão, ou apenas deleite. Seja como for, um texto curto, de primeiras impressões, não é suficiente para retratar uma descoberta musical interessantíssima. – Eduardo Rota Hilário

Jade Bird – Different Kinds of Light

Dois anos após seu álbum de estreia, a cantora britânica country Jade Bird está de volta com um som que remete às suas origens mas que acena languidamente para o futuro, adotando influências de rock alternativo que eleva o disco. Junto com Dave Cobb (produtor que já trabalhou com Brandi Carlile e Chris Stapleton), as 15 faixas de Different Kinds of Light contam sobre o próximo capítulo na jornada de Bird pelos sons do Sul americano.

Apesar de manter as influências que tornaram seu primeiro trabalho tão prestigioso no cenário country, as novas melodias abordam temas e emoções (ironicamente) mais sombrias, certamente trazendo um tipo diferente de luz à discografia da artista. Com mais de uma dúzia de canções, o disco perde um pouco de ritmo nas últimas, mas não compromete a visão da compositora, nem seu talento para nos emocionar enquanto nos faz dançar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Brandee Younger – Somewhere Different

Conforme o título anuncia de antemão, o novo álbum da harpista Brandee Younger junta elementos familiares para nos levar a lugares diferentes. A musicista de 38 anos, que já colaborou com diversos nomes de dentro e de fora do jazz como Pharoah Sanders, Lauryn Hill e John Legend, prova que a harpa não precisa ser vista como instrumento erudito, e pode explorar as fronteiras de outros gêneros musicais.

Reclamation abre o disco carregada de energia, com Younger e sua banda mostrando a o que vieram. Com uma linha de baixo cheia de groove, acompanhando solos espetaculares de harpa, flauta e saxofone, é uma faixa poderosa e memorável. O impacto e a surpresa da peça de abertura  talvez não se perpetue com a intensidade nas faixas seguintes, mas Younger continua esbanjando talento junto aos outros músicos até a última faixa, seja acompanhando os vocais de Tarriona ‘Tank’ Ball em Pretend, ou até mesmo com a bossa nova e as batidas eletrônicas da faixa-título. É um disco belo, de fácil escuta e assimilação, que casa perfeitamente a delicadeza da harpa ao calor do jazz. – João Batista Signorelli

Kehlani – Cloud 19

Exatos 7 anos depois do lançamento de Cloud 19, a mixtape de estreia de Kehlani finalmente chegou às plataformas de streaming. Apesar de algumas das sete faixas já terem sido lançadas como singles e terem até videoclipe, o trabalho, o primeiro comercial da cantora, estava disponível na íntegra apenas no SoundCloud e foi liberado como álbum bem no dia do aniversário do projeto.

Nem adianta falar que a estreia é inovadora, tem potencial ou resgata o estilo original da artista, depois de outros trabalhos. A mixtape foi o pontapé inicial na carreira, que já sabemos o quão promissora foi: em um ano Kehlani estava distribuindo os CDs na rua, no outro, concorria ao Grammy com seu primeiro álbum de estúdio. Disponibilizar a estreia que a trouxe até aqui soa como um bom presente de aniversário para Cloud 19. – Vitória Lopes Gomez

Andrew Belle – Nightshade

Que clima gostosinho! Grosso modo, essa é a sensação que conduz Nightshade do início ao fim. Algo próximo de quando, naquela viagem introspectiva, observamos as estradas da vida pela janela de um carro – pode ser de um ônibus, se preferir. Ou ainda quando, naquele banho de sol delicioso, tudo parece se limitar ao aqui e agora. De modo geral, são esses momentos de elevação pessoal que são evocados ao longo de 10 faixas atrativas, belas e até mesmo tranquilizantes. 

Disco para desiludidos e apaixonados, o amor, suas variações, desdobramentos e consequências estão presentes em mais de uma canção. Prova disso está logo na primeira, Swimmers, que narra uma possível superação amorosa. Mas há também espaço para composições mais abstratas, como a faixa-título, e até mesmo instrumentais, como em Shorthand. Fato é que, se você ainda não ouviu o 4º álbum de Andrew Belle, deveria dar pelo menos uma chance. Pode ser que anime seu dia. – Eduardo Rota Hilário

Orla Gartland – Woman on the Internet

Boa notícia para os amantes de Normal People: agora, parte importante da essência da série pode ser apreciada numa obra integral. Orla Gartland, uma das vozes que embalou aquela história de amor de pessoas normais, realiza sua estreia maravilhosa na companhia das 11 músicas de Woman on the Internet, fazendo jus à beleza da trama que nos apresentou à ela em 2020.

A temática central também não poderia ser diferente: tudo o que envolve a vida dos vinte e poucos anos é matéria prima para a arte narrativa da irlandesa, que vai do pop-punk (graciosamente explosivo em Over Your Head e Zombie!) ao indie rock (gentilmente hipnotizante em Things That I’ve Learned e Madison). E quando ela canta suas letras afiadas e em pontes crescentes como no refrão de You’re Not Special, Babe, é como se Gartland descobrisse a receita daquele aperto agridoce no coração, conhecido também como o sentimento mais típico da nossa geração.

A sinceridade constrangedora e intimidade dolorosa é o fio por onde Orla segue brincando com seus sons, suas letras, seus ritmos, melodias e harmonias de Woman on the Internet. Com as catárticas More Like You, Do You Mind?, Codependency e Bloodline/Difficult Things, é um crime não parar para ouvir a estreia de Gartland. Na melhor confusão emocional millennial, pedimos à Orla que por favor, não seja tão perfeita. – Raquel Dutra

Ben Platt – Reverie

Ben Platt não é um nome desconhecido. Astro do teatro e da série The Politician, Platt chega em Reverie repleto de emoção, porém sem deixar de lado seu lado dançante. Em seu segundo álbum de inéditas, o artista aposta na mesma nostalgia presente no antecessor, Sing To Me Instead (2019). 

Seu lado teatral não foi esquecido em Reverie, e as fases do disco são separadas por 3 atos, king of the world, pt. 1, king of the world, pt. 2 e king of the world, pt. 3 — faixas que abusam do auto-tune —, dividindo as 13 faixas do disco. As canções parecem ter diversas referências a músicas dos anos 80, principalmente childhood bedroom e come back, compondo uma aura de High School Musical só para adultos. Mas, ao chegar no final do álbum, a sensação é que o disco de 40 minutos seria um devaneio melhor distribuído em formato de EP. – Bruno Andrade

Devendra Banhart & Noah Georgeson – Refuge

Devendra Banhart, o cantor-compositor norte-americano criado na Venezuela que já cantou sua música indie em espanhol, inglês e português, resolveu, em seu álbum mais recente, deixar sua voz quieta e deixar o coração falar. Em Refuge, ele se junta ao seu produtor de longa data Noah Georgeson, deixando a guitarra e a bateria de lado para acalmar os ânimos e voltar-se para dentro de si mesmo, em um disco inteiramente dedicado à música ambiente.

O apogeu instrumental de Refuge pode ser encontrado na peça For Em, que marca a metade de seu percurso com um belo diálogo entre um piano e cordas emotivas. Afora isso, o disco se mantém discreto e tranquilizador, tanto que duas de suas faixas encontraram espaço em Calm, o famoso app de meditação. A colaboração de Refuge evoca outra parceria que em 1980 rendeu o álbum Ambient 2: The Plateaux of Mirror, produzido por Brian Eno e Harold Budd. Tanto este clássico quanto aquele lançamento trabalham as atmosferas contemplativas, dando também destaque ocasional para melodias instrumentais simples mas em meio às texturas minimalistas. – João Batista Signorelli

Middle School – Passing Notes

Passing Notes poderia estar em uma live de lofi no YouTube, “Batidas para o seu domingo de manhã”, por exemplo. Entre tantos EPs e singles, o álbum é apenas o segundo do produtor australiano Middle School, nome artístico de Ellis Mars Forman, e as oito canções instrumentais são o pano de fundo ideal para… bem, o que você quiser.

A capa do trabalho já começa bem em passar a nostalgia e o conforto, mas cabe às melodias transmitirem as emoções. As batidas são aproveitáveis a qualquer momento, mas a subjetividade do ouvinte é o grande atrativo do álbum. Enquanto a primeira faixa, When I Get Up In the Morning, evoca aquela animação preguiçosa de uma manhã de domingo, By The Window recorda a saudade e a delicadeza de uma lembrança. Mas é claro, Passing Notes depende de quem escuta. – Vitória Lopes Gomez

Tinashe – 333 

O árduo processo de se tornar uma artista independente pode até ter sido fatigante para Tinashe, mas ela conquista o ouvinte ao mostrar os benefícios dessa emancipação em seu quinto álbum de estúdio, 333. Sua segunda obra livre das rédeas limitantes de sua antiga gravadora, o disco é uma imersão adocicada em sua autonomia como cantora e produtora.

A produção espacial do álbum media sons experimentais e a clássica sonoridade de Tinashe, que contém infusões de R&B, pop e até funk. Mesmo as faixas mais comerciais são o reflexo da identidade vibrante da artista: Bouncin é o single mais enérgico de sua carreira, e o synth de Undo (Back To My Heart) nos transporta direto para os anos oitenta. 333 pode até não replicar a excelência fascinante de Songs For You, mas é um bom exemplo de como a liberdade artística conseguiu elevar a qualidade do conteúdo de Tinashe. – Laís David

Big Red Machine – How Long Do You Think It’s Gonna Last?

A gigante dupla Aaron Dessner (fundador do The National) e Justin Vernon (fundador do Bon Iver) não parece confortável em aceitar o status de supergrupo. Recebendo o nome de Big Red Machine, a dupla lança seu segundo álbum de estúdio, How Long Do You Think It’s Gonna Last?, com participações que vão de Taylor Swift e Anaïs Mitchell à Fleet Foxes e Ben Howard — sem dúvida, um super grupo. No ano passado, a dupla também lançou a faixa No Time For Love Like Now, com participação de Michael Stipe, do R.E.M..

O álbum constrói uma experiência levemente melancólica, com elementos que compõem um teor altamente poético, como o suave refrão de Latter Days (feat. Anaïs Mitchell) ou a leve, porém marcada, bateria de Phoenix (feat. Fleet Foxes & Anaïs Mitchell). Em The Ghost of Cincinnati — uma das faixas mais interessantes nesse álbum, e uma das poucas sem participações especiais — existem acenos quase descarados a Elliott Smith, e o violão dá forma a um tipo de balada acústica muito semelhante à Angeles, de Smith.

How Long Do You Think It’s Gonna Last? é composto por canções tranquilas, sem grandes rodeios, mas ainda musicalmente interessantes. Os artistas convidados parecem ter se adaptado à ideia do projeto, com exceção de Taylor Swift em Renegade (feat. Taylor Swift). Nessa colaboração, Swift leva todo o protagonismo, e a canção parece, na realidade, uma participação especial de Big Red Machine. – Bruno Andrade

Angus & Julia Stone – Life Is Strange

O primeiro álbum dos irmãos Stone em quase quatro anos também serve de trilha sonora para o jogo Life is Strange: True Colors, que será lançado dia 10 de setembro. Produzido entre os projetos solos de Angus e Julia, o disco é uma combinação de folk e indie pop que reflete sobre as relações entre família e comunidade, assim como o amor: “Sempre voltamos ao amor e a coisas que partem do coração. Quando tudo o mais falhar, o amor será aquilo que conquista.”

Essa inclinação romântica está em evidência durante todo o disco, e eleva o soundtrack além de sua relação com o jogo, apesar de algumas faixas certamente estarem referenciando acontecimentos de sua narrativa. Embora a história completa de Alex Chen e do resto dos habitantes de Heaven Springs só chegue ao nosso conhecimento em setembro, Angus & Julia Stone contam em Life Is Strange uma narrativa inteiramente deles, e que com certeza ressoa com outras pessoas. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Kat Von D – Love Made Me Do It

Falta espaço para Kat Von D expressar suas inspirações artísticas. A tatuadora, atriz, maquiadora, empresária e apresentadora agora estreia no mundo da Música através de Love Made Me Do It. O momento é ensaiado pela artista há muito tempo, que demonstrava seu interesse musical vez ou outra, e agora, ela inaugura seu espaço próprio no que é uma de suas paixões: o rock.

Anunciado por singles enérgicos, o primeiro contato que o disco estabelece com o seu ouvinte pode decepcionar, mas este não deve deixar-se levar pelas impressões da introdução inexpressiva. Depois da primeira faixa, a artista guarda um rock glamouroso para ser explorado. Contando com uma ponta de pop diretamente influenciada pela atitude de Madonna nos anos 80, Kat Von D mergulha em sintetizadores para emergir como uma deusa gótica reflexiva em Vanish, e entre os altos e baixos do disco, esse é o tom que ela mantém em todas as 12 faixas do álbum.

Toda a adoração que ela guarda pelo gênero compõe o sabor agridoce do disco, que é refrescado em faixas como Fear You e Lost At Sea, e quase elevado na falsa balada Easier Sung Than Said. A identidade marcada pode fazer com que Love Made Me Do It seja um pouco enjoativo, mas prova o que Kat Von D realmente quer: fazer rock e criar um novo universo para si mesma. E parece que o amor a fez fazer isso. – Raquel Dutra

Tasha & Tracie – Diretoria

Diretamente da Zona Norte de São Paulo, nasce o disco das gêmeas Tasha & Tracie. As irmãs que começaram sua jornada com o rap nas batalhas paulistas – da onde nomes como Emicida e Projota vieram – estreiam Diretoria, com sete faixas que viajam entre diversos gêneros, experimentando uma mistura harmoniosa e rica de letras inteligentes. 

Do funk até o trap, é com a confiança em seu talento que as garotas se arriscam para não estacionar em apenas um estilo musical. “Hoje, a gente não depende tanto que um Fulano X importante naquele meio ouça o seu som e te ajude na sua caminhada”, comentou Tasha sobre não terem medo de experimentar coisas novas. SUV, a penúltima e melhor canção do EP, é um resumo da habilidade das meninas em fundir um pouco de tudo para construir uma verdadeira obra prima. – Mariana Chagas

Indigo De Souza – Any Shape You Take

Darker Than Death, Real Pain e Kill Me poderiam ser títulos bastante esperados para uma banda de grindcore, mas estão todas na tracklist do novo disco da cantora  de indie rock Indigo De Souza, acompanhada de sua banda. Nele, a estadunidense filha de brasileiro, expressa sentimentos intensos, mas quase sempre mantendo sua  voz delicada. 

A capa já denuncia a morbidez colorida de Any Shape You Take, que mesmo nos momentos em que se mantém próxima da fórmula tradicional esperada do gênero, carrega as dores e anseios de sua autora. Em seu segundo álbum, Indigo De Souza já consegue delinear bem sua identidade artística, e não seria surpresa vê-la se destacando cada vez mais na cena indie nos próximos anos. – João Batista Signorelli

CHVRCHES – Screen Violence

Três anos depois que o amor morreu, o trio escocês CHVRCHES está de volta com mais batidas eletrônicas e letras instigantes em seu quarto álbum de estúdio, Screen Violence. Inspirado na estética do Cinema de terror, o novo trabalho da banda é marcado pela ferocidade de sua mensagem e a química entre seus integrantes.

Desde as primeiras e tímidas notas de Asking for a Friend até os vocais exaustos e desesperados de Better If You Don’t, fica claro que o disco foi produzido por artistas em perfeita sincronia uns com os outros. Se a maior força de CHVRCHES sempre foi a junção das letras intimistas de Lauren Mayberry com os instrumentais sintéticos de Iain Cook e Martin Doherty, Screen Violence representa o ápice dessa harmonia.

Apesar de manter uma atmosfera tensa ao longo das dez faixas (o single How Not to Drown conta com os vocais sombrios de Robert Smith, vocalista do The Cure), a violência titular do álbum parece vir de suas canções mais upbeats. Seja na sequência explosiva de Final Girl para Good Girls quanto na qualidade onírica entre Lullabies e Nightmares, a “violência das telas” sobre a qual o trio canta nunca deixa de ser o foco do novo disco. – Gabriel Oliveira F. Arruda

EPs

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Ney Matogrosso pode cantar o que bem quiser, e ele parece ter consciência plena disso. É o que comprova Nu Com a Minha Música, EP lançado em 1º de Agosto, mesmo dia em que o inigualável intérprete completou 80 anos de vida. Comemoração certeira, sem composições inéditas, essa obra bela e breve abre portas com um afago de esperança. Isso porque, na faixa-título, a primeira do EP, Ney canta um sentimento atualíssimo, embora externalizado por Caetano Veloso em 1981: “Vejo uma trilha clara pro meu Brasil, apesar da dor/Vertigem visionária que não carece de seguidor”.

Nem bem trocamos de faixa, a sonoridade e a língua da segunda canção já são outras. É em Mi Unicornio Azul, composição do cubano Silvio Rodríguez, que Ney transcende em nível absoluto, demonstrando ser um cantor ainda muito habilidoso. E logo em seguida, Se Não For Amor Eu Cegue, de Lenine e Lula Queiroga, substitui o ato sublime por uma alegria apaixonada. Para finalizar, ainda temos a sorte de pedir um “toca Raul!”, pois é a famosa Gita, de Raul Seixas e Paulo Coelho, que finaliza o extended play. Após escutar o  EP, resta-nos apenas uma forte curiosidade, já que o álbum homônimo está previsto para sair somente em novembro deste ano. – Eduardo Rota Hilário

Allison Ponthier – Faking My Own Death

Talvez um dos melhores jeitos de se conhecer é mudando da casa dos nossos pais, deixando nossa cidade natal para trás. É no meio dessa jornada que Allison Ponthier inicia seu EP, Faking My Own Death. Trilhando por vários temas, cada uma das 6 músicas conta uma história. O que todas têm em comum é a tentativa da cantora de tentar se entender e explicar através das letras. 

Nascida em Texas, assumidamente parte da comunidade LGBTQIA +, Allison escreve sobre todas as ansiedades que moram em sua cabeça. Entre o folk e o country, ela se uniu a Rick Nowels para produzir o disco. O artista que já trabalhou com Adele, Lana Del Rey e outros grandes nomes foi a dupla perfeita para que a cantora conseguisse desenvolver as ideias que, segundo ela, já existiam em sua cabeça a anos. – Mariana Chagas

Supercombo – Supercombo

Depois do álbum Adeus, Aurora de 2019 e da versão deluxe em 2020, o primeiro grande projeto da banda Supercombo em 2021 é o EP homônimo Supercombo. O lançamento chegou no começo do mês e conta com sete faixas, todas regravações de músicas do quinteto que ainda não haviam sido lançadas em plataformas digitais.

O grupo reúne canções antigas como Farol, de 2010, Sorte e Azar e Saudade, que ganhou uma versão produzida pela baixista da banda Carol Navarro, a outras mais recentes, como Cebolas, com a participação do produtor e vocalista da Fresno, Lucas Silveira. O rock nacional e as letras existenciais da Supercombo mudam, mas não perdem a essência ou a validade: Supercombo resgata e renova o antigo, sem precisar reinventar o que não ficou ultrapassado. – Vitória Lopes Gomez

Angel Olsen – Aisles

Depois de trazer algumas das canções mais tristes do passado recente em sua fase monocromática sintetizada na compilação Songs of the Lark and Other Far Memories, os dois singles lançados no último mês, as melhores canções do EP, já apontavam que o que agora Angel Olsen quer mesmo é esquecer dos problemas e se divertir. Ainda que mantendo a forte presença do efeito reverb e dos sintetizadores que caracterizaram algumas das canções de All Mirrors, os covers de clássicos dos anos 80 em Aisles são mais leves, coloridos, e até dançantes. 

Livrando-se do peso de realizar um projeto ambicioso, sobra o espaço para brincar, experimentar com os sons e reimaginar as músicas que a acompanharam desde a infância. Mas nem sempre a brincadeira dá certo. O EP tem seus momentos de estranheza, como as mudanças súbitas de tonalidade em If You Leave que simplesmente não se encaixam como na versão original, ou os versos de Forever Young que não fluem bem em um ritmo um tanto desconjuntado. O descompromisso em fazer outra vez um projeto ambicioso ameniza os tropeços de Aisles, pois ao final o importante é saber que Angel Olsen está se sentindo bem fazendo a música que a faz feliz.– João Batista Signorelli

Priscilla Alcantara – Tem Dias (Expansão)

A transição de Priscilla Alcantara do gospel para o pop continua em Tem Dias (Expansão), registro de estúdio lançado em agosto e que abusa de suas base vocal potente para cantar letras de libertação e desassossego. Ao longo de apenas 4 faixas, a ex-apresentadora do Bom Dia e Cia se desvincula ainda mais da imagem de princesa que cultivou por tanto tempo.

Tem Dias (Expansão) conta com a tutela de Lucas Silveira, da banda Fresno, e esse detalhe se reflete com bastante alarde ao longo dos menos de doze minutos do EP. O destaque óbvio é música 3 do trabalho, onde Priscilla divide sua voz com Silveira, em uma canção que cresce exponencialmente até que a explosão seja inevitável. – Vitor Evangelista

Madu – Estudando Tom Zé

Nunca foi segredo que Tom Zé é dono de uma “música sofisticada”, mas isso não forma qualquer tipo de barreira para o cantor Madu. Se pudemos sentir, no álbum Dharma, um pouco da proximidade com esse repertório complexo e arriscado, mais especificamente na gravação de duas composições da lenda tropicalista, Tô e Vai (Menina Amanhã de Manhã), agora uma certa naturalidade em explorar e criar a partir desse universo é, além de muito atrativa, explícita. Estudando Tom Zé, Madu revigora e dá roupagem própria a cinco canções que mereciam esse renascimento digno, apropriado e admiravelmente belo.      

Já no título desse EP, a alusão ao álbum Estudando o Samba – clássico de Tom Zé, lançado em 1976, e um dos melhores discos brasileiros de todos os tempos – prometia alguma grandeza. Mas nem imaginávamos que composições mais simples, como Sandália, alcançariam um nível tão sublime. Sem muitos spoilers, porque é um trabalho que realmente merece ser escutado, o auge do Extended Play está, talvez, na faixa Mãe (Mãe Solteira), gravada com Elisa Gudin: nessa preciosidade, percorremos um caminho repleto de sutilezas humanas, tal como a solidão. No fim das contas, não é exagero afirmar que Estudando Tom Zé é uma das melhores imersões musicais possíveis no mês de Agosto. – Eduardo Rota Hilário

Red Velvet – Queendom

Depois de um ano e meio sem lançamentos desenfreados, a girlband mais carismática (mesmo com um leve toque dark) está de volta com seu sexto mini álbum – ou como costumamos chamar, sexto EP -. Queendom é um mais do mesmo que ainda funciona. Com uma estética semelhante a Era Perfect Velvet e com canções que se assemelham ao The Velvet, o álbum não inova.

Apesar de não trazer nada de especial, Queendom chega quebrando recordes. É graças a ele que Red Velvet se tornou o primeiro girl group a alcançar o topo da lista do iTunes americano por quatro lançamentos consecutivos, quase triplicando o próprio número de vendas. A faixa-título também conta com um clipe que não foge do esperado: magia, cores saturadas, entrega de coreografias e efeitos visuais. – Ana Júlia Trevisan

Blackbear – misery lake

Nas palavras do próprio Blackbear, seu mais recente lançamento, o EP misery lake, “é sobre isolamento, é basicamente sobre a quarentena e como você pode se sentir doido e se sentir feliz e se sentir horrível tudo ao mesmo tempo”. O rapper americano conseguiu canalizar os terríveis sentimentos que marcaram 2020 e condensá-los nas seis faixas que compõem o trabalho, concebido na quarentena.

Ainda que caiam na fórmula pop repetida do artista, as letras melancólicas resumem o estado emocional de Blackbear e transmitem a ansiedade e a solidão do ano atípico. Com seus refrões chiclete, misery lake torna o amargo viciante. Talvez esquecer dos sentimentos conflitantes que compartilhamos e cantá-los ao som de batidas genéricas seja divertido, afinal. – Vitória Lopes Gomez

ADOY – her

Sobre K-pop já estamos cansados, ou até mesmo saturados, de ouvir. Mas, rufem os tambores, pop não é o único gênero da Coreia. E, é fugindo das grandes produções e performances pitorescas, que ADOY se firma como um grupo de indie, já tendo vencido grandes prêmios sul coreanos como o Seoul Music Awards na categoria Prêmio Especial de Juiz.  

O retorno do grupo aconteceu com o lançamento do EP her. O trabalho funciona como uma continuação do álbum Vivid, de 2019. As canções seguem a marcante sonoridade do indie que já conhecemos através das bandas ocidentais. Entre as faixas, o single Baby ganha destaque por seu vocal feminino, Saint faz um desabafo sincero ao mesmo tempo que grita de desespero e Up, a instrumental que encerra o trabalho de maneira sombria, diferente de tudo que havia sido feito nas cinco faixas anteriores, virando a chave para abrir um novo caminho para a banda. – Ana Júlia Trevisan

Tiwa Savage – Water & Garri

Sob o título de Rainha do Afrobeat, Tiwa Savage faz mágica. Aclamada pelo trabalho musical que fez em Celia (2020) e R.E.D (2016), a nova obra da artista é Water & Garri, um EP composto por cinco faixas que reforçam a sua preciosidade. Depois de viver o estrelato em escala mundial e se transformar em um dos principais nomes do pop africano, Savage se volta para suas raízes, dando vida a canções íntimas e delicadas enquanto beira um R&B completamente autêntico. 

A faixa que melhor traduz essa identidade é Work Fada, que abre o EP na companhia do vencedor do Grammy Nas. Com o espaço preparado, a artista divide seus sentimentos em Somebody’s Son contando com a participação de Brandy, e assim segue nos versos em iorubá de Ade Ori. Depois do pop doce de Special Kinda, o destaque vai para a beleza imersiva de Tales by Moonlight, que nos faz reverenciar Tiwa Savage do jeito que a Rainha do Afrobeat merece. – Raquel Dutra  

Músicas

Lucy Dacus – Going Going Gone (Edit)

Sem tempo para saudades, Lucy Dacus revisita Going Going Gone de Home Video, após um mês de lançamento do terceiro álbum solo de sua carreira. Na reedição, nada de novo é posto sobre a mesa. Dacus apenas opta por descartar o final charmoso da versão original, que entre risadas e conversas com amigos, faz com que quase participássemos daquele breve momento de calor genuíno. De resto, ainda testemunhamos as mesmas memórias que compuseram a faixa, num auto-exame empático da artista sobre a juventude traumática. Permanece o coro de fundo invejável formado pelas companheiras de banda boygenius, Julien Baker e Phoebe Bridgers, além de Mitski e Beans, o cachorro de Julien Baker. – Ayra Mori

Valesca Popozuda – Presentinho

Agosto foi motivo de comemoração para os popofãs. Mal começou o mês e os apaixonados pela cantora Valesca Popozuda já receberam um Presentinho da diva do funk. Baseado em um episódio da vida sexual da artista, o novo single de Valesca é divertido e sem pudores, embora não seja totalmente explícito, como algumas das canções mais populares da funkeira carioca. Acompanhada de um videoclipe mais quente que pimenta malagueta, repleto de coreografia e sensualidade, essa nova canção é, a princípio, muito curta. Mas logo percebemos ser o tempo ideal para quem quer – ou sente muita falta de – rebolar a raba. – Eduardo Rota Hilário

Lizzo e Cardi B – Rumors

New era bicth! Foi assim que Lizzo chegou em seu Instagram anunciando o lançamento de seu novo single, Rumors. Com participação especial da futura mamãe, Cardi B, a artista canta sobre todas as fofocas que estão circulando sobre ela pela internet e confirma que sim, tudo o que você ouviu é verdade.

Ser uma mulher preta e gorda de sucesso incomoda. Em live depois da faixa ter sido lançada, a cantora desabafou sobre comentários preconceituosos que vem recebendo. “Estou colocando tanto amor e energia no mundo e às vezes parece que o mundo não me ama de volta”, lamentou. Deve ser uma pena para essas pessoas ignorantes, então, terem de lidar com o sucesso de Rumors, que debutou no top 10 de todas as plataformas.

O clipe dirigido por Tanu Muino coloca as artistas em um ambiente bem Hercules. Ambas vestidas completamente de dourado, Lizzo e Cardi parecem, de fato, semideusas. Ainda sem informações a respeito de um novo disco, a única coisa que sabemos sobre futura era da dona de Truth Hurts é que muito mais hits estão a caminho. – Mariana Chagas

Aly & AJ – Pretty Places (St. Lucia Remix)

Com sua batida pop mais evidente e seus tons de country diminuídos, a nova versão de Pretty Places remixada pela banda St. Lucia continua sendo uma ótima música de road trip para quando você estiver pensando em deixar tudo para trás. O novo remix de uma das melhores faixas do último disco das irmãs Michalka troca os violões pelos sintetizadores, mas nem por isso deixa de incitar o ouvinte a meter o pé na estrada e ligar o rádio, remetendo ao som dos EPs anteriores da dupla sem comprometer sua nova identidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

black midi – Cruising

Depois de entregar nada menos do que um dos melhores discos de 2021, a banda britânica black midi retorna com uma gravação remanescente das sessões de Cavalcade que antes estava presente apenas na edição japonesa do álbum como faixa bônus. Abrindo com uma guitarra e cordas misteriosas, além dos vocais chorosos, a faixa alterna entre momentos de tensão estridente e outros de uma inesperada delicadeza quase romântica. 

Com isso, faz sentido a decisão do guitarrista e vocalista Geordie Greep de não manter a faixa na versão final do álbum, uma vez que seu ritmo mais lento não parece harmonizar tão adequadamente com o frenetismo de Cavalcade. De qualquer modo, ainda bem que esse não foi motivo suficiente para que Crusing permanecesse guardada: o single enriquece ainda mais o catálogo da banda, revelando mais uma de suas múltiplas facetas. – João Batista Signorelli

The Weeknd – Take My Breath

A despeito das polêmicas envolvendo o Grammy, ninguém contesta o fato de que After Hours foi um evento para a música pop. Não porque ele instituiu de vez o som dos anos 80 como tendência da indústria – esse retorno ocorre desde o início da década e The Weeknd já o explorava em Starboy, de 2016 –, mas sim por como o cantor enquadra essa estética tanto em sua identidade artística quanto no contexto em que ele se insere. A discrepância entre os sintetizadores futuristas e solares e suas letras melancólicas e soturnas; a oposição entre a opulência e elegância do terno vermelho e da vida em Las Vegas e seu rosto deprimido e todo arrebentado; é por ele costurar tais signos à primeira vista contraditórios, ressignificá-los em um conceito totalmente novo e, desse modo, utilizar da nostalgia para comentar nossa realidade contemporânea, que esse álbum é tão genial.

Visto isso, é uma surpresa que, após um projeto tão aclamado, Abel retorne tão cedo divulgando seu próximo disco, que por enquanto tem sido apelidado de The Dawn. “The After Hours are done and The Dawn is coming”, é o que The Weeknd afirma desde seu discurso no Billboard Music Awards 2021, quando ele também abandonou oficialmente o icônico traje de After Hours. Logo, aparentemente, a premissa é essa: criar uma narrativa complementar entre as duas eras, explorando a dualidade entre uma atmosfera noturna e catastrófica e uma musicalidade diurna e otimista, o que justifica o intervalo curto que separa ambas. E, posto isso, qual foi o single escolhido para abrir esse novo alvorecer? Agora sim, chegamos em Take My Breath. 

Como era de se esperar, é exatamente esse o caminho que o artista toma com o novo single. Take My Breath reafirma a estética oitentista de seus trabalhos anteriores, porém, desta vez, a elevando para o âmbito de temática. Com produção de Max Martin, que também tem dedo em Blinding Lights, a faixa é vibrante, dançante, radiante e The Weeknd entrega seus vocais com muita personalidade. Contudo, ao invés de pegar o formato e reinventá-lo de sua maneira, ele parece aliar-se à uma nostalgia formulaica – à essa altura já datada –, o que preocupa sobre qual será o resultado final de The Dawn. Daft Punk, Dua Lipa, Jessie Ware e outros artistas já usaram e abusaram dessa faceta da década de 80 antes, o que faz com que ouvir o novo lançamento de Abel dê uma sensação constante e estranha de déjà vu. Take My Breath é uma boa música, porém uma que já ouvimos inúmeras vezes antes. – Enrico Souto

Kim Petras – Future Starts Now

Em seu primeiro lançamento após assinar com a gravadora Republic Records, a princesa Kim Petras nos dá uma prévia do que está por vir. Nada preocupada em esconder a empolgação da nova fase de sua carreira, Petras canta por quase cinco minutos sobre as perspectivas positivas do amanhã. A parte ruim? O nome de Dr. Luke ainda aparece na ficha técnica da faixa. – Vitor Evangelista

Shawn Mendes & Tainy – Summer of Love

São tempos difíceis para o hitmaker que um dia existiu em Shawn Mendes. Desde seu último álbum, Wonder (2020), o astro pop parece viver um momento de confusão artística, buscando algum tipo de solução numa música mais influenciada por gêneros latinos. E o artista parece empenhado em seguir este caminho, já que depois do desempenho frustrante de sua parceria com Camilo, ele voltou a tentar algo próximo do reggaeton em seu novo single, Summer of Love. Nem mesmo o brilhantismo de Tainy, que assina algumas das produções mais bem-sucedidas no estilo que Shawn persegue, deu conta de trazer personalidade à canção. – Raquel Dutra

Tony Bennett & Lady Gaga – I Get A Kick Out Of You

Dez anos após a primeira colaboração entre os dois, e sete anos após o elegantíssimo álbum Cheek To Cheek, Lady Gaga e Tony Bennett estão juntinhos pela última vez. Diagnosticado com Alzheimer desde 2016, Tony se despede da vida pública por recomendações médicas. Mas antes, ambos lançam, em 1º de outubro, o disco Love For Sale. E o primeiro single do projeto, I Get A Kick Out Of You, apesar de não ter uma arte própria – pois se aproveita da capa do álbum vindouro -, dá pistas de uma obra possivelmente magistral, que tem muitas chances de nascer aclamada.

Composição de Cole Porter, como mandam os planejamentos do próximo CD, a nova versão de um verdadeiro clássico norte-americano talvez esteja à altura de gravações lendárias, a exemplo de Ella Fitzgerald. Se Tony e Gaga têm relevâncias inquestionáveis, é essencial reafirmar que existe uma conexão verdadeira e, de certo modo, fraterna entre os dois. Inegavelmente, isso está nítido no novo single, que narra a infelicidade de um sujeito que só se alegra ao lado de alguém especial. Ao contrário da letra, porém, a admiração e alegria entre Tony e Gaga é totalmente recíproca.

Num clipe intimista e emocionante, as lágrimas da nossa Mother Monster partem o coração de qualquer ser minimamente sensível. Mas ela provavelmente sabe que Tony Bennett cumpriu tudo o que deveria cumprir em vida – e, se duvidar, até mais do que isso. “Tony está sempre pronto”, afirma Gaga, categoricamente. Honrando o legado dessa lenda, ela poderia – paralelamente ao pop, é claro – sempre beber das águas do jazz. Afinal, quem admira o potencial vocal dessa diva estaria nos céus, e ela ganharia ainda mais notoriedade. De qualquer modo, I Get A Kick Out Of You já foi um baita presente de Agosto. – Eduardo Rota Hilário

CHVRCHES – The Killing Moon (Amazon Original)

Na reta final para o lançamento do álbum Screen Violence, a banda de synthpop escocês CHVRCHES nos agraciou com um cover da clássica dos anos 80, The Killing Moon, do grupo Echo & the Bunnymen, exclusiva da playlist DV8 do Amazon Music. Mantendo a melodia enervante enquanto adicionam sua própria personalidade, eles conseguem recriar o sentimento sinistro e misterioso da faixa original, combinando perfeitamente com a nova fase do trio, inspirada em filmes de terror clássicos.

Os vocais de Lauren Mayberry substituem muito bem os de Ian McCulloch, capturando a letra macabra e expandindo-a através dos sintetizadores que formam a marca registrada dos escoceses. Não é surpresa, portanto, que ela seja uma das inspirações por trás do novo disco da banda, que a associa ao filme Donnie Darko. – Gabriel Oliveira F. Arruda

ANAVITÓRIA e Jovem Dionísio – Aguei

Começou com bolo de cenoura no Instagram, terminou com ANAVITÓRIA levando as putarias poéticas a outro nível. Em parceria com a banda Jovem Dionísio, Aguei imagina o pré-flerte em uma letra poeticamente (claro) sensual e provocativa. Com uma sonoridade mais distante daquela que o duo costuma apostar e que se aproxima mais da do quinteto, a canção cai como uma luva às meninas da ANAVITÓRIA e acompanha um clipe igualmente divertido e provocativo… para quem não vê a hora de voltar para os rolês. – Vitória Lopes Gomez

Dead Sara – Heroes

Após a frenética Hands Up no final do ano passado, a banda Dead Sara resolveu dar um tempo enquanto planejavam seu próximo disco e marcavam datas para a próximo tour. Dispensando o ritmo frenético do single anterior, Heroes é uma canção mais compassada e pesada, tanto na letra quanto em seus instrumentos.

Os vocais encantadoramente roucos de Emily Armstrong são complementados belamente pela guitarra de Siouxsie Medley e a bateria de Sean Friday, enquanto sua vocalista pondera que “Todos os meus heróis estão mortos/Vivendo na minha cabeça/Estou desistindo, agora estou desistindo”. Com um clipe na vibe “feito em casa” dirigido por Matthew Odom, Dead Sara oferece mais um gostinho de seu próximo trabalho, o disco Ain’t it Tragic, que sai 17 de setembro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

J Balvin – Que Locura

“Qué locura, mami, qué locura”. Melhor ainda: que sofrência, gata, que sofrência. O novo single de J Balvin é puro sofrimento passional. E assim como as obras de inúmeros outros cantores – alô, Cher do final dos anos 1990 -, Que Locura te fará sofrer dançando. Com uma voz quase robótica, que cabe perfeitamente nas gravações do astro do reggaeton, porque soa natural, esse lançamento é mais uma prova de que J Balvin tem bastante fôlego para trabalhar. Se é verdade que não nos deparamos com uma composição muito profunda – e vale ressaltar que esse nem é o propósito dela -, recebemos, por outro lado, um videoclipe completamente conceitual, dirigido por José Emilio Sagaró. Fiquemos agora no aguardo de José, álbum programado para sair já em Setembro. – Eduardo Rota Hilário

Guns N’ Roses – ABSUЯD

Foram 13 absurdos anos de espera desde Chinese Democracy, de 2008, para que os seguidores fiéis de Guns N’ Roses pudessem ouvir novamente uma música gravada em estúdio. ABSUЯD é tudo aquilo que a banda clássica promete: agressiva, gritante e cheia daqueles vocais marcantes de Axl Rose que, apesar de já terem sido melhores, ainda empolgam aos que ouviam November Rain religiosamente.

Ao lado dos integrantes originais Slash e Duff McKagan desde 2016, Axl prova que o tempo pode passar, mas o entrosamento da banda sempre será algo de outro mundo. A faixa, na verdade, é uma regravação de Silkworms, tocada em shows mais recentes, porém nunca lançada pelos músicos. Com uma medusa saída diretamente de um filme de terror, o punk berrado de ABSUЯD é o retorno de Guns N’ Roses que tanto desejamos. – Caroline Campos

---

Elza Soares – Drão (Remasterizado)

Elza Soares, uma das vozes mais emblemáticas da Música brasileira, dispensa apresentações. Drão, canção original de Gilberto Gil, foi gravada por ela nos anos 90, mas havia permanecido guardada desde então. Foi somente neste mês de Agosto que finalmente a versão, já remasterizada, se tornou disponível para o público. Com uma gravação antiga, Elza chegou surfando numa onda moderna: adentrando o mercado de NFTs junto a outros nomes de sua geração como João Donato e Hermeto Pascoal, uma porcentagem dos direitos sobre a canção está sendo leiloada na plataforma Phonogram.me.

A canção que marcava a separação entre Gil e Sandra Gadelha ganha contornos ainda mais dramáticos e emotivos na voz de Elza Soares, acompanhada por um violão delicado e por texturas sonoras que ampliam o escopo da canção em seus momentos finais. Drão já havia interpretada por Elza nos palcos, e agora com esta versão passa a integrar a ampla coleção de relíquias da mulher do fim do mundo. – João Batista Signorelli

---

Bastille – Thelma + Louise

O caleidoscópio que é Thelma + Louise eleva a nova canção da Bastille para uma verdadeira e completa experiência imersiva. Se Give Me The Future e Distorted Light Beam, os dois primeiros singles do próximo álbum do grupo, já abriram a nova era da banda misturando o sonoro ao visual, a estética futurista e contagiante continua no terceiro, que agrega ainda mais ao universo escapista em construção com as referências cinematográficas.

Não só pelo nome, as certeiras alusões ao clássico Thelma & Louise tornam impossível não recordar o filme, as imagens ocupam a mente quando Dan, vocalista da Bastille, quer dirigir para o final do mundo em um Thunderbird. A adoração do frontman pela obra pode até servir como desculpa para a inspiração e com certeza é animador pescar as semelhanças entre a letra e o longa, mas a canção vai além da homenagem. 

O quarteto faz da referência uma narrativa: eles já haviam clamado pelo futuro e suas possibilidades, depois pedido pela ilusão e pela ficção, agora, em Thelma + Louise, querem escapar do mundo em que se encontram, como as protagonistas do longa. Se vão conseguir… o álbum novo do Bastille já chegará antecipado. – Vitória Lopes Gomez

---

Black Eyed Peas, Saweetie e Lele Pons – HIT IT

Um ano após o lançamento de TRANSLATION, o trio Black Eyed Peas retorna. Acompanhada da magnética Saweetie e do artista de origem venezuelana Lele Pons, a banda cria em HIT IT uma canção ordinária, extremamente acalorada e um tanto abafada. Sem planos concretos sobre um próximo lançamento de estúdio, eles continuam apostando no mercado latino, provando que, com uma batida “envolvente”, a mediocridade pode ser camuflada com as cores vivas do vídeo. – Vitor Evangelista

---

Ed Sheeran – Visiting Hours 

FINNEAS – A Concert Six Months From Now

O talentoso ganhador do Grammy FINNEAS decide voltar a se concentrar em sua própria carreira de cantor. Depois de ajudar sua irmãzinha, Billie Eilish, com Happier Than Ever, o artista se prepara para lançar seu primeiro álbum de estúdio. O intitulado Optimist está marcado para sair no mês de outubro.

Depois de acabar ano passado com What They’ll Say About Us, FINNEAS apresenta, em agosto, seu novo single, designado na tracklist do disco como a primeira faixa. A Concert Six Months From Now se inicia com sons de um show prestes a começar mas, no clipe dirigido por Sam Bennett, a plateia é composta por cadeiras vazias.

A solidão do cantor no anfiteatro é uma representação do como se sente ao pensar em sua ex. Em uma canção que viaja entre sussurros baixos e uma gritaria chorosa acompanhada por guitarra, Finneas começa a letra confessando já ter comprado dois ingressos para assistir a banda favorita de sua ex-e-talvez-futura namorada. Você iria comigo em um concerto daqui a seis meses? é a pergunta que finaliza a música. – Mariana Chagas

Irmãs de Pau e Jup do Bairro – Hermanas

Pode comemorar, que são “las travestis pretas dominando tudo”: após estrearem no cenário musical brasileiro com a faixa Travequeiro, as Irmãs de Pau estão de volta com o single Hermanas. Parceria com a incomparável Jup do Bairro, essa canção mistura portugês e portunhol numa verdadeira celebração das liberdades, principalmente a sexual. Sem dúvidas, é uma ótima escolha para as pistas de dança, que tanta falta fazem em tempos assustadores e incertos.

Investigando essa canção pela primeira vez, identificamos, logo de cara, algumas referências mais óbvias. Seja no “qualquer coisa, me bota no paredão”, de Karol Conká, ou na releitura de Satisfaction, de Benny Benassi, elas são detalhes curiosos – e inesperados – dentro dessa letra. Com produção de BADSISTA e Mu540, Hermanas antecipa o EP Dotadas. E, certamente, a curiosidade ao redor do futuro Extended Play é grande, já que a dupla ainda está nos primeiros passos de uma discografia. – Eduardo Rota Hilário

Phoebe Bridgers – Kyoto Remixes

No mês de aniversário de Phoebe Bridgers, nós ganhamos o presente. Depois do sucesso esmagador do álbum Punisher, levando Bridgers a 4 indicações no Grammy 2021, a faixa Kyoto — responsável por duas delas — ganhou três novos remixes. Kyoto (Glitch Gum Remix) foi composta por Glitch Gum a convite de Bridgers, e traz uma versão hyperpop da música, com elementos que lembram o dubstep e o brostep.

A versão de Bartees Strange, Kyoto (Bartees Strange Remix), está mais próxima de um cover que de um remix, e é possivelmente a que chega mais perto da original. Strange traz também uma versão eletrônica da faixa, porém mantém sons orgânicos na canção, com um baixo cru, sem pedais, e backing vocals com poucos efeitos. Em compensação, a interpretação de The Marías, Kyoto (The Marías Remix), flerta com o psicodélico, mas não chega exatamente ao ápice da psicodelia, proporcionando ao hit uma camada música-de-balada. – Bruno Andrade

Kacey Musgraves – star-crossed e justified

Ao longo da última década, Kacey Musgraves revelou-se como uma inusitada voz progressiva em meio ao gênero da música country. Abraçando temáticas muito mais recorrentes de uma música pop das metrópoles, a cantora-compositora nascida no interior texano que já ganhou 6 Grammys se prepara para o lançamento de seu novo álbum star-crossed, que será acompanhado de um filme de mesmo nome pelo Paramount+.

Enquanto essa dobradinha não vem, ela nos deixa com dois singles: a faixa que dá o título ao disco e justified. Enquanto esta segunda evidencia sua aproximação a um pop semi-acústico um tanto genérico, star-crossed é uma grata surpresa, que em pouco menos de 3 minutos cresce de uma guitarra espanhola intimista para uma potente final ascendente com direito a harpas, um coro, arpeggios sintetizados. – João Batista Signorelli

BTS e Megan Thee Stallion – Butter 

Se BTS sozinho já é sucesso, quando unido à lendária Megan Thee Stallion, vencedora do Grammy de Artista Revelação em 2021, não tem como dar errado. Depois de ter Butter no seu último projeto, os meninos do grupo se uniram à cantora para o remix ainda mais animado da faixa. 

Mas a música não foi tão simples de ser lançada. Já tendo uma relação complicada com sua gravadora, Megan precisou brigar na justiça para conseguir soltar seu trabalho com os garotos. Ainda bem que no final deu tudo certo, pois a canção divertida e viciante debutou com tudo nos charts. – Mariana Chagas

Big Thief – Little Things e Sparrow

Submersos por uma paisagem bucólica, longe do caos do mundo, Big Thief retorna com duas faixas desde o aclamado U.F.O.F e Two Hands. Gravadas em 2020, Little Things e Sparrow foram registros de sessões isoladas em Topanga e Catskills, respectivamente, produzidos pelo baterista da banda, James Krivchenia. Com as mesmas raízes folk de sempre, o grupo indie rock prova mais uma vez sua maestria em transformar momentos banais em narrativas desvairadas.

Se afastando dos sons cósmicos dos álbuns passados, o quarteto se aproxima de uma crescente instrumentalização enlouquecida, acompanhada dos pensamentos errantes dos (sempre incríveis) versos crus da cantora-compositora Adrianne Lenker. Numa experiência simultaneamente alucinante e melancólica, o novo material prova, novamente, a sorte de poder testemunhar Lenker fazendo música. – Ayra Mori

Martin Garrix, G-Eazy e Sasha Alex Sloan – Love Runs Out

Martin Garrix, que é um sucesso estrondoso desde os 16 anos na música eletrônica, provou que suas parcerias não seguem padrão – e sempre dão certo. Junto com G-Eazy e o vocal de Sasha Alex Sloan, Love Runs Out propõe fechar os olhos e embarcar em uma viagem deliciosa.

Com mais uma letra de amor, o single fala das dúvidas para o futuro e o que fazer quando a paixão acaba. A rima de G-Eazy é essencial para a batida relaxante e combina perfeitamente com a voz de Sasha. Bem distante do Martin que estreou com a electro-house de Animals, Love Runs Out fica no deep-house, mas segue muito bem feita e vicia qualquer pessoa que a ouça. – Nathália Mendes

C. Tangana – Yate

O dono de um dos melhores CDs de 2021 deve ser apreciado com moderação. Sempre à flor da pele quando o assunto é o amor, C. Tangana às vezes perde a noção quando vai expressar seus sentimentos quanto às mulheres. As críticas de El Madrileño parecem ter surtido efeito, já que o novo single do artista tem menos teor sexual e traz um primeiro passo em direção ao seu aprofundamento lírico, agora que ele tem as atenções do mundo todo sob sua música. No entanto, ele segue adepto da ostentação como sempre, cantando em construções sonoras gloriosas sobre suas experiências pessoais direto de seu Yate. – Raquel Dutra

Chloe Moriondo e mazie – not okay 

Chloe Moriondo vem ganhando destaque na cena do pop alternativo, a cantora e compositora cria letras e harmonias marcantes e cheias de pessoalidade, em sua nova parceria com a cantora Mazie, a dupla lançou o tão doce quanto deprimente single not okay. 

Explorando as dores de ter dias não tão bons, a música é um relato bastante sincero sobre o desalento e exaustão psicológica. Em contraponto, a letra é cantada em uma melodia alegre que deixa no ar uma sensação ambígua que vai do alegre ao melancólico, uma dualidade já apresentada no último álbum da artista, Blood Bunny. 

A estética do clipe mantém o conceito bilateral e viaja entre cores vivas e tons noturnos. Do claro ao escuro vale a pena escutar not okay, a autenticidade do projeto gera identificação e deixa a moral de que nem tudo precisa estar bem. – Jamily Rigonatto

Parquet Courts – Walking at a Downtown Pace

Sim, ainda há pós-punk de qualidade no mercado. Em uma aparente fuga dos bloqueios estabelecidos pela covid-19, Walking at a Downtown Pace nos faz lembrar do pouco que tínhamos antes da pandemia se estabelecer, e é um aperitivo do novo projeto servido pelos estadunidenses do Parquet Courts. 

Com uma linha de baixo envolvente, refrões compostos por gritos em conjunto — lembrando os momentos de bebedeira entre amigos — e uma bateria com muito groove, mantendo o ritmo entre o prato de condução, tom e caixa, a canção contagia por sua batida dançante. A faixa é a primeira do próximo álbum de Parquet Courts, Sympathy for Life, que tem seu lançamento previsto para Outubro de 2021. – Bruno Andrade

AREA21, Martin Garrix e Maejor – Lovin’ Every Minute

Em Lovin’ Every Minute, música do produtor Maejor e do DJ Martin Garrix, a vibe alienígena tomou conta para falar de amor. AREA21, nome da collab da dupla, conta a história de 2 aliens que topam com a Terra e os desdobramentos dessa aventura musical. A proposta do single é embarcar no amor terráqueo com boas vibrações, sem deixar o drop bem profundo para equilibrar. 

No ritmo do deep-house dançante, o background tem algumas combinações com violão e assovio que tornam Lovin’ Every Minute bem fluida. À espera do álbum debut da dupla, desde que assinaram com STMPD RCRDS/Hollywood Records, o single já mostra o que está por vir com as características do projeto AREA21 em viajar e desbravar a galáxia. – Nathália Mendes

Machine Gun Kelly – papercuts

Ainda bem que Machine Gun Kelly encontrou no rock o diário para suas lamúrias sobre a pressão e as consequências da fama. Depois de suceder no gênero, o ex-rapper continuou na parceria com o produtor e baterista Travis Barker, anunciou álbum novo e já lançou o primeiro single do projeto, papercuts. De cabeça raspada, tatuagem nova e guitarra rosa, que virou marca registrada, o pontapé inicial com a canção firma o artista no estilo e prova que MGK não mexe em time que está ganhando. – Vitória Lopes Gomez

James Blake – Life Is Not The Same

Com estreia prevista para o mês de Setembro, Friends That Break Your Heart é o esperado quinto álbum de estúdio de James Blake desde o último registro, Assume Form – que contou com colaborações bem-sucedidas, desde o rapper André 3000 à electro-flamenca ROSALÍA. E embebido de altas expectativas, o cantor, compositor e produtor britânico entregou ao público uma segunda faixa inédita das doze que irão compor o futuro CD, contando com a produção invejável de Take A Daytrip e Joji.

Ao tentar encontrar paz consigo mesmo em Say What You Will, Blake dá sequência à divulgação do trabalho com Life Is Not The Same, uma reflexão sobre o relacionamento à distância do artista com a namorada. “A vida não é a mesma/Se estivermos a milhas de distância”, exclama Blake em tom confessional. Tomado pela atmosfera melancólica, entre versos e lamentos, o single parece ter sido feito oportunamente para tempos de isolamento social, onde incapacidade e amor andam de mãos dadas, à flor da pele. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – Vortex

16 anos depois da compilação B-sides and Rarities, que reunia faixas não-lançadas gravadas desde 1984 pela banda, Nick Cave & The Bad Seeds estão prestes a lançar uma nova coletânea com versões alternativas e canções nunca lançadas das gravações de seus trabalhos mais recentes, como os aclamados álbuns Ghosteen e Skeleton Tree. Vortex é a primeira faixa divulgada do futuro lançamento, que nunca havia visto a luz do dia anteriormente pois a banda nunca conseguiu decidir se ela se adequava melhor aos Bad Seeds ou ao seu projeto paralelo, Grinderman. Com os vocais sempre emblemáticos de Nick Cave, mas com violinos para lá de genéricos sustentando a harmonia do refrão, Vortex fica apenas como uma breve amostra do que poderá ser visto dos trabalhos nunca antes vistos da banda a serem lançados. – João Batista Signorelli

Jorja Smith e GuiltyBeatz – All of This 

Em maio deste ano, Jorja lançou seu primeiro EP desde seu álbum de estreia. Agora, ela volta com o single All of This, parceria com o DJ GuiltyBeatz. Os sintetizadores trazem um frescor revigorante para a desinibida voz de Jorja Smith. A intensidade da letra se potencializa em todos os âmbitos que possam ser analisados. Divulgada com o link do pré-save na véspera de seu lançamento, a cantora não poderia surpreender de maneira mais positiva. Espero que essa música seja apenas o início de algo novo. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – Skinnydipped

Dispensando a energia demoníaca de The Devil, o próximo single da sacerdotisa do pop aposta em um ângulo mais sombrio e intimista, encarnando uma sereia ao invés de um diabo. Em Skinnydipped, BANKS canta sobre a obsessão com o passado e da eventual libertação e reconexão com sua própria divindade.

O tema do divino e do sacrilégio parece formar a base para o novo trabalho da cantora (ainda sem data ou título), se esgueirando de fininho nas suas letras e infundindo suas melodias com o teor fantasmagórico pelo qual ela se tornou tão conhecida. Junto com a música, veio um videoclipe dirigido pela própria, no qual os temas do sagrado feminino são extrapolados, e somos capazes de ver com clareza BANKS mergulhando em seu próprio mundo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Manu Gavassi e Voyou – Eu nunca fui tão sozinha assim

Depois de mudar sua carreira para sempre com a participação no icônico Big Brother Brasil de 2020, Manu Gavassi voltou a ser altamente comentada. Mas entre muitos novos fãs e haters, a cantora vem se sentindo mais sozinha do que nunca. Depois de muita espera, seu single chegou em forma de um desabafo altamente sincero. 

Com a produção de Lucas Silveira e participação do francês Voyou, a artista fala sobre um sentimento que todos estamos compartilhando há mais de um ano: a solidão. Entre sorrisos escondidos por máscaras e o medo de sair, a pandemia vem deixando todos à beira de pirar. Mas tudo parece um pouco melhor quando Manu canta com tanta delicadeza sobre o isolamento. – Mariana Chagas

Selena Gomez & Camilo – 999

Em 2021, Selena Gomez parece ter se encontrado de vez em meio às suas raízes latinas. Isso porque a artista é especialmente livre em suas canções em espanhol, agora demonstrando isso através de 999. Ao lado do artista colombiano Camilo, ela dança em paisagens bucólicas coloridas no jeito Selena Gomez de pensar composições visuais no single que é seu primeiro lançamento pós Revelación. O EP foi responsável por apresentar o trabalho da artista em sua língua materna, e o caminho trilhado mostra uma Selena contente e leve como há tempos não víamos. No fim, isso é o que importa. E ela sabe disso  – Raquel Dutra 

Skrillex, Justin Bieber e Don Toliver – Don’t Go 

Cheia de referências a obras-primas, o lançamento Don’t Go de Skrillex com Justin Bieber e Don Toliver é dançante e sensual. A parceria é boa, já que o vocal de Bieber consegue funcionar para quase todas as propostas, e até já ganhou Grammy anteriormente com a batida de Skrillex. O single chegou com clipe e muitas visualizações, mas também polêmicas demais para uma produção de vídeo ruim. 

O refrão de Bieber e os versos do rapper Don Toliver adicionam muita sensualidade à Don’t Go, diferentemente da letra que é mais sofrida e romântica. Apesar da combinação destoar um pouco, ela funciona muito bem no house mais progressivo, grande parte graças ao talento de Skrillex em transitar pelos estilos de música eletrônica tranquilamente – e entregar bons trabalhos. 

Logo nos primeiros dias de lançamento, o clipe de Don’t Go gerou polêmica com as dreadlocks adotadas por Justin Bieber. Além disso, a performance não conversa com a música em nada, já que mostra mais referências e símbolos dos Estados Unidos do que um conteúdo de fato. Pelo clipe, Don’t Go não passaria de mais uma obra narcisista norte-americana. – Nathália Mendes

Miles Kane – Don’t Let It Get You Down

Depois do modesto Coup De Grace (2018), Miles Kane retorna em Don’t Let It Get You Down, faixa single de seu novo álbum, Change the Show, previsto para Janeiro de 2022. Na canção, encontramos Kane nos seus melhores dias. O parceiro de Alex Turner em The Last Shadow Puppets traz toda sua autenticidade no single, remetendo-se ao rock clássico e a seu começo de carreira, especialmente Come Closer, porém com um acréscimo inusitado de percussão. O clipe da música, com um clima meio James Bond, foi dirigido por James Kelly e traz Jimmi Simpson — que já foi indicado ao Emmy, e estrelou em Westworld, House of Cards e Black Mirror —, para dividir protagonismo com Miles Kane. – Bruno Andrade

MF DOOM – Gazzillion Ear (Thom Yorke Man on Fire Remix)

Um dos artistas mais profícuos da Lex Records, o falecido rapper MF DOOM lançou na carreira algumas dezenas de álbuns como vocalista e beatmaker, marcando a cena do hip-hop para sempre. E em celebração à produção artística do “mestre mascarado”, a gravadora anuncia o projeto LEX.XX, com uma série de remixes comemorando o 20º aniversário do selo de Londres.

Compondo as faixas, está o segundo remix de Thom Yorke de GAZZILLION EAR, que compõe o bárbaro BORN LIKE THIS de DOOM. Na última versão, Yorke remixou a produção original do rapper com J Dilla, deformando totalmente a sonoridade primária pelo uso maciço de padrões sonoros sintéticos. O resultado é um som futurista claustrofóbico à la Gaspar Noé. Porém, o foco aqui é claro e alcançado: os versos de DOOM são o ponto central do remix. – Ayra Mori

Jeremy Zucker – Cry With You

Cada vez mais perto do lançamento do seu próximo álbum, Jeremy Zucker lança mais um single. Diferente da animada 18 e a agressiva Honest, Cry With You é a faixa mais emocional do projeto até agora. Sutilmente abordando pensamentos suicidas e as pressões da fama, a música é uma carta aberta para sua amiga Lauren, também cantora. 

Em entrevista, o artista contou que a letra veio de uma conversa com a garota. “Se eu não puder te ajudar, vou apenas chorar com você”, Jeremy soltou em uma de suas ligações. A frase que nomeou a faixa descreve bem o resto da obra, que conta com a produção de Alexander O’Neill, Mikael Temrowski e Thomas Michel. Em noites solitárias, a canção de Jeremy é uma perfeita companhia para deixar as lágrimas caírem no travesseiro. – Mariana Chagas

Lagum – Eita Menina (Versão Pagode)

A Lagum não se contenta com o mais do mesmo e segue experimentando e testando: no último ano, a banda mineira lançou música para tudo quanto é estilo, do pop com a Iza aos anos 2000 à la Charlie Brown Jr.. Duas semanas e pouco depois da chegada do single Eita Menina, com a sambista Mart’nália e o rapper L7nnon, o grupo não para e já liberou uma nova versão da canção, desta vez estreando no pagode.

A versão alternativa chegou somente como videoclipe no YouTube e não tem a participação dos feats da original. Sempre descontraídos e divertidos, com direito a churrasco, rede e cachorro em volta, a banda performa e brinca com a canção em uma roda de samba na sacada de um apartamento. Sem nem esperar, a Lagum melhora o que lançou no Spotify: Eita Menina combina muito mais com o pagode. – Vitória Lopes Gomez

Clipes

Michaela Jaé – Something To Say 

Em seu primeiro single na carreira musical, Mj Rodríguez entrega o clipe de Something To Say com uma bela tarde de verão vibrante e animada. Lançado em 13 de agosto, a protagonista de Pose mergulhou de cabeça na música que ela mesma escreveu. Com a letra super empolgante, o clipe veio dotado de uma cenografia impecavelmente colorida, looks brilhantes e muita coreografia.

Dirigido por Dano Cerny, o clipe coloca Mj em uma rua de trânsito perfeita para encontrar e paquerar o homem lindíssimo – e todo tatuado –  no carro ao lado. Em meio à aglomeração, e um verão que proporcionou iluminação e fotografia naturais lindíssimas, ela dança com suas 4 amigas. Mj está maravilhosa em câmera e definitivamente consegue passar a mensagem de Something To Say: um convite para aproveitar a vida. – Nathália Mendes

St. Vincent – Daddy’s Home

Em cima de um caminhão itinerante, Papai St. Vincent volta no novo videoclipe – impecável, como de costume –, performando a faixa-título do álbum Daddy’s Home para uma plateia completamente vazia. Dirigido pelo mesmo diretor do último documentário lynchiano da artista, Bill Benz utiliza-se dos mesmos visuais surreais que se fazem presentes ao longo de The Nowhere Inn.

Seja pelo filtro analógico da fotografia, seja pelos próprios figurinos, a percepção do tempo se torna distorcida no videoclipe, assim como em todo o registro sonoro de Daddy’s Home. Dançarinas geriátricas dançam, aparece uma TV de tubo, uma guitarra futurista, uma St. Vincent setentista, e um cara aleatório que, assim como nós, parece não entender nada do que está rolando. 

Períodos se colidem. E mais uma vez, Annie Clark brinca deliberadamente com a fantasia mesclada à autobiografia na referência mais clara do álbum sobre a prisão do pai – tema central do último registro. Nesse passeio delicioso sobre a traseira de um caminhão, Papai St. Vincent encerra orgulhosamente o show com um aceno para os seus zero espectadores. Bravo! – Ayra Mori

Marisa Monte – A Língua dos Animais

As Portas de Marisa Monte continuam abertas e apontando para os caminhos mais iluminados. O trabalho, que marca o encerramento do jejum de quase uma década, foi lançado em julho e agora, a cantora investe em clipes para seus singles. A escolha não poderia ser melhor, composição de Arnaldo Antunes e Dadi, A Língua dos Animais, já havia sido pontuada no Nota Musical passado como uma das melhores entre as dezesseis faixas do disco.

O clipe tem uma direção impecável feita por Eduardo Souza e Batman Zavareze. Nele, Marisa aparece transpirando sua leveza por meio de pinturas. A animação feita com os desenhos da artista Marcela Cantuária, se encaixa na estética estabelecida em Portas e na letra da canção. Além da cantora, outros elementos relacionados aparecem em cena, como os ditos – e fofos – animais e o violão, marca registrada e companheiro inseparável da cantora. No vídeo, são usadas cores mais claras que inspiram a liberdade, fugindo da claustrofobia do isolamento. – Ana Júlia Trevisan

Demi Lovato – Melon Cake 

O arco-íris neon du Demi Lovato no clipe Melon Cake é uma obra audiovisual libertária e fantástica da nova geração musical du cantore, que tem presença confirmada no Rock in Rio 2022. Extremamente bem combinada com a letra da música, o vídeo é contagiante, divertido e um deleite para os olhos. Demi está completamente à vontade na performance lançada em 23 de agosto e comemora sue aniversário com um figurino glamuroso.

Mandando ver na publicidade logo de cara, Demi Lovato mostra quanto empoderamento há em se libertar das amarras da Indústria da Música e finalmente poder viver quem é de verdade. Para ilustrar isso, há uma criança no começo e fim da obra que escolhe tranquilamente um enorme bolo cheio de glacê e granulados coloridos para o sue aniversário.

Visualmente, Melon Cake é impecável, brilhante e colorido. O cenário também acompanha a pegada, bem iluminado entre um céu azul e um palco com luzes neon fantásticas. Para o figurino, Demi continua com sue estilo mais roqueiro das antigas, junto com sue banda que veste looks brilhantes que se destacam do fundo.  Tudo é muito harmônico no vídeo para proporcionar uma experiência vibrante de liberdade. – Nathália Mendes

Morat – En Coma 

No seu álbum mais recente, Morat decidiu abordar diversas visões de relacionamentos românticos. Enquanto em Mi Pesadilla a banda colombiana fala sobre estar aflito de que o amor tenha passado sem que o perceba, em En Coma o eu-lírico lamenta uma relação esfriada, a qual ambos os parceiros já não estão mais contentes com suas vidas. 

A dramaticidade que a língua espanhola provoca juntamente com um ritmo pop dos anos 2010 acaba sendo viciante, daquelas que até mesmo um coração apaixonado sofre com a separação dos amantes da canção. Os cantores assimilam essa dormência desse sentimento a um estado de coma, em que um sinal de vida não é suficiente para que tudo volte como era antes, sendo a melhor solução optar por um ponto final. Num clipe teatral, o quarteto mistura tragédia com amor, transmitindo o sofrimento exacerbado estilo novelas mexicanas do SBT. Contudo, nem toda essa encenação é suficiente para consertar o que já não funciona. A solução é continuar padecendo em cada replay de En Coma. – Júlia Paes de Arruda

Olivia Rodrigo – brutal

Olivia Rodrigo é a nova sensação do momento e isso não pode ser negado. Ganhando os holofotes com o lançamento da série High School Musical: The Musical: The Series, ela soube aproveitar seu protagonismo para iniciar sua trajetória no universo musical. Envolvida em dramas amorosos e conflitos sentimentais, a cantora retrata através de suas músicas as inseguranças que tem quando o assunto é amor. Alcançando gigantescos números de visualizações, seus maiores sucessos são drivers license e good 4 u. Entretanto, a canção brutal também merece destaque.

Lançado no dia 23 de agosto de 2021, o clipe fugiu totalmente da linha temática abordada em outras produções de Rodrigo. Bailarina, modelo, âncora jornalística, influencer e muito mais. Em uma pegada gamer, Olivia fragmenta seus trechos com várias personagens que conversam entre si durante o desenvolvimento do videoclipe que se assemelha a interface de um videogame na qual o jogador escolhe com qual figura quer jogar. Surpreendendo novamente, a resiliência da artista foi mostrada em uma perspectiva artística diferente de suas outras produções. Com direção de Petra Collins, o clipe indica os desfechos de seu primeiro trabalho como cantora e compositora e deixa os fãs ansiosos para seus próximos passos na carreira musical. – Felipe Nunes

Performances

Billie Eilish – Male Fantasy na Vevo

Billie Eilish, que acaba de lançar seu segundo álbum, continua fazendo história. A garota voltou para o Hot 100 da Billboard junto ao seu irmão e produtor, FINNEAS. E os dois fazem valer todo o sucesso. Cheio de faixas magníficas, Happier Than Ever é uma obra merecedora de cada stream que recebe. Entre as melhores das melhores, Male Fantasy foi a selecionada para uma performance exclusiva da cantora na Vevo. 

A música que começa em uma perspectiva masculina tem uma inteligente letra que fecha perfeitamente o disco. Na performance, Billie senta em uma cama de casal vestindo uma saia azul com blusa branca e nada além de um par de meias no pé. Na companhia de seu irmão, a apresentação é tão simples que parece apenas os dois cantando em casa, por diversão. Tal honestidade é exatamente o que a faixa precisava ao ser cantada. – Mariana Chagas

CHVRCHES – Screen Violence (Amazon Music)

Depois de mais de um ano sem tocar juntos, não pareceu nada menos do que apropriado que o primeiro show da banda de synthpop escocês CHVRCHES fosse à noite, em um cemitério. Realizado em comemoração ao lançamento do álbum Screen Violence e transmitido pelo canal da Amazon Music na Twitch, a performance foi marcada pela simplicidade e a cândida química entre seus integrantes. Ver os vocais de Lauren Mayberry darem lugar ao baixo atiçado de Martin Doherty, seguidos pelos gracejos entre os membros nunca foi tão bom.

Foi um pouco decepcionante ver que apenas uma das faixas novas do álbum foi incluída no set, fora os três singles previamente lançados. Foram tocados vários dos maiores sucessos da banda, como Forever, Leave a Trace, Miracle, terminando com a clássica Clearest Blue. O cover que a banda lançou anteriormente de The Killing Moon também foi incluído na apresentação. – Gabriel Oliveira F. Arruda

O post Nota Musical – Agosto de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.

O maior injustiçado da temporada, por sua vez, brilhou forte em sua performance no intervalo do Super Bowl promovendo The Highlights. A coletânea reforça a relevância e impacto do trabalho de The Weeknd, que não engoliu a desonestidade da Recording Academy. Quem também superou cenários hostis foi Rebecca Black, o assunto da internet e alvo de um episódio de cyberbullying massivo em 2011, que dez anos depois do fatídico clipe de Friday, retorna àquele lugar para um remix da música original.

Ascensão também é uma palavra que se aplica aos artistas brasileiros, que mantiveram a atividade em um fevereiro sem carnaval. Pabllo Vittar voou alto ao interpretar o remix de Man’s World com MARINA e Empress Of. Ludmilla, que sabe pregar o funk como ninguém, colaborou com o trio Major Lazer e ainda encontrou espaço para trazer visibilidade ao grupo baiano ÀTTOOXXÁ e ao artista jamaicano Suku Ward. Luísa Sonza mostrou mais uma vez sua versatilidade num pagode ao lado de Thiaguinho, e Papatinho fez o mesmo ao misturar samba, funk e rap com Seu Jorge e Black Alien.

Já na MPB, celebramos a vida e a carreira de Gal Gosta. Não exatamente como gostaríamos, num show ao vivo lotado de apaixonados por uma das maiores vozes do Brasil, mas da melhor maneira que os moldes pandêmicos podem nos proporcionar, com o disco Nenhuma Dor. Assim como nossa musa, sempre atento e forte, Gilberto Gil se uniu aos seus filhos e netos em Refloresta para fortalecer uma campanha a favor da conservação de nosso bem mais precioso.  

A notícia triste foi o fim de Daft Punk. Depois de 28 anos de carreira, o duo composto por Guy-Manuel de Homem Cristo e Thomas Bangalter deixa um legado incalculável e uma influência que vai muito além da música eletrônica, lar da dupla. Tudo isso e muito mais sobre as movimentações do mundo da música foi registrado no Nota Musical de Fevereiro pela Editoria e colaboradores do Persona, que dessa vez, além de CDs, EPs, singles, clipes e performances, inventaram de falar também sobre as trilhas sonoras de alguns dos filmes mais importantes do mês.

CDs

The Staves – Good Woman 

Falar sobre Good Woman é um desafio e tanto. De cara, é um álbum sobre o luto compartilhado das 3 irmãs pela morte súbita da mãe. Além disso, esse é o terceiro registro da banda The Staves, que não lançava nada em seis anos. Good Woman veio em ebulição por vários fatores: ele documentou um período de distância entre Emily, Camilla e Jessica. O trio de britânicas tirou tempo para focar na vida pessoal, longe do eixo de Watford, onde nasceram. Quando a mãe faleceu, elas se recolheram em proteção. 

Mais que uma banda, elas eram uma família naquele momento de dor extrema. Elas se tornaram as ‘boas mulheres’ que Good Woman alude no título. Suas vozes harmonizam sentimentos de dor, perda, clausura e reconstrução. As letras, compostas em sua maioria antes da tragédia de 2018, se ressignificam após os temores e a superação, uma porção de cenários são construídos ao longo das 12 faixas.

Paralysed, o melhor que 2021 ofereceu no campo musical, destroça pelas nuances de silêncio e protesto. É uma canção ciente de onde quer chegar, emocionando pela honestidade bruta. Good Woman é o amadurecimento das irmãs Staves na vida, na carreira e no modo de lidar com o mundo. Emily, que teve uma filha, agora entende o papel da mãe do outro lado da equação. Elas continuarão cantando harmonias familiares. O que é o luto, se não o amor que persevera? – Vitor Evangelista

Madison Beer – Life Support

Mostrando mais uma vez que não está na indústria apenas para produzir músicas superficiais e de qualidade questionável, Madison Beer lança seu debut album. Com 17 faixas que prometem te fazer dançar, chorar e refletir sobre a vida, Life Support atinge o ouvinte de uma forma que apenas os vocais impecáveis da cantora junto com a produção maravilhosa da sua equipe conseguem fazer.

Navegando entre os diversos aspectos de viver um relacionamento tóxico e lidar com transtornos mentais, Madison compõe letras tão nuas que possilitam-nos sentir cada um de seus traumas enquanto escutamos a obra. Não tem como não se emocionar com Effortlessly, onde a cantora se abre sobre a dificuldade de fazer coisas do cotidiano que antes conseguia sem nenhum esforço.

E entre as composições melancólicas, há também as felizes e agitadas. Os singles Baby e Boyshit contam com uma batida altamente contagiante e versos sobre autoestima. E em ambas as partes mais alegres ou tristes do álbum, Madison Beer entregou um trabalho que valeu a pena a longa espera. – Mariana Chagas

Dua Lipa – Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

Dua Lipa ainda tem o que dizer sobre a viagem no tempo que fez em Future Nostalgia. Mesmo que o hit Don’t Start Now já tenha passado da data de validade e que as demais canções do disco tenham sido alvo de remixes não tão bem-sucedidos em Club Future Nostalgia, algumas delas conseguiram resistir, como Pretty Please, Break My Heart, Hallucinate e Cool. Assim, Dua juntou a tracklist do disco original – que também concorre às principais categorias do Grammy 2021 – com novos singles e três faixas inéditas para compor a segunda edição do álbum, o Future Nostalgia (The Moonlight Edition).

Diluindo a personalidade marcada de Future Nostalgia com a identidade de Dua em seu primeiro disco, o álbum não é um experiência musical como foi com o lançamento do ano passado, até mesmo por ter pouca novidade. O que vemos é a exploração de algumas nuances, como algo mais dark que vem de Love Again em That Kind Of Woman, que destaca as influências de Madonna na música de Dua, e Prisioner, a colaboração de Dua Lipa com Miley Cyrus que também compõe Plastic Hearts, o último álbum da artista. Ela também aproveita as brincadeiras no tempo para retroceder um pouco mais até chegar nos 60’s com We’re Good e Not My Problem.

Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais a identidade disco de Dua Lipa, The Moonlight Edition inicia um avanço para trabalhos futuros mais contemporâneos com um o reggaeton Un Día (One Day) e o dance de If It Ain’t Me, que podem brigar um pouco com o resto do disco. Refrescando a música de Dua ao lado da estrela pop belga Angèle, Fever é uma faixa que já poderia servir como single para uma próxima era, mas ao inseri-la junto desse material, a nossa viajante do tempo parece guardar outras coisas para o futuro. Já tendo explorado tudo o que pôde da safra de Future Nostalgia, esperamos que ele não seja mais tão nostálgico assim. – Raquel Dutra

Sia – Music (Songs From and Inspired By The Motion Picture) 

Em casos comuns, mesmo filmes ruins podem ter partes boas. Mas Music não é um filme ruim, ele extrapola qualquer limite de gosto pessoal, boa vontade ou produto artístico. É uma atrocidade filmada, um assassinato de direitos, é um crime por existir e não ter havido qualquer tipo de impedimento na concepção e lançamento. Todo o potencial destrutivo e porco do filme de Sia é transferido para a Trilha Sonora.

A australiana canta feliz, como se estivesse fazendo algo bom liberado ao mundo esse arroto atroz que dá vida ao pior filme de 2021. É ridículo, é asqueroso e combina com primazia com a imagem que Sia ajudou a criar nos últimos anos. Irresponsável, uma imundice sem tamanhos. Nada se salva e, por conta disso, não haverá clipe anexado ao texto. Music é desumano e deve ser tratado como tal.  – Vitor Evangelista

The Pretty Reckless – Death By Rock And Roll

Quase cinco anos após o blues de Who You Selling For (2016), Taylor Momsen e os outros membros do The Pretty Reckless voltam às raízes com Death By Rock And Roll, seu quarto álbum de estúdio. Inspirado por um período de auto reflexão após tragédias como o suicídio do vocalista Chris Cornell, da banda Soundgarden, depois de um show que eles abriam em Detroit e a morte inesperada do produtor da banda, Kato Khandwala, o disco vem carregado de alegorias nada sutis sobre a efemeridade da fama e da morte dos ícones do rock.

Musicalmente, ele não agrega muito à discografia da banda, oferecendo poucas notas originais ou surpreendentes, mas mesmo assim entrega o que os fãs de longa data já esperam: vocais e melodias épicas feitos para serem sentidos ao vivo. A energia que Momsen e o resto dos músicos carregam continua excelente, mas parece faltar algo que separe o novo disco de seus trabalhos anteriores, por mais energizantes que as músicas sejam.

O destaque vai para faixas como 25, em que Momsen canta sobre sua trajetória na música e na vida, e And So It Went, colaboração com o lendário Tom Morello, do Rage Against the Machine, e que parece visada em confrontar a autoridade e o status quo. É um disco recheado de letras simples e honestas, mas que não parecem realmente revelar algo de novo sobre a banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Gal Costa – Nenhuma Dor 

Uma das vozes mais potentes do Brasil comemorou seu aniversário de 75 anos de idade e 55 de carreira. Referência nacional e internacional, Gal influenciou músicos de sua época e continua inspirando a nova geração. O reluzente brilhantismo da cantora faz com que nomes como Rodrigo Amarante, Criolo, Rubel, Tim Bernardes, o uruguaio Jorge Drexler e o português António Zambujo se espelhem nela para cantar e compor. Em uma homenagem mútua, Gal convidou vozes masculinas para gravarem ao seu lado grandes clássicos de sua discografia. 

O projeto, que recebeu o nome de Nenhuma Dor, vem para curar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. Recheado de músicas de Caetano Veloso, compositor mais interpretado pela mãe de todas as vozes, o álbum contou com a presença de Zeca Veloso, filho do cantor. Foi ele que de maneira intimista, deu vida a canção que batiza o disco. Em cada faixa, Gal reafirma sua grandiosidade, dando a liberdade de cada qual criar seu próprio arranjo, transformou canções imortais, como Baby e Juventude Transviada, em regravações inesquecíveis. – Ana Júlia Trevisan

Black Country, New Road – For the first time

O grupo Black Country, New Road vive abraçado num invólucro de mistério. Dessa vez, eles lançaram seu primeiro registro de estúdio, intitulado For the first time. São mais de 40 minutos divididos sabiamente em seis longas canções espetaculares. Os instrumentos dominam a essência de rock e punk que a banda imprime nas extensas composições dos 7 jovens que formam o BC,NR, todos com menos de vinte e dois anos.

De fato, o vocalista Isaac Wood passa um bom tempo em silêncio, absorvido pela atmosfera de saxofones e violinos. A abertura com Instrumental aclima quem ouve, e os quase dez minutos de Sunglasses (agora com pinceladas da voz rouca de Wood) oscilam no medo, na angústia e na súplica dos londrinos.

O trabalho se inspira em tudo um pouco: desde ritmos judaicos até Arlindo Cruz. É como ouvir uma interpretação punk da Biblía Sagrada, com pitadas de pop americano e muitas referências da Geração Z. Para o futuro, aguardemos mais do material precioso que sai da mente do Black Country, para agora, For the first time ainda tem muito a dizer. – Vitor Evangelista

Ariana Grande – positions (deluxe)

As plataformas de streaming transformaram o jeito que se lança música – a rapidez de se consumir conteúdo abrevia grandes eras, e também faz com que as gravadoras tenham que se desdobrar para estender campanhas promocionais de um álbum. Um dos jeitos de contornar esse problema e tornar uma era mais memorável é se render a relançamentos, o que foi o caso de Ariana Grande com o positions (deluxe).  Com cinco novas canções, o relançamento não surpreende, mas é uma ótima manobra publicitária.

Escutar a versão deluxe é uma experiência frustrante. Claro que a produção musical deve se adaptar a novas formas de consumo, mas lançar músicas tão curtas parece mais uma tentativa de lucrar com uma junção duvidosa de descartes. test drive mal engata e já vai embora com seus humildes dois minutos de duração; main thing parece uma versão menos interessante de pov e someone like u (interlude) tenta ser tudo que Pete Davidson foi no passado. O destaque do álbum é de worst behaviour, que traz o sensual R&B dos anos 90 à tona e é uma suave amostra do que Ariana pode atingir como artista. A artista que, nos últimos tempos, ela parece não tentar ser. – Laís David

Ex:Re – Ex:Re with 12 Ensemble

Ex:Re, o projeto solo de Elena Tonra, vocalista da banda britânica Daughter, ganhou uma regravação com novos arranjos da compositora Josephine Stephenson tocados pela orquestra de cordas 12 Ensemble. O álbum captura a colaboração dos artistas gravada em 2019 no espaço musical Kings Place.

Os novos arranjos ajudam a alterar quase completamente a composição musical de Ex:Re, transformando um som que já era sofisticado em algo mais próximo do etéreo. Canções como Crushing e The Dazzler se beneficiam bastante da nova abordagem, elevando o ritmo e criando um senso de urgência que não existia no original. No entanto, Elena e o resto dos músicos sabem exatamente quando desacelerar para que o impacto das músicas caia no ouvinte, como na excepcional e devastadora Romance, que permanece uma das melhores do disco.

É uma regravação notavelmente bem feita, mantendo todo o espírito do original e ao mesmo tempo fornecendo uma nova perspectiva sobre cada faixa. Essa não é a versão definitiva de Ex:Re, porque nunca vai existir algo assim. Essa versão existe apenas no momento em que cada música é tocada e ouvida, seja no álbum original, no novo ou numa apresentação ao vivo. Se tem uma coisa que Ex:Re with 12 Ensemble deixa abundantemente claro, é a capacidade que cada faixa tem de se conectar com quem a ouve. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Weather Station – Ignorance 

Um minuto se passa antes da voz de Tamara Lindeman rasgar a atmosfera vibrante e arisca de Robber, a faixa que abre o mais recente registro de estúdio da canadense. O que sucede Ignorance é um conjunto de batidas hipnóticas que permeiam a vibe folk do The Weather Station, projeto que surgiu anos atrás experimentando o alternativo em tons terrorosos. 

Agora, quase 10 anos depois do lançamento do debut All of It Was Mine, a atriz e cantora de Toronto brinca com sua composição literal e profundamente ligada ao interior da tristeza, dessa vez batendo na tecla das mudanças climáticas. É o encontro do folk com o rock, com singelos respiros pops (Separated cria essa ponte com facilidade). 

A capa do disco fotografa uma Lindeman acuada no matagal, iluminada apenas por um único foco de luz. Essa luz, ela prova nos quarenta minutos do CD, é sua fonte de desejos para criar algo único e sincero como Ignorance. – Vitor Evangelista

Pale Waves – Who Am I?

O segundo álbum de estúdio da banda inglesa Pale Waves, intitulado Who Am I?, chega no embalo de seu antecessor, My Mind Makes Noises (2018), com a vocalista Heather Baron-Gracie cantando sobre relacionamentos fadados ao fracasso e sentimentos não correspondidos. Mas, contrariando as expectativas, não demora muito para que a banda se liberte do passado e passe a cantar sobre um tipo de amor mais corajoso, arriscado e, apesar de tudo, acolhedor.

É um álbum sobre excluídos feito por excluídos, o que fica evidente em faixas como Tomorrow e You Don’t Owe Me: “Porque eu vou ser o que eu escolher/E o que te faz pensar/Que você tem o direito de dizer?/Então é melhor sair do meu caminho”. Mas também é sobre paixão e comunidade, como na maravilhosa She’s My Religion, onde Heather explora seu próprio relacionamento como se fosse uma atriz coadjuvante, fornecendo suporte e carinho em face aos demônios alheios. É um disco de letras honestas e vulneráveis sobre sentimentos universais.

O som da banda também se expande, ampliando seu indie pop com algumas canções acústicas e homenagens bem colocadas ao pop dos anos 2000, acompanhando bem o ritmo das narrativas, mas que ainda retém a identidade musical desenvolvida nos álbuns e EPs anteriores. Enquanto em seu primeiro trabalho Pale Waves ansiava por aceitação, em Who Am I? eles parecem ter entendido que se o amor é capaz de nos salvar, nós primeiro temos de entender que merecemos ser salvos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Chloe x Halle – Ungodly Hour (Chrome Edition)

Estamos vivendo a era dos relançamentos, e chegou a hora do maior trabalho em pop/R&B de 2020 ganhar a Chrome Edition. A hora ímpia, claramente longe de acabar, foi turbinada com duas novas canções e um clipe estiloso de Ungodly Hour que, depois de render apresentações estupendas, demorou a ganhar um vídeo próprio.

As princesas Chloe e Halle Bailey ainda derramaram o conceito cromado na capa de Ungodly Hour (Chrome Edition), revitalizando o propósito original de anjos e já entregando a visão madura das irmãs. Hazy, a primeira adição do Deluxe, fez valer seu papel de descarte na versão Standard, mas não diminui o impacto artístico das cantoras, enquanto 80/20 cai na armadilha da curtíssima duração. Não há muito a ser dito de inédito sobre o material, fora a parte visual que (como virou costume do duo) é impecável. – Vitor Evangelista

C. Tangana – El Madrileño

O terceiro disco de C. Tangana, artista espanhol que nasceu no rap em 2006, é tudo. Experimental, pop, plural, livre, transgressivo e divertido, El Madrileño é um exagero de elementos e um exagero de bom. Entre gêneros regionais, misturas do épico com o eletrônico, muita referência da música brasileira e uma videografia grandiosa, o álbum fascina pela habilidade que seu criador tem para traçar qualquer caminho que desejar com a sua música. Para isso, ele conta com a ajuda de muita gente, e o ouvinte pode até se assustar com o tanto de nome que tem na tracklist composta por 14 faixas, das quais apenas duas são solo.

Quando sozinho, C. Tangana interpreta canções mais urbanas que revelam sua raiz do rap e influências do funk brasileiro como em Nunca Estoy, balada romântica que ainda surpreende e experimenta. Quando acompanhado, ele chega ao ápice com as pitadas de flamenco de Tu Me Dejaste De Querer, o evento teatral Un Veneno e com o violão de Toquinho – cantando obscenidades em espanhol –  amarrado às modulações de voz, beats e samples de funk em Comerte Entera. Não satisfeito, C. Tangana traz o maestro Jorge Drexler para a enérgica Nominao e brinca até com o tempo na moderna e sentimental Cuando Olvidaré junto do falecido cantor espanhol Pepe Blanco que, imerso na aura épica e de suspense da canção, declara a paixão que sente pela sua cultura e pela música de seu povo.

Um álbum demais tem destaques demais, brilha demais e impressiona demais. A abertura Demasiadas Mujeres é um encontro de gêneros, Muriendo de Envidia explode regionalidade, Ingovernable é o new flamenco perfeito e CAMBIA! dá vontade de viver. Ao finalizar o trabalho com Hong Kong, C. Tangana desvia para o rock e confirma pra quem, depois das 15 faixas, ainda tinha dúvidas quanto às suas ambições, deixando bem claro que não vive para respeitar nenhum limite, mas sim quebrá-los. Tudo é harmônico, coeso e surpreendente e a mistura doida do álbum – que já é um dos destaques do ano – não tem nada de improvisação. A música de El Madrileño é gloriosa e só ouvindo pra entender o motivo da aclamação. – Raquel Dutra

Vários Artistas – Nomadland (Original Motion Picture Soundtrack)

Marcando presença na temporada de premiações, Nomadland já pode ser considerado um dos melhores filmes do ano. Sua trilha sonora calma complementa perfeitamente o que vemos na tela, as angústias da solidão e da liberdade envoltas pela natureza. O longa permite uma imersão total não apenas nos sentimentos de Fern, vivida pela brilhante Frances McDormand, mas também nos instrumentais que enriquecem as cenas sensíveis propostas pela diretora Chloé Zhao.

Ólafur Arnalds, Federico Mecozzi e, principalmente, Ludovico Einaudi são alguns dos nomes que compõem melodias suaves que dão o ritmo melancólico que percorre a trama. E, apesar de não ser elegível para um Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, a história por trás da escolha das músicas de Einaudi para Nomadland impressionam pela semelhança com a narrativa da protagonista. Sendo retiradas de trabalhos anteriores do artista, com foco para o álbum Seven Days Walking (2019), onde o cantor obteve inspiração a partir das emoções oriundas de uma caminhada pelos Alpes Italianos.

Percorrendo o país com uma van, a personagem encontra cenários impressionantes, com algumas paisagens únicas e até um nascer/pôr-do-sol aqui e ali. Ambas as primeiras faixas da trilha, Oltremare e Day One: Golden Butterflies, além de mais longas se destacam pela serenidade que acompanha toda a produção. Assim, fica claro como a beleza do aspecto visual encaixa com a trilha sonora de Nomadland, pois como dito pela diretora, ela foi formada justamente por músicas inspiradas pela natureza. – Isabella Siqueira

Claud – Super Monster

No susto, Claud ganha nossa atenção por conta de seu álbum de estreia, Super Monster, ser o primeiro lançamento da Saddest Factory, recém-nascida gravadora de Phoebe Bridgers. A música de Claud cai, como a maioria das jovens estrelas em ascensão, no campo do bedroom pop. O que no passado era sinônimo de simplicidade, agora cresce em gênero e grau. O dedo de Bridgers no trabalho de Claud é o toque de Midas que a alma de 21 anos, cheia de frustração acumulada, precisava para libertar seu eu lírico tão cheio de confiança. 

Gold é o carro-chefe do registro. A faixa rebola em um arranjo eficaz, e a letra é repleta de rimas deliciosas de cantarolar. Soft Spot suaviza o impacto do amor adolescente e Jordan ecoa além dos três minutos e quarenta de duração. Mais do que uma promessa, a geração de Claud, Isaac Dunbar e tantos outros artistas queer agora passou a ser sinônimo do presente da música. Amplificada, multifacetada e com espaço para todas as minorias antes silenciadas. – Vitor Evangelista 

The Weeknd – The Highlights

Como se a peça final de um grande quebra-cabeça universal fosse enfim colocada, The Weeknd, uma das maiores vozes da indústria da música atual, lançou um compilado dos grandes sucessos da sua carreira. O disco foi disponibilizado em 5 de fevereiro, dois dias antes da performance de tirar o chapéu do cantor no intervalo do Super Bowl. A coletânea conta com 18 hits que flutuam entre suas músicas mais icônicas, tocadas sagradamente nas rádios de todo o mundo, e seus feats mais famosos – o canadense escolheu incluir Ariana Grande, Kendrick Lamar e o recém-separado Daft Punk na sua lista.

Escutar The Highlights é fazer uma viagem pela mente genial do cantor, que possui mais de 67 milhões de streams mensais no Spotify, e dar de cara com todos os ritmos e sutilezas que Abel nos entregou em seus 10 anos de história. Enquanto não conseguimos nos cansar de Blinding Lights, ele nos relembra de Can’t Feel My Face para provar o poder irresistível que é capaz de criar. Quando achamos que já superamos The Hills, ela vem acompanhada de Pray For Me e joga a última pá de terra na cova do nosso coraçãozinho que não aguentou tamanho baque.

E é claro que o globo responderia ao presente: The Highlights foi o disco mais reproduzido na história do Spotify em seu dia de estreia. The Weeknd prova, dia após dia, que merece sua popularidade arrebatadora – que venham mais álbuns! – Caroline Campos

Andra Day – The United States vs. Billie Holiday (Music From The Motion Picture)

Lançado em 26 de fevereiro pela Hulu, o filme Estados Unidos Vs Billie Holiday conta com uma trilha sonora impecável para o conjunto da obra. A protagonista é interpretada pela vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, que, brilhantemente, encaixa sua voz aos arranjos feitos para homenagear Billie Holiday, uma das maiores ícones do jazz.

Andra realiza um profundo mergulho nos versos cantados. Strange Fruit, uma das músicas mais fortes do filme e da carreira de Billie, é interpretada de forma impactante, transpassando todo contexto de medo, agonia e revolta presentes na cena. All of Me também tem seu destaque a capella, mostrando que o vocal da cantora independe dos instrumentos mas que, em cima do palco, o universo se transforma em pura canção. Solitude traz uma performance com tamanha destreza que a escolha de Andra Day para o papel se prova formidável.

Day ainda prova que não usou apenas técnica para ser intérprete, seu talento ímpar guia o tom da apresentação de maneira impecável, seguindo as emoções da personagem. Prova disso é a marcante Tigress & Tweed que foi composta especialmente para o filme. Inspirada em Strange Fruit, a música que concorreu ao Globo de Ouro de Melhor Canção Original, mas injustamente está fora da categoria do Oscar, deixa a mensagem de que temos poder para fazer as coisas seguirem em frente.  – Ana Júlia Trevisan

Cassandra Jenkins – An Overview on Phenomenal Nature

Um mergulho no mar de manhã. Ou molhar os pés num rio gelado. Na verdade, qualquer sensação ligada à pureza da água serve de comparativo à An Overview on Phenomenal Nature. O segundo CD de Cassandra Jenkins toca notas semelhantes ao trabalho do The Weather Station em Ignorance (também presente nesta lista). O que se torna fator comum é a permanência do estado de tristeza e seu caráter metamórfico. Não estamos mais tristes: a partir de agora, nós somos tristes. 

A atmosfera do disco cura pelo cintilar, mas agride pela dor de Jenkins cantando letras cruas e sem filtros. New Bikini veste o oceano como remédio, Hard Drive martela constatações futuras (e lembra o terceiro disco do The 1975) e Michelangelo desenrola o limbo que a nova-iorquina escolhe como farol. A etérea capa de An Overview on Phenomenal Nature nos dá o spoiler do conteúdo aniquilador que se prosseguirá por 7 faixas em trinta e um minutos. – Vitor Evangelista

EPs

Taylor Swift – the “ladies lunching” chapter

Nada que Taylor Swift lance jamais poderá ser chamado de desperdício, porque ela faz com que estejamos sempre buscando por mais. Do compilado de músicas de folklore e evermore nasce o mais novo EP da cantora intitulado the “ladies lunching” chapter. E sim, ele não traz absolutamente nada novo, mas do mesmo jeito permite que nos deleitemos com sua perfeição ao reunir todas as mulheres que protagonizaram as histórias de Swift no decorrer de 2020.

Na coletânea acompanhamos cada uma das narrativas e perspectivas femininas, trazidas em seus dois últimos lançamentos, sem pretensão alguma de inovar. Como um chá da tarde inglês, é fácil imaginar Dorothea, Betty, Augustine, Marjorie, Este e Taylor sentadas em volta de uma mesa debatendo sobre amigos que se separaram e amigos que se casaram. Imersivo e aconchegante, o protagonismo feminino se torna implacavelmente significativo ao que a cantora traz ainda mais luz para as essas tramas entrelaçadas e tecidas por ela. – Ana Laura Ferreira

Wallows – Remote (Deluxe)

Depois do coming of age musical Nothing Happens, o primeiro álbum do Wallows, a banda norte-americana retorna com o EP Remote, que recentemente ganhou uma versão Deluxe com cinco faixas, sendo três inéditas. No novo trabalho, que foi concebido e lançado na pandemia, Cole Preston, Braeden Lemasters e Dylan Minnette se recusam a deixar o isolamento impedi-los e continuam cantando suas composições identificáveis à juventude, que escuta sobre seus desafios românticos, anseios e inseguranças nas vozes moduladas do trio.

Resilientes aos desafios do distanciamento, membros discutiram a criação do EP via Zoom e testaram possibilidades ao gravarem remotamente, separadamente e em aplicativos de celular. Com os efeitos eletrônicos divertidos, como no primeiro single Virtual Aerobics e na inserção ao final de Talk Like That; as guitarras grunge distorcidas, como nas animadas Nobody Gets Me (Like You) e Dig What You Dug; e as batidas sintéticas, como nas reflexivas Wish Me Luck e Quarterback, o trio experimenta sonoridades. 

Mesmo sem se consagrar como o melhor trabalho da banda, o EP Remote (Deluxe) mostra que a Wallows não tem medo de explorar e sair da ‘caixinha’ de um só gênero. Combinando letras sobre temas comuns, mas que não soam repetitivas, a melodias indie pop, a banda cria uma identidade, tanto sonora quanto visual, que torna qualquer trabalho divertido de se escutar – ou assistir. A expectativa para o que virá no segundo álbum só aumenta. –  Vitória Lopes Gomez

Diomedes Chinaski – A Vida Ainda Pode Ser Bela

O aprendiz trouxe seu novo trabalho como um reflexo de sua nova fase. “A vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” é o verso que sustenta o EP, com um misto de pedido de socorro, frustração e desabafo. Após um período conturbado, Diomedes afirma que está mais próximo de sua família, com a vida mais tranquila e conseguiu entender que A Vida Ainda Pode Ser Bela.

Apesar de ser uma produção de 20 minutos, temos uma grande variedade de assuntos e mudança de ritmo nas faixas. Poucas participações, mantendo o protagonismo em Chinaski e nos permitindo apreciar cada letra. Uma mixtape cirúrgica e que cria uma expectativa muito boa para os próximos lançamentos do artista. O processo de amadurecimento de Diomedes é nítido e promissor, essa facilidade em ser versátil é o que o torna um bruxo lendário. – Elder John

Callista Clark – Real To Me

Com apenas 17 anos, Callista Clark lança seu primeiro EP, Real To Me. Trabalhando com Scooter Braun, a cantora segue um estilo parecido com início da carreira de Taylor Swift, composto por músicas country com letras verdadeiras e emotivas, mas também divertidas. Sua voz forte e vocais potentes também lembram os primeiros anos da loirinha.

O primeiro track do EP, It ‘s Cause I Am, é o que carrega a energia mais animada. Com uma letra sobre confiança e singularidade, Callista diz que não é e nunca será uma garota simples. A batida acompanha o tom da composição ao contar com uma produção agitada e vibrante.  A música é um contraste com a melancolia presente em Heartbreak Song, Don’t Need it Anymore e Real To Me.

E dentre as 5 faixas, a terceira, que foi a escolhida para nomear o EP, é um resumo de tudo que a obra retrata. A letra é um desabafo da cantora que diz que apesar de ser nova e saber que muito ainda há por vir, tudo que ela sente é real para ela. O lyric video retrata perfeitamente esse conceito ao parecer que ela está escrevendo em um diário, que resolveu ler em voz alta para o mundo. – Mariana Chagas

AURORA – MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE

Após o sucesso do seu último single, Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção, a cantora norueguesa AURORA embarca agora em um novo projeto que traz ao seu público compilados de suas músicas em EPs temáticos organizados pela compositora. Segundo o que a cantora declarou em live, essas coleções representam o vínculo que há entre suas faixas, são como músicas irmãs de álbuns distintos, mas que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O primeiro EP lançada foi MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE, que AURORA descreve como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. Reunindo seis músicas dos seus três álbuns já emplacados, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), a artista mostra a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando do significado que cada música tem para si e despertando a nossa conexão com suas obras. – Gabriel Brito de Souza

Isaac Dunbar – evil twin 

Isaac Dunbar é um artista muito singular. Suas letras recorrem aos clichês, mas todo o tratamento além das composições colocam o jovem de 18 anos num patamar específico. O bedroom pop do cantor do Massachussets só cresce desde que surgiu, em 2018. Dunbar integrou a trilha sonora de Love, Victor, lançou alguns EPs e chegou em 2021 gritando evil twin para todos os interessados em ouvir música boa.

pink party surpreende pelos vocais distorcidos e pela sensação de escutar a sonoplastia de um filme de terror envelopado na aura adolescente queer característica do artista. O material é curtíssimo, mas as 7 canções pedem morada no Repeat. Isaac não tem dificuldade de imprimir detalhes nas batidas chicletes: rendezvous é uma delícia por não saciar de cara a sede de quem ouve, e kissy kissy faz o rolê do primeiro crush ainda soar interessante. Ele cria instigantes ganchos sonoros e suas rimas se seguram pela familiaridade dos sentimentos.

intimate moments é o destaque de evil twin. “Eu tenho medo de momentos íntimos, se você está por perto, por que estou triste?”, ele lamenta. Sua música é o cume de emoções brutas cantadas por um jovem queer que se sente confiante o suficiente para fazer isso. Não há espaço para medo de experimentar e ousar, quando o assunto é Isaac Dunbar, a barra de expectativas e nível de entrega não param de subir. – Vitor Evangelista

Amy Winehouse – I Told You I Was Trouble: Live In London

No doloroso ano que completa uma década da partida de uma das maiores e mais inconfundíveis vozes do planeta, chega ao Spotify o áudio da gravação de I Told You I Was Trouble: Live in London. Lançado em 2007, após Amy Winehouse verdadeiramente brilhar no Grammy de 2006, o show é um dos mais vivos no consciente coletivo daqueles que conhecem o trabalho da cantora. A versão em DVD ainda traz um documentário sobre a vida, a carreira e turnê na Europa e Estados Unidos.

O setlist reúne os grandes clássicos do irretocável repertório de Amy Winehouse. Produzido ao vivo, é um selo de qualidade na potência vocal da sublime cantora que é ovacionada durante o espetáculo. As músicas de seu maior álbum – Back to Black – se fundem aos hits de Frank, seu disco de estreia. A canção homônima ao CD de 2006 é um dos pontos mais fantásticos da gravação, Amy canta Back to Black com tamanha facilidade que parece apenas estar brincando com a composição. Não é atoa que sua interpretação é imortal. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Jessie Ware – Remember Where You Are – Single Edit 

A lista de coisas boas de 2020 é quase ínfima, mas no topo está o precioso What’s Your Pleasure?, quarto álbum de estúdio de Jessie Ware. O sucesso de seu disco e a grandiosa coerência do repertório nos deixa ansiosos pela versão Deluxe que está por vir. Para retornar o disco às paradas de sucesso, a cantora lançou o single, após o alvará de Barack Obama, de um dos maiores hinos, Remember Where You Are, que encerrou o trabalho com chave de ouro.

Com a encantadora apresentação no The Graham North Show, Jessie Ware serviu arranjos vocais luxuosos, com backing vocals envolvidos a fundo à performance e sentimentos da cantora. Sentimentos esses de esperança que sempre ressoam ao ouvir a familiar Remember Where You Are. Jessie também revelou sua terceira gravidez, exibindo a gestação durante o show, dando um visual ainda mais belo e intimista para o lançamento do single, que também ganhou um short film onde a atriz caminha, visivelmente emocionada, pelas iluminadas ruas da cidade. Além de esperança, o clipe também tem gosto de recomeço. – Ana Júlia Trevisan

Jão – Coringa

Se no clipe de Vou morrer sozinho um Jão-zumbi invade um casamento para tacar o terror, em Coringa seu alvo é uma festa de pessoas ricas. Com uma dupla de cúmplices, Jão vive uma aventura tão perigosa quanto se apaixonar. A música é uma mensagem para o seu amor coringa, confessando que o crime só compensa se tiver a companhia daquela pessoa.

A letra viciante sobre relacionamentos é marca registrada do cantor, e ele parece ter decidido seguir esse mesmo estilo em sua nova era. Assim como várias outras músicas de Lobos e Anti-herói, Coringa é uma faixa contente sobre uma situação nem tão contente assim. No final do clipe, Jão é traído por um de seus parceiros e acaba machucado. A visão dele jogado no chão, sangrando, é uma ótima alusão a como ele pode ficar quando perder essa paixão. Seja como for, o cantor parece estar sempre disposto a correr os riscos de se relacionar, se pelo menos no final isso render conteúdo para suas ótimas músicas. – Mariana Chagas

Sam Fisher e Demi Lovato – What Other People Say

Entregar-se de corpo e alma é algo que Demi Lovato sempre alimentou em suas performances. É inegável notar que seu poderoso alcance vocal combinado com notas ritmadas geram uma melodia marcante. Depois de muitos anos conturbados, a cantora renasce como uma fênix e mostra seu maravilhoso potencial em uma nova era. 

Cada vez mais, ela aposta suas fichas em oferecer canções que transmitem seus próprios sentimentos e experiências. Foi o caso de I Love Me e Ok Not To Be Ok, sendo essa última lançada no Dia de Prevenção ao Suicídio. What Other People Say segue a mesma linha, porém une piano, violão e a percussão de uma maneira totalmente diferente. Uma batida enérgica e amarga aperta o coração quando se apoia nos versos, especialmente os mais íntimos de Demi (creditada na composição), como “Eu não iria desistir, não iria fazer parte/Das mesmas velhas drogas que todo mundo usa”. 

O lyric video é a forma mais bonita de traduzir o duo com Sam Fisher. Baseando-se num jogo de cara-a-cara, várias personalidades dos dois compõem os tabuleiros. Com o passar dos minutos, as teclas se abaixam e evidenciam a única que realmente importa. Ambos não querem ser reduzidos a um conceito (“mandão”, sozinho, encantador, confiante), mas sim ser o compilado de particularidades que os tornam únicos. Pode até ser clichê, mas se Demi caminhar com esse pensamento, é fato que ela encontre seu verdadeiro ‘this is me’. – Júlia Paes de Arruda

Surf Mesa e Madison Beer – Carried Away

Dentre as tantas músicas de amor escritas, Carried Away consegue, de forma magnífica, nos passar o sentimento de estar apaixonado, mostrando o lado positivo e a leveza do sentimento. Escrita por DJ Surf Mesa, conhecido por sua música ILY (cover e remix de Can’t Take My Eyes Of You) a canção é cantada por Madison Beer, dona do hit Selfish, que foi viral no TikTok no ano de 2020.

Começando com uma batida suave, a voz de Madison é o que prende o ouvinte nos primeiros segundos da faixa. É no refrão que o ritmo se intensifica e a música se torna mais animada, tornando difícil ficar parado. Já a letra descreve lindamente o sentimento de amar alguém, e ser carregado por essa paixão. Na canção, Madison conta que vê o amor como um fogo, uma cura e uma luz. Apaixonado ou não, o ouvinte se encontra amando também.

No meio de todos os fatores que fazem um feat funcionar, a harmonia entre os participantes é um dos pontos mais importantes, se não o principal. E é com a combinação perfeita da voz de Madison Beer com o trabalho do DJ Surf Mesa que Carried Away virou uma canção tão mágica, que faz o ouvinte se sentir carregado pela música.  -Mariana Chagas

Trixie Mattel – Blister in the Sun 

Na mesma semana em que se tornou uma das donas do This Is It!, o bar gay mais velho de Wisconsin, a super estrela Trixie Mattel lançou o cover de Blister in the Sun. A canção é original da banda Violent Femmes, cria de Milwaukee, terra natal da drag queen. A faixa cai como uma luva na vibe country despojada de Mattel, e funciona tanto como renovação quanto homenagem.

Em tempos de pandemia e estabelecimentos fechados, a vencedora por direito do All Stars 3 salvou o This Is It! de sua iminente ruína e decidiu comemorar usando vestido branco com quadrados pretos no vídeo de Blister in the Sun. É cool, é camp e é a cara do legado de Trixie, uma artista interessada nas causas em que lucra e consciente de seu papel como alguém com privilégios. Quer heroína melhor que essa? – Vitor Evangelista

Taylor Swift – Love Story (Taylor’s Version)

A maior treta do mundo pop nos últimos anos parece estar chegando ao fim. Conforme informou Taylor Swift em julho de 2020, depois da implosão de toda confusão envolvendo seu catálogo musical em novembro de 2019, ela, junto à sua nova gravadora, decidiram por regravar seus antigos trabalhos, de forma que as gravações antigas, cujos direitos não pertecem à ela, se tornassem obsoletas. No dia 12 de janeiro, conhecemos o primeiro material regravado, o lead single de Fearless, seu segundo álbum originalmente lançado em novembro de 2008, Love Story (Taylor’s Version). 

Com o terreno muito bem preparado pela estética de seus últimos álbuns, folklore e evermore – e o primeiro na corrida das principais categorias do Grammy 2021 -, a veterana da indústria musical sabia que não tinha momento melhor para iniciar seu projeto de regravações. O contexto atual, inclusive, parece ter sido muito bem utilizado por Swift na concepção da nova versão da canção. Cercada pela energia pesada da confusão que a envolveu nos últimos anos, a aura juvenil do amor inocente e shakespeariana agora se revela nostálgica e folclórica – risos -, que tem seu caráter de história ainda mais demarcado, especialmente pelo lyric video que retoma algumas memórias do início da carreira de Taylor e pelo estilo narrativo que a artista empregou nas composições dos últimos discos. 

Sonoramente, quase nada mudou. A voz de Taylor soa, obviamente, mais madura, mas é tão suave ao ponto de sequer alterar o tom da música. Os arranjos suaves do country também permanecem presentes, fiéis à proposta de Taylor com as regravações: fazer com que ela e os fãs pudessem ouvir as músicas sem que os lucros por isso fossem destinados à quem ela denominou como seu “maior inimigo dentro da indústria”. Entretanto, a atitude determinada de Swift em se recusar a entregar de vez seu legado musical torna a experiência da nova canção completamente diferente – e jamais negativa -, já que é interpretada por uma artista que tem a completa certeza de que as coisas não são da forma como ela imaginou que seriam 13 anos atrás. – Raquel Dutra

Luna França e Tiê – Terapia

Desde que lançou o single Minha Cabeça em novembro de 2020, a tecladista, compositora e produtora Luna França está abrindo seu caminho à frente das canções – sem deixar de lado os bastidores, claro. Enquanto termina a produção de seu álbum de estreia, com a parceria de André Whoong do Estúdio Rosa Flamingo,  ela leva ao público essas músicas como chamariz para sua carreira de cantora. Em fevereiro de 2021, o single Terapia, com a participação da já conhecida Tiê, integra a coleção de grandes apostas da Nova MPB.

A poesia da canção é mais um seguidor do movimento musical indie-mental health, que explora a saúde mental dentro de versos que segundo a própria cantora, foram escritos como num diário: “Só de escrever esta música, já me sinto bem melhor. Como é bom fazer canção e ao mesmo tempo… terapia”. De fato, as confissões escolhidas por Luna França são aqueles segredos que morrem no divã, que ela mesma diz ter vergonha de falar. Não é fácil admitir que não queremos ver um ex-amor mais feliz que nós, mas a compositora expõe essa sensação contraditória. 

A tal melancolia que faz parte da letra e do ritmo, torna a música favorável para ser ouvida repetidamente. No entanto, as palavras não são impactantes ao ponto de a canção ficar gravada em sua mente, mesmo após ouvir em looping. De qualquer forma, a experiência como produtora fica evidente: o arranjo instrumental e a harmonização de Terapia são impecáveis, assim como a participação vocal de Tiê, que contrasta muito bem com o timbre de Luna França. Devemos manter os olhos bem abertos, porque uma possível voz marcante está chegando na música brasileira. – Carol Dalla Vecchia

Conan Gray – Overdrive

Quase um ano após o lançamento do seu debut, Kid Krow, Conan Gray surpreende seus fãs com seu novo single, Overdrive. Completamente diferente do seu último hit, Heather, a faixa conta com uma letra contagiante e viciante sobre aproveitar a noite. Enquanto em sua era anterior Conan parecia estar constantemente lutando contra problemas e amores do passado, em Overdrive o cantor pareceu deixar de lado todas as suas preocupações. 

O ritmo da música segue o mesmo estilo animado de Maniac e Wish You Were Sober, com uma produção que, como as outras faixas, vai agitar quem estiver ouvindo. É aquele pop perfeito para quem gosta de cantar no carro, no volume máximo. O artista ainda não deu nenhum indício de que Overdrive seja o single de algum álbum ou projeto futuro, mas, se for, o fandom já aguarda ansiosamente. 

Em live, Conan comentou que a inspiração na hora de escrever foi apenas tentar criar uma forma de escapismo para o momento complicado que o mundo se encontra, dessa forma tentando levar felicidade para seus fãs. Com um clipe colorido e divertido assim como a música, o cantor conseguiu alcançar seu objetivo. – Mariana Chagas

Shura – obsession

A britânica Shura lançou seu novo single, obsession, no dia 17 e aproveitou para anunciar uma versão deluxe de seu segundo álbum de estúdio, forevher (2019), prevista para ser lançada em 19 de março. A música, que é um dueto entre Shura e a cantora Rosie Lowe, fará parte da nova versão do disco, que contará ainda com novas demos e versões acústicas.

obsession se encaixa muito bem com o clima e a ambientação de forevher, com versos melódicos sobre devoção e comprometimento que ecoam os sentimentos de outras faixas do álbum: “Você não é legal só por ser legal/E eu gosto disso em você/Eu me sinto sagrada nos seus braços”. A voz de Rosie Lowe também se encaixa muito bem com a de Shura, acompanhada pela guitarrista Anna Calvi, que invoca na faixa o pop jazz característico da cantora. Junte a isso os sintetizadores e um baixo muito bem colocado, e Shura já nos dá motivos para ficarmos (novamente) obcecados. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Papatinho, Seu Jorge e Black Alien – Final de Semana

Sim, Papatinho conseguiu juntar Seu Jorge e Black Alien em mais um feat. Os dois já haviam trabalhado juntos em Meu Bem Querer, de 2018, mas nada que tivesse o encanto de Final de Semana. A música é uma mistura de rap, funk e samba. No dia de seu lançamento, o single ganhou um clipe autêntico e brasileiro.

A voz grave de Seu Jorge é misturada com a rima fluida de Black Alien, e é aí que está o poder. A canção é relaxante, mas também tem um toque de animação, o que a torna tão diferente. “Estou muito feliz de conseguir reunir dois monstros sagrados da música brasileira. O Seu Jorge tem uma das melhores vozes que conheço e o Black Alien é um letrista de primeira. ‘Final de Semana’ tem uma pegada diferente, uma vibe calma, mas também dançante, sabe?”, disse o beatmaker carioca.

Além da mistura dos ritmos, o produtor adicionou instrumentos clássicos nesse trabalho, o que deu ainda mais genuidade ao som. No final do clipe, é possível ver alguns violinistas, um baixista, pianista e violoncelista finalizando a canção. Papatinho garantiu que o single estará presente em seu primeiro álbum, intitulado Workaholic. Quando Seu Jorge canta “liguei pro Papatinho perguntando se ele tinha uma batida pra mim”, era praticamente impossível que a resposta fosse “não”. – Giovana Guarizo

Cardi B – Up

Coroada como Mulher do Ano pela Billboard, ficou claro que Cardi B dominou 2020. Depois de um ano liderando as paradas, dominando as plataformas de streaming e consolidando sua carreira como rapper, parecia difícil Cardi B conseguir replicar a sagacidade que tornou WAP um dos maiores sucessos de sua carreira. No entanto, ela consegue surpreender novamente com Up, segundo single de seu novo projeto.

Aqui, ela se distancia de uma melodia mais elaborada em busca um beat mais tradicional, e também se afasta da temática sexual de seus últimos singles para colocar seu poder, beleza e rivalidades como tema principal. A música é carregada pelo flow energizante de Cardi, que retrata acontecimentos de forma cômica e com sua presença inigualável (“Era uma vez, cara, eu escutei que eu era feia/Veio de uma vadia que o cara queria transar comigo”). Se o álbum da rapper for meramente parecido com os seus últimos singles, não há dúvida que será um dos maiores sucessos do ano. – Laís David

Noname – Rainforest

Três anos após a estreia badalada de Room 25, a rapper e ativista Noname está preparada para embarcar em um novo ciclo musical com o lançamento do música Rainforest. Ela também confirmou que seu segundo álbum, intitulado Factory Baby, será disponibilizado mais tarde esse ano, ainda sem uma data específica.

Em Rainforest, Noname continua exibindo seu talento para letras íntimas e radicais e batidas precisas e pesadas. Cada verso do single é lido com uma intensidade e uma vazão de significado que ajudam a estabelece-la como uma das melhores liricistas da atualidade, como se o seu trabalho em Room 25 não fosse prova suficiente dessas habilidades.

É um rap triste, sobre o sofrimento das comunidades periféricas, racismo e capitalismo. Ela invoca revolução com um cansaço característico daqueles que passaram a vida lutando, mas com a certeza dos que deram a vida pela causa, e é isso que torna sua música tão memorável. Rainforest se encaixa como uma luva na discografia de Noname, ecoando o seu ativismo e sua visão anticapitalista em versos sagazes e muito bem produzidos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Allie X – GLAM!

GLAM! foi um presente para os fãs. A faixa, gravada em 2013 e vazada na internet em 2015, finalmente foi lançada oficialmente em 4 de fevereiro de 2021 para comemorar o relançamento do vinil do CollXtion I, o EP debut da canadense. Assim como muitas outras unreleaseds de Allie que nunca viram a luz do dia (oficialmente), GLAM! é sinônimo da excelência da cantora como compositora e produtora.

A faixa é do jeitinho X de ser: synthpop, chiclete e extremamente contagiante. O que mais será que Allie tem escondido no seu HD que ainda não ouvimos? Fica o mistério… Mas das que já conhecemos, vamos orar para que Alexandra disponibilize Oh Chad e Tongue Tied também de forma oficial nas lojas virtuais e streamings. – Jho Brunhara

Thiaguinho e Luísa Sonza – Cansar Você

Que o Thiaguinho é do pagode o Brasil já sabe, mas e a Luisa Sonza? A cantora surpreendeu com o novo single Cansar Você, em parceria com o pagodeiro. E deu mais do que certo. A voz de ambos se conectam e trazem uma sensação gostosa ao ouvir. A primeira vez que a artista pop cantou esse gênero foi com Dilsinho em Não Vai Embora, mas dá para sentir que só dessa vez ela mergulhou de verdade no ritmo brasileiro.

O furacão Luísa Sonza já deixou claro que veio pra ficar e que gosta de desafios. Ela caiu em um ritmo completamente diferente em sua carreira e os resultados foram bons. O excepcional veterano Thiaguinho soube conduzir a cantora ao ritmo, o que resultou em uma junção musical um tanto quanto adorável. Para fazer jus à música, o clipe foi gravado com cenas da paisagem da Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro. Um audiovisual solar e simples, mas que dá todo o toque que a faixa precisa. 

É uma honra para qualquer artista poder cantar pagode ao lado de Thiaguinho e a dona do hit Braba soube aproveitar essa oportunidade. A voz dos dois cumpre o que promete e a música não cansa você, muito pelo contrário, foi feita para dar replay várias vezes. – Giovana Guarizo

MARINA, Pabllo Vittar e Empress Of – Man’s World (Remix)

Os últimos anos da carreira de MARINA foram questionáveis. De um suprassumo pop como o Froot até o decepcionante Love + Fear, as expectativas do público com o quinto disco da galesa não eram tão altas. Quando MARINA lançou a primeira versão de Man’s World, a sonoridade não era nada além do que esperado de seus trabalhos anteriores. Uma letra reflexiva, feminista e uma produção comum não impressionam um ouvinte fora do nicho musical de MARINA, já que é tudo que ela entrega desde o início de sua carreira.

No entanto, o remix da estadunidense Empress Of deixou Man’s World mais interessante. A música também prova o grande alcance de Pabllo como artista. Sua adição é muito bem vinda na canção e prova que a brasileira tem muito a oferecer em sua carreira internacional – sua naturalidade ao cantar em inglês e os vocais excepcionais a tornam destaque na canção. Longe de tentar demais, a música se transforma em um ótimo eletropop e eleva as expectativas do novo projeto de MARINA. – Laís David 

Rebecca Black, Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3 – Friday (Remix)

O ano é 2011, e um novo meme domina a internet: o videoclipe para a música Friday de Rebecca Black. No Tumblr, só se flodam gifs do vídeo; no Twitter só se fala como a música e o clipe são terríveis; no YouTube rapidamente pipocam paródias e o upload original se torna o recordista em dislikes. Black é, sem dúvidas, uma das maiores lendas da internet e dona de um dos mais gigantescos virais que já vimos. Mas é também vítima de uma onda avassaladora de cyberbullying e também assédios na vida real.

Hoje, a recepção negativa de Friday é uma memória distante do que a carreira artística da cantora significa. Desde então, a viciante Foolish nos fez agradecer que Black não abandonou seus sonhos de cantar, e a honesta Self Sabotage mostra que por trás daquela garota de 2011 que só queria lançar uma canção e se divertir com seus amigos sempre existiu uma grande artista.

Finalmente, no aniversário de 10 anos da música original, Friday (Remix) conclui um arco da vida de Rebecca. Produzida por Dylan Brady do duo 100 gecs e com participação de Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3, o remix hyperpop se inspira na intensidade eletrônica do selo e conta com vocais distorcidos, sintetizadores estridentes e novos versos. Com projetos do gênero propositalmente criados para soarem como um exagero da fórmula pop, hoje podemos dizer que Friday apenas estava muito a frente de seu tempo. Quem diria que Rebecca Black inventou a PC Music? – Jho Brunhara

HAIM e Taylor Swift – Gasoline 

O Women In Music Pt. III não precisava de remix nenhum. Mas, já que as HAIM tomaram a decisão de expandir o conceito do disco, que bom que o trio soube muito bem quem chamar para as colaborações e como as novas versões funcionariam. Depois de sussurrarem ao fundo de no body, no crime em dezembro, Este, Alana e Danielle convocaram Taylor Swift para cantar Gasoline. Sem a adição de novos versos ou batidas, a canção ganhou a vivacidade e o espírito resiliente da loirinha. 

Swift, intitulada a quarta irmã HAIM, entra na faixa com o timbre diferente do comum e surpreende pela versatilidade de se adaptar tão facilmente no ambiente de rock melódico da banda. Fora a parceria com Taylor, o grupo ainda regravou 3am ao lado de Thundercat. A repaginação da booty call é singela, mas a original ainda grita mais alto. O Women In Music Pt. III ganhou uma Expanded Edition com os dois novos registros, o que só serve para bagunçar as bibliotecas do Last.fm mas, quando o debate é sobre material novo das HAIM, a resposta sempre será positiva. – Vitor Evangelista

FINNEAS – American Cliché

Os irmãos O’Connell não têm tempo para descanso. Enquanto Billie Eilish lança seu primeiro documentário e trabalha no segundo álbum de estúdio, seu irmão FINNEAS também prepara o terreno para o seu próximo disco. Com o seu EP Blood Harmony lançado em 2019, e a versão Deluxe em 2020, o cantor já vem revelando novas faixas há alguns meses, como Can’t Wait To Be Dead e Where The Poison Is. 

A bola da vez é intitulada American Cliché, que teve o lançamento acompanhado por um lyric video. Com toques de jazz vibrantes, FINNEAS parece estar apostando em novos estilos, e que destoam cada vez mais do trabalho com sua irmã caçula (e que bom!). A própria capa do single remete à estética de cassinos e clubes noturnos, mas sem perder a vibe romântica e cada vez mais galanteadora do cantor. Enquanto o novo disco não chega, resta aguardar pelo videoclipe conceitual que pode resultar dessa grande fusão de elementos. – Vitória Silva

Ludmilla, Major Lazer, ÀTTØØXXÁ e Suku Ward – Pra Te Machucar

Ela não para! 2021 tem apenas três meses e nesse curto tempo Ludmilla deixou a sua marca com o álbum Numanice (Ao Vivo), que já é um clássico do pagode e uma grande conquista para sua carreira, e o hit Deixa de Onda, parceria com o DJ Dennis e o rapper Xamã. Mas a estrela do funk mostrou que vai trabalhar duro e nos presentear com ótimos lançamentos durante todo o ano. A canetada desta vez é Pra Te Machucar, produzida pelo trio Major Lazer e com a participação do grupo baiano ÀTTOOXXÁ e do artista jamaicano Suku Ward.

Lançado em 19 de fevereiro, o clipe super produzido e gravado em Itu – interior de São Paulo – traz a história de uma cantora negra sequestrada por empresários e substituída por uma artista branca em uma apresentação. Nossa heroína e xerife Ludmilla vai atrás dos vilões e liberta a mocinha que chega a tempo no show desmascarando a impostora e nocauteando os aproveitadores. Tudo isso numa estética faroeste com direito a muitos tiros e é claro, a coreografia da Lud esbanjando seu ponto forte que é a sensualidade.

A obra foi dirigida por Felipe Sassi, que já trabalhou anteriormente com Ludmilla no clipe Rainha da Favela que fez bastante sucesso no ano passado. Não contente em colecionar músicas na boca do povo, a funkeira agora quer construir uma videografia caprichosa, e está conseguindo. Pra Te Machucar acaba de se juntar no altar dos clipes viciantes ao lado de Verdinha, Rainha da Favela e Cobra Venenosa – que, apesar da qualidade questionável da música, no mudo o vídeo é bem feita, vai. – Giovanne Ramos

Nick Jonas – Spaceman

O irmão Jonas de carinha angelical e dono do coração de muitos adolescentes da época boa da Disney não existe mais. Ele foi substituído por um galã charmoso, digno de interpretar Alex em Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Nick Jonas ainda mantém o talento inestimável que os fãs encontraram em A Little Bit Longer, umas das suas primeiras composições. Porém, o amadurecimento musical é nítido quando comparamos a carreira atual com os primórdios solo. 

Seu mais recente projeto, Spaceman, é um single futurista com uma letra cheia de referências para o período atual. O cantor define seu sentimento em relação à pandemia do coronavírus como se estivesse no espaço, vivendo conforme um astronauta. A angústia e a insegurança de estarmos confinados em casa é muito clara. Talvez, a  irresponsabilidade do ex-presidente dos Estados Unidos foi a cartada final para que o cantor desse uma pequena indireta e extravasasse toda sua emoção em música, especialmente nos versos “E eu estou falando com você/Mas nunca parece que chega até aí” e “Dizem que é só uma fase, que vai mudar se nós votarmos”.